ELEMENT VOL.18 | MODA (summer 2019)

c u l t u r a C R E A T I V A

Vol. 18 | Moda

Hilary.

El éxito no tiene edad, ni raza, ni género.

Fashion film.

Como género está en construcción.

Sé más viejo.

Gastronomía al estilo imperial.

3.50 US$

Bao Dai.

9 772312 7 452103 948417 990031 990048 881162 00018 6 7

Los viejos saben de estilo, no de moda.

Vol. 18 M od a

c u l t u r a C R E A T I V A

ALFREDO SMITH Director | Editor en jefe alfredo@revistaelement.com

FOTOGRAFÍA Karl Lagerfeld Gilad Sasporta

MICHAEL PRINCE BENT Brand Ambassador (Miami) michael@revistaelement.com

AGRADECIMIENTOS Abdul Ronner Adolfo Domínguez.

Ana Esther Cohen Ana Karina Smith Carlos Arjiz Chanel Durex Property Group Gabriela Sánchez Gema Gómez Istituto Marangoni Juan José Durán Maricel Méndez Noralba Albornoz Louis Vuitton Tatiana Uliantzeff

DOHANY SÁNCHEZ Coordinación Comercial dohany@revistaelement.com CAMILO BAQUERO Director de arte | Diseño INGRID PINTADO Producción Ejecutiva REINIER GUERRA Distribución MIGUEL ÁNGEL CANCHARI Pre-prensa

___________________________

ELVIRA ANGULO Contabilidad

IMPRIME Impresora del Pacífico, S.A. ELEMENT® no se responsabiliza de las opiniones de sus colaboradores.

ADN CONCIERGE, S.A. Mercadeo y Ventas ___________________________ COLUMNISTAS Debbie Kuzniecky Sandra Castillo COLABORADORES Ana Victoria Esquivel Carolina Castrillón Ehrior Sanabria Imanol Ruiz de Lara Massimo Casagrande Laura Castañedas Luis Guillermo Martínez Osvaldo Lezcano Samuel Choy

ELEMENT® Marca registrada.

Derechos reservados por ELEMENT Media Corp.

Punta Pacífica Torre de Las Américas Torre A, Piso 12 Oficina Workings.

Prohibida su total o parcial reproducción sin la autorización de ELEMENT Media Corp.

“La moda es el lenguaje instantáneo”.

MIUCCIA PRADA

I n stag ram: @ element_pma | Fa cebook/ ELEMENT PANAMA conta cto@revista element.com

PORTADA KNOWHOW Hilary Marie Cerezo Mine FOTOGRAFÍA Gilad Sasporta

Ciclos.

por ALFREDO SMITH.

Director de ELEMENT. @alfredosmithjr

La industria de la moda, es regularmente abordada sólo desde la superficie, desde lo obvio y lo visible. ELEMENT es una plataforma para la cultura creativa, un espacio inspirador donde los talentos se expresan a través de las letras y el diseño. Esto nos exige romper el esquema, entendiendo cuál es nuestro rol como medio. Tenemos la misión de presentar contenidos curados y atemporales, dando apertura a otros medios como los blogs y páginas web, que llegaron como un excelente complemento, en pro de la inmediatez, para librarnos de la superficialidad de contenidos que por su naturaleza pierden vigencia.

Nuestro especial de moda busca ser un homenaje a toda la industria, a todos aquellos responsables del proceso creativo, a sus exponentes y talentos. Cada contenido en esta edición, aportados por un grupo de voces con criterio y experiencia, son un llamado a valorar la calidad del mensaje. Nuevos aprendizajes dirigidos a entender el valor de la sostenibilidad y la evolución de las marcas emergentes; a descubrir que la industria de la moda está basada en movimientos constantes, que van más allá de lo que conocemos como temporadas. Esto lo resume Coco Chanel en una de sus famosas frases: “La moda no sólo existe en los vestidos. La moda está en el cielo, en la calle. La moda tiene que ver con las ideas, la forma en que vivimos, lo que está sucediendo.”

La moda debe ser vista como resultado de los múltiples ciclos que han marcado su historia. Nos encontramos en una etapa de-

dicada a los “Millennials”, donde las marcas se reinventan buscando entender los gustos de este nicho. Muchas se rediseñan y otras sólo ofrecen un cambio superficial en sus campañas, pero todas coinciden en que estamos viviendo un relevo marcado de generación.

Se dice que lo único seguro en la vida es el cambio, por ende debemos estar dispuestos a aceptar este movimiento natural y tener la capacidad de sorprendernos. Cambiar no significa olvidar. Los cambios son parte del proceso, debemos aceptarlos sin dejar atrás lo bueno de lo actual y lo mejor del pasado.

Lo más importante es saber si realmente nuestras marcas requieren una actualización de imagen o producto, o si lo único que debemos evaluar es el mensaje.

Veo como los responsables de definir la comunicación de las marcas, han adoptado cambios en su forma de transmitir el mensaje y la mayoría cometen el error de ignorar a su verdadero consumidor. Muchos iniciaron estos cambios con dudas, inexperiencia o cautela, para luego ser muy radicales. Olvidando que el producto sólo, no genera identidad ni valor; que el valor de marca es quien define la fidelidad, el interés y la aceptación de precios.

Un descuido que día a día ocurre más, sobre todo con representantes del “retail”.

Cada ciclo se despide con enseñanzas y al mismo tiempo dejan retos, dudas e incertidumbres. La apuesta se ha trasladado a impactar a los “millennials”, para muchos esto crea una relación automática con la palabra digital. Como una “nueva”

alternativa de medio, no podemos decir que es un error. No podemos ignorar la efectividad de estos nuevos medios que se suman con características valiosas, ni tampoco la de los tradicionales que tienen roles ya conocidos; pero sólo cuando la selección no deja de lado la creación de contenidos afines y se tienen claros los objetivos; sin una ilusa intención de querer construir un posicionamiento, sólo con una mención o la publicación de la foto del producto en redes.

Sin importar las nuevas plataformas, lo importante es el contenido, que es lo que realmente define la conexión con los consumidores. Medio digital no sólo se resume a redes sociales, se trata de una plataforma en la que podemos encontrar muchos canales y formatos para presentar contenidos. Olvidar la estrategia del “media mix”, es condenar a las marcas a ejercicios desesperados, que las desgastan hasta llevarlas a desaparecer.

Seguiremos viendo movimientos. Es un proceso que ya hemos vivido. Llegarán nuevos protagonistas y otros que hoy son muy fuertes, perderán su posición. La clave es mantenernos relevantes, observar para aprender de los cambios y crear mensajes con base a estos aprendizajes. Nunca olvidar que somos lo que comunicamos, de esto se trata la moda; una industria multidisciplinaria, que mueve al mundo, que comunica, que transmite y define nuestras emociones con patrones, texturas, logotipos e historias.

ELEMENT

Sumario.

11

CATA RS IS ARTÍS TICA | M I CH AEL PRIN C E

52

E DI TO RI A L | ' S É M Á S V IE JO'

12

C OL ABORAD ORES

58

R E P O RT | S LOW FA S HION VS . FA S T FA SHION

14

ESA RELIDAD NO REAL | D E B BIE K UZN IEC K Y

60

16

R E - B RAN D IN G | SA N DRA CAS TILLO

R E P O RT | P O S I C I O NA MIENTO DE M A RCA S E M E RGE NT E S...

62

18

S HOR TC UT S | C IN E F R A N CA: C HAO S & C REATION

R E P O RT | ¿ I NS P IR AC IÓN O A P ROP I ACIÓN C U LT U RA L ?

64

E LE M E NT C ON A NDI MAP

66

O B JE TO DE DESEO

72

DE S T I NO | M U S E U M OF ICECR EAM

74

DE LI CAT E S SEN | B AO DA I , G A S T RONOMÍA AL E S T I LO I M P ER IAL

78

T R ÓP I C O | LA CAT E DRA L M E T ROP O LI TANA

S HOR TC UT S | C IN E N E T F LIX

21

S HOR TC UT S | ARTE I F F GRÁF ICA 2019

22

S HOR TC UT S | ARTE B RU CE N AUM AN

24

ARTE | M ON SIEUR D URÁN

10

20

SUMARIO

26

ARTE | FONDAT I ON LOU I S VU I T TON

28

FASHION FILMS | IMANOL RUÍZ DE L ARA

32

MODA & ESTILO | L A MOL A

34

MODA & ESTILO | MUSAS Y MONSTRUOS

36 38

ELEMENT CON CHANEL

42

ARQUITECTURA | THE RESIDENCES

44

KNOWHOW | HIL ARY

NEGOCIOS CON ESTILO | ISTITUTO MARANGONI

ELEMENT

Catársis Artística.

por MICHAEL PRINCE BENT

Brand Ambassador @michaelbentofficial

Después de un tiempo como colaborador de la sección Moda y Estilo, se me presenta la invitación para participar como curador de contenidos, aportando una nueva cantidad de recursos y conectando a personalidades de la industria "glocal", muchas que por primera vez se encuentran expresando sus ideas en ELEMENT y que van a seguir aportando contenidos que ayuden a enriquecer la cultura creativa de nuestro país. Parece que el destino estuviera de mi lado, pocas cosas me inspiran más que el cambio de temporada.

COLUMNA

Esta es la época de cambios, de nuevos proyectos y, sobre todo, en la que el espíritu de optimismo inunda el aire y nos fortalece. En la industria de la moda, esto se traduce en colores intensos, estampados exóticos, escotes atrevidos y siluetas muy arriesgadas; una energía que se ha manifestado en las propuestas de los diseñadores, tal como revelan las plataformas digitales y revistas (aliados eternos de la industria). Por nuestra parte, ELEMENT se plantea desde una posición más enfocada

al contenido relacionado con el proceso técnicas de confección están dejando un creativo y sus protagonistas, ofreciendo una aporte al legado de un país que emerge en experiencia de catarsis artística por todos los un sector tan competitivo. que participamos de esta edición.

La importancia del mensaje y la ética en la La propuesta de contenido coquetea publicidad crece día a día. Por este motivo con información, seduce nuestro intelecto y hemos incluido la campaña publicitaria “Sé anticipa una mirada positiva al futuro. Tocando más viejo”, de la reconocida casa europea temas importantes como la importancia de la Adolfo Domínguez y el fotógrafo Carlos Arjis, sostenibilidad en una perspectiva “glocal” y a quienes nos recuerdan el verdadero signfisu vez presentando la moda como un negocio cado de principios básicos y claves como creado por personas para personas. Hoy en estilo, sostenibilidad y eficiencia; utilizando día estamos entendiendo que como sociedad la fotografía, estilismo, creatividad y la publidebemos efectuar algunos cambios en nuestro cidad en combinación para crear un mensaje vocabulario y en nuestra manera de pensar sencillo e impactante, sumado al uso de ante algunas circunstancias, permitiéndonos los medios como vehículo, para lograr una eliminar poco a poco palabras como liviano, poderosa fuerza de persuasión, modeladora superficial y frívolo desde el punto de vista de actitudes y comportamientos. a cuanto a moda se refiere. Y logrando así Este Volumen #18 le permitirá a nuestra luchar con esa incompatibilidad que parece existir entre el mundo publicitario de la moda industria, fortalecernos localmente como mercado con una mirada global, aclarar dudas o y lo que se considera inteligencia. simplemente ampliar conocimientos en temas Esta época posmoderna es la que per- como Slow Fashion, Fast Fashion y descubrir mite en la historia, que la identidad deje de otros formatos de comunicación como lo ser determinada por la herencia. La cons- son los Fashion Films. En negocio con Estilo trucción de uno mismo es una exploración estaremos hablando a detalle de la nueva sede constante de experiencias en lo cultural, de Istituto Marangoni Miami, una excelente oportunidad para aquellos nuevos talentos de social y hasta sexual... la región, que regirán la industria a corto y En las pasarelas más importantes del mediano plazo. Descubriendo nuevos talentos mundo se ha visto esta búsqueda encarnada como Hilary, nuestra entrevista de Know How, en el rescate de la riqueza ancestral. Los modelo colonense que ha logrado abrirse indios Gunas de Panamá están mostrando campo en Nueva York con la poderosa agencia un gran aporte al desarrollo de un mercado Elite y el artista Monsieur Durán, quien nos que crece de manera vertiginosa en Panamá presenta su interpretación de los diseños de y que aparte de enseñar y compartir sus la reconocida casa Saint Laurent.

11

Dijo Henry David Thoreau: “Vive cada estación, respira su aire, bebe cada sorbo, saborea sus frutos y entrégate a su influencia”. Esta cita ha estado muy presente durante las últimas semanas en las que hemos trabajado día y noche, con pasión y entrega. No cabe duda que este es un número muy especial, no es mi primera colaboración con la revista, pero sí la primera con la responsabilidad de curador editorial del especial de moda.

ELEMENT

Colaboradores.

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ANA VICTORIA ESQUIVEL. Artista panameña que reside actualmente en Los Ángeles, California. Con un trasfondo multidisciplinario que incluye todos las formas de arte tradicional y con formación en arquitectura, su meta siempre ha sido diseñar maquillajes de fantasía y ciencia ficción para la industria del cine.

En Panamá ha sido dos veces ganadora del Premio Escena por maquillaje teatral. En el presente, es la asistente y coordinadora del renombrado artista Jordu Schell, quien diseñó criaturas para películas como Avatar, Predator, Aliens, Men in Black y Star Wars.

COLABORADORES

CAROLINA CASTRILLÓN. Diseñadora de interiores con más de 12 años de experiencia, empírica y amante del arte y la estética en todos los sentidos. Concibe los espacios como un todo sensorial donde el balance juega un papel primordial. Inicia proyectos en Panamá en el 2010 participando en Casacor, a partir de ahí comenzó a trabajar con promotoras, clientes residenciales y comerciales. ¨Me gusta el trabajo residencial, desde la obra hasta terminar llegar al punto final de poner arte y adornos, para mi el diseño de interiores es una pasión que me permite manifestar mi lado artístico y creativo”.

MASSIMO CASAGRANDE. Director de Educación del Istituto Marangoni Miami, realizó sus estudios de Diseño de Modas en el Istituto Marangoni Milán y luego su Maestría en Diseño de Modas en la Universidad de East London.

Antes de pertenecer al equipo del Istituto Marangoni, Massimo fue parte de Versace, primero como diseñador para Versus menswear, luego como diseñador para Versace Sport y Versace Jeans. Casagrande luego lanzó su propio sello en 2012, MCG Massimo Casagrande. Sus colecciones se han mostrado en el Fashion East Menswear Installations, de París y Londres. Ha sido socio oficial del London Design Festival, donde ha expuesto y curado colecciones específicas de sitios en sincronía con temas culturales y sociales contemporáneos.

OSVALDO LEZCANO. Osvaldo es el autor detrás de Panamá Vieja Escuela, proyecto de carácter histórico dedicado a rescatar la memoria panameña por medio de fotos, artículos y contenido multimedia tanto en su sitio web como en redes sociales.

EHRIOR SANABRIA. Consultor en Comunicación y creador de contenido. Realizó sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid. Ha trabajado para grandes compañías, instituciones públicas y organismos internacionales. Aparte de ser fundador de la Revista ELEMENT, ha publicado artículos en medios como El País y El Confidencial.

Siempre vinculado a la creatividad mediante la generación de contenido escrito y audiovisual, storytelling, creación de campañas y estrategias digitales.

LAURA CASTAÑEDAS. Abogada de profesión, con maestría en Administración de Empresas y énfasis en Recursos Humanos y especialidad en Dirección Empresarial. Apasionada por el mundo de la moda, con experiencia como modelo, ha elaborado artículos y colaboraciones para algunos blogs de moda y es actualmente directora ejecutiva de la Fundación Te Tengo en Cuenta. Esta dinámica emprendedora también propietaria de la marca de aretes Blue Diva Handmade y Bazar Sale, cuya finalidad es promover la moda sostenible, porque podemos vestir con estilo, cuidando el planeta y nuestro bolsillo. Busca dar consejos de compras inteligentes y proponer artículos de alta gama de poco uso a precios accesibles.

DEBBIE KUZNIECKY. Emergió en internet y desde hace años, dirige, produce y presenta un programa televisivo de estilo y moda. Locuaz y divertida. Posee esa cualidad que es difícil de encontrar en las personas, que es la de reírse de uno mismo. Tras su look ecléctico y de cabello corto, que muta constantemente de color, existe una mirada comprometida que le ha permitido desarrollar su carrera, fundar e involucrarse proyectos de distintas naturalezas, como La Plural (socia fundadora) y la Asociación de Diseñadores y Afines de Panamá (ADIMAP).

LUIS GUILLERMO MARTÍNEZ. Él quiere ser recordado como aquel que te pasó la película o el disco que vas a seguir disfrutando y compartiendo por el resto de tus días. Con esa curiosidad “by-default”, ha podido trabajar en una variedad de ramas de la comunicación social (desde producción radial, hasta proyectos institucionales para ONG's). Suma más de siete años de expatriado y espera tener 17 más, cual canción de Drexler, moviendo su frontera como las banderas.

ELEMENT

Esa realidad no real. por DEBBIE KUZNIECKY.

Comunicar; hoy en día existe una confusión inminente sobre el poder, responsabilidad, tarea y propósito de la comunicación. Desde el inicio de los tiempos el ser humano necesitó crear una manera de poder enviar un mensaje ya sea desde pintando historias en las cuevas en la prehistoria hasta creando panfletos con la invención de la imprenta, la necesidad siempre ha existido pero su lenguaje ha variado.

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La tecnología ha tenido mucho que ver con la complejidad del lenguaje comunicativo. Ha medida que fue naciendo primero la fotografía, luego el cine, la radio y por último la televisión, la manera de contar una historia y crear su contenido debía ser modificado.

Lo interesante es que según los países y su cultura mediática fueron formándose según experiencias ¨reglas¨ o condiciones bajo las cuáles se enviaría el mensaje de acuerdo al medio. Cuidar el enunciado comunicativo y por ende entender su impacto fue siempre considerado responsabilidad del medio, ya sea para bien o para mal, ya sea con el propósito de difundir, entretener o educar a la audiencia. Pero con la llegada del internet todo eso cambió.

de comunicación masivo pero sin reglas, sin estatutos, sin principios establecidos legalmente.

Pero, eso no es culpa de ellos y tampoco es culpa de nosotros por consumir sus mensajes, es culpa de aquellos encargados de regular el medio masivo que todavía no han entendido en su totalidad el impacto mediático de las redes sociales y por ende, sus peligros.

Lo que hace más delicado el tema de las redes sociales y también quizás lo más confuso tanto para los reguladores como para los consumidores es el aspecto de realidad y ¨humano¨ del medio, que en un principio era lo que me parecía diferente e interesante y como ¨bloguera¨ de moda en su momento lo que me atraía como contraste a los medios tradicionales, pero eso ya expiró. El consumidor está consiente del manejo detrás de la pantalla y esa creación de contenido pagada y falsa entonces, ¿a qué estamos jugando?.

COLUMNA

Así como para trabajar en radio o TV se necesita una licencia de locución y otros permisos y estudios, lo mismo debe suceder con el tema del internet y sus derivados. Urge empezar a regular los contenidos, regular las personas encargadas de contar las historias La velocidad de la comunicación y su glo- y aconsejar a los públicos. balización se ha convertido en un monstruo Lo positivo es que la burbuja ya está mucho más complejo de controlar. En la era del ego comunicativo, del YO por encima de explotando, los verdaderos creadores de todo y las personas comunes como medio contenido con criterio y un storytelling inmasivo la creación de contenido lo tiene todo teresante son los que están sobreviviendo menos esa vigilancia urgente, esa ¨curaduría¨ ya que generan un impacto genuino en sus de mensaje, esa sensibilidad de contar una seguidores. Aquellos verdaderos apasionados y conocedores están llevando sus experiencias historia con responsabilidad. fuera del medio digital porque entienden Como egresada de una Licenciatura en que su trabajo va más allá de una pantalla.

Comunicación Social ver lo que está sucediendo, La gente quiere volver a sentirse humana, en especial con las redes sociales, honesta- real, y si le sumamos a esa interacción un mente me causa desasosiego. Cómo hemos medio regulado y controlado podremos llegado al punto de permitir que personajes, reestructurar y volver a contar historias que en gran parte sin criterio ni estudio, se ganen muevan masas y que generen emociones la vida dando consejos, ideas, ¨comunicando¨ genuinas y sobretodo que perduren por sobre estilos de vida, convertidos en medios más de un minuto.

ELEMENT

Re-Branding.

Camino a la simplicidad. por SANDRA CASTILLO.

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Exploramos los cambios en las identidades de algunas marcas de moda del sector lujo, hemos visto como varias casas han presentado un rediseño en sus identidades de marca, entre estas están: Burberry bajo la dirección creativa de Riccardo Tisci, el diseñador gráfico encargado de la nueva identidad fue Peter Saville; Balenciaga cuyo director creativo es Demna Gvasalia, el estudio de diseño gráfico Bureau Borsche fue el encargado de la nueva identidad; y por último, Diane Von Furstenberg cuyo rediseño fue realizado por Jonny Lu Studio, todas estas nuevas identidades tienen en común la simplicidad y el uso de un estilo de fuentes Sans Serif en mayúsculas.

¿Pero a qué podría deberse esta tendencia hacia la simplicidad en sus logos?

de los influencers, de las redes sociales y los medios digitales, esa marca que antes utilizaba celebridades para promover sus productos ahora enfoca una parte de su estrategia en estos nuevos canales. Los consumidores tienen más opciones en sus manos, las compras por internet aumentan mostrando ser una opción atractiva, resultando en una fuerte competencia los sistemas tradicionales.

Y surge la pregunta, por qué una marca debe optar por una identidad visual más limpia y simple? Estos cambios sutiles podrían proyectar a la marca con una imagen moderna y atractiva para nuevos consumidores, las generaciones cambian y los gustos también.

Buscando ser de fácil recordación para su audiencia, tomando en cuenta que vivimos en una revolución digital, todos quieren captar la atención y hay muchas marcas enviando mensajes a la vez. Nuevos directores creativos que llegan a aplicar su propio estilo, además de nuevos conceptos e ideas, son un motor de cambios en la identidad de marca.

COLUMNA

Los cambios van más allá de los logos, encontramos que todo es parte de una estrategia para reinventarse y así adaptarse a las exigencias que tienen las nuevas generaciones de consumidores, apuntando a resultar más atractivas. Observamos estrategias completas, que incluyen mercadeo digital, remodelaciones de tiendas, el regreso a piezas claves o Me parece que en términos del diseño de insignias que las diferenciaban de las otras la identidad visual, todos los logotipos emmarcas, entre otras acciones. piezan a verse igual sin mucha diferenciación, con la intención de no ser percibidos como Para muchos consumidores estos cam- antiguos o muy clásicos. bios no son en principio bien aceptados, pues ya había una conexión con la imagen En conclusión, las marcas necesitan reinanterior, sin embargo, dependiendo de cómo ventarse cada cierto tiempo para mantenerse se utilice la nueva identidad, es decir en sus relevantes, ya que los gustos en diseño cambian campañas y canales de comunicación, poco con cada generación. Los cambios en sus a poco va siendo aceptada ya que nos vamos identidades son el reflejo de esta reinvención. familiarizando.

Hay que recordar que la identidad no lo hace todo, tiene que venir acompañada de una Las marcas se reinventan por varias razones buena estrategia, y así, en el afán de no verse y la moda no escapa de este movimiento. todas iguales me parece que el papel principal lo juegan sus productos, sus colecciones y las Los cambios en el mercadeo han sido nuevas historias que cuente cada una para drásticos para las marcas, la llegada y auge conectar con los nuevos mercados.

ELEMENT

s h o r t

C U T S

cine

FRANCA: CHAOS & CREATION. EN MEMORIA DE FRANCA SOZZANI.

Para vivir una vida creativa, debemos perder el miedo a equivocarnos y confiar en nuestros instintos.

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El mundo de la moda no solo lo integran los diseñadores, modelos, compañías de manufacturas, también son aquellas personas que marcan una diferencia e influyen en ella.

S H O RT C U T S

Franca Sozzani, fue la editora de Vogue Italia por 28 años, su ética de trabajo, el concepto visual y su imaginación indómita es lo que pudimos ver reflejados en el documental de Chaos & Creation, un documental creado por su único hijo, que tardó en filmarse seis años. Este documental es una historia íntima que revela como Franca Sozzani ofrenda su vida afectiva por dedicarse de lleno a su pasión por la moda.

Su inspección subversiva hizo posible un número de ediciones donde expresó puntos de vista sobre temas actuales que eran los grandes temores y tabúes de la industria, ediciones dedicadas en su totalidad a la lucha contra el racismo, la cirugía estética como un componente de la vida moderna, rehabilitación, violencia doméstica, las drogas, el derrame de petróleo entre otros temas de importantes que afectaban a nuestro mundo desde la perspectiva global.

|

Estas ediciones son las bofetadas perfectas a personas que encontraban inapropiado que la moda comentase sobre temas tan

serios. Los temas especiales y sesiones fotográficas de estas ediciones cuentan con una narrativa, que marcas como Versace, Gucci, Dior, y fotógrafos como Lindbergh, Meisel, Roversi, Weber podrían haber estado involucrados y esto aportaría una visión distinta a aquellas personas o grupos que a menudo desestiman la industria de la moda por considerarla frívola.

Una de las razones por la que Franca se comprometió con este proyecto de Chaos & Creation fue que, tras la muerte de su padre, sintió que no lo había conocido realmente. Para ella no solo bastaba escribir sobre temas por los que luchaba sino también mostrar esas imágenes para que pudiesen perdurar y permanecer en nuestras memorias.

“Por qué no utilizar la moda para comunicar”, es la respuesta de Franca sobre los temas cuya onda expansiva se sienten más allá de la industria de la moda y que su profunda imaginación le permitió hacer algo que cualquiera de nosotros pudo haber hecho pero que al final del día ella fue quien lo hizo. Franca no solamente estuvo adelantada a su tiempo, sino también adelantada en términos de coraje.

CINE

ELEMENT

19

S H O RT C U T S

|

CINE

por MICHAEL PRINCE BENT.

ELEMENT

cine MANOLO BLAHNIK. (Netflix) Genio de la belleza.

"Somos y crecemos en la medida que amamos. Y amar significa: compartir, servir, entregarse. Este es un camino que nunca acabamos de recorrer…", Anónimo.

Este documental busca compartir esa necesidad de la belleza. “No hay nada que le interese más.” La belleza es algo que este creativo de moda puede encontrar en cualquier parte pero sobre todo lo encuentra en los museos y en la naturaleza.

Por medio de los elementos de la entrevista, biografía, animación y la secuencia de fantasía nos permite ver a Manolo Blahnik en su verdadero entorno y un entendimiento de su mente y su mundo privado que no se trata de zapatos, sino de un sentimiento y un espíritu.

ADVANCED STYLE. (Netflix) Pasión por la vida.

20

"El arte de vivir está en ver lo favorable…", Domenico Cieri Estrada.

Esta crónica captura toda la pasión por vivir de un grupo de mujeres de avanzada edad que día con día utilizan las calles de nueva York como sus pasarelas, logrando así compartir su pasión por la moda, su vida creativa, vida familiar y vida artística.

Basado en el famoso blog del mismo nombre de Ari Seth Cohen, esta película pinta retratos íntimos y coloridos de mujeres independientes y elegantes de entre 62 y 95 años que desafían las ideas convencionales sobre la belleza, el envejecimiento y la creciente obsesión de la cultura occidental con la juventud.

DRIES. (Netflix) Genio y humano.

"La imaginación es más importante que el conocimiento. El conocimiento es limitado en cambio la imaginación abarca todo…", Albert Einstein.

Este reportaje nos permite adentrarnos en la vida este genio de modas y entender un poco más de su proceso de trabajo, ejecución y visión como el director de la firma que lleva su nombre.

S H O RT C U T S

Dries es un genio que entiende perfectamente el balance que debe existir cuando se hace un TPT (texture, print and textile) combinación a la hora del vestir.

El uso desenfrenado del color y la ornamentación en un momento en que todos nosotros necesitábamos un aliento y ofreciéndonos así estilo para los idiosincrásicos.

| CINE

por ELEMENT.

ELEMENT

arte

IFF GRÁFICA 2019.

El arte y el cine son eternos enamorados. El cine, llamado el séptimo arte por Riccioto Canudo en su obra “Manifiesto de las Siete Artes", encuentra muchas formas de expresión en la pintura, escultura, música y sin duda la fotografía.

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Muestra clara de esta integración de culturas creativas es el Festival de Cine de Panamá (IFF Panamá), que desde sus primeros años ha incorporado en su programa a artistas multidisciplinarios, tanto panameños como internacionales. “Estamos muy felices de trabajar con el gran artista Cisco Merel. Es la primera vez que un artista panameño lleva a cabo la labor de realizar la imagen gráfica del IFF Panamá…”,palabrasdePitukaOrtega Heilbron (Directora del IFF Panamá).

“El cine tiene el poder de transmitir una multiplicidad de sensaciones que nos hacen viajar con nuestro subconsciente. La conexión que nos generan las imágenes en una pantalla se asemejan a ondas expansivas que atraviesan nuestras realidades y fantasías, alimentando nuestra percepción.

Mi idea para la imagen del IFF 2019 fue aludir a esta fuerza que transiten las proyecciones cinematográficas y que nos llega en todo momento. Para mi el cine denota fantasía, pero también nos transporta, ¡el cine es vida! y estoy muy contento de participar en este festival”, nos relata Cisco acerca de su inspiración...

S H O RT C U T S

Cisco es un artista que ha destacado en la plástica y otros medios, incursionó desde sus inicios en el desarrollo de las imágenes en movimiento. Por ello fue muy natural para los organizadores del IFF Panamá abordar a este artista, para que creara la imagen representativa del Festival.

| A RT E

por ALFREDO SMITH.

ELEMENT

arte CRÉDITOS. One hundred Live and Die, 1984.

Cortesía del MoMA

BRUCE NAUMAN.

22 La extensa y fructífera carrera de Nauman (Fort Wayne, Indiana, 1941) le ha situado entre los cinco nombres absolutos del arte contemporáneo. Su trabajo transita por prácticamente todos los medios posibles. Encontramos escultura, video, performance, dibujo, pintura, instalación, entre otros, y múltiples materiales, siendo su propio cuerpo como uno de los elementos más destacados.

S H O RT C U T S

Nauman comenzó estudiando ciencias en el universidad, sin embargo, fue a través del arte y la filosófica donde encontró el terreno propicio para desarrollar sus inquietudes. Su ambición y actividad quedaron patentes desde aquella época pues participó en decenas de proyectos artísticos experimentales. En 1968 realizó su primera exhibición individual en la mítica galería Leo Castelli, a la que se sumó su participación a

la IV Documenta De Kassel. Desde entonces, su carrera no ha parado de crecer.

La obra del filósofo austriaco Ludwig Wittgenstein así como el trabajo de Samuel Beckett y Marcel Duchamp ejercieron una gran influencia en su trabajo al situar el estudio del lenguaje y la atracción visual del texto entre sus tempranas inquietudes. La obra Mi apellido exagerado catorce veces en posición vertical, es una de sus primeras esculturas de neón. No obstante el estudio del lenguaje ha permanecido a lo largo de su carrera, Nauman añadió nuevas temáticas como es el masoquismo, el sufrimiento y la manipulación a través del sexo, entre muchas otras. Siempre buscando la participación del público, pues par Nauman impactar y conmocionar al espectador a través de sus piezas resulta esencial para completarlas.

| A RT E

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S H O RT C U T S

|

A RT E

por EHRIOR SANABRIA.

ELEMENT

arte

ELEMENT

A RT E

Monsieur Durán.

Su temática aborda temas como la identidad de género, la conciencia colectiva y el fast-fashion. por ELEMENT.

ilustraciones de

#RUNWAYSKETCHES Saint Laurent FW1819 @MonsieurDuran

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Juan José Durán, es un joven artista multidisciplinario, de la escena de la moda costarricense.

Diseñador gráfico de profesión e ilustrador de moda por pasión. Se ha desempeñado por varios años como director creativo de plataformas de comunicación de moda, exponiendo el diseño y talento latinoamericano.

Hablar del trabajo de Durán, sin duda nos lleva a pensar en sus #RunwaySketches, homenajes a los diseños creados para las marcas Saint Laurent, Carolina Herrera, Dolce Gabbana, entre otras que destacan en la industria. Representan un acercamiento personal del artista con los shows que ofrecen las grandes casas de moda alrededor del mundo, tema que lo fascina desde pequeño.

Desde su diseño editorial con profundidad y contexto, hasta sus gifs animados de mujeres abstractas y fashionistas, la propuesta de @MonsieurDuran denota una conexión emocional y precisa con el matriarcado del que proviene.

A RT E

Como parte de sus proyectos de impacto cultural, @MonsieurDuran ha dirigido iniciativas como exhibiciones de moda, arquitectura efímera y arte para espacios públicos, así como su libro “Barrios”, un compilado del imaginario urbano y de la idiosincrasia en la ciudad de San José. Su perspicacia creativa y destreza técnica, le otorgan un tono único en la región centroamericana.

ELEMENT

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A RT E

ELEMENT

A RT E

Fondation Louis Vuitton.

1.

12 000 m² dedicados al arte, presentado en una espectacular y escultural joya de vidrio, realizado por el arquitecto Frank Gehry. por ALFREDO SMITH. imágenes cortesía de

LOUIS VUITTON. 26 La casa Louis Vuitton que ya invertía mucho en la creación artística, dispone de un espacio que permite exhibir una selección de obras provenientes de la colección de la fundación, así como de la de Bernard Arnault (propietario del grupo de artículos de lujo LVMH).

La Fondation Louis Vuitton antiguamente llamada Fondation d'entreprise Louis Vuitton pour la création, es un proyecto conceptualizado para hospedar conciertos y exhibiciones de arte moderno y contemporáneo.

A RT E

Además de su colección permanente, la fundación acoge exposiciones temporales todos los años, como la exhibición de

2.

Desde extremos opuestos del siglo XX, y lados opuestos del mundo, las vidas y obras Schiele y Basquiat son fascinantes, tanto por su fugacidad como por su intensidad.

Interesante destacar que ambos murieron a la edad de 28 años y se convirtieron en las figuras principales del arte de su siglo.

2.

Jean-Michel Basquiat (1984).

Grillo.

Colección Fondation Louis Vuitton © Patrimonio de Jean-Michel Basquiat.

Licenciado por Artestar, Nueva York.

3.

Egon Schiele (1913).

The Caller.

Colección Callimanopolus.

4.

Egon Schiele (1911).

Autorretrato con chaleco de pavo real.

Collección de Ernst Ploil, Vienna.

3.

4.

A RT E

Es la primera vez que la Fondation Louis Vuitton, ha dedicado una monografía a un artista “histórico” como Egon Schiele. También es la primera vez que ha sido anfitriona una exposición de este tamaño, dedicado a un solo artista, Jean-Michel Basquiat.

Estas dos presentaciones están en línea con uno de los cuatro temas de la Colección: la visión subjetiva y expresionista del artista.

Así como lo subrayó Suzanne Pagé, “A través de la permanencia de las representaciones, los dos conjuntos de obras, excepcionalmente intensos, traducen de forma deslumbrante e irreducible una angustia profunda y profundamente encarnada, por medio de una línea particularmente sorprendente. Con Schiele, una línea distorsionada y torturada generando preguntas preocupantes, que se atreve a expresar una sexualidad cruda por medio de una introspección implacable la dura mirada que él entrena sobre sí mismo y sobre sus modelos, con quien se identificaba. Con Basquiat, una línea impregnada de ímpetu juvenil y llevada por la ira verdadera, tiene como objetivo imponer la presencia de la figura negra, siguiendo la realización dolorosa del artista, de su ausencia dentro del mundo del arte y, particularmente, en los museos”.

Jean-Michel Basquiat (1982).

Intitulado.

Colección privada. © Patrimonio de Jean-Michel Basquiat.

Licenciado por Artestar, Nueva York.

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El trabajo de Jean-Michel Basquiat, en un principio pintado sobre muros, no puede ser comprendido de manera separada de la protesta que lo anima, la voluntad para romper con el orden establecido, escapar de los cánones y las jerarquías. “La realeza, el heroísmo y las calles” fueron los objetos para el arte de Basquiat. Mientras que Schiele, rompiendo con el sistema académico, rechazó los modelos anteriores. Para él, “no existe el arte moderno, hay un arte único y es eterno”.

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las obras de Egon Schiele (1890-1918) y Jean-Michel Basquiat (1960-1988), separadas en dos diferentes recorridos. La exposición presentó unas 120 obras de Egon Schiele, como dibujos, gouache y algunas pinturas, mientras se le dedicaron 2500m² a Jean-Michel Basquiat, para descubrir obras inéditas en Europa, como Obnoxious Liberals, In Italian y también Riding with Death.

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FA S H I O N F I L M S

Fashion Films.

Como género está aún en construcción y debe tener un carácter tan amplio como lo tienen otros géneros audiovisuales. por IMANOL RUIZ DE LARA.

28 He encontrado pocos retos en mi trabajo a la altura de tratar de definir, con una vocación relativamente académica, en qué consiste exactamente un fashion film. Son dispares los ejemplos, muchos los caminos, ambiguos los márgenes e infinitas –he ahí la parte que más me interesa como realizador–, las posibilidades.

FA S H I O N F I L M S

En resumen, y desde una perspectiva pretendidamente personal, para mí un fashion film es una excusa maravillosa para unir en una película muchas de las cosas que me gustan. Una estética potente y memorable, una cuidada fotografía, una narrativa onírica y provocadora y un vestuario que sume, cuestione, cuente y transforme la historia.

La primera vez que vi algo parecido a un fashion film no lo hice, seguro, llamado por el género, sino por mi deseo insaciable

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de consumir imágenes en todas sus formas y formatos. Lo que me encontré me cautivó: esa manera en la que todo en aquella pieza audiovisual estaba puesto al servicio de un fin, que no era otro sino transmitir y generar sensaciones a través de una estética alineada, donde los outfits generaban tanto, o más, que los elementos de arte, la fotografía o la música. No se trataba de un videoclip, tampoco era publicidad ni hacía suya la narrativa de un cortometraje. No encajaba en ninguna de las denominaciones formales que yo conocía hasta la fecha, pero comunicaba de una manera muy poderosa.

Han pasado unos años desde aquel primer encuentro y mi interés en la materia no ha hecho sino crecer. He indagado en su lenguaje, explorado su narrativa y disfrutado de la grandiosa libertad que me ofrecía su indefinición. Su rigor estético se vino conmigo al campo de la publicidad, donde llevo trabajando tres años en los que la moda, en todas sus versiones y manifestaciones, ha invadido de alguna manera cada uno de mis tratamientos y mis campañas, consolidando y definiendo como sólo ella puede hacerlo mi estilo como director.

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Esa libertad creativa se me presentó con Europa II, ganador del premio al mejor Fashion Film y mejor director en el Festival de La Jolla. Un proyecto para Vogue España en el que se nos pedía construir un proyecto audiovisual de altura armado con looks de la colección Crucero de Gucci.

Mi intención era la de contar una historia y envolverla en una atmósfera densa, casi mágica, y lo hice a través de una paleta de color que iba desde los azules al magenta y con un lenguaje que mezclaba libremente el cinematográfico y el del videoclip, para conseguir una pieza hipnótica que contase la historia de una huída. Pocas veces un realizador se encuentra con un caramelo tan dulce y prometedor como cuando se adentra en el campo de los fashion films.

Todos podemos estar de acuerdo en que la moda es quién define a los fashion films, pero a partir de ese punto, son muy diversas las formas desde la que nos podemos acercar.

FA S H I O N F I L M S

Lo que es una realidad es que el fashion film ha llegado para quedarse. Como género audiovisual abre nuevos caminos tanto para quienes hacemos las películas, como para los espectadores que las consumen y lo más importante, son una nueva e importantísima herramienta en manos de las marcas.

Las marcas de moda, y las de belleza

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también, tienen aquí una gran oportunidad. Las nuevas tecnologías han hecho que todo el mundo sea no sólo consumidor sino también potencial generador de contenido, y son ellas las que deben generar ese contenido de forma valiente, innovadora y de calidad. Los fashion films son para ellos una oportunidad, más allá de mostrar productos (lo cual creo que no es lo que realmente importante) sino de decir quién soy y quién quiero ser, transmitir una imagen con una intención claramente aspiracional.

Para los realizadores abre un campo vastísimo de posibilidades técnicas, estéticas y especialmente artísticas. Es un camino excelente para construir un universo propio, desde el enfoque más clásico al más experimental. Construyendo una historia, utilizando el lenguaje del videoclip o el videoarte más vanguardista. Lo importante es que es un canal donde el realizador puede poner su talento al servicio de una marca o un producto de moda, siendo fiel a los valores de esta y aportando su punto de vista único.

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Actualmente los usuarios y potenciales espectadores de los fashion films están acostumbrados a hacer un consumo cada vez más rápido, más directo y en pantallas más pequeñas. Las televisiones ganan la partida a los cines, las tablets a las televisiones y los móviles a las tablets. ¿A quién no fascinaron los estilismos futuristas de Blade Runner o El quinto elemento? ¿Quién no recuerda la camiseta blanca y los jeans de James Dean? El séptimo arte ha generado iconos de estilo que han marcado una época y se ha valido de la moda (y ha bebido de ella) para generar personajes e imágenes icónicas. Es la hora de que la moda se aproveche del audiovisual.

En la actualidad hay directores como Wes Anderson que se sienten muy cómodos saltando del largometraje a los fashion films, ejemplo de ello son sus maravillosas historias para PRADA o H&M que beben, en un diálogo exquisito entre formatos, de la rica esencia de sus largometrajes. En su fashion film Holiday Christmas, Wes Anderson sitúa el tren de The Darjeeling Limited (W. Anderson 2007) en el frío de la nieve navideña.

FA S H I O N F I L M S

Y el camino es de ida y vuelta. En Moonrise Kingdom (Wes Anderson, 2012), el director tejano nos presenta a su protagonista Suzy Bishop (Kara Hayward) tras un barrido de cámara dentro de una casa familiar. La niña baja unas escaleras enmarcadas por el arco de una puerta. Lo primero que descubrimos

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son sus zapatos y sus calcetines blancos, altos. La joven entra por la puerta, su look es icónico desde el primer momento en el que Anderson presenta al personaje.

Un vestido en tono salmón, con cuellos y empuñaduras blancas. La niña camina justo por el centro del cuadro, lugar preferido por el director para situar a los actores. Camina rápido, recta, con un gato entre sus manos que deja un sólo instante para coger unos prismáticos, complemento que servirá para generar la imagen más reconocible y potente del film. Los tonos en la escena son amarillentos, ocres, en la paleta de color hay dos pinceladas: el rojo de un piano y el salmón del vestido. Todo es cálido, la fotografía también. Sólo la sombra de ojos de Suzy es fría, de un azul brillante que nos cuenta mucho de la joven. Una exquisita puesta en escena propia de un fashion film.

Y es que Anderson convierte, en sus trabajo para moda, las pequeñas historias en un auténtico festín para los sentidos, otorgando a la marca de una imagen no sólo potente, sino reconocible y memorable. Su influencia ha sido tal que ha trascendido la bidimensionalidad de las pantallas, para impregnar también colecciones o universos estéticos tan poderosos como Gucci, o la misma Prada, de su colorido, su imaginario retro irreal, su irreverencia nerd y su cultivado elogio de lo único y lo estéticamente celebrable.

Son estos ejemplos de fashion films ligados al lenguaje cinematográfico, donde la moda trasciende al género: hay comedia, hay ternura, pero también puede haber terror; las opciones son tan amplias como las miradas de los realizadores.

Hay otros muchos fashion films que no tienen una vocación cinematográfica o narrativa. Muy habitual es ver fashion films que son ejercicios experimentales que consiguen darnos una visión de la moda completamente distinta, acercándonos a ella desde puntos de vista diferentes, sensoriales, oníricos, convirtiendo incluso la ropa y las texturas en un personaje, en un protagonista material, aprovechando las ventajas del audiovisual frente a la foto fija: la ropa toma vida, se mueve, ondea, vive dentro del espacio fílmico.

FA S H I O N F I L M S

Y la moda debe aprovechar todas estas posibilidades que le ofrecen los fashion films, disfrutar de las opciones que se le presentan para comunicar y llegar a un consumidor cada vez más habituado al formato audiovisual.

Es el momento de generar ese contenido, de utilizar el canal, para llegar de una forma más directa y memorable a los usuarios.

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moda

LA MOLA. UNA REPRESENTACIÓN DE ARTE Y TÉCNICA DE LA ALTA COSTURA PANAMEÑA PARA EL MUNDO. Si buscamos el significado de Haute Couture o Alta costura, encontraremos que se refiere a prendas de alta calidad, creadas a la medida del cliente. La Alta costura es moda hecha de forma artesanal. Son prendas cosidas con escaso uso de máquinas de coser, con extrema atención al detalle y uso de técnicas manuales que consumen mucho tiempo.

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imágenes cortesía de

TATIANA ULIANTZEFF.

S H O RT C U T S | MODA & ESTILO

“En el mundo globalizado de hoy, la diversidad cultural está al orden del día. Se habla insistentemente de pluralismo cultural y multiculturalidad, de culturas híbridas y sincretismos culturales, del derecho a la diferencia y de las políticas culturales diseñadas para respetar la diversidad y promover el entendimiento mutuo entre culturas. La Declaración Universal sobre Diversidad Cultural, adoptada por la UNESCO en noviembre 2001, afirma que la diversidad cultural como realidad de nuestro mundo debe expresarse en las políticas de pluralismo cultural para la inclusión y participación de todos los ciudadanos. ” (Rodolfo Stavenhagen: La diversidad Cultural en el Desarrollo de las Américas. Los pueblos indígenas y los estados nacionales en Hispanoamérica).

Los pueblos indígenas y su cultura, han sobrevivido a pesar de ser testigos del abandono u opresión de gobiernos, de constantes luchas por sus tierras, de la influencia de culturas externas y el acceso de sus jóvenes a nuevos estilos de vida.

Los Gunas, por ejemplo, han conseguido preservar y exponer sus tradiciones milenarias, caracterizadas por un profundo respeto por el equilibrio de la naturaleza, la verticalidad de las instituciones gubernamentales y un interés desmedido por blindar la cultura.

Respeto por sus tradiciones, que han sabido mantener sus autoridades a lo largo de las décadas y que les ha permitido a sus mujeres aprovechar su creatividad y talento, logrando recibir apoyo para la comercialización de sus creaciones. Las molas, son creaciones basadas en técnicas de costura milenaria, textiles cosidos en paneles con diseños complejos y múltiples capas, un legado de Alta costura que aprenden las mujeres Guna desde muy pequeñas, al que hoy muchas mujeres de otras culturas tienen acceso.

precio depende de ello, las más finas tienen una costura extremadamente delicada, las de diseño más complejos pueden tomar seis meses o más en confeccionarse. El laberinto es el patrón característico en el diseño, basado en la creencia de que el hombre, la vegetación y los animales estamos destinados a encontrarnos a través de caminos complejos.

La economía y el arte van de la mano cuando se trata de las molas, una fuente fundamental de ingresos para las familias Guna. Cuando nacen mujeres son muy valoradas porque son las que harán crecer la familia. Son ellas las que hacen y venden las famosas molas que usan en su ropa. Es una técnica muy gustada, pero muchas veces no es apreciado su real valor, que debe ir de la mano con el precio.

El arte de hacer molas es una importante Durante el decenio de 1980, aumentó expresión artística. En estos complejos paneles de telas se entrelaza la cultura tradicional y las la demanda de molas, pero al no existir una influencias modernas. Varían en calidad, su estrategia de comercialización o un marco

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estilo jurídico para proteger este arte milenario, las imitaciones de los diseños Guna inundaron el mercado. La gente "quiere vender molas, pero también nos quieren vender a nosotros", señala Betí Martínez de la Asociación de Artesanas Guna. "¿Quién sale perdiendo? Los productores, porque quieren vender barato, pero sabemos lo mucho que vale la mola —el tejido, el trabajo, el desgaste de la vista— ... ellos no las hacen, así que les da igual. Sólo quieren comprar para revender", explica.

El absurdo retorno monetario, en contraste con el valor cultural y artístico de estos diseños, ha llevado a muchas de las artesanas a dejar de crear su arte o tomar la decisión de comercializar sus técnicas para firmas de diseño panameño como Tatiana Uliantzeff, Hélène Breebaart, Gladys Vallarino, Tony Vergara entre otras.

Diseñadores interesados en apoyar las tradiciones, quienes están dando un es-

pacio importante al talento, técnicas de costura y diseño de las artesanas Guna, destacadas sobre todo por su atención a los detalles para la elaboración de cada una de sus piezas, accesorios y colecciones.

El gobierno panameño aprobó en el año 2000 la Ley 20 “Del régimen especial de propiedad intelectual sobre los derechos colectivos de los pueblos indígenas, para la protección y defensa de su identidad cultural y de sus conocimientos tradicionales”. "Nos embarcamos en un proyecto conjunto que todavía está vigente", explica el abogado Guna Aresio Valiente. "La idea era proteger los conocimientos tradicionales, que en 10 casos hemos podido registrar. Uno de esos casos es la mola", señala. La ley 20 protege la mola en Panamá, pero no prevé nada para protegerla en otros países. La marca GaluDugbis, creada por la comunidad, se ha tomado la misión de proteger este arte ancestral,

una herramienta que le garantiza a los consumidores la autenticidad de la pieza y que busca el reconocimiento internacional, no sólo en Panamá. Galudugbis simboliza el lugar sagrado donde las mujeres Guna aprenden los diseños mola, explica Miroslavia Dick, Presidenta de la empresa de molas GaluDugbis. "Es un arte con el que nuestras abuelas nos han bendecido; lo hemos heredado de ellas, y tenemos que preservar este patrimonio", señala, "no podemos perderlo".

Las molas son toda una filosofía, las mujeres de la etnia Guna lucen siempre su vestuario autóctono inclusive hasta su lecho de muerte; la tradición de confeccionar mola es una herencia que debemos apreciar por su historia, evolución y técnica, por estas y muchas más razones debemos darle la importancia al trabajo de los artesanos, ya que son los representantes y creadores de arte, voceros de tradiciones y de cultura.

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por MICHAEL PRINCE BENT.

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moda 1, 2, 3 y5

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es Plato’s Atlantis de Alexander McQueen, el cual abrió una puerta que ha dado paso a nuevos horizontes de creatividad en la industria. En esta colección, McQueen creó un mundo en donde los humanos, luego de destruir los recursos en la tierra, regresan al mar y se adaptan para sobrevivir. Las modelos, transformadas en un híbrido entre humano y extraterrestre, desfilaron por la pasarela con aplicaciones prostéticas en las cejas y pómulos, creadas por el artista Peter Philips, quien ahora es el director creativo de imagen para Christian Dior.

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Colección Plato’s Atlantis, Alexander McQueen.

Campaña Cyborg, Gucci.

Este desfile y la influencia de McQueen encendieron una llama en el proceso creativo de Lady Gaga quien luego utilizó prostéticos y

MUSAS Y MONSTRUOS.

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“Encuentro la belleza en lo grotesco, como la mayoría de los artistas”, una de las frases más memorables del ícono Alexander McQueen.

A través de esta frase, podemos entender que una de las tareas principales de la moda siempre ha sido deconstruir y explorar la naturaleza en todos sus aspectos, incluyendo aquello que nos incomoda u ocasiona temor. Es aquí donde encontramos misterio y fascinación.

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Si tuviera que definir el aspecto de la moda y la industria de la belleza que ha marcado un hito y cambiado el juego en el siglo XXI, es el matrimonio entre el maquillaje “avant-garde” y los Efectos Especiales o “Special FX”.

S H O RT C U T S

Antes de exponer los ejemplos, permítanme explicar un poco sobre qué consiste la industria de Special FX, especialmente en el tema de prostéticos. Special FX es la rama del arte del maquillaje en donde se utiliza un conjunto de técnicas para crear ambientes, personajes o transformaciones. El elemento más común en Special FX son los prostéticos, que consiste en aplicaciones que se difuminan con la piel para alterar la apariencia del sujeto como parte del proceso de caracterización. Existen varios tipos de prostéticos, los más comunes siendo aplicaciones de foam latex o silicón.

Para fabricarlos, en primer lugar se debe crear una escultura que luego pasa a convertirse en un molde dentro del cual es vertido el material que pasa a convertirse en el prostético. En la mayoría de los casos, debe tomarse un molde de la cabeza o el rostro de la persona a quien se le aplicará la caracterización, y este proceso es conocido como “life cast”.

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| MODA & ESTILO

El desfile de moda que revolucionó todo y permanecerá como uno de los mejores ejemplos de esta comunión entre la belleza y lo grotesco,

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estilo efectos especiales en su look para el álbum Born This Way, otro excelente ejemplo de Special FX en el mundo de la moda y la cultura popular.

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Han sido varios los artistas y marcas utilizando Special FX y prostéticos para campañas de moda y de belleza. Gucci, por ejemplo, llevó el arte a otro nivel, utilizando cabezas humanas de silicón para su campaña Cyborg, idénticas a la modelos correspondientes, fabricadas por la compañía italiana de efectos especiales Makinarium.

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Como parte esencial del tema, me gustaría hablar un poco sobre la complejidad de este arte. Muchas veces notamos la presencia de prostéticos o efectos especiales en los medios, pero realmente no conocemos el trabajo que conlleva dominar esta rama del maquillaje.

Para ser un buen artista de Special FX no basta solamente con adherir un prostético en el rostro de un actor o modelo. Un verdadero artista debe ser capaz de esculpir su propia aplicación, elaborar el molde, correr el material y manejar el conocimiento de la química detrás de todos estos procesos. Debes ser prácticamente escultor, pintor, maquillista, químico e inventor. No es fácil y realmente toma años llegar a dominarlo para ser considerado un artista a nivel de producciones grandes e internacionales.

S H O RT C U T S

En mi caso, como panameña me resultó muy difícil llegar a trabajar en esta industria, ya que en Panamá aún no existe, y tuve que mudarme a Los Ángeles, California, pero ya tenía más de 20 años de formación artística en artes plásticas y 10 años de trabajar como maquillista profesional. Al inicio fue muy difícil, pero en el presente me encuentro trabajando para el artista Jordu Schell, quien diseñó los personajes de Avatar, y criaturas para películas como Narnia, Men in Black, Gremlins, Star Wars, Hellboy, Alien, entre otros. Esto me ha dado la oportunidad de conocer artistas extremadamente talentosos en la industria y crecer profesionalmente. Espero poder aportar mi granito de arena en un futuro para que la industria de la moda y el arte en Panamá explore esta seductora comunión entre la belleza y lo grotesco, que como bien dijo Alexander McQueen, nos caracteriza a la mayoría de los artistas.

| MODA & ESTILO

por ANA VICTORIA ESQUIVEL.

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E L E M E N T CON C H A N E L

La Pausa, una zona de descanso con Chanel.

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Para ser insustituible, se necesita ser diferente.

Más que sólo una tradición, empezar un viaje para la colección Crucero es un momento de mucha anticipación. Es la garantía de un cambio de escenario, e playas, de belleza y descubrimiento de un lugar, una era, y un art de vie. por ELEMENT. fotografías por

KARL LAGERFLED. imágenes cortesía de

CHANEL.

Gabrielle Chanel presentó una pequeña colección al final de la temporada de otoño de 1919 con la intención de uso para las vacaciones y especialmente en Biarritz, ¿tenía ella idea de que estaba estableciendo un movimiento completamente innovador en el mundo de la moda? ¿Sabía ella que estaba presentando la primera colección Crucero? Vogue Estados Unidos presintió́ una emoción, revelando en su edición de noviembre de ese año, que los diseños de la costurera, aunque “no difieren particularmente de los que presentó el año pasado”, formaban una colección “difería por completo de ninguna otra presentada en Paris en la misma temporada”.

100 años después el director creativo Karl Lagerfeld presentó una nueva colección crucero con los mismos objetivos de la colección presentada en 1919 y con detalles sobresalientes como el transatlántico de Chanel, apodado “La Pausa”, esta colección hizo una parada en el Grand Palais de París para recoger a sus últimos pasajeros. Este albergaría a un total de 1.000 personas, fruto del trabajo de un personal a cargo del káiser de la moda, que tardó cerca de dos meses en construir la versión de cartón que parecía cobrar vida por momentos.

La colección de 1919 por Coco era más liviana, mucho más cómoda, los diseños en jersey y los suéteres eran ideales para cruceros, pueblos de spa, playas y destinos llenos de sol como la Rivera Francesa y Venecia con sus playas de Lido. Seis años antes, en Deauville, ella había lanzado looks inspirados por los uniformes de los marineros y los había revestido en jersey de lana y luego en jersey de seda.

Eran tan suaves como fluidos, prácticos para llevar en el día a día sin perder el tan establecido allure de CHANEL. Del look marinero al look de crucero, solo había un paso.

CON CHANEL

La reinterpretación para esta propuesta 2018-2019 por Karl Lagerfeld se convirtió en una colección Crucero, en una línea que anticipa la llegada de días más calientes, un armario completamente renovado que nunca se apega al anterior o el que está por venir.

Esta nueva propuesta cuenta con su propio derecho, con su propia historia, su propia identidad, su propia inspiración y rápida para nutrir el deseo y alivianar la mirada. Una colección que personaliza viajar en todas sus formas, real o imaginario, temporal o histórico, y que quiere aterrizar en todas las partes del mundo, como una postal increíble: Nueva York, Los Ángeles, Miami, Venecia,

Saint-Tropez, los Cap d’Antibes, Singapore, Seoul, Cuba e inclusive Versalles en el siglo XVIII y Paris convertido en el epicentro de la antigua Grecia.

Las siluetas relajadas que combinaban ropa deportiva con elementos del pop de los años sesenta, como minifaldas o medias blancas. Los logos que señalaban su pertenencia al buque han estado presentes en todo momento en forma de cinturón, joya, bolso o estampado directamente en el uniforme y colección de vestidos.

Se inspiró en la Riviera francesa en época de festival, con predominio de los colores azul y blanco. Por su parte, el rosa también se destacó. Los looks fueron acompañados de boinas de distintos colores y zapatos blancos. Las formas geométricas también están presentes en esta colección, como en el conjunto tan ideal de chaqueta masculina y vestido. Las rayas marineras no podían faltar, y aparecen combinadas con una camiseta básica blanca donde aparece el logo de la marca y el nombre de "La Pausa".

Esta colección apuesta por las prendas de entretiempo fluidas, los conjuntos de dos piezas, los vestidos tanto largos como mini y los accesorios como protagonistas de la mayoría de looks.

Los detalles son importantes y decisivos en cada conjunto. ¿No es esa la esencia de la moda? ¿No por esta razón que CHANEL es como ningún otro y siempre será CHANEL?

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CON CHANEL

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NEGOCIOS CON ESTILO

Istituto Marangoni.

Impulsando la economía y el desarrollo creativo de las nuevas marcas del futuro. por MICHAEL PRINCE BENT.

38 La preocupación por el desarrollo de la creatividad en la educación superior es lo que lleva al Istituto Marangoni a tener como misión y objetivo potenciar el talento en la moda, arte, diseño y en los negocios.

NEGOCIOS CON ESTILO

El istituto Marangoni entiende y sabe que la cultura es a la vez un impulsor y un facilitador del desarrollo humano y sostenible. Autoriza a las personas a apropiarse de su connatural desarrollo y estimula una innovación y creatividad que puede impulsar el crecimiento sostenible y por esta razón Hakan Baykam, presidente de la nueva escuela, ha identificado la oportunidad única en Miami para iniciar un nuevo centro de la moda. Como el visionario detrás de la expansión, construyó una impresionante junta asesora del Istituto Marangoni en las Américas, que consta de nombres como Esteban Cortázar, Craig Robins, Carlo D'Amario, Oscar Feldenkreis y Eva Hughes.

La creatividad no es solo uno de los sectores de mayor crecimiento de la economía mundial, también es altamente transformadora en términos de generación de ingresos, creación de empleos y ganancias de exportación. Al mismo tiempo la creatividad y la cultura también tienen un valor no monetario significativo que contribuye al desarrollo social, diálogo y el entendimiento de pueblos. Una de las particularidades que tiene Marangoni es su diversidad cultural, A lo largo del recorrido de su trayectoque se ve representada en sus aulas. ria, Istituto Marangoni no ha dejado nunca

de creer en la importancia de la formación, actualizando de manera continua sus programas para garantizar que cubran las necesidades del mercado italiano e internacional. En los últimos años han abierto nuevas escuelas de moda, arte y diseño de Firenze; En Shenzhen en el año 2016, y sus más recientes en Mumbai india (2017) y Miami (2018), ciudades consideradas entre las capitales internacionales de la moda, diseño y el lujo.

La sede del Istituto Marangoni Miami es la primera sede que abre en América, con una ubicación prestigiosa y moderna en el corazón del distrito del diseño de Miami. El Miami Design District y el Istituto Marangoni han pensado en un futuro prometedor

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NEGOCIOS CON ESTILO

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para impulsar el desarrollo constante de este nuevo destino de lujo, el distrito hace diez años atrás, era un destino para mayoristas de mobiliario y una zona llena de edificaciones históricas como el Moore Space. La infraestructura del Istituto fue diseñada y construída con el propósito de convertirse en un patrimonio a futuro de este famoso distrito que celebra a la cultura creativa del lujo y de nuevos artistas emergentes de Miami y el mundo. Dejando así un legado de su nombre como Istituto Marangoni y como edificación de manera permanente para los futuros protagonistas y visitantes del distrito.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Massimo Casagrande, diseñador de modas, ex alumno, y el actual director de educación del Istituto Marangoni y nos comentó sobre la amplia oferta académica de los cursos-preparatorios, grados de tres años y máster. Casagrande enfatizó que la misión de este reconocido centro educativo a nivel mundial es la preparar a los profesionales del futuro en los sectores claves de la creación, la comunicación y la coordinación directiva. Dentro de los cursos y carreras preparatorias resalta el diseño de modas, construcción de indumentaria, negocios de moda, Imagen y estilismo de modas,Diseno de interiors y Moda y las ciudades.

“La sostenibilidad y la transparencia están en el centro de todos los millennials...”

Eva Hughes, miembro de la junta asesora del Istituto Marangoni, experta en negocios de moda con un amplio conocimiento de las demandas de los consumidores y las tendencias en los segmentos de estilo de vida y lujo, además de ser la CEO de Condé Nast México y América Latina y Editora en Jefe de Vogue México y Latinoamérica, comentó sobre la importancia del estudio de las tendencias e indica que conocer solamente lo que sucede en una categoría de mercado no permite acceder a la vastedad de oportunidades de innovación que un producto o marca podría tener. Esto quiere decir que ser un especialista en el negocio y su estado del arte es importante, pero el insumo para la innovación vendrá del cruce de esto con otras categorías del mercado, y con hábitos, imaginarios, percepciones, expectativas o gustos que se mueven alrededor de mi categoría. Esta fotografía en gran escala es a lo que llamamos “estilo de vida”.

La escuela brinda una educación inigualable en moda a los jóvenes talentos de América, combinando la artesanía italiana, el encanto internacional y el conocimiento local. Las aulas han examinado el talento de cuatro generaciones de profesionales, provenientes de 107 países, que representan el patrimonio de la reconocida escuela.

La experiencia de estudiar en el Istituto Marangoni se basa en la palabra intimidad, llegando a tener un máximo de 20 alumnos por clases.

Istituto marangoni Miami, se convierte en la opción más cercana para aquellos talentos emergentes del norte, centro y Suramérica, es la sede de una series de conversatorios en donde las figuras como Steven Kolb Presidente y CEO del CFDA (Council of Fashion Designers of America) y el reconocido diseñador Bibhu Mohapatra, han compartido sus puntos de vistas, cubriendo en detalle temas sobre la vanguardia del negocio de la moda, los desafíos que enfrentan los diseñadores y las marcas, emergentes y establecidos, tecnología, carreras, comercio minorista, comercio electrónico, redes sociales, sostenibilidad y el futuro de la moda en Miami y mercados vecinos.

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A RQ U I T ECT U RA

The Residences.

Lujo, diseño y sofisticación a orillas del mar. por CAROLINA CASTRILLÓN.

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The Residences, una propuesta arquitectónica moderna ubicado en una calle cerrada de la lujosa zona residencial de Punta Pacífica. Es un proyecto de condominios integrados por tres torres de baja densidad, cuyo punto primordial es tener una vista que cambia según la marea. Cuenta con una amplia área social, combinando la piscina sobre el mar y terrazas, gimnasio completamente equipado y en cada torre un rooftop para disfrutar la vista del mar y la ciudad de Panamá. Más que un edificio parece un hotel boutique donde se ofrece servicio de Valet parking así como accesos privados en cada una de las tres torres.

A RQ U I T ECT U RA

En el proyecto cada uno de los detalles está muy bien cuidado todos los acabados son italianos, cocinas, closets y baños de la marca Poliform, pisos en mármol blanco en gran formato, ventanas de piso a techo sobre una vista inigualable semejando un cuadro vivo, que cambia según la marea única al espacio. Los elementos decorativos y por la poca altura de los edificios da la son puntuales, por ejemplo las orquídeas blancas colocadas sobre una gran mesa de sensación de estar sobre el mar. centro de sobre blanco y metal.

El concepto de diseño para el apartaEs un apartamento de áreas amplias, mento, el cual intervenimos, fue creado desde cero, se hizo el diseño de cielos e donde la circulación y el diseño de los iluminación, una distribución de espacios ambientes fue cuidadosamente definido; creando una propuesta decorativa atem- donde la iluminación juega un papel imporal y contemporánea, manejando una portante, resaltando los trabajos de madera paleta clara y ligera donde la vista es pro- y la división en metal que se vuelve un tagonista, telas frescas como algodones y elemento donde más que dividir genera mezclas de una ebanistería en tonos grises un volumen en el espacio, el cual permite claros, mezclados con un toque de dorado sutilmente generar dos ambientes sin crear y bronces. En mis proyectos el balance una barrera con la vista del apartamento. de materiales juega un papel primordial La habitación principal tiene un corte tratando de evitar los excesos tanto de mobiliario como de adornos, donde el arte moderno sin dejar de ser acogedora, con es protagonista. En este caso con obras de amplias mesas de noche y un trabajo en la colección de Morgan y Morgan, obras en tapizado y ebanistería que le da un look gran formato, que le dan una personalidad más cálido. Una paleta de tonos grises,

en sus diferentes gamas, mezclado con el color oro de las lámparas suspendidas.

La zona designada para el den familiar es un espacio moderno, pero funcional, donde el confort prima mezclado con piezas de arte geométricas, generando un espacio juvenil y fresco. Materiales como piel y madera se mezclan de manera sutil en una paleta de grises y taupes con acentos de color ladrillo, siendo más que mezclas de colores es una mezcla de materiales.

Al igual que La Maison (Santa María), Yoo (Avenida Balboa), Hyde (Marbella) todos proyectos de lujo de la empresa Durex Property Group, los condominios de The Residences se destacan por su propuesta arquitectónica complementada con el extremo cuidado por los detalles, sobre todo en el cuidado del diseño de interiores.

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A RQ U I T ECT U RA

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KNOWHOW

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HILARY

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MODELO DE DETERMINACIÓN Y DEDICACIÓN.

KNOWHOW

fotografías cortesía de ELITE NEW YORK. fotógrafo: GILAD SASPORTA.

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por ALFREDO SMITH.

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H I L A RY

Fue algo que siempre había deseado. Día a día era más fuerte el deseo y la emoción por la idea de convertirme en una modelo profesional. Cada vez que veía una revista o fotos de pasarelas, me decía: “yo quiero ser modelo”. Siempre le pedí a mi mamá, quien es mi inspiración, que me metiera en algún curso de modelaje y ella me respondía: “no tenemos dinero para eso”. Pasaban los años y aún la ilusión seguía viva; veía las fotos de mi mamá, de cuando fue modelo, y le insistía que yo quería hacer lo que ella fue...

Hubo un cambio de planes. Como mi tío también estaba muy involucrado en el modelaje, él creó otro concurso que se llamaba Colón Next Top model. Decidí salirme del concurso anterior y participar del concurso de mi tío, quien siempre había confiado y animado a ser modelo.

Aprendí mucho sobre proyección, postura, dicción, pasarela y otras herramientas que me sirvieron para ganar el concurso, pero eso no era suficiente. Se despertó aún más el deseo de ser modelo, iba todos los días a practicar (desde la tarde hasta la noche) a la casa de mi tío, con quien estoy muy agradecida por ayudarme explotar ese deseo que tenía por dentro.

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¿Qué ocurrió después del concurso?

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Luego hice un casting en la agencia Physical Panamá donde me ofrecieron un contrato por tres años. Hice fotos para revistas y fotos comerciales, que me ayudaron a tener un buen material para el portafolio. Participé del concurso Top 20 Chica y Chico modelo y desfile en numerosas ocasiones en el Fashion Week Panamá, ambos proyectos organizados por Physical.

Durante este tiempo, puedo decir que

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¿Cuándo nace el sueño de Hilary de ser modelo?

¿Y cómo fue esa primera experiencia en el mundo del modelaje?

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Como se diría en la industria de la moda, a Hilary la descubrimos. Y fue gracias al poder de las redes sociales y de Michelle Gregoire, otro destacado talento y gran artista del maquillaje, quien con una publicación en su cuenta de instagram me dió la oportunidad de descubrir a quién sería nuestra primera modelo en portada. Cuando vi las fotos de Hilary, lo primero que capte en sus ojos fue energía (casi confundible con furia) y sobre todo determinación. Me despertó curiosidad saber quién era, conocer su historia y ver más allá de lo obvio... una modelo cuyos rasgos físicos le facilitan destacar y le han permitido alcanzar un espacio en la industria del modelaje internacional. Una industria, que para nada es un camino fácil, hay mucha competencia y sobre todo retos, donde la belleza o los rasgos exóticos no son suficientes y donde para tener éxito se requiere algo más.

Bien recuerdo cuando mi tío Pedro le decía a mi mamá: “es bella y esquelética, mete a la niña en modelaje”, pero mi mamá sostenía que no había dinero para eso. A los 13 años, un día camino a la tienda, me encuentro con el señor Marco Rivas, de la agencia New face Model de Colón; quien se me acerca con buenos ojos y me dice: “mira, yo tengo una agencia de modelaje ¿no quieres ser modelo?”, a lo que le respondí: yo no puedo ser modelo, porque mi mamá no tiene “plata” para eso y él me contesta no hay problema… el sábado ven a un casting y no tienes que pagar nada, irá una chica a buscarte a tu casa. Yo estaba muy emocionada, él fue hasta mi casa y habló con mi mamá, a quien convenció.

Yo anhelaba que llegara ese sábado, en efecto llegó una joven a buscarme y nos fuimos hasta el lugar donde era el casting.

Era para un concurso de modelaje, los jurados quedaron “full” emocionados y me aceptaron en el concurso, nos cuenta Hilary.

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Cuando se decide quién será el entrevistado principal y portada de cada edición, siempre lo hemos hecho buscando a ese artista, diseñador, fotógrafo u otro personaje que sobre todo sea apasionado, que inspire y sea embajador de la cultura creativa. Que se haya destacado en su disciplina y que más allá de sólo contarnos lo que ha logrado, nos permita conocer quién es y hacia dónde va.

Hilary Marie Cerezo Mine, es nuestra entrevistada y portada más joven. Panameña con apenas 18 años de edad (recién cumplidos); modelo profesional, representada por la prestigiosa agencia de modelos Elite New York y cuya historia da inicio en su provincia natal Colón; representa pasión, dedicación, ganas de construir e inspirar, que contrario a lo que se piensa de los “millennials”, tiene muy claro quién es y a dónde quiere llegar.

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fui construyendo mi carrera, sin embargo me faltaba algo más, aún permanecía el sueño de salir del país y brillar.

Siempre tuve a Dios presente, oraba para que se cumpliera mi verdadero sueño.

Siempre recibía promesas de llevarme fuera, pero nadie hacía realmente algo.

Parecía ser sólo una ilusión, que nunca se me iba cumplir; pero como Dios siempre tiene un propósito me puso la persona correcta en el camino, a mi actual manager Abdul Ronner. El sueño comenzó a volverse una realidad cuando me vio y dijo: ¡esta niña me sirve! Una parte de mí ya no creía, lo tomé como una propuesta más (que sólo era de boca).

Pasó el tiempo y el señor Abdul me dijo tienes que crecer, yo fui olvidando esa

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Tu experiencia en Panamá fue clave. ¿Cómo logras dar el salto a New York?

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posibilidad de salir a modelar... no veía esa ayuda. Sin embargo, el señor Abdul siempre estuvo pendiente de mi. Me hacía llamadas, nos veíamos un par de veces, pero nunca pensé que todo era verdadero y parte del proceso. Hacíamos un sin fin de fotos, que yo decía para qué tantas fotos si no veo frutos, y yo sin saber que él estaba enviando esas fotos a las agencias internacionales. Pasó el tiempo y finalmente logró la aceptación de varias agencias, pero como el mercado es tan distinto al de Panamá, uno no puede llegar al país ir a la agencia y decir bueno quiero ser modelo; hay que pasar un filtro de más de 1000 mujeres por día para que solamente el Scouting te dé una cita. Todo fue muy rápido, en un abrir y cerrar de ojos ya estaba en la embajada de Estados Unidos recibiendo mi visa de turismo y mis palabras fueron: ¡empezó mi verdadera vida!

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Una vez en Estados Unidos, ¿qué ocurrió?

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Viajamos mi mamá, mi manager y yo a los Estados Unidos, por una semana. Una semana que estuvo llena de propuestas, de sacrificios, pero valió la pena. Fuimos a seis agencias, de las que cinco me propusieron contrato. Regresamos a Panamá y nos sentamos a evaluar cuál era la mejor propuesta, los pros y contras.

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..., ¿y qué te ayudó a tomar la decisión “correcta”?

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Cuando fui a la agencia Elite, me dije esta es mi casa. Me sentía tan cómoda, tan segura y sentía que era donde debía estar, pero aún no estaba segura, le oraba a Dios para que me diera dirección. Llegó el momento de decidir y acepté el contrato con la agencia Elite. Ellos me tramitaron mi visa de trabajo y todos los requisitos que se necesita para poder trabajar en el país, tuve que renunciar a la agencia de Panamá y ese mismo año me llamaron para armar mi nuevo “Book”.

Empecé a trabajar… estuve en preparación entre fotos y videos, todo para ir al Fashion Week de Nueva York de la temporada. Fui a las entrevistas e hice todo lo que pensé que tenía que hacer, pero la agencia sentía que aún no estaba preparada, sobre todo porque tenía problemas con el idioma.

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¿Qué ocurrió luego, cómo superaste este momento?

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Estuve en la casa de modelos por un tiempo, pase arduo trabajo entre el idioma, el clima y moverme sola en un país desconocido.

Regrese a Panamá y comencé a recibir la atención de los medios, por ser la primera colonense en haber firmado con una agencia tan poderosa. Retomé mis estudios, ya que estaba en el proceso de terminar la escuela. Luego, durante este período, me llamaron para varios trabajos, hice la campaña de Urban Decay Cosmetics, Macy’s, Matrix y otras más. Yo aún estaba muy triste, porque quería participar ese año en el Fashion Week. Por suerte contaba con el apoyo emocional de mi familia, de mi manager, de mi tío Pedro y de mi asesor Jhair Davis.

Jhair también ha sido una pieza clave en mi carrera, siempre me ha asesorado sobre mi alimentación, mi forma de vestir, mi manejo de redes sociales, entre otras cosas.

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¿Tus estudios?

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Luego hacer las campañas, me enfoque en terminar el colegio. Tenía una norte y

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Terminas tus estudios secundarios, ya eres parte de una agencia internacional y haz realizado campañas para marcas importantes, qué sigue...

Seguir mis proyectos que se vieron un poco limitados por mi tiempo escolar. Inicia un trabajo arduo para alcanzar nuevas metas. Yo quiero modelar para diseñadores de marcas como Chanel o Prada.

Quiero ser la imagen de Louis Vuitton, Calvin klein y mi sueño más anhelado es modelar para Victoria’s Secret.

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¿Qué te motiva?

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Quiero hacer este trabajo para ayudar a mi familia económicamente y ofrecerles una vida digna en los Estados Unidos.

Sé que con la ayuda de Dios y mi esfuerzo, todo mis sueños y mis metas serán alcanzados. Me criaron de una forma estricta, en todos los sentidos; a nunca abandonar ni perder la esperanza de lo que quiero; a siempre luchar y seguir hasta lograrlo. Mi abuela siempre me dice: si eso no te salió es porque no es para ti, pero debes dar más para lograrlo. Estoy muy contenta porque a mis 18 años he alcanzado muchas cosas, de la cuales nunca tuve la idea que podía alcanzar.

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¿Regresarás a Estados Unidos?

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¡Sí! Viajaré para estar allá los primeros tres meses del año, durante este tiempo me estaré en entrenamiento en la agencia, para lograr desfilar en el Fashion Week de la temporada (febrero). Luego me quedaré para trabajar, hacer dinero, amistades y contactos, sobre todo aprovechar las oportunidades de una nueva vida.

Mira, el éxito no tiene edad, ni raza, ni género. Creo que todo depende del modo en que tomas las cosas y sobre todo las personas que tienes a tu alrededor, ya que sin una asesoría adecuada de nada sirve lograr muchas cosas, si al final disipas todo esto en drogas u otras cosas. Considero que la única desventaja sería estar rodeada de malas compañías.

¿Aparte del modelaje, tienes en mente hacer estudios en otra profesión, fuera o dentro de la industria de la moda?

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Bueno... por el momento solo me veo como modelo. Luego de hacer una carrera consolidada lo podría evaluar.

Vemos a muchos doctores manejando taxis y a modelos sin carrera universitaria, millonarias. Esto lo digo sin menospreciar a nadie, solo para ampliar la dimensión de las cosas.

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¿Cómo ha influenciado en tu proyección, comportamiento y punto de vista sobre la moda, el haber migrado hacia una industria tan fuerte como lo es Nueva York?

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Honestamente en mi personalidad sigo siendo la misma chica de barrio colonense, sonriente y alegre. En cuanto a la visión del modelaje, estamos a décadas de atraso en este aspecto, aquí en Panamá todas quieren ser “misses” (reinas de belleza) y no es algo malo, pero realmente una miss no sirve para modelo de alta moda… por la edad, talla, peso y sus pasarelas no son las apropiadas en ese escenario.

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¿Cómo es vivir en una casa con otras modelos que compiten por los mismos trabajos?

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Normal, hemos entendido que todas somos buenas y bellas en nuestro tipo, nosotras no competimos por trabajos, al final el cliente elige la que quiere y nos ajustamos a sus necesidades. El vivir lejos de tus padres te hace madurar.

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¡Claro que sí!. Ya este año terminó de reforzar el inglés y me voy allá a darlo todo.

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¿Qué consejos tienes para otras chicas que desean alcanzar el mismo sueño?

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Busquen personas locas y con visión como Pedro y Adbul, que vean más allá de la pecera de Panamá, que sean como los peces de “Buscando a Nemo” siempre consciente que en otras esferas hay muchas más oportunidades. Que cuando tienes 19, ya eres vieja para la moda y si tienes el potencial, empieza ya a mandar correos y toca puertas.

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¿Has pensado en utilizar tu imagen y los conocimientos adquiridos, para influenciar a otras chicas de tu ciudad natal, Colón?

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Por supuesto, de hecho ya lo hago, al igual que lo hacen otras mujeres colonenses, que también han tenido éxito en el modelaje o concursos de belleza, y han logrado brillar. Luchando para que cada una de mis hermanas colonenses vean más allá de la forma en que hemos crecido. Más adelante, también devolviendo algo de lo mucho que me ha dado mi hermosa tierra.

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¿Qué persona de la industria de la moda, modelo, diseñador u otro, te inspira?

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Toda modelo negra o latina exitosa que haya pasado por la misma escalera que yo, me inspiran a seguir luchando. En especial Tyra Banks, Naomi Campbell, Alek Week, Joan Smalls, entre otras.

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¿Cuál ha sido la sesión fotográfica o campaña más difícil?

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Todas son difíciles, ya que siempre hay presión de por medio. El día que no sientas un trabajo difícil, es mejor que te retires. Los nervios son el combustible del artista y una modelo es una artista. Soy la imagen mundial de una campaña para Urban Decay, también de las super tiendas americanas Macy´s. Sueño en modelar para todas, jajaja, no hay clientes grandes ni pequeños, todos son importantes y generan ingresos.

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En tus palabras, ¿qué es moda y qué es estilo?

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Moda, industria que permite expresarnos.

Estilo, es lo que tú eres.

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¿Piensas probar suerte en Europa?

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¿Consideras que ser joven es una desventaja para ser exitosa?

Estar lejos. No tener a mi mamá o abuela cerca, para decirme oye levántate que vas a llegar tarde, o poder abrazar a tus seres queridos en un momento que tengas un bajón emocional. Dentro de todo cuando tienes buenos valores y por supuesto la tecnología a la mano, pareciera que estuviéramos en edificios vecinos, ya que la distancia no es más que cómo veas las cosas, ya que a veces somos más lejanos de las personas importantes y justo por el mal uso de la tecnología.

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¿Qué ha sido lo más difícil de dejar tu casa, amigos y momentos importantes para hacer del modelaje una carrera?

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sabía que no podía continuar sin terminar los estudios. También era una meta que compartía con mi mamá, ¡lo logré! me gradué el 19 de diciembre.

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“SÉ MÁS VIEJO”.

SÉ MÁS VIEJO

por ALFREDO SMITH. imágenes cortesía de ADOLFO DOMÍNGUEZ. fotógrafo CARLOS ARJIZ.

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“Los viejos han visto, Y saben que no todo lo que nuevo es necesariamente mejor.

Que hay algo absurdo en comprar algo y no usarlo. Que no hay que comprar más, sino elegir mejor. Que si algo es perfecto, deberías repetir. Que lo sostenible es tener una falda que te dure diez años. Que es mejor saber de estilo, que de moda”.

Manifiesto de la campaña lanzada por la firma de moda de autor, Adolfo Domínguez. Una campaña que apuesta por la sostenibilidad de lo duradero. Una defensa a la sabiduría que aporta la vejez.

Dicen que el mundo es de los jóvenes. Solo importa lo último, lo nuevo, lo que acaba de salir. Pero los viejos saben cosas. Los viejos han visto. Y saben que no todo lo nuevo es necesariamente mejor. El slow fashion es una tendencia cada vez más fuerte entre los consumidores, una apuesta a la moda sostenible a la que se ha unido la reconocida marca Adolfo Domínguez lanzando la campaña ‘Sé más viejo’.

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Te has detenido a pensar cuántas prendas has comprado por impulso o por el pensamiento de necesitar algo nuevo, o cuántas prendas tienes en tu armario de las cuales te has olvidado y es muy posible que no has usado o nunca las usarás. Nuestra nueva forma de vida nos ha llevado a ser coleccionistas, a dejar en el olvido el valor verdadero de las cosas, dando poder a emociones temporales.

Los miembros del equipo de Adolfo Domínguez, han entendido que la calidad del mensaje es la clave para permanecer vigentes, que aunque la tecnología nos invite al cambio hay cosas que deben perdurar. Esta campaña llama a la reflexión sobre nuestros hábitos de compra, sobre la importancia de la elección que hacemos cuando decidimos adquirir una nueva prenda, nos invita a buscar la calidad frente a lo efímero de la moda y reducir el volumen de adquisiciones.

S e c c i óSn Éd M e Á l aS rV ev I Ei sJtO a

Valentina Yasen, de 63 años, y Victor Sosnovtsev, de 73, son los modelos protagonistas de esta notable propuesta.

Una campaña compuesta de una colección de fotos en blanco y negro, donde el estilismo es un tercer protagonista, y los personajes logran captar nuestra atención apoyados en un lenguaje corporal fuerte, seguro y divertido al mismo tiempo. Sin duda la elegancia y el estilo son las notas destacadas. Una serie de fotografías

“Compra menos, eligeviejos mejor.”

“Los saben de estilo, no de moda.”

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donde Valentina y Victor nos muestran su elección por la moda conservadora, sin dejar de lado el gusto por las nuevas propuestas que ofrece la moda urbana.

En algunas fotos nos muestran poses muy divertidas, mostrando que la edad no es un impedimento para disfrutar de la vida, mientras que en otras nos transmiten la sabiduría y la experiencia de los ancianos, sin ocultar las huellas que deja el pasar del tiempo.

“Sostenible es comprar una falda que te dure 10 años.”

56 La campaña ha sido creada por la agencia CHINA, y su concepto se basa en la defensa de la sabiduría que aporta la vejez, especialmente en un mundo en el que solo importa lo último, lo nuevo y lo que acaba de salir. Pretende transmitirnos que las modas son pasajeras. Que los ancianos han visto pasar muchas de ellas y que lo que de verdad merece la pena es apostar por la calidad.

La firma de autor, ha dado un paso más para darnos a conocer su nueva filosofía de comunicación, siendo esta última una continuidad de las conversaciones abiertas en campañas anteriores, como lo fueron ‘Esto no es un selfie’ o ‘Yo no soy Adolfo’, en las que la marca animó a sus clientes a mostrar su verdadero ser.

SÉ MÁS VIEJO

Comprar menos, escoger mejor y no olvidar escuchar a los viejos. “Los viejos saben cosas. Los viejos han visto”. Lo que hoy llamamos tendencias tienen un origen e inspiración en la historia; que la sostenibilidad no es una moda, es un estilo de vida; y que el balance entre calidad y cantidad, es el siguiente paso en el ciclo de la industria.

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ADOLFO DOMINGUEZ

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Slow Fashion vs. Fast Fashion.

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La filosofía “Slow Fashion” o moda sostenible es lo opuesto de lo conocido como “Fast Fashion”, también denominado como moda industrializada. El slow fashion guarda mayor relación y respeto por el ambiente, por eso día a día recupera más seguidores. La moda sostenible no es costosa, lo económico es explotación. por MICHAEL PRINCE BENT.

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El término slow fashion fue establecido en el 2007 por la profesora de sostenibilidad británica Kate Fletcher, una líder muy inspiradora: activista, escritora y emprendedora amante de la naturaleza, que basa su trabajo en la cultura y la creatividad del diseño y de la moda a partir del compromiso con el medio ambiente y el desarrollo social. El mercado latino también cuenta con una pionera en este tema y siempre que el argumento slow fashion surge, es dónde mencionamos a Gema Gómez (GG) , fundadora y directora de Slow Fashion Next, un grupo de expertos que ayudan a profesionales interesados en la Moda Sostenible a través de formación.

Gema y Slow Fashion Next se han colocado como objetivo ser parte de la solución y deciden fundar la plataforma de moda sostenible en España. Por medio de Slow Fashion Next se promueven cursos, networking, conferencias y jornadas alternativas a la industria textil Fast Fashion y crear una industria más humana y sostenible. La web SlowFashionNext.com hace eco de proyectos que miden y controlan sus impactos ambientales y apuestan por una cadena de producción más ética para evitar incidentes como el de la fábrica en Bangladesh en el 2013, donde más de mil cien personas perdieron sus vidas en el derrumbe de una edificación donde producían prendas de manera industrial.

MP

GG

¿Cuáles son las ventajas y desventajas del slow fashion?

¿Cuál es la diferencia en el proceso de producción entre el Slow Fashion y Fast fashion?

GG

Las marcas, diseñadores y diseñadoras que trabajan con estos criterios tienen una actitud proactiva frente a la cadena de producción ¿qué quiere decir esto? que buscan beneficios tanto ambientales como sociales y por ello desarrollan soluciones como puede ser la elección de materias más saludables para el planeta, procesos industriales no contaminantes, técnicas de ecodiseño, y al final del ciclo de vida de la prenda buscan que su materia sea compostable o reciclable.

MP

¿Existe algún tipo de ayuda por ser prendas realizadas siguiendo unos parámetros éticos y en pro del ambiente?

GG

Desafortunadamente las prendas realizadas con estos criterios están sujetas a los mismos impuestos y tasas que las realizadas de manera convencional, es decir, las que son producidas contaminando y explotando recursos naturales y a las personas.

MP

¿Cuál es el trasfondo del Slow Fashion y qué busca lograr?

GG

Hemos creado un sistema de producción y consumo totalmente insostenible y en ningún momento alineado con los Objetivos de Desarrollo Sostenible. El Slow fashion, por un lado busca evitar el desastre ambiental que ocurrirá si seguimos produciendo y consumiendo de la misma manera que lo hacemos ahora, y por otro lado también evitar que la moda se convierta únicamente en un negocio y que haya sitio para la artesanía, la cultura, las ideas y creatividad de diseñadores y diseñadoras emergentes.

MP

¿Cuál es el mejor modelo para comercializar esta moda?

GG

Desde nuestra experiencia lo mejor y lo que realmente diferencia a estas propuestas es la vinculación con el cliente de tal manera que estos clientes se convierten en fans ya que no están comprando solamente un producto,

Lo primero creo que deberíamos de definir un poco lo que significa slow fashion porque a día de hoy existen muchos nombres diferentes como moda ecológica, moda orgánica, moda ética, moda sostenible, moda circular. Más o menos todos los términos hablan de producir y consumir moda de una manera responsable.

Las ventajas principales del Slow Fashion son que no contamina, no explota recursos y busca ofrecer salarios dignos a las personas trabajadoras.

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MP

Los inconvenientes principalmente son que, al ser productos que internalizan los costes de salarios justos y de no contaminar por ejemplo un río, llegan al mercado con un precio mayor que el de la moda convencional.

GG

Es curioso cómo se está introduciendo la tecnología en este sector. El otro día estuve en Galicia impartiendo una conferencia con motivo del Día de las Ciudades Sostenibles y me contaba otro ponente que había tenido una experiencia muy curiosa en Berlín.

Como sabemos, Berlín siempre ha sido reconocido por tener muchas marcas pequeñas emergentes y él encontró un pequeño artesano de zapatos en uno de esos edificios recuperados después de la caída del muro. Los zapatos eran buenos, bonitos y el precio razonable.

Al quererlos comprar el artesano le dijo que esos que veía en el escaparate no estaban a la venta y que lo que podía hacer era escanear sus pies en 3D y que cuando volviera a Galicia eligiera el modelo que le gustaba y pagara online. Creo que este tipo de sistemas pueden ayudar mucho a los diseñadores emergentes. ¿Cómo una marca puede ser consciente y exclusiva a la vez, aplicando las técnicas del slow fashion?

GG

Una de las riquezas de este movimiento es la diversidad y para conseguir hacerse un espacio cada marca tiene que trabajar lo que la hace única y exclusiva frente a todas las demás marcas que existan.

Creo que a este movimiento le favorece muchísimo el que exista cada vez más creatividad y que las tendencias dejen paso a la personalidad y el talento de estas marcas emergentes.

MP

¿La moda consciente es parte del Slow Fashion?

GG

El Slow fashion es ser consciente. De que “no es nada cool explotar recursos o personas y luego subir tu foto a Instagram”. ¿Cuál es el norte del Slow Fashion?

GG

Crear un nuevo sistema y modelos de negocio diferentes para vestirnos,

GG

¿Y cuál sería el rol de la ublicidad para crear esta conciencia de sostenibilidad?

No estoy segura si las marcas slow fashion deben concienciar a través de la publicidad o que uno de los ejes de su comunicación sea dar esta información.

Sí que creo que una de nuestras responsabilidades es informar al consumidor tanto de lo que significa comprar una prenda convencional como del valor que tiene una prenda slow fashion, además de formar a un consumidor responsable tanto en la compra como en el uso de las prendas (llenar la lavadora al lavar, no usar secadora, etc…).

Pero creo que a la hora de hacer publicidad las marcas tienen que encontrar sus valores intangibles y aspiracionales, más allá de la sostenibilidad, ya que la sostenibilidad por sí misma no es tan atractiva como argumento de publicidad o venta.

MP

¿El slow fashion es una tendencia o el futuro?

GG

Si bien es cierto que ahora se ha puesto de moda y que mucha gente habla de ello, no todo el mundo sabe lo que significa o no todas las empresas quieren invertir lo que se necesita para conseguir crear un modelo de negocio basado en los objetivos de desarrollo sostenible y en la economía circular, muchas veces también por desconocimiento por eso nosotras tenemos como base de nuestro negocio la formación.

MP

Según estudios mercadológicos todos los días son lanzadas 10 nuevas marcas de moda, ¿Cómo podemos realmente saber si todas estas marcas están utilizando materiales éticos como el algodón orgánico si ha disminuido su producción global?

GG

“El Slow Fashion no contamina, no explota recursos y busca ofrecer salarios dignos a las personas trabajadoras.”

Si no estás muy metido en el sector creo que lo más fácil es mirar si están utilizando certificaciones textiles de un

MP

¿Cómo el slow fashion competirá con las 52 micro-temporadas al año para la población consumista?

GG

Creo que no se trata de competir.

Se trata por un lado de enamorar con otro diálogo, otro concepto, el diálogo y el concepto de la moda del siglo XXI. Las grandes cadenas nos engañaron diciéndonos que se podía consumir toda la ropa que queremos pero cuando sabes que para producir el algodón de una única camiseta se necesitan más de 2700 litros de agua, lo que bebe una persona durante 3 años, es cuando entiendes que las cien mil millones de prendas anuales que se producen, y en aumento con los mercados emergentes, no tienen sentido si queremos dejar un planeta a nuestros hijos y nietas similar al que nosotros disfrutamos.

Lo positivo de todo esto, es una vez que el consumidor entiende el valor de estas propuestas se convierte en un cliente fiel, porque son sus propias conclusiones que le han llevado a este tipo de consumo.

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¿Cómo funciona el slow fashion en la cadena digitalizada?

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cierto nivel como por ejemplo GOTS, Cradle to Cradle, Fairtrade, Fair Wear Foundation…

innovadores, atractivos y que respete el planeta, los animales y a las personas.

compran la historia que acompaña a ese producto.

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Posicionamiento de marcas emergentes en una era milenial.

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Los “Millennials” son una gran nueva demografía, la mayoría de las marcas de lujo los están mirando y sus necesidades continúan creciendo. por MASSIMO CASAGRANDE.

de la moda. A través de una serie de colaboraciones, las marcas deportivas se han convertido de forma prematura en las nuevas marcas de moda, creando una nueva estética neo-luxe.

Generar tráfico en el sitio web y comunicarse es otro punto importante a considerar en la era digital de hoy. Se necesita una comprensión de la moda a nivel mundial para poder interpretarla de la manera correcta a nivel local, esto es relevante para la mayoría de las nuevas marcas que buscan expandirse localmente con un sabor internacional, un término que generalmente llamamos "glocalización". Influencer Marketing es siempre importante en la sociedad digital de hoy, pero lo más importante es el auge del Micro-influenciador y, sobre todo, saber cómo elegir al embajador de marca adecuado para ayudar a que su marca tenga la necesidad de conectarse con el grupo demográfico adecuado. Identificar tribus digitales y con qué otras marcas asociarse y colaborar para lograr una estrategia glocal exitosa. El arte de la colaboración es más fuerte que nunca en el mundo de la moda de hoy.

Nos hemos convertido en expertos en narración de cuentos, por lo que a través de las redes sociales, el marketing de contenido y las narrativas de Instagram son muy importantes, las empresas están creando estrategias de marketing de contenido para obtener una "economía de experiencia". ¿Qué experiencia le está brindando a su consumidor, cómo esta experiencia atraerá a un nuevo consumidor?

Todo esto se logra a través de la marca digital; Cuentacuentos y tecnología en tienda.

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En la actualidad, los jóvenes empresarios que ingresan al mundo de la moda enfrentan una competencia más difícil que la pasada generación. Gracias a programas de realidad como Project Runway, el poder de la moda en las redes sociales se ha vuelto más global y vocal que nunca, pero ¿cómo La sostenibilidad y la transparencia están una marca emergente puede sobrevivir en en el centro de todos los millennials de hoy. el mundo actual y no correr el riesgo de ¿Cómo transmites esto a través de tu marca? desaparecer o convertirse en una maravilla? El hecho de que el consumidor sepa dónde se obtiene, fábrica y donde se produce cada Uno de los puntos más importantes es pieza es una necesidad hoy en día. La forma identificar el objetivo del cliente y el canal de en que comuniques un mensaje sostenible es distribución. Las marcas de lujo están cambiando importante, aunque tenga cuidado de no usarlo su enfoque y algunas incluso su estética para solo como una estrategia de marketing, debe satisfacer el mercado milenario. Prueba de ser sostenible a través de todo el proceso. La ello son marcas como Gucci y Balenciaga. La sostenibilidad debe abordarse desde todos identidad y el patrimonio de las marcas han los ángulos dentro de la marca desde el punto adquirido un atractivo más "urbano / callejero". de vista de negocios, diseño y producción.

La moda de lo normal o lo feo se está haciendo más prominente y la moda urbana influye en las A través de la educación y la comprensión marcas a través de una perspectiva de diseño de los nuevos escenarios de negocios, las y mercadotecnia, creando un nuevo mercado marcas podrán ver cómo las firmas de lujo de lujo, dando lugar a un lado posmodernista y la moda se están moviendo rápidamente

en las tendencias contemporáneas y los nuevos desarrollos, y aprender habilidades que serán capaces de garantizar un buen desempeño en el nuevo clima actual. La tecnología ha tenido un gran impacto en cómo la moda necesita adaptarse y transformarse.

Transmuta para seguir siendo relevante, actual y adelantado al juego. El resultado directo de este impacto tecnológico es la creación de nuevas carreras y vías dentro de la industria, los ejemplos incluyen: Estrategias de Marketing Digital; Experto en Sostenibilidad; Investigador y desarrollador de telas; Psicología del consumidor.

"Cualquier destino, por largo y complicado que sea, consta en realidad de un solo momento: el momento en que el hombre sabe para siempre quién es". La identidad y el autodescubrimiento del ser son el objetivo del camino existencial que toda marca y creativo de moda debe recorrer a lo largo de su vida. "¿Quién soy?" "¿Cuál es mi destino?". Estas preguntas han desquiciado a lo largo de los años a filósofos y pensadores, con varios grados de respuestas certeras.

La clave de la industria del lujo pasa por el papel que jueguen las firmas de lujo. Las marcas han de ser los hilos conductores que transmitan emociones y sensaciones con maestría, para seducir a un cliente más exigente a través del producto de alta gama y las experiencias de compra. Europa, China y Estados Unidos jugarán un papel fundamental en el crecimiento de la industria del Lujo global.

Pero hay nuevos nichos de mercado en países emergentes que reforzarán la industria global del Lujo. Estos nichos de mercado se detectan en la actualidad en países emergentes como Brasil y México. Otros países posibles con crecimientos singulares y llenos de oportunidad serán Singapur, India, Vietnam, Sudáfrica e Indonesia. Si las economías emergentes de Latinoamérica logran objetivos de crecimiento sostenido, éstas pasarán a jugar un papel clave en la industria del Lujo en el futuro.

“La sostenibilidad y la transparencia están en el centro de todos los millennials...”

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¿Inspiración o apropiación cultural?

De la admiración a la irreverencia. por LAURA CASTAÑEDAS.

Desde los inicios de la humanidad, los diversos artistas en cada una de sus ramas han encontrado la inspiración de sus obras, bien en la cotidianidad del mundo que les rodea, la naturaleza o alguna musa que les brinde aquel destello de inspiración divina y genialidad que posteriormente el resto de los mortales disfrutamos. En el mundo de la moda no es distinto. Son muchos los diseñadores que encuentran la inspiración, ya sea revisando en sus raíces u observando pueblos y rincones distantes; porque no, ahora con un mundo tan globalizado y con tanto acceso a información e imágenes, no me extrañaría el pensar que la ventana del internet a varios diseñadores le ha permitido explorar la riqueza cultural de distintos pueblos y naciones, enamorándose con sus rincones, colores, aromas y texturas.

Hussein Chalayan decidía denunciar la situación de la mujer musulmana en la sociedad con un desfile en el que las modelos tapaban su rostro con un velo, dejando el resto de su cuerpo al descubierto. Galliano y Japón; John Galliano es seguramente el creador más prolífico en este campo, el que mejor y más -al menos en términos de espectacularidad- ha sabido llevar a su terreno las señas de identidad de civilizaciones y pueblos milenarios. Sus homenajes, eso sí, deben ser siempre leídos en clave de teatralidad. Givenchy en el otoño de 2009; Riccardo Tisci decidió subir a la pasarela el exotismo de Marruecos y el pueblo bereber, incluida su propia versión de las joyas tradicionales de las mujeres en el norte de África, para Givenchy Alta Costura.

Los diseños pueden protegerse por los derechos de autor. En este sentido, es muy importante tener prueba de cuándo, en qué momento, se diseñaron los modelos y para eso se puede acudir a un registro de la propiedad intelectual. Esto es frecuente en la industria de la moda, es una especie de código de identidad, desde el primer boceto hasta pieza acabada; Para explicarme mejor, comencemos con sirve para acreditar el momento de la creación algunos conceptos. Entendemos por apropiación y la originalidad de la prenda, que es el punto cultural cuando llegan adoptar elementos de más delicado a defender delante del tribunal. otras culturas diferentes a la propia, de forma estereotipada y descontextualizada, banalizando Podemos mencionar como ejemplo de su significado. Lo más triste de esto, es que apropiación cultural en la moda, el tan sonado la mayoría de las veces se realiza con grupos caso del 2017 entre la diseñadora francesa indígenas que por no tener el conocimiento y Isabel Marant y las indígenas Tlahuitoltepec de las suficientes protecciones legales o interna- México, quienes alegaban que la diseñadora cionales pareciera que no tienen derecho a ser francesa había tomado, sin ninguna referencia escuchados, quedando sus culturas, patrimonio ni autorización, una blusa típica de la comuo arte a merced de otros que con mejores nidad Tlahuitoltepec y la había presentado herramientas de mercadeo, logran cuantificar como parte de su colección, con un precio exitosamente las mieles de tan delicado tra- quince veces mayor al que ellos cobraban por bajo artístico, ya que muchas veces el trabajo la misma camisa. El problema no era el precio artesano de estos pueblos no es reconocido o de venta de la camisa en sí, sino el usufructo más bien es subestimado por sus coterráneos; a costa de la identidad de la comunidad, ya entre tanto en otras esferas este mismo trabajo que esa no era sólo una blusa o el diseño de logra ser altamente valorado. una blusa, esa pieza era parte de su identidad como pueblo que encierra sus costumbres, su La inspiración cultural en cambio, conlleva visión de mundo, su cultura. un poco de estudio a la historia, aromas, costumbres y tradiciones de dichos pueblos a fin de Este tipo de sucesos es cada vez más y no estereotipar, ni codificarlos; sino de resaltar más común, sin embargo está la organización desde nuestra visión y con mucho respeto su “Survival International”, una organización sin identidad y arte. fines de lucro del Reino Unido, fundada desde 1963 que se encarga de proteger los derechos La apropiación de modas también puede de los pueblos aborígenes, llámense indígenas ser una manera, para los creativos de esta o tribales en todo el mundo. Ellos de hecho industria, de exponer opiniones sobre otras no están en contra de la inspiración cultural, culturas, a manera de denuncia. Por ejemplo en incluso mencionan que no toda apropiación 1998 la presentación de Chalayan y el chador; cultural es negativa, siempre que “cuente con Es precisamente en ese punto en el que se camina en una muy delgada y delicada línea, en la cual el diseñador podría tener la intención de presentar en su colección una inspiración cultural y sin querer pasar la raya y caer en apropiación cultural.

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No queremos satanizar con esto el trabajo colaborativo entre una marca y un determinado pueblo o región, ya que hay muchos casos exitosos de esto. Por ejemplo Christian Louboutin, la mundialmente famosa marca de calzados que es reconocida por su icónica suela roja, sacó una colección de primavera llamada Mexicaba en la cual hay un bolso con bordados aztecas y estos bordados fueron hechos por artesanos de la Península de Yucatán, México. Todo el trabajo artesanal de bordado y hechura del bolso fue documentado y presentado a través de las redes sociales de la marca de calzados; mostrando así, la riqueza del trabajo exquisito que tiene el bordado artesanal y cómo el diseñador convivía y aprendía de ellos, mostrando respeto, homenaje y reverencia. Además de esto, la marca decidió dar un porcentaje de las ganancias a los artesanos que participaron en el proyecto.

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“...no toda apropiación cultural es negativa, siempre que cuente con el beneplácito y consentimiento libre, previo e informado...”

el beneplácito y consentimiento libre, previo e informado”, y que esta “sirva para ofrecer una imagen real sin estereotipos racistas y perjudiciales y ponga en contexto su lucha por sus tierras y modos diversos de vida”. Es decir, que si la apropiación cultural sirve como ventana para mostrar el arte y exponenciar lo mejor de estos pueblos, respetando sus identidades y significados, con una historia, podría ser positiva y enriquecedora.

Es indudable que la lucha por el respeto al legado cultural de las minorías, los pueblos aborígenes y tribales ha sido una larga batalla.

Una la lucha que no ha sido en vano, ya en Ginebra Suiza tuvo lugar una reunión del comité internacional especializado en el marco de la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual de las Naciones, cuyo objetivo es impulsar leyes a nivel internacional que sancionen el uso inapropiado del patrimonio cultural de los pueblos. La Organización de las Naciones Unidas (ONU) “obligará a los estados a crear procedimientos penales y civiles eficaces para reconocer y prevenir la toma no consensual y la posesión, venta y exportación ilegítima de expresiones culturales tradicionales”, expresó al comité James Anaya, decano de leyes de la Universidad de Colorado.

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Prácticamente todo es susceptible y patentable de protección. Esperemos que estos sean los primeros pasos para crear una verdadera cultura de paz, respeto y reconocimiento al patrimonio cultural de los pueblos tribales e indígenas, así como al reconocimiento y protección de su legado… aún el camino es largo.

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E L E M E N T con ADIMAP

ADIMAP. La fuerza de la colectividad.

Cuando varias mentes y corazones deciden asociarse, esa unificación se transforma en Poder; sentimiento de unidad, protección, colaboración y vigor que permiten alcanzar un bien común.

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por ELEMENT.

ADIMAP es la Asociación de Diseñadores de Moda y Afines de Panamá, una idea que surgió sobre la necesidad de fortalecer la industria de la moda panameña; uniendo las fortalezas de profesionales como diseñadores de moda, comunicadores, productores de eventos y al resto de profesionales afines del gremio; buscando el fortalecimiento de la industria y el constante crecimiento del mercado en Panamá; protegiendo y representando los intereses de sus participantes, poniendo a su disposición beneficios y servicios que mejoran su competencia comercial y productividad.

y servicios tanto a nivel nacional como internacional; formar parte, como profesional, del directorio de la Asociación; ser recomendado para trabajos o proyectos de aquellas organizaciones o empresas que consulten con ADIMAP; talleres, charlas, seminarios, capacitaciones o cursos que aporten al desarrollo de cada profesional; tener derecho a aplicar y ser considerado para las becas, convenios, concursos, gubernamentales o no gubernamentales, nacionales o internacionales, que gestione la Asociación; y mantenerse informado de las oportunidades o novedades de la industria.

La historia no miente; cuando se han unido talento, pasión y un objetivo colectivo, el éxito siempre ha sido el resultado. La unión de un gremio beneficia a cada miembro, y en el caso de ADIMAP se expanden las comunicaciones entre seguidores y crea una voz colectiva más fuerte. El hito que desean marcar en Panamá es principalmente una cultura de colaboración y competencia sana entre las diferentes profesiones del gremio.

Con el pasar del tiempo hemos visto que muchas profesiones han ido desapareciendo y otras emergen; acorde a las nuevas necesidades y tecnologías. En el caso de la industria de la moda, podemos ver que se incrementa el número de diseñadores jóvenes; este cambio viene de la mano con ideas innovadoras y la pasión por implementar la cultura panameña a su manera en cada colección.

ADIMAP es tan fuerte como lo son sus miembros. Un gremio que ha logrado convocar a exitosos embajadores de la moda panameña como lo son Andrea Sousa, Daniela Arias Marciscano, Maris Stella Kiener, Verónica Ángel, Deborah Kuzniecky, Fátima Vargas, Michelle Khafif, Marie Claire de Bueno, Tony Vergara, Diana Arcila, Pilar Sainz, Lucette Robayna, Geniesse Pierre, Mary Quintero, Gladys Vallarino, Alessandra Bueno, Teresita Orillac, Betty Eskenazi, Katerina Evans y Tatiana Uliantzeff.

CON ADIMAP

Ser parte de la Asociación permite a cada miembro beneficiarse con nuevas herramientas, posiblemente la más importante es el “Networking”. Tener acceso a un listado actualizado de proveedores

El talento panameño cuenta con diferentes cualidades que pueden aportar grandes influencias y cambios al diseño global.

Nuestros diseñadores son persistentes y dedicados, cualidades que han demostrado los diseñadores de trayectoria, quienes han sido testigos de la evolución de la moda en Panamá. “Consideramos que lo mejor de nuestra gente es la diversidad de culturas, la abundancia de color, nuestro carisma y la creatividad ”.

Nuestra industria se encuentra en una etapa de cambio, necesita modernizarse e implementar el “ready-to-wear”, para ampliar el volumen de consumidores locales e internacionales. Es importante consolidar el concepto de diseño panameño y empezar a desarrollar una industria de confección local.

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OBJETO DE DESEO

CADA PERUME CUENTA UNA HISTORIA.

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Los perfumes son considerados como el perfecto accesorio invisible. Complementan el estilo, logrando resaltar y hacer memorable a la persona que los usa.

Un mundo sin perfumes sería un mundo sin historia, tomando en cuenta que el uso de aromas en momentos especiales se remonta a los primeros egipcios, quienes utilizaron bálsamos perfumados como parte de sus ceremonias religiosas y más tarde como parte de los preparativos para hacer el amor.

Ocupan un lugar privilegiado entre los artículos de belleza, tanto de mujeres como de hombres. Sin duda la moda entra por los ojos, pero también por el olfato.

Para este especial hemos seleccionado a nuestros nuevos favoritos, representantes de las casas de Hermès, Missoni, BVLGARI, Versace, Guerlain y Moschino.

Déjanos saber cuál es tuyo, subiendo una foto y mencionando a @element_pma.

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Maleta Mont Blanc #My4810.

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Camioneta Ford Edge.

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Reloj Tissot.

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Relojes Mont Blanc.

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Calzado de mujer, Salvatore Ferragamo.

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Perfume Black Opium, Yves Saint Laurent.

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Calzado de hombre, Santoni.

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Reloj Casio, G-Shock.

Zapatillas INKKAS.

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Calzado, maletín y billetera Bally.

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Zapatilla Bally.

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Accesorios Chajin Design.

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DESTINO

Museum of Icecream.

Al viajar, siempre busco visitar lugares distintos de las ciudades, no los clásicos lugares turísticos.

En especial disfrutar de exhibiciones distintas e interactivas.

Ir al MOIC es como cuando eras “pelaito” y visitabas Disney entrabas a una dimensión diferente, con toda la temática que el sabor es diversión.

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Más que un pop-up “Instagrameable”, Museum of Ice Cream es una experiencia que conecta algo tan universal como el helado con diversión, inclusión y curiosidad. Es un espacio para imaginar. por SAMUEL RUMALDO CHOY.

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2.

¿A quién no le gusta el helado? Este postre es una de las ricuras más queridas del mundo. Museum of Ice Cream (MOIC) es un playground para despertar el niño interior. Es como entrar en un mundo con un mix entre Charlie en la fábrica de chocolate, Cloudy with a Chance of Meatballs y la psicodelia de Lisa Frank, pero en vida real.

DESTINO

Desde el verano del 2016 en New York en el Meatpacking District; zona del Chelsea Market, The High Line Park y The Whitney Museum, nace este experimento social donde se combinan instalaciones de gran escala con sabores de helados. Fundado por Maryellis Bunn y Manish Vora, las temáticas de este popup interactivo van cambiando dependiendo

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de cada ciudad que visita. Es como un circo de colores -por supuesto que sin animalesque también ha visitado Los Ángeles, Miami durante el Art Basel 2017 y San Francisco. En esta última ciudad el museo se instaló como la primera muestra permanente, localizado en Grant Avenue a una cuadra de Union Square.

Al llegar te reciben con diversos tipos y formas de helados en espacios inspirados en la nostalgia de un Diner de los 60s y un “aesthetic” impecable de colores pasteles. Hay instalaciones inspiradas en ingredientes, pastillas y magia que a todos nos encanta combinar con el helado.

Es un recorrido en el que podrás descubrir una cueva de menta y chocolate, mecerse sobre un cielo de bananas, “Rock-Ola” de crema de batir, un parque con gummy bears gigantes, entrar en un cielo de cerezas y subirte en unicornios dentro de un arcoíris.

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Una de las atracciones emblemáticas es la histórica Sprinkle Pool: una piscina Llenas de “chispitas de colores” de las que le echan sobre los dulces o helados para decorarlos. Te sumerges dentro en una piscina con 100 millones de chispitas. Lastimosamente no son comestibles, pero es una experiencia brutal.

En cada parada siempre existe una dinámica o reflexión hacia tu propia vida en cómo podemos ser mejores personas, enfrentar momentos difíciles, cómo podemos ayudar a otros y ser más curiosos a través de la creatividad. Hay un cuarto donde juegas con magnetos de colores de esos que pegas a la refri y escribes mensajes en las paredes, sobre las cosas te apasionan.

Al final de la experiencia puedes llevarte a casa mercancía de sus colaboraciones con Target y Sephora.

Si planeas visitar pronto San Francisco compra los boletos con tiempo en su sitio web, ya que por lo general están “sold out” con gran anticipación.

Visítalo con tu pareja o amigos para divertirte más. #FATbosco te recomienda que pidas todo el helado que quieras.

Pint Shop.

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The Rainbow Room.

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Sprinkle pool.

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Vault.

DESTINO

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D E L I C AT E S S E N

Bao Dai, gastronomía al estilo imperial.

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La memoria más esparcida que envuelve a la leyenda del último emperador de Vietnam revive en una esquina del Casco Antiguo, erigida del polvo y los escombros, con la intención de sorprender y encantar. por LUIS GUILLERMO

MARTÍNEZ.

Érase una vez...

El rey Bao Dai mantuvo un estilo de vida muy comprometido al carácter conferido por su silla imperial. Pero han pasado 22 años desde la desaparición física del Último Supremo del imperio vietnamita ¿y quién sabe?, tal vez, si estuviera vivo y caminando las calles del Casco Antiguo de Panamá, la opulencia, el buen gusto y el mejor trato del nuevo sitio que lleva su nombre (y semejanza), lo hicieran sentir como en su propia casa.

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Si estuviera entre nosotros, el calor de Panamá lo haría recordar al clima de su terruño en el sudeste asiático, luciría su sombrero recién comprado al artesano de la esquina anterior, caminaría por las calles del Casco sin secarse el sudor y apartaría de su agenda diplomática un espacio para entretenerse en este cónclave asiático de la Avenida Central con calle novena.

Dos erguidos y pétreos guerreros de la armada milenaria de Terracota, réplicas idénticas, habrían también recobrado vida y saludado al rey apenas se abren las puertas de madera de este pequeño imperio que se esparce por cuatro diferentes pisos vinculados a un mismo concepto: el buen vivir. Tras el debido protocolo, la anfitriona lo llevaría a la primera habitación, un cuarto donde el ambiente exige intimación y complicidad: sillones de cuero en forma de herradura se fusionan con otras sillas de verde terciopelo, mesas de granito negro y una pared central con el arte de un dragón dibujado a tres tonos oscuros.

habrían sido motivo para que, de soslayo, nuestro monarca le dijera a su acompañante en la diplomacia, que “una diseñadora como Adriana Altamirano”, la cabeza del equipo de diseño de interiores de todo el lugar, “habría sido indispensable para redefinir mis conceptos de lujo durante los años en los que viví en el Palacio Real, o en mis acomodaciones en el exilio”.

“Vamos, que no en vano me llamaron Bao Dai, que significa ‘Guardián de la Grandeza’”, habría explicado a los presentes el mismísimo monarca cuyo nombre de pila corresponde, según los registros pertinentes, a Nguyen Phúc Vĩnh Thuy, y que por razones meramente imperiales (y por suerte para este conglomerado de entretenimiento para locales y turistas exigentes) habrían quedado perfectos bajo estos dos sencillos fonemas asiáticos.

Todo habría quedado simpático ante los ojos de este césar vietnamita, quien vio el fin de la dinastía Nguyen en 1945: la luz tenue, la música en tono y clave adecuados, la amabilidad de los anfitriones. Todo menos la alfombra.

Impresionante pieza multicolor de miles de Ya sentados, sirven en la mesa un pequeño mosaicos que ocupan el suelo del primer piso buda blanco de cerámica que es atravesado

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en su hinchado abdomen por un carrizo de cartón. Dicen nombrarlo igual que al rey y adentro existe un elixir que, de consumirse en altas dosis, la guardia pretoriana de nuestra majestad se habría forzado a tomar medidas cautelares. La justa mezcla de vodka de pepino, sake y jugo de limón brindarían estragos reales. “Es como el Caballo de Troya”, bromearía nuestra excelencia, “impresionante y ornamentado por fuera pero con contenido antiimperial por dentro”.

Pero lo que menos habría entendido el mismísimo rey, es que las sorpresas vendrían en fila india. Estaría instalado y en perfecta compañía de los tres principales creadores de este concepto de entretenimiento total (Elías Murciano, Gilberto Sánchez y Adán Rodríguez), que en el poco tiempo de estar abierto, tienen a todos hablando en la prensa, en las redes sociales… y ahora en las imperiales.

Todavía no lo sabe, pero el patriarca imperial encontraría trabajo en diferenciar los platos que acá le sirvieron con aquellos que habría exigido en su excelsa vida del exilio en París o la Riviera Francesa.

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De entrada, edamames hechos con ajo negro, aceite de sésamo, chiles tailandeses, ciruelas, sake, salsa soya y magia negra. “No es de este reino”, habría exclamado incrédulo Bao Dai, “¡se supone que los edamames son un plato sencillo!”.

Luego vendría el momento de ceder el protagonismo a otra creación del chef Adán Rodríguez, quién iría colocando sobre la mesa pequeñas creppes redondas y un pequeño cuenco con una reducción de ciruelas hechas con un poquito de miel, vinagre de arroz, sazonado con ajos y escallots, entre otros secretos que ni al Venerable le son revelados. Llegaría el momento esperado por los presentes y aparece en el centro de la mesa una fuente con un pato fileteado en gruesas y tiernas capas que a este soberano, de entrada, le hizo estirar los ojos, un gesto nada digno en los soberbios protocolos.

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Absorto ante la belleza del plato servido, su majestad terrenal empezaría a alucinar. El Whole Pekin Duck, mirándolo a los ojos le habría susurrado: “a rey muerto, rey puesto”.

La ornamenta de flores Pensamiento, su piel separada sin grasa y la vecina cazuela de hongos salteados al wok con jengibre, ajo, salsa de soya y sake, serían quienes, tal como aquel referéndum electoral de Vietnam a mediados de 1950, le habrían puesto el final sazonado a la última cabeza de una monarquía que se prolongó por 143 años.

Siguen dos actores a la mesa: el primero es una altísima torre de 24 delgadas capas compactas de distintos chocolates belgas, con avellanas y café; mientras que el otro es la Duquesa de Banana: otra sensación de distintas y nobles texturas hecha de mousse de banana, avellana, chocolate dulce y amargo, con una base crocante, y adornado con delgadas medallas de (sí, aún) más chocolate y bananas flambeadas.

Una vez satisfecho y honrado por los platos servidos, el Rey seguiría en su placentero andar.

Con el paso de un ambiente a otro, las lámparas, todas distintas en tamaño, forma y diseño, harían recordarle muchos escenarios de su viejo y fenecido imperio.

Y pese a la excelente atención recibida en el primer nivel, al rey le sorprendería la existencia de una sala VIP, llamada Plan B, en los pisos subsiguientes. “Impresionante”, murmuraría.

“Este es el sitio donde volvería a usar mi Rolex Oyster Perpetual”, le habría dicho a su acompañante. “¿Aquel que tus hijos subastaron por 200 mil euros y que 20 años después de tu muerte salió de nuevo a la puja y fue vendido por 4.6 millones? ¡Olvídalo, que es historia!”, le habrían respondido su acólito al instante.

“En fin, igual habría venido aquí para agasajar a cualquiera de las comitivas oficiales de los países con los que fui más permisivo: los franceses coloniales, los japoneses de la II Guerra Mundial o los comunistas de Ho Chi Min. ¡Y todos contentos! Pero los últimos habrían disfrutado de más”, habría rematado, secretamente entre risas.

Más arriba, la azotea muestra una vista que hasta para este monarca habría sido mucho más antigua que algunas de las ruinas de aquel, su intransigente imperio. Su magestad se habría dejado llevar por cualquiera de las expresiones artísticas de estos tiempos, y de otros no tan remotos, que se practican con frecuencia en este espacio abierto: desde actos de global jazz en vivo, hasta dj con tornamesas y acetatos, suelen darle a los comensales y a todos los demás, la opción de rematar la noche al mejor estilo y con la mejor compañía. Y aquellos que se perdieron el festín gastronómico de los primeros pisos, tienen cómo resolver al fondo de la terraza con una extensión de la cocina, donde se especializan en picadas a la parrilla tanto de carnes como otras delicias exóticas.

El monarca, con el corazón contento y algo aflojado por los cócteles, habría abrazado a los anfitriones y despidiéndose les prometería

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volver, una vez recuperara el Rolex subastado.

Al pasar los guardianes de Terracota en la salida, haría una pausa y regresaría para asegurar: “Esperen a que me encuentre a Ho Chi Min. Le diré que busque más allá de las aguas que resguardan esta noble tierra, aquel restaurante que lleve su nombre. Y aunque lo encuentre en su fortuna también le diré que no se haga muchas expectativas, porque no será tan bueno como aquel que lleva el mío”.

Y a medida que el satisfecho Honorable y su imagen se van desvaneciendo rumbo a la Peatonal, la historia regresa a su sitio de origen: a la sala elegante, con los platos, bebidas y postres antes nombrados y con la afortunada compañía de lujo de quienes edificaron en cuatro años esta sede del nuevo imperio del placer en el casco: Elías Murciano, Gilberto Sánchez y Adán Rodríguez. ¿Cómo surge la idea de Bao Dai?

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Bao Dai es un restaurante que se hizo a través de las necesidades de lo que necesitaba el Casco. Un todo. Sé que acá existen otros proyectos andando y se dividen por pisos; que son simplemente un rooftop, o que son solo un restaurante. Aquí somos un todo, con la misma identidad. Somos una cocina asiática, que no fuera japonesa. Acá tenemos un concepto chino con tendencia más actualizada. Es un lugar donde la gente disfruta la buena música, el buen aspecto de la gastronomía y obviamente el ambiente, que es impresionante y la decoración de interiores de un equipo liderado por el Gilberto Sánchez, con buen bagaje, con Adán Rodríguez que me lo fui a buscar a México. ¿A quién buscan sorprender con la propuesta gastronómica?

EM

Queremos sorprender a quien tiene un paladar con alta exigencia en nuestro mercado panameño y obviamente el mercado turístico al estar en el Casco Antiguo. Hay muchas buenas propuestas en el casco a quienes respetamos y sentimos como buenos competidores, pero creemos que no había un sitio así todavía. Pienso en nuestra labor y nuestro bien hacer y nuestra cocina que es buena y no es muy cara. Es algo que podemos decir: que calidad precio es bueno. Es un sitio diferente en un país donde hacía falta un alto standing en decoración.

¿De dónde vienen tus ingredientes?

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El 60% de nuestros ingredientes son de afuera, obviamente. Somos muy detallistas con el producto que se toca. Tenemos mucho producto local también, pero obviamente no vas a hacer un menú chino solo de ingredientes locales. Hemos hecho una carta bastante sencilla, donde cabe.

Con propuestas nuevas que se ofrecen en Nueva York, o en Londres, que fue a donde nos fuimos juntos a crear la carta para ver cuáles son los mejores platos que podemos meter. Eso no lo hace todo el mundo.

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¿Un venezolano, un salvadoreño y un mexicano vienen a hablar de comida china de primer nivel?

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Yo soy operador y socio de Makoto. Adán ha trabajado de gerente muchos años en Asia de Cuba, un proyecto a nivel internacional de Nueva York, de Dubai. Él estuvo como chef ejecutivo de este restaurante en Mexico y allá lo busqué.

También tengo a Makoto en México y fue más fácil para mi. Creo que por ahí van los tiros y que esta propuesta no quiero que tenga nada que ver con la cocina de Makoto pero entra dentro del mismo grupo. La experiencia de Adán con la claridad que yo tenía del menú y el ambiente que yo quería crear, hicimos un match. No se hizo difícil hacer y lograr las cosas. Si uno tiene las cosas claras yo creo que va más directo a donde tiene que ir en vez de estar buscando. Siempre he creado mis propios restaurantes; me encanta el diseño, la decoración. Me encanta mi

mundo. ¡Qué te puedo decir! Ahora no cocino y estoy triste (risas).

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¿Los cocteles son tambiénparte del espectáculo?

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Nuestra carta fue hecha con Juan Coronado, que es un embajador en Estados Unidos de Bacardí. Es un mixólogo afamado y nos hizo el menú de las bebidas apoyado en el equipo de Bao Dai. Todo el mundo es bueno en su criterio y su puesto de trabajo y está donde tiene que estar.

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Has unido a los mejores posibles...

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A los posibles e imposibles. No tengo fronteras. He tenido restaurantes en España, Venezuela, Panamá y, a la hora de la verdad, no importa la nacionalidad siempre y cuando sea muy bueno. Hay muchos panameños aquí pero no quiere decir que sean mejores o peores. Simplemente tienen una capacidad y una función dentro de una maquinaria que se llama Bao Dai. En mi carrera puedes estar seguro que puedes ejercer una buena función aquí como lo puedes hacer en Dubai. El corazón de un hospitalario es el mismo: es hacer feliz al cliente y darle cocina buena.

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¿El menú está escrito en piedra?

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No. En el menú tenemos más de 60 opciones. Y bebidas de autor tenemos unas 20.

Como restaurante estamos evolucionando siempre con el cliente. Las cartas hoy en día ningún lugar están escritas en piedra.

Tienes que escuchar al cliente, darle más opciones, e innovar.

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T RÓ P I C O

La Catedral Metropolitana, más que una edificación religiosa.

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Declarada Monumento Histórico Nacional en 1941 y Patrimonio de la Humanidad por Unesco en 1997. por OSVALDO LEZCANO.

Su nombre oficial es Catedral Basílica Santa María la Antigua de Panamá, es la mayor representación arquitectónica de la época colonial de Panamá. La inspiración y estilo detrás de su diseño fueron tomados de la catedral de la ciudad de Lima, Perú. Sus inicios se remontan al poco tiempo de fundada la nueva Ciudad de Panamá, cuando en 1674 se erigió la primera estructura de madera de la Catedral.

T RÓ P I C O

Para la década de 1680, se puso de manifiesto en reemplazar el edificio con materiales mucho más resistentes, y es así como en 1688 se instaló la primera piedra, lo que da comienzo oficial a la construcción de la iglesia. Tuvieron que pasar nada menos que 108 años para que la Catedral pudiera

ser terminada, la cual se realizó por partes.

Entre 1688 y 1741 se construyó la fachada delantera, luego siguió el resto del edificio hasta 1762, y posteriormente se levantaron las torres laterales hasta 1796.

Más que una edificación religiosa, es un sitio que ha sido testigo silencioso de algunos de los hechos históricos más relevantes de Panamá. Por ejemplo, la emancipación de España (28 de noviembre de 1821) se declaró al leerse el acta de independencia desde las escalinatas de la Catedral. Otro momento histórico ocurre el 3 de noviembre de 1903, cuando José Agustín Arango notificó al pueblo (reunido a los alrededores de la iglesia) la noticia sobre la separación de Panamá de Colombia.