#01_España by estudio1200OK

ESPACIO PUBLICITARIO RETIRACION DOBLE

PUBLICITARIO DISPONIBLE DOBLE DE TAPA

ESPACIO PUBLICITARIO PAGINA

PUBLICITARIO DISPONIBLE

PAGINA

DOBLE

Exposición territorios y paisajes | Atelier Pierre Thibault Fotografía: Alain Laforest

La esencia de un proyecto

Dicen que las grandes ideas surgen de forma espontánea, aunque detrás de ellas se descubra un enorme caudal de conocimientos e información recibido de nuestro “exterior”: estímulos, personas, lugares y experiencias.

Tener una idea es mucho más que simplemente llegar a ella: es sentirla, vivirla y hacerla cuerpo. En esta dinámica lo más difícil suele ser lograr articular toda esa nebulosa de pensamientos en un proyecto concreto y posible. Un proceso similar es el que dio origen a Wideprint.

Cuando después de tanto incubar y trabajar sobre nuestra idea quisimos “bajarla a tierra”, nos preguntamos desde el más sincero, humilde y hasta casi ingenuo lugar, qué era eso que habíamos creado. Eso era, tal como lo señala el prólogo de nuestro proyecto, un universo amplio de consulta en arquitectura, diseño y arte, a nivel nacional, internacional, histórico y contemporáneo.

Pero en nuestra reflexión decidimos ir más allá, y por eso ahora nos proponíamos definir qué era aquello que nos hacía diferentes, qué es lo que Wideprint tenía de especial y de novedoso en relación a todo lo que conformaba su contexto. Con el paso del tiempo y de las horas dedicadas, entendimos que aquello que lo hacía distintivo no era más que su propia naturaleza. Wideprint es un recorte, o, si se quiere —y con una palabra de carga más positiva— es selección.

En los últimos años, la información ha sido infinita, ilimitada, hasta el punto de desinformar. Tenemos la posibilidad como nunca antes de acceder a todo tipo de datos. El único, y claramente no menor problema, es que todo ese rejunte de información no está calificado, ordenado y mucho menos sistematizado. Lo que muchas veces vemos, leemos o escuchamos, no tiene nombre, ni cara, ni cuerpo.

Por eso, Wideprint se propone “combatir” este desorden y anonimato de información, sistematizando dentro de una misma revista y plataforma digital únicamente lo distintivo del área que nos interesa, resaltando los nombres de todas las personas involucradas en cada obra publicada.

Con este objetivo claro, Wideprint se torna selectivo en el sentido más positivo de lo artesanal, ya que se distingue de lo mecánico, es decir, de lo que produce estandarizadamente, de manera irreflexiva y automática. A diferencia de un proceso de tales características, lo que efectivamente destaca a Wideprint es su mirada, el criterio, el trabajo y la dedicación detrás del proyecto. Todo el material presente en la plataforma refleja un proceso de producción más que enriquecedor, donde cada palabra y cada imagen responde a una clara consigna para todos los que llevamos adelante Wideprint: la de ser distintos.

Victoria Rico Directora ejecutiva (Octubre 2015)

Nota del editor: este manifiesto fue escrito en 2015 por Victoria Rico cuando recién ingresaba a Wideprint. Motivada por lo que veía como un proyecto nuevo, escribió esto y, con su habitual timidez, me lo mostró. Me encantó, obviamente. Hoy, 8 años más tarde, la idea de Wideprint sigue siendo la misma. Lo que describió aquella estudiante de Comunicación recién ingresada a mi estudio, continúa vigente.

[ EDITORIAL ] 05

ISSUE 01

MARZO 2024

Portfolio:

Las Ocultas

Claudia Behrensen,

EDITORIAL · por Eugenio Valentini.

STAFF DE WIDEPRINT 28

INTERIORISMO · En la intimidad de la casa de un arquitecto Un diseño que se distingue de sus proyectos habituales.

ARQUITECTURA · Museo de Cultura e Historia de Qingxi Un museo que respeta la naturaleza y se mimetiza con su entorno.

DISEÑO · More or less · Una exhibición de diseño y arte que cuestiona el consumo masivo.

ARQUITECTURA · Cabaña en Craven Road · Casa de campo en ruinas transformada en un refugio luminoso.

PORTFOLIO · Las Ocultas · Serie de autorretratos que reflexiona sobre la identidad.

España

ARQUITECTURA · Casa San Francisco · Inspirada en el diseño victoriano de las viviendas del entorno.

102

ARQUITECTURA · FLORA · Una estructura de madera maciza para monitorear la naturaleza.

Arquitectura:

114

ARQUITECTURA · Cabaña Anna Stay · Un espacio que permite la reconexión con uno mismo y con la naturaleza.

Diseño:

More or Less Maarten Baas

Casa G+D Guimpert Atelier Arquitectura 152

126

ARQUITECTURA· Skyline Mansion · Desarrollo residencial que redefine el estilo urbano de vida de lujo.

138

ARQUITECTURA · Exposición territorios y paisajes Constelación arquitectónica que cuestiona las relaciones entre obras, paisajes y contextos culturales.

152

Arquitectura: Jardín de infantes Montessori Jablonec nad Nisou

Mjölk architekti

166

ARQUITECTURA · Jardín de infantes Montessori Jablonec nad Nisou · Un diseño arquitectónico que prioriza la diversión y la libertad de los niños.

ARQUITECTURA · Casa G+D · Preparada para soportar la potente radiación solar y los vientos del desierto.

178

188

INTERIORISMO · Casa Vico Paleta de colores y materiales neutros, sobria, y con influencia de la madera.

PRODUCTOS Y MATERIALES DE DISEÑO

166

ESPAÑA

Staff

DIRECTOR GENERAL

Eugenio Valentini eugenio@wideprint.com.ar

DIRECTORA EJECUTIVA

Lic. Victoria Rico victoria@wideprint.com.ar

DIRECTORA EDITORIAL

Arq. Paula Herrero

DISEÑO EDITORIAL

DG. María Vizioli maria@wideprint.com.ar

DIRECCIÓN COMERCIAL

Jorge Isorna jorge.estudioisorna@gmail.com

ADMINISTRACIÓN GENERAL

Estudio Isorna y Asociados

MARKETING DIGITAL

Lic. Mariano Crescentini

ASESOR DE ARTE

Jorge Sarsale

ASESOR DE DISEÑO INDUSTRIAL

D.I. Cristián Mohaded

ASESORA COLOR REVIEW

Dir. de arte Marina Christe

COLABORADORES

Arq. Juan Frigerio

Santiago Río

EDITORIAL

Bauness 2031, C.A.B.A

CONTACTOS

Producción: C. +54 9 11 6375 7111

C. +54 9 11 6370 9552 hola@wideprint.com.ar store@wideprint.com.ar

EDICIÓN #33: SEPTIEMBRE 2023

Las Ocultas | Claudia Behrensen

PLÖK Design Studio O&A London, Atelier Pierre Thibault, FYRA, Mjölk architekti Maarten Baas, Guimpert Atelier Arquitectura Mork - Ulnes Architects, Caspar Schols

Foto de tapa: Claudia Behrensen

ISSN 2591-2836

ESPACIO PUBLICITARIO DISPONIBLE PAGINA IMPAR

POSICION ESPECIAL

-EUGENIO VALENTINILorem ipsum dolor

Lorem ipsum dolor sit amet, consectetuer adipiscing elit, sed diam nonummy nibh euismod tincidunt ut laoreet dolore magna aliquam erat volutpat. Ut wisi enim ad minim veniam, quis nostrud exerci tation ullamcorper suscipit lobortis nisl ut aliquip ex ea commodo consequat. Duis autem vel eum iriure dolor in hendrerit in vulputate velit esse molestie consequat, vel illum dolore eu feugiat nulla facilisis at vero eros et accumsan et iusto odio dignissim qui blandit praesent luptatum zzril delenit augue duis dolore te feugait nulla facilisi.

-VICTORIA RICOLorem ipsum dolor

HERREROLorem ipsum dolor

-PAULA

Quienes Somos

-MARÍA VIZIOLILorem ipsum dolor

-MARIANA PAPISLorem ipsum dolor

-CRISTIÁN MOHADEDLorem ipsum dolor

-JORGE ISORNA-

Lorem ipsum dolor

-JUAN FRIGERIO-

Lorem ipsum dolor

-SARSALELorem ipsum dolor

Quienes Somos

ESPACIO PUBLICITARIO DISPONIBLE PAGINA IMPAR

POSICION ESPECIAL

En la intimidad de la casa de un arquitecto

En un departamento con techos altos y numerosas ventanas, el arquitecto Oleg Klodt estableció su hogar, distinguiendo su diseño de los requerimientos que habitualmente recibe de sus clientes.

O&A London 14

UBICACIÓN Moscú, Rusia FOTOGRAFÍA O&A London TEXTO Memoria de autor

Los recuerdos de su hogar familiar ayudaron al arquitecto Oleg Klodt a crear el interior en el que ahora crecen sus propios hijos. Según sus palabras, el objetivo de su trabajo siempre es crear interiores con historia, lo cual habitual y paradójicamente realiza en hogares que son nuevos.

Oleg Klodt nunca hubiera comprado un departamento nuevo para él. Por eso prefirió rediseñar esta vivienda, ubicada en un edificio de cuatro pisos. El departamento fue elegido por dos razones: los techos altos y la cantidad de ventanas. “La ventana del baño es muy importante para mí, y este baño tiene dos”, afirma el arquitecto. No hay cortinas en las ventanas, sino que tienen postigones de madera. “Quería preservar el aire y la forma arqueada para que nada se interponga en el camino”, explica Oleg. Este es uno de los aspectos que diferencia a su vivienda de los proyectos que realiza para sus clientes.

[ INTERIORISMO ] 16

El piso fue creado con listones de roble deliberadamente ásperos y, en lugar de una chimenea, se instaló una salamandra. “Nuestro primer pensamiento fue poner una chimenea en la esquina frente a la puerta, pero no queríamos tener una chimenea de esquina ordinaria como pieza central de la sala de estar”, dice el arquitecto. “En el proceso de redecoración nos fuimos de vacaciones a los Alpes italianos. Las caídas de nieve eran tan malas que era imposible esquiar, así que salimos a caminar y nos encontramos con un restaurante donde tenían una salamandra como esta. Inmediatamente acordamos que esto era exactamente lo que necesitábamos”.

El departamento en sí ayudó a crear el interior con una historia. Se descubrieron dos nichos en forma de arco dentro de las paredes, que ahora están descubiertos. Se ubican en el dormitorio principal y en una de las habitaciones de los hijos.

[ INTERIORISMO ] 21

El departamento cuenta con cuatro dormitorios, un estudio, un hall de acceso, una gran sala de estar y una cocina integrada, protagonizada por una isla revestida de madera, sobre la cual se encuentra suspendido un original artefacto de luz. La falta de un gran grupo de sofás hace que este departamento sea diferente a los demás. Un único sofá pequeño se ubicó escondido contra una pared, junto a un antiguo armario.

El secreto de todo el departamento está en la ausencia total de televisores. La familia pasa mucho tiempo en la gran mesa ubicada en el comedor, hablando o jugando juegos de mesa. •

O&A LONDON

Estudio de diseño interior con base en Londres. Crean espacios sofisticados en todo el mundo, y diseñan colecciones únicas de muebles, artefactos de iluminación y textiles. La impronta de su estética radica en el dualismo y la combinación armoniosa de las formas arquitectónicas nítidas y la plasticidad de la naturaleza, sumando aspectos de diseño moderno.

UBICACIÓN

California, Estados Unidos

FOTOGRAFÍA

Bruce Damonte

TEXTO Memoria de autor

CASA EN San Francisco

Las proporciones, la escala y el volumen exterior de esta casa se inspiraron en las casas vecinas victorianas. Las texturas, patrones y la materialidad elegida reflejan el espíritu creativo de su propietario.

MORK - ULNES ARCHITECTS [ ARQUITECTURA ] 27

Esta casa fue creada para un interiorista y fotógrafo de arquitectura. El proyecto funciona conceptualmente como un contenedor para sus muebles y colecciones de arte, y un laboratorio para su trabajo.

Si bien el proyecto estaba en las etapas profundas de rediseño, un incendio devastó la casa y obligó a repensar críticamente los objetivos. Las proporciones, la escala y el volumen exterior se inspiran en sus casas vecinas victorianas, con gabletes que se elevan por el empinado paisaje típico de las calles de San Francisco.

En el interior, las texturas, patrones y la materialidad elegida reflejan el espíritu creativo de su propietario.

La casa comienza en la parte inferior con una paleta más oscura para el dormitorio principal y el espacio del jardín, y gradualmente se mueve hacia una paleta más clara y brillante en el nivel de entrada. En el tercer piso la luz es blanca y brillante, con un espacio que destaca las vistas del entorno.

Una escalera central curva y esculpida permite que la luz del tragaluz del tercer piso se canalice y se refracte hacia la planta baja, con listones de cromo semipulidos que generan reflejos de espejo alrededor de la escalera. •

// Planta

// Axonométrica 32

Arquitectura: Mork - Ulnes Architects

Equipo de proyecto: Phi Van Vhan, Robert Scott, Grygoriy Ladigin, Casper Mork-Ulnes, Lexie Mork-Ulnes

Interiorismo: Alison Damonte Design

Año: 2021

Superficie: 270 m²

Colaboradores: Ingenieros estructurales Santos & Urritia, Rico's General Construction Inc., Raffi Nazarian

FICHA TÉCNICA

[ ARQUITECTURA ] 35

MORK - ULNES ARCHITECTS

Estudio de arquitectura internacional con oficinas en San Francisco (EE. UU.) y Oslo (Noruega). Abordan los proyectos tanto con la practicidad escandinava como con un espíritu de innovación californiano. Desde su fundación por Casper Mork-Ulnes en 2005, el estudio ha construido en tres continentes y ha trabajado en proyectos en una variedad de escalas, desde planes maestros y edificios de uso mixto hasta residencias y cabañas. Mork-Ulnes Architects ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales y ha sido publicado en diversos medios de todo el mundo.

UBICACIÓN Ámsterdam, Países Bajos

FOTOGRAFÍA

Jorrit 't Hoen

TEXTO

Memoria de autor

Caspar Schols

Cabaña ANNA STAY

Con paredes y ventanas deslizantes, ANNA Stay abre nuevos horizontes de alojamiento en el espacio exterior. Su diseño sostenible permite a los huéspedes una reconexión tanto con ellos mismos como con la naturaleza.

Diseñada con dos estructuras protectoras deslizantes, la cabaña ANNA Stay permite ser abierta para convertirse en parte de su entorno. En el interior la estructura fue realizada en vidrio, mientras que la exterior es de madera. Al ajustarlas, ANNA cambia y se adapta al clima, el estado de ánimo o las ocasiones, lo que permite conectarse a una realidad a la que pertenecemos naturalmente.

En invierno, la estructura de madera aislada de ANNA Stay mantiene el calor en el interior. En primavera u otoño, el vidrio mantiene la lluvia afuera y da la bienvenida al sol adentro para calentar el espacio. Si hace demasiado calor, los huéspedes pueden deslizar y cerrar la capa de madera para mantener la frescura en el interior, o abrir la capa de vidrio para permitir que entre una brisa fresca. En todas las estaciones, vivir y dormir bajo el cristal, o al aire libre, está al alcance de la mano. Como cualquier organismo, ANNA responde al medio ambiente y se mueve con el ritmo de la naturaleza para permitirte ser parte de él, en lugar de ser solo un espectador. Eso prepara el escenario para experimentar la belleza de una fuerte lluvia bajo el techo de vidrio, para despertarse entre los pájaros temprano en la mañana o para quedar hipnotizado por el cielo estrellado directamente desde la cama.

[ ARQUITECTURA ] 42

En un mundo que se está volviendo cada vez más volátil y más digital, y ciertamente después de años agotadores de pandemia, las personas anhelan las conexiones. Conexiones con los demás, con el entorno y también consigo mismos. Al igual que los músculos, el cerebro necesita ser entrenado con cuidado, y si sobreestimulamos ciertas partes y subestimulamos otras, el agotamiento y la depresión pueden surgir. Particularmente cuando están conectados con nuestro entorno circundante (y el entorno natural en particular), los procesos de recuperación se ponen en marcha, un proceso que el neurocientífico Prof. Dr. Margriet Sitskoorn (Universidad de Tilburg) llama "modo predeterminado". Por eso, una experiencia tan cercana a la naturaleza, sin barreras como paredes y techos, es fundamental en momentos como estos. ANNA ofrece un lugar reconfortante para ponerse en contacto con la naturaleza interna y externa, con el objetivo de conectarnos a un mundo que en nuestra vida diaria se ve eclipsado.

DISEÑO SOSTENIBLE

ANNA se desarrolla de forma modular, lo que da como resultado un tiempo de construcción corto en el sitio y una alteración ecológica mínima. Para garantizar una huella de transporte reducida, ANNA ha sido diseñada de tal manera que permita que el 80% de sus piezas se produzcan localmente, a través de un archivo digital, en máquinas CNC e impresoras 3D, en cualquier lugar del mundo. El material de montaje se imprime en plástico reciclado.

Además, se utilizaron técnicas de extrusión de caucho y aluminio, lo que dio como resultado 26 perfiles de diseño único, para garantizar que ANNA siempre se deslice perfectamente y permanezca hermética al agua y al viento.

Dado que los materiales se expanden de manera diferente en una variedad de climas y condiciones, un gran desafío que se logró fue lograr una tolerancia de menos de 1 milímetro en las partes móviles. Los diseñadores encontraron la solución en una combinación de madera Accoya, contrachapado de abedul y aluminio. Finalmente, todos los materiales de ANNA se pueden separar y reutilizar por completo.

La versátil cabaña de madera ANNA Stay ganó el premio World Hotel Building of the Year 2022 en el World Architecture Festival (WAF) en Lisboa. El WAF es el evento arquitectónico más grande del mundo, y ANNA Stay está siendo elogiada por su diseño sostenible que permite a los huéspedes reconectarse con ellos mismos y con la naturaleza. •

// Axonométricas 45

Diseño: Caspar Schols

Superficie: 54 m²

Peso: 15 toneladas

Altura: 4,5 m

FICHA TÉCNICA

CASPAR SCHOLS

Obtuvo una licenciatura y una maestría en Física en la Universidad de Ámsterdam. Fue seleccionado para seguir sus estudios en la Academia de Artes Gerrit Rietveld. En 2016, Schols diseñó y construyó Garden House para su madre, obteniendo publicidad posterior que lo llevó a una serie de nominaciones a premios, incluido el premio Dirk Roosenburg (Eindhoven), los premios Radical Innovation Awards (Nueva York) y el Premio al Edificio Pequeño del Año Dezeen. Garden House se convirtió en uno de los 3 proyectos arquitectónicos más populares de 2017 en los Países Bajos.

Apacheta

CRISTIÁN MOHADED PARA

LORO PIANA INTERIORS

Torres de piedras revestidas con telas se complementan con muebles de madera tallada y cerámica, creando un paisaje que fusiona texturas y materiales contrastantes. Un homenaje a la naturaleza.

UBICACIÓN

FOTOGRAFÍA

TEXTO

Milán, Italia

Cortesía Loro Piana

Memoria de autor

[ DISEÑO ] 51

Loro Piana Interiors presentó “Apacheta” en la Semana del Diseño de Milán, un nuevo proyecto del diseñador y artista argentino Cristián Mohaded a través de una instalación dentro del Cortile della Seta, sede milanesa de Loro Piana, transformada en un paisaje de ensueño inspirado en la cordillera andina. Dos instalaciones al aire libre en Piazzetta Brera y via Montenapoleone 27, en el patio de la tienda Loro Piana, completan el recorrido.

Las apachetas son montones de piedras que marcan caminos y pasos en los Andes. Fueron construidos a través de los siglos por los viajeros que recorrieron aquellas distancias impenetrables y llevaron piedras desde la llanura hasta las alturas, donde fueron dejadas, al cruzar un paso, como homenaje y acción de gracias al espíritu de la Pachamama, Madre Tierra. Viajero tras viajero, piedra tras piedra, las apachetas crecieron hasta convertirse en torres macizas: de la tierra se elevan al cielo como una oración hecha de rocas irregulares. Son hermosas y sagradas, inestables en su estabilidad secular.

Las apachetas se han convertido en el punto de partida del viaje que Cristián Mohaded ha emprendido con Loro Piana Interiors, creando un homenaje a la naturaleza con un enfoque sostenible. La colaboración se basa en valores compartidos como la pasión por los materiales y la artesanía, y la certeza de que la belleza y la armonía pueden surgir de los contrastes.

Apachetas y los contrastantes paisajes de Catamarca, contraponiendo rocas angulosas, ríos, lagunas blancas y rojas, retoños de arbustos convertidos en cristales de sal, se convierten en la inspiración del paisaje que Mohaded y Loro Piana Interiors han concebido para la Semana del Diseño en Milán. Doce torres que alcanzan hasta los 8 metros se elevan desde el suelo: irregulares, angulosas, aparentemente inestables, las piedras se revisten con telas de Loro Piana Interiors de antiguas colecciones, cobrando aquí una segunda vida. De esta manera, el paisaje de las apachetas también invita a una conversación sobre la sustentabilidad y la posibilidad de reutilizar los materiales desechados.

Situados entre las torres se ubican los muebles diseñados por Mohaded: sofás, taburetes, un banco y mesas de cortesía. Presentan elementos de madera tallada a mano en las partes más redondeadas, para crear contraste, estabilidad y ofrecer superficies sobre las cuales apoyar objetos. Madera y tela se encuentran con un tercer material: la cerámica, cuyos colores se inspiran en las lagunas argentinas. Todo tomado de la paleta natural del paisaje. La cerámica se encuentra en la superficie de las mesas.

«Nos acercamos a Cristián conociendo su pasión por la artesanía, su investigación de los materiales, su extremo amor por ellos, por sus texturas y contrastes. Pensamos que era el artista adecuado para confiarle nuestros propios materiales», explica Francesco Pergamo, Director de la División de Interiores de Loro Piana. «Cuando vimos el proyecto, tuvimos la certeza inmediata de que superaba las expectativas. Cristián no solo ha puesto toda su magia en los materiales, sino que ha imbuido al diseño de todos los valores que compartimos».

Los visitantes que ingresan a la instalación se convierten en viajeros, los mismos que han construido las apachetas a lo largo de los siglos. Deambulan respetuosamente por un paisaje donde se recrean todos los contrastes originales mezclando y yuxtaponiendo texturas y materiales.

“Este proyecto es sin duda un puente más de esa relación y conexión entre Latinoamérica y la marca”, explica Cristián Mohaded. «Un paisaje único, de ensueño, que desafía la imaginación de cada una de esas almas viajeras, que viajan y se encuentran con esas monumentales construcciones en forma de torres, llenas de color y memoria de una tierra viva. “Apacheta” es un mensaje a nuestra Pachamama, es historia, es cultura, es honestidad y respeto». •

CRISTIÁN MOHADED

Es un artista y diseñador argentino nacido en Catamarca en 1980. Es egresado de la Universidad Nacional de Córdoba, y hoy divide su tiempo entre Buenos Aires y Milán. Como diseñador, siempre ha trabajado en estrecha colaboración con artesanos de su país de origen, explorando las tradiciones, la artesanía y la cultura local, desdibujando la línea entre el diseño y el arte. Cristián también trabaja internacionalmente como diseñador independiente en los campos de mobiliario, iluminación, productos e instalación. Se dedica a desarrollar y diseñar objetos con un fuerte enfoque en la materialidad, las técnicas artesanales y los procesos de producción.

Sus obras se incorporaron a las colecciones permanentes del Museo de Artes y Diseño de Nueva York, el Museo de Arte de Filadelfia y el Musée Les Arts Décoratifs de París. Desde 2016 es parte del legado de diseño argentino de la Fundación I-D-A (Investigación en Diseño Argentino), siendo uno de los jóvenes referentes del diseño latinoamericano.

Fue seleccionado para representar a su país con “Monte Abierto” para el diseño del Pabellón Argentino en la Bienal de Diseño de Londres 2021. En 2021 presentó Territorio Híbrido, su primera exposición individual en el Museo Nacional de Arte Decorativo de Buenos Aires. Su primer libro con el mismo nombre se publicó en 2022.

Es Embajador de la Marca País de Argentina, por el reconocimiento de la diversidad cultural, los materiales autóctonos y las capacidades productivas del territorio en su trabajo como diseñador. Recientemente, fue galardonado con el Premio Konex-Diploma al Mérito 2012 -2022 (Artes Visuales), de la Fundación Konex, el premio cultural argentino más importante.

Salone del salon

El arte de la pasarela y la moda

En una superficie de 465 metros cuadrados el estudio diseñó un espacio de oficinas incorporando elementos propios del mundo de la moda. La integración dota al ambiente profesional y corporativo de un estilo artístico distintivo.

China

UBICACIÓN Henan, FOTOGRAFÍA Sean, Cui Ziyang

[ INTERIORISMO ] 62

TEXTO Memoria de autor

Dentro de un área de 465 metros cuadrados, el equipo de Salone del Salon se desafió a sí mismo para concebir un espacio de trabajo incorporando las vibraciones de la moda de Milán y París. La integración inteligente de un estilo artístico distintivo en un entorno profesional de oficina redefine la calidez, la diversión y un espacio verdaderamente adecuado para el estudio de diseño.

LA ELECCIÓN DE “MÁS”

Si bien el minimalismo ha dominado el mercado del diseño, hacer “más” puede ser más desafiante que hacer “menos”. El principio de quitar énfasis a los acabados y resaltar el mobiliario se implementa completamente en la oficina del estudio. La combinación creativa de elementos diversificados, incluidas las alfombras, los muebles y el papel tapiz, elimina imperceptiblemente el estrés del trabajo diario, minimiza las restricciones convencionales y aplana las jerarquías de la oficina. Siguiendo la idea de que “una oficina también puede ser un lugar de arte”, este espacio de trabajo se rebela contra las convenciones.

Grandes áreas de estampados florales crean riqueza sin causar ningún desorden, complementando la textura negra del techo. La combinación de colores de alta saturación también transmite dinámicas espaciales a través de un lenguaje visual. El rojo y el negro se utilizan como tonalidades dominantes del espacio, lo que establece contrastes prominentes, haciendo que la atmósfera sea misteriosa pero romántica, tranquila pero apasionada.

Diferentes ambientes conviven entre sí. Los colores brillantes despiertan sorprendentemente el libre albedrío, lo que permite a los empleados cambiar sin límites sus modos de trabajo, en un ambiente relajante.

LA CALIDEZ DE LOS DETALLES

Lo que hizo el estudio para redefinir el lugar de trabajo fue más allá de los aspectos superficiales. Los diseñadores también tomaron en consideración los hábitos y demandas humanas en la vida diaria para profundizar en la armonía interna entre las personas y el espacio de trabajo.

Una serie de muebles personalizados se introducen en la oficina, incluida una zona de ocio redonda empotrada en una pared, una pizarra blanca colocada como parte de una pared, varios armarios disponibles para almacenamiento, y una mesa larga frente a la despensa. Todos estos ingeniosos detalles añaden un toque humano de calidez al ya único entorno de oficina.

RESTRICCIÓN Y DINÁMICA

La audaz combinación de rojo y verde en contraste proviene de la confianza de los diseñadores en la aplicación de colores. Al abrir la puerta verde oliva de la sala de reuniones, el personal será recibido con un color apasionado: escarlata. Complementado con colores e iluminación extravagantes, las superficies geométricas puras envuelven al personal en un ambiente animado tan pronto como ingresan a la habitación. En medio de ese ambiente, la pasión por la creación, la lluvia de ideas para las reuniones y los destellos de las ideas se inspiran de forma natural.

La sala de negociación adopta un elegante estilo chino clásico. El diseño simétrico, simple y elegante facilita conversaciones e interacciones igualitarias y agradables, mientras que las formas irregulares de los artículos representan la diversidad y la inclusión en la oficina. •

[ INTERIORISMO ] 68

Estudio de diseño: SALONE DEL SALON

Superficie: 486 m2

Fecha de finalización: febrero 2021

Equipo de Diseño: Lv Xingtan, Zheng Weibang, Xu Yawen, Li Lingfeng, Zhao Tianyi, Yang Chaojie, Song Yike, Yang Jing

FICHA TÉCNICA

SALONE DEL SALON

Estudio chino que representa la herencia de una familia en el rubro del diseño, así como también la integración de la tradición y la nueva generación. Salone del Salon combina la lógica espacial tradicional con conceptos espaciales conceptuales y narrativos.

SALONE DEL SALON

BOGEN

El bistró de las flores

En una de las calles más añosas de la ciudad italiana de Bolzano se encuentra un antiguo taller abovedado que fue transformado en un bistró. Durante el proyecto se cuidó cada detalle, logrando crear un diseño consistente con un fuerte carácter contemporáneo dentro de una estructura centenaria.

UBICACIÓN

Bolzano, Italia

FOTOGRAFÍA Alex Filz TEXTO Memoria de autor

noa* network of architecture [ INTERIORISMO ] 77

El pasado mercantil de Bolzano resuena a través de las arcadas de Via Portici —el eje principal de la ciudad— que ha sido un centro comercial para comerciantes de habla italiana y alemana desde el siglo XIII. En sus almacenes se guardaban las mercancías que luego llegarían a toda Europa. Al igual que Via Portici, también la calle paralela norte, Via Dr. Streiter, ha conservado gran parte de su aspecto original: hoy en día, todavía pasa a través de tres arcos de piedra medievales. Aproximadamente a mitad de calle hay una casa que es difícil pasar por alto: con solo dos pisos, es una de las más bajas del barrio. Una escalera exterior con un corredor abierto y portales de arco de medio punto brindan acceso al lado este del edificio, rompiendo el frente compacto de la calle.

La casa tiene un pasado fascinante que se remonta a siglos atrás. Ha estado en manos de la Orden Teutónica, un orfebre llamado Hanns en el siglo XV, el secretario municipal Ennthofer en el siglo XVI, y una larga estirpe de familias a partir de entonces. Con la intervención de noa* se buscó que la historia mercantil de Bolzano saliera a la luz.

El proyecto comprendía el espacio de la planta baja donde en el siglo XIX trabajaban zapateros, carpinteros, carreteros, comerciantes de madera y frutas, y donde más tarde se instalaría el primer restaurante de la calle. Aunque el edificio conservaba su encantadora arquitectura original, se había deteriorado con el tiempo. La familia Mayr, actual propietaria del edificio, encargó a noa* la restauración y el interiorismo de un nuevo destino: el bistró Bogen.

HERENCIA HISTÓRICA

La fuerte relación con la historia fue crucial en la definición del proyecto, tanto porque la casa está bajo protección monumental, como porque el equipo de diseño quiso enfatizar al máximo la arquitectura original de los arcos a los que el propio bistró rinde homenaje con el nombre “Bogen”, término alemán utilizado para denominar un arco.

En la fachada exterior, la intervención consistió en un esmerado revoque en blanco humo y una ampliación del arco de entrada. Aquí, una nueva ventana tripartita de metal negro sigue el arco rebajado y permite una buena iluminación natural, al tiempo que proporciona un diseño esencial y atemporal.

Para el interior, la idea de fondo fue enfatizar los cuatro arcos, que a ambos lados marcan rítmicamente los casi 19 metros de profundidad de la sala. Para ello, noa* trabajó tanto en la dimensión horizontal como en la vertical. En el primer caso, el desnivel interior existente se resolvió con una tarima de roble en la entrada, mientras que para el suelo se optó por un solado pulido gris-beige. De esta forma, no hay un fuerte contraste cromático con las paredes, y la armonía de los tonos realza todo el espacio. Por otro lado, noa* diseñó la iluminación para que los focos acentúen suavemente las curvas de los arcos. A excepción de las dos mesas al final de la sala, no hay lámparas colgantes; las lámparas de pie proporcionan iluminación adicional.

Diseño de interiores: noa* network of architecture

Tipología: gastronomía, bistró

Cliente: Roswitha y Benjamin Mayr

Período de construcción: septiembre a diciembre 2021

Tipo de intervención: restauración

Volumen: 525 m3

Superficie: 188 m2

FICHA TÉCNICA // Planta

// Corte longitudinal

AMBIENTE BOHEMIO

Durante las primeras reuniones entre los clientes y el estudio surgió el deseo de lograr un ambiente romántico y de estilo bohemio. Además, la dueña de la casa quiso darle un toque personal al espacio con su talento artesanal y artístico para las composiciones florales. Noa* retomó estas ideas y estructuró el diseño en torno a un elemento central: un acogedor mostrador de 7 metros de largo colocado bajo un techo con canastas volteadas llenas de flores secas.

Otros detalles interesantes hacen que este mueble sea único: las seis patas son una diferente de la otra y sugieren una mesa improvisada que una familia podría haber hecho para sí misma. Un espejo cubre la base central y la hace desaparecer en el espacio. La parte superior es de piedra y fue elegida por su marcado veteado y color cálido. Sobre la mesa, la composición floral parece brotar del techo junto a lámparas colgantes de mimbre que encuentran su lugar entre las flores.

RINCONES ACOGEDORES

El espacio compartido del gran mostrador contrasta con la intimidad de las pequeñas mesas del lado izquierdo del bistró, resguardadas por los arcos y con vistas al callejón. La sensación de privacidad se acentúa aún más en el primer par de arcos, con asientos integrados en el nicho y paredes revestidas de tela con un elegante estampado floral. El nicho que cierra la habitación también está diseñado de la misma manera. En un diálogo constante entre pasado y presente, noa* optó por alternar nuevos asientos en madera y tela con sillas vintage recién lacadas.

Hay dos zonas de servicio: la cocina, totalmente reformada, y los baños. Estos han sido alojados en una caja revestida con paneles de metal perforado, en los que se ha impreso el mismo motivo floral de los arcos. De esta manera, noa* combina los requisitos técnicos de la acústica con la estética del lugar: los paneles de aislamiento no son visibles debajo de la superficie de metal perforado. •

NOA* NETWORK OF ARCHITECTURE

Estudio fundado en 2011 por Lukas Rungger y Stefan Rier en Bolzano (Italia); en 2018 se inauguró una segunda oficina en Berlín (Alemania).

Noa* es una red de jóvenes arquitectos y diseñadores que explora un enfoque interdisciplinario para cada proyecto y una estrategia holística para elecciones constructivas y materiales. El diálogo con el paisaje es un aspecto importante para todo el trabajo de noa*, que interpreta la tradición alpina de acuerdo con un lenguaje contemporáneo, dirigido a una investigación estética y formal continua.

El molde y el mapa Geografías en diálogo

en conversación con Juan Frigerio

FOTOGRAFÍA

Eugenio Valentini (entrevista)

Alexander Berg (obras)

TEXTO

Diálogo y edición por el arq. Juan Frigerio, socio en Foster + Partners, miembro de American Institute of Architects y graduado en Harvard

Carla Gimbatti

[ DIÁLOGOS ]

Curioseando “en la trastienda” del taller de Carla Gimbatti junto a Wideprint, encontramos cosas mágicas: obras y fragmentos, productos y desechos fascinantes. Objetos que nos interrogaban y deslumbraron; quisimos descubrir cómo trabajan su mente y sus manos.

En esta conversación exploramos su forma de revelar paisajes y geografías, de cómo imágenes descubiertas accidentalmente desencadenan un proceso artístico irrefrenable, a la vez aleatorio, lúdico y riguroso.

Arq. Juan Frigerio, Buenos Aires, junio 2022

90 [ DIÁLOGOS ]

Juan: El primer contacto que tuve con tu obra fue en 2019 —poco antes de la pandemia—, cuando hiciste tu exhibición Acertijos en Espacio Modos, presentando la serie La piel de la tierra, tu primera exhibición en Buenos Aires. ¿Cuál fue la prehistoria de esa muestra y cómo generaste esas obras?

Carla: Esa serie que yo llamé La piel de la tierra surgió en un avión mirando revistas de vuelo. Vi imágenes de las Salinas Grandes en Jujuy y en mi cuaderno de bocetos empecé a dibujar grietas que se forman en los fragmentos de las Salinas y escribí La sal de vida . Quedó en ese cuaderno ese deseo de ir a las Salinas. Tiempo después, en otro viaje, vi fotos de unas rocas que me fascinaron y una amiga geóloga me explicó que eran sedimentos que tardaban millones de años en formarse, registros de qué pasó en ese momento, en ese lugar del planeta. Esas piedras estaban en Islandia, pero ella me cuenta que en Salta teníamos unas impresionantes, y me puse a investigar sobre nuestra geología. Esa serie surgió —y me vuelve a pasar una y otra vez— de una imagen que me impacta, me inquieta, me intriga; hay algo siempre de la geografía, de física, algo que no entiendo y sobre lo cual quiero aprender. En el caso tanto de las Salinas como de la Quebrada de las Conchas, me fui en una camioneta a hacer moldes directos de las Salinas y de las montañas.

Juan: Nos contaste cómo volcando silicona en las grietas delimitabas un sector que luego se consolidaba como un molde natural. Estas impresiones que hacés de una discreta superficie del planeta, ¿las entendés como un mapping, como registro, copia o calco, una huella fiel?, ¿o hay un trabajo que es transformativo, de edición, de recortar y encuadrar de otra forma esta impresión de la superficie y su textura?

Carla: Debo aclarar que esta silicona que vuelco no daña a la naturaleza, es como se hacen las máscaras de los actores. La técnica me permite tomar el molde. Hay algo que se repite en mis obras, y es que siempre termino en el molde por una razón u otra, en lugar de hacer una obra directa. El molde me funciona como una especie de mapa. Ese molde no tiene el sentido de reproducir exactamente, es el mapa que después me permite ir por un camino. Luego, a partir de la fragmentación, me abre infinitas posibilidades. El molde de las Salinas lo empecé con la idea de hacer un mega mural que tenía en la cabeza. Hice varios fragmentos, piezas que colgué, pero después me faltaba algo para que sea obra. Y se convirtieron en mesas. Y luego, en base a su textura, quise hacer una pequeña escultura que fuera funcional y una obra de arte accesible, y terminé haciendo los floreros en cerámica. Lo que me obsesiona son las

texturas. Al principio no tengo muy claro cómo las voy a usar; con el tiempo van cobrando sentido.

Juan: Tus moldes se van quebrando y es interesante que, además de la textura —que es como el negativo de la superficie de la tierra— esos quiebres de los cuales no tenés control empiezan a ser parte de la biografía y circunstancias de la pieza, empiezan a formar espacios, huellas, marcas que van en algún sentido “desautorizando” la obra.

Carla: ¡Si, los errores y las frustraciones siempre mejoran la obra! Hay un momento en que uno lucha contra lo que quiere hacer y lo que sucede fuera de control, en general, yo lo termino incorporando. He tirado obras que dejo en un rincón en penitencia, y un tiempo después esa termina siendo la mejor pieza, cuando en otro momento digo “esto lo puedo rescatar”. Con respecto a los fragmentos que expuse en la muestra Acertijos, los que se iban rompiendo los puse en el piso como una instalación y a la vez terminé poniendo fragmentos rotos como obra para colgar.

Juan: Hace poco estuviste en Perú viendo las salinas de los Incas, ellos transformaron un territorio, lo convierten en una geografía productiva. Mucho de lo que vos hacés es también creación de un paisaje, una intervención “in the realm of landscape” (en el reino del paisaje). Estas salinas las transformaste en un molde, en este caso un molde virtual con herramientas informáticas y no físicas. Un mapping digital que va camino a ser una obra de arte. ¿Cómo fue ese proceso y qué descubriste?

Carla: En Perú pasó lo mismo, descubrí esas salinas también en un aeropuerto mirando un libro de cocina. Me impactó la imagen que mostraban, que los Incas hayan construido esto, que aun siga esa tradición de estas piletas de sal. El significado que ha tenido la sal para la humanidad tiene tantos abanicos que quise recorrer por el mundo distintas salinas. Las nuestras son super naturales, no intervenidas. La sal con la lluvia se reproduce y sigue creciendo. En el caso de Perú, lo que tienen es un manantial de agua salada que sale de una vertiente. Los Incas construyeron estas piletas para capturarla. Es un cultivo, tiene todo un proceso de producción distinto al nuestro. Cuando empecé a buscar la manera de hacer un registro, entendí que no era posible hacer moldes, tenía que buscar otra manera ya que es un lugar remoto e inhóspito, al cual cuesta acceder. Yo quiero vivirlo y poder compartirlo. Alexey Yuranev, un fotógrafo ruso que vive en Nueva York, me sugirió hacer fotometrías, registrando una imagen en miles de fotos para después pasarlo a un software que lo transforma en un modelo 3D.

Ese modelo después se puede imprimir en metal, cerámica, barro, lo que se te ocurra. Ese es mi próximo trabajo en desarrollo este año. Ahí también juega el fragmento. Me imagino obras que son fragmentos de esas salinas o me imagino todo el modelo completo.

Juan: La fotometría tiene límites arbitrariamente seleccionados. Al ser un espacio de continuidad propio de esa topografía, que no es imprimible en una escala natural, hay una transformación en elegir qué material y qué recorte, qué quiebre hacés. Esa fotometría se vuelve un material de trabajo propio. En vez de ser un molde físico pasa a ser un molde digital.

Carla: Que vuelve a ser un mapa. Es un mapa en el cual yo voy eligiendo por dónde ir, a qué parte. Me está fascinando poder ir para atrás con técnicas ancestrales como la cerámica y aprovechar cada trabajo que me propongo, pensando qué es lo que mejor me permitiría lograrlo. En Perú fue un dron, en otros casos es algo mucho más básico.

Juan: Muchas de tus inspiraciones suceden de viaje. Estás mitad acá, mitad en Nueva York. ¿Esta vida nómade alimenta tu proceso artístico?, ¿serías la misma artista si estuvieras siempre acá en Buenos Aires?

Carla: Creo que para mí el movimiento es importante en relación a mi creatividad. Estar en movimiento me dispara ideas; o conozco alguien nuevo que me cuenta algo. Siempre hay un Otro. No llego con algo muy definido, las ideas surgen de estar en situaciones con otras personas en lugares diferentes. No soy una artista que se encierra en el estudio a crear, vuelvo al estudio a materializar; pero

en general parte de mi creación tiene que ver con el afuera, con la naturaleza o con Otro.

Juan: Contanos de la alfombra de Cliff en Brooklyn… Eso también tenía algo de trabajo social, de consolidar identidad, de darle sentido a las personas en su lugar…

Carla: Ese proyecto surgió porque me convocó una líder comunitaria en medio de la pandemia y me dijo: “Carla, necesitamos hacer algo que nos dé esperanza, que nos una, que podamos hacer algo participativo, estamos todos encerrados”. Le pedí que me dejara pensar, y justamente en pandemia hice cursos de cestería silvestre aprendiendo a sacar las hebras de las plantas y a hacer tejidos con plantas naturales; hice uno de alfombras, otros de diseño, y cuando aprendí a tejer alfombras, me puse a hacer una para mi casa. Cuando ella me convocó era invierno, la gente que ya estaba en situación precaria no tenía trabajo. Conocí a Cliff, que era un chico que vivía como si fuera en la calle, pero vivía en la escalera de un edificio. Lo primero que pensé fue en hacerle una alfombra y hacer algo con él, me parecía importante no ir y darle una alfombra, sino crear una yo trabajando con él. Le pregunté: “Si te doy una alfombra que te pueda servir para dormir, para taparte o para refugiarte, ¿qué te gustaría que esta alfombra diga?”. Entonces lo que se me ocurrió en ese momento donde todos nos sentíamos tan vulnerables, fue proponerle: “Pensá en un lugar o en un momento donde te sentiste protegido”. Eso fue un disparador para que cada persona diga cosas diferentes. Cliff nombró ciudades y también personas. Yo les daba una arpillera del tamaño de un colchón, ellos escribían y después eso se bordaba.

93 [ DIÁLOGOS ]

Fue ver a esa persona y a esa alfombra en un territorio de protección, para volver a los lugares que le hicieron bien.

Juan: Ahora, finalmente saliendo de la pandemia, estás de vuelta acá y tenés otra exhibición en curso: de-formas Cuerpos Magnéticos , en la galería Cecilia Caballero. Veo temas de obras anteriores, en cuanto a crear texturas y paisajes, pero hay una nueva espacialidad en los arreglos de las piezas, la formación de espacios, la falta de escala. Es interesante la divergencia entre lo que ve cada persona cuando ve los Cuerpos Magnéticos . Algunos ven geografías estáticas, yo veo cardúmenes de peces en movimiento. ¿Cómo las ves vos?, ¿cómo las creás?, ¿cómo se define la posición entre cada pieza?, ¿son fijas o se pueden modificar entre sí en forma más irrestricta?

Carla: Es toda una investigación que aún estoy tratando de descifrar. Estas piezas empezaron con mi deseo de ir a Islandia a ver las piedras de basalto, un paisaje de columnas

hexagonales en una costa. Empecé a tratar de reproducir eso y era muy fijo, después cuando empecé a hacer las piezas quería algo más orgánico, y surgieron composiciones con algunas restricciones. Siempre me pongo una restricción porque me ordena. La restricción puede ser que me quedé sin piezas y con las que tengo debo hacer la obra. Otras veces estoy buscando un equilibrio, me imagino piedras que se van tocando sutilmente y otras veces, al contrario, es una explosión y una expansión de partes.

Juan: En algunas componés las piezas en forma pictórica y otras son como un arreglo más aleatorio, algunas son más axiales y otras más territoriales.

Carla: Una catarsis más libre. Hago una imagen y se me ocurre algo y hago un boceto. Tengo estas pizarras donde compongo las piezas hechas y estoy yo en movimiento. Las expansivas surgen de un día donde tengo más tiempo y más energía, tengo música, y surgen estas piezas que tal vez no

tienen una forma definida, pero se ve más la individualidad que forma el todo, el fragmento. Ves la pieza individual, pero la interacción y los espacios forman un todo. Cada uno interpreta lo que quiere; no trato de no definirlo porque eso es la riqueza. Me gusta que la gente juegue con mis piezas. En la galería hay gente que ha compuesto y dejo obras propias en la pizarra magnética. Me gusta que otro descubra cosas, porque yo no soy artista de formación y nunca me sentí que podía ser artista. Entonces, lo que me gusta de este trabajo es que a cada persona que viene a mi estudio le digo: “ponete música y hacé”… La creatividad sale de cada ser humano, no tiene que ver con si estudiaste arte. Me encantaría poder hacer muestras de esta serie donde la gente que participe nutra la muestra y componga sin perder mi esencia.

Juan: Claro, uno podría tener una colección de piezas y cada persona hacer su propia obra de arte, su propio arreglo, con elementos que vos preconfigurás, y con reglas que ya quedan sugeridas en cuanto a la cantidad de piezas disponibles,

la separación aproximada entre cada una, la colección de formas, diferentes pero todas parecidas.

Carla: Si, son doce tipos de moldes que utilizo, que son como notas musicales donde se componen distintas melodías con las mismas notas. Cada obra es única, pero hecha con las mismas notas.

Juan: En la galería, viéndolas, me parecieron fascinantes las sombras que producen las piezas, las sombras sobre las formas me sugieren hacerlas más cinéticas y ver los movimientos a través de la luz.

Carla: Si, es algo que aún me queda por explorar y que le agregaría mucho. Cuando esto se fotografía con una buena luz casi que tenés otra obra en la sombra.

Juan: Con el tema del magnetismo hay cierta proximidad que las mantiene cohesionadas, pero cada pieza sigue

siendo individual. Vos las querés pegar en costados de silos, de camionetas o vehículos, y se podría también explotar la escala de las piezas y cambiarlas, porque si las vemos en forma abstracta no sabemos qué medida tienen, no tienen dimensión en realidad.

Carla: ¡Crecer en tamaño es algo que estoy probando tímidamente! Me compré un horno más grande de cerámica, de 1 x 1 x 1.30 mts., porque quiero hacer bloques más grandes.

Juan: Yo las imagino del tamaño de la geografía, convertidas en un laberinto de la escala de las Salinas o de la Quebrada de las Conchas. Poder caminar entre estas piezas gigantes del tamaño del paisaje haría tu obra full circle con los primeros temas que vimos. De pequeña dimensión tenemos tu colección de floreros, Piel de la tierra se convirtió en un objeto de uso. Tenés también las mesas de sal, mesas de aluminio. Tu obra empieza a migrar al diseño, con objetos que son artísticos, pero tienen funcionalidad.

Carla: Es que para el mundo del arte yo era demasiado diseñadora, para el mundo del diseño era demasiado artista, así que dije: “¿Saben qué? Voy a ser las dos cosas”. Hice una tutoría con Luján Cambariere después de leer su libro El alma de los objetos, y llegamos a la conclusión de que las texturas de La sal de la vida eran perfectas para hacer objetos de artista más funcionales. Todos estos floreros, las mesas, alfombras con las Salinas, y un par de cosas más que ya vendrán, irán el año que viene a una muestra que organiza Luján en uno de los museos de diseño de Berlín.

Juan: Contanos un poco de los materiales con los que trabajás: resina, aluminio, tejido con lana. Materiales de mucha textura y a los cuales le vas agregando más textura. Ahora estás trabajando con arcilla de distintos orígenes, distintos tonos de color. ¿Cómo es la selección del material en tu proceso artístico?

Carla: Depende del proyecto donde estoy el material va apareciendo solo. No es que elijo el material con el que quiero trabajar y ahí aparece el proyecto, es al revés. Cuando quiero hacer algo me pregunto de qué manera lo puedo hacer. Y de eso depende el material que use después. Cuando empecé a hacer los floreros no sabía nada de cerámica. Me fascinó y me puse a aprender de moldería, de cerámica, de barbotina, de pigmentos. Eso es lo que más me entusiasma, aprender algo nuevo y de materiales muy diferentes y que reaccionan. Y también cruzo técnicas porque, por ejemplo, un ceramista un florero lo hace en cerámica, en arcilla y después le hace un molde de yeso. Pero como yo llego de otro lado, mis floreros los hago en cera. Y el molde lo hago a partir de un florero que yo intervengo en cera. Entonces voy cruzando técnicas entre escultura y cerámica.

Juan: Empieza a ser otro proceso y otro producto que se vuelve innovativo, diferente, con una identidad propia. Me

fascinan los mapas que tenés acá para posicionar los cuerpos magnéticos. Me hace pensar de nuevo en la diferencia entre mapa y molde. La fotometría es un híbrido entre el mapa y el molde, es como las dos cosas. Y podría tener funcionalidades en los dos sentidos: en su característica digital de no ser físico y por ende de poder tener muchos futuros posibles.

Carla: Con los mapas de Cuerpos magnéticos no se me ocurría cómo hacer para que la gente entendiera cómo colgar la obra. Se me ocurrió marcarlos y hacer como un vinilo que se puede pegar en la pared y entonces la persona sabe dónde poner la pieza. Es como un print , parece como si fuera una serigrafía sobre papel. Todo el tiempo lo que hago va de un medio a otro.

Juan: Son obras que tienen distintas formas de manifestar una misma identidad. Es lo que está pasando con la mesa que empezó en yeso, y terminó siendo de aluminio.

Carla: El proceso de las mesas fue una obra que era para pared, pero me pareció que le faltaba movimiento, textura o algo interesante, entonces la apoyé en mi estudio sobre unos caballetes que tenía y accidentalmente la empecé a usar de mesa. Compartía un estudio en Nueva York con un amigo que es muy hábil. Habíamos instalado unos caños de electricidad. Me preguntó: ¿Y si le ponemos los caños de patas y la usamos de mesa en serio?” Hicimos las patas de metal y fue la primera mesa que tuve. Hablando con Luján me dijo: “Esta mesa está buenísima, tenés que tratar de ver cómo puede ser funcional en serio”. Agarré el molde de las salinas que tiene diez metros, empecé a seleccionar partes que intencionalmente buscaba que fueran una mesa. Preseleccioné dos fragmentos y del prototipo en yeso hice otro molde negativo en silicona. Ese molde se lleva a una fundición en Filadelfia donde se hace un molde en arena, y es en ese molde donde se vierten los metales. Elegí el aluminio porque era lo más liviano y después elegí pintarlos con la técnica de los autos, con poliuretano en polvo, en blanco, para que fuera bien “blanco Salina”. Toda la experiencia fue fascinante, yo no sabía nada de metales y aprendí un montón.

Juan: Acá tenés estos fragmentos de los moldes de silicona de las Salinas, y no puedo dejar de mirarlos. Los tenés que sacar de este rincón y colgarlos, tenerlos como un cuadro, porque en sí mismos son bellísimos… es como la exuvia de una criatura extraterrestre de una película de ciencia ficción que quedó acá, en tu estudio.

Carla: ¡Total! Decime si no parece una alfombra, yo quiero una alfombra con esa textura. Cuando vos ves las fotos de los fragmentos de las Salinas, cuando ves las fotos de las Salinas de Perú, todo tiene algo que no sabés si es cuerpo, si es geografía, si es mapa, si es topografía.

Juan: O si es piel. Se suele contraponer lo orgánico y lo geométrico, que yo creo que no es tal, ya que la geometría

está dentro de todos los organismos. Vos mencionabas los hexágonos de las columnas basálticas de Islandia y cuando vas a las Salinas Grandes ves que los patrones que se forman naturalmente en la superficie son hexagonales, forman hexágonos casi perfectos todos, y de igual medida.

Carla: Me fascinó un libro de Roger Caillois —un filósofo francés que colecciona piedras— que se llama The writing of stones Habla de esta geometría perfectamente imperfecta, de que hay algo que es orgánico, pero a la vez geométrico. Te quiero leer la definición de orgánico que encontré: “en referencia a un cuerpo es lo que está con disposición o aptitud para vivir. Como adjetivo, es algo constituido por partes que forman un conjunto coherente”. Los fragmentos son coherentes cuando empiezan a formar un todo. A mí me encanta esto: todo lo orgánico es algo que está en relación con Otro.

CARLA GIMBATTI

Después de graduarse de la universidad en Argentina, con formación en economía, Carla Gimbatti comenzó a trabajar con mujeres y niños que vivían en las calles. Mientras trabajaba como voluntaria en un proyecto de arteterapia, se inspiró en el poder del arte para ayudar a expresar, lograr y sanar. Cursó talleres de fotografía, pintura y escultura en Buenos Aires, que le permitieron iniciar un nuevo camino. Después de mudarse a Nueva York, Gimbatti estudió en Art Students League de Nueva York. Luego participó en un Programa de Pintura Certificada en New York Studio School. Su trabajo escultórico es el resultado de su fascinación por la naturaleza y la experimentación con materiales. Es representada por The Art Design Project Gallery Miami. Actualmente tiene sus estudios en Nueva York y Buenos Aires.

Diseñador David Jofra

Hotel Son Fogueró

Creado para alojar retiros y programas de desintoxicación física y mental, el hotel busca promover un espacio donde sus huéspedes puedan reconectarse con su propia esencia a través del diseño y el bienestar.

100

UBICACIÓN Islas Baleares, España FOTOGRAFÍA Mauricio Fuertes TEXTO Memoria de autor

Empatía, armonía, serenidad, amabilidad, fluir, realización, amor, relajación, disfrute, calma, gratitud y bondad. Estos son los 12 nombres asignados a las habitaciones del hotel, como declaración de las intenciones de este espacio ideado para realizar retiros.

El hotel está ubicado en Maria de la Salut, en el corazón de Mallorca, a solo 3 kilómetros de Sineu, nombrado uno de los pueblos con más encanto del mundo. Fue diseñado por una pareja que combinó sus profesiones —él es diseñador y ella médica— para crear un entorno idílico, pensado para la desintoxicación mental y física, así como para reconectar con la propia esencia a través del diseño y el bienestar.

Son Fogueró tiene el diseño, el arte y la salud en el centro de su proyecto, y va mucho más allá de la escapada turística habitual. El ecohotel nace con una vocación incuestionable de proporcionar un espacio de bienestar que promueva un estilo de vida saludable, con conciencia del cuerpo y de la nutrición.

Las habitaciones fueron diseñadas como piezas de arte unidas por espacios comunes, como un salón con una gran chimenea y un piano, un comedor de verano, amplios jardines y una piscina con un bar de comida saludable.

El diseño fue desarrollado por el propietario del hotel, David Jofra, fundador de la firma internacional de muebles Dareels, y su equipo. La orientación de salud holística está liderada por la segunda propietaria del hotel, Inés Alemany. •

102

103

104

105

108

109

110

Diseño: David Jofra

Superficie total del terreno: 10 hectáreas

Superficie construida: 1500 m²

Espacios: 12 habitaciones, un restaurante, un lounge, una sala de yoga

Mobiliario: fabricado con teca reciclada, fibras naturales, tejidos orgánicos y reciclados.

111

FICHA TÉCNICA

112

113

Estúdio Pedro Haruf

Renovación residencial en SILVA JARDIM

En un texto escrito en primera persona, el arquitecto Pedro Haruf detalla distintos aspectos de un proyecto que le tocó realizar sobre una pequeña calle empedrada de tres cuadras en Brasil, con casas sencillas y aire campestre, a escasos metros del hipercentro de la ciudad.

114

UBICACIÓN Minas Gerais, Brasil

FOTOGRAFÍA

Dentro Fotografia + Studio Tertúlia

TEXTO

Memoria de autor en primera persona

115

La calle Silva Jardim es única en la ciudad de Belo Horizonte, siempre miré con admiración esta pequeña calle de tres cuadras, que va desde la iglesia Floresta hasta la calle Sapucaí. Una calle empedrada, de casas sencillas y aire campestre, a escasos metros del hipercentro de la ciudad.

Uno de los paneles de graffiti más hermosos de Belo Horizonte (realizado con la participación de mi cuñado Lucas Torres) está en la calle Silva Jardim, y ahí nació Benfeitoria, un lugar clave en la cultura de la ciudad durante la última década. Siempre estuvo ahí, íntimamente conectado con esa dirección.

En 2021, Fábio, amigo y cliente, compró una casa “modernista” casi en la calle Sapucaí, una casita que ya había admirado varias veces. La llamo cariñosamente “modernistinha”, porque si bien no es una obra maestra moderna de la ciudad, conmueve porque es una casa de barrio, ordinaria en el sentido de ser una arquitectura popular, común, recurrente, pero que guarda en su intención una aspiración modernista, de un Brasil de los años 50, con relevancia estética y cultural.

Fábio es parte de una familia de emprendedores creativos, es hijo de la diseñadora Regina Misk y de los emprendedores Eduardo y Rafael Quick. Ya había trabajado con todos ellos en otros proyectos; siempre tuve oportunidades de aprender trabajando. Fue un destino feliz contar con este cliente para un proyecto a realizar en una dirección que también hablaba de mí.

La casa presentó algunos desafíos importantes para mi trabajo, como recuperar el piso de la sala principal —diseñado con piezas de peroba y braúna—, las rejas de metal con diseños geométricos y el patio trasero, un lujo en el corazón de Belo Horizonte

Años de alquileres comerciales también nos ofrecieron desafíos a superar, como la excesiva compartimentación, un pasillo muy estrecho que conecta la sala y la despensa, y la elección descuidada de los revestimientos cerámicos.

Con un presupuesto ajustado, optamos por una planta con pocas modificaciones, eliminamos la pared que dividía la sala y el espacio de televisión y redujimos el toilette para crear una conexión más cómoda entre los espacios.

En la sala hay dos ventanas altas de medidas ligeramente diferentes, solucionamos esta diferencia mediante una cortina. Realizamos una media pared en drywall, con una cortina invertida que oculta su base, creando un aspecto lineal en la habitación.

116

117

118

119

120

La cocina se abrió y se extendió hacia la despensa, creando una relación entre el comedor y una despensa abierta que sirve como conexión con la galería del patio trasero. Un corredor secundario que conectaba la cocina original con el área exterior se transformó en una despensa cerrada, que amplía el área de depósito.

Además, decidimos abrir la pared del dormitorio para ampliarlo hacia una oficina, y así crear aún más amplitud en relación con los espacios sociales. Una gran puerta de madera permite el uso de este espacio de manera íntima y reservada cuando sea necesario.

Se recuperó la zona de césped del patio trasero y se modificó la galería, que se encontraba a una cota muy alta en relación con el pasto. De este modo se creó un espacio de encuentro, conversación y contemplación del jardín.

Otro punto importante del proyecto fue la materialidad. Varios de los emprendimientos de la familia Misk Quick están relacionados con el rescate de técnicas del pasado a la luz de la contemporaneidad. Regina, la mamá de Fabio, lo hace a través de hermosas piezas en telar, tejido, crochet, bordado, entre otros. Los hermanos, mediante la utilización de la memoria afectiva como base de su actividad empresarial en el ámbito de la alimentación y el ocio. Y el propio Fabio, junto a sus hermanos, en el rescate de las técnicas artesanales de producción del café.

El lema del proyecto fue rescatar algunos elementos importantes para la materialidad de la arquitectura moderna brasileña, como mármoles, azulejos, revestimientos de madera, paneles de madera oscura, cerrajería de hierro y el uso de piedras naturales.

Aun así, teníamos el reto de hacerlo con moderación y buscando el mejor costo posible para la ejecución del proyecto. Por ello, optamos por trabajar con materiales de gran personalidad, pero económicos, como el granito Candeias, que está presente en un tono verde oscuro.

Finalmente, el proyecto tuvo un agregado especial: obras de la familia de Fábio. La artesanía y la materialidad de las piezas traducen toda la intención del proyecto. Este aspecto crea una atmósfera de comodidad, pero también le da a la casa una sensación única de familiaridad, de espacio seguro, que es típica de un hogar. •

121

Estudio: Estúdio Pedro Haruf

Superficie construida: 200 m²

Superficie del terreno: 360 m²

Año de finalización: 2021

FICHA TÉCNICA

// Planta

// Axonométrica expandida

122

123

124

ESTÚDIO PEDRO HARUF

Arquitecto brasilero egresado en 2010, actualmente realiza los posgrados de diseño de producto y diseño de mobiliario. Trabajó durante 4 años como arquitecto para el Departamento de Salud del municipio Contagem en Brasil, desarrollando y monitoreando proyectos en ese campo. Hoy se dedica a realizar casas, edificios residenciales y comerciales, proyectos de interiorismo e industriales, entre otros. Su metodología de trabajo tiene como objetivo el diálogo entre la arquitectura y las áreas afines, buscando siempre alianzas con diseñadores, fotógrafos y paisajistas.

125

126

ARQUITECTO

RICHARD NEUTRA

1892 - 1970

Austria - Alemania

FOTOGRAFÍAS: Cortesía Kettal y J. Paul Getty Trust. Getty Research Institute, Los Ángeles

TEXTO: Cortesía de Kettal (editado)

127

[ PRECURSOR ]

// Richard Neutra y su esposa Dione

La casa fue un punto de encuentro para el medio cultural de aquellos tiempos, con visitantes como Julius Shulman, Frank Lloyd Wright, Alvar Aalto, Charles y Ray Eames, Jørn Urtzon y László Moholy-Nagy.

En 1990, tras la muerte de Dione Neutra —la esposa de Richard Neutra y la madre de Dion— la casa fue donada a la Universidad Politécnica del Estado de California, Pomona.

128

// Terraza de la VDL Research House, por Richard Neutra.

Richard Joseph Neutra (Viena, 1892 - Wuppertal, 1970) fue un arquitecto y teórico austríacoestadounidense, graduado de la Universidad de Tecnología de Viena en 1912. Su encuentro en 1910 con Adolf Loos, a quien consideraba el maestro a quien debía todas sus ideas sobre arquitectura, desempeñó un papel fundamental en su formación. En 1923 se trasladó a Estados Unidos.

Mientras estaba en Chicago, Neutra conoció a Louis H. Sullivan, quien se encontraba en el último año de su vida, completando su trabajo teórico principal y su testimonio cultural, La autobiografía de una idea, publicada en 1924. Más tarde, durante una breve estancia en Taliesin en 1925, colaboró con el arquitecto Frank Lloyd Wright.

El pensamiento de Neutra, basado en la estrecha relación entre arquitectura y habitantes, contribuyó ampliamente a la definición del "estilo de California", que se convirtió en un fenómeno mundial en los años cincuenta.

Junto a su hijo, Dion Neutra —también arquitecto— crearon el estudio Richard y Dion Neutra Architecture, que ha estudiado la notable relación entre el hombre, la naturaleza y la arquitectura durante 90 años.

En 1932, Richard Neutra construyó su casa gracias a una donación del filántropo holandés Dr. Van Der Leeuw (de ahí el acrónimo VDL). Esta casa es un ejemplo particularmente importante de su obra, porque encapsula todas las teorías arquitectónicas que primero postuló en su libro Wie Baut amerika? de 1927, y años después en su libro con reflexiones más filosóficas, Survival Through Design, de 1953.

Siete años después, cuando su familia había crecido, construyó un anexo en el jardín. En 1963, la casa fue devastada por el fuego, dejando solo el anexo en pie. En ese momento, Richard Neutra, junto a su hijo, reconstruyó la casa y agregó un solárium/atrio sobre la estructura original. En esta reconstrucción incorporó todo lo que había aprendido a lo largo de los años: modularidad, control climático natural, techos de agua, interacción con el entorno natural, avances tecnológicos, etc.

Además de ser su hogar, la VDL Research House (Casa de Investigación VDL) también era su oficina. En esta vivienda, y a lo largo de más de 30 años, diseñó cientos de proyectos internacionales. Algunos de los arquitectos más representativos del movimiento estadounidense moderno también pasaron tiempo allí en su práctica como aprendices. La casa también fue un punto de encuentro para el medio cultural de aquellos tiempos, con visitantes como Julius Shulman, Frank Lloyd Wright, Alvar Aalto, Charles y Ray Eames, Jørn Urtzon y László Moholy-Nagy.

En 1990, tras la muerte de Dione Neutra —la esposa de Richard Neutra y la madre de Dion— la casa fue donada a la Universidad Politécnica del Estado de California, Pomona.

129

// Richard Neutra en la terraza de la VDL Research House.

Terraza de la VDL Research House, por Richard Neutra.

130

// VDL Research House, por Richard Neutra.

131

[ PRECURSOR ]

// Maquetas actuales de la VDL Research House.

VDL Penthouse

132

Diseñado por Dion y Richard Neutra

La empresa española de equipamiento Kettal ha creado —bajo la supervisión de Dion Neutra— un penthouse de una sola planta como réplica del pabellón de la terraza perteneciente a la antigua casa del arquitecto Richard Neutra. El diseño —VDL Penthouse — comenzará a comercializarse en 2020, junto con una versión abierta sin vidrio, denominada VDL Pavilion. Los dos prototipos se han instalado en una propiedad en la cima de un cerro de Los Ángeles, en un patio de concreto, junto a dos piscinas.

La réplica del diseño de Neutra a cargo de Kettal ha implicado la actualización de sus materiales y técnicas de construcción, mientras que todos los detalles estructurales han sido mantenidos.

Entre los rasgos morfológicos del diseño se destacan los siguientes:

1. Líneas que en su mayoría son horizontales, acentuadas por las tiras de madera que recorren la estructura, sobresaliendo 50 cm en los extremos. El mismo Richard Neutra se refirió a ellas en varios textos: “La arquitectura tradicional japonesa es horizontal; el espacio es exclusivamente horizontal. Sin un centro o eje definido, se extiende como un conjunto de salas de igual valor, ninguna de las cuales está completa, excepto en relación con las demás. El espacio es flexible y transferible, sin función fija. El uso de las habitaciones varía a lo largo del día y durante todo el año".

2. Las columnas se colocan hacia atrás 10 cm, para dar protagonismo al techo, que está ligeramente sobredimensionado. A pesar de su resistencia formal, hasta cierto punto parece como si el techo estuviera flotando ligeramente sobre el armazón de la casa.

3. Se ha mantenido la característica chimenea en el techo, que alberga los sensores de luz, la unidad de aire acondicionado y una pequeña estación meteorológica. La tecnología utilizada por el arquitecto en este proyecto sigue siendo bastante sorprendente incluso hoy, como lo demuestra la compleja instalación eléctrica, los sistemas especiales de iluminación, la instalación del teléfono, los proyectores, las estufas eléctricas, la radio, el sistema de señalización y el dispositivo de control de temperatura. Todo este despliegue tecnológico se ha actualizado con el desarrollo de un sistema de domótica, que tiene la capacidad de controlar todo: aire acondicionado, calefacción central, iluminación, etc.

4. La estructura del enrejado continúa más allá del techo, para crear un espacio abierto que se puede usar para diferentes actividades, al mismo tiempo que acentúa la naturaleza horizontal del edificio. •

133

VDL Pavilion Diseñado por Dion y Richard Neutra

134

“Estaba convencido de que el diseño de alta densidad podría tener éxito de una manera completamente humana, y vi a mi nueva casa como un proyecto piloto concreto. Quería demostrar que los seres humanos, reunidos en estrecha proximidad, pueden acomodarse en circunstancias muy satisfactorias, teniendo en cuenta esa preciosa amenidad llamada privacidad.

Armado con mis recuerdos y mis convicciones, y en contraste directo con el sentido emocional de los alrededores de mi infancia, instalé a tres familias en mi lote ordinario de 18 por 21 metros cuadrados, junto al lago Silver. Y pude organizar las cosas de manera que embellecieran nuestras vidas con abundantes plantaciones y vistas reconfortantes. Se sentía una gran sensación de libertad en la VDL, ya que todo estaba cuidadosamente planeado para evitar la interferencia entre las distintas zonas de la casa, y había muchas opciones para estar solo".

Richard Neutra

// Richard Neutra en la VDL Research House, después del incendio.

Plaza de Aire KOGAA Studio

Este proyecto comprende un diseño transportable que activa espacios urbanos infrautilizados brindándoles un propósito y una vida pública vibrante. Responde a la necesidad de aliviar los problemas del cambio climático abordando las islas de calor sobreexpuestas y la falta de espacios públicos verdes y habitables.

UBICACIÓN

República Checa FOTOGRAFÍA

JOSEMA CUTILLAS, MARCIA DAVIS, KUBÍ Č EK.STUDIO

texto Memoria de Autor

[ DISEÑO ] 136

137

El anillo superior de esta plaza de aire transportable está diseñado como un gran sistema de sombra que mitiga, enfría y brinda refugio contra el calor. Por la noche proporciona iluminación a rincones urbanos oscuros y menos seguros. Mejora la calidad del entorno urbano de manera puntuada y contribuye a construir una ciudad resiliente, aportando en consecuencia calidad espacial, entorno de vida, salud y biodiversidad. Finalmente, crea conciencia sobre la adaptación al cambio climático, facilitando y acelerando la implementación adicional de medidas prolongadas de adaptación climática, como cambios en el desarrollo espacial, la infraestructura, la construcción, los servicios, el espacio público y la seguridad de los residentes.

Es un diseño modular, duradero y reutilizable. Está hecho de tablones de madera contrachapada cortados por CNC con un desperdicio mínimo en los recortes, la base está diseñada como un sistema modular compuesto por patas verticales y bancos horizontales. Los componentes se atornillan para formar una estructura de carga circular que proporciona estabilidad a la carrocería. Se eligió la forma circular debido a su capacidad intrínseca para regular las fuerzas contrarias dentro de sí misma y, por lo tanto, convertirla en la más auto-estabilizadora de las formas geométricas elementales. La dinámica del círculo continuo puede soportar cualquier carga y, por lo tanto, solo necesita una contrafuerza para reforzarla, que se proporciona a través de la correa textil cruzada.

[ DISEÑO ] 138

139

Estudio: KOGAA Studio

Producción: Kubíč ek Visionair

Equipo de diseño: Tomáš Kozelský, Alexandra Georgescu, Viktor Odstrč ilík, Kateř ina

Ba ť ková, Marcello Coldani, Maria Fonseca, Oleksandr Voropai

Período de proyecto: 2019 - 2022

Año de finalización: 2022

Dimensiones: 14 x 14 x 6 metros / 196 m2 / 1176 m3

Colaboración en diseño gráfico y branding: Veronika Fullerová

140

FICHA TÉCNICA

141

Además, es un diseño adaptable. Los bancos posicionables permiten múltiples programas, como funciones públicas, espectáculos, mercados de agricultores o puede servir también como mueble público con asientos, iluminación y sombra.

El cuerpo combina dos partes principales: una base estructural y un componente inflable en la parte superior, midiendo en total 14 metros de diámetro y 6 metros de altura. Asimismo, la base funciona como ancla entre el anillo superior y el suelo, a través de un sistema de sujeción que hace que se sujete durante los movimientos bruscos del viento. Por último, se eleva en altura para el paso de personas, haciéndolo accesible y permeable dentro del flujo de la ciudad.

El anillo superior está diseñado como un sistema de sombreado para espacios públicos. En respuesta al problema del sobrecalentamiento de las ciudades de todo el mundo, el anillo genera una gran superficie para esconderse del sol, enfriando las zonas urbanas. El sombreado vertical y abierto evita problemas relacionados con tener un techo (socavación, acumulación de calor, problemas estructurales). •

142

143

144

KOGAA STUDIO

Fundado en 2015 por Tomas Kozelsky, Alexandra Georgescu y Viktor Odstrčilík, KOGAA tiene oficinas en Praga y Brno, República Checa. El estudio crea sustancia para el entorno construido, comprometiéndose con proyectos con un impacto positivo en los usuarios, las comunidades y el contexto local. A través de sus proyectos, la práctica aborda el tema de las estructuras inactivas y su adaptación a funciones sustitutivas.

Con la firme creencia de que cuanto más se involucre el arquitecto en todo el proceso, más eficiente, coherente y sostenible será el edificio, KOGAA se enorgullece de liderar proyectos a lo largo de todo el proceso, desde la estrategia y el plan de negocios, hasta el concepto y la viabilidad. Ha ganado numerosos premios nacionales e internacionales.

145

146

Jardín de infantes Montessori Jablonec nad Nisou

La ampliación de este jardín de infantes se enfocó en la diversión y la libertad de los niños. El proyecto, con forma de prisma y envuelto en una malla de acero inoxidable, cuenta con conexiones directas al edificio histórico y un tobogán exterior para disfrutar y explorar de manera lúdica.

UBICACIÓN

Jablonec nad Nisou, República Checa

FOTOGRAFÍA

BoysPlayNice TEXTO Memoria de autor en primera persona

Mjölk architekti [ ARQUITECTURA ] 147

148

Durante la era comunista, el jardín de infantes al que asistí cuando era niño se convirtió para servir al nuevo propósito. De hecho, todo se hizo mal allí, pero he mantenido una conexión especial con ese edificio y sus terrenos a lo largo de mi vida. Si trato de recordar mis años en el jardín de infantes, no hay mucho. Una chocolatada; la luz del sol entrando a raudales a través de las persianas en la habitación donde pretendo dormir; el olor de las sábanas en las camas diminutas, el estrecho y sombrío pasillo que conducía a los jardines, mesas con manteles de plástico con estampado de flores rosas.

Los jardines de infantes son edificios donde los niños pequeños desarrollan las relaciones más fundamentales con el mundo. A diferencia del hogar, es un lugar donde uno está solo por primera vez, fuera de la seguridad de la familia, y donde uno hace conexiones individuales con las personas y el medio ambiente, a menudo por primera vez en sus vidas. Es por todo esto que creemos que los jardines de infantes deben ser edificios extraordinarios cuya función principal sea dar a los niños la sensación de que el mundo es un lugar maravilloso y divertido para vivir. // Implantación

149

150

Cuando uno comienza a abordar el diseño de un jardín de infantes como arquitecto, descubre que la sociedad y las instituciones han enredado estos edificios en una red absolutamente impenetrable de varios estándares, prohibiciones y mandatos sin sentido. Uno quiere crear un lugar con un propósito claro: hacer felices a los niños mientras exploran el mundo, y en su lugar termina calculando una ecuación matemática compleja, contando los metros cúbicos de aire intercambiados en una cierta cantidad de tiempo. A continuación, se requiere demostrar que habrá iluminación estándar constante en todas partes por cada metro cuadrado. El edificio no puede ser de madera. Me pregunto: ¿por qué? Y no puede tener más de dos pisos. ¿Por qué es eso? No tenemos idea.

Los niños —que deberían ser los que más importen en el proceso de diseño— quedan completamente al margen. Sin embargo, sabemos que son capaces de comprometerse seriamente con las ideas arquitectónicas y responder preguntas sobre lo que sería mejor para ellos.

151

// Fachada norte // Fachada sur // Fachada este

152

// Fachada oeste

153

En Jablonec diseñamos la extensión del jardín de infantes con audacia y de tal manera que podemos enorgullecernos de decir que el criterio principal que guió el diseño fue la diversión de los niños. Nos imaginamos lo divertido que sería correr entre la parte antigua y la parte nueva del edificio a través de los baños. Queríamos que fuera posible salir de la extensión a un gran patio donde los niños estén seguros y, al mismo tiempo, tengan la mayor libertad posible. Creamos una terraza de juegos en el techo, porque la vista desde allí es hermosa. Conectamos los pisos dentro del jardín de infantes con un tobogán, que los niños usan para salir del edificio por un momento sin preguntar y luego regresar riéndose. El espacio interior es, de hecho, una gran sala dividida verticalmente en cuatro niveles. Los niños siempre pueden verse, pero también pueden esconderse en varios lugares si quieren privacidad para sus travesuras.

Creemos que no hemos fallado, no hemos sucumbido a la presión del aburrimiento y hemos creado un edificio en el que los niños serán libres para holgazanear, para desarrollarse con naturalidad, y la arquitectura satisfará sus necesidades.

154

La ampliación del jardín de infantes Montessori comprende un edificio de dos plantas de hormigón armado. Se encuentra al lado de un edificio histórico, y su forma y material contrastan con este edificio más grande. Es un prisma simple con algunas protuberancias, que está completamente envuelto en una malla de acero inoxidable. En el interior, el edificio se divide verticalmente en planta baja y tres plantas intermedias dispuestas en torno a una escalera y un vacío, sobre el que se encuentra un gran tragaluz. En los pisos intermedios hay espacios para que los niños pasen el tiempo. Cada uno tiene una atmósfera y forma diferente para estimular la mente de los niños de una manera particular. La ampliación está conectada con el edificio histórico en la planta baja y en el segundo piso. Desde la planta baja hay acceso directo al patio de juegos. Desde el segundo piso, un tobogán al aire libre conduce de regreso a la planta baja. En el tercer nivel hay un portal con escalera exterior que conduce a la terraza, equipada con una red de seguridad •

155

156

Estudio: Mjölk architekti

Año: 2020

Superficie construida: 103 m² (extensión), 238 m² (reconstrucción)

Superficie del terreno: 2264 m²

Documentación y permisos de construcción: Projektový atelier DAVID

Construcción: Termil

Interiores: CNC studio

// Planta primer piso // Planta tercer piso // Planta segundo piso

157

FICHA TÉCNICA

158

MJÖLK ARCHITEKTI

En 2008, luego de terminar sus estudios en la Facultad de Arte y Arquitectura de Liberec, Jan Mach y Jan Vondrák fundaron su propio estudio. El objetivo de su trabajo es conocer los contextos, descubrir las cualidades de los lugares, cumplir los deseos más profundos de sus clientes y divertirse haciéndolo. Buscan que esa alegría de libertad y creatividad no solo se sienta en sus proyectos, sino que también se traslade a la vida de sus clientes.

Después de terminar sus estudios en la universidad, se quedaron en Liberec, República Checa, dado que sienten que la escala más pequeña de la ciudad les permite cambiar las cosas a su alrededor. Sienten que la buena arquitectura se puede hacer desde cualquier lugar.

159

ESPACIO PUBLICITARIO

RETIRACION DOBLE

#01_España

PUBLICITARIO DISPONIBLE DOBLE DE TAPA

ESPACIO PUBLICITARIO PAGINA

PUBLICITARIO DISPONIBLE

La esencia de un proyecto

ISSUE 01

MARZO 2024

ESPAÑA

ESPACIO PUBLICITARIO DISPONIBLE PAGINA IMPAR

POSICION ESPECIAL

-EUGENIO VALENTINILorem ipsum dolor

-VICTORIA RICOLorem ipsum dolor

HERREROLorem ipsum dolor

Quienes Somos

-MARÍA VIZIOLILorem ipsum dolor

-MARIANA PAPISLorem ipsum dolor

-CRISTIÁN MOHADEDLorem ipsum dolor

-JUAN FRIGERIO-

ESPACIO PUBLICITARIO DISPONIBLE PAGINA IMPAR

POSICION ESPECIAL

En la intimidad de la casa de un arquitecto

CASA EN San Francisco

MORK - ULNES ARCHITECTS

Caspar Schols

Cabaña ANNA STAY

DISEÑO SOSTENIBLE

CASPAR SCHOLS

Apacheta

CRISTIÁN MOHADED PARA

LORO PIANA INTERIORS

CRISTIÁN MOHADED

Salone del salon

El arte de la pasarela y la moda

LA ELECCIÓN DE “MÁS”

LA CALIDEZ DE LOS DETALLES

RESTRICCIÓN Y DINÁMICA

SALONE DEL SALON

BOGEN

El bistró de las flores

HERENCIA HISTÓRICA

RINCONES ACOGEDORES

NOA* NETWORK OF ARCHITECTURE

El molde y el mapa Geografías en diálogo

en conversación con Juan Frigerio

Diseñador David Jofra

Hotel Son Fogueró

Estúdio Pedro Haruf

Renovación residencial en SILVA JARDIM

UBICACIÓN Minas Gerais, Brasil

ESTÚDIO PEDRO HARUF

ARQUITECTO

RICHARD NEUTRA

Austria - Alemania

VDL Penthouse

Plaza de Aire KOGAA Studio

KOGAA STUDIO

Jardín de infantes Montessori Jablonec nad Nisou

MJÖLK ARCHITEKTI

PUBLICITARIO DISPONIBLE DOBLE DE CONTRATAPA

ESPACIO PUBLICITARIO DISPONIBLE CONTRATAPA