INTERIORISMO DISEÑO ARQUITECTURA
40 ISSUE MONTAGU
GRIZZO STUDIO + RO.MA
MASQUESPACIO STUDIO ARGUS
AURORA DESIGN
BACH ARQUITECTES
ESTUDIO MATTY COSTA PAZ
MU ARCHITECTURE
AODA DESIGN
MARTIN CENEK ARCHITECTURE
HW STUDIO
El 40 es un número que representa la idea de un cambio, el final de un ciclo y el comienzo de otro. Un número enigmático que está presente en diversos ámbitos de nuestra vida, y siempre con un significado preciso. Un período de prueba y preparación para que finalmente se produzca un cambio, una transformación que supera la esencia del ciclo precedente.
Para dar algunos ejemplos históricos, tenemos varios pasajes tanto del Viejo Testamento como del Nuevo. Creo que todos recordaremos el diluvio universal de 40 días y 40 noches, o a Moisés permaneciendo 40 días en el Monte Sinaí, para volver con las Tablas de la Verdad que cambiarían la historia de su pueblo, un pueblo que pasó 40 años en el desierto, hasta llegar a un cambio definitivo: la Tierra Prometida.
También Jesús pasó 40 días en el desierto, para luego comenzar su tarea. Y después de su resurrección, también estuvo 40 días con sus discípulos para terminar de enseñarles lo que iban a transmitir de ahí en más: un profundo cambio para la humanidad. Y en la vida diaria, ya no tan religiosa, cada uno de nosotros es gestado durante 40 semanas —días más, días menos—, pero son 40 semanas de preparación para el más profundo de los cambios que puede experimentar un ser humano, su nacimiento.
Y acá llegó Wideprint con sus 40 números: preparación, gestación y, en muchos aspectos —económicos, sociales y políticos— un “cruce del desierto”.
Así que ahora, va a sobrevenir un cambio, si es que nos atenemos a la numerología. Estoy convencido de que en Wideprint vamos a experimentar ese cambio, tenemos nuevos proyectos, algunos muy ambiciosos, llenos de vida nueva, de nuevos lugares, nueva gente, para llevar toda la experiencia de estos años y estos 40 números. Y, sobre todo, el alma de esta revista.
Por último, un dato que quizás pueda interesarle a aquellos que ven en la matemática algo más que una materia de la escuela. La matemática encierra misterios que solo se explican profundizando en su estudio.
El número 40 es uno de los denominados “números abundantes”. En la teoría de números, un número abundante es aquel para el cual la suma de sus divisores propios es mayor que el propio número. En el caso del 40, sus divisores propios son 1, 2, 4, 5, 10 y 20, que sumados dan 42. O sea que el 40 tiene un "grado de abundancia", a diferencia de otros números naturales.
Espero que Wideprint siga representando la abundancia; abundancia de belleza, de ideas, de personas creativas, de culturas diversas, y de todos ustedes, nuestros ávidos lectores.
Eugenio Valentini Director general
(
OCTUBRE 2024
)
EDITORIAL · por Eugenio Valentini.
WIDEPRINT
INTERIORISMO: Montagu Lujo irónico y diseño kitsch en un pequeño restó urbano.
INTERIORISMO: LANWUU IMAGINE Un estudio de fotografía con elementos inacabados que invitan a la exploración.
ARQUITECTURA : Residencia de piedra Diseño sostenible que resalta la conexión con la naturaleza.
ARQUITECTURA : Casa Alesan Remodelación y ampliación de emblemática propiedad en la ciudad de Barcelona.
INTERIORISMO: Aonami Pasta Un restaurante que fusiona estética japonesa y diseño marino con cedro quemado y acero.
Interiorismo: Departamento en Retiro
Diseño: Daydreamer
Arquitectura: Aonami pasta
DISEÑO: Daydreamer Bancos interactivos que se balancean suavemente generando música.
INTERIORISMO: Departamento en Retiro Restauración de una residencia en el centro porteño con más de 100 años.
ARQUITECTURA : Caza Estrella Arquitectura minimalista y eficiencia energética.
ARQUITECTURA : Castillo Pöltsamaa Una restauración que combina historia medieval con intervenciones contemporáneas.
INTERIORISMO: Casa & Estudio · Transformación de una casa antigua de Valencia en un hogar contemporáneo.
ARQUITECTURA: SHI HOUSE Diseño residencial que fusiona naturaleza y arquitectura moderna.
INTERIORISMO : Suite 201 · Departamento que combina el encanto del pasado y un diseño actual.
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NUESTRA TAPA | OCTUBRE 2024 MONTAGU | GRIZZO STUDIO + RO.MA
Este local redefine la experiencia del sándwich con un diseño que fusiona lo elegante y lo cotidiano, destacando una estética kitsch que dialoga entre lo antiguo y lo moderno, con detalles únicos y lúdicos. FOTOGRAFÍA: Federico Kulekdjian
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ISSN 2591-2836
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Este local redefine la experiencia del sándwich con un diseño que fusiona lo elegante y lo cotidiano, destacando una estética kitsch que dialoga entre lo antiguo y lo moderno, con detalles únicos y lúdicos.
UBICACIÓN
Ciudad de Buenos Aires
Argentina
FOTOGRAFÍA
Federico Kulekdjian
TEXTO
Memoria de autor
Montagu nace con el objetivo de redefinir la experiencia del sándwich, en honor a John Montagu, el famoso conde de Sandwich, a quien se le atribuye la creación de este popular alimento. El concepto del establecimiento explora la dualidad entre lo elegante y lo cotidiano, fusionando ambas ideas para generar una atmósfera de lujo irónico, con un enfoque estético kitsch.
La fachada original del local, que contaba con molduras y ornamentos decorativos, ha sido intervenida con un diseño renovado. Los paneles de piedra caliza en forma de rombos evocan el clásico estampado inglés, mientras que piezas geométricas de terrazo en tonos granate conducen al acceso principal. Estos elementos logran una transición fluida entre el exterior y el interior, combinando lo antiguo con lo contemporáneo.
En el interior, destaca una lámpara de araña compuesta por pequeños adornos de plástico dorado, suspendida sobre una corona invertida que funciona como una mesa distintiva. La barra, revestida con fragmentos de granito gris cuidadosamente dispuestos, descansa sobre un bloque de mármol pulido. Este contraste visual genera una sensación de elegante decadencia, evocando los vestigios de una antigua gloria.
En una de las paredes se exhiben trofeos de caza irónicos: pequeños animales de plástico intervenidos con gafas y accesorios modernos, enmarcados sobre un fondo de papel tapiz verde. Esta reinterpretación sarcástica de los trofeos clásicos aporta una perspectiva humorística al espacio.
Hacia el fondo del local, una representación de un tren inglés se materializa a través de asientos y ventanas que se repiten visualmente, creando una sensación de continuidad gracias a espejos estratégicamente colocados que aluden a la experiencia de estar en un vagón. La cohesión estética del lugar se refleja en el suelo, el revestimiento de las paredes y las mesas, todos diseñados especialmente para el espacio, manteniendo una unidad cromática.
El punto culminante del diseño interior es el techo, adornado con un mural contemporáneo y lúdico que reinterpreta la célebre obra de Miguel Ángel, "La creación de Adán". En esta versión, la mano de Dios es reemplazada por un sándwich alado, mientras que Adán lleva zapatillas Jordan, una camiseta de baloncesto y tatuajes, encapsulando la fusión entre lo tradicional y lo moderno que define a Montagu.•
Fundado en el año 2020 por los arquitectos y hermanos Lucila y Federico Grizzo. Este estudio-taller se desarrolla como una investigación analítica en constante búsqueda de comprender y responder mediante experiencias a las necesidades de cada encargo, proponiendo una nueva forma de habitar, de relacionarse con la luz, la materialidad, la naturaleza y la espacialidad, intentando siempre despertar emociones que van más allá de la mera funcionalidad.
El estudio tiene la premisa de afrontar cada proyecto como una oportunidad para la exploración, que retroalimente al taller, que inspire y se conecte con el siguiente, bajo una atmósfera estimulante, en un ambiente libre de pensamiento en donde un recorrido intuitivo, práctico y táctil va desprendiendo las reglas proyectuales de cada proyecto, las cuales aparecen en todas sus escalas, hasta en los más meticulosos detalles, logrando así piezas únicas que lleguen a todos los sentidos en cada encargo.
Este estudio de fotografía presenta un diseño dinámico con elementos inacabados que invitan a la exploración. Conserva la estructura original y crea un espacio que refleja la esencia del estudio a través de materiales contemporáneos y una narrativa fluida.
LANWUU IMAGINE es un estudio de fotografía que ofrece servicios como sesiones de retratos, cobertura de ceremonias de boda y fotografía de vestidos de novia. La visión original de su fundador es capturar emociones, momentos de satisfacción personal y destacar instantes especiales a través de la fotografía.
Su propósito es crear imágenes cálidas y emotivas que retraten la belleza de la vida cotidiana. Después de diversas conversaciones con el propietario, el estudio ha acordado reflejar este espíritu de marca en el diseño del espacio.
El proyecto está situado en una comunidad residencial, y AURORA DESIGN busca capturar la belleza de los momentos cotidianos, integrando la misión de la marca con las particularidades del entorno. Estos momentos se detienen en la fluidez del tiempo, preservando el encanto de lo cotidiano.
Estudio: Aurora Design
Diseñadora principal: Yang Xuewan
Equipo de diseño: Wang Da, Zhang Sijie
Superficie: 400 m2
Diseño de iluminación: Uniimport
Construcción: Rebuilding Space Lab
Las estructuras originales del lugar se han mantenido, organizándose alrededor del núcleo central para definir las zonas funcionales de manera secuencial. Al conservar la memoria del lugar, se construye una nueva narrativa que genera tensión entre el tiempo y el espacio, evocando una sensación de "poesía moderna inacabada".
A lo largo del proceso de diseño, la diseñadora recurre a diversos medios para expresar el concepto de "inacabado". Captura la belleza de lo cotidiano en momentos efímeros, mientras reflexiona sobre lo desconocido de un futuro que aún no se ha completado.
Un brillo metálico frío revela una puerta, y los vibrantes destellos de la decoración en tonos rosas atraen la atención de quienes circulan por el lugar. El andamio, al aparecer, te transporta a un sitio de construcción que sigue "en proceso". Aunque su forma final está sujeta al paso del tiempo, en sus primeras etapas ya desprende un encanto cautivador. La diseñadora resalta este estado "inacabado", incitando la curiosidad y exploración de quienes lo contemplan.
El interior tiende a preservar la narrativa original del lugar, con techos de diseño simple y una iluminación dispuesta de manera ordenada. Esta estrategia mantiene la esencia inicial del espacio, aportándole una sensación de ambigüedad y continuidad. La interacción entre su estado inicial y su desarrollo crea un espacio que se expande infinitamente.
Las estructuras cilíndricas giratorias encierran áreas, capturando un instante en el que sus formas libres representan una sensación de fluidez y libertad, en línea con las funciones del área de recepción. En el espacio de exhibición, la diseñadora emplea estructuras cilíndricas semiabiertas para delimitar el área, creando un entorno suavemente envolvente que acompaña el flujo emocional de los visitantes y guía su mirada. Las transiciones de escenas y los cambios espaciales dependen de elementos esenciales, estableciendo un nuevo vínculo entre los invitados y el entorno.
En cuanto a la paleta de colores, se integran elementos como metal, acero inoxidable, gris cemento, tonos de madera y mármol, que aportan carácter al espacio y crean una atmósfera audaz, sofisticada y liberada. Destaca especialmente el uso de acero inoxidable y distintos metales, que dota al ambiente de una estética futurista y una textura tecnológica.
La diseñadora emplea formas geométricas simples y una paleta de colores para definir la personalidad del espacio, otorgándole una sensación de libertad, elegancia y audacia, junto con una esencia de "inacabado", reflejando así las múltiples facetas del significado de la marca. Partiendo de una visión romántica de la vida, el diseño utiliza un lenguaje arquitectónico dinámico para transformar el paisaje interior, generando una rica narrativa dentro del espacio. Al ingresar por la puerta principal, una estructura circular se convierte en el punto focal, y el diseño semi-
AURORA DESIGN busca capturar la belleza de los momentos cotidianos, integrando la misión de la marca con las particularidades del entorno.
cerrado promueve una sensación de libertad y diversidad espacial. En este punto, la diseñadora ubica la sala de exposición, estableciendo un centro emocional desde la perspectiva del cliente.
Cambiando de perspectiva, la zona de conversación adopta la forma de una barra de café. El espacio integra un concepto comercial mixto, donde el cálido aroma del café enriquece la experiencia sensorial. Esta área presenta un diseño vibrante y ordenado. Una alfombra rectangular complementa los asientos distribuidos informalmente, mientras que una estructura irregular encierra los asientos organizados. Al fondo, un toque de verde actúa como referencia visual, evocando un parque en el corazón del barrio o una zona de descanso junto al camino, donde amigos se encuentran para compartir momentos agradables.
La diseñadora moldea el paisaje de la ventana en un formato circular, imitando una lente de cámara. Al fusionar esta vista redonda con las paredes blancas exteriores, se establece la identidad distintiva de la marca LANWUU IMAGINE. El envolvente color blanco captura y conserva los momentos hermosos que se desarrollan en el interior, mientras suspende el paso del tiempo y preserva la esencia de lo efímero.
Una escalera metálica divide el espacio en áreas de trabajo y ocio, creando una transición clara entre diferentes escenas. El vestidor y la sala de maquillaje, delimitados por paredes divisorias de madera, siguen una disposición similar a los cuartos japoneses, cerrando cada área en compartimientos individuales. Este enfoque no solo asegura la privacidad necesaria, sino que también refleja una búsqueda de simplicidad y confort estético.
La puerta corrediza de textura metálica nos transporta de regreso al bullicio urbano. Mientras avanzamos por las calles, el grafiti en las intersecciones nos recibe con trazos libres que dibujan caminos despreocupados en el corredor. El contraste entre las superficies metálicas reflectantes y los materiales de concreto arquitectónico esculpe la textura y belleza estructural del espacio. En la simplicidad reside la fuerza, y a través de la reflexión, se revela la esencia personal. La diseñadora emplea estos contrastes materiales para interpretar la esencia de la marca, expresando su espíritu de superación personal.
A través de cambios de escena, la diseñadora presenta distintas interpretaciones de momentos bellos dentro del espacio. Al fusionar su perspectiva con las emociones y recuerdos de quienes lo experimentan, se refleja vívidamente la esencia de la marca y el espíritu del lugar.
AURORA DESIGN analiza y deconstruye el perfil de la marca, tomando lo cotidiano como punto de partida. A través del concepto de tiempo y espacio "inacabado", extiende la belleza de los momentos fugaces y expresa la búsqueda de superación personal de la marca mediante colores audaces. La expectativa es que, a través de una reflexión más profunda sobre los cambios en el paisaje, descubramos más belleza y calidez en el futuro.•
Estudio de diseño de interiores de alta gama, enfocado en el diseño de espacios. Está comprometido con la creación de ambientes empáticos y estéticos para los consumidores, interpretando las tendencias actuales de consumo.
Siguiendo la filosofía de diseño de "crear fantasía y belleza", Aurora Design ha brindado servicios integrales y definitivos de consultoría de diseño para clientes de élite en diversos campos, como espacios personalizados para fotografía de bodas, tiendas comerciales, restaurantes independientes y de cadena, espacios de exhibición, residencias de alta gama e instalaciones artísticas.
A lo largo de los años, a través de su servicio a marcas y la ejecución de proyectos, Aurora Design ha reinterpretado el modelo comercial inherente de las empresas, ofreciendo a los clientes una nueva perspectiva sobre el diseño.
UBICACIÓN
Montreal, Canadá
FOTOGRAFÍA
Raphaël Thibodeau
TEXTO Memoria de autor
Ubicada en un extenso terreno de Montreal, esta residencia de un solo nivel combina diseño contemporáneo y sostenibilidad. Con una distribución en forma de "L" y materiales naturales, el hogar destaca por la conexión con su entorno y la accesibilidad a lo largo del tiempo.
Estaresidencia se encuentra ubicada en un extenso terreno en la región metropolitana de Montreal, delimitada por una ruta que atraviesa antiguas tierras agrícolas por un lado y el Lago de las Dos Montañas, por el otro. Al entrar en la propiedad, un camino rodeado de altos árboles conduce hacia el lago, donde la extensa costa y la abundante vegetación se destacan como características esenciales a preservar.
Los propietarios deseaban construir una amplia vivienda de un solo nivel, con el añadido de un importante sector de estacionamiento para exhibir su colección de autos. El principal reto de este proyecto consistió en aplicar estrategias que minimizaran el impacto ambiental de una casa unifamiliar de estas dimensiones, mientras se diseñaban espacios impresionantes para resaltar las cualidades naturales del entorno.
Desde los primeros bocetos, se planteó dividir el programa en dos volúmenes distintos: el área habitable y el garaje para la colección de autos. El primero adopta una forma cuadrada y se sitúa en la parte occidental del terreno, abriéndose hacia el lago. El garaje, de forma más lineal, está semienterrado y actúa como una pantalla visual con la propiedad vecina. La disposición en forma de "L" se completa con una plaza ajardinada que define el acceso.
Ubicada lejos de la vía pública, la posición de la nueva construcción permite, por un lado, preservar el paisaje existente en la parte oriental del terreno, manteniendo la tranquilidad y privacidad del lugar, y por otro, resaltar el paisaje náutico del lago al final del recorrido. La casa ha sido diseñada para envejecer junto con sus habitantes.
Con la intención de que puedan disfrutarla a lo largo del tiempo, la accesibilidad se convirtió en un eje central del diseño arquitectónico. Todos los espacios, tanto los habitables como los íntimos, se encuentran en un mismo nivel, lo que facilita su adaptación a las necesidades futuras de los ocupantes.
Con respecto a la materialidad del proyecto, la misma se concibió para reflejar simplicidad, autenticidad y durabilidad. Se prioriza el cedro y la piedra pizarra para la envolvente exterior. La mampostería de esta piedra procedente de los municipios del este, se integra también en el tratamiento paisajístico, utilizando grava y baldosas del mismo material para las superficies transitables, lo que fortalece la conexión entre la casa y su entorno. La madera, que embellece algunas fachadas menos expuestas a los elementos, se incorpora también en los interiores; la mayoría de los techos están revestidos con paneles de cedro, aportando calidez a los espacios.
La preocupación por minimizar el impacto ambiental de esta construcción se traduce en una envolvente eficiente y sistemas mecánicos de alto rendimiento. El diálogo con expertos en simulaciones energéticas durante el proceso de diseño permitió optimizar la envolvente, incluyendo el tamaño y la orientación de las ventanas, el uso de triple acristalamiento y un aislamiento térmico que supera los estándares actuales. Además, el sistema de calefacción por convección, la losa radiante y el aire acondicionado están integrados en un sistema geotérmico.
Ingeniería civil/estructural: CLA Experts Conseils Inc.
Ingeniería mecánica/electrónica: MRA
Simulación energética: Martin Roy et Associés (MRA)
Paisajismo: Fahey et associés
Diseño de paisajismo: Uni-Vert
La nueva residencia en la orilla del Lago de las Dos Montañas se sitúa en un entorno verde, donde cada elemento interior y exterior fue diseñado para resaltar las características naturales del sitio. La simplicidad del conjunto genera un ambiente confortable, luminoso y cálido.•
BLOUIN BEAUCHAMP ARCHITECTES
Este estudio se encuentra entre las firmas de arquitectura más dinámicas de su generación. Desde su fundación en 2004, el estudio desarrolla una arquitectura que es significativa, coherente y resiliente para las generaciones futuras.
En Blouin Beauchamp Architectes, la calidad de los servicios y la experiencia de la firma se evidencian en la recurrencia de numerosos clientes y en la construcción de una arquitectura duradera que sitúa la integración humana y ambiental en el corazón de su enfoque.
Durante 20 años, la experiencia de la firma ha abarcado desde la planificación maestra hasta edificios institucionales, incluyendo el diseño de edificios residenciales y comerciales de múltiples unidades, así como proyectos enfocados en la salud y el ocio. Entre estos se encuentra una larga lista de edificios que han recibido certificaciones ambientales, junto con numerosos premios y reconocimientos por su excelencia.
Remodelación de un edificio emblemático de Barcelona para integrar 16 viviendas y dos dúplex, preservando su carácter histórico y sus elementos decorativos.
UBICACIÓN
Barcelona, España
FOTOGRAFÍA
Eugeni Bach
Memoria de autor
La Casa Alesan es, junto al edificio contiguo Palau Macaya de Josep Puig i Cadafalch, una de las edificaciones más emblemáticas del Paseo de Sant Joan en Barcelona. Encargada por Dolors Alesan en 1902 al arquitecto Enric Fatjó i Torras, la propiedad se destaca por sus artes decorativas tanto en la fachada como en los interiores.
Estucos, esculturas en piedra, trabajos en metal y ventanales conforman una fachada de bellas proporciones y presencia en el Paseo. En el interior, resalta el hall de entrada y la escalera, con un gran tragaluz en el techo que proporciona luz natural a todos los espacios.
El interior de las viviendas conserva los pisos de mosaico y la mayoría de los techos con decoración en yeso, así como destacados balcones en la fachada y galerías en el patio interno del edificio.
El proyecto consiste en la remodelación, rehabilitación y ampliación de la propiedad, con un nuevo programa de 16 viviendas y dos dúplex nuevos que se suman a la azotea del edificio. En este sentido, el mayor desafío del proyecto era aumentar de 8 a 18 viviendas, conservando al mismo tiempo el carácter de la propiedad y rehabilitando todos los elementos decorativos que la hacen tan especial, sin alterar los espacios originales, además de agregar dos plantas al edificio con un nuevo volumen que dialogue con el existente.
Para lograrlo, el proyecto rehabilita las fachadas y los espacios comunes del edificio, mediante un riguroso proceso de relevamiento y catalogación de todos los elementos. En el interior de las viviendas, la nueva distribución respeta el perímetro de los pisos y techos, trabajando con volúmenes que no agotan la altura, de modo que se puede modificar el perímetro de los espacios sin alterar los revestimientos y los techos originales.
Arquitectos: BACH: Jaume Bach, Anna y Eugeni Bach
Colaboradores: Roger Molas (Arquitecto director del proyecto), Laura Alconero, Verónica Amorós, Mário Sousa, Silvia Ripoll, Clara Sanfeliu (Arquitectos del estudio Bach), Masala Consultors (Estructuras), Atres80 (Instalaciones), BetArq (Gestión de proyectos y dirección de ejecución)
Superficie construida: 2450 m²
Superficie por planta: 340 m²
Superficie de viviendas en plantas originales: 80 m²
Superficie de viviendas dúplex de la ampliación: 190 m²
Constructor: UCSA
En cuanto a la ampliación de la propiedad, que incluye dos dúplex en su parte superior, la solución consiste en crear un nuevo volumen con un cierto nivel de abstracción que, en la ejecución de los detalles, se separa ligeramente de la edificación original. Este volumen se plantea con una fachada compuesta por lamas de gres verticales, de media sección circular diseñadas especialmente, que aportan ligereza al conjunto y establecen una relación cromática con la propiedad en la que se apoya, así como con el lucernario del edificio vecino Palau Macaya.•
En cuanto a la ampliación de la propiedad, que incluye dos dúplex en su parte superior, la solución consiste en crear un nuevo volumen con un cierto nivel de abstracción que, en la ejecución de los detalles, se separa ligeramente de la edificación original.
Jaume Bach Núñez (Sabadell, 1943) es doctor y profesor en la ETSAB – Escola Tècnica Superior de Arquitectura de Barcelona, donde imparte clases de Composición y Diseño Arquitectónico desde 1970 y ha sido miembro del Jurado de Proyecto de Grado. Desde 1968, ha combinado su labor en Arquitectura y Urbanismo de manera profesional y académica.
En 1976, fundó el estudio Bach/Mora y, más tarde, en 1998, creó Bach arquitectes junto a su hijo, el arquitecto Eugeni Bach.
Ha sido profesor invitado en instituciones públicas y escuelas de arquitectura en ciudades como Hannover, Urbino, Turín, Viena, Bucarest y Dublín. Ha dictado conferencias en instituciones públicas y privadas, así como en escuelas de arquitectura en Europa, América del Sur, Estados Unidos y Asia.
Su trabajo ha sido publicado y exhibido tanto en España como a nivel internacional, recibiendo numerosos premios y reconocimientos a nivel nacional e internacional, incluyendo varios Premios FAD, la nominación al Premio Mies van der Rohe, la Medalla de Oro en la Bienal de Arquitectura de Buenos Aires y cuatro veces la Mención Brunel de los International Awards for Outstanding Visual Design in Public Railway Transport.
Su obra ha sido difundida en más de 600 publicaciones en libros y revistas nacionales e internacionales de prestigio.
Este restaurante japonés-italiano combina cedro quemado y acero galvanizado para crear un ambiente marino único, con detalles retro y funcionalidad en el diseño.
UBICACIÓN Hsinchu, Taiwán
FOTOGRAFÍA ivanchuang
Aonami Pasta, un restaurante de estilo japonés-italiano ubicado en una comunidad de callejones en Hsinchu, toma su nombre de las aspiraciones puras y simples del chef. El objetivo es evocar de inmediato una asociación con la cultura japonesa e inspirar un concepto de diseño único.
El proceso de brainstorming llevó a un tema que explora desde las olas frescas hasta las profundidades del océano. El diseño de este restaurante se aparta de los enfoques tradicionales de diseño espacial temático oceánico, interpretando materiales como cedro quemado, paneles de acero galvanizado y cobre para crear una estética verdaderamente única e intrigante.
El restaurante, situado en una zona residencial, aspira a convertirse en un punto focal mientras refleja la esencia japonesa de la marca. Se eligió el cedro quemado para revestir las paredes exteriores, con su textura áspera y primitiva, despertando curiosidad y reflejando el compromiso del chef con el uso exclusivo de ingredientes frescos en la cocina. Además, se incorporaron tres ventanas circulares en las paredes, evocando la imagen de cabañas abandonadas y submarinos bajo el agua y así poder satisfacer el deseo del chef de ver el exterior mientras cocina.
Estudio: AODA Design
Superficie: 50 m2
El paisaje frontal de Aonami Pasta es un testimonio del compromiso del estudio con la estética japonesa, mostrando vegetación exuberante, árboles y piedras inspiradas en jardines japoneses. Combinados con paneles de acero galvanizado para crear la base, los patrones metálicos fragmentados se asemejan a la rociada del mar, creando una atmósfera visual brillante y aireada que es distintivamente japonesa.
El letrero de entrada, elaborado por un artista en cobre, incorpora un efecto de óxido turquesa para transmitir el tema del restaurante. De manera similar, las luces colgantes interiores emplean la misma técnica, utilizando pintura azul y ranuras talladas a mano para representar los patrones centelleantes de la luz solar refractando en el fondo marino, realzando aún más el tema del diseño.
El mostrador del bar y las mesas de comedor están elaborados en mármol negro y blanco con una textura que recuerda a los patrones de cuero. La textura de la superficie es áspera, haciendo eco del cedro quemado utilizado en la fachada del mostrador del bar, con paneles de acero galvanizado acentuando una sensación de suspensión en la parte inferior.
Además, la disposición ordenada de las tuberías metálicas eléctricas y de plomería sobre el mostrador del bar crea un efecto visual único cuando se ilumina, integrándolas en la estética general.
En Aonami Pasta, la destreza culinaria del chef no es solo un talento oculto, sino una característica prominente de la obra. El diseño semiabierto del mostrador del bar integra perfectamente funciones de cocina como la preparación, la cocción y el servicio, transformándolo en un escenario donde las habilidades del chef se destacan de manera prominente.
La altura y la distancia de la mesada ocultan el caos del proceso de cocina, presentando un sentido de belleza cuidadosamente curado que aumenta la anticipación de la experiencia gastronómica.•
Estudio taiwanés dedicado a fusionar la rica estética del Este con las líneas elegantes del diseño moderno. Su enfoque en texturas originales y crudas, así como en detalles intrincados, crea un estilo contemporáneo.
En AODA Design, creen firmemente que el diseño de interiores no solo se trata de crear espacios bellos, sino de influir en las emociones culturales y mejorar la calidad de vida, una filosofía que los inspira y conecta a todos. Su equipo capacitado, con una amplia experiencia en diseño, se dedica a proporcionar soluciones integrales para espacios residenciales, comerciales y de oficina.
Se enorgullecen de diseñar planes únicos que satisfacen y superan las necesidades de los clientes, haciendo que se sientan genuinamente valorados y comprendidos.
UBICACIÓN
Indiana, Estados Unidos
FOTOGRAFÍA
Leah Tribbett (fotos exteriores)
Qure Agency (fotos de estudio)
TEXTO Memoria de autor
Serie de bancos interactivos que se balancean suavemente generando música. Diseñados para promover la pausa y la reflexión, cuentan con un sistema de sonido y luces LED interactivas, transformando el banco público en un elemento terapéutico para el espacio urbano.
Daydreamer es una serie de bancos interactivos que se balancean suavemente y generan música, invitando a coreografías sincronizadas. Diseñada para ofrecer un momento de pausa y reflexión, esta obra promueve una experiencia comunitaria en un entorno sonoro relajante.
Los bancos Daydreamer pueden adaptarse y personalizarse para diversos ambientes, tanto interiores como exteriores. ¿Es posible diseñar ciudades para el sueño colectivo?
Con Daydreamer, el banco público se reinventa, favoreciendo movimientos lentos y sincronizados que aportan un valor terapéutico al espacio urbano.
Un conjunto de largos bancos giratorios está equipado con un sistema de sonido y sensores. Cada banco puede acomodar hasta cuatro personas y está hecho de roble blanco canadiense, con un arco de aluminio pintado. El arco y el área debajo del asiento incluyen luces LED interactivas que destacan el movimiento.
La instalación Daydreamer permite a los miembros del público interactuar directamente con la obra, ofreciendo un simple ritual para relajarse. Según el título de la obra, invita a la imaginación del público a jugar y convierte el espacio público en un lugar de descanso para los habitantes urbanos.
Cuando las personas se sientan y empujan los bancos para que se balanceen o giren, se activan la música y las animaciones de luces mediante un sistema de detección de movimiento. Esto combina movimientos analógicos y digitales. Los bancos pueden oscilar en cuatro direcciones o girar 360º con un poco más de impulso del usuario. El mecanismo en el centro del banco garantiza un movimiento lento y suave.
Todos los sonidos en Daydreamer son grabaciones de voces humanas. Las notas que se escuchan cambian según la posición del banco y la dirección del movimiento, mientras que el volumen varía con la velocidad del movimiento. Al asignar diferentes parámetros musicales a distintos estados físicos, se establece un vínculo entre el movimiento del cuerpo y la música. Cada banco produce un rango musical único: soprano, alto o tenor. Las partituras se vuelven más complejas cuando los bancos se mueven sincronizadamente, promoviendo la colaboración entre los usuarios. El resultado es una experiencia evolutiva que combina simultáneamente tensión, liberación, movimiento y calma.
La obra busca crear espacios sociales inclusivos y diversos. Las rotaciones lentas de los bancos aseguran un juego seguro tanto para adultos mayores como para niños. Además, el banco puede girarse al sujetar el arco, facilitando el acceso a quienes están en sillas de ruedas. La combinación de sonido, movimiento y luz ofrece una experiencia sensorial variada de manera suave. Daydreamer fomenta conexiones informales al invitar a un público diverso a explorar y disfrutar a través de la alegría.
Daily tous les jours, conocido por sus instalaciones urbanas interactivas y lúdicas que generan alegría en espacios públicos, ha sido pionero en destacar la importancia del juego y sus beneficios para la salud y el bienestar. La instalación Daydreamer permite a los miembros del público interactuar directamente con la obra, ofreciendo un simple ritual para relajarse. Según el título de la obra, invita a la imaginación del público a jugar y convierte el espacio público en un lugar de descanso para los habitantes urbanos.
Un primer conjunto de tres bancos se instaló en South Bend, Indiana (EE.UU.), como parte de un proyecto de revitalización para reconectar a los ciudadanos con su ribera. Estos bancos musicales cinéticos permiten que el público sintonice con el paisaje natural, creando a la vez un nuevo espacio para la calma en la ciudad.•
Cuando las personas se sientan y empujan los bancos para que se balanceen o giren, se activan la música y las animaciones de luces mediante un sistema de detección de movimiento.
El estudio lidera un campo emergente de práctica que combina arte interactivo, narración, performance y diseño urbano para reinventar la convivencia en el siglo XXI. Fundado en 2010 por Mouna Andraos y Melissa Mongiat, el galardonado estudio con sede en Montreal ha producido proyectos en más de 60 ciudades alrededor del mundo.
Trabajando en asociación con municipios, programadores de espacios públicos y clientes del sector privado, las intervenciones de Daily tous les jours están diseñadas para crear experiencias inesperadas que unen a extraños en un espíritu de juego, cooperación y creatividad. Los escenarios que crean colocan al ser humano en el centro de las estrategias para el desarrollo urbano, involucrando al público con ideas sobre movilidad, resiliencia, conexión social y participación cívica. Su trabajo ha sido descrito como “infraestructura para el espíritu humano”.
UBICACIÓN
Ciudad de Buenos Aires, Argentina
FOTOGRAFÍA
Pompi Gutnisky
TEXTO
Memoria de autor
La restauración integral de este departamento centenario buscó preservar su esencia original dotándolo, al mismo tiempo, de una interpretación moderna y atemporal.
Eldepartamento está ubicado en el elegante barrio de Retiro, en la Ciudad de Buenos Aires. Fue adquirido por la interiorista Matty Costa Paz y su marido en 2010. El centenario edificio residencial que data de 1919, fue construido por el Arq. Ítalo Depetris, y catalogado como edificio singular con nivel de protección patrimonial, debido a su gran valor arquitectónico y estético, y por su calidad edilicia.
El proyecto, liderado por Matty Costa Paz, implicó un exhaustivo análisis destinado a poner en valor y restaurar la propiedad. El enfoque se centró en los materiales originales —como la estructura metálica, los techos de bovedilla y los ladrillos internos de lava volcánica provenientes de una gran erupción del sur a fines del siglo XIX—, así como en las técnicas artesanales de la época. Todo el proceso de deconstrucción, transformación y reconstrucción buscó preservar la esencia del departamento, dotándolo al mismo tiempo de una interpretación moderna y atemporal.
Además de la restauración de la vivienda, el edificio cuenta con un extenso jardín de uso común, que se encontraba en estado de abandono debido al paso del tiempo y la falta de mantenimiento. A través de un acuerdo con los copropietarios, Costa Paz rediseñó, recuperó y renovó este valioso pulmón de manzana, el cual incluye un palo borracho de más de 30 metros de altura y 60 años de antigüedad. Así, un espacio verde deshabitado durante décadas se transformó en un vergel, ofreciendo una conexión visual y social con la naturaleza.
A pesar del deterioro, el departamento mantenía un encanto único: la riqueza de sus materiales originales, techos altos, amplios espacios abiertos, ventanas francesas, chimeneas, vitrales, pisos de parquet y vistas al majestuoso jardín.
La renovación, que implicó importantes actualizaciones en electricidad y plomería, adaptó el proyecto a las necesidades de la vida contemporánea. Se reorganizaron las circulaciones, se diseñaron baños amplios, una cocina moderna y sistemas de climatización, ocultando todos los elementos técnicos. El enfoque fue restaurar el edificio a su esplendor original, con una meticulosa renovación de pisos, molduras, carpinterías, yesos y chimeneas. Se repintaron los ambientes, maximizando la entrada de luz natural y las vistas, logrando un equilibrio entre el respeto por la historia y los hábitos cotidianos.
En el diseño interior, se prestó especial atención a la iluminación y a la combinación de muebles y arte contemporáneo con piezas heredadas, recuerdos de viajes y elementos cuidadosamente seleccionados a lo largo de los años. El resultado es una vivienda de generosas proporciones, abierta y a la vez íntima.
En la entrada, varios espacios se conectan entre sí, creando una narrativa perceptual para quienes recorren el lugar. El hall de entrada establece una separación entre el área de recepción, la biblioteca y el comedor/estudio, funcionando como un umbral entre las diferentes zonas. En el vestíbulo, se restauró un magnífico vitral francés con guirnaldas florales, que se combinó con una silla de fibra de vidrio diseñada por Eames, marcando un contraste entre lo clásico y lo moderno.•
Con sede en Buenos Aires y proyectos globales, Matty Costa Paz es una interiorista reconocida internacionalmente por su capacidad excepcional para combinar a la perfección arquitectura e interiorismo. Su filosofía de diseño se centra en crear espacios que evoquen las emociones que despierta la belleza.
Es ganadora de múltiples premios como el Paris Design Award 2024 y su trabajo ha sido publicado en varios libros de diseño, como The Living Room de editorial Assouline y publicaciones internacionales como Architectural Digest, AD Italia, ElleDecor, Casa Vogue, entre otras. Es miembro de Design Leadership Network.
Tres viviendas contemporáneas se integran armónicamente combinando diseño minimalista, materiales naturales y eficiencia energética.
Praga, República Checa
FOTOGRAFÍA : Martin Cenek
Imágenes con dron: Marek Jehlička
TEXTO Memoria de autor
Lacalle Libocká, que limita al norte con la histórica Reserva de Caza Hvezda (Estrella) y desciende desde Petriny hasta el estanque de Libocká y el arroyo Litovický, no resulta muy agradable a primera vista. En su lado sur, está bordeada por una sucesión irregular de casas originales, complementadas por los restos de imponentes villas suburbanas de finales del siglo XIX.
El borde norte, por su parte, está parcialmente definido por un desnivel del terreno que forma una pendiente descendente. Justo antes de que la calle gire y descienda bruscamente hacia la iglesia de San Fabián y Sebastián en Liboc, hay una parcela grande y peculiar, que solía estar casi inaccesible debido a su densa vegetación.
Esta parcela presenta varias características atípicas, como una diferencia de altura significativa entre la calle y la base del muro de la Reserva Natural Hvezda, que llega a los catorce metros. Además, un acantilado de arenisca, casi vertical y de entre ocho y diez metros de altura, divide el terreno por la mitad.
La ubicación de las casas se planificó con la idea de integrarse armoniosamente en la trama existente, respetando el carácter rural de la zona, donde las viviendas serpentean a lo largo de la calle adaptándose a los contornos del terreno. El conjunto de tres casas propuesto refleja las formas típicas de la zona en cuanto a su tamaño, forma y techos, cuyas cumbreras se orientan paralelas a la calle.
La presencia dominante de la pared de arenisca fue un factor clave en la disposición de los edificios entre sí y en relación con el entorno urbano, algo común en la formación de asentamientos rurales. Las casas están dispuestas de manera rotada entre sí, respondiendo a la pared rocosa que las respalda hacia el sur. A través de un diálogo continuo con los clientes y las autoridades, se fue definiendo la estética minimalista de las viviendas.
Los techos de las dos casas exteriores fueron diseñados a cuatro aguas para suavizar el volumen general. Entre los edificios, las aberturas permiten que se vea la pared de roca. El frente de las casas que da a la calle tiene un carácter más urbano, con pisos de piedra y árboles recién plantados, mientras que el jardín, ubicado en la pendiente sobre las casas, mantiene un estilo más salvaje, aprovechando la vegetación madura original. Este espacio está delimitado por el muro de la Reserva de Caza Hvezda.
Los tres edificios se elevan visualmente un piso sobre el nivel del suelo, dando la impresión de que las masas blancas, de formas arquetípicas y abstractas, flotan sobre una planta baja que es más pequeña en su extensión y construida con materiales diferentes. Se utilizó una combinación de revoque liso de cal blanca, madera natural, chapa metálica ondulada blanca y vidrio. En el exterior, estos materiales están acompañados por detalles de acero galvanizado y rejas de madera pintadas de gris que dan hacia la calle.
La posición elevada en el paisaje, con un piso completo de áreas habitables en contacto con la pared rocosa, y las vistas hacia Liboc y las rocas de Šárka a lo lejos, hacían necesario incluir ventanas orientadas al norte, hacia la calle angosta y transitada, para enmarcar esas vistas. La disposición aparentemente aleatoria de las ventanas de diferentes formas y tamaños en la fachada que da a la calle responde a esta intención: los grandes ventanales sin marco encuadran las vistas, ya sea de la iglesia de Liboc o del horizonte dominado por la naturaleza de Divoká Šárka. Por su parte, las fachadas que dan a los jardines están completamente abiertas al entorno natural, con grandes paneles de vidrio sin marco.
Las tres construcciones cuentan con dos pisos residenciales y un ático. La planta baja funciona como entrada para ambas casas, mientras que el edificio central, que es de departamentos, incluye áreas comunes y acceso a una escalera exterior central. Esta escalera, junto con un ascensor, conecta con los pisos de acceso a las unidades residenciales: dos dúplex y dos penthouses. La villa familiar del inversor presenta un diseño distinto en el área del jardín, donde la casa principal está acompañada por un volumen que alberga una piscina cubierta y una cocina exterior con techos verdes, que forman una terraza entre ambos espacios.
Uno de los elementos más importantes de todas las casas son las escaleras. En la vivienda del cliente, se diseñó una escalera caracol construida en hormigón armado, que conecta todos los pisos y permite una vista vertical a lo largo de toda la casa. Esta escalera, hecha in situ, fue pensada como una pieza escultórica con una fuerte presencia, visible también desde la calle a través de uno de los ventanales de los balcones de la fachada. La acompaña una baranda muy sutil, hecha con acero redondo, doblado, soldado y lacado en blanco. Como contraste, la casa familiar más pequeña tiene una escalera ligera de acero pintada de blanco, con una estructura soldada en zigzag. Por su parte, el edificio de departamentos tiene una escalera exterior de acero, con rejillas en los escalones, que permite el contacto visual con la pared rocosa mientras se sube.
El diseño interior de todas las casas sigue un enfoque similar: superficies de hormigón visto, paredes de yeso blanco, pisos de roble y muebles empotrados que combinan pintura blanca con enchapado de roble natural. Las áreas de servicio tienen pisos con mosaicos hexagonales en dos tonos de gris, y los baños, junto con la piscina cubierta de la residencia del inversor, están revestidos en un tono gris claro. La idea era generar un ambiente tranquilo y sencillo, que sirviera de fondo para la vida cotidiana de los habitantes y diera lugar a piezas de mobiliario de alta calidad. En la vivienda del inversor, también se pensó en crear espacio para su colección de arte contemporáneo checo, que se caracteriza por un esquema de colores distintivo.
En cuanto a la construcción, los edificios se levantaron mayormente con una estructura monolítica de hormigón armado, dejando a la vista la parte inferior de las losas del techo, combinadas con columnas de acero. El sistema de calefacción utiliza bombas de calor aire-agua y calefacción por losa radiante. Todas las viviendas están equipadas con sistemas de ventilación con recuperación de calor y aire acondicionado. Además, las tres casas se construyeron siguiendo estándares de eficiencia energética pasiva, lo que las hace altamente eficientes en términos de consumo de energía.•
// Sección villa // Sección departamento // Sección pequeña casa familiar
Estudio: martin cenek architecture
Ingeniero estructural: František Denk
Plomería: Tomáš Balažovic
Climatización: Ondrej Zikán
Electricidad: Petr Bürger
Protección contra incendios: Jindriška Hüttnerová
Paisajismo: Tomáš Sklenár
Estudio fundado en 2008 en Praga. Diseño sostenible simple, claro y lógico: esa es la filosofía detrás del trabajo del estudio. Martin Cenek ha estado trabajando en el campo de la arquitectura y el diseño interior desde 2003.
El estudio colabora con profesionales de la ingeniería para ofrecer servicios completos y complejos. Cuenta con experiencia en todo el proceso de diseño, desde el primer boceto hasta la supervisión de la obra. Desde 2010, la fotografía arquitectónica también forma parte de los servicios que ofrece a sus clientes y colegas arquitectos.
Este proyecto comprende uno de los conjuntos arquitectónicos más significativos de Estonia y ha sido restaurado combinando la preservación de su rica historia medieval con intervenciones contemporáneas que realzan su valor cultural y estético.
UBICACIÓN
Condado de Jõgeva, Estonia
FOTOGRAFÍA
Elcomplejo del castillo de Põltsamaa abarca varios componentes clave, cada uno con su historia y propósito únicos. Juntos, estos elementos forman uno de los conjuntos arquitectónicos más importantes de Estonia.
En el corazón de este complejo se encuentra el edificio del convento, que data de la construcción original del castillo en 1272. Con el tiempo, sufrió varias transformaciones, como cuando fue la residencia del Rey de Livonia, Magnus, entre 1570 y 1578. Esto llevó a la conversión del antiguo edificio del convento en habitaciones residenciales y representativas. A pesar de haber sido saqueada en repetidas ocasiones, la fortaleza sobrevivió y fue finalmente reconstruida como un magnífico palacio de estilo rococó en el siglo XVIII, gracias a la visión de Woldemar Johann von Lauw. Lamentablemente, en 1941, un incendio consumió tanto el castillo como la iglesia, dejando al castillo mayormente en ruinas.
Los esfuerzos por restaurar el complejo del castillo incluyeron un trabajo meticuloso de preservación y restauración en el edificio del convento. Se conservaron y techaron las paredes de esta estructura histórica, y se restauró cuidadosamente la cúpula de la torre. Una característica distintiva es la escalera de hormigón, diseñada de manera única, que ofrece una experiencia abierta y aireada, mientras brinda vistas espectaculares a través de la histórica torre de siete pisos. En la cima, se erigió una nueva cúpula de acero con una plataforma de observación, que recuerda a la cúpula histórica.
Las adiciones arquitectónicas en esta área se distinguen de las antiguas con su tono gris acero, creando un contraste armónico con el fondo de piedra caliza gris y ladrillo rojo. Los tonos naturales de la madera en las estructuras del techo aportan calidez a los edificios, y las partes nuevas, diseñadas con la mayor simplicidad, se integran perfectamente con la arquitectura antigua.
Otra parte integral del complejo del castillo es la casa de la entrada, que permaneció en ruinas durante un largo período. Esta estructura ha sido transformada en un moderno centro de visitantes y museo, inaugurando una nueva fase en su rica historia. El museo cuenta con un impresionante espacio de 800 metros cuadrados, que incluye un centro de información con boletería, una tienda de souvenirs, baños, guardarropas y una oficina. Cinco salas de exposición distintas cuentan la cautivadora historia del complejo del castillo y sirven como lugares versátiles para diversos eventos.
Es notable un amplio salón con sillones elevados y una pequeña cocina, ideal para proyecciones de películas, seminarios y otras reuniones. El plano abierto del piso superior permite vistas y acceso a la galería, que puede conectarse a un futuro pasadizo a lo largo del muro circular del castillo.
Estudio: Studio Argus
Superficie del proyecto: 8.100 m2
Superficie del terreno: 20.969 m2
Presupuesto del proyecto: EUR 4.600.000
Niveles del edificio: 8
El diseño de la casa de la entrada incorpora cuidadosamente materiales como madera, acero y hormigón, destacando las impactantes paredes históricas y la importancia de la exhibición.
El patio y el escenario al aire libre del complejo del castillo también fueron rediseñados para mejorar la experiencia de los visitantes. El escenario exterior está revestido con chapas de zinc perfiladas y madera en tonos grisáceos, mientras que las islas verdes circulares en el patio generan un contraste interesante con la disposición estructurada y rigurosa del resto del castillo.
En el pasado, estos edificios estaban conectados entre sí a través de pasajes defensivos. Como parte de los planes de renovación del complejo, se busca abrir los muros circulares al público, permitiendo una conexión más profunda con la rica historia del castillo.
En 2023, el Castillo de Põltsamaa obtuvo el Gran Premio Anual por el Endowment Cultural de Estonia y el Premio Anual de la Junta Nacional de Patrimonio de Estonia. Estos reconocimientos subrayan el impacto arquitectónico y cultural del castillo.•
Es notable un amplio salón con sillones elevados y una pequeña cocina, ideal para proyecciones de películas, seminarios y otras reuniones. El plano abierto del piso superior permite vistas y acceso a la galería, que puede conectarse a un futuro pasadizo a lo largo del muro circular del castillo.
Con sede en Tallin, Estonia, el estudio ARGUS, liderado por la arquitecta Margit Argus, cuenta con más de 20 años de experiencia en diseño de interiores, bellas artes y arquitectura. Bajo una dirección visionaria, el estudio ha ganado amplio reconocimiento, incluyendo nominaciones al Premio de Arquitectura Contemporánea de la UE.
Con raíces en la estética nórdica, el estudio ARGUS integra influencias culturales en su filosofía de diseño, logrando una fusión armoniosa entre la visión contemporánea y el patrimonio establecido. Participa en una variedad de proyectos, entre ellos, un hotel costero en Tallin, un edificio de gran altura con departamentos, un hotel, un campus universitario en Tallin y proyectos escolares. Además, el estudio se dedica a la conversión meticulosa de sitios culturalmente sensibles. Reconocido por su enfoque integrador, el estudio destaca también en prestigiosos proyectos institucionales, como las embajadas en Londres y Moscú.
Más allá de los proyectos encargados, el estudio ARGUS participa activamente en iniciativas de investigación y programas educativos en curso, demostrando su compromiso con la evolución continua del diseño y la innovación. En su esencia, la misión del estudio está impulsada por una ferviente motivación para superar los límites creativos mientras crea espacios que irradian un encanto duradero y atemporal.
Los creadores del estudio Masquespacio encontraron su hogar ideal en una casa antigua típica valenciana, donde han logrado integrar la esencia histórica de la vivienda con su estilo artístico contemporáneo, reflejando su trayectoria y pasión por el diseño.
UBICACIÓN
Valencia, España
FOTOGRAFÍA
Luis Beltran
TEXTO
Memoria de autor
Estudio: Masquespacio
Colecciones de mobiliario y objetos: Mas Creations
Superficie: 450 m2
3 años los creadores del estudio Masquespacio decidieron comprar una casa. Aunque su idea inicial era un departamento en el centro de Valencia, se enamoraron de las casas antiguas típicas valencianas que se encuentran principalmente en pueblitos rurales alrededor de la ciudad. Por eso, cambiaron de opinión y comenzaron a buscar una de estas casas históricas cerca de Valencia para poder desplazarse fácilmente.
Sin embargo, la búsqueda fue muy ardua y llena de obstáculos. Firmaron documentos para comprar una casa en 4 ocasiones, pero debido a diferentes circunstancias, ninguna se concretó. Fue entonces cuando encontraron una casa única, en medio de la naturaleza, rodeada de hermosos árboles y con vistas increíbles. Pero después de 6 meses gestionando la documentación, tampoco pudieron comprarla.
En ese momento, su sueño se derrumbó y se sintieron un poco desesperados. Volvieron a buscar y, dos semanas después, encontraron una nueva casa. Entraron a verla y se enamoraron inmediatamente. Le dijeron directamente al propietario que querían comprarla. La casa lo tenía todo: un entorno precioso, un buen tamaño para vivir arriba y trabajar abajo, mucha luz y las características típicas de una casa valenciana antigua de 1925.
Al llegar a la casa, en un minuto se puede reconocer en la fachada los detalles de una vivienda de principios del siglo XX con este estilo, con sus adornos de celosías y la puerta original de madera. Su intención siempre ha sido mantener la esencia del carácter histórico de la casa, respetando la belleza de su pasado.
Al entrar a la casa, se aprecia cómo se conservaron los originales pisos de mosaico, junto con los zócalos y el techo, en combinación con las paredes de ladrillo visto.
Dado que allí se encuentra su oficina, añadieron un contraste de colores al carácter original. Crearon mesas utilizando una celosía similar a la de la fachada, combinada con madera de colores. Las cortinas con capas de diferentes colores tienen como objetivo aportar un toque de calidez al espacio.
Un paso más adelante en la casa se encuentra la sala de reuniones. Allí se vuelven a ver las cortinas con capas y la mesa con patas de celosía y tablero de madera, que conecta con los materiales de su oficina. En esta área, sin embargo, utilizaron un microcemento de color en el suelo y una textura rugosa en algunas paredes. Estas dos últimas incorporaciones de materiales crean un punto de conexión con los que usaron en su vivienda, ubicada en el primer piso de la casa, ya que desde este espacio se accede a la cocina y la sala de estar.
En un sector anterior a las escaleras crearon un jardín interior que funciona como punto de transición entre espacios, donde pueden tener un almuerzo familiar, hacer deporte o realizar una sesión de fotos de sus diseños, entre otras cosas.
En la casa de arriba, el punto culminante proviene del juego de formas cuadradas, triangulares, circulares y semicirculares. Allí, también quisieron respetar la belleza de los detalles antiguos del edificio. Sin embargo, su mano es más visible en la búsqueda de combinar una estética con un toque brutalista, reinventada con su contraste de colores, materiales artesanales, texturas y formas.
El primer espacio al que se accede es la cocina, un ambiente diáfano donde se reconoce inmediatamente el juego de contrastes de formas por los materiales utilizados. Allí buscan materiales más sofisticados como mármol, aluminio, microcemento y azulejos hechos a mano. Por su parte, el mobiliario, diseñado íntegramente por su estudio como parte de las colecciones Mas Creations, aspira a resaltar en todo momento sus texturas, formas, materiales y colores particulares. La explosión de colores es más fuerte en este espacio, pero también ofrece una sensación de frescura al ambiente. Cabe destacar la colección CONO, parte de la primera serie que diseñaron y produjeron directamente en su estudio, utilizando impresión 3D en arcilla, y terminada a mano.
Con las cortinas también añadieron un toque más de calidez al espacio, mientras que la escalera que conduce a la terraza de servicio se conservó en su estado original.
Al salir de la cocina, un pasillo en el lado izquierdo conecta con una pequeña terraza. Un poco más adelante se encuentra el baño, que llama la atención por su toque de color amarillo creado con azulejos artesanales y la pared realizada con la tradicional técnica mediterránea del trencadís.
La pared con acabado de cemento rugoso recuerda a la sala de reuniones de la planta baja y al carácter parcialmente industrial del edificio. Luego, a la izquierda, una cortina hecha a medida da privacidad a esta zona, mientras que se observan algunos elementos de sus colecciones de muebles.
Al final del espacio se encuentra el dormitorio, donde instantáneamente la cama en forma de bola con un toque de color flúor capta toda la atención. Esta cúpula que les ofrece una desconexión total al final del día fue diseñada por su estudio y fabricada con un robot 3D.
Al costado derecho de la cama crearon una pequeña sala de televisión con más piezas de sus colecciones, mientras que hacia el lado izquierdo tienen su sala de meditación con un toque rosa flúor.
El proyecto de la casa de los creadores de Masquespacio representa muy bien su trayectoria y el estilo artístico que han ido desarrollando durante todos estos años, siempre con el objetivo de mantener y respetar el estado original de la casa.•
Estudio de diseño fundado en 2010 con el objetivo de hacer algo diferente, algo que llenara de orgullo a sus fundadores y transmitiera su afán por buscar la innovación en cada proyecto. Han tenido la suerte de trabajar en varios países del mundo, descubrir nuevas culturas y hacer nuevos amigos. Gracias a su enfoque innovador para cada diseño, han sido galardonados con numerosos premios internacionales relevantes, junto a un continuo reconocimiento internacional por parte de medios especializados en diseño, moda y tendencias de estilo de vida.
UBICACIÓN
Morelia, México
FOTOGRAFÍA
Cesar Bejar, Edmund Sumner
TEXTO
Memoria de autor
Ubicada en una barranca, esta casa se integra armónicamente con su entorno, fusionando elementos naturales y artificiales en un diseño contemporáneo y equilibrado.
CasaShi, proyectada por HW Studio, se asienta pacientemente en la ladera de una barranca, esperando cada día que el sol se esconda detrás de la montaña.
Este proyecto se compone de un elemento vertical que alberga las escaleras y algunas circulaciones horizontales, optando por una materialidad en piedra que, con el tiempo y las inclemencias del clima, se integrará a la montaña sobre la que se encuentra; y un elemento horizontal blanco que acomoda la totalidad del programa de la casa.
El volumen de piedra conecta verticalmente la entrada y los garajes con el resto de la casa, que se encuentra anidada dentro de este volumen blanco disruptivo, abstracto e incluso desafiante, que busca un equilibrio visual entre lo natural y lo artificial. En algunas culturas orientales, se cree que para experimentar intensamente cualquier fenómeno, es necesario colocar juntos dos opuestos; esta casa podría ser un ejercicio en el encuentro de estos dos opuestos: la montaña barroca, rebosante de vegetación, y los dos volúmenes platónicos.
La casa parece asentarse suavemente sobre la montaña, con la parte final de la losa flotando levemente sobre ella.
La casa se cierra a los vecinos a través de un muro ciego. Se abre hacia el frente y un lado donde se encuentra un campo de golf y una reserva natural, que se enmarcan horizontalmente con algo tan simple como un piso y un techo que abarcan la longitud de la sala de estar, el comedor y la cocina. La arquitectura sirve como un marco que enfatiza la belleza de la barranca. Para este propósito, se empleó el Engawa, o espacio interior-exterior que rodea toda la superficie de vidrio, con el objetivo de difundir la luz y provocar una transición suave entre la montaña y la propia casa.
Sin embargo, los dormitorios y las áreas privadas permanecen aislados, sin ventanas al exterior. La iluminación necesaria se recibe a través de un largo patio, un punto de encuentro íntimo para la familia, que solo se conecta con el exterior a través del cielo.
Estudio: HW STUDIO
Arquitecto principal: Rogelio Vallejo Bores
Arquitecto: Oscar Didier Ascencio Castro
Equipo: Nik Zaret Cervantes Ordaz
Superficie: 440 m²
Una división central entre las áreas sociales y privadas de la casa se marca de manera prominente por un largo eje que culmina en el campo de golf. Este eje, o pasillo, presenta una anomalía: una única pared ligeramente curva que busca suavizar el recorrido y que también sirve como un homenaje a las tres mujeres que componen la familia.
La casa parece asentarse suavemente sobre la montaña, con la parte final de la losa flotando levemente sobre ella. Está soportada por pilotes cubiertos por la misma tierra de la excavación, dando la impresión de que este gran elemento blanco simplemente decidió posarse allí.•
HW STUDIO
Estudio de arquitectura creado en Morelia, México, en 2018, durante el auge de un estallido violento en el país. El estudio surgió con el propósito de estimular e involucrar principios artísticos y filosóficos orientales y occidentales en los procesos arquitectónicos, para recrear espacios que evoquen y promuevan la paz.
Comienzan sus proyectos con un profundo estudio del cliente y el lugar, basándose en una técnica de meditación que facilita la creación y diseño de espacios para transmitir una sensación de serenidad, tranquilidad y silencio en un mundo cada vez más ruidoso y violento. Esta propuesta se aleja de respuestas arbitrarias y egoístas.
HW Studio busca constantemente promover la apreciación de lo que realmente importa en la vida, eliminando lo no esencial de la arquitectura para alcanzar estados de paz interior a través de la contemplación consciente. Conciben y luchan por una arquitectura que logre detener la mente e introducirnos en el silencio, donde se pueden encontrar pequeños destellos de paz.
El nombre, HW Studio, proviene de la unión de la letra 'H', que en español es considerada muda y, por lo tanto, una representación gráfica del silencio, y la letra 'W', derivada del concepto japonés de Wabi Sabi.
Este departamento fusiona historia y modernidad, evocando el encanto del pasado con un diseño contemporáneo.
UBICACIÓN
Montreal, Canadá
FOTOGRAFÍA
Ulysse Lemerise Bouchard
Ubicado en Montreal, Suite 201 es un departamento de uso ocasional en la histórica y codiciada zona del Viejo Montreal. Frente al río San Lorenzo, los antiguos edificios de esta calle fueron testigos del nacimiento de la ciudad hace casi 400 años.
Esta cautivadora suite residencial, ideada por MU Architecture, se inspira en el pasado de su ubicación. Antiguamente habitada por Joe Beef —recordado por haber sido el propietario del restaurante y taberna que se convirtió en un lugar emblemático en el Viejo Montreal— esta antigua posada recibía cálidamente a los trabajadores y marineros del bullicioso Puerto de Montreal durante el siglo XIX. Apodado el "Hijo del Pueblo", este generoso tabernero convirtió su establecimiento en un cálido refugio de confort. Suite 201, construida sobre estos cimientos históricos, busca encarnar una atmósfera acogedora y amigable.
Al ingresar, un vestíbulo proporciona una vista intrigante del amplio espacio común a través de un panel de vidrio ligeramente ahumado. Se revela una atmósfera tranquila. La detallada carpintería y las paredes de piedra envejecida funcionan como cápsulas del tiempo, transportando a los visitantes a épocas pasadas. Este espacio ha logrado conservar admirablemente su esencia, reflejando una profunda conexión con su legado.
Centrada en el concepto de taberna, la sala de estar, dividida en tres zonas distintas, cada una con su propio ambiente y paleta de colores, se integra a la cocina, transformada ingeniosamente en un bar de servicio funcional. Esta combinación arquitectónica ofrece una experiencia inmersiva que va más
Estudio: MU Architecture
Equipo: Charles Côté, Jean-Sébastien Herr, Tommy Chouinard, Céleste Main, Baptiste Balbrick, Rebecca Dubé, Thelma Lavieille
Contratista general: Bâtitu Inc.
Superficie: 182 m2
allá de lo meramente residencial. Para reforzar este concepto, el comedor tradicional ha sido eliminado de manera artística.
El amplio ambiente se inunda de luz natural gracias a las grandes ventanas que ofrecen una vista pintoresca del viejo puerto de Montreal. Con solo accionar un interruptor, una película polarizada opaca las ventanas para garantizar privacidad total. Las paredes de piedra auténtica, que evocan la rica herencia del barrio, aportan un sentido de historia. A su vez, el techo revestido en madera aporta una atmósfera refinada y sutil, recordando el estilo arquitectónico de la época.
Continuando con la atmósfera sutil, la cocina y el bar incorporan más trabajos en madera oscura, esta vez en un tono más profundo. La madera teñida de negro permite que la veta surja sutilmente, aportando calidez y profundidad al material. Para un efecto completamente dramático, las mesadas de cuarzo negro y los paneles de metal, que coinciden con el esquema de color de la campana y las estanterías, completan el conjunto. Las estanterías metálicas integran discretamente la iluminación ambiental, cuya fuente permanece imperceptible. Para equilibrar la estética oscura de la cocina, se han incorporado curvas suaves y esquinas redondeadas, que aportan fluidez
y movimiento. Un reposapiés y una grifería de bronce le dan al espacio un toque histórico y elegante.
Además de ocultar el lavadero detrás de una de las puertas, otra puerta secreta revela una completa área de relajación. Las instalaciones de spa, un baño de vapor, una ducha y plataformas de relajación crean un refugio perfecto para desconectar. La iluminación indirecta y las superficies cerámicas que imitan piedra oscura transportan a un espacio sereno que parece esculpido en la roca. Los paneles de vidrio ahumado y los acentos de madera de iroko contribuyen a esta atmósfera tranquila y relajante.
Al atravesar otra entrada oculta, una puerta secreta se abre al área de vestidor adyacente al dormitorio principal. Ingeniosamente oculto detrás de un espejo, este portal conduce a amplias paredes adornadas con paneles de madera meticulosamente elaborados, que esconden espacios de almacenamiento abundantes y una discreta salida de emergencia. El encanto de las particiones de vidrio ahumado guía hacia un baño íntimo con acabados naturales e intrincadamente detallados, evocando una atmósfera cautivadora y relajante.
Los cuartos para dormir no solo albergan un segundo dormitorio, sino también un baño compartido adicional. Al salir de allí, se reingresa sin esfuerzo a la sala de estar, completando un diseño laberíntico pero fascinante. Este layout arquitectónico imbuye secreto y funcionalidad, fusionando armónicamente la funcionalidad con un atractivo estético que cautiva los sentidos.
Elaborado con precisión meticulosa, este proyecto se integra y se entrelaza armoniosamente dentro de un antiguo edificio histórico, destacando los detalles intrincados como su esencia. Cada disposición y conexión ha sido cuidadosamente diseñada para lograr un espacio elegante y refinado. La elección de los muebles, la incorporación de obras de arte y los elementos decorativos revitalizan el entorno, evocando las memorables y legendarias veladas de la época del icónico Joe Beef.•
Fundado en Montreal en 2010 por Charles Côté y Jean-Sébastien Herr, el estudio es conocido por sus residencias contemporáneas elegantes, sus espacios de oficina creativos y orientados al ser humano, y sus proyectos vanguardistas a gran escala. Aprovechando su experiencia en varias firmas de arquitectura de renombre mundial, los fundadores de MU Architecture han podido enriquecer su experiencia con los más altos estándares en Montreal, Viena, Barcelona y Dubái.
El estudio moldea espacios y estructuras para crear experiencias únicas e infinitas. Su estilo refinado y luminoso toma una nueva forma con cada proyecto. Abogando por valores ecológicos propios de su generación, promueve un equilibrio entre la arquitectura icónica y la preservación de los ecosistemas.
La nueva línea de Cortinas Tradicionales combina la herencia de la artesanía italiana con las innovaciones tecnológicas que distinguen a la marca.
DISEÑO ITALIANO, ELEGANCIA INIGUALABLE
Con telas de origen italiano, cada cortina se destaca por su calidad excepcional. La colección ofrece una cuidada selección de telas que se distinguen por su suavidad, texturas y una amplia gama de colores. Entre las opciones, se incluyen telas black out y translúcidas, en una paleta de 128 colores y 28 colecciones exclusivas, permitiendo una personalización total para cualquier espacio
TRES TERMINACIONES PARA ELEGIR
Las Cortinas Tradicionales permiten elegir entre tres estilos de terminación superior, brindando flexibilidad para adaptarse a distintos gustos y estilos decorativos:
Ondas: para un look moderno y relajado, con una caída suave que crea ambientes contemporáneos. Tablas: ideales para un estilo clásico, aportando simetría y un toque de sofisticación.
Pliegues: una opción refinada que añade detalle y estructura al espacio. Cada terminación está confeccionada con precisión gracias a la tecnología avanzada de Hunter Douglas, garantizando pliegues exactos y una apariencia uniforme en toda la cortina.
SOLUCIONES A GRAN ESCALA
Perfectas para grandes ventanales, las Cortinas Tradicionales pueden fabricarse en medidas de hasta 4 metros de alto por 6 metros de ancho. Además, son compatibles con otras cortinas de Hunter Douglas, como los modelos Roller, Horizontales de Madera o Aluminio y Duette, lo que permite combinaciones que maximizan el control de luz y el diseño del ambiente.
También son compatibles con el Riel Scorpio, un sistema motorizado exclusivo de Hunter Douglas que permite controlar las cortinas de forma remota, añadiendo funcionalidad y confort a cualquier espacio.
Pared, la galería de arte que celebra la diversidad creativa con más de 3.700 obras de artistas consagrados y emergentes, suma una propuesta editorial: la comercialización de la Revista Wideprint y el DOSSIER de Arquitectos e Interioristas.
Pared es una galería de arte que se presenta como un proyecto colaborativo enriquecido por diversas perspectivas. Su objetivo es ampliar las formas de promover el trabajo de los artistas, manteniendo una relación cercana y auténtica con ellos.
Esta galería se dedica a embellecer espacios residenciales, comerciales y públicos, buscando transformar el entorno y fomentar la creatividad y la apreciación estética en quienes interactúan con sus obras.
Pared valora el arte como un catalizador de emociones y un generador de cambios positivos. Ofrece oportunidades a artistas que a menudo no encuentran lugar en el arte tradicional, celebrando la diversidad de miradas y talentos, sin importar su currículum o trayectoria académica.
La galería cuenta con más de 3.700 obras de 350 artistas consagrados y emergentes, del ámbito local e internacional, abarcando fotografías, ilustraciones, collages y artes plásticas, todas de edición limitada y acompañadas de certificado de autenticidad. Se pueden encargar en diferentes tamaños, soportes y colores de marco, garantizando la más alta calidad de impresión.
A su extensa colección de obras de artistas, Pared sumará también las ediciones de la Revista Wideprint y el DOSSIER de Arquitectos e Interioristas.
Ambas publicaciones estarán disponibles en sus locales de Palermo y Saavedra, consolidando a Pared como un espacio donde arte, diseño y arquitectura convergen para inspirar.
LOCALES:
Pared Palermo: Guatemala 5550, Palermo, CABA
Pared y espacio RONDA en el DOT: Vedia 3600, Saavedra, CABA
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