DESTE
EFANO
La reconstrucción de la Iglesia Roja | atelier-r Fotografía: BoysPlayNice
[ EDITORIAL ]
La conciencia colectiva, suma de las individuales. Además de la conciencia individual, también absorbemos la conciencia colectiva. Al igual que internet se compone de muchas páginas web individuales, la conciencia colectiva está formada, a su vez, por conciencias individuales. Y cada conciencia individual contiene todos los elementos de la conciencia colectiva. La conciencia colectiva puede ser destructiva, como la violencia de una muchedumbre encolerizada o, de una manera más sutil, la hostilidad de un grupo prejuicioso o murmurador. Y, por otro lado, al igual que la conciencia individual, también puede ser curativa, como cuando estás con amigos o miembros afectuosos de una familia, o con desconocidos, en una situación de aprecio mutuo, escuchando música, contemplando obras de arte, o juntos en contacto con la naturaleza, por ejemplo...
Una de las notas que forman parte de este número de Wideprint —y que estuve a punto de no publicar, sino fuera por la acertada insistencia de Victoria—, es la Reconstrucción de la Iglesia Roja, del estudio atelier-r, ubicada en República Checa. Una iglesia luterana, que fue utilizada como depósito de libros desde 1959 hasta su actual remodelación, permaneciendo cerrada al público todos estos años. Cantidades de libros guardados en su cómodo silencio. Cientos de conciencias individuales conformando una conciencia colectiva de paz y conocimiento. Siempre disfruté de las bibliotecas; esos espacios públicos de quietud donde todos los presentes estábamos en la misma y exacta sintonía. La idea de la restauración y transformación de este edificio fue aún más allá en la búsqueda de un lugar que emanara una atmósfera mental positiva y enriquecedora, dado que el nuevo y moderno edificio oficia como biblioteca, y la antigua iglesia, como lugar para fines culturales: pequeños conciertos, lecturas públicas, conferencias y exposiciones de arte. Increíble logro de una estructura moderna con aire gótico, que acompaña a la vieja construcción. Quiero imaginarme en este lugar. Disfrutar de esa conciencia colectiva antigua y actual, permanente y cambiante. Un estético surtidor de aire limpio. Llegamos a diciembre luego de varios meses de una intensa interacción mental colectiva, según entiendo, bastante nociva. Espero que el momento del fin de año nos sirva de reposo mental para limpiarnos cada uno en su rincón de silencio y de respeto por los otros, y que nuestra conciencia individual se vaya uniendo con otras, para generar finalmente una atmósfera mental más positiva.
Eugenio Valentini Director general (Diciembre 2023)
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Thich Nhat Hanh del libro Silencio. El poder de la quietud en un mundo ruidoso.
ISSUE
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Interiorismo: Pablo Chiappori
DICIEMBRE 2023
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EDITORIAL · por Eugenio Valentini
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STAFF DE WIDEPRINT
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ARQUITECTURA · Villa contemporánea · Restauración de una casa de campo al norte de Italia y lejos del bullicio de la ciudad.
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ARQUITECTURA · VOID+ · Un proyecto cuyo diseño propone una alternativa al modelo convencional de edificio urbano.
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DISEÑO · Tienda Babama · Local de estilo industrial cuyo diseño se inspira en la biología humana.
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ARQUITECTURA · La reconstrucción de la Iglesia Roja ·
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ARQUITECTURA · La patrulla de guardia · Cuatro miradores ubicados entre las montañas.
Un proyecto que da origen a un nuevo centro cultural.
112 Arquitectura: MIYUE GS Design
DISEÑO · Diseño y monocromía · Convivencia entre 102 novedades y colecciones históricas de mobiliario italiano.
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ARQUITECTURA· MIYUE | Complejo turístico junto al acantilado · Un hotel de China inspirado en la cultura mediterránea.
· Pablo Chiappori · La línea estética 126 INTERIORISMO de un diseñador que con su impronta crea espacios y
climas irrepetibles.
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Arquitectura: Hotel Aethos Ericeira Pedro Silva Arquitectos
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Diseño Diseño y monocromía FANTIN
· New Street Brighton· 136 ARQUITECTURA Refacción de una casa que combina modernidad y valor
por el patrimonio histórico.
INTERIORISMO · Les Mills· Espacio de fitness 150 proyectado en un entorno industrial.
160 ARQUITECTURA · Can Santacilia· Fusión de dos edificios con 400 años de historia.
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ARQUITECTURA · Hotel Aethos Ericeira · Refacción de un edificio existente en un sitio protegido ubicado frente al mar.
188 PRODUCTOS Y MATERIALES DE DISEÑO
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Lic. Victoria Rico victoria@wideprint.com.ar
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Jorge Isorna jorge.estudioisorna@gmail.com
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ASESOR DE ARTE Arq. Jorge Sarsale
ASESOR DE DISEÑO INDUSTRIAL D.I. Cristián Mohaded
ASESORA COLOR REVIEW Dir. de arte Marina Christe
COLABORADORES Arq. Juan Frigerio Santiago Río
EDITORIAL
EDICIÓN #35: DICIEMBRE 2023 MIYUE | GS DESIGN
EDICIÓN #34: OCTUBRE 2023 Casa Muñiz | Barrionuevo Sierchuk Arquitectas
Pablo Chiappori, Alvisi Kirimoto, Studio Pousti, Atmosphere Architects, Ben & Ben, Pedra Silva Arquitectos, Knigh Associates, atelier-r, OHLAB
Martín La Rosa, Formafantasma, Atmosphere Architects, STUDIOTAMAT, Sandra Micaela Casinha Atelier, Tiago Do Vale Architects, Robeson Architects, Studio AC
Foto de tapa: Aoxiang
Foto de tapa: Eugenio Valentini
Bauness 2031, C.A.B.A
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ISSN 2591-2836
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UBICACIÓN Norte de Italia FOTOGRAFÍA Marco Cappelletti, Mattia Caprara y Flavio Pescatori TEXTO Memoria de autor
[ ARQUITECTURA ]
Alvisi Kirimoto
VILLA CONTEMPORÁNEA
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Hacia el norte de Italia y lejos del bullicio de la ciudad, Alvisi Kirimoto restauró una casa de campo que realza la dimensión más auténtica de la vida. Un oasis de relajación que combina el encanto rural y la elegancia contemporánea.
n medio de castillos, pueblos y viñedos del norte de Italia, Alvisi Kirimoto completa la E restauración y ampliación de esta villa, un refugio enclavado en una zona montañosa de dos hectáreas, que celebra el paisaje y se funde con sus líneas sinuosas. El conjunto se extiende sobre una superficie de 910 metros cuadrados y consta de dos volúmenes existentes con características típicas de la arquitectura rural, y un pequeño cuerpo adicional, sumado a una serie de espacios exteriores.
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El proyecto parte del paisaje para definir la nueva entrada y las vistas privilegiadas en la disposición de los nuevos elementos. Entre ellos se encuentran el anexo de madera, que amplía la superficie habitable y parece disolverse entre los viñedos; las terrazas para huertas y zonas verdes dedicadas al deporte; y la gran piscina de borde infinito, con sus impresionantes vistas sobre todo el valle, acompañada de un deck de madera que alberga la zona de solárium.
Los grandes árboles se conservaron para dar sombra a las zonas pavimentadas con piedra local, que se extienden entre los dos edificios. Desde la puerta de acceso, el camino de ripio y la pasarela empedrada conducen hacia el volumen principal y a las habitaciones con sus entradas independientes. Las zonas de servicios más funcionales, como el garaje subterráneo, quedan ocultas a la vista y se incorporan al sótano. El corazón del proyecto es la extensión de madera, que amplía la sala de estar del edificio principal. Transparente y ligero, el volumen se afirma formalmente y, al mismo tiempo, dialoga respetuosamente con lo preexistente, fusionándose en la distancia con el paisaje circundante. El uso de materiales naturales como los pisos de roble, el color claro de las paredes y el techo y los grandes ventanales hacen que los interiores sean luminosos y minimalistas. La estructura, aislada y cubierta con lamas de madera de cedro, tiene un ritmo regular que va aumentando hacia el exterior, hasta convertirse en una pérgola. Con vistas al jardín y a la piscina, la galería alberga una zona de parrilla y horno, y está equipada con una gran mesa de teca para disfrutar de los días de verano.
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[ ARQUITECTURA ]
Por lo tanto, el exterior fue totalmente renovado, con una espacialidad dinámica y articulada, compuesta de muchas facetas, de modo que la villa siempre parece diferente según el punto de vista. Una clara disposición geométrica llena los volúmenes originales y favorece una distribución exterior: "El elemento natural inspiró en gran medida la génesis del proyecto: la idea era componer un único espacio permeable entre el interior y el exterior, de modo que la estructura emergiera de las colinas como una perla escondida, y la energía explosiva del paisaje pudiera apreciarse desde "cada rincón de la casa", explican los arquitectos Massimo Alvisi y Junko Kirimoto. Del antiguo conjunto se han conservado el ritmo estructural, el ritmo de las aberturas y la consistencia de las paredes de las antiguas casas rurales, junto con el aporte de materiales naturales, que crean continuidad entre el interior y el exterior. Las generosas superficies acristaladas amplifican la sensación de apertura, manteniendo al mismo tiempo la privacidad de los ambientes domésticos.
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La ampliación al sótano del edificio principal gira en torno a un nuevo patio verde, favoreciendo la iluminación natural de las estancias con vistas. Revestido con ladrillos de piedra local, y con pasarelas de piedra, conforma un espacio abierto más íntimo, al servicio de los nuevos ambientes. El edificio principal se distribuye en tres niveles. La planta baja alberga la cocina, el comedor y un gran salón, inclinado hacia el exterior gracias al volumen de madera añadido. Para delimitar las estancias, separando la zona del comedor del salón, se encuentra colgada del techo una salamandra a gas de doble cara, íntegramente de hierro. El primer piso alberga el dormitorio principal, con el vestidor y el baño en estrecha conexión con el exterior gracias al sistema de entrada original. En el sótano, además de los servicios y la bodega —que alberga la colección privada de los propietarios de más de 3.000 botellas— se encuentran dos suites, a las que se puede acceder desde el exterior o desde la planta baja a través de la nueva escalera de hierro y piedra, que conecta los distintos niveles.
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La primera suite se caracteriza por el techo con bóvedas originales de ladrillo rojo y un gran arco cerrado de hierro y cristal. Con vistas al patio, tiene acceso independiente desde el exterior. La otra suite, de líneas más contemporáneas, se configura como un gran loft con baño privado, en continuidad visual con el salón. El acceso se realiza desde el exterior, a través del pequeño camino local empedrado de piedra gris que conduce a la piscina y a la zona ajardinada. El proyecto consta de otro edificio más pequeño distribuido en dos plantas, que incluye otras tres suites: dos dormitorios en la planta superior y un pequeño loft en la planta baja, cada uno con acceso independiente desde el exterior, reinterpretando el territorio de forma contemporánea.
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De esta manera, los interiores son cálidos y acogedores, elegantes y minimalistas. El abundante uso de materiales naturales se alterna con la mezcla heterogénea de muebles de diseño nórdico hechos a medida y numerosas obras de arte.
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[ ARQUITECTURA ]
Para el piso de los niveles inferiores se utilizó un acabado de microcemento gris; la planta baja presenta una piedra gris local; mientras que la planta superior y el volumen de madera están revestidos con parquet de roble natural. En las plantas inferiores y en la planta baja del edificio principal reinan las paredes blancas y los techos de ladrillo, mientras que en el primer piso las paredes y los techos blancos dominan el edificio principal, y los techos con vigas de madera a la vista pintadas de blanco distinguen el más pequeño. •
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[ ARQUITECTURA ]
FICHA TÉCNICA Estudio: Alvisi Kirimoto (Massimo Alvisi, Junko Kirimoto) Equipo de proyecto: Massimo Alvisi, Junko Kirimoto, Eloisa Susanna, Raimondo Jereb, Stefania Sabiu Año: 2022 Lote: 2 hectáreas Superficie total: 910 m² Superficie edificio A: 450 m² Superficie edificio B: 130 m² Garaje y sótanos: 320 m² Contratista: Seia & Cauda (Obras de construccion,estructuras y sistemas), Capoferri Serramenti (Accesorios externos e internos) Estructuras: Milan Ingegneria Instalaciones: Brescia2Progetti Manejo de costos: GAD Técnico local: Roberto Mellino Paisajismo: Paesaggistica Toscana Mobiliario: Devoto Design (por Millworks basado en Alvisi Kirimoto’s design)
// Planta baja
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// Primer piso
// Subsuelo
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ALVISI KIRIMOTO
Estudio internacional con base en Italia que trabaja en el campo de la arquitectura, el urbanismo y el diseño. Fundado por Massimo Alvisi y Junko Kirimoto en 2002, la firma destaca por su enfoque sartorial en el diseño, el uso “sensible” de la tecnología y el control del espacio, a partir de la manipulación de "hojas de papel". El diálogo con la naturaleza, la regeneración urbana y la atención a las cuestiones sociales hacen que sus proyectos sean únicos en el panorama arquitectónico internacional. Fusionando las sensibilidades italiana y japonesa, la oficina ha llevado a cabo numerosos proyectos dentro y fuera de Italia. Alvisi Kirimoto ha ganado concursos y premios internacionales y ha sido publicado en múltiples medios de todo el mundo.
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S t u d i o Po u s t i
VOID+ Este proyecto buscó ofrecer una alternativa al modelo convencional de edificio urbano, procurando que la arquitectura recupere el diálogo con su entorno. El objetivo fue asimilarlo a una casa unifamiliar que se expande en su entorno sin la interferencia de fronteras rígidas.
UBICACIÓN Teherán, Irán
FOTOGRAFÍA Parham Taghioff (Persia Photography center), Deed studio
TEXTO Memoria de autor
[ ARQUITECTURA ]
través de una drástica reconstrucción a lo largo de cuatro décadas, Teherán ha pasado A de ser una ciudad de infinitos jardines con viviendas unifamiliares, a una ciudad de infinitos edificios de departamentos. En un proceso de construcción puramente económico, se pierde la relación entre los edificios y su tejido urbano. A medida que los recuerdos del lugar se borran, toma forma una metrópolis sin historias que contar. Este es el paisaje urbano actual de Teherán. VOID+ es un edificio situado en la parte norte de la ciudad, y se esfuerza por ofrecer una alternativa a los modelos convencionales de vivienda y vida urbana densa, lo que ha resultado en envolventes de edificios cerradas que carecen de diálogo con su contexto. Situado en un sitio extremadamente estrecho, VOID+ consta de 10 unidades en 5 pisos. La característica llamativa del proyecto es un vacío íntimo estratégicamente tallado en la fachada norte en un intento de conectar el edificio con su periferia. La masa del vacío crea un flujo vertical entre el horizonte del edificio y sus bases.
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La entrada principal se define por el momento particular en el que la verticalidad del vacío se convierte en una planicie horizontal que se extiende 20 metros a lo largo del edificio. Esta plataforma conecta el nivel de la calle con el jardín trasero. El objetivo es redefinir el territorio del edificio y asimilarlo a una casa unifamiliar que se expande en su entorno sin la interferencia de fronteras rígidas. La distribución interior del edificio revela una profunda conexión estructural y volumétrica con la fachada; un lenguaje que se utiliza a lo largo del proyecto. Los volúmenes yuxtapuestos del vacío ofrecen una dimensión lúdica a través de perspectivas y vistas cambiantes, permitiendo experimentar los límites interiores y exteriores simultáneamente. El ocultamiento entre el interior y el exterior se produce a través de la interacción de lo sólido y el vacío, desafiando las nociones de exposición y privacidad.
// Corte
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[ ARQUITECTURA ]
Hay dos unidades en cada piso; lo cual hace que el ruido y la privacidad sean fuerzas impulsoras del posicionamiento de una escalera rectangular, que actúa como un amortiguador para evitar el contacto visual directo y sonoro entre las unidades. Cada unidad se ubica alrededor de un balcón íntimo, que se percibe como un jardín interior. Hay una disposición de materiales y una jerarquía de acabados y texturas, que celebra el valor de trabajar con artesanos. Esto es evidente en el patrón horizontal de cemento de la fachada, que también actúa como conductor del agua de lluvia, manteniendo limpia la piel del edificio. Manijas de puertas, barandas, accesorios de iluminación y gabinetes se han integrado hábilmente en los detalles arquitectónicos del edificio. La colaboración con creadores de diferentes orígenes en este proyecto es un recordatorio de que los edificios son producto de un intenso compromiso y tiempo.•
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[ ARQUITECTURA ]
FICHA TÉCNICA Estudio: Studio Pousti Arquitecta y directora de proyecto: Maryam Pousti Equipo de diseño: Melika Dezvarei, Sepehr Jafari, Amir Bakhshi, Soheil Shadi Ingeniero estructural: Sajadian Engineers Ingeniero electromecánico: Azmayesh Consulting Engineers Año: 2021
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// Axonométricas
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[ ARQUITECTURA ]
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STUDIO POUSTI Maryam Pousti es una diseñadora iraní que vive en Teherán y Londres. Fundó su estudio en 2013, centrándose en la arquitectura, los interiores, las instalaciones y el diseño de productos. La obra de Studio Pousti se ha expuesto en Milán, París, Nueva York, Venecia y Atenas. El trabajo del estudio ha sido premiado tanto en el sector de la arquitectura como en el de productos, además de haber sido ampliamente publicado.
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[ DISEÑO ]
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- AT M O S P H ER E A rch i te cts -
Babama CONCEPT STORE En este local el contraste del aluminio y la madera potencia el estilo industrial de la marca y neutraliza el fuerte sentido mecánico del espacio a través de materiales naturales que crean una convivencia armoniosa.
UBICACIÓN Shanghai, China
FOTOGRAFÍA Chuan He from Here Space
TEXTO Memoria de autor
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erca de dos salidas de subte, el proyecto destaca por su abundante flujo de clientes y C aboga por la individualidad y la autoexpresión en la segunda fase del distrito comercial de moda Xintiandi, ubicado en el distrito de Huangpu, Shanghai. Como primera tienda
El corazón, un centro importante del sistema circulatorio biológico, proporciona presión para el flujo sanguíneo, distribuyendo la sangre para que corra por todo el cuerpo. Ofrece suficiente flujo sanguíneo a los órganos para proporcionar oxígeno y diversos nutrientes para que las células puedan mantener el metabolismo y la vitalidad. Como uno de los elementos centrales de BABAMA, el corazón palpitante aparece en forma de instalación artística, que lleva el núcleo original del espíritu de la marca al espacio real y forma un foco visual central.
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BABAMA, tiene un gran significado para la marca. Es una recopilación del espíritu y la filosofía de la marca que BABAMA ha acumulado desde su creación en 2011, así como un diálogo profundo sobre la herencia y la moda desde la perspectiva de la estética industrial.
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[ DISEÑO ]
Utilizado como metáfora, el corazón ayuda a aportar una lógica al espacio y transporta energía a cada una de las áreas de la tienda. El concepto principal de la marca es una vida palpitante que se convierte en la base del proyecto del producto y la posterior utilización de los mismos.
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La lógica narrativa general del espacio sigue este concepto de diseño. ATMOSPHERE Architects plantea un proyecto que opta por la combinación de materiales como el metal y la madera para simular la abstracción de un árbol que está en proceso de crecimiento, y que se conecta con la energía del corazón. La arquitectura se inspira en referencias y modelos de las arquitecturas de estilo tradicional, donde las columnas y las cubiertas de los grandes edificios chinos son fuente de inspiración para llevar a cabo este proyecto.
En la parte superior de la instalación central, un tronco se combina con metales y madera para simular un árbol en crecimiento con ramas que llegan hasta el techo, como si recibieran la "energía" del corazón y crecieran para siempre en el espacio limitado. El contraste del aluminio y la madera potencia el estilo industrial de la marca y neutraliza en cierta medida el fuerte sentido mecánico del espacio a través de materiales naturales, creando una convivencia armoniosa. Las matrices en el techo conectan todo el espacio y expresan aún más profundamente el concepto de diseño. En línea con la tendencia actual de sustentabilidad, el diseño siguió un concepto modular al inicio del proyecto, permitiendo que los bloques fijos originales se convirtieran en componentes desmontables y flexibles para facilitar su transporte y su posterior adaptación a otros proyectos.
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La combinación de diferentes módulos satisface diversos escenarios de ventas y ubicaciones en el futuro, de modo que el área de exhibición general es más flexible y creativo en forma modular, ampliando aún más la posibilidad de espacio. El punto clave del local es la cinta transportadora que sirve para las ventas reales como un circuito cerrado de circulación alrededor de los sectores de exhibición, prueba, venta y empaque del producto. Adoptando las cintas transportadoras comúnmente utilizadas en la industria, hace eco de la expresión del sistema circulatorio sanguíneo relacionado con el concepto central del corazón mecánico.
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Los artículos con el logo de la marca se muestran en la bandeja circular de la cinta transportadora. A medida que se colocan uno por uno a lo largo del canal curvo, la bandeja de cuero negro resalta y restaura la textura del metal y las piedras preciosas al máximo, logrando una visualización innovadora y una experiencia interactiva. Este tipo de modo de visualización garantiza que los clientes que ingresan a la tienda sean guiados a través de la planificación del movimiento para maximizar su experiencia desde el espacio y el alcance de los productos.
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FICHA TÉCNICA
Estudio: ATMOSPHERE Architects Superficie: 108 m² Año: 2023 Diseñador: Tommy Yu Diseñadores colaboradores: Aubrey Liu, Valo Xiao Diseño de animación: ViVi Lee Propuesta e instalación: ATMOSPHERE Architects Iluminación: ArtLuci x Owen Contratista: Shanghai Yimuhe Construction Engineering Co., Ltd.
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ATMOSPHERE ARCHITECTS Estudio chino de arquitectura y diseño de interiores fundado en 2018, dedicado a la investigación y a la práctica a través de una perspectiva global. El equipo está compuesto por arquitectos y diseñadores de alto nivel graduados de las mejores universidades nacionales y extranjeras, dedicados a explorar la relación entre la arquitectura contemporánea y el espacio de una manera reflexiva y lógica. El trabajo del estudio incluye diseño arquitectónico, diseño de espacios interiores, instalación y obras de arte, video contemporáneo y producción multimedia, y el objetivo final es liderar la estética y las ideas modernas. Al mismo tiempo, se incorporó tecnología de punta y trabajo en conjunto con artistas y diseñadores contemporáneos en campos cruzados.
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atelier-r
La reconstrucción de la
IGLESIA ROJA Este edificio que durante 60 años ofició como depósito de libros fue restaurado y transformado en un importante centro cultural, con un anexo moderno que responde a la forma, volumen y disposición neogótica de la iglesia. . UBICACIÓN Olomouc, República Checa
FOTOGRAFÍA BoysPlayNice
TEXTO Memoria de autor
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[ ARQUITECTURA ]
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[ ARQUITECTURA ]
a Biblioteca de Investigación de Olomouc utilizó la Iglesia Roja como depósito Lcerrada de libros desde 1959, por lo cual esta iglesia luterana ha estado completamente al público durante todos estos años. El propietario de este edificio protegido, la región de Olomouc, decidió construir un nuevo edificio como biblioteca y así satisfacer las necesidades de almacenamiento, liberando a la Iglesia Roja para fines culturales como pequeños conciertos, lecturas públicas, conferencias o exposiciones de arte. Además, la Iglesia Roja será un centro de información para la Biblioteca de Investigación y la Región de Olomouc.
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[ ARQUITECTURA ]
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Combinar la reconstrucción general del edificio histórico con las nuevas funciones culturales y sociales fue el objetivo principal del diseño. El edificio estaba en muy malas condiciones. Primero fue necesario reforzar los cimientos, reparar la mampostería, estuco y yeso, así como limpiar y rellenar los huecos del revestimiento de la fachada. Los pisos sufrieron una restauración completa, incluidas las capas hasta la base del terreno. La reconstrucción del tejado fue una de las actualizaciones más críticas. El estudio decidió hacer un cambio de imagen completo con el máximo esfuerzo para conservar los elementos originales. El nuevo techo copia la misma forma y formato que el techo original. Lamentablemente, los elementos decorativos auténticos no resistieron el paso del tiempo, por lo que el estudio trabajó junto con el renombrado escultor de Olomouc Jan Dostal, quien creó piezas contemporáneas para colocarlas allí. Se necesitaba espacio adicional para el funcionamiento y otras instalaciones propias de la nueva funcionalidad del edificio. Dado que no cabía en el cuerpo principal de la iglesia —y para evitar cambios constructivos significativos en el edificio patrimonial existente— el estudio decidió añadir un nuevo volumen que sirviera para fines operativos. El nuevo edificio está situado justo entre la iglesia y la dirección de la biblioteca, uniendo ambas. Hay un vestíbulo común con recepción y cafetería. La nueva construcción respeta la línea de la calle Bezrucova y mantiene suficiente distancia de los edificios existentes.
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[ ARQUITECTURA ]
El sector acristalado del anexo responde a la forma, volumen y disposición neogótica de la iglesia. El plano de planta es un recorte de la parte del plano de la iglesia, solo que se movió fuera de la plataforma original. Las paredes y el techo fueron revestidos de aluminio negro mate. El espacio público alrededor de la iglesia es otra adición atractiva al proyecto. Donde antes había una valla, ahora hay una plaza con asientos y una zona verde. Atelier-r diseñó el concepto y la filosofía de los espacios interiores y solicitó la colaboración de Denisa Strmiskova Studio, que se encargó de los detalles del diseño interior, como la elección de la iluminación y los muebles hechos a medida. Tanto atelier-r como Denisa Strmiskova Studio colaboraron estrechamente en la elección de materiales y superficies.
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FICHA TÉCNICA Estudio: atelier-r Arquitecto: arq. Miroslav Pospíšil Dirección de proyecto: arq. Daria Johanesová Año: 2023 Superficie construida: 606 m² (418 m² de iglesia, 188 m² del anexo) Terreno: 1520 m² Dimensiones de la iglesia: 32 x 20 x 55 m de altura Dimensiones del anexo: 19 x 18 x 9 m de altura Metros cúbicos: 1310 m3 Diseño interior: Denisa Strmisková Studio Diseño gráfico: Studio KOSATKO Piezas de acero: Jan Dostál Contratista: Company Červený kostel Mobiliario interior: Prosto Interiér
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La recepción y la cafetería ocupan el espacio principal del moderno anexo, con detalles de hormigón en tono rosa pastel. Este color combina con otras superficies del espacio como pisos, muebles y paredes. Una enorme pared decorativa de libros domina el interior. Es una pared alta, llena de libros antiguos que se iluminan a contraluz por la noche. Por delante se sitúa una lámpara de cristal de colores de Lambert & Fils. Los elegantes y minimalistas elementos de vidrio flotan en el aire, suspendidos de cuerdas de nailon, muy por encima de las cabezas de los visitantes. Si se miran desde ángulos específicos, reflejan las casas de la calle o la iglesia. Las luces son el elemento de conexión que define el espacio. Al tomar asiento en la variedad de cómodas sillas es posible disfrutar de la atmósfera meditativa del espacio. Las mesas de centro se hicieron a medida. El material y los detalles se inspiraron en los elementos tradicionales de la iglesia. Las lámparas recuerdan a una chimenea moderna. Se colocan tanto en la iglesia como en la cafetería, para crear un ambiente agradable. El estudio gráfico KOSATKO colaboró en el proyecto, diseñando una nueva identidad visual y el logotipo de la Biblioteca de Investigación de Olomouc.•
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ATELIER-R Desde hace casi 20 años es uno de los principales estudios de arquitectura de Olomouc, fundado por el arquitecto Miroslav Pospisil. El colectivo se ha esforzado por lograr una arquitectura y un urbanismo contemporáneo de alta calidad, centrándose principalmente en el propósito de los edificios y su impacto en el entorno. El estudio es reconocido por las restauraciones y por el diseño de espacios residenciales, comerciales e institucionales.
[ ARQUITECTURA ]
LA PATRULLA DE GUARDIA Mjölk architekti
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Cuatro miradores ubicados entre las montañas ofrecen una visión no solo del paisaje circundante, sino también de unos a otros. Son una referencia al pasado, cuando se enviaban señales de humo desde las montañas advirtiendo de la invasión de tropas enemigas.
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UBICACIÓN Rokytnice nad Jizerou, República Checa
FOTOGRAFÍA BoysPlayNice
TEXTO Memoria de autor
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[ ARQUITECTURA ]
L
a cima de la montaña Stráž domina Rokytnice. Su extremo occidental desciende hasta las aguas del río Jizera y continúa hacia el este a lo largo de las cimas Sachruv y Vi cí hasta la mística montaña Kotel. La montaña Stráž, o Strážník como la llaman los lugareños, era uno de los lugares desde donde se enviaban señales con fuego cuando los ejércitos enemigos invadían las tierras. La señal de humo era luego recibida por otras patrullas en Kozákov y enviada a zonas más profundas de Bohemia. Hoy, afortunadamente, los incendios ya no arden. Rokytnice nad Jizerou tiene nuevos guardias: encaramados en lo alto de Strážník, simbolizan los cuatro pueblos que en la antigüedad formaban la ciudad de Rokytnice:
el Zorro, el Oso, la Oveja y el Minero, son hoy la Patrulla de Guardia.
El zorro
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Posado en el primer acantilado, su largo cuerpo se apoya en la piedra, mientras que su cola sobresale hacia el valle. Desde allí se puede ver todo Rokytnice y las montañas circundantes.
El oso Se esconde en el bosque, a poca distancia del zorro. Está de pie sobre un trozo de roca entre los arbustos de arándanos, mirando hacia las copas de los árboles.
La oveja Se ubica en el camino hacia el Minero, que es la última parada en la ruta entre las torres de vigilancia de la guardia.
El minero Se encuentra sobre un alto acantilado, que los escaladores locales llaman K5. Es una referencia al pasado minero de Rokytnice. Como símbolo de Rokytno, es el último de la patrulla. La majestuosa figura contempla el valle de Jizera. Una empinada escalera conduce a un mirador con una vista magnífica.
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ARQUITECTURA El proyecto comenzó en 2014, cuando el estudio diseñó una serie de pequeñas paradas en la montaña sobre Rokytnice. Nació de la intención original del municipio de construir en su cima una clásica torre de vigilancia. Sin embargo, la morfología de la montaña resultó inadecuada para la construcción de una torre de observación, ya que no ofrecía suficientes vistas a alturas estándar. Consecuentemente, se optó por el concepto de varias paradas en las rocas que bordean la cima de la montaña. El diseño de las estructuras ligeras de acero revestidas de madera se inspiró en las figuras del escudo de la localidad. MATERIALES Los miradores cuentan con estructuras de acero compuestas por piezas más pequeñas y fáciles de transportar hasta sus ubicaciones. Las estructuras se fijaron a las rocas con anclajes de acero especiales en perforaciones de hasta 8 metros de profundidad. Además, fueron revestidas en roble. Los pasamanos son de acero pintado de negro y cuentan con una malla de acero inoxidable.•
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[ ARQUITECTURA ]
// Planta general
// El oso
// La oveja
// El minero
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// El zorro
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FICHA TÉCNICA Estudio: Mjölk architekti Año: 2021 Superficie construida: 17 m² (el zorro), 14 m² (el oso), 9 m² (la oveja), 10 m² (el minero) Colaboradores: Pavlína Müllerová (arquitectura), Strix (contratista), Recoc (estática)
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MJÖLK ARCHITEKTI Estudio checo dedicado a explorar contextos y descubrir las cualidades de los lugares, a fin de satisfacer los deseos más profundos de sus clientes y divertirse en el transcurso del proceso de diseño. Buscan prolongar la alegría de la libertad y la creatividad no solo en sus proyectos, sino también en la vida de sus clientes.
A través de tres instalaciones caracterizadas por finos matices cromáticos, la marca italiana de muebles FANTIN exhibe una convivencia entre novedades
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y colecciones históricas.
Fantin GIULIO IACCHETTI Y SALVATORE INDRIOLO
Diseño y monocromía UBICACIÓN Italia
FOTOGRAFÍA Cortesía FANTIN
TEXTO Memoria de autor
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La empresa italiana de mobiliario Fantin actualiza colecciones de Giulio Iacchetti y Salvatore Indriolo y potencia su producto más histórico y atemporal, cincuenta años después de su creación. Desde el arte hasta la moda, la monocromía marcó todo el siglo XX, reafirmándose a lo largo de los años como una de las soluciones formales más apreciadas, gracias a un minimalismo que es en sí mismo sinónimo de equilibrio. A través de instalaciones caracterizadas por los finos matices cromáticos de Salvatore Indriolo, Director Creativo de la marca, FANTIN exhibe una convivencia entre colecciones históricas y novedades.
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[ DISEÑO ]
[ DISEÑO ]
HUG La colección Hug, diseñada por Giulio Iacchetti, se enriquece con nuevos bancos y nuevas mesas, reafirmando la identidad corporativa de Fantin, basada en productos funcionales con líneas absolutamente limpias y formales. En cualquier tipo de estructura, las uniones representan un elemento crucial, dado que aunque son poco visibles o a veces ocultas, garantizan estabilidad y solidez. El nombre de la colección —abrazo en inglés— nace de la forma en la que Iacchetti ha resuelto los puntos de unión entre las patas de tubo redondo —ligeramente inclinadas — y el marco horizontal de la misma sección. Un abrazo literal, con las patas que se insertan en las curvas perimetrales del marco horizontal, en una intersección que cumple plenamente la función estructural, dando a la mesa y a los nuevos bancos una fuerte connotación estética.
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Según Giulio Iacchetti, “El abrazo es un valor simbólico, además de un gesto concreto que todos los pueblos conocen. Un abrazo comunica mucho más que mil palabras, porque resuelve tensiones, acerca porque nos hace sentir iguales, partícipes de lo mismo. Incluso un tubo puede demostrar y narrar metafóricamente un abrazo y, casualmente, el abrazo se transforma en un significado estático. Dos personas abrazadas, así como dos tubos abrazados, aguantan mucho más los empujones, se vuelven más resistentes. No hemos diseñado un objeto, sino un sistema, un nuevo alfabeto con el que poder escribir muchas cosas, historias que todavía hoy no podemos imaginar».
FRAME La cocina Frame es un diseño de Salvatore Indriolo, Director Creativo de Fantin. En esta actualización, presenta una variedad con mesada de vidrio mateado al ácido, un acabado elegante y refinado que confiere una superficie satinada y suave al tacto, fácil de limpiar y resistente. Los muebles de la colección Frame se distinguen por las estructuras sólidas en tubo cuadrado visible. Todo se puede personalizar con 35 acabados exclusivos. La colección se ha diseñado bajo tres reglas simples: 1. Todos los marcos, construidos con tubo cuadrado, permiten diseñar estructuras ortogonales que dan la posibilidad de crear cualquier producto. 2. Los elementos verticales (puertas, cajones, laterales y fondos) están insertados y al ras del marco; 3. Los elementos horizontales (tableros y mesadas) se apoyan sobre el marco, dejando este último siempre visible. Fantin se caracteriza por el respeto por el medio ambiente, lo cual se logra gracias al uso de metal 100% reciclable y tecnologías de producción vanguardistas.
UNO 50° En 1973 Dorino y Ferruccio Fantin, cofundadores en 1968 de la empresa homónima, diseñaron el histórico sistema de estanterías Fantin. Desde el principio, demostró ser la opción ideal porque es flexible, sólida y minimalista. Concebida originalmente como una estantería industrial para archivos, a lo largo de los años se ha utilizado en una amplia gama de entornos gracias a su fácil desmontaje y readaptación en diferentes configuraciones, sin usar tornillos o pernos de fijación. Con motivo de su 50 aniversario, el sistema Uno se renueva con luz incorporada bajo los estantes, gracias a las tiras LED que se pueden enganchar libremente mediante imanes, enalteciendo así el valor de cada composición y realzando los objetos y obras que contiene. Con la luz apagada, el único elemento que revela la iluminación es el cable eléctrico, que se ha dejado libre y visible a propósito para demostrar la flexibilidad de un sistema industrial moderno y perfecto para entornos contemporáneos.
Cada elemento del sistema Uno presenta un diseño lineal, incluidos los estantes, diseñados para no dejar espacios entre ellos, garantizado niveles parejos entre los distintos compartimentos. Su amplia modularidad (5 alturas para 16 variantes de estantes) es tal que permite composiciones potencialmente infinitas, gracias a la posibilidad de conectar permanentemente varias unidades de varios tamaños.•
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FANTIN Desde 1968, Fantin crea muebles y soluciones en metal, reconocidos por el mercado gracias a un valor esencial: la calidad como síntesis de belleza, solidez y sostenibilidad. Todos los muebles Fantin, cuidados en los detalles técnicos y estéticos, se adaptan a los contextos más diversos. Esta transversalidad que nace de la posibilidad de personalizar bien sea un solo producto o el pedido más complejo, es la clave de colaboraciones prestigiosas en todo el mundo. SALVATORE INDRIOLO Diseñador industrial y director creativo de FANTIN. Trabaja en diseño y desarrollo de productos, además de llevar a cabo actividades de consultoría y dirección artística. Ha trabajado con prestigiosas marcas como Bosa Ceramiche, Capodopera, Falper, Dorsal, Horm, Manfrotto Group, Minotti Cucine, Metalco y Zanotta. GIULIO IACCHETTI Diseñador industrial que se aboca al estudio y a la definición de nuevos tipos de objetos como el Moscardino, un cubierto multiuso biodegradable, diseñado junto con Matteo Ragni para Pandora Design y premiado en 2001 con el Compasso d’Oro. En 2009 el presidente de la República Italiana le confirió el reconocimiento del Premio por la Innovación. En 2014 conquista su segundo Compasso d’Oro con la serie de tapas de alcantarilla Sfera, diseñada junto con Matteo Ragni.
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[ ARQUITECTURA ]
Complejo turístico junto al acantilado
MIYUE GS Design
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Con 25 habitaciones, baños diseñados como cuevas, y terrazas con piscinas y jacuzzis, este hotel inspirado en la cultura mediterránea ofrece una experiencia única a sus huéspedes.
UBICACIÓN Shenzhen, China FOTOGRAFÍA Aoxiang TEXTO Memoria de autor
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[ ARQUITECTURA ]
l estudio GS Design ha creado un proyecto basado en las experiencias espaciales. Se E buscó integrar tanto su arquitectura como su diseño en el entorno, jugando con el color, la luz, la instalación y el arte, así como con la relación entre las personas y el espacio. El objetivo: redefinir el concepto de unas “vacaciones elegantes”. El proyecto está basado en integrar el paisaje en el interior, así como en crear un ambiente acogedor y una experiencia para todos los sentidos. Para ello, los arquitectos han creado una fachada con infinitas ventanas multidimensionales, todas con distintas formas y tamaños y perfectamente calculadas para enmarcar las vistas. Los espacios interiores simulan ser parte del exterior: espacios que son como cuevas, juegos de alturas, formas orgánicas y sinuosas, paredes de cemento pulido artesanal.
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[ ARQUITECTURA ]
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Las formas geométricas de las ventanas se trasladan también al interior, tanto a la estructura como al mobiliario hecho a medida. Las zonas comunes se han proyectado abiertas y conectadas entre sí. Con espacios amplios y un juego de planos y huecos en las paredes. Para darle calidez, el estudio GS Design creó un diálogo entre un lenguaje rústico y otro más contemporáneo, utilizando materiales naturales como el bambú y la madera, y buscando crear una fusión entre un hogar y un hotel.
En el comedor, la barra de bambú pintada de negro le da un toque de sofisticación al espacio y, en las mesas de comedor, se combinan materiales rústicos como la rafia y la madera, con mesas diseñadas a medida por el estudio. GS Design utilizó el blanco como color predominante, combinándolo con el azul del mar y del cielo. El hotel cuenta con 25 habitaciones, baños diseñados como cuevas y diversos espacios privados pero a la vez conectados con la naturaleza, con vistas al mar y las montañas. En las terrazas hay jacuzzis y piscinas con formas orgánicas, diseñados como si fuesen islas. El estudio ha logrado crear en China un nuevo modelo de hotel urbano inspirado en la cultura mediterránea. •
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FICHA TÉCNICA Estudio (arquitectura e interiorismo):: GS Design Director de diseño: Li Liangchao, Huang Yuanman Diseño estructural: Jin Zhenfen, Shen Jin, Ni Wenhao Equipo de diseño: Fu Qixin, Xu Zuohua, Zheng Yong, Zhong Zhige Superficie: 2800 m² Año: 2023
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GS DESIGN El estudio de arquitectura GS Design fue fundado en 2014 en Shenzhen, China, por dos jóvenes arquitectos. Sus proyectos se basan en explorar la relación entre el hombre y la naturaleza y en adaptar la cultura local a la experimentación arquitectónica. El estudio se especializa en distintos tipos de proyectos, desde hoteles boutique hasta villas, clubs, tiendas y oficinas. Se centran en la relación entre la construcción y los materiales, la unión de técnicas y detalles, así como en la interacción entre la forma, la luz y la sombra.
[ INTERIORISMO ]
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PABLO CHIAPPORI Mezclas de maderas, texturas, muebles, objetos, textiles, libros y aromas caracterizan los espacios diseñados por Pablo Chiappori. Su cálida línea estética se concentra en PAUL French Gallery, su propia tienda de diseño ubicada en un refugio urbano. Buenos Aires, Argentina
FOTOGRAFÍAS: Eugenio Valentini TEXTO: Victoria Rico
n un íntimo callejón ubicado en el barrio de Palermo se encuentra PAUL French E Gallery, mucho más que un local de decoración. Un portón sobre la vereda capta la atención al pasar, provocando una necesidad instantánea de dirigir la mirada hacia adentro. Un pasillo extenso colmado de plantas comienza a aventurarnos hacia una especie de realidad paralela, como si un portal hubiera sido atravesado. Dos locales de un tamaño reducido y tremendamente acogedor anticipan la llegada al refugio: de un lado una panadería y cafetería; del otro, una boutique de exquisitos tés. Todo concentrado en un intercambio de aromas, colores y energías que fluyen de un lado a otro. Hacia el final, coronando este pequeño oasis en la ciudad, las puertas de PAUL, un espacio colmado de objetos, diseño, fotografías, textiles y libros, unidos en perfecta comunión.
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Este espacio surge del repentino encuentro entre Pablo Chiappori y el callejón, como si ambos se hubieran elegido entre sí. La primera visita al lugar fue con un cliente y propietario de un hotel cercano que estaba terminando de diseñar. En aquel entonces, el dueño del pasaje se dedicaba a realizar réplicas de automóviles, sumando el detalle de que allí también vivía él junto a su familia. De no ser por la perspicaz lectura que rápidamente hizo Pablo de su potencial, el destino del callejón hubiera sido un incómodo y muy angosto estacionamiento de autos para el hotel. Sin embargo, menos de 24 hs después fue Pablo quien alquiló el espacio, con la familia habitante incluida, que vivió allí un año más, mientras entre arreglos y remodelaciones PAUL comenzaba a emerger. El armado del local surgió en paralelo al diseño de una casa donde actualmente vive casi en forma permanente. Su idea, en ese entonces, era lograr un diseño que despertara una sensación continua de fin de semana. A partir de esta premisa creó muebles de línea casual, soft, despojada y de extrema calidez. Aquel momento fue también el comienzo de su interés por las maderas drift o de naufragio. Todos estos elementos combinados crearon el puntapié inicial de la particular estética de PAUL, donde la búsqueda aspira a despertar los sentidos.
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[ INTERIORISMO ]
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Lo que caracteriza a Pablo y su marca es la contundente capacidad de generar clima, una atmósfera particular que se impone a la percepción de todo aquel que ingresa a un espacio proyectado por él. Es imposible no respirar ese aire “pauliano”, tomando una expresión típica de quienes trabajan junto a él. Cada detalle tiene su impronta. Sus climas se componen de la mezcla de texturas, piezas de diseño, distintos acabados en los muebles, convivencia de maderas diversas, textiles, imágenes y aromas. “Es una forma de vivir alineada a cómo yo siento la estética, a lo que busco transmitir. No soy diseñador, todo está inventado. Yo tomo cosas, información, la mezclo como un DJ, hago mi propio remix de lo que ya está. Y eso produce un clima que no es repetible.”, afirma Pablo. El local, que hace 11 años funciona en el callejón, se caracteriza también por el cambio permanente de casi todo lo que puede encontrarse allí. Una dinámica constante que apunta a mutar semanalmente la propuesta de PAUL, siempre alineada con la línea estética que lo rige desde el inicio. •
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PABLO CHIAPPORI El mundo es su inspiración; los viajes, su alimento. Su lugar en el mundo es Nueva York, pero ama vivir en Buenos Aires y viajar a Uruguay en verano. Disfruta de la imagen en todos los formatos aunque siente debilidad por el papel. Su sello como diseñador queda siempre impreso en la mezcla de géneros, texturas y terminaciones. Las bibliotecas son su refugio personal y el fuego, su elemento favorito. En marzo del 2022 , PAUL fue premiado como Mejor Local de Retailing de Argentina con el National Gia Award que otorga The Inspired Home en Estados Unidos. Este es el mayor galardón en decoración del mundo. El evento es organizado por la Asociación Internacional de Artículos para el Hogar de Estados Unidos desde hace más de cuatro décadas.
UBICACIÓN Melbourne, Australia FOTOGRAFÍA Dylan James
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BEN & BEN
New Street Brighton Esta casa es el resultado de un meticuloso proyecto de refacción que preserva el encanto histórico de la residencia original al tiempo que incorpora a la perfección las comodidades modernas.
[ ARQUITECTURA ]
sta casa es un testimonio de la fusión armoniosa de la herencia eduardiana y la vida E contemporánea. Es el resultado de un meticuloso proyecto de refacción que preserva magistralmente el encanto histórico de la residencia original al tiempo que incorpora a la
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perfección las comodidades modernas.
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La esencia del proyecto es satisfacer el deseo del cliente de una casa familiar revitalizada que abrace tanto los valores patrimoniales como una conexión con el aire libre. Una característica definitoria de la casa fue la conservación y restauración de las características originales, como la línea del techo y los espacios debajo, haciéndose eco del espíritu arquitectónico de una época pasada. Este concepto se extiende por toda la propiedad, respetando el paisaje urbano. Los desafíos presentados por la forma de cuña única del terreno y las fachadas duales de la calle estimularon soluciones innovadoras. El proyecto coloca inteligentemente el volumen principal detrás del techo alto existente, asegurando que la fachada sobre la calle New Street permanezca consistente con las casas vecinas. Un cuidadoso juego de texturas y materiales —incluido un alero de ladrillo en voladizo— no solo ofrece refugio para el estacionamiento a nivel del suelo, sino que también agrega profundidad y carácter al diseño.
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Los interiores de la casa combinan a la perfección la estética patrimonial con la funcionalidad moderna. Bañados por luz natural, los nuevos espacios habitables exudan un brillo aireado que mejora la sensación general de espacio. Una nueva cocina se convierte en el corazón del hogar. Dos dormitorios adicionales, un toilette, una lavadero y un baño principal amplían aún más la capacidad de la vivienda al tiempo que se adhieren a un diseño que fomenta la unión familiar. La sostenibilidad es el núcleo de New Street House. A través de una cuidadosa selección de materiales, ladrillos recuperados y revestimientos de madera renovable, el proyecto respeta el medio ambiente. La protección solar para las ventanas orientadas al norte aprovecha la energía del sol de la mañana, mientras que las disposiciones para una futura conversión solar subrayan el compromiso con la energía renovable. El aislamiento integral de la vivienda y el generoso almacenamiento de agua mitigan las demandas de calefacción y refrigeración, enfatizando su diseño energéticamente eficiente.
[ ARQUITECTURA ]
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New Street House es un ejemplo de ingenio arquitectónico que celebra el pasado y abraza el futuro. Su delicado equilibrio entre la preservación del patrimonio y las mejoras contemporáneas habla de la perfecta coexistencia de épocas.•
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FICHA TÉCNICA Estudio: Ben & Ben Superficie del proyecto: 199 m² Superficie del terreno: 330 m² Año: 2023
BEN & BEN Estudio de arquitectura y diseño interior australiano, dirigido por Benjamin Paszyn y Ben Drysdale. Como diseñadores, detectan la oportunidad que existe en la "cotidianidad" y les interesa cómo esto se traduce en el diseño de espacios que contribuyen positivamente a la forma en que vive la gente.
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Sus métodos promueven edificios que responden con sensibilidad a los entornos individuales, priorizando métodos de construcción, detalles, materiales y formas reflexivas y sostenibles.
Knight Associates
LES MILLS 150
En un entorno industrial, una interacción cinética entre la iluminación y el movimiento de los cuerpos caracteriza la nueva sede de una marca líder de fitness a nivel mundial.
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UBICACIÓN Auckland, Nueva Zelanda
FOTOGRAFÍA Simon Wilson
TEXTO Memoria de autor
undada en 1968, Les Mills es una marca de fitness y estilo de vida líder a Fen todo nivel mundial, originada en Nueva Zelanda. La empresa cuenta con 12 sedes el país y ofrece una amplia gama de clases de fitness y programas de entrenamiento personalizados en conjunto con los programas de entrenamiento de Les Mills International, con licencia en 100 países y más de 130.000 instructores certificados. El campus de la ciudad de Auckland es un área de capacitación, desarrollo e innovación y ocupa una gran superficie en el centro de la ciudad, bordeada por las calles Wellesley y Victoria. La remodelación de esta sede de Les Mills ubicada allí buscó mejorar la experiencia de los usuarios y satisfacer los crecientes requisitos de capacidad. La empresa contrató a Monk Mackenzie Architects y Knight Associates para desarrollar en colaboración una nueva identidad arquitectónica y espacial para el espacio, junto con una amplia estrategia de comunicación y marca desarrollada por Alt Group. Un gran volumen industrial alberga espacios para tres nuevas ofertas de fitness: entrenamiento funcional, boxeo y el estudio de ciclismo más grande del mundo, con 100 bicicletas. Además, el espacio en general tuvo mejoras en sus comodidades y servicios, así como una circulación más eficiente. El estudio para bicicletas, de 350 m2, fue revestido con acero inoxidable y espejos, creando una fuerte delimitación del espacio y permitiendo que las áreas funcionales de entrenamiento y boxeo permanezcan discretamente a ambos lados a fin de lograr la separación acústica y de servicios necesaria. El acabado espejado del estudio se desmaterializa en su entorno industrial, añadiendo una fuerte sensación de continuidad a las áreas diáfanas más pequeñas y creando una interacción cinética entre la iluminación y el movimiento de los cuerpos.•
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[ INTERIORISMO ]
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[ INTERIORISMO ]
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FICHA TÉCNICA
Estudio: Knight Associates Superficie: 1000 m²
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Año: 2019
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KNIGHT ASSOCIATES Rufus Knight nació en Opotiki, Nueva Zelanda. Estudió Arquitectura de Interiores en la Escuela de Arquitectura y Diseño de la Universidad Victoria en Wellington. Posteriormente ocupó un puesto en el galardonado 158
estudio Fearon Hay Architects. Después de trabajar en Europa, especialmente para Vincent Van Duysen Architects, en 2016 abrió su propio estudio con sede en Auckland, Knight Associates, el cual aplica una estética honesta y táctil a proyectos residenciales y comerciales desde un enfoque cultural.
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OHLAB
Can Santacilia Dos edificios con 400 años de historia fueron restaurados y fusionados en una sola unidad, que basa su singularidad en la recuperación de la esencia histórica y en la apuesta por la contemporaneidad.
UBICACIÓN Palma de Mallorca, España
FOTOGRAFÍA José Hevia
TEXTO Memoria de autor
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an Santacilia es un proyecto residencial de 3.300 m2 con 15 viviendas y zonas comunes. Se trata de una cuidada restauración de dos edificios ubicados en el corazón del casco antiguo de Palma de Mallorca. Los edificios datan del siglo XII o XIII, aunque el que es visible desde la plaza Tagamanent quedó registrado en el archivo de la ciudad en 1576 como Can Santacilia. Desde entonces, ambos edificios han sufrido varias modificaciones, por lo que el estado existente previo al proyecto OHLAB es del siglo XVII, con una reforma posterior en el siglo XVIII. Además, ambos edificios sufrieron reformas durante el siglo XX encaminadas a dividirlos y convertirlos en varias viviendas, por lo que estaban muy modificados respecto de su estado original. El patio principal no se encontraba en buenas condiciones, pero tenía una estructura que merecía ser recuperada. Además, su fachada principal conservaba parte de la decoración del siglo XVIII. En conclusión, aunque los edificios tenían una historia de más de 400 años, estaban en gran medida transformados y distorsionados.
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El primer desafío fue el de responsabilidad histórica, que comenzó con la investigación de las diferentes intervenciones a lo largo del tiempo para descubrir, recuperar y poner en valor los principales elementos y espacios arquitectónicos. No se intentó borrar ni ocultar las alteraciones ocurridas a lo largo de la historia para recuperar un pasado ideal que realmente se desconoce, sino que se buscó descubrir diferentes etapas e intervenciones, reconociendo elementos de valor en cada una de ellas. Para hacer más eficiente esta operación y reintegrar el edificio a la actividad de la ciudad, se decidió actualizar sus espacios y usos al siglo XXI. Se necesitaba un edificio residencial moderno, confortable y con todos los servicios e instalaciones necesarios en un estilo de vida contemporáneo. En el proceso, se encontró una estructura compleja y dividida, difícil de integrar con una fachada y un volumen protegido del siglo XVI.
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[ ARQUITECTURA ]
El proyecto de renovación de OHLAB aprovecha la complejidad de los edificios existentes como potencial para generar espacios inesperados. La intervención resuelve cada vivienda con una distribución y solución individualizada, combinada con las nuevas zonas comunes y conexiones, configurando la unión de ambos edificios. El resultado final es un edificio único que basa su singularidad en la recuperación de la esencia histórica y en la apuesta por la contemporaneidad.
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La selección de materiales naturales, nobles y locales, enfatizando la esencia mediterránea, ha sido clave. Una paleta simple de materiales naturales se mantiene continua a lo largo de todo el proyecto. La restauración de elementos históricos se combina con la introducción de otros nuevos: piezas de bronce, piedras locales, paños espejados, detalles de porcelana, linos locales y textiles de algodón. El proyecto recupera el patio de entrada que había sido alterado en las reformas del siglo pasado, devolviéndole su antiguo esplendor. Se convierte en la entrada principal al corazón del edificio, comunicado con las terrazas ajardinadas de arriba y con las zonas comunes como un gimnasio y una piscina cubierta con spa que da directamente al patio. También se ha recuperado un segundo patio interior como jardín para una de las viviendas, así como otras cinco terrazas para distintas unidades. A pesar de las restricciones constructivas que implica una reforma histórica en un edificio protegido, el proyecto se ha diseñado desde el principio con parámetros de sostenibilidad, con el fin de maximizar su eficiencia energética, aumentando el aislamiento térmico, cuidando los puentes térmicos y utilizando una eficiente climatización centralizada.•
FICHA TÉCNICA Arquitectura y diseño interior: OHLAB / oliver hernaiz architecture lab Equipo OHLAB: Paloma Hernaiz, Jaime Oliver with Rebeca Lavín, Robin Harloff, Maria Bruna Pisciotta, Mercé Solar, Luis Quiles, Silvia Morais, Ángela Suárez, Wiktoria Ginter, Camila Ospina, Pedro Rodríguez, Laura Colomer, Eusebiu Spac, Agustín Verdejo Ingeniería: Jorge Ramón Estructura: AMM Technical group Instalaciones: AMM Technical group Contratista: Diazgar Diseño de la cocina: Espacio Home Design Arqueología: Elvira González Obras de arte: Pedro Oliver Diseño gráfico: Studio Roses
OHLAB Estudio dedicado al análisis urbano y a la investigación cultural de la sociedad contemporánea a través del diseño, la práctica arquitectónica y la estrategia urbana. OHLAB trabaja actualmente en el diseño de diferentes proyectos hoteleros, residenciales y comerciales en España y en el mundo. El estudio, dirigido por Paloma Hernaiz y Jaime Oliver, se estableció originalmente en Shanghai en 2007, se trasladó a Madrid y actualmente su oficina principal se encuentra en Palma de Mallorca, donde un equipo de 18 arquitectos, interioristas e ingenieros trabajan en una variedad de proyectos.
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OHLAB ha recibido numerosos premios por su trabajo en diseño y sostenibilidad, y ha sido ampliamente publicado en medios especializados de todo el mundo.
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HOTEL
AETHOS ERICEIRA
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Pedra Silva Arquitectos
Este proyecto surge a partir de la refacción de un edificio existente construido en un sitio protegido que se ubica frente al mar. El diseño busca respetar el lugar para preservar parte de su historia, a la vez que maximiza los espacios y genera nuevas funcionalidades.
UBICACIÓN Ericeira, Portugal
FOTOGRAFÍA Francisco Nogueira
TEXTO Memoria de autor
[ ARQUITECTURA ]
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El proyecto, un hotel boutique con vistas al Atlántico, surge a partir de la refacción de un edificio existente situado en un lugar protegido, por lo cual estaba condicionado por numerosas limitaciones. En este sentido, el diseño buscó respetar el sitio y el edificio existente para preservar parte de su historia.
En esta profunda intervención de renovación, hubo algunas decisiones de diseño claves que cambiaron por completo la dirección del proyecto. Una de esas decisiones fue la modificación de la entrada principal, desde el centro del edificio hacia el frente, con vistas al mar, donde se creó un área de doble altura que conecta el espacio al paisaje. Aunque el edificio existente tenía arcos, estos no tenían expresión significativa y estaban deformados en escala. Los arquitectos les dieron proporción, textura, profundidad y masa para enfatizar la presencia de las paredes y proteger los espacios de la luz solar directa durante los meses más cálidos. El resultado es un espacio con límites arquitectónicos bien definidos, y a la vez delicado, que juega con las sombras y la luz.
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El edificio original se perdió un poco en varias ampliaciones posteriores, con soluciones arquitectónicas contradictorias y una mezcla confusa entre elementos tradicionales y modernos. Durante el desarrollo de este proyecto, el punto de partida de los arquitectos fue despojar los edificios de su esencia, y separar los elementos que querían conservar y los que prefirieron dejar ir.
Una segunda decisión clave fue la demolición casi completa de un sótano existente en el borde del área de la piscina, que contenía una sala subterránea de usos múltiples. Aunque esto significó una reducción significativa del área construida, permitió una conexión más amplia entre el espejo de agua — que anteriormente había estado rodeada por altos muros por todos lados — y el edificio del hotel, allanando el camino para rediseñar el entorno de la piscina en un ambiente perfectamente acogedor. Durante el proceso de diseño, varias otras intervenciones ayudaron a dar forma al proyecto, como la inclusión de ventanas más grandes. Los ventanales de mayor tamaño permiten la entrada de luz y aprovechan las vistas, en lugar de optar por los tradicionales huecos de fachada más pequeños, especialmente en las zonas sociales. Siguiendo el objetivo del estudio de distinguir claramente entre lo antiguo y lo nuevo, dotaron a estas ventanas de identidad visual y materialidad propias, diseñándolas como cajas metálicas que sobresalen de las fachadas, lo que se convirtió en uno de los rasgos más característicos del hotel. El diseño define una nueva organización de los edificios frente al mar, con un ambiente de estilo de planta abierta. La entrada principal, a nivel del suelo, con un espacio de doble altura, incluye la zona de salón y recepción. Contiguo a este espacio se encuentran las salas de usos múltiples y servicios de apoyo, y en el lado opuesto se encuentran el restaurante, el área de bar y la conexión a un segundo edificio y al espacio exterior. El primer nivel incluye principalmente dormitorios, siguiendo la distribución existente. Se creó un entrepiso que permite un área de relajación para disfrutar de las vistas. El sótano alberga todos los espacios de servicio: almacenamiento, áreas de personal y cocina con accesos exclusivos para servicio y entrega.
En la parte nueva se ubica la mayoría de los dormitorios, mantiene la misma distribución que la planta baja y el primer nivel, aunque ligeramente modificada para cumplir con los estándares actuales y el nivel de servicio previsto, así como para generar nuevas conexiones con los espacios exteriores. Un nuevo y pequeño volumen fue creado para dar espacio a un spa, que también está conectado con el área de la piscina y el gimnasio. A través de la profunda intervención llevada a cabo en las áreas externas, el estudio Pedra Silva Arquitectos maximizó el uso de los espacios, creando flujos que funcionan no solo desde una perspectiva de diseño, sino también funcional. En términos de forma, color y materialidad, el desafío era lograr una apariencia que estuviera bien integrada tanto con el edificio existente como con el sorprendente paisaje. Pedra Silva Arquitectos lo consiguió eliminando algunas cubiertas inclinadas y abriendo los balcones, aplicando listones de madera verticales y paneles metálicos que cubren las fachadas, reinterpretándolas en formas y volúmenes más claros. El color y la textura juegan con este concepto ayudando a resaltar estos dos tipos de intervenciones: la tradicional, con paredes de colores claros combinadas con ventanas enmarcadas más oscuras; y la moderna, con la textura y calidez de la madera combinada con marcos oscuros. El uso de estos materiales contrastantes pero complementarios jugó un papel importante en el desarrollo del diseño del concepto y la integración del paisaje y los interiores.•
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[ ARQUITECTURA ]
// Antes
// Demolición
FICHA TÉCNICA Estudio: Pedra Silva Arquitectos Año: 2022 Superficie: 3.745 m² Diseño interior y equipamiento: Astet Studio Paisajismo: Topiaris Contratista: Novos Construtores Iluminación: Prolicht Consultora: Natural Works Maestro mayor de obras: Tribato
[ ARQUITECTURA ]
// Después
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// Cambios
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PEDRA SILVA ARQUITECTOS Estudio con sede en Lisboa, que brinda servicios de arquitectura y diseño interior. La firma adapta cada proyecto de forma individualizada, con un excepcional grado de diseño arquitectónico, calidad técnica y riguroso control de costos. Su trabajo se define por una fuerte legibilidad conceptual, innovación y un enfoque meticuloso en los detalles, todo ello respaldado por los principios del diseño humano, duradero y sostenible.
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El equipo de Pedra Silva Arquitectos está dedicado al más profundo nivel de participación en el diseño de sus edificios para entregar proyectos que cumplan con los más altos estándares de excelencia posibles. La firma ha sido reconocida con numerosas nominaciones y premios.
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HUNTER DOUGLAS
BAJO LA MIRADA DEL ESTUDIO M+M Las diseñadoras Megan Dabove y Mary Verellen del estudio M+M estuvieron a cargo de la puesta a punto de los interiores de una casa ideada para una familia. Las cortinas Horizontales de Madera de Hunter Douglas fueron concebidas como piezas de diseño en sí mismas y, de este modo, son protagonistas del proyecto en varios de sus ambientes, aportando estética y funcionalidad. Para acompañar los pisos de madera de la casa, el estudio M+M decidió utilizar madera en detalles como por ejemplo el varillado del techo del bow window del estar y a los costados de la chimenea. Este patrón creado por el varillado es acompañado por las cortinas horizontales de madera, que fueron elegidas en color negro para combinar con las carpinterías, logrando un equilibrio de forma, textura, color y materialidad. Para dar continuidad a esta idea, las cortinas horizontales de madera fueron colocadas también en otros espacios de la casa, como la cocina y el escritorio, donde la posibilidad de la distinta regulación de sus láminas es clave, ya que permite un preciso control de la luz y las visuales. El estudio M+M destaca la importancia del asesoramiento de Hunter Douglas a lo largo de todo el proyecto, asegurando un buen uso y colocación del producto en ángulos de paredes que no son tradicionales, bow window y ventanas oscilobatientes.
CONTACTO
hunterdouglas.com.ar | marketing-arq@hdlao.com | WhatsApp: +54 9 11 6971 3832
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FONTENLA PRESENTA NIZA, LA NOVEDAD PARA EL OUTDOOR
Durante más de siete décadas, Fontenla ha liderado la fabricación de muebles exclusivos en Argentina. En el marco de este legado de excelencia, presentan con entusiasmo su última innovación: la colección "Niza" de muebles de exterior. Con una sólida estructura de aluminio de diseño orgánico, esta colección se destaca por su fusión de calidad y estética. Desde conjuntos completos de living y opciones de comedor (sillón, sofá, mesa de centro, sofá esquinero y mesa circular) hasta relajantes tumbonas y sillones colgantes. Esta nueva propuesta abraza las tendencias globales al incorporar tejidos de vanguardia —como el tricot náutico— que añaden textura y estilo a cada pieza. Además, la elección de pintura electrostática en colores a la par de las grandes marcas europeas, como Fendi, no solo realza el atractivo visual, sino que también brinda protección contra los rayos UV, garantizando la durabilidad de estos muebles en espacios al aire libre. La colección Niza reimagina el confort y la sofisticación en el entorno exterior. Fontenla se enorgullece de presentar esta serie de mobiliario, que redefine la vida al aire libre, fusionando funcionalidad y estilo en cada rincón del espacio exterior.
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Niza, al igual que las otras líneas de outdoor y demás colecciones de Fontenla Furniture, se encuentra exhibida en el Fontenla Design Mall, un salón de ventas de más de 9000 m2, y en todas las tiendas distribuidas en C.A.B.A. y Gran Bs. As: Lifestyle Center (Fontenla) Vedia 3600 piso 2 (Dot Baires Shopping), Fontenla Harbour (Juana Manso 1.780), Puerto Madero (Juana Manso 1.193), Palermo (Av. Córdoba 3942), Hudson (Av. Bs. As. - La Plata km 30), Recoleta (Arenales 1.149), Pilar (Colectora Este Ramal Pilar Km. 48,5), Mar del Plata (Paseo Aldrey), en Córdoba (Av. Rafael Nuñez 4848, Cerro de las Rosas), en Rosario (Av. Caseros 165 bis, Puerto Norte) y Nordelta (Av. del Puerto 240 local 2 Bahía Grande).
CONTACTO : www.fontenlastore.com | Instagram: @fontenla_furniture