Museo Lodève, proyecto de Projectiles Fotografía: Vincent Fillon
[ EDITORIAL ]
Contemporaneidad "Abogamos por una agenda idealista en el diseño, ya que lamentamos la obsesión con lo nuevo, por el bien de lo nuevo. Es absurdo y arrogante comenzar el proceso de diseño con una hoja vacía de papel en blanco. La conciencia cultural e histórica está entretejida en el ADN de cualquier producto que vale la pena. Hay valor en reexaminar continuamente lo que ya existe, profundizando en los archivos, estudiando detenidamente los clásicos. ¿Qué potencial sin explotar aún conservan materiales, colores, funciones y formas ya diseñadas?"
R
efuncionalización. Restauración. Reuso. Resignificación. Todos conceptos ya instalados en los modos de abordar hoy los procesos de diseño, tanto en el ámbito arquitectónico y espacial, como en el desarrollo de productos. Es exactamente en esa convivencia entre lo nuevo y lo preexistente donde se manifiesta nuestro ser contemporáneo. El universo de lo ya diseñado y lo ya construido aparece hoy por medio de la tecnología, al alcance de todas las miradas. Es arte y responsabilidad del diseñador hurgar en la vastedad de esa información, dilucidar aquello que tiene aún un potencial por explorar, tomar la punta del hilo y desde allí proyectar "nuevos" desarrollos contemporáneos. Hurgar en lo vernáculo o en la tipología. Y desde allí diseñar respuestas a necesidades de hoy, con las herramientas de hoy. Coser, como diseñador, pasado, presente y futuro, en la síntesis que implica el acto esencial de diseñar. En el recorte de esta edición de Wideprint: una antigua posada para mercaderes de la China milenaria convertida en hotel de lujosa austeridad; un establo centenario en las Islas Azores transformado en dos casas de huéspedes; un museo en Francia donde el hormigón y el acero dialogan con las bóvedas ojivales y la estructura muraria de piedra original; la restauración de un hotel en París construido en el siglo XVIII, convertido en un hotel contemporáneo de la cadena Hoxton; unas oficinas instaladas en una casona típica de Monterrey, México. Desde Wideprint abogamos por una dimensión atemporal del diseño. Esta es nuestra manera de entender la contemporaneidad.
Arquitecta Paula Herrero Directora Editorial (Mayo 2019)
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Manifiesto Beyond the New, Hella Jongerius y Louise Schouwenberg (2017)
junio
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Interiorismo: Peng & Partners CENTALINE PROPERTY OFFICE
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EDITORIAL · por Paula Herrero.
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STAFF DE WIDEPRINT
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INTERIORISMO · Hotel Wuyuan Skywell · Propiedad de 300 años en China, restaurada y convertida en hotel.
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ARQUITECTURA · Pink House · Dos casas creadas a partir de un establo de principios del siglo XX.
Diseño: Beau Lake
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ARQUITECTURA · Museo Lodève · Restauración de un museo en Francia.
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DISEÑO · Méliès - silla colgante · Diseño de una silla suspendida en el aire.
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INTERIORISMO · Transición · Espacios de transición con diferentes lenguajes.
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ARQUITECTURA · Crematorio Siesegem · Espacio en relación simbiótica con un tranquilo entorno. PORTFOLIO · Thalau, por Eugenio Valentini · Una mirada sobre la publicidad en vía pública.
Arquitectura: Projectiles MUSEO LODÈVE
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INTERIORISMO · El Quinto. Cocina asiática · Un restaurante ubicado en el barrio de Palermo. INTERIORISMO · Centaline Property Office · Oficinas en China que crean una nueva experiencia de trabajo.
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INTERIORISMO · Forest · Departamento restaurado en España, frente a la Sagrada Familia.
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INTERIORISMO · The Hoxton Paris · Edificio del siglo XVIII convertido en un lujoso hotel.
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DISEÑO · Beau Lake · Elementos que aportan diseño a los deportes acuáticos.
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INTERIORISMO · Clerkenwell Grind · Almacén de 1870 como escenario de un restaurante británico.
Portfolio: Eugenio Valentini THALAU
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ARQUITECTURA · 15 de mayo · Espacio adaptado para oficinas que se vinculan con su contexto.
PRODUCTOS Y MATERIALES DE DISEÑO
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La materialización de Wide, nuestra plataforma digital. Dos dimensiones interconectadas de un mismo proyecto.
Staff Wideprint 10 | junio 2019 DIRECTOR GENERAL Eugenio Valentini
DIRECTORA EDITORIAL Arquitecta Paula Herrero
EDITORA Lic. Victoria Rico
DIRECCIÓN COMERCIAL Jorge Isorna Alberto González
DISEÑO EDITORIAL DG. Constanza Patarca
TRADUCCIONES Lic. Luz Malgieri
EJECUTIVOS DE CUENTA Mónica Isorna DG. Mercedes Gonzalez Macarena Figueroa
ADMINISTRACIÓN Estudio Isorna y Asoc.
FOTOGRAFÍA Marc Goodwin, Xia Zhi, Fernando Guerra, Vincent Fillon, Félix Guyon, Gonzalo Viramonte, Simone Bossi, Sebastian van Damme, Eugenio Valentini, Zhao Hongfei, Wang Peng, Yanina Mazzei, The Hoxton, Beau Lake, Paul Winch Furness, Adrián Llaguno
PLATAFORMA DIGITAL wideonline.com.ar
CONTACTOS Producción: C. +54 9 11 6375 7111 Comercial: C. +54 9 11 6370 9552 hola@wideonline.com.ar
EDITORIAL Andrés Arguibel 2898 C.A.B.A
/bewideonline /wideonline ISSN 2591-2836
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NUESTRA TAPA Transición - Diseñador Industrial Gonzalo Díaz Malbrán & Diseñador Guillermo Cacciavillani Fotografía: Gonzalo Viramonte
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Buenos Aires: CP67 Librería técnica, Florida 683 / FADU UBA C.A.B.A.
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[ INTERIORISMO ]
HOTEL
Wuyuan Skywells anySCALE Architecture Design
Esta propiedad de 300 años fue restaurada y convertida en hotel, con la premisa de conservar y honrar características y elementos originales, conjugados con detalles de modernidad.
UBICACIÓN Wuyuan, provincia Jiang Xi, China FOTOGRAFÍAS Marc Goodwin, Xia Zhi TEXTO Memoria de autor
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E
l hotel Wuyuan Skywells captura la esencia de una época pasada en el milenario pueblo Yan. El proyecto se centró en la preservación, en lugar de la modernización, de una propiedad de 300 años de antigüedad. El hotel lleva el nombre en inglés (skywells) de una característica arquitectónica regional, que consta de patios estrechos que dejan pasar la luz del día en las habitaciones circundantes. Uno de los requisitos clave fue preservar no solo los artefactos que podían recuperarse, sino también recrear la grandeza y elegancia propias de la mansión. Luego de funcionar como una posada para mercaderes que atravesaban la región, el edificio sufrió mucho abandono durante la mayor parte del siglo XX. Además, operó como refugio para los soldados chinos que luchaban contra la invasión japonesa en el continente. El equipo a cargo de la ejecución del proyecto respetó y honró la historia y características arquitectónicas locales, para que las generaciones actuales y futuras puedan comprender y apreciar el diseño tradicional. Se conservaron elementos originales y tradicionales en las áreas públicas, mientras que en los espacios privados se incorporaron accesorios y comodidades modernas. El diseño interior de las 14 suites se caracteriza por una mezcla de neutros cálidos y fríos, intercalados con ocasionales colores brillantes.
// Corte
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Un aspecto único de la propiedad era la envolvente interna de madera tallada en áreas públicas. Dado que gran parte de este marco estaba destruido por el abandono, el equipo contrató los servicios de Yuzong, un artesano local con la habilidad y experiencia necesarias. Además de la restauración básica, también realizó reemplazos para esculturas decorativas irrecuperables, según los diseños tradicionales y sus propios diseños adaptados. De esta manera, los aspectos culturales de la propiedad no solo recibieron una renovación sino que también se actualizaron, para reflejar un nuevo capítulo en el legado del edificio. Aunque el hotel cuenta con los ya mencionados skywells, las habitaciones y suites no tenían grandes ventanas. Para evitar contaminar la apariencia externa y la arquitectura original, el equipo introdujo paneles enrejados en las paredes y una iluminación artificial de alta calidad. El revestimiento de ladrillo y barro fue restaurado y reconstruido según la tradición local, para mantener la estructura fresca durante los veranos. En términos de uso de energía, el hotel tiene un mejor nivel de aislamiento térmico y gestión de aguas residuales que el estándar local. •
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// Planta principal
// Planta alta
FICHA TÉCNICA Estudio: anySCALE Architecture Design Arquitectos: Andreas Thomczyk, Mika Woll, Amy Mathieson Diseñadores: Danxin Sun, Kevin Wang Ingeniero: Chris Chen Superficie: 1.385 m2 Finalización de proyecto: 5 de mayo del 2017
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ANYSCALE ARCHITECTURE DESIGN Los tres socios de anySCALE se conocen y trabajan juntos desde hace más de una década. No les llevó mucho tiempo descubrir que comparten puntos de vista y estándares similares en lo que respecta a las áreas del diseño, negocios y la vida en general. En 2011 decidieron fundar SCALE en Hong Kong, la compañía madre de anySCALE, creada un año más tarde en Beijing. Durante los últimos cinco años han logrado una fuerte presencia en el mercado de diseño de China. anySCALE tiene una reputación fuerte en el desarrollo de identidad corporativa y se ha convertido en la cara de diseño de compañías como Soho China, BMW y Daimler.
[ ARQUITECTURA ]
Pink
HOUSE Mezzo Atelier
Un establo ubicado en una isla fue restaurado para dar origen a dos casas donde historia y contemporaneidad conviven en equilibrio.
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UBICACIÓN Ponta Delgada, Isla San Miguel, Azores, Portugal FOTOGRAFÍAS Fernando Guerra TEXTO Memoria de autor
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n la isla atlántica de San Miguel, en el archipiélago de las Azores, un antiguo establo de principios del siglo XX se convirtió en dos casas donde la historia y la contemporaneidad conviven en equilibrio.
El objetivo principal del diseño era mantener el carácter, las líneas y el ambiente rural de la construcción, adaptando la estructura cerrada a una tipología completamente nueva y a las regulaciones contemporáneas. Las nuevas aberturas fueron cuidadosamente incorporadas en las fachadas de colores, así como también en el muro de piedra, y se agregó un nuevo volumen a la construcción principal, lo que permitió que una segunda casa más pequeña apareciera integrada en el conjunto. // Implantación
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La casa más grande se desarrolla en dos niveles: la planta baja se abre a los espacios exteriores circundantes y alcanza diferentes alturas, creando un piso de dos niveles donde un espacio social da acceso a las suites privadas y al área de servicio. La planta superior contiene los espacios sociales y se diseñó para poder aprovechar la estructura del techo y su altura máxima. Desde la cocina ocre hay un acceso a una terraza situada en la parte superior de la casa más pequeña de la planta baja.
Nuevos elementos, como las escaleras exteriores que conectan con la terraza exterior, o el uso de madera blanqueada en los interiores, son reinterpretaciones de la arquitectura vernácula azoriana, algo que era importante dignificar. Los tonos rosados y ocres son la principal identidad del área donde se asienta el edificio. El ocre se usaba tradicionalmente para enmarcar ventanas y puertas; en Pink House se usa en las persianas interiores de las habitaciones y la cocina, agregando un nuevo tipo de relación entre las vistas interiores y exteriores. Los interiores y muebles hechos a medida fueron diseñados cuidadosamente para crear un ambiente neutral y tranquilo, permitiendo que las vistas del jardín sean prominentes en los espacios interiores. La madera de cedro japonés se usó abundantemente para la construcción y los muebles, y las viejas vigas de madera de pino y acacia, que se encuentran en el lugar, se convirtieron en mesas hechas a medida. •
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// Planta baja
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// Planta alta
// Corte
FICHA TÉCNICA Arquitectura, interiorismo y diseño de productos: Mezzo Atelier Equipo: Joana de Oliveira, Giacomo Mezzadri Año de proyecto: 2013/2016 Construcción de proyecto: 2016/2017 Superficie: 250 m2 Construcción: Arco Mais
// Corte
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MEZZO ATELIER
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Giacomo Mezzadri y Joana Oliveira son Mezzo Atelier, un taller joven italiano/portugués de arquitectura y diseño, que funciona a la vez como estudio y laboratorio práctico. Inspirados por el concepto de arte global de Bauhaus, su objetivo es diseñar espacios y objetos logrando una personalización completa para cada proyecto y cliente. El control de cada paso del proceso de diseño es fundamental, desde el concepto hasta la producción y realización de piezas en su taller, siempre que la escala del proyecto lo permita. Este enfoque de la práctica del diseño permite depender menos de terceros y desarrollar piezas únicas y hechas a mano.
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[ ARQUITECTURA ]
PROJECTILES
LODÈVE Museo
En la renovación de este museo, las percepciones visuales presentan una lectura sensible y argumentada, creando un diseño que va más allá de lo meramente decorativo.
UBICACIÓN Lodève, Francia FOTOGRAFÍAS Vincent Fillon TEXTO Memoria de autor
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E
n esta compleja zona ninguno de los edificios realmente se destaca. Debido a esto, el estudio eligió insertar una fachada contemporánea como nueva entrada al museo. La pronunciada naturaleza “mineral” del proyecto, tanto en el exterior como en el interior, unifica simbólica y estructuralmente los diferentes períodos de construcción.
Desde la calle de la República, el Hôtel Fleury —único edificio que marca el entorno— ahora se ha vuelto visible y libre de cualquier construcción extraña. El perfeccionamiento patrimonial fue realizado en conjunto con el desarrollo de todos los espacios externos.
// Implantación
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En el interior, el diálogo material entre la arquitectura histórica y contemporánea da lugar a variadas formas de diseño de exposición, en las que entran en juego varios niveles de enfoque, lo que resulta en percepciones visuales finamente matizadas. El objetivo es presentar una lectura argumentada, sensible, pero no meramente descriptiva; un diseño que va mucho más allá de lo meramente decorativo. En todos los casos, el deslizamiento relativo entre volúmenes, da lugar a una excelente iluminación natural de los espacios interiores, captando luz natural desde orientaciones opuestas y permitiendo la ventilación cruzada. •
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// Planta 1
FICHA TÉCNICA
// Planta 2
Colaboradores: Daniel Meszaros (arquitecto a cargo), Clara Reviu, Johanna Bleicher, Colas Saint-Martin, Pierre-Alexandre Treust, Thomas Bouchet, Charlotte Billon, Juliette Turpin, Brice Launay Año de proyecto: 2011 - 2018 Arquitecto patrimonial: Laurent Dufoix Paisajismo: Emma Blanc Estructuras y coordinación: OCD Groupe Diseño gráfico: Polygraphik Diseño e iluminación: Herve Audibert // Planta 3
Costo: Michel Forgue Sustentabilidad: Albert & Compagnie Consultores: Comment Multimedia Fecha de competición: abril 2011 Diseño: septiembre 2011 Proyecto preliminar: septiembre 2012 Proyecto ejecutivo: noviembre 2013 Apertura: julio 2018 Área: 2.350 m2 Superficie construida: 3.251 m2 Altura del edificio: 14 metros
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Estudio: Projectiles
// Corte AA
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// Corte BB
// Corte CC
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PROJECTILES Projectile (del latín projectus: lanzado hacia delante): un objeto lanzado o proyectado para alcanzar un objetivo. En el campo de la balística, es más precisamente un objeto proyectado por un arma. En el deporte, se trata de una bola o una flecha. En arquitectura, en plural, es un taller de tres asociados: los arquitectos Reza Azard y Daniel Meszaros, y el diseñador Hervé Bouttet. Con trece años de actividad, Projectiles tiene no menos de 190 proyectos a su nombre. Cuestionan sistemáticamente el material arquitectónico. La investigación espacial en arquitectura les proporciona su punto focal. Para ellos, el objetivo es lo subjetivo, donde el sujeto se define como un pensamiento, pero también como un sentimiento: el ser humano está en el centro de sus preocupaciones. Ya sea para un visitante, residente o usuario, su objetivo es lograr una experiencia de acuerdo con una estructura narrativa que contenga un lugar en su interior.
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UBICACIÓN Canadá FOTOGRAFÍAS Félix Guyon TEXTO Memoria de autor
[ DISEÑO ]
Les Ateliers Guyon
MÉLIÈS S I L L A
C O L G A N T E
L
as sillas suspendidas son ahora una marca registrada de Félix Guyon: “La silla siempre ha sido un desafío para todos los diseñadores, a lo largo de la historia. Tendemos a pasar por alto la impresionante cantidad de trabajo oculto detrás de este objeto. Para mí, la silla suspendida es el último desafío en esta área. Tiene que ser delicada, pero extra fuerte, ya que flota en el aire. Además, la silla suspendida es una especie de monumento, por lo cual se puede asumir completamente su lado artístico, dado el lugar que ocupa en el espacio." Félix Guyon se destaca por su enfoque artístico hacia el diseño. Favoreciendo una estética holgada —con altos contrastes de épocas, estilos y materiales— siempre termina creando piezas únicas. Gracias a su uso de materiales nobles y la colaboración de artesanos locales, se asegura de que los conocimientos técnicos de Quebéc se promocionen y se propaguen correctamente, tanto en el país como en el extranjero.
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¿POR QUÉ MÉLIÈS? / L A INSPIR ACIÓN Todos los objetos y luminarias de esta colección están inspirados en el período romántico de la segunda industrialización de París, que los historiadores llaman La Belle Époque. Cada una de las creaciones de la colección lleva el nombre de una persona famosa de finales del siglo XIX, y esta nueva silla no es una excepción a esa regla, ya que su homónimo fue uno de los primeros directores de cine. Fue inspirada por el universo mágico de Georges Méliès, donde la imaginación se eleva en un cielo sin límites y el pasado y el futuro se encuentran. Georges Méliès, un pionero del género surrealista, ha sido durante mucho tiempo una inspiración para Félix Guyon: "No creo que vaya a salir de él; necesito desesperadamente infundir poesía y magia en este mundo. Creo que está en el corazón de lo que hago. Creo que es mi misión. En mi línea de trabajo, no salvamos vidas; el trabajo de un diseñador no tiene sentido, o al menos está lejos de ser vital. Pero la belleza y la magia existen para dar sentido a nuestro corto tiempo en esta Tierra. Y siento que deben ser empujados hacia adelante, sea cual sea el precio." CRE ACIONES ORGÁNICAS Y ME TÓDICAS Félix Guyon compara su trabajo como gerente de proyecto con el de un director de orquesta que entrena a cada músico en su especialización. Para él, la creación es una danza entre la forma, los materiales, las técnicas de producción, los desafíos estructurales y la facilidad de uso. Todo esto debe ser pensado y validado en cada paso. Con respecto a esta silla suspendida, Félix admite el sudor frío que conlleva la lucha por un equilibrio entre la tenacidad y la ligereza, entre la elegancia art deco y la contemporaneidad. Esta silla es la primera de una nueva colección que se lanzará el próximo año y que contará con una silla de lectura, una mesa de comedor, una mesa de café y algunas luminarias. •
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FICHA TÉCNICA Diseñadores: Les Ateliers Guyon Colaboradores: Canevas Lachine (asiento), Axis Peinture (metal), Maylissa François (cuero), CBR laser (corte láser) Director de proyecto: Félix Guyon Fecha de proyecto: mayo 2016 Producción: hecho a mano en Quebéc Materiales: aluminio, acero inoxidable, cuero y Ferrari Soltis 86 Producción: 8 semanas aproximadamente Diámetro: 152,4 cm Peso: 6,8 kg
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"Necesito desesperadamente infundir poesía y magia en este mundo. Creo que está en el corazón de lo que hago. Creo que es mi misión. (...) La belleza y la magia existen para dar sentido a nuestro corto tiempo en esta Tierra." Félix Guyon
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UBICACIÓN Córdoba (espacio en exposición temporaria Córdoba Muestra) FOTOGRAFÍAS Gonzalo Viramonte TEXTO Memoria de autor
[ INTERIORISMO ]
Transición Diseñador Industrial Gonzalo Díaz Malbrán & Diseñador Guillermo Cacciavillani En el desarrollo de estos espacios la producción fue el detonante creativo y el diseño tuvo un rol curatorial, ordenando los recursos en un lenguaje coherente.
L
os diseñadores de estos espacios abordaron el proyecto en colaboración con la empresa Cima Equipamientos, con más de 60 años en el mercado. El proyecto planteado gira en torno al concepto de transición. En las funciones de cada espacio se aplica la definición del color como envolvente espacial y la transformación del material.
Se decidió enfocar en la exploración de procesos industriales y técnicas, que van derivando en diferentes lenguajes y se presentan en el espacio como cápsulas de equipamiento. Se buscó exponer —desde el vínculo entre diseñador y productor— los procesos de producción como detonante creativo y el diseño en un rol casi curatorial, que solo ordena los recursos en un lenguaje coherente.
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AUDITORIO, LAB CREATIVO Y ESPACIO DE MUESTRA
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L AB CRE ATIVO El espacio de encuentros creativos es una sala pensada para presentaciones de producto, charlas, talleres, reuniones y demás instancias que demandan las nuevas dinámicas de la industria creativa, para el impulso de proyectos. Para esto, los diseñadores desarrollaron una línea de equipamiento diseñada específicamente para el espacio y fabricada por Cima equipamientos, donde se destaca la combinación de las estructuras filares de caño. De allí surge su nombre: Línea Piper. El color rosa y las superficies blancas de Silestone Miami White de Canteras del Mundo, otorgan un carácter elegante y sólido al equipamiento y al espacio. Inspirados en la idea de transición como detonante para el diseño del espacio, los diseñadores explotaron el recurso de gradiente en la aplicación de la pintura Paclin. Se realizó un trabajo minucioso de investigación para la elaboración de una técnica que permitiera sacar provecho de la composición del color y de esta forma lograr una transición perfecta como generadora de distintas atmósferas. La aplicación de este recurso se llevó a cabo en el Lab Creativo y en el ingreso principal del espacio.
// Planta
// Corte
CLIPER Colección: durante el proceso creativo del proyecto surgió la necesidad de acompañar cada espacio con artefactos de iluminación que se relacionen con el diseño. Se creó un producto flexible y libre de ser trasladado a diferentes áreas, trasmitiendo un concepto lúdico, sin perder su carácter escultórico/elegante Versiones de iluminación colgante: CliperChain y CliperWall
Versión de iluminación de pie: Cliper StandUp
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ESPACIO DE MUESTR A Para el máximo aprovechamiento del espacio y para enriquecer la propuesta de diseño, los diseñadores se apropiaron de un área técnica, para convertirla en una muestra de arte gráfico. En este pasaje se expone el concepto transición, representando cada letra en pósteres individuales, con diferentes efectos de gradientes realizados por Paz Design Studio. Con carácter de galería de exposición, dentro del pasaje se creó la atmósfera perfecta para presentar la lámpara de pie StandUp de la Colección Cliper. Modificada para resaltar el contenido gráfico de cada póster, la lámpara StandUp se sitúa a lo largo del pasaje, generando una constitución sistemática contundente. AUDITORIO Piel envolvente: trampa acústica Egger. Para el auditorio se utilizó, como único recurso envolvente, una secuencia de paneles confeccionados con 30 placas Egger PerfectSense Matt & Gloss Black, manufacturadas por la empresa de amoblamiento Lamas. El concepto fue generar una transición entre mate y brillante que, junto a la iluminación led, da profundidad al espacio y una visual dinámica según la posición del observador. A su vez, esta idea partió de la premisa de resolver a nivel funcional las necesidades acústicas del espacio. Así mismo, se evidencian las diferentes texturas del material y la versatilidad del mismo en usos arquitectónicos, dando una resolución de alta gama a necesidades funcionales y estéticas del espacio.
VEINTETREINTA Colección: equipamiento para Cima Equipamientos. La línea de equipamiento residencial/urbano de exterior Veintetreinta propone un diseño depurado con líneas continuas Características: caño de hierro con acabado en pintura epoxi Versión con respaldo
Versión sin respaldo
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Las placas diagonales Egger PerfectSense Matt dan contenciรณn y continuidad, mientras que las Egger PerfectSense Gloss, paralelas en un segundo plano, dan profundidad gracias a su terminaciรณn reflectiva.
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Para el revestimiento del piso se utilizรณ Egger Pro Laminate Roble Grove, por su resistencia al alto trรกnsito. Su tonalidad clara fue indispensable para el espacio. โ ข
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GUILLERMO CACCIAVILLANI Guillermo Cacciavillani se define como alguien al que no le cuesta seguirle la corriente al universo y entiende su carrera como un proceso de aprendizaje, como una metamorfosis constante que nutre el proceso creativo. Un diseñador escenógrafo con predilección por los materiales y las técnicas constructivas a la hora de proyectar. Estudió música académica y se especializó en repertorio orquestal como intérprete en oboe y corno inglés. En 2007 fundó y asumió la Dirección de Arte de la revista de arte emergente DADA MINI. En 2011 creó Grupo Felicidad, especializado en el desarrollo de espacios gastronómicos. En 2014 participó de la fundación SIMPLE Abasto Gastronómico, dedicada a la centralización de insumos para gastronomía y su distribución. Fue distinguido con la Beca Cochran, nominado por Plataforma Arquitectura a los premios ODA y nominado en la categoría Mejor Diseño de Bar Americano, en los London Restaurant and Bar Design Awards (2016). Actualmente diseña espacios comerciales con su estudio Makers, además de colaborar con diversos diseñadores en proyectos de branding, arquitectura, equipamiento, escenografía, bandas sonoras e indumentaria.
GONZALO DÍAZ MALBRÁN Explorar, diseñar, definir y producir son palabras clave en el modo de trabajo de Gonzalo Díaz Malbrán. Creció en una familia de arquitectos y artistas de vieja raigambre cordobesa, que lo motivó a volcarse al mundo del diseño. En 2013, luego de participar en varios grupos de diseño, fundó DiazMalbranStudio, enfocado en el desarrollo de productos e intervenciones espaciales para empresas y startups. En 2015 fue seleccionado para participar en la primera edición de Proyecto Deseo, impulsado por la Federación Argentina de la Industria Maderera y afines. En 2016 fue seleccionado por Cancillería Argentina para representar al país en la exposición internacional de diseño Maison&Objet París y Maison&Objet Miami, a través de sus productos. Fue distinguido con el Premio ParexKlaukol "Ventanas al Futuro de la Arquitectura", en el año 2017, por CAyC - Centro de Arte y Comunicación. En la actualidad sigue dirigiendo DíazMalbránStudio y es socio en Estudio Makers junto a Sancho Díaz Malbrán, Andrés Marcellino y Guillermo Cacciavillani.
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[ ARQUITECTURA ]
Crematorio
SIESEGEM
K A AN A rchite c ten Horizontal en su geometría y proporciones, este crematorio y su paisaje se fusionan con el objetivo de crear una auténtica serenidad.
UBICACIÓN Bélgica FOTOGRAFÍAS Simone Bossi, Sebastian van Damme TEXTO Memoria de autor
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AAN Architecten ha diseñado el nuevo Crematorio Siesegem, en las afueras de Aalst (Bélgica). El edificio es una secuencia reconfortante de espacios en una relación simbiótica con su entorno tranquilo.
// Implantación
Ubicado en el campo que bordea la ruta de circunvalación oeste de la ciudad belga, el crematorio, con su huella de 74 x 74 metros, se fusiona con árboles y arbustos que bordean el perímetro del parque circundante, diseñado por el arquitecto paisajista Erik Dhont. Al acercarse a la entrada de la calle Blauwenberg, una sensación de calma invade el sitio y, al llegar, los visitantes son persuadidos sutilmente para que disminuyan la velocidad, gracias a los suaves montículos verdes y ondulados. Hacia el norte, un estanque sirve como un depósito para el agua de lluvia, mientras que las pequeñas colinas adyacentes están dedicadas a las cenizas dispersas y al jardín de una urna. En el extremo oriental, hay un camino de servicio que está completamente oculto a la vista, para que las familias no sean molestadas durante la ceremonia de duelo, respetando su privacidad. La arquitectura acompaña la transición de un mundo exterior ocupado a un interior físico y metafórico impregnado de calma y moderación. La esquina suroeste del edificio se abre a un patio y sirve como zona de transición, acogiendo a los visitantes y guiándolos hacia los espacios interiores. Como los crematorios suelen caracterizarse por una logística compleja, KAAN Architecten ha diseñado un edificio que se explica por sí mismo y se siente como algo natural de usar. Al ingresar al crematorio, una secuencia de espacios conforma la experiencia física del visitante, evitando la confusión espacial. Con una altura de 6.4 metros, la notable altura de piso a techo del interior realza la sensación de inmensidad, combinada con la cálida abundancia de la luz del día. Un gran "toldo" de hormigón se extiende en una sala de generosas proporciones, desde donde el mostrador de recepción es visible de inmediato. La recepción está iluminada por dos grandes ventanales que dan a un jardín, y alberga un pasaje discreto a la cafetería, que cuenta con una pintura a gran escala del artista belga Rinus Van de Velde.
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El crematorio abarca dos salas de asambleas ceremoniales. La más grande tiene una capacidad para 600 personas. KAAN Architecten participó en el diseño general, incluyendo los muebles y, en particular, los bancos: asientos de elegante forma con tapicería de cuero en color beige amarillento, un matiz recurrente en los espacios del crematorio, elegidos por su textura suave y referencia directa a la arena y al polvo. La superficie posterior está acristalada y da a un patio, que conecta directamente el edificio con el paisaje circundante. Ambos espacios de reunión tienen una sala familiar y un lugar para las condolencias; junto a ellos, un área al aire libre con vegetación vincula la naturaleza a la luz del día y ofrece un contrapeso a la intensidad y la espiritualidad que experimentan los afligidos. Junto a los espacios de la ceremonia, los aspectos técnicos del edificio también son una parte fundamental del diseño. El esfuerzo de los arquitectos por revelar —en lugar de ocultar— el proceso de cremación, crea una polaridad inusual pero efectiva entre la mecánica y la serenidad. El color amarillo arenoso suave de los muebles se refleja en los hornos y la chimenea que se extiende a través de una abertura acristalada en el techo. Un sentido de dignidad e intimidad infunde el edificio. La elección de los materiales y los detalles fue primordial para lograr un estado de ánimo plácido. Para el exterior, KAAN Architecten eligió el hormigón a la vista. En el interior, las paredes tienen un acabado mate texturado, mientras que el techo tiene un acabado de rociado áspero para garantizar una acústica silenciosa, una característica fundamental de un edificio de este tipo. Se han elegido suelos de parqué de roble para las habitaciones familiares y la cafetería. Todos los espacios expresan la esencia de la arquitectura, y el mármol Ceppo di Gré juega un papel vital. Después de cortar los bloques de piedra en placas de 2,4 x 1, los arquitectos organizaron una composición que dio como resultado un patrón visualmente coherente. Pisos y paredes han sido tratados de la misma manera. Se usó el mismo mármol para el mostrador de recepción en el hall, el bar, el atril, el catafalco y el alto zócalo de las paredes del patio.
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En Bélgica, los crematorios tradicionalmente tienen un programa más complejo que en otros países. Son espacios para reunirse, disfrutar de una comida y reconectarse con familiares y amigos. KAAN Architecten diseñó espacios y rutas de fácil lectura para reducir la señalización al mínimo. Los visitantes nunca deben sentirse perdidos, y la arquitectura va más allá de ser un simple fondo, ofreciendo una orientación espacial. El interior habla a los visitantes y hace un llamado a sus emociones: infunde calma y la secuencia de espacios mejora la reflexión. El crematorio es una oda a la verticalidad, aunque es horizontal y puro en su geometría y proporciones equilibradas. Su ambiente de fácil lectura y su paisaje tranquilo se fusionan para generar una auténtica serenidad. Sin sucumbir al monumentalismo lujoso, el edificio y los terrenos que lo rodean son un oasis de paz para el recuerdo. •
// Implantación
// Planta baja FICHA TÉCNICA Estudio: KAAN Architecten (Kees Kaan, Vincent Panhuysen, Dikkie Scipio) Equipo de proyecto: Bas Barendse, Dante Borgo, Maicol Cardelli, Timo Cardol, Sebastian van Damme, Paolo Faleschini, Raluca Firicel, Cristina Gonzalo Cuairán, Michael Geensen, Walter Hoogerwerf, Marco Lanna, Giuseppe Mazzaglia, Exequiel Mulder, Ismael Planelles Naya, Giulia Rapizza, Ana Rivero Esteban, Giacomo Rizzi Programa: crematorio, auditorios, restaurante, habitaciones familiares, salas de condolencias Fase de diseño: junio 2013 - septiembre 2014 Fase de construcción: abril 2016 - septiembre 2018 Fase de paisajismo: enero 2019 Área: 5.000 m2 Contratista: Jan de Nul, Hofstade-Aalst (Bélgica) Asesor de construcción: Pieters Bouwtechniek, Delft (Países Bajos) Gestión de proyecto: KAAN Architecten, Róterdam; Bureau Bouwtechniek, Antwerp (Bélgica) Agua, electricidad, instalaciones y supervisión: Henk Pijpaert Engineering, Oudenaarde (Bélgica) Acústica, térmica, física: DGMR, Arnhem (Países Bajos) Hornos: DFW, Broek op Langedijk (Países Bajos) Multimedia: BIS, Ridderkerk (Países Bajos) Paisajismo: Erik Dhont, Brussels (Bélgica) Mobiliario: Bulvano, Mechelen (Bélgica) Bancos de madera: Luxor interieur, Meldegem (Bélgica) Muebles fijos: Bekaert Building Company – BBC, Waregem (Bélgica) Muebles de exposición: Meyvaert, Gent (Bélgica) Suministro de piedra y mobiliario: Marble’us, Tirana (Albania) Arte: Rinus Van de Velde
// Planta alta
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KAAN ARCHITECTEN KAAN Architecten es un estudio de arquitectura con base en Róterdam que opera en un contexto global, uniendo su experiencia práctica y académica en los campos de la arquitectura, el urbanismo y la investigación de los ambientes construidos. El estudio, dirigido por Kees Kaan, Vincent Panhuysen y Dikkie Scipio, está compuesto por un equipo internacional de arquitectos, paisajistas, planeadores urbanos, ingenieros y diseñadores gráficos. KAAN Architecten cree en la polinización cruzada entre proyectos y disciplinas como una herramienta esencial para fomentar un debate crítico dentro del estudio.
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Desde la fundación del estudio, KAAN Architecten ha estado a cargo y supervisado un amplio rango de proyectos, trabajando activamente con el sector privado y público, con equipos de proyectos que se volvieron cada vez más interdisciplinarios y dinámicos. KAAN Architecten mantiene una cultura de constante evolución, lo que es esencial en una profesión que cambia constantemente y a un ritmo tan rápido. Buscan mantener relaciones duraderas con sus clientes, consultores y socios. Los proyectos de KAAN Architecten trascienden la noción tradicional de escala y tipología, desde el mobiliario y los interiores hasta el desarrollo urbano, y desde el comercio minorista y oficinas, museos y edificios para la salud y la educación.
[ PORTFOLIOS ]
THALAU They are looking at you (2005 - 2017)
Te miran todo el día, todos los días. FOTOGRAFÍAS Y TEXTO Eugenio Valentini
Hasta que los sacan y ponen otros. Y esos nuevos te vuelven a mirar.
P
ermanentemente camino, paseo y observo, con una mirada que es casi una cámara de fotos. A veces me paro, me corro un poco de lugar y organizo esa imagen que solo se graba en mi cabeza.
Gran sorpresa tuve en una oportunidad cuando el que se sintió mirado fui yo. Caminando por Atlanta en el 2005, percibí una mirada con extraños lentes, reflejo del cielo en las ventanas de un shopping. Era un niño curioso, como lo fui yo tantas veces. Al estar fuera de casa trabajando en Estados Unidos, decidí tomar la foto con la cámara pocket que tenía en ese momento, para poder recordar tal insolencia. Semanas después, cuando terminé mi trabajo en Atlanta, me tomé unos días para ir a Nueva York, lo cual nunca había hecho en siete años de trabajo en Estados Unidos. Para mi sorpresa, allí eran muchos los que me miraban, no solo aquel niño de Atlanta. A todos ellos les devolví una foto. Nueva York, Londres, Atlanta, Milán, Venecia, Berlín. El tiempo pasó y en otras ciudades continué descubriendo “miradores” que fui captando y guardando en este portfolio, que lleva doce años. Incluso tuve la increíble posibilidad de encontrar a aquel niño de Atlanta, al otro lado del Óceano, en Milán, y ya crecido (fantasía del autor).
Londres 2016. Mirando el fondo de la taza
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Atlanta 2005. Pequeño.
Venecia 2016. Pasen.
Milán 2017. Encontrando al niño de Atlanta, ahora adulto.
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MoMA, Manhattan, 2015
Brooklyn, 2015
They are not
Macy's Herald Square, 151 W 34th St, Manhattan, 2015
Y entre tantos "observadores permanentes", también me crucé con aquellos que no te miran, aquellos que “están en la suya” —los “they are not”— y a quienes yo igualmente miro, como a tanta gente que pasa por la calle y yo sigo mirando. Acá están todos... los que miran y los que no. •
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BerlĂn, 2017. Ich liebe dich.
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[ INTERIORISMO ]
EL QUINTO COCINA ASIÁTICA
DISEÑADOR HORACIO GALLO
Situado en el barrio de Palermo, este restaurante asiático se caracteriza por la poca variedad de materiales utilizados, lo que potencia la personalidad del espacio creado. UBICACIÓN Buenos Aires, Argentina
FOTOGRAFÍAS Eugenio Valentini
TEXTO Memoria de autor
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a idea de crear un restaurante asiático nace de los chefs Gonzalo Sacot y Quique Yafuso, quienes persiguen el sueño de compartir esta cultura a través de sus platos: los sabores que traen de cada viaje a Asia, recuerdos de costumbres y ritos milenarios que acompañan los alimentos.
5第 significa el quinto sabor, el umami en japonés, que significa sabroso. Se convocó al estudio de Horacio Gallo, para que el lugar pudiera recrear un marco sólido, moderno, depurado, y así poder contextualizar la simpleza con la que se arma cada plato.
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El restaurante está diseñado para que, desde la entrada, la perspectiva lineal lleve la atención del futuro comensal a la cocina: un lugar abierto, revestido íntegramente en acero inoxidable y con una barra para poder comer de cara al sushiman y a los fuegos. Las mesas comunitarias centrales evocan a las cantinas, la forma tradicional de comer en Asia. Las mismas se encuentran laqueadas en negro, una antigua técnica japonesa utilizada para recubrir las cajas de alimento. La barra de tragos —donde también se puede comer— está revestida con listones de madera, dispuestos como las esterillas para arrollar sushi, con su tapa en mármol de Carrara. De fondo, la colección de distintas botellas de whisky japonés y sake. El uso de pocos materiales —madera, vidrio blanco, laca y placas perforadas— potencian la personalidad del lugar. •
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HORACIO GALLO Como diseñador gráfico creó varias de las tapas de discos emblemáticos del rock nacional (Piano Bar, de Charly García; Bares y Fondas, de Los Fabulosos Cadillacs). También incursionó en escenografía e iluminación de teatro y cine publicitario.
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El tiempo lo llevó a trabajar en el rubro gastronómico y hoy es uno de los grandes referentes locales en lo que respecta a la creación de espacios para restaurantes: Sudestada, Tegui, La Panadería de Pablo Massey, Almacén Fifí y la refacción de Olsen son algunos de los proyectos más importantes que lideró.
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[ INTERIORISMO ]
Peng & Partners
CENTALINE PROPERTY OFFICE Para el diseño de estas oficinas se buscó crear una experiencia de trabajo nueva, acompañada de una fuerte presencia de luz natural.
UBICACIÓN Shenzhen, China FOTOGRAFÍAS Zhao Hongfei, Wang Peng TEXTO Memoria de autor
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espués de veinte años de desarrollo, Centaline Property, con más de 11.000 empleados, es considerado el agente de propiedades más grande en Shenzhen, China. En respuesta al resumen de diseño que buscaba expresar nuevos espíritus empresariales, vitalidad, innovación y cooperación, Peng & Partners ha realizado un diseño revolucionario para la nueva sede de la empresa, en el área de Houhai, en Shenzhen. Todo el proyecto ocupa cuatro pisos de un edificio. Tres fueron destinados a oficinas y el cuarto es un centro de conferencias. La "caja" sirve como punto de partida del proceso de diseño de la oficina. Al incrustar, restar y extruir las cajas, el diseñador crea y alínea una secuencia de espacios positivos y negativos en toda la oficina, que cumplen varias funciones, como recepción, reunión, área de trabajo privada, etc. Con una proporción espacial diferente e inusual a escala, estas cajas transmiten emociones variadas: son públicas y privadas, estrechas y anchas, oscuras y brillantes. En la recepción del primer piso de oficinas las aberturas rojas en la pared y el techo hacen que la composición y dimensión espacial sean especiales. Un rayo de luz al final del pasillo evoca una sensación de misterio.
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En el interior de la caja de reunión de grupo o de trabajo privado, el piso, la pared y el techo están cubiertos por una alfombra del mismo color y un tejido que absorbe el sonido, lo que ayuda a las personas a sentirse más tranquilas, a mantenerse enfocadas en el interior y a evitar interferencias mutuas. Según su estado de ánimo, las personas también pueden elegir entre cajas con diferente variedad de colores. Con el fin de aliviar la tensión de la oficina tradicional, el gran espacio público de ocio incluye paredes verticales verdes, cocina y bar, por lo cual se convierte en un lugar de reunión para la comunicación y el descanso. Los sofás modulares ofrecen varias formas de combinación y uso, y permiten que el personal tenga una comunicación sin barreras y de 360 grados. El diseño de la oficina del gerente es innovador. Todos los elementos funcionales están dispuestos a lo largo de las paredes: el almacenamiento, el trabajo, la lectura y la comunicación están conectados racionalmente. La pequeña habitación de tan solo 9 metros cuadrados proporciona una sensación espaciosa y cómoda.
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// Planta 1
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// Planta 2
FICHA TÉCNICA Diseño: Peng & Partners Director de diseño: Wang Peng Año: 2017 Área: 8.000 m2 Dibujo constructivo: Lu Xuetong Materiales: fieltro, alfombras, mármol, vidrio, paneles de metal, chapas de roble
La luminosa caja de vidrio en el área del pasillo sirve como principal fuente de iluminación del piso de conferencias, lo que evita las luces y sombras complejas y hace que el espacio sea limpio, tranquilo y elegante. De acuerdo con el lenguaje del espacio, el diseño del sistema de señalización es claro y minimalista. Incluso los paneles de interruptores están integrados con el sistema de signos en un todo coherente. DISEÑO DEL PL AN De acuerdo con las condiciones del sitio y el cuidado de la compañía hacia los empleados, las áreas de trabajo del personal están ubicadas junto a la ventana para garantizar que todos los departamentos tengan la iluminación natural más favorable, las mejores condiciones de ventilación y la mejor vista del paisaje. Los otros elementos funcionales, como el almacenamiento, el área de reunión, la fotocopiadora y la cabina telefónica, están dispuestos a lo largo del tubo central del edificio. •
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PENG & PARTNERS
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Este estudio internacional de investigación en diseño, con una visión global y una integración múltiple (diseño, arquitectura, moda, arte), ofrece diseño de arquitectura interior, mobiliario e instalaciones de arte con competitividad internacional.
[ INTERIORISMO ]
Forest
NOÉ PRADES STUDIO
Departamento restaurado para unir el exterior con el interior, logrando vistas únicas de la Sagrada Familia.
UBICACIÓN Barcelona, España FOTOGRAFÍAS Yanina Mazzei TEXTOS Memoria de autor
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orest es un proyecto que representa el bosque, su fortaleza y algunas de las sensaciones que lo caracterizan. En este proyecto fue de vital importancia contar con el escenario del exterior, debido a las vistas de la basílica de la Sagrada Familia y el parque que la rodea.
Estas características motivaron al estudio a cargo a unir el exterior con el interior y a conseguir trasladar hacia adentro lo que se observa afuera, a través de materiales, colores y texturas.
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El espacio situado en la calle Mallorca 373, en Barcelona, cuenta con 90 metros cuadrados distribuidos en dos habitaciones dobles, dos baños completos y una cocina abierta al comedor. El proyecto ha incluido la reforma total del espacio, desde la retirada de muros de carga para unificar espacios, nuevas instalaciones, diseño de interiores y diseño de mobiliario propio. •
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NOÉ PRADES Noé Prades nació y creció en Cataluña, en 1989. Combina la premisa principal del minimalismo con cierta esencia ecléctica. Con un ojo en la proporción y el orden visual, juega a combinar estilos contrastantes: lo clásico y lo moderno, lo exótico y lo geométrico. Los ambientes no son neutrales ni abstractos, buscan despertar emociones y, a partir de un mueble o un objeto no autóctono, invitan a viajar a otras geografías. Por su historia, la naturaleza es otra presencia poderosa en su trabajo, percibiéndose en sus interiores no solo con el uso de plantas, sino a través de texturas, cuadros, muebles y objetos. En definitiva, Noé combina las influencias y los estilos de cada proyecto para crear una atmósfera equilibrada y en armonía.
[ INTERIORISMO ]
Humbert & Poyet, Soho House y Ennismore’s Creative Studio
THE HOXTON
Paris
Un edificio del siglo XVIII catalogado como monumento histórico de Francia, fue restaurado para convertirse en uno de los hoteles de la cadena The Hoxton. UBICACIÓN París, Francia FOTOGRAFÍAS The Hoxton TEXTO Memoria de autor
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l hotel Hoxton Paris cuenta con 172 habitaciones, dos patios, Rivié —una moderna cervecería francesa—, Jacques Bar —un íntimo espacio que sirve cócteles creativos—, un hall de doble altura con luz natural y un espacio único y acogedor para reuniones y eventos, denominado Les Voûtes.
EL EDIFICIO Y SU RESTAUR ACIÓN Ubicado en un hotel del siglo XVIII, The Hoxton Paris es el más grande de la cadena hasta la fecha. El edificio fue construido por el arquitecto Nicolas d’Orbay para Etienne Rivié, un asesor de Louis XV. Tiempo después se convirtió en una fábrica de ropa, para luego quedar vacía durante 10 años. Después de cuatro años de construcción, The Hoxton ha revivido esta increíble propiedad. El hotel consta de 3 edificios, siendo la parte más antigua el centro del hotel, entre los dos patios. El edificio está catalogado como monumento histórico, una designación otorgada a sitios del patrimonio nacional en Francia; honor compartido con edificios como la Torre Eiffel, Le Louvre y Notre Dame. Nicolas Pineau, el escultor que trabajó en el edificio, fue uno de los líderes del alto estilo rococó parisino, imitado en toda Europa. La fachada se ha restaurado para devolverle su grandeza original.
En total hay 15 escaleras en el hotel, algunas de las cuales han sido restauradas y reubicadas. Se destacan dos escaleras de caracol —una en el hall y otra que conduce al Jacques Bar—, cada una con más de 300 años de antigüedad. Las baldosas originales del siglo XVIII se reubicaron y restauraron para crear un impresionante mosaico debajo del Jacques Bar; y se han expuesto vigas de madera del techo en algunas de las habitaciones del cuarto piso.
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DISEÑO The Hoxton Paris fue diseñado como una colaboración entre el estudio de diseño parisino local, Humbert & Poyet (dormitorios), Soho House (espacios públicos) y Creative Studio de Ennismore (encargados de unificar todo). Al igual que con los otros tres hoteles de The Hoxton, la historia del edificio y las calles y escenas que lo rodean, han influido enormemente en la estética del diseño. Los espacios públicos preservan las características originales del edificio. El restaurante Rivié adopta el estilo de una brasserie francesa con un toque moderno. Las características clave del diseño incluyen paneles de madera, barras con mesadas de mármol y paredes desgastadas. Humbert & Poyet diseñó las 172 habitaciones. La grandeza histórica del edificio se refleja a través de cornisas, paneles y el piso de madera de roble chevron recuperado, mientras que las paredes y laminados aportan detalles de contemporaneidad. Con lámparas Lampe Gras, materiales clásicos de los años 50 y referencias a diseñadores como Jean Prouvé y Mathieu Matégo, la decoración de las habitaciones rinde homenaje a dos períodos muy importantes de la historia parisina: finales del siglo XIX y la década de 1950. Como siempre con The Hoxton, el enfoque se centra en lo local, con piezas inspiradas por algunos de los diseñadores de iluminación y muebles más emblemáticos de Francia, en todo el hotel.
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HABITACIONES Las habitaciones de The Hoxton Paris, se distribuyen en cinco pisos y en cuatro categorĂas: Shoebox (Caja de Zapatos), Cozy (Acogedora), Roomy (Espaciosa) y Biggy (Grande). Todas las habitaciones abarcan las diferentes formas y peculiaridades del edificio, desde techos altos hasta vistas al patio y terrazas. Hay 3 habitaciones en el ĂĄtico del cuarto piso desde donde se puede ver la Torre Eiffel.
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RIVIÉ El restaurante ofrece un menú sencillo de temporada, con platos inspirados en Francia. JACQUES BAR Es un espacio íntimo al que se accede a través de una escalera de caracol original del siglo XVIII, en la parte más antigua del edificio. Posee un parqué de madera recuperada del piso de Versailles, papel tapiz floral decorativo, lámparas con borlas, sofás acanalados y palmeras. LES VOÛTES: REUNIONES Y EVENTOS Espacio con techos abovedados, con siete salas de reuniones y La Cuisine, diseñada como una cocina de despensa de planta abierta. •
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THE HOXTON The Hoxton es una cadena de hoteles inspirados en la diversidad y originalidad de las calles y las escenas que los rodean. The Hoxton Holborn abriรณ sus puertas en 2014, seguido de The Hoxton Amsterdam en 2015 y The Hoxton Paris, en el verano del 2017. The Hoxton Williamsburg abriรณ a finales del 2017 y Southwark, Chicago y Los ร ngeles llegarรกn pronto.
[ DISEÑO ]
BEAU LAKE Una marca que aporta diseño a los deportes acuáticos. FOTOGRAFÍAS Beau Lake TEXTO Memoria de autor
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eau Lake, una compañía que brinda lujo al deporte y a la recreación en el agua, enfatiza el rendimiento y el diseño en todos sus productos. Beau Lake entiende que los productos impulsados por el hombre, el diseño de alto rendimiento con materiales de calidad y la responsabilidad y administración del medio ambiente son ideas atemporales que son importantes hoy y siempre. Beau Lake presenta una marca con diseño, materiales, artesanía y rendimiento, que trasciende los productos existentes en el mercado: desde elegantes tablas de remo y sillas para muelles, hasta un revolucionario bote a pedal. "Nuestra estética y artesanía inevitablemente hacen que se nos tome como referencia, como una empresa de diseño que está redefiniendo un mercado enorme y relativamente sin explotar", explica Paul Lavoie, cofundador y presidente de Beau Lake. "En línea con esa búsqueda, nuestro enfoque está en la creación de una línea náutica hecha a mano, de propulsión humana, que presente diseños atemporales creados para hoy y mañana." REIMAGINANDO L A RECRE ACIÓN EN L A SUPERFICIE DEL AGUA Al superar una variedad de desafíos, Beau Lake logró desarrollar una línea de tablas de remo de alto rendimiento con acabados naturales y elegantes. La tabla Muskoka, con su capa superior de poliuretano con protección UV altamente pulida, presenta una capa de caoba y arce, mientras que la superficie de agarre transparente y el diseño contemporáneo de la tabla Tremblant conectan a los corredores, tanto física como visualmente, con los materiales naturales de la tabla. "Hay un motivo deportivo siempre presente en las motos de agua de fin de semana, y nuestro objetivo con Beau Lake ha sido infundir el diseño y la moda en la categoría", dice el cofundador y director de diseño Lee Kline. "En términos de nuestra colección de tablas de remo, eso significó reemplazar el diseño puramente deportivo con un estilo vintage e inspirador". Kline trabajó con el renombrado diseñador Julien Fillion en la tabla Rapid de cuatro metros, la última tabla de remo de Beau Lake. La construcción de fibra de carbono y madera de ébano de Macassar, junto con su diseño de punta de hacha y su fondo plano, la hacen ultra rápida. La artesanía única de las tablas de remo de Beau Lake se extiende a sus intrincados detalles cromados, mientras que los diseños de paletas de la compañía, con maderas clásicas y fibra de carbono liviana, mejoran aún más la experiencia y brindan un control de precisión en el agua.
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REINVENTANDO L A SILL A Un nuevo diseño de la emblemática silla Adirondack transfiere el estado mental de la marca desde el lago hasta la costa. Construida para la comodidad, la silla Great Lakes cuenta con herrajes de acero inoxidable de calidad marina. "Queríamos una silla de madera dura de larga duración, que generalmente se hace con una madera conocida como IPE", explica Kline. "La madera IPE solo crece en la selva tropical brasileña y gran parte de ella se cosecha ilegalmente, por lo que decidimos construir nuestro producto utilizando algarrobo negro y duradero, que es la madera dura de mayor crecimiento en el mundo." EL FUTURO DE BE AU L AKE De cara al futuro, la expansión de la línea de productos de Beau Lake incluirá accesorios diseñados para mejorar aún más la experiencia en la orilla, como toallas, mantas, equipo de seguridad y más. La compañía está avanzando a través de asociaciones con personas que comparten su visión de crear experiencias excepcionales a través del diseño de productos o servicios, incluidos Cynthia Rowley, Four Seasons Aviara y Little Beach House en Malibú. Beau Lake también se ha asociado con el famoso arquitecto Todd Saunders, creador de la isla Fogo, quien se sumó para diseñar una nueva línea de cabinas prefabricadas y saunas. •
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BEAU LAKE Cofundada en 2016 por Lee Kline y Paul Lavoie, Beau Lake es un verdadero reflejo de las vidas y carreras de ambos hombres. Mientras crecía en las navegaciones de verano en el lago Ontario, Lee Kline heredó la pasión, las habilidades y las aptitudes de su bisabuelo, un maquinista, metalúrgico y excelente ebanista. Kline pasó gran parte de su carrera profesional centrado en la integración de avances materiales de la industria del transporte en los campos de la arquitectura y los productos. Su atención a la artesanía, los materiales y el diseño ha allanado el camino hacia el éxito en el trabajo con los fabricantes, para garantizar productos finales que conserven sus visiones de diseño iniciales. La carrera profesional de Paul Lavoie agrega la experiencia empresarial a Beau Lake. Cofundador de TAXI —la red de agencias de publicidad y diseño más creativa de Canadá—, las habilidades de Lavoie para crear una narrativa de marca atractiva y comprender los paisajes de marketing fluctuantes, han ayudado a lanzar numerosas marcas y productos importantes. La compañía actualmente está en conversaciones con diversas organizaciones benéficas de conservación del agua y tiene el objetivo de donar una parte de sus ganancias para abordar los desafíos ambientales que plantea el agua.
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[ INTERIORISMO ]
BIASOL En un antiguo almacén de 1870, un interior de colores vivos configura el escenario de un restaurante, con un lenguaje visual íntimo y elegante.
UBICACIÓN Londres FOTOGRAFÍAS Paul Winch Furness TEXTO Memoria de autor
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L
a arquitectura patrimonial de un almacén de 1870 fue el telón de fondo de la octava colaboración de Biasol con Grind. El proyecto ocupa una ubicación privilegiada en el barrio Clerkenwell de Londres.
Para el equipo de Grind, este proyecto representó el siguiente paso en el crecimiento de su negocio, marcando su transición de exitosas cafeterías y bares a un restaurante y bar a gran escala. Desde la perspectiva del diseño, esto significó redefinir el lenguaje visual que se había desarrollado para otros lugares y construir un nuevo buque insignia para la marca Grind, que marcaría la dirección de sus futuros lugares: una nueva y dinámica visión de la experiencia gastronómica británica contemporánea. El edificio es un almacén restaurado, catalogado como patrimonio histórico. Detrás de su fachada de ladrillo y terracota con intrincados dibujos, se buscó crear un interior de colores vivos pero elegante, que contrastara con la arquitectura, respetando su patrimonio.
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FICHA Tร CNICA Estudio: Biasol Finalizaciรณn: noviembre 2016 Superficie: 260 m2
// Planta baja
// Sรณtano
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El local abarca 260 metros cuadrados en dos plantas, con cuatro zonas distintas: en la planta baja, el comedor principal tiene capacidad para sesenta comensales, un bar y un espacio de comedor privado; mientras que el nivel del sótano alberga un bar y un lugar nocturno más íntimo, junto con una cocina abierta y los servicios. La paleta de materiales del proyecto reúne elementos de diseño personalizados y productos de lugares cercanos y lejanos: Dinamarca, India, Estados Unidos, Australia, etc. En el comedor principal, una elegante banqueta de terciopelo azul marino envuelve las paredes, debajo de los paneles de madera azul marino, con un patrón de chevron. Lámparas de metal y pisos de madera desgastados guían la historia del edificio, mientras que los espejos ovalados inclinados en la parte superior crean conexiones inesperadas entre grupos de comensales. El mobiliario es liviano y elegante: mesas con superficie de mármol en forma de círculo, cuadrado y rectángulo, con sillas Ferm Living, tapizadas en terciopelo rosa oscuro.
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Junto a la entrada, la zona de comidas informales presenta una segunda banqueta, tapizada en un terciopelo de un tono rosáceo, que mira hacia la barra principal revestida con baldosas de mármol de Carrara, con dibujos en espiga. Detrás de la barra, las estanterías continúan con el metal. En frente se encuentra una obra de arte de neón del tatuador de Toronto Curt Montgomery. Un desafío clave fue abrir el interior, por lo que se trabajó dentro del plano existente, eliminando las paredes de manera estratégica para que funcionara como dos zonas interconectadas. En la planta baja, la paleta de materiales continúa en el bar más íntimo. Se buscó crear un ambiente relajado y femenino, con materiales delicados y una paleta de colores finamente resuelta. El espacio, estructurado en torno a un bar cubierto con mármol Verde Guatemala, está equipado con mesas altas y bajas de mármol, taburetes con patas de bronce y sillas esculturales Gubi Beetle, tapizadas con fieltro de color rosa pálido. Los paneles de madera de chevron reaparecen, esta vez sobre una banqueta de terciopelo verde azulado. A lo largo del bar, las lámparas de sobremesa con forma de bulbo, casi retro, crean un esquema de iluminación cambiante. A través de las ocho colaboraciones con el equipo de Grind, Biasol ha evolucionado la marca para dar a cada proyecto una identidad distintiva. Aquí, esos elementos de diseño se unen para formar un nuevo y elegante buque insignia que celebra el carácter de la marca. •
BIASOL Biasol es un galardonado estudio de diseño con sede en Melbourne, que se especializa en la creación de entornos residenciales, hoteleros, laborales y comerciales atractivos. Su método de trabajo integrado produce resultados diversos que combinan el diseño de interiores, de edificios, de productos y de marca. Operan a nivel local e internacional, como un equipo de diseñadores y arquitectos, para descubrir el potencial de cada proyecto. El diseño es su lenguaje de expresión: detalle, calidad y precisión técnica, el léxico de su oficio.
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[ ARQUITECTURA ]
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DE MAYO
OFICIO Taller
La estructura de esta edificación fue adaptada para nuevas oficinas, conservando la fachada y permitiendo la continuidad entre lo edificado y el contexto.
UBICACIÓN Monterrey, Nuevo León, México FOTOGRAFÍAS Adrián Llaguno (Documentación Arquitectónica) TEXTO Memoria de autor
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E
l proyecto 15 de Mayo se ubica en el centro de Monterrey, a unas cuadras de la Iglesia de la Purísima. Al inicio, el estudio se encontró con un cascarón de arquitectura típica, con sus muros de sillar y techos de terrado, soportados por un entablado y viguería, en un considerable estado de deterioro. Entendiendo la importancia de la pieza en su emplazamiento, se buscó rehabilitar la estructura para adaptarla a las nuevas funciones de oficinas. El conservar las fachadas permitió la continuidad del diálogo entre lo edificado y el contexto.
// Fachada Norte
// Fachada Oeste
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// Planta baja
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// Planta alta
// Corte longitudinal
FICHA TÉCNICA Estudio: OFICIO Taller (Marcela González Veloz) Colaboradores: Alexa Núñez, Brenda Landeros, Francisco Benítez, Fernando Elías, Carolina Herrera, Tania Cortés, Amado Ortiz Construcción: Ing. David Reynoso Superficie: 202 m2 Inicio de obra: 2014 Finalización de obra: 2016
// Cortes transversales
// Corte longitudinal
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El esquema se desarrolla en torno a un pequeño patio central que articula lo existente con la intervención nueva, protegido por una cubierta que integra todos los espacios. En el centro se encuentra un espejo de agua, que modifica el microclima del lugar y define la atmósfera del espacio. En el volumen original se encuentra el hall, la recepción y las oficinas principales. Fue necesario colocar, en el lado sur del conjunto, una estructura de concreto aparente que completa los espacios requeridos por el cliente. El programa incluye un comedor, sala de reuniones, oficinas y los servicios. La cubierta imita el ritmo de la viguería existente, soportada con una estructura metálica que se apoya en el muro central, perforado con un semicírculo, para dirigir las vistas hacia el barrio, la iglesia y las montañas de la Sierra Madre, cediendo la fuga del espacio interior, ampliándolo y haciendo que el contexto sea parte del espacio. La intención de ubicar sobre la edificación original la terraza, provoca que el espacio más público se relacione directamente con la plaza, permitiendo encuentros de los usuarios con los vecinos y con la vida del barrio. •
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OFICIO TALLER Oficio Taller fue fundado por Marcela González Veloz en el 2011, actualmente establecido en Monterrey y la Ciudad de México. Es un taller de arquitectura en constante búsqueda y aprendizaje, para convertir su trabajo en experiencias y sensaciones inspiradas en cómo se viven, se invaden y se apropian los espacios. El estudio cree en las tradiciones del oficio y el valor de la mano de obra. La arquitectura debe proyectarse utilizando el cuerpo y los sentidos. El trabajo es multidisciplinario. Buscan involucrarse en proyectos con un compromiso social, que cuiden el impacto ambiental y dejen una huella positiva en el lugar, la cultura, la economía y la comunidad.
PRODUCTOS Y MATERIALES
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de diseño
HUNTER DOUGLAS
ROLLER SCREEN ALUMINIZADAS La tela screen aluminizada tiene una capa ultra fina de aluminio sobre el tejido screen, lo que mejora de forma comprobable su performance: cualquiera sea el color elegido disminuye el reflejo y el calor, ya que el aluminio refleja hasta un 75% de la radiación solar. Además, mantiene la visión exterior, gracias a que el aluminizado permite el uso de mayores factores de apertura. Es una tela ideal para oficinas y espacios de trabajo, porque contribuye a generar las mejores condiciones lumínicas y de temperatura.
CONTACTO www.hunterdouglas.com.ar marketing-arg@hdlao.com Tel: (011) 4709-8700
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JOHNSON
LANZA AL MERCADO EL NUEVO
MODELO CENTERY Una cocina donde el diseño, estética y simplicidad son las características distintivas. Los detalles y materiales cuidadosamente seleccionados, son ingredientes claves para lograr una atmósfera sofisticada. Centery propone formas esenciales y variadas posibilidades de personalización. Colores, detalles y terminaciones emergen de una propuesta donde la funcionalidad se combina con las formas. Una cocina que no se limita a composiciones lineales o de pared, sino que es capaz de crear ambientes con un diseño innovador. La conjunción de materiales, melaminas y superficies en RPT, alcanzan resultados contundentes. Johnson invita a descubrir Centery, la precisión puesta en el diseño, donde la manija combina lo visible con lo oculto en una sofisticada terminación Inox Look, y permite un práctico agarre, aportándole su característica linealidad.
CONTACTO
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SBG PRESENTA ÉTOILE DI REX SBG, la marca más innovadora en pisos y revestimientos, presenta su nueva colección de porcellanato italiano símil mármol de gran formato: Étoile di Rex. Un porcellanato de 120 x 240 cm, en tonos que van del blanco al gris, llegando incluso a los verdes más intensos, inspirados en las vetas del mármol Amazzonite de la región de Toscana. Su acabado brillante y tamaño permiten lograr un fuerte impacto decorativo, aportándole elegancia y refinamiento a espacios únicos y con carácter. Un nuevo estilo para interpretar el espacio como solo SBG puede proponer.
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