N°8 by Revista BA

Editorial

Hacemos Breaking Away

estrella) y luego la forma encontró su propio camino llevando al cine textos originales, que tendrían un dudoso valor literario, pero que en función de la imagen, la puesta en escena y el histrionismo de sus actores, logramos digerir con gusto. Películas como Antes del Amanecer (1995) por su texto no pasarían de ser un libro romance, en una estantería de librería de usados en Wyoming, pero en las manos de Richard Linklater, con Viena como escenario y unos jóvenes Ethan Hawke y Julie Delpy, logra cautivar desde el inicio. Francis Ford Coppola experimentó con las primeras exhibiciones de Twixt (2011), haciendo mezcla en vivo de los clips de la película con su Ipad según la reacción del público, performance que trató de guiñarle el ojo al futuro del cine, sin embargo y de manera mejor lograda, Leonardo Medel ya lo había tomado por los cuernos con Papá o 36,000.00 juicios de un mismo suceso (2008) donde 50 escenas de una película son contadas desde 4 perspectivas diferentes y mediante un programa instalado en el soporte; cada vez que se reproduce la película realiza diferentes combinaciones de los clips, por lo que se le considera la película infinita, ya que si observáramos una versión diaria duraríamos 99 años aproximadamente para ver un perspectiva completa de la obra. Será un avance al futuro o una vuelta a la literatura en rayuela. Los avances del cine 4D nos plantean una cinematografía más realista, con mucha mayor interacción del espectador, tanto que podrán sentir el calor del fuego, la percusión primitiva en el pecho y observar como dentro de una cueva a un pintor rupestre.

Gastón Dufour Editor Productor

Volvemos. Porque las ideas y los proyectos que tienen fuerza no solamente no se abandonan, sino que mejoran. Porque si hay un grupo detrás, que cree en lo que se hace, que disfruta de construir, los proyectos logran ser sostenidos en el tiempo. Porque aún nos gusta que las cosas no sean tan fáciles. La búsqueda continúa. Bienvenidos de nuevo.

Kattia Barrientos Community Manager Asistente de edición Leo Rossi Editor Fotográfico Montaje

Sumario

Florencia Niz Asistente de Community Manager

El arte cinematográfico ha muerto o no.............................................3 Las crónicas del ají picante.......................... 4 Mujeres contemporáneas: Lina Etchesuri.............................................. 4 Tostadas de papel........................................ 6 Paradigmas en el cine.................................. 7 Las aventuras de Alan.................................. 7 Pizza y meteoritos. La película..................... 8 Sobre Mátalos suavemente..........................10 Sistema de estrellas.....................................12 La técnica de la imaginación........................ 14 Cumbres borrascosas..................................16 Producción de fotos Pasaje obelisco sur. Cosplay...................... 18 El salvaje se sobresaltó.............................. 20 Entrevistas BA: Eliseo Subiela.................... 22 Gabi Rubi.................................................... 27 BAF week 2013........................................... 28

Jen Zapata: Agenda Andrés Montero Diseño Gráfico

Colaboran en este número David Monge Belén Jacoby Veroka Velasquez Paula Calvo Juana Bitancourt Nicolás Rijman Nuria Silva Sebastián Lalaurette Amelia Ortiz Gastón Gutiérrez Eva Lilith

Agenda Cultural 0ctubre 2013.....................30

Director responsable Ernesto Gastón Dufour Domicilio Campichuelo 465 dpto 2 Gerli Avellaneda Buenos Aires Argentina N° de registro de Dnda En trámite N° de edición 8

Por David Monge El futuro del cine. El cine como forma artística es tan joven que se puede hablar de su primera muestra, el día que se combinó la pintura rupestre con música y efectos de hoguera en la pared; de ahí la predilección por lugares oscuros para su exhibición. Algunos estudiosos del tema insisten que data de 1895. El cineasta galés Peter Greenaway afirma que el cine ha muerto, no tiene ningún interés, no hay novedad, si no ha muerto es menester asesinarlo y con esto hacer una renovación hacia una nueva forma artística. Mientras David Cronenberg y Lars Von Trier realizan exploraciones científico – filosóficas. Estas contraposiciones son una muestra del momento coyuntural en que vivimos (será el mismo de siempre o será la crisis). Lo cierto es que el cine ha evolucionado, admitiendo una diversidad en el manejo de la forma desde lo narrativo y lo no narrativo, edición continua y discontinua, hasta las mejoras técnicas del digital y el 3D. El cine en sus inicios caminó por la ruta literaria, dándole una nueva lectura a personajes como Fausto, Drácula o Jesucristo (fue una súper

vFotogramas: Anticristo, de Lars von Trier y La mosca, de Cronenberg.

David Monge

https://www.facebook.com/TallerLiterarioAlajuelense

MUJERES CONTEMPORÁNEAS PARA HACERNOS SENTIR Y CONOCERLAS Por Veroka Velasquez No soy periodista ni quiero serlo, no soy escritora ni pretendo serlo. En esta propuesta de Breaking Away, pretendo acercarles artistas que están haciendo, que están produciendo, que están viviendo en esta vorágine que todxs transitamos. Quiero acercarles y acercarme a mujeres que ameritan que las conozcamos, y acercarnos a sus mundos: cómo lo ven, cómo lo transitan; y a lo necesario que es que sepamos de esta gente que está viva, no esperemos valorarlas cuando ya no estén.

Por Belén Jacoby

Estas mujeres están vivas. Son excelentísimas artistas, pero sobre todo son excelentes personas, (y algunas grandes amigas y compañeras de la vida). Como no soy ni periodista ni escritora, no voy a restringirme en las demostraciones de cariño y amor que siento por ellas. Ya lo dijo el indio “el futuro es hoy” y quiero valorar las maravillas que están caminando este mundo hoy.

¿Quién es esa persona que ocupa mi lugar? No la reconozco y aún así la veo idéntica a mí. Me convertí en ese futuro que siempre temí. Pienso cosas que en mi vida había imaginado y hago otras que mi pasado jamás haría. Sufro por razones que no comprendo y por las cuales juré jamás llorar. Vivo la vida incierta de alguien perdido y sin rumbo y no aquellos bellos planes que tenía para este nuevo presente. Soy un modelo más actualizado de mí misma y no me agrada en lo absoluto. Deseo volver al viejo modelo. Me siento como un auto usado y antiguo. Quizás ya no sirva pero siempre queda en el recuerdo de los nostálgicos el poder manejarlo una vez más. Así la veo a ella, a esa extraña que solía ser. Ahora soy sólo yo, con nuevos chiches y nada más. ¿Dónde están las alegrías voladoras? ¿Y las nubes de colores? ¿En dónde perdí ese anhelo de libertad? En el camino quedaron todos y ya no hay vuelta atrás. Pero nada le dice a esta persona en la que me convertí que no puede volver a encontrar flotando todos esos sueños infinitos y sumamente posibles de la niñez. Creo que así me agradaría más ser el modelo nuevo, mientras pueda mantener el motor fuerte del viejo. Sí, creo que así estaría bien. Mejorando lo mejorable y dejando lo que ya está bien. Buena forma de progresar, ¿no?.

Lina Etchesuri Fotógrafa

Su apellido significa “casa blanca”, como nos dijo Fermín Muruguza, y eso mismo siento que es Lina: todo al lado de ella es algo blanco, algo por hacer. No voy a ser para nada objetiva, porque es una persona que acompaña mi vida en todos los aspectos y la adoro infinitamente. Estamos en el montaje de su muestra “Palestina Acercada”. Siempre acompaño su montaje, es algo que valoro y me enorgullece por la calidad humana, de obra, por lo que muestra. Siempre digo si 4

Lllegamos y estaba todo oscuro, sólo unas llantas humeaban, era rarísimo. Así que nos tuvimos que quedar en el pueblo 20 días, y el inglés ya lo conocía a Abdullah. Y ahí entonces lo conocí yo. Estuvimos 20 días encerrados por el toque de queda ¡¡¡¡¡!!!!

lo que quieren es “ver”, no pueden dejar de ver “Palestina Acercada”. Confieso que no estaba adentrada al asunto hasta que Lina entra en mi vida y me hace llevar la bandera “Palestina Libre”. La muestra es bastante caótica, así mismo debe ser la vida en Palestina, supongo. Le pido que me cuente un poco más de su viaje, para contarles cómo es: primero es persona, después fotógrafa: y a la que lo que le interesa no sea exponer en Arte BA, o en galerías, o que el único tema importante sea la composición de la imágenes; sino poner el ojo en la incoherencia del mundo, y así y todo poder ver lo bello de vida en cada momento, incluso en Palestina.

Otra imagen que me llama la atención es de una nena que se tapa la boca mientras se ríe, como si hubiera hecho una picardía, y otros colgados la miran a través de una reja. La nena tiene un moño blanco muy bonito, pienso que la coquetería femenina tiene lugar donde sea, es parte de la naturaleza de la mujer, y eso es Lina, mirando entre las bombas de Palestina: una nena pícara que se ríe con un moñito. Cuenta más historias sin parar mientras mueve las manos y. Siempre me gusta escucharla y verla cómo gesticula y hace los puntos con todo el cuerpo. Cuando les digo que es un ser humano imperdible les juro que no miento.

Voy a tratar de hacer un recorrido con palabras de Palestina Acercada, ya que no sé cómo empezar, porque Lina y su ojo siempre son más que todo lo que se pueda escribir. Cuando veo la muestra sé que está llena de ruidos que nunca escuché. Fotos de niños con cartuchos de balas como trofeos. Una nena que mira a través de unos lentes, una mirada de una nena que ve TODO; otros, aburridos, esperan… Me cuenta Lina que esperan pasar por el reten militar, que es el punto de chequeo por el cual tienen que pasar los palestinos todos los días, y los revisan militares, para ir a trabajar, a la escuela, o a veces para cruzar una calle, simplemente. Imaginen una requisa para moverse todos los días¡¡¡¡ !!!! Hay una foto de un hombre; es un hombre hablando por celular con su hijo, los 2 sonríen y el nene le hace un gesto a Lina como saludando a un soldado. Le pregunto cómo conoce a Abdullah. Me cuenta:

La muestra es enorme y la cantidad de percepciones también lo son. Se puede seguir escribiendo eternamente porque las imágenes te perforan la retina, pero esta es una revista digital y hay límites de espacio, así que en cuanto tengan oportunidad véanla ustedes mismos. Su espíritu le dio unos pies que no la dejan quieta, y la devoción por su trabajo hace que Lina nos acerque el mundo. Gracias Linita, que lo que sea que fuere siga iluminando tu camino para que pongas el mundo delante de nuestros ojos, pero como vos lo ves. Otro de sus trabajos imperdible es el de las zapatistas Chiapas (México), Palestina , México, Guatemala, flores, selvas, injusticias, amor, ruidos, bombas, naturaleza , pasión, mujeres, hombres, luchas interminables, las zapatistas, su mamá, sus hermanas, su papá, la nona, sus amigas, sus amigos, sus novios, el mar, los volcanes, la vida, la muerte, la sabiduría y más se reflejan en los ojos de Lina y nos lo muestra . No tengo más para decir, todo me parece poco, cuando hablo de la fotógrafa, la artista, la amiga Lina Etchesuri.

Llegamos a Azzoun con un inglés y no los dejaban pasar porque “UNDER CURFEW”. Yo entendí que estaban de paro ¡¡¡¡ !!!! Entonces dimos unas vueltas y entramos por una montaña, y era raro¡¡¡!!! Hasta que me acordé de “under curfew” y me di cuenta de que había entendido mal: no era “PARO”, era “TOQUE DE QUEDA”.

Tostadas de papel.

Búsquenla. Veroka Velasquez www.verokavelasquez.blogspot.com www.verokasropas.blogspot.com

Por Paula Calvo

Tuve un sueño; soñé que mi compañero me daba de comer ¼ de libro con una rodaja de tomate encima, estilo tostada andaluza, pero en vez de pan, libro.

Tostadas de papel. Ilustración de Paula Calvo

Lo mas inquietante en el sueño, como sucede en los sueños, era, que no me sorprendía el asunto

Fotos: Lina Etchesuri

de comer ¼ de libro, como si eso fuese algo habitual, lo que me desesperaba era que aquel libro era las obras completas de Cesar Vallejo. NO!!!!!! Vallejo no! Gritaba y lloraba amargamente, ese libro me gusta mucho, no me lo puedo comer!!!, es extraño como las interpretaciones se van pariendo unas a otras...

PARADIGMAS EN EL CINE

en esta España dolorida donde lo sueño, y es Vallejo, el poeta latinoamericano combatiente en las brigadas internacionalistas de la guerra civil española. ¿O será que temo más a una probable caza de brujas? Con la asignatura religión ahora obligatoria en la enseñanza pública podríamos asistir nuevamente a la presencia de grandes hogueras en las plazas, ya sean estilo Farenheit 451 o Juana de arco, da igual, la leña no sobraría, por eso probablemente deberíamos comerlos, por no quemarlos, otra vez, nosotros mismos. “La agónica tarea de quemar los propios libros fue resultado de la violencia impuesta por un lenguaje que quiere obligar al lector a renunciar a su posición de tal; la violencia de una selección imposible. Si es difícil quemar libros –en tres ambientes o al aire libre– es porque el lector, en tanto tal, no puede hacerlo salvo si es sometido a grave violencia”(1). En las casas hay más electrodomésticos que libros ¿que se comerán pues cuando se acaben las aceitunas? Vallejo y todos los poetas que pelearon del lado de la república, se les denomina “los vencidos” y así se enseñan en las universidades, ignoro si hay poetas vencedores supongo que no, pero si Vallejo fue un vencido la poesía no puede haber ganado. 1)Palabras para decirlo” exterminio.-Perla Sneh, “

Lenguaje

Por Juana Bitancourt

A mediados de los 60`s el cine estaba plagado de transgresiones. No es de sorprender si observamos el contexto histórico en el cual las ideas revolucionarias y la militancia estaban a la orden del día. Desnudos, primeros planos de los genitales… Eran parte de la nueva dirección del cine arte. Es factible que películas de este estilo no puedan ver la luz actualmente. En el cine contemporáneo se puede sugerir, más no revelar. Cada época denota una tendencia inducida por el contexto. Siempre mutando, nunca hacia delante o atrás. El esquema se repite, ya sea con la carta de la identificación o como una exacerbada oposición a la norma. Con todo lo dicho, el lector podría suponer que el artículo promueve el uso de recursos clásicos o simplistas. Nada más lejos de la realidad, pero es innegable que nuestros pensamientos están regulados y empapados en paradigmas contemporáneos. Por eso no es del extrañar que el séptimo arte no sea la excepción. Juana Bitancourt

Paula Calvo

lacalva.blogspot.com

Me pregunto si en algún lugar de mi inconciencia tendré miedo de que comeré en el futuro Con las libres economías de mercados pisando los talones, con las largas, largas sotanas asfixiando los sentimientos, con una enorme capacidad para el odio ...y es además 6

La gente de KDS digital nos cuenta sobre su película Pizza y meteoritos

Tenemos muchas expectativas puestas en éste proyecto, y la verdad que lo único que esperamos es que la gente lo disfrute tanto como nosotros disfrutamos realizándolo.

¿Qué es KDS Digital? KDS Digital es una productora de cine y video independiente que se gestó en el año 2006 en el contexto de la escuela de cine de Avellaneda (IDAC). La integramos cuatro personas que no solo estudiábamos la misma carrera, sino que teníamos el mismo interés y las ganas de hacer cosas fuera de lo meramente curricular. El staff se conforma por David Fernández (29), Ulises Rubacha (30), Guido Di Génova (25) y Gustavo Cordero (39). Sin embargo es importante destacar que además de ser un grupo de trabajo, somos amigos y con todo lo que eso implica, con nuestros buenos momentos y otros no tanto. Pero el hecho de que tengamos una misma pasión y un lazo de amistad hace que siempre empujemos para el mismo lado.

Links de interés: Página: http://www.kdsdigital.com.ar/ Facebook: http://www.facebook.com/kdsdigital Youtube: http://www.youtube.com/user/ kdsdigital

KDS, David, Ulises y Guido. Si bien no es la primera vez que incursionamos en el género, se puede decir que es la primera vez que nos embarcamos en un proyecto tan complejo, en cuanto a cantidad de actores, diálogos, producción, diseños visuales, composición de música y hasta un tema principal que va a derivar en un video clip. Es importante también mencionar a todos y cada uno de los actores, ya que fueron ellos los que dejaron el corazón, las ganas, la paciencia y sobre todo el talento para que Pizza y Meteoritos se hiciera realidad. Ellos son: Zulma B. Schiafino, Constanza Bottaro, Patricia Calzada Valle, Diego Vega, Eric Chávez, Agustín Franceschinis, Leandro Salvaneschi, Giulieta Espinoza, Hugo Di Génova y la participación de Kladia con K.

Pizza y Meteoritos tuvo su estreno en Julio de 2012 en el espacio /teatro Liberarte, de la Ciudad de Buenos Aires. Se trata de un mediometraje en tono de comedia utilizando el tema del fin del mundo como disparador. Francisco es un astronauta que forma parte del centro espacial sudamericano, estando en órbita descubre que una lluvia de meteoritos va a impactar en la tierra. El único que sabe la noticia hasta ahora, es su hijo Manuel. Noticia que le llega el mismo día en el que se le van a revelar algunos secretos que hubiera deseado no saber, sobre su hija, su yerno, la familia de su yerno e incluso de su propia esposa. El tema es, como va a hacer Manuel para lidiar con semejante bagaje de información y al mismo tiempo no perder la razón. La comedia está escrita y dirigida por Gustavo Cordero, y producida por todo el grupo de

Trailer de Pizza y Meteoritos: http://www.youtube.com/watch?v=d7sc6mv6tCs 8

Sobre Mátalos suavemente

-, sino de seres que están al límite y sin futuro. Mátalos suavemente es un retrato de la decadencia de una sociedad en su momento de mayor derrumbe, mayor hipocresía y, al mismo tiempo, de mayor verdad. Porque el submundo lumpen suele revelar, con su brutalidad, lo que la moral pública y privada esconde. No nos pone frente a discursos, sino frente a actos (extremos, bestiales) de sobrevivencia y salvataje, como los que los dirigentes políticos yanquis aplicaron, aplican y aplicarán para salvar a su régimen. En el final de la película, que concluye la noche en que Obama se proclama vencedor, un personaje lo dice así: “Estados Unidos no es un país: es un negocio. Ahora, págame”.

Por Nicolás Rijman

El film de Andrew Dominik – quien ya se había destacado por The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford – comienza con una toma que parece sacada de un ambiente posapocalíptico. Un hombre avanza, solamente se ve la espalda, por una calle desolada, llena de basura y viento. Sin embargo, al mismo tiempo que observamos este mundo sucio y abandonado, imposible de habitar, escuchamos un discurso lleno de promesas de Obama. No nos encontramos en el futuro, sino en el pasado: Mátalos suavemente transcurre durante la campaña electoral norteamericana de 2008. Y la genialidad de la película es como contrasta y empalma las promesas y los sueños que quieren despertar demócratas y republicanos en época de elecciones con las trampas y matanzas del mundo mafioso. La crítica a la política norteamericana aquí no es en abstracto, ni tiene nada de lugar común: es una crítica contextualizada en un momento muy particular. En 2008, los políticos norteamericanos tuvieron que hacer su campaña electoral para la presidencia (momento para demagogias y populismos si los hay) en medio de una de las peores crisis de la sociedad, de la quiebra financiera, del comienzo de rescate de esa banca y de toda una

batería de medidas antipopulares, es decir, en medio de una crisis histórica cuyo relato en el film es seguida paso a paso como si fuese un partido de futbol, al mismo tiempo que seguimos las desventuras de diferentes grupos de gángsters. En la película, la cúpula mafiosa de una ciudad (una organización colectiva, anónima, burocrática, también en crisis financiera) decide eliminar a sus miembros más ‘deshonestos’ y para eso contrata a un asesino. Es conocida la célebre frase de una célebre película de Renoir: ‘La peor cosa de la vida es esto: todos tienen sus razones’. En este film, todos los personajes tienen sus razones / excusas para hacer los crímenes y traiciones que hacen y el espectador las comprende, lo 10

que, obviamente, no es lo mismo que justificar. Se comprende por la dinámica del juego en donde están metidos, en el que el valor supremo es hacer dinero para sobrevivir, para drogarse o para hacer más dinero. Los seres del mundo creado por Dominik son sucios, feos y malos, pero no son monstruos, son productos y engranajes necesarios de una sociedad determinada. Nunca actores como Brad Pitt o Ray Liotta estuvieron tan poco glamorosos en una película. Los rostros curtidos, tajeados, arruinados son, al igual que el gris y la suciedad constantes que inundan este film, las caras de un mundo violento y sin salida. El humor negro no se desprenden de disquisiciones pseudo filosóficas – como en la también estrenada recientemente 7 psicópatas

Nicolás Rijman

Sistema de estrellas.

autoral que desdibuja la del propio director, es la estela palmaria del llamado star system, surgido en Hollywood durante los años 20’s y, supuestamente, clausurado en la década del 50. Dicho sistema consistía en moldear a los actores y actrices hasta transformarlos en figuras icónicas, casi míticas, en las que se podía reconocer un carácter inmutable, una identificación inequívoca que garantizaba una mayor convocatoria de público a las salas. Generalización que se yuxtapone con el cine de género y no casualmente, ya que para lograr un prototipo íntegro éste debe estar circunscrito a un contexto acorde y definido. Para esto, los intérpretes se veían obligados a cumplir con estrictas normas contractuales que afectaban, incluso, sus vidas privadas y desenvolvimiento en público, con el fin de intensificar el imaginario colectivo que alrededor de ellos se cimentaba.

Por Nuria Silva “La estrella es el producto de una dialéctica de la personalidad: un actor impone su personalidad a sus héroes y sus héroes imponen su personalidad al actor. De esta sobreimpresión nace un ser mixto: la estrella” -Edgar Morin-

Con la crisis de los grandes estudios a fines de los 40’s, provocada, entre otras cosas, por un fallo judicial del gobierno estadounidense que les impedía seguir adelante con la práctica monopólica que los caracterizaba, más la competencia que implicaba la llegada de la televisión, más la aparición de salas especializadas que proyectaban cinematografías foráneas y exóticas, actores -hasta los ese entonces confinados a una suerte de proxenetismo cinematográfico- se vieron liberados de las duras exigencias que las productoras imponían. El new hollywood,

Que una película resulte un éxito de taquilla por la estrella que la protagoniza antes que por su realizador, depositando en esta una cualidad 12

expresión contracultural de finales de los 60’s, heredero de la nouvelle vague francesa y del neorrealismo italiano, procuraba además una ruptura lógica de las convenciones clásicas, implantando un intentio auctoris indómito que legitimó a una generación de directores estrellas, emancipados de las cortapisas del código Hays también desaparecido. Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Brian De Palma, William Friedkin, son algunos de los nombres más célebres de esta generación. La revalorización del autor por sobre los actores en pantalla hizo posible que los prototipos de belleza clásicos, codiciados e inalcanzables, empezaran a ser suplantados por arquetípicas -y ambivalentes- representaciones funcionales a un discurso fuertemente crítico en el epicentro de una época desencantada. El espectador ya no alcanzaba una afinidad quimérica con el intérprete, sino con lo que éste simbolizaba en el contexto ficcional (aunque de carácter realista), mutando la sublimación por un vínculo palpable, carente de glamour y rebosante de un contenido que trascendía los cánones físicos establecidos durante la era dorada.

producciones estadounidenses comenzaron a adoptar un carácter patriótico y optimista con el fin de contrarrestar la desmoralización plasmada en el cine setentoso, y para esto se volvió a apelar a los funcionamientos clásicos de producción hollywoodense: la presencia de una estrella de atracción masiva, un género definido y un discurso conservador y tradicionalista. Sagas lucrativas como Star Wars (George Lucas), Indiana Jones (Steven Spielberg), Rambo (Ted Kotcheff) y otras, impusieron una cinematografía espectacular sin grandes riesgos discursivos. La nueva gran protagonista pasó a ser la tecnología (efectos especiales, virtualidad, digitalización), siendo los actores cada vez más prescindibles. Los realizadores que integraron la generación rebelde de los 70’s y optaron por conservar su impronta contestataria e inconformista, parecieran haber pasado a formar parte de un grupo de cineastas degradados que a duras penas logran llegar a las salas, confinados a la programación de lugares especializados y/o independientes, si no lanzados directamente en DVD. De esta forma puede inferirse una difuminación de la figura de autor en el cine contemporáneo estadounidense, relegando el valor de las obras a méritos estrictamente comerciales. Los cines independientes, por el contrario, rechazan la idea de recurrir a personalidades muy reconocidas o idealizadas, prefiriendo trabajar con actores no célebres, a veces incluso no profesionales, con el fin de evitar la identificación inmediata del espectador y poder jugar a fondo con la incertidumbre que esto genera.

Hoy el star system pareciera obedecer en gran medida a la sobreexposición mediática de la estrella (su presencia en las redes sociales, programas televisivos, campañas publicitarias, etc.) antes que a la adulterada efigie concebida por las grandes productoras. Esta moderna proliferación de celebridades de toda índole, sumada a la impresión de cercanía o accesibilidad generada por redes como Twitter y Facebook, han aniquilado el aura mítica que la estrella debía tener y representar. La democratización de la fama hizo posible que instalarse como celebridad sea cada vez menos costoso, aunque también en muchos casos con una notoria fugacidad.

Nuria Silva

https://www.facebook.com/nuriaasilva?fref=ts

Con la expansión de la cultura globalizada, posible también gracias al surgimiento de nuevos medios de comunicación, la matriz del sistema de estrellas ha renacido en concomitancia con la reactivación del mainstream y el concepto de blockbuster explotado a mediados de los 80’s. Bajo el mandato de Reagan las 13

LA TÉCNICA DE LA IMAGINACIÓN.

Por

era toda en 3-D: sólo los últimos diez minutos. El momento de ponerse los anteojitos (celofán azul para un ojo, celofán rojo para el otro) lo marcaba la propia historia: uno de los personajes decía que para meterse en el mundo de Freddy Krueger (porque la cinta era Pesadilla 6: La muerte de Freddy) había que ponerse unos anteojos especiales, y todos los futuros fiambres que estaban en pantalla procedían a colocarse los aparatejos, señal de que uno, en su butaca, debía imitarlos. Los personajes, sin embargo, no tenían que soportar por mucho tiempo el insulto a la estética: al instante de ponerse los anteojos, éstos se disolvían en un chisporroteo de efecto especial barato. A uno no le pasaba lo mismo. En fin.

Sebastián Lalaurette

No sé adónde se habían ido mis hermanas pero lo cierto es que yo estaba solo, bueno, rodeado de extraños, y mareado y con un terrible dolor de cabeza y un revoltijo en el estómago que amenazaba con concretar su promesa náusicaa. Ya era de noche y cada tumbo del colectivo me empujaba más adentro de ese pozo oscuro e inestable. Que hubiera que atravesar calles de adoquines no ayudaba; tampoco el tener que ir parado porque todos los asientos estaban ocupados. Hasta que se liberó uno. Más que sentarme, me deslicé, caí en tirabuzón sobre él. Pero un brazo poco amigable me llevó otra vez al infierno.

Pesadilla 6 fue la primera película en 3-D que vi en mi vida. Había habido otras antes (la primera exhibición comercial de un filme tridimensional fue ¡en 1920!) pero sólo un par habían llegado a los cines argentinos. Martes 13 parte III la vi por televisión, con el efecto anulado. Pero la historia de Freddy y su muerte “definitiva”, con comillas más irónicas que nunca, fue mi bautismo de fuego.

–¿Qué hacés, flaco? Le estaba dando el asiento a la señora. Apenas miré al que hablaba; apenas vi el cuerpo de la vieja que se aproximaba al asiento que yo ocupaba sin derecho moral. Me levanté pesadamente, sin fuerzas siquiera para argumentar que me sentía mal, que necesitaba estar sentado, estable. El resto del viaje fue lo mismo: ir montado sobre la náusea y golpeándome contra el techo opresivo que el dolor de cabeza les pone al cuerpo y a la mente.

No fue bien. A diferencia de mis hermanas y de, aparentemente, todo el resto de la concurrencia, la batalla final entre el monstruo y su hija (una Lisa Zane cuya belleza todavía me persigue en sueños, como Freddy pero mejor) me dejó nocaut. Fue una experiencia extraordinaria, repito, pero también dolorosa: hacia la mitad del segmento en tres dimensiones la cabeza empezó a dolerme y el estómago a retorcerse como queriendo escapar de esa aberración espaciotemporal. Cuando salimos del cine, todos sonreían, y yo hacía una mueca de dolor. Todavía tengo los anteojos. Mucho tiempo ha pasado desde entonces. De hecho, el 12 de septiembre de 2001 se hubiera celebrado seguramente una década de lo que dio en llamarse “Freddy Krueger Day”, si no fuera porque algo más monstruoso y horrible golpeó a los Estados Unidos el día anterior. Pasada la novedad del 3-D anaglífico,

La culpa la tenía la película. Era mala, dicen hoy los críticos, pero para el Sebastián Lalaurette de 1991 había sido una experiencia extraordinaria. Y eso que no 14

la película fue olvidada, y hoy es Avatar, de James Cameron, la referencia obligada para quien quiera hablar de las posibilidades del cine tridimensional, ahora con una tecnología mucho más avanzada que no me produce incomodidad alguna y que no alcanzo a comprender. (En serio, es luz polarizada o algo, hay unos diagramas en Internet, pero el principio físico del funcionamiento de estos nuevos anteojos, que son mucho más caros que los otros y por lo tanto no te los regalan, se me escapa.)

el famoso bullet time y otras innovaciones visuales, para comprobar una y otra vez que la fantasía y la ciencia ficción, cuando no han inaugurado las tecnologías en la industria, han producido sus expresiones más acabadas y populares. Es imposible hablar de stop-motion sin recordar la técnica de Dynamation con la que Ray Harryhausen animó a los dinosaurios de sus épicas imposibles en las que los humanos se enfrentaban a reptiles prehistóricos. Jurassic Park lo haría en digital cuarenta años después, pero antes de eso, en 1998, Ron Howard, en Willow, utilizó por primera vez el morphing digital que tan indispensable resulta hoy en cualquier película de hombres lobo o extraterrestres con el poder de cambiar de forma.

Pesadilla 6 fue una más en la desparejamente ilustre serie de películas que inauguraron o perfeccionaron los principales avances tecnológicos en el cine. No es de extrañar que casi siempre se trate de filmes de fantasía, incluyendo a las variantes del terror y la ciencia ficción. No sólo porque esas películas son las que tienen mejor taquilla, sino porque, con o sin razón, tendemos a reputar como merecedoras de ser “bien” vistas a las escenas de acción, a los paisajes extraños, a los seres inventados, a los efectos especiales. Para los dramas, los documentales y las historias de iniciación nos alcanza con la forma “convencional” en nuestra época.

Habría mucho más por decir: quedan fuera de este recuento películas como Tron, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? o Star Wars, que introdujeron técnicas decisivas para la producción fílmica. El papel de la fantasía, en cualquiera de sus formas, en el avance de las tecnologías visuales y sonoras es imposible de sobreestimar y es incluso más importante que el del porno, un género conocido por haber empujado las fronteras de lo posible innovando, primero en el ámbito de la filmación, hoy en el de la compresión y distribución digital de video.

Es así como Murnau pudo innovar en la genial Nosferatu (1992) y llevar al gran público las maravillas del stop-motion, el color (¡filtros azules, verdes, anaranjados superpuestos a las imágenes en blanco y negro!) y el juego con las características del soporte fílmico (inversión, sobreexposición). Es así como El Mago de Oz, diecisiete años después, se benefició con el desarrollo de técnicas adhoc que permitieron trabajar el color como hasta entonces no era posible. Por esto, por orgullo y ganas de mostrar lo que tenían, los realizadores cambiaron las zapatillas plateadas que aparecen en el libro por unas de un rojo furioso, que los espectadores poco acostumbrados de la época habrán encontrado espeluznante. Por cierto, El Mago de Oz aspiraba al Oscar a la mejor película del año, pero fue derrotada por Lo que el viento se llevó, otro filme pionero en trucos visuales. No hay que llegar a La Matriz (1999), con

¿Por qué la fantasía? Probablemente porque el cine nos da la oportunidad de construir en el mundo real nuestros sueños y nuestra imaginería inconsciente (despotriqué contra el desaprovechamiento de esta capacidad en una columna pasada, Dame una ola, en esta misma revista, pero el principio general es eso: la posibilidad, no el desperdicio). Las historias que más queremos ver y oír son las que hacen necesario innovar, buscar formas de representar lo que hasta el momento es irrepresentable. La fantasía presiona las paredes de la realidad y termina por transformarla, en todas partes, pero muy visiblemente aquí, en el ámbito del cine. Demonios, la primera película comercial en 3-D (ya perdida) dentro de poco va a cumplir

Cumbres Borrascosas.

cien años. ¡Un siglo de cine tridimensional para las masas! Has recorrido un largo camino, muchacha. Una nota final: aún no hemos visto una película interactiva realmente madura, que valga la pena el esfuerzo de sentarse y andar eligiendo opciones para ver adónde llevan. Un experimento especialmente prolijo en este sentido ha sido The outbreak, una de zombis que nada aporta al género; pero la fantasía está llamada a reclamar este universo de posibilidades (y si no, vamos a fijarnos en el catálogo de títulos de Elige tu propia aventura, a ver qué tipos de historias predominan). Apuesto a que la primera película que nos haga apreciar la técnica interactiva y contribuya a popularizarla será una de ciencia ficción. Viajes temporales, historias paralelas, súbitos saltos en la trama se prestan especialmente bien para que la técnica brille. Pero hace falta un Kubrick de la década digital. ¿Por dónde andará?

Sebastián Lalaurette

http://www.lalaurette.com.ar/

Por Gastón Gutiérrez

Basada en la novela de Emily Brontë, publicada en 1847, esta versión fílmica de 1939 a cargo de William Wyler nos encuentra ante la primera de tantas adaptaciones de la novela que reúne todos los ingredientes básicos del melodrama: amor, odio y deseo de venganza del que se ha visto despechado. Sin embargo, no es este el caso de un melodrama clásico, ya que no reduce los conflictos a la división maniquea entre el bien y el mal. Amén de la dualidad paraíso-infierno que supone (en ese orden) la granja de los Tordos y Cumbres Borrascosas, la complejidad que caracteriza la conducta de los personajes, así como sus relaciones, dotan a esta historia de una veracidad tal, propia de un clásico, a la cual las actuaciones de Laurence Olivier y Merle Oberon sin duda hacen honor.

Geraldine Fitzgerald), alegando que sólo aceptaría participar de la película como Catherine Earnshaw, ello supuso lo que podría haber sido un triángulo amoroso que, caracterizado por tamaños actores, hubiese perdurado como el más recordado de la historia del cine.

en las producciones hollywoodenses de los 3040, logra retratar la quintaesencia de la novela; el hecho de exponer la contradicción entre los valores tradicionales, eternos, y la lucha contra lo establecido, aquello que no quiere admitir la inevitabilidad de los cambios sociales. La crítica al racismo científico decimonónico, según el cual el linaje actúa como determinante, explicando lo social desde lo biológico.

También se criticó la elección de Laurence Olivier como Heathcliff, aduciendo que el actor inglés carecía de esa veta animal y ruda intrínseca del personaje de Brontë.

Así, Cumbres Borrascosas se anticipa a una época marcada por las transformaciones, no sólo sociales, sino también en las relaciones entre los dos sexos. La identidad de género y de clase como algo inalterable y absoluto. En fin, cuestiones tan complejas y dignas de reinterpretarse tantas veces que hacen del libro un clásico ineludible a la lectura y, del filme de Wyler, un definitivo must see.

Sin embargo, y a riesgo de caer en la comparativa con postreres adaptaciones, la citada no es la más fiel a la novela, por no incluir a los descendientes de los protagonistas, para lo cual tendría que haber gozado de una duración similar a su competidora (y vencedora) en los Oscar; “Lo que el viento se llevó”, aunque sí se nos antoja la mejor ambientada, ya que plasma de manera sin igual los dramas amorosos y a la par hace las veces de un agudo análisis de las pasiones humanas.

Gastón Gutiérrez

Por último, es de destacar el guión de la dupla MacArthur-Hecht, con contribuciones de John Huston, el cual, a pesar de la moralina reinante

En este análisis/crítica no nos detendremos en reseñar el argumento, al que quienes ya hayan leído el libro o visto posteriores adaptaciones conocerán, evitando también así spoilers como futuras comparaciones y disensos de los lectores, por ejemplo, sino que nos centraremos en este largometraje en cuestión, intentando tratar el mismo en términos lo más absolutos posibles. Si hay algo que siempre se ha elogiado de esta adaptación, eso es la fotografía. Aspecto que supera con creces a sus sucesoras, los páramos, como las mansiones y las tormentas dan fe de ello y nos introducen aún más en la atmósfera de la Inglaterra victoriana rural. Asimismo, teniendo en cuenta que Vivian Leigh, entonces esposa de Olivier, había rechazado el papel secundario de Isabella Linton (a su vez, por el cual se haría conocida 16

Cumbres borrascosas. 17

Producción de fotos: Pasaje obelisco sur. Cosplay Yukiko Amagi es un personaje de Persona 4, el quinto juego de la serie Persona. El juego fue desarrollado por Atlus para la PlayStation 2. Yukiko es hija de una familia que maneja una prestigiosa posada llamada Amagi, la atracción turística más importante del remoto pueblito rural de Inaba y su principal fuente de ingresos. El hecho de que se espera que herede y administre la posada en el futuro ejerce mucha presión sobre Yukiko, quien no logra decidirse entre elegir para sí el futuro que desea o simplemente hacer lo que se espera de ella. Por suerte, cuenta con sus amigos y compañeros del colegio para pasar buenos ratos y olvidarse un poco del asunto. Sin embargo, cuando juntos descubren pistas acerca de una serie de misteriosos asesinatos que se llevan a cabo en el pueblo, el estrés vuelve a la vida de Yukiko. La idea de la producción que presentamos en este número está pensada a partir de una especie de cruce de universos. ¿Qué haría Yukiko en una galería del centro porteño? ¿Cómo se sentiría fuera de su ámbito natural? Producción: Gastón Dufour y Kattia Barrientos PH: Leo Rossi Cosplayer: Iara Torres Agradecimientos: Agustín Bordel; Leonardo, Bar Obelisco Sur Locación: Pasaje Obelisco Sur, Buenos Aires. Argentina

industria hacia el hiper-realismo y la evasión. El día que consigan transmitir correctamente impulsos táctiles, creo que nos quedaremos sin sexo. Aislados. Conectados mediante pantallas. Amparados en la asepsia de una butaca, de un sonido que sólo simula la cercanía. De unas caras que sólo simulan sus sentimientos. Una parte de mí va a preferir siempre el artificio. El arte que reinterpreta la realidad en vez de intentar imitarla. Quizás mi cariño por las animaciones venga de ahí, de ese querer que la fantasía sea fantasía, de querer forzarme a imaginar y trabajar mis sentidos sin que estén literalmente estimulados por máquinas sincronizadas.

El salvaje se sobresaltó. Por Eva Lilith

¿Será que una parte de mí prefiere lo imperfecto, lo inacabado, lo impensado, lo fuera de foco, lo borroso? ¿Será que no cambio mi vidita de morondanga por ninguna fantasía elaborada en 3D con sonido digital?

Eva Lilith.

evasobreelmanzano.blogspot.com.ar

Pareciera que el cine, a fuerza de necesitar competir con la piratería, los enormes televisores hogareños y otros yuyos, intenta seguir el ejemplo de “Un mundo feliz” y transformarse en una experiencia hiperrealista. Viva, sin vivir. Sea testigo de las historias, siéntase protagonista, sin serlo.

“El salvaje se sobresaltó. ¡Aquella sensación en sus propios labios! Se llevó una mano a la boca, las cosquillas cesaron; volvió a poner la mano izquierda en el pomo metálico y volvió a sentirlas. Mientras tanto, el órgano de perfumes exhalaba almizcle puro. Agónica una superpaloma zureaba en la pista sonora: <<¡Oh… ohhh!>>. Y, vibrando a sólo treinta y dos veces por segundo, una voz más grave que el bajo africano articulaba: <<¡Ah…, ahhh!... Oh… ohhh …¡Ah… Ahhh!>> Los labios estereoscópicos se unieron nuevamente, y las zonas erógenas faciales de los seis mil espectadores del <<Alhambra>> se estremecieron con un placer galvánico casi intolerable <<Ohhhh>>”

La realidad es insegura. Requiere arriesgarse, elegir un camino, abstenerse de otros. Requiere hacerse cargo de las decisiones que se toman, para bien y para mal. En el cine, de última, el espectador se saca los anteojos, se levanta y se va.

Aldous Huxley, “Un mundo feliz”. Ed. Plaza y Janés

Tanta catarsis por pantalla, tanta inercia por la vida. Quizás es que hoy estoy algo paranoide y no puedo ver nada inocente en el avance de la 20

Entrevista a Subiela

¿Qué diferencia hay con los otros críticos?

el miedo a la muerte y el miedo a la locura. Y es probable que yo tuviera los dos .Esa puede haber sido una de las razones por las cuales fui, el primer impulso. Pero después no, ya le perdí el miedo a ambas cosas. Y me sigue atrayendo, es un tema que me atrae.

Porque estos no eran teóricos. Habían visto tanto cine que sabían cuando una película podía interesarle a la gente o no. Después el fenómeno del éxito comercial es mucho más complejo, depende de muchas otras cosas, de la promoción…si vas a un cine y estás ahí todas las funciones te das cuenta

En el paso en el cual descubrió el cine hasta los 17… ¿cómo fue ese camino hasta que tomó una cámara y dijo: voy y filmo¬?

Usted define a El lado oscuro del corazón como un bolero clásico. Es así pero también es un poeta recitando sin que parezca forzado. ¿Tiene que ver con la ductilidad del actor?

Yo terminé el secundario y estuve un año en la escuela de cine de La plata. Y me escapé porque yo quería filmar, era muy indisciplinado. Tuve la suerte de tener unos padres que me apoyaron y además hace 50 años decir que no ibas a estudiar abogacía o medicina y que ibas a hacer cine era audaz, era raro… era un disgusto para muchos padres. Bueno, para mis padres no solo no lo fue, sino que me apoyaron. Mi padre me dió el dinero para hacer esa primera película. Fue el productor de mis dos primeros cortos.

Con todo. Es un milagro. Aún hoy yo veo el guión y digo: es imposible de filmar. Porque era una película que no tenía una estructura de prosa, de cuento. Tenía una estructura poética muy poco convencional y sustentada sobre todo en poemas. El pronóstico era que iba a convertirse en una película de minorías. Cómo eso fue un suceso comercial es un milagro. Y aún hoy es una de mis películas más festejadas por las nuevas generaciones que no habían nacido cuando se estrenó. En toda Latinoamérica es mi película más popular.

Hablando del viejo cine…usted menciona que iba mucho al cine Lorraine. Y habla también del olfato del acomodador, que le permitía saber si una película iba o no a funcionar. ¿Era de ese modo, realmente?

no se llamaba Borda. Estamos hablando de 1963. Sabía que estaba cerca de Constitución. Y vi una viejita con un bolso y dije: la voy a seguir…porque yo creo que va al hospital. Y vos sabés que fue al hospital. Y estuve nueve meses ahí yendo, grabando sonido, escribiendo, el guión lo fui construyendo a través de esos nueve meses. No, en realidad seis habremos estado; después estuvimos dos o tres meses filmando.

Luego de un largo tiempo sin vernos las caras, salimos junto a mi coequiper al encuentro de uno de los más reconocidos directores de cine argentinos: Eliseo Subiela, quien amablemente nos recibió en su escuela. Aquí, la charla que con él tuvimos: Su primer corto fue Un largo silencio, un documental, el cual realizó en el Hospital Borda, (hospital neuropsiquiátrico estatal, ubicado en la ciudad de Buenos Aires), y no puedo evitar notar que su carrera está signada por la temática de la locura, del encierro, de la invisibilidad de las personas que están internadas en un hospicio… ¿Qué lo llevó a hacer ese documental y no otro, y como lo marcó en lo emocional?

Por qué…esto que te digo. Nunca lo supe. Tampoco lo supe cuando filmé ahí 20 años después Hombre mirando al sudeste. Tampoco lo sé hoy que 20 años después filmamos Paisajes devorados en el mismo hospital.

Ese documental fue mi primera película…yo tenía 17 años, y me atraía el tema de la locura, ya había visto algunas películas francesas sobre el tema que me habían impactado mucho. Ni siquiera sabía dónde estaba el hospital. Se llamaba Vieytes en ese entonces, creo que aún

La edad en que hizo su primera película era una edad muy difícil. ¿Los 17 años? Es una edad con muchos miedos, la adolescencia. Por lo menos dos, 22

Tal vez fue una casualidad, pero se daba que a partir de Hombre mirando al sudeste sus películas se daban cada tres años.

En general, sí. Tengo malos recuerdos, y otros muy buenos. Por ejemplo, en La conquista del paraíso, que fue mi primera película, que no funcionó comercialmente. Cuando iba al cine, y además que yo no era conocido, tenía total impunidad para decirle al acomodador ¿y? cómo viene. Y me decía…no va a andar. Y yo respondía… -pero puede levantar… -no, ésta no levanta.

Menos. Hombre mirando al sudeste fue en el 85 y Últimas imágenes del naufragio en el 87. Pero hubo un momento en que hice una película por año, ¿Filmaba según se iban presentando las posibilidades? Yo filmo como sea. Si puedo filmo con un gran presupuesto y si no hago Paisajes devorados con un presupuesto milagroso. Y si puedo la hago con una Panavision, y si no la hago con una Canon 5d. El tema es filmar. El deber de todo cineasta es hacer cine. Con respecto a la tecnología y los cambios.

Y bueno, El lado oscuro del corazón que se dio en el cine América que estaba en Callao y Santa fe, un cine precioso que no daba cine argentino. El lado (…) fue la primera película argentina que estrenó, en el 91, y me acuerdo que un fin de semana fui y la película ya había arrancado muy bien. Me acerco a un acomodador y le digo…¿y? 13 semanas. ¿13 semanas qué? -13 semanas va a estar. Si está cuatro, te traigo una botella de whisky. Estuvo 13 semanas. Tengo los dos recuerdos. Pero sí, en general tenían mucho olfato. Igual que los operadores. Los proyectoristas, también. Les consultaba, les pedía opiniones…eran como los críticos a los que les creía.

¿Cree que otorga mejores posibilidades para filmar? Si, yo hice la primera película, el primer largometraje latinoamericano de ficción, en video digital, en el 2000. La revolución tecnológica estuvo frenada en el cine durante muchos años, no había cambiado técnicamente comparado con otras artes, con otras técnicas. Como el sonido, por ejemplo. Y de golpe los 23

dirección. Y la vida te da el oficio de vivir y aprender. Filmar, sobre todo. Se aprende mucho viendo cine primero y después filmando. Hay directores que dicen: -yo no fui a una escuela de cine. Yo vi cine. ¿Qué piensa al respecto? En mi caso…pertenezco a una generación que le debe mucho al cine publicitario. La mayoría de los directores de mi generación Solanas, Puenzo, Sorín… la formación técnica la tuvimos en el cine publicitario. Que era una buena escuela; técnica, sobre todo. ¿Por qué cree que se le pega un poco al cineasta que trabajó en cine publicitario?

cambios son más veloces. Ya la cámara con que yo filmé Paisajes devorados hace dos años es obsoleta. Ya salieron dos modelos nuevos.

No sé…bueno, a ver…depende quién… Claude Lelouch hace cine publicitario aún cuando hace largometrajes, es distinto… pero algunas observaciones desacertadas de gente que no entiende algunas cosas desde la crítica confunden cierto virtuosismo con una afectación publicitaria. ¿Será que a algunos críticos tal vez les moleste que un director pueda entender que es lo que le gusta al público y simplemente ofrezca eso?

En un momento dijo que hay que aprender a hacer cine de nuevo. Yo digo que soy un estudiante de cine avanzado. Todo el tiempo hay que ir aprendiendo. El tipo que dice ya sé…desconfío. ¿Qué piensa de las escuelas? Un título da un marco, uno puede justificar que sabe…

Es cierto, a veces confunden cierto perfeccionamiento formal con una especie de vicio publicitario. Pero no está mal filmar bien. Y la publicidad fue para nosotros la escuela de cine más importante. Además era un entrenamiento, filmábamos muy a menudo, con un productor despiadado y un cliente que decía me gusta, o no me gusta, cumple con el objetivo o no; eso está bueno, la exigencia. Yo le debo mucho a la publicidad.

Hay que aprender, es un oficio. Tiene sus trucos, sus reglas, como cualquier oficio. Para mí lo más importante es aprender a contar. Es el principal déficit de las películas falladas, del cine fallado, que está mal narrado. Yo pongo especial énfasis en el tema de dar herramientas para contar. Eso sí se aprende. Pero después no llegás nunca a ningún lado. Estás buscando todo el tiempo. Además cada película es un desafío, una cosa nueva. Es salir a navegar y no sabés lo que va a pasar en la travesía.

Con respecto a la exhibición y las nuevas posibilidades, existe hoy por hoy muchas posibilidades de exhibición alternativa, por ejemplo un conjunto de nuevos directores muestra sus películas a través de un grupo llamado No solo en cines, mostrando las películas en teatros, centros culturales, entre otros espacios, tanto como online. ¿Lo ve como un avance?

¿Que le da el aprendizaje académico a un cineasta y que le da la experiencia de vida? La escuela te da el aprendizaje de un oficio como cualquier otro. El resto no sé…lo más importante no se enseña, que es el talento. Pero el talento sin oficio es una explosión sin 24

pareció que estaba bien aparecer.

Fantástico. Es que va a haber que buscar. Se ha avanzado mucho en la parte de producción y en la parte técnica, pero en la parte de distribución y exhibición falta aggiornar [actualizar]; aún faltan más salas digitales. Está cambiando todo, está cambiando la forma de ver cine. Y acabo de tener una experiencia atípica con la exhibición una película atípica como Paisajes devorados, la avant premiere en el Malba, y fue una de las mejores proyecciones, una de las mejores avants premieres que he vivido. Por acotado, por cálido, aparte de la calidad de la sala y de la proyección. Porque me pareció que estábamos en el lugar indicado para la película. Sensación que no siempre he tenido. Porque a veces sucede que uno está en un estreno y dice-¿qué hago yo acá? Que es este estreno que no tiene nada que ver con la película, figuritas de la tv, mucho ruido y pocas nueces…pero bueno, todo cambia.

Hay menciones también a Hombre mirando al sudeste. Sí, hay posiciones de cámara que son exactamente las mismas. Es un auto-homenaje, claro. Después hay homenajes más difíciles de descubrir, que casi nos matan del susto, cuando se pone a bailar con la camarita… eso no estaba en el guión. Teníamos miedo que se cayera, el terreno era muy irregular. Yo me emocioné mucho. Pero tuve que parar a todo el equipo que trataba de salir a agarrarlo. Y me contó que era un homenaje a Jonas Mekas un director que fue el patriarca del cine independiente norteamericano; un tipo de la edad de Birri, muy parecido a Birri físicamente y amigo suyo además, que hace un cine muy experimental. Y en algunas de sus películas él hace esto de bailar con la cámara y a Birri se le ocurrió en el medio del rodaje tomar la cámara y hacer esto. Pero bueno, es un homenaje a Jonas Mekas. Está llena la película de guiños y homenajes. Es una película sobre el cine, en el fondo.

Con respecto a Paisajes devorados ¿Que lo llevó a pensar en Birri para representar el personaje principal? Como es un falso documental y al mismo tiempo el personaje tenía un riesgo actoral bastante grande no quería que fuera que un actor fácilmente identificable. Entonces estuve bastante tiempo buscando entre actores desconocidos. Y un día me cayó la ficha de la imagen de Fernando, a quien yo ya conocía. Compartimos una experiencia en la Universidad de Stanford en el año 2002. Pero me pareció una locura, Fernando estaba en Roma. Y digo, yo le mando un mail a ver qué pasa. Al día siguiente me contesta: Estoy en Santa Fe. Estaba pre-produciendo El Fausto criollo, su más reciente película. Fue una de las tantas cosas mágicas que pasaron con esta película. Hoy me parece que la película no se hubiera podido haber hecho sin Fernando. Creí haber visto entre los varios homenajes que tiene la película, una mención al film El globo rojo, por ejemplo.

Cuando menciona su film Pequeños milagros, dice que es la primera vez que una mujer es la protagonista de una de sus historias ¿Cómo se piensan las historias con mujeres como protagonistas? Preferiría que una mujer hiciera una película sobre una mujer. Tal vez una película en la que mejor se ha retratado el alma de una mujer las han hecho hombres, como Robert Altman o Bergman. Estaba pensando si en alguna otra película una mujer fue la protagonista, pero no, no la haré. Una de las líneas que dice Birri en Paisajes devorados es: -El cine que no sirve para hacerte olvidar de las penurias de una vida de mierda no sirve para nada. Realmente es así, o por lo menos ¿es así como usted lo veía cuando tenía quince años? Es lo mismo que yo pienso. La mayoría de las cosas que dice el personaje yo las comparto. Es un tema que puede ser polémico. Tampoco estamos planteando un cine escapista. Ni Birri ni yo hacemos ese tipo de cine. Pero básicamente es una invitación a soñar, ver otra realidad más allá de la realidad más aparente. Hitchcock contaba al respecto del efecto fregadero –fregadero. El decía que una mujer, una ama de casa se pasa todo el día limpiando y llega el marido y la invita al cine.

Ah, si…no lo había pensado, pero sí. Podría ser, es una película que yo recuerdo con mucho cariño. No lo pensé, pero evidentemente eso se mostró de manera inconsciente. En una escena usted aparece en Paisajes devorados ¿verdad? Sí, soy yo. Me da bronca que todo el mundo se dé cuenta. Yo nunca había salido, hay directores que lo hacen todo el tiempo. Y me 25

Ella se arregla, contenta, y cuando llegan al cine y empieza la película lo primero que ve es una mujer limpiando la cocina. Y Hitchcok hablaba de eso, del efecto fregadero-fregadero. Que el cine era para otra cosa, para llevarte a soñar a otro lugar, no al lugar cotidiano ni a la realidad de todos los días. A eso alude Birri, Rémoro, en la película.

Contento estás cuando hay una administración honesta, que sabe de cine, bien intencionada, inteligente… te imaginás en cincuenta años la cantidad de funcionarios de las más diversas calañas que he visto desfilar por el Instituto. Desde la época de los militares, en la que el cine le había tocado a Aeronáutica, entonces los interventores eran brigadieres y comodoros. Como si a mí me nombraran interventor de Aerolíneas Argentinas. Yo te diría que el bien más preciado en un dirigente político es la honestidad… es el bien más preciado, más distintivo…y el más escaso.

Es interesante la amplia gama de posibilidades que el cine brinda pero está bien entretenerse, también. Me tenés que llevar a otro lado. Por eso yo detesto el naturalismo. En realidad detesto el naturalismo que está mal hecho. Porque hay directores naturalistas sobre todo los ingleses que me encantan…Ken Loach…Mike Leigh… como todo si tenés talento y lo hacés bien…yo le rajo al naturalismo. Creo que te tengo que llevar a otro lugar…no necesariamente es un lugar de escape. Yo creo que te tengo que llevar a otro lugar…que el cine te tiene que llevar a otro lugar distinto al que estás… voy a ver lo mismo que veo en la vida real, yo me aburro. La gente también. ¿Qué le transmite el documental como espectador?

Con la sensación entre mágica y rara a la vez (luego de casi dos horas de entrevista), mi coequiper y yo nos retiramos pensando en el niño que juega con esa realidad que apenas comprende y cuánto hay de él en el hombre que cuenta luego las historias que otro niño (tal vez su propio niño interior) podrá disfrutar. Entrevista: Gastón Dufour Cámara y Foto: Amelia Ortíz Agradecimiento: Cris Zurutuza Prensa. Fotografías: Cris Zurutuza Prensa para BA. Fotograma de El lado oscuro del corazón

A mí los documentales del mundo animal, por ejemplo, me llevan a otros lados…místicos. Me pongo místico. Algunos me parecen comerciales de Dios. Si uno creyera, claro. Te venden muy bien la idea de Dios. Me emocionan y me ponen frente al misterio de la vida. Por eso me gustan tanto. Y además…todo es un misterio. Si estás atento estamos rodeados de cosas que deberían asombrarnos. Pero la vida moderna nos aniquila. Aniquila la posibilidad de contemplar y valorar lo que nos rodea. Todo es mágico. La vida es un milagro.

Gabi Rubi

dibujitos y poesías. Da talleres de dibujo y creación mágica. En su obra aparecen las estrellas, las lluvias, los bicho bolita, las montañas, los helados, los incendios, los árboles, el amor y los silencios, etc. Todos ellos vistos desde la óptica de las ciencias, artes, sentimientos y conocimientos mágicos (biología, química, metafísica, magia, música, antropología, matemática, astronomía, i-ching, psicoanálisis, amor, literatura, tarot, etc) como fragmentos que se unen para formar un mismo diamante. Pueden ver más de su obra aquí: www.gabirubi.com

Gabi Rubí es un dibujante, mago, poeta, tarólogo, encontrador. Hace postales mágicas y tiene editadas varias pequeñas publicaciones de

Dijo usted en una oportunidad que filmar en este país es como jugar el juego de la oca. ¿Yo dije eso? Pucha…Bueno, sí, es así; quiere decir que uno avanza y luego retrocede cinco casilleros: lo más grave es vivir en este país…pero tiene que ver con lo mismo, con el no reconocimiento…si llevo cuarenta años haciendo cine y gané noventa premios, significa algo, llegué acá…depende la administración de turno tenés que retroceder diez casilleros y hacer la fila de nuevo…pero bueno, es así. ¿Cuándo el cineasta está conforme con las políticas del estado para con el cine? 26

2013

BAF Week

Durante el pasado mes de septiembre se llevó a cabo en La Rural, predio ferial de Buenos Aires, el BAF week primavera-verano 20132014; para esta edición el protagonista fue el papel: telas de papel o telas con papel, una nueva fusión entre arte e indumentaria para contar una historia. Por tal razón, la apuesta de los expositores giró en torno a ofrecer a los compradores alternativas de ropa, calzado y accesorios confeccionados con materias primas naturales y más amigables con el ambiente. Nuestro equipo de Breaking Away estuvo presente en el BAF week conversando con algunos de los expositores y esto fue lo que nos contaron:

electrónica www.chimmychurry.com y en Paseo Alcorta, CABA. ¿Por qué están en el BAF week? El interés de participar aquí fue acercarnos al público para que las personas puedan ver y elegir el calzado que desean antes de comprarlo vía online, además queremos escuchar de los propios compradores qué es lo que más les gusta.

Optamos por bolsas porque queremos que los clientes se lleven algo que sea utilizable, pues la idea no es llegar a casa y tirarla, sino que la gente tenga una bolsa útil y con un diseño exclusivo elegido a su gusto. ¿Por qué están en el BAF week? La idea de Collage Lab es ofrecer a los clientes de City Women un espacio diferente, desestructurado, donde además pueden conocer de primera mano cómo se realiza el proceso de la serigrafía. Les presentamos seis diseños diferentes en cuatro colores diferentes: negro, rosa, colorado y azul; los colores del banco. La gente estuvo bastante contenta de ver a los chicos trabajando en vivo, esto hizo que se entusiasmaran más, se coparan y esperaran el producto elegido a su gusto.

de colores o por morfología. Cada marca vive el proceso creativo de manera individual, más allá de un encuentro en el cual charlamos al respecto de las decisiones de cada uno a la hora de presentar la colección. ¿Dónde? Tienda Cuadrilla, Nicaragua 4519, Palermo – CABA ¿Por qué están en el BAF week? Por lo pronto los planes son presentar las nuevas colecciones y seguir creciendo como una plataforma dinámica. La idea del colectivo es apostar al diseño moderno. En el local, además, tenemos invitados que hacen accesorios.

Bebi Casal para Collage Lab ¿Qué es? Collage Lab es un estudio creativo multidisciplinario que nace como proyecto en Ámsterdam y abre sus puertas en Argentina como uno de los primeros art-studios del país. Es un estudio que combina diferentes disciplinas (graffiti – ilustración - instalaciones) con el diseño industrial, la publicidad, la cultura, el arte y la moda. Somos la agencia que maneja la estrategia comunicacional del City Bank en el BAF week. ¿Para quiénes? En esta ocasión, estamos trabajando con todos los clientes de City Women y elegimos hacer serigrafía en vivo: los clientes presentan la tarjeta, se les toman los datos, se llena una postal, luego pueden elegir entre los diferentes diseños de animales, esperan un ratito y se llevan una bolsa con serigrafía hecha en el mismo instante.

Chimmy Churry ¿Qué es? Somos una marca de calzado cuya idea es mantener el clásico argentino que es la alpargata y su comodidad pero innovando en los modelos y materiales. Cambiamos la goma eva por caucho y pusimos una plantilla interna, esto hace que las alpargatas sean mucho más cómodas y duraderas. Además, las telas que usamos para fabricarlas son naturales y pueden lavarse fácilmente. ¿Para quiénes? Chimmy Churry ofrece calzado para toda la familia en diversos estilos. ¿Dónde? Los productos Chimmy Churry se pueden conseguir por medio de la página 28

Proyecto Cuadrilla SRL Textos: Kattia Barrientos y Gastón Dufour PH: Leo Rossi y Amelia Ortíz Fotografías: www.bafweek.com.ar y www. proyectocuadrilla.com.ar

¿Qué es? Una especie de cooperativa de diseño: surge a partir de la unión de cinco marcas de diseñadores dada la necesidad de compartir un espacio y generar cosas de manera grupal. Somos cinco marcas juntas, cada una de diferentes diseñadores: Desastrería, Urenko, Ladrón de Guevara, Talitha y Fernando More. ¿Para quiénes? Tenemos un público muy amplio. Nos diferenciamos entre nosotros pero a la vez si observás los percheros te das cuenta que conviven los diseños por paleta 29

AGENDA CULTURAL OCTUBRE 2013

Jueves 10/10/2013 Percezione e Illusione : Arte Programmata e cinética italiana Arte cinético italiano Museo de Arte Contemporáneo de Bs As (MACBA) Av. San Juan 328 18:00hs Entrada libre y gratuita. Shéda (Congo y Fracia) Anfiteatro del parque Centenario 18:30hs Entrada libre y gratuita con entrada. Las mismas se entregan dos horas antes de la función.

Performance:

Martes 08/10/2013 Cine (Festival Cine Migrante): Sur la planche (En el borde) Ficción. Marruecos-España Centro Cultural de la Cooperación Av. Corrientes 1543 18:00hs Entrada libre y gratuita

Viernes 11/10/2013 Música: Guillermo Fernandez Pre-tango. Música criolla Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti Av. Del Libertador 8151 21:00hs Entrada libre y gratuita.

Miércoles 09/10/2013

Arte:

Papá, estas bien? Bordese-Lavallen Galería Perotti Freire 1101. Esq. Zabala 19:00 hs Entrada libre y gratuita

Danza: Castadiva 15 años. Caetano por divas y divos + Mozartiana Compañía de danza independiente. Centro Cultural Ricardo Rojas. Sala: Batato Barea Corrientes 2038 21:00hs Entrada: $20

Cine (FIBA):

Ein Volksfeind (An Enemy of the People) (Alemania) Teatro San Martin. Sala: Martín Coronado Av. Corrientes 1530 20:00hs Entradas $50 y $90

Literatura:

Cmmn Sns Prjct (Laura Kalauz e Ignacio Sánchez Mestre) La obra rastrea el impacto de las convenciones artísticas, políticas y administrativas dentro del contexto teatral y viceversa. Centro Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 20:30hs Entrada: $50 (estudiantes $35)

Purgatorio + paraíso (Italia y Fracia) Centro Cultural San Martin. Sala 1 Paraná Esquina Sarmiento 18:00hs Entrada libre y gratuita con entrada. Las mismas se entregan dos horas antes de la función.

Música:

Seis muestras en el Mamba Inauguración de 6 muestras en simultáneo Museo de Arte Moderno de Bs As (MAMBA) Av. San Juan 350 18:00hs Entrada libre y gratuita.

Martes 15/10/2013 Danza:

Ballet Folklórico Nacional Teatro del Globo Marcelo T. de Alvear 1155 20:30hs Con entrada gratuita. Las mismas se retiran a partir de las 18:30hs por la boletería del teatro. Espectáculo EmocionARTE

Domingo 13/10/2013 Convención:

Teatro/Espectáculo:

Arte:

Delirio gaucho / Canciones del interior (Argentina) Teatro Picadero Pje. Enrique Santos Discépolo 1857 19:00hs Entrada $25

Cine (Festival Cine Migrante): Sounds of Sai (Sonidos sanandresanos) Documental Colombia Espacio INCAA Km 0 Rivadavia 1635Cine Gaumont 22:00hs Entrada libre y gratuita

Marisa Vazquez (tango) Bar El Faro Ciclo de conciertos en bares notables Av. de los Constituyentes 4099 21:30hs Entrada libre y gratuita.

Arte:

Teatro (FIBA):

Varieté literaria. Lectura de textos con acompañamiento de otras disciplinas. Centro Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 21:00hs Entrada libre y gratuita.

Teatro (FIBA):

Cine (FIBA): Les guerriers de la beauté (The Warriors of Beauty) (Belgica y Fracia) Centro Cultural San Martin. Sala 1 Paraná Esquina Sarmiento 20:30hs Entrada libre y gratuita con entrada. Las mismas se entregan dos horas antes de la función.

Arte:

Teatro (FIBA):

Lunes 14/10/2013

Sábado 12/10/2013

Convención de Cine y Series de TV Salones Leprett Luis Sáenz Peña 739 12.00 - 20:00hs Entrada $45 Hay que apagar el fuego Teatro sobre texto de Carlos Gorostiaga Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti Sede: Av. Infanta Isabel 555 17:00hs Entrada libre y gratuita.

Teatro (FIBA):

Sudado (Argentina) Teatro Timbre 4 México 3554 13:00hs Entrada $25

Teatro (FIBA):

Finucane & Smith’s Glory Box (Australia) Espectáculo aclamado alrededor del mundo que desafía los géneros y es un revolucionario éxito de culto. La Trastienda Balcarce 460 22:30hs Entrada $70

Liliana Porter El hombre con el hacha y otras situaciones breves. Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) Av. Figueroa Alcorta 3415 - Sala 3 12:00 - 20:00hs Entrada $40, estudiantes $20

Arte:

Literatura: No lo intenten… Ciclo de narrativa y música que presenta la editorial Pánico el Pánico Centro Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 21:00hs Entrada libre y gratuita.

Leandro Gutierrez - Pez Coraza El Serpa Pringles 1488 19:30 hs Entrada libre y gratuita

Música:

Mesa-Debate: Desde la memoria y la historia por la profundización y ampliación de los derechos de la diversidad. Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti Av. Del Libertador 8151 19:00hs Entrada libre y gratuita.

Segundo Mundo (Música de Europa del Este) La Biela Ciclo de conciertos en bares notables Av. Quintana 600 20:00hs Entrada libre y gratuita.

Cine:

Essential Killing. (PoloniaNoruega- Irlanda- Hungría) Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (ex esma) Av. Del Libertador 8151 19:00hs Entrada libre y gratuita.

Cine (Festival Cine Migrante): Un agujero en el cielo (Somalia, España, Francia) Documental Somalia Espacio INCAA Km 0 Rivadavia 1635Cine Gaumont 20:00hs Entrada libre y gratuita

Teatro (FIBA):

Jueves 17/10/2013 Teatro:

Música:

III Furie (Polonia) Teatro San Martin - Sala Casacuberta Av. Corrientes 1530 20:30hs Entrada $70

Música: Arte: Danza:

Cine (FIBA):

Rosalinda (Argentina) Centro Cultural San Martin. Sala 1 Paraná Esquina Sarmiento 20:30hs Entrada libre y gratuita con entrada. Las mismas se entregan dos horas antes de la función.

Arte:

Guateque (Música en vivoCumbia fusión) Club Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 23:00hs Entrada $35 Personaje. Muestra colectiva Galería Perotti Freire 1101. Esq. Zabala 19:00 hs Entrada libre y gratuita

Grupo de Danza de la UNSAM Sonidos negros, Si pudiera contarte, Pulsos y El Cisne Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (ex esma) Av. Del Libertador 8151 21:00hs Entrada libre y gratuita.

Retazos Testimoniales Parque de la Memoria AV. COSTANERA NORTE - RAFAEL OBLIGADO 6745 12:00 - 18:00 hs Entrada libre y gratuita

Cine (FIBA):

Cine:

Danza:

Viola (Argentina) Centro Cultural San Martin. Sala 1 Paraná Esquina Sarmiento 20:30hs Entrada libre y gratuita con entrada. Las mismas se entregan dos horas antes de la función.

Arte:

Intervenciones de gran escala Intervenciones de varios artistas. Tecnópolis 12:00 - 20:00 hs Entrada libre y gratuita

Néa (Francia) MALBA | Museo de Arte latinoamericano de Buenos Aires Avenida Figueroa Alcorta 3415 22:00 hs Entrada $30, estudiantes $15

Arte:

Plural Exposición del Colectivo Plural. Centro Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 18:00 hs Entrada libre y gratuita

Que viva la poesía! Lectura de poesía Centro Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 21:00hs Entrada libre y gratuita.

Jueves 24/10/2013 Arte:

Martes 22/10/2013 Arte:

Martha Le Parc. Artista o Artesana? Museo de Arte Decorativo Av. Libertador 1902 14:00 -190:00 hs Entrada libre y gratuita

Literatura:

Memoria de la Escultural 1895-1914 MNBA | Museo Nacional de Bellas Artes. Av. del Libertador 1473 12:30 - 20:30 hs Entrada libre y gratuita

Arte:

Miércoles 23/10/2013

Lunes 21/10/2013

Sábado 19/10/2013

Medea (Tragedia para un espectador) Experiencia teatral individual Teatro Timbre 4 México 3554 19:00hs Entrada a la gorra Festival Guitarras de mundo Don Gil de las calzas verdes, Rodrigo González y Cuarteto La Hendija Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (ex esma) Av. Del Libertador 8151 20:00hs Entrada libre y gratuita.

Corrientes 2038 20:30hs Entrada $ 20

Domingo 20/10/2013

Viernes 18/10/2013

Miércoles 16/10/2013

Cine:

102° Edición Salón Nacional de Artes Visuales Palais de Glace Posadas 1725 12:00 – 20:00 hs Entrada libre y gratuita

Música:

Teatro:

Reposición: Propios-Sonografías de un hombre Dramaturgia vocal con temas de Gabo Ferro y Xoel López Centro Cultural Ricardo Rojas. Sala: Batato Barea

Retratos de Brasil de Oskar Molek Museo de Arte Popular Jose Hernandez Av Libertador 2373 13:00 -190:00 hs Entrada $5 Woody Allen. El documental CMS | Centro Cultural San Martin Sarmiento 1551. Sala 1 15:00 hs Entrada $20 Flor de mambo + Agrupación Pazión Música instrumental bailables y cumbia rioplatense. CCM | Club Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 22:00hs Entrada $35

Viernes 25/10/2013 Teatro: Estela de madrugada Es la historia de un equívoco, de una frustración individual, de un sueño CMS | Centro Cultural San Martin Sarmiento 1551. Sala 1 21:00 hs Entrada $40

Música:

Arte:

Martes 29/10/2013 Música:

Digital Mambo Dramaturgia sobre la rapidez para entrar a la era digital y la urgencia por salir CCRR |Centro Cultural Ricardo Rojas. Sala: Batato Barea Corrientes 2038 21:00hs Entrada $ 20

Arte:

Turdera Fest 16 bandas, 2 escenarios. Bandas de rock. CCM | Club Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 15:00hs Entrada $50

Literatura:

Danza:

Dalila Puzzovio- Mitos Manufacturados Galería Rubbers Internacional Av. Alvear 1595 (esq. Montevideo) 19:00hs Entrada libre y gratuita. Reposición: Propios-Sonografías de un hombre Dramatugia vocal con temas de Gabo Ferro y Xoel López Centro Cultural Ricardo Rojas. Sala: Batato Barea Av. Corrientes 2038 20:30hs Entrada $ 20

La cuna vacía. Teatro La Otra Orilla Gral Urquiza 124 21:00hs Entrada $70, estudiantes $40

Rumiar Buenos Aires, poesía bla bla Lectura de poesía Centro Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 20:00hs Entrada libre y gratuita. Clases de tango. No requiere conocimientos previos. Casa Nacional del Bicentenario Riobamba 985 19:00hs Entrada libre y gratuita.

Jueves 31/10/2013 Danza: TOAY Centro Cultural de la Cooperación. Sala Solidaridad (2° S) Av. Corrientes 1543 21:00hs Entrada: $60 Teatro: Chau Papá Drama-comedia Teatro Nacional Cervantes Libertad 815 21:30hs Entrada $ 40

Jazzología: Delfina Oliver (Artistry Big Band) Jazz. CMS | Centro Cultural San Martin Sarmiento 1551. Sala Muiño 20:30 hs Con entrada gratuita. Las entradas se retiran dos horas antes de la función

Teatro:

Los fabulosos singer Comedia donde la música convive con el delirio Centro Cultural de la Cooperación Av. Corrientes 1543 22:30hs Entrada $80 Domingo 27/10/2013

Teatro:

Oski, un monje enloquecido MNBA | Museo Nacional de Bellas Artes. Av. del Libertador 1473 12:30 - 20:30 hs Entrada libre y gratuita

Severine Hubart – Et que ca mousse CCM | Club Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 20:00hs Entrada libre y gratuita

Teatro:

Av. Corrientes 1543 20:30hs Entrada $40

Lunes 28/10/2013

Sábado 26/10/2013 Teatro:

Yaima Orozco Trova cubana CCM | Club Cultural Matienzo Pringles 1249 (y Av. Córdoba) 21:00hs Entrada $40

Música: Castañas de Cajú Canciones poéticas y costumbristas con aires de murga, candombe, vidala, chamamé, chacarera y pinceladas de jazz Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (ex esma) Av. Del Libertador 8151 21:00hs Entrada libre y gratuita. Arte:

Museo Histórico de Buenos Aires Cornelio de Saavedra Crisólogo Larralde 6309 16:00hs Entrada libre y gratuita

Arte:

Sofia Donovan Poética doméstica Centro Cultural Ricardo Rojas. Espacio de arte Av. Corrientes 2038 19:00hs Entrada libre y gratuita.

Jen Zapata. jenzis10@gmail.com

Miércoles 30/10/2013 Música:

Lo que susurra el mar Cuentos y poemas en escena 34

Tango de miércoles Marcapiel Centro Cultural de la Cooperación. Sala Osvaldo Pugliese 35