Revista imagenario 012

Revista Imagenario

EDICIÓN Nº7 18/12/2015

i magenario

EDICIÓN Nº12

15/05/2017

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Proyecto gestado por el equipo Imagenario Teresa Arana Migliassi Patricio M. Lueiza Carolina Agüero Pablo Baeza Paloma González Constanza S. Gómez Valentina Montenegro

Carta del editor

Revista Imagenario nace principalmente como medio de difusión de fotógrafos emergentes en nuestro país como respuesta a la falta de medios de comunicación especializados. Para los medios masivos, este tema no cubre más del 10% de su totalidad y de preferencia eligen fotógrafos con trayectoria y/o extranjeros, es por esto que nuestra revista no juzga trayectoria ni estudios formales. Nos consideramos una línea editorial pluralista, visionaria y estética.

Nuestra misión es ayudar en la difusión de nuevos fotógrafos ya sean estudiantes, profesionales u autodidactas, como también apoyar en la difusión de actividades fotográficas que se realicen en Chile y así generar contenido relevante que pueda interesar a todo tipo de fotógrafos, actuando como punto de convergencia entre diferentes tendencias fotográficas del país.

Agradecemos la confianza que hemos recibido y trataremos que Imagenario sea un vehículo de unión para todos nosotros, esperando así contribuir con este espacio al éxito y reconocimiento de verdaderos artistas de la fotografía nacional.

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Índice Huellas Héctor González de Cunco

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Entrevista Gabriela Jara Ramos

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Diálogos y situación “Humanoides” de Silvana Fotografía estenopéica enMaldonado la era digital: la resistencia de la reflexión.

13-16

Escena fotográfica en Chile Sección Reportaje Anna Da Sacco Lucy Valdés

19-30

Sección Ensayos Roberto Baeza Rodolfo Pizarro Tamara Andrea

31-54

Sección Foto-autor Yanina Carrasco Lucas Núñez

55-62

63-67 Cuarto Oscuro Francisca Fuentes 67-72

Visiones de arte contemporáneo

Dani García Sarabia 73-74 Cartelera

7-12

13-16

19-24

25-30

31-38

39-46

47-54

55-58

59-62

63-66

67-72

73-74

Cartelera

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Vivir y Morir en $antiago de $hil€: observando las contradicciones de lo urbano

Huellas

Héctor González de Cunco

Fotografía de © Héctor González de Cunco

No hallarás otra tierra ni otro mar.

La ciudad irá en ti siempre. Volverás a las mismas calles.

Y en los mismos suburbios llegará tu vejez; en la misma casa encanecerás.

Pues la ciudad es siempre la misma.

Otra no busques -no la hayni caminos ni barco para ti.

La vida que aquí perdiste la has destruido en toda la tierra.

Constantin Cavafis

Aunque se suele tildar a la ciudad como una ‘selva de cemento’ o una ‘jungla de concreto’, en realidad hay muy pocas cosas concretas en la ciudad.

Hostil con las tradiciones, desorganizada, de relaciones apresuradas, impersonales y de conveniencia, la ciudad es muy cambiante e inconsistente. En el ámbito urbano las relaciones se construyen sobre vínculos débiles, negociaciones frías, infinitamente entrecruzadas, pero demasiado fáciles de disolver. Por lo tanto, quien quiera observar la ciudad tiene que estar dispuesto a cambiar bastante de objeto, puesto que deberá poner sus ojos sobre sucesos eventuales, deambulantes, que flotan inquietos por veredas y rincones. Todo se encuentra en movimiento, y podría repentinamente desaparecer. La urbanidad consiste precisamente en este encuentro de desconocidos reunidos por la evitación, el anonimato y los intentos de discreción, camuflaje e invisibilidad que ocupan los lugares sólo de pasada. Los espacios se entrecruzan unos con otros, interrumpiéndose mutuamente, no se oponen ni se limitan, sino que se traspasan sin detenerse.

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El fotógrafo Héctor González de Cunco se encuentra desde el año 2014 realizando el proyecto fotográfico titulado “Vivir y morir en $antiago de $hil€” en el cual se retrata la ciudad de Santiago desde la cotidianidad de sus calles, del Metro, de las canchas de fútbol, de las historias que suelen quedar en el olvido, historias de un segundo que se pierden entre las miles que entretejen las grandes ciudades. Ciudades pletóricas de modernidad, donde el transitar es el verbo inevitable y el no lugar llena calles y esquinas de micro historias.

Este trabajo resulta en una exquisita narración de historias que el transeúnte pasa por alto por estar absorto en sus propios zapatos, la pantalla del teléfono o el interior de sus párpados: son breves historias de felicidad de seres infelices, son ruina o vestigio de la vertiginosa vorágine urbana que

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traspasa las existencias de millones en cada uno de los no lugares, caracterizados por su exceso de modernidad, de imágenes, de información, en el marco del cual proliferan los espacios de tránsito y de anonimato.

paisaje de extremos voluptuosos”2, buscando y descubriendo no sólo en los rincones, sino en los que está ahí, a simple vista, y el transeúnte, al ir en su tránsito distraído por los no lugares de la ciudad, ve sin observar.

En estos ‘no lugares’ no se articulan relaciones sociales, no se genera identidad y carecen de historia, los tres elementos que por su lado caracterizan fundamentalmente a los lugares propiamente tales, universos de reconocimiento basados en relaciones sociales e inscritos en el tiempo, con sus rupturas y continuidades. Marc Augé1 nos presenta los no lugares como constituidos por dos realidades complementarias pero distintas: los espacios constituidos con relación a ciertos fines (transporte, comercio, otros) y las relaciones de los individuos con los espacios. Mientras el espacio del no lugar no crea identidad ni relación (o más que como contrato), sí nos presenta una enorme cantidad de narrativas que se hace necesario rescatar si queremos comprender las dinámicas sociales, económicas y políticas que en la ciudad tienen lugar: millares de contrastes por metro cuadrado, desigualdades, alegrías efímeras, rutinas y contradicciones que son plasmadas en el trabajo de Héctor González de Cunco mediante la El blanco y negro pone el acento en la historia en sí, para no perderse en los colores y concentrarnos en el suceso, que en muchos casos son varios relatos en una sola instantánea. El fotógrafo entonces se transforma en “una versión armada del paseante solitario que explora, acecha, cruza el infierno urbano, el caminante voyeurista que descubre en la ciudad un

Pero las historias ahí plasmadas no son arbitrarias. No existe azar en el relato, pues si bien el momento es azaroso, son las contradicciones lo que hacen que la ciudad cobre valor narrativo: las paradojas están a la orden del día y nos develan la profunda desigualdad sobre la cuál se construye y reproduce la sociedad. Los desconocidos se entrecruzan ignorando sus mutuas ruinas y, tal como Karl Marx vaticinó siglos atrás, “todo lo sólido se desvanece en el aire.

Todo lo que es sagrado es profanado, y los hombres, al fin, se ven forzados a considerar serenamente sus condiciones de existencia y sus relaciones recíprocas”3, pero en Vivir y morir en $antiago de $hil€ la instantánea es fija el aire en la foto y son expuestas las fugaces alegrías y miserias de la modernidad.

1-Augé, Marc. 1996. Los “no lugares” espacios del anónimato: Una antropología de la sobremodernidad. Gedisa, Barcelona.

2- Sontag, Susan. 2006. ‘Sobre la fotografía’., pg 85. Alfaguara, México.

3- Marx y Engels. 1848. ‘Manifiesto comunista”.

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Fotografías de © Héctor González de Cunco

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Gabriela Jara Ramos Fotógrafa

“La fotografía como la unidad de la temporalidad y atemporalidad”

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Entrevista Gabriela Jara Ramos Comenzó sus estudios de fotografía en Alpes, Escuela de Comunicaciones y los continuó en GrisArtEscola de Fotografía, Barcelona, previamente estudió Lengua y Literatura Hispánica en la Universidad de Chile. Posteriormente ejerció como docente, llegando a ser Jefa de la Carrera de Fotoperiodismo.

Luego de una larga trayectoria ligada a la academia y estudios de la fotografía, desarrolló una particular visión sobre el estudiante de fotografía y su formación, y también nos transparenta el mundo detrás de su trabajo personal.

Usted lleva más de 15 años enseñando fotografía. ¿Qué ha sacado en limpio hoy sobre tan larga experiencia en docencia?

La fotografía se vincula con la realidad, como quiera que la interpretemos. Enseñar fue un proceso de aprendizaje personal de cuáles eran las distintas realidades que se conectan entre sí, dando una visión e interpretación acerca de nuestra vida. Entonces, cada estudiante es una partícula de esa realidad que lo va determinando. En este sentido no hay separación entre sujeto y objeto, hay un objeto que es lo fotografiado por el alumno, pero comienzo a ver cómo y qué fotografía dentro de una relación y una identificación con su mundo, además, el soporte fotográfico permite esa flexibilidad en la representación y producción de la imagen.

Dentro de las fotos seleccionadas que ha realizado sobre su trabajo para Imagenario, se aprecia lo que mencionó anteriormente. ¿Cuál es el criterio de selección o ejercicio que realiza sobre lo fotografiado para mantener esta característica tan distintiva?

Fotografía y entrevista por © Pablo Baeza

Las fotos que seleccioné para Imagenario, son de carácter más personal, sin ningún motivo o razón de encargo o de satisfacer un tema, son imágenes tomadas por las simples ganas que tengo de fotografiar.

Lo que estoy mirando afuera, en la fotografía, coincide con un tiempo personal o temporalidad propia. Este proceso me ha servido para conocerme dentro de una búsqueda espacial. No es una fotografía de anécdotas o sucesos, sino que es casi una meditación que hago con lo observado, generando un enlace entre lo exterior e interior.

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La fotografía en donde aparece un viejo auto, solo, cargado de una atmósfera cálida, ¿Podrías contarnos cómo llegaste a esa imagen y el proceso interior que te motivó a hacerla y seleccionarla?

Hace poco fui a Cuba, donde la estética urbana es completamente diferente a lo que conocemos, es de hace décadas atrás, por los colores que hay, su arquitectura, los autos que ya no se ven funcionando masivamente en otras partes del mundo. También es una isla y siento que la luz del sol es muy bella por el reflejo en el agua. En esta observación, iba caminando y me encantó la geometría, luz, sombra, color y el vacío donde estaba ese auto. Creo que, en el fondo, cada vez que levanto la cámara por un impulso personal es porque hay algo de vacío en el lugar, pero en ese vacío hay una huella, un centro que palpita ahí y algo indica que existe una presencia en medio de la aparente soledad.

No lo consideró un vacío desde la negatividad.

No, claro que no, sino es un vacío de una postura “zen”, en donde el vacío está lleno por un montón de resonancias. Pero, quizás, el silencio sea la palabra más adecuada para esa foto, porque se da en el momento en que uno inhala, no donde se produce la acción, sino cuando se repliega la acción y queda el silencio. ¿Cómo relacionaría esta idea de la temporalidad con el vacío?

La relación tiene que ver con el instante en que dos realidades, que están siendo contrapuestas, se juntan. Ahí se genera un punto de unión donde la temporalidad de esas realidades se fusiona generando un instante único que se vuelve permanencia.

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¿Qué fotógrafa o fotógrafo ha sido tu referente?

Pasa algo especial. Mis referentes primarios no son fotógrafos, porque estudié primero literatura y después, con 27 años, fotografía, por eso mis referentes primarios son Caravaggio por el aprendizaje del claro/ oscuro, después me inspiré con Bergman y Tarkovsky en el cine, particularmente este último con su película “Melancolía”, donde los planos fotográficos son una maravilla constante, tratados con una delicadeza minuciosa. Recomiendo que la vean. En poesía Jorge Teiller, por supuesto y en fotografía me encanté con André Kertezs, en mi primer acercamiento sobre cómo fotografiar mi entorno. Él fotografía la realidad desde una temporalidad muy pausada. Sus fotos se pueden ver simples, pero hay que detenerse a verlas, tanto por su contenido como por la deliciosa forma que le acompaña. En fotografía de retrato me gusta el trabajo de Flor Garduño y los autorretratos de Graciela Iturbide por su manera de fotografiar el imaginario colectivo, arquetípico, en lo personal y onírico En esta nueva etapa como retratista.

Siento que aprendí mucho haciendo clases, y pienso seguir haciéndolo, pero ya no comparto ciertos criterios con las instituciones. Creo que hay un problema, pero no de las instituciones en sí, sino conmigo en el cómo estoy apreciando ciertas cosas hoy, y cómo tengo que ganarme la vida. Así que llegué al retrato, donde tengo más tiempo para poder mirar ahora a este sujeto, quién es, porque si te fijas en mis fotos, la presencia humana no es muy predominante, está siempre como perdida en un espacio enorme y ahora quiero sacar al ser humano de esa inmensidad para retratarlo. En este proceso me valgo de mis alumnos para aprender juntos.

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¿La fotografía contemporánea tiene hoy, en tu opinión, los espacios de aprendizaje necesarios para poder hacer una reflexión fotográfica sobre ésta?

Cuando se enmarca en lo institucional estimo que no es suficiente, porque se enseñan reglas y técnicas que se imparte de forma muy eficiente frente a una demanda bien especializada, tanto en lo publicitario, periodístico o práctica aficionada. Cuando se plantea algo más conceptual, artístico o reflexivo, creo que particularmente en Chile hay pocos espacios que generen y fomenten ese debate visual. Los pocos que hay son elitistas, desde mi punto de vista. He hecho clases en lugares más alejados del circuito en donde los alumnos son talentosísimos, pero no llegan a esos espacios de reflexión más profunda, porque simplemente no tienen las conexiones exactas. Chile entero se mueve así y por tanto la fotografía no es una excepción. Esta situación me es muy molesta, porque pienso que muchos talentos se están perdiendo por no estar parados en el lugar exacto.

Respecto a su experiencia de años como jefa de carrera de fotoperiodismo, ¿Qué particularidades observa en la propuesta documental chilena?

Hay una cosa que me pasa con las imágenes documentales. Me molesta cuando dicen que son solo un registro, porque el fotógrafo siempre está ahí, atrás de todo, haciendo, componiendo, mirando y representando una realidad.

La imagen documental va un poco más allá de lo periodístico y eso me es apasionante.

También, hay fotógrafos que dicen que la realidad es tan cruda y por eso necesita ser tamizada. No, la realidad es, y tiene belleza si es cruda también.

Ya nacer es doloroso, todos tienen experiencias dolorosas en la vida o desgarrados en algún sentido.

Entonces, por qué tenemos que estar mediatizando todo, si la misma cámara ya mediatiza, para qué se necesita poner un tamiz adicional. Por lo tanto, a mí me encantan los documentales y el fotoperiodismo, siempre aceptando de que hay una mediación que es el sujeto fotografiando y la línea editorial del medio, pero lo que no necesito es que me adornen esa realidad para aceptarla.

Dentro de lo que me gusta de esta área de la fotografía, es que un fotógrafo documental puede llegar afinar su ojo y sensibilidad, primero trabajando desde su propia realidad. Cuando guío trabajos, como un reportaje o investigación visual de una realidad, nunca pierdo de vista al sujeto que fotografía y su relación con lo que fotografía. Cuando la conexión es real surgen temas impresionantes, ahí concluí que lo personal es político, porque hablamos de una sociedad determinada, de un estudiante de fotografía periodística, por ejemplo, y de lo que ocurre en su casa, pero también eso nos habla de la sociedad. No hay separación entre lo social y personal. ¿Qué sugerencias les daría a las nuevas generaciones que toman por primera vez una cámara?

Para empezar, no desalentarse con las dificultades que vendrán en el camino. Hay que ser perseverante y de una u otra forma no hay que soltar la fotografía, llámese como se llame y en el ejercicio que sea, hay que estar vinculada con ella todos los días. Un fotógrafo es un artista, y como tal, tiene que conocer literatura, pintura y ver mucho cine fijándose en cómo se construye el fotograma y en la narrativa.

En resumen, ser un personaje culto, incluso vincular la visualidad con la sonoridad y el movimiento. De alguna forma tenemos que llegar a una síntesis, pero antes hay que conocer el “qué es lo que hay”. Por otro lado, no hay que ser vanidoso en buscar algo “súper nuevo”, porque nunca va a ser “tan nuevo”.

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Fotografías de Š Gabriela Jara Ramos

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Fotografía de Š Gabriela Jara Ramos

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Diálogos y situación Fotografía estenopéica en la era digital: la resistencia de la reflexión.

Centro de Extensión de la Universidad Católica del Maule

El paso de la fotografía análoga al digital cambió la forma en la que entendemos y manufacturamos las imágenes. Esto recuerda al tránsito que vivió el arte “en la época de su reproductividad técnica”, que fue descrito por W. Benjamín. La era digital constituye un ejemplo de la hiperproductividad, muy propia de nuestra época postcapitalista, donde se centra la atención en la capacidad de producción más que en la profundidad de reflexión.

La posibilidad de la vista inmediata y la captura incesante ha aportado velocidad y productividad a la práctica fotográfica, sin embargo, creo que el declive de las técnicas análogas y artesanales ha restado reflexión en torno al qué, porqué y como fotografiamos. Las fotografía análoga y artesanal su planificación, la preparación de emulsiones, permite no sólo la construcción de una imagen, sino también la comprensión de la luz, su ausencia y sus matices.

En abril se celebra el día de la fotografía estenopeica, conmemoración que mundialmente se celebra entre diversos grupos de fotógrafos y organizaciones asociadas al rubro. La realización de una cámara estenopeica es uno de los ejercicios iníciales de la práctica fotográfica. La importancia y particularidad de esta técnica está en que ejemplifica de forma clara el principio de la cámara oscura en el que se fundamenta toda la fotografía tanto análoga como digital. La cámara estenopeica se construye con un objeto cerrado, donde la luz ingresa por un

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pequeño orificio y cuya pared contraria se cubre con algún material fotosensible, ya sea papel o película.

Una lata, caja de fósforos o prácticamente cualquier objeto puede convertirse en una cámara estenopeica.

La técnica es creativa desde el comienzo del proceso y la experimentación es la directriz que guía este trabajo. Cada toma es única, el proceso es sencillo aunque requiere cierta meticulosidad con el trabajo de los materiales.

La primera muestra nacional de fotografía estenopéica fue una convocatoria realizada durante 2016 que recoge fotografías elaboradas de norte a sur de nuestro territorio. Fueron 72 los trabajos enviados por 40 autores, todos recopilados en el libro que lleva el mismo nombre que la exposición. Esta iniciativa ha sido impulsada por Fotoalquimia, escuela itinerante de fotografía que funciona desde 2011 y ha llevado a cabo una labor de descentralización de la enseñanza de la fotografía, centrándose principalmente en fotografía análoga y técnicas de emulsiones artesanales (cianotipia, van-dyke, etc). La muestra está constituida por 36 fotografías, donde se recorre de norte a sur lugares, rostros y paisajes, que por medio de las texturas características de la técnica crean una estética de la resistencia. La muestra actualmente se presenta desde el 5 de mayo hasta el 30 de junio en el Centro de Extensión de la Universidad Católica del Maule, sede Curicó, ubicado en Pratt #220.

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FotografĂ­a de Carlos Erices Godoy

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Escena fotogrรกfica en Chile

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Reportaje Ensayo Foto-autor Cuarto Oscuro

(Fotografía análoga)

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Sección Reportaje Anna Da Sacco Es una fotógrafa italiana, trabajó desde el año 2000 con los periódicos locales y agencias nacionales (Olimpia, Ansa, Síntesis). Participó en exposiciones y publicaciones tanto en grupo como en solitario.

Estudió en la John Kaverdash Academy en Milán (Italia) con Franco Ferrari (Master de Moda) donde cursó el Master de Edición de Fotos. He seguido las lecciones de Wendy Ewald (fotografía participativa), Giovanni Umicini (street photography y la impresión en blanco y negro); Cristina Nuñez: la Experiencia de Autorretrato como auto-tratamiento.

Storytelling con Alberto Giuliani y video documental participativo en la Escuela de televisión y nuevos medios Zelig en Bolzano (Italia).

Dirigió el proyecto online www.bumerang.it de información participativa (2004-2009) y dictó talleres de fotografía en Bolzano y Trento (Italia), Banja Luka (Republica Srbska), Srebrenica (Bosnia), Valdivia (Chile).

En 2013 fue seleccionada entre los 10 finalistas del Premio Fotográfico Leica con un reportaje sobre los inmigrantes ilegales procedentes de Senegal y que van a Europa.

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Vive en Valdivia desde julio 2015 y participó a los talleres: En la Corporación Cultural de Puerto Montt (CCPM) el fotógrafo Álvaro Hoppe, Marzo 2016, Puerto Montt).

Effoto – Laboratorio de especialización fotográfica en Osorno y Puerto Montt, Junio/ agosto 2016). Talleres dictados por Nicolás Sáez (junio), Jorge Gronemeyer (Julio) y Cristóbal Olivares (agosto).

Cristina de Middel en la Corporación Cultural Española (Julio 2016).

John Moore, edición de reportaje en Fotoprensa, Santiago (Julio 2016).

Ana Casas Broda (FIFV - Festival Internacional de Fotografía en Valparaíso, 2016).

Exposiciones colectivas en Chile: El Bayo con el Arte, Condominio el Bayo de Valdivia, Chile (Diciembre 2015).

SiBilisNo, muestra resultante del taller con Cristina de Middel, Centro Cultural de España, Santiago, Chile (agosto 2016).

FIFV (Festival Internacional de Fotografía en Valparaíso) 2016 – grupo workshop Ana Casas Broda.

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A Dream To Die For/ Un sueño por morir Migración senegalesa a Europa La migración ilegal es una necesidad de supervivencia, la forma de buscar un futuro para los que no lo pueden ver donde están, para sí mismos y para sus queridos.

Es una historia de dolor, expectativas, largas esperas, esperanzas traicionadas y humillaciones, familias separadas por miles de kilómetros, por la muerte y la miseria. La frustración de no poder escapar y ser juzgado cuando fallas.

Una historia sin fin que nunca cambia, pase lo que pase. Sólo la tristeza, un sentimiento de derrota, se vuelven cada vez más pesados de soportar, cavando profundamente dentro el alma.

Y la travesía por mar es solamente el comienzo de un viaje que cada vez decide por la vida o por la muerte.

En 2013 este trabajo fue seleccionado por el Leica Photographers Award entre los 10 finalistas.

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Lucy Valdés (1991) Nacida en Santiago de Chile, criada en Santa Cruz. Fotógrafa profesional de Arcos. Trabaja de forma independiente y desarrolla proyectos personales de carácter documental. Participante de workshops en festivales de fotografía como el fefs 2016, fifv 2016 y focco 2017.

“Segunda Casa” El proyecto plasma la cotidianidad de un internado mixto, ubicado en el sector de Cunaquito, VI región, Chile. Este internado alberga a jóvenes que cursan la enseñanza media, que conviven diariamente y pasan sus años adolescentes rodeados de sus pares y la imponente casa que los aloja. La mayoría son jóvenes que viven en zonas rurales y llegan a esta casa para poder asistir a liceos que no existen en sus lugares de origen.

año a año a nuevos escolares, los que siguen llenando de historias esta casona.

Este trabajo nace desde la nostalgia y la curiosidad, las ganas de mostrar la vida antes de migrar, el crecer en provincia, vivir en condiciones distintas. El día a día, la compañía, los primeros amores, la complicidad, los juegos, la alegría, la soledad. Creciendo, cambiando juntos. Los cambios, la maduración, el despertar. La adolescencia misma.

Esta serie intenta explorar la adolescencia a través de la fotografía. Realizada durante el 2014, retrata las relaciones que se entablan entre estos jóvenes cuando dejan la comodidad de sus hogares para compartir uno nuevo, conviviendo con sus pares.

La mayoría de ellos vive sus últimos años antes de desplazarse a una gran ciudad para estudiar, otros vuelven a sus hogares y este lugar sigue acogiendo http://cargocollective.com/lucyvaldes

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Sección Ensayo Roberto Baeza

Ruina y reflejo

Es un joven de 24 años. Talca, Chile. Es estudiante de comunicación audiovisual. Se desempeña como camarógrafo y editor en una plataforma audiovisual.

Actualmente está trabajando en varias ideas y proyectos fotográficos que han nacido de forma espontánea a través de un proceso de observación y replanteamiento de su espacio y de él como sujeto parte de el.

“Es un ensayo fotográfico realizado en la ciudad de Talca, que busca extraer desde sus habitantes y sus calles la amargura que se advierte sobre la ciudad.

Comenzó a hacer fotografías como un acto comunicativo, como una forma de lenguaje, un medio que le sentaba mucho más cómodo para hablar de ciertas cosas. Por eso trata de centrarse en el significado más que en valor estético de la imagen.

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Una amargura que no es compartida por toda la población, quizás ni siquiera por una mayoría, pero si por un gran número de jóvenes que a medida que van creciendo ven como Talca se vuelve una ciudad de grises donde los sueños e ideas más espectaculares no tienen espacio para su desarrollo.

Ruina, por la ruina de la ciudad misma. La ruina que ha dejado la urbanización sobre los paisajes con los cuales los turistas suelen encantarse, pero nosotros sabemos que ahora no son nada con respecto a lo que eran. Y el reflejo de la frustración que he visto en mis amigos, familiares y cuantos otros que andan con la cabeza gacha en una ciudad donde la imagen que presta hacia el exterior, para nosotros como habitantes de ella es solo poesía y adorno.

Este ensayo, es un trabajo que está con constante desarrollo y por la naturaleza del mismo no tiene una fecha de termino. Al menos hasta que me vaya de aquí.”

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Rodolfo Pizarro Nace en Septiembre de 1986 en La Serena. Médico de profesión, realizando la especialización en Psiquiatría de Adultos en la Universidad de Chile. Fotógrafo aficionado, con cursos en distintos centros como Fotocine Club y la Pontificia Universidad Católica de Chile.

“La fotografía para mí es una forma de expresión, de acceso a contenidos de difícil transmisión a través de otros lenguajes. Una forma de explotar mi creatividad.

Mis intereses giran en torno a la fotografía de calle, documental-narrativa y de arquitectura.”

Nostalgia Este trabajo fotográfico se enmarca en una propuesta personal que intenta representar el viaje a la infancia, una aventura sin personajes, que se muestra nostálgica, que aparece al igual que los sueños. Un terreno al cual accedemos mediante imágenes, rememoraciones y representaciones; pero al que nunca retornamos.

Fotografías sin fechas, instantáneas, un pasado presente. Una geometría fría que parece no entender el terreno del juego infantil.

Memoria La relación entre la fotografía y la memoria puede ser abarcado desde distintas miradas, por un lado la capacidad referencial de la imagen, el referir y evocar

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eventos del pasado. Esta función es limitada, parcial y fragmentada; haciendo alusión al recuerdo1. Por otro lado, las imágenes pueden conformar una memoria futura, congelando el tiempo, el gesto2, haciendo patente lo que esta presente ante nuestros ojos. Así la fotografía se proyecta como memoria, como un objeto y acontecimiento. En tercer lugar la fotografía como un vehículo, no como el objeto de la memoria sino como el acceso y el acto en si de recordar, de sentir nostalgia. Esto aplicada a la función artística y personal, una forma de volver al propio pasado.

Juegos Jorge Tellier, Poemas del País de Nunca Jamás (1963)

“Los niños juegan en sillas diminutas, los grandes no tienen nada con qué jugar.

Los grandes dicen a los niños que se debe hablar en voz baja.

Los grandes están de pie junto a la luz ruinosa de la tarde.

Los niños reciben de la noche los cuentos que llegan como un tropel de terneros manchados, mientras los grandes repiten que se debe hablar en voz baja.

Los niños se esconden bajo la escalera de caracol contando sus historias incontables como mazorcas asoleándose en los techos y para los grandes sólo llega el silencio vacío como un muro que ya no recorren sombras.”

1. Fotografía y memoria. Leído del blog: http://fotohistoria-s.blogspot.cl 2. Fontcuberta, Joan. (2010) La cámara de Pandora: la fotografía después de la fotografía, Barcelona, Gustavo Gili.

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Tamara Andrea

El Retorno de la Reina

Nace el año 1992. Luego de estudiar dos años Historia, llega a la fotografía mediante una revelación, enamorándose perdidamente de ella. Conoce varias formas de hacer imágenes fijas, todas muy interesantes, hasta que tiene la oportunidad de realizar un ensayo de índole personal en el Taller de Edición, guiado por la docente y fotógrafa Gabriela Jara. En él decide desarrollar la temática del maltrato sicológico, puesto que ello se conecta con experiencias personales de infancia que desea profundizar, desde el punto de vista de la reflexión visual.

El Retorno de la Reina nace a raíz de una reflexión personal acerca de la violencia ejercida hacia la mujer. Todas las mujeres tenemos la misma experiencia de violencia cuando nuestros cuerpos son objetos de placer y control, pero no todas están conscientes de que esto es una mirada propia del patriarcado.

Esto me llevó a tomar la decisión de realizar collages, cuyo eje principal fuera la imagen de la vagina. Para mí ella representa el núcleo simbólico del cuerpo femenino, sin que esto sea una condicionante, y decidí recrearla en el espacio en que se instalan los poderes fácticos de la sociedad. Intento visualizar por medio del recorte dadaísta, de una forma literal y exagerada, el empoderamiento de “lo otro”, ubicada en éstos espacios de poder masculino. El color acá es un imprescindible, pues siento que se pueden transmitir más fielmente las emociones.

Luego desarrolla otro proyecto en el que aborda, desde otra perspectiva esta misma temática, pero lo concilia con estadios personales actuales, guiado por la docente y fotógrafa Zaida González. De ambas experiencias, surge su interés por realizar un ensayo fotográfico sobre temáticas de género, asociadas al concepto de la corporalidad de la mujer. Es ahí donde cobra vida “El Retorno de la Reina” que se convertirá en su trabajo de Seminario de título.

Actualmente trabaja como fotógrafa estable en el colectivo Asociación musical Remolino, que aglutina a gran parte de la escena musical independiente y autogestora. Junto a ellos fue parte del equipo que registró la novena versión del connotado Festival Woodstaco.

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Luego devuelvo esas imágenes, nacidas del color de mi imaginación, a la calle, a la realidad que compartimos, y permito con ello que coexistan, quitándoles la emocional y dejándolas en la abstracción del blanco y negro.

A título personal, estoy convencida de que no nacimos para dedicarnos a una única disciplina, es por ello que, al mezclar mis fotografías con otras imágenes, estoy haciendo una invitación a atreverse...

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Sección Foto-autor

Yanina Carrasco

Nació en Santiago el 21 de Agosto de 1987. Comenzó a estudiar fotografía con soporte análogo en el Instituto Los Leones y años después terminó su carrera en la Escuela de Imagen y Comunicación Alpes.

Colaboró con Photoconcepto Fotografía publicitaria y realizó clases y talleres de fotografía en colegios diferenciales. El año 2000 expuso su ensayo “Capicúa”.

Actualmente desarrollo su trabajo fotográfico autoral de manera independiente.

al estar permanentemente bombardeándonos con estos mensajes ha generado hábitos de consumo que son socialmente aceptados, pese a ser altamente dañinos para las mismas.

Esta serie investiga desde la perspectiva de la moda, la relación perversa que existe entre los mensajes de la publicidad y el comportamiento de las personas. Y como ciertos productos que se nos presentan como beneficiosos, tienen graves efectos en la salud de las personas.

El mundo de la moda presenta estándares de belleza que también caminan en la cornisa de lo enfermizo con diseñadores que sólo contratan a modelos muy delgadas, casi en la línea de la anorexia y temporadas de ropa que se renuevan en las vitrinas cada dos semanas según la aceptación de las personas a las tendencias, pero con una ropa de muy baja calidad que generalmente tiene un bajo costo para los clientes pero que al mismo tiempo es muy mala y generalmente se ha creado en factorías de trabajo casi esclavo en los que personas son explotadas para mantener los costos bajos y poder hacer posible toda esta cadena.

Esto ha generado tendencias en las industrias de alimento, de moda y de consumo en general que tienen a la obtención del máximo valor por parte del vendedor destruyendo tanto la cadena de valor de sus proveedores, como entregando productos de discutible calidad a sus clientes finales quienes compran estos productos más por satisfacer una necesidad de estatus que por la finalidad o servicio de los mismos.

“Es por esto que me interesa investigar sobre estos conceptos documentando sus procesos e investigando sus efectos, ya que considero que la única forma de ser libre es conocer y hacerse responsable de las decisiones individuales, y mientras estamos dentro de este ciclo, no lo somos. Siendo el fin de este trabajo fotográfico el generar conciencia en las personas, al mediante la representación gráfica de este proceso en las series fotográficas.”

Obsesión

La publicidad por años nos ha mostrado imágenes positivas para reforzar nuestros patrones de consumo sin tomar en cuenta si los productos realmente les aportan valor a las personas o si son saludables. La publicidad

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Lucas Núñez

Nace en Iquique y es estudiante de dos licenciaturas en la Pontificia Universidad Católica de Chile, en Artes Visuales y Estética. Se dedica a la pintura, fotografía y el tejido como medio para dar cuenta sobre la afectividad familiar y la resistencia del cuerpo frente a las emociones y los sentimientos como herramientas políticas que sirven para pensar quiénes somos hoy.

Reseña “Las siguientes fotografías se enmarcan en mi búsqueda visual con respecto a la afectividad familiar, centrándome en la relación materno filial. En ellas se presentan objetos que realizan desplazamientos entre la Joyería contemporánea y el Arte, donde se subvierte el valor monetario del lujo por el esfuerzo humano que implica el uso del yute. Esto para dar cuenta acerca de la resistencia del cuerpo frente a determinados fenómenos afectivos. Las técnicas que se utilizan guardan relación con el tejido, herencia que se vuelve metáfora de la construcción del cuerpo, las relaciones y los fenómenos afectivos.”

http://ljnunezsv.wixsite.com/portafolio

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Sección Cuarto Oscuro

(Fotografía análoga)

Francisca Fuentes “Mi nombre es Francisca Fuentes, nací el 09 de abril de 1996 en Parral, Chile. Me trasladé a vivir a Santiago el año 2014 y actualmente estoy terminando de estudiar Licenciatura en Arte en la Pontificia Universidad Católica de Chile (PUC).

Formo parte del colectivo Luz y pincel, donde se une fotografía, dibujo y texto. Participo también el taller de ilustración “Encuentros y obsesiones” dictado por Alberto Montt y Francisco Javier Olea.

Desde pequeña me ha interesado trabajar con imágenes, desde la fotografía, el dibujo, la pintura o el bordado. Considero fundamental la acción de fotografiar como registro de un momento que genera una sensación especial, por esto, tomo la foto cuando siento la necesidad, porque lo que veo es tan emocionante que mi corazón late con más fuerza por querer conservarlo y volver a revisarlo más adelante. Pienso lo que fotografío como un regalo que me entrega el día a día, situaciones muchas veces fortuitas con las que me cruzo.

Trabajo con la cámara que usaba mi papá, la Canon A1 y eventualmente con la Nikon N4004. Él dejó de hacer fotografías, pero me gusta pensar que puedo continuar con su legado, dándole nuevos usos.

La serie que presento fue realizada en mi región natal, lugar donde nació mi amor por la naturaleza, especialmente por la montaña y sus lugares. Las fotografías se centran en trasmitir sensaciones, hay mucha calma y cierta armonía con el mundo vegetal y el cuerpo humano.”

Flickr: franfues

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Visiones de arte

contemporáneo

Dani García Sarabia

Exhibitions

Fotógrafo profesional residente en Barcelona con más de 15 años de experiencia en el sector publicitario, su trabajo ha sido publicado en diversos medios como revistas, libros, anuncios publicitarios etc. Durante varios años ha trabajado en el mundo de la post producción para las agencias más importantes del país. Lo que le ha aportado a la parte artística de su trabajo una gran base profesional.

2016 “Indómito”, Fotofever 2016, in Carrousel du Louvre, Paris (France) 2016 “Indómito”, Solo exhibition, Fifty Dots Gallery, Barcelona (Spain) 2016 “Cap de Creus”, ArtPhotoBcn, Emerging Photography Festival, Barcelona (Spain) 2016 “Andorra Landscapes”, Solo exhibition, Fifty Dots Gallery, Barcelona (Spain) 2015 “Andorra landscapes”, Fotofever 2015, in Carrousel du Louvre, Paris (France) Represented by Fifty Dots Gallery.

2011 Group exhibition, Anaglifos Art Factory Gallery, Barcelona (Spain) 2010 “Natural Colours” Grupo Hospitalario Quirón hall, Solo exhibition, Barcelona (Spain)

Actualmente hablar de Dani García Sarabia es mostrar a un fotógrafo que busca en el paisaje más puro la esencia más primitiva que nos ofrece el hábitat natural. Las imágenes que capta con su mirada de artista aparecen llenas de contradicciones. Por un lado semejan cuadros dulcemente extraídos de la naturaleza y, por otro, están dotadas de un inmenso dramatismo que es capaz de transportarnos hasta espacios interiores casi ignotos. Bajo sus hábiles dedos la cámara juega de una manera extraordinaria para mostrar diferentes facetas de un mismo paraje a través del juego de la luz y de los matices o, incluso, de la ausencia del color. Y todo ello gracias a los altos contrastes que ofrecen los climas extremos. Es por ello que podemos decir, sin temor a equivocarnos, que las escenas retratadas bajo su particular y especial perspectiva a menudo encierran una sutil ironía o doble sentido que inspiran distintas reflexiones e interpretaciones.

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Mentions Arte a un Click / Clavoardiendo Magazine / El Periodic D´Andorra / Diari D’Andorra / Trend Hunter / Free York / Oldd Stuff Magazine / Iconology / Photoshopeando / Etoday / Art Assorty / PhotoVide / Design you Trust.

Representation Fifty Dots Gallery / Milà i Fontanals, 59 08012 Barcelona (Spain)

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Cartelera Tecer Ojo

Nada Personal. Relato Inconclusos

La fotógrafa Paula Navarro nos muestra las distintas miradas la urbe desde el blanco y negro en la Galería de Arte el Zaguán / Inauguración Sábado 03 de Junio 17:00 Hrs. / Avenida Manuel Rodríguez 572 / San Fernando - Chile.

Desde el 5 de Mayo al 9 de Junio en la Galería de Arte Posada del Corregidor. Esmeralda 749, Santiago Centro. Reúne el trabajo de los artistas Erick Faúndez, Alejandra Saldivia, Javier Pino, Cecilia Coddou y Gabriela Herrera.

Franklin, Tesoro Popular

De papel volantín

Paula Navarro

Guía Patrimonial Barrio Franklin

El cuerpo de imágenes es parte de la “Guía Patrimonial Barrio Franklin. Un mercado popular de Santiago” en la Oficina de Turismo Plaza de Armas. Plaza de Armas s/n / Desde el 2 de Mayo al 3 de Septiembre.

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Exposición colectiva

Hans Scott Cárdenas

Imágenes intensas que narran el nacimiento de los hijos del fotógrafo y el desamor con pareja. Del 18 de Abril al viernes 16 de Junio de 2017 - Galería Alpes Sala 13 / Avda. República 430.

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Odiseas Humanas

Exposición colectiva

Exposición colectiva fotoperiodística cuenta con 50 imágenes de 24 fotógrafos, que narran la realidad de refugiados e inmigrantes en todo el mundo - Espacio Fundación Telefónica Providencia 127, Santiago, Chile.

No te pierdas nuestra Feria-Fiesta el 03 de Junio, Grandes sorpresas y actividades desde las 16:00pm a las 04:00am hrs. en el Club Ovejas Negras - calle Bombero Núñez 365 - Recoleta - No olvides comprar tus entradas - Para mayor información y consultas: revistaimagenario@gmail.com

“True Colors”

Mauricio Duarte

Es la segunda exhibición de la Galería Fotografía Chilena nivel -3 del Centro cultural la Moneda, espacio dedicado exclusivamente a esta disciplina. del 4 de Marzo al 9 Junio, entrada liberada.

Contacto:

www.instagram.com/revistaimagenario/ www.facebook.com/imagenario2014 revistaimagenario@gmail.com

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i Esperamos tus propuestas fotográficas para ser publicadas en próximas ediciones.

Secciones “Reportaje, Ensayo, Foto-Autor y Cuarto Oscuro (Foto-análogo)”, enviar a revistaimagenario@gmail.com

Editor, Arte y diseño | Patricio M. Lueiza