Revista imagenario 015 by imagenario

Revista Imagenario

EDICIÓN Nº7 18/12/2015

i magenario

EDICIÓN Nº15

15/03/2018

Revista Imagenario

Proyecto gestado por el equipo Imagenario Teresa Arana Migliassi Patricio M. Lueiza Carolina Agüero Pablo Baeza Paloma González Constanza S. Gómez Valentina Montenegro

Carta del editor

Revista Imagenario nace principalmente como medio de difusión de fotógrafos emergentes en nuestro país como respuesta a la falta de medios de comunicación especializados. Para los medios masivos, este tema no cubre más del 10% de su totalidad y de preferencia eligen fotógrafos con trayectoria y/o extranjeros, es por esto que nuestra revista no juzga trayectoria ni estudios formales. Nos consideramos una línea editorial pluralista, visionaria y estética. Nuestra misión es ayudar en la difusión de nuevos fotógrafos ya sean estudiantes, profesionales u autodidactas, como también apoyar en la difusión de actividades fotográficas que se realicen en Chile y así generar contenido relevante que pueda interesar a todo tipo de fotógrafos, actuando como punto de convergencia entre diferentes tendencias fotográficas del país. Agradecemos la confianza que hemos recibido y trataremos que Imagenario sea un vehículo de unión para todos nosotros, esperando así contribuir con este espacio al éxito y reconocimiento de verdaderos artistas de la fotografía nacional.

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Índice Huellas Mauricio Toro Goya

3-6

Entrevista Ronny García

7-12

Diálogos y situación “Humanoides” de Silvana Maldonado Autores Imagenario

13-16

Escena fotográfica en Chile Sección Reportaje Susana Villar Rodrigo Palavecino

19-30

Sección Ensayos Victor Pérez Esteban Olivares Nicolás Fuentes

31-54

Sección Foto-autor Esteban Parraguez Matías Poblete

63-67 Cuarto Oscuro Paula Marchesini 67-72 73-74 Cartelera

3-6

7-12

13-16

19-24

25-30

31-38

39-46

47-54

55-58

59-62

63-66

Visiones de arte contemporáneo Francesa Smith

67-72

73-74

Cartelera

55-62

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Mauricio Toro Goya y las resistencias del sincretismo “Vinieron. Ellos tenían la Biblia y nosotros teníamos la tierra. Y nos dijeron: ‘Cierren los ojos y recen’. Y cuando abrimos los ojos, ellos tenían la tierra y nosotros teníamos la Biblia”. Eduardo Galeano

Vivimos inmersos en un eterno diálogo entre el pasado y el presente: no sólo como seres individuales, sino como sociedades, nos es prácticamente imposible comprendernos o situarnos en el presente sin tener conciencia de nuestra procedencia, de nuestro origen, de nuestro pasado inmediato. Existe una conexión y una continuidad con el pasado cuya experiencia y significado fundamentan nuestra identidad y nuestro presente. Esto viene además acompañado de una idea, tan incierta como certera, de algo “siguiente”, de que hay algo después. Asimismo, América Latina -como sus diversas identidades- vive sumergida en las confusas aguas de la modernidad y de la tradición: la conquista, la colonización, los procesos independentistas y desarrollistas, hasta el actual neoliberalismo, han convivido siempre -aunque no pacíficamente- con la larga historia que le precedía: una historia que no se escribía con palabras sino con mitos y ritos. Precisamente los diversos rituales y festividades populares y la carga memorialística que ellos conllevan son uno de los ejes de la propuesta de los ambrotipos de Mauricio Toro Goya, cuyo trabajo no sólo mani-

Huellas fiesta una visión que claramente busca romper con el ideal estético del arte eurocéntrico, sino también una crítica en términos sociales y políticos al proceso de conquista y todo lo que le sucedió. La coexistencia de las tradiciones del continente americano con los influjos culturales traídos e impuestos ‘por la razón o la fuerza’ desde el primer encuentro han sido denominados ‘mestizaje’ o ‘sincretismo’, aludiendo a una mezcla o combinación de los caracteres tradicional y moderno en la sociedad. Pero lo ocurrido no fue una simple fusión de culturas, fue una creación de un universo simbólico completamente nuevo, definido en mitos y expresado en rituales sagrados que preceden al momento del encuentro entre los dos mundos y rigen su vida como colectividad, le dan sentido a la continuidad de su existencia, a su esencia. Lo religioso, lo festivo, lo ritual siguen siendo las expresiones más claras de este sincretismo, cuya complejidad política, religiosa y cultural no puede entenderse jamás desde la relación neutra o imparcial. Al contrario, siempre existe sometimiento, subordinación y las consecuentes resistencias. La llegada de la imagen de la Virgen María marca un punto de inflexión en este sincretismo, puesto que en la Madre lo indígena encuentra lo que la modernidad europea no le entregaba: un fundamento sagrado para su existencia como colectividad. Los conquistadores trajeron a la Virgen María con el firme objetivo de evangelizar y civilizar a los pueblos indígenas que habitaban en continente previo a su llegada, lo que más que una actividad pedagógica fue una empresa de sometimiento y subordinación. Se presenta así

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la imagen de la pura e inmaculada madre que perdona y que acoge para que el indígena encuentre en ella lo que sentía por la Madre Tierra, pero con una finalidad utilitaria clara: engañarle, someterlo y despojarlo. No es arbitraria la piel morena que se observa en las imágenes de la Virgen en algunos lugares de Latinoamérica: negar lo indígena no había dado resultado por las buenas, por lo que se hizo necesario hacer que los indígenas se identificaran con la religión católica, oscureciendo la piel de la Madre de Dios. Esta expresión de la crueldad de la empresa colonizadora se ve manifiesta en el trabajo de vallenarino Mauricio Toro Goya, quien en su obra muestra las contradicciones identitarias de lo mestizo, lo cuál sería la forma en Latinoamérica de ser moderno, distinta a la modernidad clásica, europea e ilustrada, puesto que este modelo que se intentó seguir fracasó. Esta identidad mestiza se identifica con lo barroco, ya que mezcla lo indígena con lo católico. Mauricio Toro Goya va más allá de esta reflexión e inserta esta este escenario como antesala de la historia contemporánea, aludiendo a una perpetuidad del conflicto entre lo que estaba aquí y lo que llegó, complejizando la visión sobre la relación entre tradición y modernidad, pues lo uno no ha reemplazado a lo otro ni lo ha suprimido, sólo lo ha reubicado, redefinido, rearticulando también las diversas resistencias provenientes de las diferentes tensiones internas de la sociedad. Las series ‘Milagreros’, ‘Imagen Divina’, ‘Muerte’ y ‘Gólgota (Caravana de la muerte)’ demuestran

que lejos de superarse, es necesario volver sobre estas tensiones y resistencias para comprender las actuales luchas reivindicativas que se están llevando a cabo en términos identitarios, en términos políticos en el amplio y activo sentido de la palabra, puesto que no sólo remite a la acción formalmente política sino a una puesta en escena cotidiana de la política, yendo al pasado y trayendo de vuelta, por dar un ejemplo concreto, el lugar donde fue crucificado Jesús, Gólgota, el cual significa Calvario y que Mauricio Toro Goya resignifica desde la Caravana de la Muerte y el dolor que sufrieron no sólo los hasta hoy desaparecidos, sino los familiares que siguen en sufrimiento porque ni siquiera pueden recordar a sus muertos en algún lugar, puesto que no hay cuerpos. Sumado a toda la reflexión desde lo estético, político y filosófico, El mismo autor propone un trabajo técnico que también adhiere a la idea de resolver la tensión generada entre la propuesta de arte ligada al capitalismo neoliberal y las alternativas autogestionadas: siempre desde la crítica con el modelo, produce sus propias placas en casa y desarrolla su obra de forma autónoma, cumpliendo de manera consecuente con la idea de reprobación que mantiene con la sociedad neoliberal en general y con el arte inmerso en el modelo en particular. Su obra completa es una invitación a aunar las percepciones, desde la memoria a corto plazo a la memoria a largo plazo, para a través de todos los cuestionamientos que nos permite nuestra posición subalterna en el sistema mundo capitalista, nos adueñemos del pasado y del presente y hagamos una síntesis, todo lo dolorosa que deba ser, todo lo resistente que pueda ser.

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Fotografías de © Mauricio Toro Goya

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Ronny García Publicista & Fotógrafo

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Entrevista Ronny García un joven publicista y fotógrafo colombiano. Reside en Chile hace siete años, en donde ha desarrollado un estilo único y reconocible de fotografía. A sus 28 años está logrando posicionarse rápidamente como un fotógrafo influyente, impartiendo cursos y participando en certámenes. Su propuesta aborda principalmente el retrato con elementos oníricos y autorales.

me gustó la Canon 60D. en ese entonces costaba un millón y tanto, lo que encontré una fortuna. Justo me tocó en ese año viajar a España y aproveché de ver en Ebay donde la misma cámara costaba la mitad y con varias cosas más.

¿Cómo llegó a la fotografía?

Tengo que hacer el mea culpa de ser demasiado tranquilo y muy malo tocando puertas. Creo que es un tema de personalidad, pero me cuesta llegar a personas pidiendo exponer o publicar mi trabajo. Es más, nunca he hecho eso. Quizás he tenido más oportunidades de publicar mi trabajo afuera que acá, pero el año pasado pude exponer parte de lo que hago en el Centro cultural España, aprovechando un taller de la fotógrafa Cristina de Middel y en esa actividad pude exponer de forma colaborativa. Ahora tuve una exposición en solitario en la Academia Fotográfica que cerró el 24 de noviembre pasado. Esas fueron las dos veces que he podido exponer en Santiago y no he tocado más puertas hasta ahora.

Cuando estudié publicidad tuve clases de fotografía análoga y usaba una cámara análoga Olympus con un 200mm y un 50mm. Hice unas cuantas fotos mientras me duraba unos meses la fiebre por el tema, de ahí no agarré la cámara hasta que salimos de la universidad para hacer fotos a unos compañeros que se dedicaban a la fotografía de moda y novias. Pero era siempre de lo mismo, una y otra vez. Desde los 14 años siempre estuve ilustrando, haciendo dibujos y manga, entre otras cosas. Cuando llegué a Chile sentí que eso ya no me llenaba y me estaqué, lo tomaba y dejaba a ratos. Me costaba ser constante con ese tema. Un día entre a internet y vi una foto, que no recuerdo cómo ni porqué llegué a ella, pero encontré que la imagen era genial. Ahí dije, no sabía que esas cosas se hacían, no se me había ocurrido. Después de eso me propuse comprar una cámara. En esa época no tenía ni idea donde comprar una cámara. Visité varias casas de retail, porque no sabía dónde más se podía adquirir ese tipo de equipos y

¿Cómo ha sido la búsqueda de espacios para mostrar tu trabajo en Chile?

¿Cómo nació tu particular forma de hacer retratos, con uso extenso del centrado y espacios? Muchas veces uno no analiza ciertos aspectos cuando hace las cosas y otras sí, pero te comienzas a dar cuenta en retrospectiva que hay elementos

Entrevista por © Pablo Baeza

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comunes. Por ejemplo, el tema del centrado y los espacios fue mucho más cómodo cuando empecé con las fotos y los autorretratos. Con eso comencé a heredar el hecho de centrar las cosas y dar espacios. Además, siento que, cuando estoy componiendo, poner los objetos a un lado no está bien, pero es una cosa mía. Si bien estoy probando con poner a un lado los objetos, me quedo con el centrado. Sobre los espacios busco que se note dónde está el sujeto. Cerrar la imagen de alguna manera me genera cierta tensión. Las reglas están para romperlas. Hay retratos que encuentro bien, pero son desde la nariz hasta la mitad de la frente y los ojos, y ya está. Hacer eso me costaría mucho, quizás con el tiempo pierda el apego a los espacios, pero ahora no. Tienes un trabajo reconocido, buscado por modelos y por redes sociales, ¿A qué atribuyes ese fenómeno? No lo sé, pero yo creo que la gente se interesa porque están los espacios. Aun así, pasa que, si entramos a un medio, haciendo lo mismo que hace el resto, ¿qué te diferencia a ti del resto? ¿Por qué ver tu trabajo y no del otro si al final son lo mismo? De ahí va a que quiera presentar una propuesta diferente aquí en Chile. Claramente no he inventado la rueda, pero si busco hacer algo que se diferencie. Cuando hago talleres le digo a las personas que pueden aprender todo lo que hago y cómo edito las fotos, pero les pregunto qué es lo que los hace característicos y diferentes. Esa identidad se desarrolla experimentando, pero en la escuela te enseñan que esto es de una forma y debes ceñirte por tal o cual, pero para mí pasa por lo que tú sientas, es un tema de sensibilidad más que de técnica.

En su trabajo se ve una presencia marcada de lo natural y aire libre, como elemento, ¿cuál es la intención tras esto? Los estudios fotográficos los encuentro tan vacíos, no me dice mucho ni me inspira hacer absolutamente nada. De trabajar en un estudio tendría que cambiar muchas cosas, lo que sería mucho más trabajo que ir directamente afuera a buscar un lugar para las fotos. La naturaleza es una cosa que es de todos, está a la mano y nadie puede decirte no sobre ese recurso. Es un elemento muy fácil de usar e inspira cuando vas por la calle, sea un arbusto o lo que venga, que al final sus colores interesantes me invitan a crear cosas. Hay una diferencia entre tus autorretratos y los retratos a modelos, desde lo melancólico y obscuro a lo luminoso y vibrante, ¿a qué se debe esa diferencia? Los autorretratos son algo muy personal. En mi vida suelo ser una persona alegre y risueña, pero, como todos, también tenemos momentos de infelicidad. No ando por la calle mostrándome triste, mal genio o despotricando, pero cuando siento esas cosas una forma de exteriorizarlo es a través de la foto. Con las modelos u otras personas reflejo todo lo opuesto. Es decir, un mundo onírico que traigo tras haber ilustrado el comic y el manga, con una estética más feliz que me gustaba mucho y que ahora ya no es tan personal. ¿Qué sugerencia haría a los fotógrafos que recién comienzan? Hacer todas las fotos que puedan y dedicarle el mayor tiempo libre posible. Ser constante y entrar en proyectos, aunque sea a corto plazo. Experimenten y

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equivóquense, porque al equivocarse uno aprende de los errores y cómo no volver a cometerlos. Ante todo, observar y observar, porque si lo haces van a poder replicar cosas. Es bueno tratar de aprender de otros fotógrafos, aprender de ellos y preguntarse el cómo lo hicieron. Desde ahí uno puede comenzar a generar técnicas y experimentar con cosas.

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Fotografías de © Ronny García

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Fotografías de © Ronny García

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Diálogos y situación Autores Imagenario

Escena fotográfica chilena 2014-2017 Foto-Galería Arcos La exposición de Revista Imagenario fue un anhelo que se inició casi con la revista misma. Siendo esta la primera oportunidad de salir del medio digital. El desafío que significó presentar nuestra propuesta en otro soporte nos trajo interrogantes que guiaron todo el proceso curatorial: ¿hay algo en común entre nuestros autores además del dispositivo fotográfico? ¿de qué se habla hoy en la fotografía chilena? ¿qué podemos conocer de nuestra sociedad a partir de la producción fotográfica?. Esta exposición busca dar cuenta de una sola gran respuesta, proponemos que las imágenes hablen por sí mismas e invitar a la audiencia a ser parte de nuestra reflexión, pues pensamos que la fotografía puede incentivar, no sólo la memoria, sino también el pensamiento estético y crítico. La gestación y realización de la exposición estuvo a cargo de parte del equipo, con quienes acordamos ciertos lineamientos, tomando como base aquello que en la publicación llamamos “escena fotográfica chilena”. A partir de esto decidimos como metodología, la clasificación según dos directrices: temáticas y estéticas. La totalidad de fotografía y autores publicados, que aportaron con su creatividad una manera particular de mirar, fue extensa por lo que su codificación resultó una ardua tarea. La revisión de cada número de la revista y el trabajo que significó distinguir obras y aunar criterios, nos arrojó luces, ámbitos comunes de reflexión y narrativas, que permitió -finalmente- la selección de las obras para la exposición y la construcción de un espacio común que

diera algunas respuestas a las preguntas planteadas por el equipo. La intersección de motivos fue sorprendente e interesante. Dentro de la diversidad de temas y formas de abarcarlo distinguimos 4 grandes conceptos: identidad, movimiento, espacios deshabitados y surrealismo. La formulación de cada uno de ellos fue arrojada de observación del material publicado, englobando una, cierta cantidad de fotografías que “cruzaban miradas” con aquella que la secundaba. El resultado final fue satisfactorio, pienso que logramos proponer una visión conjunta de una generación de fotógrafos, quienes establecieron -de una u otra forma- un diálogo en nuestra publicación. Agradecemos a cada uno de las personas que aportaron a este proceso, en especial a los representantes de Fotogalería Arcos quienes abrieron sus puertas a nuestro proyecto y a cada uno de los siguientes fotógrafos/as, quienes con su visión e ideas aportaron de forma y fondo al nuestro. Expositores: Erick Faúndez / Carlos Venegas / Milko Carreño / Ángel Labra / Rita Gajardo / Francisco Farías / Elías Valenzuela / Felipe Retes / Pablo Rojas / Carles Cerulla / Daniela Luksic / Felipe Malhue / René Soto / Juan José Corona / Hans Scott / Raúl Charlín / Bárbara Nicole Ortíz / Carlos Rivera / Fernando Lavoz / Juan Godoy Jara / Catalina Juger / Víctor Pérez Paredes / Tamara Sazo / Matías Poblete / Estefanía Henríquez / Roberto Baeza / Noelia Bravo / Óscar Menares / Camilo Lizama / Nicole Hernández / Claudio Albarrán / Henrietta Soininen / Inti Gajardo / Silvana Maldonado / Laura Nicoletta / Ronny García/ Lucas Núñez / Lalu Campos/ Tamara Kramarenco.

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Escena fotogrรกfica en Chile

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Reportaje Ensayo Foto-autor Cuarto Oscuro

(Fotografía análoga)

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Susana Villar Salas Susana Villar Salas, Fotográfa Sanjavierina (45 años),región del Maule, Egresada de Fotografía Periodistica, Instituto Alpes, Santiago,2005; trabajó en Prensa y Ediciones Especiales Diario “El Centro, 2005 -2008, Talca;Talleres de Fotografías impartidos por el CNCA, desde el 2012 hasta el 2016 con Fernand Melo, Andrea Josch, Leo Simoes,Pepe Guzmán, José Pablo Concha y Taller Creación de Portafolios por Jorge Gronemayer . También desde ya 4 años consecutivos trabajo con la productora REDNEKOE y FNM, en proyectos financiados por el CNCA de la REDCULTURA, cómo fotográfa, productora en “Apreciación de la Música en el Mataquito”, en Julio, 1° Encuentro Internacional de Gestoras Trabajadoras de la Cultura y Artes, en Santiago ;Julio 1° Festival de Cine Infantil “PICHIKECHI” en la región de los ríos; proyecto individual Fotográfico y Audiovisual, “Lo que Callan, las Calles de San Javier de Loncomilla”, ganador de Fondos de Medios de la Secretaría de Gobierno región del Maule, finalizando el año 2017 con la residencia de “Proyecto Sitio” en la ciudad de Longaví. Exposiciones: “Foto Maule” Centro de Extención Universidad Católica, Exposición colectiva con 12 fotográfos de la región por el CNCA,agosto 2013, Talca; “Luz y color”, Portal Maule, Octubre 2013,Talca. Agosto 2014,Taller FotoMaule por Andrea Josh – CNCA 3° Ciclos Nacionales de Fotografías Exposición en Galeria “Casa del Arte”, Talca. “El Último Ramal”, exposición Itinerante por la región, Exposiciones en Municipalidad de Pencahue, Teatro Municipal de

Sección Reportaje San Javier,Centro de Extención de la Universidad de Talca-sede Curicó durante el año 2014. Agosto 2015,Exposición Fotográfica Colectiva “Crónicas Visuales, Reflejos del Malestar”, Galería Casa del Arte, Talca. Enero 2016, Exposición Fotográfica Colectiva “Crónicas Visuales, Reflejos del Malestar”, Galería “CasaPlan”, Festival de las Artes de Valparaíso (FAV 2016). Agosto, en Corporación Cultural de Curicó con la exposición colectiva de “Crónicas Visuales, Reflejos del Malestar”. En Octubre en la Corporación Cultural de Constitución en exposición colectiva con “La Ventana Violeta” (Colectivo de Pintoras Maulinas, invitada como única fotográfa) con “Constitución”, cómo tema. Inauguración Parque Municipal de San Javier, con la exposición “El Último Ramal”, Galería Arte de Zaguán, San Fernando, Marzo; Colectivo “La Ventana Violeta” en la Coorporación Cultural Municipal de San Javier, en Mayo ; Junio “Cielos, Mar y Vuelos”, en la Coorporación Cultural de Constitución; Agosto Colectivo Ventana Violeta, Exposición Colectiva y tema libre, en la Coorporación Cultural Municipal de Constitución; Octubre, “El Último Ramal”, en la Universidad Autonoma de Talca y “Retratos Sitio”, un proyecto de retratos de la comunidad de Longaví. Libros: Lanzamiento Antología del Silencio, Publicación de 12 fotográfos de la región del Maule (2017, Agosto) Premios: Proyecto “El Último Ramal” Fondart 2014, ganador de la Línea Fomento y Difusión y el Mercado de las Artes, exposición fotográfica- itinerante por la región. 2017: (Agosto) Ganadora del Proyecto

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financiado por Fondos de Medios de la Seremía Secretaría de Gobierno,“Lo que Callan, las Calles de…San Javier de Loncomilla”, trabajo fotográfico y audiovisual. Entre Pan y Campo…

Cle, la Renatita, El Cototín, la Canewoman, ,y el gran Facumen y la más pequeña, la Magdabella, ‘no Tata, no... Padre, tienes el cielo ganado hace rato”.

“Nunca había acompañado a mi papá en su trabajo, lleva 30 años realizando este recorrido a diario, se levanta a las 6 am todos los días de la semana. Empiezo este proyecto, que aún está en proceso, debido a que tiene un significado personal y sentimental: retrato a mi padre, un hombre de esfuerzo, quien a los 12 años pierde a su madre, y tuvo un padre ausente, criado con tíos y una profesora que le quería dar la educación y que él tan humildemente dejó la sexta preparatoria, porque no quería seguir molestando y así siguió por la vida tratando de doblarle la mano al destino... Conoció a mi mamá y con un pololeo de 3 meses, se casaron. Tuvieron 3 hijos y 21 años de matrimonio. Rosa, mi madre, y su esposa, muere el mismo día 31 de enero en que se habían casado y con el mismo sacerdote la despidió. Actualmente tiene 70 años… Cuando pienso en mi padre, se me levanta el “Pecho”, no creo conocer a alguien más correcto, hablo de lo correcto a la “antigua”, de lo buen samaritano que es, aunque a veces con mal genio, aunque en eso nos parecemos. Por las noches escucho el Zuzurro de sus rezos que sabe de memoria. Me siento afortunada de tenerlo como padre el tatita, como le dicen el Diego, el Bobo, el

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Rodrigo Palavecino Escobar Rodrigo Palavecino Escobar, 27 años, nacionalidad chilena, nacido en Santiago de Chile. Fotógrafo profesional, carrera la cual fue cursada en el Instituto Profesional Arcos en el año 2000. Sus proyectos principales se basan en sus inquietudes sobre el propio ser, que él, a través de la fotografía intenta resolver. La fotografía documental y la fotografía de calles, es lo que más le apasiona. El poder relacionarse con personas diferentes, de distintos lugares, costumbres, creencias, etc. Actualmente se encuentra fotografiando los diferentes paisajes que ofrece Santiago de Chile. 7 días Esta serie de fotografía fue parte de un recorrido que hice por Perú, con el fin de poder ver un lugares totalmente diferente, al que estás acostumbrado. La serie consta de un momento determinado del viaje, estas fotografías muestran la manera en la cual las personas del lugar se transporta para llegar a su destino, este es uno de los medios el cual se puede realizar el viaje, son aproximadamente 7 días en barco, desde Pucallpa hasta la ciudad de Iquitos, la serie nos muestra un lado más nostálgico y personal de las personas que realizan este viaje.

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Sección Ensayo Victor Pérez Victor Pérez nace en Puerto Octay, Región de los Lagos en 1984. Estudió Psicología en la Universidad de Chile, trabajó 3 años como psicólogo cuando decidió dejarlo y dedicarse por completo a la fotografía que comenzó a practicar de manera autodidacta desde el año 2010. Desde hace 2 años se dedica a desarrollar proyectos personales principalmente enfocados en explorar a través de sus imágenes el paisaje urbano. Actualmente reside en Francia donde compatibiliza su trabajo personal y comercial como fotógrafo de arquitectura. “Titre de Sejour” Llegué a Francia a principios del 2013, sin hablar una palabra de francés y saber cómo sería mi vida lejos de Chile, mi país natal. Me di cuenta de que muchas cosas me parecían difusas, como de una extrañeza general. El viaje que había emprendido conllevaba un cambio doloroso, no sólo por dejar atrás mi vida anterior, mi familia, mis amigos, sino por enfrentarme a la sensación de no pertenecer a ningún lugar, no era ya, verdaderamente, parte de ninguno de los dos lados del Atlántico. Como una forma de darle un cauce a esos pensamientos, tomé una cámara y comencé a registrar mi día a día como residente extranjero. Viajé a Chile después de un año con una idea difusa del

país que había dejado y me encontré con que nada había realmente cambiado. Ya no sentía nada especial ante dicho panorama: ni nostalgia, ni pena, ni extrañeza. La sensación de ese lugar familiar y conocido se había ido, porque yo había cambiado. Fue así como al haber dejado mi país, la patria se convirtió para mí en algo transitorio. Estas fotografías son el proceso de encontrar mi propia pertenencia en un momento de mi vida donde el tránsito es lo único permanente.

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Esteban Olivares Estudiante del Instituto Profesional Arcos, su acercamiento a la fotografía comenzó hace años, en la experimentación de esta, sus intereses se basan en lo irreal de la imagen, tanto como un extracto material (o digital) de la misma realidad, y la manipulación de como es percibida, a través de movimientos y desenfoques intencionados. Se especializo en el área de lo análogo, relacionado al proceso químico de revelado y emulsiones. Nace en la ciudad de Santiago, por lo cual comenzó a interesarse en las conductas de la diversidad de personas que habita la ciudad y como se relacionan a diario con su entorno, a la subjetividad, de sus pensamientos y emociones personales, frente a la realidad en que estamos. Introspección “Nos encontramos en la época de globalización, en la cual predomina el contexto económico mundial, pero no solo este se ve afectado, también sucede con los individuos, en donde los gustos y preferencias ya no solo se limitan a su entorno si no que se expande a lo recibido a través de los medios (imágenes, música, videos, etc.) de todas partes del mundo. Introspección es una mirada personal a lo que sucede en este mundo interno afectado por el externo, en el cual se propone un pensamiento al momento

en el que nos encontramos y lo que sucede con nuestra identidad, donde la facilidad de conexión nos ayuda al conocimiento, pero en donde también nos distraemos con el contacto y pensamiento de lo que nos rodea, a través de movimientos, largas exposiciones y juegos con cristales, se plasma en fotografías esta ambigüedad interior con uno mismo”.

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Nicolás Fuentes Nicolás Fuentes es un fotógrafo chileno residente en la ciudad de Santiago. Se inició en la fotografía el año 2011 a la edad 19 años y desde ese momento se destacó por su espíritu autodidacta, pues gran parte de sus aprendizajes los ha adquirido investigando de manera personal y en pro de sus conocimientos. Sus trabajos actualmente abordan la temática fotografía de autor, lo que se ve desempeñado en diversos retratos, proyectos personales y vídeos. Entrevistas: •Pajarito Nuevo la lleva, Chile – Enero – 2014. •Fotografia 101, Puerto Rico – Febrero – 2015. •Queerio, Alemania – Marzo – 2016. •Pajarito Nuevo la lleva, Chile – Mayo – 2016. •RaroMagazine, Chile – Noviembre – 2016 •El Closet LGBT, Mexico – Diciembre – 2016 Exposiciones: •Universidad de Guadalajara (Colectivo ProvocArte) – Exposición Fotográfica sobre la “Diversidad Sexual” – 3 Fotografías seleccionadas del Proyecto: Su Historia. •Universidad de John Hopkins – Ayuda fotográfica para ensayo espiritual relacionado a Daniel Zamudio y la calidad de Santo en Chile. •Biblioteca de Santiago (Sala de Colecciones Generales) – Exposición Fotográfica sobre proyecto

personal “Proyecto: Su Historia”, una muestra de 19 fotografías con las respectivas historias en cada una. PROYECTO: SU HISTORIA “¿En algún momento has visto fotografías de parejas homosexuales en Chile? ¿Has visto imágenes que permitan ver como ellos se aman? ¿Has reconocido en ellos un entorno no interferido por el carrete, alcohol, sexo y drogas? La homosexualidad en Chile se ha reflejado de una manera negativa durante un prolongado tiempo. Entre el machismo y la desinformación, se ha creado la concepción de que la vida homosexual es sinónimo de promiscuidad, pero no es así. No obstante, el mundo publicitario ha creado campañas que buscan identificar a este sector, sin embargo, jamás se ha llegado a empatizar realmente con ellos. Nunca se ha percibido esa cuota de cotidianidad para sentirse reflejados, de hecho, no se ha visto publicidad que entregue el carácter homosexual. La cotidianidad es un tema, también. Como sabemos, en Chile la homosexualidad siempre ha estado pero se mantenía en secreto, por lo que son pocas las parejas que viven su cotidiano como las heterosexuales; el abrazarse, besarse en el metro o calle, provoca cierta incomodidad que muchas veces se quiere evitar. ¿Pero es necesario?. El amor no busca género, sólo busca el mismo compás para latir”.

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Sección Foto-autor

Esteban Parraguez

Esteban Parraguez Soto, quien actualmente tiene 21 años, comenzó a descubrir la fotografía en su adolescencia a la edad de 16 años siendo el responsable de retratar los paseos familiares. A esa misma edad encontró el mundo de las artes circenses, en donde estaba involucrado practicando malabares, acrobacias y aprovechando de fotografiar a sus amigos. Fue una de estas fotografías la que lo llevó a ganar el primer lugar en el concurso “Un solo clic” realizado por el Instituto Arcos, premio que le permitió obtener su primera cámara réflex. En sus fotos retrata a personas que se han cruzado en su vida, y además ha realizado algunos autorretratos. La mayoría de los lugares que elige para realizar sus fotografías lo han fascinado desde antes, y vuelve para generar en cada captura ciertas sensaciones a través de los colores, entre los que destaca el naranjo, color que da cierta paz visual. Además en cada imagen pareciese que hay una historia en pausa, esto lo logra gracias al conocimiento que tiene sobre el cuerpo y el movimiento.

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Matías Poblete Aravena,

NAPULE

Matías Poblete Aravena, Nació en Santiago de Chile el año 1992, lugar donde vive y trabaja como fotógrafo profesional. Estudió en el Instituto de Arte y comunicación ARCOS en Santiago de Chile con especial enfoque en la fotografía de documento, ensayo y autor. Ha tenido participaciones en FIFV, FOCCO, además de adjudicarse un Fondart Nacional para residencias internacionales. Ha sido seleccionado por la Unión de Reporteros Gráficos y Camarógrafos de Chile para cursar el workshop “fotoperiodismo independiente” con el destacado fotoperiodista Manu brabo, como también becado por el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos para el curso del fotógrafo documentalista Joao Pina, identidad en el cual trabajó como fotógrafo de prensa en su área de comunicaciones. Se dedica en su totalidad a la fotografía documental y de ensayo, donde ha desarrollado distintos trabajos y temáticas, donde con mayor relevancia destaca el proyecto titulado “CORETO” que trata la temática circense en Chile, rescatando el valor de la cultura y tradición que permanece en el país. Trabajo que lo ha llevado a exponer su trabajo en Chile, con mayor relevancia en el Centro Cultural Estación Mapocho y en distintas publicaciones en Argentina y España. En estos momentos se ocupa en trabajar en film formato 35 milímetros, donde ha generado trabajos personales, con mayor relevancia la serie “NAPULE”, un ensayo fotográfico de la ciudad italiana, Napoli. Donde ha sido expuesto en ese mismo país en el año 2017.

Este trabajo hecho en film de 35 milímetros consiste en un ensayo fotográfico de la ciudad de Napoli (Nápoles, Italia). Caracterizada por ser una de las más grandes y pobladas de Italia y del Mediterráneo. En comparación al frio nórdico, el verano en este lugar persiste, donde aún se puede respirar la brisa de los barcos y recibir la luz reflejada de los brillantes adoquines, que en sus mismas grietas hablan de una gran serpiente, que es plateada por este sol refulgente, pero a la vez oscura, dicotomía como las grandes escaleras y desniveles de un mismo pasaje y que son parte de este desmesurado laberinto de la ciudad de Napule (Napoli en napolitano). En horas uno ya puede apreciar la excentricidad Napolitana, en que las calles se aglomeran de autos, motos, personas y sombras, donde observar es como mirar a través de una red de pesca gigante que estuviese envolviendo está urbe, llenas de luces y escondites enmarañados, como los peces atrapados en los botes mercantes al salir del mar. Por esta misma situación, se encuentran distintos mensajes, signos y formas de representación, desde hombres sentados a cada esquina fumando, hasta grandes belenes iluminados en alguna habitación de cualquier hogar. La fotografía no juega un papel en vano, tiene esa búsqueda de retazos, fragmentos donde cada imagen revela detalles diferentes de una ciudad atemporal, gestual, donde el tiempo es Dios y Dios es fútbol. De esta forma conjugan un rompecabezas, basado en las calles lúgubres y trepidantes, de gestos y lugares muertos que exaltan en este recorrido, donde la única forma de volver es retroceder.

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Sección Cuarto Oscuro

(Fotografía análoga)

Paula Marchesini

Nace en Santiago de Chile en 1991, vive en la “Mi nombre es Paula Marchesini, soy de la provincia de Cba, ciudad de Río Cuarto, República Argentina. Desde la infancia estuve interesada en la fotografía y siempre lo he hecho de forma natural, sin darme cuenta, hasta que descubrí que era lo que realmente me gustaba. Me dedico a trabajar con película de 35mm, aunque también he tomado fotos con cámara digital. Tengo pensado seguir trabajando con la fotografía analógica, creo que presta algo de verdad a la imagen que carece la digital. El mayor impulso para mi trabajo es básicamente la vida misma. Niños, naturaleza, animales, y todo tipo de lugares abandonados o ruinas. Creo que estoy tratando de componer un mundo de sueños, mi lugar de ensueño. Mis imágenes son a menudo metafóricas y surrealistas”.

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Visiones de arte

contemporáneo

Francesa Smith SMITH cuestiona al espectador a partir de la multidisciplinariedad, tanto temática como formal. Su obra está profundamente arraigada en su tiempo; su trabajo se caracteriza por generar una reflexión plástica en torno a la identidad y el desorden en relación con el otro desarrollando una poética visual en la que el espectador experimenta la obra dentro de las fronteras de la imaginación y la razón por medio de figuras fantásticas y fantasmagóricas que transforman la subjetividad dentro de una atmósfera difusa que genera una estética de contemplación. No realiza misterios: Su enfoque de lo visible, luminoso y sombrío a la vez, es la imagen incierta de los roles de género; cuestión que ocupa un lugar importante en el desarrollo intelectual de su obra. http://pcg.photo/detail_artist/index/64 Agradecimiento FIFV 2017

Revista Imagenario

Cartelera Ciudananía al Borde

Jaime Morera Falcone

Exposición colectiva

Una exposición del trabajo en la urbe se Santiago que es presentada desde el 03 al 31 de Marzo en la Galería de Arte el Zaguán / Avda. Manuel Rodríguez 752 / San Fernando / Entrada liberada.

La exposición fotográfica colectiva presenta a 12 fotógrafas nacionales con distintos discursos visuales/ Desde el 08 al 18 de Marzo en el Espacio Diana/ Entrada liberada.

QHAPAQ ÑAN EN ATACAMA

Ofrendas Fotográficas

Claudio Pérez

La muestra está abierta al público desde el 21 de Marzo al 13 de Mayo en el Centro Cultural Gabriela Mistral GAM / Edificio B, piso -1, Sala Artes Visuales / metro U. Católica / Entrada liberada.

Mirada de mujer

Contra el Femicidio

Exposición fotográfica colectiva / La muestra actualmente se expone en la Sala Lily Garafulic / Desde 26 de Febrero al 18 de Marzo / Santiago, Chile / Entrada Liberada.

Revista Imagenario

Gertrudis de Moses El cuerpo imaginado

La muestra actualmente se expone en la Galería Bicentenario del Centro Cultural Estación Mapocho desde 26 de Febrero al 18 de Marzo / Santiago, Chile / Entrada Liberada.

Proyecto financiado por FONDART, Convocatoria 2017

Borrador de un cuerpo intervenido Exposición Colectiva

La muestra curada por curada por Ana Casas Broda y Gisela Volá expone a 29 artistas de diferentes países / ArtexArte Fundación Alfonso y Luz Castillo / Lavalleja 1062 (alt. Av. Córdoba 4200).

Contacto: www.imagenario.cl www.instagram.com/revistaimagenario/ www.facebook.com/imagenario2014 revistaimagenario@gmail.com

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Revista Imagenario

i Esperamos tus propuestas fotográficas para ser publicadas en próximas ediciones. Secciones “Reportaje, Ensayo, Foto-Autor y Cuarto Oscuro (Foto-análogo)”, enviar a revistaimagenario@gmail.com

Editor, Arte y diseño | Patricio M. Lueiza