Hirofumi Isoya

磯谷博史

b. 1978 Japan, Lives and works in Tokyo

Interview conducted in Japanese

磯谷博史 -「ステートメント」インタビュー 2019 年 8月23日

1978 年東京都生まれ

インタビューは日本語で行われました

HI: After graduating, I went to graduate school and started working. After that, I went to Goldsmiths, so I was free for 5 years after graduation. I first graduated in 2003, and then graduated from The Department of Advanced Art Expression in 2005.

JH: Could you talk about the beginnings of your art practice. How did you art practice develop from architecture to fine art.

HI: First of all, it’s a story from before I entered Geidai. Then I was a high school student, I started to be interested in design and architecture, as I liked various clothes, music and movies. I’m interested in such things. Among them, the Bauhaus education curriculum is similar to the exam of the Department of Architecture at Keio University, and that is why I became interested in a school called Tokyo University of the Arts. Rather than thinking that it originally shifted from architecture to art, I was interested in modernism and modernist education that originally had the idea of so-called general art, or I thought that it was cool, and so I entered the Department of Architecture. It was said that we were approaching the art in the process of that, like Bauhaus... So there were some parts that did not become a form of building, but as I gradually deepened my concept and ideas, it became a natural and artistic way. It was like that... however there was no place to put my work only in an art context.

JH: Goldsmiths School of Art, London. Could you talk about your experience at Goldsmiths in UK. How did that context change your approach? Who were some of the people you met that had an influence on your perspective?

HI: I was very lucky because I studied architecture at Udai, so I was studying modernism and modern thinking. I thought that it was a little different from the people of the department of fine arts, and I entered the British University of Fine Arts with that trend, so I did my art practice based on the idea of modernism. There wasn’t such a big gap there for me. I think there was probably some people who felt a huge gap when moving from the so-called fine art education in Japan to the British art education.

JH: Wasn’t it really helpful to study architecture?

HI: You could ask… But, rather than having a great impact when I went to the UK, I was able to confirm what I was doing. Of course, I wanted to touch base with the Goldsmiths art school and the education in Europe. There was a feeling, just by going there, various things, this kind of mechanism, such a way 磯谷 博史： 卒業して、大学院に行って、働き始 めました。その後にゴールドスミスに行ったので、 藝大卒業後から５年間空いています。2003 年に卒 業。2005 年に先端芸術表現科。

ホーガン・ジェシー： アートを実践し始め た頃について教えてください。建築から美術 まで、どのように芸術の実践を発展させまし たか。

磯谷 博史： まず藝大に入る前の話になるんだけ ど、高校生の時に、色んな洋服や音楽、映画が好き で、デザインや建築とかに興味を持ち始めて、バウ ハウスとかにも興味が湧いてきました。それでバウ ハウスの教育カリキュラムが、藝大の建築学科の試 験に似ていたので、東京藝術大学という学校に興 味を持ちました。 元々は建築からアートに移行し たという考え方というよりは、もともといわゆる総 合芸術という考え方を持っていたモダニズムの教 育に興味を持ったというか、かっこいいなと思って 建築学科に入って、その中の過程で美術の方に寄 っていった…だから建物という形式にはならなかっ た部分もあるけど、自分のコンセプトやアイデアを だんだんと深めていく中で、割と自然と美術になっ ていきました…あるいは自分の作品を置く場所が 美術にしかなかったという感じ。

ホーガン・ジェシー： ゴールドスミススクー ルオブアート、ロンドン。 英国のゴールドスミ スでの経験について話してください。 この文 脈の中で、磯谷さんのアプローチはどのよう に変わりましたか？ 磯谷さんの見方に影響 を与えたのは、どのような人たちでしたか？

磯谷 博史： 僕がとてもラッキーだったのは、藝 大で建築を勉強したので、一応モダニズム、近代の 考え方を勉強していたこと。それは美術学科の人た ちとちょっと違う部分かなと思っています。その流 れでイギリスの美大に入ったから、モダニズムの考 え方をベースにした自分の美術のプラクティスをや っていった部分があって、そんなに大きなギャップ がなかったんですね。日本のいわゆるファインアー トの教育からイギリスの美術の教育に移行すると、 大きなギャップを感じる人も恐らくいたと思いま す。でも僕の場合、それに関してはベースとなる考 え方があって、建築を勉強していたので割と助かっ たんですね。だからイギリスに行って大きくショック を受けて大きな影響を受けたというより、自分がや っていることを確認できたというか。もちろん、ゴー ルドスミスという学校やヨーロッパでの教育に触れ てみたいという気持ちがあったから、行ってみて、こ ういう仕組みになっているんだとか、こういう考え 方があるんだとか、こういう教育やこういう作品、こ う人がいるんだと色々な確認ができました。その上 でまた日本に帰ってきて、今でもそういう考え方を 続けて仕事をしている。

ホーガン・ジェシー： ロンドンのゴールド スミスでオーストラリア人に会いましたか？

of thinking, such education, and there are also such works and aesthetics. There are people like this and I was able to confirm everything, and after that I came back to Japan and still continue to work like that now.

JH: Did you meet any Australians in London or at Gold Smiths?

HI: Australian? Ah there was an artist called Alex and I met Jesse with his introduction, right? There is such a background.

JH: Yes Alex Lawler, also from SCA! So, after returning to Japan, re-adjusting and reestablishing your practice—from Euro-American Perspectives to a Japanese Context. Could you talk about some of these things?

HI: As for what I’m making, it didn’t change much depending on where I made it. Rather, I felt that I was a little convinced that I would continue to do what I was doing before I went to England, or that I should do it like this. However, as a work environment, of course, it is a different country, culturally different, and contemporary art is probably different, so I still feel changes in those areas.

JH: When you came back to Japan, how long did it take before establishing Statements Gallery? Please tell us about how you started the gallery project. What was your original purpose? What were your motives, philosophy and goals?

HI: I think we started in 2015 or 2016? It was a little vague, but in the first place, it was an art friend’s project only meant to run for two years… an idea he’d thought of. Yes initially, One artist invited the other three members to do the project space for approximately two years. The story of come on let’s do it. One of them was me, thinking about how to do it. The idea was to show it as a program of the ‘royal road’, what we think is the standard of contemporary art. I thought about a program where four people consulted each other and showed them what they found interesting. Statements is a project space, different from commercial galleries or museums, or even more like this ... it would be nice to have such a place in Tokyo where you can make the idea you want to exhibit right away. It was born with the idea of being there in the moment/in the now. An enthusiastic artist came up with an idea to make something like that, and he invited three co-directors, one of whom was me. He talked with four people and discussed what he wanted to show, and made a program. What I’m showing is that we had a program in the form of wanting to show the kind of contemporary art we think is royal in a certain international sense. It was a project that was decided from the beginning, but only for two years. ホーガン・ジェシー： 日本に戻り、欧米の 視点から日本の文脈において実践を再調 整し、再確立することについて教えてくださ い。

磯谷 博史： 作っているものに関しては、作る場 所によってはあまり変わらなかったです。むしろイ ギリスに行く前にやっていたことを再度続ける確信 をちょっと持ったというか。こうやっていても良いん じゃないかっていう気持ちになった。ただ仕事をす る環境としては、もちろん国も文化も違う。現代美 術の在り方も恐らく違うから、そういう部分では変 化は今でも感じている。

ホーガン・ジェシー： 磯谷さんがギャラリ ープロジェクト「 Statements 」を始めた経 緯について教えてください。 当初の目的は どのようなことでしたか？ 動機や哲学、目 標は何でしたか？

磯谷 博史： スタートしたのは2015 、2016 年？ ちょっと曖昧になってしまいましたけど、友人のア ーティストが２年間だけのプロジェクトとして考え たアイデアです。一人のアーティストが、他の３人の メンバーを誘い、２年間プロジェクトスペースをや ってみようという話でした。僕はそのうちの１人で、 考え方としては、僕らが考える王道、スタンダード な現代美術をプログラムとして見せていこうという ものでした。４人で相談して、面白いと思うものをひ とつずつ見せていくプログラムを考えました。 「 Statements 」というスペースはプロジ ェクトスペースで、コマーシャルのギャラリーや美 術館とは違う、オルタナティブというか…考えたア イデアをすぐ展覧会にできるようなスペースが、も っと東京にもあって良いんじゃないかなっていう考 えから生まれたんです。 １人の熱心なアーティスト が、そういうものを作りたいというアイデアを出し て、３人の共同ディレクターを誘いました。そのうち の１人が僕でした。４人で相談して、見せたいもの を議論しながらプログラムを組んでいきました。僕 らが考える現代美術としての王道、ある種のインタ ーナショナルな意味で王道なものをちゃんと見せ るためにプログラムを組んでいました。ただ２年間 限定でやるという、最初からそう決めて始めたプロ ジェクトでした。

ホーガン・ジェシー： プロジェクトで取り 上げた様々なアーティストの名前を教えて 下さい。

磯谷 博史： 例えば、アメリカの実験映像を撮っ ていたポル・シャリッツの作品を借りたり、ドイツで アート活動をしているジェイ・チュンとマエダ・タケ キくん（キュウ・タケキ・マエダ）という二人組を見 せたりしました。それから、僕の友人でもある半田 くんというすごく良いアーティストがいて、彼の展 示を久しぶりにしたいなと思って見せました。そう いうかたちで、僕らの周辺にいる人たちも含めて色

HI: For example, borrowing a work by Paul Sharitz, who was shooting an experimental video of the United States. We were showing a couple of people, Jay Chun and Takeki Maeda, who are doing art in Germany, and my friend, Handa-kun. There is a very good artist, and his program has been around for a long time ... The exhibition was a bit empty before that, so he wanted to do his exhibition, and so many people around us said I want to show you this or that. In particular, it was often a person who hadn’t made many announcements at museums or other places who became the center of the program.

JH: I actually met Yuki Okumura at the Statements. Can you tell us what Okumurasan did at Statements?

HI: Okumura-kun ... Okumura-kun’s exhibition was certainly not a long exhibition, but rather a screen screening program, and a ‘statement’ that was made for his new video work. I think that this is an example of an exhibition or a program that really works well symbolically, and as a place where you can quickly see works that have ideas or are interesting and that you can immediately announce and gather people.

JH: Exhibition & Curation at Mori Art Museum. Roppongi Crossing 2019. Could you talk about this project and working with the curators?

HI: There are many different types of artists, and I think there are many types of curators. There was a curator at Mori Art Museum who is very close to my age, and he studied art in the United States. He is a curator who was aspiring to be a writer and originally aimed to be a painter. So in that sense, it was very easy for me to talk about my concepts, and I felt that my work was properly developed through my work with him.

JH: For your practice was it quite a different experience to be showing on that scale at MAM, with the amount of viewers who experienced your work?

HI: When thinking about an exhibition, the space, etc... What kind of experience stands up in the exhibition space, and what kind of experience can be designed—is always the point. If the space is special, or rather special, the idea will get stronger. It has to become an element that cannot be ignored, and when I did it at the Mori Art Museum, it was a strange space, and the pillars seemed to be like three exhibition rooms stuck together in my space. At least that’s how it seemed to be. When exhibiting in a space that is not a normal white cube, you will always become conscious ホーガン・ジェシー： 実はStatements で、奥村雄樹に会いました。Statements で奥村さんがしたことを教えてください。

磯谷 博史： 奥村くんも…奥村くんの展示は、確 か長い展覧会というよりは、彼の新作の映像作品 のためにStatementsを開放してプログラムを組 みました。ああいうアイデアがあるもの、面白いなと いう作品をすぐに見せられる場所で、すぐに告知し て人を集められる場所として、本当に象徴的に上手 く機能した展示というかプログラムの例だと思いま す。

ホーガン・ジェシー： 森美術館での展示や キュレーションと六本木クロッシング2019 。このプロジェクトと、キュレーターとの協働 について話していただけますか？

磯谷 博史： 色々なタイプのアーティストがたく さんいるのと同じように、キュレーターにも色々な タイプの人がいると思います。森美術館の仕事で 一緒になったキュレーターは、僕と年齢がすごく近 い人で、アメリカでアートを勉強したことがあり、も ともと作家志望だったんです。だからすごく話しや すかったし、彼との仕事を通して自分の作品がちゃ んとディベロップしたと実感しています。

ホーガン・ジェシー： あれだけの鑑賞者の 数の規模で作品を展示するという経験は、 いつもの実践とは異なるものでしたか？

磯谷 博史： 展覧会を計画する上で、展示スペー スという空間でどのような体験を生み出せるか、ど ういう体験を設計できるかは常に考えています。空 間が特殊であれば特殊であるほど、むしろその考え 方が強まるというか、どうしても無視できない要素 になってくる。森美術館のスペースは少し変わって いて、展示室が僕の空間に対して3つくらいくっつ いているような感じで、柱もあった。 そういう普通 のホワイトキューブではないスペースで展示する場 合、特に空間の性質みたいなものが自分の作品に 強く出てくるというか、つまりそれの使い方を必ず 意識します。 逆に言うとホワイトキューブの場合は、空間 の体系を意識していないようにも見えるかもしれな いけど、どれくらいのサイズで、人がどう歩くか、ど ういう順序で目線が動くだろうかっていうのをコン トロールしきれない…だけど何となく、それを振り 付けるようなことはできると思っていて、それが目 立たない形の時もあるけれども、いわゆるディスプ レイみたいに見える展示であっても、インスタレー ションという身体的な経験を無視できない。もちろ んこれは、自分が興味のあることで、それは建築を 勉強していたからかもしれない。経験を設計するこ とを強く考えていますね。

ホーガン・ジェシー： 他のアーティスト、ギ ャラリー、その他のアートワークとの繋がり

that something like the nature of the space will appear strongly in your work, or how it will be used inevitably in the work, other words ... Isn’t it? Conversely, in the case of a White Cube, it may seem that you are not conscious of the system of the space, but after all it is looking at size, perspectives, how people walk through, and in what order. I can’t always control whether it will move people, of course. But I think that I can somehow choreograph it, and sometimes it’s a very inconspicuous form, but it is exhibited normally. Is it an exhibition that looks like a so-called display? After all, it’s an installation or a physical experience that you can’t ignore first of all. Maybe that’s because it was set up. So designing an experience is very strong activity.

JH: Is making connections to other artists, galleries, and other artworks important in your practice? Could you talk about some of these relationships between people and between your artworks and other artworks.

HI: The idea of context… There is of course the point that it is very difficult to do art without studying the context, or it is difficult to make an art work without studying the context. (Cut) Rather than how to make and learn how to act after learning,,, I think it’s about the context, but after studying the context, including its history and thoughts, I think it’s easy to think in the order of what you make. First of all, in my case, there are things that I make or want to present. There is already a context that is linked to it after announcing it. For example, depending on what you are making, there will be another artist who has an interest similar to your work, or is similar. There is an artist who makes art with a different concept, and who knows such a person mainly from his work? Who has been influenced by the artist who thinks he is good, or who is ahead? There is a way of thinking that expands like that in my production. It may be because you are an artist, but it may be possible to create a work without knowing half of what you are doing and what you are thinking about. Right? What I was wondering about became an exhibition space as it was, and the audience came or other artists came there, and there were various readings and I learned various things, and what I learned is there was something that is connected to the background of my work. It’s a kind of cycle where I know it and I understand I can make the next work again.

JH: After this year, which place would you like to go?

HI: I feel like I’m going abroad for work or exhibition projects about once every two months. That’s why I go abroad 6 to 7 times a year to do photography work, art director work, design work and naturally art exhibition work. I can work and move that way. I wonder if that suits me most for now. を作ることは、磯谷さんの実践において重要 ですか？ 人々との関係性や磯谷さんの作品 と他の人の作品の関係について教えてくだ さい。

磯谷 博史： 文脈という考え…文脈を勉強しない と美術をやる上ですごく苦労するし、もちろん美術 作品として成り立たせることは難しいです。でもそ れは、文脈を学んだ上での自分の振る舞い方や作 り方よりは…（カット） 文脈の話だと思うんだけど、歴史も思想も 含めた文脈を勉強した上で、自分がどういう作品を 作るかを考えるというのは、よくある順番です。僕 の場合は、自分が作りたい、または発表したい作品 がまずあります。それを発表した上で、そこに紐づ いてくる文脈というのが既にあるというか。例えば、 自分の作っているもの、自分の作っている作品に似 たような関心を持っているアーティスト、あるいは 同じようなコンセプトで作っているアーティストが いて、自分の作品を中心にしてそういうアーティス トたちを知っていく。僕の制作には、自分が良いな と思う作家が誰に影響を受けていたのか、その先 は誰だろうと広げていく考え方があります。アーテ ィストだからかもしれないけど、自分の動機や考え ていることを完全に理解しないまま作品ができるこ とがあり、展示もそうかもしれないです。自分の抱 えている疑問がそのまま展示空間になり、観客やア ーティストが来て、色んな読み取りがあり、僕自身 が色んなことを教わります。そこで教わったことが、 作品の背景に繋がるものとなっていて、それを自覚 して次の作品を作れるという循環になっています。

ホーガン・ジェシー： 次はどこに行きたい ですか？

磯谷 博史： 今も２カ月に１回くらいは仕事や展 示で海外に行っています。だから１年に６〜７回は 海外に行って、撮影やアートディレクターの仕事も して、かつデザインや美術展示の仕事もして。そん な感じで動けるのが、今の僕に一番合っているか な。

ホーガン・ジェシー： 磯谷さんにとって、ア ーティストとしての生き残る美学とは何です か？

磯谷 博史： 大学院の時に、東京ですごく有名と いうか、コマーシャルギャラリーとして確立してい る所で働き始めたんです。だから学生の時に、現代 美術の状況や、大学を卒業した後に直面すること など色々なリサーチができました。今のうちにこれ をやっておこうとか、仕事をちゃんと持とうとか。ア ーティストとしてのプラクティスだけじゃなくて仕 事を持とうとか、社会の仕組み自体を知った方が良 いんじゃないかとか。そういう色んなことを大学生 の時に経験したことは、結構大きいと思います。同 じ大学院のコースの誰も就職活動はしなかったけ ど、自分はそういうこともやっておこうと…そうじゃ ないと、きっと作品を作り続けられないと直感的に 思っていて。 その場その場で判断や決断してやるこ とは、サバイバルみたいなのかもしれない。留学に ついても、自分で働いたお金を貯めてロンドンの大

HI: When I was in graduate school, that kind of commercial gallery was really famous in Japan or Tokyo. So, when I was a student, there were a lot of things and contingencies about what was the situation ... There were questions… For example; What did you face after graduating from a university of contemporary art? I thought, Let’s do it at home, do the job properly ... what do you mean, get the job done, or else. It may be quite important to experience various things as a college student. Like, whether it is better to have a job than just an artist’s practice or to know the social mechanism itself. None of my graduate courses did job hunting, but I just wanted to do something like that to support myself... Otherwise, I thought intuitively that I couldn’t continue to make works.

In that sense, judging the scene and making decisions may be like survival. As for studying abroad, I saved the money, I worked on and on, I went to a graduate school in London using that money, and I couldn’t have studied abroad without it. While working in my own atelier ... which is a small but secure place where I can do this. I did that too, I had to make it happen. Each one is small, but it is my challenge. Survival is a little exaggerated, but it was the biggest purpose to continue, so I felt I did what I could do for that.

(Translated Text) 学院に行ったから、それがなかったら留学もできな かった。アトリエも、仕事をしながら、小さいけどち ょっと作業ができる場所を確保した。僕の一つ一つ のチャレンジは小さいけれど。サバイバルというの は少し大げさだけど、最大の目的は続けることだっ たので、そのためにやれることをやったという感じ です。