INBOX
Año V - N° 9 / Septiembre 2020
DÉJANOS EN VISTO
EDICIÓN CINE
INBOX Año V - N°9 / Septiembre 2020
DIRECTOR Jhony Carhuallanqui Carhuamaca jhony.by.cc@gmail.com Ciudad Universitaria - UNCP Carretera Central Km. 5 – El Tambo
EDITORIAL La formación profesional tiene el propósito de encaminar a un futuro comunicador a dominar íntegramente sus áreas de trabajo, una de ellas, la de generar contenidos de calidad. El 2020 trajo consigo sucesos inesperados, uno de ellos y el que cambió muchas actividades a las que estábamos acostumbrados es el Estado de Emergencia decretado tras la pandemia del COVID-19. Esta experiencia impuso un gran reto, el de no detener la educación. Como futuros profesionales, nos tocó asumir la adaptación a nuevos medios y canales online con los que hoy en día podemos cumplir con el infaltable proceso de comunicación. El cambio inesperado nos ha dado una lección, que a pesar de las adversidades, el mundo no se detiene y un comunicador, tampoco. La presente edición de Inbox corresponde a la temática de cine y tiene la finalidad de recrear a nuestros lectores, nutrirlos de cultura y someterlos a la ilusión de las historias del séptimo arte. Gabriela Villafranca Artica
EDITOR Jorge Yoel Jaime Valdez IMAGEN PORTADA Y CONTRAPORTADA Ian Allen CONSEJO EDITORIAL Bryan Leiva Gabriela Villafranca Max Rodriguez Liz Chira Andrea Falcón David Palomino EQUIPO INBOX David Palomino - Kevin Martínez Araceli Valdivia - Jenny Ordoñez Liz Chira - Gabriela Villafranca Thalía Castro - Edwars Aguilar Juan Ñahuin - Jhon Porras Max Rodríguez - Bryan Leiva Andrea Falcón - Dánica García Scarleth Paitán - Fiorella Ordoñez Raquel Boza - Keysishey Salazar Fiorella Artica - Alexandra Yauyo Ana Calderón - Jeniffer Otivo Sandro Mayhua - Wilman Bujaico Martha Vargas Robert Nieto - Abigaid Cotrina
HECHO EL DEPÓSITO LEGAL EN LA BIBLIOTECA NACIONAL DEL PERÚ Nro. 2017-00653 ISSN Nro. 2520-3568 © Todos los derechos reservados.Prohibida la reproducción total o parcial por cualquier medio sin la autorización del Director o un miembro del Consejo Editorial. Impreso en ECOLADA - Imprenta Ecológica RUC Nro. 20606012731 Dirección: Jr. Cusco 469. Huancayo – Perú INBOX IX es una publicación de los estudiantes del X semestre de la asignatura de Taller de Prensa II de la facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Nacional del Centro del Perú (UNCP). Es un producto que forma parte de las actividades de Acreditación. Su contenido refiere temas relacionados a los diferentes ámbitos de la comunicación (cine, fotografía, literatura, arte, medios, consumo, publicidad, etc.), los mismos que son redactados en un estilo personal enmarcado en los géneros periodísticas propios de la formación profesional y que pueden ser apreciadas por cualquier persona interesada en la temática abordada.
INVITADO
Huancayo y el cine de sus jóvenes: Un Festival necesario Manuel Eyzaguirre
Making of "Peso Gallo" Miradas introspectivas sobre la vejez y la memoria de lo íntimo. Retratos de personajes urbanos y populares. Denuncia social. Apuntes incisivos sobre el terrorismo. Machismo, corrupción y vicios comunes en la localidad. Algunos de los temas y tópicos de los cortometrajes presentados al I Festival de Cine “Desde Huancayo”, organizado por entidades públicas y privadas, en colaboración con cineastas comprometidos en promover el cine regional Junto a la reflexión acuciosa de los jurados, Diana Castro y Leandro Pinto, dialogamos sobre los proyectos cinematográficos que, de no ser por este evento, jamás hubiéramos visto o compartido. Propuestas creativas, con interesante uso del lenguaje cinematográfico y diversas narrativas. Pero también una reiteración en temas que deben irse combatiendo, como la óptica masculina que muestra a una mujer sumisa y sometida frente al hombre, en tiempos donde la lucha por su igualdad y empoderamiento es cada vez más sólida. Barreras que
deben derrumbarse en futuras filmaciones. Quizá el debate y las discusiones entre los cineastas, junto a maestros universitarios en las carreras de comunicación, sobre la sociedad contemporánea e incluso en los promotores y gestores culturales de la localidad, sea necesaria. El cine permite contar (en narración tradicional), expresar y experimentar (con sensaciones, emociones y sentimientos), dialogar (o denunciar), confrontar (ideas y puntos de vista) y registrar un tiempo determinado. Estos jóvenes cineastas han demostrado que tienen el temple para hacerlo y seguir produciendo, afinando la búsqueda de un estilo y encontrar una manera particular de producir. Hay un cine provocador que grita la necesidad de actividades como “Desde Huancayo”. Sin embargo, es importante fortalecer esas áreas que construyen y profesionalizan el oficio de hacer cine. El Festival puede cimentar e iniciar el dictado de talleres en desarrollo de guiones, dirección
de fotografía y de sonido; así como la dirección de arte, vestuario, maquillaje y el trabajo con actores (ese proceso metódico de saber formar y dirigir a una “persona” para que se convierta en “personaje” –en la no ficción-; y trabajar con aquellos que interpretan un papel, en la ficción). A pesar de esas necesidades, lo que debe prevalecer es entender que el cine es un medio para exteriorizar ese “decir algo con fuerza” de los realizadores huancaínos. Esa identidad local. Ese gusto a ciertas características, costumbres y cultura de la región que solo un cineasta residente en su espacio puede entender y mostrar de una manera única e irrepetible. Un llamado a las DDC y a los municipios del país para replicar esta experiencia, ya sea en la virtualidad o en la presencialidad de una sala alternativa. Siempre en alianza con líderes locales con visión, como el cineasta Hans Matos; y con espacios digitales como Cineaparte y Cinencuentro, baluartes de la difusión del cine nacional desde hace muchos años. Algo más: este Festival demostró que las reservas y el futuro del cine peruano está en las regiones, en aquellos jóvenes que no tienen miedo a crear cine, desde las entrañas y sin presupuesto.
CONOCE A NUESTRO INVITADO
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OPINIÓN
EL ANTIHÉROE QUE LLEVAMOS DENTRO David Palomino y Kevin Martínez
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“Es tan inhumano ser totalmente bueno como totalmente malvado”, escribió Anthony Burges refiriéndose a esa dualidad que poseemos los seres humanos, dualidad que ha sido sobrexplotada por el cine encasillando a sus personajes de la misma forma en dos vertientes sumamente grandes, los del tipo “héroes” que representan las cualidades y virtudes más resaltantes de toda una época, hombres con valores éticos y morales elevados, que quieren salvar al mundo de todo lo que le asecha, su historia es un camino hacia la redención y la gloria, y terminan convirtiéndose finalmente en mitos, leyendas o en casi dioses, personajes sumamente intocables e inalcanzables; también los hay del tipo “antihéroes”, personajes insignificantes sin cualidades excepcionales, con vidas simples, seres llenos de defectos y vicios, imperfectos en toda su magnitud, como lo menciona Capelo: “El antihéroe, se basa en la contradicción; es, por encima de todo, un hombre, con sus defectos y sus virtudes”, son estas características que lo separan del arquetipo del héroe, pero que lo acercan más a la condición de un ser humano. Es aquí donde quiero hacer un énfasis, porque considero que el antihéroe en el cine es un personaje real y objetivo, más cercano a la condición humana, son sus cualidades nada heroi-
David Palomino cas las que lo hacen tan importante y digno de admirar. Existen muy buenas películas que han podido recrear y mostrar esa esencia del antihéroe, películas que merecen ser vistas y analizadas con detenimiento y para muestra, algunas escenas que lo podrán sumergir en el mundo del antihéroe en el cine: En el metro del tren, tres jóvenes molestan a una señorita. El Joker vestido de payaso y desde su impotencia solo observa, su inadaptada personalidad le impide reaccionar, carga consigo una enfermedad que le hace estallar en risas ante situaciones estresantes, un ataque le sobreviene justo en
ese instante… los jóvenes furiosos no comprenden lo que sucede y arremeten contra él, lo tumban al piso y lo comienzan a patear, el guasón ni se defiende, no es la primera vez que algo así le sucede; sin embargo, en esta ocasión explota y saca un revólver que tiene escondido entre sus prendas, regalo de uno de sus compañeros de trabajo para que pueda defenderse, y así lo hace por primera vez, dispara una ráfaga de balas y termina finalmente matando a sus agresores. El Joker recrea una historia simple, un payaso nada heroico lleno de problemas, que tendrá que afrontar la dura realidad que le ha
tocado vivir y así lo hará, aunque para ello tenga que realizar atroces actos. En el lugar más putrefacto y pestilente de Francia, un mercado de pescados, sobre un pequeño puesto lleno de vísceras y sangre nació Jean-Baptiste Grenouille el 17 de julio de 1738, sus otros cuatro hermanos habían nacido en el mismo lugar, muertos. Aquel día al caer la noche sería arrojado al río junto con las vísceras de pescado; sin embargo, un pequeño alarido cambió radicalmente su historia, Jean-Batiste lloró primero suavemente y luego desconsoladamente, la gente alrededor del puesto de pescado se horrorizó al encontrar un bebe entre la sangre y las vísceras, su madre inmediatamente escapó, pero no llegó muy lejos; aquel día fue condenada a muerte. De esta forma tan sangrienta se abre paso Jean Baptiste Grenouille, el personaje principal de El Perfume, quien se aferrará a la vida con todas sus fuerzas, obstinado en la idea de elaborar el mejor perfume de la historia de la humanidad, sin importar los medios para conseguirlo, convirtiéndose así en uno de los antihéroes más famosos de la historia del cine.
a un monstruoso experimento, el cual destierra todo rastro de maldad y violencia en los seres humanos, dejándolo sin otra elección que ser completamente “bueno” e inofensivo. Alex representa a un simple adolescente lleno de contradicción y violencia en su interior, que falla una y otra vez antes de encontrar su propio camino, un personaje brutal, pero tan real, que se convertirá en uno de los antihéroes más recordados alrededor del mundo, motivo por el cual desatará un fenómeno tan violento como su propia historia, llegando a ser una película prohibida en Reino Unido, Estados Unidos, Francia, Australia y España.
todas las latitudes. Estas tres escenas de películas memorables son solo una muestra de ello, porque realmente el antihéroe podríamos ser tú o yo, personas comunes y corrientes con vidas simples, llenos de contradicciones e imperfecciones, pero tan reales en toda magnitud y en ninguna otra parte más que en el cine, podríamos vernos reflejados y retratados tan fielmente. Nuestra esencia es la propia esencia del antihéroe, un personaje que a mi opinión es mucho más real y objetivo.
Como ya se dijo, el antihéroe en el cine está relacionado con la propia condición humana, con el estado más puro, natural y salvaje de los hombres, con la brutalidad de la vida cotidiana que se despliega
Un grupo de furibundos ancianos golpean a un jovencito, aquel mancebo en medio del piso, pateado y escupido no puede defenderse, ha perdido toda capacidad de reacción violenta, ha sido sometido al experimento de Ludovico para borrar todo rastro de maldad y violencia que lo condujo hacia la cárcel; ahora indefenso, sin ninguna capacidad de salir de esta situación se retuerce en el piso y una sensación de vómito (secuela del experimento) se va apoderando de su cuerpo. Alex Delarge de La Naranja Mecánica es aquel jovencito que, por su personalidad violenta y errática, llega hasta la cárcel, sin embargo le conceden su libertad con la única condición de someter
David Palomino
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BIOGRAFÍA
El extraño mundo de Tim Burton Araceli Valdivia y Jenny Ordoñez
Araceli Valdivia
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En un mundo donde reina la oscuridad se levantan los sueños más profundos de un niño inadaptado, él está solo, nadie sabe su nombre, nadie sabe cómo se siente, nadie se preocupa por él, la sociedad lo ha echado a un lado y nunca nadie se habría imaginado que años más tarde se
convertiría en un referente del cine mundial. Su excentricidad y su tacto para la creación de universos espectaculares siguen dejando a millones de personas a la expectativa de un nuevo film a cargo de este genio, bienvenidos al mundo de Timothy William Burton. Nacido en la costa oeste de Estados Unidos y muy cerca de la meca del cine, Hollywood, era de esperarse que Tim Burton tuviera las aspiraciones de convertirse en un gran cineasta y aunque gran parte de su infancia vivió entre las
sombras, esto lo impulsó a reinventar las películas de terror que admiraba, escribiendo historias llenas de misterio y suspenso, un mundo oscuro que empezó a crear inspirado por su pasión a lo extraño, desalineado y siniestro. Burton solo tenía 14 años cuando una compañía local se interesó por sus primeros dibujos, pues ganó una campaña dirigida por ésta; años después, su ímpetu por aprender y desarrollarse en el dibujo hizo que aprovechara una de las grandes oportunidades que se le presentó, pues ganó una beca para el Instituto de las Artes de California. Con el pasar de los años esta compañía lo contrató como dibujante, sorprendentemente ni siquiera existía un puesto que se ajustase específicamente a lo que él podía hacer, sin embargo, fue contratado sobre el argumento de que si ellos no lo hacían, alguien más lo haría. Pero pronto se dio cuenta de que las historias de amor y finales felices no formaban parte de su grisáceo mundo, es por eso que tras años de arduo trabajo pudo al fin concretar su primer cortometraje Vincent, donde llevado por su gran visión y su pensamiento fuera de lo común, adaptó un mundo enigmático, característico de su sello personal, para dar vida a la historia de un niño perturbado que sueña ser Vincent Price. En definitiva, esta obra es un claro reflejo del propio Burton y de la dura infancia que vivió al ser una persona acomplejada que padecía el síndrome de asperger; ese corto hace homenaje a uno de sus ídolos de la infancia, Vincent Price, pues este actor de películas de
terror de bajo presupuesto fue una gran influencia para él. Esta pieza fílmica de apenas 5 minutos de duración, resume en esencia todo lo que Burton busca en cada una de sus obras, sin lugar a dudas toda una joya creativa y aunque no fue la más publicitada por los estudios Disney, fue la más inusual en su momento. Dos años después, Burton sorprendió a sus fans con Frankenweenie, donde nos narra la historia de un niño que comienza a hacer experimentos a fin de devolverle la vida a su perro; inspirada en Frankenstein, esta película es de naturaleza casi autobiográfica, pues Burton se vuelve a inmiscuir dentro de la historia para contar el trauma que vivió al perder su mascota. Sin embargo, ninguno de estos dos proyectos recibió el apoyo suficiente que necesitaban, ya que no iban acorde con el mundo acaramelado de Disney. Definitivamente estas películas plasmaron su propio estilo visual, transmitiendo un concepto único y novedoso, el cual fue poderosamente influenciado por el expresionismo alemán y su amor por lo gótico, lo que le llevó a ser capaz de romper los estándares que dictaba la industria. La peculiaridad de sus obras no solo se centra en su toque estilístico, sino también en el arte narrativo de cada una de estas. Una de sus películas más aplaudidas por la crítica y más aclamada por los fans es El joven manos de tijeras (1990), la cual en muchos sentidos es la obra maestra de Burton, ya que mezcla géneros tan opuestos como lo son la fantasía y el terror, haciendo que encajen perfectamente, sin embargo, este es solo uno de los tantos films que llevan consigo la marca de Tim Burton. Dentro del universo burtoniano, donde la exageración y la exuberancia forman parte de la producción, los elemento audiovisuales siempre ambicionaron ofrecer una visión fuera de lo convencional
Jenny Ordoñez como Batman (1989), El extraño mundo de Jack (1993), El cadáver de la novia (2005), El jinete sin cabeza (1999), entre otras, reflejan su exquisito gusto para trabajar hasta el mínimo detalle en escenografía, vestuario y maquillaje. En definitiva su cine está lleno de elementos góticos cargados de una atmosfera oscura, tanto estéticamente como en contenido, el cual se distingue desde su primera película. El uso de ambientes tétricos, la creación de personajes con personalidad única y la emotividad representada en cada una de sus películas lo convierten en un artista completo.
najes, ha sabido complementar y empatizar no solo con los protagonistas, sino también con los antihéroes a los que explora y nos da a conocer con más profundidad. Gafas opacas, cabello alborotado y sin la más mínima pasión por la moda, forman parte del estilo de este genio, a simple vista alguien oscuro, macabro, excéntrico y rebelde; sin embargo, muchas personas cercanas a él lo catalogan como alguien reservado, tímido y sensible, todo lo contrario a lo que cualquiera pueda imaginar.
Adentrarse en el mundo de Tim Burton es ingresar a una mente donde hasta lo inimaginable puede suceder, con giros radicales en la trama de la historia, hace que lo predecible se vuelva un misterio. Pocos directores de cine han reflejado en su trabajo parte de su personalidad y esto es algo que Burton hace en cada una de sus producciones; mezclando parte de su historia en la vida de sus perso-
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SERIE
Un viaje por The End Of The F***ing World Gabriela Villafranca y Liz Chira
Brooke Ivey Johnson
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Violencia y amor, ¿cuál de las dos emociones es la más importante? Charles Forsman responde que ambas. El creador del cómic The end of the fucking world plasmó la historia de dos adolescentes: James, un joven solitario con pensamientos psicópatas que acaba cayendo en la autolesión con tal de pasar desapercibido cualquier sentimiento; y Alyssa, una chica con una manera muy particular de entender la vida y con problemas para establecer relaciones debido a su falta de modales. Ambos se conocen y tras abandonar sus casas, viven una suerte de aventuras al estilo road-
movie en el que desbordantes emociones cargadas de humor negro hacen que el público dude entre amar u odiar a los personajes, tal y como lo quiere el autor. Channel 4 del Reino Unido, con el guion de Charlie Covell y los directores Jonathan Entwistle y Lucy Tcherniak llevaron la historia a la pantalla con algunos ajustes, como la censura a la palabra fucking en el título, reemplazando caracteres por asteriscos; asimismo, se realizaron ajustes en ciertas escenas. El autor manifiesta: "Es un poco más dulce que mi cómic, pero es alentador ver a tantas personas conectadas con la historia". Mientras que en la serie, James mete la mano en una freidora solo para ver si así sentía algo, el del cómic es mucho más gore: acaba sin dedos luego de introducirlos en una trituradora.
La serie logró posicionarse dentro del ranking top de la plataforma Netflix al ser importada a su catálogo en el 2018. Cientos de críticos en Filmaffinity de España aseguran que se debe a su derroche de encanto indie, la composición fotográfica altamente estética, la construcción de personajes con rasgos psicológicos bien marcados y la banda sonora que acompaña a la perfección cada paso de la serie. Graham Coxon fue el encargado del soundtrack, el cual hace gala de su faceta multi instrumentalista incluyendo temas variados de artistas como Bernadette Carroll y Shuggie Otis. Los discos de ambas temporadas coinciden con el estilo country-folk, a los que se añaden elementos electrónicos, momentos de persecución acelerados, baladas lentas y franjas ambientales que dan realce a las escenas.
En el segundo capítulo de la primera temporada, James y Alyssa, el dúo interpretado por Alex Lawther y Jessica Barden, deciden irrumpir en una casa, en la que bailan con los ojos cerrados al son de Setting the woods on fire de Hank Williams, creando una atmosfera dulce e inesperada debido a los acostumbrados momentos maniacodepresivos violentos y emocionalmente trastornados, logrando una escena bastante alabada por los seriéfilos. Escenas como ésta, han hecho que The end of the f***ing world deje de ser un título desconocido y se abra paso a convertirse en tendencia mainstream a través de redes sociales, donde se refleja este pasaje en videos y memes. Pensando en los amantes de la lectura, Roca Editorial se sumó a esta acogida, publicando la edición española de las aventuras creadas por Forsman en cómics road trip, expandiendo el boom de la serie.
Sviatosl adolescente que había estado distanciada por dos años, solo para vengarse de la muerte de su falso amor, el Dr. Clive Koch.
Uno de los momentos de mayor tensión en la serie es el asesinato al Dr. Clive Koch, un escritor y docente universitario que intenta abusar de Alyssa. A raíz de este acontecimiento los personajes cambian de apariencia, se cortan y tiñen el cabello. También roban un auto, gasolina de un grifo y salen en búsqueda del padre de ella. Dejando todos estos rastros, la policía al mando de dos detectives cuyas personalidades se reflejan en un yin yang de comprensión y castigo, luego de una prolongada persecución, logran capturarlos cuando planeaban huir en un bote.
tensión y riesgo inminente de muerte. Dejando a los seriéfilos, a diferencia de la primera temporada, en calma absoluta.
Los recursos empleados en esta temporada muestran a los personajes más maduros e intentando rehacer sus vidas. Él, intentando pronunciar un “te amo” y ella, casándose con otro hombre. Pese a que el guion ya no es una adaptación del cómic original de Forsman, puesto que no existe una segunda edición escrita, cumple cada uno de los rasgos de personalidad ya conocidos en James y Alyssa. El destino y el riesgo de muerte los vuelve a juntar, iniciando un nuevo road-movie, pero esta vez acompañados de la misteriosa y oculta Bonnie.
En una entrevista para Radio Times, Charlie Covell manifestó: "Creo que tratar de sacar más provecho estaría mal, me gusta dónde lo dejamos", afirmando de este modo el fin de The end of the f***ing world, que para muchos fue la mejor serie en el 2019.
Pese al final abierto que nos dejó la primera temporada y que causó dudas acerca de la sobrevivencia de James, el dramamedia contó con una segunda entrega que consta de ocho capítulos, a la que se añadieron personajes como Bonnie, interpretada por Naomi Ackie, quien emprende una persecución en busca de la pareja
Con grandes planos fotográficos y el acompañamiento musical: “Kiss me each morning, for a million years, hold me each evening by your side, tell me you love me for a million, a million years” de Bettye Swan, se muestra el fin de la segunda temporada, en la que James y Alyssa confiesan su amor, tras enfrentar puntos álgidos de
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DIRECTORES
LOS TRES AMIGOS DEL CINE MEXICANO Thalía Castro y Edwards Aguilar
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Conocidos en Hollywood como “Los tres amigos”, han logrado grandes hazañas trascendiendo internacionalmente en los últimos años, otorgando muchos premios Óscar a su país. Los cineastas mexicanos Guillermo del Toro, Alejandro Gonzáles Iñárritu y Alfonso Cuarón son las tres personalidades que se han convertido en las voces más influyentes del cine contemporáneo. Llevan años de amistad en un mundo competitivo como es el cinematográfico, una amistad consolidada a pesar de que cada uno tiene su propio estilo. Se apoyan, se promocionan entre sí, incluso participan en las películas de uno y otro con la intención de sumar y no de obstaculizar. Guillermo del Toro, de inagotable imaginación y generosidad, ama a las criaturas nacidas de la fantasía. De niño fue marcado por una experiencia extraordinaria: un sueño premonitorio en el que recuerda haber visto a un fauno salir del armario de su abuelo, personaje que lo llevó nominado por primera vez a la alfombra roja del Oscar en 2007 con El laberinto del fauno, largometraje de fantasía contextualizado en la guerra civil española. Sus películas inician siempre con una voz en off, narrando episodios del pasado, pues según Del Toro la única manera de contar el presente requiere saber entender el pasado. Esto, junto a la creación de mundos abstractos y con ayu-
Thalia Castro da de mitos y leyendas crea su propio estilo: el cine fantástico. Guillermo del Toro es uno de los pocos realizadores en la historia del cine que se desempeñó como diseñador de maquillaje y efectos especiales, gracias al conocimiento que obtuvo de Dick Smit, en su gran despliegue en films como: El exorcista y El padrino. En el año 1985, junto a su amigo Rigoberto Mora, fundó Necropia, compañía dedicada a la caracterización de personajes. Del Toro es similar a Hitchcock, porque hace detallados story-
boards que lo ayudan a percibir si su forma de plantear la película funcionará o no. Tiene una libreta de notas visuales que siempre lleva con él, dónde realiza minuciosas anotaciones y bocetos de criaturas que aparecerán en sus films. A partir de esa libreta define la paleta de colores, los efectos especiales y el maquillaje. Si sus storyboards no funcionan, Guillermo detiene la producción para volver hacer nuevos dibujos antes de volver a grabar, ya que prefiere tener todo maquetado antes de arriesgarse a perder el tiempo acumulando material que no sirve.
Guillermo fue recompensado por su esfuerzo con el máximo reconocimiento de la Academia de Hollywood con dos estatuillas del Óscar gracias a su película La forma del agua, que cuenta la historia de amor entre una mujer muda y un humanoide anfibio durante la Guerra Fría de los Estados Unidos. Del Toro conoció a Cuarón en la realización del programa La hora marcada en la década de los 80. Cuarón es inspirado por el director Felipe Cazals a través de su película Canoa (1975). Lo que replica el cineasta de esta película es la temática y la manera de abordar a sus protagonistas, su gusto por darle al contexto el mismo peso visual y narrativo que tienen los personajes, también utiliza los planos secuencia para seguir acciones de los actores y que el espectador tenga cercanía con ellos, utiliza principalmente una paleta de color orientada a los diferentes matices verdes. Alfonso Cuarón dirigió grandes proyectos cinematográficos, entre ellos: Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Hijos del hombre y Gravity, con ésta última ganó el Oscar a mejor director y montaje. Roma, recuerdos personales de la infancia de Cuarón en blanco y negro de la capital mexicana en los
movidos años setenta, le volvió a dar el galardón y no solo a mejor director, sino también a mejor película extranjera y mejor fotografía en el 2019. El cine de Cuarón se centra en pasar con facilidad de la comedia a la tragicomedia y a su vez, al melodrama; introduce al espectador en el mundo de los personajes. Siempre deja espacio a la improvisación actoral y técnica, pues “los accidentes milagrosos” como lo denomina Cuarón, le han permitido encontrar muchas de sus escenas más icónicas por la espontaneidad y naturalidad de esos momentos. Cuarón se inclina por historias donde existen problemas sociales que afecta psicológicamente a sus personajes, sin duda impresiona a grandes audiencias. Alejandro Gonzales Iñárritu se unió a este equipo gracias a su amigo en común, el cinefotógrafo Emmanuel Lubezki. Iñárritu, no posee ningún título universitario, pero conquistó el Festival de Cannes y la Academia de Hollywood, este último como mejor director, película y guión. Tal parece que se hizo director autodidacta de puras experiencias. “El negro”, como lo llaman sus amigos, implementa al cine una cámara omnipotente que registra la rea-
lidad con todas sus emociones y una estructura de juegos cruzados dando lugar a la fijación por lo imprevisto, representa un eje dramático y audiovisual en su producción. Iñárritu se instaló como leyenda con su segundo Oscar después de Birdman, a mejor director con El Renacido, una cruda y brutal historia de supervivencia protagonizada por Leonardo DiCaprio. Este genial representante del cine contemporáneo marca un nuevo hito desde los orígenes del cine mexicano, borra los episodios de comedia para darle ritmo a sus películas con enfoque naturalista y vivencial, propios de su época verde. Su máxima habilidad es pasar horas, días y hasta meses conociendo a sus personajes, exquisito para escoger al equipo técnico y paciente para perfeccionar una toma. “Los tres amigos” del cine tienen el talento de contar historias que arrasan con carteleras alrededor del mundo; no entienden de premios y nominaciones, sino que la magia por producir lo bello para los ojos y que nunca antes fue vista, reflejan la pasión y los años en la búsqueda de la verdad y lo fantástico.
Edwards Aguilar
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OPINIÓN
Adaptar o no adaptar, ese es el dilema Bryan Leiva y Max Rodríguez
Watchmen (2009) Watchmen no es cualquier cómic, es considerada la mejor novela gráfica en años y cambió la narrativa de varios superhéroes populares.
Bryan Leiva
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Todo proyecto artístico es pensado junto con el formato en el que se plasmará, es así que el autor sabe qué palabras usará para describir con otros términos un mundo fantástico y misterioso como el de la Tierra Media (El señor de los anillos), o los bocetos y las formas que predominarán al contar la historia de un grupo de superhéroes (Los vengadores)
Así como saben qué recursos usar, encuentran las limitaciones propias del soporte que eligieron y es a partir de una obra escrita, que, numerosos artistas se inspiran e imaginan lo que posteriormente son las películas en la pantalla grande. Son pocos los que realmente logran aprovechar de forma oportuna los elementos que brinda el formato cinematográfico. En esta ocasión, revisaremos las producciones fílmicas de obras maestras en diferentes medios y cómo éstas, a pesar del esfuerzo, no pudieron dar justicia a la obra original.
En sus páginas no solo se cuenta el arco principal, el asesinato del Comediante, un antiguo superhéroe retirado, pero conocido por ser un sádico y sin piedad, sino también, profundiza en todos los protagonistas, los antiguos colegas de Minutemen que tuvieron que separarse por una ley contra los enmascarados, llevando al lector por un gran número de historias que se entrelazan entre sí y que se desencadenan en un desenlace catastrófico. Para el autor Alan Moore, debía borrar la idea del ”superhéroe más poderoso”, y mostrarlo de forma realista como “un hombre demente que usa disfraz”. El director Zack Snyder, fue quien asumió la tarea de adaptarlo, pues el antecedente de dirigir 300 y lograr un resultado favorable de la crítica, le permitieron ocupar este puesto. A diferencia de 300, Watchmen no es una obra épica, es más un thriller psicológico.
Pese a ello, la adaptación fue por lo espectacular de las batallas y los protagonistas se volvieron personas con habilidades especiales, dejando el realismo atrás. El énfasis a la crudeza de las escenas y no a un momento de reflexión fue un error muy superficial y que puede desagradar a los conocedores del cómic. Pese a esto, la película logra captar el interés del público casual y le invita a leer la obra original para saber un poco más de estos personajes rotos, ya que Alan Moore consigue diseñar personajes interesantes.
año y el lugar, pero en su defecto, no deja al espectador procesar esto en su debido tiempo, con cambios de escenarios tan rápidos que no puedes apreciarlos correctamente. El espectador debe estar muy atento y conocer de antemano la obra original para no perderse en la sobre exposición de datos. Caso contrario con el público que desconoce la obra, si éste pierde el interés en alguna parte, le será difícil retomar el ritmo nuevamente
La película intenta dar este mensaje, pero falla al narrarlo en pasado, ya que solo pudo ser una historia de búsqueda y acción desenfrenada, haciendo que el nuevo espectador quede confundido con los conceptos que se expone. No hay un debido tiempo para explicar muchas de las situaciones y el porqué de éstas. Para un jugador habituado, la película es comprensible, pero para el nuevo espectador, es todo lo contrario.
Es un trabajo excepcional, no cabe la menor duda, pero aún no es la adaptación definitiva. Es necesario conocer su material de origen para apreciarla y eso es algo que una película no se puede permitir.
El director Justin Kurzel, conocido por Macbeth, no pudo desenvolverse correctamente en el argumento ya que, en su visión, el protagonista aprendía que era un asesino por su pasado, cuando en realidad es adoptar un ideal revisando las memorias de sus antepasados progenies.
Los Miserables (2012) Los Miserables no es una adaptación de la obra original, es la adaptación del musical de Broadway, que a su vez, es la adaptación de la obra original de Víctor Hugo. Sabiendo esto, se añadió el canto en el lenguaje cinematográfico para mayor fidelidad. Al ver a los actores no solo interpretar los hechos, sino expresar sus emociones mediante el canto, ayuda al espectador a seguir el ritmo de la obra y entender la historia con facilidad. Añadiendo también la cámara en mano para darle dinamismo a las escenas. Pese a estos recursos, muchos acontecimientos de la obra original se omitieron, como la separación de Jean Valjean con su familia original o el contexto de los acontecimientos en la realidad. La película simplemente hace cortes temporales con un gran título del
Assassin’s Creed (2016)
Para culminar, solo queda exponer los tres elementos que, desde una perspectiva propia, mejorarían las adaptaciones cinematográficas si son tomadas en cuenta: Considerar la amplitud de la obra original, conocer el concepto principal que la engloba y ser un producto independiente. Son estas características las que logran enardecer a multitudes de espectadores, que ignoran las libertades creativas y generan un conflicto entre lo conocido y lo novedoso de una historia.
Influenciado claramente en producciones cinematográficas en el género de epopeya, Assassin´s Creed, siendo ya un pilar en los videojuegos, contaba con muy buenos elementos para llevarla al cine. Su historia narra como un exconvicto revive los recuerdos de su antepasado, un guerrero del clan de los asesinos que vivió cerca de la era de las cruzadas. El asesino con sus vivencias nos demuestra que podemos mejorar con nuestras decisiones en el tiempo, aprende este crecimiento de su antepasado, llegando a aceptar su linaje.
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PERSONAJE
EL CAMINO DE EL JOKER Dánica García y Andrea Falcón
Dánica García
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Desde graduarse como bombero, hasta cambiar drásticamente su alimentación por una manzana al día, son solo algunas de las cosas que el actor de 43 años, Joaquín Rafael Phoenix, está dispuesto a hacer para poder dar vida a los personajes que muy cuidadosamente elije interpretar. Galardonado anteriormente como mejor actor, logró consolidarse en Los Premios BAFTA, Globos de Oro, Sindicato de Actores y Premios de la Crítica Cinematográfica,
también fue nominado tres veces al Oscar como mejor actor y finalmente se ha llevado la consagrada estatuilla en esta categoría. Todo esto tras realizar una de las mejores interpretaciones en su carrera y en el mundo del cine. Lo que para muchos es considerado algo extremo, para Phoenix es un reto que ha demostrado cumplir con la pasión que lo caracteriza, ya que en ocasiones anteriores ha realizado ciertos cambios en su estilo de vida y apariencia para poder interpretar de manera correcta a sus personajes y El Joker no fue la excepción. La interpretación de El Joker no fue precisamente lo que convenció al actor de participar en la película, fue más bien el transtorno del per-
sonaje de Arthur Fleck, un delgado hombre que sufre de incontinencia afectiva o risa patológica. La risa de una persona con este padecimiento es el resultado de pasar por una situación de estrés, además de tener trastornos depresivos, razón por la cual estos ataques de risa expresan todo lo contrario a la felicidad, lo que implicaba que el actor logre una risa que transmita al público tristeza y dolor, condición que creyó imposible de logar. Para esto observó gran cantidad de videos de personas que realmente sufren de este trastorno, practicó intensamente y se la mostró únicamente al director de la pelicula, Todd Phillips, quien aprobó la interpretación y solo entonces se hizo pública ante el resto del equipo.
Estas características psicológicas debían tener un impacto a nivel físico, Phoenix cambió su alimentación por una dieta extrema, controlada y documentada, que constaba de alimentarse sólo con una manzana al día, dato que reafirma su gran compromiso actoral, teniendo en cuenta su estricta dieta vegana. Como resultado perdió 23 kilos en cuatro meses. Esto no era en sí algo nuevo, ya que, para el film de María Magdalena, en su personaje como Jesús, tuvo que someterse a una dieta de 300 calorías por día. Aunque posteriormente, durante el festival de cine de Venecia, el actor reconoció que limitar su alimentación de tal modo para el papel de el joker le hizo tener la sensación de perder el control de sus actos, se estaba viendo afectado psicológicamente. Uno de los momentos cumbre de la película es cuando el personaje desciende por las escaleras de El Bronx, ubicadas en la ciudad de
Nueva York, mientras realiza un característico baile. Se supo que éste fue inspirado en Ray Bolger en The old soft shoe (1957), al que se refirió como extrañamente arrogante y que es una representación del placer del personaje durante el descenso hacia la locura. Son muchos los factores los que hacen que esta producción sea tan bien ejecutada por Joaquín Phoenix, quien ha mencionado en reiteradas oportunidades preferir el cine tradicional y conservador, al cine que implica gran exposición mediática como las películas comunes de superhéroes y villanos. También considerar el trabajo de los guionistas y el director, que nos muestran de forma fascinante un enfoque real del príncipe payaso, creado por una sociedad tan parecida al mundo contemporáneo. Esto explica el hecho de que en esta interpretación de El Joker no se muestra a un villano común al que todos saben que de-
ben temer u odiar, como el joker de Heath Ledger, quién en vida fue uno de los mejores amigos de Phoenix; por el contrario, enfocarse en darle una visión realista al personaje hace que el público llegue en cierto punto a identificarse con diversas situaciones, teniendo así una libre interpretación para cada espectador. Esta dosis de realismo fue resultado de varios libros de asesinos políticos, de personalidades psicópatas que el actor leyó para su interpretación, además de que se propuso en un inicio no encasillar al personaje dentro de una personalidad definida, de modo que ni un psiquiatra que viera la película pudiera identificar el tipo de persona que es El Joker. Un trabajo formidable sabiendo que Joaquín, a pesar de su gran talento y trayectoria, es uno de los actores más tímidos y sencillos que debido a los nervios, sigue padeciendo ataques de ansiedad y nauseas cada vez que entra al estudio de grabación.
Dánica García
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"NO ME SIENTO POR ENCIMA DE NINGUNO DE MIS COMPAÑEROS [DE NOMINACIÓN], COMPARTIMOS UNA MISMA RIQUEZA QUE ES EL AMOR POR EL CINE. NO SÉ DÓNDE ESTARÍA SIN EL CINE" Joaquín Phoenix en su discurso de premiación - Oscar 2020
Andrea Falcón
"¡NO ME RENDÍ! Y COMO PUEDEN VER, ¡NO ESTOY MUERTO! EL DESAFÍO CONTINÚA" Chadwick Boseman en Black Panther
Gage Skidmore
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DIRECTOR
DOUG JONES, MAESTRO PERPETUO DEL DISFRAZ PERFECTO Jhon Porras y Juan Ñahuin
PONLE MÚSICA A TU LECTURA
Las películas o films son un retrato de las constantes imperfecciones de la vida, son reflexiones que transmitimos y que vuelven a nosotros convertidas en imágenes, más aún las de ficción, que tienen un sentido subjetivo más allá de la realidad, pero en el fondo esconden nuestro mayor anhelo o miedo, en ocasiones son un cúmulo de sensaciones que nos envuelven y a veces perpetúan nuestras almas desde el primer momento. Vale la pena nuestra atención en quienes están detrás de aquellos trabajos espléndidos, de horas de maquillaje, inserción de prótesis, de ardua labor y paciencia incansable. Doug Jones es uno de ellos, mimo y contorsionista profesional, gracias al avance de la tecnología y el desarrollo audiovisual, encarnó galardonados personajes que hasta hoy en día hacen volar nuestra imaginación. Un hombre de carne y hueso que personifica y se sumerge en el rol de criaturas fantásticas. Un martes 24 de mayo, poco después del terremoto que azotó Chile en 1960, nació Doug Jones
Jhon Porras en Indianápolis, capital del estado estadounidense de Indiana. El contexto mundial se estremecía debido a la Guerra Fría y se vivía situaciones de provocación bélica entre las facciones compuestas por Estados Unidos y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS). A pesar de lo caótico de aquellos tiempos y de incertidumbre constante, Doug no amilanó ante las circunstancias y siguió a paso firme en su desarrollo profesional. Detrás de esos extravagantes y estrambóticos disfraces, está él, con su incomparable carisma y simpatía, sus cabellos rubios, tez blanca, trepidantes ojos azules y un particular cuello alargado, que lo hacen extrañamente único.
Luego de graduarse en teatro y telecomunicaciones en la Universidad de Ball State en 1982 su vida actoral comenzó en Mac Tonight, una serie de peculiares comerciales de Mc Donald’s. Su esbelta estatura de 1.93 metros, movimientos extraños e inimitable performance fueron las causales para que sea contratado en diferentes series televisivas como Buffy Cazavampiros o también sea considerado en videos musicales de artistas renombrados como Marilyn Manson, Madona y Red Hot Chilli Peppers, allá por los 90. Aquel entonces no era famoso, pero con Abraham Abe Sapien en el estreno de Hellboy, su nombre ganó reputación con la caracterización del hombre pez, un perso-
naje inteligente y de finas manías, amigo del demonio rojo. Aquella experiencia fue el comienzo de una serie de logros importantes. Cabe destacar que en el rodaje de Hellboy, Doug conoció a su gran amigo Guillermo Del Toro, con quien grabaría exitosas películas y entablaría una amistad muy duradera. El laberinto del Fauno se estrenó en 2006, siendo premiada con tres estatuillas doradas de los Premios Oscar, donde Jones interpretó aquel ser mítico, un fauno de orejas puntiagudas, inmensos cuernos arqueados, pesuñas de cabra y figura humanoide; además, interpretó en la misma película al escalofriante y repulsivo hombre pálido que tenía los ojos en la palma de las manos, sin duda un hecho fascinante el que Doug y los monstruos estén intimamente relacionados en la vida actoral. “Tienes que empezar tomando cualquier papel que te ofrezcan. Si es un hombre con Jeans y camiseta, genial. Si es un monstruo con garras, con cuernos raros en su
cabeza y cola, entonces está bien. En ambos casos, tienes que acercarte al personaje y la actuación del mismo modo”, resaltaba Jones para recomendar el estar preparado para desarrollar y sumirse en el papel de cualquier personaje. “Lo que he aprendido como adulto es que no estamos solos. Yo no estaba solo, yo no soy el único niño que una vez se sintió así, todos tenemos inseguridades, todos nos hemos sentido alguna vez como ese monstruo que está en la habitación y no encaja con nadie. Ahora yo soy ese monstruo en el cine, y quiero ser como él”, dijo en una entrevista. Su vida actoral prosiguió con su participación en películas como Los 4 fantásticos donde hace el papel del hombre y villano metálico Silver Surfer y en El Ejercito Dorado en la segunda entrega de Hellboy. El trabajo en el cual tuvo mayores críticas y elogios fue La forma del agua, estrenada en 2017, también producida por Guillermo Del Toro,
esta vez, con su vasto conocimiento, Jones interpretó al hombre pez, un ser mítico amazónico cubierto de escamas que entabla una singular relación utópica de amor con Sally Hawkins, quien hace el papel de Elisa, una muchacha muda. Esta película tuvo 13 nominaciones en los premios Oscar en 2018, de las cuales obtuvo cuatro estatuillas doradas, además ganó dos Globo de Oro y tres BAFTA. El pasar de los años no le ha sido ajeno y sus arrugas lo demuestran, actualmente tiene 60 años de los cuales, 30 ha dedicado al mundo cinematográfico habiendo participado en al menos 25 películas. Además de ser cantautor aficionado, es productor independiente. Él y su esposa Laurie Jones pasan el tiempo y viven en California, de vez en cuando regresan a Indiana para apoyar jóvenes a quienes les guste el mundo del cine, los llama “cachorros” de cariño, porque Doug sabe lo difícil que es abrirse camino en esta industria.
Juan Ñahuín
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OPINIÓN
Un verano sin cine Scarleth Paitán y Fiorella Ordoñez
Lunatinsta
PONLE MÚSICA A TU LECTURA
El 22 de abril del año pasado se estrenaba a nivel mundial Avengers: Endgame, película que se convirtió en la más taquillera de la historia, logrando recaudar 2.798 millones de dólares; entonces la industria del cine no se imaginaba que un año después los estudios tuvieran que retrasar estrenos y parar rodajes de cientos de películas que aspiraban a ser éxitos rentables. Ni el mejor ni más fuerte superhéroe de Marvel pudo ganarle a la pandemia. Un verano sin cine significa para la industria cinematográfica de Hollywood perder la recaudación del 40% de la taquilla de todo el año.
Durante este periodo los estudios lanzan estrenos considerados blockbuster, es decir películas que tendrán gran acogida por el público; para este año Disney y Marvel tenían planeado mostrar a Scarlett Johanson en la pantalla grande como Black Widow y recaudar con su película e interpretación miles de millones de dólares. La pandemia impidió el estreno y lo vienen retrasando conforme al avance del virus. Los efectos de un verano sin salas de cine abierto solo en Estados Unidos son demoledores para todo el sector, por eso ha surgido un dilema para los estudios cinematográficos, ¿jugársela a un incierto panorama en las salas de cine o asumir las pérdidas de este año y mirar con optimismo el 2021? Las opiniones están divididas. Sony ha sido una de las compañías que
decidió renunciar a las “ganancias” de este verano, de manera que películas como Ghostbusters: Afterlif que tenía su estreno programado para el 10 de julio y Morbius para el 31 de julio, se retrasarán casi por un año hasta marzo de 2021. Contrariamente, Warner Bros se ha mostrado optimista y ha decidido apostar por Wonder Woman 1984, que se estrenaría el 5 de junio del 2020, pero se ha retrasado para el 14 de agosto 2020. Warner ha puesto en Gal Gadot, la Mujer Maravilla, sus esperanzas de cerrar el año con algo de rentabilidad. Disney ha decido acomodar todos sus estrenos a la nueva realidad producto de la pandemia, así la tan esperada Black Widow, que pretendía llegar a las salas el 1 de mayo, no podrá ser vista por sus fanáticos hasta el 6 de noviembre del 2020. Otra película que pudo ser candidata a “taquillazo”, es Soul de Pixar, que estaba programada para junio.
Lunatinsta Hollywood necesita salas abiertas y llenas, sino las pérdidas serán millonarias. Para las cadenas más grandes en el Perú como Cinemark y Cineplanet, el regreso a las salas de cine estará condicionado al control y disminución de contagios por el coronavirus. La mayoría solo podrá funcionar con un aforo menor al 50% y adaptándose a nuevos protocolos que en definitiva cambiarían por completo la experiencia del séptimo arte. La apertura de las salas de cine permanece aún lejana, ello ha devastado a los fanáticos que acostumbraban estar presentes en los jueves de estreno, los que esperaban hasta las doce de la noche para ser los primeros en ver sus cintas favoritas y evitar los spoiler. Los devotos del cine, no extrañan solo las películas, extrañan la experiencia única que te ofrece ver una cinta en una pantalla gigante. Hollywood ha buscado otras formas de salvar sus estrenos. El coronavirus ha logrado que las plataformas de contenidos audiovisuales, que eran el enemigo de la industria tradicional del cine, sean ahora sus aliados para no perder al 100% este año. Pero ¿El
streaming podrá reemplazar a las salas de cine? Los grandes estudios han empezado a moverse para pasar directamente por streaming algunos grandes estrenos previstos para los próximos meses en las salas mundiales. Como un claro ejemplo se encuentra la película animada Onward de Pixar y Disney, que se estrenó en los cines de Estados Unidos una semana antes de que el covid-19 se apoderase de Italia, España y llamara a las puertas de América. Una semana después, la recaudación del filme cayó en más del 70% y se convirtió en la película menos vista de la historia de Pixar, pese a tener una excelente historia. La solución inmediata que han tomado la mayoría de las productoras, es traspasar sus películas de las salas vacías a formar parte del catálogo de la plataforma de streaming. Pero, los fanáticos deben acostumbrase ahora a los sillones de sus casas y olvidarse de las butacas.
acelera y de pronto adquiere una velocidad sorprendente Pero estamos seguros que ningún amante de las salidas al cine se conformará con ver estrenos en sus televisores o celulares, el streaming es una salida para no perder el trabajo de los estudios cinematográficos por completo, pero definitivamente no podrá reemplazar la experiencia que te ofrece una sala de cine. Para algunos el remplazo más cercano es volver a los autocinema, que ya se vienen alistando en los grandes mall de Lima, pero la idea no alienta a los que no tienen un vehículo propio. Definitivamente el coronavirus no solo cambiará por completo nuestros hábitos de limpieza y cuidado, sino también la forma de entretenernos. Ahora parece muy lejana la frase de “vamos al cine”.
Todo indica que uno de los efectos secundarios del covid-19 va significar un cambio sustancial en la industria del cine. La transformación iniciada con la irrupción de Netflix y las demás plataformas se
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DIRECTOR
Parasite, el regalo por los cien años del cine coreano Raquel Boza y Keysishey Salazar
Keysishey Salazar
PONLE MÚSICA A TU LECTURA
Nadie le tenía confianza, a lo mucho su film podía recibir el premio a mejor película en lengua extranjera. El año pasado, el nombre de Bong Joon ho ocasionó una revuelta entre la gente de Hollywood y todos los entendidos en cine. La primera vez que llegué a ver una de las obras de Bong Joon ho fue increíble. Ver la película y entender la trama mientras leía los subtítulos me resultó algo afanoso, pero gratificante.
Quizá no pude entender toda la temática, pero lo que sí me quedó claro es que Bong quería mostrar qué pasaría si un día cualquiera, en el lugar más concurrido de donde vives, apareciera un monstruo y acechara a todos tus seres queridos, plasmando esta interrogante en The Host, donde vemos la irresponsabilidad de los avances científicos, claro que, con un poco de imaginación, pero no fuera de la realidad. Quizá sean sus estudios en sociología y las referencias de directores como Henri Georges Clouzot y David Fisher, que llevan a Bong a demostrar con toda franqueza la realidad de la sociedad coreana, con matices de sátira, humor negro y drama social, características que hacen más “digeribles” sus tramas y que el pú-
blico se identifique con los protagonistas, pues Bong sabe cómo exponer esos problemas sociales como ninguno. En su primer largometraje Barking dogs never bite, el cineasta surcoreano narra la historia de una sociedad donde los perros son mejor atendidos que las personas, iniciando así su debut como director. Memories of murder narra la realidad del sistema policial coreano de ese entonces, juzgando la modalidad con la que se lograba adquirir información de los sospechosos a través de una comedia de humor negro muy bien personificada por el actor Song Kang ho, retratando la inmoralidad e ineficiencia policial.
Memories of murder es un thriller que logró gran aceptación, abrió paso a su director en el mundo de la cinematografía y con ello contribuyó al desarrollo del cine coreano que por aquel entonces empezó a apostar más por la producción nacional, dejando en segundo plano al cine americano o hollywoodense. A la par que sus largometrajes lograban el reconcimiento de su nombre en grandes festivales europeos y asiáticos, también recibió premios en categorías destacadas como el mejor guion en Asian Film Awardscon el largometraje Mother, una historia donde Bong juega con el color de la sangre y la música para impactar al público. Al igual que en The Host, la historia de ficción toma como punto de referencia uno de los lugares más emblemáticos de Corea, el río Han y con ello catapultándose como unos de los mejores directores de cine junto a los grandes como Lee Chan dong, Park Chan wook y Kim Ki deok, quienes también exponen la realidad coreana en cada uno de sus largometrajes. Pero, Bong Joon ho se diferencia de ellos por cómo desarrolla la narrativa de las historias de cada uno de sus films, la creatividad, el suspenso y el constante cambio que se va creando en sus historias, hace que uno como espectador no pueda
predecir qué pasará en la siguiente escena y con ello nos engancha en el desarrollo de toda la trama. Es así como en Parasite, un largometraje que refleja claramente las diferencias de clases sociales que tiene muy marcada Corea, y que para representarlo Bong usa símbolos como el olor que la familia Kim emite, el cual es repudiado por el señor y la señora Park, quienes refieren al olor del transporte del metro de Seúl, uno de los aspectos que remarcan las diferencias entre ricos y pobres que se vive en todas las sociedades. Parasite no es la típica historia de amo y esclavo, pues aquí los personajes son más osados y tratan de escalar engañando a un amo dócil. Okja es otra de sus obras por la que Bong Joon ho destaca en festivales de renombre como Cannes. En esta nueva apuesta, el director surcoreano habla del problema de las grandes transnacionales y los alimentos transgénicos, con una hora cincuenta y cinco minutos Bong nos muestra las dos caras del consumidor. Por un lado, aquellos que rechazan comer alimentos transgénicos y por el otro, aquellos compradores compulsivos del llamado producto “orgánico", una mentira que las transnacionales aceptan, pero tie-
nen que mentir porque el público lo ama, además que decir la verdad implica pérdidas económicas. Okja nos cuenta la historia de una cerdita (en realidad no se llega a distinguir que animal es) que es creada en los laboratorios de una empresa de alimentos, que para hacerla pasar como la mejor carne del mundo se finge una competencia por cuidar al mejor cerdo. Mi Ja, la niña que cuida de Okja, hará lo posible para rescatarla con ayuda de un grupo ecologista. Okja hará que por un momento no quieras comer carne. Así es el cine de Bong Joon ho, rebosa de todo tipo de convencionalismo, no es una historia lineal, sabe cómo exponer, expresa la realidad político social que pueda vivir cualquier colectivo y aunque tal vez puede tratar temas demasiado comunes, lo hace desde un punto de vista diferente. Que Parasite llegara a ganar el galardón a mejor película y llevarse cuatro estatuillas en la edición 92 de los premios Oscar no es coincidencia ni suerte, pues esto ya se veía venir. Desde hace tiempo sus obras causan buena crítica en el amplio mundo de la cinematografía, con el paso del tiempo se ganó un lugar en la crítica especializada en festivales y circuitos cinéfilos. Bong Joon ho sedujo la crítica exigente y con Parasite logró que el mundo se fije en el cine que ofrece Corea del Sur, un cine de calidad, nivel y de taquilla; dejando en un segundo plano la barrera del idioma y dando pase al disfrute de un largometraje subtitulado. Parasite, un gran regalo por los cien años del cine coreano.
Keysishey Salazar
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OPINIÓN
EL CINE SIGUE SIENDO BLANCO Fiorella Artica y Alexandra Yauyo
Alexandra Yauyo
PONLE MÚSICA A TU LECTURA
Hablar de racismo sería utópico si nos basáramos en que las razas humanas no existen y que solo hay una que está representada por el hombre; sin embargo, es la ideología que por años existe. El racismo es despreciar a una persona por su color de piel, sus rasgos faciales, sus costumbres o tradiciones por considerarlas inferiores. ¿Acaso el cine es una excepción? Claro que no, porque el cine aún sigue siendo blanco cuando recurre a actores caucásicos para interpretar a personajes árabes, japoneses o afroamericanos; también hay ra-
cismo al otorgarles actuaciones cortas e insignificantes o con estereotipos. En el cine, el realizador de casi todas las historias que amamos, muestra personajes en los que soñamos convertirnos con estereotipos de belleza a los que estamos acostumbrados y los que sentimos irónicamente familiares, aunque sean tan distintos a la realidad que conocemos; sin embargo hay arte en la diversidad de colores y rasgos, pero la industria cinematográfica, ni nosotros sabemos reconocerlo. Durante muchos años, la belleza del séptimo arte no se ha podido ver a plenitud, actos de racismo contra actores y actrices han manchado de blanco la gran pantalla. Recordemos El nacimiento de una nación (1915), película en la que David W. Griffith, uno de los pioneros de Hollywood, recurrió a
actores blancos para interpretar a los esclavos negros; ellos fueron representados como seres ociosos e ignorantes, delincuentes y sucios. Para esa época, esto no era un hecho extraño en el espectáculo, puesto que en el mundo musical los cantantes blancos se recubrían el rostro con betún para simular ser negros, a éstos se les denominaba Minstrel Shows, que era una parodia de los estereotipos raciales, donde músicos blancos, con sus rostros pintados de negro, representaban cómicamente el canto y baile de los esclavos. Así, en las primeras películas se adoptó el maquillaje teatral conocido como blackface que parodiaba a los afroamericanos. Otra película que fue considerada como una de las cintas más racistas de la historia debido a que enaltece a los miembros del Ku Klux Klan es El cantante de jazz (1927), donde se
prefirieron caracterizar a blancos antes que incluir a afroamericanos en su elenco. Aún en el siglo XXI, el racismo sigue existiendo en la producción cinematográfica, pocas películas son protagonizadas por personas negras y si logran obtener un papel suelen ser: esclavos, criminales, pandilleros, prostitutas, drogadictos, personas violentas, pobres, sirvientes, policías corruptos o mayormente interpretando papeles secundarios de corta duración. Cuando se dejó de usar el blackface, y se incluyó en las películas a actores negros, se creyó que el racismo iba a desaparecer por lo menos en el cine, pero no, ya que los papeles que se les daba se reducían a ser criados y pobres, interpretados como insulsos, torpes y sumisos. Tampoco se les permitía acudir al estreno de la película donde participaban, es el caso de Hattie McDaniel, una actriz negra y lesbiana que ganó el Oscar a Mejor Actriz de Reparto por su papel de la sirvienta Mammy en Lo que el viento se llevó (1939), tampoco se le permitió sentarse en la misma mesa que sus compañeros de reparto al momento de recibir el galardón.
gente es el dinero, que mueve al mundo y nos hace menospreciar e incluso rechazar lo correcto. Grandes films con legítimos protagonistas negros, árabes, asiáticos, judíos, entre otros, se han visto con la necesidad de poner en pantalla caras conocidas para representarlos, todo por vender más. Algunos ejemplos son: Aloha, que tiene como personaje a Allison, una joven de origen hawaiano y chino, personificada por la ganadora del Oscar, Emma Stone, actriz con raíces europeas, razón por la cual se presume que se adaptó el guion cambiando los rasgos del personaje original y basándose en los de la actriz, como era de esperarse por la fama de Stone, la cinta fue un éxito; The prince of Persia, con el personaje del príncipe “persa” Dastan de Alamut, interpretado por Jake Gyllenhaal, actor que tiene raíces rusas, inglesas, suecas y letonas; tal vez un ejemplo más familiar para todos nosotros es el de Batman, film en el cuál el talen-
toso Liam Neeson nos da otra actuación genial interpretando a Ra’s Al Ghul, líder de la Liga de las sombras y mentor de Bruce Wayne, figura que en los cómics es nativo de algún lugar de Arabia, en contraste a la naturaleza del personaje, el actor es nacido en Irlanda pero nacionalizado inglés. Como estos casos hay un gran número de cintas, cuyos directores optaron por actores famosos sin importar la esencia de sus películas y personajes. Si bien, en la actualidad el tema del racismo es mucho más cuestionado y son más las personas que están en contra de él, sobre todo en la industria del cine que es tan pública; aún tenemos el legado de películas de épocas pasadas donde se aprecia, sin duda, la genialidad de la pantalla grande, pero también actos de racismo y discriminación mostrando una de sus peores caras.
En el cine, los negros no son los únicos en sufrir racismo, los asiáticos y los árabes son otros grupos raciales más en la lista. En la película Desayuno con diamantes (1961), el actor Mickey Rooney nos muestra una interpretación del japonés Mr. Yunioshi como irrespetuoso, torpe y fastidioso, convirtiendo su actuación en un estereotipo cómico de los orientales. En el caso de los árabes, desde antes han sido retratados como terroristas o fanáticos religiosos, así se ve en la película Navy Seals, comando especial (1990). Diversos factores alimentan el racismo en la industria del cine. Uno de ellos y tal vez el más vi-
Fiorella Artica
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PERSONAJE
EL CAMALEÓNICO JOHNNY DEEP Jeniffer Otivo y Ana Calderón
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“No puedo decir que mi niñez fue perfecta, si hacía algo mal, me golpeaban, sino, también”, dijo en una entrevista el reconocido actor Johnny Depp, nacido en un hogar lleno de vicios, tensión y ofensas. Con el poco dinero que había su progenitor se embriagaba, debido a esto y al divorcio de sus padres, llegó a ser un mal estudiante en sus años de instituto, del cual fue expulsado, pues era bastante rebelde; a los 12 años empezó a fumar y a sus 14 ya había consumido toda clase de sustancias estupefacientes. A pesar de esa difícil etapa, su madre se dio cuenta de que a él le apasionaba mucho la música, motivo por el cual le regaló su primera guitarra a los 16 años y fue así como poco a poco quiso convertirse en una estrella de rock. The Flame, su primera banda de garaje de punk rock, lo ayudó a encontrar el amor a los 20 años en Lori Anne Allison, la hermana del bajista y cantante de su banda; una maquilladora de Hollywood con quien se casó en 1983, sin imaginar que llegaría a ser uno de los actores más icónicos de Hollywood gracias a ella, que lo ayudó a dar paso a su carrera en el cine, presentándole al ya conocido actor Nicolas Cage, quien lo convenció para que asistiera a
Jeniffer Otivo un casting con el papel de Glen Lantz en la película Pesadilla en Elm Street con la cual debutó en la pantalla grande en 1984. Johnny se había enamorado de la actuación y empezó a buscar personajes interesantes para él, encontrando la oportunidad en la película El joven manos de tijeras, dirigida por Tim Burton en 1990, la cual le dio su primer protagónico.
El carismático actor es conocido por la diversidad de sus personajes como en: Charlie y la fábrica de chocolates, como Willy Wonka; Piratas del Caribe, como Jack Sparrow; Alicia en el país de las maravillas, como el sombrerero; Érase una vez en México, como Sheldon Jeffrey Sands un agente de la CIA; Animales fantásticos: los crímenes de Grindelwald, como Gellert Grindelwald. También de-
mostró su camaleónica personalidad al participar en cintas de animación como La novia cadáver, donde dio la voz a Víctor Van Dort, el protagonista de la cinta; Sherlock Gnomes, dando vida al detective Sherlock y al conseguir el papel protagónico en Rango, donde prestó su voz para el icónico camaleón. Aunque el excéntrico intérprete realizó numerosas y reconocidas películas, nunca ganó un Oscar a pesar de estar nominado tres veces, hecho que es sorprendente ya que al ser un actor muy destacado y demostrar su talento en cada película, donde muestra algo diferente en cada una de ellas, nunca logró alzar la tan ansiada estatuilla. Muchos críticos piensan que Deep es el mejor actor de Hollywood, por eso, saber que nunca ganó un premio de la academia es decepcionante para miles de sus fanáticos. A pesar de ello, el actor manifestó que no le gustaría ganar una de esas cosas nunca ya que no quiere tener que hablar en colosal evento. "La idea de ganar significa que estás compi-
tiendo con alguien, y yo no compito con nadie. Yo sólo me centro en mi trabajo y hago lo que tengo que hacer. A veces a la gente no le gusta, pero no pasa nada", añadió el actor en una declaración a la British Broadcasting Corporation (BBC). Con estas afirmaciones, Johnny nos demuestra que más que recibir algún reconocimiento, lo que realmente le interesa es su trabajo y poner el empeño de siempre en cada película en la que participe. Todos sabemos que Johnny Deep ha representado a sus personajes de una manera muy particular, a cada uno de ellos le pone la misma perseverancia y le da un toque especial, no es el típico actor que suele encajar en un mismo rol. "Cuando uno representa un papel aporta algo de sí mismo al personaje. Si no es así no está actuando, está mintiendo", es una de las tantas frases que el actor menciona acerca de su carrera. A Johnny Deep no solo se le reconoce por ser un actor muy destacado, sino también porque refleja
la bondad que posee en labores sociales en las que él mismo participa. La recuperación de Lily Deep, hija que tuvo con la cantante y actriz francesa Vanessa Paradis, tras ser hospitalizada por una grave enfermedad renal, instó al actor a donar dos millones de dólares al hospital como agradecimiento. Desde ese momento el actor empezó a ir a hospitales infantiles caracterizado de su más reconocido personaje, Jack Sparrow, llevando alegría y entusiasmo. La manera que nos hace vibrar con cada uno de sus personajes, la forma en la que los interpreta, la enorme bondad que posee, la personalidad innata y la humildad que demuestra, hacen que Deep sea considerado uno de nuestros actores favoritos. La capacidad de representar cada papel y que lo haga con la misma energía de siempre, hace que los espectadores sientan entusiasmo al saber que cada vez nos impresionará con un nuevo personaje.
BC Children's Hospital
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NACIONAL
¡ASU MARE! UNA PELÍCULA APTA PARA TODOS Sandro Mayhua y Wilman Bujaico
Sandro Mayhua
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En abril de 2013 se estrenaba en todas las salas de cine del Perú la película nacional que tenía como protagonista al actor Carlos Alcántara, más conocido como “Cachín”. ¡Asu mare! fue vista y disfrutada por más de tres millones de espectadores, rompiendo todas las expectativas, hasta las de los más optimistas. Con esas cifras se convertía en la primera producción cinematográfica nacional en “romper” la taquilla, superando a grandes producciones de Hollywood como La Era de Hielo 4, Crepúsculo y Transformers.
¿Cómo lo hicieron? ¿Cuál fue el motivo de su éxito? Todo comenzó cinco años atrás cuando ¡Asu mare! era presentado como un unipersonal en distintas ciudades del país, fue desde entonces que el público empezó a tenerle cariño a lo que posteriormente sería su proyección en el cine. A esto, se suman los seguidores que el actor fue incrementando a lo largo de su trayectoria, participando en programas y series de televisión de gran aceptación por la teleaudiencia como Pataclaun y La gran sangre. “¡Asu mare! Es una película con humor tan peruano que es difícil que un público extranjero lo entienda”. A pesar de no tener buenos comentarios de los críticos y de los “exquisitos” fans del cine
culto, quienes la calificaron como mediocre y hasta nociva, no pueden negar que en el país fue tan o más exitosa que el estreno de Rápidos y furiosos o Avengers, que “rompieron” el mercado cinematográfico mundial. Gustavo Faverón, escritor y crítico literario, en una de sus críticas titulada Y a ti quién te consume, segunda parte, afirma que ¡Asu mare! es una producción “populachera y malhecha”, creada a partir de focus group y estudios de mercado, dándole a los peruanos, una vez más, lo que les gusta. Pero, ¿por qué estos calificativos tan vehementes? Quizá sea por el dicho: “Perú y un desprecio por lo que es”, lo que se traduce en el descrédito de algo por el simple hecho de ser peruano. No pode-
mos decir que la película del director Ricardo Maldonado es una obra de arte, pero tampoco podemos decir que es una “mierda”, puesto que eso es algo subjetivo.
que diferencia un producto artistico, que busca una finalidad estética y apasionamiento de un producto comercial con un único interés: llenarse los bolsillos con dinero.
Muchas veces he escuchado hablar a algunos profesores sobre el espacio escénico, la música, la fotografía, la arquitectura del escenario y todo el trabajo artístico que conlleva la producción de películas como las dirigidas por Alfred Hitchcock, Martin Scorsese, Christopher Nolan, etc; pero esta valoración la pueden hacer solo aquellas personas que han “entrenado” sus ojos para este arte y quienes no conocen estos términos saben que no es una condición que los excluya de una sala de cine, para estas personas ver la película ¡Asu mare! puede significar una experiencia tan cotidiana como un momento agradable después de un día estresante.
¡Asu mare! no cumple con los matices artísticos que muchos reclaman y muy pocos entienden y disfrutan. Sin embargo, como producto comercial es inevitable no reconocer su éxito que, además, lo llevó a la realización de una segunda y tercera entrega con excelentes resultados. No podemos menospreciar una producción solo por considerarla “popular”, quienes apoyan esta postura son aquellos que están acostumbrados a las obras de arte de corrientes europeas, por ejemplo, el Expresionismo Alemán, Neorrealismo Italiano, cine moderno, etc. Pero, ¿qué hay del peruano de a pie que solo quiere entretenerse?
Esto demuestra que el mercado peruano se está expandiendo, de a pocos, pero lo está haciendo. No se puede hacer uso del hermetismo e imponer la idea de realizar cine solo para los “cultos”, para aquellos que entienden y reconocen el trabajo esforzado de una producción cinematográfica y que, quienes no lo entiendan, “que se jodan”. Esta forma de ver y entender lo artístico, negando las diversas formas de pensar y sentir va quedando relegado, esta película lo ha demostrado. El cine peruano también es “más de lo mismo” con sus temas populares, problemáticas sociales y costumbrismo que con el tiempo se han vuelto muy convencionales, por lo que no se puede tildar de error o pecado el gusto colectivo del público peruano. Muchos críticos hacen comparaciones absurdas con el cine estadounidense y emiten opiniones sobre cómo debería ser el cine peruano, pero no lo hacen considerando la línea
Las gatitas de porcel y Cantinflas, respectivamente. Ambos países lograron construir el gusto de la población por el cine nacional, en su lenguaje. Por el momento tengo la idea de que ¡Asu mare! ha expandido el mercado de la producción nacional. Quizá, finalmente, la verdadera razón del éxito sea la historia de superación que narra: el protagonista luego de haber pasado muchas peripecias y avasallado diferentes obstáculos, logra alcanzar el éxito. Tal vez sea la historia que quisiéramos tener todos y, por ende, es con lo que la mayoría nos identificamos. ¡Asu mare! Causa ya pe´ no hagamos rapiña.
Ciertamente, ¡Asu mare! es una película hecha para facturar y que no tiene pretensiones artísticas. Pero recordemos que tanto el cine argentino como el mexicano se forjaron de la misma manera con
Sandro Mayhua
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DIRECTORA
CLAUDIA LLOSA, “MENTE PRODIGIOSA” Martha Vargas
José Haro
PONLE MÚSICA A TU LECTURA
La más notable peruana en el mundo del cine, aquella de los cabellos largos con risos desordenados, de ojos celestes con profunda mirada, posee una mente prodigiosa que ha llevado con sus producciones a la mención de nuestro país en varios certámenes. La creadora de Madeinusa y La teta asustada es limeña y sobrina del nobel Mario Vargas Llosa y es que los integrantes de ésta reconocida familia no tienen acción sin premiación. Claudia Llosa Bueno, nace el quinto día del onceavo mes de 1976, hija de la artista plástica, Patricia Bueno y del ingeniero Alejandro Llosa.
Estudió en la Universidad de Lima, es licenciada en dirección de cine, continuó sus estudios en España. La risueña Claudia empezó escribiendo guiones, esto la ayudó a forjase en su profesión. Aunque no le fue fácil, porque muchos de sus maestros rechazaban sus guiones, haciéndole sentir que no era buena, pero a pesar de eso, fue constante. Su madre, apoyando su vocación, incluyó uno de sus guiones al Festival de la Habana, donde ganó el primer lugar con un oscilante premio de quince mil dólares, con los que financió su primera producción: Madeinusa. La película se rodó el 2006 en Canrey Chico de Recuay en el departamento de Ancash, donde narra las tradiciones de Semana Santa de este pueblo religioso. Para la realización Llosa buscó el apoyo de varios productores, pero al no ser famosa, no le prestaron
atención y tras mencionar que dicho proyecto se realizaría en Perú tampoco les interesaba; así llegó hasta el cineasta y productor José María Morales, quien finalmente aceptó asumir la producción general. Madeinusa, tuvo como protagonista a Magaly Solier, una joven natural de Ayacucho, que sorprendió a Llosa por sus rasgos externos, fuerza interna y su fragilidad, conquistándola con su talento. La productora la conoció cuando buscaba en las iglesias a un Cristo articulado, cuando de pronto se quedó viendo en las afueras de la iglesia a una joven que vendía puchero, que calzaba con los rasgos del personaje que ella estaba necesitando. Otro éxito de Llosa fue el largometraje de género dramático La teta asustada, la cual fue realizada el 2009 y aborda el problema de
los abusos hacia la mujer en la época de violencia política. Esta obra cinematográfica narra la historia de Fausta, una mujer que padece de la teta asustada, un extraño síndrome que transmite el miedo de mujeres que fueron violentadas durante el embarazo a sus hijos a través de la leche materna. Por ello, esta película es catalogada como realista mágica, porque coge una historia y la transforma en un relato que permite al espectador determinar su propia verdad. Esta forma de hacer cine la convirtió en ganadora del premio a mejor película en el festival de cine de Berlín en Alemania y le permitió la nominación a mejor película en idioma extranjero en los premios Oscar del año 2010 en Estados Unidos, logrando así ser la primera película peruana en ser nominada a un premio de la academia Esta forma de hacer cine demuestra su capacidad creativa para jugar con elementos y componer los encuadres en su mente, imaginando cómo se verán a través de la pantalla. El migrar hacia el extranjero por razones de estudio no le hizo dejar de lado el mundo que conocía poco y de allí surgieron más ideas en mostrar todo un universo oculto y su amor a los Andes peruanos. Desarrolló
un lenguaje audiovisual cargado de misticismo que cautivó a muchos espectadores que pertenecen al público “hambriento” más de lo extranjero que lo nacional. Como ella misma lo dice: "Mi Perú es muy complejo”. Esta curiosidad le permitió conocer, tener cercanía y observar como era el Perú profundo. Claudia Llosa se había tomado bastante tiempo en desarrollar la sensibilidad que quiere mostrar de la cultura andina. Sus historias nacen con ideas de juntar la herida y la fantasía; como nadie se atrevió a mostrar relatos con misticismo causó un estallido, para muchos a manera de sorpresa, pues apostó por cosas nuevas, resultando premiada y admirada por usar su talento. En 2014, su película No llores, vuela, narra una historia conmovedora entre una madre y su hijo cuando viajan a buscar respuestas, como siempre apelando al sentimiento. Llosa busca realmente que el espectador quede conectado por los misterios mostrados en el transcurso del relato; en esta obra cinematográfica se juega con la música y los montajes que son el otro cincuenta por ciento de la realización de una película. Usando recursos psicológicos familiares y apelando a situaciones cotidianas que muestra en su pro-
ducción, Llosa se propone alcanzar que el espectador se sienta identificado con los actores, y lo logra con mucha habilidad. Una vez más, la mente prodigiosa fusiló la cobardía de muchos que olvidan apostar a los grandes retos. Asimismo, realizó cortometrajes importantes como El niño pepita, que narra una historia de contexto mediático y Loxoro que muestra límites entre los géneros existentes. Llosa tiene ojos curiosos, dispuestos a husmear por donde vaya para observar aquello a lo que todos le perdieron el interés. Si bien, para los ojos de las personas lo nuevo ya no existe porque todo se conoce, para ella lo nuevo sí existe, porque siempre hay algo que muestra las aristas que le permiten tener originalidad, por ello propone cosas nuevas entre fantasías y realidades que nos envuelven en un universo ajeno y nuevo a la vez. Así pues, trabaja su mente prodigiosa.
Martha Vargas
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TRILOGÍAS
NO HAY TERCERA SIN SEGUNDA Robert Nieto y Abigaid Cotrina
Robert Nieto
PONLE MÚSICA A TU LECTURA
Las trilogías, aquellas magnificas películas que vienen en grupo de tres y que terminan cautivando y atrapando a miles de espectadores. ¿Quién no quedó marcado con alguna de ellas? Pues el ingenio de los directores y productores para saber cuándo finalizar una historia, la maestría de la música que acompaña a cada escena o quizás su visión acerca de un futuro con todos sus inventos, hacen que estas vivan a pesar de los años. Por los 70 y 80, los cines se consumieron por la fiebre futurista que dejó divertidas y muy variadas escenas, llenándonos de incertidumbre. “Un momento, Doc. ¿Qué ocurre en el futuro? ¿Nos volvemos idiotas o algo así?", fue la famosa frase de Marty Mcfly, que
inició una de las más recordadas trilogías de todos los tiempos: Volver al futuro. Esta serie de películas, sin duda, nos lleva a una interrogante, ¿cómo podemos estar presentes en tres momentos totalmente diferentes de la historia? El director Robert Zemeckis, nos muestra esta idea descabellada con Marty Mcfly y Doc Brown, quienes viven varias aventuras por los años 1885, 1960 y 1980 en Estados Unidos, pero lo que llama la atención es la perspectiva que los protagonistas tienen por el año 2015. Es así como nuestros personajes principales se suben en el fantástico DeLorean y llegan al 21 de octubre del 2015, donde el tránsito ya no es un problema gracias a los autos voladores, además los niños de movilizan en patinetas flotantes llamadas hoverboards, la ropa se ajusta sola y se seca automáticamente, realidad que, para ese entonces, los sitúa en un lejano 2015 y que aún en el 2020 no vemos; pero los televisores con video llamada repre-
sentados en esas escenas futuristas, hoy se pueden hacer a través de las computadoras; la televisión holográfica con la famosa escena del tiburón se asemeja la televisión en 3D de estos tiempos. Ciertamente, la ciencia ficción ha dado frutos de ser una inspiración para el desarrollo tecnológico, pero lo que no veremos en un largo tiempo, es un DeLorean que nos permita viajar al futuro. Cuando uno termina de ver El Señor de los Anillos descubre un vacío interior, pues la historia que se cuenta, llena de conflictos, aventuras, batallas y los asombrosos recursos visuales, hacen de ésta la mejor trilogía de todos los tiempos. Un aspecto central que quizá no es evidente es la música: banda sonora, repleta de motivos y melodías que se incrustan en nuestra mente, que para nuestra cultura musical son exóticos y extraños. La banda sonora compuesta por Howard Shore expande el arco emocional de cada escena. Los más de 90 temas y diferentes motivos compuestos por el saxofonista marcaron la
esencia de cada raza, personaje, lugar y acción. Shore trabajó el más mínimo detalle en cada tema, por ejemplo, en La comunidad del anillo, cada nota musical representa a un miembro del grupo, la tierna melodía de los hobbits se convierte en algo lúgubre al enfocar a Gollum. Pero no solo hay transformación de temas, sino que también existe unión entre éstos, un ejemplo es la escena de Aragón al momento de luchar contra Uruk Hai, una especie de orco, protegiendo a Frodo y a los suyos, es ahí donde se unen de forma magistral los temas musicales presentes en la escena. Todo esto fue reconocido al ganar tres premios Oscar, dos a mejor banda sonora (canción original con In The West). Aunque el aro fue destruido, siempre recordaremos a La comunidad del anillo, lucharemos por destruir Las dos torres y agradeceremos El retorno del rey. “Batman no tiene limitaciones”, una frase que Bruce Wayne siempre resaltó en la trilogía y los cineastas la marcaron como la mejor expresión de todas las versiones que existió del héroe. Después de que los críticos calificaron a Batman y Robin como la peor película, la vuelta al escenario cinematográfico del personaje era lejano, aun así, Warner Bross se arriesgó y convocó al joven director Christopher Nolan, quien llegó a abarrotar los cines con la nueva versión de El caballero oscuro.
Muchos recordamos escenas estupendas de las películas, pero pocos conmemoran las frases de nuestros actores que nos marcan y llenan de vigor; es así como la trilogía de El caballero oscuro, Batman está cargado de frases que tienen un sentir particular para el protagonista, que enmarcan su vida: “Si consigues ser algo más que un hombre, si te entregas a un ideal, si nadie puede detenerte… Te conviertes en algo muy diferente. En una leyenda, señor Wayne”, le dice Ducard en Batman begins. Le preguntan “¿Por qué un murciélago, señor Wayne?” y responde, “Porque me dan miedo... Mis enemigos, compartirán mi miedo”, Bruce nos exhibe sus emociones, sus fracasos, sus logros y nos demuestra que un héroe también tiene debilidades. “Porque tenemos que perseguirlo, porque él puede resistirlo, porque él no es un héroe… Es un guardián silencioso, un protector vigilante, un caballero oscuro”, mencionó
Jim Gordon, el policía que fue pieza clave para apoyar al hombre quien más tarde se entregaría como culpable de toda una misión que se fue al fracaso; esta frase es recordada por todos los cineastas como la más convincente que pudo pronunciar el detective después de una escena penosa.
Sin duda las trilogías marcaron a muchos fanáticos a lo largo del tiempo. Gracias por sumergirte en este viaje al futuro, acompañados del poder del anillo para salvar Ciudad Gótica.
Abigaid Cotrina
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INVITADO
(No) Tengo una historia para contar Hans Matos
Manking of "Peso Gallo"
Después de haber terminado mi primera película y exhibirla, me encontré sin poder dormir. Me preguntaba si la historia en la que tanto tiempo había trabajado era lo único que tenía para contar y no podría encontrar un tema, imagen o personaje que me moviera de igual manera. Dando vueltas en ideas que se desvanecían, me di cuenta que no podía imaginar otra historia y eso era lo único en que pensaba. Quise volver tras mis pasos hasta el inicio del camino de la primera película, pero en mi mente resonaba la crítica que había tenido después del estreno, no había sido como la esperaba y al ser una experiencia en la que yo mismo podía verme reflejado en las palabras o acciones de los personajes, me sentía bastante expuesto frente a la mirada de los espectadores, sentí de manera intensa que veían mi ser a través de la película. Intenté pensar en lo que sentía, pero analizar lo que estaba pasan-
do era una manera de admitir una derrota, sólo quería encontrar algo que describiera lo que sentía para superarlo. Tenía dolor muscular, jaqueca, cansancio y la sensación de haber perdido una oportunidad. Sin forzarla, una metáfora se formó claramente en mi mente, me imaginé como un boxeador golpeado que había perdido su primera pelea. Un segundo después dije para mí: “voy a contar la historia de un boxeador”, ya podía dormir. Para empezar definí que quería contar la historia sobre un boxeador joven, saliendo de la adolescencia para tener como base los recuerdos de esa etapa en mi vida. Me dije que no es cuestión de ver un par de películas sobre box para escribir un guion lleno de lugares comunes, intentaría ser sincero con las emociones del personaje, pero cubriéndome para no ser reconocido. Entonces, con esta idea la historia comenzó a formarse en mi mente por algunos meses, imaginaba al
protagonista y los personajes con los que él se desarrollaba, comencé a escribir siguiendo el instinto primordial de la historia, empecé a buscarle un sentido a mis recuerdos para plasmarlos de manera interesante. Sentí algo muy especial mientras escribía, una ilusión que me permitía afrontar nuevamente una experiencia tan fuerte como lo es hacer una película, pero pronto todo se vino abajo. Un amigo del colegio, con el que pasé muchos de los recuerdos de los que aprovechaba para escribir esta historia, me contactó para conversar sobre la primera película. Me interesaba escuchar su opinión, sea esta favorable o no. Después de unas cervezas la conversación iba por buen rumbo, cuando ya casi por concluir, me preguntó si había decidido por hacer otra película, mi respuesta fue afirmativa y en medio del recelo tuve la suficiente confianza para revelarle que quería contar la historia de un boxeador.
Mi amigo se emocionó por mi respuesta, me contó que de niño veía un programa donde transmitían peleas de box, en el mismo horario que yo veía películas, hasta ese momento la conversación no podía mejorar, pero él siendo muy honesto me contó que tenía una idea para una historia de box: trataba sobre un joven boxeador que vivía con su abuela enferma y tenía que pelear en un campeonato clandestino para pagar su tratamiento. Mi mente entumecida por la cerveza se despertó, lo vi sorprendido porque no podía creer que nuestras historias eran similares. No pude pronunciar una palabra después de eso y nos despedimos. Caminé por la calle para saber si había perdido mi tiempo, pensé que valía la pena contar una historia sobre box, pero necesitaba cambiar el proceso de escritura entre las dos películas si quería obtener un resultado dife-
rente, me analicé y acepté que no sabía nada de box. Aceptar eso fue el primer paso del camino, me motivaba aprender sobre el box, era un mundo que tenía motivos y códigos que yo había aprendido mal. Me acerqué a un entrenador del IPD que tiene verdadera vocación por el boxeo para que me cuente su historia y lo hizo confiando en mí, luego de un período de incredulidad al mencionar que quería hacer una película. Con él pude entender que la historia que quería contar estaba clara en mí, pero necesitaba un esfuerzo más de sinceridad como nunca había hecho. Ya sabía que el público iba a poder verme a través de la película, entonces no tenía por qué huir de eso, el personaje iba a ser un reflejo de la incertidumbre que sentí en la edad de mi vida cuando todo era borroso, no tenía un futu-
ro claro y cada oportunidad que aparecía me cerraba otros caminos, decidí ser sincero con lo que yo había sentido. Escribí de manera dolorosamente honesta una historia en la que se podía identificar mi vida como adolescente junto con la del entrenador como boxeador, titulada “Peso Gallo”.
CONOCE EL TRABAJO DE NUESTRO INVITADO
Making of "Peso Gallo"
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FACULTAD DE CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN