INBOX VIII

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Año IV - N° 8 / Diciembre 2019

DÉJANOS EN VISTO

EDICIÓN MÚSICA

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Nuevos Aires

8 INBOX Año IV - N° 8 / Diciembre 2019

DIRECTOR

Jhony Carhuallanqui Carhuamaca jhony.by.cc.@gmail.com Ciudad Universitaria - UNCP Carretera Central Km. 5 - El Tambo

EDITOR

Jorge Yoel Jaime Valdez

CONSEJO EDITORIAL

Kevin Jesús Sotomayor Marcos Rosaly Guadalupe Jurado Condor Alexis Jeffory Condor Huachos Claudia Sofia Zerpa Herrera Ronald Jaime Boza Jurado

Hace poco se ha publicado la última edición de lo que inició como un reto para los estudiantes que cursan el último ciclo de las Ciencias de la Comunicación de la UNCP. Quienes en su sueño de tener una vitrina para dar a conocer algunas investigaciones, han dado paso a que dicha iniciativa, de aquel año 2016, forme parte de la cultura académica y abarque temas que poco se conocía de nuestra riqueza cultural e intelectual.

Siendo ésta una tradición que nos tocó materializar, emprendimos nuestra aventura con esmero, responsabilidad y compromiso. Tanto así que nos hemos dado la libertad de poder presentar una edición renovada, fresca, pero con mucho trabajo detrás de esos escritos e imágenes.

Así es, Inbox se reinventa, englobando una sola temática, la música, con el deseo de cautivar con un nuevo estilo de diseño, esmerándonos como nuestros antecesores colegas, forjando el mismo espíritu para darte lo mejor.

Consejo Editorial

Contenido ) 12>Illapu 27>Gorillaz Ñ

DIAGRAMACIÓN

Alexis Jeffory Condor Huachos

ILUSTRACIÓN

Kevin Jesús Sotomayor Marcos

EQUIPO INBOX

Gabriela Aldave Yoselin Alfaro Yerson Armas Celia Ayala Mirella Bonilla Ronald Boza Sara Canchari Christian Chimpay Darling Chipana Alexis Condor Kevin Crisóstomo Julio Dávila Deyanira Gálvez Marco García Allison Infante Rocío Iparraguirre Rosaly Jurado Maycol Pumacahua Keydi Paucar Stephany Quispe Luis Sinchez Merly Yachachín Kely Villantoy Kevin Sotomayor Claudia Zerpa

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10>Masicuna 22>Atake Wanca 24>The Wacken Open F*k Air 25>Agustirock, inicio de un grito social 23>Música favorita de los grandes dictadores 28>Rasgos de personalidad en la música 29>Temperamento de la música 26>Libertad sin expresión 11>A un paso del más allá 14>Versión, quechua 13>Artistas eternos 08>El beat andino

= 30>Vértigo 31>Caricatura n ;

05>Mi dueña 15>Hedwig’s theme 04>Néctar del olvido 18>Mac, el hijo de la calle 20>Jaze: el “MC Mochila” 21>Niña gótica del trap 09>Combinando artes 07>“Picacho” Huanca 19>Carolina Araoz 06>Amigo “Shay” 03>El aparecido

HECHO EL DEPÓSITO LEGAL EN LA BIBLIOTECA NACIONAL DEL PERÚ Nro. 2017-00653 ISSN Nro. 2520-3568 © Todos los derechos reservados.

Prohibida la reproducción total o parcial por cualquier medio sin la autorización del Director o un miembro del Consejo Editorial.

Impreso en Impresos S.R.L RUC: 20486277069 Dirección: Jr. Ferrocarril N° 781 - Cercado - Huancayo Huancayo – Perú

INBOX 8 es una publicación de los estudiantes del X semestre de la asignatura de Taller de Prensa II de la facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Nacional del Centro del Perú (UNCP). Es un producto que forma parte de las actividades de Acreditación. Su contenido refiere temas relacionados a los diferentes ámbitos de la comunicación (cine, fotografía, literatura, arte, medios, consumo, publicidad, etc.), los mismos que son redactados en un estilo personal enmarcado en los géneros periodísticos propios de la formación profesional y que pueden ser apreciadas por cualquier persona interesada en la temática abordada.

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L A T ERCER A

El aparecido YERSON ARMAS

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¡Así que sos Víctor Jara, el cantante marxista! ¡comunista la concha de tu madre, cantor de pura mierda!”, gritó uno de los verdugos el 16 de setiembre de 1973, afuera del estadio de Chile.

Su cuerpo fue encontrado quemado, con los dedos quebrados, la lengua cortada y con cuarenta y cuatro balas encima. Su existencia concluyó en una sepultura casi clandestina en un sencillo nicho del cementerio general de Santiago de Chile.

Víctor Jara, director de teatro, músico, precursor de la libertad, referente de la acción protestante y ahora considerado leyenda latinoamericana. Sus canciones son el retrato del pueblo, del trabajo, de la vida y sobre todo de su gente. Te recuerdo Amanda, quizá la canción más recordada, nos sumerge en una vorágine de demanda política y una tierna historia.

En el marco social y político que acontece en Chile en la década de los 70, relucen sus canciones con tintes políticos y denuncia social, que fueron lenguaje de protesta al régimen militar liderado por Augusto Pinochet.

En esas circunstancias colaboró con el grupo musical Cuncúmen hasta finales del 52, además fue director del conjunto Quilapayún hasta 1969 y al término de ese año obtuvo un premio en el Primer Festival de la Nueva Canción Chilena con su composición Plegaria de un labrador. También algunas canciones como, El derecho de vivir en paz, Manifiesto, El arado y Vientos del pueblo

que Serrat, Sabina, Silvio Rodríguez y otros artistas han incorporado en sus repertorios.

Sus expresiones artísticas se educaron en la Universidad de Chile, se moldearon en los escenarios para llegar a los pueblos olvidados de su país, ese era su propósito. Los matices musicales de aquellas giras culturales estaban acompañados con la canción El hombre es un creador.

Víctor mencionaba que la inclusión de nuevos instrumentos en el folclor alimentaba con diferentes armonías sus canciones. Por ejemplo, la polémica incorporación de la guitarra eléctrica, siendo un símbolo del capitalismo.

Este hombre se fundió cada vez más en la cultura popular de Chile y Latinoamérica, la persecución y la limitación por parte del gobierno no lo callaron. Bien podría reflejar las vivencias, muerte y recuerdo de Víctor el Canto Coral a Túpac Amaru, que es la libertad: /Querrán volarlo y no podrán volarlo, querrán romperlo y no podrán romperlo, querrán matarlo y no podrán matarlo. Querrán descuaratizarlo, triturarlo, mancharlo, pisotearlo, desalmarlo(...) ¡Y no podrán matarlo!/ Así es Víctor Jara, él no ha muerto, a medio siglo de conmemorar su legado más allá de su muerte. El aún vive en la guitarra y en la memoria colectiva de los latinoamericanos.

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Néctar del olvido RONALD BOZA

RON A L D B OZ A

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as flores cuyo olor hacen temblar las bocas más ávidas de conocimiento, el néctar del olvido, de la calma, de saberse triste por pensar que algún día las flores y plantas se harán marchitas, como el corazón mismo que palpita a toda potencia hasta que se apague la fuerza del amor, y no habrá con quien conversar, a quién llorarle, cantarle los versos y las penas más tristes.

El minimalismo sencillo y sincero, el estar tan triste en esta vida que querer el olvido y llorar los desengaños es lo que más anhela un corazón herido y curado en la sal de sus lágrimas, /como quisiera tomar chichita de tus flores airampito/.

Y ya no solo eres tú, querida Flor Pucarina, eterna voz cantora de penas y elegías, ni solo soy yo, somos quien llora la pena y vive la tristeza, somos uno solo, somos quien se riega de lágrimas el cuerpo cual flores de jardines con rocíos al alba, somos quien riega de relente congelado un corazón que ya no puede sentir amor, ni mucho menos penas y dolor. /Estoy muy triste en la vida malaya mi destino airampito, como quisiera tomar chichita de tus flores y así podría tener el néctar del olvido/ /Ay airampito, airampo tu nomas sabes mi dolor, el dolor que estoy llevando aquí dentro de mi pecho/ Quedar solo con el dolor agudo, rojo carmesí de las llagas en el corazón y el color púrpura de los incontables

golpes de la vida, por tantas traiciones y tantas mentiras. Es con lo único que queda la persona dañada y mal pagada por un amor no correspondido. /Desde muy joven en la vida, amaba con el alma airampito, tantas mentiras, tantas traiciones he tenido, ya no quisiera amar a nadie en la vida/. Es la parte donde pone más emoción, alma y corazón la Flor Pucarina al cantar este himno huanca.

Son las letras del maestro Emilio Alanya Carhuamaca, pero las voces de nuestra queridísima Leonor Efigenia Chávez Rojas, popularmente conocida como la Flor Pucarina, le dio la melodía y la vida a este huayno hermoso, que seguramente a todos, que alguna vez lo escuchamos, nos llegó hasta el corazón y el alma; que por supuesto de alguna u otra manera hace que nos sintamos identificados con cada una de las letras de la canción.

Solo hay que escuchar y olfatear con el sentimiento, para encajar piezas de un rompecabezas llamado vida, o por qué no, también llamado música.

Los aromas de las plantas, las retamas en la frente, la ruda de la infancia, la mermelada de geranio, las amapolas de siempre, las margaritas de la escuela, los lirios nostálgicos, los claveles regados de lágrimas por almas dolientes.

Y es entonces cuando una flor cobra vida, tiene historia e incluso evoca una emoción.

K E V IN S O T OM AY OR

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Mi dueña ALLISON INFANTE

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i vida siempre fue destinada a la música, mi fiel compañera de trajines diarios fue mi violín, que era mi más preciado tesoro, un obsequio que me dio mi madre Teófila Navarro, ella conocía que el amor que profesaba por las melodías nació cuando me uní al coro de la parroquia, de mi pueblo Andamarca.

En aquellos años vi como amigos de infancia y vecinos migraban a Huancayo, eso me inspiró a tomar la decisión de dejar mi hogar y mi familia; así emprendí el viaje que marcaría mi destino.

Llegando a Huancayo conseguí trabajo por las mañanas en la tienda de telas Mubarak, y en las noches luego de las labores arduas, continuaba con mis estudios en la Gran Unidad Escolar Santa Isabel, donde con un grupo de compañeros conformamos la Estudiantina Isabelina.

Mientras la rutina consumía mi tiempo, me percaté de que una joven estudiante del colegio Nuestra Señora del Rosario siempre recorría el mismo camino, ese camino que me permitió conocerla, y desde ese entonces presentí que ella iba ser la dueña de mi corazón y mi destino; poco a poco entre largas pláticas descubrí que su nombre era Bradulbudura Ávila, un nombre muy peculiar. Al mismo tiempo de conocerla se me presentaron oportunidades de trabajo, muchos músicos reconocidos me invitaron a formar parte de sus orquestas, fue ahí cuando conocí a Aurelio Miranda, fundador de los Olímpicos de Huancayo, con quien trabajé por un buen tiempo y analizando entre las situaciones que acontecían, decidí dejar mi trabajo en la tienda Mubarak, del cual solo recibía un sueldo promedio de 40 libras [soles] mensuales.

Mientras el tiempo transcurría llegué a conocer más y más a Brudy, como solía llamarla, pero me sentía abrumado por el hecho de que sus padres no permitían nuestra relación, pues consideraban que mi vida era bohemia por el

gran amor que sentía por la música, y que a mi lado su hija no tendría futuro.

Entre estos vaivenes de la vida y el dolor que sentía decidí componer Escrito está, las primeras letras que brotaron de mi inspiración fueron: /Escrito esta por el destino que tú serás mi compañera de toda la vida, dos almas y dos corazones que dios unió hasta la muerte somos nosotros. No habrá barreras que impidan nuestro amor amada mía.../ Canción que escribí plenamente para ella. Pese a los impedimentos que apesadumbraban mi corazón, tomamos la decisión de tener a nuestra primera hija, a quien orgullosamente nombramos Janeth, al mismo tiempo mi conjunto Estudiantina folclórica del centro iba ganando popularidad entre el público y logrando así posicionarse en el mundo musical como Estudiantina Perú, poco a poco fui ganando el reconocimiento de la población, quienes disfrutaban en cada concierto mis composiciones y música.

Pese a ello y a mi vida trajinada por mi carrera musical, nunca perdí el gran amor que sentía por mi amada esposa, con quien tuve a mis ocho hijos, que fueron mi más preciado regalo del cielo. Entonces, decidí componer una canción que relate lo que ella significaba para mí, naciendo así desde mi corazón Mi dueña.

Recuerdo cierta parte de la canción que decía, /Quiero que tus manos febriles estrechen las mías, tan frías cuando ya mi vida, se acabe/, quizá presagié cómo culminaría mi destino en la vida, augurando aquel fatídico 7 de febrero del 2004, cuando sentí realmente que la muerte reclamaba por mi, y yo, con un último suspiro dejaría atrás a los seres que más amo.

Aún es doloroso saber que mi amada Brudy estuvo allí empañada de lágrimas y estrechando mis manos frías, como tiempo atrás lo había escrito.

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Amigo “Shay”

Á NGEL PA S QUEL /

MIRELLA BONILLA

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ivió y encantó hasta los 88 años. Murió en noviembre de 2008, reconocido como patriarca del huaylarsh moderno. Autor de más de 900 temas.

Chonguino de pura cepa y gran compositor wanka del Siglo XX. —¿Quién era usted?

—/Allá, aquí o donde sea, soy un joven wanka. Yo soy huancaíno por algo, conozcanme bien amigos míos/ —¿Hijo de quién era usted?

—/Conózcanme hijo de quien soy, de un huancaíno guapo de guapos/ Quién era usted, maestro del violín y autor de cientos de temas con estilo wanka. Quién era usted, disciplinado en sus acciones que reflejó en sus escritos. Quién era usted, hombre estricto en el cumplimiento de sus reglas y cuidadoso con lo que mostraba al público.

Antes de usted, creaciones no habían, no concordaba la expresión musical con el baile, huaylarsh pues huaylarsh, vestimenta sí había, pero música no había.

Aunque no fue su amigo, buscó a quien consideró el mejor, un Picaflor de los Andes para cantar una de tus composiciones, hoy himno de huancaínos: Yo soy huancaíno.

Quién era usted, que, a un año de conmemorarse el centenario de su nacimiento, no lo han olvidado. /No me tengas tanto miedo si eres mi amigo tomaremos. Mi corazón sabe sentir cuando se portan como amigo/.

—Pero, ¿Quién eras, hermano-shay?

Usted, Zenobio Dagha Sapaico, heredó de sus padres la pasión por la música. Nació un 4 de abril de 1920, hijo de

Saturnino Daga y Honorata Cabezas. A los 12 años empezó a tocar el violín, instrumento que lo acompañó por más de cuatro décadas y que libró “guerras” con usted, fue su fiel amigo y acompañante en composiciones, supo que el canto no era lo suyo, pero sí, escribir.

Nuestros amigos saben que fue exigente a la hora de aprender y enseñar, joven centrado en lo que quería, no un músico a medias. Huancayo no tenía el nivel musical que esperaba, eran músicos empíricos, pero no a su gusto.

Mi amigo Zenobio, se enamoró de la música, viajó a un país llamado Argentina para ser el “guapo de guapos”, luchó con los prejuicios de la época y de quienes pensaban que ser músico, no era nada.

Ser músico, para tu padre era solo para un momento, para alegrar el día, pero no para tomarlo como algo para vivir: Que el músico era el bohemio, mujeriego; no ibas a ningún lugar y acababas pobre.

Regresó con una especialidad en composición musical, para convertirse en el rey del huaylarsh moderno, “a carajazo, a puñetazo, a golpe la música, ese era mi principio”, le dijo a su amigo Pio Altamirano y, él me lo contó.

Muchos no toleraron su dinámica y su rutina, la exigencia era su ley, por ello buscó a los retirados del ejército, a quienes consideró profesionales de la música para fundar la orquesta típica Juventud huancaína.

Hoy, a un año de su centenario, me jacto de ser tu amigo-shay, como nos sentimos los que hemos escuchado tu música, tu sentimientwo hecho acordes, tu orgullo hecho composición.

E T NI A S

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“Picacho” Huanca MERLY YACHACHÍN

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ientras Sergio Castillo fuerza su mirada tratando de admirar completamente los cuadros de Josué Sanchez, aún recuerda los maravillosos años que vivió al lado de Picacho, como cariñosamente él lo llama.

Sergio habla con firmeza, ahora su mirada está poblada de recuerdos, esos recuerdos que aún permanecen vigentes en su corazón.

José María Arguedas escribió alguna vez sobre la infancia de Don Víctor Alberto Gill Mallma, Picaflor de los Andes. Cuenta que esta había sido dura, atormentada; que, como chofer, había recorrido las carreteras de los pueblos, por las que Ayacucho y Huancayo reciben o envían mercadería, esas carreteras por donde van y vuelven los migrantes.

“Sus canciones, todas ellas, son del pueblo. Y si bien cuentan con muy pocas decoraciones poéticas, nunca encontrarás una canción del Picaflor, vacía de sentimientos”.

Cuando Picacho llegó a Lima, no fue para cantar, sino para trabajar. Lima es un gran monstruo, siempre sediento; solo los que saben luchar logran hacerse con el corazón de la bestia.

Como todo artista, vivió muy rápido e intensamente, sus canciones fueron el producto de su experiencia y de las distintas etapas de su vida; preocupado por el malestar de su pueblo, entregó su corazón y su alma a cantarle al amor, a la injusticia y a la tierra querida.

Uno de los episodios que motiva la creación de sus canciones e intensifica su imaginación, fue su etapa como chofer, mientras recorría las carreteras él silbaba, y recuerda, que quizá es ahí donde aprendió a cantar: silbando, melodía tras recuerdo, recibiendo inspiración de los cerros, del camino polvoriento, del sufrimiento de las personas, del sacrificio humano y del día a día que lo encerraron entre sus composiciones. /Caminito polvoriento, carretera de mis penas; con tus curvas y abismos estremeces toda mi alma, en ti guardas

los recuerdos de mi vida peregrina (…)/ estos versos serían parte de la estrofa de una composición que después se volvería el himno de todos, Carretera de mis penas, que es como él llamó a esta canción.

Su identidad huanca fue determinante en su carrera artística, pues Yo soy huancaíno, compuesta por Zenobio Dahga Sapaico, sería una sus interpretaciones más célebres y la que lo catapultaría como un ícono huanca. “Nadie cantaba como él, o silbaba, él vivía simplemente, cada una de sus canciones”.

Pero su iniciativa de hacer arte, más no solo “arte por el arte”, iba mucho más allá de entretener y expresar su descontento o alegría, sino que siempre tuvo un compromiso con la gente de su pueblo.

Sergio recuerda con nostalgia algunas anécdotas en las que El Picaflor era el primero que detenía el

transporte para ayudar en la lucha a los mineros; pero este no fue el único medio que utilizó. Sus composiciones eran –literalmente- la voz del pueblo, es así que canciones como El proletario serían creadas en conmemoración y apoyo a la lucha de los hombres que dejaban su vida en las minas de la sierra peruana. /Tienes mi sangre y llevas mi nombre dios te bendiga/ o /ahora te cuido que nada falte en tu existencia, contra los males contra la pobreza está mi pecho junto con mi brazo/ o /Mi chiquitín (…)/ Cada melodía, cada estrofa, cada canción; es el recuento de la prodigiosa vida de nuestro Picaflor de los Andes, así como de cada persona que guarde en su corazón la presencia y la sentida emoción de reconocerse huancaíno o peruano.

Picaflor era el Perú enterito… Con montañas y valles.

C OR T E SÍ A / M A RCI A L P OR R A S

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SARA CANCHARI

El beat andino

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F EL IP E GUA M Á N P OM A DE AYA L A /

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a tinya es un instrumento musical conocido como wankar, wankara, kaja.

Es un pequeño tambor o instrumento de los incas. Tiene sus orígenes en la época prehispánica y se suele utilizar hasta la actualidad en la zona andina.

En Comentarios Reales de los Incas de Garcilazo de la Vega, se describe que al Inca le agradaba la música y las fiestas, que en las reuniones que tenía con los capitanes, o cuando paseaba con la colla usualmente había una taquiaclla, una joven virgen que cantaba al compás de una tinya.

En los tiempos incaicos para la vida, la muerte, la guerra, el amor, el dolor, la celebración u otra actividad siempre había música.

Este pequeño tambor tiene dos superficies opuestas, una que tiene que ser doble porque es la que recibe el golpe y la otra que es más delgada para la percusión. Estas superficies pueden ser elaboradas de cualquier piel, la más usada es la del cordero.

V IL L EGA S EDI T OR E S

En el anexo de Yunca Chaquicocha, distrito de Santo Domingo de Acobamba, provincia de Huancayo, suelen hacerla con el cuero del gato o el de vizcacha, pero prefieren la piel del felino porque consideran que suena “mucho” mejor. Pero la tinya también se puede hacer con el cuero de chancho o del perro.

Existe la creencia de que si utilizas en una superficie la piel del gato y en la otra la piel del perro, es muy probable que en la fiesta haya una pelea.

Los cronistas cuentan que antes de la llegada de los españoles se utilizaba la piel de los prisioneros de guerra. La elaboración varía según la zona tal como sucede en el caso del folclorista Fulgencio Sánchez Rosales, quien en una entrevista en el 2015 para la revista Huaráz Informa, menciona que “la tinya antes se fabricaba con la corteza del eucalipto, pero por razones de comodidad ahora se hace con el tronco de la Puya Raimondi, mientras que el cuero del tambor debe ser necesariamente del pellejo del burro”, también cuenta que es por ello que en Huaraz los que utilizan la tinya son conocidos y llamados como “Los burreros”.

La tinya por su tamaño y ligereza suele ser tocado por las mujeres, quienes utilizan una baqueta. Esta actividad es tradicional desde los tiempos prehispánicos, en los dibujos de Guamán Poma aparecen algunas mujeres tañendo tambores. Actualmente se toca este instrumento en ceremonias referidas a la vida campesina.

En el Valle del Mantaro, se suele tocar en la marca de animales, para ello contratan a un grupo que consta de uno o dos wak’rapukus, un violín y una cantora con su tinya. Todo el repertorio que tocará el grupo está relacionado a la herranza.

Un beat significa latido, golpe. Normalmente se suele utilizar este término para referirse a un patrón musical tocado por una batería. La tinya también tiene esta cualidad de repetir su sonido en forma regular, constituyendo la base de un patrón musical, es en sí, el beat andino.

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Combinando artes KELY VILLANTOY

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uando escuchamos la palabra “ilustración” muchos evocamos un concepto de dibujo que cumple estándares estéticos, sin embargo, el arte gráfico de Andrea Nakasato rompe los esquemas.

Ella, como amante de la música pesada y la ilustración, combina lo oscuro de ambos mundos en una sola pieza de arte, es un “Arte para disfrutar a todo volumen”, como refiere Marcos Coifman, amigo de la capa de la ilustración, donde rescata, además de su trabajo, a una chica con harta actitud rockera.

“La china”, “Andreita” o “Naka”, como suelen llamarla sus amigos cercanos, es diseñadora gráfica publicitaria en horarios de 9 a.m. a 6 p.m., el resto de la noche, es una ilustradora de la oscuridad. Su inspiración viene de la música, esa música que escuchas para desestresarte, darte valor, inspirarte para hacer alguna tarea o, escribirle una carta a tu novia o novio.

Puede ser una balada, rock, pop o un indie, para Andrea, un buen stoner doom, exquisito para los oídos de los buenos y valientes amantes del rock, es la fuente de inspiración y motivación para ilustrar grandiosos monstruos demoniacos, criaturas mitológicas y seres que solo habitan en su imaginación. El gusto por este tipo de música pesada la llevó a buscar una forma ideal donde unir sus dos pasiones, llegando a ilustrar portadas para discos de bandas stoner, como El Jefazo, del cual Simbiosis llegó a manos del icono Henry Rollins.

Elaboró afiches para conciertos de bandas estadounidenses como Eyehategod, Earthlees y Radio Moscow, también para Los Tábanos Experence, de Chile y Acid Mothers Temple, de Japón. Entre sus otros trabajos, destaca el vinilo ilustrado para la banda Royal Distortion, y afiches para el festival Woosdtaco, Lima doom IX, Stone Rock y, para eventos locales de tocadas o exposiciones artísticas del estilo gótico y ocultista. La pasión por dibujar la tuvo desde que tiene

memoria; cuando empezó a escuchar a Baroniss, le llamaba mucho la atención las ilustraciones de las portadas de sus álbumes, luego de enterarse que Jhon Baizley no solo cantaba y tocaba la guitarra en la banda, sino también, era el artista detrás de esas increíbles portadas que enamoraron a Andrea, ella decidió sumergirse por completo en este tipo de arte.

Poco a poco fue tomando un estilo propio en la ilustración: puntillismo y líneas finas que terminaban formando parte de una figura “brutal”. Estilo similar al del gran ilustrador japonés Suehiro Maruo e influencia de Richard Sayer, quien es además uno de sus grandes referentes. Destacando como una importante artista de estilo ocultista, tuvo muchas notas y artículos en diferentes revistas y periódicos nacionales, donde valoran su trabajo como exponente artística y su papel como nikkei.

Ilustró además artículos en Somos, Luces y El Dominical de El Comercio (Horror en Latinoamérica). Entre sus trabajos, además de ilustraciones para bandas stoner, tiene una colección de alrededor de siete ilustraciones para la etiqueta de la cerveza artesanal Santos Demonios y Grenga. Andrea es una chica de pasiones y retos, demostrando que puede ilustrar fuera de su zona de confort; participó en el colectivo Boomker para el proyecto Cartoon Network Behance Perú del año pasado, ilustrando a la serie El Laboratorio de Dexter, donde añadió un estilo stempunk, sin perder la esencia de la caricatura. Participó en este colectivo junto a otros ilustradores como Victor Chang, Polo verde, Fiasco, Kuro Ink, Ilustronauta, Kioshi Shimabuku. También para el colectivo de Fanart de Crash Team Racing, cuyo personaje ilustrado fue Coco Bandiccoot.

Andrea no solo publica ilustraciones, ella como amante de la buena música, tiene un canal de YouTube donde ocasionalmente sube videos de tocadas de bandas peruanas.

Colabora con el arte en todas sus formas.

A NDR E A N A K A S AT O /

FACEB OOK

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C OR T E SÍ A / PAT T Y C A JAC UR I

Masicuna, pasión a la música y amor a Dios CLAUDIA ZERPA

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on más de las seis de la tarde del segundo sábado de mayo de 2019 y el auditorio parroquial comienza a recibir a madres, abuelas, tías y muchas personas para la celebración por el Día de la Madre. El telón se abre y comienzan los diversos números artísticos, el público aplaude a las presentaciones, pero el número más esperado de la noche es la música latinoamericana en vivo que, como todos los años, es el cierre de la noche y es conocido por la mayoría de personas del distrito de Sicaya.

Han transcurrido cerca de dos horas y se anuncia la última presentación, Masicuna sale al escenario. Durante más de 10 años se llamaron Jufra Sicaya, en honor a la Juventud Franciscana, pero en la última presentación cambiaron su nombre a Masicuna, un vocablo quechua que significa amigos.

Los integrantes de Masicuna son Juan Yépez, Pablo Yépez, Dalton Pasquel, Jacks Mayhua, Eder Cubas, Mauro Rodríguez y Jorge Huaylinos, jóvenes y adultos de diversas edades, profesiones y ocupaciones unidos por la pasión a la música y el amor a Dios.

Todos ellos han asistido o asisten a la parroquia Santo Domingo de Guzmán, aunque sus historias difieren en tiempo y espacio, comparten el sentir como católicos

activos y han participado durante largo tiempo del coro parroquial. Casi siempre se presentan en los bautizos, cumpleaños, matrimonios y ocasiones especiales de sus amigos, familiares y “hermanos en la fe”. Hasta ahora se han presentado con covers de diversos grupos de música latinoamericana y cumbias, pero no con temas propios, aunque Pablo tiene muchas composiciones que no han sido difundidas.

Esta noche se han unido a la presentación de Masicuna varios adolescentes y jóvenes para tocar las pesuñas de vaca, la zampoña, la batería, la guitarra, el bajo, además para animar y cantar a viva voz las canciones más conocidas de los Kjarkas, Los Hijos del Sol, Cuarteto Continental, Proyección, Sabia Andina, Pata Amarilla; así como las cumbias y los santiagos del país.

Algunas madres y sus hijos están coreando las canciones. Dalton está dando la voz diciendo /si me quieres, si me quieres, si me quieres dímelo/ y el público entusiasmado sigue cantando con las letras de la canción. En el popurrí también está la canción Cariñito de Los Hijos del Sol, cuando Dalton dice “¿por qué?”, el público responde al ritmo de la música /por quererte, por amarte, por desearte/. La música es tan pegajosa que muchos ya están bailando y el auditorio parroquial se convierte en una algarabía, al menos por media hora.

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A un paso del más allá ROCÍO IPARRAGUIRRE

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a Organización Mundial de la Salud (OMS) cataloga a la catalepsia como una enfermedad psiquiátrica y la divide en dos; la patológica (parálisis por tiempo indeterminado) y la astral (parálisis que puede durar segundos o minutos) pese a ello, hay especialistas que aseguran que la catalepsia solo es un síntoma de los pacientes psiquiátricos.

Sin embargo, el grupo de rock peruano de El Agustino, Los Mojarras, fiel a su estilo, lo interpreta en su primer trabajo discográfico, Sarita Colonia. En 1992, el tema Catalepsia, que relata la historia de un hombre que es enterrado vivo y muere en el intento por escapar de su tumba, sería un éxito. /Mi cuerpo está frío, tengo un eclipse mental, me han cruzado los brazos, me han metido en un ataúd, mi viejita me mira por el vidrio y se pone a llorar otros que se persignan me echan rezos y se van/ Según el Doctor Bernardo Defilló, la catalepsia es un apagón neurológico. La persona pierde el control de su cuerpo y se sume un estado de parálisis total, mientras dura ese estado, los sujetos pueden ser conscientes de lo que pasa a su alrededor, oír y ver.

Sin embargo, no pueden hablar ni moverse. Los casos registrados muestran que las personas pueden llegar a estar así minutos, horas e incluso semanas. /Quién fue el cojudo que firmó mi defunción sin antes hacerme un examen cerebral, no me hicieron la autopsia por pedido familiar me salve de esa, pero aun así me van a enterrar, vivo/. Sylvan Mulan, un escritor estadounidense, en 1930

acuñó el término Catalepsia Astral, el cual explica que existe un universo paralelo al nuestro en el que solo somos energía y al que accedemos únicamente cuando dormimos; concluye que el estado de catalepsia se da cuando nos quedamos en medio de los dos universos. /Hago mil esfuerzos y puedo algo parpadear, ¡oh! que horror me levantan y me sacan de aquel lugar me llevan en carroza al mausoleo general, oigo una misa es la mía, ¡oh dios mío! me van a enterrar, vivo/ Debido al problema de enterrar viva a la gente, algunas funerarias chilenas, por un costo adicional, colocan en los ataúdes alarmas y campanas; para los que no quieren un gasto adicional, suelen enterrar a sus seres queridos con sus teléfonos personales.

Hoy en día gracias al encefalograma, los médicos pueden determinar si una persona “pasó a mejor vida o no”. Una de las características de la catalepsia es que los cuerpos no presentan putrefacción. /Yo que había vivido sin pensar en la muerte que hacía de todo como si fuera inmortal están tapiando la puerta, empiezo a reaccionar/ En un artículo publicado por Guillermo Vacío, hace referencia a que las principales causas de la catalepsia son las enfermedades del sistema nervioso (Parkinson, epilepsia, esquizofrenia), la mala suministración de medicamentos o la ingesta de cocaína.

No sabemos con exactitud cuáles fueron las motivaciones de Cachuca para interpretar tal condición, pero yo encuentro mi respuesta en las últimas letras de la canción /adiós parranda, lujuria y bebida/.

11 K E V IN S O T OM AY OR

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Illapu, sobrevivió a la dictadura YOSELIN ALFARO

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uando José Miguel Márquez, uno de los miembros del grupo Illapu, recuerda el 07 de octubre de 1981 dice, “yo estaba un poco temeroso, porque con una dictadura todo puede pasar” y, así fue, pasó lo que más temía, cuando la agrupación regresaba a Chile después de su gira en Europa fueron detenidos en el aeropuerto para después ser expulsados, acusados de ser responsables del desprestigio del gobierno de Chile en el exterior.

Para entonces, la agrupación fundada en 1971 por Osvaldo Torres y los hermanos Márquez no había pasado desapercibida para los contrarios gustos de la dictadura de Pinochet.

Bailando y cantando, participando en los espacios que habían sido negados para interpretar canciones en contra del régimen, con tinte andino que la dictadura buscaba callar, la agrupación encabezada por Roberto Márquez, no dio tregua en su producción musical. Pertenecientes al movimiento de la Nueva canción chilena que encabezó en su momento Violeta Parra y Víctor Jara, los Illapu se convirtieron desde 1976, en uno de los grupos más representativos de Chile con el tema Candombe para José,

quienes bajo las más cándidas metáforas retrataron la realidad de un país rebelde, decidido a no sucumbir ante el poder mal obtenido.

Afligidos por una despedida que no sabían cuánto iba a durar, los Illapu encontraron en la música lo que las letras en el papel, un medio para comunicarse con su tierra desde la lejana Francia, lugar donde permanecieron en exilio, para después trasladarse a México y adoptar nuevas tonalidades que enriquecieron el ritmo alegre de sus composiciones.

En 1988 Augusto Pinochet concede a los exiliados políticos la libertad de volver a Chile para participar de un plebiscito. Muy a su modo y fiel a sus ideales Illapu retorna a Chile con las emociones a flor de piel para, a pesar de los temores del exilio, cantar a todo pulmón en contra de la dictadura que los había apartado por siete largos años de la tierra que los vio nacer. De esta manera el 21 de septiembre el estadio de La Bandera, es testigo del reencuentro de la agrupación con sus raíces.

Ya dentro de su país, Andrés Marqués compondría el emblemático tema Vuelvo perteneciente al álbum Vuelvo amor, vuelvo vida, que resultó un himno para los desterrados, y quie-

nes abandonaron su país en busca de progreso y nuevas oportunidades. En ella se oye decir: /Vuelvo a casa, vuelvo compañera. Vuelvo mar, montaña, vuelvo puerto. Vuelvo sur, saludo mi desierto.

Vuelvo a renacer, amado pueblo/ Temas como Morena Esperanza, Lejos del amor, Un poco de mi vida, entre otras, sonaron en las radios de Chile y en los miles de parlantes de Latinoamérica, convirtiendo a la agrupación que sobrevivió a la dictadura en un acostumbrado invitado de los Festivales de la canción de Viña del Mar, de reconocimientos como el premio Presidente de la República 2003 por haber difundido la canción folclórica chilena a decenas de países.

En los labios e instrumentos de los Illapu la música cobra sentido y razón, como lo dijo Víctor Jara, haciendo referencia a las canciones con contenido social.

Temas como Sobreviviendo, Nuestro mensaje y Manifiesto, son algunas de las canciones que la agrupación interpreta con destreza y haciendo uso de instrumentos musicales de distintas partes de Latinoamérica, cualidad que logra conmover a sus seguidores. Los Illapu no cantan por moda, cantan por justicia, amor y verdad.

IL L A P U /

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BIOBIOCHIL E

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L UI S MIGUEL C OB O /

FACEB OOK ROCÍO DURC A L

Artistas eternos DEYANIRA GÁLVEZ

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os recuerdos, en gran medida, se componen de melodías, de música. La misma que, sin importar la cantidad de tiempo que pueda pasar, siguen transportando al lugar, a la sensación. Mi infancia se compone de felicidad que suena a años 70 y 80, aunque no haya vivido en esa época precisamente.

De hecho, mi infancia fue como 40 años más tarde, pero gracias a mi papá, un señor fiel a la música setentera, pude conocer y enamorarme, desde muy pequeña, de lo que yo llamo música eterna, artistas eternos. Es así que empieza mi gusto por la música de artistas de habla castellana, como José Luis Perales, Nino Bravo, Leo Dan y los recientemente fallecidos, Camilo Sesto y José José; empezó a adherirse a mis oídos, corazón y mente.

La música ha sido compañera de decenas de generaciones, casi siempre por periodos que duran lo mismo que la moda, es decir, poco. Pero hay algunas que permanecen congeladas, listas para desempolvarse en cualquier momento, pero muchas veces, y la mayoría de ellas, gracias a covers en versión ritmo latino (cumbia, salsa, bachata, etc) que, desde hace un tiempo, han conquistado cientos de fiestas con nuevos fanáticos que desconocen las raíces originales de lo que están escuchando, como Tendría que llorar por ti, Esta cobardía, Lo pasado, pasado, etc. Sin contar con el boom de Mix Juan Gabriel de Los Hermanos Yaipén, posterior a la muerte del cantante. También existen varios

Mix Camilo Sesto con covers hechos por Armonía 10, Sociedad Privada, etc. A estas alturas ya sabemos lo que viene: un Mix bailable José José 2020. ¿Qué hace que la música de antes no pase de moda? Elio Osejo, quien es conocido localmente por vender material retro, me responde, muy seguro de sus respuestas. “La música ha perdido su valor, no sólo estético, sino también místico, por eso (la música retro) era arte. La tecnología únicamente amplificaba el sentir que expresaban las melodías”.

En algún momento he cuestionado mi singular atracción por la música del ayer, pero vamos, no hace falta darle tantas vueltas, más allá del análisis de Elio sobre la música de antes y la elaboración de contenido que tenían hay otro motivo, algo más personal que cala en la vida de cada persona. Los gustos del ser humano están directamente relacionados con sus experiencias.

Yo asocio Un velero llamado libertad, con lo libre que me sentía al volar en mi columpio todas las tardes, luego de la escuela. Asocio Pídeme la luna con las noches eternas en las que, en el regazo de papá, me quedaba dormida buscando estrellas fugaces en el cielo de mi pueblo.

Asocio Un beso y una flor con las incontables cartas que papá le escribía a mamá, y que ella compartía conmigo. Asocio esta música, la que yo llamo “eterna”, con todos los recuerdos que se fueron construyendo en la vida de miles de personas.

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Versión, quechua LUIS SINCHEZ

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e estrena en Japón Dragon Ball Super en julio de 2015, el primer capítulo ya da la vuelta al mundo en japonés y en tiempo real, en pocas horas estará subtitulado a múltiples idiomas. La letra de la canción que sirve de apertura se titula Chōzetsu☆Dainamikku!, son diversos jóvenes entusiastas los que hacen sus propias versiones de la misma y la difunden por las ya famosas redes sociales, cambian la instrumentalización, en voz masculina, femenina, coros, y la traducen al inglés, francés, alemán, español, etcétera. En Ayacucho, un joven llamado Alvin Mendoza en colaboración con la Agencia Interactiva Medios, se unen para sacar su propia versión, esta vez en quechua, y suena bien, demasiado bien.

Es el año 2012, la música de moda y que da la vuelta al mundo es Gangnam Style de PSY; Walter Bautista, vocalista de la agrupación Qallari se une a la moda, y decide sacar su propia versión de la canción. Cambia la letra, la traslada al quechua y reemplaza los instrumentos por los clásicos de la música ayacuchana. El mismo año es estrenada con el título de Opam Kay Kasja y recibe la atención de los medios nacionales. Quizá por lo novedoso o lo curioso de escuchar un tema del coreano al quechua y no hallar mucha diferencia.

No todos los temas versionados al quechua tienen tanta notoriedad, la banda ecuatoriana de pop/rock Alerta Roja (A.R.) el 2013 versiona al quechua Heaven, de Bryan Adams, tema de la década de los 80. La voz femenina de Helen y la instrumentalización que le otorgan a esta versión hacen de Heaven (traducido al quechua como Juyaillagu) una balada

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muy agradable para escuchar y le da un sentido nuevo al tema interpretado por Bryan Adams. Para el 2015 destacaría una joven ayacuchana de apenas 14 años, con el tema de House of the Rising Sun (1964) de la banda The Animals en su versión quechua, para el cual contó con el apoyo de Patricia Rivera Canchanya, directora de la Academia de Música Formas y Sonidos, solo se acompaña de un piano y se nota un trabajo simple y agradable en el videoclip. Le seguiría The way you make me feel de Michael Jackson, esta vez los instrumentos son guitarra eléctrica y cajón, usando de fondo la joya arquitectónica de Vilcashuamán en la producción del videoclip. Esta vez tendría mayor repercusión llegando a medios nacionales y haciéndose conocido el nombre de Renata Flores, su canal de YouTube cuenta con más de 40 mil suscriptores y sigue produciendo temas musicales en quechua y en algunos casos (como su tema ft.

Kayfex) apoyando campañas sociales.

Beatles en quechua, fue la idea del grupo musical Los Tekis, escogieron Don’t Let Me Down (1969). El tema salió en su disco de Rock & Tekis, el que ganaría el premio Gardel de 2013. Su videoclip oficial fue subido a YouTube el 2015 y para la instrumentalización usaron guitarras, charango, batería y zampoña.

Pequeños grupos están experimentando con temas musicales de diversa índole, ya sean por estar de moda, por ser clásicas o porque ya tienen ganado una legión de seguidores. Lo cierto es que versionarlas en quechua le da un nuevo aire y un sentido para revalorar este idioma ancestral.

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Hedwig’s theme: el himno de Harry Potter ALEXIS CONDOR

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écnicamente fue un viernes por la noche, en la que sentí que mi infancia había terminado. Melodramáticamente, por supuesto. Y no, no fue al cumplir 18 años, ni pasé por una pérdida de inocencia al estilo Salinger. Vi la última película de Harry Potter.

Puede que no sea un entusiasta fan de Potter, pero sentí que una gran etapa de mi vida llegaba a su fin cuando esa mágica saga terminó con el sencillo tema simbólico de toda su historia cinematográfica, si, Hedwig’s Theme.

Seguramente, quienes leyeron los libros, me incluyo, jamás imaginaron cómo ésta obra de J. K. Rowling enseñaría a toda una generación a leer, a infectar la vida de millones con aquel virus llamado wizard.

Y más, aún, cuando se supo que David Heyman dirigiría la adaptación cinematográfica, no te detenías un solo día en releer cada diálogo del texto imaginándote los rostros de los personajes, los hechizos, las escobas mágicas y acromántulas. Sin embargo, no lograbas asociar una melodía en particular para hacer más interesante tu lectura.

Pronto llegaría ese momento, en que los rostros de varios fanáticos se emocionarían al ver el descenso rítmico y a la vez celestial de una lechuza blanca, al compás de una melodía “mágica”. Sin siquiera sospechar que tal melodía sería icónica por el resto de la saga.

Pero, ¿quién la compuso?. Si te detienes a ver los créditos de la película, observarás el nombre de John Williams, encargado de la musicalización.

Y si lo googleas, te quedarás asombrado al saber que actualmente es considerado una leyenda de la música de cine.

No solo por obtener el puntaje ganador de un premio de la academia para Star Wars, sino que también por componer varios temas para las pelí-

culas: Jaws, Indiana Jones, ET, Jurassic Park, Schindler’s List y Superman.

Películas que identificamos con una melodía en particular.

Así es, Hedwig’s Theme es para Harry Potter lo que Raiders March es para Indiana Jones. ¿Cuál fue su inspiración?. Precisamente, en un documental de la música de Harry Potter, Williams comentó cómo había quedado asombrado con un ave blanca dentro del pequeño avance del film; se refería a Hedwig, una lechuza hermosa, mascota de Harry, de quién obtuvo esa idea de que la melodía característica debía ser fina y liviana.

Pensó que, para dar esa sensación, no podía utilizar un piano. Entonces, tomó la decisión de tocarla con una celesta (semejante a un piano vertical), denominada así, ya que, emite sonidos clasificados como “celestiales”.

Fácilmente puedes imaginarte el sonido de una campana difuminada, algo que metafóricamente John describió como una “pluma de pájaro flotante”.Sin embargo, ¿qué hace a Hedwig’s Theme tan icónico y mágico?.

Sencillamente es una melodía básica que se puede recordar y tararear a diferencia de otros. Además, la melodía claramente sigue un pulso constante (como un vals juguetón), pues el mismo hecho de que lleve esa nota une dos estados de ánimo diferentes: alegría y oscuridad.

Es lento pero lleno de suspenso, tranquilo, pero presagioso. Claramente, puedes sentir cómo ésta melodía logra un equilibrio de una manera casi perfecta a la hora de encarnar la magia y el misterio.

No niego, que extraño a Harry, Ron y Hermione. Pero lo que más extraño es aquel sonido relajante de ese himno mágico que, para aquella ocasión, suponía la última vez en que la oiríamos en una sala de cine.

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RECORDING ACADEMY Mejor diseño de álbum Incl. Portada del álbum, artes gráficas y fotografía

MASSEDUCTION (2018)

Director de Arte Willo Perron

Revisa a lo y gana s nominado s dores aquí

St. Vincent

Latin GRAMMYs

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DIFERENTES TIPOS DE LUZ (2018)

EL MAL QUERER (2019)

Carlos Sadness

Rosalía

Director de Arte Carlos Sadness

Director de Arte Man Mourentan & Tamara Pérez

GRANDMASTER FLASH

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Después de probar muchas cosas diferentes, puse mis dedos en el vinilo... tenía el control absoluto de la música” Grandmaster Flash

ANNE-SOPHIE MUTTER

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Como solista, eres un servidor de la música, que requiere resistencia y columna vertebral” Anne-Sophie Mutter en el Stax, 2019

PLAYING FOR CHANGE

La fundación Playing For Change

Escanea el código

POLAR MUSIC PRIZE

Ganadores 2019

Más info

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La música tiene una forma increíble de superar los límites y reducir las distancias entre las personas”

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M AC S A LVA DOR /

FACEB OOK

Mac, el hijo de la calle KEYDI PAUCAR

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ac Salvador Ramos LLamoca, hijo de Fortunato Ramos y Victoria Llamoca, fue un talentoso niño nasqueño cuya vida fue marcada primero por la separación de sus padres y luego por el encarcelamiento de su progenitor un 18 de mayo, el mismo día que cumplía nueve años de edad.

Fue el séptimo de diez hermanos y quizás el más rebelde de todos, porque al ver a su padre en prisión decidió vivir por su cuenta un par de años en las calles de Puquio (sus padres eran de Puquio, Ayacucho).

Según recuerda, fue a esa edad que probó por primera vez licor y, ya embriagado, juntó unas piedras en su chompa y fue a la comisaría a reclamar a piedrazos que liberen a su papá. Los motivos de su aprehensión no se nos comentaron.

Como ya dijimos, desde aquel día, decidió vivir solo experimentando “lo peor” que un niño de su edad podría vivir: durmiendo en calles, iglesias, carros viejos y cualquier lugar donde le alcanzara la noche. No sabemos más detalles de cómo logró alimentarse o vestirse y, más aún, mantenerse indemne a tan temprana edad.

Lo que sí sabemos es que esta experiencia de vida lo cuajó para convertirse en trovador, sellando su filosofía de vida con resiliencia. “Yo creo que todos tenemos la capacidad de ser buenos amigos, buenos padres, buenos hijos, buenos ciudadanos; solo que preferimos no autoevaluarnos y no queremos sacar el Cristo que llevamos dentro”, mencionó en un diario nacional.

Después de aquellos años fatídicos, su padre salió de la cárcel y él volvió a estudiar. Egresó de la escuela primaria a los trece años y posteriormente, tan solo tres años después, a los 16, compuso su primer tema llamado Yo, el loco. Un año después, a los 17, falleció su papá.

Como los estudios le venían bien, ingresó a la universidad y fue ahí que tomando conciencia de su talento decidió seguir su pasión y al tercer año, dejó su carrera para iniciar otra: la música.

Mac, en algunas declaraciones a los medios, se considera un compositor, un filósofo de la música, pero nosotros aún lo consideramos un loco trovador que nos embriaga con sus letras en Hijos de la calle, Quiero un cambio o en Sistema de mierda. Su discografía, por lo pronto es modesta pero significativa, es considerada dentro del folclor andino, dentro de la trova y del taniando, este último es nada menos que una fusión entre la música negra y el zapateo puquiano que él considera un homenaje a la tierra de sus padres. Demás está decir que sus temas llevan consigo un espíritu social con un mensaje de alerta a las nuevas generaciones, invocando a que despierte y combata la corrupción, y la violencia en general.

Muchos conocen la música de Mac, pero pocos conocían las raíces y lo orígenes de su talento y hoy podemos decir que, junto a Max Castro, Antología, William Luna, entre otros, es uno de los mejores representantes de la música andina peruana contemporánea.

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Carolina Araoz, una semilla musical STEPHANY QUISPE

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alentosa y muy carismática, así se podría describir a Carolina Araoz Medanic, una reconocida saxofonista, cantautora y compositora peruana. La pasión y la vocación por la música la acompañan en su camino a sus cuarenta años. Es el saxofón su fiel instrumento, al que describe como uno de los más expresivos y cálidos. Este se puede sentir a través el jazz sin dejar de lado las raíces y tradiciones peruanas.

Han pasado dieciocho años desde la primera vez que tuvo un saxofón en las manos y, hoy recorre países y ciudades como Londres, Colombia, París, Portugal, Argentina y España, llevando su música y su corazón, para transmitir la magia del mensaje de sus letras.

Carolina en el 2014 lanzó su primer disco llamado Bloom, el cual contiene diez canciones, entre la cuales destacan: Atreverse, Contra el reloj, Acelerar, La tierra canta, Dejarte volar y algunas más. Años después también interpretó otras canciones, siendo una de sus preferidas Munay Munay, en la que se destaca el quechua y la riqueza armónica de más instrumentos que acompañan al sutil saxofón.

“Considero a mi música como un puente para poder llegar a las personas, siento que también me canto a mí a través de mis canciones, ya que las letras están inspiradas en vivencias propias, en la realidad social y con ellas busco transmitir a las personas positivismo, reflexión, paz y alegría. Me considero una semilla musical”, expresa Carolina.

A pesar de haber visitado muchos países, le encanta Jauja o el “país de Jauja” como lo conocemos en la región Junín, en especial es fan de la música de la Tunantada, danza en la que la melodía que irradia el saxofón es muy peculiar y asombrosa, algo que la sorprendió y cautivó.

En su última visita a Huancayo, en agosto de este año, interpretó en su concierto un poco de esta danza tradicional con el saxofón, solo con ver su rostro se podía notar la satisfacción y la alegría de hacerlo. Carolina menciona tener el propósito de promover lo nuestro (como el saxofón del Valle del Mantaro) y difundir la cultura a donde la lleve su carrera.

Para poder desarrollar y fortalecer ese talento extraordinario para la música, Carolina en el año 2002 se fue a estudiar a Estados Unidos, en la University of North Texas llevó estudios de Jazz y hace poco obtuvo su master en ejecución y producción en Berklee College of Music, pero considera que aquí en el Perú su maestro, el saxofonista Carlos Espinoza, es parte importante de su formación. Carolina Araoz, noble y solidaria, tiene interés en la transformación social con

acciones a través de la música y compromiso, es así que, en Lima dirigió el proyecto Jazz Jaus, un espacio cultural sin fines de lucro dedicado a la formación musical, también logró un financiamiento por parte de la Fundación Prince Claus en Holanda para llevar música a zonas del Perú consideradas socialmente vulnerables con el Instituto de Etnomusicología de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), y busca seguir haciendo proyectos a favor del cambio social, llevando su voz a través del saxofón.

C OR T E SÍ A / OS C A R A K A MINE

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Jaze: el “MC Mochila” CHRISTIAN CHIMPAY

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Él se preparaba en casa compitiendo con su hermano Rodrigo.

Jaze que viene de una familia acomodada en el centro de Lima, estudia la carrera de música en la PUCP, también toca la batería.

Un día Jaze decidido a competir ya en escenario donde se demuestra la capacidad que uno tiene de improvisación, decide inscribirse en la Liga de Freestyle Profesional 2018 (Lima).

Force, un rapero español, y compañía observaron a un joven flaco en el escenario con una mochila puesta, al no conocerlo, decidieron llamarlo MC Mochila, en ese momento empezó a nacer uno de nuestros grandes representantes de este género musical.

Desde el año 2018, Jaze se presentaba en las distintas competencias con sencillez, llevaba consigo su mochila negra, desde el norte de Lima, en San Juan de Lurigancho, hasta el sur, en Villa María del Triunfo. La gente del entorno lo llamaba MC Mochila, sus competidores lo tiraban con ese sobrenombre en las competencias.

Tras participar en distintos eventos de rap, llegó el día de la Liga Profesional a nivel nacional, donde Jaze gana su primera competencia venciendo a Jair, otro MC joven.

Su experiencia es amplia: Su paso por Sangre Inca 2018, su clasificación a Supremacía Mc Internacional, en Argentina en la Double AA, en la Red Bull Batalla de los Gallos Internacional 2018, y en el 2019 participando en el Ghetto Dreams League y siendo seleccionado para representar a Perú en la God Level 2019 junto a Nekroos y Choque.

Estando en la final el jurado no decidía al ganador. Ni Choque, ni Nekroos, podían con sus similares de España. La tercera replica estaba en manos de Jaze para definirlo contra Force, y es ese momento en que Jaze lo da todo con rimas que dejan marcados tras ser otra vez tirado por la mochila, con una rima respondida muy sabiamente, /La mochila, la mochila, la mochila, ¡ay!, la mochila, la mochila, la mochila/, /¿Cómo nos van a tonguear en la rima? Es lo mismo de siempre por que Chuty está un pelín por encima/.

Tras esta rima el ganador fue el equipo peruano haciendo posible el sueño de muchos seguidores del rap, obtener el campeonato mundial del Freestyle, God Level 2019 (3vs3), regalando la alegría a un pueblo, como si fuera un gol de la selección de fútbol.

JA Z E /

FACEB OOK

¿Nos van a ganar? ¿Nos van a ganar? ¿Nos van a ganar? ¿Nos van a ganar?/, /bienvenidos a Perú el nuevo campeón mundial/, es el grito que se escuchó en el último evento mundial God Level fest (3vs3) 2019, frase repartida por Nekroos, Choque y Jaze, nuestros representantes y las nuevas promesas del rap peruano.

Pero en esta ocasión les hablaré de Jaze cuyo verdadero nombre es Juan Carlos Iwasaki, que a sus 19 años se coronó como campeón mundial en este evento, realizado en tres etapas, en México, Chile y finalizando en Perú.

La carrera de Jaze en la música y como rapero inició como un hobby, cuando un fin de semana él salía con sus amigos a jugar un partido de fútbol pero decidieron llevarlo a un parque donde estaban unos chicos improvisando, su gusto por el rap se inició desde ese entonces, y cada fin de semana regresaba al parque a competir, hasta que un día lo invitaron a participar en otro distrito, lo hacía sin fines de lucro, sus ganas de aprender y el amor que le tenía a este género musical lo llevaban a participar, con su único acompañante: la mochila, una mochila donde llevaba su agua embotellada, un par de baquetas y algunos cuadernos.

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WA Z Z U /

FACEB OOK

Niña gótica del trap GABRIELA ALDAVE

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Yo fui mi primera inversora. Plata que hice, plata que invertí en mis videos y canciones”, nos cuenta Julieta Cazzuchelli, la chica de coloridos pantalones, trenzas negras y una mirada de maldad. Nació en Ledesma Jujuy-Argentina en el 1993, actualmente conocida como Cazzu que es la abreviación de su apellido, apelativo que le pusieron en la secundaria donde todos la llamaban así.

Comenzó desde muy joven a componer música, la primera influencia fue su padre que no era músico profesional.

“La música ha estado presente en mi vida desde muy chica y a los once años ya pisaba mi primer escenario, papá es músico amateur.

Más adelante mi interés se hizo enorme y empecé a experimentar en la escuela y en algunas bandas de distintos géneros a las que pude pertenecer. Ya a los catorce, en lo único en que quería ocupar mi tiempo era en esto de la música”, así lo confiesa en una entrevista para Kamo Sylla página de música trap.

Cuando culminó el colegio estudió cine en Tucumán-Argentina. Después se trasladó a la provincia de Buenos Aires con la intención de estudiar diseño multimedia, aunque su verdadero objetivo era seguir probando suerte en la música.

Desde los catorce años formó parte de varios grupos musicales y realizó varias presentaciones con diferentes

estilos (cumbia, rock, reggaetón). Pero encontró en el trap su verdadero lenguaje, el que la hizo posicionarse como una de las figuras femeninas más influyentes del género. Y fue así que durante el 2017 y 2018 llegó a Argentina la explosión del trap y con ella su resarcimiento, al usar un lenguaje filudo para hablar de temas con insinuaciones sexuales, deseos de ganar dinero y amor.

La trapera lanzó su primer tema Maldades en el 2017, canción que alcanzó más 19 millones de visitas en YouTube, en el mismo día Ay papi con la colaboración de La Joaqui tuvo 14 millones de visitas. Un día después lanza Killa como su carta de presentación de mujer empoderada y llena de espíritu, la que cuenta con más de 19 millones de visitas.

Fue su colaboración, con los también traperos argentinos Khea y Duki con el tema Loca en el 2018 la que le hizo saltar a la fama pues contaron con más de 400 millones de visitas en la plataforma de YouTube. Pero hay un antes y un después del tema Loca para el panorama de la música urbana, a la que se sumó el trapero Bad Bunny que llevó la canción a otro nivel con el remix.

Sin embargo, la fama de la chica con tatuajes de animes, atravesó las fronteras con las letras de sus composiciones hasta llegar a EE.UU., prueba de ello su nominación a los premios Juventud 2019 como artista revelación, favorita en su categoría Nuevo en EE.UU., pero conocida en casa.

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Atake Wanca MAYCOL PUMACAHUA

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uancayo es tierra de grandes músicos, existe diversidad de artistas, en los géneros del folklore, rock, chicha, etc. Varios intérpretes nacieron en la ciudad y en la actualidad son reconocidos a nivel nacional e internacional.

Remontándonos a los años sesenta, la música estaba en su época dorada. El rock era uno de los géneros predilectos de la juventud huancaína, grupos como La V Rebelión, Los Gatos Negros, Los Datsun’s, y muchas más, fueron y serán los grandes exponentes.

Hoy en día, también existe gran variedad de grupos rockeros, grupos que buscan expresar su arte, su música, pero carecen de profesionalismo. Existen colectivos como Komando Subterráneo, Huancayo Incontestable, entre otros, que realizan conciertos con bandas locales, bandas que no solo tocan canciones famosas de grupos extranjeros, sino que presentan sus temas propios, en la mayoría de los casos, canciones inéditas que aún no fueron grabadas en un estudio musical.

Luis Sarapura, músico huancaíno con más de diez años en la escena local, manifiesta que en sus inicios, allá por el año 2008, los conciertos presentaban problemas como la falta de equipos, los integrantes de las bandas tenían que pedir prestado los instrumentos. Además, cuando alguien quería grabar una canción, los estudios eran muy caros y la única opción que tenían era grabar a su manera. Pasaron los años y la escena rockera crecía más, seguían surgiendo

grupos que buscaban tener un registro de la música que hacían. Por ello, un grupo de jóvenes, con una sola idea y mucha música, decidieron formar un colectivo para montar un estudio y así poder producir sus propias canciones. Luis menciona que, en un principio, el proyecto se movería con el nombre de Botica Studios, pero fue descartado por los demás integrantes, así que decidieron cambiarlo por Atake Wanka y así mantener un solo sentimiento.

El proyecto Atake Wanka, consiste en grabar un E.P. sin costo alguno, prestándose equipos de otros estudios y otros grupos con la misma idea de trabajo colectivo. El E.P. consta de cuatro canciones en la que participan dos bandas con temas propios. En un inicio se empezó a grabar con los grupos que estuvieron apoyando el proyecto desde el comienzo, The Mocos, Kraneo de Mono, Blake Limbuzz Griss y Marca Perdida, bandas que forman parte de las primeras ediciones de Atake Wanka. Hasta la fecha se lanzaron dos E.P., el primero, Atake Wanka 001 fue lanzado el 5 de mayo y el segundo el 26 de septiembre de este año. Ambas producciones se encuentran disponibles en las plataformas digitales como Spotify.

Luis manifiesta que ahora se busca lanzar más ediciones de Atake Wanka. Actualmente se viene produciendo el volumen 3 con la participación de dos bandas reggae. También se maqueta el volumen 4, en muchas casas, en muchos estudios, con muchas personas porque todos somos Atake Wanka.

M AY C OL P UM AC A HUA

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A L E X I S C ONDOR

Música favorita de los grandes dictadores MARCO GARCÍA

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as dictaduras son etapas de la historia de muchos países, sistemas donde una sola persona gobierna con poder total, personas que se conoce como dictadores, estos tienen la facultad de ejecutar, legislar a su antojo y administrar justicia como mejor les parezca en su nación, a lo largo de nuestra historia universal existieron muchos dictadores, cada uno con sus particularidades a la hora de gobernar, pero todos con la misma característica general de querer más y más poder.

En este artículo hablaremos de los tres más grandes dictadores de la historia universal desde mi punto de vista (desde luego que usted puede diferir conmigo), el primero es el dictador de la Alemania Nazi de 1933 a 1945, Adolf Hitler, conocido también como Der Führe; el segundo es Benito Mussolini, el Duce, dictador del Reino de Italia desde 1922 a 1943; el último es el dictador de la desaparecida Unión Soviética (URSS), Ioseb Besarionis, Stalin.

Sin embargo no hablaremos de cuanta gente asesinaron durante su régimen respectivamente, cuáles fueron sus legados más importantes,

o sus ideologías de gobierno, si no de su relación con la música. Adolf Hitler, fue un hombre que admiraba mucho al filósofo Nietzsche, y este consideraba que “sin la música la vida sería un error”, que la música como arte debía buscar el espíritu humano y explorar incesantemente el melómano de buscar nuevas formas de expresión y de vivir, en ese sentido Hitler no concebía a la música como un arte para acompañar la embriaguez u otros vicios, lo concebía más como una forma de entrar en catarsis, por ello admiraba y escuchaba temas de Bach, Haendel, Beethoven, Mozart y Wagner, este último impactó más en el gusto musical de Hitler, “Es probable que no haya ningún otro músico tan ligado al nazismo como Wagner y ninguna otra música tan contaminada con asociaciones ideológicas del Tercer Reich”, escribe Borchmeyer.

Benito Mussolini, en los inicios de su dictadura era el más demócrata y liberal cuando se trató de música, pues abundaban músicos de todas las naciones, desde soviéticos hasta judíos como como el violinista Yehudi Menuhin, sin embargo todo esto cambió desde 1938 cuando comenzó una persecución sistematizada de artistas que

no concebían su modelo de gobierno.

Fue un amante de la música clásica y la ópera, su compositor favorito fue Giacomo Antonio Doménico Michelle Secondo María, Puccini, compositor que tenía una fuerte atracción por Wagner, compositor favorito de Hitler, entonces ahora sabemos que había una razón más por la cual estos dos dictadores eran amigos, la música.

Stalin, el Hombre de Hierro, pregonaba la filosofía de Karl Marx (el filósofo más influyente del mundo soviético), quien consideraba que la música es un producto social, es decir ningún compositor compone una pieza musical para escucharlo solo, o yo no escribo esto para leerlo solo, todas artes tienen un propósito en sociedad, son un medio de comunicación social que tratan de transmitir un pensamiento, un sentimiento, en ese sentido de manera sencilla la música tenía que transmitir la lucha de clases, la consolidación del comunismo para Stalin, y los músicos que más resaltaban en ese gobierno eran Oistrak, Ashkenazi, Richter, Kremer, Bhasmet, Kondrashin, Barshai, Mravinski, todos ellos aplaudidos y admirados por Stalin.

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VOL LV ENCEN T HE AV EN SH A L L

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The Wacken Open F*%k Air KEVIN CRISÓSTOMO

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éjame que te cuenta la historia que muy pocos conocen, no pienses que es una historia de terror por ser la página negra de la revista. No señor.

Esta es una historia que tuvo un comienzo negro en lo más recóndito de la Alemania y que ahora brilla cual sol en primavera, de ahí mi atrevimiento a decir que existe el paraíso para quienes osan ir contra la corriente, un espacio donde no existe lugar para típicos ritmos convencionales.

Damas y caballeros este es el Wackien Open Air. Nacido el año de 1990 en la provincia de Wacken, situado al norte de Alemania que cuenta con 2,000 habitantes, este festival tuvo en su primera edición a 800 personas como visitantes. Treinta años después, 80,000 almas metaleras de todas las naciones y culturas se conglomeran a inicios del mes de agosto con un solo propósito, el de vivir al máximo la experiencia metalera más grande de todo el mundo. Así, por tan solo tres días el pueblo se convierte en la tercera ciudad más grande en términos demográficos del Estado Federado de Schleswig-Holstein.

Ese año se presentaron bandas locales y legendarias como Skyline (fundadores del W.O.A), 5th Avenue, Ax’n, Sex, entre otros. La siguiente edición del 91 tuvo presencia norteamericana con bandas que hoy sirven de referencia para músicos de la actualidad, tales como Gypsy Kiss y Ruby red, pero sería en el 94 donde iconos del metal se manifestaron, Uriah Heep y Halloween hicieron su presentación y, de ahí en las demás ediciones del 94 hasta nuestros tiempos sus escenarios contarían con leyendas musicales de

todas las nacionalidades, Angra, Dimmu Borgir, Dee Snider, The Exploited, Therion, Ramones Mania, Kreator, Lacuna Coil, Nightwish, Childrem Of Bodom, Europe, Rammstein, Alice Cooper, Cannibal Corpse, Arch Enemy, y la lista sigue.

Bueno, y los géneros del metal que suenan son el Death, Folk, Doom, Gothic, Grindcore, Glam, Groove, Hardcore, Heavy, Power, Rock And Roll, Speed, Thrash y Symphonic.

Metallica, la mítica banda, es la excepción y la gente espera con ansias su presentación en futuras ediciones.

Los organizadores Thomas Jensen y el cofundador Holger Hübner nunca antes pensaron que el W.O.A se convertiría en la meca del metal a nivel mundial, reuniendo a bandas de lugares impensables. En la edición de 2017 la banda de Botsuana, Overtrust, hizo su presentación en la batalla del metal, logrando obtener una buena acogida en la localidad alemana.

La edición del 2019 contó con la colaboración de Trainwreck que tiene como lugar de origen, Bangladesh, mostrando su brutal sonido en tierras germanas, otra banda que hizo vibrar el escenario fue Doch Chkae de origen camboyano.

Todas estas bandas tienen algo en común, la de provenir de lugares azotados por la violencia donde la libertad de expresión es una osadía para estos artistas del metal. Así muchas bandas hacen su presentación en la batalla del metal, sean locales o extranjeras todas son brutalmente ruidosas y hacen mover las cervicales a todas las generaciones amantes del metal en su máxima expresión.

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Agustirock, inicio de un grito social CELIA AYALA

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l Agustirock es un evento realizado en el populoso distrito de El Agustino, Lima, que se inició el 12 de marzo de 1990, el cual buscaba mostrar a la sociedad las desigualdades que se vivían en las calles, la discriminación, la pobreza y el completo desinterés por parte del Estado y la Municipalidad por lo cual, un grupo de jóvenes apasionados al mundo del rock decidieron emprender un proyecto musical que iniciaría dos años antes con el nombre de Festival de Rock Popular Agustiniano; así lo recuerda Miguel Vásquez, iniciador de esta movida, agustiniano de corazón.

Mediante sonidos con cuerdas de guitarra, batería y teclado, y un parlante donado por Miguel, estos jóvenes daban un contundente mensaje a una población que a gritos reclamaban el rechazo a la discriminación. /Las calles están repletas, empuja el triciclo ambulante llamado Perú/ Letras que pertenecen al grupo Los Mojarras, un grupo pionero de este festival que se unió la tarde del 12 de marzo de 1990 y desde ese día guarda una estrecha amistad con Miguel Vásquez y con el resto de El Agustino.

Pero qué lo diferencia del resto de festivales realizados en todo Lima, pues no es solo el mensaje de la música, sino la completa autonomía que tienen y que ha permaneciendo así a lo largo de los años, es por eso que cada concierto es gratuito ya que busca la integración social. Grupos como

Los Mojarras, Simbiosis, Leusemia, Velorio, Eclipse y Sabotaje, salieron de estas calles realizando covers de rock clásico y que hoy en día han creado temas nuevos e independientes que narran la historia de peruanos que luchan por un país mejor.

Este festival no solo logró la integración de jóvenes apasionados por el rock, sino que captó el interés de diversos medios y periodistas, consiguiendo espacios en diarios y revistas de la época, como El Comercio y Caretas.

Pero uno de los periodistas que tuvo un vínculo más fuerte con el festival del distrito fue Daniel Pajuelo, quien daría a conocer a través de sus fotografías no solo las vivencias del Agustirock, exponiendo este festival a los ojos del mundo, sino que a lo largo del tiempo generaría un gran vínculo con este distrito plasmando también las condiciones de vida de sus habitantes.

En la actualidad, en el Perú existen más de 26 bandas de rock que han participado en diversos festivales, sin embargo, el Agustirock no es solo un evento que transmite música, sino que abarca diversos aspectos como la política, sociedad y educación, marcando así una diferencia en su estilo.

Pero para cambiar la sociedad no solo es centrarse en Lima por eso en su edición número 30 están coordinando realizar un tour por el interior del país, con el fin de buscar nuevas bandas de rock que tengan los mismos ideales de lucha y reclamo.

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Libertad sin expresión JULIO DÁVILA

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onocí a mucha gente que maldecía a Velasco Alvarado por frenar la evolución del rock después del golpe de Estado a finales de los 60, detuvo lo que pudo haber sido una gran ola artística y creativa del rock en el Perú. Se censuró este género en la radio y la televisión, prohibiendo actuaciones e importación de instrumentos musicales aludiendo que era “música alienante, sinónimo del imperialismo yankee”.

Si bien es cierto, la música es considerada como un arma que puede llegar a enardecer a las masas y que pone en peligro el poder de gobiernos totalitaristas y represores, tal es el caso de la música trova o de protesta. Pero es la represión silenciosa y sutil la que nos sorprende aún más: la censura en democracia.

Tomemos como ejemplo la primera enmienda de los Estados Unidos que protege y respalda la libertad de expresión, adoptada en 1791. Idealmente no existiría represión alguna, pero diversos artistas fueron censurados por situaciones que consideraríamos ridículas hoy en día. Por ejemplo, la canción God only knows de los Beach Boys no contó con difusión radial porque la palabra Lord era considerada muy sagrada para una canción popular. Por otro lado, la palabra fuck no apareció hasta 1968 en ninguna canción, por ser considerada altamente ofensiva. Si hoy en día, buscamos en google las canciones que contienen fuck nos pasaríamos días, incluso semanas escuchándolas. La verdad es que siempre ha existido gente que se escandaliza por escuchar una canción sobre masturbación o por tener una cita con Lucifer.

De alguna manera, nació así el famoso parental advisory por iniciativa de una taimada esposa de un político conservador en USA, quien pensaba que ciertas canciones degradaban los valores, formando la Parental Guidance: Explicit Lyrics. El movimiento logró una advertencia que obliga a especificar las letras explícitas en una canción o álbum.

La liberación sexual que tuvo su máximo auge en los 70 y 80 supuso un cambio en el imaginario colectivo sobre temas tabú: sexualidad, equidad de género, contestación, etc. Pero el mundo es amplio y los contextos son distintos, la libertad no significa lo mismo en todo el planeta.

Es aquí donde podríamos hacer la comparación entre Inglaterra y España, ambos países europeos y de monarquías constitucionales. Entonces, ¿en qué se diferencian estos dos países? Pues, en Inglaterra los Smiths lanzaron The Queen is Dead, que se convirtió uno de los discos más influyentes de los 80; mientras que, en España, Valtonyc por rapear /El rey tiene una cita en la plaza del pueblo, una soga al cuello y que le caiga el peso de la ley/, es encarcelado por el delito de injuria a la Corona.

Por ende, la libertad de expresión se expande cada vez más, pero a la vez es atacada por lo políticamente correcto, término que la anula por completo. La censura es tóxica y transforma al humano en un ente más hipócrita, plano y manipulable.

El ser humano no puede vivir en una pompa de jabón, cediendo ante excusas para censurar lo que incomoda y desconocer la realidad.

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GOR IL L A Z /

FACEB OOK

Por si no conoces a Gorillaz KEVIN SOTOMAYOR

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os creadores Damon Albarn, cantante y músico británico y Jamie Hewlett, compositor de canciones e historietista británico, son reconocidos por su gran trayectoria artística dentro y fuera de la banda, pero Gorillaz no solo son Damon y Jamie junto a sus músicos.

Gorillaz tiene protagonistas y a la vez, miembros ficticios que llaman la atención al primer contacto. Ellos participan de forma gráfica en los conciertos, videoclips y anuncios. Esto por supuesto con fines publicitarios y comerciales, los cuales sumados al excelente trabajo musical que los caracteriza, les permitió vender en su primer álbum más de seis millones de copias y su primero de dos Records Mundiales Guinness. Y posteriormente, sumar 13 premios y 41 nominaciones.

Murdoc Niccals, 2-D, Russel Hobbs y Noodle, son los nombres de los miembros ficticios de la banda y en su historia podemos ser testigos desde capítulos de infidelidad y secuestro, hasta pactos con demonios, y posesiones espirituales.

La primera fase de Gorillaz nos presenta a Murdoc Niccals (32 años al iniciar, 53 en la actualidad), bajista y líder de la banda, quien se involucra con un demonio llamado Boogieman para hacer un trato en conveniencia del éxito de la banda que estaba planeando crear. Murdoc –traicionero por naturaleza– no cumple con su parte del trato.

2-D (21 años al iniciar, 41 en la actualidad), vocalista y personaje más popular –por su estilo sombrío y personalidad introvertida– se une al grupo después de un par de accidentes automovilísticos que involucran a Murdoc como culpable y motivo por el cual 2-D adquiere su rasgo más característico: hifema, acumulación de sangre en la parte frontal de sus dos ojos.

Por su lado de la historia, el baterista Russel Hobbs (23 años al iniciar, 44 en la actualidad), se muda de New York después de ser víctima de una balacera entre policías y ladrones en la que todos sus amigos terminaron muertos.

Tras la catástrofe, Russel fue poseído por uno de sus amigos muertos, ganando así una nueva personalidad.

Más adelante sería víctima –también– de Murdoc, quien lo secuestra de su trabajo para mostrarle el estudio que estaba armando e invitarlo ser parte de su nueva banda.

El miembro femenino y guitarrista, Noodle (10 años al iniciar, 29 en la actualidad), llegó –por error– dentro de una caja de FedEx al primer estudio y hogar de Gorillaz: Studios Kong. Con un pasado misterioso y sin la habilidad de hablar inglés, la bautizaron Noodle, en honor a la única palabra que conocía y repetía constantemente cada vez que tenía hambre.

Por fin completa la banda, el trabajo de los miembros ficticios, no ficticios y artistas colaboradores no ha parado de ser tendencia en todo el mundo por su excelente calidad audiovisual. Siendo ejemplos temas como: Clint Eastwood, sencillo con el que debutó y se popularizó la banda, Feel Good Inc., tema con más de 325 millones de reproducciones en YouTube, y On Melancholy Hill, recomendación especial de quien escribe para quienes todavía no conocen a Gorillaz.

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Rasgos de personalidad en la música DARLING CHIPANA

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esde las civilizaciones griegas y romanas tuvimos interés por conocer cómo funcionan los seres humanos, la primera propuesta que aplacó esto fue la teoría de los humores utilizada para explicar el estado de salud de una persona a partir de su temperamento; con la llegada de la medicina moderna, este término cambio a ser nombrada personalidad, palabra que ahora es concebida como la distinción de un individuo de otro tanto en su manera de pensar, aprender y actuar.

Actualmente nuestros intereses no cambiaron mucho, ahora intentamos conocer nuestra personalidad, la influencia que tiene en nuestras preferencias, y como muchas de las características que poseemos pueden ser compartidas con otros individuos, por ello, en la investigación Rasgos de personalidad en músicos que cultivan música clásica y contemporánea, realizada en la Universidad Católica de Santa María, se planteó la pregunta: ¿existe relación o características similares entre las personalidades de músicos y la práctica de diferentes géneros musicales?

Para resolver esta interrogante el estudio utilizó el modelo de los Cinco grandes factores de la personalidad de McCrae y Costa para determinar los rasgos de personalidad de los músicos siendo estos: el neuroticismo caracterizado por la inseguridad; la extraversión que implica la sociabilidad; la apertura caracterizado por la independencia; la amabilidad que se caracteriza por la cortesía; y finalmente la responsabilidad donde se mide su confiabilidad.Se descubrió que

un factor destacado en los músicos contemporáneos es la extraversión siendo ellos más locuaces, independientes y divertidos, que los de música clásica.

En cuanto a la edad, se determinó que mientras más adulto sea el compositor su factor de apertura es más bajo lo que significa que es menos osado y creativo, esto en el rango de edad de 36 a 50 años.

En lo que se refiere a género (masculino o femenino) de los músicos, se concluyó que no existía relación alguna con los rasgos de personalidad.

En cuanto a la relación a la ejecución de un instrumento, los músicos que tocaban la percusión obtuvieron niveles altos en factor de extraversión y apertura; en tanto a la relación afectiva, los músicos que tenían pareja presentaron un alto nivel en el factor amabilidad que el que era soltero, destacando en ser bondadoso, cortés, confiado y tierno. Una relación que también se abarcó, es tener ocupación, sea trabajo o estudio, los músicos que tenían un trabajo extracurricular presentaron un nivel significativo de responsabilidad, organización y cuidado a diferencia de los que solo estudiaban.Este estudio se llevó a cabo en la ciudad de Arequipa, con la participación de 80 estudiantes que cursaban los últimos semestres académicos en estudios musicales. Así se demostró una vez más el interés por la personalidad y la influencia de esta, concluyendo que sí existe relación entre las personalidades de músicos y la práctica de diferentes géneros musicales.

EL IDIOM A DE L OS DIOSE S

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ROSALY JURADO

Temperamento de la música

ROS A LY JUR A DO & K E V IN S O T OM AY OR

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as personas nacemos con un temperamento imposible de cambiar y al que se suman otros rasgos formando a cada uno, el temperamento sería la esencia individual, del mismo modo, cada composición musical tiene un temperamento que al combinarse con otros factores dan como resultado las diferentes melodías. Esta esencia, son las escalas modales.

Las escalas modales podemos dividirlas en tres grupos según los acordes que predominan: mayores, menores y menor especial. Dentro de los mayores están los modos: jónico, lidio y mixolidio. Los menores incluyen a los modos dórico, frigio y eólico. El único modo dentro de menor especial es el locrio.

Empecemos por los mayores, los caracteriza el sonido alegre. En el caso del jónico, lo que le identifica es que, si en base a la quinta nota, se añaden cinco tonos, esto hace que el modo dórico suene alegre y muy armónico, como Cumpleaños feliz que cantamos en toda celebración de onomástico y es muy difícil tener una expresión totalmente seria en el rostro y es, tal

vez, la razón por la que es perdurable. Por otro lado, está el modo lidio, la peculiaridad de este modo es que la primera y cuarta nota están separadas por seis semitonos, lo que produce un sonido místico e inspirador, por eso lo utilizan mucho para bandas sonoras como el tema de E.T. que transmite ese sentimiento de asombro.

Terminando con este grupo, está el modo mixolidio, que es similar al dórico, excepto por el penúltimo intervalo, que es medio tono menos; lo que elimina la característica del jónico. Esto es lo que hará que el sonido sea menos alegre que los anteriores, y a la vez, un tanto despreocupado; como es el caso de Sweet Child of Mine de Guns n’ Roses, que es alegre, pero a la vez nos da un aire de oscuridad.

En el caso de los menores, tienen un sonido triste. El primero es el eólico, es medio tono menos que en el acorde mayor (jónico); esta característica le da melancolía, por ejemplo, en el tema de Piratas del Caribe, que da la sensación de nostalgia al alejarse de la vida cotidiana para emprender una aventura. Luego se encuentra el modo dórico que, al estar entre el mixolidio y el eólico, tiene un poco de ambos, mezcla el penúltimo intervalo que le da la sensación de despreocupación, con el componente de tristeza por el acorde menor; de esta forma suena entre feliz y triste, como en el tema de la fuerza, en Star Wars que, al escucharlo, sentimos algo de tristeza y a la vez un rayito de esperanza y felicidad. Finalmente está el modo frigio, que se caracteriza por utilizar el modo eólico y disminuir a la segunda nota medio tono, esto hace que el sonido sea misterioso y hasta malévolo, por eso lo utilizan en el tema principal de la serie Rick and Morty, dando una sensación de misterio.

Terminando con los modos, está el locrio, que tiene como característica principal la quinta disminuida, lo que quiere decir que el acorde tiene tres tonos de diferencia entre la primera y quinta nota.

Esto es lo que produce un sonido muy oscuro, y con mucha tensión, y por lo mismo mucho menos utilizado en la música actual y mucho menos en una composición completa, por ejemplo, el verso de Symptom of the universe de Black Sabbath.

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DEYANIRA GÁLVEZ

F ICCIÓN

Vértigo

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ólo ahora que tengo un poco de tiempo puedo hacer el esfuerzo de recordar con tranquilidad y serenidad todo lo que pasó. Sólo ahora que tengo un poco de tiempo y más lucidez puedo recordar la mañana de ese día.

Un rostro viéndome con una sonrisa angelical detrás del ventanal de un café, como si sintiera compasión por mí. Lo recuerdo vagamente, no presté atención, me pasé de largo y continué con mi caminata buscando cigarrillos.

Mi ansiedad a veces me llevaba a necesitar desesperadamente un cigarrillo, pero nadie vendía uno por el centro de Lima a esta hora. Estaba a punto de rendirme cuando me distraje con esas alhajas que venden los extranjeros. O mejor dicho, me distraje con los extranjeros que venden esas alhajas. Tenían mucha suciedad en el cabello, ropa desteñida, sucia, pero bien decorados, eso sí, con esas alhajas que ellos mismos venden.

Se veían como maniquíes que lucen lo que venden, que ofrecen lo que venden. Un escalofrío cargado de ganas de fumar me sacó del trance, y mi mirada coincidió con la de uno de estos foráneos, que sacaba una pipa de debajo de una manta, la encendía, inhalaba y “volaba”. Seguramente en ese momento mi ansiedad le ganó la batalla a una mal impuesta decencia que mi abuela había intentado cultivar en mí durante los últimos meses. No recuerdo el tono ni las palabras que usé, pero debieron ser eficaces, mi memoria hace un salto (¡ja!, un salto) hasta la avenida Wilson.

Me vuelvo a ver caminando, con la pipa en la mano derecha. A lo lejos veo a una chica que se me hace familiar, camina hacia mí, viéndome a los ojos.

Detrás de ella está un señor gordo, con la cara medio deforme por el esfuerzo que hace al cargar unos espejos de cuerpo entero. A ella la ignoro, no me gusta que me vea con tristeza, como la mayoría.

Sigo caminando, pero ya cansada. Igual que mi memoria.

Seguro por eso mi siguiente recuerdo es un parque muy cercano a uno de los hoteles más caros de la ciudad.

Estoy sentada en una banca viendo salir, como diría mi abuela, “gente de bien”, dándole la mano a maletas que parecen avanzar solas, con sus diminutas rueditas; cámaras colgadas en el cuello, lentes de sol en la cabeza. Algunos me ven y se delatan con gestos torpes de querer aparentar normalidad, se nota que sienten esa mezcla rancia de miedo, pena y empatía. Mis recuerdos se interrumpen por voces desesperadas. Son los médicos. Siempre están en estado de alerta, llenos de estrés, euforia y desesperación. Las enfermeras igual. Prefiero ignorar, y seguir recordando ese día.

MEN TA L F L OS

Estaba en la banca, admirando la altura del edificio, siempre había querido subirme a uno de esos, ver la inmensa ciudad desde arriba, sentirme grande. Seguro mi mirada expresaba mi deseo, porque escuché una voz al costado.

—Puedo acompañarte si quieres subir— era una chica de voz traviesa, que veía también a lo alto.

—No podría, soy ajena al mundo de la “gente de bien”— le respondí riendo.

—No necesitas ser “gente de bien”, sólo aparentar ser uno de ellos, no van a ver tu historial, sólo te ven superficialmente, ven, vas a recordar siempre lo genial que es lanzar ahí arriba— me jaló del brazo y no tuve opción, tampoco quise tener opción.

La seguí en estado automático, recordando lo mucho que mi abuela había intentado hacer de mí una chica “hecha y derecha”, y lo mucho que yo había fallado en el intento y la última razón para sentirme miserable por eso, fuera de las miradas de compasión, estaba en la droga metida en la pipa que estaba fumando. Otra laguna mental.

Mi recuerdo me ubica en lo alto del Sheraton, yo vestida con una capa negra, la chica que me ayudó está a mi lado, vestida igual que yo, la recuerdo y pienso que se llama Paola, seguro que en algún momento dentro de la laguna en mi mente me lo dijo.

Fumamos de la pipa que el extranjero me regaló, es más fuerte de lo que normalmente fumo porque me hace sentir que mis pies no tocan el suelo. Paola tenía razón, podría olvidar todo, menos lo genial que se siente fumar y sentir vértigo al mismo tiempo. Veo toda la ciudad, casas, árboles, y al fondo, una parte pequeñita del mar.

Mi vista va desenfocando el panorama y poco a poco las casas se van convirtiendo en personas, en miles de personas que gritan que me lance, ellos me van a sostener, como a los grandes artistas, escucho mucha euforia, gritos, ovaciones.

Me ubico justo al filo de la azotea, puedo ver a la gente filmando con sus celulares, algunos desde otros edificios aledaños, todos quieren verme. Ante tanta algarabía, decido complacer a mi público.

Me despido de Paola, que me mira desde atrás, identifico en ella la misma mirada que he visto en el ventanal del café, en la mañana, y la misma mirada que vi en los espejos del señor gordo cuando caminaba por Wilson.

La misma mirada que me recrimina mil veces el no haber sido esa única esperanza que mi abuela había puesto en mí, esa mirada de culpabilidad que encuentro en cada reflejo, en cada espejo.

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