INBOX V by Jhony Carhuallanqui

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INBOX Año III – N° 5 / Julio 2018

EDITORIAL Enfrascados en una carrera profesional que muchos dejan de lado por prejuicios que no valen la pena mencionar. Por el lapso de cinco años descubrimos que la tarea de un comunicador es más que escribir y reportar en directo para una casa informativa, somos más que eso, somos una generación llena de sueños, con metas ambiciosas, tal vez no cambiemos el mundo, tal vez no cumplamos el cliché “el futuro del país” pero, ya estamos cambiando nuestras vidas y la forma de ver la realidad que nos rodea. Por algo teníamos que empezar.

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DIRECTOR Jhony Carhuallanqui Carhuamaca Jhony.by.cc@gmail.com EDITOR GENERAL Jorge Yoel Jaime Valdez CONSEJO EDITORIAL Cristian Ccente Contreras Aldahir Rivas Villalva Kevin Pérez Llacza DIAGRAMACIÓN Aldahir Rivas Villalva IMAGEN PORTADA Kevin Pérez Llacza EQUIPO INBOX X Semestre / 2018 –I Cristian Abanto | Milagros Valenzuela Paola Aliaga | Evelyn Chimpay Sherly Cahuín | Jacqueline Paitán Antony Cajachahua | Yessenia Ychpas Cristian Ccente | Aldahir Rivas León Chaupis | Thalía Molina Yanella Cueva | Jackhelyn Pérez Yonatan De la Cruz | Paul Melchor Mirian Durán | Judith León María Huamán C. | Kevin Pérez Patricia Huamán P. | Daniel Quintana Ricardo Toribio | Sheyla Zúñiga Sara Marín Reneé Mucha Pilar Pacheco

Gracias a nuestra formación universitaria hemos podido sentarnos a escribir un conjunto de crónicas y artículos que esperemos sean de su agrado. No tenemos la certeza de haber dado con lo mejor de cada uno de los personajes que hemos seleccionado, pero nuestra perspectiva evidencia nuestra relación con cada uno de ellos, nuestra admiración por un personaje o pedazo de historia que seguro cada uno debe de tener; refleja lo que sentimos mediante nuestras líneas. Ya se acaba una etapa más en nuestro paso profesional. Es claro que se acerca una incertidumbre, nuestra inseguridad se manifiesta, sin embargo, caerán en cuenta que poco a poco su camino se estará formando, con nuevas experiencias, nuevas personas. Descubrirán que los cimientos que les han dado en esta facultad de Ciencias de la Comunicación harán su trabajo por sí solos. Cada uno es el responsable de saberlos utilizar.

Consejo Editorial HECHO EL DEPÓSITO LEGAL EN LA BIBLIOTECA NACIONAL DEL PERÚ Nro. 2017-00635 ISSN Nro. 2520-3568 © Todos los derechos reservados. Prohibida la reproducción total o parcial por cualquier medio sin la autorización del Director o Consejo Editorial. Impreso en ………… RUC Nro. …….. Dirección ………. Huancayo – Perú INBOX V es una publicación de los estudiantes del X semestre de la asignatura de Taller de Prensa II de la facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Nacional del Centro del Perú (UNCP). Es un producto que forma parte de las actividades de Acreditación. Su contenido refiere temas relacionados a los diferentes ámbitos de la comunicación (cine, fotografía, literatura, arte, medios, consumo, publicidad, etc.), los mismos que son redactados en un estilo personal enmarcado en los géneros y especies periodísticas propias de la formación profesional que pueden ser apreciadas por cualquier persona interesada en la temática abordada.

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El legado de “Piquito de oro” Por Reneé Mucha Vázquez

s el periodista más conocido de la Ciudad de Jauja. Posee en sus venas la tinta pura para escribir la historia de una noticia. Desciende de una familia de periodistas. Aprendió El mejor oficio del mundo junto a su padre el popular “Piquito de oro”, llamado así por su imponente voz. Las angostas calles de la primera capital de Perú fueron maestras perfectas que le enseñaron lo más noble y vil de esta profesión. Fue reportero de los diarios La República y Correo de Huancayo por más de 15 años. En su trayectoria entrevistó a diversos personajes, desde humildes indigentes hasta expresidentes de la República, tales como: Alberto Fujimori, Alan García, Alejandro Toledo y Ollanta Humala, cuyas voces quedaron registradas en su grabadora portátil de cassette marca Panasonic.

Jorge Arturo Cárdenas Calzada, más conocido como “coco”, nació en la ciudad de Jauja el 15 de junio de 1961. Actualmente es dueño de la emisora CCN Radio 94.5 FM - Jauja, donde junto a su esposa e hijos conducen el programa Revelación. Un hombre inteligente, intrépido, solidario y muy alegre, que en más de 35 años el micrófono y su libreta de apuntes han formado parte de su vida.

Cortesía de Jorge Cárdenas

Inicia contándome sobre su incursión en el periodismo: “A mis 21 años empecé difundiendo comunicados y avisos publicitarios en las horas vacías del noticiero Trece Horas a través de radio Difusora, programa donde mi padre era director y conductor”, recuerda con precisión y claridad. Su pasión y vocación por el periodismo hizo que años más tarde condujera su propio programa radial de nombre Revelación, tras haber compartido el micrófono por años con el popular “Piquito de oro”, su padre. El legado ya se presentía.

comento: “El periodismo es publicar lo que alguien no quiere que publiques”. Nos reímos juntos. Jorge tuvo dificultades en el uso de la tecnología, recuerda con gentileza “me costó mucho abandonar mi máquina de escribir, la cual me acompañaba todas las madrugadas para redactar mis notas”. Hace cuatro años comenzó a escribir en la computadora. Algo muy difícil para él, pero termina diciendo “uno logra adaptarse”.

Entre Jorge Cárdenas, el periodista, y Jorge Cárdenas el papá, existe Como periodista calcula tener 15 de- una brecha muy distante. El perionuncias. Le pregunto en ese instante dista es amable y carismático, el pa¿cuál de ellas recuerda más?, con una dre asciende a los nevados más altos sonrisa sarcástica responde “todas, para convertirse en frío y terco con jaja, son casos similares, se trata de su familia. “En primer plano está dos ex alcaldes provinciales: El pri- su público, y en segundo plano está mero fue con Luis Balbín Martínez y su familia”, dice su esposa Marleluego con Teódulo Castro Villarroel, ni Mayta, mientras su rostro se llelos dos me denunciaron por delito na de nostalgia. Me pregunto en ese de difamación, gajes del oficio”. Re- instante, si el valor de la profesión cuerdo en ese instante una frase y le es más que el de la familia.

El periodista jaujino más popular de las últimas décadas en el País de Jauja, me recibe en su sala junto a su esposa, viste un saco color beige, pantalón jean azul y una camisa a cuadros diseñado especialmente para su cuerpo acartonado. De pie y junto a su sillón me extiende la mano y dice “oiga colega buenas tardes”, las canas se hacen evidentes a sus 56 años, sonrío en ese instante, y es así como inicia la entrevista en un ambiente familiar. Cortesía de Jorge Anca

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Luces y sombras de la

mujer tallada en arcilla

Por Mirian Durán y Judith León

os vecinos no la conocen, y menos la población de la región. En una calle no asfaltada del distrito de Pilcomayo, encontramos la casa de María Soledad Cerrón Tineo, un inmueble que resalta a toda vista. Tallados de barro en material rústico, una puerta de metal, con una especie de aldaba gigante, que parecía una herramienta enorme para arreglar algún objeto. Tocamos la puerta, y María Soledad abre en pocos minutos. Ella, una mujer con ojos achinados y rulos definidos, nos recibe con una sonrisa, como posada para una fotografía. Lleva un chaleco, que nos recuerda que nos encontrábamos en Waytaq Allpa, el Centro Cultural Artístico de Investigación.

- ¿Quiénes son? ¿A qué debo su visita? en un tono amable, nos formula preguntas viéndonos con una sonrisa. - Somos estudiantes- respondimos. Rápidamente empezó la exposición, como lo haría con todas las personas que visitan Waytaq Allpa. Sus palabras eran como las de un “comerciante”, como si ofreciera un producto. Y mientras nos explicaba a grandes rasgos, el realismo de sus esculturas a base de arcilla, nos sumergía a muchas suposiciones de su arte. La mayoría de sus obras, son mujeres andinas, con la mirada hacia arriba, como si esperaran un milagro. ¿Quizá era ella retratada de diferente aspecto, pero con el mismo sentimiento? María Soledad, ayacuchana de nacimiento, es una artista que expone en sus esculturas, la belleza y cultura de la mujer andina. Ella y su esposo Clodoaldo Alfaro Allende, quien también es un artista plástico ayacuchano, están sumergidos apasionadamente en el arte. María prefiere no hablar mucho de su esposo, y sin muchos rodeos nos sigue mostrando sus obras, explicando qué contienen. Pasaban los minutos y aún no había confianza. Un intercambio de palabras era indispensable para aclararnos muchas dudas. Algo ajenas seguíamos apreciando su arte, cuando nos muestra las wankitas, y nos enfatiza que ella no imita a nadie, que todos son propios. Si bien las wankitas se ven igual, recalca que para ello se utilizó moldes, pero hechos por ella. Esas “muñecas andinas” miran hacia arriba, no por pedir algún milagro o por soberbia, como muchas personas – como lo pensábamos –, sino porque es un problema de ensamblaje. Con algo más de familiaridad, nos da a conocer que retratar a sus hijos es muy especial, y que como artista es inevitable no hacerlo. Entre sus obras se encuentra Travesuras de Urpi, quien es su hijo pequeño, el único varón que retrató.

Judith León

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María dice ser de Vilcashuamán, pero no lo es. Sin embargo, ella se identifica con corazón y alma con el lugar. La tierra de los carnavales, Vilcashuamán fue quien la vio crecer artísticamente en sus primeros años con la escultura. Desde muy pequeña, se interesó mucho por los dibujos, incluso robó uno, todo para poder dibujarlo en casa. La confianza va creciendo mientras avanzamos. Cuadros pintados por ella decoran el lugar. Un estilo surrealista, según nuestra percepción, pero que ella menciona que no lo es, que todo salió del entorno, y de las costumbres de nuestro Perú. Reflejando así, nuestro poco conocimiento de corrientes artísticas. Un poco más emocionada, nos dirigimos a su espacio de trabajo, donde se inspira y pone los sentimientos en cada obra de arte. Ni bien entramos, el ambiente cambia por completo, más natural, lleno de plantas y flores. Se puede ver dos talleres, uno alejado de otro. Los dos espacios no son tan distintos, uno es de su esposo Clodoaldo Alfaro y el otro de ella. Otra vez evita hablar de su pareja, pero indica que en muchas ocasiones han trabajado juntos. Ella se encargaba de los detalles y él de la forma y la fuerza de los personajes que retrata a base de “barro”.

Melodías ayacuchanas nos dan la bienvenida al taller. Un área donde figuran las herramientas de modelado, pintura y refinado. Todo ello que obliga el proceso de la cerámica artística, hasta la obtención del producto acabado. Pamela y Karen son personas que ayudan con el pintado de pequeñas máscaras de danzas tradicionales como el de la Chonguinada, Tunantada y Huaconada. En una de las tres mesas de trabajo ubicadas en forma triangular, algo destaca y nos invita a apreciarlo. Una escultura de una joven recostada a base de arcilla. Tiene recién un día y es algo escalofriante y emocionante por su realismo; es su actual trabajo al cual dedica tiempo y sentimiento. En un intento de autorretrato, realizó una escultura en la misma posición. Dice que al momento de hacerlo puso en ello todas sus emociones. Tiene expresión y postura de cansancio, como una sirena descansando en una piedra de tanto nadar. -Es un pedido especial, para un regalo de cumpleaños- menciona. María se jacta de su talento innato, no fue a ninguna institución para aprenderlo, fue la experiencia y su amor por el arte, que la llevó a ex-

DESDE MUY PEQUEÑA, SE INTERESÓ MUCHO POR LOS DIBUJOS, INCLUSO ROBÓ UNO, TODO PARA PODER DIBUJARLO EN CASA. plotar sus más grandes deseos. No hay duda de que ella también aprendió de su esposo Clodoaldo, que, por cosas del arte, se conocieron y decidieron vivir de su talento. María Soledad y Clodoaldo Alfaro, llegaron a Huancayo para valorar nuestra cultura. María en la actualidad está más enfocada en la producción de wankitas, sicaínas y jaujínas, que son esculturas cerámicas de la mujer del valle de El Mantaro. Por otro lado, también tiene obras resaltantes hechas a base de arcilla como, Alegoría a Arguedas, Yacumama, Máscara de lágrima y Travesuras de Urpi. Ella es María Soledad Cerrón Tineo, una mujer dedicada al arte que en sus trabajos encierra identidad cultural, un soporte estético, un lenguaje artístico en la cerámica, con un fervor único que destina para crearlas.

Judith León

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Escribir sin darse cuenta

Por Antony Cajachahua y Yessenia Ichpas reo que en verdad no tendría nada que preguntarle si descendiera al inframundo. La admiro por lo grandiosa que es, una espada perfecta, cortante, que me hacía desear que el tiempo se pare o vaya más de prisa. Así era leer a Blanca Varela, y por eso la quiero, por el tiempo del descubrimiento, cuando apenas había leído Puerto Supe, que se había publicado 33 años después de que Blanca Varela naciera en Lima el 10 de agosto de 1926. Ese en que el hijo ya no vuelve a la casa vacía, que era su cuerpo.

Las experiencias vividas, alguna escena de una película, el vivir mismo, todo era fuente para escribir, Blanca decía que era la manera misma de ser, de estar en el mundo, de existir en él y que le permite recrearlo. Su poesía era observadora, minuciosa podría decir, sin adornos, directa hasta llegar a un punto en el que se le califica de dura; Blanca siempre aceptó este hecho, no era sentimental. El viaje a París que realiza junto a Fernando de Szyszlo, cuando ella tenía 23 años, marca su vida como poeta. Cuando estudiaba en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos se codeó con personajes que pronto llegarían a ser la Generación del 50, compañeros de generación como Javier Sologuren, Jorge Eduardo Eielson, Sebastian Salazar Bondy. Llegan a Francia en el furor de la posguerra. Era estar en el centro del remolino de “grandes” de la litera-

tura como Octavio Paz, Jean Paul Sartre, Simone de Beauvoir, entre otros. Fue la distancia de su patria, la que la acerca más que nunca a su poesía, a su poesía y a su país, el observarlo todo desde un punto imparcial, objetivo, dan como resultado a su primer poemario, Ese puerto existe. Luego vendrían Luz de día (1963), Valses y otras falsas confesiones (1972), Ejercicios materiales (1993), El libro de barro (1993) y Concierto animal (1999). Blanca se casó, es cierto; con un pintor, y tuvo dos hijos, con el mismo pintor. Blanca decía que: “es terriblemente animal tener un hijo”. La maternidad cambió su vida, la llenó de responsabilidades, la encerró junto a su libertad, pero, es en este momento en el que se redescubre como mujer y pasa a asumir placenteramente el rol de madre. El acontecimiento más desgarrador de su vida ocurrió en 1996, cuando su

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Alicia Benavides

“ES TERRIBLEMENTE ANIMAL TENER

UN HIJO” hijo Lorenzo muere aparatosamente cuando el avión, vuelo Lima–Arequipa, colapsa. Muerto su hijo más querido, se quedó muda, su vida tuvo más o menos dramas que el de todas las personas, pero, sobre todo el de las personas que escriben. La muerte de su hijo toca todas las fibras sensibles del alma de Blanca, ella realiza su mejor poesía en esta etapa de tragedia. Como bien decía: “el arte es una manera de sobrevivir” y resultó ser cierto, la poesía fue el bote salvavidas para el mar de dolor en el que se ahogaba. La expresión de la palabra fue fácil, muchas veces solía escribir sin darse cuenta, puede que haya influido

Archivo Blanca Varela

que desde muy niña había leído clásicos de la literatura o que su madre fuera compositora o la anécdota de confesión al cura en 1938, a quien le dijo que, por ese entonces, estaba leyendo Naná; el religioso horrorizado le mandó a que quemara el libro, obviamente ese fue el final cortante con la religión.

tos. La poesía no depende de quien la escribe, sino, de cómo se escribe y con qué fin se escribe.

Desde ese entonces su creencia se encontraba más segura en la vida, en los acontecimientos, de ahí su observación fascinada del mundo, de lo corriente, triste y crudo que se mostraba ante ella. La sinceridad fue su herramienta, no existían rodeos para ella.

La existencia misma es difícil, y es la poesía misma, muchas veces dura también. Todos los versos, las frases salidas de su vida anecdótica, son parte de la mujer que sufre y contempla lo sufrido, del amor, del ser amado, de la pérdida, de los seres perdidos en el tiempo y olvido, los amores que no se van y que retornan para sacudir la tranquilidad con la que se observa y se vive la vida.

Blanca hablaba de la muerte, no le tenía miedo, es más, le generaba el instinto de aventura; también de los animales, de su amor por ellos y su distancia también, no le gustaba tenerlos cerca, pero disfrutaba de la observación, de la pureza de sus ac-

“EL ARTE ES UNA MANERA DE SOBREVIVIR”

En su vasta trayectoria como poeta, recibió diversos premios, pero, se logró consagrar con, el “Octavio Paz” y el “Reina Sofía”, pese a no ser

un fin que buscaba, solo intentaba escribir, nunca buscó hacer carrera como poeta. Tres años después, en marzo de 2009, Blanca muere a la edad de 82 años. Particularmente siempre me gustó como leía Monsier Monod no sabe cantar, con tu boca triste, de tonos melancólicos, pausado, hasta cauteloso a la hora de contar, a lo mejor una anécdota, y hasta la confesión que se dice con una voz apenas audible. Blanca tenía la magia de convertir los sentimientos en palabras, y es esa la facilidad con la que escribió una de las líneas más hermosas que yo haya podido leer y que en parte quería transmitir, y no podía, ella ya lo había escrito con mucha anterioridad, en el cuarto párrafo de su obra, y que refleja lo poco o lo mucho de los complicados sentimientos humanos; “querido mío, adoro todo lo que no es mío, tú, por ejemplo…”

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Chan-Wook Park:

La tragedia de la venganza Por María Huamán y Kevin Pérez

amine para la casa de un amigo, me llamó desesperadamente para mostrarme una película de esas que no se encuentran aquí. Llegué lo más rápido que pude, al parecer ya lo había visto, lo noté por su aspecto alegre y satisfecho. Me senté cómodamente en su sofá, solo bastó que presione play para trasportarme en una trilogía de locura, desesperación y el ingrediente principal: la venganza.

El director de estas películas es el surcoreano Chan-Wook Park, su mirada de la venganza no son las típicas historias donde el personaje principal busca deshacerse del antagonista, que usualmente lo queremos ver muerto; lo que él busca es que el espectador se conmueva con los actos más extremos de sus personajes. “Trato de abordar la violencia como algo aterrador, doloroso, no como algo hermoso, cool, que tiene una función de catarsis”, menciona Park en una entrevista.

Sympathy for Mr. Vengance (2002), Old Boy (2003) y Sympathy for Lady Vengance (2005), son películas que giran sobre un mismo eje, pero se desarrollan de manera diferente. El primer disco se reproduce, la historia de Ryu no es como las otras, el solo desea salvar a su hermana que necesita una donación de riñón; no le consume el deseo de venganza. La primera parte es algo “lenta”, pero es solo para sentir empatía con la historia de estos hermanos.

Kevin Pérez

Ryu es sordomudo, alguien amable y atento con las demás personas, que al no encontrar la forma de conseguir dinero, decide secuestrar a la hija de su jefe. Lo inesperado empieza a ocurrir rápidamente; la tragedia, el incinerante de la venganza. Su hermana descubre lo que esta haciendo Ryu y decide suicidarse.

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Ryu lleva el cuerpo de su hermana al rio donde quiso que descanse su cuerpo. La niña juega en el borde del puente, se resbala y muere. Ahora la película no es más que violencia pura, los personajes se dejan llevar por sus bajos instintos: golpes, tortura, asesinato, todo en pro de la venganza.

Kevin Pérez

Old Boy, en contraparte, nos lanza directamente al hecho violento, el protagonista Oh Dae-su, es encerrado por 15 años en un pequeño cuarto sin saber el motivo. Llanto, desesperación y locura se mezclan para que pueda sobrevivir, al salir lo único por lo que vive es la venganza. Chan-Wook Park no solo mejoró la trama con respecto a la anterior, opta por una fotografía surrealista que aporta a la historia, la secuencia más icónica es cuando Oh

“TRATO DE ABORDAR LA VIOLENCIA COMO ALGO ATERRADOR, DOLOROSO, NO COMO ALGO HERMOSO, COOL, QUE TIENE UNA FUNCIÓN DE CATARSIS”

Dae-su decide pelear solo con un martillo y los puños con un grupo de personas; la cámara hace un seguimiento a toda la acción. El último disco se reproduce, en esta historia la protagonista es una mujer que no solo busca venganza, sino encontrar a su hija que la abandonó cuando fue a la cárcel. Esta vez el antagonista es un asesino en serie que se aprovechó de su condición de profesor para torturar y asesinar a sus alumnos, niños menores de edad. Kum-ja lo encuentra y decide someterlo a juicio de los padres. Escuchan las cintas de sus hijos, sus últimas palabras. El miedo y el odio brotan de los corazones de los padres, cada uno lleno de ira decide apelar a su lado más salvaje para acabar con el profesor. Uno de los puntos aditivos de esta trilogía es como el director sabe jugar con las emociones del espectador,

Kevin Pérez

gracias a un buen guion estructurado con el fin de que cada quiebre sea sorpresivo o emotivo. Logra el propósito de compenetrar con los personajes y va más allá de un hecho cotidiano. En cuanto a la fotografía, es usual ver en las escenas de acción una tonalidad surrealista haciendo que los hechos sean digeribles a pesar de lo crudas que pueden llegar a ser. En las tres películas, un giro extraordinario, un golpe traumático, generalmente relacionado con la pérdida de una persona amada, transforma a personajes comunes y corrientes en monstruos sedientos de sangre, dotados de fuerza extraordinaria y genialidad maligna. Purificado por el dolor, surge un prototipo de ser insensible y poderoso que consagra su vida a cumplir una sola tarea: la venganza. Un imperativo sádico que está más allá de toda ley y moral, parece apoderarse, entonces, de esos personajes que pretenden ocupar el lugar omnipotente del Dios castigador.

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La eternidad en

aimara “Una eternidad siempre se puede empezar de nuevo”

Facundo Cabral

Por Cristian Ccente y Aldhir Rivas

l largometraje de ficción y la literatura guardan algo en común, el recrear una historia a base de la realidad, que a la vez puede ser una porción imaginaria que el autor te quiere contar, y su credibilidad está dentro sí misma. Esto se refleja claramente en la narrativa que presenta Wiñaypacha, una película que hasta el momento no se encuentra disponible en internet ni tampoco en el círculo de la piratería, lo cual me atrevo a confirmar porque extendí mi búsqueda en todos los lugares que tuvieran exhibidos los discos a precios módicos, que reproducen ilegalmente, pero a sabiendas de que muchas personas consumen este material, mi cargo de conciencia no es tan pesado aunque mi recorrido no contó con éxito alguno; a pesar de que la película ya se estrenó hace un mes en diez salas de cine dentro de todo el terri-

torio peruano: Lima, Puno, Juliaca, Arequipa, Huancayo y Cusco.

Tal vez suene extraño que una película peruana que no es comercial tenga presencia en cines como: Cineplanet, Cinépolis, Cinemark, Cinestar, pero así fue, siendo estrenada el 19 de abril de 2018. Todo empezó gracias a la premiación de 30 mil soles que recibió por parte de la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios (DAFO) en 2017, institución del Ministerio de Cultura del Perú que también le otorgó 400 mil soles para su realización el año 2013; entonces se podría deducir que en cinco años se produjo Wiñaypacha, mas esto no es cierto ya que en el 2017 ya estaba terminada y se presentó por primera vez en agosto en el Vigésimo Primer Festival de Cine de Lima, proyectándose solo dos veces

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dentro de este festival y desde ese momento vislumbró la gran acogida que tendría y hoy somos testigos de ello. Son más de 40 apreciaciones positivas que tiene la ópera prima de Óscar Catacora (director del largometraje) en internet, diarios, revistas, entrevistas; la mención de ópera prima es merecida porque recibió tres premios extranjeros en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG), el jueves 15 de marzo el premio Federación de Escuelas de Imagen y Sonido de América (FEISAL), al día siguiente, el Premio Mayahuel por Mejor Fotografía y el Premio a Mejor Ópera Prima. La historia nos narra la vida de dos personas indígenas de la región Puno. Es importante reconocer que en el mundo hay 370 millones de indígenas (ONU, 2009), en Latinoamérica

principales, no tenían conocimiento en absoluto de lo que concierne una grabación, para definirlo mejor la llamaremos “espada de doble filo”, si bien no sabían actuar, en ningún momento lo hicieron, Rosa Nina (Phaxi) y el abuelo de Óscar, Vicente Catacora (Willka), mostraron las vivencias y el sufrimiento de las personas de avanzada edad: la salud deteriorada, extrema pobreza y abandono familiar. Muestran su día a día con una naturalidad muy firme, ellos son un complemento con el lugar donde se encuentran, el ambiente melancólico, el cansancio de tener que trabajar a su edad. Catacora no deja de lado la discriminación que sufren las personas del ande por las grandes ciudades. Phaxi refleja el sufrimiento de una madre que se ha quedado sin hijos, ella se enfunda en resignación, en cambio Willka como cualquier padre es más cauto; aceptan su destino, comprenden las razones de la partida de su primogénito.

Cristian Ccente

TAL VEZ SUENE EXTRAÑO QUE UNA PELÍCULA PERUANA QUE NO ES COMERCIAL TENGA PRESENCIA EN CINES COMO: CINEPLANET, CINÉPOLIS, CINEMARK, CINESTAR.

mejor calidad de vida y ha prometido volver con sus padres, esta es la sinopsis de Wiñaypacha, película grabada íntegramente en el idioma aimara y por tanto los cuatro nombres antes mencionados (incluido el título de la película) también están en aimara y traducidos al castellano son: luna, sol, estrella que ya no brilla y eternidad, respectivamente. No solo la grabación se realizó en aimara sino el director y el equipo de producción (en su mayoría) la tienen como lengua materna.

670 pueblos indígenas (Banco Mundial, 2007) y en el Perú aproximadamente 4 millones, de los cuales más de 400 mil son aimara hablantes (Indepa, 2007). Willka y Phaxi son dos ancianos aimaras que superan los 80 años, esperan el regreso de su único hijo (Antunku) que ha migrado a la ciudad en busca de una

En la trama se muestra la conexión especial que tienen los personajes con su entorno; ubicados entre cerros cubiertos de neblina, los personajes reflexionan, mantienen diálogos llenos de cadencias propias del aimara. La ventaja que fue aprovechada por la producción fue que sus actores

Óscar Catacora demuestra una realidad latente dentro de su ópera prima, aunque no es el eje central, pero es un mensaje implícito con bastante sentido emocional: el abandono a personas de la tercera edad. En nuestro país el Ministerio de Salud reportó que entre el 2012 y el 2013 se registraron 1,200 ancianos en situación de abandono.

Wiñaypacha refleja no solo un problema, sino una nueva forma de ver el cine, una nueva forma de realizar cine, un cine de autor de poco reconocimiento que por complicaciones económicas se quedan solo dentro de la región que la produjo. Unos 96 planos sin ningún movimiento de cámara captados en 86 minutos, con tomas abiertas que muestran el desarrollo de la acción dramática y contextualización con la naturaleza, fueron filmadas en cinco meses a unos 5,800 metros sobre el nivel del mar, cerca al nevado de Allincapac, provincia de Carabaya, región Puno.

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Ni Hollywood, ni Bollywood,

esto es Tollywood

Por Daniel Quintana y Patricia Huamán

abemos lo que es Hollywood, así mismo escuchamos hablar tanto acerca de Bollywood con sus tradicionales bailes; ambas son industrias cinematográficas ya reconocidas a nivel mundial.

En Bombay los estudios del cine indio poseen mayor presencia nacional e internacional, conocido como Bollywood. Pero el cine regional no se queda atrás, con películas fuera de lo tradicional y constantemente con mayor profundidad, este va ganando terreno en el país, además de poseer otra forma de baile, diferente

a los tradicionales, con movimientos más envolventes y rápidos, difíciles de seguir; cuentan también con un idioma peculiar, que es hablado en todos los estados de Talangana y Andhra Pradesh ya que utilizan el telugu como su lengua oficial, también es la segunda lengua con mayor número de hablantes en la India, y el décimo sexto de los idiomas más hablados en todo el mundo. Desde el año 1909, el cineasta Raghupathi Venkajah, padre del cine telugu produjo muchos cortometrajes en las diferentes regiones de Asia. En uno

TOLLYWOOD RUEDA ALREDEDOR DE 200 CINTAS AL AÑO de sus viajes de producción cinematográfica se dirigió al sur de la India llegando así a la región de Tollygunge en Calcuta, lugar donde Raghupathi produciría la primera película muda de telugu, Bhishma Pratigna en el año 1921. Es ahí donde nace, un segundo centro productor cinematográfico de la India, el cine de Bengala Occidental o más conocido como “Tollywood”, palabra que surge de la unión de Hollywood y Tollygunge. A pesar de que el cine de Bengala Occidental sea prácticamente desconocido y poco mediático en relación al cine de Bollywood que es realizado en Bombay, Tollywood rueda alrededor de 200 cintas al año en lengua telugu, además de tener muchos años de historia: la empresa East India Film Company produjo la primera película india Savitri en el año 1933. Esta película fue basada en una popular obra teatral en lengua telugu, Bharathi Samajam que fue dirigida por Chittajallu Pullajah padre del movimiento del teatro telugu; la película tuvo gran éxito, tanto así, que recibió un diploma honorífico en el Festival Internacional de Cine en Venecia.

Bahubali - Chacan Pathiwada

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El cine telugu tiene el centro de producción más grande de la India, está ubicado en Hyderabad, Talangan, capital de Andhra Pradesh al sur de la India; mayormente las escenografías de grabación son realizadas en

como protagonistas a Shrurti Haasan y Siddharth Suryanarayan, este film, fantasioso de suspenso, amor y terror donde el centro de todo es la magia y el misticismo nos envuelve en cada escena; ésta producción cinematográfica fue la primera película que coprodujo Walt Disney Pictures. También, el cine telugu produce películas como Magadheera una película de fantasía y amor en la cual se puede observar la reencarnación y demostrar así que los indios son creyentes de ese tipo de mitos; esta película fue estrenada el 2009, obteniendo una recaudación de 13 millones de dólares, tuvo como protagonistas a Ram Charan Teja y a Kajal Aggarwa.

Collage - Daniel Quintana

ese lugar e incluso en varias películas telugus es nombrada el lugar de “Hyderabad” por parte de los actores. La temática que ellos utilizan en sus películas es principalmente mitológica, religiosa y de acción, aunque esta fue incluida años después. Los que han llegado a ver alguna película hindú, las tradicionales o clásicas, como se les conoce, se darán cuenta de que la mayoría de ellas hacen llorar, debido a las historias trágicas o sentimentales, combinando música triste y alegre, colores vivos y llamativos, asimismo transmiten una explosión de emociones; sin em-

bargo, en el cine telugu es diferente la temática, ella nos engancha desde el primer vistazo con sus escenas de acción, suspenso, drama y romanticismo, siempre presentes; se podría decir, que la mayoría de estas películas telugus son sangrientas y de fantasía, donde la verdad o la mentira están ocultas y los actores son los protagonistas de una trama siniestra. En varias oportunidades las empresas cinematográficas de Tollywood trabajaron conjuntamente con empresas extranjeras como Disney produciendo así películas como Anaganaga o Dheerudu que tuvieron

La película más vista fue Baahubali, estrenada en 2015, fue una de las producciones cinematográficas más aclamadas en el mundo; fue la primera película no hindú en recaudar más de 100 millones de dólares, y la tercera película más taquillera del mundo, tuvo como actores a Prabhas Nayanatara y Tamannah Bhatia. Esta película épica nos muestra el amor, el sacrificio, la venganza y el honor, con sus diversas escenas, tiene una buena narración y efectos visuales. Baahubali está nominado para los “Premios Saturn” a la mejor película de fantasía por la academia americana de ciencia ficción, fantasía y películas de terror. Definitivamente el público indio cada vez que asiste a un cine sabe cómo pasarla bien, incluso pueden pararse de sus asientos y danzar algunos de sus bailes al compás de la música, ella forma parte de su tradición y naturaleza. Es notorio que el talento no tiene nacionalidad ni fronteras y la exigencia de contar historias tan envolventes y fantásticas, es una cosa que sucede en los lugares más alejados de nuestro planeta.

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Miguel Mejía Castro:

“Vivo pensando en fotografía” “No entré a este campo del periodismo para recibir premios, pero siempre son importantes. Son como palmaditas en la espalda diciéndote: vas por buen camino”

Por Sherly Cahuín y Jacqueline Paitán

“

Camino pensando en las formas, las líneas, los colores, en las fotos que no puedo tomar porque no salí con la cámara. Y felizmente puedo vivir de ello y es el trabajo que elegí”.

Miguel Mejía Castro estudió periodismo en la PUCP; paralelamente llevó cuatro cursos que dictaban en la facultad de comunicaciones y uno más en la facultad de Arte. Aprendió fotografía porque quería ejercer como fotógrafo; desde pequeño ya le gustaba este arte. En 2004 empieza a practicar en una de las revistas más importantes del país. Quería convertirse en periodista de investigación. Aquella época era la mejor opción pertenecer a la revista Caretas, medio que era reconocido por el nivel de periodismo de investigación. Esta pasión por la fotografía comienza cuando termina la universidad en el 2005 y al año siguiente decide viajar hacia el Cusco, donde se queda en la Vicaria de Solidaridad de Sicuani. Tuvo cercanía con la gente de las provincias altas de Cusco y se acercó más al tema de derechos humanos. “Aquí hice de todo: diagramé la re-

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Cortesía de Miguel Mejía

vista institucional, edité los textos que los abogados escribían para la revista, dirigí un programa de radio los domingos, realicé microprogramas radiales a favor de los derechos de la mujer, capacité a comunicadores rurales y empecé a colgar mis fotografías en la revista”. Ya finalizando el 2006 se dio cuenta que era bueno con la imagen. “Me enamoré más de la fotografía y el poder que tiene para contar historias”; Miguel Mejía realiza muy bien este papel hasta el día de hoy. Nadie esperaba este cambio, ni él mismo. “Pero la fotografía llegó con una potencia que no dudé mucho cuando decidí regresar a Lima y buscar prácticas de fotoperiodismo en el diario La República”, donde no ganó ni un centavo por casi seis meses. Luego logró ser contratado y enviado como corresponsal y editor gráfico a la sede de la ciudad de Chiclayo, tiempo en el que evolucionó y demostró mucha disciplina. Trabajar en el diario La República lo llevó a conocer a quien llama, su maestro, Virgilio Grajeda, reportero gráfico de este medio por más de 25

años quien ha sido testigo de la época de violencia terrorista y militar, época que también cubrieron los fotógrafos de Caretas como Gilmar Pérez, Javier Zapata, Óscar Medrano, Víctor Ch. Vargas, Carlos Saavedra a quienes también conoció Miguel Mejia en su etapa de redactor. Muchos de sus docentes marcaron su vida universitaria, como Orazio Potestá, quien trabajó en Caretas publicando textos emblemáticos; admiraba su trabajo y en clase fue muy estricto, y exigente menciona Mejía; en fotografía su mayor influencia fue Daniel Gianni, de la facultad de Arte.

fundidad, de largo aliento, donde pueda descubrir algo nuevo, lo que hizo que se inclinara por la fotografía periodística y documental. El trabajo que realiza Mejía requiere de valentía, disciplina, vocación y entrega. “El más riesgoso y difícil trabajo que realicé fue en el Bosque de Pomac, donde tres policías fueron asesinados por un francotirador. El mismo que me apunto para no tomarle fotos”. Pero no siempre te encuentras con este tipo de hechos violentos menciona Mejía, ya que tuvo la oportunidad de hacer artículos de viajes y costumbres, que fueron publicados en La República y premiados por la Unesco.

Aprovechó las oportunidades que tuvo en su vida universitaria. “Llevé cursos de crítica de cine, semiótica, pintura, producción audiovisual, radio y cuando hubo un curso que me interesaba fuera de la facultad me matricule en este”. Obtuvo cursos en el extranjero gracias a las becas de la fundación para el Nuevo Periodismo Iberoamericano de Gabriel García Márquez.

Obtuvo muchos reconocimientos y premios, trabajos muy especiales para él porque los realizó con empeño y esmero. Pero el de mayor relevancia fue el de la Sociedad Interamericana de Prensa (SIP), donde compitió con uno de los “grandes” de la fotografía documental en el mundo, Sebastiao Salgado, quien se llevó el premio.

El campo también fue su mejor aliado y los maestros que encontraba ahí, le interesaba los temas a pro-

Su primer premio fue en el 2012, ocupando el primer puesto en el concurso Latinoamericano Foto

Cortesía de Marlon Dag

Tierra, otorgado por la embajada de EE.UU. en Lima. La foto es el de una madre cosechando papas que llevaba a su hijo en su manta, el niño tenía la mano afuera; una foto muy conmovedora. Siente frustración cuando se le acaba la batería o se le malogra su cámara, ya que las fotos que se van no regresan nunca más, menciona Mejía. Le gusta abordar temas nuevos, descubrir lugares y personas desconocidas a través de su trabajo, teniendo como referentes a Sebastiao Salgado, Steve McCurry, Cristina García Rodero, Martín Chambi y Alex Webb. Finalizando el año 2017, realizó la publicación de su primer libro El dolor del retorno, exhumación y entrega de víctimas de la violencia política en Perú, fotos que registró en los años 2013, 2014 y 2016. “Es parte de la historia de nuestro país. Una historia que algunos sectores políticos quieren borrar. Ahí está el libro para recordar qué le pasó al Perú durante la época de la violencia política. Además de generar reflexión y darle atención a las familias que aún buscan a sus seres queridos”. Actualmente es director de Apu editorial y dirige la escuela de fotografía Perú Documental. Proyectos que van creciendo y llenándolo de satisfacción. En el 2019 publicará otro libro de los últimos siete años que está trabajando. “Esta etapa editorial, me ha llevado a conocer mejor a mis hijos, tengo tiempo para ayudarles en las tareas cuando no estoy de viaje. Y por la noche salimos a caminar, conversar”. Alessio uno de sus cuatro hijos con tan solo diez años, tiene una mirada afinada, le ayuda a elegir algunas fotos cuando tiene alguna duda y casi siempre tiene razón, además toma buenas fotografías. “Otra cosa es la mirada, si no nutres tu mirada de nada te servirá manejar una cámara, vas a repetir lo mismo que hace la mayoría de personas que se compran una cámara y se creen fotógrafos”.

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World Press 1 Gente - primer premio

Fotografía: Magnus Wennman / AP

2 World Press Photo del año 2018

Fotografía: Ronaldo Schemidt / AFP 3 Noticias generales - primer premio Fotografía: Ivor Prickett / New York Times

4 Naturaleza - primer premio

Fotografía: Corey Arnold / APA

5 “Long-Term Projects” - primer premio Fotografía: Carla Kogelman

6 Medio ambiente - primer premio Fotografía: Neil Aldridge / EPA

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P H O T O

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6 Inbox / Facultad de Ciencias de la Comunicaciรณn

Roberto López: La voz de los invisibles Por Paul Melchor y Yonatan De la Cruz

uizá estaría en un tribunal defendiendo casos o asesorando a algún candidato político, tenía en mente estudiar Derecho, o dedicarse a lo que realmente lo apasionaba. Desde que comenzó a hacer garabatos con un lápiz, hacer manchas con un pincel, Roberto López Rojas no ha claudicado, hoy es reconocido a nivel internacional por sus trabajos únicos y auténticos, como él lo diría: “con identidad”.

Nació en el anexo Vicso, del distrito de Orcotuna, en la margen derecha, al lado de la riqueza que brinda la madre naturaleza del hermoso valle de El Mantaro. Su madre, una maestra de educación primaria ya predecía, aunque no con tanta claridad quien sería Roberto, entonces decidió ayudarle en sus primeros pasos, adquiriendo lo necesario para que su hijo desarrollara esa habilidad innata que le regaló la vida, pintar. Ya en su etapa escolar participaba en pequeños eventos de arte y cultura, aunque en nuestra región son muy escasos este tipo de actividades, él estaba presente en la mayoría de ellos,

Cortesía de Roberto López

ya terminando su etapa de escolar, había llegado su momento de decidir, si dedicarse a tiempo completo a esto que realmente quería o estudiar una carrera universitaria. No había mucho tiempo que perder, estaba entre Derecho o Arte de la Universidad Católica de Lima y más adelante en la Escuela de Bellas Artes de Huancayo. Estas dos escuelas le sirvieron para exponer sus trabajos en Europa, porque el arte estaba en él. “Si estas lejos y no tienes identidad, no podrás insertarte en una sociedad”. En Alemania (Europa) en su primer viaje, en una exposición, su trabajo se parecía a los del occidente, pues eso es lo que había aprendido en las aulas, entonces era hora

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de dar una mirada a nuestra cultura, pues era un inca más. En 2016 participó en la Bienal Internacional de Arte Indígena en Ecuador, ocupó el máximo lugar de méritos y una beca para Montreal (Canadá) donde llegó a perfeccionar sus técnicas. Sería el inicio de esta revolución artística. Cusco sería uno de los primeros beneficiarios del talento de Roberto López e integrantes de Pacha Muralistas (organización que agrupa a artistas de Europa y América Latina); se pintaron murales usando lo que la madre naturaleza les dio a nuestros ancestros como tierras de colores, excremento de vaca, entre otros, que-

dando el Circuito Turístico de Murales para la capital incaica. Entonces “El arte se trasladó al pueblo, a las calles, no tienes que pagar para ver”, en Vicso se puede contemplar estos murales hechos con materiales que brinda la naturaleza, aunque por estas fechas no todos los murales son de Roberto, el artista plástico autentico, también hay murales de “Robertos” de la política que pintan mientras duermen los habitantes de Vicso, sin permiso alguno. En su natal tierra, Vicso, podemos encontrar la Casa Museo de Arte Indígena, colorida como nuestra cultura; por otro lado está el Chuklla Wanka, una cueva donde los antiguos wancas se han sanado desde problemas emocionales, hasta cuestiones físicas por medio de vaporización de plantas oriundas de la zona. “No quiero que mis pinturas estén solo para que digan que bonito está”, López Rojas quiere que sus murales lleven un mensaje no solo social, también político, religioso. “De esos que retratan a paisajes y rostros ya hay muchos, es hora de llevar la

voz de los invisibles”, que los comuneros humildes, no solo se lamenten por haber sido pobres, Roberto quiere que ellos sean escuchados, que sean parte de este Perú. Que los pueblos no se sientan simples tejedores o menos que los demás, sino unos artistas ancestrales, sabios del ayer y que gracias a ellos hoy hemos llegado a donde estamos, que también merecen un reconocimiento no solo hablado sino grabado, no solo en nuestras mentes sino en murales y que no solo traiga reconocimiento, sino mueva la economía de esos lugares olvidados mediante el turismo.

“SI ESTAS LEJOS Y NO TIENES IDENTIDAD, NO PODRÁS INSERTARTE EN UNA SOCIEDAD” - Partícipe de ACP Ilish Pichacoto 2018 por el Día de la Tierra retratando a la pachamama, ya que en estos tiempos es poco valorada y no existe conciencia sobre el cuidado del medio ambiente.

Roberto López mediante este trabajo ha querido sensibilizar a los habitantes del valle de El Mantaro a cuidar nuestro planeta. Fundó Pacha Muralistas en 2016 como una alternativa a las exposiciones artísticas tradicionales, reconocido por la Unesco, realizará el Festival Internacional del Mural Ancestral Mochica en agosto de este año, no solo con el afán de valorar la cultura Mochica, sino también hacer partícipe de esto a pueblos olvidados en esta parte del Perú profundo, ya que comunidades cercanas no son partícipe de ningún beneficio a pesar de que estos restos arqueológicos están solo a unos metros de esta zona arqueológica que recibe a miles de turistas cada mes. Aunque tiene murales en varios países del mundo como Alemania, Francia, Canadá y otros más, Roberto planea seguir realizando murales en el valle que le vio crecer, quizá no en el centro de la región, pero si en los pueblos que para muchos gobernantes y presidentes no existen, para él, sí, esa es la prioridad, llevar la voz de los olvidados y el sentir de los que menos voz tienen en este país.

Cortesía de Roberto López

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Pucha Mancha: Por Sara Marín

Garabatos en la ciudad

Steven Cerrón Chuquivilca, líder del colectivo, nos cuenta cómo surge la idea y cómo este grupo de ilustradores viene invadiendo la Incontrastable.

nnovadores, absurdos, originales, delirantes, y sobre todo centrados. Pucha Mancha está formado por dos puños de personajes variopintos, coloridos y llenos de atributos artísticos cuya modestia impide que a uno le explote la cabeza al no poder dejar de nombrarlos. Este grupo liderado por Steven Cerrón Chuquivilca, se ha propuesto generar la importancia y valoración merecida al campo de la ilustración.

Buscan transmitir con tinta o un simple lápiz diferentes emociones, a aquel personaje onírico, eso que te hizo reír, creer o enfadar, y por qué no, esas “idioteces que uno tiene en la cabeza”. Dime Steven ¿Tuvieron proyectos similares anteriormente? No exactamente, pero si hemos realizado eventos como el Tendedero, conciertos ilustrados y otros, en los que mayormente se trabajaban con amigos fotógrafos. Armábamos exposiciones de sus trabajos, con música en vivo o reproducida. Pero nunca hemos tenido un proyecto en el que el eje y temática central sea la ilustración. Razón por la que estamos emocionados, pues pretendemos ensalzar este arte en la región.

Max Palomino Calero

los portafolios de nuestros primeros miembros de Pucha Mancha, realizando a la par talleres y concursos de ilustración (regalamos estuches de oleos). Posteriormente dictamos un taller de cómo hacer máscaras e intervenirlas, así como los Drink and Draw, que tuvieron gran acogida. ¿Cómo podemos tener acceso a sus talleres, eventos o integrar Pucha Mancha? Difundimos nuestras actividades por las redes sociales, básicamente Facebook y cuentas de los miembros. Nuestro método de enseñanza es mucho más vivencial y práctico. El ingreso como los materiales para nuestros talleres son gratuitos, así como muchos de nuestros eventos. Cualquiera que pretenda perfeccionar su técnica o tomar de una manera más formal la ilustración es bienvenido, solo pedimos compromiso y responsabilidad. ¿Qué metas están planeando cumplir este año?

Cuéntame sobre la acogida que tienen sus talleres Pretendemos captar más adeptos a nuestras Tardes de Dibujo, la acogida es buena, sobre todo cuando realizamos talleres sobre fechas especiales (día de la madre). Además, realizamos eventos cada cierto tiempo, buscando masificar el concepto y la práctica de la ilustración. En febrero realizamos nuestro primer evento, consistió en exponer

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Generar un evento de mayor magnitud, esperando contar con ilustradores y colaboradores de Lima y por qué no, del extranjero. Ampliar nuestros nexos con diversos grupos artísticos, que generen variedad en nuestros eventos, sin perder el hecho de tener la ilustración como eje central y generar un mercado donde vender nuestras creaciones (pines, fanzines, parches, stickers, objetos intervenidos, cuadros, ilustraciones, etc.). En la actualidad ¿cuál es la perspectiva de la ilustración en el mercado laboral? El mercado se está ampliando, muchas empresas nos llaman para promover su imagen, tarea que antes la realizaban los fotógrafos. Así como diversas marcas que contratan a ilustradores para que intervenga sus productos, y no olvidemos las tiras cómicas y viñetas en los medios escritos que abarcan temas políticos, críticos o meramente lúdicos.

Steven Cerrón Chuquivilca

La invención de la pintura, por Adolfo Ramos Por Pilar Pacheco

uando eres niño, aún no estás en la búsqueda de nada, bueno, quizás sólo buscas entre juegos, un papel y lápiz para dibujar. Sin embargo, un buen día, llega a casa el amigo de la familia, que también es tu profesor de religión en la escuela y te obsequia lo que nunca buscabas pero que en ese instante acabas de encontrar, un estuche de acuarelas. Y en ese entonces, todos los colores se ven reflejados allí, en ese estuche de acuarelas; en los ojos de Adolfo.

Adolfo Ramos Aliaga, tiene 45 años, es de estatura promedio, es delgado. Usa boinas, las que suelen usar algunos artistas como él, viste con saco si va a dictar clases, porque también es docente de Historia; usa jeanes y camisa de vez en cuando, pero sobre todo lleva puesto un buen carácter que lo predispone a mostrar el arte que él hace, la pintura. Su casa tiene un estilo diferente, ecléctico, salta a la vista y se diferencia de entre las otras. Allí mismo se encuentra su taller, que cobra vida al recordar anécdotas y por albergar toda una gran colección de trabajos. Desde sus inicios en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, su primera exposición pictórica en la Galería de Arte “Humareda”, el intercambio de cuadros que tuvo con Josué Sánchez, pintor huancaíno; los acrílicos, las

Cortesía de Rodolfo Rámos

acuarelas, los óleos que seguramente esperan ser plasmados en una nueva obra de este maestro. Cuando Adolfo llegó a Huancayo se preguntaba qué haría con todos los cuadros que pintó en Lima, tendría que exhibirlos en alguna galería o centro cultural, de manera que se contactó y es parte de la Asociación de Artistas Plásticos del Centro (ASAP), allí conoció a muchos otros artistas y ahora son sus grandes amigos, ellos lo ayudaron a realizar su primera muestra pictórica en la ciudad de Huancayo. Una de las personas

Cortesía de Rodolfo Rámos

más importantes e influyentes para Adolfo, formaba parte de este círculo de artistas, su actual esposa, Ana María Terrazos, que en ese entonces ya realizaba pinturas con temas antropológicos y cotidianos. Adolfo cuenta que, para hacer pinturas de las costumbres del valle, se tiene que convivir con ellas; bailar, festejar, celebrar como los músicos y bailarines lo hacían, entonces eso hizo. En el proceso de búsqueda de identidad, Adolfo ha pasado por una evolución que se reflejan en su producción pictórica; obras abstractas geométricas, obras figurativas con temática precolombina, paisajes, danzas autóctonas de la región Junín, máscaras de danzantes, colibríes, caballos. Claramente el maestro Adolfo Ramos ha marcado un lenguaje propio con temas de cotidianeidad, costumbres del valle de El Mantaro que se evidencian en el perfecto trazo cromáticamente preciso en referencia a nuestras vivencias, perpetuando así el movimiento de los danzantes de estampas folklóricas en una obra. Adolfo Ramos es un artista que contribuye con la diversidad de colores que existen, mostrando lo rico que es el valle, dejando que todo lo vivido perdure como en sus inicios, en un pequeño regalo, un estuche de acuarelas.

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Historia de una secta: Por Cristian Abanto y Milagros Valenzuela

“

En esto conocerán todos que sois mis discípulos, si tuviereis amor los unos con los otros”, Juan 3:56. Esta declaración de Cristo contiene la esencia de lo que debería ser el sentir y actuar de todos aquellos que abrazan la vocación religiosa cristiana. Sin embargo, en los últimos años, en varios países salieron a la luz casos de abusos en contra de adolescentes y jóvenes: Los Legionarios de Cristo, y los abusos cometidos en México por el sacerdote Marcial Maciel; el caso de Fernando Karadima en Chile; de Luis Sierra en Argentina; entre otros. Sin duda ese no es amor del bueno.

El Perú no fue ajeno, el Sodalitium Christianae Vitae, que es una organización religiosa fundada en 1971 por Luis Fernando Figari Rodrigo y seis personas más, “explotó” al revelarse casos de abusos sexuales.

Kevin Pérez

El Sodalicio Para entender a esta organización debemos remontarnos a 1969. Según se relata en el libro Mitad monjes, mitad soldados, un Fernando Figari joven, con inquietudes acerca del mundo, buscaba respuestas, y en esa búsqueda por organizaciones religiosas estudiantiles conoce a Sergio Tapia, quien con el tiempo lo invita a ocupar el cargo de profesor en el colegio Santa María, en el distrito limeño de Santiago de Surco. En este colegio comenzaron a echar raíces los Sodálites y a reclutar adolescentes para su organización; los sedujeron a través de retiros espirituales que ellos denominaban Dios y Naturaleza (DYN), y reuniones en diversas casas, donde hablaban de temas religiosos y rezaban, pero también escuchaban discursos de Mussolinni o hablaban de José Antonio Primo de Rivera y su legado. Es este punto el que quizá arroje más luz sobre la naturaleza de esta organización, pues se nota una clara influencia doctrinal del Falangismo o Nacionalcatolicismo, una agrupación

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política española que tiene coincidencias con el fascismo italiano en cuanto a construir un Estado totalitario y que considera al catolicismo no como religión, sino como elemento característico, fundamental e indispensable de la sociedad. El Sodalicio no se conformó con su influencia en un colegio, poco a poco “capturó” otros centros educativos como “San Agustín” y “Maristas” de San Isidro, después fundó sus propias casas de adoctrinamiento con el apoyo permanente de jerarcas de la Iglesia Católica, entre ellos Juan Landázuri Ricketts, en ese entonces Cardenal.

EL SODALICIO NO SE CONFORMÓ CON SU INFLUENCIA ENUN COLEGIO, POCO A POCO “CAPTURÓ” OTROS CENTROS EDUCATIVOS

monstruosa que ha sometido a sus miembros a una conducta servil (…) donde te lavan el cerebro”.

Portada

Pero, es el testimonio de Santiago el que seguramente impacta más, por su crudeza. Según cuenta, Figari le “vendió” una teoría hindú, la de liberar la Kundalini, una energía invisible en forma de serpiente que se encuentra enroscada en el hueso sacro, entre los genitales y el ano, y que era necesaria despertarla y trasladarla hacia el chakra superior. La manera de hacerlo, según Figari, era depositando esperma en la zona sacra. Y es así que varias veces lo sometió a violaciones sexuales.

Fue creciendo y expandiéndose a varias regiones del país; paralelamente, en 1985 se funda el Movimiento de Vida Cristiana (MVC) con el fin de generar contactos con otras organizaciones católicas y su dirección es encargada a Germán Doig Klinge (fallecido y acusado de haber cometido abusos sexuales contra varios exsodálites). El Sodalicio era visto como un ejemplo de catolicismo laico a seguir, por eso en 1997 recibió el reconocimiento como Sociedad de Vida Apostólica Laica de Derecho Pontificio por el Papa Juan Pablo II, lo que le abrió más puertas y facilitó su rápida expansión por el mundo. Actualmente, está presente en nueve países. Desde sus inicios, y según testimonios de varios exsodálites, el sistema bajo el que funcionaban era de obediencia incondicional hacia los superiores, una obediencia construida por los directores espirituales a base de destruir la relación entre padres e hijos, y reemplazando gradualmente

la figura paterna hasta llegar a convertirse en el principal referente del discípulo en cuestión, hasta llegar a ser una suerte de padre o hermano, con quien consultaban todas la decisiones que tomaban, desde las de la vida cotidiana hasta las más personales o íntimas. Es a través de ese mecanismo que construían una “adicción” hacia la figura del director espiritual y podían “lavarles el cerebro” más fácilmente. José Rey de Castro, un exsodálite que durante 18 años formó parte del círculo íntimo de Luis Fernando Figari cuenta en su blog que sufrió durante ese tiempo de menoscabo físico, psicológico, espiritual y moral, “obligado” a servir personalmente a Figari en labores domésticas sin retribución económica. Otro exmiembro, cuyo testimonio fue incluido en el libro de Pedro Salinas bajo el nombre de Blas, describe al Sodalicio como “una institución

Es difícil entender cómo muchos jóvenes sodálites terminaron aceptando prácticas abusivas de sus superiores como “normales” y cómo pudieron hasta ser vejados sexualmente sin que nadie se enterase en el corto plazo. La respuesta está en el modelo empleado para inculcarles la doctrina del Sodalicio; se implantó un modelo militar estricto que no aceptaba réplicas (hasta el lema de semper fi fue copiado de los marines estadounidenses), un sistema cerrado que prohibía comunicar lo que pasaba dentro de la organización a personas ajenas a ella, la idealización hacía los “directores espirituales” y sobre todo la excusa de servir a Dios. Tuvieron que pasar muchos años y ya lejos de la cofradía, muchos pudieron darse cuenta solos de la realidad. Otros debieron pasar por terapias psicológicas y paulatinamente reconectarse con el mundo y reaprender a vivir libres de los cánones impuestos. Pero existen unos cuantos o quizá haya muchos, que guardaron secretos macabros y vergonzosos para ellos. Recuerdos que hubiesen deseado no guardar, pero que terminaron “erupcionando” a través de testimonios contados bajo alias, y que fueron registrados por varios periodistas, entre ellos Pedro Salinas y Paola Ugaz, que luego sirvió de material para el libro Mitad monjes, mitad soldados.

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Un camino, muchos destinos

Por León Chaupis y Thalía Molina

Caminito de Huancayo, Rodeadito de retamas Cuantas veces te he llorado bajo las sombras de tus ramas.

Tú dirás que estoy llorando Tú dirás que estoy sufriendo No lloro ni tengo pena Mejor vida estoy pasando. Pichuchanca mal agüero por qué cantas tan

temprano sabiendo que estoy durmiendo en los brazos de mi amado. Si por ti yo lloraría Si por ti yo sufriría Hasta el Dios me castigará Hasta el diablo me llevará. Bailamos el huaynito de mi tierra orgullo para todo el baile huanca.

ubo un tiempo que Huancayo fue hermoso y horrendo a la vez. Es decir, como ahora. Se recuerda con mucha nostalgia aquellos caminos únicos por donde la gente del campo transitaba, incluso largas horas, para ir al centro de la ciudad a vender sus productos como la papa, maíz, habas, trigo y, comprar los insumos que les hacía falta. Lo percibe cualquiera que se lance a la aventura de pasear por uno de estos caminos, como dicen las letras “rodeadito de retamas” pero ahora, esta planta desaparece en toda nuestra ciudad.

Este camino, que en su nombre conserva la larga crónica de los siglos,

En el suplemento Solo 4 / Correo

son la constatación de esa paradoja. Ello habla de los antiguos oficios y de cómo se repartieron la ciudad; de las creencias y temores de la gente; de las penurias y calamidades; del caos político que se vivió en los 80;

de los protagonistas de la historia local; de los sucesos acaecidos; de los misterios, milagros, leyendas y costumbres. Todo ello fue fuente de inspiración para muchos artistas y compositores de aquella época.

ESTE CAMINO, QUE EN SU NOMBRE CONSERVA LA LARGA CRÓNICA DE LOS SIGLOS, SON LA CONSTATACIÓN DE ESA PARADOJA.

Hablamos de Tiburcio Susano Mallaupoma Cuyubamba, nacido el 11 de agosto de 1907 en Iple, anexo del distrito de Parco (Jauja). Su padre se llamó Hermenegildo y su madre Ana quienes tuvieron cuatro hijos llamados Hermenegildo, Obispo, Virgilio y Tiburcio; su padre falleció cuando él tenía apenas seis años y a partir de aquel momento se quedó bajo cuida-

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do de sus hermanos mayores; a los siete años cogió sin permiso el violín de su hermano Obispo. Tuvo una trayectoria en que, con su calidad, capacidad y dedicación, ha logrado alcanzar un lugar de privilegio en la escala de calificación y apreciación del arte folclórico, al igual que en el popular, abarcando los sentimientos más arraigados de sus habitantes y sus preferencias personales, los recuerdos más íntimos mezclados de alegría y tristeza con las raíces más profundas de religión, patriotismo y amor, junto con la veneración a los símbolos más sagrados del hombre, el trabajo del campo. Quien con su inspiración y sobre todo con gran perseverancia logró que algunos de los artistas folclóricos más consagrados del momento grabaran sus canciones, lo mismo que los cantantes y orquestas musicales locales. La famosa cantante fronteriza Leonor Efigenia Chávez Rojas, más conocida por su nombre artístico, “Flor Pucarina”, interpretó la canción Caminito de Huancayo. Tiburcio, uno de los mayores pro-

motores culturales de la Región, tenía en su haber bellas composiciones musicales que destacaron a nivel nacional como: Bajo el monte, La mala yerba, Basta corazón no llores, Tus pestañas alfileres son y en el 2007 la Asociación Peruana de Autores y Compositores (APDAYC) decidió reconocerlo como “Joya Musical APDAYC” por su composición Caminito de Huancayo. Canción cuyos intérpretes más distinguidos fueron: Flor Pucarina, Víctor Alberto Gil Mallma “Picaflor de los Andes”, Estudiantina Perú, Eusebio “Chato” Grados, entre otros artistas y orquestas musicales que incrementaron la popularidad de esta canción. Pero, tenemos que tener en cuenta que la composición musical de Tiburcio nunca se vio como negocio, por el contrario, ha compuesto himnos a pueblos gratis y así mismo, regalaba sus composiciones a muchos artistas, por eso cada 20 de enero lo buscaban por su “caridad” y más aún por su talento fue declarado, el Padre de la Tunantada. A Tiburcio, le bastaba segundos para

inspirarse, es decir, lo que le venía a la mente inmediatamente lo escribía, hasta dejaba de tomar sus alimentos para hacerlo. Él tenía sus cuadernos de composiciones y a partir de 1963 hasta 1968 (año de su fallecimiento) registró 330 composiciones en APDAYC, pese a todo ello, es un músico olvidado y poco reconocido, especialmente por los jaujinos, pese a haber dedicado cientos de su composiciones a Jauja, especialmente tunantadas y pasacalles como Presencia de Jauja, tema que ejecutan todas orquestas en las festividades del 20 de enero. Pese a todos sus méritos, en realidad la letra de canción Caminito de Huancayo hasta el día de hoy no se sabe quién la compuso, muchos dicen que el abogado Virgilio Reyes es quien la escribió ya que este transitaba de Jauja a Huancayo, y que debió llamarse Camino a Huancayo. Para muchos otros, es Tiburcio el autor, pues es su estilo, su marca, su alma. Nos quedamos con esta última afimación.

León Chaupis

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Poseedora de los objetos

más antiguos

Por Ricardo Toribio y Sheyla Zúñiga

tonces sus más grandes pasiones son su familia, la artesanía, la búsqueda y colección de antigüedades.

as personas suelen recordar historias a través de objetos, podríamos viajar en el tiempo y revivir momentos gracias a ellos. Podríamos llegar a amarlos tanto como odiarlos, es ahí cuando las energías van formándose en estos.

Estos objetos extraños cuentan historias y traen consigo energías inexplicables, asegura ella. Estas energías se convierten en pequeños seres y hasta en sueños; duendes y hadas que han aparecido delante de sus ojos infinidad de veces. Algunos pudieron asustarla y otros solo le causaron curiosidad, no solo ella puede contar estas anécdotas sino también su ex esposo quien nunca estuvo de acuerdo con esta obsesión de María, motivo por el cual llegaron a separarse cuando ella tenía 20 años.

Mujer huancaína, de cabello corto, piel morena y manos que reflejan años de experiencia, posiblemente la poseedora de la mayor cantidad de objetos antiguos en la región Junín, una emprendedora de 45 años, María Morales Aliaga. Empezó a coleccionar antigüedades a los 8 años, toda su historia comienza cuando su padre fallece y le deja de recuerdo su primer objeto histórico, una radio que hasta el día de hoy conserva; sin embargo tuvieron que pasar algunos años para que empiece su amor a este mundo misterioso. A los 12 años el recuerdo de su padre despertó en ella la necesidad de adquirir objetos antiguos para no sentir su ausencia. Así nació en ella una atracción por cosas antiquísimas que normalmente nadie le prestaría atención, incursionando en la búsqueda y recolección de estos. Claro, no era su única pasión, María era una muchacha que amaba leer comics a la salida del colegio, consecuente a este pasatiempo, también ha ido coleccionando revistas, diarios, historietas entre otros escritos. La paciencia es una de sus grandes características, asombra el trato tan cercano que tiene con sus clientes. Todo que tenga en la tienda lo com-

Ricardo Toribio

parte y si es posible comenta las historias que van detrás, historias que desencadenan una charla y visitas largas de los compradores. Ir a comprar algo a la tienda de María se ha convertido en una experiencia distinta, un viaje por el tiempo. Ella no repara en contestar la infinidad de preguntas que llegan a sus oídos por parte de sus visitantes. Actualmente tiene dos hijas y está divorciada hace ya 25 años, desde en-

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Una de las tantas historias que quedarán para siempre en su recuerdo se dio un día como cualquiera; ella se encontraba limpiando uno de los objetos que acababa de llegar, de pronto se dio cuenta que alguien la observaba, un niño pequeño con apariencia extraña, María asumiendo que se trataba de un niño travieso que había entrado al almacén se levantó, lo buscó y al no encontrarlo cerró la puerta del almacén, pero al volver a su labor, otra vez apareció el niño, entonces María, con el cuerpo escarapelado, se dio cuenta que no se trataba de algo normal. Siendo una de sus primeras experiencias con seres extraños, por supuesto que se asustó, cerró la puerta y se fue del almacén; al comienzo estas experiencias fueron extrañas para ella, hasta buscaba explicaciones lógicas, pero poco a poco se fue acostumbrando. Estas presencias ya no la asustaban, sino al contrario aprendió

Ricardo Toribio

a convivir con ellas y la ayudaban a interpretar las energías de cada objeto que van llegando a sus manos. María comprende que cada adquisición antigua contiene energías tanto buenas como malas; lo descubre cuando los tiene en su poder, se pueden manifestar en sueños, apariciones o simplemente sensaciones. Luego lo que hace es limpiarlos o como último recurso deshacerse de ellos. Teniendo una fuerte responsabilidad con dos hijas a su cargo inició un nuevo negocio, una ferretería, que hasta ahora es el sustento familiar y gracias a este sus hijas son mujeres profesionales, además ella puede dedicarle tiempo a sus actividades

favoritas: la artesanía y recolección de los objetos ya mencionados. Todos los domingos a la feria conocida como “La cachina”, llega a las seis de la mañana y termina a las ocho de la noche, esperando su próximo domingo con nuevas historias.

A LOS 12 AÑOS EL RECUERDO DE SU PADRE DESPERTÓ EN ELLA LA NECESIDAD DE ADQUIRIR OBJETOS ANTIGUOS PARA NO SENTIR SU AUSENCIA.

Aunque son objetos de gran valor por su historia, María tiene en claro que este negocio no le retribuye económicamente como ella quisiera, su mayor venta fue de 300 soles gracias a un cuadro de la Última Cena. Sin embargo, el más grande pago es el gusto de mostrar toda su colección a sus clientes. Como proyecto personal María busca crear un espacio donde pueda mostrar la gran colección de objetos antiguos que posee. Logra difundir una distracción saludable para niños y jóvenes que siempre la han visitado y con la paciencia que la caracteriza poder dedicarle tiempo a cada persona que quiere conocer las historias que hay detrás de cada reliquia.

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El “Chico” Véliz,

pasión por el periodismo pero su mejor respuesta siempre fue el silencio. No imaginó que su afición por el fútbol lo llevaría a lo que en verdad era su pasión. César Véliz desde muy chico soñaba con ser periodista para entrar al estadio y ver los partidos “gratis”, tener el carnet como periodista era su inquietud; sin saber mucho qué era el periodismo, lo que con los años comprendió. En la universidad dio inicio a sus primeros escritos (cuentos, poesías y versos), que hoy solo quedan en su memoria. Siempre quiso redactar en el diario La Prensa, donde se inició archivando periódicos, contestando el teléfono, tomando mandados de los periodistas, quienes no lo permitían redactar por lo joven que era.

Por Yanella Cueva y Jackhelyn Pérez

s un hombre; un hombre que solo está en el recuerdo de algunas personas, incluso algunos piensan que ya no está entre los vivos. Con una voz amigable. Emocionado. Se pone cómodo. Estoy frente a un periodista perspicaz que, a pesar de sus 76 años, sigue siendo César, el “Chico” Véliz.

César Véliz Mendoza. Oriundo de Huancayo, nació el 27 de noviembre de 1942. Profesor de profesión, pero periodista por vocación. Estu-

Cortesía de César Véliz

dio en el Colegio Salesiano Técnico, donde tuvo algunas oportunidades para mostrar sus actitudes como redactor en el periódico mural, aunque solo fueron aficiones. En 1961 ingresó a la Universidad Nacional del Centro del Perú, a la facultad de Educación (Literatura). -Soy profesor, pero empecé como periodista y si volvería a nacer, elegiría ser periodista y empezar como periodista. Muchos han criticado y pocos aplaudido su trabajo, su estilo de redactar;

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Debutó en el diario Correo en 1962, mismo año en el que se creó el diario. El director de ese entonces, Carlos Hidalgo, lo mandó a la ciudad de Lima a capacitarse durante un mes y medio, a su retorno lo designaron redactor de la “sección deportiva”. El “Chico” Véliz era muy hábil en la redacción, se las ingeniaba para cubrir sus notas periodísticas y tener toda la información, es así que un año después lo nombraron jefe de redacción del diario. La historia más conocida del “Chico” Véliz se inicia en 1960, estando aún en el colegio. Era su último año. De camino a casa siempre se cruzaba con una señorita de casi su misma edad, se llamaba Victoria, era una demente que andaba con una latita pidiendo dinero o que le inviten un poco de café. César ya tenía

ocho años trabajando para Correo, pero diez años cruzándose con la loca Victoria, cada vez más demente. Es así que, junto a Óscar Piñas, entonces fotógrafo del diario Correo, deciden investigar a Victoria - ¿Quién era?, ¿dónde vivía? Todas las noches salían tras sus pasos, tuvo que disfrazarse de mendigo para conocer más de ella, así logra realizar su reportaje titulado La loca Victoria, que más adelante incluiría en su libro Personajes de la Miseria, libro que lo condecoró como el “periodista del año”, reconocimiento brindado por la agencia de noticias Los Andes y ganador de una medalla de oro, otorgado por la Municipalidad de Huancayo, por su compilación de crónicas y reportajes. La loca Victoria y demás crónicas o reportajes del libro Personajes de la Miseria eran publicadas en la página central del diario Correo.

DE CAMINO A CASA SIEMPRE SE CRUZABA CON UNA SEÑORITA DE CASI SU MISMA EDAD, SE LLAMABA VICTORIA, ERA UNA DEMENTE QUE ANDABA CON UNA LATITA PIDIENDO DINERO O QUE LE INVITEN UN POCO DE CAFÉ. En 1974, en el gobierno militar de Juan Velasco Alvarado, todos los diarios fueron expropiados, pero en su caso no fue así, sino por lo contrario. Lo secuestraron y llevaron a Lima para reunirlo con el entonces Ministro del Interior, Pedro Richter Prada, quien le ordenó que seguiría siendo el director de Correo, caso contrario el mando lo tomaría un integrante del Sistema Nacional de Movilización Social (Sinamos),

Cortesía de César Véliz

más conocidos como los “rojos”, entonces aceptó y continúo siendo director del diario, hasta que el gobierno de Velasco terminara.

militar de Velasco Alvarado y él pensaba que los diarios expropiados serian devueltos a sus propietarios, eso hizo que renuncie en 1980.

El éxito de César estuvo reflejado en la venta con mayor tiraje del diario Correo en sus años de director. A pesar que en esa época la libertad de prensa estaba controlada por el Estado. El “Chico” Véliz se las ingenió para no caer y no cerrar Correo, es por ello que nace la idea de publicar temas sociales sin tocar la política, hacían crónicas o reportajes a vagabundos, discapacitados, casos de feminicidio o la vida de un entonces famoso.

César se fue a Lima para empezar de nuevo, y se las volvió a ingeniar. Elías Ulloa, dueño del diario Expreso y Extra, lo nombra director de redacción de sus diarios. Allí se quedó por nueve años, pero el diario Correo siempre fue el mejor lugar para él.

Su trayectoria en Correo, uno de los diarios más vendidos en nuestro país, no fue fácil; dinamitaron su casa, secuestraron a su hijo, lo amenazaban constantemente. Sin embargo, se terminaba el gobierno

La crónica es el género que más le gusta, pero le gusta todo del periodismo. Sueña con la gente, las tardes en pleno sol, las tardes de lluvia y las noches frías. Sueña con volver hacer lo que hacía. Redactar.

- Correo es mi vida, le agradezco muchas cosas, despertó en mí la pasión del periodismo, despertó en mí al “Chico” Véliz.

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Evelyn Chimpay

Un estilo

Incontrastable S Por Paola Aliaga y Evelyn Chimpay

obre el Nuevo Periodismo o el Nuevo Nuevo Periodismo (como bautizó Robert Boyton a la hornada de journalism que le sucedieron a Wolfe o Talese) parecería que no hay línea que agregar. El tema está saturado no sólo de periodismo, sino de nuevos y viejos periodistas. No obstante, el eco de esta corriente devino en la popularización de la crónica latinoamericana. Diríamos que en esta región subdesarrollada, el periodismo se ha “sobredesarrollado”. En los dos últimos años tuvimos una gran cosecha de periodismo narrativo peruano: Un hombre flaco, de Titinger; De dónde venimos los cholos, de Marco Avilés

o la reedición de Ciudadano Fujimori, de Jochamowitz, por citar algunos. Sin embargo, - y contradiciendo a Valdelomar - no todo el Perú es Lima ni el jirón de La Unión, las voces del interior del país buscan, desde hace mucho, el megáfono replicante de sus luchas y vivencias. En la sierra centro, por ejemplo, un medio de comunicación escrito se tomó el reto en serio y produjo un ramillete singular de ediciones que pasarán, quiérase o no, a la historia del periodismo. Nos referimos a la revista Incontrastable.

El 1 de mayo de 2014 la revista Incontrastable circula por todos los

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quioscos de Huancayo. Su objetivo es la producción de periodismo de no ficción. El deseo no es nuevo, pues años antes la revista Cronika, dirigida por Wilber Huacasi, anhelaba un semejante sueño. No tenemos noticias de otros emprendimientos, por lo menos a nivel provincial, de revistas o diarios de Nuevo Periodismo; los estudios de Miguel Suárez y César Arauco, historiadores que testimoniaron el alumbramiento y el ocaso de varios impresos serranos, nos lo demuestran. ¿Qué hace diferente a Incontrastable de otros medios locales? A simple vista, las revistas nacidas en los cinco últimos años han respondido a cuatro requisitos inobjetables: 1) Un aceptable diseño gráfico que va mejorando conforme pasan las ediciones, 2) La inclusión de temas y costumbres andinas, 3) No son parte de un conglomerado mediático y, 4) El periodismo narrativo es escaso

o breve. Esta última característica diferencia a Incontrastable de sus pares. El sueño de todo periodista narrativo, dicen los cronistas de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI), es un número ilimitado de páginas al momento de escribir. Y aunque el gran Chejov decía que la brevedad es hermana del talento, en muchas ediciones de Incontratable hallamos ejemplos de buen periodismo narrativo. El más joven de los tres fundadores de esta revista es el periodista Elvis Villanueva. Su postura frente a los problemas entre las minas y los pueblos, lo ha llevado a escribir crónicas y reportajes de largo aliento. Una de sus crónicas notables es “En Morococha el mundo es angosto y ajeno” en la que se despliegan algunas técnicas del periodismo narrativo (narrador en segunda persona, hipérboles y metáforas, puntos de vista disímiles, transubstanciación, etc.). Sobre los primeros días de la revista, Villanueva dice: “Incontrastable fue un proyecto arriesgado, casi suicida, al enterarnos que el capital de los socios no se aproximaba ni al sueldo mensual de un redactor junior de El Comercio”. Efectivamente, la característica número tres que habíamos nombrado líneas arriba se hace más evidente al momento de fundar medios en provincias. Actualmen-

te, algunos proyectos sobrellevan mejor el aspecto económico, pero en detrimento de su contenido. Al respecto, el director de la revista y también fundador, Sergio Girón, al preguntarle ¿cuáles son las falencias de las nuevas publicaciones en Huancayo?, ha respondido: “Algunos son netamente comerciales como Bitácora o amateurs como Semblanzas, pero en general les falta nivel de escritura, de corrección de estilo y también de presentación, por no hablar de marketing y ventas”.

“INCONTRASTABLE FUE UN PROYECTO ARRIESGADO, CASI SUICIDA, AL ENTERARNOS QUE EL CAPITAL DE LOS SOCIOS NO SE APROXIMABA NI AL SUELDO MENSUAL DE UN REDACTOR JUNIOR DE EL COMERCIO”. Benjamín Quispe, egresado de la UNCP, ha participado en algunos números de la revista y en su fundación. Cree que el valor del periodismo narrativo recae en su funciones descriptivas y explicativas, y debe responder a dos preguntas: qué es y cómo es, en todas las posibles manifestaciones: presente, pasado y futuro. La historia de Incontrastable tiene dos etapas. Los primeros cinco números enfocados al problema políti-

Evelyn Chimpay / Director Sergio Girón

co de Junín y los siguientes números dedicados especialmente a crónicas, reportajes y artículos históricos. El diseño y el estilo del material periodístico de Incontrastable es la herencia de publicaciones antiguas, mencionan sus fundadores, como la revista Marka, Caretas, Caballo Rojo, Oiga o la mítica Reader’s Digest. No sólo ha sido una revista que supo hermanar la literatura y el periodismo, han quedado en sus páginas los escritos de prolíficos narradores como Hugo Velazco Flores, actual ganador del concurso El Cuento de las Mil Palabras de la revista Caretas, o columnas periodísticas de maestros como Edmundo Dante Lévano La Rosa, reconocido por la Fundación Gustavo Mohme Llona por su trayectoria. En algunas ediciones de Incontrastable encontramos textos dedicados a personalidades reconocidas del país como Inés Melchor, atleta nacional, o Walter Paz, guitarrista del famoso grupo sesentero Los Yorks. “La historia (dice Villanueva) ha sido un interés permanente en la revista, temas que van desde la mitología andina hasta la filosofía griega o asuntos como la historia de las masacres mineras en los andes, la conquista española en Jauja o la vida poco humorística de Sofocleto”. A un precio módico, 3 soles por edición y suscripciones por paquetes, Incontrastable supo ganarse un público que exigía, desde hace mucho, ver reflejadas sus historias en un medio que comprendía su idiosincrasia. Y así lo hizo durante 18 ediciones ininterrumpidas hasta el 2016. Por temas económicos y personales, la pausa que los fundadores se han tomado desde la última edición se ha extendido hasta hoy, no obstante, el periodista Sergio Girón viene trabajando en la edición de una nueva revista – quizá la continuación de Incontrastable - y un libro de periodismo narrativo, que seguro dará que hablar a los críticos y público huancaíno.

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