Revista pisteyo 12

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En Portada: Acento en rosa (por Kandinsky) Libros: ORWELL, George Arte V: Art Abstracto Pisteyando: Apofenia Salud: Ebola Personaje: Jonas Mekas Música: Jazz Parte 2 Cine: Cine Experimental

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EDITORIAL Acerca de: EL ARTE ABSTRACTO Las corrientes artísticas son de mucha diversidad, o sea… Los enfoques son distintos. En esta ocasión… hablando estrictamente, la palabra abstracto significa apartar o aislar algo de otra cosa.

El término se puede sentenciar al arte en el que se basa un objeto, una figura o un paisaje, donde las formas se han simplificado o esquematizado.

También se aplica al arte que usa formas, como geométricas o marcas gestuales , que no tienen ninguna fuente en una realidad visual externa.

Algunos artistas de esta abstracción “puro” tienen términos preferidos como arte concreto o arte no objetivo, pero en la práctica la palabra resumen se usa en todos los ámbitos y la distinción entre los dos no siempre es obvia.

Se suele considerar que el arte abstracto tiene una dimensión moral, ya que se puede ver que representa virtudes como el orden, la pureza, la simplicidad y la espiritualidad.

Desde los principios del año 1900, el arte abstracto ha moldeado una corriente central del arte moderno .

Los artistas cubistas y fauvistas dependían del mundo visual para su tema, pero abrieron la puerta a enfoques más extremos de la abstracción. Los pioneros de la pintura abstracta “puro” fueron Kazimir Malevich y Piet Mondrian desde alrededor de 1910-20. .

Hay muchas ideas teóricas detrás del arte abstracto.

Mientras que algunos han tomado la idea del arte debe ser puramente sobre la creación de hermosos efectos, otros han propuesto que el arte puede o debe ser como la música, en el sentido en que la música es un patrón de sonido, los efectos del arte.

Debe ser creado por patrones puros de forma, color y línea.

La idea, derivada del antiguo filósofo griego Platón, de que la forma más alta de la belleza no reside en las formas del mundo

H

AG

real sino en la geometría, también se usa en la discusión del arte abstracto, como lo es la idea del arte abstracto, como lo hace. No representa el mundo material, puede verse representando lo espiritual.

PLATON -Toma, pues, una línea que esté cortada en dos segmentos desiguales y vuelve a cortar cada uno de los segmentos, el del género visible y el del inteligible, siguiendo la misma proporción. Entonces tendrás, clasificados según la mayor claridad u oscuridad de cada uno: en el mundo visible, un primer segmento, el de las imágenes. Llamo imágenes ante todo a las sombras y, en segundo lugar, a las figuras que se forman en el agua y en todo lo que es compacto, pulido y brillante y a otras cosas semejantes, si es que me entiendes.[...]

MOVIMIENTOS RELACIONADOS

ICONOGRAFIA

Arte abstracto

32

El arte abstracto, también llamado arte no objetivo o arte no representativo, pintura, escultura o arte gráfico en el que la representación de las cosas desde el mundo visible no juega ningún papel.

Todo el arte consiste en gran parte de elementos que se pueden llamar abstractos: elementos de forma, color, línea, tono y textura. Antes del siglo XX, estos elementos abstractos eran empleados por artistas para describir, ilustrar o reproducir el mundo de la naturaleza y de la civilización humana, y la exposición dominaba la función expresiva.

Definición: enciclopedia británica

14 En Portada:

Acento en rosa

6

PISTEYANDO

(por Kandinsky)

26

PISTIS CARTON

56

SALUD: Ebola

46

CITAS CELEBRES

58

ESPACIO POLITICO

82

ESPACIO LITERARIO

86

Apofenia

51

as n Jo kas Me

74 PARTE 2

61 Cine Experimental

O iotic IMB X s

EN PORTADA

“Acento en rosa” 1926.

En 1926, Kandinsky sacó a la luz dos obras maestras, su libro sobre la teoría de la pintura: Punto, línea, Surface, en Italia, publicado por Adelphi y esta obra maestra de la abstracción, Accento in rosa.

Esta pintura fue hecha en 1926, mientras Kandinsky enseñaba en la Bauhaus en Dessau. La pintura representa una especie de síntesis y análisis de la pintura abstracta.

El artista examina los espacios geométricos fusionándolos con sus estudios sobre espiritualidad en el arte. Su objetivo principal es relacionar e inducir a dialogar formas geométricas con colores abstractos.

Desde aquí, desde este gesto inicial, Kandinsky quiere expandir y extender estas reglas, que él mismo enuncia en todas las combinaciones posibles de forma y color, hasta el punto de lograr una gramática completa de formas geométricas.

La intención de Kandinsky es mostrar cómo son las figuras geométricas, junto con los colores, símbolos a través de los cuales el hombre puede comprender algo sobre su propia espiritualidad.

En la pintura, expuesta en el Museo Nacional de Arte Moderno, Centro George Pompidou en París, podemos ver cómo el rectángulo, el cuadrado y el círculo se relacionan con los colores rojo, azul, amarillo, negro, Azul, verde, rosa y blanco.

La pintura “ Accento en rosa “ representa el límite del mundo pictórico de Kandinsky; El lienzo rectangular es el borde exterior, pero dentro de la imagen hay varias realidades pictóricas: un cuadrilátero amarillo y un cuadrado oscuro.

Círculos de diferentes y diferentes tamaños se mueven, flotan dentro de estos espacios. Algunos se reúnen en la plaza, otros se mueven en el cuadrilátero y alguien llega al extremo de tocar los bordes del lienzo.

Son todas figuras simbólicas.

Sin embargo, los círculos representan un punto de referencia fundamental y conceptual para el artista. Son móviles e impermeables a la dureza del cuadrado y del cuadrilátero y representan claramente un punto de contacto entre el exterior y el interior. Su movilidad representa fuerza y energía, mientras que los colores sombreados que los rodean representan los cuerpos astrales.

Kandinsky, en esos años se enfrentaba a profundos estudios sobre la Teosofía, una disciplina filosófica creada por Rudolf Steiner. La teoría de los cuerpos astrales nace de estos estudios, y está claro que los círculos representan la espiritualidad de los individuos, por lo que los colores primarios definen los estados de la mente.

Título AÑO Tipo Tamaño: Artista:

Acento en Rosa 1926 Lámina montada en tabla 71.1x91.4 cms.

Wassily Kandinsky

El impresionista Claude Monet, fue el artista que cambió el destino de Kandinsky.

En 1895 Kandinsky visitó en Moscú la exposición de impresionistas franceses y su sorpresa y conmoción ante el cuadro de Monet “El almiar de heno” quedó grabada en sus propias palabras: “Y de pronto, por primera vez, vi un cuadro.

Leí en el catálogo que se trataba de un montón de heno, pero no podía reconocerlo (…). Me di cuenta de que faltaba el objeto del cuadro (…). Lo que tenía perfectamente presente era la insospechada y hasta entonces oculta fuerza de la paleta”.

Debido a la admiración que sentía por Monet, las primeras pinturas de Kandinsky tienen una gran influencia del fauvismo, el impresionismo y el puntillismo.

Su arte fue confiscado por los nazis y etiquetado como degenerado.

El régimen nazi confiscó su arte y en el año 1937 organizó “Arte Degenerado”, una exposición del gobierno alemán, cuyo objetivo era describir todo arte moderno y prohibirlo en favor de lo que los nazis denominaban “arte heroico”.

Tres obras de Kandinsky fueron confiscadas, exhibidas en el espacio, y posteriormente destruidas.

Se estima que cerca de 100 óleos y 300 acuarelas fueron destruidos por los nazis.

Kandinsky y su gato Vaska.

«Todo se volvía claro… la descripción de los objetos perdía todo sentido…

En el cuadro sólo quedaban los colores: un abismo se abría a mis pies» Esta frase fue pronunciada por Kandinsky en 1908, dos años antes – aunque para algunos cinco, pues hay bastante controversia sobre la fecha en la que fue pintada esta acuarela- de que crease uno de los cuadros más relevantes de su corpus de obra y del arte del s. XX. Se trata de la imagen que os presento a continuación, un pequeño dibujo que en los escritos de Kandinsky aparece catalogado como primera acuarela abstracta.

Primera 1910

acuarela

abstracta,

¿Qué es lo vemos? ¿Cómo lo describiríamos? Obviamente, si el patrón que pretendemos reconocer son figuras, objetos, o personas pintadas con más o menos destreza en el cuadro, no encontraremos nada. Kandinsky desde hacía años no tenía interés en definir objetos.

El arte abstracto se negará a pintar la realidad Existente para concentrar la fuerza Expresiva de la obra En sus aspectos cromáticos, Formales o estructurales.

Kandinsky estudió las sensaciones y los efectos que colores, líneas, y todos los elementos de la imagen producen en la psicología humana.

Estas son algunas de las relaciones que estableció entre color y emoción: •amarillo: calidez, emoción y felicidad; •azul: la paz y lo sobrenatural.

•verde: salud y la naturaleza •blanco: la claridad, la armonía, la pureza.

•negro: la oscuridad, desconocido, el silencio eterno. Frente al blanco que permite el negro es un color que niega.

•rojo: alegría, la confianza y la vida misma •marrón: es el rojo mezclado con el negro y un color que preludia tensión.

•naranja: ese mismo rojo mezclado con amarillo produce un color cálido y agradable.

W

assily Kandinsky, En ruso: Vasily Vasilyevich Kandinsky, (nacido el 4 de diciembre (Moscú, 4 de diciembre jul. / 16 de diciembre de 1866greg.-Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944), artista nacido en Rusia, uno de Los primeros creadores de la abstracción pura en la pintura moderna.

Después de exitosas exposiciones de vanguardia, fundó el influyente grupo de Munich Der Blaue Reiter (“The Blue Rider”; 1911–14) y comenzó a pintar de forma completamente abstracta.

Sus formas evolucionaron de fluidas y orgánicas a geométricas y, finalmente, a pictográficas (Eje. Tempered Élan, 1944).

La madre de Kandinsky era una moscovita, una de sus bisabuelas, una princesa de Mongolia, y su padre, nativo de Kyakhta, una ciudad siberiana cerca de la frontera china; El niño creció así con un patrimonio cultural que era en parte europeo y en parte asiático.

Su familia era gentil, acomodada y aficionada a los viajes; siendo aún un niño, se familiarizó con Venecia, Roma, Florencia, el Cáucaso y la Península de Crimea.

En Odessa, donde sus padres se establecieron en 1871, completó su educación secundaria y se convirtió en un actor aficionado al piano y al violonchelo.

También se convirtió en un pintor aficionado, y más tarde recordó, como una especie de primer impulso hacia la abstracción, una

convicción adolescente de que cada color tenía una vida misteriosa propia.

En 1886 comenzó a estudiar derecho y economía en la Universidad de Moscú, pero continuó teniendo sentimientos inusuales sobre el color al contemplar la arquitectura vívida de la ciudad y sus colecciones de iconos; en este último, dijo una vez, se podían encontrar las raíces de su propio arte.

En 1889, la universidad lo envió en una misión etnográfica a la provincia de Vologda, en el norte boscoso, y regresó con un interés duradero en los estilos a menudo descabellados y no realistas de la pintura popular rusa.

Durante ese mismo año, descubrió los Rembrandt en el Hermitage de San Petersburgo, y continuó su educación visual con un viaje a París. Siguió su carrera académica y en 1893 se le otorgó el título de doctorado.

Para entonces, según sus recuerdos, había perdido gran parte de su entusiasmo inicial por las ciencias sociales.

Sin embargo, sintió que el arte era “un lujo prohibido a un ruso”. Finalmente, después de un período de enseñanza en la universidad, aceptó un puesto como director de la sección fotográfica de una imprenta de Moscú.

En 1896, cuando se acercaba a su cumpleaños número 30, se vio obligado a elegir entre sus posibles futuros, ya que se le ofreció una cátedra de juris-

prudencia en la Universidad de Dorpat (más tarde llamada Tartu), en Estonia, que luego se sometió a la rusificación.

En lo que él llamó un estado de ánimo “ahora o nunca”, rechazó la oferta y tomó el tren para Alemania con la intención de convertirse en pintor.

Periodo De Munich Ya tenía el aire de autoridad que contribuiría a su éxito como maestro en los últimos años. Era alto, de postura grande, impecablemente vestido y equipado con lentes; tenía la costumbre de mantener la cabeza alta y parecer mirar hacia el universo.

Se parecía, según sus conocidos, a una mezcla de diplomático, científico y príncipe mongol.

Pero por el momento era simplemente un estudiante de arte promedio, y se matriculó como tal en una escuela privada en Munich dirigida por Anton Azbé.

Dos años de estudio bajo Azbé fueron seguidos por un año de trabajo solo y luego por la inscripción en la Academia de Munich en la clase de Franz von Stuck.

Kandinsky salió de la academia con un diploma en 1900 y, durante los próximos años, logró un éxito moderado como artista profesional competente en contacto con las tendencias modernas.

Partiendo de una base en el realismo del siglo XIX, fue influenciado por el impresionis-

mo, por las líneas de latigazo y los efectos decorativos del Art Nouveau (llamado Jugendstil en Alemania), por la técnica del punto del neoimpresionismo (o puntillismo) y por el fuerte, color poco realista del expresionismo centroeuropeo y del fauvismo francés.

A menudo reveló que no había olvidado los íconos de Moscú y el arte popular.

De Vologda; a veces se entregaba a patrones de violentos tonos que habrían deleitado a sus ancestros asiáticos. Expuso con los grupos de vanguardia y en los grandes espectáculos no académicos que habían surgido en toda Europa, con el Munich El grupo Phalanx (del cual asumió la presidencia en 1902), con el grupo Berlín Sezession, en el Salón d’Automne de París y el Salón des Indépendants, y con el grupo de Dresden que se llamaba Die Brücke (“El Puente”).

En 1903, en Moscú, tuvo su primera exposición individual, seguida al año siguiente por otras dos en Polonia. Entre 1903 y 1908 viajó extensamente, desde Holanda hasta el sur de Túnez y de París a Rusia , haciendo paradas de varios meses cada uno en Kairouan (Túnez), Rapallo (Italia), Dresde, el suburbio parisino de Sèvres, y berlin.

En 1909 Kandinsky y el pintor alemán. Gabriele Münter, quien había sido su amante desde 1902, adquirió una casa en la pequeña ciudad de Murnau, en el sur de Baviera. Trabajando parte del tiempo en Murnau y parte del tiempo en Munich,

comenzó el proceso que llevó a la aparición de su primer estilo sorprendentemente personal y, finalmente, al avance histórico en la pintura puramente abstracta. Poco a poco, las muchas influencias que había sufrido se unieron.

estaba solo de ninguna manera en su ataque al arte figurativo.

Su impulso para eliminar el tema por completo no fue, como se debe notar, meramente o incluso principalmente por su estrictamente estético. Nadie podría haber sido menos adicto al esteta, menos adicto al “arte por el arte”, que Kandinsky.

Entre 1910 y 1914, la lista de artistas abstractos pioneros incluía muchos pintores finos. Un examen estricto de obras y fechas puede mostrar, por lo tanto, que Kandinsky no merece ser llamado, como a menudo lo es, el “fundador” de la pintura no figurativa; Al menos no puede ser llamado el único fundador.

Pero, cuando se concede este punto histórico, sigue siendo un pionero de la primera importancia.

Además, no era el tipo de pintor nacido que podía disfrutar de las propiedades físicas del aceite y el pigmento sin importar lo que significaban.

Quería un tipo de pintura en la que los colores, las líneas y las formas, liberados del negocio distraído de representar objetos reconocibles, pudieran evolucionar hacia un “lenguaje” visual capaz, como lo era, para él, el “lenguaje” abstracto de la música, de Expresando ideas generales y evocando emociones profundas.

El proyecto no era, por supuesto, completamente nuevo. Las analogías entre pintura y música habían sido comunes durante mucho tiempo; muchos pensadores habían intentado codificar la supuesta expresividad de colores, líneas y formas; y más de un boceto bastante antiguo podría competir por el honor de ser llamado el primer cuadro abstracto Además, en estos años justo antes de la Primera Guerra Mundial, Kandinsky no

Para 1909, los cubistas estaban desarrollando visiones de las realidades intelectualizadas y fragmentadas que desconcertaban al espectador ordinario.

La afirmación ampliamente aceptada de Kandinsky de la prioridad histórica se basa principalmente en una obra sin título de 1910 y comúnmente conocida como Primera acuarela abstracta.

Sin embargo, sobre la base de la investigación realizada en la década de 1950, este trabajo puede fecharse un poco más tarde y puede considerarse un estudio para el 1913 Composición VII; y, en cualquier caso, debe considerarse simplemente un incidente, entre muchos para los cuales no se ha conservado la evidencia, en la ruta de Kandinsky.

En Blue Mountain (1908) la evolución hacia la no representación ya está claramente en curso; Las formas son esquemáticas, los colores no naturalistas y el efecto general de un paisaje de ensueño.

En Landscape with Steeple (1909) tendencias similares son evidentes, junto con el comienzo de lo que podría llamarse una explosión en la composición.

Para 1910 La improvisación XIV ya es, como lo sugiere su título musical, prácticamente abstracto; con el 1911 Rodeado, definitivamente se ha desarrollado un tipo de pintura que, aunque no solo de decoración, no tiene un punto de partida discernible en la representación de objetos reconocibles.

Después de eso vienen obras tan importantes como Con el Arco Negro ,Líneas negras , y otoño ; En tales imágenes, realizadas entre 1912 y 1914 en un estilo dramático, dramático y cortante que anticipa el expresionismo abstracto de Nueva York de la década de 1950, la mayoría de los historiadores del arte ven la cima del logro del artista.

Kandinsky fue un animador activo del movimiento de vanguardia en Munich, ayudando a fundar en 1909 la Asociación de Nuevos Artistas (Neue Künstlervereinigung).

Tras un desacuerdo dentro de este grupo, él y el pintor alemán Franz Marc fundó en 1911 un grupo rival organizado de manera informal, que tomó el nombre de Der Blaue Reiter (“The Blue Rider”), del título de una de las imágenes de Kandinsky de 1903.

Intermedio ruso Cuando se declaró la Primera Guerra Mundial en 1914, Kan-

dinsky rompió su relación con Gabriele Münter y regresó a Rusia a través de Suiza, Italia y los Balcanes.

Un matrimonio temprano con un primo se había disuelto en 1910 después de un largo período de separación, y en 1917 se casó con una mujer de Moscú, Nina Andreevskaya, a quien había conocido el año anterior.

Aunque tenía más de 50 años y su novia era muchos años más joven, el matrimonio resultó ser extremadamente exitoso, y se estableció en Moscú con la intención de reintegrarse a la vida rusa.

Su intención fue alentada por los nuevos soviéticos. Gobierno, que al principio se mostró ansioso por ganarse el favor y los servicios de los artistas de vanguardia.

En 1918 se convirtió en profesor de la Academia de Bellas Artes de Moscú y miembro de la sección de artes del Comisariado Popular de Instrucción Pública.

Su autobiográfico Rückblicke (“Retrospect”) fue traducido al ruso y publicado por las autoridades municipales de Moscú.

En 1919 creó El Instituto de Cultura Artística, se convirtió en director del Museo de Cultura Pictórica de Moscú , y ayudó a organizar 22 museos en toda la Unión Soviética .

En 1920 fue nombrado profesor en la Universidad de Moscú y fue honrado con una exposición individual organizada por el es-

tado.

En 1921 fundó la Academia rusa de ciencias artísticas. Pero para entonces, el gobierno soviético estaba pasando del arte de vanguardia al realismo social, y así, a fin de año, él y su esposa salieron de Moscú a Berlín.

A pesar de la guerra, la Revolución rusa y los deberes oficiales, había encontrado tiempo para pintar durante este inetrmedio ruso e incluso para comenzar una transformación bastante drástica de su arte.

Mientras que en su obra de Múnich hasta 1914 todavía se pueden encontrar alusiones ocasionales al paisaje, los lienzos y las acuarelas de sus años en Moscú muestran la determinación de ser completamente abstractos.

También muestran una tendencia creciente a abandonar el estilo anterior, espontáneo, lírico y orgánico en favor de un enfoque más deliberado, racional y constructivo. El cambio es evidente en imágenes como White Line y Blue Segment.

En Bauhaus Para estas fechas Kandinsky tenía una reputación internacional como pintor.

Sin embargo, siempre había estado interesado en la enseñanza, primero como profesor de derecho y economía poco después de obtener su título universitario, luego como maestro de una escuela de pintura que había organizado en Munich y,

más recientemente, como profesor en la Universidad de Moscú.

Parece que no dudó, por lo tanto, cuando a principios de 1922 se le ofreció un puesto de profesor en Weimar en el ya famoso Bauhaus de la escuela de arquitectura y arte aplicado.

Al principio, sus funciones estaban un poco alejadas de su actividad personal, ya que a la Bauhaus no le preocupaba la formación de “pintores” en el sentido tradicional de la palabra.

Dio una conferencia sobre los elementos de la forma, dio un curso de color y dirigió el taller de murales. No fue hasta 1925, cuando la escuela se mudó de Weimar a Dessau, tuvo una clase de pintura “libre” no aplicada.

Sin embargo, a pesar de la naturaleza algo rutinario de su trabajo, parece haber encontrado la vida en el Bauhaus gratificante y agradable.

El clima fue uno de investigación y artesanía combinadas con una cierta cantidad de puritanismo estético; Era clásico, para usar el término de manera bastante relajada, en comparación con el cálido romanticismo de sus días anteriores a 1914 en Munich.

Kandinsky respondió a este clima al continuar evolucionando en la dirección general de la abstracción geométrica, pero con un dinamismo y un gusto por el espacio pictórico lleno de detalles que recuerdan su técnica anterior de gesto de barrido.

Que Kandinsky estaba muy interesado en la teoría durante estos años es evidente a partir de su publicación en 1926 de su segundo tratado importante, Punkt und Linie zu Fläche (“Punto y línea al plano”).

Durante este período final, su pintura, que comenzó a llamar “concreto” en lugar de “abstracta”, se convirtió en cierta medida en una síntesis de la manera orgánica del período de Múnich En su primer tratado, Con res- y la forma geométrica del períopecto a lo espiritual en el arte, do de la Bauhaus. había enfatizado en particular la supuesta expresividad delos co- El lenguaje visual al que había lores, comparando el amarillo, estado apuntando desde al mepor ejemplo, con el sonido agre- nos 1910 se convirtió en colecsivo, supuestamente terrenal de ciones de signos que parecían una trompeta, y comparando mensajes casi descifrables esel azul con el sonido supuesta- critos en pictografías y jeroglímente celestial del órgano de ficos; muchos de los signos se tubos. asemejan a larvas acuáticas, y de vez en cuando hay una Ahora, con el mismo espíritu, mano figurativa o un rostro huanalizó los supuestos efectos mano lunar. de los elementos abstractos del dibujo, interpretando una línea Las obras típicas son Violeta horizontal, por ejemplo, como dominante, Curva dominante, fría y una línea vertical como Quince, Moderación y Élan temcaliente. plado.

En Paris Aunque había sido ciudadano alemán desde 1928, emigró a París cuando, en 1933, los nazis obligaron a los Bauhaus a cerrar. El último, y uno de los mejores, de sus cuadros alemanes es el sobrio.

La producción de tales obras estuvo acompañada por la redacción de ensayos en los que el artista destacó el supuesto fracaso del positivismo científico moderno y la necesidad de percibir lo que denominó “el carácter simbólico de las sustancias físicas”.

Desarrollo en Brown; su título probablemente alude a las tropas de asalto de cuello marrón nazis, que consideraban su arte abstracto como “degenerado”.

Kandinsky murió en 1944. Su influencia en el arte del siglo XX, a menudo filtrada a través del trabajo de pintores más accesibles, fue profunda.

Vivió durante los 11 años restantes de su vida en un apartamento en el suburbio parisino de Neuilly-sur-Seine, convirtiéndose en un naturalista. Ciudadano francés en 1939.

Desideré

George Orwell Eric Arthur Blair Considerado como el segundo mejor escritor británico y uno de los más influyentes en la literatura del siglo XX, Es sin duda un referente, un elegido, una mente pudiente,

G

eorge Orwell, (25 de junio de 1903 - 21 de enero de 1950) ha sido uno de los escritores más influyentes y reflexivos del siglo XX. Sin ser muy prolifero en la cantidad de sus libros, han creado una intensa crítica literaria y política. Orwell era un socialista, pero al mismo tiempo, no encajaba en ninguna ideología limpia.

Es mejor conocido por sus novelas “1984” y “La Rebelión en la granja”, que advierten sobre los peligros de un estado totalitario.

Completados justo después de la Segunda Guerra Mundial, tocaron un acorde debido a los temores contemporáneos sobre la creciente influencia del control estatal.

Fue ante todo un escritor político, pero para Orwell, su objetivo no era promover cierto punto de vista, sino llegar a la verdad; exponiendo la hipocresía y la injusticia que prevalecen en la sociedad.

- Realizó todo tipo de trabajos para sobrevivir, vivió durante varios años en la pobreza y llegó incluso a estar en la indigencia durante una temporada.

Eric Arthur Blair, su nombre de pila, nació el 25 de junio de 1903 en Motihari, Bengala, siendo el tercer hijo del matrimonio entre Ida Mabel née Limouzin (1875– 1943) y Richard Walmesley Blair (1857–1938).

Su padre era un agente del Servicio Civil Indio bajo la ley de la Corona Británica en India, por lo que lo veía en raras ocasiones y no pudo compartir con él mucho tiempo, hasta que en 1912 se retiró de dicho trabajo.

Poco después, ganó una beca para entrar a una de las más costosas escuelas públicas de Inglaterra, el Colegio Eton, al cual asistió de 1917 a 1921. Ahí conoció al escritor Aldous Huxley (1894-1963), quien fue su profesor de francés.

- En su novela “1984” inventa el concepto de “Gran Hermano”

Eric Blair con la madre, 1903

La familia de Eric Blair 1916

Poco después de su nacimiento, fue llevado por su madre a Oxfordshire, Inglaterra. Su familia era económicamente necesitada, pero una familia aspirante de clase media.

lo difícil que era ser feliz en un entorno tan mezquino.

A los 14 años, pudo mudarse a Eton, donde tenía mejores recuerdos debido a la mayor estimulación intelectual. Sin embargo, la conciencia de ser mucho más pobre que muchos de sus amigos de la escuela se mantuvo.

Dejó a Eton con valores firmemente sostenidos de “clase media” pero al mismo tiempo una sensación de incomodidad con su posición social.

Después de la escuela, no pudo pagar la universidad y, a falta de una mejor opción, Orwell aceptó un trabajo en la administración pública birmana.

Fue aquí en Birmania, que Orwell comenzaría a afirmar su independencia de su educación privilegiada. De manera reveladora, más tarde, Orwell contó cómo se encontraba alentando a la población local y despreciando la ideología imperial que representaba.

Orwell lo describió como “clase media-baja-alta”, un reflejo de la importancia que sintió para el inglés asociado a las etiquetas de clase.

Él renunció a su cargo en 1927. En un ensayo, Shooting the Elephant, él describe sus sentimientos sobre Birmania:

Como su familia no podía pagar las cuotas de una escuela pública adecuada, fue educado en St Cyprian en Eastbourne, que sirvió como un obstáculo preliminar para obtener una beca para escuelas públicas como Eton.

“Teóricamente y en secreto, por supuesto, siempre fui por los birmanos y todos contra los opresores, los británicos.

En cuanto al trabajo que estaba haciendo, lo odiaba más amargamente de lo que quizás pueda dejar claro”

En un ensayo posterior, “Tales, Such are the Joys”, criticó su tiempo cuando St Cyprian notó George Orwell y su hijo

Estaba en la naturaleza de George Orwell tratar de ver una situación desde el punto de vista de otras personas.

No estaba contento de aceptar la sabiduría social convencional.

De hecho, comenzó a despreciar tanto su educación de clase media que decidió pasar el tiempo como un vagabundo. Quería experimentar la vida desde la vista del canal.

Sus vívidas experiencias están grabadas en su libro “ Down and out in Paris and London” (Sin blanca en París y Londres).

Orwell ya no podría ser descrito como un “socialista de Champagne”; al vivir con los más pobres y desfavorecido, obtuvo una visión única del funcionamiento práctico de las ideas de la clase trabajadora y la política de la clase trabajadora El camino a Wigan Pier En medio de la gran depresión, Orwell emprendió otra experiencia viajando a Wigan; una ciudad industrial en Lancashire que experimenta todos los efectos del desempleo masivo y la pobreza.

Orwell admitió libremente cómo, cuando era niño, fue educado para despreciar a la clase trabajadora. Él cuenta vívidamente cómo estaba obsesionado con la idea de que las clases trabajadoras olían: “A la distancia... podría agonizar por sus sufrimientos, pero aun así los odiaba y los despreciaba cuando me acercaba a ellos”.

El camino a Wigan Pier ofrecía una visión penetrante del estado de las clases trabajadoras.

También era un derecho de paso para Orwell vivir entre las personas que una vez, desde lejos, había despreciado.

El Camino a Wigan Pier inevitablemente tenía un mensaje político, pero característicamente de Orwell, no era del todo agradable para la izquierda.

Por ejemplo, fue menos que halagador hacia el partido comunista. Esto fue a pesar del libro promovido por una organización mayoritariamente comunista: el club The Left Book.

La guerra civil española.

Fue en la lucha en la guerra civil española que Orwell llegó a despreciar realmente las influencias comunistas.

En 1936, Orwell se ofreció como voluntario para luchar por la República Española, que estaba luchando contra las fuerzas fascistas del general Franco. Fue un conflicto que polarizó a las naciones.

Para la izquierda, la guerra era un símbolo de una verdadera revolución socialista, basada en los principios de igualdad y libertad.

Fue por estos ideales que muchos voluntarios internacionales, de todo el mundo, fueron a España para luchar en nombre de la República. Orwell se encontró en el corazón de la revolución socialista en Barcelona.

Fue asignado a un partido anarquista - trotskista – POUM. Más que la mayoría de los otros partidos de izquierda, creían en el ideal de una verdadera revolución marxista.

A los miembros del POUM, la guerra no se trataba solo de luchar contra la amenaza fascista sino también de entregar una revolución socialista para las clases trabajadoras.

En su libro, Homenaje a Cataluña” Orwell escribe sobre sus experiencias; señala la ineficiencia con la que los españoles combatieron incluso las guerras.

Estaba entusiasmado con el fervor revolucionario de algunos de los miembros de su partido; sin embargo, una de las impresiones principales fue su percibida traición a la República por parte del partido comunista respaldado por los estalinistas.

Sin darse cuenta, se vio envuelto en una guerra civil entre la izquierda, cuando el Partido Comunista respaldado por la Unión Soviética se volvió contra las facciones trotskistas como POUM. Al final, Orwell escapó y salvo su vida, después de recibir un disparo en la garganta. Pudo regresar a Inglaterra, pero había aprendido de primera mano cómo las revoluciones podían ser fácilmente traicionadas; Ideas que luego darían forma a su obra seminal “ Granja de animales”.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Orwell fue declarado no apto para el servicio activo.

Apoyó activamente el esfuerzo de guerra desde el principio.

(No esperó a que la Unión Soviética ingresara como algunos comunistas).

También comenzó a escribir para la revista de izquierda ‘The Tribune’, que estaba asociada con la izquierda del Partido Laborista.

Orwell fue nombrado editor y se mostró entusiasta al apoyar al gobierno laborista radical de 1945, que implementó un servicio nacional de salud, un estado de bienestar y la nacionalización de las principales industrias.

Sin embargo, Orwell no solo estaba centrado en la política, sino que se interesó activamente en la vida de la clase trabajadora y la cultura inglesa.

Sus ensayos breves investigaron aspectos de la vida en inglés, desde el pescado y las papas fritas hasta las once reglas para preparar una buena taza de té.

Orwell se describió a sí mismo como un humanista secular y podría ser crítico de la religión organizada en sus escritos.

Sin embargo, le gustaban los aspectos sociales y culturales de la Iglesia de Inglaterra y asistía a los servicios de forma intermitente.

Se casó con Eileen O’Shaughnessy en 1936 y en 1944, adoptaron a un niño de tres sema-

nas, Richard Horatio. Orwell se sintió devastado cuando Eileen murió y trató de volver a casarse, buscando una madre para su hijo pequeño.

Pidió a varias mujeres por su mano en matrimonio, y Sonia Branwell acepto en 1949, a pesar de que su salud cada vez era más pobre de Orwell. Orwell era un gran fumador y esto afectó sus pulmones causando problemas bronquiales.

En los últimos años de su vida, se mudó a una granja remota en la isla escocesa de Jura para concentrarse en sus escritos.

Las dos grandes novelas de Orwell fueron “ Rebelión en la granja “ y “ 1984”. Rebelión en la granja es una simple alegoría de revoluciones que salen mal, basada principalmente en la revolución rusa. 1984 es una pesadilla distópica* sobre los peligros de un estado totalitario que gana el control total sobre sus ciudadanos.

Muerte: GEORGE ORWELL: tenía una apariencia demacrada probablemente por su adicción al cigarro. De niño padeció enfermedades respiratorias y desarrolló bronquiectasia, caracterizada por los bronquios permanentemente dilatados y ataques de tos.

En 1938, tosió con sangre, por lo que inmediatamente fue a un hospital donde se le diagnosticó tuberculosis.

Orwell pasó los últimos tres años de su vida entre hospitales. Finalmente fallece el 21 de enero de 1950 de tuberculosis.

Su amigo David Astor ayudó en su entierro.

Sus restos descansan en Sutton Courtenay, Oxfordshire.

*Distopía es el término opuesto a utopía.

Como tal, designa un tipo de mundo imaginario, recreado en la literatura o el cine, que se considera indeseable. La palabra distopía se forma con las raíces griegas δυσ (dys), que significa ‘malo’, y τόπος (tópos), que puede traducirse como ‘lugar’.

Homenaje a Cataluña

- Adoptó el pseudónimo de George Orwell en 1933 para poder introducir datos autobiográficos en sus novelas con mayor tranquilidad, para que lo que en ellas contaba no afectara a sus padres.

- Permaneció un tiempo en España por motivos militares y políticos durante la Guerra Civil. Aquí estuvo a punto de morir en dos ocasiones. Participó también de forma activa en la Segunda Guerra Mundial.

http://www.k-1.com/Orwell/site/about/pictures.html

HORA DE LEER

O

rwell es uno de los más importantes escritores en lengua inglesa del siglo XX. Ejerció de periodista (reportero para medios como el Tribune o el Observer) y de crítico literario.

Como escritor destaca por sus estupendos ensayos, además de por sus no velas más críticas, muy comprometidas política y socialmente.

RA O H DE

ER E L

1984 En el año 1984 Londres es una ciudad lúgubre en la que la Policía del Pensamiento controla de forma asfixiante la vida de los ciudadanos.

Winston Smith es un peón de este engranaje perverso y su cometido es reescribir la historia para adaptarla a lo que el Partido considera la versión oficial de los hechos.

Hasta que decide replantearse la verdad del sistema que los gobierna y somete.

«No creo que la sociedad que he descrito en 1984necesariamente llegue a ser una realidad, pero sí creo que puede llegar a existir algo parecido», escribía Orwell después de publicar su novela.

Corría el año 1948, y la realidad se ha encargado de convertir esa pieza -entonces de ciencia ficción- en un manifiesto de la realidad. Además de cronista, crítico de literatura y novelista, Orwell es uno de los ensayistas en lengua inglesa más destacados de los años treinta y cuarenta del pasado siglo XX

Rebelión en la granja Un rotundo alegato a favor de la libertad y en contra del totalitarismo que se ha convertido en un clásico de la literatura del siglo XX. Esta sátira de la Revolución rusa y el triunfo del estalinismo, escrita en 1945, se ha convertido por derechos propio en un hito de la cultura contemporánea y en uno de los libros más mordaces de todos los tiempos. Ante el auge de los animales de la Granja Solariega, pronto detectamos las semillas de totalitarismo en una organización aparentemente ideal; y en nuestros líderes más carismáticos, la sombra de los opresores más crueles.

Además de cronista, crítico de literatura y novelista, Orwell es uno de los ensayistas en lengua inglesa más destacados de los años treinta y cuarenta del pasado siglo XX. Sin embargo, es más conocido por sus dos novelas críticas con el totalitarismo y publicadas después de la Segunda Guerra Mundial.

Que no muera la aspidistra Escrita con su mejor vena satírica, George Orwell nos cuenta en esta novela la historia de Gordon Comstock, un poeta frustrado que un buen día decide combatir el tentador poder del dinero viviendo en las más míseras condiciones.

Gordon Comstock es un poeta frustrado dispuesto a llevar sus ideales hasta las últimas consecuencias. Rechaza un lucrativo trabajo como publicista para aceptar un humilde puesto en una destartalada librería de Londres que apenas le da para comer.

Eso sí, le permite ser fiel a sus principios. Su firme determinación es alejarse de la seguridad simbolizada por la flor de la aspidistra, presente en todas las ventanas de los hogares de clase media británicos y emblema de una existencia desahogada.

Gordon prefiere pasar las noches temblando de frío en su habitación alquilada mientras intenta escribir, ensimismado en su sueño de noble pobreza. Pero la exclusión y la marginación acabarán por darle una importante lección de vida: «Los principios están muy bien, siempre que no haya que ponerlos en práctica.»

La hija del clérigo La hija del clérigo es una de las novelas menos conocidas de George Orwell, pero sin duda una de las mejores y más experimentales.

Ambientada en la década de los años treinta, cuenta la dura vida de la hija de un clérigo, maltratada y condenada a ser una criada hasta que un brusco cambio la llevará inesperadamente a Londres, donde vivirá una vida totalmente distinta, exiliada incluso de su propia memoria.

Retrato de la Inglaterra de la gran depresión, esta novela es una de las obras esenciales del realismo inglés de principios del siglo XX. Además de cronista, crítico de literatura y novelista, Orwell es uno de los ensayistas en lengua inglesa más destacados de los años treinta y cuarenta del pasado siglo XX. Sin embargo, es más conocido por sus dos novelas críticas con el totalitarismo y publicadas después de la Segunda Guerra Mundial.

Homenaje a Cataluña Sin duda uno de los libros más importantes del siglo XX. Una obra clave sobre la guerra civil española por uno de los principales escritores de la época y testigo del episodio.

Homenaje a Cataluña es un libro admirado por autores de toda época y condición, desde Connolly o Trilling hasta Javier Cercas, Antony Beevor o Mario Vargas Llosa, que llegó en los años sesenta a Barcelona con esta obra bajo el brazo.

Un texto clave sobre la guerra de España, que sirvió de ensayo general a la Segunda Guerra Mundial, y que recoge la experiencia personal de George Orwell. El autor británico llegó en diciembre de 1936 a una Barcelona en plena efervescencia revolucionaria y en menos de un año tuvo que huir de la implacable maquinaria soviética por haber formado parte de las milicias del POUM. La honestidad y el coraje con el que Orwell narra lo que vivió le convierten en el escritor moral por excelencia.

Los días de Birmania Una novela de intrigas en la Birmania británica de la mano de un grande de las letras inglesas.

El protagonista de Los días de Birmania, el señor Flory, es el representante de una empresa maderera relegado a una remota provincia. Su apertura de miras hacia los nativos lo acerca al doctor Veraswami, quien tras caer en desgracia ante U Po Kyin, el poderoso y corrupto submagistrado local, necesita su patrocinio para formar parte del club social de Kyauktada, hasta ahora un reducto de los blancos.

Por otra parte, la llegada de Elizabeth Lackersteen, una joven encantadora y caprichosa, provocará casi literalmente un terremoto en la pequeña comunidad. George Orwell nació en la India en 1903, pero con solo un año de edad se trasladó con su madre y sus hermanos a Inglaterra. No volvió al continente asiático hasta cumplir los diecinueve años, para formar parte de la policía colonial de Birmania. Esta novela -la primera del genial escritores el fruto de aquellos años.

Recuerdos de la guerra de España Un documento de enorme valor histórico y literario en el que el autor narra sus días en el frente y retrata un tiempo que no debiéramos olvidar.

Recuerdos de la guerra de España se publicó en 1942, en pleno apogeo del nazismo y pocos años después de la victoria de las tropas de Franco en la Guerra Civil.

La inquietud de George Orwell por la rápida expansión de los totalitarismos que marcó sus obras más populares se muestra también en este texto, en el que denuncia la manipulación de la verdad histórica y expresa su preocupación por el conocimiento de las generaciones futuras. Además de cronista, crítico de literatura y novelista, Orwell es uno de los ensayistas en lengua inglesa más destacados de los años treinta y cuarenta del pasado siglo XX. Sin embargo, es más conocido por sus dos novelas críticas con el totalitarismo y publicadas después de la Segunda Guerra Mundial.

Escritor en guerra Los diarios y la correspondencia del ensayista más importante del siglo XX suponen una crónica imprescindible de la guerra civil española y de la Segunda Guerra Mundial.

Esta edición presenta en un solo volumen una selección de los famosos «Diarios de guerra» de Orwell, que abarcan los años 1940 a 1942, que el escritor pasó en el Londres bombardeado por los nazis; y de su correspondencia entre los años 1934 y 1943, que cubren la Guerra Civil española y el inicio de su carrera literaria. Una crónica muy vívida del entorno intelectual, político y literario de Orwell durante los años más importantes de su vida y, al mismo tiempo, un testimonio extraordinario del período más convulso de la historia europea del siglo XX. Además de cronista, crítico de literatura y novelista, Orwell es uno de los ensayistas en lengua inglesa más destacados de los años treinta y cuarenta del siglo XX.

Sin blanca en París y Londres Una obra maestra del reportaje del siglo XX por el autor de1984 y Rebelión en la granja.

«Hay otra sensación que constituye un gran consuelo en la pobreza. Creo que cualquiera que haya pasado apuros económicos la habrá experimentado.

Es una sensación de alivio, casi placentera, al saber que por fin estás sin blanca. Has hablado tantas veces de la posibilidad de acabar en el arroyo… y resulta que ya estás en él y puedes soportarlo.

Eso te quita muchas preocupaciones.» Sin blanca en París y Londres es el vívido relato del tiempo que Orwell pasó entre los más pobres de la sociedad, un recorrido por los bajos fondos.

Fue la primera obra que publicó Orwell, escrita cuando era un escritor primerizo, y narra su primer contacto con la pobreza.

Describe meticulosamente un mundo de miseria y penalidades, duerme en hostales infestados de insectos, en casas de acogida, trabaja como friegaplatos en un inmundo restaurante parisino, se alimenta de migajas y colillas de tabaco, vive con vagabundos, un soñador artista callejero y un ex militar ruso muerto de hambre…

Al revelar una realidad impactante que hasta entonces permanecía oculta, Orwell dio por primera vez un rostro humano a las estadísticas de pobreza, y además encontró su voz.

Referencias Cita: Pettinger, Tejvan . “Biografía de George Orwell”, Oxford, www.biographyonline.net 1.George Orwell, “Shooting an elephant”, George Orwell seleccionó los escritos (1958) p.25 2.George Orwell, “Road to Wigan Pier” (Harmondswith) 1980 p.130 3.George Orwell, Homenaje a Cataluña 1959 p.58.

Por @gh

apofenia

La apofenia es la tendencia a ver patrones o formas en objetos o situaciones aleatorias.

La apofenia (del griego ἀπό, apó, “separar, alejar”, y φαίνειν, phaínein, “aparecer, manifestar (se) como fenómeno, fantasía”) es la experiencia consistente en ver patrones, conexiones o ambos en sucesos aleatorios o en datos sin sentido.

Solo mirando el cielo y viendo diferentes animales o formas en las nubes, o en el contorno de una montaña distante, dejamos que nuestra imaginación se vuelva loca. No es exactamente malo o incorrecto.

Pero, a veces puede ser engañoso.

El término fue acuñado por el neurólogo y psiquiatra alemán, Klaus Conrad, y significa literalmente “ver las conexiones sin motivación” en 1959 por Klaus Conrad, quien lo definió como «visión sin motivos de conexiones» acompañada de «experiencias concretas de dar sentido anormalmente a lo que no lo tiene».

Esta tendencia de los humanos, de encontrar patrones donde no existen, se llama apofenia. Entienda más sobre esto junto con ejemplos en las próximas secciones.

Por ejemplo, se piensa en un teléfono y este suena por casualidad; sin embargo, se puede creer que sonó porque nuestro pensamiento lo provocó.

Algunos profesionales de salud de urgencias creen que las noches de luna llena son más agitadas que las demás; esto se debe a que se presta atención cuando efectivamente ocurren simultáneamente, y se ignoran los casos que se oponen a la creencia.

Nos encanta encontrar un enlace y llegar a una conclusión. A veces, incluso si no está allí. Básicamente, nos gusta encontrar un patrón en aleatoriedad.

De acuerdo con el diccionario Merriam-Webster, la apofenia es la tendencia a percibir una conexión o patrón significativo entre cosas no relacionadas o aleatorias (como objetos o ideas).

No se limita a solo ver formas en lugares inesperados.

También incluye la percepción de patrones en datos sin sentido. Incluso suponiendo una conexión particular entre varias incidencias en su vida sin ninguna razón real, puede ser un caso de apofenia.

La apofenia puede ser considerada como una bendición y también como una maldición. Es debido a esta tendencia que podemos explorar cosas nuevas, pero a veces nos puede engañar.

Se deriva del hecho de que los humanos siempre estamos buscando un significado en nuestra vida. A menudo creemos que todo sucede por una razón. Bueno, la mayoría

de las veces, puede ser que las cosas no estén relacionadas, y sin embargo, no abandonemos nuestra incansable búsqueda para encontrar una conexión.

Eso es apofenia.

Cuando una persona ve un patrón a pesar de que no existe, se llama error falso positivo o de tipo I en términos estadísticos.

La sincronicidad definida por Carl Jung, es una forma de apofenia. Según Jung, los eventos casuales que son simbólicos de algo, son significativos.

Michael Shermer, un historiador estadounidense de la ciencia, escritor y escéptico profesional se refiere a la apofenia como patrón.

Según los psicólogos evolutivos, la apofenia no es un error en la cognición. Es más bien para lo que está diseñado el cerebro humano. La tendencia a derivar conexiones entre eventos aparentemente no relacionados o la tendencia a derivar significado de objetos o incidentes aleatorios puede ayudar a advertir a una persona de un peligro inminente.

Es la patronicidad la que ayuda al hombre a hacer especulaciones sobre el futuro cercano, predecir lo que puede suceder y, en consecuencia, decidir su curso de acción.

La apofenia puede estar vinculada a la creatividad. Curiosamente, aquellos propensos a la fantasía o aquellos a los que les gusta soñar despiertos,

tienen una inclinación natural a derivar patrones de cosas aleatorias.

En un estudio realizado por De Young y su equipo, se llegó a la conclusión de que los niveles de dopamina podrían aumentar la apofenia y, al mismo tiempo, dificultar las funciones cognitivas.

La lógica, la inteligencia y el pensamiento analítico están asociados con el hemisferio izquierdo del cerebro, mientras que el hemisferio derecho está relacionado con la capacidad de reconocer patrones. Así, la apofenia y la inteligencia parecen estar inversamente relacionadas.

La dominancia reducida del hemisferio izquierdo del cerebro se asocia con la esquizofrenia. De hecho, los individuos con esquizofrenia paranoica ven patrones que parecen indicar el mal, incluso donde no existen.

Tipos de apofenia

Hay algunos tipos básicos de apofenia. La pareidolia es el tipo más común.

Ilusión de agrupamiento: es la tendencia a considerar la presencia de un patrón de algún tipo en muestras verdaderamente aleatorias. Surge de la tendencia a subestimar la variabilidad en los datos.

Sesgo de confirmación: es cuando se comprueba si un cierto supuesto es correcto, se hace hincapié en demostrar que es verdadero, en lugar de falso.

Falacia del jugador: se refiere a asumir que hay más probabilidades de que algo suceda ya que no ha sucedido antes.

Pareidolia: se refiere al fenómeno de ver diferentes formas o caras en cualquier objeto.

Ejemplos de apofenia •Un muy buen ejemplo de apofenia son los jugadores, ya que creen que ven patrones en los números. A veces sucede que los jugadores esperan un cierto resultado porque no ha llegado en mucho tiempo.

•Ver rostros o patrones en la luna es un ejemplo muy común de apofenia. Nos encanta mirar a la luna y encontrar un hombre o una liebre en ella, ¿no?

•No son solo los niños quienes encuentran nubes que se parecen a ciertos animales, personas u otros objetos; Incluso los adultos tienden a derivar el significado de sus formas.

•Tendemos a ver caras en el polvo en los vehículos, o incluso en una tostada. Esto puede implicar ver caras familiares o símbolos religiosos.

•Incluso a partir de cosas como sombras de objetos, un líquido

usa a menudo como explicación de afirmaciones paranormales o religiosas.

Se ha sugerido que la apofenia es un vínculo entre la psicosis y la creatividad. Se piensa que los seres humanos somos criaturas buscadoras de patrones por naturaleza, pues la evolución seleccionó positivamente la asociación entre eventos. derramado en el suelo o la textura de una pared, tendemos a imaginar formas o patrones y derivamos un significado de ellos.

•Las naranjas reducidas a la mitad u otras frutas pueden parecerse a algo familiar. Podemos ver un rostro humano o animal, la imagen de alguien que conocemos, o algo divino.

•Podemos ver un cierto número o secuencia de números que se repiten a lo largo del día o por algunos días. Por ejemplo, uno se levanta por la mañana y ve las 5:55 am en el reloj. El primer número de teléfono al que llama tiene un 5-5-5, en su camino al trabajo ve muchos autos con 5 en sus placas. En la noche, cuando se levanta para un descanso, su reloj muestra las 5:55 pm Muchos de nosotros intentamos deducir el significado de este tipo de repetición de números. Muchos tienden a creer que el número les está diciendo algo. ¿Y si es solo una simple coincidencia? Sin embargo, la

tendencia natural de nuestros cerebros a encontrar patrones nos hace derivar el significado de la aleatoriedad.

•Algunas personas incluso encuentran una melodía familiar en ruidos de tráfico aleatorios o el sonido de la lluvia. O los sonidos aleatorios les hacen pensar que alguien está llamando su nombre.

Salud mental y enfermedad mental.

Conrad describió originalmente este fenómeno en relación con la distorsión de la realidad presente en la psicosis, pero se ha utilizado más ampliamente para describir esta tendencia en individuos sanos, sin que esto implique necesariamente la presencia de enfermedades neurológicas o mentales.

Estadística

En estadística, la apofenia debería ser clasificada como un error de tipo I. La apofenia se

Esto ocurre cada vez que el costo de cometer un error de tipo I excede en mucho el costo de cometer un error de tipo II.

A la larga, todos seríamos descendientes de aquellos cuyos cerebros asociaron todos los ruidos detrás de la hierba como producidos por un animal hostil al acecho.

Ante estas duraderas presiones ambientales, la patronicidad y la supuesta intencionalidad de eventos naturales son propiedades emergentes inevitables

Ejemplos en el cine y la televisión •En el capítulo 7 de la primera temporada de la serie Houdini & Doyle, Harry Houdini menciona este fenómeno cuando Arthur Conan Doyle descubre lo que parece ser un patrón: “Estamos hechos para encontrar patrones; nos ayuda a descubrir predadores (...)

Y nos hace ver caras en todos lados: desde el hombre en la Luna a Jesús en una tostada.”

Conan Doyle responde aludiendo al término apofenia, y añade: “A veces las ves en la frente de la gente.”

Descubren, así, en las marcas halladas en el cuello de dos víctimas la marca de Abadón.

•La película de suspense El número 23, protagonizada por Jim Carrey, narra la historia de un hombre que se obsesiona con el número 23.

•La película de Darren Aronofsky, Pi’, en la que el protagonista se obsesiona con encontrar la base o modelo de números que conforman la Torá.

Del griego se traduce prefijo apo, que designa alejarse y phaenein que es mostrar.

Conrad buscaba hacer contraste con la palabra epifanía, que hace referencia a un súbito esclarecimiento que da origen a un descubrimiento, una conexión que permite una innovación, al contrario de lo que ocurre durante un episodio esquizofrénico con la apofanía.

Fue más conocido como profesor de psiquiatría y neurología y director del Hospital Psiquiátrico Universitario de Gotinga desde 1958 hasta su muerte.

Fuente: www.psygenie.org

Klaus

Conrad (19 de junio de 1905 en Reichenberg - 5 de mayo de 1961 en Göttingen) fue un neurólogo y psiquiatra alemán con importantes contribuciones a la neuropsicología y la psicopatología. Se unió al Partido Nazi (NSDAP) en 1940.

Su trabajo principal: Die beginnende Schizophrenie. Versuch einer Gestaltanalyse des Wahns (El comienzo de la esquizofrenia. Intento de un análisis Gestalt de la ilusión.)

Trabajo “La Esquizofrenia Incipiens” (1958), resultado de trabajar con soldados alemanes veteranos de la Segunda Guerra Mundial.

Durante la segunda fase de la esquizofrenia incipiente aparece el neologismo Apophänie, traducido como apofanía o apofanica.

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I -K -

x-

Arte abstracto “De todas las artes, la pintura abstracta es la más difícil.

Exige que sepas dibujar bien, que tengas una mayor sensibilidad para la composición y los colores, y que seas un verdadero poeta. Esto último es esencial”. –Wassily Kandinsky.

El

arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

table de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.

En sus inicios, dio lugar a grandes polémicas y discrepancias.

Este arte es una de las formas más libres y hermosas de arte, que permite al ser humano conectarse con su parte interior más directamente debido a que no se ve forzado a representar algo que ya existe sino algo que surge pura y completamente de su interior.

De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inago-

La importancia del arte abstracto justamente es permitir libertad al artista, conocerse mejor y abrir su mundo a que muchas miles de personas pue-

Este no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados.

dan conocerlo y sentirse interpeladas por él.

Importancia del arte abstracto Es importante porque estudia las formas, los colores, los ritmos, el espacio, las dimensiones y todos los elementos que se encuentran limitados en forma directa a aquellas cosas que se están observando y por lo tanto deben ser reproducidas con exactitud.

Le da importancia a la identidad, la individualidad, la historia y los deseos de los artistas que la practican pues puede crear mundos nuevos y únicos.

pinturas de la cueva de Altamira (c. 34,000 BCE).

Arte abstracto, arte no objetivo, no figurativo, no representativo, abstracción geométrica o arte concreto.

A partir de entonces, los símbolos abstractos se convirtieron en la forma predominante del arte rupestre paleolítico.

Es un término general bastante vago para cualquier pintura o escultura que no representa a una persona, lugar o cosa en el mundo natural.

Que no represente objetos o escenas reconocibles. Sin embargo, como veremos, no hay un consenso claro sobre la definición, los tipos o el significado estético del arte abstracto.

Picasso pensó que no fue así, mientras que algunos críticos de arte opinan que todo arte es abstracto, porque, por ejemplo, ninguna pintura puede aspirar a ser más que un resumen crudo (abstracción) de lo que ve el pintor. Incluso los comentaristas convencionales a veces no están de acuerdo sobre si un lienzo debe estar etiquetado como “expresionista” o “abstracto”.

Entonces, aunque la teoría es relativamente clara (el arte abstracto está separado de la realidad), la tarea práctica de separar lo abstracto de lo no abstracto puede ser mucho más problemática.

Grabado de la cueva de Gorham, Gibraltar

Por lo que podemos decir, el arte abstracto comenzó hace unos 70,000 años con grabados prehistóricos: a saber, dos piezas de roca grabadas con patrones geométricos abstractos, que se encuentran en la Cueva de Blombos en Sudáfrica.

A esto le siguieron los puntos abstractos de color rojo ocre y las plantillas a mano descubiertas entre las pinturas de la cueva de El Castillo , que datan de 39,000 aC, el grabado neandertal en la cueva de Gorham, Gibraltar , y la imagen claviforme en forma de club entre las

El primer artista que planteo su arte a un concepto muy similar a los elementos que representan el arte abstracto, es Mc Neill Whistle1, que al presentar su obra titulada “Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket” en el año de 1872, propuso una idea que se enfocaba más a las sensaciones visuales que en lo que representan los objetos. De este modo forma, muchas pinturas de grandes artistas de plen air2 como John Constable, J. M. W. Turner, Camille Corot y muchos otros, enfocaron un interés objetivo.

1

James Abbott McNeill Whistler fue un pintor estadounidense ligado a los movimientos simbolista e impresionista. Desarrolló la mayor parte de su carrera en Francia e Inglaterra. Se destacó principalmente como retratista y también como grabador.

2

El plenairismo o plein air, referido a la pintura «au plein air» o pleinairista (del francés «plein air») es un término pictórico equivalente a pintura al aire libre

Origen e historia Pinturas abstractas de la Edad de Piedra

De la Cueva de Blombos en Sudáfrica

Las tendencias más importantes del arte abstracto son originadas de un doble matriz formal, que suele buscar un orden y una racionalidad que hace un distanciamiento inmediato a la realidad, aunque simultáneamente se pueda reconocer las fuerzas creativas del ambiente.

“Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket” en el año de 1872

A principios de la década de 1910, fueron desarrolladas varias tendencias relacionadas a lo abstracto a través de los movimientos vanguardistas en distintos países de Europa.

Sus predecesores más cercanos se consideran dos importantes movimientos de innovación, como lo son el impresionismo y el fauvismo.

Impresionismo: Escuela pictórica que floreció en Francia hacia el año 1874 por obra de Claude Monet (1840-1926) y otros artistas; deriva este nombre del hecho de pretender sus seguidores trasladar sobre el lienzo su particular impresión visual del objeto considerado, haciendo, para ello, centro del cuadro la atmósfera luminosa que rodea este objeto.

Fauvismo: Movimiento pictórico caracterizado por el empleo del color puro que surgió en París a principios del siglo XX.

Una de las tendencias principales se considera como un lenguaje que se basa en las funciones de expresión y significado de los colores, en el ritmo que fluye debido a las analogías reciprocas de las formas concretas.

Esta tendencia nace de las emociones, se es influenciado por la música, además de los estudios psicológicos y los principios de percepción realista.

Kandinsky realizo investigaciones en las que se intentó basar en el desarrollo concreto con el grupo Der Blaue Reiter y Paul Klee, que se puede apreciar públicamente en la Bauhaus, luego de terminar la guerra.

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español) fue el nombre de un grupo de artistas expresionistas, fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Berlín en 1911 hasta 1913, que transformó el expresionismo alemán. También formaron parte del grupo, entre otros, August Macke, Gabriele Münter, Alexei von Jawlensky, Marianne von Werefkin y Paul Klee. A todos ellos les unía su interés común por el Arte medieval y primitivo, así como los movimientos coetáneos del fovismo y el cubismo.

La primera obra que se consideró bajo los fundamentos del arte abstracto, fue la acuarela de Wasily Kandinsky en el año de 1910, que hoy en día se expone en el Museo Nacional Moderno, Centre Georges Pompidou, ubicado en París.

Kandinsky fue el primer artista conocido con pintar sin partir de algún resto de figuración.

La pintura se caracteriza por poseer un lenguaje vibrante de líneas con colores diferentes y que cada color representa algo en el mundo real, como el azul del cielo y el verde que simboliza la tierra, expresa racionalidad y emoción espitualidad y pasión.

La otra tendencia principal de este tipo de expresión artística, es muy diferente a la primera, debido a que se basa en lo matemático y se simplifica radicalmente en la abstracción geométrica.

Los primeros representantes conocidos de esta tendencia son los que conformaban el grupo holandés De Stijl. También se pueden apreciar estas características en las obras realizadas por los artistas Francis Picabia y Robert Delaunay.

Piet Mondriat elaboro una obra llamada “Composición A” en el año 1923 y que en la actualidad se encuentra en la Galleria d’Arte Moderna, localizada en Roma, y representa una intensidad y una muy singular fortuna artística, que hace referencia a la época que Mondriat se en-

contraba cercano a Theo Van Doesburg.

bierta de colores ensamblados en un cierto orden”.

Ambos artistas crearon los fundamentos teóricos del arte abstracto geométrico y constructivista, a través de su revista De Stijl.

Algunos artistas abstractos se explican a sí mismos diciendo que quieren crear el equivalente visual de una pieza musical, que se puede apreciar únicamente por sí misma, sin tener que hacer la pregunta “¿de qué es esta pintura?” Whistler, por ejemplo, solía dar algunos de sus cuadros a títulos musicales como Nocturne: Blue and Silver - Chelsea (1871, Tate Colectan).

Con la finalidad de formar un nuevo mundo estético basado en los principios de la objetividad, se volvió a evaluar la obra de Malevich en el año 1914, titulada “puesta a cero”, y así se buscó constructivamente todos sus elementos.

La justificación filosófica para apreciar el valor de las cualidades formales de una obra de arte se deriva de la afirmación de Platón de que: “Las líneas rectas y los círculos son... no solo hermosos... sino eternos y absolutamente hermosos”.

En esencia, Platón significa que las imágenes no naturalistas (círculos, cuadrados, triángulos, etc.) poseen una belleza absoluta e inmutable.

Así, una pintura puede ser apreciada por su línea y el color solo - no es necesario para representar un objeto natural o la escena.

El pintor, litógrafo y teórico del arte francés Maurice Denis (1870-1943) estaba haciendo lo mismo cuando escribió: “Recuerda una imagen, antes de ser un caballo de guerra o una mujer desnuda... es esencialmente una superficie plana cu-

EL arte abstracto y sus características •Estas obras no expresan los sentimientos propiamente del autor. La intención del arte abstracto consiste en expresar estados puros de conciencia o inconsciencia.

•Los colores y formas de este estilo contiene su propia expresión artística. Esto hace que los rayos que se cruzan entre las distintas formas, originan elementos espaciales que son usados en el arte abstracto.

•Las figuras no poseen fuerza en este campo del arte. Esto hace que el cuadro se convierta en único componente geométrico de toda la obra. Por esta razón el arte abstracto se conoce como la simplicidad al extremo de las formas.

•El significado de la obra hace el intento de ser percibido aunque no desea transmitir la sensación del autor. De alguna manera, la obra quiere encontrarse en un mundo externo a la realidad, llenando de representaciones lo abstracto.

•A pesar de que el arte abstracto tiene aspectos parecidos al arte de la Prehistoria, se considera un tipo de arte que rompe con los esquemas de la concepción del arte que se había comprendido al respecto durante su surgimiento. Por esta razón todavía gran parte de las personas no consideran el arte abstracto como una expresión artística.

•Lo que intenta la abstracción pura es distanciarse lo más que se pueda del mundo real hasta que lo único que se conserve de este mundo sea su significado y belleza. De este modo, se quiere destacar la belleza de la obra por sí sola.

•Los materiales que se usan en las obras abstractas llegan a poseer más significado que su simple utilización.

•La localización de los elementos y las técnicas utilizadas, y también los materiales alternativos tienen la intención de expresar un significado o algo más profundo como ideas o sentimientos.

El título de las obras que se realizan bajo este tipo de expresión artística busca la atención inmediata de su público. De esta forma el título sirve de gran apoyo para la interpretación de lo que el autor de la obra quería representar. En algunos casos las obras carecen de título para alejarlo más de la realidad.

Tipos de arte abstracto Para mantener las cosas simples, podemos dividir el arte abstracto en seis tipos básicos: • Curvilíneo • Relacionado con el color o relacionado con la luz • Geométrico • Emocional o intuitivo • Gestual • Minimalista Algunos de estos tipos son menos abstractos que otros, pero todos están preocupados por separar el arte de la realidad.

Arte abstracto curvilíneo.

Este tipo de abstracción curvilínea está fuertemente asociada con el arte celta., que empleaba una variedad de motivos abstractos que incluían nudos (ocho tipos básicos), patrones entrelazados y espirales (incluido el triskele o el triskelion).

Estos motivos no eran originales de los celtas; muchas otras culturas tempranas habían estado utilizando estos diseños celtas durante siglos: véanse, por ejemplo, los grabados en espiral en la tumba de paso neolítico en Newgrange en Co Meath, creados unos 2000 años antes de la aparición de los celtas.

Sin embargo, es justo decir que los diseñadores celtas dieron nueva vida a estos patrones, haciéndolos mucho más complejos y sofisticados en el proceso.

Estos patrones reaparecieron posteriormente como elementos decorativos en los primeros manuscritos iluminados (c.6001000 CE).

Más tarde regresaron durante el movimiento de renacimiento celta del siglo 19, y el influyente movimiento de estilo Art Nouveau del siglo XX: notablemente en portadas de libros, textiles, papel tapiz y diseños de chintz de William Morris (1834-96) y Arthur Mackmurdo (1851-1942).

La abstracción curvilínea también se ejemplifica por el “patrón infinito”, una característica generalizada de El arte islámico.

Arte abstracto relacionado con el color o la luz.

Este tipo se ejemplifica en las obras de Turner y Monet, que usan el color (o la luz) de tal manera que separan la obra de arte de la realidad, ya que el objeto se disuelve en un remolino de pigmento.

de Color Field Painting, desarrollada por Mark Rothko.(190370) y Barnett Newman (190570).

En la década de 1950, surgió un tipo paralelo de pintura abstracta relacionada con el color, conocida como Abstracción Lírica.

Ya se han mencionado dos ejemplos del estilo de abstracción expresiva de Turner, al que podemos agregar su Interior en Petworth (1837, Tate Collection).

Otros ejemplos incluyen la secuencia final de las pinturas de Water Lily de Claude Monet (1840-1926), The Talisman (1888, Musée d’Orsay, Paris) de Paul Serusier (1864-1927) líder de Les Nabis , y varias obras fauvistas de Henri Matisse (1869-1954).

Varios de los cuadros expresionistas de Kandinsky pintados durante su época conDer Blaue Reiter está muy cerca de la abstracción, al igual que Deer in the Wood II (1913-14, Staatliche Kunsthalle, Karsruhe) de su colega Franz Marc (1880-1916).

El pintor checo Frank Kupka (1871-1957) produjo algunas de las primeras pinturas abstractas altamente coloreadas, que influyeron en Robert Delaunay (1885-1941), quien también se basó en el color en su estilo de orfismo de inspiración cubista.

La abstracción relacionada con el color reapareció a finales de los años 1940 y 50 en la forma

Abstracción geométrica.

Este tipo de arte abstracto intelectual surgió a partir de 1908 en adelante. Una de las primeras formas rudimentarias fue el cubismo., específicamente el cubismo analítico, que rechazó la perspectiva lineal y la ilusión de profundidad espacial en una pintura, con el fin de centrarse en sus aspectos 2-D. La abstracción geométrica también se conoce como arte concreto y arte no objetivo.

Como es de esperar, se caracteriza por imágenes no naturalistas, típicamente formas geométricas como círculos, cuadrados, triángulos, rectángulos, etc.

En cierto sentido, al no contener absolutamente ninguna referencia o asociación con el mundo

natural, es la forma más pura de abstracción.

Se podría decir que el arte concreto es la abstracción, lo que el veganismo es para el vegetarianismo.

La abstracción geométrica se ejemplifica en Black Circle (1913, State Russian Museum, St Petersburg) pintado porKasimir Malevich (1878-1935) (fundador del Suprematismo); Broadway Boogie-Woogie (1942, MoMA, Nueva York) por Piet Mondrian (1872-1944) (fundador del neoplasticismo); y Composición VIII (La vaca) (1918, MoMA, Nueva York) por Theo Van Doesburg (1883-1931) (fundador de Stijl and Elementarism).

Otros ejemplos incluyen las imágenes de Homenaje a la Plazade Josef Albers (1888-1976) y Op-Art originadas por Victor Vasarely (1906-1997).

Arte abstracto emocional o intuitivo Este tipo de arte intuitivo abarca una mezcla de estilos, cuyo tema común es una tendencia naturalista. Este naturalismo es

visible en el tipo de formas y colores empleados.

A diferencia de la abstracción geométrica, que es casi anti-naturaleza, la abstracción intuitiva a menudo evoca a la naturaleza, pero en formas menos representativas.

Dos fuentes importantes para este tipo de arte abstracto son: la abstracción orgánica (también llamada abstracción biomórfica) y el surrealismo. Podría decirse que el pintor más famoso que se especializa en este tipo de arte fue el nacido en Rusia Mark Rothko, ver: Las pinturas de Mark Rothko (1938-70). Otros ejemplos incluyen lienzos de Kandinsky como la Composición No.4(1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen), y Composición VII (1913, Galería Tretyakov); The Teller, Gabel und Nabel (1923, Colección privada), de Jean Arp (1887-1966), Mujer (1934, Colección privada), de Joan Miro (1893-1983), Inscape: Morfología psicológica no 104 (1939, Colección privada) por Matta (1911-2002); e Infinite Divisibility(1942, Allbright-Knox Art Gallery, Buffalo) de Yves Tanguy (1900-55). En escultura, este tipo de abstracción se ejemplifica en The Kiss (1907, Kunsthalle, Hamburg) por Constantin Brancusi (18761957); Madre e hijo (1934, Tate) de Barbara Hepworth (19031975); Giant Pip (1937, Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou) de Jean Arp; Tres figuras en pie (1953, Museo Guggenheim, Venecia) de Henry Moore (1898-1986).

Arte abstracto gestual.

Arte abstracto minimalista.

Esta es una forma de expresionismo abstracto, donde el proceso de hacer la pintura se vuelve más importante de lo habitual.

La pintura se puede aplicar de formas inusuales, la pincelada a menudo es muy suelta y rápida.

Entre los famosos exponentes estadounidenses de la pintura gestual se encuentran Jackson Pollock (1912-56), el inventor de Action-Painting, y su esposa Lee Krasner (1908-84), quien lo inspiró con su propia forma de pintura por goteo;Willem de Kooning (1904-97), famoso por su serie de obras Woman ; y Robert Motherwell (1912-56), conocido por su Elegía a la República Española.

Serie. En Europa, esta forma se ejemplifica por Tachisme, así como por el Grupo Cobra, en particular Karel Appel (19212006).

Este tipo de abstracción era una especie de arte vanguardista, desprovisto de referencias y asociaciones externas. Es lo que ves, nada más.

A menudo toma una forma geométrica, y está dominada por escultores, aunque también incluye algunos grandes pintores. Para obtener más información sobre el arte minimalista, vea a continuación (“Abstracción posmodernista”).

Abstracción surrealista y orgánica.

Masson (1896-1987),Arshile Gorky(1904-48), Yves Tangy (1900-55) y otros.

neos ha sido desconfiar de los grandes estilos de principios del siglo XX.

Paralelamente al desarrollo del concretismo de estilo geométrico, durante los decenios de 1920 y 1930, los exponentes del surrealismo comenzaron a producir una gama de imágenes cuasi naturalistas de fantasía.

Tal como sucedió, a pesar de la controversia que rodeaba el Show de Armería de Nueva York en 1913, la ciudad estaba desarrollando un gran interés en la abstracción.

Una excepción es la escuela de minimalismo, un estilo de abstracción geométrica de estilo básico ilustrado por artistas posmodernistas como los escultores Donald Judd (1928-94), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (b.1931), Walter de Maria (B.1935), y Carl Andre (b.1935).

Otro escultor minimalista importante es Richard Serra (b.1939), cuyas obras abstractas incluyen Tilted Arc (1981, Federal Plaza, Nueva York) y The Matter of Time (2004, Guggenheim Bilbao).

Los principales ejemplares de este estilo de Biomorphic / Organic Abstraction fueron Jean Arpy y Joan Miro, ninguno de los cuales, como confirman sus numerosos bocetos preparatorios, se basó en la técnica del automatismo.

El Museo de Arte Moderno fue fundado en 1929, y el Museo de Pintura No Objetiva (más tarde renombrado como Museo Samuel R Guggenheim), en 1939.

Sus compañeros surrealistas, Salvador Dalí (1904-1989) también produjeron algunas pinturas extraordinarias como The Persistence of Memory (1931, MoMA, NY) y Soft Construction with Bean Beans. (1936, Museo de Arte de Filadelfia).

Jean Arp también fue un escultor activo especializado en abstracción orgánica, al igual que los escultores ingleses Henry Moore (1898-1986) y Barbara Hepworth (1903-1975). (Modern British Sculpture 1930-70.)

Varios artistas abstractos europeos buscaron posteriormente un santuario en América, donde se encontraron e influenciaron a una nueva generación de pintores abstractos indígenas.

Estos emigrantes influyentes incluyeron pintores como Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), Andre

Abstracción posmodernista.

Desde el inicio de la posmodernidad (desde mediados de los años 60), el arte contemporáneo ha tendido a fragmentarse en escuelas más pequeñas y más locales.

Esto se debe a que la filosofía predominante entre los movimientos artísticos contemporá-

Los pintores abstractos conocidos asociados con el minimalismo incluyen Ad Reinhardt (1913-67), Frank Stella (b.1936), cuyas pinturas a gran escala involucran grupos interconectados de formas y colores; Sean Scully (b.1945) el pintor irlandés-americano cuyas formas rectangulares de color parecen imitar las formas monumentales de las estructuras prehistóricas; así como Jo Baer (b.1929), Ellsworth Kelly(b.1923), Robert Mangold (b.1937), Brice Marden (b.1938), Agnes Martin (19122004) y Robert Ryman (b.1930).

En parte, una reacción contra la austeridad del minimalismo, el neo expresionismo fue principalmente un movimiento figurativo que surgió desde principios de los años 80 en adelante. Sin embargo, también incluyó una serie de destacados pintores abstractos, como el inglés Win-

ner Howard Hodgkin (b.1932), así como los artistas alemanes Georg Baselitz (b.1938), Anselm Kiefer (b.1945), y otros.

Entre otros artistas abstractos aclamados internacionalmente que alcanzaron reconocimiento durante los años 80 y 90, está el escultor británico Anish Kapoor (b.1954), conocido por obras a gran escala en piedra en bruto, metal fundido y acero inoxidable. Tanto Hodgkin como Kapoor son ganadores del Premio Turner.

Op-art: la nueva abstracción geométrica.

Uno de los estilos más distintivos de la pintura abstracta geométrica que surgió de la era modernista, fue el movimiento Op-Art (una abreviatura de “arte óptico”) cuyo sello distintivo fue el compromiso del ojo, por medio de complejos, a menudo monocromáticos, geométricos.

Patrones, para hacer que vea colores y formas que no estaban realmente allí. Entre los principales miembros se encuentran el pintor y diseñador gráfico húngaro Victor Vasarely (190897) y la pintora inglesa Bridget Riley (b.1931). El movimiento desapareció a principios de los años setenta.

El op art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas. Suele usarse en la crítica e historia del arte la denominación en inglés, op art, aunque también hay referencias al arte óptico.

Las obras op art son abstractas, siendo muchas de las piezas más conocidas creadas en blanco y negro

la exposición de su obra y de sus concepciones en Gordes, Aix-en-Provence y Pécs. Plasti-cité, su obra teórica más importante, fue publicada en 1970.

Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del op art. Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años.

Victor Vasarely falleció el 15 de marzo de 1997 en París.

Victor Vasarely (1908/04/09 1997/03/15) Artista francés de origen húngaro.

Nació el 9 de abril de 1908 en Pécs, Hungría.

Nora-Dell, 1974-1979

En 1931 se traslada a París, donde trabajó en el mundo de la publicidad a la vez que pintaba bajo inspiración cubista, expresionista y surrealista.

Desde finales de 1940, fue evolucionando hacia una abstracción que pronto le hizo interesarse por el arte cinético.

Feny, 1973

En los años sesenta decidió abandonar el cuadro de caballete en beneficio de un arte total que encontraría su ideal en la integración con la arquitectura, es decir, en el espacio.

Fue fundador en los años setenta, de tres lugares destinados a Gixeh II, 1955-1962

La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art.

Bridget Louise Riley es una pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art.

Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones.

Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos.

Riley nació el 24 de abril de 1931 en Norwood; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el colegio normal superior de Norwood, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy.

A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward.

Nataraja

1993

Este hecho hace hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su ejecución.

Las acuarelas musicales de Claude Debussy.

Como antecesor musical de lo que más tarde fue el arte abstracto se encuentra el gran compositor Claude Debussy, cuyas piezas musicales parecían imitar las pinceladas de los pintores impresionistas y postimpresionistas.

De igual forma, a este compositor se le asocia también con el movimiento simbolista, puesto que sus notas estaban constituidas por una fuerte carga alegórica, acompañada a su vez de una notable influencia oriental.

Fall 1963

Blaze 1964

Esto quiere decir que, para músicos como Debussy y Erik Satie, los objetos que se observan en la cotidianidad son solo símbolos que responden a una realidad mucho más profunda, la cual se manifiesta al ser humano a través de un sonido acompañado de color y movimiento.

-Igor Stravinsky -Maurice Ravel

Escultura.

La escultura no se quedó atrás dentro del movimiento abstraccionista; de hecho, introdujo una novedad dentro del estilo: la tridimensionalidad.

Esto ocurrió porque dentro de la pintura abstracta las figuras se manifiestan siempre planas, mientras que en la escultura se promueve la profundidad de la forma.

La abstracción en escultura persigue los mismos fines que en la pintura, aunque difícilmente pueden reconocerse los mismos estilos.

Relativamente es arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomorfica, en donde se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.

Jean Arp (1887/09/16 1966/06/07) E s c u l t o r, pintor y poeta francés Nació el 16 de septiembre de 1887 en Estrasburgo. Entre 1905 y 1909 cursó estudios de arte en Weimar y en la Academia Julian de París.

En 1912 conoce a Paul Klee y se une, por poco tiempo, al grupo conocido como Blaue Reiter (El Jinete Azul). En 1914, vuelve

a París donde entabla amistad con artistas como Picasso, Jacob, Modigliani y Delaunay.

La obra de Arp durante esos años (1915-1916) estuvo dedicada a los tapices de motivos angulares y totalmente abstractos, así como a los dibujos.

Al estallar la Primera Guerra Mundial se traslada a Zurich donde en 1916 funda el movimiento dadá. En 1917 transformó su estilo artístico hacia una abstracción de formas curvilíneas que caracteriza su obra posterior, la más conocida actualmente.

En 1921 contrae matrimonio con Sophie Taeuber, artista Suiza, trasladándose, un año después a París, donde se unió a los surrealistas participando en varias de las exposiciones que éste movimiento realiza.

En 1926 se establece en Meudon, cerca de País, donde se une al grupo Abstracción-Creación.

En la década de 1930 Arp comenzó a realizar esculturas exentas, tallando y modelando en los más diversos materiales.

Henry Moore (1898/07/30 - 1986/08/31) Henry Spencer Moore Escultor británico Nació el 30 de julio de 1898 en Castleford, Yorkshire.

De 1919 a 1925 cursó estudios en la Leeds School of Art y en el Royal College of Art de Londres.

Participó en la I Guerra Mundial como integrante del Regimiento 15 de Londres, en la Batalla de Cambray, en la cual sufrió serias lesiones cuando sólo tenía 19 años de edad (1917).

Sus primeros trabajos, realizados en la década de 1920, exponen sus influencias del arte precolombino y de Constantin Brancusi.

Su obra está representada en la Tate Gallery de Londres, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en el Museo de Arte de la ciudad de Filadelfia y en el Museo de Arte de Basilea.

A lo largo de toda su vida escribió poesía y ensayo.

En los años 30 la obra de los artistas abstractos ejerció también una fuerte influencia tanto en los dibujos como en sus esculturas.

En la Figura reclinada (1936, City Art Gallery, Wakefield), empleó formas onduladas, con huecos y perforaciones redondeadas que reflejan formas naturales.

Jean Arp falleció en Basilea el 7 de junio de 1966.

Sus temas preferidos eran madres con hijos, grupos familia-

res, guerreros caídos y la figura humana reclinada, que continuó representando a lo largo de toda su carrera, trabajando en madera, piedra y posteriormente en bronce y en mármol.

Entre los encargos públicos más importantes que aceptó se encuentran: Viento norte (1928),

para la sede de las oficinas del Metro de Londres en Saint James; Virgen con el Niño (1949), para la iglesia de Claydon, en Suffolk; Figura reclinada (1951), para el festival de Bretaña, y otra Figura reclinada (1958) en la sede de la UNESCO en París.

En 1940, su estudio en Hampstead fue bombardeado durante la II Guerra Mundial y debió mudarse a una finca en Perry Green, cerca de Much Hadham, en Hertfordshire.

Henry Moore falleció el 31 de agosto de 1986 en Much Hadham, Hertfordshire, Inglaterra.

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É

El primer brote apareció en 1976 en Sudán y República Democrática del Congo. Años antes, ya se había tenido contacto en Europa con un virus muy similar, el marburgo

La enfermedad por el virus del Ebola (EVE), antes llamada fiebre hemorrágica del Ebola, es un enfermedad grave, a menudo mortal en el ser humano.

El virus es transmitido al ser humano por animales salvajes y se propaga en las poblaciones humanas por transmisión de persona a persona.

Partículas de virus ébola salen de una célula infectada – NIAID

Los virus de Marburgo y del Ebola son miembros de la familia Filoviridae (filovirus).

Aunque son causadas por virus diferentes, las dos enfermedades son similares desde el punto de vista clínico. Ambas son raras, pero pueden ocasionar brotes dramáticos con elevadas tasas de letalidad.

Origen.

El origen es incierto. No obstante, es altamente probable que los murciélagos sean la fuente de este patógeno mortal, o según se cuenta.

En el año 1967 un cargamento de chimpancés llegó a Europa desde Uganda. Su destino eran tres laboratorios de investigación europeos, dos en Alemania, en las ciudades de Fráncfort y de Marburgo, y otro en Belgrado, en la que por entonces era Yugoslavia, más allá del telón de acero.

Los investigadores manipularon aquellos animales sin tomar precauciones especiales. Días después, varios de ellos comenzaron a experimentar fiebre alta, malestar y dolor de cabeza. Cuando pasó más tiempo, saltaron las alarmas al comprobarse que se trataba de una fiebre hemorrágica en la que se producían diarreas y vómitos con sangre.

Murieron siete personas y se infectaron un total de 31. Se puso en cuarentena a los investigadores y se consiguió contener el brote. Cuando pasó el tiempo, se comprobó que se trataba de un nuevo virus y se descubrió que pertenecía al mismo orden que el virus del sarampión.

Le dieron el nombre de virus marburgo, y este se convirtió en el primer ejemplar de un pe-

ligroso grupo a los que llamaron Filovirus, por la forma alargada que presentaban.

Ya en el año 1976, un Filovirus muy similar al marburgo, apareció en las profundidades de Sudán y de la República Democrática del Congo (RDC).

Parecía estar relacionado con los murciélagos de la fruta y se descubrió que también infectaba a los monos que vivían entre la vegetación.

Le llamaron ébola, por el río del mismo nombre que estaba por las proximidades al origen del brote. Y aquel nuevo virus, mostró ser una de las creaciones más perversas de la naturaleza, pues era capaz de matar a casi nueve de cada diez personas a las que infectó en RDC y a cinco de cada diez en Sudán.

En aquella ocasión, infectó a 602 personas y mató a 431. La historia demostraría que la humanidad no se enfrentaba ante el peor episodio de la fiebre del ébola.

Según la OMS, desde el descubrimiento del virus ébola en 1976 y hasta el año 2012 se han documentado en torno a 1.850 casos de fiebre hemorrágica del ébola, de los que más de 1.200 han sido mortales. Hasta ahora, los brotes habían aparecido en RDC, Sudán, Gabón, Sudáfrica y Uganda.

El brote más grave de la historia Pero en el año 2013, el virus apareció por primera vez en la historia en África occidental.

El trasiego incesante de la población, la aparición de la infección en zonas remotas y de difícil acceso, el desconocimiento de la población y la debilidad de los sistemas sanitarios, se convirtieron en el caldo de cultivo ideal para una epidemia que el CDC calificó como «sin precedentes» y que la ONG Médicos sin Fronteras consideró que estaba fuera de control.

A pesar de los esfuerzos de la OMS, tardíos en opinión de algunos, y de los países afectados, hasta el día 5 de octubre se han registrado 3.431 muertes y 7.470 infecciones.

Tres países (Guinea Conakry, Liberia y Sierra Leona) sufren la mayor parte de las víctimas.

Pero también hay enfermos en Nigeria (20 casos y 8 muertes), y uno en Senegal.

Y por si fuera poco, apareció un nuevo brote de ébola en RDC, en el que de momento se han registrado 62 casos y 35 muertes. Mientras Estados Unidos y España hacen frente a los primeros casos en territorio patrio, en África aún no se ha logrado contener la dispersión de la enfermedad.

Una de las razones es que el Ébola es causado por un virus, y no una bacteria. De acuerdo

Derek Gardner, investigador de la Universidad de Lancaster en el Reino Unido, en general para los científicos ha sido más difícil desarrollar tratamientos para enfermedades virales a comparación con enfermedades bacterianas.

Los virus del Ébola, evolucionan rápidamente, por lo que no se tiene certeza de que una vacuna desarrollada para hoy en día funcionaría para combatir brotes futuros.

Debido a que el virus es tan peligroso, el número de experimentos que se pueden hacer son limitados, ya que los investigadores deben trabajar en instalaciones especiales con un alto nivel de precauciones.

Los laboratorios en donde se pueden realizar experimentos con el virus del Ébola requieren de un nivel de bioseguridad 4, de los que existen muy pocos en el mundo. ¿Cómo se transmite?

Su origen es desconocido pero se considera que el reservorio más probable son los murciélagos de la fruta. Lo que sí se ha determinado es que su transmisión se había producido tras la manipulación de cadáveres o ejemplares enfermos de chim-

pancés, gorilas, murciélagos, monos, antílopes o puercoespines infectados.

El Ébola no se transmite por el aire: el contagio entre seres humanos se produce por contacto con fluidos corporales, como la sangre, el sudor o el semen.

Infecta a aquellos que tratan directamente con los enfermos: a quienes les cuidan, alimentan e hidratan.

de los cadáveres es un momento de alto riesgo para la propagación.

Este asunto, en culturas cuyos ritos funerarios se basan en el amortajamiento de los muertos personalmente por sus seres queridos, es uno de los desafíos para las actividades de sensibilización en las comunidades. ¿Cómo se diagnostica?

El diagnóstico es complicado si el individuo ha sido infectado pocos días antes, ya que los primeros síntomas (irritación ocular, dolor muscular o fiebre) son frecuentes en otras enfermedades comunes, como la malaria. Sin embargo, si una persona presenta síntomas y hay razones para creer que podría estar infectada con Ébola, debe ser aislada inmediatamente y su caso notificado a las autoridades sanitarias.

Por eso, no solo las familias son vulnerables: el personal sanitario está muy expuesto, ya que puede no saber que el paciente está infectado o puede desconocer las medidas de protección.

Se calcula que cada enfermo transmite la enfermedad a otras dos personas. La manipulación

El diagnóstico se confirma mediante una prueba PCR-RT (reacción en cadena de la polimerasa con transcriptasa inversa), que detecta el virus y los antígenos en una muestra de fluido. ¿Cómo se trata?

No existe un tratamiento específico contra el virus y hasta hace

poco tampoco había vacuna.

El tratamiento estándar se centra en tratar los síntomas para aliviar el sufrimiento de los pacientes e intentar reducir la mortalidad: rehidratación oral o intravenosa, y administración de antipiréticos y analgésicos (para la fiebre y el dolor, sobre todo abdominal y de articulaciones, que puede ser muy fuerte), antieméticos (contra la náusea) y tranquilizantes.

nen experiencia, los Ministerios de Salud y la comunidad internacional.

Estos cuidados intentan mantener hidratado al paciente, asegurando su nivel de oxígeno y su presión arterial, al tiempo que se le proporcionan suplementos nutricionales y vitamínicos, así como antibióticos de amplio espectro si desarrolla infecciones.

A esto se suma que muchas zonas rurales todavía mantienen tradiciones de chamanismo y tribalismo que unidas a la caza hacen que sea difícil que el ebolavirus no rebrote cada cierto tiempo.

Este tratamiento proporciona más tiempo al sistema inmune para que luche contra el virus de forma efectiva. Cuando el paciente se recupera, es inmune a la cepa del virus que había contraído.

Una epidemia de Ébola puede evolucionar de forma muy diferente si afecta a una población rural o urbana, dependiendo del tipo de cepa, número de casos, tasa de mortalidad, así como de si la población conoce la enfermedad o existe un Ministerio de Salud operativo.

Ser capaces de responder en el futuro de forma adecuada según el tipo de epidemia al que nos enfrentemos y con la mayor rapidez posible será un reto para MSF, así como para otras organizaciones que ahora tie-

Prevención y vacunas.

Los expertos confirman que resulta imposible tratar o erradicar a los animales que pueden alojar el virus en África, lo que convierte el ébola en una enfermedad endémica en algunas regiones del centro del continente.

Sin embargo, la prevención para evitar nuevos contagios y las medidas sanitarias son una pauta importantísima para evitar nuevas epidemias en futuras cepas de un virus que en sus primeras fases puede confundirse con una gripe incluso.

Asimismo, la vacuna experimental (rVSV-ZEBOv), que se demostró 100 % eficaz en el análisis que la OMS hizo en más de 11.000 personas, es clave para saber que, en los próximos brotes, África no estará indefensa frente al ébola.

Por desgracia, sin embargo, en mayo de este mismo año, la RDC ya ha tenido una nueva epidemia de ebolavirus, aunque, en este caso, la vacuna ha desempeñado un papel fundamental.

Fuentes

J

Jonas Mekas

onas Mekas nació en 1922 en el pueblo agrícola de Semeniškiai, Lituania. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.

En 1944, él y su hermano Adolfas fueron llevados por los nazis a un campo de trabajo forzado en Elmshorn, Alemania. Después de la guerra estudió filosofía en la Universidad de Maguncia.

A fines de 1949, la Organización de Refugiados de la ONU trajo

a ambos hermanos a la ciudad de Nueva York, donde se establecieron en Williamsburg, Brooklyn.

Dos meses después de su llegada a Nueva York, pidió dinero prestado para comprar su primera cámara Bolex y comenzó a grabar breves momentos de su vida.

Pronto se involucró profundamente en el movimiento cinematográfico estadounidense de vanguardia.

En 1954, junto con su hermano, fundó la revista Film Culture, que pronto se convirtió en la publicación cinematográfica más importante de los Estados Unidos.

En 1958 comenzó su legendaria columna de Movie Journal en Village Voice . En 1962 fundó Film-Makers ‘Cooperative, y en 1964 Film-Makers’ Cinematheque, que eventualmente se convirtió en Anthology Film Archives, uno de los depósitos de cine de vanguardia más gran-

des e importantes del mundo, y en un lugar de proyección.

partiendo nuevos trabajos en su sitio web.

Durante todo este tiempo continuó escribiendo poesía y haciendo películas.

Desde el 2000, Mekas ha expandido su trabajo al área de instalaciones de cine, exponiendo en la Galería Serpentine, el Centro Pompidou, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, la Moderna Museet (Estocolmo), el Centro de Arte Contemporáneo PS1 MoMA, Documenta.

Hasta la fecha, ha publicado más de 20 libros de prosa y poesía, que han sido traducidos a más de una docena de idiomas. Su poesía lituana es ahora parte de la literatura clásica lituana y sus películas se pueden encontrar en los principales museos de todo el mundo.

En gran parte se le atribuye el desarrollo de las formas diarísticas del cine. Mekas también ha estado activo como académico, enseñando en la Nueva Escuela de Investigación Social, el Centro Internacional de Fotografía, Cooper Union, la Universidad de Nueva York y el MIT. La película de Mekas The Brig recibió el Gran Premio en el Festival de Cine de Venecia en 1963. Otras películas incluyen Walden (1969), Reminiscencias de un viaje a Lituania (1972), Lost Lost Lost (1975), Escenas de la vida de Andy Warhol (1990), Escenas de la vida de George Maciunas (1992), Mientras avanzaba, vi Breves vislumbres de la belleza (2000), Carta de Greenpoint (2005), Historias de noches sin dormir (2011) y Out-of from the Life de un hombre feliz.

En 2007, completó una serie de 365 cortometrajes lanzados en Internet, una película por día, y desde entonces continúa com-

De Kassel, el Museo Ludwig en Colonia, el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo y la Bienal de Venecia.

El cine alternativo o experimental, poco conocido y minoritario, pero formando una parte indispensable del séptimo arte, siendo la palanca de avance, para cuando es estancado por sus propios desenfrenos.

Y un icono de este tipo de expresiones es sin duda Jonas Mekas. Conocido popularmente como el padrino del cine ‘underground’, este lituano emigró a Estados Unidos para convertirse en una de las figuras más célebres de su escena independiente, donde desarrolló no sólo películas, sino también libros teóricos, exposiciones y otras disciplinas vanguardistas que perseguían un objetivo común: seguir ampliando las fronteras de lo que entendemos por arte.

Pelicula: Birth of a Nation (Nacimiento de una nación)

Fecha de estreno inicial: 1997 Director: Jonas Mekas Música compuesta por: Hermann Nitsch El film de Jonas Mekas, Birth of a Nation, es un testimonio directo —a modo de diario filmado— del periodo en el que el cine estadounidense experimenta su pequeña revolución de la mano de un heterogéneo grupo de cineastas. “¿Por qué Nacimiento de una nación?” Debido a que las películas independientes forman una nación, estamos rodeados por la nación del cine comercial, ya que los nativos de América y otros países están rodeados por el poder dominante. Somos invisibles, pero constituimos Una nación esencial del cine, nosotros somos el cine”.

(Jonas Mekas)

Honores y premios.

Jonas Mekas ha recibido numerosos subsidios, entre ellos el Consejo de las Artes del Estado de Nueva York, la Fundación Rockefeller, la Fundación Nacional para las Artes, la Galería Albright Knox y la Fundación del Teatro Long Wharf, y es miembro del Centro Americano de PEN y la Academia Americana de Artes Cinematográficas.

1962 Gran premio otorgado a GUNS OF THE TREES en el Festival de Cine de Porretta Terme 1964 Gran Premio (Documental) otorgado a THE BRIG en el Festival de Cine de Venecia 1966 Medalla de oro, Philadelphia College of Art, “por la devoción, la pasión y la abnegada dedicación al redescubrimiento del arte más nuevo”.

1977 Beca de guggenheim 1989 Premio de Artes Creativas, Universidad de Brandeis 1992 Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, Ministerio de Cultura, Francia

Premio Mel Novikoff, Festival de Cine de San Francisco 1995 Premio Nacional de Lituania 1996 Tributo Especial, Premio Círculo de Críticos de Cine de Nueva York

Doctor en Bellas Artes, Honoris Causa, Instituto de Arte de Kansas City 1997 Premio Pier Paolo Pasolini, París

Premio de la Asociación Internacional de Cine Documental, Los Ángeles

Premio Gobernadores, Escuela Skohegan de Pintura y Escultura

Doctor en Bellas Artes, Honoris Causa, Universitatis Vytauti Magni, Lituania 2000 Ministerio de Cultura, Francia, funcionario de la Orden de las Artes y las Letras.

2006 RECUERDOS DE UN VIAJE A LITUANIA agregado al Registro Nacional de Películas de la Biblioteca del Congreso

Premio del Gremio de Directores de América 2007 La Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles otorga una citación especial por “contribución al arte cine

matográfico”

Premio especial de la Fundación Roswitha Haftmann, Zürich 2008 Premio al logro cultural báltico

Decoración austriaca de honor para la ciencia y el arte (Õsterreichische Ehrenzeichen für Wissenschaft und Kunst) 2010 Premio Life Achievement en la segunda edición anual de los premios de arte de Rob Pruitt.

2011 Premio George Scholar Honorario de Eastman 2012 Premio ‘Lleva tu luz y crea’, Ministerio de Cultura, Lituania 2013 Director del Ministerio de Artes y Letras, Ministerio de Cultura, Francia

Premio Francis J. Greenburger 2015 Premio Yoko Ono Courage 2017 Miembro electo de la Academia de Artes Cinematográficas

Filmografía.

•Guns of the Trees (1962) •Film Magazine of the Arts (1963) •The Brig (1964) •Award Presentation to Andy Warhol (1964) •Report from Millbrook (1964-65) •Hare Krishna (1966) •Notes on the Circus (1966) •Cassis (1966) •The Italian Notebook (1967) •Time and Fortune Vietnam Newsreel (1968) •Walden (Diaries, Notes, and Sketches) (1969) •Reminiscences of a Journey to Lithuania (1971-72) •Lost, Lost, Lost (1976) •In Between: 1964–8 (1978) •Notes for Jerome (1978) •Paradise Not Yet Lost (also known as Oona’s Third Year) (1979) •Street Songs (1966/1983) •Cups/Saucers/Dancers/Radio (1965/1983) •Erik Hawkins: Excerpts from “Here and Now with Watchers”/Lucia Dlugoszewski Performs (1983) •He Stands in a Desert Counting the Seconds of His Life (1969/1985) •Scenes from the Life of Andy Warhol (1990) •Mob of Angels/The Baptism (1991) •Dr. Carl G. Jung or Lapis Philosophorum (1991) •Quartet Number One (1991) •Mob of Angels at St. Ann (1992) •Zefiro Torna or Scenes from the Life of George Maciunas (1992) •The Education of Sebastian or Egypt Regained (1992) •He Travels. In Search of... (1994) •Imperfect 3-Image Films (1995) •On My Way to Fujiyama I Met… (1995) •Happy Birthday to John (1996) •Memories of Frankenstein (1996) •Birth of a Nation (1997) •Scenes from Allen’s Last Three Days on Earth as a Spirit (1997) •Letter from Nowhere – Laiskas is Niekur N.1 (1997) •Symphony of Joy (1997) •Song of Avignon (1998) •Laboratorium (1999) •Autobiography of a Man Who Carried his Memory in his Eyes (2000) •This Side of Paradise (1999) •Notes on Andy’s Factory (1999) •Mysteries (1966-2001) •As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty (2000) •Remedy for Melancholy (2000) •Ein Maerchen (2001) •Williamsburg, Brooklyn (1950-2003) •Mozart & Wein and Elvis (2000) •Travel Songs (1967-1981) n •Dedication to Leger (2003) •Notes on Utopia (2003) 30 min, •Letter from Greenpoint (2004) •Lithunia and the Collapse of the USSR (2008) •“Sleepless Nights Stories” (2011) •“My Mars Bar Movie” (2011)

Fuente: http://jonasmekas.com

Harmony Korine, director de películas como ‘Spring Breakers’ y un declarado admirador de Mekas, define así su estilo: “Es un verdadero héroe del movimiento ‘underground’ y un radical de primer grado: cambia de forma constantemente y se burla del tiempo... Ve cosas que otros no pueden. Su cine es un cine de memoria y alma y aire y fuego. Ahí está. No hay nadie como él. Sus películas vivirán para siempre”.

• Es bello lo que procede de una necesidad interna del alma.

• El crítico de arte es el peor enemigo del arte.

• Pretender resucitar premisas artísticas del pasado puede dar como resultado, en el mejor de los casos, obras de arte que son como un niño muerto antes de ver la luz.

• El color es un medio para ejercer influencia directa sobre el alma: el color es la tela, el ojo el macillo, y el alma es el piano con sus cuerdas.

• El arte va más allá de su tiempo y lleva parte del futuro.

• El artista ha de tener algo que decir, pues su deber no es dominar la forma sino adecuarla a un contenido.

• Toda creación de arte es gestada por su tiempo y, muchas veces, gesta nuestras propias sensaciones. De esta manera, toda etapa de la cultura produce un arte específico que no puede ser repetido.

• La armonía de los colores debe fundarse únicamente en el principio del contacto adecuado con el alma humana, es decir, en lo que llamaremos el principio de la necesidad interior.

• El Gran Hermano te observa. (Big Brother is watching you.)

• Toda la propaganda de guerra, todos los gritos y mentiras y odio, provienen invariablemente de gente que no está peleando. (All the war-propaganda, all the screaming and lies and hatred, comes invariably from people who are not fighting.)

• Doblepensar significa el poder de mantener dos creencias contradictorias en la mente simultáneamente, y aceptar ambas. (Doublethink means the power of holding two contradictory beliefs in one’s mind simultaneously, and accepting both of them.)

• “La libertad es el derecho a decirle a la gente lo que no quieren escuchar” (Freedom is the right to tell people what they do not want to hear.)

• “En un tiempo de engaño universal - decir la verdad es un acto revolucionario” (In a time of universal deceit - telling the truth is a revolutionary act.)

• “En nuestra época no existe tal cosa como ‘mantenerse fuera de la política’. Todas las cuestiones son cuestiones políticas, y la política misma es una masa de mentiras, evasivas, tonterías, odio y esquizofrenia”. (In our age there is no such thing as ‘keeping out of politics.’ All issues are political issues, and politics itself is a mass of lies, evasions, folly, hatred and schizophrenia.)

• “El progreso no es una ilusión; ocurre, pero es lento e inevitablemente decepcionante” (Progress is not an illusion, it happens, but it is slow and invariably disappointing.)

• La poesía es una realidad determinada y una actitud determinada, y no me lleva tiempo

Jonas Mekas • Yo no tengo ideas, no me importan. ¿Quién las necesita? Hay demasiadas

Jonas Mekas • “Aunque fracasen, lo que necesitamos son soñadores”

Jonas Mekas • El cine no es un trozo de vida, sino un pedazo de pastel.

Alfred Hitchcock • El negocio del cine es macabro, grotesco: es una mezcla de partido de fútbol y de burdel.

Federico Fellini • El cine nunca es arte. Es un trabajo de artesanía, de primer orden a veces, de segundo o tercero lo más.

Luchino Visconti • Una película de éxito es aquella que consigue llevar a cabo una idea original.

Woody Allen • El cine tiene que producir sosiego Azorín • La fotografía es verdad. Y el cine es una verdad 24 veces por segundo.

Jean Luc Goddard

Experimental

CINE EXPERIMENTAL

Este género de cine “experimental” existe únicamente para promover y explorar el proceso de realización cinematográfica.

Generalmente hechas por artistas que operan fuera de la corriente principal comercial, las películas experimentales generalmente se hacen a bajo costo con presupuestos muy bajos.

Con frecuencia contienen enfoques no lineales para las historias, técnicas radicales de creación de películas y un descarado desprecio por el status quo cinematográfico.

El mundo del cine experimental es tan vasto y único que puede ser casi imposible determinar qué películas califican como parte del género

El término “cine experimental”

E

l término de cine experimental aparece poco después del origen del cine y agrupa una serie de aproximaciones, prácticas y estéticas completamente distintas.

Han sido propuestos numerosos términos a lo largo de la historia para designar este tipo de cine y esos términos han designado diferentes porciones históricas, temáticas o metodológicas.

Entre estos términos mencionaremos solo algunos para dar a entender la enorme cantidad de apelativos que han recibido modalidades afines al experimental: cine absoluto, abstracto, alternativo, amateur, de arte, artesanal, asociativo, atípico, autónomo, de vanguardia, cine-ojo, de cámara, integral, clandestino, combinatorio, cooperativo, cubista, creativo, de la reconstrucción, discrepante, fragmentario, esencial, excéntrico, extravisual, formal, futurista, gráfico, fuera de la norma, inacabado, independiente, integral, introspectivo, lírico, marginal, metafórico, militante, no-comercial, no-narrativo, performático, puro, rítmico, singular, situacionista, subversivo, de la transgresión, underground, visionario… etcétera, etcétera.

¿Qué es el cine experimental?

Es toda obra audiovisual que intenta salirse de lo convencional y explorar nuevas maneras de afrontar el proceso fílmico.

Muchas de estas obras carecen de una narración lineal o incluso desarrollan sus ideas de forma no narrativa.

La mayoría de cineastas experimentales trabaja de manera totalmente independiente y con presupuestos muy bajos. La preocupación de estos cineastas reside principalmente en la innovación y en la fidelidad a sus propias ideas, ignorando el impacto que puede tener la obra en los espectadores o sus posibilidades comerciales.

El cine experimental surgió alrededor de los años 20, aprovechando el impulso de los movimientos avant-garde (El vanguardismo, o avant-garde en francés, se refiere a las personas o a las obras experimentales e innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura, la política, la filosofía y la literatura.)

De la época (dadaísmo, surrealismo, etc.). Autores como Hans Richter, Viking Eggeling o Len Lye contribuyeron a su desarrollo. En los años 40 el cine experimental empezó a tener seguidores en Norteamérica y artistas como Maya Deren, Jonas Mekas, Stan Brakhage o Michael Snow empezaron sus creaciones.

El cortometraje Meshes of the Afternoon (1943), de Maya Deren y su esposo Alexander Hammid, fue un punto de inflexión, pues sirvió de ejemplo y modelo para cientos de cineastas experimentales, tanto a nivel estético como por el buen uso de los pocos recursos con los que contaban los directores.

Actualmente, el cine experimental ha cogido peso en el circuito de festivales y muchos de ellos cuentan con secciones dedicadas a la exhibición de este tipo de películas.

Sin embargo, es muy difícil que un film experimental llegue a estrenarse en una sala de cine convencional, lejos del amparo de un festival, pues no suelen responder a las exigencias comerciales que requiere la industria del cine.

Desafortunadamente, la visión de los artistas no interesa lo más mínimo si no es capaz de generar cierto beneficio económico.

A pesar de esto, el cine experimental cuenta con buena salud gracias al desarrollo tecnológico que permite conseguir buenos resultados con muy poco presupuesto

Meshes of the Afternoon 1943 Cortometraje/Cine experimental 18 min Directora: Maya Deren Guion: Maya Deren Música: Teiji Ito Fotografía: mid (B&W)

Alexander Ham-

Reparto: Maya Deren, Alexander Hammid Productora: Maya Deren Experimental Films

Es una de las obras más influyentes y fascinantes del cine experimental norteamericano gracias a su creativo montaje, el slow motion y unos ángulos de cámara que saltan de la visión objetiva a la subjetiva.

Deren interpreta a su protagonista, que, en un estado cercano al trance y el sueño, se ve atrapada en un bucle inquietante de símbolos, movimientos que se repiten y alter egos.

Sinopsis: Una mujer (interpretada por la propia Maya Deren) explora sus propias imágenes interiores, a través de un sueño, donde los

objetos ordinarios de su vida diaria consiguen un misterio sobrecogedor.

Deren (1917-1961) explicó que quería “plasmar en la película la sensación que experimenta un ser humano sobre un incidente, más que grabar el incidente con precisión”.

Maya Deren fue una de las pioneras del cine experimental.

En este cortometraje protagonizado por ella misma, parece que se alude a la teoría del psicoanálisis de Freud, muchos de los elementos que aparecen en el film podrían responder a conceptos freudianos, y a la teoría del Yo, Súper yo y Ello.

En todo caso, Maya Deren nos presenta un realismo onírico basado en un bucle temporal, todo narrado a través de un excelente montaje y una impresionante toma.

Deren se rodeó del más exquisito círculo surrealista y dadaísta como Breton, Duchamp, John Cage y Anais Nin. De hecho, comienza un proyecto con Duchamp llamado «The witche´s cradle» inacabado.

Se dice que más tarde rechazó estas corrientes.

Su formación en arte le llevó a crear películas íntimas, exhibidas a menudo en museos, en vez de en grandes cines.

Características del cine experimental (José Antonio González Autor Mexicano)

1.El contenido narrativo no suele ser significativo. La mayoría se basa de una idea sueño o pensamiento el cual es el único tema de toda la película, pero hay obras en las que se pueden presentar muchos temas sin relación entre ellos.

2.No tiene continuidad secuencial (ésta crea una especie de unión entre planos y da un significado a los mismos).

3.Se propone ampliar las dimensiones de la estructura narrativa conocida hasta entonces; en otras palabras, no se rige por las normas habituales en cuanto a estructura o sintaxis visual.

4.Se contrapone al “cine comercial” de narrativa ortodoxa y dirigida al gran público.

5.Quiere hacer visibles convenciones sociales y cinematográficas cambiando sus propias reglas y modelos, por ejemplo, suprimiendo, añadiendo, distanciando, invirtiendo o recolocándolos.

6.“Found footage film”: trabaja con material ajeno, para la revalorización y la nueva contextualización de materiales cinematográficos desconocidos.

7.El material cinematográfico en sí se convierte en un objeto, o se utiliza para mostrar situaciones interiores.

8.El público en el cine experimental se vuelve parte de la misma experiencia.

9.El cine experimental pudo ver su nacimiento en un amalgamiento con distintas disciplinas artísticas.

Puede delimitarse a través de sus parámetros tecnológicos, pero las mutaciones que permiten los soportes audiovisuales digitales favorecen a una visión híbrida del mismo que abren la puerta a nuevas concepciones estéticas, determinadas siempre por los contextos donde se hacen visibles.

Describir al cine experimental es tarea compleja, pero existen pautas que indican algunas de las razones de su existencia: •El cineasta explora el hecho audiovisual, combinando sonidos e imágenes en movimiento, con criterios y conocimientos de la cultura artística en general incluyendo a otras artes como la poesía, la música, el teatro, la danza, etc., para dar una visión o una opinión propia del mundo.

•La creación de una obra experimental concierne otro tipo de búsqueda, un acercamiento a la crítica por parte de los espectadores, es decir, necesita de un público activo para su lectura.

•La experiencia no se limita solo al campo de lo puramente técnico, sino de lo ideológico, la percepción y las diferentes formas de percepción como así también de los estímulos que se reciben desde el contexto, la idea, el público, etc.

Lo titule “Breve historia del cine experimental” porque es un tema que bien pudiera llenar volumenes enteros.

Mi objetivo aqui tambien es otro: busco despertar la curiosidad del lector, asi como satisfacer su apetito por el conocimiento. Dicho lo anterior, el lector debera ser advertido que este libro no es un analisis extenso de peliculas experimentales, sino mas bien un enfoque historico que pretende dar respuesta a la pregunta Que es el cine experimental?

Esta pregunta me llevo a adentrarme en las entranas de este curioso corpus artistico, y a darme cuenta de la enorme variedad que existe de cine experimental. En los ultimos anos, varias companias productoras, asi como plataformas multimedia, gracias a los discos DVD y a Internet, han acercado el cine experimental a un publico cada vez mas numeroso.

No obstante, una guia como la que el lector sostiene en sus manos, es imprescindible, sobre todo en esta locura mediatica, para poder identificar las peliculas que se consideran como experimen(tales). Terminado el libro, el lector puede estar seguro de que podra contestar a la misma pregunta que yo me hice hace varios anos.”

2012 Por Jos Antonio Gonz Lez Zarandona

Algunos antecedentes históricos: Hoy parece fácil mirar hacia atrás y ver cómo el desarrollo de la película en un arte narrativo fue una conclusión inevitable, pero cuando se inventó la tecnología cinematográfica a finales del siglo XIX, hubo (al igual que con Internet) una sensación de ilimitada.

Posibilidades sin una gramática cinematográfica establecida, la mayoría de las películas iniciales eran solo una toma, como las de los hermanos Lumières, cuyas “realidades” eran grabaciones de eventos reales, sin narrativa.

El desarrollo de la teoría de los montajes de Eisenstein estableció nuevos usos para la edición (las películas soviéticas de la década de 1920 tienen miles de recortes, mientras que las películas estadounidenses del mismo período tienen cientos).

La teoría de los montajes fue marxista e ideológica, pero sus implicaciones fueron de gran alcance y sus técnicas de edición se absorbieron rápidamente en el lenguaje del cine.

Con esta gramática de la película narrativa establecida (filmación, tiro inverso, punto de vista, etc.), el cine vanguardista y consciente de sí mismo salió de una devastada Europa posterior a la Primera Guerra Mundial en la década de 1920 para darle la vuelta; los artistas visuales y los escritores se dispusieron a ridiculizar las nociones convencionales de trama, personaje y escenario, que consideraban burguesas y limitantes (el cine narrativo pretende ser una representación de la vida en el tiempo, y estos artistas querían señalar cuán artificial era esta imitación). , además de desafiar la idea de que había una forma de hacer películas y modificar la nariz de los valores de la clase media de la mayoría de las películas narrativas).

El movimiento Cinéma Pur (Pure Cinema) dirigido a películas se centró completamente en el movimiento, el ritmo y la composición, sin centrarse en la narrativa.

Entre los cineastas influyentes se encuentran los artistas visuales Marcel Duchamp y el fotógrafo Man Ray, cuya película de 1926 Emak-Bakia (Leave Me Alone) es un magnífico ejemplo.

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nshtéin Serguéi Mijáilovich Eize

Marcel Duchamp

La gramática del cine que hoy conocemos fue desarrollada y codificada en el siglo XX por directores como DW Griffith en los Estados Unidos y Sergei Eisenstein en la Unión Soviética (Y muchos otros).

Eisenstein estableció la idea de que dos tomas yuxtapuestas crean un nuevo significado. Si una persona está mirando algo fuera de la pantalla, y luego cortamos algo, se asume que la persona estaba mirando ese objeto.

Man Ray Emmanuel Radnitzky

Un ejemplo americano de Cinéma Pur se puede encontrar en el otro corto de The Dissolve, Mechanical Principles (1930), del fotógrafo Ralph Steiner.

La película es un “estudio de máquinas en movimiento, cortadas al ritmo de las máquinas mismas”. Steiner hizo muchas películas industriales, pero para esta pieza cortó el producto final y se concentró en las imágenes de las máquinas; Alejados de contexto, adquieren su propia belleza.

Otros cineastas de vanguardia se inspiraron en las nociones freudianas del inconsciente.

Uno de los más famosos, Un Chien Andalou (1929), fue realizado por el cineasta español Luis Buñuel y el artista Salvador Dalí, y es un ejemplo de la escuela surrealista.

les entre los eventos, así como sobre la continuidad del tiempo y el espacio.

Fue único entre las películas experimentales por ser un evento cultural, una película de vanguardia que fue vista por una gran audiencia. Incluso hoy en día, la película sigue siendo controvertida y los espectadores continúan confundiendo el laberinto de Resnais.

Y David Lynch, quien siempre ha mantenido un pie firmemente plantado en el cine experimental, comenzó haciendo cortos experimentales: Six Men Getting Sick (Six Times) (1966) Fictitious Anacin Commercial (1967) Absurd Encounter with Fear (1967) The Alphabet (1968) The Amputee (1974)

Inspirada por los sueños que tuvieron los dos, la película es una mezcla ‘surrealista’ de imágenes, diseñada a propósito para que, según Buñuel, “ninguna idea o imagen [pueda] prestarse a una explicación racional...

Nada, en la película, simboliza cualquier cosa”.

Música Francis Seyrig Fotografía Sacha Vierny (B&W) Reparto: Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoeff, Françoise Bertin, Luce Garcia-Ville, Pierre Barbaud, Françoise Spira

Es una fiesta pura para los ojos, y posiblemente una de las películas más influyentes que se haya hecho: En 1961, el año pasado en Marienbad, el cineasta francés Alain Resnais, comentó sobre muchas de las películas experimentales anteriores, utilizando la edición para crear incertidumbre sobre las relaciones causa-

En un barroco hotel, un extraño, X, intenta persuadir a una mujer casada, A, de que abandone a su marido, M, y se fugue con él.

Título original L’Annèe dernière à Marienbad.

Año 1961 Duración 91 min.

País Francia Dirección Alain Resnais Guion Alain Robbe-Grillet

Se basa en una promesa que ella le hizo cuando se conocieron el año anterior, en Marienbad, pero la mujer parece no recordar aquel encuentro.

La vanguardia afectó a muchos de los directores de la llamada “escuela de cine” que se formaron en las universidades en la década de los sesenta.

Año 1964 Duración10 min.

País Canadá Dirección Arthur Lipsett Guion Arthur Lipsett Fotografía B&W

Como estudiante de la USC, George Lucas vio, y fue influenciado por, muchas películas clásicas experimentales, y fue particularmente cautivado por el cortometraje canadiense Arthur Lipsett de 1964, del 21 al 87:

Cortometraje experimental en el que se crea una mixtura de imágenes de archivos, a modo de collage.

La mayoría de las películas de vanguardia clásicas no se vieron ampliamente (no había YouTube). ).

Sin embargo, fueron tremendamente influyentes en el cine narrativo y su sello se puede ver en la cinematografía moderna, la edición, los efectos visuales y la estética.

Los videos musicales contienen algunos de los principales ejemplos de técnicas de cine de vanguardia y experimentales, y ya sea que estén conscientes de ello o no, todos los cineastas están usando ideas y técnicas que vienen de la vanguardia.

Recomendado.

Historia del cine experimental, 1974. Libro escrito por el historiador y crítico de cine Jaen Mitry (Francia, 1907 – 1988). Mitry fue también realizador de cine experimental y cofundador de la primera Sociedad Cinematográfica de Francia y en 1938, de la Cinemateca Francesa.

21-87 (S)

Fue particularmente importante para George Lucas, habiendo éste admitido su influencia en su primer corto, “Electronic Labyrinth THX1138 4B.” (1967) y como origen del concepto de “La Fuerza” en la saga Star Wars.

PELICULAS EXPRIMENTALES.

Enfureció particularmente a la Iglesia católica por varias imágenes potencialmente blasfemas, incluida una mujer joven que se quejaba de una estatua religiosa y una escena que implica una figura como la de Cristo que participa en orgías.

Un Chien Andalou (Un perro andaluz) 1929 Drama/Fantasía 21 min Dirigida por Luis Buñuel Ampliamente considerada como la película experimental más famosa de todos los tiempos, Un Chien Andalou fue el resultado de una reunión de dos de las más grandes mentes de los 20 ª siglo: surrealistas Luis Buñuel y Salvador Dalí.

La película no tiene una trama real, sino que se basa en extrañas imágenes extraídas de la lógica de los sueños y de las técnicas de asociación libre freudiana. Infame por su escena de apertura que muestra a una mujer con el ojo cortado con una navaja de afeitar, que se encendería ganar gran notoriedad entre los círculos artísticos.

Una vez más, debo repetir que cualquier intento de tratar de adivinar cualquier tipo de significado o interpretación de la película no tiene sentido.

El mismo Buñuel declaró una vez que durante el proceso de redacción de la película, se aseguraron de que “no se aceptaría ninguna idea o imagen que pudiera prestarse a una explicación racional de ningún tipo”.

Continuó agregando que “Nada, en la película”. , simboliza cualquier cosa”.

No obstante, desde entonces se ha ganado la reputación de ser una de las películas experimentales más importantes que se han hecho.

L’Age d’Or (La edad de oro) 1930 Drama/Cine arte 1h 3m Dirigida por Luis Buñuel La segunda película de esta lista es otra colaboración entre Luis Buñuel y Salvador Dalí.

A diferencia de Un Chien Andalou, esta película intenta tener cierta apariencia de una narrativa cohesiva.

Está compuesto por varias viñetas aparentemente no relacionadas que van desde un documental sobre la naturaleza de escorpiones, una joven pareja que intenta en vano encontrar un lugar para tener relaciones sexuales, y una recreación parcial de los eventos en los 120 días de Sodoma del marqués de Sade.

Además, a diferencia de Un Chien Andalou. Esta película fue sometida a grandes protestas y enojos por parte del público en general.

Rose Hobart 1936 Duración 19 min.

Dirigida por Joseph Cornell Una de las primeras (y más famosas) películas experimentales de Estados Unidos, Rose Hobart ayudó a sentar las bases para el cine experimental.

La película es esencialmente una copia de la longitud del largometraje al este de Borneoque ha sido cortado y re-editado Irónicamente, ni siquiera comenzó como una película experimental.

En cambio, se creó después de que el director Joseph Cornell decidiera volver a editar su propia copia de 16 mm de la película para que no fuera aburrida durante las repetidas presentaciones.

La película fue esencialmente despojada y reorganizada en una especie de monstruo de Frankenstein que enfatizaba mucho la toma que mostraban a la estrella Rose Hobart.

Cuando más tarde se proyectó para el público, se proyectó a través de un pedazo de vidrio azul y se jugó a la velocidad de proyección de las películas mudas.

Aparentemente sorprendió tanto a Salvador Dalí que durante una de sus proyecciones, golpeó el proyector y gritó: “¡Lo robó de mis sueños!”

Inspirada por el mencionado Un Chien Andalou y L’Age d’Or, Maya Deren y su esposo Alexander Hammid crearon uno de los cortometrajes más enigmáticos que se hayan hecho.

Durante más de 60 años, los críticos han tratado de analizar y analizar esta película cautivadora. ¿Es una película de terror psicológico? Tal vez.

Se trata de una mujer que pierde lentamente su mente y su comprensión de la realidad. ¿Es un comentario sobre el cine negro? Tal vez.

Sin duda, se ve y se siente a veces como un cine negro., lo que con sus imágenes dentadas y su atmósfera sombría. ¿Está diseñado únicamente para desafiar los conceptos preexistentes de la forma cinematográfica?

Tal vez.

Toda la narrativa es de naturaleza circular, utiliza imágenes repetidas y parece ignorar la edición de sonido moderna (el corte original fue completamente silencioso, pero luego se le dio una banda sonora hecha de música clásica japonesa).

Mallas de la tarde. 1943 Duración 14 min.

Dirigida por Maya Deren y Alexander Hammid

Fireworks (Fuegos artificiales) 1947 Duración 20 min.

Dirigida por Kenneth Anger Hecho cuando tenía solo veinte años, el legendario cineasta experimental Kenneth Anger dirigió Fireworks, una exploración desafiante y arenosa de la homosexualidad y el sadomasoquismo.

Hecha mientras sus padres estaban fuera de casa durante un largo fin de semana, Anger hizo esta película durante unos pocos días.

Cualesquiera que sean las Mallas de la tarde, no se puede negar que ha prevalecido sobre la comunidad creativa durante años.

El complot, si uno puede llamarlo uno, trata sobre un joven sin camisa que es asaltado (tal vez incluso violado) por una pandilla de marineros en un bar.

Aún más cineastas de la corriente principal, David Lynch en particular, cantan sus alabanzas y modelan su trabajo después de ello.

Todo esto está entremezclado con imágenes surrealistas, que incluyen árboles de Navidad en llamas, fotografías en llamas y, por supuesto, fuegos artificiales.

Si bien no fue la primera pelícu-

la de Anger, es la primera de sus obras que aún sobrevive. Además de ser una de las primeras películas de un famoso cineasta, también fue un hito legal.

narrativa. La película está particularmente llena de imágenes violentas. Los ejemplos incluyen chocar autos y material de guerra.

La ira fue arrestada por cargos de obscenidad después de estrenar la película y se presentaron demandas contra los directores de películas que la proyectaron.

Pero Conner también inyectó numerosas metáforas sexuales en la película.

En una de las secuencias más famosas de la película, se utilizan tomas de buceadores para imitar a los espermatozoides que se acercan a un óvulo. De hecho, se podría argumentar que toda la película es una metáfora del sexo.

Sea lo que sea, inspiró a innumerables cineastas a utilizar las imágenes encontradas en su trabajo. Con Una película, Bruce Conner fundó literalmente una nueva escuela de cine experimental.

A Movie (Una película) 1958 Duración12 min.

Dirigida por Bruce Conner

Una de sus obras más populares fue su ciclo Dog Star Man, una serie de cinco películas realizadas entre 1962 y 1964.

La segunda película del ciclo, Dog Star Man Parte I, ayudó a establecer su nombre en la comunidad de cine experimental.

La película examina a un hombre barbudo que lleva un hacha caminando por una montaña boscosa junto con un perro.

Entremezclados con las luchas del hombre, vemos tiros de agua, árboles, incendios y sangre. Todo está acompañado por una banda sonora silenciosa que enfatiza las imágenes extrañas en la pantalla.

Poesía visual del más alto calibre, Dog Star Man te dejará hipnotizado.

A Movie, de Bruce Conner, fue un hito que ayudó a promover el uso de imágenes encontradas en el cine.

Mientras que otros cineastas salían y filmaban imágenes originales de sus películas, Conner hizo que A Movie fuera completamente de las imágenes encontradas.

Conner, utilizando fragmentos de imágenes de fuentes tan diversas como películas de serie B, noticiarios y pornografía suave, creó una especie de

dounidenses más prolíficos e influyentes que jamás haya existido. Conocido por sus películas en gran parte no narrativas y expresionistas, Brakhage ayudó a redefinir los límites de lo que podrían lograr los realizadores experimentales.

Dog Star Man 1962 Duración 30 min Dirigida por Stan Brakhage Stan Brakhage es fácilmente considerado como uno de los cineastas experimentales esta-

vela de Bioy Casares), setenta años después los rostros de los niños y los adultos siguen vivos, intactos, repitiendo en cada proyección esas jornadas teñidas por la felicidad.

Wavelength (Longitud de onda) 1967 Duración 47 min.

Dirigida por Michael Snow

Y digo setenta años después, porque es entonces cuando la cámara del director español José Luis Guerin regresa a la mansión. Los años pasaron y la humedad no sólo carcomió las películas.

Wavelength es una de las películas experimentales más famosas y, al mismo tiempo, ampliamente respetadas que se hayan hecho.

Considerada una obra maestra del cine subterráneo y estructural, la longitud de onda consiste en una sola toma de una habitación.

Observamos cómo las personas entran y salen en cuatro escenas separadas mientras la cámara se acerca lentamente a la sala.

Mientras tanto, escuchamos sirenas y pitidos fuertes que aumentan y disminuyen la frecuencia a lo largo de toda la película hasta que se amplifican en un grito ensordecedor.

Es un viaje a través de una habitación con ventanales, un deslizamiento a través del tiempo cinematográfico (distintos tiempos, luces, texturas), un viaje que incluye una muerte y finaliza en una imagen inmóvil: una foto del mar.

El deslizamiento es físico (óptico) y metafísico, y la nave es aquí un zoom virtual hacia delante (en realidad es fragmentario y no exacto) y un sonido progresivamente agudo, hasta el silencio final del mar quieto.

Tren de sombras 1997 Dirigida. José Luis Guerín Duración 88 min.

La película comienza explicando que ésta es una reconstrucción a partir de las supuestas películas caseras que un abogado francés de apellido Fleury filmó en la década del 30, poco antes de su misteriosa muerte.

Esas cintas sufrieron el paso de los años y los efectos nocivos de la humedad.

Los primeros minutos son una verdadera joya porque allí reinan la ingenuidad y la genialidad de un realizador aficionado.

Al margen de las proezas de los movimientos de cámara, las acertadas concepciones sobre fotografía o los bellos encuadres de Fleury retratando a su familia en la gran mansión de Le Thuit, lo que resalta en esta primera mirada sólo puede describirse con un término: felicidad.

Los Fleury son felices y esa sensación está perpetuada en las películas familiares. Como en el invento de Morel (en la no-

El tiempo también se encargó de dejar atrás, en la historia, aquella felicidad. Sin embargo, las siete décadas transcurridas permiten que los adelantos de la técnica y el lenguaje cinematográficos sean puestos al servicio de completar la tarea que había emprendido Fleury. La luz, el color y el sonido que le faltan a los retratos familiares del abogado-cineasta surgen para revivir a la gran mansión deshabitada.

Así como Fleury filmó el exterior, la naturaleza que lo rodeaba, Guerin se interna en la casona para ofrecer una nueva visión sobre aquellos escenarios.

Pero hay más. Guerin, como el fotógrafo de Blow Up, descubre un secreto que siempre estuvo a la vista en las películas familiares de Fleury. En Tren de sombras –como en el cine mismo–, la mirada parece ser la clave de la comprensión.

Excelentemente fotografiada, montada y musicalizada, esta película puede llegar a resultar incomprensible para algunos y

para otros, lenta. Pero son tan sólo 80 minutos. Poco más de una hora de auténtica poesía cinematográfica.

Sin embargo, una vez que ha faltado a sus principios, el Topo es traicionado por Mara y dado por muerto.

Cuando despierta, se encuentra retenido en un escondite secreto de personas deformes, y empezará a descubrir una nueva forma de entender la vida.

El Topo 1970 Duración 2h 05min Dirigida por Alejandro Jodorowsky Título original Khaneh siah ast (The House is Black) 1963 Duración 22 min.

País Irán

Un pistolero vestido de negro se embarca en un viaje simbólico en una versión de Sodoma y Gomorra en el Viejo Oeste.

Aclamadísimo documental iraní que relata la vida y sufrimiento en una leprosería, y calificado como una pieza imprescindible del género emparentado con obras como Las Hurdes (Luis Buñuel) o Freaks (Tod Browning).

En un desierto desconocido, un pistolero errante al que llaman Topo vaga junto a una mujer llamada Mara. Tiene un objetivo clave: derrotar a cuatro pistoleros, miembros de una banda de fetichistas, que se hacen llamar maestros del revólver.

La única obra cinematográfica de Forough Farrokhzad comienza con la cita “El mundo está lleno de fealdad. Aún habría más si el hombre apartara la mirada.

Van a ver en pantalla una imagen de la fealdad, un retrato del sufrimiento, que sería injusto ignorar” y posteriormente muestra, de forma cruda y poética, la vida en una colonia de leprosos.

Su objetivo es impartir justicia, y por ello va buscándolos uno a uno para retarles a un duelo.

Sin embargo, pronto se da cuenta de que sus habilidades distan mucho de ser suficientes para vencerlos. Es por ello por lo que Mara le empuja a hacer lo que sea para ganar, incluyendo hacer trampas.

Fuentes: https://www.filmaffinity.com https://www.caninomag.es https://www.movieoldex.org classic.experimental short films.com

2 da pa rte

s

Instrumentos del jazz •Piano.

•Trompeta.

•Trombón.

•Clarinete.

•Saxofón. Saxo soprano.

Saxo alto. Saxo tenor. Saxo barítono.

•Contrabajo y bajo eléctrico.

•Batería.

•Guitarra.

Martin Willians (1990: 25) escribe que “una de las mejores grabaciones de Morton es un tema al que llamó Dead Man Blues, elaborado con las melodías de varios temas distintos, en concreto tres. Obviamente las melodías han de encajar bien entre sí, deben disponerse en un orden que dé sentido musical y emocional al tema resultante (…).

Si no el inventor, al menos habría que considerar a Jelly Roll Morton como el primer compositor de Jazz.

Jelly Roll Morton (Ferdinand Morton) fue un músico criollo de Nueva Orleans que había recibido formación clásica pero tocaba el piano ragtime en Storyville a principios de 1900, lugar lleno de casinos, tabernas bares cabarets, donde muchas bandas trabajaban cada noche.

Fue de carácter provocador y fanfarrón y esto ha influido en la desconsideración de su figura de excelente músico creador, quizá el músico que primero codificó y transmitió las normas de funcionamiento del jazz.

Cuando a los 17 años su tutora y bisabuela descubrió que en vez de ser vigilante nocturno -como le había dicho- se dedicaba a los clubs, (tocaba, bailaba, jugaba al billar, hacía números

cómicos de vaudeville), lo echó de casa y comenzó a viajar con su música, por Memfis, Chicago, N York, Kansas City Los Ángeles…

Fue él quien primero se propuso transportar esa música -que aún no se llamaba jazz- al piano, mezclando el ragtime, la música de juglares y el blues, él decía que él había inventado el jazz.

Aunque no sea estrictamente cierto, escribió muchas melodías que se convertirían en el estándar del jazz, como Wolverine Blues. Morton hablaba del matiz español que había que darle a la música jazz para que sonara auténtica.

Ya en los años 40, años más tarde de su época de mayor actividad, grabó en la Biblioteca del Congreso y esas grabaciones nos enseñan mucho de qué tipo de músico fue.

La grabación de Morton de Dead Man comienza con el eco de una procesión funeraria, una introducción basada en la conocida Marcha Fúnebre de Chopin interpretada por el trombón con un toque de humor”.

Del primer tema, en estilo polifónico, destaca -resumimos las ideas de Williams- el diálogo entre la trompeta y el clarinete acompañados por el bajo en el trombón.

El estilo se distancia del pesado estilo Dixieland. Después de unas bellas variaciones en el tema segundo, un solo a la corneta hace de puente al tercer tema y curiosamente no pierde en belleza y originalidad.

El tercer tema es un trío de clarinetes que tocan una bella melodía-armonía de blues tipo riff hasta que el trombón de Kid Ory entra con una profunda contra melodía.

Williams repara en las diferencias entre la música de King Oliver y la de Mortom. La mayor virtud de la de Oliver provenía

de la forma en que tocaban juntos sus músicos de forma improvisativa.

En cambio la música de Mortom estaba “compuesta”, pensada, y daba gran importancia a la forma orquestal. Rítmicamente era inferior a la de Oliver pero era más sofisticada, más compleja formalmente, más “moderna”.

Es un desarrollo superior, un paso adelante sobre la forma establecida por los compositores de ragtime, incorporando a un tiempo elementos rítmicos y armónicos del jazz y del blues: “la música de Morton representa un compendio de todo lo que el jazz había conseguido antes de que las innovaciones de Armstrong reinterpretaran su lenguaje básico” .

Williams establece una similitud entre Mortom, Ellington, Lewis y Monk: todos eran pianistas o tocaban el piano sin ser grandes virtuosos, fueron compositores, poseían un concepto orquestal del piano, grandes acompañantes, todos innovaron en el binomio improvisación-forma y el de libertad-disciplina o individualidad-conjunto.

Y todos recibieron influencia del piano ragtime, que había conseguido reinterpretar los temas folk previos, la música religiosa previa, los temas de marchas de la época y la previa música de baile de origen europeo.

En torno a 1910 Morton había comenzado a extraer las virtualidades del piano ragtime y a apartarse de su caricatura, del exhibicionismo fácil y superficial

al que muchos pianistas de ragtime se dieron. “El ragtime era estructural, rítmica y emocionalmente limitado, y Morton pareció darse cuenta de ello” .

Tenía conocimientos musicales, conocía la música europea, la técnica de la variación, las formas complejas… cosas que desconocía por ejemplo J Oliver.

Si a esto le añadimos su fina intuición con la que sabía relacionar las tonalidades y modular y el añadido de los ritmos hispanos que dominaba, entenderemos la riqueza de sus piezas, como Wolverines, King Porter Stomp, The Pearls, Kansas City Stomps…

A esto Martin Williams añade la incorporación de los ritmos hispanos y del blues: la música de Morton sería como una alianza entre el ragtime y el blues (notas “desafinadas”) con elementos de la música folklórica francesa y española (la importancia de las síncopas y los contratiempos), los himnos baptistas y la música de marchas.

Seguiremos en una próxima entrada escribiendo sobre la importancia de los blues en la música del jazz primitivo y del uso que Morton hizo de los riffs y de los breaks.

De lo que no cabe duda es de que se puede decir que Mortom fue “el primer gran maestro de la forma en el jazz”, comparable a un Duke Ellington, un John Lewis o un The lonious Monk.

Black de Baltimore (desde 1906), Luckey Roberts de Filadelfia, Willie “The Lion” Smith y James Johnson (1914) de Nueva York.

El stride piano es un estilo pianístico de jazz, que se desarrolló en los años 1920, y que también suele denominarse “Harlem stride”, “stride” o “estilo Harlem”, debido a que su lugar de génesis y desarrollo fue el barrio de Harlem (Nueva York).

Stride Piano Una de las innovaciones más importantes en la historia temprana de la música de jazz fue la transformación dramática de la interpretación del piano que tuvo lugar cuando el jazz migró de Nueva Orleans a Chicago a Nueva York, la capital de ragtime.

En 1920, cuando la moda de 25 años de ragtime comenzaba a disminuir y los blues se estaban convirtiendo en la nueva moda, el pianista de jazz de Nueva York comenzó a mezclar blues y ragtime.

El sonido que resultó de esa fusión fue denso y fuerte, y llegó a llamarse “zancada” para piano.

El lugar donde tuvo lugar la síntesis podría haber sido en realidad Atlantic City.

Antes de la Primera Guerra Mundial, esa era la ciudad donde los pianistas de todo el país se reunían durante el verano para entretener a los invitados de los distintos establecimientos del distrito de luz roja.

Los pianistas que actuaron en Atlantic City incluyeron a Eubie

Cuando terminaba la temporada de verano, la mayoría de estos pianistas se mudaban a Harlem, el ghetto negro de Nueva York, donde toda una subcultura de clubes nocturnos para negros estaba en auge.

En la década de 1920, siguiendo la moda de la música blues, Harlem fue invadida por los turistas blancos, que vinieron a ver la música exótica de los negros.

Así que esos clubes (y sus artistas) comenzaron a atender a una audiencia blanca.

La auténtica experiencia de piano negro (y la innovación) se trasladaron a las “fiestas de alquiler”, es decir, fiestas destinadas a recaudar dinero para pagar el alquiler, que se hizo extremadamente popular después del final de la Segunda Guerra Mundial entre los inquilinos negros pobres de Harlem.

Esos eran los años en que el piano se convirtió en algo propio.

Evolución Procede de una evolución del ragtime y del estilo jig piano. Según algunos autores, su nombre deriva de los saltos (strides) que daba la mano izquierda al tocar, que alternaba notas potentes en los tiempos débiles, con acordes en los tiempos fuertes.

Este tipo de ritmo pasó de moda en los años cuarenta, como consecuencia del abuso que se produjo en el revival dixieland, aunque pianistas tan alejados del jazz tradicional como Thelonious Monk (1917-1982) utilizaron formas claramente impostadas como variantes personalizadas del estilo.

Pianistas.

Los principales representantes de este estilo pianístico fueron: James P. Johnson (1891-1955), Art Tatum (1909-1956), Fats Waller (1904-1943) y Luckey Roberts (1887-1968), aunque otros pianistas como Duke Ellington (1899-1974) o Earl Hines (1903-1983) utilizaron el tipo de figuras de bajo de este estilo como forma de tensionar la interpretación de los temas.

En 1896, a la edad de 23 años, Handy se convirtió en el director de la banda de “Mahara’s Minstrels”.

“WC” Handy William Christopher, nació el 16 de noviembre de 1873 en Florence, Alabama .

Ampliamente conocido como el “Padre de los azules”, Handy es reconocido como uno de los líderes en la popularización de la música de blues.

El interés de Young Handy en la música fue desanimado por su familia y su iglesia. Una vez ahorró su dinero y compró una guitarra que su padre, Charles Bernard Handy, un pastor, le hizo regresar a cambio de un diccionario.

Handy se unió a una banda cuando era un adolescente y compró una corneta que mantuvo en secreto a sus padres.

A pesar de tener poco entrenamiento formal, WC Handy era excepcionalmente brillante y en 1892 a la edad de 19 años viajó a Birmingham para rendir un examen estatal de enseñanza.

Pasó con facilidad y brevemente se convirtió en un maestro de escuela.

Handy pronto se dio cuenta, sin embargo, que la enseñanza era una profesión mal pagada y renunció a seguir una carrera en la música.

Escogió este grupo a pesar de la poca consideración que muchos afroamericanos educados tenían por estos espectáculos.

Handy realizó una gira con este grupo durante tres años, recorriendo un circuito que cruzaba el sur, pero que también lo llevó hasta Chicago y La Habana, Cuba .

Handy conoció a su futura esposa, Elizabeth Price, mientras actuaba en una barbacoa cerca de Henderson, Kentucky , en 1896.

Sin embargo, ganarse la vida en la carretera resultó difícil, y en 1909 Handy se estableció en Memphis .

Allí organizó una banda que tocaba en la calle Beale. Fue aquí donde Handy escribió su primera canción “Mr. Crump”, como una melodía de campaña para el candidato a la alcaldía y luego el jefe político EH Crump.

La canción, que Handy cambió de nombre a “Memphis Blues”, se hizo popular a nivel nacional.

En 1912, “Memphis Blues” hizo historia cuando se convirtió en la primera canción de blues publicada comercialmente.

WC Handy comenzó en Handy Brothers Music Company y produjo su próxima canción de éxito, “St. Louis Blues”. Otras canciones exitosas siguieron, incluyendo” Yellow Dog Blues “en 1914 y” Beale Street Blues “en 1916.

En 1918, Handy trasladó su negocio a Nueva York, donde se dio cuenta de un éxito continuo cuando escribió “Blues de la tía Hagar”.

Trabajó de manera constante durante los años 20 y 30, promoviendo el blues para el público en general.

En 1928, Handy se convirtió en el primer artista en tocar blues en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York. Un año más tarde su “St. Louis Blues “se convirtió en la base de una película de Hollywood con el mismo nombre.

Handy continuó escribiendo y publicando música. También escribió cinco libros sobre el blues, la música folk negra y los primeros compositores afroamericanos.

En la década de 1940, Handy era rico y vivía en Striver’s Row en Harlem. Una caída accidental en 1943 de una plataforma de metro causó su ceguera y terminó su carrera como escritor de música y libros.

William Christopher Handy murió de neumonía el 29 de marzo de 1958.

Su ciudad natal, Florence, Alabama, celebra un festival de música cada año en su honor.

Su casa original es ahora un museo y atracción turística.

Sumario.

La música que llamamos jazz surgió bastante antes que el disco; sin embargo, desde el último cuarto del siglo XIX, el jazz estaba incubándose en el estado sureño de Luisiana (EE.UU.) en torno a un proceso largo y complejo que intentaba superar la rigidez rítmica y adquirir el sello del swing.

Uno de los elementos genealógicos más decisivos junto al blues, que no ha dejado de estar presente a lo largo del jazz, fue el ragtime.

Los rags, aunque se tocaban sobre toda clase de instrumentos, fueron esencialmente una especialidad de pianistas. Su apogeo se sitúa entre finales del siglo XIX y las dos primeras décadas del XX. Antes de todo eso estaba el blues, entendido este no como un estilo del jazz. Es más que eso. El blues es el origen de todo.

Es la columna vertebral del jazz.

Sus orígenes son inciertos y lejanos, aunque es indudable que se trata de una genuina creación afroamericana, sin parangón con las tradiciones europeas.

En sus formas arcaicas, aparece ya después de la Guerra Civil americana o incluso antes.

Era el blues rural cantado en los campos de algodón, en las prisiones y en los caminos por bluesman desconocidos, anóni-

mos y sin ningún atisbo de profesionalidad.

Alguien dijo algún día, que el blues, no era más que un hombre dolido pensando en la mujer con la que estuvo alguna vez.

El sonido del alma chirriando cuando es acosada por el dolor; un lamento en forma de canción.

ciones de Duke Ellington en el Cotton Club entre 1927 y 1931; las grabaciones de Charlie Parker y Dizzy Gillespie de 1945 para Savoy y Dial; las doce tomas del Noneto Capitol de Miles Davis en 1949/1950 o el disco de Ornette Coleman titulado “The Shape of Jazz to Come” de 1959, son eslabones de una cadena que llega hasta el jazz que hoy conocemos.

El jazz y el blues están íntimamente ligados el uno al otro.

En los cantos de los campos de trabajo, los llamados “work songs”, en la guitarra de Robert Johnson o Muddy Waters, en la garganta de Bessie Smith, o Ma Rainey, en las armónicas de Little Walter o de Sonny Boy Wiliamson, están los sonidos del negro afro americano cuya evolución musical dio base al jazz.

Como homenaje a esta música hermana, desde esta página de jazz os invito a que conozcáis los discos más representativos de mi colección de blues. La música nacida de las entrañas del Delta del Mississippi.

La corriente principal del jazz o “mainstrean” define en el sentido genealógico de la palabra, las grabaciones y los músicos determinantes en la historia del jazz y que conforman una estirpe de continuidad desde principios del siglo XX hasta nuestros días: King Oliver con su “Creole Jazz Band” en 1923; Louis Armstrong con sus “Hot Five” y “Hot Seven” de 1925/1928; Jelly Roll Morton con sus “Red Hot Peppers” 1926/1928; las actua-

Este maravilloso género musical es reconocido hoy en día como uno de los más complejos y prestigiosos del mundo, reuniendo una auténtica filosofía de vida y cultura en torno a sus principales figuras como Louis Amstrong, Miles Davis, Tony Bennett o más recientemente, Norah Jones.

Anécdotario 1- El Jazz nació en Nueva Orleans en 1895.

El estado de Luisiana es el gran representante de este estilo musical y la mayor cantidad de los artistas de este estilo musical han nacido en esta tierra. El jazz se ve muy reflejado en la principal fiesta de Nueva Orleans, el ‘Mardi Gras’.

2- Se trata de uno de los géneros con más influencias del panorama musical. Desde música clásica, ritmos africanos, ‘ragtime’ o música de banda; hasta el elementos del pop actual.

3- El jazz tuvo su momento de máxima expansión en los felices años 20 de Estados Unidos.

Tuvo un gran papel en la agitación social del momento, especialmente en los orígenes del feminismo. Las mujeres comenzaban a beber, fumar, vestir con más libertad y a exigir el derecho a voto -que finalmente consiguieron 4- El saxofón puede ser el instrumento más popular de este estilo musical, aunque no se incorporó a las grabaciones hasta la década de los años 20.

5- Se tiende a relacionar actualmente el mundo del jazz y su audiencia con una clase social elevada, de nivel de estudios altos. Nada más lejos de la realidad. Este estilo musical nació entre las clases sociales más bajas de Estados Unidos como una denuncia social de los negros a la discriminación racial que sufrían por parte de las élites blancas.

6- Probablemente la mejor definición de este estilo musical fue la de Louis Amstrong cuando se le preguntó cómo explicaría qué es el jazz: “Si lo tienes que preguntar, es que no lo entiendes”.

7- A pesar de que hay varias teorías al respecto, la mayoría de los expertos coincide en situar a W.C. Handy como el verdadero creador de este género como una evolución del tradicional blues.

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r Po n Be El Artículo 33 de la Carta de las Naciones Unidas enumera los siguientes métodos para el arreglo pacífico de las controversias entre Estados: •negociación, •investigación, •mediación, •conciliación, •arbitraje, •arreglo judicial y •recurso a organismos o acuerdos regionales.

La Corte Internacional de Justicia fue creada en 1945 por la Carta de las Naciones Unidas y comenzó a funcionar en 1946.

Funcionamiento de la Corte.

La Corte desempeña una doble misión: el arreglo de las controversias de orden jurídico entre los Estados que le sean sometidas por estos (procedimiento contencioso) y la emisión de dictámenes consultivos sobre cuestiones jurídicas que le sometan los órganos u organismos de las Naciones Unidas (procedimiento consultivo).

han aceptado su jurisdicción de alguna de las siguientes formas: – Por un acuerdo especial entre los Estados con el propósito de someter su controversia a la Corte; – Por una cláusula jurisdiccional; esto sucede cuando los Estados son partes de un tratado en el que una de sus cláusulas tiene previsto que si existe una controversia acerca de la interpretación o la aplicación de dicho tratado, se someterán a la Corte.

Funciones La Corte o Tribunal Internacional de Justicia es el órgano judicial principal de las Naciones Unidas, que fue establecida en 1945, en La Haya, Países Bajos siendo la continuadora, a partir del año siguiente, la Corte Permanente de Justicia Internacional.

Hay que decir que la Corte o Tribunal Permanente de Justicia Internacional era un órgano de justicia internacional creado en 1921 en un tratado que era independiente al Pacto de la Sociedad de Naciones, siendo antecesora de la actual Corte Internacional de Justicia.

Competencias de la Corte Internacional de Justicia

La Corte Internacional de Justicia desempeña una doble misión: – Solución de las controversias de orden jurídico entre los Estados por procedimiento contencioso.

– Emisión de dictámenes consultivos sobre cuestiones jurídicas que le sometan los organismos de las Naciones Unidas por procedimiento consultivo.

Procedimiento contencioso de la Corte Internacional de Justicia La Corte Internacional de Justicia solo tendrá competencia para conocer de un asunto si los Estados que están implicados

– Por el efecto recíproco de declaraciones hechas bajo un Estatuto, y donde cada uno de ellos ha aceptado la jurisdicción de la Corte como obligatoria, en caso de controversia con cualquiera de los estados que acepte la misma obligación.

Procedimiento consultivo de la Corte Internacional de Justicia Este procedimiento consultivo de la Corte Internacional de Justicia está abierto exclusivamente a los cinco órganos y dieciséis organismos que forman parte del sistema de las Naciones Unidas.

Tanto la Asamblea General como el Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas podrán solicitar dictámenes consultivos sobre cualquier cuestión jurídica, pero otros organismos de las Naciones Unidas que hayan recibido autorización para solicitar dictámenes consultivos,

solo podrán hacerlo respecto a las cuestiones planteadas en el ámbito de sus actividades.

Cuando recibe una solicitud de dictamen consultivo, la Corte Internacional de Justicia podrá llevar a cabo procedimientos escritos y orales, que se asemejan en algunos aspectos a los procedimientos contenciosos, en teoría la Corte puede no utilizar dichos procedimientos, pero nunca prescindir por completo de los mismos.

Pasados unos días desde que se presente la solicitud, la Corte elaborará una lista de los Estados y organizaciones internacionales que puedan aportar información sobre dicho asunto.

Los Estados que aparecen en la lista suelen ser por lo general Estados Miembros de la organización que ha solicitado el dictamen, y éstos podrán solicitar su participación en el caso de que la Corte no les haya consultado

Los orígenes.

A pesar de la antigüedad de los métodos, se reconoce en general que la historia moderna del arbitraje comienza con el llamado Tratado de Jay, de 1794, entre los Estados Unidos de América y Gran Bretaña.

En este Tratado de Amistad, Comercio y Navegación se estipuló la creación de tres comisio-

nes mixtas, formadas por el mismo número de norteamericanos que de británicos, con el fin de arreglar varias cuestiones que ambos países no habían sido capaces de resolver mediante la negociación.

Si bien es verdad que estas comisiones mixtas no podían dictar sentencias, estrictamente hablando, en cierto modo sí que estaban pensadas para funcionar como tribunales.

Consiguieron que volviera a surgir el interés por el proceso de arbitraje. A lo largo del siglo XIX, los Estados Unidos y el Reino Unido recurrieron en varias ocasiones a ellas, y también lo hicieron otros tantos Estados en Europa y en las Américas.

Edificio de la Corte.

El arbitraje en 1872 de la Cuestión de Alabama, entre el Reino Unido y los Estados Unidos,

marcó una segunda etapa que fue aún más decisiva.

En el marco del Tratado de Washington de 1871, ambos países acordaron someter a arbitraje una demanda presentada por Estados Unidos contra el Reino Unido por supuesta violación de la neutralidad durante la guerra civil estadounidense.

Los dos Estados establecieron un reglamento sobre las obligaciones que el tribunal debía aplicar para permanecer neutral.

Dicho tribunal estaba compuesto, previo acuerdo por parte de los dos países, por cinco miembros designados, respectivamente, por los Jefes de Estado de Estados Unidos, Reino Unido, Brasil, Italia y Suiza.

El tribunal arbitral falló que Gran Bretaña debía pagar una indemnización; Gran Bretaña cumplió con la orden de manera ejemplar.

Así se demostró la eficacia del arbitraje en el arreglo de una controversia importante, y durante los últimos años del siglo XIX este procedimiento contribuyó a que se mejorara en varios aspectos: •Cada vez fue más habitual que en los tratados se insertaran cláusulas en que se ofrecían recursos para el arbitraje en el caso de que surgieran disputas entre las partes firmantes.

•Se concluyeron tratados generales de arbitraje para el acuerdo de clases específicas de disputas interestatales.

•Se aunaron los esfuerzos para construir una ley general de arbitraje, de modo que los países que quisieran recurrir a estos métodos de arreglo de disputa no se vieran en la obligación acordar, cada vez que recurriesen al tribunal, el procedimiento que fuera a adoptarse, la composición del tribunal, las normas que se seguirían y los factores que se tendrían en cuenta para emitir el fallo.

•Se propuso la creación de un tribunal arbitral permanente internacional para que no fuera necesario establecer un tribunal ad hoc específico que tratara cada disputa arbitrable.

Para qué sirve?

La complejidad de las relaciones entre vecinos es una realidad que muchos experimentan en mayor o menor grado.

A menudo, la única solución para reducir tensiones es la intervención de un mediador independiente. Pero, ¿qué pasa cuando los vecinos con problemas son dos Estados?

El caso del conflicto entre Argentina y Uruguay por plantas de celulosa; El caso del templo Preah Vihear (Camboya vs. Tailandia), en el cual se recepta la figura anglosajona del estoppel; El caso de los ensayos nucleares (Australia y Nueva Zelanda contra Francia), donde se sustenta la teoría admisoria de los efectos jurídicos de los actos unilaterales de los Estados.

El caso de la controversia territorial y de delimitación marítima entre Colombia y Nicaragua.

El caso de la controversia de delimitación marítima entre Chile y el Perú.

Fuente:

https://www.un.org

El caso de la controversia sobre la negociación marítima entre Bolivia y Chile.

Por Alix - Shopie - Kim - Francis y Agh

Por una vacía calle, al atardecer, del centro de la ciudad en un día de otoño se ve a lo lejos una bella joven, ellas se ve hermosa y sensual con su boca cerrada y por su junturas labiales deja escapar el secreto de la felicidad ella está enamorada.

UN SUEÑO ¡Recibe en la frente este beso!

Y, por librarme de un peso antes de partir, confieso que acertaste si creías que han sido un sueño mis días; ¿Pero es acaso menos grave que la esperanza se acabe de noche o a pleno sol, con o sin una visión?

Hasta nuestro último empeño es sólo un sueño dentro de un sueño.

Frente a la mar rugiente que castiga esta rompiente tengo en la palma apretada granos de arena dorada.

¡Oh Dios! ¡Si yo pudiera salvar uno de la marea! ¿Hasta nuestro último empeño es sólo un sueño dentro de un sueño?

¡Son pocos! Y en un momento se me escurren y yo siento surgir en mí este lamento: ¡Oh Dios! ¿Por qué no puedo retenerlos en mis dedos?

Autor del poema: Edgar Allan Poe

Jonas Mekas

Semeniskiu, idilés (Los idilios de Semeniskiai, 1948 y 1955), Géliu kalbéjimas (El hablar de las flores, 1961), Pavienial zodzial (Palabras sueltas, 1967), Dienorasciai 1970-1982 (Diarios, 1985).

Jonas Mekas.

(1922- ), desde 1949 en Nueva York. Conocido por su cine experimental (varios premios), ha sido redactor, desde 1954, de Film Culture. También cultiva la prosa. Sus libros de poesía :

En 1971 se publicó una antología de su obra, Poesía, en Lituania. Su primer libro se inspira en la obra del gran poeta lituano del s. XVIII, Donelaitis, recreando los hexámetros y la presentación del campo lituano con imaginería moderna.

En los siguientes, va desarrollando una expresión cada vez más íntima, reduciendo el verso al mínimo. Aunque sus temas son universales, casi nunca desaparece una nota de fondo profundamente lituano.

En la acera hielo El pensamiento se astilla en trizas blancas.

Frescas sombras, rizos de musgo.

Oh, amigos, toco con la mano la basta corteza las ramas cimeras quedan aferradas al sol como los pensamientos aletea verde la corona del bosque. ....

Timidamente cae la lluvia la amargura de la vida el olor a hormigón a plástico deshace royendo los hilos del corazón.

(De Diarios)

ORIGINAL. Žiema Sniegui apgulus trobas, apdengus laukus, ir gamyklas, ir upių slėnius, ir žuvų perkalus, – užgula šalčiai. Ir vėjas degindamas lekia skersai laukų, nešdamas sausą ir šaltą sniegą.

Prasikasę į tvartus takus, ūkininkai tempia nuo apledijusio, apsnigto šulinio vandenį, įsisukę giliai į kailinius ir storom vinonėm pirštinėm; jie tempia gyvuliams į tvartus pakratus ir slidinėja aplink sušalusį, ledinį šulinį, ir moterys su glėbiu malkų ar pieno kibiru praskubina per kiemą – ar mergiščios, išbėgusios ir vienplaukės, papylusios į sniegą krūvą šiukšlių ar kibirą skaisčių ir mėlynų dažų.

Tik nosim kyšančiom iš po kepurių ir įsivynioję giliai į kailinius bernai prie daržinės kapoja malkas – ar, užrėmę pagaliu duris, klojimuos braukia jie linus, klausydamies, kaip užu sienos ūžia vėjas ir kaip pro pavartę, pro užremtas duris neša sušalusio ir balto sniego šiustus; klausydamiesi, kaip pagegniuos, kaip žabų krūvose ir daržinių pastogėse sušalę ir snieguoti čirška žvirbliai.

Tada ateina pūgos, ir vėjas, dienom naktim lėkdamas per laukus, apverčia pusnimis daržus, kelius ir trobas, ir ūkininkai nebesuspėja atsikast takų, ir speigas degina ir svilina vis veidus, ir vėjas lekia vis skersai laukų, nešdamas ir gindamas vis sniegą.

Susėdę kambariuose, pindami krepšius ir vydami galvijams pančius, vyrai žiopso į neatsitraukiančias nuo staklių moteris, ar seserį, kaip virbalais, kaip tankiai ir vikriai vis judindama pirštus, ji mezga dideles, spalvotas savo gėles, ir pasakojasi, ar klausosi, kaip brolis garsiai skaito laikraštį ar iš mokyklos parsineštą knygą – apie Guliverą, pririštą ir supančiotą nykštukų, apie paklydusį sniegynuos Nonį, ir mažąją Dorytę, verkiančią ir vieną, – už lango vis besiautojant vėjui ir nešant sniegą, girgždant kieme svirčiai.

Ir broliai, paėmę ant pečių krepšius ir kirviais rankose – eina sušalusia upe, kapoja užšalusius per naktį perkalus, kratydami ant sniego blizgančias ir šokančias žuvis, žiūrėdami, kaip tiesiai, lyg į dangų, keliasi viensėdžių dūmai, kaip nejudėdami, sustoję stovi pakelėj beržai – kaip vienišas, skubėdamas, pračiuožia vieškeliu vežimas, kaip girgžda sniegas.

INVIERNO Cuando la nieve cubre las casas, cubre los campos, Los pastos, el valle del río y las trampas para peces.

El frío se instala. Y al picar sopla el viento Conduce la nieve seca y fría a través del campo.

Habiendo cavado un camino a los establos, Los hombres arrastran agua del pozo nevado e Incrustado de hielo, Envuelto en abrigos de pieles Y gruesos guantes de lana, arrastran paja en el establo Para el ganado.

Y deslizarse por el pozo helado y helado, Mujeres con un brazo lleno de leña o un cubo de leche Apresúrate a cruzar el patio... y las chicas Corriendo con la cabeza descubierta, Tirar basura en la nieve o un cubo lleno de tinte azul claro.

Con sólo sus narices saliendo de debajo de las gorras Envuelto en abrigos de pieles Los hombres cortan leña en el granero.

O dentro del granero, detrás de puertas cerradas y sostenidas con un palo, espantan el lino, Escuchando el viento aullando fuera de las paredes.

Y viendo cómo a través de un hueco debajo de la Puerta apuntalada barre en puñados de nieve blanca Congelada, y escuchan cómo en las vigas, en los Montones de matorrales, y en los aleros del granero.

Congelados y cubiertos de polvo de nieve gorjean los gorriones.

Y luego vienen las ventiscas, y el viento corre día y noche a Través de los campos enterrando a la deriva los jardines, Caminos y casas, y los granjeros no pueden seguir el ritmo De la excavación de caminos, y el frío quema y canta a la cara, Y el viento sigue soplando a través de los campos Arremolinándose y conduciendo la nieve.

Sentado dentro de la casa, tejiendo cestas O haciendo amarres de cuerda para el ganado, los hombres Observan las mujeres ocupadas tejiendo en el telar o la Hermana con agujas de tejer.

Lo rápido y rápido que se mueven sus dedos tejiendo grandes y coloridas flores; hablan o escuchan al hermano Leyendo en voz alta del periódico o de un libro que trajeron de la escuela.

Sobre Gulliver atado y atado por Liliputienses, sobre el Nonni Perdido en los ventisqueros o el pequeño Dorrit llorando y solo.

Fuera de la ventana, el viento sigue soplando y sopla la nieve...

Los barridos crujen en el patio.

Y los hermanos con cestas en los hombros y las hachas en Las manos caminan sobre el río congelado, y abrir los agujeros De pesca congelados en la noche.

Para sacudir en la nieve a los brillantes peces saltarines Y ver cómo la estabilidad, como si fuera al cielo, se eleva El humo de las granjas, cómo se mantendrá Los abedules del borde del camino... como un solitario El trineo se desliza apresuradamente por el camino, Cómo cruje la nieve.

Jonas Mekas.

Nocturno a Rosario I ¡Pues bien!, yo necesito decirte que te adoro, decirte que te quiero con todo el corazón; que es mucho lo que sufro, que es mucho lo que lloro, que ya no puedo tanto, y al grito que te imploro te imploro y te hablo en nombre de mi última ilusión.

II Yo quiero que tú sepas que ya hace muchos días estoy enfermo y pálido de tanto no dormir; que ya se han muerto todas las esperanzas mías, que están mis noches negras, tan negras y sombrías, que ya no sé ni dónde se alzaba en porvenir.

III De noche cuando pongo mis sienes en la almohada, y hacia otro mundo quiero mi espíritu volver, camino mucho, mucho y al fin de la jornada las formas de mi madre se pierden en la nada, y tú de nuevo vuelves en mi alma a aparecer.

IV Comprendo que tus besos jamás han de ser míos; comprendo que en tus ojos no me he de ver jamás; y te amo, y en mis locos y ardientes desvaríos bendigo tus desdenes, adoro tus desvíos, y en vez de amarte menos te quiero mucho más.

V A veces pienso en darte mi eterna despedida, borrarte en mis recuerdos y huir de esta pasión; más si es en vano todo y mi alma no te olvida, ¿qué quieres tú que yo haga pedazo de mi vida? ¿Qué quieres tú que yo haga con este corazón?

VI Y luego que ya estaba concluido el santuario, la lámpara encendida tu velo en el altar, el sol de la mañana detrás del campanario, chispeando las antorchas, humeando el incensario, y abierta allá a lo lejos la puerta del hogar...

VII ¡Que hermoso hubiera sido vivir bajo aquel techo.

Los dos unidos siempre y amándonos los dos; tú siempre enamorada, yo siempre satisfecho, los dos, un alma sola, los dos, un solo pecho, y en medio de nosotros mi madre como un Dios!

VIII ¡Figúrate qué hermosas las horas de la vida! ¡Qué dulce y bello el viaje por una tierra así!

Y yo soñaba en eso, mi santa prometida, y al delirar en eso con alma estremecida, pensaba yo en ser bueno por ti, no más por ti.

IX Bien sabe Dios que ese era mi más hermoso sueño, mi afán y mi esperanza, mi dicha y mí placer; ¡bien sabe Dios que en nada cifraba yo mi empeño, sino en amarte mucho en el hogar risueño que me envolvió en sus besos cuando me vio nacer!

X Esa era mi esperanza...

Mas ya que a sus fulgores se opone el hondo abismo que existe entre los dos, ¡adiós por la última vez, amor de mis amores; la luz de mis tinieblas, la esencia de mis flores, mi lira de poeta, mi juventud, adiós!

Manuel Acuña

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