Revista pisteyo 2

Revista Semetral Num 2 Año 1 Junio 2014

Sugerencias Literarias Citas Recordando...

Salud Artes Visuales Música Cartón Pistis Cine / Tv Política

RP es una revista literaria, editada y amparada por Ediciones Tecnológicas. El propósito de la revista es hacer en cada número un objeto de interés cultural, y que resulte una experiencia cultivable.

Apuntalada con notas, observaciones e Imágenes, aumentando el apego y torneando sus temas.

En esta revista incluye trabajos literarios distinguidos por sus valores culturales, e inéditos, así como temas creativos con las más diversas extensiones inverosímiles del ingenio humano. En su contenido encontraras temas: Literarios, cine, TV, música, Fotografía, pintura, muralismo, arte urbano, arquitectura, dibujo, crítica, opiniones, salud, política, etc.

Valiéndonos de cualquier recurso cultural en busca de una sociedad libre y preparada.

Ediciones Tecnológicas Reviasta Pisteyo: Es una publicación Semestral Editor: Alfonso Gómez Herrera Redacción: Socióloga E: Mariana G. Míreles.

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REVISTA PISTEYO Año 1, No. 2, Junio 2014, es una Publicación semestral editada por Alfonso Gómez Herrera.

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Los grandes capitalistas ha buscado la forma de que entremos en su juego de consumismo, con enormes inversiones, los estereotipo nos establecen que es “chic”, y que no, con un desodorante conseguiremos ser sexis y atractivos, etc. Todo esto valiéndose de cualquier recurso audio-visual (en anuncios).

Lo peor de esto; caemos en su juego, no es tan malo el consumo ya que todo forma parte de la organización de merca-do (son nuestros trabajos) pero… el método es lo cuestionable, con engaños,... los productos malos que los disfrazan de buenos, útiles e indispensables.

El mayor recusro (humano y financiero) en publicidad usados son para que consumamos sus productos o mercan-cías (diría Marx) que son las más perjudiciales para las poblaciones en razón salud.

Valiéndose de ideas consumistas, hagamos lo mismo pero con la cultura y cuestionamientos sociales, políticos y de consumo, hemos asentado en RP la utilización cualquier recurso para interesar a todas las personas en el arte, lectura etc. y todo lo que engloba la llamada cultura.

Difícil definición, diría Carlos Monsiváis: cultura es el piso por donde pasamos.

No vamos a descubrir el hilo negro (ya lo descubrieron) somos una gota de la llovizna de cultura, pero al fin una gota.

La indiferencia, es de las cosas más difíciles de desterrar, cuando lo conseguimos será un mundo donde hay mucho que hacer y vivir. No significa cambiar, sino integrar, el secreto de la vida es el amor y la felicidad, únicamente.

Cuando los países se desmoronan y se caen lo único que queda de ellos es la cultura, por eso es tan importante. Un país sin cultura va a la desaparición. Creo que hay que dedicar un capital a la cultura, crear productos útiles para el ser humano, tanto para su consumo como para su conciencia.

Alejandro Jodorowsky

¡No seas indiferente!

SOLIDARIDAD... Cuando dos o más personas se unen y colaboran mutuamente para conseguir un fin común

IN DI CE ICONOGRAFIA

Andy Warhol La gente debe enamorarse con los ojos cerrados. Sรณlo cierra los ojos. No veas, y serรก mรกgico

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CITAS CELEBRES

ESPACIO LITERARIO

73 81 8 d uel 8 e Re Man ndo u Lo ictor Orla V ny To

PISTIS CARTON

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SALUD

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POLITICA

MADIVA EN PORTADA

OCTAVIO PAZ

43 94 28 30

51 6

9 Arthur Rimbaud

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La Naranja Mecanica

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EN PORTADA

La Cuadratura del Círculo

E

El Hombre de Vitrubio de Leonardo

l Hombre de Vitruvio dibujo realizado por Leonardo da Vinci alrededor del año 1492. El dibujo está realizado en lápiz y tinta y mide 34,2 x 24,5 cm. Forma parte de la colección de la Galería de la Academia de Venecia.

Tratado de un estudio en las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos del arquitecto romano Vitruvio titulados -Vitruvii De Architectura-, de ahí su nombre.

Leonardo se representa a sí mismo desnudo y en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrito en un círculo y un cuadrado.

Las notas de Leonardo da Vinci que acompañan el dibujo determinan las proporciones del cuerpo humano de acuerdo con el texto antiguo de Vitruvio: -Una palma es la anchura de cuatro dedos.

-Un pie es la anchura de cuatro palmas.

-Un antebrazo es la anchura de seis palmas.

-La altura de un hombre son cuatro antebrazos (24 palmas).

-Un paso es igual a cuatro antebrazos.

-La longitud de los brazos extendidos de un hombre es igual a su altura.

-La distancia entre el nacimiento del pelo y la barbilla es un décimo de la altura de un hombre.

-La altura de la cabeza hasta la barbilla es un octavo de la altura de un hombre.

-La distancia entre el nacimiento del pelo a la parte superior del pecho es un séptimo de la altura de un hombre.

-La altura de la cabeza hasta el final de las costillas es un cuarto de la altura de un hombre.

-La anchura máxima de los hombros es un cuarto de la altura de un hombre.

-La distancia del codo al extremo de la mano es un quinto de la altura de un hombre.

-La distancia del codo a la axila es un octavo de la altura de un hombre.

-La longitud de la mano es un décimo de la altura de un hombre.

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-La distancia de la barbilla a la nariz es un tercio de la longitud de la cara. -La distancia entre el nacimiento del pelo y las cejas es un tercio de la longitud de la cara.

-La altura de la oreja es un tercio de la longitud de la cara.

La propuesta más convincente es que el círculo visible de Leonardo corta al lado del cuadrado del tal forma que el segmento R = distancia del punto tangente inferior al corte del lado es el radio de un círculo (oculto en el dibujo de Leonardo) de igual área que el cuadrado.

Leonardo como fiel seguidor de Platón estaba muy interesado en presentar sus obras de acuerdo con los esquemas de los escritos de Platón que adoptaban la forma de diálogos y que a través de los cuales se exponían, se discutían y se criticaban ideas filosóficas en el contexto de una conversación o un debate en el que participaban dos o más interlocutores.

En los diálogos de Platón el observador empieza a hacerse preguntas, y con ellas se hace patente que lo que se da por sabido no es lo que parece.

Leonardo tuvo acceso a escritos que guardaban secretos y conocimientos de la antigüedad y conocía el peligro que tenía revelar alguno de los secretos a los que él tuvo acceso, por ello muchas de sus anotaciones particulares, y algunas de sus obras públicas, están realizadas en una clave secreta que permite ocultar a la vista general la información que el artista plasma para un futuro lector, y que con la clave indicada, podrá descifrar en su momento.

Leonardo muestra a través de sus dibujos su maestría en la composición, claridad de expresión y fundamentalmente, un profundo conocimiento de la antigüedad romana, sus investigaciones sobre los textos de Vitruvio y la geometría permite asegurar que tenía un intenso conocimiento sobre la ciencia antigua y sus enseñanzas.

Y es en la ciencia de la arquitectura donde se guarda el saber de la antigüedad. Desglosar el saber y conocimiento que Leonardo atesoraba a través de los textos de Vitruvio no tiene por qué parecer forzado, muy al contrario, Leonardo se identifica de manera completa con el arquitecto romano, y con toda seguridad fue entendedor de todas las enseñanzas de su lejano maestro en el tiempo.

La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos; exactamente su anchura mide lo mismo que su altura, como los cuadrados que trazamos con la escuadra.

El texto original de Vitruvio y que inspiró a Leonardo el dibujo donde se representa a sí mismo dentro de un círculo y un cuadrado nos remite directamente a que él creía haber alcanzado el secreto de la “cuadratura del círculo”.

Por tanto, si la naturaleza ha formado el cuerpo humano de modo que sus miembros guardan una exacta proporción respecto a todo el cuerpo, los antiguos fijaron también esta relación en la realización completa de sus obras, donde cada una de sus partes guarda una exacta y puntual proporción respecto a la forma total de su obra.

Dice Vitruvio en su libro tercero cuando trata del origen de las medidas de los templos: Es imposible que un templo posea una correcta disposición si carece de simetría y de proporción, como sucede con los miembros o partes del cuerpo de un hombre bien formado.

El cuerpo humano lo formo la naturaleza de tal manera que el rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mida una décima parte de su altura total. La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo; la cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide una octava parte de todo el cuerpo; una sexta parte mide desde el esternón hasta las raíces del pelo y desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte.

Desde el mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte y desde las cejas hasta las raíces del pelo, la frente mide igualmente otra tercera parte. Si nos referíos al pie, equivale a una sexta parte de la altura del cuerpo; el codo, una cuarta parte, y el pecho equivale igualmente a una cuarta parte.

Los restantes miembros guardan también una proporción de simetría, de la que se sirvieron los antiguos pintores y escultores famosos, alcanzando una extraordinaria consideración y fama. Exactamente de igual manera, las partes de los templos deben guardar una proporción de simetría perfectamente apropiada de cada una de ellas respecto al conjunto total en su completa dimensión.

El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano.

En efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con sus manos y sus pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.

Dejaron constancia de la proporción de las medidas en todas sus obras, pero sobre todo las tuvieron en cuenta en la construcción de los templos de los dioses, que son un claro reflejo para la posteridad de sus aciertos y logros, como también de sus descuidos y negligencias.

-Vitruvii De Architectura, Libro Tercero-Capítulo ILA PROPORCION AUREA El hombre de Vitruvio dibujado por Leonardo no describe la llamada “proporción áurea”.

Leonardo dibuja de manera “discreta” la proporción relatada por Vitruvio: “Si nos referidos al pie, equivale a una sexta parte de la altura del cuerpo; el codo una cuarta parte”.

Según Vitruvio la altura de un hombre es de cuatro codos o seis pies.

Un codo = 0,444 m.

Un pie = 0,296 m.

La altura del hombre de Vitruvio = 1,776 m.

El dibujo de Leonardo está realizado dentro de un círculo de cinco codos y modulado en un cuadrado (implícito pero oculto) de 10x10 de 1/2codo de módulo. (Se pueden observar líneas auxiliares de esta modulación sobre las partes del cuerpo).

El cuadrado visible del dibujo de Leonardo tiene un lado de cuatro codos.

La relación entre el diámetro del círculo y el lado del cuadrado visibles en el dibujo de Leonardo es de 5/4 = 1,25.

Nada que ver con la “proporción áurea”.

Análisis en función del valor de Pi según el papiro egipcio de Ahmes: 7

El primer valor de Pi del que Vitruvio debía tener conocimiento es el que se encuentra establecido por la geometría egipcia, contenido en el papiro de Ahmes, escriba-geómetra autor del mismo en fecha 1650 antes de Cristo. También se le conoce como Papiro de Rhind (denominado así por su descubridor). En este papiro se analiza la resolución de varios problemas geométricos y matemáticos y, entre ellos, se analiza el cálculo del área de un círculo de diámetro 9 por igualación con el área del cuadrado de lado 8.

Se trata de una primera aproximación a la famosa cuadratura del círculo, ya que según Ahmes tienen igual área el cuadrado de lado “L” y la circunferencia de diámetro “8L/9”. Es decir, según este papiro, al considerar como igual el área del cuadrado de 8 x 8 = 64 y la del círculo de radio 4,5, se puede deducir un valor de Pi = (16/9)2. En este caso el área del círculo vale igualmente A = (16/9)2 x 4,5 x 4,5 = 64. Por tanto Pi = (1.77777777...)2 = 3.1604935...

Valor que difiere del actual pero que en su día debió representar un gran avance técnico para el cálculo de áreas circularer.

Marco Vitruvio Polión (en latín Marcus Vitruvius Pollio) fue un arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano del siglo I a. C. Es frecuente, aunque inadecuado, encontrar su nombre escrito como Vitrubio.

Fue arquitecto de Julio César durante su juventud, y al retirarse del servicio entró en la arquitectura civil, siendo de este periodo su única obra conocida, la basílica de Fanum (en Italia). Es el autor del tratado sobre arquitectura más antiguo que se conserva y el único de la Antigüedad clásica, De Architectura, en 10 libros (probablemente escrito entre los años 27 y 23 a. C.). Inspirada en teóricos helenísticos -se refiere expresamente a inventos del gran Ctesibio-, la obra trata sobre órdenes, materiales, técnicas decorativas, construcción, tipos de edificios, hidráulica, colores, mecánica y gnomónica (Libro IX).

El último libro está dedicado a las máquinas: de tracción, elevadoras de agua y todo tipo de artefactos bélicos (catapul-

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tas, ballestas, tortugas, etc.). Vitruvio describió muy bien la rueda hidráulica en el cap. X.5. La rueda de Vitruvio era vertical y el agua la empujaba por abajo; unos engranajes tenían la finalidad de cambiar la dirección del giro y aumentar la velocidad de las muelas; se calcula que con la energía producida por una de estas ruedas se podían moler 150 kg de trigo por hora, mientras que dos esclavos solo molían 7 kg.

De Architectura, conocido y empleado en la Edad Media, se imprimió por primera vez en Roma, edición del humanista y gramático Fray Giovanni

Sulpicio de Veroli, en 1486, ofreciendo al artista del Renacimiento, imbuido de la admiración por las virtudes de la cultura clásica tan propio de la época, un canal privilegiado mediante el que reproducir las formas arquitectónicas de la antigüedad greco-latina. Posteriormente, se publicó en la mayor parte de los países y todavía hoy constituye una fuente documental insustituible, también por las informaciones que aporta sobre la pintura y la escultura griegas y romanas. El famoso dibujo de Leonardo da Vinci, el Hombre de Vitruvio, sobre las proporciones del hombre está basado en las indicaciones dadas en esta obra. El dibujo se conserva ahora en la Galleria dell’Accademia, en Venecia. El gran redescubierto de Vitruvio fue Petrarca, y tras la difusión por el florentino de la obra de este autor clásico, se puede afirmar que Vitruvio sentó las bases de la arquitectura Renacentista.

Las imágenes que ilustran la obra de Vitruvio, en sus ediciones hasta el siglo XVIII, no sólo aclaran y embellecen el tratado grecorromano, sino que son expresión de distintas intenciones y usos que ese libro ha tenido en la modernidad europea.

Obra Literaria

Por

Desideré

tu clara sombra (1937), y conoció a los intelectuales de la República Española y al poeta chileno Pablo Neruda.

Nació el 31 de marzo de 1914 en Mixcoac (México) cuando el país se encuentra en lucha revolucionaria. Su padre, al igual que su abuelo escribía, además de dedicarse al periodismo y a la política. Estas influencias hicieron que se volcara a la política además de la escritura.

Cuando cuenta 17 años funda la revista Barandal. En 1933 apareció su primer libro, que también se llamaba Barandal y fundó Cuadernos del Valle de México. Conoció a los poetas T. S. Eliot y Paul Valéry.

En 1937 se trasladó a Yucatán para impartir clases en el campo, y algún tiempo después se casó con Elena Garro, con quien asistió ese mismo año al Congreso de Escritores Antifascistas en Valencia (España). Allí se publicó Bajo 10

Al regresar a su país se acercó a Jorge Cuesta y Xavier Villaurrutia y publicó ¡No pasarán! y Raíz de hombre. Con Efraín Huerta y Rafael Solana, entre otros, fundó, en 1938, la revista Taller, en la que participaron los escritores españoles de su generación exiliados en México. En 1939 apareció A la orilla del mundo y Noche de resurrecciones. En 1942, a instancias de José Bergamín, dio una conferencia, “Poesía de soledad, poesía de comunión”, en la que establecía su diferencia con la generación anterior, y trataba de conciliar en una sola voz las poéticas de Xavier Villaurrutia y Pablo Neruda.

En 1944 con la beca Guggenheim permaneció durante un año en Estados Unidos. En 1945 entró al Servicio Exterior Mexicano y fue trasladado a París. A través del poeta surrealista Benjamín Péret conoció a André Breton, además se relaciona con Albert Camus y

otros intelectuales europeos e hispanoamericanos del París de la posguerra. Esta estancia definirá con precisión sus posiciones culturales y políticas; se alejó del marxismo y se acercó al surrealismo, empezando a interesarse por los temas más diversos.

Durante la década de 1950 publicó cuatro libros fundamentales: El laberinto de la soledad (1950) retrato personal en el espejo de la sociedad mexicana; El arco y la lira (1956), su esfuerzo más riguroso por elaborar una poética; ¿Águila o sol?, libro de prosa de influencia surrealista; y Libertad bajo palabra.

En 1951 viajó a la India y en 1952 a Japón, sitios de los que recibió una gran influencia. Regresó a México en 1953 donde hasta 1959 desarrolló una intensa labor literaria. En 1960 volvió a París y en 1962 a la India, como funcionario de la embajada de México. Conoció a Marie José Tramini, con la que contrajo matrimonio en 1964.

Publicó los libros de poemas Salamandra (1961), anterior a su viaje a la India, y Ladera este, que reco-

ge su producción en ese país, y que incluye su segundo poema largo, Blanco.

En 1963 le otorgaron el Gran Premio Internacional de Poesía. Publicó los libros de ensayo Cuadrivio en 1965, cuatro ensayos sobre Luis Cernuda, Fernando Pessoa, Ramón López Velarde y Rubén Darío; Puertas al campo en 1966 y Corriente alterna, en 1967. En 1968 dimitió de su puesto de embajador en la India debido a los asesinatos cometidos por el Gobierno de México, el 2 de octubre de ese año, cuando cargó el Ejército contra manifestantes universitarios, y en 1971 fundó en su país la revista Plural, en la que colaboraron algunos de los escritores más importantes de la generación posterior.

Ese año publicó El mono gramático, poema en prosa en el que se funden reflexiones filosóficas, poéticas y amorosas, y en 1974 Los hijos del limo, recapitulación de la poesía moderna; en 1975, Pasado en claro, otro de sus grandes poemas largos, recogido al año siguiente en Vuelta, libro con el que obtuvo el Premio de la Crítica en España.

En 1977 dejó Plural e inició la revista Vuelta de la que fue director.

El ogro filantrópico, continuación de sus reflexiones políticas, se publica en 1979, y en 1981 logró el Premio Cervantes. En 1982 se editó Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe, retrato de la monja mexicana y la sociedad mexicana del siglo XVII; en 1987, Árbol adentro, último volumen de

poesía.

En 1990 ganó el Premio Nobel de Literatura, y publicó La otra voz y Poesía de fin de siglo. En 1993, La llama doble y Amor y erotismo, y en 1995 Vislumbres de la India.

Octavio Paz falleció el 19 de abril de 1998 víctima de un cáncer, en la misma ciudad que lo vio nacer.

Comentarios: Notable figura por su obra, rica y diver-

sa, además le agregamos su diligencia intelectual. De la poesía lírica es uno de los trascendentales poetas latinoamericanos, donde su producción es para dar a comentar invariablemente, Paz se autodefinía como poeta, siendo su vertiente de gran apego y por consiguiente también en abundancia-.

«Por una apasionada escritura con amplios horizontes, caracterizada por la inteligencia sensorial y la integridad humanística» The Nobel Prize in Literature 1990 Octavio Paz

Sus aportes no radican únicamente en la distintiva de su prosa, también en sus ensayos de gran ori ginalidad en sus ideas donde fue capaz de hacer concurrir una amplia variedad de ámbitos de conocimiento en los que se desenvuelve con envidiable potestad y soltura.

Ensayística de ciertos literatos, cuyo don principal consiste en la admirable ornamentación de lugares comunes.

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Una gran parte de la obra de Paz va en elucidación de discusiones políticas de trascendencia del país y la humanidad contemporánea, algo discutido en Paz es su pensamiento a favor de los movimientos revolucionarios izquierdistas desde su juventud, - Paz tuvo una resuelta participación, pero fallida, en pro de la república española- No faltando los inermes de acusarlo de reaccionario. Uno de sus esenciales méritos es emplear un singular talento literario para contribuir a esclarecer los problemas más urgentes de la existencia humana en su compleja diversidad.

Y además asegurar al intelectual una posición independiente y crítica frente a los poderes establecidos.

Sobre su vida: 1.- Octavio Paz nació el 31 de marzo de 1914 en la ciudad de México. Fue nieto del escritor Ireneo Paz y a temprana edad se inclinó por el estudio literario. De acuerdo con su perfil publicado en el portal de Internet “biografiasyvidas.com”, en 1936 viajó a España para combatir en el bando rep ublicano en la Guerra Civil, y participó en la Alianza de Intelectuales Antifascistas.

2.- Estudió en las facultades de Leyes y Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y amplió sus estudios en Esta dos Unidos. Tras concluir la Segunda Guerra Mundial (1939-45), recibió una beca de la fundación Guggenheim y posteriormente ingresó al Servicio Exterior mexicano.

3.- Su carrera como escritor y periodista tuvo un desarrollo paulatino, y fue en la revista “Barandal”, donde incluyó uno de sus primeros poemas.

El título “Luna silvestre” fue el primer volumen que publicó, cita el portal web “colegionacional.org.mx”. Al lado de otros connotados poetas de la época, fundó la revista “Taller” y después, ya adentrado en el ámbito literario, publicó sus obras “Entre la piedra y la flor” y “A la orilla del mundo”.

4.- Durante su estancia en París, Francia, conoció al poeta, ensayista y teórico del Surrealismo André Breton e intensificó su relación con el poeta Benjamín Péret. En 1955, formó un grupo poético llamado “Poesía en Voz Alta”, al tiempo que comenzó a colaborar con la “Revista Mexicana de Lite ratura” y “El corno emplumado”. A través de las publicaciones de aquella época, defendió las posiciones experimentales del arte contemporáneo.

5.- En 1962 fue nombrado embajador de México en la India, actividad diplomática que dio por terminada en 1968, cuando protestó en contra la política del gobierno mexicano.

6.- Su obra poética está compuesta por 15 títulos, entre ellos, “Luna silvestre” (1933), “Entre la piedra y la flor” (1941), “Libertad bajo palabra” (1949), “Águila o sol” (1951), “Salamandra” (1962), “Ladera este” (1969), “Topoemas” (1971) y “Árbol de adentro” (1987).

7.- En prosa destacan “El laberinto de la soledad” (1950), “El arco y la lira” (1959), “El mono gramático (1974), “Los hijos del limo” (1974), “Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe” (1982), “Tiempo nublado” (1983) y “Hombres de su siglo” (1984).

8.- A lo largo de su trayectoria fue merecedor de numerosos premios y distinciones, entre ellos el Premio Cervantes (España), el Premio Ollin Yoliztli (México) y el Premio T. S. Eliot (EUA).

9.- Paz fue el primer poeta e intelectual mexicano en ser reconocido con el Premio Nobel de Literatura en 1990, año en el que organizó una mesa redonda con intelectuales de todo el mundo. Éstas fueron transmitidas por televisión privada.

10.- El escritor murió el 19 de abril de 1998 en la ciudad de México.

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era r u b c om sólo che S ra lo, un y no o a l C o so mado ue n u t o rp na j ra sq Ba un cue día der abello acto; u l po, como unos c e mi t como e e r e cu erpo z de bra d nece nte d n U n cu la lu a som ama la fre po u orada; unca l tre que o toca dev uan n n vien cuand billos… cig ta, u ende os to a p a rgan enci ; un ga ue se urora q la a mar El laberinto de la soledad

Algo Sobre su Obra:

A los diecisiete años publica sus primeros poemas en la revista Barandal (1931). Posteriormente dirige las revistas Taller (1939) e Hijo pródigo (1943). En un viaje a España contacta con intelectuales de la república española y con Pablo Neruda, contactos que le influencian fuertemente en su poética.

Después de publicar Luna Silvestre (1933) y el poemario dedicado a la guerra civil española ¡No pasarán! (1936), edita Raíz del hombre (1937), Bajo tu clara sombra (1937), Entre la piedra y la flor (1941) y A la orilla del mundo (1942).

En 1944, con una beca Guggenheim, pasa un año en Estados Unidos. En 1945 entra en el Servicio Exterior Mexicano y es enviado a París. Durante este periodo se aleja del marxismo al entrar en contacto

con los poetas surrealistas y otros intelectuales europeos e hispanoamericanos.

Llegando a la década de 1950 publica cuatro libros fundamentales: Libertad bajo palabra (1949), El laberinto de la soledad (1950), retrato de la sociedad mexicana, ¿Águila o sol? (1951), libro de prosa de influencia surrealista, y El arco y la lira (1956).

Su obra, extensa y variada, se completa con numerosos poemarios y libros ensayísticos, entre los cuales cabe citar Cuadrivio (1965), Ladera este (1968), Toponemas (1969), Discos visuales (1969), El signo y el garabato (1973), Mono gramático (1974), Pasado en claro (1975), Sombras de obras (1983) y La llama doble (1993).

Ensayo que profundiza en el análisis de las raíces que dan forma a la identidad mexicana. Octavio Paz describe a los hijos de la Malinche, al pachuco, a la colección de máscaras mexicanas que enseñan a llorar riendo, a las festividades religiosas que ocultan la triste y cruel realidad de México.

Para Paz, el mexicano es un ser que está a la defensiva porque su historia está cargada de traiciones, de engaños y de abusos. “El laberinto de la soledad” es un ensayo sobre la formación del pensamiento mexicano, lectura obligada para entender la realidad del país.

En 1981 es galardonado con el Premio Cervantes. En 1999 aparecen, póstumamente, Figuras y figuraciones y Memorias y palabras, epistolario entre Octavio Paz y Pere Gimferrer entre los años 1966 y 1997.

Algunos de sus libros: 13

Los hijos del Limo Ensayo dedicado a tratar de contestar la pregunta “¿cómo se comunican los poemas?”. Para Octavio Paz el poema produce anti-historia porque existe una contradicción entre la historia y la poesía.

nunció a colaborar con ese régimen hipócrita y deshonesto.

Libertad bajo palabra Poemario imprescindible para conocer la obra de este genial autor mexicano. “Libertad bajo palabra” está dividido en las siguientes secciones: Bajo tu clara sombra, Calamidades y milagros, Semillas para un himno, ¿Águila o sol? y La estación violeta. Esta obra es un canto a la mujer, al amor, a la muerte, al erotismo, a la solidaridad y a la vida.

En este libro podrás encontrar las reflexiones y análisis del gran poeta acerca del origen de la poesía moderna, la Ilustración, el romanticismo, entre otras cuestiones vinculadas con el quehacer poético.

Conjunciones y disyunciones

El ogro filantrópico ¿Qué es “El ogro filantrópico”?

Es el Estado mexicano que oculta sus verdaderos intereses bajo un manto de filantropía, de preocupación por mejorar las condiciones de vida del pueblo de México.

Este ogro es mezquino y devora a su gente para mantener contentos a los pocos privilegiados que son dueños del país.

Este ensayo expresa las preocupaciones políticas que Octavio Paz vivió de lejo, como la matanza de 1968 y las represiones a los estudiantes que querían mejorar a la sociedad mexicana. Consecuente con sus palabras, Octavio Paz re14

Ensayo que habla sobre similitudes y diferencias entre oriente y occidente. En este libro podrás encontrar teorías sobre el comportamiento religioso, social y sexual entre estas culturas tan distantes y cercanas.

No es un libro de lectura fácil porque habla de signos y símbolos lingüísticos, de un meta lenguaje distinto en cada cultura que le dan sentido a conceptos abstractos sólo comprensibles para el pueblo en cuestión. Oriente y occidente entienden a Dios, al cuerpo y al espíritu de manera distinta y, algunas veces, hasta de forma contraria.

Salamandra.

“Salamandra” es un libro de poesías publicado en 1962 e integrado por textos surrealistas que expresan la irrealidad de la realidad a través de interesantes juegos de palabras.

Este libro es lectura recomendada para el apasionado de la literatura, de la descripción y el lirismo. Las imágenes construidas con bloques de palabras que permutan su significado provocan un goce estético para el lector apasionado.

Resumen Un virrey y arzobispo toman sus puestos en México. Una monja locales, Sor Juana Inés de la Cruz (1651-1695), les intriga. El virrey y su esposa encuentran su brillante y fascinante.

El prelado en un símbolo de la laxitud Europea declara.

Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe.

Biografía de la monja que dedicó su vida a las letras y el arte. Octavio Paz escribe este texto con la libertad literaria que otorga el ensayo por lo cual no sigue los términos estrictos de un texto biográfico.

El autor revela la vida de Sor Juana a través de su rasgo intelectual, de su búsqueda permanente de ejercer la práctica del pensamiento en una época donde las mujeres tenían prohibido pensar.

Llevada al cine: Película Inspirada en el ensayo Las trampas de la fe, de Octavio Paz, esta historia narra los últimos años de la célebre y bellísima Juana Inés de la Cruz, Yo, la peor de todas es una película argentina de 1990, dirigida por María Luisa Bemberg y protagonizada por Assumpta Serna, Dominique Sanda, Hector Alterio, Lautaro Murua, Graciela Araujo, Alberto Segado, Gerardo Romano, Franklin Caicedo y Hugo Soto.

Se estrenó el 9 de agosto de 1990.

Él ingenieros de la elección de una nueva abadesa, severa y ascética.

La virreina visita Sor Juana a menudo y la inspira a escribir poesía apasionada que el arzobispo considera escandaloso.

El virrey la protege. Después de que se sustituye y regresa a España con su esposa, Sor Juana se enfrenta a la envidia y la venganza. Un obispo le traiciona, su confesor le humilla. Plaga, un tribunal, y su confesión como “el peor de todos” terminan la vida del gran poeta.

Paz con Borges

FRASES

Las masas humanas más peligrosas son aquellas en cuyas venas ha sido inyectado el veneno del miedo.... del miedo al cambio El amor nace de un flechazo; la amistad del intercambio frecuente y prolongado.

Erotismo y poesía: el primero es una metáfora de la sexualidad, la segunda una erotización del lenguaje.

Cada poema es único. En cada obra late, con mayor o menor grado, toda la poesía. Cada lector busca algo en el poema. Y no es insólito que lo encuentre: Ya lo llevaba dentro.

La arquitectura es el testigo menos sobornable de la historia.

Premios y distinciones Premio Xavier Villaurrutia 1957 por El arco y la lira Miembro de El Colegio Nacional a partir del 1 de agosto de 1967 Premio Nacional de Ciencias y Artes en Lingüística y Literatura 1977 Premio Jerusalem 1977 Doctorado Honoris Causa por la Universidad Nacional Autónoma de México 1978 Premio Ollin Yoliztli 1980 Doctorado Honoris Causa por la Universidad de Harvard 1980 Premio Cervantes 1981 Premio Internacional Neustadt de Literatura 1982 Premio de la Paz del Comercio Librero Alemán 1984 Premio Internacional Alfonso Reyes 1985 Premio Mazatlán de Literatura 1985 por Hombres en su siglo Premio Internacional Menéndez Pelayo 1987 Premio Nobel de Literatura 1990 Gran Oficial de la Orden al Mérito de la República Italiana 1991 Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 1993 a su revista Vuelta Miembro honorario de la Academia Mexicana de la Lengua a partir del 26 de agosto de 1997 Premio Nacional de Periodismo de México 1998 en reconocimiento a su trayectoria

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Por @gh

No somos especiales en ningún sentido. “No existe nada intrínsecamente esencial a la tierra y por ende a la raza humana.

Nuestro lugar y estado terrestre es mediocre y como resultado no debemos asumir que somos de una u otra forma privilegiados”

“Los grandes espíritus siempre han encontrado una violenta oposición de parte de mentes mediocres”

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E

l principio de mediocridad es la noción, en filosofía de la ciencia, de que no existen observadores privilegiados para un fenómeno dado. El principio de mediocridad tiene aplicaciones en diversas disciplinas científicas:

•En astronomía, el principio afirma que no existe nada intrínsecamente especial acerca de la Tierra, y por ende, tampoco de la raza humana. En consecuencia, el principio de mediocridad predice que la vida extraterrestre debe ser relativamente común en el universo, porque las condiciones que han originado la aparición de la vida y de la inteligencia en nuestro planeta deben darse también en un gran número de otros planetas.

•En las ciencias sociales, el principio de mediocridad afirma que no existe nada intrínsecamente especial acerca de “este” (cualquier) momento histórico, y se utiliza para estimar la duración posible de sucesos en curso acerca de los que se tienen pocos datos.

El principio Copernicano (“La Tierra no es el centro del Universo”) fue expandido y reformulado como el principio de mediocridad por John Richard Gott en 1969, cuando, encontrándose en Berlín, intentó estimar la duración probable del Muro basándose en un solo dato (el periodo de existencia del Muro hasta ese momento: ocho años) y un supuesto (que a lo largo de toda la vida del Muro, multitud de personas se harían la misma pregunta que él, y que no había ninguna razón para suponer que él se la estaba haciendo en un momento especialmente significativo de la historia). Con la elegante fórmula derivada de este razonamiento, Gott calculó que había un 50% de probabilidades de que al Muro le quedasen menos de 24 años de existencia. Como es sabido, el Muro de Berlín fue derribado 20 años después, en 1989.

La fórmula de Gott se basa en dos inecuaciones sencillas, que dependen de dos variables: el tiempo actual de existencia y un factor de fiabilidad f, el cual varía de 0 a 1 (0 a 100%).

De esta manera, en el caso del Muro de Berlín, se obtiene que, con 8 años de existencia y una probabilidad del 50%, su tiempo restante sería mayor que 2,66 años y menor que 24 años.

El principio fue formulado matemáticamente en 1969 por el físico John Richard Gott, quien ese año predijo que el muro de Berlín tendría una duración de entre 2.4 años y 24 años. Para su predicción, Gott partió del tiempo de existencia del muro en ese momento (ocho años) y un factor de fiabilidad de 0.50. De acuerdo con la formulación matemática, el tiempo restante de un acontecimiento está comprendido entre dos valores: es mayor que su pasado dividido por un factor que depende de la fiabilidad y es menor que su pasado multiplicado por ese mismo factor.

John Richard Gott III (Louisville, Kentucky 1947) profesor de astrofísica en la Universidad de Princeton. Se licenció en Matemáticas por la Universidad de Harvard y obtuvo el doctorado en Física por la de Princeton.

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Ha publicado numerosos trabajos de investigación en revistas como Scientific American, New Scientist y American Scientist. Gott es un importante cosmólogo, conocido por sus trabajos sobre la naturaleza del tiempo y la posibilidad de viajar en él. Sobre este tema ha escrito Los viajes en el tiempo y el universo de Einstein.

He aquí el principio de mediocridad, según el doctor P. Z. Myers, biólogo de la Universidad de Minnesota:

“El principio de mediocridad sostiene simplemente que no es usted especial. El universo no gira en torno a su persona; este planeta no cuenta con ningún privilegio singular, su país no es el resultado perfecto de una secuencia de designios divinos; su existencia no se debe al influjo de un sino orientador e intencional; y ese emparedado de atún que se ha comido en el almuerzo no forma parte de una conjura pensada para producirle una indigestión.

La mayoría de las cosas que suceden en el mundo son simples consecuencias de las leyes naturales, leyes de carácter universal, puesto que rigen en todas partes y atañen a la totalidad de lo existente, sin que haya excepciones especiales ni amplificaciones que redunden en su beneficio personal (y siendo además la diversidad un producto de la intervención del azar). Todo cuanto usted, como ser humano, considera investido de una importancia cósmica, es un accidente”.

Transcribir, portar en la cartera y aplicar 3 veces al día (mínimo)

Paul Zachary “PZ” Myers (1957) es un profesor estadounidense de biología en University of Minnesota Morris y autor del blog de ciencia Pharyngula. (Etapa en el embrión el desarrollo de los vertebrados) Estudia la especie danio rerio, danio cebra o El pez cebra es un ciprínido emparentado con las carpas y los barbos, originario del sudeste asiático, de uso frecuente en acuarios así como para investigación científica.

En el campo de biología evolutiva del desarrollo, así como a los cefalópodos. (Una clase de invertebrados marinos dentro del filo de los molus-

cos) Ha realizado numerosas publicaciones de investigación en Nature y otras notables revistas científicas.

PZ Myers es un crítico público del diseño inteligente (es el término utilizado para describir a la corriente que sostiene que el origen o evolución del Universo, la vida y el hombre, son el resultado de acciones racionales emprendidas de forma deliberada por uno o más agentes inteligentes) y del movimiento creacionista en general y es un activista en el medio estadounidense de controversia creación-evolución.

En el 2006, la revista Nature enlistó su blog Pharyngula, como el blog mejor posicionado escrito por un científico. Adicionalmente, PZ Myers recibió el premio de Humanista del Año el 2009.

El asteroide 153298 Paulmyers fue nombrado así en su honor

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I -K -

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ovimiento de arte que se inició en los EE.UU. en la década de 1950 y alcanzó su pico de actividad en la década de 1960, eligió como tema importa la iconografía anónima, estandarizada y banal en la vida estadounidense, como las historietas, carteles, productos comerciales, e imágenes de famosos, y se ocupó de ellos típicamente en formas tales como tallas grandes pinturas comercialmente lisas, serigrafías reproducidas mecánicamente, facsímiles de gran escala y esculturas blandas.

Pintor, artista gráfico y cineasta. Convirtió a las estrellas de cine, música o televisión en arte, e incluso él mismo se convirtió en una estrella.

Desde pequeño vivía fascinado con ser famoso como los políticos y estrellas de cine.

Todas esas personalidades que él veía en revistas. Empezó a pintar dibujos de tiras cómicas de héroes como Popeye, Dick Tracey y Superman con el fin de hacer por si mismo su propio nombre como un artista.

Una amiga de Warhol le sugirió pintar sobre todo lo que él más amaba. Por consiguiente, empezó a pintar sobre dinero, sobre su sopa favorita, la lata de Campbell. Esta forma de trabajar usando cosas del diario vivir fue algo realmente nuevo en esa época ya que nadie antes había creado algo tan ordinario como una lata de sopa o una botella de salsa de tomate.

Fue así como comenzó a tener muchos seguidores que querían su arte pero para poder cumplir con tal demanda, Warhol empleó algunos ayudantes. Sus asistentes los llamó la Fábrica.

ANDY Warhol 20

L

os Warholas emigraron a los Estados Unidos de una pequeña aldea de Europa Oriental llamada Mikova.

La familia era originaria de los Cárpatos rusos y, al igual que muchos de sus parientes, buscó nuevas oportunidades de trabajo en los Estados Unidos. Muchos de los Warholas se establecieron al oeste de Pensilvania entre 1917 y 1930.

Establecerse en Pittsburgh fue a la vez difícil y ventajoso para los emigrantes. Esta capital industrial en desarrollo ofrecía miles de empleos en la producción de acero, fábricas y ferrocarriles. Sin embargo, las condiciones de vida eran sucias y precarias, debido al hollín, los al humo de las fábricas y al hacinamiento.

Los Warholas alquilaron varios apartamentos diminutos muy cerca de las acerías antes de comprar una pequeña casa en el vecindario de Oakland en 1934.

Andrei Warhola trabajó en empleos de construcción. Ayudó a trasladar varios edificios grandes con la empresa Eichley Co. Julie Warhola criaba a sus tres hijos, Paul, John y Andy, y ganaba algún dinero limpiando casas y vendiendo artesanías.

A Andy se le diagnosticó el Mal de San Vito a la edad de 8 años, lo cual le impidió asistir a la escuela durante largos períodos de tiempo.

Durante su extenso tiempo libre, comenzó a coleccionar fotografías de estrellas de cine y a ponerlas en álbumes. Se enamoró de Hollywood, la fotografía, el dibujo, las tiras cómicas y las revistas.

La familia Warhola family mimaba a Andy y le compraron una cámara en 1937.

La familia era muy estricta y observante de la religión católica bizantina.

Andy fue bautizado y asistía a misa regularmente con la familia a lo largo de sus años de formación.

Warhol utilizó motivos de su legado religioso a lo largo de su carrera artística, desde pinturas icónicas de estrellas de cine, hasta motivos decorativos en sus ilustraciones comerciales derivados de la pintura de huevos tradicional rusa llamada pysanky.

Andy asistió a la escuela primaria Holmes y luego a la escuela secundaria Schenley, ambas cercanas a su casa. Mostró un temprano interés en el arte y fue recomendado para que recibiera clases gratuitas de arte en el Museo de Arte Carnegie en la escuela primaria. Andy pasó muchas tardes dibujando en el parque con su amigo Nick Kish.

“1942-1944 fueron algunos de los años más tristes de Andy y la familia.” --John Warhola La II Guerra Mundial fue el trasfondo de tiempos difíciles para la familia Warhola. En 1942, Andrei Warhola murió después de una prolongada enfermedad. A Julia se le diagnosticó un cáncer, pero se recuperó después de una operación y un largo descanso en cama. Durante esta época, Andy cuidaba de Julia después de la escuela, mientras que Paul Warhola regresó de la armada para trabajar en casa y tomar el turno de la noche.

Andrei Warhola especificó antes de morir que sus ahorros en bonos postales debían ser utilizados para pagar la universidad de Andy.

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En 1945, Andy inició el primer semestre de Diseño Pictórico en el Instituto de Tecnología Carnegie (CIT).* Warhol impresionó y, a la vez, desconcertó a sus profesores con sus extravagantes soluciones a los problemas y su muy original estilo de vida.

Warhol se mudó a Nueva York en 1949 y trabajó como ilustrador durante más de 10 años. Recibió numerosos premios profesionales por su trabajo y tenía cientos de clientes.

Andy había experimentado con cambiar su nombre en la escuela secundaria y, después de mudarse a Nueva York, eliminó por completo la ‘a’ de Warhola.

Warhol inventó una técnica de línea manchada que utilizó, junto con sellos de caucho, para crear ilustraciones caprichosas, decorativas y elegantes.

En 196, comenzó a crear y a exponer Arte Pop. A lo largo de casi cuatro décadas de trabajo, e hizo pinturas, grabados, películas, fotografías, programas de televisión, libros, revistas y creó una imagen que se hizo mundialmente famosa.

Al igual que muchas de las fábricas que lo habían rodeado en su infancia en Pittsburgh, creó su propio taller, “La fábrica plateada” cuando era un artista maduro en 1964.

Dentro de este ambiente, pudo producir grandes series de obras de arte y esculturas.

Hizo muchas películas y piezas experimentales en este espacio, en colaboración con asistentes y poetas, músicos, bailarines, escritores y otras personas creativas.

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Creó obras de Arte Pop, apropiándose de imágenes de la cultura de consumo y rompiendo los límites entre el arte superior y formas inferiores de imágenes visuales, tales como la propaganda y los empaques.

Creó algunas de sus obras más famosas a partir de fotografías y carteles promocionales de Hollywood, utilizó la serigrafía fotográfica en su obra desde 1962 hasta 1987. Esta técnica le permitía apropiarse y manipular fotografías e imágenes de cualquier fuente y aplicar estas imágenes sobre una superficie pintada o tratada una o múltiples veces.

Warhol no sólo utilizó el grabado sino también grabaciones de audio, fotografías, cine y pintura en colaboración para crear sus obras. Durante las décadas de 1970 y 1980, continuó con diversos proyectos y colaboró con artistas más jóvenes, tales como Jean Michel Basquiat, Keith Haring y Francesco Clemente.

Desde 1964, expuso su obra al nivel internacional, principalmente en Europa, pero también en Sudamérica, Asia y el Medio Oriente.

En 1971, se hizo una exposición retrospectiva de su obra en Nueva York, después de haber sido presentada en Pasadena, Londres, París y Holanda.

Después de más de tres décadas de trabajo como pintor, cineasta, fotógrafo, promotor de música, ilustrador, escritor, editor, coleccionista y modelo, murió en 1987 de complicaciones surgidas de una operación de la vesícula. *CIT, posteriormente CMU, Universidad de Pittsburgh Carnegie Mellon.

La botella de Coca-Cola se convirtió, para él, en un tema pictórico.

Sobre esto declaró: “Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes”.

Museos Existen dos museos dedicados a Warhol. Uno es el Carnegie de Pittsburgh, en Pensilvania, con más de 12.000 piezas de Warhol que es el mayor museo dedicado a un solo artista en todos los EUU. El segundo es el Andy Warhol Museum of Modern Art, fundado en 1991 por su hermano John Warhola, el Ministerio de cultura del gobierno eslovaco y la Warhol Fundation de Nueva York. Se encuentra en la pequeña ciudad cercana a Miková, el pueblo donde nacieron los padres de Warhol, en Eslovaquia.

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Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel, en 1962 y marcó el debut del movimiento Pop Art en la costa Oeste. Cuatro meses más tarde, inauguró su primera exposición en Nueva York.

Allí incluyó El díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar.

Fundó su estudio The Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebrities underground del momento.

En 1965 conoció al grupo de música The Velvet Underground, liderado por Lou Reed.

Pronto se convirtió el manager del grupo y añadió a su amiga, la cantante alemana Nico.

En 1967 salió al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, producido por él.

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“El taller”, estaba decorado con hojas de papel de aluminio color plata.

El MOMA (Museum of Modern Art) organizó un simposio sobre Pop Art en diciembre de 1962 y algunos artistas, entre ellos Warhol, fueron atacados por «rendirse» al consumismo.

Para los más críticos del arte, el entusiasmo que Warhol sentía por el consumismo era inadmisible. A lo largo de los 60 se hizo cada vez más evidente los profundos cambios en la cultura y el mundo del arte, y también que Warhol había jugado un papel esencial en ese cambio.

Un evento crucial fue la exhibición The American supermarket, una muestra celebrada en 1964 en la galería Paul Bianchinni. Estaba organizada como el típico pequeño supermercado estadounidense, aunque los productos exhibidos (conservas, carne o postres) eran obra de prominentes artistas del pop. La contribución de Andy Warhol fue una pintura de una lata de sopa Campbell, valorada en 1.500 dólares. Lo curioso es que la lata tan solo costaba 6 dólares.

Los 70 fueron años más tranquilos para Warhol, se convirtió en un emprendedor. Pasaba la mayor parte del tiempo proponiendo hacerles un retrato a famosos como Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson.

El famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong es de esta época (1973). También fundó, con el apoyo deGerard Malanga la revista “Interview”, y publicó “La filosofía de Andy Warhol” (1975), con frases como:”Hacer dinero es arte, y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte”. Warhol solía frecuentar clubes nocturnos de Nueva York, como el Max’s Kansas City, el Serendipity 3, y el célebre Studio 54.

Normalmente se comportaba como un tranquilo, tímido y meticuloso observador. En los años 70 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discoteca Studio 54, entre ellos Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. También es cuando fue contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de competición de una manera llamativa, como la firma BMW. Así se creó el Art Car. Son famosas sus cápsulas del tiempo en donde guardaba (desde el año 1974) cosas cotidianas en cajas de cartón.

celli y Uccello. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada de un disco. Luego le mencionaría en algún libro como «hijo de un torero español». Warhol también apareció en su videoclip Ángeles Caídos. Ese año visita Madrid, donde es recibido con entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otras personalidades de la cultura y la vida social madrileña. A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad tuvo poquísimas ventas.

En esa época, Warhol produce ya no solo para gente de su círculo, si no que por grandes sumas realiza también para diseñadores, empresarios y demás gente adinerada, entre ellos, el modisto Valentino.

En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung.

Durante los 80 fue su segunda juventud para la crítica y los negocios, parte gracias a su estrecha relación con algunas de las nuevas figuras del arte y otras figuras del llamado neoexpresionismo, así como por la compañía de artistas de la transvanguardia europea.

Por entonces lo acusaban de ser un “artista de los negocios”. Recibió malas críticas sobre sus retratos de celebridades de los 70, lo tachaban de superficial, fácil y comercial. Esto hizo que su siguiente exposición sobre “Genios Judíos” (1980), también fuese mal recibida.

En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botti-

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Verdad o ficcción de Andy Warhol: el padre del ´pop art´.

Se dice que le encantaba comprar ropa interior.

Se operó la nariz a los 29 años.

Comenzó a teñirse el cabello de gris a los 20 años con el propósito de que la gente se diera cuenta de lo joven que lucía su rostro.

Coleccionaba animales disecados. Entre ellos tenía un león, un pavo real, un pingüino, un alce y su mascota Celi, un gran danés que cuidaba la entrada de ´The Factory´.

Le gustaba comer solo, por lo que quería abrir una cadena de restaurantes llamada: ´ANDY - MATS - El restaurante de los solitarios´.

Andy solía grabar todas sus conversaciones y se refería a su grabador como ´esposa´.

Recibió una nominación al Grammy junto a Craig Braun por la portada del álbum ´Sticky Fingers´ de los Rolling Stones.

Le gustaba comprar muchas cosas y casi nunca se deshacía de nada. Llegó a tener una casa de 5 pisos en el Upper East Side de Manhattan, donde solo quedaron dos cuartos disponibles el día de su muerte.

Un atentado.

El 3 de junio de 1968, Valerie Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de la Factory.

Según dijo Solanas “él tenía demasiado control sobre mi vida”, y había sido expulsada de la Factory tras reclamar la devolución de un guion que le había dado a Warhol y que, al parecer, había sido traspapelado.

Disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario Mario Amaya en la entrada al estudio de Warhol. A raíz del atentado dijo: Siempre sospeché que estaba viendo la tele en vez de vivir la vida”.

Valerie Jean Solanas, fue una escritora feminista estadounidense, diagnosticada de esquizofrenia, que atentó contra la vida del artista Andy Warhol en 1968

DOCUMENTAL: Andy Warhol Superestrella: The Life and Times of Andy Warhol (1990) 87 min - | Biográfico - 22 Febrero 1991 (USA) Descripcion: Una mirada a la vida, el trabajo y el impacto de Andy Warhol (19281987), icono pop y artista, desde su infancia en Pittsburgh a la muerte después de una cirugía fallida. Warhol acuñó la palabra “... Ver más» Actores: Joan Agajanian Quinn, Jean Michel Basquiat, Irving Blum, Director: Chuck Workman Guion: Chuck Workman

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EN PAR O ES U N AE LLA MEN . ..

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EST

No dejes que termine el día sin haber crecido un poco, sin haber sido feliz, sin haber aumentado tus sueños.

No te dejes vencer por el desaliento. No permitas que nadie te quite el derecho a expresarte, que es casi un deber.

No abandones las ansias de hacer de tu vida algo extraordinario. No dejes de creer que las palabras y las poesías sí pueden cambiar el mundo.

Pase lo que pase nuestra esencia está intacta. Somos seres llenos de pasión.

La vida es desierto y oasis. Nos derriba, nos lastima, nos enseña, nos convierte en protagonistas de nuestra propia historia.

Aunque el viento sople en contra, la poderosa obra continúa: Tú puedes aportar una estrofa.

No dejes nunca de soñar, porque en sueños es libre el hombre.

No caigas en el peor de los errores: el silencio.

La mayoría vive en un silencio espantoso. No te resignes. Huye.

“Emito mis alaridos por los techos de este mundo”, dice el poeta.

Valora la belleza de las cosas simples.

Se puede hacer bella poesía sobre pequeñas cosas, pero no podemos remar en contra de nosotros mismos.

Eso transforma la vida en un infierno. Disfruta del pánico que te provoca tener la vida por delante.

Vívela intensamente, sin mediocridad.

Piensa que en ti está el futuro y encara la tarea con orgullo y sin miedo.

Aprende de quienes puedan enseñarte. Las experiencias de quienes nos precedieron de nuestros “poetas muertos”, te ayudan a caminar por la vida La sociedad de hoy somos nosotros. Los “poetas vivos”.

No permitas que la vida te pase a ti sin que la vivas...

Walt Whitman

“Juntos es posible”

E

n los años noventas, los activistas por la causa del SIDA se sintieron inspirados por el impacto que podía generar un simbólico listón rojo y decidieron emprender una campaña para que, de esta manera la gente pudiera apoyar esta causa.

El listón de la lucha contra el SIDA representa el color de la pasión. Durante los premios Tony, el actor Jeremy Irons fue fotografiado con un listón rojo brillante sobre su pecho. Mientras el público continuaba vien

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do la entrega de premios, el listón seguía llamando la atención también, y se hizo popular de la noche a la mañana.

1992 nombrado como el año de los listón por el Times de Nueva York, cuando Alexandra Penney y Evelyn Lauder, decidieron utilizar el famoso listón con el propósito de promover la prevención del cáncer de mama, hasta entonces, el color que cobraría para la campaña era casi tan desconocido como el éxito que tendría dentro de la misma.

La historia del Listón Rosa La primera vez que se utilizó un listón rosa fue a finales de 1990 durante la “Raceforthe Cure*” (Maratón por la Cura) de Nueva York que organiza la Susan G. KomenBreastCancerFoundation. Regalaron viseras rosadas a los sobrevivientes del Cáncer de Mama que estaban corriendo en el Maratón por la Cura desde finales del año 1990.

El listón era un detalle más. Hacía falta que el listón fuera el protagonista.

Un par de meses después, en el año 1991 cada participante de la Carrera de la Ciudad de Nueva York recibió un listón rosado, sin embargo el listón no tenía gran importancia para ellos, ya que era más un pequeño detalle que un evento tan importante. *

Estée Lauder Companies.) trabajaban en la segunda edición anual de la Concienciación sobre el Cáncer de Mama.

Evelyn Lauder se comprometió a distribuir los listón por todo el país, sin embargo, hasta el momento no se había tomado una decisión entorno al color del mismo.

Charlotte Hayley, de 68 años, que había luchado contra el cáncer de mama vendía listón de color melocotón hechos a mano en su salón.

Evelyn Lauder murió ayer con 75 años afectada de un cáncer de ovarios En 1938 huyó con su familia de su ciudad natal, Viena, tras la ocupación nazi. Años después en Manhattan conoció a du marido, Leonard Lauder, en una cita a ciegas. El hijo de EsteeLauder que por aquel entonces sólo era una pequeña firma de cosméticos.

En 1989 le diagnosticaron cáncer de mama y fue entonces cuando comenzó su lucha.

En 1993 fundó la Fundación para la Investigación sobre el Cáncer de Mama, con la que recaudó unos 350 millones de dólares.

Consiguió hace poco que el Congreso estadounidense declarara octubre como el Mes de la Concientización del Cáncer de Mama.

A los listones les acompañaba una tarjeta que decía: “El presupuesto anual del instituto nacional del cáncer es de 1,8 billones de dólares estadounidenses y solamente el 5 % está destinado para la prevención del cáncer. Ayúdanos a despertar a nuestros legisladores y a los Estados Unidos, usando este listón”.

Su mensaje se expandió rápidamente, Penney y Evelyn quisieron trabajar conjuntamente con ella. Sin embargo Hayley rechazó la oferta argumentando que esta tenía un propósito demasiado comercial.

Sin fines de lucro Fundado 1982 en Dallas, Texas Fundador Nancy Goodman Brinker Sede 5005 LBJ Fwy., Ste. 250 Dallas, TX 75244 901 E Street NW Washington, DC 20004

En 1992 Alexandra Penney quien era en 1992 la editora de Self, una revista de salud para mujeres, estuvo trabajando en la segunda edición anual de la Concienciación sobre el Cáncer de Mama (NBCAM). y Evelyn Lauder (fue la fundadora, junto a su marido Joseph Lauder, de la empresa de cosméticos:

York.

Alexandra Penney artista, periodista y escritor.

Nacido en Boston, Massachusetts Vive y trabaja en Manhattan Smith College, Licenciatura, Filosofía

Empezaron con la idea de hacer listón y obtener el apoyo del los cosméticos para distribuirlos a través de las tiendas en Nueva

Después de discutir las oportunidades con Lauder, Hayley y los abogados, decidieron ponerle un “nuevo” color.

El nuevo color de la cinta, sería el rosa y se convertiría en un símbolo internacional de la concienciación del cáncer de mama.

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¿Por qué Rosado?

En el mundo occidental, el rosa es el color de la mujer. Por lo general, cuando nace una niña, se le regala todo en color rosa, mientras que con los niños todo es en color azul.

Además el color es brillante, vibrante y da una sensación de salud y bienestar, todo lo opuesto a lo que representa el cáncer.

El cáncer de mama es un asunto muy personal, ya que la mama simboliza una parte muy importante de la feminidad.

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Comenzó como algo pequeño con Lauder y su esposo, Leonard, financiando gran parte de los listones entregados a mujeres en mostradores de cosméticos en centros comerciales estadounidenses para recordarles que se hicieran un examen de seno.

el color, la prensa, la asociación con Elizabeth Hurley, con EsteeLauder anunciándose en revistas y persuadiendo a muchos de mis amigos que son editores de salud y belleza para publicar historias sobre la salud del seno, hacer que la gente hable”, dijo.

Cuando fue lanzada, era tan poco conocida que algunos pensaron que simbolizaba la lucha contra el sida.

“No había publicidad sobre el cáncer de mama, pero una serie de eventos — la cinta rosa,

Luego, tres años después de distribuir el listón rosa, una azafata vio la cinta en la solapa de Lauder y le dijo: “Sé que es para el cáncer de mama”.

Que vino después?

Un libro y un documental El libro “Pinkribbons, inc: breastcancer and thepolitics of philanthropy” (2006) de SamanthaKink, recoge la historia de la lucha contra el cáncer, del Listón Rosa y de dónde va el dinero que se recauda.

Datos estadísticos generales del cáncer de mama Actualmente, el cáncer de mama es el tipo de cáncer más predominante en el mundo debido a su alta incidencia y al pronóstico relativamente bueno. Aproximadamente 4,4 millones de mujeres a quienes les diagnosticaron cáncer de mama en los últimos cinco años están con vida.

Léa Pool se ha basado en este libro para realizar el documental “PinkRibbons, Inc.” (2011) En Canadá

El objetivo principal del Listón Rosa es concienciar sobre el cáncer de Mama.

1.Prevención: el acto de prevenir el cáncer de mama.

2.Detección: descubrir el cáncer de mama.

3.Cura: maneras de curación.

4.Cuidados: ofreciendo atención.

Sin embargo, en la población femenina mundial el cáncer de mama es la causa más frecuente de muerte relacio-nada con el cáncer.

Todos los años, más de 1,1 millón de mujeres en todo el mundo recibe el diagnóstico de cáncer de mama por primera vez.

Esto representa aproximadamente el 10% de todos los casos nuevos de cán-cer y el 23% de todos los tipos de cáncer en mujeres.

El cáncer de mama, que causa más de 410.000 muertes todos los años, representa alrededor del 14% de todas las muertes por cáncer en las mujeres y el 1,6% de todas las muertes en la población feme-nina mundial.

En los países de escasos recursos las tasas de incidencia aumentan un 5% anual.(de http://www. paho.org/english/ad/dpc/ nc/pcc-bhgi-about.htm , oficina regional de la Organización Mundial de la Salud (Iniciativa Mundial de Salud de Mama, BreastHealth Global Initiative), accedido en octubre de 2006).

Los factores de riesgos más importantes para el cáncer de mama son ser mujer y el envejecimiento.

Más del 75 por ciento de las mujeres con diagnóstico de cáncer de mama tienen 50 años o más.

Sólo el cinco al 10 por ciento de todos los cánceres de mama es hereditario. Los hijos pueden here-dar de su madre o padre un gen alterado relacionado con el cáncer de mama.

Aproximadamente el 85% de las mujeres con diagnóstico de cáncer de mama no tiene ni una herma-na ni la madre que haya padecido cáncer de mama.

En la década de los noventa, las muertes por cáncer de mama experimentaron la mayor declinación en más de 40 años.

En 2004, se estima que se diagnosticarán unos 216.000 casos nuevos de cáncer de mama invasivo solamente en los Estados Unidos, junto con 59.390 casos nuevos de cáncer de mama no invasivo.

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Más del 96 por ciento de mujeres con diagnóstico de cáncer de mama en etapa temprana sobrevi-ven más de cinco años.

La detección precoz de casos de cáncer de mama mediante una mamografía también ha significado que una mayor cantidad de mujeres que se encuentran en tratamiento por cán-cer de mama pueda conservar sus mamas. Si se lo detecta en las etapas iniciales, el cáncer localizado se puede extirpar sin necesidad de extirpar la mama (mastectomía).

Tratamiento y recurrencia La cantidad mujeres que actualmente toman tamoxifeno en todo el mundo es de aproximadamente 1.000.000.

El principal riesgo de las mamografías es que no son perfectas.

El tejido mamario normal puede ocultar un cáncer de mama y este no se observa en la mamografía.

Un tercio de las mujeres con cáncer de mama positivo para receptores de estrógeno experimenta una recurrencia. Más de la mitad de estos casos ocurren más de cinco años después.

Esto se denomi-na falso negativo.

Por otra parte, la mamografía puede identificar una anomalía que pare-ce un cáncer pero resulta ser normal. Esta “falsa alarma” se denomina falso positivo.

Mamografía: todo lo que necesitas saber sobre beneficios y riesgos

Además de la preocupación por tener un diagnóstico de cáncer de mama, un falso positivo implica más análisis y consultas de seguimiento, que pueden resultar estresantes. Para compensar estas limitaciones, a menudo se necesita más de una mamografía.

Detección temprana.

La mamografía seguida del tratamiento adecuado previene miles de muertes cada año.

___________________________ Las mamografías no previenen el cáncer de mama, pero pueden salvar vidas si se detecta el cáncer de mama lo más temprano posible.

Se ha demostrado que las mamografías dis-minuyen el riesgo de morir de cáncer de mama en un 35 % en mujeres mayores de 50 años.

En mujeres de entre 40 y 50 años, la reducción del riesgo parece ser algo menor.

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Las mujeres también deben hacerse una autoexploración de mamas con regularidad, consultar a un profesional médico experimentado para que le realice un examen de mamas con regulari-dad y, en algunos casos, obtener también alguna otra forma de imágenes mamarias, tales como IRM o ecografías.

Algunas mujeres dudan acerca de los riesgos de la exposición a la radiación debido a una mamografía.

Las mamografías modernas solo utilizan una cantidad minúscula de radiación, incluso menos que una radiografía tradicional de tórax.

Cuándo hacerte una mamografía

La recomendación es que las mujeres se hagan una mamografía una vez por año, a partir de los 40 años de edad. Si tienes alto riesgo de cáncer de mama por antecedentes familiares de cáncer de mama u ovario, o has recibido un tratamiento con

radiación en el pecho anteriormente, es recomendable que comiences a hacerte las mamografías anuales a una edad más temprana (por lo general alrededor de los 30 años).

Sin embargo, esto es algo que deberías conversar con tu profesional médico.

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Cinco datos importantes sobre las mamografías 1.Pueden salvarte la vida. La detección precoz del cáncer de mama reduce el riesgo de morir por la enfermedad en un 25 % o 30 % o más. Las mujeres deberían comenzar a hacerse ma-mografías a partir de los 40 años de edad, o antes si consideran que están en alto riesgo.

2.No tengas miedo. La mamografía es un procedimiento rápido (alrededor de 20 minutos), y la incomodidad es mínima para la mayoría de las mujeres. El procedimiento es seguro: solo existe una diminuta cantidad de exposición a la radiación en una mamografía. Para calmar la ansiedad de esperar los resultados, concurre a un centro donde te den los resultados antes de retirarte.

3.Consigue la mejor calidad posible. Si tienes mamas densas o menos de 50 años, intenta ha-certe una mamografía digital. La mamografía digital se graba en una computadora para que los médicos puedan agrandar algunas secciones y observarlas más de cerca.

Otros consejos: oTrae los resultados o la copia de tu última mamografía. Si ya has asistido antes al mismo centro, asegúrate de que tus últimos resultados estén disponibles para la persona que vaya a leer el estudio. oCuando encuentres un centro en el que tengas confianza, trata de concurrir allí to-dos los años, para que tus mamografías se puedan comparar año tras año. oPide que más de un radiólogo lea tu estudio, si tu seguro lo cubre. oPregunta si tu centro tiene DAC (detección asistida por computadora), una herra-mienta que ayuda al radiólogo a encontrar zonas de interés que puedan necesitar atención. oSi te han derivado para una mamografía por un bulto o un resultado sospechoso en otro análisis, asegúrate de que tu médico incluya una nota detallada sobre por qué ordenó la mamografía. Por ejemplo, si el médico palpó un bulto en la parte superior de la mama, cercana a la axila, la nota podría decir: “nódulo palpable en el cuadran-te superior externo de la mama izquierda; descartar anomalía”. Prepárate para in-formar al técnico que realiza la mamografía sobre resultados o síntomas inusuales anteriores. oTrabaja junto a tu médico para comparar los resultados de tu mamografía con cual-quier otro análisis que te hayas realizado, tales como ecografías o IRM. oEl día del examen, usa una falda o pantalones en lugar de un vestido, ya que deberás quitarte la ropa de la cintura para arriba. No te pongas desodorante ni perfume, ya que estos pueden aparecer en la imagen e interferir con los resultados del análisis. oEvita programar tu mamografía para un momento en que tus mamas estén hincha-das o sensibles, por ejemplo, antes de tu período. oAnaliza tus antecedentes familiares de cáncer de mama y otras formas de cáncer (por parte de madre Y de padre) con tu médico. oSi no recibes ningún resultado dentro de los 30 días, llama a tu médico o al centro de análisis para consultar los resultados.

4.La mamografía es nuestra herramienta más poderosa para detectar cáncer de mama. Sin embargo, las mamografías aún pueden pasar por alto el 20 % de los casos de cáncer de ma-ma que simplemente no son visibles mediante esta técnica. Se pueden y deben usar otros es-tudios importantes como herramientas complementarias (tales como la autoexploración o exámenes clínicos de mamas y ecografías o IRM), pero nada reemplaza la mamografía.

5.Un resultado inusual que requiere otros análisis no siempre significa que tienes cáncer de mama. Según la Sociedad Americana del Cáncer, alrededor del 10 % de las mujeres (1 de 10) que se hace una mamografía necesitan más análisis. Solo entre un 8% y un 10 % de estas mujeres necesitan una biopsia, y alrededor de un 80 % de estas biopsias no resultan ser cán-cer. Es normal preocuparse si te llaman para realizarte otros análisis, pero trata de no pensar lo peor hasta tener más información.

Cuándo hacerte una mamografía La recomendación es que las mujeres se hagan una mamografía una vez por año, a partir de los 40 años de edad. Si tienes alto riesgo de cáncer de mama por antecedentes familia-res de cáncer de mama u ovario, o has recibido un tratamiento con radiación en el pecho anteriormente, es recomendable que comiences a hacerte las mamografías anuales a una edad más temprana (por lo general alrededor de los 30 años). Sin embargo, esto es algo que deberías conversar con tu profesional médico.

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Historia del tratamiento del cáncer de mama Introducción.

El repaso de la evolución histórica de la Patología Mamaria hasta la situación actual nos permite ver que siempre se ha movido entre dos parámetros: el órgano que es la mama, altamente pecu-liar y variable en la manera como la percibe la propia mujer y la sociedad y los conceptos médico científicos para curar sus enfermedades.

En cuanto al órgano, la mama es una glándula especialmente preparada para la producción y se-creción de la leche con finalidad nutricia para las crías. En este sentido la presencia de este ór-gano es tan importante que permite la clasificación de sus portadores como mamíferos.

Si la función única de la mama femenina fuera la lactancia como sucede en el resto de mamíferos sus enfermedades tendrían sin duda mucha menos trascendencia de la que tienen.

El problema es que en la raza humana existen otras múltiples funciones que puede discutirse si son primarias o secundarias y adquiridas.

De la antigua premisa anatómica que la “función da la forma” también podríamos deducir que la forma nos indica las funciones.

En la mujer el hecho de que la mama sea un órgano permanente y no sólo evidente durante la lactancia como en el resto de los mamíferos nos muestra ya la posibilidad de que ejerza otras funciones.

La primera es que representa mucho más que un órgano meramente nutricio, esta función catalo-gable como maternal es lo que para Ch. Gros diferencia la denominación mama aplicable a todos los mamíferos de la de seno propio de la mujer: “La mama cuando se humaniza se convierte en seno”.

La mama representa fecundidad ya en la Venus prehistórica, representa el origen del universo en el mito de la Vía Láctea o en el de Isis.

La mama simboliza feminidad, simboliza belleza. La mama también puede simbolizar sufrimiento por las enfermedades que en ella pueden asentar como se demuestra en el martirio de Santa Agueda tantas veces reproducido en el arte o incluso en la muerte de Cleopatra.

La mama representa sin duda en la raza humana un órgano erótico. Este erotismo trata de desta-carlo la moda variable a través de los tiempos.

La mama como órgano estético también ha estado representado en el arte en toda su historia.

Es importante tener presente que la mama de la mujer es primordialmente un órgano estético “para sí misma” antes que “para los demás”.

Creo que se puede afirmar que el hecho de ser en la mujer un órgano permanente le confiere además de la función nutricia de todos los mamíferos estas otras funciones propias de la raza humana y ello debe tenerlo presente quien pretende estudiarla y solucionar sus problemas.

Entrando ya en la historia de las afecciones mamarias propiamente dichas existe un primer gran capítulo relacionado con la lactancia que no sólo incluye las diversas formas y posturas para rea-lizarlo en diferentes razas y culturas sino también las formas de aumentar o abolir la secreción láctea, la sustitución de la leche materna, el diagnóstico y tratamiento de las mastitis, etc.

La mayor abundancia de documentos pertenece sin embargo al cáncer de mama; existen datos que permiten asegurar que el cáncer de mama ya lo padecían los egipcios, los etruscos, los pri-meros pobladores del Perú e incluso los dinosaurios.

Antigüedad.

El archivo médico más remoto proviene del antiguo Egipto, en donde se han encontrado varios papiros y dentro de los 6 principales, uno de los que más información contienen en lo que a en-fermedades de la mama se refiere, es el Papiro de Edwin Smith, encontrado en Tebas (hoy Kar-nak y Luxor) en 1862.

Data de unos 1600 años a.C., es un rollo de unos 5 metros, que entre otras cosas contiene 48 casos dedicados a cirugía y en cuanto a mama se refiere habla de abscesos, traumatismos y heridas infectadas; siendo el nº 45 tal vez el registro más antiguo de C.M. y está titulado como instrucciones en torno a tumores sobre las mamas, e informa al explorador de que una mama con una tumoración caliente al tacto, es un caso que no tiene tratamiento.

Normalmente éste se limitaba a los dos únicos métodos disponibles por entonces, quemar la le-sión con fuego o extirparla mediante instrumentos cortantes.

A pesar de lo primitivo de éstos métodos, permanecieron vigentes por más de 2000 años, ya que debió transcurrir todo éste tiempo para encontrar la primera innovación en el tratamiento del C.M.

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Grecia clásica (450-136 a.C.) Herodoto, antes de Hipócrates describe el caso de la princesa Atossa que tenía un tumor mama-rio que ocultó durante tiempo por pudor hasta que se ulceró y Demócedes se lo curó.

Hipócrates 400 años a.C. habla de Karquinos o Karquinoma que lo relaciona con el cese de la menstruación y dice que no debe tratarse porque acelera la muerte y no sólo son de buen pronóstico los que curan con medicinas.

Describe un caso de una mujer con C.M. y con hemorragia por pezón, que murió cuando dicha hemorragia cesó. Asoció el C.M. con la detención de la menstrua-ción, lo que le hizo creer, la condujo a una ingurgitación mamaria, con nódulos indurados. Tam-bién definió con claridad que los casos con C.M. profundo era mejor no intervenirlos ya que su tratamiento conducía a la muerte mientras que la omisión del mismo permitía una vida mas pro-longada. No dejó ningún documento donde se recomendara el tratamiento quirúrgico apropiado para el C.M. Período Greco-Romano (150-500 d. C.) Leónides, médico del 1er siglo d. C., que trabajó en la escuela de Alejandría y es considerado como el primero que efectuó una extirpación quirúrgica de la mama y lo hacia mediante una inci-sión de piel en la zona sana de la misma, luego iba aplicando el cauterio para cohibir la hemorra-gia, todo ello lo continuaba repitiendo hasta la extirpación completa de la mama. Como cuidados postoperatorios indicaba cataplasmas y dietas que evitaran las bebidas frías y los alimentos de difícil digestión.

Aurelius Cornelius Celsus, 300 años a.C. habla de una forma precoz “Cacoethes” que es el único que puede operarse; si no se trata pasa a cáncer no ulcerado tributario de tratamiento médico con purgas, sangrías y aplicaciones locales y esta pasa al ulcerado para el que el tratamiento quirúrgico da mal resultado. Enciclopedista y no médico, detalla en su tratado la primera descripción médica del cáncer, mencionando la mama como uno de los lugares de localización de una hincha-zón irregular con zonas duras y blandas, dilataciones y tortuosidades venosas, con o sin ulcera-ción y así mismo delimita cuatro estadios clínicos: 1.

2.

3.

4.

Malignidad, aparentemente simple o precoz.

Cáncer sin úlcera.

Cáncer ulcerado.

Cáncer ulcerado con excrecencias y fácil sangrado.

Consideraba el tratamiento como contraindicado en los tres últimos casos.

Es de resaltar que con los romanos la cirugía y obstetricia alcanzaron un alto nivel, no superado hasta el Renacimiento.

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Tras Hipócrates el principal médico fue Galeno (131-201 d.

C.), que nació en Asia Menor, estudió en Alejandría y ejerció en Roma. Describió el cáncer de mama como una hinchazón con dilatación venosa parecida a la forma de las patas de un cangrejo.

No menciona las metástasis o el proceso por el que acaecía la muerte. Creía que se producía un acumulo de bilis negra (recordemos las cuatro bilis de Hipócrates), y consideraba aconsejable para prevenirlo la practica de purgas y sangrías. Además consideraba que la menstruación en mujeres de menos de 50 años debía en estos casos ser favorecida mediante baños calientes, ejercicio, masajes y proporcionaba medicamentos (emenagogos) para provocarla.

También utilizaba medidas dietéti-cas. Afirmaba que para que el proceso fuera curable, debía encontrarse en estadios iniciales en los que la cirugía podía extirpar el tumor y todas sus ramificaciones, consideraba éstas ramifica-ciones no como parte del tumor sino como venas dilatadas llenas de bilis malsana. Al extirpar el tumor mediante una incisión circular, el cirujano debía ser consciente del peligro de hemorragia profusa por los grandes vasos, por otra parte aconsejaba permitir cierto grado de sangrado para permitir salir la sangre oscura, así como estrujar los vasos para vaciarlos del resto de sangre.

Hoy el período antiguo se considera que finaliza con los escritos de Galeno.

Medievo Durante éste período permaneció vigente la medicina hipocrática apoyada por las ideas de Galeno y así lo fue hasta la llegada del Renacimiento. En esta época la medicina se conservó en los mo-nasterios. De entonces viene la costumbre de la Iglesia de invocar a uno o más santos para cada enfermedad, siendo Santa Agata la patrona de las enfermedades mamarias, ya que a mitad del siglo III fue martirizada en Sicilia siéndola arrancadas las mamas con unas grandes tijeras de hierro por su oposición al gobernador Quintiliano. Desde entonces el día de Santa Agata se llevan dos hogazas de pan, simbolizando sus mamas, en una bandeja.

Rhazes (860-932), indicaba la escisión quirúrgica del C.M., solo si permitía ser extirpado en su totalidad y si se podía cauterizar la herida. Haly Ben Abbas, persa que murió en 994, indicaba la extirpación del C.M. Avicena (980-1037), conocido como príncipe de los médicos, fue jefe médico del hospital de Bag-dad, autor del canon que permaneció vigente durante siglos. Recomendaba para el C.M. una dieta de leche y la escisión con cauterio.

En España Abulcasis (1013-1106), nacido cerca de Córdoba, mantenía la teoría de que no debía quemarse el tumor directamente, sino que primero se le debía extraer la sangre y posteriormente hacer una incisión circular sobre el tejido sano, dejando sangrar la herida, sin hacer una ligadura rápida aunque si ejerciendo presión sobre el lecho operatorio y solo en caso de sangrado de una arteria importante era cuando se debía ligar ésta.

Raimundo Lulio en el siglo XIII cuando descubrió el cáncer de mama de su enamorada Ambrosia de Castello tuvo tal horror y sentido de piedad que renunció a su cargo de Gobernador en Balea-res y se hizo eremita. En esa época en España se denominaba al cáncer de mama Zaratan, tér-mino proveniente del árabe saratan (cangrejo).

Renacimiento Andrés Vesalio, (1514-1564), gran especialista en disección y uno de los primeros en romper con la tradición de Galeno.

Aplicó sus conocimientos a la cirugía efectuando amplias escisiones ma-marias, utilizando las ligaduras en vez del cauterio.

Ambrose Pare, (1510-1590), llegó a ser el cirujano de cuatro reyes de Francia. Afirmaba que los cánceres superficiales debían ser escindidos, pero se oponía a los horrores de las grandes muti-laciones de mama, empleaba ligaduras en vez de utilizar el cauterio o el aceite hirviendo y usaba placas de plomo con las que comprimía la lesión para disminuir su aporte sanguíneo y así retra-sar su crecimiento.

Bartolomé Cabrol, consideraba que la mastectomía no era suficiente y que el pectoral subyacente debía ser extirpado.

Miguel Servet (1509-1553), además de la extirpación del músculo consideraba se debían extirpar los ganglios descritos por Paré, esto condujo al desarrollo de la moderna mastectomía radical.

Johannes Scultetus (1595-1645), otro gran cirujano alemán, que escribió su famoso libro Arma-Mentarium Chirurgicum, practicaba la intervención mediante grandes ligaduras con enor-mes agujas traspasando la mama, así podía hacer tracción antes de utilizar el bisturí, posterior-mente hacia hemostasia mediante cauterización.

En el siglo XVII Ana de Austria madre de Luis XIV murió de un cáncer de mama de cuya evolución nos informan las crónicas del tiempo de una manera detallada así como de los diversos tratamien-tos empleados.

Godofredo Bidloo, en 1708 utilizaba una especie de tridente con el que traspasaba la mama antes de amputarla.

Gerard Tabor, en su tesis sobre Un Nuevo Método de Extirpación del Cáncer de Mama, publicado en 1721, describe un instrumento parecido a una guillotina que simplificaba la intervención.

Siglo XVIII Pieter Camper (1722-1789), describió los ganglios linfáticos de la cadena mamaria interna.

Paolo Mascagni (1752-1815), así mismo describió el drenaje linfático pectoral.

A partir de 1715, se separan los oficios de barbero y cirujano, John Hunter desarrolla la cirugía experimental y la patología quirúrgica.

Henri Fracois le Dran (1685-1770), consideraba que el C.M. en estadios iniciales era un proceso local, empeorándose su pronostico cuando aparecía la diseminación linfática, esto tenía la impor-tancia de contradecir la teoría humoral de Galeno que venia perdurando durante 1000 años y que aun permanecería por otros 200.

Jean Louis Petit (1674-1758), era partidario de la amputación de la mama, con extirpación del pectoral y disección axilar, es decir aparece por primera vez la mastectomía radical.

Siglo XIX A lo largo del s. xix, se produjeron dos grandes contribuciones a la cirugía mamaria, la primera fue la introducción de la anestesia en 1846 por William Morton y la segunda fue la introducción de los principios de la antisepsia por Joseph Lister en 1867.

James Elliot, que en 1822 el primer caso de un tumor examinado al microscopio.

Sir james Paget (1814-1899), en Londres, en 1874 publicó su tratado sobre la enfermedad de la areola mamaria que precede al cáncer de la glándula mamaria. En él comunica una mortalidad operatoria del 10% en 235 casos.

Alfred-Armand-Louis-Marie Velpau (1795-1867), en Francia, publicó en 1854 su tratado sobre en-fermedades de la mama, en el que refería haber asistido más de 1000 tumores de mama.

Comu-nica una mortalidad del 5%, muy optimista para aquel tiempo.

Bejamin Bell (1749-1806), era partidario de extirpar la mama incluso aunque el tumor fuera pe-queño, pudiendo en esos casos respetar los pectorales y gran parte de la piel, pero siempre

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con disección axilar mediante incisión aparte.

Esta técnica nos recuerda la cirugía conservadora de hoy.

Charles Moore (1821-1879), enunció dos principios: 1.El tumor nunca debe ser escindido, sino extirpado por completo.

2.Las recidivas se producen por diseminación centrífuga desde el tumor primario y no por origen independiente, como entonces se creía.

Después hacia tres conclusiones importantes: •El C.M. ha de ser tratado con extirpación completa del órgano.

•La mastectomía debía ser completa incluso en el borde esternal.

Joseph Lister (1827-1912), uno de los más respetados cirujanos de Inglaterra, aunque no consi-guió implantar la pulverización de Acido Carbólico en este caso con fines anestésicos (frío), anti-séptico y cauterizante.

William Steward Halsted (1852-1922), consideraba que la pieza debía extirparse rápido y en su totalidad, incluyendo el pectoral, era partidario de extender la intervención a la fosa supraclavicu-lar y en tres ocasiones persuadido por Harvey Cushing a explorar mediastino.

Pero hay que reco-nocer que fue él el primero que se apoyó en un fundamento científico y finalmente desarrolló la técnica que seria utilizada durante 100 años y puede que aun dure. Se basaba en: 1.Una amplia escisión de piel 2.Extirpación del pectoral mayor 3.Disección axilar 4.Extirpación en bloque de todos los tejidos, con un amplio margen.

Siglo XX Hacia el año 1900, la técnica de Halsted era el método primario de tratamiento de los cánceres operables y ha permanecido así durante más de 80 años, no obstante otros métodos se han ido incorporando como Radioterapia, quimioterapia y hormonoterapia, pero sobre todo el rápido desarrollo del estudio anatomopatológico, como decía William Osler: “Según sea nuestra Anatomía Patológica así será nuestra practica”.

George Beatson en Glasgow en 1896 el primero en practicar una ovariectomia en C.M. avanzado.

Se dice que dos meses después del descubrimiento por Wilhelm Roentgen en 1895 de los Rayos X, Mile Grube irradió a una paciente con C.M. Tras el descubrimiento del Radio por los Curie en 1898, este 40

empezó a ser utilizado en clínica.

Fue tras la Primera Guerra Mundial cuando se empieza a cuestionar la mastectomía radical en todas las pacientes como forma de tratamiento en el C.M. En 1922 George Gask y Geogrey Keynes observan los efectos de las agujas de radio en el C.M. e inician el tratamiento en tumores inoperables y al comprobar los resultados extienden su utiliza-ción a estadios precoces, Keynes en 1939, comunica que la escisión local y las agujas de radio tienen una supervivencia similar a la de la mastectomía radical, siendo menos mutilante y con menos edema de brazo.

Un paso importante fue el de Baclesse en Francia en 1960, que propuso que la tumorectomía seguida de radioterapia en EI y II era tan buena como la técnica clásica. De Winter (1959) en Alemania, Porrit (1964) en Inglaterra y Peters (1967) en U.S.A, comunican resultados parecidos.

Edward Dodds sintetiza el Estilbestrol en 1938 y en 1945 en la Real Sociedad de Medicina de Londres sugiere que los estrógenos y andrógenos tienen valor terapéutico.

En los últimos 30 años se han efectuado numerosos estudios sobre el crecimiento tumoral, identi-ficando receptores para PRL, Estrógenos, Progesterona, etc., siendo marcadores de la depen-dencia y respuesta hormonal.

Haagensen y Cooley en 1963 en la Universidad de Columbia en N.Y., Owen Wangestein en la de Minesota y otros introducen la mastectomía suprarradical, dividiendo la clavícula y seccionando la primera costilla, extendiendo la disección a la fosa supraclavicular y mediastino superior así como extirpación de la cadena mamaria interna, pero lógicamente esta técnica no gano popularidad.

También es un deber el recordar a Jerome Urban (1914-1991), cirujano de fama mundial que se graduó en la Universidad de Columbia y desarrolló su carrera en el SloanKattering Center de Nueva York. Propuso la mastectomía radical ampliada para el cáncer de mama avanzado, técnica que hoy lleva su nombre y que ha dejado de utilizarse dadas las tendencias actuales en lo que a cirugía se refiere.

En el Hospital Middlesex de Londres, Patey y Dison publican un trabajo en el BritshJournal of Cancer, haciendo un sumario del tratamiento del cáncer de mama en ese momento e introducen la nueva técnica de la mastectomía radical modificada.

En ese año de 1948, McWhirter, de la universidad de Edimburgo, consideró que cuando se estu-diaban amplias series de pacientes tratadas con mastectomía radical, la tasa de supervivencia a los 5 años alcanzaba 43.7% y su razonamiento era que la radioterapia podía ser tan eficaz como la cirugía para

destruir las cc malignas de la axila.

Paul Erlich en 1898 aisló el primer agente alquilante y con él acuñó la palabra quimioterapia, du-rante los años 1903 a 1915 se ocupó en la síntesis de componentes arsenicales, así en 1910 tras 605 experimentos, encontró un componente llamado salvarsan produjo agentes alquilantes y desarrolló una sustancia conocida como mostaza nitrogenada. Durante el período inmediato análogos de las mostazas nitrogenadas como busulfan, ciclofosfamida, clorambucil, fenilalanina, fueron introducidos en el uso diario.

El national surgical adjuvant breast project, se inició en 1956 comparando cirugía - radioterapia - quimioterapia.

Es de resaltar al grupo de Milán con bonadonna y valagusa que fue el primero en demostrar que la supervivencia mejoraba con el tratamiento multidroga, comunicando sus datos finales en 1981. Hoy su CMF forma parte básica del tratamiento de C.M. En 1913 Salomon en Alemania obtiene radiografías de 3000 mamas amputadas y sus historias.

En Leipzig en 1920 se creó una clínica de patología mamaria y en 1927 Kleinschmidt escribe un texto en el que incluye la mamografía como método de diagnostico, pero no fue entonces aceptado.

En 1895 Vicenz Czenry trasplantó un gran lipoma para reemplazar la mama extirpada por un proceso benigno. Un año después Tansini en la universidad de Padua comunica la primera mas-tectomía radical con cirugía reconstructiva, utilizando un colgajo musculocutáneo del dorsal ancho.

En 1954 la esponja de alcohol de polivinilo, Ivalon, fue introducida por Pagman y Wallace, pero tenía el inconveniente de ser muy firme y retraerse por lo que no resultó satisfactoria.

En 1963 Cronin y Gerow utilizan silicona.

Un artículo de 1983 del Medical Anderson Hospital de Houston establece que para estadios I y II, la mastectomía radical y la cirugía conservadora con radioterapia, tienen resultados similares en tasas de supervivencia a 5 y 10 años.

Charles Marie Gros (1910-1984). Matemático, médico, radiólogo y cancerólogo, fue partidario de la Senología como especialidad auténtica de la medicina.

En 1960 en el Hospital Universitario de Estrasburgo creó el primer servicio del mundo dedicado al diagnostico y tratamiento de las enfermedades mamarias. En 1976 creó la Sociedad Internacional de Senología, que hoy agrupa a más de treinta sociedades nacionales.

Jean Marie Spitalier (1922-1990). Desarrolló su carrera en el Centro Contra el Cáncer de Marse-lla. Como ya hemos dicho fue pionero desde 1960 en el tratamiento conservador del cáncer de mama, habiéndonos dejado una gran estadística de mas de 8000 casos tratados, así como ha-biendo formado a más de 500 senólogos, termografistas y cancerólogos.

Tras el repaso histórico de la Senología y convencido de su importancia y de que el tiempo hará justicia deberemos recordar a B. Fisher, G. Bonadonna, U. Veronesi, B. Salvadori, etc y en el ámbito nacional a Florencio Tejerina que formó la primera unidad de patología mamaria de España en el hospital provincial de Madrid, a Alfonso Fernández Cid que hizo lo propio a nivel privado en el Instituto Dexeus de Barcelona, habiendo sobrepasado su comité de patología mamaria los 25 años, así como a Miguel Prats Esteve, fundador de la Sociedad de Senología y Patología Mama-ria de España y del primer master en Senología y Patología Mamaria de España, en la Universi-dad de Barcelona.

En diversas obras literarias se describen operaciones por cáncer de mama e incluso en represen-taciones artísticas aparecen mamas con signos de neoplasia como en HendryStofels modelo y segunda esposa de Rembrandt. Helena Fourment, también modelo y segunda esposa de Rubens, o en la Fornarina por ejemplo.

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Yalom, M. A History of theBreast. Harper Collins Publishers, London, 1997.

Tomado de: http://www.uninet.edu

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La carta que un médico de New York le escribió al marido de su paciente fallecida por cáncer de mama.

El pasado siete de diciembre fue un día relativamente tranquilo en el mundo, pero histórico para un médico de las urgencias del hospital presbiterano de Nueva York, fue el día en el que, por primera vez en sus más de veinte años en el puesto, trasladó sus emociones al familiar de un paciente.

El médico, anónimo, escribió a mano una carta para el marido de una de sus pacientes, que había muerto de cáncer de mama, una paciente tan especial que le obligó a romper la tradición que se remontaba a más de dos décadas. Tan especial carta sobre tan especial paciente ha llegado a Internet hace poco a través del hijo de la difunta.

El hijo la publicó en la popular web Reddit, donde ha sido vista por más de dos millones de personas y ha recibido miles de comentarios. Quizá ese fuera su mejor contexto. ”Si mi madre estuviera viva para ver esta carta querría que los lectores comprobaran el poder que tiene mostrarle compasión a un perfecto desconocido.

El apoyo que he recibido de Reddit ha sido increíble: médicos, enfermeras y otros internautas que también han perdido a sus madres se mostraron igual de impresionados de que un médico se molestara en escribir una carta tan sentida e importante”. En el párrafo de abajo tenéis la traducción completa.

”Querido señor (Oculto), Soy el médico de Tratamientos de Urgencia que trató a su mujer, la señora [Oculto] el pasado domingo en el departamento de urgencias del [Nombre del hospital Oculto]. No fue hasta ayer que recibí la noticia de que había fallecido y quería expresar mi tristeza. En mis 20 años como médico en Tratamientos de Urgencia nunca le he escrito al familiar de un paciente porque nuestros encuentros suelen ser apresurados y no permiten una interacción más personal. Sin embargo, en su caso, sentí una conexión especial con su mujer [Oculto], que era tan cautivadora y alegre a pesar de su enfermedad y sus problemas para respirar. Me emocionó el hecho de que pareciesen una pareja tan enamorada. Usted la apoyó, le preguntó todas las preguntas que tenía que preguntar con calma, interés y preocupación. En mi experiencia como médico, encuentro que el apoyo y el amor de un cónyuge o un familiar es el bálsamo más efectivo, ya que da paz y serenidad a los enfermos. Siento su pérdida y espero que encuentre consuelo en el recuerdo del gran espíritu de su mujer y del amor que les unía.

Mis más sinceras condolencias para usted y su familia.”

Carta Orginal

**Reddit es un sitio web de marcadores sociales y agregado de noticias donde los usuarios pueden dejar enlaces a contenidos web.

Otros usuarios pueden votar a favor o en contra de los enlaces, haciendo que aparezcan más o menos destacados 42

Las masas humanas más peligro- Soy un artista y eso significa que sas son aquellas en cuyas venas ha puedo ser tan egoísta como quiesido inyectado el veneno del mie- ra. do.... del miedo al cambio.

Algunos afirman que soy un teUn mundo nace cuando dos se rrorista, un dictador, y tienen besan. razón.

El amor nace de un flechazo; la La parte más importante de mi amistad del intercambio frecuen- religión es tocar la guitarra. te y prolongado.

Las estrellas del rock no se visten Erotismo y poesía: el primero es según el tiempo que haga. una metáfora de la sexualidad, la segunda una erotización del len- Pero lo que hago lo hago porque guaje. me gusta.

Cada poema es único. En cada obra late, con mayor o menor grado, toda la poesía. Cada lector busca algo en el poema. Y no es insólito que lo encuentre: Ya lo llevaba dentro.

Usted viva su vida; nadie puede hacerlo por usted.

La vida consiste en adaptarse y volver a adaptarse.

El hombre que no puede elegir ha La mucha luz es como la mucha perdido la condición humana. sombra: no deja ver.

Una de las tareas del novelista es La libertad, para realizarse, debe intentar entender lo que no puede bajar a la tierra y encarnar entre entender. los hombres. No le hacen falta alas sino raíces.

He tenido una vida más llena que otras. Al ser poeta, la he vivido En todo encuentro erótico hay un intensamente. personaje invisible y siempre activo: la imaginación.

Toda pintura es un hecho: las pinturas están cargadas con su propia presencia.

El arte comercial es mucho mejor que el arte por el arte.

En el futuro todo el mundo será famoso durante quince minutos. Todo el mundo debería tener derecho a 15 minutos de gloria.

En los años ochenta va a haber cada quince minutos un nuevo futuro.

La inspiración es la televisión.

No creo en la muerte porque uno no está presente para saber que, en efecto, ha ocurrido.

Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería una buena idea darles.

No preste ninguna atención a lo que escriben de usted. Valórelo en pulgadas.

Creo en las luces tenues y los espejos trucados.

La honestidad de la medicina me llena de dolor.

Espero a dios como golosina.

La moral es la debilidad del cerebro.

Ver lo invisible, oír lo inaudible Hay que ser absolutamente moderno.

Yo debería tener un infierno para mi cólera, un infierno para mi orgullo, y el infierno de las caricias; un concierto de infiernos.

Sin hablar, sin pensar, iré por los senderos: pero el amor sin límites me crecerá en el alma. ¡Por el rocío enjugada, qué bien me huele en el albor!

Iba por ahí, con las manos metidas en los bolsillos rotos; hasta tal punto mi gabán se volvía ideal...

Soy un inventor de muy distinto mérito que todos los que me han precedido; incluso un músico, que ha encontrado algo así como la clave del amor.

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d u a rible b m ter i R nt a f n l’e Poeta francés, representante de la escuela simbolista e integrante del grupo llamado “Los poetas malditos”

J

ean-Nicolas-Arthur Rimbaud nació en Charleville, cerca de la frontera con Bélgica, el segundo hijo de la familia.

Sus padres eran Frédéric Rimbaud, un oficial de carrera del ejército, y Vitalie Cuif, una mujer austera devota y consciente de origen campesino. Capitán Rimbaud era rara en la casa familiar en Charleville. En septiembre de 1860, después de varios enfrentamientos violentos con su esposa, dejó la familia para siempre.

A ELLA

En el invierno viajaremos en un vagón de tren con asientos azules.

Seremos felices. Habrá un nido de besos oculto en los rincones.

Cerrarán sus ojos para no ver los gestos en las últimas sombras, esos monstruos huidizos, multitudes oscuras de demonios y lobos. Y luego en tu mejilla sentirás un rasguño... un beso muy pequeño como una araña suave correrá por tu cuello...

Y me dirás: «¡búscala!», reclinando tu cara -y tardaremos mucho en hallar esa araña, por demás indiscreta.

hijos, Frédéric, fue lento, pero Arthur demostró promesa temprana. Los chicos entraron en la escuela juntos en 1861. En 1865, fueron trasladados a la Collège de Charleville.

Arthur pronto superó a su hermano académicamente, conoció gran éxito en todos los estudios, pero las matemáticas, y ganó una gran lista de premios finales de año.

El joven Rimbaud se describe

Madame Rimbaud crió a sus hijos para que sean ejemplos de la polémica y se dedicó al control completo de sus pensamientos y acciones. El mayor de los Arthur Rimbaud a la edad de 10, uno de los estudiantes del Instituto Rossat

(La tercera muchacho sentado desde la izquierda)

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como angelical, de ojos azules.

Madame Rimbaud separó sus hijos de los otros niños en la escuela, pero al final se encontraron con un amigo de largo plazo en Ernest Delahaye, que más tarde sería el biógrafo de Rimbaud.

Habilidad de Rimbaud en la composición de la prosa francesa y verso latino le ganaron el respeto de sus compañeros de clase.

El director del colegio le entregó, prestaba libros a su prodigio, y disfrutó de un éxito de Rimbaud en competencias académicas.

A principios de 1870, Rimbaud estaba llevando una doble vida.

Por fuera obediente, leyó vorazmente en todos los períodos y puntos de vista y formó una visión global sobre la base de la revolución contra las normas de la clase media.

Tenía la esperanza de convertirse en periodista y escapar de su madre, con quien se identificó todas las restricciones civiles y religiosas. Él compartió largos paseos con Delahaye, con quien leyó y discutió la poesía.

Varios de sus poemas latinos que ya se había publicado cuando su primera pieza larga de versos franceses aparecieron en enero de 1870.

En el mismo mes, Georges Izambard se unió a la facultad de la universidad como profesor de retórica. Izambard era muy joven, un liberal político y un poeta en su propio derecho. Alentó a Rimbaud, le prestó libros, y discutió con él la poesía.

A través de él, Rimbaud conoció a Paul Bretagne, un amigo del famoso poeta Paul Verlaine. El muchacho estaba intoxicado por el enlace con París y encontró una salida en los poemas que cele46

bran la naturaleza y aspiraciones poéticas, así como sátiras sobre el buen burgués de Charleville.

El 18 de julio, Napoleón III declaró la guerra a Prusia. Cuando terminaron las clases, Izambard dejó Charleville. El hermano mayor de Rimbaud huyó a seguir en el ejército. Delahaye era su único recurso.

Aislado, disgustado por el patriotismo burgués, y determinado a rebelarse, Rimbaud huyó.

El 29 de agosto, hizo su primer intento, que terminó con el encarcelamiento en París para viajar sin billete. Izambard pagó la fianza y lo devolvió a su madre.

Entre octubre de 1870 y abril de 1871, se escapó tres veces más.

Muchos poemas escritos durante este periodo son ataques violentos, revolucionarios en la sociedad burguesa y el gobierno nacional.

El dieciséis años de edad, Rimbaud fue probablemente en París a finales de abril de 1871, durante los últimos días de la Comuna de París, pero se fue antes de que el gobierno de Thiers retomó la capital de la “semana sangrienta” de mayo, 7-14.

Durante esta estancia, el colegial fugitivo fue testigo de escenas salvajes y posiblemente sufrió violación homosexual. También conocía el hambre y la exposición y volvió a casa enfermo y sucio.

Su personalidad y comportamiento habían experimentado un cambio dramático. Ahora estaba decidido a romper sus propios lazos con la vida normal.

Anécdotas Tras su despedida de la poesía, Rimbaud quemó la mayor parte de la edición de Una temporada en el infierno y marchó al Yemen y luego a Abisinia, donde ejerció de capataz, explorador de café, colono, explorador, expedicionario y traficante de armas. Como Verlaine insistía en enviarle cartas, finalmente contestó tajante: “Déjame en paz”.

Cuando el joven periodista Bardey se lo encontró en Adén le preguntó por su poesía. La respuesta de Rimbaud fue seca. Le negó incluso su condición de poeta. Le reconoció haber tratado con poetas en su juventud, pero le dijo que acabó “harto de semejantes pajarracos”. .

En julio de 1873, después de una pelea en la mansión sita en el 1000 de la Rue de Brasseurs de Bruselas, Verlaine le disparó tres tiros a Rimbaud. Falló los dos primeros, pero el tercero le alcanzó en la muñeca.

Rimbaud pidió auxilio a la policía, y de ahí vino la condena de Verlaine a dos años de trabajos forzados, pese a que Rimbaud, demasiado tarde, quiso retirar la denuncia. Al menos logró que la acusación pasara de “intento de asesinato” a meras “lesiones”.

Obras Le Soleil était Encore Chaud (1866) Poésies (c. 1869-1873) Soleil et silla (1870) Le ivre bateau (1871) Proses Évangeliques (1872) Une Saison en Enfer (1873) - publicado por el propio Rimbaud como un pequeño folleto en Bruselas. Aunque “algunos ejemplares se distribuyeron a los amigos en París ... Rimbaud perdió casi inmediatamente el interés en el trabajo”. [76] Illuminations (1874) Lettres (1870-1891) 47

SOL Y CARNE ¡Si volviera el tiempo, el tiempo que fue!

Porque el hombre ha terminado, el hombre representó ya todos sus papeles.

En el gran día, fatigado de romper los ídolos, resucitará, libre de todos sus dioses, y, como es del cielo, escrutará los cielos.

El ideal, el pensamiento invencible, eterno, todo el dios que vive bajo su arcilla carnal se alzará, se alzará, arderá bajo su frente.

Y cuando le veas sondear el inmenso horizonte, vencedor de los viejos yugos, libre de todo miedo, te acercarás a darle la santa redención.

Espléndida, radiante, del seno de los mares, tú surgirás, derramando sobre el Universo con sonrisa infinita el amor infinito, el mundo vibrará como una inmensa lira bajo el estremecimiento de un beso inmenso…

El mundo tiene sed de amor: tú la apaciguarás, ¡oh esplendor de la carne! , ¡oh esplendor ideal ¡Oh renuevo de amor, triunfal aurora en la que doblegando a sus pies los dioses y los héroes, la blanca Calpigia y el pequeño Eros cubiertos con nieve de las rosas las mujeres y las flores su bellos pies cerrados!

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Henri Fantin - Latour

Un rincón de mesa

Un rincón de mesa ( Paul Verlaine, Arthur Rimbaud, Elzéar Bonnier, León Valade, Émile Blémont, Jean Aicard, Ernest D’Hervilly, Camille Pelletan), 1872 (Corner of a table)

Óleo sobre lienzo, 160 x 225 cm París, Musée d’Orsa

Henri Fantin-Latour.

(Grenoble, 1836-Buré, 1904) Pintor francés. Constituye el eslabón que une la pintura moderna a la romántica.

Son muy apreciados sus retratos femeninos, sus bodegones y sus cuadros de flores. Su afición a la música le proporcionó temas para algunas obras.

Sus mejores obras están en el Louvre: Homenaje a Delacroix (1864), El taller de Batignolles (1870) y El rincón de la mesa (1872).

Paul Verlaine.

(Metz, 1844-París, 1896) Poeta francés. Considerado el maestro del decadentismo y principal precursor del simbolismo, es, en realidad, el único poeta francés que merece el epíteto de «impresionista» y, junto con Victor Hugo, el mayor poeta lírico francés del s. XIX. En 1851 su familia se instaló en París, donde Verlaine trabajó como escribiente en el ayuntamiento (1864). En 1866 publicó su primer libro, Poemas saturnianos, que revela la influencia de Baudelaire, al que siguieron Fiestas galantes (1869), en el que describe un universo irreal a lo Watteau, y La buena canción (1870).

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L

finalmente muere a los 37 años de edad.

Años después, Verlaine conoce a la hermana de Rimbaud, quien le solicita los escritos de Rimbaud que conserve para su eliminación, a lo que Verlaine se niega.

a película narra la tormentosa relación entre los poetas franceses Arthur Rimbaud y Paul Verlaine, desde el momento de su encuentro hasta la muerte de Rimbaud. Verlaine es seducido por el joven Rimbaud, lo que lleva al primero al distanciamiento de su acomodada vida, con su mujer y su pequeño hijo.

Juntos huyen a Inglaterra y Bélgica, hasta el momento que un irracional Verlaine dispara contra Rimbaud.

Finalmente, Verlaine rememora su tiempo con Rimbaud, y en una visión provocado por la absenta, que se ha convertido en su vicio, ve a Rimbaud expresándole su amor y respeto.

Verlaine es apresado y encarcelado por este incidente y además es acusado de sodomía. En la cárcel se convierte al catolicismo, mientras Rimbaud sigue con su carrera poética.

Una vez que Verlaine es liberado se reencuentran en Alemania para nunca más volverse a ver.

La crítica más común fue que la película nunca explica la importancia del trabajo literario de estos poetas, especialmente su rol en el desarrollo del movimiento simbolista. También se dijo que la película tenía muy poco desarrollo de las características de los poetas, en un momento radical de sus vidas.

Rimbaud abandona la literatura y se marcha al continente africano, donde un tumor en una rodilla lo obliga a regresar a Francia, donde 50

N

FI

Nelson Rolihlahla Mandela 18 de julio de 1918 5 de diciembre de 2013

by

U

Francis

na película basada en la novela homónima de Anthony Burgess, aunque diametralmente opuesta a la idea original sobre la moral y su relación con la naturaleza humana.

Stanley Kubrick se ensalza por proponer la fallida bús

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queda de la utopía en una sociedad moralista, al tiempo que el individuo se opone a su esencia: Lo que constituye la sociedad para sí y para los demás, propósitos no compartidos por éste, un visón para muchos pesimista, pues para Kubrick, el individuo alcanza

la integración cuando este pierde la cordura y es eliminado o alterado todo rastro de compasión.

E NA C R A A N N IC J A A M

E

s una película de Stanley Kubrick, en la que enfocados al Pop Art del momento observamos que en el Korova Bar tanto las mesas como los dispensadores de leche son producto del diseñador Allen Jones, quién se caracterizó por sus diseños explícitos acerca del cuerpo femenino y las poses que sus esculturas representaban.

Así mismo, en la entrada del bar se encuentran pegados algunos posters que ya obedecen la idea del pop art.

En el hogar del escritor, la esposa se encuentra sentada en una silla Bola muy similar a la de Eero Aarnio.

Vemos muy reflejado en el filme ciertos puntos en los que el Pop art se basa también: la crítica al ya existente consumismo de la sociedad, y el frecuente erotismo (las esculturas y pinturas en la casa de reposo, las pinturas en la habitación de Alex.

Esta película de ciencia ficción satírica está ambientada en la Inglaterra ‘del futuro’, teniendo en cuenta que se encontraban en 1965 y hacían la película pensando en cómo sería todo treinta años después.

La película está considerada como una distopía, es decir una utopía perversa en la que la realidad transcurre al revés que en una utopía, que sería la sociedad ideal.

Aunque parezca increíble este libro está inspirado en hechos reales ya que en 1944 la mujer de Burgess fue atacada en una calle londinense por cuatro soldados estadounidenses que le robaron todo lo que llevaba encima y, entre todos,

NARANJA MECANICA

A Clockwork Orange.

La naranja mecánica es un libro de Anthony Burgess de 1962, adaptado al cine por el célebre director de cine Stanley Kubrick nueve años después.

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la violaron, provocando así que ella, que estaba embaraza en ese momento, sufriese un aborto por culpa de los golpes recibidos. “… la Naranja Mecánica como la aplicación de una moralidad mecánica a un organismo vivo que rebosa de jugo y dulzura.”

(Anthony Burguess, La Naranja Mecánica, edición 1986) El tratamiento que se le realiza a Alex, es un análisis experimental del comportamiento, basada en la Psicología Conductista.

Cuyas críticas a esta corriente de pensamiento, tanto en la película como en la vida real, residen en que no toma en cuenta cómo se siente el individuo estudiado, o qué piensa; sino que sólo se preocupa de qué hace, cuáles son sus reacciones, y cómo se puede acondicionar.

Alex, es víctima de un experimento basado en la ley del reflejo condicionado formulado por Iván Pavlov. El condicionamiento pavloviano es un tipo de aprendizaje asociativo, cuya forma recuerda lo que Aristóteles llamaría la ley de contigüidad: “Cuando dos cosas suelen ocurrir juntas, la aparición de una traerá la otra a la mente”.

En la primera escena de la película podemos ver al protagonista, Álex junto a sus amigos Pete, Georgie y Dim en el bar lácteo ‘Korova’ tomando unos vasos de leche.

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Estos vasos no contienen leche realmente si no una serie de substancias, entre otras el alcohol, que hace despertar en esa banda juvenil, sus espíritus más violentos.

Mientras se encuentran en este extraño local lleno de maniquíes desnudos en perturbadoras posturas (de los pechos de los maniquíes era de dónde se sacaban la bebida los clientes de este bar), estos cuatro amigos planean cuál será su primera fechoría nocturna.

Así, mientras pasean por las calles durante la noche se encuentran a un viejo mendigo en pleno estado de embriaguez, debajo de un puente. Entre los cuatro lo rodean y comienzan a burlarse de él hasta que finalmente deciden propinarle al pobre diablo una brutal paliza.

‘Korova’ en ruso significa ‘vaca’, por lo que al principio de la película ya podemos ver demostraciones del idioma Nadsat utilizado a lo

largo del filme, del que posteriormente os voy a hablar.

Curiosamente este mismo bar también aparece en la película ‘Trainspoting’ con el nombre de ‘Voloko’.

Nadsat es una jerga juvenil inventada por el lingüista, novelista y compositor Anthony Burgess para su novela La naranja mecánica. Ésta toma gran parte de sus términos lenguajes eslavos, sobre todo del idioma ruso.

Fue popularizada por la versión cinematográfica de Stanley Kubrick

PERSONAJES. - Alex es el protagonista por excelencia de la película. Es demás el narrador de película, utilizando muy a menudo el lenguaje ‘Nadsat’ del que posteriormente os voy a hablar.

Este joven de diecisiete años vive con sus padres y les miente continuamente para no ir a clase alegando que está enfermo o se encuentra mal cuando lo que ocurre realmente es que trasnocha demasiado con sus fechorías nocturnas.

Su vida consiste únicamente en dedicarse a robar, violar o a manifestarse violentamente contra cualquiera, incluido de sus amigos de los que abusa constantemente.

En su habitación guarda sus botines, sus discos de Beethoven que escucha en unos grandes altavoces y a su mascota, la serpiente Basil.

Es claramente un psicópata y sin causa aparente, la interpretación del personaje varía según veamos la película o leamos el libro pero en el caso de la película Álex no llega a cambiar, nunca aprende nada, es egoísta, abusón y se pasa la vida haciendo daño a los demás sin ningún tipo de explicación aparente.

sale de la cárcel él se ha convertido en policía y es uno de los encargados de darle una brutal paliza y casi matarlo.

- Dim se podría decir que es el más tonto de la banda. Su comportamiento ya deja claro que le faltan unas cuantas primaveras pero esto no impide que sea una persona violenta y vengativa, con ansias de causar el caos.

Es el que más abusos sufren de parte de su líder, Álex, y no duda en traicionarlo y vengarse cuando tiene la oportunidad.

- Pete es el drugo del que menos se habla. Aparentemente apenas es violento y no se sabe muy bien qué hace en esa banda.

- Alexander es el escritor de la casa que invadieron, lo dejaron en la silla de ruedas y violaron a su mujer, provocando su posterior suicidio debido a la tortura psicológica que esta sufría.

- George es uno de los amigos de Álex, cómplice de sus fechorías e intenta convertirse en el líder del grupo.

Cuando se encontró a Álex de nuevo no dudo en vengarse fríamente de él e intentar que se suicidase.

Tampoco ha cambiado con el tiempo ya que cuando Álex

Un detalle curioso de este personaje es que cuando en

traron en su casa Álex y sus amigos él estaba escribiendo en la máquina de escribir su libro se llamaba ‘La naranja mecánica’ -Además de estos personajes tenemos al Ministro que opta por someter a Álex al tratamiento Ludovico y posteriormente se disculpa por las consecuencias, a los padres de Álex que aunque en principio parecen personas normales en dos años dejan de lado completamente a su hijo cuando vuelve a casa rehabilitado, al equipo de médicos del tratamiento, etc.

-Alex es interpretado por el actor Malcolm McDowell que se hizo célebre a raíz de esta interpretación.

-Dim, el drugo más idiota de todos es interpretado por Warren Clarke.

-Pete, el drugo menos violento y más racional de todos es interpretado por Michael Tarn.

-Georgie, el drugo que aspira ‘al trono’ es interpretado por James Marcus.

- Los padres de Álex son los actores Philip Stone y Sheila Raynor.

- El escritor Frank Alexander es interpretado por Patrick Magee y su mujer por Adrienne Corri.

- Por último, el ministro del interior lo llevó a la gran pantalla el actor Anthony Sharp

*drugos (del término ruso друг, «amigo», «colega»)

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Naranja Mecanica?

Es de pensar que la traducción de ‘Clockwork Orange’ es lo que en principio parece, ‘La naranja mecánica’ pero Anthony Burgess, el autor del libro, dijo en una ocasión que el título deriva de un vocablo proveniente de Malasia donde él residió unos años.

AUTOR DEL LIBRO

Este vocablo es ‘orang’ y significa ‘persona’ por lo que la traducción literal del título es ‘El hombre mecánico’.

Esto hace referencia al hecho de que una máquina se puede programas para que desempeñe una tarea igual que ‘programaron’ al protagonista de la película a su antojo a través del tratamiento Ludovico.

A

nthony Burguess; crítico, compositor, libretista, poeta, dramaturgo, guionista, ensayista, cronista de viajes, presentador, traductor, lingüista, pedagogo y, sobre todo, novelista británico.

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Nació el 25 de febrero de 1917 en el seno de una familia católica de la clase media de Manchester. Hijo de un contable y pianista de taberna. Cuando su madre murió de gripe en la epidemia de 1919, se hizo cargo de él una tía materna.

Cursó estudios de Literatura y Filología en su ciudad natal. Hizo el servicio militar en Gibraltar durante la Segunda Guerra Mundial entre 1940 y 1946, y lo evocaría en su primera novela, A vision of Battlement.

Fue profesor de la Universidad de Birmingham.

Entre 1948 y 1950 trabajó en el ministerio de Educación y algún tiempo después fue responsable educativo del Servicio Colonial, con base en Borneo (1954-1959).

En el tiempo que vivió fuera de su país escribió sus tres primeras novelas -Tiempo del tigre (1956), El enemigo en la manta (1958) y Camas en Oriente (1959)-, que se publicaron en 1972 bajo el título La trilogía malaya.

En 1962, su obra más famosa, A clockwork orange, (La naranja mecánica).

La obra, a la que se considera heredera de novelas como 1984 de George Orwell y Un mundo feliz, de Aldous Huxley, tuvo una vida más o menos tranquila hasta que en 1971, el director Stanley Kubrick decidió llevarla al cine.

El libro llegó a las manos de Kubrick a través del guionista Terry Southern, autor de ¿Teléfono rojo Volamos hacia Moscú. Stanley Kubrick se leyó de un tirón y decidió llevarlo adelante, para lo que pensó en el actor Malcom McDowell para interpretar a Alex DeLarge, el protagonista.

Otras de sus novelas son Poderes terrenales (1980) y El reino de los réprobos (1985), que gira en torno a los primeros años del cristianismo.

Entre sus obras de crítica se encuentran algunos estudios sobre Joyce y las biografías de D. H. Lawrence y Ernest Hemingway. Además escribió dos volúmenes autobiográficos, El pequeño Wilson y el buen Dios (1987) y Has tenido tu ocasión (1990).

Obras seleccionadas Novelas Time for a Tiger The Enemy in the Blanket Beds in the East The Right to an Answer The Doctor is Sick The Worm and the Ring Devil of a State A Clockwork Orange The Wanting Seed Honey for the Bears (as Joseph Kell) Inside Mr. Enderby The Eve of St. Venus Nothing Like the Sun: A Story of Shakespeare’s Love Life A Vision of Battlements Tremor of Intent: An Eschatological Spy Novel Enderby Outside M/F Napoleon Symphony: A Novel in Four Movements The Clockwork Testament, or Enderby’s End Beard’s Roman Women Abba Abba 1985 Man of Nazareth Earthly Powers The End of the World News: An Entertainment Enderby’s Dark Lady, or No End of Enderby The Kingdom of the Wicked The Pianoplayers Any Old Iron Mozart and the Wolf Gang A Dead Man in Deptford Byrne: A Novel

En 1968 fallece su mujer de una cirrosis alcohólica y vuelve a casarse con una condesa italiana. Desde entonces vivió entre Malta, Italia, Estados Unidos y Mónaco.

Anthony Burgess falleció el 25 de noviembre de 1993 en Twickenham.

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BANDA SONORA

Firmada por Walter Carlos (ahora como Wendy Carlos, tras su cambio de sexo), es una magistral mezcla de piezas originales de música clásica y el sintetizador moog, Entre las melodías destacan la Marcha fúnebre de Henry Purcell en la primera escena; la obertura de Guillermo Tell de Rossini, acelerada electrónicamente en la escena de la orgía de Alex con dos chicas (imágenes igualmente aceleradas y que, en su montaje normal, duraban 28 minutos); o la Novena sinfonía (scherzo) de Ludwig van Beethoven en la danza de las estatuillas abrazadas de Jesucristo.

(En los créditos de ese tiempo aparece como Walter Carlos).

W

endy Carlos es una compositora transexual de música electrónica estadounidense, ha publicado diecinueve álbumes, entre ellos el de la Banda Sonora de ‘La naranja mecánica’ y la Banda Sonora de ‘El resplandor’.

Wendy Carlos Fecha de nacimiento: 14 de noviembre de 1939, Pawtucket, Rhode Island, Estados Unidos es una compositora transexual de música electrónica estadounidense.

Carlos fue una de las primeras intérpretes famosas de música electrónica que usaron sintetizadores.

Estudio en la Universidad de Columbia (1966), Universidad Brown (1962). Premios: Premio Grammy al Mejor Álbum de Música Clásica La educación musical de Wendy comenzó cuando empezó a tocar el piano a los seis años. En su educa-

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ción académica pasó por la Brown University donde estudió Música y Física, y la Universidad de Columbia, donde obtuvo un máster en música.

En Columbia, Wendy Carlos fue alumna de Vladimir Ussachevsky, un pionero de la música electrónica.

Tras la graduación conoció a Robert Moog y fue uno de sus primeros clientes, sirviendo de ensayo para el posterior desarrollo del sintetizador Moog. Hacia 1966 Carlos conoció a Rachel Elkind con quien comenzó una relación profesional duradera.

Carlos ha vivido en Nueva York desde 1962.

Sus primeras seis grabaciones se publicaron con el nombre de Walter Carlos, aunque, siendo transexual, ya había cambiado su nombre Walter por Wendy.

En 1972 Carlos se sometió a una terapia de cambio de sexo.

La última publicación bajo el nombre de Walter Carlos fue By Request (1975). La primera publicación como Wendy fue Switched-On Brandenburgs (1979).

Su primera aparición tras el cambio de sexo fue una entrevista en la revista Playboy (en mayo de 1979), una decisión de la que más tarde se arrepentiría debido al mal gusto y poca seriedad con que el autor tomó y manipuló deliberadamente detalles tan privados durante su transición y por ende la publicidad indeseada que atrajo sobre su vida privada.

En su página oficial discute su transexualidad en un artículo en el que manifiesta que aprecia su privacidad sobre el tema.

Pistas 1. Title Music from A Clockwork Orange - Wendy Carlos 2. The Thieving Magpie (obertura de La urraca ladrona - de Rossini) 3. Theme from A Clockwork Orange -- Wendy Carlos 4. Ninth Symphony, Second Movement 5. March from A Clockwork Orange - Wendy Carlos y Rachel Elkind 6. William Tell Overture - Wendy Carlos 7. Pomp and Circumstance March No. 1 - Edward Elgar 8. Pomp and Circumstance March No. IV - Edward Elgar 9. Timesteps - Wendy Carlos 10. Overture to the Sun - Terry Tucker 11. I Want to Marry a Lighthouse Keeper - Erike Eigen 12. William Tell Overture 13. Suicide Scherzo - Wendy Carlos 14. Novena Sinfonía, Cuarto Movimiento 15. Singin’ in the Rain - Gene Kelly

E

rika Eigen poco conocida sobre ella, aparte de la canción de la película de la de Stanley Kubrick La naranja mecánica ‘registrado en 1971.

rest bajo el sello Decca Records

Ella era un miembro de Sunforest, una banda de folk psicodélico de corta duración formado en 1969 por Terry Tucker y Freya Hogue.

Han grabado un único álbum de estudio, sonido de Sunfo-

La Novena sinfonía de Ludwig van Beethoven suena en varias escenas.

La escuchamos cuando Alex ve la película de Hitler, cuando el escritor intenta hacer que se suicide escuchando la canción a todo volumen o cuando fantasea con una escena sexual en la nieve. No es extraño que la película revitalizara las ventas de la sinfonía coral.

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Dirección y Producción

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tanley Kubrick nació en el Bronx, Nueva York el 26 de julio 1928 Fallecimiento 7 de marzo de 1999 (70 años) Londres, Hertfordshire, Reino Unido, Jacques Kubrick, un médico y su esposa Sadie. Los Kubricks eran judíos y de origen centroeuropeo, pero Stanley y su hermana menor, Bárbara, no tenía una formación religiosa. Kubrick comenzó a interesarse por la fotografía a la edad de 13 años cuando su padre le regaló una cámara Graflex.

Como un joven adolescente, Kubrick también estaba interesado en batería de jazz y ajedrez. Lo hizo mal en la escuela secundaria, a pesar de que era muy inteligente y curioso - que a menudo se saltó la escuela para ir a ver las funciones dobles. Él sobresalió en la ciencia, sin embargo, pero sus calificaciones generales eran tan bajos que no descartaron la posibilidad de la universidad. En lugar de ello, se convirtió en un fotógrafo independiente para la revista Look.

Kubrick se casó con su novia de la secundaria, Toba Metz, a la edad de 18 años.

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Pronto fue ascendido al fotógrafo personal de Look y viajaba por todo el país, ganando una reputación como uno de los fotógrafos más calificados de la revista. Se quedó profundamente apasionado de ajedrez, fotografía y jazz. Los tres de estas actividades sería eventualmente influir en su estilo de hacer cine.

En 1949, Kubrick y su esposa se instalaron en un apartamento en Greenwich Village, Nueva York y comenzó a pasar tiempo en el Museo de Arte Moderno, que es donde se inspiró para convertirse en un director de cine, y señaló Max Ophuls y Elia Kazan como primeras influencias. Uno de sus amigos, Alexander Cantante, trabajó en la oficina de la marcha del tiempo, y consiguió un trabajo de Kubrick haciendo un documental de bajo presupuesto sobre Walter Cartier, un boxeador de peso medio que había sido objeto de un ensayo fotográfico.

En 1953, Kubrick había decidido dejar Look y hacer su primer largometraje, el drama bélico Fear and Desire. Kubrick autofinanciado

la película, pidiendo dinero prestado a su familia y amigos. Llamó la atención crítica, por lo que Kubrick decidió hacer otra película - también de forma independiente - el cine negro El beso del asesino. Su segunda película también perdió dinero, pero situó en la mente de los críticos como un joven director para ver.

James B. Harris, un amigo de Alexander Singer, se reunió con Kubrick y juntos formaron Harris-Kubrick Pictures. Kubrick dirigió el clásico noir The Killing, en 1956, que finalmente fue financiado por United Artists.

Juntos, Kubrick y Harris hicieron los Senderos de gloria (1957) y luego trataron de desarrollar varias otras películas que nunca llegaron a buen término.

En 1960, Kirk Douglas llamado por Stanley Kubrick para sustituir a Anthony Mann en Spartacus - porque Douglas y Mann no se lleva-

ban bien. Esta fue la película rara en la carrera de Stanley Kubrick, donde no tuvo entrada en el guion - porque ya estaba en la producción cuando se hizo cargo.

Stanley Kubrick hizo muchas de sus películas más celebradas en los años 1960 y 1970.

Comenzó con Lolita (1962), una adaptación de la novela de Vladimir Nabokov, que fue la última película que Kubrick y Harris hicieron juntos. Kubrick produjo sus próximas películas en solitario, incluyendo el Dr. Strangelove (1964), 2001: Una odisea del espacio (1968), La naranja mecánica (1972), Barry Lyndon (1975), y El resplandor (1980). Hizo Full Metal Jacket en 1987. Su última película fue Eyes Wide Shut, Kubrick murió pocos días después de terminar la edición de la película.

Premios: Premios Óscar: Mejores efectos visuales 1968 2001: A Space Odyssey Globos de Oro: Mejor Película – Drama 1961 Spartacus Premios BAFTA: Mejor película 1964 Dr. Strangelove Mejor director 1975 Barry Lyndon

FOTOGRAFIA

J

ohn Alcott (Isleworth, Hounslow, Inglaterra 1931 - Cannes, Alpes Marítimos, Francia 28 de julio de 1986) es un director de fotografía inglés, conocido por su colaboración en varias de las obras de Stanley Kubrick, de entre las cuales destacaría su trabajo en Barry Lyndon, ganadora de un Óscar a la mejor fotografía en 1975.

Ganador Premio Evening Standard British Film Awards 1985: Mejor labor técnica.

Ganador Premio Evening Standard British Film Awards 1982: Premio Especial

Además es un destacado miembro de la British Society of Cinematographers (BSC) desde 1976.

Premios: Mejor Fotografía - 1976, Barry Lyndon Mejor Fotografía - 1976, Barry Lyndon Ganador Premio LAFCA 1975: Mejor Fotografía (Barry Lyndon).

Ganador Premio NSFC 1975: Mejor Fotografía (Barry Lyndon).

Ganador Premio British Society of Cinematographers 1975 : Mejor Fotografía (Barry Lyndon).

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MONTAJE El montaje audiovisual puede ser definido como la ordenación narrativa y rítmica de los elementos objetivos del relato

B

ill Butler Nombre de nacimiento Wilmer C. mayordomo Bill Butler nació el 7 de abril de 1921 en Cripple Creek, Colorado, EE.UU. como Wilmer C. Butler. Él es conocido por su trabajo en Tiburón (1975), Vaselina (1978) y Rocky IV (1985). Él ha estado casado con Iris mayordomo desde el 28 de mayo de 1984. Tienen dos hijos. Él estuvo casado con Alma H.

Smith.

Sus dos hijas trabajaron en su película, Impostor (1997).

Miembro de la Sociedad Americana de Directores de Fotografía (ASC).

REPARTO:

Alex DeLarge (Malcolm McDowell), un delincuente psicópata y carismático, cuyos placeres son la música clásica (especialmente Beethoven), la violación y la «ultra-violencia».

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Lidera una banda de matones (Pete, George y Dim), Georgie (James Marcus) y Dim (Warren Clarke) a los que llama drugos, con los que comete una serie de violentas fechorías.

Droog, un Nadsat término del argot para “amigo” Nadsat es una jerga juvenil inventada por el lingüista, novelista y compositor Anthony Burgess para La naranja mecánica

Malcolm John Taylor Apodo Mick Malcolm John Taylor nació el 13 de junio de 1943 en Leeds, Inglaterra, a la clase trabajadora a los padres de Carlos y Edna Taylor. Su padre era un publicano y un alcohólico.

Malcolm odiaba formas de sus padres y luchó contra ella. Su padre estaba dispuesto a enviar a su hijo a una escuela privada que le dará un buen comienzo en la vida, por lo que Malcolm estaba lleno a un internado a los 11 años. Asistió a la Escuela-Hogar Tunbridge y la Escuela Cannock Casa en Eltham, Kent.

En la escuela, lo golpearon con la zapatilla o caña todos los lunes por su rebeldía. Mientras que en la escuela, él decidió que quería ser actor, sino que también fue en esta época que comenzó su amor por los coches de carreras. Asistió a la Academia de Londres de Música y Arte para estudiar actuación.

Mientras tanto, trabajó con sus padres, cuando lo perdió por quiebra, a continuación, tuvo una variedad de trabajos, desde el vendedor de café de mensajero.

Su primer papel en la pantalla grande fue en Pobre vaca (1967), aunque su escena de dos minutos se cortó en última instancia de la película terminada. Poco después, se llamó la atención del director Lindsay Anderson quien lo eligió para el papel de un estudiante rebelde en su película si ....

(1968).

La película le ayudo a ser conocido en Gran Bretaña, pero no en todas partes. Él estaba tan entusiasmado con el éxito de la película que quería hacer otra inmediatamente.

Comenzó a escribir lo que sería la semi-autobiográfica Un hombre de suerte (1973).

Mientras tanto, actuó como el infame Alex DeLarge en Stanley Kubrick controversial ‘s Mecánica Naranja (1971), un papel que le llevó a ser encasillado como un villano psicópata maníaco.

son trilogía de la clase obrera que se inició con si .... (1968).

A mediados de la década de 1980, los años de abuso de drogas, la cocaína y el alcohol, lo alcanzaron. Años de abusos tomaron su peaje en él; sus cabellos negros eran ahora grises. Buscando mayor de lo que realmente era, nadie quería echarlo por interpretar papeles pequeños.

A principios de 1976, pasó casi un año trabajando en lo que más tarde sería una de las películas más famosas de todos los tiempos, el semi-pornográfico Calígula (1979). Alrededor de ese tiempo, la industria cinematográfica británica colapsó, lo que le obligó a ir a Estados Unidos para continuar trabajando.

La década de 1990 fueron más amables con él, sin embargo.

En 1994, fue elegido como el Dr. Tolian Soran, el hombre que mató al capitán James T. Kirk en Viaje a las Estrellas: Generaciones (1994). Estaba de nuevo en la pista, interpretar villanos de nuevo. Jugó otra en los clásicos miniserie de la BBC Nuestros Amigos en el Norte (1996). Hoy, con más de 100 películas en su haber, es uno de los mejores actores de América.

Su primera película americana fue Escapar al Futuro (1979). Él entonces hizo Britannia Hospital (1982), la última parte de Lindsay Ander-

Él todavía no tiene la ciudadanía estadounidense, En la actualidad reside en el suburbio norteño de Los Ángeles, California.

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Michael Tarn.

Michael Tarn (18 de diciembre 1953) es un actor de cine y televisión británica.

Fue elegida como Pete en La naranja mecánica, y fue el único adolescente verdadero (16-17 años) en la banda.

Posteriormente tuvo papeles principales en “Es un hermoso día de mañana”, dirigida por John Goldschmidt, y el rol nombre en “Zigger Zagger”, dirigida por Ron Smedley.

Después de apariciones especiales en una sucesión de series de televisión fue elegido para “Donde hay Brass” de la televisión de Yorkshire. Desconocido para él.

Sus más recientes años se han tomado como director independiente y profesional de teatro, y actualmente vive en España.

Hizo algunas apariciones breves en los próximos 20 años, la última en 2000, cuando interpretó el papel de Vic en “Shooters” para Coolbean Producciones con Emma Watson , Gerard Butler , Aidan Quinn , entre muchos otros actores británicos bien conocidos.

Entre sus créditos teatrales incluyen hechizos tanto con la RSC y de Sociedades Nacionales de Teatro, con partes aclamada por la crítica como Rick en “Sticks and Bones” con Peter Weller, Rex en “La Ciudad del Azúcar”, de Stephen Poliakoff en el Teatro Comedia con Adam Faith.

Jaques en “Jaques y su amo” de Milan Kundera, y Sam en “Crossing Delancey” por Susan Sandler.

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Brian T. James James Marcus, nació el 23 de junio de 1942 en Romford, Essex, Inglaterra como Brian T. James. Él es un actor y director, conocido por Naranja Mecánica (1971), Burning de Londres: The Movie (1986) y la quema de Londres (1988).

Carrera televisiva de Marcus se remonta a la década de 1960. Sus créditos incluyen The Bill, Heartbeat, Lovejoy, Minder, Jane Eyre, de choque, el funcionario Desnudo, Los Profesionales, Víctima de accidente, el abuelo, Terry y junio, Z Cars, Mind Your Language, Woof!, Doctor Who y The Sweeney.

Fuera de Londres que es quizás mejor conocido por interpretar a Georgie, una de droogos de Alex en 1971 controversial película de Stanley Kubrick, La naranja mecánica.

Marcus co-escribió y dirigió la película de 1989, Tank Malling, protagonizada por Ray Winstone, Amanda Donohoe y Burning coprotagonistas de su Londres Glen Murphy, Sean Blowers , Rupert de Baker y Ross Boatman .

Warren Clarke Alan Clarke nació el 26 de abril de 1947 en Oldham, Lancashire, Inglaterra, como Alan Clarke. Él es un actor y productor, conocido por Naranja Mecánica (1971), Dalziel y Pascoe (1996) y Top Secret (1984).

troversial La naranja mecánica (1971) donde interpretó a ‘droog’ llamado ‘Dim’ opuesta Malcolm McDowell . Él apareció con McDowell de nuevo en el 1973 la película Un hombre de suerte.

Clarke es un entusiasta del golf y ha sido un seguidor del Manchester City desde que tenía 7 años de edad.

Tod el reparto:

Actualmente vive en Buckinghamshire.

Se le ofreció un papel importante en Clint Eastwood occidental, ‘s pálido El jinete (1985). su primera aparición en televisión fue en el largo correr Granada telenovela Coronation Street , inicialmente como Pickup Kenny en 1966 y luego como Gary Bailey en 1968.

Su primera aparición en una película importante fue en Stanley Kubrick ‘s con-

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1 Patrick Magee Mr Alexander 2 Adrienne Corri Mrs Alexander 3 Anthony Sharp The Minister 4 Godfrey Quigley Prison Chaplain 5 Michael Bates Chief Guard Barnes 6 Aubrey Morris Mr Deltoid 7 Michael Gover Prison Governor 8 Steven Berkoff Detective 9 Philip Stone Dad 10 Sheila Raynor Mum 11 David Prowse Julian 12 Clive Francis Lodger 13 John Clive Tormentor 14 Carl Duering Doctor Brodsky 15 Madge Ryan Doctor Branom 16 John Savident Conspirator 17 Margaret Tyzack Conspirator 18 Lindsay Campbell Police Inspector 19 Barrie Cookson Doctor Allcott 20 Virginia Wetherell Stage Actress 21 Jan Adair Handmaiden in Bible Fantasy 22 Prudence Drage Handmaiden in Bible Fantasy 23 Vivienne Chandler Handmaiden in Bible Fantasy

24 George O’Gorman Record Bootik Clerk 25 Jeremy Curry Jesus Christ 26 Craig Hunter Doctor 27 Cheryl Grunwald Rape Victim in Film 28 Neil Wilson Prison Check-in Officer 29 Guy Standeven Man with Flowers 30 Jack Arrow Ludovico Technician 31 Katya Wyeth Girl in Ascot Fantasy 32 Maurice Bush Charlie - Security Guard 33 Shirley Jaffe Victim of Billy Boy’s gang 34 Harry Hutchinson Tramp 35 Unknown Male 68 Tramp 36 Miriam Karlin Catlady 37 Paul Farrell Tramp 38 Richard Connaught Billy Boy 39 Peter Burton Minister’s Aid 40 Pat Roach Milkbar Bouncer 41 Pauline Taylor Psychiatrist 42 John J Carney Detective Sergeant 43 Gaye Brown Sophisto 44 Lee Fox Desk Sergeant 45Steadman Clark Milkbar Bouncer 46 George Spence Tramp 47 Joe Bartlett Inmate 67

AcontecImientoS Durante mucho tiempo muchos actores ha interpretado diferentes personajes, sobre todo a Alex como ejemplo.

En varios capítulos de Los Simpson donde se hace mención a esta película, en un capítulo, Bart aparece vestido como Alex: de blanco, con sombrero negro y un ojo con pestaña postiza. En este caso, Bart no tenía que contener su deseo sexual, sino el de comer pastelitos.

Durante la escena en la que Alex es sometido a ver películas ultravioletas (una paliza, la violación de varios chicos a una chica e imágenes de Hitler) con los ojos abiertos con ganchos, se le rayó una córnea y estuvo un tiempo sin ver.

El médico que aparece echándole gotas era un doctor real que prevenía la sequedad de sus ojos. Se dice que, desde entonces, McDowell no pudo volver a utilizar solución salina.

El actor Heath Ledger se inspiró en el personaje de Alex para su interpretación del Joker en El caballero oscuro (2008), que le reportó un Oscar póstumo.

Nombre e inspiración.

El título original, A clockwork orange, se menciona dos veces en la novela, pero ninguna durante la película. El autor del libro, Anthony Burgess, confesó que se derivaba de una antigua expresión cockney (el argot del sur de Londres), «as queer as a clockwork orange», que significa «tan raro como una naranja mecánica». También hay quien lo interpreta como El hombre mecánico porque se cree que orange (traducida aquí como naranja) en realidad viene del término ourang, un vocablo de Malasia, donde Burgess vivió varios años, que significa persona.

En 1944, y tras volver a Londres después de su estancia en Malasia, la mujer de Burgess, que estaba embarazada, fue violada por cuatro soldados americanos durante un apagón.

Debido a la paliza, perdió al bebé y ese terrible suceso inspiró al autor para su novela.

El filme costó dos millones de dólares y recaudó más de 40. De estos beneficios, el 40 por ciento fueron para Kubrick y se aseguró el control total sobre sus películas gracias a un acuerdo con Warner.

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Po en rB La política, que dice relación con el ejercicio del poder, viene del griego “polis” o ciudad. Hoy por hoy, la única manera de ejercer poder y de gobernar los designios de los países, es por medio de la política (en cuanto a naciones democráticas).

La política, es la fuerza que mueve las naciones. Ya que todas las circunstancias o decisiones importantes, pasan por una movida política. Y es que todo gobierno democrático, depende de la política, para poder ejercer autoridad y tomar decisiones en pro de los ciudadanos.

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Votar o no he ahi el dilema.

Será válido el cuestionamiento; ¿que tenemos el gobierno que merecemos?

Son muchos los partidos políticos e integrantes a esos partidos. Pero quien en verdad establece las reglas y mueve los hilos del poder son pocos.

Antes de continuar con ese punto veamos qué pasa con la política: Serán el político abusivo, embriagado de poder y dinero, (como muchas veces a ha visto) o ¿realmente los ciudadanos somos los culpables?, La gente que puede ejercer su voto del 100%, máximo un 30- 50% no vota (o no votamos), ¿Por qué? Expresamos; todos los políticos son iguales, advertimos que cada fin sexenio sale a relucir lo poco éticos (felones) que son algunos políticos, y recapacitamos; yo vote por ese tipo, uuufff, mejor no voto para no tener cargo de conciencia.

Esto no es nada nuevo en el país más poderoso como EUA, la población que puede votar solo lo ejerce un 30-40% o menos, contando con solo 2 partidos políticos y donde la ideología es prácticamente la misma es de esperar.

Para terminar con tanto poder de los políticos, quizás sería mejor hacer lo contrario de lo que hacemos, será allegase a la política y ejercer de manera consiente voto de “alternancia política” para que se lo ganaran los representantes de los partidos según sus acciones. Se tendría que castigar duramente a los partidos, no a los individuos.

Cada partido es responsable de sus integrantes, cuando hacen cosas malas, el partido se deslinda de ellos con la expulsión y ya. Que fácil solución.

(La falta de responsabilidad de los partidos siempre es presente).

Pero; ¿quien ejerce el verdadero poder?

En pequeño ejemplo nos servirá para sacar conclusiones fáciles, siguiendo la trayectoria de una política.

1982-1015: dos secretarias (no puesto menor), 3 diputaciones, 2 senadurías, presidenta de partido un par de veces Como este ejemplo existen muchos de diferentes

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personajes de diferentes partidos. Toda una vida viviendo de nuestros impuestos y son esa personas la que imponen a los demás que viene detrás.

Por otra parte, veamos como en 35 años ha crecido el número de… representantes políticos. (Del pueblo es una falacia) LXII Legislatura 2012 - 2015 La Cámara de Senadores tiene 128 miembros, de los cuales 64 son elegidos estatalmente (dos por estado) y uno se le otorga a la primera minoría, los 32 restantes son elegidos por medio del principio de elección plurinominal.

Por un lado, la Cámara de Diputados es denominada como la Cámara Baja del Congreso de la Unión; la cual cuenta con un total de 500 diputados, de los cuales 300 son elegidos por mayoría relativa de acuerdo con cada distrito electoral y 200 son elegidos mediante el principio de representación proporcional con 5 circunscripciones plurinominales.

L Legislatura 1976 - 1979 En la L Legislatura, la Cámara de Diputados estuvo compuesta por un total de 238 diputados, de los cuales 196 eran electos por mayoría en cada uno de los distritos electorales y 41 más eran Diputados de partido, asignados de forma proporcional a los partidos que no obtenían victorias en los distritos.

Los miembros del Senado de la República fueron electos dos por cada estado y el Distrito Federal, dando un total de 64 senadores y tú... ¿que piensas...?

Clase política.

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ecuerdo que una ocasión leí que Carlos Marx decía que solo existe 2 clase, ricos y pobres, por decirlo llanamente, pero en un momento de la historia nació una nueva clase (eso creo) la llamada “clase política”, pero quienes son y que hacen.

Al parecer son personas, de un núcleo muy cerrado –no entra cualquiera- existe mucho el nepotismo, es como heredar un puesto, sino al menos si el estatus, son personas, a simple vista “normales”, pero acostumbradas a buena vida, comida, transportes de lujo, seguridad personal, etc.

Como buen animal de costumbres, dejan un puesto para inmediatamente colocarse en orto similar o por que no superior, son de enorme expresión al hablar y expresivos así como gesticulante, -pareciera que dicen algo, y con su semblante expresan otra cosa- su lenguaje es fluido, y a su vez enrevesado, es decir, no se les entiende.

Con el cargo encomendado (por el pueblo) en ocasiones son engolados y prepotentes, caso curioso sin su cargo casi no son vistos y son sumisos, apacibles y hasta amistosos.

Casi todos cuando no consiguen lo que quieren despotrican de sus adversarios, y cuando no les sirve a “otros” de

mayor jerarquía lo “jubilan” y no vuelve aparecer en escena (tv, radio, periódicos etc.) quizás en una entrevista de algún reportero distraído o imprudente, esta persona mencionan que se dedican a vivir de su “pensión” y cosechar flores o bien escribir libros.

mucho es necesario sus merecido asueto, e ir a gastar a otro país el dinero bien ganado por su exhausto trabajo.

Esta clase de humanoides, dan empleo a personas capacitadas en asuntos de belleza, personalidad y sobretodo asesores (algunos muy malos) que le indican que decir y cuando, cuando esta persona es incapaz de captar las ideas de lo que se indica usan audífono (que no se vean) y no equivocarse… demasiado.

Lo más lamentable que es muy difícil extinguir esa clase (política) que acaba con personas, pueblos, países y hasta con ellos mismos, sería como terminar con los pobres o ricos de un país de un hachazo en un sexenio o milenio.

Su “virtud” mayor, es que nos dicen a todos que ellos son buenas personas y quieren lo mejor para el pueblo, pero sobre todo, que ellos son muy necesarios en la vida. Su pequeño inconveniente de tales individuos, que dicen una cosa y realizan otras.

Se les ve siempre en los llamados cabildeos en todas partes con seres de su misma especie, (en lugar de trabajar, aunque para ellos, eso es trabajar) y poniéndose de acuerdo donde (lugar) se enborr… No, perdón, donde se reunirán para discutir asuntos de mucha importancia (claro, que solo para ellos).

En asuntos de relevancia nacional, discuten como gastar el dinero (que no es de ellos , por supuesto) en ese tipos de asuntos ocupan mucho tiempo, claro hasta un día antes de vacaciones, como ellos creen que trabajan

Sus palabras prohibidas: nepotismo, robo, desfalco, mordida, corrupción, etc.

Quizás lo recomendable seria que en lugar de su acabamiento, mejor que cambiaran, como ejemplo, un ratero, decirle si vas a robar, hombre que sea menos… ¿No? NO OLVIDES VOTAR Evita la extinsión

DEF: Clase política, o la élite política es un concepto creado por el sociólogo y político italiano Gaetano Mosca (1858-1941).

El concepto hace referencia a un grupo relativamente pequeño de activistas que está muy consciente y activo en la política, y de la que forman gran parte de la dirección nacional de un país.

REF: Albertoni, Ettore, Mosca and the Theory of Elitism. (1987).

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Por Mier&

Lou Reed era un fan del rock y el rhythm and blues que tocaba en varias bandas en el instituto y había grabado un disco sencillo de estilo doo wop como miembro de The Shades. Asistió a la Universidad de Syracuse, donde conoció al poeta Delmore Schwartz, quien le animó a convertirse en escritor. Reed también se aficionó al free jazz y a la música experimental. Más tarde afirmó que sus objetivos eran “traer la sensibilidad de la novela a la música rock” o escribir “la Gran Novela Americana” en un disco.

Víctor Manuel comenzó a finales de los 60, muy joven, cantando pop. Pronto se dedicaría a crear retratos costumbristas de su entorno, como “El abuelo Vítor”, llenos de sabor asturiano -su tierra- y críticos en su realismo descriptivo, que le dieron mucha popularidad. Los 70 son años muy comprometidos políticamente y de pocas concesiones comerciales para Víctor, aunque, a finales de esta época, fragua un estilo de canción de calidad y apta para todos los públicos que le devolvió la cosecha de éxitos.

A yellow ribbon round the old oak tree, conocida tradición de los norteamericanos como símbolo de lealtad, y basado en una legendaria canción de amor durante tiempos de guerra.

Dawn & Tony Orlando, convirtió en su hit esta canción que dio la vuelta al mundo en 1973, y con el cuál hasta el día de hoy se mantienen. Oriundos de Nueva York, esta banda nace de un simple encuentro con la casualidad marcada por fracasos musicales del pasado. A pesar de tal suceso fue de corto plazo en el mundo musical.

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Lou Reed Lou Reed, contribuye al el punk rock, también escribe de mujeres fatales, ángeles negros y heroína, Expande la nomenclatura de las guitarras eléctricas, durante 40 años de inspiración ensayo todo tipo de música Lou Reed; cantante y compositor de los TheVelvet Underground de la década de los 60s.

R

eed es conocido como poco convencional, extraño, compositor e intérprete.

Formó la Velvet Underground con el fin de hacer canciones que realmente quería escribir.

La música Reed escribió, junto con John Cale, la diferencia a cualquier en su momento. Sus letras hablan de temas tales como el uso de drogas, la muerte y la perversión sexual.

Fue atacado, la decadencia de desesperación revelada en sus primeras obras, sin embargo, estas canciones son ahora, por muchos llamadas brillantes.

Como parte del show de Andy Warhol de medios mixtos, “The Exploding Plastic Inevitable”, a finales de 1960, la Velvet Underground se concentró en los efectos visuales salvajes en sus actuaciones en directo.

Aunque el grupo no ganó un amplio reconocimiento antes de separarse a principios de 1970, su música y conciertos generan un nuevo estilo de rock and roll, e influidos por new wave y el glitter-rock representado por David Bowie, Roxy Music, y Talking Heads.

El segundo álbum en solitario de Reed, Transformer, le ganó muchos

seguidores en los Estados Unidos y Europa.

Las letras no son sustancialmente diferentes de los de la época de Velvet Underground, pero la popularidad del álbum de los jóvenes refleja el cambio de actitud de la sociedad hacia los temas anteriormente tabú.

Transformer trataa principalmente con la homosexualidad, pero en vez de las revelaciones que se podría esperar de un profeso homosexual, los críticos encontraron la imaginería sobre todo tímida y estereotipada.

Una canción, sin embargo, hizo un llamamiento a los fans y críticos por igual. “Walk on the Wild Side” se convirtió en un ciudadano topten hit de Reed, y algunos críticos consideran que es un ejemplo de su capacidad de escribir potente rock and roll.

Berlín fue recibido con reacciones encontradas. Temáticamente se relata la historia de desastroso primer matrimonio de Reed, y mientras algunos críticos han denominado el álbum un error, otros lo consideran un brillante álbum conceptual.

Una historia sencilla, básicamente, incluye todos los principales temas emasculación de Reed, el sadismo, la misoginia, el abuso de drogas, y el deterioro emocional. El tono de-

primente, lo más a menudo citado como el mayor defecto del álbum, se alivia sólo ocasionalmente por el humor sardónico de Reed. Reed siguió este álbum con varias obras banales, incluyendo Metal Machine Music, dos registros con exactamente 16,1 minutos por cada lado, que consiste en el sonido de una cinta en blanco correr y algunos ruidos de arañazos.

bién es muy autobiográfico.

Aquí Reed explora algunas de las fuerzas que lo formaron, y también describe vagamente los acontecimientos que condujeron a su segundo matrimonio. Los revisores tienden a coincidir en que, pese a las letras fuertemente literarias, la música es peatonal y mantiene Growing Up in Public ser el mejor trabajo de Reed.

Obras como éstas, y el comportamiento alienante de Reed en público, bajaron drásticamente su credibilidad ante los críticos y todos, excepto sus más fieles seguidores.

La calidad poética de las letras de Reed y mensaje la vida e sdura, que él expone en toda su obra probablemente explica su apelación constante a los adultos jóvenes. Los críticos, sin embargo, siguen en desacuerdo sobre su condición de compositor.

Reed se redimió en cierta medida con Street Hassle, que los críticos en general se cree exhiben el dominio aparece por primera vez en su trabajo con la Velvet Underground.

Con este disco intenta explicar por qué la mayor parte de su trabajo ha estado a la altura de la promesa de los álbumes de Velvet Underground.

Característica mezcla de Reed de horror y de la humanidad en medio de rarezas estilísticas está presente, pero la emotividad personalizado de la letra que distingue el álbum de sus antiguos lanzamientos. Growing Up in Public (décimo álbum) tam-

Algunos todavía están esperando por él para que coincida con la calidad de su trabajo con la Velvet Underground, mientras que otros creen que lo ha hecho en varias ocasiones y reconocer Reed como una de las personalidades más im-

portantes en el rock and roll contemporáneo.

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Punk rock, es un género musical dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970.

Este género se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y amateur. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías simples de duraciones cortas, sonidos de guitarras amplificadas poco controlados o ruidosos, pocos arreglos e instrumentos, y, por lo general, de compases y tempos rápidos.

Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, bajo y batería.

Orígenes musicales: Rock, garage rock, rock psicodélico, glam rock, proto-punk, surf rock, rockabilly.

Derivados: New wave - Garage punk Rock alternativo - Grunge.

Subgéneros: Anarcho-punk - Hardcore

punk - Horror punk - Post-punk - Deathrock - Skate punk - Oi! - Dance punk - Crust punk - Punk cristiano - RiotGrrrl - Art punk Fusiones: Tone - Anti-folk - Celtic punk - Cowpunk - Deathrock - Folk punk Gaelic punk - Gypsy punk - Pop punk Psychobilly - Punk blues - Punk jazz - Ska punk El glam rock es un estilo visual dentro de géneros musicales nacido en Gran Bretaña, cuyo apogeo tuvo lugar entre 1971 y 1974. Su nombre es una apócope de la palabra «glamour».

estructuras e instrumentos poco comunes.

Con orígenes culturales mediados de la década de 1980.

Con subgéneros: Post-metal, drone metal.

Lou Reed - “TheRaven”

En 2003, Lou Reed compuso un álbum doble, inspirado en textos de Edgar Allan Poe, con colaboraciones de David Bowie y Laurie Anderson.

El avant-garde metal, metal experimental, metal vanguardista o art metal, es un subgénero del heavy metal caracterizado por el uso de elementos vanguardistas, la experimentación y el uso de sonidos,

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ewis Allen Reed (Brooklyn, Nueva York) Nació el 2 de marzo de 1942 en el seno de una familia judía de clase media de Freeport, Long Island, Nueva York.

Hijo de Sidney George Reed, contable, y de Tobby Futterman Reed, ama de casa.

De carácter introvertido y problemático, fue sometido a terapias de electroshock por su familia.

A los 15 años descubre el doo woop que tanto influiría en su obra musical.

Creció también bajo la influencia de los vibrantes sonidos del rhythm blues que inundaba las calles de Nueva York, siendo Frank Valli & The Four Seasons una de sus formaciones de cabecera.

Crea su primera banda, The Jades, con los que graba un single, “Leave her for me” /”So blue”. En 1960 entra en la Universidad de Syracuse para cursar estudios de Literatura Inglesa.

Allí conoció al poeta Delmore Schwartz con el que entabló una buena amistad e impulsó su pasión por la lírica. Amante de la literatura, pronto mostró gran interés por las letras.

En 1964 conoce a un estudiante de música clásica de origen galés llamado John Cale con el que toca en The Primitives. Juntos fundan un grupo de rock experimental: The Velvet Underground, banda apadrinada por el artista plástico Andy Warhol. A ellos se unieron Sterling Morrison y Maurren Tucker.

Rechazando los modelos musicales y temáticos de su tiempo, desarrollaron un estilo urbano. Las letras de sus canciones son las del lado salvaje de la vida, historias observadas metódicamente en las calles de su idolatrado Nueva York.

Personajes, inventados o no, que buscan y casi nunca encuentran, que sufren hasta el extremo los penosos vericuetos del destino. Con ellas, Lou Reed, además de ser sinónimo de rock and roll, se convirtió en uno de los letristas “poetas” más válidos del final del siglo XX, hijo predilecto de Wi-

lliam Burroughs, Charles Bukowsky y Delmore Schwartz.

Aparece “The Velvet Underground & Nico” el primer álbum del grupo, que es un rotundo fracaso comercial. Después de que la banda se dividiera en 1970, se trasladó a Inglaterra para grabar Lou Reed (1972).

Su álbum de 1973 incluía “Walk On The Wild Side”, una canción que hablaba sobre los transexuales y que fue censurada en algunas radios. Sus discos posteriores son: Rock ‘n’ Roll Animal (1974), Street Hassle (1978), New Sensations (1984), New York (1989), Magic and Loss (1992) y Set the Twilight Reeling (1996).

En 1990 se reúne con Cale para trabajar en “Songs for Drella”, álbum tributo a su amigo y mentor Andy Warhol, fallecido en 1987. El disco propicia una improvisada reunión de Velvet Underground durante la inauguración de una exposición sobre Warhol y la Factory en Versalles, París.

En 2003, un año después de estrenar el espectáculo teatral ‘Poe-try’, basado en textos de Edgar Allan Poe, Lou Reed continúa explorando el gótico universo de este autor en su nuevo álbum, titulado The Raven. En 2007 aparece su trabajo Hudson River Wind Meditations.

En 2011 lanza junto a la banda Metallica un disco de estudio que titula Lulu.

En sus años finales no paró de ganar detractores por sus últimas propuestas artísticas, tan alejadas de sus primeras señas de identidad.

Con fama de huraño, manipulador e imprevisible, de trato muy difícil. Pareja de Betty Reed en 1973, de Sylvia Morales de 1980 a 1994, y de la compositora y cantante Laurie Anderson desde 2008.

Lou Reed murió en Long Island, Nueva York, a los 71 años edad, el 27 de octubre de 2013, cinco meses después de que se supiese que se había sometido a un trasplante de hígado.

Discografía Con The Velvet Underground The Velvet Underground and Nico (1967) White Light/White Heat (1968) The Velvet Underground (1969) Loaded (1970) En Solitario Álbumes de estudio Lou Reed (1972) Transformer (1972) Berlin (1973) Sally can’t dance (1974) Metal Machine Music (1975) Coney Island baby (1976) Rock ‘n’ roll heart (1976) Street Hassle (1978) The bells (1979) Growing up in public (1980) Suck me! Live at CBS-FM (1981) The blue mask (1982) Legendary hearts (1983) New sensations (1984) Mistrial (1986) New York (1989) Songs for Drella (1989) Magic and loss (1992) Set the twilight reeling (1996) Ecstasy (2000) The Raven (2003) Hudson river wind meditations (2007) Lulu (2011) Álbumes en vivo Rock n Roll Animal (1974) Lou Reed Live (1975) Live: Take No Prisoners (1978) Live in Italy (1984) Live in Concert (1996) Perfect Night: Live in London (1998) American Poet (2001) Animal Serenade (2004) Le Bataclan ‘72 (2004) Berlin: Live at St. Ann’s Warehouse (2008) Through the years: New York 1983 - Spain 2004 (2008) The Creation of the Universe (2009) Álbumes recopilatorios Walk on the Wild Side & Other Hits (1975) Walk on the Wild Side: The Best of Lou Reed (1977) Rock and Roll Diary: 1967-1980 (1980) City Lights (1985) Retro (1989) The Best of Lou Reed & The Velvet Underground (1995) Different Times: Lou Reed in the ‘70s (1996) Perfect Day (1997) The Definitive Collection (1999) The Very Best of Lou Reed (2000) Legendary Lou Reed (2002) NYC Man (The Ultimate Collection 19672003) (2003) NYC Man: Greatest Hits (2004) The Essential Lou Reed (2011) 76

co-escribieron en Bell y en marzo de 1972 el tema “Rock’n’Roll”, canción (número 2 en Gran Bretaña) que pronto se convirtió en un himno rockero en inglaterra.

Glitter rock

E

l término se acuñó haciendo honor a Gary Glitter, después del enorme éxito que obtuvo en el año 1971 su canción “Rock & roll” y hace referencia a la facción del glam más festiva y comercial.

Nacido el 8 de mayo de 1944 (otras fuentes citan 1940) en Banbury, este cantante británico se apuntó al maquillaje, se enfundó en trajes resplandecientes con vestimentas plateadas y, de la mano del productor y compositor Mike Leander, comenzó a editar una retahíla de singles de gran resonancia popular durante comienzos de los años 70, que festejaban con teatralidad y júbilo los procederes clásicos del rock’n’roll de los 50.

Cuando Gary Glitter (de nombre real Paul Gadd) alcanzó el estrellato en la Gran Bretaña del glam-rock no era un principiante de la música. Previamente ya había tocado en un grupo de skiffle denominado Paul Russell & The Rebels y lo había intentado en solitario haciéndose llamar Paul Raven y Paul Monday.

Ninguno de estos proyectos, que incluían colaboraciones con George Martin en la producción, logró sacarle del anonimato.

Fue en los años 70 cuando Paul, rebautizándose como Gary Glitter, logró el éxito comercial y un lugar en la historia del rock.

Así, Leander y Glitter, acompañados instrumentalmente por la Glitter Band

Más tarde aparecieron LPs como “Glitter” (1972), “Touch Me” (1973), el directo “Remember Me This Way” (1974) o “GG” (1975), y singles como “I Didn’t Know I Loved You (Till I Saw You Rock’n’Roll)” (número 4), “Do You Wanna Touch Me” (número 2), “Hello Hello I’m Back Again” (número 2), “I’m The Leader Of The Gang (I Am)” (número 1), “I Love You Love Me Love” (número 1), “Remember Me This Way” (número 3), “Always Yours” (número 1), “Oh Yes, You’re Beautiful” (número 2), “Love Like You And Me”, “Doing Alright With The Boys”, “Papa Oom Mow Mow” o “Hello Hello I’m Back Again”.

Con posterioridad grabó en Arista y en GTO con menos fortuna. La llegada de la música punk, con la que compartía energía y arrojo en directo, provocó que su estrella, criticada en su momento por la prensa inglesa, dejase de brillar aunque todavía sus conciertos reunían a una audiencia multitudinaria en el Reino Unido a pesar de sus problemas con las drogas.

A finales de década Gary viajó a Nueva Zelanda para intervenir en una escenificación teatral del “The Rocky Horror Show”.

En la segunda mitad de los años 90 Gary Glitter pasó uno de los peores momentos de su vida al sufrir un proceso judicial a causa de posesión de pornografía infantil.

Fue sentenciado en 1999 a cuatro meses de cárcel. Tras cumplir su condena decidió abandonar el Reino Unido, residiendo en Cuba y en Camboya.

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Lou Reed vs David Bowie

En una cena en el restaurant Chelsea Rendezvous, el año 1979, mientras ambos artistas, David Bowie y Lou Reed, disfrutaban de una cena tranquila.

Repentinamente, Reed se avalanzó encima de Bowie y empezó a golpearlo en la cara.

Los motivos nunca estuvieron muy claros, al aunque aparentemente se trató un choque de egos entre ambos músicos. La mayoría de los presentes esa noche, testigos de la trifulca, solo recuerdan que Bowie y Reed se empezaron a golpear fuertemente y fue necesario que nueve personas intervengan para separarlos.

Luego de un rato, Bowie y Reed se reconciliaron y hasta se besaron, pero Reed se enfureció nuevamente y empezó a golpear a Bowie en la cara echándose sobre la mesa. Esta vez Lou Reed fue desalojado del restaurant.

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bum de Patti Smith Horses, e hizo lo propio conBrian Eno, con Nico, Jonathan Richman and The Modern Lovers, Squeeze, Sham 69, Ian Hunter y Propaganda, entre otros muchos. Esto ocurrió en el período que transcurrió entre los años 1976 y 1981, espacio de tiempo en el cual su carrera en solitario quedó hibernada.

C

John Cale

ale, John (Garnant (Gales) 9 de marzo 1942). Músico multiinstrumentista y compositor de formación clásica en. Fue conocido como miembro del grupo rock The Velvet Underground.

Nacido en el seno de una familia humilde, su padre era minero, y su madre una profesora de escuela. El joven John destacó muy rápido como músico, antes de cumplir los trece años, debutó tocando con una composición suya en la BBC de londres. A inicios de los 60s, ganó una beca de Leonard Bernstein para estudiar música en los Estados Unidos.

En aquella época la corriente avant– garde influyó de gran manera en la formación musical de Cale. Se trasladó a Nueva York, donde participó en un concierto de piano de 18 horas de duración junto a John Cage. También se integró en The Dream Syndicate, una banda minimalista liderada por LaMonte Young.

Poco tiempo después, Cale conoció a Lou Reed cuando formaba parte del grupo The Primitives, coincidieron en un proyecto común, ya que ambos ambicionaban exportar la sensibilidad de la música avant-garde hasta el rock.

En el año 1968 Cale se encontró fuera del grupo. No se supo si se marchó él o Reed le echó, en un intento de apoderarse del control total del grupo.

Uno de los primero trabajos que realizó Cale tras su marcha del grupo fue producir el disco de Nico (antigua compañera en The Velvet Underground), The marble index.

También produjo el debut de The Stooges, el grupo de Iggy Pop; todo esto ocurrió en el año 1969.

En el año 1970 llegó el debut de Cale en solitario, el álbum Vintage violence, considerado como uno de sus mejores discos, con un estilo rock más suave que su etapa anterior. A este le siguió Church of anthrax, álbum instrumental grabado en colaboración con el compositor minimalista Terry Riley.

Estos dos primeros discos en solitario dieron la clave de por dónde deambuló su carrera como solista. Su trayectoria post The Velvet Underground se movió entre algunos trabajos más convencionales y otros experimentales.

En el año 1972, y esta vez en Reprise Records, editó el sinfónico álbum The Academy in peril, al que siguió Paris 1919, un disco de larga duración repleto de pop, lanzado al mercado un año después y considerado como una de sus obras maestras.

En el año 1974 Cale firmó con Island Records un contrato que le unió a dicha discográfica, cuyos tres primeros discos, Fear, Slow Dazzle y Helen of Troy, fueron editados en los años 1974, 1975 y 1976.

Estos tres álbumes estaban orientados hacia el rock, y, mientras tanto, su actividad como colaborador y productor no cesó. Tocó y produjo el clásico ál-

En el año 1981 llegó Honi Soit, el primer disco de Cale en cinco años, disco pop al que siguió el año siguiente Music for a new society, álbum bastante más oscuro que su predecesor. Caribbean Sunset, editado en el año 1984, fue grabado con una nueva banda, con un sonido más fresco y espontáneo, y fue seguido a continuación por Artificial Intelligence, editado en el año 1985 con un estilo más rock que su predecesor.

En el año 1989 fichó por el sello de Brian Eno, Opal Records, editando Words for The dying, una colección de poemas de Dylan Thomas recitados sobre música sinfónica. Más tarde, y en colaboración con Eno, grabó Wrong way up, álbum lanzado al mercado en el año 1990, considerado como uno de los clásicos de la discografía del músico galés. En ese mismo año también vio la luz algo que parecía imposible, un disco de John Cale y Lou Reed, el álbum Songs for Drella, algo que dio pie a la reunión posterior de The Velvet Underground. Pero dicha reunión duró bien poco, debido seguramente a viejas diferencias, y en el año 1993, tras haber actuado en algunas ciudades europeas, el grupo se separó de nuevo.

Tras Songs for Drella, Cale, artista prolífico donde los haya, editó en el año 1992Fragments of a rainy season, y tras cuatro años, llegó Walking on locusts.

Hasta el año 1999 no vio la luz, la siguiente larga duración de John Cale, Close Watch, editado en Polygram Records, aunque su producción no ha cesado hasta nuestros días.

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Discografía, 1965: New York in the 1960s, Vol. 1: Sun Blindness...

1970: Vintage Violence.

1971: Church of Anthrax.

1972: The Academy in Peril.

1973: Paris 1919.

1974: Fear.

1975: Slow Dazzle.

1975: Helen of Troy.

1979: Sabotage/Live.

1981: Honi Soit.

1982: Music for a New Society.

1984: Caribbean Sunset.

1984: Comes Alive.

1985: Artificial Intelligence.

1989: Words for the Dying.

1990: HN. 1990: Songs for Drella.

1991: Even Cowgirls Get the Blues.

1992: Fragments of a Rainy Season.

1992: Paris S’eveille.

1993: 23 Solo Pieces for La Naissance de L’Amour.

1995: Antartida.

1996: Walking on Locusts.

1998: Nico.

1998: Dance Music.

1999: Le Vent de la Nuit.

2000: Inside the Dream Syndicate, Vol. I: Day of Niagara.

2002: Inside the Dream Syndicate, Vol. 2: Dream Interpretation.

2002: Inside the Dream Syndicate, Vol. 3: Stainless Steel Gamelan.

2003: HoboSapiens.

2004: New York in the 1960’s.

Mick Rock, Británico (1949) Mick Rock es un fotógrafo mejor conocido para sus fotos icónicas de los años 1970 glam rock como: Queen, David Bowie, Mick Ronson, Lou Reed, Kevin Ayers, Iggy Pop and The Stooges, The Sex Pistols, The Ramones and Blondie.

Mick nació en Londres y estudió en la Escuela de Emanuel antes de pasar a estudiar lenguas modernas Gonville and Caius College, Cambridge - que fue aquí, en 1966, donde conoció y fotografió al fundador Syd Barrett (Roger Keith Barrett), de Pink Floyd, uno de sus primeros temas.

Para 1972, Mick se estaba volviendo muy conocido como fotógrafo, sobre

todo por sus fotografías de Bowie y Ronson durante la gira de Ziggy Stardust, en el que Mick fue el fotógrafo oficial. Comenzó la crónica el glam y punk, movimientos emergentes de la década de 1970. Uno de sus fotos famosas de esta época es un desnudo Iggy Pop, destacando pene impresionante del cantante.

Su fotografía se extiende por tres décadas, y continúa hoy en día - algunos de sus temas recientes incluyen REM, The Strokes, los Yeah Yeah Yeahs, Johnny Marr, los Foo Fighters, y Kate Moss.

Ahora vive en Staten Island, Nueva York con su esposa, Pati, y su hija Nathalie.

Nathalie es también un modelo frecuente durante NY Fashion Weeks.

Rock es uno de los 43 fotógrafos de bellas artes invitados a donar una impresión de “ENFOQUE: una subasta de la mejor fotografía para beneficiar a City Harvest ....” La recaudación de fondos el 18 de septiembre 2008 admite City Harvest, un banco de alimentos en la ciudad de Nueva York.

Mick es el responsable de portadas de discos incluyendo de Barrett The Madcap Laughs, Reina Queen II y Sheer Heart Attack, Space Oddity de David Bowie, Transformerde Lou Reed e Iggy y Raw Power The Stooges.

También ha dirigido varios de los vídeos de música antigua de David Bowie, entre ellos los de “Life on Mars?”, “The Jean Genie” y “Space Oddity”.

LOU; FOTÓGRAFO AFICIONADO

“Intento hacerlo de la forma más bella posible. Es como cuando tu fotógrafa sujeta su cámara con la mano, aprieta el disparador y vuelve a repetirlo para intentar hacerlo mejor”, decía.

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Reed era muy aficionado a la fotografía, por la que comenzó a interesarse en los setenta, durante sus largas giras, y bajo las influencia, según reconocía, de Andy Warhol, Billy Linich y WimWenders. “Viajo mucho y veo cosas alucinantes, así que pensé que debía fotografiar esas cosas tan maravillosas”, dijo ABC.

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An ecd

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El primer acercamiento entre Warhol y Reed se dio a través de una serie de proyectos multimedia llamados TheExplodingPlastic Inevitable, cada presentación estaba musicalizada con canciones de The Velvet.

Andy Warhol y Mick Rock.

Lou Reed: Su Amistad con Andy Warhol y Mick Rock

Para muchos de los fans, esta anécdota puso en el ojo del huracán a Reed debido a que Warhol fue quien creó el grupo, era el manager, pagó la grabación, les encontró un sello discográfico y además de todo, les dio la identidad con el famoso plátano y su frase “peelslowly and see”.

Una de las portadas de discos más famosas y más escandalosas en su época fue la creada por Andy Warhol en 1966 para el grupo The Velvet Underground, Andy el artista más famoso de Pop Art era

manager de la banda en ese momento y por eso aceptó crearla, en esta portada se mostraba únicamente a una banana de un muy brillante amarillo con la leyenda

”peel slowly and see” que significa despenda lentamente y mire, y al desprender la estampa se podía ver una muy sugestiva banana pelada color rosa y lista para comer.

Como parte de las anécdotas del cantante, Cale y Reed denunciaron a la Fundación Andy Warhol por el uso del famoso plátano, logo que también fue utilizado por Apple sin el permiso o consentimiento de los ex integrantes del grupo.

Para mal de Warhol, creador del logo, jamás lo registró.

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R O T C I V MANUEL V

íctor Manuel comenzó a finales de los 60, muy joven, cantando pop.

Pronto se dedicaría a crear retratos costumbristas de su entorno, como “El abuelo Vítor” , de sabor muy asturiano -su tierray críticos en su realismo descriptivo, que le darán mucha popularidad.

Víct

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anu

el

Los 70 son años muy comprometidos políticamente y de pocas concesiones comerciales para Víctor, aunque, a finales de esta época, fragua un estilo de canción de calidad y apta para todos los públicos que le devolvería la cosecha de éxitos.

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Solo pienso en ti

C

anción realizada por Víctor Manuel en 1978, saliendo a la luz un año después.

Está basada en la historia real de una pareja de deficientes mentales, del centro que Promi tiene en Cabra, “que llevaron su amor hasta el matrimonio por encima de todas las trabas legales y sociales que encontraron, entre ellos la oposición del párroco del lugar a Casarlos Es una canción que está basada en la historia de un hombre y una mujer que vivían juntos en un colegio de discapacitados en Córdoba, España.

Antonio, un joven que nació con daños irreparables en el cerebro y fue abandonado.

Mari Luz, que al poco tiempo de nacer, cayó al piso cuando se le resbaló a su padre.

Cuenta: “En 1978 estaba en Montilla, Córdoba, leyendo el periódico de allí, donde salía un reportaje de un colegio que había en Cabra, Promi, dirigido por un cura y su hermano, donde convivían disminuidos psíquicos.

toria. Yo no había estado nunca en el colegio hasta hace cinco años, que me dieron un premio, y conocí a los protagonistas de la historia, que tienen un hijo en la Universidad de Córdoba.

El reportaje hablaba de dos personas, Carmen y Antonio, y se cerraba el texto recreando cómo ellos dos se agarraban de la mano y paseaban por el jardín.

Esta canción me ha dado muchísimas alegrías, también por lo que ha significado de poner en primer plano algo que nadie ve hasta que no lo tiene en su familia, la discapacidad.”

De la imagen final reconstruyo hacia atrás la his-

La pareja, Mari Luz y Antonio, se casó pocos años después, y tienen tres hijos, uno universitario...

El cantautor conoció la historia a raíz de una noticia publicada en El Diario de Córdoba que leyó durante su estancia en Montilla.

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Salud y Bienestar Social, Fundación PROMI. Instalaciones de esta entidad en Cabra

LETRA

Ella fue a nacer en una fría sala de hospital cuando vio la luz su frente se quebró como el cristal porque entre sus dedos a su padre como un pez se le escurrió hace un mes cumplió los veintiséis solo pienso en ti Hey, sólo pienso en ti juntos de la mano, se les ve por el jardín no puede haber nadie en este mundo tan feliz sólo pienso en ti Él nació de pie le fueron a parir entre algodón su padre pensó que aquello era un castigo del señor le buscó un lugar para olvidarlo y siendo niño le internó pronto cumplirá los treinta y tres sólo pienso en ti Hey, sólo pienso en ti juntos de la mano, se les ve por el jardín no puede haber nadie en este mundo tan feliz sólo pienso en ti En el comedor les sientan separados a comer si se miran bien les corren mil hormigas por los pies ella le regala alguna flor y él le dibuja en un papel algo parecido a un corazón sólo pienso en ti Hey, sólo pienso en ti juntos de la mano, se les ve por el jardín no puede haber nadie en este mundo tan feliz sólo pienso en ti

Víctor Manuel 83

DATOS: En 2004 fue elegida la sexta canción más popular en español según el programa “Nuestra mejor canción” de TVE. La 196 por la revista Rolling Stone en 2010.

‘Sólo pienso en ti’ permaneció muchos años prohibida en Argentina, años después incluso del fin de la dictadura de Videla. Por aquellas tierras el ‘rojo’ Víctor Manuel no era muy querido por los militares, que tampoco podrían ver amores diferentes.

El tema se encuentra también en el album ‘MUCHO MÁS QUE DOS’ que se editó en 1994 y la cantó a dúo con PABLO MILANÉS.

La Fundación literaria Crisálida organizó un encuentro de la pareja con el cantante.

ficción.

También es profesora de guion en la Universidad Pompeu Fabra, la Universidad Ramón Llull de Barcelona ambas, la Universidad de Gerona, la escuela “Taller de Guionistas” y en el Institut Politècnic Sant Ignasi de Sarrià.

Filmografía como directora Video reportaje: pienso en ti Dirigido por Judith Colell y protagonizado por Víctor Manuel y la pareja que inspiro la canción Solo Pienso en ti también participan en el reportaje los Actores de Cia Teatro Paladio y bailarines de Despertar los sentidos.

Judith Colell es una directora de cine española. Originaria de Barcelona y licenciada en Historia del Arte, Colell obtuvo el Certificate in Film por la Universidad de Nueva York.

Judith Colell ha trabajado como directora en El dominio de los sentidos, Nosotras (ganadora del Premio Butaca a la mejor película catalana en 2001) y 53 días de invierno.

En 1996 su corto Escrito en la piel fue nominado al Premio Goya al mejor cortometraje de

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2010: 2007: 2006: 2003: 2000: 1997: 1995: 1991:

Elisa K Positius 53 días de invierno Fragments Nosotras El dominio de los sentidos Escrito en la piel (corto) Clara foc (corto)

Biografía: Víctor Manuel San José Sánchez, nacido el día 7 de julio de 1947 en Mieres del Camino, Asturias, España. Su introducción en la música fue en 1963, cuando se presenta en concursos y cantando en la orquesta “Bossa Nova”.

Al año siguiente, se instala en Madrid y allí estudia piano y canto, tal es su progreso que durante un año y medio, canta cada domingo en el programa “La nueva ola musical” de la emisora La Voz de Madrid, en donde obtiene una de las Estrellas de Oro del concurso organizado por la emisora.

Con suerte, en 1965 Víctor Manuel consigue grabar sus primeros sencillos con Belter que saldrían a la venta un año después, ha contado con canciones de la poetisa Fina Calderón y dos suyas en donde canta de forma muy impersonal, es difícil reconocer su voz.

Al llegar 1967 lo hace con sus primeros éxitos, tal es así que en el Festival del Miño presenta una canción suya “Lazos azules y rosas” que canta Paco Ruano y gana, al igual que en el Festival de Eo con “Nada es igual” cantada por Cholo Juvacho.

Al año siguiente, si bien tenía en claro que lo suyo era la composición, más que el canto se presenta de nuevo al Festival del Atlántico con “El cobarde” y “El tren de madera”, temas que son muy bien criticados por el público y son la causa de varios revuelos con las autoridades.

Es en 1969 que llega por fin su consagración como artista y consigue varios números 1, con canciones con aire de su tierra como “La Romería” o “El abuelo Vítor”, y de la mano de ellas realiza sus primeras apariciones en TVE. Y a causa de su reconocimiento en la televisión, finaliza el año presentándose por primera vez en el extranjero, en donde recorre varios países europeos.

Al llegar la nueva década del ‘80, Víctor Manuel graba su primer disco con Philips, el segundo de su carrera, del cual desprenden temas como “Quiero abrazarte tanto” o “Carmina”, éxito que lo lanza también a emprender su primera gira a Latinoamérica. Seguida por su tercer álbum, en el cual se muestra un verdadero problema con la censura hasta que muere Franco y debe reescribir muchas de las canciones.

Debido a su aceptación por el público, y su imagen, es elegido por el director asturiano Gonzalo Suárez para hacer la película titulada “Morbo”, en donde compartiría cartel con Ana Belén, la cual a largo plazo consigue conquistar.

Pero al llegar 1972, no sólo se encuentra con el problema de reescribir sus canciones, sino que también recibe multas por interpretar ciertos temas en directo.

Por fin, la pareja formada por Ana Belén y Víctor Manuel sellan su amor el día 13 de Junio en Gibraltar.

Al poco tiempo, luego de haberse presentado en un Festival de Río de Janeiro, Víctor Manuel se Hartó de la censura y decide editar un disco con canciones populares asturianas, incensurables, las cuales adapta a su estilo y crea el disco “Verde”.

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Y por fin después de varios frutos musicales, la pareja recibe a su primer hijo, David en 1977, mismo año en el que Víctor Manuel participa en muchos actos del PCE, era su coordinador musical. Y al poco tiempo viaja a la República Democrática Alemana donde graba “Spanien”, disco que contiene temas como “Nadie nos niegue el derecho”, en la que pide la legalización del PCE y “Veremos a Dolores”.

Al llegar el año 1978, Víctor graba colaborando con el grupo asturiano “Nuberu Aida la fuente”, canción mítica en la historia de Asturias y Xuanín, “l´home de la unidá”, dedicado a Juan Muñoz Zapico, líder sindical de CC.OO., muerto en un accidente de automóvil en 1977, cuya música es de Nuberu y letra de Manuel Asur.

Cambiando la compañía discográfica llega en 1979, “Soy un corazón tendido al sol”, un nuevo disco que donde sin dejar los temas políticos demuestra ser un autor capaz de avanzar, de cantar a su tierra, al amor, a temas del mundo, como lo ha hecho en la canción “Sólo Pienso en Ti”, considerada obra maestra de Víctor Manuel, basada en dos jóvenes deficientes mentales y que sube a lo más alto de la listas de éxitos.

Al llegar la década del ‘80, parte a Milán para grabar “Luna”, el cual viene acompañado de conciertos por todo el país, y desprende de una impecable canción como lo es la pionera sobre homosexuales “Quién puso más”, que se hace con el número 1.

Al comenzar el año 1987, comienza una etapa como productor de cine, dejando tan sólo de lado su profesión musical, y así es como Víctor Manuel se inicia con “Divinas palabras”. También el español crea su propia productora discográfica, “Ion música”, la cual venderá el producto acabado a una nueva discográfica BMG ARIOLA. Pero sin poder con él mismo, al año siguiente edita y saca a la luz el nuevo disco llamado “Que te puedo dar”, el cual trabaja con Roberto Costa para volver a cambiar sonidos.

La década del ‘90 llega con nuvo disco llamado “El delicado olor de las violetas”, el cual luego de tres años, en 1993, saca un nuevo disco llamado “A dónde irán los besos”. Y al año siguiente, produce su última película, seguido de su proyecto más exitoso “Mucho más que dos”, con invitados de lujo: Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Pablo Milanés, Manolo Tena, Juan Echanove, Miguel Ríos y Antonio Flores.

“Sin memoria”, disco que llega en 1996 del cual desprenden canciones increíbles como “El gusto es nuestro”. Y al poco tiempo, a principios de 1999 sale el disco “Cada uno es como es” que trabaja con Antonio García de Diego, en el mismo año que lo invitan a cantar sus canciones con la “Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias” y el coro de la “fundación Príncipe de Asturias”, y el cual se graba en Mayo en el palacio de los deportes de Gijón en un único concierto.

Al llegar el año 2001 Víctor Manuel es invitado a participar con Ana, su esposa, en los conciertos del 25º aniversario del diario “El país”, y edita el disco “El hijo del ferroviario” con las colaboraciones de Hevia.

Después de 7 años hace otra gira con Ana, a la cual llaman “Dos en la carretera” merecedora de un gran éxito, y debido a esta graban un CD/DVD de esa gira, con Pedro Guerra, Fito Páez, Sabina, Serrat y Miguel Ríos como invitados. Y al año siguiente, produce “Entre todas las mujeres”, un disco homenaje a Joaquín Sabina, en el que cantan sus canciones voces femeninas como Chávela Vargas, Julieta Venegas, Niña Pastori, Olga Román y Ana Belén entre otras.

Dando comienzo al año 2004, sale a la luz “El perro del garaje”, disco que habla de la actualidad mostrando temas puntuales como La guerra de Irak, la catástrofe del Prestige, el 11S, las mujeres maltratadas… Una gran variedad musical y temática.

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Día Internacional de las Personas con Discapacidad 3 de diciembre ACEPTAME COMO SOY me puedo levantar.

Que puedo aprender, soy un niño como los demás Mírame bien, puedo jugar, puedo reír, Puedo comprender Quiero dar de mí lo mejor puedo ayudar a los demás, Puedo caminar junto a otros.

Acéptame como soy…

Quiero aprender, quiero soñar, quiero disfrutar la vida Como tú, como uno más.

Soy apenas un niño, nada más sencillo que eso, Soy un ángel de amor Necesito ser amado, comprendido, educado Me gusta pintar, también bailar y actuar, Soy un atleta sin rival.

No soy un enfermo, no tengo problemas, Sólo quisiera que tú me comprendas, Respeta mi ritmo, entiende mi tiempo, Espera un poquito, seguro que entiendo.

Siente mi chispa, mi alegría y mi amor.

Para que puedas ver en mí la imagen de Dios.

Al igual que tú tengo metas, Dame una mano y ayúdame en ellas.

Soy especial, tengo valor pero ante todo Soy un ángel de amor por eso hoy quiero decirte…

Acéptame como soy.

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Amarra un liston al viejo roble Antecedente:

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urante el siglo XIX, los hombres que servían en la caballería en Estados Unidos, habían de estar en los fuertes mucho tiempo y dejar solas a sus novias y esposas, como prueba de fidelidades algunas mujeres usaban en el cabello un listón amarillo, como símbolo de devoción Un recordado encuentro musical relacionado al listón amarillo: La canción: “ Around Her Neck She Wears a Yellow Ribbon “ (Alrededor de su cuello ella usaba un listón amarillo), (She Wore a Yellow Ribbon” is track #9 on the album Sing Along With Mitch) Inspiró al actor John Wayne a realizar la película “She Wore a Yellow Ribbon” (Ella usó un listón amarillo).

Round her neck she wore a yellow ribbon She wore it in the springtime and in the month of May And if you asked her why the heck she wore it She wore it for her lover who was far, far away Far away, far away She wore it for her lover far away ‘Round her neck she wore a yellow ribbon She wore it for her lover Who was far, far away ‘Round the park She walks a little baby She walks him in the winter And in the summer, so they say And if you ask her Why on earth she walks him She walks him for her lover who is far, far away Far away, far away She walks him for her lover far away ‘Round the park She walks a little baby She walks him for her lover Who is far, far away [...]

“Ronda del cuello llevaba una cinta amarilla Lo llevaba en la primavera y en el mes de mayo Y si se le preguntó por qué diablos lo llevaba Lo llevaba a su amante que era muy, muy lejana Lejos, muy lejos Lo llevaba a su amante lejano “Ronda del cuello llevaba una cinta amarilla Lo llevaba a su amante ¿Quién era muy, muy lejana ‘Alrededor del parque Ella se acerca a un pequeño bebé Ella le camina en el invierno Y en el verano, por lo que dicen Y si le preguntas ¿Por qué demonios le camina Ella le camina a su amante que está lejos, muy lejos Lejos, muy lejos Ella le camina a su amante lejano ‘Alrededor del parque Ella se acerca a un pequeño bebé Ella le camina a su amante ¿Quién está lejos, muy lejos [...]

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Le gustaba todo. Pasaron los meses. Pasaron los años. Su negocio fracasó, y empezó a carecer de dinero.

Título: She Wore a Yellow Ribbon Año 1949 Duración 103 min.

País Estados Unidos Director John Ford Guion Frank S. Nugent & Laurence Stallings (Historia: James Warner Bellah) Música Richard Hageman Fotografía Winton C. Hoch

La Historia.

Reparto John Wayne, Joanne Dru, John Agar, Ben Johnson, Harry Carey Jr., Victor McLaglen, Arthur Shields, George O’Brien, Mildred Natwick

En 1971, el New York Post escribió una historia real acerca de un hombre que vivía en un pequeño pueblo de White Oak, Georgia, Estados Unidos.

Productora RKO Género Western | Ejército Sinopsis Las tribus indias planean unirse para una guerra total contra los blancos. Brittles, un veterano capitán de caballería, recibe la orden de evitar las concentraciones de indios, al tiempo que debe escoltar a la esposa y a la sobrina de su comandante.

Además, ha de impedir que un traficante venda una partida de armas a los indios.

Esta triple misión será la última del capitán antes de su jubilación.

Este hombre se casó con una buena y hermosa mujer, por desgracia, no la aprecia.

No se convirtió en un buen esposo y padre. A menudo llegaba a casa borracho en la noche y golpearon al niño ya su esposa.

Una noche decidió aventurarse en las grandes ciudades, Nueva York. Robó dinero de los ahorros de su esposa, y luego tomó un autobús hacia el norte, a la gran ciudad, en una nueva vida.

Con unos amigos, comenzó un nuevo negocio. Durante un tiempo disfrutó de su vida. El sexo, el juego, las drogas.

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Entonces él comenzó a participar en actos delictivos.

Escribió un cheque falso y lo utilizan para engañar dinero de la gente.

Por último, un momento decisivo, fue capturado. La policía lo puso en la cárcel, y el tribunal lo condenó a tres años de prisión. Hacia el final de su prisión, comenzó a perder su casa. Echaba de menos a su esposa.

Echaba de menos a su familia. Finalmente se decidió a escribir una carta a su esposa, para decirle lo mucho que lo sentía. El hecho de que aún amaba a su esposa e hijos. Ojalá se le permitía volver.

Pero también entiende que tal vez era demasiado tarde, por lo que terminó su carta escribiendo: “Cariño, no es necesario esperar a que yo. ¿Pero si usted todavía tiene la sensación de que me va a revelar? Si aún me quieres volver a usted, por favor, atar una cinta amarilla para mí, por un árbol de higuera en el centro de la ciudad.

Cuando pasé y no encontré un trozo de cinta amarilla, no importa. Voy a conocer y comprender. No estoy va a bajar del autobús, y seguirá Miami. Y te prometo que no volveré a ti ya los niños en mi vida molestar”.

Finalmente llega el día de liberación.

Estaba muy nervioso. No recibió una carta de su esposa. Él no sabía si su esposa recibió una carta o leer la carta, ¿si ella lo perdonaría? Él tomó un autobús a Miami, Florida, el cual pasó su casa, roble blanco.

Estaba muy nervioso. Todo el bus para oír la historia, y pedir al conductor del autobús, “Por favor, pasar por el roble blanco, el camino poco a poco... tenemos que ver qué va a pasar...” Su corazón latía con fuerza cuando un autobús se acercó a la centro de roble blanco.

No se atrevía a levantar la cabeza. Sudor frío fluye de su cuerpo. Tenía miedo decepcionado. Finalmente vio el árbol. Las lágrimas resbalaban por sus ojos... No vio una cinta amarilla... No. Allí... un centenar de piezas de cintas amarillas....

Colgaban en el árbol, todo el árbol estaba cubierto con una cinta amarilla...

Esta verdadera historia de la canción golpea en el número uno en 1973 en los Estados Unidos.

El conductor de inmediato llamó a la prensa y contar esta historia. Un compositor escribió esta historia en una canción, “Ata una cinta

amarilla alrededor del viejo roble”, y cuando el álbum fue lanzado en febrero de 1973, inmediatamente se convirtieron en éxitos en abril de 1973.

*

E

n Octubre de 1971, El periodista Pete Hamill, escribió un artículo para el New York Post, llamada “Going Home” (regresando a Casa).

En donde Estudiantes de College, hacen un viaje en autobús a las playas de Fort Lauderdale, y se hacen amigos de un ex-convicto, quien está buscando por un pañuelo amarillo en un roble del camino en Brunswick, Georgia.

En Junio de 1972, nueve meses después, Reader’s Digest re-publica el artículo “Going Home”, y ese mismo mes, ABC-TV lanza al aire una versión dramatizada, donde el actor James Earl Jones hace el papel de ex-convicto.

Un mes y medio después Irwin Levine and L. Russell Brown registraron una canción (copyright) llamada: “Tie a Yellow Ribbon ‘Round the Old Oak Tree”. (Amarra un listón amarillo alrededor del viejo roble).

Los autores dijeron haber oído la historia mientras hacían el servicio Militar, pero Pete Hamill autor del artículo no estaba convencido y les puso una demanda por usurpación.

El factor que influyó en la demanda, es que la canción vendió 3 millones de discos en 3 semanas.

La canción interpretada por el grupo “Dawn featuring Tony Orlando”, alcanzó el número uno en USA y el Reino Unido.

Por 4 semanas en Abril de 1973, y en Australia se mantuvo en primer lugar por 7 semanas de Mayo a Julio de 1973. En 1973 fue el sencillo más vendido en USA y UK (United Kingdom).

En 2008 celebraron su 50 aniversario y Billboard la calificó como la No 37 de las mejores canciones de todos los tiempos.

BMI (Broadcast Music Incorporated) estima que la canción se tocó en la radio desde su origen por 17 años continuos, alrededor de 3 millones de veces.

Hamill perdió la demanda, cuando se demostró que la historia había sido colectada antes de que se escribiera “Going Home”.

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I

rwin Jesse Levine (marzo 23, 1938 a enero 21, 1997) americano compositor, co-escritor de la canción “ Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree “con L. Russell Brown (nacido el 29 de junio de 1940, Newark, Nueva Jersey ) letrista estadounidense y compositor, También escribió para la The Partridge Family, y “ I Woke Up This Morning.

La canción fue un éxito en todo el mundo con Tony Orlando y Dawn , ya que alcanzó el número uno en ambos las listas estadounidenses y británicas durante cuatro semanas en abril de 1973 y número uno en las listas

australianas durante siete semanas a partir de mayo a julio de 1973.

Era el más vendido single en 1973, tanto en los EE.UU. y el Reino Unido.

En 2008, Billboard clasificó a la canción como el más grande de la canción número 37 de todos los tiempos Levine murió a la edad de 58, en Livingston, Nueva Jersey en enero de 1997.

Letra de la canción : I’m comin’ home, I’ve done my time Now I’ve got to know what is and isn’t mine If you received my letter tellin’ you I’d soon be free Then you’ll know just what to do if you still want me If you still want me CHORUS: Tie a yellow ribbon ‘round the old oak tree It’s been three long years Do you still want me?

If I don’t see a ribbon round the old oak tree I’ll stay on the bus Forget about us Put the blame on me If I don’t see a yellow ribbon round the old oak tree Bus driver, please look for me ‘Cause I couldn’t bear to see what I might see I’m really still in prison, and my love she holds the key A simple yellow ribbon’s what I need to set me free I wrote and told her please: REPEAT CHORUS Now the whole damn bus is cheering And I can’t believe I see A hundred yellow ribbons ‘round the old oak tree I’m comin’ home 92

Voy a casa, he cumplido mi tiempo Y tengo que saber lo que es o lo que no es mío Si recibiste mi carta Que dice que pronto sería libre Entonces sabrías qué hacer Si aún me quieres Si aún me quieres Oh ata un listón amarillo alrededor del viejo roble Han pasado tres largos años ¿Todavía me quieres?

Si no veo un listón amarillo alrededor del viejo roble Me quedaré en el autobús, me olvidaré de nosotros Me culparé Si no veo un listón alrededor del viejo roble Conductor: “Por favor, vea por mí Porque yo no podría soportar lo que debo ver Estoy todavía en la cárcel Y ella tiene la llave de mi amor Un simple listón amarillo de todo lo que necesito para ponerme en libertad Escribí y le dije `por favor´” Oh ata un listón amarillo alrededor del viejo roble Han pasado tres largos años ¿Todavía me quieres?

Si no veo un listón amarillo alrededor del viejo roble Me quedaré en el autobús, me olvidaré de nosotros Me culparé Si no veo un listón alrededor del viejo roble Ahora el autobús maldito está aplaudiendo Y yo no puedo creer lo que veo Cientos de listones amarilla Alrededor del viejo, el viejo roble Ata un listón amarillo alrededor del viejo roble Ata un listón amarillo alrededor del viejo roble

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Por Alix - Shopie - Kim - Francis

Sara y Jav

Parte II

Chica hermosa… llena de interrogantes.

Inicio una relación, corta, en distancia y tiempo, casi todos los días la encontraba en la equina principal, que para mi era mágica.

Desde ahí, hasta dos cuadras, en los límites de ese ruin puente divisor de colonia donde tomaba su mano, pero solo media cuadra, para no ser vistos por miradas indiscretas cariñosa, discreta, cercana y distante, se habla de trivialidades, quehaceres cotidianos (No respecto a ella) sé que me quiere como yo a ella, ¿sin embargo…?

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Quiero saber más de ella, pero al tocar temas relacionados a su vida ella cambia la conversación y me evade, se que su vida es difícil, prefiero no presionar.

No era mi primer novia, pero si mi primer amor, en una relación atípica y corta, mis sentimientos me Ligaban fuertemente a su ser, y sentía de parte de ella lo mismo.

Algunos amigos me sorprendieron en mi relación con Sara, e inicia el tormento, me dicen; Animal que no sabes donde vive… y a que se dedica, deberías saber acerca de su familia…

Te metes en cuetes carnal, todos me dicen.

Cierto día de asueto y vagancia que solo deambulaba por un centro comercial me percate a la distancia de un acontecimiento que me derrumbo, un joven platicaba con Sara en uno de los pasillos, me quede petrificado, solo observe a la distancia, en ese momento otra persona arremetía para un asalto.

Al principio no me importaban sus comentarios, hasta que... llegaron a mi familia, como resultado Los mismos cuestionamientos, sobre mi relación, sin ser privado de mi relación, me acotaron: tener cuidado.

Un día antes de navidad le quise regalar un presente, reacciono alterada -No, nada de obsequios por favor-

Era indudable que Sara era parte del complot para el atraco. A lo lejos… me sentí abatido, desesperado y furioso No supe que hacer, como reaccionar…

exclusiones de tales, ya que son solo 150 000 lugares posibles.

Lista de excluidos:

FIN DEL MUNDO

NOTIFICACION MUY IMPORTANTE

S

e hace de su conocimiento que dentro de un lapso de 5 años, 10 meses, 2 días, 9 horas, 10 minutos, chocara un meteorito con la tierra, provocando la destrucción de la vida terrestre. Por lo que se ha resuelto lo siguiente: Las naciones Unidas han destinado un viaje fuera del planeta con la finalidad de poder preservar la especie humana.

Los candidatos serán escogidos al “azar”, buscando la selección de lo mejor de nuestra especie (humana), y a futuro no pasar por las situaciones tan penosas que la que se ha visto envuelto la humanidad con guerras, destrucción de nuestro planeta y ecosistemas.

Para conseguir tal fin se advierte a los posibles candidatos y sus

Los negros, ¿por…? Por Ser negros, amarillos y morenos (por la misma razón), blancos, sin son de descendencia; sajones, anglos, normandos, germánicos, etc. (por ejercer ideas donde solo existen ellos y que todo el mundo le pertenece, además ser salvajes, y racistas, mostrando su complejo de inferioridad para poder rivalizar con otras etnias, no blancas, además de hacer estupideces y echarle la culpa a otras etnias).

Los políticos, por conflictivos, ambiciosos y mentirosos.

Los pobres (no tiene para pagar, siempre ambicionan lo otros).

Los ricos (no hay lujos a donde van y además no hay donde invertir).

Cualquier tipo de religioso, ya que durante la historia han demostrado no poder enseñar paz y armonía, se la pasan reinventado su religión, pidiendo dádivas, y provocando conflictos, guerras todo el tiempo, con otras religiones y con los qué no la tienen, -o sea, con todo mundo- (son muy cerrados de mente, no tiene tole-

rancia, solo cuentan sus patosas creencias).

Los enanos (hay que mejorar la especie), Los altos, no caben en la nave, además consumen muchos alimentos, agua, oxigeno, etc.

Los obesos, no se permite peso excesivo. Los delgados, no soportarían el viaje, (falta de constitución física).

Los feos, (hay que mejorar la especie), Los bonitos, no se contara con artículos de belleza, además se quiere evitar conflictos de egos, que desembocarían en conflictos nuevamente.

Para finalizar, de manera general se enumera los casos secundarios que impidieran su anexo para viajar: Imperfecciones físicas y/o mentales, considerase a si mismo ser perfectos por descendencia, ubicación geográfica, sanguínea o por el aire que respiran.

Si cree NO pertenecer a cualquier los catalogados anteriormente lo esperamos con su solicitud.

Las naciones Unidas creen muy difícil llegar a la meta.

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En días subsecuentes parecía todo normal en este poblado, Don Pepe continuaba su Cuestion de color.

Alix trabajo de manera típica.

Pero detrás de el existía un gran alboroto En ese mundo… llamado tierra y en un por todas las casas, esquinas y hasta en la país… culto y civilizado, (con sus peque- comandancia. ñas imperfecciones también) y en un pueblo por supuesto normal y colonos comu- Donde las autoridades decidieron internes y… civilizados. venir en tal escándalo. Se le envió rápidaSus colonos trabajadores, por lo que no le mente, (bueno no muy rápido) un citatorio faltaba nada en insumos y bienes, se re- a Don Pepe, este nada extrañado acudió gían por un sistema político y social, que con las autoridades capacitadas y compeellos estaban seguros que era el adecuado, tentes para saber en que les podía servir. según sus experiencias de cientos de años, y haber pasado por otros, en diferentes En la sala de juicios asignada (la única) etapas… y sin probar algunos otros por estaba reunida toda la representación poinseguridad y comodidad. Si, más o menos lítica y hasta social del pueblo, cuyo vocal como tu comunidad, o al menos en pinta. era indudablemente el señor Juez (con casa llena).

Era un día espléndido (de esos en marzo) Don Pepe se le a citado para que hablemos e iluminado por el astro lumínico llamado de su nuevo sirviente –dijo cortante el sesol, iniciaba como cualquier día cotidiano ñor juez- Señor juez yo.. en dicha población con sus actividades.

Siendo interrumpido bruscamente por el juez, este dijo; ¿nos gustaría saber de Pero… ha llegado un rumor rápidamente donde salió ese chamaco que tiene usted a todos los confines del pequeño poblado, Don Pepe? Esto fue suficiente para que todonde se decía: ¡Don Pepe el Zapatero tie- dos vociferaran, uno a uno de los presenne un nuevo sirviente, pero algo… dese- tes: Ese individuo solo podría ser esclavo, mejante! se escuchó una voz, es un Ahuesado, dijo otro, es un nacarado, se escuchó por ahí, Algunos vecinos cercanos a casa de Don no ha de tener alma o acaso… ¿piensa? , Pepe, fueron a saludarlo, bueno en reali- ¿Tendrá… alma? dad querían saber sobre las murmuraciones de su nuevo sirviente, ¡Buenos días El juez domino con su mirada fiera a todos, Don Pepe!, ¿como esta usted esta mañana? continuando; Tiene un vacío de muerto, Don Pepe extrañado por que nunca iba na- es un territorio sin explorar su chamaco, die a su casa a saludarlo, pensó “ya se hizo mire Don Pepe –continuo el juez- la verel bochinche” (señoras metiches). dad existe un gran descontento, y temor, si ahora es uno el día de mañana cuantos Las personas afables que fueron a saludar serán, vendrán a contaminar nuestro puey de manera mesurada observaban a este blo y después nuestro país, entienda que individuo, que simplemente era un joven puede llegar a ser un problema nacional. de unos 15 años.

Don Pepe con voz sumisa replico; solo es Al despedirse salieron discretamente, y uno, lo encontré casi muerto en la playa cortésmente, pero ya fuera del hogar de sur, además es solo un chamaco.

Don Pepe, inicio la disquisición sobre le asunto con comentarios: ¿donde lo encon- Mejor no hubiera dicho nada, se levanto el traría? ¡Es enlucido! ¡Es muy feo! ¿Es- tono de todos los presentes parloteando; si tará enfermo? ¡A mi medio frio! ¡Uff, llega uno vendrán mas, es mejor matarlo y este ampo! ¿Existieran muchos más como quemarlo. Otra voz; sería mejor buscarlos él? ¡Dicen que del otro lado de la penín- a todos los de su especie del otro lado de la sula hay muchos iguales a el! ¡Yo insisto, península y matarlos a todos, por nuestro es una enfermedad y se va a morir rápido! bien y conservar las buenas costumbres, Y por fin, estas lindas criaturitas fueron a nuestra religión lo va a permitir, ¿verdad narrar a todo el pueblo raudo y veloz. reverendo? Todos voltearon a mirar al religioso, contestando el religioso; que así sea.

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El banquero, que se encontraba con la representación social formulo; mejor los aceptamos como esclavos, pueden trabajar mejor con sus dos manos que nuestros burros.

Las gazmoñas exclamaron al unisonó; Nooo… dios nos perdonara, mejor muertos.

El juez retoma la palabra, señores tranquilos, desgraciadamente los dos puntos de vista son validos, lo único malo que existe la posibilidad de una mezcla de col… Antes de terminar su frase, existió un gran exabrupto por parte del respetable con señales y gritos de desaprobación, consternación e imprecaciones de aberración a lo citado por el juez.

El juez con energía trataba de controlar a los presentes, casi rompiendo su mallete.

Mientras todo esto ocurría en el juzgado, el casa del zapatero, fue visitada por algunos colonos, fueron para lapidar al chamaco, este fue sorprendido durante su descanso, durante el ataque se les escucho desgañitarse; muere intermedio, álfico, enlutado, ¡MUERE! Horas después en el juzgado ya se había llegado a un acuerdo sobre el asunto, fueron varios policías, con el juez y demás chusma, claro con Don Pepe, a su casa por el chamaco. El sargento de la policía se adelanto por una posible huida del inculpado y se percato de lo ocurrido en ese tiempo que estuvo a solas el chamaco.

Al acercarse toda la comitiva a la casa de Don Pepe, salió el policía atajar el paso diciéndoles; paren, el problema esta resuelto y además servirá como señal por si otros de su misma especie se quieren acercar a nuestro pueblo.

Efectivamente, problema resuelto el chamaco estaba muerto por el ataque de sus visitantes.

Todos felices se retiraron a sus casas a continuar su vida normalmente, era la hora de la cena.

Solo Don Pepe se acercó para ver el cuerpo destrozado del chamaco, exclamo Don Pepe; pobre diablo todo por ser un abyecto blanco.

Por A-lix

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