Revista pisteyo 3 by Jorge Pablo Garcia

Revista Semetral Num 3 Año 2 Diciembre 2014

El expresionismo, en el arte Siouxsie and the banshees, ... música Arnold Schonberg, notandolo Ébola, en la salud Frank Kafka, su obra Tim burton, la figura

Sugerencias Literarias Citas Recordando... Salud Artes Visuales Música Cartón Pistis Cine / Tv Política

RP es una revista literaria, editada y amparada por Ediciones Tecnológicas. El objetivo de la revista es hacer en cada número un objeto de interés cultural, y que resulte una experiencia cultivable. Apuntalada con notas, observaciones e Imágenes, aumentando el apego y torneando sus temas. En esta revista incluye trabajos literarios distinguidos por sus valores culturales, e inéditos, así como temas creativos con las más diversas extensiones inverosímiles del ingenio humano. En su contenido encontraras temas: Literarios, cine, TV, música, Fotografía, pintura, muralismo, arte urbano, arquitectura, dibujo, crítica, opiniones, salud, política, etc.Valiéndonos de cualquier recurso cultural en busca de una sociedad libre y preparada.

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Lectura: Como un proceso interactivo de comunicación en el que se establece una relación entre el texto y el lector La Secretaria de Educación Pública ha reconocido que “A pesar de lo mucho que ha avanzado la cobertura de la educación básica y el promedio de escolaridad de la población de 15 años, que ya es de 7.7 grados, para la mayoría de los mexicanos la afición de leer libros no es todavía una costumbre, esta falta de lectura de libros entre la población no solamente alfabetizada, sino incluso con muchos años. La UNESCO por su parte al abordar la problemática mundial de la lectura, ha señalado que “Los libros y el acto de leer constituyen los pilares de la educación y la difusión del conocimiento, la democratización de la cultura y la superación individual y colectiva de los seres humanos. México ocupa el penúltimo lugar mundial, de 108 países evaluados con un promedio de 2% de la población que cuenta con hábitos permanentes de lectura. Situación lectora de los alumnos de tercer y cuarto grado de educación básica en América Latina y el Caribe que fue publicado en el Primer Estudio Internacional Comparativo sobre Lenguaje, Matemáticas y Factores Asociados, para Alumnos del Tercer y Cuarto Grado de la Educación Básica que se realizó en 1998 bajo el patrocinio de la UNESCO. La lectura es reconocida a nivel mundial, como un elemento fundamental y estratégico en el desarrollo de las naciones y en el bienestar de los ciudadanos, es donde el gobierno educativo ha fallado drásticamente también la sociedad, que es en realidad el pilar del problema, es fácil querer la subrogación de los compromisos (en este caso al gobierno), debemos comprometernos con la educación.

Datos: OECD. Programme for International student Assessment. Reading, mathematical and scientific literacy. París: OECD, 2000.

ICONOGRAFIA

EXPRESIONISMO Exordio al Expresionismo Alemán

“El artista expresionista transfigura todo su ambiente, El no ve: mira; no cuenta: vive; no reproduce: recrea; no encuentra: busca

Franz Kafka

En Portada: EL GRITO

Pisteyando: Paz y Amor

PISTIS CARTON

SALUD: ร bola

Cortazar 100

CITAS CELEBRES

55 56

ESPACIO POLITICO 83 ESPACIO LITERARIO 86

Arnold Schรถnberg

TIM BURTON 49

Siouxsie and the Banshees

CINE EXPRESIONISTA

Bi ot ic

EN PORTADA

‘El grito’ (1893), Edvard Munch. Óleo, temple y pastel sobre cartón, 89 x 73,5 cm. Galería Nacional de Oslo (Noruega)

onsiderada la obra más importante del simbolista Edvard Munch. El interés de Munch por la representación expresiva de las emociones a través del arte y el modo en que supo plasmarlas a través de su pintura, hace que esté considerado uno de los precursores más influyentes del Expresionismo.

Originalmente llamó a esta

pintura El grito de la naturaleza (Der Chrei der Natur) y fue creada como parte de la serie Friso de la vida sobre la vida moderna, el amor, la angustia y la muerte. Para esta imagen Munch se inspiró en un texto autobiográfico que escribió en su diario en enero de 1892: Estaba caminando por la carretera con dos amigos el sol se ponía - sentí como un soplo de melancolía - El cielo de repente se volvió de un rojo sangre - Me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron- y yo me quedé atrás - temblando de ansiedad - sentí un grito interminable que atravesaba la naturaleza.

Pintor que establecido un estilo de flujo libre de temática psicológica. Su pintura “El grito” (“El Grito”, 1893), es una de las obras más reconocidas en la historia del arte. Sus obras posteriores demostraron ser menos intenso, pero su anterior, pinturas oscuras aseguró su legado. Edvard Munch nació el 12 de diciembre de 1863, en Löten, Noruega, el segundo de cinco hijos. En 1864, Munch se trasladó con su familia a la ciudad de Oslo, donde su madre murió cuatro años después de tuberculosis que a partir de una serie de tragedias familiares en la vida de Munch, su hermana, Sophie, también murió de tuberculosis, en 1877 en el edad de 15 años; otra de sus hermanas paso la mayor parte de su vida en una institución para enfermedades mentales y su único hermano murió de neumonía a los 30 años. En 1879, Munch comenzó a asistir a una escuela técnica para estudiar ingeniería, pero la dejó a sólo un año, cuando su pasión por el arte superó su interés en la ingeniería. En 1881, se matriculó en la Real Escuela de Arte y Diseño. Al año siguiente, alquiló un estudio con otros seis artistas e hizo su primera exposición. Tres años de estudio y práctica después, Munch recibió una beca y viajó a París, Francia, donde pasó tres semanas. Después de regresar a Oslo, comenzó a trabajar en las nuevas pinturas, una de las cuales fue “El niño enfermo”, que iba a terminar en 1886. En lo que sería visto como la primera obra para representar la

ruptura de Munch del estilo realista, la pintura simbólica capta la emoción intensa que representa en el lienzo específicamente sus sentimientos acerca de la muerte de su hermana casi nueve años antes. Desde 1889 (el año en que murió su padre) para 1892, Munch vivió principalmente en Francia financiado por becas, así como la más problemática, período de su vida artística. Es durante este período que Munch realizó una serie de pinturas que él llamó el “Friso de la Vida”, en última instancia, que abarca 22 obras

para una exposición de 1902 en Berlín. Con pinturas llevan títulos como “Desesperación” (1892), “Melancolía” (c. 1892-93), “Ansiedad” (1894), “Celos” (1894-1895) y “El grito” (también conocido como “El Cry “) - el último de los cuales, pintado en 1893, llegaría a convertirse en uno de los cuadros más famosos jamás producido, Munch estado mental estuvo en plena exhibición, y su estilo fue muy variable, dependiendo de la emoción se había apoderado de él en el momento.

Munich sufre un disgusto, y ha sido responsabilidad de los Nazis, quienes han etiquetado su trabajo como “arte degenerado” y retiran sus trabajos de los museos alemanes. Finalmente Edvard Munch fallece en Ekely, cerca de Oslo, dejando más de 1.000 cuadros, 15.400 grabados, 4.500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo construidas por el Museo Munch en Tøyen en su honor.

La colección fue un gran éxito, y Munch pronto se hizo conocido para el mundo del arte. Posteriormente, se encontró sumido en el consumo excesivo de alcohol, infortunio familiar y la angustia mental.

Edvard Munch pintó 4 versiones similares de El Grito, pero no idénticas, entre los años 1893 y 1910. La versión de 1893 se alberga en la Galería Nacional de Noruega, la otra versión pintada con tempera en 1910 junto con la versión con pastel de 1893 son propiedad del Museo Munch en Oslo. La única versión que permanece en una colección privada es la versión a pastel sobre tabla pintada en 1895. Esta versión de El grito tiene además la singularidad de ser una de las obras de arte más caras de la Historia. Fue subastada por Sotheby’s en 2012 por 119.922.000 dólares al empresario estadounidense León Black. Dos de las otras versiones también aparecieron en los medios de comunicación cuando fueron las protagonistas de dos robos: El 22 de febrero de 1994 en la Galería Nacional de Noruega (recuperada sin daños el 7 de mayo de 1994)(1) y el 22 de agosto del 2004 en el Museo Munch (recuperada con daños el 31 de agosto del 2006). Además de estas cuatro versiones, Edvard Much creó varias series de litografías en blanco y negro inspiradas en la misma imagen.

No desesperes, ni siquiera por el hecho de que no desesperas. Cuando todo parece terminado, surgen nuevas fuerzas. Esto significa que vives.

Franz Kafka

DesiderĂŠ

Borges afirmó que Kafka era “desesperado y abrumador” y que sus novelas son “sórdidas pesadillas”

afka no se distingue por un estilo literario singular. Normalmente escritas desde la perspectiva de un narrador omnisciente, con los necesarios diálogos entre los personajes, tienen una estructura lineal en el tiempo, sin anacronías. Lo que hace que este escritor haya sido una fuente de inspiración y llamado la atención de la crítica, y del gran público, es la temática de sus obras. Plantea hechos que en principio pueden ser normales pero que se convierten en surrealistas. Por eso el término kafkiano define situaciones absurdas y angustiosas. Sus relatos son verdaderas parábolas que, mediante una reducción al absurdo, reflejan la desesperación de los seres humanos ante aspectos que no parecen tener lógica (o no la tienen) y sobre nuestras propias debilidades e inseguridades. Denotan una gran angustia existencial, muy propia del siglo XX. fue uno de los escritores más prominentes para salir de finales del XIX y principios del XX. Su nombre y el estilo de la escritura se han prestado a la palabra kafkiano, que significa las cualidades opresivas, extraño, ilógico y de pesadilla de su producción literaria.

Franz Kafka nació en Praga el 3 de julio de 1883 en el seno de una familia judía. Sus padres eran Hermann Kafka (1852-1931) y Julie Löwy (1856-1934). Su padre era dueño de una empresa de productos secos y había trabajado sin descanso para alejarse de la pobreza. Sin embargo, fue sólo con la dote de su esposa de Herrmann Kafka fue capaz de establecer su negocio. El padre de Kafka recordó a sus hijos de la privación que se había enfrentado como un niño. También fue una figura tiránica en el hogar. Muchos ven Herrmann Kafka como el modelo arquetípico de muchos de los antagonistas en las historias de Franz Kafka. Franz Kafka enfrenta el aislamiento dentro de su familia. Además, Kafka enfrentó aislamiento en Praga. Su familia era parte de la población de habla alemana, que se encontró desconfiado por la población de habla checa de Praga. Kafka también se enfrentó a un antisemitismo en general de los miembros de la comunidad. Gilles Deleuze y Felix Guattari apuntarían a esta complicada red de identidades y lenguas como

“La reputación de Franz Kafka llegó a ser tan importante Anécdota: Kafka entró en casa de un amigo al que para ambos escritores y filósofos. iba a visitar y sin querer despertó a su anciano pa-

fuendre. te para la proKafka lo miró y con el más dulce de los tonos dijo ducción mientras proseguía su camino de puntillas: literaria sofisticada de -Discúlpeme caballero. Haga el favor de consideKafka. En Kafka: rarme un sueño. Hacia una literatu-

Max Brod (1884/03/27 - 1968/12/20) Escritor checo en lengua alemana. Nació el 27 de mayo de 1884 en Praga, en cuya universidad cursó estudios. Amigo, biógrafo y editor de Franz Kafka, cuyas obras se publicaron póstumamente gracias a sus esfuerzos. Franz Kafka conoció en la facultad de Derecho al que se convertiría en su amigo inseparable, introdujo al joven Kafka en los circuitos intelectuales de la ciudad. En las cartas que intercambiaron a lo largo del tiempo recogidas en Correspondencia. Cartas a Max Brod, Kafka da muestras de su gran sentido de la amistad. En el año 1939, se radicó en Palestina participando en las actividades del teatro Habima de Tel Aviv. Entre sus obras destacan la novela histórica La redención de Tycho Brahe (1916) y las biografías de Heinrich Heine (1934) y Franz Kafka (1937). Max Brod falleció en Tel Aviv el 20 de diciembre de 1968.

ra menor, Deleuze y Guattari indican esta complicación diciendo: La imposibilidad de escribir que no sea en alemán es para los Judíos de Praga la sensación de una distancia irreductible de su primitiva territorialidad Checa ... la imposibilidad de escribir en alemán es la desterritorialización de la población alemana en sí, una minoría opresora que habla un idioma corte de las masas ... “lenguaje de papel” o un lenguaje artificial, esto es tanto más cierto para los Judíos que son al mismo tiempo una parte de esta minoría y los excluidos de ella, al igual que “los gitanos que han robado a un niño alemán de su cuna . La educación de Franz Kafka comenzó en la Escuela Nacional y Cívica Primaria alemán y continuó en el Nacional Alemán Gimnasio Humanístico. La experiencia de aprendizaje centrado alrededor de la memorización. En 1901, Kafka fue admitido en la Universidad de Ferdinand-Karls. Comenzó a estudiar la ley, en parte para satisfacer las expectativas de su padre. En 1906, Kafka sería otorgado un Doctorado en Derecho.

Oskar Baum (nacido el 21 de enero de 1883 en Pilsen, murió el 1 de marzo de 1941 en Praga) fue un austriaco escritor de origen checo. Era el hijo de un comerciante de productos de tela judío de Praga y sufrió desde el nacimiento con problemas de visión. A los ocho años, perdió la vista en un ojo y la edad de once años en una pelea, pedio la vista por completo. Dado que ya no podía participar en la escuela secundaria, el profesor de la clase, lo envió a Viena al Instituto Judío para Ciegos Hohewarte. Allí se formó en la música, aprendió el órgano - y piano. En 1902, obtuvo su certificado y volvió a Praga. Obtuvo trabajo como organista y director de coro de una sinagoga; más tarde se convirtió en un profesor de piano. En 1904 conoció a Kafka.

En 1902, Franz Kafka conoció a Max Brod, Oskar Baum y Franz Werfel. Estos hombres rápidamente abrazaron su intelecto mientras debatía el socialismo y el sionismo. Colegas de Kafka también le animaron a comenzar a perseguir sus intereses literarios con más interés. Fue también durante este período que Kafka comenzó a frecuentar burdeles. Intereses sexuales de Franz Kafka se han suprimido por estudiosos de la literatura en un intento de hacer que Kafka parece como un mártir por su arte. De hecho, seria reflexión de su colección de pornografía se desanimó hasta que el Dr. James Hawes trajo recientemente tales influencias a la luz. Hawes revela que “Par-

te de ella es bastante oscuro, con los animales que cometen felación y la acción de chica con chica... Es muy desagradable.” Después de la graduación, la búsqueda de Franz Kafka para un trabajo, pero en un trabajo burocrático sin sentido permitiría que él tenga la libertad de perseguir sus intereses creativos. En 1907, Kafka encontró trabajo como empleado en una oficina de abogados. Más tarde ese año, se encontró con una posición más lucrativa con la oficina de Praga de una compañía de seguros con sede en Italia. Desafortunadamente las exigencias del trabajo incluyeron una semana laboral de sesenta horas, lo que afectó su producción artística. En última instancia terminó en el empleo del Instituto de Seguros de Accidentes para accidentes del trabajo de Praga. Este negocio permite Kafka más libertad; Sin embargo, todavía se sentía atrapada por el trabajo. Esta situación se vio agravada por la adquisición de su padre de una fábrica de amianto que se esperaba que Franz Kafka para ayudar a manejar. En 1911, la carga de trabajo de Kafka llevó a su depresión y pensamientos suicidas. Sin embargo, contra la suposición de Franz Kafka se encontró un poco de placer en su trabajo. Es de destacar que Kafka ayudó a reducir las lesiones en el puesto de trabajo en las fábricas bávaras. La obra de Kafka era tan crucial para la industria de que se le concedió un aplazamiento de servir en el ejército durante la Primera Guerra Mundial I. Felice Bauer y Franz Kafka se reunieron en 1912 Rápidamente se comprometieron para el matrimonio. La relación fue luchas emocionales tensas. La relación inspiraría algunas de las más bien saber las obras de Kafka, incluyendo The Trial y en la Colo-

Franz Werfel (Praga, 1890-Beverly Hills, California, 1945) Escritor austríaco. Estudió en Praga, Leipzig y Hamburgo y participó en la I Guerra Mundial. Fue amigo de Franz Kafka. Junto con Martin Buber y Max Scheler fundó una sociedad secreta antimilitarista. Se inició en la literatura escribiendo poemas (El amigo del universo, 1912; Somos, 1913; El día del juicio, 1919), marcados por un vago humanismo. Adaptó Las troyanas de Eurípides en plena crisis europea (1916). A partir de 1920 escribió obras de teatro (Juárez y Maximiliano, 1924; Pablo entre los judíos, 1926; El reino de Dios en Bohemia, 1930; La senda eterna, 1935) y novelas (El culpable es la víctima y no el asesino, 1915; Bárbara o la piedad, 1929; Los cuarenta días de Musa Dagh, 1933). Escribió también dos biografías noveladas: Verdi (1924) y La canción de Bernadette (1941). Póstumamente su publicó La estrella de los que no han nacido (1946).

Franz Werfel Felice Bauer (18 noviembre 1887 hasta 15 octubre 1960) fue una novia de Franz Kafka , cuyas cartas a ella fueron publicadas como Cartas a Felice . Felice Bauer nació en Neustadt en la Alta Silesia (hoy Prudnik), en una familia judía. Su padre Carl Bauer (c. 1850-1914) era un agente de seguros, su madre Anna, nacida Danziger (1849-1930) era la hija de un tintorero local. Felice tenía cuatro hermanos: Else (18831952), Fernando (llamado Ferri, 1884-1952), Erna (1885-1978) y Antonie (llamado Toni, 18921918). En 1899 la familia se trasladó a Berlín. Felice se reunió Franz Kafka en Praga el 13 de agosto de 1912, cuando visitó a su amigo Max Brod

Milena Jesenská escritora, periodista y traductora checa, nace en Praga el 10 de agosto de 1896 y muere el 17 de mayo de 1944 en el campo de concentración de Ravensbrück, Alemania. Durante mucho años fue conocida como “la enamorada de Kafka” debido a la edición de las cartas que el escritor le enviara, pero Milena Jesenká fue muchas otras cosas en su vida. Nació en el seno de una familia aristocrática; su padre era cirujano y profesor de la Universidad de Praga y su madre murió cuando ella tenía 16 años. Estudió en el exclusivo Instituto para niñas Minerva y, obedeciendo los deseos de su padre, comienza los estudios de Medicina pero pronto los abandona. Se enamora de Ernst Pollak, escritor austriaco de origen judío, su padre hace todo lo posible para impedir esta boda pero no lo logra y la pareja se establece en Viena. Pronto el matrimonio comenzó a ser insoportable para Milena. Buscando independizarse de su esposo, comienza a realizar traducciones y a dar clases de checo; uno de sus alumnos fue el novelista y ensayista austriaco Hermann Broch.

nia Penal. Bauer y Kafka se romperían su compromiso después de cinco años. En 1913, Kurt Wolff publicó una sección de Amerika. Wolff publicó los seis volúmenes de la obra de Kafka que fueron publicadas en vida de Kafka. Franz Kafka nunca obtendría la popularidad que buscaba como escritor y se declararía con Max Brod para destruir los manuscritos no publicados y sin terminar. Brod se negaría esta solicitud. Entre 1915 y 1916, Franz Kafka no produjo obras literarias. Su sentimiento de culpa por no servir en el ejército y el insomnio cumplió con su carga de trabajo para evitar que Kafka trabajar. En 1917, Kafka volvió a su escritura creativa, pero se alejó de la narrativa tradicional. Su obra de este período ha sido descrita como “pensar en imágenes”.

1917 fue también el año en que Franz Kafka fue diagnosticado con tuberculosis. Sus empleadores le concedió la excedencia basada en su enfermedad. Él visitó a su hermana menor, Ottla, en Zuerau, un pueblo de Bohemia. Después de regresar a Praga, contrajo la gripe y se quedó en un sanatorio en Schelesen en 1919, Kafka había producido una larga carta en la que expuso sobre los problemas en la relación con su padre. Su madre se negó a entregar esta nota. Como su tuberculosis empeoró, Franz Kafka pasó más veces en sanatorios. En 1920 y 1921, Kafka utilizó este tiempo para estudiar hebreo y retornar al judaísmo. También se reunió Milena Jesenska, que se convertiría en una relación sentimental con Franz Kafka. Jesenka también se traduciría algunos de sus trabajos en el idioma checo. La relación terminaría, pero inculcar más culpa en Kafka. En 1922, Franz Kafka se retiró de su trabajo y regresó a casa de sus padres. Su salud se deterioró. En 1924, Kafka fue al Kierling sanatorio cerca de Viena, donde murió. Póstumamente gran parte de la obra de Kafka es visto como autobiográfica. Historias como Un artista del hambre en el que un profesional más rápido eventualmente mata a sí mismo a través de la práctica de su arte se ve que tiene un significado especial en el contexto de lo previsto y la devoción agotadora de Kafka a su oficio. Los trabajos más cortos de Franz Kafka incluyen Descripción de una lucha, los preparativos de la boda en el País, Contemplación, El Juicio, El fogonero, En la colonia penitenciaria, The Village maestro de escuela, Blumfeld, un Bachelor Ancianos, El Guardián de la tumba, El cazador Gracchus , La Gran Muralla de China, Informe para una Academia, Chacales y árabes, Un médico rural, Un Mensaje del emperador, un viejo manuscrito, El Rechazo, Un artista del hambre, Investigaciones de un perro, una mujer pequeña, Primer Dolor, La Madriguera, Josefina la cantora o el ratón Folk, y La metamorfosis.

Hermano: Georg Kafka (1885-1886) Hermano: Heinrich Kafka (1887-1888) Hermana: Gabriele Kafka (1889-1941) Hermana: Valerie Kafka (1890-1942) Hermana: Ottilie Kafka (1892-1943)

DIEZ PUNTOS QUE MARCARON SU VIDA.

1. En 1902 conoce a Max Brod, quien después se convertiría en su amigo inseparable y el causan te de la difusión de su obra. 2. Escribe “Preparativos de una boda en el campo”, posteriormente sufre una depresión literaria en 1907. 3. En septiembre de 1908, publica en la revista Hyperion, ocho fragmentos en prosa. 4. En 1910 forma parte del “Círculo de intelectuales” y publica en Bohemia cinco artículos en prosa, se unió a la compañía de teatro yiddish (lengua primitiva de los judíos refugiados en la Europa Central. 5. En octubre escribe “En la Colonia Penitenciaria”, comienza “El Proceso” y el invierno escribe “Ante la Ley”, culmina “América” (editada hasta 1925). 6. El 13 de agosto de 1912, se publica su obra “Contemplación”, “La Condena” en septiembre después “El Fogonero”, -capítulo primero de “América” –y finalmente, en noviembre escri be su más famosa obra “La Metamorfosis”. 7. En los primeros meses de 1917, escribió uno de los relatos de “La Muralla China”. Asimismo, es diagnosticado con tuberculosis. 8. En mayo de 1919 “En la Colonia Penitencia”; y en noviembre “Carta al padre”. 9. En 1922 terminó “El Castillo” y comienza casi de inmediato a escribir “Investigaciones de un Perro”. 10. Kafka escribió “Josefina la Cantora”, su último texto. El 3 de junio de 1924 muere en un sanatorio de Kierling, Viena, tiempo después salió su obra póstuma “Un Artista del Hambre”.

“Nadie podría ver el artista del hambre continuamente, día y noche, y para que nadie pudiera producir evidencia de primera mano de que el ayuno había sido muy rigurosa y continua, y sólo el propio artista podía saber que, por lo tanto, tenía que ser él. Único espectador completamente satisfecho de su propio ayuno embargo, por otras razones, nunca estaba satisfecho, no era quizá mera ayuno que lo había llevado a esa delgadez esquelética que muchas personas tuvieron lamentablemente para mantener lejos de sus exposiciones, ya la vista de él era demasiado para ellos, tal vez fue la insatisfacción consigo mismo que le había desgastado. Para él el único que sabía, lo que ningún otro iniciado sabía lo fácil que era ayunar”. Franz Kafka, “Un artista del hambre” Un artista del hambre, es un relato corto escrito por Franz Kafka en 1922 pero no fue publicado hasta 1924, después de su muerte. El protagonista es una arquetípica creación de Kafka, un individuo marginado y victimizado por la sociedad

LIBROS

Kafka es famoso por sus cuentos visionarios y profundamente enigmáticos que a menudo presentan una visión grotesca del mundo en el que los individuos agobiados por la culpa, el aislamiento y la ansiedad hacen una inútil búsqueda de la salvación personal. Novelas: El proceso (1925) El Castillo (1926) América (1927) Novelas / Cuentos Cortos El Juicio Final (1913) Meditación (1913) En la colonia penitenciaria (1914) La Metamorfosis (1915) Un médico rural (1916) Informe para una Academia (1919) Cartas a su Padre (1919) La Madriguera (1923)

Josepine la cantante, o el ratón Folk (1924) Un artista del hambre (1924) La Mole Gigante (1931) La Gran Muralla de China (1933) Investigaciones de un perro (1933) Antes de la ley (1933) Blumfield, una Licenciatura de ancianos (1933) Descripción de una lucha (1936) Diarios de Franz Kafka 1910-1923 (1951) Cartas a Milena (1952) Cartas 1902-1924 (1958) (ed. Por M. Brod) Cartas a Felice (1967) Cartas a Ottla y la Familia (1974) Cartas a los amigos, familia y Editores (1977)

El castillo (novela) Publicada póstumamente, se trata de una obra inconclusa que Kafka había empezado a escribir en enero de 1922. Su protagonista, conocido solamente como K., lucha para acceder a las misteriosas autoridades de un castillo que gobierna el pueblo al cual K. ha llegado a trabajar como agrimensor. En líneas generales, El castillo trata sobre la alienación, la burocracia, y la frustración, aparentemente interminable, de los intentos de un hombre de oponerse al sistema.

Un medico rural (cuento corto) Kafka presenta en su cuento ‘Un médico rural’, como un galeno se siente rebasado por las expectativas puestas en él por la familia de un enfermo grave, que quiere obligarlo a curarlo aún por la fuerza. La dificultad de salvar al joven agonizante se complica porque el médico, narrador del relato por ir aprisa al pueblo 10 millas distante de su casa, ha tenido que dejar a su criada, la bella muchacha Rosa, en las garras de un cochero que la viola en su propia casa. El narrador escoge atender al paciente, allí se encuentra en un ambiente de pesadilla, cuando lo desnudan para que se quede con el enfermo. Viendo que no hay nada que hacer escapa desnudo hacia su coche y emprende el camino de regreso, pero sabe que será tarde para Rosa, aprisionada por el peso de su violador, y lamenta que el mismo no haya atendido galantemente a la muchacha en tantos años que le sirvió. El ambiente es extraño, parece que las decisiones del médico no son tomadas coherentemente.

Las preocupaciones de un padre de familia (cuento) El cuento trata acerca de una pequeña criatura denominada Odradek: “Su aspecto es el de un huso de hilo, plano y con forma de estrella, y la verdad es que parece hecho de hilo, pero de pedazos de hilos cortados, viejos, anudados y entreverados, de distinta clase y color. No sólo es un huso; del centro de la estrella sale un palito transversal, y en este palito se articula otro en ángulo recto” El cuento fue escrito entre 1914 y 1917. En 1919 apareció publicada en Ein Landarzt. Kleine Erzählungen (Un médico rural), una recopilación de cuentos cortos de Kafka publicada por Kurt Wolff (Múnich y Leipzig)

America ó El desaparecido (novela) América (Amerika en alemán original, también conocida como «The Stoker», El Fogonero, o El Desaparecido) fue iniciada en 1911 y la dejó inconclusa en 1912 pero fue publicada póstumamente en 1927. Desde 1982 se publica con el título original que Kafka pensó “El desaparecido”, pues Max Brod alteró dicho título por el de “America”. Esta revisión y los estudios posteriores, determinaron una nueva distribución de la novela, sobre todo de los fragmentos, tal y como se decidió publicar en la edición alemana definitiva de Fischer. La historia describe el ir y venir de un muchacho de 16 años, inmigrante de Europa, llamado Karl Rossman, en los Estados Unidos, quien fue forzado a ir a Nueva York para escapar del escándalo de haber seducido a su sirvienta. Durante el viaje se hace amigo de un fogonero del barco.

La metamorfosis Al despertar Gregorio Samsa una mañana, tras un sueño intranquilo, encontróse en su cama convertido en un monstruoso insecto.» Tal es el abrupto comienzo, que nos sitúa de raíz bajo unas reglas distintas, de La metamorfosis, sin duda alguna la obra de Franz Kafka (1883-1924) que ha alcanzado mayor celebridad. Escrito en 1912 y publicado en 1916, este relato es considerado una de las obras maestras de este siglo por sus innegables rasgos precursores y el caudal de ideas e interpretaciones que desde siempre ha suscitado.

El proceso Una mañana cualquiera, Josef K., joven empleado de un banco, se despierta en la pensión donde reside con la extraña visita de unos hombres que le comunican que está detenido -aunque por el momento seguirá libre-. Le informan de que se ha iniciado un proceso contra él, y le aseguran que conocerá los cargos a su debido tiempo. Así comienza una de las más memorables y enigmáticas pesadillas jamás escritas. Para el protagonista, Josef K., el proceso laberíntico en el que inesperadamente se ve inmerso supone una toma de conciencia de sí mismo, un despertar que le obliga a reflexionar sobre su propia existencia, sobre la pérdida de la inocencia y la aparición de la muerte.

Carta al padre Kafka escribió a su padre Hermann en noviembre de 1919, criticándolo por su conducta emocionalmente abusiva e hipócrita hacia él. La misma fue publicada póstumamente, en 1952. Cuando escribió esta carta bajo el pretexto de fundamentar ante su padre el miedo que sentía por él, utilizó todas sus argucias de abogado. Sabemos esto ya que él mismo hubo de confesárselo a Milena Jessenska, su segundo gran amor, a quien le permitió la lectura del original, aunque en éste se hablase de ella. Esta carta debió haber sido quemada por Max Brod. Al salvarla de la hoguera, éste salvó la llave maestra de todos los escritos de Kafka.

Un artista del hambre Ein Hungerkünstler, es un relato corto escrito por Franz Kafka en 1922 pero no fue publicado hasta 1924, después de su muerte. El protagonista es una arquetípica creación de Kafka, un individuo marginado y victimizado por la sociedad. La historia detalla la decadencia y muerte de un artista ayunador profesional de un circo que se muere de hambre en una jaula. Fue ignorado sistemáticamente por el público y permaneció en su jaula hasta que uno de los administradores del circo le preguntó si aún seguía pasando hambre. Su respuesta fue que la razón por la que se moría de hambre es que nunca encontró una comida que le gustará, y después murió. Después, se ocupó su jaula con una pantera que atrajo mucho público.

ANECDOTA

Dora Diamant, la compañera de sus últimos años. Cuenta que, cuando vivían en Berlín, iban con frecuencia a un parque. “Un día nos encontramos a una niña pequeña que lloraba y parecía totalmente desesperada. Hablamos con ella. Franz le preguntó qué era lo que la apenaba, y nos enteramos de que había perdido su muñeca. Enseguida inventa él una historia con la que explicar aquella desaparición. ‘Tu muñeca tan sólo está haciendo un viaje. Lo sé. Me ha enviado una carta’. La niña desconfió un poco: ‘¿La has traído?’ ‘No, la he dejado en casa, pero mañana te la traeré’. La niña, ahora curiosa, ya había olvidado en parte su pena. Y Franz volvió en seguida a casa para escribir la carta”.

METAFORMOSIS Es probablemente la obra cumbre de Kafka, es brillante e irónica, en ella se mezclan con naturalidad fantasía y realidad. Quizas en alguna parte en nuestra subsistencia nos hemos sentido identificados con el personaje principal, seguro hemos sido rechazados o discriminados por la sociedad en general, alguna vez, e incluso quizás por nuestra misma familia, considero, que es una de las reacciones más naturales que tiene el ser humano hacia lo “diferente” o desconocido, y quizás eso no lo podemos evitar, pero, de lo que estoy seguro es de que si podemos cambiar nuestro conceptos y comprender un poco sobre la naturaleza humana. vademécum Grete intenta cuidar a su hermano, proporcionándole con la leche y la comida rancio, podrido ahora prefiere. Gregor también desarrolla los temores de un insecto, que se espantó efectiva acabar silbando voces y dar pataditas. Sin embargo, Gregor sigue siendo un hijo devoto y amoroso, y lleva a esconderse debajo de un sofá cada vez que alguien entra en su habitación con el fin de protegerlos de su aspecto horrible. Cuando solo, se entretiene mirando por la ventana y arrastrándose por las paredes y en el techo. Al no poder contar con los ingresos de Gregor, los otros miembros de la familia asumen puestos de trabajo y el cuidado de Grete deteriora. Un día, cuando Gregor sale de su habitación, su padre lo persigue por toda la mesa del comedor y le Pellejo con manzanas. Una de las manzanas se incrusta en la espalda, causando una infección. Debido a su infección y su hambre, es pronto apenas capaz de moverse en absoluto. Más tarde, sus padres toman en inquilinos y usar la habitación de Gregorio como un vertedero para los objetos no deseados. Gregor se ensucia, cubierto de polvo y trozos viejos de comida podrida. Un día, Gregor oye Grete tocando su violín para entretener a los huéspedes. Gregor se siente atraído por la música, y camina lentamente hacia el comedor a su pesar, el entretenimiento una fantasía de conseguir su querida hermana a unirse a él en su habitación y jugar su violín para él. Los inquilinos lo ven y dan aviso, negándose a pagar el alquiler que deben, incluso amenazando con demandar a la familia para él la acogida mientras ellos se quedaban allí. Grete determina que los bichos monstruosos ya Gregor no es, ya que Gregor les habría dejado fuera de amor y llevado su carga de distancia. Ella sugiere que deben deshacerse de él. Gregor se retira a su habitación y se derrumba, finalmente sucumbir a sus heridas, y morir solo. El punto de vista de los cambios que, en el descubrimiento de su cadáver, la familia siente una enorme carga se ha levantado de ellos, y empezar a planificar para el futuro de nuevo. La familia descubre que no están haciendo financieramente mal en absoluto, sobre todo porque, a raíz de la muerte de Gregor, pueden tomar un piso más pequeño. El breve proceso de olvido Gregor y le cierre de sus vidas se completa rápidamente fin

Por @gh

La cultura de la paz consiste en una serie de valores, actitudes y comportamientos que rechazan la violencia y previenen los conflictos tratando de atacar sus causas para solucionar los problemas mediante el diálogo y la negociación entre las personas, las naciones, teniendo en cuenta un punto muy importante que son los derechos humanos, pero así mismo respetándolos y teniéndolos en cuenta en esos tratados. Esta fue definida por resolución de la ONU, siendo aprobada por la Asamblea General el 6 de octubre de 1999 en el Quincuagésimo tercer periodo de sesiones, Acta 53/243.

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El Por qué los 2 dedos... Fue usado en la protestas contra la Guerra de Vietnam (y protestas posteriores contra la guerra) y por la contracultura. Debido a que los hippies de ese tiempo lo utilizaban con frecuencia al mismo tiempo que decían “paz”, terminó haciéndose popular como el signo de la paz. Pero… La seña V es un gesto manual en el cual se levantan los dedos índices y medio separados, mientras que los demás dedos permanecen cerrados. La letra “V” de ‘victoria’ (con la palma hacia afuera) y como símbolo de paz (con la palma hacia afuera). En la cultura anglosajona, como un gesto ofensivo (con la palma hacia adentro).

n círculo con tres líneas en su interior), una en la parte superior y dos en la inferior en forma de huella de ave, que tuvo su etapa más representativa en la década de los 60 con la cultura y movimiento hippie.

La palabra inglesa hippie deriva de otra palabra en inglés, hip, que quiere decir «popular, de moda». De ese término se deriva la palabra inglesa hipters (un «hipista»), que indica a los que pretenden ser hip, las vanguardias.

Fue creado en 1958 por el diseñador británico Gerald Holtom para la campaña de desarme “British Campaign for Nuclear Disarmament”, aunque después su significado se extendería al sentido más general de “paz” con el que se interpreta hoy en día. Holtom se basó en las letras (Nuclear Disarmament) según el abecedario semáforo en donde N se representaría con ambos brazos hacia abajo (uno a un lado y otro al otro) y la De con un brazo vertical hacia arriba y otro vertical hacia abajo.

En los EE. UU. Antes de los años 1960, los bohemios y los hipsters por lo general se envolvían con la cultura negra y el jazz. El 6 de septiembre de 1965, en el periódico de San Francisco llamado The San Francisco Examiner, el periodista Michael Fallon utilizó la palabra hippie por primera vez para referirse a los nuevos beatniks y a los jóvenes de modas bohemias. Pero la gran prensa aún tardó casi dos años en utilizar la nueva palabra.

Gerald Herbert Holtom (20 de enero de 1914 - 18 de septiembre de 1985) fue un diseñador profesional y artista británico.

logo se hizo popular en todo el mundo como un símbolo de paz.

Se graduó en el Royal College of Art. Holtom fue un opositor consciente durante la Segunda Guerra Mundial. El 21 de febrero de 1958 diseñó el logo del desarme nuclear para la primera marcha de Aldermaston, organizada por el Direct Action Committee (“Comité de Acción Directa”) contra la Guerra Nuclear (4-7 de abril de 1958). El uso del logo no fue protegido bajo licencia y se volvió a usar por la Campaña para el desarme nuclear, también fundada en 1958; posteriormente el

“Yo estaba en la desesperación. Profunda desesperación. Me dibujé: el representante de un individuo en la desesperación, con la palma de las manos extendidas hacia afuera y hacia abajo en la manera del campesino de Goya ante el pelotón de fusilamiento. Formalicé el dibujo en una línea y puse un círculo alrededor de ella “. Gerald Holtom, designer of the peace symbol. (Photo courtesy Ken Kolsbun.)

El diseño es una combinación de las letras “N” (dos brazos abiertos apuntando hacia abajo en un ángulo de 45 grados) y “D” (un brazo levantado sobre la cabeza) del alfabeto del semáforo, acrónimo inglés de nuclear disarmament (al español, desarme nuclear). Fue en la oficina de la revista Peace News en 5 Caledonian Road, Londres. N.1. (above Housmans Bookshop) donde se adoptó el símbolo para la campaña del desarme nuclear. Holtom murió a la edad de 71 años.

Gerald Holtom, el propio artista dijo en su momento que lo que intentó fue sugerir las iniciales N y D (Desarme nuclear) y para ello, se sirvió del lenguaje de banderas creado por los militares. El mismo que usan los marinos para comunicarse de una nave a otra por medio de banderas. Este símbolo fue diseñado para la primera gran manifestación antinuclear en el Reino Unido. El diseñador construyó el símbolo a partir de las letras N (uclear) y D (isarmament) del abecedario semáforo.

CND (Campaña por el Desarme Nuclear) se formó en Gran Bretaña en 1958. Primeras políticas de la CND fueron redactadas por JB Priestley y otros como Bertrand Russell, Michael Foot, Canon John Collins, Sheila Jones y Arthur Goss. T odos ellos se reunieron después de decidir que un movimiento nacional debería establecerse para hacer campaña contra las armas nucleares. Muchas marchas de protesta se organizaron entre 1958 y 1963 a Aldermaston, Berkshire, el sitio de una investigación de armas atómicas centro. En 1963 Gran Bretaña, Estados Unidos y la Unión Soviética estuvieron de acuerdo sobre el Tratado de Prohibición de Pruebas Nucleares. El acuerdo prohibía los experimentos nucleares en tierra, mar y en el espacio. En 1996, un tratado más amplio fue firmado por todas las potencias nucleares en el mundo aparte de la India.

El semáforo (o alfabeto semáforo) es un sistema de comunicación en el que se utiliza la posición de los brazos para representar cada letra del alfabeto, incluido en el código internacional de señales de la OMI (Organización Marítima Internacional). Es un sistema para usar de día ya que se utilizan banderas para identificar claramente la posición de los brazos (para comunicación nocturna es preferible emplear antorchas en vez de banderines o utilizar el código morse con una linterna u otra fuente de luz). Holton confesó más tarde que se inspiró en el cuadro de los fusilamientos de Goya a modo de representación de “la desesperación de un individuo, con las palmas de manos extendidas hacia afuera en la manera del campesino de Goya frente al escuadrón de fusilamiento”.

La paloma Ha sido históricamente considerada como un Símbolo de Paz y entendimiento entre las personas. Esta ave fue domesticada por el ser humano hace ya unos cinco mil años. Fue objeto de adoración en la India y figura mitológica para los Incas. Las palomas se caracterizan por tener un gran sentido de la orientación, por ello fueron adiestradas en Egipto, China, Grecia y Roma, donde tomaron el rol de mensajeras. En el siglo XX, tras las guerras que sufrió el mundo, se difundió el dibujo de la paloma blanca como Símbolo Universal de la Paz. A principios de los años 60 el genial pintor español Pablo Picasso realizó una colección de grabados con este símbolo y además bautizó a su propia hija con el nombre de Paloma. Incluso muchos otros artistas popularizaron ese símbolo que aparece en logotipos, ilustraciones, e incluso en importantes y decisivas convenciones internacionales de paz para la humanidad. La paloma es Símbolo de la Paz desde los tiempos del “Arca de Noé”, tal como se relata en la Biblia. Los textos sagrados cuentan que después del gran diluvio, Noé mandó a una paloma para que, a través de ella, se pudiera conocer en qué condiciones había quedado la tierra después del terrible suceso que lo obligó a encerrarse en el arca. La paloma regresó trayendo una rama de olivo en el pico, signo de que había árboles que no estaban ya cubiertos por el mar y que por lo tanto ya podían dejar el arca para volver a vivir en tierra firme. La paloma anunció que el peligro había desaparecido.

EN PAZ Muy cerca de mi ocaso, yo te bendigo, vida, porque nunca me diste ni esperanza fallida, ni trabajos injustos, ni pena inmerecida; porque veo al final de mi rudo camino que yo fui el arquitecto de mi propio destino; que si extraje la miel o la hiel de las cosas, fue porque en ellas puse hiel o mieles sabrosas: cuando planté rosales, coseché siempre rosas. ...Cierto, a mis lozanías va a seguir el invierno: ¡mas tú no me dijiste que mayo fuese eterno! Hallé sin duda largas noches de mis penas; mas no me prometiste tú sólo noches buenas; y en cambio tuve algunas santamente serenas... Amé, fui amado, el sol acarició mi faz. ¡Vida, nada me debes! ¡Vida, estamos en paz!

Autor: Amado Nervo

I -K -

“El expresionismo no mira: ve, el expresionismo no cuenta: vive, no reproduce: recrea, no encuentra: busca”. Kasimir Edschmid

Expresionismo era un movimiento de arte en la primera mitad del siglo 20. Predominio del expresionismo fue especialmente en la pintura y el diseño gráfico. El expresionismo se entiende como una expresión de arte. Como un medio artístico servir a los artistas expresionistas simplificados y reducidos a formas elementales abreviaturas. La combinación de colores en el expresionismo es libre, subjetiva, a veces violenta. Los artistas del Expresionismo fueron inspirados entre otros por el trabajo plástico de los pueblos primitivos de África y Oceanía. Exordio al Expresionismo Alemán

En la era del expresionismo mostró la tendencia a la formación de asociaciones de artistas. Entre otras cosas, formó “The Bridge” y “El Jinete Azul”. Pintores que se dedicaban al expresionismo, fueron, entre otros, Otto Dix, Paul Klee, Carl Eugen Keel, Max Ernst y Peter agosto Böckstiegel. Precursor de la pintura de estilo expresionista haber incluido Paul Gauguin y Vincent van Gogh. En la escultura se encontraban en artistas Expresionismo como Wilhelm Lehmbruck y Käthe Kollwitz trabajado. Erich Mendelsohn y Bruno Taut eran líderes en el campo de la arquitectura.

l término “expresionismo” fue utilizado por primera vez por el pintor francés Julien-Auguste Hervé, que utilizó la palabra “expressionisme” para designar una serie de cuadros presentados en el Salón de los Independientes de París en 1901, en contraposición al impresionismo. Emil Nolde. Las máscaras. Naturaleza Muerta III (1911).

El término alemán “Expressionismus” fue adaptado directamente del francés –ya que expresión en alemán es ‘Ausdruck’–, empleándose por primera vez en el catálogo de la XXII Exposición de la Secesión de Berlín en 1911, que incluía tanto obras de artistas alemanes como franceses. En literatura, fue aplicado por primera vez en 1911 por el crítico Kurt Hiller. Posteriormente, el término expresionismo fue difundido por el escritor Herwarth Walden, editor de la revista Der Sturm (La tormenta), que se convirtió en el principal centro difusor del expresionismo alemán. Walden aplicó inicialmente el término a todas las vanguardias surgidas entre 1910 y 1920. En cambio, la aplicación del término expresionismo ligado exclusivamente al arte alemán de vanguardia fue idea de Paul Fechter en su libro Der Expressionismus (1914), que siguiendo las teorías de Worringer relacionó las nuevas manifestaciones artísticas como una expresión del alma colectiva alemana.

Características del Expresionismo 1.Los representantes de este movimiento hablan más de “postura vital” que de una corriente entendida como tal. 2.Es anticonformista y sus exponentes fueron vistos como iconoclastas. 3.Se basa en la intuición, depura, intensifica e interpreta la realidad, pero nunca se aparta totalmente de ella. Es absolutamente irracionalista. 4.Capacidad para deformar hasta la caricatura, dado que se niega a captar la realidad a través de las huidizas impresiones del momento, estableciendo jerarquías y una “estilización que deriva en deformación. Utilizaron la caricatura, la máscara y, en general, todas aquellas deformaciones y trazos desgarrados que “expresaran” en sí mismos, desdeñando la armonía impuesta por el impresionismo y convirtiéndose en un arte crítico en su búsqueda de nuevas manifestaciones 5.La literatura expresionista se sirvió de recursos como el “flujo de conciencia” , el uso de un lenguaje desgarrado, la presencia constante de la muerte, la violencia y la crueldad, la elaboración de personajes abstractos o genéricos, las narraciones fragmentadas; la crítica a la burguesía y la presencia de lo grotesco como medio de representar la naturaleza humana. 6.Reconstruye la realidad 7.Relaciona la expresión literaria con artes plásticas y música 8.Expresa la angustia del mundo y de la vida a través de novelas y dramas donde se habla de las limitantes sociales impuesta a la libertad del hombre como la autoridad paterna o conservación. 9.Refleja toda una serie de preocupaciones profundas: la magia, los sueños, la religión y la filosofía orientales, el anhelo de hermandad universal.. En la poesía del expresionismo se encuentra: hondura, variedad renovadora de temas, aspiraciones cósmicas, audacias del lenguaje y de la métrica.

EN PINTURA De manera estricta, es el arte desarrollado en Alemania en el segundo decenio del siglo XX, extendido entre 1911 y 1914. Extendiéndose universalmente. Se entiende como un movimiento artístico nacido de la crisis ideológica y social en los países germánicos, e interpretado como una reacción al cubismo y el impresionismo. El estallido de la Primera Guerra Mundial actuó como elemento adhesivo. El ambiente desgarrador, necesitaba un arte de guerra. Al término del conflicto, la República de Weimar exaltó a los expresionistas. Firmes hasta 1924, luego comenzó su decadencia y su ocaso con la llegada del nazismo. Así el expresionismo, símbolo de rebeldía y servido por los judíos, no podía más que ser perseguido por los Nazis, contribuyendo en los países donde se refugiaron los artistas. El expresionismo resalta como el centro de sus preocupaciones: el alma humana, basándose en una estética concreta de deformación expresiva debido al estado emocional del artista. Por consiguiente es el noruego Edvard Munch se le considera el padre del expresionismo, y su obra El grito la definición más concreta del movimiento, aunque sus antecedentes se

remonten al propio Vincent Van Gogh. La temática de este estilo no le da relevancia a la sensibilidad de los colores o a la armonía de sus mezclas, sino al planteamiento de los conflictos íntimos y privados de las personas, siendo aquellos que poseen un significado angustioso y desgarrador los que prevalezcan. El expresionismo se presenta de esta manera, como el exponente más claro de la angustia contemporánea. Sin embargo no es la realidad el criterio seguido por esta corriente, ya que la exageran, culminando en sarcasmo y desesperación. Su realidad está basada en la experiencia emocional y espiritual, por encima de una comprensión analítica. Los pintores intentan hallar la imagen que el objeto deja en ellos y seguir las deformaciones que el inconsciente introduce. La pintura se desarrolló principalmente en torno a dos grupos artísticos: Die Brücke, fundado en Dresde en 1905, y Der Blaue Reiter, fundado en Múnich en 1911. En la posguerra, el movimiento Nueva Objetividad surgió como contrapeso al individualismo expresionista defendiendo una actitud más comprometida socialmente, aunque técnica y formalmente fue un movimiento heredero del expresionismo.

Van Gogh, Vincent “La noche estrellada”, 1889 (30/03/1853 Groot Zundert - 29/07/1890 Auverssur-Oise). Artista noruego pionero del expresionismo cuyos cuadros describen los sentimientos básicos humanos, como el miedo, el horror y la muerte.

Ensor, James “La intriga” (13/04/1860 Ostende - 19/11/1949 Ostende) Pintor de escenas macabras y sarcásticas llenas de simbolismo que tematizan la soledad del hombre.

Heckel, Erich “Niña parada”, 1910 (31/07/1883 Döbeln - 27/01/1970 Hemmenhofen). Es uno de los expresionistas más importantes de Alemania y cofundador del grupo artístico Die Brücke. Utiliza principalmente, la forma y el color como medios de expresión.

Müller, Otto “Drei Akte vor dem Spiegel”, 1912 (16/10/1874 Liebau - 24/09/1930 Breslavia) Pintor expresionista de personajes del ambiente gitano, el cual retrata con colores tenues.

Beckmann, Max “Cristo y una mujer descubiertos en adulterio”, 1917 (12/02/1884 Leipzig - 27/12/1950 Nueva York) Pintó cuadros enigmáticos y profundos sobre la existencia del ser humano, en un estilo personal y de características expresionistas.

Gauguin, Paul “We hail thee Mary”, 1891) (07/06/1848 París - 08/05/1903 Autona auf Hiva Oa) Pintor post-impresionista y simbolista que emigró a los mares del sur en busca de lo arcaico y lo espontáneo. De gran influencia en los fauvistas, por su trabajo con el color y la línea.

Kirchner, Ernst Ludwing “Dos mujeres en la calle”, 1914 (6/5/1880 Aschaffenburg - 15/06/1938 Davos) Cofundador de Die Brücke y representante afamado del expresionismo alemán que representó un estilo nervioso y espinoso la vida de la gran ciudad alemana.

Schmidt-Rottluff, Karl “Descanso en el atelier”,1910 (01/12/1884 Rottluff - 10/08/1976 Berlín) Cofundador del grupo artístico Die Brücke que empleó, tal y como en su día hizo Heckel, tonos brillantes rojos y verdes. Su motivo principal era el paisaje.

Nolde, Emil “Gente excitada”, 1913 (Emil Hansen, 07/08/1867 Nolde 15/04/1956 Seebüll) Importante exponente del expresionismo alemán, que pintó acuarelas, óleos y tablas con un pincel muy apasionado, resplandeciente y rico en contrastes.

Marc, Franz “Caballo azul I” ,1911 (08/02/1880 Munich - 04/03/1916 Verdún) Cofundador de Der Blaue Reiter, que colocó el animal como símbolo de la unidad cósmica en el centro de su obra cristalina y luminosa. Sus caballos azules, que fueron objeto de condenación por Hitler, se han hecho famosos en todo el mundo.

EN LITERATURA

EN EL CINE

Existieron dos corrientes fundamentales en la prosa expresionista: una reflexiva y experimental, abstracta y subjetivizadora, representada por Carl Einstein, Gottfried Benn y Albert Ehrenstein; y otra naturalista y objetivizadora, desarrollada por Alfred Döblin, Georg Heym y Kasimir Edschmid. Figura aparte la obra personal y difícilmente clasificable de Franz Kafka, que expresó en su obra lo absurdo de la existencia, en novelas como La metamorfosis (Die Verwandlung, 1915), El proceso (Der Prozeß, 1925), El castillo (Das Schloß, 1926) y El desaparecido (Der Verschollene, 1927). Kafka mostró mediante parábolas la soledad y alienación del hombre moderno, su desorientación en la sociedad urbana e industrial, su inseguridad y desesperación, su impotencia frente a poderes desconocidos que rigen su destino

El expresionismo, no sólo dominó a las artes plásticas, a la música y a la literatura, sino que también estuvo presente en la mayoría de las producciones cinematográficas alemanas de esa época. En ellas preponderaba lo subjetivo que afloraba todo el universo mítico y fantástico a través de las formas y de las imágenes que reflejan un estado espiritual de angustia. Ella es la respuesta hacia un entorno que se muestra hostil, al cual el hombre no puede integrarse. El primer antecedente del expresionismo en el cine es “El estudiante de Praga” de Paul Wegener.

Sinopsis Un estudiante, Balduin, salva a una aristócrata de morir ahogada. Se enamora de ella pero es un simple estudiante sin dinero. Se le aparece un anciano, Scapinelli, que le ofrece dinero a cambio de algo que el anciano quiera llevarse. El estudiante acepta el pacto y Scapinelli se lleva la imagen de Balduin reflejada en el espejo. Balduin se las promete feliz, sube de nivel social gracias al dinero de Scapinelli y logra enamorar a la aristócrata. Pero Scapinelli no se olvida tan fácilmente del pacto...

Sin embargo la más representativa del expresionismo es El Gabinete de Galigari (Referencia CINE) Título original Der student von Prag (The Student of Prague) (AKA A Bargain with Satan) Año 1913 Duración 85 min. País Alemania Director Stellan Rye, Paul Wegener Guion Hanns Heinz Ewers, Alfred de Musset (Historia: Edgar Allan Poe) Música Película muda / Versión restaurada: Josef Weiss Fotografía Guido Seeber (B&N) Reparto Paul Wegener, John Gottowt, Grete Berger, Lyda Salmonova, Lothar Körner, Fritz Weidermann, Alexander Moissi Productora Deutsche Bioscop GmbH

EN ARQUITECTURA Se trata de un movimiento arquitectónico, que tuvo su origen a principios del siglo XX en Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Movimiento claramente influenciado por el Expresionismo, conceptualiza la arquitectura como un arte en el que las formas naturales se introducen en el paisaje urbano y hacen volver al ser humano a su simbiosis con el entorno más puro. El expresionismo deja al margen los cánones realistas para centrarse en la arquitectura más expresiva, como si se tratase de una creación artesana en la que lo gótico y rococó se entrelazan y sirven de nexo a elementos occidentales y orientales. El inicio del citado movimiento se produce en la Alemania de 1907, con la fundación de la Deutscher Werkbund (Federación alemana del trabajo). Lo más destacado, la introducción de materiales como el vidrio y el acero. Además, la Exposición de Colonia (1914) supuso un hito fundamental como empuje a su internacionalización.

Erich Mendelsohn (Alemania, 1953)

1887-

Arquitecto alemán cuyos diseños curvilíneos y expresionistas representaron una alternativa al estilo funcionalista imperante en el siglo XX. Llamó la atención en 1918 con una serie de bocetos que aportaban una nueva manera de hacer arquitectura. Se basaba en la utilización expresionista de diseños curvos tanto en líneas como en volúmenes. Todo esto se comprueba en el observatorio de Einstein en Potsdam (1921). Durante la década de 1920 una serie de encargos para tiendas y cines le ayudaron a evolucionar y afirmar su expresión. Estos edificios muestran la influencia que tuvo Frank Lloyd Wright en su obra. Fachadas curvas, líneas marcadas y largos ventanales horizontales. En el pabellón De La Warr (1935, Bexhill-on-Sea, Inglaterra) incluye una escalera de caracol encerrada en una torre de cristal. Su material preferido fue un hormigón muy fluido que se ajustaba con precisión a su estilo expresionista.

EN LA ESCULTURA La escultura expresionista no tuvo un sello estilístico común, siendo el producto individual de varios artistas que reflejaron en su obra o bien la temática o bien la distorsión formal propias del expresionismo. Destacan especialmente tres nombres: Ernst Wilhelm Lehmbruck , Barlach y Käthe Kollwitz.

conocido por sus desnudos angulares, que expresaban tanto dignidad como desesperación.

Mujer arrodillándose (1911) Descripción: Molde de piedra. 69 x 54 x 27 cm. Localización: MOMA. Nueva York Autor: Wilhelm Lehmbruck

Uno de ellos, considerado por la crítica como una obra maestra, es Mujer arrodillándose (1911, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Muestra notables contrastes verticales y horizontales y la característica distorsión gótica por medio de alargamientos. Hay otros trabajos de Lehmbruck en la Tate Gallery de Londres y en galerías de Buffalo y de Nueva York. Se suicidó a los 38 años.

EN LA MUSICA Wilhelm Lehmbruck (Alemania, 1881-1919)

Rising Youth (1913) Descripción: Bronce. 226 × 76 × 56 cm. Localización: MOMA. Nueva York Autor: Wilhelm Lehmbruck

Escultor alemán, considerado uno de los más grandes artistas contemporáneos de su país y claro exponente del expresionismo. Estudió en la Academia de Düsseldorf. Cuando era joven viajó por Italia y pasó cuatro años en París. De 1914 a 1917 participó activamente en el movimiento expresionista en Berlín. En su trabajo utilizó distorsiones, particularmente alargamientos de carácter gótico, y es muy

Der Gestürzte (1916) Descripción: Bronce. 78 x 240 x 82 cm. Localización: Staatliche Museum. Berlín Autor: Wilhelm Lehmbruck

La música expresionista buscó la creación de un nuevo lenguaje musical, liberando la música, sin tonalidad, dejando que las notas fluyan libremente, sin intervención del compositor. En la música clásica, la armonía estaba basada en la cadencia tónica-subdominante-dominante-tónica, sin que dentro de una tonalidad se diesen notas extrañas a la escala. Sin embargo, desde Wagner, la sonoridad cobró mayor relevancia respecto a la armonía, ganando importancia las doce notas de la escala. Así, Arnold Schönberg (Referencia en Personajes.)

EN LA POESIA La lírica expresionista se desarrolló notablemente en los años previos a la contienda mundial, con una temática amplia y variada, centrada sobre todo en la realidad urbana, pero renovadora respecto a la poesía tradicional, asumiendo una estética de lo feo, lo perverso, lo deforme, lo grotesco, lo apocalíptico, lo desolado, como nueva forma de expresión del lenguaje expresionista. Los nuevos temas tratados por los poetas alemanes son la vida en la gran ciudad, la soledad y la incomunicación, la locura, la alienación, la angustia, el vacío existencial, la enfermedad y la muerte, el sexo y la premonición de la guerra. Varios de estos autores, conscientes de la decadencia de la sociedad y su necesidad de renovación, utilizaron un lenguaje profético, idealista, utópico, un cierto mesianismo que propugnaba otorgar un nuevo sentido a la vida, una regeneración del ser humano, una mayor fraternidad universal. WP. Georg Trakl (Salzburgo, 1887-Cracovia, 1914)

Poeta austríaco. En 1905 empezó a trabajar de aprendiz en una farmacia. Su familiaridad con las drogas, de las que abusó, provocó su muerte. Se dio a conocer en 1912 por sus colaboraciones en la revista Der Brenner. Sus Poemas (1913) y Sebastián en el sueño (1915) recuerdan el estilo de Hölderlin, y constituyen una de las obras poéticas en lengua alemana más desgarradoras e innovadoras.

Es la suya una poesía cargada de impotencia, coloreada con tonos tenues y un dolor pausado pero incesante. Trakl probablemente el más leído de los poetas expresionistas alemanes, sigue siendo insuficiente el conocimiento que de su obra.

Tim Burton: director, productor, escritor y diseñador estadounidense. Sus películas se caracterizan por la presencia de mundos imaginarios, en los que suelen estar presente elementos góticos y oscuros, los protagonistas suelen ser enigmáticos e inadaptados como lo son Batman y The Nightmare Before

Timoteo William Burton nació en Burbank, California el 25 de agosto de 1958. Siempre fue un niño tímido, embebido y extraño que creció sumergido en las macabras fantasías de Edgar Allan Poe y en el realismo siniestro y atormentado de Charles Dickens. Sin embargo, su mayor afición siempre fue soñar con las películas de terror y ciencia-ficción que pasaban en la pequeña sala del pueblo.

Fue en ese cine donde descubrió a Vincent Price, una de sus mayores influencias. Ante las muchas aspiraciones que tenía en el terreno artístico, decidió cambiar de localidad e ingresar en el Instituto de Artes Gráficas de California. Allí se dedicó principalmente a la animación, pero las clases eran demasiado caras. Después de la secundaria en 1976, Burton asistió al Instituto de las Artes de California. Cal Arts ha-

bía sido fundado por Disney. Burton entró en el programa de animación de Disney en su segundo año, pensando que sería una buena manera de ganarse la vida. De este modo, estuvo tres años en el departamento de animación de la escuela antes de entrar como animador en la Disney. Entonces tenía 21 años. Su primera tarea fue incorporarse al equipo de animadores del largometra-

http://www.timburtoncollective.com/movies.html

je “Tod y Toby”, de 1981, en el que estuvo durante tres años. La experiencia no fue nada satisfactoria para el joven Burton.

Posteriormente, Burton trabajó para un nuevo proyecto, “Taron y el caldero mágico”, en el que pudo llevar a la práctica sus propios diseños. Sin embargo, la Disney sacrificó buena parte de sus ideas, con lo que la experiencia fue nuevamente frustrante.

Fue en esta etapa cuando realizó sus primeros cortos. Posteriormente pasaría a la dirección de largometrajes y el resto es ya la historia de una brillante y exitosa carrera como director. En cuanto a la vida personal de Burton, se casó con la artista alemana Lena Gieseke en 1989 (mientras se grababa la producción de Batman). Se separaron poco después de la filmación de Batman Returns. Él comenzó a salir con Lisa Marie poco después. Ella apareció en cuatro de sus películas: Ed Wood, Mars Attacks, Sleepy Hollow y! planeta de los simios.

Vincent Price.

Premios:

Actor, escritor y gastrónomo, Vincent Leonard Price, Jr. Conocido como: Rey de la Gran Guiñol, Bink, The Merchant of Menace o El hombre del Renacimiento.

Oscar: 2006 - Mejor película de animacion

Nació en St Louis, Missouri, sus padres Marguerite Cobb (Wilcox) y Vincent Leonard Price, Sr, presidente de la Compañía Nacional de caramelo. Viajó por Europa, estudió en Yale y se convirtió en un actor. Hizo su debut en la pantalla en 1938, y después de muchos papeles de menor importancia, comenzó a actuar en películas de terror de bajo presupuesto como La casa de cera (1953), logrando su primer gran éxito con La pavorosa casa de Usher (1960). Conocido por su distintivo,, chirriante, voz atmosférica de bajo tono y sus expresiones faciales burlonas, maquetas graves, pasó a protagonizar una serie de películas de terror góticas aclamados, tales como La fosa y el péndulo (1961) y The Abominable Dr. Phibes (1971). Él abandonó películas en la década de 1970, pasando a presentar programas de cocina para la televisión - escribió “A Treasury of Great Recipes” (1965) con su segunda esposa, María de Grant -, pero tuvo dos papeles finales en Las ballenas de agosto (1987 ) y El joven Manos de Tijera (1990). También grabó muchos cuentos de horror gótico de las palabras habladas etiqueta Caedmon Records. Vincent Price murió a los 82 años de cáncer de pulmón y el enfisema, el 25 de octubre de 1993. IMDb

- Corpse Bride (Nominado) 2005 - Mejor diseño de vestuario - Charlie y la fabrica de chocolates (Nominado) Globos de Oro: 2008 - Mejor película, Comedia musical - Sweeney Todd (Ganador) 2008 - Mejor director - Sweeney Todd (Nominado) Premios BAFTA: 2004 - Mejor director - Big Fish (nominado) Festival Internacional de Cine de Cannes: 1995 - Palma de Oro - Ed Wood (Nominado) Festival Internacional de Cine en Valencia: 2005 - Premio Future Film Festival Digital - Corpse Bride (Ganador)

El director Tim Burton y su esposa y actriz Helena Bonham Carter

PELICULA DE TIM BURTON Como Director:

Aladino y su lámpara maravillosa Título Original: Aladdin and His Wonderful Lamp Año 1986 Reparto: James Earl Jones, Leonard Nimoy, Robert Carradine, Shelley Duvall, Valerie Bertinelli, Ray Sharkey, Rae Allen Guión: Rod Ash, Mark Curtis Alicia en el País de las Maravillas Título Original: Alice in Wonderland Año 2010 Reparto: Mia Wasikowska, Johnny Deep, Helena Bonham Carter, Christopher Lee, Alan Rickman, Stephen Fry Batman Título Original: Batman Año 1989 Reparto: Jack Nicholson, Michael Keaton, Kim Basinger, Jack Palance, Michael Gough, Pat Hingle, Billy Dee Williams Guión: Sam Hamm Batman Vuelve Título Original: Batman Returns Año 1992 Reparto: Michelle Pfeiffer, Michael Keaton, Danny DeVito, Christopher Walken, Pat Hingle, Michael Gough y Vincent Schiavelli Guión: Daniel Waters, Sam Hamm

Big Eyes Título Original: Big Eyes Año 2014 Reparto: Amy Adams, Christopher Waltz Guión: Scott Alexander, Larry Karaszewski Big Fish Título Original: Big Fish Año 2003 Reparto: Albert Finney, Ewan McGregor, Billy Crudup, Jessica Lange, Alison Lohman, Marion Cotillard, Helena Bonham Carter, Hailey Anne Nelson, Robert Guillaume, Matthew McGrory, Danny DeVito, Steve Buscemi, Ada Tai, Arlene Tai, David Denman, Loudon Wainwright III, Missi Pyle Guión: John August, Daniel Wallace Bitelchús Título Original: Beetlejuice Año 1988 Reparto: Michael Keaton, Alec Baldwin, Geena Davis, Winona Ryder, Catherine O´Hara, Jeffrey Jones, Glen Shadix Guión: Michael McDowell, Warren Skaaren, Larry Wilson Charlie y la fábrica de chocolate Título Original: Charlie and the chocolate factory Año 2005 Reparto: Johnny Depp, Freddie Highmore, David Kelly, Helena Bonham Carter, Noah Taylor, Missi Pyle, James Fox, Deep Roy, Christopher Lee, Adam Godley, Franziska Troegner, Annasophia Robb Guión: John August, Roald Dahl Ed Wood Título Original: Ed Wood Año 1994 Reparto: Johnny Depp, Martin Landau, Bill Murray, Patricia Arquette, Sarah Jessica Parker, Jeffrey Jones, Vincent D´Onofrio Guión: Scott Alexander, Larry Karaszewski Eduardo Manostijeras Título Original: Edward Scissorhands Año 1990 Reparto: Johnny Depp, Winona Ryder, Vincent Price, Dianne Wiest, Anthony Michael Hall, Alan Arkin, Kathy Baker, Caroline Aaron, Robert Oliveri Guión: Caroline Thompson El planeta de los simios Título Original: Planet of the Apes Año 2001 Reparto: Mark Wahlberg, Helena Bonham Carter, Tim Roth, Michael Clarke Duncan, Kris Kristofferson, Estella Warren, Paul Giamatti, Lisa Marie Guión: William Broyles Jr., Lawrence Konner, Mark D. Rosenthal

Frankenweenie Título Original: Frankenweenie Año 1984 Reparto: Shelley Duvall, Daniel Stern, Barret Oliver Guión: Tim Burton

Frankenweenie 3D Título Original: Frankenweenie Año 2012 Reparto: Winona Ryder, Martin Short, Catherine O’Hara, Martin Landau, Charlie Tahan, Atticus Shaffer, Robert Capron, Conchata Ferrell John August La Familia Addams 3D Título Original: The Addams Family 3D Año 2012 Reparto: Guión: Scott Alexander, Larry Karaszewski

La gran aventura de Pee-Wee Título Original: Pee-Wee”s Big Adventure Año 1985 Reparto: Paul Reubens, Elizabeth Daily, Mark Holton, Diane Salinger, Judd Omen, Irving Hellman, Monte Landis, Damon Martin, Morgan Fairchild Guión: Paul Reubens, Phil Hartman, Michael Varhol La Novia Cadáver Título Original: Corpse Bride Año 2005 Director: Tim Burton, Mike Johnson Reparto: Johnny Deep, Emily Watson, Helena Bonham Carter, Christopher Lee, Tracey Ullman Mars Attacks! Título Original: Mars Attacks! Año 1996 Reparto: Jack Nicholson, Glenn Close, Annette Bening, Pierce Brosnan, Danny DeVito, Martin Short, Sarah Jessica Parker, Michael J. Fox

Monsterpocalypse Título Original: Monsterpocalypse Año 2012 Reparto: -

Sleepy Hollow Título Original: Sleepy Hollow Año 1999 Reparto: Johnny Deep, Christina Ricci, Miranda Richardson, Cristopher Lee, Jeffrey Jones, Christopher Walken, Ian Mc Diarmid Guión: Andrew Kevin Walker (Novela: Washington Irving) Sombras Tenebrosas Título Original: Dark Shadows Año 2012 Reparto: Johnny Deep, Eva Green, Jackie Earle Haley, Michelle Pfeiffer, Helena Bonham Carter, Chloe Moretz, Bella Heathcote Guión: John August, Seth Grahame-Smith Sweeney Todd Título Original: Sweeney Todd Año 2007 Reparto: Johnny Depp, Sacha Baron Cohen, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Laura Michelle Kelly Vincent Título Original: Vincent Año 1982 Reparto: Vincent Price Guión: Tim Burton Guionista

Pesadilla antes de Navidad Título Original: Nightmare before Christmas Año 1993 Director: Henry Selick Reparto: Chris Sarandon, Catherine O´Hara, William Hickey, Danny Elfman Guión: Tim Burton

Así pues, Tim Burton ha conseguido un vínculo entre el expresionismo y el cine actual. Dos dimensiones diferentes en una mezcla excitante como resultado. He aqui algunos ejemplos:

La influencia cinematográficas de Tim Burton. El arte en sí, desde siempre ha tenido influencias artísticas o bien han nacido a partir de ellas en el caso del El cine de Burton posee claramente unas bases expresionistas con un toque gótico. El cine es basado en los iconos artísticos para expresar emociones y sensaciones en la pantalla, o para crear una ambientación acorde con el argumento de los films, la pintura siempre ha estado muy presente en el cine. Burton ha evolucionado como director y con ello su cine. En sus películas Burton nos deja ver personajes fantásticos, doble personalidades, lados oscuros, y claro la muerte Estas temáticas recuerdan bastante a las presentes en el cine expresionista alemán, tales como la muerte (Nosferatu, Murnau 1922), el desdoblamiento demoníaco (El Gabinete del Dr. Caligari, Wiene 1919) y los mundos fantásticos o las diferentes realidades (Metropolis, Fritz Lang 1927).

Solamente los pueblos que han pasado por desventuras como son en este caso epidemias, son capaces de reconocer el valor de la prevenci贸n, no hacer escarnio en dolor ajeno, es dolor hermano, no importa nacionalidad, religi贸n, raza, etc. Somos humanos con las mismas necesidades y objetivos en la vida. No caer en excesos y fatalidades, no es castigo divino ni nada parecido, 煤nicamente reflejo de nuestra imbecilidad en el manejo del nuestro mundo, de manera inadecuada o deficiente. No seas indiferente, liante, desorbitado y alarmista, mejor conoce para prevenir, el conocimiento es la mejor arma contra los infortunios. Tememos siempre a lo desconocido. A-lix

El Origen… (?) En el año 1967 un cargamento de chimpancés llegó a Europa desde Uganda. Su destino eran tres laboratorios de investigación europeos, dos en Alemania, en las ciudades de Fráncfort y de Marburgo, y otro en Belgrado, en la que por entonces era Yugoslavia, más allá del telón de acero. Los investigadores manipularon aquellos animales sin tomar precauciones especiales. Días después, varios de ellos comenzaron a experimentar fiebre alta, malestar y dolor de cabeza. Cuando pasó más tiempo, saltaron las alarmas al comprobarse que se trataba de una fiebre hemorrágica en la que se producían diarreas y vómitos con sangre. Murieron siete personas y se infectaron un total de 31. Se puso en cuarentena a los investigadores y se consiguió contener el brote. Cuando pasó el tiempo, se comprobó que se trataba de un nuevo virus y se descubrió que pertenecía al mismo orden que el virus del sarampión. Le dieron el nombre de virus marburgo, y este se convirtió en el primer ejemplar de un peligroso grupo a los que llamaron Filovirus, por la forma alargada que presentaban. Ya en el año 1976, un Filovirus muy similar al marburgo, apa-

reció en las profundidades de Sudán y de la República Democrática del Congo (RDC). Parecía estar relacionado con los murciélagos de la fruta y se descubrió que también infectaba a los monos que vivían entre la vegetación. Le llamaron ébola, por el río del mismo nombre que estaba por las proximidades al origen del brote. Y aquel nuevo virus, mostró ser una de las creaciones más perversas de la naturaleza, pues era capaz de matar a casi nueve de cada diez personas a las que infectó en RDC y a cinco de cada diez en Sudán. En aquella ocasión, infectó a 602 personas y mató a 431. La historia demostraría que la humanidad no se enfrentaba ante el peor episodio de la fiebre del ébola. Breve Historia General de Ebola En 1976, el Ébola (llamado así por el río Ébola en Zaire) apareció por primera vez en Sudán y Zaire. El primer brote de Ébola (Ébola-Sudán) infectó más de 284 personas, con una tasa de mortalidad del 53%. Unos meses más tarde, el segundo virus Ébola surgió de Yambuku, Zaire, Ébola-Zaire (EBOZ). EBOZ, con la tasa de

mortalidad más alta de cualquiera de los virus de Ébola (88%), infectó a 318 personas. A pesar del enorme esfuerzo de los investigadores experimentados y dedicados, reservorio natural del Ébola nunca fue identificado. La tercera cepa de Ebola, Ebola Reston (EBOR), fue identificado por primera vez en 1989, cuando los monos infectados se importaron en Reston, Virginia, desde Mindanao en las Filipinas. Afortunadamente, las pocas personas que se infectaron con EBOR (seroconversión) nunca desarrollaron fiebre hemorrágica del Ébola (FHE). La última cepa conocida de Ebola, Ebola Côte d’Ivoire (EBO-CI) fue descubierto en 1994, cuando un etólogo mujeres la realización de una necropsia en un chimpancé muerto desde el bosque Tai, Costa de Marfil, infectados accidentalmente a sí misma durante la necropsia. El virus Ébola pertenece a la familia de los Filoviridae. Su nombre proviene de su morfología filiforme característica (filo, latín “filamento”) y ello a permitido identificarlo fácilmente en tejidos y muestras clínicas mediante microscopia electrónica. Los virus Ébola y Marburg causan fiebres hemorrágicas severas.

VARIACIONES DEL VIRUS ÉBOLA. Ébola Zaire.- Descubierto en Zaire en 1976, la primera ocurrencia conocida del virus Ébola en humanos.Este virus recibió el nombre por el río del Congo donde se produjo esa epidemia. Ébola Sudán.- Fué aislado casi al mismo tiempon que el anterior, al oeste de Sudán en 1976 y luego en 1979 en el mismo sitio. Ébola Reston.- Se descubrió en monos importados a Virginia, a los EEUU, desde África y las Filipinas en 1989. No ha causado problema en humanos. Ébola Tai o Ivory Coast.- El más recientemente descubierto, en 1995 en Ivory Coast al oeste de África, en el bosque Tai. Una investigadora Suiza se infectó durante la autopsia a un mono y sobrevivió a la enfermedad. En total se han documentado alrededor de 1 500 casos con más de 900 muertes desde que el virus fue descubierto.

El Marburg fue reconocido por primera vez en trabajadores de un laboratorio en Marburg, Alemania, y en Belgrado, Yugoslavia, en 1967. Estos trabajadores sufrieron exposición a tejidos y sangre de monos verdes africanos (Cercopithecus aethiops), importados de Uganda. Hubo 25 casos primarios y seis secundarios en el brote. Siete de los casos primarios murieron. El virus Ébola, emergió por primera vez en dos importantes brotes que ocurrieron casi simultáneamente en Zaire y en Sudán en 1976. Se reportaron más de 500 casos, con índices de mortalidad del 88% en Zaire y de 53% en Sudán. Un caso aislado fue confirmado mediante aislamiento del virus en Zaire en 1977 y en 1979, la fiebre hemorrágica por Ébola apareció de nuevo en Sudán en el mismo sitio de 1976. Además de estos episodios confirmados mediante el aislamiento del virus, dos casos fatales mas, y dos no letales han sido reportados. Ninguna asociación con monos puede ser atribuida a los brotes. Un tercer filovirus, serológicamente relacionado con los virus Ébola fue aislado de monos Cynomolgus (Macaca fascicularis) provenientes de las Filipinas. De acuerdo con los datos disponibles, este virus llamado Ébola Reston, es

capaz de infectar humanos pero no parece causar enfermedad seria. Recientemente se aisló otro filovirus de monos cynomolgus importados de las Filipinas a Italia. El agente aislado parece ser el virus Reston . No se observaron casos de infección en humanos durante este brote.

El cuarto, Ébola-Reston, ha causado la enfermedad en los primates, pero no en humanos.

ÉBOLA ZAIRE

Algunos científicos e historiadores creen que una gran plaga ocurrida entre los años 430-425 antes de Cristo y que mató a 300,000 personas fue un brote de Ébola. El brote más reciente ha ocurrido en Gulu, Distrito de Uganda en África, en Octubre del año 2000; al parecer es la variedad Sudán, de la que no se tenía noticia desde hace 21 años.

ÉBOLA RESTON

Algunas personas se preguntan por qué este virus no se esparce a otros lugares de África o del mundo cada vez que surge un brote; la razón es que, además de las medidas de control tomadas por los organismos Nacionales e Internacionales de Salud, el Ébola mata muy rápido y no hay tiempo de que se extienda demasiado.

ÉBOLA MARBURG

La familia Filoviridae se compone del virus Marburg y de los virus Ébola, del cual existen cuatro subtipos identificados hasta ahora que han causado enfermedad en los humanos: Ébola-Zaire, Ébola-Sudán, y Ébola-Costa de Marfil.

Los Filoviridae son una nueva familia de virus ssRNA, de cadena negativa y no segmentados, similares en morfología, densidad y perfil electroforético. Originalmente fueron clasificados dentro de la familia de los Rhabdovirus, pero recientes estudios genómicos demostraron que esos estaban más estrechamente relacionados con los Paramixovirus. De todas formas, debido a las diferencias que presentan con otros virus no segmentados de RNA negacatenarios, se les ha clasificado como a una familia separada.

SINTOMATOLOGIA Tras la infección por el virus Ébola, después del contacto con un enfermo y sus secreciones, sangre, vómito, semen etc., se produce un periodo de incubación variable de 2 a 21 días según unos autores y de 5-10 días según otras observaciones. Posteriormente, aparecen las primeras manifestaciones de la enfermedad que son cefaleas, inflamación de garganta, fiebre y quebrantamiento general. Tras ese período, aparecen mialgias, epístaxis y un signo muy prematuro que es el sangramiento abundante por el orificio de un pinchazo por una aguja de inyección hipodérmica.Seguidamente aparece un sarpullido o “rash” generalizado, petequias (microhemorragias subepidérmicas), náuseas, vómitos y diarreas sanguinolentas. Sigue una rápida afectación del hígado, bazo, intestinos (con dolores abdominales) y riñones, con hemorragias por todos los orificios naturales con vómitos sanguinolentos. Los ojos se ponen rojos y sale sangre por los lagrimales (los enfermos lloran sangre) pudiendo sobrevenir ceguera. La deshidratación es muy rápida con la postración consiguiente. El enfermo sangra por todos los poros. Hasta los pezones sangran.

En los varones, los testículos se ven pronto afectados adquiriendo el escroto un color violáceo y aspecto tumefacto. El virus ataca al tejido conectivo con gran ferocidad. En la piel aparecen vejigas blanquecinas mezcladas con las manchas rojas petequiales (rash máculo-papular). Siguen laceraciones espontáneas de estas vejigas y hemorragias numerosas por los poros de las roturas. Las manchas rojas se extienden y toda la piel se convierte en una pulpa que se deshace. Las encías y las glándulas salivales sangran, la lengua pierde su cubierta y sangra también haciéndose muy dolorosa. En el interior de los vasos sanguíneos aparecen múltiples coagulitos de sangre que se adhieren al endotelio vascular pavimentándolo como un mosaico. Muchos trombos se desprenden, y van al cerebro y al corazón, donde producen necrosis. El fallo renal es una de las primeras grandes complicaciones, produciéndose la uremia consiguiente. El bazo se convierte en una bola del tamaño de una pelota de baseball, como si fuese un coágulo único. Los intestinos se llenan de sangre. En las mujeres hay emisión de sangre por la vagina.

Las lesiones cerebrales producen reblandecimiento en diversas áreas pudiendo originarse hemiplegia o convulsiones epilépticas que ayudan a la difusión por toda la habitación o sala donde se encuentre el enfermo de la sangre y las secreciones contaminadas que salen de su cuerpo. DIAGNOSTICO Se realiza en Laboratorios especializados para estudiar microorganismos de nivel 4 de Bioseguredad detectando los antígenos o anticuerpos específicos y/o aislando el virus. La presencia de trombocitopenia y leucopenia con aminotransferasas elevadas (AST ALT) es característica de los filovirus y algunas otras fiebres hemorrágicas virales, pero una evolución progresiva grave con dolor abdominal y diarrea debe conducir a la sospecha de un filovirus. La erupción no se observa con otras fiebres hemorrágicas virales. Los viriones son profusos y característicos en los casos graves. Las tinciones negativas de suero y cortes finos de capa leucocitaria o tejido fijado (hígado, riñón) son útiles, pero es necesario la medición cuidadosa de los viriones putativos y su es-

tructura interna para establecer el diagnóstico. Debido a que el virus Ébola es altamente virulento, deben tomarse precauciones especiales en la recolección de los especímenes. El aislamiento del virus de suero de fase aguda en cultivos celulares apropiados (células Vero, células MA104) es el mejor método de diagnóstico. Los tejidos útiles para el aislamiento del virus son hígado, bazo, nódulos linfáticos, riñón y corazón obtenidos durante necropsia. Durante la viremia, pueden visualizarse las partículas mediante microscopía electrónica. Los títulos de anticuerpos en suero se determinan mediante inmunofluorescencia indirecta y ELISA. Un caso positivo debe confirmarse mediante radio inmunoprecipitación o análisis de Western Blot. También se emplean técnicas de PCR. El suero de pacientes sospechosos debe inactivarse mediante radiación gamma antes de manejarse. No se pueden realizar tests de neutralización para filovirus. La confirmación por laboratorio de los casos iniciales es necesaria cuando se sospecha una epidemia de FHE. Una vez que el brote se ha confirmado, no es necesario colectar especímenes para

estudio de cada paciente, especialmente sin las condiciones de seguridad adecuadas y el soporte de laboratorio necesario. TRATAMIENTO. Actualmente, aún no existen medidas preventivas individuales, vacunas ni quimioterapia antiviral para evitar la infección por virus del Ébola o su tratamiento. El manejo del paciente debe ser de sostén con traumatismo mínimo y mantenimiento cuidadoso de la hidratación, reconociendo la posibilidad de compromiso de miocardio o permeabilidad vascular pulmonar elevada. Está indicada la reposición de factores de la coagulación y plaquetas. Se debe iniciar heparina u otro tratamiento de la coagulación intravascular deseminada solo si se presenta evidencia de laboratorio y si se cuenta con un apoyo hematológico suficiente. La terapéutica para las fiebres

hemorrágicas por Ébola y otros filovirus incluye además el evitar las complicaciones médicas principales como la coagulación intravascular diseminada, shock, encefalomielitis, edema cerebral, falla renal, sobreinfección, hipoxia e hipotensión. Los pacientes deben ser aislados, y el personal clínico protegido. Se ha empleado interferón humano, plasma de paciente convaleciente y terapia anticoagulante pero como se ha mencionado en párrafos anteriores, el uso de estos recursos es limitado y controversial.

Sitomas El período de incubación de esta enfermedad oscila entre dos y 21 días, después de los cuales ocurre el inicio de los síntomas del ébola, aunque lo más habitual es que aparezcan entre el octavo y el décimo día: •Fiebre alta y repentina. •Dolor de cabeza. •Molestias en las articulacio nes y fuertes dolores mus culares. •Dolor de garganta y debili dad generalizada. •Diarrea, vómitos y dolor de estómago. •Aparición de una erupción rojiza en la piel. •Congestión conjuntival (ojos rojos). •Alteración de la función re nal y hepática. •En algunos afectados pue den observarse hemorragias internas y externas. La razón por la cual algunas personas son capaces de recuperarse de ébola y otros no sigue siendo un misterio para los científicos. Sin embargo, se sabe que los pacientes que fallecen, por lo general no han desarrollado una respuesta inmunológica significativa para el virus en el momento de la muerte. El mortal virus de Ébola ha llegado a tres continentes en el mundo: comenzó en África (en donde ha causado su mayor impacto), al continente americano llegó a Estados Unidos y en el continente eu-

ropeo, España fue el primer país en confirmar un contagio. Margaret Chan, directora general de la Organización Mundial de la Salud, declaró al ébola como una “emergencia de alcance mundial” en agosto pasado. Esta enfermedad ha terminado con la vida de más cuatro mil personas, tan solo en los países de Sierra Leona, Guinea y Liberia. El virus del ébola (EVE) se introdujo en el ser humano por el contacto con órganos o líquidos corporales de animales infectados, posteriormente se propagó entre humanos por tratar directamente con personas o cadáveres a los que atacó esta enfermedad. Es por ello que la OMS ha publicado en su página oficial algunas medidas que pueden salvarnos de contraer esta mortal enfermedad. 1. Evitar todo tipo de contacto con sangre, órganos infectados y otros fluidos corporales de personas y animales (vivos o muertos) enfermos. 2. En caso de visitar a familiares y amigos que viven en algún país infectado se recomienda hacer un seguimiento que confirme o no la exposición ante el EVE. 3. Es de suma importancia que los personas que viajan con los síntomas del EVE reporten su condición de salud

a su estado o nacionalidad, de esta manera se evita la propagación del virus. 4. Las personas encargadas de atender a enfermos de ébola deberán trabajar bajo las medidas de higiene necesarias (lavar manos, usar bata, mascarilla, guantes y protección para los ojos) asegurando así su bienestar y el de las personas cercanas a ellos. 5. Los principales síntomas de ébola son fiebre, debilidad muscular, dolor de cabeza, vómito, diarrea y sangrado. En caso de encontrar alguno de estos malestares en una persona, se recomienda cubrir su cara y nariz con una mascarilla quirúrgica, aislarla de la demás gente y notificar a las autoridades.

La doctora Sorana Segal-Maurer, directora de la División de Enfermedades Infecciosas del New York Hospital Queens, indicó que “la educación de la comunidad es lo más importante”, recordando que el ébola “no es una enfermedad que se trasmita por medio del aire”. Los doctores siguen recalcando que quienes son más propensos a contagiarse son aquellos que hayan viajado a países del África Occidental donde fue detectado el brote. “Si ha viajado a uno de los países donde está la enfermedad, se recomienda que vigile la temperatura corporal y algunos síntomas, por lo menos durante los siguientes 21 días”, reiteró Segal-Maurer.

Arnold Schönberg

ompositor de origen austriaco, creador del sistema dodecafónico de composición musical y uno de los compositores más influyentes del siglo XX. Nació el 13 de septiembre de 1874 en Viena en el seno de una familia judía, fue autodidacto en la composición musical. Tuvo como profesor de contrapunto al compositor austriaco Alexander Zemlinsky y en 1899 escribió el sexteto para cuerda Verklärte Nacht (Noche transfigurada). En 1901 se casó con la hermana de Zemlinsky, Matilde, con la que tuvo dos hijos. La pareja se trasladó a Berlín, donde durante dos años se mantuvieron con el trabajo de Schönberg como orquestador de operetas y director de una orquesta de cabaret. En 1903 Schönberg regresó a Viena para dar clases. Allí conoció a dos compositores que se convirtieron en sus mejores amigos y sus alumnos más aventajados: Anton Webern y Alban Berg. En sus composiciones utilizaba complejas armonías, que posteriormente le llevaron a la atonalidad. Por esta causa, los estrenos de sus primeros dos cuartetos de cuerda en 1905 y 1908 no fueron bien recibidos, y se sintió perseguido por un público que no entendía su música. Durante estos años Schönberg también pintaba y, junto con varios artistas, exhibió sus cuadros en el círculo del pintor ruso Wassily Kandins-

ky. En 1911, año en el que publicó el libro Theory of Harmony (Teoría de la armonía), aceptó una plaza de profesor en Berlín. Allí compuso una de sus obras más influyentes, Pierrot Lunaire (1912). En 1915 volvió a Viena. La I Guerra Mundial, junto con su búsqueda de un método que proporcionara lógica y unidad a la música atonal, no le permitieron componer muchas obras entre 1914 y 1923. En 1923 terminó su formulación del método dodecafónico de composición. La muerte de su mujer en ese mismo año supuso un duro golpe para él, pero en 1924 conoció a Gertrud Kolisch, hermana de un violinista austriaco, con quien más tarde contrajo matrimonio.

La oferta en 1925 de un puesto de profesor de composición en la Academia de Artes de Berlín le proporcionó por último una posición prestigiosa, una seguridad económica y una vida familiar estable. En 1932, año en el que nació su hija, acabó el segundo acto de su ópera Moses und Aron (obra póstuma, 1957). En 1933 Schönberg y su familia huyeron de la Alemania nazi a París. En 1934 emigraron a Estados Unidos y el músico aceptó una plaza de profesor en Boston. Al año siguiente, a causa de su salud, se trasladaron a Los Ángeles, donde nacieron sus dos hijos más pequeños. Después de un año como lector en la University of Southern California (1935), trabajó como profesor en la University of California, Los Ángeles, desde 1936 hasta 1944. En 1941 adoptó la nacionalidad estadounidense. En 1946 cayó gravemente enfermo. Retirado, continuó impartiendo lecciones y componiendo. Murió el 13 de julio de 1951 en Los Ángeles.

Sus primeras composiciones tonales tienen reminiscencias de la música del compositor alemán Johannes Brahms, aunque pronto asimiló el cromatismo del compositor alemán Richard Wagner. En algunas composiciones, como en Verklärte Nacht (Noche transfigurada), Schönberg consiguió una gran intensidad en la expresión de sentimientos a través de ricas armonías y largas melodías románticas que se elevan soportadas por una densa textura contrapuntística de motivos cortos y constantes. Estos rasgos, que se inician en 1907, se hacen más acusados en sus composiciones expresionistas, donde abandona la tonalidad y condensa la forma. El ejemplo principal de este periodo es Pierrot Lunaire; en este conjunto de versos patéticos la orquesta de cámara acompañante utiliza una combinación de instrumentos distinta para c’’ada una de las 21 canciones del ciclo y el so-

El estilo musical de Schönberg evolucionó desde el romanticismo tardío del siglo XIX a la técnica dodecafónica.

http://www.schoenberg.at/

lista vocal utiliza el Sprechstimme (en alemán, ‘voz hablada’) o el Sprechgesang (canción hablada), una mezcla de discurso y canción. Hacia 1920 empezó a formular su técnica dodecafónica (a menudo denominada “serialismo” puesto que está basada en series de tonos) en un intento de hallar un sustituto a formas musicales como la sonata, base de la música tonal. Estas formas funcionaban correctamente sólo en la música tonal porque estaban basadas en la oposición y resolución de diferentes tonos. Sin embargo, todos sus estilos están condensados en su mayor logro, Moses und Aron. Aunque Schönberg a veces regresaba a la composición tonal, en la mayor parte de sus composiciones de las décadas de 1930 y 1940 intentó sintetizar la técnica dodecafónica con los principios formales que había empleado durante su periodo expresionista. Esta síntesis se aprecia en su Concierto para piano (1942) de un sólo movimiento. Gracias a Schönberg y a sus alumnos el método dodecafónico se ha impuesto en la composición de mediados del siglo XX y ha ejercido una gran influencia en la música occidental.

Schoenberg, su esposa Gertrud y la hija de ambos, recién llegados a Nueva York el 31 de octubre de 1933

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Óperas “Erwartung” (Expectación) op. 17 (1909). Monodrama en un acto. Libreto: Marie Pappenheim. Estreno 6 de junio de 1924 en Praga (Deutsches Theater; Director: Alexander von Zemlinsky; con Marie Gutheil-Schoder [1874-1935] [La Mujer]) “Die glückliche Hand” (La Mano Afortunada) op. 18 (1910-1913). Drama con música. Libreto: Arnold Schönberg. Estreno 14 de octubre de 1924 (Ópera Popular de Viena, Director: Fritz Stiedry) “Von Heute auf Morgen” (De hoy a mañana) op. 32 (1928-1929). Ópera en un acto. Libreto: Max Blonda (= Gertrud Schönberg). Estreno 1º de febrero de 1930 en Fráncfort (Ópera; Director: William Steinberg; Director escénico: Herbert Graf [1903-1973] “Moses und Aron” (Moisés y Aarón) Ópera en 3 actos (Fragmento; 1926-1932). Libreto: Arnold Schönberg. Estreno (en concierto) 12 de marzo de 1954 (salón Musikhalle Hamburg; radio Nordwestdeutscher Rundfunk; Director: Hans Rosbaud), (escénico) 6 de junio de 1957 en Zurich (Teatro municipal; Director: Hans Rosbaud) Música vocal “Zwei Gesänge” (Dos Cantos) op. 1 para un barítono y piano (1898). Texto: Karl von Levetzow (1871-1945) “Vier Lieder” (Cuatro canciones) op. 2 para una voz y piano (1899) “Brettl-Lieder” (Canciones Brettl) (1901) para canto y piano “Sechs Lieder” (Seis canciones) op. 3 para una voz media y piano (1899-1903) “Deinem Blick mich zu bequemen” (1903). Canción para una voz y piano. Texto: Johann Wolfgang von Goethe “Acht Lieder” (Ocho Canciones) op. 6 (1903-1905) para una voz y piano “Sechs Orchesterlieder” (Ocho canciones con orquesta) op. 8 (1903-1905)

Música orquestal “Sinfonía de cámara nº 1 Op. 9”, para 15 instrumentistas (1906) “Sinfonía da camera n.2 op.38” (1906, 1916, 1939) “Cinco piezas para orquesta” (1909) “Variaciones para orquesta op. 31” (1926-28) “Conciertos para violín” (1936) y “piano” (1942) Música de cámara Cuartetos “String Quartet No. 4” Op. 37, Mvt. 1: Allegro molto, energico; Quinteto de viento“The Wind Quintet Op. 26”, Trío de cuerdas y el sexteto de cuerdas “Verklärte Nacht” (La noche transfigurada, 1899) Música de piano Tres piezas para piano, Op. 11 (1909) (Pollini) Seis pequeñas piezas para piano, op 19 (1911) Cinco piezas para piano, op. 23 (1921-1923) Suite, Op. 25 (1921-1923) (Glenn Gould) Piezas para piano, op. 33a y 33b (1931) (Glenn Gould) Concierto para piano Opus 42 (1/4) (piano, Mitsuko Uchida, Rotterdams Philharmonisch Orkest - dir Jeffrey Tate)

Schönberg era un inventor de primer orden; además de la técnica dodecafónica, inventó un ajedrez, naipes y un sistema de notación para partidos de tenis, lo que, por lo menos en teoría, permitiría reproducir por símbolos un partido entero. Eso es justamente lo que puede verse en la imagen de al lado. Por estos días, se juega US Open, y el diario alemán que reproduce la tabla de Schönberg la aplica también a la inolvidable gran Willy que Roger Federer hizo hace dos años contra Novak Djokovic justamente en el Abierto de Estados Unidos.

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Paralelamente a su carrera como músico, Schöenberg desarrolló un gran interés por la pintura. Pertenecía al Expresionismo, corriente fuerte de principios del siglo XX. Schöenberg buscaba expresar la experiencia interna de las personas, la percepción deformada por la emoción, tanto en sus composiciones como en sus pinturas. Su larga colección de autorretratos ejemplifica una gran diversidad de emociones. Previamente hablé de Erwartung (La Espera, en español) su ópera de un acto. Es una obra que desarrolla un instante terrible en media hora de pesadilla. Él mismo diseñó la escenografía, así como la de sus otras óperas. Schöenberg estaba en contacto con otros pintores expresionistas, como Oskar Kokoschka y Richard Gerstl, a quien retrató con su familia. Matilda, esposa de Schöenberg, en algún momento tuvo un affaire con Gerstl, pero regresó con su esposo por el bien de sus hijos. Unos meses después, Gerstl se suicidó. Posiblemente las más impactantes pinturas de Schöenberg son Las miradas. Aterradoras visiones de algo que mira, que observa. La angustia que causan estas imágenes solo se halla en las composiciones más disonantes del compositor, como el concierto para violín.

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ul (1 Autorretrato en az

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Arnold Schoenberg, era un genuino triscaidecáfobo1 porque consideraba que el día de su nacimiento, un 13 de septiembre, resultaba poco propicio. Luego se dio cuenta atemorizado de que la suma de los dígitos del número 76, su edad en el último cumpleaños, era 13. Durante su enfermedad terminal, en julio de 1951, observó que si lograba sobrevivir al día 13 de ese mes, todo saldría bien; pero murió precisamente el 13, cuando el reloj marcaba 13 minutos después de la media noche. 1 El temor desproporcionado hacia el número 13 -el séptimo número primo- recibe el nombre de triscaidecafobia. El término procede de los términos de origen griego triscaideca, que significa “13”, y phobos, que significa “miedo”.

Siouxsie

M agu is sue llas a. Y ños so . n mi s p de esa diLa g pun ente o no k er lvida a mu lo de Est para y l o lo l a ger s m s mu buej oti vez una vó eres. g d u a e se i te. r u tarra coN o n agr s esiv perm cant en os. itió anser Me Sie enca m nta tad pre el tra o la me h mar a . n y v quilo nada gus u el m elo s y p , tan ied in m acífi od c e e otor. o lla. Y

Nu nca do por me se te ntí ser o háb un j un c atraí a u est il. S gado ntan upo aba r m la ngo uy in vis creac teresa que i i for ón, d ón d do en ma e u e l mu a y a en qu mis na ten m sió traíd e esta a ne o ba p ne l ci or la ne.

Arnold Schoenberg Edvard Munich

“ de Soy e ri n sc qu e m teri lavo “... de i e or do si es duc más un p a s es , y s arte, ción pode oar i ros n te. es p o e .” o ” s a ra par “Lo tod a t ley rep os, oe e no cen s n tiré ex atur de n ar c t a an ístic epcio les uevo as te : la n e no tod se s; la con s o “E s de o n ex com leye sió cuen c p s e pc one lo n m tro ion n má úsi q es. com s ca ue ” l ar o l desaf aton a ex te lam or pr a l ar d te e no ar tuna es ed de d a no caer vo a - e e “M l ah s og o na ar e juz i tr d a l rse ar a en gado bajo .” el l los os o segú deb de aud idos n co ería s m lec crib itore y ca o e ser s, tor en bez ntr y a es. ” los o no as d “H e j c os o na ay to de mo m d - “ Igual que Leonardo Da los a bir ú se sica vía m Vinci estudió la anatomía huen q Do ue p ucha “N mana y disecó cuerpos, yo inMa ued bu la o se e e y e or” tento disecar almas” scr la form pued ie a i d e pa e l ra a, y legu sper - “Lo que está arruinando el arte e a est an ar q ar se u t “N moderno es el comercio, ya no jun esm es q e tas era ue po unca se pinta por el deseo de pintar” r .” rá he te que n h e ra n el e m vist da o - “La enfermedad, la locura y la jo, irad o c s.” ar sól o a muerte eran los ángeles negros o v la as, i s gen que vigilaban mi cuna” us mi -

- “La insistencia en la armonía y la belleza en el arte es una renuncia al ser honrado; sería falso mirar únicamente el lado agradable de la vida.”

Franz Kafka

L po a ju rq ue ven de t v ra er l tiene ud e a q s la b da ue con ellez cap feliz d má de a a s se ve erve . Cua cidad nv r eje la la ca lquie La bel c e. lez pacite desg a r jaSa no fu acia nc e d eD ho su Pa f o Re nz anta n Qu f a l s . ía, ijoser exi o sin tom enam nar o s e nte ere ra ar da de cis , es mna, s. m ion To es ejor uy do q de tot el ses ue pe res alida con en pues d de ocim t i el pe as s preg ento r e u r o. La nta , la en c u l un ite en s y ra tra a t da e n d. xpe ura dic es ión si El a emp g la r ho esto m ve e sól bre de r a o mi el es, c mar o en to petri n fr gura de fic ecu un ad e del niñ o a ncia , zo o. ra -

Tim Burton

“La locura de una persona es la realidad de otra” “Claro, cuando era niño nadie quería jugar conmigo. Y ahora me vengo con mis películas.” [Ante una pregunta sobre Sweeney Todd y su afán de venganza.]

“Es la única de todas mis películas que me ha dado esa sensación de ¡que se joda todo el mundo! El público no necesitaba cierto tipo de cosas; yo podía hacer lo que me viniera en gana y eso era estupendo.” [Acerca de la película ‘Beetlejuice.]

“No veo mis películas o mis viejos dibujos mucho, así que fue una manera interesante de tipo de reconectar con mi mismo un poco.” “Las visiones son vale la pena luchar. ¿Por qué pasar la vida haciendo de otra persona sueños?”

Características técnicas de las películas expresionistas La escenografía: Como las películas se filmaban íntegramente en estudios, se utilizaban decorados pintados para ambientarlas.

maciones de los planos escenográficos, el expresioEn “El gabinete del doctor Canismo ligari” (1919) de Robert Wiealemán buscaba represenne, la escenografía adquiere tar la complejidad psíquica trascendencia. Realizada con con intensidad. Fueron varias un sentido planimétrico*, las películas en las que se desacalles y perspectivas no tierrolló esta artificialidad en las nen profundidad real, sino escenas: “Genuine” y “Desde que esto se logra mediante el alba a medianoche” de K.H. un telón de fondo que repreMartin y “Turgus” de H. Kobe. senta la prolongación de las callejuelas mediante líneas Las excepciones son “Nosfeonduladas. No se respetan ratu” de Murnau y “Metrópolis” los ejes verticales, se transde H.Lang, ya que estas tamforman los interiores de extebién realizaron filmaciones en riores en un marco inestable ambientes naturales. a punto de desintegrarse, con armónico. un movimiento que no es real pero si psicológico dado por *La planimetría es la parte de la topola gran cantidad de direcciografía que estudia el conjunto de métodos y procedimientos que tienden a nes diagonales. Las curvas conseguir la representación a escala inesperadas provocan una de todos los detalles interesantes del reacción psíquica distinta del terreno sobre una superficie plana (plano geometría), prescindiendo de su que provocarían las líneas de relieve y se representa en una proyeccorte Mediante estas deforción horizontal.

La iluminación

Existen vínculos profundos entre los paisajes y los seres humanos, esto se convierte en un factor dramático.

Las experiencias de iluminación llevadas a cabo por Mac Reinhardt en sus puestas teatrales fueron asimiladas por los direcEl expresionismo construye su tores de cine expresionistas y le universo, Lang comprendió que dieron a las películas un sello no se puede eliminar la naturamuy particular a partir de la elaleza, sin embargo crea abstracboración del claro oscuro, que ciones y por ello volvió al paisaje es el contraste acentuado de expresionista para componer su luces y sobras; consiste en subjardín de los ricos en “Metroporayar y destacar con exceso el lis”. relieve y contorno de un objeto a las molduras de un decorado. Hay una excepción notable a esta tendencia y es la que se da Los decorados se iluminan en en el filme “Nosferatu”, donde la base, para acentuar el reliecontrariamente a lo que sucedía ve deformado y transformado en la mayor parte de las pelícumediante una reunión de líneas. las de la época, los paisajes y las Para la iluminación se dispone vistas de la ciudad o del castillo de grande proyectores sobre los se rodaron al aire libre. costados de los decorados, para eliminarlos en forma oblicua y Los personajes aclarar violentamente la arquitectura o producir, con ayuda Hay una influencia directa de de las superficies salientes, esos la literatura romántica en el deestridentes acordes de luces y lineamiento de los personajes, sombras. donde se caracterizan por su ambigüedad y desdoblamiento. Esta aplicación la encontramos en películas como “HumuncuEn todas las películas se encuenlus” (1916) de Rippert y Neuss, tra la temática del amor; como en “Metropolis” y La muerte caneste transforma a los individuos sada (ambas de Lang), donde se y les causa sufrimiento, de esta encuentran todos los contrastes manera las películas nunca tieen blanco y negro, los choques nen final feliz. de luces y sombras. Sus personajes son lúgubres, El paisaje natural y el estudio ocupan un lugar central en las películas a la vez que aquellos Como para los alemanes es imaparentemente siniestros se reposible separar al hombre de la velan como bastante inofensinaturaleza, optaban por consvos o viceversa. truir paisajes artificiales, para poder hacer uso de la iluminaEl desdoblamiento, con caracteción para construir personajes y rísticas demoníacas es frecuenobjetos. te en las películas alemanas: “Caligari” es al mismo tiem-

po un charlatán en una feria En numerosas películas se amenazante, el presagio sicomo un eminente doctor, o mueven personajes con ro- niestro o el destino implacael personaje de la muerte en pas de la época en donde co- ble. De esta manera se con“Una muerte cansada” figura mienza la caída de Napoleón vierten en símbolos. como un viajero común y co- hasta 1848 aproximadamen- En la película “espectros” de 1916 la madre enloquecida rriente en busca de un terreno te. que corre detrás de su hijo en venta. que delira, al pasar delante de La interpretación cámaras encendidas, proyecEl vestuario Los personajes tienen mo- ta sombras intensas que se El vestuario es también, al vimientos abruptos y duros, deslizan por las paredes de la igual que la iluminación y el quebrados a mitad de cami- escena evocando una perseescenario, un factor dramáti- no, que componen un rasgo cución de demonios co para el cine expresionista habitual. Se produce una dealemán. Sus personajes visten formación de los gestos por También se utiliza para descapas y sombreros de copas. medio de movimientos inten- tacar el carácter de los personajes o dar sentido dramático sos que superan la realidad. a alguna escena; “cesare” de Se maquillan sus caras de “el gabinete del doctor Caliblanco para dar la idea de Las sombras gari” al extender sus manos, máscaras, símbolo recurrente de los expresionistas al igual El cine expresionista alemán proyecta su sombra sobre el que sus manos extremada- supo sacar provecho de las muro. mente salientes o crispadas. sombras para connotar lo

La cinta es considerada la primera película expresionista de la historia La traducción del título original fue: ¨ Usted debe transformarse en Caligari ¨ Los decorados fueron realizados en papel, y las sombras fueron pintadas en las paredes por dibujantes de renombre. Primero le propusieron a Fritz Lang dirigir ¨ El Gabinete del Dr. Caligari ¨, como estaba ocupado lo rechazo. Pero antes propuso el comienzo y el final de la película, sugerencia que tomo Robert Weine. Las escenas del principio y del final, que dan marco a la conclusión de que toda la historia era producto de los delirios de un demente, se agregaron después de que la película estaba casi terminada, por decisión de Wiener.

Escolio. “El gabinete del Dr. Caligari”, (1919 la película de Robert Weine), escrito por Hans Janowitz y Carl Mayer, la historia es una mezcla metafórica y abierta a diversas interpretaciones, es importante para la historia del cine, ya que se considera que es la primera película del género “thriller de terror” y personificar el expresionismo alemán en las técnicas de diseño de producción y filmación. La película comienza con una escena de encuadre en el que nuestro protagonista, Francis, está relatando una historia de su pasado a otro hombre. En su historia, una feria ambulante llega a la ciudad, una atracción es el Dr. Caligari y su sonámbulo Cesare el adivinador. Poco después de la feria llega a la ciudad, el secretario del ayuntamiento es asesinado, la primera de una serie de homicidios impares. Francis y Alan, dos mejores amigos que compiten por el corazón del amigo mutuo Jane, van a la feria y ver el sonámbulo que le dice a Alan que morirá antes del amanecer. Esa noche, Alan y Francis tiene una discusión franca acerca de Jane, en la que Francisco hace hincapié en que su amistad debe

de escapar por los pelos de captura. La búsqueda de la policía remolque y del Dr. Caligari encontrar un sonámbulo señuelo, y Caligari escapa mientras están hurgando. Francis, en busca de venganza y la justicia, va a un manicomio cercano con la esperanza de localizar Caligari.

soportar sin importar quién gane el amor de Jane. Esa noche, Alan es asesinado por una figura ambigua, y Francis, recordando la predicción de Cesare, la transmite a la policía a la mañana siguiente. Francis y de Jane padre el Dr. Olsen decide visitar al Dr. Caligari y Cesare mientras la policía capturar a un asesino imitador. Jane va a buscar a su padre ya su amada, sólo para descubrir que se han ido, dejando a su tener un extraño encuentro con la criatura extraña Cesare. Al atardecer el sospechoso Francis espera fuera del remolque del Dr. Caligari, mientras el asesino Cesare se escabulle para atacar Jane. Una búsqueda en la azotea se produce después de Cesare secuestra primera “mujer indefensa” de la película a pesar de que no puede ser una scream queen 1 todavía. Jane se recupera ileso, pero Cesare “muere” después

Él descubre que Caligari es el jefe de la institución, y Francis huye en pánico. Regresa esa noche con el personal del hospital y de la policía para examinar los documentos del Dr. Caligari. Ellos descubren que Caligari utiliza el sonámbulo, un paciente en su hospital, para poner a prueba su teoría sobre la manipulación de alguien para matar, basado en la leyenda de un monje viajero llamado Caligari quien controló un sonámbulo homicida en 1803. Las autoridades de asilo luchan Dr. Caligari en una camisa de fuerza y le admite como paciente. La película vuelve entonces a la historia que enmarca como Francis concluye su relato. Se revela que Francisco es en realidad un paciente en el mismo asilo, al igual que su oyente, Jane, y Cesare. La película concluye con Francis tener una explosión, los guardias lo subyugar, y una mucho

más suave-que aparece Dr. Caligari alegando que por fin ha descubierto el engaño de Francisco y ahora puede curarlo. De esta forma, el guion es un típico “todo fue un sueño” complot. Debido a los dispositivos de encuadre, descubrimos, o estamos destinados a creer, que la historia se desarrolla dentro de la mente retorcida de Francisco.

El romero es otro personaje que parece estar cayendo en las profundidades de la locura, obsesionado con la idea de que ella está llevando el hijo de Satanás. A diferencia de “American Psycho”, en el que la realidad de la situación nunca es cuestionada hasta el final, muchas de las escenas y situaciones son irreales, sobre todo la escena del sueño / violación, lo que sugiere a nosotros que Rosemary es

Esta es una forma a menudo imitado, y muchas películas modernas se parezcan a elementos dentro de “El gabinete del doctor Caligari”. El ajuste más cercano se puede encontrar en la película de 2000 “American Psycho” en la que Patrick Bateman, un yuppie de los 80 de Nueva York, va en una frenética matanza grotesco. Conforme avanza la película, las escenas y Bateman se vuelven más retorcida y sangrienta. La película concluye con Bateman confesar sus pecados a su abogado, sólo para “descubrir” que todo era una ilusión inexplicable. En “La semilla del diablo” (1968), vemos una situación inversa.

Francis está diciendo la verdad, y el Dr. Caligari ha conspirado alguna manera para encarcelarlo. Toda esta historia delirante podría haber sido fabricado por la mente de Francisco para cubrir su culpa por el asesinato de Alan (nunca se confirmó que Cesare fue su asesino). Podría ser simplemente el producto impar de Francis ‘subconsciente frenético y no se parecen a los acontecimientos desconocidos de Francisco pasado. Casi todos los personajes y eventos en esta película tiene un elemento metafórico a ella, algunos de ellos aplicables a la historia, a otros a eventos que ocurren mientras que esta película fue escrito.

delirante. Al final, se revela que todas sus sospechas aparentemente irreales son verdaderas cuando un culto satánico se reúne alrededor de la cuna negro de su demoníaco bebé. A diferencia de “La semilla del diablo” y “American Psycho”, la conclusión de “El gabinete del doctor Caligari” es mucho más vago. Es posible que

Examinada desde dentro de los confines de Francis ‘mente, Cesare puede ser representativa de Francis’ deseo implacable e insaciable para Jane. Dr. Caligari representa el intelecto y la técnica utilizada para canalizar y orientar el deseo de Francisco de obtener de ella. Alan es cualquier cosa que lo barra de Jane. Los policías y los trabajadores de asilo-con aviones no tripulados como son los aspectos

auto-odio de Francisco que él emplea para castigar al lado de sí mismo que falla (Caligari y Cesare). Originalmente, no había ningún recurso de enlace, pero debido a la censura, Hans Janowitz y Carl Mayer se vieron obligados a añadir este elemento. La película se creía que era intolerablemente controversial en su primera forma porque simbolizaba muy de cerca al gobierno alemán de la Primera Guerra Mundial La feria itinerante es la propaganda difundida por el gobierno para fomentar el patriotismo. Dr. Caligari representa el, mal gobierno manipulador, obligando a las masas ignorantes indefensos (Cesare) hacer ciegamente su voluntad. Francis fue el objetor de conciencia tratando de derrocar a su gobierno opresivo, asesina. Jane y Alan son las víctimas que causa Francis para abrigar una venganza personal y motivarlo a rebelarse. La policía y los funcionarios públicos son burócratas sin sentido, y el secretario del ayuntamiento, en su silla escandalosamente alta, representa la arrogancia de los políticos. Sin el recurso de enlace, la trama de la película es casi sin inspiración como un thriller de terror, a pesar de que sirve como un potente y preciso comentario social. 1 anglicismo que se usa en la industria del entretenimiento para referirse a las actrices que han participado en películas de terror,

Ficha técnica Dirección Robert Wiene Producción Rudolf Meinert Erich Pommer Guion Hans Janowitz Carl Mayer Música Giuseppe Becce Fotografía Willy Hameister Protagonistas

Datos y cifras

Idioma(s) Alemán

País(es) Alemania

Compañías Productora UFA

Año 1920

Distribución Decla-Bioscop (Alemania)

Género Suspense

Goldwyn Distributing Company (Estados Unidos)

Duración 71 minutos

Presupuesto DM 20.000 (estimado)

Universum Film AG, más conocido como Ufa o UFA, fue el estudio cinematográfico más importante de Alemania durante el periodo de esplendor de la República de Weimar y durante la Segunda Guerra Mundial. Este conglomerado de industrias alemanas del sector del cine fue una de las más poderosas durante el periodo que va desde el año 1917 hasta 1945.

Películas famosas de la UFA •1922: Dr. Mabuse, der Spieler (director: Fritz Lang) •1924: Die Nibelungen (director: Fritz Lang) •1927: Metropolis (director: Fritz Lang) •1930: Der blaue Engel (director: Josef von Sternberg) •1930: Die Drei von der Tankstelle (director: Wilhelm Thiele) •1930: Einbrecher (director: Hanns Schwarz) •1931: Der Kongreß tanzt (director: Erik Charell)

•1931: Der Mann, der seinen Mörder sucht (director: Robert Siodmak) •1931: Bomben auf Monte Carlo (director: Hanns Schwarz)

•1931: Meine Frau, die Hochstaplerin (director: Kurt Gerron) •1932: Es wird schon wieder besser (director: Kurt Gerron) •1932: Strich durch die Rechnung (director: Alfred Zeisler) •1933: Ich und die Kaiserin (director: Friedrich Hollaender) •1933: Lachende Erben (director: Max Ophüls) •1937: Der Mann, der Sherlock Holmes war (director: Karl Hartl) •1941: Frauen sind doch bessere Diplomaten (director: Georg Jacoby; primer film alemán en color) •1943: Münchhausen (director: Josef von Baky) •1944: Die Feuerzangenbowle (director: Helmut Weiss) •1945: Kolberg (director: Veit Harlan; propaganda del Tercer Reich) •1946: Unter den Brücken (director: Helmut Käutner)

Robert Wiene DIRECTOR

Director de cine alemán de origen polaco, nacido el 24 de abril de 1873 en Breslavia, Silesia, Alemania (hoy en territorio polaco) y fallecido el 17 de julio de 1938 en París. Principal representante del expresionismo cinematográfico. Su obra El gabinete del doctor Caligari (1919) es la más famosa de las películas mudas alemanas. Su película muda rodada en 1919 El gabinete del doctor Caligari (con Conrad Veidt y Werner Krauss) causó una gran sensación. Después de El gabinete del doctor Caligari, Wiene rodó una serie de películas mudas expresionistas, entre ellas Genuine (1920), Raskolnikow (1923, basada en la novela Crimen y castigo de Dostoievski), I.N.R.I. (1923) y Las manos de Orlac (1924). Esta última es una obra maestra del género fantástico sobre un pianista que, después de que se le hayan trasplantado las manos de un asesino, se convierte en criminal contra su voluntad. Con El caballero de la rosa, en la que actuaron más de 10.000 extras y a cuyo apo-

teósico estreno en la Staatsoper de Dresde el 10 de enero de 1926 asistió el propio Richard Strauss como director de orquesta, Wiene dio paso a un cine de entretenimiento más ligero. En 1930 se rodó Der Andere (con Fritz Kortner y Heinrich George), una interesante película sonora sobre un fiscal esquizofrénico que, para superar su oscura existencia como delincuente, debe luchar contra sí mismo. Más convencional es la opereta Eine Nacht in Venedig (1933). Hacia 1934 rodó su última película, Taifun -también conocida como Polizeiakte 909-, antes de verse obligado a exiliarse para huir de los nazis. Murió el 17 de julio de 1938 en París. Sus Películas

•1919 (estrenada en 1920) El gabinete del Doctor Caligari. •1920 Genuine •1921 Die Rache einer Frau. •1923 Raskolnikow (basada en la novela Crimen y castigo de Fiódor Dostoievski). •1923 I.N.R.I. •1924 Orlacs Hände. •1926 Der Rosenkavalier (versión abreviada muda sobre la ópera de Richard Strauss). •1930 Der Andere (El otro). •1931 Der Liebesexpress. •1934 One Night in Venice. •1938 Ultimatum.

Rudolf Meinert Erich Pommer Productores

Rudolf Meinert (1882-1945) fue un austriaco guionista, productor de cine y director. Meinert nació Rudolf Burstein en Viena, pero trabajó para la mayor parte de su carrera en la industria cinematográfica alemana. Se hizo muy conocido por ser el productor / director de silenciosos películas de crímenes.

Los oficiales Once Schill (1926) El Vicepresidente de la Humanidad (1927) El Condenado (1927) El blanco de las rosas de Ravensberg (1929) El Monocle Verde (1929) Máscaras (1929) El Cantar de los Naciones (1931) Los oficiales Once Schill (1932) Het Meisje reunió den Hoed Blauwen (1934) De Vier Muller (1934)

por UFA. Como miembro del consejo director de la UFA, Pommer fue capaz de producir algunas de las contribuciones más impresionantes de Weimar Alemania para filmar: El gabinete del doctor Caligari (1920), El último (1924), Variety (1925), Faust (1926), y El ángel azul (1930). En 1926, comenzó a trabajar en Hollywood, pero regresó a Alemania en calidad de préstamo de sus empleadores estadounidenses sólo un año más tarde.

Productor

Después de la toma del poder nazi, Pommer emigró primero a París (1933), y luego a Hollywood (1934), después a Londres (1937), y finalmente de vuelta a Hollywood (1940).

En el inmediatamente posterior a la Primera Guerra Mundial período, Meinert fue jefe de producción en el estudio alemán Decla. Meinert, en lugar de Erich Pommer, se acredita a veces como el productor detrás de Decla revolucionario

Vengeance Is Mine (1916) Genuine (1920) El gabinete del doctor Caligari (1920) Padre Voss (1925) El Cantar de los Naciones (1931) Actor

El gabinete del doctor Caligari (1920). [1] Tras el nazi toma del poder en Alemania, Meinert que era judío, se exilió en el Países Bajos.

Erich Pommer. B Hildesheim 1889 -. D Los Angeles 1966.

Director Der Hund von Baskerville (1914) Vengeance Is Mine (1916) El Monasterio de Sendomir (1919) María Antonieta, el amor de un rey (1922) El Ratón Rojo (1926)

Los oficiales Once Schill (1926) El Cantar de los Naciones (1931)

Productor. Un productor de genio y hombre de negocios en ambos lados del Atlántico, Erich Pommer es la fuerza motriz de los cincuenta años de la historia del cine alemán. En 1915, fundó la Deutsche Eclair (Decla), una compañía de producción que finalmente fue absorbida

Regresó a Europa como oficial en el ejército de Estados Unidos, la supervisión de la concesión de licencias de las primeras empresas de producción en la industria del cine post-nazi. No regresó a California hasta 1956. Premios •1953 Premio Cinematográfico Alemán por Nachts auf den Strassen. •1955 Golden Globe Award por mejor Película Kinder, Muetter, und ein General. •1956 Gran-Prix de l’Union de la Critique de Cinéma (UCC) for Kinder, Muetter, und ein General.

Hans Janowitz Carl Mayer Guionistas

Hans Janowitz (2 de diciembre de 1890 en Poděbrady, Bohemia - 25 de mayo de 1954 en Nueva York ) fue un autor alemán de Bohemia nacido. Janowitz era oficial en la Primera Guerra Mundial, pero volvió de él como un pacifista. Poco después de terminada la guerra, se encontró con el similar de mente Carl Mayer en Berlín, quien le sugirió que funciona como un autor. Juntos escribieron el guión de El gabinete del doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari), que fue filmada por Robert Wiene en 1919 y 1920, y puesto en libertad en febrero de 1920 La película es una obra destacada del expresionismo alemán. Supuestamente, la película fue en un primer momento se ofreció a director Fritz Lang , en la primera parte de su carrera, que sugirió la ahora famosa historia encuadre del loco recordando su pasado, que entonces cuenta la historia de la misteriosa muerte de una niña, primero leer acerca por Janowitz en un relato periodístico. Janowitz y Mayer protestaron por el cambio, pero se hizo de todos modos sobre sus objeciones, [cita requerida] y Lang abandonó el proyecto para dirigir otra película. Entonces Wiene fue contratado

para dirigir la película. Janowitz luego trabajó con otras dos películas de FW Murnau. Ya en 1922, terminó su carrera en el cine y se convirtió en activo en el negocio del petróleo. Filmografía seleccionada El gabinete del doctor Caligari (Das Cabinet des Dr. Caligari, 1920) El Jefe de Janus (Der Januskopf, 1920) La Pantera Negro (1921) Ama de Roswolsky (Die Geliebte Roswolskys, 1921) Marizza, llamado Smuggler Madonna (Marizza, genannt morir Schmugglermadonna, 1922). Carl Mayer guionista cinematográfico, nació en Graz, ciudad austriaca, el 20 de noviembre de 1894 (a Londres, 1 de julio de 1944). Su padre, jugador de bolsa, se quitó la vida después de arruinar totalmente a su familia. Mayer tuvo que abandonar la escuela a los quince años viéndose obligado a trabajar en todo tipo de oficios para poder sacar adelante a sus hermanos, Colaboró con diversas editoriales y trabajó en el Residenz Theater de Berlín, como ayudante de Eugen Roberts. Su primer gran texto fue el guión de El gabinete del doctor Caligari, basado en una historia de Hans Janowitz. La película fue

dirigida por Robert Wiene en 1919. La carrera de Mayer comenzaba con paso firme, pues su historia se convirtió rápidamente en uno de los pilares de la renovación del cine alemán, dado que esta película abre los nuevos itinerarios sobre los que se consolidará buena parte de la producción alemana de los años veinte, caminos que profundizan básicamente en el expresionismo y el kammerspiel. Carl continuó con estas corrientes que, de alguna manera, alcanzaron a la pantalla irradiando nuevas imágenes, renovadores conceptos espaciales y una inteligente atmósfera propiciada por el uso dramático de la luz. Sus guiones recogieron puntualmente estas indicaciones y los resultados fueron lo más interesante de la época. Tras la película de Wiene, la actividad de Mayer no decae, y sus historias se envuelven de tratamientos más arriesgados, apostando por personajes inquietos y psicológicamente inestables, innovando en cada nuevo proyecto. En su carrera trabajó para Lupu-Pick, Karl Gerhardt, Paul Leni y Leopold Jessner, entre otros. No obstante, su trayectoria creativa se vio marcada, indiscutiblemente, por su colaboración con Friedrich W. Murnau, con quien trabajó en ocho películas.

Giuseppe Becce Musica

Giuseppe Becce nació como uno de los seis hermanos el 3 de febrero de 1877 en Lonigon (norte de Italia). Asistió al Conservatorio de Padua, donde fue entrenado en la flauta y cello. Paralelamente, estudió filología y geografía. A la edad de 18 años, condujo una orquesta en la universidad. Originalmente conseguido sus estudios de geografía para mediados de octubre de 1900 a Berlín y Becce pronto se concentró en su formación musical. Así que empezó a estudiar con el profesor Leopold Schmid y era un estudiante privado de Arthur Nikisch. 1910 compuesto por él opereta “La cama de la Pompadour” fue estrenada dos años más tarde, su primera ópera, “Tulia”. También en 1910 se casó con el joven compositor, el literario ambicioso Emma Woop. 1913 aprendidas Becce en Berlín productor de cine Oskar Messter conocimientos. En el mismo año Becce fue visto en la película producida por Messter “Richard Wagner” no sólo como un actor principal, pero se hizo cargo en el estreno y la línea del acompañamiento musical. Este fue el comienzo de una colaboración constante entre Messter y Becce.

Además de sus propias composiciones, Becce especializada principalmente en la organización de la música para la película. En 1919, cuatro años después, fue nombrado la dirección de una orquesta de 15 piezas en Berlín Mozart Hall, apareció por primera vez la “Cinemateca”, compilado por la recolección Becce de música para ilustración de la película. En general, por el 1929 de seis números dobles de la “Cinemateca” se publicaron. Las piezas están dispuestas para piano y orquesta. A partir de 1921 Becce fue editor de la “hoja de música de cine”, que era en 1926 el nombre de “película de sonido de última generación. Un diario para la ilustración de la música artística de la fotografía”. Al mismo tiempo Becce trabajó para UFA. Compuso la música para Fritz Wendland Stockhausen de “The Stone Rider” (1923) y FW Murnau de “The Last Man” (1924) y “Tartufo” (1925). Su trabajo como director de orquesta y arreglos musicales, continuó, por ejemplo, en “Los Buddenbrook” (1923) y “Secretos de un alma” (1926) por GW Pabst . En 1923 Becce conductor permaneció en la Sala Mozart, en los años siguientes, trabajó en todos los principales palacios de

cine de Berlín, a finales de 1920, de nuevo en la Sala Mozart. Junto con Klaus Erdmann 1927 trajo el “Manual General de la música de cine” fuera. En la película el sonido es Becce podría establecer. Compuso, por ejemplo, la música de “The Light Blue” (1932) de Leni Riefenstahl o el remake “El Infierno Blanco de Pitz Palu” (1935). Becce también visitó muchas de las películas de “cultura” que se mostraron en la década de 1930 el apoyo a las películas en salas de cine, con música de tan. Quedado sin hogar por el bombardeo de Berlín, Becce vivió desde 1942, primero en el Tirol del Sur, antes de regresar a Berlín después de la guerra de nuevo. A partir de 1949 comenzó su trabajo como compositor para la película de nuevo, y su estrecha colaboración con Luis Trenker estaba señalando el camino para él. Becce centró en las películas de minería y el hogar. En 1962 fue condecorado con la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania y en 1971 con la tira de la película en oro. Becce murió a la edad de 96 años el 5 de octubre de 1973 en Berlín y fue enterrado en Wilmersdorf. Fuente: DIF Instituto de Cine Alemán, Schaumainkai

Willy Hameister FOTOGRAFIA

de entonces, sólo brevemente ocupada fotografía dramas y epopeyas de alta calidad, como “genuino” del director Caligari de Robert Wiene , Urban Gad “Christian Wahnschaffe” y Dimitri Buchowetzkis “Pedro el Grande”, con Emil Jannings en el papel protagonista.

Willy Hameister (nacido Wilhelm Franz Hameister; 3 de diciembre de 1889 en el campo de Kranz (Condado Greifenhagen , Pomerania ), † 13 de febrero de 1938 en Berlín ) fue un alemán camarógrafo , un veterano de la cinematografía. Hameister comenzó su carrera en 1904 en el ‘Alemán Bioscop’, su primer trabajo como camarógrafo fueron 1906-1907 denominada noticias. A partir de 1912 Hameister centró en la película, rodó su primer trabajo para el Director novicios Harry Piel . Justo después de que cometió el poco más de gobierno experimentó Wiener Joe May Especialmente el director Otto Rippert , Willy Hameister en su capacidad como actor en junio de 1912 en la reconstrucción cinematográfica de los hechos

que rodearon el hundimiento del Titanic (“ En la noche y Hielo “ ) se había reunido con el camarógrafo empleada inicialmente sobre una base regular.

Poco después Hameisters hundió obra en la mediocridad. Fotografió a un número considerable de comedias simples, farsas y sainetes del sello “Princesa Trulala”, “Ninguna celebración sin Meyer” y “El Terror de la guarnición,” un puñado de melodramas y aventura, equipo y películas sensacionales con Ellen Richter .

Después de su servicio militar 1914-1918 Hameister comenzó su trabajo como camarógrafo en Ripperts ‘película costumbres “escandalosas” las hienas de la lujuria “de nuevo. Para Rippert también fotografió inmediatamente después uno de sus trabajos más opulenta, la gran escala Renacimiento sábana “ La plaga en Florencia”.

Desde 1933, él recibió órdenes por lo general sólo para los cortometrajes, para producciones más grandes tenían Hameister varias veces en el extranjero (Checoslovaquia y Portugal dodge). Hameister fue en el verano de 1936 y uno de los varios camarógrafos que en Leni Riefenstahl Olympia habían participado en la película.

En el mismo año 1919 Willy Hameister participó en uno de los clásicos más legendarios de la historia del cine, la obra maestra del expresionista “ El gabinete del doctor Caligari”.

Después de que cayó gravemente enfermo en mayo de 1937, Willy Hameister se retiró de la película. Murió un año después, unos meses después de su cumpleaños número 48.

Sin embargo, lo dejaron des-

REPARTO PRINCIPAL

Werner Krauss Werner Joh a n n e s Krauß Gestungshause, 1884-Berlín, fallece Viena, Austria 20 de octubre de 1959. Actor alemán. Cuando Adolf Hitler subió al poder en Alemania, Krauß abrazó la ideología nazi. Fue elevado a la categoría de “Actor del Estado” (Staatsschauspieler). Tras la Segunda Guerra Mundial, pasó por el proceso de desnazificación entre 1947-48, se le perdonó su pasado afín al nacionalsocialismo e incluso fue invitado a festivales de cine en su país. Destacado miemb r o de la compañía

teatral de Max Reinhardt, se convirtió después en uno de los más famosos actores cinematográficos de la escuela expresionista. Participó como intérprete en películas como El gabinete del doctor Caligari (1919) de R. Wiene, El hombre de las figuras de cera (1924) de P. Leni, Bajo la máscara del placer (1925) de G.W. Pabst. Premios •1934: Nombrado Staatsschauspieler •1938: Medalla Goethe •1954: Gran Órden al Mérito de la República Federal Alemana •1954: Anillo de Iffland •1955: Gran Premio de Honor a l M é rito de la República de Austria •1959: Anillo de Honor de la ciudad de Viena

Conrad Veidt Berlin, Alemania fecha 22 de enero 1893 a 03 de abril 1943 (ataque al corazón). Mejor conocido como: El villano mayor Strasser en Casablanca. Conrad Veidt tuvo una temprana carrera distinguida en el cine mudo alemán, incluyendo el papel de Cesare, el sonámbulo en el 1919 classic El gabinete del Dr. Caligari. Después de docenas de papeles en películas alemanas,

el versátil actor se dirigió a Hollywood y tuvo su papel más famoso como el mayor Strasser, el oficial alemán que amenaza a Humphrey Bogart y Ingrid Bergman en Casablanca (1942). Veidt murió repentinamente de un ataque al corazón en un campo de golf de Los Angeles a la edad de 50. Crédito adicional: figuras de la vida real que desempeñan los Veidt en las películas incluyen héroe naval Lord Nelson (en Lady Hamilton, 1921), monje loco Rasputín (en el 1930 la película alemana Rasputín) y hábil ingeniero Wolfgang von Kempelen (en el 1938 la película francesa La Chess Player). Desde 1916 hasta su muerte (en 1943) participó en unas cien películas, muchas desaparecidas. La fama de Veidt durante los años de la guerra no se debió exclusivamente a su labor como actor. Donó parte de su sueldo y de su patrimonio para ayudar al esfuerzo bélico de los Aliados. Se distinguió desde sus comienzos por la defensa de los derechos de los homosexuales, las mujeres y los judíos y, tras el advenimiento del nazismo, por su beligerancia antinazi.

Friedrich Fehér; (16 de marzo de 1889 en Viena, fallece 30 de septiembre de 1950 en Stuttgart) fue un austriaco, actor y director de cine. Después de visitar el Conservatorio de Viena, que comenzó su carrera en 1907 en el Schauspielhaus de Berlín y Lessing-Theater y luego fue a los cines en Hamburgo, Viena y Praga. Sus primeras actuaciones en películas mudas se completaron en Berlín en 1911. Se unió a un principio sobre todo en adaptaciones literarias, que a partir de 1913 él también, para el Berlin Mutoscope, protagonizaron. Experimentó su primer éxito como actor principal en Theodor Körner (1912), como Franz M o o r en Los bandidos (1913) y como Odoardo en Emilia Galotti (1913). 1916 Fehér regresó d e nuev o a Viena durante dos años antes de que él participó de nuevo en 1919 en producciones alemanas y con un

papel protagónico en Robert Wiene de El gabinete del doctor Caligari (1920) finalmente hizo su avance. En esta obra maestra expresionista jugó el famoso papel de Francis, a jóvenes internos de un manicomio. En 1921 se hizo cargo de la dirección artística de la película de Viena Odiseo, una subsidiaria de Vita-película, y dirigió varias películas dirigidas. Filmó entre otros cuentos de Hoffmann (1923) y apareció como actor de reparto en el de Robert Wiene Der Rosenkavalier (1926) de la Pan-movie con. Además, la fuerte influencia del cine Expresionismo La Casa del Dr. Gaudeamus (1921) fue creado bajo su dirección. En 1922, Fehér su propia compañía de producción de cine. En 1923 también se hizo cargo de la gestión de los primeros cines de estreno vienés, el Kammerlichtspiele Schwarzenberg. En 1926 se trasladó a Berlín, donde dirigió la historia, co-

medias y películas de detectives de tenis. En la mayor parte de su total de 25 películas jugaron su esposa Magda Sonja , 1917-1921 la primera estrella de cine femenino de la

películ a Sascha , el papel principal. Entre sus películas más conocidas de este periodo incluyen Mata Hari (1927) y María Estuardo (1927). En 1933 abandonó Berlín de nuevo - pero esta vez por la fuerza, porque no se le permitió a participado en películas alemanas como un Judio. Emigró inicialmente en la Checoslovaquia y luego a Gran Bretaña , donde fundó la Concordia Films Ltd .. En Londres fue capaz de trabajar con otros exiliados, con cerca de Robert Wiene , que como productor por su producción expresionista y surrealista inspirado de extraño Singspiel Robber Sinfónica ocurrió (1936). Su hijo Hans Feher recibió en el papel principal.

Después de la quiebra de su compañía de cine, emigró en octubre de 1936 continuó en el Estados Unidos, donde fundó la película Sinfónica. Con esto, él dirigió el corto ciclo de cine 19381939 Paramount Symphonics, donde llevó a cabo algunos de las propias grabaciones orquestales. Cuando quiso perfeccionar el principio estilo de ladrones Sinfonía en sus cortometrajes, sus patrocinadores financieros se opusieron a la idea, y su carrera se detuvo. Finalmente consiguió el mayor éxito en Hollywood Austria emigrantes Edgar G. Ulmer transferir un pequeño papel en una película en Jive Junction 1943. La principal fuente de ingresos de la familia Fehér durante los años de la emigración llegó cada vez más la falta de películas de éxito de otras operaciones. Desde 1939, Fehér trabajó principalmente como director de orquesta y ganar un ingreso extra como gerente de una tienda de comestibles. En marzo de 1950, Fehér regresó a Londres, poco después de Alemania. Allí trató de explorar las posibilidades de producción de películas de televisión con contenido mu-

sical. A finales de septiembre de 1950, murió en un hospital de Stuttgart.

Lil Dagover Lil Dagover, Nació el 30 de septiembre de 1897 en Madiven, Java, Indias Neerlandesas, falleció en Múnich, Alemania, el 24 de enero de 1980. Debutó en el cine bajo la dirección de Fritz Lang en Hara Kiri (adaptación de Madame Butterfly, 1919) y Die spinnen. Interpretó en estas cintas papeles exóticos. Su triunfo le llegó con El gabinete del Dr. Caligari de Robert Wiene. Su interpretación y su fotogenia le dieron una notoriedad que se extendería fuera de las fronteras de Alemania. Siguió con Lang (Las tres luces, 1921; El Dr. Mabu-

se, 1922), con Murnau (El nuevo Fantomas, 1922, Tartufo o el hipócrita, 1926) y con Arthur von Gerlach ( Zur chronik von Grieshuus, 1924). Trabajó en Suecia y en Francia (El conde de Montecristo, 1929, de Henri Fescourt, Le tourbillon de Paris de Julien Duvivier, 1928) y, en los comienzos del cine sonoro, en Estados Unidos (The Woman from Monte Carlo, Michael Curtiz, 1932), (El congreso se divierte, Eric Charell, 1931), (Elizabeth von Osterreich, Adolf Trotz, id.; Der hohere Befehl (1935), de Gerard Lampretch), (La novena sinfonía, 1938, de Detlef Sierck [Douglas Sirk]) (Friedrich Schiller , Herbert Maisch, 1940; Bismarck , W. Liebeneiner, id.). Después de la guerra, apareció aún como guest star en una veintena de películas. En el año 1974 Hans Jurgen Syberbeg le dio uno de los papeles clave de su Karl May. Maximiliam Schell, que ya la había dirigido en El peatón (Der fussganger, 1973), le ofreció s último papel en Geschichten aus wienerwald (1978).

Hans Heinrich von Twardowski (5 de mayo

de 1898 – 19 de noviembre de 1958) fue un actor teatral y cinematográfico alemán. Nacido en Szczecin, alemania de Pomerania, (actualmente a Polonia) hizo su primera actuación en el cine en la película dirigida en 1920 por Robert Wiene El gabinete del doctor Caligari, en la década de 1920, en la Alemania de la República de Weimar, trabajó en más de 20 películas. En 1921 Twardowski fue Joshua Nesbitt, el hijastro de Horatio Nelson, en Lady Hamilton. Al año siguiente Twardowski actuó en Der Falsche Dimitri y Es leuchtet meine Liebe. En 1927 trabajó en Die Weber, una historia sobre un hombre en lucha con las máquinas. Al año siguiente participó en la cinta de Fritz Lang Spione y, un año después, encarnó a Otón I de Baviera, el hermano del rey Luis II de

Baviera, en Ludwig der Zweite, König von Bayern. Su primer film sonoro fue Der König von Paris, de 1930. Su última película rodada en Alemania fue la producción de 1931 Der Herzog von Reichstadt. Twardowski, que era homosexual, huyó de Alemania en 1933 para escapar de los Nazis. Poco después actuó en el drama Scandal for Sale, protagonizado por Pat O’Brien. Ese mismo año fue Von Bergen en el drama bélico Private Jones, un príncipe en Adorable, y un abogado en The Devil’s in Love. Al año siguiente Twardowski encarnó a Ivan Shuvalov en Capricho imperial, y en 1935 fue el Conde Nicolás de Hungría en el film de Cecil B. DeMille Las cruzadas, protagonizado por Loretta Young. Tras ello pasaron dos años hasta que volvió a actuar, en esta ocasión con un pequeño papel en el film romántico Thin Ice, interpretado por Sonja Henie y Tyrone Power. Debido al tiempo dedicado a la dirección y a la actuación teatral, pasaron otros dos años antes de volver a trabajar en el cine. En 1939 la carrera de Twardowski repuntó gracias a su actuación en dos producciones de Warner Bros. anti-Nazis. Fue Max Helldorf en la cinta de espías Confessions of a Nazi Spy, y más adelante trabajó en otro título del género, Espionage Agent, con Joel McCrea, y que se estrenó tres semanas después de la Invasión de Polonia de 1939. Ya en 1939, Twardowski intervino en el muy controvertido film anti-Nazi Hitler - Beast of Berlin. Twardowski era Albert

Stalhelm, un soldado de las SS que se desilusiona con la brutalidad del régimen Nazi. Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial y el consiguiente incremento de las películas bélicas, Twardowski hizo actuaciones sin créditos encarnando a Nazi. Fue soldado de asalto, capitán de U-Boot, y oficial del ejército. En 1942 actuó en siete títulos, con un papel más destacado, el del Capitán Gemmler en Dawn Express. Después hizo un papel sin créditos en The Pied Piper, con Monty Woolley, y otra interpretación en la comedia Joan of Ozark. Twardowski fue un soldado alemán en Desperate Journey, con Errol Flynn y Ronald Reagan. Encarnó a un capitán de submarino en el film de RKO Pictures The Navy Comes Through, protagonizado por Pat O’Brien. Otro de sus pequeños papeles llegó con la comedia Once Upon a Honeymoon, junto a Cary Grant y Gin-

ger Rogers. En junio de 1942 intervino en Casablanca, con el papel de un militar alemán. En 1943 trabajó en la película de Lang Los verdugos también mueren, y en la misma interpretaba al destacado jefe Nazi de las SS Reinhard Heydrich. Todos sus diálogos en el film fueron dichos en alemán. Twardowski también fue un militar alemán en la cinta de Raoul Walsh Background to Danger, en la cual trabajaban George Raft, Sydney Greenstreet y Peter Lorre, y posteriormente encarnó a un capitán Nazi en el drama bélico First Comes Courage. Otras actuaciones de Twardowski tuvieron lugar en The Strange Death of Adolph Hitler y en The Cross of Lorraine, film interpretado por Gene Kelly, Cedric Hardwicke y Lorre. Sus dos últimas películas fueron dramas bélicos de 1944, The Hitler Gang y Resisting Enemy Interrogation.

La carrera interpretativa de Twardowski finalizó al mismo tiempo que la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, siguió escribiendo y dirigiendo obras teatrales. Además, fue el Delfín de Francia en producciones de la obra de Friedrich Schiller La doncella de Orleans. En los años treinta dirigió y actuó en Los hermanos Karamazov y Old Heidelberg, obras representadas en el Teatro Pasadena Playhouse. En 1939 escribió y produjo una pieza que se representó en el St. Felix Street Playhouse de Brooklyn, Shakespeare Merchant - 1939, basado en la obra teatral de Shakespeare El mercader de Venecia. Además de ello, Twardowski también actuó como cantante en diferentes musicales. Hans Heinrich von Twardowski falleció en 1958 en su apartamento de Nueva York a causa de un infarto agudo de miocardio. Tenía 60 años de edad.

Una banda que se formó en el apogeo del Punk, en el año 1976, encabezado por Susan Dillion, más conocida como Siouxie Sioux. La figura de Siouxie fue una de las primeras que incursionó en el mundo del Punk Rock, quien a su vez se inspiró en un show de los Sex Pistols para crear el grupo.

SIOUXSIE AND

THE

BANSHEES

La formación inicial de la banda consistió en Siouxsie Sioux (voz), Steven Severin (bajo) Marco Pirroni (guitarra) y John Simon Ritchie, conocido como Sid Vicious en Sex Pistols, en batería. El conjunto siguió con la estética punk de aquella época, donde la simbología nazi era parte común de los punks de aquel tiempo, no porque fueran adherentes de la ideología nazi, sino que por la provocación que significaba utilizar estos símbolos. Lo mismo hicieron The Ramones en sus inicios, los mismos sex Pistols y muchas bandas punks de esos años. Esto además de utilizar ropas negras casi siempre. Siouxie and The Banshees comenzó su actividad musical bajo el sello Polydor, con el cual lanzaron el primer tema “Hong Kong Garden” el cual logró notoriedad y que además formó parte de su primer disco de estudio,“The Scream”, editado en 1978. En 1979, la banda edita su segundo álbum titulado “Join Hands” el cual no tuvo un muy buen recibimiento, causando con esto la salida de algunos músicos de la agrupación. Dentro del vaivén de músicos que pasaron por la banda se pudo contar con Robert Smith (The Cure) supliendo la guitarra, quien estuvo un corto periodo en la banda, ya que retornaría a su conjunto. En la batería ocurrió un caso similar, pero se cuenta con el detalle que el encargado de las baquetas, “Budgie”, se convertiría en el marido de la cantante. Para reemplazar nuevamente el puesto de guitarra se incorporó John McGeoch. La banda que comenzó como una banda punk, post-punk, y elementos que venían del gótico, empieza a trabajar en un estilo más inclinado al pop y a los elementos electrónicos con la salida del álbum “Kaleidoscope” en 1980. Esta apuesta les dio buenos resultados logrando instalar el tema “Happy House” dentro de las listas de música, consiguiendo un cierto éxito comercial. El siguiente trabajo discográfico de la banda recibió el título de “Juju” y fue lanzado en 1981 con el apoyo de Polydor Records nuevamente. El año 1982 siguieron produciendo más material musical, lo que significó el nacimiento de “A Kiss in the Dreamhouse” ese mismo año. Nuevamente se produce la salida de un integrante de la banda, John McGeoch, volviendo Robert Smith cubrir ese espacio por un corto tiempo. “Hyaena” ve la luz en el año 1984 y seria el sexto disco de la banda, este trabajo sería el primero en recibir ofertas para ser comercializado en Estados Unidos, estas propuestas vinieron de parte de Geffen Records, concretando su distribución final-

mente en el país del norte. La siguiente placa de la banda fue llamada “Tinderbox” del año 1986, y nuevamente fue distribuido por Geffen Records en Estados Unidos, y por Polydor Records en el Reino Unido como lo ha sido desde su primer disco. El LP contiene 13 tracks, y destaca el primer tema de la producción “Candyman” en el cual su lírica hace referencia a la pedofilia y el abuso sexual de niños. En 1987 “Through the Looking Glass” sale a la venta y lo especial de esta producción es que sus temas son covers de otros cantantes y bandas. Entre estas canciones destacan temas de artistas como John Cale con el tema “Gun”, “This Town Ain’t Big Enough for Both of Us” de la banda Sparks, y el tema “Strange Fruit” de Billie Holiday, y el clásico “You’re Lost Little Girl” de The Doors, entre otros. La primera vez que la banda logró entrar en los 100 primeros lugares de la lista Bilboard fue en 1988 con el lanzamiento del disco “Peepshow” que se introdujo en el mundo de la música con elementos electrónicos, pero sin abandonar la línea que han seguido siempre. El single “Peek-a-Boo” fue uno de los más destacados, instalándose en el puesto 53 de los charts. Luego de dos años sin lanzar material musical, la banda en 1991 edita “Superstition”, con el cual lograron internarse dentro de los top 20 en las listas de Bilboard en Estados Unidos, gracias al tema “Kiss Them for Me” llegan-do a estar en el puesto número 23. Además contó con la participación de uno de sus temas en el film “Batman Returns”, el single “Face to Face” fue el escogido.

Las banshees (/ˈbænʃiː/, del gaélico irlandés bean si, ‘mujer de los túmulos’) forman parte del folclor irlandés desde el siglo VIII. Son espíritus femeninos que, según la leyenda, se aparecen a una persona para anunciar con sus gemidos la muerte de un pariente cercano. Son consideradas hadas y mensajeras del otro mundo. Se cree que las aos si (‘personas de los túmulos’, ‘personas de paz’) son remanentes de deidades, espíritus de la naturaleza o los ancestros venerados por los escotos antes de la introducción del cristianismo. Algunos teósofos y cristianos celtas se refieren a estas como «ángeles caídos». La palabra banshee es el resultado de la anglización del irlandés bean sídhe o bean si, o bien del gaélico escocés bean shìt, que significa «mujer de los túmulos feéricos» o «mujer de paz». Ambos nombres provienen del irlandés antiguo ben sídhe: bean: «mujer» y sídhe: «de los túmulos». Algunos consideran que la bean nighe (‘lavandera’) es el equivalente escocés de la banshee irlandesa. Sin embargo, la bean shìth es la homóloga lingüística y mitológica, y como tal se presenta en numerosas ocasiones en el folclore y la mitología. La bean nighe es una clase específica de bean shìth. En gaélico escocés bean shìth también se puede escribir bean-shìdh. Síd en irlandés y sìth en gaélico escocés también quieren decir ‘paz’, y se habla también de estas hadas como ‘personas de paz’: aos sí o daoine-sìth. La palabra «banshee» ha sido traducida del inglés al español como ‘alma en pena’.

La última producción de la banda fue lanzada en 1995 y se tituló “The Rapture”, esto con el apoyo de Geffen Records. Este disco (que a diferencia de sus anteriores logros musicales) no consiguió repetir el impacto ya alcanzado. Las críticas fueron pobres, y solo llegaron a destacar dos temas, “O Baby” y “Stargazer”, los cuales tampoco lograron puestos significativos en los charts. Después de 1995 la actividad de producción de nuevo material cesó, y a la fecha solo han editado compilaciones y DVD’S con presentaciones en vivo. Una de las últimas y más famosas compilaciones lanzadas por la banda es “The Best of Siouxsie & the Banshees” del año 2002, en la cual recorren toda su historia y reviven su mejores momentos como agrupación. En el 2003, se reúnen y lanzan el DVD de un concierto en vivo en Londres, “Seven Year Itch”, esto bajo el sello Sanctuary Records. Las últimas noticias de Siouxie son que en el 2006 firmó un contrato con Universal para grabar un trabajo como solista, trabajo que se daría a conocer según los pronósticos para el 2007.

Susan Janet Ballion nació en Southwark, al sureste de Londres, Inglaterra en 1957, siendo la menor de tres hijos. Asistió al Mottingham Secondary Modern School, un colegio para chicas en Bromley, Kent. Su padre murió de cirrosis debido a su alcoholismo cuando Siouxsie tenía 14 años de edad. A esa misma edad, sobrevivió a una colitis ulcerosa, de la que luego diría que “quitó todo misterio que puede tener para mí mi cuerpo”.” A mediados de los años 1970, la periodista Caroline Coon acuñó el término Bromley Contingent para describir a un excéntrico grupo de adolescentes devotos a los Sex Pistols. Siouxsie era una de las integrantes de Contingent, junto al otro miembro fundador de Banshees, Steven Severin. El primer concierto de Siouxsie lo realizó con su improvisada banda Suzie and the Banshees, en el 100 Club Punk Festival organizado por Malcolm McLaren en septiembre de 1976. La banda no se sabía canciones ni había ensayado; improvisaron a medida que Siouxsie recitaba poemas y rezos de memoria.

Marco Pirroni. Nació en Camden Town, Londres, Inglaterra el 27 de abril de 1959, y al poco tiempo sus padres, de orígenes italianos y africanos, se mudan a Harrow y a Wealdstone.

Steven Severin. (nacido Steven John Bailey, 25 de septiembre de 1955, Highgate, Londres), es un Inglés músico, compositor, bajista y miembro co-fundador de Siouxsie and the Banshees. Tomó el nombre de “Severin” de la Leopold von Sacher-Masoch personaje que es objeto de la Velvet Underground canción “ Venus in Furs”. Después de la Siouxsie and the Banshees en 1996, una carrera en solitario... Junto a Susan Ballion, (Siouxsie Sioux) La Voz, Marco Pirroni en guitarra, y Sid Vicious en Batería improvisaron Una Primera Formación de los Banshees, tocando por Primera vez el 20 de septiembre de 1976. Severin Eligio el bajo, emulando a Holger Czukay de Kraut Rock Can. Siendo el Instrumento que toco durante sus 20 Años de carrera. En los Banshees, compuso varios de los Temas Junto a Siouxsie, Disueltos Los Banshees baño 1996, Severin sí abocó a la Composición de bandas de sonido, y a la ambientación Severin actualmente reside en Edimburgo.

Su frase conocida de “no me gustan los Beatles” resultó célebre durante esa época, en la que la industria musical trabajaba para grupos influenciados por ellos. Formó parte de bandas punk como Siouxsie And The Banshees (1976) y The Models. Después fue parte de los movimientos musicales posteriores al punk, siendo miembro de Cowboys International (1980), Rema-Rema (1979-1980) y Adam And The Ants (19801982), donde su papel destacaría mucho al lado de Adam Ant. Ambos terminan formando un dúo artístico centrado en la carrera solista de éste último. Sin embargo, también a lo largo de la década colabora con Sinéad O’Connor y temporalmente forma parte de Spear Of Destiny. Actualmente, formó un dúo de indie rock, llamado The Wolfmen.

John Simon Ritchie. (Londres, Inglaterra, 10 de mayo de 1957 – Nueva York, Estados Unidos, 2 de febrero de 1979), mejor conocido como Sid Vicious, fue el bajista del grupo Sex Pistols. Sid Vicious fue hijo de John Ritchie (un antiguo granadero del ejército británico) y Anne McDonald. Poco después, su padre los abandonó y Sid se trasladó con su madre a la isla de Ibiza en España, donde se ganaban la vida vendiendo drogas. Posteriormente se volvieron a trasladar a Inglaterra, donde Anne se casó con Christopher Beverly en 1965, antes de trasladarse a Kent. Su padrastro murió seis meses después y, en 1968, Sid y su madre se mudaron a un piso alquilado en Tunbridge Wells y el joven comenzó a asistir al Colegio Sandown Court. En 1971 se mudaron al barrio de Hackney, situado al este de Londres. Según lo dicho por Lemmy Kilmister en una entrevista a la revista Mojo, a los catorce años vendía LSD en los conciertos de la banda Hawkwind. En 1974 a los 17 años de edad, Sid ya había empezado a con-

sumir drogas intravenosas con su madre, en particular anfetaminas. Alrededor de 1975, había empezado a autolesionarse y mostraba tendencias antisociales; algunos informes revelan que había asaltado a varios jubilados. Sid Vicious padecía el trastorno límite de la personalidad o borderline. Desde niño, Sid siempre mostró fascinación por personajes que alcanzaban la fama rápidamente y morían jóvenes dejando tras de sí un halo de leyenda y misticismo

LOS INTEGRANTES.

Siouxsie Sioux (voz), Steven Severin (bajo). John McKay (guitarra, 19771979). Kenny Morris (batería, 19771979). Budgie (batería 1979-2002), Robert Smith (guitarra, 1979, 1982 a 1984 ). John McGeoch (guitarra, 19801982). John Carruthers (guitarra, 19841987). Martin McCarrick (teclados, 1987-1996). Jon Klein (guitarra, 1987-1995). Knox Chandler (guitarra, 19952002 )

Orígenes:

The Scream Lanzamiento: 13 de noviembre de 1978 Discográfica: Polydor Records Join Hands Lanzamiento: 7 de septiembre de 1979 Discográfica: Polydor Records Kaleidoscope Lanzamiento: 1 de agosto de 1980 Discográfica: Polydor/Geffen/Warner Bros Juju Lanzamiento: 6 de junio de 1981 Discográfica: Polydor/Geffen/Warner Bros A Kiss in the Dreamhouse Lanzamiento: 5 de noviembre de 1982 Discográfica: Polydor/Geffen/Warner Bros. Hyæna Lanzamiento: 8 de junio de 1984 Discográfica: Polydor/Geffen/Warner Bros. Tinderbox Lanzamiento: 21 de abril de 1986 Discográfica: Polydor/Geffen/Warner Bros. Through the Looking Glass Lanzamiento: 2 de marzo de 1987 Discográfica: Polydor/Geffen/Warner Bros Peepshow Lanzamiento: 5 de septiembre de 1988 Discográfica: Polydor/Geffen/Warner Bros Superstition Lanzamiento: 10 de junio de 1991 Discográfica: Polydor/Geffen The Rapture Lanzamiento: 16 de enero de 1995 Discográfica: Polydor/Geffen

Leyendas populares

Robert James Smith (The Cure) conto como consiguió su look tan particular, contó que Siouxsie Sioux fue la responsable de su cabello agitado y boca roja característica, en una fiesta donde se encontraron Siouxsie se llevó a Robert Smith al baño y lo dejo así, las chicas somos de hacer esas cosas con nuestros amigos, de perversas nada más dijo Siouxsie. A Robert le sorprendió tanto como se veía que decidió adoptar esa imagen para siempre.

A finales de los años 1960, una corriente de jóvenes de Gran Bretaña y otros países industrializados consideraban que el rock había pasado de ser un medio de expresión para los jóvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los músicos de ese entonces, alejando la música de la gente común. El punk surgió como una burla a la rigidez de los convencionalismos que ocultaban formas de opresión social y cultural. Las características del punk rock fueron precedidas por el garage rock, recrudeciendo más el sonido fuerte del rock y con composiciones menos profesionales, influenciados por el sonido de la “Invasión Británica”, como The Kinks, The Beatles o The Who, y cogiendo elementos del sonido ruidoso del garage rock de The Stooges o Velvet Underground. También se recogen influencias del frenético Surf rock. Estas variadas influencias se conocen ahora como proto-punk. Dentro de las mismas se puede incluir también entre las influencias tempranas a Bobby Fouler Four autor del sencillo “I Fought the Law”, que fuera versionado por The Clash, y a Moderns Lovers autores de “Rooadrunner” dados sus ritmos acelerados, no tan cercanos al punk rock posterior pero si alejado del rock convencional y típico de la época, con acordes simples pero aún sin distorsión o volumen alto. Origen del término ‘punk’ El término inglés “punk” tiene un significado despectivo que suele variar, aplicándose a objetos (significando “basura”) o a personas (significando “vago”, “despreciable” o, también, “basura” y “escoria”). Se utiliza de forma irónica como descripción del sustrato crítico o descontento que contiene esta música. Al utilizarlo como etiqueta propia, los “punkies” (o “punks”) se desmarcan de la adecuación a los roles y estereotipos sociales. Debido al carácter de este significado, el punk a menudo se ha asociado a actitudes de descuido personal, se ha utilizado como medio de expresión de sentimientos de malestar y odio, y también ha dado cabida a comportamientos neuróticos o autodestructivos. El término punk se utilizó como título de una revista fundada en 1976 en Nueva York por John Holmstrom, Ged Dunn y Legs McNeil que deseaban una revista que hablara de todo lo que les gustaba: las reposiciones por televisión, beber cerveza, el sexo, las hamburguesas con queso, los cómics, las películas de serie B, y el extraño rock n’ roll que sonaba en los garitos más mugrientos de la ciudad: Velvet Underground, Stooges y New York Dolls, entre otros. Source: cuarto rock

Po dic La tad dif e de ura renc s v co ia ota nsi en r a ste tre nt en un es qu a d Ch de e e em ar o oc les be n l a Bu d de raci ko ec ws er m a ki las ocr y u ór aci na de a p ne s. ue-

en rB

EL DISCURSO DEL “BUEN” POLITICO

ero yo no quiero ser emperador. Ese no es mi oficio, sino ayudar a todos si fuera posible. Blancos o negros. Judíos o gentiles. Tenemos que ayudarnos los unos a los otros; los seres humanos somos así. Queremos hacer felices a los demás, no hacernos desgraciados. No queremos odiar ni ayudar

a nadie. En este mundo hay sitio para todos y la buena tierra es rica y puede alimentar a todos los seres. El camino de la vida puede ser libre y hermoso, pero lo hemos perdido. La codicia ha envenenado las armas, ha levantado barreras de odio, nos ha empujado hacia las miserias y las matanzas. Hemos progresado muy deprisa, pero nos hemos encarcelado a nosotros mismos. El maquinismo, que crea abundancia, nos deja en la nece-

sidad. Nuestro conocimiento nos ha hecho cínicos. Nuestra inteligencia, duros y secos. Pensamos demasiado, sentimos muy poco. Más que máquinas necesitamos más humanidad. Más que inteligencia, tener bondad y dulzura. Sin estas cualidades la vida será violenta, se perderá todo. Los aviones y la radio nos hacen sentirnos más cercanos. La verdadera naturaleza de estos inventos exige bondad humana, exige la hermandad

universal que nos una a todos nosotros. Ahora mismo, mi voz llega a millones de seres en todo el mundo, millones de hombres desesperados, mujeres y niños, víctimas de un sistema que hace torturar a los hombres y encarcelar a gentes inocentes. A los que puedan oírme, les digo: no desesperéis. La desdicha que padecemos no es más que la pasajera codicia y la amargura de hombres que temen seguir el camino del progreso humano. El odio pasará y caerán los dictadores, y el poder que se le quitó al pueblo se le reintegrará al pueblo, y, así, mientras el Hombre exista, la libertad no perecerá. Soldados. No os entreguéis a eso que en realidad os desprecian, os esclavizan, reglamentan vuestras vidas y os dicen qué tenéis que hacer, qué decir y qué sentir. Os barren el cerebro, os ce-

ban, os tratan como a ganado y como carne de cañón. No os entreguéis a estos individuos inhumanos, hombres máquina, con cerebros y corazones de máquina.

do todos unidos. Luchemos por un mundo nuevo, digno y noble que garantice a los hombres un trabajo, a la juventud un futuro y a la vejez seguridad.

Vosotros no sois ganados, no sois máquinas, sois Hombres. Lleváis el amor de la Humanidad en vuestros corazones, no el odio. Sólo lo que no aman odian, los que nos aman y los inhumanos.

Pero bajo la promesa de esas cosas, las fieras subieron al poder. Pero mintieron; nunca han cumplido sus promesas ni nunca las cumplirán. Los dictadores son libres sólo ellos, pero esclavizan al pueblo. Luchemos ahora para hacer realidad lo prometido. Todos a luchar para liberar al mundo. Para derribar barreras nacionales, para eliminar la ambición, el odio y la intolerancia.

Soldados. No luchéis por la esclavitud, sino por la libertad. El capítulo 17 de San Lucas se lee: “El Reino de Dios no está en un hombre, ni en un grupo de hombres, sino en todos los hombres...” Vosotros los hombres tenéis el poder. El poder de crear máquinas, el poder de crear felicidad, el poder de hacer esta vida libre y hermosa y convertirla en una maravillosa aventura. En nombre de la democracia, utilicemos ese poder actuan-

Luchemos por el mundo de la razón. Un mundo donde la ciencia, el progreso, nos conduzca a todos a la felicidad. Soldados. En nombre de la democracia, debemos unirnos todos.

(Letra del Discurso del Dictador de Chaplin.) Buen discurso... ¿no? . Pensais que es una chirigota?

LA JUSTICIA ES CIEGA...???

a justicia representada por una mujer, imagen de la Virtud, diosa griega: Dice, Dicea o Dike, o romana: Iustitia, Virgen María en la cultura judeo-cristiana), comprendiendo una balanza, una espada y una venda (tapando los ojos de la mujer). El juicio de Osiris era el acontecimiento más importante y trascendental para el difunto, dentro del conjunto de creencias de la mitología egipcia. En la Duat, el espíritu del fallecido era guiado por el dios Anubis ante el tribunal de Osiris. Anubis extraía mágicamente el Ib (el corazón, que representa la conciencia y moralidad) y lo depositaba sobre uno de los dos platillos de una balanza. El Ib era contrapesado con la pluma de Maat (símbolo de la Verdad y la Justicia Universal), situada en el otro platillo. Mientras, un jurado compuesto por dioses le formulaba preguntas acerca de su conducta pasada, y dependiendo de sus respuestas el corazón disminuía o aumentaba de peso. Thot , actuando como escriba, anotaba los resultados y los entregaba a Osiris. La balanza permaneció, pero la pluma no logro pasar el tiempo. La espada, que aparece en el siglo XII o en el siglo XIV; su origen es militar; es el atributo normal de la función guerrera, el po-

der, el simboliza el castigo. La significación de la venda, cuya aparición es ubicada a finales del siglo XV, es insegura. La justicia, como el amor, ver a Eros tiene los ojos vendados. La interpretación; es no ver la sentencia de nadie, ella señala la no aceptación de las personas en juicio, es la imparcialidad de aquel que juzga, la igualdad. Se podría decir: “Acabando de recibir al Señor procurad cerrar los ojos del cuerpo y abrir los del alma y miraos el corazón.(C. 61-9.)”. Como conclusión decimos; el juzgar, debe entenderse sin perjuicio, a la escucha de la realidad intima de las cosas y de los seres. El uso, a veces, de la justicia a dos caras parece bien confirmar esta interpretación. Simbolizando la esencia contradictoria del derecho y de la justicia, la justicia a las dos caras, que se encuentra en los tratados de derecho alemanes y holandeses de los siglos XVI y XVII, asocia la representación de una

justicia ciega porque ella no hace acepción de personas, y la de una justicia benévola. Los gestos realizados por estos tres elementos y la mujer que le es asociada son variables. La tríada a veces se rompe, reemplazado por parejas banda/espada/ banda/balanza (como Iustitia, la diosa romana) o, es lo más frecuente, balanza-espada (como Themis). La balanza y la espada pueden ser utilizadas aisladamente (pero no la venda, lo que confirma su singularidad, las variaciones pueden ser analizadas como marcadas divergencias, entre los pueblos, En los tiempos modernos, hay nuevos símbolos como la paloma, el olivo, (usado a veces en la Edad Media), manos que saludan, etc.

A los polĂticos: Es bueno formarse de otros polĂticos, pero no retomen ejemplo de sus antecesores colegas, por favor, no hay que ser cicatero

Por Alix - Shopie - Kim - Francis Mi interior me decía que ella no sería capaz de semejante acción, por lo tanto estaría en peligro. Sin pensarlo mucho les indique a los policías hacia dónde ir, yo sabía a donde se dirigirían, al llegar a su vecindad en la patrulla ya eran cerca de cinco patrullas con muchos agente. Sara y Jav Parte III Después del asalto el chico de percato de mi presencia, haciendo una señal de que me callara o la pasaría mal, esto haciendo pasar su navaja por el cuello e insinuando que ella también le pasaría algo malo. En ese instante Sara también noto esas señale hacia mí, donde ella únicamente bajo la cabeza. Salieron rápidamente del centro comercial, fue solo un instante que reacciones, y llego la policía, mi posición de los hechos era muy buena por lo que los policías me interrogaron rápidamente y otros se desplegaban con velocidad en todo el centro comercial. ¿Joven vio quien fue? ¿Hacia dónde se fueron? No pensaba delatarlos, pero… ¿ella? ¿Estaría bien?

Me retuvieron en una patrulla mientras ellos entraban a la vecindad, se escucharon balazos en el interior, salieron los policías con tres arrestados, entre ellos el delincuente que me había amenazado, pregunte por la chica. Dos policías, se acercaron a mí, ¿joven quiere reconocer a la chica de l asalto? Sí, claro, -lo dije sin pensar- quería saber si estaba bien, no importaba que ella fuera cómplice, yo le perdonaría todo y la ayudaría. Me guiaron al interior de vecindad, entramos en una casucha vieja y sucia, en el último de sus cuartos estaba ella, en una viga vieja. Colgaba ella en el techo, el poli dijo ella se quitó la vida. A.lix

FIN

y también a apático. Y así reunieron a su gabinete corrupto. Cuando existen impugnaciones por parte del pueblo, llaman a duda y calumnia para crear desconciertos y distracción para tranquilizar las aguas. Por fin Amistad fue encontrado en casa de antagonismo, que evidentemente lo delato, Amistad era el representante de vulandia ante la unión de lenguas, fue borrado y en su lugar instalaron a hipocresía.

Un grupo de palabras por demás peligrosas, han tomado el poder, y no piensan dejarlo, fue ambición y avaricia los que encabezaron el complot, sus subordinados: engaño y mentira, estos llevaron a todos sus amigos del barrio jerga donde ayudaron a este plan malévolo, lo primero fue eliminar a democracia e inteligencia desapareciéndolos de vulandia.

Amor se ha escondido cerca de las casa de miedo, temor, desesperación, esperando no ser encontrado y poder salvar a vulandia en un futuro, que parece muy lejano.

Ya en el poder existe una cacería de brujas, desterrando a sus posibles enemigos, casi un cuarto de diccionario, la consigna eliminar a sus peores adversarios, estos fueron buscados por todos lados de la A a la Z, siendo estos: Amor y Amistad.

Ahora en Bocavulandia, todos se dice muy felices con Don consumismo y endeudamiento, en economía, claro no conocen otro método de vida, o al menos eso se les hace creer, tanto enajenación y su cófrade represión que hace su trabajo día a día, en convencimiento. Para el esparcimiento del pueblo contrataron a vanidad, fatuo y soberbia.

Para tener control tuvieron que juntar a dos o más palabras, como ejemplo para el control de trabajadores pusieron en el puesto a sindicato y charro, como dirigentes. En la policía pusieron a mezquino y déspota como jefes. En educación a ignorancia – a pesar de su reputación-

Las palabras en el poder espera el control total dentro de poco tiempo, ellos saben que el “amor” puede todo, y esperan en la fulminación final del… amor.

En la elecciones del periodo planearon todo muy bien donde mentira encabezo la anarquía, asesorado por soborno y promesas, - el plan perfecto - obteniendo la mayoría de votos.

Honra:

Manuel Acuña

“Nocturno a Rosario” Pues bien, yo necesito decirte que te adoro, decirte que te quiero con todo el corazón; que es mucho lo que sufro, que es mucho lo que lloro, que ya no puedo tanto, y al grito que te imploro te imploro y te hablo en nombre de mi última ilusión. De noche cuando pongo mis sienes en la almohada, y hacia otro mundo quiero mi espíritu volver, camino mucho, mucho y al fin de la jornada las formas de mi madre se pierden en la nada, y tú de nuevo vuelves en mi alma a aparecer. Comprendo que tus besos jamás han de ser míos; comprendo que en tus ojos no me he de ver jamás; y te amo, y en mis locos y ardientes desvaríos bendigo tus desdenes, adoro tus desvíos, y en vez de amarte menos te quiero mucho más. A veces pienso en darte mi eterna despedida, borrarte en mis recuerdos y huir de esta pasión; mas si es en vano todo y mi alma no te olvida, ¡qué quieres tú que yo haga pedazo de mi vida; qué quieres tú que yo haga con este corazón! Y luego que ya estaba? concluido el santuario, la lámpara encendida tu velo en el altar, el sol de la mañana detrás del campanario, chispeando las antorchas, humeando el incensario, y abierta allá a lo lejos

(1849-1873)

la puerta del hogar... Yo quiero que tú sepas que ya hace muchos días estoy enfermo y pálido de tanto no dormir; que ya se han muerto todas las esperanzas mías; que están mis noches negras, tan negras y sombrías que ya no sé ni dónde se alzaba el porvenir. ¡Que hermoso hubiera sido vivir bajo aquel techo. los dos unidos siempre y amándonos los dos; tú siempre enamorada, yo siempre satisfecho, los dos, un alma sola, los dos, un solo pecho, y en medio de nosotros mi madre como un Díos! ¡Figúrate qué hermosas las horas de la vida! ¡Qué dulce y bello el viaje por una tierra así! Y yo soñaba en eso, mi santa prometida, y al delirar en eso con alma estremecida, pensaba yo en ser bueno por ti, no más por ti. Bien sabe Díos que ése era mi más hermoso sueño, mi afán y mi esperanza, mi dicha y mi placer; ¡bien sabe Díos que en nada cifraba yo mi empeño, sino en amarte mucho en el hogar risueño que me envolvió en sus besos cuando me vio nacer! Esa era mi esperanza... mas ya que a sus fulgores se opone el hondo abismo que existe entre los dos, ¡adiós por la última vez, amor de mis amores; la luz de mis tinieblas, la esencia de mis flores, mi mira de poeta, mi juventud, adiós!

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