Revista pisteyo 6

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Revista Semestral Num 6 Junio 2016

Sugerencias Literarias Citas Personaje...

Salud Artes Visuales Música Cartón Pistis Cine / Tv Política

RP es una revista literaria, editada y amparada por Ediciones Tecnológicas. El objetivo de la revista es hacer en cada número un objeto de interés cultural, y que resulte una experiencia cultivable. Apuntalada con notas, observaciones e Imágenes, aumentando el apego y torneando sus temas. En esta revista incluye trabajos literarios distinguidos por sus valores culturales, e inéditos, así como temas creativos con las más diversas extensiones inverosímiles del ingenio humano.

En su contenido encontraras temas: Literarios, cine, TV, música, Fotografía, pintura, muralismo, arte urbano, arquitectura, dibujo, crítica, opiniones, salud, política, etc.Valiéndonos de cualquier recurso cultural en busca de una sociedad libre y preparada.

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Año 3, No.6, Junio 2016, es una Publicación semestral editada por C.Alfonso Gómez Herrera.

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H

AG

¿Te has preguntado algún día… si la vida es un conjunto de sucesos aleatorios, cuando nos va bien o mal, y les llamamos buen día o mal día? ¿O eres de las personas que piensan que detrás de todos nuestros males existe una mente malévola que intenta destruirnos?

Quizás las dos alternativas sean válidas…

TOP SECRET Silent weapons for quiet wars

Armas silenciosas para guerras tranquilas

Fragmento… (del Doc.)

El siguiente documento, fechado de mayo de 1979, ha sido encontrado el 7 de Julio de 1986 en una fotocopiadora IBM comprada en una subasta de material militar.

Negligencia o fuga intencional, este documento ha estado en posesión de los servicios secretos de la US Navy.

El documento, por seguridad, no figura la firma de la organización de donde proviene. Pero recortes de informaciones y fechas dejan suponer que se trata del Grupo de Bildergerg, un “club de reflexión” que reúne personas extremadamente poderosas de los mundos de las finanzas, de la economía, de la política, de las fuerzas armadas y de los servicios secretos.

Publicado en anexo en el libro “ Behold a pale horse “ de William Cooper, Light Technology Publishing, 1991.

La experiencia ha mostrado que el método más simple para volver eficaz un arma silenciosa es ganar el control del público es de mantener el público ignorante de los principios básicos de los sistemas, por un lado, siempre llevándole a la confusión, desorganización, y distraído con temas sin importancia real por otro lado.

Esto es obtenido con: 1 - descomprometiendo sus mentes y espíritus; saboteando sus actividades mentales; Proveyendo programas educativos de baja calidad en matemáticas, lógica, diseño de sistema y economía, y desmotivando la creatividad 2 - Comprometiendo sus emociones, aumentando su egocentrismo y su gusto por las actividades emocionales y físicas: a) - multiplicando sus confrontaciones y ataques emocionales (violación mental y emocional) por medio de un estanque constante de violencia, de guerra, de sexo en los medios de comunicación social - en particular la TV y los periódicos. b) - dándole lo que ellos desean - en exceso - “junk food” para el espíritu, y privándole de lo que realmente necesitan.

3 - Rescribiendo la historia y la ley, y sometiendo al público a distracciones, de forma a ser capaz de desplazar sus pensamientos sobre sus necesidades personales hacia prioridades externas altamente fabricadas (artificiales).

ICONOGRAFIA

Arquitectura &

Pedro Ramírez Vázquez

“La arquitectura es el arte de levantar y de decorar los edificios construidos por el hombre, cualquiera que sea su destino, de modo que su aspecto contribuya a la salud, a la fuerza y al placer del espíritu” John Ruskin (The Seven Lamps of Architecture, 1849)

25

12 En Portada:

RUBEN DARIO

400

6

Shakespeare y Cervantes

PISTIS CARTON

44

SALUD: ZIKA

45

Cervantes y Shakespeare 400 55 Rúben Darío 100

21

CITAS CELEBRES

56

ESPACIO POLITICO 81 ESPACIO LITERARIO 85

73

49

Noam Chomsky

PISTE YANDO

David Bowie

59

Sergei M Eisenstein

O iotic IMB X s

EN PORTADA

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E

muy conocido ‘Bardo* de Avon’ de William Shakespeare (24 abril 1564 a 23 abril 1616) que nació en Stratford, Inglaterra, fue el más grande escritor de todos los tiempos, de la escritura en inglés. Miguel de Cervantes (29 de septiembre, 1547, alrededor del año, - 23 de abril, 1616) nació en Alcalá de Henares, España, y fue el más grande escritor en español. Su año de nacimiento - 1547 - no es seguro, y algunas fuentes dicen que murió el 22 de abril, pero se ha pasado a la historia como 23 de abril.

L

*Poeta

Miguel de Cervantes y William Shakespeare murieron días de diferencia, hace 400 años, cada uno de ellos un gigante en su idioma y tradición literaria. Probablemente, murieron o fueron enterrados casi dos semanas de diferencia, sobre todo porque la España católica prefiere el calendario gregoriano, que corrió 11 días de retraso de la Inglaterra protestante.

Gran Bretaña rinde homenaje a su más famoso bardo con gran estilo, En España, está celebrando más moderadamente el autor de ‘El Quijote’, una de las obras más conocidas que se han escrito.

Aparte del momento de su muerte, los dos autores tienen poco en común. A diferencia de Shakespeare, que fue un autor muy exitoso y hombre de negocios, Cervantes nunca fue capaz de mantenerse a sí mismo con su escritura.

A pesar de convertirse en un éxito inmediato, ‘El Quijote’ no hizo el novelista rico: Cervantes vendió los derechos por una suma desconocida a su editor.

“Miguel de Cervantes no cumplía con éxito en el teatro, pero después de la publicación de Don Quijote en 1605 se alcanzó la fama internacional, mucho más allá de Madrid y España. Aproximadamente una década después de la primera edición, que ya había sido publicado por lo menos seis veces en toda la Península Ibérica, y luego en Bruselas, Italia, Londres y París, “dice impresora José Francisco Castro.

Las aventuras de Don Quijote de la Mancha y su escudero Sancho Panza se han traducido y adaptado muchas veces.

“Esta novela de gran importancia radica en el hecho de que representa los tres principios fundamentales de la Ilustración, los tres grandes principios que rigen la humanidad: la igualdad, la fraternidad y la libertad”.

W

illiam Shakespeare, Bautizado en Stratford-upon-Avon, un pueblecito del condado de Warwick que no sobrepasaba los dos mil habitantes, orgullosos todos ellos de su iglesia, su escuela y su puente sobre el río.

Uno de éstos era John Shakespeare, comerciante en lana, carnicero y arrendatario que llegó a ser concejal, tesorero y alcalde. De su unión con Mary Arden, señorita de distinguida familia, nacieron cinco hijos, el tercero de los cuales recibió el nombre de William.

No se tiene constancia del día de su nacimiento, pero tradicionalmente su cumpleaños se festeja el 23 de abril, tal vez para encontrar algún designio o fatalidad en la fecha, ya que la muerte le llegó, cincuenta y dos años más tarde, en ese mismo día.

El padre de Shakespeare, que se encontraba en la cumbre de su prosperidad cuando nació William, cayó poco después en desgracia.

Cuando contaba con trece años de edad, la fortuna de su padre se esfumó y el joven hubo de ser colocado como dependiente de carnicería, debiendo dejar las aulas. Se lo describe también deambulando indolente por las riberas del Avon, emborronando versos, entregado al estudio de nimiedades botánicas o rivalizando con los más duros bebedores y sesteando después al pie de las arboledas de Arden.

El 28 de noviembre de 1582, cuando tenía 18 años de edad, Shakespeare contrajo matrimonio con Anne Hathaway, de 26, originaria de Temple Grafton, localidad próxima a Stratford. Al parecer que había prisa en concertar la boda, tal vez porque Anne estaba embarazada de tres meses.

Tras su matrimonio, apenas hay marcas de William Shakespeare en los registros históricos, hasta que hace su aparición en la escena teatral londinense.

El 26 de mayo de 1583, la hija primogénita de la pareja, Susanna, fue bautizada en Stratford. Un hijo, Hamnet, y otra hija, Judith, nacidos mellizos, fueron asimismo bautizados poco después, el 2 de febrero de 1585; Hamnet murió a los once años, y solamente llegaron a la edad adulta sus hijas. A juzgar por el testamento del dramaturgo, que se muestra algo desdeñoso con Anne Hathaway, el matrimonio no estaba bien avenido.

Seguía escribiendo versos, asistía hipnotizado a las representaciones que las compañías de cómicos de la legua ofrecían en la Sala de Gremios de Stratford y no se perdía las mascaradas, fuegos artificiales, cabalgatas y funciones teatrales con que se celebraban las visitas de la reina al castillo de Kenilworth, morada de uno de sus favoritos.

Hacia 1592 Shakespeare se encontraba ya en Londres trabajando como dramaturgo, y era lo suficientemente conocido. Pronto se convertiría en actor, escritor, y, finalmente, copropietario de la compañía teatral conocida como Lord Chamberlain’s Men, que recibía su nombre, al igual que otras de la época, de su aristocrático mecenas, el lord chambelán (Lord Chamberlain). La compañía alcanzaría tal popularidad que, tras la muerte de Isabel I y la subida al trono de Jacobo I Stuart, el nuevo monarca la tomaría bajo su protección, pasando a denominarse los King’s Men (Hombres del rey).

Paralelamente a su éxito teatral, mejoró su economía. Llegó a ser uno de los accionistas de su teatro, pudo ayudar económicamente a su padre e incluso en 1596 le compró un título nobiliario, cuyo escudo aparece en el monumento al poeta construido poco después de su muerte en la iglesia de Stratford.

Shakespeare se retiró a su pueblo natal en 1611, a fines de siglo ya era bastante rico y compró o hizo edificar una casa en Stratford, que llamó New-Place.

William Shakespeare falleció el 23 de abril de 1616 a la edad de cincuenta y dos años. Los restos de Shakespeare fueron sepultados en el presbiterio de la iglesia de la Santísima Trinidad (Holy Trinity Church) de Stratford.

M

iguel de Cervantes Saavedra: Es considerado la máxima figura de la literatura española.

Es universalmente conocido, sobre todo por haber escrito El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, que muchos críticos han descrito como la primera novela moderna y una de las mejores obras de la literatura universal. Se le ha dado el sobrenombre de Príncipe de los Ingenios.

Miguel de Cervantes nació en Alcalá de Henares en 1547. Fue el cuarto de los siete hijos de un modesto cirujano, Rodrigo de Cervantes, y de Leonor Cortinas.

A los dieciocho años tuvo que huir a Italia porque había herido a un hombre; allí entró al servicio del cardenal Acquaviva. Poco después se alistó como soldado y participó heroicamente en la batalla de Lepanto, en 1571; donde fue herido en el pecho y en la mano izquierda, que le quedó anquilosada. Cervantes siempre se mostró orgulloso de haber participado en la batalla de Lepanto.

Continuó unos años como soldado y, en 1575, cuando regresaba a la península junto a su hermano Rodrigo, fueron apresados y llevados cautivos a Argel. Cinco años estuvo prisionero, hasta que en 1580 pudo ser liberado gracias al rescate que aportó su familia y los padres trinitarios.

Durante su cautiverio, Cervantes intentó fugarse varias veces, pero nunca lo logró. Cuando en 1580 volvió a la Península tres doce años

de ausencia, intentó varios trabajos y solicitó un empleo en <<las Indias>>, que no le fue concedido, Fue una etapa dura para Cervantes, que empezaba a escribir en aquellos años.

En 1584 se casó y, entre 1587 y 1600, residió en Sevilla ejerciendo un ingrato y humilde oficio –comisario de abastecimientos-, que le obligaba a recorrer Andalucía requisando alimentos para las expediciones que preparaba Felipe II. La estancia en Sevilla parece ser fundamental en la biografía cervantina, pues tanto los viajes como la cárcel le permitieron conocer todo tipo de gentes que aparecerán como personajes en su obra.

Cervantes se trasladó a Valladolid en 1604, en busca de mecenas en el entorno de la corte, pues tenía dificultades económicas. Cuando en 1605 publicó la primera parte del Quijote, alcanzó un gran éxito, lo que le permitió publicar en pocos años lo que había ido escribiendo.

Sin embargo, a pesar del éxito del Quijote, Cervantes siempre vivió con estrecheces, buscando la protección de algún mecenas entre los nobles, lo que consiguió sólo parcialmente del conde de Lemos, a quien dedicó su última obra, Los trabajos de Persiles y Segismunda.

Obras de Miguel de Cervantes Saavedra Novela.

El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha La Galatea Novelas ejemplares •La Gitanilla •El amante liberal •Riconete y Cortadillo •La española inglesa •Licenciado Vidriera •La fuerza de la la sangre •El celoso extremeño •La ilustre fregona •Novela de las Dos Doncellas •Novela de la Señora Cornelia •Novela del Casamiento Engañoso •La de los perros Cipón y Berganza Viaje al Parnaso Los trabajos de Persiles y Segismunda Teatro Tragedia de Numancia Trato de Argel Ocho comedias y ocho entremeses Comedias El gallardo español Los baños de Argel La gran sultana doña Catalina de Oviedo La casa de los celos El laberinto de amor La entretenida El rufián dichoso Pedro de Urdemales

Entremeses El juez de los divorcios El rufián viudo llamado Trampagos La elección de los alcaldes de Daganzo La guarda cuidadosa El vizcaíno fingido El retablo de las maravillas La cueva de Salamanca El viejo celoso Poesía Índice de primeros versos de todas las poesías Índice de primeros versos de poesías sueltas Al túmulo del rey Felipe II en Sevilla A la entrada del duque Medina en Cádi CITAS.

Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616) 1.“El amor nunca hizo ningún cobarde”.

2.“Donde hay mucho amor, no suele haber demasiada des envoltura”.

3.“Amor y deseo son dos cosas diferentes, que no todo lo que se ama se desea, ni todo lo que se desea se ama”.

4.“Cuando sueñas solo es sólo un sueño. Cuando sueñas juntos es el principio de la realidad”.

5.“Parte de la naturaleza de las mujeres a despreciar a los que las aman y aman a los que las odian”.

William Shakespeare (1564-1616) 1.“Conservar algo que me ayude a recordarte sería admitir que te puedo olvidar”.

2.“El amor, como ciego que es, impide a los amantes ver las divertidas tonterías que cometen”.

3.“Si no recuerdas la más ligera locura en la que el amor te hizo caer, no has amado”.

4.“Si profano con mi indigna mano este sagrado sacramento, pecado de amor será”.

5.“El que no se ama a sí mismo no puede amar a nadie”.

Obras de William Shakespeare

Henry VI (Enrique VI) (1590-1591) TRES PARTES Richard III (Ricardo III) (1591) (también considerada tragedia) Richard II (Ricardo II) (1595)

TEATRO COMEDIAS Primeras obras The Comedy of Mucedorus (Mucedorus) (1590) (COLABORACIÓN en 1610) The Two Gentlemen Of Verona (Los dos caballeros de Verona) (1592) The Comedy of errors (La comedia de las equivocaciones) (1593) The Taming Of The Shrew (La fierecilla domada) (1594) Love´s Labour´s Lost (Trabajos de amor perdidos) (1595) A Midsummer Night´s Dream (Sueño de una noche de verano) (1595).

Grandes comedias The Merchant of Venice (El mercader de Venecia) (1597) (también considerada comedia de conflicto) Much Ado About Nothing (Mucho ruido y pocas nueces) (1599) As You Like It (Como gustéis) (1599) The Merry Wives Of Windsor (Las alegres comadres de Windsor) (1599) Twelfth Night, or What You Will (Noche de Reyes) (1601) Comedias de conflicto (o comedias/obras problemáticas) All´s Well That Ends Well (Bien está lo que bien acaba) (1602) Measure for Measure (Medida por medida) (1604) Tragicomedias románticas (o comedias tardías o romances) Pericles (1608) Cymbeline (Cimbelino) (1610) The Winter´s Tale (El cuento de invierno) (1611) (también considerada comedia de conflicto) The Tempest (La tempestad) (1611) The History of Cardenio (Historia de Cardenio) (1613) The Two Noble Kinsmen (Los dos parientes nobles) (1613) DRAMAS HISTÓRICOS

The Life And Death Of King John (El rey Juan) (1596) The Reign of King Edward the Third (Eduardo III) (1596) Henry IV (Enrique IV) (1597-1598) DOS PARTES Henry V (Enrique V) (1599) Henry VIII (Enrique VIII) (1613) (también considerada tragicomedia romántica) TRAGEDIAS The Spanish Tragedy (La tragedia española) (1587) (COLABORACIÓN en 1602) Arden of Faversham (Arden de Faversham) (1592) (COLABORACIÓN) Sir Thomas More (Tomás Moro) (1592) Titus Andronicus (Tito Andrónico) (1594) Romeo and Juliet (Romeo y Julieta) (1595) Julius Caesar (Julio César) (1599) Hamlet (1601) Troilus and Cressida (Troilo y Crésida) (1602) (también considerada comedia de conflicto) Othello (Otelo) (1604) King Lear (El rey Lear) (1605) Macbeth (1605)

Antony and Cleopatra (Antonio y Cleopatra) (1606) Timon of Athens (Timón de Atenas) (1607) (también considerada comedia de conflicto) Coriolanus (Coriolano) (1608)

POESÍA Phaeton (Faetón) (1591) (ATRIBUIDA) Venus and Adonis (Venus y Adonis) (1593) The Rape of Lucrece (La violación de Lucrecia) (1594) Sonnets (Sonetos) (1597) A Lover’s Complaint (Querellas de una amante) (1597) The Passionate Pilgrim (El peregrino apasionado) (1599) To The Queen (A la reina) (1599) The Phoenix and The Turtle (El fénix y la tórtola) (1601) A Funeral Elegy for Master William Peter (Elegía fúnebre) (1612) Epitaph (Epitafio) (1616) The Last Will and Testament of William Shakespeare (Testamento) (1616)

Desideré

Rubén Darío es considerado como el autor que lideró el desarrollo del Modernismo en lengua castellana, tanto en España como en Hispanoamérica, movimiento que, según el propio nicaragüense “... no es otra cosa que el verso y la prosa castellanos pasados por el fino tamiz del buen verso y de la buena prosa francesas”.

La obra de Rubén Darío apareció publicada primeramente en diferentes periódicos y después se recopiló en libros.

Se trataba de poemas o de ensayos en prosa, estos últimos referidos a asuntos de actualidad o sus impresiones acerca de lugares.

F

élix Rubén García Sarmiento, conocido como Rubén Darío, nació el 18 de enero de 1867 en Metapa, Nicaragua. Sus padres fueron Manuel García y Rosa Sarmiento Alemán.

En 1879 publicó ya sus primeros poemas en el diario El termómetro. En 1881 escribió artículos para el periódico político La Verdad. En 1882 optó por una beca para estudiar en Europa, para o que leyó en Managua su poema El libro ante el presidente conservador Joaquín Zavala, pero el liberalismo que revelaba el poema le impedirían conseguir la beca.

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Sin embargo, viajó a El Salvador, donde conoció a Francisco Gavidia, el poeta más destacado de ese país, que influyó notablemente en el determinante sentido de la métrica y la rima en Darío.

En 1883 regresó a Nicaragua y escribió Alegorías.

Entre 1884 a 1888 Rubén Darío trabajó en la secretaria privada de la presidencia; en la Biblioteca Nacional. Colaboró en el Diario de Nicaragua, El Ferrocarril y en El Porvenir de Nicaragua. Escribió poemas y cuentos varios. Junto con Pedro Ortiz y Eugenio López dirigió la nueva publicación de Managua: El Imparcial, viajó a Chile. Publicó en el Mercurio La erupción de Momotombo. Escribió con Eduardo Poirier la novela Emelina y trabajo en la redacción de la Época.

Peor fue en 1888 en que con la publicación de Azul… dio un giro radical de renovación de la literatura en lengua española. A partir de este momento Darío se convirtió en el más conocido, imitado, amado y criticado de los escritores de habla castellana de fines del siglo XIX. Sus viajes a Chile, a España, a la Argentina, a Cuba le dieron un sabor cosmopolita y Rubén Darío se transformó en el centro de gravitación del modernismo hispanoamericano.

En 1889 regresó a Nicaragua y viajó de nuevo a El Salvador. En 1890 contrajo matrimonio civil con Rafaela Contreras en San Salvador.

Y salió una segunda edición de Azul… que incluía prólogo de Juan Valera y nuevos poemas.

En 1891 nació su primer hijo Rubén Darío Contreras. Viajó a Guatemala y a España como enviado de gobierno de Nicaragua a la celebración del 4.º Centenario del Descubrimiento de América, en 1892, donde fue recibido con entusiasmo por las personalidades más relevantes de la vida cultural y política de la España de ese entonces: Marcelino Menéndez y Pelayo, Emilia Pardo Bazán, Emilio Castelar, Gaspar Nuñez de Arce, Salvador Rueda y Juan Valera, entre otros.

En 1903 recibió el nombramiento de cónsul de Nicaragua en París y nació Rubén Darío Sánchez.

En 1904 viajó por Andalucía, Marruecos, Alemania, Austria-Hungría e Italia. Al año siguiente salió publicado Cantos de vida y esperanza y murió su hijo de bronconeumonía.

A propósito de la Conferencia Panamericana, viajo a Río de Janeiro, y a Buenos Aires. De regreso en París, se trasladó a Mallorca, acompañado de Francisca.

Al año siguiente murió su esposa Rafaela Contreras en San Salvador y contrajo matrimonio con Rosario Murillo, un matrimonio desafortunado víctima de un complot del que nunca conseguiría desligarse.

Viajó a Nicaragua, donde se lo recibió con honores. Recibe el nombramiento de ministro residente en España, de parte del gobierno de Zelaya. Fracasaron los trámites de divorcio con Rosario Murillo.

Viajó por Panamá, Buenos Aires, Nueva York, donde conoció a José Martí, y París, donde conoció a Verlaine.

En 1910 salió Poema del otoño y otros poemas, y viajó a México.

Publicó la Revista de América, y en 1896 Los raros y Prosas profanas.

En 1898 viajó a España como corresponsal del periódico argentino La Nación, para escribir sobre las impresiones del pueblo español a propósito de la guerra entre España y EE. UU. Conoció en Madrid a Francisca Sánchez, mujer de origen campesino, analfabeta, con la que haría vida en común.

En 1900 asistió como enviado de La Nación, a la Exposición Universal de París.

Dirigió la revista Mundial, y para promoverla viajó por España. Portugal, Brasil, Uruguay y Argentina.

En 1913 pasa una estancia en Valldemosa, Mallorca y pasó por Barcelona.

En 1914 llegó a Nueva York, donde, pese a que fue invitado a la Universidad de Columbia, su situación económica y su salud empeoraron notablemente.

Murió el 6 de febrero de 1916 en León, Nicaragua.

Sonatina

La princesa está triste..

Qué tendrá la princesa La princesa está triste... ¿Qué tendrá la princesa?

Los suspiros se escapan de su boca de fresa, que ha perdido la risa, que ha perdido el color.

La princesa está pálida en su silla de oro, está mudo el teclado de su clave sonoro, y en un vaso, olvidada, se desmaya una flor.

El jardín puebla el triunfo de los pavos reales.

Parlanchina, la dueña dice cosas banales, y vestido de rojo piruetea el bufón.

La princesa no ríe, la princesa no siente; la princesa persigue por el cielo de Oriente la libélula vaga de una vaga ilusión.

el palacio soberbio que vigilan los guardas, que custodian cien negros con sus cien alabardas, un lebrel que no duerme y un dragón colosal. ¡Oh, quién fuera hipsipila que dejó la crisálida!

(La princesa está triste. La princesa está pálida.) ¡Oh visión adorada de oro, rosa y marfil! ¡Quién volara a la tierra donde un príncipe existe, (La princesa está pálida. La princesa está triste.)

Más brillante que el alba, más hermoso que abril!

-«Calla, calla, princesa -dice el hada madrina-; en caballo, con alas, hacia acá se encamina, en el cinto la espada y en la mano el azor, el feliz caballero que te adora sin verte, y que llega de lejos, vencedor de la Muerte, a encenderte los labios con un beso de amor».

¡Ay!, la pobre princesa de la boca de rosa quiere ser golondrina, quiere ser mariposa, tener alas ligeras, bajo el cielo volar; ir al sol por la escala luminosa de un rayo, saludar a los lirios con los versos de mayo o perderse en el viento sobre el trueno del mar.

Ya no quiere el palacio, ni la rueca de plata, ni el halcón encantado, ni el bufón escarlata, ni los cisnes unánimes en el lago de azur.

Y están tristes las flores por la flor de la corte, los jazmines de Oriente, los nelumbos del Norte, de Occidente las dalias y las rosas del Sur. ¡Pobrecita princesa de los ojos azules!

Está presa en sus oros, está presa en sus tules, en la jaula de mármol del palacio real;

El poema está compuesto por ocho estrofas, cada estrofa compuesta por seis versos, es total, 48 versos.

Los versos de este poema son alejandrinos.

¿Piensa, acaso, en el príncipe de Golconda o de China, o en el que ha detenido su carroza argentina para ver de sus ojos la dulzura de luz? ¿O en el rey de las islas de las rosas fragantes, o en el que es soberano de los claros diamantes, o en el dueño orgulloso de las perlas de Ormuz?

Entre los primeros libros que leyó Rubén Darío se encontraron las obras de Moratín, Las mil y una noches, la Biblia, los Oficios de Cicerón y El Quijote.

AZU L Prim ... era gran lleva ganc a las pu obra de e i R Se p a estétic rtas del ubén D a na é ublic a x (Chi a po rrada ito liter río que le) e n 18 r vez p en verso ario, la e le rime 88. s ra e y prosa leEnse n g Valp s. realm uida tra araís s o de el ente triu pasa las f ogio r s, se nfa, ant onteras rá en ,p e ¿Por Espa una ren ero don de dida ña. qué la fra este c r í t ica t s azul e hugue ítulo Azu s ca “ era p l ... ? N L del a a rte, u r mí el c ’Art c’est o cono c oceá l nico n color h olor del ’azur”... ía aún “ e ese c elén nsue y fir más ic o prim lor célic mament o y hom ño, el co el a lo o aver a art la flora l... ... C érico, co r o ístic l c o n ión e r c a...

(Rub spiri entré e én D n t u al de 1913 arío, mi ).

La N ació n, B Es, s ueno obre s Ai barg t o res, o, lo do, un s ver han l i b r o s s ción ido cons os, inclu de cuen idera tos; idos mod s blar de u ernista; dos el in en el ap in emna o quiz i deci é c ndic io d b á mon ónic ra de tra sea más e la revo e, ns a a la lu p mod ición de reciso h ernis la lit a eratu ta. ra

es, posicion m o c 3 3 mayor 6, con a y con , en 189 t s e is r i n r A n e d s Bueno poetas e más mo fanas s n o e o r lo r z p b e e s li d v a l s r a Pro imer inci. Es e o líde o por pr dición de 1901 río com e aparecen los pr ña d a a D c li a b u á e r P ra qu la pa e 54 en e consag as en los iglo XVIII, la Es liconsta d nternacional qu ilación de poem s e l ancia de o de ambientes d op ai r i c F c e r n a e a d u a n fl n u i in refi . Es pend Quijo astellana piran al poeta: la este com entre ellos Don n E . s o lengua c s ... s g as que in mitológicos grie onajes literarios, exquisitos, cisne m e t s le pa as ers ines lógicas, p l y los tem ca. s de jard medieva cen figuras mito ientes hedonista uerte carga eróti b sf are cellas, am s poemas de má cados ap n o d y s o u s er te, caball incluye también n e El volum

Cantos de vida y esperanza Publicado en 1905, en Madrid. Viviendo Rubén Darío en España, y en un ambiente antiamericano, escribe poemas con una gran carga de crítica hacia Estados Unidos, poemas en los que reivindica la fraternidad entre los pueblos hispanos como respuesta a la influencia anglosajona. En ello se enmarca el asunto de la raza, del mestizaje hispánico en América. Trata asuntos existenciales, como la juventud perdida, los desengaños amorosos y las angustias de la lucha por la vida. Se trata de un libro mucho menos asociado al modernismo que le hizo famoso, en él se hayan menos frecuentes los asuntos exóticos y hedonistas de los que escribe en Buenos Aires, antes de su asentamiento en Europa. También pudo verse influido por su contacto con el ambiente regeneracionista que se encontró en su estancia en Madrid.

s en el peo d a c li b u s que p a su s artículo el poeta encontró oránea p lo e m n te ú n e o r que 1901, stados España C adrid, en l ambiente rrota frente a los E Un e M d n s e e o n d io a paz. la de scripc Public ación, de ciones de teriores a s N ia o c a p o L s g e e o s n e ic riód los m de las España en umillante proceso a a d a g e te. ll rante el h rica muy interesan u d y s o Unid histó scripción e d e d o r lib

Historia de mis libros Publicado, ya fallecido Rubén, en Madrid en 1916, a instancias de su amante Francisca, es una recopilación de los numerosos artículos de prensa en los que el poeta se refiere a la elaboración de sus propios textos. Resulta un curioso libro que facilita la comprensión del proceso creativo del autor

el a por o c i l b pú tig obra dir el cas e d s elu día ocho enió para a o d ing ena cond tual se las e u f arío elec én D go, el int b u R r ba 84, de 18 ia. Sin em des. o ñ a c En el de vagan autorida as delito sto por l e impu

OBRAS. Darío, Rubén, A la Unión Centroamericana, Tipografía de J. Hernández, León, 1883.

Epístolas y poemas, Tipografía Nacional, Managua, 1885 y 1888.

Abrojos, Santiago de Chile, [s. n.], 1887.

Azul..., Valparaíso, Imprenta y Litografía Excelsior, 1888.

A. de Gilbert, Imprenta Nacional, San Salvador, 1889.

Los raros, Buenos Aires, Tipografía «La Vasconia», 1896.

Prosas profanas y otros poemas, Buenos Aires, Imprenta Coni, 1896.

Castelar, Madrid, B. Rodríguez Serra, [s. a.] [1899].

España contemporánea, Garnier Hermanos, París, 1901.

Peregrinaciones, prólogo de Justo Sierra, París, Librería de la Viuda de Ch. Bouret, 1901.

Poemas de juventud, Madrid: [G. Hernández y Galo Sáez], [s. a.] [1901].

La caravana pasa, Garnier Hermanos, París, 1902.

Tierras solares, Madrid, Leonardo Williams, editor, 1904.

Cantos de vida y esperanza. Los cisnes y otros poemas, Madrid, Tipografía de la Revista de Archivos, Bibliotecas y Museos, 1905.

Oda a Mitre, Imprimerie A. Eymeaud, París, 1906.

Opiniones, Madrid, Fernando Fe, 1906.

El canto errante, Madrid, M. Pérez Villavicencio, 1907.

Parisiana, Madrid, Fernando Fe, 1907.

El viaje a Nicaragua, Madrid, Biblioteca «Ateneo», 1909.

Alfonso XIII, Madrid, Biblioteca «Ateneo», 1909.

Poema del otoño y otros poemas, Madrid, Biblioteca «Ateneo», 1910.

Letras, París, Garnier Hermanos, 1911.

Todo al vuelo, Madrid, Renacimiento, 1912.

Canto a la Argentina y otros poemas, Madrid, Biblioteca Corona, 1914.

La vida de Rubén Darío escrita por él mismo, Barcelona, Maucci, 1915.

Y una sed de ilusiones infinita, Madrid, Biblioteca Corona, 1916.

El hombre de oro (novela inédita), prólogo de Alberto Ghiraldo, [Santiago de Chile], Zig-zag, [19-].

El poeta Joaquín Méndez lo presentó ante el presidente de la República de El Salvador, Rafael Zaldívar, quien lo acogió bajo su protección. Poco tiempo después, también llegó a tener contacto con el poeta originario de El Salvador, Francisco Gavidia, con quien comenzó a desarrollar el estilo que permanecería durante toda su obra.

El hijo que tuvo con Rosario Murillo perdió la vida al mes y medio de nacido, después de haber contraído tétanos porque su abuela le cortó el cordón umbilical sin haber desinfectado las tijeras.

Rubén tuvo otra hija con Francesca Sánchez del Pozo, niña que también perdería la vida por viruela, sin que Darío, quien se encontraba de viaje al momento del parto, llegara a conocerla.

Alfonsina Storni. Palabras a Rubén Dario Bajo sus lomos rojos, en la oscura caoba, Tus libros duermen. Sigo los últimos autores: Otras formas me atraen, otros nuevos colores Y a tus fiestas paganas la corriente me roba.

Gozo de estilos fieros –anchos dientes de loba.

De otros sobrios, prolijos –cipreses veladores.

De otros blancos y finos –columnas bajo flores.

De otros ácidos y ocres –tempestades de alcoba.

Ya te había olvidado y al azar te retomo, Y a los primeros versos se levanta del tomo Tu fresco y fino aliento de mieles olorosas.

Amante al que se vuelve como la vez primera: Eres la boca dulce que allá, en la primavera, Nos licuara en las venas todo un bosque de rosas.

Por @gh

E

l cociente intelectual, también denominado coeficiente intelectual o CI en forma abreviada (en alemán Intelligenz-Quotient, IQ), es una puntuación, resultado de alguno de los test estandarizados diseñados para valorar la inteligencia.

El psicólogo alemán William Stern formuló la definición básica del CI en 1912 cuando definió el coeficiente intelectual como la relación entre una “”edad mental”” y una “”edad cronológica actual”” estimadas:

Durante las pruebas se utilizan tareas, divididas según la edad de los individuos que, en promedio, pueden completarlas.

Entonces la edad mental se determina en base a las tareas más complicadas que un individuo a prueba es capaz de realizar correctamente.

Un CI de entre 90 y 110 se considera promedio.

William Stern - fundador de la psicología personalista

Sin embargo, la ecuación de Stern sólo es adecuada para niños; para los adultos, se utiliza un cociente derivado, conocido como un CI de desviación, se utiliza para comparar el nivel de las capacidades mentales de un individuo con el nivel medio de una población.

Aproximadamente el 50% de la población posee un valor de CI medio (es decir, 90–110). A penas el 13% de la población se encuentra dentro de la escala de 110 y 139, y 1,5% de los habitantes del planeta puntúan a nivel de genio Una inteligencia baja se define con puntuaciones en el rango de 80 y 89. Las puntuaciones debajo de los 70 designan, en orden descendente, morones, idiocia e imbecilidad.

Se puede enseñar y entrenar a una persona con dificultad para aprender o ignorante; se puede entrenar a los idiotas, pero no se puede ni enseñar ni entrenar a los imbéciles. Sin embargo, el hecho de que posea cierto nivel de inteligencia no necesariamente juega un papel fundamental en su vida. Los obreros, por ejemplo, pueden tener un CI de más de 125.

- IQ promedio es de 100.

- 68% de la población mundial, tiene un IQ entre 85 y 115.

- 95% de la población mundial, tiene un IQ entre 70 y 130 - 50 de cada 130 tiene un alto coeficiente intelectual.

- 134 de cada 100 personas tiene un alto coeficiente intelectual.

- De 250- 140 es un alto coeficiente intelectual.

- IQ superior a 140 = Muy Superior o genio que sólo el 4% de la población - IQ de 130-139 = Superior, sólo el 2,5% de la población total - IQ de 120-130 = Dotados con sólo el 8% de la población - IQ de 110-119 = Alta Media - IQ 90-110 = Promedio de 50% de la población total - IQ 80-89 = Baja Media - IQ 70-79 = ESPECIAL / rango normal por debajo IQ requisito mínimo en algunas organizaciones internacionales, cuando el reclutamiento: Los gestores profesionales: 114 los gerentes de nivel superior: 108 Los mandos intermedios: 108 Director de ventas: 106 Empleados: 104 Servicios de Protección 103 Artistas / artesanos: 99 El volumen de personal bajos: 96 Distribución de la inteligencia, las personas con un IQ entre 90 y 110 normal y una inteligencia promedio, que es menor que, respectivamente, al menos inteligentes o hacia atrás, y más de 110 de alta inteligencia, genio superior o leer. Afortunadamente, la mayoría de la sociedad no tiene que competir con gran piscina comunitaria del genio o la estupidez no se les apliquen.

William Stern (1871-1938) Psicólogo ________________________________________

Educación •Universidad de Berlín, Ph.D. en Psicología (1893) •Universidad de Breslau, profesor (1897-1916) •Universidad de Hamburgo, profesor de Psicología (1916-1933) •Universidad de Hamburgo, director del Instituto de Psicología (1916-1933) •La Universidad de Duke, profesor y catedrático (1933-1938) Mayor Contribución •El cociente de inteligencia Publicaciónes

W

illiam Stern, psicólogo alemán, nacido en 1871, en la ciudad de Berlín (Alemania) y fallecido en 1938.

•Los métodos psicológicos de las pruebas de inteligencia (1912) •Psicología general desde la perspectiva personalista (1938) Hamburgo, permaneciendo en esta posición hasta 1933, como director del Instituto Psicológico.

Fue fundador, junto a Binete Galto, de la psicología diferencial. Creó, en la Universidad de Hamburgo, un laboratorio de psicología donde desarrolló varias encuestas, usando el método experimental.

Las ideas y los intereses.

Es Stern quien crea el término de Cociente de Inteligencia (CI) para designar la relación entre edad mental y edad cronológica.

Él trató de clasificar a las personas según los tipos, normas y aberraciones. Para Stern, que estaba en el proceso de investigación de la individualidad que la verdadera esencia de la personalidad y la inteligencia podría ser descubierto.

Además de la psicología diferencial desarrolló estudios en las áreas de la psicología judicial y genética.

Siendo psicólogo y filósofo, fue señalado como uno de los pioneros de la psicología de la personalidad e inteligencia, considerado un líder de la juventud de su tiempo y una de las mayores autoridades en psicología diferencia.

En 1916 fue nombrado profesor de psicología en la Universidad de

William Stern decidió que “la psicología personalista” o individualidad estaba destinado a ser el problema psicológico del siglo XX.

Stern, fue influenciado por el trabajo de Binet y sus estudios sobre la inteligencia en los niños. Como resultado, Stern se examinaron las conclusiones principales en el campo y desarrolló la idea de expresar los resultados de las pruebas de inteligencia en forma de un solo número, el cociente de inteligencia.

definición general de Stern de la inteligencia era “una capacidad general de un individuo consciente para ajustar su pensamiento a las nuevas exigencias, ... una adaptabilidad mental general a los nuevos problemas y las condiciones de la vida.”

Dos personas podrían adaptarse a una nueva situación con diferentes enfoques, pero si fueran el mismo éxito que demostraron “equivalencia teleológica.

Parecía resultados de las pruebas individuales como particulares “edades mentales” que luego podrían ser comparados a “edad cronológica” reales para determinar el grado de avance.

Tomó la edad mental y lo dividió por la edad cronológica, y llamó a esta relación el cociente de inteligencia.

Fuente : Universidad de Indiana

Ejemplos notables de la inteligencia racional: Abraham Lincoln = 128 Adolf Hitler = 141 Al Gore = 134 Albert Einstein = 160 Arnold Schwarzenegger = 135 Benjamin Franklin = 160 Bill Clinton = 137 Bill Gates = 160 El jugador de ajedrez Bobby Fischer = 187 Napoleón Bonaparte = 145 Charles Darwin naturalista = 165 Charles Dickens = 180 Garry Kasparov = 190 George W. Bush = 125 George Washington = 118 Hillary Clinton = 140 Hugo Grocio escritor = 200 Emanuel Kant Filósofo = 175 James Cook Explorador = 160 James Watt = 165 Jodie Foster = 132 Kim Ung-Yong = 200 Leonardo da Vinci = 220 Madonna = 140

La IQ y…

1. La inteligencia emocional, emocional EQ / cociente emocional Conscientes de sus sentimientos, comprender la sensibilidad a capacitar a otros. El término inteligencia emocional en 1990 por John Mayer para la expresión de la comprensión, la compasión y la comprensión de los demás con pasión relación emocional se utiliza para mejorar la vida.

2. IQ espiritual / MQ moral / cociente Moral Este tipo de inteligencia está relacionada con la percepción de la vida social y laboral.

Frente a la inteligencia moral, la honestidad, la responsabilidad, la tolerancia, la honestidad, el compromiso y mantener, requieren energía, entusiasmo y esfuerzo.

3. El BQ inteligencia / cociente cuerpo físico En gran medida de decidir las políticas de reacciones, sentimientos, pensamientos, la confianza y la capacidad de recuperación de los individuos.

Una nutrición adecuada, ejercicio regular y el descanso adecuado son los principales factores que aumentan y mantienen este tipo de inteligencia, además de tratar de convertirse en un público que está dispuesto a responder a cualquier evento inusual.

Asimismo.

HQ (Health Intelligence Quotient) DQ (Daring Intelligence Quotient) AQ (Adversity Intelligence Quotient) FQ (Financial Intelligence Quotient) WQ (Will Intelligence Quotient) SQ (Spiritual Intelligence Quotient) PQ: Practical Intelligence Quotient (PSP)

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Cada civilizaci贸n ha determinado una caracter铆stica especial en el arte de sus construcciones.

- ARQUITECTURA:

elemento no convencional.

En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con un programa y empleando los medios diversos de que se dispone en cada época; así podemos definirla como el arte de proyectar y construir estructuras.

La misma tiene un sólido fundamento científico y obedece a una técnica compleja, por esta razón se dice que sólo es arte cuando la construcción es expresiva de la voluntad espiritual de una época y esa expresión arquitectónica es el resultado de todos los elementos constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones que se entablan con el espacio que conforma la obra y el espacio que lo circunda.

Se halla bastante aceptado la inclusión dentro de la categoría de Artes Plásticas a las especialidades de: Pintura, Escultura, Grabado, Tallado, Cerámica, Vidrio, Fotografía, Vitrales, Porcelana, Diseño, Restauraciones, Pintores Retratistas, entre otras.

De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende de la otra, pues una obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual se destina.

Históricamente se consideran como expresiones de las artes plásticas a las acciones realizadas por 3 tipos de artistas determinados, se incluían las obras realizadas por pintores, escultores y arquitectos.

Hoy día, el arte plástica se caracteriza por incluir a todas aquellas formas de arte cuyos objetos finales u obras son tangibles , eso significa que son reales y se pueden ver y/o tocar. El concepto moderno de arte nos permite incorporar en la definición de arte plástica no solo las expresiones clásicas del arte sino también nuevas formas, podrían llamarse modernas, de manifestación artística.

Entre ellas se encuentran, por ejemplo, todas aquellas generadas por computadoras (arte digital) o con cualquier otro

Sucesión de la historia del Arte.

•Arte Prehistórico (desde la aparición del hombre en la tierra hasta el año 5000 a.C.) •Arte Antiguo (comprende desde el año 5000 a.C. hasta el año 0). Incluye el Arte Mesopotámico y el Arte Egipcio.

•Arte Clásico (desde el año 2000 a.C. hasta el 300 a.C.). Comprende el Arte Griego y el Arte Romano.

•Arte de la Edad Media (desde el año 300 al 1400). Abarca el Arte Paleocristiano, Arte Carolingio, Arte Bizantino y Arte Otomano. También Arte Románico, Arte Gótico y Arte Musulmán.

•Arte de la Edad Moderna (a partir del año 1400 hasta el año 1800).

Engloba al Arte del Renacimiento, Arte Barroco, Arte Hispano-americano.

•Arte del siglo XIX. Encuadra al Neoclasicismo, Realismo, Romanticismo, Impresionismo y Post-impresionismo.

•Arte del siglo XX (desde principio de siglo 20 hasta el año 1942). Se incluyen en este siglo al Modernismo, Expresionismo, Surrealismo y Arte Abstracto.

•Arte Contemporáneo (desde el año 1942 hasta la fecha actual). Contiene a diversas expresiones del arte entre las que se encuentran el Arte Pop, Naif, Land Art, etc.

Arquitectura antigua.

Arquitectura de principios tenía dos funciones principales: para consolidar la seguridad y el poder; para complacer a los dioses. Cuanto más rica es la sociedad, las más importantes de estas funciones se convirtieron.

Arquitectura egipcia La primera gran civilización a surgir alrededor de la cuenca mediterránea fue la de Egipto (BCE c.3100-2040). Además de su propio lenguaje escrito, la religión y la clase gobernante dinástico, se desarrolló un estilo único de la arquitectura egipcia, en gran medida consiste en cámaras masivas de entierro en forma de pirámides (Giza) y tumbas subterráneas (en el valle desolado de los Reyes, Luxor). Diseño fue postes y dinteles monumentales, pero no estructuralmente complejas y empleados, en lugar de arcos, aunque la experiencia egipcia en piedra tuvo una fuerte influencia en la arquitectura griega posterior. Los ejemplos famosos de la arquitectura pirámide egipcia incluyen: La pirámide escalonada de Zoser (c.2630 aC) diseñado por Imhotep (aprox.

2690 - 2610 a. C, fue un erudito egipcio que merece ser considerado un arquetipo histórico de polimatía; sabio, médico, astrónomo, y el primer arquitecto conocido en la historia) - uno de los más grandes arquitectos del mundo antiguo - y la gran pirámide de Giza (c.2550 aC), también llamada la Pirámide de Keops o “Pirámide de Keops ‘- la más antigua de las Siete Maravillas del Mundo, recopiladas por Antípatro de Sidón (170-120 aC). Más tarde, durante el Medio y Tardío (Reinos c.2040-300 CE), los egipcios construyeron una serie de palacios en Karnak (por ejemplo. Templo de Amon de 1530 aC en adelante). Estas estructuras estaban adornadas con una amplia gama de obras de arte - algunas de las cuales sobreviven - incluso murales, pinturas sobre tabla, esculturas y trabajos en metal, que representa a varios dioses, deidades, los gobernantes y los animales simbólicos en el estilo hierático egipcio de arte única, junto con inscripciones jeroglíficas.

Arquitectura sumeria Mientras tanto, en Mesopotamia y Persia

(BCE c.3200-323), la civilización sumeria estaba desarrollando su propio edificio singular - un tipo de pirámide escalonada llamada un zigurat. Pero a diferencia de las pirámides de los faraones egipcios, zigurats no fueron construidas como tumbas, sino como montañas hechas por el hombre para llevar a los gobernantes sumerios y las personas más cercanas a sus dioses que supuestamente habitaban en lo alto de las montañas al este. Zigurats fueron construidos de ladrillos de arcilla cocido, a menudo terminados con esmaltes de colores.

Arquitectura irlandesa temprana Hacia el final de la Edad de Piedra , ceremoniales megalitos (estructuras construidas de piedras grandes) como la tumba megalítica Knowth (c.3300 aC) y Newgrange tumba de corredor, comenzaron a aparecer en el norte de Europa (Esta forma de arte megalítico se ejemplifica por el Stonehenge círculo de piedra.) de cualquier dispuesta en posición vertical a la intemperie, o enterrado y techado para formar un “dolmen”, estas estructuras de piedra pesados se cree por la mayoría de los arqueólogos que han tenido una función religiosa o ritual, y en algunos casos la alineación de sus piedras revela un sofisticado conocimiento de la astronomía. Los grabados complejos hallados en Newgrange marcan el inicio de las artes visuales en Irlanda

Arquitectura minoica.

El primer europeo en el arte de la Antigüedad Clásica fue creado por los minoicos, con base en la isla de Creta. Arquitectura minoica utiliza una mezcla de piedra, adobe y yeso para la construcción de palacios elaborados (por ejemplo. Palacio de Knossos c.1700-1400 aC), así como cámaras funerarias en forma de cúpula (tholos) escondidos en las colinas.

Muchos de estos edificios fueron decorados con murales de colores y pinturas al fresco, que representan símbolos mitológicos animales (por ejemplo. El toro) y eventos. Desgraciadamente, la mayoría de arquitectura minoica fue destruido por los terremotos alrededor del año 1200 antes de Cristo. A continuación, Creta fue tomado por los micénicos de Grecia continental, desde donde la cultura y la civilización griega unificado surgieron unos pocos siglos más tarde.

Marco Vitruvio Polión.

(Siglo I a.C.) Arquitecto romano, autor de tratado Sobre la arquitectura. Se desconoce el lugar y año de nacimiento del arquitecto, que vivió durante la época de César y Augusto.

Maffei le consideró de Verona; otros creen que debió de nacer en Placencia, y algunos le juzgan natural de Mola de Gaeta, la antigua Formia; esta última suposición parece ser la

mejor fundada.

Se sabe, sin embargo, que su existencia fue larga y activa: fue soldado, con César, en Hispania y Grecia, donde actuó como ingeniero militar.

Luego residió en Roma, y allí trabajó en las construcciones imperiales. Julio César, primeramente, y Augusto después, le ayudaron en su ancianidad con una subvención vitalicia, lo cual es una prueba del reconocimiento de ambos.

En Roma compuso, durante los últimos años de su vida, su famoso tratado.

Lo mismo que las huellas de su existencia, también los restos de su labor han sido borrados casi enteramente por el tiempo; sólo existen algunos en la población de Fano, para la cual construyó Vitruvio una famosa basílica y un arco de triunfo augustal aún visible, aunque modificado. En el campo de la técnica se le debe la invención del módulo quinario en la construcción de los acueductos. Proyectó también máquinas de guerra y edificó muchos monumentos.

La fama de Vitruvio se debe al tratado De architectura, la única obra de estas características que se conserva de la Antigüedad clásica. Conocido y empleado en la Edad Media, la edición del tratado de Vitruvio en Roma en 1486 ofreció a los artistas del Renacimiento, imbuidos de la admiración por las virtudes de la cultura clásica tan propio de la época, un canal privilegiado mediante el que reproducir sus formas arquitectónicas. “Sus cinco órdenes -escribió Bradbury- construyeron Italia y siguen construyéndola todavía”.

En realidad, Bradbury se quedó corto en tal afirmación, por cuanto en cualquier país y época, desde los

tiempos de Roma hasta los nuestros, el neoclasicismo arquitectónico basó siempre sus propias normas en los órdenes griegos reducidos al esquema de Vitruvio. Posteriormente se publicó en la mayor parte de los países, y todavía hoy la obra de Vitruvio constituye una fuente documental insustituible, también por las informaciones que aporta sobre la pintura y la escultura griegas y romanas, con noticias de artistas y obras.

Sobre la arquitectura.

Dividido en diez libros y compuesto probablemente hacia el 27 a. de C., Sobre la arquitectura es el único tratado orgánico de su género que la antigüedad nos ha transmitido. El texto, que tiene el carácter de manual de resumen y divulgación, y que refleja los procedimientos de la arquitectura romana durante el último siglo de la república, es a veces incompleto y oscuro. El autor, anciano ya y enfermo, dedicó la obra a Augusto, su protector.

El libro I comienza por consideraciones acerca de las cualidades y de los deberes del arquitecto y sobre la naturaleza de la arquitectura, entendida como ciencia y como arte, y de sus varios aspectos. La “aedificatio” implica, en efecto, la construcción de edificios públicos (clasificados según su objeto sea la “defensio”, la “religio” o la “opportunitas”) y la construcción de edificios privados (“gnomónica”, “machinatio”). Alude después al problema urbanístico: la elección de lugares propios para la fundación de ciudades, el trazado de las calles, la construcción del recinto de murallas defensivas y la distribución de los edificios dentro del recinto.

En el libro II, después de indicaciones históricas acerca del desarrollo de las

construcciones desde los primeros tiempos de la humanidad, Vitruvio trata de la elección y el uso de materiales de construcción y de las estructuras murales, con ejemplos prácticos de aplicación en obras romanas y griegas.

micos aplicados a la “gnomónica”.

Finalmente, en el libro X, volviendo a basarse en los griegos, el autor habla de mecánica y de máquinas de paz y de guerra.

En el libro III el autor describe los diversos tipos de templos dando normas de proporción y de simetría para las planimetrías y para cada una de sus partes, y ocupándose en particular de los de orden jónico. La columna asume en su concepto importancia capital en relación con las proporciones del templo, que están concebidas matemáticamente.

El libro IV trata de templos dóricos, corintios y toscanos, con preceptos técnicos y rituales de construcción. El libro V está dedicado a los edificios de utilidad pública: el foro, la basílica, el erario, la cárcel, la curia, los teatros, los pórticos, los baños, la palestra y los puertos. Vitruvio se confirma como experto técnico donde trata de los teatros y de los puertos, y hasta se le percibe innovador cuando cita y describe sumariamente una obra suya: la basílica de Fano.

En el libro VI, discurriendo acerca de los edificios privados, Vitruvio se libera de los tratadistas griegos y reflexiona sobre las razones técnicas y las diferencias de clima y de costumbres que han determinado disposiciones diversas en los edificios privados griegos y romanos.

En el libro VII el autor da preceptos prácticos para los acabados (enjalbegados, pavimentos, decoraciones esculpidas y pintadas) que confieren a los edificios “venustatera el firmitatem”. Estudioso de hidráulica y constructor de conductos hidráulicos, Vitruvio trata en el libro VIII de estas materias. Siguen en el libro IX los problemas geométricos y astronó-

En El hombre de Vitruvio, Leonardo da Vinci estudió las proporciones del cuerpo humano partiendo de pasajes de Sobre la arquitectura

como comerciantes.

Arquitectura griega.

La arquitectura en la antigua Grecia se divide en tres etapas básicas: el Período Arcaico (BCE c.600-500), el período clásico (BCE c.500-323) y el período helenístico (BCE c.32327).

Alrededor de 600 aC, inspirado en la teoría y la práctica de anteriores albañiles egipcios y los constructores, los griegos se dedicó a la sustitución de las estructuras de madera de sus edificios públicos con estructuras de piedra - un proceso conocido como “petrificación”. Se empleó piedra caliza y mármol de las columnas y las paredes, mientras que se utilizó para tejas de terracota y adornos. La decoración se realiza en metal, como el bronce.

Al igual que los pintores y escultores, arquitectos griegos disfrutaron de ninguna de la mayor importancia otorgada a sus sucesores. Ellos no fueron vistos como artistas, sino

Por lo tanto, no se conocen los nombres de los arquitectos antes sobre el siglo 5 AC. Los tipos más comunes de los edificios públicos eran templos, estructuras municipales, teatros y estadios deportivos.

Métodos de arquitectura de la antigua Grecia.

Arquitectura griega utiliza técnicas de construcción de postes y dinteles simples. No fue hasta la época romana que el arco fue desarrollado con el fin de abarcar mayores distancias. Como resultado, los arquitectos griegos se vieron obligados a emplear un gran número de columnas de piedra más para apoyar la cabeza vigas horizontal corta. Por otra parte, no podían construir edificios con grandes espacios interiores, sin tener hileras de columnas de soporte interno.

El formato estándar de construcción, que se utiliza en edificios pú-

blicos como el Hephaesteum en Atenas, emplea grandes bloques de piedra caliza o una piedra porosa luz conocida como toba. Mármol, siendo escasa y más cara estaba reservado para la decoración escultórica, excepto en los edificios más grandes, tales como el Partenón en la Acrópolis.

Diseño de construcción.

El diseño típico edificio rectangular a menudo rodeada por unas columnas en los cuatro lados (por ejemplo. El Partenón) o más raramente en la parte delantera y trasera única (por ejemplo, el templo de Atenea Nike). Los techos se colocaron con vigas de madera cubiertos por baldosas de terracota, y no fueron abovedado.

Frontones (la forma triangular aplanada en cada extremo a dos aguas del edificio) por lo general se llenan de decoración escultórica o frisos, al igual que la fila de dinteles

a lo largo de la parte superior de cada pared lateral, entre el techo y la parte superior de las columnas.

A finales del 4º y 5º siglo antes de Cristo, los arquitectos griegos comenzaron a apartarse del plan de estrictamente rectangular de templos tradicionales en favor de una estructura circular (tholos), adornado con mármol negro para resaltar ciertos elementos arquitectónicos y proporcionar contrastes de colores ricos.

Estos edificios estaban adornados famosos con una enorme gama de la escultura griega - obras pedimental, frisos, relieves y diversos tipos de independiente estatua - de carácter figurativo, que representa a héroes mitológicos y eventos de la historia y la cultura griega.

Principios de la arquitectura griega: órdenes clásicos La teoría de la arquitectura griega - sin duda la forma más influyente de la clásica arte griego - se basa en un sistema de “órdenes clásicos ‘normas para el diseño de edificios basados en proporciones de y entre las partes individuales. Esto dio lugar a una consistencia estética de la apariencia independientemente de su tamaño o de los materiales utilizados. Había tres órdenes de la arquitectura griega temprana: dórico, jónico y corintio.

El estilo dórico era común en la Grecia continental y más tarde se extendió a las colonias griegas en Italia. El estilo jónico se empleó en las ciudades de Jonia a lo largo de la costa oeste de Turquía y otras islas del Egeo. Donde el estilo dórico era formal y austero, el jónico era menos restringido y más decorativo. El tercer estilo, Corinto, llegó más tarde y representó un desarro-

llo más elaborado de orden jónico.

La diferencia entre estos estilos es más claramente visible en la relación entre el diámetro de la base y la altura de sus columnas. Arquitectura dórica (ejemplificado por las estructuras griegas, como el Partenón y el Templo de Hefesto en Atenas) era más popular durante la época clásica, mientras que el estilo jónico ganó la ventaja durante el período más relajado del arte helenístico (BCE c.323-30).

Edificios famosos de la antigua Grecia.

Los ejemplos famosos de la arquitectura griega antigua incluyen: la Acrópolis compleja (550-404 aC), incluyendo el Partenón (447-422 aC), los templos de Paestum (550 aC en adelante), el templo de Zeus en Olimpia (468-456 aC), el Templo de Hefesto (c.449 aC), el templo de Atenea Niké (427 aC), el Teatro en Delphi (c.400 aC), el templo de Tholos de Atenea Pronaia (380-360 aC), y el Altar de Pérgamo de Zeus (BCE c.166-156).

Arquitectura romana.

A diferencia de los griegos más creativos e intelectuales, los romanos eran personas esencialmente prácticas con un instinto para la ingeniería, la construcción y los asuntos militares.

En su arquitectura, como en su arte, que tomaron mucho tanto de los etruscos (por ejemplo. En el uso de la hidráulica para el pantano de mi-

nas y en la construcción de arcos), y también a los griegos, a quien consideraban como sus superiores en todo visual y letras. Sin embargo, sin el arte romano - con su genio para copiar y adaptar estilos griegos - la mayor parte de los logros artísticos de la antigüedad griega se habría perdido.

Prioridades de arquitectura de la Antigua Roma.

Arquitectura romana sirvió las necesidades del estado romano, que estaba dispuesto a impresionar, entretener y atender a una población cada vez mayor en las zonas urbanas relativamente reducidos. Drenaje era un problema común, como era la seguridad.

Esto, junto con el creciente deseo de Roma para aumentar su poder y majestad en toda Italia y más allá, edificios públicos que deban imponer, a gran escala y altamente funcional. Esto se ejemplifica por los logros arquitectónicos romanos en los sistemas de drenaje, acueductos (por ejemplo. El acueducto de Segovia, 100 CE, y más de 11 acueductos en la misma ciudad de Roma, como Aqua Claudia y el Anio Novus), puentes (por ejemplo.

El Pont du Gard) carreteras, estructuras municipales como baños públicos (por ejemplo. los baños de Caracalla y las Termas de Diocleciano), instalaciones deportivas y anfiteatros (por ejemplo. el Coliseo 72-80 CE), incluso los sistemas de calefacción central.

Numerosos templos y teatros también fueron construidos. Más tarde, como su propagación del imperio, los arquitectos romanos aprovecharon la oportunidad para crear nuevas ciudades a partir de cero, el diseño de la rejilla-planes urbanos en base a dos calles de ancho - un eje norte-sur (cardo) y un eje este-oeste (decumanus). El centro de la ciudad se encuentra en la intersección de las dos calles.

También construyeron hacia arriba; por ejemplo, Ostia, una rica ciudad portuaria cerca de Roma, contaba con una serie de bloques de apartamentos de 5 plantas.

Los avances arquitectónicos: Arcos y Concreto.

Arquitectura romana fue asistido por importantes avances en el dise-

ño y nuevos materiales.

El diseño fue mejorado a través de la evolución de la arquitectura en la construcción de arcos y techos de cúpula.

Arcos; mejoran la eficiencia y la capacidad de los puentes y acueductos (se necesitaron menos columnas de soporte para soportar la estructura), mientras que los techos abovedados no sólo permite la construcción de áreas abiertas más grandes bajo cubierta, sino también prestaron el exterior una impresionante apariencia de grandeza y majestad, como en varias basílicas seculares y cristianos importantes, como el Panteón.

Los desarrollos en materiales también fueron cruciales, como la crónica por el arquitecto romano Vitruvio (BCE c.78-10) en su libro De Architectura. Esto se ejemplifica con la invención romana de hormigón (opus cementicium), una mezcla de mortero de cal, arena, agua y piedras, en el 3er siglo BCE. Este sustituto excepcionalmente fuerte y conveniente para la piedra revolucionó la ingeniería y la arquitectura romana.

Como el concreto con cobertura de teja empezó a reemplazar el mármol como el principal material de construcción, arquitectos podrían ser más audaz. Los edificios fueron liberados del diseño de planta rectangular griega (con sus techos y líneas de pilares que sostienen los arquitrabes planos undomed) y se hicieron menos geométrica y más que fluye libre.

Al igual que sus predecesores egipcios y el griego, los arquitectos en la antigua Roma embellecen sus

edificios públicos con una amplia gama de obras de arte, incluyendo: escultura romana (especialmente los relieves, estatuas y bustos del emperador), murales al fresco, y los mosaicos.

Edificios famosos de la Antigua Roma.

Dos de las mayores estructuras de la Antigua Roma eran el Coliseo (la elíptica anfiteatro Flavio en el centro de Roma) y la Columna de Trajano (un monumento al emperador Trajano). Situado al este del Foro Romano, el Coliseo tomó 8 años para construir, había asientos para 50.000 espectadores. Los historiadores y arqueólogos estiman que la asombrosa cifra de 500.000 personas y más de 1 millón de animales salvajes murieron en los “juegos” en el Coliseo. Columna de Trajano, situado cerca del Quirinal, al norte del Foro Romano, fue terminado en el año 113 CE. Es conocida por su magnífico y muy detallada bas espiral escultura en relieve, que gira alrededor del eje del monumento 23 veces, y narra la victoria de Trajano en las guerras de Dacian. El árbol en sí está hecho de 20 enormes bloques de mármol de Carrara, cada uno con un peso de unas 40 toneladas. Se encuentra a unos 30 metros de altura y 4 metros de ancho. Un monumento romano más pequeño, pero no menos importante fue el Ara Pacis Augustae (13-9 aC).

Impacto de la Política y religión en la arquitectura romana.

En el año 330 CE, por el momento en que se completó la basílica de San Pedro, el emperador romano Constantino I declaró que la ciudad de Bizancio (más tarde renombrada Constantinopla, la actual Estambul,

en Turquía), iba a ser la capital del Imperio Romano. Más tarde, en el año 395 CE, tras la muerte del emperador Teodosio, el imperio se dividió en dos partes: una primera mitad occidental basada en Roma hasta que fue despedido en el siglo 5 dC, a continuación, Rávena; y una mitad oriental basada en la ciudad más segura de Constantinopla.

Además, el cristianismo (una secta minoritaria) fue declarada la única religión oficial en todo el imperio.

Estos desarrollos individuales impactados en la arquitectura de dos maneras: en primer lugar, el traslado a Constantinopla ayudado a preservar y prolongar la cultura romana, que de otro modo podría haber sido destruido por los invasores bárbaros de Italia; En segundo lugar, la aparición del cristianismo proveyó lo que se convirtió en el tema dominante de la arquitectura y las artes visuales para los próximos 1.200 años.

Arquitectura bizantina (330-554 dC).

Arquitectos bizantinos - incluyendo numerosos italianos que se habían mudado a la nueva capital de Italia - continuó la tradición de flujo libre de la arquitectura romana, la construcción de una serie de magníficas iglesias y edificios religiosos, en la época del arte paleocristiano , tales como: la Iglesia de Chora (c.333) la iglesia de Santa Irene (c.360) y la Iglesia de San Sergio y Baco, todo en Estambul; la Iglesia de Santa Sofía en Sofía, Bulgaria (527-65), la impresionante Santa Sofía (532-37), que sustituyó a la catedral Despedido de Constantinopla, y la Iglesia de Santa Sofía en Tesalónica. Grandes edificios civiles incluyen: el Gran Palacio de Constantinopla, y Cisterna Basílica.

Las nuevas técnicas de arquitectura incluyen el uso de secciones triangulares cóncavas de mampostería, conocidos como pechinas, con el fin de llevar el peso de la cúpula techo para muelles de esquina. Esto llevó a la construcción de cúpulas más grandes y magníficas, y un mayor espacio abierto en el interior del edificio, como se ejemplifica en la iglesia de Santa Sofía. Los nuevos métodos de decoración incluyen la introducción de mosaicos deslumbrantes hechas de vidrio, en lugar de piedra utilizada por los romanos.

Los interiores de las iglesias también fueron ricamente decoradas con arte bizantino, tales como el dorado, murales y esculturas en relieve - pero no las estatuas ya que estos no eran venerados como iconos.

El uso de iconos en la arquitectura religiosa bizantina.

En la tradición bizantina ortodoxa del este o del arte cristiano, sólo imágenes planas o esculturas de bajo relieve son permisibles en el arte religioso. Esta tradición cultural que se llevó a cabo representaciones tridimensionales glorificaban el aspecto humano de la carne en lugar de la naturaleza divina del espíritu, por lo que se opuso 3-D imágenes religiosas. (Los cristianos romanos, no adoptó estas prohibiciones, por lo tanto, todavía tenemos escultura religiosa en la católica y la arquitectura protestante.)

Así las cosas, el estilo bizantino de la iconografía desarrollada de una manera altamente estilizada y tuvo como objetivo presentar la teología compleja de una manera muy sencilla, por lo que es posible educar e inspirar incluso los analfabetos. Por ejemplo, el color era muy importan-

te: el oro representaba el resplandor del cielo; rojo, la vida divina; azul era el color de la vida humana; blanca era la esencia increada de Dios, que se utiliza por ejemplo en la pintura de iconos de la resurrección de Cristo. Por lo general, Jesús lleva una prenda de ropa interior de color rojo con un azul-exterior de prendas de vestir (que significa que Dios se hizo humano), mientras que María lleva una prenda de ropa interior azul con una prenda exterior de color rojo (lo que significa que los seres humanos en realidad pueden llegar a Dios).

Desarrollos (600-1450) Después del período temprano de la arquitectura bizantina (c.300-600), que fue en gran parte una continuación de la arquitectura romana, vino un período medio (c.600-1100), notable sólo por la popularidad del tipo cruz en un cuadrado el diseño arquitectónico de la iglesia (los ejemplos incluyen el monasterio de Osios Lukas en Grecia (c.1000), y el monasterio de Dafni, cerca de Atenas (c.1050), después de esto vino la comneno y Paleólogos períodos (c.1100-1450), conocido sólo por logros raras como Elmali Kilise y otros santuarios rupestres de Capadocia, las Iglesias del Pantocrátor y de la Madre de Dios Kyriotissa en Constantinopla.

A medida que continuó el Imperio Romano de Oriente, la arquitectura bizantina se convirtió gradualmente en más influenciado por las tradiciones orientales de construcción y decoración.

Edificios aumentaron en complejidad geométrica, mientras que el ladrillo y el yeso se emplearon, además de piedra con fines decorativos,

como los patrones en zig-zag externos. Se interpretaron las anteriores órdenes clásicas ‘o estilos más libremente, y las ventanas filtran la luz a través de delgadas láminas de alabastro para crear una iluminación más suave. Los dos planes básicos de marca fueron la basilical, o axial, tipo (por ejemplo. La basílica en el Santo Sepulcro, Jerusalén) y la circular, o central, tipo (por ejemplo.

La gran iglesia octogonal en Antioquía).

El legado arquitectónico bizantino En Occidente, diseños bizantinos influyeron en la renovación artística europea en forma de arte Carolingio (750-900) y el arte otoniano (900-1050), que condujo a la arquitectura románica y gótica.

En el Este, que continuó ejerciendo una influencia significativa en principios de arte islámico y la arquitectura, como se ejemplifica en la Gran Mezquita de los Omeyas de Damasco y la Cúpula de la Roca en Jerusalén, mientras que, en Bulgaria, Rusia, Serbia, Georgia, Ucrania y otra ortodoxa países, que soportaron incluso más tiempo.

Estilo románico.

El término arquitectura románica

se utiliza a veces para cubrir todas las derivaciones inmediatas de la arquitectura romana en Occidente, después de la caída de Roma hasta el florecimiento del estilo gótico en 1200. Más generalmente, sin embargo, denota un estilo distintivo que surgió casi simultáneamente en Francia, Alemania, Italia y España (este último también influenciada por los diseños de moras) en el siglo 11.

Esfuerzos arquitectónicos prerrománicos de Carlomagno fueron posteriormente continuaron por Otto 1 (emperador romano santo 936-73), en un estilo conocido como arte otoniano, lo que dio paso a la de pleno derecho ‘románico.’

(Nota: el estilo románico en Inglaterra e Irlanda se conoce comúnmente como la arquitectura normanda.)

Se caracteriza por la mayoría, obviamente, una nueva masividad de escala, inspirado por la mayor estabilidad económica y política, que llegó después de siglos de agitación.

El cristianismo siguió siendo la fuerza impulsora dominante para las obras de construcción más importantes. El florecimiento del románico en el siglo 11 coincidió con el reassertiveness de Roma, como la capital de la cristiandad, y su influencia sobre las autoridades seculares llevó a la reconquista cristiana de España (comenzó 1031) y las Cruzadas para liberar la Tierra Santa desde el control islámico.

Carlomagno I y Otón I El renacimiento románico de arte cristiano medieval comenzó con Carlomagno I, rey de los francos, que fue coronado emperador del Sacro Imperio Romano en Roma de San Pedro, por el Papa León III en 800. famoso por su arte carolingio, curiosamente, su principal logro arquitectónico - el Capilla Palatina de Aquisgrán (c.800) - no se inspiró en San Pedro o de otras iglesias de Roma, sino por la basílica de estilo bizantino octogonal de San Vital de Rávena. Ver también la escultura medieval.

Por desgracia, el imperio carolingio se disolvió rápidamente, pero el patrocinio de la arquitectura y las artes para promover el cristianismo de Carlomagno, marcó un primer paso vital en la re-emergencia de una cultura a nivel europeo. Por otra parte, muchas de las iglesias románicas y góticas y monasterios fueron construidos sobre los cimientos de la arquitectura carolingia.

Religión.

La adquisición de las Sagradas Reliquias por los cruzados, junto con el fervor despertado por sus campañas, provocó la construcción de una ola de nuevas iglesias y catedrales de toda Europa. En Italia, que incluyen la catedral de Pisa, con su famoso campanario inclinada (campanario), la catedral de Módena y de la catedral de Parma, así como las iglesias de interés como el de Santa María (Roma), el Baptisterio (Florencia), y San Zeno Maggiore (Verona). En Francia, que incluyen la catedral de Laon (entre otros), y las abadías de Cluny, Aux Dames (Caen) y Les Hommes (Mont Saint-Michel).

En Inglaterra, que incluyen 26 de las 27 catedrales antiguas, como Winchester, Ely y Durham. En Alemania, que incluyen Augsburg y gusanos Catedrales (entre otros) y las abadías de Maguncia, Worms,

Speyer y Bamberg. Además de su influencia sobre la política internacional, la Iglesia Romana también ejerce el poder crece a través de su red de Obispos y su estrecha asociación con las órdenes monásticas, como los benedictinos, los cistercienses, cartujos y agustinos. A partir de estos monasterios, obispos y abades ejercido uno de los administrativos cada vez mayor sobre la población local, y dedicó enormes recursos para obras religiosas, incluidos los manuscritos iluminados del Evangelio, becas culturales, orfebrería, escultura y edificio de la iglesia.

Esto se ejemplifica por el poderoso monasterio benedictino de Cluny en Borgoña, cuya iglesia abacial tipificado el estilo románico de la arquitectura y se convirtió en el edificio más grande de Europa hasta el Renacimiento.

Características de la arquitectura románica.

A pesar de que se basó en varias

características de diseño de la antigüedad griega y romana, los arquitectos románicos no tenían la imaginación de los griegos, ni la capacidad de la ingeniería de los romanos. Por ejemplo, las técnicas de construcción romanas en ladrillo y piedra se perdieron en gran medida en la mayor parte de Europa.

En general, el estilo empleado gruesos muros, arcos de medio punto, columnas, bóvedas, columnsgroin estrechas rendijas-ventanas, torres y grandes arcadas decorativo. La carga básica del edificio no se llevó a sus arcos o columnas, sino por sus enormes muros. Y sus techos, bóvedas y contrafuertes eran relativamente primitivas en comparación con los estilos posteriores.

Los interiores estaban cargados de piedra, tenía una iluminación tenue y - en comparación con los estilos gótico más tarde - líneas simples y sin adornos. Iglesias románicas tendían a seguir una forma claramente definida, y son reconocibles en toda

El Panteón de París (en francés Le Panthéon) es un monumento de la capital francesa, en el quinto distrito (arrondissement), en el llamado Barrio Latino, muy cerca de la Sorbona y de los liceos elitistas Louis Le grand y Henry IV. En 1744, y después de una larga enfermedad cuya curación fue atribuida a la intervención de la santa, el rey Luis XV promete dedicarle una iglesia de prestigio, cuyos planos fueron encomendados al prestigioso arquitecto Soufflot, con la intención de competir con la propia basílica de San Pedro de Roma Su construcción empezó en 1764 con Soufflot y duró 26 años (fue acabada por Jean Baptiste Rondelet). Es uno de los primeros monumentos neoclásicos de Francia.

Arquitecto francés: Jacques-Germain Soufflot, Irancy, Auxerre, 22 de julio de 1713 París, 29 de agosto de 1780.

Europa. Sólo en raras ocasiones podía uno ver las huellas de la influencia bizantina u oriental, excepto en las rutas comerciales.

Un ejemplo notable es la Basílica de San Marcos en forma de cúpula en Venecia.

A pesar de su relativa simplicidad de estilo, arquitectura románica hizo reinstigate dos formas importantes de obras de arte: la escultura (que habían desaparecido en gran medida desde la caída de Roma) y vidrieras. Sin embargo, dado el tamaño de las ventanas de los edificios de estilo románico, este último sigue siendo un elemento relativamente menor en el arte medieval hasta el advenimiento de los diseños góticos.

Neorrománico: arquitectura era un estilo del siglo 19 defendido por los arquitectos como los nacidos de Louisiana Henry Hobson Richardson (1838-86), quien fue responsable de “Richardsonian románica”, como se ejemplifica en la tienda al

por mayor de Marshall Field (18851887), en Chicago.

NOTA: Para una comparación con diseños orientales del mismo período, véase: el siglo 11 Kandariya Mahadeva templo hindú (1017-1029) en la India; y el siglo 12 Angkor Wat del Khmer Templo (1115-1145) en Camboya.

Arquitectura gótica.

El término ‘gótico’ denota un estilo de arquitectura y arte que superceded románica, desde mediados del siglo 12 hasta el siglo de mid-15th.

Acuñado originalmente como un insulto por los artistas italianos del Renacimiento y otros como Christopher Wren, para describir el tipo de arquitectura medieval que consideraban bárbara, como para sugerir que fue creado por tribus góticas que habían destruido el arte clásico de la Antigüedad, el arte gótico estilo se caracteriza por el uso de arcos de medio punto, paredes más delgadas, bóvedas de crucería, arbotantes, enormes vidrieras y elaborada tracería.

Piense en ello como una especie de más fina, más vertical, más detallada, más brillante forma, más emocionante y más inspirador del románico. El estilo gótico como se aplica a las catedrales se suele dividir en dos variantes: Rayonnat la arquitectura gótica (c.1200-1350) y extravagante arquitectura gótica (1375-1500). Los críticos modernos como John Ruskin tenía una alta opinión del estilo gótico.

Fondo El siglo 12 fue un período de crecimiento en el comercio y el desarrollo urbano en toda Europa. Esta

prosperidad creciente, junto con los avances en la ciencia y la geometría, además de nuevas ideas sobre cómo catedrales se podrían construir con el fin de inspirar devoción religiosa entre las masas, fueron factores importantes en el desarrollo de la arquitectura gótica. Aunque el nuevo estilo fue estrechamente asociado con la promoción de la religión, y aunque la mayor parte del programa de construcción gótica fue financiado por las órdenes monásticas y obispos locales, que no fue un movimiento arquitectónico religioso.

En cierto modo, el cristianismo era una marca de producto utilizado por las autoridades seculares, para competir por el prestigio y la influencia.

Como resultado, los Reyes y los administradores de menor vieron catedrales como principales activos cívicos y comerciales, y apoyaron su construcción en consecuencia.

Característica clave de la arquitectura gótica.

La característica principal del estilo gótico es el arco apuntado, considerado por muchos expertos que se originan en Asiria, y más tarde, la arquitectura islámica. Esta característica, que canaliza el peso del techo en muelles que soportan peso o columnas en un ángulo mucho más pronunciado que antes era posible con el Románico ‘redondeado’ arcos, permitió arquitectos para levantar bóvedas mucho más altas y por lo tanto crear la impresión de “que alcanza hacia cielo’. También dio lugar a la adopción de muchas otras comodidades.

En lugar de paredes gruesas de forma masiva, pequeñas ventanas e interiores oscuros, los nuevos edificios góticos tenían paredes delgadas, a menudo apoyados por los arbotantes, y enormes vidrieras, como se ejemplifica en Sainte Chapelle (1241-1248) en

París. Los techos altos y luz más brillante revolucionaron el diseño eclesiástico por transformar el interior de muchas catedrales en santuarios de inspiración.

Estilo Renacentista, (1400-1620).

Arquitectura

Fondo Financiado por la prosperidad comercial y la competencia entre las ciudades-estados, como Florencia, Roma y Venecia , así como las familias ricas como los Medici, dinastía de banqueros en Florencia y los Fugger bancarias familia en Alemania, el Renacimiento fue sin embargo un triunfo de la voluntad sobre los acontecimientos mundiales .

No mucho antes, había habido una racha de cosechas desastrosas europeos (1315-19); La muerte de la peste Negro (1346), que acabó con un tercio de la población europea; la guerra de 100 años entre Inglaterra y Francia (13391439), y la Iglesia cristiana estaba polarizada por el cisma. Apenas condiciones ideales para el renacimiento que siguió.

Así las cosas, los Papas del siglo 16 en Roma casi a la quiebra a la Iglesia en el siglo 16 debido a su financiación despilfarrador de edificios finas y las artes visuales.

Estilo arquitectónico.

Arquitectura renacentista fue catalizada por el redescubrimiento de estilos arquitectónicos y las teorías de la Antigua Roma. Las primeras representaciones de esta arquitectura clásica surgieron en Italia a principios del siglo 15, cuando una copia de Architectura (“Diez Libros de Arquitectura RELATIVAS A”) por el arquitecto romano Vitruvio siglo 1, fue descubierto repentinamente en Roma.

Al mismo tiempo, el arquitecto y artista florentino Filippo Brunellesci (13771446) habían comenzado a estudiar diseños antiguos romanos, y estaba

convencido de que las proporciones ideales de construcción podrían ser comprobados en los principios matemáticos y geométricos.

Fue magnífico diseño de Brunellesci 1418 de la cúpula de la catedral de Florencia (1420-1436) - ahora considerado como el primer ejemplo de la arquitectura del renacimiento - el que marcó el comienzo de un nuevo estilo basado en la colocación y la proporción reglas descuidados durante mucho tiempo de la Antigüedad clásica.

Famosos arquitectos del Renacimiento Otro arquitecto renacentista importante fue Leon Battista Alberti (1404-1472), que todavía es reverenciado como uno de los fundadores de la teoría de la arquitectura moderna. Creyendo que el diseño arquitectónico ideales se basa en la armonía de la estructura, la función y la decoración, que se inspiró en gran medida por la teoría y la práctica de los antiguos arquitectos e ingenieros romanos.

Características Renacentista.

En pocas palabras, los edificios renacentistas se modelaron en la arquitectura clásica de los griegos y romanos, pero conservan las características modernas de invención bizantino y gótico, como cúpulas y torres complejas. Además, mientras que la replicación y la mejora en escultura clásica, sino que también incorporan modernos mosaicos y vidrieras, junto con pendientes frescos murales.

La arquitectura del Renacimiento puede verse en innumerables ejemplos de iglesias, catedrales y edificios

municipales en toda Europa, (por ejemplo, en muchos castillos franceses, como Chateau de Fontainebleau, sede de la. Escuela de Fontainebleau: 1528-1610) y su estilo se ha vuelto a aplicar en años posteriores de las famosas esculturas de US Capitlio y the UK National Gallery. (En Inglaterra, el estilo es a veces conocido como la arquitectura isabelina.)

Las principales características del Barroco.

Arquitectura barroca (1550-1790).

Arquitectura Prairie School es ejemplificado por Robie House (1910), de la Cascada (1936-1937), Unity Temple (1936-39), el Imperial Hotel Tokyo, textiles Block-houses, Johnson Wax Building (1936-39), Usoniana Casa (mediados de 1930), la Torre de los precios (1955), Museo Guggenheim de Nueva York (1956-9).

A medida que pasaba el siglo 16, las certezas religiosas, políticas y filosóficas que habían prevalecido durante los primeros (c.1400-85) y (1486-1520) los períodos de alto renacimiento, comenzaron a desmoronarse.

En 1517, Martin Luther desencadenó la Reforma protestante, poniendo en duda a nivel europeo sobre la integridad y la teología de la Iglesia romana.

Este fue el catalizador de varias guerras que participan Francia, Italia, España e Inglaterra, y condujo directamente al movimiento de Contrarreforma, lanzada por Roma, para atraer a las masas de protestantismo.

Patrocinio renovada de las artes visuales y la arquitectura era un instrumento clave en esta campaña de propaganda, y dio lugar a un estilo más grande, más espectacular en ambas áreas.

Durante el resto del siglo, este estilo más dinámico fue conocido como manierismo (estilo-ishness), ya partir de entonces, barroco - un término derivado de la palabra barroco portugués, que significa “una perla irregular”.

El arquitecto más grande Frank Lloyd Wright (1867-1959) revolucionó los conceptos espaciales con el estilo de la casa de la pradera de la arquitectura doméstica, la introducción de diseños de planta abierta y el amplio uso de materiales naturales sin terminar.

Bajo la influencia de la arquitectura colonial americana, diseños de tejas de estilo del siglo 19 y la arquitectura japonesa, así como el movimiento Arts and Crafts, también prestado la mayor atención al detalle de accesorios de interiores y los accesorios y el uso de materiales naturales y locales.

La obra de Wright mostró que el tradicionalismo europeo (y el modernismo) no fue la única respuesta a los problemas de arquitectura en los Estados Unidos.

Los rascacielos americanos.

Sin embargo, una cantidad inmensa de desarrollo, tanto en el diseño de edificios y obras tuvo lugar en la arquitectura americana, en este mo-

mento, debido a la Escuela de Chicago y el crecimiento de la arquitectura de rascacielos, a partir de 1849 en adelante.

Estos edificios supertall llegaron a dominar el diseño de edificios más tarde en los Estados Unidos. La Escuela de arquitectura de Chicago, fundada por el arquitecto rascacielos y el ingeniero William Le Baron Jenney (1832-1907), fue el grupo pionero, Etc. Arquitectura del siglo 20.

La arquitectura del siglo XX ha estado dominada por el uso de las nuevas tecnologías, las técnicas de construcción y materiales de construcción. He aquí una breve reseña de las principales escuelas y movimientos arquitectónicos más importantes del siglo. Para más detalles, véase: Arquitectura del siglo 20 (1900-2000).

•1900-1920 Art Nouveau •1900-1925 modernismo temprano (Ver: Le Corbusier y Peter Behrens ) •1900-1925 Continental vanguardia ( De Stijl , Neue Sachlichkeit) •1900-2000 con estructura de acero del rascacielos Arquitectura •1907-1933 Deutscher Werkbund •1919-1933 el diseño del Bauhaus (ver la biografía de Walter Gropius ); este se convierte en el Estilo Internacional de Arquitectura Moderna (1940-1970).

•1925-1940 Art Deco •1928-1940 totalitario Arquitectura (Alemania / URSS) - ver el arte nazi (1933-1945) •1945-1970 modernismo tardío: Segunda Chicago escuela de Arquitectura •1945-2000 alta tecnología corporativa Diseño Arquitectura •1960-2000 Arte Postmodernist •1980-2000 Deconstructivism - véase Frank O. Gehry . (nacido en 1929) •1990-2000 Blobitecture ArrVisualUK for RPisteyo. artvuk@artvisual.com

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P

edro Ramírez Vázquez, arquitecto mexicano nacido el 16 de Abril de 1919 en México D.F. es autor de importantes proyectos, fue Secretario de Asentamientos Humanos y Obras Públicas.

Estudió en la Universidad Nacional Autónoma de México donde ejerció de profesor; en 1968 fue Presidente del Comité Organizador de los Juegos Olímpicos, colaborando en el diseño del logotipo, póster y emblema.

Es Doctor Honoris Causa por la Universidad Nacional Autónoma de México y por la de Colima. Su trabajo ha sido reconocido por sus contribuciones a las artes, las ciencias y a la humanidad.

Entre sus publicaciones destacan los trabajos que presentan entrevistas y estudios con los universitarios que aportan una nueva visión al desarrollo de problemas científicos.

En cuanto a Pedro Ramírez Vázquez, arquitecto, estudió en Arquitectura los aspectos funcionales y circulatorios, así como el potencial del sistema de cimentación flotante; y los espacios externos como incitación al ingreso en las estructuras que construye; planteamientos de recorridos acotados que potencian la fluidez transparente de los espacios.

Es Premio Nacional de Bellas Artes en 1973 entre otros además de varias distinciones; en 2003 recibe el Premio a la Vida y Obra que le otor-

gó Premio Obras Cemex.

En cuanto a Pedro Vázquez Ramírez, obras, diremos destacar entre las mismas a la Escuela Nacional de Medicina de la Ciudad Universitaria de UNAM, México 1952; Sistema para construcción de la escuela rural, con el que se construyeron miles de ellas y fue adoptado por UNICEF; El Edificio de la Secretaría del Trabajo, México 1954; Mercados de La Lagunilla, Tepito, Coyoacán, Azcapotzalco, San Pedro de los Pinos y otros, 1955-1957. En la década de los 60, la Galería de Historia, Museo del Caracol; Museo Nacional de Antropología, la Torre Tlatelolco, el Estadio Azteca, en México; y Estadio Cuauhtémoc, en Puebla. Entre 1070-80 destacan entre otros la Embajada de Japón, la

Basílica de Santa María de Guadalupe y el Palacio Legislativo de San Lázaro, la Iglesia del Sagrado Corazón de Jesús en Tocumbo, el Museo del Templo Mayor y Museo Amparo de Puebla; entre otros muchos en México.

En el extranjero destacan los proyectos del Pabellón de México en la exposición mundial de Bruselas en 1958, de Seattle en 1962, Nueva York en 1964; El Museo de Las Culturas Negras en Dakar, Senegal 1971; Monumento a Fray Antón de Montesinos, República Dominicana en 1982; el Museo de Nubia, Egipto 1984; la capilla de la Virgen de Guadalupe, San Pedro del Vaticano en 1989; el Pabellón de México en la exposición mundial de Sevilla en 1992.

autor lo creo seel r po s ra ob s la en “Que se identifiqu identificar por su e eb d se ra ob a L ad. cundario, es vanid itectura de autor” qu ar la en eo cr o destino (…) N

Museo Nacional de Antropología

Su inicio…

Pedro Ramírez Vázquez dice: Pues por un maestro de historia, que me hizo un relato muy claro de la vida ateniense en la Acrópolis, ahí entendí la arquitectura como espacios de comunicación, no como construcción, y eso me interesó y por eso estudié arquitectura.

Mi familia era de abogados, yo iba a estudiar leyes, pero esa conversación con mi maestro que era un gran poeta, Carlos Pellicer, entonces fue él quien me hizo entender la arquitectura como espacio de comunicación y de ahí mi relación con el urbanismo, la vida en el Ágora en la Acrópolis y eso me llevó a estudiar arquitectura.

Algunas de sus obras

Inaugurado el 17 de septiembre de 1964, atrae cada año a más de dos millones de visitantes, con 23 salas de exposición permanente, una sala de exposiciones temporales y dos auditorios.

Probablemente contiene una de las colecciones de arqueología y etnografía más grandes y espectaculares del mundo.

La Piedra del Sol es el Corazón del museo es su pieza estelar, sin embargo hay piezas y vestigios casi de todo México, algunas de las obras más destacadas que hay en el Museo de Antropología son: La cabeza Colosal Olmeca, restos encontrados en el Cenote Sagrado de Chichen Itzá y una réplica del Cámara Funeraria de PaKal el Grande de Palenque y la gigantesca estatua del dios de la lluvia Tláloc de aproximadamente unas 170 toneladas y que algunos expertos dicen que desde que el monolito de Tláloc se encuentra en su nueva ubicación llueve muchísimo más en México DF.

Estadio Azteca.

Fue inaugurado el 29 de mayo de 1966, el tercer estadio de fútbol más grande del mundo solo después del Estadio Reungrado Primero de Mayo en Corea del Norte y el Salt Lake Stadium en la India.

-Se construyó en 1962 con motivo de la novena edición de la Copa Mundial de Fútbol que se realizó en México en 1970.

-Es el único estadio en el mundo que ha albergado dos finales de Copas del Mundo de la FIFA, en los Campeonatos de México 70 y México 86.

-En la primera vio la consagración de Pelé como el “rey” del fútbol, y en la segunda la consolidación de Diego Armando Maradona como figura histórica del balompié mundial.

-Fue escenario del denominado Partido del siglo entre Italia y Alemania Federal en una de las semifinales del Mundial de México 70, donde los italianos se impusieron en un dramático juego por 4 goles a 3 -Ha sido escenario de innumerables eventos y recitales.

Basílica de Santa María de Guadalupe.

-Es un santuario de la Iglesia Católica, dedicado a la virgen María en su advocación de Guadalupe.

Ubicado al pie del Cerro del Tepeyac -Es el recinto mariano más visitado del mundo, superado sólo por la Basílica de San Pedro. Anualmente unos veinte millones de peregrinos visitan el santuario, de los cuales cerca de nueve millones lo hacen en los días cercanos al 12 de diciembre día en que se festeja a la Virgen María de Guadalupe -El nuevo edificio, es un edificio localizado al poniente del Atrio de las Américas y al sur del cerro del Tepeyac. El edificio fue construido a raíz de la necesidad de albergar a la imagen de la Virgen de Guadalupe y permitir el acceso de una mayor cantidad de peregrinos ya que la inestabilidad

del antiguo templo lo había vuelto peligroso para su uso.

-Su construcción comenzó en 1974 y terminó en 1976, inaugurándose el 12 de diciembre de ese año -Su forma circular representa la idea de universalidad de Dios. La cubierta asemeja una carpa por dos razones: recuerda las tiendas que usaban los judíos en su peregrinar por el desierto y representa el manto de la virgen.

-La primera basílica dedicada a la Vírgen de Guadalupe fue edificada por el arquitecto Pedro de Arrieta, comenzando su construcción en marzo de 1695.

“Nací en Moctezuma 91, en la mera colonia Guerrero”, relataba al diario El Gráfico en 2003. Su padre era originario de Texcoco, Estado de México, y su madre nació en Oaxaca. Vivían, materialmente, de los libros, puesto que su papá se dedicaba a su venta.

El autor de sinnúmero de edificios, precursor de los mercados públicos de concreto armado, especialista en diseño de museos y dependencias gubernamentales, creador de logotipos históricos, jamás dejó de contestar su correspondencia y era puntualísimo.

Casado a los 28 años con Olga Campuzano, fue padre de dos hijas y dos hijos.

Antes de México 68, ya había obtenido el Gran Premio de la XII Trienal de Milán por sus diseños de aulas prefabricadas al frente del CAPFCE y la Medalla de Oro de la VIII Bienal de Arte de Sao Paulo por su Museo Nacional de Antropología.

Consolidó muchas obras más en los años 70, 80, 90 y en este siglo XXI, destacándose la Embajada de Japón en México, la Cámara de Diputados, su Torre de Mexicana (hoy Torre Axa), el Museo del Templo Mayor, el Pabellón de México para la Feria de Sevilla 92, por mencionar algunas.

Ya trabajando con su hijo y colega, Javier Ramírez Campuzano, entregó el Auditorio Siglo XXI en Puebla -al cual recientemente le fue demolido su significativo acceso-mural de talavera y modificada toda la fachada-, las Unidades Cuajimalpa y Lerma de la UAM, y dejó en proceso diferentes proyectos.

Pedro Ramírez Vázquez dio su último aliento el 16 de abril de 2013, en la tarde de su cumpleaños número 94, en la Ciudad de México

El sika no es un Automóvil ni un Adhesivos…No, es una enfermedad.

E selva.

l virus se identificó en 1947 por primera vez en Uganda, específicamente en los bosques de Zika. Se descubrió en un mono Rhesus cuando se realizaba un estudio acerca de la transmisión de la fiebre amarilla en la

Análisis serológicos confirmaron la infección en seres humanos en Uganda y Tanzania en 1952, pero fue en 1968 que se logró aislar el virus con muestras provenientes de personas en Nigeria.

Análisis genéticos han demostrado que existen dos grandes linajes en el virus: el africano y el asiático.

BROTES PREVIOS En 2007 se registró la infección en la isla de Yap, que forma parte de Micronesia, en el Océano Pacífico. Fue la primera vez que se detectó el virus fuera de su área geográfica original: África y Asia.

A finales de octubre de 2013, se inició un brote en la Polinesia Francesa, también en el Pacífico, en el que se identificaron 10.000 casos.

De ese total, aproximadamente 70 fueron graves. Los pacientes desarrollaron complicaciones neurológicas, como meningoencefalitis, y autoinmunes, como leucopenia (disminución del nivel normal de leucocitos en la sangre).

En febrero de 2014 las autoridades chilenas confirmaron un caso de transmisión autóctona en la Isla de Pascua. El mismo coincidió con un brote en Nueva Caledonia y las Islas Cook. Nuevamente en el Océano Pacífico.

Actualizado: 25 de marzo de 2016

¿Cuáles son sus síntomas?

Los síntomas más comunes del zika son exantema (erupción en la piel o sarpullido) y fiebre leve. Suele acompañarse de conjuntivitis, dolor muscular o en las articulaciones, con un malestar general que comienza pocos días después de la picadura de un mosquito infectado.

Se considera que una de cada cuatro personas infectadas desarrolla los síntomas de la enfermedad. En quienes los desarrollan, la enfermedad es usualmente leve y puede durar de entre 2 y 7 días. Los síntomas son similares a los del dengue o del chikungunya, que también son transmitidas por el mismo tipo de mosquito. Las complicaciones (neurológicas, autoinmunes) son poco frecuentes, pero se han descrito en los brotes de la Polinesia y Brasil, y más recientemente en otros países de la región. La diseminación del virus en el continente de las Américas permitirá caracterizar mejor esta enfermedad, al tener más experiencia sobre sus síntomas y complicaciones. ¿Cómo se transmite el zika?

El zika se transmite a las personas por la picadura de mosquitos del género Aedes infectados. Se trata del mismo mosquito que transmite el dengue y la chikungunya. Recientemente se ha constatado la transmisión por otras vías, que se describen en las siguientes preguntas. ¿Qué precauciones deberían tomarse para garantizar la seguridad del suministro de sangre en los países con casos de infección por virus de Zika?

Las medidas específicas recomendadas para prevenir la infección por zika deben ser parte de una estrategia global de la sangre basada en las orientaciones contenidas en el Plan de Acción de la OPS para el acceso universal a sangre segura 20142019, para el fortalecimiento de los programas nacionales de sangre.

Estas orientaciones recomiendan: Una buena organización de los servicios de sangre y procesos de concentración.

La implementación de programas de gestión de calidad en toda la cadena de transfusión y la garantía de Buenas Prácticas de Manufactura Garantizar que la donación de sangre sea voluntaria, repetida y de poblaciones de bajo riesgo, y la eliminación de la donación obligatoria de reemplazo.

Asegurar el uso apropiado de la sangre y los componentes sanguíneos Proporcionar la formación continua al personal de los servicios de sangre y a los usuarios de los componentes sanguíneos.

Proporcionar vigilancia de la salud, hemovigilancia y gestión de riesgos.

Lo ideal sería que durante un brote de zika en una región específica, se mantuviera el suministro de sangre incrementando la recolección de sangre en las zonas no afectadas.

En esas zonas, se puede considerar la posibilidad de aplazar la posible donación de sangre de las personas que hayan visitado recientemente las zonas con transmisión activa de la infección por el virus de Zika, hasta 28 días después de su regreso. ¿Qué se puede hacer para prevenir la transmisión sexual?

Todas las personas infectadas por el virus del Zika y sus parejas sexuales, en particular las embarazadas, deben recibir información sobre el riesgo de transmisión sexual, las opciones anticonceptivas y la seguridad de las prácticas sexuales.

Siempre que sea posible, deberán tener acceso a preservativos, y usarlos de forma correcta y sistemática.

A las mujeres que hayan tenido relaciones sexuales sin protección y crean que pueden estar infectadas por el virus, se les debe proporcionar acceso a servicios de anticoncepción de emergencia si no desean quedar embarazadas.

Las parejas sexuales de embarazadas residentes en zonas con transmisión local del virus, o de vuelta de ellas, deberán adoptar prácticas sexuales seguras para evitar la transmisión sexual o suspender las relaciones sexuales durante el embarazo. ¿La madre puede transmitir el zika a su bebé durante el embarazo?

Cada vez hay más evidencias sobre este mecanismo de transmisión.. En estos momentos se están realizando estudios sobre el riesgo de transmisión del virus de la madre al bebé y sus posibles efectos sobre el bebé.

Los servicios de atención médica deben hacer seguimiento a las mujeres embarazadas en general, y en particular a las que presentan síntomas de infección por zika. ¿Cuál es el tratamiento contra el zika?

El tratamiento consiste en aliviar el dolor y la fiebre o cualquier otro

síntoma que cause molestias al paciente. Para evitar la deshidratación producto de la fiebre, se recomienda controlarla, guardar reposo y tomar abundante agua. No hay una vacuna o medicamento específico contra este virus. ¿Puede provocar la muerte?

Antes de la propagación del zika en las Américas, el virus había tenido una distribución geográfica y demográfica muy limitada, sin evidencia de letalidad. Sin embargo, en este brote se han notificado casos en los que las manifestaciones y complicaciones han sido más graves, y han ocasionado el fallecimiento del paciente. ¿Quiénes están en riesgo de contraer zika?

Todas las personas que no han tenido exposición previa al virus que viven en zonas donde el mosquito está presente y se han registrado casos importados o locales, son susceptibles a ser infectadas. Como la especie de mosquitos Aedes se encuentra dispersa en toda la región (con excepción de Chile continental y Canadá), es probable que los brotes se extiendan a otros países donde actualmente no se registran casos. ¿Cómo se puede diagnosticar el zika?

El diagnóstico se basa en los síntomas clínicos y las circunstancias epidemiológicas (brote de zika en el lugar donde vive, viajes a zonas donde circula el virus).

Hay pruebas de sangre que pueden contribuir a confirmar el diagnóstico. Algunas son útiles en los

primeros 3 a 5 días desde el inicio de los síntomas (PCR-virológicas), y hay otras pruebas que detectan la presencia de anticuerpos pero que son útiles sólo después de 5 días (serológicas).

Una vez que se ha demostrado la presencia del virus en una zona o territorio, no es necesaria la confirmación en todos los pacientes, y el uso de los ensayos de laboratorio será ajustado a la vigilancia virológica rutinaria de la enfermedad. ¿Cuál es la diferencia entre el zika, el dengue y el chikungunya?

Todas estas enfermedades presentan síntomas similares, pero algunos permiten sospechar que se trata de una u otra: El dengue presenta fiebre habitualmente más alta, así como dolores musculares más fuertes. Puede complicarse cuando cae la fiebre y se debe prestar atención a los signos de alarma como el sangrado.

El chikungunya, además de una fiebre más alta, el dolor de las articulaciones es más intenso y afecta manos, pies, rodillas, espalda y puede llegar a incapacitar (doblar) a las personas para caminar y realizar acciones tan sencillas como abrir una botella de agua.

El zika no presenta rasgos particularmente característicos, pero en la mayoría de los pacientes se observan erupciones en la piel y en algunos de ellos conjuntivitis. ¿Qué países reportaron casos de zika en las Américas?

El 3 de marzo de 2014, Chile notificó a la OPS/OMS la confirmación de un caso de transmisión autóctona de fiebre por virus del Zika en la isla de Pascua.

La presencia del virus se detectó hasta junio de ese año en esa área.

En mayo de 2015, las autoridades de salud pública de Brasil confirmaron la transmisión de virus del Zika en el nordeste del país. Desde octubre de 2015 hasta la fecha, otros países y territorios de las Américas han reportado la presencia del virus. ¿Qué medidas se deben tomar para prevenir la infección por el virus del Zika?

La prevención consiste en reducir las poblaciones de mosquitos y evitar las picaduras, que suelen ocurrir principalmente durante el día. Con la eliminación y el control de los criaderos del mosquito Aedes Aegypti, disminuyen las posibilidades de que se transmita el zika, el chikungunya y el dengue. Se requiere de una respuesta integral que involucre a varias áreas de acción, desde la salud, hasta la educación y el medio ambiente.

Para eliminar y controlar al mosquito se recomienda: Evitar conservar el agua en los recipientes en el exterior (macetas, botellas, envases que puedan acumular agua) para evitar que se conviertan en criaderos de mosquitos.

Tapar los tanques o depósitos de agua de uso doméstico para que no entre el mosquito.

Evitar acumular basura, y tirarla en bolsas plásticas cerradas y mantener en recipientes cerrados.

Destapar los desagües que pueden dejar el agua estancada.

Utilizar mallas/mosquiteros en ventanas y puertas también contribuye a disminuir el contacto del mosquito con las personas.

Para evitar la picadura del mosquito se recomienda tanto a personas que habitan en zonas donde hay casos como a los viajeros y especialmente a embarazadas:

Cubrir la piel expuesta con camisas de manga larga, pantalones y sombreros Usar repelentes recomendados por las autoridades de salud y aplicar como indica las etiquetas Al dormir durante el día, protegerse con mosquiteros.

Si presenta síntomas de zika, dengue o chikungunya, acuda a un centro de salud. ¿Cuál es la respuesta de la OPS/ OMS en las Américas?

La OPS/OMS está trabajando activamente con los países de las Américas para que puedan desarrollar o mantener la capacidad para detectar y confirmar casos de zika, para que sepan cómo atender a las personas afectadas de esta enfermedad y para que puedan implementar estrategias efectivas para reducir la presencia del mosquito y minimizar la posibilidad de un brote. El apoyo se manifiesta en tres pilares: Prevención: En el control del vector, es decir en cómo trabajar activamente junto con los gobiernos, los socios y las comunidades para eliminar a las poblaciones de mosquitos.

Detección: En fortalecer la capacidad de los laboratorios, para que puedan detectar el virus de manera oportuna (en colaboración con otros centros colaboradores y socios estratégicos).

En monitorear la expansión geográfica del virus, y la aparición de complicaciones y casos graves a través de la vigilancia

de eventos y de la notificación de los países a través del canal del Reglamento Sanitario Internacional.

Respuesta: En elaborar recomendaciones para la atención clínica y el seguimiento de las personas con zika, con colaboración de asociaciones profesionales y expertos de los países.

En asesorar en comunicación de riesgo, para dar respuesta a la introducción del virus en el país.

En la compra de insecticidas y larvicidas para el control de vectores, de medicamentos para la atención de pacientes con complicaciones, y de insumos de laboratorio para diagnóstico, que los países pueden adquirir a través del Fondo Estratégico de la OPS. Para estos tres pilares, se están apoyando iniciativas de investigación de autoridades de salud, instituciones académicas y de investigación, para conocer más sobre las características del virus y su impacto en la salud de las personas y las posibles consecuencias de su infección.

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N

oam Avril Chomsky Nació el 7 de diciembre de 1928 en Philadelphia.

Hijo mayor de William Chomsky, un distinguido erudito judío Ashkenazi nacido en Ucrania que escapó a los Estados Unidos en 1913.

Su madre fue la bielorrusa Elsie Simonofsky.

Su hermano menor, David Eli Chomsky, nació cinco años después que él. Fueron criados en un ambiente judío, aprendieron hebreo y a debatir las teorías políticas de sionismo; ya que su familia estaba influenciada por sionistas de izquierda como Ahad Haam.

Cursó estudios en la universidad de Pennsylvania, donde recibió las influencias de Zellig Harris. Doctorado en 1951, pasó cuatro años en Harvard (1951-55), mas adelante se trasladó a la universidad de Pennsylvania (1955).

Comenzó una larga carrera en la enseñanza en el Instituto de Tecnología de Massachusetts.

Reconocido como uno de los fundadores principales de la gramática transformacional-generativa, un sistema del análisis lingüístico que desafía a lingüística tradicional y relacionada con la filosofía, la lógica, y la psicolingüistica.

El libro Estructuras sintácticas (1957) fue considerado como una revolución en la disciplina de la lingüística.

La teoría de Chomsky sugiere que cada elocución humana tiene dos estructuras: estructura superficial, el combinar superficial de las palabras, y de la “estructura profunda” que son reglas y mecanismos universales.

En términos más prácticos, la teoría discute que los medios para adquirir un lenguaje sean naturales en todos los seres humanos y están accionados tan pronto como un niño comienza a aprender los fundamentos de un lenguaje.

Sus publicaciones lingüísticas más importantes son: Estructuras Sintácticas (1957), Aspectos de la teoría de la sintaxis (1965),The Sound Pattern of English (1968; con Morris Halle), Pensamientos y Lenguaje (1972),The Logical Structure of Linguistic Theory y Reflections on Language (ambas del año 1975). Language and Responsibility (1979) relaciona lengua y política.

Entre los escritos políticos de Chomsky están: El poder americano y sus nuevos mandarines (1969).

Activista político, se caracterizó por sus críticas al capitalismo y a la política exterior de los Estados Unidos.

En 1967, hizo su incursión en el activismo político con la oposición a la participación de Estados Unidos en la guerra de Vietnam y obteniendo reconocimiento gracias a su ensayo The Responsibility of Intellectuals. Asociado con la New Left, fue arrestado en varias ocasiones por su activismo contra la guerra. Chomsky desarrolló un modelo de propaganda crítica en los medios junto a Edward S. Herman.

Tras retirase de la enseñanza, continuó con su activismo dando su apoyo a Occupy y otros movimientos.

Estuvo casado con Carol Schatz Doris desde 1949 hasta su muerte en 2008.

Tuvieron tres hijos: Aviva, Diane, y Harry. En 2014, se casó con Valeria Wasserman.

Obras seleccionadas Lingüística 1957 — Syntactic Structures 1965 — Aspects of the Theory of Syntax

1965 — Cartesian Linguistics 1968 — Language and Mind 1970 — Current Issues in Linguis tic Theory 1972 — Studies in Semantics in Ge nerative Grammar 1975 — Reflections on Language 1977 — Essays on Form and Inter pretation 1980 — Rules and Representations 1981 — Lectures on Government and Binding: The Pisa Lectures 1984 — Modular Approaches to the Study of Mind 1986 — Barriers 1986 - Knowledge of Language: Its Nature, Origin, and Use 1995 — The Minimalist Program Política 1970 - El Gobierno en el Futuro 1984 - La segunda guerra fría 1988 - La quinta libertad 1987 - On Power and Ideology 1990 - Los guardianes de la libertad 1992 - El miedo a la democracia 1997 - La Aldea Global 1997 - Lucha de clases 1997 - El nuevo Orden mundial (y el viejo) 2000 - Actos de agresión 2000 - El beneficio es lo que cuenta 2001 - Perspectivas sobre el poder 2001 - La (Des)Educación 2002 - La Propaganda y la opinión pública 2003 - El triángulo fatal 2003 - La cultura del terrorismo 2004 - Ilusiones de Oriente Medio 2004 - Piratas y emperadores 2007 - Estados fallidos. El abuso de poder y el ataque a la demo cracia 2008 - Intervenciones 2008 - Sobre el anarquismo 2008 - Líbano, desde dentro 2010 - Esperanzas y realidades 2012 - Ilusionistas 2013 - On Anarchism 2015 - Because We Say So

El lingüista Noam Chomsky elaboró la lista de las “10 Estrategias de Manipulación” a través de los medios.

1. La estrategia de la distracción El elemento primordial del control social es la estrategia de la distracción que consiste en desviar la atención del público de los problemas importantes y de los cambios decididos por las élites políticas y económicas, mediante la técnica del diluvio o inundación de continuas distracciones y de informaciones insignificantes.

La estrategia de la distracción es igualmente indispensable para impedir al público interesarse por los conocimientos esenciales, en el área de la ciencia, la economía, la psicología, la neurobiología y la cibernética. ”Mantener la Atención del público distraída, lejos de los verdaderos problemas sociales, cautivada por temas sin importancia real. Mantener al público ocupado, ocupado, ocupado, sin ningún tiempo para pensar; de vuelta a granja como los otros animales (cita del texto ‘Armas silenciosas para guerras tranquilas)”.

2. Crear problemas y después ofrecer soluciones. Este método también es llamado “problema-reacción-solución”. Se crea un problema, una “situación” prevista para causar cierta reacción en el público, a fin de que éste sea el mandante de las medidas que se desea hacer aceptar. Por ejemplo: dejar que se desenvuelva o se intensifique la violencia urbana, u organizar atentados sangrientos, a fin de que el público sea el demandante de leyes de seguridad y políticas en perjuicio de la libertad. O también: crear una crisis económica para hacer aceptar como un mal necesario el retroceso de los derechos sociales y el desmantelamiento de los servicios públicos.

3. La estrategia de la gradualidad. Para hacer que se acepte una medida inaceptable, basta aplicarla gradualmente, a cuentagotas, por años consecutivos. Es de esa manera que condiciones socioeconómicas radicalmente nuevas (neoliberalismo) fueron impuestas durante las décadas de 1980 y 1990: Estado mínimo, privatizaciones, precariedad, flexibilidad, desempleo en masa, salarios que ya no aseguran ingresos decentes, tantos cambios que hubieran provocado una revolución si hubiesen sido aplicadas de una sola vez.

4. La estrategia de diferir. Otra manera de hacer aceptar una decisión impopular es la de presentarla como “dolorosa y necesaria”, obteniendo la aceptación pública, en el momento, para una aplicación futura. Es más fácil aceptar un sacrificio futuro que un sacrificio inmediato. Primero, porque el esfuerzo no es empleado inmediatamente. Luego, porque el público, la masa, tiene siempre la tendencia a esperar ingenuamente que “todo irá mejorar mañana” y que el sacrificio exigido podrá ser evitado. Esto da más tiempo al público para acostumbrarse a la idea del cambio y de aceptarla con resignación cuando llegue el momento.

5. Dirigirse al público como criaturas de poca edad. La mayoría de la publicidad dirigida al gran público utiliza discurso, argumentos, personajes y entonación particularmente infantiles, muchas veces próximos a la debilidad, como si el espectador fuese una criatura de poca edad o un deficiente mental. Cuanto más se intente buscar engañar al espectador, más se tiende a adoptar un tono infantilizante. Por qué? “Si uno se dirige a una persona como si ella tuviese la edad de 12 años o menos, entonces, en razón de la sugestionabilidad, ella tenderá, con cierta probabilidad, a una respuesta o reacción también desprovista de un sentido crítico como la de una persona de 12 años o menos de edad (ver “Armas silenciosas para guerras tranquilas”)”.

6. Utilizar el aspecto emocional mucho más que la reflexión. Hacer uso del aspecto emocional es una técnica clásica para causar un corto circuito en el análisis racional, y finalmente al sentido critico de los individuos. Por otra parte, la utilización del registro emocional permite abrir la puerta de acceso al inconsciente para implantar o injertar ideas, deseos, miedos y temores, compulsiones, o inducir comportamientos…

7. Mantener al público en la ignorancia y la mediocridad. Hacer que el público sea incapaz de comprender las tecnologías y los métodos utilizados para su control y su esclavitud. “La calidad de la educación dada a las clases sociales inferiores debe ser la más pobre y mediocre posible, de forma que la distancia de la ignorancia que planea entre las clases inferiores y las clases sociales superiores sea y permanezca imposible de alcanzar para las clases inferiores (ver ‘Armas silenciosas para guerras tranquilas)”.

8. Estimular al público a ser complaciente con la mediocridad. Promover al público a creer que es moda el hecho de ser estúpido, vulgar e inculto…

9. Reforzar la autoculpabilidad. Hacer creer al individuo que es solamente él el culpable por su propia desgracia, por causa de la insuficiencia de su inteligencia, de sus capacidades, o de sus esfuerzos. Así, en lugar de rebelarse contra el sistema económico, el individuo se auto desvalida y se culpa, lo que genera un estado depresivo, uno de cuyos efectos es la inhibición de su acción. Y, sin acción, no hay revolución!

10. Conocer a los individuos mejor de lo que ellos mismos se conocen. En el transcurso de los últimos 50 años, los avances acelerados de la ciencia han generado una creciente brecha entre los conocimientos del público y aquellos poseídos y utilizados por las élites dominantes. Gracias a la biología, la neurobiología y la psicología aplicada, el “sistema” ha disfrutado de un conocimiento avanzado del ser humano, tanto de forma física como psicológicamente. El sistema ha conseguido conocer mejor al individuo común de lo que él se conoce a sí mismo. Esto significa que, en la mayoría de los casos, el sistema ejerce un control mayor y un gran poder sobre los individuos, mayor que el de los individuos sobre sí mismos.

David Bowie -Creo que un artista ha de ser siempre fiel a los dictados de su corazón.-Hubo un tiempo en que los cantantes de rock nos creímos dioses y pensábamos que íbamos a poder cambiar el mundo.-No creas en ti mismo, no engañes con la creencia.

-El conocimiento viene con la liberación de la muerte.-Se que tengo que ser un hombre diferente, pero es que no puedo encontrar mi tiempo.-El rock se está fosilizando; necesita sangre nueva, y la new wave nacerá de la fusión del rock y la música de baile.-Podemos ser héroes solo por un día.-Solo porque crea no significa que no piense bien las cosas. No hay que cuestionarse todas las cosas en el cielo o en el infierno.-Y cuando el sol está abajo y los rayos en lo alto, puedo verlo ahora, puedo sentir que muero.-

Noam Chomsky -La idea básica que atraviesa la historia moderna y el liberalismo moderno es que el público debe ser marginado. El público en general es visto no más que como excluidos ignorantes que interfieren, como ganado desorientado.-Parte del motivo por el que el capitalismo parece tener éxito es que siempre ha contado con mucha mano de obra esclava, la mitad de la población. Lo que las mujeres hacen -fuera del mundo laboral- no cuenta para nada.-El país se fundó sobre el principio de que el rol primario del gobierno es proteger de la mayoría a la propiedad, y así sigue.-Cuando más logra usted aumentar el miedo a las drogas y el crimen, las madres desamparadas, los inmigrantes y alienados, más controla a toda la gente.-La gente a la que se honraba en La Biblia eran los falsos profetas. Aquellos a quienes nosotros llamamos los profetas era a quienes se encarcelaba y mandaba al desierto, y de allí en más.-Caso tras caso, vemos que el conformismo es el camino fácil, y la vía al privilegio y el prestigio; la disidencia trae costos personales.-

Rubén Darío -El libro es fuerza, es valor, es fuerza, es alimento; antorcha del pensamiento y manantial del amor.-No dejes apagar el entusiasmo, virtud tan valiosa como necesaria; trabaja, aspira, tiende siempre hacia la altura.-Pues si te empeñas en soñar te empeñas en aventar la llama de tu vida.-Aborreced las bocas que predicen desgracias eternas.-Sin la mujer, la vida es pura prosa.-Sin la mujer, la vida es pura prosa.-Juventud, divino tesoro, ¡ya te vas para no volver!

Cuando quiero llorar, no lloro... y a veces lloro sin querer.-

Sergei-Eisenstein.

-Ahora, ¿por qué el cine sigue las formas del teatro y la pintura en lugar de la metodología de la lengua, que permite totalmente nuevos conceptos de las ideas que surgen de la combinación de dos denotaciones concretas de dos objetos concretos?-

-Por ejemplo, en la pintura de la forma surge de los elementos abstractos de la línea y el color, mientras que en el cine la concreción material de la imagen dentro del marco presenta - como un elemento la mayor dificultad en la manipulación.-

Con E dem isenstein onía ca, b , te enfr las te ar en o se fu rías con roco, sin tas a un e fu a p vía lo rápidam sas de s oder ha teatrali d c u e de de aclaman nte en de escritur er nada a ad visua l a , per tecta o su clive ... H en una dhesión r. a influ pelíc ay al encia gu u - Da vid Th actua nos que la. Y t l es m od omso uy d an ifícil

E

isenstein fue un cineasta innovador cuya teoría y la técnica visual estética ayudado a revolucionar el cine como una forma de arte en todo el mundo. Entre sus obras más conocidas son Bronenosets “Potemkin” (El acorazado Potemkin), Aleksandr Nevskii (Alexander Nevsky), e Ivan Groznyi (Iván el Terrible).

A

pesar de su persecución por parte del gobierno soviético, Eisenstein se mantuvo un entusiasta partidario del colectivismo lo largo de su vida.

Todas sus obras buscaba expresar este ideal Soviética y para construir una mitología alrededor de ella. Mientras que algunos críticos descartan Eisenstein como una simple propagandista, la mayoría admite que su enfoque visualmente impactante e intelectualmente complejo para la realización de películas ayudó a elevar el estatus de la imagen en movimiento desde el simple entretenimiento a la forma de arte compleja. Su teoría estética, expresada en sus muchos comentarios por escrito sobre el cine y las artes visuales en general, siguen influyendo en ambos realizadores y críticos.

Сергей Михайлович Эйзенштейн Director ruso nacido el 23 de enero de 1898 en Riga y perecido el 10 de Febrero de 1948 en Moscú.

Realizó estudios de Ingeniería.

No obstante, se hizo tiempo para leer intensamente en ruso, alemán, inglés y francés.

También creó dibujos animados y

estudió arte del Renacimiento en forma autodidacta.

Después de la Revolución Rusa de febrero de 1917, entró como voluntario al ejército, logrando combinar sus tareas en el servicio con los estudios de teatro, filosofía, sicología y lingüística.

En esta época comenzó a actuar en el teatro, cumpliendo además otras funciones como diseñar decorados y vestuarios.

Después de abandonar el ejército en 1920, ganó fama por su trabajo

innovador en la producción The Mexican, adaptada de una historia de Jack London.

A continuación, trabajó en teatro experimental de vanguardia. La idea era contribuir a la revolución, destruyendo todo el arte antiguo y creando uno nuevo y democrático.

Así, recurrió a los medios culturales bajos como el circo, el music hall, los deportes, etc. para educar a las

masas rusas cobre el verdadero espíritu comunista.

Posteriormente, se vio a partir de los trabajos experimentales de montaje de Lev Kuleshov que con el cine se podían crear nuevos significados manipulando el tiempo y el espacio mediante superposición de imágenes.

Convencido de que su deber era contribuir al forjado de la nueva vida para su país, tomó al cine como una de las herramientas más eficientes para la propaganda comunista.

No obstante, si bien HUELGA (1924) es una condena al zarismo, también es una obra de arte renovadora, que capturó la inmediata atención de los realizadores de vanguardia de Rusia, Alemania y Francia.

HUELGA (1924) está repleta de ángulos expresionistas de cámara, reflexiones en espejos y metáforas visuales. En una historia de espías policiales, la cámara misma se convierte en un espía. Su segunda película, la enormemente exitosa e influyente EL ACORAZADO POTEMKIN (1925), demostró que su arte podía ser todavía más poderoso cuando lograba un balance entre las formas narrativas experimentales y las tradicionales.

Si se considera a HUELGA (1924) como un agitado poema despertando emociones en un público receptivo, EL ACORAZADO POTEMKIN (1925), una historia ficticia sobre los trágicos episodios de la Revolución Rusa de 1905, es un trabajo de prosa, altamente emotivo pero claro y lógico en su discurso.

Los primeros planos de los rostros

¡Que viva México! (1930-1932) (Da zdravstvuyet Meksika!)

Unión Soviética/Estados Unidos/México Blanco y Negro.

Una producción de: Upton Sinclair, Mary Craig Sinclair, Kate Crane Gartz, S. Hillkowitz, Otto Kahn y Hunter S. Kimbrough Género: Drama Duración: 90 min. (versión editada en 1977) Sonido: Monoaural Dirección: Serguei M. Eisenstein Asistentes de Dirección: Adolfo Best Maugard y Agustín Aragón Leiva Producción: Upton Sinclair, Mary Craig Sinclair, Kate Crane Gartz, S. Hillkowitz, Otto Kahn y Hunter S. Kimbrough Guión: Sergei M. Eisenstein y Grigory Alexandrov Fotografía: Eduard Tissé Edición: Sergei M. Eisenstein (parte del material original); Grigory Alexandrov y Esfir Toback (versión de 1977) Música: Juan Aguilar y Francisco Camacho Vega (compositores propuestos) Reparto: Martín Hernández Isabel Villaseñor Julio Saldívar Félix Balderas Raúl de Anda David Liceaga Lupita Gallardo Arcady Boytler Maruja Griffel

Sebastián (episodio “Maguey”) María (episodio “Maguey”) Hacendado (episodio “Maguey”) Hermano de Sebastián (episodio “Maguey”) Jinete (episodio “Fiesta”) Matador (episodio “Fiesta”) Cantante en la trajinera (episodio “Fiesta”) Extra (episodio “Fiesta”) Rumbera (epílogo o “Día de muertos”)

Eisenstein llega a México en diciembre de 1930, patrocinado por Upton Sinclair y su esposa Mary Kimbrough Sinclair, y al poco tiempo comenzó a filmar el proyecto.

El material original nunca fue montado. El material filmado ha sido reconstruido por otros bajo los títulos de Thunder Over Mexico, Eisenstein in Mexico, Death Day y Time in the Sun. ¡En 1979 Grigori Aleksándrov, a partir de los storyboards originales de Eisenstein, compiló Da zdrávstvuyet Méksika! (¡Viva México!), una aproximación al montaje que éste planeaba.

Síntesis: Filme en cuatro episodios, más un prólogo y un epílogo.

El prólogo presenta imágenes alegóricas al México prehispánico. El episodio “Sandunga” recrea los preparativos de una boda indígena en Tehuantepec. “Fiesta” desarrolla el ritual de la fiesta brava, mientras que “Maguey” escenifica la tragedia de un campesino victimado por rebelarse en contra de su patrón. “Soldadera” (episodio no filmado) presentaría el sacrificio de una mujer revolucionaria.

El epílogo, también conocido como “Día de muertos”, se refiere al sincretismo de las distintas visiones que coexisten en México alrededor del tema de la muerte.

humanos sufrientes y las botas de los soldados en los ahora legendarios Pasos de Odessa fueron secuencias que generaron tal impacto en el público fuera de URSS, que provocaron choques con la policía en algunos lugares al creerse que se trataba de un noticiero filmado.

A medida que su cine se iba haciendo más complejo, despertó la ira de los ideólogos políticos que querían un arte simple accesible a las masas para ilustrar sobre el Partido Comunista.

OCTUBRE (1928), por ejemplo, comisionada para festejar el décimo aniversario de la Revolución de Octubre de 1917, demoró su estreno ya que todas las secuencias referidas a Trotsky, uno de los líderes de la revuelta, debían ser borradas.

De cualquier manera, las autoridades quedaron disgustadas, ya que, aunque la versión editada se consideró ideológicamente correcta, su estructura confusa y la abundancia de metáforas abstractas, atenuaba su efecto propagandístico y no causaba el mismo impacto que EL ACORAZADO POTEMKIN. Después de OCTUBRE (1928), Eisenstein pudo continuar con su trabajo interrumpido en LA LÍNEA GENERAL (1929), una película para demostrar las ventajas del trabajo colectivo en una aldea.

Sin embargo, Stalin, consideró que la imaginaria surrealista y sofisticado montaje de la obra, que anticipaba a Godard, no eran apropiados y ordenó a Eisenstein y a su co-director Grigori Alexandrov a realizar drásticos cambios. Luego de realizar algunos cortes, viajaron al exterior

para investigar la nueva tecnología de sonido. Durante su ausencia, la película fue estrenada con el título neutro de OLD AND NEW. Mientras tanto, en cada país europeo que visitó fue recibido por los estudiantes radicales y los intelectuales. Se reunió con Joyce, Cocteau, Abel Gance, Marinetti, Einstein, Le Corbusier, y Gertrude Stein, todos muy impresionados por su trabajo.

En Mayo de 1930 Arribó a Estados Unidos, y se dirigió a Hollywood con la esperanza de realizar una película para la Paramount, pero su proyecto fue rechazado. Allí fue muy bien recibido por figuras como Fairbanks, Josef Von Sternberg, Walt Disney y, especialmente, Charles Chaplin, que se convirtió en su íntimo amigo.

Antes de dejar América fue convencido por Robert Flaherty y Diego Rivera para realizar una película sobre México, comenzando en Diciembre de 1930, con el soporte financiero de Upton Sinclair, ¡QUE VIVA MÉXICO!. Por problemas financieros, y por la presión de Stalin que temía su deserción, el proyecto fue cancelado con casi todas las tomas realizadas. Eisenstein nunca más vio las cintas de este rodaje (El proyecto fue completado varios años más tarde, en 1979, por Grigori Alexandrov).

Disgustado y golpeado por las diferencias en el clima político y cultural, sufrió un shock nervioso.

Uno tras otro, sus ideas y proyectos fueron rechazados de pleno. Finalmente, se le permitió trabajar en el que sería su primera película sonora, LAS PRADERAS DE BEZHIN

HUELGA

(1937), que luego será prohibido y parcialmente destruido por las autoridades comunistas. Como si fuera a salvar su vida, realizó ALEXANDER NEVSKY (1938), una película sobre un príncipe ruso del siglo 13 enfrentando a las hordas germanas.

Stachka (Strike)

Fue un deliberado paso atrás en la dirección del teatro antiguo y de aquellas producciones de las cuales Eisenstein era acérrimo enemigo.

De cualquier forma, la película demostró que su director se encontraba en plena forma en varias secuencias, como la famosa escena de la batalla sobre el hielo.

También es significativo su intento de lograr la síntesis entre los elementos plásticos y la música, con la banda sonora de Prokofiev, posiblemente reflejando su admiración por los dibujos animados de Walt Disney.

Año: 1925 Duración: 82 min.

País: Unión Soviética (URSS) Director: Sergei M. Eisenstein

Esta obra tuvo un éxito enorme, siendo premiado su director con la Orden de Lenin el 1 de Febrero de 1939. En 1941 Eisenstein fue comisionado para realizar una película épica a gran escala, glorificando al Zar del siglo 16, Ivan el Terrible.

Esta película constaba de tres partes. La primera, IVAN EL TERRIBLE (1943) tuvo un éxito enorme y Eisenstein recibió el Premio Stalin.

Pero la segunda parte, IVAN EL TERRIBLE, PARTE 2 (1946) mostró a un Ivan muy diferente: un tirano sediento de sangre, inconfundiblemente predecesor de Stalin.

Guion: Sergei M. Eisenstein, Valerian Pletnev, Ilya Kravchunovsky, Grigori Aleksandrov

Naturalmente, IVAN EL TERRIBLE, PARTE 2 fue prohibida y las cintas filmadas de IVAN EL TERRIBLE PARTE 3 fueron destruidas.

Eisenstein fue hospitalizado como consecuencia de un ataque al cora-

Rusia zarista. Los obreros de una importante empresa están descontentos y, después de una reunión, deciden ir a la huelga. El director de la empresa informa de la situación a los responsables políticos y éstos envían a la policía para abortar la huelga. La tensión se dispara cuando un obrero se suicida al ser acusado injustamente de un robo

Música: Película muda Fotografía: Eduard Tissé (B&W) Reparto: Maksim Shtraukh, Grigori Alexandrov, Mikhail Gomorov, Ivan Klyukvin, Aleksandr Antonov, Yudif Glizer, Anatoliy Kuznetsov, Vera Yanukova, Boris Yurtsev Productora: Proletkult Production / Goskino Género Drama | Política. Drama social. Cine mudo. Propaganda Sinopsis:

zón y, aunque logró recuperarse, no se le permitió revisar la filmación de la segunda parte para adecuarla a lo solicitado por la burocracia.

Poco tiempo más tarde, en 1948, murió. IVAN EL TERRIBLE, PARTE 2 fue vista en 1958 en el 60° aniversario de su nacimiento. De la tercera parte sólo ha sobrevivido una escena.

Características de su obra Es fundamental su aportación teórica, como su hipótesis sobre “El montaje de atracciones” donde postula el empleo en el cine de técnicas provenientes del circo y del music-hall. Eisenstein repudiará el montaje clásico, tal como lo concibe Griffith, y derivará sus teorías sobre el montaje del estudio de los ideogramas japoneses, en los que dos nociones yuxtapuestas conforman una tercera como, por ejemplo: Ojo + Agua = Llanto; Puerta + Oreja = Escuchar; Boca + Perro = Ladrar.

El montaje es para él: “Una idea que surge de la colisión de dos piezas, independientes la una de la otra”, Este método le permitirá partir de elementos físicos representables para visualizar conceptos e ideas de complicada representación.

El Movimiento está determinado por la acción y por el montaje. El protagonista en sus obras es la masa, el pueblo. ¡Filmografía El diario de Glumov (1923) La huelga (1924) El acorazado Potemkin (1925) Octubre (1927) La línea general (1929) Que viva México! (inacabada) (1930-1932) El prado de Bezhin (inacabada) (1935-1937) Alexander Nevsky (1938) Iván el Terrible (1943-1945) Iván el Terrible, segunda parte: la conjura de los Bo-

yardos (1948-1958) Iván el Terrible, tercera parte (inacabada) Romance sentimental (Francia, 1930) Trueno Sobre Mexico (1933) Eisenstein En Mexico (1933) Dia de Muerte (1933) Tiempo En El Sol (1940)

in k m e t o P do

a z a cor

El a

N. Poltavseva (Mujer con quevedos), Konstantin Feldman (Estudiante agitador), Beatrice Vitoldi (Mujer con cochecito).

Bronenosets URSS

Potyomkin

(1925)

Duración: 77 Min. Fotografía: Eduard Tisse, Vladimir Popov Guión: Nina Agadzhanova Dirección: Sergei M. Eisenstein Intérpretes: Aleksandr Antonov (Grigory Vakulinchuk), Vladimir Barsky (Comandante Golikov), Grigori Aleksandrov (Oficial Jefe Giliarovsky), Ivan Bobrov (Joven marinero azotado), Mikhail Gomorov (Marinero activista), Aleksandr Levshin (Oficial),

Sinopsis: En junio de 1905 tiene lugar un motín en el acorazado Potemkin debido a las condiciones de vida que tiene que soportar la tripulación.

El pueblo de Odesa, donde hay una huelga general, apoya a los amotinados. Durante una manifestación pacífica en la escalinata de Odesa el ejército zarista abre fuego sin miramientos contra los civiles inde-

El Jurado de la Exposición Internacional de Bruselas otorgó la totalidad de votos al filme. En el I Festival Internacional de Cine Europeo una votación realizada entre 6.000 cineastas eligió ‘El acorazado Potemkin’ como la mejor película europea de todos los tiempos.

fensos. Tras atacar la base de los militares, el Potemkin se adentra en el mar atravesando dos escuadrones que han sido enviados para acabar con él y que se niegan a abrir fuego, constituyendo todo un triunfo para el acorazado.

Para el desarrollo de este argumento, se divide en cinco actos: -Hombres y gusanos -Drama en el Golfo Tendra -El muerto clama -La Escalera de Odesa -Encuentro con la escuadra.

1ª. Parte: Hombres y gusanos

La famosa escena de “El acorazado Potemkin” /1925) en la que los soldados zaristas abren fuego contra los manifestantes en las escaleras de Odessa.

Rusia, 1905. A bordo del Potemkin, varios marineros, Matiushenko y Vakulinchuk, de la organización naval clandestina tratan de atraer a los marineros a la causa de tratar de apoyar a los obreros en su lucha.

Los marineros son humillados por los vigilantes, y además comprueban que la carne que les dan para comer está podrida y llena de gusanos, negando el médico del barco la evidencia.

Pero los marineros rehúsan comerla y compran clandestinamente comida enlatada.

2ª Parte: Drama en el Golfo Tendra El Capitán Golikov los reúne a todos en cubierta y pide que den un paso adelante a quienes gustó la sopa. Lo harán solo los suboficiales, por lo que decide ahorcar a los demás.

Matiushenko reúne entonces a los marineros junto a la torreta de los cañones, pero un grupo se queda apartado y el capitán ordena cubrirlos con una lona y disparar sobre ellos.

Vakulinchuk se dirige entonces a los guardias y les pide que no disparen contra sus hermanos, decidiendo los guardias bajar sus armas. Tras ello pide a los hombres que tomen las armas y acaben con los oficiales.

Tras una dura lucha se harán con el mando de la embarcación, aunque en la refriega cae el propio Vakulinchuk.

3ª Parte: El muerto clama Vakulinchuk es llevado hasta el puerto de Odessa, donde es expues-

to en una tienda de campaña, corriendo su historia de boca en boca por toda la ciudad, que clama venganza.

4ª Parte: La escalera de Odessa Los habitantes de Odessa vitorean a los hombres del Acorazado, y muchas barcas se acercan hasta el mismo para ofrecerles comida fresca.

Aparecen entonces los Cosacos armados y comienzan a disparar indiscriminadamente contra la gente que baja despavorida por la larga escalinata, que se va cubriendo de cadáveres hasta que el Potemkin decide dirigir sus cañones contra el teatro de Odessa, donde se reúne el estado mayor de los generales, logrando así liberar la ciudad.

5ª Parte: Encuentro con la escuadra Saben que su acción supondrá que lancen contra ellos a la Escuadra, pese a lo cual deciden resistir y hacerle frente, preparándose para un desigual combate.

Y cuando llega la Escuadra, los hombres del Potemkin les piden que se unan a ellos. Y poco antes de que comience el combate, los hombres de la Escuadra al grito de “Hermanos” les expresan su solidaridad, deslizándose orgulloso el acorazado entre ellos.

Escribió Walter Benjamin en 1927: “Es una gran película, lograda como pocas. […] Está cimentada con ideología, calculada correctamente en todos los detalles, igual que el arco de un puente. Cuanto más fuertes son los golpes que descargas sobre ella, mejor es el sonido.

Sólo quienes la agiten con las puntas de los dedos enguantadas, esos no oirán ni moverán nada.”

O

CTUBRE , 1917 (1927) Sergei Eisenstein, Grigori Aleksandrov

Sergei M. Eisenstein, Grigori Aleksandrov.

Año 1927.

Con motivo del décimo aniversario de la Revolución de Octubre, esta es la tercera película más importante de Sergei Eisenstein, una maravillosa reconstrucción de los acontecimientos ocurridos desde Febrero hasta Octubre de 1917.

Una película en la que, siguiendo la filosofía comunista, no había personajes principales. La habilidad de Eisenstein y su experiencia se ve en los rápidos movimientos y en el ritmo en el montaje, así como en la construcción de intensas secuencias que no fueron bien entendidas por las tempranas generaciones rusas.

La Pelicula se retrasó en su estreno hasta 1928 debido a la presión de algunos grupos influyentes, y además se cortaron algunas escenas.

Muchos participantes de la revolución tales como los Guardas Rojos, soldados y marineros aparecen en el film, dando buena prueba de la fidelidad que pretende reflejar.

TITULO ORIGINAL: Oktyabr Título en Español: Octubre Título en Inglés: Ten Days That Shook the World aka October Dirección: Sergei M. Eisenstein & Grigori Alexandrov Producción: Jacob Bliokh Guión: Sergei M. Eisenstein & Grigori Alexandrov

Año: 1927 Duración: 103 min País: Rusia Estreno en URSS: 20 de Enero de 1928 Género: Cine Mudo, Clásico, Documental, Histórico Color: Blanco Y Negro Argumento Original: Sobre el Libro de John Reed “Ten Days That Shook The Wold” Fotografía: Vladimir Pilsen, Vladimir Popov & Eduard Tisse.

Montaje: Sergei M. Eisenstein Dirección de Arte: Vasili Kovrigin Música: Edmund Meisel & Dimitri Shostakovich Productora: Amkino Reparto: Vladimir Popov (Aleksandr Kerensky), Vrovasili Nikand (V.I. Lenin), Layaschenko (Konovalov), Chibisov (Skobolev), Boris Livanov (Terestsenko), Mikholyev (Kishkin), N. Podvoisky (Bolchevique), Smelsky (Verderevsky), EduardTisse (Soldado Alemán)...

Octubre (Okjabr) dirigida por Sergei Eisenstein en 1927 es una verdadera obra épica que reproduce los hechos acontecidos durante la revolución bolchevique de Octubre de 1917. Una película que, rodada con motivo del décimo aniversario de la revolución, a pesar de no esconder su apoyo a la revolución rusa trata de mantener una visión objetiva de los hechos.

Esta película trata de conjugar la narración de los hechos con las imágenes simbólicas para conducir psicológicamente al espectador hacia las ideas de Eisenstein.

La película está claramente estructurada en cinco partes que van siguiendo cronológicamente los acontecimientos.

Comienza con una introducción escrita, de unos 3 minutos de duración, donde se describe clara y mi-

nuciosamente la situación previa al estallido de la revolución rusa.

A continuación se muestra la preocupación de la gente por la subida de Bolcheviques y el azote del hambre en la población, situación aprovechada por el gobierno provisional, para obtener sus votos tras la promesa de proveerles de pan y alimentos.

En la última parte de la película se narra la división de los Bolcheviques en dos facciones, una que desea esperar y apaciguar la situación y otra que desea atacar e imponer el nuevo estado socialista en Rusia que pronto se convertiría en la unión soviética. Finalmente gana la segunda facción y la batalla final es librada, llevando a los bolcheviques oficialmente al poder el 25 de octubre de 1917.

En la tercera parte se muestra el implacable avance del general Kornolov hacia Petrogrado. Los proletariados deben defender Petrogrado a toda costa, por ello, hombres, mujeres y niños se unen para liberar a sus camaradas capturados de la prisión, alcanzando el arsenal y aprovisionándose de armas.

Los trabajadores ganan y arrestan a Kornolvov. Después, Lenin y otros líderes Bolcheviques deciden avanzar - la revolución estaba en marcha - era el 10 de octubre el 25 de 1917.

La cuarta parte empieza con el barco Aurora navegando hacia Neve, lleno de soldados listos para atacar.

Los Bolcheviques crean sus propias fuerzas y forman un gobierno provisional.

Los Mencheviques cuentan sólo con un reducido grupo de militantes de los partidos burgueses, unos cosacos que desertan y con las 140 mujeres del Batallón de la Muerte para defender el Palacio de Invierno El gobierno provisional Menchevique seguía unido pero el capital estaba controlado por los trabajadores y los soldados. Es por esto, que en una dramática votación y por voluntad popular los Bolcheviques obtienen el poder.

Charles Chaplin y Billy Wilder consideraban que El acorazado Potemkin era su película favorita.

Buñuel enloqueció el día que fue a verla. Steven Spielberg, Brian De Palma o Francis Ford Coppola han homenajeado la escena de la escalinata en sus películas. ¡Hasta Homer Simpson!

I

IVÁN, EL TERRIBLE

ván Grosny o Iván el Terrible nos habla sobre la vida de este soberano. El film abarca desde el momento de su coronación hasta la muerte de su primo Vladimir y está dividido en dos partes. Aparte de Eisenstein como director, contamos con la valiosa colaboración de Serguéi Sergueiévich Prokófiev para la música.

Prokófiev fue un gran compositor y pianista ruso considerado uno de los principales maestros de la música del siglo XX En el reparto contamos con el indudable trabajo realizado por Nicolai Cherkasov, en el papel principal y que ya había trabajado con Eisenstein en Alexander Nevsky. Ludmila Tselikovskaya interpretó a la zarina Anastasia Romanov; S. Birman in

terpretó a Efrosinia y M. Nazvanov al príncipe Andrei Kurbski, por citar a algunos otros grandes actores de la obra.

Destinada, al igual que Alexander Nevsky, a inculcar al pueblo ruso, amenazado por el imperialismo alemán, un sentimiento de orgullo patriótico, fuerza y confianza, Eisenstein inicia el guión en 1940 y al año siguiente ya tiene el boceto inicial.

No obstante, tardará dos años más en realizar la investigación histórica y en el análisis del personaje para iniciar un proyecto que abarcaría tres épocas: Iván Grosny (el Terrible), La conjura de los boyardos y Las luchas de Iván.

Historico: Iván IV el Terrible, cuyo apodo no puede haber sido mejor fundado. Desde la corta edad de 12 años, Iván disfrutaba torturando animales, arrojando gatos y perros pequeños desde las almenas del Kremlin y observar como se estampaban contra el piso. Actos atroces e inhumanos han sido ordenados por este hombre que llego a ser zar de Rusia.

A la edad de 14 años, Iván ordeno que Andrei Chuiski (jefe de uno de los clanes boyardos más importantes) fuera lanzado a los perros hambrientos.

Otra de sus locuras, luego de la construcción de la Basílica de San Basilio, fue la de quitar los ojos a los arquitectos. De esa manera no podrían proyectar ninguna obra más bella. Un hombre, cuando menos, con mucho carácter.

Pero no se limitaba a matar enemigos políticos y extraños, sino que también lanzó su ira sobre su familia. Un 14 de noviembre, en 1581, mato a bastonazos a su propio hijo. El heredero Iván Ivanovich, sucesor al trono, fallecía asesinado por su propio padre.

para crear un estado fuerte y moderno.

Título original.

Ivan Groznyy I (Ivan The Terrible) Part I Año:

1944

Duración: 100 min.

País: Unión Soviética (URSS) Director: Sergei M. Eisenstein Guión: Sergei M. Eisenstein Música: Sergei Prokofiev Fotografía: Eduard Tissé & Andrei Moskvin (B&W) Reparto: Nikolai Cherkasov, Serafima Birman, Ludmila Tselikovskaya, Mikhail Nazvanov, Pavel Kadochnikov, Mikahil Zharov, Mikhail Kuznetsov, Vsevolod Pudovkin Productora: Mosfilm Studios Género: Drama | Siglo XVI Sinopsis: Terribles fueron las luchas que Iván IV el Terrible, primer zar de Rusia, tuvo que sostener contra sus enemigos del interior y del exterior

En 1547, a los 17 años, Iván es coronado zar en la catedral de Moscú por el patriarca Macario. El apoyo de la Iglesia confirió al acto un prestigio sagrado que sería la base de la autocracia zarista. En el interior, para combatir a los boyardos (la poderosa aristocracia feudal rusa), creó la Oprichnina, milicia muy fiel, gracias a la cual los nobles fueron asesinados o deportados, y sus tierras confiscadas y distribuidas entre los miembros de esta milicia.

Nacía así una nueva aristocracia, tanto feudal como de servicio, que sirvió ciegamente al zar y contribuyó a consolidar su poder. Una vez pacificado el país, el zar acometió una política expansionista hacia el sur (conquista de Kazán y Astrakán) y hacia el este (conquista de Siberia). La expansión hacia el norte, cuyo objetivo era encontrar una salida al mar Báltico, fracasó, en cambio, completamente.

Sinopsis: Rusia, siglo XVI. Segunda parte: Iván el Terrible vuelve a Moscú, donde los boyardos (nobles terratenientes rusos) siguen conspirando contra él y consiguen incluso el apoyo de la tía del Zar, que quiere ver a su hijo (un incapacitado mental) sentado en el trono y convertido en cabeza de la Iglesia rusa, la cual, mientras tanto, acusa a Iván de herejía.

Título original: Ivan Groznyy II: Boyarsky zagovor (Ivan The Terrible) Part II Año: 1958 Duración: 88 min.

País: Unión Soviética (URSS) Director: Sergei M. Eisenstein Guión: Sergei M. Eisenstein Música: Sergei Prokofiev Fotografía: Eduard Tissé & Andrei Moskvin (B&W) Reparto: Nikolai Cherkasov, Serafima Birman, Ludmila Tselikovskaya, Mikhail Nazvanov, Pavel Kadochnikov, Mikahil Zharov, Mikhail Kuznetsov Productora: Mosfilm Studios Género: Drama | Secuela. Siglo XVI

Pero el Zar se adelanta al complot urdido contra él y elimina a sus enemigos con astucia y terrible dureza.

Iván el Terrible, tercera parte es una película rusa incompleta dirigida por Serguéi Eisenstein, preparada como la última parte de la trilogía iniciada con Iván el Terrible, y continuada con Iván el Terrible, segunda parte, sobre la vida del Zar Iván IV de Rusia, más conocido como Iván el Terrible.

Iván el Terrible, tercera parte se comenzó a filmar a mediados de 1946, poco después de completarse el rodaje de la segunda parte, Iván el Terrible, segunda parte, en ese mismo año. La tercera parte iba a llevar el subtitulo de “Las Batallas de Iván”, y el argumento del film recalcaría la imagen del Zar como Jefe militar y estratega. También otro personaje adquiriría algo de protagonismo, el joven Piotr Volinetz, encarnado por el adolescente Vladímir Balashov.

Eisenstein llevaba filmados solo 800 metros de película, pero la controversia que había causado el segundo filme, criticado o desaprobado por varias de las altas figuras del Gobierno soviético que lo habían visto antes de su estreno -incluyendo a Iósif Stalin, a quien le desagradó el cambio de enfoque sobre las acciones del protagonista-, llevó a que se censurara la segunda parte (postergando su estreno) y se parara la producción de Iván el Terrible, tercera parte en ese año, entrando en un hiato indefinido.

En 1948 fallece Eisenstein, dejando su obra inacabada. En 1958, durante el gobierno de Nikita Jruschov, Iván el Terrible, segunda parte es finalmente estrenada.

Filmografía

Eisenstein y Stalin El 25 de febrero de 1947, Eisenstein mantuvo un tenso debate con Stalin, Mólotov y Zhdánov sobre la segunda parte de Iván el Terrible.

Eisenstein: ¿Querría darme alguna indicación especial sobre la película?

Stalin: No le estoy dando indicaciones, sólo me limito a expresar la opinión del público.

Zhdánov: Creo que la fascinación del camarada Eisenstein por las sombras distrae al espectador de la acción, al igual que su fascinación por la barba de Iván. El zar levanta la cabeza demasiado a menudo para enseñarla.

Eisenstein: Les prometo que barba de Iván será más corta.

(Recogido en Ronald Bergan, Sergéi Eisenstein, una vida en conflicto. Alba Editorial, Barcelona, 2001

El diario de Glúmov (1923) La huelga (1924) El acorazado Potemkin (1925) Octubre (1928) La línea general (1929) ¡Que viva México! (inconclusa) (1930-1932) El prado de Bezhin (inconclusa) (1935-1937) Alejandro Nevski (1938) Iván el Terrible (1943-1945) Iván el Terrible, segunda parte: la conjura de los Boyardos (1948-1958) Iván el Terrible, tercera parte (inacabada) Romance sentimental (Francia, 1930) Trueno sobre México (1933) Eisenstein en México (1933) Día de muerte (1933) Tiempo en el sol (1940)

B

owie fue un artista en permanente revolución. Desafió todas las convenciones en la música, la moda y hasta la sexualidad.

Fue más que la voz de una generación. Su imaginación y su talento marcaron la segunda mitad del siglo XX. “Lo que hago es muy sencillo, es solo que mis elecciones son muy diferentes de las de otras personas”.

D

avid Bowie, también conocido como Ziggy Stardust, Aladdin Sane, Tao Jones, Halloween Jack, John Merrick y Think White Duke, se llamaba, en realidad, David Jones.

Actor y cantante pop británico.

Artista camaleónico, mutó varias veces de estilo y recogió múltiples influencias, sobre todo de la psicodelia y el punk, que le hicieron adoptar en los años setenta un provocativo aspecto andrógino, anticipándose a personajes como Boy George.

Trabajó junto a artistas de la talla de Mick Jagger, Iggy Pop, John Lennon o Brian Eno, y colaboró con jóvenes artistas, a cuya fama contribuiría notablemente, como es el caso de Lenny Krawitz. Ziggy Stardust

(1972) o Let’s dance (1983) son algunos de los discos míticos de su carrera, jalonada siempre por el éxito y la polémica.

También fueron frecuentes las incursiones de Bowie en el mundo cinematográfico; su película más celebrada es Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983), de Naghisa Oshima.

Su nombre de pila era David Robert Jones. Nació en Brixton, Londres, el 8 de enero de 1947. (Su cumpleaños coincide con el de Elvis Presley).

Su madre, Margaret Mary Burns, de Kent, trabajó como camarera, mientras que su padre, Haywood Stenton Jones, de Yorkshire, trabajó para Barnardo, una organización benéfica dedicada a niños y jóvenes.

Bowie asistió a la Stockwell Infants School hasta los seis años.

En 1953 la familia se trasladó a las afueras de Bromley, e ingresó en la Burnt Ash Junior School.

David Bowie comenzó su carrera cantando y tocando el saxofón en pequeños locales y también en institutos, con músicos aficionados como The Manish Boys, David Jones & The King Bees o Lower Third.

A finales de la década de 1960 comenzó a grabar sus primeros sencillos, que luego se integrarían en su primer álbum, David Bowie (1967).

Se interesó además por el teatro, llegando a formarse como mimo y actor con Lindsay Kemp, una influencia que se dejaría notar más tarde en sus actuaciones.

En 1969 grabó el álbum Man of Words/Man of Music, en el cual se incluía el single “Space Oddity”, que llegaría al puesto cinco de las listas

en el Reino Unido. Después de realizar actuaciones en diversos países, entabló amistad con el que se convertiría en su nuevo mánager, Toni De Fries.

El elemento electrónico estaba cada vez más presente en su música, a través del uso recurrente de sintetizadores y de la manipulación de su voz en los temas.

En 1970 y 1971 publicó los álbumes The Man Who Sold The World y Hunky Dory, en los que ofreció una provocativa imagen andrógina, en consonancia con el glam, la tendencia que dominaba en aquel momento el rock británico.

Esto queda patente en álbumes como Station to Station (1976) y Low (1977), en el que inició su asociación con el músico y productor Brian Eno. Bowie evolucionaba hacia un personaje de aspecto frío y distante, envuelto en largos abrigos de cuero, lo que le valdría el sobrenombre de El Duque Blanco.

A partir de 1972 empezó el gran ciclo de transformaciones que caracteriza su personalidad camaleónica: en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars encarna a una estrella bisexual del rock procedente de otro planeta.

Esta tendencia a la ambigüedad continuaría en Aladdin Sane (1973), su siguiente trabajo. Ese mismo año Bowie posó junto a la modelo Twiggy en la portada de Pinups, una compilatorio de algunas de las mejores canciones del rock de los 60, y apareció desnudo en la carpeta de su álbum Diamond Dogs (1974).

Las canciones de Bowie generaban una atmósfera futurista, obsesiva, donde daba cabida a breves guiños dirigidos al rock estadounidense y desarrollaba profundas y densas secuencias por las que desfilaban personajes orwellianos (el Gran Hermano de la novela 1984, de George Orwell), arquetipos de una modernidad decadente o personajes que parecen surgidos del género gótico.

En Gran Bretaña las críticas a este último álbum fueron duras, y Bowie decidió dar un giro a su carrera, adoptando una imagen personal

Se incluyó a Bowie en el Salón de la Fama del Rock en 1996. Debido a su perpetua reinvención, su influencia continúa ampliándose y extendiéndose: el crítico musical Brad Flilicky expresó que, a lo largo de las décadas, «Bowie empezó a ser conocido como un camaleón musical, cambiando y dictando tendencias, alterando su estilo para encajar», influyendo sobre la moda y la cultura pop en un grado.

más sobria e introduciendo la música disco y el soul como influencias estilísticas en sus composiciones.

Se lanzó a la conquista del mercado estadounidense con el álbum Young Americans (1975), que ascendió al primer puesto de las listas de ventas.

Con el respaldo de Andy Warhol, con el que trabó gran amistad, su popularidad creció rápidamente.

En esta segunda mitad de la década de 1970 Bowie continuó experimentando con nuevos sonidos.

Heroes (1977) ofrecería estructuras y sonidos aún más densos y complejos. En los años siguientes, y todavía con Eno, Bowie grabó Stage (1978), álbum en vivo resultado de su gira de aquel año, y Lodger (1979), que señalan su vuelta hacia un rock fresco, original y de sencilla comercialización, aunque enriquecido por todas las innovaciones de la etapa anterior.

Con Scary Monsters (1980), que seguía esta misma tendencia, terminó otra etapa de su carrera.

Bowie emprendió en ese momento su periodo de mayor éxito comercial, pero también el de más críticas adversas por parte de los especialistas, que le achacaban un empobrecimiento musical.

En Let’s Dance (1983) y Tonight (1984) compaginó temas herméticos con baladas que le facilitarían la colaboración con otros artistas, como Iggy Pop, Queen, Tina Turner y Mick Jagger.

Su enorme éxito se vio favorecido por sus trabajos para el cine. En 1986 compuso la banda sonora de Dentro del Laberinto, filme dirigi-

do por Jim Henson y producido por George Lucas, donde además interpretaba uno de los papeles protagonistas.

Ya atesoraba una extensa trayectoria como actor en otros filmes anteriores, como The Man Who Fell To Earth (1976, de Nicolas Roeg), Gigoló (1979, de David Hemmings), El ansia (1983, de Tony Scott), Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983, de Nagisa Oshima) o Cuando llega la noche (1985, de John Landis).

Su siguiente trabajo fue Never Let Me Down (1987). Tras un periodo (1989-91) en el que trabajó con la banda Tin Machine, Bowie retomó su carrera en solitario con Black Tie White Nose (1993).

Casado con la modelo Iman, comenzaba una nueva y fructífera etapa musical.

Con Outline (1995), Bowie volvió a transformarse (esta vez adoptaría la identidad de un detective en una urbe futurista) y recobró, con sonoridades de su época con Eno, su preeminencia en la vanguardia del rock. Earthling (1997), Hours (1999), Heathen (2002), Reality y Club Bowie (2003) son algunos de sus trabajos posteriores.

Una grave operación de corazón le obligó a cancelar su gira europea de 2004, y aunque consiguió recuperarse de la misma, no volvió a

actuar en directo. Prosiguió sin embargo su labor musical en los estudios, editando nuevos discos como The Next Day (2013) y Black Star (2016), cuyo lanzamiento precedió en dos días a su muerte.

Cambió el nombre a Bowie para evitar ser confundido con Davy Jones del grupo musical Monkees.

El primer hit the Bowie en Reino Unido –Space Oddity, de 1969- fue usado por la BBC para la cobertura de la llegada a la Luna.

E La n 19 ug 6 con hing 7 lan sid Gn zó a era om l m n c e”, e om qu rcad o l e m o su a gra peo ucho solo bad r qu s afi “Th e ja cio o e má nad s h os aya

Admisibles Canciones iconos.

LIZA JANE (1964).

SPACE ODDITY (1969).

HEROES (1977).

Fue la primera grabación en ser editada en un Sencillo por David Bowie, pero bajo el nombre Davie Jones with lthe King Bees. fueron grabadas en apenas siete horas.

«rareza espacial»- Canción estrella del segundo álbum de David Bowie, siendo una de las obras cumbre del músico británico. Editada como sencillo en 1969, narra el lanzamiento al espacio del Mayor Tom.

E el duodécimo álbum del músico y compositor británico David Bowie, viajo hasta Berlín para mutar en forma y fondo y ofrecer una de las trilogías: ‘Berlin Trilogy’ más famosas del rock con los discos :

En la odisea del astronauta, Bowie canta la sensación desoladora y alucinante de flotar en el espacio dentro de una ínfima cajita de lata desconectado de toda comunicación con la tierra. Supuestamente lanzada para coincidir con el aterrizaje en la Luna del Apolo 11, aparece en el álbum Space Oddity.

‘Low’ (1977)

Este acontecimiento tuvo lugar en 1964 cuándo Bowie tenía 17 años. La cara B del sencillo era la canción “Louie, Louie Go Home” de Paul Revere and The Raiders.

Ambas canciones del sencillo fueron grabadas en una sesión de siete horas en Decca Studios en Broadhurst Gardens, West Hampstead.

La canción fue utilizada por la BBC en su cobertura del alunizaje.

‘Heroes’ (1977) ‘Lodger’ (1979).

Años junto a Brian Eno, Iggy Pop.

Discografía:

LET’S DANCE (1983).

Bowie siempre supo sonar a su tiempo.

Su single ‘Let’s Dance’ de 1983 es ochentero a más no poder, totalmente diferente a sus éxitos de los setenta, pero igualmente exitoso a nivel masivo.

En su llamado período comercial, Bowie cambia de discográfica (hasta la fecha había sido RCA), firmando un contrato multimillonario con EMI. Fue su disco más vendido y producido por Nile Rodgers de la banda Chic.

La canción homónima del álbum se convirtió en uno de los más grandiosos sencillos con éxito, llegando al número 1 en el Reino Unido, los EE. UU. y varios otros países.

El influjo de la electrónica que dominó el segundo lustro de los noventa llegó también hasta David Bowie, quien facturó valientes discos como Earthling (1997), Hours (1999), Heathen (2002) y Reality (2003).

Su torrente creativo parecía inagotable, pero ahí quedó la cosa, en la más desconsoladora nada, hasta su regreso triunfal de 2013 con The Next Day. 2016 nos entregó este álbum: Blackstar (estilizado como ) es el vigésimo quinto y último álbum de estudio del músico británico David Bowie, publicado por la compañía discográfica Sony Records el 8 de enero de 2016, coincidiendo con el 69º cumpleaños del artista y dos días antes de su fallecimiento.

Blackstar fue anunciado por el propio Bowie en su página web el 25 de octubre de 2015 mediante una nota de prensa en la que se revelaba tanto la fecha de lanzamiento del álbum como la del primer single, «Blackstar».

1967: David Bowie 1969: Space Oddity 1970: The Man Who Sold the World 1971: Hunky Dory 1972: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars 1973: Aladdin Sane 1973: Pin Ups 1974: Diamond Dogs 1975: Young Americans 1976: Station to Station 1977: Low 1977: “Heroes” 1979: Lodger 1980: Scary Monsters (and Super Creeps) 1983: Let’s Dance 1984: Tonight 1987: Never Let Me Down 1993: Black Tie White Noise 1995: Outside 1997: Earthling 1999: Hours...

2002: Heathen 2003: Reality 2013: The Next Day 2016: Blackstar

Bowie ha puesto la música en un total de 452 títulos, entre películas, series o incluso videojuegos, sus dotes interpretativas están plasmadas en al menos 20 películas.

En las cintas ha interpretado a personajes históricos como Poncio Pilato o Nikola Tesla, otros mas irreverentes como rey Jareth en la más representativa de sus filmes, “Dentro del Laberinto”.

‘El hombre que cayó a la tierra’ (‘The Man Who Fell to Earth’, 1976) Un extraterrestre viene a la Tierra con forma humana con la intención de conseguir agua para su propio planeta, que está moribundo. Una vez aquí, y dada su inteligencia superior, el alienígena comienza a escalar social y financieramente para conseguir su propósito.

Durante la Segunda Guerra Mundial el soldado británico Jack Celliers (David Bowie) llega a un campo de prisioneros japonés.

El comandante del campo cree firmemente en valores como la disciplina, el honor y la gloria. En su opinión los soldados aliados son cobardes al entregarse en vez de suicidarse. Uno de los prisioneros trata de explicar a sus compañeros la forma de pensar de los japoneses, pero éstos le consideran un traidor.

Mientras sus cuadros eran adquiridos por importantes museos y coleccionistas privados, él, incapaz de digerir un éxito tan fulgurante, se sumergió en el mundo de las drogas. Adicto a la heroína, murió de una sobredosis a los 27 años

‘El ansia’ (‘The Hunger’, 1983)

‘Zoolander’ (2001).

Miriam Blaylock colecciona no sólo arte del Renacimiento y colgantes del Antiguo Egipto sino, sobre todo, amantes y almas. Moderna y elegante, Miriam es un vampiro intemporal residente en Manhattan, una mujer bendecida con la belleza y maldecida con su sed de sangre.

Derek Zoolander (Stiller) ha sido el modelo masculino más cotizado durante los últimos tres años. La noche de la gala que podría suponer su cuarta corona, el galardón se lo lleva un nuevo modelo llamado Hansel (Wilson). Derek queda en entredicho y como un idiota, y decide retirarse. Sin embargo, un prestigioso diseñador le pide que desfile para él.

‘Dentro del laberinto’ (‘Labyrinth’, 1986) Senjo no Merry Christmas (Merry Christmas Mr. Lawrence).

Tras ser descubierto por Andy Warhol a principios de los 80, sus exposiciones se convirtieron en un acontecimiento dentro del mundo artístico neoyorquino.

Sarah debe recorrer un laberinto para rescatar a su hermano pequeño, que ha sido secuestrado por unos duendes y está en manos del poderoso rey Jareth. La niña descubre inmediatamente que ha llegado a un lugar donde las cosas no son lo que parecen. Dirigida por el creador de los Teleñecos. El guionista es Terry Jones, George Lucas es el productor ejecutivo y Frank Oz el animador.

‘Basquiat’ (1996) Biografía de Jean-Michel Basquiat, un joven pintor vanguardista que pintaba graffitis en Brooklyn y llegó a ser uno de los personajes más controvertidos y famosos de la pintura contemporánea mundial.

‘El truco final: El prestigio’ (‘The Prestige’, 2006) En Londres, a finales del siglo XIX, cuando los magos eran los ídolos más aclamados, dos jóvenes ilusionistas se proponen alcanzar la fama.

El sofisticado Robert Angier (Hugh Jackman) es un consumado artista, mientras que el tosco y purista Alfred Borden (Christian Bale) es un genio creativo, pero carece de la habilidad necesaria para ejecutar en público sus mágicas ideas.

Al principio son compañeros y amigos que se admiran mutuamente.

Sin embargo, cuando el mejor truco ideado por ambos fracasa, se convierten en enemigos irreconcilia-

bles: cada uno de ellos intentará por todos los medios superar al otro y acabar con él. Truco a truco, espectáculo a espectáculo, se va fraguando una feroz competición que no tiene límites.

Datos: vida personal.

•En su tiempo libre, Bowie dibujaba, pintaba, esculpía y escribía. Sus artistas favoritos eran Tintoretto, John Bellany, Erich Heckel, Picasso y Michael Ray Charles.

•En el año 2000 se rehusó a recibir el CBE, que es un galardón que otorga la reina Isabel II, y un título de caballero en 2003.

•Se casó con la supermodelo somalí Iman en 1992. Concibieron una hija, Alexandria Zahra Jones, nacida en 2000.

•Terry, el medio hermano de Bowie, era esquizofrénico y se suicidó en 1985. Éste inspiró varias canciones de Bowie como “Aladdin Sane”, “All The Madmen”, “The Bewlay Brothers” y “Jump They Say”.

•En 2004, Bowie fue sometido de emergencia en Alemania a una cirugía de corazón para tratar una arteria bloqueada.

«Starman» es un sencillo del cantante y compositor David Bowie, publicado en abril de 1972. La canción también se añadió a última hora al álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.

“Starman”

Hombre de las estrellas

Didn’t know what time it was and the lights were low I leaned back on my radio Some cat was layin’ down some rock ‘n’ roll ‘lotta soul, he said

No sabía qué hora era y había poca luz Me apoyé en mi radio (apoyo en sentido psicológico) Algún tipo estaba tocando rock and roll con un montón de sentimientos Entonces, el sonido alto pareció desvanecerse Volvió como una voz lenta en forma de onda de fase No era ningún D.J. aquello era un nebuloso cósmico.

Then the loud sound did seem to fade Came back like a slow voice on a wave of phase That weren’t no D.J. that was hazy cosmic jive [CHORUS] There’s a starman waiting in the sky He’d like to come and meet us But he thinks he’d blow our minds There’s a starman waiting in the sky He’s told us not to blow it Cause he knows it’s all worthwhile He told me: Let the children lose it Let the children use it Let all the children boogie I had to phone someone so I picked on you Hey, that’s far out so you heard him too!

Switch on the TV we may pick him up on channel two Look out your window I can see his light If we can sparkle he may land tonight Don’t tell your poppa or he’ll get us locked up in fright

Hay un starman (hombre de las estrellas) esperando en el cielo Le gustaría venir y encontrarse con nosotros Pero cree que nos haría volar (en el sentido de destruír) las mentes Hay un starman esperando en el cielo Nos dijo que no las haría volar Porque sabe que es todo lo que vale la pena Él me dijo: deja a los niños perderla (la mente) Deja a los niños usarla (la mente) Deja a los niños boggie (bailar) Tuve que telefonear a alguien, así que te cogí a ti Ei! Esto es tan chachi! (estupendo), lo oíste tú también!

Enciende la tele, quizá podamos pillarlo en el canal 2 Mira por tu ventana, puedo ver su luz Si nosotros podemos brillar, quizá pueda aterrizar esta noche No se lo digas a papá o nos encerrará en el miedo

[CHORUS (x2)] La, la, la, la, la, la, la, la

Resaltamos la obra del los personaje, no sus vidas privadas.

r Po n Be Por quĂŠ permitimos desvalorizarnos ante situaciones diarias, como ejemplo en los trabajos.

No desprestigiemos las dependencias (gubernamentales o asociaciones, etc.) ni las condenemos, hay que conocerlas y usarlas a nuestro favor. Conozcamos nuestros derechos y ejercerlos.

En un gran nĂşmero de veces, es desconocimiento de nuestros derechos como personas y humanos que somos. Ejerce tus derechos, GRITA Y EXIGELOS, solo asĂ­ produciremos cambios e n las sociedades para un beneficio social.

E

l concepto de que los seres humanos debemos gozar de derechos esenciales y comunes ya se podía encontrar en algunas de las antiguas civilizaciones, recordando que en muchas religiones, como el cristianismo y otras se proclamar que todos los hombres son iguales ante Dios.

No obstante el concepto de Derechos Humanos, tal y como se considera comúnmente, tiene su origen en la cultura occidental moderna y surge a finales del siglo XVIII, momento en el que se produjeron declaraciones de derechos en dos lugares muy precisos del mundo: en la colonia inglesa de América, que muy pronto se convertiría en un país independiente, los Estados Unidos, y en el Francia, que se encontraba a punto de transformarse en República, tras su revolución que termino con el régimen monárquico.

La Declaración de Independencia de los Estados Unidos (Filadelfia, 4 de julio de 1776), contenía una exposición bastante cercana a la noción moderna de los Derechos Humanos: igualdad de todos los hombres, separación de poderes, poder al pueblo y a sus representantes, libertad de prensa, poder militar subordinado al civil, derecho a la justicia o libertad de culto religioso.

La traducción de esta Declaración a la lengua francesa tuvo influencia en la elaboración de la Declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano (París, 1789) realizada en plena Revolución Francesa, de tal forma que el comienzo de su artículo primero es desde entonces un

punto de referencia para el inicio de toda declaración relativa a los Derechos Humanos: Los hombres nacen y permanecen libres e iguales en derechos.

La Declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano, además de enunciar una serie de principios fundamentales de orden político, atribuye a los pueblos y a los individuos unos derechos permanentemente actuales: el derecho a la resistencia contra la opresión (artículo 2), la presunción de inocencia (artículo 9), la libertad de opinión y de religión (artículo 10), la libertad de expresión (artículo 11) o el derecho a la propiedad (artículo 17), entre otros.

En 1948, la Asamblea General de las Naciones Unidas adoptó la Declaración Universal de Derechos Humanos, la cual representa “un estándar común a ser alcanzado por todos los pueblos y naciones”. ¿Qué son los derechos humanos?

Los derechos humanos son “el reconocimiento de la dignidad inalienable de los seres humanos”. Libre de discriminación, desigualdad o distinciones de cualquier índole, la dignidad humana es universal, igual e inalienable.

“Todos los seres humanos nacen libres e iguales en dignidad y derechos”.

Más allá del concepto mismo, los derechos humanos son expresados y definidos en textos legales, lo cuales buscan garantizar la dignidad de los seres humanos y hacerla realidad.

El origen de la Declaración Universal de Derechos Humanos.

La filosofía de los derechos humanos comenzó con la Ilustración. En El Contrato Social, Rousseau buscaba “una forma de asociación … en la cual cada uno, uniéndose a todos, no obedezca sino a sí mismo y permanezca tan libre como antes”.

El texto de la Declaración Universal de Derechos Humanos de 1948 está inspirado en el texto de la Declaración de Derechos del Hombre y del Ciudadano de 1789.

Luego de los horrores de la Segunda Guerra Mundial, la comunidad internacional decidió bosquejar una carta de derechos que afirmara los valores defendidos en la lucha contra el fascismo y el nazismo.

El armado de dicha carta fue confiado a un comité presidido por Eleanor Roosvelt y compuesto por miembros de 18 países.

La Carta fue redactada por el canadiense John Peters Humphrey y revisada luego por el francés René Cassin.

El texto final es pragmático, resultado de numerosos consensos políticos, de manera tal que pudiera ganar una amplia aprobación.

“Se debe, pues, considerar tirano a todo gobernador,

o como quiera que se titule que no tiene la ley como regla sino su voluntad propia y cuyos mandamientos y actos no están dirigidos hacia la preservación de las propiedades de su pueblo sino hacia la satisfacción de su propia ambición, de sus venganzas personales, de su codicia o de alguna otra pasión semejante.”

(John Locke)

John Locke fue un filósofo, médico, químico, biólogo, político y economista inglés, considerado uno de los mayores representantes del empirismo y el padre del liberalismo político.

John Locke se oponía a la utilización de la violencia por parte del docente y propugnaba el aprender jugando, considerando que el educador debía alentar y favorecer el desarrollo de esquemas propios por parte del alumno, acompañándolo en el desarrollo de sus cualidades individuales.

Refleja el incremento en quejas por violaciones a derechos humanos, especialmente en el tema de derechos laborales.

Fundador del empirismo moderno y defensor de la libertad, el pensamiento de John Locke resultó revolucionario e influyó fuertemente en los economistas clásicos ingleses.

Por Alix - Shopie - Kim - Francis OQUICEHUI QUIAUTLI NOTLIU

La familia más sureña del tronco lingüístico yutonahua es la familia náhuatl.

Esta es la familia de lenguas indígenas con más hablantes en México, más de un millón y medio. El nombre “náhuatl” proviene de una raíz nahua ([nawa]) que significa ‘sonido claro’ u ‘orden’.

La familia náhuatl es conocida mundialmente por causa de los aztecas o mexicas, quienes vivieron en México-Tenochtitlán (el centro de la actual ciudad de México) en los siglos XV y XVI, y constituyeron la civilización dominante en Mesoamérica hasta la conquista española.

Opeu xopaniztli ihuan tlacame pehuan tequipanohuan pehua’ xopaniztli ihuan pehua’ quiahui’ nochime tlacame yahue’ ihuan tequipanohuan cuican inau cuican intlaxcal ihuan tehua’ ticuica’ zan ce’ tlaxcah1i’ aman oyecoc xopaniztli ihuan opeu quiahui’ quiahui’ catonahli quiahui’ cayehuali aman nochi’ cuhxiuhtli ihuan cuhte pehuan itzmolinin ihuan nochime in yopilincan opeu quiahui’ ihuan xopaniztli aman nochi’ xoxohuia’ ihuan tlacame tlacuan itlampa cuhte in tlacame tlatlatian itlampa cuhte quiahui’ ihuan tlacame quicuan tlaxcahli cecee pampa quiautli oquincecehuili intliu quiautli’ oquicecehui nochi’ tecohli’ ihuan tehua’ oticcehui notliu quiahui’ quiahui’ ihuan quiautoc ihuan cocone nahuiltian itlampa quiautli’ cocone nopaltilian itlampa quiautli’ nochime tlacame tequipanohuan ihuan cocone nohuapahuan aman tehua’ ihcon timohuapahua’ quiautli’ nochi’ cue1quihuapahua’ ihuan nochi’ hue1quicehuia’ quen tehua’ nochi’ hue1tic-huapahua’ ihuan nochi’ huelticcehuia’ opeu xopaniztli ihuan opeu quiahui’ ihuan nochime tlacame opeu tequipanohuan quiautli’ nochi’ oquicehui ihuan nochi’ oquixoxohuili aman nochi’ xoxohqui’ ihuan nochi’ ceutoc ihuan tehua’ oticcehui notliu.

Traducción APAGÓ LA LLUVIA MI FOGATA Comenzó el tiempo de las lluvias y los hombres comenzaron a trabajar. todos los hombres van a trabajar, llevan sus bebidas, llevan sus tortillas y tú llevas una sola tortilla.

Ahora empezó el tiempo de las lluvias y empezó a llover. llueve de dia, llueve de noche.

Ahora todo retoño y árbol empiezan a revestirse de verde y todos ellos ya estaban marchitos; empezó a llover y comenzó tiempo de las lluvias, ahora todo reverdece. y los hombres comen bajo los árboles y los hombres hacen su fogata bajo los árboles.

Llueve y los hombres comen tortilla fría, porque la lluvia apagó sus fogatas; la lluvia apagó todas las brazas y tú apagaste mi fogata.

Llueve, llueve y está lloviendo y los niños juegan bajo la lluvia, los niños se empapan bajo la lluvia.

Todos los hombres trabajan y los niños se crian; ahora, tú, así te desenvuelves; la lluvia todo puede criar y todo puede apagar.

Como tú, que puedes hacer que todo se desenvuelva y puedes apagarlo todo.

Comenzó el tiempo de las lluvias y comenzó a llover y todos los hombres comenzaron a trabajar.

La lluvia apagó todo y todo 10 reverdeció; ahora todo está reverdecido y todo está apagado; tú has apagado mi fogata.

El síndrome de la rana hervida es común a todas las personas, todo el mundo ha sufrido y sufre de este síndrome, nadie escapa al hecho de adaptarse a una situación que supone un malestar.

Olivier Clerc escritor y filósofo francés escribió con un lenguaje sencillo y comprensible la fábula de “La rana que no sabía que estaba hervida” en la que muestra enseñanzas muy va-liosas que pueden ser utilizadas en diversos contextos.

Esta fábula está basada en una ley física real: Si la velocidad de calentamiento de la

Una cacerola llena de agua fría en la que una pequeña rana está nadando.

Se enciende un pequeño fuego que va calentando el agua lentamente.

Poco a poco, el agua se va poniendo tibia.

La rana encuentra la situación muy agradable y sigue nadando muy a gusto.

La temperatura del agua va subiendo…, empieza a estar caliente,…. bastante caliente.

La rana ya no goza como antes, se siente un poco cansada, pero no por eso se asusta.

La temperatura sigue subiendo…. cada vez más…., está muy caliente.

La rana comienza a encontrar la situación desagradable, pero está tan débil que decide seguir aguantando sin hacer nada.

La temperatura continúa subiendo aún más, mucho más,….

Hasta que llega un momento en que la rana termina….. cocinándose y muriendo.

temperatura del agua es menor de 0,02 º/minuto la rana se queda quieta y se muere al final de la cocción. Mientras que a mayor velocidad la rana salta y escapa.

Cuando un cambio se introduce de forma lenta en nuestras vidas, escapa de nuestra con-ciencia, sin que nos preparemos para dar una respuesta o una reacción a una situación que se va volviendo peligrosa, incómoda e insostenible. Nos quedamos sin los recursos necesarios para poder afrontarla una vez que tomamos conciencia. Las consecuencias desagradables aparecen y

ya estamos débiles para poder hacerles frente por sí solos. Ésta es la situación de la fábula llevada a nuestras vidas.

Es por ello por lo que resulta preciso estar atento. Estar atento significa reflexionar sobre lo que sucede a nuestro alrededor, por muy bien que nos parezca estar hay que estar dispuesto a aprender con humildad, apreciar aquello que tenemos, valorándolo y queriéndolo, ya que todo cambia, y en cualquier momento ya no está para que lo disfrutemos.

pureza a d i d n é spl o es la e esmayo r o d a e d za ue t do n con qar, es el lángui ienten la cabe ó i s a p La do s l alt ores de amantes cuan descansar; fl s a l e d los n su pecho omo rayo c mina a que do n desposada e es tan blanca ar. s e e o g r v r de la vi on que te adoa vidriera atra c l n n la pasió que se mira e as gnorad a, i n s u a l i s a l n de as a s cual l fares del río e r o m a is enú puros mespuma los n agas doradas; n a t n o n a S al ciér rto con el e besan e las lu con qu ntre el boscaj o se han mue on re al brilla s que te guard macula ra n i u o n r d e a t las ued e han q u q s a : r o u f rí tern o. únicas s a l sombrí n o u t s i r í p mi es das o cenagoso de o nd a de niñ en el fo m i t l ú iño i fe a a ti mción de mi car cia l e u v e lgen ora ia ir qu Al sent o la sublime fl de divina refuo mi existenc elt res agr te cons llas con fulgo que han envuastro i s br ún ble porque bras impalpa as luces de alg astro. b l a e om al en las s lo cintilante dna estatua de l e u t s e cual de da blancura d es i t í s mujer s, a r t o o c ua l n e or d cere te el amstío de los pla ión n e r e f i de pas a, ado ind as el ha He mir sólo tú no dej da temblorosa de mi infanci s porque sólo a tu mira uras ilusione ón p porque illan las más archito coraz fragancia. a d m o l r se ar ra saturar e e con la púdic e i b da, y quis ma de queru a perdi mino y l a a r u u t c de el ca blan mplé la por la senda dino, e t n o c ano, regr stos alma De mi car amores ca al doliente pe píritu es herm y al busle respondiste hado de tu es e mi vida c d . sólo tú espíritu man a los dolores e del pantano i z t pues m lsama tu pure na el ambien a, e te esperra, y emba rfuma la azuc e u q a ave i alm c ua l p e o, en mlos días la primamadas r o e d eño enr de ntas, su las mañanas en las verdes antuario, a v e l e F es del s aleja en andrias cual se trinan las cal a de los broncs azuladas cuando ria gemebundta en las onda l incensario. la plega ostia se levan que despide e h cual la írculos ligeros c de los

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