Revista pisteyo 8

Revista Semestral Num 8 Junio 2017

En Portada: El Laberinto del Fauno Libros: Edgar Allan Poe Arte: Gótico Pisteyando: La Subcultura Gótica Salud: La Depresión Recordando: Mary Shelley Música: Bauhaus Cine: El Gótico

RP es una revista literaria, editada y amparada por Ediciones Tecnológicas(ET). Su objetivo es hacer de cada número un objeto de interés cultural, y resulte una experiencia cultivable. La cual esta apuntalada con notas, observaciones e Imágenes, aumentando el apego y torneando sus temas. En la revista incluye trabajos literarios distinguidos por sus valores culturales, e inéditos, así como temas creativos con las más diversas extensiones inverosímiles del ingenio humano.

En su contenido encontraras temas como: Literarios, cine, TV, música, Fotografía, pintura, muralismo, arte urbano, arquitectura, dibujo, crítica, opiniones, salud, política, etc.Valiéndonos de cualquier recurso en busca de una sociedad libre y preparada.

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Año 4, No.8, Junio 2017, es una Publicación semestral editada por C.Alfonso Gómez Herrera.

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EDITORIAL H

AG

Las tribus urbanas Las tribus urbanas surgieron durante el siglo XIX, aunque no fue hasta mediados del siglo XX cuando nació por vez primera el término, tal y como lo conocemos en la actualidad de la mano de los llamados Teddy Boys, que son clasificados como la primera tribu urbana, ya que se diferenciaban por su juventud e incluso se jactaban de ello, punto común de toda tribu urbana.

Debe su nombre por tener ciertas similitudes con la moda de la época Eduardiana, que tuvo lugar entre 1901 y 1910, durante el reinado de Eduardo VII, que fue nombrado como Teddy por un artículo del periódico “Daily Express” en su publicación “Edward to Teddy”.

Fue en los años 80 cuando apareció con fuerza en Europa y América: Aunque desde 1950 e incluso antes ya existían algunas de ellas, en los años 90 fue cuando se empezaron a llamar “tribus urbanas” y se hicieron cada vez más populares: Punks, skin heads, rockeros, raperos, heavies, mods… casi todos los jóvenes tenían su tribu preferida.

Según comentan varias fuentes, el término tribu urbana (o cultura urbana) apareció en 1988, y fue inventado por Michel Maffesoli, en su libro “El tiempo de las tribus” (Le temps des tribus).

Cuando los hijos entran en esta nueva etapa, generan una necesidad de independencia y una búsqueda de identidad. Estas dos necesidades se ven parcialmente cubiertas con la sensación de pertenencia a un grupo identificativo.

El sentimiento de independencia viene dado porque dentro de estos grupos, los miembros tienen un valor, una utilidad, todos son importantes y han de valerse por ellos mismos, sin la intervención de un adulto para generar sus conversaciones y actividades de ocio relacionadas con sus intereses.

Las tribus dan al adolescente cierto grado de superioridad sobre las demás personas, un sentimiento de pertenencia a algo importante, diferente; cubren la na necesidad del adolescente de identificarse con un grupo, de no ser neutros.

Cuando un adolescente decide pertenecer a un grupo, no lo hace simplemente por moda, es una forma de poder expresar sus emociones, intereses, gustos y actividades de forma reivindicativa y en todos los ámbitos de su vida.

Una vez el adolescente vaya siendo más seguro de sí mismo, y no tenga esa necesidad extrema de reivindicarse, irá abandonando los radicalismos en la forma de vestir y se irá convirtiendo en una persona más flexible y adaptativa en las relaciones sociales.

ICONOGRAFIA

GOTICO

26

Del latín gothicus, gótico es un adjetivo que hace referencia a aquello perteneciente o relativo a los godos.

La expresión arte gótico fue empleada por el historiador y artista italiano Giorgio Vasari (15111574), renacentista, designando con ella, al arte de los godos, pueblo bárbaro medieval ubicado en la actual Francia (antes la Galia), que se desarrolló desde el año 1150 hasta principios del siglo XVI.

r a g Ed an l l A e Po

PISTEYANDO

En Portada:

El Laberinto del Fauno

subcultura gรณtica

22

11

49 Mary Shelley

6

PISTIS CARTON

47

SALUD: DEPRESIร N

48

CITAS CELEBRES

56

ESPACIO POLITICO

80

ESPACIO LITERARIO

85

73 59

Cine Gรณtico

O iotic IMB X s

EN PORTADA

El laberinto del fauno

FILMR: Año 1944, posguerra española. Ofelia (Ivana Baquero) y su madre, Carmen (Ariadna Gil), que se encuentra en avanzado estado de gestación, se trasladan a un pequeño pueblo al que ha sido destinado el nuevo marido de Carmen, Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista por el que la niña no siente ningún afecto.

La misión de Vidal es acabar con los últimos miembros de la resistencia republicana que permanecen escondidos en los montes de la zona. Otros personajes son: Mercedes (Maribel Verdú), el ama de llaves, y el médico (Álex Angulo) que se hará cargo del delicado estado de salud de Carmen.

Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto, y allí se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una sorprendente revelación: ella es en realidad una princesa, la última de su estirpe, y los suyos la esperan desde hace mucho tiempo.

Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas.

“Hace muchos, muchos años en un país muy lejano y triste existía una enorme montaña de piedra, era negra y áspera.

Al caer la tarde en la cima de es montaña florecía todas las noches una rosa que otorgaba la inmortalidad, sin embargo, nadie se atrevía a acercarse a ella, pues numerosas espinas estaban envenenadas. Entre los hombres sólo se hablaba del miedo a la muerte y al dolor, pero nunca de la promesa de la inmortalidad. Y todas las tardes la rosa se marchitaba sin poder otorgar sus dones a persona alguna. Olvidada y perdida en la cima de aquella montaña de piedra fría, sola hasta el fin de los tiempos.

Título original: El laberinto del fauno Año: 2006 Duración: 112 min.

País. España Director: Guillermo del Toro Guion: Guillermo del Toro Música: Javier Navarrete Fotografía: Guillermo Navarro Reparto: Ivana Baquero, Sergi López, Maribel Verdú, Doug Jones, Ariadna Gil, Álex Angulo, Federico Luppi, Roger Casamajor, Fernando Tielve, Pepa Pedroche, José Luis Torrijo.

Productora: Coproducción España-México-USA; Estudios Picasso Fábrica de Ficción / Tequila Gang / Tele5 / Sententia Entertainment Género: Fantástico. Thriller.

Comentario:

U

na audaz yuxtaposición de mundos reales e irreales está en el corazón de la fantasía visualmente inventiva de Guillermo del Toro sobre la España franco-española.

Es tan audaz y tan técnicamente logrado, y llega aquí guirnalda con tantos superlativos radiante, que me gustaría que me gustara más. Sin embargo, la dimensión política de la película nunca es tan generosamente ni tan entusiasmada como su vida de fantasía, y sus energías son asimétricas: el mundo superficial de la historia está obstruido comparado con la pura energía de su paisaje de sueños subterráneos.

Al igual que la imagen de Del Toro de 2001, La Espina dorsal del Diablo, el laberinto de Pan es sobre la guerra civil española. Es 1944; La lucha contra los republicanos se ha ganado en España. D-Day, y el inminente colapso de Hitler en Europa, son rumores distantes e inoportunos.

Un feroz capitán franco-italiano Vidal, interpretado por el incomparablemente siniestro Sergi López, se prepara para acoger a su esposa embarazada a la casa familiar en el bosque, que está reforzando como un reducto militar porque está rodeado de guerrillas republicanas que se sostienen en el bosque. Su nueva esposa Carmen (Adriana Gil) es una viuda que ha aceptado la propuesta de Vidal de matrimonio por soledad; Ofelia (Ivana Baquero), su hija por su primer matrimonio, está aterrorizada por este malvado padrastro, como bien podría ser. En la primera noche, Vidal golpea brutalmente y asesina a dos sospechosos republicanos -una escena horriblemente violenta- poniendo a su estado de chico malo sin lugar a dudas.

Ofelia tiene un lugar donde escapar. Este niño inteligente y autoritario ha descubierto un laberinto secreto bajo la casa habitada por un magnífico y temible fiel que saluda a Ofelia como una princesa, pero le dice que debe llevar a cabo tareas aterradoras para entrar en su destino; Esto lo hace, sin decirle a los adultos de este extraño otro mundo bajo sus pies. Tampoco Ofelia es el único agente doble en la película. El ama de llaves y médico de Vidal tienen simpatías republicanas traidoras.

El fascismo es quizás el ejemplo último de ese sueño de la razón que produce monstruos. Los monstruos de Del Toro son bastante extraordinarios. Ha dicho que sus diseños están influenciados por Arthur

Rackham, el artista victoriano inglés que ilustró a Lewis Carroll y Shakespeare.

Esta descripción no hace justicia a la originalidad de los dispositivos pictóricos de Del Toro. En el comienzo de la película, Ofelia tiene un pequeño vestido pinafore que recuerda a Alice; Su nombre se hace eco del amor de Hamlet, pero su confianza en sí misma y el grano superan con creces esa figura pasiva de Shakespeare. Tal vez su nombre es una variante femenina de Orfeo.

De todos modos, es un excelente desempeño de Baquero de 12 años. Ofelia debe enfrentarse a un sapo gigante y repugnante en un túnel claustrofóbico.

Ella debe cuadrar hasta el gigante e imperioso fauno, Pan. Lo más desalentador de todo es que tiene que acercarse a la figura de pesadilla del Hombre Pálido, cuyos ojos están en sus manos - es capaz de verla cuando sostiene sus palmas hasta los lados de su cabeza. Esa extraordinaria imagen por sí sola vale el precio de la admisión. ¿Qué dicen estas criaturas sobre el fascismo? O, ¿qué dice el fascismo acerca de ellos? Del Toro nos pide que consideremos el mundo exótico de Pan junto con la historia política. Tenemos que consumirlos en igualdad de condiciones, como masticar pastel y queso juntos.

Es una proposición audaz e intrigante, pero no estoy seguro de que salga. Del Toro hace bien en recordarnos la cruel realidad de la España de Franco: un Estado fascista tácitamente alentado por muchos como baluarte contra el comunismo y visto por muchos más como un ejemplo de la inevitabilidad histórica del nacionalismo extremo. Estos son los chicos malos que no fueron derrotados y tal vez la fantasía de Del Toro del fauno ambiguo y tiránico no es sólo una dramatización de las ansiedades privadas de Ofelia, sino una forma de trabajar a través del miedo colectivo y la desconfianza de España de su propio pasado.

De cualquier manera, sentí que la película era una serie de cuatro o cinco imágenes brillantes, como las ilustrativas placas de un volumen victoriano, o los marcos de una novela gráfica. No había un impulso narrativo abrumador o una vida dramática interna para animarlos. Pero qué imágenes increíbles Del Toro sueña.

The Guardian

Nombre completo: Guillermo del Toro Gómez Lugar de nacimiento: Guadalajara, Jalisco, México Fecha de nacimiento: 9 de octubre de 1964

L

a persona más influyente de su infancia fue su madre, fervorosa católica, que se preocupó muchísimo por darle una buena educación. Esto explica que en sus películas aparezcan muchísimos objetos relacionados con la religión, y que por regla general siempre se haga referencia al catolicismo –el héroe de su película Hellboy es católico, a pesar de ser un demonio–.

Desde muy joven, Del Toro era un apasionado de los cómics, el cine, los mitos y cuentos populares y los temas oscuros relacionados con el terror y los monstruos. A los 8 años tenía su habitación llena de monstruos de plastilina que él mismo modelaba, y escribía pequeñas obras de terror para representarlas en el colegio. Le impactan sobre todo las películas británicas de la productora Hammer, y las del ‘giallo’ del director italiano Mario Bava.

Cuando estudiaba en el Instituto de Ciencias de la ciudad de Guadalajara, se dio cuenta de que tenía una enorme vocación cinematográfica, y empezó a poner en marcha el rodaje de sus propios cortos, en Super 8. Poco después, estudia maquillaje y efectos especiales con Dick Smith, legendario creador de maquillajes de películas como El exorcista. Del Toro pasó 10 años trabajando como supervisor de efectos especiales, y finalmente fundó su propia compañía dedicada a esta disciplina, Necronia, a principios de los 80.

Cuando le pidieron que ejerciera de técnico de efectos especiales para Hora marcada, serie estilo Historias para no dormir, pero en versión mexicana, Del Toro puso como condición que le dejaran dirigir algún episodio, y final-

mente se encargó de la realización de tres. Desde entonces, decide consagrar su vida a la dirección, y acaba sacando adelante dos cortos, Doña Lupe y Geometría, que tienen cierta repercusión internacional. También rodó los largometrajes televisivos Con todo para llevar, Caminos de ayer e Invasión.

Para poner en marcha su primer largo de cine, Cronos, Del Toro tuvo que hipotecar su casa. “Le dije a mi mujer que teníamos dos opciones, o vivir con techo y sin película o vivir con techo, pero con película”, recuerda Del Toro.

Había obtenido una subvención del Instituto Cinematográfico Mexicano, pero esta entidad decidió no financiar por completo el film, por tratarse de una historia gótica de vampiros.

Cuando Del Toro hubo terminado la cinta, fue seleccionado para el Festival de Cannes, pero su gobierno seguía sin apostar mucho por él, así que se negaron a pagarle el billete para ir a Francia, y el cineasta estuvo a punto de no poder ir. Allí, obtuvo el premio internacional de la crítica.

El film seguía los pasos de Jesús Gris, un anticuario que encuentra un ancestral artilugio en forma de insecto dorado. Estaba protagonizado por el gran Federico Luppi, y Ron Perlman, que se convertiría en una especie de actor fetiche, pues volvería a contratarle posteriormente en varias películas.

Cronos llamó tanto la atención que pronto le salieron ofertas para trabajar en el cine de Hollywood. Aunque estuvo a punto de dirigir la cuarta parte de Alien, el octavo pasajero, finalmente debutó en el cine americano de la mano de los hermanos Harvey y Bob Weinstein, que le contrataron para rodar Mimic, con Mira Sorvino investigando la existencia de unas criaturas, que resultan ser insectos evolucionados tras unos experimentos científicos, y que viven en los subterráneos de la ciudad.

Del Toro piensa que la película le pudo quedar mejor, pues se esforzó por centrarse en la descripción de personajes en el primer tramo, y hacia el final la productora le exigió que aumentara las dosis de acción y las persecuciones, por lo que el resultado fue muy diferente a lo que él había pensado.

Desde entonces, Del Toro toma la decisión de alternar el cine de Hollywood con proyectos más personales. Logra financiación para rodar uno de estos últimos en España, donde la productora de Pedro Almodóvar le financia El espinazo del diablo, un film fallido a pesar de imágenes tan brillantes como la del niño fantasmagórico.

Y a continuación, vuelve a Estados Unidos, donde se encarga de Blade II, con un guión tan insustancial como el de la primera parte de la saga, pero que Del Toro sabe hacer mucho más interesante, con su particular imaginación visual. En Hellboy vuelve a recurrir al actor Ron Perlman, para adaptar al cine al milímetro el cómic creado por Mike Mignola.

De nuevo en España vuelve a rodar un segundo film, El laberinto del fauno, con puntos en común con el anterior, pues ambas tienen niños y el telón de fondo de la Guerra Civil. El cineasta se luce especialmente con esta exploración de las relaciones entre fantasía y realidad mediante la historia de una niña que se refugia de su dura existencia en su propio universo mágico, habitado por el mágico ser aludido en el título. Obtuvo seis nominaciones al Oscar, y finalmente se hizo con tres estatuillas (maquillaje, fotografía y dirección artística).

Del Toro apadrinó El orfanato, brillante debut de Juan Antonio Bayona, y publicó la novela “Nocturna”, escrita conjuntamente con Chuck Hogan. Tras Hellboy 2. El ejército dorado, Del Toro se ha trasladado a Nueva Zelanda, donde prepara la adaptación de El hobbit, junto a Peter Jackson. Y es que con su familia pasa largas temporadas en los diversos países donde rueda.

Decidió dejar México tras un oscuro episodio: su padre fue secuestrado, por unos tipos que querían dinero, y finalmente logró que le soltaran, tras el pago de un rescate. Del Toro está casado con Lorenza Newton, su novia desde que iba al instituto, con la que tiene dos hijas apasionadas del trabajo de su padre y que suelen estar en el set.

Director La cumbre escarlata 2015 | Crimson Peak The Strain 2014 | The Strain | Serie TV Pacific Rim 2013 | Pacific Rim Hellboy 2. El ejército dorado 2008 | Hellboy II: The Golden Army El laberinto del fauno 2006 | El laberinto del fauno Hellboy 2004 | Hellboy Blade II 2002 | Blade II El espinazo del diablo 2001 | El espinazo del diablo Mimic 1997 | Mimic Cronos 1993 | Cronos

Desideré

Edgar Allan Poe Edgar Allan Poe (1809 - 1849) fue un escritor, poeta, crítico y periodista romántico estadounidense, mundialmente conocido por ser un estandarte de la novela gótica y, sobre todo, por sus fascinantes cuentos de terror.

Edgar Allen Poe fue un autor estadounidense, poeta, editor y crítico literario, considerado parte del Movimiento Romántico Americano. Más conocido por sus cuentos de misterio y lo macabro, Poe fue uno de los primeros practicantes estadounidenses del cuento y es considerado el inventor del género de ficción policial.

A él se le atribuye la contribución al género emergente de la ciencia ficción. Él era el primer escritor americano bien conocido para intentar ganar una vida con la escritura solamente, dando por resultado una vida financieramente difícil y carrera.

NOTA: El cuervo surgió como un reto personal que se realizó a sí mismo.

Decidió escribir un poema de 100 líneas, que contuviera los elementos más comunes en los poemas famosos. Finalmente quedó de 108 líneas, pero eso no pareció molestarlo.

Nacionalidad: americana Etnicidad: inglés Fecha de nacimiento: 19 de enero de 1809 Fecha de muerte: 7 de octubre de 1849 Género (s): SHORT STORIES; FICCIÓN DEL HORROR; FICCIÓN; MISTERIO / CRIMEN / SUSPENSE FICCIÓN

con semejante nombre: “Nunca más.”

EL CUERVO

Ua vez, AL filo de una lúgubre media noche, mientras débil y cansado, en tristes reflexiones embebido, inclinado sobre un viejo y raro libro de olvidada ciencia, cabeceando, casi dormido, oyóse de súbito un leve golpe, como si suavemente tocaran, tocaran a la puerta de mi cuarto.

“Es —dije musitando— un visitante tocando quedo a la puerta de mi cuarto.

Eso es todo, y nada más.” ¡Ah! aquel lúcido recuerdo de un gélido diciembre; espectros de brasas moribundas reflejadas en el suelo; angustia del deseo del nuevo día; en vano encareciendo a mis libros dieran tregua a mi dolor.

Dolor por la pérdida de Leonora, la única, virgen radiante, Leonora por los ángeles llamada.

Aquí ya sin nombre, para siempre.

Y el crujir triste, vago, escalofriante de la seda de las cortinas rojas llenábame de fantásticos terrores jamás antes sentidos. Y ahora aquí, en pie, acallando el latido de mi corazón, vuelvo a repetir: “Es un visitante a la puerta de mi cuarto queriendo entrar. Algún visitante que a deshora a mi cuarto quiere entrar.

Eso es todo, y nada más.”

Ahora, mi ánimo cobraba bríos, y ya sin titubeos: “Señor —dije— o señora, en verdad vuestro perdón imploro, mas el caso es que, adormilado cuando vinisteis a tocar quedamente, tan quedo vinisteis a llamar, a llamar a la puerta de mi cuarto, que apenas pude creer que os oía.”

Y entonces abrí de par en par la puerta: Oscuridad, y nada más.

Escrutando hondo en aquella negrura permanecí largo rato, atónito, temeroso, dudando, soñando sueños que ningún mortal se haya atrevido jamás a soñar.

Mas en el silencio insondable la quietud callaba, y la única palabra ahí proferida era el balbuceo de un nombre: “¿Leonora?”

Lo pronuncié en un susurro, y el eco lo devolvió en un murmullo: “¡Leonora!”

Apenas esto fue, y nada más.

Vuelto a mi cuarto, mi alma toda, toda mi alma abrasándose dentro de mí, no tardé en oír de nuevo tocar con mayor fuerza.

“Ciertamente —me dije—, ciertamente algo sucede en la reja de mi ventana.

Dejad, pues, que vea lo que sucede allí, y así penetrar pueda en el misterio.

Dejad que a mi corazón llegue un momento el silencio, y así penetrar pueda en el misterio.” ¡Es el viento, y nada más!

De un golpe abrí la puerta, y con suave batir de alas, entró un majestuoso cuervo de los santos días idos.

Sin asomos de reverencia, ni un instante quedo; y con aires de gran señor o de gran dama fue a posarse en el busto de Palas, sobre el dintel de mi puerta.

Posado, inmóvil, y nada más.

Entonces, este pájaro de ébano cambió mis tristes fantasías en una sonrisa con el grave y severo decoro del aspecto de que se revestía.

“Aun con tu cresta cercenada y mocha —le dije—, no serás un cobarde, hórrido cuervo vetusto y amenazador.

Evadido de la ribera nocturna. ¡Dime cuál es tu nombre en la ribera de la Noche Plutónica!”

Y el Cuervo dijo: “Nunca más.”

Cuánto me asombró que pájaro tan desgarbado pudiera hablar tan claramente; aunque poco significaba su respuesta.

Poco pertinente era. Pues no podemos sino concordar en que ningún ser humano ha sido antes bendecido con la visión de un pájaro posado sobre el dintel de su puerta, pájaro o bestia, posado en el busto esculpido de Palas en el dintel de su puerta

Mas el Cuervo, posado solitario en el sereno busto. las palabras pronunció, como virtiendo su alma sólo en esas palabras.

Nada más dijo entonces; no movió ni una pluma.

Y entonces yo me dije, apenas murmurando: “Otros amigos se han ido antes; mañana él también me dejará, como me abandonaron mis esperanzas.”

Y entonces dijo el pájaro: “Nunca más.”

Sobrecogido al romper el silencio tan idóneas palabras, “sin duda —pensé—, sin duda lo que dice es todo lo que sabe, su solo repertorio, aprendido de un amo infortunado a quien desastre impío persiguió, acosó sin dar tregua hasta que su cantinela sólo tuvo un sentido, hasta que las endechas de su esperanza llevaron sólo esa carga melancólica de ‘Nunca, nunca más’.”

Mas el Cuervo arrancó todavía de mis tristes fantasías una sonrisa; acerqué un mullido asiento frente al pájaro, el busto y la puerta; y entonces, hundiéndome en el terciopelo, empecé a enlazar una fantasía con otra, pensando en lo que este ominoso pájaro de antaño, lo que este torvo, desgarbado, hórrido, flaco y ominoso pájaro de antaño quería decir granzando: “Nunca más.”

En esto cavilaba, sentado, sin pronunciar palabra, frente al ave cuyos ojos, como-tizones encendidos, quemaban hasta el fondo de mi pecho.

Esto y más, sentado, adivinaba, con la cabeza reclinada en el aterciopelado forro del cojín acariciado por la luz de la lámpara; en el forro de terciopelo violeta acariciado por la luz de la lámpara ¡que ella no oprimiría, ¡ay!, nunca más!

Entonces me pareció que el aire se tornaba más denso, perfumado por invisible incensario mecido por serafines cuyas pisadas tintineaban en el piso alfombrado. “¡Miserable —dije—, tu Dios te ha concedido, por estos ángeles te ha otorgado una tregua, tregua de nepente de tus recuerdos de Leonora! ¡Apura, oh, apura este dulce nepente y olvida a tu ausente Leonora!”

Y el Cuervo dijo: “Nunca más.” “¡Profeta!” —exclamé—, ¡cosa diabolica! ¡Profeta, sí, seas pájaro o demonio enviado por el Tentador, o arrojado por la tempestad a este refugio desolado e impávido, a esta desértica tierra encantada, a este hogar hechizado por el horror!

Profeta, dime, en verdad te lo imploro, ¿hay, dime, hay bálsamo en Galaad? ¡Dime, dime, te imploro!”

Y el cuervo dijo: “Nunca más.” “¡Profeta! —exclamé—, ¡cosa diabólica! ¡Profeta, sí, seas pájaro o demonio! ¡Por ese cielo que se curva sobre nuestras cabezas, ese Dios que adoramos tú y yo, dile a esta alma abrumada de penas si en el remoto Edén tendrá en sus brazos a una santa doncella llamada por los ángeles Leonora, tendrá en sus brazos a una rara y radiante virgen llamada por los ángeles Leonora!”

Y el cuervo dijo: “Nunca más.” “¡Sea esa palabra nuestra señal de partida pájaro o espíritu maligno! —le grité presuntuoso. ¡Vuelve a la tempestad, a la ribera de la Noche Plutónica.

No dejes pluma negra alguna, prenda de la mentira que profirió tu espíritu!

Deja mi soledad intacta.

Abandona el busto del dintel de mi puerta.

Aparta tu pico de mi corazón y tu figura del dintel de mi puerta.

Y el Cuervo dijo: “Nunca más.”

Y el Cuervo nunca emprendió el vuelo.

Aún sigue posado, aún sigue posado en el pálido busto de Palas. en el dintel de la puerta de mi cuarto.

Y sus ojos tienen la apariencia de los de un demonio que está soñando.

Y la luz de la lámpara que sobre él se derrama tiende en el suelo su sombra. Y mi alma, del fondo de esa sombra que flota sobre el suelo, no podrá liberarse. ¡Nunca más!

Él

nació Edgar Poe en Boston, Massachusetts, el 19 de enero de 1809, el segundo hijo de la actriz Elizabeth Arnold Hopkins Poe y el actor David Poe, Jr. Tenía un hermano mayor, William Henry Leonard Poe, y una hermana menor, Rosalie Poe. Edgar puede haber sido nombrado después de un personaje en el rey Lear de William Shakespeare, una obra que la pareja estaba realizando en 1809. Su padre abandonó a su familia en 1810, y su madre murió un año después de su consumo (tuberculosis pulmonar).

Poe fue entonces llevado a la casa de John Allan, un exitoso comerciante escocés en Richmond, Virginia, que se ocupó de una variedad de productos, incluyendo tabaco, tela, trigo, lápidas y esclavos. Los Allan sirvieron como una familia adoptiva y le dieron el nombre de “Edgar Allan Poe”, aunque nunca lo adoptaron formalmente.

La familia Allan había bautizado a Poe en la Iglesia Episcopal en 1812.

John Allan alternativamente estropeó y agresivamente disciplinó a su hijo adoptivo.

La familia, incluida Poe y la esposa de Allan, Frances Valentine Allan, navegó a Gran Bretaña en 1815. Poe asistió a la escuela de gramática en Irvine, Escocia (donde John Allan nació) durante un corto período en 1815, antes de reunirse con la familia en Londres en 1816 Donde estudió en un internado de Chelsea hasta el verano de 1817.

Posteriormente, ingresó en la Escuela de Manor House del reverendo John Bransby en Stoke Newington, un suburbio a seis kilómetros al norte de Londres.

Poe se trasladó con los Allans a Richmond, Virginia en 1820. En 1824 Poe sirvió como teniente de la guardia de honor de la juventud de Richmond mientras Richmond celebraba la visita del Marqués de Lafayette.

En marzo de 1825, el tío de John Allan y el benefactor William Galt del negocio, dijeron ser uno de los hombres más ricos en Richmond, murieron y dejaron Allan varios acres de propiedades inmobiliarias.

La herencia fue estimada en $ 750.000. Para el verano de 1825, Allan celebró su riqueza expansiva mediante la compra de una casa de dos pisos de ladrillo llamado Moldavia. Poe puede haberse comprometido con Sarah Elmira Royster antes de registrarse en la Universidad de Virginia, de un año de edad, en febrero de 1826 para estudiar lenguas.

La universidad, en su infancia, se estableció sobre los ideales de su fundador, Thomas Jefferson. Tenía reglas estrictas contra el juego, los caballos, las armas, el tabaco y el alcohol, pero estas reglas eran generalmente ignoradas. Jefferson había promulgado un sistema de autogobierno estudiantil, permitiendo que los estudiantes eligieran sus propios estudios, hicieran sus propios arreglos para abordar y reportaran toda conducta incorrecta a la facultad.

El sistema único estaba todavía en caos, y había una alta tasa de deserción escolar. Durante su tiempo allí, Poe perdió el contacto con Royster y también se separó de su padre adoptivo sobre las deudas de juego.

Poe afirmó que Allan no le había dado suficiente dinero para inscribirse en las clases, comprar textos y adquirir y proporcionar un dormitorio. Allan envió más dinero y ropa, pero las deudas de Poe aumentaron. Poe renunció

a la universidad después de un año y, sin sentirse bienvenido en Richmond, especialmente cuando se enteró de que su amada Royster se había casado con Alexander Shelton, viajó a Boston en abril de 1827, sosteniéndose con trabajos extraños como escribiente y escritor de periódicos.

En algún momento comenzó a usar el seudónimo Henri Le Rennet.

Incapaz de sostenerse, el 27 de mayo de 1827, Poe se alistó en el ejército de Estados Unidos como privado. Utilizando el nombre de “Edgar A. Perry”, afirmó que tenía 22 años, a pesar de que tenía 18 años. Primero sirvió en Fort Independence en el puerto de Boston por cinco dólares al mes.

Ese mismo año, él lanzó su primer libro, una colección de 40 páginas de la poesía, Tamerlane y otros poemas, atribuidos con el byline “por un Bostonian”. Sólo 50 ejemplares fueron impresos, y el libro prácticamente no recibió atención alguna.

El regimiento de Poe fue fijado a la fortaleza Moultrie en Charleston, Carolina del Sur y viajó por el barco en el bergantín Waltham el 8 de noviembre de 1827. Poe fue promovido al “artífice”, comerciante alistado que preparó las cáscaras para la artillería, y tenía su paga mensual doblada.

Después de servir por dos años y alcanzar el rango de Sargento Mayor para la Artillería (el rango más alto que un suboficial puede lograr), Poe buscó terminar su alistamiento de cinco años temprano. Él reveló su verdadero nombre y sus circunstancias a su oficial al mando, el Teniente Howard. Howard sólo

Aventuras de Arthur Gordon Pym Género: Novelas / Ficción y Literatura / Clásicos Universales Idioma: español Resumen: Arthur Gordon Pym se embarca -como polizón- en el Grampus, un barco ballenero que tiene como destino los mares del Polo Sur. Una serie de aventuras -motines, naufragios, canibalismo, guerras con nativos- cambian el rumbo de una historia que se transforma, súbitamente, en un relato de ciencia ficción.

Las Aventuras de Arthur Gordon Pym, la obra más extensa, discutida y enigmática de Edgar Allan Poe, fue publicada en forma de libro en 1838, aunque sus primeros capítulos habían sido publicados en el Southern Literary Messenger en 1837.

Este relato (mencionado a veces como La Narración de Arthur Gordon Pym), se destaca por las incógnitas y sorpresas que presenta su trama, y es también una de las obras más populares de Poe. El escarabajo de oro: La vida del entomólogo aficionado William Legrand, su criado Júpiter e incluso la del propio narrador de la historia darán un giro inesperado al descubrir una especie de escarabajo desconocida hasta el momento. El reciente hallazgo, mezclado con las inquietantes supersticiones de Júpiter y la extraña actitud que ha tomado Legrand, te llevarán a perderte en una historia donde todo cambia de un instante para otro.

El corazón delator: Publicado en enero de 1843, este libro cuenta la historia de un hombre que convivía con un veterano dueño de una mirada de ave de rapiña que molestaba notoriamente al primero. Tras no querer soportar más tal situación, decide acabar con la vida del viejo.

Tras mucho pensarlo lleva adelante un plan con el que pone fin a la vida de su compañero; sin embargo, ante la llegada de tres policías a la casa comienza a sentirse enloquecido al escuchar el latido de un corazón que sale de la habitación en la que se encuentra el cuerpo sin vida.

permitiría a Poe ser dado de alta si se reconciliaba con John Allan y escribía una carta a Allan, que era antipático.

Pasaron varios meses y se ignoraron las súplicas a Allan; Allan quizá no haya escrito a Poe ni siquiera para darle cuenta de la enfermedad de su madre adoptiva. Frances Allan murió el 28 de febrero de 1829, y Poe visitó el día después de su entierro.

Tal vez ablandado por la muerte de su esposa, John Allan aceptó apoyar el intento de Poe de ser dado de alta con el fin de recibir una cita a la Academia Militar de los Estados Unidos en West Point.

Salió para Nueva York en febrero de 1831, y lanzó un tercer volumen de poemas, titulado simplemente Poemas.

El libro fue financiado con la ayuda de sus colegas cadetes en West Point, muchos de los cuales donaron 75 centavos a la causa, recaudando un total de $ 170.

Es posible que hayan estado esperando versos similares a los satíricos que Poe había estado escribiendo sobre los comandantes. Impreso por Elam Bliss de Nueva York, fue etiquetado como “Segunda Edición” e incluyó una página diciendo: “Al Cuerpo de Cadetes de los EE. UU. Este volumen está respetuosamente dedicado”.

sus escritores o los pagó Mucho más tarde de lo prometido. Poe, a lo largo de sus intentos de vivir como escritor, tuvo que recurrir repetidamente a humillantes peticiones de dinero y otra ayuda.

Después de sus primeros intentos de poesía, Poe había vuelto su atención a la prosa. Colocó algunas historias con una publicación de Filadelfia y comenzó a trabajar en su único drama, Politian.

El libro volvió a reproducir los largos poemas “Tamerlane” y “Al Aaraaf ”, pero también seis poemas inéditos, incluyendo las primeras versiones de “To Helen”, “Israfel” y “The City in the Sea”. Regresó a Baltimore, a su tía, hermano y primo, en marzo de 1831. Su hermano mayor Henry, que había estado en mala salud en parte debido a problemas con el alcoholismo, murió el 1 de agosto de 1831.

El Baltimore Saturday Visiter otorgó a Poe un premio en octubre de 1833 por su cuento “MS Found in a Bottle”. La historia lo trajo a la atención de John P. Kennedy, un Baltimorean de medios considerables. Ayudó a Poe a poner algunas de sus historias y lo presentó a Thomas W. White, editor del Southern Literary Messenger de Richmond. Poe se convirtió en editor asistente del periódico en agosto de 1835, pero fue dado de alta dentro de unas semanas por ser sorprendido ebrio por su jefe.

Después de la muerte de su hermano, Poe comenzó los intentos más serios de comenzar su carrera como escritor. Él eligió un rato difícil en la publicación americana para hacer tan. Él era el primer americano bien conocido a intentar vivir escribiendo solamente y fue obstaculizado por la carencia de una ley internacional del copyright.

De regreso a Baltimore, Poe se casó secretamente con Virginia, su primo, el 22 de septiembre de 1835. Tenía 26 años y ella tenía 13 años, aunque ella figura en el certificado de matrimonio como siendo 21. Reintegrada por White después de prometer buena conducta, Poe volvió a Richmond con Virginia y su madre.

Los editores a menudo piratas copias de obras británicas en lugar de pagar por el nuevo trabajo de los estadounidenses. A pesar de un crecimiento en auge en los periódicos norteamericanos alrededor de este período de tiempo, impulsado en parte por la nueva tecnología, muchos no duraron más allá de algunas cuestiones y los editores a menudo se negaron a pagar a

Permaneció en el Mensajero hasta enero de 1837. Durante este período, Poe afirmó que su circulación aumentó de 700 a 3.500. Publicó varios poemas, reseñas de libros, críticas e historias en el periódico. El 16 de mayo de 1836, tuvo una segunda ceremonia de boda en Richmond con Virginia Clemm, esta vez en público.

EDGAR

Poe finalmente fue dado de alta el 15 de abril de 1829, después de asegurar un reemplazo para terminar su término alistado para él. Antes de entrar en West Point, Poe regresó a Baltimore por un tiempo, para quedarse con su tía viuda María Clemm, su hija, Virginia Eliza Clemm (primo hermano de Poe), su hermano Henry y su abuela inválida Elizabeth Cairnes Poe. Mientras tanto, Poe publicó su segundo libro, Al Aaraaf, Tamerlane y poemas menores, en Baltimore en 1829.

Poe viajó a West Point y se matriculó como cadete el 1 de julio de 1830. En octubre de 1830, John Allan se casó con su segunda esposa, Louisa Patterson. El matrimonio y las amargas disputas con Poe sobre los hijos nacidos de Allan fuera de los asuntos, llevaron al padre adoptivo a deshacer finalmente a Poe. Poe decidió salir de West Point por propósito conseguir corte marcial.

El 8 de febrero de 1831, fue juzgado por negligencia grosera de deber y desobediencia de órdenes por negarse a asistir a formaciones, clases o iglesia.

Poe tácticamente se declaró inocente para inducir el despido, sabiendo que sería declarado culpable.

La Narrativa de Arthur Gordon Pym de Nantucket fue publicada y ampliamente revisada en 1838. En el verano de 1839, Poe se convirtió en subdirector de Burton’s Gentleman’s Magazine. Publicó numerosos artículos, historias y críticas, mejorando su reputación como un crítico incisivo que había establecido en el Southern Literary Messenger. También en 1839, la colección Cuentos del grotesco y Arabesque fue publicada en dos volúmenes, aunque hizo poco dinero fuera de él y recibió revisiones mezcladas. Poe salió de Burton después de un año y encontró un puesto como asistente en Graham’s Magazine.

En junio de 1840, Poe publicó un prospecto anunciando sus intenciones de iniciar su propio diario, The Stylus.

Originalmente, Poe pretendía llamar a la revista The Penn, como se habría basado en Filadelfia, Pensilvania. En la edición del 6 de junio de 1840 del Saturday Evening Post de Filadelfia, Poe compró espacio publicitario para su prospecto: “Prospectus de la Penn Magazine, una revista literaria mensual que será editada y publicada en la ciudad de Filadelfia por Edgar A. Poe”. La revista nunca fue producida antes de la muerte de Poe.

Una tarde de enero de 1842, Virginia mostró los primeros signos de consumo, ahora conocidos como tuberculosis, mientras cantaba y tocaba el piano.

Poe lo describió como romper un vaso sanguíneo en su garganta. Sólo se recuperó parcialmente. Poe comenzó a beber más fuertemente bajo el estrés de la enfermedad de Virginia. Dejó Graham’s e intentó encontrar una nueva posición, durante un tiempo en busca de un puesto del gobierno.

Regresó a Nueva York, donde trabajó brevemente en el Evening Mirror antes de convertirse en editor del Broadway Journal y, más tarde, propietario único. Allí se alienó de otros escritores acusando públicamente a Henry Wadsworth Longfellow de plagio, aunque Longfellow nunca respondió.

Cada vez más inestable después de la muerte de su esposa, Poe trató de cortejar a la poetisa Sarah Helen Whitman, que vivía en Providence, Rhode Island. Su compromiso fracasó, supuestamente debido a la bebida de Poe y comportamiento errático.

Sin embargo, también hay una fuerte evidencia de que la madre de Whitman intervino e hizo mucho para descarrilar su relación. Poe entonces volvió a Richmond y reanudó una relación con su amor de niñez, Sarah Elmira Royster.

El 3 de octubre de 1849, Poe fue encontrado en las calles de Baltimore delirante, “en gran angustia, y ... en necesidad de asistencia inmediata”, según el hombre que lo encontró, Joseph W. Walker. Fue llevado al Washington College Hospital, donde murió el domingo, 7 de octubre de 1849, a las 5:00 de la mañana. Poe nunca fue coherente el tiempo suficiente para explicar cómo llegó a estar en su condición extrema, y, extrañamente, estaba usando ropa que no era suya.

ALLAN

Alrededor de este tiempo, trató de conseguir un puesto en el gobierno de Tyler, alegando que era miembro del Partido Whig. Esperaba ser nombrado en la aduana de Filadelfia con la ayuda del hijo del presidente Tyler, Robert, conocido del amigo de Poe, Frederick Thomas. Poe no se presentó a una reunión con Thomas para discutir la cita a mediados de septiembre de 1842, alegando estar enfermo, aunque Thomas creía que estaba borracho. Aunque le prometieron una cita, todas las posiciones fueron llenadas por otros.

El 29 de enero de 1845, su poema “El Cuervo” apareció en el Evening Mirror y se convirtió en una sensación popular. Aunque hizo Poe un nombre familiar casi inmediatamente, le pagaron solamente $ 9 para su publicación. Se publicó simultáneamente en The American Review: A Whig Journal bajo el seudónimo de “Quarles”.

El diario de Broadway falló en 1846.

Poe se trasladó a una cabaña en la sección de Fordham del Bronx, Nueva York. Ese hogar, conocido hoy como el “Poe Cottage”, se encuentra en la esquina sureste de la Grand Concourse y Kingsbridge Road. Virginia murió allí el 30 de enero de 1847.

Los biógrafos y los críticos a menudo sugieren el tema frecuente de Poe de la “muerte de una mujer hermosa” proviene de la pérdida repetida de mujeres a través de su vida, incluyendo a su esposa.

Se dice que Poe ha llamado repetidamente el nombre “Reynolds” en la noche antes de su muerte, aunque no está claro a quién se refería. Algunas fuentes dicen que las palabras finales de Poe fueron “Señor, ayudad a mi pobre alma”.

Todos los registros médicos, incluyendo su certificado de defunción, se han perdido. Los periódicos de la época reportaron la muerte de Poe como “congestión del cerebro” o “inflamación cerebral”, eufemismos comunes para las muertes por causas de mala reputación como el alcoholismo.

La verdadera causa de la muerte sigue siendo un misterio; Desde tan temprano como 1872, comúnmente se creía que el cooping era la causa, y la especulación ha incluido delirium tre-

La caída de la casa Usher: Considerado uno de los mejores trabajos de Allan Poe, este cuento narra la visita de un joven caballero a Roderick Usher, un amigo de la infancia que se ha convertido en un artista excéntrico que debido a sus problemas de su lado vive recluido junto a su hermana Lady Madeline, quien también padece severos problemas de salud. Tras la sorpresiva muerte de Usher deciden depositar sus restos en una cripta; sin embargo, no pasará mucho tiempo antes de que comiencen a tener lugar acontecimientos cada vez más misteriosos.

La máscara de la muerte roja: Una peste conocida como “la Muerte Roja” está acabando con la vida de todos los habitantes de un reino ficticio. Ante tal amenaza, Próspero, gobernador de la región, decide protegerse encerrándose en su castillo con sus más cercanos amigos. No obstante, tras pasar varios meses en esas condiciones, Próspero organiza una fiesta de disfraces. En medio de la celebración se verá incomodado con la presencia de un invitado con un traje demasiado particular.

Los crímenes de la calle Morgue: Luego de ocurrido un extraño asesinato en el que pierden la vida una madre y su hija, los policías a cargo de la investigación no logran llegar a ninguna conclusión relevante que aporte luz sobre lo sucedido. Por esta razón, se encomienda la tarea a M. Dupin, un detective aficionado que tras intensas investigaciones encuentra una explicación que sorprenderá a más de uno.

mens, enfermedad cardíaca, epilepsia, sífilis, inflamación meníngea, cólera y rabia.

El día en que Edgar Allan Poe fue enterrado, apareció un obituario en el New York Tribune firmado “Ludwig”. Pronto se publicó en todo el país. La pieza comenzó, “Edgar Allan Poe ha muerto, murió en Baltimore antes de ayer, y este anuncio sorprenderá a muchos, pero pocos se sentirán afectados por ella”. “Ludwig” pronto fue identificado como Rufus Wilmot Griswold, un redactor, crítico y antólogo que había llevado un rencor contra Poe desde 1842. Griswold de alguna manera se convirtió en ejecutor literario de Poe e intentó destruir la reputación de su enemigo después de su muerte.

Estilo literario y temas Las obras de ficción más conocidas de Poe son el gótico, un género que siguió para apaciguar el gusto del público.

Sus temas más recurrentes tratan de cuestiones de muerte, incluyendo sus signos físicos, los efectos de la descomposición, las preocupaciones de entierro prematuro, la reanimación de los muertos y el duelo. Muchas de sus obras se consideran generalmente parte del género del romanticismo oscuro, una reacción literaria al trascendentalism, que Poe fuertemente disliked.

Se refirió a los seguidores del movimiento como “Frogpondians” después del estanque de Boston Common y ridiculizó sus escritos como “locos de la metáfora-run”, que caían en “la oscuridad por la oscuridad” o “misticismo por el místico”.

POE

Rufus Griswold escribió un artículo biográfico de Poe llamado “Memoir of the Author”, que incluyó en un volumen de 1850 de las obras recogidas.

Griswold describió a Poe como un loco depravado, borracho y drogado, e incluyó las cartas de Poe como evidencia. Muchas de sus afirmaciones eran mentiras o medias verdades distorsionadas.

Por ejemplo, ahora se sabe que Poe no era un drogadicto. El libro de Griswold fue denunciado por aquellos que conocían bien a Poe, pero se convirtió en uno popularmente aceptado.

Esto ocurrió en parte porque era la única biografía completa disponible y se reimprimió extensamente y en parte porque los lectores emocionaron en el pensamiento de las obras de lectura de un hombre “malvado”. Las cartas que Griswold presentó como prueba de esta representación de Poe fueron más tarde reveladas como falsificaciones.

Poe una vez escribió en una carta a Thomas Holley Chivers que no le disgustaban los transcendentalistas, “sólo los pretendientes y sofistas entre ellos”.

Más allá del horror, Poe también escribió sátiras, cuentos de humor y bromas. Para el efecto cómico, utilizó la ironía y la extravagancia ridícula, a menudo en un intento de liberar al lector de la conformidad cultural. De hecho, “Metzengerstein”, la primera historia que Poe se conoce para haber publicado, y su primera incursión en horror, fue pensada originalmente como burlesque satirizing del género popular. Poe también reinventó la ciencia ficción, respondiendo en su escritura a las tecnologías emergentes como globos de aire caliente en “The Balloon-Hoax”.

Poe escribió mucho de su trabajo utilizando temas específicamente aten-

didos para los gustos del mercado de masas. Con ese fin, su ficción incluía a menudo elementos de pseudociencias populares como frenología y fisonomía.

Teoría literaria La escritura de Poe refleja sus teorías literarias, que él presentó en su crítica y también en ensayos tales como “el principio poético”. Le disgustaba el didactismo y la alegoría, aunque creía que el significado en la literatura debía ser una corriente subyacente justo debajo de la superficie. Trabajos con significados obvios, escribió, dejaron de ser arte. Él cree que el trabajo de calidad debe ser breve y centrarse en un efecto específico único. Con ese fin, creía que el escritor debería calcular cuidadosamente cada sentimiento e idea. En “The Philosophy of Composition”, un ensayo en el que Poe describe su método al escribir “The Raven”, afirma haber seguido estrictamente este método. Se ha cuestionado, sin embargo, si realmente siguió este sistema.

TS Eliot dijo: “Es difícil para nosotros leer ese ensayo sin reflejar que si Poe trazó su poema con tal cálculo, podría haber tomado un poco más de dolor sobre él: el resultado apenas no crédito al método”.

El biógrafo Joseph Wood Krutch describió el ensayo como “un ejercicio bastante ingenioso en el arte de la racionalización”.

Durante su vida, Poe fue reconocido sobre todo como crítico literario. El crítico James Russell Lowell lo llamó “el crítico más discriminador, filosófico y sin temor sobre las obras imagi-

Sobre su obra en versos, otro gran poeta decía, Charles Baudelaire, decía: “En las novelas cortas de Poe no hay nunca amor. Al menos, Ligeia, Eleonora, no son, hablando con propiedad, historias de amor, ya que la idea principal sobre la que gira la obra es otra por completo. Acaso él creía que la prosa no es lengua a la altura de ese singular y casi intraducible sentimiento; porque sus poesías, en cambio, están fuertemente saturadas de él.

La divina pasión aparece en ellas, magnífica, estrellada, velada siempre por una irremediable melancolía. En sus artículos habla a veces del amor como de una cosa cuyo nombre hace temblar la pluma.”

En esta obra, Poe nos cuenta qué pasos hay que seguir, en su opinión, para escribir una buena obra. Para ejemplificarlo, explica cómo desarrolló la escritura de su poema más famoso, “El cuervo”.

Contra los que suponen que la creación literaria es solo inspiración y producto del genio, uno de los escritores más grandes explica el riguroso método que desarrolló para escribir. No se pierda la posibilidad de conocer la intimidad de la creación contada por el autor de “Los crímenes de la calle Morgue” o “La máscara de la muerte roja”.

En este magistral relato, el ingenioso detective Dupin debe encontrar una carta que compromete enormemente a alguien de mucha reputación.

El autor introduce el mecanismo de detección mediante la deducción que tan bien sabe manejar. Original, profundo, Poe justifica con esta obra ser uno de los grandes de la literatura anglosajona. Puede serle muy útil el haber leído este libro cuando tenga que ocultar algo.

nativas que ha escrito en América”, aunque cuestionó si de vez en cuando usaba ácido prúsico en lugar de tinta.

Poe también fue conocido como escritor de ficción y se convirtió en uno de los primeros autores americanos del siglo XIX en hacerse más popular en Europa que en los Estados Unidos.

Poe es particularmente respetado en Francia, en parte debido a las primeras traducciones de Charles Baudelaire. Las traducciones de Baudelaire se convirtieron en interpretaciones definitivas de la obra de Poe en toda Europa.

Los primeros cuentos de ficción policial de Poe con C. Auguste Dupin sentaron las bases para futuros detectives en la literatura. Sir Arthur Conan Doyle dijo: “Cada una de las historias de detectives de Poe es una raíz de la que se ha desarrollado toda una literatura ... ¿Dónde estaba la historia de detectives hasta que Poe respiró el soplo de vida en ella?” Los Escritores Misteriosos de América han nombrado sus premios por la excelencia en el género los “Edgars”.

El trabajo de Poe también influyó en la ciencia ficción, especialmente Jules Verne, quien escribió una secuela de la novela de Poe La Narrativa de Arthur Gordon Pym de Nantucket llamada An Antarctic Mystery, también conocida como La Esfinge de los Campos de Hielo.

El autor de ciencia ficción HG Wells señaló, “Pym cuenta lo que una mente muy inteligente podría imaginar sobre la región polar sur hace un siglo”.

Como muchos artistas famosos, las obras de Poe han generado innumerables imitadores.

Una tendencia interesante entre los imitadores de Poe, sin embargo, ha sido las reclamaciones de clarividentes o psíquicos de estar “canalizando” poemas del espíritu de Poe. Uno de los más notables fue Lizzie Doten, quien en 1863 publicó Poemas de la Vida Interior, en la que afirmaba haber “recibido” nuevas composiciones del espíritu de Poe. Las composiciones eran re-funcionamientos de poemas famosos del poe tales como “las campanas”, pero que reflejaron una nueva, perspectiva positiva.

Cuentos “El gato Negro” “El Barril de Amontillado” “Un descenso en el Maelström” “Los hechos en el caso de M. Valdemar” “La caída de la casa Usher” “El insecto de oro” “Hop-Frog” “El Imp de lo Perverso” “Ligeia” “La máscara de la muerte roja” “Los asesinatos en la calle Morgue” “El portaretrato ovalado” “El pozo y el péndulo” “El Entierro Prematuro” “La carta robada” “El sistema del doctor Tarr y del profesor Fether” “El corazón revelador”

Eldorado Eulalie “El Palacio Haunted” A Helen Lenore “Tamerlane” “El Cuervo” Ulalume Otros trabajos Politian (1835) - El único juego de Poe La Narrativa de Arthur Gordon Pym de Nantucket (1838) - La única novela completa de Poe “The Balloon-Hoax” (1844) - Una broma periodística impresa como una historia real “La Filosofía de la Composición” (1846) - Ensayo Eureka: A Prose Poem (1848) Ensayo “El Principio Poético” (1848) Ensayo “The Light-House” (1849) - El último trabajo incompleto de Poe

NOTA. A pesar de su oscuro cuento sobre un gato negro y maligno, Poe amaba a los gatos. Caterina, la gata que le hacía compañía, se deprimía cada vez que el viajaba y cuando él murió, ella también.

Poesía Al Aaraaf Annabel Lee “Las campanas” “La ciudad en el mar” “El Gusano Conquistador” “Un sueño dentro de un sueño” INFM. Edgar Allan Poe Museum

Por @gh

Subcultura Gotica

“No entiendo a quienes dicen: “Yo soy débil”, y se resignan a serlo. Ya que se tiene la conciencia de serlo, ¿por qué no luchar para enmendar la propia naturaleza? (Ana Frank)

Etimología de la palabra (gótica).

La palabra Gótico proviene del término Goth, y es una forma despectiva de llamar al pueblo germánico de los “Godos” que invadió Roma. Este era un pueblo bárbaro.

Fue introducida por primera vez por el historiador florentino del arte: Giorgio Vasari en el siglo XVI con el que quería definir el oscuro arte de la edad media frente al glorioso pasado de la antigüedad clásica. (Reseña: si lo comparamos con el románico, seguramente a este lo hallaremos rígido, tosco y hasta sin encanto; pero lo mismo nos resultaría de comparar el estilo gótico con el arte del renacimiento, del cual formaba parte Vasari).

Este pensamiento se mantuvo hasta el siglo XIX en el que los historiadores romancistas dividieron al gran periodo de la edad media en románico y gótico, destacando de este último su fuerza avasalladora y su originalidad; la cual representa el comienzo de la concepción estilística del arte moderno, con principios de fidelidad a lo real, de profundidad en el sentimiento, de sensitividad y sensibilidad que logra realzar la belleza propia del arte.

Reseña: es en el gótico en el que se vuelven a apreciar las obras artísticas cuyas figuras tienen proporciones normales, se mueven con naturalidad y son, en el sentido propio de la palabra, bellas; las cuales forman en parte el objeto de un placer directo que ya no está condicionado por consideraciones culturales o religiosas.

Giorgio Vasari.

(Arezzo, actual Italia, 1511 - Florencia, 1574) Arquitecto, pintor y teórico del arte italiano. Personalidad destacada de su tiempo, trabajó como arquitecto y como pintor y recibió importantes encargos. Sin embargo, con el paso del tiempo, sus realizaciones prácticas han quedado eclipsadas en buena medida por su obra como teórico, en particular como biógrafo de las principales figuras del Renacimiento italiano.

En 1550 publicó la primera edición de sus Vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos, de la que en 1568 apareció una segunda edición muy ampliada. Esta obra, conocida sencillamente como las Vidas, constituye un documento inigualable para el conocimiento del período artístico al que se refiere y es, al mismo tiempo, una obra amena, escrita con soltura y salpicada de numerosas anécdotas.

Los juicios artísticos que vierte mantienen en casi todos los casos su validez, y el principal reproche que se le puede hacer es el de que considera la Edad Media como un período de decadencia artística y el de concebir el arte tan sólo como una imitación lo más perfecta posible de la naturaleza.

Como arquitecto, su obra principal fue el palacio de los Uffizi, en Florencia, edificio de un clasicismo simétrico y muy elegante. Sus numerosas realizaciones como pintor no han resistido el paso del tiempo y en la actualidad se consideran artificiosas y carentes de verdadero genio. Se le deben los frescos del gran salón del palacio de la Cancillería, en Roma (exaltación de la vida del papa Paulo III) y algunos de los frescos decorativos del Palazzo Vecchio de Florencia. Fue también un gran coleccionista de dibujos, que en algunos casos le sirvieron para formular los juicios artísticos que incluyó en sus Vidas.

Origen del Gótico El gótico tiene sus inicios entre 1850 y 1860 en Francia como un movimiento anti-social encabezado por obreros en su mayoría y por estudiantes que vivían en constante opresión por parte del sistema que la sociedad en ese entonces tenía, maquillando sus caras de blanco y vistiendo de negro daban a entender el hecho de que la opresión los tenía muertos.

Quedando en calma la Europa del siglo IXX, el gótico como una contracultura resurge en los 80’ cuando el punk estaba ya en sus términos como algo fuerte, de ahí que haya tomado algo del estilo punk, en cuanto a imagen, algunas ideologías y también algo de música.

La cultura gótica es un movimiento en varios países.

Empezó en el Reino Unido entre finales de la década de 1970 y mediados de la década de 1980, en la escena del Post-Punk. Su estética e inclinaciones culturales provienen principalmente de las influencias de la literatura de terror, las películas de horror, y en menor medida, de la cultura del Glam y el erotismo.

En el frio y oscuro templo de mi cuerpo se aloja mi corazón atrapado por miles de tinieblas incapacitado de salir, prefiere morir en la oscuridad, a salir a la luz y vivir maltratado eternamente.

Historia y Etimología.

G

oth (Gutan) es un representante de la tribu germánica, que desempeñó un papel importante en el colapso del Imperio Romano. Con el tiempo, la palabra “Goth” comenzó a tener un significado peyorativo y se convirtió en sinónimo de “bárbaro”. En particular los godos eran una de las tribus, que estaban al final de la larga línea de cristianización (Heather 2006). Por esta razón, en la Edad Media, la “arquitectura gótica” era un nombre para los edificios toscos y simples, que contrastaban con las líneas delicadas de la arquitectura clásica.

La nostalgia del siglo XVIII por las ruinas medievales inglesas combinadas con el gusto por el romance caballeresco y los hilos religiosos oculistas, puso en marcha, por un lado, el estilo neogótico (Koch 1996) en el Reino Unido y los Estados Unidos y, por otro lado, el desarrollo De la novela gótica. El pionero en este campo fue Horace Walpole y su novela “El castillo de Otranto” publicado en 1764. Los partidarios de la especie en ese período ya comenzaron a llamarse a sí mismos como “godos”. Una de las características más características de escritores tempranos tales como Keats, Poe, Baudelaire, era una pasión para vestirse en negro.

Las novelas góticas siempre acompañadas de temas de horror, cementerios, ruinas, espíritus, vampiros, maldiciones, conversaciones románticas y amor dramático. Una de las novelas góticas más famosas de ese período fue “Drácula” de Bram Stoker de 1897. Dio los fundamentos del horror como una nueva tendencia en la literatura, y la película más tarde (Gazda 2003).

Los pioneros de este género fueron “Nosferatu” alemán del siglo XX y creó en los años treinta las películas de clase B de Edward D. Wood Jr. (Davenport-Hines 1999). En los años sesenta y setenta, el horror ya estaba en la etapa madura de su desarrollo. Muchas bandas de música postpunk forman esos tiempos (The Cure, Siouxsie y Banshees) basado en la estilización “Adams Family-like”.

Los inicios de la subcultura gótica se remontan a principios de los ochenta del siglo pasado. La subcultura está estrechamente vinculada a la música tanto del post-punk como de la música rock-metal. Ha sobrevivido hasta nuestros días desarrollado y diversificado.

El 21 de febrero de 1981 en una revista de música “Sounds” apareció un artículo sobre el concierto del grupo belga “UK Decay”. El artículo escrito por Steave’a Keaton fue titulado “La cara de Punky Gothique”. El artículo termina con la conclusión:

“Like the Alien on the Nostromo, UK Decay are changing, evolving into something….different with every killing. They are already a formidable beast. Punk Gothique? Its looking just fine.”

En julio de 1982 el club Batcave en Soho de Londres estaba abierto. Este club se ha convertido en un lugar de encuentro de culto para la creciente escena de Goth más tarde llamado “post-punk” o “nueva ola”. Tanto las palabras “batcave” y “old-school” se refiere a la música gótica temprana que se originó en el mismo período. Las bandas que llevaron a la fundación de la última escena fueron: Bauhaus, Specimen, Siouxsie & The Banshees, Los Condenados, Southern Death Cult, Fuera, Sex Gang Children, 45 Grave, Reino Unido Decay, The Virgin prunes, Kommunity FK, Alien Sex Fiend y también Christian Death, Joy Division, Clan de Xymox, The Cure, Dead Can Dance, Adam y las hormigas, así como Killing Joke.

En años posteriores, la Subcultura ha comenzado a alimentar la imaginación de los autores de terror, como Bauhaus de Batcave en la película de terror “The Hunger” de 1983.

Desde entonces los ejemplos comenzaron a multiplicarse.

Independientemente de la escena británica, el “death rock” estadounidense comenzó a evolucionar. Al mismo tiempo, en Alemania comenzó a aparecer la llamada subcultura Grufti. Los movimientos, combinados con la nueva ola y las nuevas fundaciones románticas, han dado a la denominada “cultura oscura” el fenómeno mucho más amplio que el propio Gótico. En ese momento bandas como Las Hermanas de la Misericordia, La Misión Reino Unido, Xmal Deutschland, The Bolshoi y Fields of the Nephilim se unieron a este movimiento.

En 1987, en Potsdam se celebró el primer festival gótico - “Wave Gotik Traffen”, pero era ilegal de acuerdo con la ley de DDR (Desarme, desmovilización y reintegración). Fue reactivado en 1992 en Leipzig justo después de la unificación de Alemania.

En 1993 el primer festival gótico ocurrió en Whitby (Inglaterra) - el mismo pueblo que inspiró Bram Stoker a escribir su famosa novela. A pesar de que el festival se creó espontáneamente, durante varios años tuvo lugar en forma regular, y ahora ha sido reactivado.

En 1994 en el castillo de Grodziec (Polonia) se celebró la primera edición del Festival del Partido Castillo - el mayor evento de este tipo en Europa del Este. En 2000 en el aeropuerto

de Hildesheim comienza M’era Luna Festival - el segundo festival gótico más grande de Alemania. En 2001 se inició el Festival Gótico de Lumous en Tampere (Finlandia). A mediados de los noventa, los festivales y eventos góticos comenzaron a aparecer uno tras otro. Este período puede ser definido como el tiempo de madurez de la cultura gótica.

Esos eventos iniciaron un intercambio cultural de inspiración entre las principales tendencias de la literatura y la cinematografía. Autores como Anne Rice reactivaron en sus novelas vampiros que nuevamente comenzaron sus nuevas encarnaciones en las producciones cinematográficas. La imagen de las premisas vampíricas como “Armas del Almirante” de “La Reina de los Condenados” fue tomada como lo es de los actuales clubes de murciélagos de murciélagos.

Como producciones góticas típicas se pueden considerar películas como “The Crow” y los juegos de RPG de “Worlf Of Darkness” reinos. La cultura gótica también estaba en su etapa posterior un impacto importante en el lado visual de los llamados “cyberpunk”, especialmente en conexión con el desarrollo de la música industrial.

La ficción gótica es también notable en otros campos del arte tales como fotografía (Vion Ielegems, Anni Bertram, Sr. Señor, Nadja Lev), así como pintura y gráficos (Rachel Huntington, Gerald Brom, Nene Thomas, Luis Royo, Boris Vallejo, Chris Achilleos, Dave Mckean, Jhonen Vásquez, Alice Egoyan, Myka Jelina, James O’Barr, HR Giger y Zdzislaw Beksinski).

La confusión en la corriente principal gótica que es causada particularmente por este último género es totalmente comprensible, especialmente porque el “gótico” en el nombre.

El metal gótico deriva directamente de la música del metal, y el nombre “gótico” se agregó para acentuar su estilo. Algunos músicos de metal estaban fascinados por el ethos romántico medieval, la mitología alemana ya menudo se benefician de su estilización.

No se puede negar el impacto del metal gótico en la corriente gótica, especialmente gracias a los organizadores de muchos giga-festivales. La amplia gama de estilos musicales en esos eventos de la vieja escuela bastón-cueva a la música del techno colocó el metal gótico permanentemente en la escena gótica.

Especialmente al principio los organizadores de eventos para aumentar la asistencia, estaban recibiendo lo que podían de una escena alternativa más amplia, incluyendo la electrónica y el metal.

Este período se inicia una ola de los llamados eventos góticos / industriales o electro-industriales. Al mismo tiempo la gama de conciertos de música, a la que asisten los godos, ha surgido del rock gótico, death rock, dark electro, industrial, EBM, ambient, a través de música experimental, neofolk a synthpop, rock glam rock, indie rock etc. No sólo toleran este fenómeno, sino que también se mostraron muy entusiasmados, principalmente por el amplio gusto y el eclecticismo de las personas que escuchaban la música gótica.

Con el tiempo, la escena ha comenzado a transformarse en el movimiento, que con el gótico original tenía muy poco en común, tanto en términos de música y apariencia, así como su ideología.

La prevalencia de hoy es a eventos góticos junto con nuevas fiestas románticas también son muy comunes.

En algunos países, como Polonia, hay incluso subcultivos basados únicamente en una sola banda - Depeche Mode.

Hasta principios de los años noventa las principales tendencias en la escena musical fueron post punk, death rock, gothic rock y darkwave. En años posteriores estilos como industrial, EBM, emo o metal gótico Se unieron a este movimiento.

La influencia recíproca entre sí de la música industrial, pop y techno ha dado como resultado la creación de híbridos tales como TBM o electro duro, que con el gótico no tiene nada en común. Los eventos góticos de hoy son a menudo casi comple-

tamente dominados por aggrotech, futurepop y synthpop. El ambiente también recuerda el interior en cada aspecto una discoteca tradicional. El humor reflexivo oscuro ha sido reemplazado con una buena diversión. El individualismo se convirtió en imitación. Esto ha llevado a un deseo de regreso a las raíces de las cavernas de murciélagos y típicamente eventos de la vieja escuela.

El gótico moderno se desarrolla de forma más dinámica en Alemania, tanto desde puntos de vista de calidad como de cantidad. Es, sin embargo, también vivo en los Estados Unidos y en Europa Oriental. Tradicionalmente, menos de las bandas de música gótica y los eventos se pueden encontrar en Italia, Grecia y España, donde la gente difiere significativamente en el temperamento, y debido al calor predominante estilo gótico o ropa de metal no es práctico. A pesar de esta situación muy diferente es en Escandinavia, que es famoso por su música de metal. Eventos góticos que tienen lugar allí son más a menudo que en cualquier otro lugar conectado con los eventos de metal.

En Internet se pueden encontrar los términos subcultura supuestamente derivados del gótico. A menudo, también puede reunirse con la división listo para grupos específicos.

Por lo general, son artificiales y actúan como seres de Internet solamente. Sus orígenes son generalmente de juegos de rol y con frecuencia se duplican planteados a los mitos urbanos. Los que realmente existen, tienen poca importancia social. Dado que son difíciles de confirmar y documentar, no se citarán aquí.

Ideología y estereotipos.

Definir la ideología gótica es difícil, si es posible hablar de cualquier ideología. Se basa más en el estado de ánimo y en la estética específica. Puesto que la “cultura oscura” es bastante tolerante, la manera y el vestido hacen a menudo a gods sospechosos de la violencia, del odio e incluso del racismo. No hay puntos de vista políticos específicos como en el caso del movimiento hippie.

El énfasis está más en el individualismo y el intelectualismo, que se considera (correctamente) a menudo como el escepticismo y el cinismo. Las opiniones políticas son más liberales o izquierdistas o anarquistas, pero no es la regla común.

En el caso de la actitud hacia la religión, el caso es bastante similar. La subcultura gótica no está asociada con ninguna religión en particular. La estética definida resulta en muchos elementos que provienen de la cultura y tradición cristianas. Los objetos de adoración, que pueden encontrarse con frecuencia en el fondo de las fotografías, artículos como cruces, llaves de ankh o los martillos de Thor son más decorativos de una manera que tienen importancia para la religión. Entre los godos se pueden encontrar creyentes y ateos. Más común es más bien tratar la religión con una distancia significativa.

El estereotipo gótico de la manera es el traje oscuro y oscuro. La apariencia es altamente cumplida con el erotismo. La apariencia gótica estereotipada es el pelo negro, maquillaje provocativo afilado, uñas oscuras, ropa oscura, piercings, los trajes tradicionales de los isabelinos, victorianos, medievales, o refiriéndose a la atmósfera bat-cave o estilo punk, con apariencia clásica, junto con El desarrollo de estilos musicales, un gran número de estilos diferentes evolucionó que a primera vista son completamente diferentes, como Gothic Lolita o cybergoth.

Una de las características, que clasifican a Goth a la subcultura, es que como cualquier subcultura se basa en la jerarquía (Filipiak 2003). Lo que es común con las otras subculturas es que la posición en la jerarquía es independiente del estado material o social, pero se basa más bien en la participación y la creatividad entusiastas. El impacto en el estado tiene un fuerte énfasis en la relación entre el establecimiento, celebridades, DJ-ing, aparición, clothinf, organización de eventos, arte, zins o foros de Internet. La jerarquía no siempre está clara, pero se puede notar fácilmente.

La subcultura gótica es una de las maneras alternativas de escapar de la cultura dominante y está vinculada tanto al posmodernismo como al misticismo de la Nueva Era (Kubiak 2005). Éste es ciertamente el escapado del mundo real. Lo que también es notable en la jerarquía de la subcultura es que no sólo no refleja, sino que es radicalmente diferente de la situación del individuo en particular en la sociedad.

La ausencia de reglas rígidas, el eclecticismo musical y la capacidad de adaptación son las principales características que detuvieron a la Dark Independent Culture para sobrevivir y prosperar. El romanticismo y la fascinación del mundo espiritual, el lado subconsciente y oscuro del yo es una característica natural de las personas sensibles.

Una característica importante es también seguir escapar de la corriente principal y la comercialización, lo que llevó al final de muchas subculturas.

Bibliografía: Baddeley, G. (2002), “Goth Chic: Guía de un conocedor de la cultura oscura”, Atlanta, Plexus Davenport-Hines, R. (1999), “Gótico: cuatrocientos años de exceso, horror, mal y ruina”, Nueva York, North Point Press Eco, U. (2005), “Historia de la belleza”, Varsovia, Rebis Filipiak, M. (2003), “De subculturas para la cultura alternativa”, Lublin, Universidad Gazda, G. (2003), “Ficción gótica y Gore en la cultura”, Lodz, Univ. Universidad de Lodz Heather, P. (2006), “La Caída del Imperio Romano”, Varsovia, Rebis Hodkinson, P. (2002), Goth: Identidad, Estilo y Subcultura “, Gordonsville, Berg Publishers Koch, W. (1996), “La arquitectura del estilo”, Varsovia, Bertelsmann Krasinski, Z. (2004), “Novelas góticas”, Cracovia, Universitas Kubiak, A. (2005), “Sin embargo, la Nueva Era”, Varsovia, Jacek Santorski & Co.

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ARTE GOTICO El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento.

Es un arte casi exclusivamente religioso. Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia , más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia, con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

Arquitectura.

Como el arte gótico era prácticamente un arte religioso, naturalmente los elementos arquitectónicos que mas se dieron, fueron las catedrales. Se destaca en este periodo la obsesión por la verticalidad y la luz.

Escultura.

Las esculturas goticas, nacieron en los muros de las iglesias a mediados del siglo XII, en la isla de Francia. la esculturas, se crearon meramente para la adornación de dichas iglesias, por lo tanto eran esculturas religiosas.

Pintura.

La pintura gótica, una de las expresiones del arte gotico, no apareció hasta alrededor del año 1200, es decir, casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura gotica. La pintura gotica trata de representar el naturalismo, pero no se acerca tanto a la belleza.

E

l Arte gótico es un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que encontramos aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, según las áreas geográficas.

Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos y las diversas artes decorativas.

El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del Renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico.

En el siglo XIX se produjo una revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y románticos.

El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad media, y hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.

El estilo gótico encontró su gran medio de expresión en la arquitectura.

Surgió en la primera mitad del siglo XII a partir de la evolución de precedentes románicos y otros condicionantes teológicos, tecnológicos y sociales.

La arquitectura gótica perduró hasta bien entrado el siglo XVI en diversos países europeos como Inglaterra, mucho después de que el estilo renacentista hubiera penetrado en otros campos artísticos. Las mayores realizaciones del gótico se manifestaron en el terreno de la arquitectura religiosa.

En contraste con la arquitectura del románico, cuyas características esenciales son los arcos de medio punto, las estructuras macizas con escasos

vanos y las bóvedas de cañón o arista, la arquitectura gótica empleó el arco apuntado, agujas, chapiteles y gabletes, reforzando el sentido ascensional que pretende transmitir el edificio, amplios vanos con tracerías caladas para conseguir la máxima luminosidad y estructuras reducidas al mínimo.

Todas estas cualidades estilísticas fueron posibles gracias a las innovaciones constructivas, especialmente a la aparición de la bóveda de crucería. Las iglesias medievales poseían bóvedas muy pesadas, que obligaban a disponer muros gruesos y con pocos ventanales para soportar sus empujes.

A principios del siglo XII los constructores inventaron la bóveda de crucería, que consiste en el cruce de dos arcos o nervios apuntados, que conforman una estructura resistente sobre la que se colocan los ligeros elementos de relleno que configuran la bóveda. Este sistema además de ligero y versátil, permite cubrir espacios de diversa configuración formal, con lo que posibilita un gran número de combinaciones arquitectónicas.

Aunque las primeras iglesias góticas adoptaron una gran variedad de formas, la construcción de las grandes catedrales del norte de Francia en la segunda mitad del siglo XII se benefició de las ventajas de las bóvedas de crucería.

Con ellas se podían concentrar los empujes en los cuatro puntos del vértice y posteriormente apearlos por medio de los elementos sustentantes, que podían ser los pilares o columnas, pero también el sistema de estribo y arbotante, un arco que transmite los esfuerzos tangenciales hacia un contrafuerte situado en el exterior del edificio coro-

nado por un pináculo.

Como consecuencia, los gruesos muros de la arquitectura románica pudieron ser reemplazados por ligeros cerramientos con ventanales que permitieron la aparición de la vidriera y facilitaron que el edificio alcanzase alturas insospechadas. Así se produjo una revolución en las técnicas constructivas.

Con la bóveda gótica los edificios pudieron adoptar formas variadas. Sin embargo, la planta común de las catedrales góticas consistió en tres o cinco naves longitudinales, un transepto, un coro y un presbiterio, es decir, una composición similar a la de las iglesias románicas.

Las catedrales góticas también mantuvieron y perfeccionaron la creación más genuina de la arquitectura románica: la girola, una estructura compleja que aparece en la cabecera del templo, generalmente de forma semicircular con un deambulatorio alrededor y al que se abren capillas radiales de planta semicircular o poligonal.

La organización de los alzados en el interior de las naves y en el coro también mantuvo los precedentes románicos. Por otro lado, los esbeltos pilares compuestos que separan las naves, con sus finos fustes elevándose a través del triforio hasta las nervaduras de las bóvedas, y el uso del arco apuntado en todo el edificio, contribuyen a crear efectos de verticalidad que constituye la expresión más intrínseca de la arquitectura gótica.

El objetivo prioritario de la organización exterior de la catedral gótica, con sus arbotantes y pináculos, fue contrarrestar el peso de las bóvedas. La fachada occidental o de los pies de la iglesia, por otro lado, intentaba pro-

ducir un efecto de desmaterialización del muro a través de ricos recursos plásticos. La típica fachada principal gótica se divide en tres cuerpos horizontales y tres secciones verticales o calles, donde se abren las tres portadas que se corresponden con las naves del interior.

Las dos torres laterales forman parte del cuerpo de la fachada y se rematan frecuentemente por agujas o chapiteles. Por último, el gran rosetón sobre la portada central supone un magnífico centro para la totalidad del conjunto.

Continua...

LOS GODOS Antiguo pueblo de Germania que desde el siglo III hasta el VI d.C. constituyó una importante potencia, coincidiendo con el periodo de crisis y desintegración del Imperio romano.

El godo fue el primero de los pueblos germánicos en convertirse al cristianismo. De acuerdo con el historiador godo del siglo VI Jordanes, los godos procedían de la actual Suecia y cruzaron el mar Báltico hasta llegar a la cuenca del Vístula. Alrededor del siglo III d.C. ya se encontraban en el bajo Danubio, en torno al mar Negro. A lo largo de ese siglo los ejércitos godos asolaron Tracia, Dacia y las ciudades de Asia Menor y recorrieron la costa del Egeo.

Tomaron y saquearon Atenas entre los años 267 y 268 y amenazaron la península Itálica. Las guerras entabladas entre los emperadores romanos y los gobernantes godos a lo largo de casi un siglo devastaron la región de los Balcanes y los territorios del noreste del Mediterráneo. Otras tribus se unieron a los godos y bajo el gran rey Ermanarico establecieron en el siglo IV un reino que se extendió desde el mar Báltico hasta el mar Negro.

Hacia el 370, a partir de las invasiones de los hunos, los godos se dividieron en dos ramas separadas.

Los ostrogodos constituyeron un vasto reino al este del río Dniéster, en las tierras alrededor del mar Negro (lo que hoy es parte de la actual Ucrania y Bielorrusia). Los visigodos fueron los godos del occidente, cuyo dominio territorial se extendía desde el Dniéster hasta el Danubio.

Gótico temprano.

En Francia, durante la primera mitad del siglo XII, la bóveda de crucería apareció esporádicamente en cierto número de iglesias. Sin embargo, la fase que iba a conducir a la construcción de las grandes catedrales francesas comenzó en 1137, con motivo de la construcción de la girola de la iglesia abacial de Saint-Denis, panteón real en las afueras de París.

Catedral de San Denís, el nacimiento del gótico.

La Catedral basílica de Saint Denis es una de las joyas francesas, por dos motivos: Porque nació el gótico en su coro y porque están enterrados casi todos los reyes de Francia.

Los reyes de Francia acudían a la abadía de Saint-Denis a orar y coger la Oriflama antes de ir a la guerra o a las cruzadas.

Ninguno de los estilos precedentes permite fijar el momento de su aparición como en el gótico. Nació entre 1137 y 1144 en la reconstrucción por iniciativa del abad Suger, de Saint Denis.

En el deambulatorio de Saint-Denis, las finas columnas que sustentan las bóvedas de crucería y la ausencia de muros divisorios entre las distintas capillas radiales proporcionó un nuevo sentido de espacio continuo, fluido, que anticipaba las creaciones posteriores.

A pesar de que en el coro de peregrinación hallamos los elementos característicos del gótico (planta, arco apuntado y bóveda ojival) ya existentes por separado en el románico, la combinación de estos y la búsqueda de la luminosidad y el diseño estrictamente geométrico hacen entender la impresión que causó en la época y la extensión en pocas décadas de ese estilo nuevo por toda Europa.

Saint-Denis fue el modelo para la primera de las grandes catedrales, Notre Dame de París (comenzada en 1163), así como para un periodo de experimentación orientado a la desmaterialización del muro por medio de la apertura de grandes ventanales traslúcidos. El añadido de un cuarto piso en los alzados interiores incrementó la altura de forma vertiginosa.

Este piso adicional, denominado triforio, consiste en un estrecho pasadizo con arquerías situado entre la tribuna que se halla sobre las naves laterales y el nivel de los ventanales superiores (claristorio).

Las catedrales francesas de Laon y Noyon también corresponden a esta primera etapa.

Este doble papel espiritual y temporal que recoge la abadía, se entienden si analizamos los vínculos que unen Saint Denis, Suger y la monarquía francesa.

En aquellos momentos los reyes de Francia fundamentaban su legitimidad en la tradición carolingia pese a pertenecer a la dinastía de los Capetos (fundada por Hugo Capeto a la muerte del último rey carolingio en 987), y podríamos decir que, en realidad, su poder efectivo iba poco más allá de la región de la Ile de France, es decir, los alrededores del actual París. El teórico poder sobre los nobles del resto del país era más bien nominal.

Gótico clásico.

La fase experimental del gótico temprano se resolvió finalmente en la catedral de Chartres (comenzada en 1194).

Eliminando la tribuna del segundo piso heredada del románico, pero manteniendo el triforio, recupera la sección longitudinal de tres pisos o niveles.

En su defecto se gana altura a través de un amplio claristorio o piso de ventanales, nivel de las arquerías, que proporciona una luz casi vertical.

Cada vano se organiza mediante una estructura geminada, dividido por un parteluz y decorado con motivos de tracería como tréboles, óculos o cuadrifolios. La catedral de Chartres sirvió de modelo para las siguientes catedrales góticas.

Este periodo del gótico clásico culminó en la catedral de Reims (comenzada en 1210).

En torno a 1220, la nave de la catedral de Amiens retomó el sentido clásico y ascensional de Chartres y Reims, enfatizando la verticalidad y la estilización de los pilares.

De este modo Amiens supuso una transición hacia la más elevada de las catedrales góticas francesas, la catedral de Beauvais.

En ella aparece un gigantesco piso de arquerías (derivado de Bourges) bajo un piso de ventanales del mismo tamaño, que permite alcanzar la altura sin precedentes de 48 metros.

Catedral de Chartres Empezada en 1145 y recomenzada tras el incendio sufrido en 1194, la construcción de catedral de Chartres finalizó 26 años después de este siniestro.

Representativa del apogeo del arte gótico francés, esta catedral dotada de una vasta nave del más puro estilo ojival, de pórticos ornados con admirables esculturas de mediados del siglo XII, y de magníficos vitrales de los siglos XII y XIII es una obra maestra excepcionalmente bien conservada.

Catedral de Reims

Realizada en un brillante estilo gótico, la Catedral de Notre-Dame de Reims es considerada como la más importante de Francia, tanto puor su extraordinaria arquitectura como por sus opulentas estatuarias. En el antiguo Régimen era el lugar de la consagración de los reyes de Francia. San Nicasio en el siglo V construyó una catedral dedicada a la virgen María, utilizada para el bautizo de Clodoveo y para las consagraciones reales.

Ya en el 1211, el 6 de mayo se comenzó una nueva construcción de una catedral en Reims, ordenada por el arzobispo de Reims Aubry de Humbert, esta sustituiría totalmente a la catedral de carolingia, la construcción fue terminada en el año 1275

Gótico radiante o rayonnant.

La catedral de Beauvais se comenzó en 1225, un año antes de que Luis IX de Francia ascendiese al trono.

Durante su largo reinado, de 1226 a 1270, la arquitectura gótica entró en una nueva fase denominada radiante o rayonnant.

El término rayonnant deriva de los elementos radiales, como los de una rueda, que conforman los enormes rosetones característicos de este estilo.

La altura dejó de ser el principal objetivo, y en su lugar se extremó la desmaterialización del muro reduciendo el espesor de la mampostería, extendiendo los ventanales y reemplazando el muro exterior del triforio por vanos de tracería. Los muros de este periodo radiante asumieron el carácter de membranas traslúcidas.

Todas estas características del gótico radiante fueron incorporadas en la primera empresa importante llevada a cabo durante esta nueva fase, la reconstrucción (comenzada en 1232) de la iglesia abacial de Saint-Denis.

En la evolución de la arquitectura gótica, el progresivo aumento de los vanos acarreó la posibilidad de crear un ambiente interior sacralizado y simbólico a través de la luz coloreada que pasaba a través de las vidrieras.

Los colores dominantes fueron el azul oscuro y el rojo rubí brillante.

Catedral de Saint-Pierre de Beauvais (1272).

El edificio tiene gran dimensión, hubiera sido la obra maestra de la arquitectura gótica si los arquitectos encargados del proyecto la hubiesen terminado.

La quisieron hacer tan alta y fina de fábrica que sus bóvedas se vinieron abajo en dos ocasiones, en el año 1247 y 1284, debido mayormente a que los pilares eran débiles y demasiado separados. Para dirigir los trabajos de restauración fueron llamados los arquitectos Guillaume de Roye y Aubert d´Aubigny que la consolidaron con nuevos pilares terminando la obra en 1324.

El crucero fue construido durante el reinado de Francisco I, por Martín Chambiges; en el siglo XVI existía en lo alto de la catedral una aguja por lo que fue considerada como el monumento más alto de la época, pues se elevaba a 153 metros; esta aguja se derrumbó en 1573.

El coro fue comenzado en 1225 y terminado en 1272.

Tiene en su interior un reloj astronómico que data del siglo XIX y construido por Verité de Beauvais que, con sus 14 metros de altura, 6 metros de ancho, 52 cuadrantes, 80 indicaciones diferentes y sus 90.000 piezas, es uno de los mayores del mundo.

El aspecto de esta catedral es tan admirable, que ha sido muy común en Francia decir: el coro de Beauvais, la nave de Amiens, el pórtico de Reims y los campanarios de Chartres, harían la iglesia más hermosa del mundo.

Expansión de la arquitectura gótica.

La influencia de la arquitectura gótica francesa en el resto de Europa fue enorme.

En España, este estilo también está representado por las grandes catedrales urbanas, si bien en el siglo XV la obra civil adquirió mayor importancia.

En Alemania (que entonces formaba parte del Sacro Imperio Romano Germánico junto a otros territorios de Europa central) el gótico también apareció a lo largo del siglo XIII, aunque en una primera fase convivió con los esquemas románicos autóctonos.

En Italia e Inglaterra la aceptación de los esquemas franceses se encontró con mayores reticencias, de modo que su influencia fue escasa.

Las iglesias florentinas y las reminiscencias superficiales del gótico francés en las fachadas de las catedrales de Siena y Orvieto son simples fases transitorias en la evolución que condujo en Italia del románico clasicista a los inicios de la arquitectura renacentista en la obra de Filippo Brunelleschi.

Filippo Brunelleschi.

(Florencia, 1377-id., 1445) Arquitecto y escultor italiano. Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura.

No es de extrañar, por tanto, que participara en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el que quedó segundo, después de Ghiberti. Se dice que su decepción por este relativo fracaso fue tal que en lo sucesivo decidió dedicarse casi exclusivamente a la arquitectura.

Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento.

A Brunelleschi se debe, de hecho, la formulación de las leyes de la perspectiva central, tal como afirma Alberti en su famoso tratado Della pintura.

Pero en su época, su fama estuvo asociada, sobre todo, a la cúpula de la catedral de su ciudad natal, Florencia, ya que sus conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de dicha cúpula, por lo que sus conciudadanos lo reverenciaron.

De hecho, en la actualidad la cúpula continúa siendo su obra más admirada.

sino el resultado de la correcta aplicación de una serie de leyes preestablecidas. Precisamente por ello, sus edificios no son aptos para suscitar emociones sino para intentar comprender fría y racionalmente las leyes que el artista quiso plasmar a través de sus realizaciones.

Su arquitectura elegante y moderadamente ornamental queda compendiada a la perfección en dos espléndidas creaciones: la capilla Pazzi y la Sacristía Vieja de San Lorenzo. Son dos obras de planta central, basadas en la armonía visual y en la alternancia, característica del artista, entre arenisca gris y estuco blanco.

Pese a la importancia de su figura, la influencia de Brunelleschi en las generaciones posteriores fue muy limitada. Sin embargo, quien sin duda se inspiró de algún modo en él para sus realizaciones arquitectónicas fue Miguel Ángel.

Capilla Pazzi

A partir de los monumentos clásicos y de las realizaciones del románico toscano, creó un estilo arquitectónico muy personal, en el que desempeñan un papel fundamental las matemáticas, las proporciones y los juegos de perspectiva.

En todos los edificios que llevan su firma, las partes se relacionan entre sí y con el todo mediante fórmulas matemáticas, de manera que, por ejemplo, una sección es la mitad o la cuarta parte del todo, etc.

También entran en juego las combinaciones de diferentes figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo), ya que para Brunelleschi, como buen renacentista, la estética no era un juego de azar

La catedral de Santa Maria Dei Fiori

Escultura.

La escultura siguió el precedente románico, con una amplia difusión de imágenes cuyo fin era adoctrinar a los fieles en los dogmas de la fe religiosa y decorar las fachadas de las catedrales.

La escultura de los siglos XII y principios del XIII tuvo un carácter predominantemente arquitectónico.

Las figuras más destacadas son las estatuas colosales de las jambas (pilastras laterales) de las portadas y las de los parteluces de los vanos de entrada.

Reciben el nombre de estatuas-columna por estar adosadas a estos soportes. A veces, la estatua-columna tiende a liberarse del marco arquitectónico, como si fuera una escultura exenta o de bulto redondo.

En el estilo considerado protagónico destacan las estatuas-columna del famoso pórtico de la Gloria (fachada occidental) de la catedral de Santiago de Compostela (España, último tercio del siglo XII), donde apóstoles y profetas se hacen eco del nuevo sentido naturalista idealizado, a la vez que expresan sus sentimientos y empiezan a entablar lo que se denomina sacra conversazione, es decir, la comunicación entre los personajes sagrados.

En Francia cabe reseñar las estatuas-columna de la fachada occidental de la catedral de Chartres, que datan aproximadamente de 1155. Las estatuas del pórtico Real de Chartres poseen unas

proporciones y un sentido del volumen que revelan un naturalismo ajeno al mundo románico.

Durante las décadas siguientes las figuras de Chartres inspiraron a un gran número de artífices franceses. Sin embargo, las estatuas-columna no eran las únicas manifestaciones escultóricas figurativas de las portadas, que seguían un rico y elaborado programa iconográfico centrado en los altorrelieves del tímpano, arquivoltas y en menor medida, en los dinteles de las puertas. En los parteluces, solían aparecer estatuas de la Virgen, Cristo o algún santo relacionado con la iglesia catedralicia.

Catedral de Chartres. Portada del triunfo de la Virgen. (Francia). En el año 12o4, el conde de Blois donó a la catedral de Chartres la cabeza de Santa Ana, en cuyo honor se colocó la figura de la santa en el parteluz de la puerta central. En el tímpano aparecen representados la muerte y asunción de la Virgen, en el extremo superior esta la Virgen en majestad con el Niño Jesús sentado en su regazo. La escena esta rodeada de ángeles y diferentes figuras del Antiguo Testamento.

Las Virgenes Necias.- Catedral de Magdeburgo. El grupo esta formado por 5 virgenes prudentes y 5 necias vestidas a la moda del siglo XIII; aparecen sin idealización alguna como muchachas de la época. Las prudentes sostienen alzadas las lamparas de aceite, mientras que las necias las dejan caer. Todas las figuras estaban policromadas, lo que le daba una vivacidad extraordinaria al conjunto. Las virgenes con sus vestiduras en movimiento y sus hermosos gestos se liberan de la rigidez propia de la estatuaria monumental y niegan la disposición axial determinada por la arquitectura, de este modo, la clasica vista delantera se amplia hacia los lados.

Caballero de Bamberg. Es la primera estatura ecuestre a tamaño natural desde tiempos antiguos. Se desconoce la identidad del personaje, pero se presume que sea San Esteban de Hungría. se encuentra en la catedral de Bamberg y fue construída entre los años 1225 y 1237.-

Gárgola U

na gárgola es una figura fantástica, también descrito como ser mitológico, emanado de la imaginación, generalmente encontradas en las iglesias y catedrales.

A la similitud de los grutescos que es un motivo decorativo producido de la decoración de las “cuevas” descubiertas en la roma que se han identificado como habitaciones y pasillos de la domus aurea que era un grandioso palacio construido por el emperador Nerón en Roma, que tiene un objetivo artístico, las gárgolas son drenajes y es de allí que proviene su nombre derivado del francés “gargouille” o del latín “gargulio”, que significa garganta.

Que pueden ser esculturas como animales o seres humanos, con cuerpos o sin cuerpos. Las gárgolas pueden ser ideas aterradoras o divertidas que tienen mucho más que un propósito.

En la arquitectura de la edad media que es el periodo histórico de la civilización occidental especialmente en el arte de gótico que es una denominación del estilo artístico que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la edad media, que son muy utilizados en las iglesias y catedrales donde pueden estar estructuradas mediante figuras intencionadamente grotescas que son los que pueden relevar a hombres, monstruos o demonios donde probablemente tienen una función simbólica de preservar el templo y asustar a los pescadores que es la transgresión voluntaria de un precepto tenido por bueno.

Esto se conservó en la arquitectura renacentista española que es la que está diseñada y construida durante un periodo artístico del renacimiento europeo que lo caracterizan por ser un momento de ruptura en la historia de la arquitectura o en las iglesias barrocas que es el que se utiliza de forma despectiva para indicar la falta de regularidad y orden del nuevo estilo.

Aparición del naturalismo.

Los convencionalismos en el tratamiento de los pliegues fueron reemplazados por volúmenes más sólidos y naturales en un proceso que comienza en torno a 1210 con la portada de la Coronación de la catedral de París, y que continúa después de 1225 en las portadas de la catedral de Amiens.

A partir de 1240 ya se aprecian en la fachada occidental de la catedral de Reims y en las estatuas de los apóstoles de la Sainte-Chapelle de París los pliegues pesados y angulosos, profundamente esculpidos en forma tubular, característicos de la escultura gótica posterior. Al mismo tiempo las estatuas se liberaron del soporte arquitectónico.

gran esplendor en los retablos, las sillerías de coro y los sepulcros de grandes personajes.

En relación a las tendencias naturalistas, aparecieron interpretaciones más humanizadas de la Virgen con el Niño, imágenes que muestran una relación amorosa en la que la Virgen mira a su hijo dulcemente o juega con él mientras le ofrece una flor o una fruta.

Por un lado, la altura del techo, que resulta bajo para los que acostumbramos a visitar lugares santos.

Por otro, la policromía que existen en cada una de las paredes, techos y columnas que forman el conjunto de la Capilla Inferior.

Un ejemplo de esta nueva iconografía es la Virgen con el Niño de la portada inferior de la Sainte-Chapelle, un modelo que siguió vigente en Europa durante varios siglos.

En las estatuas de Reims y en las del interior de la Sainte-Chapelle se consolidó el típico rostro de las figuras góticas: forma triangular, mentón destacado, ojos almendrados y una marcada sonrisa.

Al mismo tiempo se inició la representación de posturas y gestos amanerados, que resultan de una síntesis entre las formas naturalistas, la elegancia cortesana y una delicada espiritualidad.

Otros géneros desarrollados por la escultura gótica fueron las imágenes votivas, esculturas de bulto redondo de pequeño tamaño con representaciones de la Virgen y el Niño o de Cristo crucificado, en las que se aprecian los cambios iconográficos que se produjeron en el mundo gótico, como una mayor humanización y naturalismo.

Por otro lado, el relieve alcanzó

Al entrar en su interior, nos descubrimos ante dos características arquitectónicas y artísticas muy llamativas.

Esta Capilla está dividida en tres naves, siendo la del centro de mayor tamaño.

Las laterales prácticamente se diluyen como una extensión de la central. Al fondo existe un pequeño deambulatorio que une las dos naves laterales.

Tal como entramos en la Capilla, en su parte izquierda, encontraremos un mostrador donde venden libros, postales y diversos abalorios relacionados con la Sainte Chapelle.

La Capilla Inferior de la Sainte Chapelle es la menos vistosa de las dos plantas y, también, la menos conocida. Pero no, por ello, deja de tener valor.

Esta Capilla está dedicada a la Virgen María, cuya estatua reverenciada está en la misma entrada a la Iglesia, delante de una columna que hace, a su vez, de parteluz de la puerta principal. Todo el que entra en la Sainte Chapelle tiene la obligación de pasar junto a su insigne posición.

El dispositivo montado es realmente feo, sobre todo, cuando, justo en la puerta de la misma tienen una explanada para poder instalar tenderetes al uso sin necesidad de crear esta horrorosa visión dentro de la Iglesia, que, por otro lado, es pequeña.

El techo es abovedado y está sostenido por multitud de columnas diminutas que soportan todo el peso del edificio superior. Las paredes están decoradas, aunque muy deterioradas, por arcos de medio punto y doce medallones de los Apóstoles.

Difusión de la escultura gótica.

Aunque la génesis de la escultura gótica se iniciara en el norte de Francia, como sucedió en el caso de la arquitectura, algunas de las obras más notables se realizaron en Alemania.

La escultura gótica alemana se caracterizó por un fuerte expresionismo, algunas veces en el límite de la caricatura, y al mismo tiempo por una lírica belleza y elegancia formal.

En Italia existió, como en el caso de la arquitectura, una cierta reticencia a aceptar los postulados franceses. En este caso sería más apropiado hablar de tendencias goticistas dentro de un clima en el que va apareciendo el protorrenacimiento. El taller más representativo fue el de Pisa.

En España, en el segundo cuarto del siglo XIII se introdujeron las formas de la escultura francesa a través de las intensas relaciones políticas y culturales que la monarquía española estableció con la francesa. En el siglo XIII destacaron dos talleres en torno a las catedrales de Burgos y León.

Artes decorativas En Francia a lo largo del siglo XIII las artes decorativas estuvieron bajo el dominio de la evocación religiosa. Los medallones que aparecen en las ilustraciones de las Bibles moralisées (Biblias moralizadas), en el segundo cuarto del siglo, se inspiraron sin duda en el diseño de las vidrieras catedralicias.

En el salterio de Luis IX (posterior a 1255), los gabletes con rosetones que enmarcan las miniaturas imitan los modelos de la Sainte-Chapelle. A partir de 1250 el mismo estilo cortesano inspira la escultura monumental y las pequeñas tallas elefantinas (de marfil).

Hacia 1300 las artes decorativas comenzaron a asumir un papel más independiente. En la región del Rin se produjeron piezas de un marcado carácter expresivo, que van desde las estatuillas de la escuela del lago Constanza, como la del joven san Juan sentado dejando caer su cabeza tiernamente en el hombro de Cristo, hasta la espantosa evocación del sufrimiento de la pasión de Cristo.

Gótico final o tardío París había encabezado el arte y la cultura europeas desde 1230.

Sin embargo, tras los estragos de la peste y el estallido de la guerra de los Cien Años a mediados del siglo XIV, París perdió la supremacía y se convirtió en uno más entre los numerosos centros artísticos que florecieron en este periodo.

Pintura.

Dentro de la evolución pictórica del siglo XV se distinguen dos estilos, el estilo gótico internacional y el estilo flamenco. El primero corresponde a los dos últimos decenios del siglo XIV y perduró en la mayor parte de Europa durante la primera mitad del siglo XV. El estilo flamenco surgió en Flandes en el primer tercio del siglo XV, paralelamente al renacimiento italiano, y se difundió por el resto de Europa durante la segunda mitad del siglo.

El estilo internacional apareció en el centro del continente como consecuencia de la fusión de elementos y formas del gótico lineal con las innovaciones técnicas e iconográficas aportadas por los pintores italianos del trecento (Giotto, Duccio, Simone Martini y los hermanos Lorenzetti).

El estilo se caracteriza por la valoración expresiva de lo anecdótico, la estilización de las figuras, el predominio de las líneas curvas tanto en los pliegues como en las posturas corporales, la introducción de detalles naturalistas con fines simbólicos y el empleo de una técnica minuciosa.

El estilo flamenco se inició en las cortes de los duques de Berry y de Borgoña. La principal aportación de esta escuela es la utilización de la técnica al óleo, que permite una mayor viveza y enriquecimiento de la gama cromática, la realiza-

ción de veladuras y la obtención de colores compuestos.

Los rasgos más definitorios del estilo flamenco fueron el mayor naturalismo, el gusto por el detalle a través de una técnica minuciosa y, en ocasiones, la codificación simbolista de la gama cromática y de ciertos objetos.

Los iniciadores de la escuela flamenca son los hermanos Huberto y Jan van Eyck, cuya primera obra célebre fue el retablo de El cordero místico de la iglesia de San Bavón de Gante.

Sin embargo, dentro de la escuela destacó una figura excepcional, avanzada para su época: Hieronymus van Aken, llamado El Bosco, que desarrolló en sus obras un universo surrealista en clave moralizante. Entre sus obras cabe citar El jardín de las delicias (Museo del Prado, Madrid).

A lo largo del siglo XV la influencia flamenca se extendió por toda Europa, considerada como un renacimiento nórdico ajeno al punto de vista conceptual de la edad media.

Tan pronto como el estilo gótico tomo popularidad y un gran número de iglesias catedrales y monasterios se edificaron en las distintas capitales europeas, la pintura al fresco fue declinando en cuanto a ser el medio de preferencia para decorar los muros ya que estos habían sido sustituidos en gran medida por enormes

PINT

vitrales multicolores por los que pasaba la luz a través de magnificas pinturas en cristal hechas por artesanos vidrieros cuya maestría durante el periodo gótico alcanzo notorio esplendor.

La sola excepción en incorporarse a esta tendencia fue Italia donde los pintores florentinos como el Giotto, continúan decorando con frescos las iglesias y capillas.

Sobre la tendencia italiana en este periodo hablaremos más adelante.

No es posible hablar del periodo gótico en el arte sin referirse a estas imponentes vidrieras cuyo efecto en los espectadores es de indudable fuerza y emotividad.

Entre las vidrieras que se destacan están las de la catedral de Chartres, las catedrales de Bourges, Tours, Bayeux, la catedral de León y de la Santa Capilla de París.

VITRALES GOTICOS RELIGIOSOS. En el caso de los manuscritos iluminados en el periodo gótico estos combinan los dibujos y pinturas frecuentemente con letras o textos que contribuyen mejor a su comprensión y poseen gran colorido.

Ilustran con bastante detalle los hechos que se narran, aunque en muchos casos estas pinturas son anónimas mientras que otras poseen identificación en cuanto al ilustrador que los realizo.

TURA

No fue hasta casi treinta años después que ya el arte gótico estaba en la preferencia de los artistas que ocurre una transición imperceptible entre los manuscritos que se producían en el periodo románico y los que se produjeron en el gótico.

Los personajes religiosos se empiezan a representar más humanos con detalles en la representación de su anatomía de la cual no se tenían suficientes nociones previas.

Destacados miniaturistas fueron Jean Pucelle, Jacquemart de Hesdin y los hermanos Limbourg.

Además de los vitrales historiados encontramos que a partir de este siglo se le suma la ejecución de dípticos y trípticos de tema religioso comisionados por la jerarquía eclesiástica para decorar altares, púlpitos y diferentes estancias interiores de estos edificios religiosos. Los temas representados sobre tabla no solo son de tema religioso ya que el retrato y algunos paisajes se suman a las obras decorativas realizadas.

Entre los pintores que descuellan desde muy jóvenes por su gran talento, ingeniosidad y espíritu de innovación se encuentra Giotto Di Bondone. Giotto que llego a ser considerado uno de los más importantes maestros de la pintura de su tiempo, maestro de otros pintores; cuyo estilo que tiene un gran interés por la narrativa pictórica y una espiritualidad intensificada por la influencia franciscana, fue seguido e imitado por muchos entre ellos, Taddeo Gaddi y Andrea Orcagna.

Giotto di Bondone.

Nace en Colle de Vespignano en 1267 aunque para algunos críticos como Carlo Ludovico Ragghianti esta fecha se podría adelantar hasta una década, muere en Florencia el 8 de enero de 1337.

Reconocido artista de la época desarrolló varios ámbitos artísticos, destacando la poesía, escultura, arquitectura y sobre todo la pintura, considerándose este autor del Trecento uno de los iniciadores de movimiento renacentista en Italia, su obra tuvo una influencia determinante en los movimientos pictóricos posteriores.

E

l nombre completo del artista era Giotto di Bondone. Nació alrededor de 1266 en el pueblo de Vespignano, cerca de Florencia.

Su padre era un pequeño agricultor.

Giorgio Vasari, uno de los primeros biógrafos de Giotto, cuenta cómo CiCimabue, conocido pintor florentino, descubrió los talentos de Giotto.

Cimabue supuestamente vio al chico de 12 años esbozar una de las ovejas de su padre sobre una roca plana y quedó tan impresionado con su tatalento que persuadió al padre de dejar que Giotto se convirtiera en su disdiscípulo. Otra historia es que Giotto, mientras aprendiz de un comerciante de lana en Florencia, frecuentaba el estudio de Cimabue tanto que finalfinalmente le permitieron estudiar pintupintura.

La obra más antigua de Giotto es una serie de frescos (pinturas sobre yeso fresco, todavía húmedo) sobre la vida de San Francisco en la iglesia de Asís.

Cada fresco representa un incidente; Las figuras humahumanas y animales son realistas y las escenas que expresan el gentil espíritu de este santo patrón de los animales. En 1305 y 1306 Giotto pintó una notable serie de 38 frescos en la Capilla de la Arena en Padua.

Los frescos ilustran la vida de JesuJesucristo y de la Virgen María. Sobre el arco del coro hay una escena de la Corte del Cielo, y una escena del Juicio Final se enfrenta a ella en la pared de entrada. Las composiciones son simples, los fondos están suborsubordinados, y las caras son estudios en expresión emocional.

Vasari cuenta la historia de cómo el Papa Bonifacio VIII envió un menmensajero a Giotto con una solicitud de muestras de su obra. Giotto sumersumergió su cepillo en rojo y con un trazo continuo pintó un círculo perfecto.

Entonces aseguró al mensajero que el valor de esta muestra sería recoreconocido. Cuando el papa lo vio, “per“percibió instantáneamente que Giotto superó a todos los demás pintores de su tiempo”.

En Roma, Nápoles y Florencia, GioGiotto ejecutó órdenes de príncipes y alaltos clérigos. En el Bargello, o palacio del Podesta (ahora un museo), en Florencia es una serie de sus escenas bíblicas. Entre los espectadores de las pinturas está un retrato de su amigo

el poeta Dante. La iglesia de Santa Croce está adornada por los murales de Giotto que representan la vida de San Francisco.

En 1334 la ciudad de Florencia hohomenajeó a Giotto con el título de Magnus Magister (Gran Maestro) y lo nombró arquitecto de la ciudad y superintendente de obras públicas.

En esta capacidad diseñó el campacampanile famoso (campanario). Murió en 1337, antes de que la obra terminara.

Giotto era corto y hogareño, y era un gran ingenio y un bromista práctico. Él era casado y dejó a seis niños en su muerte. A diferencia de muchos de sus compañeros artistas, él ahorró su dinero y fue considerado un homhombre rico. Estaba familiarizado con el papa, y el rey Roberto de Nápoles lo llamó un buen amigo.

Al igual que otros artistas de su tiempo, Giotto carecía de los conociconocimientos técnicos de anatomía y persperspectiva que aprendieron los pintores posteriores. Sin embargo, lo que poposeía era infinitamente mayor que la habilidad técnica de los artistas que lo seguían.

Tenía una comprensión de la emoemoción humana y de lo que era sigsignificativo en la vida humana. Al concentrarse en estos elementos esenciales creó imágenes convincenconvincentes de personas bajo estrés, de persopersonas atrapadas en crisis y decisiones

de búsqueda de conciencia. Los arartistas modernos a menudo buscan la inspiración de Giotto. En él encuenencuentran un acercamiento directo a la exexperiencia humana que sigue siendo válido para cada edad.

Giotto es considerado como el funfundador de la tradición central de la pintura occidental porque su obra se liberó de las estilizaciones del arte bizantino, introduciendo nuevos ideales del naturalismo y creando un sentido convincente del espacio picpictórico.

Su logro trascendental fue reconocireconocido por sus contemporáneos (Dante lo elogió en un famoso pasaje de La Divina Comedia, donde dijo que hahabía superado a su maestro Cimabue), y en cerca de 1400 Cennino Cennini escribió `Giotto tradujo el arte de la pintura del griego al latín Unesdoc. unesco.org unesdoc.unesco.org A pesar de su fama y la demanda de sus servicios, ninguna pintura supersuperviviente es documentada como siensiendo por él. Su obra, de hecho, plantea algunos formidables problemas de atribución, pero está convenido uniuniversalmente que el ciclo del fresco en la Capilla de la Arena en Padua es de Giotto, y constituye el punto de partida para cualquier consideración de su obra. La Capilla de la Arena (llamada así porque ocupa el sitio de una arena romana) fue construida por Enrico Scrovegni en expiación por los pecados de su padre, notorio usurero mencionado por Dante. Fue comenzado en 1303 y los frescos de Giotto son fechados generalmente c.

1305-06.

Corren alrededor del interior del ediedificio; El muro occidental está cubiercubierto con un Juicio Final, una AnunAnunciación sobre el arco del coro, y las áreas de la pared principal tienen tres gradas de pinturas que representan escenas de la vida de la Virgen y sus padres, Santa Ana y San Joaquín y eventos de La Pasión de Cristo.

Debajo de estas escenas están persopersonajes personajes Virtudes y Vicios, pintados para simular relieves de piepiedra - las primeras grisailles.

Las figuras en las escenas narrativas principales son de tamaño medio, pero en reproducción suelen parecer más grandes porque la concepción de Giotto es tan grande y poderosa.

Sus figuras tienen un sentido comcompletamente nuevo de tridimensionatridimensionalidad y presencia física, y al retratar los eventos sagrados crea un sensentimiento de peso moral en lugar de esplendor divino. Parece basar las representaciones en la experiencia personal, y ningún artista ha superasuperado su capacidad de ir directamente al corazón de una historia y expresar su esencia con gestos y expresiones de convicción infalible.

El otro ciclo principal del fresco asoasociado con el nombre de Giotto es ese en la vida de St Francis en la iglesia superior de S. Francesco en Assisi. Si Giotto pintó esto no es sólo el proproblema central que enfrentan los estuestudiosos de su obra, sino también uno de los temas más controvertidos en la historia del arte.

Los frescos de San Francisco son claclaramente obra de un artista de gran estatura (sus retratos íntimos y huhumanos han hecho mucho para deterdeterminar la imagen mental del santo), pero las diferencias estilísticas entre estas obras y los frescos de la Capilla de Arena parecen a muchos críticos tan Dicen que no pueden aceptar una autoría común. Los intentos de atribuir otros frescos en Asís a GiotGiotto se han encontrado con no menos controversia.

Hay una medida justa de acuerdo sosobre los frescos asociados con Giotto en Sta Croce en Florencia. ProbableProbablemente pintó en cuatro capillas allí, y el trabajo sobrevive en las capillas Bardi y Peruzzi, probablemente dadatando de la década de 1320.

Los frescos están en condiciones muy desiguales (fueron blancas en el siglo XVIII), pero algunos de los que están en la Capilla Bardi sobre la vida de San Francisco siguen siendo profundamente impresionantes.

Nada sobrevive de la obra de Giotto realizada por Roberto de Anjou en Nápoles, y el inmenso mosaico de la Nave de la Iglesia (la Navicella ) que diseñó para el Viejo San Pedro en Roma ha sido tan profundamente alalterado que no nos dice nada sobre su estilo. En Roma habría visto la obra de Pietro Cavallini , que tuvo una ininfluencia tan importante como la de su maestro Cimabue.

Varias pinturas de panel llevan la firma de Giotto, notablemente el Retablo de Stefaneschi (Vaticano), hecha para el Cardenal Stefaneschi, que también comisionó la Navicella , pero se conviene generalmente que la firma es una marca que demuestra que las obras vinieron de la tienda de Giotto más que una indicación de Su trabajo personal. Por otra parte, la Madonna Ognissanti (Uffizi, FlorenFlorencia, c. 1305-10) no está ni firmada ni firmemente documentada, sino que es una obra de tal grandeza y humahumanidad que es universalmente aceptaaceptada como la de Giotto.

Entre los otros paneles atribuidos a él, el más fino es el Crucifijo en Sta Maria Novella, Florencia. Por su gran fama como pintor, Giotto fue nombrado arquitecto en la catedral de Florencia en 1334; Él comenzó el campanile celebrado, pero su diseño fue alterado después de su muerte.

En la generación posterior a su muermuerte tuvo una influencia abrumadora en la pintura florentina; Declinó con el crecimiento del gótico internaciointernacional , pero su trabajo fue más tarde una inspiración para Masaccio, e inincluso para Miguel Ángel . Estos dos gigantes eran sus verdaderos heredeherederos espirituales.

Obras de Giotto di Bondone

El beso de Judas Fresco en la Capilla de los Scrovegni

Lamentaciรณn el Duelo de Chris

la

aciรณn de la Reg

onfirm ncisco, de la C ra F n a S e d a end

Ley

Bodas de Canรก

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La Ăšltima Cena

Meeting at the Golden Gate

The Crucif ix

ion,

Características de la literatura gótica.

•Es melodramática, exagera los personajes y las situaciones con el fin de acentuar los efectos estéticos.

•El autor crea un marco o escenario sobrenatural capaz, muchas veces por sí mismo, de suscitar sentimientos de misterio o terror.

•En relación con lo anterior, importancia del escenario arquitectóni co, que sirve para enriquecer la trama; las sombras y contornos de luz delimitan espacios y recrean sentimientos melancólicos. Recurso, pues, a todo tipo de elemento “oscuro”.

•Exaltación de la relación entre terror y éxtasis.

•Exaltación de la muerte, la decadencia, los abismos, tinieblas etc..

•Referencias a la locura, lo irracional, la bestialidad y demás caracte rísticas inhumanas o sobrenaturales.

•Clara polarización entre el Bien y el Mal, este último a menudo inter pretado por un personaje que hará las veces de villano.

LITERATURA GOTICA. El término gótico enmarca un estilo de literatura popular surgido en la Inglaterra de finales del siglo XVIII. El renacimiento del gótico fue la expresión emocional, estética y filosófica de la reacción contra el pensamiento dominante de la Ilustración, según el cual la humanidad podía alcanzar, mediante el razonamiento adecuado, el conocimiento verdadero y la síntesis armoniosa, obteniendo así felicidad y virtud perfectas.

Los filósofos de la Ilustración trataron de eliminar los prejuicios, errores, supersticiones y miedos que, según ellos, habían sido fomentados por un clero egoísta en apoyo a los tiranos. Sin embargo, sus teorías sobre el conocimiento, la naturaleza humana y la sociedad eran terribles para aquellos que creían que el miedo podía ser sublime.

El énfasis de la Ilustración en la necesidad de racionalidad, orden y cordura no podía menos que reconocer la rareza de estos fenómenos en la civilización. No todos los pensadores defendían el racionalismo tan vehementemente. La generalización de que el siglo XVIII fue la Edad de la Razón en la cual la felicidad humana dependía del dominio de la pasión y de las normas seguras descansa en la otra “media verdad”, según la cual la humanidad necesita pasión y temor.

A pesar de las ideas dominantes de orden y sobriedad, la afición por el exceso gótico pronto captaría el interés de los intelectuales británicos. Desde esta afición creció una escuela de literatura gótica, frecuentemente derivada de modelos alemanes. La sucesión de narrativas góticas que proliferaron entre 1765 y 1820, con un nuevo brote a través de la era victoriana (especialmente en la década de 1890) estableció una iconografía que todavía nos es familiar a través del cine: húmedas criptas, paisajes escarpados y castillos prohibidos habitados por heroínas perseguidas, villanos satánicos, hombres locos, mujeres fatales, vampiros, doppelgängers y hombres lobo.

El terror gótico tal y como lo conocemos hoy en día es en gran medida una invención de este periodo. Los quisquillosos árbitros de la Era de la Razón no encontraron ninguna utilidad a los fantasmas y a las atrocidades sádicas que Shakespeare y sus contemporáneos habían explotado, pero para finales de 1700, estos fantasmas, reprimidos, pero no “muertos”, retornaron con fuerza en forma de novelas y poesía gótica. Dos siglos más tarde, los films de horror se mantendrían fieles a esta tradición, reinventando antiguas imágenes de locura, muerte y decadencia.

El período literario gótico temprano dio comienzo con la publicación en 1764 de El Castillo de Otranto. Una historia gótica, de Horace Walpole.

Denunciada por los críticos y devorada por los lectores, la narrativa gótica emergió como una fuerza dominante desde su inicio con Walpole hasta su cenit en 1820 con Melmoth, el errabundo de Charles Robert Maturin.

Estas seis décadas son consideradas por los historiadores literarios como los años góticos en los que una multitud de autores satisfizo las insaciables ansias de terror del público. La novela gótica (también denominada negra) es sensacionalista, melodramática, exagera los personajes y las situaciones, se mueve en un marco sobrenatural que facilita el terror, el misterio y el horror.

Abundan los vastos bosques oscuros de vegetación excesiva, las ruinas, los ambientes considerados exóticos para el inglés como España o Italia, los monasterios, los personajes y paisajes melancólicos, los lugares solitarios y espantosos que subrayan así los aspectos más grotescos y macabros, reflejo de un subconsciente convulso y desasosegado. Los precursores del espíritu gótico los encontramos en los poetas de la “escuela del cementerio” (Graveyard School), quienes expresaron su desagrado hacia la razón, el orden y el sentido común en una mórbida efusión de oscuros versos.

Las obras de Thomas Parnell, Edward Young, Robert Blair y Thomas Gray no sólo anticiparon los estados

de ánimo y pasiones góticos, sino que, reflexionando grandilocuentemente sobre la muerte en medio de las más lóbregas de las localizaciones, redescubrieron la relación escatológica entre terror y éxtasis.

Esta fascinación se extendería al embellecimiento de la muerte propio de la época victoriana, además de a una atracción hacia la muerte como recargada complacencia en el dolor.

Desde sus comienzos, el gótico se impuso como una literatura de estructuras que se derrumban, de recintos horribles, de sentimientos prohibidos y caos sobrenatural.

Deleitándose en lo maligno sobrenatural, el gótico trataba de subvertir las normas del racionalismo y del autocontrol apelando a la eterna necesidad humana de elementos inhumanos, una necesidad no satisfecha por el sensato y decoroso arte de la Edad de la Razón.

Walpole abrió la puerta a un universo alternativo de terror, de confusión psíquica y social cuya mera existencia había sido negada por el sistema de valores neoclásico. Esplendor en ruinas, hermoso caos, atractiva decadencia, espectáculo espantoso y extravagancia sobrenatural se convirtieron en los rasgos definitorios de una nueva estética gótica que tenía en el alivio de la inanición emocional su meta artística.

El recinto fatal, metáfora central de toda la ficción gótica, sirvió al objetivo implícito del gótico como una respuesta a la inseguridad política y religiosa de una época agitada.

El empleo de Walpole de la palabra “gótico” en el subtítulo de su novela fue una descripción que pretendía impresionar y excitar a su audiencia. En 1764, las connotaciones del término eran todas negativas, dado que “gótico” había sido utilizado para denigrar objetos, personas y actitudes consideradas bárbaras, grotescas, ordinarias, primitivas, sin forma, de mal gusto, salvajes e ignorantes. En un contexto artístico, “gótico” significaba todo lo que era ofensivo a la belleza clásica, algo feo por su desproporción y grotesco por su carencia de gracia unitaria. Describiendo su obra como “una historia gótica”, Walpole no sólo elevó el estatus del adjetivo, sino que proporcionó una etiqueta para el torrente de narrativa de terror que le seguiría.

De ahí en adelante, las obras góticas confiarían normalmente en decorados situados en un espacio y tiempo remotos para inducir una atmósfera de delicioso terror. La acción gótica solía producirse en localizaciones cerradas donde los lectores se podían sentir tan perdidos y desorientados como los propios personajes. El principal mecanismo de la trama gótica era un decorado sistema de artefactos arquitectónicos, efectos acústicos y accesorios sobrenaturales instalados por todo el castillo gótico, donde retratos itinerantes, armaduras peregrinas y otros objetos inorgánicos o inanimados se comportaban de modo humano.

Cada recurso estaba estratégicamente situado para intensificar la atmósfera de miedo, extrañeza, impotencia y peligro sobrenatural. Fue vital para el éxito del gótico alguna forma de entrampamiento por una arquitectura orgánica o animada, cámaras que se contraían, paredes tumefactas o amenazas por parte de otros objetos.

El espacio gótico fue modificado más tarde para adaptarse a las especiales preocupaciones de los lectores victorianos, convirtiendo el secuestro en mental y social, además de la detención física, con personajes atrapados por mentes, ciudades, familias y estructuras sociales obsesionadas. Desde Walpole hasta el gótico moderno, el espacio expone una inteligencia y movilidad malignas y es mentalmente más poderoso que sus ocupantes humanos. En la novela gótica el escenario arquitectónico era esencial en el desarrollo de la trama.

La importancia fundamental de la atmósfera es un elemento que se trasladará al cine de tendencia gótica y expresionista, donde los decorados construyen sombras para sugerir espacios y estados de ánimo.

Los empresarios teatrales se apropiaron rápidamente de la moda del gótico literario. Matthew Lewis, autor de El monje, horripilante novela sobre hipocresía religiosa, también fue el creador de melodramas teatrales como el éxito de 1797 The Castle Spectre.

Sin embargo, la principal inspiración teatral vendría de la mano del Frankenstein de Mary Shelley y El vampiro de John Polidori. El vampiro de James Robinson Planche se estrenó en 1820 y Presumption or The Fate of Frankenstein de Richard Brinsley Peake en 1823. T.P. Cooke alcanzó la fama por interpretar al vampiro y al monstruo en la misma noche, presagiando el vínculo entre Frankenstein y Drácula durante el siglo xx.

La popularidad del terror escénico británico culminó en 1888 con la llegada a Londres de una adaptación americana de El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde de R.L. Stevenson. A pesar de esta rica herencia de literatura y melodrama teatral góticos, los cineastas británicos fueron notablemente lentos a la hora de perfeccionar un cine gótico equivalente hasta la emergencia de la Hammer a mediados de 1950.

La caracterización gótica, especialmente la polarización del bien y el mal en una doncella y un villano, tiene su origen en la novela de Samuel Richardson Clarissa; The History of a Young Lady (1748-49). Los personajes góticos heredaron su naturaleza emocional de Clarissa Harlowe, la virgen atormentada, y de Robert Lovelace, el malvado violador. Lovelace se convirtió en el prototipo del satánico superhombre de la novela gótica, una criatura misteriosa que persigue sin piedad a la doncella mientras huye de sus propios impulsos oscuros. Esta figura nunca es completamente malvada, sino que es un “atormentado atormentador” hacia el cual la heroína se siente misteriosamente atraída.

El gótico fue madurando y en las décadas de 1778 y 1780 siguió dos líneas de desarrollo, una que continuaba el espíritu subversivo de Walpole y otra línea más conservadora, doméstica y didáctica. Estas tendencias se pueden apreciar en las novelas de dos de las figuras más importantes de la escuela gótica: el audaz Matthew Lewis y la más conservadora Ann Radcliffe. Las imitaciones de estos dos autores abarrotaron pronto las librerías.

En contraste con la escasa validez de las populares novelas por entregas, la narrativa gótica psicológica de calidad intelectual seria mantuvo la buena salud del gótico durante la década de 1820. Frankenstein de Mary Shelley, Melmoth el errabundo de Maturin y Memorias privadas y confesiones de un pecador justificado de James Hogg demostraron el trágico potencial del gótico y dieron una pista sobre la clase de sofisticación psicológica y metafísica que marcaría las obras de Hawthorne y Le Fanu.

La riqueza simbólica y filosófica de estas novelas góticas indica el papel principal que desempeñaría el goticismo durante el siglo XIX, activando los oscuros sueños de muchos grandes escritores que se volvieron hacia el gótico para realzar el carácter trágico de su arte.

Depresión

Cuando te levantes por la mañana, piensa en el precioso privilegio de estar vivo, respirar, pensar, disfrutar y amar.Marco Aurelio..

L

a palabra depresión proviene del término latino depressio que, a su vez, procede de depressus (“abatido” o “derribado”). Se trata de un trastorno emocional que hace que la persona se sienta triste y desganada, experimentando un malestar interior y dificultando sus interacciones con el entorno.

Para la medicina y la psicología, la depresión se manifiesta a partir de una serie de síntomas que incluyen cambios bruscos del humor, irritabilidad, falta de entusiasmo y una sensación de congoja o angustia que trasciende a lo que se considera como normal.

En el desarrollo de la depresión, lo habitual es que se produzca una combinación entre un elevado nivel de estrés y la persistencia de algunas emociones negativas. El consumo de drogas es un factor que puede incidir en la aparición de un cuadro de depresión.

Según la definición clínica de esta patología, la depresión es un trastorno en el estado de ánimo donde aparecen sentimientos de dolor profundo, ira, frustración y soledad e impiden que la persona continúe con su vida ordinaria de forma normal durante un tiempo prolongado. Entre los síntomas de esta enfermedad se encuentran: *Un estado anímico altamente irritable; *Desmotivación para hacer las actividades habituales; *Insomnio o dificultad para dormir; *Aumento o disminución brusca del apetito; *Estrés, cansancio y sentimientos autodestructivos y de culpa; *Sensaciones de soledad absoluta y desesperanza; *Pensamientos suicidas.

Es importante señalar que una de los síntomas más nocivos de la depresión es la disminución de los sentimientos de autoestima, lo que desencadena otras complicaciones como problemas en la interacción social.

En los niños, se ven disminuciones en el rendimiento escolar, dificultad para conciliar el sueño y problemas de comportamiento.

Datos y cifras.

•La depresión es un trastorno mental frecuente. Se calcula que afecta a más de 300 millones de personas en el mundo.

•La depresión es la principal causa mundial de discapacidad y contribuye de forma muy importante a la carga mundial general de morbilidad.

•La depresión afecta más a la mujer que al hombre.

•En el peor de los casos, la depresión puede llevar al suicidio.

•Hay tratamientos eficaces para la depresión. ____________________________ ____________ Generalidades.

La depresión es una enfermedad frecuente en todo el mundo, y se calcula que afecta a más de 300 millones de personas. La depresión es distinta de las variaciones habituales del estado de ánimo y de las respuestas emocionales breves a los problemas de la vida cotidiana.

Puede convertirse en un problema de salud serio, especialmente cuando es de larga duración e intensidad moderada a grave, y puede causar gran sufrimiento y alterar las actividades laborales, escolares y familiares. En el peor de los casos puede llevar al suicidio. Cada año se suicidan cerca de 800 000 personas, y el suicidio es la segunda causa de muerte en el grupo etario de 15 a 29 años.

Aunque hay tratamientos eficaces para la depresión, más de la mitad de los afectados en todo el mundo (y más del 90% en muchos países) no recibe esos tratamientos.

Entre los obstáculos a una atención eficaz se encuentran la falta de recursos y de personal sanitario capacitados, además de la estigmatización de los trastornos mentales y la evaluación clínica inexacta.

Otra barrera para la atención eficaz es la evaluación errónea. En países de todo tipo de ingresos, las personas con depresión a menudo no son correctamente diagnosticadas, mientras que otras que en realidad no la padecen son a menudo diagnosticadas erróneamente y tratadas con antidepresivos.

La carga mundial de depresión y de otros trastornos mentales está en aumento. En una resolución de la Asamblea Mundial de la Salud adoptada en mayo de 2013 se abogó por una respuesta integral y coordinada de los países al problema de los trastornos mentales.

Tipos y síntomas Dependiendo del número y de la intensidad de los síntomas, los episodios depresivos pueden clasificarse como leves, moderados o graves.

Una distinción fundamental es la establecida entre la depresión en personas con y sin antecedentes de episodios maníacos. Ambos tipos de depresión pueden ser crónicos y recidivantes, especialmente cuando no se tratan.

Trastorno depresivo recurrente: como su nombre indica, se caracteriza por repetidos episodios de depresión.

Durante estos episodios, hay estado de ánimo deprimido, pérdida de interés y de la capacidad de disfrutar, y reducción de la energía que produce una disminución de la actividad, todo ello durante un mínimo de dos semanas.

Muchas personas con depresión también padecen síntomas de ansiedad, alteraciones del sueño y del apetito, sentimientos de culpa y baja autoestima, dificultades de concentración e incluso síntomas sin explicación médica.

Dependiendo del número y de la intensidad de los síntomas, los episodios depresivos pueden clasificarse como leves, moderados o graves. Las personas con episodios depresivos leves tendrán alguna dificultad para seguir con sus actividades laborales y sociales habituales, aunque probablemente no las suspendan completamente. En cambio, durante un episodio depresivo grave es muy improbable que el paciente pueda mantener sus actividades sociales, laborales o domésticas si no es con grandes limitaciones.

Trastorno afectivo bipolar: este tipo de depresión consiste característicamente en episodios maníacos y depresivos separados por intervalos con un estado de ánimo normal. Los episodios maníacos cursan con estado de ánimo elevado o irritable, hiperactividad, logorrea, autoestima excesiva y disminución de la necesidad de dormir.

Factores contribuyentes y prevención.

La depresión es el resultado de interacciones complejas entre factores sociales, psicológicos y biológicos.

Quienes han pasado por circunstancias vitales adversas (desempleo, luto, traumatismos psicológicos) tienen más probabilidades de sufrir depresión. A su vez, la depresión puede generar más estrés y disfunción, y empeorar la situación vital de la persona afectada y, por consiguiente, la propia depresión.

Hay relaciones entre la depresión y la salud física; así, por ejemplo, las enfermedades cardiovasculares pueden producir depresión, y viceversa.

Está demostrado que los programas de prevención reducen la depresión. Entre las estrategias comunitarias eficaces para prevenirla se encuentran los programas escolares para promover un modelo de pensamiento positivo entre los niños y adolescentes.

Las intervenciones dirigidas a los padres de niños con problemas de conducta pueden reducir los síntomas depresivos de los padres y mejorar los resultados de sus hijos. Los programas de ejercicio para las personas mayores también pueden ser eficaces para prevenir la depresión.

Diagnóstico y tratamiento Hay tratamientos eficaces para la depresión moderada y grave. Los profesionales sanitarios pueden ofrecer tratamientos psicológicos, como la activación conductual, la

terapia cognitiva conductual y la psicoterapia interpersonal, o medicamentos antidepresivos, como los inhibidores selectivos de la recaptación de serotonina y los antidepresivos tricíclicos.

Los profesionales sanitarios deben tener presentes los posibles efectos adversos de los antidepresivos, las posibilidades de llevar a cabo uno u otro tipo de intervención (por disponibilidad de conocimientos técnicos o del tratamiento en cuestión) y las preferencias individuales.

Entre los diferentes tratamientos psicológicos a tener en cuenta se

encuentran los tratamientos psicológicos cara a cara, individuales o en grupo, dispensados por profesionales o por terapeutas legos supervisados.

Los tratamientos psicosociales también son eficaces en los casos de depresión leve.

Los antidepresivos pueden ser eficaces en la depresión moderada a grave, pero no son el tratamiento de elección en los casos leves, y no se deben utilizar para tratar la depresión en niños ni como tratamiento de primera línea en adolescentes, en los que hay que utilizarlos con cautela.

Mary Shelley

M

ary Shelley (Mary Wollstonecraft Godwin ) recibió una educación avanzada para una niña de su época.

Aunque fuera una educación algo informal, su padre le instruyó en muchas materias.

Mary estaba siempre en contacto con la biblioteca, además de que hablaba muy a menudo con un gran número de intelectuales que venían a visitar a la familia, entre los que se encontraban el escritor Samuel Taylor Coleridge y el vicepresidente estadounidense Aaron Burr. Además, tuvo una institutriz y una tutora, y leyó varios de los libros para niños de su padre sobre historia antigua de Roma y Grecia en su lengua original. Desde pequeña fue una chica muy inteligente y curiosa, con una forma de pensar libre y siempre dispuesta a seguir aprendiendo. Cuando tenía 15 años, su padre escribió sobre ella: “Mary; es singularmente valiente, un tanto imperiosa, y de mente abierta. Sus ansias de conocimiento son enormes, y su perseverancia en todo lo que hace es casi invencible” - En esa misma época, su padre la envió a Escocia, para que viviera con la familia del radical William Baxter. El motivo de este viaje es desconocido (se cree que pueden ser motivos de salud, económicos, políticos...), pero lo cierto es que estos viajes fueron fundamentales para su vida. Entre otras cosas, Mary afirma haber obtenido la inspiración para su obra magna “Frankenstein o el Moderno Prometeo” en ese lugar:

“Imaginé este libro allí. Fue bajo los árboles que rodean la casa, o en las desiertas laderas de las montañas cercanas, en donde tuvieron lugar mis primeras ideas genuinas y los primeros vuelos de mi imaginación” - Pero una consecuencia más importante aún de estos viajes a Escocia en la vida de Mary es que en ellos conocería a Percy Bysshe Shelley, su futuro esposo. Percy Shelley visitaba con frecuencia al padre de Mary por motivos económicos, con quien se acabó enfadando y peleando.

Sin embargo, Mary y Percy se acabaron enamorando y empezaron a verse en secreto. Su padre, que no aprobaba esta relación, siempre se mostró reacio a que Mary se viera con Percy, por lo que los dos enamorados se escaparon secretamente a Francia y viajaron por toda Europa.

El abuelo de Percy había muerto, dejando una herencia considerable para ellos y recuperando la economía de la pareja. Al mismo tiempo, Mary se vuelve a quedar embarazada y da a luz a un hijo sano llamado William.

- Al volver a Inglaterra, las cosas no hicieron sino empeorar. Mary resultó estar embarazada, pero tanto ella como Percy vivían una situación económica realmente penosa. Además, el padre de Mary, que se sentía decepcionado por la escapada de su hija, se negó a prestarles dinero.

En cierta ocasión, la pareja pasó un verano con el poeta Lord Byron. El clima del lugar donde estaban asentados era bastante malo, por lo que en ocasiones debían pasar varios días encerrados en casa.

Mary tuvo a su hijo en malas condiciones, y éste acabó muriendo muy pronto, causándole una gran depresión.

- A pesar de este bache en la vida de Mary, pronto se recuperaría con unas buenas noticias.

- El origen de Frankenstein:

En uno de esos períodos de aislamiento, Lord Byron propuso que cada uno de ellos escribiera una historia de terror, como si fuera un concurso.

Sin duda, la que más destacó fue Mary Shelley, con su novela Frankenstein o el Moderno Prometeo, que en un principio tenía pensado ser un relato corto.

- Con el tiempo, los Shelley acabaron convirtiéndose en una familia “nómada” por así decirlo, ya que iban constantemente viajando por Europa, viviendo durante cortos períodos de tiempo en las casas de sus amigos escritores y filósofos.

- Uno de los lugares que en los que más tiempo pasaron fue Italia, donde tenía más libertad que en Inglaterra para expresar sus polémicas ideas políticas (por ejemplo, Mary era muy feminista, y así lo demuestran varios libros y ensayos suyos).

Allí, Mary vio cómo morían varios hijos suyos, pero también alcanzó un gran momento de creatividad literaria.

- Percy Shelley murió en un accidente de navegación, hundiendo a Mary en una nueva depresión.

Sin embargo, la carrera literaria de Mary no paró de crecer, sino más bien todo lo contrario, al mismo tiempo que ella empezaba a tener más romances ( nunca volvió a casarse).

- A la edad de 53 años, murió plagada de enfermedades una de las escritoras más importantes que ha dado la literatura.

- Por último, cabe destacar que Frankenstein ha tapado en cierto modo el resto de la carrera literaria de Mary Shelley.

Sin embargo, ella escribió una buena cantidad de novelas. Ahí va una selección:

Novelas: Frankenstein o el Moderno Prometeo.

Valperga o Vida y Aventuras de Castruccio, Príncipe de Lucca El último hombre The Fortunes of Perkin Warbeck, un romance Lodore Falkner. Una novela Mathilda

Libros infantiles: Proserpine Midas Maurice; or, The Fisher’s Cot Además: Historias cortas Libros y Viajes Artículos y criticas Poemas - Frankenstein ha sido llevado a la pantalla grande desde 1931 y existen representaciones y adaptaciones que incluyen hasta la creación de una novia para el monstruo, creado por Víctor en un lúgubre laboratorio.

- En el transcurso del siglo XIX, Mary Shelley comenzó a ser vista como la autora de una sola novela, en lugar de como la escritora profesional que en realidad era; la mayor parte de sus obras han permanecido fuera de la imprenta hasta los últimos treinta años, impidiéndose así un conocimiento más profundo de sus logros.

La primera película de Frankenstein de 1910 Llama la atención la inocencia del espectador de entonces, pues los actores sobreactúan demasiado los dramas. Incluso hay algunos trozos cómicos a cargo del monstruo, como cuando se está formando y mueve la mano, o la forma que tiene de actuar y andar, en aquella época impresionaría, ahora se ve irreal.

* El quinescopio (también kinetoscopio o cinetoscopio) fue el precursor del moderno proyector cinematográfico desarrollado por William Kennedy Laurie Dickson mientras trabajaba con Thomas Edison.

Frankenstein (1910 y 1931) La primera película de Frankenstein de 1910, escrita y dirigida por J. Searle Dawley.

Fue la primera película que se realizó sobre la obra titulada “Frankenstein o el moderno Prometeo “, de Mary Shelley. Fue filmada en sólo tres días en los Estudios Edison del Bronx, en Nueva York. Aunque algunas fuentes citan a Thomas Edison como productor, él realmente no participó directamente en ninguna de las actividades de la compañía cinematográfica que llevaba su nombre.

La película fue producida para verse en un quinescopio*, que fue uno de los precursores de los proyectores cinematográficos posteriores.

En el reparto figuran Augustus Phillips como Dr. Frankenstein, Charles Ogle como el monstruo y Mary Fuller como la prometida del doctor.

Guillermo del toro “Mis principales influencias son Cronenberg, Romero, Bava, Argento, Hitchcock, Buñuel, y muchos más. Hace algunos años intenté la lamentable empresa de coleccionar mis diez películas favoritas y ya voy por seis mil.”

[Fuente: Elmundo.es (09/10/06)]

“Yo no tengo la más mínima ironía posmoderna. Soy un romántico y un tipo al que le interesa lo clásico, aunque admito que de manera bizarra.”

[Fuente: Elmundo.es (09/10/06)]

“Por el amor de Dios, no os bajéis la puta película e id al cine. El laberinto del fauno es una labor de amor muy profunda de mi parte y no sólo una película más en la lista del e-mule. Vedla en la pantalla grande y en algún lugar del mundo, un gordo sonreirá.”

[Fuente: Elmundo.es (09/10/06)] “Desde la película más grande a la más infame, desde la obra literaria más inolvidable al folletín del kiosco más infecto, todo va a quedar en el mismo estrato geológico de mierda que va a formar parte de la costra geológica de la Tierra. Cuando tomas esa perspectiva no te preocupan las pandemias.”

[Fuente: Blogdecine.com (11/06/09)] “Es triste robarles la oportunidad a ciertas películas de ser vistas en el cine. Y, efectivamente, afecta al mercado y a la mística de ir al cine, mucho. Pero es una realidad ineludible y si ha de piratear, piratee buenas copias.”

[Fuente: Elmundo.es (09/10/06)]

Edgar Allan Poe

“El único medio de conservar el hombre su libertad es estar siempre dispuesto a morir por ella”.

“La ciencia no nos ha enseñado aún si la locura es o no lo más sublime de la inteligencia”.

“A la muerte se le toma de frente con valor y después se le invita a una copa”.

“El demonio del mal es uno de los instintos primeros del corazón humano”.

“Más cuerdo es, el que acepta su propia locura”.

“Es imposible imaginar un espectáculo más nauseabundo que el del plagiador”.

“La belleza de cualquier clase en su manifestación suprema excita inevitablemente el alma sensitiva hasta hacerle derramar lágrimas”.

“La felicidad no está en la ciencia, sino en la adquisición de la ciencia”.

“La muerte de una mujer hermosa es, sin duda, el tema más poético del mundo”.

“Los cabellos grises son los archivos del pasado”.

“Los que sueñan de día son conscientes de muchas cosas que escapan a los que sueñan sólo de noche”.

“Tal vez sea la propia simplicidad del asunto lo que nos conduce al error”.

Mary Shelley “No deseo que las mujeres tengan más poder que los hombres, sino que tengan más poder sobre sí mismas”.

“El lobo se vestía con piel de cordero y el rebaño consentía el engaño”.

“Sé que usted busca el conocimiento y la sabiduría, como yo lo hice una vez; y espero vivamente en que la satisfacción de sus deseos no resulte ser una serpiente que le muerda, como ha sucedido en mi caso”.

“Te juro que hubiera preferido permanecer siempre en la ignorancia. Antes eso que descubrir la ingratitud y la depravación de una persona tan querida por mí”.

“¿Cómo es posible contemplar a un ser tan noble destruido por el dolor sin experimentar una profunda pena?”.

“El ser humano que quiere alcanzar la perfección debe mantener la serenidad y la calma, sin permitir que una pasión o un deseo circunstancial se entrometa en su espíritu”.

“Estamos ligados por vínculos tenues a la prosperidad o a la ruina”.

“Nada contribuye a tranquilizar la mente como un propósito firme, un punto en el que pueda el alma fijar sus ojos intelectuales”.

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La novela gótica fue inventada casi a solas por Horace Walpole, cuyo El castillo de Otranto (1764) contiene esencialmente todos los elementos que constituyen el género. La novela de Walpole fue imitada no sólo en el siglo XVIII y no sólo en la forma de la novela, sino que ha influido en la novela, el cuento, la poesía y hasta la creación de películas hasta nuestros días.

Los elementos góticos:

1.

Situación en un castillo.

La acción tiene lugar en y alrededor de un antiguo castillo, a veces aparentemente abandonado, a veces ocupado.

El castillo contiene a menudo pasajes secretos, puertas de la trampa, cuartos secretos, paneles del truco con las palancas ocultadas, escaleras oscuras u ocultadas, y secciones posiblemente arruinadas.

El castillo puede estar cerca o conectado a las cuevas, que prestan su propio sabor de obsesión con su oscuridad, suelos irregulares, ramificaciones, claustrofobia y misterio. Y en el horror-gótico, las cuevas a menudo son el hogar de criaturas aterradoras como monstruos, o formas desviadas de los seres humanos: vampiros, zombis, lobos.

Traducido a la novela moderna o cine, el entorno podría ser en una casa antigua o mansión - o incluso una casa nueva - donde inusuales ángulos de cámara, sostenido cerca durante el movimiento, y la oscuridad o las sombras crean el mismo sentido de claustrofobia y atrapamiento.

La casa podría estar ya oscura, quizá porque estaba abandonada, o al principio parecía ligera y bien ventilada, pero la noche llega y la gente apaga las luces

para ir a la cama, o en algún punto dramático las luces fallarán (a menudo porque De una tormenta furiosa).

El objetivo del oscuro y misterioso escenario es crear un sentimiento de malestar y presentimiento, contribuyendo al elemento atmosférico del miedo y el temor. La oscuridad también permite la aparición repentina y aterradora de personas, animales o monstruos.

2.

Una atmósfera de misterio y suspense. El trabajo está impregnado por un sentimiento amenazador, un miedo realzado por lo desconocido.

Esta atmósfera a veces se avanza cuando los personajes sólo ven una idea de algo - ¿era una persona corriendo por la ventana o sólo el viento soplando una cortina? ¿Es ese sonido crujiente procedente del paso de alguien en el suelo chirriante, o sólo los sonidos normales de la noche? A menudo la trama misma se construye en torno a un misterio, como la ascendencia desconocida, una desaparición, o algún

otro evento inexplicable.

La gente desaparece o aparece muerto inexplicablemente. Los elementos 3, 4 y 5 a continuación contribuyen a esta atmósfera.

En las novelas modernas y la cinematografía, los acontecimientos inexplicables son a menudo asesinatos. Los cuerpos a veces son mutilados de maneras que desafían la explicación - “¿Qué clase de monstruo podría hacer esto?” O “Aquí está el cuerpo, pero no hay sangre.”

Cuando los cadáveres comienzan a montar, se levanta el suspenso de quién será asesinado a continuación. (En el cine, la atmósfera puede ser creada en gran medida por la música.) Cualquiera que haya visto una película de terror con el sonido apagado o muy bajo sabe esto.)

3.

Una antigua profecía está relacionada con el castillo o sus habitantes (antiguos o actuales). La profecía suele ser oscura, parcial o confusa. -¿Qué podría significar?

En los ejemplos modernos más aguados, esto puede llegar a ser simplemente una leyenda: “Se dice que el fantasma del viejo Krebs todavía vaga por estas salas”.

4. Presagios, presagios, vi-

siones. Un personaje puede tener una visión de sueño perturbadora, o algún fenómeno puede ser visto como un presagio de los acontecimientos venideros.

Por ejemplo, si la estatua del señor de la mansión se cae, puede presagiar su muerte. En la ficción moderna, un personaje podría ver algo (una figura oscura apuñalando a otra figura sombría) y pensar que era un sueño. Esto podría ser pensado como una “visión de imitación”.

A veces un presagio se utilizará para presagiar, mientras que otros escritores retocar al lector negando la expectativa - lo que pensábamos era foreshadowinig no lo era.

5.

Sucesos sobrenaturales o inexplicables. Los acontecimientos dramáticos, asombrosos ocurren, como los fantasmas o los gigantes que caminan, o los objetos inanimados (tales como un juego de la armadura o de la pintura) que vienen a la vida.

En algunos trabajos, los acontecimientos se dan en última instancia una explicación natural, mientras que en otros los acontecimientos son realmente sobrenaturales.

Como usted puede imaginar, Hollywood utiliza efectos especiales en gran

medida para proporcionar fuego, terremotos, estatuas en movimiento, y así sucesivamente, a menudo bluring la línea entre humano producido, natural y sobrenatural eventos.

6.

Alta emoción, incluso exagerada. La narración puede ser muy sentimental, y los personajes son a menudo superados por la ira, el dolor, la sorpresa, y, sobre todo, el terror.

Los personajes sufren de nervios crudos y una sensación de destrucción inminente. Los gritos y los discursos emocionales son frecuentes. La falta de aliento y el pánico son comunes. En el gótico filmado, los gritos son comunes.

7.

Mujeres en peligro.

Como atractivo para el pathos y la simpatía del lector, los personajes femeninos a menudo se enfrentan a eventos que les dejan desmayarse, aterrorizados, gritando y / o sollozan-

do. Una heroína solitaria, pensativa y oprimida es a menudo la figura central de la novela, por lo que sus sufrimientos son aún más pronunciados y el foco de atención. Las mujeres sufren aún más porque a menudo son abandonadas, dejadas solas (ya sea a propósito o por accidente), y no tienen protector a veces.

(En las películas góticas de terror, cuando el tipo le dice a la chica: “Quédate aquí, ya vuelvo”, sabes que uno de ellos pronto morirá).

8.

Mujeres amenazadas por un hombre poderoso, impulsivo y tiránico. Uno o más personajes masculinos tienen el poder, como rey, señor de la casa, padre o guardián, para exigir que uno o más de los personajes femeninos hagan algo intolerable.

A la mujer se le puede ordenar casarse con alguien a quien no ama (puede ser

incluso el poderoso varón mismo), o cometer un crimen. En las novelas y películas góticas modernas, frecuentemente hay amenazas de violación física.

9. La metonimia de la os-

curidad y el horror. La metonimia es un subtipo de metáfora, en el que algo (como la lluvia) se utiliza para representar algo más (como el dolor).

Por ejemplo, a la industria del cine le gusta usar la metonimia como una abreviatura rápida, por lo que a menudo notamos que está lloviendo en escenas funerarias.

(Esto explica por qué nunca el aceite de las bisagras en las puertas de las novelas góticas.) Tenga en cuenta que las metonimias siguientes para “maldición y melancolía” todos sugieren algún elemento de misterio, el peligro o lo sobrenatural.

10. El vocabulario del gó-

tico. El uso constante del conjunto de vocabulario adecuado crea un sostén de la atmósfera del gótico.

El uso de las palabras correctas mantiene la sensación de oscuridad y estimulación que define el gótico. Aquí como ejemplo son algunas de las palabras (en varias categorías) que ayudan a componer el vocabulario del gótico en El Castillo de Otranto.

Idioma original: inglés Título original: The Castle of Otranto Año de publicación: 1764 El castillo de Otranto lo tiene todo en torno al gótico: Un castillo encantado, maldiciones, doncellas en apuros, cuadros vivientes, ruidos tétricos, personalidades ocultas e hijos encontrados... Aunque, precisamente por la acumulación de elementos, y por la inocencia con que se presentan, su lectura indudablemente ya no produce el mismo efecto que cuando se escribió y se leyó en su inicio.

Su argumento parece más un remedo que una novela destinada a asustar: al comenzar la obra, Conrado, el débil y feo hijo de Manfredo, señor de Otranto, está a punto de casarse sin amor con Isabella; pero su boda no llega a realizarse porque, cumpliendo una antigua maldición, el feo Conrado es aplastado por un yelmo gigantesco que cae del cielo. ¡El delirante y despótico Manfredo decide entonces que, para tener descendencia y continuar su estirpe, se divorciará de su mujer, Hipólita, incapaz ya de darle más hijos, y se casará con Isabella, la prometida de su hijo muerto! Esta escapa y se esconde, ayudada por el joven Teodoro, acusado injustamente de haber provocado con brujerías la muerte de Conrado.

Lo que sigue son trebejos, persecuciones y reencuentros, que culminarán en un desenlace con mucha sangre, pero con boda, y con un nuevo señor de Otranto.

El castillo de Otranto no surte el mismo efecto el leerlo en la actualidad que en su tiempo original, sonando muy anacrónico en la actualidad: los elementos sobrenaturales parecen inocentes o ridículos; los enredos de personalidades confundidas, que debían de hacer las delicias de los lectores, suenan ahora enrevesadas y tramposas; hasta la retórica del texto, llena de exclamaciones, lamentos y giros melodramáticos contribuye a que quede disperso.

Empero esta obra tiene un lugar garantizado en la historia de la literatura. .

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Escritor inglés. Nació el 24 de septiembre de 1717 en Londres, cuarto conde de Oxford. Cursó estudios en el Eton College y en la Universidad de Cambridge, posteriormente viaja por Francia e Italia con el poeta inglés Thomas Gray.

Se convirtió en parlamentario en 1741, actividad que desempeñó hasta su jubilación en 1768.

Su carrera política se limitó al ejercicio de cargos menores, a los que accedió inicialmente gracias a la influencia de su padre, el primer ministro Sir Robert Walpole. En 1748 compró la villa de Strawberry Hill, en Twickenham, que fue un lugar de interés público por su arquitectura pseudogótica, su espléndida biblioteca y sus colecciones de arte.

Fecha de Nacimiento: 24-Sep - 1717 Lugar de nacimiento: Londres, Inglaterra Lugar de defunción: 2-Mar - 1797 Lugar del fallecimiento: Berkeley Square,

Londres, Inglaterra Permanece sepultado, cementerio de San Martín, Houghton Hall, Norfolk, Inglaterra Padre: Robert Walpole Madre: Catherine Shorter Escuela Superior: Eton College Universidad: King’s College, Universidad de Cambridge Miembro del Parlamento británico 1757-68

por King’s Lynn Miembro del Parlamento británico 1754-57

para Castle Rising Miembro del Parlamento británico 1741-54

para Callington Honorable Sociedad de la Posada de Lincoln 1731 Escritor de la primera novela gótica

En 1757 instaló una imprenta y editó libros exquisitos que influyeron en el desarrollo de la impresión y la producción editorial en Inglaterra. Autor del estudio en cuatro volúmenes Anécdotas de los pintores ingleses (1762-1771) es conocido ante todo por su novela El castillo de Otranto (1764) una de las primeras obras del relato gótico. Además escribió La madre misteriosa (1768), una tragedia en el que aparece el tema del incesto.

Horace Walpole falleció en Berkeley Square, Reino Unido, el 2 de marzo de 1797.

Obras seleccionadas: Some Anecdotes of Painting in England (1762) The Castle of Otranto (1764) The Mysterious Mother (1768) Historic Doubts on the Life and Reign of Richard III (1768) On Modern Gardening (1780) A Description of the Villa of Mr. Horace Walpole (1784) Hieroglyphic Tales (1785)

Las

películas góticas son duales al categorizar. En el contexto más amplio del género del “horror”, las películas góticas se vinculan directamente con el gótico literario de los siglos XVIII y XIX, adaptando a menudo las novelas originales -por ejemplo: Nosferatu de FW Murnau (Alemania, 1922), Dracula y James de Tod Browning Frankenstein (los EEUU, 1931).

Más de una definición literal de películas góticas como versiones de novelas góticas, sin embargo, hay una legión de películas de terror, fantasías y thrillers que tienen algún nivel de sensibilidad gótica.

Por ejemplo, el Plan 9 de Edward D. Wood del espacio exterior (EE.UU., 1959) combina la iconografía de vampiros con la ciencia ficción de un sótano, mientras que el Psycho de Hitchcock (EE.UU., 1960) y el Fight Club de David Fincher (Estados Unidos, 1999) son narraciones doppelgänger1.

Hay alegorías de Fausto en todas partes, con arreglos y demonios presentes, entre muchos otros, El niño de Rosemary de Roman Polanski (EE.UU., 1968), El exorcista de William Friedkin (1973) y El corazón de ángel de Alan Parker (Estados Unidos, 1987).

Ridley Scott convirtió el castillo gótico en una nave espacial abandonada En Alien (EE.UU., 1979), y exploró el subtexto miltoniano de Frankenstein en Bladerunner (EE.UU., 1982).

1 Doppelgänger: es el vocablo alemán para definir el doble fantasmagórico de una persona viva. La palabra proviene de doppel, que significa «doble» y gänger: «andante». Su forma más antigua, acuñada por el novelista Jean Paul en 1796, es Doppeltgänger, ‘el que camina al lado’.

Siguiendo una larga tradición del arte romántico y la literatura, el teatro fantasmagórico, el melodrama y el expresionismo, las películas góticas tienen una puesta en escena reconocible basada en entornos arquetípicos y personajes, significantes visuales familiares y códigos narrativos.

Hay viejas casas oscuras, castillos sublimes, mazmorras, cementerios y pasajes secretos. Los ajustes están invariablemente cubiertos de telarañas y aislados, y hay niebla por todas partes. La acción tiene lugar en las sombras, y la iluminación suave mantiene la luz de la luna brumosa mientras que la iluminación inferior distorsiona las características.

Al igual que la literatura gótica, los marcos de la competencia de la explicación racional e irracional a menudo se despliegan para generar tensión e inquietud.

Los desafíos irreales desafían los límites reales y morales se transgreden. Los personajes, mientras tanto, se ajustan a los modelos literarios románticos y victorianos. Hay chicas y villanos amenazantes sexualmente, científicos locos, héroes melodramáticos, doppelgängers, muertos vivientes, muertos caminantes y payasos a medianoche.

El choque, el suspenso, la locura, el misterio, la crueldad, el sexo y la violencia se mezclan y manipulan para crear una atmósfera de terror. El buen gótico debe ser erótico y sádico. El escenario es cliché, pero de alguna manera esperado, a pesar de estar sujeto a la parodia desde que Jane Austen escribió Northanger Abbey (La abadía de Northanger), Abbott y Costello2 conocieron a Frankenstein, y Lily Munster primero decorada para Halloween.

La puesta en escena contemporánea, gótica posmoderna no es tanto romántica o expresionista como hiperreal.

2 Abbott and Costello fue

un dúo de comedia estadounidense compuesto por Bud Abbott y Lou Costello, cuyo trabajo en el teatro, la radio, el cine y la televisión los hizo el equipo de comedia más popular durante la década de 1940

Desde el origen de las películas ha habido película gótica.

Antes había teatro gótico en forma de fantasmagorías, Grand Guignol, melodrama y espectáculos de linterna mágica.

El gótico, o al menos el horror, se inició provisionalmente con el pionero cinematográfico Georges Méliès. En breve películas como La Casa del Diablo (Francia, 1896), Barba Azul y El Monstruo (Francia, 1903), Méliès expuestos doblemente murciélagos dando vueltas, fantasmas y brujas levantándose de calderos, Príncipes egipcios resucitando a amantes muertos, cuerpos en decadencia y cabezas estallando.

La primera novela gótica que se filmó se considera generalmente el Dr. Jekyll y Sr. Hyde por la compañía de Selig Polyscope (los EEUU, 1908), aunque La Esméralda (Francia, 1905) por Alicia Guy-Blaché se basó en Notre-Dame de Hugo De París (1831), así probablemente merece el honor.

La compañía danesa Nordisk rehizo la novela de Stevenson como un solo carrete un año después de Selig, así como dos cortos de “enterramiento prematuro”, el collar de los muertos (Dinamarca, 1910) y los fantasmas de la cámara acorazada (Dinamarca, 1911).

En Estados Unidos, Edison Studios hizo una versión de 16 minutos de Frankenstein en 1910, mientras que Carl Laemmle, fundador de Universal Studios, también hizo Jekyll y Hyde (EE.UU., 1913).

En 1915, DW Griffith filmó “The Tell-Tale Heart” y “Annabel Lee” de Poe como The Avenging Consciousness, mientras que Maurice Tourneur puso a Svengali en la pantalla en Trilby . (Prawer: 1980, 9). La película gótica había llegado.

Mientras que la nueva tecnología del cine mudo inventaba el género en Hollywood, sus influencias narrativas y visuales permanecieron literarias, teatrales y esencialmente románticas: las películas comprimían versiones de adaptaciones de gótico del siglo XIX, filmadas por cámara estática con iluminación de alta claridad.

La siguiente innovación era oscura, alemana y modernista. El expresionismo buscaba representar la experiencia humana como interior y subjetiva. Por lo tanto, el arte expresionista exageró la realidad física simbólica y emocional, a menudo distorsionadora, para transmitir la percepción individual.

Este característico desafío modernista al realismo del siglo XIX en el arte y la literatura ya alineaba el expresionismo con los aspectos fantásticos, transgresores y psicológicos del discurso gótico, mientras que un interés en estados existenciales y emocionales extremos condujo inevitablemente a la película de terror.

3

Un golem es, en el folclore medieval y la mitología judía, un ser animado fabricado a partir de materia inanimada (normalmente barro, arcilla o un material similar). Normalmente es un coloso de piedra.

En hebreo moderno, el nombre proviene de la palabra “guélem” (‫םלג‬, gélem), ‘materia’; por otra parte, en dicho idioma, la expresión “jómer guélem” (‫םלג רמוח‬, ḥomer gélem) a su vez significa ‘materia prima’.

La palabra gólem se da en la Biblia (Salmos 139:16) y en la literatura talmúdica para referirse a una sustancia embrionaria o incompleta.1 Como motivo, la figura del golem forma parte del imaginario hebraico centroeuropeo y pertenece por consiguiente al arte asquenazí.

Los expresionistas celebraron el nuevo medio como una oportunidad para que los escritores, artistas e intérpretes colaboren. La primera película expresionista significativa para explorar temas góticos es El Estudiante de Praga (Alemania, 1913), una fábula de Fausto co-dirigida por Paul Wegener y Stellan Rye. Rye murió en un campo francés de prisioneros de guerra en 1914, pero Wegener fue a jugar, escribir y co-dirigir el monstruo de la película recurrente el Golem - la arcilla animada de la leyenda judía3 - en tres películas, sobre todo Der Golem, wie er In die Welt kam (El Golem: Cómo llegó al mundo, Alemania, 1920).

1920 también vio el lanzamiento de Robert Weine influyente e imitado a menudo Das Cabinet des Dr. Caligari (El Gabinete del Dr. Caligari ). Este hito en la película gótica fue pensado originalmente para ser una sátira sobre la hipocresía burguesa dirigida por Fritz Lang. Los guionistas, Hans Janowitz y Carl Mayer, eran veteranos de la Gran Guerra, y los fans de Wegener. NOTA: REFERENCIA RPISTEYO NUMERO 3

Paul Wegener

Stellan Rye

La sinergia entre el gótico literario, el melodrama escénico y el expresionismo es el fundamento de la película gótica que posteriormente se desarrolló en Hollywood, sobre todo en el Universal Pictures de Carl Laemmle, que empleó a Conrad Veidt, Paul Leni y Lon Chaney Senior, El hombre de las Mil caras “. Laemmle, otro inmigrante alemán, había sido propietario de nickelodeon que había decidido desafiar el monopolio de Edison haciendo sus propias películas.

El avance de Lon Chaney fue la sádica película de gánsteres de la MGM The Penalty (EE.UU., 1920), en la que interpretó a un doble señor del crimen amputado que planea que las piernas del futuro yerno del cirujano se injerten en sus tocones. Para interpretar al gánster loco, Chaney les ató las pantorrillas a los muslos, prefigurando el compromiso masoquista con el maquillaje grotesco que caracterizó sus representaciones icónicas en los silenciosos clásicos góticos de Universal, El jorobado de Notre Dame (EE.UU., 1923), El fantasma de la ópera US, 1925), y el London After Midnight de la MGM (EE.UU., 1927), este último dirigido por Tod Browning. Browning y Laemmle querían que Chaney interpretara a Drácula, pero murió de cáncer de pulmón en 1930.

Las otras notables y silenciosas películas góticas universales fueron dirigidas por Paul Leni. The Cat and the Canary (EE. UU., 1927) era un misterio de “vieja casa oscura” basado en la obra de John Willard, y The Man Who Laughs (EE.UU., 1928) fue una adaptación de la desagradable novela de Hugo de 1869.

El desempeño de Veidt como el Gwynplaine desfigurado, la sonrisa grabada en su rostro, inspiró el diseño de Bob Kane del Joker para el primer número de Batman Comics en 1940. Leni fue la primera opción para dirigir a Drácula, pero murió de envenenamiento de la sangre en 1929.

Las muertes de Leni y Chaney condujeron a una nueva generación de talento.

En lugar de adaptar la novela original, Drácula de Universal (EE.UU., 1931) sigue el Broadway de 1927 golpeado por Hamilton Deane y John L. Balderstone, la primera versión autorizada por Florence Stoker.

Después de mucha deliberación, el estudio lanzó la pista de la obra, el actor húngaro Bela Lugosi, para volver a representar su papel.

Aunque Nosferatu fue extraído (Por ejemplo, Harker cortando el dedo y Drácula reaccionando). La interpretación Byronic de Lugosi del suave aristocrático de los Cárpatos estaba muy lejos del original repulsivo de Shreck, Orlok y Stoker.

Un pastiche es una obra de arte visual, literatura, teatro o música que imita el estilo o el carácter de la obra de uno o más artistas. A diferencia de la parodia, el pastiche celebra, en lugar de burlarse, el trabajo que imita.

La palabra pastiche es un cognado francés del pasticcio del sustantivo italiano, que es un paté o relleno de pastel mezclado de diversos ingredientes. Metafóricamente, pastiche y pasticcio describen obras que están compuestas por varios autores, o que incorporan elementos estilísticos de la obra de otros artistas. Pastiche es un ejemplo de eclecticismo en el arte .

La alusión no es pastiche. Una alusión literaria puede referirse a otra obra, pero no la reitera. Además, la alusión requiere que la audiencia participe en el conocimiento cultural del autor. Tanto la alusión como el pastiche son mecanismos de intertextualidad .

Drácula de Lugosi se ha convertido en la versión definitiva, y su capa que fluye, el encanto magnético, y el acento europeo siniestro se replican y pastiched4 a través de la historia del cine gótico.

Vampyr (Alemania, 1932) de Carl Dreyer - vagamente basado en Carmilla de Le Fanu (1871) - es un contemporáneo cercano del Drácula de Universal.

La película de Dreyer es más experimental que la de Browning, incorporando técnicas expresionistas y surrealistas. El desenfoque real e irreal en esta película pálida y brumosa - las sombras y las reflexiones tienen una vida propia, mientras que el héroe tiene un sueño despierto de entierro vivo. Vampyr es el último expresionista gótico significativo que se rodará en Alemania.

Universal se apresuró a seguir el éxito de Drácula con Frankenstein, que se estrenó en noviembre de 1931. El inglés James Whale (que había conquistado el West End, Broadway y Hollywood con Journey’s End) sustituyó al francés Robert Florey como director, (La contribución de Florey a Frankenstein no se reconoce en absoluto - él y Lugosi fueron trasladados a los asesinatos en el proyecto de la calle Morgue de Universal).

Robert Florey

James Whale

Colín Clive interpretó a Frankenstein como un iconoclasta maníaco, adicto a un poder que tanto lo atrae como lo aplaude, y del cual no puede escapar. “¡Ahora sé lo que se siente ser dios!”, Grita, en una línea recortada apresuradamente por los censores de Universal.

El maquillaje de Jack Pierce y la interpretación de Karloff del monstruo como un grotesco mudo e infantil definieron el papel de las generaciones de la misma manera que el Drácula de Lugosi.

Al igual que Dracula, el argumento de la película se toma de las versiones de escenario en lugar de la novela original: el ayudante de jorobado, “Fritz”, por ejemplo, es un legado de la obra Presunción; O “The Fate of Frankenstein” de Richard Brinsley Peake (1823), aunque la película es esencialmente de la obra de 1927 de Peggy Webling, adaptada por Balderstone.

El estilo visual de Frankenstein combina el expresionismo con el convencional gótico de Hollywood.

Drácula y Frankenstein fueron grandes éxitos en un período en que Hollywood estaba sufriendo de la Gran Depresión, y siguió una ola de secuelas y copias.

Browning arruinó prematuramente su carrera eligiendo el arte sobre el comercio y haciendo la película gótica ancestral Freaks para MGM en 1932, polémico casting a per-

sonas discapacitadas de sideshow (atracción secundaria), en vez de usar trajes y maquillaje. De regreso en Universal, Karloff protagonizó The Mummy en 1932, dirigida por el emigrado alemán Karl Freund (que también dirigió Colin Clive y Peter Lorre en Mad Love, una nueva versión del silencio alemán Orlacs Hände , Para MGM en 1935), Lugosi protagonizó Murders en la Rue Morgue (Estados Unidos, 1932), y ambos aparecieron juntos en The Raven (Estados Unidos, 1934).

Lugosi también hizo White Zombie para United Artists en 1932 y protagonizó la segunda película de Hammer, The Mystery of the Marie Celeste, en 1935. Whale dirigió Karloff en The Old Dark House (Estados Unidos, 1932) y Claude Rains como The Invisible Man En 1933. Henry Hull intepreto el hombre lobo de Londres para Universal en 1935, mientras que, Clive y Karloff se reunieron para la novia de Frankenstein el mismo año.

La película gótica británica, mientras tanto, se arrastraba a lo largo de una serie de melodramas victorianos filmados por George King y protagonizada por la excesiva Tod Slaughter, la más memorable siendo Maria Marten o Murder in the Red Barn (Reino Unido, 1935), sweeney todd el barbero diabólico de la calle fleet (Reino Unido, 1936), y The Face at the Window (Reino Unido, 1939).

El top gรณtico

Eduardo Manostijeras (1990) El Cuervo (1994) Entrevista con el vampiro (1994) Jรณvenes y brujas (1996) Underworld (2003) Donnie Darko (2001) El gabinete del Dr. Caligari (1920) Jรณvenes ocultos (1987) El ansia (1983) Suspiria (1977)

Bauhaus B

auhaus son los fundadores del rock gótico, creando un estilo minimalistico, extremadamente sombrío de post punk rock conducido por los acordes de guitarra irregular y sintetizadores fríos, distantes.

A lo largo de su breve carrera, la banda explora todas las variaciones en sus sombrías ideas musicales, agregando elementos de glam rock, experimental rock electrónico, funk y heavy metal. Mientras que sus siguientes nunca ha expandido más allá de un culto, mantuvieron su culto vivo bien en los años 90, una década después disolvió.

El grupo se formó en 1978 en Northampton, Inglaterra. Guitarrista y vocalista Daniel Ash, bajista y vocalista David J (David Jay Haskins), y el baterista Kevin Haskins había tocado juntos como un trío llamado la manía antes de formar la Bauhaus con el vocalista Peter Murphy. Originalmente, la banda fue llamada Bauhaus 1919 por el movimiento de arte alemán; en 1979, eliminaron el 1919 de su nombre.

B

auhaus es una banda de rock británica (formada en Northampton en 1978) que fue popular en los 80.

La banda tomó su nombre de la escuela de diseño alemana Bauhaus creada durante la segunda década del siglo XX, aunque en un principio se llamaron Bauhaus 1919, quitando la parte numérica antes del primer año.

A pesar de que había bandas precursoras del estilo gótico, muchos consideran a Bauhaus la primera banda gótica. Bauhaus combinaban un gran número de influencias punk y glam rock. Su sonido influyó, inspiró y llamó la atención sobre un conjunto de grupos post-punk generando el estilo intenso y triste que acabó siendo el rock gótico.

Su disco sencillo debut, “Bela Lugosi’s Dead”, se publicó en agosto de 1979.

Es una canción de 9 minutos de duración y grabada en directo en el estudio de una sola toma, que no entró en las listas de éxitos británicas, pero se siguió vendiendo durante muchos años. Sin duda su trabajo más famoso, es un trabajo minimalista, una mezcla libre de The Doors, los Pink Floyd del inicio y algunas bandas de Krautrock experimental como Can y Neu!. La canción fue la banda sonora de la película “The Hunger” de Tony Scott del año 1983.

En 1980 grabaron su primer L.P. “In The Flat Field”, un álbum claustrofóbico y denso, que seguía los derroteros marcados por su single de debut y que los situó entre los abanderados del movimiento gótico/siniestro junto a bandas

como Siouxsie & The Banshees, The Cure o Joy Division. Con su segundo L.P. “Mask” editado en 1981 y una sucesión de singles de éxitos, la banda logró consolidarse en el mercado europeo y subir alto en las listas con una versión del tema “Ziggy Stardust” de David Bowie.

El siguiente trabajo “The Sky´s Gone Out” mostraba una evolución del grupo hacia sonidos más experimentales, y fue editado en 1982 acompañado de un disco en directo llamado “Press The Eject And Give Me The Tape”.

En esas fechas comenzaron los problemas internos de la banda debido al excesivo protagonismo de su vocalista Peter Murphy, que se volvió la cara principal de publicidad de las cintas de cassette Maxel y que realizó una aparición estelar en el prólogo de la película “El Ansia” (The Hunger) de Tony Scott ahí donde se suponía debían aparecer todos los miembros de la banda.

Ya en 1983, Bauhaus presentó su último disco “Burning From The Inside” que fue su mayor éxito de ventas y que mostraba al grupo en su faceta más comercial con singles como “She´s In Parties”.

El disco lo comenzaron a grabar los miembros de la banda mientras Peter Murphy se encontraba hospitalizado debido a una neumonía, este detalle y el hecho de que cuando Murphy se presentó a grabar las voces del disco Daniel Ash y David J habían grabado sus voces en algunos temas, fueron el detonante para la disolución de la banda.

Antes de que Bauhaus se separaran (1983), todos los miembros del grupo hicieron varios trabajos como solistas.

El cantante Peter Murphy trabajó de forma temporal con el bajista Mick Karn de Japan en la banda Dali’s Car antes de tocar solo en discos como Deep y Love Hysteria.

Daniel Ash también grabó y publicó discos en solitario bajo el nombre de Tones on Tail con Kevin Haskins y Glen Campling, roadie de Bauhaus. David J ha publicado múltiples discos en solitario y ha colaborado con varios músicos a lo largo de los años. Actualmente trabaja “en artes visuales”.

Kevin Haskins ha estado creando música electrónica para videojuegos y también ha producido a artistas como Gary Numan.

En 1985, David, Daniel y Kevin formaron Love and Rockets que consiguieron entrar en la lista de éxitos de Estados Unidos en 1989 con “So Alive”. La banda se separó después de siete discos en 1998.

En 1998, Bauhaus se reunieron para el “Resurrection Tour” que incluía dos nuevas canciones (“Severance”, original de Dead Can Dance y “The Dog’s a Vapour” que también estaba publicada en la BSO de la película “Heavy Metal 2”).

Un disco en directo grabado durante la gira, Gotham, fue publicado ese mismo año.

Bela Lugosi’s Dead

Bela Lugosi Esta Muerto

White on white translucent black capes Back on the rack Bela Lugosi’s dead The bats have left the bell tower The victims have been bled Red velvet lines the black box Bela Lugosi’s dead Undead, undead, undead The virginal brides file past his tomb Strewn with time’s dead flowers Bereft in deathly bloom Alone in a darkened room The count Bela Lugosi’s dead Undead, undead, undead

Blanqueadas capas negras translucidas de vuelta al perchero Bela Lugosi esta muerto Los murciélagos han abandonado el campanario. Las victimas han sido desangradas Líneas de terciopelo rojo en la caja negra Bela Lugosi esta muerto El no muerto, el no muerto, el no muerto esposas vírgenes entabladas junto a su tumba cubierta, por el tiempo, de flores muertas despojado a un aroma mortal solo en una habitación oscura El conde Bela Lugosi esta muerto El no muerto, el no muerto, el no muerto

Béla Ferenc Dezső Blaskó, mejor conocido como Béla Lugosi fue un actor austro-húngaro, sumamente reconocido por caracterizar al personaje del Conde Drácula en varias producciones de Broadway

En 2005, Bauhaus tocaron en una actuación de reunión en el Festival de Música y Artes de Coachella Valley en indio (California) el 30 de abril de 2005. No se esperaban canciones nuevas, pero Peter Murphy continuó tras la actuación de Coachella con su gira en solitario para promocionar su nuevo disco. Él no solía tocar canciones de Bauhaus en sus actuaciones en solitario.

Después de la gira en solitario de 2005 de Peter Murphy, Bauhaus empezó una gira completa entre el otoño de 2005 (Norteamérica, México) y primavera de 2006 (Europa).

En marzo de 2008 lanzó su último disco de estudio, luego de más de 20 años sin grabar. “Go Away White”, es el nombre del oscuro disco, el cual ha sido alabado hasta el momento por su contenido misceláneo y preciso, con temas que van desde sonidos de rock clásico (“Too much 21th century”, “Black Stone Heart”) hasta los temas más oscuros y profundos de su carrera discográfica (“Saved”, “The Dog’s a Vapour”).

Mayo del 2013 Peter Murphy anuncia una gira por Estados Unidos, Europa y México anunciando que tocará únicamente temas de Bauhaus como motivo de su 35 aniversario. “Mr Moonlight Tour”.

La Bauhaus fue la es-

cuela alemana artística en la que se unificaron la arquitectura las artes plásticas y la artesanía, que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, acaparando un gran abanico de posibilidades de expresión como en las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales.

Con tan solo catorce años de existencia logro gozar de muy buena fama llevándolo al calificativo que aún se manifiesta de “estilo bauhaus”. Fue fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius quien unió las antiguas escuela Superior de arte del Gran Ducado y la escuela de Artes y Oficios, dando así origen a la Bauhaus estatal de Weimar, en la que la principal intencion era la simplicidad de la forma reduciendo el objeto a la mera funcionalidad.

Lugar en donde grandes artistas contemporáneos se congregaron para hacer parte del grupo de docentes que llevarían a cabo el éxito de la Bauhaus; Artistas como wassily Kandinsky, Paul klee, Lyonel Feininger, Oskar Schlemmer, pioneros de la época. De igual forma László Moholy-Nagy, Johannes Itten, Josef Albers quienes hicieron grandes aportes a la reforma pedagógica de la escuela.

Llena de prejuicios y malentendidos la bauhaus cargada con tales cuestionamientos logro convertirse en abreviatura de la modernización radical de la vida.

CONTEXTO A la conclusión de la I Guerra Mundial, la derrotada Alemania firmó con las potencias aliadas vencedoras un acuerdo de paz en el palacio francés de Versalles. Alemania, que había adoptado un régimen republicano (la llamada República de Weimar) tras su fracaso bélico y después de la disolución del II Imperio Alemán, la evolución de la Bauhaus corrió paralela a la historia de ésta primera república, Weimar lugar en donde se elaboró la constitución democrática, y de igual forma Walter Gropius fundó la escuela en 1919.

Con tres directores a su cargo, Walter Gropius (1919-1928), Hannes Meyer (1928-1930) y Ludwig van der Rohe (1930-1933) y así mismo tres lugares en donde se ubicó Weimar, Dessau y Berlín, marcó cada una de sus etapas, reflejándose en los planteamientos, educación, y producciones, desenvolviéndose en momentos de crisis, económica, social, política.

Las duras condiciones impuestas a lo largo de la década de los 20´s en Alemania, dieron lugar a la aparición de numerosos grupos nacionalistas alemanes que demandaron la revisión del Tratado de Versalles, y que servirían de soporte para el ascenso al poder en la década de 1930 del nacionalsocialismo, y consigo una fuerte presión para obligar el cierre absoluto de la bauhaus el 12 de abril de 1933.

El 31 de julio de 1957, nació Daniel Gastón Ash, en Northampton, Inglaterra. El músico, compositor y cantante es el fundador de la histórica banda Bauhaus, iniciador en el género del rock gótico, además de dirigir dos grandes bandas: Love and Rockets y Tones on Tail, bandas que, a pesar de su poco tiempo de existencia, dejaron marca en el mundo de la música.

Una figura enigmática y un tanto oscura, Daniel Ash ha creado un imperio en el mundo de la música, con la creación del álbum Bela Lugosi´s Dead en 1979, a pesar de no estar dentro de la lista de éxitos británicos fue un disco con grandes ventas por mucho tiempo.

Para 1980 tras grabar su primer L.P. In the flat field, la banda tomó un rumbo que cambio la historia de la música. Desde ese momento, Bauhaus se convirtió en la banda iniciadora de género del rock gótico, junto con el movimiento gótico-siniestro.

Con cuatro discos en vivo, cinco discos de estudio, tres álbumes recopilatorios, cuatro EPs y tres DVDs, Bauhaus logró posicionarse como una de las mejores bandas de a mediados del siglo XX, además de crear historia.

Después de su separación en 1983, la banda se reunió en 1998 para Resurrection Tour y en el 2005 se reunieron de nuevo para presentarse en el Festival Coachella en Indio, California.

David John Haskins (nacido el 24 de abril de 1957, Northampton, Inglaterra), más conocido como David J , es un músico británico de rock alternativo, productor y escritor. Fue el bajista de la banda de rock gótico Bauhaus y Love and Rockets.

David J escribió las letras de varias canciones de Bauhaus (incluyendo su primer sencillo, “ Bela Lugosi’s Dead “).

Su primera aventura fuera de Bauhaus fue un sencillo de colaboración, “Armor” / “Nothing”, con el artista y poeta René Halkett, de la escuela original de arte y diseño Weimar Bauhaus.

Comenzó a escribir música para una carrera en solitario, mientras seguía en la banda, y continuó después de la ruptura de la banda, lanzando la oscura Etiquette of Violence y Crocodile Tears y el Velvet Cosh, y tocó bajo en dos álbumes de Jazz Butcher (A Scandal in Bohemia Y Sex and Travel ), ambos de los cuales también produjo. J también fue parte de la banda de muy corta duración The Sinister Ducks, que incluyó el saxofonista Alex Green y el escritor de cómics Alan Moore. J también lanzó un EP que fue pensado como una banda sonora de la novela gráfica de Moore V para Vendetta. En 1996 él colaboró otra vez con Moore junto al músico Tim Perkins cuando el trío registró dos palabras habladas con los CD de la música, el teatro egipcio magnífico de maravillas y el Caul del nacimiento.

David J ha lanzado una serie de sencillos y álbumes en solitario, y en 1990 lanzó uno de los primeros hits número 1 en las recientemente creadas listas de Modern Rock Tracks , con “I’ll Be Your Chauffeur”.

Lanzó el single “ Tidal Wave of Blood “ en 2010 con Shok, y un álbum, Eclipse of Ships, en abril de 2014. Actualmente está de gira con su nueva banda, The Gentleman Thieves.

Kevin Michael Dompe (nacido el 19 de julio de 1960 en Northampton, Inglaterra), más conocido como Kevin Haskins, es un baterista, más conocido del grupo de rock británico Bauhaus.

También fue miembro de Tones on Tail y Love and Rockets. Fue hasta que Haskins asistió a un concierto de Sex Pistols, que él y su hermano David J formaron una banda llamada Submerso Décimo. La banda fue de corta duración, pero Haskins y J colaboraron de nuevo en otra banda que contó con el guitarrista Daniel Ash. En 1978, Haskins se unió a Bauhaus 1919, que consistía en el vocalista Peter Murphy, J y Ash. La banda eligió el nombre de Bauhaus 1919, una referencia al movimiento de arte alemán Bauhaus de los años 1920, debido a sus “implicaciones estilísticas y asociaciones”, según David J. La banda también eligió utilizar el mismo tipo de letra Usado en el edificio de la universidad de Bauhaus en Dessau, Alemania. Aunque había bandas antes de que pre-figuró el estilo, Bauhaus es generalmente aceptado para haber sido el primer grupo de rock gótico. Él vive actualmente en Los Ángeles con su esposa Pamela Dompe y dos hijas Diva y Lola.

Peter Murphy (n. 11 de julio de 1957, cerca de Northampton, Reino Unido), es el vocalista del grupo post-punk Bauhaus, además de poseer una amplia carrera en solitario, alcanzado su cenit comercial en 1990.

Delgado y elegante, con prominentes pómulos y aspecto vampiríco, con una voz rica y profunda y una inclinación por la poesía melancólica; Murphy ha sido considerado “El padrino del rock gótico y la subcultura gótica”. Algunos críticos han tachado sus letras de “pretenciosas” o “incomprensibles” debido a su excesivo regusto por la poesía y al tratamiento de temas metafísicos y religiosos. Su registro musical, sobre todo tras la disolución de Bauhaus, ha evolucionado por numerosos géneros, desde la electrónica, el new wave, hasta el rock alternativo pasando por la música oriental o los sonidos after-punk. En 2010 hizo un cameo para la película The Twilight Saga: Eclipse donde interpreta a un despiadado vampiro en una pequeña secuencia de flashback.

Hijo de una familia irlandesa, pero establecido en el Reino Unido, Murphy conoce en el colegio a Daniel Ash (guitarra), con quien forma Bauhaus junto a David J.(bajo) y Kevin Haskins (batería). Bauhaus graban su primer single Bela Lugosi’s Dead en 1979 convirtiéndose en una de las formaciones punteras del movimiento after punk siniestro (Rock gótico) emergente en esa época, junto a bandas como Joy Division, The Cure y Siouxsie And The Banshees.

Tras sus dos primeros discos In The Flat Field (1980) y Mask (1981), con los que captan un amplio número de adeptos y encabezan las listas independientes de éxitos británicos, enlazan una serie de singles de mayor calado comercial (entre los que se encuentra una versión de la canción “Ziggy Stardust” de David Bowie) logrando gran popularidad en toda Europa y gran parte del mercado americano.

Por esas fechas la banda aparece en la película El Ansia de Tony Scott, entre cuyo reparto está el propio Bowie, interpretando el tema “Bela Lugosi´s Dead”; a su vez Peter Murphy se vuelve la imagen publicitaria de las cintas de cassette Maxell.

Tras editar un tercer LP “The Sky´s Gone Out” obteniendo buenas ventas y un disco en directo “Press The Eject And Give me The Tape”, el aumento de popularidad del cantante comienza a irritar al resto de la banda, que se ven relegados a un segundo plano ante los medios de comunicación.

Durante la grabación de su cuarto álbum de estudio “Burning From The Inside”, Murphy contrae una neumonía y el resto de Bauhaus termina el disco sin el aprobado de su vocalista, cantando alguno de los temas Daniel Ash y otros David J.. Este hecho acaba de desestructurar la banda, que tras la edición del LP (el de mayor éxito de su carrera) se disuelve.

r Po n Be Qué es la corrupción.

La corrupción es una trasgresión INTENCIONADA de las normas políticas, sociales, etc. cuya finalidad es obtener beneficios privados mediante el soborno, el fraude, el impago de impuestos, etc. La corrupción no es una patología en sí, no está contemplada en las grandes guías de trastornos psicológicos, como el DSM (manual estadístico diagnóstico de los trastornos mentales).

Sí es cierto, que las personas corruptas, a pesar de no ser enfermos mentales, tienen ciertos rasgos similares a los psicópatas. En ningún caso quiere decir esto que haya una estrecha relación causa-efecto, ni de ningún tipo, simplemente coinciden algunos de los rasgos que presentan ambos.

Diferenciemos un psicópata de una psicosis. Un psicópata es una persona que posee rasgos psicóticos, mientras que la psicosis es una enfermedad de la mente, de la psique.

Los corruptos son individuos que tienen un determinado tipo de actuación, un perfil. Tienen un modus vivendi y un modus operandi que a continuación detallamos.

HISTORIA. Transparencia Internacional se fundó en Berlín, Alemania, en mayo de 1993, a iniciativa de Peter Eigen, ex director regional del Banco Mundial. Los fundadores fueron: el propio Eigen, Hansjörg Elshorst, Joe Githongo, Fritz Heimann, Michael Hershman, Kamal Hossain, Dolores L. Español, George Moody Stuart, Jerry Parfitt, Jeremy Pope y Frank Vogl.

Ahora presentes en más de 100 países, el movimiento trabaja sin descanso para remover la conciencia colectiva del mundo y lograr el cambio. Todavía queda mucho por hacer para detener la corrupción, pero se también ha logrado mucho, incluyendo: • La creación de convenciones internacionales contra la corrupción.

Se une a las personas en una poderosa coalición mundial para poner fin a los efectos devastadores de la corrupción en los hombres, mujeres y niños de todo el mundo.

La misión de TI es provocar un cambio en todo el mundo, para convertirlo en zona libre de corrupción.”

Independiente y responsable

En 1995, TI creó el Índice de Percepción de Corrupción, que clasifica a las naciones según su prevalencia de corrupción. Su metodología se basa en encuestas llevadas a cabo a personas de negocios. Se publica anualmente.

Fue criticado por su mala metodología y el tratamiento injusto de las naciones en vías de desarrollo, a la vez que fue elogiado por poner de relieve la corrupción en los diferentes países.4

• El enjuiciamiento de los líderes corruptos y las incautaciones de sus riquezas ganadas ilícitamente

En 1999, TI empezó a publicar el Índice de las Fuentes de Soborno, en el que clasifica las naciones de acuerdo con la facilidad de que las multinacionales de un país dan sobornos.

Alcance global, conocimiento local

Resumen un movimiento global que comparten una visión: un mundo en el que gobierno, empresas, sociedad civil y la vida cotidiana de las personas es libre de corrupción.

En 1993, unos pocos individuos decidieron adoptar una postura contra la corrupción y crea transparencia internacional.

• Elecciones nacionales ganadas y perdidas en la lucha contra la corrupción.

• Empresas responsables de su comportamiento tanto en el país como en el extranjero.

Transparencia Internacional se organiza en más de 100 delegaciones, con una secretaría internacional en Berlín, Alemania. TI es ahora una organización internacional no gubernamental sin fines de lucro, y se dice que está avanzando hacia una estructura organizativa completamente democrática.

La TI dice de sí misma: “Transparencia Internacional es una organización de la sociedad civil que lidera la lucha contra la corrupción.

Somos políticamente no partidistas y damos gran importancia a nuestra independencia. Solamente determinamos nuestros programas y actividades - ningún donante tiene ninguna contribución en las políticas de Transparency International.

Nuestras fuentes de financiamiento se hacen transparentes al igual que nuestros gastos.

«El hombre es un animal que estafa, y no hay otro animal que estafe además del hombre».

Edgar Allan Poe

Por Alix - Shopie - Kim - Francis

Himno a la belleza intelectual.

Hymn to Intellectual Beauty, Percy Bysshe Shelley (1792-1822) La terrible sombra de algún poder oculto Flota velada entre nosotros, —pasa por Este mundo con alas inconstantes, Como el viento del estío arrastrándose de flor en flor— Como la luna demorándose en las montañas, Que visita con su mirada impaciente Cada rostro y corazón humano; Como los tonos y las melodías del ocaso, Como las amplias nubes bajo las estrellas, Como el recuerdo de una música perdida; Como la nada que por su gracia nos es querida, Y sin embargo, más querida aún por su misterio.

Espíritu de Belleza, que consagras con tu sutileza, Brillando sobre el pensamiento y la forma humana ¿Hacia dónde te has ido? ¿Por qué pasas de largo y nos dejas atrás En este vasto valle de lágrimas, solos y desolados?

Pregunta por qué el sol no teje para siempre Al arcoíris sobre el río joven de la montaña, Por qué la nada debe desvanecerse y caer en lo que una vez fue, Por qué el miedo y el sueño, la muerte y el nacimiento Derraman sobre el día de esta tierra su oscuridad, Por qué el hombre siente con pasión el odio y el amor, La esperanza y la desazón.

Ninguna voz de algún mundo sublime, ni sabio Ni poeta jamás ha elevado sus respuestas.

Por lo tanto, los nombres del Demonio, Fantasmas y Cielos Permanecen en el recuerdo de su vano empeño, Frágiles hechizos —cuyo encanto pronunciado no lastima— De todo lo que vemos y oímos, Duda, azar, cambio.

Tu luz por sí sola, como la niebla cayendo por la montaña, O la música enviada por el viento nocturno Que tiembla en las cuerdas de un instrumento inmóvil, O el brillo lunar sobre el estanque en la medianoche, Nos brinda gracia y verdad en este inquieto sueño de vida.

Amor, esperanza y autoestima, son como nubes Que se apartan y retornan en un momento incierto.

El hombre fue inmortal, y omnipotente, Hasta que tú, desconocida y horrible como eres,

Encerraste tu gloriosa marcha dentro de su corazón.

Tú, mensajero de simpatías, Que resbalas y disminuyes en los ojos de los amantes, Tú, que del pensamiento humano eres alimento, Como la oscuridad a una llama moribunda, No huyas como tu sombra vino, No huyas, evitando la tumba que será, Como la vida y el horror, una oscura realidad.

Si bien de niño he tratado con fantasmas, corriendo A través de muchas y ansiosas cámaras, cuevas, ruinas, Y estrellas de madera, persiguiendo con pasos temerosos La esperanza de un diálogo con los queridos muertos.

Invoqué los nombres venenosos de los que nuestra juventud se alimenta; No fui escuchado —Yo no los ví— Cuando sonaba profundo en el espacio vital, En aquel dulce momento donde el viento confiesa todos los secretos; De repente, tu sombra cayó sobre mí, Me encogí, y froté mis manos en éxtasis.

Prometí que dedicaría mis facultades A tí y sólo a tí —¿No he honrado mi voto?— Con el corazón palpitante y los ojos luctuosos, aún ahora Convoco a los fantasmas de un millar de horas, Cada uno desde su tumba silenciosa: En soñadas alcobas De celosos estudios o placenteras ternuras, Han contemplado conmigo la envidiosa noche.

Saben que ninguna alegría iluminó mi frente, Desencadenada con la esperanza de que habrás de liberar Este mundo de su oscura esclavitud, Que tú, horrible encantadora, Nos darás todo lo que estas palabras no pueden expresar.

El día se hace más solemne y sereno Cuando pasa el mediodía —hay una armonía En el otoño que resplandece en el cielo, Y que durante el verano no es vista ni oída, Como si no pudiese ser, como si no fuese— Así pues, deja que tu poder, que desciende Igual a la naturaleza de mi pasiva juventud, Inunde mi propia vida con su calma; A este que te adora en cada forma que te contiene, Y a quien. Espíritu Justo, tus conjuros obligan A temerse a sí mismo, y a amar a toda la humanidad.

The awful shadow of some unseen Power Floats though unseen among us,—visiting This various world with as inconstant wing As summer winds that creep from flower to flower,— Like moonbeams that behind some piny mountain shower, It visits with inconstant glance Each human heart and countenance; Like hues and harmonies of evening,— Like clouds in starlight widely spread,— Like memory of music fled,— Like aught that for its grace may be Dear, and yet dearer for its mystery.

Spirit of BEAUTY, that dost consecrate With thine own hues all thou dost shine upon Of human thought or form,—where art thou gone?

Why dost thou pass away and leave our state, This dim vast vale of tears, vacant and desolate?

Ask why the sunlight not for ever Weaves rainbows o’er yon mountain-river, Why aught should fail and fade that once is shown, Why fear and dream and death and birth Cast on the daylight of this earth Such gloom,—why man has such a scope For love and hate, despondency and hope?

No voice from some sublimer world hath ever To sage or poet these responses given— Therefore the names of Demon, Ghost, and Heaven, Remain the records of their vain endeavour, Frail spells—whose uttered charm might not avail to sever, From all we hear and all we see, Doubt, chance, and mutability.

Thy light alone—like mist o’er mountains driven, Or music by the night-wind sent Through strings of some still instrument, Or moonlight on a midnight stream, Gives grace and truth to life’s unquiet dream.

Love, Hope, and Self-esteem, like clouds depart And come, for some uncertain moments lent.

Man were immortal, and omnipotent, Didst thou, unknown and awful as thou art, Keep with thy glorious train firm state within his heart.

Thou messenger of sympathies, That wax and wane in lovers’ eyes— Thou—that to human thought art nourishment, Like darkness to a dying flame!

Depart not as thy shadow came,

Depart not—lest the grave should be, Like life and fear, a dark reality.

While yet a boy I sought for ghosts, and sped Through many a listening chamber, cave and ruin, And starlight wood, with fearful steps pursuing Hopes of high talk with the departed dead.

I called on poisonous names with which our youth is fed; I was not heard—I saw them not— When musing deeply on the lot Of life, at that sweet time when winds are wooing All vital things that wake to bring News of birds and blossoming,— Sudden, thy shadow fell on me; I shrieked, and clasped my hands in ecstasy!

I vowed that I would dedicate my powers To thee and thine—have I not kept the vow?

With beating heart and streaming eyes, even now I call the phantoms of a thousand hours Each from his voiceless grave: they have in visioned bowers Of studious zeal or love’s delight Outwatched with me the envious night— They know that never joy illumed my brow Unlinked with hope that thou wouldst free This world from its dark slavery, That thou—O awful LOVELINESS, Wouldst give whate’er these words cannot express.

The day becomes more solemn and serene When noon is past—there is a harmony In autumn, and a lustre in its sky, Which through the summer is not heard or seen, As if it could not be, as if it had not been!

Thus let thy power, which like the truth Of nature on my passive youth Descended, to my onward life supply Its calm—to one who worships thee, And every form containing thee, Whom, SPIRIT fair, thy spells did bind To fear himself, and love all human kind.

Percy Bysshe Shelley (1792-1822)

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