Keltia en vivo
Robert Avellan
BoletĂn informativo AĂąo II - Marzo
Keltia en vivo
2015
Staff Director Pedro Jurado
keltia@keltiaimagen.com
Directora Creativa / Redactora / Fotรณgrafa M Carmen Calderรณn
mcaldfer@gmail.com
Redactora / Fotรณgrafa Asunciรณn Gonzรกlez
chaplin_chocolat@hotmail.com
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INDICE
Casablanca ...................................
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...................................
11
Historia de la fotografĂa ..................
17
..........................
23
Hizo se la luz .................................
35
.................................
39
Noticias
...................................
48
Actividades
...................................
50
Maquillaje
Portfolio del mes
La mirada de
CASABLANCA
Days of Heaven
cont.
D铆as de cielo - 1976 Director: Terrence Malick Director de fotograf铆a: Nestor Almendros by M Carmen Calder贸n
Texto: Mamen Calder贸n Fotos: imagenes obtenidas en internet
Toda esta comarca pertenece a otra época y en una hora de viaje pasábamos del siglo XX al XIX. No cabe duda de que la atmosfera peculiar de aquel lugar influyó en la autenticidad de las imágenes de Days of heaven. Sin olvidarse de los altos silos de color rojo vivo y las viejas máquinas agrícolas de vapor, propiedad de coleccionistas privados, que pudieron ser utilizados en el rodaje, sin olvidar los extraordinarios paisajes vírgenes de Banff.
En este capitulo trataremos donde se
rodó la película y que tipo de cámara se utilizó.
Los trigales
En lo referente a la localización de la película, debemos comentar que se rodó en Canadá aunque la acción trascurre en Texas. Los motivos fueron económicos y por ciertas limitaciones sindicales, aunque también por otras razones. La localización que se descubrió al sur de la provincia de Alberta era un lugar que pertenecía a una pintoresca secta religiosa, los hutteritas. Son gente que viven en otra época. Cultivan trigo en grandes extensiones de terreno, fabrican sus propios utensilios y muebles austeros, no conocen la radio ni la televisión, comen alimentos naturales, por lo que sus rostros son diferentes a los nuestros, algunos de ellos intervienen en la película. 6
Escenas donde se ven herramientas y maquinaria de la época, posiblemente las que usaban los hutteritas
Medios de transporte de la época
En lo referente al equipo empleado para la grabación, tenemos que tener en cuanta que en esta época (1976) no existía lo digital, se grababa todo con película que se revelaba posteriormente. Se empleo la cámara más en boga en América y que en Europa aún no había llegado, la Panaflex. Era una cámara ligera e insonorizada, que había surgido como una respuesta tardía por parte del cine americano, pero que era superior a las cámaras de Europa. Además era una cámara muy versátil, fruto de la corriente de conseguir más movilidad en el rodaje y minimalizar los equipos de rodaje. Aceptaba cargadores de diferentes metrajes, de manera que se podia cargar cualquier tipo de película independientemente de la longitud de esta. Cuando rodamos Dias de cielo, su único defecto era un visor no muy luminoso.
Era una cámara muy sofisticada, si se le añadan los objetivos super-panaspeed de gran apertura,se podía rodar en condiciones muy adversas e imposibles. Esta película no se habría podido rodar con otra cámara.
Ejemplo de cámara Panaflex
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Nestor Almendros con una Panaflex durante el rodaje
A los técnicos de Hollywood les costaba trabajo ponerse al corriente de los nuevos procedimientos, sobre todo si venían de Europa durante los años de la postguerra. Un ejemplo eran las cámara ligeras, que no llegaron hasta más de la mitad de los años 70. Pero no solo eran reacios a las nuevas herramientas, sino que también lo eran a las técnicas. Por ejemplo, en Hollywood siempre se han hecho los travelling sobre placas de contrachapado mientras que en Europa ya se habían dado cuenta de que se conseguían mejores resultados si la cámara iba sobre unas vías. Yo prefiero el Elemack (sistema de vías italiano), que es versátil y más ligero. Los técnicos hollywoodenses se empeñan en utilizar la pesada Dolly que no cabe en ningún sitio, no atendían a razones, contestaban que siempre lo habían hecho así y que jamás se les habían planteado problemas. Llegué al convencimiento de que buscaban ña dificultad a propósito para proteger su oficio. Otra diferencia, son los cabezales a manivela. Hoy en día existen cabezas giroscópicas o hidráulicas que permiten hacer panorámicas tan suaves y seguras como las de manivela. No se requería de gran experiencia en su manejo, cualquier persona con buen sentido de ritmo 8
Traveling Elemack
Travelling Dolly
podía conseguir panorámicas perfectas y acompañar a los personajes en movimiento sin que se fueran de plano. En cambio, con el uso de dobles manivelas no se puede improvisar. A mi me gustan las cámaras con cabeza sencilla y un mango para manejarlas. El operador forma cuerpo con la cámara. La perfección mecánica de la cabeza a manivela no puede compararse con el sentido casi humano de una panorámica hecha a mano.
En el próximo numero seguiremos hablando del equipo empleado en el rodaje.
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MAQUILLAJE
Historia del maquillaje del S. XV al S. XVIII by Asunci贸n Gonz谩lez
Texto: Asunci贸n Gonz谩lez Fotos: Internet
El
Renacimiento iniciado en el siglo XV y desarrollado durante gran parte del siglo XVI, fue una época de gran crecimiento en el mundo de las artes, comenzando su influencia en Florencia y extendiéndose por toda Europa. Esta época provocó muchos cambios en los cánones de belleza femenina. Se impone una mujer voluptuosa con tez muy pálida y el cabello rubio, características principales de la mujer renacentista
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Los grandes artistas italianos Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci y Rafael dieron un enfoque muy realista de la anatomía humana y las tendencias de la época. Los rasgos del ideal de belleza de las de las mujeres seria: pelo rubio, teñido en oro y
con ondulaciones marrones, en ocasiones usaban tocados, cejas gruesas en el centro y muy estrechas en los extremos, en algunos casos inapreciables, ojos grandes y saltones, la frente blanca y ancha, mejillas rosadas en las curvaturas, la nariz, afilada que se estrechará hacia la frente, los labios no delgados ni gruesos, cuello largo y blanco, las piernas largas y esbeltas las manos blancas con las uñas en color rosa, sin que se sobrepasaran las puntas de los dedos y los párpados con color blanco mostrándose las venas. Para dar amplitud a su rostro se depilaban la frente al igual que las cejas las eliminaban y las dibujaban con las lápices para darlas una forma más estrecha. Con la elaboración de aceites, obtenían cremas frías que usaban para dar
palidez y suavidad a la piel. Los maquillajes que usaban en el Renacimiento eran elaborados de albayalde o carbonato de plomo, con este ultimo mezclaban los colores y el aceite para obtener bases de maquillaje y colorete, esta mezcla era muy tóxica y venenosa. Un ingrediente clave en el cuidado estético de la época era la belladona, del cual se obtenía un extracto de efectos narcóticos y venenosos la traducción del italiano sería “bella dama”; las mujeres renacentistas echaban varias gotas en sus ojos para dilatar sus pupilas, agrandar sus ojos y dar brillo a las pupilas.
cúrcuma, azufre y azafrán. Además de estos ingredientes las mujeres usaban lejía para blanquear el cabello lo cual muchas de ellas se quedaron calvas y se hizo el uso de pelucas. Gracias a la alquimia la cosmética se beneficio en esta época, innovando llegando a crear preparados para la eliminación de arrugas como el esmaltado de la cara; un preparado en pasta para rellenar las arrugas. Al igual que en siglos anteriores usaban gran cantidad de perfumes para esconder la poca higiene y paliar el mal olor que había. Los hombre del Renacimiento llevaban barbas, las dimensiones de ella varían según el estilo de cada país. Siglo XVII Un siglo con varios estilos y rostros. Los caballeros llevaban el pelo rizado y el bigote adquiere mayor importancia, a medida que fue recortado y rizado al que aplicaban ceras o pomadas. Los puritanos llevaban el pelo corto y redondeado e iban completamente afeitados.
Usaban un tono rojizo para sus mejillas y coloretes mezclando; escamas de cochinilla, clara de huevo, goma arábiga, savia y miel de abeja para dar cremosidad. Sus ojos eran delineados con kohl, polvo mineral, usado ya en Egipto y épocas anteriores. Las mujeres de la época se teñían, para obtener los tonos rubios y rojizos mezclaban diferentes ingredientes; la
Estilos del Siglo XVII
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Durante este siglo se pusieron de moda las pelucas en Francia, y más tarde en Inglaterra a partir de la Restauración. Los peinados de las mujeres se hicieron muy elaborados, se utilizaban postizos de pelo para dar mayor volumen y altura. Los cánones de belleza femeninos eran muy definidos; capa muy espesa de color blanco para contrastar su blancura, usaban colorete en las mejillas de color marrón o rojizo y se pintaban los labios de rojo. Durante la segunda mitad de siglo empezaron a ser muy común el uso de pequeños trozos engomados en seda negra. Se cortaban con diversos diseños medias lunas, estrellas o formas geométricas que aplicaban a la piel o mejillas como ornamentación facial. Una característica destacada como en siglos anteriores sigue siendo la falta de aseo personal que llegara hasta principios del siglo XVIII. Para disfrazar el olor hacían uso abusivo de perfumes y fragancias de todo tipo. Siglo XVIII Durante este siglo desaparecieron las barbas de los rostros de casi toods los europeos. Los peinados consistían en llevar trenza o coleta postiza casi todo el siglo. La moda de empolvarse el pelo y/o peluca con polvo blanco o harina de trigo alcanzo su máxima popularidad durante este período, en todas las clases altas y soldados de cualquier graduación. Otros polvos usados para el pelo eran de tonos rosas, azules y grises. Las clases más bajas tenían coletas de pelo o se lo dejaban por detrás y no utilizaban coleta. Algunas personas escogían el tono natural de sus cabellos; marrón, negro rubio y en un cierto tiempo se popularizó el rojizo aunque la mayoría se decantaba por el blanco y gris. 14
Francia e Inglaterra fueron las máximas exponentes de la moda en esta época, pronto sus tendencias se exportaron a todos los países de su entorno.
Como en el siglo anterior muchas mujeres llevaban pelucas a los bailes, a las ceremonias y actos cortesanos. Lo ideal es que fuesen grandes con peinados muy complejos y altos con grandes plumas y adornados con joyas auténticas. Característico de esta época la extravagancia y la exageración que predominaba en la corte, en ocasiones resultaba grotesco. Tenían obsesión por el maquillaje y los perfumes. El hombre se maquillaba tanto como la mujer dando un aspecto afeminado. El ideal de mujer destacaba por su tez muy blanca y pálida para ello utilizaban como base polvo blanco obtenido del plomo (muy usado por su opacidad a pesar de que provocaba intoxicación) entre una de las muchas sustancias, utilizadas. Lo aplicaban por rostro, cuello, pecho y hombros. Para resaltar el contorno de las venas solían trazar su contorno con lápiz azul para resaltar la blancura de su piel. La cabellera de las mujeres del siglo XVIII solían ser en color negro, marrón, rubio y el tono rojizo tuvo su momento
también. La frente despejada, el rubor se extendía por toda la mejilla en tonos intensos. Las cejas se depilaban y separaban dejando el pelo ligero y en forma de media luna. Mejillas regordetas y sonrosadas. Los colores de los ojos negro, castaño y azul. Los labios pequeños con el inferior más grande creando un efecto capullo de rosa y de color rojo. Una característica de esta época era ponerse lunares falsos hechos de terciopelo en rostro o escote. El uso de los lunares fue importante ya que se convirtió en un lenguaje propio de los hombres que los utilizaban.
Una de las bellezas icónicas reflejo de este período es María Antonieta. Como en los siglos anteriores y aunque suene repetitivo la higiene corporal ni existía, para ello utilizaban grandes cantidades de perfume para disfrazar el mal olor.
En el próximo seguiremos con el S. XIX
Marie Antoinette. 1767
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HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA
Cr贸nica moderna
1879 a 1899
by M Carmen Calder贸n Texto: Mamen Calder贸n Fotos: imagenes obtenidas en internet
Cámara de Eastman con placa de papel.
George Eastman (1854-1932)
En 1888 nace la marca Kodak y con ella la primera cámara Kodak, cargada con película Eastman para 100 exposiciones. También en estas fechas se crea el famoso lema publicitario “usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto”. En 1989 el rollo de papel es sustituido por uno de celuloide, dando lugar al nacimiento del carrete de película y a la popularización de la fotografía.
La
crónica moderna de la fotografía viene marcada por George Eastman, industrial norteamericano, que inventó la marca Kodak, sus cámaras y sus películas. Al otro lado del Atlántico, en Rochester, estado de Nueva York, Eastman ensayaba la aplicación de la gelatina sensible sobre placas de cristal. En 1879 patenta en Inglaterra una máquina de invención suya que aplica el gelatina-bromuro de forma homogenea. En 1880 empiezan a distribuirse sus placas secas en Estados Unidos y el precio de las cámaras baja. En 1881 Eastman sustituye la placa de cristal por el papel. 18
Anuncio donde se aprecia el lema “you press the button... we do the rest” [usted aprieta el botón... nosotros hacemos el resto]
A raíz del lanzamiento de su primera cámara, Kodak lidera la producción de cámaras y películas en rollo, lo que favorece la aparición de más cámaras para placas y película cortada. En 1898 se celebra en París el primer congreso
internacional de fabricantes y técnicos y dos años mas tarde, otro congreso en Bruselas, en el que se fijan los sistemas que servirán para determinar la luminosidad de los objetivos, la normalización de los formatos y el espesor de las placas de cristal.
Anuncio de una cámara Kodak Una de las primeras cámaras de Kodak
Personas haciendo uso de las primeras cámaras de Kodak.
Ilustración de la epoca
En Estados Unidos hay una cierta inclinación por usar el ambrotipo, desarrollado a partir del negativo de cristal. En España, en contra, el daguerrotipo tiene más seguidores. Pero ambos sistemas claudican cuando aparece el ferrotipo, que utiliza una placa de hojalata, que es mas barato y muy adecuado para las clases populares. 19
Cara posterior de un ferrotipo o placa de hojalata
El fin del ferrotipo lo puso un articulo escrito por A. Maddox en la revista British Journal of Photography, donde preconiza la emulsión de gelatina. Aunque este proceso es lento, se obtienen mejoras gracias al impulso de Charles Harper que consigue tener imagenes en 25/100 segundos. Pero realmente el avance que se consigue con el ferrotipo es la supresión del emulsionado de la placa inmediatamente antes de realizar la toma, lo que permite posponer durante cierto tiempo el revelado de la placa y seguir haciendo fotografías. De este modo la vida del fotógrafo se aligera, ya que no tiene porque cargar a cuestas con el laboratorio cuando va a realizar las fotografías. Los objetivos empiezan a incorporar ópticas anastigmáticas (ópticas que no producen deformación en la imagen). Con estos nuevos elementos técnicos, los fotógrafos gozan de la libertad de movimiento y rapidez, lo que les va uniendo cada vez más a la imprenta y al periodismo.
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Ejemplo de lente anastigmática
Hasta 1880 era prácticamente imposible imprimir a la vez imagen y texto. Este muro infranqueable empieza a temblar gracias a los trabajos de Charles Guillerme Petit y el americano F.E. Ives y de Alphonse Poitevin. Y cae definitivamente gracias al método interferencial del físico francés Gabriel Lippmann, profesor de La Soborna y Premio Nobel de Física en 1908.
Fotografía en color por Gabriel Lippmann
En lo que respecta al color, el primero en ensayar el conocido principio de la descomposición de toda la gama cromática es el francés Ducos de Hauron, fotógrafo y científico francés, que en 1869 pone en conocimiento de la Sociedad Francesa de Fotografía los resultados de sus estudios de la descomposición cromática de la luz en los tres colores básicos (azul, verde y rojo). Sin embargo Lippmann hace la primera fotografía en color de la historia gracias a su metodo interferencial: para fijar los colores, utiliza una placa de cristal recubierta de una emulsión fotosensible a base de nitrato de plata y de bromuro de potasio. A continuación, la luz entra entra en la máquina y sigue dos caminos diferentes para impactar en la placa donde la luz reacciona con las partículas de plata. No hay que confundir este procedimiento con el Autochrome que usa pigmentos.
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PORTFOLIO DEL MES
Roberto Avellรกn
vistiendodelarenta
Maquillador profesional y profesor de la escuela
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Roberto Avellán es... uno más en la ciudad, observador, poco lineal, perfeccionista... y muchas veces intenso. Empezaste a maquillar ... por no pasar unas vacaciones en casa, me apunté a un curso de maquillaje en vacaciones y acabé haciendo un máster. Y ahora, amo mi profesión y cada día disfruto más.
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Te inspiras... en la sensualidad, elegancia y sofisticaci贸n de las actrices de los 50. Un buen maquillaje es... basado en el buen gusto y ajustado a la personalidad de cada uno, cualquier maquillaje puede ser bueno. Nunca maquillas... los labios marrones.
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Una película... El mago de Oz. Trabajarías... con quién no, de todo el mundo se aprende, y me gusta evolucionar. Tu paisaje perfecto... La Gran Vía madrileña, en sábado, a las 9 de la mañana.
Roberto Avellán 29
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HIZO SE LA LUZ
Iluminación alimentos by M Carmen Calderón
Texto: Mamen Calderón Fotografías: Asunción González y Mamen Calderón
Para crear una sensación más apetecible, para el que observa la fotografía, colocamos una gelatina naranja, ya que este color transmite sensación de hambre.
En
este número vamos a crear una fotografía de un desayuno para un anuncio. Es una practica que se realiza en el curso de iluminación avanzada y en el de fotografía publicitaria. La dificultad nos las encontramos en la mezcla de diferentes tipos de materiales, porcelana, metal, alimentos… Para realizar esta imagen usamos una mesa de bodegón, a la que iluminamos por debajo con una flash de 500 wattios con doble difusor y con un diafragma de 22.
Una vez iluminada la parte de abajo procederemos a medir la parte superior. Para ello usamos un flash de 500 wattios con una ventana. El por qué de éste tipo de luz… porque hay diversos materiales y con una ventana conseguimos que se homogeneice todo. Realizamos las mediciones y dejamos la potencia a F16. Como ya hemos dicho antes, en la composición nos encontramos con diversos materiales, por lo que aparte de la ventana cenital colocamos dos pantallas reflectoras en los laterales para que la luz rellene los huecos o zonas en sombra y además se eliminen todos los reflejos. Un inciso o comentario: iluminamos la parte trasera de la mesa, pero como la toma la íbamos a realizar desde arriba… decidimos eliminarla esta luz.
Esquemas de luces
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Como podemos ver la imagen queda muy gris y no se aprecian las texturas de los elementos, así que abrimos un diafragma en cámara (F11), y tenemos la imagen correcta:
Coordenadas H
Imagen desayuno F11
Una vez colocado el esquema pondremos en nuestra cámara los siguientes valores: Velocidad: 125 Diafragma: F16 ISO: 100 Balance de blancos: luz día (5200K) Y el resultado es el siguiente:
Imagen desayuno a F16
Una vez calculado todos los diafragmas y teniendo la imagen correcta, comenzamos a realizar tomas. En la imágenes siguientes podemos ver que la composición y el enfoque es muy importante dependiendo de la persona y la cámara. Una misma toma puede variar tanto en este sentido... (ver imagenes de página siguiente) Las tomas son idénticas, pero en la foto 2 vemos que hay mucho desenfoque en la parte de los croissants y el bizcocho de chocolate, ademas de haber una dominante verde en la imagen y apenas se aprecia el fondo naranja. Sin embargo en la foto 1 vemos que esta todo más equilibrado, no hay apenas desenfoque, los tonos son anaranjados e incluso se resalta la textura de los croissants. Te invitamos a que realices este tipo de imágenes y nos comentes como te quedan o si has tenido alguna problema para realizarlas.
¿cual será el próximo reto luminoso? 35
FotografĂa 1. Realizada con Nikon D90 a F16 y una longitud focal de 40mm. Toma correcta. Todos los elementos enfocados, domiante de color naranja y se aprecian las texturas.
FotografĂa 2. Realizada con Canon 550D a F11 y una longitud focal de 30mm. Dominate de color verde en la imagen, desenfoque en croissants y bizcocho y no se aprecia el color naranja de la base.
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La Mirada de
Robert Capa by M Carmen Calder贸n Texto: Grandes fot贸grafos. Salvat Fotos: imagenes obtenidas en internet
Robert Capa no deseaba ser fotógra-
fo de guerra, pero las circunstancias de la vida le impulsaron a ello. Nacido en el seno de una familia judía de Budapest, su verdadero nombre era André Friedmann. En 1931, a los 17 años, se ve obligado a exiliarse por haber participado en manifestaciones contra el régimen húngaro. Se instala en Berlín, donde empieza a trabajar en la célebre agencia Dephot. El director, Simon Gutmann, no tarda en reconocer el talento del joven fotógrafo y le envía a fotografiar a Lev Trotski, que se encontraba en Copenhague pronunciando una conferencia.
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En 1933, tras el ascenso de Hitler al poder, André Friedmann se ve de nuevo obligado a huir. Se instala en París, deseoso de ganarse la vida realizando reportajes fotográficos. Sin embargo, los inicios son difíciles: pasa hambre, la
miseria y la xenofobia se ven mitigadas únicamente gracias a la compañía de sus nuevos amigos. Entre ellos destacan Robert Capa y David Seymour, con los cuales Capa funda, años más tarde, la agencia Magnum Photos. Durante el período parisino conoce también a una joven refugiada alemana, Gerda Taro (llamada realmente Gerda Pohorylles), que se convierte en su agente y compañera. ambos “inventan” un célebre y prestigioso fotógrafo estadounidense, Robert Capa. Desde sus primeras fotografías sobre la Guerra Civil española, André Friedmann demuestra estar a la altura del famoso Robert Capa, nombre que adopta definitivamente. E 1937, Gerda Taro muere en España mientras cubría la retirada de Brunete. Robert Capa nunca logró recuperarse de esta pérdida tan dolorosa. No obstante, en los años siguientes continúa fotografiando grandes conflictos internacionales: la resistencia china frente a la invasión japonesa, en 1938; la 2ª Guerra Mundial europea, 1941-1945; en primer conflicto árabe-israelí en 1948 y la guerra de Indochina en 1954. Símbolo de los reporteros fotográficos que arriesgan la vida en el ejercicio de su profesión, Robert Capa creó imágenes muy poéticas y llenas de humanidad, y en los rostros que fotografió supo mostrar ese instante revelador que a veces logra transformar el sufrimiento en esperanza. Robert Capa murió el 25 de mayo de 1954 en Indochina. Estaba cubriendo la misión de un convoy militar francés encargado de la evacuación de dos campamentos atrincherados en la región del delta del río Rojo. Durante una parada del convoy, piso una mina antipersona y sufrió una herida mortal. Más información:
»» Agencia Magnum Photos »» Wikipedia
1932. El politico ucraniano Lev Trotski da una conferencia sobre la historia de la Revolución rusa a estudiantes daneses. Primer reportaje fotografico que publicó Robert Capa. Copenhague. Dinamarca
Durante su breve paso por la tierra, vivió y amó mucho. Nació sin un céntimo y así murió. Nos ha dejado la historia de su viaje particular y un testimonio visual que proclama su fe en la capacidad del ser humano para soportar la adversidad e incluso superarla.
Cornell Capa 41
1936. Muerte de un miliciano en Cerro Muriano. Cordoba. España
Más allá de sus invenciones y actitudes, existe un Capa intimo. Su talento reside en la mezcla de humanidad, coraje y buen gusto que le caracterizan; en él se aúnan una postura romántica, el rechazo de la técnica pura, la facultad innata de captar el momento preciso, la capacidad para divertirse e incluso una pizca de modestia… Capa, que despliega con frecuencia una gran energía para buscar soluciones que le resulten favorables, experimenta sobre todo un profundo sentimiento de empatía por los seres humanos que se encuentran en una situación limite.
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John Hersey
1938. Niño soldado chino. Hankou. China.
Comprendía la vida y la vivía intensamente. Regaló generosamente lo que podía dar a la vida… Vivió como un hombre valiente, vigoroso y de una rara integridad.
Edward Steichen
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1943. Un campesino siciliano indica a un soldado americano la direcciĂłn que han tomado las tropas alemanas. Alrededores de Troina. Sicilia
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1944. DĂa D. Playa de Omaha. NormandĂa. Las primeras tropas estadounidenses desembarcan al amanecer.
1944. En los Campos Elíseos se festeja la liberación de París. Francia.
Capa sabía lo que buscaba y qué hacer una vez lo había encontrado. Sabía, por ejemplo, que la guerra no se puede retratar porque la guerra es sobre todo una emoción. Pero él supo fotografiar esa emoción mirando a su alrededor. Fue capaz de mostrar el sufrimiento de un pueblo en el rostro de un niño. Su cámara fotográfica captaba la emoción y la restituía. Sus fotografías no son accidentales. La emoción que contienen no se debe al azar. Capa sabía fotografiar el pensamiento. La obra de Capa es la fotografía de un gran corazón y de una inmensa empatía. Nadie podrá ocupar su sitio. Nadie puede reemplazar a un gran artista,pero, gracias a sus imágenes, tenemos la suerte de poder recordar las virtudes del hombre que fue.
John Steinbeck 45
Capa: fue un amigo fiel y un gran fotógrafo, con una valentía admirable. Las estadísticas se apoderaron de él, lo cual fue una desgracia para todo el mundo, pero muy especialmente para Capa. Era tan vital que había que hacer un gran esfuerzo para imaginarle muerto.
Ernest Hemingway
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1949-50. Mujer llevando el equipaje acompañada de un niño. Haifa. Israel
1949. Henri Matisse. Cimiez. Niza. Francia
1954. Convoy militar francĂŠs. Ruta del Nam Dihn en Thai Bihn. Vietnam
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Chema Madoz + Hasta el 14 de marzo de 2015 Galería Elvira González General Castaños 3 www.galeriaelviragonzalez.com
Pablo Genovés. El ruido y la furia + Hasta el 22 de marzo de 2015 Sala Canal de Isabel II Santa Engracia, 125 www.madrid.org
Autorretrato disfrazado de artista. Arte conceptual y fotografía Colombiana + Hasta el 24 de marzo de 2015 Instituto Cervantes Madrid Alcalá 49
Garry Winogrand + Hasta el 3 de mayo de 2015 Fundación Mapfre Bárbara de Braganza 13 www.fundacionmapfre.org
Jorge Molder +
Hasta el 17 de mayo de 2015 Círculo de Bellas Artes Marqués de Casa Riera 2 www.circulobellasartes.com
19º FotoPres “laCaixa + Hasta el 7 de junio de 2015 CaixaForum Madrid Paseo del Prado, 36, Madrid agenda.obrasocial.lacaixa.es
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Hasta el 13 de junio de 2015 Museo Reina Sofía Edificio Nouvel, Planta 0 www.museoreinasofia.es
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Hasta el 2 de Marzo de 2015. Más información: www.fomunity.com
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IV Certamen de fotografía Aula7. Semana Santa 2015
Hasta el 15 de Marzo de 2015 Más información:
I Concurso fotográfico de www.aula7.com Rais Fundación. Una mirada Foto FLowers a lo imposible Hasta el 3 de Marzo de 2015 Más información: www.raisfundacion.org
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I Certamen de pintura y fotografía “Camino de Santiago” Hasta el 9 de Marzo de 2015 Más información: www.tiemaiseuteatro.com
Fotoinvierno 2015
Hasta el 16 de marzo de 2015. Más información: www.blipoint.es
Foto Urbe
Hasta el 16 de marzo de 2015. Más información: www.blipoint.es
V concurso fotográfico “Fiestas del medievo” Villena 2015
Hasta el 19 de Marzo de 2015 Más información: www.villenacuentame.com
45 concurso nacional de fotografía Lora del Río
Hasta el 10 de marzo de 2015. Más información:
Hasta el 20 de Marzo de 2015 Más información:
XLVI Concurso nacional de fotografía IEB. Tras la huella de E. Gil y Carrasco
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Hasta el 11 de Marzo de 2015 Más información: www.ieb.org.es
XI Concurso de Fotografía “Mirar la arquitectura”
Hasta el 13 de Marzo de 2015 Más información: COAVNA
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Hasta el 28 de Marzo de 2015 Más información: www.larioja.org
Premio fundación AENA 2015
Hasta el 31 de Marzo de 2015 Más información: fundacionaena.com
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