Keltia en vivo
Mario González
Boletín informativo Año II - Julio
Keltia en vivo
2015
Staff Director Pedro Jurado
keltia@keltiaimagen.com
Directora Creativa / Redactora / Fotรณgrafa M Carmen Calderรณn
mcaldfer@gmail.com
Redactora / Fotรณgrafa Asunciรณn Gonzรกlez
chaplin_chocolat@hotmail.com
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INDICE
Casablanca ...................................
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Historia de la fotografĂa ..................
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..........................
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Hizo se la luz .................................
27
.................................
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Noticias
...................................
42
Actividades
...................................
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Portfolio
La mirada de
CASABLANCA
Days of Heaven
cont.
Días de cielo - 1976 Director: Terrence Malick Director de fotografía: Nestor Almendros by M Carmen Calderón
Texto: Mamen Calderón Fotos: imágenes obtenidas en internet
tica típica de los primeros comienzos de la luz eléctrica.
En
este numero acabaremos por contar como resolvieron el tema de la iluminación tanto en interiores como en los exteriores de la mansión. Como la época en la que está ambientada la película son los primeros años de la electricidad, los interiores nocturnos de la mansión se iluminaron con bombillas caseras de pocos watios, a fin de tener una temperatura de color en tonos cálidos. Dichas luces se montaron además en resistencias, para graduar su intensidad en relación con las luces empleadas fuera de cuadro. Las resistencias eran de uso común en la época del blanco y negro, pero con la llegada del color, se advirtió que poner las luces en un reóstato alteraba la temperatura de color con tendencia a tonos cálidos.
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Pero lo que se consideró un defecto, ahora nos proporcionaba un efecto de luz de tungsteno mas mortecino, caracterís-
Hacia el final de la película, hay una escena nocturna en la que el marido celoso sube y encuentra a su mujer en la habitación, en dicha habitación hay lámparas de la época, y la iluminación de apoyo, que se encuentra fuera de cuadro, se justifica al venir en la misma dirección que la de las lámparas. En la imágenes de la mansión vista desde el exterior, tanto de noche como en la “hora mágica”, la luz de las ventanas es eléctrica, son bombillas caseras corrientes.
Fuera de esto, no se utilizó como norma la iluminación artificial, para las escenas de día, en los pocos interiores que aparecen, se usó la luz real de la ventana, como si fuera un retrato del pintor Vermeer.
Las ventajas de usar la luz natural es que los actores trabajan mejor, ya que la luz artificial provoca fatiga por el exceso de calor que producen los focos de luz, ademas de que no se pierde tiempo y dinero en instalaciones eléctricas complicadas. El aspecto negativo radica en que el diafragma del objetivo debe estar muy abierto, con lo cual la profundidad de campo resulta mínima.
Ejemplo escena iluminada como Vermeer
Como no gustaban luces de alto contraste, yo debía añadir alguna luz de apoyo para que los fondos fuesen támbien visibles. El director, Malick, en cambio, no quiso que se añadiera nada. Los fondos adquirían una decidida penumbra y sólo destacaban los personajes. Esta técnica posee aspectos positivos apreciables, además de la belleza de la luz natural.
Malick es un director que conoce muy bien las técnicas fotográficas, Otro, no habría tenido en cuenta esta falta de profundidad de campo, pero Malick organizaba la escena de manera que los actores se encontrasen en el mismo plano focal, sin que estuviera uno a foco y otro no.
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Los efectos especiales empleados en Days of heaven fueron de gran sencillez, el director tenía claro desde el principio que estos se debían hacer en la cámara, sin alteración posterior del negativo en el laboratorio. De mi experiencia europea aporté algo que mis ayudantes técnicos consideraron al principio casi un sacrilegio: los fundidos al final y al comienzo de una escena se efectuaron a menudo directamente en la cámara. No se elaboraron en el laboratorio. Bastaba con cerrar el diafragma lentamente hasta F16 para encadenar luego el cierre del obturador hasta tener un tengo absoluto.
Para la secuencia de la plaga de langosta se utilizó una téncia considerada poco profesional por los entendidos del equipo, aunque se terminaron rindiendo a la evidencia. En los insertos y planos cercanos se usaron saltamontes vivos auténticos, pero en los grandes planos generales de los campos invadidos por la plaga, se utilizaron semillas y cáscaras de cacahuetes lanzadas desde helicópteros. La innovación consistió en usar una cámara que podía rodar en retroceso. Se pidió entonces que los actores y tractores caminaran hacía atrás, así al proyectar la película impresionada, iban hacia adelante y las langostas no caían, sino que parecían alzarse en vuelo de los trigales. 8
Varias escenas se rodaron por el procedimiento de “noche americana”, técnica de blanco y negro que consiste en filmar de día subexponiendo la imagen, pero en color se utiliza un filtro polarizador, que oscurece un poco el cielo.
Los resultados no me parecen satisfactorios, en Days of heaven resolvimos el problema tratando de evitar el cielo subiendo la cámara y rodando hacia abajo, si no era posible esto, buscábamos lugares donde el horizonte no fuera visible. Con el fin de acentuar el efecto nocturno, además de la subexposición, se eliminó el filtro de corrección anaranjado 85 para la luz de día, de manera que las imágenes tuvieran un tono azulado, otra de las ventajas de trabajar en color. Con el Oscar que me concedió la Academia de Hollywood por mi trabajo en Days of heaven iba a iniciarse una nueva etapa en mi carrera.
En el próximo número comenzaremos a hablar de cómo rodo la pelicula Kramer contra Kramer.
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HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA
Crónica contemporánea la primera década de 1900 by M Carmen Calderón Texto: Mamen Calderón Fotos: imágenes obtenidas en internet
En la primera década de 1900 Espa-
ña manifiesta su afición por la fotografía de tres maneras: Compra de postales
Hacía 1904 el beneficio para un fotógrafo de postales no es la escasa cantidad que cobra, sino que en ocasiones se hace constar el nombre del autor, pasando a ser una cuestión más de orgullo que económica. No obstante la venta de postales llega a alcanzar tal auge que en 1905, Hauser y Menet ofrecen un catálogo de más de cinco mil tarjetas diferentes, respondiendo a una fiebre coleccionista que se arrastra desde 1880. El propio Kaulak, sobrino del político Canovas del Castillo, admite vender más de 180.000 colecciones de la serie “¡quién supiera escribir!”.
Contemplar una imagen impresa en un cartón es todo un acto de modernidad muy común en la sociedad de esta España, por lo que coleccionar postales constituye una forma de soñar con lugares bellos o remotos.
Hauser y Menet. alcazar de Segovia
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Las postales gozan de casi tres décadas de gran consumo, extendiéndose su uso hasta mediados de los años 20. Las primeras se impriman en “fototipia” utilizando una emulsión de la misma copia fotográfica, y se generalizaron en 1900 con el huecograbado. La temática son los monumentos de ciudades, políticos, personajes famosos, la realeza, obras de arte… formando auténticas colecciones que se guardan en álbumes especiales de gran calidad artesanal.
Café Moderno de Vigo. 1925 Hauser y Menet
El gran consumo mundial de imágenes de desnudos humanos, especialmente femeninos, también llega a España, anunciándose sus proveedores en todo tipo de prensa, eso si, disfrazándolo. La
fotografía de desnudo no es un tema muy recurrido por los fotógrafos españoles de la época, pero sí que existe un mercado de imágenes eróticas en relieve importadas principalmente de Francia. Se trata de postales que se miran a través de un visor. Hacerse un retrato
En 1907 hay 439 retratista profesionales, la mayoría de ellos en Barcelona, Madrid y Valencia. Por encima de un pelotón de meros trabajadores sin formación y poca cultura, destacan Esplugas y Audouard, en Barcelona; Amador, Kaulak, Campua y Company, en Madrid; la saga de los Garay en Bilbao, Valladolid y Logroño; y Cembrano en Sevilla.
La función social de la fotografía queda patente en los retratos. Las paredes de las casas se llenan de fotografías enmarcadas y acudir a un estudio fotográfico supone todo un acontecimiento que exige las mejores galas en vestimenta y actitud.
Antoni Esplugas Puig (Barcelona, 1852-1929
Pau Audouard. Autoretrato
Alfonso XIII de España por Kaulak
En esta época entra en auge las fotos de los difuntos, que brindan a los familiares y allegados una nueva forma de recordar a los seres perdidos, muchos de los cuales no habían sido retratados jamás en vida. En un principio, las tomas se realizaban en los propios estudios, pero pronto se dieron cuenta que era más apropiado realizarlas en el domicilio del fallecido, realizando las romas en el patio o en el balcón donde se le tomaba la fotografía a plena luz del día y rodeado de sus seres queridos. Todo un ritual que hoy en día parece macabro, pero que da una idea de la concepción que tenían los españoles sobre la muerte.
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Los grandes perdedores de la época son los pintores de retratos en miniatura, que prácticamente se quedaron sin trabajo. No obstante, el ingenio les lleva a aplicar sus habilidades coloreando las fotografías, que son en blanco y negro, mediante anilinas u otros colorantes. La gente llegaba a pagar grandes cantidades de dinero por el simple hecho de verse en color. Ejemplo de como se tomaban las fototgrafía a los difuntos
Paralelamente, prosperaron las fotografías de enfermos desahuciados para los llamados “exvotos”, que se acompañan junto con una figura de cera en el altar de algún santo o virgen católica. La practica de fotografiar difuntos, en especial a los niños, se mantiene hasta los años 30, mientras que los “exvotos” se prolonga hasta los 50, aunque todavía quedan iglesias en las que se puede ver este tipo de ofrendas.
Tomar fotografías Hacer fotografías como fotógrafo aficionado era todo un privilegio. Revelarlas uno mismo suponía todo un reto económico, cultural y de información. Los más afortunados se dedicaban a realizar sus propias fotografías con sus propias cámaras. Normalmente eran personas de la nobleza o alta burguesía, generalmente con una conducta bohemia, que tenían los recursos económicos suficientes como para tener un equipo y sus consumibles. En general, los fotógrafos que se iniciaban en este mundo, terminaban trabajando como retratistas. La aparición de las primeras cámaras de cajas de Kodak contribuyan a la difusión de la practica de la fotografía. En Madrid y Barcelona, los aficionados superan por primera vez el millar de personas y empiezan a agruparse en sociedades, donde comparten técnicas y novedades.
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Retrato de boyscouts
La creación en 1906 del movimiento Boy Scout, por Baden Powell, junto con el Centre Excursionista de Catalunya, tienen una influencia insospechada en la practica de la fotografía, pues sientan las bases de una gran afición. Las sociedades fotográficas pronto empiezan a organizar rutas para que sus afiliados puedan captar imágenes de la naturaleza. De esta manera, los centros excursionistas se convierten, sin saberlo, en los pioneros de la afición y practica fotográfica, al crear así un nuevo aliciente a sus actividades. Al amparo de este movimiento foto-excursionista, los grupos y personas empiezan a independizarse en las asociaciones.
Grupo de escursionistas
Por el tipo de tomas predominantes podemos deducir que la fotografía cumple dos funciones: la captación de la belleza de los paisajes y fotos de monumentos, y por otra la del testimonio en el retrato, postales de difuntos y documentación gráfica.
Imagen del puerto de Mallorca años 1900
Robert Baden Powell
Por otro lado, los ministerios gubernamentales, como Ejército o Industria, también propician la promoción de fotógrafos ya que les proveen de imágenes topográficas. Un ejemplo puede ser el buque Infanta Isabel, que según las crónicas lleva en 1902 un fotógrafo para obtener imágenes de todos los faros de la costa española.
Buque Infanta Isabel
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PORTFOLIO DEL MES
Mario González Alumno curso fotografía profesional
De momento no he encontrado una manera mejor de expresarme que a través de la fotografía, de la narración mediante un instante preciso que o bien transformo o bien muestro tal cual lo he captado...
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Mario González
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... No tengo la necesidad de congelar el tiempo pero sĂ de tratar de descubrir lugares de mi mismo que aĂşn no he andado
Mario GonzĂĄlez 23
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HIZO SE LA LUZ
Iluminación alimentos by M Carmen Calderón Texto: Mamen Calderón Fotografías: Mamen Calderón
El esquema de luces empleado es un esquema con luces difusas para ello hemos colocado una ventana cenital (12H) y dos ventanal laterales (3H y 9H) las tres con una intensidad de F16. Las mediciones se realizaron a 200ISO y 125 de velocidad.
La comida es uno de los elementos
que más nos atrae a la hora de hacer bodegones, ya sea por su textura, colorido, variedad en la composición… Por tanto en este número os queremos enseñar un esquema sencillo para que podáis realizar fotografías de alimentos.
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Como ejemplo hemos usado shusi, por su variedad tonal y textura. Hemos empleado una base naranja, ya que este color induce el apetito y es muy aconsejable su uso en los alimentos, como muy bien dice la teoría de los colores, que ya veremos más adelante.
Si colocamos en cámara estos valores vemos que la imagen queda sobreexpuesta, se pierde el color y la textura:
En lo referente a la composición… no existe una regla genérica, todo depende del tipo de comida, del tamaño, cantidad de elementos, etc. que estemos empleando. Lo único que os podemos recomendar es que realices diferentes pruebas y elijas la que más te guste. Como consejos puedes: »» rellenar el encuadre, no dejes espacios blancos, sobre todo cuando son elementos pequeños
Por lo que para obtener un buen resultado cerraremos un paso el diafragma (F22):
»» varia la perspectiva de la toma,
busca diferentes ángulos, te sorprenderás de los resultados
Vemos como se modifican los colores, convirtiéndose en los correctos y vemos como se aprecia la textura de los elementos. En este punto comentaremos que uno de los elementos que más nos atraen de la fotografía de comida son los colores, por eso es muy importante conseguir que este bien iluminado el bodegón. Además es muy importante conseguir la naturalidad en la fotografía, para ello hay que buscar la iluminación equilibrada, difusa y lo más natural posible, y la temperatura de color adecuada, en este caso el balance de blanco lo tenemos en luz día (6500K).
»» acércate todo lo que puedas, o usa
macros »» desenfoca el fondo, pero sin perder la imagen »» juega con las líneas, simetrías, patrones…
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Como puedes ver los alimentos se prentan mucho a la creatividad, pero tampoco hay que pasarse, una hambueguesa es una hambueguesa, se tiene que apreciar la car, la lechuga, el queso, el tomate... pero la composici贸n fotograf铆aca, los elementos empleados, las tomas... se prestan a esa creatividad que te invitamos a probar.
En esta imagen vemos varios defectos: aire en los laterales, el color del fondo blanco, junto con el gris de la pizzarra. hace que el color del arroz parezca gris. Por tanto la imagens obtenida parece sucia
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La Mirada de
Elliott Erwitt by M Carmen Calder贸n Fotos: im谩genes obtenidas en internet
culas sobre temas diversos. En 1974, con “Son of bitch”, comienza a publicar libros temáticos, cuya salida al mercado coinciden con exposiciones en galerías y museos. Éste es el caso de “On the beach” en 1991, “Museum watching” en 1999 y “Snaps” en 2001.
Elliott Erwitt nace en 1928 en París.
En 1934 sus padres, que eran rusos, se trasladaron a Italia, donde ingresó en la escuela primaria. En 1939, la familia de Erwitt decidió emigrar a Estados Unidos. En 1942, con 13 años, Erwitt acudió a la Hollywood High School y, más tarde, a Los Angeles City Collage. En 1946 se instaló en Nueva York donde sigue un curso de historia del cine en la New School for Social Research, las clase se las paga trabajando como guarda de la escuela. En1953 regresa a Europa, después de hacer el servicio militar como ayudante de fotógrafo en el US Army Signal Corps y comienza a trabaja con regularidad para revistas prestigiosas como Lock, Life, Collier´s, Saturday Evening Post o Holiday. Este mismo año se incorpora en Magnum Photos como fotógrafo asociado y en 1954 para a ser miembro de la agencia.
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En 1970 añade a su actividad fotográfica la cinematográfica, a la que se dedica de lleno. A partir de este momento realiza películas comerciales, reportajes y pelí-
Me marché del sur de California porque allí no pasaba nada. En Nueva York me ayudó Steichen y conocí a Robert Capa, que dirigía una pequeña agencia fotográfica fundada por un grupo de fotógrafos de los que no había oído hablar nunca. Cuando estaba a punto de ingresar en el ejército, Capa me dijo que le visitara en París. Mientras me encontraba con la guarnición en Francia, le enseñé trabajos que había realizado para algunas revistas. En 1953, al dejar el ejército, me di cuenta de que la agencia Magnum, dirigida por Capa, se había convertido en un grupo único y de gran prestigio. Unos veinte minutos después de quitarme el uniforme, me enrolé en Magnum.
Elliott Erwitt
Más información:
»» Web Oficial Elliott Erwitt »» Magnum Photos »» Wikipedia
1050. Carolina del norte. USA
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1957, San Miguel de Allende, Mexico
Las ideas desempeñan un papel sumamente agradable en la conversación y en la seducción, pero no tienen mucho que ver con la fotografía. La fotografía es el instante, la síntesis de una situación, el momento en el que todo se amalgama. Es un ideal inalcanzable.
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1959. Jruchov y Nixon. Moscú, URSS
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1963. Jacqueline Kennedy en los funerales de su marido John F. Kennedy. Arlington, Virginia
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1974. Felix, Gladys y Rover. Nueva York.
Ladro a los perros. Ésta es la razón por la que el perrito de una de mis fotos salta en el aire. Ladré y él saltó. Una vez, enKioto, caminaba detrás de una mujer que paseaba con un perro de aspecto interesante. Para ver qué ocurría, ladré. La mujer se apresuró a dar un puntapié al perro. El animal estaba desconcertado. Por lo visto el perro y yo ladrábamos de la misma manera.
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1995- Museo del Prado. Madrid
Uno de los resultado más importantes que se pueden conseguir con la fotografía es hacer reír. Si además se alterna la risa con las lágrimas, como ha hecho Chaplin, se logra la conquista más importante. Yo no apunto forzosamente tan alto, pero reconozco que se trata del objetivo supremo.
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Elliott Erwitt
2001. Península Valdés. Argentina
Cuando la fotografía esta bien hecha, es interesante. Cuando esta conseguida, se vuelve irracional e incluso mágica. No tiene nada que ver con la voluntad o el deseo consciente del fotógrafo.
Elliott Erwitt
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NOTICIAS
ACTIVIDADES Exposiciones Aún no
Hasta el 13 de julio de 2015 Museo Reina Sofía Edificio Nouvel, Planta 0 www.museoreinasofia.es
Entre la vida y la muerte Hasta el 31 de julio Luis Burgos Arte del Siglo XX Villalar, 5 www.art20xx.com
Árboles congelados
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Dominik Valvo. Amargo de angostura Hasta el 30 de julio de 2015 Mercado de San Antón Augusto Figueroa, 24
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Bases del concurso
II Certamen Fotográfico Dieta Mediterránea Bases del concurso
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