Keltia en vivo may15

Keltia en vivo

José Aº. Terrés

Boletín informativo Año II - Mayo

Keltia en vivo

2015

Staff Director Pedro Jurado

keltia@keltiaimagen.com

Directora Creativa / Redactora / Fotรณgrafa M Carmen Calderรณn

mcaldfer@gmail.com

Redactora / Fotรณgrafa Asunciรณn Gonzรกlez

chaplin_chocolat@hotmail.com

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INDICE

Casablanca ...................................

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Historia de la fotografĂ­a ..................

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Hizo se la luz .................................

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Maquillaje

Portfolio del mes

La mirada de Actividades

CASABLANCA

Days of Heaven

cont.

Días de cielo - 1976 Director: Terrence Malick Director de fotografía: Nestor Almendros

by M Carmen Calderón

Texto: Mamen Calderón Fotos: imágenes obtenidas en internet

sentido de las bajas exposiciones. El objetivo de 55mm abría a f1,1 y les permitía rodar sin más luz que la de un fósforo o una linterna de bolsillo.

Antes

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de nada, os queremos recordar que esta película se rodó a la antigua usanza, se utilizó película sensibilizada, es decir, que no se rodó digitalmente. Dicho esto diremos que Nestor Almendros, a partir de Days of Heaven hizo forzar de manera sistemática el revelado de la película en las escenas nocturnas. En un principio, realizar esta tarea en una emulsión de sensibilidad 47 daba malos resultados, pero en la época en a que se rodó esta película ya se había conseguido la perfección en lo que a esto se refiere. Antes de lanzarse, Nestor y su equipo estuvieron realizando pruebas en el laboratorio llegando a resultados más que satisfactorios por lo que se forzó el revelado aumentando la sensibilidad de la película a 200 ASA y en ocasiones, y en casos muy extremos, a 400 ASA. El grano era normal, no apreciable incluso en las ampliaciones a 70 mm. Este método junto con los nuevos objetivos ultraluminosos, les permitió ir más allá en el

En Days of heaven rodamos muchas veces con un diafragma de f1,1, forzando el revelado en el laboratorio, me preocupaba la profundidad de campo, pero contaba con el gran foquista Michael Gershman. Sin arredrarse ante lo díficil de su tarea, su espíritu perfeccionista le hacía insistir hasta tener todas las medidas y los movimientos aprendidos. Algunos se impacientaban con él. Yo nunca le agradeceré lo bastante sus desvelos.

Days of heaven tiene numerosas escenas de noche, en la época en la que esta ambientada, 1917, en el exterior y en pleno campo no existía otro medio de iluminación que las fogatas o las linternas. En las películas del Oeste se acostumbraba a rodar estas escenas escondiendo algún foco detrás de las brasas para aumentar la luz natural de la fogata, pero Nestor quería que estas escenas diesen sensación de haber sido realmente iluminadas por el fulgor de las llamas, este método le parecía… …falso. Por poner un ejemplo diremos que en la película Dersu Uzala, resulta ridícula la escena en torno al fuego, no solo porque hay demasiada luz, sino porque dicha luz es blanca.

Los riesgos técnicos se ignoran en el cine profesional porque el director de fotografía carga con toda la culpa ante el productor si una escena sale mal. Gracias a que Nestor contaba con toda la confianza de Malick, comentada en otras ocasiones, se pudieron trabajar y conseguir este gran resultado.

Otro recurso que se empleaba era el de agitar cosas delante de las luces en una imitación muy mala del movimiento vacilante de las llamas, al que también Nestor intentó rehuir en esta película: Nosotros desarrollamos una nueva técnica: recurrimos al fuego auténtico para iluminar los rostros. Teníamos unas botellas de gas propano con tubos lanzallamas para propagar el fuego en las escenas de los trigales, al observar que eran de fácil manejo y se podían controlar sin esfuerzo las empleamos para realizar los primeros planos frente al fuego. De esta manera alumbrábamos realmente con llamas de fuego, teníamos su verdadera coloración y su verdadero movimiento.

Cabe decir, que como todos los descubrimientos se produjo por casualidad.

Las escenas de la fiesta campestre con el violinista así como las del incendio esta rodadas de esta manera. Se usó película a 200 ASA, y un diafragma de f1,4 y f2.

Los planos generales del incendio de los trigales fueron filmados tal cual, sin luces de apoyo para no perder la fuerza visual del fuego. Con el método empleado por Nestor y su equipo se conseguía que los personajes se recortaran en silueta contra las llamas como pinturas rupestres en negativo. En las superproducciones es frecuente el error de iluminar en exceso, estropeando así el efecto, y muchas veces este error es debido a que el director de fotografía se siente obligado a justificar su salario y su presencia gracias al espectacular despliegue de su parafernalia eléctrica.

Tuvimos unas dos semanas de rodaje con fuego. Cada noche quemábamos un nuevo campo de trigo. Varias veces nos

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asustamos porque el fuego se propagaba demasiado. En cierta ocasión nos vimos rodeados por altas llamas y el aire empezó a ser asfixiante, pero los maquinistas reaccionaron con rapidez, evacuaron los camiones con todo el equipo a través de las llamas. Nadie llevaba ropa especial, sólo máscaras para filtrar el humo. En suma, una aventura peligrosa y susceptible de serios accidentes, pero ésta fue una película protegida por los dioses.

Si entramos en el tema de la temperatura de color con la que está rodada Days of heaven, comentaros que en ciertas escenas se sustrajo el filtro 85, con lo que se consiguió unas combinaciones de temperaturas de color fuera de la norma. Este filtro 85 es un filtro corrector de color, que corrige la luz día a tungsteno.

Es el filtro que se usa para rodar un exterior de día con película equilibrada para tungsteno.

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Recuerdo un momento en el que Richard Gere y Linda Manz asan un pavo al aire libre. Casi no quedaba luz de día y la imagen cobró un tono azul profundo, excepto el fuego que crepitaba lanzando resplandores de tonalidades rojizas.

Las linternas de petróleo que llevan los braceros para alumbrarse y recoger las langostas, no fueron usadas como meros objetos decorativos sino como una ver-

dadera fuente de iluminación. En el interior se las camufló luz eléctrica, y cada persona llevaba bajo la ropa un cinturón con batería, del que partían finos cables que alimentaban las pequeñas bombillas de cuarzo que iban dentro de las linternas. Para conseguir mayor veracidad, se tiñeron los cristales de estas linternas de un color anaranjado, así la luz adquiría la temperatura de tonos calientes propia de la luz del petróleo. Se utilizaron fuera de cuadro soft-lights con doble gelatina naranja para llenar apenas las zonas de sombra y esto fue todo.

En el próximo numero hablaremos del modo de rodar en los exteriores.

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MAQUILLAJE

Historia del maquillaje El siglo XIX y el maquillaje en diversas culturas del mundo I

by Asunción González

Texto: Asunción González Fotos: Asunción González

ban las ojeras y los pómulos levemente.

El ingerir vinagre y limones se convirtió en una moda, todo con el fin de parecer enfermas; las ojeras eran marcadas en azul, las mejillas en rosa pálido y los labios en carmesí.

Las féminas para preservar su pálida tez, se protegían del sol con sombrillas cuando se encontraban al aire libre. La tez blanca y traslúcida era tan deseada que algunas mujeres seguían pintando sus venas en tono azulado.

Siglo XIX En el siglo XIX el pelo corto en los hombres se hizo popular a partir de la Revolución francesa, dado que las pelucas y el pelo largo habían sido característicos de la aristocracia.

A principios de este período comenzaron aparecer las patillas y los bigotes, que continuaron creciendo en forma y tamaño a lo largo de todo el siglo, hasta que en 1860, las barbas completas se pusieron de moda. Justamente hacia finales de siglo y comienzo del siguiente se eliminaron la mayoría de las barbas, quedando los bigotes de puntas curvadas.

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El estilo de belleza lo siguió marcando Francia y la moda ya no era impuesta por la corte sino por la burguesía. El concepto de la belleza femenina cambia, se convierte en una obsesión por parecer enfermas y conseguir una tez extremadamente pálida. Ingerían sustancias tóxicas como el arsénico y el plomo. Se marca-

Los ojos eran maquillados con sombras hechas de plomo y sulfuro de antimonio, los labiales eran fabricados con sulfuro de mercurio. Para las mejillas usaban zumo de remolacha. Las cejas se depilaban dejando una fina línea.

El ideal de belleza de este período era el de una mujer delicada, femenina y frágil. Como en períodos anteriores, incluso en la época victoriana la tez pálida era un signo de nobleza, un estatus social. Esto significaba que las mujeres que eran pudientes no podían permitirse el lujo de pasar tiempo trabajando al aire libre, ya que llegaría a coger un tono bronceado en su piel, y esto se consideraba vulgar y mal visto.

El bien más preciado de las mujeres de esta época era su cabello; el cual lo solían llevar recogido en moños, y en

ocasiones suelto (muy largo), llevando en los laterales rizos para dar mas protagonismo al rostro. Lo solían adornar con elementos decorativos y lo cuidaban con aceites para tener un aspecto suave.

Según fue avanzando el siglo se fueron produciendo cambios en el estilo de vestir de las mujeres como en otros aspectos ya que empiezan a surgir nuevas tendencias en el mundo de las artes.

ÁFRICA

Tribu Karo. La tribu karo se sitúa en el valle de Omo en Etiopía, conocido como el lugar de los maestros de la pintura corporal y facial de gran tradición. Sus caras y cuerpos son pintados por sus rituales de danza y cortejo. Usan tiza blanca pulverizada, carbón negro, amarillo, ocre y tierra roja para unas increíbles y elaboradísimas composiciones emulando el plumaje de las gallinas de guinea. Las pinturas suelen aplicarse con las manos y definiendo con los dedos.

En África como en otras muchas culturas existe una tradición de pintarse el rostro con diferentes formas y símbolos.

Además de pintarse el rostro suelen hacerlo también en el cuerpo, siguiendo los ritos de la tribus y las actividades de cada grupo tribal. Esta tradición varía según los propósitos y significados de cada tribu; ya sea para caza, eventos de rituales, y estatus tribales.

Ejemplo maquillaje tribu karo

Algunas de las tribus africanas: Tribu Efik. Esta tribu del sureste de Nigeria utiliza la pintura facial como símbolo de amor y pureza. Además la pintura del rostro simboliza la identidad de las familias en la tribu para diferenciar los distintos clanes. Para las mujeres solteras el rostro pintado significa un rito de iniciación a la mujer en sociedad. Y las bailarinas nativas usan la pintura facial como símbolo de expresar su belleza y feminidad.

Tribu Pondo. Se encuentra en la región de Pondolandia en África del Sur, celebra una tradición llamada “umgid”i.

Esta tradición consiste en la tradición de una joven mujer en sacerdotisa de la tribu. La mujer se encuentra desnuda del rostro a cintura y es pintada con arcilla blanca y adornada de hojas de idwabe.

El dibujo sobre su rostro simboliza su vinculo con los ancestros.

Tribu Woodabe. La tribu Woodabe o Bororo es un grupo de pastores nómadas en el Nigeria oriental. La tribu celebra el festival Gerewol, una fiesta queda a los hombres la oportunidad de conocer y atraer mujeres. Durante dicha celebración se hacen competiciones de belleza donde las mujeres son los jueces y los hombres los candidatos. Los hombres

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Woodabe pintan sus rostros con rojo y amarillo y sus labios en negro con intención de potenciar su belleza y atractivo.

cerca de las cejas, utilizado en Asia meridional (principalmente India) y el Sudeste Asiático. Donde se coloca el bindi es el sexto chakra, anja “el hogar de la sabiduría”. Este chakra es el punto de salida para la energía kundalini. Se dice que el bindi retiene la energía y fortalece la concentración.

Ejemplo maquillaje tribu wodaabe

India Las mujeres indias son conocidas por su espectacular belleza; ojos grandes y negros, cabello largo en tono azabache y cuerpo curvilíneo. Es de sobra sabido su dedicación y cuidado a su belleza. Está basado en rituales milenarios y naturales que van pasando de generación en generación de madres a hijas.

Ojos. Los maquillan de una manera especial. Los delinean por dentro y por fuera con kajal (conocido en los países árabes como khol). Sus ojos suelen ser muy expresivos pero de mirada dulce.

No solo las mujeres se delinean los ojos, los hombres e incluso los niños, estos últimos para protegerlos de infecciones, como repelentes de insectos y para evitar que al niño le echen “mal de ojo”.

Para lucir una piel espléndida las mujeres indias usan ingredientes naturales; la miel mezclada con hidratante para dar suavidad a sus manos. Para nutrir la piel hacen mascarillas de coco que suelen aplicar sobre rostro y cuello.

Cabello. Lo cuidan con esmero, es grueso y brillante, lo llevan con raya en medido; recogido, suelto, en coleta. Su secreto el aceite de coco suelen aplicarlo. frecuentemente ya que lo hidrata y nutre.

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El bindi es un punto de color rojo coloreado en la parte central de la frente,

Para quienes no lo conozcan o hayan oído hablar de Ayurdeva es el sistema curativo naturista milenario de la India, en este país no se considera medicina alternativa sino aceptada como la medicina tradicional. “Ayur”, significa vida y “veda”, ciencia: La ciencia de la vida. Lo ayurdeva nos dice que la salud es la integración y el balance entre el ambiente, el cuerpo, la mente y el espíritu...

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HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA

Cr贸nica moderna

1879 a 1899 cont.

by M Carmen Calder贸n Texto: Mamen Calder贸n Fotos: im谩genes obtenidas en internet

mática en Barcelona que realizaba ferrotipias a diez céntimos. Estas maquinas se instalaron en los parques y plazas y consiguió gran demanda entre las clases populares.

En 1880 el diario norteamericano “The New York Daily Graphic” publica el primer cliché tramado y diez años después, en el periódico ingles “Bradford Telegraph”, aparece la primera fotografía en blanco y negro.

¿Como era la cultura y la prensa en esta época?

En 1870, el fotógrafo italiano Giuseppe Sella publica el primer manual de fotografía. Su colega danés Christian Franzen se instala en España y se convierte en el retratista de la aristocracia y suele publicar sus fotografías en la revista “Blanco y Negro”. Con la popularización de la fotografía surgen nuevos fotógrafos que se unen a los ya clásicos Laurent, Napoleón, Hébert, Julià o Godínez. A pesar de que algunas revistas lo intentan, como la “Revista Moderna”, el color en la portada encarece notablemente el producto y no es buen negocio. De hecho, las revistas tienen un precio notablemente alto para el poder adquisitivo de un ciudadano medio. En 1900 un periodico cuenta 5 céntimos, un precio prohibitivo para una familia corriente cuyo salario no llegaba a las tres pesetas, de la época, al día. Pero hay quien se las ingenió para abaratar los precios a base de producir mucho: se desarrolló una máquina auto18

En 1890, la “Cámara dek Club de Viena” organiza una exposición internacional en la que prima únicamente el valor artístico de las imágenes, en contra de lo que se estilaba hasta el momento.

El fotógrafo inglés Peter Henry Emerson tiene la valentía de romper la tendencia al pictorialismo al presentar el libro “Naturalistic Photography”, en el que demuestra la valide de sus postulados que abogan por una fotografía desprovista de artificios, una fotografía fiel a la realidad.

Fotografía de Sir Benjamin Stone de miembros de la National Photography Record Association

En España, la fotografía no se incorpora completamente a la prensa hasta que aparecen las grandes revistas gráficas como “nuevo Mundo”, la cual empieza a publicar asiduamente las imágenes de sus fotografos en 1896 y tiene una tirada récord de 20.000 ejemplares. Unos años después, toma el relevo la revista “Blanco y Negro”, que es del estilo de la revista alemana “Flagender Blatter”.

profesionales. En 1897, el miembro del parlamento británico y fotógrafo aficionado, Sir Benjamin Stone, crea la National Photography Record Association, donde la tarea de los miembros de esta asociación consistía en fotografiar las costumbres y ceremonias de la aristocracia que iban cayendo en desuso. Dos años más tarde, el Círculo de Bellas Artes de Madrid acoge a la Sociedad Fotográfica, fundada por el “Grupo de fotografía”, entre los miembros se encontraban a personajes ilustres como Santiago Ramón y Cajal y los hermanos Máximo y Antonio Cánovas. En su número 30 del mes de diciembre, “La ilustración Española y Americana” da cuenta de este evento.

En Cataluña, se crea el Club Fotográfico Barcelonés, que comparte afición por el excursionismo y la fotografía, llegando a contar con 3.000 socios.

Hacia 1890 empieza a introducirse en el mercado la cámara de bolsillo tipo detective, cuya manejabilidad se adapta a las necesidades de los aficionados. Poco a poco, la modernización de estas cámaras permite a los amantes de la fotografía más flexibilidad y se empiezan a formar grupos o asociaciones que viven la fotografía de una manera más lúdica que los 19

En 1906 aparece el boletín de la Sociedad Fotográfica de Madrid, la cual, un año después pasa a denominarse Real Sociedad Fotográfica.

Protagonistas de esta época A lo largo de este periodo de iniciación, creación e invención, surgen una serie de figuras de importancia capital para la historia de la fotografía ya que son los personajes que contribuyen a su posterior desarrollo. Destacan el árabe Alhazán, el francés Saint-Cloud y el italiano Leonardo Da Vinci, como investigadores de la cámara oscura. Como iniciadores e inventores del concepto y sistema fotográfico resaltamos a: »» Nicephore Niépce: en 1814 Niépce tiene la feliz idea de aplicar las proyecciones de la cámara oscura a la piedra litográfica para suplir la labor del dibujante, y en 1816 logra fijar las imágenes de la cámara oscura sobre papel tratado con cloruro de plata mediante ácido nítrico. »» Loius Jacques Mandé Daguerre: en 1839, Daguerre descubre la posibilidad de revelar con vapor de mercurio la sales de plata yodadas que tanto Niépce como él han estado utilizando. Finalmente se fija la imagen con cloruro sódico. »» William Henry Fox Talbot: desarrolla el procedimiento negativo-positivo de fotografía. El uso de la cámara oscura y la cámara lúcida le lleva a experimentar sobre la fijación de imágenes por métodos químicos. En 1846 publica “The pencil of nature”, el primer libro ilustrado con fotografías. »» George Eastman: en 1879 crea una máquina fotográfica y en 1884 inicia la fabricación de rollos de papel translúcido como material negativo.

En 1888 produce la primera cámara 20

para película en rollo y crea la marca Kodak. »» Gaspar Féliz Tournachon, “Nadar”: es una adelantado en el uso de la iluminación artificial y de la fotografía aérea. Realiza una excepcional producción de retratos de famosos franceses de la época con una inigualable calidad.

Niépce

Daguerre

Eaastman

Nadar

Talbot

Entre los fotógrafos extranjeros que llegan a España y que de alguna forma culturizan fotográficamente el país, destaca el trabajo del inglés Charles Clifford y el de los franceses Lavevent, Gobinet y Leygonier. De los fotógrafos pioneros españoles que anónimamente aportan arte, estudio y calidad a las imágenes fotográficas, cabe destacar la obra de José Albiñana y de Laurent en Madrid, Albareda en Barcelona, Godínez en Sevilla o J. M Ibáñez en Murcia. Por su proliferación y testimonio social destacamos a Tomás Monserrat: su intensa actividad fotográfica le lleva a retratar a la sencilla gente del pueblo, fotografiándolos en plena calle, corrales y patios. Su archivo constituye en la actualidad un exhaustivo registro de las gentes mallorquinas de 1890.

En el próximo número veremos la primera decada de 1900.

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PORTFOLIO DEL MES

José Aº. Terrés Alumno de fotografía

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Siempre he considerado la fotograf铆a como un medio de expresi贸n. Particularmente, la idea de capturar el momento es a la vez un reto y una sana obstinaci贸n, cuestionablemente cumplida.

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Jose

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El contacto con KELTIA me ha dado la posibilidad de aprender, interpretar y disfrutar mucho mรกs las imรกgenes, aparte de conocer a nuevas personas que en un sentido u otro comparten el gusto por la FOTOGRAFIA.

Jose

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HIZO SE LA LUZ

Iluminación texturas

by M Carmen Calderón Texto: Mamen Calderón Fotografías: Mamen Calderón

cia. Porque, en realidad, la no-textura también es una textura. ¿Cómo lo hacemos?

En este número hablaremos de la ilu-

minación básica de texturas, que se da en el curso de Iluminación.

La textura es una cualidad de los objetos que, en fotografía, se muestra jugando con las luces y las sombras. La textura, también nos puede ayudar a expresar cosas, ya que no es más que una ilusión óptica que ayuda a reconocer aquellas sensaciones táctiles que podría experimentar quien esta viendo la foto.

Todos los objetos que tenemos a nuestro alrededor tienen textura, el verdadero reto fotográfico está en conseguir usar esta textura para nuestros intereses comunicativos, es decir: para transmitir aquello que queramos a través de la fotografía. Cuando fotografiamos algo con una textura muy marcada, nuestra fotografía toma cierto grado de realismo, pues la imagen evocará, lo que puede sentir el a través del tacto el espectador.

Además, la textura nos aportará cierta tridimensionalidad a nuestras fotografías, que dejarán de ser planas para adquirir cierto volumen.

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A nuestro criterio quedará decidir si nos interesa buscar o no esas texturas, tanto en los retratos como en el resto de fotografías. Sea como sea, la textura siempre marcará el tono de nuestras fotos, tanto su presencia como su ausen-

Como siempre hemos dicho, lo más importante en fotografía es la luz. La luz es el gran pilar de las composiciones fotográficas. Así que será ella, la luz, la que nos regale las texturas. La mejor manera de conseguir buenas texturas es iluminar nuestro sujeto de manera lateral. Cuanto más lateral y rasante sea la iluminación, más evidentes serán las sombras. Además, si usamos una luz muy dura, generaremos sombras muy duras y, por lo tanto, muy definidas.

Por el contrario, si lo que queremos es eliminar del todo las texturas de nuestras fotografías, lo que tenemos que hacer es iluminar frontalmente nuestro sujeto. O bien iluminarlo desde diferentes puntos para evitar que aparezcan sombras producidas por la textura que éste tenga. Si esto, además, se hace con una luz suave, las posibles sombras que puedan aparecer y evidenciar texturas, serán, todavía, menos evidentes.

Llegados a este punto diferenciaremos entre texturas rugosas y texturas lisas, ya que cada una de ellas conlleva una iluminación concreta. »» Textura rugosa: un ejemplo de esta textura sería la corteza de una árbol, la cara de un anciano, una montaña, un trozo de pana… Para este tipo de textura tendremos que usar una luz a contratextura, para ello tendremos que observar por donde esta la textura y colocar la luz en el lado contrario. Algunas veces cepillaremos a contrapelo el elemento para elevar la textura. La luz tiene que ser una luz directa y concentrada, nunca será difusa o reflejada. Como ya hemos di-

cho debe ser lateral, nunca frontal ni cenital. Tendrá que estar colocada a 4H o 8H, si es rasante a 2V o 3V, si no es rasante a 1V o 2V y si el elemento es plano, tendremos la textura rugosa pura: 3H 3V o 9H 9V. »» Textura suave: como ejemplo tenemos la cara de un bebe, niño o adolescente, algunas flores, la seda… Para este tipo de textura debemos producir brillo, pero de una manera muy controlada ya que el elemento podría parecer algo que no es, por ejemplo la piel puede parecer plástico. Usaremos luz directa o difusa, rasa a 2/3H y no rasa 1/2H. Normalmente va a contraluz 10/11/1V, a veces a 12 pero suele colarse en en objetivo y producir velo.

La imagen que obtenemos es:

Imagen a F11: sobreexpuesta

Como vemos en la imagen nos queda sobreexpuesta así que cerramos a F22 para tener la imagen correcta.

Quizás es un poco lío, pero a continuación os ponemos gráficamente un par de ejemplos para que lo entendáis mejor.

Ejemplo textura rugosa: realizamos una composición con tres toallas para ver como es una textura rugosa. Como quedaba muy plano, elevamos el pelo peinando a contrapelo. El esquema que aplicamos fue el siguiente: una luz principal directa (un flash de 500 wattios) con viseras a las 3H 3V (luz pura de texturas) a un diafragma de F11.

Imagen a F22: correcta

Esquema textura rugosa pura

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Ejemplo textura plana: para este caso elegimos un jersey de lana al que le colocamos el esquema de luz siguiente: luz difusa (un flash de 500 wattios) a las 12H 12V con ventana, así eliminaremos todo tipo de sombras, a F8.

Otros ejemplos:

Textura plana

Textura rugosa

En cámara pondremos el valor de F11 para que no quede la imagen sobreexpuesta.

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Los valores de la cámara son: »» Canon 1ds mark II »» Objetivo Sigma 24-70 F2.8 a 70mm »» ISO: 100 »» Velocidad: 200 (velocidad a la que sincroniza el flash) »» Balence de blancos: luz día (5.200K) ¿Te atreves con diferentes elementos y texturas?

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La Mirada de

Helmut Newton

by M Carmen Calder贸n Fotos: im谩genes obtenidas en internet

a Singapur para huir de los nazis. Sus padres lo habían hecho poco antes hacia Suramérica.

Helmut Newton comenzó en la foto-

grafía siendo un niño, por entonces Helmut Neustädter. A sus 12 años compró su primera cámara gracias a sus ahorros.

Cuatro años más tarde su cámara AGFA Tengor Box y él se convertirían en los aprendices de la fotógrafa Yva, de quien aprendería el dominio del retrato y de los desnudos en blanco y negro.

La obra de Yva, conocida como Else Ernestien Neuländer-Simon, es fundamental para entender el rumbo que toma el hijo de un fabricante de botones que no entendía la visión artística de su hijo, intentando mediante su educación en el colegio estadounidense de Berlín que este viese que lo más saludable sería continuar su negocio de botones, el cual perdió debido a los nazis.

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Yva fue una avanzada para su época, hija de un modista y comerciante, tuvo un estudio fotográfico propio a los 25 años (1925). Ni siquiera el matrimonio con Alfred Simon logró que su origen judío le causase la muerte años más tarde. En 1938 tuvo que cerrar definitivamente su estudio para convertirse en técnica en radiología. En ese mismo año Helmut Newton cogió sus dos cámaras y partió

En 1948 Helmut Newton seguía dando tumbos. Tras su paso poco exitoso por el periódico de Singapur, en el cual solo estuvo dos meses antes de que le despidiesen, llegó a Australia donde tras un tiempo en un campo de internamiento por su nacionalidad, pasó a las filas del ejército australiano. En 1945 Helmut Neustädter pasó a llamarse como lo conocemos hoy en día: Helmut Newton.

Tres años más tarde se casó con la actriz June Brunell, que sería más conocida como la fotógrafa Alice Springs.

En 1946, Newton establece su propio estudio en Melbourne. A partir de aquí comienza a ganar relevancia y al poco da el salto a Vogue Australia donde logra tener un mínimo reconocimiento. Su primer trabajo lo logra en 1956 con el suplemento de British Vogue edición australiana.

Pese a que la oportunidad de firmar un contrato con dicha cabecera de Vogue y volar para Londres con un contrato de 12 meses era un sueño, al mes ya está en París donde sigue trabajando con revistas francesas y alemanas.

Antes de asentarse en París en 1961 pasó dos años en Melbourne, colaborando de nuevo con la cabecera australiana de Vogue. En la capital gala encontrará el estilo que le hará único: el sexo. Al que le da un toque de perversión que con el tiempo irá aumentando. Helmut Newton acababa de despegar.

Antes de que Tom Ford se adueñase del término “porno chic”, Helmut Newton lo retrató en todas sus artes. Vogue París viviría una época dorada junto a Helmut y juntos atraerían la controversia a la moda que aún hoy sigue latente.

La técnica de Helmut Newton era muy depurada. Elegante, en blanco y negro por lo general, con ningún retoque, apuesta por la luz natural y gusto por retratar al personaje. Si existe un libro deseado en moda ese es SUMO. Se publicaron 10.000 ejemplares de este libro de forma numerada y firmada, llegó a convertirse en “el libro más caro del siglo XX”. Un ejemplar se vendió por nada menos que 620.000 marcos (en torno a 332.870 euros) el 6 de abril de 2000. Fue un proyecto ambicioso, con una calidad exquisita y un tamaño para tener un museo personal en casa, era necesario un atril resistente para aguantar sus 35,4 kilos.

A partir de la década de los 60 el fotógrafo alemán se uniría al gran modisto Yves Saint Laurant, al que le haría más grande de lo realmente es. Esta unión se mantuvo durante años.

Pese a que se acuse a Helmut Newton de pornografía básica y barata, él sabía cómo sacar el lado más sensual de cada centímetro. Tiene numerosas obras de detalles entre los que abundan las piernas, al igual que su maestra Yva. Y todas las famosas deseaban su cámara.

Realizó retratos a personajes de la talla de: Andy Warhol, Salvador Dalí, Marlene Dietrich, Linda Evangelist, Catherine Deneuve, Sigourney Weaver, Raquel Welch, Madonna, Twiggy, Gace Jones...

En 1975 presentó su primera exposición personal en la galería Nikon en París. Y al año siguiente fue considerado el mejor fotógrafo los directores artísticos Club de Tokio, Japón. En 1977 publicó Femmes Blanches, su primer álbum de fotos, que le fue otorgado por el Instituto americano de artes gráficas. Dos años más tarde fue el turno de los directores artísticos del Club de Berlín que consa-

graron a Newton como mejor fotógrafo del año.

En los años 80 se trasladó a Monte Carlo en Mónaco, dividiendo su vida entre el Principado y el Reino Unido. Francia honró doblemente Helmut Newton en el año 1989, nombrándolo caballero de las Artes y las letras y entregándole el gran premio de la ciudad de París. El año siguiente todavía en Francia, recibió el Gran Premio Nacional de fotografía.

En 1991 recibió otro Trofeo importante, esta vez en los Estados Unidos, fue considerado el mejor fotógrafo de retrato por Global Awards. El año siguiente le nombraron caballero de las artes, ciencias y letras en Mónaco. En 2003 editó una autobiografía Helmut Newton.

Helmut Newton fue uno de los fotógrafos que rompieron las reglas, supo provocar a todos cuantos quisieron no ver más allá de las imágenes y al mismo tiempo inspiró a gran parte de los que vendrían después.

El 23 de enero de 2004, Helmut Newton muere en un accidente de tráfico en Los Ángeles. Además de su enorme legado fotográfico, el que poco antes de morir dijo que quería que estuviera localizado en Berlin, nos ha dejado su autobiografía, que se ha publicado recientemente en castellano (Helmut Newton, autobiografía, ISBN 84-933036-3-1).

Del 24 de marzo de 2012 al 17 de junio de 2012, el Grand Palais de París acogió la primera retrospectiva de Helmut Newton. Se expusieron 200 fotografías seleccionadas por su mujer, June Newton.

Además de proyectar un fragmento de un documental grabado por ella misma.

Más información:

»» Magnum Photos »» Wikipedia »» Facebook

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Una buena fotografía de moda debe parecer cualquier cosa menos una fotografía de moda: un retrato, una foto recuerdo, una de paparazzi…

Helmut Newton

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Solo me preocup茅 una vez, cuando empez贸 a fotografiar flores; en concreto, flores muertas.

Jude Newton

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Contestaci贸n de Jude Newton, a la pregunta de si alguna vez se ha sentido celosa por el trabajo de su marido

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NOTICIAS

ACTIVIDADES

Exposiciones Garry Winogrand Hasta el 3 de mayo de 2015 Fundación Mapfre Bárbara de Braganza 13 www.fundacionmapfre.org

Naturaleza y Rock Hasta el 3 de mayo de 2015 Real Jardín Botánico Plaza de Murillo, 2 www.rjb.csic.es

Cabañas para pensar Hasta el 10 de mayo de 2015 Círculo de Bellas Artes Marqués de Casa Riera, 2 www.circulobellasartes.com

David Hornillos. Mediodía Hasta el 16 de mayo de 2015 Centro Palacio de Cibeles Plaza de Cibeles, 1 www.centrocentro.org

Jorge Molder

Paisajes posibles

Hasta el 23 de mayo de 2015 Espaciofoto Viriato, 53 www.espaciofoto.com

Bajo la influencia de Orson Welles Hasta 31 de mayo de 2015 Fnac Callao Preciados 28 Fnac Callao

Navia. Fotografías 1991-2006 Hasta el 31 de mayo de 2015 Antiguo Hospital Santa María la Rica Plaza Cervantes, 12

www.ayto-alcaladehenares.es La Diversidad Amenazada.

Naturaleza-Hombre-Cultura

Hasta el 7 de junio de 2015 Espacio Fundación Telefónica Fuencarral 9

www.espacio.fundaciontelefonica.com

19º FotoPres “laCaixa

Hasta el 17 de mayo de 2015 Círculo de Bellas Artes Marqués de Casa Riera 2

Hasta el 7 de junio de 2015 CaixaForum Madrid Paseo del Prado, 36, Madrid

The Best of Bernard Plossu

La Diversidad Amenazada.

Naturaleza-Hombre-Cultura

www.circulobellasartes.com

Hasta el 17 de mayo de 2015 La Fábrica Alameda, 9 www.lafabrica.com

agenda.obrasocial.lacaixa.es

Hasta el 7 de junio de 2015 Espacio Fundación Telefónica Fuencarral, 3

www.espacio.fundaciontelefonica.com

Concursos Concurso Fotográfico “El agua en la Tierra”

Hasta el 4 de mayo de 2015 Más información: aguadecoco.org

XIV Convocatoria del Premio Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2015 Hasta el 5 de mayo de 2015 Más información: Bases

Concurso de Fotografía Móvil #diadeinternet “La tecnología en mi vida cotidiana” Hasta el 6 de mayo de 2015 Más información: www.diadeinternet.com

Premio PHE OjodePez de Valores Humanos 2015 Hasta el 8 de mayo de 2015.

Más información: PhotoEspaña

I Certamen Artístico AskatasunArte “Desde GURS 2015”

Hasta el 15 de mayo de 2015 Más información: AskatasunArte

II Concurso Nacional de Fotografía Deportiva “Félix Ordóñez”

Hasta el 21 de mayo de 2015 Más información: Bases

XX Concurso de Fotografía Foto Petrer 2015 Hasta el 22 de mayo de 2015.

Más información: Ayuntamiento Petrer

XXXV Concurso Fotográfico Sarthou Carreres Hasta el 22 de mayo de 2015.

Más información: Bases

II Concurso de Fotografía Temática Via Crucis Viviente de Balmaseda.

Hasta el 24 de mayo de 2015 Más información: Bases

8 International Exhibition of Photographs “Bor 2015”

Hasta el 25 de mayo de 2015 Más información: photoclub-bor.com

Europa 2015. XVI Salón Internacional de Fotografía Digital

VIII Concurso Fotográfico de Denuncia Ecológica: José Manuel Pérez

Hasta el 25 de abril de 2015 Más información:

Ecologistas en acción

Hasta el 31 de mayo de 2015 Más información:

Hasta el16 de mayo de 2015 Más información:

Bases

VII Concurso Fotográfico “En el parque vivo” Bases

Keltia en vivo