Keltia en Vivo feb15

Keltia en vivo

Alberto Escribano

BoletĂ­n informativo AĂąo II - Febrero

Keltia en vivo

2015

Staff Director Pedro Jurado

keltia@keltiaimagen.com

Directora Creativa / Redactora / Fotรณgrafa M Carmen Calderรณn

mcaldfer@gmail.com

Redactora / Fotรณgrafa Asunciรณn Gonzรกlez

chaplin_chocolat@hotmail.com

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INDICE

Casablanca ...................................

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Historia de la fotografĂ­a ..................

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Hizo se la luz .................................

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.................................

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Noticias

...................................

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Actividades

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Maquillaje

Portfolio del mes

La mirada de

CASABLANCA

Days of Heaven

cont.

D铆as de cielo - 1976 Director: Terrence Malick Director de fotograf铆a: Nestor Almendros

by M Carmen Calder贸n

Texto: Mamen Calder贸n Fotos: imagenes obtenidas en internet

Todos tomábamos cada día un gran automóvil, que en una hora nos trasladaba del hotel al lugar del rodaje. Durante el trayecto hablábamos invariablemente de la película, en lo que acababa siendo una reunión diaria de producción improvisada.

En el aspecto artístico, Néstor contó

con los mejores colaboradores que podía desear: Jack Fisk, que diseño y construyo la mansión en medio de los trigales, así como las casas subalternas. Patricia Norris, que diseñó, con esmero y un gusto extraordinario las ropas de la época.

Jacob Brackman, director de la segunda unidad y los productores Harold y Bet Schneider.

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Casa de los subalternos

El equipo de decoración, atrezzo y vestuario se coordinó para seleccionar colores compuestos y poco brillantes.

Patricia Norris, consiguió telas y vestidos viejos para evitar ese aspecto sintético que caracteriza a la ropa confeccionada por las sastrerías de los estudios. Fisk construyó una mansión autentica, por fuera y por dentro, no se limitó a levantar una fachada. El color de los interiores era también el de la época: marrón, caoba y madera oscura. Las telas blancas de las cortinas y sábanas fueros pasadas por té para darles la tonalidad de algodón crudo sin la brillantez excesiva de los blancos modernos, y para resultar bonitos a la cámara.

Y es que no se puede hacer una buena fotografía, con estilo, si el escenógrafo, diseñador de vestuario y el encargado del atrezzo no colaboran. Muchos en nuestro oficio creen que el director de fotografía debe preocuparse únicamente de la cámara y de la técnica. Yo pienso lo contrario. Ha de trabajar en perfecta ar-

monía con los responsable de decorado, vestuario y utillaje. Tuve largas conversaciones telefónicas sobre estas cuestiones antes de mi llegada a Hollywood, luego, mientras rodaba, se fueron haciendo adaptaciones y cambios útiles sobre la marcha.

Yo me mantenía cerca de la cámara principal y en cuanto era posible me desplazaba a donde estaban los demás operadores para darles las instrucciones. A veces cogía la cámara y filmaba yo mismo, pero no era visto con buenos ojos.

En esta imagen podemos apreciar el vestuario simple y neutro y el aspecto de la mansión, así como los cielos casi quemados tan característicos de esta película

Néstor Almendros contó con varios operadores de cámara para este rodaje.

Al contrario que en Europa, en Estados Unidos no esta permitido que el director de fotografía lleve la cámara. Por esta razón, Ensayaba y diseñaba los movimientos de cámara y actores para que mis operadores los ejecutaran después.

Tuvo la suerte de contar con hombres de gran habilidad y talento como John Bailey, Rod Parkhurst, Eric van Haren Norman y el operador de segunda unidad Paul Ryan. En muchas ocasiones, como en las escenas de fuego, trabajaban todos a la vez.

Los elogios que se han prodigado a mi trabajo desde el Oscar, tendrían que ser repartidos entre estos técnicos anónimos.

Uno rodaba los planos de conjunto con grandes angulares, otro hacía insertos con teleobjetivos, otro seguía la acción cámara en mano, otro corría a través

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de las llamar o alrededor de la gente, etc.

La labor de todos se unificó gracias al talento de Malick, pues antes del rodaje se establecieron una serie de principios.

Se diseñó el estilo de esta película de tal modo que cada colaborador tenía que seguir por fuerza las pautas trazadas, fundamentalmente la de no falsificar la realidad en la medida de lo posible.

Llegados a este punto, debemos comentar que Haskell Wexler tuvo que reemplazar a Néstor en las ultimas jornadas de rodaje.

Yo trabaje 53 días y el 19. Cuando me propusieron el rodaje de Days of heaven yo había aceptado ya la siguiente película de Truffaut y las fechas de dicha película estaban fijadas de antemano. Los productores de Days of heaven y Malick sabían y habían aceptado dicha condición con la esperanza de que se retrasase el comienzo de L’Homme qui aimait les femmes, pero no fue así. Dejé Canadá, desconsolado, pues era muy consciente de la importancia de esta película en mi carrera.

Antes de irme pase revista a todos los grandes directores de fotografía a quienes admiro en America, pero llegue a la conclusión que quien mejor lo haría era Wexler , además de ser un gran amigo. Le pedí si podía venir y terminar mi trabajo y tuve la suerte de que aceptara.

Durante una semana estuvimos rodando juntos a fin de que viese como se desarrollaba el rodaje, además de realizar una proyección del material filmado para que se familiarizara con el estilo visual de la película.

Haskel fue maravilloso, porque además de lograr imágenes de una belleza incomparable, se ajustó perfectamente eal estilo que habíamos marcado. Dudo que nadie pueda distinguir entre lo rodado por él y lo rodado por mi. En escenas donde hay planos mezclados hasta a mí me resulta difícil.

Haskel rodó todas las escenas del final en la ciudad tras la muerte de Richard Gere, amén de planos aislados en secuencias no terminadas, y de las secuencias en los exteriores nevados.

En el próximo numero hablaremos de la localización y del equipo empleado en el rodaje.

Ejemplos de escenas de la película rodadas por Haskel

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MAQUILLAJE

Carnaval

by Asunción González

Texto: Asunción González Makeup: Asunción González Fotos: Mamen Calderón y Asunción González

Posteriormente surgió otra etimología que es la que actualmente se usa en el ámbito popular: la palabra italiana carnevale, que significaba la época durante la que se podía comer.

En la actualidad el carnaval se ha convertido en una fiesta popular de carácter lúdico.

El

Carnaval es una celebración que tiene lugar antes de la cuaresma cristiana, con fecha variable (entre Febrero y Marzo, según año) que combina disfraces, desfiles y celebraciones en la calle.

El origen de su celebración parece probable de las fiestas paganas como las que se hacían en honor a Baco, el Dios del vino o en Egipto en honor al toro Apis Según algunos historiadores, el origen de esta festividad se remontan a las Sumeria y Egipto hace más de 5.000 años, donde se extendió a celebraciones muy parecidas en el Imperio romano y que este llevo por toda Europa, llegando hasta América por los navegantes españoles y portugueses a partir del siglo XV.

La celebración más grande del mundo es la de Rio de Janeiro. Otros carnavales internacionalmente famosos son los de Santa Cruz de Tenerife y Cádiz en España, Colonia en Alemania, Venecia en Italia y el más largo que se extiende a 41 días el Carnaval de Montevideo en Uruguay.

A pesar de sus diferencias a lo largo del mundo el carnaval tiene una común característica un periodo de cierto descontrol. Y es que en la noche de carnaval todo vale y dice la leyenda que por eso se ponen máscaras.

Con motivo de esta festividad que este año recae en el mes de Febrero os propongo un maquillaje de carnaval. He escogido un personaje un poco loco; el sombrerero loco, quienes no les conozcáis os hago una breve presentación.

El carnaval está asociado con los países de tradición católica.

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A comienzos de la Edad Media la Iglesia Católica propuso una etimología de carnaval: del latín vulgar carne-levare que significa ‘abandonar la carne’ (lo cual justamente era la prescripción obligatoria para todo el pueblo durante todos los viernes de la Cuaresma).

Mad Hatter. Sombrerero loco

The Hatter, llamado Hatta es un personaje ficticio del escritor británico Lewis Carroll creador de “Alicia en el país de las Maravillas” y posterior de la secuela “Alicia a través del espejo”. Aunque Carroll nunca se refiero a él como Mad Hatter; Sombrerero loco. Fue la frase “mad as a hatter”, loco como un sombrero con lo que Carroll trabajo su personaje y la que inspiro a dar el nombre al personaje. Uno de los grandes momentos del personaje es su Tea Party; la fiesta del té con otros personajes como el gato Cheshire, la libre y Alicia. Dos directores que han llevado al cine Alicia en el país de las Maravillas han sido Walt Disney en dibujos animados en 1951 y Tim Burton con su peculiar y fascinante visión del libro de Carroll en 2010. Esta última versión cuenta con reconocidos actores la británica Helena Boham Carter, Anne Hathaway y encarnando al sombrerero el actor Johnny Deep; el cual hizo una interpretación brillante y sublime.

Johnny Deep como El sombrerero Loco

Este es el maquillaje que vamos realizar, para ello lo primero que tenemos que hacer es preparar nuestras piel. Es importante que hayamos limpiado, tonificado e hidratado y aplicado contorno de ojos ya que usaremos bases de maquillaje que agredirán nuestras piel y la secaran. Los maquillajes que se usan para efectos especiales, cine, teatro son de gran cobertura, densos para aguantar muchas horas sin que se vean alterados.

Paso a paso el proceso Base: es lo primero que aplicaremos sobre nuestro modelo será una base blanca compacta, son las bases de clown, mimo payaso. La aplicaremos con una esponja, realizando toques secos, muy seguidos y pegados a la piel, nunca arrestando la esponja por la piel. Realizaremos la mitad de la cara y una vez bien aplicada la base y sin calvas, continuaremos con la otra mitad del rostro.

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Haciendo mucho hincapié en comisuras, aletas de nariz, parpados aplicando son suavidad al ser una zona sensible y las cejas deberán quedar bien cubiertas. Como podéis observar en la foto.

Después aplicaremos polvos compactos blancos para fijar la base y que nos perdure más. Los aplicaremos con una borla pero sin llegar a ponerla encima de la base ni arrastrarla sino de una forma muy suave tocando levemente la base.

Ojos: Para ellos utilizaremos sombras rosa y verde en una tonalidad muy viva.

Sobre los parpados aplicados con anterioridad la base blanca y fijados con polvo blanco pondremos sombra verde sobre el parpado móvil. Iremos depositando la sombra con un pincel cubriendo bien todo el parpado móvil sin dejar ninguna calva.

Seguidamente romperemos los bordes y los difuminaremos invadiendo el parpado superior.

En el parpado inferior pondremos la sombra fucsia, sin llegar a invadir el pómulo. Aplicaremos lo más pegado a las pestañas inferiores hasta el lagrimal y uniendo con la sombra verde donde acaba la ceja. Igualmente aquí romperemos los bordes difuminando.

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Haremos la delineación superior en color blanco con agua color, será una línea gruesa, con el mismo agua color en blanco maquillaremos las pestañas superiores e inferiores como veis en la foto.

Pómulos y nariz: Para los pómulos trazaremos dos líneas oblicuas con sombras rosa y morada desde la parte inferior de la oreja hasta las comisuras del labio. Una línea encima de la otra muy pegadas entre si y difuminaremos hasta unirlas en sola una línea gruesa. Esto lo realizaremos en ambos pómulos y lo que conseguiremos es marcar y resaltar más los pómulos y mandíbula.

En la nariz trazaremos dos líneas verticales a cada lado desde el entrecejo hasta el final con sombras rosa y morada. Difuminaremos hasta que ambos tonos queden bien mezclando y unificados.

Llegando a unirse con las sombras del ojo en el lagrimal.

Labios y cejas: Los labios los perfilaremos en un tono rosa, lo más parecido a la carnosidad del labio y los rellenaremos del mismo tono que el perfilador.

Para las cejas utilizaremos el mismo pelo que usaremos de la peluca. Nos servirá la típica peluca de payaso. Cortaremos un tirabuzón y lo alisaremos con la plancha. Para pegarlo utilizaremos Mastix un pegamento especial para la piel.

Usaremos una peluca como hemos comentando una chistera y un pañuelo como accesorios y voilà este es el resultado final...

Espero que disfrutéis del Carnaval y si os volvéis locos no os preocupéis, como dice el Sombrerero loco “las mejores personas lo están” ....

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HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA

Cr贸nica antigua

1839 a 1878 continuaci贸n

by M Carmen Calder贸n Texto: Mamen Calder贸n Fotos: imagenes obtenidas en internet

En 1862, cuando la fotografía ya se ha convertido en signo de distinción social, la London Company vende más de un millón de diversas estampas de paisajes, que pueden visionarse con un efecto de relieve a través de unos binóculos especiales.

Los primeros fotógrafos tienen la costumbre de autodenominarse “profesores”.

No es de extrañar que en el siglo XIX los vendedores ambulantes de cámaras, trípodes, placas y otros materiales hagan demostraciones prácticas que muestran el funcionamiento de sus productos.

Ya sabemos como estaba el ambien-

te fotográfico en esta época, los métodos usados, quien los descubrió, etc. Sólo nos falta conocer que fotógrafos estaban en auge y que papel jugaba la fotografía en la sociedad.

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Posiblemente, la primera fotografía que cuenta un suceso que esta ocurriendo es tomada por el daguerrotipista alemán Carl F. Stelzner, que capta la imagen de un incendio que calcina un barrio de Hamburgo en Alemania. En 1851, Blanquart-Evrard funda en París el primer taller de impresión de fotos en serie, que vende álbumes de sus propias fotografías en fascículos semanales. Así el publico puede conocer los monumentos y las obras de los principales museos a un precio asequible.

A mediados del siglo XIX, España es un mercado muy virgen en el ámbito de la fotografía. Los pioneros del daguerrotipo son idealistas con poco sentido práctico y no llegan a dedicarse como profesionales porque son en su mayoría científicos progresistas y liberales que acceden a la nueva técnica impulsados por un interés puramente cultural. Esta situación es aprovechada por profesionales europeos como el inglés Charles Clifford y el francés Jean Laurent, que se instalan en Madrid y se convierten en fotógrafos de la Casa Real entre 1852 y 1857. En

Incendio Hamburgo - Carl F. Stelzner.1842

Barcelona se instala el fotógrafo francés François Alexandre Gobinet de Villecholles, más conocido como “Franck”, que abre su estudio con notable éxito.

Tras la introducción oficial del daguerrotipo en Sevilla, Francisco de Leygonier presenta la fotografía sobre papel y Enrique Godínez el ambrotipo, negativo sobreexpuesto de colodión sobre vidrio que es mucho menos costoso que el daguerrotipo. Los privilegiados conocedores de estas técnicas pronto empiezan a impartir clases a un precio elevado a la vez que venden cámaras y equipos.

Por ejemplo, el suizo Schmidt cobra 320 reales de vellón (unos 85€) por un curso de quince días. Otros fotógrafos que también impartían clases de 15 días de duración son Woelker o Ramón Alabern. Este último lo hace a través de la Academia de las Ciencias de Barcelona. Los cursos y mucha práctica sirven de formación a los daguerrotipistas españoles.

Los estudios fotográficos se extienden por las ciudades más importantes de Europa, situándose en las grandes avenidas y en las calles más elegantes y concurridas. Por ejemplo, en la capital española, Madrid, se sitúan en las cercanías de la Puerta del Sol. En Barcelona en las Ramblas y en Sevilla se ubican en la calle Sierpes. El inconveniente que tenía montar un estudio en esta época era que no había luz eléctrica en la mayoría de las ciudades, por lo tanto acondicionar los estudios era una tarea laboriosa de cierta dificultad. Se tenían que construir espacios acristalados en patios y azoteas para aprovechar al máximo la luz solar.

En las primeras épocas, los fotógrafos solían acompañar a sus clientes hasta los patios interiores o terrazas y los hacían sentar en una silla para realizar la toma. De estos momentos en los que se le pide al cliente que este totalmente quieto nace la famosa frase de “Estese

Típico estudio fotográfico de la época

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quieto, como si estuviera muerto”. Pero tal vez la expresión más conocida sea “Mira la caja que saldrá un pajarito “, que se atribuye a al ingenio del francés Marc Antonie Gonohir.

Los primeros estudios de fotografía comercialmente serios de los que se tiene constancia son los del americano Robert Cornelius y el londinense Richard Beard, que abre al publico en 1841 y estaba situado en el tejado de la Royal Polytechinc Institution de Londres. La exposición de los retratos se realizaba con luz solar y directa y dependía de a estación, en de 3 segundos a 2 minutos, y en invierno de 3 a 5 minutos. Los tiempos variaban según las condiciones atmosféricas. El asiento, donde se sentaba el cliente, se situaba en una plataforma que lo elevaba del suelo para captar mejor la luz que se filtraba a través del techo acristalado.

En 1860, la demanda de retratos, tanto para las tarjetas de visita como de los personajes famosos o públicos, dan un impulso definitivo a estos estudios de fotografía. Destacando, por ejemplo, en Madrid los gabinetes de José Albiñana, Alonso Martínez o Laurent, en Sevilla Enrique Godínez o Albareda en Barcelona.

Vendiendo entre todos ellos miles de retratos de la reina Isabel II.

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En el próximo número nos adentraremos en la época moderna. Conoceremos los inicios de la marca Kodak y el nacimiento de nuevas técnicas fotográficas.

Retrato Reina Isabel II

Un año después de la muerte de Daguerre, 1851, se fundó en París la Sociedad Heliográfica que publica la revista “La Lumière”. Aunque esta asociación se disuelve dos años más tarde, la revista continua publicándose hasta 1866. Otra asociación que se funda en esta época, pero con mejor fortuna, es la Sociedad francesa de fotografía, que sigue activa hoy en día.

Cabecera revista “La Lumière” fundada en 1851

En Londres Roger Fenton, funda la Sociedad Fotográfica (1853), que en 1894 se convierte en la Real Sociedad Fotográfica, que todavía existe, y que publica las revistas “Journal of the Photographic Society”, “British Journal Photography” y “Photographic Art Journal” con la fama de ser de las mejores especializadas en fotografía de Inglaterra. Como ya hemos visto, la fotografía se abrió un hueco en la sociedad ya que era capaz de plasmar y comunicar acciones o noticias. Es por ello que la prensa de la época también se hizo eco de este descubrimiento.

En 1850 nace en Nueva York la primera revista dedicada a las artes fotogénicas y daguerrotípicas bajo el nombre de “The Daguerreian Journal”. En España el “Diario Mercantil de Valencia”, fundado en 1833 por Pascual Pérez Rodríguez, publica en 1852 unas fotografías a partir de un daguerrotipo. A partir de 1864 aparecen varias publicaciones técnicas, las más importantes son “Artes Fotográfico” y “La Fotografía” impulsada por el fotógrafo sevillano José Sierra Payba. También surgen las revistas barcelonesas de “La Fotografía práctica” y “La Revista Fotográfica”, periódico popular de la fotografía ilustrada.

Ejemplares The Daguerreian Journal

Ejemplo publicación especializada de la época

Ejemplar Diario Mercantil de Valencia

En el próximo número nos adentraremos en la época moderna. Conoceremos los inicios de la marca Kodak y el nacimiento de nuevas técnicas fotográficas.

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PORTFOLIO DEL MES

Concurso Canson Fotograf铆as de los alumnos en competici贸n

Alberto Escribano

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Mi mundo pequeño, limitado, interior busca respuestas en una creaciòn supe-

rior. Sin saber donde estoy ni a donde me dirigò no paro de buscar mi sitio, en esta ocasiòn me llevò a recorrer el Camino de Santiago en busca de calmar mi sed.

Alberto Escribano

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Asunci贸n Gonz谩lez

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Descripción de la obra: Fotografías en soporte analógico en blanco y negro pos-

teriormente tratadas en laboratorio por el proceso antiguo a goma bicromatada o al bicromato potásico. Hechas en papel de acuarela Canson con las dimensiones 29,7x42 cm. Titulada la obra “Procesos Antiguos” ; dicha obra ha sido realizada durante dos 2 años.

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Asunción González

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Universo artístico: A lo largo de 5 años viaje por varias ciudades europeas cap-

tando imágenes de lugares emblemáticos de la ciudad en la que me encontraba.

Escogí 5 fotografías de Paris, por lo especial que es para mi y lo que viví. Además de un lugar buscaba captar cada instante que me daba una emoción, un sentimiento...La vida esta llena de momentos que se paralizan y congelan en una imagen para que no lo olvidemos lo que sentimos y vivimos. Esto es lo que se refleja en mi obra”Procesos Antiguos “ en las 17 fotografías que la componen.

Asunción González

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Mamen Calder贸n

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Estas fotografías pertenecen a mi colección de 15 fotografías “desnud_arte” en

las que se quiere representar el arte del desnudo de la mujer, desde un punto de vista agresivo a uno de espía o mirón.

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Mamen Calderón

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HIZO SE LA LUZ

Iluminaci贸n con liquidos

by M Carmen Calder贸n Texto y fotograf铆as: Mamen Calder贸n

Lo primero que iluminamos fue el liquido, para ello colocamos una luz directa con viseras lateral, a 3H, con una gelatina magenta para teñir el agua. Como vemos en la imagen se nos colaba luz en el producto, tiñendo toda la imagen, por lo que optamos por cerrar las viseras, pero no conseguimos encontrar el punto de equilibrio. O quedaba muy oscuro o se colaba en demasía, como podemos ver en las imágenes.

En

este número vamos a crear una fotografía con líquidos. Este tipo de foto la podemos considerar fotografía creativa, pero en algunas ocasiones nos puede resolver tomas complicadas y darnos buenos resultados. En nuestro caso vamos a generar un anuncio de una crema para el cuerpo. Para ello lo primero que tenemos que tener en cuenta es que necesitamos un recipiente para contener el liquido, nosotros usamos una pecera que la llenamos de agua del grifo. A continuación colocamos un recipiente para sujetar el producto que íbamos a fotografiar, en este caso un vaso largo. ¿Que conseguimos con esto? que el producto parezca que esta en el agua pero en realidad no lo esta.

Viseras abiertas. Se cuela (tiñe) el producto.

Viseras cerradas. No se tiñe el liquido.

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Como solución optamos por colocar una gelatina azul, que a la vez de dar más sensación de frescura, característica esencial de la crema, fue mas sencillo encontrar el punto perfecto de iluminación.

A continuación iluminamos el producto, para ello usamos una luz difusa cenital. Problema… el brillo producido en la superficie del recipiente tapaba todas las letras de la etiqueta, penalización en una fotografía publicitaria. Solución… desplazarla lateralmente hasta que el brillo caiga en la zona correcta. Como podemos ver en las imágenes.

La luz principal, flash de 500 wattios con ventana colocado a 7H por encima de nuestra cabeza (F8) y una luz lateral de relleno directa con viseras a 3H, un punto por debajo de la principal (F11).

Una vez colocado el esquema pondremos en nuestra cámara los siguientes valores: Velocidad: 125 Diafragma: F8 ISO: 100 Balance de blancos: luz día (5200K)

Esquemáticamente para que nos quede todo un poco más claro, tendríamos: posición de las luces en las coordenadas H

Esquema de luces

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Y el resultado es el siguiente:

La imagen que buscábamos!!

Por cierto. Se me había olvidado comentaros que decidimos meter burbujas para hacer una imagen más fresca. Al principio optamos por agitar el agua con unas varillas, pero las burbujas que se generaban eran muy toscas y no iban en concordancia con el producto. Entonces se nos ocurrió introducir pastillas efervescentes que producen unas burbujas que le daban a la imagen ese punto de frescura buscado. ¿Estaréis de acuerdo no?

Imagen subexpuesta

Como vemos queda un poco oscuro, así que para hacer que los colores sean más llamativos abrimos el diafragma un punto (F5,6) y tenemos:

Burgujas creadas agitando el agua

Exposición correcta

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La Mirada de

Henri Cartier-Bresson

by M Carmen Calder贸n Texto: Grandes fot贸grafos. Salvat Fotos: imagenes obtenidas en internet

consigue escapar y regresa a Francia, donde se une a la Resistencia. Durante este periodo, realiza retratos de artistas y escritores. Después de la Liberación, rueda “Le retour”, documental dedicado al retorno de los deportados.

En 1946 viaja de nuevo a Estados Unidos para asistir a la exposición “póstuma” que el MoMA ha decidido dedicarle creyendo que había muerto en la guerra.

En 1947, con Robert Capa, David Seymour (Chim) y George Rodge, funda Magnum Photos. Un año más tarde viaja a Asia, donde cubre grandes hechos como la muerte de Gandhi o el triunfo de Mao. Vuelve a Francia en 1952 y posteriormente se traslada a la URSS, convirtiéndose en el primer fotógrafo occidental autorizado a viajar por el territorio soviético. Siguen varios viajes de larga duración por la Republica Popular China, Cuba, México, Canadá y Japón.

Henri Cartier-Bresson nace el 22 de

agosto de 1908 en Chanteloup, cerca de París. Después de realizar los estudios secundarios, se apasiona por la pintura y las ideas de los surrealistas, y estudia arte con André Lhote (1927-1928).

En 1930 parte para Costa de Marfil, donde permanece casi un año. Al regresar a Francia, por unas fiebres, comienza a practicar la fotografía y expone en la galería Julien Levy, en Nueva York (1932), y después en Madrid. En 1934 viaja durante un año por México y en 1935 se instala en Estados Unidos, donde se interesa por el cine influido por Paul Strand. Ese mismo año regresa a Francia y se convierte en ayudante de Jean Renoir.

En 1940 cae prisionero y es enviado a un campo de Alemania, que tras dos intentos de evasión, en febrero de 1943 48

En 1970, el “Grand Palais” le dedica una exposición titulada “En Francia”.

Cuatro años después vuelve a dedicarse al dibujo.

En 1981 se le concede en Francia el Gran Premio Nacional de Fotografía y en 1986 recibe en Palermo el Premio Novecento.

En 2002 con su mujer, Martine Franck, su hija, Mélanie, decide crear en París la “Fundación Henri Cartier-Bresson”, que es reconocida de utilidad publica por el Gobierno Francés y abre sus puertas en 2003. El mismo año, la Biblioteca Nacional de Francia le dedica una importante exposición retrospectiva.

Henri Cartier-Bresson muere el 3 de agosto de 2004 en la casa familiar de Provenza. Tenía 95 años.

1932. Francia. Hyères

El aparato fotográfico es para mí como un cuaderno de esbozos, el instrumento de la intuición y de la espontaneidad, el dueño del instante que, en términos visuales, cuestiona y decide a la vez. Para “significar el mundo”, hay que sentirse implicado con lo que el visor destaca. Esta actitud exige concentración, disciplina del espíritu, sensibilidad y sentido de la geometría. La simplicidad de expresión se consigue mediante una gran economía de medios.

Henri Cartier-Bresson

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1933. España. Valencia

Fotografiar es retener la respiración cuando todas nuestras facultades se conjugan ante la realidad huidiza; en entonces cuando la captación de la imagen supone una gran alegría física e intelectual.

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Henri Cartier-Bresson

1934. México. Calle Cuauhtemoctzin

Para mí fotografía es el reconocimiento simultaneo, en una fracción de segundo, por una parte del significado de un hecho y, por otra, de una organización rigurosa de las formas percibidas visualmente que expresan ese hecho.

Henri Cartier-Bresson

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1946. Francia. ParĂ­s. Jean-Paul Sartre

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1947. Estados Unidos. Massachusets. DĂ­a de la independencia

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Fotografiar es poner la cabeza, el ojo y el corazĂłn en el mismo punto de mira.

Henri Cartier-Bresson

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1948. China. Eunuco de la corte imperial de la Ăşltimo dinastĂ­a

1972. URSS. Georgia. Región de Kejeti. Ciudad de Telavi. Monasterio de Alaverdi

El tiempo corre y pasa, y sólo la muerte consigue atraparlo. La fotografía es una cuchilla que atrapa en la eternidad el instante que la deslumbra.

Henri Cartier-Bresson Más información:

»» Fundación Cartier-Bresson »» Magnum Photos »» Wikipedia

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e j a l l i u q a m e d a Escuel rsos Nuevos cu

Iniciación Mañanas: :00 • Martes y jueves de 11 a 13:00 :00 • Sábado de 11:00 a 14 Tardes: :00 a Martes y jueves de 18 20:00

Avanzado Mañanas: • Lunes y miercoes de 11:00 a 13:00 • Sábado de 11:00 a 14 :00 Tardes: Lunes y miercoles de 18:00 a 20:00

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Mañanas: Martes y jueves de 11:00 a 13:00

Mañanas: Viernes de 11:00 a 14:00

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Iniciación Mañanas: • Lunes y miercoles de 11:00 a 12:30 • Sabados de 11:00 a 14:00

Profesional Tardes: Lunes y miercoles de 19:00 a 20:30

Tardes: Martes y jueves de 19:00 a 20:30

Iluminación

Retrato

Tardes: Lunes y Miercoles de 17:30 a 19:00

Mañanas: Martes y jueves de 12 :00

Moda Mañanas: Domingo de 11:00 a 14:00

a 13:30

ACTIVIDADES Exposiciones

Alvin Langdon Coburn

Jorge Molder. Rico pobre mendigo ladrón

Hasta el 8 de febrero de 2015 Fundación Mapfre Bárbara de Braganza, 13

Del 5 de febrero a 17 de mayo de 2015 Circulo de Bellas Artes Sala Picasso

Aún no

19º FotoPres “laCaixa

www.fundacionmapfre.org

www.circulobellasartes.com

Del 11 de febrero al 13 de junio de 2015 Del 13 de febrero al 7 de junio de 2015 Museo Reina Sofía CaixaForum Madrid Edificio Nouvel, Planta 0 Paseo del Prado, 36, Madrid www.museoreinasofia.es

agenda.obrasocial.lacaixa.es

Roni Horn. Todo dormía como si el universo fuera un error

Pablo Genovés. El ruido y la furia

Hasta el 1 de marzo de 2015 Caixa forum Madrid Paseo del Prado, 36 agenda.obrasocial.lacaixa.es

Sistema operativo - Daniel G. Andújar Hasta el 4 de mayo de 2015 Museo Reina Sofía Edificio Sabatini, Planta 3 www.museoreinasofia.es

Crónica

Hasta el 22 de Marzo de 2015 Sala Canal de Isabel II Santa Engracia, 125 www.madrid.org

La ola negra: el tsunami diez años después Hasta el 16 de junio de 2015 Museo Nacional de Antropología Alfonso XII, 68 Parque Tierno Galván, mnantropologia.mcu.es

La exposición El rostro de las letras nos permitó contem-

plar las primeras fotografías de importantes literatos españoles como Azorín, Baroja, Marañón, Ortega y Gasset, Unamuno… a la vez que rinde un homenaje a grandes fotógrafos de los siglos XIX y XX, como Alfonso, Compañy, Franzen, Juliá, Kaulak, Nicolás Muller, Santos Yubero, Catalá-Roca y Ramón Masats, entre otros.

Pudimos disfrutar de fotografías, objetos, documentos y filmaciones cinematográficas de la época, pero el conjunto reflejaba la evolución del retrato fotográfico español y su reflejo en el campo de la literatura, desde los primeros procedimientos fotográficos hasta el desarrollo de la prensa ilustrada.

Concursos

Concurso Fomunity: Fotografía Nocturna

Concurso Fomunity: Fotografía

www.fomunity.com

www.fomunity.com

Hasta el 2 de febrero de 2015.

Más información:

Concurso Fotográfico “Día de San Sebastian” Hasta el 5 de febrero de 2015.

Más información: www.luminososargadigital.com

11a Convocatòria del Premi per a Artistes Joves: Climent Muncunill i Roca.

Hasta el 6 de febrero de 2015 Más información:

Hasta el 2 de febrero de 2015.

Más información:

IV Concurso Internacional de Fotografía: Helie Memorial Hasta el 6 de febrero de 2015 Más información: www.heliememorial.com

2º Concurso de Fotografía: Show Your Forest

Hasta el 8 de febrero de 2015 Más información: www.showoffyourforest.com

www.museudemanresa.cat

IV Edición del Concurso “Una foto x la Igualdad”

Hasta el 15 de febrero de 2015 Más información: concurso.jscsab.org

II Premio Internacional de Fotografía: NEXOFOTO 2015 Hasta el 20 de febrero de 2015 Más información: www.nexofoto.es

VIII Concurso Fotográ- X Concurso Fotográfico fico de les Festes d’Hivern Vijanera 2015 Hasta el 28 de febrero de 2015 de Ibi

Hasta el 27 de febrero de 2015 Más información: www.ibi.es

Foto Flowers

19 de Enero de 2015 a 13 de Abril de 2015 Más información:

www.blipoint.es

Más información: www.vijanera.com

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