Año III - Número 28/ Noviembre 2017
HUGO GARGIULO VOLAR, VOLAR, VOLAR
Tres en línea
MOVIMIENTOS SOCIALES MONTEVIDEO ROCK Viajes: Nueva York
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CONTENIDO 8_ _Entrevista: Hugo Gargiulo
14_ Ningún día aburrido_
04_ La Chica de la Libretita
46_ Ningún rockstar es nuestro dueño
22_ VOLAR, VOLAR, VOLAR_
DISEÑO QUE INSPIRA
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The MadClothier
34_
Editora Belén Fourment Colaboran en este número
MONTEVIDEO ROCK
Cecilia DP Ana Paula Yañéz Belén Fourment Playnes Florencia Magni Bruno Larghero Jessica Conde Gabriela Viera Vivian Lettier Sebastián Walch Cecilia Díaz Marcelo Aste Diseño Jessica Conde Ilustraciones LuTTe
30_ _Con sombrero por la ciudad
Contacto redaccion@revistalamirilla.com Web www.revistalamirilla.com
28_ En la mira 48_ Tres en línea
44_ Movimiento y liberación
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Dirección Jessica Conde
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La chica de la libretita
DE MUDANZAS Y SILLONES
—”No, no sé qué tamaño es tu sillón. Si vos no me pasás las medidas no puedo saberlo, y no me las diste, así que no sé”. Mientras una voz bastante enojada, ya al borde de la irritación producida por la falta de información indispensable, sigue pidiendo que se le preste atención, imaginen a nuestra protagonista soñando, alternativamente, con un sillón gigante, probablemente con garras y dientes feroces, luchando con quienes intentan obligarlo a salir de su living (no la culpen, ya de niña tenía mucha imaginación) y un sillón pequeñito, como de casa de muñecas, solo en el furgón de una camioneta demasiado grande para él. —”Otra vez, no, no sé qué tamaño tiene tu sillón”. Y el monstruo sillón a estas alturas debía estar furioso, intentando comerse a quien debería estar midiéndolo en lugar de hablar por teléfono. ¿Cómo alguien osaría desalojar a una criatura poderosa como él? Y mucho peor, ¿por qué cometerían semejante acto de desprestigio hacia su hogar? Si todos sabemos que los sillones son legendarios custodios de nuestras salas de estar, desde tiempos remotos… Pero la Chica ya no prestaba atención, así que nunca sabremos si efectivamente el sujeto tácito de esa conversación ajena fue atacado por su mueble o no. ¿Dónde estaban sus ideas? Recordando su propia mudanza, cuando, maravillas del tránsito vehicular mediante, para hacer las cuatro cuadras que separaban una casa de la otra había que recorrer al menos el doble. Sí, caminando ese movimiento se hacía bastante más ligero. Pero claro, ¿quién intentaría, tras la conversación escuchada, trasladar a su sillón por la calle sin bozal? Espero entonces, queridos lectores, que estén mimando como corresponde al sillón con el que comparten esta lectura.
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a no es novedad para nadie, estimo, que nuestra Chica va por la vida escuchando conversaciones ajenas. Y que si solo escucha una parte rearma las charlas mentalmente, imaginando al interlocutor faltante. Diversión peligrosa si las hay: uno puede hasta pasarse de la estación que le corresponde si la charla es interesante, o quedarse con las ganas de saber que pasó después, si acertó a bajarse donde debía y la comunicación seguía. Por eso no le sonará raro a nuestro lector que un viaje en tren, en una noche oscura, la encontrara sonriente cuando el vagón se vio inmerso en la siguiente situación:
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asarse con la prima, quemar todo, incitar a la sexualidad con su música y muchas cosas más que nos hacen acordar a los grandes “libertadores americanos”: Jerry Lee Lewis llegó para romper varios esquemas. Ya de muy pequeño su familia hipotecó la casa para comprarle un piano, porque sus cualidades eran evidentes. Más adelante, tanto su manera bastante particular de tocar, como el modo de arengar al público con su canto y sus pasos de baile mientras tocaba el piano, harían de este artista el rey del movimiento.
Roberto escucha discos
CAP. 10 ¿CÓMO NO MOVER EL PIE? ¡ROCK & ROLL! ¿QUERÍAS MOVIMIENTO? ¡TOMÁ! Jerry Lee Lewis and The Nashville Teens - Live At The Star Club, Hamburg. 1964
Cuenta la leyenda que rock es el balanceo hacia adelante y atrás de un barco, y que roll es el balanceo hacia sus laterales. En el disco que hoy presentamos no hay manera de no escuchar y bailar a la vez, de no moverse, balancearse. Sus 13 canciones permiten lustrar el piso al son de la música, tanto que pueden provocar una quebradura expuesta de cadera. Se recomienda solo escuchar primero. Varios son los éxitos que componen a este, que es uno de los mejores discos en vivo de la historia. El público enardecido por la música se descostilla gritando: “Jerry! Jerry! Jerry!”. Es que es lo que provocaba, literalmente: provocaba al público para que lo siguiera en sus muchos alaridos, gritos, esbozos y suspiros. En este álbum suenan composiciones de Chuck Berry, Carl Perkins, Bumps Blackwell y John Marascalco (los escritores de “Great Ball Of Fire”) y de muchos más. Para 1964, la influencia del rock n’ roll ya había calado hondo en un entorno proclive a ir modificando su estructura para lograr una gran variedad de estilos que hasta el día de hoy suenan por doquier, y Jerry Lee Lewis era parte de toda esa movida. Los Beatles y los Rolling Stones empezaban con esa globalización de estilos musicales, y para ese entonces Jerry pertenecía a la ya vieja camada de artistas que venían de los cincuentas, años en los que todo era nuevo pero medio acartonado. Poco después, la aparición de otros artistas como Cream, Yardbirds, The Animals y The Beach Boys, por nombrar a algunos, hizo que esa vieja camada se apegara a los nuevos sentimientos que se expresaban. Algunos se fueron para la reflexión y el despierte de otros sentidos; y otros simplemente buscaron el movimiento, la fiesta y el descontrol. Jerry formó parte de este segundo grupo, manteniéndose fiel a su estilo. Se recomienda para su uso un viernes a la noche, con alcoholes varios y retazos greens para una mayor focalización en lo que se expresa palabras atrás. Dejense llevar por el amor, la locura ¡y el rock and roll!
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_RECOMENDADOS
ESPANTAJULEPES Nico Barcia Alfaguara
Este escuadrón de nuevos amigos está acá para ayudarte, y después de conocerlos, no vas a querer que se vayan. Mecánicos de cuatro ojos, brujas con seis narices, un delivery con múltiples piernas que recorre Montevideo a toda velocidad son algunos de los monstruos encargados de correr los miedos de los niños uruguayos. Con un lenguaje cotidiano y mucho humor este libro álbum es el primer número de una posible colección de estos personajes. Se recomienda para niños de 4 años en adelante. Ficha técnica Sello: ALFAGUARA I. Fecha de publicación: Noviembre de 2017 Idioma: Español Colección: Contamelo otra vez
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DESTACADO DEL MES
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ENTREVISTA
“SOLO HAY QUE CONTINUAR, CREER EN LOS PROPIOS SUEÑOS” Me enteré de su trabajo varios años atrás gracias a la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de invierno, Sochi 2014, en la cual participaron algunos uruguayos en roles fundamentales en el espectáculo con la compañía Finzi Pasca. En aquella ocasión realizaron la clausura olímpica y la ceremonia de apertura paraolímpica, y allí el uruguayo Hugo Gargiulo estuvo a cargo de la escenografía, Chiqui Barbé fue una de las asistentes de dirección y Mueca Films con Facundo y Juan Ponce de León realizaron un documentario de todo el proceso. Para conocer más de su maravilloso trabajo, en aquel momento hablé con Hugo Gargiulo -y ahora nuevamente-, quién comenzó el intercambio con una máxima: “hay mucha gente aquí haciendo cosas maravillosas; solo hay que continuar, creer en los propios sueños”.
POR GABRIELA VIERA FOTOS: VIVIANA CANGIALOSI/COMPAGNIA FINZI PASCA/ LUCA PARISSE
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Hugo Gargiulo – Escenógrafo y cofundador de la Compagnia Finzi Pasca
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ENTREVISTA
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a compañía Finzi Pasca nace a través de la figura de Daniele Finzi Pasca, quien cuenta historias a través de espectáculos profundamente íntimos, grandes puestas en escena con enormes desafíos tecnológicos y acrobáticos, pero que tienen en común un mismo objetivo, dice Hugo Gargiulo: “hacer llover en los ojos de los espectadores”. Todos los espectáculos tienen también en la música otra de sus facetas fundamentales, y un despliegue acrobático y artístico de altísimo nivel. Por causalidades del destino y por ese fenómeno que ocurre muchas veces, donde todo se conecta de alguna forma, algunos uruguayos se han unido al equipo de Daniele, y uno de ellos es el escenógrafo que hoy les presento. Con mucha experiencia en teatro y actuación en nuestro país, en 1996 Gargiulo parte a Suiza para iniciar un camino que le ha permitido crecer y desarrollarse. Muchos han sido los proyectos, obras y puestas en escena que ha creado con la Compañía. Uno de sus grandes desafíos fue llevar adelante la ceremonia de clausura de los últimos Juegos Olímpicos de invierno de Sochi, que se realizó en Rusia en febrero de 2014. La creación que fue seguida por millones de espectadores en el mundo a través de los medios masivos, se desarrolló en el estadio olímpico colmado de público y atletas, y estuvo a cargo de este grupo de profesionales, del que Gargiulo fue parte fundamental. Hace un tiempo, de paso por Montevideo para unos días de descanso, me contó algunos de los secretos de una actividad que le permite desplegar todo su talento y en la que encontró la forma de cumplir uno de sus grandes sueños. No quise desaprovechar la oportunidad de conocerlo, y de contar su historia, en la que todos podemos tener algo que ver, ya sea por
referencia, por inspiración o admiración. El intercambio fluye, la charla se hace a través de preguntas simples, que Gargiulo responde con sencillez y calidez. Cada respuesta es un cuento, una historia, que me invita a continuar descubriendo. Hugo me cuenta que conoció a Daniele en 1994, “como un espectador más de Ícaro, que rápidamente se transformó en un ícono teatral en Montevideo”. En aquella época Daniele y la Compañía -por entonces Teatro Sunil- siguió volviendo con Ícaro y otros espectáculos, y proponiendo también talleres para actores, “en los que por supuesto participé”, dice Gargiulo. “Uno de los elementos centrales de la poética de nuestro hacer es el poder transformador del teatro en la vida de un espectador, y puedo decir que fue mi caso. En 1996 me transfiero definitivamente a Suiza. En ese momento fue hacer un salto, dejando de lado algunas seguridades. Llevo 21 años fuera, tengo una hija de 16. Hoy soy uno de los fundadores de la Compagnia Finzi Pasca, junto a otros integrantes históricos: Daniele obviamente, Julie Hamelin -fallecida recientementeAntonio Vergamini y mi esposa, Maria Bonzanigo, que es compositora y coreógrafa. Evidentemente es una actividad que exige ritmos diferentes de un normal trabajo, algo donde uno entrega su tiempo, su cabeza, su alma, y esto no es posible si la familia no participa activamente de esta decisión”. La charla deriva de a poco a sus orígenes, su experiencia y en cómo encontró su pasión. “Terminé el liceo en dictadura y empecé a estudiar arquitectura tratando de canalizar allí intereses que no sabía muy bien definir. Hay que decir que había muchas menos opciones que las que hay ahora. En 1988 me inscribí a un curso de teatro con Bebe Cerminara, y allí se
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“LA FÍSICA MODERNA NOS DICE QUE EL TIEMPO SOLO EXISTE SI HAY UN CAMBIO QUE SE PUEDA CONSTATAR, AL MENOS ESO ME PARECIÓ ENTENDER”
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dispara completamente una pasión que hasta hoy no me abandona. Enseguida debuté como actor en un espectáculo para niños con el que incluso ganamos el Florencio. Participé en otras puestas, también como director, pero igual veía muy lejano lograr hacer de esto una profesión”. Sin embargo, sin ni siquiera darse cuenta las cosas se fueron dando, y un día ya estaba en Suiza, armando junto a otros, este mundo que es hoy la Compagnia Finzi Pasca, marca de calidad que aún muchos no han descubierto, pero donde cada propuesta es un viaje a lo profundo a la esencia. “Evidentemente no es un camino lineal sino una escalera cuyos peldaños son hechos de intuiciones, de pequeñas y grandes decisiones y sobre todo de encuentros”. Encuentros, es una palabra que, escucho, se repite en muchas de las historias vinculadas a la Compañía; encuentros que no hay que dejar pasar, intuiciones
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ENTREVISTA
que se convierten en certezas la mayoría de las veces.“Con Daniele se trabaja como una familia y en todos los proyectos él busca rodearse del mismo grupo de creadores, los que en general trabajamos juntos desde hace muchos años”, agrega. El principal desafío En estos años, el principal desafío ha sido enfrentar diferentes escalas de evento a varios niveles. En lo que refiere a la ceremonia de los Juegos Olímpicos, “estábamos creando un espectáculo para una audiencia potencial de 3.000 millones de televidentes, además de los 40.000 espectadores en el estadio, que fue construido especialmente para estas ceremonias, y que es sin duda el espacio de representación más grande jamás realizado, con una tecnología y maquinaria escénica que nos permitiría hacer volar
“TRATAMOS COMO UN MASAJISTA DE IR A TOCAR CIERTOS MECANISMOS DEL ALMA, PARA LOGRAR DESATAR LA EMOCIÓN EN EL ESPECTADOR”.
objetos y personas de un extremo a otro por más de 150 metros a alturas de más de 40 metros. Evidentemente el desafío técnico era enorme. A su vez, había que crear un espectáculo que reflejara y representara el sentir de toda una nación, de la envergadura de Rusia no siendo rusos. Otro dato de record es que fuimos el único grupo creativo que ha realizado dos ceremonias consecutivamente: la clausura olímpica y 10 días después la apertura paralímpica. Por suerte había que ponerse a trabajar en un modo tan intenso que te hacia concentrarte en el aquí y ahora, y olvidarte de la dimensión de lo que se estaba haciendo. La clausura era un homenaje a la cultura rusa y fundamentalmente a sus artistas, muchos de los cuales fueron en su momento disidentes del sistema imperante. Hubo un segmento dedicado a la pintura, a la música, al ballet, a la escritura y al circo. En la ceremonia paraolímpica el mensaje era romper el hielo, un modo simbólico, romper barreras”. Si bien el grupo de creación es medianamente reducido, a medida que la producción avanzó fue involucrando a centenares de especialistas y miles de voluntarios. Solo el casting de voluntarios de la clausura superó las 5.000 personas. “Estar en la parte neurálgica de la creación de una ceremonia olímpica fue sin duda un privilegio, una oportunidad y por supuesto, un gran esfuerzo, como lo es que nuestros espectáculos recorran el mundo entero”, explica, mientras da detalles de lo que significan esas giras. “Creo profundamente en el poder ‘sanador’ del teatro
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y del arte en general. Trasmitir valores positivos es hoy en día ir un poco contra la corriente. Hay mucho peso de lo negativo en todo lo que se hace, y creo que no se tiene conciencia de cuánto daño puede generar. No creo en un mundo ‘edulcorado’ pero creo que ir al encuentro sincero del otro, es la única manera de incidir activamente y provocar cambios profundos y verdaderos, que son los que se producen ‘dentro’ de las personas”. “Cada rubro en un espectáculo es importante, pero el espectáculo es algo más que la suma de las partes. Mi esposa María Bonzanigo es quien compone la música de casi todos nuestros espectáculos, trabajo que se transforman en melodías que suelen sorprender y emocionar en un modo íntimo y épico a la vez. La música es en gran parte la partitura emotiva del espectáculo. Cuando trabaja del otro lado de la puerta, siento al principio notas sueltas, que pronto se transforman en melodías que ya no me abandonan y que pronto se transformarán en piezas orquestales que son como una segunda piel de los espectáculos que acompañan”. Finzi Pasca y los uruguayos Con Uruguay hay un vínculo muy fuerte desde aquellos primeros años de talleres. Y Gargiulo va contando detalles: “Facundo Ponce de León y Chiqui Barbé, su esposa, eran jovencísimos en 1994, pero eran ya parte del entorno de gente que había sufrido la fascinación de Ícaro. Facundo siguió muy vinculado a Daniele y a la Compañía y mientras estuvo radicado en Europa para su doctorado escribió el libro El Teatro de la Caricia. Chiqui trabaja con nosotros desde 2009 siendo una de las cabezas de la organización de las giras, y artísticamente ocupándose de la concepción de maquillaje. En Sochi fue también asistente de dirección. Dentro de los amigos incondicionales, tenemos a Sergio Dotta, incansable productor de todas las presentaciones de Ícaro en Montevideo. Triste como uruguayo alegre La charla sobre Uruguay nos lleva a analizar nuestra forma de ser, cómo vemos y sentimos y cómo nos expresamos, y de esa autodefinición de “grises”,
concepto que no comparto, pero del que quiero conocer su opinión. Al respecto me cuenta algo que le sucedió en México cuando fueron a ver un concierto de Leo Maslíah, y que tiene que ver con esa percepción. “Allí la presentadora dijo: ‘triste como uruguayo alegre’. Me sorprendió bastante como apreciación de lo que somos, aunque perciba el velo de nostalgia que en general nos cubre. A su vez, estando fuera me sorprende un poco ver cuánto es importante en las noticias que Uruguay o los uruguayos seamos reconocidos, nombrados en el exterior. Y no me refiero solo a los goles que llenan programas deportivos enteros. Es como que necesitamos vernos en un espejo más grande; que el resto del mundo nos diga que existimos y que ‘Uruguay es el mejor país’. Aunque suene a broma veo también que las generaciones van cambiando y muchos crecen hoy con una visión más positiva, con el orgullo de ser uruguayo, que teníamos y que tal vez se perdió allá por los 60, pero que de a poquito se va recuperando”. De a poco y sin darnos cuenta, la charla deriva en
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los sueños, un ingrediente que no falta nunca en las historias de Finzi Pasca y en este intercambio. El sueño hoy es “que la experiencia siga siendo un trampolín y no un ancla. No quedarme en la celebración de lo que sé, o de lo que hice, seguir ejerciendo la libertad, que inevitablemente viaja en la autopista del riesgo”. Y agrega: “logré muchas cosas de las que estoy agradecido, sobre todo creer que las cosas son posibles. La creación es misteriosa, puede parecerse a una galera negra de un mago de donde sale un conejo de vez en cuando, pero para mí es más un mar donde se pescan con paciencia las ideas. Y para pescar hay que elegir los materiales, la carnada, la buena hora del día, esto te lo da la experiencia. Lo que va llegando lo recibo agradecido. Trato de atrapar el pez grande y devuelvo al mar los pequeños”. Y termina invitando a tomar otra actitud frente a la vida: “hay mucha gente aquí, haciendo cosas maravillosas; solo hay que continuar, creer en los propios sueños”. Luego de la charla me voy con la sensación de ser un eslabón más en una gran cadena, y orgullosa de que la creatividad uruguaya siga dejando huella. Celebro este encuentro, que será seguramente la puerta para próximos desafíos. La creatividad en contínuo movimiento Luego de Sochi la compañía se sumó a nuevos desafíos; como la creatividad no se detiene, comenzaron a desarrollar otros proyectos. De ese camino Gargiulo me cuenta que sintieron la necesidad de volver a lo íntimo. “Creamos un proyecto para dos actores que se llama Bianco su Bianco. Una historia simple en un mundo de luces, que en cierto modo comprime el bosque de luz que estaba suspendido en ambas ceremonias olímpicas a una instalación de lamparitas a filamento, pero donde cada una reacciona separadamente, permitiendo juegos que se complementan a la escena. Repusimos también una ópera en el Teatro San Carlo de Nápoles, Pagliacci, de León Cavallo, con la dirección de Nello Santi”, me cuenta Gargiulo. En 2015 emprendió otra aventura e invitado por la Walt Disney participó como conferencista en un forum sobre creatividad en Los
Ángeles. En diciembre del mismo año inauguraron la temporada de ópera en el Teatro San Carlo de Nápoles con Carmen, de Bizet, con la dirección de Zubin Metha. 2015 fue un año complejo para la compañía; fue el año donde Julie, cofundadora y esposa de Daniele, fue operada y tuvo complicaciones que la llevaron a estar prácticamente un año en hospital, hasta su deceso en 2016. Esto marcó al equipo y ese hecho se vió reflejado en los espectáculos que generaron a partir de ese momento. En 2016 se creó un nuevo espectáculo acrobático con la compañía, un espectáculo basado en el jardín interior. “La muerte de nuestra amiga evidentemente condicionó muchísimo esta creación, que evidentemente le dedicamos y se llama Per Te (Para Ti) un espectáculo con un teatro bastante desnudo donde creamos temporales de viento y acróbatas en armaduras. Una batalla entre la liviandad y el peso, donde el jardín continúa y se
Un cambio que se pueda constatar
transforma”, me cuenta Gargiulo. A su vez, desarrollaron el espectáculo Avudo para celebrar los 375 años de la ciudad de Montreal. Un espectáculo e instalación donde el agua toma vida para transformarse en fuentes y muros, donde se proyecta el sueño visionario de una niña de los pueblos originarios. La instalación fue en el puerto de Montreal y se construyó un gran muro de containers junto a una gigantesca torre que servía también de soporte para recibir la proyección. Este espectáculo, de una duración de 30 minutos, recibió diariamente unos 3.600 espectadores en dos turnos. Debido a la gran demanda hubo que agregar funciones y fue visto por 250.000 espectadores. Pero siguen en movimiento y en la actualidad están preparando el espectáculo de la Fête de Vignerons, un evento que se realiza desde épocas inmemoriales en Vevey, ciudad suiza situada en la ribera superior del Lago Lemán. La última fue en 1999 y la próxima
“La física moderna nos dice que el tiempo solo existe si hay un cambio que se pueda constatar, al menos eso me pareció entender”, dice Gargiulo y agrega: “trepándome a este paradigma, el movimiento sería algo así como lo opuesto a la nada más absoluta. Bajando la pelota al piso, el tema se puede abordar desde muchos puntos de vista. Nuestros espectáculos, aquellos que involucran nuestra compañía, los definimos como teatro acrobático”. El movimiento en escena es, por lo tanto, parte fundamental en la manera de contar, alimenta los mundos visuales, musicales y poéticos. La acrobacia, a diferencia del circo, es mucho más antigua y tiene un carácter transcendental. En algunas pinturas rupestres pueden verse acróbatas saltando sobre los bisontes por ejemplo. En el fondo, el gesto de un bebé luchando contra toda lógica por ponerse de pie, es en sí mismo un gesto acrobático. El hacer equilibrio en los cordones de las veredas, trepar, saltar lo más alto que se pueda, son movimientos que portan la semilla de una cierta trascendencia. En los primeros espectáculos de la Compañía Finzi Pasca -en los inicios en los años ochenta- hacíamos mover al público, un teatro con recorridos y situaciones particulares. Poco a poco el movimiento se fue transformando en algo más íntimo, que uno puede vivir desde el refugio de su butaca. Tratamos como un masajista de ir a tocar ciertos mecanismos del alma, para lograr desatar la emoción en el espectador”.
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será en el 2019. Es una fiesta inmensa para la cual se construye un teatro a cielo abierto en la plaza de la ciudad, la plaza sin monumentos más grande de Europa. “En este caso estoy trabajando en el diseño de este espacio, que en nuestra edición podrá albergar 20.000 espectadores en simultáneo y contener toda una serie de sorpresas técnicas, funcionales al desarrollo del espectáculo, del que también me ocupo de la escenografía”, afirma Gargiulo. En este evento participarán más de 5.000 voluntarios.
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NUNCA UN DÍA ABURRIDO POR BELÉN FOURMENT
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Bitรกcora sin sentido de un viaje a Nueva York
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VIAJES
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on más de las dos de la mañana y la camioneta avanza rápido, por calles oscuras y llenas de curvas, por calles desiertas. Puede ser cualquier lugar del mundo pero de repente, el vehículo vira y una cantidad de luces tibias se reflejan en el agua y me sacan de mi cansancio. Levanto la vista y por primera vez me encuentro cara a cara con la Nueva York del cine, con esa seguidilla de edificios brillantes que se recortan en la noche. Y esa imagen ya vale, a un par de horas de haber aterrizado, todo el viaje que queda por hacer.
basura en el celular y lo usaré como vía de escape. Cargo el documento ocasionalmente -y debería haberlo tenido siempre a mano, si hasta me tocó que no me vendieran cerveza-, la tarjeta, la Metrocard y algo de dinero. Y es hora de andar.
Bitácora de viaje Día 1. Caminamos Times Square de
día y de noche. Tomamos una cerveza por Tom Petty en un lugar donde alguna vez tocaron los Beatles antes de que sea Hard Rock. Vi a una Mujer Maravilla desnuda y a un Iron Man gordo. Jugué con un BB-8 en una tienda de Disney y fui feliz, muy feliz. Me senté en un oso gigante y en el sillón de un Jimmy Fallon de cera, y mi amiga corrió con una zombie (que no era de cera pero creímos que só). Buscamos durante horas un bar normal para tomar una birra, comimos helado en el piso y ahora, en la tele, está Friends. Qué día glorioso.
Nueva York es todo lo que habrás visto en películas y series, leído en biografías de rockeros y escritores, envidiado en los posteos de otro en Instagram. Y a la vez no es nada de eso. Es abundante, grande, olorosa, luminosa, ruidosa, silenciosa, brillante, opaca, feliz y melancólica. Tiene la adrenalina de lo desconocido, pero es una adrenalina permanente porque un turista tiene siempre algo diferente para hacer. Algo- Día 2. Sí, nos perdimos en el Central para-hacer. Park y me gasté el saldo del celular buscando el camino. Y sí, lo cruzamos Los planes previos son tantos, el todo, hasta que nos dimos cuenta que itinerario está tan organizado, hay esos edificios a la vista eran del Harlem. precios consultados y algunos horarios, Vi ardillas y tortugas, patos y mariposas; pocas entradas aseguradas y una guía nos cruzamos con un uruguayo y un que sirve como referencia. Pero qué tipo le pidió casamiento a la novia en el novedad, un viaje nunca es lo que mosaico de “Imagine”. Ella lloró y dijo soñamos. que sí (por suerte, porque había muchos testigos). Es posible que nunca más Para bien o para mal, la aventura me duelan tanto los pies como hoy, por siempre sabe diferente. eso nos clavamos la mejor cena italina posible, cara pero celestial. En la mochila, pequeña, cargo un libro, un cuaderno, una botella de agua y un Día 3. Para Starbucks soy Melana. abrigo. No uso casi nada, nunca: los Anduvimos en metro y fue un éxito. resúmenes los haré en redes sociales El memorial del 9/11 y el museo son y cuando quiera entretenerme, miraré
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BANDA SONORA RECOMENDADA PARA ESTA LECTURA: “NEW YORK CITY BOY” DE PET SHOP BOYS. FUE LA CANCIÓN DEL VIAJE.
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realmente impresionantes, y el ferry gratis está bien. Estoy sacando fotos en 35mm y es probable que no esté saliendo ninguna. Nadie nos supo decir qué son las sweet fries. Vimos un conciertazo homenaje a “La Cumparsita” en Financial District y casi lloro con Raúl Jaurena y su bandoneón. Me compré los primeros cigarros del viaje, tan caros (U$S 13) como necesarios. Compramos una cerveza sin darnos cuenta que tenía jugo de tomate (¡mexicanos!). Quise tapar el sabor horrible con coca light y la máquina expendedora me dio agua (dos veces). Llovió. Ah, el cuentapasos del teléfono dice que el día anterior hicimos más de 22 kilómetros. Tranqui. Día 4. Acá las puertas de todos lados
son muy pesadas. Los dinosaurios están de más -vale la pena ir al Museo de Historia Natural-, la religión le hizo muy mal al arte y entonces en el MET
hay ochocientos millones de Jesús en cuadros (hasta uno sexy y uno negro), me pidieron identificación para comprar cerveza. Vi a un tipo dando abrazos en Times Square y pasamos mucho calor. Lo importante-importante fue que fuimos a ver a Katy Perry volar sobre planetas y antes, cuand Noah Cyrus teloneaba y cantaba con su papá “Achy Breaky Heart”, subió Miley a tirar unos pasos. Lloré. Día 5. Queríamos desayunar en el High
Line y terminé comiendo dos huevos duros y una coca light a mediodía. El parque tiene una vista hermosa, el Chelsea Hotel está en reconstrucción y el Chelsea Market es el paraíso. En los restaurantes te dan agua gratis, sin parar. Chinatown huele mal y es caliente y feo. Me duele la pierna. Es muy difícil configurar el horario de la salida nocturna; fuimos por un bar que a las
Día 6. Humedad insoportable +
compras + la propia hamburguesa de hongos. Día 7. Bajo lluvia anduvimos tras los rastros del punk y fue muy emotivo. Caminamos zonas hermosas, fotografié fachadas de series -Friends y Sex and the City, claro-, comimos la famosa pizza de 99c la porción (un espectáculo). Me pidieron documento para comprar birra, otra vez. Me compré cosas en Trash and Vaudeville e hicimos grandes fotos. Día 8. Para despedirme, Nueva York volvió al sol sin humedad. Cruzamos el puente de Brooklyn, las bicis nos tocaron bocina por interferir la bicisenda (sorry), en la calle nos preguntaron si éramos judías, hicimos nuestro viaje más largo en metro y siempre sin perdernos, y subimos al Empire State para el atardecer. Cualquier cosa que se pueda decir de eso, no alcanza. Un hombre con acento de Medio Oriente nos dijo que “Uruguay has great football” y mi amiga se bancó las ampollas para tener nuestra última -y picante- cena. Día 9. Ya estoy en Panamá, entre panameños contentos por su clasificación al Mundial y un niño de cara sucia que me sonríe. Dormí tres horas y acá estoy, pronta para un largo viaje en soledad, queriendo llegar a casa y pensando en volver pronto a la ciudad que nunca duerme. Me quedaron muchos pendientes, por suerte.
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00 ya estaba cerrado, y otro nos sirvió su última cerveza un ratito después. En el supermercado tampoco venden alcohol después de las 00. Y los cigarros carísimos se apagan antes de tiempo, ¿o será que los fumo mal?
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CULTURA
VOLAR, VOLAR, VOLAR Fotos: Cortesía de Valentina Ferrúa
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Las artes circenses son color, movimiento, fantasía. El lenguaje corporal, escénico, cobra una nueva dimensión cuando nos adentramos en la magia del circo. Es por eso que numerosos espacios públicos a lo largo y ancho de América se han transformado en el lienzo vivo de muchos artistas y aficionados, que buscan dejarse arrastrar por sus cuerpos y por el arte desde las alturas. Hoy en día, la acrobacia aérea ha ganado numerosos seguidores y es cada vez más popular. La acrobacia en telas constituye una forma única de expresión, un medio para probar nuestros propios límites.
E
xisten diversas versiones sobre el origen de la acrobacia en telas. Algunos atribuyen la disciplina a André Simard, un especialista en acrobacias que desarrolló el circo más famoso de todos: el Cirque du Soleil. Otros, sin embargo, sitúan el principio de la historia en una escuela circense francesa, en la década de 1950. No obstante esta disciplina, sin importar su origen, despierta fascinación en todo el mundo.
La adrenalina de sentir que nos separa del abismo apenas una tela y que nuestra supervivencia depende enteramente de nuestra fuerza y destreza, hace que parezca que es un arte destinado solo a los más temerarios. Desafiar los límites Suspendido a 15 metros en el aire sobre una pieza lisa y reluciente de tela, sin arnés de seguridad o red, un ejecutor de acrobacia
LOS PRECIOS EN URUGUAY PARA REALIZAR ACROBACIA EN TELAS OSCILAN ENTRE LO $900 Y LOS $2500
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aérea sabe que sólo lo separan de la muerte los límites de su propia fuerza física. Obviamente, este no parece ser el trabajo ideal para muchos. Sin embargo, para los pocos que se atrevan a probar suerte en esta profesión peligrosa, la euforia de la actuación sobre telas aéreas solo puede ser superada por la fuerza del espíritu humano, y el completo asombro de sus espectadores durante la ejecución. Sin embargo, cada vez son más
las personas que emprenden la aventura en las alturas. Probablemente, todos hayamos visto algún parque vestido con telas de colores y algunos valientes haciendo acrobacias frente a la mirada atenta de los transeúntes. Además, existen múltiples espacios dedicados a las artes circenses que cuentan con formación en acrobacia aérea, tanto para quienes quieran dedicarse profesionalmente, como para aquellos que desean
apenas darle un toque de emoción y deporte a sus vidas. Ya no configura una experiencia atrevida y dramática limitada al circo, y puede ser practicada por personas de cualquier edad y condición física, aunque se debe realizar una progresión adecuada en los ejercicios y figuras que se realizan de acuerdo al nivel de cada persona. Esta disciplina se basa en elementos de danza, acrobacia, yoga, escalada con cuerda y más
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CULTURA
que permiten realizar secuencias, coreografías, figuras, piruetas y equilibrios, todos ellos en alturas que oscilan generalmente entre los siete y los 15 metros -algunas veces más dependiendo del nivel del acróbata-. Si bien muchas de las habilidades que se ejercitan están orientadas al entrenamiento de la fuerza, a medida que se combinan con la agilidad y la coordinación, se aumenta la resistencia mental, física y se desarrolla la conciencia del cuerpo. Se adquiere gran fuerza y tonicidad
en el abdomen, una zona vital para sostener el propio peso del cuerpo en la altura y con las telas; los brazos y piernas se vuelven flexibles y se tonifican, ya que son los que realizan la fuerza para trepar, sostener y armar las figuras en la altura. La acrobacia aérea en tela mejora, además, la coordinación, la agilidad y expresión corporal; favorece la seguridad y la confianza, fortalece la autoestima de aquel que se ve capaz de alcanzar logros cada vez más desafiantes, favorece la creatividad e incentiva
el desarrollo de los sentidos. Dominar las artes aéreas, llegar a niveles intermedios y avanzados, requiere de trabajo duro, confianza y dedicación. Sin embargo, para quienes quieren hacerlo sin ir demasiado lejos, es simple y pocas cosas maravillan tanto al ser humano como desafiar la gravedad. El desafío está allí, en las alturas. Depende de nosotros animarnos y experimentar la sensación de volar, volar y volar.
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EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CIRCO TENDRÁ SU TERCERA EDICIÓN EN 2018 Y EL PICADERO, UN COLECTIVO DE ARTISTAS, GESTORES Y TÉCNICOS REFERENTE EN EL DESARROLLO Y PROMOCIÓN DEL CIRCO EN URUGUAY, YA ABRIÓ LA CONVOCATORIA A ARTISTAS Y COMPAÑÍAS DE CIRCO INTERESADAS EN PARTICIPAR DEL FESTIVAL.
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ACTUALIDAD
EN LA MIRA_
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SER (O NO SER) INDEPENDIENTES
UN TEMBLOR DEVASTADOR
REPRESIÓN Y REFORMA EN ARGENTINA
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TENDENCIAS
_CON SOMBRERO POR LA CIUDAD_ POR CECILIA DP Fotos: Gustavo Carrizo Hay muchas razones por las que suele decirse que Buenos Aires es “la París del Rio de la Plata”. Sus edificios o su situación cosmopolita, por nombrar algunas. Pero por desgracia, hace muchos años que en algo se diferencian bastante: el uso de sombrero. Mientras en París es frecuente, en la Reina del Plata cruzar lugareños con sombrero es bastante más difícil.
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TENDENCIAS
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econocer turistas a la distancia en Buenos Aires es fácil. Quien recorre la ciudad con ojos de turista suele saber lo útil y necesario que es utilizar un sombrero. Para contrarrestar la ausencia de dicho accesorio, hace unos años, Marcos Shayo pensó el “Concurso de Diseño de Sombreros” que ya lleva cuatro ediciones y donde no solo participan argentinos. Por ejemplo, el año pasado, una uruguaya ganó una de las dos menciones de honor que se entregaron. Pero no estamos acá para hablar de concursos sino de algo mucho más pintoresco, que por segundo año consecutivo se ocupó de visibilizar de una manera más contundente lo importante del uso de este accesorio: el Paseo con Sombrero Buenos Aires, inspirado en su homónima barcelonesa, la Passejada amb Barret. ¿La única condición indispensable? Usar algo en la cabeza. Recoleta se llenó de colores. Corrieron descripciones turísticas de los monumentos de la zona y anécdotas con el sombrero como protagonista. ¡Incluso un drone filmó desde el aire! El recorrido finalizó con un brindis muy cálido en el
Centro Cultural Matta, dirigido por la Embajada de Chile, y mientras algunos se despedían de sus nuevos “amigos con sombrero”, charlamos Shayo. uno de los organizadores de la jornada, que nos remarcó que el Paseo lo organiza el Concurso, y que cuenta con el apoyo de las Embajadas de Chile, Uruguay, Australia e Irlanda y de asociaciones como Sales y Albi. “Albi es la Asociación de Albinos de Argentina, los llamé, hablé con una señora que me dijo que iban a evaluar la propuesta y me llamaban. Cuando me contestaron, me dijeron ‘estamos de acuerdo con tus objetivos, nos interesa y te vamos a apoyar’, e inmediatamente me empieza a contar todas las acciones que iban a realizar para eso. Se pusieron el evento al hombro, empezaron a difundirlo, a contarle a la gente y para mí, que siempre lo hago solo, o con mis asistentes, fue algo emocionante. Que alguien te diga algo como ‘me gusta lo que haces, déjame que te empuje’ fue tremendo”, dice Marcos. También acompañan este movimiento el Colegio Iberoamericano de Dermatología y el Museo Histórico del Traje. Marco cuenta que las embajadas de
33 Agradecemos las hermosas fotografías de Gustavo Carrizo. Pueden ver el resto de su cobertura en su página: https://www.facebook.com/GustavoCarrizoFotografia
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Australia e Irlanda, países con gran trayectoria en el uso de sombrero y el cuidado de la piel, se interesaron tanto en el proyecto que hicieron la donación de los premios que se sortearon unos días después entre los participantes de esta particular caminata. De la situación de Uruguay con la radiación solar nos contó que “les es de mucho interés, porque particularmente Montevideo, por su ubicación geográfica, tiene una especie de agujero de ozono personalizado, es decir, les toca mucha más parte del agujero de ozono que a Buenos Aires, lo que los obliga a estar monitoreando los rayos permanentemente y concientizar a la gente de distintas maneras es fundamental para ellos”. Pero Uruguay no es el único país que presta atención al monitoreo de la radiación. En Chile, por ejemplo, las estaciones de servicio cuentan con medidores de rayos UV. ¿Qué le depara el futuro a este inventor que se dedica a la concientización? “Seguir buscando maneras de poner el sombrero en la agenda, hay que llegar a la gente, que se pierda la vergüenza de usarlo, ya sea desde la salud, desde el diseño, desde lo lúdico…” ¡Evidentemente tendremos novedades!
LA OMS RECOMIENDA USAR SOMBREROS CON ALAS NO MENORES A LOS 7 CENTÍMETROS, PARA CUBRIR CORRECTAMENTE DE LOS RAYOS SOLARES. EN EL PASEO SE VIERON DESDE PEQUEÑOS TOCADOS HASTA GRANDES CAPELINAS
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_MONTEVIDEO ROCK 2017_ POR BRUNO LARGHERO
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SOCIEDAD
NINGÚN ROCKSTAR ES NUESTRO DUEÑO Por Cecilia Díaz
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rimero agotó entradas de un mítico antro. Y luego las de un boliche conocido. Llegaron, lógico, los estadios. Y todos lo aplaudieron. No había razón para no hacerlo. Alguien le contó la historia del viejo rockstar que recibía fans en su departamento pintado con aerosoles y repleto de
sustancias. Y compró el relato, ese relato que lo ponía como dueño del mundo. Como dueño de todo. Como dueño de todas. Los titulares sobre abusos de rockeros sobre sus fans se repiten: algunos casos son violaciones, corrupción de menores, otros maltratos y
extorsiones. Y es aquí donde ese concepto de ser “dueños” no es casual ni arbitrario dado que la cuestión de género es una opresión más en este régimen social de explotación. Las mujeres trabajadoras son oprimidas por una cuestión de clase pero también lo son por ser –precisamente- mujeres.
salida es luchar por una real transformación social, que no separe a la mujer de la lucha general de los trabajadores. Porque si los casos de violencia de género son producto de una descomposición social o una perversión que cuenta con el encubrimiento del Estado es claro que la superación de esta barbarie implica necesariamente derrumbar el régimen de explotación actual y reconstruir con pilares diferentes, con productores de la riqueza social. El Estado no puede permanecer ajeno a esto porque no solo es responsable de las circunstancias generales en las que ocurre la violencia sino que vuelve a maltratar a las víctimas cuando ejercen violencia institucional: las pibas no son tomadas enserio cuando van a denunciar, no son revisadas como corresponde por médicos, se les descree todo cuando brindan testimonio, se justifica al agresor y la contención pasa a ser algo inexistente. Muchas veces si no llegan a extremos como ser incendiadas por sus maridos músicos, las víctimas de los rockeros -y de otros géneros, claro está- parecen ser subestimadas, parecen ser ellas responsables por ser la chica de camarines que eligió entrar en un mundo de caos y vale todo. Pero la noche y el rock no es un cheque en blanco. No vale todo y los músicos no son dueños del mundo ni de las mujeres.
“¿Sabés quién soy yo?”, les decían. Claro que sabían. El problema es que manipular a una mujer desde una situación de poder es abuso. Y la solución planteada desde el socialismo es que las mujeres se liberen de todo ello gracias a la lucha de clases y el fin de la opresión capitalista. Las músicas que sufren la discriminación y machismo deben luchar abiertamente para recuperar el Sindicato Argentino de Músicos (Sadem) y desde ahí, desde el sindicato, abordar esta violencia de género hasta erradicarla. Porque hoy ni siquiera tienen en su organigrama una secretaría que atienda a problemáticas específicas de género. Las mujeres víctimas de rockeros, la mayoría de ellas jóvenes menores de edad, Por el fin de la doble opresión. también deben ser fuertes Ni una menos. El Estado es y reconocer que la única responsable.
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en el gobierno kirchnerista, terminó preso aunque intentara zafar responsabilidades por violaciones. Las mujeres, con el impulso del movimiento nacido con el grito de #niunamenos, encontraron un momento para hablar y demostrar como, en distinto grado de brutalidad y maltrato, eran víctimas de esos hombres que tenían un poder subjetivo sobre ellas. Con las limitaciones que el propio movimiento insurgente contiene, lograron un principio de organización y participaron por primera vez de un paro internacional de mujeres.
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En ese punto, la mujer tiene que decir que sí a todo lo que le pide tanto la clase dominante como el hombre. Se convierten en un objeto más y dentro del “mundo del rock” se puede ver con claridad: siempre estuvieron en un segundo plano como coristas, casi un adorno. Si tocaban instrumentos “poderosos” muchas veces lo hacían escondidas o solo cuando formaban parte de bandas “de chicas”. “I’m with the band”, sin mayores explicaciones, era la llave para que nadie cuestionara la presencia en camarines. Eran las Peperinas o, incluso, las Yoko Ono –que “arruinaron todo”. Las mujeres de arriba y abajo del escenario eran inferiores a esos rockeros estrella dueños del mundo. Pero eran. Porque las épocas van cambiando y con ellas las vanguardias. Hoy son muchas las mujeres fuertes de la escena local: cantantes líderes de bandas, bateristas o guitarristas que lograron el reconocimiento y protagonismo que merecían y un desarrollo de sus proyectos sin rendir cuentas a nadie, sin que se las trate como algo inferior al hombre. Por otro lado, varias otras pudieron contar sus historias trágicas con rockeros quienes -hasta ese momento- eran sus ídolos. Algunas lo llevaron al plano de la justicia y por eso hoy un cantante como Cristian Aldana, otrora protegido por el Estado cuando cumplía roles
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TRES EN LÍNEA
_MOVIMIENTOS SOCIALES
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Colectivo Catalejo nace en el año 2012 como respuesta al plebiscito que pretendía bajar la edad de imputabilidad penal. En esa oportunidad realizaron un documental, Dieciséis, con entrevistas a diversos jóvenes entre 15 y 18 años, buscando darle voz a quienes estaban en el foco de la opinión pública. Desde entonces, el colectivo trabaja la temática de juventud y derechos desde lo audiovisual, poniendo en escena relatos e imágenes que no suelen tener espacio en los medios, con el objetivo de empoderar a las personas y las minorías.
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COLECTIVO CATALEJO
PENSAMIENTO COLECTIVO
Este colectivo surge en 2016, año en que lanzaron su primer proyecto, la campaña #YoRespeto, que apuntaba a generar conciencia respecto a la viralización de vídeos que atentan contra la intimidad de las personas. Es un grupo de jóvenes profesionales, formados en diversos campos que a través del colectivo pretenden generar acciones que tiendan a promover la construcción de una ciudadanía más respetuosa y comprometida con la sociedad, mediante la reflexión y sensibilización acerca de problemáticas sociales que nos afectan. Actualmente realizan talleres en centros educativos y en otros ámbitos.
ENCUENTRO DE FEMINISTAS DIVERSAS En setiembre, tras mucho tiempo a través de las redes sociales tejiendo encuentros, coincidencias y feminismo, se realizó el Encuentro de Feministas Desorganizadas, con la presencia de más de 200 mujeres. La idea de este encuentro, según dice indica el “Documento mártir” que se encuentra en la página web del colectivo, fue “conformar un espacio abierto, plural y horizontal de mujeres feministas que funcione como plataforma para generar distintos proyectos y líneas de trabajo para visibilizar y combatir las injusticias que sufren las mujeres en Uruguay, como consecuencia de su género, orientación sexual, posición social y otras causas de discriminación”.
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DISEÑO
DISEÑO QUE INSPIRA THE MADCLOTHIER Fotos: Facebook deThe MadClothier
¿Qué es vestir con actitud? Buscar vestimenta que nos simplifique la vida es una cuestión de actitud, un estilo de vida. The MadClothier es de esos emprendimientos cuyo espíritu nos encanta: mano de obra local, productos hechos con mucha dedicación y por sobre todo, muy prácticos. “Nuestra manera de vestir necesita soluciones acordes a nuestro modo de vida actual. The MadClothier presenta complementos que facilitan algunas complejidades de la cotidianeidad de manera práctica, cómoda y alternativa. Porque “vestir con actitud”
-Podés encontrar los productos de The MadClothier en su fanpage: www.facebook.com/themadclothier/
también es ayudar a simplificar el día a día. Productos que se adaptan a vos. Que son fáciles de llevar. Que cambian según la necesidad del momento. Eso es The MadClothier”. Eso reza el facebook de esta marca, cuyos productos van desde sobreros ideales para el verano a mochilas y shopping bags para llevar a todos lados de manera cómoda y sencilla. Nuestro elegido: Shopping bag Roll Dejemops de lado las bolsas de plástico apostemos al diseño local.
ÉPOCA DE REGALOS
1. Los juguetes del abuelo/ 2. Osa Mayor Pijamas/ 3. Reina Batata / 4. Pipa, Mi mundo chiquito / 5. Pequeña mole/ 6. Zampin / 7. Jitaku / 8. Aurora Prints & Goods / 9. Acervo Textiles
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#ELEGIDOS
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CLICK
MARCHA MUJERES DE NEGRO Fotos: Bruno Larghero
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HACIA UN CAMBIO DEL PARADIGMA EDUCACIONAL Por Marcelo Aste
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“Definimos el lenguaje como el medio que nos sirve para manifestar nuestros pensamientos. Pero una definición, si es verídica, es irónica, implica tácitas reservas, y cuando no se la interpreta así produce funestos resultados… …Cuando el hombre se pone a hablar lo hace porque cree que va a poder decir cuanto piensa. Pues bien, esto es lo ilusorio. El lenguaje no da para tanto. Dice, poco más o menos, una parte de lo que pensamos y pone una valla infranqueable a la transmisión del resto. Sirve bastante bien para enunciados y pruebas matemáticas, ya que al hablar de física empieza a hacerse equívoco e insuficiente. Pero conforme la conversación se ocupa de temas más importantes que esos, más humanos, más “reales”, va aumentando su imprecisión, su torpeza, su confusionismo. Dóciles al prejuicio inveterado de que hablando nos entendemos, decimos y escuchamos tan de buena fe que acabamos muchas veces por malentendernos mucho más que si, mudos, procurásemos adivinarnos” José Ortega y Gasset, La rebelión de las masas Albert Einstein, dijo: “Lo único que interfiere en mi aprendizaje es mi educación”. Y, en la mayoría de los casos, nuestra realidad social nos viene demostrando lo acertado de este pensamiento. El lenguaje no escapa al resto de las cosas que nos rodean ya que posee un movimiento propio y constante, y ese movimiento es necesario para un aprendizaje óptimo. Somos seres lingüísticos, nos mostramos a partir del lenguaje que implica mucho más que nuestra posibilidad de comunicarnos y transmitir nuestros pensamientos. Todo lo que mostramos de nosotros -y lo que no- también es lenguaje. Ahora bien, comenzaremos por recordar que “movimiento” proviene del latín y en su origen etimológico descubrimos
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que es el fruto de dos vocablos latinos: el verbo “movere” (mudar de un lado a otro) y el sufijo “miento”, que es equivalente a acción y efecto. Muchas veces, a medida que vamos creciendo, ciertas imposiciones y/o experiencias nos van llevando de a poco a quedarnos quietos y a eliminar éste vital movimiento, intentando aprender solamente con nuestro cerebro y esforzándonos por incorporar los nuevos conocimientos desde el cerebro hacia nuestros sentidos, cuando en realidad el aprendizaje óptimo se produce a la inversa, es decir, desde nuestros sentidos hacia nuestro cerebro. Es por ello que aprendemos a “bloquearnos” tanto física como mentalmente. Esto afecta la enseñanza y al aprendizaje de manera negativa. Y consecuentemente, se afecta seriamente el movimiento y con ello nuestro aprendizaje, nuestros pensamientos, nuestro lenguaje se va quedando cada vez más estático hasta que pierde su movimiento natural. De ahí la importancia del movimiento en el aprendizaje. Deberíamos liberarnos de una postura estática sobre todo en el aprendizaje, sentados a las sillas, observando en forma permanente sólo un cuaderno o un pizarrón. Así las cosas, el lenguaje del movimiento es universal. Enseñando a través de él ofrecemos una oportunidad de pensar,
de ser más libres. Además, cuando se trabaja de manera creativa desde pequeños, se adquieren las capacidades que después necesitaremos. Aprendemos a comunicarnos, a trabajar en equipo, a dar y a recibir, entre otras cosas. Ser consciente de la importancia del trabajo individual para el éxito del grupo ayuda a construir una comunidad de aprendizaje unida en lugar de un grupo de personas aisladas. Actualmente la educación se encuentra en una crisis debido a que el paradigma conductista -vigente aún- explica de manera insuficiente el proceso de aprendizaje-enseñanza. Es decir, nos encontramos frente a un paradigma educacional que justamente privilegia el aprendizaje estático donde los conocimientos son un cuerpo físico por adquirir, donde la enseñanza es la transmisión de “verdades” o “dogmas” mediante la memorización y repetición. El rol de los niños y estudiantes es sólo de receptores frente a un rol cuasiautoritario de los educadores. Los docentes continúan aferrados a una práctica escolar que no promueve la apertura ideológica para formar a los alumnos en y desde actividades que faciliten la participación democrática, que lo desliguen de la conformidad y sea base de una postura de carácter crítico. Creo que esto es lo que está pasando en
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UN SISTEMA EDUCATIVO ORIENTADO HACIA LAS NECESIDADES DE ESTE SIGLO DEBERÍA INCORPORAR CÓMO MÍNIMO: A) UNA DEFINICIÓN DE CIENCIA (CONOCIMIENTO) QUE LA ENTIENDA CON EL ENFOQUE DE INVESTIGACIÓN Y DESARROLLO, O SEA COMO LA ACTIVIDAD HUMANA QUE EXPLICA LOS DIFERENTES CAMPOS DE LA REALIDAD Y GENERA TEORÍA, TRATANDO DE PRODUCIR CAMBIOS EN ELLOS. EN ESTA VISIÓN, EL FIN ESENCIAL DE LA CIENCIA ES OPERAR SOBRE LA REALIDAD PARA TRANSFORMARLA. ESTE NO ES UN CAMBIO MENOR, PORQUE SUPONE PASAR DE UNA ACTITUD PASIVA Y CONTEMPLATIVA, A UNA ACTIVA Y DE INTERVENCIÓN SOBRE LA REALIDAD (MOVIMIENTO). ES LA REDEFINICIÓN QUE SUBYACE Y DA RAZÓN A LA IDEA DE QUE LA ESCUELA NO SE DEBE CENTRAR YA SÓLO EN LOS ‘SABERES’, SINO QUE DEBE PODER DAR CUENTA DE LA FORMACIÓN DE LAS ‘COMPETENCIAS’ PARA EL HACER. B) UNA DEFINICIÓN DE CONTENIDO DE LA ENSEÑANZA “MUCHO MÁS AMPLIA DE LO QUE ES HABITUAL EN LAS DISCUSIONES PEDAGÓGICAS. EN REALIDAD, LOS CONTENIDOS DESIGNAN EL CONJUNTO DE SABERES O FORMAS CULTURALES CUYA ASIMILACIÓN Y APROPIACIÓN POR LOS ALUMNOS Y ALUMNAS SE CONSIDERA ESENCIAL PARA SU DESARROLLO Y SOCIALIZACIÓN.” (COLL Y OTROS, 1994). O SEA QUE LA ESCUELA DEBE ENSEÑAR, POR SUPUESTO, TODOS LOS ELEMENTOS CONCEPTUALES QUE EL AVANCE DE LA CIENCIA Y LAS NECESIDADES DE RESOLVER PROBLEMAS DETERMINE PERO, Y CON IGUAL NIVEL DE COMPROMISO, ES TAREA DEL SISTEMA ESCOLAR ENSEÑAR LOS PROCEDIMIENTOS MENTALES QUE PERMITAN ACTUALIZAR LOS CONCEPTOS Y LLEVARLOS A LA REALIDAD. ENTENDER QUÉ REGLAS Y PRECEPTOS HAN REGIDO MI PROPIA FORMACIÓN Y LA FORMACIÓN DE QUIENES ME EDUCARON, SIN LUGAR A DUDAS ME HA PLANTEADO VARIOS DILEMAS: ¿QUÉ SE ESTÁ HACIENDO EN LAS AULAS? ¿CÓMO JUSTIFICAMOS LAS ACTIVIDADES DE ENSEÑANZA? ¿DE VERDAD SE ESTÁ RESPONDIENDO A LAS NECESIDADES ACTUALES DE LOS ALUMNOS Y DE LA SOCIEDAD ACTUAL?
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el campo de la educación. Las imágenes se nos aparecen claras porque expresan una típica mirada desde el pasado. Pero esta mirada no responde a las necesidades actuales -y mucho menos a las futuras- de la educación. Frente a un mundo en el que el problema son los cambios de paradigma en todos los aspectos de la sociedad, las reformas educativas se esfuerzan por respetar el modelo clásico escolar introduciéndole sólo nuevos elementos que, al no formar parte del modelo original, no tienen suficiente fuerza como para transformarlo. Por esto las estrategias que se llevan a cabo no están siendo suficientes para dar respuestas diferentes para una sociedad que se perfila como diferente, ya que apuestan a mejorar este sistema educativo, nacido de las necesidades de la revolución francesa y de la revolución industrial, hoy ya superadas. Es necesario situarse fuera de esta óptica, para plantearse un nuevo sistema educativo. Es necesario un cambio de paradigma. El desafío es transformar este paradigma educativo estático y comenzar a darle movimiento a la educación, al lenguaje, a la comunicación, a la creatividad, al pensamiento crítico.
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COLUMNA
MOVIMIENTO Y LIBERACIÓN Por Vivian Lettier
Porque como dijo Albert Einstein “La imaginación es más importante que el conocimiento. El conocimiento es limitado. La imaginación engloba al mundo”.
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personaje. Del mismo modo, la comprensión de todo lo que compone nuestro ser como herramienta de trabajo creativo. Es por eso que consideramos que el arte dramático en los niños aporta tanto al crecimiento emocional como intelectual, desplegando un mundo de posibilidades creativas. Se van los miedos y aparece la identificación personal y colectiva. Aprendemos a cuidarnos los unos a los otros, a empatizar. Transformamos todo aquello que tocamos para convertirlo en algo mejor. Aprendemos el valor de la interpretación, de la diferencia y de la igualdad. Todos los niños pueden hacer teatro y en mi opinión, todos deberíamos ser atravesados por esta experiencia desde la primera infancia. Porque con el tiempo aprendemos que siendo parte de una sociedad en constante movimiento no podemos quedarnos atrás, y para ello debemos potenciar nuestra creatividad, sin pasar por alto que todos los seres humanos, incluyendo los más pequeños, necesitamos contar con un espacio en donde poder desconectarnos y liberar las tensiones diarias. He aquí la pregunta: ¿los niños tienen tensiones?, por supuesto que sí. Los resultados son increíbles, cautivantes e inspiradores. Nos encontramos inmersos en un mundo lleno de ternura. Cada niño necesita explorar todo aquello que aflora de sí mismo. Por esta razón, cada vez más el arte escénico forma parte de la educación, ya sea emocional o pedagógica.
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Se dice que hay un lugar en cada uno de nosotros en donde se encuentran las emociones. Me gustaría expresar que más que un lugar, somos emoción pura desde el nacimiento y a lo largo de toda nuestra vida (quizás desde antes). Sin embargo, el ser humano es un ser “domesticado” para convivir en sociedad, pero en una sociedad que censura: desde uno u otro lugar nos encontramos limitados. Por eso surge el teatro como forma de liberación, como lugar en el que está permitido sentir más allá de todos los parámetros. Quienes hemos estudiado teatro en algún momento de nuestra vida sabemos con certeza que, para todo lo que engloba el arte dramático, sólo una cosa es importante: ¡conocerse! Conocer nuestras emociones, nuestras virtudes y nuestras limitaciones. Saber qué es lo que nos atraviesa, qué es lo que nos moviliza y qué es lo que nos identifica. Siempre creí que si algo nos faltaba para ser libres era actuar. Cuando uno se sube al escenario puede ser todo lo que quiere, y qué mayor gloria para un niño que esa. Inspirada en ésto comencé a pensar hace un año en un taller donde los niños puedan soñar, divertirse, expresarse y hacer realidad todo aquello que se encuentre en su imaginación a través de un espacio didáctico y a la vez mágico; que además sea terapeútico y útil para soltar todo aquello que el niño no puede liberar en otros espacios de la vida cotidiana, o por lo menos en lo que respecta a determinados encuadres más estructurados. En este taller damos rienda suelta al movimiento, la expresión corporal, el conocimiento de nuestra voz como herramienta no sólo de comunicación sino de autonomía, de libertad, de rescate, como parte del cuerpo de un
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RELATOS
EPPUR SI MUOVE
Ana Paula Yáñez
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Se subió al caminador; le esperaban 40 minutos de intenso ejercicio y eso era solo el comienzo. Por la ventana, como en una película que tenía de escenario un parque con un castillito, vio personas con sus perros, padres con sus hijos, sombras de pájaros que volaban en el pasto, también una paloma que se acercó mucho al lente y entonces vio que llevaba unas ramitas en el pico. Un niño corrió para alcanzar a su hermana y riéndose se tropezó. En medio de todo eso caminaba pero no llegaba a ningún lugar. Eso la preocupaba. ¿Qué podía decir sobre el movimiento? Pensó que el movimiento era lo único que conocía que no tenía antagónico. Pensó que no existe más que el movimiento; es lo único que es verdad, lo único en lo que podía confiar porque siempre está. Aún en la muerte, nuestros cuerpos no se quedan quietos ni iguales a sí mismos, y las almas, como sea que cada quien las imagine, nunca pueden ser sin movimiento. Y pensando que estaba moviéndose sin llegar a ningún lugar pensó: “pensar duele, lo sé por mí y por los otros a los que escucho atentamente”. Y este pensamiento la alivió. Siguió pensando que el dolor da miedo y que el miedo no deja moverse con libertad. Por eso los niños piensan, se mueven y tienen miedos diferentes. Sintió las gotas de sudor, y el cansancio que empezaba a pesarle en las piernas. Escuchó su dolor y la sensación de embotamiento en la cabeza y en ese momento ese pensar no fue de dolor: algo seguía soltándose. Sólo detuvo su andar para escribir estas líneas antes de que la agitación de lo cotidiano la arrastrara a otros lugares. Recién ahí pudo devolverle la sonrisa al espejo, y comenzó a prepararse para hacer un movimiento que le permitiera confiar en el sol que prometía la primavera.
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Movió la pierna, sintió la suavidad de la sábana y supo que se estaba despertando. Abrió los ojos y la luz de la ventana la dejó ver el árbol con los brotes de la primavera. Escuchó, y los pasos de su hija que estaba en el cuarto con una amiga llegaron hasta sus oídos. Escuchó con más atención, y pudo constatar la respiración de su hijo que dormía profundamente en el piso de arriba. Movió las piernas y esta vez, mezclada con la suavidad de las sábanas, se encontró con la suavidad de su piel. Decidió salir de la cama, y en ese gesto el aire fresco del cuarto se encontró con ella. Caminó descalza hasta el baño y se miró al espejo. Todavía tenía esa sensación en el cuerpo. Se sonrió, pero no sabía si estaba de humor para devolverle la sonrisa al espejo. Se vistió con su ropa de gimnasia, cómoda, elástica y combinada. Hizo el capuchino en la máquina y se tomó su café parada en la cocina mientras miraba por la ventana. La imagen de cientos de ventanas la hizo pensar en un hormiguero. Dejó la taza en la pileta (nunca lavaba las cosas enseguida) y salió de la casa. El sol y la próxima llegada de la primavera no la animaron. Caminó hasta el garaje, lugar que le parecía gris y triste. Aún así, muchas veces se quedaba ahí un rato en el auto pensando. Llegó al club y decidió no entrar. Se sentó en un murito al sol a reflexionar sobre la frustración, sobre la imposibilidad de encontrarse en los lugares en los que quería estar y sobre otras cosas del mundo. Había algo que no encontraba su lugar pero no dejaba de moverse, en búsqueda de una dirección. Eso la llevó a pensar en navegar y en la posibilidad de tener que cambiar la dirección por el encuentro fortuito con un arrecife.
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POESĂ?A
LA PALABRA
Marcelo Aste
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Llegas en silencio, en secreto seduces mi sendero, me enciendes, haces del mundo un lugar irreal que se desploma. Me despierto entre mis ruinas solo, vulnerable, desnudo estoy sobre la arena envuelto de signos y me sumerjo. Ardo, no quiero tu verdad. Mis labios no saben pronunciarte y aunque mi espíritu no te conoce, te invoca Me estoy ahogando y ya no sé si soy quien habita en mí. Sólo respiro porque existes tus secretos sonidos me equilibran. Estoy cayendo en espiral voy camino a romper estas cadenas. Movimiento y quietud son parte de lo mismo.
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LA PALABRA
