LH Magazin Music - Nave, nº 122

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ENTREVISTAS Hablamos con GLENN HUGHES sobre el nuevo disco de BLACK COUNTRY COMMUNION Lo nuevo de H.E.A.T. la magnífica banda de AOR ya está en la calle, hablamos con Eric Gronwall

NAVE

“Llega a España el aterrizaje musical más esperado del año” No te pierdas el CD del sexto volumen de Imprescindibles de LH Magazin Music: NAVE - GOTELÉ - PLAYA CUBERRIS - INUIT - DINARÉS - FABIANI - ANTES - INDENAKIN THE NAME - THE WAPETONS - BLACK kISS SUPERSTAR - THE HAMMER KILLERS THE VIRGO SUPERCLUSTERS - MEAN MACHINE - THE SPECIAL CASE - THE NIFTYS BRATH - ALIICE - AERIAL BLACKED UNITED

n ó i c u b i distr TIENDAS DE INSTRUMENTOS UME Union Musical:

Madrid Ume Arenal c/ Arenal 18, Ume Cedaceros C/ de Cedaceros 3, Ume Carranza C/ Carranza 16 Ume Hermosilla C/ Hermosilla 75 Barcelona Ume Sepúlveda C/ Sepúlveda 102 Ume Muntaner C/ Muntaner 324 Ume Sants C/ Sants 304 bis Ume Baricentro Centro Comercial Baricentro L-164 Ume Sabadell C/ Sant Pere 7 Girona Ume Girona C/ Francesc Eiximenis 18 Pamplona Ume Pamplona C/ Asunción 4-6 Sevilla Ume Sevilla C/ Rico Cejudo - Edif. Hispal Local 8 Valencia Ume La Paz C/ La Paz 22 Ume Guillem de Castro C/ Guillem de Castro 34 Ume Nuevo Centro Centro Comercial Nuevo Centro Zaragoza Ume Zaragoza C/ Fernando el Católico 19 Portugal Uniao Lisboa Av. Antonio Augusto de Aguiar 142

Leturiaga:

Leturiaga C/ Cristobal Bordiu 22 Leturiaga C/ Corredera Baja 23

ESTUDIOS DE GRABACIÓN Y LOCALES DE ENSAYO

Ritmo & Compás, TAF, 39 Rojo, Carabox, El Obsevatorio, Hardrum, Matilda, Rock Palace, Rock&Pop, Rock Soul, Tablada 25, Underground y El Poligono(Valladolid), Rusound (Daganzo), Olmostudio(vallekas), FACTOR Q (Murcia) y Locales de ensayo Metro Usera (Madrid)...

SALAS Y BARES

Rock-Ola, Madrid Me Mata, Prima Portia, 1903, El Piratas, Cadillac Solitario, Suéltate el Pelo, Alfredo`s, Sala Arena, Caracol, Clamores, Costello Club, El Sol, Galileo Galilei, Gruta 77, Hebe, Jimmy Jazz, La Cara B, La Sala Live, Silikona, Siroco, Sala Lemon, Sala Gamma, Sala Musik, Sala 12 y Medio, Sala Stereo, Discos Comix y Discos Trafico, Kalentito, La Azotea (Murcia), Dekonya Cool Pub (S.S. de los Reyes), La Mina Rock (Alcobendas), Punteos Rock (Coslada) Albergue Riglos (Huesca), El Escudo y Pocoloco (Ávila), Gabanna (Lanzarote), Sala Estacion, Imagina, Atico y Dqvass (Alcazar de San Juan), Al Lado y El Moli (Campo de Criptana) Candela, El Duende, 500 Noches (Archena), Sala Strato Caster y 37 Grados (Córdoba), Mi Pequeño Mundo y Pensión “El Rafa” (Fernán-Nuñez), La Marquesita (San Martín de Oscos), La Caverna, Sala Mirror, Alcatraz Rock Bar, Wah Wah (Valencia), La Casa Pintada (Ceuti), Restaurante El Meson (Puebla de Almoradiel), Restaurante S.M. el Rey de la Coca (Piles Playa), EL Paso (Cudillero), Sala Hangar (Burgos), Rock & Play (Boadilla del Monte), Velvet Club (Malaga), Garfield (Torremolinos), Yasta (Campo de Criptana),Sala Sausan/New Rock y Hotel Juype (El Provencio), Chamán (Illlana), Bar La Esquina (Mula), La Cripta y La Gasolinera (Bullas), Video Club Geminis (Cehegin) y Siglo XX(Blanca). Casa de Cultura y Guardamar Music, Hostal Galicia (Elche), La Posada (Elche), Dorian Gray (Denia), Sala Ambigú (Cordoba),Savoy (Gijon), Antón Vission (Elche), Biribay (Logroño), Cuarenta y Tres (Zamora), Erreté (Barcelona),Hotel El Quesar de Gamoneo (Cangas de Onís-Asturias) Cafe del Infante (Villaviciosa de Odón), Stars50 (Talamanca del Jarama/Guadalajara) y Ruta 20 y Arbonaida (Madrid)...

TIENDAS DE CÓMICS

Madrid Comics, C/ de Silva, 17, Generación X Madrid (Puebla, 15)-(Elfo, 98) Alcalá Cómics - Avenida de Guadalajara, 9.

Alcalá de Henares (Madrid).

Telon de Acero, C/Emilio Gastesi Fernández, 14 Libreria SINS ENTIDO, C/ Válgame Dios, 6

RADIOS

Onda3 Radio (Puerto Lumbreras/ Lorca) Onda Regional y SER (Murcia), Onda Marina (Fernan-Núñez), Onda Cero/Europa FM (Alcazar de San Juan), Radio Safor (Bellreguard), Sol Radio (El Bonillo),El Ultimo Este y “La Caja de Pandora “ (Cabezo de Torres/Murcia), Rock FM

Distribución Gratuita: 20.000 ejemplares DIRECCIÓN

c/ Ricardo Ortiz 112, 6º A 28017 MADRID Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28 E-mail: lhmagazin@lhmagazin.com

DIRECTOR Juan Rodríguez

DISEÑO Y MAQUETACIÓN

Sire 2000 Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28

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REDACCIÓN Alicia López

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Jorge Vilella, Edu Salas, Justo Santos (Corresponsal y encargado de la distribución en Extremadura), José Glez., Rafa, Mª Mar, Pilar, Rolo, Jose Luis Espinosa, Soraya Machin, Mariano Muniesa, Yolanda Perez Marin (El Club del Escenario), Amado Storni, Manuel Doval (Valladolid), Olegario Sánchez (Alcazar de San Juan), Patxi “La Caña” Valen (Plasencia), Alberto Cean (Asturias), Mar Monje Abiol, Carlos Harry, Isabel Padrón, Juan Carlos Calderon (Murcia)

FOTOGRAFIA

Domingo J. Casas (Jefe), Paco Lainez, Eduardo Mendez, David Calle, Mario Larrode y Bill Zygmant Liberto Peiró (Valencia), Xavier Mercadé (Barcelona), J.M. Rodríguez (Galicia), José M. Bueno (Asturias), Julio Perez Sotillo(Elche), Kiko Asunción (Murcia) Tony Ventura(Las Palmas) Angel de Francisco/ADFFOTO(Avila)

AGENCIAS www.whitepress.es,KOPress

FOTOMECANICA / IMPRENTA EXCE Comunicación

Esta revista la hace mucha gente, el papel lo ponemos nosotros, las opiniones son de ellos.

l a i r o t edi

EL JARDÍN DEL SONIDO DEL PARQUE LINCOLN Por Jorge Vileilla Product Manager de RockFM y vocalista de Virgen

El mensaje en las canciones El mensaje en las canciones Nací escuchando grupos que, además de tener unas cuidadas melodías, debían tener unas cuidadas letras. Empecé a escuchar música siendo muy niño, todavía exista la dictadura, las letras en algunos grupos de mediados de los setenta eran ñoñas y si daban algún tipo de mensaje social era difícil descubrirlo para mi, yo contaba con siete años y no podía saber lo que querían contar, pero grupos como Los Bravos, Los Brincos, Lone Star, Modulos... sonaban en el tocadiscos de casa. Mi primer disco comprado en Simago de la Avd de la Albufera en Vallecas fue el primer disco de Asfalto en 1978 yo contaba sólo con diez años. Ese disco cambió mi forma de entender la música y mi forma de ser.

Letras como “Días de escuela”, “El emigrante”, “Capitán Trueno”, “Rocinante”... mas tarde “ La Paz es verde”, con Topo “Vallecas 1996”, “Marea Negra”, “Los chicos están mal”... el problema de la droga muy grande que había en esa época, con los chavales que caían enganchados en el barrio, me viene la cabeza el tema de Banzai “No te enganches”, el paro era otro tema que aparecía en las canciones y dicho con un lenguaje que calaba entre la juventud. Me hice muy adicto a los conciertos, me sentía arropado entre tantos colegas, eramos una familia muy grande y sólo tenía 14 años. Esos discos de grupos como Asfalto, Topo, Leño, Ñu, Burning, Alarma, Barón Rojo, Miguel Ríos, Obús... me marcaron muchísimo el contenido de sus letras de lo que a día de hoy soy, me encanta leer sobre la guerra civil, estoy muy concienciado con lo ecológico, me preocupa la situación laboral de los jóvenes y no tan jóvenes, muy comprometido con la lucha de igualdad de géneros, la amistad, la libertad, democracia... estas dos ultimas repetidas en estos últimos días hasta la saciedad y creo que con muy poco acierto, el respeto... Dicho todo esto os preguntareis a que viene todo.

Pues este verano me ha dado por escuchar las letras que escuchan los mas jóvenes con edades de entre 6 años y 16 años y las letras la gran mayoría carecen de un contenido, eso se dice, pero lo tienen, la degradación que hacen a la mujer tanto en sus letras, como en sus vídeos, ofensivos totalmente, sus bailes, hablando de sexo donde se premia con cuantos y en los lugares mas raros, con un lenguaje en ocasiones ofensivo... He leído artículos en los cuales de esto se viene hablando desde hace años. Pero antes de irme de vacaciones me llegó a la redacción un sencillo que me hizo estallar, es de una chica muy jovencita de 19 años, sencillo que está siendo todo un éxito en todo el mundo y que aquí en España sale con una multinacional y que los mas jovencitos de la casa cantan, bailan... Se lo que quieren con esto, lo tengo claro, que nos les vuelva a salir un grano en el culo en la sociedad a nuestros dirigentes. Lo que buscan con estos sencillos es que nuestros chavales no tengan ningún tipo de conciencia, vamos que no se les subleven en un futuro como paso en este país hace algunos años. Sólo os pido que cuando compréis un sencillo de estos artistas, un disco, una entrada para un concierto... Escuchéis antes sus letras, sus mensaje y se lo expliquéis a los peques de la casa, con este tipo de artistas, por llamarlos de alguna forma, si los apoyas, no estás apoyando a la cultura y un país sin cultura es un país sin identidad.

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Es cierto que ha pasado un tiempo, la vida debe continuar y su música vivirá para siempre, pero cuando uno echa la vista atrás sigue sin creérselo del todo: Chris Cornell y Chester Bennington, dos de las voces más brillantes de las últimas décadas nos han dejado en apenas tres meses. Artística y humanamente un daño irreparable.

A Chester tuve la oportunidad de verlo en dos ocasiones, la primera en 2001 abriendo para Deftones en La Riviera cuando “Hybrid Theory” se acababa de publicar en EEUU, la segunda justo un mes antes de su muerte compartiendo camerinos en Download Festival.

Es cierto que aunque nunca perteneció directamente a ella, siempre admiró a toda la escena de Seattle (incluso fue vocalista de Alice In Chains durante un tiempo), pero con cuarenta y un años, seis hijos y una aparente vitalidad física, poco hacía presagiar que se suicidaría de la misma manera que su admirado Chris tan sólo dos meses antes.

Por ora parte está Cornell, al que pude ver en directo tanto con Audioslave (2004) como con Soundgarden (2012). Mi relación con él fue distinta ya que a él lo tuve cerca, muy cerca, tanto como mi cerebro lo está de mí. Su vitriólica voz aún sigue retumbando en mi cabeza de adolescente gritándome que saliese al mundo y lo quemara, que nada me iba a pasar y no tenía nada que temer. Así una y otra vez a modo de mantra terapéutico hasta que, sin saber cómo, conseguí superar una fuerte agorafobia que ya duraba casi dos años y me impedía poner un pie en la calle.

La noticia de su ausencia me llevó a pinchar “Blow Up The Outside World” una y otra vez y, como si de una máquina del tiempo se tratase, regresé directamente al verano del 96 donde su voz consiguió lo que ni amigos, ni familia ni médicos lograron. Entonces recordé lo mágico que es poder conectar de verdad con la música, su increíble poder sanador y toda la ayuda que puede ofrecernos si la empleamos correctamente.

Desde aquí me gustaría recordar a los lectores que siempre que tengan dudas sobre sus vidas o se encuentren solos no duden en comentárselo a sus familiares y amigos.

Por Chester y Chris entonemos bien alto un sanador “Hallelujah” en el jardín del sonido del parque Lincoln.

El Asiento de atrás A.C. Santa María de Trassierra, calle Córdoba nº 9, (Córdoba) 684033467 y 684024221 asociacion@elasientodeatras.es

El nombre lo sacaron directamente del grupo “El asiento de atrás”, con dos álbumes en la calle y preparando el tercero. Donde las dos personas al frente de la banda, Sarah y Juanjo, se les ocurrió montar este garito (asociación cultural) tras tocar con su dúo de versiones (HiRock), en un bar allí en Trassierra, en pleno monte cordobés. El local de al lado estaba libre y decidieron alquilarlo para montar una asociación con los músicos y simpatizantes del blues y el rock. El sábado 4 de febrero inauguraron, con un típico perol de arroz y mucha bebida gratis. Fue un éxito y sigue siéndolo, y han llegado a más de 200 socios. Sus actividades son la música en directo desde la barra (versiones) y por supuesto de varios miembros músicos más. Hay comidas, reuniones, sesiones de astronomía, clases de inglés, clases de guitarra (blues, rock), clases de canto, campeonato de dardos y bolos (virtuales). También cuentan con un pequeño apartado para los artesanos de la zona, donde se pueden adquirir diferentes objetos, prendas, accesorios, e incluso jabones, lo llaman “Rincón de Arte-Sanía”. Imprescindible pasarse por aquí, si estás por la zona.

El horario en los meses de verano es de martes a domingo de 13:00 a 16:30, y de 20:30 a 02:00. El resto del año es de jueves a domingo con aproximadamente el mismo horario.

Cuenta con una terraza de unos 60 m2 en verano, y un porche de unos 20 m2 todo el año, por supuesto privado. No es un sitio de comida, no hay cocina, pero semanalmente hacen un típico perol cordobés, migas, etc., gratuito por supuesto, para todos los socios y los que se acerquen a acompañar. Como aperitivo, tapas de aceitunas, encurtidos, patatas, frutos secos, “chuches”, etc. y en muchas ocasiones salmorejo. Todo ello por supuesto gratuito con la consumición.

Los precios son de 1 a 2,80 € la cerveza (incluidas cervezas artesanas) y 4 € todos los combinados. Además, hay una carta de cócteles con sandia, melón y peceras, y cuernos de unicornio (originales de la asociación) con precios que oscilan entre los 3 y hasta los 20 €, para varias personas. Precios justos.

Os podéis poner en contacto con ellos a través de los teléfonos: 684033467 y 684024221, o por el correo asociacion@ elasientodeatras.es.

Texto: Domingo J. Casas Foto: EADA

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Quien es? MARIO LARRODE

¿Quién eres, cómo te llamas y a qué te dedicas?

Soy Mario Larrode y me dedico desde hace más de 30 años , a disfrutar de mi pasión ….que es la de hacer fotografías ¿Cómo empezaste?.

En San Sebastián , mi padre me regaló una cámara Canon y me pasaba todo el tiempo libre disparando, sin carrete y con carrete, pues era muy caro el material. Autodidacta, hasta que en el 76, vine a vivir a Madrid y entre en la Escuela TAI, donde aprendí que había que estudiar para desarrollar mi manera de ver la fotografía. ¿En cuántos libros hay fotos tuyas?

De los que tengo controlados, al menos diez. En 2015 y 2016, cuatro libros (portadas e interiores) por ejemplo El Niño que quería ser Músico (Paco Martín) y No estás sola (Mónica Pont) por mencionar alguno. ¿En cuántos discos hay fotos tuyas?

Desde que en el 81 comencé profesionalmente, alrededor de 240 discos (Hombres G, Rosendo, Sergio Dalma, Danza Invisible, Danny Daniel, entre otros ). Son muchos y los que faltan por hacer todavía. ¿Te gustaría saber tocar algún instrumento musical?

En la adolescencia, toque el Bajo en varios grupos de Donosti. ¿Qué fue para ti la movida madrileña?

En el año 1979, comencé a trabajar en la Compañía discográfica Hispavox, por lo que me tocó estar en primera línea. Por ello, trabajé con los gru-

pos míticos ( Nacha Pop, Alaska y los Pegamoides, Radio Futura, entre otros ). Esto me supuso, personalmente, vivir un momento de libertad que desconocía en un ambiente muy especial y festivo, con el lema ¨hazlo tú mismo¨. ¿En qué andas metido últimamente?

Estoy en estos días revisando mi archivo, preparando Exposiciones, haciendo fotos casi todos los días y sigo aprendiendo a ver fotografía. Hace poco participé en una exposición colectiva en el Museo de Archena (Murcia), fue una gran experiencia. Repetiré sin duda. ¿Qué tipo de música te gusta?

La música que me gusta es muy variada, desde Beatles, Roling Stones, Eagles, Clásica, Cubana y la Brasileña.

La buena, por resumir. ¿A quién te gustaría retratar?

Me gustaría seguir retratando a la vida. ¿Te queda alguno que no hayas hecho?

Me quedan muchos por retratar, no pierdo la esperanza de hacerlos. Pero claro sólo a los que están vivos, se nos han ido muchos, quizás demasiados. ¿No te cansas de la vida del artista siempre haciendo fotos y preparando exposiciones y escaneado y editando tus fotos analógicas y editando las digitales?

No me canso. Faltaría más. Esto es mi vida. Si se me cansan mis ojos de tantas horas ante la pantalla, editando, escaneando, también se cansan mis posaderas de estar tantas horas sentado. Pero alguien tiene que hacerlo, y en

los tiempos que corren, no queda más remedio que hacerlo uno mismo. ¿Cómo fue tu paso de la fotografía analógica a la digital?

Duro, pues me obligó a manejar las nuevas herramientas digitales y casi volver a empezar en los conceptos fotográficos. A esta pregunta necesitaría varios folios para responder. ¿Cómo ves la profesión de fotógrafo y la fotografía desde que tu empezaste hasta ahora?

Hoy el fotógrafo, ve su trabajo al momento y puede trabajar sobre seguro, antes había que hacer casi magia para ver el trabajo lo antes posible y quitarte los nervios para ver lo que habías hecho. ¿Cómo ves internet para difundir tu obra gráfica?

Internet, es el camino para hacer visible tu trabajo, que a su vez, tienes que aprender a manejar. Esto no es fácil. ¿Qué músicos o grupos o simplemente personas admiras?

De músicos , admiro a Michael Jackson, Prince, y personas, Dalai Lama y algunos cuantos mas que no digo por no dar muchas pistas. ¿Cómo te ves dentro de 25 años?

Haciendo fotos. ¿Algo que añadir?

Pues sí , me lo he pasado muy bien en esta entrevista

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SOMOS UN ESTAMOS Madrid UME Carranza c/ Carranza 16

Valencia UME NUEVO CENTRO c/ Avd. Pio XII, 2, Loc. 178

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ENTREVISTAS Hablamos con GLENN HUGHES sobre el nuevo disco de BLACK COUNTRY COMMUNION

UME CEDACEROS c/ Cedaceros, 3

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NAVE

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UME GCASTRO c/ Guillem de Castro, 34

Madrid: Ume Arenal, Ume Cedaceros, Ume Carranza y Ume Hermosilla.

Berberà del Vallès: Ume Baricentro y Ume Sabadell Barcelona: Ume Sepúlveda, Ume Muntaner y Ume Sants L`Hospitalet de Llobregat: Ume Sants, Ume Sepúlveda y Ume Muntaner Sabadell: Ume Sabadell y Ume Baricentro Girona: Ume Girona Lisboa: Uniao Lisboa Málaga: Ume Málaga Pamplona: Ume Pamplona Sevilla: Ume Sevilla Valencia: Ume La Paz, Ume Guillem de Castro y Ume Nuevo Centro Zaragoza: Ume Zaragoza lhmagazin.com

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Barcelona UME SANTS c/ Sants, 3o4 - bis

UME MUNTANER c/ Muntaner, 324

Sevilla UME SEVILLA c/ Rico Cejudo - Edif. Hispal Local 8

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Hablamos con GLENN HUGHES sobre el nuevo disco de

Black Country Communion Este nuevo álbum de Black Country Communion tiene grandes dosis de rock and roll. Un buen puñado de temas de calidad con un sonido realmente “en tu cara”. Me ha sorprendido lo potentes y orgánicas que suenan algunas cosas como la batería. ¿Estás de acuerdo esto?

Sí. Es un álbum extremadamente directo. Me gusta mucho el color de todos los instrumentos. Tuve un gran sonido de bajo también. Esa habitación de los East-West Studios de Los Ángeles, donde hicimos también Black Country Communion II, es un sitio especial con un significado especial. Kevin Shirley es el rey de este tipo de sonido. El álbum está construido entorno al sonido de cada uno de nosotros. Quisimos hacer un álbum que sonara definitivamente a Black Country Communion. Que sonara como el I, II y III, ahora el IV. Creo que es un álbum bastante ambicioso, con temas ricos y complejos. ¿Cómo creasteis las canciones?

Joe y yo compusimos los temas en mi casa en octubre. Nos juntamos porque quisimos hacer un álbum escrito por los dos. Como sabrás, mucho Black Country está escrito por mí, pero quería la influencia de Joe en este álbum. Así que fue importante que estuviéramos los dos en la misma habitación en lugar de compartir archivos en internet, lo cual es algo que no me gusta hacer. Joe vino a mi casa 11 días. Todos los días componíamos una pieza distinta y cada noche yo escribía una nueva letra. Lo terminamos todo y

fue una gran obra. ¿Cómo afronta un cantante un estilo vocal de hard rock tan exigente como al que te dedicas?

Sin miedo. Estoy muy relajado en el estudio y no tengo otra cosa en mi mente más que lo que estoy haciendo. Me siento sin miedo. Soy consciente de que Dios le ha dado algo único a mi voz, así que estoy agradecido poder llevarte este mensaje a ti y a cantantes que quieren cantar como yo. Es importante para mí ser real, tengo que ser honesto y ser completamente Glenn Hughes. No quiero, ni creo sonar como ningún otro cantante. ¿Te influenció ese tipo de música no solo como cantante sino también como bajista?

James Jameson es mi referencia. He hecho algunos tributos a James con Stevie Wonder. Él ha estado en más números uno de R&B que ningún otro bajista, y ha pasado ya tiempo de eso. Él era el rey del groove. Increíble.

No solo establecía el groove, sino que sus líneas eran muy melódicas y parecían en sí casi una canción. ¿Tienes en cuenta esa orientación en tu forma de tocar el bajo?

Claro que sí. Absolutamente. Me encanta su estilo. Melódico, menos es más.

Se trata de tocar con la batería, es algo muy importante para mí. He tocado con mi amigos Chad Smith y Jason Bonham y me siento realmente afortunado de haber tocado con los mejores baterías. ¿Crees que hay alguna canción o grupo

que defina particularmente bien la esencia del rock and roll?

Cualquier cosa de The Who. No es solo Daltrey, es Townshend. No tiene por qué ser un vocalista, puede ser la guitarra, el bajo o la batería. En los últimos y mediados 60, The Who eran una locura. Antes de Zeppelin. Es increíble lo que crearon, absolutamente bombástico. Y eso es algo muy importante, que muchas bandas no tienen ahora.

Supongo que eran algo así como los Beatles con esteroides.

Sí. (risas).

Esa energía es ciertamente importante. Y en el caso de esas bandas, además está sustentada con muy buenos temas detrás. Creo que es algo que también se puede apreciar en tu carrera, a parte del poder sonoro. ¿Qué valor le das a tener buenas composiciones?

Creo que es muy importante. La música ha ido muy lejos en los 60 y 70 y ahora en este periodo parece que todo el mundo está reciclando e intentando volver atrás.

O sea, yo vengo de los 70, cuando era Zeppelin, Sabbath, Floyd, los Stones, los Beatles, Purple…Vengo de esa generación de increíble talento. Eso fue hace mucho tiempo, pero ahora no hay mucha música nueva que sea completamente única. Creo que mucha gente quiere recrear el periodo “retro”, ya sabes. Las bandas deberían estar intentando crear su propio sonido.

No estoy siendo irrespetuoso, pero no he oído nada nuevo que no se haya hecho antes.

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Fuisteis considerados como una buena altenativa (sino la mejor) a las mejores bandas de AOR de todos los tiempos ¿Qué opinas de esto?

Siempre es genial ser considerado uno de los mejores en algo. Estoy muy contento.

Este nuevo disco “Into the Great Unknown” tiene muchos aspectos modernos, como por ejemplo el tratamiento del teclado, el cual suena muy contemporáneo. ¿Cuál ha sido el reto esta vez?

Para mi personalmente, ha sido el reto de intentar hacer algo nuevo. Pienso que a la mayoría de la gente no le gustan los cambios, pero son algo inevitable y estoy de acuerdo con lo que decía Charles Darwin: “No son las especies más fuertes las que sobreviven, sino las más inteligentes, aquellas con la capacidad de adaptarse a los cambios”.

Vuestro primer single ha recibido un feedback bastante dispar entre los fans ¿qué piensas de esto?

Pienso que es genial que un single genere reacciones tan fuertes, ya sean positivas o negativas. Pienso que este es uno de los mejores lanzamientos que hemos hecho en términos de búsqueda.

Realmente hemos sorprendido a algunos de nuestros fans con este lanzamiento, pero es lo que hay… pienso que la razón por la que H.E.A.T. ha crecido como banda desde el principio es porque siempre hemos compuesto y tocado música que nos gusta. Nada ha cambiado. Hacemos lo que hacemos y lo que nos gusta hacer por encima de lo que alguien pueda pensar que esto sea algo incorrecto.

Thirty Seconds To Mars podría ser una buena referencia a la hora de hablar de una banda que mezcla muy bien el pop y el rock. ¿Piensas que vuestra actual música se puede comparar con algo

H.E.A.T. 12 lhmagazin.com

parecido?, ¿podrían haberos influenciado en los últimos tiempos?

Realmente no he escuchado Thirty Seconds to Mars a día de hoy, pero lo haré y te contestaré en la próxima entrevista que me hagas. ¿Cuál es tu canción favorita del disco y por qué?

Me gustan “Redefined”, “Eye Of The Storm”, “We Rule” y “Time On Our Side” porque son canciones por las que mucha gente nos dice que no podemos publicarlas porque no son H.e.a.t… ¡Que se jodan!.

Eso me convence todavía más de que tenemos que sacarlo. ¿Qué pasó con Eric Rivers?, ¿cómo afecta su salida a la banda y por qué decidió irse?

Eric se cansó de la vida del Rock And Roll y decidió emplear su tiempo a hacer otras cosas que le gustan en la vida. Es un buen amigo y ambas partes finalizamos la relación en buenos términos. Obviamente todos nos quedamos sorprendidos por su decisión de marcharse, pero todos supimos que debíamos continuar y ahora tenemos a otro guitarrista al que además, conocemos desde hace tiempo.

Cuéntanos cosas sobre él…

Dave Dalone (¿o Sky Davis?), realmente no necesita introducción, ha formado parte de la familia de H.e.a.t. desde el comienzo y le damos la bienvenida a su regreso a la banda con los brazos abiertos. El ha contribuido al disco con su gran técnica como guitarrista y ha coproducido y aportado increíbles ideas de composición.

Erik, tú acostumbras a girar por tu cuenta haciendo versiones de bandas como Skid Row y similares. ¿Haces esto para sentirte independiente sin rendirte a tus gustos e influencias más clásicas?

De momento no hay planes de hacer nada por mi cuenta. Canto lo que me gusta cantar y hago lo que quiero hacer.

Internet lo ha cambiado todo. ¿Cómo afecto esto a una banda como la vuestra?

Pienso que internet está trayendo enormes oportunidades para artistas que buscan encontrar a sus fans. Esto es algo que está en cambio constante, pero como mencioné antes, es algo muy bueno.

Los mejores en adaptarse a los cambios, serán los únicos que sobrevivirán. ¿Girareis para presentar este disco?

En breve, anunciaremos algunas fechas para el otoño del 2017, pero precisamente ahora estamos trabajando en ello y no te puedo dar más información al respecto, porque no hay nada cerrado del todo.

Si pudieras telonear a alguna de las bandas del sello discográfico que os saca el disco, ¿con cual lo harías?

Hardcore Superstar

5

los de

Eric Gronwall - Five Finger Death Punch - Got Your Six - Imagine Dragons - Evolve - Metallica - Hardwired to self-destruct - ACDC - Let There Be Rock (uno de los mejores discos de la historia).

- Pantera - Cowboys from Hell

la magnífica banda de AOR ya tiene en la calle nuevo disco. Hablamos con Eric Gronwall

Gotelé

“Las cubas” es el segundo trabajo de los abulenses en formato de Ep. Cinco canciones son las que componen este trabajo y del cual ya se han publicado dos singles.

El primero “El ring” y ahora este verano el segundo “Dale duro” del cual también se ha realizado un videoclip y que ha entrado a formar parte de este volumen sexto de Imprescindibles de LH Magazin Music. Desde que pasaron por nuestro estudio de radio y después de disfrutar de su actuación en la fiesta del Día de la Música que organizamos, podemos deciros que estamos ante una banda que va a dar mucho que hablar y que llegará lejos.

¿Os ha sorprendido la gran acogida que está teniendo este disco tanto por el público como por los medios de comunicación?

Ha sido increíble la acogida que está teniendo y todas las muestras de cariño que hemos, y seguimos recibiendo.

Siempre hemos intentado sacar lo mejor de nosotros en todo lo que hacemos y siempre se espera conectar con la gente que te sigue y que te escucha y que te cuida, pero no siempre sale bien, a veces la mejor manera de vencer es fracasando primero. Moralinas del tres al cuarto a parte, creo que dimos con la tecla tanto por las canciones como con el equipo humano con el que hemos tenido el gustazo de trabajar, nos hemos juntado con gente espectacular para darle forma al proyecto como José Caballero, la gente de NeoMusicBox, Silvia Cantero y Damián Lozano, la gente de Entrebotones... Ha sido una pasada.

“Dale duro” es el segundo single. ¿Por qué elegir este tema como segundo single?

Cuando terminamos de grabar el disco teníamos súper claro que solo había un single y que era “El Ring”, tema con pegada, era fresco, tenía mensaje, fue a la hora de llevarlo al directo cuando nos dimos cuenta de que “Dale duro”funcionaba igual o mejor, tenía mucha garra, la gente se quedaba con ella, creo que muchos se sentían identificados con lo que dice. Creíamos que le debíamos a la gente un segundo clip del ep con éste tema.

De este tema se ha rodado un videoclip que ha sido dirigido por Sergio Aguilar y producido por Karim Lemrino. ¿Es necesario realizar un videoclip para mostrarlo por redes sociales, ya que no hay programas en TV?

Hoy en día casi todo lo que pasa está en las redes sociales, son una herramienta crucial en la vida de las bandas, y no solo de las emergentes, todas las bandas/ artistas en solitario hacen un buen uso de éstas. Yo soy de la opinión de que el apoyo a la cultura nunca es suficiente, siempre se puede hacer más. Al fin y al cabo nuestra cultura es lo que somos, si no la apoyamos ¿qué somos?. Por eso se agradecen espacios como el vuestro para hacernos un huequito y compartir algo que nos llena y que reporta tanto como es la música. Aprovecho para decir que trabajar con Sergio Aguilar y Karim Lemrino (tiwaestudios) ha sido un verdadero placer.

Uno de mis temas favoritos tanto por la música como por lo que cuenta la letra es “Paramera” ¿Cómo surge la idea de hacer esta canción?

Los primeros versos pertenecen a la Jota triste de serranillos (Ávila). “Al subir la paramera, volví la cara llorando//¡qué lejos está mi tierra!. ¡qué lejos se va quedando! [...]” es una jota que es probable que se compusiera hace más de cien años y que habla de los quintos que salen del pueblo a buscarse la vida a la ciudad,a buscar trabajo, a hacer la mili, etc. Me parecía increíble la verdad que tenía, como es posible que describiera de manera tan precisa la situación de nuestros jóvenes en Londres, Manchester, Berlín...

Me gusta de Gotelé sus melodías, sus canciones una vez más pop, otras más rock e incluso en alguna con sonidos cercanos al rock sureño. Pero sobre todo el mensaje que quieren dar en sus canciones y como cuidan sus letras. A veces siento, sobre todo últimamente, que muchas bandas se olvidan de este detalle. ¿Cuánto es de importante para vosotros las letras?

Si no nos importase lo que decimos, cantaríamos en inglés (risas). Es Broma.

Creo que debería ser una cuestión de principios que las bandas que hablan, piensan y sueñan en castellano se expresen de la misma manera. Los anglosajones tienen una cosa muy buena, (para ellos), y es que siempre han creído a ciegas casi y exportado su cultura mucho más que el resto, eso les hace ser pioneros en muchos aspectos, y creo que debemos empezar quitarnos de encima ese complejo de inferioridad y decirle al mundo que nuestra cultura vale mucho, porque así lo es. Al margen de ésto,, intentar no maltratar ni al lenguaje ni a las palabras ya me parece un lujo. Sí que intentamos cuidarnos en éste aspecto.

Este Ep se ha grabado en los estudios Neo Music Box. ¿Por qué grabarlo en esos estudios?

Fue una bonita casualidad participamos en el concurso Play Music del cuál resultamos vencedores. El premio fue la grabación del Ep y la participación en el Sonorama. Cruzarnos con José Caballero ha sido una de las mejores casualidades que nos ha pasado, ya no sé si mas a nivel profesional o personal.

Habéis tenido un buen verano con bastantes shows. ¿Qué planes tenéis cara al otoño?

Ha sido un año intenso llevando las cubas por bandera a todos los rincones donde hemos podido. (Valencia, Sevilla, Madrid, Vigo, Logroño, Valladolid, Toledo…). Actualmente nos encontramos en la producción de nuestro nuevo disco y entraremos a grabar en Neo Music Box, con Jose, en noviembre. Éste vez contaremos para la producción con Gato (Izal) tenemos muchas ganas de que veáis todo lo que estamos planeando.

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El grupo se formó en el 2.012 en Madrid y este año publicaban su segundo disco “Entrar a matar”, un disco que la primera vez que lo escuché no me quedó ninguna duda de que estábamos ante una banda que este año daría mucho de que hablar con este gran disco, como así está siendo. Este nuevo trabajo ha sido producido por Eduardo Molina y mezclado por José Caballero en los estudios Neo Music Box. Ellos definen su estilo como “Rock playa” y es que su música tiene mucho de rock pero también han sabido capturar en sus canciones las melodías del pop mas fresquito, veraniego.

“Luces de neón” fue vuestro primer single. En este Imprescindibles de LH Magazin Music nos encontramos con el tema “Maria Isabel”. ¿Qué significa para vosotros esta canción?

María Isabel fue una de las primeras canciones que nacieron en “Entrar a Matar”, de modo que captura en cierto modo la esencia del disco. Es una canción de rock ibérico que narra la historia de un hombre que se enamora de una mujer del oficio durante la gira. Ella baila todas las noches en un burdel de la estepa castellana llamado “El Edén”- Su clientela conoce a María Isabel como “La Rosa del Desierto”, una mujer por la que perder los estribos, vaya.

Comentábamos que este disco ha sido producido por Eduardo Molina, mezclado por José Caballero y grabado en los Neo Music Box. ¿Por qué elegir este estudio y al productor para grabar vuestro disco, que referencias teníais de ellos?

El sello de Playa Cuberris, Entrebotones, había comprobado ya la eficacia

de este tándem durante el trabajo de nuestros hermanos KITAI. A pesar de nuestra diferencia de estilos, nos gustó el sonido tan poderoso que esta combinación sugería y pensamos que le haría un favor a este disco.

No habéis parado de tocar durante todo el verano, incluso habéis tocado en el festival Gigante de Guadalajara el pasado 1 de septiembre. ¿Cómo está yendo para vosotros este verano que termina y que ha supuesto para el grupo tocar en un festival como el Gigante?

Llevamos dando conciertos desde noviembre sin parar. Poco a poco el proyecto ha ido ganando credibilidad y solvencia sobre los escenarios. Cada vez llenamos salas más grandes bajo la batuta prudente de nuestra agencia. Tocar en grandes festivales como hemos hecho este verano, supone una de las recompensas por tanto esfuerzo y sacrificio durante el resto del año.

Uno se da una vuelta por internet y enseguida puede comprobar lo bien que hablan los medios de este segundo disco “Entrar a matar”. ¿Os ha sorprendido la gran respuesta que ha recibido el disco, os lo esperabais?

La acogida de los medios nos ha motivado a seguir luchando con los pies en la tierra, a trabajar nuestro directo y a componer varias canciones nuevas que ya aventuramos, serán puntas de lanza en nuestro siguiente trabajo. Creemos que el siguiente álbum va a reflejar un nuevo estadio de madurez en la banda y que estará cargado de nuevos matices. Pero por el momento seguimos defendiendo “Entrar a Matar”, un disco de buenas canciones que trabajamos en su día con mucho cariño, paciencia e ilusión.

Como primer single de este disco se extrajo el tema “Luces de neón” y del cual

Playa Cuberris

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se ha rodado un videoclip que ha conseguido ser Ganador del Premio Simón 2017 al mejor videoclip, concedido por la ACA Academia del Cine Aragonés. ¿Qué ha supuesto este premio para el grupo?

La cuestión audiovisual es determinante para una banda hoy en día. La idea de Jacob Santana consiguió acercarnos al público de una forma original y divertida. Los premios y las buenas críticas nos sirven como aval y nos muestran la ruta a seguir en el futuro, en lo que a imagen y concepto artístico se refiere.

Termina el verano y que planes tenéis para el otoño.

Seguiremos dando guerra sobre las tablas. El 13 de septiembre lo haremos en Móstoles junto a Los Zigarros, el 15 en Majadahonda, el 29 en Barcelona y el 30 en el Festival de Cine de Gerona. Ya están saliendo nuevas fechas para octubre y noviembre. Podemos adelantar también que pronto rodaremos un nuevo videoclip y que pisaremos una plaza fuerte en Madrid antes de que llegue 2018. Va a ser mítico.

Hay algunas voces que están diciendo que este panorama musical está empezando a cambiar, que va mejorando el mundo de la música pasito a pasito. ¿Cómo lo veis vosotros?

Poco a poco la gente va tomando conciencia sobre la importancia y el legado cultural que implica la escena musical fuera del mainstream. Se están afilando los paladares y surgen iniciativas muy interesantes. Si podemos formar parte de ese proceso con nuestras canciones, será un verdadero orgullo.

Inuit Desde que se publicara su primer disco “Camino” en el 2012 hasta la publicación de su último Ep “Correr despacio” son innumerables las veces que han pasado Inuit por nuestras páginas, radio.. “Correr despacio” se grabó en los estudios Neo Music Box y de la grabación y de la producción se encargó el mismo grupo, con un resultado En este sexto Imprescindibles de LH Magazin Music nos encontramos con vuestra canción “Fue un placer” un tema mas rockero y con un aire fronterizo. ¿Qué tiene de especial este tema para vosotros?

Hay canciones que ya nacen con cierto poder, este tema lo ha tenido desde el primer momento. Es un tema que nos gusta tocar a los cuatro y que siempre nos emociona de una forma u otra. Creemos que es una canción preciosa, redonda y la gente que la ha escuchado así nos lo ha hecho ver en el 100% de las ocasiones.

Nos cuenta una tarde triste de despedida y desamor pero a la vez tiene ese punto rockero de aceptación y de tirar `palante´con ganas de nuevas aventuras.

El año pasado pasasteis por el Sonorama Ribera, este año habéis dado unos cuantos conciertos y hace unos días actuasteis en el festival Gigantes de Guadalajara. ¿Cómo fue la experiencia y qué supone para un grupo como Inuit estar dentro de un cartel como el “Gigantes”?

El pasado 1 de septiembre pudimos sonar en Festival Gigante de Guadalajara y la experiencia fue muy buena. En el escenario de emergentes sonaron una decena de nuestros temas. Las críticas recibidas han sido buenas y nuestra sensación también. Se llega a mucha gente nueva en los festivales y ayudan a mejorar y aprender. No es el mismo concierto el que damos en una sala, que un acústico, que un festival… lógicamente! y esa energía que los festivales nos aportan nos ha gustado mucho. El problema es que ahora queremos más y más (risas).

Es por todos sabidos la falta de ventas de discos, en ocasiones cuesta muchísimo mover al público... pero desde que os conozco y hace de esto ya unos cuan-

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que dejó boquiabiertos tanto a la crítica musical como al público, dando un paso de gigantes con este trabajo, tanto en el sonido, como en la composición de los temas.

Ahora están trabajando en lo que será su próximo disco, sin parar de tocar como ha sido hace unos días su actuación en el festival Gigantes de Guadalajara.

tos años, sois una banda que no para de buscar día a día cómo hacer llegar vuestra música a un público mayoritario.

Hace poquito vimos a Mario Martínez (voz y guitarra) en el programa de TVE Fantastic Duo con La Unión. ¿Cómo fue la experiencia y sigue siendo la TV una forma de llegar a más público?

La venta de discos y la forma de llegar a la gente sabemos como está. La situación de la cultura y la música también.

Dicho esto, creemos que lo mejor es trabajar con honestidad y tener capacidad de adaptarse a los tiempos, a las adversidades y a los medios actuales. No somos los inventores ni los primeros ni más ingeniosos en nada pero podemos decir que somos serios y honestos con nuestra forma de hacer y convivir con este oficio, con nuestra pasión. Lo que ocurra a partir de ahí quizá ya no dependa tanto de nosotros y si más de la gente que nos escuche. Los cuatro vivimos de esto y hacemos muchas cosas de todo tipo en la música. Mario Martínez fue a la TV a un programa para seguir creciendo y viviendo cosas en la música, como todos nos metemos en diferentes bolos, versiones, bandas, grabaciones, clases… Si con eso se llega a más casas mejor y sino pos a seguir buscando aventuras. Bien es cierto que somos más de garitos y de escenarios que de platós de TV pero bueno, no en todas las asignaturas de la carrera se es bueno, no?

Este año nos entregabais un tema grabado en directo y grabado en vídeo “Parar a Respirar”. Hay mucho grupos que están optando por la opción de publicar tema a tema, en vez de un Ep o un CD. ¿Es esta una opción que hayáis barajado?

Sin duda es una posible opción. Hacer un buen tema, una buena grabación, un

buen vídeo… Creemos que va a ser así como lo hagamos. Eso nos va a permitir invertir la energía en una sola canción y puede ser muy positivo para el resultado.

Parar a Respirar fue la última que hemos creado y la publicamos en YouTube en directo. Sin duda la letra cuenta un poco lo que ya os hemos comentado anteriormente. No queremos seguir corriendo y queremos trabajar respirando y sin agobios. Ya no queremos ponernos presiones ni plazos y vamos a disfrutar al máximo, para eso estamos aquí.

En esas conversaciones que tenemos en los pasillos de Ritmo y Compás cuando nos cruzamos hablamos de la gran salud que vive actualmente el mundo de la música. Hay grandes bandas, canciones, independientemente de géneros musicales... los conciertos de artistas internacionales se llenan a unos precios de escándalos, falta público en conciertos de salas pequeñas. ¿Por qué pensáis que sucede esto?

Ha día de hoy estamos en un cambio donde ya las personas no nos damos tiempo a apreciar las cosas. Así es como parece que va a ser este futuro tecnológico. Obsolescencia programada incluso en nuestros deseos y nuestros sentimientos.

Tenemos una canción llamada ¿Donde Estás? y ahí hablamos un poco de este tema. Las personas consumen lo que les ponen en sus pantallas de 4 pulgadas y eso lo hace la inversión de dinero que hacen las multis con poder, el marketing… Las bandas pequeñas y nuevas tenemos que luchar poco a poco y hasta en nuestros conciertos nos enfrentamos a un público que mira teléfonos en vez de levantar la cabeza y compartir momentos mágicos con la banda… A ver donde nos lleva todo esto…

¿Qué significa para ti “I´ll be ready”? ¿Recuerdas donde nació?

Recuerdo como surgió la canción. Un amigo muy emocional tuvo una ruptura con su pareja y se quedó, como le ocurre cada vez que eso le sucede, en estado de “depresión transitoria”. Esa circunstancia me inspiró esta canción que es un canto a la resiliencia, a la capacidad de encajar los golpes que la vida nos da para seguir adelante con actitud positiva, dispuestos a seguir viviendo sin miedo, intensamente, sin máscaras, aunque eso conlleve el riesgo de una nueva decepción.

Comentábamos que tu primer grupo fue Mente en Blanco con el cual grabasteis un disco. ¿Fueron tiempo pasados mejores a estos?

Siempre pienso que los mejores tiempos están por llegar. Esa es mi motivación para seguir aprendiendo, para seguir viviendo.

Cuando decides dejar la música en un segundo plano, que fue lo que hizo que estudiaras, que te prepararas artísticamente.

Intento mejorar en todo aquello que me interesa, en todo aquello que me apasiona y la música es para mí una pasión irrefrenable. No puedo vivir sin escribir canciones. A veces siento que no soy yo quien las compongo sino que son ellas las que me eligen a mí para que las de vida.

Es como si existieran en otra dimensión y yo fuera sólo un medium que entra en contacto con ellas para ayudarlas a tomar forma, a pasar a un estado en las que puedan ser escuchadas. Ese sentimiento me hace sentir la responsabilidad de terminarlas y compartirlas con otras personas.

Es necesario si uno se quiere dedicar al mundo de la música tener unos conoci-

mientos mínimos.

Creo que sí pero no seré yo el que dogmatice sobre este asunto. Creo que tener más conocimientos te da la posibilidad de manejar una “paleta de colores” más amplia, pero a veces un simple garabato puede transmitir mucho más que una sofisticada pintura.

En este tercer trabajo “I´ll be ready” sigues contando con Pablo Navarro y Rafa Martin que ya participaron en tus dos trabajos anteriores “Todo en tu mirada” y “Maletas vacías”. En esta ocasión producen siete de los doce temas del disco. El resto del disco esta producido por el barcelonés Kim Fanlo (Pablo López, Juanes, Howie B, Bunbury, Nena Daconte...). ¿Por qué producir el disco de esta forma?

Estoy muy satisfecho con el trabajo realizado por Pablo Navarro y Rafa Martín por eso he trabajado con ellos en mis anteriores discos, pero también me motivaba la posibilidad de colaborar con otro productor que pudiera aportar nuevas ideas, nuevos caminos. Ha sido sin duda una experiencia muy interesante. Las producciones de Kim Fanlo han enriquecido el disco sin que haya perdido su unidad.

Al igual que en tus anteriores discos nos encontramos canciones con letras en castellano y otras en inglés. ¿Por qué elegir dos idiomas para cantar tus letras?

Compongo la canción en el idioma en que surge. Unas me vienen a la cabeza en castellano y otras en inglés. Desconozco la razón.

En este disco han colaborado músicos de la talla como Brigitte Sosa, contrabajista de Alejandro Sanz, Antonio Serrano, harmónica, Paco Bastante, bajista, Toni Mateos, batería, Las guitarras de Kim Fanlo, Nau Barreto, Oliver Brun y Lucas Vianna,

el piano y los teclados de Pablo Navarro, la percusión y baterías de Felix Fanlo, el pedal Steel de David Soler, el saxo de Jose Miguel Perez, los coros de Rafa Martin. ¿Das rienda suelta a estos músicos para que interpreten tus canciones o te gusta tener todo muy amarrado?

En general trabajo con los productores elaborando una versión pre-producida hasta que nos sentimos satisfechos y entonces pedimos a los músicos que graben sus pistas; Evidentemente, contando son estos extraordinarios talentos, estamos siempre abiertos a las ideas que ellos puedan aportar. Por ejemplo, Toni Mateos, nos daba sus baterías en dos pistas, una con la batería tal como nosotros la habíamos concebido y otra con su interpretación. En la mayoría de los casos elegíamos esta última porque era más rica en matices y transmitía más emoción. Mención especial merece la colaboración de Antonio Serrano en “El conductor del coche escoba”. A él le enviamos una versión prácticamente terminada de la canción pero, lógicamente, sin ninguna sugerencia melódica para la armónica. Hubiera sido ridículo hacer algo así con un músico de su inmenso talento. Antonio nos pidió que Pablo Navarro y yo fuéramos al estudio a escuchar como grababa la pista para asegurar que su interpretación nos satisfacía y así lo hicimos. Hizo una prueba y cuando se sintió inspirado grabó la pista de una tacada. Cuando terminó nos miró y nos preguntó nuestra opinión. Recuerdo que Pablo Navarro dijo: “cojonudo tío”. Yo no pude pronunciar palabra, simplemente mantenía aún la boca abierta con los ojos a punto de lágrima. Antonio Serrano es un genio de máximo nivel. Es un honor y un orgullo que haya colaborado en mi disco.

Dinarés

“I´ll be ready” además de ser el tema elegido para entrar en este sexto volumen de Imprescindibles de LH Magazin Music es la canción que da título a este tercer trabajo de este artista que ya haría sus pinitos con su banda Mente en Blanco con la cual publicaron un disco en 1990. Después de esto la música paso a formar parte en un segundo plano de su vida. Pero siguió formándose como músico Songwriting ( Composición ), de Berklee University, Fundamentals of Music Theory, of University of Edinburgh y Producción musical y su efecto en la composición, de Berklee University. lhmagazin.com

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Hola! La verdad es que la disparidad de Estudios y momentos de grabación son la clave del disco, es lo que ha hecho que sea una realidad para mí, que tenga una coherencia. Me fui juntando con una serie de canciones que más o menos me convencían y a través de la generosidad de los artistas implicados, fuimos dando forma a lo que posteriormente se convirtió en un álbum. Ellos han tenido las decisiones artísticas y yo me he puesto a su servicio. Llevo muchos años grabando y nunca lo había hecho de este modo.

Me encanta el resultado y aún más ellos.

Es fantástico que te haya enamorado el disco, como comentas. Siendo así, ¿quién necesita una etiqueta?

“Monkeyman” es la canción que podemos escuchar en este “Imprescindibles” de este año. ¿Qué significa para ti esta canción y recuerdas donde nació?

Monkey Man es realmente especial para mí, ya que es una de las primeras canciones que empecé a defender en solitario y ha ido mutando por sí sola. En el caso de la versión del disco, la implicación de Gilberto Aubán y Jaume Mira han hecho del tema algo realmente fresco, en mi opinión. Espero que los oyentes la disfruten tanto como yo. Respecto al nacimiento, debió ser en algún momento de principios de 2000 y en algún lugar del centro de Madrid, salpimentado dentro de mi cerebro.

Estas trece canciones se gran grabado en distintos estudios, en un espacio de tiempo largo. ¿Por qué grabar el disco en distintos estudios? ¿No tuviste miedo de que el disco no tuviera una homoge-

Fabiani

Una de las curiosidades que más me han llamado la atención de este disco es que este trabajo y sus trece canciones se han grabado en varios estudios, en distintos momentos y con numerosos invitados. Casi siempre los discos se graban en un estudio, a lo sumo tres y en un determinado tiempo, para que el disco sea muy parejo y tenga una línea. Otra cosa que me llamó la atención y que me enamoró de este disco, es, en qué etiqueta musical meterlo, dónde encasillarlo, en su música encuentras folk, electrónica, pop y rock&roll. Cantado en castellano, francés y en inglés, ¿alguien da más?

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neidad?

Creo que la clave ha estado en que no planeé nada de antemano. Tras revisar las grabaciones que tenía, sentí la necesidad de empaquetarlas de algún modo y en este caso, me salieron 13 que me convencían como envoltorio. Después, tuve la suerte de que Fernando Polaino, responsable del sello Granja Beat, las escuchara y me dijera que quería editar el disco. Un privilegio para mí. ¿Y por qué demorar en el tiempo la grabación?

Bueno, esto viene a colación de lo anterior. Como, a priori, no tenía intención de hacer un disco al uso, no pensé en los tiempos y eso, me ayudó.

Es muy difícil encasillar este disco en un determinado género y eso me encanta. Es la filosofía de LH Magazin Music dando cobertura a todos los géneros musicales. ¿Piensas que las etiquetas musicales han hecho más daño que ayudar?

Las etiquetas son para mí el reflejo de la cobardía emocional, sobre todo si hablamos de arte. En realidad, el daño que mencionas ya está hecho y es tristemente antiguo. A mí no me interesa. Si algo te gusta, es maravilloso no saber por qué. ¿Existe algún determinado género estilo musical que no te guste?

No hay concretamente ningún género que no me guste, me fijo más en los artistas que en los estilos. Eso sí, en los últimos veinte años creo que la cosa flaquea un montón, por culpa de la multidifusión y el rápido afán por el consumo. Internet y sus plegarias han dejado la música al nivel de un peinado o un pantalón.

En el disco nos encontramos con un cover “Cest si bon” de Henri Betti y André Hornez de 1952 o la revisión del tema “As yet untitled” de Terence Trent D’Arby, también nos encontramos con el tema que abre el disco “Set me Free” de Dusty Shoes. Mucha variedad ¿Pero cuáles son tus artistas fetiches?

Las revisiones o covers intento tomármelas como algo personal, en el sentido del homenaje y del agradecimiento. En el caso de C´est si bon, es lo único que me pidió mi señora madre. En el caso de Sananda Maitreya (antes conocido como Terence Trent D´Arby), es el modo de darle las gracias por hacer lo que le da la gana siempre, al margen de lo sucio del negocio. Mi artista favorito, (fetiche no me acaba de gustar...) es el excelentísimo señor Stevie Wonder. ¿Por qué llamar al disco “El Nuevo Lanzallamas”?

El Nuevo Lanzallamas es para mí la forma de quemar lo que no te gusta del mundo, de ti mismo, para crear una nueva realidad entorno. Un viejo y nuevo concepto que me encanta, el del fuego purificador. Miedo y fascinación.

Termina el verano y comienza el otoño que planes más inmediatos tienes próximamente.

Me alegro de que se acabe el verano, la verdad. Se me ha hecho demasiado largo. Mis planes son seguir moviendo el Lanzallamas sin piedad pero con cariño.

Afortunadamente, tengo locos fieles que me acompañan en esta aventura y en directo estoy disfrutando como un niño.

Antes Uno de mis temas favoritos de este disco es “Simétrica” el tema que ha entrado en este sexto Imprescindibles de LH Magazin Music. ¿Qué significa para vosotros este tema y recordáis cómo nació?

Para nosotros es una de esas canciones redondas. Buen riff, buena armonía, buen brillo, con rollo, etc… Inicialmente iba a ser la canción simétrica, tal como empezaba acababa. Con la melodía de voz y la guitarra acústica al final, pero al final en la producción definitiva la dejamos como está. Es una de esas canciones Imprescindibles ;) ;) ( guiño guiño) (Risas) Este verano habéis actuado en el festival de Sonorama Ribera. ¿Cómo fue la experiencia y qué supone para Antes tocar en un festival de este renombre?

Muy buena y esperamos repetir el año que viene. Supone estar en un cartel donde hay muchísima peña de primera línea. Ya compartirlo, ya mola. El año que viene , si todo fluye y volvemos, haremos mas ruido.

Con este disco “Triángulos” habéis conseguido dar una vuelta de tuerca al rock alternativo de este país, consiguiendo tener vuestro propio sello de identidad . ¿Era esta una de las primeras intenciones a la hora de crear “Triángulos”?

En el fondo no, pero si. En el fondo no porque no buscas esas cosas, salen naturales y si salen claro. Cuando la banda nos juntamos empezó a fluir eso de manera natural. Luego una vez que ves que la cosa puede ser original, pues lo fuerzas, lo intentas exprimir e intentas trabajar en esa onda, you know…

Son muchas las voces que dicen que el

Estamos ante la puesta de largo del grupo Antes con su primer disco de larga duración titulado “Triángulos”. Si bien es cierto que tienen un Ep que se publicó en el 2014 y que llevaba por título “6eis” que cuenta con la producción de Guillermo Quero, este nuevo trabajo está consiguiendo que la banda empiece a tener su legión de fans fieles que les siguen haya donde van y seguro que el próximo 5 de octubre así lo harán en la sala Moby Dick en el cual estarán presentando este disco que tanto nos ha gustado “Triangulos”. rock está muerto. En una entrevista que hemos leído vuestra decís que el rock vuelve. ¿Por qué pensáis que está muerto y cómo sabéis de su vuelta?

No pensamos que está muerto, todo lo contrario, está más vivo porque los chavales quieren soltar estopa y dejarse de chorradas. Tocar alto, tocar rápido, tocar duro y echarle dos cojones. Los festivales que mas público acaparan en este país cada vez abren mas las puertas a los grupos de Rock, porque con todos los respetos, la adrenalina que suelta una banda de Rock en directo, es poco comparable a otros géneros. Este año tocó Berri Txarrak en el Sonorama y creo que debe de haber algunas grietas en los cimientos del recinto. Y eso es Rock.

Sois una banda rompedora de los clichés establecidos en el mundo del rock, como por ejemplo vuestra portada donde aparece el color rosa, las melodías en vuestras canciones, la voz melodiosa de FumanJoe... ¿Pensáis que dentro del rock hay mucho talibanismo? ¿creéis que esto perjudica la escena del rock?

No creemos en el talibanismo dentro de nuestros camaradas. En otros géneros ni idea la verdad. Las bandas de Rock tenemos una cosa clara, nos regimos por el directo. Los discos están ahí, pero sabemos la tecnología que puede haber detrás. Por tanto donde hay que sacar las cartas a la mesa es en directo, si tienes un poker para que ir de farol? Luchamos por tocar bien en los conciertos y eso es así. Cuando lo haces, hay respeto. No hay más. El rosa nos mola desde siempre.

Dormimos con pijamas rosas cuando

estamos de gira. ;) Todos sabemos como está la situación en el mundo de la música, lo difícil que es llevar tu música a un público masivo. La inexistente venta de Cd`s. ¿Son las plataformas digitales una alternativa?

No son la alternativa, son realmente la plataforma y el lugar para que te escuche la gente que por otros medios ( conciertos, redes, prensa, amigos…. ) se ha interesado por ti. La inexistente venta de CD´s díselo a las tiendas de discos.

Nosotros te aseguramos que después de los conciertos si tienes un buen stand de merchan y cuando terminas el bolo te largas a atenderlo, se venden discos y encima le sumas el mano a mano con el público para seguir enganchándoles, mejor? Imposible. La cosa es que ahora un grupo su curro no acaba al terminar el bolo, todavía sigue y para mas inri ha empezado mucho antes del concierto.

Si hablamos de que sois un trío que cuida muchísimo vuestras canciones, no menos vuestros directos. El próximo 5 de octubre lo podremos comprobar en la sala Moby Dick. ¿Qué podemos decir a nuestros lectores para que se animen a pasarse ese día por vuestro concierto?

Cero humo, 100 de Rock. Será épico, bailaremos, sudaremos, cantaremos todos juntos…Parece lo mismo que los otros, si, pero no, hacednos caso.

Termina el verano, llega el otoño.¿Qué planes mas inminentes tenéis a la vista?

Crecer y unir fuerzas para una mayor exposición del grupo en directo para , paso a paso llegar a cada rincón que sea posible.

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¿Qué tiene de especial este tema para vosotros?

Pues es un tema que nosotros llevábamos tiempo queriendo componer con influencias de Red Hot Chili Peppers y acercándonos un poco más a ese estilo de música. Y por otro lado es un tema muy especial porque Indenakin ama a los animales y en la letra habla del amor que recibimos de los animales y nunca habíamos hecho un tema que hablase de eso. Y fue bonito para nosotros componerlo. ¿Por qué componer un tema que hable del maltrato animal?

En realidad es un tema del que se ha hablado mucho en canciones de otros grupos pero siempre enfocado de una manera muy directa al sufrimiento animal y nosotros queríamos enfocarlo de otra manera y hablar del amor que recibimos de ellos.

Además tengo entendido que este tema ha sido elegido por una asociación Proyecto Perrutis... ¿Qué es proyecto Perrutis y en qué va a consistir esta estrecha colaboración?

Proyecto Perrutis es un grupo de personas dirigido por David (adiestrador y policía Local de Rivas Vaciamadrid), Carlos Magariños (Adiestrador) y Emilio Ortiz (Terapeuta especializado en Drogodependencias) en el que su fin es ayudar a adolescentes a superar sus problemas con las drogas teniendo en responsabilidad a un animal para adiestrarle. En el Proyecto también hay chavalas y chavales que no

consumen ayudándoles y ofreciéndoles formas más saludables de ocupar su tiempo libre y a nosotros nos pareció una idea estupenda y decidimos colaborar y ayudar dentro de nuestras posibilidades.

Y de ahí surgió también un poco la idea de crear el tema de Corazones Negros.

Me ha sorprendido, para bien, el gran paso que ha habido en la producción respecto a vuestro primer disco. ¿Habéis hecho mas hincapié en buscar un buen sonido? ¿Dónde lo habéis grabado?

Si porque con el tiempo vamos teniendo un mejor equipo, vamos aprendiendo de los errores del primer disco y nos centramos mucho en el sonido profesional que queremos mostrar. Todo esto trabajando desde nuestras raíces en él Sótano del Gernika. Es una apuesta arriesgada para nosotros al no grabar en estudio pero la energía que nos transmite nuestro local de ensayo no la tendríamos en un estudio profesional y eso creo que se notaría en el disco. ¿Cuándo está previsto que salga vuestro segundo disco, cuántos temas contendrá y cómo se llamará, si lo sabéis ya?

El disco contendrá unas 12 canciones y se llamará Corazones Negros. Aún no tenemos fecha exacta de finalización pero esperemos que sea para finales de año.

Sois una banda que bebe de muchas influencias y de distintos géneros musicales. ¿Nos podéis adelantar algo de vuestro próximo disco?

En este disco se podrán encontrar in-

fluencias muy directas de RHCP, Incubus y sin perder la esencia de toques con el saxo de Fito y punteos de guitarra de Mark Knopfler. También va a ser un disco en el que va a quedar claro que Indenakin no tiene un solo estilo musical si no que te puede sorprender con lo que vaya a venir después.

Una parte importante para el grupo es el videoclip, que en vuestro primer disco, entre varios de ellos hacían una historia. ¿Tenéis pensado crear una nueva con este segundo disco o seguir la que ya teníais?

Pues es algo que aún está en el aire. No hemos podido sentarnos a hablarlo pero quizás hagamos una historia nueva.

Fue un enorme placer contar con vosotros en el Día de la Música que organizamos en LH Magazin Music en la radio.

Disteis un electroacústico inolvidable y mostrasteis parte de vuestro talento en directo. ¿Es el directo una parte esencial de Indenakin?

Totalmente. Somos un grupo que preparamos al detalle el show y jugamos con nuestras canciones para plasmar algo diferente de lo que escuchar en el disco para sorprender más a nuestro público y sin perder calidad. Muchísimas gracias por invitarnos a pasar esa mañana con vosotros. Fue una experiencia bonita para Indenakin y gracias al trabajo que hacéis ayudáis a muchos músicos como nosotros.

Indenakin En muy poquito tiempo Indenakin, banda del sureste de Madrid, se están haciendo un hueco en la escena musical de este país y es que su calidad va quedando patente en cada concierto que el grupo va dando. Ahora regresan con este tema en exclusiva para nuestra revista “Corazones negros” con el cual han dado un paso de gigantes en la producción comparándolo con su primer disco “El sótano del Gernika”.

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The Name Esta banda que nació en Bilbao, pero que actualmente se sitúa en Vizcaya, comenzó a dar su primeros pasos en el 2003, tras sufrir algunos cambios en su formación y pasar por importantes concursos consiguiendo muy buenos puestos y también ganar algunos de ellos como el Wolfest en Bilbao, ganando el Premio Musicopolis, y el Premio Especial del Público. Ahora nos presentan su cuarto disco “Momentos” un disco que bebe de sus influencias musicales de bandas como Judas Priest, Gotthard, Meshuggah, Deep Purple, Manowar, Racer X, Steve Vai, Candlemass, Bon Jovi, Kansas.. pero dotando a su música de un estilo muy personal.

“Un mundo del revés” es el tema que ha entrado en este sexto volumen de Imprescindibles de LH Magazin Music ¿qué significa para vosotros este tema y recordáis cómo y donde nació?

Es un tema que se compuso tan solo una semana antes de entrar a grabar el disco. Nos parecía un tema muy fresco, potente, directo y con un claro mensaje optimista de como afrontar la vida. Sin duda es de nuestros favoritos, todo un cañonazo que además esta gustando mucho.

Muchas y de diversos estilos son vuestras bandas favoritas. En el disco se puede apreciar un poco de todas ellas, pero pienso que en este nuevo trabajo habéis conseguido definir más el sonido y dotar a las canciones de un toque más personal. ¿Era esta una premisa esencial para este disco?

La verdad es que no. Nunca hemos querido trazar un plan a la hora de componer, simplemente nos seguimos dejando llevar como ha sucedido hasta ahora. Es cierto que el hecho de que por fin tuviéramos mas tiempo y mejor sonido nos ha facilitado las cosas pero tanto la base de las composiciones como la propia filosofía del grupo sigue intacta: siempre dejarnos llevar y no cerrarnos a nada.

Nos ha sorprendido lo bien que están tratadas las voces y el sonido en general del disco, disco que se ha grabado en los estudios Tio Pete de Urduliz y los Beard Studios de Bilbao. ¿Por qué grabar el disco en estos estudios?

Barajamos algunos estudios y uno de ellos fue Beard. Tomamos contacto con ellos y vimos que era una gente con la que podríamos trabajar a gusto. Ellos ya habían grabado a varios

grupos importantes y su resultado fue lo que definitivamente nos convenció. No queríamos un sonido convencional o con patrones repetitivos, buscamos naturalidad a la par que potencia y ellos sin duda han sabido dar con la tecla. Tio Pete fue un estudio al que tuvimos que ir previamente a grabar la base rítmica para poder después trabajar con la mejor de las bases y sin duda Tio Pete reúne las condiciones de estudio profesional.

“Ira y valor” es un claro ejemplo de lo que comentábamos antes. Un tema con aires del sur, incluso árabes, con un corte en la canción donde se le da más importancia a la percusión, para terminar el tema con un piano precioso y con una duración de 08.02 minutos. El disco tiene muchos matices ¿os gusta cuidar estos detalles en vuestras canciones?

Sí, sin duda. Siempre tratamos de cuidar todos los detalles siempre y cuando la canción lo requiera. Hay temas que solo necesitan lo básico para sonar mas directo, otros como es el caso de “Ira y valor” necesitan de esos detalles para poder completar la historia que se está contando, sería algo así como los efectos especiales a una producción de cine.

La respuesta de los medios de comunicación ha sido muy buena. Se dice que dentro del rock el público es muy sectario con los estilos dentro de este género ¿Cómo está siendo la respuesta del público? ¿Qué pensáis de las etiquetas?

La verdad es que es cierto eso de que el público rockero es bastante sectario. A mí me da pena que no haya mas apertura de mente en ese aspecto. Lo único que comprendo de la música en general es en que tiene que transmitirte

emociones sea cual sea el género. Como todos los grupos, nosotros siempre hemos tenido nuestros grupos favoritos o influencias pero nunca jamás hemos tratado de imitar a nadie.

Creo que el secreto de nuestras composiciones para bien o para mal es la enorme mixtura de subgéneros dentro del Rock o Metal, no concebimos elegir uno en concreto y explotarlo.

Sería una pena tener que guardar obligatoriamente una composición que te hace sentir. En cuanto a la opinión de la gente la verdad es que estamos abrumados, nunca hemos intentado adivinar tampoco si gustaría o no, lo lanzamos sin mas y a ver que pasa. En este caso sin duda esta gustando muchísimo y nosotros estamos muy orgullosos. ¿Por qué llamar a este disco “Momentos”?

El disco se titula “Momentos” por que nos parecía que era una palabra que definía perfectamente nuestro pasado, presente y futuro en cuanto a filosofía. Nos dedicamos a componer música y ojalá esto se hiciera tan grande como para poder dedicarnos a ello etc. etc, pero lo que realmente valoramos sin duda, son los momentos, lugares y personas que llegamos a conocer gracias a la música. Ese es el mayor de los triunfos y la razón por la que The Name seguirá adelante independientemente del “éxito”. ¿Qué planes más inmediatos tenéis?

Presentar en directo “Momentos”. Tras la grabación del disco, el grupo se ha regenerado y hay nuevos miembros por lo que tenemos unas ganas tremendas de subirnos juntos a un escenario. Sera el 11 de Noviembre en Portugalete (Bizkaia), después hay otras dos fechas mas.

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Tras este nuevo proyecto se encuentra Sergio Madrigal, que en su día le conocimos de su visita a España con su anterior propuesta 2+, si ya nos gustó, con este nuevo proyecto los mexicanos, Nave, nos han dejado boquiabiertos. Un nuevo proyecto mas cercano a los gustos actuales de Sergio Madrigal donde se ha cuidado todo al detalle, producción, melodías, vídeo... Hablamos con ellos sobre el presente y futuro del grupo.

NAVE 22 lhmagazin.com

sin ningún compromiso ante nada y nadigital AHORA MAS PROGRAMAS, MAS!!VARIEDAD, 24 HORAS DE RADIO die, yo lo estoy produciendo y grabando, con algunas colaboraciones de gente que Recientemente has perdido a tu padre, yo admiro. Es un proyecto que tendre una perdida fuerte y te acompañamos en una banda en vivo, que tendrá la vida de el sentimiento. ¿Que significaba para ti una banda pero donde los riesgos y las él? ¿Te gustaría escribirle alguna canción decisiones artísticas las asumiré yo. o eso solo forma parte de tu mundo mas personal?SIN ETIQUETAS Y MUCHO MAS TODA LA ACTUALIDAD MUSICAL En Nave vuelves a ser tu la voz principal, Mi padre me enseño mis primeros 4 ya lo hacías en Purpura Suite. ¿Por qué acordes, admiraba todo lo que hacia y volver a ser tu quien lleve el peso de la estará presente en mi música de muchas voz? formas, de el aprendí a admirar la múDescanse un poco de llevar ese peso sica fuera cual fuera, siempre lo llevare después de Purpura Suite, siempre me en mi Corazón y en espíritu se que me ha gustado cantar mis canciones, y la acompañara en este reto tan importante Después vendría 2+ grupo con el que nos verdad es complicado lidiar con un vocapara mi que es España, a él le hubiera conocimos y en el cual te acompañaba lista (risas) desde chico yo hacia todo y encantado estar ahí conmigo.

Priscilla Alejos que se encargaba de la fui aprendiendo a no solo grabar guitarra voz y Mono Loco que te acompaña desde o voz, si no que hacia el bajo, teclados De momento tenemos el single “Nave”.

Purpura Suite. El disco salió publicado en Batería siempre yo solo, entonces creo ¿Cual va a ser el próximo paso?

España con el sello discográfico Warner. que regrese un poco a eso, pero en un Lanzamos este 7 de Septiembre el TODOS LOS DE Este proyecto nacióDIAS con la intención de plan profesional como trabajo ahora, si siguiente sencillo ¨Duelo a Muerte¨una que en la voz, en cadaH canción, una RITMO me gusta tener mas oídos cerca de mi canción que tiene una línea diferen- 11..00 A 12.00 LH Afuera TODO vocalista distinta. ¿Como fue la repercuo tener un productor aparte de mi para te al primer sencillo pero con lo cual con Juan Rodríguez sión del disco y como se encuentra este llevar mis ideas mas lejos y sorprenderquiero dejar muy claro que el estilo de proyecto actualmente? me con el resultado .

NAVE será en 3 vertientes, faltaría un 2+ fue pensado como un proyecto 3 er sencillo antes del disco completo a LUNES: alterno, donde pudiéramos hacer musiYa hemos escuchado el tema “Nave” que finales de año, va a tener una parte muy quisiéramos, yo había Indie, otra muy rockera y otra acústica, -calmente 19.00 loAque 20.00 H Ce de Vendetta nos puede indicar por donde va ir en lo salido del real de una disquera, y quería musical Nave. Pero en cuanto a las letras.

Nave entraría en lo Indie, Duelo A Muerte con Tania sentirme libreCe sin ningún compromi¿Sabes ya de que temas vas a tratar en las un tanto mas rockero y nos faltaría algo so, se fue A tornando PopThe con Sentinel canciones? acústico después. El disco estará muy - 21.00 23.00un Htanto Radio elementos electrónicos, y el compromiso Las letras en esta primera etapa han sido variado, pero siempre con un sonido que con Santi Fernandez con una voz femenina, lo cual ya no me muy personales, pero siempre con un nos identifique. sentí tan cómodo y tampoco con el comsentido de compartir, compartir expepromiso para componer para una sola riencias que todos podríamos MARTES: voz, y decidimos Oswaldo ¨Mono Loco¨y yo volver el a laMas raíz de 2+, solo - 12.00 Aproyecto 14.00 H Que Pop Mono Loco y yo con voces invitadas y con Héctor con una músicade conCesare mas contenido de un molde, a sacar -propuesta 22.00 Ay no 24.00 H Lavamos Cabaña del Tio Rock un sencillo próximamente titulado Que te parece Sergio si empezamos hablando de donde vienes. Empezaste en el grupo Purpura Suite. Volviendo a escuchar algunos de sus temas suenan alucinantes, viendo que se grabaron en el 2007. ¿Que recuerdos tienes de esos días?

Tengo muy buenos recuerdos, sobre todo de aprendizaje en la composición y producción que tuve con las personas que trabaje como Richie (bajista, Belanova) el cual fue el productor y Mauricio Garza (Zoe, jesse&Joy) quien ahí solo mezclo, creo que me marco para lo que soy hoy en día a un nivel mucho mas profesional.

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MIERCOLES: - 12.00 A 13.00 H Doble Tempo con Elena Manzano identificar como propias, momentos de - 19.00 A 20.00 H El Closet vida comunes pero no por eso menos con Carlo Pari importantes, y alguna que otra metáfora, - 20.00 A 22.00 H Los búhos del caos pues me gusta de repente hacer pensar al escucha . con Pili Rosique, Yem Goizueta, José AntoCuando nio Campos, Toluuuu, Alberto Plumed, Maruno adelanta un single como “Nave” un tema electro pop, muy cerGoizueta y María Martín. cano a la música anglosajona. ¿Tiene miedo de que se le encasille en un determinado estilo?

JUEVES: ¨MI PROPIA VIDA¨con una voz nueva No en lo absoluto, yo vengo de escude una gran char bandas con un sonido propio pero - 12.00 A cantante 13.00 Hllamada RockMAR, y Anota y seguiremos disfrutando de nuestro con un estilo lleno de diversidad, algo con Emilio Ortiz y Jorge Domingo que la industria a querido acabar de amado 2+. los artistas y a lo cual a mi me llena de - 21.00 A 24.00 H Jazz Time Ahora nos encontramos ante un nuevo aburrimiento oír un disco con el mismo con Jorge Grimaldos proyecto Nave, con el cual se ha publicaestilo o los mismos arreglos, yo veo la do un single. “Nave” y cogisteis las mamúsica como músico y no como alguien letas y vinisteis a España para presenque quiere solo ser famoso, en mi VIERNES: tarlo a medios y al publico este año. Hace Carrera no hay una regla definida, mas poquitoA se13.00H ha estrenado el videoclip. que solo una, no importa lo que haga -muy 12.00H Despacito y a Compás ¿Por qué crear Nave? solo tiene que ser bien hecho, mis oídos con Rocío Díaz ydeMaría Larroca Es la continuación mi Carrera, están acostumbrados a referencias muy que estaba en Stand By, es lo que he ambiguas en sus estilos de música como sembrado en mi trayectoria y lo expongo Queen, The Beatles, ELO, Supertramp, en Nave para darle sentido a toda esa Pink Flyd, una parte muy Old School música que tengo en mi mente, y ese pero otra muy actual de bandas como sonido que me haga disfrutar haciéndolo Metric, Tame Impala, The Black Keys, en vivo, soy plenamente yo al desnudo, me encanta lo análogo pero también lo

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¿Ya están terminadas todas las canciones que compondrán este primer disco de Nave?

Tenemos un 50% de las canciones, y dejare unas 2 canciones que sean totalmente nuevas con la inspiración del momento y grabarlas poco antes del lanzamiento del álbum.

Sergio tu tienes tu propio estudio, sello discográfico LunaRoom Studio. ¿Tenéis pensado grabar todo el disco en vuestro estudio?

Por el momento si lo grabare aquí, porque es algo que me tiene sumamente emocionado y un sueño desde chico poder yo tener el control de lo que quiero, el estudio es un esfuerzo de Oswaldo ¨Mono Loco¨y mío por realizar nuestras producciones y también de otros artistas, aunque algunas canciones las trabaje en Los Ángeles con mi amigo y productor Mauricio Garza (Zoe, Jesse& Joy, Dharius) Sabéis quien se va a encargar de la mezcla y el mastering.

El sencillo Nuevo Duelo a Muerte hice la producción yo mismo lo grabe y mezcle yo también un reto para mi hacerlo con

NAVE

Tras este nuevo proyecto se encuentra Sergio Madrigal, que en su día le conocimos de su visita a España con su anterior propuesta 2+, si ya nos gusto, con este nuevo proyecto los mexicanos, Nave, nos han dejado boquiabiertos. Un nuevo proyecto mas cercano a los gustos actuales de Sergio Madrigal donde se ha cuidado todo al detalle, producción, melodías, vídeo... Hablamos con ellos sobre el presente y futuro del grupo.

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Que te parece, Sergio, si empezamos hablando de donde vienes. Empezaste en el grupo Purpura Suite. Volviendo a escuchar algunos de sus temas suenan alucinantes, viendo que se grabaron en el 2007. ¿Qué recuerdos tienes de esos días?

Tengo muy buenos recuerdos, sobre todo de aprendizaje en la composición y producción que tuve con las personas que trabaje como Richie (bajista, Belanova) el cual fue el productor y Mauricio Garza (Zoe, jesse&Joy) quien ahí solo mezcló, creo que me marcó para lo que soy hoy en día a un nivel mucho mas profesional.

Después vendría 2+ grupo con el que nos conocimos y en el cual te acompañaba Priscilla Alejos que se encargaba de la voz y Mono Loco que te acompaña desde Purpura Suite. El disco salió publicado en España con el sello discográfico Warner.

Este proyecto nació con la intención de que en la voz, en cada canción, fuera una vocalista distinta. ¿Cómo fue la repercusión del disco y cómo se encuentra este proyecto actualmente?

2+ fue pensado como un proyecto alterno, donde pudiéramos hacer musicalmente lo que quisiéramos, yo había salido del real de una disquera, y quería sentirme libre sin ningún compromiso, se fue tornando un tanto Pop con elementos electrónicos, y el compromiso con una voz femenina, lo cual ya no me sentí tan cómodo y tampoco con el compromiso para componer para una sola voz, y decidimos Oswaldo ¨Mono Loco¨y yo volver el proyecto a la raíz de 2+, solo Mono Loco y yo con voces invitadas y con una música con mas contenido de propuesta y no un molde, vamos a sacar un sencillo próximamente titulado

sin ningún compromiso ante nada y nadie, yo lo estoy produciendo y grabando, con algunas colaboraciones de gente que yo admiro. Es un proyecto en que tendré una banda en vivo, que tendrá la vida de una banda pero donde los riesgos y las decisiones artísticas las asumiré yo.

En Nave vuelves a ser tú la voz principal, ya lo hacías en Purpura Suite. ¿Por qué volver a ser tú quien lleve el peso de la voz?

Descansé un poco de llevar ese peso después de Purpura Suite, siempre me ha gustado cantar mis canciones, y la verdad es complicado lidiar con un vocalista (risas) desde chico yo hacia todo y fui aprendiendo a no sólo grabar guitarra o voz, si no que hacía el bajo, teclados Batería siempre yo solo, entonces creo que regresé un poco a eso, pero en un plan profesional como trabajo ahora, si me gusta tener mas oídos cerca de mí o tener un productor aparte de mí para llevar mis ideas mas lejos y sorprenderme con el resultado.

Ya hemos escuchado el tema “Nave” que nos puede indicar por donde va ir en lo musical Nave. Pero en cuanto a las letras. ¿Sabes ya de que temas vas a tratar en las canciones?

Las letras en esta primera etapa han sido muy personales, pero siempre con un sentido de compartir, compartir experiencias que todos podríamos

identificar como propias, momentos de vida comunes pero no por eso menos importantes, y alguna que otra metáfora, pues me gusta de repente hacer pensar al que escucha .

¨MI PROPIA VIDA¨con una voz nueva de una gran cantante llamada MAR, y seguiremos disfrutando de nuestro amado 2+.

Ahora nos encontramos ante un nuevo proyecto Nave, con el cual se ha publicado un single. “Nave” y cogisteis las maletas y vinisteis a España para presentarlo a medios y al público este año. Hace muy poquito se ha estrenado el videoclip. ¿Por qué crear Nave?

Es la continuación de mi Carrera, que estaba en Stand By, es lo que he sembrado en mi trayectoria y lo expongo en Nave para darle sentido a toda esa música que tengo en mi mente, y ese sonido que me haga disfrutar haciéndolo en vivo, soy plenamente yo al desnudo,

Cuando uno adelanta un single como “Nave” un tema electro pop, muy cercano a la música anglosajona. ¿Tiene miedo de que se le encasille en un determinado estilo?

No en lo absoluto, yo vengo de escuchar bandas con un sonido propio pero con un estilo lleno de diversidad, algo que la industria a querido acabar de los artistas y a lo cual a mi me llena de aburrimiento oír un disco con el mismo estilo o los mismos arreglos, yo veo la música como músico y no como alguien que quiere solo ser famoso, en mi Carrera no hay una regla definida, mas que solo una, no importa lo que haga solo tiene que ser bien hecho, mis oídos están acostumbrados a referencias muy ambiguas en sus estilos de música como Queen, The Beatles, ELO, Supertramp, Pink Flyd, una parte muy Old School pero otra muy actual de bandas como Metric, Tame Impala, The Black Keys, me encanta lo análogo pero también lo

digital !!

Recientemente has perdido a tu padre, una perdida fuerte y te acompañamos en el sentimiento. ¿Qué significaba para ti él? ¿Te gustaría escribirle alguna canción o eso sólo forma parte de tu mundo más personal?

Mi padre me enseñó mis primeros 4 acordes, admiraba todo lo que hacía y estará presente en mi música de muchas formas, de él aprendí a admirar la música fuera cual fuera, siempre lo llevaré en mi Corazón y en espíritu sé que me acompañará en este reto tan importante para mí que es España, a él le hubiera encantado estar ahí conmigo.

De momento tenemos el single “Nave”. ¿Cuál va a ser el próximo paso?

Lanzamos este 7 de Septiembre el siguiente sencillo ¨Duelo a Muerte¨una canción que tiene una línea diferente al primer sencillo pero con lo cual quiero dejar muy claro que el estilo de NAVE será en 3 vertientes, faltaría un 3 er sencillo antes del disco completo a finales de año, va a tener una parte muy Indie, otra muy rockera y otra acústica, Nave entraría en lo Indie, Duelo A Muerte un tanto mas rockero y nos faltaría algo acústico después. El disco estará muy variado, pero siempre con un sonido que nos identifique.

¿Ya están terminadas todas las canciones que compondrán este primer disco de Nave?

Tenemos un 50% de las canciones, y dejaré unas 2 canciones que sean totalmente nuevas con la inspiración del momento y grabarlas poco antes del lanzamiento del álbum.

Sergio tu tienes tu propio estudio, sello discográfico LunaRoom Studio. ¿Tenéis pensado grabar todo el disco en vuestro estudio?

Por el momento sí lo grabaré aquí, porque es algo que me tiene sumamente emocionado y un sueño desde chico poder yo tener el control de lo que quiero, el estudio es un esfuerzo de Oswaldo ¨Mono Loco¨y mío por realizar nuestras producciones y también de otros artistas, aunque algunas canciones las trabaje en Los Ángeles con mi amigo y productor Mauricio Garza (Zoe, Jesse& Joy, Dharius) Sabéis quien se va a encargar de la mezcla y el mastering.

El sencillo Nuevo Duelo a Muerte hice la producción yo mismo lo grabé y mezclé yo también, un reto para mi hacerlo con

mi propia música, hago producciones para otros artistas y grabaciones pero es la primera vez que algo mío que salga al público lo hago todo yo, el mastering lo hice en Los Ángeles con Mauricio Garza, algunas canciones si haré la mezcla con él, y la co producción igual .

Cómo fue vuestra ultima visita a España, ¿Quedasteis contentos con la respuesta tanto de los medios de comunicación, como del publico al escuchar “Nave”?

Muy contento, percibo mucho interés en las propuestas que llegan y una investigación de parte de ustedes hacia el material que se agradece mucho, porque me hace sentir escuchado y motivado para seguir haciendo música, en España

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todavía hay capacidad de asombro y valoran mas el esfuerzo de un músico o compositor, en México hay tanto que creo perdimos esa capacidad de asombro y de interés hacia los nuevos talentos, y prefieren esperar a verlos en algún medio cuando ya son famosos, no hay mucho el factor de búsqueda .

De “Nave” se ha grabado un videoclip como antes decíamos. En YouTube es donde mas música se escucha actualmente. ¿No tienes la sensación que ahora la imagen es tan importante como la música?

No creo que sea malo , siempre la imagen a definido mucho el gusto del público , desde una portada o una buena foto llega

a pesar en la mente del fan, la diferencia del video actual al que se hacía en los 80´s o 90´s es que puede pesar mas una idea original que lo invertido económicamente en el, eso nos pone como artistas en un plano mas creativo y me gusta mucho, mas que esperar a que un director hiciera su película de tres minutos y medio y eran videos sin ilación a la letra muchas veces muy malos, el video que hicimos para el single Nave, fue en parte imagines que yo tenía en la cabeza, y sé que no es el video del año, pero yo estoy contento porque representa un tanto esas ideas borrosas que tenía en la mente, es la metáfora de la nave que todos llevamos dentro y que son las corazonadas lo que nos mueve mucho nuestro camino En LunaRoom Studio os dedicáis a la producción musical, producción publicitaria, creatividad... En que andáis metido actualmente.

Bueno si también hago cosas alternas, tengo un proyecto que produje y está apenas saliendo que se llama VAKA, es un proyecto electrónico con ritmos latinos, muy interesante el cual espero también pueda sonar en España muy pronto, hago algo de publicidad porque también es algo que me gusta desde pequeño y se me da, y con Oswaldo quien es mi socio en Nave y en todo lo de la música, todo un personaje creativo que me está acompañando en la batería sobre todo en vivo, estamos también hacienda Conferencias por todo México, con un tema de consejero financiero que está funcionando muy bien, aunque lo mío es la música en todo su esplendor, me doy oportunidad de disfrutar mas cosas en la vida.

Hay muchos grupos en España que van

para México, porque por aquí las cosas al parecer no andan del todo bien, cuando vuelven hablan maravillas de México. Lo mismo pasa al revés. ¿Cómo lo ves tu desde tu experiencia?

Si pasa al revés lo mismo, siempre lo he dicho, lamentablemente México vive un momento de inseguridad y aquí es complicado agarrar tus cosas subir todo a una Furgoneta como le llaman ustedes y salir de Gira, ya con eso digo mucho, en España aunque ahora con esto del terrorismo también es un factor en contra, existen salas y la vida es mas tranquila y relajada, eso creativamente se aprovecha mejor, pasan muchas cosas parecidas en ambos países, pero el público como lo comenté sigue asistiendo a conciertos de grupos no tan conocidos, aquí en México es casi nula la participación del público a menos que seas muy famoso, y pasa lo mismo a grupos extranjeros se les abre la puerta mas fácil, tal vez sea lo mismo en España, lo que si puedo asegurar es que ustedes tienen mejor infraestructura para el negocio de la música, mejor periodismo y mejor preparación en el manejo del ShowBussines, aquí hay gente muy capaz y muy profesional, pero vivimos en una época absorbida y secuestrada por el reggaetón, y todo aquí es eso, y es difícil ¿sabes? cuando traes algo ajeno a eso.

Cómo ves actualmente el panorama musical, yo pienso que estamos ante uno de los mejores momentos en la música, hay grandes bandas, canciones... muy buenas producciones. ¿Cómo lo ves tú?

Está llena de altibajos, para el que escucha es bueno tener muchas opciones, pero para nosotros como artistas es mas difícil sobresalir entre miles de propuestas que hoy se dan cada día, por la

ventaja del Internet, es bueno porque nos estamos esforzando mucho mas , pero entra tantas opciones pueden quedar muchas buenas propuestas fuera del alcance de las masas, y se acaban mas rápido los proyectos, lamentablemente regresamos un poco a la era antes de los Beatles donde todo era música creada para el artista por que no había imaginación, los jóvenes deben de tomar la creatividad en sus manos, y dejar de creer que en un reality te van a hacer famoso, porque eso no es cierto, lo que vale es el valor de tus canciones y lo que tengas que decirle al mundo, no que seas chulo o tengas buena ropa, creo que hacen falta mas propuestas originales y crear nuestro momento, no el de las tendencias en las redes, la realidad está en las calles no ahí. ¿Tenéis pensado volver dentro de poco a España?

Claro!! Mi manager que es una persona muy profesional y llena de energía me indicará en que momento estaremos de vuelta, ahorita vamos a soltar este segundo sencillo y espero muy pronto ya estar allá tocando !!

Hay algún sueño en especial que te gustaría que se cumpliera con Nave.

Sí el primero de todos , estar de gira con ustedes en España.

DATOS DE INTERES:

www.nave.com.mx Facebook: www.facebook.com/NaveCentral Twtter:twitter.com/NaveCentral Instagram @navecentral

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“Looking for Romeo” además de ser el tema que abre este disco ha sido el tema que hemos elegido para incluir en este sexto volumen de Imprescindibles de LH Magazin Music. ¿Qué significa para vosotros este tema y recordáis dónde nació?

El tema nace cuando estas en los veintitantos, y todos estamos en la búsqueda de pareja, y de como parece que la persona que nos gusta acaba en los brazos de otro. En concreto fue una amiga que se llamaba Julia, “Julieta” para los amigos, la que nos hizo dar con la letra para la canción The Wapetons se formaron en el 2004 y el único miembro que queda de esa época es Tito voz y guitarra del grupo. Ahora sus conciertos cuenta con una legión de fieles seguidores que les siguen allá donde la banda descarga su música. ¿Ha habido muchos obstáculos en vuestro camino para que después de tanto tiempo viera ahora la luz vuestro disco?

Mantener un grupo con canciones propias, en inglés, y con todos con más de 30 añitos, es complicado. Las situaciones personales de cada uno son difíciles, las relaciones entre los miembros del grupo son difíciles, así que es inevitable que la formación haya sufrido cambios a lo largo de estos años. Eso complica muchísimo el poder dedicar el tiempo necesario a sacar un disco. Cada componente que se incorporaba requería un tiempo para sentirse cómodo, y frenar todo después para grabar un disco se hacía muy difícil.

Gran parte de la financiación del disco se consiguió por crowdfunding el año

pasado. Hay actualmente bandas que lo intentan y no lo consiguen. ¿Cómo fue vuestra experiencia?

La experiencia ha sido increíble, nos hemos sentido súper arropados por la gente que nos quiere y nos sigue. Lo importante yo creo es que no puedes pretender que un crowfunding te consiga todo el dinero necesario, pero si una ayuda importante.

Comentábamos anteriormente alguna de vuestras influencias, pero lo cierto es que el juego de voces que hacen Tito y Sara Gil dotan a vuestra música de un estilo muy propio. ¿Cómo entró a formar parte del grupo Sara Gil y qué supuso su llegada al grupo?

Sara es amiga de Tito desde la universidad en Estados Unidos, y sus gustos musicales son muy parecidos. Coincidieron en la boda de otra compañera, y de ahí Tito no paró de insistir hasta que la convenció de formar parte del grupo.

Gracias a su increíble voz, nos permite tener unas tonalidades y una versatilidad musical sin perder la fuerza y estilo del grupo.

Vuestros canciones no entienden de etiquetas. ¿Qué pensáis de ellas y creéis que el público en general entiende que vuestras canciones estén influenciadas de muchas partes del rock?

Las etiquetas, por norma, nunca son buenas, pero son inevitables. En España lo malo es que casi nunca se ponen correctamente y se tiende a generalizar, por lo que nunca aportan nada. Es complicado que la gente sepa ver las diferencias de influencias, ya que en muchos casos son géneros que son bastante desconoci-

The Wapetons

Son una de esas bandas de Madrid que día a día luchan en el local de ensayo por hacer realidad sus sueños y llevar su música a cuanta más gente mejor, eso si, sin olvidarse de sus influencias que son bandas como Pearl Jam, The Who, Led Zeppelin, ACDC, Collective Soul, Black Crows.. pero dotando su música de un estilo muy personal sobre todo cuando aparece en sus canciones la voz de Sara Gil que en ocasiones las acerca al soul, al funk. Ahora han publicado su disco “South from here” con el cual se pasaron por nuestra radio para presentarnoslo y nos dejó un gran sabor de boca.

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dos como el Southern, o el folk, aunque sinceramente lo que nos importante es que la gente disfrute y le entre buen rollo oyéndonos.

Habéis elegido el idioma de Shakespeare para expresaros en vuestras canciones. ¿Qué os gusta contar en vuestras letras?

Sara y Tito, que son los que han escrito las letras, vivieron en Estados Unidos, y para ellos el rock es en inglés, igual que el Flamenco es en español. Nuestras letras, son situaciones y sentimientos de lo más cotidianos, con los que la mayoría se sentirían identificados. Evitamos entrar en temas politicos ni controversias, suficientes tenemos actualmente.

El disco se grabó en Q estudios ¿Por qué elegir estos estudios?

Santi, batería y productor del disco, es muy amigo de ellos, y la verdad es que se portaron genial con nosotros.

Sois un grupo, además, que os gusta cuidar vuestra imagen al detalle y lo acompañais con ventas de camisetas, tazas... ¿Es el merchandasing una forma de sobrevivir a esta escasez de ventas de discos para conseguir ingresos?

Sin ninguna duda, hoy pocos son los discos que vas a vender, y a base de conciertos difícilmente puedes sacar el dinero para pagar el local de ensayo solamente. El merchandising te une más a tus seguidores, y te ayuda bastante en conseguir ingresos. ¿Qué planes tenéis próximamente?

Pues en cuanto volvamos todos de vacaciones, volver a programar conciertos para promocionar el disco, e ir componiendo nuevas canciones para el año que viene volver a los estudios.

Black Kiss Superstar Por favor vayan dejando paso a esta pedazo de banda de rock & roll de Barcelona. Si te gustan bandas como Jimi Hendrix, Creedence Clearwater Revival, Guns n Roses, AC/DC, Led Zeppelin, The Rolling Stones, Motorhead, Kings of Leon, Lynyrd Skynyrd, Mother Superior, thin lizzy, Deep Purple.. este nuevo trabajo “Full moon” el segundo de su carrera, en los casi diez años que el grupo lleva en activo, estamos seguros que no te va a defraudar y te va dejar con ganas de mas rock & roll, el disco sale publicado con el gran sello discográfico y legendario Lengua Armada.

“Mama Where I Go” es el tercer corte de este discazo y que se ha colado en esta selección en este sexto volumen de LH Magaizn Music. ¿Qué significa para vosotros este tema y recordáis donde nació?

Este tema va de perderse y desconectar de todo lo que sean obligaciones y trabajo, perderse escuchando música, con los amigos, familia, lo que sea. Es esa sensación que uno tiene cuando empieza vacaciones y dice “¡que os den!”. Nació en el local de ensayo, fue muy espontaneo, un riff, cuatro cambios y allí está.

Las letras se escriben a posteriori.

Vuestro primer disco “Time For Rock’n Roll” se publicó en el 2010 con el sello Immortal Records (UK). ¿Por qué con un sello inglés?

Teníamos un contacto en Londres, y al hacer música en inglés creímos que nos abriría las puertas a girar en Inglaterra, cosa que hicimos en verano de 2011. ¿Por qué tardar tanto tiempo en grabar un nuevo disco?

En Mayo de 2013 ya teníamos la maqueta de lo que después grabaríamos, podríamos haber grabado el disco en unos pocos días como hicimos con el primero, pero quisimos trabajar en el sonido y buscar algo distinto. Hemos dedicado muchas más horas en el estudio de grabación y buscamos colaboraciones importantes que le han dado mucho color al resultado final. También hay que decir que se cruzaron algunos proyectos personales que hicieron ralentizar las grabaciones, pero siempre hemos estado activos. Nos lo tomamos con calma.

Comparando vuestro segundo disco con el primero se puede apreciar una gran evolución tanto en lo musical como en el sonido. Pero el sonido de este disco ha sido un paso de gigantes, es brutal. ¿Para este nuevo trabajo se ha hecho un hincapié especial en el sonido?

Respecto al primer disco, ahora somos

dos guitarristas. La construcción de las canciones es distinta si hay dos guitarras.

Además, hemos buscado colaboraciones como Peter Mayr (hammond), Alex Almirall (theremin), Carla Olaortua (voces), Albert Guillén (percusión), que van vistiendo las canciones y transportan el disco a otro nivel. A nivel de sonido, en el primer disco contamos con la producción de Pau Sastre que en su momento nos dio muchas herramientas para crecer y estamos muy contentos del resultado, refleja ese momento de nuestra carrera con un sonido quizás más limpio y sobrio que este segundo. Con “Full Moon” nos encontramos con un disco más cañero, con Cels Burgès ayudando con las segundas guitarras y todo creció, decidimos trabajar en casa, lo grabamos en el Studio13 de nuestro bajista Quico Tretze y nos lo auto producimos. Para la mezcla y master queríamos dar un cambio que reflejara lo que era este disco, así que trabajamos con David Batalla de dbstudio y el resultado es el que ya habéis visto, un disco muy potente y con una imagen gráfica que nos encanta, obra de Xose Cordero, el batería.

Cada disco tiene sus cosas y la verdad es que estamos muy satisfechos con el resultado final de los dos.

En esta ocasión el disco sale con el sello discográfico legendario Lengua Armada. ¿Es difícil conseguir un sello que apueste por tu música en estos días que apenas existen las ventas de Cd`s?

Si, supongo que para los sellos discográficos ya no es un negocio tan rentable.

Los Cd’s básicamente son una arma de promoción, solo unos pocos nostálgicos los compran en tus bolos, aun que nos está sorprendiendo la cantidad de gente que está comprando el cd online, ahora está disponible en nuestro bandcamp y nos llegan compras de EEUU, Suecia…

Habéis elegido el idioma de Shakespeare para expresar vuestras letras. ¿Pensáis que cantando en este idioma es más fácil

salir de España?

Supongo que sí que es más fácil, pero si cantamos en inglés es mas por el hecho de que nos gusta como suena.

Elegir el idioma afecta al resultado final del producto, cambiar de idioma es como cambiar de instrumento. ¿Qué os gusta contar en vuestras letras?

Podrían ser de cualquier cosa, pero al final acabas cantando sobre chicas, motos y Rock and Roll.

El disco ha contado con unas colaboraciones que han enriquecido las canciones y les ha dado unos matices alucinantes.

Como se van a cubrir en directo por ejemplo el gran trabajo que realizado Peter Mayr con el hammond o los coros de Carla Olaortua, increíble la colaboración de Alex Almirall con el theremin.

Está claro que suplir a Peter Mayr es un reto, una leyenda del rock maestro del hammond, pero Alex se ha unido al grupo y ahora nos acompaña en los directos.

Es un gran músico que también toca el hammond y el saxo de forma magistral.

Carla cuando puede también nos acompaña, pero los coros también los hemos trabajado entre todos, no es lo mismo que tener a Carla, pero le damos otro color muy interesante. Tampoco intentamos calcar el sonido de estudio en los directos, siempre hay un poco de espacio a la improvisación. ÇCuáles son los proyectos que tenéis más inmediatos?

Ya sabes, sacas un disco y hay que moverlo, trabajar mano a mano con Nano de Lengua Armada con la promo y tocar, al final todo se resume en tocar y pasarlo bien, así que esté es el proyecto. Intentar llegar a más gente, girar por la península y entrar en algún festival en verano.

Ahora hay que madurar el disco en los escenarios y dejar correr a esta nueva criatura llamada “Full Moon”.

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En este Imprescindibles de LH Magazin Music en su volumen sexto nos encontramos con el tema “El devorador de Hombres”. ¿Qué significa para vosotros este tema? ¿Recordáis dónde nació?

El devorador de hombres surgió tras el film “El desafío” en que Anthony Hopkins en gran parte de la película escapa de un oso que les da caza, un devorador de hombres. De ahí salió las ganas de sacar un tema de un devorador de hombres que pone patas arriba una pequeña población, donde el terror consume a la población y este enorme grizzli acaba con ellos con la mayor de las violencias Lo primero es daros la enhorabuena por el sonido del disco en el cual se nota un gran paso respecto a vuestros dos trabajos anteriores. ¿Dónde se ha grabado y quien se ha encargado de la producción?

Sí que se nota el cambio de las anteriores, el primer disco fue grabado en el 2007, el Segundo grabado en el 2013 fue un punto de inflexión en la banda, grabar algo nuevo y sacar el grupo adelante, ya que estábamos muy parados, pero sin que nos resultara algo caro por si nos salía mal y la banda muriera, el sonido no es bueno aunque muchos de los temas sí, pero aquí estamos con un tercer disco que grabamos en Chromaticity Studios producido por el gran Pedro J Monge, guitarrista de los Vhäldemar, donde aprendimos mucho de su mano y donde iremos siempre a grabar.

En el disco nos encontramos con el tema “Muerte Y Gloria” una versión del tema de Motörhead “Death Or Glory”. ¿Son Motörhead vuestra banda favorita y por qué revisar este tema?

Motörhead es mi banda favorita, Urtzi Hammer al habla, y ese punto de influencia es de mi parte. Este tema lo quise sacar ya que hacer versiones de temas conocidos lo hace todo el mundo, pero tienen temas buenísimos sin estar explotados y que merece la pena cogerlos prestados para hacer covers, en el anterior disco hicimos “Perros” que es un cover del “Dogs” del disco Rock and Roll,

esta vez “Death or Glory” aka “Muerte y Gloria” donde el relato está basado en la batalla de Stalingrado y la propia Muerte narra y describe paso a paso su trabajo y la cruda realidad que fue la batalla más sangrienta de la historia, un texto perfecto para una canción de Motörhead, donde Lemmy seguro que hubiera disfrutado de la narrativa del tema siendo él un apasionado de la Segunda Guerra Mundial, un gran homenaje.

En este tema contáis con la colaboración de Podri del grupo Rat-zinger y también se rodó un videoclip de este tema. ¿Cómo surge esta colaboración y es el videoclip un formato para llegar a más público aunque no existan programas de TV donde mostrarlos?

A Podri lo conozco de hace años, de cuando sacamos nuestro primer disco, me acuerdo hablando un día en un bar del casco viejo bilbaíno me hablaba de su nuevo proyecto llamado Rat-zinger y mira ahora donde están, un gran apasionado de Motörhead como yo y un hermano en esto llamado Rock que tengo. Hablamos para hacer la colaboración y lo hicimos, salió muy bien a dos voces y quisimos hace su videoclip que la verdad quedó muy guapo.

El videoclip a día de hoy es muy importante ya que las bandas se venden mucho en las redes sociales y es una manera muy buena donde visualizar tu música y es una herramienta que a día de hoy se está haciendo muy importante.

Wanderlei Silva, Mark “Chopper” Read criminal y escritor australiano al cual le habéis dedicado el tema “Mike Chooper Read”. Vamos nombres conocidos por todos (risas). ¿Cómo llegó a vosotros la historia de Mike Chooper Read y por qué dedicarle un tema?

Pues Chopper llegó a nuestras vidas hace ya casi 20 años cuando vimos por primera vez su film, fue algo apoteósico para unos chavales conocer alguien de sus características, y siempre ha estado en mi mente para hacer un tema, y en este último disco sacamos un riff y un tema que venían como anillo al dedo para

hacerlo, hice esa letra breve pero a la vez muy explicativa y describe a Chopper en su esencia bajo una melodía Blues Rocker muy pegadiza.

Siempre he pensado que el rock debe ser crítico con la situación social, contar las historias del barrio, de los chavales.

Vosotros tenéis temas como “Guerra de clases”, “La nueva orden”, “Generación perdida”... El rock en España nació criticando una dictadura, y abanderó una transición denunciando la marginación.

En ocasiones pienso que el rock se ha ido por otro camino y que el RAP está más cerca de los chavales y sus problemas. ¿Pensáis que el rock en general se ha salido un poco de esa lucha? o lo que se dice hoy que hay demasiado postureo.

Yo soy quién compone las letras y tengo claro que al escribirlas me gusta hacer ver un tema concreto que en ese momento me inspira y tengo suficientes herramientas para llevarlo a cabo. Lo que tengo claro es que no voy a buscar temas ya muy repetitivos y cantar lo cantado desde los años 80 aquí en la península por muchos grupos, intento hacer letras que toquen temas diferentes y respecto a las sociales prefiero hacer canciones que puede que la gente pase por alto o sean menos tocadas como la “guerra de clases” en la que vivimos o “la nueva orden” que nos controla... hay que reivindicar, pero sin ser cansinos.

El año pasado uno de vuestros temas entro en el Top 40 en la radio Hardtime de Dallas en Texas, ¿Qué supuso esto para vosotros y qué pensáis de internet?

Internet ha sido para nosotros un portal para darnos a descubrir por todo el globo, tenemos discos enviados a particulares desde EEUU, Europa, Sudamérica y también Japón. Johnny Jaco quien tiene una emisora de radio en Dallas llamada Hard Time radio KNON, se puso en contacto conmigo ya que le llegó algunos temas nuestros vía YouTube y me compró la discografía cuál le encantó, nos metió en su top 40 anual y nos hace una publicidad buenísima.

El nombre del grupo proviene del luchador brasileño de artes marciales mixtas Wanderlei Silva apodado The Axe Murderer “ El asesino del hacha” del cual es seguidor Urtzi bajo y voz de la banda, él comenzó a firmar en foros como The Hammer Killers “Los asesinos del martillo”.

Contada esta curiosidad deciros que el grupo se formó en el 2.003 cuentan con tres discos, el último Rock & Roll Division que se publicó en el 2.006, un disco que tiene fuerza y que en ocasiones pueden recordar a bandas del estilo de Motörhead incluso nos encontramos una versión adaptada al castellano del tema “Death Or Glory”, en el disco llamada “Muerte Y Gloria”.

The Hammer Killers

The Virgo Superclusters Esta banda esta compuesta por músicos reconocidos de la escena musical como son Frank Iván que ha pasado por bandas como Deniro, Warrior Poet, Freakmind, Síntesis.. y es el encargado y precursor dar forma a este proyecto que nació en el 2014 al que se le han ido sumando Norin Radd (Mazzadonia), Esther Mazzadonia (Mazzadonia, Barbara Black) encargada de poner la voz, Nando Barrios (Sexy Looser), John DeFool (Sybiliam). Sus canciones hablan terror, ciencia ficción o aventuras con un concepto sinfónico que invitan a paseos por el desierto, las estrellas..

Esta banda está compuesta por músicos reconocidos de la escena musical como son Frank Iván que ha pasado por bandas como Deniro, Warrior Poet, Freakmind, Síntesis.. y es el encargado y precursor dar forma a este proyecto que nació en el 2014 al que se le han ido sumando Norin Radd (Mazzadonia), Esther Mazzadonia (Mazzadonia, Barbara Black) encargada de poner la voz, Nando Barrios (Sexy Looser), John DeFool (Sybiliam). Sus canciones hablan terror, ciencia ficción o aventuras con un concepto sinfónico que invitan a paseos por el desierto, las estrellas.. ¡¡¡Saludos lectores de LH MAGAZIN!!!

Aquí el Capitán Frank Iván desde la nave The Virgo Superclusters comunicando con la LH MAGAZIN en el planeta tierra.

“Diligencia a Ningún Sitio” es el segundo single y que se encuentra en este Imprescindibles VI de LH Magazin Music. ¿Que significa para vosotros este tema y recordáis cómo nació?

Con las notas de los temas, nos gusta imaginarnos la canción con imágenes y después venía la letra, por lo que podemos decir que nace como esas películas del western en las que un grupo de forajidos roban un banco y son perseguidos por la justicia. Para llevar la contraría al cine tradicional, intentan darles caza, pero ellos son mas hábiles, mejores tiradores y se salen con la suya. Podemos decir que este no es el caso para aplicar el refrán “más lento que el caballo del malo” (risas). Es una de las primeras canciones que sonaron en nuestro set influenciada por bandas como Queens Of Stone Age, The Crooked Vultures, Marilyn Manson, Muse, y sin olvidar la tendencia folk, rock y bandas sonoras del espagueti western como “El Bueno, el Feo y el Malo” “Por un Puñado de Dólares”, etc. Por ello mismo decidimos incluir arpas de boca, coros con mucho alma y la colaboración del siempre mítico Kurt Savoy (Curro Savoy “El Rey del Silbido”) conocido por su participación en los clásicos cinematográficos del ya mencionado espagueti western, poniendo el broche final a esta canción.

Esta canción se encuentra dentro de vuestro álbum de debut “El Replicante Imperfecto” un disco conceptual. ¿Cómo surge la idea de hacer un disco conceptual?

La idea surge principalmente por la atracción desde siempre por escuchar discos completos, que te transmiten las historias del tirón invitandote a seguir escuchando. Esto viene de discos sinfónicos, de tintes ya sea rock, psicodelia o stoner, black o más progresivo. Todo

ellos por la devoción que sentimos desde siempre por bandas como Pink Floyd, David Bowie, Beatles, The Doors, Tool, King Crimson, Camel, Iron Butterfly, The Crazy World of Arthur Brown, Tangerine Dream u otros del Krautrock, sin olvidarnos de bandas actuales del Post Rock como Russian Circles, Caspian, God Is a Astronaut, Cult Of Luna, Mogway, Harakiri for the Sky, incluso españolas como Jardín de la Croix, Adrift o Viva Belgrado, No Dogs, etc... También el hecho de que las historias están relacionadas, como si viéramos una película de cine independiente que mezcla distintos relatos conectados de alguna manera, ya sea por su historia, como la tendencia de la fusión musical entre las canciones. Me atrevería a decir que cuando por primera vez con 14 años, empezaba a tocar instrumentos escuché discos como Animals, Wish You Were Here, Dark Side of the Moon y The Wall de Pink Floyd, Santana Abraxas, Queen y gracias a mi madre y su colección de vinilos, me dije quiero hacer un disco así.

Comentarnos un poquito la historia que queréis contarnos en este disco que se pone a la venta en estos días.

Como decíamos es un disco de concepto conceptual en el que contamos historias, y con esta síntesis queda definido: Luna Embrujada, narra la historia de 3 brujas del desierto que a través de un akelarre despiertan a una deidad mágica para transmitirle el poder de la empatía a una persona vacía, vana y egoísta.

Haciéndole ingerir amanita y peyote, lo conseguirán. Dando título a la siguiente canción Peyote, narra el viaje abstracto que tiene dicho personaje tras el sortilegio. Perdidos en Andrómeda cuenta una de las historias de la tripulación cuando viajan al corazón de la galaxia cerca de su agujero negro, donde el tiempo y el espacio choca y se retuerce hasta el infinito. Ahora nos podemos relajar del viaje para pisar el planeta tierra y hacernos reflexionar sobre nuestra vida en el,

donde Mundo Loco con palabras sencillas nos dirá que piensa el planeta Tierra de nosotros y de nuestra humanidad. Acto seguido vuelven al espacio donde visitan una estrella de neutrones, Púlsar que con su radiación periódica os dará un buen viaje electrónico. Volviendo al desierto narramos un robo, un escape, un cruce de frontera con México, que acabará recordando al estilo western en Diligencia a Ningún Sitio. Tras el robo y quedando a salvo de la justicia la banda decide entrar en un local de dudoso gusto en medio de la nada lleno de Luces Rojas. No podíamos olvidar la deidad despertada por las brujas, Billie Dean que hará de las suyas dando un paseo por las calles de Madrid.

Para despedirnos hemos dejado un grito de libertad, nativo indígena para romper con nuestras cadenas adquiridas por el sistema, la religión y las burreras de cada uno. Gritando libertad cumpliremos la realización de nuestros sueños mas profundos. Cerrando el disco con el sencillo Callos de Pico y Pala, el mejor consejo que te puede dar una banda pirata estelar.

La imagen en vuestros directos es una parte importante, salís pintados, mascaras, visuales... ¿qué es para vosotros un directo?

Durante años perseguí la idea de no solo un directo, si no un SHOW. Hemos crecido con grandes bandas como, Pink Floyd, David Bowie, Arthur Brown, Kiss, King Diamond, Alice Cooper, Iron Maiden, Marilyn Manson, etc, que ya llevaban un gran contenido de show, si ahora fusionamos con bandas actuales como Gorillaz, Tool, visuales como NIN o Muse, el gran Devin Townsend con sus visuales y Ghost o unos Mexicanos con mascaras de lucha libre tocando Surf, nos queda The Virgo Superclusters con muchas ganas de sorprender en el escenario, máscaras, pintura, visuales con las sincera propuesta de nuestras canciones y letras.

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“H-Bomb” es el séptimo corte de este segundo disco de larga duración y es el tema elegido para este sexto volumen de Imprescindibles de LH Magazin Music. ¿Qué significa para vosotros este tema y recordáis como nació?

Es el mejor resumen de lo que representa la banda. No somos una banda que intente abarcar muchos géneros en uno, así que si a alguien le gusta H-Bomb le gustará el 99% de los temas. Nació como nacen todas las canciones que hacemos, en el local improvisando mientras preparamos los conciertos. Más de una vez hemos tenido que interrumpir lo que teníamos programado ensayar y darle forma a algo que acababa de aparecer.

Habéis elegido el inglés para escribir vuestras letras. ¿Qué queréis contar en ellas y por qué elegir este idioma?

La temática es una prolongación de lo que hemos mamado de las bandas que nos inspiran. Puede sonar a cliché decir que tratan de Rock ‘n’ Roll, desmadre y protesta acerca del menosprecio general que existe hacia nuestro género, pero seria hipócrita por nuestra parte hablar de cosas que no sentimos. Al fin y al cabo somos una banda de Rock ‘n’ Roll y la gente que nos escucha quiere desconectar y divertirse. El tema del inglés es tan sencillo como que nuestras mayores influencias lo hacen en esta lengua.

Hemos escuchado vuestro primer larga duración “Livin’ Outlaw” y comparán-

dolo con este nuevo disco “Bastardized Mean City” hay bastante cosas que nos llaman la atención. La primera, el sonido mucho más directo, enérgico, y más endurecido. ¿Buscasteis desde el principio en este nuevo disco embrutecer las canciones?

Nos gusta mucho el sonido del rock duro clásico y estamos en constante búsqueda de ese sonido. La producción que hay detrás también ha ayudado mucho a este avance, y poder trabajar con gente de confianza nos ha sido muy útil para ir evolucionando en el sonido que buscamos.

Segundo: Nos ha llamado mucho la atención la gran evolución en el sonido. ¿Hicisteis mas hincapié en el sonido para este segundo trabajo o es fruto de la evolución del grupo?

Poco a poco buscas ese sonido que te llegue a identificar. A medida que avanzas los medios de los cuales dispones son mejores y consecuentemente puedes llegar a alcanzar un sonido más potente.

Cada disco tendrá unas circunstancias distintas, pero al fin y al cabo queremos que los temas tengan el mismo gancho trabajo tras trabajo.

Imagino que uno de vuestros sueños hubiera sido haber abierto un concierto de Motörhead. ¿Qué significó para vosotros esta banda y actualmente os gustaría compartir escenario con...?

Para nosotros Motörhead es el Rock tal y

Mean Machine En cinco años dos Ep`s y un larga duración “Livin’ Outlaw” que se publicó en el año 2014 una banda que desde su despegue sólo ha recibido grandes noticias como la inclusión de un tema suyo en Classic Rock Magazine del Reino Unido. En su música se puede observar influencias de Motörhead, Metallica.. consiguiendo un estilo muy personal.

Han abierto conciertos para artistas como Slash, Peter Pan Speedrock, Tygers Of Pan Tang, Vanderbuyst, Lujuria, o Hardbone entre otros. Han tocado en el festival RockFest Barcelona compartiendo cartel con bandas mundialmente conocidas como Manowar, Twisted Sister, Gamma Ray, Kreator, Stratovarius y Barón Rojo entre otros, o el Heavy Metal Espectros compartiendo escenario con Holocaust y Desaster. En el 2016 publicaron su segundo disco “Bastardized Mean City” con el cual están en la punta de la lanza de esta hornada de nuevas bandas punk, el rock ‘n’ roll, el metal..

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como lo entendemos. Evidentemente tenemos muchas más bandas de referencia, pero ninguna tiene los cojones tan grandes como los de Lemmy. Para nosotros sería un honor poder compartir escenario con bandas como Zeke o Nashville Pussy, creemos que es donde realmente está nuestro público.

De las catorce canciones que componen este disco sólo hay dos canciones que sobrepasen los cuatro minutos. ¿sois de la opinión “lo bueno y breve dos veces bueno”?

Totalmente. Si algo funciona bien sin tener que estirarlo, así se queda. En los directos nos gusta tocar cuantas más canciones mejor, y nos divierte más tocar canciones más cortas que temas que se puedan llegar a hacer pesados para el público.

Se dice que en el rock está todo dicho ¿Cuál es vuestra opinión?

Nos da la sensación de que existe una obsesión por crear nuevos géneros donde hay músicos muy buenos haciendo canciones infumables. No se trata sólo de crear algo nuevo o algo que ya está hecho, para nosotros es muy importante el buen gusto a la hora de hacer música, sea el género que sea. Lo único que nos importa es hacer temas que suenen frescos y que se te queden en la cabeza después de haberlos escuchado.

Provienen de Madrid del municipio de Alcorcón, comenzaron su andadura juntándose en el local de ensayo para tocar sus temas favoritos, dándoles la pegada de Queens Of The Stone Age. Jaime, Nacho y Alejandro son compañeros de instituto, Adrián se les unió poco después dejando lista la banda para poder tocar por algunos locales de Madrid sus propios temas y algunas versiones de sus grupos favoritos.

También han llevado su música a Barcelona, Inglaterra donde actuaron tras ganar el Maratón de Madrid Rock FM como representantes de España en el Maratón de Liverpool del 2016, con cuatro días de jam en los locales más icónicos de la ciudad, incluido The Cavern.

The Special Case En este sexto volumen de Imprescindibles de LH Magazín Music ha entrado el tema “Momentary Delay” avance de vuestro próximo Ep ¿Por qué elegir este tema como adelanto? y ¿recordáis donde nació esta canción?

Adrián: Desde un primer momento enfocamos “Momentary Delay” como un single: vimos que tenía fuerza, partes pegadizas y que transmitía buenas sensaciones. Por ello, no nos costó decidir que iba a ser el single del EP. La canción nació a partir una idea de Jaime (el riff principal), el cual fue desarrollándose hasta convertirse en lo que es hoy.

“Momentary Delay” es un tema que nos ha sorprendido tanto por su sonido, como por la intención de buscar algo nuevo dentro de la escena musical. ¿Buscáis en vuestras canciones la originalidad?

Nacho: Nunca componemos nuestras canciones con el fin de llegar a un concepto en concreto. Una idea inicial actúa como semilla y a partir de ella cada uno de nosotros va incorporando cada una de las partes y matices que conforman lo que finalmente da como resultado el tema. Trabajamos en cada una de las etapas y hasta que todos nosotros no estamos contentos con el resultado no lo dejamos, tenemos muchos temas originales y diferentes en la reserva.

“Momentary Delay” también tiene su videoclip que os animamos desde aquí a que lo veías. ¿Cuánto de importante es el videoclip hoy en la escena musical?

Nacho: Es fundamental, no sólo de cara a la difusión que puede aportar a los artistas, también por la importancia de acompañar a la música de un elemento visual que la identifique y la haga propia. Muchas veces el público se engancha y comienza a oír de forma compulsiva algún single en concreto no sólo por su calidad musical, sino también por el vídeo que la acompaña les ha impactado,

gustado o llamado la atención de alguna manera.

Son muchas las voces las que dicen que dentro del rock está todo dicho. ¿Pensáis que en la fusión puede estar la riqueza Sonora?

Adrián: Ni mucho menos pensamos que está todo dicho. Sería muy triste pensar que no se puede innovar ni enriquecer la música rock. Lo que sí que sabemos es que hay que hacer música que avance con los años, no nos podemos estancar en estilos clásicos, tenemos que dejar que la música avance y para ello nunca está de más hacer fusiones de estilos, no sólo en un par de temas, sino como concepto general de banda.

Comentábamos que vuestros primeros pasos eran interpretando en directo temas de vuestros grupos favoritos. ¿Qué covers hacíais en directo y se ha quedado alguno?

Alejandro: En un principio, cuando empezamos con el grupo tomábamos covers de los que eran nuestros grupos favoritos por aquel entonces como AC/ DC, Metallica, Nirvana. A medida que nuestro estilo fue madurando incluso tocamos algunos covers de The Strokes o Arctic Monkeys. Aunque tocar covers al principio nos divertía, lo importante para nosotros empezó a ser desarrollar y componer nuestros propios temas para que la gente pudiera escuchar nuestras propias composiciones.

Además en los últimos concier-

tos tocamos poco tiempo por exigencias de las circunstancias y preferimos tocar nuestros temas que tocar versiones.

Vuestro primer Ep se llamara “Momentary Delay” y ha sido grabado con Dani Alcover. ¿Qué producción o qué fue lo que hizo que la balanza se decantara por Dani Alcover para grabar este Ep? Jaime: Además de ser un gran amigo de nuestra discográfica, nos gusta bastante su sonido porque ha trabajado con mucha gente diferente y tiene un talento creativo que es increíble, siempre sabe de dónde sacar el mejor sonido, lo hace siempre ameno, es muy original y le gusta experimentar como a nosotros.

Tras ganar el Maratón de Madrid Rock FM os permitió tocar en el Maratón de Liverpool del 2016. ¿Qué supuso para vosotros esta experiencia?

Alejandro: El viaje a Liverpool nos ayudó a ampliar nuestros puntos de vista sobre la música en otros lugares. Por un lado, nos enriqueció musicalmente al haber escuchado estilos diferentes y, por otro lado, el vivir esa experiencia juntos, nos unió mucho como banda.

“The Road” es el tema que aparece en este sexto Imprescindibles de LH Magazin Music ¿Qué significa para vosotros este tema y recordáis como nació?

The Road es un tema muy especial para nosotros. Salió probando cosas un tanto improvisadas en el local y era una canción que al principio no acabamos de hacer nuestra.

Llegó un punto en que prácticamente era metal, muy pesada y contundente, que se alejaba demasiado de nuestro estilo. Pero no nos dimos por vencidos y seguimos dándole vueltas hasta que de repente nos sentimos totalmente identificados con ella y nos flipó a los cuatro. Ese es el punto en el que damos una canción por terminada. Es uno de los temas con los que más disfrutamos al interpretarlo en directo.

Además es una de las que más ha gustado al público y medios, siendo la más escuchada en Spotify y la que más nos han pinchado en radios.

Si bien es cierto que bebéis de influencias clásicas del Rock’n’roll, Rockabilly... Habéis conseguido dotarlo de un estilo actual y con sello de identidad. ¿Cuando formasteis la banda ibais buscando algo distinto a lo que se viene haciendo habitualmente?

Realmente cuando hicimos la banda, ni si quiera nos habíamos planteado mucho el hecho de hacer una banda como tal. Ni mucho menos el estilo que pudiera tener. Fuimos al local y empezamos a tocar versiones de rock and roll que nos gustaban. Ese sello de identidad del que nos hablas, creemos que viene por la gran cantidad de influencias que tenemos. Hemos tocado anteriormente en bandas de otros géneros tan diversos como metal, garaje, punk o post rock, además de que los cuatro escuchamos todo tipo de música. Nos encanta la música, siempre que sea buena, claro. No nos interesa tanto el género, ni somos muy de etiquetas. Pero es evidente que nuestra base está arraigada en el rock and roll, que es un genero que nos apasiona. Nos sentimos muy satisfechos

de que el resultado suene con identidad y diferente de lo habitual, e incluso que a mucha gente le cueste encasillarnos en un estilo concreto. Ya os hemos dicho que no nos gustan las etiquetas, (risas).

Desde que os conocí es raro el día que no me acuerdo de vosotros, la voz de Anita es espectacular, tiene una fuerza demoledora. Encontrar una buena voz en un grupo es difícil, es el problema con el que se encuentran muchísimos grupos encontrar una buena voz y especial. ¿Cómo fue el día que escuchasteis por primera vez la voz de Anita?

Joder! Muchas gracias, ¡¡nos alegra mucho estar metidos en tu cabeza tan a menudo!! Pues aunque cueste creerlo, Anita lleva siendo pareja de Toño casi 10 años y amiga de Fer desde muy jovencitos y ninguno de los dos la habían escuchado cantar nunca. Toño la escuchó casi de casualidad cuando se arrancó a cantar mientras tocaba la guitarra. Inmediatamente llamó a Fer (que en ese momento sólo era guitarrista) y se fueron con ella al local. Ese fue el momento del que os hablábamos antes, en el que estábamos haciendo una banda sin darnos cuenta. Unos días después también se incorporó Ángel con la batería y Fer cogió el bajo. Y desde aquel momento sólo han pasado dos años, por lo que resultó ser un día muy productivo.

Vuestro disco ha salido publicado en CD y en Vinilo. Hay muchos grupos que están apostando por el sonido analógico, el vinilo... ¿Sois de analógico o digital?

Somos de analógico. 100%. Nosotros en casa escuchamos vinilos. El rango dinámico, la calidez y la magia de este formato hace que sea nuestro favorito. A pesar de ello, somos conscientes de los beneficios y facilidades que ofrecen los formatos digitales de hoy en día. Por eso nuestro disco también se puede encontrar en CD y en todas las plataformas digitales.

“Stoke the fire” se grabó en Reno Estudios

de la mano del productor Karim Burkhalter y masterizado en Kadifornia por Mario G.Alberni. ¿Qué conocíais de Karim?

Lo primero que conocíamos de Reno fueron algunos de los trabajos que se habían grabado allí, muy variados entre sí, desde Izal hasta Berri Txarrak pasando por The Parrots, León Benavente o Kitai. Lo que nos dio una idea de la versatilidad del estudio.

Fuimos a visitarlos y nos enamoramos de todo el material de grabación analógico que tenían. Fue entonces cuando conocimos a Karim, con el que hubo un buen entendimiento, nos supo dar buenos consejos y nos aportó la seguridad que necesitábamos.

Salimos de allí con la decisión tomada. ¿Qué supuso para vosotros ganar el concurso internacional Music Crowd Challenge?

En el cual recibisteis numerosos mensajes, votos de China, EEUU, Holanda, Indonesia y España, entre otros.

Ganar el Music Crowd Challenge fue un antes y un después. Nos presentamos sin pretensiones, con una demo que habíamos terminado el día anterior de que acabara el plazo y con un video a base de fragmentos que teníamos grabados que montamos in extremis en el coche de camino a Madrid.

Pocos días después resultamos vencedores gracias a los votos de gente de todo el mundo (salían tandas aleatorias de 5 grupos por día) y recibimos numerosos mensajes desde muchos sitios. Nosotros no dábamos crédito. El premio eran 10000 dólares, que nunca llegamos a cobrar porque la empresa que lo organizó se declaró en banca rota.

Pero a pesar de todo fue muy positivo, porque de no vernos con ese premio no nos hubiéramos planteado grabar en un estudio como Reno, ni hacerlo todo al nivel que se ha hecho. Ya teníamos todo planeado y reservado cuando nos enteramos del problema y decidimos tirar para adelante. Nos tocó recortarnos un poquito y hacer un esfuerzo cada uno para poder llevarlo a cabo.

Desde que pasaron por el programa de radio LH a Todo Ritmo son una de esas bandas que no me puedo quitar de a cabeza. Su base musical hay que buscarla en el Rock’n’roll, Rockabilly.. de los sesenta con artistas como Nikki Hill, Little Richard, Gene Vincent, Stray Cats, Elvis Presley, Chuck Berry.. se formaron en el 2015 en Albacete y con su primera demo de tres temas consiguieron ganar el concurso internacional Music Crowd Challenge. El año pasado grabaron su primer disco “Stoke the fire” que vio la luz este año en enero y que salió en formato CD y Vinilo de 12”.

The Niftys 36 lhmagazin.com

Brath

Más de 37 años lleva este grupo de folk/rock gallego en la carretera y cuenta con doce discos a sus espaldas. Su último disco “Enxebre” ya os lo recomendamos hace unos cuantos números en LH Magazin Music. Un disco que nos sorprendió tanto por el contenido, como por su sonido, del cual se ha encargado Eloi Caldeiro un gran batería que lleva desde el principio liderando la formación. El próximo 5 de octubre lo estarán presentando en la sala Galileo Galilei en Madrid, concierto que no deberías perderte tanto si eres amante de este género o no, ya que te aseguramos que su música te emocionará y te hará pasar una velada estupenda e inolvidable.

En su larga trayectoria Brath ha compartido escenario con grupos como Alan Stivell, Gwendall, Boys of the Loug, Oskorri, Kepa Junkera, Julio Pereira, David Spillane, Omara Portuondo... ¿Queda alguno con el cual os hiciera una especial ilusión compartir escenario?

Sin duda me hubiese gustado más que compartir escenario, acompañar al artista brasileño Vinicius de Moraes, para mí uno de los mejores letristas e intérpretes de la historia.

Fuisteis una de las primeras bandas, sino la primera, allá por los años 80, en introducir en la música folk baterías, guitarras eléctricas... ¿Entendió el público esta revolución en la música tradicional o costó? Os hago esta pregunta porque en esa época, eran unos años de tribus urbanas, heavy, punk, pop, mod, rocker...

Parecía estar todo muy encasillado.

Si, efectivamente era un tiempo de estilos muy definidos, pero sin duda donde hubo más reacción fue desde el mundo tradicional, donde los “guardianes de las esencias” opusieron en principio, más resistencia, aunque vieron que la batalla estaba perdida y acabaron por aceptar lo inevitable. Al final de una u otra forma la mayoría de los grupos y artistas incorporaron estos instrumentos a su música.

Pero no hay que olvidar que Brath es la continuación de un grupo anterior de rock progresivo gallego llamado TEBRAS que a mediados de los 70 ya actuábamos en Madrid, en lugares como el San Juan Evangelista (Jhony) con una formación de guitarras, batería, teclados y gaita, con lo cual ya tenía experiencia de la respuesta de esos años que habíamos tocado, tanto en Galicia como en diversas partes del estado.

En vuestro último disco “Enxebre” has introducido en la base rítmica gran variedad de instrumentos de percusión que van desde el pandero o el Bodhran hasta el udú incluso botellas de plástico. ¿Es necesario seguir reinventándose, aunque uno lleve muchos años, en cada disco?

Sí, es fundamental; yo parto de la tradición y construyo temas y canciones que describan los acontecimientos y situaciones consustanciales con mi tiempo, para ello utilizo instrumentos o utensi-

lios que tengo a mano. Si antes se tocaba una botella de anís para acompañar una canción, ahora lo que está más a mano es una botella de plástico; yo cojo esa botella de plástico y la utilizo como un instrumento de percusión más. No hay que olvidar que la cultura y la música como una parte de la cultura está conformada por distintos substratos o capas que se van superponiendo a lo largo de la historia, y por ello es necesario seguir reinventándonos, seguir progresando y creando.

“Enxebre” fue disco recomendado en nuestra revista hace tres números.

Comentábamos que nos había sorprendido el gran sonido que tenía este nuevo trabajo. Vosotros nacisteis con lo analógico, el vinilo... ahora parece haber un regreso a ese sonido añejo y también al vinilo. ¿Cómo ha sido la grabación de este disco? ¿Y cómo veis este regreso a lo analógico?

Tengo la suerte de contar con un estudio de grabación de unas características excepcionales (EC ESTUDIOS) que combina lo analógico con lo digital, es decir una Solid State Logic GSeries, con un Protools de última generación y un buen puñado de previos analógicos que confieren a las grabaciones ese sonido cálido que se puede escuchar en los discos de Brath.

Para mi el sonido analógico de un disco de vinilo es el complemento ideal, por su calidez, para una buena audición. A esto, claro está, hay que añadirle un buen giradiscos y un par de pantallas de calidad.

Esto puede sonarle a mucha gente raro, pues, una inmensa mayoría escucha, o cree que escucha música, con un par de auriculares, pero eso es consumo musical no es escuchar música. Éste es otro de los problemas que deberían ser analizados y evidentemente no es aquí el momento ni el lugar para hacerlo, pero ayudaría a entender muchas de las cosas que han ocurrido con la música en estos últimos 15 años.

En vuestro anterior disco “CODEX” mezclasteis la música gallega con otras músicas, entre ellas el flamenco. En este nuevo trabajo hay una mirada a las tradiciones y mitos, la mayoría basados en la tradición celta de Galicia. Hacia donde va a ir el disco, es una decisión que se toma

antes de la composición de los temas o durante la composición.

Normalmente yo elijo la temática sobre la que va a versar cada trabajo musical, lo que quiero decir, lo que quiero expresar, también qué concepto cojo para desarrollar el disco. Desde siempre en Brath se ha trabajado en la mezcla de diferentes tipos de música desde la raíz de la música gallega porque Brath pertenece a una cultura musical y a una tierra que tiene sus singularidades y siempre éstas están presentes en cada nuevo álbum, porque no tendría mucho sentido para mi hacerlo de otra forma. Cuando llevas una trayectoria tan amplia y tantos discos que se han mezclado con el pop, rock, música árabe, música africana, brasileña, etc etc, llega un momento que debes pararte mirar hacia atrás y volver sobre tus pasos para no perder la perspectiva de donde vienes, y eso es lo que ha ocurrido en “Enxebre”, después de la mezcla de todos estos estilos había que volver al principio para no olvidar de donde viene este proyecto. Ahora comenzaré otros viajes musicales con la sensación de seguir en el camino que comencé hace 40 años. ¿Cómo veis actualmente el panorama de la música folk en España?

Francamente mal. La situación es paupérrima, nunca hasta ahora el panorama del folk en el Estado Español había llegado a caer del modo que lo ha hecho; y el problema no es sólo en la situación que está, sino que a nadie parece importarle lo que está sucediendo. ¿Qué podemos decir a nuestros lectores para que se animen a pasarse el próximo 5 de octubre por la sala Galileo Galilei para veros en directo?

Pues podemos decirles que se lo van a pasar bien, que van escuchar una música que les recordará lógicamente a la música celta, pero también al pop, al rock, y a la música tradicional. El concierto de Galileo Galilei, además de presentar este nuevo álbum “Enxebre”, haremos un recorrido por los temas más emblemáticos del grupo e interpretaremos también canciones de Irlanda, Bretaña y Escocia.

Será una buena ocasión para tomarse unas “pintas” y disfrutar de una buena velada musical.

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Aliice Es una de las artistas que mas está calando en nuestro país últimamente. Fue la portada del pasado número de LH Magazin Music, uno de los mas vistos y descargados en su plataforma digital, pasó por el escenario del World Price de Madrid donde movió al son de su música a miles de almas allí congregadas.

Su primer single “Glory” del cual se rodó un espectacular videoclip que ya lleva más de cien mil visitas.

Ahora ataca con su nuevo single “Bitter” del cual se ha rodado un no menos espectacular videoclip y que se ha estrenado en el mes de septiembre.

“Bitter” es tu segundo single que aparece en este sexto volumen de Imprescindibles de LH Magazin Music y que se publicó a principios de septiembre. ¿Qué significa para ti esta canción y recuerdas cómo nació?

Es un gusto enorme para mi estar presente en su bella revista una vez mas! :) Mi nuevo single Bitter es muy especial para mi, bueno creo en realidad que diría lo mismo de todas mis canciones haha, por algo las escribo. Pero esta es muy especial ahora en mi vida porque habla de la valentía, de no aguantar situaciones indeseadas donde nos hayamos incómodos y lograr salir no sólo victoriosos, si no que más grandes y sabios, gracias a la lección aprendida. Y digo que es especial para mí hoy en día porque me encuentro en medio de muchos cambios y crecimientos luego de lanzar mi primer single Glory y visitar España y utilizo Bitter para alentar mayor fuerza y coraje en mi misma para poder seguir creando y creciendo. Nació tal como lo dice la letra, por hallarme atrapada, o sentir que así lo estaba y encontrar la fuerza interior para escapar, en realidad me permitió darme cuenta que nunca estamos realmente atrapados, es voluntario. Es fácil volverse esclavo de tus propias malas decisiones.

En este videoclip te enfundas unos guantes de boxeo y juntas la dureza de este deporte con la seducción. ¿Cómo surgió

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ALIICE la idea?

Surgió gracias a la realidad! haha, yo de verdad práctico Box, pero suave y sólo su entrenamiento, nunca cuerpo a cuerpo, así que no hay nada que temer chicos, no muerdo haha. Mi abuelo era boxeador, entonces creo llevo ese placer en la sangre. Por lo que unir la letra de la canción con una práctica semanal mía parecía evidente y llevaba la canción a un plano visual.

Con “Glory” ya nos contaste alguna anécdota que surgió durante el rodaje. ¿“Bitter” ha contado con alguna anécdota?

Bitter fue mas desafiante a nivel físico quizá, muchísimas horas golpeando y hacia frío durante ese rodaje para estar usando tan poca ropa haha pero el show debe continuar! Lo pasé increíble! siempre que rodamos un videoclip me siento como una niña jugando. ¿Dónde se ha grabado el videoclip y quién se ha encargado de la grabación?

Se rodó en el gran estadio Olímpico de Montjuic, fue alucinante la experiencia de estar ahí y tenerlo todito para mí. El talentoso director Español Manuel Mira, quien rodó Glory también, filmó Bitter, había que repetir la experiencia y aprovechar la confianza y comunicación que habíamos desarrollado.

Actualmente estas en Chile ¿que significó y cómo viviste tu paso por el World Price

de Madrid?

Honestamente puedo decir que fue una de las noches mas mágicas de mi vida!

Tanta gente reunida con un propósito de amor y fe en la misma ideología de vida, fue espectacular! y nunca olvidaré Madrid bañada en arcoiris y al que no le gustara, pues que en casa se quede!

En España te echamos de menos, aun recordamos el buen momento que nos hiciste pasar en el programa de radio de LH a Todo Ritmo. ¿Tienes pensado volver pronto a España?

Que buenas risas compartimos! espero sean muchas mas!. Planeo volver cuanto antes! Así que vayan hirviendo el agua para tomarnos un café haha. ¿Cuáles son los recuerdos mayores que te has llevado de tu paso por España?

N1 tengo que decir la experiencia completa del World Pride, será algo para contarle a los nietos :) y compartir tanto con mi maravilloso equipo de Barcelona.

Nos volvimos grandes amigos y estoy enamorada de todo lo que creamos juntos en esos meses; los videoclips, sesiones de fotos y tantas buenas comidas españolas que me hicieron regresar con una talla mas y no sólo recuerdos haha, por fortuna solo me cobraron por exceso de equipaje al volver a Chile haha. Los veo a la brevedad! y por mientras les dejo todo mi cariño y lo mas valioso que tengo en este mundo, mi música.

El tema que se ha incluido en este sexto volumen Imprescindibles de LH Magazin Music ha sido el tema “Join the Club”. ¿Qué significa para vosotros este tema y recordáis cómo nació?

La canción habla de una noche de desenfreno, algo que cualquiera puede necesitar en un momento u otro de su vida. No es muy profundo en la superficie, pero en el fondo tampoco (risas), quiero decir que, al final, es rock and roll y todos nos podemos sentir identificados con esta canción sin entrar en grandes debates.

Lo podría resumir en una frase: disfruta el momento. Si no recuerdo mal, Héctor volvió en el bus del trabajo y le empezó a sonar un riff en su cabeza. Lo canturreó grabándolo con el móvil y luego en casa se lo curró con la guitarra. Una noche en el local recuerdo que lo estuvimos tocando y al final se cerró entre todos en algunos ensayos.

Esta canción cuenta con la colaboración de Miguel “El Sevilla” & Chicho Artero (Mojinos Escozíos). ¿Cómo les propusisteis que colaboraran en esta canción?

A Chicho le gustaba Aerial Blacked desde que Breaking Stones cayó en sus manos, nos decía que le encantaba ponérselo en el coche. Cuando Join the Club empezó a tomar forma, pensamos que Chicho podría hacer un gran solo por el carácter rockero que tiene la canción y más aún el pasaje del solo, y se lo propusimos. No tardó un minuto en confirmar su colaboración y en poco tiempo la tuvo compuesta y grabada, fue espectacular, es un profesional como la copa de un pino, en serio. La aparición de Miguel vino de la mano de Chicho, que sabía que nuestra idea era invitar a un guitarrista y a un cantante y supo que el cantante no estaba aún cerrado cuando él grabó.

Aunque sabemos que “El Sevilla” es muy rockero, vuestra música es mucho más dura. ¿Qué le pareció a “El Sevilla” ¿y cómo fue la grabación en el estudio?

Miguel es como un toro de miura, arremete con lo que se ponga delante y se sale.

El hecho de que escribiéramos sus partes en castellano supongo que ayudaría, pero igualmente como habréis podido observar, él lo ha cantado a su estilo, sin complejos (que para eso tiene estilo!) y creemos que lo ha bordado. La temática de la canción y el vídeo clip en sí se completan con la actuación de “El Sevilla”, tanto en voz como en imagen. Es brutal! En el estudio fue pim-pam-fuego! Miguel realizó un par de pruebas y luego grabó 3 o 4 tomas completas para escoger los pasajes que más nos gustasen. No hubo más trabajo.

Lo bueno fueron las horas que pasamos juntos, en las cuales se vació de consejos y anécdotas que nos pudieran aportar algo de luz en nuestro camino, cosa que Chicho también hace siempre, son súper majos y se nota que la fama no se les ha subido a la cabeza, todo lo contrario!

De este tema también se ha rodado un videoclip. ¿Es hoy en día el videoclip, como el single de antaño?

Qué te voy a decir que no sepas! Pero si quieres mi opinión, te diría que sí y que no, porque antaño el single se compraba y se escuchaba en casa y con los amigos 50.000 veces, se le daba un valor. Ahora las canciones y los vídeos se tragan sin masticar. Pero es cierto que en esta época no se entiende lanzar una canción suelta sin imagen en movimiento, aunque sea un lyric video.

Esta canción así como otras dos más “Jam the Session” y “Out of Control” se pueden descargar desde vuestro bandcamp www. aerialblacked.bandcamp.com Todo el dinero recaudado es para la plataforma HXCHC (Hardcore Hits Cancer). ¿Cómo surgió la idea de apoyar a esta plataforma con vuestro proyecto Aerial Blacked United?

Tener el placer de poder contar con algunas grandes figuras del rock y el metal nacional es algo que, además de honrarnos, nos permite hacer otras cosas o, al menos, aspirar a ellas. Y que el proyecto sea benéfico es una de ellas, pues creemos que con este apoyo podemos conseguir

la atención necesaria como para obtener algunos fondos que, por nuestra cuenta hubiera sido imposible.

Elegir HCXHC no fue una elección, desde que los conocimos pensamos que en algún momento haríamos algo con o por ellos.

Esta gente se está rompiendo la espalda por ayudar a críos enfermos de cáncer, y además usando la música como herramienta, apelando al carácter solidario de la gran familia del metal.

Aparte de las colaboraciones que hemos contado, ¿Quién más ha participado hasta el momento?

La primera canción cuenta con dos viejos amigos de la banda: Xevi Abellán, guitarrista de We Are Impala, y de Rubén Martínez, cantante y guitarrista de Viven.

Ambos son grupos de Mataró. La segunda canción cuenta con la voz de Luís Blanco, reputado cantante y director y profesor de la escuela de música Jam Session, y de Nacho de Carlos, guitarrista de la banda Lujuria, anteriormente miembro de Silver fist y de Ñú. ¿De qué os gusta hablar en vuestras canciones?

Nos gusta tratar temas diversos según nos sugiere la propia música. Recrear una situación personal vivida o una situación de alguien que ha llegado a nuestros oídos y nos ha llamado la atención; Denunciar un mal de la sociedad; Honrar un libro; El amor y, por supuesto, también la diversión y el desenfreno, como ocurre en Join the Club.

Como Aerial Blacked tenéis publicado un disco “BREAKING STONES” que se publicó en el 2015 con Deuvede Music consiguiendo tanto los medios de comunicación como el público muy buenas críticas. ¿Tenéis pensado publicar próximamente más material como Aerial Blacked?

Por supuesto. Ya estamos trabajando en nuevos temas y hay bastante material avanzado, algunos están esbozados y otros casi terminados. Tenemos intención de entrar en estudio antes del verano de 2018.

Proyecto que nace en el 2010 de la mano Héctor (voz y guitarra) en Barcelona con la intención de crear un proyecto de colaboraciones musicales con bandas y músicos de esa zona. Este proyecto llamado Aerial Blacked United pretende la divulgación multidireccional e internacional de la cultura del Rock y Metal de este país, busca como principal fin apoyar la lucha contra el cáncer realizada por la plataforma HXCHC (Hardcore Hits Cancer). De esta manera, todos los ingresos por las descargas de cada tema a través de Bandcamp y las ventas de ese proyecto, se destinarán íntegramente a esta organización benéfica para ser donada y dar apoyo a la asociación AFANOC, la cual facilita la vida de niños con cáncer y sus familias.

Aerial Blacked United

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Tercera edición de este festival “Poker de Ases” donde Fuel presentaban su segundo disco, el esperadísimo “Solo Para Adictos” que por fin han conseguido grabar después de subir muchos escalones y algunos escollos como conseguir una formación estable para seguir apostando por el proyecto.Tocaban, además, tres excelentes bandas que se encargarían de darnos una buena ración de rock and roll y en este caso los madrileños Panico Rising eran los encargados de abrir fuego esta noche para regalarnos una descarga potente y directa de un metal muy fresco con factura muy clásica especialmente porque además de fuerza y calidad técnica, desprende una frescura. Me quedo con el fantástico “El Barrio del Rock and roll que me altera la sangre de manera especial y donde el sonido se torna a mi parecer más hard rockero y ese “Panico Rising” donde uno no puede quitarse de la cabeza el estribillo y que uno no puede parar de cantarlo.

Kienson Pato también de Madrid fueron los siguientes en salir y la verdad es que aunque hicieron un buen concierto en los tres primeros temas se notaba a la banda muy nerviosa y buscando su sitio, y que sucede muchas veces sobre un escenario pero que se logra superar con el día a día, concierto tras concierto.

Pero fue a partir del tema “Lechuga” donde la banda ademas de asentarse comenzaron a desarrollar un hard rock bien hecho e interesante y me sorprendió dejándome un excelente sabor con temas como “Saridow” o “No hay billetes”.

Interesante banda que hay que verla y dejarla crecer. De Barcelona llegaban Mescaleros y su potente sabor del rock sureño que emanan sus canciones bien combinadas con otros sonidos como el metal o el hard rock, destaco “Freedom For All” ,¨Alive” que suena formidable, sin olvidar un final lleno de contundencia con “Sick and Thick”. Los últimos en subir fueron Fuel que sonaron mejor que nunca y con un sonido absolutamente asesino, especialmente las partes más

aceleradas y crudas que uno puede encontrar en su nuevo disco que a veces pueden recordarme a bandas de nuestro país como aquellos Muro y que en determinados momentos pueden a llegar a irse por derroteros más extremos.

Me llenaron “Los Elegidos” y “Fuerza y Valor” que son dos trallazos de metal muy potente que nos dejaron con la boca abierta ya que además de la calidad de los temas nos encontramos con una banda que sonaba demoledora y bien cohesionada como una perfecta máquina de matar.

El set list fué el disco “Solo para Adictos” de manera completa salvo “Una Noche Más” con la que pusieron broche de oro a una noche donde además nos regalaron bonitos contrastes musicales como el hard rock adictivo de temas como “Morir por el rock” y otros más salvajes como “Rebelión” o “Posesión”.

Muy pronto la 4ª edición.

Texto :Charly Rock and Roll Foto:Domingo J. Casas

Breves

III Edición de Poker de Ases Fuel - Mescaleros Kienson Pato - Panico Rising 16-09-2017 Sala Caracol(Madrid) Las 80 escuelas de Rockschool España celebraron su primer congreso en Madrid en septiembre El 23 de septiembre tuvo lugar el primer encuentro de centros operativos de Rockschool España, que reunió a más de 80 escuelas de todo el país donde se enseña y se examina de las titulaciones de la prestigiosa organización. El encuentro tiene como objetivo tratar sobre el desarrollo y la actividad de Rockschool en España, donde lleva operando desde hace 8 años.

El congreso se celebró a continuación de la conferencia de representantes de Rockschool para todo el mundo, para la que se ha elegido Madrid como sede y contó con la participación de John Simpson, director ejecutivo, Mike Stylianou y Henriette Madsen, responsables de desarrollo internacional.

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Rockschool es actualmente la principal organización mundial examinadora, establecida en el Reino Unido desde 1991, que ofrece titulaciones acreditadas en música moderna para guitarra eléctrica, guitarra acústica, bajo, batería, piano, teclados, voz, teoría musical y titulaciones profesionales de educador musical y producción musical.

Las titulaciones acreditadas de Rockschool son válidas en el contexto del Tratado de Bolonia de la Unión Europea y están integradas en el Marco Europeo de Titulaciones (EQF-European Qualifications Framework). Todos los certificados Rockschool tienen asociados el correspondiente nivel de EQF. Ofrece además diplomas superiores en docencia e interpretación. www.rockschoolespana.com www.rslawards.com antonioolazabal@rslawards.com

Rulo y la Contrabanda

7 de septiembre de 2017, Auditorio Parque Fofó (Murcia) La noche amenazaba lluvia pero dejó que el concierto comenzara sin que cayera ni una gota de agua. La gente comenzó a entrar de forma escalonada. Con un corazón de neón latiendo al fondo del escenario salió Rulo, el Auditorio ya estaba repleto de fans que estaban esperándole para cantar junto a él y su banda. Rulo junto a Quique, Fito, Txarli y Pati, después de casi dos años alejados de los escenarios y de grabar su tercer disco en solitario, han vuelto y de qué forma. Nos presentó su nuevo disco, ”El doble de tu mitad” además de cantar temas como “Buscando en la basura” o “Heridas del rock and roll” mientras le recordaba al público las veces que había visitado la ciudad y lo bien que le habían tratado siempre. Las guitarras volaban en los cambios y a punto estuvo alguna de caerse pero eso no pasó y el rock no dejó de sonar en ningún momento.

Parece que se acaba el show, desaparece la banda y colocan un piano en el centro del escenario, sale Rulo y empieza a tocar… suena Noviembre. Pero aún no habían terminado, nadie se quería ir todavía, vuelven todos a salir y continúan y en una explosión de adrenalina Rulo se lanza al foso, se sube a las vallas donde su público le esperaba y desde allí continúa cantando haciendo equilibrio mientras los de seguridad le sujetan para que no se caiga.

Rock en estado puro.

Dos horas de buen rock en el que el artista de Reinosa dejó un buen sabor de boca a todos los que allí estábamos. Luego estuvimos con él después del show y fue todo amabilidad. Dando por bueno el dicho de que los mas grandes siempre son los más humildes. Hasta muy pronto.

Texto: Mar Monje Abiol Fotos: Domingo J. Casas STING

TOM JONES

THE PRETENDERS

PET SHOP BOYS

Universal Music Festival Teatro Real (Madrid) Del 5 al 30 de julio de 2017

El domingo 30 de Julio terminó Universal Music Festival 2017. Un inolvidable ciclo de conciertos que, durante todo el mes de julio, ha convertido el Teatro Real de Madrid (que sigue celebrando su bicentenario) en uno de los principales núcleos de actividad pop/rock del país. Dieciséis espectáculos repartidos en diez jornadas con mayoría de “sold outs”.

Por este emblemático escenario han pasado leyendas de la talla del incombustible Tom Jones, el magnético Sting o el espectacular Zucchero, estrellas de la galaxia latina como David Bisbal y Luis Fonsi, mitos de la nueva ola como Pretenders o del techno pop atemporal y vigente como los grandiosos Pet Shop Boys, sin olvidar el jazz y el flamenco con Michel Camilo & Tomatito, brillantes divulgadores de la clásica como James Rhodes. Y sin olvidar a los artistas estatales como Rosario y Antonio Orozco, quien protagonizó la primera actuación matinal de un artista pop en la historia del Teatro Real. El despliegue de talento –también de oficio– ha sido formidable. Y la apasionada respuesta del público –que ha abarrotado la sala cada día– viene a confirmar la definitiva consolidación de Universal Music Festival dentro del calendario internacional.

La pluralidad en su propuesta –un cartel de primera, en un espacio idóneo para disfrutar de la música y la escenografía al detalle, – lo convierte en un festival distinto y definitivo. Y la ampliación de su oferta con los conciertos acústicos en turno de mañana –con Luisa Sobral, Fernando Alfaro, Juan Habichuela Nieto, Bely Basarte y Jorge Marazu actuando en la Sala de Orquesta– multiplica el atractivo de un cartel que asombra no sólo por su calidad, también por su amplitud de miras. Por si fuera poco, Universal Music Festival ha programado este año una serie de actividades paralelas docentes –el UMF Campus, con respaldo académico de SAE Institute, Berklee College of Music, la Universidad Europea y la Universidad Rey Juan Carlos– que ha permitido a sus asistentes ampliar conocimientos en talleres y clases magistrales.

Ya estamos deseando que empiece la edición de 2018.

Fotos: Domingo J. Casas

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Michael Bolton “Greatest Hits World Tour”

10 de agosto 2017 Club de Tenis Puente Romano (Marbella) El tan esperado concierto de Michael Bolton en Marbella no defraudó, con un lleno total, 2300 personas vieron como sonaban todos sus grandes éxitos en el Puente Romano. Una hora y media de concierto que comenzó puntual con una banda de siete componentes del que destacaron el pianista y el saxo, que estuvieron impresionantes.. Cuando el Sr. Bolton salió al escenario se metió al público en el bolsillo en un instante, con ese aspecto elegante, carismático y seductor como de costumbre. Con un sonido perfecto y su voz rasgada y melódica hizo un repaso de sus temas más conocidos junto a las coristas Samantha Fly y Ashley Lockheed. “Said I loved you but I lied”, “How am I supposed to live without you”, “To love somebody”, “Sitting on the dock of the bay”, fueron algunos de los temas que más nos gustaron. 14 canciones y dos bises supieron a poco, todos cantaban, el público se sabía las canciones y le seguían, de repente sus fans se quedaron atónitos cuando ya al final del concierto bajó del escenario y metiéndose entre el público comenzó a cantar “When a Man Loves a Woman” mirando a su mujer que estuvo a nuestro lado toda la noche, fue emocionante.

Dos Grammys, 27 álbumes y 53 millones de discos vendidos en todo el mundo avalan su trayectoria y queda demostrado en esta gira mundial “Greatest Hits World Tour 2017” que Michael Bolton a sus 64 años, es todo un referente en la historia del rock melódico y que su voz sigue siendo inigualable…

Texto y Fotos: Mar Monje Abiol

Texto: Soraya Machin | Fotos: Domingo J. Casas ARA MALIKIAN

- Viernes 15 de septiembre, Teatro La Axerquia – Córdoba.

- Martes 26 de diciembre, Auditori Forum – Barcelona.

- Viernes 30 de diciembre, Wizink Center – Madrid - Viernes 25 de agosto,

TEXAS

Sábado, 25 noviembre 2017 (Barcelona) Domingo, 26 noviembre 2017 (Madrid)

METALLICA

- Sabado 3 y lunes 5 de Febrero de 2018 WiZink Center Madrid - Miercoiles 7 de febrero de 2018 Palau Sant Jordi Barcelona

SHAKIRA

- 19 noviembre Palacio de los Deportes(Madrid) - 23 noviemnbre A Coruña - 25 y 26 noviembre Palau Sant Jordi(Barcelona)

DEPECHE MODE

- 7 diciembre Palau Sant Jordi(Barcelona) - 16 diciembre Palacio de los Deportes(Madrid)

ELTON JOHN

- 3 Diciembre Palau Sant Jordi

JAMIROQUAI

25 de Noviembre Palacio de los Deportes(Madrid

La Daurada – Vilanova i lL Geltrú (Barcelona)

Ahora compra tus entradas en nuestra web en la seccion de agenda. www.lhmagazin.com/agenda

LH MAGAZIN | CINE

EL PAYASO MÁS ATERRADOR “IT”

New Line Cinema Dirigida por Andy Muschietti.

La fiebre de los remakes y de nuevas versiones a historias ya contadas en formato cinematográfico siguen llegando de la a veces carente de imaginación industria norteamericana. En este caso el que fuera director de la inquietante “Mama”, Andy Muschietti, retoma uno de los mayores clásicos de la literatura de terror del maestro Stephen King: “It”. La que fuera una de las novelas más extensas y ambiciosas del escritor de Maine, ya fue adaptada a finales de los 80 en formato de miniserie televisiva de dos capítulos en un momento en que, como ahora, el nombre de King brilla incluso por partida doble (“It” ha compartido sitio en cartelera con otra película basada en su obra como “La Torre Oscura”). Nada nuevo bajo el sol, pero se agradece el notable esfuerzo de raspasar a la pantalla tal cual son, algunos de los momentos más memorables y terrorificos de la primera parte de la novela, la que transcurre con unos protagonistas niños que llegan en un momento de revival de fenómenos como “los Goonies” con series televisivas como “Stranger Things”, que tanto bebe del imaginario de King. Curiosamente uno de los protagonistas de esa serie, Finn Wolfhard, da vida a uno de los protagonistas de “It”. Junto a él, un destacado grupo de actores jóvenes que nos vuelven a llevar a los horrores de Derry, ese pueblecito aparentemente inocente en el que Pennywise, el payaso más oscuro de la historia del género de terror, se aprovecha de los temores más profundos de cada uno para llevarte alí donde “flotarás”... aunque no volverás. Una película digna de disfrutarse en pantalla grande en un virtuoso ejercicio de nostalgia, en especial sí leiste la novela.

“SPIDER-MAN™: HOMECOMING”

Columbia Pictures presenta una producción de Marvel Studios / Pascal Pictures.

Un joven Peter Parker/Spider-Man (Tom Holland), que realizó su sensacional debut en “Capitán América: Civil War”, entra en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) con “SPIDER-MAN: HOMECOMING”. Recibido en todo el mundo con los brazos abiertos, Spider-Man es el personaje de cómic más popular de la historia y la joya de la corona de la editorial de cómics Marvel. Ahora, vuelve a casa en una película con un tono divertido y desenfadado y un nuevo enfoque, producido por Marvel Studios, que traslada el Peter Parker de los cómics a la pantalla junto a otros héroes del MCU por primera vez.

Entusiasmado tras su experiencia con los Vengadores, Peter regresa a casa, donde vive con su tía May (Marisa Tomei), bajo la atenta mirada de su nuevo mentor, Tony Stark (Robert Downey Jr.).

Peter intenta retomar su rutina diaria normal –distraído por su intención de demostrar que puede

ser más que tu simple amistoso vecino SpiderMan– pero, cuando surge un nuevo villano conocido como el Buitre (Michael Keaton), todo lo que Peter considera más importante se verá amenazado. Ha llegado su momento y se verá puesto a prueba para convertirse en el héroe que está destinado a ser.

Sin duda una película que da igual el momento en que se haya estrenado y en el que la veas, porque disfrutar del espíritu genuino de los tebeos del Hombre Araña que tantos disfrutamos de niños de nuevo en cine merece la pena.

RICHARD MARAZANO / MARCELO FRUSIN DIÁBOLO EDICIONES Poco después de la conquista de Egipto, a las orillas del Nilo, un centurión romano descubre una embarcación a la deriva. A bordo, las promesas de una civilización rica y poderosa, desconocida por Roma. Bajo las órdenes de Marcus Livius, una fabulosa expedición compuesta por diez legionarios se adentra en el corazón del África negra en busca de un imperio misterioso... Todo lo que se ha ido desarrollando en los dos anteriores volúmenes, llega a una espectacular conclusión, donde la lucha, la sangre y el deseo estarán muy presentes. La apasionante historia de Marazano junto al espectacular dibujo del argentino Frusin, hacen de esta serie un auténtico espectáculo visual.

Richard Marazano. Nace en 1971 en Fontenayaux-Roses (Francia). De joven es un apasionado del arte, la política y la ciencia. También es un gran amante del cine y la literatura rusa. Comienza en el mundo del cómic después de unirse al prestigioso taller de Bellas Artes de Angouleme. Marazano es uno de los guionistas más prolíficos del cómic francés y europeo, y ha obtenido numerosas nominaciones y premios por sus trabajos.

Marcelo Frusin. Nace en 1967 en Rosario (Argentina). Comenzó trabajando para la editorial argentina Columba en 1993. Posteriormente para la editorial italiana Universo, ilustró la serie Niko Slavo en la revista Intrépido. En 1998, empezó a trabajar en el mercado americano, colaborando con Marvel Comics (X-Men Unlimited), Acclaim Comics (Magnus y Robot Fighter), DC Comics (Hellblazer,Flinch). “La expedición” junto a Richard Marazano es su obra más ambiciosa para el mercado francés.

“LA ESPADA DE SAN EUFRASIO”

LH MAGAZIN | LIBROS

PEPE REY / MANOLO LÓPEZ POY / MIGUEL FERNÁNDEZ DIÁBOLO EDICIONES D Galicia, 1464. En los años previos a la revuelta popular irmandiña, los campesinos viven sumidos en la miseria mientras los señores feudales expolian el territorio, en connivencia con la Iglesia. Enfrentados en una guerra sorda de todos contra todos, palacios y conventos son un semillero de intrigas, mientras el Camino de Santiago, otrora un río de dinero, está paralizado. Atrapada en esta vorágine, una familia de campesinos es obligada a enfrentarse a la tiranía señorial y sumergirse en una espiral de violencia para mantener su juramento de recuperar su casa y vengarse de quienes se la arrebataron. La Espada de San Eufrasio. La aldea maldita es una historia medieval de lucha por la supervivencia de un pueblo atrapado entre intrigas políticas, ambiciones desmedidas, violencia desatada y sometido a un expolio permanente, La protagonista de esta historia, en la que la ficción se mezcla con los hechos históricos reales, es la familia de Rosendo, un campesino al que arrebatan sus escasas posesiones y obligan a convertirse en un fuera de la ley empeñado en mantener su juramento de recuperar un día su casa y vengarse de quienes se la arrebataron.

LH MAGAZIN | COMICS

“LA EXPEDIDIÓN 3”

“TEBORI 3”

JOSÉ MANUEL ROBLEDO / MARCIAL TOLEDANO DIÁBOLO EDICIONES En este tercer volumen de Tebori, las cosas se complican cada vez más para Yoshi y su maestro tatuador. Acosados por la policía y por la Yakuza, la situación se vuelve insostenible. La caza del hombre ha comenzado, y la sangre correrá a raudales por todos los lugares. Japón, en la actualidad. Con el fin de protegerle de la violencia de la banda a la que pertenece, Yoshi es confiado por su abuelo a un maestro tatuador. Este enseña con paciencia a Yoshi un oficio artesanal preciso, transmitiéndole el dominio del Tebori, una técnica manual de tatuaje tradicional. Tras una agresión, el maestro le confía la tarea de tratar con clientes discretos pero particularmente peligrosos: la Yakuza. Apasionante historia y magistral dibujo de dos de los mejores autores del cómic actual.

“GALAXIA LUCAS. MÁS ALLÁ DE LA FUERZA”

FRANCISCO JAVIER MILLÁN DIÁBOLO EDICIONES En el verano de 1977, el mundo conocería la primera película de Star Wars y, tras ella, un cineasta empeñado en trabajar al margen de la industria, que cambiaría la manera de ver y disfrutar el cine.

Cuarenta años más tarde, este libro se presenta como la retrospectiva más completa sobre Lucasfilm, una productora que ha puesto en imágenes universos fantásticos como los de Indiana Jones, Dentro del Laberinto o Willow. Un repaso a todas y cada una de las películas, series de televisión y otros productos de la compañía de George Lucas.

Toda una galaxia que abarca a varias generaciones de espectadores por primera vez en un único volumen.

Del mismo autor: “Generación Goonies” (Diábolo Ediciones).

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Novedades

VERSOIX “Redención”

Rock Estatal Records 2017 @versoix.es

melodía, es lo que Colaman busca en sus canciones, para mí con este disco lo ha conseguido, ojo al tema “Someday I`ll get it right” para mí la mejor canción del año.

CARMENCITA CALAVERA Carmencita Calavera

Wild Punk Records www.carmencitacalavera.bandcamp.com

DISCO DEL MES YOGURES DE COCO Puertofé

Autoeditado www.yoguresdecoco.com

Estamos de nuevo ante uno de esos discos que echan por tierra esa lapidaria frase “en los ochenta había o se hacía mejor música que hoy”. Este es el primer larga duración de este magnífico grupo Yogures de Coco y menudo discazo se han currado, seguro que estará entre los diez mejores de este año.

Un disco cuidado al detalle en todos los sentidos. Por sus letras, muy cuidadas, y que hablan de sentimientos, pero sin olvidarse de temas sociales que nos tocan muy de cerca como el tema que abre el disco y que hace unos días estrenaron su videoclip “La función” que habla de esa rabia de esta nueva generación perdida que está sufriendo en sus propias carnes: una realidad vivida deprisa en la que uno ni sabe qué papel juega en su propia vida ni conoce quien maneja sus hilos.

“Ellos” todo un himno que no deberías dejar de escuchar, “La guerra” que en un principio estaba destinado a ser primer single, y no ha sido así, pero no me extraña, es que es difícil de quedarse con un solo tema de este disco compuesto por once canciones que aunque suena muy parejo navegan cada una de ellas perfectamente por el mundo del pop, el rock... consiguiendo que cada una de ellas tengan su pro-

pia identidad, que en ocasiones, la base rítmica muy estudiada y trabajada han aportado a la canción una parte importante llena de matices y contrastes.

No puedo dejar pasar por alto lo cuidado que están las voces, me confesaron en una entrevista que tuve con ellos en la radio, el día del estreno de este disco, que las trabajan mucho solas, sin música y este es el resultado tan bonito de tanto trabajo y que les animo a que sigan trabajando porque soy amante de esas voces, que echo tanto en falta en la música. Su acústico en la radio me puso el bello de punta una afinación perfecta. Otra cosa muy importante del disco es la gran producción de la cual se ha encargado Raúl de Lara sabiendo dotar al grupo con tan solo un disco de larga duración en la calle de un sonido muy personal y brillante al grupo. “Puertofé” se ha grabado en Murcia en los estudios AMA Music. Otro tema que me gustó muchísimo “Almas perdidas” un pequeño homenaje a Chile que emboca esos sonidos de los Andes. “Uno=Mil” una letra muy cuidada, que cuando la escuche pensé, leches todavía hay bandas que les importa cuidar la palabra en sus letras y mientras las radios comerciales, las multinacionales nos inundan con letras vulgares, ofensivas a la mujer, degradándola... que las cantan y bailan los mas peques de la casa, ¡qué esperamos en un futuro de estas generaciones!.

Sólo me queda decir a Yogures de Coco gracias por vuestras letras cuidadas, por ese mensaje, por esas melodías trabajadas, por ese gran esfuerzo que gran parte del público no ve y que vosotros hacéis en local de ensayo... para hacer “Puertofé” hay muchas, muchas horas de trabajo y poco remunerado, espero que compréis su disco porque no os va defraudar.

Versoix es un grupo de Madrid formados en el año 2012. Su estilo es rock y cantan en español todos sus temas. Sus componentes son: Jesús, Sergio, Alberto y Maxi.

“Redención” es un disco de diez canciones, editado por Rock Estatal Records en 2017. El diseño del disco es obra del propio grupo, las fotografías son de Yessica Masó y la modelo es Daniela Plaza. El disco ha sido grabado, mezclado y masterizado en La Caverna Studios por Javi Nadye, que ademas colabora con su voz en el tema “El diván”. La producción es de Javi Nadye y Versoix.

JUSTO SANTOS

COLMAN GOTA Fear the summer Autoeditado @colmantheband

Disco esencial que deberían tener todos lo melómanos amantes de la buena música del pop, el rock en sus estanterías de música, claro, si todavía queda alguno. No dejen la oportunidad de hacerse con una copia de este tercer trabajo de Colman Gota grabado en The Fidelitorium, en Kenersville, cerca de Winston-Salem, en Carolina del Norte como su dos anteriores discos “Play To Lose” (2015 ) y “Tape” (2016). Sólo que esta vez el productor no ha sido el legendario Mitch Easter miembro en su día de Let´s Active y productor de los dos primeros álbumes de R.E.M., de Velvet Crush, de Marshall Crensahw, de Game Theory, de Ken Stringfellow... en esta ocasión a los mandos se ha puesto John Pfiffner, ingeniero y/o productor que ha trabajado con artistas como The Avett Brothers, Chris Stamey, Chatham County Line o The Pinetops, entre otros muchos. Once canciones en busca de la perfecta

El grupo está compuesto por Jacobo García, Luigi Ramos, Ignacio García y la frontwoman Carmen Calavera, experimentados músicos provenientes de otras formaciones como Los Portazos o La Barca de Sua. En este 2017 la banda granadina edita su primer disco de título homónimo, bajo el sello Wild Punk Records, compuesto por diez temas propios y dos versiones, “Tatuaje” y “Gilmore ´77” (con la colaboración de Antonio Arias). La música que realizan Carmencita Calavera es punk rock potente, mezclado con estilos tan dispares como la copla y el surf. Sin duda una propuesta diferente y arriesgada donde mezclan vivos y muertos, virus y calaveras. Parecen salidos de la película “Abierto hasta el amanecer” de Tarantino. El disco lo abre “Moderna de pueblo”, donde destacan los sintetizadores de J.J.Machuca. Su particular visión de Jack el destripador en “Jack”, una relación amorosa y mortal. La trompeta de Jimi Garcia en “Calavera” (..en la carretera, dulce calavera, el tiempo nos lleva, hasta el final..). “Superwoman Rockstar” luchando contra el regueton, los tunos y el techno-pop.

Una historia zombie en “Virus”, con la trompeta de Jimi Garcia de nuevo.

Y para terminar, la mejor canción es “Mari Lin”, cantada a dúo por Carmen Calavera y Antonio Arias.

Destacar también las colaboraciones de Juan Codorniú, Alejandro Mendez y Alberto Reyes. El grupo suena muy bien y su directo debe de ser cuando menos interesante.

JUSTO SANTOS

RECICLAJE Ven Ven

DiscMedi Blau @reciclajeoficial

planeta en lo musical. Un disco para descubrir que el afrobeat no sólo es terreno masculino y ha dado a la luz mujeres artistas que, practicando jazz, hip hop, soul, funk y ritmos afrolatinos o caribeños lo han sumergido en el afrobeat con gran contundencia.

CATA BONO Cae el mar

incluso a la hora de elegir el idioma, nos encontramos con cuatro temas cantados en castellano y otros cuatro en inglés.

muevan los pies yeah!!!

MOSTAZA GALVEZ

STEVE MARTIN Y THE STEEP CANYON RANGERS

Heike Records @MostazaGalvez

Rounder Records www.stevemartin.com

Tras este proyecto se encuentran Guille Mostaza y Frank Gálvez, presenta a dos artistas muy distintos a los que conocimos en Ellos y Gasca. Tuvimos la suerte de antes de irnos de vacaciones se pasaran por nuestro estudio de radio y nos hablaran de este disco compuesto por once canciones. Un disco en el que prevalecen grandes melodías y estribillos de esos que puedes canturrear si escuchas una vez el tema y le prestas un poco de atención. Un disco muy cercano a bandas como Stooges, Ramones hasta Queens of the Stone Age o Arctic Monkeys. Un disco Autoeditado, escrito, producido, mezclado y masterizado por ellos mismos en Álamo Shock, el estudio que se ha construido Guille Mostaza.

En el tema country “Vertigo” nos encontramos con la colaboración de Ana Fernández-Villaverde (La Bien Querida). Un disco que desde la primera nota hará que se te

Cuando estése leyendo estas lineas ya estará a la venta el esperado disco de esta banda llenos de historias que mezclan humor y melancolía, realismo y extravagancia, ricos personajes y detalles. Y muchos banjos. Ese instrumento es crucial en estas nuevas historias y letras, cada acorde y riff desvela nuevas profundidades en las narraciones de Martin. Producido por Peter Asher, el nuevo álbum es una colección de 14 fantásticas canciones incluida la divertidísima “Caroline”, la romántica “All Night Long” y el fantástico tema “Santa Fe”, que muestra la buena dinámica entre Martin y los Rangers. La carrera musical de Steve Martin es una extensión del impulso narrador que le guía en su trabajo como cómico, actor, guionista, dramaturgo, ensayista y novelista. El músico, ganador de un Grammy® se enamoró del bajo con 17 años y usó el instrumento como parte de sus actuaciones como cómico.

Vida y milagros

The Long-Awaited Album

Martin Music

Segundo disco de este grupo de Las Palmas de Gran Canarias, si con su primer disco “Antes de que llegue” (2015) se hicieron un hueco en nuestros corazones, atentos a esta nueva entrega, un viaje por el mas añejo y puro rock and roll. Lo primero que me llamó la atención al escuchar este nuevo disco es el gran salto que han dado tanto en el sonido como en la composición.

Doce canciones que te llevan por un viaje autentico del rock and roll unas veces te suenan a The Rolling Stones, otra vez la buena música americana de los 70, otras veces en sus canciones encuentras ese blues añejo, otras al legendario Chuck Berry pero eso si bajo la perspectiva de Reciclaje. Alucinante la gran colaboración de Sergio Vadehita en el Hammond y piano. El disco se ha grabado Audiomatic (Madrid), con Jose María Rosillo (Jorge Drexler, Marlango o Sidecars), Ignacio Khoury en la producción y Manu Pájaro en las mezclas.

REPUBLICAFROBEAT VOL 4 Mujeres

Kasba Music www.djfloro.net

Ya sabéis que aquí en LH Magazin Music somos muy abiertos de orejas, vamos que escuchamos todo lo que nos llega, sin importarnos etiquetas, así y como no podría ser de otra forma, prestamos nuestra oreja a este recopilado de DJ Floro dedicado al mundo de las mujeres.

Enseguida hizo que pusiéramos todos los sentidos y alguno mas a lo que estábamos escuchando.

Un Cd que también ha salido en formato de vinilo y que tiene una tirada limitada y del que el espectacular diseño se ha encargado El Niño de las Pinturas. En este disco se hace un recorrido por parte del

El pasado de Cata hay que buscarlo en Chile, Cata conquistó al público de Protagonistas de la fama, que la convirtió en la primera ganadora de un reality show en ese país esto sucedía en el 2.003. Después se vino a España y ya lleva aquí siete años con su marido Francisco Moller al cual conoció en el reality show. Cata trabaja en el mundo del teatro actualmente en dos proyectos uno infantil que pretende concienciar a los niños respecto del medio ambiente y los animales y otro proyecto de una obra de Luigi Pirandello; en ambos trabaja como actriz y también compone la música de las obras. Ahora bajo el sello discográfico Martin Music nos presenta sus primeras ocho canciones en este disco en el cual la música pop, el country y a veces el rock son la banda sonara a esas historias bellas que Cata nos cuenta. Un disco muy equilibrado,