LH Magazin Music - Marta Mailen nº118

www.lhmagazin.com XV AÑO - Nº 118 - EJEMPLAR GRATUITO

ENTREVISTAS:

Melissa Sanley Joe Bonamassa The Neal Morse Band Little Steven The Covers` Factory Mr. Wilfred Neverend...

MARTA MAILEN

“Oh La Lá” todo un éxito

ASI SUENA MI GENERACION: MARTA MAILÉN - ADN - LA LEY DE MANTUA - MIREIA VILALTA VALDÉS - DISTRITO ROJO - GÜS GUZMAN - KUQUI ALEGRE - YO, ESTRATOSFÉRICO - SANCHEZ ACERO PICCADILLY - THE PERROS BAND - WONDER ONCE - FULLRESISTANCE - ALBERTO DBLANCO INDENAKIN - JÁLBER - SIN MALA INTENCIÓN - BELUGA - MORGANS

n ó i c u b i distr TIENDAS DE INSTRUMENTOS UME Union Musical:

Madrid Ume Arenal c/ Arenal 18, Ume Cedaceros C/ de Cedaceros 3, Ume Carranza C/ Carranza 16 Ume Hermosilla C/ Hermosilla 75 Barcelona Ume Sepúlveda C/ Sepúlveda 102 Ume Muntaner C/ Muntaner 324 Ume Sants C/ Sants 304 bis Ume Baricentro Centro Comercial Baricentro L-164 Ume Sabadell C/ Sant Pere 7 Girona Ume Girona C/ Francesc Eiximenis 18 Pamplona Ume Pamplona C/ Asunción 4-6 Sevilla Ume Sevilla C/ Rico Cejudo - Edif. Hispal Local 8 Valencia Ume La Paz C/ La Paz 22 Ume Guillem de Castro C/ Guillem de Castro 34 Ume Nuevo Centro Centro Comercial Nuevo Centro Zaragoza Ume Zaragoza C/ Fernando el Católico 19 Portugal Uniao Lisboa Av. Antonio Augusto de Aguiar 142

Leturiaga:

ESTUDIOS DE GRABACION Y LOCALES DE ENSAYO

Ritmo & Compás, TAF, 39 Rojo, Carabox, El Obsevatorio, Hardrum, Matilda, Rock Palace, Rock&Pop, Rock Soul, Tablada 25, Underground y El Poligono(Valladolid), Rusound (Daganzo), Olmostudio(vallekas), FACTOR Q (Murcia) y Locales de ensayo Metro Usera (Madrid)...

SALAS Y BARES

Rock-Ola, Madrid Me Mata, Prima Portia, 1903, El Piratas, Cadillac Solitario, Suéltate el Pelo, Alfredo`s, Sala Arena, Caracol, Clamores, Costello Club, El Sol, Galileo Galilei, Gruta 77, Hebe, Jimmy Jazz, La Cara B, La Sala Live, Silikona, Siroco, Sala Lemon, Sala Gamma, Sala Musik, Sala 12 y Medio, Sala Stereo, Discos Comix y Discos Trafico, Kalentito, La Azotea (Murcia), Dekonya Cool Pub (S.S. de los Reyes), La Mina Rock (Alcobendas), Punteos Rock (Coslada) Albergue Riglos (Huesca), El Escudo y Pocoloco (Ávila), Gabanna (Lanzarote), Sala Estacion, Imagina, Atico y Dqvass (Alcazar de San Juan), Al Lado y El Moli (Campo de Criptana) Candela, El Duende, 500 Noches (Archena), Sala Strato Caster y 37 Grados (Córdoba), Mi Pequeño Mundo y Pensión “El Rafa” (Fernán-Nuñez), La Marquesita (San Martín de Oscos), La Caverna, Sala Mirror, Alcatraz Rock Bar, Wah Wah (Valencia), La Casa Pintada (Ceuti), Restaurante El Meson (Puebla de Almoradiel), Restaurante S.M. el Rey de la Coca (Piles Playa), EL Paso (Cudillero), Sala Hangar (Burgos), Rock & Play (Boadilla del Monte), Velvet Club (Malaga), Garfield (Torremolinos), Yasta (Campo de Criptana),Sala Sausan/New Rock y Hotel Juype (El Provencio), Chamán (Illlana), Bar La Esquina (Mula), La Cripta y La Gasolinera (Bullas), Video Club Geminis (Cehegin) y Siglo XX(Blanca). Casa de Cultura y Guardamar Music, Hostal Galicia (Elche), La Posada (Elche), Dorian Gray (Denia), Sala Ambigú (Cordoba),Savoy (Gijon), Antón Vission (Elche), Biribay (Logroño), Cuarenta y Tres (Zamora), PRAE (Valladolid), Qarentena Ediciones y Erreté (Barcelona),Hotel El Quesar de Gamoneo (Cangas de Onís-Asturias)...

Madrid Comics, C/ de Silva, 17, Generación X Madrid (Puebla, 15)-(Elfo, 98) Alcalá Cómics - Avenida de Guadalajara, 9.

Alcalá de Henares (Madrid).

Telon de Acero, C/Emilio Gastesi Fernández, 14 Libreria SINS ENTIDO, C/ Válgame Dios, 6

DIRECCIÓN

c/ Ricardo Ortiz 112, 6º A 28017 MADRID Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28 E-mail: lhmagazin@lhmagazin.com

DIRECTOR Juan Rodríguez

DISEÑO Y MAQUETACIÓN

Sire 2000 Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28

PUBLICIDAD

Alicia López Tel.: 91 355 65 75 - 666 36 45 28

Leturiaga C/ Cristobal Bordiu 22 Leturiaga C/ Corredera Baja 23

TIENDAS DE CÓMICS

Distribución Gratuita: 20.000 ejemplares

RADIOS

Onda Regional y SER (Murcia),Onda Marina(Fernan-Núñez), Onda Cero/ Europa FM (Alcazar de San Juan), Radio Safor (Bellreguard), Sol Radio(El Bonillo),El Ultimo Este y “La Caja de Pandora “ (Cabezo de Torres/Murcia)

REDACCIÓN Alicia López

COLABORADORES y CORRESPONSABLES

Justo Santos (Corresponsal y encargado de la distribución en Extremadura), Manu Sirvent, José Glez., Rafa, Paco, Mª Mar, Pilar, Rolo, Jose Luis Espinosa, Soraya Machin, Mariano Muniesa, Yolanda Perez Marin (El Club del Escenario), Amado Storni, Manuel Doval (Valladolid), Olegario Sánchez (Alcazar de San Juan), Patxi “La Caña” Valen (Plasencia), Alberto Cean (Asturias), Mar Monje Abiol, Carlos Harry, Isabel Padrón

FOTOGRAFIA

Domingo J. Casas (Jefe), Paco Lainez, Eduardo Mendez, David Calle, Liberto Peiró (Valencia), Xavier Mercadé (Barcelona), J.M. Rodríguez (Galicia), José M. Bueno (Asturias), Julio Perez Sotillo(Elche), Goio Villanueva(Alicante), Kiko Asunción (Murcia) Mario Cayuela(Cartagena), Tony Ventura(Las Palmas)

AGENCIAS www.whitepress.es,KOPress

FOTOMECANICA / IMPRENTA EXCE Comunicación

Esta revista la hace mucha gente, el papel lo ponemos nosotros, las opiniones son de ellos.

l a i r o t edi Como habréis observado este mes lo primero que has notado al coger el número es que pesa un poquito más, ahora contamos con 48 paginas. También hemos intentado modernizar un poquito más el diseño, deseamos que os guste. Otro hecho importante, es que hemos ampliado la distribución gracias a nuestros nuevos patrocinadores la UME Unión Musical, así que si eres un nuevo lector te damos la bienvenida, y esperamos que te quedes en esta familia que lleva ya más de quince años. Y por supuesto, gracias a UME Unión Musical por creer y apoyar a LH Magazin Music para que podamos seguir creciendo y acercaros esta revista que intenta apoyar a todas esas bandas nacionales e internacionales que quieren hacerse un hueco en la escena musical, por supuesto sin olvidarnos de las bandas más veteranas. Este mes la revista viene con un CD promocional en el cual aparecen las primeras 20 bandas de la revista Así Suena Mi Generación en su primer número, además encontraras una entrevista con cada banda para conocerlos un poco mejor e informarte por qué hacen ese estilo musical. Esta revista ira insertada dentro de LH Magazin Music. Para nuestros nuevos lectores comentaros; daros una vuelta por nuestra web encontraras una radio con una programación de 24h donde podréis escuchar las bandas más actuales, que pasan por estas páginas, sin olvidarnos de los clásicos. En nuestra amplia parrilla encontraras programas especializados de jazz, rock, flamenco, indie… LH Magazin Music creció pensando en un público que no tiene ningún prejuicio a la hora de escuchar música, que las etiquetas no le importan, que lo que busca es emocionarse con las canciones, con el paso del tiempo hemos visto que publico así existe y cada vez más. Si eres músico, estás tardando demasiado en enviarnos vuestros trabajos, disfrutamos escuchando a nuevas bandas, pensamos que estamos viviendo el mejor momento en el mundo de la música, hay buenas canciones, buenas bandas, si bien es cierto que lo que no hay es negocio musical, pero incluso, esto, poco a poco va mejorando. Os animamos a que nos mandéis vuestros trabajos, que nos habléis de vuestras bandas favoritas y que participéis en redes sociales, queremos una revista hecha por todos para todos.

RINCONES ESCONDIDOS 04 Arboinada ENTREVISTAS 06 Little Stiven 08 José Lasal 10 Melysa Sanley 11 Joe Bonamassa 12 Niño Robot 13 Mr. Wilfred 14 Neverend 15 The Neal Morse Band 16 The Covers` Factory DIRECTO 17 Simple Red / Anastacia 18 Bunbury / Tom Jones COMIC 20, 21 y 22 Las novedades del comic QUIEN ES? 23 Oscar Rotado ASI SUENA MI GENERACION 20 bandas y un CD AGENDA 45 próximos conciertos DISCOS 46 discos recomendados

www.lhmagazin.com

Arbonaida Texto. Maria Raquel Fernandez Sanchez Fotos: Claudio Alvarez III

c/ Santiago 11, Madrid Horario De martes a jueves: 12h a 16h y de 19h a 00h De viernes a sábado: 12h a 02h Domingo: 12h a 17h

Arbonaida, situado en la calle Santiago nº 11, en el barrio de Ópera y en pleno Madrid. Lejos de las aglomeraciones del centro, pero justo en él.

En un barrio donde hay infinidad de oferta en restauración, Arbonaida se ha hecho un hueco gracias a las personas que trabajan allí como José, Sergio, Emiliano y Richard y que te tratan de forma cordial, haciéndote sentir como en casa, siempre pendientes de tus apetencias. Un sitio donde ir con amigos y tu mascota, ya que tienen un cuenco de agua en la entrada para ella. Algo a tener muy en cuenta, y más en estos tiempos que corren.

Arbonaida, que este mes de febrero cumple su primer año de éxito, es un pequeño lugar con aires andaluces donde tomar unos buenos vinos y cervezas y donde degustar una excelente comida.

Pidiendo una cerveza te ofrecen amablemente una tapita, ya sea de humus, picadillo, pipiraña o papas aliñadas. Todo bien elaborado.

Si decides comer allí, la carta no tiene desperdicio. Carne mechá, mazamorra con uva y jamón, alboronía andalusí, salmorejo con tomate y por supuesto flamenquines. Mención especial a las berenjenas con miel de caña.

Cual ave fénix este Rincón Escondido nació o renació de las cenizas de un gran garito que fue El Cañi, y donde hubo buenos genes, hay buenos descendientes...que dejó Julio Bullón.

Y como hilo musical mientras degustas sus viandas, Pata Negra, Tableton, Morente, Muchachito.

Por cierto…. puede que se convierta en el próximo reducto de flamencos. Si pasáis por la zona no dudéis en visitarlos, no os arrepentiréis.

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ASÍ

SUENA MI

¿Tienes un grupo?, ¿Eres solista? ¿Quieres darte a conocer?

Llega “ASÍ SUENA MI GENERACIÓN” Una nueva forma de promocionar bandas noveles Entrevistas, conciertos, promoción y difusión para tu banda, CD promocional...

INFORMATE: migeneracion@lhmagazin.com

¡Tu público te espera!

Ayer tocaste delante de 80.000 personas. Hay muy pocos músicos capaces de hacerlo. ¿Qué se siente en esos minutos previos antes de salir? ¿Te pones nervioso todavía? o se suele pasar de tocar en garitos a tocar en estadios ¿Sabes? Se va pasando progresivamente, poco a poco, paso a paso, así que cuando llegas a este punto ya no es tan impactante. Ya no te impresiona tanto. Especialmente en nuestro caso. Es algo complicado de hacer hoy día, pero nosotros hemos creado nuestra audiencia yendo de persona en persona. ¿Sabes a lo que me refiero? Empezamos tocando en un club, después en dos, tres, cuatro, después en una sala grande, en dos, tres... después en un pabellón, dos, tres y después pasamos a Estadios. Es algo que ha ido lentamente. Eso sí, de lo que nunca te cansas, a lo que nunca terminas de acostumbrarte, es al entusiasmo de la gente. El mayor entusiasmo que recuerdo haber vivido ha sido en estos tres últimos conciertos en España.

Te lo digo en serio, no me puedo creer lo fantástico que es el público en España.

Es apasionado y además cada vez son más. Cada vez que hemos venido recientemente o en estos últimos años no hemos tenido radios, ni teles... lo único que tenemos es mi programa de radio, pero nos hemos ido haciendo grandes en cada visita y lo mejor es que el público está más entusiasmado. Es difícil de explicar, pero es maravilloso. Es emocionante.

Yo tengo una teoría, y es que creo que nuestro cerebro tiene un limitador que permite eliminar las emociones más intensas, tanto para lo malo como para lo bueno. De esa manera permite controlar tu memoria emocional así que, cada vez que te subes al escenario, no puedes guardarlo todo en tu memoria. No sólo has hecho giras durante los últimos años, sino que también te hemos visto en dos series de televisión: ‘Los Soprano’ y ‘LilyHammer’.

¿Qué repercusión tuvo en tu carrera?

Esta es la primera gira que hago en 17 años en la que no tengo que hacer televisión. Estuve en los Soprano durante diez años, 7 temporadas, y Lilyhammer que fueron 3 temporadas en 4 años y los hacía mientras estaba de gira a la vez. Así que, en ese sentido, esta gira está siendo bastante relajada por una vez.

El poder de la televisión es algo serio tío.

En el momento en el que empezaron a emitir ‘Los Soprano’ llevaba 25 años de carrera en el Rock con bastante éxito y en el transcurso de una semana, quizás dos, todo el mundo por la calle hablaba de la serie. La gente se me acercaba y pese a que luzco de manera distinta que en el show, con pelo, sin bandana... pues durante esas dos semanas no hubo estrella del Rock. Todo giraba en torno a Los Soprano. Fue así, 25 años de carrera se habían esfumado (risas). Así que generé nuevos seguidores a partir de la serie y tuve la suerte de poder juntar mis dos seguimientos porque justo en ese momento hicimos la gira de reunión del grupo y al final de esa gira veía como se unían ambos tipos de públicos. Bruce me

presentaba como “La estrella de Los Soprano” y al principio aplaudían unos pocos, pero se fueron sumando más y más y al final era tanto que era muy curioso. También tengo muchos seguidores por mi programa de radio.

También tienes un sello discográfico (Wicked Cool). ¿Cómo va actualmente?

“Actualmente la industria del entretenimiento está peor que nunca. Por primera vez en mi vida he visto que tanto el cine como la televisión como la industria discográfica está todo controlada por contables y abogados. Con un conocimiento y un respeto casi nulos en lo que respecta al contenido. Nunca había sucedido antes. Es algo malo y muy negativo. Cuesta muchísimo hacer cualquier cosa, y para cuando la consigues hacer ya has perdido el entusiasmo.

Es horrible. Es muy difícil hacer cosas nuevas. Ahora con las redes sociales es todo distinto, pero yo perdí mucho dinero con la discográfica, por seguir apostando por el soporte físico. Fue también el peor momento; empecé mi sello justo cuando la industria discográfica entró en crisis.

Ahora publicamos material en formato digital. También hacemos discos para los grupos que quieren venderlos en sus directos, pero en general vamos al formato digital. Llevamos muchos grupos. Creo que hemos dado a conocer unos 550 y hay mucha gente joven que está grabando discos de Rock & Roll contra viento y marea. Quién sabe por qué, pero sé que soy el único que puede ponerles en la radio y es lo que hago……

Luego posó para nuestro fotógrafo Domingo J. Casas al que Little Stevie ya conocía de otras vistas promocionales y conciertos. Recordaron viejos/nuevos tiempos pasados y presentes.

Rock n Roll……

UME ARENAL c/ Arenal 18, 28013 Madrid Tel.: 91 522 62 60 Horario Continuo de 10.00h a 20.00h

JOSE LASAL

¿Cómo llegaste al mundo de la música? ¿Fue un disco, un concierto…?

La verdad es que empecé en Aplauso de casualidad haciendo coros a Parchís y Chantal Goya y aún no sabía que quería cantar, la vocación nació viendo un ciclo de Elvis y concretamente la película King Creole. ¿Tocas algún instrumento? ¿Y existe alguno que te gustaría tocar, pero se resiste?

Toco la guitarra que utilizo para componer y algunas veces en directo (antes más que ahora) un poco el bajo mal, y chapurreo el piano y por mi profesión actual algunos otros, pero muy superficialmente, y se me resiste el saxo, vamos que ni lo soplo, pero me hubiera gustado. ¿Músico de oído o de escuela?

De insistencia y oído más bien, aunque al final estudias sin darte cuenta a medida que avanzas, clases de canto sí. ¿Qué música escuchas y hay algún estilo en concreto que te guste más que otro?

Soy muy ecléctico y escucho de todo, pero principalmente Rock and Roll, Funk, Soul, Pop, Swing y mucha música y grupos de los 80, la edad ya sebes. ¿Nunca escucharías?

Nada que no me levante el espíritu, nada más oír los primeros acordes, Reeeeegggg…... ¿Has pasado por algún grupo?

Por unos cuantos, Los Dragsters, Kenny Bell, Crash, Servicios a Domicilio, La Sal de la Vida, Los Pobresionales, Bell Acustic band, etc. etc… y los que me quedan. ¿Cuánto tiempo llevas vendiendo instrumentos de música?

Unos 15 años.

Desde que comenzaste, la innovación en el mundo de la música ha sido muy grande. ¿Qué es lo que más te ha sorprendido?

La posibilidad de grabar un disco en casa, secuenciadores, multi-

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pistas... ¿Y hay algo en lo que creas que ha perjudicado esta innovación?

Quizás, que cuando casi todo puedes tenerlo ya hecho o al menos preconcebido de antemano es fácil perder creatividad y frescura, y sobre todo cuando puedes ejercer de músico, técnico y productor, en ocasiones no haces del todo bien ninguna de las tres tareas, creo que hay que dedicar todo el talento a la faceta que mejor dominas y dejar a otros profesionales que cubran tus necesidades con su experiencia, es como si un arquitecto luego fuera también el aparejador y albañil.

Actualmente diriges la tienda de la c/ Arenal 18 (Madrid) UME Unión Musical ¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo?

Estar rodeado de música, de mi mundo.

Cuántas veces hemos oído decir que las guitarras tienen alma, que cada una entre si suena diferente… ¿Entonces porque crees que los músicos compran por internet?, ¿precio?

Está demostrado que cada guitarra, incluso siendo del mismo color, modelo y precio suena de diferente modo de cualquiera de sus hermanas gemelas, no comparto la decisión de comprar ese tipo de instrumento ni muchos otros a través de internet, creo que el que compra una guitarra a través de la web aún no tiene un conocimiento muy amplio del instrumento y tan solo se guía por su aspecto y precio.

Es cómo comprar unas deportivas, probablemente no serán de tu talla, aunque el número corresponda con el tuyo, en este mundo hay muchos artículos y son artículos que antes has de probar o tocar con tus manos.

ESTE MES EN TIENDAS UME UNION MUSICAL

Piano Casio-Bernstein GP-300, GP-500, un piano eléctrico con mecanismo real de piano, es increíble el sonido, su construcción y precio.

Blackstar, amplificadores que desde la gama más accesible ya sorprende con sus prestaciones (sonido stereo, efectos y posibilidad de usar como interface de audio, ideal para los nuevos creadores) IDC-10; IDC 20 etc. etc., hasta llegar a la gama más profesional, relación calidad-precio indiscutible

Komplete Audio 6 una pequeña tarjeta de audio externa con el corazón de una tarjeta de alta gama, excelente acabado, software variado y más que suficiente para crear en casa tus propias producciones y un precio indiscutiblemente genial.

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Empecemos por el principio. Nieta de un cantaor de flamenco. ¿Quién era tu abuelo? ¿Y qué queda del flamenco ahora en tu música?

Mi abuelo era un cantaor de flamenco con una poderosa voz, el cual me ha transmitido la fuerza, el sentimiento y sobretodo el temperamento de este estilo musical. El flamenco lo he utilizado como inspiración en muchos detalles de mi música. No es un estilo que se pueda apreciar a simple vista en mis canciones, pero tiene muchas pinceladas en el trasfondo y en la creación de mis temas.

Conseguiste el tercer puesto en el talent show “Die grössten Schweizer Talente”. ¿Por qué presentarte en Suiza y no en España?

En ese momento de mi vida estaba continuando mis estudios de música en Suiza, fue algo que no tenía en mente realizar, y que surgió de forma espontánea. Decidí tomar esa experiencia como aprendizaje.

Has estudiado música, armonía, jazz, canto clásico-moderno… es importante estudiar música si uno se quiere dedicar profesionalmente a esto.

Es importante estudiar música para conocer las herramientas que te sirven tanto en la composición como en el amplio campo que se te abre a tu alcance en términos vocales. Saber que se está haciendo ayuda a la hora de fusionar, crear, comprender otras creaciones y valorar a otros artistas. Eso sí, hay muchas maneras de aprender música y no por más títulos o estudios rigurosos

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que tengas eres mejor artista. Comprender, sentir la música y saber cómo expresarla desde tu esencia son cualidades importantes a tener en cuenta en tu carrera.

Has cantado y colaborado con destacados cantantes y grupos de gospel, como The Campbell Brothers de Nueva York, The London Community Gospel Choir de Londres, el Soweto Gospel Ghoir de Sudáfrica y los españoles The Gospel Viu Choir. También has realizado duetos con el cantante Serafín Zubiri. ¿Por qué preparar ahora tu carrera en solitario?

Siempre he sido una cantante solista, me encanta actuar con otros artistas y mi colaboración con estos grupos y duetos ha sido un complemento y un enriquecimiento en mi carrera.

Tu primer single se llama “Fairy Tales” un adelanto de lo que será tu disco y del cual se ha rodado un videoclip. Este tema ha sido producido por Jerry Barnes miembro de Chic feat. Nile Rodgers y grabado en los Avatar Studios de Nueva York ¿Cómo surge la posibilidad de que produjera Jerry Barnes este disco?

Todo surge a través de que Jerry Barnes me descubriese mientras actuaba en un festival de Soul, enseguida contactó conmigo y me ofreció trabajar con él en Nueva York, tras varias conversaciones y acuerdos comenzó esta maravillosa aventura. ¿Cómo ha sido la experiencia de poder trabajar con músicos de esa talla?

Todo un honor, cuando trabajas con personas de este calibre que creen en ti y se entregan en un

proyecto que les gusta, se transforma en una experiencia mágica.

Son músicos muy experimentados. ¿Te dieron algún consejo?

Por supuesto, los oídos estaban bien abiertos. De varios consejos me quedo con el de ser uno mismo, a pesar de modas no perder tu autenticidad.

Tu compones las canciones. ¿Qué te gusta contar en tus letras? ¿Cómo compones piano guitarra, melodía de voz…?

Siempre, en todas las canciones que creo tienen un mensaje.

Nacen de una idea que quiero transmitir y le doy vida. Hasta ahora todo lo que he escrito lo he vivido de una forma u otra. No tengo un método de trabajo fijo, la gran mayoría de las veces suena en mi cabeza y lo reproduzco con lo que crea más conveniente en ese momento. ¿Para cuándo saldrá publicado y nos puedes adelantar algo del disco?

Me encantaría poder dar más información, pero por ahora solo puedo adelantar que sacaremos a la luz un par de Singles antes de presentar el disco.

Tenemos previsto lanzarlo a finales de 2017 ¿Te veremos presentando este disco por España?

En principio la promoción de este álbum se hará desde los Estados Unidos. Por supuesto con muchas ganas de venir a actuar a España y espero que así sea. ¿Qué le pides a este 2017?

En ámbito profesional continuar evolucionando en mi carrera.

Muchas gracias Melissa por tu tiempo, si hay algo más que quieras añadir, ya sabes, es tu casa. Un fuerte abrazo y espero que nos veamos pronto.

Muchísimas gracias ha sido un placer.

No quiero despedirme sin felicitaros por vuestro aniversario, fantástica trayectoria y aportación a la música de este país. Un fuerte abrazo.

Joe Bonamassa Joe, ¿qué buscas con el nuevo álbum? ¿Ha llevado al compositor que llevas dentro al siguiente nivel? ueno, creo que el nuevo álbum, “Blues Of Desperation”, ha seguido los pasos de lo que hicimos en “Different Shades Of Blue”. Compuse un disco totalmente original muy temprano en mi carrera que no me gustó. Creo que desistí de escribir álbumes originales y como que perdí la confianza en mí mismo como compositor por el camino. Y bueno, tres años después, al fin decidí, junto a Kevin Shirley, volver a hacer otro álbum original que terminó siendo “Different Shades Of Blue.” Yo estaba tan encantado con el resultado y tuvimos tan buena suerte con las canciones que decidí repetir.

Estábamos haciendo lo mismo y se trataba del mismo proceso. Por eso quería hacerlo mejor. Quería escribir mejores canciones e intentar mejorar los arreglos y el tema central, retando no sólo a mí mismo sino al oyente. Lo más divertido de todo fue que fui capaz de volver a conectar con mi compositor interior y como que gané más confianza en este álbum, sabiendo que el resultado de “Different Shades Of Blue” fue tan bueno que emprendí el viaje con una mayor confianza en mí mismo y, es más, un poco más de confianza en el resultado final y con la actitud de que era una buena idea realizar un álbum original.

La última vez contrataste a un grupo de escritores y productores de Nashville. ¿Todo esto lo haces tú solo ahora?

Bueno, no, he trabajado con los mismos coescritores, pero con una incorporación nueva: Tom Hambridge se apuntó y escribimos una canción juntos llamada “Mountain Climbing”. Además, James House ha hecho un trabajo excepcional como coescritor.

Escribimos con mucha rapidez y facilidad juntos. Ha sido toda una superestrella como letrista y en lo que respecta al tema central.

La canción que escribí junto a Gary Nicholson, “No Place for the Lonely”, también es muy, muy buena. Y otras canciones que escribí con Jerry Flowers y Jeffrey Steel.

Además, escribí otra completamente solo

y, ¿sabes qué?, esta vez fui capaz de tener ideas más claras, en vez de un “bueno, creo que se me ha ocurrido algo” y hacer un boceto que nunca se materializaba completamente. Fui capaz de realizar casi la mitad de tres cuartos de una canción, y viceversa...

Así que, ¿terminaste el álbum en cinco días? ¿Tan poquito tardaste?

No se tarda… A ver, si uno ya tiene las ideas, las canciones ocupan la mayor parte del tiempo. Además, no escribo en el estudio. Es un total… Tener a las personas de tu alrededor esperándote… Tengo una gran fobia a que la gente me esté esperando. Me desespero. ¿Te ha pasado anteriormente?

Sí que ha pasado, pero eso no es algo negativo. Ya sabes, hay personas que escriben muy… Llegan al estudio, sin ninguna idea, y escriben los álbumes enteros allí. Para mí, no puedo ni pensar en la simple idea de hacer algo así, mayormente porque vengo de la escuela de: “Sólo tenemos diez mil dólares para hacer el álbum. Sólo disponemos del estudio cuatro días.” Así que tienes que llegar al estudio con el trabajo hecho, porque la idea es usarlo para grabar las canciones como anteriormente habías pensado. Y si encima tienes tu propia banda, por ejemplo yo, que tengo la suerte de tener una que no sólo me acompaña en las giras, sino también en el estudio, mejor. Son los mejores músicos. Cuando se tiene una banda excepcional, las canciones tienen cohesión, están bien pensadas, ensayadas, y las ideas son buenas, es fácil… podemos sacar dos, tres al día. No hicimos ni descartes. Hicimos once canciones y ya está, ¿sabes? Nuestro día a día era “bueno, hemos hecho dos o tres canciones el primer día, dos o tres el segundo…” La mitad del álbum se quedó hecho en dos días.

Es interesante que trabajes con músicos de Nashville, cuando Los Ángeles tuvo a los Wrecking Crew, que tocaban en todos los álbumes entre 1960/70. ¿Qué ha pasado con ellos? ¿No quedan más músicos de sesión por ahí?

Bueno, aún queda algunos como Dean Parks que trabajan por aquí. Hay más…

Michael Landau aún sigue por aquí, Steve Lokather también. Nombres importantes como Hutch Hutchinson. Ya sabes… Lee

Sklar. Todos esos chicos siguen. Pero bueno, es distinto. No creo que haya trabajo con la misma frecuencia que antes, cuando tenían sesiones todos los días, tres veces al día.

Nashvile parece ser, al menos, para un músico de sesión, el último sitio en el que vaya a haber una corriente de trabajo continua.

Además, también tienes que estar dispuesto a tocar en demos, porque hay mucha actividad referente a demos en Nashville.

Cuando se mandan canciones a artistas, no de mi nivel, sino a artistas de renombre, el demo se tiene que servir en bandeja de plata, como si de una versión final se tratase.

Y así, chicos como Michael Rhodes, muchas veces tocan en el demo y en la versión final.

Así era antes aquí en Los Ángeles, sin embargo, ahora estamos aquí sentados en mi cuartillo de la guitarra que solía ser antes un estudio de grabación, y es mi casa al mismo tiempo. ¿Sabes a lo que me refiero? Todo el mundo tiene estudios en sus casas, así que un montón de brillantes músicos como estos han ido perdiendo ese trabajo. Nadie utiliza una batería en directo, ni siquiera en grabaciones finales, y no hablemos de los demos, porque los presupuestos son bastante escasos. ¡Apenas hay presupuesto!

Por eso muchos estudios han tenido que cerrar, mientras que parece que en Nashville hay uno en cada esquina.

Hay uno en cada… Creo que en East Iris Drive, donde llevo mis guitarras, hay un hombre llamado Joe Glazier que trabaja con ellas, con las caras, y es la única persona en la que confío para dejarle guitarras tan caras. Hay dos personas en el mundo así para mí: un chico que trabaja en mis amplificadores que se llama Bob Dickson, y otro llamado Joe Glazier que trabaja en mis guitarras. Son las únicas dos personas en las que confío y me siento afortunado de poder contar con ellas. Pero en East Iris, cada casita… Creo que hay veintiséis estudios a los que se pueden ir a pie. Incluso he estado en estudios a los que he llamado en el último momento y he dicho: “hey, necesito grabar un demo, ¿puedo sentarme en cualquier cabina para plasmar algunas ideas y encauzarlo?” Y cuando entro está vacío, y en vez de darme una cabina de ensayo, ¡me dan un Estudio B, una habitación enorme con una mesa de mezclas Neve! (risas) Yo chillando en mi iPhone y resulta que todo este equipo está ahí sin usarse. Por tanto, es competitivo. La música, en general. No sé cómo la industria va a ser en diez años.

Ni por asomo puedo imaginar cómo será en veinte años. La situación no mejora, en el sentido de que la gente da por hecho que la música es gratis. Pero el coste de hacerla no lo es. Y siempre pasa lo mismo. Es como en el póker: el primero en no ir, pierde. El que ofrece música gratis, en líneas generales, es el que pilla el concepto. Como U2, que regalaron un álbum. Aún está en mi iTunes. ¡Regalaron el álbum! Eso fue, en mi opinión el desencadenante para empezar a aprender un negocio nuevo y quizá encontrar una forma nueva de ganarse la vida, porque si un grupo de renombre como U2 hace eso, ¿qué oportunidades tienen otros artistas que no tienen tanto dinero como U2 de vender un producto y de seguir financiándose, de seguir adelante? La única forma de avanzar es vendiendo… La única manera de crear “Blues Of Desperation” es vendiendo “Different Shades Of Blue”, y etcétera, etcétera, etcétera… Será muy interesante ver qué valor se le dará a la música, tanto en un concierto en directo como en lo que respecta a la grabación.

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Primero enhorabuena por todos estos años en la pelea. Uno que lleva tantos años en este mundillo, que es lo que le hace seguir en la música, si como sabemos todo sigue igual o peor. racias por recordarme que llevo 20 años con Niño Robot, para mí el tiempo es atemporal, no tiene medida, el rock estaba y estará después de Niño Robot.

Lo que me hace seguir es que soy músico, sufro de esa bendita enfermedad y me da igual lo que lo rodea, eso es insignificante al lado de la magia del arte. Si no toco en festivales es por cerrojazo, para los que tienen las llaves soy una Estrella del Rock, para LH Magazin no, por ejemplo.

Este es el primer disco de Niño Robot del cual no va a haber Cd`s físicos, el disco “Tópico de Cable” se puede descargar desde vuestra web niñorobot.com así como vuestros anteriores discos. ¿Por qué hacerlo de esta forma?

Este es el 2° trabajo virtual, el anterior, Verde, se descarga para formato clásico y es lo que cambia ahora, pues en “Tópico de Cable” no hay maquetación, lo diseñas tú, ponte el giff de fondo y las canciones encima y añade si te atreves, pero hay que tener imaginación y seguir pistas. Toda la discografía, incluido “Live in Lavapies”, el que considero 4° trabajo, en imagen morouver y con lo cual “Tópico de Cable” sería el sexto, se descargan de la web porque en AlamierdAgrabaciones, mi productora, somos así de chulos, de Madrid.

El disco se ha grabado en los Estudios Coda de San Sebastián de los Reyes, don de también se encuentra vuestro local

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Vuelta a la carga de Niño Robot y es que cuando a uno le apasiona esto de la música, las súper ventas de discos, los festivales multitudinarios… como que es lo menos importante, lo importante es poder realizar tus sueños, eres un Niño Robot. Dar salida a esas cosas que te inquietan y que necesitas contar a los cuatro vientos, y que quede registrado en un disco, pisar un escenario, hacer promoción, las horas de local de ensayo con los colegas… ya son veinte años peleando. Lejos queda lo de ser estrella del rock… pero que si llegara no les iba a pillar con el pie cambiado, porque todavía Niño Robot conserva la ilusión y las ganas de trabajar y por supuesto de ver cumplir sus sueños.

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de ensayo. ¿Por qué grabar este disco en este estudio? ¿El grabar donde ensayas? Que más se puede pedir, todos los principales artitas terminan grabando en casa o con esa posibilidad, ya que tienen estudio propio, pues eso nos pasa, que tenemos estudio, con problemas de medios, pero poco a poco esto se convertirá en miel para vuestros oídos.

Se ha grabado un Ep de cinco temas entre los cuales está el clásico Niño Robot. ¿Por qué ir grabando este tema en cada disco?

Vamos a ver, eso de Ep es invento ridículo, yo siempre hablo de trabajo y me parece más consecuente con la trayectoria que lleva Niño Robot. La puta canción Niño Robot, la que no compró Marín de Sony por 40 millones de pesetas o la que Germán de Zero récords no compro con otras 7 del primer trabajo por la misma cifra, se merece una revisión, tiene Itv, no la pasa más, pero es como el amor, si evoluciona gana y si no, queda precioso dejarla en algodón, pero dulce que soy goloson.

La situación que se está viviendo actualmente tanto en el mundo de la música, como en el país influye a la hora de componer una canción.

Para componer no necesitas nada, de hecho, si vivieses en una cueva sin comunicación, no tendrías contaminaciones auditivas ni emocionales externos a ti, me fui con el perro que vivía, Halford, a Lozoya, cabaña de madera, pleno invierno, biomasa mu calentita, Ayhesa que es mi guitarra eléctrica, un ampli 2watios y un multi efecto. Primero estuve andando y paraba para anotar en la libreta, cuando volví a la cabaña había escrito “Adiós Amor” y “Encadenados” y así empezó la composición para Tópico de Cable. También hice la música de “Positividad”, la letra vino ya en la city, valga el ejemplo.

¿Por qué llamar al disco “Tópico de Cable”?

“Tópico de Cable”, un tópico de canciones dentro del rock con una portada llena de espermatozoides cables de Jack para hacer alusión a la obra Henri Miller Trópico de Cáncer, estas letras tienen su punto de sexo y miseria artística a la par, igual que en la novela y el juego de títulos es perfecto, es una vuelta al origen, tiene sentido y además hago mucho el amor últimamente, viene a colación, todo es engullido con solemnidad.

Ahora que se llenan conciertos de artistas internacionales, a unos precios altísimos, y el público no asiste a los conciertos que se programan en salas más pequeñas. ¿qué opinión tiene este hecho para bandas como la vuestra y como pensáis que se podía revertir esta situación?

Que la gente haga lo que le dé la gana, yo mismo hago igual, me gaste un pastón en Maiden este verano pasado, porque luego aparte del entradon hay que alimentar el animal rockero, ir a ver Niño Robot, ir a ver el Infratour 16-17, por eso la gira tiene el nombre que tiene, pero si venís vais a flipar, por ejemplo El Hebe el 29 de Abril de 2017 en sábado y gratis, no os preocupéis que nosotros cobramos igual, revertiros como dice Juan, revertirse hermanos, y os perdonaremos vuestro pecado más poco elegante, ser Niños Robots un día de vuestras miserables vidas, contribuir a la noble causa y aunque no respondáis a la llamada, el rock vivirá porque hay locos como yo, ¡hala!, revertiros, lo he hecho bien?

Significado de revertido por Niño Robot: Que se vuelve a tirar al vertedero. ¿Qué planes más inmediatos tenéis?

Voy a dar continuidad al apartado de la web Documentos Sonoros, entrevistas que hago yo y la que viene es la de Miguel Oñate, vamos a colgar una entrevista documental inminentemente rodada en mi casa por David Calderón de Trovador Urbano de Radio Utopia, estamos grabando el séptimo trabajo y para 2017 continuar Infratour, en Marzo performace con clínic el 17, que siempre toco el día que cumplía años mi papá, el 4 de Febrero en El Desván del Escorial, y en Abril el 7 Shamrock de San Sebastián de los Reyes y luego el 29 Abril El Hebe, ya después hacemos las maletas, Salamanca, León , Asturias etc...

“Good Times” es un disco que nos deja con la miel en los labios porque sólo contiene cuatro canciones ¿Qué significa para vosotros este trabajo y por qué se ha hecho así?

Para nosotros, “Good Times” es una declaración de intenciones en toda regla.

Nos hemos dejado el pellejo en este trabajo para conseguir reflejar todo el espíritu de la banda, y creo que hemos realizado un gran trabajo a pesar de haber incluido solamente cuatro temas. A mucha gente le ha llamado la atención este hecho pero, ahora mismo, el formato EP era la manera más accesible y rápida de presentar la nueva formación y estilo de la banda. Ya estamos trabajando en nuevos temas e incluyéndolos en directo, pero todavía no estamos preparados para meternos al estudio otra vez... Estamos cien por cien centrados en “Good Times”.

Uno de los puntos fuertes que tenéis como banda, es que siempre estáis tocando ¿ahora que no se vende música, son los nuevos discos hoy en día una excusa para no dejar de hacerlo?

En parte se podría decir que si… Las bandas siempre necesitan una motivación para llevar su música al directo. En nuestro caso, esa no es la razón principal, pero desde luego es una de ellas. La única manera de vender tu mensaje es llevándolo al directo, y más haciendo Rock & Roll. Sería increíble que la gente nos recordará simplemente por nuestras actuaciones en directo, pero éste álbum, junto con todos nuestros otros trabajos de estudio son la huella de Mr. Wilfred, y es por lo que la gente acabará recordándonos, al fin y al cabo.

En España hay pocas bandas que tengan un perfil tan internacional como la vuestra ¿Estáis sabiendo sacar partido de ello de alguna forma?

La verdad es que, seguramente gracias a ello, hemos tenido la oportunidad de telonear a bandas internacionales geniales, como Bonafide, Casablanca, Jeremy Irons & The Ratgang Malibus o Sister Sin. Siempre hemos sido una banda que se identifica más con el Rock extranjero que con el nacional, y con aspiraciones a vender nuestra música fuera de España. Desgraciadamente hasta ahora no hemos tenido la oportunidad de salir fuera y llevar este proyecto a nuestro verdadero terreno, pero tenemos planes para salir a Europa y dentro de poco nos haremos con ella. Más tarde, la dominación mundial.

Sois una banda muy joven, lo cual os da

más credibilidad. A parte de esto ¿algún beneficio extra? ¡Claro! El Rock n’ Roll es al fin y al cabo una expresión de energía y otros muchos conceptos que se relacionan directamente con la idea de juventud (libertad, rebeldía, etc.). Es una gran ventaja con la que contamos, y además, el hecho de ser tan jóvenes es algo que le da mucha frescura a nuestras composiciones y a nuestros directos. Lo bueno de esto, además, es que hemos crecido unidos como banda y como amigos, y hemos desarrollado nuestra etapa de maduración musical todos juntos. Es algo que se puede notar muy bien en la esencia de la banda.

La principal diferencia con vuestros anteriores trabajos, es que ahora Mario, anteriormente guitarrista, se hace cargo, además, de las voces. A nuestro juicio es toda una sorpresa la forma en la que canta, la cual nos recuerda mucho a artistas como Glenn Hughes ¿Pensabais que el cambio iba a saliros así de bien?

Desde luego que no. Para todos fue una sorpresa que Mario tuviera tanta calidad como vocalista. Mario ya tomaba a veces el rol de vocalista en algunos temas de los directos, pero no fue hasta que nos fuimos los cuatro juntos a Mallorca durante dos meses cuando pudimos ver sus capacidades.

Parecía que ni siquiera él sabía hasta dónde era capaz de llegar, y eso que acaba de empezar su carrera musical como cantante.

Es un camino muy largo y este es tan solo el principio. Un buen principio.

Sois un grupo que no deja al azar el tema de la imagen, siendo posiblemente, una de las bandas más potentes de la escena dentro de vuestro estilo ¿Cuándo os disteis cuenta de que esto también cuenta?

Realmente es algo que ha ido ligado a nuestra historia como consumidores de música. Año tras año hemos ido cambiando de estilo de vestir paralelamente a la música que escuchábamos, y por ende, a la música que tocábamos, hasta encontrar un ambiente en el que nos encontramos muy a gusto. Parece que ya va asentándose un poco todo en su sitio en este aspecto. La imagen de un grupo es algo muy importante, ya que es uno de los soportes básicos del mensaje de la música. Somos de la opinión de que si tu imagen no concuerda con el mensaje que quieres transmitir, tu proyecto pierde coherencia.

De los cuatro temas del EP, me quedo con

“Tender Sex Offender” ¿Hay alguna historia detrás de este título?

La misma que cuenta la letra. Pablo, el guitarrista, se fue a esquiar e inesperadamente quedó atrapado en una avalancha.

“Satellite Storm” es otro gran tema, en general ¿Dónde y cuándo los compusisteis?

Los cuatro temas fueron compuestos en Mallorca, en el verano de 2015. Fue una experiencia increíble, ya que fue la primera vez que conocimos la faceta de Mario como cantante, y que tuvimos la oportunidad de vivir fuera de nuestro ambiente de confort simplemente de la música. Satellite Storm es el primer tema que terminamos de componer y podemos decir que es claramente el comienzo de Mr. Wilfred tal como lo conocemos ahora.

“Shine On” es el primer single y la canción posiblemente más relajada del disco entre comillas. ¿Por qué os decidisteis por esta y no por otra?

Desde el principio, todos teníamos claro que Shine On debía ser single, ya que desde que la compusimos, todos sentimos algo especial. Es un tema que llega muy bien al público y que contiene un mensaje con el que la gente se siente muy identificada y apoyado por una música que emociona. A pesar de no representar el estilo de la banda tan al detalle como lo podría hacer “The Pond” o “Satellite Storm”, si que representa muy bien ella idea de la banda en sí, y nuestra concepción del Rock N’ Roll. Últimamente las barreras raciales y culturales se están volviendo a cerrar, precisamente en el momento en el que el mundo cabe en la palma de una mano. Nacionalismo no sólo en Cataluña, sino en Inglaterra, Estados Unidos… ¿El mundo está sufriendo una regresión o la música, a pesar de todo, está por encima de eso?

Las barreras ideológicas que existen hoy nos limitan muchísimo como personas humanas… ya no tanto como músicos o figuras escénicas. También existen limitaciones de la banda como “producto”, ya que el mercado musical masivo que funciona, se basa en otras características. Hablamos de la música prefabricada o música basura…

Pero el Rock que hacemos es una música muy sincera y real, y está por encima de todo eso. La música es una de las maneras más fuertes que existen de expresar algo, y es nuestra responsabilidad saber como utilizar ese poder. Muchos grupos han sido marcados por las características culturales o sociales de la época a la que pertenecían aunque, he de decir, no es algo que hayamos tenido directamente en cuenta en nuestras letras de momento. Sin embargo, sí que hemos tenido en cuenta pensamientos o ideas reflexivas que forman parte de lo que es cada ser humano.

El EP ha sido grabado por el gurú Dani Alcover, ¿Qué tiene él que no tengan otros productores?

Dani nos convenció desde el primer momento que escuchamos su trabajo. Es un mago del sonido y un gran trabajador. Desde el principio se integró genial con el espíritu de la banda, y ha sabido captar de manera increíble lo que somos.

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Sois el único grupo español en haber conseguido una nominación para los HMIMA (Hollywood Music In Media Awards), algo así como los Óscar de la música, después de los Grammy. ¿Cómo os sentisteis cuando os enterasteis de que, de alguna manera, representabais a España en este importante certamen? o nos lo podíamos creer, la verdad. Estábamos como en una nube. Luego llegaron los nervios, preparar el viaje, el estrés, etc. Pero bueno, todo ello se pasó al llegar a Hollywood y darnos cuenta de que de verdad estábamos ahí.

Según las redes sociales e información en prensa, vuestra cantante Mar Souan deslumbró a todo el mundo con una imagen absolutamente innovadora ¿Qué os aportó este elemento diferencial durante la gala?

Lo que nos aportó fue que, increíblemente, en vez de acercarnos nosotros a los demás, siendo una banda desconocida allí, la gente (músicos, productores, hasta un premio Oscar) se acercaba a nosotros. El vestido que llevaba, de Antonio Sicilia, ha estado desfilando para el Madrid Fashion Week, ¡así que con eso creo que se explica todo! Y esto gracias a la labor de nuestra estilista Sabina Rivas. Una gran suerte contar con ella, desde luego. ¿Cómo veis la escena americana en comparación con la española después de esta experiencia?, ¿es cierto que hay una distancia desproporcionada a día de hoy?

La industria de la música está pasando una gran crisis en todas partes, incluidos los Estados Unidos, pero es cierto que allí consiguen hacer que eventos como estos, centrados en música independiente, tengan una relevancia mundial. Creo que allí dejan más espacio que aquí a los nuevos músicos y se arriesgan más con ellos. La competitividad, eso sí, es mucho mayor, aunque lo cierto es que entre los músicos de estos

premios sólo notamos solidaridad y apoyo entre nosotros.

No os trajisteis el premio, pero estuvisteis cerca ¿cómo visteis el nivel de los finalistas en vuestra categoría (Rock Alternativo) y que alabaríais de los ganadores?

La verdad es que el nivel estaba alto, pero teníamos la certeza de que el premio nos lo podíamos llevar porque la canción que llevamos, aunque sea poco humilde decirlo, es una maravilla. Ships Have Sailed, los ganadores, eran autóctonos (directamente de Los Ángeles) y una muy buena banda. Es cierto que su estilo, no es nuestro preferido, pero cualquiera de los grupos nominados podríamos haber ganado. De hecho, los que más nos preocupaban eran una banda italiana, Piqued Jacks, que no aparecieron al estar de gira en Reino Unido. ¡Se ve que nos equivocábamos!

Este tipo de viajes son una gran exclusa para hacer contactos profesionales e intentar ir un poco más allá en cuanto a la influencia de vuestro proyecto ¿Cómo habéis visto la escena musical en Los Ángeles?, ¿Veis una posibilidad en ella o está tan politizada como en cualquier otro sitio?

Con tan poco tiempo no te puedes hacer una idea certera de cómo funciona la escena.

Lo que sí vimos es que en realidad la mayoría de músicos y el resto de profesionales de la música se conocían. Hacer contactos allí, como aquí, es fundamental. Las tarjetas de visita se intercambiaban sin parar. El problema es que todos, sin excepción, intentan venderte su producto, así que si nadie compra… ¡la cosa está difícil! Obviamente esto es en una gala de premios y es lógico. Tal vez los que faltaron por asistir fueron los sellos. Pero lo cierto es que la industria allí está mucho más profesionalizada que aquí.

La promoción de vuestro último disco está teniendo varios éxitos en medios de comunicación donde nunca antes ha llegado una banda de vuestro estilo, como por ejemplo en los canales televisivos Telecinco o Cuatro ¿notáis como empieza a funcionar todo el trabajo previo?

Neverend

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Es un trabajo duro y constante. Como las olas en las rocas, vamos erosionando poco a poco el terreno para hacernos un camino y sí, el trabajo tiene su recompensa. Es una suerte, desde luego, tener una exposición en canales con tanta audiencia como Telecinco o Cuatro. Veremos qué nos depara este 2017.

Hollywood, presentación del disco en La Sala Heineken, televisiones nacionales…¿Es fundamental para un grupo como Neverend estar siempre haciendo algo y dar la impresión de que todavía tiene muchas más cosas por hacer? ¡Por supuesto! No podemos parar ahora.

De hecho estamos con nuevos temas y ya preparándonos para un nuevo disco. Así que los proyectos siguen adelante y con fuerza.

Mar Souan está protagonizando varias entrevistas en YouTube con celebrities del Rock, gracias a su perfecto dominio del inglés. ¿Cualquier tipo de visibilidad es buena para dar a conocer vuestro arte?

Es un valor añadido más, desde luego.

Que nuestra cantante tenga esta exposición ante fans de grupos como Marillion o Katatonia, es un puntazo. Además son celebrities que admiramos, así que Mar está disfrutando muchísimo de estas experiencias. Se avecina una entrevista muy especial que… bueno, es un ídolo de Mar desde su adolescencia. Veremos cómo le va y ¡si aguanta la presión!

Ahora que estrenamos año ¿Cuál es el balance del 2016 y qué le pedís a este 2017?

2016 ha sido el año de ponernos las pilas y haber contado con la dirección de Top Artist Promotion. No hemos parado, como señalabas antes y lo hemos notado con los éxitos que hemos cosechado. Empezando por la publicación del disco versión Deluxe, reseñas fantásticas, entrevistas constantes en medios, aparecer en Mediaset, la sala Heineken y los premios de Hollywood. 2017 por fuerza tiene que ser aún más alucinante y desde luego estamos trabajando para que así sea. Nuestro plan es este nuevo disco del que te hablamos y muchas más cosas que iremos revelando.

The Neal Morse Band En primer lugar, felicidades por este increíble trabajo. ¿Esperabas crear algo tan gigante como esto? a verdad es que no. No esperaba esto para nada.

Nunca estoy seguro de si debo hacerlo. Lo que hago es ir paso a paso, concebir algunas ideas y presentárselas a la banda. Ellos comienzan a añadir pedazos y hablamos sobre ello. Después de trabajo y tiempo, hemos conseguido un doble disco conceptual, pero esto es algo que nunca consigue plantear de antemano. ¿Le preguntaste a tus músicos si estaban dispuestos a hacer una gran contribución personal, como ya hicieron en el disco “The Grand Experiment”?

Bueno, nos sentamos juntos a escribir, así que no les tengo que preguntar nada… ellos, sencillamente, lo saben. En esta ocasión he contribuido con más ideas de lo que lo hice en el pasado, más ideas que para “The Grand Experiment”, pero porque comencé a escribir este nuevo disco un mes antes de que nos juntáramos todos. Pero ya sabes… la relación con estos músicos es muy fluida y nunca hay escasez de ideas.

Con cada trabajo, sueles hacer algo mejorado e intenso ¿hasta dónde llegan tus capacidades creativas?

(Risas) ¡no tengo ni idea!. Recuerdo haber pensado que hice mi mejor trabajo después de “The Light”. Muchas veces después de un disco, pienso –Bien, esto es- pero de alguna manera, siempre consigo superarme. Le doy gracias a Dios, porque mientras esté dispuesto a dar y nosotros a recibir, no habrá ninguna limitación.

Y hoy en día, donde ya prácticamente no se venden discos físicos ¿Piensas que este

nuevo “The Similitude Of A Dream” es una compra obligada para los fans del género? ¡Por supuesto!, ¡debería ser una ley! (risas). Tengo la esperanza de que la gente lo disfrute, eso es lo único que puedo decir.

23 canciones que recrean tan solo 80 páginas del libro “Pilgrim´s Process”, que es el que ha inspirado esta obra. ¿Leiste el libro completo, o solo esas 80 páginas para ponerte a trabajar en las canciones?

Leí más que eso, pero debo confesar que no me lo he leído completo todavía. Lo más gracioso es que este disco tampoco cubre esas ochenta páginas, sino sólo aquellas partes que pensé que podrían funcionar mejor.

Cuando Mike Portnoy dice que este disco es el mejor que ha grabado en su carrera, esto no es algo que se pueda tomar a la ligera. ¿Qué opinas sobre los comentarios de Mike?

Pienso que Mike es una persona muy valiente. Es ese tipo de persona. Si esa es la forma en la que piensa, ¡se lo hará saber al resto del mundo!. En un momento puntual, estuvimos en apuros sobre si seguíamos adelante con todo lo que estábamos haciendo y en vez de hacer un disco sencillo, lo hacíamos doble. Estuvimos mirándonos a los ojos todo el tiempo. Eso resultó una agradable sorpresa para mí. Estoy encantado de ver como Mike ama lo que hace, de la forma que lo hace. Cada vez que trabajas en algo, tienes la esperanza de que sea una gran contribución colectiva y es fabuloso ver que esa es la manera en la que Mike hace las cosas. Es muy inteligente… conoce a la banda y conoce a la gente y cuando dice que le parece un disco tan bueno como “Tommy” o “The Wall”, es porque es un músico en armonía con su trabajo y seguro que otras personas piensan como él.

Este disco es como una especie de objetivo cumplido por parte de un grupo de músicos

que no necesitan mejorar sus increíbles carreras, llenas de increíbles discos ¿piensas de la misma forma?

Como músico no asumo el concepto de “no necesitar mejorar” ya que el proceso creativo es algo muy fluido. Lo que hemos intentado es fluir en el proceso de la música y llevar las cosas más allá… y poner la esperanza en que suceda algo milagroso a través de un proceso comprensivo… Pienso que ese es el objetivo de cualquier artista.

Una revista extranjera comentó “los fans del progresivo encontrarán en –The Similitude Of a Dream- un trabajo que fácilmente podría acompañar a los de bandas como Yes o Rush” ¿Qué piensas de estas bandas?

Soy un gran fan de Yes. De hecho, vi a Jon Anderson en su gira con Travor Rabin y Rick Wakeman. Fue maravilloso. Me considero un músico muy influenciado por Yes. De hecho, una vez puse un disco de Yes en casa y mis hijos me dijeron, “Hey Papa, ¡eso suena igual que tú!”. Para serte sincero, Rush no ha sido una gran influencia para mí. Es un grupo que escuché mucho después y al que no he seguido demasiado.

Metal Blade es un sello que se caracteriza por tener bandas extremas en su rooster. ¿Cómo has conseguido que te distribuyan, haciendo Rock Progresivo? ¡Ni idea!, ellos siempre han sido un apoyo grande para mi y siempre han estado ahí para mí. Para serte sincero, aprecio mucho la relación que tengo con ellos desde hace años. ¿Cuál va a ser tu mayor reto a la hora de llevar toda esta música al directo? ¡Oh tío, buena pregunta!, seguramente mi mayor reto va a ser cantar. Pienso que la música irá por si misma… cuando toquemos este disco en directo, tendremos video acompañándonos a las espaldas y ahí surgirá el poder de la banda.

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The Covers’ Factory

Los músicos que componen The Covers` Factory son Carlos González, Gabriel Castellano, Toni Sotos y Diego Pérez. ¿Cómo os conocisteis?

Carlos y Gabriel somos amigos y socios en la discográfica Piccolo desde hace muchos años. Los dos conocemos a Toni también desde hace mucho porque hemos tocado juntos en otros proyectos. Y con Diego también nos conocimos tocando los cuatro hace un par de años. Nos hemos hecho muy amigos y además tenemos mucha afinidad profesional, por eso decidimos llevar este proyecto a cabo.

Todos los temas se han grabado en los Estudios Piccolo, se han grabado en video y los podéis ver en su canal de youtube. ¿Es una forma de promocionar el estudio de grabación?

Hoy en día el vídeo es la parte más importante de la promoción de cualquier grupo y por supuesto eso es un escaparate para nuestro estudio. Nos gusta subir nuestro trabajo a youtube para que lo pueda disfrutar todo el mundo. Es la mejor forma de dar a conocer cualquier propuesta y, además, hemos podido comprobar que nos escucha mucha gente en el extranjero además de nuestro público aquí en Madrid. Cualquiera que esté interesado en comprobar cómo suena nuestro estudio tiene una buena muestra de nuestro trabajo con los covers, aunque, por supuesto tenemos discos más cuidados y más complejos.

Primero y que me parece muy importante es ¿por qué hacer covers y no temas originales?

Es una forma directa de llegar a la gente.

Pero tenemos que resaltar que no hacemos covers copiando los originales, cuidamos el arreglo rítmico, las líneas del bajo con el bombo, a veces enriquecemos la armonía y buscamos formas de acompañamiento en el piano y la guitarra que no sean idénticas

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al original y por supuesto transportamos el tema al tono de la cantante, cosa que muchos youtubers no hacen.

Ya sabéis que no soy para nada amante de etiquetas. En estos tres Ep`s nos encontramos temas pop, soul, funk… ¿Cómo hacéis la selección de las canciones?

Los temas que elegimos suelen ser grandes éxitos en los que vemos posibilidades de arreglo. Aunque hay muchas canciones actuales, también hemos versionado pop y rock más clásico de los 70 y 80.

Vuestro primer trabajo de larga duración fue con la vocalista Alejandra Barella ¿Por qué decidisteis que Alejandra cantara todos los temas en este disco?

La mayor parte de las colaboraciones son cantantes de diferentes intereses y niveles (incluso hay alumnas que estudian con nosotros que han venido a cantar un cover).

Entre el elenco de profesionales que han trabajado con nosotros, Alejandra Barella ha sido una persona muy importante. En el disco que hemos grabado juntos interpretamos temas con arreglos mucho más sofisticados que los otros covers, tanto en la armonía como en las improvisaciones, con un lenguaje muy cercano al jazz. Alejandra era la única persona que podría llevar a cabo un trabajo de esa dificultad y ha puesto una parte muy importante de su personalidad para versionar los temas. ¿Cómo surge la idea de que cada canción la cantara una artista?

En realidad, los cimientos del grupo somos los cuatro instrumentistas. Con la variedad de las voces podemos interpretar cualquier estilo: pop, rock, funk, disco, música latina, blues, soul e incluso jazz.

Tener varias cantantes es una herramienta muy potente. Pero claro, para los conciertos llevamos un cantante en concreto dependiendo del repertorio.

Para estos tres Ep`s nos encontramos a varios artistas como son Celia Mayo, Jimena Álvarez Gascón, Nur Elósegui, Maria Bernardo, Virgy (Virginia López), Willy Miralles, Raquel Maisha, Patricia Cañizares, Araceli Rego, Annie Doors (Ana López), Laura Moran, Jara de la Fuente, Nina

Monasterio… ¿Cómo se eligen a las voces que van acompañar el cover?

A veces les llamamos nosotros, son personas cercanas a nuestro entorno, pero en otras ocasiones son cantantes se ponen en contacto por las redes sociales o a través de nuestro estudio.

Creo que el único chico que aparece en un cover es Willy Miralles ¿Qué tiene de especial Willy Miralles?

Pues es casualidad, tenemos que incluir a más voces masculinas (risas). Con Willy hemos grabado un disco exclusivo de covers para él y nos pareció interesante que colaborara también con The Covers’ Factory. ¿Cuáles son los planes más inmediatos que tenéis?

Seguir grabando vídeos Eps, y queremos ampliar el elenco de colaboraciones con más cantantes de circuitos profesionales.

Tenemos un proyecto con Diana Gispert, cantante de aquí de Madrid que colabora con nosotros en directo haciendo covers sobre todo en la línea de disco-funk y próximamente grabaremos con ella. Por supuesto vamos a tocar mucho en directo. ¿Cómo veis el estado actual de la música en cuanto a jóvenes intérpretes?

Es muy interesante comprobar que hay mucha variedad, mejores y peores. Nosotros somos críticos con la música que no se hace por profesionales, que no cubre los requisitos mínimos para que un arreglo suene coherente o un ritmo de acompañamiento o una melodía de voz será interesante. Pero estamos seguros de que, a pesar de que este mercado es muy difícil, los artistas que cuentan con un buen soporte profesional de fondo nunca pueden defraudar a su público.

LH Magazin Directo

ANASTACIA CUARTEL DE ARILLERIA(Murcia) 1-07-2016

Simply Red+ The Piano Man 18-08-2016 Fuemgirola(Malaga) El pasado 18 de agosto lo marcaremos en nuestro particular calendario en rojo. Y es que ese día la música más elegante de los 80 volvía a nuestro país de la mano de Simply Red. Con el cantante Mick Hucknall como artífice, la mítica banda inglesa que anunció su adiós definitivo hace 6 años y tras un disco en solitario del pelirrojo cantante, ha vuelto a España. Más de 8.000 fans de la banda se daban cita en el castillo Sohail de Fuengirola. Una elección que a buen seguro no fue casual ya que la costa del sol congrega un importantísimo número de turistas ingleses, con una proporción en el concierto de aproximadamente un 90% sobre el público nacional.

El concierto comenzó con puntualidad británica. A las 10 de la noche, Paul Maxwell, “el hombre del piano “como se le conoce en la Costa del Sol, se encargó de calentar el ambiente con un repertorio de grandes canciones, versionando a artistas de la talla de Elton John, Tina Turner o Jerry Lee Lewis.

A las 11, el momento más esperado de la noche daba comienzo con los primeros compases de “holding back the years “, uno de los primeros éxitos de la banda allá por el 85. Una canción inspirada en la historia real del propio cantante, abandonado por su madre cuando tenía 3 años y criado por su padre.

A esta siguieron clásicos de su discografía como “stars”, “sunrise”, “it’s only love”, “money’s too tight the mention”, la movida “fairground” o “the right thing”. Todo un lifting musical que nos llevó a los 80 y 90 a través de un sonido limpio y compacto en el que el instrumento sobresaliente era sin duda la personalisma voz de Mick Hucknall .

Pese a la ausencia de temas como “perfect love” o “Jericho” y de la pobre iluminación y escenografía, la banda mezcló sabiamente pop, soul, blues e incluso reggae mientras Mick Hucknall se movia como pez en el agua ante un público entregado. Su voz sigue cautivando y demostrando el porqué de su éxito tras más de 30 años de carrera. Este concierto organizado por la promotora Crazy Music producciones, ha sido una de las mejores citas que hemos tenido este verano con la buena música. ……esperemos que no sea la última.

Texto: Juan Carlos Calderón (Onda 3 Radio) Fotos: Domingo J. Casas

La capital murciana “rugía” en la plaza de toros con “el tigre de Gales”, Tom Jones mientras que, al otro lado de la ciudad, en el cuartel de artillería la “felina” Anastacia desplegaba toda su fuerza vocal en un espectáculo en el que mostró la energía con la que ha vencido al cáncer hasta en dos ocasiones.

Con una puntualidad a la que no estamos acostumbrados y sin telonero, la diva norteamericana comenzaba a las 22’30 h. ante casi 3000 personas que prácticamente llenaron el patio de armas del cuartel murciano.

Haciendo guiños a la ciudad a la que nombro en varias ocasiones en un castellano aprendido de algunas de sus bailarinas y músicos latinos a quienes presentó uno a uno.

Paíd my dues abría la presentación de ULTIMATE COLLECTION TOUR 2016 en nuestro país con una puesta en escena en la que muchos echaron de menos una pantalla para ver más de cerca a la diva americana. No faltaron sus éxitos más conocidos como “left outside alone”, “I’m outta love” o “why’d you lie to me” con los que demostró porque ha vendido 30 millones de discos.

Con un par de cambios en el vestuario, enfundada en vaqueros o con chaqueta de cuero, Anastacia demostró que sigue teniendo una de las voces más potentes del rock, con permiso de la ya retirada Tina Turner.

Anastacia desplegó toda su fuerza en un espectáculo bien organizado por la empresa sevillana 16 escalones y la murciana AK Producciones que, si bien no defraudó y pese al buen sonido y la energía que esta luchadora de 47 años exhibió sobre el escenario, la hora y media que duró el espectáculo se hizo demasiado corta dejando al público con la sensación de que faltaba algo.

Ya la habíamos visto unos meses antes en Madrid pero no queríamos desaprovechar la oportunidad de ver de nuevo a este animal escénico.

Texto: Juan Carlos Calderón (Onda 3 Radio) Fotos: Kiko Asuncion (Murcia) / Miguel Berrocal (Madrid)

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LH Magazin Directo

BUNBURY MUTANDO COMO EN CASA 21 de julio de 2016. Cuartel de Artillería.

Aunque Enrique Bunbury pasa, mucho tiempo fuera de España, es imposible olvidarlo. La cantidad y variedad de música que ha compuesto o interpretado a lo largo de su carrera musical ha interesado a distintos tipos de personas, y en muchos casos ha ido madurando en paralelo a ellos. De gusto e intereses eclécticos a lo largo de su vida musical, Bunbury se ha embarcado en aventuras artísticas variopintas, curiosas e interesantes en muchas escalas de su extensa carrera musical.

Hacía años que Murcia no era parte de sus giras y las ganas de concierto del público murciano no eran pocas, por lo que el público participó desde la primera canción; claro que la primera canción fue ‘Iberia Sumergida’. Con alguna excepción, canción menos conocida y cantada por sectores más concretos del público, una tras otra eran cantadas por prácticamente todos los asistentes.

El repertorio de la noche incluyó música de toda su carrera, siendo casi una tercera parte de ‘Héroes del Silencio’ (‘Ibérica Sumergida’, ‘La Sirena Varada’, ‘El Camino del Exceso’, ‘Avalancha’, ‘Mar Adentro’, ‘Maldito Duende’ y ‘La Chispa Adecuada’) Del conjunto

de su carrera hasta 23 canciones. La gira era de impulso al ‘Libro de las mutaciones’ de MTV, pero las versiones en directo fueron mucho más contundentes que en dicho trabajo, semi enchufado.

Gran selección de canciones, pensando en un público que deseaba grandes éxitos de uno de sus artistas favoritos, potenciadas por un sonido e iluminación excepcional.

Las otras canciones de la noche: ‘El Club de lo imposible’, ‘Destrucción masiva’, ‘Dos clavos a mis alas’, ‘Porque las cosas cambian’, ‘Que tengas suertecita’, ‘Alicia (expulsada del país de las maravillas)’, ‘El extranjero’, ‘Infinito’, ‘El hombre delgado que no flaqueará jamás’, ‘Despierta’, Lady Blue’, ‘Más alto que nosotros solo el cielo’, ‘El rescate’, ‘Los habitantes’, ‘De todo el Mundo’ y con ‘Al final’. Terminó el show.

Texto: LPA Foto:Domingo J. Casas

TOM JONES, O LA VICTORIA DE GALES EN MURCIA 1 de julio de 2016. Plaza de toros.(Murcia) Alguien podría pensar que el triunfo es un hecho cuando tu nombre es una marca y no has ido a una plaza relevante, pero la realidad es que, con la oferta de conciertos, y la situación económica actual, de una ciudad como Murcia en primer lugar debes poder vender entradas y a continuación entretener al público.

Con un inicio de velada como el elegido por el León de Gales (‘Burning Hell’, ‘Run On’, ‘Hit or Miss’, ‘Mama Told Me Not to Come’, ‘Didn’t it Rain’ y ‘Sexbom’), el público que, sentado o con posibilidad de sentarse, parecía feliz. Y no se debió sólo al repertorio pues tanto la formación que acompaña Tom Jones, que sería ideal para un ‘bar de mala muerte’ en New Orleans, como la adaptación de las canciones al formato, al recinto y al público presente, hicieron de su primer concierto en la plaza de toros de Murcia, una experiencia casi deportiva... Banderas de Gales iban y venían por sillas de ¡pista’, butacas de ‘grada’ y pasillos de la plaza.

Las canciones fluían una tras otra; ‘Tomorrow Night’, ‘Rise a Ruckus’, ‘Take My Love (I Want to Give it All to You)’, ‘Delilah’, mostrado como habiendo superado los 70 la voz sigue potente y atractiva. Esa noche mientras su león cantaba en Murcia la selección de football de Gales jugaba con(tra) Bélgica y en momentos intempestivos hubo alguna intervención clamorosa de una parte de la concurrencia.

Valga la paradoja, el repertorio tan conocido (‘Soul of a Man’, E’lvis Presley Blues’, ‘Tower of Song’, ‘Green, Green Grass of Home’, ‘It’s So Unusual’, ‘You Can Leave your Hat On’...), interpretado junto a una banda en formato de ‘rancio rock sureño’ con momentos de jazz, hicieron sentir las canciones más actuales; ayudaron un muy buen sonido y un gran trabajo de iluminación que vistieron de lujo un magnífico concierto.

A las 23h menos algo luego de un mensaje al oído de Tom, éste anunció el 3 -1 a favor de Gales, la audiencia que incluía un buen número de sus coterráneos se levantó jubilosa. Aún quedaban de la lista de canciones ¡If I Only Knew’, I Wish You Would’, ‘Thuderball’, ‘Kiss’ y ‘Strage Things Happen Everyday’. Una muy buena noche para Murcia, para el León y para Gales.

Texto: LPA Foto: Domingo J. Casas

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“TALCO DE VIDRIO” MARCELLO QUINTANILHA

EDICIONES LA CÚPULA Ilustrador de prensa y autor de novela gráfica conocido también por su seudónimo Marcello Gaú, este brasileño nacido en 1971, está considerado en su Brasil natal como uno de sus grandes narradores en viñetas.

Aquí ya sorprendió con “Tungsteno”, también editada por Ediciones La Cúpula en España. Pero ahora nos deja literalmente boquiabiertos con este “Talco de vidrio”, impagable retrato de la vida de Rosángela, acomodada responsable y dueña de una consulta como dentista, quien lleva una vida confortable casada con Mario, una eminencia de la medicina que se mueve en las altas esferas de la sociedad. De mediana edad y con dos hijos, disfruta no obstante de una casa en la playa y cochazo nuevo recién estrenado. Nada le va nada mal. Pero de la ausencia de problemas surgen las mayores crisis y, a partir de que la sonrisa de una prima hermana con mucha menos suerte que ella se convierta en obsesión, asistiremos a la caída libre de Rosángela y toda su vida en una absorbente espiral en la que el autor nos mantiene inmersos hasta el final.

“MARÍA LLORÓ SOBRE LOS PIES DE JESÚS”

CHESTER BROWN. EDICIONES LA CÚPULA Autor de la debatida pero también valiente apología de la prostitución que fue “Pagando por ello”, sin duda uno de los títulos más celebrados de Chester Brown y que más ha dado que hablar en medios, el autor acude en este libro de curioso formato a la Biblia, para ampliar su minuciosa exploración del oficio más antiguo del mundo. En un curioso ejercicio de investigación y conversión a viñetas de un modo tan nítido como lo fueran las esculturas románicas y las iluminaciones medievales, es decir, con su sobrio estilo claro en blanco y negro, esta interesante novela gráfica retoma un tema en realidad mucho más profundo, interesante e importante como es la eterna lucha de la mujer contra el patriarcado establecido.

Es increíble como la interpretación de las propias Escrituras puede otorgar lectura tan lúcidas sobre temas que siguen siendo hoy tan actuales y vitales como lo fueron hace miles de años. Sorprendente, original y minuciosa novela gráfica.

“PORN STORY”

RALF KÖNIG EDICIONES LA CÚPULA Humorista se nace. De otro modo resultaría imposible explicar que, tras varias decenas de inolvidables novelas gráficas en su haber, empezando por el siempre recurrente “Condón Asesino”, Ralf König siga siendo capaz de sorprendernos y hacernos disfrutar del humor y mala leche desatados con que vuelve quien no hace mucho nos seguía sorprendiendo con “Estación Espacial Deseo”.

Galardonado con múltiples distinciones como mejor dibujante de cómics alemán e internacional en varios salones del cómic (en 2006 en el Salón Internacional del Cómic de Erlangen, Alemania; en 2010 el premio Max y Moritz a la mejor tira cómica por Prototipo y Arquetipo) y de quien Ediciones La Cúpula ha publicado todos sus títulos traducidos al castellano, Ralf König vuelve a la carga con su humor de acento siempre sexual y cotidiano con una historia que parte de una divertida premisa: ¿y si por tu cumpleaños alguien te regalase una invitación para participar en el rodaje de una peli porno en la que acabas participando? Aunque lo mejor viene después si, por casualidad, años después alguien descubre esa película... Centrado en este caso en una pareja de heterosexuales al límite en plena crisis de pareja, “Pornstory” es, una vez más, una larga serie de realidades vistas con muchísimo humor en la que, además, König se ha ayudado de la presencia gráfica del autor austríaco Mahler, otro humorista que da vida visual de un modo hilarante a las viejas películas porno de los años setenta. Original y muy divertida obra a partes iguales.

“POBRE CABRÓN” JOE MATT. EDICIONES LA CÚPULA

Otro de esos autores que descubrimos por estos lares gracias a La Cúpula, vuelve en la reedición en tapa blanda de una de sus obras principales: “Pobre cabrón”, en la que Joe Matt nos lleva de la mano a la curiosa y siempre tronchante crónica de algunos de los momentos cruciales de su vida. Aparentemente miserable y en un continuo devenir de discusiones con su pareja, adicción a la pornografía, tacañería natural y falta de tacto y consideración hacia los demás, éste es un retrato completo del que, efectivamente podría ser definido como “pobre cabrón”. Lo bueno de las exageraciones de Joe Matt consigo mismo como personaje es que, pese a todo, las situaciones que describe son cotidianas, igual que los personajes. De ahí que, gracias a lo exagerado de su comportamiento de verdadero autor de novelas gráficas, Matt haga una acertada radiografía del resto de la sociedad: la que, a diferencia de él, no es capaz de reconocer todas las miserias y defectos de los que todos estamos hechos.

“MANUAL DEL PAJILLERO”

RIAD SATTOUF. EDICIONES LA CÚPULA No malinterpretes el título, por mucho que llame tu atención desde el momento uno. La verdad es que este libro, autor del ya mundialmente autor del libro “El árabe del futuro”, es una versión y visión todavía más gamberra del humor con el que el autor y todos deberíamos enfrentarnos a la vida. En realidad se trata de la historia del pequeño Pajín, que bien podría ser la de cualquier nacido adolescente en posición de descubrir cómo, en pleno despertar a la sexualidad, no todo es tan fácil como parece ni nada sale como uno quisiera. Tomando en clave de humor las historias cotidianas del que podría ser cualquier estudiante de instituto, Sattouf nos lleva a un diálogo con el protagonista en su búsqueda infructuosa de “acostarse con mujeres” a través de sus compañeros y compañeras, su familia y todo su entorno. Un ácido retrato a gran parte de los vicios y errores de nuestra sociedad moderna de un modo que podamos aprender a reírnos de nosotros mismos a la búsqueda de nuestro lugar en el mundo.

“REMOVIDOS”

EGO&ALTER. EDICIONES LA CÚPULA Aunque son cinco los protagonistas principales de esta curiosa novela gráfica en siete capítulos bajo cuyo seudónimo se esconden Dani Avilés y Carlos Moya, la verdad es que son muchos más los que desfilan por las páginas bicolor (acertados rojo y negro) de este curioso experimento con acento español. El título hace alusión clara a cómo hoy en día todo lo que nos hace diferentes acaba uniéndonos en una sociedad en la que las distancias de clase, aficiones, orígenes e intereses conviven en una gigantesca olla a presión de experiencias y vivencias como las que viven estos personajes, individualmente y por separado, en una sesión continua de rutinas en las que Paloma, Pablo, Lola, Gonzalo y Julia apenas sí son más protagonistas que el resto de personajes, secundarios y aparecidos de índoles diversa.

Acertado estudio antropológico que pone absolutamente todas las cartas sobre la mesa para dar el verdad en viñetas, por suerte el humor o tomarse las cosas con humor existencial es el hilo conductor de una obra donde llama muchísimo la atención el misterio sobre el argumento y autores con que la editorial tapa la experiencia que sólo puedes entender leyendo el libro.

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Nos consta desde que Luis Durán se embarcó en esta aventura, pero a cada nuevo tomo de “Orlando y el juego” la evidencia le da la razón: ésta es una obra de la que seguramente se hable, y mucho, durante los próximos años. Singular epopeya de ciencia ficción donde en realidad se dan cita historias de todo tipo con un alto componente nostálgico repleto de referencias a quienes nacieron en la década de los setenta, el tercer tomo de “Orlando y el juego”, aún con más páginas que sus volúmenes predecesores, nos evade nuevamente en cada página, en cada “fractal” (recordamos que así es como el autor separa los capítulos e historias dentro de la historia), en cada nuevo relato impregnado de la esencia más pura de Luis Durán. Llegados a este tercer libro, de hecho, es inevitable pensar en la larguísima trayectoria de uno de nuestros más importantes autores, que con su gran dominio de la comunicación a través de viñetas es capaz de hacer de éstas, en muchas ocasiones, el equivalente a que la poesía se mezclase con las imágenes. Momentos como el fractal dos de este libro: “La historia de José Joaquín Sánchez Frutos”, alias ‘El Jaro’”, son en sí mini novelas gráficas con entidad totalmente propia, que otros autores hubiesen exprimido en varios libros por separado. Pero Luis Durán no. Nos ofrece todo su maravilloso universo interior ligado a un argumento mayor del que en este tercer tomo tenemos muchas y nuevas pistas acerca de esos habitantes futuros que controlan los viajes en el tiempo y la capacidad de modificar eventos para que en el más viral de los efectos mariposa posibles, grandes horrores de la historia de la humanidad conocida pudiesen quedar olvidados, nunca acontecidos. De nuevo la profundidad temática de esta obra, unida a un dibujo cada vez más suelto si cabe (el nivel de abstracción de algunos personajes hace pensar a veces en fragmentos en los que las figuras cubistas de Picasso tomasen vida y voz) y a la vez más elaborado, hacen de esta obra nuestra mayor recomendación para este y todos los meses en que “Orlando” siga vivo a través de nuevos capítulos. Sobre esto último quedareis impresionados en el último capítulo, de extras, con el tamaño, detalle y mayor complicación de lo que parece de los impresionantes dibujos de Luis Durán.

“JAMES CAMERON. EL REY DEL MUNDO”

JUAN LUIS SÁNCHEZ / LUIS MIGUEL CARMONA. DIÁBOLO EDICIONES Otro regalo ideal para las fechas que se acercan son los siempre agradecidos libros de cultura popular de Diábolo Ediciones, verdadero catálogos de maravillas de las que siempre quisiste leer y nadie te dijo nada o te resultó imposible encontrarlo todo reunido de un modo tan claro, divertido y visual. No en vano los autores de este libro son dos autores que, si algo son capaces de hacer, es de entretenerte y hacerte reír hasta hablando de cine de autor. Pero es que en este caso encima no lo es. Y es que con razón han titulado “Rey del mundo” al director sobre el que versa el libro, ya que James Cameron es sinónimo de las películas que han pasado a la historia del cine no sólo por ser las más taquilleras sino por ser verdaderos hitos en muchos sentidos: desde los efectos especiales (“Terminator 2” con el CGI y “Avatar” porque hizo que cambiasen todos los equipos 3D de todos los cines del mundo) hasta géneros enteros como la ciencia ficción: “Aliens el Regreso”, “Abyss” o la acción: “Mentiras Arriesgadas”.

Así que búscalo, hazte con él y disfruta de la historia, vida y obra de uno de los más brillantes directores de la historia del modo más entretenido posible.

“UN, DOS, TRES, RESPONDA OTRA VEZ”

MIGUEL HERRERO. DIÁBOLO EDICIONES Ejercicio de nostalgia inevitable, el nuevo libro de Miguel Herrero es también y sobre todo un rendido homenaje a un programa de televisión que marcó a varias generaciones de españoles en una época todavía recordada por muchos, en la que la televisión llegó a ser en blanco y negro y donde sólo había dos canales que ver.

A partir de ahí, las ideas y dirección de Narciso Ibáñez Serrador, hicieron de humoristas, presentadores y gadgets introducidos en el programa una cita inevitable para todas las familias españolas los viernes por la noche. Antes de la telebasura interminable, hubo sin duda un fenómeno de la pequeña pantalla al que Miguel Herrero ha sido capaz de contener en este imprescindible libro, regalo obligado para padres, madres, abuelos y abuelas. Contando de un modo ordenado la historia del programa por dentro y por fuera, con infinidad de anécdotas, datos que seguro desconocías y una cuidada selección gráfica de momentos y personajes, este es un libro que, como el propio programa del que habla, no podrás olvidar.

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“ORLANDO Y EL JUEGO 3.LOS HERALDOS DE LA LLUVIA” LUIS DURÁN. DIÁBOLO EDICIONES

“MEZOLITH”

BEN HAGGARTY / ADAM BROCKBANK DIÁBOLO EDICIONES El debut de Ben Haggarty como guionista de novelas gráficas no pudo ser más sonado y celebrado. Conocido sobre todo por ser uno de los más reconocidos y populares narradores británicos en el mundo de los cuentacuentos (hasta el punto de ser presidente del importante club Crick Crack para ello), su imaginación y originalidad le han llevado a recobrar la historia probable de una tribu en la Gran Bretaña de hace 10.000 años, cuando ni siquiera era una isla. Lo mejor de la historia de “Mezolith” es que son muchas historias, cada capítulo lo es: mezclando las rutinas de una tribu nómada de la Edad de Piedra con su maravilloso mundo de mitos e interpretaciones del mundo a través de magia, horror, encantamientos y la vida en el seno de una tribu. Si a ello unimos el maravilloso talento descriptivo a nivel gráfico de Adam Brockbank (artista conceptual de taquillazos como “X-men”, “Troya” o toda la serie de películas de Harry Potter), el resultado es una de las más absorbentes experiencias visuales y de lectura que os podemos recomendar para acabar este año con una excelente serie de cabecera.

Publicada originalmente por un gigante de la edición como Random House, “Mezolith” no sólo ha sido aclamada en medio mundo sino que obtuvo el prestigioso galardón de “Novela Gráfica del Año” en 2010 en la selección del “Times”. Una de esas experiencias que, apenas leída, volverás a leer para volver a experimentar la magia de la que han sido capaces dos autores a los que seguir la pista muy de cerca.

“FOTOGRAFIANDO A LOS MONSTRUOS”

GUILLEM MEDINA. DIÁBOLO EDICIONES Resulta sorprendente que el autor de libros básicos en la línea de cultura popular de Diábolo Ediciones, Guillem Medina, habitual de temas como los juguetes y muñecas o los cromos, se desmarque con este sorprendente libro donde da verdadera rienda suelta a otras dos de sus pasiones: la fotografía y el cine de terror, como sentido homenaje a este último sin olvidarse de ninguno de los protagonistas que nos asustaron a quienes vivimos con los monstruos clásicos de la Universal o los terrores desmedidos de la Hammer. De un modo brillante, sus excelentes fotografías y montajes a actores, modelos o sencillamente amigos dispuestos al experimento y a sesiones de maquillaje, son en primer lugar un excelente muestrario de su buen hacer al otro lado del objetivo y, en segundo lugar, excusa perfecta para recordarnos las grandes películas en las que aparecen todos esos monstruos y terrores nocturnos condensados tan excelentemente en un solo libro: vampiros, hombres lobo, brujas, demonios y todo personaje mítico del horror de las últimas décadas están aquí, deseando que abras el libro para colarse para siempre en tus pesadillas.

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“ELFOS 1”

ISTIN / DUARTE / JARRY / MACONI. YERMO EDICIONES Llegadas estas fechas, no hay mejor época del año para empezar a pensar en regalos navideños para los demás o uno mismo, de modo que os recomendamos en batería varios integrales editados con el habitual esmero y cuidado de Yermo Ediciones para que lo tengáis en cuenta a la hora de seleccionar lectura o el mejor regalo. Empezamos por la saga de “Elfos”, exitosa y sólida donde las haya, ya que a la siempre aceptada y querida temática de los Elfos, seres que ocupan lugar de honor en cualquier biblioteca fantástica que se precie, a este serie, de la que Yermo ha editado ya tres tomos, la avala el éxito en la vecina Francia, en la que ya se han editado más de diez títulos de esta monumental obra conjunta en la que Istin y Jarry se encargan de los coherentes guiones y Duarte y Maconi del elaboradísimo dibujo. Como en los otros dos tomos ya editados, en este primero se contienen dos historias completas: “El cristal de los elfos azules” y “El honor de los elfos silvanos”. No dejes de visitar un universo fantástico donde todo es posible. El entretenimiento está asegurado.

“ICH” ARIEL OLIVETTI / LUCIANO SARACINO. YERMO EDICIONES “Ich” es un logro a destacar de Yermo Ediciones ya que, junto a amplia lista de libros y autores europeos y norteamericanos ya publicados, añade a dos notables autores argentinos a su lista de libros imprescindibles y verdaderos descubrimientos del mes: situada la historia en la Sudamérica colombina, en la época de conquista y colonización española de la Amazonia peruana, el talento de Luciano Saracino (“King Cop”) y Ariel Olivetti (“Punisher War Journal”, “El Increíble Hulk”, “Cable, “Veneno.

Caballero Estelar”) nos presentan a Ich, un joven indígena dotado del poder de utilizar unas poderosas máscaras que le permiten convertirse en distintos monstruos a fin de sembrar el terror entre los españoles y proteger a sus compatriotas. Con la idea de crear un cómic de superhéroes con acento latinoamericano, la verdad es que el éxito de “Ich” se extiende ya a Argentina, Brasil e incluso Estados Unidos a través de IDW. Con proyecto de animación de la serie en ciernes y una exitosa línea de merchandising de la serie, lo cierto es que el espectacular dibujo de Olivetti y la historia de Saracino dejan con la boca abierta. Incluye además numerosos extras.

“REY OSO”

“METABARÓN, VOLUMEN 1”

ALEJANDRO JODOROWSKY / JERRY FRISSSEN / VALENTIN SECHER YERMO EDICIONES Imposible no recordar la obra de Alejandro Jodorowsky y Juan Giménez, “La Casta de los Metabarones”. De ahí que sea tan buena noticia que, para su continuación, la editorial madre francesa seleccionase a verdaderos expertos para dar continuidad a semejante saga con la mayor calidad posible: Valentin Sécher, el dibujante de otro título editado por Yermo como “Khaal. Crónicas de un emperador galáctico”, se encarga de dibujar los dos primeros tomos, ambos editados ya por Yermo Ediciones. A su lado, el veterano Jerry Frissen guioniza el argumento escrito por Jodorowsky, de modo que resulta fácil, para quien no conoce la serie original, sumergirse sin más en la lucha interminable del Metabarón con los herederos del Imperio; mientras que quienes disfrutamos de la serie original en todo su esplendor tenemos la oportunidad de seguir a uno de los personajes más míticos del cómic de ciencia ficción, al que Jodorowski no dudo de incluir también en esa otra saga insuperable que sigue siendo “El Incal”.

“¿DE DÓNDE VENGO?”

CRISTINA PASCUAL / AITOR ERAÑA. DIÁBOLIN Diábolo Ediciones, a quienes dedicamos hace un par de números un especial por su Décimo Aniversario como editorial, han cumplido y a su respetable línea de cómics para todas las edades y su línea de libros de cultura popular añaden una nueva rama a su sólida idea como editorial.

Lo hacen además con nombre propio: “Diabolín”. Y se trata de una línea donde al fin los libros infantiles tienen lugar destacado. Para estrenarse de un modo distinto al habitual, lo hacen con un titulo de producción propia, dedicado a todos los niños y niñas que son curiosos y hacen preguntas a sus padres en el natural aprendizaje de sus cuerpos. Con un tono muy dulce, sano y docente, los magníficos dibujos de Aitor Eraña convierten este cuentito en un educativo ejercicio de buenos deseos.

“¡QUÉ PERRO MÁS RARO!”

FABIEN ÖKTO LAMBERT. DIABOLÍN El joven autor Fabien Ökto Lambert es un destacado ilustrador y autor de temática infantil con una notable carrera a sus espaldas y un estilo muy original y definido. Con unas ilustraciones dirigidas a la sencillez natural de los niños, el autor intenta además alcanzar con sus historias y enseñanzas la sensibilidad de los adultos. Gracias a Diabolín tenemos la oportunidad ahora de descubrir la historia de uno de sus personajes más populares: Barney, el nuevo “perro” del señor Roger, un coleccionista de perros raros, de todos los tamaños y de todos los tipos. Paseando con él por su pueblecito, todo el pueblo menos el Señor Roger se da cuenta rápidamente de que Barney no es, desde luego, un perro como los demás.

Una lectura ideal para los más pequeños o para que sus padres la compartan con ellos a través de sus divertidas ilustraciones.

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MOBIDIC YERMO EDICIONES Bajo la llamativa apariencia de una portada que bien podría servir de caratula a una película de Disney, se esconde una de esas obras que nos gustaría destacar y recomendaros en especial por la gran y grata sorpresa de descubrir a un nuevo talento de la talla de Mobidic, seudónimo bajo el que se esconde un prometedor talento francés que se mudó a Bruselas alcanzada la mayoría de edad, ciudad en la que reside todavía hoy en día y en la que estudió cine de animación y cómic. Encantado de dibujarse con cabeza de caracol, Mobidic nos ofrece en “Rey Oso” su primera obra en el mundo de las viñetas. Y su presentación no ha podido ser más digna. Como os decía, bajo el aparentemente trazo grueso de tono inocente con que se abre “Rey Oso”, el autor nos sumerge en un relato mucho más crudo de lo que pudiésemos imagina: Xipil, la hija del jefe de la tribu, es ofrecida en sacrificio por su propio padre para calmar a la diosa Caimán quien, en un mundo donde los dioses viven encarnados en animales dotados de inteligencia. Sin embargo a otro de los reyes de este mundo-bosque, el Rey Oso, no le parece una buena solución, así que decide liberar a la chica y llevarla con él.

Las consecuencias, tanto de cara a la diosa reptil como para la joven, quien debe dejar atrás el mundo de los humanos al que una vez perteneció, recuerda grandes momentos temáticos del mundo imaginado como la conciencia ecológica del Miyazaki de “La Princesa Mononoke”, con un toque europeo único a través de irrepetibles dibujos y una historia verdaderamente sólida.

Quien es? OSCAR ROTADO ¿Quién eres, cómo te llamas y a qué te dedicas?

Soy un chico despistado que vive su canción con ganas de quemar el mundo, Me llamo Oscar Blasco me dedico a la música, principalmente con mi grupo The Rotados, y a la pintura.. ¿Cuánto tiempo llevas metido en el mundo de la música ?

Mi mundo es la música, nunca he salido fuera de él. Desde los catorce años comencé a tocar con una guitarra clásica mugrienta que había por casa de mis padres. Al principio como siempre, con bandas de rock precarias. Cuando tienes catorce años, es curioso cómo te las ingenias cuando no tienes transporte, el modo para ir a ensayar. Tuve un par de bandas antes de The Rotados, con las que empezamos hacer cosas y tocar en salas, con la llegada del 2010, coincidiendo con mi vuelta de mi estancia en Alemania, fue cuando estandaricé mi trabajo de músico al cien por cien. ¿En cuántos discos hay dibujos o colaboraciones musicales tuyos?

Sinceramente fue en Parabrisas cuando decidí unir las dos disciplinas artísticas, anteriormente sí que escribí sobre pinturas de pintores que me impactaron. En el primer disco no quise tener nada que ver con el diseño gráfico ni con las imágenes de dentro del libreto. Pero parabrisas fue tan profundo y catártico, que quise retratar esa esquizofrenia y ansiedad del proceso creativo, mediante una pintura abstracta que quedara inmortalizada como portada de un disco.

Ahora con las primeras demos del tercer disco, me planteo hasta hacer un disco libro con ilustraciones y cuadros. ¿Te gustaría saber tocar algún otro instrumento musical además de la guitarra?

Toco la guitarra y el teclado, y tengo un súper fetiche con el fagot. Por cierto, ando buscando una esposa que toque el fagot, para deleitarme viéndola tocar desnuda.

Pero bueno eso es otro tema. Ahora mismo estoy pensado en adquirir un acordeón y vivir en Roma tocando en sus calles. ¿En qué andas metido últimamente?

Estoy cuadrando exposiciones y registrando el tercer disco de The Rotados, todos los días grabo arreglos y canciones, en mi ordenador tengo una carpeta que se llama TO REC, que parece una bomba a punto de estallar. Registro cada melodía, idea, canción o macarrada que se me ocurra. Pienso que el tercer disco tiene cosas muy interesantes que decir y no puedo perder detalle, ni que nada quede al aire o la improvisación. como dijo un antiguo dictador, el trabajo nos hará libres. y últimamente estoy metido en un trabajo de composición. ¿Qué tipo de música te gusta?

Sería más fácil contestar, la que no me gusta. Soy ultra fan de los Beatles y los Stones, en casa suelo escuchar blues sin parar, y tocarlo es lo que más me emociona

y me hace sudar. Como músico no pasé por el proceso del heavy, odio a Metallica, pero soy amante de Saxon. Últimamente me ha dado por Supertramp, Don Williams, Randy Newman... Tuve una época muy jodida de escuchar a Leonard Cohen y Tom Waits, no sabía muy bien hacia donde iba, pero me atraparon mucho. Ian Dury. Bueno voy a parar, supongo que puedo concretar como que soy un rockero que ama el Blues. ¿A quién te gustaría pintar, pero posando para ti?

Sin duda a John Lennon, sería una sesión de pintura que no me gustaría que acabara nunca. Me hubiera gustado hablar mil cosas con él. Fuera de esta idea Platónica y si de un posado desnudo se tratase, pintaría a Ana Simón, (risas) lo siento, las cosas son así. ¿No te cansas de la vida del artista siempre viajando, conciertos y viviendo al día, etc.?

Me encanta esta vida, de hecho, cuando hago vida de peatón buscando sentimientos, me aburro bastante. Decidí este camino cuando tenía 18 años, viví en varias ciudades de España, y finalmente acabé viviendo una temporada en Weimar, hospedando a dos portales de la casa de Goethe. Detesto mucho la gente que se queja de las adversidades y a los artistas de salón, ¡el rock es de la calle y para el pueblo! Es cierto que económicamente es complicado sobrevivir en esta industria. ¿Cómo ves internet para difundir tus ideas, tu música y tu obra gráfica?

Es una buena plataforma para difundir la obra y mantener a la gente informada, por otro lado, se ha generado mucho ruido de bandas emergentes y de artistas en general.

Hoy en día todo músico puede acceder a modificar realmente lo que sabe tocar con cualquier software, comprarse una Canon

y grabar un video clip con estética de los setenta imitando a Keith Richards y Rod Stewart, para mí eso se aleja mucho del sentido del rock. Hago una distinción de bandas dentro de las redes que son las de foto y realmente las bandas que saben tocar, que quizá son las que menos contenido cuelgan. Por otro lado, internet nos ha añadido el trabajo de ser comunity managers a los miembros de las bandas. A parte de hacer canciones nos tenemos que dedicar a tener las redes al día. Por último, hay que decir que nos lo han puesto muy difícil a los cantantes de rock para escribir letras, cuando existen aplicaciones dedicadas a buscar gente para follar. ¿Tan mal va la industria musical? ¿Hacia dónde nos dirigimos?

No sé realmente hacia donde nos dirigimos, hay muchos factores que intervienen en el mundo de la música. Pienso que los músicos españoles deberíamos tener más las miras fuera de este país, debería de ser un sector más sostenible y menos capitalizado.

El problema no es ni de los músicos ni de las canciones, hay una sociedad muy a expensas de lo que los medios de comunicación ofrecen, y todos sabemos que esas promos son contratadas. Somos el país con el mayor número de músicos malos saliendo por los medios, solo hay que ver un programa de cachitos de hierro y plomo. Pienso que con las crisis económicas la contracultura se alza, ya no es época de la Rosa de España y O.T. Ahora estamos en una fase de vuelta a los solos sudorientos y el hip hop escrito debajo de un puente. ¿Cómo te ves dentro de 25 años? ¡Paseando por un Malecón, sin que existan los palos selfies! Pues supongo que tendré cincuenta y algo. Me veo encima de un escenario con la misma energía, pero con un poco más de canas. ¿Qué recuerdas de la movida madrileña y qué crees que supuso para el mundo de la música?

La vivieron mis hermanos, yo tengo el recuerdo de las broncas que tenían con mis padres por ir a conciertos de los Burros y Loquillo. En mi casa entraron discos de todo tipo, recuerdo que mi hermana ponía todo el día el `Física y Química` de Sabina. Acabamos escondiéndoselo. Yo viví la época del Grunge, mientas mis amigos escuchaban a Pearl Jam, yo entraba en la habitación de mi hermano para robarle los discos de Radio futura. Es una época que me encanta, aunque la viví en diferido, me ha influido totalmente en mi manera de hacer música. Tengo la misma teoría que Salvador Domínguez, que es que si hubieran dejado evolucionar a la primera movida más progresiva, España sería un país con un patrón de música envidiable, pero creo que Tierno Galván dejó colocarse demasiado a los madrileños y muchos productos de después no pasaban el corte de calidad. Como contracultura pienso que fue maravillosa y en todas las disciplinas; cómic, arte, teatro, cine, tv y la fotografía, Me encantaría que la masa demandase algo así ahora. Viva el rollo!!!!!

MARTA MAILEN

Es por todos sabido que el mundo de la música es, actualmente, un camino de largo recorrido. Precisamente el que la jovencísima Marta Mailén ha decidido emprender con su primer trabajo discográfico, un EP titulado “Baila”. Un título más que acertado porque las canciones que lo componen son toda una invitación a la alegría, la fiesta, el baile y el optimismo y en el cual, los ritmos latinos se fusionan con el pop, el dance, la electrónica y se aderezan con una producción muy cuidada.

Empecemos por el principio, ¿Qué es lo que hizo interesarte por el mundo de la música profesional?

Desde que tengo uso de razón, la música siempre me ha parecido un mundo muy interesante e intenso, lleno de sentimientos, de emociones y de sensaciones que ni yo misma puedo explicar.

Eres cantante, modelo y actriz… Con tan sólo veintiún años, podríamos decir que has sido una artista precoz y tremendamente multidisciplinar. ¿Cómo haces para compaginar todas estas facetas profesionales?

Todo está conectado, haciendo una cosa, sin querer acabas haciendo otra, y poco a poco han ido saliendo oportunidades por sí solas, que me han ido vinculado a estas otras disciplinas artísticas. Me gusta probar cosas nuevas y me encanta aprender, creo que con organización, ilusión, y disciplina se puede hacer todo lo que uno se proponga.

Entre tus artistas referentes, se encuentran Mónica Naranjo, Jennifer López, Rihanna o Adele. ¿Qué debe tener para ti un artista, para que se cuele entre tus escuchas favoritas?

Desde mi punto de vista, un artista es todo aquél que lo que hace, lo hace con sentimiento, que lo que siente, se lo sabe transmitir a los demás. Hay artistas en la calle, en el metro, hay miles de artistas por todo el mundo, y todos ellos, son quienes hacen bello el arte. Para mí, Monica Naranjo, JLO, Adele... son artistas de gran nivel, saben transmitir a la perfección, y tienen una técnica difícil de alcanzar, son artistas muy trabajadoras de quienes intento aprender a cada momento.

En este trabajo, has contado con la producción de Javier Balmoral, profesional conocido por ser el guitarrista del grupo madrileño Bon Vivant, banda de rock melódico que está consiguiendo un éxito importante dentro de este género musical. ¿Qué valores diferenciales fuiste buscando en él?

A menudo, no busco nada y encuentro todo. En mi camino, me voy topando con gente tan maravillosa y profesional como Javier Balmoral. Javi me ha enseñado las pautas fundamentales para componer una canción, para rimar y pronunciar cada sílaba, a meterte en un estudio por primera vez y conseguir que todo esto parezca algo natural. No es nada fácil producir un disco con la gran competitividad de artistas y lanzamientos que hay hoy en día, pero Javi “lo hace todo fácil” te hace sentir segura, y hace que confíes en ti misma y en tu música.

El disco fue registrado en los estudios Ritmo y Compás, con Angel “Maga” como encargado de las labores de grabación, además de haber sido parte activa en la composición de tu exitoso single “Oh La Lá”. ¿Cómo ha sido la experiencia de grabar en este estudio y como resultó trabajar con él?

Maga es un encanto de persona. Trabajar con él no supuso ningún tipo de presión, que para una primeriza en un estudio de grabación como yo, fue algo fundamental.

Ha sido un apoyo esencial para completar éste trabajo. Si algo no salía, él sabía manejar la situación y era capaz de darme la seguridad necesaria como para entrar en la pecera y hacer que la magia fluyese.

Hubo momentos de mucha exigencia vocal y mental porque hay canciones en el disco que me han exprimido a tope, pero el buen ambiente del estudio, hizo que todo fuese sobre ruedas.

A nivel de composición ¿cómo ha sido el método de trabajo y cuánto tiempo te tomó hacer estas canciones?

Como ya he dicho antes, Javier Balmoral ha sido mi mano derecha a la hora de crear

estas canciones, e igual que él, también he contado con la inestimable ayuda de Charly López, que con su trabajo de vocal coach y sus enseñanzas, paciencia y sugerencias a la hora de enfrentarme a las canciones, ha permitido sacar lo mejor de mí misma. Componer el disco y grabarlo nos ha llevado cerca de seis meses.

Tu primer single “Oh La La” está siendo apoyado de forma masiva por la conocida productora televisiva Mediaset, llegándose a presentar en varios programas tanto de Telecinco, como de Cuatro. ¿Cómo ha sido toda esta experiencia y cuál está siendo el impacto sobre tu desarrollo profesional?

Ha sido y de hecho sigue siendo una gran experiencia poder compartir mi música en plataformas de este calibre, ya que Mediaset no ha sido la única. Hace unos días, me ha comunicado mi manager que esta productora usará mi single “Oh La Lá” para sonorizar el programa “Mujeres y hombres y viceversa” de la cadena Telecinco. Para mí es un gran honor y un orgullo poder estar ahí. El impacto ha sido brutal, sobre todo a nivel de redes sociales, las visitas en mi canal de YouTube se han disparado, los mensajes por Facebook, Twitter, Instagram y las ventas del disco han aumentado muchísimo gracias a este tipo de difusión, sobre todo el poder presentar mi single en el programa “Sálvame”. No me podía creer la cantidad de personas que, al día siguiente, me pararon por la calle para darme la enhorabuena. ¿Por qué elegiste esta canción como primer single?

Creo que es una canción con muy buen rollo, musicalmente muy pegadiza y sinceramente, aunque me costó mucho decidirme por ella, el tiempo me ha confirmado que acerté con la elección. Es un tema muy alegre, con una intención muy honesta y terapéutica que busca animar a todo aquel que haya tenido un día duro, gracias a su estribillo simple, pero resultón. En apenas dos meses, conseguimos cerca de 50.000 reproducciones en YouTube.

Actualmente estáis trabajando en el vídeo clip del que será tu segundo single. ¿Ya sabes cuál va a ser?, ¿Qué nos puedes contar sobre él? ¡TOP SECRET! Aún no puedo decir nada ni adelantar mucho, el videoclip es muy divertido y diferente a “Oh La La”. Se grabará en Febrero de este año y queremos tenerlo listo para finales de ese mismo mes, ya que ahora mismo tengo a mucha gente a mi alrededor con ganas de nuevo material audio visual. ¡Espero que os guste!

Las generaciones más jóvenes escuchan la música en youtube, con lo que planificar un buen desarrollo visual es imprescindible hoy en día para poder llegar a ellos. ¿Tienes pensado sacar más videos de este disco, o al menos otro tipo de contenidos multimedia?

Por supuesto. Lo que más me gusta de mi trabajo es ser conocedora de las tendencias del momento y más de la escena de público a la que me dirijo. Adaptarme a ellas, sacando cosas nuevas, experimentando, probando y aprendiendo, es algo prioritario para mi. La idea es hacer un video clip por cada canción del EP y que este propósito sea un objetivo a cumplir antes del verano de este 2017.

En el tema “Hoy Voy A Salir” cuentas con la colaboración del rapero Alex Pebe. ¿Cómo surge esta idea y qué buscabas con su participación?

Queríamos incluir algo diferente, profundizar en esa fusión de pop latino, pero con algo de rap. Surgió de la visión del productor Javier Balmoral y de mi Mánager Lorenzo Sanz. Me lo comentaron y pude visualizarlo con facilidad. Alex es un rapero muy profesional, “Hoy Voy A Salir” es de los temas que más gustan de este EP y uno de los más comentados por los fans. Es muy fresco, pegadizo y sirve para empatizar con nuevas tendencias musicales y nuevas generaciones.

Las marcadas influencias latinas del disco, tienen su máxima expresión en “Pasión”, una canción en la que se fusionan estas influencias con otras de acento más arabesco. ¿Te gusta escuchar música que no tenga nada que ver con lo que tu haces?, ¿hasta qué punto esto te influencia?

Yo amo la música en todos sus estilos y en mi opinión, cualquiera de ellos puede resultar una influencia. Me gusta escuchar cualquier cosa y encontrarme con la emoción que transmite. Escucho pop, rock, flamenco, ópera, folk, rap, world music... Estoy enamorada de la música y me siento orgullosa de ello. Nunca hay que cerrarse a nuevas experiencias y “Pasión” refleja nuestra particular visión de fusión árabe, flamenca y latina, dentro del Pop comercial. A veces, las grandes creaciones van de la mano de fusiones, el arte se crea y evoluciona y un artista debe tener eso siempre en cuenta.

Estas trabajando con la agencia Top Artist Promotion en una colaboración muy estrecha. ¿Qué está aportando esto a tu carrera musical?

Top Artist Promotion llegó a mi vida cuando más lo necesitaba. Cuando estaba perdida sin saber hacia dónde tirar, qué hacer, conocí a Lorenzo Sanz, el “director” de mi carrera musical.

Sin él y sin la agencia, no crecería como crezco y a la velocidad a la que lo hago. Es un placer trabajar con ellos, recorrer un camino con una perspectiva bien argumentada y una estrategia bien definida.

Esto es algo fundamental para cualquier artista y ellos facilitan que todo sea así. Con esta agencia he conseguido viajar sin parar y alimentarme del arte y del conocimiento de grandes personas del negocio que son esenciales para la progresión de mi proyecto.

Presentaste tu candidatura al Festival de Eurovisión, aunque en esta ocasión y a pesar de la comercialidad y frescura de tu canción, no fuiste seleccionada entre los treinta finalistas. ¿Piensas volver a presentarte en próximas ediciones?, ¿Qué piensas de este festival?

Eurovisión es el gran festival mundial de la música, y no por caer una vez debes dejar de levantarte y seguir intentándolo. Por supuesto que, si existe una nueva convocatoria, seguiré presentando mi candidatura. Actualmente y aunque soy bastante práctica, objetiva y realista, me retroalimento de la búsqueda de mi sueño profesional y eso incluye no renunciar a nada y menos porque no salga a la primera. Representar a mi país en un certamen así, es todo un orgullo, un sueño y una gran responsabilidad. ¿Cuándo tienes pensado presentar este disco en directo y qué podemos esperar de un concierto de Marta Mailén?

Este disco será presentado el 24 de Marzo en THE IRIS THEATRE (Salamanca) a las 20.30h. En breve cerraremos fecha en Madrid, donde haremos algo exclusivo en colaboración con la agencia de modelos Promodelia y después en otras ciudades españolas. De un concierto de Marta Mailén se pueden esperar muchas cosas, muchas sorpresas, mucha diversión, mucho baile. Mi intención al subirme a un escenario, es que sintáis lo que yo siento, que logréis evadiros de todo aquello que os perjudique en la vida. Hay que disfrutar el momento en el que vives. Cuando veo que alguien sonríe entre el público, me siento muy orgullosa de mi misma, porque esa sonrisa es el propósito que busco con mi música. ¿Qué le pides a este recién estrenado 2017?

Pido mucha salud, éxito, trabajo, y lo más importante, pido no dejar de crecer nunca y seguir rodeada de tan buena gente, de mi familia, mis amigos, y mis mascotas, porque todos ellos, entre todos, son quienes hacen a Marta Mailén, ¡muchas gracias!

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Más de tres años han pasado desde que publicarais vuestro primer disco “Nada que perder”. Ahora parece que hay que sacar un disco por año si no estás olvidado. Ha habido tiempo para componer y madurar las canciones. Haciendo una comparativa con vuestro anterior trabajo hay dos cosas que me llaman la atención. La primera creo que se han compuesto canciones más redondas. ¿Ha sido por ese tiempo de espera entre disco y disco, ha sido fruto de la experiencia de todos estos años o quizás que se ha trabajado de una forma distinta la composición de estas nuevas canciones?

Cuando comencé a escribir las canciones de “El Último Viajero” tenía muy claro que no quería canciones que no me llenaran al cien por cien, no quería canciones de relleno ni letras que estuvieran metidas a calzador.

Quería un disco con canciones sinceras, honestas.

Hay que decir que cuando escribí este disco, no estaba pasando una buena época. Dicen que los músicos escriben sus mejores canciones en sus peores momentos. Siempre digo que escribir este disco ha sido mi mejor terapia, donde una guitarra y un papel en blanco han servido para soltar todo lo que llevaba dentro. Hay canciones tan personales y profundas, que he tenido que parar en varias ocasiones porque era incapaz de cantarlas sin romper a llorar.

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La segunda es el gran sonido que se ha conseguido en “El último viajero”. Se ha grabado en uno de los mejores estudios de Europa, los Estudios PKO y ha contado con la producción de Emilio Mercader (Miguel Bosé, Leiva, Malú, Ana Torroja, Russian Red…). ¿Qué buscabais con el cambio de estudio y productor para este nuevo trabajo?

El estudio realmente fue una consecuencia de trabajar con Emilio Mercader. Necesitábamos un estudio grande para grabar las bases de las canciones cinco personas al tiempo, y PKO para eso es una pasada.

Sobre Emilio Mercader, fue un amor a primera vista. Desde la primera reunión con él, tuvimos claro que debía ser quien tomara el control de la producción. Nuestras ideas fluían en el mismo sentido y personalmente conectamos desde el primer minuto. No nos imaginamos este disco sin él. Hizo un trabajo increíble y estoy seguro de que seguiremos de la mano durante mucho tiempo.

En vuestro primer disco contasteis con algunas colaboraciones. ¿Por qué en este disco no?

Hoy en día, parece que todos los discos tienen que llevar alguna colaboración, sobre todo porque es una estrategia de las grandes discográficas para llegar a más público.

“Nada que perder” estaba lleno de colaboraciones, pero para nuestro segundo trabajo

queríamos defender las canciones nosotros solos, sin ir con alguien de la mano. Aunque no descartamos que en un futuro trabajo, incluyamos alguna colaboración, me encanta escuchar mis canciones interpretadas por otros artistas, se convierten en canciones totalmente distintas.

“El Último Viajero” además de ser el título del disco, es el nombre de una canción de este disco. ¿Por qué elegir este tema para dar título al disco?

“El Último Viajero” es un personaje que cuenta once historias, las once canciones que componen el disco. Todas las canciones están conectadas de una u otra manera, todas viajan en la misma maleta.

Sorprende lo cuidado que esta el diseño del disco, las fotos, el formato en el que lo habéis publicado… Es por todos sabidos que la cultura precisamente en este país es nula o casi inexistente. ¿Entonces porque forzarse en hacer un trabajo con tanta calidad y tan cuidado como es “El ultimo viajero”?

Creemos en la cultura de este país, aún queda mucha gente que valora cada detalle de tu trabajo. Por desgracia el formato físico de la música se está perdiendo. Alguien me dijo alguna vez que, para muchas personas tu canción, esa en la que te has dejado la piel, no es más que tres megas en su disco duro. Pero por otro lado hay un sector bastante importante que reclama la música como la hemos conocido toda la vida. No hay más que ver el resurgir de los vinilos. ¿Qué escucháis más a grupos clásicos u os gusta descubrir nuevas bandas?

Escuchamos grupos clásicos, por supuesto pero siempre estamos descubriendo cosas nuevas. Hay unos artistas emergentes increíbles. Internet es una plataforma increíble para conocer artistas nuevos, pero son tantos que es imposible llegar a todos.

Seguro que nos perdemos algún nuevo Dylan, Ray Charles, U2…

En radios, prensa, redes sociales se habla mucho de los 80`s, existen cientos de bandas que hacen tributo de esa década... Yo pienso que ahora es un buen momento, que hay grandes bandas con un sonido espectacular, muy buenas canciones… sólo hay que buscar y darlas una oportunidad ¿Es esto un problema para bandas como la vuestra y como veis vosotros el panorama actual?

Sobre las bandas tributo, al principio me parecían curiosas, pero ahora se han esparcido como la pólvora y ahora mismo se han convertido en una manera de hacer dinero a costa del esfuerzo y la creatividad de los artistas originales. Estas bandas se han colado en los circuitos de música en vivo dejando, en muchas ocasiones, fuera de juego a bandas y artistas emergentes que intentan hacer llegar su música en directo.

Hay unas bandas y artistas increíbles ahora mismo, estamos en un momento musical enorme y hay que dejar que fluya. ¿Qué planes inmediatos tenéis para este 2017?

De momento seguir con la gira de “El Último Viajero” quedan muchas ciudades donde tocar. Y por otro lado ya estamos empezando a componer para un futuro trabajo.

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El grupo se formó en el 2003 y recientemente habéis publicado vuestro tercer disco “Calma”. ¿Cómo ha sido el camino desde esos comienzos hasta estos días?

Ha sido bastante intenso. Empezamos tocando versiones de nuestros artistas favoritos y ahora hemos acabado encontrando nuestra propia identidad y buscado nuestro propio sonido. Está siendo un viaje en el que no ha faltado el sudor y mucha carretera.

Llamar a este nuevo trabajo “Calma” tiene que ver con que se ha abusado menos de distorsión, canciones más pausadas… ¿Que buscabais en este nuevo disco?

El nombre viene de un intento de ser más contundentes; utilizando un tempo más pausado y letras profundas, que intentan conectar a otro nivel con la gente que nos escucha. Y la que nos puede llegar a escuchar. Buscábamos encontrarnos a nosotros mismos a nivel musical.

He leído que sois una banda de directo.

Recientemente hay muchos grupos que están optando por grabar todos juntos en el estudio de grabación. ¿Cómo habéis grabado “Calma” y os gustaría probar esta opción?

Grabar de manera simultánea es muy interesante. Se conservan matices y complicidades del directo. Nosotros hemos optado por hacerlo por pistas y separados.

Probamos cosas, y así van apareciendo ideas y conceptos nuevos. ¡Es todo un proceso creativo!

Nos ha gustado muchísimo el sonido del disco. ¿Dónde se ha grabado y quien se ha encargado de la producción?

Hemos grabado en el estudio del productor Iker Arranz. Un gran profesional que nos entiende a la perfección y sabe sacar todo el jugo a nuestras canciones.

Entablamos amistad a raíz del anterior disco, y confiamos mucho en su talento.

Es un disco de muchos matices, muchos más que en vuestros anteriores discos ¿Ha sido distinta la forma de componer este disco?

En la forma de componer no, pero nos hemos dejado llevar. No queremos cerrarnos, sino hacer simplemente lo que nos llena y nos sale. Crear sin ataduras.

“Calma” lo presentasteis en la sala Arena y casi lo llenasteis, junto a los grupos Killing Pete y Neverend. Dos bandas alejadas un poco de vuestro estilo. ¿Qué pensáis de festivales, medios de comunicación…, que solo hablan de un determinado género? ¿Creéis que hay un público para el cual las etiquetas no importan?

Es una buena pregunta. Sí, sin duda; y creemos que es lo que tiene que pasar: que la gente se olvide de los géneros y etiquetas, y que simplemente disfrute al escuchar buena música. Nosotros mismo escuchamos temas muy diversos y aprendemos de todos ellos. A pesar de que esos grupos sean muy distintos en estilo a nosotros, disfrutamos mucho con ellos.

Desde LH Magazin Music siempre mandamos el mensaje que ahora se está haciendo

una musica espectacular, que hay muy buenas bandas, buenas canciones, que estamos viviendo uno de los mejores momentos en la música, lo que pasa es que hay que buscar. ¿Cómo veis vosotros?

Es un gran momento para la música. No a nivel Industrial pero sí a un nivel creativo. Que las bandas estén cada vez más conectadas en las redes y la facilidad de descubrirlas hace que el panorama sea muy rico. Aunque evidentemente también hay gente que solo quiere escuchar “lo mismo de siempre”.

Vuestras canciones hablan de sentimientos, emociones… pero recientemente en una entrevista a vuestro vocalista comentaba que poco a poco le gustaría introducir en las letras algún que otro mensaje social. ¿Qué tipo de mensajes os gustaría introducir en vuestras letras, y que es lo que os preocupa socialmente?

Sí, es algo que nos lleva apeteciendo desde hace algún tiempo, aunque aún no hemos sido capaces de hacerlo, ya que siempre nos encaminamos hacia temas más emocionales a nivel personal. Pero nos gustaría hablar por ejemplo de la violencia de género; algo con lo que nos hierve la sangre. También creemos que vivimos un momento en el que la gente no quiere que se la engañe más; demasiados casos de

enriquecimiento de los mismos, a costa del pueblo.

Del tema “Siempre” se ha rodado un videoclip. ¿Por qué elegir este tema y tenéis pensado en breve publicar otro videoclip?

Sí que estamos pensando en sacar más vídeos y nos apetece mucho, aunque me temo que no será a corto plazo. El Tema “Siempre” creo que funciona bien como bandera para el disco; ya que representa la contundencia y la fuerza que tenemos dentro y queremos mostrar. También tenemos que decir que es el tema favorito de nuestro bajista, Nacho. ¿Es el videoclip el formato de llegar a más público actualmente?

Posiblemente sí. El refuerzo visual a la música es evidente que gusta al público. Además, es otro elemento artístico y creativo, con el que se puede jugar para expresar más cosas y llegar a más gente.

Por ejemplo, este videoclip es obra de nuestro amigo David Martín; quien ha sabido crear un elemento complementario y enriquecedor a nuestra música. La hace más profunda. ¿Qué le pedís al 2017?

Directos, mucha música, salud y ampliar la familia Mantua; de la que forman parte todos aquellos que nos escuchan y apoyan.

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¿Por qué ahora es el momento de publicar tu primer disco en solitario?

Creo, que después de muchos años, aprendiendo a tocar, aprendiendo a cantar con otros grupos sentí que tenía que hacer algo personal. Tenía letras guardadas en el cajón y pensé, ahora o nunca. El pensamiento y momento decisivo fue al ganar el concurso del programa Acustik de la Vanguardia, con la versión de Lynyrd Skynyrd “Sweet Home Alabama”, que el premio fue una guitarra firmada por Carlos Santana.

Para llevar a cabo el proyecto realizaste una campaña de crowdfunding. En un principio todos los grupos conseguían el objetivo, pero ahora es otra cosa, cada vez cuesta más alcanzar el objetivo. Pero por otro lado casi es la única forma de conseguir poder realizar un disco. ¿Por qué te decantaste por este sistema y salió bien?

Me decanté para este método, porque a muchos colegas aquí en Girona, vi que lo hacían y que les funcionaba. También, compañeros de grupo me comentaron que era una buena forma de sacar el disco, ya que si el proyecto era transparente, bueno, llevaba consigo buenas vibraciones la gente se volcaba y así sucedió. Juntos llegamos y sobrepasamos el objetivo a conseguir, y pude hacer un gran comienzo, con concierto

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de presentación, videoclip, posters, disco en formato USB (ei! que aún quedan unidades de USB, los discos se han terminado!), en formato CD… La gente le gustó muchísimo la campaña, muchísimas gracias a todas y todos los mecenas que participaron. ¿Por qué la guitarra y no otro instrumento?

Me gustó la guitarra de pequeña, gracias a ver Dire Straits, Mark Knopfler, con la guitarra Fender roja que tocaba en el VHS de Alchemy. Fué amor a primera vista. A los seis años, empecé con la guitarra clásica, y desde entonces ha sido mi amiga inseparable. A los quince empuñé mi primera guitarra eléctrica para aprender música moderna y desde entonces aún sigo con la eléctrica. Además, para mí, la guitarra es un instrumento que tiene mucha comodidad en muchos aspectos, para tocar es genial, también para transportarla, ya que la puedes llevar dónde quieras, puedes hacer clases de guitarra a gente dónde quieras y cuando quieras, y no tiene mucho lío de montar el equipo con ella.

Carlos Santana, Gary Moore, Steve Ray Vaughan, Joan Baez, Janis Joplin… son artistas que te han influenciado. ¿Hay alguno de la nueva hornada que te halla llamado la atención?

Un guitarrista que me llamó mucha la

atención, fue Jason Barwick, el cantante de The Brew, que los vi en el festival Black Music Festival de Girona. Su estilo, blues, auténtico me llamó muchísimo la atención y también su forma de tocar y técnica. Y otra que me llamó la atención fue Susan Tedeshi, mujer guitarrista y “bluesera”, me identifiqué mucho en ella en el hecho de que fuera mujer y tocara la guitarra… hay poquitas.

Tu primer disco en solitario lleva por título “Apnea”. ¿Por qué llamarlo así?

Ha ha ha! El nombre del disco tiene una curiosa explicación. En el 2015, que estaba grabando el disco, al mismo tiempo también hacia algunos conciertos. Un buen día, me empezó a doler la mano izquierda, y le pregunté a un colega guitarrista, “me ha empezado a doler la mano, ¿a qué se puede deber eso?” y él me contestó “¿Ya respiras cuando tocas?”... “Por supuesto!”. El hecho es que si haces una actividad de precisión o concentración (en este caso cantar y tocar a la vez) dejas de respirar correctamente, haces Apnea. Y la otra fue que cuando Edu Baztán el técnico y productor que me ayudó a grabar el disco, al grabar las guitarras acústicas, me decía “ahora, no respires, esto ha quedado genial”. Me gustó darle el juego de experiencia personal en el nombre, APNEA. ¿Qué te gusta contar en tus letras?

Me gusta contar historias, a veces no reales, también pensamientos de mi día a día, algunas historias que han sido reales, pero sobretodo me gusta contar pensamientos optimistas y positivos, un ejemplo es la canción de “Res De Nos” es muy optimista. La letra habla de que tú puedes hacer cualquier cosa, que a veces tú mismo te pones los límites, y tienes que ser capaz de decirte que sí que puedes hacer lo que quieras, que no te digas no, no te cierres la puerta. La traducción seria “Nada de Nos”.

Hay muchas bandas que están volviendo a grabar todos en directo, como se hacía antaño, dicen que así se recupera la esencia del directo. ¿Cómo se ha realizado la grabación de este disco y que piensas al respecto?

Este disco, al no tener la banda al completo como trabajamos actualmente, lo hice por pistas y les iba dando indicaciones a los músicos que me ayudaron a grabar, en la batería Marc Vilalta, y en el bajo Ricard Caula. El resto de instrumentos, sobre todo guitarras, acústicas, solistas, lo tuve que grabar por mí misma. En el segundo disco que estoy ya preparando, estoy segurísima que se grabará de distinta forma, ya que actualmente cuento con una banda espectacular que me acompaña en los conciertos, y que también quiero que estén grabando el segundo trabajo. ¿Qué le pides a este 2017 que acaba de empezar?

Le pido al 2017 que esté lleno de música y sobretodo con muchos conciertos para poder presentar a todo el mundo mi primer disco Apnea, y por supuesto mi segundo disco que estoy ya trabajando y que espero sacarlo a mediados de este año.

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Valdes

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Tras pasar por varios grupos, el último Con Mora, con los que grabó dos discos, ahora es el tiempo de emprender una carrera en solitario. Marcelo Calabria Valdés es el artífice de Valdés que se ha rodeado de grandes músicos para presentarnos su primer disco, un disco que te propone un viaje por el lado del rock & roll. Tanto la prensa, como el público, están reconociendo este disco como uno de los mejores que se publicaron el año pasado.

¿Te ha sorprendido la gran respuesta que ha tenido este primer disco?

Estoy muy contento de como está yendo todo, lo cierto es que cuesta mucho trabajo que el disco llegue a las orejas de la gente pero cuando lo escuchan, todo el mundo coincide en que es un gran disco.

Decíamos que te has rodeado para este disco de grandes músicos. ¿Cómo se fueron incorporando a esta aventura?

Todos los músicos que participan en este disco aparte de grandes músicos son grandes amigos, todo sucedió de una manera muy natural, les llamé y les pregunté si les apetecía colaborar y me dijeron que sí, soy muy afortunado.

Como ha sido el poder contar con tu padre Hermes Calabria (Barón Rojo) en la batería y con tu hermano Martin Calabria. ¿Qué ha significado para ti?

Trabajar con la familia está muy bien porque estás acostumbrado a discutir con ellos, y cuando haces una producción discográfica, es muy importante poder discutir sin tener que llevarlo a lo personal. Discutir siempre hace mejorar las decisiones, y una parte importante de la producción de un disco, al fin y al cabo, es tomar decisiones.

El disco se ha grabado en tus estudios de “La Guarida Home Estudio” y “Martin Estudio”. ¿Es mas cómodo el grabar un disco en tu casa?

Yo venía de un proyecto en el que todo se hacía en grupo y todo se discutía entre todos antes de tomar decisiones, lo que me apetecía era trabajar solo y marcar

mi propio ritmo, trabajar en casa fue lo que necesitaba, no sé lo que ocurrirá en el futuro.

De la masterizacion se encargó Jesus Arispónt, además participa con el bajo en dos temas. ¿Que hayan comparado tu voz con la de Manolo Tena o que tu música recuerde a bandas como Fito & Fitipaldis o Rulo y la Contrabanda, es un halago o todo lo contrario?

Todos ellos son grandes músicos y sobre todo grandes compositores, además todos ellos me encantan, así que es un gran halago.

“Fuego” es un tema en el cual colabora en la voz Sherpa (Barón Rojo). Con el disco reposado, como valoras tu este disco, era como pensabas que iba a quedar o se ha superado con creces lo que esperabas de este disco al comienzo.

Creo que ha quedado como quería y eso es más que suficiente.

Además de Sherpa has contado con más colaboraciones como la de Luis Cruz de Topo en el tema “De borrachera”.

Llegado este punto, Barón Rojo, Topo… son bandas que hayan influenciado en general en tu música.

Si, por supuesto, ellos son los primeros que se enfrentaron a esto del Rock en España y siempre son un referente para mi.

“Alza tu voz” cuenta con la armónica de Pako Blues, un tema espectacular. ¿Por qué alzarías tú la voz?

Ahora mismo hay tantas cosas por las que alzar la voz que no acabaríamos nunca, me gusta más pensar que alzar la voz

es una actitud, una forma de comportarse, hay que estar continuamente alzando la voz y reclamando justicia.

“Recuerdos olvidados” fue el primer videoclip, tema que compusiste al enterarte de que Malcolm Young (AC/DC) sufría alzhéimer. Ahora hace poquito estrenabais el segundo del tema “Perdiendo el norte”. Es el videoclip en los días que vivimos importante, ya que a veces tengo la sensación que se valora más la imagen que la música.

La música siempre es lo más importante, pero la gente necesita ser estimulada de alguna forma, ahora todo es multimedia, es una buena manera para que escuchen tu música.

En radios, prensa, en las redes sociales… solo se habla de los 80`s. Solo hay espacios para bandas tributo, covers…

Yo pienso que en este momento hay muy buenas bandas, mucha calidad, y en cualquier género de música, lo que no hay es industria. ¿Cómo lo ves tú y como se puede luchar contra esto?

Lo cierto es que no tengo soluciones para crear un tejido empresarial en el que se pudiera generar más volumen de negocio y que así hubiera más trabajo, supongo que cuando la gente pagaba por la música, la valoraban más, aunque no fueran conscientes. ¿Qué le pides a este 2017 que acaba de empezar?

Como decía mi colega el Neno, no le pedimos nada, ¡se lo daremos todo!

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Cuando uno siente la picadura es difícil bajarse de escenarios, de componer canciones… en este momento tan difícil para la cultura ¿Qué es lo que os mueve para seguir peleando?

Componer y pisar los escenarios es una necesidad vital, independientemente de que el momento sea más complicado o menos.

Es una droga, que cuando la pruebas de jovencito, no tienes manera de desengancharte. Estas expresando tus sentimientos delante de otras personas que quieren ser cómplices de ello, y la conexión que se produce, no tiene precio.

Esta carta de presentación cuenta con un sonido muy cuidado y muy definido. El disco se ha grabado en los estudios de Xavi en Vila-Seca. ¿Es difícil parar cuando uno tiene vía libre de tiempo en el estudio, sabe cuándo parar, no hay miedo a perderse en matices, arreglos…?

Existe ese peligro, pero creo que al menos esta vez, hemos sabido llevarlo bien.

Casi regrabábamos lo que habíamos hecho de manera natural en la preproducción, pero tocándolo mejor y con mejor sonido. Al final te das cuenta de que las primeras sensaciones que tiene uno tocando las canciones cuando está en conexión con el resto de la banda, son las buenas.

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El disco se ha mezclado en los estudios de Javi San Martín Sonido XXI (Esparza de Galar, Navarra). ¿Por qué hacer la mezcla en el estudio de Javi San Martín?

Era necesario para nosotros que el último proceso del disco lo hiciera alguien externo a la banda, con los oídos frescos. Es fácil cuando has pasado por todo el proceso, estar viciado. A parte, sabíamos que Javi le iba a dar el broche que necesitaba para que el disco tuviera el sonido que se merecía.

En el tema “Vuelo Nocturno” nos encontramos con la voz de Rulo. ¿Cómo surge esta colaboración y por qué en ese tema?

Rulo siempre ha sido un referente para nosotros, y ya le conocíamos de hace unos años. Se lo propusimos y aceptó encantado.

Nos hacía mucha ilusión que saliera en el disco y pensamos que Vuelo nocturno era un tema idóneo para él.

El disco contiene diez canciones que hablan de sentimientos, se destapan reflexiones, el paso del tiempo, desamor, inconformismo, la duda… pero con un texto muy cuidado y poético. A la hora de hacer una canción ¿a qué se le da más vuelta a las letras, la melodía, la musica…?

Hay veces que estás muy inspirado y te sale todo el tema de arriba abajo, melodía y letra. Otras veces escribes un texto sin

cantarlo, y luego lo encajas en una melodía.

En cambio, nunca hemos hecho una melodía para luego encajarle la letra, ya que creemos que las dos cosas deben ir de la mano. La música puede expresar muchas cosas aún sin tener texto, por lo que para nosotros es una manera de reforzar el mensaje que queremos expresar.

Tanto en radios, como en prensa, redes sociales se habla mucho de los 80`s, de grupos tributo… y de las bandas nuevas poco o nada. Yo pienso que estamos viviendo el mejor momento en la música, que hay grandes grupos que suenan increíblemente, grandes músicos, grandes canciones y para muestra vosotros sois un claro ejemplo. ¿Qué opináis de todo esto y cómo afecta a vuestro grupo?

Gracias por el piropo, (risas). Las buenas bandas siempre han existido y como dices, ahora mismo hay muchas de ellas que desgraciadamente no tienen los medios para darse a conocer al público. Hay una clara ausencia de apuesta por nuevos grupos que podrían gustar a mucha gente. Los grandes medios no dan cobertura a la nueva escena de rock, las discográficas grandes se mantienen con los que saben que van a tener unas ventas aseguradas sin necesidad de currárselo demasiado, los listos de las compañías telefónicas saben que todo el mundo puede descargar los discos que quiera sin pagar un euro, pero no hacen nada por regularlo de manera justa para los artistas, muchas “salas” se han apuntado al carro del alquiler para hacer negocio con las bandas que empiezan, los ayuntamientos en muchas ciudades lo ponen cada vez más complicado para que los garitos que de verdad apuestan, puedan programar música en directo… Aún así, tenemos la esperanza de que algún día mejorarán las cosas y seguimos peleando por salir al ruedo de la manera más digan posible.

Durante el 2016 habéis dado unos cuantos conciertos por el país. ¿Cómo está siendo la respuesta del público y estáis contentos con la buena acogida que está teniendo el disco?

Todo está yendo mucho mejor de lo que hubiéramos imaginado un año atrás.

Hemos tenido la oportunidad de telonear a bandas grandes delante de mucha gente y la respuesta ha sido muy buena. La prueba está en que hemos vendido muchos discos a gente que era la primera vez que nos veía y que nunca había oído hablar de nosotros. A parte, las críticas del disco están siendo muy buenas y mucha gente de estilos diferentes, nos confiesan estar enganchados a nuestro disco. Así que no podemos pedir más…

A finales de marzo os veremos por Madrid concretamente el día 31 de marzo en la sala Jimmy Jazz y el 1 de abril en la sala La Mala. ¿Qué podemos decir a nuestros lectores para que se animen y se pasen por el concierto?

Primero les invitamos a que escuchen nuestro disco en Spotify o en cualquier plataforma digital que suelan usar. Si les mola, que vengan a vernos porque no les vamos a defraudar. Y si encima vienen y compran el disco y una camiseta, ya les hacemos un monumento, (risas).

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Güs Guzmán www.gusguzman.com / twitter (@gus_musica) / Facebook (@gusmusica)

Tras pasar por unas cuantas bandas unas más metaleras, otras más de corte pop rock y gracias a este sendero de aprendizaje y tras ser seleccionado por la SGAE para participar en un taller de canciones teniendo de tutor a Quique Gonzalez, podemos hablaros de este primer disco de GÜS “Huele a frontera”. Una puesta de largo que desde el primer día que lo escuchamos sabíamos que llegaría, además de cumplir sus sueños en la música, a tocar junto artistas de la talla de Mikel Erentxun, Ariel Rot…

Pantera, Metallica… pero también Silvio, Aute, Ismael Serrano… más tarde descubrirías Quique González, Bunbury, Ryan Adams y el más grande para ti y para muchos por eso es el jefe Bruce Springsteen. ¿Cómo influyó ese taller que hiciste con Quique Gonzalez en tus canciones?

De esto ya hace unos diez años aproximadamente, por aquella época uno de los discos que más me gustaban, si no el que más, era Salitre 48, así que imagínate lo que fue para mí conocer a un héroe y encima poder charlar de canciones y poder mostrarle mis primeras composiciones. Nos animó mucho a todos a seguir y luchar por nuestra música y sobre todo a pelear cada canción.

Este primer disco tiene un poco de todo, pero sobre todo es un disco de rock sin tapujos. ¿Son las etiquetas para ti prejuicios?

Sí, siempre lo he dicho, amo el rock por encima de todo pero escucho de todo y me influyen muchos estilos, unos dicen que hago pop-rock, otros pop, otros rock…, simplemente hago lo que me sale de dentro y no pienso en el estilo que es lo que va a ser. No soy de estilos soy de canciones.

Quique Gonzalez cambiaría tu forma de componer canciones. Pero en el disco nos encontramos una canción “Como Bunbury” ¿Qué significa Bunbury para ti?

Bunbury es una de las máximas referencias e influencias en los últimos años a la hora de escribir, componer e incluso en la puesta en escena. Me flipa y casi todo lo que hace lo hace bien. La canción la compuse escuchando sus canciones y pensando en cómo haría él una canción. Y es uno de mis canciones favoritas, sobre todo cuando la toco con la banda al completo. ¿Qué te gusta contar en tus letras?

Lo que me pasa o me ha pasado, el día a

día, mis recuerdos, la nostalgia, no sé, escribo sobre todo por intuición primero hago la música y sobre ello escribo la letra, lo que lleve dentro en ese momento es lo que ve la luz. Ahora estoy escribiendo para el segundo disco y creo que las letras son mucho mejores, más maduras y más elaboradas. Escribo sobre mis inquietudes y mis miedos.

El disco se ha grabado en los estudios La CAVERNA ESTUDIOS por Javier Salas. En un principio iba a ser un disco acústico. ¿En qué momento se decide darle la vuelta y convertirlo en un disco eléctrico de rock & roll?

Cuando acabamos de grabar las primeras guitarras acústicas y voces vimos que había mucho potencial en las canciones para hacer algo más elaborado y empezamos a llamar a amiguetes que tocan los distintos instrumentos. La banda de Javi (NADYE) tocó en todo el disco y siempre les estaré agradecido por las ganas e ilusión que pusieron desde el minuto cero de entrar en el estudio. Fuimos tema por tema analizando que temas necesitaban más y menos arreglos y luego los músicos tuvieron total libertad para inventar, fue pura magia.

Revolver, Burning… son algunas de las bandas que aparecen en las letras. ¿Qué música escuchas actualmente?

A parte de los que nombras y de los que hablo en el disco, me gusta mucho Angel Stanich, La MODA, Mumford and sons, Coque Malla, M-Clan, Leiva, Desvariados, Lichis, Los Zigarros, Ryan Adams, Rebeca Jimenez, Aurora and the Betrayers. muchos más!!!!

El disco se publicó hace un tiempecillo y ha tenido una buena aceptación tanto de público como de los medios de comunicación. ¿Te ha sorprendido?

La verdad es que sí que me ha sorprendi-

do bastante, aunque creo en mis canciones a muerte y creo que el trabajo está bien hecho.

Sé que tengo mucho margen de mejora y creo que estoy haciendo mejores canciones en estos momentos, estoy muy contento y orgulloso de mi primer trabajo del que he aprendido mucho, tanto de los errores como de los aciertos. He tenido la suerte también de conocer a un montón de gente que cree en mí y en mis canciones y que me ayudan desde el primer momento en que escucharon el disco o me vieron en directo.

Has compartido escenario con Mikel Erentxun, Ariel Rot… llegando a un público más mayoritario. ¿Cómo ha sido la experiencia y hay algún artista en especial con el que te gustaría compartir escenario?

La experiencia brutal!!!, Tanto Mikel como Ariel o Los Zigarros con los que también compartimos escenario, son gente de puta madre y muy cercanos, aprovecho y le doy las gracias a Honeydripper 61 por darme la oportunidad de tocar con estos gigantes.

Y me gustaría compartir con Bunbury, Quique Gonzalez, Leiva, y con muchísimos otros (risas), la verdad con cualquiera de los músicos que escucho y de los que aprendo con cada disco que sacan. ¿Qué le pides a este 2017?

Sobre todo, mucho rock n roll, y que mis chicas estén siempre cerca sobre todo en los mejores días. Una banda estable por supuesto para poder girar mucho con el siguiente disco. Espero también tener el nuevo disco este mismo año y poder salir mucho a tocar. Creo y confió en que vamos a hacer cosas un poco más grandes y para ello estamos trabajando.

Os Agradezco mucho a vosotros, fuisteis los primeros en entrevistarme para mi primer disco y os tengo especial aprecio. Un abrazo enorme.

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Kuqui Alegrue twitter (@KuquiAlegre) / Facebook (@kuquialegre) / Instagram (kuquialegreoficial)

¿Por qué cerrar la etapa de Radiofonic?

Es un placer como siempre hablar con vosotros y ver el apoyo que le dais a los artistas y bandas emergentes en el panorama musical español. Radiofónic era un desfogue, un grupo creado por y para disfrutar tocando. Mi compañero y amigo Dani del Pino (Actualmente en la banda Subterráneos, increíbles...) y yo nos lo tomamos como una aventura, nos sirvió para tocar en buenos escenarios y aprender. Sólo tengo buenos recuerdos girando con él. Se apagó como una buena relación sentimental.

Has preparado y maquetado los nuevos temas en Londres. ¿Por qué en Londres?

Londres era un sueño musical que tenía, amo sus calles, su gente, sus noches...y por supuesto me alimenté de esa esencia musical, actual y pasada. Tuve la oportunidad de grabar allí todas las maquetas del disco, siendo tocados todos los instrumentos por mí, es algo egoísta. Pero sólo yo sabía lo que quería, esa soledad tóxicamente creativa.

La producción del disco ha corrido a cargo de Candy Caramelo. ¿Por qué él?

Creo que Candy era y es la mejor persona para quitarme todo ese lío mental que venía arrastrando durante todo el proceso de creación del disco. Tocó la tecla exacta para quitarme de miedos y ansiedades, y dejarnos llevar... sobre todo dejarnos llevar...

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De lo que hemos podido escuchar del disco tenemos la sensación que es un disco de rock & roll, pero con una producción muy moderna, buscando tu propio camino. ¿Cómo lo ves tú y que habéis buscado en cuanto al sonido del disco?

Hemos experimentado con muchos sonidos que no pertenecen del todo al Rock and Roll, poniéndole una capa por encima al Rock del disco, y así vestirlo de otra manera. Escuchando mucha música, nos fuimos sin querer a donde queríamos ir. No quiero decir que no haya rock en el disco, por supuesto que lo hay, yo soy puro Rock... ¿Sabemos ya la fecha de salida del disco y cómo se llamará?

La fecha exacta aún no la tenemos decidida, aproximadamente a finales de Febrero para a finales de Marzo empezar a girar. El título del disco, “Vamos a Matarnos”; un canto abierto al estilo de vida que actualmente se vive. ¿Qué te gusta contar en tus letras?

A nivel personal no me gusta contar mis problemas a la gente, son demasiados y aburren. Así que los camuflo en las letras como una mera forma de desahogo, en los textos cuento mi vida y experiencias, que sólo yo sé interpretar y llevar al momento exacto. Es algo terapéuticamente estúpido, ya que nunca sabes si los que lo escuchan saben comprenderlo, (risas). ¿Cuántas canciones compondrán el disco?

El disco tendrá 10 canciones, y será redondo.

“Te vendrás conmigo” fue el adelanto del disco. ¿Para ti que tiene este tema para que sirviera de adelanto del disco?

Me parece el tema que mejor representa mi actitud del disco en sí y es algo que siempre me gusta jugar en las letras. Del morbo de si está hablando de una relación tóxica contigo mismo, o la manera más salvaje de vivir el amor hacia otra persona. ¿Cómo se presenta este 2017 cara a los conciertos?

Actualmente estamos cerrando La gira presentación del disco, que espero que dure y visite los máximos lugares del territorio español, para ofrecerle mi música y experiencias. ¿Tenéis pensado publicar el disco con algún sello discográfico o eso es cosa del pasado?

A día de hoy tenemos varias opciones, pero tenemos que ser cautos y valorar qué es lo que va a ser mejor para las dos partes. ¿Qué le pides a este 2017 que acaba de empezar?

Le pido salud para mi familia.

Vocalista del grupo Radiofonic, Kuqui Alegre prepara el lanzamiento de su primer disco influenciado por grupos como Chuck Berry, Rolling Stones, Beatles, Los Rodríguez, Los Ronaldos, Extremoduro, Leño… esa es su base, pero lo cierto es que con tan sólo su tema avance de su disco “Te vendrás conmigo” se aprecia que ha encontrado un camino muy personal bajo la batuta del maestro Candy Caramelo.

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“Potencialmente infinitos” es un disco muy cuidado, tanto por las diez canciones que componen el disco, cualquiera de ellas podría ser un single, así como los matices en el sonido. ¿Fue algo premeditado a la hora de grabar el nuevo disco?

Nuestras inquietudes y gustos se han ido “destilando” en cada una de las canciones y en cada una de sus partes. Nosotros somos nuestros primeros críticos y no todo nos vale, respecto a los temas que componen el disco, algunos salieron en muy poco tiempo casi rodados pero otros han requerido muchos ensayos y versiones hasta que hemos conseguido dar con la tecla. Hemos ido cincelando, cada uno de nosotros cuatro, en algunos momentos un buen pedrusco de mármol.

Me ha sorprendido la gran evolución que habéis sufrido en el sonido comparándolo con vuestro anterior trabajo “Japonés Hablado”. El disco se ha vuelto a grabar en los estudios MainTrack Studio con Jorge Gallego como productor. Poco o nada tiene que ver el resultado final con vuestro anterior disco. “Potencialmente infinitos” está a años luz. ¿Se trabajó de distinta forma? ¿Contentos con el resultado?

Estamos contentísimos con el resultado... solo hay que ver las listas de mejores discos del 2016... (risas) ¡Que modestos somos! La verdad es que trabajar con Jorge en MainTrack nos da mucha tranquilidad, nos pone las cosas fáciles y se implica totalmente en el proceso. El modo de trabajo no cambió pero si teníamos en mente intentar plasmar otro sonido en el disco, algo que se acerca más a lo que somos en vivo, transmitir sensaciones y sentimientos de forma más directa.

Hablamos del gran sonido de este disco, pero otra parte importante de las canciones es la voz tan personal que tiene José Salcedo que le da un toque muy personal al grupo, incluso hay medios de comunicación que la

han comparado con Bunbury. ¿Es esto un alago o una responsabilidad?

Ambas cosas. ¿Qué es plagio y que homenaje? (risas)...La verdad que en el proceso creativo y a la hora de interpretar las canciones hay infinidad de sensaciones y referentes relacionados con la música. Por lo que es normal que Bunbury forme parte de ellos, otros también están, pero quizás más sutilmente.

Las letras son una parte importante en Yo, Estratosférico. Son textos muy cuidados rozando la poesía. ¿Cómo nacen las canciones, de una melodía, es primero la letra…? ¿Qué os gusta contar en ellas?

Nacen de una melodía, de una sucesión de acordes, de un ritmo de batería, etc...

Todo eso inspira las letras. Las letras son consecuencia de lo que provoca la música.

La música entra por pasillos y va entrando en habitaciones, ahí están los textos.

En el disco nos encontramos con temas donde se dan más importancia a las atmosferas, a las armonías vocales como en “Noche de Reyes” a otros de un corte más duro como “Mal de altura” o “Contrarrecifes”. Eso sí, pero sin perder el rumbo. ¿Es muy amplio el abanico de gustos que tenéis los cuatro?

Es muy muy amplio, no nos ceñimos a un estilo y tampoco a una época en concreto, es cierto que lo que más peso tiene es la música rock de los 90, pero somos bastante melómanos y en una conversación sobre música podemos hablar de igual modo de Mike Oldfield, Led Zeppelin, Pearl Jam o Vetusta Morla, pasando por la canción de moda del verano. ¿Qué os parecen las etiquetas?

Son un arma de doble filo, entiendo que tienen su utilidad, hacen la vida más fácil a quien busca nuevos grupos o a medios que se especializan en ciertos estilos en concreto, pero a veces se encasilla a grupos en etiquetas que no son acertadas o pueden llevarnos a no descubrir nuevas bandas por hacer tal o cual estilo, hay estilos de música de los que solo me gusta una banda, si me hubiera dejado llevar por etiquetas seguramente no los conocería.

No estamos viviendo el mejor momento en la música, bueno yo diría en la cultura en general. En poco tiempo ya tenéis una maqueta y dos discos. ¿Cómo os habéis planteado vosotros el camino de Yo, Estratosférico?

Como dices no es el mejor momento para la música y hay que tener muchas ganas para estar en esto, por este motivo no nos planteamos metas a largo plazo, más bien

intentamos disfrutar del camino como banda y superar los pequeños retos que tengamos en cada momento con mucha ilusión.

Ya habéis realizado un videoclip del tema “Reikiavik” que se estrenó casi a la vez que la salida del disco. ¿Tenéis pensado grabar otro videoclip? ¿Es tan importante el videoclip como el disco en estos días que la mayoría de las escuchas se hacen a través de Youtube?

Somos un poco enfermos del “háztelo tú mismo”, y los videos nos lo podemos hacer.

Tenemos en mente estrenar más videoclips claro, creemos que es imprescindible, si entráis a nuestro canal de Youtube podéis comprobar que tenemos bastantes, si la gente además de escucharte puede verte seguramente dedicará algo más de su tiempo a tu trabajo.

Tengo la sensación de que hay muchos oldies en los últimos años en radios, prensa… incluso hay un público que le gusta esto.

Pero por otro lado hay pocas oportunidades para las bandas que empiezan o para la música que se hace ahora, aunque lleves en esto muchos años. ¿Se convive con esto, se acepta…? ¿Cuál es vuestra opinión?

Por norma general los oldies son bandas geniales y me parece bien que monten estas giras siempre que sus integrantes estén al nivel que requiere el directo o que se mantenga una formación más o menos fiel a la original. Es cierto que no hay muchas oportunidades para nuevas bandas, a nivel promoción la cosa es complicada y tocar en directo a veces es misión imposible, pero frustrarse no sirve de nada, hay que asumir que la situación es esta, nosotros intentamos disfrutar con la música por muchos baches que surjan, el nivel de exigencia es alto y hay que estar a la altura. ¿Qué planes hay próximos para este 2017?

De momento queremos girar todo lo que podamos con “Potencialmente infinitos” y que la gente nos vea en directo, creemos que es nuestra mejor cara.

Daros las gracias a vosotros por vuestra labor, os mandamos un abrazo estratosférico...

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Sanchez Acero www.sanchezacero.com / twitter (@sanchezacero) / Facebook (@sanchezacero) / Instagram (sanchezacero)

El camino arranca como batería del grupo Básico Permanente en el (2006), coqueteó con varios estilos musicales en un proyecto llamado Sounds Of Odyssey (2010). Un día decide coger la guitarra y componer el mismo sus propias canciones en inglés. En su música puedes encontrar sonidos que te recuerden a los artistas que han influenciado en su musica como Bon Iver, Sigur Rós, Eddie Vedder, Of Monsters and Men, Mumford & Sons o Charlie Simpson… más allá de etiquetas, en las cuales no creo, porque más

que abrir puertas las cierran, su música está influenciada principalmente por el folk, pero contiene una sonoridad y unas melodías que te cautivaran. Tiene publicado dos discos el primero “Stones” (2014) grabado por él mismo y mezclado y masterizado por Elías Figueroa. Después publica su segundo disco, “Follow the Light” (2015), este nuevo disco es grabado, mezclado y masterizado por el propio Sánchez Acero. Y este 2016 publicó un Ep de cuatro temas “Share Everything You Love”.

Lo primero darte la enhorabuena por tu disco “Follow the Light” un disco que engancha y con un sonido abrumador. ¿Qué te encargaras tú de todo el proceso era porque tenías muy claro lo que querías y, por otro lado, no había un poco de miedo al saber cuándo tener que parar? ¡Muchas gracias! La verdad es que el proceso fue bastante similar al que realicé cuando grabé el primer disco, “Stones”. Supongo que tenía las ideas bastante claras y sabía cómo quería que sonaran las canciones, aunque tengo que reconocerte que me encantaría grabar en un estudio profesional con algún productor que entienda mis ideas, quizá para un disco futuro… Es cierto que cuando te encargas tú mismo de tus canciones tienes la ventaja de tener todo el tiempo del mundo para escuchar los detalles y pensar ideas y arreglos, pero también está el riesgo de no saber cuándo terminar por completo una canción, y también el hecho de que no cuentas con un gran equipo ni las mejores herramientas que sí puedes encontrar en un estudio. Por eso me considero bastante perfeccionista y tiendo a escuchar mil veces cada canción para encontrar los puntos donde podrían mejorar.

Creo que Islandia y sus paisajes fue un punto de partida para este disco. ¿Por qué Islandia? ¿Querías vivir en primera persona lo que contaban algunos de los artistas que te han influenciado y de los que hemos nombrado al principio?

Es totalmente cierto, el disco gira en torno al país de hielo y fuego. La verdad es que llevaba tiempo con la idea de viajar allí, y resulta curioso porque Islandia nunca me había llamado la atención, pero creo que el punto de partida fue cuando vi el documental Heima, de Sigur Rós. Se puede decir que me hizo descubrir aquellos paisajes y despertó un interés en mí, y a ello se le suman las noticias que iban llegando de cómo habían logrado superar la crisis económica del país. Necesitaba romper con todo y cambiar de aires, irme solo a algún lugar lejano y conocerme un poco mejor. ¿Qué mejor país que Islandia?

Tu música bebe mucho del folk, pero tú la has conseguido dar un toque muy personal. A mí cada vez que escucho el tema “Running” me viene a la cabeza paisajes, naturaleza, acantilados… cantar ¿Es “Running” un ejemplo de lo que estabas buscando en este segundo disco, buscar más la canción?

Buscaba dar un giro a mis canciones después de “Stones”, que es un disco mucho más intimista, y buscar nuevos sonidos y un toque algo diferente, y creo que si escuchas los dos discos puedes notar ese giro. El folk es una influencia muy importante en la música que hago, pero también lo son otros estilos muy distintos como el ambient, el post-rock o los sonidos más electrónicos y experimentales. Es difícil enfocarse en un estilo concreto y cerrado, y sobre todo muy difícil encontrar ese punto en el que todos esos estilos confluyan en algo que tenga sentido. Por eso puedes encontrar en un mismo disco canciones como “On My Way Home” y “Transmissions”, dos canciones con dos

enfoques totalmente diferentes, pero donde tengo algo que decir en cada una de ellas.

“Angels” es otro de esos temas que cuando uno lo escucha piensa todavía no está inventado todo, se puede ir más lejos. Los arreglos de voces son espectaculares y el final del tema que rompe con todo lo anterior sorprende. ¿Piensas que en la musica está todo dicho o todavía hay un hueco para experimentar sin olvidar las raíces?

Te agradezco mucho el comentario, me sorprende que para algunos sea la canción que menos le gusta del disco y para otros sea su favorita, creo que eso es significativo de que no deja indiferente. Lo cierto es que “Angels” se aleja bastante del folk propiamente dicho y se acerca a ese estilo más ambiental y electrónico, y por esa razón es de las más complicadas de llevar al directo, en especial cuando la formación es pequeña.

Creo que para nada está todo dicho, en la música siempre se puede seguir explorando, aportando ideas nuevas, pero sobre todo hacer música con pasión y volcarte 100% en lo que haces, sin dejarse llevar por modas. Creo que es importante ser fiel a uno mismo y hacer la música que te gusta.

Durante el 2016 no has parado de dar conciertos con banda. ¿Hay un hueco y público para el folk o piensas que todavía se puede hacer más grande la escena del folk?

Si hablamos a nivel nacional, creo que el folk actualmente tiene un público muy reducido comparado con el que hay en otros países, y creo que la industria musical de este país tiene buena parte de la culpa de que esto sea así. Aquí lo que vende ahora es la música latina y el “Indie” nacional, y es lo que más están explotando. Lo ves por todas partes, en televisión, radio, incluso en los festivales. Prácticamente en todos ves a las mismas bandas, y es que creo que en este país cuando algo funciona lo explotan hasta que revienta. Y en este aspecto no sólo lo aplico a la música. Sinceramente, creo que la gente que hacemos estilos de música que se alejan un poco de “lo que se supone que tiene que sonar ahora” deberíamos pensar más allá, no cerrarnos barreras y abrirnos a la posibilidad de llevar nuestra música a otros países.

Yo no soy muy amante de etiquetas que todo lo encorsetan, yo soy amante de canciones y tengo claro que tu disco “Follow the Light” las tiene. ¿Qué piensas tú de ellas, hacen más daño que ayudan o todo lo contrario?

Estoy de acuerdo contigo y de hecho cuando acabo un disco me cuesta asignarlo a un estilo concreto. Me gusta hacer canciones, transmitir algo en ellas y si consigo hacerle sentir a alguien con ellas, qué más puedo pedir. Creo que no hay nada más bonito que volcar tus emociones en algo y que haya otra persona que se identifique con ello, aunque esté a miles de kilómetros de distancia.

Muchas gracias a vosotros por dar visibilidad a los que tenemos menos medios, y gracias también por vuestras palabras acerca del disco.

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Tienen a sus espaldas un Ep “No he venido a dormir” con el cual consiguieron colarse en las finales de varios concursos de música importantes de este país. Con esa carta de presentación recorrieron todo el país cosechando buenas críticas por donde pisaban. Sólo llevan tres años como grupo y su primer larga duración “Perdones Eléctricos” se ha grabado en los estudios El Cielo de Madrid de la mano de Jacobo García (Iguana Tango, Nonno) consiguiendo un disco de melodías pop, pero con la fuerza del rock, once canciones para no parar de tararear.

Con vuestro primer Ep “No he venido a dormir” os colasteis en varias finales. ¿Qué supuso alcanzar estas finales para vosotros?

BERT: Pues fue un empujón para el grupo. Nos dio confianza para seguir con el proyecto y afianzarnos. Además, fue una oportunidad de conocer a grandes bandas como Royal Flash o La Rendición de Brenda a la par de ser una gran ayuda para financiar lo que ha sido nuestro primer largo.

Vuestro primer disco “Perdones Eléctricos” se ha grabado en los estudios El Cielo de Madrid y ha contado en los mandos con Jacobo García (Iguana Tango, Nonno). ¿Por qué elegir esos estudios y porque contar con Jacobo García?

MIKE: La decisión más fácil que hemos tenido que tomar. Ya habíamos trabajado con Jacobo y con Joaquín en El Cielo de Madrid en la grabación del primer Ep y consiguieron darnos un sonido propio. Esta vez por motivos de calendario no pudimos contar con Joaquín ya que andaba grabando Legado de Una tragedia y decidimos seguir adelante con Jacobo. Contar con Jacobo ha sido un gustazo, nos ayudó a darle forma a los temas y sacar ese matiz que nosotros no hubiéramos conseguido auto produciéndonos. Un acierto como bien he dicho antes (risas).

Once canciones componen este primer disco que navegan por los sonidos del pop, sin olvidarse de la fuerza del rock. Mirando en vuestro Facebook la relación de grupos que os gustan son más nacionales como Los Rodríguez, Los Secretos, Quique González, Pereza, Leiva, Joaquín Sabina… internacionales Beatles, George Harrison, Tom Petty, Rolling Stones… ¿Sois más amantes del pop rock de este país?

JOSE: Somos amantes del pop-rock de este país, sin duda, pero eso no quita que los sonidos de fuera no nos vuelen la cabeza. Yo mismo soy un enamorado de Ryan Adams, Víctor sigue a los Foo, Bert y Johnny Cash

son íntimos, a Javito le encanta evadirse con Kamelot y Mike, bueno… le hemos descubierto hace poco escuchando a Pink jajaja Pero como decía al principio la música en castellano es con la música que hemos crecido y es de esa fuente de donde beben la mayoría de nuestros temas.

En radios, prensa, en redes sociales se habla y suena la música de los artistas de los 80`s incluso las bandas de covers, tributos parece que lo tienen más fácil que las bandas que tienen su propia propuesta musical. ¿Cómo afecta esto a vuestra banda?

JAVITO: La verdad que nunca hemos visto una competición directa con este tipo de bandas. Nosotros disfrutamos contando nuestras historias del día a día, nuestros amores y desamores… estas bandas disfrutan de la música, al fin y al cabo, para hacer una cover de un grupo que no te gusta ¿directamente no la harías, no? Personalmente, y creo que es el sentir de los 5, prefiero salir a tomar una copa y que haya una banda de covers en un escenario, que estar escuchando música enlatada. Somos partidarios de la música en directo en cualquiera de sus modalidades.

De este disco habéis grabado tres videoclips de los temas “Hablamos mañana”, “De Bruces” y “Volverás”. Si bien es cierto, que una de las plataformas donde se escucha más música es en youtube, parece necesario tener un videoclip. ¿Pero no tenéis la sensación que a veces parece que prevalece más la imagen que la música que nos ofrece el grupo?

VICTOR: En muchas ocasiones es así, pero eso al fin y al cabo son productos, productos que acaban cayendo por su propio peso, solo hay que comparar estos grupos con los artistas que siguen al pie del cañón desde hace 20, 30, 40 años… fito cabrales, mclan, celtas cortos… son referentes para nosotros en ese aspecto; que a pesar de seguir publicando videos en youtube, nunca será igual que verlos sobre las tablas. Esa es nuestra filosofía. Youtube es un escaparate, un gran escaparate, pero un escaparate al fin y al cabo (risas).

“Dijiste que no” cuenta con una colaboración de una voz femenina. ¿Quién es? ¿Cómo surgió la colaboración? ¿Quién toca

el precioso violín que suena y hay más colaboraciones? Ya sé que son muchas preguntas para una canción (risas) por cierto espectacular, enhorabuena.

MIKE: Pues la maravillosa voz que nos acompaña es la de Elia Velo, el maestro al violín es Alberto Cabrerizo y la tercera en discordia es Ana María Velasco al Cello. La colaboración de Elia es cosa de Jose, ya que era amiga íntima de Mónica, su mujer, se lo pedimos y surgió la magia desde un primer momento. Alberto y Ana son amigos míos desde hace mucho tiempo y siempre es un gustazo contar con ellos para robarles un poco de su arte y hacerlo nuestro. ¿Por qué llamar al disco “Perdones eléctricos”?

JAVITO: El nombre viene de uno de los versos del tema “Para Todo y Para Siempre” ya que solemos preferir pedir perdón a pedir permiso (risas) Esa es una de las claves del nombre, que sumado a que nos encanta tocar en formato eléctrico, es fácil de imaginar el porqué del nombre.

Dándome una vuelta por internet uno observa que las críticas que se han hecho del disco son muy buenas. ¿Tienen importancia para vosotros estas críticas?

BERT: Son una motivación importante.

Refleja que todo el trabajo hasta que tienes el disco en las manos se ha hecho bien y ha dado resultados. Esos resultados son las críticas positivas y la buena acogida que estamos teniendo del disco. ¿Qué le pedís a este 2017 que acaba de empezar?

VICTOR: Le pedimos muchos conciertos, un buen puñado de buenas canciones para grabar el siguiente y salud. ¿Quizá le pedimos poco al 2017 no? (risas) Para terminar, el tema que cierra el disco “Otro tiempo vendrá” contiene una sorpresa. ¿Se grabó en la playa y en cual fue?

JOSE: ¿Madrid tiene playa? (risas) Fue una sorpresa que hicimos Jacobo y yo como bonus track del disco. Como curiosidad he de decir que Mike se enteró que estaba en el disco escuchando el master (risas).

Gracias por hacernos sentir como en casa, seguiremos haciendo música y ruido durante mucho tiempo y esperamos que nos sigáis de cerca (risas).

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Desde Madrid y para amantes del Rock&roll y el Blues y para aquellos que quieran degustar música de calidad se presentan The Perros Band una banda con un disco en el mercado que lleva por título “Mejor que ayer”. Un disco con ese sabor añejo de los 70`s comandados al frente por una voz femenina, Vio, que ejerce su papel a la perfección, poquito a poquito se van haciendo un hueco dentro de la escena musical.

¿En qué año se forma el grupo? ¿Os conocíais de otros proyectos?

El grupo se forma en 2011 y desde entonces hasta ahora ha ido pasando gente hasta ahora que parece que ya tenemos una formación más estable. La verdad es que no habíamos coincidido antes, pero todos habíamos estado en distintos proyectos de rock&roll y blues.

Vuestra música tiene clara influencia del Rock&roll y el Blues. ¿Cuándo formasteis el grupo teníais claro que este era el estilo que querías hacer?

Si, es la música que escuchamos y que

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más nos ha influido, la mayor parte de las composiciones son de un estilo soft rock con influencias del blues, pero a la hora de componer lo mismo te puede salir un tema de blues que algo más rockero o popero, pero si al final te gusta el resultado adelante con ello. No nos solemos cerrar a nada. ¿Cuáles son vuestras bandas cabeceras?

Cada uno tiene sus bandas preferidas y hay bastante variedad de bandas que van desde el hard rock al rock progresivo pasando por diversos estilos.

El año pasado publicabais vuestro primer Ep. “Mejor que ayer”. ¿Dónde lo grabasteis y quien se encargó de la producción?

Lo grabamos en el estudio “La nota” en Usera y fue autoproducido. Antes como The perros band habíamos grabado alguna maqueta pero pensamos que ya era hora de hacer una grabación más profesional.

Hay muchas bandas que vuelven a grabar todos a la vez como se hacía antaño para recuperar la esencia del directo. ¿Qué os parece esta forma de grabar y como lo habéis hecho vosotros?

Este disco lo grabamos por separado, primero las pistas de batería, luego bajo, las guitarras y por último las voces. Lo de grabar todos a la vez nos resulta muy atractivo, ya que se nota más frescura, más intensidad, también tienes más tensión para no joder la toma… (risas). De hecho, tenemos intención de grabar en un par de meses algún tema de esta forma en formato video. ¿Por qué llamar a este Ep “Mejor que ayer” igual que vuestra canción?

El titulo surgió porque nos parecía algo positivo, estábamos en un buen momento

después de otros peores y nos pareció que eso lo plasmaba, aunque luego el tema que trata la canción no sea precisamente muy positivo.

Grabar un Ep corresponde más a la mala situación musical actual que se vive en la música o quizás también porque ahora el público va más rápido y no se para a escuchar un disco al completo.

A parte del tema monetario que siempre es importante, al ser el primero que grabábamos juntos en un estudio queríamos también hacer un sondeo de cómo funcionaba la cosa. También al ser un Ep se hace la escucha más fácil y la gente se queda con ganas de más.

Velocidad, recuerdos, amores, desamores… ¿Tenéis cada uno su parcela en la composición o participáis todos de ella?

Hay de todo, hay canciones que las compone uno solo, otras que alguien trae una letra y otro le pone la música o viceversa, pero al final todo el mundo va aportando sus ideas para dar forma a los temas.

Para terminar, ¿cómo surgió la idea del nombre del grupo?

“The perros band” es un homenaje a todas esas bandas que escuchábamos y a las que queríamos imitar de jóvenes que solían ser banda que empezaban por The, The who, The doors, The ramones… Y lo de perros, porque nos gustaba ese rollo canalla de ser unos perros. Aunque haya gente en el grupo que no le guste demasiado… ¿Qué le pedís a este 2017 que acaba de empezar?

Tocar todo lo que podamos y volver al estudio de grabación para sacar otro disco.

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Sois una banda que bebéis de influencias de bandas como Nightwish o Rhapsody. Habéis definido a WonderOnce con la etiqueta “fantasy metal band”. ¿Habéis dado muchas vueltas a vuestra música hasta estar contentos con el resultado final?

Diría que, como muchos procesos creativos, WonderOnce tuvo un extenso periodo de búsqueda de un sonido propio. Está claro que nosotros tenemos influencias de bandas del estilo como las que mencionaste, pero siempre hemos intentado buscar hacer algo diferente, un poco a nuestra manera. El proceso fue largo y lleno de baches, pero estamos muy contentos con el resultado final.

En un momento en cual no se venden tantos discos y hay bandas que suben sólo sus canciones a plataformas digitales. ¿Por qué vosotros habéis querido publicar este primer disco “Freedom Odyssey”?

Nosotros optamos por publicar este álbum en CD un poco por la vieja usanza de tener tu música en un formato físico, algo que nos gusta a todos. Ciertamente, “Freedom Odyssey” también está disponible en numerosas plataformas digitales ¡no nos íbamos a quedar atrás! desde Itunes, Spotify e incluso nuestro propio BandCamp. Supongo que hemos querido abarcar el máximo rango de venta posible.

Vuestra música a la hora de grabarla es un poco compleja por los coros, la orquestación… ¿en algún momento pensasteis contar con alguna orquesta en directo para grabar el disco y os gustaría poder hacerlo en un futuro?

Es una música compleja a la hora de grabar y producir, como bien dices, por los varios elementos en cuestión que conlleva.

Hay muchísimo trabajo de estudio y aún más de producción después para montarlo todo. Nos interesamos en un principio por

averiguar si estaba a nuestro alcance utilizar una orquesta para grabar en estudio, y la verdad es que en ese entonces se nos iba de presupuesto. Sin embargo, una orquesta real siempre va a sonar mejor que una recreación digital, por lo cual es algo con lo que sin duda contaremos en el futuro.

Vuestras letras son historias, leyendas, mitología… ¿Qué nace primero las letras, la música? ¿Y qué buscáis con vuestras letras?

En el caso de WonderOnce, primero nace la música a raíz de la temática de la letra, y después de tener la música y líneas vocales listas es cuando escribimos las letras. Lo que podríamos decir que buscamos con nuestras letras, es facilitar al oyente la inmersión en nuestras atmósferas contándolo a modo historia para una mejor experiencia.

Vuestra música en la cual hay mucho de banda sonora… ¿Tenéis pensado realizar algún videoclip?

Sin duda haremos un videoclip que acompañe al carácter peliculero de nuestra música. Ahora mismo estamos valorando y planeando todos nuestros pasos para el 2017 y lo tenemos muy en cuenta. ¿Cuánto hay de teatro, audiovisuales… en los conciertos de WonderOnce y cómo se presenta cara al 2017?

Estamos en plena organización de todo lo que vamos a hacer en 2017 y por ahora tiene muy buena pinta, ¡pero no podemos desvelar nada aún! En los directos de WonderOnce hay mucho carácter interpretativo para que el público pueda acompañarnos en nuestro mundo fantástico.

Me ha gustado mucho la portada del disco, porque dice mucho de lo que me voy a encontrar en el CD, así como la imagen del grupo. ¿Quién se ha encargado de la portada y de la imagen? ¿Y es importante cuidar estos detalles?

¡Muchas gracias! La portada y todo el libreto han corrido a cargo de Pablo Mendoza Peces. Hoy por hoy todo se mueve por el aspecto visual y la imagen es muy importante.

Ya no a nivel de calidad de banda sino para la inmersión en la música, conseguir una imagen adecuada es esencial para representar lo que quieres.

Vuestro género musical es muy difícil verlo en grandes medios, televisión… pensáis que esta marginado o que tampoco lo tienen fácil el resto de bandas que hacen otro género de música.

No voy a negar que el metal en España siempre ha estado como en un segundo plano en comparación a otros estilos. Es algo que ocurre un poco en todo el mundo también, sin embargo, hay otros países del norte donde prestan más atención a este género. Se podría decir que no son estilos que alcanzan el estatus de música comercial pero siempre han tenido su público fiel.

Vuestro disco llego a nuestras manos por la agencia de promoción Top Artist Promotion. ¿Es necesario tener una agencia que se encargue de la promoción, y otros detalles externos?

En este caso pensamos que nunca debes intentar hacerlo todo tú solo y al mismo tiempo se debe tener también cuidado con los que vayas a trabajar. Nosotros con Top Artist Promotion & Vampire Productions hemos tenido mucha suerte y estamos contentísimos de los resultados obtenidos hasta la fecha. De todos modos, aunque la promoción debe correr a cargo de la misma banda a la hora de conseguir objetivos, obtener algo de ayuda siempre es beneficioso.

Desde Málaga nos presentan su nuevo disco “Freedom Odyssey” tras este proyecto se encuentra el suizoitaliano-español Andrea Montalbetti fundador, compositor batería y cantante principal. En su música se fusiona el metal con arreglos de bandas sonoras épicas al cual han llamado “fantasy metal band”. El grupo está compuesto por Liss Eventide a la voz y Nel Löse al bajo, Drakon Nahr como vocalista, German de Sotomayor a las Guitarras y Paola Rouge al violonchelo. lhmagazin.com 37

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Con dos discos a sus espaldas el quinteto castellonense liderado por los hermanos Samper, nos presentan su nuevo disco que lleva por título “Nada que perder”. El camino arrancó en el 2006 con la publicación de su primera maqueta “Money for beer”. Ahora a la banda les llueven halagos de los medios de comunicación por todos los lados, diciendo que es el mejor disco del grupo. Ahora, es tu turno de darles la oportunidad que se merecen, porque con este disco el progreso de la banda ha sido brutal, como su música. ¿Os está sorprendiendo la buena acogida que está teniendo el disco en los medios de comunicación?

La verdad es que es una grata noticia la buena acogida y repercusión que está teniendo en la prensa especializada, es una agradable sorpresa.

Escuchando el nuevo trabajo y comparándolo con vuestro anterior trabajo “Dos minutos más” lo primero que llama la atención es que el sonido del grupo es más duro y una producción distinta. ¿salió así o buscabais endurecer un poco más vuestra musica?

Los temas del nuevo disco empezaron a componerse en 2015 y es lo que nos ha salido de manera natural, ese endurecimiento es fruto de la evolución que te comentaba antes. En cuanto a la producción en este disco hemos contado con Alberto Marín que

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le ha dado un aire distinto a la producción de los dos anteriores discos que corrió a cargo de Bruno Esteban.

El disco se ha grabado y mezclado en Rockaway Studios (Castellón) por Alberto Lucendo. Me surgen unas preguntas. Antes de entrar en el estudio ¿mostráis al productor unos discos por donde queréis que vaya el sonido o sois una banda que dais rienda suelta al productor?

No, no mostramos discos con uno u otro sonido, buscamos nuestro propio sonido, los temas ya suenan potentes en el local de ensayo. En todos los discos hemos grabado unas demos previas a la entrada al estudio, a partir de esas grabaciones nos ponemos a trabajar con el productor. Es una visión externa que te ayuda a pulir detalles, que te puede dar nuevos enfoques e incluso aportar ideas. Damos libertad al productor para sugerir y probar todo lo que se le ocurra, pero la última palabra siempre la tenemos nosotros, (risas)….. Entrando en la producción de este disco creo que Alberto Marín ha realizado un trabajo estupendo, no sólo a la hora de orientar ciertas partes de las canciones y dar nuevos matices, en el tema de arreglos e instrumentación nos ha sido de gran ayuda. Incluso el último tema del disco “Rock” lo modificamos en una de las sesiones de pre producción con él tocando con nosotros, surgió todo de manera muy natural, la verdad es que se ha involucrado al 100% y nos hemos entendido muy bien.

Para la producción se ha encargado Alberto Marín (Def Con Dos, Ankhara, Kaothic y ex Hamlet, Skunk DF...) y vosotros mismos. ¿Cómo ha sido el trabajo conjunto en la producción y porque contar con Alberto Marín?

Como te he comentado ha sido una experiencia fantástica, ha captado perfectamente la esencia de las canciones y nos ha dado ideas que las han mejorado, sin duda.

Hemos trabajado mucho el sonido de las guitarras, las tomas de batería, las melodías

los coros, nos ha exprimido la verdad, (risas)… es súper profesional. Comenzamos a trabajar enviándole los temas, realizamos luego sesiones de pre producción con él en nuestro local de ensayo y de ahí ya al estudio con los deberes hechos, aunque siempre surgen nuevas ideas durante la grabación.

“Dejadme” ha sido el tema seleccionado como adelanto de “Nada que perder” del cual se ha rodado un videoclip. ¿Qué tiene este tema para que se haya elegido como adelanto?

Duro, potente y directo, además de una duración comedida, cosa a tener en cuenta a la hora de buscar un tema para este fin.

Si bien es cierto que las ventas de CD`s, vinilos… van subiendo poco a poco, todavía un público mayoritario sigue escuchando música en youtube. ¿Pensáis que es esencial tener un videoclip y no os da la sensación que a veces parece que prevalece más la imagen que la música?

Sí, es esencial, lamentablemente cada día la música es más un “producto de usar y tirar” y la imagen pues parece ser que en ciertos ámbitos tiene más valor que la música, triste, pero así es.

La situación social que existe en el país se ve reflejada en alguna de vuestras canciones. Es difícil dar la espalda a estos problemas. ¿Pensáis que las letras de un grupo son mucho más que eso, simple letras, que una canción da la oportunidad de contar un punto de vista?

Las letras son importantes, siempre sugieren o cuentan algo. En este disco son en algunos casos más directas que anteriores discos, son digamos menos “poéticas” y más realistas, aunque hay un poco de todo. ¿Qué planes más inmediatos tenéis para este 2017 que acaba de empezar?

La idea es promocionar el disco, hacer dentro de lo posible una gira de presentación, y quizás grabar algún nuevo video clip de los nuevos temas de “Nada Que Perder” Muchas gracias por darnos la oportunidad de aparecer en vuestro medio ¡Un abrazo!

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Quien la pelea lo consigue o los sueños si se persiguen se consiguen, eso es lo que le ha pasado a Alberto DBlanco. Empezó en el mundo de la música cuando apenas era un chaval, pero la cosa no cuajó y se quedó en un rincón del corazón. Con el paso del tiempo y la madurez y después de entender que la música no es sólo ser una rockstar ahora ve cumplido sus sueños, sus ilusiones, aunque no exento de esfuerzo y trabajo. Finales del 2015 publicó su primer disco “Nunca es tarde” como Alberto DBlanco y tiene una banda ya muy reconocida de versiones que se llama La Lola. ¿Cómo se siente uno al ver cumplido uno de sus sueños, como era el de tener un disco en la calle?

Me siento como “ un niño con zapatos nuevos”. La misma ilusión que tenía hace 20 años cuando ya soñaba con grabar un disco.

“Nunca es tarde” ha tenido una estupenda acogida por los medios de comunicación, no has parado de visitar radios, entrevistas para la prensa… ¿llegaste a pensar cuando dejaste la música que esto podría suceder algún día en un futuro?

Ni en el mejor de mis sueños me lo pude imaginar. Además cuando no te esperas nada, todo te sabe mucho mejor y lo disfrutas mucho más.

El disco está compuesto por cinco temas, que se han grabado en los estudios de TAF y que cuenta en la producción con nuestro gran amigo Alex Blanco. ¿Cómo surge la idea de grabarlo en TAF? La idea surge porque yo ya conocía una parte de TAF, y tenía muy buenas referencias sobre ellos. También gracias a Cesar Gálvez, productor musical de este proyecto, y responsable de las guitarras grabadas en el mismo, que confirmó una vez más, esas buenas referencias. Un placer poder contar con la familia TAF en este proyecto.

Sé que uno de tus artistas favoritos es Bruce Springsteen. ¿Hay más artistas y estos influyen a la de componer tu música?

Como máximo referente musical siempre ha estado y estará Bruce Springteen. Para mí, ha mandado musicalmente a nivel mundial, como lo han hecho muy pocos. Tiene gran culpa de que esté ahora mismo haciendo esta entrevista, y yo encantado de que así haya sido. No me puedo olvidar de Joaquín Sabina o El Último de la Fila, e internacionalmente de Tina Turner, o de Elvis o Bryan Adams, entre otros. Cuando compongo, procuro ser “yo”, aunque el estilo musical ahí está, y siempre será un fiel reflejo de la música que me acompañó desde bien pequeño.

Tenías claro antes de entrar a grabar “Nunca es tarde” que tenías que tener un gran elenco de grandes músicos y lo conseguiste. ¿Cómo fue la elección y cómo entraron a formar parte de este proyecto?

Principalmente porque ya nos conocíamos de tocar juntos, y creo que había bastante química entre nosotros, sin olvidarme que son músicos de primera línea de este país, y que por supuesto hicieron que todo fuera muy fácil. En este aspecto me he considerado muy afortunado. Todo un lujo para mí poder contar con ellos en este disco.

Mientras que estoy preparando la entrevista suena el tema “Tú” una de mis favoritas, su melodía es brutal, la música, la letra…

Además, es un tema que llega al corazón por lo que cuenta. ¿Qué le cuesta más a Alberto DBlanco hacer una buena letra o componer la música?

En mis momentos creativos musicalmente hablando, las melodías siempre aparecen antes que las letras. Si que tengo muy claro lo que quiero contar en cada tema, y por eso busco la melodía primero, para que el tema ya tenga el aire y estilo que le quiero dar.

“Te lo quiero dedicar” es un tema que está dedicado a una persona que pasó por un mal momento en el cual estaba en juego su vida debido al cáncer y que consiguió ganar el partido. ¿Dónde te encuentras más a gusto escribiendo sobre ti, sobre cosas que ves o historias que te cuentan?

No tengo preferencias, es cuestión de dar prioridad a mi necesidad de querer contar algo, a veces puede ser primera persona, y otras veces puede ser de terceras personas.

Aunque reconozco que siempre que he compuesto sobre alguna vivencia mía personal, la cosa se complica porque pienso que si habrá alguien a quien le pueda interesar. ¿Por qué grabar un Ep y no un disco y ya tienes pensado meterte de nuevo en el estudio este año para grabar nuevas canciones?

Tal y como se encuentra el mercado musical, fue lo que me recomendaron como carta de presentación. Ahora mismo me encuentro componiendo temas nuevos para grabar en breve, y que juntare con los de este EP, para intentar en este 2017, comenzar con una nueva “ promo “, e intentar estar en todos los sitios posibles para llegar al mayor número de personas con los que poder compartir mi música. Esa sería mi mayor ilusión para este año, lo que tenga que pasar a partir de ahí....el tiempo lo dirá.

En radios, prensa, redes sociales… la música de los 80`s y los 90`s no paran de sonar. Tú tienes una banda de covers de pop rock, La Lola con la cual dais muchos conciertos. ¿Antes había mejores canciones que

ahora? y ¿Esto es un problema para los grupos que empiezan?

Bajo mi punto de vista, en los 80 y 90 hubo mucha variedad musical y mucha de ella con calidad, de hecho, después de muchos años, siguen sonando sin parar en las radio fórmulas más importantes de este país, muchos de los “hits” de aquellas décadas, y eso no es una casualidad. Una gran parte de la música actual que nos pinchan las radios de este país, no tiene identidad, ni sello propio, todo me suena igual, sin llegar a sonarme. Sin lugar a dudas, me quedo con “ la movida madrileña”, o con el amplio abanico de la música pop internacional y que a día de hoy, sigue sonando de bien como el primer día. No consigo ver ni oír a los “ Simple Minds” de estos tiempos, ni tampoco a “Bon Jovi”, por ejemplo. No lo veo como un problema, lo veo como una muy buena oportunidad de irrumpir en el panorama musical con algo diferente a todo lo que nos tienen acostumbrados, aunque reconozco que el momento de la industria musical, no es el que era hace 20, o 30 años. Quiero pensar que algún día, volveremos a los 80 y 90.....seguro que sí. ¿Qué le pides a este 2017 que acaba de empezar?

A este 2017 le pido seguir disfrutando de la música, igual o más que lo hice en 2016. Y que todos seamos un poquito más felices que el año anterior, eso será un síntoma evidente de que el mundo marcha un poquito mejor.

Muchísimas gracias a LH MAGAZIN por vuestro tiempo, por vuestro apoyo, y por la labor tan importante que hacéis en el mundo de la música, y por supuesto, mis mejores deseos para todos vosotros en este 2017.

Un placer como siempre, y fuerte abrazo a tod@s.

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Desde un pueblecito Belmonte de Tajo, situado en la Comunidad de Madrid, nos llega esta joven banda que presentan su primer disco “El sótano del Gernika”. Un disco de rock en el cual nos encontramos detalles de jazz, blues y en ocasiones pinceladas de funky.

Un primer disco con mucha personalidad, difícil para ser su primer disco y por la corta edad que tienen los componentes del grupo. Paso a paso están consiguiendo que los medios de comunicación se fijen en ellos y poquito a poco se van haciendo un público fiel que les acompaña en sus bolos.

¿Cuándo y dónde comienza Indenakin?

En realidad, Indenakin comienza desde que era un niño con mi amigo Ángel Vázquez. Tocábamos en el parque, en el garaje de nuestras casas, en diferentes sitios y pienso que desde ahí fue donde se formó Indenakin.

Para ser vuestro primer disco nos ha sorprendido mucho vuestras canciones y como habéis conseguido un toque de personalidad en ellas, además hay un saxo, coro de

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chicas… ¿Fruto de la casualidad o intención de buscar algo nuevo?

Desde que empezó la primera composición con Ángel. Entonces apareció Martín Otegui, saxofonista, y compusimos muchos temas con saxofón pero por motivos laborales tuvo que irse a su país, Argentina.

Decidimos meter a Javier Camacho como saxofonista. Después cuando me metí en el estudio a grabar metí muchos coros con mi voz y pensamos que estaría bien plasmarlos en directo, ahí fue cuando aparecieron Elena Gostanza y Beatriz Yance.

En vuestra música nos encontramos guiños al Jazz, Blues, Funky… ¿Cuáles son las influencias del grupo?

Tenemos muchas influencias, desde toques de guitarra de Jimmy Hendrix, pasando por el estilo Red Hot Chili Peppers, Dire Straits, Fito... etc. pero nunca sin perder la esencia Indenakin.

En vuestro camino se ha cruzado Emilio Ortiz ex-manager de Mägo de Oz o Jorge Salán y un gran amigo nuestro. ¿Qué ha supuesto para Indenakin encontrarse en el camino a Emilio?

Una esperanza en el mundo de la música sabiendo que ha trabajado durante muchos años en esto. Desde el primer momento Emilio ha pasado a ser uno más de Indenakin.

El título del disco “El sótano del Gernika” hace referencia a un pub. ¿Dónde se encuentra este pub y que significa para vosotros este sitio para dedicarle el título de un disco?

Como bien dice el título del disco, el “Pub Gernika” está en Belmonte de Tajo que es de donde soy. Para nosotros, en especial para mí, porque es donde yo me he criado, en el que he escuchado muchísimos grupos de música, es el lugar donde trabajo hoy en

día y debajo del pub está el sótano que es donde han salido las canciones de este disco.

Por eso decidimos ponerle el nombre, “El Sótano Del Gernika”. ¿Dónde se ha grabado el disco y quien se ha encargado de la producción?

Para nosotros no había un lugar mejor que grabarlo en el sótano a los mandos de Ángel Hernández, nuestro técnico y amigo que como siempre hace un grandísimo trabajo.

Vuestras letras hablan de amor, amistad, drogas… ¿En qué os inspiráis para hacer las letras y son importantes para vosotros?

Son muy importantes, son mensajes en los que puedes movilizar a muchísima gente y sobre todo a la hora de escribir nos centramos en vivencias propias o muy cercanas.

De los temas “Llegan el tren” y “Los cuatro amigos” se ha realizado un videoclip que tienen una continuidad entre ellos. ¿Cómo surge la idea y tendrá continuidad próximamente?

La idea surge por intentar hacer algo nuevo y original que nosotros por lo menos no habíamos visto y creemos que es una buena manera de enganchar a la gente.

Hemos visto que tiene éxito y que engancha así que lo más probable es que sigamos con la historia.

Este es vuestro primer disco. ¿Con qué obstáculos os encontráis, si os los encontráis, para mostrar vuestra música?

Supongo que como todas las bandas que están empezando a dar caña en el panorama musical hay varios obstáculos, sobre todo el económico. Tiempo, ya que tenemos nuestros trabajos a parte y también los medios para poder grabar, pero aun así, si de verdad hay algo que te gusta, con sacrificio se consigue por muchos obstáculos que haya de por medio.

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¿Por qué dedicarte al mundo de la música?

Es lo que más me gusta y me apasiona hacer en la vida. Partiendo de esa premisa, creo que no hay nada más bonito que dedicarte a lo que realmente te hace feliz. ¿Qué supuso para ti quedar como finalista en el concurso internacional de cantautores en Melilla con tan solo 16 años y que al año que viene te volvieran a invitar?

Lo recuerdo con mucho cariño. Apenas había comenzado a enseñarle a la gente mis canciones, que con aquella edad e ilusión, era lo más grande que tenía en mi propiedad. De repente, un día se nos ocurrió a mi padre y a mi probar suerte enviando dos maquetas al Certamen de Melilla, que es uno de los eventos más importantes de la canción de autor a nivel nacional. Desde allí, consideraron que eran merecedoras de ir a la final. Viajé a Melilla a defenderlas y conocí a compañeros de profesión maravillosos. Fue increíble.

Es por todos sabido que no estamos viviendo los mejores momentos en la música, bueno, en el mundo de la cultura. Pero vender 4.000 copias de tu primer trabajo y sin apenas promoción es todo un logro. ¿Te sorprendió este hecho?

Me sorprende más cuando lo pienso ahora. En ese momento la verdad es que ocurrió todo de un modo muy natural, no teníamos promoción prácticamente, pero después de cada concierto la gente compraba el disco porque le habían gustado las canciones; es una forma muy sincera de comprar o de vender un disco.

Este primer disco te llevo de gira por todo el país. Las experiencias cosechadas en estos conciertos, las vivencias… ¿Sirven de experiencia a la hora de componer las nuevas canciones para “Ya Sabes Cómo Escribo”?

Lo cierto es que soy una persona que reflexiona mucho acerca de la inspiración: su aparición o desaparición y cómo buscarla.

Cuando uno tiene 18 años vive las cosas con muchísima pasión, todo te llama la atención, estás haciendo cosas nuevas continuamente.

Ahora que tengo 24 –aunque joven aún– la pasión sentimental por todo ha cesado un poco. Entonces: claro que ayudan los conciertos, pero no sólo por eso, sino por los viajes, la gente que conoces, las historias que te cuentan…

En tu música hay guiños al pop, al rock, regado con flamenco. ¿Es el flamenco uno de tus palos favoritos? ¿Cuáles son tus gustos musicales?

En mi DNI aparece una provincia maravillosa de mi Andalucía querida, eso lo llevo en la sangre y no lo puedo evitar: esto es lo que hay en mí del flamenco. Es algo en lo que no reparo mucho. Luego no escucho flamenco puro, es un estilo al que tengo mucho respeto, pero no está en mis listas de reproducción normalmente. En mis gustos musicales prima la música en español, porque es mi idioma y porque son las letras lo primero que me llama la atención en una canción.

Me encanta el Rock, la música de autor (¡hay una Generación de Oro en la música de autor española!), ahora estoy escuchando bastante rap también… Un poco de todo.

En este segundo trabajo hay un sonido mucho más definido. De nuevo has vuelto

a contar con Santi Villar y su equipo (Fernando Galindo en los arreglos, Luis Villa en la mezcla…). Comparándolo con tu anterior trabajo se ve que ha habido un paso muy grande en la producción. ¿Te ha sorprendido a ti y contento como ha quedado?

Volví a contar con Santi porque era lo más natural. En el primer disco quedé muy contento con el resultado, nos dio tiempo a conocernos y a trabajar las canciones que estaban saliendo. El equipo humano que hay a su alrededor es también maravilloso y trabajar con ellos es muy fácil, con lo cual me encantó repetir. El sonido está más definido por muchas cosas: cuando llegué a grabar el primer disco con 17 años, no había entrado en un estudio en mi vida, no tenía ni idea de cómo había que vestir una canción ni cómo se hacía, no llevaba ninguna idea de casa, simplemente un puñado de canciones a guitarra y voz. Cuando volví para grabar “Ya sabes cómo escribo”, tenía más o menos el disco grabado en mi cabeza; luego Santi puso lo suyo, Fernando lo suyo y cada músico lo suyo. Estoy encantado. ¿Qué buscas con tus letras?

Quiero pensar que son ellas las que me buscan a mí. No, no busco nada con ellas; al principio nacen de un modo terapéutico, a veces por necesidad imperiosa y otras para divertirme. Luego cuando salen de mi habitación y de mi casa ya son de la gente.

Me encanta, porque cuando la gente habla conmigo, hay interpretaciones para todos los colores. Está bien, cada uno lo adapta a sus circunstancias y su experiencia.

El disco se llama igual que la canción que aparece en el disco “Ya Sabes Cómo Escribo”. ¿Por qué elegir esta canción para dar título al disco?

Fue la primera canción que compuse para el disco, a partir de ahí supe cómo quería que fuese la columna vertebral del álbum.

En el libreto del disco hay una especie de poesía que explica el significado del disco.

“Ya sabes cómo escribo” es algo así como: ya sabes cómo pienso, cómo siento, como vivo. En resumen, cuando el público escuche el disco conocerá una gran parte de mí, que pongo el espejo en el papel y lo manifiesto todo escribiendo. Ya sabes cómo escribo.

Del tema “En esta mochila” se grabó un videoclip en el parque del Retiro de Madrid.

Como es el ser humano que hasta que no pierdes lo que tienes no sabes cuánto vale. ¿Hay algún momento en especial como la tristeza, la melancolía o la alegría para coger la guitarra y empezar a componer?

La tristeza es el mejor momento para que nazcan las canciones. Eso es así y lo ha sido siempre. Lo que ocurre es que últimamente también estoy cogiendo el gusto a escribir cosas alegres en momentos alegres. Al fin y al cabo, no hay que olvidar que la música es un instrumento que históricamente ha servido para amenizar las fiestas y para mostrar alegría.

“Solo nos separa la distancia” es un tema en el cual solo te acompañas de un piano y en ocasiones cercano a la copla. ¿Cómo surge esta canción y de dejarla desnuda?

La idea principal era producirla como todas las demás. Lo que ocurre es que la letra y el sentimiento que supura la canción pide dejarla así, desnuda. La tocó Fernando Galindo con el piano y la hicimos juntos. En ese momento decidimos inmediatamente que se quedase así; estoy encantado con el resultado. ¿Qué le pides al 2017 que acaba de empezar y que proyectos tienes en mente más cercanos?

Al 2017 le pido seguir aprendiendo y disfrutando cada día más. Que la experiencia me ayude a ser cada día mejor en todos los aspectos. Hay que sentir más.

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Estamos ante el primer trabajo de esta banda que viene de San Sebastián y que lleva por título “Esas cosas”. Tras este proyecto se encuentra Gorka L.P., toda una promesa de la escena musical. Un disco de rock, que en ocasiones roza el pop, donde las letras están muy cuidadas. Este disco se ha grabado en Sonola Studio (Aduna, Gipuzkoa) por Beñat Igerabide.

¿Cuánto tiempo hace que se formó el grupo? ¿Cómo os conocisteis?

El grupo se formó para la grabación de este disco, es decir, hace menos de un año.

Yo ya los conocía de verlos tocar en otras bandas, pero para formar el grupo que grabaría este primer disco tuve la ayuda de Beñat Igerabide, el productor del disco, que contactó con ellos personalmente.

Vivimos una situación para el mundo de la cultura muy difícil. ¿Qué es lo que os ha impulsado a grabar un disco y todo lo que con ello conlleva, promoción, conciertos…?

Yo llevo escribiendo canciones toda la vida, pero nunca me había animado a grabar, siempre lo dejaba para más adelante. Ha sido más bien una necesidad vital, es decir, reunir 10 canciones dignas de ser grabadas y decir: “Hasta aquí hemos llegado, ha llegado el momento”. Todo lo que vendrá ahora, conciertos y demás, nos lo tomaremos como un divertimiento. Sin presiones ni agobios, vamos a ver qué pasa.

Dándonos una vuelta por internet nos hemos encontrado que una de las frases que más ha gustado de Fito a Gorka es ésta: “Al cantar me puedo olvidar de todos los malos momentos, convertir en virtud defectos”. ¿Hay malos momentos cuando uno se dedica al mundo de la música?

Los únicos malos momentos vienen cuando estás seguro de la viabilidad de tu proyecto y no encuentras más que puertas cerradas. Es una lucha constante, aunque, por otra parte, viene bien que así sea y no te lo pongan todo en bandeja. Por lo demás, dedicar tu tiempo libre a escribir canciones y compartirlas con los demás es una vía de escape a la monotonía del día a día, por lo que todos son buenos momentos. ¿Cuáles son tus referentes musicales y estos se ven reflejados en vuestras canciones?

Aunque escucho prácticamente de todo, mis referentes a la hora de componer tienen que ver con el rock de autor en castellano: Joaquín Sabina, Fito Cabrales (tanto con Platero como en solitario), Quique González, Los Rodríguez (Ariel Rot, Calamaro), M Clan, Antonio Vega… Letras trabajadas y arreglos rockeros muy cuidados también. Esa tradición que viene directamente de Dylan.

Tus letras están muy cuidadas. ¿Qué te gusta contar en ellas y qué nace primero la letra, la música…?

Como digo en el libreto del disco, las can-

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ciones hablan de mí, de lo vivido, de lo que veo, de lo que sueño. En mi caso, siempre empiezo a trabajar con una letra, y una vez que va cogiendo forma, empiezo a trabajar con la música para terminar con la letra y con la música al mismo tiempo. Pero si con algo me parto la cabeza es escribiendo letras, cuidando la métrica, la rima… Siempre digo que si algo he aprendido del maestro Sabina es no dar por buena una letra a la primera, por eso le doy vueltas una y otra vez hasta intentar encontrar el verso casi perfecto.

Me ha sorprendido que en vuestras canciones nos encontremos con una sección de vientos o instrumentos como el chelo, un piano, percusiones, Hammond… creo que en el rock esto se echa en falta, aunque cada vez empieza a ver más grupos que se atreven a incorporarlos a su música. ¿No hay limitaciones en las composiciones de Sin Mala Intención?

La única limitación te la pone la misma canción, que es la que te pide los arreglos que debe llevar, aunque no siempre se acierta, claro. Las canciones crecen sobremanera si se añaden instrumentos como piano, órgano Hammond, saxo… Otorgan matices exquisitos que obligan al oyente a volver a poner el disco una y otra vez.

En vuestra música el piano, el Hammond está muy presente. Como por ejemplo en “Paseo de Francia”, “Canción al desnudo”… por cierto alucinante la voz de la chica que hace los coros. Pero en el grupo no hay un pianista, teclista… sois un cuarteto Jon Aira en la guitarra, Maria Soriazu en el bajo Bjorn Mendizabal batería y Gorka L.P. voz y guitarra. ¿Cómo se llevará esto al directo? ¿Os acompañara algún músico adicional en los directos?

Me alegra que cites los coros femeninos, los ha grabado la cantante Lidia Insausti, todo un lujazo. Y si el piano, órgano Hammond y wurlitzer suenan así es por Fredi Pélaez, todo un genio de las teclas.

Realmente, en las fotos promocionales aparecemos los músicos que hemos formado la “banda fija”, por decirlo de alguna manera, no es que seamos un cuarteto, ya que en los conciertos habrá teclados, claro. Es más, probablemente tengamos que actualizar las fotos más adelante. ¿Por qué grabar el disco en Sonola Studio y contar en la producción con Beñat Igerabide?

Beñat es un amigo mío de toda la vida, y además con un talento innato para la música. Ha estudiado Sonido en Los Ángeles y poco a poco ha terminado montando su propio estudio de grabación. Así que para qué elegir otro productor, ¿verdad? Se ha partido la cabeza en las mezclas, casi literalmente, y si el disco suena así es por su trabajo, fantástico. ¿Con qué trabas os encontráis las bandas que empezáis para hacer llegar vuestra música a un público masivo?

Básicamente, que hoy en día las emisoras convencionales o mayoritarias no pinchan nada nuevo, a no ser que hagas “pop mainstream” o lo que hace Enrique Iglesias. Es como la comida rápida, si no te entra en la primera escucha no sirve. Son las reglas del juego, es lo que hay. Por lo que llegar a un público masivo ha dejado de ser un objetivo para muchos de nosotros. Si conseguimos que nuestras canciones lleguen a esa minoría que se toma una parte de su tiempo para disfrutar y paladear a sorbos pequeños todos los matices que tienen las canciones, me doy por satisfecho.

Qué pensáis de que, en radios, prensa, redes sociales… se hable más de la música de los 80`s que de la música que se hace actualmente por bandas como la vuestra.

Hay una creencia de que cualquier tiempo pasado fue mejor, y de que ya está todo inventado. Es cierto que muchas bandas abrieron puertas inimaginables y que otros muchos lo hemos aprovechado para crear nuestra música, pero el contexto era muy diferente, por aquel entonces tenían el apoyo de los medios de comunicación y locutores de radio que tenían las orejas atentas a todo lo nuevo que pudiera llegar, cosa que hoy en día no pasa. Hablan de falta de referentes generacionales, pero yo creo que tiene más que ver con la falta de interés a la hora de encontrar a esos referentes. ¿Qué esperáis de este 2017 que acaba de comenzar?

Bueno, lo que esperamos es que la gente se vaya interesando poco a poco de estas diez canciones que estamos presentando, y empezar a tocar en directo en breve.

Avisaremos de las fechas en nuestra web y nuestro Facebook, así que os espero a todos.

Gracias por vuestro trabajo. Un abrazo y salud.

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Cuando uno piensa que es muy difícil que a estas alturas de la película le pueda sorprender una banda a uno, va y descubre a una banda como Beluga en un certamen de música, el I Certamen de Música del Muelle de San Blas, y lo ganan. Este certamen al cual se presentaron más de cien bandas sirvió para que diera nacimiento este proyecto que tienes entre tus manos y me reafirmara en lo que vengo pensando hace un par de años: que estamos viviendo el mejor momento en este país en el plano musical.

Desde que os vi salir por primera vez al escenario sabía que vosotros ibais a estar en la final, y eso que había un gran nivel.

Hasta yo mismo me quedé alucinado. Pero vosotros estáis a otro nivel y vuestra propuesta es altamente original. Primero ¿Qué sentisteis al ganar este certamen y viendo el nivel del que hablamos que había?

Una mezcla de asombro, gratitud y alivio.

Asombro porque, como dices, había un nivel de calidad musical en las rondas finales que daba susto. Grupazos como Pepe Peña & the Garden Band, Naranja, Morgans, Té Canela y bueno, todos en general sonando de lujo y además de una variedad de estilos muy amplia. Así que los primeros que no tenían ni idea de quién iba a ganar éramos nosotros. Gratitud también, porque este reconocimiento ha llegado en un momento clave para el grupo. El chute de autoestima que da el hecho de que alguien que no es tu madre te diga que vales la pena nos ha dado energía para pisar el acelerador a fondo. Y alivio bueno, porque el pellizco de euros del premio ha ayudado bastante.

Este certamen lo convocó el área de cultura del Distrito de San Blas-Canillejas al cual les damos las gracias por invitarnos como jurado y tratarnos de un modo tan profesional y por su puesto a los organizadores.

Dicho esto, me sorprendió aparte de la gran calidad de las bandas, la piña que hicisteis durante lo que duró el certamen. Creo que para cambiar la situación cultural que hay en este país se empieza por la unión entre bandas y apoyando en vez de criticar los proyectos en general. ¿Cómo vivisteis vosotros esta experiencia?

Hubo muchísimo buen rollo en el backstage, y es verdad que eso nos hizo la vida más fácil a todos. Este tipo de concursos son 5% tocar y 95% esperar detrás del escenario a que te llamen, así que tener buena compañía y compadreo durante ese 95% del tiempo se agradece siempre. Y si después de tocar continúas el compadreo hasta las 4 de la madrugada en Lavapiés, pues se agradece doble.

Hablemos de vuestra música. Decíamos que hacéis un estilo muy personal, ¿Fue preme-

ditado el buscar algo distinto o salió así el primer día en el local de ensayo?

Nada sale “el primer día” en el local, pero sí que es verdad que nuestro sonido se ha forjado a base de muchas horas de tocar juntos, de experimentar, de darnos tortazos creativos y de sudar y sangrar en general.

La única premeditación que ha habido en Beluga ha sido el “queremos sonar de puta madre”.

Encima del escenario escenificáis mucho las canciones y eso se agradece, casi rozáis el teatro. Cada vez que os vimos en el certamen en directo, nos sorprendisteis con algo nuevo. ¿Cómo surgen estas ideas?

La parte teatral de nuestro directo la pone Carlos, nuestro cantante. Que da la casualidad de que es actor. Tiene ese instinto de los grandes intérpretes para adentrarse en la música y llevarse al público de la mano en esas excursiones. En lo musical, siempre buscamos darle un sentido a nuestro directo y no limitarnos al clásico “tocar los temas tal cual están en el disco uno detrás de otro y a casita”. Jugamos a la interacción, a deconstruir las canciones, a improvisar pasajes instrumentales… Ya que la gente se deja los euros en vernos, queremos darles algo que haga que les merezca la pena haber salido de casa. ¿Qué os gusta contar en vuestras letras?

Son todas muy individualistas, en el sentido de que hablan de la experiencia vital en primera persona y tendiendo a la introspección. Hablan de los vaivenes de la vida, la incertidumbre en las relaciones con los que nos rodean, y la aceptación de la fragilidad e imperfecciones propias, y cómo estas experiencias internas te cambian y moldean.

El grupo se formó en el 2011 y tras algunos cambios entráis en el estudio para grabar Búmeran en el otoño del 2015 en los estudios El Lado Izquierdo la producción del disco corrió a cargo Manuel Cabezalí (Havalina) y con Dany Richter como ingeniero de grabación. Entre tantos estudios como hay porque decantaros por este y contar en la producción de Manuel.

Hemos sido desde siempre muy fans de Havalina, y Manu y su manera de entender la música han sido una gran influencia en nosotros y en Beluga por extensión. Así que cuando se empezó a rumiar la idea de grabar el disco, y se dio la circunstancia de que Havalina ensayaba en el local de dos puertas

más allá del nuestro, la elección fue obvia.

La producción y grabación fue fluidísima y un gustazo para todos los implicados, por todos esos años de “conocernos sin conocernos” por decirlo de algún modo.

Búmeran es el tema que cierra el disco y le da título, además de que te invita a empezar la escucha de nuevo, un tema con una magia muy especial. ¿Por qué elegir este tema para dar título al disco?

Hubo alguna encendida discusión acerca de qué título ponerle al disco, pero al final estuvimos de acuerdo en este. En parte por lo que evoca la palabra en sí: el movimiento, el vuelo, la agresión, lo exótico; nos identificamos con esas ideas. En parte también por el tema que cierra el disco y su letra. Ese “empezar de nuevo” tiene su parte literal, y es que este disco ha sido en parte un nuevo comienzo para la banda.

El disco contiene ocho cortes, me sería difícil destacar uno por encima de otro, creo que habéis conseguido ocho singles, pero quizás hay uno que me cautiva un poco más “Mis demonios”. Una buena letra, un tema con muchos arreglos, que va creciendo, con un piano precioso… La música que se escucha en radios, de los grupos que se habla en prensa, en redes sociales… casi siempre es de los 80`s. ¿Cómo afecta esto a un grupo como el vuestro?

No demasiado, la verdad. Nosotros sabemos a lo que queremos sonar y vamos un poco al margen de lo que lo esté petando en la radio A o en la revista B. Por supuesto, si oímos algo que nos flipa, nos influenciará, pero no buscamos imitar a nadie ni nos vamos a empezar a cardar el pelo porque nos digan que los 80 están de moda. ¿Qué planes más inmediatos tenéis para este 2017 que acaba de empezar?

Pues aparte de dilapidar el premio del concurso en juergas y coches de lujo como buenas estrellas de rock, hemos grabado un vídeo de Páramo en directo con Speaket, que podéis ver en Facebook y Youtube, y un videoclip dirigido por nuestra amiga Bárbara Magdalena que saldrá dentro de muy, muy poco. Además estamos cerrando conciertos para los próximos meses. ¡Gracias por dejarnos contar nuestra vida, y hasta la próxima!

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ASI SUENA MI GENERACION VOL.I

Morgans twitter (@MorgansBand) / Facebook (@morgansband)

Su música inspira pista de baile, el funk, el soul, el rock, con unas pinceladas de jazz, hacen de este primer disco de Morgans un disco que no está pasando desapercibido tanto por los medios como por el público. Los conocimos en el Primer Certamen de Música del Muelle de San Blas, aunque ya teníamos alguna referencia de ellos antes. Cuándo tuvimos la gran fortuna de disfrutar de su música en directo se han convertido en una banda indispensable. Con tan solo un disco en la calle que se publicó en el 2015 y un single “Suerte Que Ella Nunca Me Abandona” que se publicó el año pasado, ya estamos deseando escuchar nuevos temas.

¿Cuánto tiempo lleváis como Morgans?

La respuesta depende de lo que entendamos como Morgans, puesto que ha ido evolucionando con el tiempo. El origen surge casi desde la infancia de Juanma y Bitín (guitarra y bajo), cuando tocaban juntos por diversión durante los veranos en un acogedor pueblo de Ávila. A ellos se unieron posteriormente Jesús y Noel (teclados y batería), y en 2013 empezaron a dar conciertos con el nombre de Morgans y con un estilo que bebía mucho del funk y el rock. Pero no fue hasta 2015 cuando se forma el grupo tal cual lo conocemos hoy, con todos sus componentes. Ese mismo año, además, lanzamos nuestro primer disco completamente autoeditado.

Aunque ya conocíamos de vuestra existencia antes del Primer Certamen de Música del Muelle de San Blas fue en este dónde pudi-

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mos disfrutar de vuestro fuerte, el directo. ¿Qué pensáis certámenes como este y como ha sido la experiencia de participar en este certamen?

Nosotros nos lo tomamos como ocasiones magníficas para conocer a otras bandas y músicos y poder compartir y aprender con ellos. Antes de este certamen, tuvimos la suerte de participar en FESTIMAD TASTE y resultar ganadores en una de las categorías. Eso fue para nosotros una grandísima inyección de moral y de motivación para continuar con el proyecto.

Se presentaron más de cien grupos, con mucha calidad, y vosotros os alzasteis con el segundo puesto. ¿Os lo esperabais?

Es verdad que el nivel era muy alto, ya desde las semifinales pudimos disfrutar de un montón de compañeros con propuestas con muchísima clase, pero creemos que para ganar en estos certámenes lo más importante es ir motivado y creerse capaz de lograrlo.

Hay que darlo todo y estar mentalizado en que es posible. Tras la final estábamos convencidos de que acabaríamos en los primeros puestos, pero lo cierto es que acabó siendo toda una sorpresa para nosotros. ¿A que tenéis pensado destinar el premio?

Estamos en un momento de estancamiento. La ilusión del principio se ha ido desgastando, y las circunstancias propias de nuestros músicos nos hace muy difícil poder tener constancia. Nuestros componentes se han ido desperdigando por la península, y entre trabajos y estudios nos es complicado cuadrar fechas para ensayar y cerrar conciertos. Vimos en el concurso una última bala, un último empujón. Nuestra idea es dedicarlo a marketing y promoción y hacer que el proyecto despegue.

Comentábamos que vuestra música se nutre del funk principalmente, pero hay soul, rock, jazz… ¿Cuales son vuestros grupos cabecera?

Uff… somos un batiburrillo de tantos artistas y géneros que no sabríamos ni por dónde empezar. Cada uno de nosotros aporta un poco y luego termina en la amalgama que

es Morgans que no sabríamos casi ni definir y al final es un estilo propio.

Tenéis un disco que se publicó en el 2015 con ocho temas. ¿Dónde se grabó y quien se encargó de la producción?

Fue totalmente autoeditado. La grabación la hicimos en un centro de formación profesional de imagen y sonido, donde nos invitaron para que sus alumnos hicieran prácticas con nosotros. Nos dieron las pistas y Noel, nuestro batería que también es técnico de sonido, se encargó de hacer la masterización. Como puedes ver todo quedó en casa.

El año pasado os metíais en Reno Estudios para grabar un single “Suerte Que Ella Nunca Me Abandona”. Tema que se grabó en directo y del cual se rodó un videoclip. ¿Por qué grabar en directo y se grabaron más temas?

Si bien la experiencia de grabar el primer disco fue muy grata, el resultado lógicamente no estaba al nivel de una producción profesional. La idea original era grabar “Suerte que Ella Nunca Me Abandona” y montar un crowdfunding para financiar el resto del disco, pero al final retrasamos los planes. Estábamos tan contentos con el resultado que no pudimos evitar el lanzarlo inmediatamente. ¿Cuáles son las trabas más frecuentes que os encontráis para desarrollar vuestro trabajo?

En nuestro caso particular, nosotros mismos. Cada uno tiene su trabajo, o están en orquestas, y hace que cuadrar bolos sea imposible. Hoy mismo hemos rechazado un concierto por que no podían todos nuestros componentes. Vamos a intentar cambiar esto. ¿Qué planes tenéis para este 2017 que acaba de empezar?

Como comentábamos, invertir estos últimos premios en publicidad y promotoras que puedan dar visibilidad a nuestro proyecto. Gracias por llamarnos y darnos la oportunidad de contar nuestra historia, ¡nos vemos en los escenarios!

Texto: Soraya Machin | Fotos: Domingo J. Casas TOM ODELL

- Viernes 17 de febrero de 2017, Razzmatazz 2 - Barcelona.

- Sábado 18 de febrero de 2017, Sala But - Madrid.

TEENAGE FANCLUB - Jueves 23 de febrero de 2017, La Riviera - Madrid.

ÁLVARO SOLER

- Martes 28 de febrero de 2017, Teatro Barceló - Madrid.

- Miércoles 01 de marzo de 2017, Bikini - Barcelona.

JOHN MAYALL

- Lunes 13 de febrero de 2017 Teatro Nuevo Apolo - Madrid.

- Martes 14 de febrero de 2017, Teatro Victoria Eugenia - San Sebastián.

- Miércoles 15 de febrero de 217, Palacio de la Ópera - La Coruña.

- Jueves 16 de febrero de 2017, Auditorio Mar de Vigo - Vigo - Viernes 17 de febrero de 2017, Teatro de La Laboral - Gijón.

- Sábado 18 de febrero de 2017, Auditorio de Zaragoza - Zaragoza.

- Domingo 19 de febrero de 2017, Sala BBK - Bilbao.

- Martes 21 de febrero de 2017, Sala Apolo - Barcelona.

ROYAL REPUBLIC

- Sábado 04 de marzo de 2017, Sidecar - Barcelona.

- Domingo 05 de marzo de 2017, Caracol - Madrid.

BLACKBERRY SMOKE - Martes 07 de marzo de 2017, La Riviera - Madrid.

- Miércoles 08 de marzo de 2017, Apolo - Barcelona.

BEAR’S DEN

- Miércoles 15 de marzo de 2017, Bikini - Barcelona.

- Jueves 16 de marzo de 2017, El Sol - Madrid.

KORN

- Viernes 17 de marzo de 2017, WiZink Center - Madrid.

- Sábado 18 de marzo de 2017, Sant Jordi Club - Barcelona.

STING

- Martes 21 de marzo de 2017, Sant Jordi Club - Barcelona.

Moby Dick - Madrid - Viernes 31 de marzo de 2017, Bikini - Barcelona.

Arkena Rock Festival(ARF)

- Jueves 23 de marzo de 2017, Gran Teatre del Liceu - Barcelona

- Jueves 04 de mayo de 2017, Kafe Antzokia - Bilbao - Sábado 06 de mayo de 2017, Sala Capitol - Santiago de Compostela - Viernes 12 de mayo de 2017, Trui Teatre - Palma de Mallorca.

- Sábado 13 de mayo de 2017, Teatro de las Esquinas - Zaragoza.

- Sábado 20 de mayo de 2017, Gran Teatro del Liceu - Barcelona.

- Jueves 25 de mayo de 2017, Teatro Jovellanos - Gijón.

- Viernes 26 de mayo de 2017, Teatro López de Ayala - Badajoz.

- Sábado 27 de mayo de 2017, Teatro Lope de Vega - Sevilla.

US THE DUO

JOAQUÍN SABINA

- Viernes 7 y Sábado 8 de julio de 2017, Riaza - Segovia.

YOU ME AT SIX

- Jueves 09 de marzo de 2017, But - Madrid.

Viernes 10 de marzo de 2017, Apolo - Barcelona.

BUSTED

- Lunes 20 de marzo de 2017, Apolo - Barcelona.

- Martes 21 de marzo de 2017, But - Madrid.

STEVE HACKETT

- Sábado 1 de abril de 2017, La [2] de Apolo - Barcelona - Domingo 2 de abril de 2017, Moby Dick - Madrid.

BRUNO MARS

- Lunes 03 de abril de 2017, WiZink Center - Madrid.

- Viernes 07 de abril de 2017, Palau Sant Jordi -Barcelona.

SCOTT BRADLEE’S POSTMODERN JUKEBOX

- Domingo 18 de junio de 2017, Estadio de la Cartuja - Sevilla.

- Miércoles 21 y jueves 22 de junio de 2017, WiZink Center - Madrid.

- Miércoles 28 de junio de 2017, Palau Sant Jordi - Barcelona.

- Martes 18 de julio de 2017, WiZink Center - Madrid.

FOREIGNER MARBELLA - Club de Tenis Puente Romano domingo, 11/06/2017 22:00 h

John Fogerty+Cheap Trick+The Cult+Hellacopters+The Meteors+Loquillo - 23/24 de Junio. Vitoria

AEROSMITH

- 29 de junio de 2017, Rivas Auditorio - Madrid - 02 de julio de 2017, Rock Fest - Barcelona.

- 08 de julio de 2017, Estadio Heliodoro Rodríguez López - Santa Cruz de Tenerife.

HUERCASA COUNTRY FESTIVAL

RESURRECTION FEST

Rammstein - Dropkick Murphys Arch Enemy - Rancid …

- Miércoles 5, jueves 6, viernes 7 y sábado 8 de julio de 2017, Viveiro – Lugo

MADCOOL Festival 2017 Foo Fighters+Green Day+Kings of Lions+Wilco+Ryan Adams+ - 6/7 y 8 de Julio Madrid

- Sábado 08 de abril de 2017, Auditori del Fòrum Barcelona.

- Domingo 09 de abril de 2017, La Riviera - Madrid.

LUKAS GRAHAM

- Lunes 10 de abril de 2017, Razzmatazz - Barcelona.

- Martes 11 de abril de 2017, La Riviera - Madrid.

PLACEBO

- Jueves 27 de abril de 2017, Razzmatazz 1 - Barcelona - Sábado 29 de abril de 2017, WiZink - Center - Madrid.

- Sábado 06 de abril de 2017, Palacio de los Deportes de La Rioja.

THE JESUS AND MARY CHAIN

- Sábado 29 de abril de 2017, Razzmatazz - Barcelona.

- Domingo 30 de abril de 2017, La Riviera - Madrid.

SIMPLE MINDS

- Domingo 30 de abril de 2017, L’Auditori 18 Festival del Mil.lenni - Barcelona.

- Martes 02 de abril de 2017, Teatro Circo Price - Madrid.

SHAWN MENDES

- Martes 09 de mayo de 2017, Barclaycard Center - Madrid.

- Viernes 12 de mayo de 2017, Palau Sant Jordi - Barcelona.

SATELLITE STORIES

JARABE DE PALO

GUNS N’ROSES

- Domingo 4 de junio de 2017, Estadio Vicente Calderón - Madrid

ARIANA GRANDE

- Martes 13 de junio de 2017, Palau Sant Jordi - Barcelona

HIM

- Miércoles 14 de junio de 2017, Apolo - Barcelona.

- Jueves 15 de junio de 2017, La Riviera - Madrid.

DOWNLOAD FESTIVAL ESPAÑA

Linkin Park - Five Finger Death Punch - Motionless - In White Touché Amoré - Hacktivist System of a Down - The Cult - Opeth - Every Time I Die - Zakk Sabbath - Code Orange - Myrath Prophets of Rage (Feat. members of Rage Against the Machine, Cypress Hill, Public Enemy) - Nofx - In Flames - Apocalyptica - Ministry - Suicidal Tendencies Deafheaven - Sólstafir - God Damn - Jueves 22, viernes 23 y sábado 24 de junio de 2017, Caja Mágica - Madrid.

BARCELONA BEACH FESTIVAL - BBF’17

Axwell & Ingrosso - Armin Van Buuren - Dimitri Vegas & Like Mike - Hardwell - Kygo - Martin Garrix - Lost Frequencies - Kittens - Brian Cross - JP Candela - Jordi Vèliz Marsal Ventura.

- Sábado 15 de julio de 2017, Platja del Fòrum i Park de la Pau Barcelona

GEORGE BENSON MARBELLA

- Club de Tenis Puente Romano viernes, 21/07/2017 22:00 h

- Jueves 30 de marzo de 2017,

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Novedades INSOLENZIA “EN DIRECTO”

Carcajada Records/ Santo Grial

MARCUS I & THE TUCXON ARMY INNER CALLING Tucxone Records @MarcusIreggae

Desde que le dimos la primera escucha a este disco enseguida nos vinieron a la cabeza grandes artistas clásicos del reggae como Bob Marley, Eddie Grant… conservando esa esencia, pero sin olvidarse de que ya hemos cambiado de siglo, nos encontramos con once canciones con una producción exquisita y temas que viajan a través de este apasionante género musical.

Marcus I fue vocalista del grupo de soulful reggae Tasty grooves con el cual se dio a conocer a nivel local y más tarde a nivel nacional e internacional. Este es su primer trabajo y ha contado con la inestimable ayuda con la banda Tucxone records en el cual trabaja aparte como compositor y músico de Soul y reggae (Shirley Davis & The Silverbacks…).

Un disco muy recomendable.

ADÁN CARRERAS ARBORICANTOR Autoproducido

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@Adán-Carreras Ha pasado por grupos como La Oveja Negra, Gris, La Oreja Universal, La Cabra Mecánica… ha participado de forma muy activa en la escena madrileña de la canción de autor, ha colaborado como compositor, guitarrista y bajista, con diferentes artistas en los ámbitos de la música popular brasileña, el pop y el rock y muchas más cosas que nos robaría espacio para hablar de su primer ep en solitario. Ha sido producido por Julio Aloso y el mismo Adán cuenta con cinco canciones a las cuales debes prestar atención porque en cada escucha iras descubriendo un nuevo arreglo que se escapó en la anterior escucha. Un disco en el cual se puede apreciar un resumen de toda su faceta artística a lo largo de todos estos años en detalles que ha dejado plasmado en las canciones. La canción de autor, la rumba, el folk… un disco difícil de clasificar, pero muy fácil que te enamore.

ZEA MAYS HARRO

Garden Records www.zea-mays.com/es/

DISCO DEL MES Cuantas veces se ha hablado del relevo generacional, de la actitud, de la puesta en escena, del compromiso de una banda con los problemas sociales, de la autogestión… Pues aquí esta Insolenzia para acallar todas esas lenguas con este disco “En Directo” que confirma que la banda dejo hace tiempo de ser una banda revelación, que pueden corearse de tú a tú con cualquier banda de esas que están de cabecera en los festivales. “En directo” muestra la fuerza del grupo en directo y las grandes canciones que Insolencia han ido fraguando en todos estos años, que con el paso del tiempo incluso saben mejor. Un directo que cuenta con colaboraciones como las de el gran Iker Piedrafita (Dikers), su padre Alfredo Piedrafita (Barricada, Miss Octubre), Daviz Rodríguez (Mala Reputación), Odón Serón (El Cuarto Verde), Fernando Madina (Reincidentes), Enrique Cabezón (EnBlanco), Antonio Abengoza (Yeska), Diego “Chaco” (Los Pirris), Juankar Cabano (Boikot). Como nos tienen habituados en sus anteriores discos, todo cuidado al detalle. En esta ocasión viene acompañado de un libro de 100 páginas repleto de fotos, comentarios de periodistas, de sus fans… además de un DVD con una espectacular película documental “Yo nunca quise ser normal” en la que aparecen grupos como Marea, Bokot, Barricada, Reincidentes… dejando su opinión del grupo y hablando de la situación cultural de este país. Acompañados de grandes amigos periodistas, y en el cual aparece Juan Rodriguez director de LH Magazin Music. Por su puesto no podía faltar el concierto en DVD y en formato doble CD. Los que conocemos al grupo, sabemos el trabajo y esfuerzo que ha habido detrás para que esta obra de arte se llegue con esta gran calidad a vuestras manos. Esto sí que es un pedazo de historia del rock que quedara enmarcado para siempre en nuestro rock.

Insolenzia somos todos!!!

Con unos cuantos años a sus espaldas esta banda se formó en Bilbao en 1997, han presentado su música por todo el país, pero también han realizado escapadas a Amsterdam, Liverpool, Berlín, Londres, Toronto, Tokio, Nagoya… El próximo 11 de marzo estarán en Madrid en la Sala Wurlitzer presentando su último disco con el cual nosotros les hemos conocido y nos ha dejado impresionados. Catorce temas son los que componen “Harro” que navegan por el lado del rock, pop, la electrónica… un disco sin perjuicios y en el cual las melodías, aunque esté cantado en euskera, invitan en todo el momento a tararear y moverse sin parar. Este es el octavo disco del grupo que ha participado en innumerables festivales. Ha sido grabado en los estudios Tio Pete (Urduliz-Bizkaia) con Jose Lastra como técnico y producidos por el prestigioso productor Londinense Dave M. Allen, que es conocido por sus trabajos con The Cure, como “Disintegration” “The head on the door ” o con otros grupos como Depeche mode, The sisters of Mercy, Neneh Cherry o bandas más actuales como los daneses Reptile youth.

MATT BIANCO & NEW COOL COLLECTIVE THE THINGS YOU LOVE

earMusic hwww.newcoolcollective.com Cuando se juntan dos grandes de la musica como Matt Biando y New Cool Collective el resultado es un disco redondo en el cual se respira armonía por todos los costados. Esta comunión arrancó en un Ep que contenía cinco pistas. Cuatro de ellas eran nuevas canciones y una de ellas era el hit “Don`t Blame It On That Girl” de Matt Bianco. Tras la gira que hizo el grupo con un éxito increíble decidieron meterse en el estudio para dar forma a nuevas canciones. No me puedo olvidar de destacar el tema “Cry” con la súper colaboración de Elisabeth Troy, cantante de Clean Bandit llevándose el tema a una versión más swing. Un disco que escucharás una y otra vez, con una producción exquisita, muy setentera, y en la que melodía, voces, instrumentación, están muy cuidadas.