L'OFFICIEL ARGENTINA AUGUST 2022

VALERIAGOMEZ Unica LOVATODEMI Renacida BENEDETTAPICCIOLI Nombre y apellido VALENTINAZENERE Buena estrella PROXIMA ESTACION Primavera 22 AGOSTO-SEPTIEMBRE 2022 Nº $70INTERIOR$1.50038

SIMONETTAORSINI.INFO

Las redacciones y la vida de los periodistas no se parecen a los mitos que circulan. Llueve en Buenos Aires y las noticias no son buenas mientras cerramos la edición que estás leyendo. Llevo días caminando por la ciudad y tarareando obsesivamente Barro Tal Vez. No sé si es un mantra para abrazarme en las inclemencias y dar lugar a una fusión que quizá se llame la primavera. Valeria Gómez sonríe en la tapa con su sonrisa perfecta, la de los dientes separados. Vaya a saber dónde se ocultaron el sol y la brisa de la armonía. Quiero suponer que el mundo y nuestro metro cuadrado irán mejorando mientras suena la canción. Ajena a los acontecimientos aguarda una semilla que puede esperar hasta treinta siglos sin florecer ni perder la fertilidad. Se trata de la flor de loto, un lirio de agua cuyas raíces se hunden en el fango. Estoy segura de que la ligereza del tallo sagrado y la poesía de esa flor es la metáfora de la resiliencia en el caos.

Si no canto lo que siento Me voy a morir por dentro He de gritarle a los vientos hasta reventar Aunque solo quede el tiempo en mi lugar Si quiero me toco el alma pues mi carne ya no es nada He de fusionar mi resto con el despertar Aunque se pudra mi boca por callar Ya lo estoy queriendo Ya me estoy volviendo Canción barro tal vez…

Luis Alberto Spinetta, Barro Tal Vez, 1982

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Solo por hoy

ANA TORREJON

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JOYAS

Pieza central en las colecciones de Simonetta Orsini, el anillo Lady Di trasciende tiempo y espacio. Fue diseñado para ser compartido por

Un anillo doblemente favorecido por el gesto creativo y por el destello de sus materiales. Lleva oro blanco y un rubí central rodeado de catorce brillantes. “Para que nuestra colección de joyas sea realmente un símbolo de perfección hemos heredado el cuidado del detalle. Desde la elección de los materiales más nobles hasta la elaboración a cargo de personal altamente capacitado”, dicen en Simonetta Orsini, un sello que lleva el legado de cinco generaciones dedicadas al di seño de joyas y a la comercialización de piezas de alta relojería. “Este anillo es parte de nuestro ADN. En función de la temporada lo presentamos con diferentes piedras preciosas como rubíes, esmeraldas o zafiros”. @simonetta.orsini

NOCHEgeneraciones. brillante

YSLBEAUTY.COM THE EAU DE PARFUM

Otro cambio decisivo, algún tiempo antes, fue su partida de la típica. “Me costó mucho tomar la decisión de dejar la Fernández Fierro. Para mí fue un gran amor la orquesta. De hecho, durante mucho tiempo tuve un dolor muy fuerte en el pecho y llegué incluso a hacerme tomografías, hasta que entendí lo que me pasaba”. En la despedida, quedó flotando en el aire un compromiso con el contrabajista Yuri Venturín, director de la Fernández Fierro: el proyecto de un disco, que finalmente acaba de concretarse. La orquesta típica, dice, es como un tren, “y si te caes te pasa por encima”. En el álbum Cabeza negra la acompaña una formación atípica: cuatro ban doneones y un contrabajo. También asoma una caja coplera,

Por IRENE AMUCHASTEGUI Foto ALEJANDRA LOPEZ lado y siempre terminaba en el norte argentino o en Bolivia o Perú. Pero siempre viví en Buenos Aires y al palo. Duran te la pandemia en la ciudad se intensificó un deseo de irnos: Lucrecia quería volver a Salta, yo me prendí enseguida y me gusta mucho. Encontré una comunidad que siento muy afín, con la que se generan muchos encuentros”.

Entre la trasnoche tanguera de Almagro y el amanecer coplero en los Valles Calchaquíes, se está escribiendo la historia de Julie ta Laso. Esta porteña era la voz de la Orquesta Típica Fernández Fierro que fundó y anima el Club Atlético Fernández Fierro (CAFF), meca de un circuito alternativo de yumba punk en el que Pugliese es estampita. Ahora la descubrimos en Instagram besando un portentoso zapallo criollo que le brindó Pachama ma en La Calderilla, el paraje salteño donde trasladó su hogar. Cantante, también actriz, en plena pandemia terminó de darle forma al proyecto de instalarse en Salta, junto con la cineasta Lucrecia Martel, que nació en esa provincia y es su pareja desde hace seis años. “Voy caminando por el cerro y me pregunto: ¡¿esto es verdad?! ¡No puedo creerlo! Nunca me imaginé que iba a vivir en el norte, aunque desde chica su tremenda diversidad me produjo una fascinación total: iba a los carnavales, a los encuentros de copleras, viajaba de chica con mi madre, y cuando fui más grande, con amigas. Casi no conozco el sur, todos los años me proponía ir para otro Julieta Laso se siente atemporal, cabeza negra como el título de su último disco y fanática de Tita Merello. Desde que vive en Salta con su pareja Lucrecia Martel incorpora la copla y los ritmos del norte a su estilo urbano y tanguero.

DICESE de mí

MUSICA 34

porque el disco tiene algo de los dos mundos. “Le puse Ca beza negra porque me considero cabeza negra: la música que hago es el país que me identifica, frente a la locura de otros por mirar a Europa. Al tango lo fui soltando un poco, pero nunca lo voy a soltar del todo: siempre va a estar en mi vida porque es algo que amo. En este disco hay temas de contem poráneos como Palo Pandolfo o el Tape Rubín, y yo me animé a escribir alguna cosa chiquita. También hay folclore, temas de Horacio Guarany, un compositor inmenso que para mí sigue siendo un descubrimiento, y de Daniel Toro. Por pri mera vez, en este disco, aparece el norte fuertemente”. Hasta el colosal tocado que la corona en el arte de tapa tiene mar ca de origen: una descomunal melena ensortijada hecha de gruesas mangueras recicladas como las de equipos de venti lación, diseñada por Gabriel Mechulan-Katrina Raissa, drag queen de Palpalá, provincia de Jujuy. Mientras marea en la boca un acullico que le hincha la mejilla, Julieta cuenta: “Ka trina hace unos trajes y unos maquillajes increíbles. Ganó un concurso de drag queens que se hace en la televisión salteña.

Con ellas amaneció cantando en la última Serenata a Cafayate, escala inicial de una recorrida exhaustiva de festivales folclóri cos que se propone Laso. “Mariana me invitó a cantar un tema, fue una especie de bautismo. Y también fue la primera vez que cantó Lorena Carpanchay. Toda una experiencia, con la gente llegando desde los pueblos, viviendo el folclore con una garra tremenda. Anduvimos las tres por todo el festival y cuando sa lió el sol terminamos entre los cerros rodeadas de bombistos”. Mercedes Simone y Tita Merello pueblan desde la infancia su olimpo personal. “Me siento un poco atemporal. Nací vieja”, asegura. “Desarrollé un fanatismo raro por Tita Merello, des medido e incomprensible para mi generación. Yo era muy chica, tal vez habré escuchado en la tele “Se dice de mí”, la cuestión es que me obsesioné. A los catorce o quince años, compraba los casetes. Me aprendí todos los temas con cada punto y coma, tal como los hacía ella, y los cantaba frente al equipo de música. Es un personaje que amo. Miro sus entrevistas y me vuelvo loca. De chica era un amor tan grande el que le tenía que mi mamá llegó a ofrecerme que fuéramos a visitarla, pero no me animé”.

Lo descubrí hace poco y me volví fanática: se llama Juego de reinas , lo encontrás en YouTube. Es el último programa que uno imaginaría en la televisión de Salta. Katrina fue reina en la primera temporada, nos conocimos y pegamos muchísima onda. En la segunda temporada vamos a tener una participa ción con Lucrecia y con Valeria Bertuccelli como jurados”. Salta es el escenario de Terminal Norte, el mediometraje de Lucrecia Martel que reunió a Julieta con las copleras Mariana Carrizo y Lorena Carpanchay –primera coplera trans de los Valles Calchaquíes– y que se estrenó este año en la Berlinale.

La música la trae a Buenos Aires con cierta frecuencia, y el teatro la lleva por las provincias como “la Juanita” de Ojo de pombero , comedia rural o drama bizarro según la definición del director y dramaturgo Toto Castiñeiras. “Es una obra muy coral y me siento muy bien haciéndola. Después de más de diez años sin hacer teatro, estoy disfrutando estas funciones, que se van programando en distintos puntos del país”. Dice que en La Calderilla, a doce kilómetros de Salta, se en contró con el silencio. “Todavía no viví la casa a fondo. No sé cuánto tiempo tarda uno en entender lo que significa estar vivien do frente a un cerro. Es mi primer encuentro con la naturaleza. Me copo con las plantas. Me quedo en silencio. Yo que nunca había salido de Buenos Aires, siento que algo muy bueno está pasando en mi vida. Es un cambio muy grande y me gusta mucho. Me estoy transformando. Todavía no podría decirte en

qué…” n “VOY caminando POR EL CERRO Y ME pregunto: ¡¿ESTO ES verdad ?! ¡NO PUEDO creerlo! NUNCA ME imaginé QUE IBA A VIVIR EN EL norte ”. Concept.BeautyAuthenticynwnoproductosConschoolmakeupgkabukiparaPuchetaMartinaMaquillaje: 36

L’HISTOIRE L’HISTOIRE Sesión fotográfica para la colección Ramírez 2015. Foto de Val-Musso. Cortesía: PENGUIN RANDOM HOUSE 38

“La foto pertenece a Bien Común , la colección de Pablo Ramírez del año 2014. En esa ocasión, él reunió a un grupo de mujeres que no eran de la moda y que evocaban el mundo de Victoria Ocampo. Tengo puesto un tailleur muy estricto en crepé de lana negro –por supuesto– largo hasta el tobillo, con una chaqueta pegada al cuerpo. Debajo, una camisa blanca de algodón divina como todas las que hace Pablo. En la solapa me puse una orquídea natural. Victoria, que no fue una víctima de la moda, siempre, siempre se ponía en la solapa una flor fresca que cortaba de su propio jardín ¡Mirá que cosa tan elegante! En la foto tengo un perfil literario e introspectivo más que de moda. Me veo severa con ese peinado muy liso y el maquillaje, yo jamás uso un rouge fuerte en los labios”.

CRONICA de vida

Felisa Pinto entiende la moda como un lenguaje, al igual que las artes plásticas o la arquitectura. Tal vez por eso sus memo rias están impregnadas de ese registro. Las tertulias políticas en Totoral –en su Córdoba natal–, los movimientos de vanguardia, las veladas aristocráticas, la bohemia familiar, el despertar ciné filo y la pasión por la música fueron moldeando tanto su visión del mundo como un sentido estético singular. Bajo esa mirada única, siempre se acercará a lo nuevo del mismo modo que cuando escuchó por primera vez mú sica dodecafónica ejecutada por su padre: con sorpresa y encantamiento. Su formación cul tural, junto con sus dotes de socialite, hicieron de ella una it girl mucho antes de que naciera el concepto. Como periodista se desempeñó en las redacciones de Primera Plana, La Opinión, Damas y Damitas, Confirmado, Atlántida, Para Ti , La Nación y Página12, por citar algunas. Como corresponsal en Europa a comienzos de los años 1960, entrevistó a buena parte de la in telectualidad que habitó su imaginario adoles cente. La lista de las personalidades argentinas con las que alternó sus días es inabarcable, basta con decir que entre sus vínculos y amistades se encuentran las figuras más estimulantes de la cultura local. Sus aportes a la moda argentina van desde un nuevo abordaje periodístico a la materia hasta su participación en la creación de la Carrera de Diseño Textil e Indumentaria de la UBA. En sus crónicas siempre alentó la imaginación y la irre verencia de quienes se animaron a crear con sello propio. CHIC. Memorias Eclécticas es una lección de estilo –aunque no pretenda serlo– escrita en clave de lujo atemporal. Son enseñanzas infe ridas de los relatos de una mujer que conoce el secreto de haber vivido siempre fiel a sí misma. El libro publicado por Penguin Random House estará en las librerías a partir de septiembre.

En pocos días sale su libro de memorias con experiencias personales e instantáneas de la escena social, política y cultural argentina. Una charla exclusiva con la periodista pionera de la crítica de moda y tendencias.

ACERCA DE CHIC “Los franceses inventaron el término ´chic´ en el siglo XIX para transmitir algo que yo he sentido que me representa. Lo he incorporado desde siempre a mi vocabulario. Para mí, ser chic es estar a la moda pero a la manera propia, reflejando cada personalidad y sabiendo qué es lo que te queda bien, sin exageración ni pretensión. Elegancia extrema natural, en lo posible. Los franceses decían chic casi exclusivamente en materia de moda, luego, los ingleses lo hicieron extensivo a situaciones, objetos y personas que supieran elegir una forma elegante de vivir. Resumiendo, tener estilo”.

Por ANDREA LAZARO

Su charla era extraordinaria. En París yo me vestía con la poca plata que ganaba como corresponsal. Encontraba cosas divinas en las tiendas Prisunic –las más baratas– en Printemps y en Galeries Lafayette. Todo el mundo decía que estaba elegantísima ¡Con tres pesos! Tengo puesto un pantalón capri y una camisola amplia estampada con motivos geométricos en verde y azul, ambos de poplín. A la salida de Lafayette había encontrado un pañuelo de gasa ¡Fijate qué raro! color verde agua. Como estaba todo el día en el mar y en aquel entonces no se podía, bajo ningún concepto, asistir a eventos sociales con el pelo mojado, empecé a usar pañuelos de seda en la cabeza. También usaba las famosas alpargatas catalanas que veo que ahora están de última moda. Como única joya llevaba una pulsera de plata boliviana que había sido de mi madre. Todavía conservo el pañuelo y la pulsera. En esas tiendas también compraba unas copias muy bien hechas de unos vestidos de jersey con estampados Pucci. Así iba a los cócteles importantes, vestida de ‘falso Pucci’, algo que me causaba mucha gracia y me encantaba hacer”.

Con Jacques Prévert en su casa de Antibes, 1963. Foto de François Delaporte. Cortesía: PENGUIN RANDOM HOUSE Retratada por Rolando Paiva, con ropa diseñada por Rosita Bailón: palazzo, soutien y capelina de algodón con motas blancas y negras, c. 1970. Cortesía: PENGUIN RANDOM HOUSE

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“A Jacques Prévert lo conocí en los años 50. De adolescente, yo adhería a las ideas insolentes y revolucionarias que crecían, sobre todo, en París. Admiraba a Juliette Gréco, que cantaba sus poemas; ella me abrió las puertas a un mundo maravilloso.

“Rolando Paiva era un gran amigo mío y de Rosita Bailón. Un fotógrafo inmenso, además de pintor y escritor, que murió muy joven. Un día me llamó porque quería hacer una foto conmigo de modelo y ropa de Rosita. Para él yo era la más elegante de Argentina porque era distinta a todas ¡Mirá qué piropo! Cuando llegamos al estudio Rosita me dio un conjunto que consistía en un pantalón muy ancho, negro con motas blancas, que combinaba con un soutien con fondo blanco y motas negras. Era la primera vez en la vida que ella hacía algo tan audaz como un dos piezas. A eso le agregó una capelina de algodón que había encontrado en un vintage (aunque todavía no se decía así, eran casas de ropa usada). El collar de cuentas de madera laqueada era de un lugar en la calle Reconquista al que ella iba a comprar botones antiguos. Rolando, que nunca antes había hecho fotos de moda, le sumó la sutileza de unas pompas de jabón suspendidas a mi alrededor que le dieron un efecto muy interesante al retrato”.

Jamás hubiera pensado que en el verano de 1963 me iba a ir a Europa como corresponsal extranjera de la revista Atlántida. Llegué a Francia con una carta de recomendación de unos amigos muy conectados con ese mundo. Por aquellos días se inauguraba una exhibición de unos collages de Prévert en Antibes con prólogo de Pablo Picasso, así que allá fui con un joven amigo, un romance del momento. No me imaginé que iba a conocer en persona a Picasso, y mucho menos que lo iba a entrevistar. Ese fue un momento culminante del comienzo de mi carrera. A partir de allí, siempre uní la moda con las artes. En la foto estamos con el escritor en la terraza de su casa de Antibes, que daba a unos acantilados. Era un hombre de un progresismo contundente y un gran sentido del humor. Solía decir: no hay nada peor que la trascendencia y la solemnidad.

El disco que más me gustaba era “Je suis comme je suis”, una oda al feminismo, a la libertad de las mujeres, a la sexualidad.

mishka.com.ar

ENSAMBLE

Donato.TeresaTraducción:

Somos seres sociales, parte de una comunidad. En un momento histórico que ha puesto a prueba la convivencia desde múltiples puntos de vista, el Kunst Meran Merano Arte (Italia) busca re afirmarlo con TOGETHER. Interact – Interplay – Interfere (has ta el 25 de septiembre). La muestra, con la curaduría de Judith Waldmann, plantea interrogantes sobre el significado y los tipos de comunidad presentes en la sociedad contemporánea y tam bién sobre los peligros que se corren cuando se unen el poder de la acción individual y el de la acción de muchos. La respuesta está en manos de un colectivo de artistas de resonancia internacional. Francis Alÿs con el video When Faith Moves Mountains (2012) habla sobre el gesto “fútil y heroico, absurdo y necesario de 500 voluntarios que corren diez centímetros una duna de un ancho de 200 metros, demostrando cómo un grupo logra alcanzar objetivos significativos, imposibles para un individuo solo. La artista Des pina Zacharopoulos del colectivo SPIT! (Sodomites, Perverts, Inverts Together!) pone en evidencia el aspecto restrictivo, discri minatorio y persecutorio de la sociedad hacia los individuos en el trabajo We the enemy. Allí enumera una serie de insultos dirigidos a personas LGBTQIA+, reconstruyendo una historia de perse cuciones y derechos negados. El concepto de comunidad también adquiere un aspecto proactivo: se le pide al público que participe

Una muestra colectiva en Merano, Italia, se centra en el concepto de comunidad. Y llama al público a participar.

Por SILVIA FRAU

n COMUNIDAD 42

activamente abandonando su zona de confort. Interact, una de las tres secciones, reúne acciones colectivas y proyectos participativos realizados in situ, como Orto volante, una huerta realizada en la terraza del museo, con un espacio concebido para cultivar ideas, amistades, plantas… y comenzar una discusión crítica sobre la naturaleza, sobre la forma en que tratamos el medio ambiente y el futuro del planeta. Wish Tree (1961-2021) de Yoko Ono, invi ta a los visitantes a colgar una tarjeta con sus deseos de un árbol de olivo. En la sección Interplay, la gente puede interactuar de manera lúdica. Entre las propuestas: en Unitled (Tomorrow is the question) (2015), Rirkrit Tiravanija invita al público a desafiarse en una competencia de ping pong y a cuestionarse sobre el mañana y en #OneLove (2022), de Norma Jeane, todos pueden modificar un cubo de plastilina de colores ubicado en una habitación vacía. Finalmente, la sección Interfere, apela al compromiso político y social, a la empatía y al sentido de responsabilidad de los visitantes. Se exhiben obras de artistas que han cuestionado y denunciado los sistemas de poder, a veces incluso en detrimento de sus libertades personales, combinando el activismo con la investigación creati va, como Tanja Bruguera, arrestada en varias oportunidades. Su trabajo como artista y activista nos recuerda que “el mal trato a los migrantes será nuestra deshonra mañana”.

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ ACCESORIOS 44

Piezas de joyería con presencia y para todas las

Las tres realizan las piezas a mano en su taller de la ciudad de Córdoba. “Les dedicamos mucho tiempo. Somos muy res petuosas con las ideas que cada una propone”. El embalaje es central; les interesa que sus compradores vivan una experien cia. Las joyas llegan en una caja de madera negra que contiene, además de tarjetas con indicaciones de cuidado y garantía, una talla pequeña de perfume de alguna de las cuatro fragancias de su creación y un pañuelo de seda. En su campaña de lanzamiento incluyeron imágenes de per sonas de diferente edad y con distintas características. “Fue una premisa desde el primer momento: crear piezas diversas e in clusivas”. Venden en su salón exposición en Córdoba y a través de su tienda online. En el exterior tienen productos en Nueva York y Punta del Este, y pronto llegarán a Miami. “Nos gusta ría posicionarnos como una marca de vanguardia y diseño no solamente en la Argentina sino en el mundo”. n @amhejoyeria

Carolina Moya es comunicadora social; Marisa Kesman, docen te y Laura Egea, arquitecta. Sus caminos se cruzaron estudiando joyería. “Tuvimos afinidad ni bien nos conocimos”, dicen. Cada una fue haciendo su camino, creando piezas artísticas que ex pusieron en concursos, publicaciones y muestras en el país y el extranjero. A mediados de 2020, tras meses de confinamiento, decidieron hacer algo juntas. Empezaron a reunirse semanal mente y luego a diario para dar forma al proyecto. “Venimos de lugares distintos, entonces hay como una retroalimentación”.

Tras un año y medio de trabajo, a finales del año pasado lanza ron su firma: AMHE.  Definen su propuesta como joyería de diseño. “Queríamos hacer algo disruptivo, brutalista: todo grande, con peso”. La línea cuenta con collares, aros, anillos, pulseras y tobilleras en metales como bronce o alpaca bañados en oro y plata. “Utili zamos piedras como turmalina o cuarzo en estado puro. Nos gusta trabajar con hallazgos: sacar algo de un lugar que nunca te imaginarías y resignificarlo. Entramos en las ferreterías de barrio para encontrar cosas. Es una búsqueda intensa”. Sus crea ciones tienen detalles sensuales y eróticos. “Los productos son un reflejo de las personas que los crean. Siempre hemos sido un grupo que se divierte”.

DEARGUMENTOpersonas.PESO

Tres socias en un proyecto que celebra la creación.

El periodista Massimo Nava, formado en literatura y filosofía, volvió a su ciudad para escribir Milan Chic, un itinerario preciso con más de 290 páginas y 200 ilustra ciones. El recorrido incluye ateliers de artistas y espacios vinculados al diseño así como oficinas de reconocidas fir mas de arquitectura. Las imágenes estuvieron a cargo de Oberto Gili, quien se inició como asistente del fotógrafo Michael Joseph, luego se desempeñó durante años en la editorial L’Esperto y ha realizado colaboraciones para Condé Nast, New York Magazine y The Washington Post Magazine. Una combinación de perspectivas encuader nadas en una edición de lujo con tapa y detalles en seda. Se encuentra disponible en inglés en las boutiques de Assouline así como en su sitio web: assouline.com. n

Editorial Assouline presenta una guía de colección con los espacios más destacados de la ciudad italiana. Arte, monumentos y espectaculares edificios. MILANEN

ESPRESSO

Por CELESTE NASIMBERA LECTURA 46

Del jardín botánico Di Brera creado en 1774 por el abad Fulgenzio Vitman al Bosco Verticale del 2014 proyectado por el Boeri Studio, pasando por la clásica Galleria Vittorio Emanuele II y la renombrada Fondazione Prada, Milán posee tanto el encanto del tiempo como la vanguardia propia de la contemporanei dad. Con un ritmo citadino, de disfrute y elegancia, es una urbe para el deleite.

Ubicado en el centro histórico del barrio de San Telmo y bajo la dirección de Aldo Rubino, el Museo de Arte Contemporáneo (MACBA) ofrece un programa de exhibiciones exquisito y una gran vocación por desarrollar una comunidad mediante la oferta de cursos, talleres, programas educativos, ciclos de cine y espectácu los.  Para celebrar su décimo aniversario eligió una propuesta que va en continuidad con su visión amplia del arte geométrico y la expande para abarcar otras expresiones del arte contemporáneo. Respecto a la selección de artistas de este año clave, Rocío Vi dela Dorna, curadora del MACBA, resalta el factor internacional: “Tuvimos el honor de llevar a cabo la primera exhibición del gran artista francés Claude Viallat en América Latina y también de traer el trabajo de Patrick Hamilton, artista chileno radicado en Madrid. Por otro lado, seguimos profundizando en la abstracción como un lenguaje artístico de una capacidad creativa inagotable. Desde las obras de Hamilton donde se plantea una ´abstracción sucia y proletaria´ fuertemente vinculada a la historia económica y política de su país hasta los universos abstractos de Lido Iacopetti que nos hablan del cosmos y los valores universales”, dice Videla Recorrida por un lugar inspirador donde aprender, experimentar y disfrutar del arte contemporáneo. QUE HAGAN NUESTRO

DE

DE VISITA“NOSINTERESASEGUIRdesarrollando IDEAS

museo UN LUGAR EN DONDE LOS DISTINTOS públicos PUEDAN acercarse A LA CULTURA”. Por MARINA DO PICO 48

Actualmente MACBA ofrece talleres de creación en relación con las exposiciones, encuentros de dibujo, visitas guiadas para escuelas y universidades, y capacitaciones docentes. @museomacba

Dorna. Las posibilidades infinitas que brinda la abstracción tam bién se evidencian en el trabajo de dos artistas que exhibirán en diciembre: María Silvia Corcuera y Luciana Levinton. María Cecilia Pagadizábal, directora ejecutiva del MACBA, tam bién señala la relación con la contemporaneidad como un eje funda mental: “Desde la institución sentimos que es necesario revisar cómo alojar las estéticas contemporáneas y las éticas que ellas proponen, es decir, estar a la altura de la época y de sus artistas”. Esta búsqueda también guía la decisión de exhibir en el mes aniversario las obras de Diego de Aduriz y Pablo Rosales, que se mueven en distintos soportes y formatos y, en palabras de Videla Dorna “trabajan lo contemporá neo desde una versión no necesariamente vinculada a la abstracción”. Para su próxima década, el museo tiene muchos proyectos. Videla Dorna menciona que uno clave es ampliar el espacio, desarrollando un piso más para poder mostrar su prestigiosa colección. También aspiran a otro tipo de ampliaciones: “Nos interesa seguir desarrollando ideas que hagan de nuestro museo un lugar en donde los distintos públicos puedan acercarse a la cultura. En este sentido, uno de los focos principales siempre ha sido y seguirá siendo la educación. Tenemos varios proyectos para esta nueva etapa que priorizan llevar el arte a las escuelas”.

Patrick Hamilton en MACBA

L’MUSEE L’MUSEE 49

L’OFFICIEL: ¿Qué significa para vos estar en Mónaco con Chanel?

L’O: ¿Qué te pareció el desfile? ¿Tenés algún look favorito?

En plena Riviera Francesa conversamos con Caroline Maigret, musa de Chanel, sobre la Colección Crucero 2022 de la maison.

CAROLINE DE MAIGRET: Estoy muy impresionada porque la historia de Coco Chanel en Mónaco comienza en 1930, cuando conoció a muchas de sus parejas, como Hugh Richard Arthur Grosvenor; segundo duque de Westminster, o Dmitri Pavlovic, gran duque de Rusia. Creó muchas prendas inspiradas en ellos, lo que lo hace más divertido. Además, Karl Lagerfeld tenía su casa acá, donde realizó muchas campañas y fotos. Es muy interesante ver que finalmente es una historia familiar que se lleva a cabo en un lugar tan icónico.

CDM: Mi look favorito es el de los pantalones plateados combi nados con una chaqueta roja con estampados con banderas de carreras de autos, ¡muy cool!

Por JAIME AGUILERA La modelo, musa y productora multifacética Caroline de Maigret comenzó desde las pasarelas una larga historia creativa junto a la Maison Chanel. Una relación que nació a partir de la gran compli cidad que la unía con Karl Lagerfeld, a quien siempre ha reconocido como promotor de su carrera como mannequin Haute Couture.

L’O: No solo sos un ícono de la moda, también sos una exitosa produc tora musical. ¿Qué rol tiene la música en tu vida?

CDM: Es muy interesante ver como el rock and roll inspira mi estilo. Al momento de vestirme, pienso en mi ícono de la moda Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones. Si me pongo un traje, pienso cómo lo usaría él. Es divertido lo de la música, ya que la primera canción que pusieron cuando abrió el desfile era mi canción favorita en todo el mundo: “Looking For You” de Nino Ferrer, siempre la he encontrado sumamente sexy, siento que podría ser la canción de mi vida, ¡la amo!

L’O: Has estado en Mónaco anteriormente. ¿Qué lugares que te ins piran recomendarías?

Actualmente, la parisina –dueña de uno de los estilos más incon fundibles de la industria– entrelaza su vida como ícono de la moda y productora musical: se deja mover por los sonidos, se inspira en ellos y sigue siendo uno de los grandes referentes del look effortless: sofisticado, pero rockero y relajado a la vez. Desde Montecarlo, L’Officiel conversó en exclusiva con Caro line de Maigret.

Guinard.VirgileFoto:

CDM: Villa La Ville, la magnífica casa en donde Karl solía vivir. Está sobre el agua, y eso la hace algo más hermoso. Me gusta mucho porque es un lugar único donde se hicieron muchas fotos para campañas en los 80 y 90. n

MARCAPERSONAL

EMBAJADORA 50

“TODO LO QUE TENGO MAL EN LA cabeza LO USO PARA HACER plata CON LA MUSICA”. 52

Dillom ROMPERELCASCARON

Así explica que al escribir invocaba los males para expulsarlos y reparar la herida que la desgarraba.

Post Mortem agotó todas las funciones anunciadas de su gira por Argentina y Dillom se prepara para su primer Luna Park, el 12 de octubre, con un récord de entradas vendidas en diez minutos. Hoy suma además tres nominaciones para los Premios Gardel 2022, que se entregarán a finales de este mes, como Me jor Nuevo Artista, Mejor Canción, por “OPA”, y Mejor Album de Música Urbana. Cuenta que tuvo pánico a morir cuando empezó a pegarla en la escena del trap local con “Superglue” (2019), la primera colaboración con Ill Quentin que no tardó en llegar al millón de reproducciones. Y si bien el público respondía a sus cancio nes, la primera ola de artistas trap lo trataba como a un outsider “Se ve que a mi cerebro le costó procesar el éxito y me vino, así de la nada, una angustia a morirme”, dice. El miedo a pasar al otro lado a una edad temprana como los raperos Lil Peep o Juice WRLD y sin dejar una obra póstuma hizo que quisiera lograr en vida un clásico inmediato autobiográfico donde mostrar aquella música que no encontraba en la escena local. Por recomendación de Fermín Ugarte, uno de sus producto res, empezó a leer Demián durante la pandemia y se vio reflejado en este joven que oscila entre dos mundos: la luz y la oscuridad, la divinidad y lo demoníaco, Eros y Tánatos. Dillom se vio a sí mismo en el personaje de Emil Sinclair. “Medio que está rebo tando entre lo bueno y lo malo, pero termina sintiéndose más a gusto en el Mundo Oscuro. A mí me pasaba lo mismo entre la casa de mi viejo, que se había hecho religioso, y la casa de mi mamá, que era un quilombo pero me sentía seguro y libre”.

De repente fue el éxito y el miedo a morir. De ese contrapunto nacieron su álbum debut y las funciones agotadas en menos de cuatro minutos. Confesiones del artista que conjura sus dramas personales con música.

Dillom empezó a tocar el bajo a los nueve años y formó parte de bandas punk y hardcore, antes de transformarse en el productor musical del grupo La 31, el estudio de grabación ar mado en la villa. Si bien sus letras combinan ficción, spanglish y anécdotas contadas con mucho impacto, cuando rapea: “Yo tomando pillies pa’ morirme antes”, o en “Pelotuda” dice “Mi money go dumb/ tengo plata pelotuda/ tomé siete Rivo´/ creo que necesito ayuda”, no exagera. Durante la adolescencia llegó a tomar cinco pastillas de clonazepam de dos miligramos dia rios para poder sobrellevar la rutina. “Ese fue el momento más bajo en mi vida. Justo había cortado con mi primera novia, me estaba drogando mucho y tenía una angustia enorme. No sé si lo identifico como un intento de suicidio, pero realmente nece sitaba ayuda y no sabía cómo pedirla. Pensaba que si me daba una sobredosis, alguien vendría a ayudarme”.

En un fragmento del poema homónimo del libro Extracción de la piedra de locura, de Alejandra Pizarnik, la poeta dice “Mi oficio (también en el sueño lo ejerzo) es conjurar y exorcizar”.

Por CATA GRELONI PIERRI Fotos IGNACIO CHINCHILLA

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Para recomponer sus heridas, Dylan León Masa puso estas acciones catárticas a disposición de su música en el álbum de but Post Mortem editado en diciembre pasado, que resultó una de las revelaciones de 2021. Dillom, como se conoce a este ar tista porteño nacido en el barrio de Once el 5 de diciembre de 2000 y criado en Colegiales, fusiona allí el punk, las historias de terror de cine clase B, Marilyn Manson, la obra Demian de Herman Hesse, Los Ramones y el derrotero de su vida familiar. Los conflictos legales, la depresión y adicciones de su mamá, la imposibilidad de adaptarse al hogar paterno y un consumo feroz de pastillas se mezclan con una lírica de humor feroz y fúnebre. El sonido heterogéneo de sus creaciones incluye un estilo oscuro, rock industrial (“Reality”), rap de los ochenta (“Pelotuda”) y canciones pop melódicas (“La Primera” y “Bici cleta”, entre otras).

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Su gran oportunidad llegó cuando el artista madrileño C. Tangana tuvo que cancelar su visita a la Argentina apenas tres días antes de tocar en el Lollapalooza. La producción del festival le cedió el horario del prime time del viernes 18 de marzo en el Perry’s Stage para que presentara su disco en vivo por segunda vez. Lo había dado a conocer dos meses antes en el Cosquín Rock en Córdoba. Se propuso dar esa noche la performance de su vida ante 30 000 personas. Vestido de Freddy Krueger o Kurt Cobain y acompañado por su banda en clave boy scouts, fue una de las revelaciones con un show explosivo y la ayuda de gran des audiovisuales, más algunos de sus amigos de la RIP Gang, como Muerejoven y Saramalacara. Aprovechó la expectativa creada por sus fans y la prensa y a los diez días del show lanzó la primera parada del Post Mortem Tour : dos fechas en solitario en el Teatro Vorterix, en Colegia les, a finales de abril. “Gente banquen q estamos viendo si es que efectivamente se agotaron o si se cayó la página xd”, dijo desde su cuenta de Twitter. Para su sorpresa, el sistema no se había caído. Agotó las entradas en cuatro minutos y agregó dos shows más a la semana. Las entradas también se fueron, esta vez en dos minutos. Entonces sumó fechas en Mar del Plata, Montevideo, San Luis, Córdoba, Neuquén. Todas agotadas al poco tiempo. Si por problemas en una preventa, los artistas antes se desligaban de cualquier inconveniente técnico, Dillom cambió el paradigma. Amigo del punk y el do it yourself, auto gestiona su propio sello con productores, creativos y músicos y se involucra en todos los procesos. Desde montar una SRL a los 19 años –con su manager Ignacio Caiella, Muerejoven y el videógrafo Noduermo–, registrar los nombres artísticos de la RIP Gang, hasta inscribir a todos en SADAIC. “Armamos Bohemian Groove como si fuera una cooperativa y la RIP Gang es nuestra lista de artistas”. En cada show monta un velorio performático que inicia con un coche fúnebre en la puerta del teatro, un altar con velas y fotos del músico de niño, lloronas vestidas de luto. “Todo lo que tengo mal en la cabeza lo uso para hacer plata con la música”, se ríe, pero bien sabe que usa el humor como mecanismo de defen sa. Esta construcción de identidad y personaje –al igual que la de una obra tan polémica como naíf– lo llevó a que públicos de diferentes edades, tribus y estratos sociales empatizaran con él, así como los músicos Santiago Barrionuevo, de El Mató, Fito Páez, Ale Sergi de Miranda!, y Andrés Calamaro, entre otros. Dylan Massa exorcizó en Post Mortem su propia historia, la miró a la cara y aprendió a reírse de ella. Proyectó su muerte y se dejó morir, ya listo para renacer en Dillom: el amo que construye su propio camino. Como le dice Max Demian a Emil Sinclair en el libro de Hesse: “El pájaro rompe el cascarón. El huevo es el mundo. El que quiere nacer tiene que romper el mundo”. n

L’OFFICIEL: ¿Cuál es tu primer recuerdo vinculado al diseño?

L’O: Además de Santesteban, llevás adelante con Dolores Trull Anna et Camille , una línea de básicos de lujo donde se pueden encontrar prendas de cuero italiano, suéteres tejidos a mano y pashminas de cachemira. ¿Cómo es esa experiencia?

VERONICA SANTESTEBAN: Mi abuelo vino de Rusia en su adolescen cia para reencontrarse con su padre. Su madre había muerto en la revolución y lo había adoptado uno de sus tíos que tenía Santesteban es psicóloga de formación. Un taller de arte con el pintor Carlos Gorriarena facilitó su vínculo con la creatividad y está en el origen de su propia marca de marroquinería. Entrevista a una coleccionista. una fábrica metalúrgica. Cuando llega a Argentina empieza a trabajar en talleres de joyería, incluso llega a tener el suyo. De niña yo jugaba ahí, con los dijes y las cadenas que tenía sobre las bandejas de trabajo. Veía la fundición, los baños en oro de las joyas, me fascinaba. También, claro, me disfrazaba con las carteras y zapatos con plumas de mi abuela. Quién soy hoy hace que se resignifiquen esas experiencias de mi infancia.

L’O: ¿Cómo inicias tu proceso creativo?

VS: ¡Nos divierte mucho! Dolores es una persona que quiero y siempre pensamos en hacer algo juntas. Como tenemos nues tras marcas instaladas con nuestros nombres propios, decidimos ponernos uno de fantasía, que pertenezca a una mujer que nos marcó. Dolo, que es rockera, eligió a Tina Turner que se llama Anna. Yo estuve muchos años en un grupo de arte y psicoanálisis trabajando sobre las mujeres y la creación, y elegí investigar a la escultora Camille Claudel. Fueron dos años escribiendo sobre ella, viajé a París, me contacté con la familia. Un día dije basta, quiero pasar por la experiencia de la creación y fue cuando lla mé a Gorriarena. Para mí Camille es un referente que me trajo hasta acá. Por eso la elegí. santesteban.net

DAR SENTIDO Verónica

L’O: Como tus series con chaguar VS: El encuentro con el chaguar vino a reafirmar algo que es tuvo siempre: que en Santesteban cada pieza es única. En cada chaguar está la historia de la artesana que lo hizo. Encontrarme con las técnicas textiles milenarias me vuelve a conectar con los saberes que se transmiten de generación en generación.

Por CELESTE NASIMBERA Fotos NICOLAS VERA 56

VS: Al comienzo mis creaciones eran pequeñas joyas porque eran series limitadas con materiales antiguos como broches, hebillas, prendedores, telas que yo buscaba entre los anticuarios de San Telmo. Después el proyecto fue creciendo, las colecciones son cada vez más grandes, pero aún conservan mucho de una joya, como las piedras, el baño en oro o el herraje artesanal.

VS: Por los materiales. Yo no vengo del diseño, vengo de otro mundo; tiro todos los elementos en una mesa de trabajo y, a partir de ahí, armo. El color también es muy significativo. Tal vez tiene que ver con mis clases de arte con Carlos Gorriarena,

La conversación está pautada en las nuevas oficinas de Santesteban. Predominan el blanco, las líneas depuradas y los objetos exquisi tos. Ya en el espacio personal de Verónica –fundadora y directora creativa de la etiqueta– se reconoce su sensibilidad: el mobiliario vintage convive con largas piezas de chaguar tejidas en telar, un an tiguo reloj Cartier, un par de zapatos de sus primeras colecciones con firma de Polesello, entre otras tantas piezas únicas. Santesteban lleva más de veinte años en el mercado local, ex porta y produce para marcas internacionales. Tiene una boutique en galería Promenade y cada temporada renueva su propuesta de calzado y accesorios. Los inicios, el savoir faire, la fascinación por el chaguar y el universo de Anna et Camille, el proyecto con Dolores Trull, en este diálogo.

L’O: ¿Siempre fuiste a la búsqueda del objeto de colección?

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Por LORENA PEREZ Fotos BIANCA SIFREDI Bomparola Gino Bogani, Evangelina Bomparola, Laurencio Adot y Adrián Brown estuvieron en la primera edición de la Semana de la Alta Costura en Buenos Aires. Tradición& NOVEDAD 58

Buenos Aires reavivó la tradición Couture que caracteriza la moda de la ciudad desde principios del siglo XX. Semana Alta Costura (SAC) se creó bajo la dirección de la modelo Elina Fernández de Costantini y fueron invitados para ser parte de la primera edición que se realizó en junio Gino Bogani, Evangelina Bomparola, Laurencio Adot y Adrián Brown. Al decir Haute Couture se menciona una nomenclatura exclusiva y legal del sistema francés, protegida por el Ministerio de Industria de Francia en alianza con la Fédération de la Haute Couture et de la Mode desde 1945. Sin embargo, durante su paso de gran aldea a ciudad, Buenos Aires al bergó diferentes casas de Alta Costura que respetaban ese sistema de confección a medida y un mayor número de clientas que viaja ban a Europa para vestirse en las maisons. Más tarde, las diversas camadas de diseñadores mantuvieron como propio ese modo de creación. A continuación, una mirada a las presentaciones: ADRIAN BROWN “Los pasos para diseñar un vestido son bastante intensos porque requieren de cierta meticulosidad. Se talla sobre la anatomía de la persona, lo cual sugiere mayor flexibilidad, movimiento, más pruebas. Una toile es el inicio del proceso”, explica. Su desfile en SAC tuvo al Salón Dorado del Teatro Colón como escenario.

Bogani

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EVANGELINA BOMPAROLA Es posible que En el parking, la colección que presentó en SAC, Evangelina Bomparola sintetice el espíritu de la etiqueta que fundó en 2002. Su historia personal se vincula al saber arte sanal, que convocaba a las mujeres de la familia alrededor de la mesa para coser y bordar. Lograr la imagen de moda atra vesada por piezas con identidad propia es parte del repertorio

SU“DURANTE paso DE GRAN ALDEA A ciudad, BUENOS AIRES ALBERGO diferentes CASAS DE Alta Costura

de Bomparola, atemporal y refinado. La colección presentada con un desfile en el estacionamiento del edificio Oceana Puerto Madero, con puesta a cargo de Sergio Lacroix y estilismo de Eugenia Rebolini, ofreció una paleta de colores neón en con traste con neutros, brillos y prendas que se destacaban por su volumen en tonos. “Siento el compromiso de traer las técnicas aprendidas en mi familia a estos tiempos para generar piezas únicas, que por su elaboración y trabajo manual, sería impo sible hacer en serie”, dice Evangelina, mientras relaciona este proceso con la vuelta a un consumo responsable.

RESPETABANQUEESESISTEMADE confección A MEDIDA”.

Brown es parte de una nueva generación de diseñadores. En sus trabajos vuelve sobre la noción de elegancia para componer vestidos que se reconocen en lo voluptuoso hasta lo etéreo y marcan un abanico de colores distintivo. Médico dermatólogo de formación, piensa en su infancia en la ciudad de Dolores, con su abuela, su madre y su hermana indagando en la confección a medida como regla, y en la imagen de Manuel Lamarca, “un refinado total”, dice, como el gran modisto argentino. “Cuan do en el 2000 di mis primeros pasos, decidí ir a la casa de Elsa Serrano, en la calle Mansilla. Ella nos mostraba los moldes, los procesos, nos enseñaba a dibujar”, cuenta sobre las vueltas a lo artesanal que pasa de una generación a la siguiente asegurando la vigencia del hecho a medida en la escena local.

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GINO BOGANI Una celebración, un homenaje, una colección de vestidos de distintas épocas mostrados por sus musas: el desfile que Gino Bogani ofreció en el MALBA realzó la idea de legado. Las texturas que mezcla en sus diseños y la multiplicidad de colo res son el paño donde sigue escribiendo su historia, que empezó

LAURENCIO ADOT En el marco de una colección Prêt-à-Couture, Laurencio Adot y Thiago Pinheiro pensaron cincuenta diseños para la noche que apelaron al glamour fantaseado tras la pandemia, con el lamé y las telas laminadas como protagonistas. El cierre de esta historia estuvo a cargo de las novias, presentadas en el Pa lacio Pereda bajo la mirada de la productora Roxana Harris. El recorrido que hacen las referencias de Laurencio Adot para el desfile que llamó Comeback viajan desde la Belle Epoque a la década de 1980, mientras hace un guiño a los modistos Yves Saint Laurent y Halston, al personaje de Joan Collins en la se rie Dinastía y el espíritu de Río de Janeiro y sus fiestas. La vida de Laurencio Adot siempre estuvo vinculada a la vestimenta. Padre ingeniero industrial, madre adoradora de la Couture más la fábrica textil familiar Casimires Wells fueron el entorno que lo llevó a inclinarse por el mundo de los desfiles. Su esencia se evidencia en los vestidos cortados a mano. Diseña a medida para novias, madrinas, quinceañeras y para acontecimientos sociales que demandan el despliegue de su arte.

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a componer en 1969 con Alma, su madre. Las siluetas de las distintas décadas transitaron sobre la pasarela instalada en la entrada del Museo de Arte Latinoamericano: Mariana Arias y Laura Ocampo, con el tapado de la colección Otoño/Invierno 1987, abrieron el show, que cerró Juana Viale con el vestido de novia. Los desfiles de Bogani fueron la cita obligada de cada temporada hasta 2001, cuando dejó de hacerlos. “Yo traje un cambio, ahora lo puedo decir porque antes no me daba cuenta. Sé que he hecho algo importante: en la presentación, en la va riedad, en el estilo y de eso me siento muy orgulloso”. Instalado desde 1977 en su petit hotel, Gino se posicionó como el gran modisto que honró la tradición Couture de Buenos Aires. En el museo llegaron a 179 las pasadas, entre históricos y un pu ñado, apenas, de modelos nuevos; una noche fría de jueves, sus vestidos y trajes escritos con el lenguaje de la contemporaneidad reflejaron el porqué de su vigencia.

Colores electrizantes y líneas agudas en zapatos que alargan el pie y exaltan la sensualidad. Sandra Choi de Jimmy Choo y Casey Cadwallader de Mugler lanzan una cápsula que fusiona los códigos de las dos etiquetas.

Donato.TeresaTraducción:Partner.@ArtWeirHarleyFoto: La cápsula Jimmy Choo/Mugler se compone de diez modelos ex clusivos y nace del diálogo entre dos diseñadores con obsesión por los zapatos: Sandra Choi, directora creativa de Jimmy Choo, y Casey Cadwallader, director creativo de Mugler. “La moda de Thierry Mugler era teatral, escultural y aguda. El nuevo Mugler es mucho más fluido y delicado –dice Choi–, pero con la misma línea alargada, la misma exageración, la misma elegancia”. Cad wallader agrega: “Siempre admiré en Jimmy Choo el gusto extre mamente refinado, lo incisivo de su línea y las formas. Considero que los zapatos definen a quien los lleva. La mujer que elige unos Jimmy Choo seguramente es extrovertida, sensual, inteligente, proyectada hacia el futuro. El sentido de esta colaboración está en el modo simbiótico en el que ambas marcas imaginamos a la destinataria de estos modelos. Mi trabajo en Mugler se basa en explorar qué es ser realmente sexy hoy en día”. “Thierry Mugler ha sido siempre una fuente de inspiración: los colores, el corte, la apariencia casi esculpida en sus vestidos –continúa Sandra–. Luego empecé a ver a muchísimas celebri dades, desde Beyoncé a Dua Lipa, que vestían las creaciones de Casey y me di cuenta de que lo escultural se había trans formado en algo más soft y había abrazado a la perfección la forma femenina”. La constante tensión entre la propia herencia y el empuje hacia lo nuevo es característico también en Jimmy Choo, donde Sandra recogió lo heredado de su tío, fundador de la marca. Antes Cadwallader había realizado zapatos con un look decididamente escultural, sin comercializarlos jamás, y este fue el punto de partida de la alianza: mantener la idea del zapato como escultura, pero hacerlo real y usable.

EMPODERADAS

Otra referencia fundamental: los modelos de Jimmy Choo de los años ‘90, encontrados en el archivo y el armario de Sandra. “Hemos conversado mucho sobre la idea del trompe-l’oeil, sobre la ambigüedad entre ver y no ver, diseñando un zapato tan escotado que diera la sensación de que podría salirse en cualquier momento, cuando en realidad está perfectamente ajustado; como una san dalia, que vista desde adelante no es más que una bola de cristal apoyada sobre los dedos con una cadena en los tobillos, y solo vista de un lado muestra su real estructura como zapato. Trans mite la misma ilusión de desnudez de muchos vestidos realizados por Cadwallader: la aparente ausencia de estructura, cuando, en realidad, la hay y es increíble. Aunque, tal vez, el resultado más audaz de la colaboración es el modelo Sock Boot, donde un ar quetipo del imaginario erótico como la media con costura evolu ciona en una bota alargada, al mismo tiempo resistente y estable, pero intrínsecamente delicada. Un desafío técnico que involucró a un equipo de producción italiano dotado del conocimiento y la habilidad necesarios para realizar estos modelos.

Por FABIA DI DRUSCO

n FETICHE 64

PAGINA OPUESTA: Vestido, VALENTINO COLECCION SS Benedetta, la hija de Pierpaolo Piccioli, director creativo de Valentino, habla de los cambios en la moda, la belleza y la comunicación. Universos que conoce desde que nació y en los que participa TESTIGOactivamente. de su tiempo

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Por LORENA PEREZ Fotos CINZIA CAPPARELLI Estilismo LORENZO BONDANI & ARIANNA ZANETTI

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BENEDETTA PICCIOLI: Siempre he intentado hacer mi propio recorrido y nunca quise que me vieran como “la hija de...”, pero en cierto momento de mi vida descubrí que, por supuesto, mi punto de vista sobre moda nunca será imparcial y estará influenciado por mi padre y por Valentino.

Vestido, VALENTINO COLECCION SS

Ahora la situación es diferente, nos gusta hablar de las tendencias –sobre todo a Stella, a mi madre y a mí– y del universo Valentino. Por supuesto nos encanta ir de compras, pero nuestro padre es sim plemente nuestro padre y le interesan nuestras opiniones sobre sus colecciones, y en general sobre la moda desde nuestro punto de vista.

L’O: ¿Se habla de moda en tu casa?

L’OFFICIEL: ¿Tuviste la oportunidad de hacer tu propio descubrimiento de la moda?

Benedetta Piccioli creció entre desfiles, bocetos y talleres de costura: su padre es Pierpaolo Piccioli, el director creativo de Valentino y uno de los diseñadores modernos fundamentales para impulsar cambios en el sistema de la moda, como la liber tad y la inclusión. Las respuestas de Benedetta son inteligentes, vitales, es la mirada de una mujer de 25 años sobre las posibilida des ofrecidas por una industria que se transformó para siempre. Graduada en Literatura Moderna en la Universidad Sapienza, en Roma, Benedetta construye su presente profesional. Vive en la ciudad de Nettuno, trabaja en una agencia de comunicación y forma parte del staff de Women Management Milano, donde modela y crea contenidos.

L’O: ¿Cuál es tu punto de vista?

BP: No, aunque por supuesto es una parte principal de nuestra vida. Cuando mi hermano Pietro, mi hermana Stella y yo éramos peque ños, nos dormíamos durante las fiestas que se organizaban alrededor de los desfiles, porque éramos niños y no nos importaba tanto la moda.

BP: Siempre me ha gustado la moda, creo que es una parte de mí, porque literalmente crecí entre espectáculos y glamour. Pero no me atrae el aspecto glamoroso de la moda, lo que más me gusta es la inspiración que hay detrás del espectáculo y todo el trabajo que no se ve. Es fascinante observar que detrás de un desfile, que dura más o menos veinte minutos, hay mucha gente y horas de trabajo. Me encanta el aspecto “perfeccionista” de la moda.

Por supuesto, mi padre es mi diseñador favorito.

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BP: Por el momento, trabajo como redactora y creadora de conte nidos en una agencia de comunicación. Por supuesto, colaboro mucho con la Maison Valentino y Valentino Beauty, pero aún no sé dónde me llevará mi vida. He trabajado en muchos as pectos diferentes, quizás en el futuro podría ser maquilladora o profesora de literatura. Esta incertidumbre a veces me asusta, creo que todos los trabajos creativos tienen una pequeña parte de sorpresa. La única certeza que tengo es que siempre seguiré estu diando y formándome, ya que nunca debemos dejar de aprender.

L’O: En tu usuario de Instagram te mostrás muy involucrada con el universo del maquillaje.

BP: Me encanta contar esta anécdota: era junio de 2016, mientras me preparaba para mi examen final de bachillerato, me pasaba todos los días repitiendo en voz alta las asignaturas. Les pedí a mis padres que me pusieran a prueba, dándoles pequeños resúmenes que había preparado para que supieran qué preguntar. Un día le tocó a mi padre examinarme y el tema era filosofía. Empecé a hablar de Nietzsche y de sus Consideraciones intempestivas, tratan do de presentar mi discurso de la manera más clara posible. Mi padre me dijo que lo que yo decía era la descripción exacta de lo que él estaba pensando en ese momento sobre la vida. Nietzsche, de hecho, define el olvido como la capacidad positiva de olvidar el pasado para construir algo nuevo, porque la memoria inmoviliza y petrifica al hombre, haciéndolo incapaz de reaccionar. Ese fue uno de los momentos en los que me sentí particularmente cerca de mi padre y muy parecida a él, porque yo estaba viviendo un periodo de mucha inseguridad. Así que utilizó esta referencia para construir su historia, que plasmó en su primera colección en solitario. Fue muy especial y nunca lo olvidaré. n Blusa y jeans, VALENTINO COLECCION SS MAQUILLAJE Y PEINADO: Sonia Veleno

“EL verdadero RETO DE HOY EN día ES SER nosotros MISMOS, LA libertad DE SER HUMANOSSERES diferentes UNICOS”.Y

BP: El maquillaje ha sido mi pasión desde que era una niña y descubrí muy temprano el poder que tenía para convertirme en la mejor versión de mí; no solo físicamente sino mentalmente. El maquillaje –la belleza en general– siempre me dan más se guridad cuando tengo que hacer algo importante. Cuando nos sentimos guapas, lo somos, y la gente que nos rodea siempre nota esa luz.

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BP: Creo que la inclusión es el camino por el que debe ir una marca. Paso a paso. Nuestra generación está descubriendo que en realidad somos una y mil culturas al mismo tiempo; vivimos en un mundo globalizado y en la era de las redes sociales. Por supuesto se han acortado las distancias, pero aún nos queda mu cho camino por recorrer. Mi padre siempre dice que su trabajo es contar la belleza a través del momento histórico que vivimos. Su idea de la belleza reside en la diversidad y en la singularidad de cada ser humano. Tenemos que ser testigos de nuestro propio tiempo. A través de la moda, el diseñador tiene que comunicar los valores en los que cree, de lo contrario es superficial. Las imágenes tienen una capacidad evocadora muy poderosa y si somos conscientes de lo que queremos transmitir, la gente capta nuestro mensaje. Creo que el objetivo es respetar la diversidad y el verdadero reto de hoy en día es ser nosotros mismos, la li bertad de ser seres humanos diferentes y únicos. De esto es de lo que quiere hablar mi padre y yo también creo en ello.

L’O: ¿Creés que para los jóvenes es importante la cultura y el compro miso que rodean a una marca?

L’O: ¿Cómo planificás tu perfil profesional?

L’O: Recuerdo una anécdota que tu padre contó sobre cómo contribuiste en el diseño de la colección Primavera-Verano 2017 para Valentino mientras estudiabas Letras Modernas.

ESPACIO LA PRAIRIE 72

SUEÑO dorado

La noche es el momento de recuperación y reconstrucción de la piel. Mientras dormimos, los procesos celulares llegan a su máximo nivel de producción, pero necesitan de mucha energía para funcionar de manera óptima. Para las pieles desvitalizadas La Prairie lanzó Pure Gold Radiance Nocturnal Balm que las ayuda a realizar este proceso, las fortalece y les brinda un nuevo resplandor. Así, noche tras noche la piel se regenera recuperando su luz y vitalidad. Este nuevo complejo celular exclusivo de La Prairie cuenta con el más precioso de todos los metales: el oro, que gracias a su composición de electrones es capaz de absorber la luz azul rica en energía y reflejar la luz amarilla complementaria. Además, Pure Gold Radiance Nocturnal Balm libera en cada aplicación nutrientes e ingredientes restauradores para que el rostro recupere suavidad y mejore su textura. Una hidratación profunda promueve una sensación de mayor firmeza y densidad. El bálsamo viene acompañado de una piedra de masaje hecha de una sola pieza de mármol pulido. Se utiliza para refrescar la piel, estimular la microcirculación, calmar los músculos faciales y liberar la tensión acumulada antes de aplicar la crema. Como el resto de la colección Pure Gold, el envase del nuevo bálsamo también es recargable. Un gesto que ayuda a reducir los residuos y mantener su compromiso con un mundo más sostenible. En este lanzamiento La Prairie perpetúa su colaboración con la artista hongkonesa Carla Chan, iniciada con el lanzamiento de la colección Pure Gold. La artista pasó una semana en el refugio de Monte Rosa, en los Alpes suizos, y desarrolló una obra emocional inspirada en la naturaleza. Su instalación captura el resplandor único que emana de las orillas minerales y las vastas aguas del lago Lemán. Fading Space of Dawn es el nombre de la exposición que combina medios digitales, tecnología de realidad aumentada y elementos minerales escultóricos. Ciencia, belleza y arte: los grandes emblemas en la identidad de La Prairie. n Pure Gold Radiance Nocturnal Balm es un nuevo ritual exclusivo de La Prairie para pieles desvitalizadas. Actúa durante la noche devolviéndoles energía y luminosidad.

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Juntos A LA

Para ellos es importante la trazabilidad de los materiales que uti lizan. Toribio explica: “Visitamos a los proveedores. Nos abren las puertas de las fábricas, entrevistamos a los trabajadores y conocemos los procesos”. También se ocupan de ofrecer condiciones justas para sus propios empleados: “La marca hizo una diferencia desde el ini cio: no tenemos personal subcontratado y ofrecemos salarios com petitivos. Una compañía sostenible tiene que crear impacto en su entorno y ofrecer capacidad de transformación; que su gente pueda tener una mejor casa, educación, salud, y posibilidades de crecer”.

DESFILE 74

“Nuestro diferencial tiene que ver con nuestras raíces. Dónde na cimos, cómo fuimos formados, los potreros y campos en los que jugamos: eso es quiénes somos y ese es el mensaje que llevamos a todo el mundo”, sostiene el diseñador costarricense Oscar Tori bio. Con su par Donato Morales desarrollan desde 2018 Toribio & Donato, una firma sostenible con la que han llegado a Estados Unidos, Inglaterra, Australia, Brasil, México y Canadá. “Nos cuestionamos todo; eso nos permite mantenernos donde estamos. Tenemos una marca que evoluciona con convicción y principios”.  Tienen personalidades muy diferentes y es así como logran complementarse. “Conversamos mucho sobre lo que nos pasa en el día a día porque eso es lo que nos inspira”, cuenta Donato. Lanzan una colección por temporada e intercalan distintas cápsulas para ofrecer novedades a sus clientas. “Pueden ser con textiles nuevos o sumamos diseños con siluetas totalmente diferentes”. Sostienen que su propuesta redefine la noción de elegancia y sensualidad; también que aporta una nueva mirada sobre lo que se entiende por vestir urbano. “Lo visualizamos como algo rudo, oscuro, negro. Nosotros lo hacemos más romántico”, afirma Toribio.  No diseñan para un género ni para un cuerpo específico, sino para todos. “Desarrollamos el patronaje con cero desperdicio. Hay piezas que son grandes pero que se adaptan a cualquier talla por la forma en que están trabajados los dobladillos, los drapeados y las torceduras en la tela”, cuenta Donato. A partir de observar y dialo gar con sus clientas encontraron las claves para ser más inclusivos en sus prendas “Es muy fácil diseñar para un maniquí. Cuando uno escucha cómo se sienten las personas, sus temores, miedos, in seguridades y seguridades, empieza a entender”, sostiene Toribio.

La marca costarricense Toribio & Donato enriqueció los diseños urbanos con un perfil más romántico y elementos de la alta costura. Su identidad sigue más viva que nunca: cero desperdicio. PAR Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ (ENVIADO ESPECIAL)

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, LASDRAPEADOSLOSY torceduras EN LA TELA”. — Donato Morales CaliváJuanfotógrafoToribio&Donato,degentilezaFotos: 76

NUEVA COLECCION

“HAY PIEZAS QUE SE ADAPTAN A

Se llama Coraje en Cámara Lenta. “Es una reinterpretación de la moda urbana que se acerca al romanticismo, a lo clásico, a través de una técnica de alta costura”, afirma Toribio. Se destacan las grandes mangas, las faldas voluminosas, las transparencias y los drapeados. En la paleta predominan el blanco y el negro, pero también hay tonos arena, dorados y rojo. “A mí personalmente me molestan los botones. Empezamos a conversar y Tori me dijo ‘¿qué te parece si desarrollamos un cierre con imanes?’. Hicimos la prueba y salió perfecto; los aplicamos por todos lados”, cuen ta Donato. En la colección utilizaron organza, algodón, cuero de nopal y reciclado, lana, seda y textiles de plástico reciclado.

Entre sus objetivos a largo plazo está reducir la huella am biental, incidir en sus clientas en cuanto a sus hábitos de consu mo y educar en el cuidado del planeta. “No queremos venderle siempre a la misma persona, tenemos que crecer en un mercado más grande. Quienes nos compran van a aprender a tener una vida más sostenible con herramientas para tomar decisiones en su vida diaria, no solamente en la moda”.

A la hora de pensar cómo presentar la colección, a Toribio se le ocurrió que podían usar como hilo conductor escenas de Co raje MMXX, un espectáculo que presentó este año la Compañía Nacional de Danza de Costa Rica. Le hicieron la propuesta a la institución y además abrieron el casting de modelos. “Somos una marca inclusiva que no está dirigida a un segmento específico. Nos encantan la variedad y la diversidad sin ser cliché”, afirma Donato. Seleccionaron mayormente a personas que no pertenecen al ámbito de la moda, sino que son mecánicos, soldadores, ingenieras, maes tras, chefs. “Buscábamos que tuvieran facilidad para interpretar”.

La presentación se realizó el primero de junio en el Teatro de la Danza, en el Centro Nacional de Cultura en San José. Se dividió en siete actos en los que hubo baile, canto e interpretación, con 15 bailarines y 42 modelos en escena. “La danza permitió mostrar las piezas en su máxima expresión y con movimientos naturales”. Ambos diseñadores fueron parte del elenco. “Aparecimos y ves timos y desvestimos a una de las bailarinas, como hacemos con nuestras clientas todo el tiempo”. n @toribiodonatobrand cualquier dobladillos

Ante las dificultades que encontraron para importar materia les durante la pandemia empezaron a trabajar con proveedores de la región. “Ese acercamiento tiene un impacto positivo econó mico, ambiental y social”, dice Toribio. Además, desarrollaron un programa con la agencia promotora del comercio exterior de Costa Rica para trabajar con las empresas locales. “El fin es generar lazos, relacionamiento, trabajar en conjunto. La mayo ría no estaban tan alineadas con el tema de la sostenibilidad. Además son negocios familiares, los dueños son gente mayor, de la vieja guardia. La idea es ayudarlos a desarrollarse”, sostiene Adrián García Ulibarri, gestor de proyectos y socio de la firma.

TALLA POR LA forma EN QUE TRABAJADOSESTANLOS

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“Buenos Aires me permitió desarrollar una faceta artística que no tenía en Francia. Me dio una libertad increíble”, sostiene Clément Le Coz. Nació en París en 1987 y desde chico le in teresó la moda. “Un amigo de mi mamá venía con unas tinturas y hacíamos dibujos sobre mis jeans. Yo tenía 16 años y me los ponía para ir al colegio”. Pero su vida fue en otra dirección: es tudió economía y se fue a trabajar a Ginebra. “El mandato social te guía a una carrera conservadora. Si tenés un perfil artístico, nadie te lo dice”. Pensó en irse a Nueva York con su novia de aquel momento, pero se separaron y entonces apareció la idea de mudarse a la Argentina. “Había venido en 2010 por turismo y me fascinó. Llegué en noviembre de 2011”. Al poco tiempo ya estaba trabajando en una empresa agrícola. En 2014 se independizó y lanzó su servicio de concierge, en el que se dedicaba a organizar les la vida a extranjeros que venían a vivir en la ciudad. “Me fue bien, pero me harté, estaba haciendo algo que no quería. Cerré en enero. Durante la pandemia escribí un libro”. Ma vie à Buenos Aires se publicó en abril. “Al principio estaba haciendo un libro de erudición histórica ¡Un plomo! Hasta que mi terapeuta me dijo: ‘¿Por qué no escribís algo personal? Lo que viviste en estos

Clément Le Coz encontró en su etiqueta la forma de volver a los lugares que ama. París AIRES

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Entre

Y BUENOS

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

“LA LINEA ES unisex Y CUENTA CON sastrería, ZAPATOS, CINTURONES, RUANAS Y pañuelos ”.

diez años, las cosas que te gustan’”. Se divide en cuatro capítulos en los que cuenta desde el lugar que elige para ir a desayunar o para hacer arreglar sus zapatos hasta sus recorridos y espacios de arte favoritos. “A partir de las personas que entrevisté pude entender cuál es mi visión estética, gastronómica, cultural y so cial de Buenos Aires”.

El libro fue el puntapié para lanzarse a un nuevo proyecto en el que ya está trabajando de lleno: su propia etiqueta. Se llama La Promesa. La está desarrollando con su esposa, Justina Socas, historiadora de arte y artista. Comenzaron a pensarla cuando viajaron a París en julio de 2021. Recorrieron distintos talleres en Francia e Italia. “Pensamos diseños para vestir en un cóctel o una comida; para usar en un picnic en el campo o en una terraza en Puerto Madero o La Toscana. La línea es unisex y cuenta con sastrería, zapatos, cinturones, ruanas y pañuelos. Los primeros modelos que hicimos son más setentosos, como un ambo con mucho cuello, puño y bolsillo”.

El plan es producir y comercializar la marca en París –salvo las ruanas que se fabricarán en Argentina- por el lugar que tiene la capital francesa en la industria internacional. Hace dos me ses está instalado allí con su esposa e hija y en septiembre van a presentar la etiqueta en el marco de la Semana de la Moda. Sin embargo, no piensa abandonar Buenos Aires. “Queremos que sea el lugar de la familia, para disfrutarlo y crear contenido porque vivimos en una ciudad alucinante”. n @clemlecoz

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J U N I O A B R I L J U L I O M AY O A G O S T O S E P T I E M B R E O C T UB R E N O V I E M B R E D I C I E M B R E MARZO 7/4 29/326/4 12/7 26/7 24/5 6/9 4/10 18/10 27/10 1/1117/11 1/12 9/8 23/8 10/11 9/6 13/6 22/6 28/6 81

Por SILVIA FRAU

Donne in Equilibrio 1955-65 está dedicada a la vida y al trabajo de Wanda Miletti Ferragamo, guía inteligente y sólida de la maison tras la muerte de su marido en 1960. Un recorrido en el que se evidencia cómo este hecho dramático cambió su vida.

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mujeres en EQUILIBRIO

La exposición en el museo Salvatore Ferragamo de Florencia cuenta los éxitos – entre la vida privada y la empresa – de Wanda Miletti Ferragamo y de muchas otras mujeres de su época.

Donne in Equilibrio , curada por Stefania Ricci y Elvira Valleri, parte de la premisa de que la historia se conjuga en una dimensión plural, creativa y productiva. Es el resultado de las acciones de individuos que crean modelos de vida y de consumo, de relaciones y de trabajo; acciones que conducen a profundas transformaciones culturales y sociales. Así sucedió en la Italia de posguerra, también gracias a muchas empren dedoras. De hecho, fue un período de cambios en el estilo de comportamiento, de una nueva estética que involucra principalmente a las muje res que intentan adaptarse a su nuevo rol y a los entornos laborales influenciados por la publicidad y los modelos de vida estadounidenses. La casa, que es central en la muestra, se transforma y comienza a ser un pro tagonista –en cuanto a los espacios y su función– de nuevas formas de sociabi lidad. El lugar que, para la Sra. Ferragamo, representa un refugio donde regresar por la noche después del trabajo y donde detenerse a reflexionar sobre el futuro. Este es, entonces, el fin último de esta expo sición, que no solo quiere contar un capítulo de la historia de Italia, sino también promover un pensamiento contemporáneo sobre los temas tratados. n

Donato.TeresaTraducción:

Además de asumir el compromiso familiar decidió hacerse cargo de la empresa, consciente de la tarea difícil que tenía por delante, y sin haber trabajado nunca antes en la firma. La his toria se desarrolla en las salas del Palazzo Spini Feroni –sede de la etiqueta y actual Mu seo Salvatore Ferragamo–, donde se armó una casa hi potética, a excepción de la primera sala que representa su estudio. La muestra des taca cómo el rol profesional no opacó jamás el lado más tradicional y femenino de esta mujer (1921-2018), li gada a valores sólidos, que se casó muy joven y crió seis hijos que, posterior mente, se incorporaron a la empresa. Es también una oportunidad para honrar, como seguramente hubiera querido ella misma, a tantas otras mujeres pioneras del empresa riado, de la cultura y de la ciencia, como las artistas, fotógrafas y diseñadoras que, entre fines de los años cincuenta y primeros años de los sesenta, lograron combinar su desarrollo personal con los afectos familiares.

No solo se mide el tiempo para registrar una velocidad récord; también permite evaluar la profundidad de una relación que se ha consolidado con los años. Con una sofisticada paleta de suti les tonalidades, estas recreaciones de los relojes Omega parecen 83

Jumpsuit de cuero, ANNAKIKI . Anillo, BUCCELLATI. 84

Nueva vida para la estrella pop. Pronto l a veremos en Argentina presentando su último disco Holy Fvck, el más trasgresor de todos. En esta entrevista exclusiva habla de quién es DEMIhoy.LOVATO renacıda Fotos DENNIS LEUPOLD Estilismo LUCA FALCIONI Producción DANIELE CARETTONI 85

Por FABIO BARBIERI

L’O: ¿Qué soñabas ser cuando eras chica? ¿La música era parte de ese sueño?

L’O: ¿Cómo te relacionás con la moda?

La cantante que saltó al universo de la popularidad primero por la actuación y luego por su voz increíble tiene una cuenta de Ig con más de 133 millones de seguidores, donde usa el pronombre They con el que pide ser identificada. Demi Lovato está ahora en el centro de atención con su octavo álbum, Holy Fvck, com pletamente disruptivo respecto a los anteriores, basado en sus raíces más rockeras y pop-funk, y con letras que hablan de sus experiencias más duras. “Me representa mucho. Lo escribí en un momento increíblemente oscuro, pero estoy muy agradecida de no estar más en ese lugar frío y solitario”. A ocho años de su última visita a la Argentina, Demi está de regre so por cuarta vez. El show incluirá canciones de su último álbum más un recorrido por toda su discografía, que hoy tiene más de treinta mil millones de reproducciones en diferentes plataformas.

DEMI LOVATO: Diría que soy apasionada, leal y cariñosa. Y también ambiciosa; soy una persona con iniciativa.

L’O: ¿Qué significa la música para vos? DL: La música es sanadora, es amor, es enojo, todas las emociones juntas. Y ayuda a quien la escucha, se conecta con ella y la siente resonar en su interior.

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DL: Todo momento en mi carrera me genera satisfacción… Si tengo que pensar en alguno en particular, cuando “Give Your Heart a Break” era número uno en la radio y yo estaba dejando la huella de las manos en el cemento en el Grauman’s Chinese Theater, con Britney Spears, Simon Cowell y L. A. Reid. Fue una de esas veces en que pensás “que alguien me pellizque”, esto es icónico, te empodera. Así que probablemente ese es el momento que recuerdo con más orgullo. También cantar el himno nacional en el Super Bowl fue una experiencia genial.

L’OFFICIEL: Elegí tres palabras que te describan.

DL: Sin duda, mi pasión incluía la música. Siempre estaba can tando, tocando la guitarra y el piano, y escribiendo canciones. Es lógico que la vida me haya traído a este lugar.

L’O: ¿De qué momento de tu carrera estás más orgullosa?

DL: Uso ropa que le va bien a mi cuerpo, que me hace sentir cómoda. No me apasionan las tendencias, pero las adopto si veo algo que me gusta. De todos modos, trato de mantenerme fiel a mí misma

Camisa, BALENCIAGA 87

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L’O: Pasaron ocho años desde tu visita a la Argentina. ¿Hay algo que tengas ganas de volver a ver?

L’O: ¿Cuál es tu primer recuerdo relacionado con la moda?

L’O: ¿Qué pensás de la belleza? ¿Cómo te parece que el concepto ha evolucionado con los años?

L’O: ¿Qué podés decirnos de tu nuevo álbum?

“ESTOY cómoda

MAQUILLAJE: Etienne Ortega para The Only. PEINADO: Peter Savic para Opus Beauty con productos Navy Hair Care. PRODUCION: Daniele Carettoni para Espresso Productions. DIRECTOR DE MODA: Maleeka Moss at The Only. POSPRODUCCION: Kevin Leupold. ASISTENTES DE FOTOGRAFIA: Tommy Blanco, Winston King.

DL: Es decididamente rock, muy distante de lo que hice por mucho tiempo. Estoy muy entusiasmada con este disco porque lo siento más auténtico, más cercano a la compositora y cantante que era en mis comienzos. Estoy cómoda con mi música por primera vez en muchísimo tiempo.

L’O: ¿Qué fue lo mejor de hacer este álbum? ¿Cuál es tu mejor recuerdo?

DL: Lo mejor era llegar al estudio y estar allí con gente que te inspira día tras día y salir llevándote algo que te motiva aún más. No sabía que era posible.

DL: Me entusiasma regresar y actuar para mis fans de América La tina. Los extraño de verdad. Siempre vienen a verme, me apoyan, nunca me decepcionan. Estoy segura de que va a ser maravilloso.

DL: Los argentinos son supercálidos y te reciben con tanto cariño. A pesar de que estuve hace ocho años, sé que va a ser como si no hubiera pasado tanto tiempo. Hay una sensación de autenticidad en todo. Además me encanta Buenos Aires y la cultura, pero lo que más se destaca es el recibimiento afectuoso que te brinda la gente.

DL: Tenía unos zapatos con brillo de Target y eran mis preferidos. Me hacían acordar a Dorothy de El mago de Oz y los usaba todos los días. Fue la primera vez que sentí como una relación con la prenda que tenía puesta.

DL: A decir verdad, ahora me da felicidad crear y compartir música que me enorgullece. También hacerme tiempo para mí misma, meditar y ejercitarme. Algo más que me da felicidad es hacer caminatas con gente amiga, me da mucha calma, es como un cable a tierra. n CON MI música POR PRIMERA VEZ EN muchísimo TIEMPO”.

Villegas.SilviaTraducción:

DL: La belleza está en los ojos del que mira, así que cada persona tiene su propia visión. Fue algo que tuve que aprender: no todos van a pensar que sos bella, y eso está bien. Yo me esfuerzo en encontrarme bella para mí misma. Porque a veces no me veo así, pero creo que es la clase de relación en la que hay que trabajar, especialmente con uno mismo, y cuando abrís los ojos al mundo, podés encontrar la belleza que encierra.

L’O: ¿Qué expectativas tenés para la etapa latinoamericana de tu gira?

Vestido, LORO PIANA ; cinturón, VEX LATEX.

L’O: ¿Qué te hace feliz?

ASISTENTE DE ESTILISMO: Chloe Cussen. LOCACION: Dust Studios. 89

ESTA PAGINA: brazalete Medor Aluminium Sunset, HERMES. Colgante B.Zero en oro rosa, BVLGARI disponible en EVE JOYERIAS. PAGINA OPUESTA: Batman en cristal, SWAROVSKI. Hebilla moño Viva, SALVATORE FERRAGAMO. 90

Fotos MARCELO SETTON Estilismo GABRIELA SETTON TECNICASMIXTAS 91

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PAGINA OPUESTA: collar, JULIO TOLEDO. Tostadora, SMEG. ESTA PAGINA: anillos en oro blanco y oro rosa 18 quilates con pavée de brillantes, SIMONETTA ORSINI. Pendientes perlas gigantes, SALVATORE FERRAGAMO. 93

ESTA PAGINA: aro solitario Caracol XL, BIMBA Y LOLA. PAGINA OPUESTA: anillo en platino con brillantes 0.7 quilates, turmalina verde 5.3 quilates y rubilita 4.5 quilates, IGNACIO BARCENA. Gargantilla en oro blanco 18 quilates y brillantes, SIMONETTA ORSINI. 94

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GROUPSHOW Fotos FRANCISCO FERRARI Estilismo DELFINA TULLI Y LUCILA RIVERO PAGINA OPUESTA: remera con brillos, ADRIAN BROWN . Falda, LACOSTE . Cartera, FAHOMA. Pendientes, SWAROVSKI . Blusa y shorts, JT . Sandalia, CHER . Collar, SWAROVSKI. Vestido, DELGE . Cartera, FAHOMA. Collar, SWAROVSKI . Camisa, CARBONE . Bermudas, JT. ESTA PAGINA: campera, DOMA. Top, JT. Pendientes, SWAROVSKI 97

Blazer y pantalón, CALA. Camisa, CARBONE . Mocasines, CARBONE. 98

Trench, CHER. Top, ADRIAN BROWN . Falda, LACOSTE . Cartera, FAHOMA . Pendientes, SWAROVSKI . Blusa y shorts, JT. 99

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PAGINA OPUESTA: top, ZITO . Falda, RAMIREZ . Botas, SANTESTEBAN. Cartera, DELGE. ESTA PAGINA: vestido, DELGE . Pendientes, SWAROVSKI. 101

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PAGINA OPUESTA: camisa, MIJA . Vestido, DOMA . Cartera, SENTEZ . Top, EVANGELINA BOMPAROLA . Falda, SALVATORE FERRAGAMO. Pendiente, FAHOMA. ESTA PAGINA: top, VANESA KRONGOLD . Pantalón, EVANGELINA BOMPAROLA. 103

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PAGINA OPUESTA: top, VANESA KRONGOLD . Pantalón, EVANGELINA BOMPAROLA. ESTA PAGINA: blazer y pantalón, CALA. Camisa y mocasines CARBONE . Pañuelo de seda y cartera, SALVATORE FERRAGAMO . Top, falda y sandalias CHER . Colgante, FAHOMA. Vestido, ADRIAN BROWN Pantalón, DOMA . Sandalias, SANTESTEBAN . Esclava, UCHA . Blazer y pantalón, NAIMA . Vestido, MENAGE A TROIS . Sandalias, CHER. 105

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PAGINA OPUESTA: camisa, FURZAI . Pantalón en denim, RAPSODIA. ESTA PAGINA: chaqueta, JT. Falda, DOMA. Cartera, SENTEZ. 107

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Sol

MAQUILLAJE:

con productos Schwarzkopf. ASISTENTE

Trinidad

MODELOS:

Models Management. AGRADECIMIENTOS:

con productos

PAGINA OPUESTA: piloto, LACOSTE. ESTA PAGINA: chaqueta, MISHKA. Yamo Zarlenga, Asteasuain, Saal y Abril Fumo Niche Estudio Chanel. Yamo Zarlenga, Trinidad Asteasuain, Sol Saal y Abril Fumo para Niche Estudio DE FOTOGRAFIA: Catania. DE ESTILISMO: Lara Martinsen. Reto Studio. Petra Arias, Victoria Albornoz para Look1 Dawidowicz Salvador Not Julián Camps.

POSPRODUCCION:

Models Management, Emilia

para

para

PEINADO:

para Pink Models Management,

Leonardo

ASISTENTE

Melanie Antón es la directora de arte que eligen los músicos más influyentes. Fantasía y tonos pastel son parte de su estilo personal dentro y fuera del set. Un MUNDO color de ROSA Fotos LOLI LABOUREAU Estilismo DELFINA TULLI Camisa, pañuelo y pantalón denim, PANORAMA 110

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Vestido, VALENTINA KARNOUBI. Blazer JAZMIN CHEBAR. Collar y botas, PANORAMA. 112

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Hay que soñar en grande porque todo es posible, y a veces la teoría de los seis grados de separación con cualquier otra per sona del planeta a través de una cadena de conocidos, se achica sorpresivamente a uno o dos. Eso le pasó a Melanie Antón el año pasado, cuando estaba en Madrid trabajando en la dirección de arte de una película que se estrenará este año, La Piedad, de Eduardo Casanova. “Había mandado a pedir unas cosas a unos realizadores que me dijeron ‘esto lo vamos a tener recién para dentro de unos días porque estamos haciendo unos trabajos para la película de Wes, que está filmando acá, a 45 minutos de Madrid’. ‘¿Qué Wes?’, les pregunté, ¡y era Wes Anderson! Casi me muero”, dice Melanie, la creadora de los espacios más oníricos de la música urbana.

Desde el vestuario de un club de básquet para el videoclip Plan A de Paulo Londra al set kubrickeano de Opa , el video de Dillom. De las habitaciones emo-románticas de Cazzu con su saga de canciones que lanza los 14 de febrero al video rutero de María Becerra y Tini. En el videoclip de Bizarrap Music Session #38 recreó uno de los sets que más le gustan: vistió de botones de hotel al productor más exitosos de la música urbana, armó una escenografía acorde a El gran hotel Budapest y cumplió, en parte, su sueño. Cuando se enteró de que estaba tan cerca el director referente de una estética y una dirección de arte memorables cuya influencia es evidente en su trabajo, Melanie reaccionó. Se subió al auto y se fue a ver si la dejaban entrar. “Obviamente no me dejaron pasar, pero vi un set de Wes a dos kilómetros de mis ojos, o sea, muy cerca”. Su energía cambia mientras cuenta esta aventura y se ríe como una niña de cabellera rosada bebé, color de chicle de tutti frutti lavado. La distancia con los sueños parece haberse reducido a la nada. Todo puede pasar. En tierras de Pedro Almodóvar, trabajando en su primera película, Melanie ve el futuro: el cine. Pero no cualquier cine, solo aquel donde el universo visual que aporta la dirección de arte esté jerarquizado, donde se pueda lucir. “Por que si no, siento que en el videoclip hay más libertad creativa, zarpada, en una sola pieza audiovisual puedo hacer cinco o seis sets, y porque además los artistas van sacando mucho material, muy seguido. Nunca me aburro, una semana hago algo espacial y a los días algo de los años 20 y a la siguiente un set pastel. En una película los procesos duran meses, se construye a fondo”. Son tantos los mundos que creó Melanie que es imposible abarcar la breve pero intensísima carrera de esta diseñadora de 28 años. Porteña del barrio de Saavedra, de chica quería ser pin tora, hacer cosas con las manos, con los colores. Cuando entró Por ROMINA ZANELLATO al secundario descubrió la fotografía y flasheó, y en la carrera de Dirección de Imagen y Sonido de la UBA descubrió que lo suyo era la dirección de arte. “Tiene lo que me gusta a mí de lo manual, de construir cosas, tiene del cine la fotografía, in cluso tiene el diseño de indumentaria que siempre fue algo que me gustó”. Y todos esos intereses reunidos en su profesión se reflejan en cómo vive y se muestra. Desde el pelo, que siem pre varía dentro de los tonos pastel, hasta la ropa. Melanie no tiene ni una sola prenda negra. En el mundo del trap y la mú sica urbana, donde abundan los colores oscuros, ella sobresale con su saco verde manzana de peluche. “Siempre fui de lo más fantasiosa, todo lo contrario a lo natural. Me gusta mucho lo intervenido, donde claramente hay una propuesta de color, de puesta en escena”. Ya sea para Rauw Alejandro o para L-Gante, Mel arma mundos de acuerdo al artista y a la canción. No lo hace sola, en 2019 fundó con su novio, Agustín Jáuregui, con quien crea todo, DAJAUS, una productora de diseño de arte y de esceno grafías. Los artistas les traen una canción. A veces tienen una idea, a veces ya saben perfectamente lo que quieren, y otras les dan completa libertad creativa para armar el universo visual de esa fantasía que es cada videoclip. Su material tiene un sello muy distintivo. Por eso, a muchos artistas que se acercan a ellos con admiración les cuesta poner lo en práctica y salir de su concepción habitual. “El desafío del director de arte es cómo poner su impronta, pero además lo grar que se mantenga la estética del artista”, explica. Con un portafolio enorme que avala su trabajo y la capacidad de crear estilos distintos y moverse lúdicamente por estéticas diversas, le sale mejor impulsar otras alternativas. “Con artistas que por ahí siempre hicieron lo mismo, eso de cadenas y billetes, ahora me animo a proponerles ´¿por qué no hacemos algo con telas o no sé, otra cosa?´, y de a poco me voy acercando a lo que más me interesa retratar o representar”. Porque es eso lo que más le preocupa, la representación. Des de chica, cuando miraba a Katy Perry o Lady Gaga, artistas con una impronta visual muy clara, o a fotógrafos como Miles Aldridge o David Lachapelle, Melanie supo que no bastaba solo con mirar, había que tomar decisiones para que el retra to saliera de lo obvio. Con esa idea también nació BEBAS, la productora que creó en 2020 con Sol Schostik. La intención es que las mujeres ocupen roles de jerarquía y de decisión dentro de los rodajes. “Eso para mí se traduce en que cambie el dis curso de lo que cuentan los videoclips”.

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PAGINA OPUESTA: chaqueta y pantalón cargo, JAZMIN CHEBAR. Gafas, CARLA DI SI. Botas, PANORAMA. ESTA PAGINA: gorro cloche, LULU MARTINS. Monoprenda, JAZMIN CHEBAR. ASISTENTE DE ESTILISMO: Lara Martinsen. MAQUILLAJE Y PEINADO: Joaquín Vega Caro para Kabuki Makeup School. AGRADECIMIENTO: Las Mezcolanzas de Dani Valiente. “EL desafío DEL DIRECTOR DE ARTE ES cómo PONER SU impronta, PERO ADEMAS LOGRAR QUE SE mantenga LA estética DEL ARTISTA”. 115

UNA & OTRA Fotos JOSEFINA BIETTI Estilismo ALDANA Y ANTONELLA SIMES PAGINA OPUESTA: camisa de shantung, LA RANDO . Gemelos y anillos, MANECA. 116

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Chomba con cuello tejido, RAIMONDI. Aros, MANECA 118

Suéter, RAIMONDI . Falda de cuero con tajos, LA RANDO. 119

Chaleco, NOUS. Campera denim y pantalón, AY NOT DEAD. 120

Camisa de shantung, LA RANDO. Falda de shantung, XREBAGLIATI. Calza, CARZOGLIO. Ojotas, DUBIE. Aros y anillos MANECA. 121

ESTA PAGINA: traje, RAIMONDI. PAGINA OPUESTA: chaleco, NOUS. Campera denim y pantalón, AY NOT DEAD. 122

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Blazer NOUS. Pantalón de denim, AY NOT DEAD. Aros, MANECA. 124

Camisa de shantung, CARZOGLIO. 125

Trench de cuero, LA RANDO. Calzas de encaje, XREBAGLIATI. Ojotas, DUBIE. Aros, MANECA 126

MAQUILLAJE: Yamo Zarlenga para Niche Studio con productos Chanel. PEINADO: Facu Diaz para Niche Studio con productos Schwarzkopf. ASISTENTE DE MAQUILLAJE Y PEINADO: Rosa Rivoira. DIRECTOR DE FOTOGRAFIA: Camilo Diaz Salamanca. PRODUCCION: Celeste Santo Domingo. POSPRODUCCION: Milagros para Lindo estudio. MODELOS: Justina Ageitos y Valeria Gómez de Look 1. AGRADECIMIENTOS: Edwin Panneflek, Estudio Huemul. 127

Monoprenda y botas, HERMES. Argollas y anillos, BVLGARI. 128

Vive en Madrid haciendo lo que más le gusta: actuar y cantar. Tiene objetivos ambiciosos. También pasión y constancia para lograrlos. Zenere DESEOSCUMPLIDOS Fotos CELINE DONKER VAN HEEL Estilismo FREDDY ALONSO VALENTINA 129

“ME PARECE fuerte QUE A TRAVES DE LA música ME ESTUVE hablando A MI MISMA, contándome COSAS QUE NO PODIA VERBALIZAR”. Buzo y falda, LOUIS VUITTON. Argollas, SUOT. 130

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Su presente está a un paso del soñado futuro que planea. Valenti na Zenere destaca que llegó sin trabajo a Madrid, pero esperanzada con las audiciones y en el fluir de lo que ideó para ella. ¿Próximo ob jetivo? Filmar en Hollywood, “porque es mi sueño más grande.” LORENA PEREZ soñé CON UN SHOW EN VIVO. ME GUSTA LA idea DE CREAR MI universo EN LA música”

“SIEMPRE

. 132

n Por

Valentina Zenere recién termina de filmar la sexta temporada de la serie de televisión española Elite, producida para Net flix. Ahora está concentrada en su aterrizaje en el mundo de la música. Su primer single Cero coma ya suena en todas las pla taformas y fue muy bien recibido por el público. “Hace mucho tiempo vengo trabajando en esto, canté toda mi vida, pero soy muy respetuosa de lo que hago; si lo hago, lo hago bien. Tengo las cosas superclaras y siempre soñé con un show en vivo. Me gusta la idea de crear mi universo en la música”, cuenta en un rato de descanso durante la producción para L’Officiel. Comenzó su carrera en Casi Angeles, el éxito de la factoría de Cris Morena realizado para Telefé, y en 2016 participó en la telenovela de proyección internacional Soy Luna. En 2019 viajó a España para hacer diferentes castings y enseguida obtuvo un papel para la serie Las chicas del cable. “Llegó la pandemia, me volví a Buenos Aires, pero a los meses viajé nuevamente, hice una prueba para Elite y quedé”. Así comenzó a construir su vida poscuarentena, se estableció en Madrid donde vive con su novio catalán Jordi Lladó y sigue proyectando su carrera. “Siempre tuve ganas de irme para crecer. Ojalá pueda seguir quedándome en Madrid, aunque soy una persona que no duda en cambiar de destino si se trata de un trabajo interesante”. Valentina es parte de una generación que tiene la autogestión como bandera; logra la ecuación precisa para hacer convivir sus contenidos con las demandas de la época. Es versátil y, si bien se siente cercana a la escena del trap y el reggaeton, también se iden tifica con Santana, Amy Winehouse y Black Eyed Peas. Tiene claro que muchos de los mejores músicos surgen de Argenti na y es aquí donde le gustaría presentar sus canciones en vivo. “Para encontrar mi identidad musical fue necesario ir haciendo, probando qué me gusta más y qué menos. Se trata de tiempo de estudio y de ver cómo te van pasando las cosas”, reflexiona y acota que también escribe las letras. Cuando le preguntamos si le agrada escucharse, cuenta que le impacta encontrarse con letras que atraviesan sus vivencias: “Me parece fuerte que a tra vés de la música me estuve hablando a mí misma, contándome cosas que no podía verbalizar. Era una magia.”

Ambición y preparación son dos caras del mismo perfil de esta mujer que va imaginando lo que quiere mientras se ocupa de concretarlo. “Soy muy pasional, mi vida tiene un propósito y va acompañado por mi trabajo”. La diseñadora de interiores española María Llado, madre de su novio, la ayudó a fantasear situaciones a partir de fotografiar lo que le interesa. Esto mismo lo aplica con los vestuarios. Toma referencias que la inspiran en lo que quiere proyectar de su persona. “La moda me permite expresarme, cuando nos vestimos decimos algo: eso que usás va con vos y con nadie más”, explica sobre el proceso de pensar su trabajo con la imagen.

Pantalón y chaqueta, MAX MARA. Argollas, BVLGARI. MAQUILLAJE Y PEINADO: Alba Esteban ( @albaglance ) para NARS POSPRODUCCION: Reto Studio. 133

St. Regis Bal Harbour es un destino en sí mismo. Un hotel imponente desde el hall de entrada hasta las vistas al mar en cada habitación. Naturaleza, confort inteligente y gastronomía de alta gama. Por DELFINA TULLI Y CATALINA DEL PINO habitar las FANTASIAS 134

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Vivir dentro de una galería de arte resulta exótico y tentador, casi imposible. En el St. Regis Bal Harbour cada espacio está intervenido por la Opera Gallery. El hotel se convierte en una exposición de arte permanente. La experiencia se amplifica con la vista al mar desde las habitaciones y las terrazas de las sui tes. Pero el St. Regis Bal Harbour no solo seduce a través de la mirada, la magia se extiende a todos los sentidos. Dentro de su oferta gastronómica se destacan La Gourmandise, con terraza al aire libre en un entorno muy luminoso y Atlantikós, un auténtico restaurante mediterráneo, inspirado en la isla de Santorini. Cada plato busca exaltar el paladar y sorprender con nuevos sabores.

El hotel tiene 215 habitaciones y suites. El icónico Remède Spa ofrece una amplia variedad de tratamientos faciales y cor porales, un oasis para el relax.  La playa está reconocida como una de las mejores de Florida y cuenta con amplias piscinas.

“CADA ESPACIO ESTA intervenido POR LA OPERA GALLERY. EL HOTEL SE CONVIERTE EN UNA exposición

DE arte PERMANENTE”.

Este gran destino se completa con una ubicación excepcional sobre el Atlántico, a tan solo quince minutos de South Beach. Hay una amplia variedad de actividades para cada momento del día. Bal Harbour Shops, centro comercial al aire libre, cuenta con grandes tiendas como Neiman Marcus y Saks Fifth Avenue. Los restaurantes incluyen Carpaccio de cocina italiana, Mako to, moderna japonesa y Le Zoo, un bistró francés, entre otros. Este año Bal Harbour celebra su 75º aniversario con diferentes desarrollos urbanísticos como un parque a orillas del canal y la re modelación del muelle ubicado en el extremo norte. Se han reno vado las playas y ampliado con 184 000 metros cúbicos de arena. Al espacio comercial de Bal Harbour Shops se sumaron 24 000 metros cuadrados para incluir cuarenta nuevas tiendas y restaurantes. La expansión ya está en marcha y programada para completarse en 2024. Esta pequeña localidad de Miami en su mejor momento. n

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Cartera y guante, JACQUEMUS138

Colores y formas rotundas. La gran diferencia. Fotos CHRISTOPHER FENNER Estilismo BEN JAMES ADAMS 139

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PAGINA OPUESTA: cartera y anillos, DIOR. ESTA PAGINA: sandalia, BOTTEGA VENETA. 141

ESTA PAGINA: escarpines sin talón, PRADA. PAGINA OPUESTA: CARTERA, CELINE. 142

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ESTA PAGINA: carteras, CHANEL. PAGINA OPUESTA: sandalias, GUCCI. 145

ESTA PAGINA: cartera, VALENTINO. PAGINA OPUESTA: cartera y candados, GIVENCHY. ASISTENTE DE ESTILISMO: Gregory Russill. 146

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La dueña de la galería Rolf Art privilegia a los artistas latinoamericanos y a la fotografía como lenguaje. Conoce del encanto de una imagen y también de su poder. CAMBIAR LA mirada FLORENCIA GIORDANA BRAUN Fotos GERMAN ROMANI 149

FGB: Principalmente sensibilidad, permitirse conectar con una imagen. Sí me parece que el ojo se entrena, se desarrolla, se cultiva y se enriquece. Uno aprende a mirar. Yo misma empecé trabajando con el purismo fotográfico, pero cada vez me fue interesando más encontrar los desafíos para el registro y la abs tracción en la imagen, y lo que esta me puede devolver.

Nació en Córdoba y desde chica quedó imantada por el arte y la estética. Desde las primeras visitas con su familia a las óperas del Teatro Colón, pasando por la expedición infantil a la profusa biblioteca de su casa, hasta su posterior y rigurosa formación en el exterior, la vida de Florencia Giordana Braun estuvo signada por la capacidad de ver belleza en el mundo. Hace más de diez años conduce la primera y más reconocida galería dedicada a la fotografía y desde ahí se propuso que los artistas latinoameri canos sean valorados internacionalmente.

FLORENCIA GIORDANA BRAUN: ROLF, que es Flor al revés, nació como una necesidad personal y también de reconocer una necesidad en el sector. Volvía de una experiencia en el exterior y me di cuenta de que había un bache entre lo que los artistas podían y querían producir, y la falta de un mercado. Entonces empecé con la idea de armar una productora que viabilizara y facilitara esta posibilidad, desde Córdoba hacia el exterior. Pero después me focalicé exclusivamente en las artes visuales y en especial en la fotografía. Me enamoré de ese lenguaje. En el proceso del armado de ROLF, trabajando con artistas, aprendí a entender la lógica y el pensamiento en la construcción de una imagen. Entender que en todo recorte había una selección, un mensaje. Saber que estaba trabajando con algo que no era obvio, sino que había poesía, belleza y estética, pero que sobre todo había profundidad. A la vez, observé que en Argentina había un nicho para desarrollar ante la falta de profesionalismo en el tratamiento de la fotografía. Existía una desconfianza en el mercado por el carácter reprodu cible del soporte fotográfico y la falta de cuidado en el proceso de documentación que limite la cantidad de copias. Ha sido, y sigue siendo, una tarea ardua devolverles la confianza a los clientes y al mercado sobre este medio, y abrazar, en todo caso, su naturaleza.

L´O: Todos los artistas que forman parte de la galería tienen una mirada que hace foco en lo político-social. ¿Hay una elección especial por los autores que inscriben su obra en el compromiso con la realidad ? FGB: En ROLF entendemos que el contexto social, político y económico es un factor determinante para interpretar el arte contemporáneo y las expresiones de los artistas que represen tamos. La propuesta de la galería es interpelar ese contexto e invitar al público, a través de las imágenes, a reflexionar sobre las realidades que habitamos. El arte es bello, pero es un acto político. Hay, entonces, un compromiso, no solamente en la ma nera en que los artistas recortan y crean sus obras, sino también en el perfil de la galería que los reúne. Tener una línea curatorial y sostenerla en el tiempo ha sido nues tro desafío. La galería solamente representa artistas latinoame ricanos y esto tiene una justificación. Somos una sociedad atra vesada por tantos conflictos, que está en constante convulsión, y la imagen técnica tiene la capacidad de registrar esto como ningún otro soporte o como ninguna otra expresión artística.

L’O: ¿Qué destrezas o capitales creés que son necesarios para apreciar una foto?

Por FACUNDO ABAL 150

L’OFFICIEL: ¿Cómo nació ROLF y por qué la elección por la fotografía?

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Sergio Linares MAQUILLAJE Y PEINADO: Sergio Linares. POSPRODUCCION: Reto Studio. 152

UNO aprende A MIRAR”.

FGB: No lo siento como una afectación, sino como un desafío. Es parte del nuevo mundo en el que vivimos, donde la biosfera se mezcla con la tecnosfera, y donde aparecen nuevos espacios para la circulación de imágenes. Eso no necesariamente va en detrimento de lo que es una obra de arte. Sí me parece que hay una mayor profusión de imágenes y una contaminación visual inmensa, que pasó de la calle a nuestro teléfono. Pero también hay otros espacios para ver y mirar que bregan por el trabajo artístico versus la ocupación visual. Son diferentes lógicas que conviven y que tienen sus propios mercados. n

L’O : ¿Es un desafío construir otra imagen de América Latina en el exterior a través de la fotografía?

L’O: ROLF fue la primera galería latinoamericana en participar en París Photo. ¿Cómo fue esa experiencia? FGB: Sentimos que le abrimos un camino a la fotografía lati noamericana en las ferias más prestigiosas del mundo. No me olvido de que vengo de Córdoba, que hice un recorrido de muy pequeños pero sólidos pasos hasta llegar a la feria más importante del medio, que se celebra en el Grand Palais de París. Fue una experiencia inolvidable, no solo por las ventas, sino por descubrir el genuino interés del público europeo por las expresiones visuales latinoamericanas, por encima de la respuesta que habíamos tenido hasta entonces en Argentina. Hay una valoración, un reconocimiento y una legitimidad que nos dan las instituciones cuando presentamos artistas de aquí, que muchas veces no se da en nuestro propio país.

L’O: La filósofa Hito Steyerl hace un análisis agudo sobre cómo las redes sociales han desplazado la idea del trabajo artístico por la de ocupación, donde una cantidad infernal de personas brindan gra tuitamente imágenes sin tener remuneración alguna. ¿Cómo afecta esto al mercado del arte en fotografía?

“EL ojo SE ENTRENA, SE DESARROLLA, SE CULTIVA Y SE ENRIQUECE.

FGB: En general, en materia de fotografía, el tratamiento de las imágenes latinoamericanas ha sido como muy de outsider. La mirada que se mostró o la representación que se ha hecho de la región es siempre la de una sociedad subdesarrollada, y somos mucho más que eso. Efectivamente atravesamos conflictos sociales, políticos, dictaduras, pero nos recuperamos de todo eso y hay una sensibilidad muy potente que viene desde ahí. Me parece muy importante cambiar esta mirada, proponer y mostrar otras lecturas posibles de lo que somos los artistas lati noamericanos y despegarnos de lo que señalan como “originario”.

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DossierPor

Los diseñadores de interiores abordan su trabajo como una oportunidad de potenciar la experiencia humana. Con nuevas formas de mejorar la funcionalidad de la vida cotidiana y soluciones innovadoras a los problemas, la práctica del diseño impacta de manera indeleble en la salud mental, la productividad y sobre todo, la tranquilidad de espíritu. En esta recorrida que abarca varios continentes, L’OFFICIEL destaca artífices que están generando espacios en el mercado internacional. En su conjunto, aportan una narrativa global de culturas, valores, y perspectivas estéticas contemporáneas.

JOHNNY RABE

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HEVEN, USA

Breanna Box –música, actriz y directora– y el modelo Peter Dupont idearon Heven durante el confinamiento por covid-19, mientras buscaban la manera de hacer del hogar su refugio y paraíso propios. La marca incluye floreros, cristalería y carafes con los característicos cuernos de diablo que la identifican. La pareja colaboró recientemente con Coperni en la realización de carteras Swipe de vidrio soplado. Tienen planes de expansión: “Estamos preparando más artículos para la casa además de cristalería; queremos que las personas se sientan inmersas en el mundo que creamos”. Fotos: retrato y carteras, Richie Talboy; carafes, DEADHUNGRY. Maquillaje: Julian Stoller.

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ZANINI DE ZANINE, Brasil

Desde 2003, Zanini de Zanine realiza muebles y otros objetos de diseño que celebran la cultura, los procesos y las materias primas de Brasil. Comprometido con la protección del medio ambiente, emplea madera de fuentes sustentables y productos descartados de plástico y metal. Sus piezas han obtenido premios nacionales e internacionales y son parte de las colecciones de museos en Brasil y en el exterior.

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CROSBY STUDIOS, Francia

Arquitecto, diseñador y fundador de CROSBY STUDIOS, Harry Nuriev interviene lugares diversos: desde espacios públicos y negocios minoristas hasta residencias privadas. Con raíces en la estética de la cultura de consumo contemporánea y el color como elemento común, los muebles funcionales y las esculturas de Nuriev integran arte, diseño y moda. Ha colaborado con Balenciaga en el desarrollo de moblaje sustentable, con Nike en una colección para celebrar el día de la emblemática zapatilla Air Max y con Gaia Reposi en una instalación de realidad virtual en la Galerie Charraudeau de París.

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JOT.JOT, Lituania

El nombre remite a jot down, término inglés para anotar rápidamente ideas y pensamientos. Jot.jot produce objetos de interior para soluciones de diseño contemporáneo utilizando materiales de calidad de manera innovadora. Fundada por el artista y empresario Jurgis Garmus, reúne bajo un solo techo a un grupo de diseñadores experimentados en una amplia gama de disciplinas. Con la misión de celebrar lo extraordinario y lo ingenioso, sus piezas imaginativas e inspiradoras representan el espíritu de la marca.

STUDIOPEPE, Italia Fundado en 2006 en Milán por Arianna Lelli Mami y Chiara Di Pinto con un enfoque multidisciplinario, StudioPepe incorpora a su visión la arquitectura, el diseño interior y de producto, y la dirección creativa. Los proyectos del estudio combinan una mirada poética con una cuidadosa atención al detalle. Sus temáticas incluyen el estudio de arquetipos formales, la experimentación con materiales, la investigación cromática y el diálogo entre opuestos.

MARIE MICHIELSSEN, Bélgica Diseñadora in-house para Serax desde hace más de 25 años, Marie Michielssen crea muebles y accesorios que reflejan su amor por el arte, la arquitectura y la naturaleza. Michielssen usa materiales, formas y colores contrastantes en el diseño de objetos funcionales y estéticos a la vez. En los muebles, experimenta con volúmenes, óvalos, círculos y arcos al tiempo que mantiene la armonía con los principios fundamentales de la Bauhaus. Su permanente fascinación por el papel se manifiesta en los objetos de papel maché de su última colección. 160

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KEDAI BIKIN, Malasia

Bajo la conducción de Imaya Wong, Kedai Bikin realiza muebles y accesorios para el hogar de manufactura malasia diseñados por la casa matriz, Studio Bikin. La marca se centra en la creación de muebles individuales a precio razonable y en el empleo de prácticas justas y sostenibles. Kedai Bikin trabaja en contacto directo con los artesanos que llevan a cabo la fabricación. Ha incorporado un nuevo nivel de transparencia y equidad al proceso de diseño, con una plataforma para otros artistas y productos de comercio justo que están generado un impacto perdurable en la industria.

BOXETTI, Letonia

Creada por el diseñador Roland Landberg, Boxetti presenta muebles de innovador estilo minimalista. Su primera colección se exhibió en la exposición 100 % Design London en 2008.”Vivimos en tiempos de cambios. Un sofá puede ser algo más que un simple sofá; un objeto de arte puede ser multifuncional. Los muebles de Boxetti son obras de arte”, dice Landberg. Las piezas, dominadas por formas puras y líneas limpias, revelan influencias del suprematismo y el cubismo.

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FRAMA, Dinamarca

Establecer “fuertes conexiones entre nuestro sentido de identidad y los objetos con los que interactuamos”. Tal la misión que inspira a Niels Strøyer Christophersen. Frama, fundada en Copenhague en 2010 siguiendo las tradiciones escandinavas de calidad y materiales naturales, abarca tanto el hogar como un estilo de vida con propuestas que van desde los muebles hasta el cuidado de la piel. Se relaciona con los materiales naturales –acero crudo, mármol y roble de primera calidad– con una nueva perspectiva, diseñando piezas de forma y función duraderas. 163

“EL MUNDO ES nuestro JARDIN. Quererlo SIGNIFICA protegerlo ”. 164

EL: El hilo conductor es la bergamota de Calabria, que propor ciona una frescura hespéride verde a toda la colección, pero este año, además, Aqua Allegoria se reinventa de manera más moderna y responsable. Cada fragancia contiene ahora hasta un 95 % de ingredientes de origen natural y alcohol de remo lacha orgánico producido en Francia. En cuanto al frasco, es desenroscable, recargable y fabricado en a partir de un 15 % de vidrio reciclado. Las recargas de 200 ml cuentan con un sistema antigoteo muy fácil de usar, permiten prolongar la duración del frasco sin renunciar a la calidad. Vienen exclusivamente para “Nerolia Vetiver”, para “Bergamote Calabria”, que tiene ese maravilloso cítrico conocido como el “oro verde de Calabria” realzado por especias frescas, y también para “Pera Granita”, un delicioso perfume bañado por el sol de Roma. Es como saborear un refrescante granizado a la sombra de los perales.

L’O: ¿Qué tienen en común las nueve fragancias de la colección?

Aqua Allegoria se reinventa para embarcarse en un viaje sostenible e innovador.

Las fragancias son una forma ideal de viajar. Sus aromas tienen la capacidad de evocar todo tipo de emociones, situaciones, mo mentos y recuerdos. Desde 1999, la Colección Aqua Allegoria rinde homenaje a las maravillas de la naturaleza. Guiada por la abeja de Guerlain, cada una de estas coloridas fragancias nos invita a viajar a través de los sentidos y a descubrir materias pri mas excepcionales realzadas por sus perfumistas-exploradores. El famoso frasco Abeja, diseñado en 1853 para “Eau de Cologne Impériale” como obsequio para la emperatriz Eugenia, ahora se ha perfeccionado y rediseñado desde un punto de vista ecológico para ser más contemporáneo que nunca. Hablamos con Emanuel Lencina, trainer y make up artist de Guerlain Argentina sobre las fragancias que componen esta colección y sobre las novedades de la marca en relación con un futuro más verde.

L’O: ¿Cuáles son los pasos principales que Guerlain dio en su com promiso con la sostenibilidad y cuáles son los desafíos futuros con relación a este tema?

CARTA DE AMORa la naturaleza

EL: Desde hace más de catorce años, Guerlain se compromete y actúa por un mundo más bonito y responsable. Este compromiso gira en torno a cuatro pilares. En primer lugar, innovar de forma sostenible con fórmulas más naturales, en envases más ecológicos sin comprometer su calidad, sensorialidad y eficacia. Otro pilar es preservar la biodiversidad y proteger a las abejas, símbolos de la casa y centinelas universales del medio ambiente. También nos planteamos la necesidad de actuar por el clima logrando la neu tralidad de carbono antes de 2030. Y además, crear un impacto social positivo tomando medidas para salvaguardar las maravillas de la naturaleza. “El mundo es nuestro jardín. Quererlo significa protegerlo”, es la sencilla declaración con la que en Guerlain queremos ratificar nuestro compromiso. n Nueve fragancias inspiradas en los jardines más bonitos del mundo.

L’OFFICIEL: ¿Cuántas fragancias componen hoy la colección Aqua Allegoria? EMANUEL LENCINA: Son nueve fragancias creadas por los perfumis tas de la casa: Thierry Wasser y Delphine Jelk. Aqua Allegoria nos sorprende cada año con un nuevo viaje olfativo. Este año la nueva inspiración es “Nerolia Vetiver”, que pertenece a los jardines florales brillantes. Es el amor por Italia, sus paisajes y su estilo de vida, es la dolce vita , una oda perfumada para rendir homenaje a la naturaleza mediterránea, en concreto a los paisajes de la isla de Isquia en la bahía de Nápoles. El neroli de Calabria, inicialmente luminoso, contrasta de ma nera sorprendente con las notas amaderadas del vetiver, mien tras que el acorde de higo aporta un delicioso toque afrutado.

ESPACIO GUERLAIN 165

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Por LOLA MONTEIRO Fotos PAULA LATIMORI

Los buenos hábitos, la limpieza de la piel, el orden y la forma en que utilizamos los productos determinarán el éxito de nuestra ru tina facial. Algunos activos como los retinoides o derivados de la vitamina A pueden lograr una epidermis revitalizada y luminosa gracias a su función antioxidante. La estructura de estos eficaces (¡y amados!) activos permite llegar a capas más profundas y me jorar la pigmentación unificando el tono cutáneo. Si los vamos a incluir en la rutina de tratamiento, hay que tener siempre a mano un protector solar para aplicar cada vez que estamos en el exterior.

Hábitos, tratamientos, activos y maquillaje. Un equipo listo para darle a la piel un aspecto radiante y destacar puntos

LUMINOSASclave.

Como aparecen a diario un sinfín de técnicas e innovacio nes, lo más recomendable es apuntar a aquellos que reducen el daño presente y previenen el que vendrá. Entre los tratamientos mínimamente invasivos se encuentra el Plasma Rico en Plaque tas (PRP). El procedimiento consiste en extraer una pequeña muestra de sangre y centrifugarla para obtener plaquetas que luego se aplicarán a través de microinyecciones superficiales para estimular la piel. A los 20 o 30 días se comenzarán a ver las mejoras. Es un método totalmente natural que estimula la producción de colágeno, elastina y tejido epidérmico, que se traduce en una piel más firme, luminosa y de mejor calidad. ¿Otro aporte? El glow-up. La modelo Hailey Bieber –una de las favoritas en tiempos de nomake up makeup – emplea rubores e iluminadores en formato bálsamo para lograr su estilo dewy (efecto tipo húmedo y ultra luminoso) y le dan a su rostro su toque tan característico y fresco. Este tipo de productos, a diferencia de los que se presentan tradicionalmente en polvo, trabajan re flejando la luz en vez de absorberla y dar un efecto mate. El pre dilecto para llevar en el necessaire: Skin Perfecto Crema Compacta de Givenchy para el día. Posee propiedades hidratantes y energi zantes de la vitamina C y extracto de pimienta rosa. ¡A brillar! n 167

RF: Soy actor de teatro por definición, así que me encantaría dirigir alguna obra. Aunque no tenga el diploma de coach, he preparado a mucha gente en temas que tienen que ver con la comunicación, hablar en público, por ejemplo. Además, me encanta la puesta en escena. Esa es, sin duda, una deuda que tengo pendiente, dirigir en teatro.

L’O: ¿Qué te aporta ser actor? RF: El amor por la gente y el género humano; como actor uno es un gran investigador, psicólogo y lector de las personas, con la capacidad de ponerse en el lugar del otro. Los actores le hablamos al alma de las personas; les permitimos soñar, identificarse con los personajes, inco modarse, cuestionarse y pensar los temas que se tratan. En el teatro siempre tiene que haber entretenimiento, pero en la medida en que nos haga reflexionar. Finalmente, eso es lo que me interesa del fenómeno de la actuación: ser capaces de remover la conciencia de la gente.

En el desierto más árido del mundo, Ricardo Fernández se conecta con su amor por esa naturaleza que tanto lo conmueve y admira. Actor de teatro por definición formado en la reconocida Escuela de Teatro de Fernando González, asegura que “un actor es su próximo proyecto”, frase que pone en práctica tanto en su carrera como en su vida personal. A los 43 años, disfruta de su tiempo a solas, de su carrera y sus nuevos desafíos. Desde San Pedro de Atacama, compartió con L’Officiel sus recientes alegrías y miedos.

Fotos CARLOS ORTEGA Estilismo ROMINA MEIER Y SILVANA GROSSO Ricardo Fernández, actor chileno consagrado, hace una pausa inspiradora en el desierto mas sublime. destino ATACAMA

L’O: ¿Cómo fue ser parte de la obra El Padre , de Florian Zeller?

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Por MARIA JESUS REYES

RF: Es una obra potente, cada vez que la veo es como si fuera la pri mera vez. Mi personaje tiene una escena muy brutal y difícil, donde le pega al principal, el del padre. Algo que puede o no ser verdad dentro de la trama -ya que el alzhéimer del protagonista es capaz de hacerle imaginar cosas-, pero que es muy fuerte, porque esto ocurre en muchos casos. Una enfermedad tan macabra o situacio nes tan complejas hacen aflorar en muchas personas sentimientos horribles, que terminan llevándolas a extremos desconocidos.

L’O: ¿Tenés algo pendiente por hacer? ¿Alguna deuda en tu carrera?

Blazer CHARLIE & H. Jogging, FERRAGAMO. Remera, LACOSTE. Botas, DECATHLON. 169

L’O: ¿Cómo fue para vos “volver a salir al mundo” después de tanto tiempo de encierro?

Pantalón y buzo matelasé, KOSTUME.

RF: La pandemia fue una pasada por el infierno, pero al mismo tiempo me dio la posibilidad de volver a mí, con lo peor de esto sobre la mesa. Me entregó la oportunidad de mirarme, de ver la relación que tenía conmigo, con los demás y con el mundo, me hizo vivir una vida casi monacal (ríe). Fue muy duro, pero superedificante: me puse una serie de rutinas que me ayudaron a salir de eso, como correr, una disciplina que me centró y me ayudó a conquistar mi presente.

L’O: ¿Cómo lidiaste con esa soledad?

RF: Yo creo que sí, he cambiado después de muchos episodios de mi vida. Hechos que me han vuelto más humilde: ser actor facilita el crecimiento del ego. En esta carrera, uno depende en gran medida de la opinión de los demás; actuar es algo público, siempre es para un otro. Las críticas son dolorosas, porque, en general, en algún punto están en lo correcto.

L’O: ¿Sos otro con el paso del tiempo?

L’O: ¿Qué sacás en limpio?  RF: Que los estados anímicos y las inseguridades –en los cuales nunca hay que confiar demasiado– facilitan mucho los procesos creativos. La plenitud no tiene ese vacío que te lleva al cuestion amiento. Es fantástico estar pleno, pero yo no soportaría estar feliz las 24 horas del día, como tampoco estar deprimido. Hay que darse los espacios y no caer en el engaño de que la felicidad lo es todo. Mucha gente piensa que debe ser un estado basal de la existencia y eso los lleva a deprimirse. Yo creo que si uno puede conciliar las angustias, las satisfacciones y el dolor de vivir, logra ser una persona más íntegra, y finalmente más feliz. n

RF: A mí me encanta estar solo en general. Soy muy defensor de mi soledad y mi individualidad, porque lo paso muy bien conmigo, con todo lo malo que implica eso también. Sin embargo, ahora más de “viejo” lo acepto, porque ya a los 15 años me gustaba estar solo, pero no me causaba la satisfacción que hubiera querido; me provocaba mucha ansiedad en ese entonces. Ahora de más grande, comienzo a disfrutarlo, porque siempre tengo algo que hacer, soy hiperactivo (ríe).

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Suéter, MAYDI. Pantalones, AY NOT DEAD. MAQUILLAJE Y PEINADO: Constanza Oyarzun. ASISTENTE DE ESTILISMO: Pedro Todo. AGRADECIMIENTO: Hotel Alto Atacama 171

Ampliar la formación de sus participantes es otro de los ob jetivos. Periódicamente hay cursos que van desde maquillaje artístico hasta asesoramiento de imagen y charlas con referentes en tendencias de moda y belleza. “Como lo que más les cuesta a los trabajadores autónomos son los temas de armar presupuestos o cotizar una acción, los capacitamos en estos conocimientos y estamos armando una biblioteca virtual con cursos presenciales y online”, asegura Renatto. Otro beneficio para los miembros de la comunidad son las membresías para comprar con descuentos productos o equipamiento de uso profesional.

ESPACIO THE FASHION COMPANY 172

Tener como lugar de trabajo un cowork suele representar una ventaja económica en relación con una oficina tradicional. Permite utilizar el espacio solo cuando se necesita, sin costos fijos. Pero ade más hay una figura clave que es la del gestor, rol que ejercen Jokin, Renatto y Gerardo Berra, el tercer socio de este emprendimiento.

Entre sus próximos proyectos está lanzar a partir de octubre un cronograma de presentaciones y desfiles de diseñadores emergen tes de todo el país. A futuro, el plan es sumar metros cuadrados para armar más estudios de fotografía y estaciones para pequeños talleres y marcas de indumentaria. Los tres responsables de TFC coinciden en que les interesa crecer, pero sin perder su esencia. n @thefashioncompany.ar Organizar agenda, ampliar redes de contacto y compartir mucho más que metros cuadrados. El barrio de Las Cañitas tiene el primer cowork para profesionales de la moda y la belleza en la

LENGUAJEArgentina. en común

“Nuestro objetivo es establecer dinámicas de colaboración entre los profesionales que eligen TFC, pero también nos ocupamos de dar a conocer su trabajo, ver la manera en que puedan optimizarlo y llegar a nuevos clientes. Por otra parte, somos generadores de oportunidades, cerramos acuerdos de campañas con marcas de moda para realizar con gente de la comunidad”, explica Jokin.

TFC cuenta con un piso de 250 m 2 en pleno barrio de Las Cañitas. Está ambientado con música, iluminación natural y un mobiliario confortable y con diseño; presenta diferentes estaciones: cuatro de maquillaje, ocho de peluquería, dos me sas de manicuría y dos estudios fotográficos con equipamiento profesional. Lo alquilan por hora o por día y tienen paquetes especiales por semana. “Todo está pensado para que nuestros clientes optimicen su tiempo”, dice Renatto y agrega: “También lo alquilamos para eventos, ferias, clases, talleres y showrooms. El espacio es versátil y el mobiliario es flexible y reubicable.

El coworking es una propuesta de trabajo colaborativo, que en The Fashion Company (TFC) se ve potenciado porque los profesio nales que interactúan en el mismo espacio comparten universos y lenguajes similares. “Creamos el primer cowork de moda y belleza de la Argentina”, dice Jokin Laburu Gibaut, uno de los fundado res del proyecto. “La idea surgió durante la pandemia. Mi pareja es maquilladora, trabajaba desde casa y se mezclaba todo, nuestra vida personal con lo laboral. Pensamos que lo mejor era que tuvie ra un lugar con libertad de horarios, que le permitiera organizar su tiempo, pero no había nada en el mercado que respondiera a esa necesidad”, menciona Jokin que convocó a su amigo Renatto Accardi en la aventura de fundar juntos TFC. “Un soporte para peluqueros, maquilladores, estilistas y fotógrafos que buscan crear su propio camino en forma independiente. Nosotros hablamos de comunidad. En nuestro espacio te podés relacionar con otros emprendedores que tienen tus mismos desafíos”, explica Renatto.

Hay etiquetas que vienen a generar contenido o campañas. Nos reconocen como un sitio novedoso y joven”. Entre los últimos encuentros que se realizaron en TFC mencionan uno de Dior para su línea Forever : “Fueron cuatro días con distintas activi dades para prensa, influencers y capacitación”.

“NOSOTROS HABLAMOS DE comunidad. EN NUESTRO ESPACIO TE PODES relacionar CON OTROS emprendedores QUE TIENEN TUS MISMOS desafíos ”. 173

Viola.MáximoFotos:EN FOCO 174

PAUSA CAFE Una mesa redonda en SLS Puerto Madero para dar inicio a la temporada. Los proyectos de unas y otras en voz alta, planificando acciones y con la esperanza de un gran cierre de año. 1. Mariana Petrina. 2. Verónica Santesteban. 3. Ana Torrejón y Priscila Dzigciot. 4. Mary Torres. 5. Yael Rodríguez, Gerenta General SLS Puerto Madero y Dora Becher. 6. Victoria Ferro. 7. Celeste Nasimbera. 1 43 6 52 7 175

Por

El mensaje de las colecciones prêt-à-porter de primavera-verano 2022 no deja lugar a dudas: el estilo boho está de regreso, esta vez con una interpretación renovada de siluetas y motivos, y especial atención a una realización esmerada. El encaje, los fruncidos y ojales que se vieron en Simone Rocha fueron una versión pulida de la estética grunge femenina, precursora del boho-chic de comienzos de los 2000. En Molly Goddard, el tul característico de la etiqueta acompañó los jeans holgados y los tejidos oversize para un supremo look urbano. En el Chloé de Gabriela Hearst, modelos con peinados wet look desfilaron a lo largo del Sena vistiendo relajadas com binaciones de caftanes, crochets y accesorios orgánicos.

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Boho, tercera edición. Reimaginando el espíritu libre del estilo. PIPER MCDONALD & TORI NERGAARD

Villegas.SilviaTraducción:

El anhelo de revivir la moda bohemia surge en gran medida de los mismos sentimientos que le dieron origen en el cambio de siglo. La moda y la cultura pop que llevaron a la era boho del 2000 estaban colmadas de temáticas inspiradas en la web 2.0, el estilo ciberpunk y propuestas futuristas. En su rechazo a estos motivos, los seguidores del boho se volcaron hacia la nostalgia, añorando el espíritu libre de los años sesenta y setenta. Este regreso tiene hoy sus raíces en un deseo similar de escapar de un mundo inundado de sobrecarga de información, hiperconexión y malestar social. El nuevo boho es un soplo de aire fresco.

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