L'OFFICIEL ARGENTINA JUNE 2022 by L'Officiel Inc.

JUNIO-JULIO 2022

NICO FURTADO

Por Maxi Guterman

CALOR de

Nº 37 $980 INTERIOR $40

INVIERNO

JUNIO-JULIO 2022

FRANCO MASINI

por Carlos Villarejo

CALOR de

INVIERNO

Hotel Splendid Directed by Amalia Ulman Italy, October 2021 Screening now: Ferragamo.com

chanel.com

Elegance is an attitude Regé-Jean Page

LONGINES SPIRIT

Encuéntralo en www.longinesargentina.com

JUNIO-JULIO 2022

IMAN KAUMANN

por Francisco Ferrari

CALOR de

INVIERNO

JUNIO-JULIO 2022

CALA ZAVALETA xxxxx

ROMAN STUBRIN

por Santiago Albanell

CALOR Nº 37 $980 INTERIOR $40

INVIERNO

JUNIO-JULIO 2022

CALA ZAVALETA

por Pompi Gutnisky

CALOR de

INVIERNO

EDITORIAL

LE GRAND CANAL

IMPRONTA LOCAL

AFRICA DESPIERTA

TEATRO

INTO THE STARS

Por ANA TORREJON

Por SAMAA KHULLAR

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Por TERESA DONATO

ISABEL ENGLEBERT

TODO PARA VER

EL SABOR DE LA EXPERIENCIA

LO QUE WARHOL NOS DEJO

EJERCICIO COMPARTIDO

MARTA MINUJIN

MAXIMA POTENCIA

FRANCO GLOBAL

MATCH GAME

COMME IMAN

ON TIME

Por ANDREA LAZARO

32 86

Por CELESTE NASIMBERA

Por MARINA DO PICO

Por DANIELA LUCENA

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ Fotos STEVEN SIERRA

Por FERNANDO GARCIA

Por DELFINA KRUSEMANN

Por CATA GRELONI PIERRI Fotos CARLOS VILLAREJO Dirección creativa ALEJANDRO MUÑOZ Y JULIA NAVARRO

Fotos LARA GILIBERTO Estilismo ALESSANDRA FAJA

Por FRANCISCO FERRARI Fotos SOL ABADI Estilismo LUCILA RIVERO

Fotos MARCELO SETTON Estilismo GABRIELA SETTON

NICO FURTADO Por IRENE AMUCHASTEGUI Fotos MAXI GUTERMAN Estilismo DELFINA TULLI

102

96 HILO ROJO

110

CAMINOS ENCONTRADOS

114

SUBIR LA NOTA

122

BIOGRAFIA DE UNA JOYA

124

Por LOLA MONTEIRO Fotos VINCENT SCHAFER

Fotos SANTIAGO ALBANELL Estilismo FRANCO DERNA

Foto GERMAN ROMANI

Por ANDREA LAZARO Fotos GERMAN ROMANI

106 114

FUERZA CREADORA

126

DE HOY AL FUTURO

132

L’O DOSSIER

136

LECTURAS

142

CALA ZAVALETA

146

CHEVAL BLANC

152

EN FOCO

157

ULTIMA PAGINA

162

Por GIAMPIETRO BAUDO

Por VALENTINA ESPINOSA

Por JOHNNY RABE

Por JOSE HEINZ Foto GERMAN ROMANI

Por CAROLINA MUZI Fotos POMPY GUTNISKY

Por VALENTINA ESPINOSA

Por ANNE GAFFIE

DIRECTORA EDITORIAL

Ana Torrejón

DIRECTOR DE ARTE

EDITORA GENERAL

Germán Romani

EDITORA DIGITAL

Dora Becher

GERENTE COMERCIAL

Celeste Nasimbera

Federico Gabrielo

GLOBAL BRANDS MEDIA

Coronel Díaz 1617 (1425) CABA DIRECTOR Y PUBLISHER

Alex Milberg

ADMINISTRACION

REPRESENTANTE DE VENTAS USA

Claudio Castellani

JB Media Consulting Corp.

Distribuidora Sanabria

DISTRIBUCION CABA

DISTRIBUCION INTERIOR

jill@jb-mediaconsulting.com michael@jb-mediaconsulting.com 2300 NW 94th Ave. Ste 205 - Doral, FL

Dr. Enrique Finochietto 1602

Isabel La Católica 1371 CABA

Austral

JALOU MEDIA GROUP MANAGEMENT

128, quai de Jemmapes 75010 Paris DIRECCION GERENTES COPRESIDENTES DE CONSEJO EJECUTIVO Y ADMINISTRATIVO

Marie-Jose Susskind-Jalou Maxime Jalou

DIRECTOR GENERAL

DIRECTORA GENERAL ADJUNTA

DIRECTOR DE CONSEJO EJECUTIVO

MIEMBRO DE CONSEJO EJECUTIVO

Y ADMINISTRATIVO

Benjamin Eymere

DIRECTOR CREATIVO INTERNACIONAL

Stefano Tonchi

DIRECTOR GLOBAL EJECUTIVO

Giampietro Baudo

Maria Cecilia Andretta

DIRECTORA ARTISTICA Y CASTING

DIRECTOR CREATIVO ADJUNTO

Jennifer Eymère

ASISTENTES EJECUTIVOS

Trey Laird

Celine Donker Van Heel Giulia Bettinelli

PUBLICIDAD GERENTE DE INGRESOS GLOBALES

Anthony Cenname

GERENTE DE INGRESOS FRANCIA Y SUIZA

Robert D. Eisenhart III

DIRECTORA DE MEDIOS ITALIANOS

GLOBAL DIGITAL Y MEDIA PLANNING

Carlotta Tomasoni

Ilaria Previtali

INTERNACIONAL Y MARKETING DIRECTOR INTERNATIONAL DE LICENCIAS, DESARROLLO DE NEGOCIOS Y BRAND MARKETING

Flavia Benda

DIRECTOR DE PRODUCTOS DIGITALES

Giuseppe De Martino

MANAGER DE PROYECTOS DIGITALES

Babila Cremascoli

CONTENIDOS EDITORIALES Y ARCHIVOS INTERNACIONALES

Giulia Bettinelli

FUNDADORES

Georees, laurent y Ully jalou (†) NUESTRA TAPA:

Nico Furtado con remera, LACOSTE. Ambo y blazer, ROCHAS. Foto: Maxi Guterman. Estilismo: Delfina Tulli.

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L’Officiel Argentina es una marca comercial publicada por Global Brands Media bajo la licencia de HTMedia SA, Coronel Díaz 1617, 2º piso, ante L’Officiel. Opiniones y comentarios expresados no representan necesariamente la opinión de HTMedia SA. HTMedia SA no acepta ninguna responsabilidad por inversiones o cualquier decisión tomada por lectores en base a lo publicado.

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SIMONETTAORSINI.INFO

Recursos de amparo

Olvídense de escritos con lenguaje técnico y de pasillos con despachos anodinos anodinos.. No vamos a litigar. Se trata de otra cosa,, lo que a cada quien le significa un alero cuando detona cosa la tormenta. Estar a la intemperie es mucho más que rigor climático o ruido en el estómago, sin desmerecer esas sensaciones agobiantes. El desamparo es soledad con sonido ambiente. Caminar por la calle con lágrimas cual cataratas y que el resto te esquive. Encender todas las luces de la casa porque llegó la noche y la angustia es una estalactita en el techo del living. Desguarnecidos Desguarnecidos,, abandonados, funcionando en modo automático, cultivando corazas porque la selva no es pródiga en gestos acolchados. El amparo aparece cuando hay una mirada. La carencia registrada con empatía constituye el primer paso. Vaya a saber si hay una experiencia similar entre las partes. Puede que sí, puede que no. Es una compleja acción de escapar del ombligo, sortear la zona de confort, plumerear los prejuicios y construir con los gestos. Visibles en la necesidad, la que sea, acontecerá la palabra, la mano extendida, el atisbo a la solución solución,, la escucha larga porque ya sabemos que ser uno con el otro no es una masa que se amasa, es diversidad en la unidad. El invierno puede ser la metáfora del rigor o puede transformarse en todo lo contrario, en la épica noble de construir amparos en el desamparo. Abrigados hasta las orejas podemos darnos la oportunidad de enfocar la mirada para detectar la necesidad. El acompañamiento construye otra sensación térmica y hace latir los corazones. ANA TORREJON

ARTE

Puntode

PARTIDA Le Grand Canal de Monet volvió a Venecia por primera vez en la historia. Durante su primera y única visita a Venecia en 1908, Claude Monet le dijo a su esposa que la ciudad flotante era “demasiado hermosa para pintarla”. Sin embargo, pocas obras son tan reconocibles como Le Grand Canal et Santa Maria della Salute, una impresionante interpretación de la luminiscencia de la ciudad. Con motivo de la inauguración de la Bienal de Venecia, Sotheby’s llevó Le Grand Canal al lugar donde todo comenzó, con una exposición especial en el histórico Palacio Gritti el 20 de abril. Los invitados pudieron apreciar la icónica vista casi exactamente como lo hizo Monet un siglo antes. Las celebraciones en 38

la Bienal continuaron con una cena copatrocinada por Sotheby´s a la que asistieron, por la famosa casa de subastas del Reino Unido, Charles Stewart, Director General, y Brooke Lampley, Presidenta y Directora Mundial de Ventas de Bellas Artes, así como Alice Walton, Presidenta del Directorio del Museo de Arte Americano Crystal Bridges. La pintura al óleo Le Grand Canal estuvo relativamente oculta al público durante los últimos cien años. Tras las presentaciones en Taipei, Hong Kong, Venecia y Londres, hizo su última aparición en la elegante subasta nocturna de Sotheby’s en Nueva York. n

Impronta LOCAL Con recursos propios de cada región, la diseñadora Alejandra Gotelli crea indumentaria y objetos bellos, nobles y perdurables. El rol de la materia prima y el compromiso con el medio ambiente.

“Vigilo la cadena productiva desde cero. Es ahí donde está la posibilidad de modificar el daño ambiental: revalorizando los primeros eslabones y manteniendo un contacto directo con la parte agropecuaria”, sostiene Alejandra Gotelli, fundadora de la firma de textiles Cúbreme, que en 2003 empezó a investigar sobre diseño textil en relación con el medio ambiente. Experimenta con materias primas, participa en ferias dedicadas al tema y desde 2010 tiene su local. “Siempre supe el deterioro que provoca la industria. Me comprometí con el proyecto para intentar cuidar la fauna y flora autóctona, los ecosistemas y las economías regionales”. En el logo de la marca la “e” final está invertida. “Simboliza un retorno a la equidad social, el equilibrio ambiental y la ética comercial”. La propuesta cuenta con distintas líneas de producto. Una de sastrería para mujeres y hombres que se divide por estación fría y cálida. “Custodiamos mucho la moldería, para minimizar la cantidad de retazos y remanentes”. También ofrece prendas para estar en el hogar, accesorios y piezas para la casa como mantas, alfombras, repasadores y delantales de cocina. “La paleta va del negro al blanco y tenemos tonos propios de los camélidos como el habano y el beige”. Al momento de diseñar, el protagonista es la materia prima. “Es un ejercicio distinto al que estamos acostumbrados: no tengo una idea previa, sino que cuando tengo el recurso recién ahí veo en qué lo implemento”. Su inspiración proviene de la posguerra, la escuela de la Bauhaus, el cine coreano y Oriente. Trabaja con fibras naturales de origen vegetal y animal. “Los animales están esquilados en pie, lo que significa que están vivos, y bajo estándares de bienestar, por eso estoy certificada por Wildlife Friendly en Estados Unidos”. La materia prima proviene de países como Perú y de distintas partes de la Argentina. “La lana merino, por ejemplo, es de un proyecto con el cual trabajamos desde hace años, Merino de Península Valdés, un grupo de propietarios y trabajadores rurales de la zona comprometidos con la coexistencia entre las poblaciones saludables de vida silvestre y la producción lanera”. La tienda Cúbreme comparte el espacio con la galería de arte Valk. “Para mí es un éxito estar hoy de pie con gente que está trabajando en lo que le gusta y que pone un grano de arena para que las cosas se modifiquen. Necesitamos dejar un sendero marcado para que la Argentina pueda tener una industria textil limpia, saludable y digna”. n @cubremetextiles

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ 40

COMUNIDAD

mishka.com.ar

TENDENCIAS

AFRICA despierta

Muestras y lecturas que destacan la nueva visión de la estética, la moda y el arte contemporáneo en el continente. Estilistas, fotógrafos y artistas africanos están redefiniendo el contorno estético de sus países, aprovechando el patrimonio cultural y transformándolo con una mirada contemporánea: el bazin, la tela de algodón adamascada con brillo se combina con materiales plásticos; las perlitas xhosa se incorporan a las prendas de punto y las estampas tradicionales creando geometrías sobre seda. Un cambio llevado a cabo por una generación revolucionaria, audaz, llena de sentido del humor y que rompe las reglas, como la describe Emmanuelle Courrèges en las páginas de Africa: The Fashion Continent (Flammarion), y que aporta una nueva visión del sistema de la moda en cuestiones de identidad, género y color, en países como Senegal, Nigeria y Sudáfrica. Como en “African Artists and Textiles”, un capítulo de African Artists from 1882 to Now (Phaidon), que considera, además de la pintura y la escultura, formas de arte que utilizan telas y textiles. Un cruce de texturas que no son necesariamente preciosas: basta pensar en las medias de nylon, los uniformes del servicio penitenciario y la tela tradicional utilizada por la artista sudafricana Turiya Magadlela, que parece atrapar sus recuerdos entre sus pliegues en una narración metafórica e íntima. En un equilibrio entre realidad y sueño, se encuentra, en cambio, la serie fotográfica de Namsa Leuba en Crossed Looks (Damiani), una monografía de la artista suizo-guineana, que explora la identidad africana manteniendo en un segundo plano los paisajes de Guinea, Sudáfrica, Nigeria y Benín. Una investigación que no es solo social, cultural y política, sino que pone en el centro de la escena la moda y los cánones de la investigación estética del continente, y forma parte de la exposición individual de la artista realizada en el Halsey Institute of Contemporary Art de Charleston en Carolina del Sur. Finalmente, Omar Victor Diop (5 Continents) 42

presenta la primera monografía dedicada al fotógrafo senegalés, que en sus obras une la herencia visual africana con referencias al mundo del diseño y la moda, prestando mucha atención al vestuario. Las páginas escritas se conectan con la exposición organizada por la Serpentine Gallery de Londres en el Masi Lugano: James Barnor: Accra/London - A Retrospective (hasta el 31 de julio de 2022), dedicada al fotógrafo ghanés que incursionó en editoriales de moda, crónicas fotográficas callejeras y reportajes, relatando los cambios sociales y políticos que han marcado la historia reciente de su país y de la comunidad africana londinense.

LO QUE VIENE

El 2 de julio se inaugura African Fashion en el Victoria & Albert Museum de Londres, una exposición ambiciosa que celebra la originalidad y variedad de los diseños de autores de origen africano. Se podrá apreciar el impacto de las creaciones así como la influencia global de las tendencias de la diáspora a lo largo de 70 años. Algunos números: habrá más de 250 objetos de moda del Siglo XX hasta hoy; participarán 55 diseñadores de alrededor de 20 países del continente y estarán los diseños de realizadores icónicos de mediados del siglo pasado como Shade Thomas-Fahm, Chris Seydou, Kofi Ansah y Alphadi. La muestra contará también con creativos de la moda africana contemporánea, incluidos Imane Ayissi, IAMISIGO, Moshions y Thebe Magugu. Se exhibirán objetos y las historias detrás de ellos, bocetos, editoriales, fotografías, videos y material de pasarela. Esta megaexposición implicó dos años de trabajo previo, incluyendo una convocatoria para presentar diseños inusuales, retratos de los años de la liberación del continente y prendas relacionadas con historias personales. Las adquisiciones se encuentran ya junto a las fotografías y textiles de las colecciones preexistentes del museo. n

TEATRO

Julieta Díaz, Paola Krum, Javier Daulte y Gloria Carrá.

LAS IRRESPONSABLES Tres actrices en escena bajo la dirección del multipremiado Javier Daulte. Daulte. Una obra para repensar los límites de la amistad y los buenos deseos. Por TERESA DONATO La dramaturgia de Javier Daulte siempre hace bien. Su conocimiento del alma humana incluidas virtudes y miserias se presenta descarnado para que quien esté en la platea se sienta interpelado. Si a lo escrito se le suma su dirección amorosa no quedan dudas de que se trata de un momento teatral que no hay que dejar pasar. En el escenario, un dream team de actrices talentosas: Julieta Díaz, Paola Krum y Gloria Carrá. Los personajes son tres mujeres (dos hermanas y una amiga de ambas) que les hacen honor a la sororidad y a la solidaridad femeninas. Si una está mal, las otras dos corren a ayudarla como pueden y saben. El trío decide pasar un fin de semana fuera de la ciudad en un country imaginario donde todo parece más lindo como “la vida de los otros, que siempre es más linda”, tal como enuncia una de ellas durante la obra. Esta escapada a esa especie de ningún lado tiene un fin específico: acompañar y abrazar a una de ellas que acaba de terminar una relación afectiva. Ese tiempo recortado del de siempre, en el que esperan que suceda el milagro de que la damnificada se sienta bien por el solo hecho de estar juntas, hace que se sumerjan en recuerdos y pases de facturas que forman parte de la historia del vínculo que las une. En medio de ese estado de ánimo toman decisiones que podrían ser catalogadas de “irresponsables”. Pero, ¿quién no se vuelve irresponsable cuando

se trata de darle una mano a una amiga? Esta es justamente la premisa de la obra: ¿Qué serías capaz de hacer por una amiga? Estas tres mujeres son capaces de hacer todo, incluido lo que sería mejor no hacer. Una por la otra, las tres por todas. Según su autor, “cruzar los límites es un anhelo inalienable. Es un deseo que está siempre allí y que es legítimo. Podemos llamarlo rebeldía, desborde o inconformismo. O sencillamente, estar hartos. Hay un día en que necesitamos ser irresponsables”. Daulte, en cambio, es absolutamente responsable de cada detalle y se apoya en dos profesionales que lo acompañan habitualmente como la escenógrafa Alicia Leloutre y la vestuarista Ana Markarián. El origen de la obra se remonta a un pedido específico que le hicieron al dramaturgo desde el teatro La Villaroel de Barcelona, donde Daulte fue director artístico durante muchos años. La obra celebra, además, la reapertura del Astros, el mismo que albergara las revistas de vedettes coronadas de plumas en tiempos de sábados con tres funciones. La dirección artística del teatro es de Andrea Stivel, sus años de experiencia se notan tanto en la sala, totalmente renovada, como en la elección de lo que allí se presenta. Funciones viernes y sábados a las 20.30 y domingos a las 20. Astros, Av. Corrientes 746, en venta por www.entradauno.com. n

“CRUZAR LOS límites ES UN ANHELO inalienable.. ES UN DESEO QUE está SIEMPRE inalienable allí Y QUE ES legítimo legítimo”.”. — Javier Daulte

OBJETO DE DESEO

El brazalete de las Estrellas de Pandora Moments está diseñado con estrellas plateadas y brillantes; sus charms charms,, inspirados en imágenes de la galaxia que evocan el cielo nocturno.

Foto:Gentileza Pandora.

Into the Stars

PRIMERO

fue el concepto

Biología, neurociencia, inteligencia artificial, semiótica. Son algunas de las disciplinas de las que Isabel Englebert se nutre antes de encarar una obra. La reflexión es la materia prima de su arte arte.. Por ANDREA LAZARO

Isabel Englebert define su práctica artística como interdisciplinaria. Cada paso en su carrera se tradujo en aprendizajes que fue alimentando con su deseo continuo por saber más. Mientras estudiaba economía se desempeñó como modelo en editoriales de moda hasta que se recibió en Ciencias de la Comunicación. Luego de diez años trabajando en una empresa multinacional que la llevó a vivir a Suiza, renunció a su puesto para estudiar arte y diseño en Central Saint Martins, Londres. Más tarde se mudó a París para perfeccionarse en la Ecole Van Cleef & Arpels. En el ínterin lanzó Isabel Englebert Jewelry primero y Studio después, donde comenzó a diseñar joyería contemporánea en estrecha relación con el arte. Completó su formación artística de la mano de especialistas y artistas como Laura Batkis, Gabriela Jurevicius, Rodrigo Alonso, Fabiana Barreda y Julián Camargo. De su etapa corporativa destaca la disciplina aplicada al trabajo; de sus viajes, la riqueza de convivir con otras culturas. La comunicación la dotó de un modo de ver el mundo atravesado por el lenguaje, y el diseño le enseñó a interpretar un problema en diferentes dimensiones. “Todo converge y se percibe en cada una de las obras”, dice la artista argentina.

L’OFFICIEL: Tu propuesta artística habla de una persona con múltiples intereses ¿Te reconocés así? ISABEL ENGLEBERT: Siempre digo que necesitaría diez vidas para abocarme a las temáticas que me atraen. Cada vez que algo me interesa lo investigo a fondo haciendo cursos académicos y leyendo las fuentes más respetadas. En este momento estoy indagando en biología, neurociencia, inteligencia artificial y el impacto de la tecnología en la sociedad. La comunicación, el lenguaje y la semiótica también son áreas de interés y atraviesan toda mi práctica. Abstraer relaciones entre todas estas disciplinas me fascina.

¿Cómo te vinculás con el diseño? Desarrollo mi tarea en dos ámbitos que, si bien se retroalimentan, se diferencian en términos de funcionalidad. Por un lado, tengo el estudio de diseño Isabel Englebert Studio basado en Buenos Aires donde desarrollamos piezas únicas de wearable art, mobiliario y luminarias. Por otro lado, está la parte netamente artística. L’O: IE:

¿Qué rol juega para vos una pieza de arte para vestir? Creo que va más allá de lo que estéticamente se puede apreciar. Portar una de estas joyas significa comulgar con la visión de su autor. Y si es como único accesorio, mejor. Personalmente, le escapo a las tendencias en todos los ámbitos.

L’O: IE:

¿Qué artistas o movimientos admirás? Definitivamente, el arte conceptual. Me gustan aquellos artistas que despiertan reflexiones, como Duchamp o Beuys, que siempre me ayudan a profundizar en los conceptos. Los escritos de Joseph Kosuth acerca de que el arte no se encuentra en el objeto en sí mismo sino en la idea subyacente desempeñan un papel fundamental en mi obra. También admiro a varios científicos como Eric Kandel, por su descubrimiento sobre cómo se guardan los recuerdos, o Jennifer Doudna, quien desarrolló un método para editar el ADN. L’O: IE:

¿Cómo es tu proceso de trabajo? ¿Tenés una etapa preferida? Hay dos momentos bien marcados en cada uno de mis proyectos: el de investigación y desarrollo conceptual, y el de materialización. Me detengo y disfruto más de la primera parte. L’O: IE:

¿Qué papel juegan los materiales? Una vez que tengo los conceptos definidos realizo pruebas de escalas, volúmenes, colores y formas con distintos materiales para ver de qué manera accionan visualmente. Empleo técnicas muy distintas entre sí. No me identifico de manera permanente con ninguno porque considero que, como dice la artista Louise Bourgeois, “nadie hace una escultura solo porque le gusta la madera, eso sería absurdo. Uno hace una escultura en madera porque este material le permite expresar algo como ningún otro”.

L’O: IE:

¿Cuál es tu vínculo con la naturaleza? Es otro de los ejes sobre los que me interesa deliberar. La sustentabilidad y la relación entre el humano y la tierra han sido el motor de algunos proyectos como la serie de wearable art, Plants (2019). En ella combiné la rigidez y la frialdad del metal con la suavidad y calidez del musgo. Creo que esta mezcla, este choque, representa la vida misma. Otra es Glaciar (2019), con la que busqué crear conciencia sobre el derretimiento de los glaciares. Ambas fueron expuestas en la sede de Buenos Aires de la galería de arte Praxis y son parte de su colección permanente. Mi propuesta para la última edición de la Miami Art Week estuvo relacionada con las inminentes consecuencias de la subida de los niveles del mar y el rol de la especie humana en la búsqueda de soluciones. Se llama Porvenir: uno y tres reinos.

L’O: IE:

¿En qué estás trabajando ahora? Junto con el equipo de Studio estamos trabajando en una cápsula de luminarias y dos series de esculturas para el aire libre con destino a Buenos Aires y Miami. También seguimos creando joyería a medida para clientas particulares. L’O: IE:

¿Y en cuanto a la práctica artística? Decidí crear una exposición propia en la que los objetos quedan supeditados a los conceptos. Por ejemplo, la pieza El incalculable valor de una buena idea me llevó a incorporar algo totalmente nuevo: los estudios biológicos. La experiencia de trabajar sobre mi propio encefalograma fue excitante. La serie John Doe: una identidad abstracta está atravesada por el mismo eje, estoy estudiando genética para abordarla. Se compone de piezas físicas y digitales bajo la forma de Tokens No Fungibles (NFT). Una de ellas, The Messenger, es parte del acervo del Museum District de Decentraland. En tiempos del metaverso me interesa explorar las nuevas construcciones de identidad en las que tenemos la oportunidad única de construir conscientemente nuestro nuevo yo. n L’O: IE:

“PORTAR UNA DE ESTAS joyas SIGNIFICA COMULGAR CON LA visión DE SU AUTOR. Y SI ES COMO único ACCESORIO, MEJOR”.

ENCUENTRO

TODO PARA VER Luego de dos años y bajo protocolo sanitario, MIDO MIDO,, la feria italiana dedicada a la industria de lentes lentes,, contó con más de 630 expositores de 45 países. Negocios, contactos y las últimas tendencias del mercado. Por CELESTE NASIMBERA (ENVIADA ESPECIAL)

“Es un momento emocionante” señaló Giovanni Vitaloni, presidente de MIDO, la feria internacional de Milán donde se pueden conocer los últimos modelos de lentes y anteojos. La referencia tenía que ver con la música de Ennio Morricone que acompañaba la apertura del evento. El compositor y director de orquesta –figura clave en la cultura italiana– falleció en julio de 2020, sin llegar a ver la ejecución de la pieza que creó para la edición 50 de la feria, postergada por la pandemia hasta el mes pasado. Por su parte, Carlo Ferro, presidente de la Italian Trade Agency (ITA), presentó la campaña destinada a fortalecer la marca Italia en el mundo: BeIT! (“Italy is simply extraordinary #beIT”: Italia es simplemente extraordinaria, selo tú también”). Todos los asistentes recibieron la publicación aniversario, una edición especial con un par de anteojos diseñado exclusivamente para la celebración. MIDO 2022 se realizó a lo largo de tres intensas jornadas en el Fiera Milano Rho con ocho áreas específicas de exhibición: Fashion District, Lenses, Design Lab, More!, FAir East, Lab Academy, Start Up y Tech. En términos de innovación Design Lab y sus satélites (More! y Lab Academy) establecieron un objetivo: pensar la proyección del sector. Los espacios combinaban nuevas marcas, desarrollos tecnológicos y maquinarias. En cuanto a las tendencias de consumo, las búsquedas se asemejan 52

a las de la industria de la indumentaria: modelos sostenibles en opciones diferentes de packaging y sin distinción de género.

LAZOS CON ARGENTINA

“Nuestro país tiene una estrecha vinculación con la cultura italiana, motivada por las olas inmigratorias. Pero además, comparte cierta mirada lúdica en torno al diseño que es muy propia de las grandes empresas de ese país. Otro punto en común es que entendemos el diseño como un abordaje posible para todas nuestras industrias: desde la automotriz a la de artículos de bazar. El diseño de productos y la gráfica comercial italianos tuvieron amplia circulación en Argentina, influenciando a los productores locales, especialmente en rubros como aperitivos, automóviles, productos de marroquinería y otros. En el ámbito académico podemos recuperar a los italianos Enzo Mari, Bruno Munari, Giovanni Pintori y al argentino Tomás Maldonado que desarrollaron sus carreras haciendo trabajos icónicos para grandes empresas italianas como Olivetti, FIAT, Pirelli, la editorial Feltrinelli y los almacenes La Rinascente entre muchas otras”, destaca Emmanuel Pan, Coordinador del Plan Nacional de Diseño y docente universitario en las carreras de diseño de UBA y UFLO. Battilana, Europtica y LOF fueron las ópticas argentinas presentes en MIDO 2022, a través de la gestión de Italian Trade Agency (ITA) Argentina. La próxima edición se realizará los días 4, 5 y 6 de febrero de 2023. n

LIFESTYLE

Arriba, en Alcorta Shopping.

EL SABOR

de la experiencia Spritzza, Invernadero y Arriba, propuestas gastronómicas que se destacan por su creatividad e innovación. Lo que tienen en común. Por MARINA DO PICO Lucas Roballos es la mente detrás de BLA Food Group, el grupo que no para de lanzar éxitos gastronómicos con las propuestas más variadas. En medio de un contexto adverso, llevaron adelante emprendimientos como Invernadero, un oasis verde al lado de la Biblioteca Nacional donde sirven el primer gin tonic tirado del país. Spritzza tiene una propuesta igualmente original: pizza de masa madre y spritz. Y acaban de inaugurar Arriba, un restorán en la terraza del Alcorta Shopping. Conversamos con Roballos sobre esta nueva etapa y todo lo que se viene. Gastronomía de alto vuelo para tiempos inciertos. L’OFFICIEL: Hasta ahora sus propuestas tenían bebidas o platos clave como el gin tonic, el spritz o la pizza de masa madre. ¿Qué destacarías de Arriba? LUCAS ROBALLOS: No se basa en una bebida específica, a diferencia de Invernadero y Spritzza. La idea con Arriba fue cambiar un poco esa estructura de la típica gastronomía de patio de comidas. Como está en un shopping de vanguardia como es Alcorta quisimos que el lugar estuviera realmente a su altura. Los comensales se van a encontrar con una gastronomía bastante más elevada, nosotros la llamamos “entre líneas” porque, de alguna manera, no nos casamos con nada, hacemos platos que nos gustan y buscamos combinaciones de sabores. Vamos desde una pasta hasta un nigiri, de un café de especialidad al budín perfecto. Tenemos una

Invernadero, al lado de la Biblioteca Nacional.

“ANTES UNO SE juntaba CON AMIGOS Y DECIA ‘VAMOS A comer comer,, NO IMPORTA dónde’ dónde’.. HOY LA GENTE BUSCA TENER UNA experiencia DESDE QUE SE SIENTA A LA MESA hasta QUE SE VA”.

coctelería de autor a cargo de Lucas López Davalos. Nosotros lo decimos siempre: en la gastronomía ya está todo inventado pero a su vez no; entonces lo que cuenta es la experiencia de estar en un lugar espectacular, en un ambiente con diseño mediterráneo que te traslada a otro lado. ¿Qué distingue hoy a un emprendimiento gastronómico? La experiencia. Antes uno se juntaba con amigos y decía “vamos a comer, no importa dónde”. Hoy la gente busca tener una experiencia desde que se sienta a la mesa hasta que se va. Filma todo lo que pasa, los tragos que vienen, los platos, los postres, el espacio. Creo que los lugares tienen que ser aspiracionales.

L’O: LR:

¿Qué pensás que tienen en común los proyectos del grupo? Para mí, lo que los une es esto que decíamos de la experiencia: que vas a comer bien, sea una pizza con spritz en Spritzza o unas tapas en Invernadero. La calidad y la atención siempre es la misma, el diseño de los lugares siempre está a la altura.

L’O: LR:

¿Cuáles te parece que fueron los cambios más profundos en el mundo de la gastronomía pospandemia? LR: Vinieron muchas cosas buenas para quedarse. La mayoría de los lugares agregaron muchos más espacios en las veredas y en las terrazas: se empezó a valorar el aire libre. También la posibilidad de trabajar. Desde cosas pequeñas, ¿no? Para los gastronómicos el día que llueve es “uy, qué fiaca que llueve”. Y yo a veces me acuerdo y digo: bueno, peor es tener los locales cerrados. La lluvia pasa y mañana sale el sol. La pandemia me dio otra perspectiva. L’O:

¿Cuáles son los próximos proyectos? Vamos a abrir un lugar de pastas y vino. Además, a partir de septiembre, queremos sumar cada seis meses nuevos locales al Spritzza de Palermo. La segunda locación va a ser Recoleta y también tenemos planeado para el 2023 un mercado: un paseo gastronómico con cuatro a seis propuestas distintas de comida en un mismo lugar. n L’O: LR:

LO QUE

Warhol NOS DEJO Su presencia y su producción creativa lo convirtieron en un mito del siglo XX. La explosión pop y el legado cultural de su arte. Por DANIELA LUCENA

Los Diarios de Andy Warhol fueron publicados por primera vez a fines de los años 80, pero la reciente aparición de la serie documental en Netflix ha llamado la atención nuevamente sobre aquellos cuantiosos textos del artista. A los relatos consignados en el libro, que se dieron a conocer luego de la muerte de Warhol, se suma ahora una nueva dimensión audiovisual, que de la mano de un valioso material de archivo permiten acceder a la vida del ícono del arte pop desde una mirada personal e intimista. Warhol empezó a registrar sus vivencias luego de que los inesperados disparos de la escritora Valerie Solanas lo dejaran al borde de la muerte. Su asistente y amiga Pat Hackett fue la encargada de transcribir las conversaciones telefónicas que mantuvieron entre 1976 y 1987, en las que el artista describía detalladamente su vida cotidiana. Con el correr del tiempo, aquellos diálogos fueron conformando un archivo afectivo compuesto de fragmentos discursivos, recuerdos pormenorizados e imágenes vívidas. Diarios registra la intensidad y el hastío, la fama y el dinero, la inseguridad y el talento de un artista innovador y desprejuiciado, que vivió más allá de su tiempo. Su obra más emblemática, Latas de sopas Campbell, gravita con insistencia a lo largo de las páginas,

Diarios REGISTRA LA intensidad Y EL HASTIO, LA FAMA Y EL DINERO, LA inseguridad Y EL talento DE UN ARTISTA innovador Y DESPREJUICIADO, QUE VIVIO MAS allá DE SU TIEMPO. 60

recordándonos el impacto de la revolución estética que provocó en los años 60, cuando convirtió en arte los bienes e íconos de la cultura de masas. Tras serigrafiar 32 lienzos con los distintos gustos del producto expandió su creación hacia otros soportes: estampó la pintura de su sopa preferida en vestidos línea A elegidos por las mujeres de la alta sociedad de Manhattan, a modo de obras de arte listas para usar. Eran años en los que The Factory, su famoso estudio, funcionaba como un polo de irradiación artística que estaba en el centro de todas las movidas modernas y contraculturales de la época. El vínculo de Warhol con el mundo de la moda fue una constante a lo largo de toda su vida. Al llegar a Nueva York, antes de convertirse en el provocador artista que todos conocemos, se ganó la vida como ilustrador de las revistas Vogue, Glamour y Harper’s Bazaar. Aunque se trata de una faceta menos explorada de Warhol resulta interesante observar sus dibujos de esos primeros años, que ya anuncian la repetición en serie, el uso de colores vivos, el interés por la publicidad y la mirada sagaz sobre la sociedad de consumo que mantuvo en todas sus producciones. También el cercano vínculo con el diseñador Roy Halston habla de su fascinación con el ambiente fashion, y de las noches y los excesos en el famoso club nocturno Studio 54. Diarios da indicios de la admiración mutua y del intenso vínculo que los unía y los llevó a colaborar en varios proyectos conjuntos, como la campaña publicitaria orquestada por Warhol para la línea de ropa masculina de Halston en 1982. Otro capítulo interesante de su vida es el de su participación en la industria de la música. Fue manager del grupo The Velvet Underground y realizó la portada de su primer álbum. La imagen utilizada no es otra que la famosa banana que invita a “pelar lentamente y ver” debajo de su cáscara un fálico plátano color rosado, que remite sin disimulo al erotismo y al deseo homosexual. También hizo el arte de tapa de varios discos de artistas de fama internacional como The Rolling Stones, Diana Ross, Miguel Bosé y John Lennon. Luego del asesinato de este último, Warhol dedica varias reflexiones a la cuestión de los fans y cuenta conmocionado: “Los periódicos todavía hablan de Lennon. El que lo mató era un artista frustrado. Sacaron el póster de Dalí que tenía colgado en una pared de su habitación”. Algunas personalidades argentinas conocieron a Warhol e incluso formaron parte de su círculo más cercano. Famosa es la amistad que Marta Minujín mantuvo con el artista y la sarcástica performance que protagonizaron juntos en 1985, simulando el pago de la deuda externa en choclos. “Pensando que yo era la reina del pop por estos lados y él, el rey del pop por allá, tenía sentido que saldáramos la deuda”, dice Marta sobre el intercambio. Asimismo, Diarios consigna su encuentro con Amalia Lacroze de Fortabat, a quien retrató en 1980, siguiendo un procedimiento similar al empleado en las pinturas de Marilyn Monroe, Mao Tse Tung, Debbie Harry, Jane Fonda, Truman Capote y Prince. Desde las anécdotas más glamorosas hasta el ritmo mecanizado de una vida contada en oraciones cortas e ironías varias, Diarios nos acerca una constelación de memorias que vale la pena rescatar. Sus historias y evocaciones permiten conocer, desde la fragilidad de una biografía única e irrepetible, las tramas de la cultura de avanzada de buena parte del siglo XX. n

EL vínculo DE WARHOL CON EL mundo DE LA moda FUE UNA constante A LO largo DE toda SU VIDA.

EJERCICIO

compartido Prendas clásicas reversionadas en cuero en el corazón de la etiqueta que fundaron Gala Elman y Renata Maccione. Maccione. Terminación artesanal y signos de época. Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ Foto STEVEN SIERRA

L’INSPIRATION

Gala Elman es arquitecta y ha estado vinculada al diseño a lo largo de toda su carrera. Comenzó haciendo objetos y luego, durante once años, llevó adelante con su marido la compañía Classic and Now, que se dedicaba a hacer muebles. “Hace tiempo que tenía en mi cabeza el tema de la indumentaria; me sentía curiosa y atraída”. Poco antes de la llegada de la pandemia pensó en tener su propia etiqueta. Se asoció con Renata Maccione, que es diseñadora y ya había trabajado para otras marcas en la dirección creativa. Tras un año de investigar qué hacer y cómo, presentaron La Rando, una firma en la que el cuero es protagonista. “Nuestra premisa es apostar a la nobleza del cuero y sus terminaciones. Queríamos algo que fuese lo más atemporal posible”. El nombre surgió tras meses de búsqueda. Rando significa “límite” en esperanto. “Lo asociamos a la idea de prenda eterna, icónica. Y elegimos esta lengua porque es universal”. La propuesta tiene distintas categorías de prendas clásicas reversionadas. “Diseñamos una camisa impecable, que tiene el cuello supersetentoso, los puños quebrados, pero a la vez una silueta masculina”. Su paleta de colores se define por tonos negros, marrones y grises, y planean sumar otros. No trabajan con colecciones temporales sino bajo el formato de “ediciones”. La primera salió con la apertura de la marca y presentaron la segunda en febrero. “La edición dos es una continuación de la uno. En la primera no habíamos hecho vestidos ni faldas, y en esta agregamos esos ítems que son como indispensables y completan el vestidor”. Su año comenzó con la participación en la feria de moda masculina Pitti Uomo, en Florencia. Continuó en Barcelona, donde hicieron la campaña de la nueva edición, y luego en Londres: se presentaron en la embajada argentina junto con la diseñadora Clara Aynié en el marco de la Semana de la Moda. A futuro, les interesa llegar a distintos puntos, pero no necesariamente abrir tiendas. “Queremos generar una identidad fuerte a través de retailers y de la venta online”. n @larando.buenosaires

“EN LOS DISEÑOS PREDOMINA EL cuero cuero,, PERO UTILIZAMOS también OTROS materiales COMO LANA, SEDA Y LINO”.

INMERSIVA. En esta obra de la muestra Implosión en Fundación Santander (2021).

MARTA:

20 minutos de eternidad

Por FERNANDO GARCIA 66

Fotos: Gentileza Marta Minujín.

A los diecisiete años se casó con su marido, a los setenta con el arte y ya prepara un nuevo casamiento para el 2023, cuando cumpla ochenta. La gran artista pop que es vanguardia siempre.

L’TALENT En el whatsapp el mensaje llega raro. Debió ser el predictivo, esa maldición de la comunicación cyborg. Marta escribe que nos encontremos en “el startup de siempre”. Debe ser el café, la franquicia del café global en la que le gusta pasar desapercibida, ahí en el primer piso del Patio Bullrich. Pero a lo mejor el predictivo está en lo cierto: Marta como un startup de sí misma desde que quemó sus obras en un pasaje oscuro de París hasta hoy, hace un rato, cuando recibió en la Minucueva de Montserrat a una delegación “de alemanes”. Los tiempos no dan. Entre que Marta mandó el mensaje y llegué al “startup de siempre” a esperarla no habían pasado más de quince minutos y ella ya estaba ahí. ¿Cómo llegó tan rápido? Marta vuela. Velocidad luz: mirada speed. Está en el ahora pero en los Ray-Ban hay reflejos de eternidad. Dice que está cansada. Que “los alemanes” vinieron por la gira de La Menesunda (1965) y les tuvo que hablar en inglés. Que La Menesunda reconstruida va a Múnich, después a Copenhague y, “al fin”, a la Tate de Liverpool en 2023. (“Al fin”, nota mental, porque la pandemia paró el desembarco de su obra ícono del pop lunfardo y porque se armó en el Di Tella escuchando a Los Beatles mientras ella esperaba a Facundo que nació casi sobre la inauguración). Y que unos días después de esta cita en el “startup de siempre”, irán a la Minucueva los del Jewish Museum de New York a elegir obras para otra muestra. Se queja de que tiene que rediseñar el plano original que hicieron con Ruben Santantonín para que pueda entrar una silla de ruedas. “¿Cómo van a meter una silla de ruedas en La Menesunda? Que la miren de afuera, como espiándola”. La mejor fue la primera, dice, y tiene razón: sin el contexto La Menesunda es todo lo contrario de lo que quiso ser. Lo dice ella: “Una reliquia”. Pero lo que importa es que la marca Minujín se expande: hablamos del Big Ben acostado en Manchester, un gesto que homologa la venganza del Napoli de Maradona contra el norte de Italia. Acá es al revés: Marta les dio el gusto a los del norte (los más postergados de Inglaterra) de ver el símbolo del poder central de Londres caído. También quiere acostar a la Estatua de la Libertad de New York y recubrirla con falsas hamburguesas de plástico (canjeables por

“ESTUVE CINCO horas EN EL TALLER Y CUANDO TRABAJO no tengo EDAD, NO SOY JOVEN NI VIEJA. Y cada VEZ VOY A TRABAJAR más Y MAS”.

MITOS. Una serie que empezó en los 80 con obras de arte público y participativo como La Torre de Pan Lactal de “La Joyce” (Dublín, 1980).

PSICODELICA. Así define Marta este tipo de obra donde retoma la estética de fines de los 60 desde una mirada contemporánea.

una ¿real? en la cadena más global de hamburguesas). Mientras tanto su cuenta de Instagram es un work in progress incesante. El 30 de enero cumplió setenta y nueve y posteó “un año menos”. Pero más que una boutade era cierta melancolía que para su personaje público resulta ajena, extraña. El año que viene cumple ochenta y piensa festejarlo con una boda. Será la tercera. A los diecisiete se escapó de su casa para casarse con el economista Juan Carlos Gómez Sabaini (Bebe) que murió en 2021; a los setenta se casó con el arte en el Malba y en 2023 quiere casarse con “la inmortalidad”. Podría ser de nuevo ahí, dice, y si no quieren será en otro lado. ¿Y el vestido será blanco? “No, podría ser color arcoíris. Negro seguro que no. ¿Viste que se murió Seguí? Fuimos toda la vida amigos”. Los coleccionistas argentinos heavyweight siguen sin interesarse en su obra pero ella prefiere venderle a los museos para que cualquiera pueda verla. El Reina Sofía usó uno de sus colchones como imagen para San Valentín pero, al mismo tiempo, se los falsifican o venden autógrafos suyos en Mercado Libre y hasta dice que hay dando vueltas una muñeca con su imagen hecha sin ningún permiso. No le piensa hacer un juicio a nadie de todos modos. No está en sus planes. El tema ahora es la eternidad. Marta eterna. La que quedará en sus obras. Una de la que no la había escuchado hablar nunca antes hasta este sábado a la noche (¡el único blanco en su agenda!) en el “startup de siempre”. Vuelven los preparativos de la boda. “¿El año que viene cumplo 80, cuánto tiempo más voy a vivir? No me interesa estar viva para que otra persona me tenga que acompañar a la ducha. Soy muy independiente. Lo de Instagram es verdad. Cumplí un año menos de vida. Después de los 50 empezás a cumplir un año menos. ¿Vos cuántos tenés? Yo tengo una energía bárbara, 68

YO SOY OTRA. Su propia máscara, que la hace reconocible en público, expuesta como una escultura de hierro en la terraza de Fundacion Santander.

Fotos: Gentileza Marta Minujin.

brutal, igual que Mick Jagger. Tenemos la misma edad. Me encantan los Rolling Stones. Toda la vida me gustaron. Pero ahora te duelen los huesos, te duele el cuerpo. Igual estuve cinco horas en el taller y cuando trabajo no tengo edad, no soy joven ni vieja. Y cada vez voy a trabajar más y más”. Dice todo eso Marta que ahora es de todo el mundo, pero que no sería lo que es si hubiera nacido en otro lado. Tampoco, aunque hubiera podido, quiso quedarse nunca en otro lugar que no fuera este. “Soy Buenos Aires”, dice. Mientras tanto sus obras del período informalista (1959-1963) se ven en el Instituto de Estudios de Arte Latinoamericano (ISLAA) de Nueva York y alguno de los que pasan advierte su presencia. Marta ya quiere irse. Fueron poco más de veinte minutos en la eternidad con fondo de swing, la música popular de los días de la Segunda Guerra Mundial o más o menos de cuando Marta llegó al mundo. ¿O estuvo siempre? n

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Mujeres que llegaron lejos de la mano de su pasión –en ámbitos tan diversos como la moda moda,, la radio radio,, el deporte o los autos autos–– comparten sus reflexiones sobre los desafíos, riesgos y oportunidades que encontraron en el camino. Por DELFINA KRUSEMANN

FERNANDA LAVINI RAMOS

DIRECTORA DE RECURSOS HUMANOS DE FORD SUDAMÉRICA.

Ingresaste a Ford como analista hace 22 años, y hoy sos una de las máximas ejecutivas a nivel regional. ¿Cómo llegaste adonde estás? FERNANDA LAVINI RAMOS: Desde siempre, Ford ha sido una empresa en sintonía con mis valores personales, que abre las puertas y ofrece oportunidades de crecimiento. Tuve varios puestos regionales en Brasil, pero también viví casi cinco años en Argentina, trabajé en Chile y estuve casi tres años en México. En esas ocasiones, pude ampliar mis conocimientos sobre América Latina. Si quieres crecer debes poder tomar decisiones difíciles, asumir riesgos y estar dispuesta a liderar proyectos complejos y desafiantes, todo eso con mucho amor por lo que haces. El reconocimiento y el crecimiento son una consecuencia, no el objetivo en sí mismo. L’OFFICIEL:

¿Cómo describirías tu experiencia en una industria vinculada tradicionalmente a los varones? FLR: Ford siempre marca una diferencia en el tema de la diversidad y más hoy en día, con políticas de cero tolerancia a la discriminación. Particularmente, creo que lo que más me ayudó es que nunca me sentí diferente por ser mujer: yo no dudaba de mi capacidad de entrega de trabajo y siempre me enfoqué en eso. Esta fortaleza me permitió transitar en varios ambientes “de hombres” con una posición muy clara. L’O:

“LAS EMPRESAS TIENEN LA responsabilidad DE GENERAR UN ambiente EN QUE LAS PERSONAS PUEDAN SER ellas mismas Y APORTAR LO mejor DE SI”. 70

L’O: Desde tu experiencia en temas de diversidad, equidad e inclusión, ¿qué políticas y acciones de Ford son las de mayor impacto? FLR: Las empresas tienen la responsabilidad de generar un ambiente en que las personas puedan ser ellas mismas y aportar lo mejor de sí. Por ejemplo, en Ford impulsamos beneficios para brindar bienestar a familias que los necesiten en diferentes etapas de la vida, como licencias extendidas por paternidad y maternidad, año sabático, posibilidad de postularse para un trabajo a tiempo parcial, viernes corto todo el año y horarios flexibles. Además, diseñamos procesos selectivos que ayudan a captar candidatos diversos; hoy tenemos mujeres en el 70 % de los planes de promoción de nuestra empresa e implementamos un programa de mentoría diversa centrado en empleados pertenecientes a los grupos minoritarios. Invertimos mucho y vamos a seguir invirtiendo en capacitar al liderazgo para que sus sesgos inconscientes no le impidan tomar las mejores decisiones respecto de talentos. Y estamos trabajando para firmar acuerdos con entidades reconocidas que nos permitan seguir trabajando en todo esto. Es un trabajo muy gratificante que avanza, pero nunca termina porque el objetivo es seguir mejorando siempre.

L’INTERVIEW

CYNTHIA KERN

COFUNDADORA Y DIRECTORA CREATIVA DE KOSIUKO.

“SOY mamá DE cuatro HIJOS Y SIEMPRE traté DE NO PERDER MI capacidad DE realizarme EN TODAS LAS FACETAS”. L’OFFICIEL: Kosiuko cumple 30 años, ¿quién eras cuando arrancaste y quién sos hoy? CYNTHIA KERN: Desde muy chica, me gustó lookearme. Así que cuando descubrí la posibilidad de ser parte de algo creativo en cuanto a lo textil, sentí que era un desafío maravilloso. Salí a comprar los primeros metros de tela de manera muy desenfadada; lo vi como algo natural. En ese momento, no me quedaba otra más que ser multifunción, así que hasta elegía los botones. Era todo muy chiquito y hecho a medida. Quizá eso sea parte de la identidad de Kosiuko. Hoy, siento que sigo siendo la misma Cynthia que busca reinventarse todo el tiempo y hacer cosas creativas, y hasta diría que tengo más ilusión y adrenalina que antes.

Por ser mujer, ¿hubo barreras que sortear hace tres décadas que hoy ya no son un tema? CK: No siento que haya tenido desafíos específicos por ser mujer, pero tengo una personalidad avasallante y creo que no habría tolerado ningún tipo de impedimento por mi género. Soy mamá de cuatro hijos y siempre traté de no perder mi capacidad de realizarme en todas las facetas. Me esforcé por mantener mi esencia. Obviamente, hubo cosas que me costaron, como a cualquiera. Pero al ver los logros digo: “Valió la pena”. L’O:

En la cuarentena te volviste mucho más activa en redes y se armó una comunidad fuerte de seguidoras. ¿Te gusta este nuevo lugar que ocupás? CK: La pandemia fue durísima. Soy muy inquieta, así que, encerrada en casa, empecé a jugar con el teléfono y a armar looks, y la respuesta fue superbuena. Quienes no nacieron en el mundo de la moda no tienen por qué saber qué les sienta bien y yo me desvivo por dar esos tips. Hay mujeres que me dicen: “Me animaste a cambiar mi manera de vestir, me animaste a más”. Me encanta ayudarlas a despojarse de todos los mandatos y mostrarles que podemos estar mejor con nuestro cuerpo si solo buscamos sentirnos felices.

L’OFFICIEL: Empezaste a los 19 años a hacer radio profesional. ¿Cómo llegaste a ese lugar? JULIETA PINK: El puntapié fue la pasión, que además vino de la mano de lo lúdico, porque desde muy chica jugaba a hacer radio con mi hermana Sol Rosales y mi amiga Majo Rodríguez (N. de la R.: las tres conducen Punto Caramelo). Luego me preparé para hacer lo que hago.

¿La radio tiene fama de ser un medio hostil para las mujeres? ¿Lo viviste así? JP: Hoy hay un camino más allanado, pero solo a fuerza de mujeres que nos precedieron y que tuvieron que alzar su voz de verdad por nuestros derechos. Cuando empecé, todos mis compañeros eran varones, pero nunca hicieron diferencias. Tuve la suerte de estar rodeada amorosamente y era casi una adolescente, así que no registraba cuestiones como cupo y salario. Todo eso lo empecé a ver –y a valorar– en el camino. Hoy, soy mucho más consciente y agradecida. L’O:

Llevás casi dos décadas al aire con Sebastián Wainraich, y se nota que tienen una relación basada en el respeto y la escucha mutua. ¿Se dio naturalmente o fue una construcción a través de los años? JP: Lo nuestro funcionó de entrada, empezamos a divertirnos al aire y se fue dando eso que hoy parece hasta telepático. El año que viene, cumplimos 20 años haciendo radio juntos, todos los días, y sin aburrirnos jamás. Nos queremos muchísimo y nos podemos decir todo; esa libertad es posible justamente por la confianza que construimos. L’OFFICIEL:

Sos una profesional que pudo desarrollar su carrera con éxito, ¿cómo elegís usar hoy tu voz? JP: Trato de ser yo misma pero, a la vez, tengo en cuenta mi responsabilidad frente al micrófono. Busco ser clara, auténtica, pero dando lugar también a distintas voces, sobre todo, a las que necesitan ser amplificadas. Además, gracias a las redes sociales, la audiencia tiene un rol fundamental y la devolución casi instantánea es muy enriquecedora. Todos los días intento mejorar, haciéndole honor a la silla que tengo y de la que disfruto. L’OFFICIEL:

JULIETA PINK

LOCUTORA Y COCONDUCTORA EN VUELTA Y MEDIA Y PUNTO CARAMELO.

L’O:

¿La moda puede colaborar a potenciar cuestiones de género y diversidad? Todavía falta, pero la moda trabaja mucho por la inclusión. Mis hijos, por ejemplo, hicieron una marca que se llama Label 99 que no dictamina qué prenda es para qué género. Igual, hoy, la mujer y el hombre están tan sueltos que usan lo que quieren como quieren.

L’O: CK:

“BUSCO SER CLARA, auténtica,, PERO DANDO auténtica LUGAR también A distintas VOCES, SOBRE TODO, A LAS QUE necesitan SER amplificadas”.”. amplificadas

“HE SIDO UNA PERSONA soberanamente privilegiada. Y NO PORQUE sobrara NADA, SINO porque TODO LO QUE SI hacía FALTA NO ME faltó nunca, nunca, como EL AMOR O LA empatía empatía”.”.

SOFIA MARTINEZ MATEOS

PERIODISTA DEPORTIVA DE ESPN, TELEVISION PUBLICA Y URBANA PLAY.

L’OFFICIEL: Desde 2020, dirigís una radio pública y con impronta joven. ¿Cuál es tu gran desafío? MIKKI LUSARDI: Tengo la posibilidad inmensa de contribuir desde el espacio que más amo a una construcción por la que siempre luchamos: pensar cómo hablarles a las juventudes, qué decirles, qué agenda llevar, qué música programar, y cómo hacerlo con convicción, coherencia y prolijidad. El primer desafío fue lograr una radio que nos dignifique, que sea bella y justa, que produzca, que diga, que tenga identidad y que haga. Todo enmarcado en la pluralidad, el federalismo, la diversidad, la inclusión, lo popular. L’O: Debe ser titánica la tarea de crear una programación y convocar a las voces necesarias para llevar adelante esos valores. ML: Lo más desafiante es hacerlo sin romperse o desarmarse en el camino, lograr que sea un proceso un poco más liviano y hasta disfrutable. Hay mucho de ser curioso, de tomarse horas para escuchar, buscar, preguntar, revolver, pensar. Como también hay mucho que se resuelve socializando, pensando con otros, escuchando. La radio pública tiene que ser por definición la radio de todos. L’O: ¿Podrías identificar los factores que te permitieron llegar al rol de líder que tenés hoy? ML: Yo quisiera que nos sea posible entender los caminos andados por fuera de la lógica cínica de la meritocracia. Porque he sido una persona soberanamente privilegiada. Y no porque sobrara nada, sino porque todo lo que sí hacía falta no me faltó nunca, como el amor o la empatía. Trabajo desde muy chica, y pasé por incontables -y muchos horribles- laburos y espacios. Y siempre, en todas esas estructuras, instituciones, bondis o veredas me supe par. Si tuviera que decir algo, creo que sería eso, casi como un mantra que me ha salvado: nadie nunca es ni más ni menos que nadie. Aprender de los demás, saber que ninguna verdad es estática o infinita. Que es mucho más fácil, lindo y sano sentirse enorme cuando nos sabemos absolutamente insignificantes. Saber pedir ayuda. Tener algo para decir y el coraje y la necesidad de decirlo. Algo que nos haga seguir levantándonos todos los días.

“EL DEPORTE ME PARECE UNA herramienta increíble DE CAMBIO SOCIAL Y DE transformación transformación”.”. ¿Cómo lograste abrirte camino en un ámbito tradicionalmente masculino? SOFIA MARTINEZ MATEOS: Creo que estoy donde estoy porque hubo personas que confiaron en mí. Y además por mis ganas de hacer y de que ese hacer tenga un estilo propio. Me considero una “busca”: busco estar donde siento que vale la pena comunicar algo, como una historia que me moviliza y puede movilizar también a otros. El deporte me parece una herramienta increíble de cambio social y de transformación. Es, para mí, una fuente inagotable de esas historias. L’OFFICIEL:

¿Dirías que ahora hay más oportunidades para las mujeres que quieren hacer carrera en el periodismo deportivo? SMM: De a poco se está ganando terreno. Antes era: “Che, tiene que haber una mujer en el programa”. Ahora, es: “¿Por qué no hay dos mujeres en el programa?”. La cuestión ya está presente, no se cuestiona. Todavía falta mucho para llegar a los parámetros de equidad, pero es superalentador lo que está pasando y cada año va mejorando. El periodismo deportivo y el deporte son una réplica de la sociedad: las barreras son las mismas y son, sobre todo, culturales e históricas. Por eso lleva tanto tiempo modificarlas. Pero, por ejemplo, el equipo de fútbol femenino del Barça llena estadios y demostró que es igual de competitivo, exigente y entretenido que el fútbol masculino. Si acá no logramos algo así, es porque todo lleva tiempo, desarrollo e inversión, pero el camino es irreversible. L’O:

¿Hay alguna deportista que te inspire? ¡Hay muchas! Como Kathrine Switzer, la primera corredora en competir en la maratón de Boston; se infiltró con otro nombre, la trataron de sacar y ella siguió adelante. Otra es Paula Pareto, no solo porque ganó dos medallas olímpicas sino porque, desde lo humano, es todo lo que está bien. Y Gaby Sabatini consiguió algo increíble cuando el deporte femenino no era tan común: fue furor en todo el país. También Yanina Martínez, corredora argentina con parálisis cerebral, fue medalla de oro en los Juegos Paralímpicos de Río de Janeiro y de bronce en los de Tokio. L’O:

MIKKI LUSARDI

MUSICA, ESCRITORA, PERIODISTA Y CONDUCTORA, DIRECTORA DE RADIO NACIONAL ROCK.

SMM:

FRANCO

global

Filmó Riviera en diferentes países de Europa, Rebelde en México y ahora está instalado en Madrid con una nueva serie. Momento esperado con muchos sueños y proyectos en carpeta. Fotos CARLOS VILLAREJO Dirección creativa ALEJANDRO MUÑOZ Y JULIA NAVARRO 76

y pantalón, GIVENCHY PARIS. Aros, Serpenti Viper, BVLGARI.

PAGINA OPUESTA: remera, campera ESTA PAGINA: abrigo, SANDRO

Traje, BVLGARI.

Por CATA GRELONI PIERRI

“SIEMPRE QUISE ESTAR preparado PARA COMPONER TODO TIPO DE personajes Y PARA DIFERENTES públicos”.”. públicos

Mirada tierna, cara de niño y una carrera que comenzó a los doce años cuando debutó en el teatro en la obra Ricardo III. Franco Masini no paró nunca de trabajar. Cine, teatro, tevé. Dramas, comedias, novelas. Un público que abarca todos los grupos etarios, hasta los más chicos. Ahora, sus posibilidades de abrirse camino con proyectos internacionales se van multiplicando. En 2020 se sumó a la serie británica Riviera y durante 2021 comenzó con Rebelde, que hoy vemos por Netflix. Todo indica que los contratos globales son su nuevo desafío. Desde Madrid, donde está ahora filmando una nueva serie nos cuenta sobre este gran momento. ¿Cómo fue tu entrada al mundo Netflix? Fue antes de la pandemia, hace un montón. Yo venía de hacer la serie Riviera, me llamaron para una audición de Rebelde en México y les gustó mi trabajo. Al principio el tema del protocolo fue muy duro, durante el rodaje hacíamos burbuja; todavía no estaban las vacunas… En México no conocía a nadie, pero con los chicos del elenco formamos como una familia. L’OFFICIEL:

FRANCO MASINI:

¿Y la recepción de la gente? En la Argentina Rebelde tiene historia… Recibieron muy bien al personaje. Está bueno que siendo un producto ideado por Cris Morena en 2002 haya un argentino en esta nueva versión. Mi personaje, Luca, es muy histriónico, con mucho sentido del humor. También es un chico sufrido, exigente, que se pone una especie de coraza para sentirse menos vulnerable. Muchos jóvenes me escribieron diciendo que se sentían identificados, que querían mostrarse fuertes, pero en realidad eran muy sensibles.

L’O: FM:

Imagino que actuar en Riviera fue un desafío. Cuando aparece la posibilidad de participar en esa serie británica justo estaba de vacaciones. Me volví, hice la valija y viajé a Venecia. Mi personaje iba a empezar en el capítulo dos, pero les gustó y ya me incluyeron en el uno. Mucho vértigo, aunque fue increíble; grabamos en Venecia, Niza, Saint Tropez, Mónaco, en un montón de lugares impactantes.

L’O: FM:

¿Cómo te fue con el actor protagonista Rupert Graves? Cuando llegué me encontré con que eran todos unos actorazos ingleses impresionantes y más grandes que yo: Rupert, Julia Stiles, Poppy Delevingne. Me dieron un abrazo, me dijeron “Acá estás con nosotros, somos familia”. Empecé a ir con ellos a todos lados y logramos un vínculo muy cercano. Lo disfruté un montón. La experiencia de actuar hablando en inglés fue muy interesante y compleja a la vez. Como cuando te agarraba Rupert en un ejercicio de improvisación y vos tenías que largarte a pensar y hablar en inglés. Por suerte me ayudó haber ido a un colegio bilingüe. L’O: FM:

¿Conocías Europa? Sí, pero no donde estuvimos grabando. Pasábamos de unos viñedos franceses a lugares de montaña y cada fin de semana aprovechaba para escaparme a algún lugar. Me gusta esta nueva etapa y siento que se me van abriendo las puertas del mercado internacional. Pero tengo también planes para seguir haciendo proyectos en Argentina. L’O: FM:

¿Cuáles? Hacer algo de teatro independiente. Y tengo otras propuestas más en firme. Me aburro rápido y soy muy inquieto, entonces busco siempre nuevas cosas. Teatro, tele… intentar hacer cine. Todo tiene su magia. Del teatro me encanta el proceso, los ensayos, la energía de estar arriba del escenario y que cada función sea distinta. Los mayores atractivos del cine están para mí en preparar el personaje, disfrutar la toma, la secuencia. La película es como si fuese un cuadro y vos estás con el director

L’O: FM:

Polera, TOMMY HILFIGER. Pantalón, BALENCIAGA

Chaqueta, PALOMO SPAIN. Pantalón, TOM FORD. Aros, Serpenti Viper, BVLGARI.

“SIENTO QUE SE toma EN CUENTA ESA PARTE mía QUE SE CONECTA CON LA moda moda”.”.

L’O: Acabás de cumplir 28 años… ¿Cómo te resultan los roles dónde tenés un registro de adolescente? FM: Con Rebelde volví a dar ese perfil. Creo que mientras pueda conseguir esos papeles, y sienta que la experiencia es interesante y tiene potencial para mi carrera, está bueno hacerlos. No creo que pueda hacerlos toda la vida, pero siempre quise estar preparado para componer todo tipo de personajes y para diferentes públicos. Los últimos años fueron una mezcla atractiva. De golpe estaba con un arma para mi personaje en Riviera, mientras ese mismo año hacía de loco en las funciones de La naranja mecánica y entretenía a los chicos en el teatro con El Mago de Oz.

¿Cómo ves el Rebelde 2022 en relación con Rebelde Way de 2002? La serie está dirigida a una nueva generación, no es un remake. Intenta mostrar cómo son los jóvenes hoy, la forma en que hablan, cómo viven los conflictos, si son más libres, más tolerantes, más inclusivos. L’O: FM:

¿Qué destacarías vos de la nueva generación? Es más libre. En la serie se ve eso. Los personajes conviven en un universo sin etiquetas y lo traen naturalizado como parte de su esencia. L’O: FM:

armándolo. La tele o las series tienen algo muy dinámico. Hoy, al ser todo tan global, podés viajar y estar en otro país, convivir con diferentes culturas y llegar al público de todo el mundo. L’O: ¿Y cómo se articula tu carrera con la música? ¿El LP que grabaste fue por hobby? FM: Actuar es lo que más me gusta y siempre que actúo estoy feliz. La música es algo que me acompaña y que disfruto muchísimo; me encanta crear, componer, escribir, cantar, tocar la guitarra… Pero para todo eso necesito tiempo. Para un tema o un disco la condición que me pongo es tener dedicación exclusiva. No me gusta hacer las cosas a medias.

También fuiste a la universidad… ¿Qué estudiaste? Licenciatura en Comunicación. Me gusta aprovechar al máximo el tiempo y mis ganas, que espero tenerlas siempre. Por ahí estoy grabando doce horas al día, pero llego a casa, me estudio el guion, y si me queda un rato libre y me da para ir a correr, me voy a correr.

L’O: FM:

MAQUILLAJE Y PEINADO: Almudena

L’O: Leí en una entrevista que decías que estabas “ disfrutando el presente, pero diseñando el futuro”. ¿Qué te imaginás o te gustaría para tus próximos diez años? FM: Para mí, parte del crecimiento es moverse. La Argentina es mi lugar cómodo, donde trabajo desde los 12 años, donde tengo a mi familia y a mis afectos… Pero los viajes te enseñan mucho. De golpe estar en México o en otro país significa aprender un montón de cosas para adaptarme a los códigos, la gente, la manera de trabajar. Hacer la serie, la prensa, editoriales…Hace poco hice una producción para una revista de Holanda.

¡La vi! En la revista Numéro, me pareció espectacular. ¿Cómo te resulta posar frente a las cámaras? ¿Te llevás bien con esa faceta más de moda? FM: En los últimos años fui evolucionando en el vínculo que tengo con la moda. Con la serie Riviera, surgieron oportunidades de mostrar lo que uso y me empecé a interesar por la imagen. Además de lo que hago como actor, siento que se toma en cuenta esa parte mía que se conecta con la ropa. Me gusta ir cambiando mi estilo de acuerdo con lo que veo y cómo me siento. La moda se mueve todo el tiempo. Como yo. n L’O:

Chaqueta, BVLGARI. Garbel con productos @balmainhaircouture. PRODUCCION: @gsgproducciones

MATCH

GAME

En una vuelta al pasado, esta temporada se combinan los zapatos y carteras. Fotos LARA GILIBERTO - Estilismo ALESSANDRA FAJA

Cartera, BALENCIAGA. Escarpín taco compensado, PRADA.

ESTA PAGINA: cartera, CELINE. Escarpín PAGINA OPUESTA: Escarpín

sin talón, SAINT LAURENT. sin talón, GUCCI.

ESTA PAGINA: cartera, FENDI. PAGINA OPUESTA: cartera, VALENTINO. Bota, JIL

SANDER.

Cartera, CHANEL. Mules capellada trenzada, SALVATORE FERRAGAMO. Cartera, ALEXANDER McQUEEN.

ESTA PAGINA: cartera, LOEWE.

Sandalia taco compensado, BOTTEGA VENETA. CHOO.

PAGINA OPUESTA: cartera, LOUIS VUITTON. Escarpín, JIMMY ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Aline

Diot

ESTA PAGINA: suéter, BLUE

SHEEP. Camisa, DELGE. Blazer, ZITO. Pantalón, ZITO. Pendiente, MISHKA. Botas, MISHKA. AYNIE. Camisa, ZITO. Pendiente, MARIA & MARIOLA TORRES

PAGINA OPUESTA: capucha,

comme IMAN Fotos FRANCISCO FERRARI Estilismo LUCILA RIVERO 95

PAGINA OPUESTA: campera

y falda, DELGE. Capa, BLUE SHEEP. Bouquet, CAMPO ESTUDIO.

ESTA PAGINA: camisa, JT. Chaleco, MAYDI. Pantalón, PAGINA OPUESTA: campera

LE BONNE BOUTIQUE. Accesorio, AYNIE. y falda, DELGE. Capa, BLUE SHEEP. Bucaneras, SANTESTEBAN.

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PAGINA OPUESTA: suéter, JAZMIN

CHEBAR. Pantalón LE BONNE BOUTIQUE. Cartera, DELGE. Mangas, MAYDI. Botas, SANTESTEBAN.

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PAGINA OPUESTA: suéter, MAYDI. Pantalón, MAYDI. Boina, MAYDI.

Aro, MARIA & MARIOLA TORRES. Abotinados, ZITO. y accesorio, HERMES. Camisa, ZITO. Leggins, MAYDI. Zuecos, HERMES. MAQUILLAJE Y PEINADO: Sol Ferreiro. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Demian Scalona. ASISTENTE DE PRODUCCION: Lola Nofal. ASISTENTE DE ESTILISMO: Sol Moretti. MODELO: Imán Kaumann para Lo Management. POSPRODUCCION: Reto Studio. Agradecemos a Anita Gil, La Cúpula. ESTA PAGINA:Tapado

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TIME

Fotos MARCELO SETTON Estilismo GABRIELA SETTON Reloj Oyster Perpetual 41 mm con brazalete Oyster de acero Oystersteel y esfera verde, ROLEX, disponible en SENSATIONS DU TEMPS PATIO BULLRICH.

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Reloj Portugieser Cronógrafo con caja de acero, esfera carmín y correa de cuero de cocodrilo, IWC disponible en SIMONETTA ORSINI. Reloj Constellation Co - Axial Master Chronometer 41mm en oro con correa de cuero, OMEGA.

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Reloj Longines Spirit 42 mm con caja de acero inoxidable y correa de cuero, LONGINES.

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Reloj Summit Lite Smartwatch negro con correa de cuero, MONTBLANC, disponible en SIMONETTA ORSINI.

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Reloj Aluminium automático de 40 mm con caja de aluminio y titanio, bezel y correa de caucho, BVLGARI. Reloj Aerofusion Chronograph Orlisnki Celeste, edición limitada de 50 piezas para todo el mundo con caja en cerámica celeste de 45 mm y correa de caucho, HUBLOT. Ambos disponibles en EVE JOYERIAS.

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Reloj Santos Chronograph Watch XL de 43,3 mm en acero con brazalete de caucho, CARTIER, disponible en CHRONOS.

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DIOS aparte

Arriesga, sube la vara, busca experiencias verdaderas que le sirvan para componer sus personajes. Nico Furtado esquiva papeles convencionales como el de galán, y brilla. Fotos MAXI GUTERMAN Estilismo DELFINA TULLI

Impermeable, suéter, jeans y zapatillas, LACOSTE. Pañuelo Losange y pulsera de doble vuelta, HERMES.

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Por IRENE AMUCHASTEGUI

Gracias a Diosito, también Nicolás Furtado experimenta algo parecido a la ubicuidad: vive a la vez en Argentina, España y Uruguay. Hasta hace algunos años, era suficientemente desconocido como para presentarse al casting de la serie carcelaria El marginal aparentando no ser actor y camuflando una sonrisa perfecta con la dentadura defectuosa que terminaría por convertirse en sello de su personaje: el recluso Juan Pablo “Diosito” Borges. La ficción entre rejas le abrió todas las puertas y hoy graba en Buenos Aires la serie Felices los 6, para HBO Max, después de rodar en Málaga la opera prima del gaditano Paco Sepúlveda y de pasar las fiestas de fin de año en Montevideo, su ciudad natal, y antes de que la rueda comience a girar de nuevo en Madrid. “Estos meses son así, tengo cosas en todos lados. Ya llegará el momento de instalarme más en un lugar, que siempre es necesario, y apuesto a Madrid, pero sin dejar proyectos que me interesen en otros sitios. Por suerte tengo la posibilidad de elegir, y por otra parte es inevitable, porque todo no lo puedo hacer”. Las propuestas, admite sin jactancia, se multiplican. “Rara vez mis representantes dejan guiones de lado sin que yo siquiera los vea. El guion es clave: que me interese la historia y el modo en que esa historia está contada. Después, claro, hay otro montón de factores que cuentan en la elección y que van cambiando según el momento”. Con transformaciones físicas radicales como la caracterización para Diosito, o la metamorfosis simiesca que lo convierte en “el Mosca”, el delincuente que personifica en la miniserie Entre hombres, los desafíos actorales le dieron mucha más notoriedad

que la que hubiera obtenido como galán, aunque parezca naturalmente destinado a esa categoría. “A mí me divierte mucho lo otro: componer, caracterizarme. Los personajes más convencionales siempre van a estar ahí, ya será momento de hacerlos, pero la composición me abrió un abanico mayor de posibilidades y me gusta que así sea. Prefiero que no digan: ‘Este personaje es para Nico’. Me gusta romper con eso, que no haya un preconcepto. ¿Qué es ‘para Nico’? No se sabe qué es para mí: puede ser cualquier cosa”. En el arco que va del paso de comedia al realismo sucio, pasando por el drama y el clown, despliega su amplitud de registro combinando recursos. “Creo en las energías. Como persona y como actor. Podríamos estar horas hablando de esto, pero te lo resumo: creo que la energía de un personaje te da una forma de caminar, de mirar, una voz, una velocidad determinada. El Mosca de Entre hombres, por ejemplo, para mí siempre fue un simio, un gorila con cierto aplomo, un gesto fuerte y un ritmo lento. En cambio, en la comedia que voy a hacer ahora con Delfina Chaves, en la que hay menos composición o caracterización, el personaje tiene una energía más parecida a la mía. ¿Galán? Bueno, acá tampoco hay un galán, quizás más bien un antigalán, porque juega mucho el humor”. Para Furtado, el humor puede filtrarse hasta en el sórdido penal San Onofre, escenario de El marginal. “Mientras grababa Diosito hacía un taller de clown. Mi clown se llamaba Felipe, que es el nombre de mi sobrinito, y era ingenuo pero pícaro, aventurero, pero torpe… El clown no tiene límites y está bueno

“CREO QUE LA energía DE UN PERSONAJE TE DA UNA forma DE CAMINAR, DE MIRAR, UNA VOZ, UNA velocidad DETERMINADA”. 112

Camisa y gafas, SALVATORE FERRAGAMO. Pantalón de lana, LACOSTE. Campera con detalles en cuero, DOMA. Chal extra large de baby llama, ROCHAS.

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Buzo y pantalón de terciopelo, JT. Suéter de lana y zapatillas, LACOSTE. Mochila M Gram 4810, MONTBLANC.

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Remera, LACOSTE. Ambo y blazer, ROCHAS.

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“RARA VEZ MIS representantes DEJAN guiones DE LADO SIN QUE YO SIQUIERA LOS VEA. EL guion ES CLAVE”.

que uno no se los ponga”. Algunos rasgos del Felipe de nariz roja, cuenta el actor, se impregnaron en Diosito Borges. “En los talleres, en el lugar de estudiante, uno está más creativo, más abierto a nuevos conceptos. Ahí descubrí que Diosito tiene cosas de clown, puede ser un clown, tranquilamente. Solo es cuestión de estar todo el tiempo dispuesto a jugar”. Llegó a Buenos Aires con veinticuatro años y una metódica formación teatral en Montevideo. “Al principio sufrí el desarraigo, hasta que nos acostumbramos, mis papás y yo, a que las cosas fueran así, a encontrarnos cuando podíamos. Esta ciudad es muy potente, tenés que estar a la altura, hay que seguirla de atrás. Si no, te come. Hay que estar muy activo. Y a mí el movimiento me encanta, me gusta el quilombo”. Después de asomarse a la pantalla en la telenovela Dulce amor, comenzó a construir el camino singular que al cabo de una década lo llevó hasta el top 10 global de Netflix, la plataforma que acaba de estrenar la última temporada de El marginal. Entonces, y ahora, su método mezcla técnicas y experiencias. Entrenamientos corporales a priori tan opuestos como el yoga y el boxeo –las dos disciplinas que practica con regularidad–, y preparaciones extremas. “Cuando trabajo un personaje o una escena, busco cosas que me modifiquen a mí como persona, y

por lo tanto como actor, que pueden tener que ver con factores externos: sentir frío o calor, dolor, la sensación de una remera un poco pegajosa, llevar zapatos sin medias o estar descalzo, estar cansado o mal dormido. Para los castings, siempre les aconsejo a amigos y a colegas esto de ir modificados”. El mismo pasó la noche anterior al casting para El marginal durmiendo a la intemperie, cerca de los bosques de Palermo. “Fui a buscar a una plaza una vivencia previa que me marcara. El casting era a la mañana y yo quería llegar mal dormido, quizás con frío, con alguna contractura en el cuello: algo en mi cuerpo tan vivo, tan presente y tan real que volviera mucho más verdadero lo que estuviera actuando. Me llevé una botella de grappamiel, un licor que calienta la garganta y se toma mucho en Uruguay, con alto porcentaje de alcohol, para el frío. Me pasé la noche afuera, hasta que me di cuenta, cuando faltaban dos horas, de que no me sabía bien la letra del casting, y me volví a casa para repasar la escena”. Durante el proceso de las audiciones, a la actuación le sumó la simulación. “Me presenté con la dentadura postiza. Para ellos, yo era tal cual me estaban viendo. No dije que era actor. Para ellos, era mi primer casting. Fingía que no sabía dónde mirar, qué hacer, en qué lugar pararme…”. Es cuestión de estar todo el tiempo dispuesto a jugar. n

Suéter cuello tortuga trenzado, ROCHAS. Blazer cuadrille con detalles en cuero, SALVATORE FERRAGAMO. Reloj, Sky- DWeller ROLEX. Sillón de sala, modelo Vezio, FONTENLA. Juan D. García y Alan Roskyn. ASISTENTE DE ESTILISMO: Lara Martinsen. MAQUILLAJE Y PEINADO: Joaquín Vega Caro para Kabuki Makeup School. AGRADECIMIENTOS: Vicky Kruszewski.

ASISTENTES DE FOTOGRAFIA:

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HILO

rojo

De mejillas a labios labios,, de labios a ojos ojos,, de ojos a mejillas mejillas.. Un solo producto es capaz de unirlos unirlos.. Por LOLA MONTEIRO Fotos VINCENT SCHÄFER

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Llevar un necessaire repleto de productos quedó en el pasado. La vuelta a la presencialidad requiere soluciones prácticas. Diversas marcas de belleza vienen experimentando el concepto de productos dos en uno, que aporten soluciones al look del día a día. La técnica no es nueva. Los maquilladores nos enseñaron que un labial puede convertirse en rubor y un rubor en sombra. La clave está en la textura del producto, en la preparación previa de la piel para su correcta adherencia y en la aplicación. Los avances tecnológicos en los productos de belleza se alinean con los flamantes desafíos. Proponen nuevas tonalidades y acabados, ingredientes más seguros y sostenibles que minimicen su impacto en el medio ambiente, así como también maquillajes con más de una posibilidad. 120

Recientemente Chanel lanzó el Bálsamo para labios y mejillas de su línea Nº 1, que gracias a la textura untuosa se puede aplicar con los dedos. Se funde sobre la piel, rellena los labios y las mejillas, y realza el color. A nivel local, la firma Toro Blanco (@toroblanco.natural) nos invita a repensar el futuro del maquillaje. Los productos son veganos, no contienen químicos tóxicos, no se testean en animales y tienen fórmulas compuestas por ingredientes puros de origen vegetal y mineral. Desde sus inicios trabajan por un maquillaje multifunción y su producto estrella es Labiomejilla. Este bálsamo con color actúa como rubor en crema y humectante para labios. Su fórmula nutritiva y emoliente fue pensada para ser reaplicada a lo largo del día. n

Accesorios de peinado, GHD. Productos para el pelo: TIGI. Cuidado de la piel, NATURKOSMETIK. Base de maquillaje, MAC COSMETICS. Ojos, DIOR BACKSTAGE EYE PALETTE. PEINADO Y MAQUILLAJE: Julia

Bachmayer. ESTILISMO: Marvin-Mario Bahome. PRODUCCION: Winteler Production. MODELO: Lena para Lo Management.

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Caminos

ENCONTRADOS Fotos SANTIAGO ALBANELL Estilismo FRANCO DERNA PAGINA OPUESTA: chomba, ETIQUETA

NEGRA. Blazer, ETIQUETA NEGRA. Boina, HATS COMPANY. Zapatillas, ADIDAS. Bandolera, SALVATORE FERRAGAMO. Boina, HATS COMPANY.

ESTA PAGINA: chemise, LACOSTE. Pantalón, GIESSO. Piloto, LACOSTE.

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Camisa, EQUUS. Ambo, CARBONE. Mocasines, TERRIBLE ENFANT. Boina, HATS COMPAY.

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Polera, ETIQUETA NEGRA. Pantalón y campera, LACOSTE. Zapatillas, ADIDAS. Medias, STYLO.

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Camisa, GIESSO. Pantalón, GIESSO. Chaleco, LACOSTE. Sobretodo, GIESSO. Zapatos, BIRKENSTOCK.

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Suéter, EQUUS. Ambo, AY NOT DEAD.

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PAGINA OPUESTA: Caetano: suéter, MAQUILLAJE Y PEINADO:

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ESTA PAGINA: polera, GIESSO. Campera, LACOSTE. Jeans, BENSIMON. Medias, STYLO. Mocasines, TERRIBLE ENFANT. RAIMONDI. Ambo, RAIMONDI. Zapatos, BIRKENSTOCK. Román: camisa, RAIMONDI. Pantalón, RAIMONDI. Campera, RAIMONDI. Zapatos, BIRKENSTOCK.

Pola Amengual. ASISTENTE DE ESTILISMO: Lila Scagliarini. MODELOS: Caetano Ferreyra para Civiles y Roman Stubrin para Lomanagement. AGRADECIMIENTO: a Camping.

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SUBIR la nota

Nuestra selección de los perfumes masculinos y unisex más relevantes. Acordes bien construidos.

Fotos GERMAN ROMANI

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1. “Paris-Deauville”, CHANEL. Esta eau de toilette con una estela cítrica inspirada en los paisajes de la costa de Normandía combina las facetas aromáticas verdes de la albahaca con notas chispeantes de naranja de Sicilia. 2. “1 Million Elixir”, PACO RABANNE. La nueva propuesta aromática más profunda y potente de “1 Million”. En esta fórmula, más del 91 % de ingredientes son de origen natural. La caja es totalmente reciclable. 3. “Hero”, BURBERRY. Es la primera fragancia del diseñador Riccardo Tisci para la marca. Fue realizada por la nariz Aurelien Guichard. “Hero” pertenece a la familia olfativa amaderada especiada para hombres. 4. “Gentleman Reserve Privée”, GIVENCHY. Un perfume de tonalidades ambarinas inspirado en el whisky. Ha sido elaborado en Grasse con cebada aromática procedente de una refinada destilería escocesa. 5. “Black Orchid Parfum”, TOM FORD. Es de la familia olfativa ámbar floral para hombres y mujeres. Las notas de salida son trufa y ciruela; las de corazón, ron, ylang-ylang y orquídea negra; la de fondo es pachulí.

6. “Aventus”, CREED. El best seller de Creed para hombres. Representa la fuerza, el poder y el éxito. Esta fragancia sofisticada de la familia olfativa Chipre frutal, tiene como narices a Olivier y Erwin Creed. 7. “212 Héroes”, CAROLINA HERRERA. Celebra el espíritu joven y aventurero con una impronta skater. Basado en una fórmula vegana, el aceite de geranio, elegante y complejo, se combina con el elixir de pera, refrescante y efervescente. 8. “Sauvage Elixir”, DIOR. De extraordinaria concentración, este perfume suma al emblemático frescor de Sauvage, un corazón de especias, una esencia de lavanda y una mezcla de maderas licorosas. 9. “Y Men”, YSL. Lleno de carácter gracias a los contrastes. El geranio, el incienso y los aldehídos están equilibrados por un acorde que proviene de la manzana sobre una base de haba tonka. Además, el toque seco del enebro y el picante del jengibre.

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Biografía

DE UNA JOYA

En cada pieza Clemencia Ruiz Moreno rescata un fragmento de azulejo de Calais Calais,, protagonista en la arquitectura del Río de la Plata durante el siglo XIX. Por ANDREA LAZARO Fotos GERMAN ROMANI

¿En qué momento te cautivaron estos azulejos? La primera vez que reparé en ellos, hace unos quince años, fue en Colonia del Sacramento, Uruguay. Allí se los encuentra empotrados en paredes, aljibes, antepechos de ventanas, frisos y escaleras. Me llamó la atención su brillo especial que es producto de una capa de óxido de estaño, por eso se los conoce como estanníferos. Quedaron en mi memoria. Un día encontré uno en la feria de antigüedades de San Telmo y lo compré. Pasaron un par de años antes de decidirme a armar mi propia colección que hoy cuenta con unos doscientos ejemplares. L’OFFICIEL:

CLEMENCIA RUIZ MORENO:

¿Dónde se los puede ver actualmente? Están integrados a la arquitectura pública y privada de todo el país, aunque se concentran en Buenos Aires y Montevideo que fueron los puntos de ingreso. Como soy licenciada en Turismo creé un recorrido llamado La Ruta del Azulejo Francés que invita a descubrir los sitios donde aún prevalecen. Por ejemplo, los de la cúpula del Cabildo y la media naranja de la Catedral de Buenos Aires son Pas de Calais. Lamentablemente, en ambos casos se trata de réplicas. Los de la cúpula de la iglesia de la Anunciación en Monserrat sí son originales, al igual que los de Nuestra Señora de Belén, en San Telmo. También están en el Museo Larreta, donde adornan un cantero con un olivo gigante. L’O:

CRM:

La pasión por la cultura rioplatense hizo de Clemencia Ruiz Moreno una estudiosa y coleccionista de un tipo de pequeño azulejo francés que se fabricaba en hornos familiares en la aldea de Desvres, departamento de Pas de Calais. Llegaron al Río de la Plata a partir de 1840 y hacia 1876, no existía casa en Buenos Aires que no los tuviera. Se dejaron de fabricar a principios de 1900, cuando el art nouveau impuso una nueva moda. Para celebrar aquellas piezas que debido a roturas quedan fuera de los catálogos creó una línea de joyas de edición limitada que busca mantener viva su historia. 132

¿Cómo nació la idea de diseñar joyas? Un coleccionista me regaló una caja de piezas rotas. Al principio no sabía qué hacer con ellas. Si bien no son aptas para coleccionar, les encontraba un valor enorme. Siempre pienso en que cruzaron el océano en barco, me pregunto dónde habrán estado, qué conversaciones habrán escuchado, de qué habrán sido testigos. Como en uno de los cuentos de Manuel Mujica Láinez, “El hombrecito del azulejo”, que le pone voz al personaje retratado en un Pas de Calais.

L’O:

CRM:

“LAS PIEZAS TIENEN el encanto estético DE LA imperfección imperfección”.”.

¿Con qué materiales combinás estos azulejos rotos? Luego de hacer varias pruebas con un joyero nos decidimos por la plata 925 para reforzar la idea de cultura rioplatense. La materia prima del bizcocho en sí y el esmaltado son de excelente calidad. Como originalmente fueron estampados mediante un sistema de plantillas, en azul o morado sobre fondo blanco, ninguno es igual a otro. Las piezas tienen el encanto estético de la imperfección, son una suerte de one of a kind.

L’O:

CRM:

¿La colección te ayuda a divulgar la riqueza de este patrimonio cultural? Sin duda. Son joyas portadoras de una historia. No las difundí masivamente porque su mundo simbólico se relaciona con la escasez, pero se hicieron conocidas por el boca a boca. Hace poco di una de mis charlas en el marco de La Noche de las Ideas convocada por el Instituto Francés y el tema despertó mucho interés. Cotidianamente trato de rescatar y relevar colecciones patrimoniales que no suelen estar guardadas en las mejores condiciones. Mi gran sueño es fundar un museo del azulejo. Buenos Aires es una ciudad maravillosa y se lo merece. n L’O:

CRM:

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Fuerza CREADORA Glenn Martens, Martens, director creativo de Y/Project y de Diesel hace gala de su talento con la colección diseñada para Jean Paul Gaultier. Gaultier.

“Estoy feliz, superfeliz, locamente feliz. La colección me representa, es mi mundo. Y al mismo tiempo trasciende mi historia y la proyecta hacia el futuro”, dice entusiasmado Jean Paul Gaultier, enfant terrible de la moda francesa, desde su amplio atelier parisino de la Rue Saint-Martin. Luego de despedirse de la pasarela al término del desfile de Alta Costura de primavera 2020, el diseñador se retiró de la maratónica serie de décadas de colecciones y convocó a otros diseñadores para que

reimaginen su couture, comenzando con Chitose Abe de Sacai. Ahora es el turno de Glenn Martens, director creativo de Y/ Project y Diesel, que diseñó la colección de Alta Costura primavera/verano 2022. “Me siento como si me hubiera hecho un lifting”, bromea Gaultier. “Me encantó la forma en que interpretó mi universo. Las técnicas de enfoque moderno y el savoir faire de la Alta Costura: el resultado supera lo que había imaginado”. Martens –

Por GIAMPIETRO BAUDO Glenn Martens y Jean Paul Gaultier. Foto: Laura Pelissier

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“GAULTIER ES UNO DE LOS PRIMEROS inventores AUTENTICOS. LO QUE HIZO FUE traer LA CULTURA DE LA calle AL LUJO”.

Jean Paul Gaultier con modelos en un número de L’OFFICIEL del año 2001. Modelo vistiendo Jean Paul Gaultier en la tapa de L’OFFICIEL de septiembre de 1997. ABAJO: look de la colección primavera 2022 de Jean Paul Gaultier, diseño de Glenn Martens. Foto: Arnaud Lajeunie. DERECHA: backstage en Y/Project otoño/invierno 2022. Foto: Danielle Mango. ARRIBA:

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cuyo primer trabajo apenas egresó en 2008 de la Real Academia de Bellas Artes de Amberes fue en el atelier de Gaultier– presentó 36 looks que seguían la tradición de los rasgos distintivos del diseñador francés: rayas marineras, corsés y vaporosos vestidos de noche, todo con el toque deconstruido que caracteriza a Martens en Y/Project. “La idea era que fuera una fiesta”, dice Martens. “Rendir homenaje a la herencia creativa de la maison”. “Para mí, la Alta Costura siempre ha sido más que un sueño abstracto. Sobre todo, es un laboratorio. Inventar formas contemporáneas y realizar prendas que puedan dialogar con la realidad. Imaginar creaciones capaces de vestir a una clientela de

verdad. Abordar el futuro con técnicas y destrezas increíbles”, dice Gaultier. “Un vestido, aunque te haga soñar, también tiene que poder usarse. La moda debe estar en contacto permanente con la vida. Mi trabajo como diseñador ha sido siempre sentir y percibir lo que pasa en el mundo real”. Es este anclaje en la realidad lo que conecta a ambos diseñadores. Para Martens (38) la vida cotidiana en París es su mayor inspiración: “Mis amigos y la gente que veo por la calle, salir y ver cómo se viste la gente joven”, dice. “No dejo de mirar a la gente, casi de manera obsesiva”. L’OFFICIEL dialogó con él sobre su trabajo con Gaultier y su nueva aventura en Diesel. Y/Project, Diesel y diseñar para la colección de Alta Costura de Jean Paul Gaultier. ¿Cómo te las arreglás con todo? GLENN MARTENS: No lo pienso demasiado, porque si lo pensás, te empezás a enloquecer. Fue una temporada muy intensa, no sé cómo hacen los demás diseñadores, tener tantas marcas y tantas colecciones. Lo que pasa, en realidad, es que me crié en una familia muy estricta. Mis abuelos maternos venían de tres generaciones de militares. También mi manera de trabajar es muy estructurada, típicamente flamenca, así que me tomo todo muy en serio. Y es lo que tuve que hacer esta temporada. No hubo mucho tiempo para la vida personal, pero está bien, me considero afortunado por poder trabajar en tres proyectos. L’OFFICIEL:

¿Cómo te interesaste en la moda? Crecí en Brujas, una pequeña ciudad de provincia de Bélgica. En la guía turística la llaman “la bella durmiente”, porque en verdad parece dormida. Mi entorno no se caracterizó por el pensamiento de avanzada ni por la experimentación. Pero la ciudad en sí misma era hermosa. Es una pequeña perla neogótica y, de hecho, influyó en mi obsesión por la historia cuando era niño. Me la pasaba leyendo sobre reyes y reinas, asesinatos y guerras., es como un cuento de hadas. También me encantaba dibujar y me dedicaba sobre todo a la vestimenta que en mi imaginación usaban esos personajes. Creo que fue entonces que me di cuenta de que la ropa puede reflejar una personalidad y representar a una persona. L’O:

GM:

L’O: Las damas y los caballeros fueron tus primeros modelos, pero ¿cuál es tu primer recuerdo referido a la moda? GM: Las revistas femeninas que compraba mi madre. Era el auge de los 90 con Gaultier y Therry Mugler, con esas colecciones de Alta Costura locas y teatrales. Para un niño, era una verdadera fiesta visual. L’O: Y tu primer trabajo, recién graduado de la Academia de Bellas Artes de Amberes, fue con Jean Paul Gaultier. GM: Sí, tuve mucha suerte, porque era una maison muy independiente. La moda, como sabrás, es una industria muy dura, especialmente cuando estás empezando. Son días muy largos; el trabajo es repetitivo y hasta puede llegar a ser excesivo. Pero Jean Paul no trabajaba así. Lo que le interesaba era trabajar en conjunto, celebrar la moda y divertirse.

¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? La formación en arquitectura de interiores le aporta mucho a la manera en que pienso la ropa. Cuestiono la construcción permanentemente; siempre estoy pensando: ¿Cómo podemos realizar las prendas de manera diferente? Y la otra parte es mi

L’O:

GM:

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realidad cotidiana. Me encanta vivir en París, es un verdadero crisol de culturas. Me muevo en subte o voy caminando, no suelo tomar taxis ni Uber, porque lo que me gusta es andar por la calle. L’O: ¿Cómo encaraste el diseño de Alta Costura para Jean Paul Gaultier? GM: Definitivamente como una celebración del trabajo artesanal y del mismo Gaultier. Diseñar una sola colección es muy diferente de hacerte cargo de una maison, así que traté de divertirme lo más posible. No reinventé a la mujer de Gaultier, pero tengo mi propia manera de verla.

¿Qué es lo que más admirás en él? Es uno de los primeros inventores auténticos. Fue mentor de muchos y creo que le abrió las puertas a toda una generación de diseñadores. Lo que hizo fue traer la cultura de la calle al lujo. Me parece que fue uno de los pioneros del casting callejero. Cuando íbamos a las disco, les decía a los club kids: “Vos tendrías que estar en mi desfile”.

L’O:

GM:

Cuando hablamos con Gaultier durante el desfile dijo que su sueño era seguir siendo libre. ¿Cuál es tu sueño? GM: Por supuesto que ser libre sería buenísimo, pero cuando tenés la responsabilidad de cientos de familias que dependen del éxito de tu marca, no podés soñar ciegamente y ser libre. No obstante, creo que podés cumplir con lo que pide el mercado y aun así seguir disfrutando, estar contento y evitar convertirte en un gigante comercial. Es allí donde soy más feliz. L’O:

¿Cómo abordás las colecciones para Y/Project y Diesel? Tienen formas muy distintas de trabajar. En Y/Project estoy apuntando a un cliente muy específico, porque no son piezas de uso diario. A menudo, una prenda puede llevarse de muchas maneras diferentes, de modo que cuando te la ponés tenés que comprometerte con ella y preguntarte cómo querés lucirla y cómo querés que te perciban. La relación es con un cliente que quiere experimentar y celebrar su individualidad. Diesel, en cambio, es mucho más social. Es ropa que usamos en la vida cotidiana; para andar en bicicleta, para trabajar, para lavar los platos. Y además, el precio es muy accesible, así que le estoy hablando a mucha más gente. L’O:

GM:

¿En qué te gratifica diseñar para un público masivo? Conlleva mucha responsabilidad, porque estoy llegando a hogares a los que no podría acceder con Y/Project o Jean Paul Gaultier. Y es allí, creo, donde está mi tarea: comprometer al cliente con el mensaje de sostenibilidad de Diesel, que es fundamental en todo lo que hacemos.

L’O:

Traducción: Silvia Villegas.

GM:

“CUESTIONO LA CONSTRUCCION permanentemente;; permanentemente SIEMPRE ESTOY pensando:: ¿COMO pensando PODEMOS REALIZAR LAS prendas DE MANERA diferente diferente?” ?” PAGINA OPUESTA: looks de la colección primavera 2022 de Jean Paul Gaultier, diseños de Glenn Martens. Fotos: Arnaud Lajeunie.

¿Cuál pensás que es tu mayor logro? Creo que es la biblioteca Diesel: es una biblioteca que creamos con denim plenamente sostenible. Es muy importante; Diesel es una etiqueta global y yo de hecho reelaboré todo el proceso de producción de los ítems centrales de la marca. Ahora, el cuarenta por ciento de la facturación proviene de productos sostenibles. Trabajé como diseñador independiente por muchos años y hoy me hace muy feliz poder expresarme plenamente en lo artístico con Y/Project, pero en cierto punto me pregunté: ¿Voy a ser feliz haciendo bellos vestidos conceptuales toda mi vida, o quiero hacer algo más? Y allí es donde entra Diesel. Ahora puedo aportar un auténtico cambio.

L’O:

GM:

¿Qué ves para tu futuro? ¡Buena pregunta! Un amigo me preguntó exactamente lo mismo hace dos días. Y me quedé un poco como pensando: “No tengo idea”. Todavía tengo mucho trabajo por hacer. Diesel es un proyecto inmenso. Este tipo de empresa es como el Titanic, no podés darla vuelta en un segundo. Lleva tiempo que las cosas empiecen a cambiar. Y/Project también ha crecido de manera exponencial en los últimos dos años y quiero asegurarme de que siga creciendo para que mis equipos estén contentos, puedan experimentar y divertirse. n L’O:

GM:

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De hoy al

El programa Women’s Initiative de Cartier festejó su 15 aniversario con el Pabellón de la Mujer en la Expo Dubái 2020. 2020. Un espacio único para reivindicar a las que son agentes del cambio mundial y fuente de inspiración para las próximas generaciones. Por VALENTINA ESPINOZA

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Fotos: gentileza Cartier.

FUTURO

En el mundo, cerca de 690 millones de personas padecen hambre crónica: el 60 % son mujeres. A nivel global, una de cada cinco de entre 20 y 24 años de edad fueron forzadas a casarse durante su infancia. Asimismo, 500 millones de niñas y mujeres carecen de instalaciones adecuadas para gestionar su higiene menstrual y al menos 200 millones de ellas han sido sometidas a la mutilación genital femenina. Las cifras siguen. Es claro que muchísimas mujeres aún no pueden cubrir sus necesidades básicas: seguridad y bienestar, educación e independencia económica, entre otras. Desde 2006, el programa Women’s Initiative de Cartier reúne a una comunidad diversa de emprendedoras de 62 países que abordan una increíble variedad de problemas sociales y medioambientales. Cada una de ellas tiene su propia misión: ya sea generar un impacto positivo en la problemática del clima o en temas relacionados con la salud o la educación, pero todas comparten la determinación –desde sus veredas y geografías– de resolver los desafíos globales más apremiantes. Como una forma de continuar con su objetivo de fomentar

la inclusión femenina en el mundo, Cartier participó en Expo Dubái 2020 –la primera exposición universal en la denominada región de MENASA por sus siglas en inglés, que incluye Oriente Medio, Africa del Norte y Asia Meridional– a través del Pabellón de la Mujer, un proyecto que la misma firma definió como “una celebración de las mujeres que son agentes del cambio alrededor del mundo”. Durante los seis meses de funcionamiento, el recinto albergó charlas inspiradoras, debates y conversaciones en pro de mejorar el conocimiento y la comprensión en torno a la igualdad de género y el empoderamiento femenino, todo con el fin de impulsar acciones colaborativas tangibles que se pudieran compartir con el mundo. Según Cyrille Vigneron, presidente y CEO de Cartier Internacional, la colaboración con la Expo 2020 de Dubái significó “una ocasión única para compartir la visión de la firma por un futuro mejor y una sociedad más inclusiva, destacando el impacto que las mujeres de todas las culturas han tenido a lo largo del tiempo, y centrándose en logros tanto conocidos como menos

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conocidos”. En el segmento titulado “Nuevas Perspectivas” se buscó honrar y reconocer el papel central que ha tenido el género femenino a lo largo de la historia. Y resaltó un principio importante: cuando las mujeres prosperan, la humanidad prospera.

RECORRIDO INSPIRADOR

El Pabellón de la Mujer de Cartier es un viaje fascinante e inmersivo de principio a fin. Lo primero que llama la atención es la fachada: una auténtica obra de arte diseñada por una comunidad diversa de creadores y artistas. La parte superior fue construida por la arquitecta y diseñadora de interiores Laura González, el artista local Kholoud Sharafi y la diseñadora de iluminación francesa Pauline David; la parte inferior fue comisionada a eL Seed, artista franco-tunecino que, a través de un característico trabajo de caligrafía, difunde mensajes de paz y unidad. Al ingresar por la planta baja, cinco estructuras sorprenden con diferentes narrativas. La primera es la habitación de los logros. Un verdadero universo cósmico repleto de luces donde cada constelación se enfoca en la conquista de una mujer. La intención es mostrar que un mundo más igualitario, seguro y de mente abierta es clave para el empoderamiento femenino. A continuación, la sala que aborda los retos y desafíos pendientes, donde se exponen los factores que aún frenan al género en términos de inclusión social. Muestra, por ejemplo, que en los últimos 25 años, el acceso a la educación ha mejorado drásticamente y hoy 180 millones de niñas asisten a colegios. Sin embargo, aún hay 132 millones que no cursan educación secundaria, 142

“SIGNIFICO UNA OCASION única PARA COMPARTIR LA visión DE LA FIRMA POR UN futuro MEJOR Y UNA SOCIEDAD MAS inclusiva inclusiva”.”. — Cyrille Vigneron, presidente y CEO de Cartier Internacional.

cifra que alcanza 61 % en las zonas rurales de todo el mundo. El recorrido del Pabellón sigue con la sala de soluciones, donde se destacan las iniciativas puntuales que aportan al progreso de la mujer. Bajo un imponente árbol de la vida, cada muro de la sala presenta a personas que, a nivel global, están ayudando a encontrar soluciones en temas como igualdad de acceso a los recursos básicos, equidad en términos de representación de género, y apoyo específico pos-covid-19. Las mujeres fueron las más afectadas por la pandemia, sobre todo aquellas con algún tipo de emprendimiento. Por otra parte, la carga del trabajo no remunerado recayó en mayor medida sobre ellas y, en muchos casos, fue un detonante de abuso doméstico. Sin embargo, los mensajes son claros: así como el género femenino fue el más perjudicado durante estos últimos dos años, serán las mismas mujeres quienes desempeñarán un papel invaluable para ayudar a construir un mundo más inclusivo en la pospandemia. El recorrido culmina con una exposición a cargo de la actriz y guionista francesa Mélanie Laurent, con historias de mujeres de todo el mundo, entre ellas la chilena Gloria Montenegro, botánica, bióloga y académica de la Universidad Católica de Chile que suma más de 20 premios académicos de excelencia, incluido uno entregado por la UNESCO por su rol en las ciencias. Durante la Expo 2020, el Pabellón de la Mujer de Cartier fue mucho más que una exposición: fue un espacio inclusivo que facilitó conversaciones constructivas y orientadas a soluciones sobre el empoderamiento femenino, además de ofrecer nuevas perspectivas sobre las contribuciones más relevantes de las mujeres a la sociedad, dando también visibilidad a perfiles masculinos que han desempeñado un papel importante en la promoción de la causa. Todos juntos, agentes de cambio que han marcado la historia y han contribuido a hacer del mundo un lugar mejor y más equitativo. n

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El streetwear surgió en los 80, cuando los diseñadores de vestimenta casual y sus seguidores no encontraban su lugar en la industria de la moda. Marcados por fuertes influencias de las culturas skate skate,, surf y hip-hop hip-hop,, los diseños de ropa informal elegante no debutaron en las pasarelas de París sino en las calles de la ciudad. A lo largo de la última década, las distinciones entre streetwear y moda elegante se fueron desdibujando a medida que los hoodies y las sneakers pasaban al centro de las colecciones de moda masculina. La industria –desde los diseñadores independientes hasta las maisons históricas– adoptó valores como la comodidad y la pertenencia a un grupo. Editores de L’OFFICIEL de diversas partes del mundo destacan siete marcas emergentes que en 2022 están reinventando el streetwear. Por JOHNNY RABE

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CONNOR McKNIGHT, Estados Unidos Connor McKnight diseñó su primera colección hace tres temporadas. Desde entonces, ha derribado las barreras que aún separaban el streetwear de la vestimenta elegante. “Recién estamos viendo la punta del iceberg en cuanto a los materiales”, dice. “No hace mucho solo se pensaba en ropa técnica en términos de streetwear o ropa funcional. Seguimos ampliando la definición de lujo en la moda”. Con diseños hechos a medida y materiales de avanzada, McKnight está produciendo versiones únicas de la ropa de trabajo clásica al tiempo que apoya la sostenibilidad como estándar.

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BLUEMARBLE, Francia En 2019, Anthony Alvarez fundó Bluemarble. Diseñador francofilpino nacido en Nueva York y residente en París, le dio a su marca el nombre de la primera foto de la tierra tomada desde el espacio. Celebra así el mosaico de culturas que conforman el planeta. Trotamundos de alma –y semifinalista del premio LVMH 2022– Alvarez ha mantenido sus pasiones por la ropa deportiva estadounidense y las prendas para surf del Sudeste Asiático, dotando a sus creaciones de una explosión de colores y estampados.

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SAZKAT, Argentina La moda es parte de la historia de Marcelo Romano. De chico, veía a los abuelos diseñar y coser prendas en la cocina de la casa familiar. Con su marca, Sazkat, combina sus pasiones por la moda y el rock, creando “piezas de sastrería con una vuelta”. Utiliza textiles de diversas partes del mundo, trabaja con sastres y artistas –entre ellos su hermano tatuador que pinta las estampas a mano– para lograr “darle a la gente diseños que marcan una diferencia”.

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PAURA, Italia Danilo Paura comenzó su carrera de diseñador creando looks únicos, como remeras oversize para los club kids de los 90 en Riccione, capital del entretenimiento en su país. Lanzó la marca de ropa masculina que lleva su nombre en 2010 y ha evolucionado hacia una combinación del estilo casual con la sastrería urbana, sin abandonar su pasión por la mitología griega. La etiqueta está comprometida con la moda responsable y la confección se realiza solo en Italia.

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ADI, Tailandia La marca fue fundada por Adireg Comenoi, diseñador de ropa masculina graduado en la Universidad de Srinakharinwir de Bangkok y la Academia Domus de Milán. Sus diseños se inspiran en la cultura de los jóvenes tailandeses y en la gente que conoce en diversos ámbitos, desde clubs nocturnos hasta exposiciones de arte, pasando por salas de conciertos. Combina estos motivos con objetos cotidianos, creando prendas usables que transmiten liberación e imaginación.

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DUARTE, España Carlos Duarte fundó su marca en Madrid en 2016. La idea era ofrecer prendas que fueran sinónimo de elegancia, inteligencia y autenticidad. Con amplia experiencia en la sastrería tradicional y una visión única de la moda contemporánea, Duarte crea ropa versátil y cosmopolita. Sus prioridades son el uso de textiles sustentables y la búsqueda permanente de experiencias innovadoras en cada una de sus colecciones.

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TRADUCCION: SILVIA VILLEGAS

SIS PIGER, Liechtenstein “No es que la vida sea corta. ¡Es que hay que hacer más!”, es el lema de Tim Johnson, fundador de Sis Piger. Diseñador, instagramero y hombre de negocios que diseña ropa para todos. Los productos de la marca están hechos a mano, son de algodón de alta calidad, brindan calidez para la vida cotidiana y no están sujetos a tendencias convencionales de la moda.

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LIBRO ABIERTO

Pez Banana, Club Carbono y Mageia. Tres propuestas diferentes y un mismo objetivo: compartir la pasión por la lectura. Por JOSE HEINZ Foto GERMAN ROMANI El consumo actual de cultura plantea una encrucijada que se viene señalando desde hace años: gracias a las plataformas digitales, la posibilidad de ver películas, escuchar canciones o leer libros es más simple que nunca, pero la amplitud de la oferta no siempre garantiza buenos resultados. Algunos apuntan a la lógica de los algoritmos, que suelen sugerir caminos fáciles, ya transitados; otros se dan por vencidos, sin saber qué elegir y qué descartar. La lectura requiere de tiempo y dedicación, es una actividad que no se lleva bien con los estímulos permanentes de esta era

hiperconectada. Tal vez eso explique el éxito de los clubes de lectura en Argentina, que proponen un diálogo pausado y entusiasta con un libro. A través de un intercambio entre los impulsores y su comunidad, permiten recuperar un terreno que se creía perdido en manos de la velocidad imperante. Los casos de Pez Banana, Club Carbono y Mageia apuntan hacia ese refugio. Si bien cada uno tiene sus características propias, los une la época. Es decir, la pandemia (y el confinamiento) los ayudaron a hallar su propósito: compartir el entusiasmo por la lectura y por la conversación que genera. n

CLUB CARBONO

“Elijo los libros intentando pensar si es algo que va a gustar en el club, pero también pensando que sea una lectura que pueda acompañarse con varios mails durante el mes. Me gusta elegir libros que tienen varios hilos para tirar”, dice Sebastián Lidijover, responsable de Club de lectura Carbono. A diferencia de otras propuestas, el club no distribuye los libros que analiza, pero sí ofrece un mapa bastante completo de dónde encontrarlos. De esa manera, los suscriptores están motivados por la curiosidad que despiertan los correos que envía Lidijover, quien además trabaja para el sello Anagrama y la versión en español de la popular app Bookmate. “También tengo muy presente, porque es algo que suelen decirme, que el club es una forma de llegar a libros que quizás no hubieran leído”. “Nuestro club de lectura nació pandémico. No porque haya nacido en la pandemia –comenzamos en octubre del 2019– sino por nuestra dinámica: conectarse con otras personas de una forma no presencial, a través de los mails, y con la particularidad de que cada persona puede hacerlo a su tiempo”, agrega. “En las primeras semanas de la pandemia, con ese confinamiento tan raro que tuvimos que vivir, el club fue una forma de sentirse parte de algo. Con solo tirarse en el sillón a leer el mismo libro que cientos de personas están leyendo al mismo tiempo sentís que sos parte de una comunidad y la experiencia de lectura se vuelva algo distinto”. Más en https://www.carbonolibros.com.ar 152

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MAGEIA

Creado e impulsado por Florencia Ure y Santiago Llach, Pez Banana propone “un libro por mes en la puerta de tu casa”. Previa suscripción, los miembros del club reciben una novedad editorial elegida especialmente por la dupla. Claro que no se trata de una elección al azar, ambos son fanáticos de los libros: Ure trabajó durante muchos años en diferentes sellos editoriales y Llach es escritor, docente, traductor y uno de los responsables del “Mundial de Escritura”, un auténtico hit literario de los últimos dos años. “El criterio es claro: nos tiene que gustar mucho. Obvio, tenemos en cuenta las opiniones y qué libros fueron festejados por los socios. Pero hasta ahí, porque con cientos de voces es imposible no marearse y desperfilarse”, dice Ure sobre el proceso de selección de los títulos. “Cuando nos juntamos a ver los comentarios hay de todo, entonces nos aferramos al criterio de nuestro gusto, que siempre nos centra y nos guía”. Después del envío y la lectura, se hace una puesta en común con toda la comunidad. “Intentamos cambiar mes a mes de modo que la selección sea variopinta”, plantea Ure. “Santiago y yo somos amigos hace muchos años. El verano antes de la pandemia, almorzamos y después Santi intentó en vano enseñarme a andar en monopatín. En medio de esta situación ridícula hablamos de libros, tema que siempre nos atraviesa, y se nos ocurrió lo del club. La actriz Emma Watson acababa de lanzar uno y nos pareció buena idea. Siempre hablamos de libros y tuvimos trabajos relacionados con ellos. Nuestros hijos son muy lectores, nuestros amigos también. Imposible zafar porque son una parte importante de nuestro día. Nunca no estamos leyendo. ¡Y comprando!”. Más en https://pezbanana.club

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PEZ BANANA

“Clásicos del Siglo XX” es el nombre de la suscripción literaria mensual con la que cuenta Mageia, una plataforma de cursos de arte on demand. ¿De qué se trata? “Te llega un paquete todos los meses, que incluye un libro y links a dos pódcast con datos y reflexiones, té en hebras y otras sorpresas”, explica Mery Ibarzábal, fundadora de este proyecto. “Lo lleva adelante Cynthia Smart, con el propósito de desarmar el siglo XX y conversar sobre las ideas de ese contexto a través de la lectura de sus grandes obras”. Smart, escritora y docente, también dicta el curso “Acercamiento a la literatura argentina contemporánea”, disponible en la plataforma, en el que se abordan tres títulos recientes: El nervio óptico (María Gainza), Las aventuras de la China Iron (Gabriela Cabezón Cámara) y Los mejores días (Magalí Etchebarne). Mageia ofrece varios cursos a cargo de referentes en diversas disciplinas. El usuario elige el que le interesa y, una vez que lo compró, tiene acceso a las clases para verlas en el momento que quiera. “Yo soy abogada, de hecho ejercí la profesión con mucha intensidad por 10 años. Pero el contexto de la pandemia me permitió reconectarme con un gran deseo personal vinculado a la escritura”, cuenta Ibarzábal sobre el origen de su emprendimiento, que también está presente en la librería Eterna Cadencia. “Estar conectada con el arte, con lo lúdico, fue lo que hizo que germinara este proyecto: una plataforma que promoviera o acercara el arte al público en general, como pastillas culturales que se acomoden a los tiempos vertiginosos en que vivimos”. Y añade: “Queremos que Mageia sea una plataforma ágil. Vamos a seguir subiendo contenido de manera periódica. Ya tenemos cursos nuevos que están en proceso de edición. La idea es ofrecer voces destacadas para crear un puente, y que usuarios de cualquier edad y nacionalidad puedan acercarse a las artes”. Más en https://www.mageia.com.ar

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ESCUELA

de hadas

Cala Zabaleta recuerda a su mamá Alicia Goñi con un libro donde rescata sus dibujos, grabados, frases, recortes de tela y hojas pintadas.

34°35′26″S 54°07′36″O: La Pedrera, justo ahí. Han de ser muchos los lugares sobre la Tierra desde donde tomar los hilos para bordar la estela de una artista tan singular como Alicia Goñi. Pero es probable que el primer punto para la trama de su itinerario haya que levantarlo aquí, en este enclave uruguayo de la costa de Rocha, su lugar en el mundo. Estoy a metros de su casa-taller: La bolada, con b alta que no es una falta ortográfica sino un giro charrúa para decir un favor, una gauchada. Además de gauchita, me dicen, Alicia también era volada con v corta, al mejor modo en que se puede serlo: habitante de un mundo propio nutrido de color, de texturas, de aromas, de nidos a medida… E inclusive de un decir lúdico, ameno en las contracciones o el invento de palabras. Todo en ella era particular. Que el pedido de esta nota llegue justo al epicentro geoamoroso de Alicia no es una feliz o curiosa coincidencia, también me dicen. Y ya lo creo: desde los 90 la imagen cálida de una joven sonriente con quien conversaba en Cat Ballou, cuando Palermo apenas se llamaba Viejo y no había aún locales sobre la plaza de Costa Rica ni en ninguna cuadra, me refresca el recuerdo de otra presencia. Junto a ella y su socia, a menudo había una niña que improvisaba funciones circenses en la tienda inmensa. La recuerdo con rulos y zancos. Aquella niña era Cala Zavaleta, la hija de Alis -así, con s final y acento fonético en la A. Actriz ahora –pero desde siempre artista integral al uso de su linaje de mujeres–, Cala es quien hoy trae a su madre de regreso a este plano para una celebración especial, a bordo de una edición exquisita y en tándem: Alicia Goñi un libro de artista (India Ediciones), que preparó con esmero, de la mano del espíritu mágico de Alis. Cala no puede estar más feliz con la obra conjunta, así la menciona

para destacar la colaboración de editoras y amigos: un sistema de amor en cuatro tomos, que, en rigor, son cuatro sobres primorosos de tela serigrafiada con obra de Alicia que, bajo títulos de talla exacta, atesoran estas secuencias: La vie en rose, un escrito de Cala con la historia entre su madre, el museo de La Cárcova y ella; El cuidador de los colores, con fotografías de Jade Sívori de la performance que hizo Alis con su compañero, el artista Martín Arteaga, y con Cala, en La Pedrera; La última rosa de agosto, una pieza teatral de Cala sobre su madre, y Experiencia Alicia, cartas de madre e hija. Cala comenzó a pensarlo en 2016, a poco de la partida física de su mamá en agosto de 2015. Pero no sabía cómo, cuándo, con quién … Todo estaba allí vivido, pintado, celebrado y en partes (o en cartas) también estaba escrito. Su tiempo en Madrid, dividido entre la actuación y Parda (un original emprendimiento de mobiliario artístico), hizo levar el proyecto durante el suspenso pandémico. Y tras dos años de trabajo a uno y otro lado del océano, surgió bajo el sol de Piscis, el signo de Alis, con una fiesta efervescente, a la medida de ese vínculo a prueba del tiempo y del espacio. “El primer paso del proyecto, su inicio, fue en La Pedrera porque tenía tooooda la energía de ella y me ayudó a conectar con mamá, su universo en el mar y todo eso que nos unió mucho. Mi plan era presentar el libro entre Pilar y la Pedre, porque ambos lugares son igual de protagonistas tanto en mi vida y en la de mamá como en el libro. Pero había algo en Pilar a nivel metaobra: su casa, que también es una obra de arte concebida por Alis, en la que ella trató de reproducir su fascinación por el clima de la Cárcova, donde estudió. En el libro están las réplicas de sus cuadros y las fotos de la performance que hicimos juntas en La Pedrera…”,

Por CAROLINA MUZI Fotos POMPI GUTNISKY 156

Blusa, CAT BALLOU. Pantalón, JT.

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Falda, CAT BALLOU. Colgante, CANDIOTI

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“ESTE libro NACE UN POCO DE MI MIEDO A olvidar NUESTROS RECUERDOS, PERO TAMBIEN, DE LA profunda NECESIDAD DE expandir TU AMOR Y TU ENTREGA, HACIA LA vida Y HACIA EL ARTE, COMO LO HACIAS VOS, simplemente DESDE EL corazón corazón”.”. — (Extracto de una carta de Cala a su mamá en Alicia Goñi un libro de artista).

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muestra Cala sonriente un tramo de las obras expuestas de Alís, desde su chaise longe y acompañada de sus gatos. En la Pedrera, Alicia habita a través de sus amores, sus acciones, sus casas, el relato de sus amigas y amigos, y de la historiografía local: sucesos como la instalación performática El cuidador de los colores, que hizo en el Club Social con un dream team en el que Martín Arteaga, su compañero, cuidó de la música. Sea que esté contando algo de un viaje o de la seriedad con que Alicia se enfrascaba en el trabajo, es lindo cómo él la evoca en una fusión indeleble de enamoramiento y admiración: “Donde fuéramos, todas las personas, de cualquier edad, se enamoraban de Alis aunque no entendieran el idioma, no había opción: encantaba con su energía, su interés humano”, dice. Su amigo Javier Angel lo confirma con las fotos y el video de una actividad casi secreta de Alicia: ir a dar clases de dibujo a los hijos de los pescadores de la Laguna de Rocha, a cultivar el arte y el amor por la fauna. “Ella tenía un ranchito mágicamente ambientado con su varita de hada pisciana. En aquellos días, el pueblito era un planeta aparte: flotaba un contacto social esquivo, casi incómodo. De a poco ella estableció un vínculo muy tierno e inspirador con los niños. Los visitaba todas las semanas, inclusive en el invierno gris y ventoso, para enseñarles a pintar aves. En realidad, los alentaba a enamorarse de los colores. Con ellos creó una serie de carteles que ponían al borde del camino, invitaban a respetar la naturaleza. Era 160

una misión en la que estaba profundamente comprometida”. Lo alado se reitera en conversaciones y recuerdos. Un hada marítima, pienso. Tal como lo muestran las grandes telas que ahora despliega Cala, con una sonrisa tan radiante y complacida por esta visita de su madre como cuando de niña entraba sonriente y triunfal en zancos a Cat Ballou. “Su presencia iluminaba por su belleza y los colores de sus vestidos pero sobre todo por su manera de estar en el mundo, siempre radiante, disfrutando cada momento, encontrando lo bueno de todo, divertida, serena, pícara, curiosa, compasiva... una vez cuando mi hija era chica, Alis pasó por casa y yo no estaba, y como no recordaba su nombre me dijo: “Era ella... la mujer sonriente”. Así la recuerdo”, dice Maitena Burundarena, una de sus amigas. Martha Bello exalta lo bien elegido de su nombre: “Vivía en un país de maravillas. Tenía el don de descubrir siempre lo bello, lo asombroso, y lo compartía generosamente con todos. Antes de partir nos dejó a las amigas una carta donde ‘humildemente’ nos pedía ‘alegría, risa, color’ cuando la recordáramos: ‘salen de mis dedos mil brillantes para todas. Alicia Rosa, flor de loto blanco, así me bautizaron’, la firmó”. Ahora, que el libro se la trajo tan de vuelta, en plena felicidad por haberlo logrado, Cala también confiesa que siguen preguntas, temores, un vacío… El portal rosa (que no solo es un color sino un nombre y una práctica de cultivo en su genealogía de mujeres) está abierto. Como el otoño y el invierno en un jardín de libertad y estímulos, madre e hija remontarán en cada estación al origen de un pacto floral y eterno como sus nombres: Cala y Alicia Rosa. n

ASISTENTE DE ESTILISMO:

Camisa y bermudas, JT. Lila Scagliarini. MAQUILLAJE: Joaquín Vegacaro.

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Cheval BLANC París

HITO DEL SAVOIR FAIRE

Un laboratorio al servicio del lujo lujo.. Así se define el nuevo hotel de la cadena LVHM donde la alta moda conversa con una experiencia hotelera insuperable. Por VALENTINA ESPINOZA

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Sobre el río Sena, con el Pont Neuf a sus pies y en pleno corazón de la capital francesa, abrió sus puertas Cheval Blanc París, la quinta propiedad del grupo que maneja firmas como Louis Vuitton, Dior, Fendi y Givenchy, entre otras, y que se suma al portafolio de hoteles de ultra lujo de LVMH en Courchevel, Maldivas, St-Barth y St-Tropez. Esta apertura se enmarca dentro del largo proyecto de renovación del icónico edificio de los almacenes La Samaritaine, clasificado como monumento arquitectónico por su fusión de estilos art nouveau y art déco y símbolo absoluto del lujo francés. Entrar al Cheval Blanc Paris es una experiencia que comienza desde que se ingresa al vestíbulo: un espacio de estilo contemporáneo con techos muy altos que evoca todos los códigos del lujo. Aquí se respira arte, y queda de manifiesto al enfrentarse a las dos pinturas de más de tres metros de altura de la Torre Eiffel encargadas al artista brasileño Vik Muniz. En la pared adjunta, una inmensa pintura azul abstracta de seis metros de ancho del artista francés Georges Mathieu. Frente a los ascensores, el Cheval Blanc: un imponente caballo blanco diseñado por

Frank Gehry, que convive con muebles modernos y coloridos de artistas franceses como Andre Dubreuil o Thierry Leproust, por nombrar algunos. Aquí, cada mueble fue fabricado a medida y seleccionado cuidadosamente para el hotel. Pasear por el interior de la propiedad es como sumergirse en el mundo del arte. Sus 72 habitaciones y suites son obra del renombrado arquitecto Peter Marino, quien ha diseñado boutiques para firmas como Louis Vuitton y Chanel en todo el mundo. Aquí, prima el estilo de una residencia parisina donde las luces, los colores y los materiales juegan con los códigos locales tradicionales para abrazar una nueva energía contemporánea. Uno de los highlights del Cheval Blanc Paris es el Dior Spa, un espacio que invita a sus huéspedes y visitantes a vivir una inmersión holística con tratamientos insignes de la firma –el exclusivo Dior Prestige Ultimate Treatment– para detenerse, respirar y relajarse. El acceso a este auténtico capullo del bienestar está precedido por una escalera de caracol curva con paredes cubiertas por un tejido metálico, obra de la diseñadora textil Sophie Mallebranche. El broche de oro: una piscina infinita de 30 metros con mosaicos hechos a mano. Como capital mundial de las artes culinarias, la gastronomía del Cheval Blanc París no defrauda. Está dirigida en sus cuatro

restaurantes y bares por el chef Arnaud Donckele –galardonado con tres estrellas Michelin– y el pastelero Maxime Frédéric. Limbar recibe a los huéspedes durante todo el día para el desayuno, el almuerzo o un goûter, la típica merienda francesa de la tarde. Plénitude es un espacio íntimo firmado por Donckele donde el chef profundiza apasionadamente en busca de nuevas fragancias y sabores para sus comensales. La brasserie Le Tout-Paris, ubicada en el séptimo piso, ofrece un menú de grandes clásicos culinarios franceses, además de una vista panorámica de la ciudad. Por último, Langosteria –restaurante milanés de culto y primero del chef Enrico Buonocore fuera de Italia– ofrece lo mejor de su tierra natal. Una oda al pescado y marisco en todas sus formas para los amantes de la cocina de mar. n 164

Fotos: gentileza de Cheval Blanc Paris.

SUS 72 HABITACIONES Y SUITES SON obra DEL RENOMBRADO ARQUITECTO Peter Marino,, QUIEN HA Marino DISEÑADO boutiques PARA FIRMAS COMO Louis Vuitton Y Chanel EN TODO EL MUNDO.

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EN FOCO

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REUNION DE REDACCION Cuatro años se festejan con charlas de equipo, anécdotas y brindis reiterados. Nos juntamos para agradecer a cada uno, cada una, la pasión puesta en el trabajo periodístico. Invernadero Bs As fue nuestro cómplice y amoroso anfitrión. 1. Ana Torrejón. 2. Alex Milberg. 3. Marcelo Setton y Gustavo Scagliarini. 4. Bianca Sifredi, Lola Monteiro y Celeste Nasimbera. 5. Gabriela Setton. 6. Andrea Lázaro. 7. Federico Gabrielo.

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Fotos: Steven Sierra.

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8. Marina do Pico, Irene Amuschástegui y Fernanda Sández. 9. Delfina Tulli. 10. Romina Zanellato y Cata Greloni Pierri. 11. Luli Rivero. 12. Facundo Abal. 13. Lucía Villanueva. 14. María Mansilla. 15. Federico Ferrari Sánchez. 16. Lila Scagliarini. 17. Fernando García. 18. Dora Becher. 19. Jorge León, Germán Romani, Nicolás Vera e Ivan Resnik.

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Y LOS GANADORES SON... El Hipódromo de Santiago de Chile se visitó de gala para el Longines Gran Premio Latinoamericano 2022. Representantes de la región disputaron las copas abriendo el calendario con precisión. En paralelo se distinguió a la pareja más elegante de la jornada, aquellos que lucieron conforme al protocolo, con estilo personal y chic afín a la relojería icónica.

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1. Stephanie Truan. 2. Antonia Bulnes. 3. Ana Torrejón. 4. Max Vial, Gabriela Fuentes y Cristian Arriagada. 5. Titi Vázquez. 6. Jurados y agentes Longines. 7. Fernanda Gatti y Jaime Aguilera. 8. Miguel Angel Palmer, Andrea Frossard Burri, Inés Gamarci y Laurent Roncalli. 9. Ignacio Griep-Innovatempo y Ana Elias.

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Más que el sello de una marca, el logo es un símbolo universal de valores Si bien la logomanía ha ido fluctuando a lo largo de los años, el logotipo en sí mismo se ha mantenido como un componente infaltable de la moda. Omnipresente, aunque a menudo oculto, se ha convertido en un fenómeno social que refleja la época: llamativos estampados en tiempos de disfrute y alegría y versiones sobrias en momentos en que menos es más. Hoy, el logo va más allá de un significante que atrae las miradas: transmite la cultura de una marca y se convierte en una declaración de identidad y valores. Por ejemplo, los totes de Telfar que ostentan el logo de la marca, populares y accesibles, son superfrecuentes entre la cohorte más

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joven de creativos de Nueva York. Representan solidaridad con los valores de inclusión de la marca y desafían el statu quo. Al generar un sentimiento de pertenencia, el logotipo se convierte en un signo movilizador universal traducido a todos los idiomas. Como expresó el diseñador multidisciplinario Yorgo Tloupas en su reciente análisis en nuestras páginas: “Para perdurar a través de los siglos, un buen logotipo debe ser simple e inmediatamente reconocible, incluso si es solo un error tipográfico. Si escribes la palabra ‘maní’ con la fuente Prada, entonces es un maní de Prada”. —Anne Gaffié

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