L'OFFICIEL ARGENTINA FEBRUARY 2023

DIVINA SASTRERIA

Elegance is an attitude

Jennifer Lawrence

NACHO PEREZ CORTES

Camino de artista

CUADRO POR CUADRO

PELICULA DE MODA

FEBRERO-MARZO

CHIACHIO & GIANNONE

CUADRO POR CUADRO

ARTES APLICADAS

CUADRO POR CUADRO

PELICULA DE MODA

GERENTE DE FINANZAS

DIRECTOR DE CONTENIDOS Giampietro

TEAM EDITORIAL GLOBAL

COMITE EDITORIAL

Giampietro Baudo

Caroline Grosso

Jennifer Eymère

DIRECTOR DE CASTING

Jennifer Eymère

CASTING,PRODUCTION Y BOOKING

Joshua Glasgow

EQUIPO GRAFICO

Giulia Gilebbi - Art direction

EQUIPO DE MANAGING EDITORIAL

Laure Ambroise, Sabrina Abbas

Sara Ali, Jeanne Propeck

CONTENIDO EDITORIAL Y ARCHIVOS

Giulia Bettinelli

GLOBAL

GERENTE GENERAL

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CHIEF REVENUE OFFICER Anthony

INTERNATIONAL y MARKETING

DIRECTORA INTERNACIONAL DE LICENCIAS, DESARROLLO DE NEGOCIOS Y BRAND MARKETING

Flavia Benda

JEFE DE PRODUCTOS DIGITALES

Giuseppe de Martino Norante

MANAGER DE PRODUCTOS DIGITALES

Babila Cremascoli

ASISTENTE EJECUTIVA

Giulia Bettinelli

VENTAS GLOBALES

DIRECTOR DE INGRESOS FRANCIA

Robert D. Eisenhart III

DIRECTOR DE INGRESOS ITALIA

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FINANZAS Y ADMINISTRACION

GERENTA DE CONTROL

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DIRECTOR DE FINANZAS FRANCIA

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HR MANAGER

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MANAGER DE CONTABILIDAD

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ARGENTINA

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EDICIONES INTERNACIONALES

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Xavier Zee

DIRECTOR EJECUTIVO Benjamin Eymère

EJECUTIVA ADJUNTA Maria Cecilia Andretta

Baudo

Cenname

Flavia Benda

DE ARTE Germán Romani

GENERAL Dora Becher

Uno de dos

Alabado sea el entretiempo. Esa zona franca que no hay que saltar a las apuradas porque no hace falta. La delicia de la hibridez que permite disfrutar de lo conocido y fantasear con lo que tiene fecha de inicio. Entretiempo no es limbo, existe, no se detiene, evoluciona. En términos de moda es un espacio en el que abunda la información objetiva que guiará los cambios de temporada mientras que incentiva la creatividad para experimentar en el presente. A tasa blanda se trata de pedir prestados días al otoño cuando amaneció fresco y de anticipar un verano subiéndose a la ola de quienes vacacionan cuando el resto vuelve. Las tendencias se volvieron elásticas porque la información circula a la velocidad de las redes. Imposible dictar sentencias que no puedan ser derribadas por los profundos cambios sociopolíticos, económicos, ambientales que se presentan sin pedir permiso y toman el control de la agenda. La pospandemia está en fase de estudio, vale decir, llevará tiempo saber lo que nos afectó y el enorme esfuerzo para recuperar eso que alguna vez supimos llamar normalidad.

Hay un signo general que late en el corazón del ejercicio vestimentario y tiene que ver con dos palabras: confort y amabilidad. Lo que es bueno para investir nuestras individualidades habla de un compromiso que no es único y que se adecua a la realidad de cada usuario, usuaria. La ropa que me permite establecer un diálogo, que no aprisiona mi voluntad, que expresa deseo, que es sostenible con el bolsillo, que ambiciona trazabilidad y que socializa su razón de ser porque va a formar parte de vidas y cada persona es pieza portadora de sentido y discurso.

Viajamos por el verano y el otoño nos espera. Lo hacemos disfrutando de cada escala, decidiendo, sin dedos que nos marcan el camino porque la capacidad de elegir nos pertenece.

MAPA SENSORIAL

Llega a la Argentina la marca francesa Memo París con fragancias que dibujan paisajes olfativos únicos.

ORIGEN

La casa de fragancias parisina Memo París fue fundada en 2007 por Clara Molloy y su esposo John, con el objetivo de crear memorias olfativas inspiradas en los diferentes viajes que han realizado. El resultado son perfumes de lujo con mucho carácter y sensualidad. Memo Paris tiene su hogar en el número 24 de la Rue Cambon, en el distrito 1 de la capital francesa.

IDENTIDAD

“El viaje es el destino” es el lema de Memo Paris. De Occidente a Oriente, de Africa a América, cada sitio desarrolla una fantasía que se despliega sobre la base de materias primas excepcionales. La esencia de un lugar a través de su olor real o imaginario dibuja este universo.

PAIS

“Argentina” es una fragancia floral con final dulce y cálido. La protagonista es la rosa que se combina con el aceite esencial de oud para brindar una interpretación aromática más amplia de la flor. Como en una figura de tango, la rosa es abrazada por el oud y se vuelve más oscura y envolvente.

“EL viaje ES EL destino ”.

ELEGANCIA Y TRADICION

Longines presenta versiones nuevas de su célebre colección.

Desde sus comienzos en 1832, la trayectoria de Longines da cuenta de la habilidad para crear relojes de elegancia suprema priorizando al mismo tiempo la precisión. La marca tiene una historia de confiabilidad y espíritu pionero, ya sea en el cronometraje de eventos deportivos en múltiples disciplinas en la década de 1880 hasta el cronógrafo que llevó Amelia Earhart en su vuelo transatlántico de 1932. Este año, amplía la Longines Master Collection con nuevos estilos de 34 mm, decididamente femeninos.

Realizados en acero chic o con brazaletes de cuero, todos los modelos incluyen cristal de zafiro con varias capas de tratamiento antirreflejo interno y externo, y tres agujas de metal pulido

que señalan con elegancia marcadores horarios de diamante o números arábigos pintados. Las esferas se presentan en plateado clásico, azul rayos de sol, madreperla y champagne rayos de sol. El reverso transparente de la caja permite apreciar el exclusivo calibre automático interno y el dinámico movimiento.

Ciento noventa años después de la fundación de la empresa, la Longines Master Collection continúa cumpliendo con las expectativas de quienes buscan estética elegante y savoir-faire relojero, celebrando la herencia de la compañía. Ya sea con un brazalete clásico de acero o con una colorida correa de cuero, cada reloj encuentra el perfecto equilibrio entre innovación y estilo. n

L’OBJECT

Luz DE LUNA

Un viaje fotográfico a la luna es lo que propone el libro Moon Paradise (Assouline), con más de trescientas páginas que contienen ilustraciones y textos de la periodista espacial Sarah Cruddas. Durante siglos, el satélite natural de la Tierra fue sinónimo de misterio. La llegada del hombre y la gran carrera espacial en la década del 60 lo convirtieron en el astro más conocido e inspirador de la humanidad. Un fenómeno que trasciende idiomas, continentes y campos de estudio. La influencia de la luna se puede encontrar en diferentes disciplinas vinculadas al arte.

Cruddas tiene una formación académica en astrofísica y es autora de varios libros sobre exploración espacial, además de investigadora de la serie de televisión  Contact de Discovery Channel y Science Channel, de Estados Unidos. En el libro examina el estatus de la luna como símbolo científico y cultural y guía a los lectores a través de una selección de más de 200 imágenes. Hay fotos de los desfiles y colecciones de diseñadores como Yoshi Takata o Balenciaga, inspirados en los trajes espaciales; de las esculturas gigantes de Arno Gasquet; de la serie Private Moon, el proyecto del artista ruso Leonid Tishkov. La foto del libro que ilustra esta nota es de Cameron Burns, artista 3D. n

Más de doscientas ilustraciones que reflejan su influencia en la moda, la arquitectura, el arte y el cine.

L’LIVRE L’LIVRE

LUJO COTIDIANO

Detalles

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ Fotos DOMINIQUE BESANSON

Amparo Vergara –diseñadora de moda argentina– conoce el mercado internacional. Se formó en la Parsons School of Design de Nueva York y vivió siete años en París. Allí trabajó en la etiqueta de Giambattista Valli, donde llegó a ser directora de estudio. Además de desarrollar la línea del diseñador, realizaban consultorías para firmas como Moncler, Max Mara y Longchamp. En 2015, regresó a la Argentina. Aquí fue mamá y trabajó para Ginebra. Desde 2020 está a cargo de Delgé. Hasta ese momento la marca estaba enfocada principalmente en el desarrollo de carteras y accesorios para eventos especiales. Al incorporarse Vergara, modificaron la propuesta: la hicieron más urbana y sumaron una línea de indumentaria. “Antes las carteras eran bastante rígidas, entonces pasamos a unas de uso más cotidiano y fáciles de llevar. Con la ropa buscamos que sea para todos los días, pero sofisticada, que se pueda usar tanto de día como de noche; con excelentes calidad, confección y telas”, dice. No realizan colecciones temporales sino que lanzan nuevos productos periódicamente Poseen una tienda en Recoleta y un showroom en Miami. Además, venden en línea a todo el mundo.

L´OFFICIEL: ¿Cuál es tu punto de partida a la hora de diseñar?

AMPARO VERGARA: Pienso qué tengo ganas de ponerme, qué necesito y no consigo; me baso en mi intuición. Elijo una paleta de colores que me gusta y, quizá, la cambio a la temporada siguiente. No sigo tanto lo que se va a usar porque la marca es más atemporal. La propuesta pasa por un lado más visual, por los buenos materiales, el tacto, el placer de abrir una chaqueta y que esté impecable por dentro.

especiales y alta calidad. Delgé desarrolla sus productos con parámetros internacionales.

L´O: ¿Qué elementos definen una cartera Delgé?

AP: Los colores son muy importantes. Está bueno si te vestís de negro, tener un accesorio en color. Me divierte que las carteras se puedan usar y cerrar de diferentes maneras. Traen mucha información, aunque la forma sea simple. Me gusta que al abrirlas tengan el monedero enganchado y otros detalles que suman. La costura es natural y el borde, por lo general, es a contratono. Es un objeto para jugar pero que, al mismo tiempo, se lleva con comodidad.

L´O: ¿Cómo las desarrollan?

AP: Todo está hecho a mano con materiales de primera calidad. De las carteras no se terceriza nada, todo se hace en el taller. Logramos un producto que puede competir a nivel internacional.

L´O: ¿Cómo está pensada la línea de indumentaria?

AP: Me baso en un tipo de diseño al estilo de los Estados Unidos; la idea es que sea posible ir con la misma ropa a una reunión y después a una comida. Pienso mucho en la mujer que trabaja, que tiene que estar cómoda, con indumentaria que la acompañe durante todo el día.

L´O: ¿Qué tipo de líneas ofrecen ahora?

AP: Tenemos una línea sastrera en seda y lino: camisa, blazers, pantalones, bermudas, trench y monos. Una más noche: vestidos en sedas brillosas cortados al bies con una morfología más al cuerpo, largos y femeninos. Y una hecha en lino y algodón.

L´O: ¿Qué proyección quieren darle a la marca?

AP: Lo que más queremos es entrar en el mercado estadounidense y posicionarnos allí. Muchas de nuestras clientas son extranjeras. Buscamos tener un producto excelente, sublime: es la única manera de competir. No digo que sea fácil, porque es mucho trabajo y esfuerzo… Pero está buenísimo demostrar que se puede hacer diseños de excelencia internacional en Argentina. n @delge.us

“ME divierte QUE LAS CARTERAS SE PUEDAN USAR Y CERRAR DE diferentes MANERAS”.

VIVA MAGENTA

Pantone anunció el Color de 2023 y Motorola lo presentó en un smartphone. Alianza que marca tendencia.

Por BIANCA SIFREDI

Cada año, desde 1999, los expertos globales del Pantone Color Institute anuncian el color del año. Se inspiran en las tendencias de moda e investigan las temáticas de actualidad global –tanto sociales como económicas y culturales– que nos afectan.

Para 2023 el elegido fue el Pantone 18-1750 Viva Magenta. “Vibrante, tiene vitalidad y vigor; es un matiz arraigado en la naturaleza que desciende de la familia de los rojos demostrando una nueva señal de fuerza. Un tono poco convencional para una época poco convencional: una nueva visión”, lo definía Laurie Pressman, vicepresidenta del Pantone Color Institute, durante Miami Art Week, en la sede de Miami Beach de Artechouse, una organización dedicada a la innovación y la realización de exhibiciones de arte interactivas. “Queremos ayudar tanto a las compañías como a los consumidores a entender el poder del color como herramienta de comunicación. Es lo primero que vemos y lo primero con lo que conectamos. Es un lenguaje visual que todos entendemos, que no hace diferencias de género, edades ni geografías”, comentaba Pressman.

El anuncio fue acompañado por Motorola con la presentación de motorola edge 30 fusión en el color Pantone 18-1750 Viva Magenta (segunda colaboración con Pantone, luego del motorola edge 30 neo). “No es solo una cuestión estética, los colores son parte de la experiencia 360°”, decía Laura Joss, directora global del área

de Investigación de Diseño de Motorola y agregaba: “Sabemos a dónde queremos ir con nuestra tecnología y nos involucramos al decidir los colores en el mismo momento en el que desarrollamos los productos. La innovación es muy importante para Motorola, es parte de nuestro ADN. Los colores nos permiten conectar con nuestros consumidores de modo más humano y expresar emociones de una manera que, quizás, de otra forma no sería posible”. n

— Laura Joss (Motorola)

“NO ES SOLO UNA CUESTION estética, LOS COLORES SON PARTE DE LA experiencia 360° ”.

5 AÑOS

LAMY

LO HIZO DE NUEVO

Su última obra plantea una meditación conmovedora sobre la autonomía femenina, el amor y la vulnerabilidad.

Por ANDREA LAZARO

L’SCENE L’SCENE

La carrera de Michèle Lamy, una artista que elude las etiquetas, da cuenta de sus múltiples facetas. Estudió derecho, trabajó como abogada defensora, se formó con el filósofo francés Gilles Deleuze y participó en las protestas de mayo del 68 en París. Luego trabajó como bailarina de cabaret, diseñadora, intérprete, productora de cine y restaurateur, además de ser cofundadora de Owenscorp y directora de Furniture/Art. Limbo, su pieza audiovisual exhibida en The Cultural Institute of Radical Contemporary Art (CIRCA), la muestra recostada boca abajo, desnuda, con la cabeza sostenida por un brazo y los ojos fijos en la cámara. La habitación está en penumbras, silenciosa, y el ritmo de su respiración es calmo. Cada tanto pestañea brevemente o mueve un hombro, señales que revelan una naturaleza viva y capturan la atención del espectador. Es la falta de toda finalidad, de toda acción en la pantalla, lo que intensifica la vida misma, la espera y el deseo, tal como señala en el texto curatorial la crítica e historiadora de arte francesa Elisabeth Lebovici. La experta compara el filme con los Screen Tests realizados por Andy Warhol entre 1964 y 1966: tres o cuatro minutos de cine mudo en blanco y negro en los que los actores permanecían inmóviles. Esa ausencia de justificación es lo que tanto admira Lamy en las pinturas de la escritora y pensadora franco-libanesa Etel Adnan, a cuya memoria está dedicado amorosamente el corto. Las escenas abstractas de colinas, mares y soles en colores puros y pasteles de Adnan se vieron por primera vez a sus ochenta y siete años y, de alguna manera, los volúmenes suaves dialogan con el paisaje que compone el cuerpo en reposo de la mujer que mira y respira en la pantalla.

La apariencia de Lamy impacta. El pelo largo y oscurísimo, los tatuajes, los dientes enfundados en oro y los ojos profusamente delineados de negro le confieren un aspecto inusual para la normativa que insiste en reglamentar la figura femenina. La disrupción reside en que la protagonista de la imagen supera los setenta años. “Cuando miras su mano en la cama, ves garras. Las criaturas mitológicas, las esfinges, las brujas y las figuras femeninas que invocan cuerpos animales y conocimientos esotéricos a menudo se asocian con la vejez en un mundo masculino heterosexual que todavía está ansioso por su poder. Frente a este universo que las condena a la brujería o a la invisibilidad –y a menudo a ambas– se han producido vigorosos autorretratos desnudos de mujeres pintoras, Maria Lassnig o Alice Neel, por ejemplo”, apunta Lebovici, y agrega que lo que más le sorprende de estos retratos es que carecen de remordimiento. “Ella se pone la piel sin dar explicaciones. No hay nada que explicar. Su piel es suficiente”, dice la curadora. En el encuentro con Limbo los espectadores se enfrentan a la mirada persistente de la artista. Sus ojos claros, brillantes, invitan a detener el tiempo y la acción para entregarse a la contemplación ¿Qué está pensando? ¿Qué nos dice su silencio? ¿Nos dice algo? ¿Qué reflexiones despierta en nosotros? Cada cual sabrá; ella simplemente está ahí, existiendo.

CIRCA es una plataforma cultural digital que, bajo un modelo circular, destina fondos a un programa de arte público gratuito en forma de subvenciones, becas y donaciones en efectivo. Con este fin, puso a la venta una camiseta de edición limitada y una impresión artística de Michèle Lamy, ambas firmadas a mano. El filme, dirigido por Amanda Demme y Mollie Mills se proyectó durante las noches de noviembre de 2022, exactamente a las 20:22, en la pantalla gigante de CIRCA del icónico Piccadilly Lights de Londres, y en las ciudades de Berlín, Melbourne y Tokio.

Actualmente está disponible en línea en el sitio web del Instituto de Arte. n

“SU ASPECTO ES inusual PARA LA NORMATIVA QUE INSISTE EN reglamentar LA FIGURA FEMENINA”.

— Elisabeth Lebovici, crítica e historiadora de arte

Foto: gentileza Danielle Levitt para Michele Lamy.

EN TUS OIDOS

Por MARA BEGER BALBOA

ALGO PRESTADO

“Buenos días, buenas tardes, buenas noches, cuando sea que estén escuchando este pódcast”, así comienzan los episodios de Algo Prestado, de elDiarioAR, conducido por Tamara Tenembaum y el/la invitado/a de cada semana. Si bien desde ese inicio queda claro que el oyente puede escuchar el contenido cuando quiera,

los audios recrean un clima de programa de radio: voces que por momentos se pisan, citas de temas de actualidad, conversaciones fluidas donde se entrecruzan la cotidianeidad de quienes hablan y los contenidos definidos de la semana. El título de cada episodio pareciera estar formado por postas, como una soga andarivel temática: “Severance, Agnes Varda, El Aleph engordado y Dollface”, “Lo fi-beats, chatarra espacial, metaversos y vagancia”, “Japón, Jamaica, Rosalía y Vila-Matas”. Hace dos años este programa llevaba el nombre Algo nuevo, algo viejo, algo azul, algo prestado, que más allá del guiño a la tradición de las novias en los casamientos, se lee como la invitación a un pódcast con un poco de todo; un gesto pícaro en esta era de sobreinformación.

Literatura, historia, política, cine y series, nuevos lanzamientos, libros, traperos y lo que dé. Algo prestado, con tono juvenil, irónico, va y viene entre discursos mientras practica el libre juego del pensamiento.

LUCIA Y SUS GEMELAS

Lucía Gaitán es politóloga y astróloga, publicó los libros Asuntos de Venus, Alumbra la Luna y Astrología para reencantar el mundo Además, es una reconocida divulgadora de su especialidad y desde el 2020 conduce Lucía y sus gemelas. En el pódcast aborda temas filosóficos, espirituales, feministas, ecológicos y proble-

Con temáticas, morfología y estilos diferentes, tres pódcast realizados por mujeres en los que predominan la complicidad y la perspectiva de género.

matiza conductas/percepciones de las personas con su entorno. En un episodio, por ejemplo, entrevista a Soledad Barruti –periodista, escritora y activista en temas vinculados a la alimentación y la industria alimentaria- y a Maritza Puma de la Unión de Trabajadores de la Tierra. En otro, el disparador es el libro Devenir animal. Una cosmología terrestre de David Abram, que mueve a repensar lo que hay de animal en el ser humano, o por decirlo de otro modo, cómo ha ido ganando espacio la idea del hombre-máquina desde la Ilustración en adelante. Dentro de ese diálogo, también aparece una crítica a esa astrología que intenta encasillar y moldear con palabras los procesos, las personalidades y lo que afortunadamente va mutando en cada persona. Con diferentes invitadas, Lu Gaitán, propone un mapa temático: políticas de la amistad, medicina de las plantas, serpientes, poliamor, extinción, ecología y, claro, astrología. Pero este no es solo un tema, es la atalaya desde donde mira.

CONCHA PODCAST

Ya se convirtió en una revelación, atravesó las fronteras de Argentina y se podría decir, los límites del formato: presentaciones en vivo y un programa todos los miércoles en radio Vorterix. Las realizadoras son Dalia Walker, Jimena Outeiro y Laura Passalacqua, tres amigas que se juntan a hablar, dicho por ellas, “como si no hubiera un micrófono adelante”. Se trata de episodios de aproximadamente una hora y media, donde a través de un disparador –existencial, fantasiosa, seductora,

stalker, gorda, obsesiva, celosa, entre otros– se largan a conversar. También llevan invitadas especialistas, leen anécdotas de sus oyentes, recomiendan lecturas. Pero eso es después; el inicio de cada episodio se estructura a partir de sus relaciones o vivencias sobre el tema propuesto. En un tono cuidado y con muchísimo humor, el tesoro de este pódcast tiene que ver con la exposición de la intimidad. En esa entrega hay belleza. En las contradicciones aparecen la risa, el hartazgo, la reflexión o el festejo; sin dudas algo que se aleja de la solemnidad, o de la excesiva formalidad con la que a veces se piensa sobre algunos temas. No es solo para feminidades, se abordan el miedo, la libertad, lo que cambia sin cesar; es si se quiere una charla con amigas en donde hay palabras, pero también poesía. n

L’INSTANT L’INSTANT

MONTBLANC MB 01. Avanzada tecnología de sonido, materiales de gran calidad y artesanía para ofrecer una experiencia sonora de lujo.

PROYECTO personal

Arte, lecturas, caminatas por Buenos Aires. Trabajos con fotógrafos y estilistas. Mezcla de géneros, paleta minimalista, mucho estampado. Señales del universo Xrebagliati.

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

“Me interesa mucho reversionar prendas que ya existen, darle a un vestido una terminación de lencería o sumarle detalles de punto a un diseño en género suntuoso”, dice Delfina Rebagliati. Nació en Buenos Aires y a los once años se fue a vivir a Mendoza con su familia. Cuando terminó el secundario, estudió arquitectura durante un año, pero sentía que lo suyo era el diseño de indumentaria. “Volví a Buenos Aires, me mudé con mi abuela y me inscribí en la Universidad de Palermo”. Mientras estudiaba, fue ayudante de cátedra, realizó pasantías en diferentes marcas y asistió a estilistas. “Me interesaba tener una visión global, sentía que a la hora de diseñar quería volcar todo lo aprendido”. Luego trabajó en el área de marketing de María Cher, y como diseñadora y directora creativa en Dubié hasta febrero del año pasado. “En 2020, la pandemia me llevó a retomar y revisar mucho material y carpetas. Tuve tiempo de sentarme a la máquina de coser para armar una colección”. En noviembre lanzó su etiqueta: Xrebagliati. “La ‘x’ me pareció como un guiño gracioso a un supuesto anonimato porque después viene mi apellido. También simboliza el ‘hecho por’”. Tras tomarse una pausa para repensar la estructura de su emprendimiento, en 2022 decidió desarrollarlo. En mayo comenzó con su segunda colección, que estuvo lista en agosto. “En la primera planté las bases de mi etiqueta: la moldería, las terminaciones, la paleta y el rumbo textil. En la segunda me ocupé más en la identidad y el relato. Trabajé con el concepto de esplendor y decadencia. Empecé a romper y desequilibrar las estructuras que planteé en la primera. De pronto, la falda tubo pasó por el maniquí, la dejé

al corte y me centré en el drapeado”.

Delfina diseña en base a tres categorías: “Primeras pieles”, que incluye camisetas, tops, bombachas, calzas; “Piezas-imagen”, las que condensan la idea principal de la colección: vestidos y faldas; y “Terceras pieles”, los tapados. Su paleta principal abarca tonos piel, negros y rojos. Le interesan también las estampas: ha utilizado desde cuadros y naturaleza hasta palabras. “No busco textiles que estén precisamente de moda. Me gusta combinar telas técnicas con sedas”.

En su ejercicio de diseño parte del boceto y luego trabaja sobre el maniquí y su propio cuerpo. “Siempre estoy atenta a mi entorno, sobre todo a Buenos Aires –el lugar que habito–, y a la gente que me rodea, los fotógrafos y estilistas alimentan mi proyecto. Las muestras de arte y la lectura me suman un montón. Hago clínica de fotografía, suelo anotarme en talleres no relacionados con la moda sino con el diseño en general; son lugares que me sirven para reflexionar sobre mi práctica”. En este otoño-invierno proyecta jugar con las estructuras: “Voy a mezclar las ‘Piezas-imagen’ con las ‘Primeras pieles’ y a utilizar spandex en vestidos y faldas. También quiero dedicarle mucha atención al mundo de las estampas”.

Produce stocks pequeños y a pedido. Vende en línea, en tiendas efímeras y en Los Angeles Buenos Aires, un espacio multidisciplinar que comparte con dos artistas amigos en el barrio de Colegiales. “En cada colección se va revelando más y más la personalidad de la marca, con sus tres características principales: es instintiva, profunda y mutante”. n @xrebagliati

CON SEDAS”.

“ME gusta COMBINAR TELAS técnicas

Fotos: gentileza Martín Pisotti para Xrebagliati.

CIELO ESTRELLADO

Tres noches con cinco ejes destacados en la grilla del Lollapalooza 2023.

Por LOLA MONTEIRO

MUJERES AL FRENTE

La novedad de esta edición son las grandes artistas internacionales que encabezan el festival. Por primera vez en Argentina se presentará Billie Eilish y vuelve al país Rosalía, luego del show hiperviral de 2022. ¿Otros nombres? Kali Uchis, la cantautora estadounidense-colombiana que en 2021 saltó a la fama con su hit “Telepatía” y la DJ australiana, Alison Wonderland.

LOS MUY ESPERADOS

A 30 años de su formación y tras estar separados desde 2015, Blink 182 regresó a los escenarios. El trío considerado pionero del Rock Punk se presentará en el segundo día del festival y ya tiene expectantes a sus fans. ¿Tocarán clásicos como “I Miss You”? Un paseo de vuelta por los 2000.

Lo bueno no termina acá: Drake, Lil Nas X y el show visual y psicodélico del grupo Tame Impala son otros nombres que definitivamente nos interesa ver y escuchar.

EN CABINA

El festival que abarca diferentes gustos musicales también tiene un espacio para los amantes de la electrónica. Las presentaciones más destacadas estarán a cargo del DJ neerlandés Ar-

min Van Buuren (uno de los grandes exponentes del progressive house de principios de los 2000), del dúo inglés Gorgon City compuesto por los productores Kye “Foamo” Gibbon y Mates “RackNRuin” Robson-Scott; de Jamie XX, integrante de la banda The XX, que se presentará como solista, y del enmascarado Claptone para cerrar la edición 2023.

TALENTO LOCAL

La presencia de artistas, productores, cantautores y compositores nacionales en el Lollapalooza crece cada año. Para cantar, bailar y agendar: Trueno, Marilina Bertoldi, Dante Spinetta, Angela Torres y María Becerra.

SIDESHOWS

En la previa del festival y también al final, cuando haya quienes se quedaron con ganas de más música, habrá distintos shows en Teatro Vorterix y en Niceto Club, entre el 15 y 21 de marzo. A no perderse: Wallows, Cigarettes After Sex y el dúo francés Polo & Pan.

Más datos: El festival se realiza el 17, 18 y 19 de marzo en el Hipódromo de San Isidro. Los tickets están disponibles en allaccess.com.ar

Billie Eilish: el Lollapalooza la trae a la Argentina por primera vez.

CATWALK

Desde colores novedosos hasta estéticas reminiscentes. Cuatro propuestas de cambio para la nueva temporada

Año nuevo, moda nueva. Las tendencias cambian cada vez con mayor velocidad y las propuestas de invierno se asoman aun en temporada de mar y playa. Desde la costa uruguaya, Alcorta Shopping anticipó las colecciones de otoño/invierno de marcas argentinas como Allô Martínez, BŌKEN, Heidi Clair, Lovely Denim y Prüne en la sexta edición del ya clásico desfile Invierno en la Arena y marcó la pauta de lo que se llevará en las calles y redes sociales este año.

BRILLA TU LUZ PARA MI

El fulgor de sol aparece en las prendas de invierno en plata, dorado, verde, celeste y hasta rosas intensos. Desde cotas de mallas alla Paco Rabanne en vestidos y tops hasta pantalones de denim con estampados foil, el metalizado hace un nuevo regreso en tantas variantes como la moda le permita. Brillan las tachas y forman dibujos sobre prendas de cuero, los hilos dorados se destacan en

Por CATA GRELONI PIERRI

diferentes apliques sobre camisas y aparecen prendas de noche cubiertas de lentejuelas como shiny disco balls andantes. Además, se suma el metal en complementos de cuero graneado o craquelado, y en todo tipo de accesorios como calzados, maxi y mini bolsos.

SURREALISMO CROMATICO

El metaverso y las tendencias digitales influyen hasta en la elección de las paletas cromáticas de la indumentaria. Por otra parte, las empresas de reportes de tendencias como WGSN, Pinterest y Tagwalk dan cuenta del avance de tonalidades que llaman Naranja ácido, Lavanda digital, Tranquil Blue -una variante de celeste opaco- y Verdigris. Las nuevas propuestas funcionan en looks totales, en prendas protagonistas o se pueden incorporar solo en accesorios y complementos, pero siempre con la premisa del todo vale.

CUERO REAL

Funciona como aliado contra el frío y la industria nacional responde con creatividad. Del furor motomami de 2022 se pasa ahora a camperas de cuero en versiones más holgadas que, si bien conservan los recortes, no están tan apegadas a la estética nocturna ni motoquera. Este año, el cuero marrón se suma al negro y se lo puede ver en accesorios, en diseños de gamuza o napalán (cuero ovino) y suma tipologí as más actuales como corsés, monoprendas y vestidos con mangas importantes.

YAY-2K

Hace 23 años, las y los nerds de la informática presagiaban un caos tecnológico con la llegada del famoso “Y2K” (Year 2000). Ahora, el recuerdo más vivido de aquel hito (se creía que las computadoras no registrarían el cambio de milenio, que eso desajustaría las bases de datos y terminaría provocando una crisis económica global) es la moda. Como si se viajara en una máquina del tiempo, vuelve sin mucha adaptación. Pantalones cargo de tiro bajo, denim en total look y monocromo, yuxtaposición de prendas lenceras transparentes combinadas con minifaldas tableadas. Completan la tendencia preferida de la generación Z y tik tokers: pastel, estampados con reminiscencia infantil y anteojos polarizados de pesca o camping. n

L’ANTICIPE L’ANTICIPE

DE

CONSERVAN

PERO SIN ESTAR apegadas A LA FRECUENCIA nocturna NI MOTOQUERA”.

“LAS camperas

CUERO

LOS recortes

All ô Martínez

Lovely Denim Heidi Clair Prüne

BOKEN

FORMAS BELLAS

Los zapatos de Toribia Choque tienen detrás un equipo de artistas de diferentes disciplinas que le otorga carácter.

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

“Mi objetivo es que mis zapatos sean un objeto bello que además pueda usarse”, sostiene Lucía Rabey. Nació en Tilcara, Jujuy y ya desde muy chica le gustaba actuar. A los tres años hizo su primera experiencia en escena en un circo de su pueblo. A los seis, se mudó a Buenos Aires con su padre. Tomó clases de teatro, pero también de dibujo y pintura, y de corte y confección. “Mi viejo fue representante de bandas de rock. Estuvo también en el área de teatro del Instituto Di Tella. Me crie rodeada de artistas”. Al terminar la secundaria estudió artes plásticas con orientación en escenografía en la Universidad Nacional de la Plata y se formó en distintas disciplinas. Dio clases de dibujo y así conoció a un alumno que desarrollaba calzado. En 2010 se asociaron para producir zapatillas de teatro y danza, mientras Lucía se perfeccionaba en el rubro con modelistas locales y con cursos a distancia. A la firma la bautizaron Toribia Choque. “Es el nombre de mi bisabuela y el apellido de mi bisabuelo. Son campesinos indígenas bolivianos. Es una invitación a que la gente se pregunte sobre su origen”. Cuando se disolvió la sociedad, cambió la propuesta de la etiqueta: empezó a desarrollar zapatos de cuero. Sumó a Cristopher Alan Dahl, músico y su socio en la actualidad, lo capacitó y le delegó tareas. En 2017 y 2018, viajó a Milán para hacer cursos en la escuela Arsutoria de diseño de calzado y carteras. Aprendió modos de producción y técnicas que utilizan las grandes marcas y a su regreso las incorporó al proyecto. Trabajó siempre a pedido hasta que con la llegada de la pandemia decidió realizar una colección y

tener stock. “La marca se volvió más viral; cambió el negocio”.

Toribia Choque cuenta con modelos para mujer y para hombre, para uso diario y ocasiones especiales. “Todos están pensados desde la comodidad; priorizo el bienestar”. Ofrece diferentes tipologías, en diversas alturas y colores. “Las Maruja, unas botas en punta de taco ancho representan el cincuenta por ciento de las ventas”. En su ejercicio de diseño utiliza curvas, repeticiones y el juego entre figura y fondo. “Me gusta investigar: tomo un tema, busco información y hago bocetos, como si armara una instalación artística con cada zapato”.

Lograr productos amigables con el ambiente forma parte de su proyecto. “Trabajo con productos perdurables. Reutilizo los retazos y uso cuero de curtido vegetal para los zapatos en tonos como el bordó, suela y verde. Además, me aseguro siempre de que las curtiembres no tengan denuncias por contaminación. En cuanto a la logística, hago muchas cosas en el mismo viaje para reducir mi huella ecológica”.

Su equipo está integrado por artistas. “Tengo dos asistentes: uno es pianista y actor, y el otro es guitarrista. Les doy prioridad porque sé lo difícil que es vivir del arte”. No realiza colecciones temporales sino que va lanzando novedades. Cuenta con opción de preventa , para aquellos modelos que no se encuentran en stock. Vende a través de su tienda online, redes sociales y en su estudio ubicado en el microcentro. “Son zapatos que están pensados para durar, coleccionar y pasar a la próxima generación”. n @toribiachoque

Foto: Gentileza Toribia Choque.

TRABAJADORA DE ALMA

Por

CELESTE NASIMBERA

proveedores de Carrefour, en ese momento los hipermercados estaban en auge y entregábamos grandes volúmenes de productos básicos. Luego se sumó Nike y logramos crear un vínculo que hoy tiene 28 años. Hace 20 que somos proveedores de adidas y hace 17 de Puma. Trabajar con estas marcas nos hizo mejores desde todo punto de vista. No solo en cuanto a la producción; también ayudó a la consolidación de nuestra empresa. Ya para el año 95 compramos nuestra primera fábrica en Paternal que, con el tiempo, nos quedó chica, y nos volvimos a mudar. A lo largo de los años fuimos creciendo con nuestros clientes y se formó una relación más robusta Somos industriales de alma. El desarrollo de un país viene del trabajo. Cuando la empresa crece, las personas crecen con vos.

L’O: ¿Cuál es el vínculo con marcas líderes a nivel internacional?

Nos reunimos en la fábrica de Villa Lugano de RA Intertrading SA, la empresa familiar que dirige Daniela Rabinovich, donde se siguen produciendo cientos de camisetas de la selección nacional. Daniela nos explica cómo es el proceso de la prenda más solicitada en los últimos meses. La escena reúne varios de los conceptos en los cuales se hará hincapié durante la charla: industria, trabajo, gestión.

L’OFFICIEL: ¿Por qué elegiste seguir ingeniería en organización de empresas?

DR: Siempre tuve un perfil más cercano a los números, cuando empecé éramos muy pocas mujeres en la facultad. Pensaba que era una ciencia en la que me iba a sentir bien y así fue. Además, siempre fui deportista, lo cual me sirvió y me sigue sirviendo para saber qué es un equipo, cómo sentirse parte. En el mismo momento que empecé ingeniería, mi papá armó la empresa. Me incorporé desde el principio. Iba todas las mañanas, a la noche cursaba en la UADE y estudiaba los fines de semana. Ya era independiente, eso me ayudó. Además, trabajar desde muy joven me permitió reunir la experiencia que se necesita para poder dirigir una empresa.

L’O: ¿Cómo fueron los inicios?

DR: Empezamos la empresa familiar en un monoambiente alquilado de 40 metros cuadrados. Alpargatas contrató a mi papá para que le fabricara productos a Topper. En los años 90 fuimos

DR: Las exigencias son muy grandes en todos los aspectos: siempre existen nuevos procesos, maquinarias, fórmulas y mucho más, para asegurar que el producto sea lo que esperan. Son marcas con las cuales planificás a cinco años y combinás con proyectos más cortos. Por ejemplo, los desarrollos de indumentaria se inician más de un año y medio antes. Nosotros fuimos creando una estructura para poder atender a estos clientes. También exportamos, en general al Mercosur, donde vemos una oportunidad de crecer.

L’O: Ahora, además, estás dedicada a la presidencia de la Federación Argentina de la Industria de Indumentaria y Afines (FAIIA). ¿Cuáles son tus expectativas?

DR: Soy la primera mujer en liderar esta posición en la industria por primera vez desde 1939. Llama la atención pero no debería; en el mundo de nuestros hijos e hijas será distinto. Hace tiempo participo en el Consejo Asesor para la transversalización del enfoque de género en el entramado productivo nacional de la Secretaria de Industria y Desarrollo productivo. Desde allí se piensa la presencia de la mujer en la industria y qué políticas se pueden generar desde el Estado para lograr más igualdad. Doy mi tiempo para nuestro sector porque defiendo mi industria; te podés quedar observando o intentás hacer algo para cambiarla. También soy activa desde hace años en la Cámara Industrial Argentina de la Indumentaria. Dirigir una de las empresas más grandes de la confección me convierte en una voz autorizada, tenemos más de 900 empleados y seguimos creciendo.

Daniela Rabinovich es la primera mujer en asumir la presidencia de la Federación de Indumentaria Argentina, fundada en 1939. Su experiencia y los temas que se propone difundir.

L’O: ¿Qué acciones te gustaría impulsar desde FAIIA?

DR: Actualmente somos una industria que emplea a más de 400 000 personas en todo el país. Queremos seguir creciendo y generar más fuentes de trabajo, por eso buscamos capacitar al sector. Vamos a tratar de extender el programa de formación que realizamos en Catamarca y en La Rioja a otras provincias. Nos interesa ahondar en temas como perspectiva de género y sostenibilidad y seguir fomentando las buenas prácticas. Disfruto de tener esta oportunidad. Para mí es un orgullo y cada vez que tenga que articular con las autoridades competentes voy a ir con nuestras verdades y nuestro potencial de industria. n

L’INDUSTRIE L’INDUSTRIE

“CUANDO LA empresa CRECE, LAS personas CRECEN CON VOS”.

BRUNO PAVLOVSKY

“ACELERAMOS EL COMPROMISO CON LA SOSTENIBILIDAD”

En una charla exclusiva con L’Officiel Argentina, el presidente de moda CHANEL explica la política de la maison con relación al cuidado del medioambiente, a las plataformas digitales y las redes sociales y a su presencia en América Latina.

L’INTERVIEW L’INTERVIEW

FUTURO DE CHANEL ES proteger Y NUTRIR LAS habilidades ASOCIADAS AL LUJO”.

L’O: Acabamos de ver los desfiles de las colecciones crucero en Miami y Métiers d’Art en Dakar. Las instalaciones, los decorados, los destinos, todo se ve fabuloso. ¿Cómo impactan estas acciones cuando se trata de cuidar el medioambiente?

“Es un gran desafío y no porque sea un tema del que hoy habla todo el mundo. En la marca venimos trabajando desde hace años y en los últimos cinco, incluso durante el confinamiento por la pandemia de covid, hemos acelerado mucho el proceso de compromiso con la sostenibilidad”, dice Bruno Pavlovsky, presidente de moda CHANEL a cargo de las áreas de  prêt-à-porter y alta costura en las que se basan los códigos de la etiqueta. En una charla en Miami, durante la presentación de la Colección Crucero 2022/23 de la  maison, Pavlovsky reconoce que se trata de un momento en que apremia volverse sostenibles y liderar el cambio en el mercado del lujo.

L´OFFICIEL: ¿Cómo se logra incorporar las últimas innovaciones tecnológicas y los materiales sostenibles mientras se cuida el legado y el compromiso con la herencia, misiones tan significativas para la maison?

BRUNO PAVLOVSKY: Es una mezcla de creatividad. Tenemos a Virginie (Viard) que es la mejor. Además de los compromisos asumidos para limitar el calentamiento global promedio a 1,5 °C, realizamos acciones específicas en el área de la moda y los productos. CHANEL es la primera marca del mundo que ha estado invirtiendo mucho en el know-how. Se trata fundamentalmente de asegurarse de que exista la transmisión de savoir faire en todas partes y de que va a seguir mañana. Cada año capacitamos más y más artesanos en todas las categorías. Formamos a las nuevas petits mains (pequeñas manos), que hacen los encajes, los detalles de cuero y la sombrerería, y les damos libertad para que puedan trabajar también para otros clientes. El futuro de CHANEL es proteger y nutrir las habilidades asociadas al lujo. Por otra parte, hay unas diez materias primas en las que tratamos directamente con el agricultor. Desde seda y encaje hasta cachemira y entretelas. No es solo la calidad de los materiales, también es importante el bienestar de cada integrante de la cadena.

L’O: ¿Tienen algún proveedor para el área de moda en América Latina?

BP: Algunos. En Brasil, por ejemplo, para la seda. La mayor parte del algodón que usamos es de Perú, que tiene una calidad muy especial. Para nosotros es un nuevo continente que estamos descubriendo. Mucho más viene de Europa.

BP: Al pensar en un evento, un decorado, un zapato, lo que fuere, tratamos de anticiparnos. Hoy se habla mucho de ecoconcepción. En cada desfile, todo lo que vemos es reutilizable. Además, en cada ocasión medimos nuestra huella de carbono. Queremos estar seguros de que en todos los casos actuamos bien y tomamos las medidas necesarias para que se pueda reciclar. Por otra parte, no creo que los viajes sean un problema para la sostenibilidad. Lo más importante es todo lo que estamos emprendiendo. Como marca global, debemos captar al cliente y tenemos muchísimos en todo el mundo. Podemos hacerlo a través de la semana de la moda de París, pero también llevando las colecciones a lugares lejanos para ofrecer algo que es único. Esa es nuestra estrategia, como la presentación del desfile de la colección crucero en Miami. La colección Métiers d’Art en Dakar, tuvo además una misión especial: planificar y ejecutar acciones orientadas al desarrollo de prácticas agrícolas responsables y regenerativas en Senegal.

L’O: CHANEL es muy conocida por su interés en preservar la tradición y por los detalles artesanales para la haute couture. ¿Cómo se traslada este compromiso a la colección prêt-à-porter?

BP: Para mí, lo que diferencia una perspectiva de haute couture de una prêt-à-porter es que, por ejemplo, cuando Virginie está trabajando en una colección de couture con cincuenta o sesenta looks, cada uno de ellos es único. Y no hay posibilidad de duplicar nada porque todo se hace sobre un cliente en particular. Cuando hablamos de prêt-à-porter, estamos hablando de capacidad. Cada uno de los looks deberá llegar a las 248 boutiques que tenemos en el mundo. Haute couture se relaciona con la experiencia única que queremos proponerle a cada cliente; en el prêt-à-porter el enfoque es diferente, aunque se trabaje con la misma habilidad.

L’O: En América Latina, hay boutiques en México, Panamá y Brasil. ¿Cree que las plataformas digitales y los medios sociales podrían contribuir seguidores a su presencia en nuestro continente?

BP: Sí, pero hay una brecha entre lo que se ve en la plataforma y lo que ocurre en una tienda física. La experiencia en la boutique no puede ofrecerse mediante un sistema de streaming y nos importa seguir brindando a nuestros clientes ese privilegio. Es probable que en los próximos diez años abramos más negocios. No somos rápidos en CHANEL. Nos movemos paso a paso y buscamos el momento. Tenemos que hacerlo de la mejor manera, con el mayor impacto y visibilidad. Me encantaría estar en Argentina, en Buenos Aires, pero aún no estamos preparados; todavía somos una firma pequeña, bueno, parece una broma, pero no lo es. La idea no es abrir mil boutiques por todas partes, somos muy selectivos. n

“EL

ARTY 80’s

Fastuosa y relajada, la década marcó el advenimiento de grandes nombres del diseño francés. Una exposición vuelve a ponerla en el centro de la escena.

Con el impulso de Jack Lang, el mítico ministro de Cultura francés del primer gobierno del entonces presidente François Mitterrand, el viento de la cultura volvió a soplar fuerte en ese país, gracias a un presupuesto duplicado en 1982. Aumentaron la cantidad de megaproyectos que le cambiarían la cara a la capital: el Gran Louvre, el Arco de la Defensa, la Opera de la Bastilla. Grandes nombres del teatro y el ballet contribuyeron con su genio –Patrice Chéreau, Rudolf Nureyev–, célebres creadores fueron convocados en 1989 para homenajear la historia (Jean-Paul Goude concibió el desfile del Bicentenario de la Revolución Francesa; Philippe Decouflé firmó la coreografía

de uno de los cuadros). Con ese telón de fondo, surgieron nuevas personalidades claves en esos movimientos que harían de Francia un nuevo baluarte de la creación, moderna y popular, en todas sus formas, con infinitas posibilidades. No es casual que precisamente en 1986 se inaugurara el Museo de las Artes de la Moda de París (hoy Museo de la Moda y Textiles, integrado al Museo de Artes Decorativas parisino, MAD).

Es esta misma diversidad deslumbrante la que ahora pone en escena el MAD con la formidable retrospectiva Años 80. Moda, diseño y gráfica en Francia. Fue una época en la que los encargos oficiales proliferaban, como signo del apoyo del Estado a una

Fotos Museo de Artes Decorativas/Jean Tholance (conjunto de dos piezas Elisabeth de Senneville); Helmo (afiche de la exposición Agencia RSCG).

Museo de Artes Decorativas/Christophe Dellière (botas

Fotos

tabi de Maison Martin Margiela, 1989); Jean Tholance (chaise longue

Pl de Martin Szekely, 1983); Michel Picard/Editions Jalou (vestido de cuero de Claude Montana, 1979); Pierre & Gilles (Etienne Daho y el perico Bibic, 1983); Jean-Paul Goude (“Reino Unido: Londres multiétnico bajo la lluvia”, cuaderno del Bicentenario de la Revolución Francesa, 1989), DR. Traducción: Irene Amuchastegui

nueva generación: Pierre Paulin imaginó el mobiliario del despacho presidencial; Jean-Michel Wilmotte, el de la habitación del presidente de la república; Andrée Putman diseñó el despacho de Jack Lang… Emblema de la década, Philippe Starck reinventaba la habitación de Danielle Miterrand en el Palacio del Elíseo, y el inmortal sillón Costes para el café del mismo nombre. Las galerías se multiplicaban para ofrecer a los diseñadores un marco adecuado: Yves Gastou, Perkal, Gladys Mougin fueron actores esenciales en esta explosión, que hizo del diseño nuevamente un arte noble, democratizado por Starck, que ya no se desviaría de esa línea.

Para la música pop made in Francia también corrían aires nuevos, con el impulso de Étienne Daho, Taxi Girl, Elli et Jacno… La fiesta descontrolada tenía sedes como Le Palace y Les Bains Douches, lugares en los que el new wave, el rock y un hip-hop emergente encontraban eco, para preparar con calma el despegue de la generación French Touch. También la moda transita una nueva edad de oro. Burbujeante, inventiva, audaz, se atreve a todo, cubriendo el arco completo: desde la universalidad intemporal de Agnès b, pasando por la precisa puntada de un Christian Lacroix, la sensualidad de Azzedine Alaïa o el abordaje cerebral de Martin Margiela, hasta las extravagancias de Jean Paul Gaultier, la ultrafeminidad de las siluetas defini-

das por Chantal Thomass o Thierry Mugler, el rigor de Claude Montana, los cortes arquitectónicos y coloridos de Jean-Charles de Castelbajac. Recibiendo el imaginario irreductiblemente singular de Kenzo, la moda enriquece su historia con una generosidad y una amplitud de mente que imprimirá su marca indeleble –como lo demuestra el éxito de la exposición dedicada a Thierry Mugler en el mismo espacio–.

Quizá la caricatura y la perspectiva histórica convirtieron los 80 en la década de los excesos y el culto de la frivolidad, pero es imposible ignorar su fuerza, en la que se mezclaban esperanzas políticas, ambición en la gestión cultural, liberación de los gestos estéticos. La gráfica, las artes plásticas, la creación audiovisual –incluida la publicidad–, también tuvieron una época fecunda en ideas y poesía inesperadas.

Si hubiera que señalar un horizonte común a todas estas expresiones desde el punto de vista creativo, más allá de las identidades particulares, digamos que esta década prolífica tuvo el gran mérito de poner el arte en el centro de lo cotidiano, de la calle, de la vida. n

Exposición Años 80. Moda, diseño y gráfica en Francia, hasta el 16 de abril de 2023. Madparis.fr.

—Por Baptiste Piégay

OJOS bien ABIERTOS

Daniel Roseberry, director creativo de Schiaparelli, encuentra su nuevo lugar en el mundo.

Un americano en París. ¿Un cliché? En el film de 1951 inspirado en la música de George Gershwin, Jerry (Gene Kelly), veterano de la Segunda Guerra, decide quedarse en París para perseguir su sueño de vivir de la pintura. Allí se enamora de Lisa (Leslie Caron), bailarina, novia de su amigo Henri. Hoy, el amor por la moda y el arte han llevado a Daniel Roseberry –estadounidense– a la Ciudad Luz, donde desde 2019 conduce Schiaparelli, una de las casas francesas de Haute Couture más famosas. Con

un delicado equilibrio entre vida profesional y vida personal, Roseberry ha logrado eludir la mayor parte de los estereotipos que se asocian con la imagen de un americano en París o, para el caso, de cualquier francés en París. Pero incluso este diseñador sereno, reflexivo, de fisionomía agradable y hablar preciso, admite que no siempre lo logra.

L’Officiel habló con Roseberry vía zoom. La capital francesa suele ser un lugar solitario para los que están varados en la ciu-

Por ROXANNE ROBINSON

dad en verano. Mientras ultima algunos detalles, confiesa que le sorprende una costumbre parisina: “Aquí no queda nadie los fines de semana. Se van todos, literalmente”.

Volvamos unos meses atrás: París en su esplendor. Roseberry había presentado el desfile de Alta Costura Otoño-Invierno 2022 y celebraba la inauguración de la muestra retrospectiva Shocking! El mundo surrealista de Elsa Schiaparelli en el Museo de Artes Decorativas. Padres, hermanos y hermanas, tías, tíos, sobrinas y sobrinos acudieron a dar testimonio de su apoyo y convirtieron el evento en una reunión familiar.

“No creo que los sorprenda que yo haya tenido esta oportunidad. Se emocionan cada vez que vienen y ven aquí el trabajo de un miembro de la familia”, dice Roseberry, y agrega: “Para mí es la manera de tener siempre presente que esto es extraordinario, especial. Es preguntarme si estoy soñando despierto”.

Roseberry decidió no oficiar de guía turístico; reunió a familia y amigos de Nueva York y Los Angeles en una comida. “Eramos 40 personas en la cena en el nuevo hotel Chateau Voltaire”.

Sin duda era un lugar más apto para recibir huéspedes que su departamento en el 7º distrito, con vista a la basílica de Santa Clotilde, imagen reconfortante para Roseberry, hijo de un pastor episcopal que se unió a la iglesia anglicana cuando Daniel cursaba el secundario. Si lo reconocen en el barrio, los franceses optan por su típica actitud de laissez-faire y el diseñador conserva su anonimato.

Con un patio central abierto y ventanas alejadas de la vista de curiosos, Roseberry encuentra aquí solaz y privacidad, un lugar para distenderse o para pasar un día tranquilo de fin de semana. “Los domingos son sagrados. Casi nunca hago programas porque al final los cancelo”, dice. “Este es mi oasis, yo solo en mi espacio propio. Aún no he invitado gente pero de a poco voy acumulando cosas”.

Como muchos otros sabuesos del diseño, al menos una vez por mes recorre Paul Ber t S erp ette e n Sai nt- O uen, uno de los mercados de pulgas más visitados de París, buscando construir el idioma del diseño interior para su casa. El día posterior a nuestra charla, salió a la caza de sus hallazgos favoritos: lámparas y luminarias.

“Soy un obsesivo de la iluminación y por lo general termino comprando algún tipo de artefacto”, dice, señalando una lámpara de pie Maison Jansen de 1970. “Pero es una imitación rara, imperfecta, de una de las originales. En verdad, prefiero los puestos que instalan en la calle. Los de adentro suelen ser más sofisticados, me resultan un poco demasiado serios”.

Para Roseberry, construir un idioma del diseño ha sido un proceso natural. Al llegar, estaba decidido a no basarse en los amplísimos archivos de Schiaparelli. Ahora, luego de tomarse cierto margen de maniobra respecto de la marca, ha encontrado su zona de confort dentro del legado de la diseñadora italiana.

“Si mañana presentáramos un vestido langosta, el modelo diseñado en 1937 por Elsa Schiaparelli, tendríamos la autoridad creativa para hacerlo, mientras que al principio, yo tenía que es-

tablecer mi propia voz”; dice. Si bien no hay archivos de historias, hay cierta semejanza con el trabajo que hizo para Thom Browne.

“Es una danza, es orgánico, pero no trato de controlarlo. A veces siento que Schiaparelli es relevante, y otras tengo que tomar una dirección diferente”.

También podría describirse su incursión en la cultura francesa como un avanzar cauteloso, aunque los museos se han convertido en un pasatiempo favorito, en particular, la Fundación Louis Vuitton y la muestra Celoron en el centro Pompidou. “A veces voy al museo Rodin y me siento en el jardín

“ME ENCANTA ponerme la ROPA

QUE usaba ANTES DE TENER ESTE TRABAJO; SON COMO viejos AMIGOS”.

PAGINA OPUESTA, DESDE LA IZQUIERDA: retrato de Daniel Roseberry; Elsa Schiaparelli en un número de 1931 de L’OFFICIEL.

ESTA PAGINA, DESDE LA IZQUIERDA: look de Schiaparelli Otoño-Invierno 2022; modelo vestida con Schiaparelli en un número de 1938 de L’OFFICIEL.

para desconectarme”, comenta.

Fuera del mundo de la moda, el diseñador estadounidense aún no domina el francés ni se ha sumergido en la cultura pop. “Cuando llegué, estaba luchando con el idioma y un mentor y amigo cercano me dijo: ‘Cualquiera puede mudarse a París y aprender francés, pero no cualquiera puede revitalizar una casa de Alta Costura’”, recuerda y agrega que entiende mucho, pero todavía no ha comenzado a hablar la lengua.

Admite que estuvo tentado de ser un arquetipo de un diseñador francés. “Tengo delirios de grandeza. Me veo levantándome un día y saliendo de la casa vestido como un joven Saint Laurent: suéter negro de cuello alto, pantalones largos, fumando un cigarrillo”, dice. “Pero por último, siempre vuelvo a lo mismo y camino hasta la Place Vendôme con mis jeans y chaqueta de denim, y la mochila. Son como una fuente de bienestar. Me encanta ponerme la ropa que usaba antes de tener este trabajo; son como viejos amigos”.

A los 36 años, Roseberry ha pasado gran parte de su vida preparándose para ser diseñador de moda, pero no necesaria-

ESTA PAGINA, EN EL SENTIDO DE LAS AGUJAS DEL RELOJ, DESDE ARRIBA A LA IZQUIERDA: backstage en Schiaparelli Otoño-Invierno 2022 Couture. Foto: Kuba Dabrowski, boceto de Daniel Roseberry, look de Schiaparelli Primavera-Verano 2021 Couture.

DERECHA: looks de Schiaparelli Otoño-Invierno 2022.

PAGINA OPUESTA, ARRIBA: Daniel Roseberry con una modelo, backstage de Schiaparelli Otoño-Invierno 2022 Couture; look de Schiaparelli Otoño-Invierno 2021 Couture; Gillian Anderson con Schiaparelli en el número de Primavera 2022 de L’OFFICIEL Art; backstage en Schiaparelli Otoño-Invierno 2022 Couture.

PAGINA OPUESTA, ABAJO: vistas de la instalación Shocking! El mundo surrealista de Elsa Schiaparelli en el Museo de Artes Decorativas de París.

“NECESITO la EXTROVERSION DE UN ritmo CIUDADANO UN poco SALVAJE PARA SACARME

de mi CAPARAZON”.

mente para vivir en París. “No sé si me atrevía a soñar con París y la couture, pero crecí en una de las eras doradas de la moda neoyorquina”, recuerda. Sus años de escuela secundaria estuvieron marcados por los días en que Michael Kors diseñaba para Celine, Mark Jacobs era el director creativo de Louis Vuitton y la remake de El affaire de Thomas Crown volvió a despertar el interés por la moda masculina de su exempleador, Thomas Browne, mientras surgían nuevos nombres en el diseño, como Adam Kimmel.

“En esa época ser un diseñador estadounidense se asociaba con mucho glamour. Pero mi dilema en la vida como persona joven no era mi destino creativo. Era más mi sexualidad, por haber crecido en la iglesia. Esa era la nube que pendía sobre mí”, confiesa. “No ‘¿Cómo voy a llegar a ser diseñador?’ Siempre fui el que trabajaba más, hasta los fines de semana cuando no había nadie”.

Esta ética del trabajo fue la razón por la que Roseberry llegó a Thom Browne en 2008, luego de dejar los estudios en el

Traducción: Silvia Villegas.

FIT (Fashion Institute of Technology) hasta ser nombrado en Schiaparelli en 2019. Mientras diseñaba para Thom Browne, viajó a París por lo menos cuatro veces al año durante siete años.

Como neoyorquino con raíces sureñas, no encontró que París fuera particularmente intimidante, pero le resultó un poco difícil conectarse con la ciudad. “Necesito la extroversión de un ritmo ciudadano un poco salvaje para sacarme de mi caparazón. En general, soy muy reservado. Creo que la energía de Manhattan, la velocidad, el crisol de razas, me sirvieron para salir de mí mismo. París es reservada, fría y cerrada. Eso es lo que me cuesta, no es que me produzca temor. ¿A lo mejor debiera? Desde el punto de vista de la personalidad, a veces siento que somos como barcos que nos cruzamos en la noche”, agrega.

Dicho esto, Roseberry ha decidido comprometerse con la ciudad más allá de su tarea profesional. Durante sus dos primeros años en Schiaparelli, viajó a menudo entre ambas capitales de la moda. “Me quemé la cabeza. Volar en ambos sentidos ahora que se puede, es cada vez más infernal. Ir y venir durante la covid era un sueño”, dice de los períodos en que las terminales y los aviones eran ciudades fantasma.

“Creo que extraño una Nueva York que tal vez ya no exista”, admite con nostalgia por la vida y por los viejos amigos que dejaron la ciudad durante la pandemia. Sugiere que tal vez la perspectiva parisina lo estaba atrapando.

“Lo que me encanta de París es que es el lugar donde soy creativo de manera productiva. Cuando estoy lejos por algún tiempo, extraño el equipo y el proceso. Cualesquiera que sean las diferencias que tengo con ella como ciudad, me ha tratado

con enorme generosidad. Me ha dado una maison con un equipo y el apoyo para ser el telón de fondo de este viaje”, dice.

El equipo de Schiaparelli ocupa un lugar especial para Roseberry. “Detrás del orgullo de quienes viven aquí late el corazón de gente que hará cualquier cosa por la belleza. Es un grupo devoto y dedicado a perseguir la excelencia y la belleza, se han ganado el derecho a ser orgullosos”.

Por mucho que París sea su lugar de creación, no se ha adaptado a recuperar energías allí (y no, dibujar en el jardín de las Tullerías no cuenta, eso es tiempo de trabajo). Roseberry anhela, en cambio, su lugar preferido en Maine para una escapada de verano. “Un par de veces al año, necesito pasar cinco días o más en un entorno natural, ya sea en el interior del estado o en la costa. Salir con el kayak en el lago, solo, a la mañana: esa es mi idea del paraíso”, dice. Allí, el diseñador puede compartimentar y olvidarse del trabajo para estar presente en la naturaleza.

El personaje enamorado de Gene Kelly en Un americano en París insiste en que París nunca te deja ir. “Es demasiado real y demasiado bella. Nunca te permite olvidar nada. Se mete dentro de ti y quedas así para siempre”, dice.

De modo que, aunque puede ser que Roseberry deje el trabajo en la oficina, reconoce que la ciudad ya le ha causado una profunda impresión. “Cuando quiere aparecer y mostrarse, el nivel de belleza es impresionante. Nunca envejece. Cruzar el Sena por las Tullerías a la puesta del sol nunca cesa de sorprenderme”. n

DISEÑO QUE EVOLUCIONA

LA SAGA

Una de los míticos modelos de la maison Cartier es el Tank , de 1917, un reloj que simboliza la elegancia extrema, así como un puente entre épocas. La silueta rectangular es precursora de los códigos art déco. La forma, un suceso para la época: en una misma línea recta, la caja, los enganches y la pulsera se convierten en una unidad.

Tank siguió dando diseños emblemáticos como Tank Louis Cartier (1922), Tank Américaine (1988) y Tank Française (1996). Este último, cuyo nombre hace referencia a un espíritu muy francés que se destaca por un je ne sais quoi sencillo y sofisticado, masculino y femenino, recibe en 2023 un nuevo enfoque.

NOVEDAD

El Tank Française de 2023 incorpora un cambio estético y ergonométrico que dinamiza las líneas. Las angarillas (esas dos barras paralelas que se integran a los enganches de la correa) son más abombadas; la esfera muestra un efecto rayos de sol; los acabados son en su mayoría satinados, y el brazalete forma una cadena compacta y perfectamente flexible. Está disponible en acero y oro amarillo con o sin diamantes. “El nuevo Tank Française refleja una convicción creativa: como en el caso de una piedra tallada de la que se quiere recuperar el estado puro, se trata de captar su forma radical, simplificar sus líneas esenciales y despojarlas de todo adorno para volver a la génesis del mito”, dice Marie-Laure Cérède, directora creativa de Joyería y Relojería de Cartier.

ESTELAR

Desde maison Cartier comentan que el Tank Française conecta con la libertad y creatividad de París, cuyo ADN fue captado a la perfección por el cine de la nouvelle vague. Por eso, el nuevo diseño de este emblemático reloj llega con una película que se desarrolla a ambas orillas del Sena. París desempeña el papel principal junto con un reparto internacional de figuras destacadas: Guy Ritchie en la dirección, y Rami Malek y Catherine Deneuve como protagonistas.

La historia hace hincapié en el azar y en los divertidos giros del destino que unen a las personas. Así, Deneuve y Malek se encuentran al cruzar el puente Alexandre III, el más bello de la ciudad. n

El relanzamiento de Tank Française de Cartier trae un perfil renovado y una historia de película.

La película por el relanzamiento del Tank Francoise es interpretada por el multifacético actor Rami Malek y Catherine Deneuve, leyenda francesa del cine y el estilo.

FIESTA

Javier Saiach expande su etiqueta. Madrid es el próximo destino.

Por LORENA PEREZ Foto GERMAN ROMANI

Dominar la técnica de la couture es un proceso laborioso, lujoso, donde la idea de belleza y perfección hablan de otra época. Javier Saiach destaca esos límites. “La alta costura depende de procesos tradicionales”, dice en su boutique de Patio Bullrich, un espacio decorado con más de seiscientos metros de terciopelo que inauguró en julio de 2022 y que le significó “triplicar el número de clientas”. En esa transformación se dio el traspaso del hecho a medida a los percheros con propuestas diferenciadas según la ocasión y a una línea Home con una selección de piezas antiguas y vajilla pintada a mano. Javier Saiach nació en la provincia de Corrientes y en su niñez se radicó en Paraguay, donde comenzó a trazar su recorrido en la moda a fines de la década de los 90. Autodidacta, con previo

“VES UN vestido MIO Y ES reconocible, ESO ES MERITORIO”.

paso por la carrera de arquitectura, fue convocado por las casas de lujo como decorador y para recrear vestidos y piezas de alta costura cuando maisons como Dior y Givenchy presentaban sus líneas de belleza. Hasta que en 2001 sintió que era el momento de abrir su etiqueta que describe como: “la niña bonita de la fiesta”. De inmediato llamó la atención de muchas celebridades de Argentina, como la actriz y modelo Araceli González, que lo eligió para que la vistiera. Saiach prefirió asentar su mercado primero en Paraguay y recorrer América Latina con sus desfiles.

“En Buenos Aires triunfaba la silueta fit y lánguida, y mis diseños se destacaban por faldas doble campana, calados, grandes volados y mangas dramáticas”. Hasta que en 2016 presentó Gaucho en el Centro Cultural Borges, la colección en la que reconoce “viven sus clásicos”, que entusiasmaron a muchas mujeres.

APIS

Javier Saiach presentó con Patio Bullrich su nueva colección en el Beach Club de Las Cárcavas, Punta del Este, donde desfilaron las modelos internacionales Dafne Cejas y Morita Berntz, entre otras. La colección se llama Apis (abeja en latín) y según Saiach: “Está inspirada en las criaturas más trabajadoras. Son prendas únicas de alta costura en las que la confección artesanal resalta el lujo”. Se vieron trajes con brillos sutiles, en tonos dorados y metalizados. Además, el negro y off white se combinaron en accesorios y vestidos de diversas materialidades: textiles como el shantung , terciopelo, tul, seda, gasa y lana hicieron juego con líneas simples y mangas extra large.

Confiesa que entender su métier sigue siendo complicado hasta hoy día. “Muchos confunden los procedimientos que utilizamos con los ancestrales del Paraguay, como el Ao Po’i, el encaje pu y el ñandutí. Pero nosotros usamos hilos de seda para aplicar técnicas francesas como el Richelieu, el frivolité, bordamos estampados de animales y vegetales, fijamos cordones, todos métodos que responden al oficio europeo”, señala, y agrega que le hubiese encantado hacer colaboraciones con las manos artesanas paraguayas, pero el proceso es muy costoso y puede tardar entre seis y siete meses.

En el atelier Saiach, cada vestido es revisado por seis modistas y los diseños prêt à couture pasan por tres personas. Cada pieza tiene un 90 % de trabajo artesanal y, si bien le interesa la tecnología, siente que mantener la tradición es la huella que lo distingue. “Es necesario entender la diferencia entre el concepto de la ropa de noche, los brillos y el arte couture. La marca por excelencia de Alta Costura hoy es Schiaparelli, que es modernísima y mantiene esa cosa de Dalí, pero aun así demanda un proceso tradicional para lograr ese gesto”.

Luego de su gran presentación en Punta del Este, Saiach desembarcará en marzo en Madrid con un desfile en el hotel Ritz. El diseñador se quedará en tierra española hasta fines de septiembre para acompañar el lanzamiento de su etiqueta, que girará en sintonía veraniega. “Hemos decido vivir en verano”, dice, generando así el cambio en el calendario que implementará la marca. La picardía, lo sexy, el blanco y el nude son todo lo que está bien, enumera, para lograr piezas memorables: “Ves un vestido mío y es reconocible, eso es meritorio. No es un vestido, es un Saiach”, sentencia el diseñador que se atrevió a incorporar la tradición en clave contemporánea generando una etiqueta con identidad. n

“USAMOS HILOS DE SEDA PARA APLICAR técnicas FRANCESAS COMO EL Richelieu Y EL frivolité ”.

ANTONOPULOS MONNA

ESTA PAGINA: abrigo de cuero con lazo, DOMA . Suéter, CALA . Bucaneras, MISHKA. PAGINA OPUESTA: chaqueta cuello bote, ZITO.

En tiempo real

Su presente conjuga series, cine y teatro independiente. Repensar la vocación actoral es parte de su compromiso con el oficio.

Por IRENE AMUCHASTEGUI

“No se trata de perderse, sino de intentar perderse a sí mismo”. Mónica Antonópulos cita a la escritora y activista Rebecca Solnit. Habla de la experiencia siempre única de la maternidad. De las incertidumbres del oficio actoral. Pasa de los laberintos de la introspección en los que se reencuentra a los detalles de una agenda en la que un día encarna a una diosa de Disney y otro a una chica Sofovich, sin dejar de preparar la lonchera para el cole de los chicos a las siete de la mañana porque, dice con una sonrisa irónica y enfatizando el no es: “¡Esto no es Hollywood!”.

Si la tira Vidas robadas representó su desembarco en el prime time televisivo y una notoriedad inmediata en 2008, con la ambiciosa abogada Greta Sáenz Valiente que compuso en 2011 en la telenovela El elegido obtuvo los premios más consagratorios del medio. “Estoy más que agradecida a la televisión, siempre recibí lindas propuestas, mi trabajo fue muy valorado, me dio reconocimiento y me abrió las puertas a otras posibilidades”. La pandemia interrumpió las grabaciones de Separadas –la tira coral de Pol-ka en la que personificaba a la sufrida Clara Rivero– que quedó inconclusa como un símbolo de fin de era en la televisión abierta. Pero a “Monna” Antonópulos la esperaba este presente de cine, teatro y ficciones de la industria que alimenta las plataformas de streaming

Después del thriller La ira de Dios (dirigido por Sebastián Schindel), cerró el 2022 en el set de la serie Coppola, el representante, la biopic sobre el mánager futbolístico Guillermo Coppola producida por Star+. ¿Su papel en la serie?: la mítica vedette Amalia “Yuyito” González, que en los años ochenta compartía sketch con Porcel y Rolo Puente en La peluquería de Don Mateo “Cuando éramos chicos se veían ese tipo de programas en la tele, se vivía un humor en el que la mujer ocupaba otro lugar”. Para Antonópulos fue la primera ocasión de recrear a un personaje de la vida real. “A veces tenía tres horas de preparación, de maquillaje y peinado, con toda la concentración puesta en que durante la espera no se perdiera la energía que necesitaba el personaje. Fue un cierre de año superdivertido. Juan Minujín, como Coppola,

“A LOS veinte YO QUERIA SER actriz, TENIA EL hambre Y LA SED PERO NO SABIA

DE qué ”.

Blazer, CABU . Bermudas, LACOSTE . Bucaneras, SANTESTEBAN. Argollas, PICCOLA

hizo un trabajo increíble. Y el proyecto sale de lo convencional, es muy sólido en todos los rubros, con una producción extraordinaria. Grabar una escena a siete cámaras es una fiesta”.

Otro estreno próximo es la serie Selenkay, trama de fantasía y suspenso rodada en la Patagonia, “que habla de la identidad, con mucho de metafísica y con el sello de Disney”. A la actriz le propusieron el personaje de la Diosa del Agua. Lanza una carcajada: “¿Diosa a los cuarenta? Dije: ¡lo agarro ya!”. Las grandes historias televisivas de amor con actrices de cuarenta o cincuenta años son cosa del pasado, dice. “Hoy la mayoría de las series tienen protagonistas de diecinueve o veinte años. Ya hace rato que empecé a ‘hacer’ de madre, pero ahora me pasa que ¡ya no hay dudas! De repente, me prueban un vestuario de MILF… ¡Ah! ¡¿Cómo?! ¡¿Yo soy la MILF?!... Hace un tiempo estaba grabando y le comenté a un colega de unos cincuenta años: ‘Qué loco, ¿viste que no hay gente muy grande acá?’ El me mira y me dice: ‘Somos nosotros’. ¡¿En qué momento sucedió?!”, vuelve a reírse.

Su agenda personal está repleta de ocupaciones de sus hijos: Camilo (de diez años) y Valentino (de cuatro). Durante la pandemia se aventuró a una nueva actividad, inspirada en sus propias expe-

riencias como mamá: el proyecto de ropa para chicos Guri Gurú. “La tarea diaria del vestir puede volverse un temón. Con Camilo, por ejemplo, que siempre prefería ponerse la remera del revés, que no usa jeans, botones ni texturas rígidas. Y también con Valentino, que tuvo sus propios desafíos. Observé que yo no era la única a la que le costaba encontrar ropa para los chicos. Lo hablé con Pamela Martinelli, que es amiga y vestuarista, me escuchó y nos pusimos a trabajar en un proyecto de indumentaria disruptiva: las prendas no tienen derecho ni revés, son reversibles, libres de etiquetas y con costuras planas para evitar las molestias que puede producir el contacto. Se adaptan a niñas y niños con hipersensibilidad sensorial, a ciertos desafíos en TEA y en motricidad. Me metí con la funcionalidad de estas prendas pero, más allá de eso, me interesaba comunicar un mensaje de inclusión. La gran enseñanza de mi vida es criar a mis hijos. Y esta es mi manera de agradecerla”.

El teatro independiente es otro proyecto familiar. Con su marido, el actor Marco Antonio Caponi, protagonista del gauchesco El romance del baco y la vaca , comparte las funciones desde afuera de la escena. “Trabajamos juntos en la puesta y me ocupo de la técnica, somos un equipo que también incluye a su

Camisa, ARMARIO 33. Chaqueta box, JAZMIN CHEBAR. Pantalón, CABU.

“EL TEATRO autogestivo ME CARGA DE UNA ENERGIA

QUE SE equilibra CON LA DE LAS SERIES: ME COMPLETA”.

sobrino. La obra es genial y el teatro autogestivo me carga de una energía que se equilibra con la de las series: me completa. En cierto momento uno necesita volver a las fuentes, al motivo por el que uno eligió lo que eligió”. A propósito de esa elección, recuerda: “A los veinte yo quería ser actriz, tenía el hambre y la sed pero no sabía bien de qué. Hace poco lo volví a elegir, porque cada tanto hago un proceso de introspección para saber si quiero seguir haciendo lo que hago. No doy nada por sentado”.

Alguna vez trabajó vendiendo garantías extendidas de electrodomésticos para poder pagarse los estudios universitarios, con un título de contadora pública en el horizonte. “Era muy difícil plantear en mi casa que quería ser actriz, no existía la libertad de preguntarme qué quería. Soy hija única de una familia de clase trabajadora de San Justo, donde no había demasiadas herramientas para el diálogo. El barrio era picante. Los hombres, rígidos. Se levantaba la voz, se golpeaba la mesa. Otras generaciones, otros recursos… Mi padre era muy duro: dejar la facultad era una tragedia griega”, cuenta esta nieta de un marinero del Peloponeso. “Costó mucho… Pero creo que todo me trajo hasta aquí: todo eso que viví es parte de la actriz que soy”. n

ESTA PAGINA: suéter, LACOSTE . Falda, SALVATORE FERRAGAMO. PAGINA OPUESTA: monoprenda sastrera, SADAELS . Guantes, CABU. Gargantilla, PICCOLA. Botas, CALA.

MAQUILLAJE: Malena Prestifilippo para Frumboli Estudio. PEINADO: Conrado Ereyra para Frumboli Estudio. PRODUCCION: Luli Rivero & Antonella Deferrari para iesCreative. ASISTENTES DE ESTILISMO Y PRODUCCION: Mel Marfetán & Macarena Varela.

LA NATURALEZA DE LAS COSAS

Cartera, SENTEZ. Empapelado La Angostura, SOFIA WILLEMOES.

Fotos MARCELO SETTON Estilismo GABRIELA SETTON

Escarpín, TAMARA x RICAGNO. Empapelado Vietnam, SOFIA WILLEMOES. Toallón, POMBA BOUTIQUE.

Abotinado, MISHKA. Reloj La Grande Classique, LONGINES. Empapelado Bosque Encantado, SOFIA WILLEMOES.

Bota, ADIDAS X GUCCI . Cartera, MISHKA. Empapelado Tropical, SOFIA WILLEMOES. Toallón, POMBA BOUTIQUE.

Collar Grecia Velvet, ALAMA JEWELRY . Cartera, ACNE. Mule, JAZMIN CHEBAR. Empapelado Metamorfosis, SOFIA WILLEMOES . Toallón, POMBA BOUTIQUE.

TIERRINA

Fotos JOSEFINA BIETTI Estilismo MARIA ZEMBORAIN

PAGINA: tapado y pantalón, DUARTE . Falda, suéter y bufanda, CORDERA PAGINA OPUESTA: minivestido de mohair, HERMES.

PAGINA OPUESTA: suéter, RUS . Pantalón, SANDA SIMONA . Collar, THEMOIRE . Escarpines sin talón, LOUIS VUITTON ESTA PAGINA: chaleco, YNES SUELVES . Bomber, LACOSTE . Remera, TOMMY HILFIGER

ESTA PAGINA: pasamontañas, RUS . Broche, CHANEL PAGINA OPUESTA: spencer, maxifalda, botas y broche, CHANEL . Pasamontañas, RUS

ESTA PAGINA: escarpines sin talón, LOUIS VUITTON . Pantalón, SANDA SIMONA

PAGINA OPUESTA: chaleco, YNES SUELVES . Bomber, LACOSTE . Remera, TOMMY HILFIGER . Cartera, YNES SUELVES . Bucaneras, TOMMY HILFIGER

PAGINA OPUESTA: chaqueta y falda, RUS . Cartera, DUARTE . Anillos, SIMUERO ESTA PAGINA: abrigo con pellerina, SALVATORE FERRAGAMO.

MAQUILLAJE Y PEINADO: Sofia Rubinstein con productos Chanel Beauty. ASISTENTE FOTOGRAFIA: Cecilia Armand Ugon. POSPRODUCCION: Lindo Estudio. MODELO: María Baza para Blow Models.

BORDA TU ALDEA

La dupla Chiachio y Giannone se define como un artista de do s cabezas y cuatro manos. Retomando lo mejor del legado de las vanguardias históricas, para ellos vida y obra ya no son asunto separado.

Por FACUNDO ABAL Fotos POMPI GUTNISKY

La historia de Leo Chiachio y Daniel Giannone parece marcada por una subalternidad múltiple que decidieron convertir en una bandera tan plagada de detalles como los bordados de sus obras. Desoyeron el mandato de género que no resistía a las parejas homoparentales, abandonaron el precepto del mundo del arte que buscaba consagrar nombres propios y finalmente tomaron una técnica bastardeada como menor y la llevaron a los museos más importantes a nivel global. Queer antes de la moda de lo queer, se convirtieron en exponentes artísticos de una comunidad que reclamaba derechos.

L’OFFICIEL: Tanto en el trabajo de ustedes como en la articulación con otros artistas hay una apuesta por lo colectivo. ¿Cuál es la posición ideológica detrás de eso?

CHIACHIO Y GIANNONE: Siempre nos interesó quebrar los límites de las prácticas artísticas. Cuando nos pusimos a trabajar juntos, sabíamos que queríamos disolver las individualidades para ser otra cosa un poco más grande. A partir de romper lo individual, empezamos a trabajar también en comunidad con otros artistas, como un grupo de bordadoras de una región rural de la provincia de Buenos Aires o, por ejemplo, en California, donde construimos una bandera con cuatro mil personas. Creemos que pensar la autoría como un nombre propio es de siglos pasados. El mundo contemporáneo nos interroga acerca de diferentes maneras de producción colectiva.

L’O: En el trabajo de ustedes hay una construcción que une arte y vida ¿Cuál fue el devenir de esta lógica?

CH Y G: Pensamos el arte y la vida como una misma cosa, no nos interesa separarlos. Cuando comenzamos a trabajar juntos, hace 20 años, fue una decisión comprender y darnos cuenta de que juntos éramos mejores y que este modo de transitar el arte atravesara todo el tiempo que estuviéramos unidos. Hay una intención de vivir en un modo de producción permanente. También hacemos una apuesta por la reutilización de materiales de uso doméstico, por darles una segunda posibilidad y rastrear todos los lazos afectivos que puede haber en la historia de las telas, por ejemplo. Los textiles tienen memoria, generalmente son donados por otras personas que nos los ceden como si nos estuviesen dando un tesoro que concentra afecto.

L’O: En la elección por el bordado como técnica se percibe también el intento de unir “lo alto” del arte con “lo bajo” de lo popular. ¿Cómo conciben esta tensión?

CH Y G: El bordado nos interesó por varios motivos, en especial, porque es una actividad o una técnica ligada al mundo femenino y nos preguntamos qué pasa cuando dos hombres se apropian de esta técnica. Hay todo un gesto político al reemplazar los pinceles y acrílicos por hilos de bordar, agujas y tijeras. Por

“SIEMPRE NOS INTERESO quebrar LOS LIMITES DE LAS PRACTICAS ARTISTICAS”.

otro lado, quisimos borrar los límites entre trabajo y género, y eso es algo que hicimos desde una primera instancia. Asimismo, la técnica del bordado nos sirvió al momento de decidir extender las colaboraciones, incluir a otros artistas con la intención de crear redes afectivas dentro del arte. Cuando elegimos el bordado como técnica y tecnología para hacer nuestro trabajo sabíamos muy bien que podía estar con una pata dentro de lo alto y otra pata dentro de lo bajo o de lo popular. Nunca sentimos que había una tensión entre un mundo y el otro, sino más bien hubo una especie de buena convivencia. Nos ubicamos en el medio tratando de conciliar esos dos universos.

L’O: Como mencionan, el bordado solía estar asociado al mundo de lo femenino ¿cómo fue el proceso de convertir el estigma en bandera, tanto desde la técnica como desde las temáticas?

CH Y G: Cuando hicimos esta especie de conversión de la pintura al bordado, éramos muy conscientes de que era una tarea asignada al mundo femenino, entonces cuando dos hombres, una pareja de hombres gay, están trabajando con esta técnica hay un posicionamiento político acerca de la propia tarea. Luego de la práctica de tantos años, y un poco de una manera a veces inconsciente, este estigma se transforma en una bandera, o una palabra en defensa de los derechos, ser portavoces de una comunidad. Una práctica hecha en un lugar muy íntimo, pero cuando la exhibís en un espacio público, se pone en diálogo con la sociedad. Además, desde un inicio hubo una decisión de ponernos nosotros como protagonistas en nuestras obras, donde mostramos que éramos una familia de dos hombres cuando no existía siquiera la ley de matrimonio igualitario o la ley de identidad de género. n

“HAY TODO UN GESTO POLITICO AL reemplazar LOS PINCELES Y ACRILICOS POR hilos DE BORDAR Y AGUJAS”.

FORMATOS ORGANICOS

Fotos GASTON PACI

poncho de chaguar y flecos de cuero, cinturón de cuero y alpaca, CURATORIA . Abotinados impresos croco, MISHKA.

trench desmontable en cuero de cactus, MILAGROS PEREDA.

lampara colgante, florero y piedra, LA CUPULA. Collar plata y ámbar mexicano, CLARISA FURTADO JEWELRY.

conjunto chaqueta, top, falda y pantalón, realizado con textiles reciclados anudados, VELASCO

PAGINA OPUESTA: faja y blazer sastrero diseñado con piezas recicladas, SOMOS DACAL. Calza de lana red, MILAGROS PEREDA. Mocasines material vegano, COPERNICO BA.

ESTA PAGINA: piedras, fotos poéticas y hoja en blanco, LA CUPULA. Collar de plata 925 y cuarzo rosa, CLARISA FURTADO JEWELRY.

MAQUILLAJE Y PEINADO: Joaquín Vega Caro. ASISTENTE DE ESTILISMO: Sofia Franci. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Kevin Enis. MODELO: Carla Rey para Look1 Models. POSPRODUCCION: Brule Studio. Agradecimiento especial a Anita Gil “La Cúpula” por su espacio donde se unen el arte y la poesía. Las naturalezas muertas de las fotos fueron realizadas en colaboración con Anita Gil.

Con ustedes NACHO

PEREZ CORTES

En su camino se cruzan nombres como Steven Spielberg, Jamie Lloyd, Elena Roger y Pablo Ramírez.

Fotos GERMAN ROMANI Estilismo DELFINA TULLI

Pantalón, AGUS CHUEIZER. Chemise y zapatillas, LACOSTE. Pintura Mecánica (óleo sobre tela, 2021), Venus (óleo sobre tela, 2022) y Medium (óleo sobre tela, 2021) por Tiziana Pierri.

PAGINA OPUESTA: camisa Mao pintada a mano, BOLAZO. Pantalón, JT. Brazaletes, FERRAGAMO. Mocasines bitono, TERRIBLE ENFANT.

ESTA PAGINA: Chomba, FERRAGAMO. Camisa lino, BOLAZO.

Por MARINA DO PICO

De General Lagos a Nueva York, de la telenovela al musical, de Bailando por un sueño a Piaf, Nacho Pérez Cortés se define como un actor heterogéneo y se potencia con lo nuevo. Siempre en busca del próximo desafío, vino a Buenos Aires a hacer teatro y las oportunidades llegaron de todos lados: telenovelas, una audición para West Side Story, un corto para la campaña de Ramírez y Piaf, el musical más exitoso de los últimos tiempos, con interpretación estelar de Elena Roger y dirección del inglés Jamie Lloyd. En una pausa tras 100 funciones y más de 160 000 espectadores, Nacho conversó con L’Officiel sobre su recorrido y sus deseos para el futuro: “Alerta a todos los directores: los estoy buscando”.

L’OFFICIEL: Actuás, cantás, bailás: sos lo que en el mundo del espectáculo llaman la “triple amenaza”. ¿Por dónde empezaste? ¿Siempre quisiste dedicarte a las tres actividades?

NACHO PEREZ CORTES: La verdad es que un poco pasó naturalmente porque yo de muy chico le dije a mis viejos “quiero estudiar teatro” y ellos me llevaron al único teatro que conocían que era el Teatro El Círculo, en Rosario. Ahí daban un curso de introducción a la comedia musical. Empecé a los siete y nunca dejé. Yo quería hacer teatro, me llevaron a hacer teatro musical y bienvenido, si venía con más cosas, mejor.

L’O: ¿Cuál fue tu mayor desafío hasta ahora?

NPC: En 2018 audicioné para West Side Story –la película de Steven Spielberg– para el personaje de Bernardo. Me presenté acá. Me llamó mi representante para decirme que la semana siguiente tenía que estar en Estados Unidos, que me quería ver Steven Spielberg. Imaginate el flash. Conseguimos la visa, fui tres veces a Nueva York durante 2018. La segunda vez fue una prueba de cámara en un estudio que armaron con la icónica escalera de West Side Story. Me sentía totalmente como un sapo

de otro pozo. En otro país, con otra gente. Aunque después el papel haya ido para otro actor, encontrar que la formación que había tenido con mis maestros acá era suficiente para encarar ese desafío fue tremendo. 2018 fue mi mundial de alguna manera.

L’O: Contame cómo fue la incorporación a Piaf, ¿te daba nervios sumarte a una obra con tanta trayectoria?

NPC: Fue un poco de inconsciencia porque yo la obra anterior no la había visto. Sabía de todo el prestigio que tenía, de todo lo que había generado, que era una obra grande, con una gran producción, que el director era inglés. Pero me fui enterando de la verdadera dimensión que tenía cuando empecé a ensayar. Ver toda la obra, el nivel de detalle, trabajar con Jamie Lloyd y con Elena Roger que son tremendos los dos. No hay otra obra como Piaf en la cartelera. Tiene el sello de un gran director y

“BUSCO SIEMPRE EL LUGAR nuevo, DONDE NO ESTOY TAN cómodo ”.

Esmoquin, RAMIREZ. Cadena y brazalete, ROMERO HECHO A MANO.

toda una producción a su disposición. Creo que es una reivindicación del género teatral. No es solo luces y actores, lo espectacular pasa a otro nivel, más emocional.

L’O: ¿Cómo es el clima de trabajo en la obra? ¿Te llevás bien con tus compañeros de elenco?

NPC: Me llevo superbién. Yo soy uno de los nuevos, no estuve en la versión anterior. Pero nunca sentí ningún tipo de diferencia, me abrieron los brazos desde el momento cero. No podría pedir mejores compañeros y eso es clave cuando hacés tantas funciones. Del teatro me gusta esa confianza, llegar y conocer a todo el mundo: es algo familiar. Lo opuesto a lo que es la tele o el cine donde a veces no tenés tiempo de preparación o no conocés del todo a la gente y te vas encontrando en el proceso.

L’O: Fuiste parte de la campaña de Ramírez, ¿te gustaría participar en más proyectos relacionados al mundo de la moda?

NPC: Me encantaría. Más cuando hay alguien como Pablo que tiene una visión tan clara y lo que hace es tan hermoso, tan cinematográfico. Hicimos un corto en homenaje a Jean-Luc Godard. Es una moda que va de la mano de la narrativa y tiene una línea, un autor. Eso me interesa muchísimo. Ser parte y colaborar con alguien que tiene una idea y una visión.

L’O: ¿Cuál es tu meta para los próximos años?

NPC: Hacer más cine. Busco siempre el lugar nuevo, donde no estoy tan cómodo. A ver de dónde saco herramientas para hacer lo próximo, eso me parece maravilloso. Esos pequeños momentos de crisis donde no sabés para dónde disparar: me parece que son los que sacan lo mejor de uno. n

Chomba y pantalón, FERRAGAMO. Camisa lino, BOLAZO. Trench, TRAMANDO. Mocasines bitono, TERRIBLE ENFANT.

DE ESTILISMO: Lara Martinsen. MAQUILLAJE Y PEINADO: Joaquín Vega Caro. POSPRODUCCION: Reto Studio. AGRADECIMIENTO: Galería Nora Fisch por su colaboración en esta nota.

INSPIRADORA

Annika Sörenstam , una de las mejores golfistas de todos los tiempos, Testimonial de Rolex y referente para miles de jóvenes deportistas en el mundo.

Por ANDREA LAZARO

tenía cuando comencé. Obviamente, soy competitiva y quiero hacerlo bien, pero en última instancia es un juego. Cuando salgo del campo y regreso a casa, mis hijos todavía están allí y mi esposo todavía me quiere. Antes, el golf consumía mi vida, siempre centrada en los resultados y el rendimiento. Ahora puedo dar un paso atrás y disfrutar de la experiencia del juego.

En 2008, cuando sintió que había logrado todo lo que se había propuesto, Annika Sörenstam se retiró de las competencias. Para entonces, estaba en la cima de su carrera. “Me alejé cuando ya no sentía el mismo deseo, la misma motivación”, dice la golfista sueca Testimonial de Rolex a L´Officiel Argentina en una charla exclusiva.

Annika se adjudicó once Majors, ganó setenta y dos torneos de la LPGA –Ladies Professional Golf Association– y fue elegida Rolex Player of the Year en ocho ocasiones, una marca no superada hasta el día de hoy. En 2021, la mujer que cambió la forma de ver y jugar golf femenino volvió a participar en un campeonato –el Women ‘s Senior U.S. Open– y salió victoriosa una vez más. En el interín, formó una familia, creó su propia marca de negocios y dio origen a Annika Foundation, un espacio desde el que trabaja para el desarrollo de las nuevas generaciones de mujeres en este deporte a la vez que transmite la importancia de una vida sana a través del ejercicio y la nutrición.

L’OFFICIEL: ¿Cree que actualmente existen más oportunidades para las mujeres en el golf?

ANNIKA SORENSTAM: Ciertamente. Esa es una de las cosas que hacemos desde Annika Foundation, nuestro objetivo es brindar oportunidades a las niñas y jóvenes de todo el mundo. Estamos viendo un interés creciente, cada vez más organizaciones a nivel global dan la bienvenida a las mujeres. Está sucediendo, pero sin dudas es algo que puede mejorar.

L’O: En 2021 volvió a competir profesionalmente luego de trece años de ausencia ¿Cómo fue para sus hijos verla entrenar y jugar?

AS: Lo disfrutaron mucho, la verdad es que solo me habían visto jugar en YouTube. Toda la familia es parte de esto y ellos lo saben. Hemos conocido lugares a los que probablemente no hubiésemos llegado de otra manera. Estamos construyendo esos nuevos recuerdos juntos.

L’O: ¿Qué le han aportado los años?

AS: Bueno, cuando te alejás ves todo bajo una nueva perspectiva. Ahora que soy mayor y tengo mi propia familia valoro otras cosas. Al madurar vamos aprendiendo de nuestros aciertos y errores, así que hoy tengo un enfoque del juego distinto al que

L’O: Usted está muy presente en las actividades que lleva adelante la Fundación, interactuando con niñas y jóvenes ¿Qué es lo que más desea transmitirles?

AS: El golf me ha dado tantas, tantas amistades y experiencias. El juego es para todos, no importa la edad o el género. Tampoco tu nivel de habilidad, siempre podés divertirte, aprender y mejorar. Para las jóvenes y las mujeres de negocios es una gran herramienta para establecer contactos y construir relaciones. Es una pasión y una oportunidad. Además, favorece una vida activa y saludable.

L’O: A partir de las experiencias en América Latina ¿Cuál es su opinión sobre el potencial del deporte, en particular, en Argentina?

AS: En noviembre de 2022 visitamos Argentina por sexta vez. Los primeros años llegamos con el certamen Annika Invitational Latin America y, en los últimos dos, con el campeonato Women’s Amateur Latin America. Ha sido un encuentro realmente bueno, muy emocionante. Hemos visto el crecimiento de las chicas no solo en calidad sino también en profundidad. Cada vez se suman más participantes de diferentes nacionalidades. Encuentro que aquí el deporte es muy joven en comparación con otros lugares; hay espacio para crecer. Algunas de las superestrellas que tiene Argentina por el mundo inspirarán a otros. Vamos a continuar trabajando para asegurarnos de que el golf femenino se desarrolle saludablemente en esta parte del mundo. En el futuro seguiremos viendo a más niñas jugando en nuestros torneos en Estados Unidos, aprendiendo una nueva cultura, un nuevo idioma y llevando el juego a otro nivel.

L’O: En una de las iniciativas de la Fundación, la clínica Share my Passion (Comparte mi pasión) les pide a las niñas que escriban una carta abierta dirigida a otras de su edad diciéndoles por qué aman el golf ¿Qué diría usted?

AS: Creo que hay varias cosas que me gustan de este deporte. Una de ellas es que es difícil, todos los días son diferentes, siempre hay algo que aprender. Es un juego muy desafiante y lo podés practicar por tu cuenta a diferencia del tenis –otro deporte que jugué mucho–, en el que necesitás un compañero. Es una actividad individual y social a la vez, porque siempre estás interactuando con otras personas. Además, es para toda la vida. Yo empecé cuando tenía doce años y ahora tengo cincuenta y dos. Veo jugar a mi hijo de once y a mi

papá de ochenta y uno. Por otra parte, te permite viajar y conocer otros campos que siempre son distintos. Hoy estás en Argentina y mañana en Hawái o en Escocia ¡El entorno es tan cambiante!

L’O: Esta pasión por el golf es compartida con Rolex ¿Qué nos puede decir acerca de este vínculo que comenzó tan temprano en su carrera?

AS: Tengo la suerte de estar asociada a una de las mejores compañías del mundo. No se trata solo de una pieza de joyería extraordinaria sino de las personas con las que estoy en lo cotidiano. Todo lo que hacen es de primer nivel y tiene un sentido, un propósito. Con ellos sabés que las cosas se harán bien y eso es superimportante para mí. Además de compartir el compromiso con el juego, en especial con el golf femenino, tenemos valores y una filosofía de vida en común. Nuestro vínculo comenzó cuando yo era una novata en la LPGA. En 1994 me convertí en la Rolex Rookie of the Year y, un año después, fui elegida Rolex Player of the Year por primera vez. Me apoyaron mientras competía y más aún cuando dejé de hacerlo. Agradezco estar acompañada por Rolex, es algo que me enorgullece mucho. Hoy continuamos juntos inspirando a la próxima generación de jugadoras y brindándoles las oportunidades que tal vez no tuvieron antes. Annika Foundation comienza a transitar su año número quince, así que esperamos seguir haciendo un buen trabajo en todo el mundo. Me apasiona retribuir, al menos en parte, todo lo que el golf me ha dado. n

“DESDE Annika Foundation , NUESTRO OBJETIVO ES BRINDAR oportunidades A LAS NIÑAS Y JOVENES DE TODO EL MUNDO”.

Diálogo FLUIDO

Tiene raíces marroquíes, francesas e israelíes. Crea espacios lujosos en los que conecta magistralmente el arte, los detalles históricos, los paisajes, el mobiliario a medida y los materiales complementarios o de contraste. Isabelle Stanislas acaba de ser contratada para renovar el emblemático Palacio del Elíseo de París, desde 1873 residencia oficial de los presidentes franceses. En 2021 Rizzoli publicó una monografía de su obra. Ahora, en esta conversación con L’Officiel, la arquitecta y diseñadora de interiores reflexiona sobre el camino recorrido hasta llegar a la creación de su estética característica, cálida y contemporánea.

L’OFFCIEL: ¿Por qué elegiste la arquitectura?

ISABELLE STANISLAS: A los 16 años, visité la Academia de Artes y Diseño Bezalel en Jerusalén. Me inspiraron la libertad que reinaba en los cursos y el estilo de enseñanza. Fue esa libertad lo que me llevó a emprender ese camino, más que la arquitectura en sí misma. Entonces tomé cursos en una escuela de arquitectura interior en París, donde aprendí a dibujar y luego me presenté como ingresante en la Beaux-Arts de París. Sabía que no era fácil, pero me jugué y me aceptaron.

L’O: ¿El dibujo aún ocupa un lugar importante en tu trabajo?

IS: Sí. No diseño ningún proyecto sin un boceto previo. Me gusta dibujar. En un rollo de papel de calco todo el proyecto se despliega.

Isabelle Stanislas, arquitecta y diseñadora de interiores, combina un enfoque contemporáneo con el respeto por la historia y la artesanía. Vive en París, donde colabora con firmas como Hermès, Cartier, Céline y Zadig & Voltaire.

L’O: Tus primeros trabajos como arquitecta se desarrollaron en torno a la moda. ¿Qué relación previa tenías con ese mundo?

IS: Nunca me había conectado con la moda, pero por casualidad conocí a Thierry Gillier, que acababa de inaugurar la boutique de Zadig & Voltair en Les Halles . Tres meses después, me llamó para un proyecto. Fue una buena manera de ingresar al ámbito de la moda: muy femenino, de un ritmo acelerado y bastante diferente del de la arquitectura, más lento y masculino. La moda está en constante movimiento, con colecciones nuevas cada tres o seis meses. En la arquitectura, un proyecto puede llevar años.

La primera tienda que hice para Zadig & Voltaire fue la de Rue des Francs-Bourgeois . Mantuvimos el espacio bastante despejado, una propuesta diferente para lo que eran los locales en esa época. Luego, trabajamos juntos en la boutique de Rue

Francois-Ier, donde surgió el verdadero concepto, y ese diseño se aplicó posteriormente a las tiendas de todo el mundo. Más tarde, colaboré con marcas como Hermès y Schiaparelli y hoy en día trabajo principalmente con Cartier.

L’O: ¿Cómo abordás un nuevo proyecto?

IS: Me centro en dos puntos. El primero son los clientes: cada uno tiene su identidad propia, y eso es muy importante para mí. El segundo es el lugar, con su herencia, sus tradiciones y su estilo de vida. Mi trabajo consiste en combinar estos dos parámetros: por un lado, las limitaciones vinculadas a las preferencias del cliente y por otro, el respeto por el lugar. Cuando presentamos un proyecto, muchas veces lo hemos trabajado por uno o dos años, es una aventura a largo plazo. Es como un matrimonio, requiere confianza. Las personas acuden a mí con sueños y depende de mí hacerlos realidad.

L’O: ¿Dónde encontrás inspiración?

IS: ¡Viajando! Para mis vacaciones me encanta probar lugares retirados y tranquilos, en Portugal, Marruecos, España, dondequiera que mi mente pueda hacer una pausa y que al mismo tiempo me permitan observar el mundo y recargar las baterías. Pero mi principal fuente de inspiración es el arte.

L’O: ¿Quiénes son tus artistas favoritos?

IS: Cy Twombly, Rudolf Stingel, Damien Hirst. También soy una gran admiradora de las obras de Tadashi Kawamata, más concentradas en el volumen. Me gusta mucho el trabajo de Francois Morellet, gran creador de arte cinético

L’O: ¿Cómo incorporás la naturaleza en tu trabajo?

IS: Me encanta trabajar con paisajes. En Comporta, Portugal, fue maravilloso instalar casas entre los pinos. Trabajar con la vegetación del mismo modo en que se lo hace con la arquitectura

ARRIBA. Isabelle Stanislas fotografiada por Elina Kechicheva PAGINA IMPAR. Dos proyectos en París. Fotografías de Matthieu Salvaing. PAGINA ANTERIOR. Casa en Londres, barrio de Chelsea.

“LAS PERSONAS ACUDEN A MI con SUEÑOS: DEPENDE de MI HACERLOS REALIDAD”.

permite una auténtica inmersión del exterior en el interior. En todos los proyectos que realicé en Portugal, la naturaleza fue muy importante: había que integrar los árboles ya existentes en el corazón de la construcción.

L’O: ¿Quiénes son tus mentores?

IS: Tadao Ando, porque da vida al hormigón y logra que parezca liviano. Renzo Piano, cuyo enfoque es a la vez global y puro en los detalles; es un arquitecto capaz de crear un proyecto a partir de un solo elemento, incluso de un tornillo. También me gusta mucho el trabajo de Louis Kahn, verdadero maestro de la simetría, de la materia.

L’O: ¿Cuál es tu proyecto soñado?

IS: Me encantaría diseñar un museo o un espacio cultural.

L´O: La artesanía y el trabajo a medida son inseparables de tu profesión; se trabaja con materiales de lujo

IS: He estado trabajando con artesanías francesas y con casas muy antiguas por 20 años. Sin ellas, nada puede hacer el arquitecto. Los artesanos que contrato tienen plazos de entrega muy largos, pero esa es la garantía de su excelencia y de la pasión que ponen en su tarea. También me gusta convocar a talleres de ebanistería para realizar prototipos de muebles, donde el trabajo a menor escala es importante. La madera y el mármol son mis materiales favoritos.

L’O: Tu libro, Isabelle Stanislas: Diseñando espacios, dibujando emociones, repasa doce proyectos emblemáticos y además, su lanzamiento fue acompañado de una fragancia. ¿Por qué esos doce? ¿Y por qué un perfume? IS: Completar el libro llevó alrededor de dos años. Como he trabajado mucho en Paris, quise hablar sobre la herencia de departamentos de los siglos XVII y XVIII. Pero, sobre todo, evité que se convirtiera en un catálogo de lugares. Puse mucha energía en este libro y estoy muy orgullosa del resultado. Decidimos lanzar al mismo tiempo una firma olfativa (una vela y un aromatizador ambiental) en colaboración con D’ Orsay, especialista en perfumería hecha a medida. Se llama 20.15 Presque prête, (Casi lista) porque es un momento en la historia de mi vida: antes de una noche que promete ser un torbellino. Me cautivó la idea de asociar un aroma con mi trabajo. n

“LA MADERA y el MARMOL son mis MATERIALES FAVORITOS”.

IZQUIERDA. Departamento en París, cerca de la Plaza del Trocadero. PAGINA IMPAR. Departamento en París, cerca del Palais-Royal.

BUENA FIBRA

Adriana Marina lidera proyectos de moda sustentable reconocidos internacionalmente. Guardiana de la tradición y las buenas prácticas.

Por MARA BEGER BALBOA

L´O: Se presentan como una marca de lujo sustentable, ¿qué características debe tener una prenda para considerarla dentro de estos parámetros?

“animaná es una historia de amor, de volver al pensamiento del corazón, al espíritu de las cosas, para así ser parte de las soluciones y transformaciones del mundo que ameritamos”, con estas palabras improvisadas, cálidas, abre el diálogo Adriana Marina, fundadora de la marca de ropa animaná y de la ONG Hecho por nosotros, que posee estatus consultivo en Naciones Unidas Doctora en economía, especialista en desarrollo local, desigualdad y pobreza en América Latina, este año recibió el premio al Nuevo Paradigma Empresario que otorga la Cámara de Comercio de los Estados Unidos en Argentina (AmCham) por su trabajo en pos de una industria más ética, transparente e inclusiva. “Nunca entendí la moda, nunca fui parte”, asegura, entre risas, como si algo de eso todavía la sorprendiera, y cuenta una anécdota que pareciera fundar su mito de origen: “Cuando era chica encontré una definición que decía que la moda era ese extraño fenómeno por el cual hoy te gusta algo que no te gustaba ayer ni te gustará mañana. Jamás me aprendí de memoria una frase, una canción, pero por algún motivo, siempre me la acordé. Creo que, sin ser parte del universo de la moda, pude hacer un modelo atemporal, disruptivo, inspirado en la naturaleza”.

En su camino se cruzó con Dominique Peclers, fundadora de Peclers París y destacada consultora de moda internacional, quien la asesoró y trabajó con ella durante más de seis años: “Me dijo que si quería que animaná tuviera alguna posibilidad, no buscara un diseñador, que animaná era como yo me vestía, como yo sentía”.

L´OFFICIEL: ¿Cómo y cuándo comienza a gestarse animaná?

ADRIANA MARINA: Tuve la suerte de nacer y crecer en la Patagonia, y desde muy pequeña, gracias a mi abuela, entendí el gran mensaje de la naturaleza como maestra de vida. Además, a lo largo de los años, construí una relación con muchas comunidades andinas de productores y artesanos textiles, y fui testigo del esfuerzo que requiere una fibra de calidad.

Esa experiencia me motivó a fundar animaná y la ONG Hecho por Nosotros en 2008. El objetivo siempre fue dar a conocer la cultura, la historia y los saberes de las comunidades andinas de América Latina a través de sus productos textiles.

AM: Para los pueblos andinos, la conexión con la naturaleza es muy importante, la perciben viva, y le tienen un gran respeto y consideración. Además, comprenden que el mundo es un lugar complejo y que todo está interconectado. Animaná nace con el único objetivo de hacer negocios bajo estos principios centrados en el equilibrio, la regeneración y el respeto a la naturaleza. Así, logramos crear un modelo que trabaja sobre toda la cadena de valor de los productos, en transparencia, trazabilidad y fortalecimiento de las buenas prácticas. Esto abarca desde la esquila para la posterior producción de fibras naturales; el diseño como elemento de creación de productos de larga vida, contemporáneos y atemporales; hasta la comercialización.

L´O: ¿Cómo es el proceso creativo?

AM: Se sostiene en la cocreación y colaboración con las comunidades de artesanos y productores textiles de la Patagonia, Perú, Bolivia y los Andes utilizando siempre la tradición artística local. No se trata de aprender de ellos cuáles son sus técnicas, sino de construir con ellos para comprender cómo sus diseños podrían resonar en las sociedades urbanas de hoy.

L´O: ¿Trabajan por temporada?

AM: Nuestras colecciones están desarrolladas como los nuevos clásicos, teniendo como base la simpleza, la sencillez y la expresión de la fibra. Creamos prendas pensadas para perdurar más allá de las modas, que se adapten a distintos cuerpos, ocasiones de uso y climas. Además, aprovechamos la gama de colores naturales que expresan la riqueza de las fibras con las que trabajamos.

L´O: Fundaste la ONG Hecho por nosotros, ¿qué transformaciones se están dando dentro de la industria textil en el compromiso con el medioambiente?

AM: Vemos que cada vez son más los consumidores que esperan que las marcas sean responsables. Sin embargo, la sostenibilidad se está volviendo una palabra demasiado fácil de usar, sobre todo por las grandes empresas, sin que llegue a tener un alcance real. Para crear nuevas soluciones, debemos imaginar nuevos modelos fuera de los sistemas actuales. n

Foto: gentileza Sol Abadi para Adriana Marina.

“SIN SER parte DEL UNIVERSO DE LA moda, PUDE HACER UN MODELO atemporal, DISRUPTIVO, INSPIRADO EN LA naturaleza ”.

LA REVOLUCION PENDIENTE

Podrá no tener la urgencia de la lucha contra la violencia patriarcal ni el aura de liberación de la pelea por la autonomía sexual y reproductiva. Así y todo, la batalla por una distribución más justa de las tareas de cuidados sigue siendo la piedra de toque. A partir de esa desigualdad se multiplican las formas de discriminación contra las mujeres.

Por FERNANDA SANDEZ

Mientras no se lo midió, no hubo problemas. Justamente porque a nadie le preocupa por ser incuantificable y –en un mundo en el que pesar y medir parece ser la precondición para existir– esa infinidad de horas dedicadas a las mal llamadas “tareas del hogar” (¿hay acaso algo más nuestro que esas benditas tareas?) entraron en un cono de sombras. Y si nadie las veía, si nadie las contaba, finalmente desaparecían. Hasta que, como ya sabemos, desde la economía feminista las mujeres llegaron –más que a patear el tablero– a sincronizar el reloj. A contar eso en lo que hasta entonces nadie había reparado justamente porque era “cosa de mujeres”: limpiar, acompañar, cuidar, ayudar con los deberes del colegio, llevar padres y madres al médico, chicos a cumpleaños y mascotas a vacunar.

Recién entonces lo oculto se reveló, se impuso. Y fue como la famosa imagen del gorila invisible: nadie lo detectaba porque nadie lo estaba buscando, no porque el animal no estuviera allí. Con el tiempo –no invisible sino invisibilizado– de las mujeres pasó lo mismo: de repente descubrimos que trabajábamos más que ellos en tareas no remuneradas y, además, esas carradas de tiempo de vida dedicadas a cuidar a la familia primero y al resto del mundo después nos dejaban sin energía, sin empleo y sin dinero. Si llegamos a jubilarnos, siempre es en peores condiciones porque –así ocupemos el mismo cargo que un hombre– nuestro salario siempre será menor.

El cálculo es bien simple: si el día tiene 24 horas, dormimos cerca de 8 y trabajamos otras tantas a cambio de un ingreso, ¿qué sucede con las demás? En Argentina, la última encuesta nacional de uso del tiempo confirmó lo que ya sospechábamos: las mujeres pasamos el doble de tiempo que los hombres (esto es, casi siete horas) haciendo tareas de cuidados, en toda su diversidad. De hecho, según la Comisión Económica para América Latina y el Caribe (CEPAL), “en la región ya antes de la pandemia, las mujeres dedicaban el triple de tiempo que los hombres al trabajo de cuidados no remunerado, situación que se vio agravada por la creciente demanda y la reducción de la

oferta de servicios causada por las medidas de confinamiento y distanciamiento social adoptadas para frenar la crisis”.

El punto es que –mientras la pandemia parece superada– la bajante deja a la vista un panorama desolador para las mujeres. Perdimos casi dos millones de empleos que nos está costando mucho recuperar, estuvimos en la primera línea de fuego en la lucha contra la covid-19 (médicas y enfermeras saben de qué hablamos) pero también al frente de la reorganización de la dinámica cotidiana en nuestras casas. Resultado: los avances en derechos femeninos sufrieron un retroceso terrible, equivalente a haber hecho volver las agujas del reloj dieciocho años para atrás. Casi dos décadas. Seguimos pues trabajando tanto o más que antes, mientras perdemos oportunidades, dinero y seguridad. Además de energía y salud, desde luego.

Nuevamente según cálculos de la CEPAL, el trabajo no pago de mujeres y niñas genera una riqueza equivalente a entre el 15 y el 25 % del PBI de cada país de la región. Esa es solo una de las razones por las cuales, en 2023, el tema de los cuidados ya está en agenda y motoriza leyes. Pero, tratándose de un año electoral en Argentina, también se les pedirá a candidatos y candidatas que expliquen cómo se ocuparán del tema si llegan a ganar. En nuestro país reposa desde hace meses en el Congreso de la Nación un proyecto de ley al respecto. Fue enviado por el Poder Ejecutivo en 2020, pero aún no ha sido debatido por ninguna de las cuatro comisiones por las que debe pasar para su tratamiento. Al mismo tiempo, en 2022, nuestro país, sede de la XV Conferencia Regional de la Mujer de América Latina y el Caribe, tuvo como tema central, justamente, la sociedad del cuidado. Pero, ¿cómo pasamos de las buenas intenciones a la realidad?

Natalia Gherardi, abogada y directora ejecutiva del Equipo Latinoamericano de Justicia y Género (ELA), habla de la pandemia como una oportunidad para comenzar a ver lo que nunca miramos. “De pronto, sin servicios, sin ayudas, la vida cotidiana nos enfrentó con la realidad de las muchísimas tareas que alguien debe asegurar para poder alimentarse, descansar, formarse, trabajar. Esa mayor conciencia no necesariamente generó cambios rotundos en la forma en que se organizan las tareas ni modificó roles, pero al menos permitió mostrar la centralidad que tiene el tema para el sostenimiento de la vida”, explica. Pero, ¿qué es lo que falta entonces para que el cuidado realmente sea entendido como lo que es: un bien social? Según la experta, todavía falta “avanzar en servicios e infraestructura para poder redistribuir y reducir la carga que esto implica sobre todo para las mujeres más pobres”. La pregunta del millón: ¿hay dinero para esto? ¿Cómo se financia? ¿Cuánto le costaría al Estado implementar una política que ya no dejara exclusivamente en manos de las familias el cuidado de niños, adultos mayores o personas

enfermas? Según explica, “todas las políticas públicas requieren inversión del Estado y es importante que se destinen recursos. Si se presta especial atención a ciertas poblaciones y ciertos territorios, se fortalecerá una parte importante del motor del desarrollo mejorando las condiciones para el empleo de las mujeres. Además, garantizar el cuidado de calidad sobre todo en la primera infancia y la niñez representa beneficios muy concretos para el presente y el futuro de las nuevas generaciones. Son costos que es importante encarar con inteligencia porque son estratégicos”, precisa. Justamente por eso, la mayoría de los observadores coinciden en señalar que los cuidados deberían ocupar un lugar central en las plataformas políticas de quienes se postulen a cargos en 2023. Y no solo por un tema económico sino también como estrategia de lucha contra la violencia de género. No por casualidad, y aun cuando ese fenómeno atraviese todos los sectores sociales, son las mujeres más pobres quienes cuentan con menos herramientas para romper el círculo del maltrato y alejarse del agresor. En ese sentido, los cuidados son parte central de una sociedad más equitativa. “Creo que cualquier candidato o candidata que quiera proponer un plan de desarrollo productivo para la Argentina necesita ocuparse de este tema de fondo. De lo contrario, se perderá la oportunidad de incorporar la fuerza de trabajo de las mujeres”. n

“EL TRABAJO no pago DE MUJERES Y NIÑAS GENERA UNA RIQUEZA equivalente A ENTRE EL 15 Y EL 25 % DEL PBI DE CADA país DE LA REGION”.

kit de VERANO

Productos que capturan mágicamente la esencia de las vacaciones, pequeños talismanes de felicidad que invitan al relax, a la ensoñación, pero también a la aventura y a la sensualidad. Perfumes que evocan lugares exóticos, construidos en torno al nardo o al ylang ylang, o muy chic y sutilmente andróginos. Tierra y aceites con un resplandor casi imperceptible, para sublimar el bronceado. Un cuidado de la piel que se reduce a lo esencial para restituirle brillo, tonicidad, definición y firmeza. Un maquillaje casi inmaterial, un ligero velo de color y transparencia.

El olor salado del mar, las tardes de arena y sol, la piel bronceada, las noches infinitas. Los productos de belleza del verano acompañan y acentúan los momentos de ocio y disfrute. Las fragancias ligeras y frescas con notas florales o frutales –especialmente de la familia de los cítricos– evocan lugares de vacaciones y fantasía. “Se busca que las primeras notas sean chispeantes”, dicen desde Guerlain y lo demuestran con su colección Acqua Allegoria de florales brillantes con rosas o flor del cerezo, y de cítricos que trasportan los sentidos a un viaje lleno de sol. Las colonias y aguas perfumadas expresan el espíritu de los meses cálidos. En esta categoría se encuentra la línea floral Agua

Fresca de Adolfo Domínguez con ejemplares de rosas blancas y de azahar. Les Eaux de Chanel, están inspiradas en los lugares que marcaron la vida de Gabrielle Chanel. Rivières de Cartier, con sus eaux de toilettes frescas, creadas por Mathilde Laurent, perfumista de la casa francesa, se suman a la propuesta. Una de ellas, Allégresse, trae acordes de Jacinto y nardo que se mezclan con los de grosella negra y bergamota. Paula’s Ibiza Eclectic, de Loewe, es exótica y festiva. Posee notas de flor de azahar, jazmín sambac, mandarina de Madagascar y pimienta negra.

Como los perfumes de verano suelen ser más ligeros, se recomienda aplicarlos sobre la piel limpia, seca e hidratada, especialmente en los puntos de pulso, más calientes y húmedos.

También los aceites corporales aportan aroma a playa. Con el extra de luminosidad de sus partículas iridiscentes, resaltan el bronceado y devuelven luz a las pieles apagadas, mientras nutren en profundidad. Entre ellos, Les Beiges Huil Illuminatrice de Chanel, un aceite seco que deja un velo de luminosidad satinada. Una fórmula con una textura ligera que suaviza la piel

ARRIBA, A LA IZQUIERDA. “Hermès Plein Air”, bálsamo para la piel que aporta un acabado natural y luminoso, HERMES. “Epices exquises”, fruto de la fascinación del maestro perfumista Thierry Wasser y de su colaboradora Delphine Jelk por el café al cardamomo, omnipresente en Medio Oriente. Un perfume rico en contrastes con un fondo amaderado ahumado, GUERLAIN. “Les Beiges Maxi“, polvos iluminadores, CHANEL. “All Day All Year”, tratamiento antiedad, SISLEY. “Soft Pinch Dewy Liquid Blush Believe”, RARE BEAUTY. “Rosso Valentino Blushing Nude”, uno de los cinco tonos de la nueva colección Nude Intensa de VALENTINO BEAUTY. “Ombre éclat liquide Bronze”, sombra de ojos líquida, y “Phyto-

y le agrega reflejos cobrizos al cabello. El Aceite Sublimador Antiedad Polysianes de Klorane para usar en el rostro, cuerpo y cabello otorga un toque dorado bastante intenso y tiene propiedades antioxidantes.

Los iluminadores faciales cumplen la función de destacar la piel. Se aplican sobre los puntos del rostro que se quieren resaltar como el arco de Cupido de los labios, la parte alta de los pómulos y las mejillas, arriba de las cejas, en el lagrimal para agrandar la mirada y en el tabique de la nariz para afinarla. Para el kit de belleza: Dior Backstage Glow Face Palette tiene cuatro tonos con partículas de brillo sutiles, que no dejan rastros marcados de purpurina. Y la colección Hermès Plein Air de Hermès Beauté trae una base de maquillaje, pequeños papeles matificantes y dos productos en polvo con un halo rosa dorado.

Si se busca un efecto de ultrahidratación en todo el rostro se recomienda mezclar la base de maquillaje con un iluminador líquido. Una piel plena de vitalidad siempre nos va a recordar que estamos en la época del año perfecta para brillar.

Rouge Shine Sheer Chili” con efecto relleno y superhidratante, SISLEY. ABAJO, DESDE LA IZQUIERDA.“Do Son”, el aroma embriagador del nardo se funde con el salobre del mar, DIPTYQUE.“Sérum-en-brume N°1”, tratamiento tonificante para el cuerpo con extracto de camelia roja, CHANEL.“Les Beiges”, aceite iluminador para el rostro, el cuerpo y el cabello. CHANEL.“Born in Roma Coral Fantasy” para mujer, VALENTINO BEAUTY.“LumiMask”, VALMONT.“Paris-Paris”, fragancia floral chispeante de rosa damascena y pimienta rosa sobre un fondo de pachuli. Fresquísima, energizante, CHANEL.“Infusion d’Ylang”, perfume de bergamota, ylang ylang, cardamomo y sándalo, PRADA. Bolsa, MARNI MARKET.

Catarina Bianchi.

LO BELLO ES SIMPLE

Bitácora de la selección de Max Mara para despertar los sentidos de la moda. En Patio Bullrich y con sus fieles clientas de la pasarela a la calle.

Fotos: Miqueas Martyn.

1. Mariana Arias.

2, Amanda Nascimento.

3. Lola Bello.

4. Willany Santana y Tiziana Espósito.

5. Catarina Bianchi

y Petra Arias.

6. Mariana González y Bárbara Fuks.

7. Agustina Riadigos.

8. Jazmyn Barvaro.

9. Angelita Landaburu.

10. Eugenia Rebolini.

7

BUENOS AIRES VIOLETA

La floración de los jacarandás fue el escenario para que Tanqueray y la actriz Malena Ratner presentaran una tendencia de temporada: las berries, en la paleta de moda y en el nuevo gin.

En el verano los jacarandás ofrecen un espectáculo único en Buenos Aires. La ciudad cambia de color y se transforma en un majestuoso paisaje violeta. Motivada por este fenómeno e inspirada en el inconfundible sabor y color de las berries francesas de su nuevo gin, Tanqueray, la marca de origen inglés, realizó una producción con la actriz y artista Malena Ratner para lanzar Tanqueray Royale.

Malena lució diseños para la noche y otros más urbanos. Desde un traje de terciopelo combinado con un pañuelo de seda con aplicaciones, hasta una camisa blanca con una falda extra larga plisada. Prendas en diferentes texturas que reflejan el color del ingrediente clave de Tanqueray Royale. Este nuevo gin es el tercer miembro de la familia Tanqueray en el país, luego del clásico London Dry Gin y el cítrico sabor de la versión Flor de Sevilla con su mix de botánicos y naranjas sevillanas.

“La categoría de gin continúa creciendo debido al aumento de ocasiones de consumo diurnas y más relajadas, y el excelente rol que tiene esta bebida como aperitivo y para acompañar comidas. Tanqueray siempre ha sido elogiado por su inconfundible sabor y calidad, y el nuevo Tanqueray Royale busca responder a la demanda de los consumidores de nuevas y atractivas opciones de sabor, en este caso con un perfil más dulce”, dice Inés Caruso, Directora de Marketing & Innovación para el Cono Sur de Diageo, la empresa de bebidas espirituosas que comercializa la marca en todo el mundo.

Tanqueray Royale lleva una deliciosa mezcla de berries francesas, notas de vainilla y el inconfundible sabor de los botánicos de Tanqueray London. n

RECETA

Para preparar Tanqueray Royale & Tonic: servir 40 ml de Tanqueray Royale en un copón y llenarlo con hielos hasta el tope. Completar con 120 ml de agua tónica, decorar con arándanos frescos ¡et voilà!

VOZ colectiva

“La propuesta y el sentido de reunirnos y confluir en una colectiva surge en nosotras ante la necesidad de generar un quiebre”, dice Laura, integrante de Hay Futura, un movimiento de trabajadoras del diseño que impulsa la práctica proyectual con perspectiva de género, sumándose de esta manera a la agenda feminista. “En muchas acciones usamos una voz colectiva; en otras, que demandan cuerpo y cabeza para crear algún producto o acción particular, buscamos que no se diluya el aspecto profesional-individual que cada compañera otorga, aunque siempre enmarcado en Hay Futura”, sostiene este grupo formado por profesionales que se especializan en diseño aplicado, gestión de proyectos, docencia, investigación y consultoría. En medio del confinamiento por la crisis sanitaria de la covid, Hay Futura se armó en un principio como grupo de whatsapp. En la actualidad está integrado por 50 compañeras activas que mantienen la idea inicial de la colectiva como espacio de intercambio y reflexión. “Nos unía la necesidad de agruparnos para pensar el diseño desde una dimensión política, desde la perspectiva de género, para reflexionar y debatir sobre nuestra profesión y nuestra situación como mujeres trabajadoras en esta disciplina”, y así lo estipulan en su Manifiesto, que con lenguaje declarativo presenta su programa de acción para mostrar los nuevos principios que ya comenzaron a implementar. Por ejemplo, Hay Futura fue finalista en la 7ma Bienal Iberoamericana de Diseño, donde eligieron enviar como propuesta su propio modelo organizacional feminista, la colectiva y su armado como constantes y vivos procesos de diseño. Otra de las acciones fue en la casa del Bicentenario. Allí, Hay Futura presentó “Poner el cuerpo, ser voz colectiva”, una intervención que buscaba desarmar la idea de espectador pasivo. “Nos sumamos desde nuestro campo específico y desde nuestra herramienta más poderosa: el diseño”, declaran en el manifiesto: “Hay diseñadoras reunidas. ¡Hay Futura!”

“NOS UNIA LA necesidad DE AGRUPARNOS PARA

PENSAR EL diseño DESDE LA PERSPECTIVA DE género ”.