L'OFFICIEL ARGENTINA DECEMBER 2022

Por Paula Latimori

Elegance is an attitude

Jennifer Lawrence

THE LONGINES MASTER COLLECTION

Encuéntrelo en www.longinesargentina.com y en Agentes Oficiales Longines

SOFIA KLIMKOWSKI

Por Juan Mathé

Dr. Calvin Choi

COMITE EDITORIAL

Giampietro Baudo

Caroline Grosso

Jennifer Eymère

DIRECTOR DE CASTING

Jennifer Eymère

CASTING,PRODUCTION Y BOOKING

Joshua Glasgow

EQUIPO GRAFICO

Giulia Gilebbi - Art direction

EQUIPO DE MANAGING EDITORIAL

Laure Ambroise, Sabrina Abbas

Sara Ali, Jeanne Propeck

CONTENIDO EDITORIAL Y ARCHIVOS

Giulia Bettinelli

INTERNATIONAL y MARKETING

DIRECTORA INTERNACIONAL DE LICENCIAS, DESARROLLO DE NEGOCIOS Y BRAND MARKETING

Flavia Benda

JEFE DE PRODUCTOS DIGITALES Giuseppe de Martino Norante

MANAGER DE PRODUCTOS DIGITALES

Babila Cremascoli

VENTAS GLOBALES

DIRECTOR DE INGRESOS FRANCIA Robert D. Eisenhart III

DIRECTOR DE INGRESOS ITALIA Carlotta Tomasoni

FINANZAS Y ADMINISTRACION

GERENTA DE FINANZAS Y CONTROL Inez Lee

DIRECTOR DE FINANZAS FRANCIA Thierry Leroy

HR MANAGER Émilia Étienne

ASISTENTE EJECUTIVA

Giulia Bettinelli

MANAGER DE CONTABILIDAD Éric Bessenian

NUESTRA TAPA: Goyo Degano con suéter tejido, MAYDI. Brazalete y colgante de cristal, SWAROVSKI Pantalón, HIGO. Foto: Maxi Guterman. Estilismo: Delfina Tulli.

INSTAGRAM: @lofficielarg

FACEBOOK: @LOfficielArgok

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EDICIONES INTERNACIONALES

GERENTE GENERAL

Hommes

des

Latvija,

Liechtenstein,

L’Officiel Malaysia,

¡Otra oportunidad!

A diciembre se le puede pedir tiempo. Depende de vos. Bajarse de la rueda loca porque la prioridad es un poco de silencio que no significa desatender obligaciones ni esquivar abrazos. En la isla japonesa de Okinawa, donde la población es longeva y feliz, se rastrea el origen del término ikigai. No tiene una traducción exacta pero se puede definir como la razón de vivir o de ser. Esa motivación trasciende el momento presente y para encontrarla hay que animarse.

El ikigai no se hereda, en todo caso se descubre y funciona como brújula que señala un rumbo propio. Se sustenta en cuatro principios. A saber: 1. Lo que amás, tu pasión. 2. Lo que el mundo necesita de vos, tu misión. 3. En lo que sos virtuoso, tu vocación y 4. Por lo que pueden contribuir a tu quehacer, tu profesión. Esos círculos establecen intersecciones y van mutando con el tiempo. Son tan variables como la existencia misma. En el devenir de ruidos, planes, tarjetas con felicitaciones, ganas de viajes, frustraciones y miedos puede surgir el instante de barajar los deseos personales. Si mantenemos la curiosidad de por vida y practicamos el agradecimiento siempre hay posibilidades de dibujar la flor del Ikigai y renovar los votos. Cada experiencia es única y se celebra.

Que las Fiestas Felices duren 365 días y que los propósitos nos lleven ahí donde queremos ser y estar.

EN LO PROFUNDO

SAVOIR FAIRE

Deepsea Challenge es el reloj de los fondos marinos por excelencia y fue concebido para soportar presiones extremas. Combina las principales innovaciones desarrolladas por Rolex a lo largo de años. Desde la fabricación de la caja hasta el brazalete, todo en este reloj de 50 mm de diámetro está pensado para el uso cotidiano.

TECNOLOGIA

Cuenta con garantía de hermeticidad hasta una profundidad de 11 000 metros, está fabricado en titanio RLX y equipado con válvula de helio y sistema Ringlock. Además, resiste a cualquier tipo de inmersión.

HISTORIA

Posee la inscripción “Mariana Trench”, con las fechas 23-01-1960 y 26-03-2012 grabadas en el fondo a modo de homenaje a dos inmersiones históricas en la fosa de las Marianas: la del oceanógrafo Jacques Piccard y el teniente de la marina estadounidense Don Walsh a bordo del Trieste, en 1960; y posteriormente, en solitario, la de James Cameron a bordo del Deepsea Challenger, en 2012. Ambas expediciones llevaron a bordo relojes experimentales Rolex.

Oyster Perpetual Deepsea Challenge marca un nuevo hito en el universo de los relojes de submarinismo creados por Rolex.

VIAJE majestuoso

De la costa amalfitana a la selva tropical, Majestic Escapes, la nueva colección de Harry Winston , reinventa el viaje de nuestros sueños a través de diamantes y piedras preciosas.

Por KAREN ROUACH

“Majestuoso” es sin duda la palabra que mejor representa el espíritu de la nueva colección de alta joyería de Harry Winston. Compuesta por ocho sets, nos transporta al centro de paisajes increíbles en un guiño a los principios creativos del joyero, para quien la naturaleza es una fuente de inspiración inagotable. De la Santa Rita en flor de la costa amalfitana a los domos azules de Santorini; del atardecer sobre el Gran Cañón a los verdes exuberantes de la selva tropical; de las playas de arena rosa a las más bellas aguas turquesa, Majestic Escapes recrea estas escenas sobre joyas en tres dimensiones, en un juego de proporciones y un torbellino de piedras preciosas de intensos colores. Así, el conjunto Rainforest –collar, aros y anillo– reúne granates tsavorita verdes de matices variados, que capturan la opulencia de la selva tropical. Un granate tsavorita talla esmeralda yace en el centro de tres hileras consecutivas de piedras en degradé que parecen flotar en su engaste: un verde oscuro, seguido de otro más claro y finalmente de diamantes. El conjunto simboliza los diferentes estratos de la selva y el aro de diamantes representa los rayos de luz que atraviesan el dosel iluminando las cascadas y los arroyos que brotan de la tierra. ¡Exótico! n

LA BANDA

The Arctic Monkeys renueva música, temas y los contenidos en las redes.

Por CELESTE NASIMBERA

“There’s only music, so that there’s new ringtones” (No hay más que música, así que hay nuevos tonos de llamada) vociferaba Arctic Monkeys en Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006), su exitoso álbum debut a principios del siglo. De aquella efervescencia adolescente persiste el ímpetu para seguir con su exploración artística.

El grupo inglés alcanzó una veloz repercusión al calor de Myspace y en los albores de las redes sociales. Se inició proponiendo temas para descarga gratuita en Internet y su lanzamiento formal con Domino Records, discográfica independiente, logró números históricos de venta. La mecha prendió rápidamente.

Más de quince años después los monos apenas recurren a su cuenta oficial en Instagram y, a excepción de la indagación fotográfica de su bajista Matt Helders, solo se refieren a su labor musical. La promulgada “voz de una generación’’ que sostiene las fórmulas de las bandas de rock del siglo XX.

“Ese rock’n’roll no quiere irse. Puede hibernar de vez en cuando y volver a hundirse en el pantano. Pero siempre está esperando ahí, a la vuelta de la esquina”, declaró el cantante Alex Turner al recibir el Brit Awards al mejor disco por AM, en 2014. Con Suck it and see (2011) y AM (2013) dieron con éxitos que llenan estadios y alcanzaron la consagración en el mercado estadounidense. Al volver al estudio, algo cambió y los últimos dos discos de la banda poseen un carácter tanto exploratorio como teatral que seguramente marcará una era en su discografía.

The Car (2022), uno de los álbumes más esperados del año, comienza a sonar cada vez más. Es el séptimo de la banda y fue compuesto por Turner con la producción de James Ford y, aunque se delineó en tiempos prepandémicos, se grabó en 2021 entre las

ciudades de Londres y París. A pocas semanas de su lanzamiento, se escuchó “Sculptures of Anything Goes” en la Costanera Sur de Buenos Aires ante un público expectante. Los Monkeys volvieron a presentarse en nuestro país en la primera edición del Primavera Sounds, cuando el pronóstico indicaba lluvia y acertó. Aun cuando la lista de temas se vio reducida, los Arctic Monkeys tocaron sus ya clásicas perlas como “Potion Approaching” y sus tres últimos sencillos con destaque de “Body Paint”. n

L’MUSIQUE

L’MUSIQUE

DECLARACION DE ESTILO

En Panthère de Cartier conviven la marroquinería y el savoir faire joyero.

ESTRUCTURA

Fabricado en cuero graneado, sin bordes definidos ni costuras, el bolso Panthère de Cartier se define en términos de fluidez, curvas y suavidad. Viene en tamaño pequeño o mini y en una paleta de colores luminosa y rica: negro, azul marino, rojo, amarillo pálido, blanco crema, arcilla o azul petróleo. La cadena trae eslabones facetados y el largo generoso permite lucir el bolso de dos maneras: cruzado o al hombro.

JOYA

El cierre se ha creado en colaboración con un escultor de Alta Joyería. El rostro del animal aparece en un diseño radical y gráfico. Las partes planas llevan once inserciones de cuero que aportan relieve y perspectiva. Un contrachapado situado en el interior dibuja una estilizada cabeza de pantera. “Un encuentro entre lo salvaje y lo exquisito”, define Marlin Yuson, Directora de Creación de Accesorios y Marroquinería.

HISTORIA

La pantera es el animal emblema de la maison, presente tanto en las joyas como en los relojes; también protagoniza el universo de la marroquinería. Entró en escena en 1914 en forma de motivo moteado en un reloj para mujer, y poco a poco fue apareciendo en otras creaciones

MUJERES ORQUESTA

Por MARA BEGER BALBOA

Suena un tango nuevo que cuenta “que te vieron a las tres de la mañana, /la corbata enmarañada, caminando de coté / que ya estabas tan en curda, que le hablabas a los postes, /que pateabas la basura por culpa de una mujer”. Se trata del tango “Me dijeron” (letra de Claudia Levy) del repertorio de La Empoderada Orquesta Atípica. “Es la primera orquesta de tango conformada por mujeres, lesbianas e identidades no binarias que irrumpe para componer y hacer sonar un tango único dentro del género”, explican sus integrantes, en total veintitrés. Si ya Tita Merello volvía mítico el “Se dice de mí” mofándose de los ideales y las habladurías surgidas de los estereotipos patriarcales, La Empoderada reinventa el tango, se desliga de las letras tradicionales hechas por y para hombres, cuenta otra cara de la historia. “A través de un repertorio actual y disruptivo, nos proponemos dar visibilidad al trabajo de compositoras/es, arregladoras/es e intérpretes que han sido históricamente excluidas/es”.

Era 2018, pleno estallido del Ni Una Menos, cuando a partir de un grupo de Facebook que nucleaba músicas de distintos géneros y lugares del país, empezaba a formarse lo que ahora es La Empoderada. Un día decidieron juntarse a ensayar y fue en ese primer encuentro que Pamela Victoriano, actual directora general de la orquesta, se ofreció como coordinadora: “Los primeros seis meses tocábamos un repertorio de tangos clásicos, con letras liberadas de violencia patriarcal. Necesitábamos conocernos y, sobre todo, organizarnos para hacer los arreglos que eran complemente originales; no existía en la historia una formación de este tipo y con estas características”. A los instrumentos tradicionales de la orquesta de tango, les sumaron vientos y guitarras. Después de esos seis meses empezaron a dedicarse íntegramente a su proyecto. Y en marzo lanzan el primer disco de la historia en el que una orquesta toca un programa compuesto y ejecutado solo por mujeres y disidencias.

La Empoderada reinventó el tango, desde las letras hasta la manera de tocarlo.

Pero no es únicamente la propuesta musical lo que vuelve atípico a este grupo, sino el modo en el que está constituido. Son una cooperativa de trabajo integrada por catorce comisiones que tienen distintas funciones y cubren necesidades diversas (arreglos musicales, prensa, puesta en escena, entre otras). En La Empoderada, recién declarada “de interés para la promoción y defensa de los derechos de las Mujeres y Diversidades de la Ciudad de Buenos Aires” por la Legislatura Porteña, el “poder”

no lo tiene nadie o, dicho de otro modo, se anida en el trabajo horizontal y conjunto de todo el colectivo. “Ninguna palabra tiene más peso que otra, yo como directora coordino las comisiones, intento ver la banda desde afuera, pero las decisiones se toman en conjunto”, dice Pamela. Actualmente, la orquesta está presentando su espectáculo “La revuelta” en escenarios notables de la ciudad. Dato: los jueves tienen ensayos abiertos a partir de las 20:30 en Complejo Belgrano (Av. Belgrano 2608, CABA). n

MARZO LANZAN EL primer DISCO DE LA historia EN EL QUE UNA orquesta TOCA UN PROGRAMA COMPUESTO Y EJECUTADO SOLO POR mujeres y disidencias ”.

“EN

DesafiarLOS LIMITES

Fontenla presenta tres nuevas tendencias que reúnen diseño contemporáneo de alta gama.

DEBRA. Mobiliario muy femenino, en tonos claros y con materiales livianos, pero con mucha presencia y detalles de impacto: la combinación de géneros como pana y cuerina, y las terminaciones lisas o en matelassé, al estilo de una prenda de Alta Costura. Aparecen especialmente en los frentes de cajones y en los bordes de los respaldos. La colección también propone muebles laqueados brillantes en color miel, con detalles sutiles en acero inoxidable pulido.

CURBA. Colección sofisticada que combina materiales nobles como la madera en distintas terminaciones, Dekton y acero, en poliuretano negro mate. Está compuesta por mesa y sillas de comedor, sillón, aparador, mueble de tevé, biblioteca, sofá y sofá esquinero. Incluye mobiliario más pequeño, como banqueta y carro bar, y diferentes tipos de mesas, desde laterales hasta auxiliares.

COCO. Inspirada en el impacto que causó Coco Chanel en la industria de la moda, esta colección es supermoderna y combina líneas rectas con curvas. Está realizada en metal, madera, Dekton, tela y cuero. La característica principal es el trabajo en matelassé de la tapicería, tanto en el cuero como en la tela. Esta colección homenaje se inspira en los logros de Coco, como la cartera Matelassé Chanel 2.55, creada en febrero de 1955 –de ahí su nombre–, un modelo emblemático de la maison, que permitió a las mujeres liberarse de tener que llevar bolsos de mano.

Además de estas tres tendencias, Fontenla mantiene sus piezas icónicas como el sofá esquinero Maby, fabricado en madera de guindo y tapizado en pana sintética negra; la mesa de centro Trish, con líneas diagonales definidas y cromadas, que le dan un toque distintivo a los espacios; los sillones individuales Zoe, que combinan una estructura de acero inoxidable pulido espejo con un asiento tapizado en pana Porsche negra, y la mesa lateral Stem fabricada íntegramente en madera torneada, con terminación laqueada brillante.

Fontenla siempre busca innovar y seguir siendo un referente global. Este año inauguró tres nuevas tiendas en Córdoba, Rosario y Nordelta (Buenos Aires). n

L’INVITATION

L’INVITATION

Punto DE ENCUENTRO

La Galería Nora Fisch se mudó a un edificio centenario de cinco pisos. Una experiencia contemporánea en torno a la contemplación artística.

Por CELESTE NASIMBERA Fotos GERMAN ROMANI

Nora Fisch y Ariel Authier.

“Estamos aprendiendo a usar el espacio”, reflexiona Nora Fisch, la galerista argentina formada en la ciudad de Nueva York. Su galería estuvo en un pequeño local sobre la calle Güemes en el año 2010 y en 2014 se trasladó a la avenida Córdoba. Ahora, en una ciudad en transición pospandemia, propone un nuevo punto de encuentro. Con cierto gesto nostálgico y de celebración, eligió el casco histórico: a pocas cuadras del epicentro de anticuarios de San Telmo, de los museos de Arte Moderno y de Arte Contemporáneo, y frente a la plazoleta Vera Peñaloza. El imponente edificio data de principios del siglo XX y se fue aggiornando con las modificaciones propias del habitar. A su encanto inicial se suman algunas instancias de renovación para ese espacio de casi mil metros cuadrados con cinco pisos y una amplia variedad de posibilidades de mostrar y observar arte. La sala principal fue diseñada y ejecutada por el estudio Plos Cirillo, bajo la dirección del arquitecto Brain Kohen. Los pisos originales se mantuvieron y el proyecto permitió que la luz natural que ingresa a la tarde a cada una de las salas genere una atmósfe-

“ESTAMOS aprendiendo A USAR EL ESPACIO”.

— Nora Fisch

Julieta García Vazquez, Quién sos? Otro. Del proyecto Yo es Otro, 2012-2016. Dibujo sobre 2500 hojas A4 impresas y numeradas, 30 x 30 x 20 cm.

ra acogedora; incluso en aquellas áreas de exhibición vinculadas a la trastienda. “Nos interesa la relación íntima con la obra” comenta Ariel Authier, codirector de la galería acerca de estas salas menos habituales. Hay una idea de puertas abiertas que invita a mirar sin prisa y con deleite.

Recorriendo las cinco salas de exhibición y otras cinco destinadas a trastienda y proyectos especiales, es posible reconocer la obra de artistas como Gala Berger, Adriana Bustos, Alejandra Fenochio, Raúl Flores, Marcelo Galindo, Cynthia Kampelmacher, Fernanda Laguna, Guzmán Paz, Gastón Pérsico, Rosana Schoijett, Alan Courtis, Edgardo Antonio Vigo, Ana Tiscornia, entre muchos otros. El objetivo de esta etapa es recibir nuevas propuestas e indagar en una programación más amplia. Estar disponibles a la conversación y generar actividades variadas.

La Galería Nora Fisch está abierta al público de martes a sábados de 14 a 19. Avenida San Juan 701. n norafisch.com

LA RELACION íntima CON LA OBRA”.

“NOS INTERESA

Vista de sala de la exhibición Flores Silvestres de Alejandra Fenochio, Octubre-Noviembre 2022.

MAQUILLADA

Daphné B escribe sobre los contrastes del mercado de la belleza. Y suma pinceladas de su propia experiencia.

Por MARINA DO PICO

Mira la cámara con sus ojos verdes perfectamente delineados, la piel de un blanco fulgurante y los labios en composé con su pelo fantasía. Todos los colores están orquestados. Así quiere que la veamos. “La cosmética femenina es obscena porque pone en evidencia una búsqueda de placer, pero también una situación en la que la mujer es la autora de su propia imagen”, dice Daphné B en su libro Maquillada: ensayo sobre el mundo y sus sombras (2022), publicado recientemente por Blatt & Ríos en traducción de Cecilia Pavón.

Nacida en 1990 en Montreal, Canadá, Daphné B es poeta, traductora y una activa participante en la escena de la poesía experimental de Quebec. Colabora con diferentes revistas y cofundó la plataforma feminista de difusión de literatura canadiense Filles Missiles. Publicó los libros de poemas Bluetiful (2016), Delete (2017) y Le pluie des autres (2022). En este primer acercamiento a la no ficción, Daphné B explora los sentidos que produce el maquillaje, las culturas y las industrias que genera. En un artículo publicado en La Agenda Revista, la autora cuenta que en sus tres años como estudiante de letras en la Universidad McGill jamás se topó con un texto de no ficción. El descubrimiento de este género vino más tarde y le abrió un nuevo horizonte de escritura: “Me permitía soñar con el advenimiento de una literatura innombrable”.

Este carácter híbrido atraviesa Maquillada , con su mezcla de crónica personal y ensayo sociológico. Ya sea que esté discurriendo sobre la tensión narrativa de los tutoriales de belleza o diseccionando el placer que siente al llenar un carrito de Sephora, en todo momento estamos leyendo a una ensayista fascinada con su objeto de estudio. El maquillaje para Daphné B es más que un tema: es un lenguaje, un espacio, una emoción, un trauma y una forma de resistencia. “No solo produce bienes de consumo; digámoslo fuerte y claro: esta es una máquina emocional”, La intersección maquillaje y capitalismo es un eje troncal del libro y es refrescante que la autora analice las consecuencias del consumismo sin el imperativo adormecedor de la culpa, un sentimiento a su vez cómodo y contraproducente que abunda en escritos de este tipo. Daphné, en cambio, es despiadada: “Con el click de un mouse, desperdicié el equivalente a un tercio de mi alquiler. Hice que una estrella implotara, aniquilé a una familia de mariposas, arrasé un campo de tréboles”, escribe en una síntesis poética. Su tono por momentos roza el nihilismo, parece que no nos queda otra opción que continuar el ciclo de destrucción, resignarnos a un rol pasivo frente a la catástrofe: “con anticapitalistas como yo, el capitalismo no corre ningún peligro”, dice, citando a Jacob Wren.

Sin embargo, Daphné construye sus propios espacios de resistencia, trincheras donde se puede hacer pie y respirar en

medio de una realidad abrumadora. Maquillarse, insiste, puede ser un ritual íntimo, un resguardo: “Limo, peino y pulo lo que hay de frágil y humano dentro de mí”. También puede ser un puente, un espacio de conexión con los otros. Después de todo, la industria de la cosmética, subraya, fue “uno de los primeros sectores en plantear técnicas de venta basadas en los lazos sociales, los ‘consejos de amigas’, el apoyo y el cuidado”. El maquillaje puede dibujar el movimiento de una identidad que está en constante transformación, una carta escrita con “jugo rojo”. n

“LIMO, PEINO Y pulo LO QUE HAY DE humano DENTRO DE MI”.

C´est chic

“Amamos este momento. Es el mejor para celebrar una colección. Estar con la prensa, los clientes, el equipo”, decía Bruno Pavlovsky, presidente de Moda de Chanel a L´Officiel Argentina, en la presentación de la Colección Crucero 2022/23.

El desfile que mostró sesenta y siete looks en la playa del hotel Faena de Miami replicó la colección que se había presentado seis meses antes en Montecarlo. Inspirada en el Principado de Mónaco, refugio del fallecido director creativo Karl Lagerfeld, los temas principales fueron las carreras de autos (funcionó a la perfección en Miami, que tuvo su primera competencia de Fórmula 1 a principios de año), los deportes náuticos y el tenis.

Por DORA BECHER

Deportes marinos, playas excepcionales y un mercado entusiasta. El desfile de la Colección Crucero de Chanel brilló en Miami.

L’INSPIRATION

L’INSPIRATION

Las franjas rojas y blancas de la bandera monegasca en las sombrillas y reposeras rodeaban la pasarela. Temas disco como “Le Freak” (con su estribillo que repite: c´est chic) y “I want your love”, acompañaron overoles, gorras deportivas en tweed, zapatillas y raqueteros acolchonados, pensados por Virginie Viard. La directora creativa sumó un toque colorido y exótico, muy Miami, con piezas de lentejuelas y bordados en forma de flor sobre vestidos camiseros largos. En la primera fila se vio a personalidades representativas de Chanel como Caroline de Maigret (musa de Lagerfeld), las actrices Marion Cotillard y Lily Rose-Depp, hija de Johnny Depp y Vanessa Paradis, imagen de la maison desde la adolescencia.

Si bien Coco siempre tuve una estrecha relación con los Estados Unidos y fue muy reconocida por la prensa y los expertos de ese país –en 1957 le otorgaron el premio Neiman Marcus Fashion Award–, Miami demostró que posee todas las cualidades para recibir una colección crucero. Vale recordar que la primera de la historia fue idea de Coco en 1919: diseños que celebraban la libertad de movimiento y el disfrute de las excursiones marinas. Su conexión con el mar y los deportes acuáticos es indiscutible, pero la ciudad también tiene otros atractivos para la marca. Según Pavlovsky: “Queríamos volver con una colección crucero; la última vez fue en 2008, así que hace bastante tiempo. Siempre ha sido una de las locaciones clave. Tenía sentido estar aquí, acercar nuestra colección a todos los clientes de los Estados Unidos”. El desfile profundiza además la inversión de la marca en Miami. En 2021, Chanel abrió una boutique de 7600 metros cuadrados en el Design District que se sumó a la ya existente en el Bal Harbour Mall, y durante la última edición de Art Basel mostraron una instalación especial con motivo del centenario del Nº 5. n

“QUERIAMOS VOLVER A Miami CON UNA COLECCION crucero. LA ULTIMA VEZ FUE EN 2008”.

— Bruno Pavlovsky

L’TRADITION

L’TRADITION

GRUPO DE FAMILIA

De su banda Escalandrum con la que ya lleva veintiún años, hasta su abuelo famoso y su abuela pintora. Pipi Piazzolla rodeado de historias.

Por FERNANDO GARCIA Fotos GERMAN ROMANI

Para Daniel Pipi Piazzolla es una mañana distinta en su luminosa casa en la frontera entre Belgrano y Coghlan. Acostumbrado a tener que dar respuestas sobre la música y lo que le tocó compartir con su abuelo, este hombre de jogging y remera del jazzman Art Blakey dice que esta es la primera vez que alguien se sienta para entrevistarlo y quiere saber sobre Dedé Wolff, su abuela, madre de Daniel y Diana y primera esposa del famoso compositor que llevó el tango al estatus de música clásica de Buenos Aires. En una historia de poco más de 100 años, nuestro Bach.

Pero hablábamos sobre Dedé entonces. A partir de un retrato de Nonino (el marplatense Vicente Piazzolla) apenas advertido detrás del entrevistado, arrinconado pero visible. Una pintura de corte realista que resultó la punta del iceberg. No porque el arte de Dedé se vaya a revelar diez años después de su muerte sino porque la conversación entusiasma al baterista de Escalandrum –nombre de su ensamble donde se cifran la pasión por la pesca de Astor y el groove del jazz–, que deja su silla para una pequeña visita guiada por los tesoros ocultos de su abuela, la pintora. Entonces aparecen unos rarísimos retratos de Astor plegado sobre su bandoneón en el estilo facetado del cubismo y, luego, en el baño, lo que Daniel cree que es lo mejor de su obra. Los bocetos de esos mismos cuadros, ejecutados en París mientras Astor estudiaba composición con la legendaria Nadia Boulanger. No se equivoca Pipi: son trazos sigilosos, rápidos, propios de una sensibilidad aérea. Pero todavía hay más. En el palier, frente al ascensor, una pintura geométrica en la línea de la abstracción europea de los años 50. La obra de una artista consumada a la sombra de su célebre pareja, con quien pasó todo el tiempo posible entre 1942 y 1966.

“Desde el día que mi abuelo se fue de su casa no volvió a pintar jamás. Ni un solo dibujo hizo”, confiesa Daniel con una mueca elocuente. Su vida familiar, de todos modos, se volvió pública con el documental Los años del tiburón (Daniel Rosenfeld, 2018) que resultó sorprendente aun para él, inmerso en la fuga y el misterio. “Muchos cuentos de la familia los conocía, pero es muy distin

to que todo eso se haya convertido en imagen y de pronto estás mirando la película de tu propia vida. Todos esos momentos de ellos en Nueva York parecen salidos de un sueño”, dice. El nieto repite al abuelo, pero hasta ahí. Es músico y está casado con una artista (la escultora Soledad Petrelli), pero no cree que la mujer con la que cría a sus hijos adolescentes cumpla un rol maternal para él, como relata la voz del mismo Astor en una grabación al abordar la crisis de su primera pareja. “Por suerte estos son otros tiempos y esas cosas de familia italiana quedaron atrás”, asegura. También los diez años de bronca en que padre y abuelo dejaron de hablarse, justo en su pasaje de la infancia a la adolescencia. “Siempre mantuvimos el vínculo entre nosotros. No sé por qué, pero mi abuelo me llevaba a todos los recitales que daba en Buenos Aires. Lo veía desde el escenario, muy cerca de los músicos. Ibamos en su auto y lo único que se escuchaba era un casete del show en el Olympia de París en 1977. Ponía eso una y otra vez”.

Ningún NFT podría cristalizar y monetizar semejante experiencia, ¿no? Recorrer Buenos Aires en un auto conducido por Piazzolla en el que suena la música de uno de sus más aventu-

rados ensambles. Que inventen otra cosa.

El centenario del nacimiento de Astor en 2021 le dio esa dimensión de compositor clásico anticipada por su memorable concierto en el Colón que Pipi siguió desde el palco presidencial. Treinta años después le tocaría curar toda la programación del año Piazzolla reproduciendo en escena las formaciones por las que Astor pasó como instrumentista, arreglador y compositor. También hubo lugar, claro, para que Escalandrum diera su versión de Piazzolla sin bandoneón, una adaptación de los originales a la síncopa y la libre improvisación del jazz. La ausencia del bandoneón es, claro, un señalamiento. Nadie puede ocupar ese lugar. Pero cuando hablamos de música, el baterista no evoca a su abuelo, sino que habla en presente de su ídolo, de su más admirado compositor. En una música como el jazz donde los estándares prevalecen por sobre la composición, Escalandrum ha impuesto los neotangos de Piazzolla. “No hay música que nos guste más, ¿Por qué no tocarla? Hay otros que hacen Miles Davis y está muy bien. Nosotros elegimos hacer música de Buenos Aires y por eso tocamos Piazzolla”.

El annus Piazzolla parece un loop sin fin. Ahora mismo, con

el boom de taquilla de Argentina, 1985 se escucha “Fuga y Misterio” en la cortina de Tiempo Nuevo, el programa de entrevistas políticas con el que los periodistas Bernardo Neustadt y Mariano Grondona gestionaban los intereses del establishment en la frágil democracia que se hizo fuerte con el coraje cívico del “Nunca más”. La película, claro, consagra como música de época el rock de los 80 (Abuelos, Charly) y aquella cortina queda pegada a la locución: “…estas empresas a las que les interesa el país”. Lo cierto es que no era fácil escuchar a Piazzolla en la radio en los 80 y que ese programa que se veía más de lo que se dice (o de lo que se debe decir) era una puerta abierta para entrar en la dimensión de su música. Daniel, claro, tiene una versión doméstica, puertas adentro. “Con esa cortina Piazzolla vivió cómodamente mucho tiempo. No era alguien que vendiera discos y los derechos de la música en la televisión se pagaban muy bien”. Acaso algo de esas regalías fueron a parar a ese sobre con cambio chico que Astor le dio a Daniel para que se comprara su primera batería (“una Pearl negra”, le brilla la mirada al nombrarla) y se decidiera a ser músico y el mejor guardián de su legado. n

Señales DE USO

Quier es una etiqueta creada en Rosario hace catorce años por las diseñadoras Silvia Querede y Noelí Gómez. “Nos fuimos asentando con algunas ideas que ahora funcionan casi solas. Tenemos una clientela que nos sigue, somos sustentables económicamente. Decidimos que íbamos a ser una marca pequeña; se trata de reconocer cuál es la fuerza que tenés y qué es lo no querés dejar de vivenciar todos los días”, sostienen. La propuesta consta de una línea de indumentaria y accesorios funcionales y perdurables. Trabajan con una moldería que no genera residuos textiles y con corte láser, con el que ahorran setenta por ciento de energía en la producción.

Proponen una colección fija que varía de acuerdo con las temperaturas y además realizan cápsulas en las que se dan el espacio para experimentar e investigar. Lanzaron la última en septiembre. Se llama CYCLO y la crearon a partir de un proceso de reutilización. “La idea era reconocer la calidad de los materiales y encontrar belleza en esa nueva forma; que sean nuevas prendas para usar”. El punto de partida fueron ochenta corbatas de seda natural, en su mayoría de marcas internacionales, que una amiga de Silvia les donó a comienzos de la pandemia. “Desarmarlas nos llevó mucho tiempo. Estaba todo cortado al bies, lo que impone una dificultad en la confección.

Empezamos a jugar y a darnos cuenta de que podíamos hacer un pantalón gigante; nos empezó a gustar”. Utilizaron además dos prendas de los años 40: una falda de lana y un saco de terciopelo, y metros de crepé de cien por ciento seda que tenían guardados. El proceso de deconstrucción y creación de las nuevas piezas les tomó dos años. “No queríamos hacerlo rápido. Dijimos ´que no tenga temporada y salga cuando esté listo´”. En las fotos de campaña predomina una cierta oscuridad. “Quisimos transmitir que estamos en un ´fin de fiesta´ en cuanto a una forma de hacer moda y producir. Se terminó lo que se daba: ¡Hay que reciclar!”.

La cápsula cuenta con diez piezas: dos sacos, dos pantalones, una camisa, una blusa, un pañuelo, un vestido, una cartera y un turbante hechos con las etiquetas de las corbatas. Los avíos fueron elaborados a mano en aluminio recuperado y reciclado por un artesano local: José Luis Marchesi. Hay piezas premium que llevan botones en forma de “Q” ubicados en lugares estratégicos, pero que no cumplen la función de abotonadura sino de elemento decorativo.

Tienen su showroom en Rosario y además venden a través de sus redes sociales y de whatsapp. “Como es una colección tan especial, los invitamos a que vengan con una cita previa para medirse y contarles”.  n @quier_argentina

Experimentación textil, cero desperdicio y reutilización creativa. Más que ropa.

ZOË Bleu

Pronto la veremos en la película Signs of Love, con su madre, Rosanna Arquette. Multifacética, también se dedica a la escritura, la música y el estilismo, en especial al vestuario para cine. Cita con una apasionada del arte.

L’OFFICIEL: Imagino que el cine es una vocación desde la infancia para una descendiente de la familia Arquette, pilar de la industria hollywoodense…

ZOË BLEU SIDEL: Sí, supongo que sí… ¡Mi familia actúa en cine desde el 1800! Está en la sangre desde hace un buen tiempo.

L’O: Cuando estabas en el Sarah Lawrence College, ¿tenías dudas sobre tus deseos de hacer cine?

ZBS: En el Sarah Lawrence estudié poesía e historia del arte, del Renacimiento al Barroco. En esa época, yo pensaba que algún día me orientaría hacia la escritura de guiones (¡sigue siendo uno de mis sueños!), pero nunca me sentía suficientemente segura como para hacerlo. Estudié arte para conocer las vestimentas históricas y el espectro de la luz que compone el color. Todavía, a veces, me hago la misma pregunta: ¿es un oficio como para mí…? Porque realmente es una industria muy dura que puede poner en crisis tus valores, en particular como mujer. Pero el cine me ayuda a soñar, lo necesitaba cuando era chica. Ahora y para siempre, me ayuda a evadirme. Me gustaría seguir en este camino para que el espectador también pueda seguir soñando, evadirse al conectarse con un personaje, un sentimiento, un movimiento o un paisaje que le recuerde alguno de sus propios sueños.

L’O: Estudiaste la técnica Meisner, que enseña a los actores a reaccionar instintivamente al entorno. ¿Te fue útil?

ZBS: En la adolescencia, John Ruskin me enseñó la técnica Meisner en Los Angeles, un trabajo increíble y estimulante. Aprendí a usar un instinto casi animal a la hora de hacer frente a las palabras y al lenguaje de las personas que me rodean. Es ser como un camaleón, así de divertido y aterrador. También me inculcó la idea de reaccionar en lugar de accionar. En la infancia luché mucho contra la disociación, y esto me ayudó a instalarme en mi cuerpo emocional y físicamente, a permitir que mis senti-

L’TALENT

L’TALENT

mientos se manifiesten sin juzgar. Fue un trabajo importante en lo personal, algo que trato de llevar a la pantalla y detrás de ella. Esta técnica también me enseñó a mantenerme alerta y observar atentamente todo siguiendo mi instinto. Desde hace unos meses, volví a tomar clases de teatro –no lo hacía desde el liceo– con la fabulosa Sheila Gray. Antes de encontrarla, tenía la sensación de estar flotando un poco separada de mi cuerpo desde la pandemia. Me alentó a volver a mi cuerpo, dándome consejos, dándome fuerzas y poniéndome un espejo para verme por dentro. Me permitió encarnar mi propia crítica interior como personaje, fue un trabajo muy potente: todavía se me eriza la piel cuando hablo de eso. Lo recomiendo calurosamente a todos los que quieran convertirse en actores.

estaba muy estresada, porque quería que estuviera orgullosa de mí. Es una película sobre los sacrificios que hacemos por aquellos que amamos, como olvidar nuestros propios sueños para que se realicen los del otro. Es la historia de un joven llamado Frankie (Hopper Penn) que proviene de una familia fracturada en un barrio difícil de Filadelfia. Intenta mantener a su familia unida sosteniendo a su hermana alcohólica (Dylan Penn) y al hijo (Cree Kawa), desde el momento en el que murió su madre y su padre cayó en la droga y en la calle para tapar el vacío. Un día, queda en la línea de fuego de una guerra narco al cruzarse con una joven sorda de familia acomodada, Jane (yo). Vean la continuación en el cine, llega pronto…

L’O: Después de ese rodaje, cambiaste Hollywood y el cine por Londres y la moda, en especial al estilismo. ¿Por qué?

MUCHO TIEMPO quise ESCONDERME DETRAS DE

L’O: ¿Cuál es tu película favorita entre las de tu madre?

ZBS: La película de Scorsese Después de hora. Mi madre está absolutamente cautivante y brillante, con cierto sentido de la comedia. Un año, para el Día de la Madre, decidí tatuarme “Surrender Dorothy” con tinta roja en la nuca, en homenaje a la escena de culto del restaurante y a nuestro amor por El Mago de Oz. También me gusta The Linguini Incident, con David Bowie, por el vestuario y por el extraño romance surrealista entre mi madre, que hace de una mujer obsesionada por Harry Houdini, y Bowie, uno de mis músicos favoritos, que encarna a un estafador bastante sexy.

L’O: ¿Qué impresiones te dejó el rodaje de Signs of Love, que filmaste con tu madre, y Hopper y Dylan Penn?

ZBS: Compartimos una sola jornada de rodaje. La vi actuar y me gustó mucho. Pero cuando le tocó a ella mirarme actuar, yo

ZBS: Es una de las mejores decisiones que he tomado. No me sentía demasiado bien en Hollywood, tenía la impresión de que me iban a aspirar el alma, un poco como el prisionero de Azkaban en Harry Potter. Además, amo Inglaterra, su hermosa arquitectura, sus museos fabulosos. Soy muy feliz allí. Hace poco estuve viviendo entre Londres, México y Roma para crear vestuarios inspirados en personajes femeninos sobre los que escribí. Estoy trabajando en eso desde hace un año, con mi amigo Viktor Gichev. También estoy trabajando en la preproducción de Mandrake, un cortometraje sobre la danza que escribí, y para el que Viktor y yo estamos diseñando el vestuario y realizando la música. El cine, la moda, la música, e incluso los viajes, todo mi universo está en esa película. Estoy ansiosa por ver qué sale de ahí.

L’O: Hablanos de tu estilo marcado por la nostalgia, mitad antiguo, mitad renacentista. ¿Cuáles son tus referencias y por qué te gustan estos períodos de la historia?

ZBS: Para ser sincera, no sé bien en qué punto estoy ahora, en cuanto estética personal. No tengo referencias específicas, me gusta tomar piezas de diferentes épocas, mezclarlas y ver qué pasa. Durante años gasté muchísimo tiempo y dinero en mi look, volcaba toda mi energía en mi guardarropa. Durante mucho tiempo quise esconderme detrás de un look siempre más extravagante que mi verdadera personalidad. Se basaba vagamente en personajes y caricaturas de mí misma en reinos lejanos. Intentaba parecer una mujer que sabía lo que quería, pero de hecho estaba perdida. Desde que trabajo sobre mí misma y sigo la carrera que quiero, mi look es solo una cuestión de placer. Y además, maduré, uso mi tiempo de otro modo.

L’O: Tu estilo es tan fuerte que das la impresión de ser un personaje en tu vida cotidiana, como en Instagram. ¿Es una falsa impresión?

ZBS: Supongo que es el modo en el que todo el mundo usa Instagram, ¿no? Entonces, sí, Instagram me ayuda a controlar mi personaje, eso seguro. Hay personas muy claras acerca de quiénes son, otras mucho menos. Me gusta pensar que soy bastante verdadera en las cosas sobre las que hablo en esa red social. A veces me hacen reproches, me dicen que comparto demasiadas cosas personales y que busco llamar la atención. Pero creo que es importante compartir nuestras historias y nuestras experiencias para acercarnos unos a otros, aprender y crecer.

L’O: Hablanos de la marca Kaka Kouture, que estás por lanzar.

ZBS: Vamos a ofrecer tanto alta costura como prêt-à-porter. Nuestro equipo de alta costura está en Londres, y el de prêt-à-porter, en México. Lo demás, prefiero que lo descubran ustedes. n

“DURANTE

un LOOK SIEMPRE MAS EXTRAVAGANTE que mi VERDADERA PERSONALIDAD”.

Foto: Richie Davis. Traducción: Irene Amuchastegui.

Días DE PLAYA

Enterizas con volados, capelinas de estampado Liberty, bonetes victorianos. Chula va al rescate de las bañistas del pasado.

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

“Cada tanto me pregunto qué quiero hacer y la respuesta siempre es la misma: diseñar”, sostiene Luciana Martí. Se formó en diseño de indumentaria en la Universidad de Palermo y realizó cursos en la Universidad Central Saint Martins de Londres. Trabajó como estilista en revistas de moda y como vestuarista en publicidad. Cuando su marido, el director de cine Armando Bo, fue nominado al Oscar por su película Birdman, se mudaron a Los Angeles con sus hijos. “Empecé a hacer trajes de baño. Perdiéndome en el downtown, encontré piezas de los años 80 abandonadas y me compré un lote. Eso me inspiró”. Bautizó Chula a la marca; era el apodo que le daban Armando y sus compañeros en publicidad años atrás. Sin embargo, cuando regresó a vivir a Buenos Aires discontinuó el proyecto. Con la llegada de la pandemia se mudaron a Uruguay por el trabajo de su esposo. “Me di cuenta de que tenía ganas de diseñar. Compré online un bonete victoriano. Me interesó porque era práctico y, además, lo asociaba a mi niñez, a La Familia Ingalls y a Mujercitas”. Conoció a Lili, una costurera que vive en la ciudad uruguaya de San Carlos, y con ella desarrolló su primer prototipo. Luego diseñó una bombacha y un top. Cuando pensó en un nombre para ponerle a esta nueva etiqueta, decidió darle a Chula una nueva oportunidad.

Se presentó con una tienda efímera en el espacio de su amiga la diseñadora Paula Martini, en José Ignacio. “Después dejé piezas en un multimarca de Manantiales y en la tienda Big Bang

del Hotel Faena en Miami. Además, me contactó una argentina que estaba por abrir una boutique en Saint Barth. Vio mis cosas online, le gustaron y se las mandé”. Regresó a Buenos Aires y abrió un showroom en su casa. No abandonó su vínculo con Lili. “La primera muestra me la tiene que hacer ella, porque es la pieza que debe ser perfecta. Con esa moldería voy al taller”. Fue sumando nuevas tipologías. Hoy cuenta con bonetes, capelinas, bodys, enteritos, bikinis y pareos. “Hago lencería de playa con la que podés estar elegante”.

Cuando se sienta a diseñar busca referencias que van desde siglos pasados y la literatura de su niñez hasta los años 80. Trabaja con algodones que compra en sus viajes. “Predominan los estampados, especialmente con flores, porque el mundo Liberty fue lo primero que trabajé en mis diseños. Después empecé a incorporar unas estampas más ochentosas: geometrías, rayas; y también utilicé tartán”. Un recurso repetido en sus prendas son los volados, que “dibujan la silueta de la mujer y tienen algo muy sexy”.

Este verano sus piezas están disponibles en su showroom en Buenos Aires, en la tienda Santo Mar en Manantiales y también a través de su cuenta de Instagram. Su propuesta rescata memorias de su historia. “Tengo recuerdos de mis tías en Mar del Plata con capelina, sandalias y bolso en un composé muy estudiado; era vestirse para ir a la playa. Hay algo de estos conjuntos que hago que tiene que ver con esa elegancia”. n @chulasunwear

RETROSPECTIVA

Alejandra Ossó es restauradora de arte especializada en pintura mural y textiles. Ha participado en la restauración de obras públicas y privadas. Desde un telón del Teatro Colón hasta las pinturas del techo de la Cámara de Diputados del Congreso de la Nación. En 2016, decidió saldar una cuenta pendiente: tomar clases de costura. Con la llegada de la pandemia su trabajo se detuvo y coser se transformó en una descarga. “Me empecé a interesar más por la lencería. Tenía en mi familia una bisabuela que era lencera y había también sericultores. Es algo que me atrajo toda la vida”. Su marido la alentó a que abriera una cuenta de Instagram y comenzara a vender sus diseños. Compró textiles, sacó decenas de fotos y el 9 de julio de 2020 lanzó Antigua, su etiqueta. El nombre surgió en la búsqueda de algo que la representase. “Siempre me fascinaron los mercados de pulgas y la ropa usada. Me metí en restauración y la mayoría del tiempo me la pasaba rodeada de antigüedades. Si ves mi cuenta de Instagram, todo tiene un look muy de antes, pero no me lo propongo, es lo que me sale”.

Comenzó vendiendo pijamas, camisones y corpiños. Los hacía sola desde su casa y a medida. “No tomé conciencia de que la gente estaba encerrada y que esas prendas eran muy demandadas”. Con el tiempo sumó modistas y a su suegra, que realiza los tejidos. Ahora trabaja en diferentes talles y tiene propuestas

urbanas como tops, camisas, vestidos y kimonos. “Hacemos prenda por prenda. Las máquinas domésticas son más lentas que las industriales, no tenés atajo. Desde coser los botones hasta las terminaciones, a mí me gusta que lo hagamos a mano”.

La lencería es la línea protagonista de la marca. “Ese hilo conductor es lo que más me atrae. No tengo la cabeza de diseñadora. No voy por temporadas: me pasé todo el invierno mostrando tops que son de verano”. Elige los géneros, los colores y las estampas de acuerdo con lo que le llama la atención; muchas veces remiten a un pintor o a un diseño, como cuando eligió unos satenes que le recordaban el vestido rainbow del diseñador estadounidense Halston que tanto le gusta. Suele tomar inspiración de piezas vintage que atesora y también de la calle. “Soy muy visual.  Me ha pasado ver cosas, llegar a casa y dibujar”.

Su showroom está en un edificio antiguo de Recoleta –que comparte con la artista plástica María Leveratto– y hace piezas a pedido. También vende a través de Instagram. “Mi cuenta tiene mucha información visual y muy poca sobre las prendas. Así invito a los seguidores a interactuar conmigo. Me gusta entrar en diálogo y aconsejarlos”. Hoy Alejandra está muy concentrada en su marca, pero planea maridar sus dos oficios. “Lo que a mí me gobierna es lo manual. Me define y es una gran descarga, como una necesidad”. n @antiguaenpijamas

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ Fotos GERMAN ROMANI

Seda, encaje, terminaciones a mano. Una marca de lencería a medida de su creadora.

L’ATELIER L’ATELIER

HILAR EL MAÑANA

En Catamarca, a más de cuatro mil metros de altura, un grupo de mujeres realiza tejidos en lana de vicuña. Herencia ancestral con tecnología NFT.

Por ANDREA LAZARO

El proyecto Andina reúne una tradición artesanal y una fibra natural textil de las más preciadas del mundo con la tecnología blockchain bajo la forma de NFT. Estos activos digitales, denominados token no fungible, funcionan como certificados de autenticidad y están siendo empleados por el mercado del arte, el entretenimiento y los conglomerados del lujo. La creadora de la iniciativa, Florencia Sosa, es una joven empresaria catamarqueña formada en negocios y liderazgo con estudios de posgrado en Argentina y Estados Unidos. Su idea apunta a mejorar la vida de una comunidad de cerca de cuatrocientas artesanas a partir de dar visibilidad a los bienes materiales y culturales de los que, en sus propias palabras, “no estamos lo suficientemente orgullosos como argentinos”. La propuesta, a su vez, alude a una de las cuestiones más urgentes que enfrenta nuestra región posglobalización: el destino de los recursos naturales propios.

L’OFFICIEL:

¿Cuál es la situación de la vicuña en la provincia?

L’O: ¿Cuándo comenzaste a interesarte en las prácticas artesanales?

FLORENCIA SOSA:

Catamarca es de las pocas en las que se puede trabajar con esta especie nativa porque ya se ha superado la extinción, aunque lamentablemente sigue habiendo caza furtiva. El pueblo está más comprometido con su conservación y esto es muy positivo, pero sigue faltando regulación en cuanto a las tierras. Como se trata de un animal no domesticado, la forma de apropiarse del recurso es comprar las hectáreas en las que habita. Es lo que están haciendo muchas marcas extranjeras interesadas en la fibra, un fenómeno que también se da en otros países de América Latina.

L’O: ¿Cómo reaccionan las comunidades ante esto?

FS: En el norte tenemos el antecedente de la minería. Con ella llegó una ola de movimiento y gente nueva con maquinarias y equipamiento que no se tradujo en trabajo ni mejoras en infraestructura para la población local. Eso despertó a las comunidades que, además, vivieron las consecuencias de la mala explotación.

FS: Hace bastantes años que me acerqué a las artesanas, al principio por curiosidad. Pertenecen a una comunidad de altura llamada Laguna Blanca, en el departamento de Belén. Caminar por sus calles es mágico. Pasás y ves a las mujeres tejiendo en las galerías o en la entrada de las casas. Ellas hacen “lo que saben hacer”, tal como lo expresan, algo que aprendieron de sus abuelas y sus mamás. Es una tradición, un arte que viene de mucho tiempo atrás. El pelo de vicuña es delgadísimo, por eso el hilado manual requiere mucha paciencia. La confección de una ruana o un poncho demanda entre cuatro y siete meses de trabajo. Por otro lado, el acto de tejer termina siendo un espacio de contención. En estos lugares, donde no hay otras instancias que atiendan problemas de violencia doméstica, por ejemplo, encontraron la posibilidad de compartir y apoyarse con un gran sentido de comunidad.

L’ORIGINE

L’ORIGINE

La artesana Petrona Rosa Contreras de Molina, de la Cooperativa Laguna Blanca, Belén, Catamarca

L’O: ¿Están organizadas formalmente?

FS: Sí, bajo la forma de cooperativa multirrubro, porque ahí se hace de todo. Si bien no está planteada como atractivo turístico ni hay forma de concretar una operación comercial con tarjeta de crédito u otro medio electrónico, es a donde se dirigen los viajeros que llegan a Laguna Blanca. Las artesanas tienen alguna referencia del precio al que pueden vender una prenda, que ronda los trescientos o cuatrocientos dólares, pero no están bancarizadas ni tienen conexión a Internet. Saber que no habían recibido capacitación alguna en los aspectos comerciales me motivó a ayudarlas.

L’O: ¿Quienes hacen la esquila?

FS: Participa toda la familia. Van cercando a los animales silvestres en una ceremonia llamada chaku. La vicuña es una especie protegida y en la comunidad se preocupan por cuidarla. Luego, las mujeres se reparten a ojo la fibra obtenida.

L’O: ¿Es un proceso controlado por algún organismo?

FS: Desde el área de Fauna de la provincia se otorga un certificado que permite transparentar cuándo y de qué manera se realizó la esquila. Cada poncho debe ir acompañado de un código que refiere a la certificación. Eso es de gran ayuda ya que controla las transacciones comerciales ilegales, pero aún falta un largo camino por recorrer.

L’O: ¿Qué pasa con las mujeres más jóvenes?

FS: Saben tejer, pero no lo ven como un medio de vida, por eso muchas se quieren ir de Laguna Blanca. Cuando les preguntás qué necesitan te responden que les gustaría recibir capacitación y medios para poder vender. Quiero enseñarles a emprender su propio negocio y darles un propósito para todos los días ya que hoy no lo tienen.

L’O: ¿Cómo se te ocurrió incorporar los NFTs?

FS: Tenía todo para hacerlo. Así como cuando comprás una obra de arte conocés, entre otras cosas, su autoría y qué técnica se empleó, en este caso sabíamos quién está detrás de cada tejido, cómo se obtuvo el material y de dónde proviene. Con esa información y el uso de tecnología podíamos crear una unidad única e irrepetible, transparente y con nombre propio. Cada NFT pertenece a una tejedora. El comprador recibe un link para acceder al diseño digital de la prenda, un audiovisual con la historia de la artesana, fotos y el certificado que mencioné antes. Además, se lleva el poncho físico.

L´O: ¿A quiénes está dirigido el producto?

FS: Identificamos un público tecnológico interesado en causas sociales y que apuesta a crear comunidad. A partir de ese concepto podemos sumar capacitadores, generar actividades o acceder a nuevos puntos de venta. Creo que empezar a participar de esta movida asociada al arte digital es una buena forma de llegar al mercado exterior. Todo el dinero que se genere irá para las artesanas. Perú ya cuenta con experiencias tokenizadas vinculadas a la fibra de alpaca.

L’O: El éxito de las propuestas de este tipo en países vecinos ha respondido, en gran medida, a sus políticas públicas.

FS: Sin duda son necesarias. Mi intención es tocar todas las puertas que haya que tocar. Juego este papel –incómodo para algunos porque me consideran muy joven– pero no le debo nada a nadie y puedo decir lo que quiero. La idea es hacer mucho ruido alrededor del tema. Y creo que ya me están empezando a escuchar. n

Florencia Sosa en Laguna Blanca.

TEMA LIBRE

El cantante de Bandalos Chinos habla del presente del grupo, de sus fans, la moda y el fútbol.

Fotos MAXI GUTERMAN Estilismo DELFINA TULLI

ESTA PAGINA: gafas de sol, AY NOT DEAD. Pañuelo, BIMBA Y LOLA. Anillo de cristales, SWAROVSKI. Top mangas cortas de gasa de seda, JT. Pantalón chino en jacquard de algodón. CARBONE.

PAGINA OPUESTA: gafas de sol, AYNOT DEAD. Collar, BIMBA Y LOLA. Chaleco de cuatro botones de lino, CARBONE. Jeans con apliques, VALENTINA KARNOUBI colaboración con GUSMAN. Sandalias, BIRKENSTOCK.

Por JOSE HEINZ

Cuenta Gregorio Degano –más conocido como Goyo o El Shy, según cómo lo sigas– que su relación con la moda y la vestimenta se remonta a su infancia. “Mi mamá tenía un local de ropa femenina. Tuve que buscar la forma de usar alguna prenda de mujer que estuviera ahí, para así tener ropa nueva. Creo que ese fue el inicio del vínculo”, explica el cantante de Bandalos Chinos, una de las agrupaciones de la nueva generación de rock pop argentino de mayor crecimiento en los últimos tiempos. “Y ya en los primeros años con Bandalos empezamos a vincularnos con diseñadores independientes. Eso hizo que entrara al universo de quienes se expresan a través de sus creaciones con telas. O con harapos, como me gusta decir a mí. A partir de ahí, mantengo una búsqueda más libre y profunda con la moda, me conecté con estilistas que me ayudan a bajar ideas relacionadas a la imagen. Me divierte, así que va por ese lado”.

El crecimiento sostenido del grupo hizo que este año pudieran cumplir uno de esos sueños que desvelan a la plana intermedia de la música argentina: conquistar el mítico Luna Park. Fue en octubre pasado con un show fascinante, en el que presentaron oficialmente Big Blue, su último álbum. De ese logro y otras cuestiones, el cantante habló con L’Officiel

L’OFFICIEL: Llegar al Luna Park es un hito importante para cualquiera. De hecho, al inicio del show se proyectó un video que mostraba eventos clave en la cultura que se dieron allí y luego aparecieron ustedes. ¿Podemos hablar de un momento histórico para la banda? ¿O solo fue un juego para aprovechar la mística de ese lugar?

GOYO DEGANO: Fue el show más importante de nuestra carrera, así que podemos hablar de momento histórico. Y por otro lado, siempre encaramos todos nuestros eventos trascendentales con un poco de humor. Empezando por el nombre de la banda, ¿no? Es un juego de palabras al que le dimos nuestra identidad. Lo del video fue una idea de Tomás Terzano, nuestro colaborador

Traje y bandolera, LOUIS VUITTON . Zapatillas, FILA.

“... TODO LO QUE hicimos SOMOS todo LO QUE VIMOS, SOMOS todo, ME olvido QUIEN SOY...”

audiovisual, que estuvo a cargo de la dirección del espectáculo. Fue divertido encararlo con ese aire medio soberbio, donde nos pusimos a la altura de algunos hechos históricos que ocurrieron ahí, como el casamiento de Diego y Claudia o los conciertos del Potro Rodrigo. Lo abordamos desde el humor, porque eso nos aliviana y saca un poco de presión.

L’O: Si tuvieras que adjetivar el sonido logrado en El Big Blue, ¿cómo lo describirías?

GD: Una nostalgia esperanzadora.

“... TODO LO QUE fuimos SOMOS todo LO QUE HICIMOS SOMOS TODO, ME olvido DE VOS...”

L’O: Sus últimas producciones tienen mucha relación con México, donde tienen agendada una nueva gira. ¿Cómo es la relación entre Bandalos Chinos y ese país?

GD: Es una relación muy fluida desde 2018, cuando viajamos por primera vez. México es una tierra de oportunidades, como un romance que fue creciendo y no nos deja de sorprender. Visitamos cada vez más ciudades porque aumenta nuestro público. Para ellos somos una banda internacional y la gente es muy expresiva. Así como Córdoba fue una escuelita para nosotros al momento de girar por el interior del país, México lo está siendo a escala internacional. Han sido muy cálidos siempre.

“... Y SI ESTO ES EL final

NO ES EL lugar DONDE CAI...”

Súeter tejido, MAYDI. Brazalete y colgante de cristal, SWAROVSKI. Pantalón, HIGO. Mocasines bitono, CARBONE.

,

“... Y SI ESTO ES surreal, SOS EL lugar DONDE CAI ...”

Top, TRAMANDO. Pantalón, JT. Mocasines, TERRIBLE ENFANT. Pendiente de cristales, SWAROVSKI.

“SIENTO QUE YA LO soñé EL SOL ME QUEMA Y YO NO SE donde ESTARÉ...”

— Canción “Isla” de Bandalos Chinos

L’O: ¿Podrías contarme un poco cómo fue la cocina de la versión de “Hablando a tu corazón” para una publicidad de cerveza, que se relaciona con el Mundial?

GD: Fue increíble, tuvimos la chance de conocer a Pedro Aznar. Cuando llegamos al set, él estaba filmando su parte. Aznar es una leyenda viva y nosotros somos sus fans, incluso por fuera de lo que hizo en el rock argentino. Charlamos un rato en el camarín. Es una persona sabia y humilde. Nos dio algunos consejos sobre composición; se logró un diálogo muy copado en el que nos bajó mucha data sobre música. Nosotros vivimos con pasión el fútbol, así que fue un honor que nos invitaran a reversionar ese tema, y nos pareció una manera muy atinada de vincularnos con una marca. Ahora hay que ganar el Mundial porque si no, nos convertimos en mufas (risas).

ES UNA TIERRA DE oportunidades, COMO UN ROMANCE QUE FUE creciendo Y NO NOS DEJA DE SORPRENDER”.

L’O: Ya que nos pusimos mundialistas: la primera vez que vi a Bandalos Chinos en vivo, hace ya varios años, llevabas puesta la camiseta que Goycochea usó en el Mundial ‘90. ¿Fetiche retro o una especie de cábala? ¿Tenés la de Dibu Martínez?

GD: Es verdad, usaba esa camiseta en algunos shows por esa época. Primero, porque es un camisetón. Me la regaló Suso, nuestro jefe de escenario. A él le quedaba chica, así que me la dio a mí; la empecé a usar y se volvió cábala. La llevaba cada vez que salíamos de gira. Hoy tengo otras; no la de Dibu, aunque me gustaría, eh. Y si se puede, también la de Messi. n

OPUESTA: gafas de sol, AY NOT DEAD. Collar, BIMBA Y LOLA. Chaleco, CARBONE. Jeans con apliques, VALENTINA KARNOUBI en colaboración con GUSMAN. Sandalias, BIRKENSTOCK. ASISTENTE DE ESTILISMO: Lara Martinsen. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA Nicolás Viglietti. MAQUILLAJE Y PEINADO: Joaquín Vega Caro para Kabuki Make Up School. POSPRODUCCION: Juan D. García.

“MEXICO

PAGINA

GIRL Just a

Camisa SADAELS , collier CARTIER

ESTA PAGINA: Total look CHANEL

PAGINA OPUESTA: arnés SADAELS. Pantalón, JT. Collar CARTIER.

ESTA PAGINA: campera, GUIDO VERA, Chaqueta, SADAELS , Botas, CHANEL , Reloj, CARTIER. PAGINA OPUESTA: pantalón, LA PROMESA . Chaleco y botas, BRUNELLO CUCINELLI. Capucha, ACHEVAL.

ESTA PAGINA: trench, ACHEVAL . Camisa, SADAELS. Falda, LA RANDO. Zapatos, FERRAGAMO Reloj, CARTIER. PAGINA OPUESTA: blusa, pantalón y zapatos, FERRAGAMO . Cartera, CARTIER

MAQUILLAJE: Yacine Diallo para Call My Agent. PEINADO: Nicolas Eldin. ASISTENTES DE ESTILISMO: Ophéline Perret y Guido Vera. MODELO: Ali para City Models. DIRECTORA DE CASTING: Charlotte Selignan. COORDINACION: Joaquín de la Paz y Angéline Ariza . AGRADECIMIENTOS: Le Studio 19 at 19 Rue de la Fontaine, 75011, Paris.

Monoprenda, NOUS ETUDIONS . Sandalias, CABU

UNA VOZ con SOUL

Chita presiona el botón de pausa. Elige bajarse de los escenarios para dedicarse a hacer el disco que siempre soñó.

Fotos PAULA LATIMORI Estilismo MECHI MACHADO

Por CATA GRELONI PIERRI

A cara lavada, detrás de unos anteojos de pasta transparentes y con un buzo negro gastado que dice Desire en gemas de strass, Francisca Gil aparece en la entrada de Casa Cavia, Palermo Chico, Buenos Aires. Es una tarde fría de septiembre y tiene los dedos plegados contra las palmas. Nada en su andar y lenguaje corporal sugiere que debajo de esa fachada de “chica de al lado” se oculta Chita, una de las artistas argentinas más talentosas que, al subir a un escenario, provoca y logra domar fieras con movimientos sensuales y una voz potente y de terciopelo.

Francisca es reservada, en cambio Chita te clava miradas intimidantes con esos topacios cristalinos. Francisca se oculta detrás de remerones XL de algodón; Chita aparece enfundada en látex para interpretar “Dwele”. Francisca se deja influenciar por opiniones ajenas; Chita forma alianzas con artistas como Cazzu y Lara91K para conquistar el mundo. Ahora, Chita tiene el poder en sus manos y vuelve a las bases del R&B (rhythm and blues) y neo soul, aquel sonido con el que creció y que será la columna vertebral de un nuevo disco en 2023. “Hace unos meses en España me cayeron verdades como si fueran rayos. Me di cuenta de que tenía que hacer cambios decisivos en mi carrera para llegar a donde quiero.

Es la primera vez que elijo estar en silencio y me bajé de los escenarios para armar el álbum que siempre soñé”, dice la artista de 26 años y comenta que volvió a componer como antes, en piano y guitarra. Acaba de sumar a su equipo a Benjamín López Barrios, con quien se reúne tres veces por semana a producir el sonido del nuevo proyecto. El manager es Daniel Grinbank.

Fue hace más de una década que su padre –saxofonista y melómano– le abrió el camino a la música. Gracias a él comenzó a escuchar a Bill Evans, Billie Holiday, Etta James y John Coltrane, que forjaron sus gustos y manera de cantar. Primero estudió piano, pasó por la Escuela de Música Contemporánea de Buenos Aires. Obtuvo una beca en Londres, donde vivió dos años, y se acercó al repertorio de Robert Glasper, Lalah Hathaway y Jorja Smith. A la vez, empezó a presentarse en pequeños pubs con algunos covers y composiciones inéditas de R&B con su amigo músico “Laucha” Rico Gómez. De aquel germen surgió Chita (2018), su primer EP de cuatro canciones, producido por Nico Cotton, que muestra la esencia de su encanto: un flow suave y poderoso sobre el que se monta para hablar del amor y el desengaño. “La primera letra que hice fue ´Bring Me Down´ y salió entera, de una”, recuerda la compositora y tecladista. Cuando en 2017

Bikini, corpiño con aro y bombacha tiro alto, CARO CUORE . Gargantilla de brillante doble, SIMONETTA ORSINI.

Blazer CABU . Pantalón pinzado de cuero, BLUE SHEEP . Sandalias, SANTESTEBAN

volvió al país para visitar a la familia y a las amigas, descubrió la escena local. La efervescencia de bandas y artistas como Perras On The Beach, Luca Bocci o Francisca y Los Exploradores la motivaron a regresar a la Argentina, componer “Algo Más” –su primera canción en español– y transformar un sueño en forma de vida. Después de atravesar la pandemia y dos años a tracción de canciones lanzadas en solitario y en clave urbana, colaboraciones con artistas como Ca7riel (“Rili Don´t Care”), Cazzu, Neo Pistea (“Nada Más que Hablar”) y algunos shows, hoy Chita se baja de un tren vertiginoso de simples, streams, videos, festivales, feats y lanzamientos para enfocarse en su nuevo deseo.

L’OFFICIEL: ¿De qué se trata el disco en el que estás trabajando?

CHITA: Estoy trabajando sobre quince maquetas para que queden diez canciones de R&B. Por primera vez me estoy tomando el tiempo y controlando la ansiedad que genera esperar y aprender a bajar el ritmo. Estoy escuchando a músicos como O.V. Wright y enamorándome profundamente de las letras de Roberto Goyeneche. Creo que sus influencias se van a filtrar en este disco, que es un proceso creativo que siempre anhelé, pero que tal vez no me animaba a hacer antes.

L’O: ¿Qué cambió? ¿Por qué ahora sentís que estás lista?

CH: Antes no tenía las herramientas mentales ni la experiencia. El R&B es un género que me sale natural, me hace sentir bien, pero cuando empecé lo veía lejano tanto el sonido como en las historias que cuenta. Tal vez imaginaba que yo, como mujer, argentina, blanca y de clase media alta, me estaba apropiando de un género afroamericano de protesta, pero ahora me amigué un poco con la idea de tomar lo que me hace bien. Este disco será como el punto de llegada luego de una búsqueda que duró cuatro años.

L’O: ¿Por qué decidiste armar equipo en el proceso de producción y en la escritura?

CH: El año pasado me empezó a picar el bicho de trabajar en equipo. Es mágico escuchar la devolución de una canción con arreglos porque te la hacen despegar. La composición también. El proceso puede ser un espacio muy solitario y si me aíslo,

pierdo objetividad. La primera vez que me junté fue con Cazzu para hacer un reggaetón con ella y Lara 91K (“Dándote”). Después, una noche de amigas en la que le conté a Cazzu que andaba medio celosa por algo que me había pasado, me escuchó y al rato me había escrito la letra de “Lo Que Hace Conmigo” y la hicimos como una cumbia porque veníamos escuchando mucho a Karina. Cazzu es muy inteligente y tiene mucha visión. La canción quedó perfecta porque resume toda esa esencia.

L’O: Sin embargo, despertó polémica en las redes por la letra de la canción. ¿Qué pasó?

CH: Ja. Sí, un episodio de confusión. Para cierto feminismo contemporáneo parece que sentir celos está mal visto cuando es algo carnal y psicológico. Mucha gente empezó a decirme que esta canción atrasaba, pero sé que a muchas mujeres también les puede servir como mensaje.

L’O: Y después vino el segundo round con Ca7riel en “Rili Don’t Care”

CH: Tenemos una relación larga de amigos y nos conocemos hace bastante, desde que colaboró en “No Fue”, uno de mis primeros singles. Para “Rili” ya estábamos saliendo, casi viviendo juntos por la pandemia y escuchando mucho reggaetón. Unos productores españoles (Itchy & Buco Sounds) nos mandaron varios beats y decidimos subirnos sobre el que más nos gustó. Nos llevamos muy bien creando en el estudio. Es una canción que queremos mucho y nos gusta tocarla en vivo.

L’O: ¿Comparten material durante sus procesos creativos?

CH: El sí. Es muy extrovertido y apenas termina una canción me la pasa, me manda la letra y me pide opinión. Eso fue algo bueno de la pandemia, haber podido ver el proceso de su último disco y cómo fue mutando, pero a mí no me gusta mostrar las canciones hasta no tenerlas blindadas. Soy bastante reservada porque reconozco que muchas veces fui muy vulnerable a las opiniones ajenas y eso tuvo consecuencias en varias decisiones de mi carrera, entonces ahora prefiero dejar las opiniones y reacciones para cuando las canciones ya están publicadas.

ESTA PAGINA: traje de baño asimétrico, HERMES

ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Juan Francisco Sanchez. ASISTENTE DE ESTILISMO: Carolina Quinteros. MAQUILLAJE: Sol Saal para Niche. PEINADO: Mae Ludueña para Niche. DIRECCION DE ARTE: Ignacio Buendia.

PRODUCCION: Agustina Fernández. POSPRODUCCION: Reto Studio

PAGINA OPUESTA: blusa un hombro y palazzo, BOMPAROLA . Sandalias, SANTESTEBAN . Aros solitario y anillos de brillantes, SIMONETTA ORSINI

PAGINA OPUESTA: reloj Cape Code Doble Tour, HERMES. ESTA PAGINA: cartera Cuatro Tetas, CURATORIA.

PAGINA OPUESTA: sandalia Tulum, SANTESTEBAN . Sombrero Taragüi, MAYDI. ESTA PAGINA: collar, PRADA . Pendiente, CURATORIA.

ESTA PAGINA: sandalia Burdeos, MISHKA PAGINA OPUESTA: bota Onassis, PRUNE . Cartera Bari impreso trenzas, SENTEZ MAQUILLAJE Y PEINADO: Martina Pucheta. MODELO: Erica An para Lo Management.

RECURSOS PERSONALES

Fotos CARLOS ORTEGA Estilismo PEDRO AGUIRRE

Reloj 1858 Iced Sea, MONTBLANC . Camisa, HERNO en SARIKA RODRIK.

Cartera compacta Extreme 3.0, MONTBLANC. Mochila Extreme 3.0, MONTBLANC . Camisa, HELMUT LANG en SARIKA RODRIK Pantalón, JOSEPH en Sarika Rodrik. Zapatos, SALVATORE FERRAGAMO.

Reloj 1858 Iced Sea, MONTBLANC. Pantalón y camisa, CHARLIE & H. Remera, AURE 0001 . Zapatos, SALVATORE FERRRAGAMO. MAQUILLAJE Y PEINADO: Josefa Inostroza. ASISTENTE DE PRODUCCION: Martina Bruce. MODELO: Sebastián Zuleta en WLM.

LO QUE el aire TRAE

Por FEDERICO KUKSO

En 2017, una curiosa imagen inundó las redes sociales. Mostraba un afiche que, supuestamente, se había colgado en la entrada de las estaciones de la red subterránea de Londres. Lo firmaba el alcalde de la ciudad. “Lleve agua con usted en todo momento”, recomendaba y seguía: “Por favor, use desodorante, es posible que no pueda olerse a sí mismo, pero el resto de nosotros puede hacerlo y usted huele horrible”. La franqueza del extraño mensaje empujó a muchos a compartirlo en Twitter. Si bien con los días se comprobó que se trataba de una broma de algún gracioso anónimo, la foto trucada expresaba una gran verdad, particularmente para los habitantes de las grandes ciudades: el verano huele.

Notas de mar, jazmines, pradera, violetas, árboles frutales… ¿A qué huele el verano?

Como sabemos, no hay un solo olor estival, hay muchos: los que inmediatamente identificamos con los días de calor, con vacaciones, con tardes de arena y sol; con almuerzos cerca del río, bosque o sierra; con cenas eternas y abrazos de fin de año al aire libre... Varios pueblan nuestra memoria. Para algunas personas solo basta con evocar el olor fresco y salado del mar para situarse emocionalmente en la estación más calurosa del año. O percibir el olor a cloro de las piletas. O el aroma dulzón de un protector solar, por lo general, una fragancia de coco. O el particular humo –similar al incienso– del repelente de mosquitos en forma de espiral que, cuando se quema, perfuma el aire manteniendo lejos a estos insectos. “Otra vez percibo el aroma de los nenúfares blancos y sé que llegó la estación que esperaba”, escribió en 1854 el poeta Henry David Thoreau. “¡Qué indispensables todas estas experiencias para componer el verano!”.

Esta época del año no es solo un fragmento –siempre escaso– de tiempo. Es también percepción olfativa, socialmente construida y a la vez subjetiva, personal, íntima e irrepetible. Los perfumistas lo saben bien. Las creaciones lanzadas para la estación acompañan con sutileza. No buscan robar protagonismo, más bien intervienen en nuestra sensación de bienestar. De por sí, cada nueva fragancia ofrece una excursión temporal y emotiva a un continente lejano de nuestra memoria, pero las que se promocionan en los meses cálidos tienden a acentuar los momentos de ocio. Suelen ser ligeras y frescas con notas cítricas, no tan abrumadoras como las de invierno que nos arropan con sus moléculas y que asociamos con suéteres, bufandas, guantes y demás abrigos.

Vigorizantes, las fragancias cítricas siempre regresan con el verano. Hay razones históricas. Esta familia de frutas lleva en China más de ocho millones de años y se la considera un símbolo solar. De hecho, mucho antes de que las papilas gustativas del mundo la descubriesen, naranjas, limones, pomelos, limas y mandarinas eran el regalo exclusivo para el emperador de turno. Los cítricos se imponen también por cuestiones científicas. Según un estudio de 2019 conducido por la investigadora Giada Brianza de la Universidad de Sussex, Reino Unido, los aromas de limón parecen mejorar la percepción de la imagen corporal. “Hacen que los participantes se sientan más livianos”, señalan los autores. Se afirma además que esta familia olfativa mejora el estado de ánimo. Diversas experiencias señalan que las fragan-

cias ambientales con naranja disminuyen el estrés de los pacientes en las salas de espera de consultorios médicos o dentales. Y a esto se suma otro curioso efecto psicológico: asociamos los olores cítricos con limpieza. Una hipótesis sugiere que esto se debe a que en el pasado se utilizaba el jugo de limón para devolver el brillo a las ollas de cobre y pulir madera. Por eso, cuando aparecieron los detergentes comerciales y los limpiadores en crema, sus creadores eligieron darles ese aroma agradable.

El primer perfume a base de alcohol fabricado en Europa, “Agua de Hungría” (hecho en 1370 para Isabel de Polonia, reina consorte de Hungría), contenía, además de romero, salvia y cedro, notas energizantes provenientes de la bergamota, fruta híbrida entre la naranja amarga y el limón. Su presencia formó parte también del nacimiento de la primera colonia masculina del mundo: “Eau de Cologne” (Agua de Colonia o Kölnisch Wasser, en alemán) desarrollada en 1709 por Giovanni Maria Farina a partir de una mezcla de aceites cítricos y, supuestamente, tomando como fuente de inspiración el aqua mirabilis, una solución alcohólica perfumada producida en la Edad Media a la que se atribuían virtudes terapéuticas. “He descubierto un aroma que me recuerda a una mañana de primavera en Italia, a narciso de montaña, a azahar justo después de la lluvia”, le escribió este perfumista italiano a su hermano. “Me refresca mucho, fortalece mis sentidos y mi imaginación”.

Hoy, esta tradición cítrica continúa en perfumes masculinos, femeninos y también en los sin género como “Mandarino di Amalfi” de Tom Ford, “Acqua di Gio” de Gorgio Armani, “Eau de Mandarine Ambrée” de Hermès, “Orange” de Dolce&Gabbana, “Aqua Allegoria Orange Soleia” de Guerlain, “Flower By Kenzo” de Kenzo, “Infusion de Mandarine” de Prada, “Agua” de Loewe o “Son” de la argentina Blind, y muchos más. Refrescantes, ligeros y chispeantes, provocan sensaciones de frescura y confort. Pero en especial logran que, con solo inhalarlos, entremos en “sintonía” verano. n

“OTRA VEZ PERCIBO EL aroma DE LOS NENUFARES BLANCOS Y SE QUE llegó

LA ESTACION QUE ESPERABA”.

— Henry David Thoreau.

fantástica! SOFIA

Pertenece a la generación de modelos que está cambiando la industria de la moda. Belleza en todas sus formas.

Fotos JUAN MATHE

Estilismo MARCELA RUBINI

Bolero, LA ESQUINA.

ESTA PAGINA: vestido de lino con manga balón, BLUE SHEEP. Hebilla con moño de cuero metalizado, FERRAGAMO.

Vestido cache coeur CALA. Botas bucaneras con taco alto, NAIMA.

MARINA DO PICO

Sofía Klimkowski aparece frente a un lienzo de colores vibrantes. Le pregunto si es algún fondo sofisticado de Zoom y me dice que no, que es algo que está pintando. Ante mi sorpresa explica: “Me encanta hacer cosas con las manos, cerámica, pintura. Pero me faltan veinticuatro horas más por día para abarcar todo lo que me gustaría hacer”. Nuestra conversación también tiene un fondo musical, cada tanto se escucha la corneta jazzística de su pareja Leo dando una clase. La charla está atravesada por todos esos lenguajes. Un poco como la vida de Sofía, modelo curvy que aporta su belleza y frescura a campañas de Mango, H&M y Jazmín Chebar, y en su tiempo libre toca el saxo y canta. En conversación con L’Officiel nos cuenta sobre sus experiencias en el modelaje, su pasión por la música y sus metas a futuro.

L’OFFICIEL: ¿Te imaginaste trabajando en el mundo de la moda?

SOFIA KLIMKOWSKI: No, la verdad es que fue bastante sorprendente. Porque para mí la ropa siempre fue un problema. Tenía doce años y no me entraban los pantalones para nenas de esa edad. Pero siempre me gustó la moda. Te vestís de cierta manera y estás haciendo un pronunciamiento. Y a mí me interesaba en

ese sentido: me hacía cosas raras en el pelo, me teñía, intervenía remeras. Era otra forma de decir “acá estoy”. No me imaginé que iba a trabajar en esto, pero algo ahí estaba latiendo y de hecho por eso me gusta, porque se ve que dentro de mí estaba la necesidad de mostrar quién soy.

L’O: La escena del modelaje cambió bastante en los últimos años. Muchas exmodelos hablan de un ámbito hostil. ¿Vos alguna vez sufriste violencia en el trabajo?

SK: Como modelo curvy no me he sentido mal en el trabajo; en general me llaman porque quieren este cuerpo. Me parece que a veces a muchas chicas flacas las llevan a un límite. Sobre todo en la Argentina, donde hay un público que consume esa extrema delgadez. Nunca vi una gigantografía que muestre un cuerpo diferente en la Lugones u otra avenida muy conocida. Es una crueldad un poco soslayada. Por suerte hay un montón de activistas; mucha gente que se preocupa para que haya inclusión de talles y ya es poco habitual que te traten mal. Estoy bastante esperanzada con esto de que las pasarelas se van llenando de diversidad, pero hay que seguir trabajando: todavía falta.

Por

Blazer y chaleco de lino, ZITO. Pantalón ancho y sandalias, MISHKA. Turbante, FLOR TELLADO. Anillos de cerámica, plata y piedra, PANORAMA STORE.

L’O: ¿Cómo te preparás para una producción de fotos?

SK: Siempre voy con mucha buena onda: así es como funciona un equipo. La verdad es que aprendí a querer muchísimo este trabajo y a conectarme con todos los que están detrás de una foto. Y comienza ya desde el día anterior en que tratás de irte a dormir temprano para estar espléndida al siguiente, porque la realidad es que poner la cara y el cuerpo requiere energía. La cuestión es estar fresca y tener en cuenta todo lo que hay alrededor de eso. Y si se trata de una marca con la cual nunca trabajé, también me gusta investigar un poco su historia y su estilo.

L’O: Vos también sos música y ahí hay otro trabajo con el cuerpo, que es muy distinto, pero en definitiva es utilizarlo como medio expresivo. ¿Cómo llevás esa relación?

S K: El saxo te limita un poco para moverte y a veces me encuentro en casa tratando de estudiar y de aflojarme. Ahora estoy haciendo canto, me permite soltarme un poco más, mover los brazos. Me parece que todos los artistas tienen una conexión muy increíble con el cuerpo; es nuestra herramienta. Y con la música lo tenés que estar sintiendo todo el tiempo para abrirte a crear.

L’O: ¿Cómo y cuándo empezaste a tocar?

SK: A los dieciséis dije “quiero tocar el saxo”, pero no sabía por qué. Empecé a estudiar y un día puse un disco de Coltrane y me dieron ganas de tocar encima: no sabía nada, tocaba remal, recién estaba empezando, pero me emocioné. Decidí que quería estudiar más y hacer de eso parte de mi vida. Ahora me quedan un par de materias para terminar el conservatorio. La música me conectó con gente increíble, es otro espacio para habitar. Para mí todas las personas deberían tocar un instrumento alguna vez.

L’O: ¿Cuáles son tus mayores metas?

SK: Primero ser feliz, que puede sonar banal, pero es lo más importante. Quiero seguir viajando, me encantaría conocer muchos lugares del mundo con el modelaje. También a través de la música: vivir de la música o del modelaje es un privilegio enorme. Hay que ser conscientes de eso. Para mí las metas son siempre conectarme con gente creativa, mostrar quién soy. Me encanta la actuación, ojalá me surjan posibilidades por ese lado. Siempre desde el amor y conectando con lo que estoy haciendo. n

“VIVIR DE LA música O DEL modelaje ES UN privilegio ENORME”.

PAGINA OPUESTA: blazer , corpiño y pantalón con paillettes, NAIMA.

ESTA PAGINA: cartera de mano, DELGUE.

MAQUILLAJE: Jade Kone con productos Chanel Beauty. PEINADO: Violeta Murphy. MODELO: Sofi Klim para Lo Management. DIGITAL TECH: Nacho Sartori. POSPRODUCCION: Gastón de Chapeaurouge.

L’PROJECT

L’PROJECT

MISMO IDIOMA

Cata Chavanne sigue consolidando la etiqueta que creó hace casi diez años. Nuevo local, equipo fiel y el arte como marca de identidad.

Por DORA BECHER Fotos DOMINIQUE BESANSON

“Hace un tiempo que venía siguiendo la obra de Edgardo, y si bien son construcciones que él hace con mimbre, a mí siempre me dio esa sensación de tejido”, dice Catalina Chavanne sobre Edgardo Madanes, a quien convocó para que creara una escultura en el nuevo local de Blue Sheep en Patio Bullrich. “Lo primero que vi en sus trabajos fue la utilización de fibra al natural. Y aunque el mimbre es un material rígido, logra crear volúmenes envolventes. Nosotros también honramos la fibra: el algodón, el lino, la seda. El además realiza una tarea artesanal y en eso también nos parecemos. Siento que tenemos mucho lenguaje en común”.

Entusiasta del arte y su poder para transmitir universos, Chavanne fue armando sus locales (también tiene uno en el histórico edificio La Colorada, en Palermo, y otro en La Aldea, en Pilar) con diferentes pinturas y fotografías, la mayoría de referentes mujeres. “Es un lazo con lo femenino”, describe. Para Patio Bullrich eligió revalorizar la trama, el material, la plasticidad, el trabajo manual con la pieza site-specific de Madanes, “dibujó el primer boceto a partir de la foto de un diseño nuestro que mostraba un cuello tejido”, menciona y agrega: “Contar con una escultura de su autoría nunca tuvo un fin decorativo, sino que es una forma de representar los valores de la marca”. Junto a la obra del escultor, se pueden ver los clásicos de la etiqueta y las prendas de la nueva colección, a la que llamaron Blue Land. “El nombre apunta a que cada vez nos sentimos más dueños de un mundo propio, que fuimos armando a lo largo de los años. Tenemos una identidad que

nos define, que la gente reconoce, y estamos orgullosos de eso”. La colección se caracteriza por las prendas holgadas y nudos en la cintura, la cadera o los hombros. “Le empezamos a dar lugar a la sensualidad de manera muy sutil, con prendas de un solo hombro, espaldas descubiertas, tajos en las faldas”, destaca.

Blue Sheep está por cumplir diez años y su dueña asegura que desde el principio tuvo en claro sus metas. “Fuimos pioneros en incorporar técnicas ancestrales de distintas comunidades como los tejidos de chaguar”. Ser cada día más sostenible es parte de su filosofía. En conjunto con una ONG reutilizan los descartes armando nuevas prendas. “Siempre nos preocupamos por crecer éticamente, seguir nuestro camino, sin distraernos con lo que impone el mercado”. Otro de sus pilares es defender el “hecho en Argentina” y este año se planteó un nuevo objetivo. “Volvimos a recorrer los talleres, a conocer cómo trabajan los proveedores, sus dificultades, ver cómo podemos ayudar, estar más cerca. Estos diez años me demostraron que si vos realmente entablás relaciones con tu gente y tus clientes, y hay empatía, eso te vuelve”, dice Chavanne, a quien es habitual encontrar en los locales, en un vivo de Instagram mostrando los diseños o dando tutoriales sobre cómo armar un look. Considera que la experiencia de estar en el shopping es una oportunidad. “Creo que es el paso que debíamos seguir, que vamos a aprender un montón. Me gusta este desafío ahora. Siento que la marca está sólida y el Patio es una nueva raíz que nos sostiene con fuerza”. n

LLEGAR A DESTINO

Con nueva propuesta de interiorismo, NH Collection Crillon en Retiro actualiza su estética. Hay experiencias gourmet abiertas al público.

Ubicado frente a la Plaza San Martín, en el corazón de la Ciudad de Buenos Aires, en una zona que se distingue por su arquitectura histórica, su gastronomía y sus tiendas exclusivas. A solo unas cuadras del casco histórico porteño, de Puerto Madero y del centro financiero de la ciudad. El hotel renovó su propuesta de interiorismo y así ha elevado su categoría a NH Collection. Tiene 96 habitaciones –premium y suites, alguna con vista a la Plaza San Martín–. Todos los espacios comunes han sido remodelados y rediseñados. Entre los principales cambios se destacan los pisos, la estética en tonos suaves y los muebles y equipamientos pensados especialmente para completar el estilo elegante y contemporáneo. También se actualizaron todos los dispositivos tecnológicos de las salas de conferencias para que los espacios sean cien por ciento funcionales. El hotel dispone de

ocho salones para eventos o encuentros sociales y corporativos.

La gastronomía está a cargo de la chef ejecutiva Mercedes Basigalup. Sus propuestas se ofrecen tanto en el restaurante como en el bar, espacios ambos abiertos al público. La chef se destaca por su formación como pastelera; entre sus favoritos se encuentran los alfajores en múltiples variedades: almendras, maicena, avellana, membrillo, dulce de leche, los macarons y los bombones artesanales.

El desayuno buffet es un diferencial de NH en sus hoteles a nivel global. Cuenta con una amplia selección de jugos naturales, bollería, embutidos, quesos, fruta, yogures, panes y opciones sin gluten. El desayuno está abierto al público; es posible acceder sin necesidad de estar hospedados en el hotel. Al caer la tarde, también se puede disfrutar de un trago en la barra del NH Collection Crillon, una manera atractiva de terminar la jornada.

FRAGANCIAS inolvidables

Diciembre es el mes elegido para celebrar las fragancias más icónicas de la maison con “Le Grand Numéro de Chanel”, una mega muestra que se realizará en el Grand Palais Ephemère. Thomas du Pré de Saint Maur, Jefe de Recursos Creativos Globales de la etiqueta hace hincapié en el valor de las sensaciones y emociones que despiertan las esencias y en la posibilidad de descubrir durante la exposición la leyenda que hay detrás de cada una (15 de diciembre al 9 de enero).

“Cada fragancia tiene un costado espectacular”, señala Thomas en un perfecto español que mezcla con algunas palabras en francés. “Lo que las hace espectaculares es que tratamos de comunicar una misma visión en todo lo que hacemos: el universo CHANEL”. De lo clásico a lo icónico, del minimalismo puro a la máxima sofisticación, del accesorio cotidiano a la obra de arte. La singularidad es el alma de esta casa de moda francesa. “Lo que buscamos es que al usar nuestras fragancias la gente sienta que tiene una vida más interesante, más activa”.

Luego de la celebración de los 100 años de Nº 5, perfume que perdura a través del tiempo y lidera el mercado, Thomas

reconoce que todas las mañanas se pregunta cómo reinventar y transformar esa historia cada temporada. Para él se trata de tener visión, ambición y “algo de suerte”. “Es una fragancia innovadora, con su dimensión abstracta, sus aldehídos, su botella geométrica y minimalista. Nunca se podría simplificar en un ingrediente o en un relato. Eso es lo que permite llevarla de manera más personal”. Menciona también su relación con Olivier Polge, nariz de la firma. Se conocen hace más de 25 años, mucho antes de reencontrarse en la maison. Trabajan en contacto estrecho. “Conversamos, nos entendemos con facilidad. No hacemos grandes planificaciones, nuestro intercambio siempre es muy espontáneo”.

Consultado sobre el universo que comparten los perfumes con las demás creaciones de la etiqueta, explica que tienen el mismo imaginario respecto al lujo, y subraya: “Estamos seguros de que en cada pieza lo más importante es la emoción. Es un sentimiento que se encuentra en los talleres, en las boutiques, en la forma de trabajar, en las publicidades, en las exhibiciones. Todo hace al sentido”. n

Conversamos con Thomas du Pré de Saint Maur, Jefe de Recursos Creativos de CHANEL, sobre la exposición olfativa a los pies de la torre Eiffel.

“EN CADA PIEZA LO MAS IMPORTANTE ES LA emoción ”.

TECNOLOGIA ASOCIADA AL COLOR

ALIANZA

“Los colores son increíblemente influyentes para generar y transmitir emociones, impactan en nuestros estados de ánimo y pueden llegar a incidir en un 85 % y hasta en un 87 % en el reconocimiento de marca. Pantone es autoridad global en materia de color, nos enorgullece tenerlo como socio estratégico”, dice Valeria Fernández, gerente de marketing de Motorola Argentina, y agrega: “Mediante la combinación de la experiencia de Pantone en tendencias de color, predicciones e investigación de mercado, y el liderazgo en innovación y tecnología de Motorola, buscamos ofrecer a los usuarios otra forma de expresarse a través de nuestros dispositivos”.

PALETA

Para el motorola edge 30 neo se seleccionaron tres colores Pantone. “Se basan en tendencias y fundamentos que se alinean con la marca. El Ice Palace imita el brillo reflectante de las estrellas y transmite lujo y longevidad. El color Black Onyx representa protección y seguridad, potencia y confianza; se trata de un tono profundo inspirado en los minerales. Por último, Very Peri, el color del Año para 2022; atractivo y conector de generaciones, culturas y géneros. Un color que refleja lo que la sociedad está atravesando”, describen desde Motorola.

DESEMPEÑO

Este smartphone que se destaca por su diseño y color permite además percibir millones de tonos en una pantalla pOLED con sonido multidimensional Dolby Atmos®. Captura fotos más nítidas con los sensores gran angular, macro y de profundidad, incluso en cualquier condición de luz. Elimina los desenfoques por movimientos involuntarios de la cámara gracias a la estabilización óptica de imágenes (OIS). Logra obtener batería para el día en solo 10 minutos de carga. Posibilita una experiencia de juego más fluida, reproducir videos sin problemas y disfrutar de las funciones de cámara más recientes.

motorola edge 30 neo ya está disponible en la tienda oficial y en los Motorola Flagship Store de todo el país.

La primera colaboración entre Motorola y Pantone es un hecho. Dispositivos del futuro.

La embajadora

Por LOLA MONTEIRO

Del otro lado de la videollamada aparece una voz dulce que se reconoce inmediatamente. Es Natalie Portman, que habla con nosotros desde Baltimore, Estados Unidos. La actriz es la protagonista de la última campaña de Rouge Dior Forever, la legendaria línea de labiales, que ahora modificó su fórmula hacia una versión más sostenible. “Tanto la campaña como la marca tienen un fuerte mensaje sobre la hermandad entre mujeres, siendo equipo, apoyándonos y animándonos unas a otras. También cuenta el compromiso que la maison está realizando al crear productos más amigables con el ambiente; es algo que celebro”, dice. Peter Philips, Director Creativo y de Imagen de Dior Makeup es el responable de este nuevo capítulo. “Es genial trabajar con

él. Es una persona increíblemente talentosa, un hermoso ser humano con el que me encanta pasar tiempo, porque su capacidad de crear siempre es sorprendente”, agrega Portman. Rouge Dior Forever trae nuevos tonos de fácil aplicación y duración extrema, de hasta dieciséis horas de uso sin que se pierda la intensidad del color. Su textura está enriquecida con flor de peonía y su fragancia está compuesta al 80 % por ingredientes de origen natural.

Acompañada por su perra Penny, que corretea por allí, Portman agrega: “Tengo la suerte de ser parte de una marca histórica que siento como mi familia, que siempre está involucrada en el trabajo de las mujeres, en los cambios sociales, en las nuevas tecnologías y en el trabajo sostenible”.

Natalie Portman presenta los nuevos labiales ultrapigmentados de Dior. Colores intensos y duraderos.

BELLEZA SALVAJE

Panthere de Cartier alude a la fuerza interior que radica en cada persona y en los acordes florales que acompañan sus pasos. Lanzamiento en Santiago de Chile de la mano de L’Officiel . Noche de fragancias y brindis en el Mandarine Oriental, Santiago.

Gianina Rodríguez y Miguel Angel Soto.

Belén Muñoz y Peter Dragicevic.

María Paz Bezanilla y Pola Thomson.

María Ignacia Carrasco.

Tamara Fontan

Renato Szaphir y Ana María Flottes

ESTILO Euphoria

Donni Davy describe Half Magic, la línea de maquillaje con el espíritu apasionado de la serie. Texturas inéditas y tonos especiales para una mirada que se destaca.

Por FABIA DI DRUSCO

“Crear una línea de maquillaje no era el sueño de mi vida, pero después del éxito de la primera temporada de Euphoria muchos inversores empezaron a proponérmelo”, cuenta Donni Davy, la maquilladora artística ganadora de un Emmy Award precisamente por la serie. “Muchos me consultaban sobre la manera de lograr el look brillante característico de Euphoria y entendí que debía crear un sistema simple y amigable a partir de la diversidad de colores de los ojos, con sombras de larga duración. Todo tenía que ser extremadamente funcional pero, al mismo tiempo, emplear fórmulas de altísima calidad. Quise empezar con pocos productos verdaderamente novedosos e ir ampliando la línea en un diálogo constante con mis seguidores. Nadie me va a exigir que lance una máscara para pestañas porque es tendencia: la presentaré solo cuando hayamos llegado a una fórmula con las características inéditas que tengo en mente”. Los productos son totalmente veganos y con texturas muy especiales. “El más complejo de realizar fue el Glitterpill porque quería un destello que se reflejara en todas las direcciones, no un simple brillo”.

Con una gran trayectoria en el arte visual, Donni se sintió atraída por el maquillaje cinematográfico porque le parecía una forma de participar de la trama; le interesaba contar historias poderosas. “Empecé trabajando en películas realizadas por estudiantes de cine, de allí pasé a trabajar en cortos. En la época de Luz de luna (Oscar 2017 como mejor film) todavía hacía maquillaje invisible. Otro momento importante fue El misterio de Silver Lake con Andrew Garfield, después llegó Euphoria

Half Magic nace en colaboración con A24, la productora de Euphoria . Tanto para lograr el maquillaje imaginativo de Maddy (Alexa Demie) como el más discreto de Lexi (Maude Apatow) o el abstracto de Jules (Hunter Schafer), los productos a los que hay que apostar son los de la línea Chromaddiction, un híbrido larga duración entre sombra y delineador en doble versión mate y brillante; y los de Glitterpill , un brillo en colores encendidos y ultra reflectantes que capturan la luz, aun la más tenue. También se destaca el “Wing Magician”, un molde de siliconas que retoma el logo de la serie –la estrella de cuatro puntas en dos largos distintos– que ayuda a delinear los ojos con diferentes terminaciones al estilo de los personajes de Maddy o Lexi. (halfmagicbeauty.com). n

Alexa Demie y Sydney Sweeney en Euphoria . Los cuatro matices de la línea Glitterpill . Traducción: Teresa Donato

Le smoking cambió la percepción de la moda de género y marcó un nuevo precedente para la vestimenta femenina.

La parisina recorre sin prisa las calles de la Ciudad Luz. Lleva una estructurada chaqueta le smoking de Yves Saint Laurent y, por supuesto, un cigarrillo en la mano. La vestimenta masculina para mujeres ingresó al mundo de la alta costura en 1966, cuando Saint Laurent desafió los límites de la feminidad. Hasta entonces, la moda estaba centrada en una idea estricta de elegancia, en particular, a través del New Look de Christian Dior: la cintura ajustada y la amplia falda larga. En un editorial de 1976 que presentaba un traje de Saint Laurent, L’OFFICIEL comentaba “está confeccionada como una chaqueta de hombre, pero tiene un je ne sais quoi que la hace extremadamente femenina”. Fue este equilibrio entre el confort de la indumentaria masculina y el estilo chic del vestir femenino lo que la convirtió en una pieza revolucionaria. Cuando una prenda alcanza el estatus de icono, los diseñadores

contemporáneos la reimaginan permanentemente, dándole un nuevo significado a cada reiteración. Desde su incorporación a la maison en 2016, Anthony Vaccarello, actual director creativo de Saint Laurent, le ha otorgado un lugar central. En la última colección de prêt à porter de Gucci, Alessandro Michele jugó con la concepción cada vez más difundida de fluidez de género: trajes de corte holgado que encarnaban la universalidad de le smoking Para el diseñador estadounidense Thom Browne, el traje es marca registrada: prendas en lana gris, cortes únicos y detalles distintivos, y su Otoño/Invierno 2022 no fue una excepción. La llegada de le smoking fue uno de esos momentos inusuales y emocionantes en que el diseño representó su poder como una marca de cambio social. En 2022 continúa reflejando este cambio, enfrentándose a las expectativas tradicionales y afirmando su posición como lo último, no solo en la moda sino en el estilo mismo.