L'OFFICIEL ARGENTINA FEB - MAR 2022 by L'Officiel Inc.

FEBRERO-MARZO 2022

JUSTINA AGEITOS

Así en París como en Buenos Aires

Nº 35 $980 INTERIOR $40

int.cartier.com

Chronos & Co, Sensation Du Temps, Simonetta Orsini, Testorelli, Tiempo Latino, Vendemmia

FEBRERO-MARZO 2022

AGUSTINA CABALEIRO Poner en palabras

FEBRERO-MARZO 2022

DIGNITY Energía vital

FEBRERO-MARZO 2022

ALTA JOYERIA

Sin género concebida

FEBRERO-MARZO 2022

EN LA CALLE y en la vida

EDITORIAL

ANATOMIA DE UN ANTEOJO

EXCURSION BOTANICA

Por ANA TORREJON

Por ANDREA LAZARO Fotos: GERMAN ROMANI

72 48 18 CON NOBLEZA CONCEBIDO

VISIBILIZAR EL DAÑO

AL FILO DEL PASADO

REVELACIONES

ESPACIO LA PRAIRIE

ANNASOFIA

UNA PASARELA DIFERENTE

BUSQUEDA AVANZADA

HADA DE HAEDO

AGUS CABALEIRO

EL MANIFIESTO DE HOY

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Por MARINA DO PICO

Por JOSE HEINZ

Por CATA GRELONI PIERRI

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ Fotos: NICOLAS VERA

Por FERNANDO GARCIA Fotos: ALEJANDRA LOPEZ

Por ROMINA ZANELLATO Fotos: GERMAN ROMANI Estilismo: DELFINA TULLI

Fotos: ANTONIO DICORATO Estilismo: RAMONA TABITA

BRUTALISMO

BUENOS AIRES AFFAIRE

MODERN DANDY

PEDRO LEMEBEL

100

Fotos: MARCELO SETTON Estilismo: GABRIELA SETTON

Por CELESTE NASIMBERA Fotos: IVAN RESNIK Estilismo: SILVANA GROSSO

Fotos: ISABELLE BONJEAN Estilismo: EMILY MINCHELLA

100 88 EN VOZ ALTA

104

DOSSIER JOYAS

114

Por MARIA MANSILLA Fotos: GIUSEPPE VACCARO Estilismo: GIORGIA MELIS

Por ALYSSA KELLY

138

COMUNIDAD DE MUJERES

120

SESION DE OTOÑO

122

LA FLOR DE LA VITALIDAD

128

EN LIBERTAD

132

ESTADO DE PLENITUD

136

SKINMALISM

138

ESTRELLA DEL DESIERTO

140

LA VIDA EN MOVIMIENTO

144

ULTIMA PAGINA

146

Por CELESTE NASIMBERA

Fotos: VICTORIA DEL SEL Estilismo: DELFINA TULLI

Por LOLA MONTEIRO

Fotos: JULIO BARCENA Estilismo: YULIA POPOVA

Por ROSARIO GREZ

Por VALENTINA ESPINOSA

Por Piper McDonald & Tori Nergaard

DIRECTORA EDITORIAL

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DIRECTOR DE ARTE

EDITORA GENERAL

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COORDINADORA DE MODA

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Coronel Díaz 1617 (1425) CABA DIRECTOR Y PUBLISHER

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128, quai de Jemmapes 75010 Paris DIRECCION GERENTES COPRESIDENTES DE CONSEJO EJECUTIVO Y ADMINISTRATIVO

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CONTENIDOS EDITORIALES Y ARCHIVOS INTERNACIONALES

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Georees, laurent y Ully jalou (†) NUESTRA TAPA:

Justina Ageitos con total look, CHANEL, Crucero 21/22. Foto: IVAN RESNIK. Estilismo: SILVANA GROSSO.

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L’EDITO Es ahora

“El momento es siempre correcto para hacer lo que es correcto”. Martin Luther King Jr. ¿Algo para agregar a la frase? Nada, diría. Pasó enero y con él se evaporó la sensación de vacaciones. Retomamos agenda y se enciende la luz roja de los pendientes pendientes,, esos que no dejan dormir de noche, que rondan las planillas Excel, que aguijonean la boca del estómago. Cosas que nos gustaría hacer pero que no nos animamos animamos,, el contexto no ayuda, nos da miedo de saltar y de que abajo no exista la superficie mullida mullida.. Todo no se puede y sumando saberes comunes agregamos agregamos:: es lo que hay. En nuestro doctorado en imprevistos aprendimos que nada es seguro y si algo nos hace el nudo en la garganta mejor gritarlo fuerte y que salga, rebote, se haga eco eco.. Cambiar las cosas es posible y no es grandilocuente. No depende de una banca ni de un cargo rimbombante rimbombante.. Es la ecuación de crecer crecer,, confiar, abrir la caja de herramientas y revisar el manual. Dejar de pasar la pelota al campo contrario, apuntar al arco e intentar el gol. En la edición que tienen en sus manos consignamos testimonios de personas que supieron levantar la voz y que hicieron de su dolor una red luminosa para contener a otras que aún están paralizadas por el exceso de realidad realidad.. Hermosas personas que en su necesidad de justicia, visibilización, reconocimiento cumplen con los pasos de hacer de la desdicha la sustancia para una vida digna. Acciones con esperanza y valentía, ¡a por ellas vamos vamos!! ANA TORREJON

ANATOMIA DE UN ANTEOJO

IMPRONTA

italiana

En 1993 la famosa cabeza de Medusa Gorgona se convirtió en el logotipo de la marca. Un símbolo creado y dibujado por el propio Gianni Versace presente en prácticamente todos sus diseños.

INSPIRACION

Según el diseñador, la medusa era un símbolo de belleza hipnótico; algo así como un secreto al que se dio vida. Quien la veía no podía evitar enamorarse de ella. Versace esperaba que sus colecciones produjeran el mismo efecto magnético.

PODER ITALIANO

La pasión de Versace ha hecho de su nombre algo legendario. Su colección de anteojos de sol ofrece diferentes diseños unisex para quienes eligen expresar su fuerza, confianza y singularidad a través de un estilo personal audaz y único.

APUESTA SEGURA

Este modelo de la colección 2021 está inspirado en el clásico modelo aviador. Tiene un detalle prominente de Medusa en el puente y las patillas. Un diseño atemporal que además cuenta con una montura delgada en tono dorado y cristales grises.

L’INVITATION

Excursión

BOTANICA El respeto y la admiración por la naturaleza fue el motor que llevó a dos amigas a crear una galería de arte. Lección de estética y compromiso con el planeta. Por ANDREA LAZARO Fotos GERMAN ROMANI Brota Bio Art Galerie es un espacio de arte físico y virtual. Nuclea a artistas que expresan tanto una admiración profunda por la belleza de la naturaleza como preocupación por las consecuencias del cambio climático. También es producto de la voluntad de Patricia Miani y Patricia González, que en tiempos de aislamiento social encontraron la oportunidad de concretar su intención de hacer algo juntas. Originalmente, Brota fue una Residencia Internacional de Artistas con base en Buenos Aires fundada por Miani. “Viví cuatro años en Francia, donde participé en exhibiciones en el Grand Palais y en la Embajada Argentina en ese país, entre otras. En 2017 creé una residencia a una hora de París convencida de que el intercambio cultural que se genera en ese tipo de programas es único. Volví a la Argentina con ganas de continuar con la experiencia. Empezamos por convocar a creadores de todo el mundo bajo el concepto del cuidado del planeta y la biodiversidad. El primero en presentarse fue el francés Didier Rousseau Navarre, que donó su trabajo al Jardín Botánico de la Ciudad”, menciona la artista premiada en la XI Bienal de Florencia, Italia, por su instalación “Stellaria”. Cuando comenzaron a cerrarse los aeropuertos en respuesta a las medidas de cuidado que impuso la pandemia, la residencia debió suspender sus actividades. “Fue entonces que decidimos crear la galería online con la idea de darle lugar a quienes se sienten interpelados por nuestra propuesta. Tuvimos buena repercusión en el público. Nuestro tema es contemporáneo y las obras son muy originales. En noviembre del 2021 quisimos dar un paso más y organizamos nuestra primera exhibición presencial. No fue sencillo concretar la participación internacional, pero gracias al apoyo de la Embajada de Canadá pudimos contar con las pinturas de la canadiense Elizabeth Greisman,” agrega Miani. El ámbito físico en el que se emplaza la galería reviste las características de las mansiones que a principios del siglo XX dotaron de aires aristocráticos a las inmediaciones de la Plaza San Martín: habitaciones amplias, componentes nobles y ventanas altas por las que entra la luz del sol. “Este petit hotel fue la cuna de la música electrónica en Argentina. Aquí funcionó el mítico club Oval desde el que se organizaron las primeras raves y festivales. Su precursor, Horacio Acerbo –que además es mi exmarido y padre de mi hija–- nos lo ofreció como familia”, relata Patricia González, historiadora de arte y artista. “Con Pato (Miani) nos conocimos en París y enseguida nos identificamos por nuestro amor y respeto por la naturaleza. Tratamos de ser consecuentes con eso hasta en la restauración de la casona y el uso de la energía. Creemos en la

“CREEMOS EN LA ilusión DE SENTIRSE PARTE DE UN cambio cambio.. ENFOCAMOS NUESTRO proyecto DESDE UN LUGAR MUY humano humano”.”. — Patricia González

ilusión de sentirse parte de un cambio. Enfocamos nuestro proyecto desde un lugar muy humano”, concluye González. En una visión conjunta del trabajo de las firmas que integran la galería se destaca el empleo de materiales a modo de manifiesto. Patricia Miani, por ejemplo, trabaja con plástico PET para promover una reflexión en torno a nuestros hábitos de consumo. “Recorto, pinto y pego cada escama. Luego las ensamblo para crear esculturas e instalaciones aéreas o las aplico en obras bidimensionales pictóricas”, describe la autora. Por su parte, la ceramista Geraldine Penn elige permitir que se descubran los elementos constitutivos del barro. “A partir de la técnica Raku se revelan colores asombrosos. Cuando pinto las piezas al rojo vivo con diferentes óxidos, aparecen las tonalidades del nitrato de plata, el cobre, el cobalto y muchos minerales más. No hay luz sin tierra, me dijo un amigo poeta. Ese concepto me identifica”, dice Penn. Otros abordajes, como el de la fotógrafa Masako Kano, res30

catan la contemplación, una práctica humana ancestral amenazada por los estilos de vida vigentes. “En el confinamiento –reflexiona Kano– empecé a mirar yuyos y pequeñas flores con el punto de vista que tendría un insecto. Trato de registrar las cosas que habitualmente pasamos por alto. Observar detenidamente el reflejo de los árboles en el agua o la sombra de las hojas movidas por el viento me conecta con la espiritualidad”. En el conjunto, además, conviven imaginarios distantes en el tiempo. Las ilustraciones de la cartografía medieval presentes en “Constelación mapa lunar”, de Patricia González, y las formas orgánicas obtenidas con IA (Inteligencia Artificial) por el colectivo Multiple Hats liderado por Horacio Acerbo, invitan a pensar en el vínculo histórico del arte con el mundo natural. Lo nuevo, en todo caso, es el sentido de urgencia y la mirada crítica acerca del accionar de la humanidad sobre el planeta, que alimentan el espíritu de Brota. n

Con nobleza

CONCEBIDO Como revista tuvo una fuerte relación con el diseño y el estilo de vida. Barzón ahora repite esa complicidad en joyas y objetos contemporáneos. Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Entre 2007 y 2015, Barzón fue un referente en temas de arte, cine, moda y arquitectura. El año pasado, Iván Bermatov –editor, con su familia, de la publicación– tomó el nombre para un nuevo proyecto: desarrollar distintas categorías de producto en países de la región. “Barzón representa lo que a mí siempre me gustó y que tiene que ver con la cultura de los viajes”. Lo acompañan en el emprendimiento el diseñador de indumentaria Christian Abellán y el ingeniero Lucas Baronzini. “Quisimos incursionar en el mundo del retail; lograr una etiqueta de alto vuelo, internacional y usable”, comentan. El proyecto comenzó a gestarse en mayo. “Le conté a Iván que estaba con ganas de dejar la marca que tenía y pensar algo nuevo. Me

propuso hacer algo juntos”, cuenta Christian. Luego sumaron a Lucas, para que “le diera orden y estructura al emprendimiento”. “Nos planteamos hacer algo creativo, expansivo, que tenga escalabilidad y potencia”. En octubre crearon la tienda digital y comenzaron a vender. La primera línea que lanzaron fue la de joyería: collares, aros y brazaletes. “Trabajo desde el material; veo qué respuesta tiene y sobre esa base voy armando la idea. Contamos con orfebres que desarrollan las piezas una por una”, explica Christian. Los próximos lanzamientos serán productos de librería, decoración y fragancias, y más adelante, cosmética. “Queremos contactar artesanos de toda América Latina”. También cuentan con Mer-

Foto: Germán Romani.

Lucas Baronzini, Christian Abellán e Iván Bermatov.

L’HERITAGE

Foto: Bianca Sifredi.

“NOS planteamos HACER ALGO CREATIVO, expansivo expansivo,, QUE TENGA escalabilidad Y POTENCIA”.

cado Barzón, una selección de artículos de otros diseñadores que consideran interesantes y que se pueden comprar en su tienda. Para el embalaje, buscaron impactar con algo diferente. “Los estuches son coleccionables. Hay uno que es como una cajita de perfume para las piezas más pequeñas y otro que simula un cartón de leche vintage, para guardar un brazalete o más de un producto”. “Chris diseña, Lucas es quien logra que todo funcione bien, y yo estoy en la parte comercial y estratégica. Igual todos hacemos todo”, dice Iván. Además del canal online, los productos pueden comprarse en las tiendas PAUL French Gallery en Palermo y Universo en Recoleta. Ya han comenzado a despachar a nivel regional y en un futuro buscan incorporar más destinos. Si bien saben hacia dónde quieren ir, eligen explorar y tienen un lema que los acompaña: “vagar sin meta, pero no sin rumbo”. Para ellos lo más importante es divertirse con lo que eligieron. n @barzon.store

SOCIEDAD

Visibilizar EL DAÑO

Desde el Observatorio Lucía Pérez recolectan información para prevenir la violencia patriarcal. “Sin datos datos,, estamos a ciegas. Sin políticas, estamos condenadas”. Un par de ojos negros se ajustan en el borde de la pantalla y te miran. Tres cifras que se actualizan como el cronómetro de una bomba. Eso es lo que encontramos al entrar al sitio de Observatorio Lucía Pérez, el primer padrón autogestionado y público de violencia patriarcal creado en la Argentina. Llevado adelante por la cooperativa Mu La Vaca, el Observatorio le rinde homenaje a la adolescente de 16 años cuyo brutal femicidio conmovió a todo el país, especialmente después de que la justicia absolviera a los culpables en un fallo paradigmático por la manera en que expuso la falta de perspectiva de género. El Observatorio se propone como una herramienta para “desobedecer ese destino”: ese en el que nos siguen matando, mientras el Estado mira para otro lado y los perpetradores quedan impunes. A pesar de que el avance del feminismo trae cada vez más herramientas institucionales para luchar contra la violencia patriarcal, los femicidios y sus efectos en la sociedad siguen quedando mayormente indocumentados. Desde el Observatorio dicen: “Sin datos, estamos a ciegas. Sin políticas, estamos condenadas”. Elaborar a diario esta cartografía de violencias está pensado como un primer paso para prevenirlas. La diversidad de fuentes es clave a la hora de reunir datos: se emplean noticias aparecidas en medios de comunicación, fallos de las fiscalías y fuentes directas. Según cuenta Anabella Arrascaeta, una de las integrantes del Observatorio, las familias de las víctimas son el norte del proyecto: no solo proporcionan su propia experiencia para guiar la recolección de información, sino que además traen la pers-

pectiva de haber vivido esas injusticias en carne propia. Gracias al aporte de los familiares, empezamos a llevar un recuento de los femicidios territoriales, de los niños que quedan huérfanos y de los travesticidios. “Los familiares tienen claridad para ver la máquina que reproduce las violencias”, dice Anabella. El Observatorio además lleva un registro de funcionarios denunciados por violencia de género: un gráfico aterrador que señala cientos de responsables entre el Poder Ejecutivo, Judicial, Legislativo y las Fuerzas de Seguridad. Algunos han cometido los mismos crímenes atroces que tendrían que estar juzgando. Otro padrón alarmante es el de “tentativas de femicidio”, que en los primeros veintidós días del 2022 ya acumulaba dieciocho casos reportados; los perpetradores son en su mayoría parejas o exparejas de las sobrevivientes. Una columna titulada “Cómo” desglosa las peores pesadillas de las mujeres: “quemada”, “estrangulada”, “la golpeó, encerró y asfixió. La salvó su hija de 5 años”. Los distintos padrones, exhaustivos y dolorosos, brindan una mirada panorámica de las múltiples violencias a las que se enfrentan a diario las mujeres y las disidencias. Un mapa para reflexionar pero sobre todo para hacer, para exigir, para movernos. El Observatorio realiza una labor esforzada y necesaria, pone a disposición gráficos, informes, una biblioteca con recursos para argumentaciones judiciales, académicas, culturales y sociales. Cada dato que se sube a la plataforma es una manera de decir “basta”, es otra razón para seguir exigiendo nuestros derechos: los ojos de Lucía nos miran. n

Por MARINA DO PICO 34

EL FILO del pasado En El artista de la cuchilla, cuchilla, Irvine Welsh regresa al universo que mejor conoce: el de los inadaptados de Trainspotting Trainspotting.. Por JOSE HEINZ

En una de las escenas más recordadas de Trainspotting (Danny Boyle, 1996), los personajes están sentados en la parte alta de un pub. Liquidan sus pintas de lager y escuchan a Begbie –integrante de ese grupo de outsiders de Edimburgo– contar la anécdota que protagonizó días antes. Al finalizar el relato, arroja el vaso hacia atrás, a la zona principal del bar. El artefacto impacta de lleno en la cabeza de una chica. Entonces Begbie, envalentonado por la adrenalina, baja las escaleras, pregunta quién fue el que tiró el vaso e inicia una pelea con otros parroquianos. Esos minutos funcionan como una síntesis del humor y la violencia que caracterizan la prosa de Irvine Welsh, el escritor escocés que publicó aquella novela que llegaría a la pantalla grande a mediados de la década de 1990 con un éxito arrollador. Es la historia de unos forajidos yonquis que buscan su lugar en el mundo, aunque saben de antemano que el mundo no cuenta con un lugar para ellos. La gran incógnita del final de esta historia pasaba por saber quién podía salvarse de ese destino. Welsh optó por continuar la saga y arrojar algunas pistas en una secuela con su respectivo desembarco en los cines, también dirigida por Boyle (Trainspotting 2, que incluye varias ideas de su novela Porno, de 2002). Y en su más reciente libro traducido al castellano, El artista de la cuchilla (Anagrama), retoma ese universo para concentrarse en la vida de Begbie, el barrabrava de bigote cuyo leitmotiv era la violencia. Nos cuenta ahora que su existencia dio un vuelco de 180 grados. Se mudó a California, formó una familia y borró todo rastro de su vida anterior, hasta su nombre: ahora se hace llamar Jim Francis y es un artista bastante prestigioso. Más concretamente, es escultor y realiza bustos distorsionados de celebridades. Entre sus clientes se destaca la crème de la Costa Oeste estadounidense. Sin embargo, recibe una llamada del otro lado del Atlántico, de ese pasado que intentó eliminar. Una muerte cercana lo obliga a volver a Edimburgo: ¿Es posible, de verdad, esconder el pasado? 36

En aquella escena del bar en Trainspotting, otro de los personajes resume el concepto de la amistad de manera bastante retorcida: “Begbie es un maldito psicópata, amigo. Pero es un amigo, ¿qué puedes hacer?”. Podríamos decir que en El artista de la cuchilla esa pregunta es el motor narrativo. A partir del anuncio del asesinato de uno de sus hijos, Begbie regresa como un detective marginal que busca las huellas del autor del crimen para llevar adelante una venganza. El artista de la cuchilla también tendrá su versión audiovisual. El actor Robert Carlyle, quien interpretó a Begbie en ambas Trainspotting, dijo en una entrevista que The Blade Artist (tal su título original) se convertirá en un spinoff en formato de serie televisiva. “(Begbie) descubrió el arte mientras estaba en prisión, se dedicó a la escultura. Y termina casándose con su terapeuta de la cárcel, lo que supongo que es una especie de camino trillado que ocurre mucho. He investigado y estudiado eso, suele suceder. Terminó en California, con una esposa, dos hijas, y sus obras de arte han sido tomadas por las celebridades”, comentó Carlyle en una nota a Sky News. De modo que es muy probable que en 2022 la novela de Welsh vuelva a escalar posiciones a partir de esta adaptación. Cabe preguntarse también si es su libro más autobiográfico. La historia del pandillero que se rescata a sí mismo y empieza a hacerse lugar en el mundo del arte encuentra un paralelismo en la propia vida de Welsh. De origen proletario en Edimburgo, se vuelve una celebridad literaria a partir de Trainspotting y su adaptación al cine. Además, ese pasado que convoca a Begbie, como el llamado que inicia el “viaje del héroe” –término creado por el antropólogo Joseph Campbell para definir el modelo básico del relato épico– también podría aplicarse a la saga de Trainspotting: el protagonista siempre termina regresando allí, al grupo de inadaptados que lo marcarían de por vida, como si nunca hubiera logrado salir de ese viejo y familiar pub escocés. n

L’LECTURE

¿ES POSIBLE, DE VERDAD, esconder EL PASADO? Allí COMIENZA EL núcleo DE LA NOVELA DE WELSH.

REVELACIONES Se inicia la cuenta regresiva de uno de los espectáculos internacionales más convocantes convocantes.. Una mirada a los artistas que prometen enriquecer la séptima edición del Lollapalooza Argentina. Por CATA GRELONI PIERRI

Dillom

Con la gran avanzada internacional liderada por artistas como las popstars Miley Cyrus y Doja Cat, el rapero A$AP Rocky y bandas como The Strokes y Foo Fighters, el Lollapalooza Argentina arranca con su séptima edición. El festival que se realizará en el Hipódromo de Palermo del 18 al 20 de marzo también cobra relevancia –luego de los dos años de pausa por la covid– entre bandas y artistas locales que estrenarán material en vivo. Al recorrer los nombres de la grilla se siente el efecto

de la Ley 27539 de Cupo Femenino, que establece un mínimo de 30 % de solistas, agrupaciones de mujeres o bandas mixtas. Artistas globales como Marina, Phoebe Bridgers, Kehlani y Ashnikko brillarán en el escenario al igual que las locales Nicki Nicole, Wiranda Johansen, Simona y Chiara Parravicini, entre muchas otras. Desde L´Officiel exploramos la grilla de cada día para dar nuestras recomendaciones.

L’INSTANT CHITA

Francisca (Panchi, Panchita o Chita) Gil cantó toda su vida pero empezó a tomárselo más en serio a su regreso de Londres, cuando vio que la escena local florecía. Se hizo un lugar a pura tracción a singles que van desde el nu jazz y el neo soul, como “Algo más” y “Bring Me Down”, hasta el R&B “Mentira”. También con colaboraciones: “I Rili Don’t Care” con Ca7riel y “Dándote” con Cazzu y Lara 91K. La artista porteña de 25 años y voz suave y sensual editó Encanto en 2019, su primer EP donde se mezclan las influencias de Ella Fitzgerald, Amy Winehouse, Jorja Smith, entre otras mujeres poderosas. Bajo la dirección

con su costado más vulnerable. Su primer EP Glitter (2018) es potente y devastador; aborda su sexualidad, conflictos de autoestima, tribulaciones con las drogas. En la canción “I Laugh When I’m With Friends But Sad When I’m Alone” recita, con voz hosca e hipnótica: “Esnifando mierda a los catorce/ se torna difícil vivir en un lugar donde lo saludable es inalcanzable/ pero las drogas no más lejos que tu auto o cuarto”. Shake llegó

musical de Lito Vitale, el año pasado le rindió tributo a Gilda a 25 años de su muerte, con una reversión de “Corazón valiente”. Al concluir el aislamiento llenó su primer show en solitario en el CCKonex. De allí al Hipódromo de San Isidro será un gran salto en escala de audiencia para demostrar todo su potencial.

070 SHAKE

La artista no binaria de 24 años y ascendencia dominicana lleva en su nombre artístico el código postal del lugar donde creció: las calles agitadas de Nueva Jersey. Danielle Balbuena es un ángel de la oscuridad que sobresale en el mundo del rap. Llegó a la música a través de la poesía, su gran pasatiempo para conectar

hasta los oídos de Kanye West en una prueba de sonido y el rapero incluyó de inmediato ese enfoque oscuro y depresivo en su sello GOOD Music, además de colaboraciones en las canciones “Ghost Town” y “Violent Crimes” de su álbum Ye (2018), y otras con Kid Cudi, Pusha T (“Santería”) y DJ Khaled. En su álbum debut Modus Vivendi (2020), lanzado justo antes del aislamiento social, 070 revela sus batallas autodestructivas y la angustia de

toda una generación con melodías pop cargadas de honestidad emocional, destellos de autotune y sintetizadores poderosos.

DILLOM

Dylan León Masa se desmarca de la escena trapera local y conquista a todos con la RIP Gang, su tribu de creativos, músicos y productores autogestivos. Con una mezcla entre el sonido de Tyler The Creator y la estética del estonio Tommy Cash, Dillom le aporta frescura genuina y novedad a la escena urbana. Amalgama historias sórdidas y personales en clave rap, trap, cumbia, reggaeton e indie rock, donde conviven el spanglish, el humor y la oscuridad. En diciembre lanzó su álbum debut Post Mortem (2021), uno de

Chita

Es la artista más picante de la RIP Gang, donde conoció a Dillom, cuando ambos frecuentaban el estudio de grabación en la Villa 31 (31Studios). De ojos almendrados y con garras de acrílico afiladas y grillz dorados, Taichu dejó el último año del colegio y empezó a trabajar esculpiendo uñas, mientras componía sus primeros temas. Hoy cruza un trapeo oscuro y ronco en un spanglish funcional y un R&B virtuoso con samples, reversiones, influencias de Gwen Stefani y Charli XCX, y hasta canciones hyperpop y PC music metálicas, como “FREE DOLLY”. Esta chica de Martínez, fanática de Los Redondos, llega al Lollapalooza después de haber tocado en el Hipódromo de Palermo junto a Chita, Lara 91K y Catnapp, y haber hecho un show en solitario 40

BRUSES

La influencia emo de My Chemical Romance, Paramore y Lorde está a la vista en las canciones y videos de Amalia Ramírez. Nacida en Tijuana, de pelo y párpados pintados de rojo, decidió comenzar con su carrera solista después de un accidente automovilístico. El productor y DJ Toy Selectah (Control Machete) la descubrió a través de Soundcloud y la llevó a su sello. “Brillantina”, su primer single, funcionó a modo de manifiesto.

Taichu

los mejores del año, donde canta: “Yo no tengo sueños, tengo planes” (“Pelotuda”). Este disco funciona como un coming of age del artista de 21 años de Once y Colegiales, que da cuenta de las pugnas familiares y del impacto de la fama. Después del show de Cosquín Rock en febrero, la presentación de este “rubiecito y carilindo como Seven Kayne” (“Pelotuda”) en el Lollapalooza marcará la consagración de un artista joven e independiente que no teme mencionar a H.P Lovecraft y a Edgar Allan Poe, tirarle beef a Alfredo Leuco –en su versión ATP de “OPA”–, incluir a Mario Pergolini en un interludio del disco, o colaborar con L-Gante o amigos como SARAMALACARA y Muerejoven.

TAICHU

en diciembre en Niceto. Si bien recién está dando sus primeros pasos, su voz aniñada y una estética audiovisual Y2K le auguran un futuro promisorio.

Clara Cava

Shake

Bedroom pop, melancolía introspectiva, armonías de voces, lofi hip hop, trastornos de ansiedad y una voz susurrada componen la identidad de la música de Bruses, una de las artistas más escuchadas hoy entre la juventud mexicana. Su canción “Dueles también” fue una de las cinco que más se viralizaron en TikTok durante 2021. Allí la siguen más de dos millones y medio de personas con las que comparte el proceso de composición. Siempre incluye a su audiencia en la elección de las temáticas.

CLARA CAVA

Clara Cavallero nació un martes 13 en Acassuso y esa fecha marcó el nombre de su álbum debut, producido prepandemia en Mendoza por Lucca Beguerie Petrich, baterista de Usted Señálemelo. Hace cinco años que la cantante y compositora bonaerense empezó su carrera solista con el EP “Antibióticx” (2018) y hoy es una de las artistas emergentes más escuchadas en Argentina, México, Estados Unidos y España, gracias a que Spotify la sumó al Radar al Sur de artistas locales. Clara hace catarsis a través de sus letras y encuentra en el R&B y el soul el sonido perfecto para soltar frases potentes en un fraseo dinámico con su voz cansina y sensual, de frecuencia baja. Durante la cuarentena aprendió a usar el Ableton y sumó beats electrónicos y canciones más raperas y bailables, como en su EP Lavandina, y en los temas “X el barrio” y en el que hizo con la colaboración de la española-argentina Carola Urdiales, “Al auto y volver”. n

ESPACIO L A PR AIRIE

Encuentro MAGICO Naturaleza, tiempo, precisión y belleza. Todos estos elementos brillaron en la colaboración artística entre la firma suiza de cosmética de lujo La Prairie y la coreógrafa y bailarina taiwanesa Wen-Chi Su en Art Basel Miami. “En este baile, me muevo con más lentitud que de costumbe. Por naturaleza, el agua fluye rápida, pero es bueno desacelerarla para experimentar la forma de cada minuto, cada segundo. Esta visión de lentitud, el tiempo congelado, es una oportunidad para que seamos más reflexivos”, decía Wen-Chi Su sobre Moving Towards the Horizon, el espectáculo de danza que realizó junto con La Prairie para Art Basel Miami, la feria de arte moderno y contemporáneo de renombre mundial. Wen-Chi Su, quien se destaca por su trabajo en la aplicación de nuevas tecnologías a las artes escénicas, se inspiró en los lagos de Suiza –país natal de La Prairie– para generar la pieza y, en sus palabras, “trasmitir el fascinante efecto de la luz bailando sobre el agua”. “Quise crear un momento en el que la gente pueda contemplar cómo fluye el tiempo. Una historia en la que te vuelvas sensible a la naturaleza que te rodea y te enfoques en el horizonte”. La elección de esa unión entre la luz y el agua, y el significado del paso del tiempo se enlaza profundamente con la búsqueda de La Prairie de una belleza atemporal. “El cuerpo nunca está 42

quieto o sin cambios. Está en constante movimiento, fluyendo como el agua hacia algún lugar. El tiempo es efímero”, dice la artista. Greg Prodromides, director de marketing global de La Prairie, destaca: “Wen-Chi Su se conecta íntimamente con nuestra misión de impulsar los límites de la ciencia y la tecnología, y trae a través de la danza una perspectiva rica y poderosa. Con esta apuesta artística, ingresamos por primera vez al mundo de las artes escénicas, donde el cuerpo, el movimiento y la feminidad se unen para enriquecer nuestra firma con un nuevo paradigma”. Moving Toward the Horizon fue el medio que eligió La Prairie no solo para apoyar a las mujeres artistas con una plataforma donde expresarse, sino también para presentar la última creación de la marca. White Caviar Essence Extraordinaire tiene una fórmula innovadora que abraza ese encuentro mágico de la luz y el agua para lograr una piel más suave, uniforme e iluminada. n

EN CAMINO

Buenos Aires la espera con propuestas de cine, series y publicidades. Annasofía viene desde Montevideo en busca de todo lo que ama. Annasofía Facello era una niña inquieta a la que le gustaba todo lo relacionado con el arte. Bailaba, armaba sus obras de teatro, escribía cuentos y grababa canciones en cassettes que esperaba que algún día su padre llevase a una discográfica. Hoy, a los 35 años, su universo es casi el mismo: actúa en películas, series y cortometrajes, conduce programas de televisión, escribe y canta en su tiempo libre. “Siento que crecí y evolucioné, pero sigo conectada con mi infancia en todo lo que hago”. Sigue viviendo en el barrio de Pocitos, en Montevideo, aunque planea mudarse a Buenos Aires para abordar varios proyectos que la esperan. Cuando terminó el colegio, buscó una carrera afín a sus intereses y se decidió por la licenciatura en Comunicación Social. “Cuando me recibí, fui a hacer una pasantía a la OEA en Washington DC. Después volví a Uruguay y se me ocurrió ir más por el lado del entretenimiento que por el periodismo”. Comenzó a trabajar en televisión como pasante en el área de producción y llegó a conducir distintos ciclos. Tuvo 11 años de trabajo ininterrumpido hasta que en el 2020 decidió darle lugar a la actuación. “Ya no pude ignorar mi deseo de dedicarme a eso de manera profesional; es lo que más me apasiona”. Hace años que viene creciendo como actriz. Estudió en Montevideo, Nueva York, Bali y Madrid. “Si no estoy actuando, estoy yendo a un curso; es bueno estar en movimiento”. Ha participado en distintas producciones audiovisuales internacionales que se filmaron en Uruguay. Entre sus últimos trabajos se encuentran los cortometrajes Made in China, que cuenta una historia en tiempos de pandemia y confinamiento, y Fashion Avenue, que filmó en Estados Unidos con dirección de Guillermo Madeiro, a partir de textos propios. Sobre este último trabajo dice: “Trata el tema de la imagen, la sociedad de consumo y las redes sociales”. En el 2022, con fondos que recibieron del Instituto del Cine y el Audiovisual Uruguayo, rodarán la película. La moda es una industria con la que siempre trabaja. Ha sido embajadora de firmas de lujo como Chanel e Yves Saint Laurent. “Hace muchos años que trabajo no solo con marcas internacionales sino también con locales. Para mí la estética es importante, le presto mucha atención; es una forma de comunicar”. En el 2021, condujo la edición uruguaya de Bake Off, la competencia televisiva de pasteleros amateurs. Aunque había decidido alejarse de la televisión, cuando le llegó la propuesta, decidió aceptarla. “Me parece un lindo formato. Es muy ameno y para toda la familia”. El 2022 arrancó con nuevas metas en nuestro país para participar en cine, series y campañas publicitarias. Aunque es multifacética, tiene muy en claro hacia dónde quiere ir: “Mi prioridad es la actuación”. n @annasofiafacello

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ 44

Foto: Karin Topolanski. Estilismo: Pit Revett. Maquillaje y peinado: Canedo. Vestuario: Pastiche Jeans y Tavo García.

L’ACTRICE

Una pasarela

DIFERENTE

El mar como fondo, dunas, bosques, dj y música en vivo en la cuarta edición de La Costa Fashion Experience. Ocho etiquetas presentaron sus creaciones en los bellos paisajes del Partido de La Costa. Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

A cargo de la modelo y actriz Alexia Toumikian, el evento es una experiencia que comienza con la presentación de las colecciones de diseñadores nacionales e internacionales. Continúa con una velada con música y gastronomía. Las locaciones elegidas del Partido de la Costa son secretas y siempre impactan por su belleza natural.

Claudia Arce.

Benito Fernández.

Ana Kapla. Marcelo Senra.

Gustavo Pucheta.

Fue el segundo fin de semana de enero en la localidad balnearia Costa Esmeralda. En la pasarela circular de La Costa Fashion Experience se presentaron los diseñadores Benito Fernández, Jorge Rey, Claudia Arce, Marcelo Senra, Gustavo Pucheta, Alejandra Gougy de Cosecha Vintage y la brasileña Ana Kapla. Frente al mar se lucieron propuestas para noche, equipos sostenibles, diseños con mucho color, estampas y brillos. 46

Fotos: Aix Peralta y Valentina Marozzi.

PRIMER ENCUENTRO

L’DEFILEE

Verónica de la Canal.

Verónica de la Canal. Verónica de la Canal. Verónica de la Canal.

LOS PROTAGONISTAS

“Presenté un anticipo de diseños especiales para las celebraciones. Utilicé tonos como el amarillo, el verde y el coral”, cuenta Benito Fernández. Por su parte, Gustavo Pucheta desplegó una colección en la que celebró la unión y el amor. “Para nosotros la costa argentina es una fuente de inspiración muy poderosa, el enlace de cielo, mar y arena con los colores, texturas y formas de estos paisajes naturales”, menciona. El cierre musical estuvo a cargo de Antonio Birabent. El evento continuó en el Parador Amarras, donde la actriz y cantante Gloria Carrá tocó con su banda Coronados de Gloria.

Verónica de la Canal.

SEGUNDA CITA

Cosecha Vintage.

El 30 de enero la pasarela se trasladó a Mar de Ajó. La diseñadora Verónica de la Canal presentó Virtual Soul. “Tiene que ver con el paso por la pandemia y lo que nos deja: la revolución digital y la vorágine de las redes sociales. Aunque aprendimos a convivir con ella, intento recuperar el alma, la esencia de quiénes somos”. Fiel a su estilo, para el encuentro creó una experiencia sensorial: una arpista recibía a los invitados, que luego atravesaban un túnel con imágenes y sonidos. Al final los esperaba una pasarela montada en un estadio.

Jorge Rey.

Marcelo Senra.

LA EXPERIENCIA

“Me generó mucha emoción volver a presentar una colección con público”, dice De la Canal. Mostró diseños románticos y modernos, con vestidos, corsés y faldas en tonos pasteles metalizados, detalles de encaje y bordados artesanales. La modelo y artista Naomi Preizler fue la encargada de musicalizar el desfile. No solo eso: luego de varios años sin desfilar, decidió subirse a la pasarela. ¿El cierre del encuentro? La dj Bambi pasó música durante el resto de la noche. n

BUSQUEDA

avanzada

Cinco etiquetas virtuosas que ofrecen desde sastrería y piezas inclusivas hasta joyería contemporánea y prendas artesanales. El estilo en constante evolución. Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ Fotos NICOLAS VERA

DANIELA SARTORI @danielasartori_official

En 2011 lanzó su primera colección con un planteo claro: hacer sastrería con materiales orgánicos y sin género. Luego siguió por el camino tradicional: dos colecciones anuales, producir stock, presentarse en desfiles y abrir tiendas. “Me fui por las nubes. Quise reproducir el modelo de una marca grande. Me llevó años darme cuenta de que eso no era lo mío”. Daniela retomó la marca en 2018, pero “la pandemia llegó para tirar todo abajo. Vi que con mi marca estaba haciendo lo mismo que esa primera vez”. Dos días después de decretarse el confinamiento obligatorio, decidió cerrar el local que tenía en Palermo y repensar su proyecto. “Al tiempo me dije ´no voy hacer más colecciones ni stock; quiero que todo sea sustentable y vender en el exterior´”. Así fue que creó The New Tailoring, una línea de sastrería contemporánea. “A mí me encanta trabajar en la moldería y deconstruir todo, todo el tiempo. Como poner la solapa del cuello sastre en el bolsillo”. En octubre de 2021 comenzó a vender nuevamente en Argentina. “La colección ya la tenía, era la que había hecho en 2016 para presentar en un showroom en París. Se me había pasado de largo, ni la había valorado”. Ya no trabaja con temporadas ni tiene local a la calle. Creó dos formatos nuevos de 48

compra: Sustainable made to order, una línea hecha con fibras naturales de industria nacional que se encarga online; y Made to Measure, sastrería y vestidos de novia a medida, que pueden hacerse a distancia o con cita previa en su showroom. “Salí de la dinámica de la moda. No hay novedad ni descarte. Mis prendas son para siempre”. En 2021, fue distinguida por el Sello Buen Diseño Argentino por el tapado de fieltro y la nueva línea de sastrería. Además, fue ganadora del Programa FedEx para pequeñas y medianas empresas. Este año, planea comenzar a vender en el exterior y promocionar la línea a medida. “Hoy el futuro puedo decir que ya llegó. La marca volvió a nacer; después de 10 años es como empezar de vuelta”.

EMPRENDIMIENTO

En 2021 Daniela presentó sus talleres de costura y moldería. Más información: en la cuenta de instagram @shesgotthepattern.

L’TALENT

MARCELO ROMANO

OTOÑO 2022

Marcelo planea lanzar una colección sin género en la que se destacan los elementos militares y los paños italianos de colores y con estampados.

@sazkat1 Siempre estuvo en contacto con la moda. En la cocina de la casa de su infancia, su abuelo sastre hacía trajes a medida y su abuela, pantalonera, los cosía. Sin embargo, su devenir profesional siguió otros caminos. Trabajó en diferentes comercios, bancos y como productor de seguros. A los 42, se dio cuenta de que no era feliz. Un día hablando en terapia sobre su gusto por el vestir, el psicólogo le hizo una pregunta que le cambió la vida: “¿Nunca se te ocurrió crear tu propia marca?”. A los dos meses ya tenía el plan: una etiqueta en la que iba a combinar sus dos pasiones, la sastrería y el rock. La marca de Marcelo se llama SAZKAT. “Busco darle a la gente diseños diferentes. Como el pibe que busca un saco negro clásico y se va feliz con uno que en lugar de botones lleva cierre. Es sastrería, pero con una vuelta”. Utiliza más de 300 textiles diferentes de Argentina, Italia, Inglaterra y Brasil. Trabaja con sastres y las estampas están pintadas a mano por su hermano, que es tatuador y artista. El showroom está en Santos Lugares, donde recibe a sus clientes con cita previa. “Normalmente hablamos dos horas de la vida y quince minutos de laburo”. Viste a jueces, contadores, abogados y chefs. También a cantantes de rock. Al año y medio de crear su marca, la mujer de Zeta Bosio lo contactó para que diseñara un saco para el músico. “Gracias a eso vendí un montón. Ahí empezó una carrera imparable”. Después vino Andrés Ciro Martínez, a quien le hizo prendas para los recitales. “Hoy debe tener entre 20 y 25 diseños nuestros”. Aunque la sastrería es su línea principal, tras la llegada de la pandemia lanzó una cápsula de sacos y camperas de cuero. Siguió con un perfume, una línea de zapatos –que desarrolló con la marca Terrible Enfant– y otra femenina. Su base está en Buenos Aires, pero también está presente en Neuquén y Córdoba. “Me siento realizado por haber vivido estos años de algo que elegí de grande y de lo que estoy cada vez más enamorado”.

MILAGROS PEREDA

@_milagrospereda De niña iba a visitar al abuelo –el artista plástico Nicolás García Uriburu– en su taller y lo miraba trabajar. Pintaban juntos y se disfrazaba con sus piezas de colección. “En mi casa siempre estuvo incorporado el trabajo manual. A mi mamá también la criaron así”. A los 12 años, Milagros ya tenía una máquina de coser, hacía ropa para sus amigas, y tomaba cursos de costura y de corte y confección. Al terminar la escuela ingresó en la carrera de Arquitectura, pero la dejó para pasar a Diseño de Indumentaria en la UBA. En 2019 creó su firma homónima, donde pone en valor el trabajo artesanal y los textiles. “Busco hacer prendas en las que se note que hubo una mano pasando por ahí”. Sus primeras creaciones fueron túnicas de lino y camperas de tusor, que vendió en su casa de Uruguay en 2020. Ese mismo año creó piezas para la tienda de interiorismo Negro House & Pleasures y en septiembre ganó el concurso “Yo, joven creador de moda” que organizaba Argentina Fashion Week. El premio consistía en hacer su primer desfile en marzo de 2021. “Me inspiré en una silla y en una camisa blanca como elementos que se producen en serie y sobrepasan cualquier cultura”, explica sobre la colección que presentó. Debido a la repercusión que tuvo, diferentes marcas le encargaron cápsulas personalizadas, como la tienda Panorama en Buenos Aires o Big Bang en el hotel Faena de Miami. “Hago prendas artesanales en las que podés ver el nivel de detalle, imposible que una máquina pueda hacer eso”. Uno de sus pilares es el desarrollo textil. “Estampo o pinto a mano; también estuve trabajando con la técnica de capitoné, que en realidad se hace con una grilla, pero yo la hago más a lo salvaje”. La mayoría de sus prendas son holgadas y la paleta se define por los tonos crudos y negros. No usa computadora ni hace bocetos para diseñar. “Trabajo con la tela: me la tiro encima y me baja la idea sobre qué hacer”. La sostenibilidad es importante para ella. “Mi abuelo luchaba por el medio ambiente ya en los años 60, cuando no era un tema; yo crecí con eso”. Opta por utilizar fibras naturales, en lo posible de industria nacional.

“Termino comprando textiles en lugares de tapicería, donde hay más opciones”. Busca generar la menor cantidad de desechos; los que puede los composta y los utiliza para etiquetas o los regala para hacer papel artesanal. En sus planes está lograr un producto nacional exportable. “Me interesa crecer sin perder lo hecho a mano y lo artesanal; sé que va a ser un desafío”.

FUTURO

Milagros está experimentando con biomateriales y proyecta presentar una cápsula con cuero vegano.

IDENTIDAD

“Aun en invierno vas a encontrar estampas florales y tonos de verano. Somos fanáticas de los más fríos, los azules y celestes”, dicen las hermanas Eraso.

ROCIO Y AGOSTINA ERASO

@justapetra Son hermanas, son de Trelew y pertenecen a una familia con muchas mujeres interesadas en la moda. “Todas tenían algún hobby relacionado. Nuestra abuela paterna cosía y era maestra de corte y confección. Los vestidos que usábamos cuando éramos chicas los hacía alguna tía”. Pero ellas fueron por más: terminaron el colegio, se mudaron a Buenos Aires para estudiar y en aquel departamento que compartían crearon una firma que lleva doce años en el mercado: Justa Petra. Rocío estudió Relaciones Públicas y Comunicación y Agostina, Diseño de Indumentaria. “Mis amigas me empezaron a pedir que les hiciera la ropa. Ro me decía ´¿por qué no la vendés? ´”, cuenta Agostina. Se asociaron y en 2010 lanzaron la primera colección. Tuvieron dos showrooms hasta que en 2015 abrieron su primera tienda en Recoleta. Se destacaban por las prendas de fiesta y cóctel. En 2017 decidieron convertirse en una etiqueta más urbana. “Vimos que había mucho por indagar y jugar”. Al tiempo sumaron dos socios y comenzaron un proceso de renovación que incluyó desde el logo hasta las fibras

y el packaging. Culminó con la apertura de un concept store en Palermo en diciembre de 2020. “Siempre tuvimos claro que no hacíamos básicos sino diferenciados”. Diseñan sus colecciones pensando en tres líneas: una que describen como “lúdica”, con estampas y bordados; otra “moderna”, con sastrería y prendas oversize y la tercera “femenina”, que utiliza recursos como broderie, volados y encaje. El diseño de su tienda de Palermo se inspira en sus raíces patagónicas. Utilizaron chapa galvanizada –de uso habitual en el sur– para revestir la fachada y en el interior. “Tenemos una instalación artística que es como una red que cae del techo y recuerda a las de pesca. Venimos de la parte costera, nuestra identidad está muy ligada al mar”. La colección de este otoño invierno la pensaron “para volver a salir” y tendrá una estética punk, nocturna, en la que predominan el negro, el turquesa y el esmeralda. Venden en sus dos tiendas físicas, en la online, en multimarcas en todo el país, en Uruguay, Paraguay y Chile. Buscan nuevos desafíos continuamente. “Nunca lo sentimos como un trabajo pesado, para nosotras siempre fue un juego entre hermanas”.

SOLEDAD LIMIDO

@limidojoyas “Hago piezas protectoras para llevarlas con uno todo el tiempo”: así describe Soledad sus diseños. En 2017 armó su firma de joyería. En las imágenes con las que se comunica en sus redes sociales, sale de los cánones clásicos y apuesta por la diversidad. “Nunca apunté a determinado público o target. Al crear pienso en muchas personas”. Desde chica se vinculó con el arte. Empezó a hacer un taller de vidrio antes de terminar el colegio. “Me compré el horno, trabajé con una línea de platos y en seguida me contactaron de una marca de muebles”. Su primer acercamiento a la joyería fueron clases con una diseñadora industrial. Luego pasó por la Escuela de la Joya. “Aprendí a tener paciencia y a construir una pieza; me hizo bien, me desaceleró”. Su línea está compuesta por aros, anillos, collares, pulseras, prendedores, hebillas, y accesorios para la cabeza y la nariz. Los materiales con los que más trabaja son bronce, alpaca, piedras y vidrio. Le interesa jugar con las formas. “Todo el tiempo aparece lo orgánico, la naturaleza, el mar. Me gusta que las piezas destaquen lo artesanal, que se note una soldadura, por ejemplo… Te das cuenta de que hubo un fuego”. Arma equipo con diseñadores y también le hacen encargos para películas y videoclips. “Antes de hacer una pieza hablo mucho con el destinatario. Un anillo es superpersonal: la mano, el dedo, el peso, las alergias; todo eso lo tengo que conversar. Para mí cada creación es especial, es única, busco que sea bella pero también, que quien la lleva sienta que lo acompaña y protege”.

COORDENADAS

El taller de Soledad está en Colegiales y vende a través de redes sociales, en la tienda de la diseñadora Belén Amigo y en Trippin Store en Palermo.

HADA

de Haedo En el último tramo de 2021 lanzó Aullido Aullido,, su octavo disco. Con más de 20 años de trayectoria, Florencia Ruiz sigue su camino sin plegarse a las tendencias musicales dominantes. La independencia artística es uno de sus grandes tesoros. Hay más. Por FERNANDO GARCIA Foto ALEJANDRA LOPEZ

La canosa, sí. Por la melena que oculta por completo su rostro de 43 años en la tapa de Aullido, uno de los mejores discos que se grabó en Argentina en 2021 (sino el mejor), pero editado por un sello suizo. La canosa, sí. Acá, ahora, en un café que es como la nada en la esquina de Río de Janeiro y Bartolomé Mitre, donde Florencia Ruiz pide –como pedía Moris en 1969– que la escuchen entre el ruido. Porque de veras que hay que esforzarse para entenderse en esta intoxicación acústica y también es lo que pide su música (ser escuchada entre el ruido) que parece más bien alimentarse de los silencios de la ciudad. Sí, pero no. Tal el síntoma con Florencia Ruiz, siempre solista, siempre su nombre: una muchacha y una guitarra pero no tocada en plan cantautora sino como una compositora de guitarra erudita capaz de llegar a la canción por los caminos menos esperados. Entonces, sí pero no, una chica de Haedo formada en el conservatorio pero con la idea desde los 12 años de escribir canciones. Pero ni pop ni popular, se podría arriesgar que su raíz (no la del pelo, así de blanca desde la secundaria casi) es spinetteana por etérea o que su modelo más acabado es el de una Joni Mitchel capaz de intermediar entre el folk y el jazz 56

L’EMOTION

LA música DE FLORENCIA NO LLEGA DESDE LO cerebral SINO QUE APUNTA A LO inefable CON LA MISMA materia DE LA QUE ESTA HECHA: el trance trance..

moderno. Sí, pero no. “Lo primero que escuché de Spinetta fue el disco Pelusón of Milk que no sé cómo llegó a mi casa y me deslumbró pero no pienso en él cuando estoy haciendo música”. Lo de la Mitchell es todavía más sorprendente: “Hasta el año pasado no la había escuchado nunca, sé que tiene cosas buenísimas”. Spinetta sí, pero no, Charly García. Eran estas canciones las que la obsesionaban y las que la desviaron de su destino en ese nicho llamado música contemporánea (no tanto la música de hoy sino la última estación a la que llegó lo que llamamos música clásica). Florencia es una consumada fan de García pero no hay nada en sus canciones que nos dé esa pista y si quisiéramos una prueba está pues en el wassap que manda con una foto de un pequeño muñeco del ex Sui Generis que la acompaña en giras, shows y estudios de grabación. Charly como una suerte de buda, la forma de su trébol celta de la suerte. La foto de la tapa de Aullido es de Nora Lezano (la Annemarie Heinrich del rock) y es puro concepto. Todo ese pelo ceniza viniéndosele sobre la cara por el efecto de unos ventiladores que se usaron durante la sesión es su firma estética. Una melena canosa como la de Susan Sontag y acaso una agudeza parecida para enhebrar palabras, melodías sutiles y arreglos de guitarra complejos. Sí, pero no, de nuevo porque la música de Florencia no llega desde lo cerebral sino que apunta a lo inefable con la misma materia de la que está hecha: el trance. Resulta difícil 58

de creer pero la compositora for export (todos sus discos fueron editados afuera y toca más en Tokio que en Baires) asegura que estas canciones que no se parecen a nada le fluyen casi improvisando mientras se busca a ella misma en la guitarra. Y encuentra esto: “En los balcones de dios hay un árbol que no/entraría en vos”. Leerlo no es escucharlo, claro, y hay que ir entonces y volver a escuchar ese “entraría” que se hace abstracto, un sonido y no una palabra. Esto sucede en “Alguien que no”, el primer tema de Aullido, donde pasan demasiadas cosas en cuatro minutos. En principio cuenta Florencia que es una cuestión sobre un caso de violencia de género real pero también habla de un perro adoptado de alguien que lo tenía junto a ocho más en un pequeño departamento en José Mármol y de cómo ese perro pasó las primeras semanas aullando de miedo. Y además está ese sonido que se escucha al final, una percusión suave que es una kalimba que le regaló un japonés y está hecha con la madera de un árbol ancestral y restos de un limpiaparabrisas. A esta altura, cuando la canción se descompone en voces espectrales superpuestas, un sonido de sirena y armonías disonantes, todo eso parece sacado de un texto de Murakami. Florencia dice que lee mucho pero, oops, no supo que Allen Ginsberg había escrito un poema llamado “Aullido”, que viene a ser el evangelio de Bob Dylan y todo lo que vino después. Que alguien le contó, dice. Y lo dice así como si no importara. Lo mismo que cuando se quiere escarbar en su ADN y se propone a Björk como modelo. “Me gané un disco de ella regroso en una promoción de tapitas de una gaseosa”. Sí le importa hablar de María Gabriela Epumer como una presencia que todavía vibra en la caja de su(s) guitarra(s). Como si Haedo fuera una república o una idiosincrasia, escucharla hablar así, sin ninguna pretensión de discurso sobre su obra, recuerda a Claudia Fontes, la artista argentina que reside en Brighton y realizó la mejor obra de arte público en Buenos Aires: Reconstrucción del retrato de Pablo Míguez. La escultura del joven desaparecido de 14 años que da la espalda a los mirones del Parque de la Memoria en la costanera norte. Hada de Haedo, entonces. La canosa que espera que su hijo salga del colegio y que confía a un ferretero el cuidado de la bicicleta que la trajo desde Boedo, treinta cuadras al sur. Como si esta esquina no fuera el infierno que es sino otra cosa, el lugar que solo ella ve y oye cuando se descorre la melena canosa. La realidad paralela que alimenta sus canciones, un mundo paralelo (y necesario) en la música argentina. n +

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CAPITANA del

amor

PROPIO

Se hizo conocida mostrando en las redes cómo disfruta de la ropa. Hoy Agus Cabaleiro tiene miles de seguidores, el activismo gordo como bandera, un libro sobre los condicionamientos condicionamientos que sufre un cuerpo no hegemónico y una prédica prédica:: “No nos callamos más”.

Fotos GERMAN ROMANI Estilismo DELFINA TULLI

Vestido de algodón fundido, TRAMANDO. Aro y anillo de bronce, LIMIDO. Sandalias, MISHKA.

Por ROMINA ZANELLATO

“Viajé así desde San Fernando, no sabés cómo me miraron en el tren y en el subte”. Agustina Cabaleiro tenía puesto un top pequeño como un corpiño, unas bikers y arriba un vestido apenas violeta, totalmente transparente. Era el 9 de febrero de 2020, antes de que conociéramos la palabra covid, y ella estaba por dar la charla: “Desearás mi cuerpo: movimiento gordx y sexualidad” ante un montón de desconocidos en el patio del CCKonex. Ese día empezó a hablar sin saber muy bien qué decir, con apenas unas notas que había tomado en el celular durante el viaje. El grupo que la escuchaba ─la mayoría mujeres─ permanecía en silencio. Hasta que Agustina ─más conocida como Online Mami en las redes sociales─ no pudo remarla más y frenó: “¿Qué pasa? ¿A nadie le pasó esto que estoy contando? ¿Solo a mí? ¿Quieren que les hable de otra cosa?”. Era raro, en los otros talleres de ese día en el Camping Feminista de LatFem la participación había sido muy fluida. Pero nadie había hablado antes de ese elefante en la habitación de la soledad: cómo es habitar un cuerpo gordo y tener una vida sexual activa. A partir de sus preguntas empezó una catarata de participación, de testimonios y de “me pasó exactamente lo mismo que contás”. Fue tanto y tan abrumador que Agustina quedó impactada. El club de las gordas en silencio llegaba a su fin, solo había que empezar la conversación. No pasó mucho tiempo, ya todo el país estaba en el aislamiento más estricto por el coronavirus, cuando Agustina me escribió por Whatsapp para contarme que estaba trabada con su libro, que necesitaba alguien para poder charlar las cosas que estaba pensando y que no podía escribir; que tenía ahí silenciadas, como todas las que fueron a aquel taller al cual la invité. Una vez por semana durante varios meses nos juntamos en una videollamada: despeinadas, con ropa de entrecasa, y un documento de texto abierto, Te lo digo por tu bien: Sobre ser gordas y ocupar espacios con libertad fue tomando forma. Las preguntas que le hacía fueron haciendo surgir recuerdos de lo que vivió, de los testimonios que recabó y de lo que proyecta hacia el futuro. De la risa al llanto en una misma anécdota. “Intenté resumir todo lo que viví por tener este cuerpo, que fue mucho más de lo que yo creía”, me cuenta ahora, cuando ya hace varios meses que el libro está en las librerías, en las bibliotecas y en la mesita de luz de las lectoras. “Una vez que abrí esa puerta empezaron a aparecer más cosas, y revisarlas con una mirada más adulta, más de activista, fue duro. Una cosa es saber lo que querés decir y otra es escribirlo para que otro lo entienda y que sea una buena experiencia”. Agustina es publicista, trabaja como influencer body positive, modelo, creadora de contenido para marcas y, también, como militante gorde (aunque eso sea un trabajo full time sin remuneración). Lo que más escribía, antes de que Penguin Random House le propusiera hacer el libro, eran sus posteos en Instagram, donde miles de seguidores “le bancan todas”, como ella misma dice. Los llama la Only Army y son más de 300 000 cuentas las

Vestido tejido, VANESA KRONGOLD. Zapatillas, PUMA. Aros y anillos de bronce, LIMIDO.

“EL LIBRO FUE MUY fuerte fuerte,, FUE COMO DARLO TODO, NO SOLO POR EL esfuerzo,, SINO esfuerzo POR CONTAR EXPERIENCIAS profundas QUE DOLIO REVISAR, HABLAR CON MI mamá SOBRE COSAS QUE NOS PASARON”.

Vestido y sandalias, MISHKA. Aro de bronce y vidrio, LIMIDO. Anillos, ROMERO HECHO A MANO.

que la siguen, participan de sus consignas como el #ChallengeDeAmorPropio, y la ayudan a promover su mensaje en contra de los estereotipos. Cuando salió el libro hizo una preventa con 300 ejemplares que se vendieron en cinco minutos. Al día siguiente agregó 200 más y se volvieron a agotar al instante. Antes de que Te lo digo por tu bien estuviera en las librerías, ya había vendido más que varios best sellers actuales. “Fue una locura que no pensé que iba a pasar, yo tenía mucho miedo”, admite, con la frescura que la caracteriza. “Primero por una cuestión comercial, porque en redes es muy difícil pasar de que alguien sea un seguidor a que compre una entrada de tu show, un producto o un libro que hayas escrito. Y la otra porque abrí mi corazón, conté cosas que jamás había dicho”. El miedo le duró un tiempo, incluso cuando el primero ya se había disipado en la preventa. El 1 de octubre de 2021 estábamos en los camarines del CCKonex, a punto de salir juntas, de nuevo en el mismo lugar donde empezó una de las ideas primarias del libro, pero esta vez era ella la estrella, era Agustina la que presentaba su libro ante un montón de gente que, por lo que veíamos por la ventana, ya lo tenía y lo atesoraba entre sus manos. En el escenario del patio, Agustina temblaba de los nervios. Ahora recuerda: “El libro fue muy fuerte, fue como darlo todo, no solo por el esfuerzo, sino por contar experiencias profundas que dolió revisar, hablar con mi mamá sobre cosas que nos pasaron, releer lo que escribí, que una editora trabaje sobre mis experiencias, hablar sobre TSA, bullying, mi infancia, fue muy fuerte”. Su voz suena por el parlante del teléfono y es ella haciendo una revisión de un proceso en el que creció como una referenta para aquellas chicas que vivieron la experiencia de habitar un cuerpo gordo. “Lo que más me gustaría es que lo leyeran las jóvenes, las que tienen mucha vida por delante. Este es el libro que hubiera querido leer de piba, no porque me hubiera solucionado la vida pero sí porque me hubiera dado más herramientas para vivir todo eso que vivimos las gordas, les gordes, y que no hablamos”. Que hay que terminar con el club de las gordas en silencio es el primer pacto que Agustina crea con su público, con sus lectoras: ya basta, no nos callamos más, si hay algunas situaciones que se repiten tal cual entre abuelas, madres e hijas gordas es porque a muchas les pasa y hay que hablar de eso. O, como dice, “es la misma película con distintas actrices y escenografías”. El libro está pensado para los cuerpos femenizados porque son los que más sufren el gordo-odio y, sobre todo, porque es un libro feminista. En su vida, en la forma en la que se viste, en la conversación que genera, en lo que elige compartir e impulsar, en los espacios donde milita, Agustina siempre es fresca, simpática y respetuosa. Es ella la bandera multicolor de un montón de gordas, que ahora se pueden llamar gordas, se pueden nombrar, se cuentan, y viven. Es ella, una gorda joven que vive y se viste –hermoso– como lo que es. Sin esconderse, sin silencio. n 65

MAQUILLAJE: Violeta

Camisa, CALANDRA. Aros, ROMERO HECHO A MANO. Pantalón, SYES. Murphy. PEINADO: Joaquin Vega Caro para Kabuki Make Up School. POSPRODUCCION: Reto Studio.

El manifiesto de hoy

La actualidad está marcada por una sola palabra: inclusión. Lo nuevo es un relato sobre bellezas que derriban los estereotipos y se unen bajo el signo de la multiplicidad. Porque la moda tiene el poder de glorificar el cuerpo y la identidad de cada uno, de crear una narrativa en la que el verdadero lujo es la diversidad. Como dice la poeta Maya Angelou: “En la diversidad hay belleza y hay fuerza”. Palabras elegidas para dar vida a una conversación en la que el hilo conductor es la singularidad. Los talentos que aparecen en este portfolio (Agata, Ambrosia, Arielle, Aura, Martina y Nadia) muestran las tendencias que guiarán la nueva temporada: del arte óptico al color extremo, del bodysuit atrevido al glamour más brillante. Más aún, del tejido de punto y las transparencias hasta el total dark, la piel sintética y el poder andrógino. Porque también la moda está cambiando, comenzando una conversación sobre los estilos con múltiples puntos de vista. Recordando una máxima que acompañó a Winston Churchill toda su vida: “La diversidad es la única verdad que todos tenemos en común. Debemos celebrarla todos los días”. Fotos ANTONIO DICORATO - Estilismo RAMONA TABITA 68

EN LA APERTURA DESDE LA IZQUIERDA: vestido plisado, ISSEY MIYAKE. Zapatos, VALENTINO GARAVANI. Abrigo y botas de vinilo, top y bandana, VERSACE. Vestido largo estampado, ARTHUR ARBESSER. Mocasines, TOD’S. Traje de terciopelo y zapatos, EMPORIO ARMANI. Chaqueta con capucha y pantalón, STELLA McCARTNEY. Botas con monograma, BALMAIN. Vestido con diseño de espiga, cadena y ojotas, JIL SANDER DESDE LA IZQUIERDA: chaqueta y pantalón, LOEWE. Botas, ROGER VIVIER. Top, falda, collant y zapatos, VERSACE. Chaqueta y pantalón de tweed, aros, cinturón joya y zapatos, CHANEL. Minivestido con volados, boina de cuero, foulard y botas con doble hebilla, PHILOSOPHY DI LORENZO SERAFIN. Mono, DIESEL. Botas de charol, ALEXANDER McQUEEN. Chaqueta y shorts de cuero, botas de motociclista, SALVATORE FERRAGAMO.

PAGINAS ANTERIORES, DESDE LA IZQUIERDA: Catsuit, ANDREADAMO. Body con capucha en eco-lycra, EMILIO PUCCI. Catsuit y guantes, PRADA. Catsuit de tul, MUGLER. Collar Via Lattea en plata, GIOVANNI RASPINI. Body con cierre y medias, K-WAY® BY MARIACARLA BOSCONO ESTA PAGINA, DESDE LA IZQUIERDA: vestido en malla metálica y aros, ETRO. Top bordado con piedras y paillettes, shorts y choker, ANTHONY VACCARELLO para SAINT LAURENT. Minivestido de metal, collar con strass y cruz, DOLCE & GABBANA PAGINA SIGUIENTE, DESDE LA IZQUIERDA: vestido largo de paillettes, anillo y aros con cristales, LANVIN Mules de raso con hebilla Broche, ROGER VIVIER. Chaqueta y falda de malla de cristal con logo, botas altas de malla de cristal con monograma, GUCCI. Minivestido, LOUIS VUITTON. Aros con diseño de flores Swarovski, ALBERTA FERRETTI. Botas, JIL SANDER

ESTA PAGINA, DESDE LA IZQUIERDA: top y falda de lana, medias con logo bordado y zapatos, FENDI. Suéter y falda de cachemira con efecto degradé y botas de gamuza, LORO PIANA. Capa tejida con bandas de colores, MISSONI Maxicardigan macramé, PINKO. Zapatos de charol, MARNI Suéter con capa, HERMES Top y falda, ANDREADAMO. Botas con tachas, LOUIS VUITTON

PAGINAS ANTERIORES, DESDE LA IZQUIERDA: vestido bordado, GIORGIO ARMANI. Vestido plisado, DIOR. Vestido de chiffon con volados, BLUMARINE. Vestido largo con cinturón de piedras, EMILIO PUCCI. Minivestido con lazo y aplicaciones de encaje, VALENTINO. ESTA PAGINA, DESDE LA IZQUIERDA: maxicardigan y botas texanas, ERMANNO SCERVINO Chaqueta bordada con maxi paillettes, top elastizado y shorts, VALENTINO. Guillerminas sin talón, SPORTMAX. Minivestido con flecos, N ° 21. Guillerminas sin talón, SPORTMAX. PAGINA SIGUIENTE, DESDE LA IZQUIERDA: chaqueta con cuello de ecopiel, pantalón y sandalias de satén con strass, BLUMARINE Bolero de piel sintética, falda de tul bordada, medias con monograma, aros y plataforma, GIVENCHY.

ESTA PAGINA, DESDE LA IZQUIERDA: chaqueta, pantalón con cintura fruncida, cinturón de cuero, HEIDI SLIMANE PARA CELINE. Traje de lana, corsé de denim estampado, VIVIENNE WESTWOOD. Mules, BOTTEGA VENETA Traje sastre en terciopelo y sandalias de goma, BOTTEGA VENETA. Chaqueta y pantalón de lana, TOD’S. Botas de paillettes, PRADA.

MODELOS: Arielle Smith y Nadia Khaya para @INDEPENDENTAGENCY, Agata Ferrari y Martina Rella para @MONSTER_MGMT, Aura para @THELABMODELS, Ambrosia para @STREETCASTING. PEINADO: Giovanni Iovino @JULIANWATSONAGENCY con productos COTRIL. MAQUILLAJE: Anna Maria Negri @JULIANWATSONAGENCY con productos BYREDO. DIRECCION DE CASTING: Irene Manicone @IM-CASTING. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Davide Carlini. ASISTENTES DE PEINADO: Lillo Borgosano. ASISTENTES DE MAQUILLAJE: Simone Gammino y Antonio Navoni. ASISTENTES DE ESTILISMO: Giulia Cova, Lucy Cantiello, Chiara Tarantino y Francesca Russo. Traducción: TERESA DONATO.

BRUTALISMO Fotos MARCELO SETTON Estilismo GABRIELA SETTON

PAGINA OPUESTA: brazaletes

con tiras de alpaca y Carolina, en alpaca, PEREZ SANZ. Stiletto en gamuza y cuero, SANTESTEBAN. ESTA PAGINA: bufanda, CALA. Cartera Niza, SENTEZ.

PAGINA OPUESTA: cartera

Fiore Mini Bag, SANTESTEBAN. Pendientes de cristal, JULIO TOLEDO. en gamuza y metal, HERMES.

ESTA PAGINA: escarpín

texana de denim Giudecca, DIESEL. Bota Edda tejida, MISHKA. Me Rosé con dijes en oro Pandora Rosé, PANDORA. Choker Bondage, OCULTTOO. Gorra Varsity, PIET.

ESTA PAGINA: bota PAGINA OPUESTA: cadena

BUENOS

AIRES

affaire

Fina estirpe y voluntad de acero. Justina Ageitos sabe lo que quiere. A dos años de su debut en las pasarelas internacionales se habla de su allure allure..

Fotos IVAN RESNIK Estilismo SILVANA GROSSO

Total look, CHANEL Crucero 2021/22.

ESTA PAGINA: suéter

de hilo cuello tortuga, SALVATORE FERRAGAMO. Camisa, DRIES VAN NOTEN vintage. Falda plisada de cuero, SALVATORE FERRAGAMO. Pendientes trío, SWAROVSKI. PAGINA OPUESTA: falda, remera y muñequera, HERMES. Borceguíes caña alta, SANTESTEBAN. Mitones de encaje, MERCADO ARGENTINO vintage. Cadena de plata con abanico, MERCADO ARGENTINO vintage.

Por CELESTE NASIMBERA

Justina Ageitos nació y se crió en la ciudad de San Antonio de Areco (provincia de Buenos Aires). Fue en una fiesta con amigas cuando le preguntaron cuánto medía: su metro setenta y ocho marcó el inicio de una carrera de proyección internacional. En cuestión de días, y sin contárselo más que a sus padres, fichó con la agencia Look 1 y comenzó a trabajar a nivel local. “Al principio no terminaba de entender que era modelo. Me trasladé a Buenos Aires y mientras hacía las primeras fotos y desfiles, cursaba el último año de la secundaria acá. Me cuidaba con las faltas para no quedar libre. Me ofrecieron viajar y pensé: ´bueno cuando termine el colegio, voy´. Eso hice. Me fui en febrero de 2020 y nunca imaginé que me iba a ir tan bien”. Iniciaste tu carrera internacional desfilando para Victoria Beckham en Londres. ¿Cómo se dio ese proceso? JUSTINA AGEITOS: ¡Fue reloco! Era mi primer viaje. Llegué al casting sin entender dónde estaba y terminé haciendo las pruebas de maquillaje del desfile. Así que trabajé con ellos algunos días. Cuando fui a hacer el fitting me trajeron un look, pero enseguida me lo cambiaron… Entonces miré con atención y me di cuenta de que iba a cerrar el desfile. Llegó el día del show y escuché que gritaban mi nombre, me acerqué y me volvieron a cambiar el conjunto. Pensé “ya fue”, “no cierro”. Sin embargo, mientras me estaban probando la ropa, la diseñadora y la estilista me dijeron: “Listo, abrís vos”. Estaba tranquila, segura y contenta. Fue una vivencia mega. L’OFFICIEL:

Chaleco, CARBONE. Traje de cuero y bermudas, ANNA ET CAMILLE. Botas de polo, SANTESTEBAN. Colgante de plata con perlas naturales, ROMERO. Gargantilla de plata, ODRIZ.

ESTA PAGINA: trench, SPORTMAX. Bucaneros

de gamuza, SANTESTEBAN. Mitones de cuero, ARANDU.

PAGINA OPUESTA: suéter, GIESSO. Chaleco, BOLAZO.

“ANTHONY VACCARELLO IBA ELIGIENDO Y encontrando LO QUE LE GUSTABA. FUERON muchos MESES Y YO FUI SU mannequin mannequin”.”. L’O: Luego estuviste en el desfile de Prada en Milán y participaste en la colección Crucero de Dior. E incluso lograste ser exclusiva de Saint Laurent. ¿Cómo resultó esa experiencia? JA: Lo de Saint Laurent fue en marzo del año pasado y trabajo con ellos en exclusiva desde el vamos. Básicamente armaron la colección sobre mi cuerpo: vi todo el proceso creativo. Cumplía horario de oficina, iba de lunes a viernes. Fueron buscando inspiración, incluso en colecciones anteriores y probaban estilos sobre esa base: ropa vintage, archivos propios… El director creativo de la maison, el diseñador Anthony Vaccarello, iba eligiendo y encontrando lo que le gustaba. Fueron muchos meses y yo fui su mannequin.

¿Cómo fue tu relación con él? Es retímido, pero rebién. No es el tipo de persona que se va a poner a charlar, es así, tiene esa misma relación con todos.

L’O: JA:

¿Cuáles son tus planes para las próximas temporadas? Me gustaría ir a Nueva York. Igual voy donde me lleve el viento y disfrutando porque creo que eso es lo mejor. n L’O: JA:

Chaqueta, EVANGELINA BOMPAROLA. Soutien, CARO COURE. Gargantilla, BELGIORNO. Colgante, ROMERO. Paci. ASISTENTE DE ESTILISMO: Lila Scagliarini. MAQUILLAJE: Belén Sanz para CHANEL BEAUTY. Manicura, OPI. PEINADO: Chris Dipietra Casa de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Ministerio de Cultura de la Ciudad, Lara Manguel. Gestión, Paz Dubarry.

ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Gastón AGRADECIMIENTO:

Modern Dandy

La comprensión colectiva de lo que constituye el vestuario masculino se ha ampliado en los últimos años. Si bien los cortes provocativos, las telas transparentes y los adornos excéntricos han encontrado su lugar en el guardarropa del hombre contemporáneo, la joyería también ha recibido una actualización: un brillante reloj Richard Mille luce aún más sofisticado con un brazalete dorado de Tiffany & Co., mientras que un anillo Clash de Cartier reside felizmente junto a un moderno JaegerLecoultre Reverso Reverso.. Y a pesar de que las perlas –uno de los detalles favoritos de la Generación Z– brillan con todo su esplendor en un collar Boucheron Boucheron,, los diamantes se mantienen firmes en su rol estelar: resplandeciendo en un anillo De Beers Beers,, generosos en una creación de Messika, esculturales en un brazalete de Bvlgari o grandiosos en un collar Piaget Piaget.. El mundo de la joyería fina para hombres está repleto de opciones, desde clásicas y refinadas hasta exageradas, para completar cualquier look. Fotos ISABELLE BONJEAN 100

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PAGINA ANTERIOR: reloj, RICHARD

MILLE. Collar y brazalete, TIFFANY & CO. Chaqueta, SANDRO. PARIS. Pañuelo, CHARVET. PAGINA OPUESTA: collares, FRED. Brazalete, REPOSSI. Suéter, ERIC BOMPARD.

ESTA PAGINA: collares, BOUCHERON. Chaqueta, AMI

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ESTA PAGINA: collar, MESSIKA. PAGINA OPUESTA: aros

Anillo, DE BEERS. Bata, EMPORIO ARMANI. y brazalete, CHAUMET. Brazalete y Anillo, BVLGARI. Camisa FENDI.

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ESTA PAGINA: collar, PIAGET. Brazalete, ALILLIS. Chaqueta, RALPH

LAUREN PURPLE LABEL. Suéter, PRADA. BARE. Anillo, CARTIER. Chaqueta, BRUNELLO CUCINELLI. Pañuelo, CHARVET. ESTILISMO: Emily Minchella MODELO: Tom Rey

PAGINA OPUESTA: reloj, JAEGER-LECOULTRE. Brazalete,

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ESCRITOR QUE CANTABA rancheras

A siete años de la muerte de Pedro Lemebel, Lemebel, su figura y su obra inspiran a toda una generación que lo observa como un ícono cercano y pop, comprometido y consecuente. 108

El apellido Lemebel no existe en los árboles genealógicos de Chile. No se asocia con historia milenaria alguna. Es una total invención que solo tuvo tres representantes en este mundo, todos muertos: Olga, su hija Violeta y su nieto Pedro. El descendiente famoso de este breve linaje solía contar que su abuela había creado ese apellido cuando escapó de casa y fue madre soltera. Se podría haber agotado en su hija Violeta Lemebel, casada con el panadero Pedro Mardones, pero el último representante de la generación quiso que sus libros, sus performances y su vida entera fueran conocidos bajo la identidad de un conjuro fraguado en forma de léxico. El nombre del escritor nace entonces de la porfía, el desacato y la independencia. El autor de La esquina es mi corazón (1995), que tenía buenos recuerdos de su padre, dijo en alguna oportunidad que firmar como Pedro Mardones se hubiera prestado a confusiones con este y que, además, deseaba honrar la creatividad y tozudez de sus antecesoras. La tradición literaria chilena está más o menos definida por el uso del seudónimo y el origen de clase. No es de extrañar que –en un país donde la cuna, los apellidos y las relaciones lo son todo– los Premios Nobel de Literatura locales Gabriela Mistral y Pablo Neruda, ambos de origen humilde, se hayan llamado en realidad Lucila Godoy y Neftalí Reyes. En este sentido, Pedro Lemebel es un brillante miembro de aquella sociedad de poetas muertos en eterna resurrección. Fallecido en enero de 2015, cuando solo tenía 62 años, el escritor, cronista y artista plástico se encuentra actualmente pasando por una de sus múltiples resurrecciones. La tierra elegida es el globalizado paraíso del streaming, donde se estrenaron en América Latina la película Tengo miedo torero, basada en su obra más famosa, y el documental Lemebel. Los dos están en Amazon Prime Video. La primera es una adaptación de su obra más conocida; el segundo, un documental muy libre y original de Joanna Reposi Garibaldi, premiado en el Festival de Berlín. En Tengo miedo torero, el actor Alfredo Castro, el más conocido e internacional de los histriones chilenos, es la Loca del Frente, un travesti de amores arrebatados con algunas características del propio Lemebel. En Lemebel, vemos al artista a través de una mirada que privilegia sus performances iniciales y luego su precipitado final, condicionado por un cáncer de laringe que le extirpó la inconfundible voz con que leía sus crónicas y hería al pacato establishment de su país.

Foto: Claudia Román.

PROVOCACION EN EL BARRIO CHILENO

Pedro Lemebel publicó nueve obras en su vida. De todas ellas, apenas una fue una novela: Tengo miedo torero, su narración más conocida. El resto se repartió entre crónicas, viñetas, retablos de vida y retratos de personajes que caminan por los bordes (no le gustaba la palabra marginal) y que son discriminados, humillados y ofendidos por su sexualidad, por su clase, por sus rasgos físicos o por decir lo que piensan. Como él. Dueño de un estilo arrollador y barroco, donde los adjetivos y sustantivos se cruzan y mezclan para crear una prosa poética inclasificable, Lemebel confiaba en la forma y el estilo de la misma manera en que otros solo creen en el contenido y el discurso. Era cercano al Partido Comunista chileno por razones

familiares y muy amigo de su fallecida líder Gladys Marín, pero probablemente estaba a años luz de la moral viril y machista de los jerarcas de la organización. En el documental de Joanna Reposi, se escucha hablar a su hermano mayor Jorge Mardones, quien recuerda a Pedro y su precoz interés por la fotografía, y por posar frente a cámara. Cuenta que solía defenderlo de los bravucones y matones del barrio en la comuna San Miguel, sector de clase media baja de Santiago. Lo molestaban por su homosexualidad. Con el paso del tiempo no sería necesario que nadie lo defendiera. Más bien había que escudar a los que osaban interpelar su garbo y decisión. Siempre amó los tacos altos y fueron su marca de moda cuando hacía sus primeras performances en el dúo Las Yeguas del Apocalipsis con Francisco Casas. Escandalizaron al Chile santurrón e hipócrita de fines de la dictadura e inicios de la democracia, entre 1987 y 1993. La película Tengo miedo torero se ambienta un poco antes de ese período, concretamente en 1986, cuando Augusto Pinochet es blanco de un atentado frustrado. La historia contrapone el coraje de Carlos, un joven revolucionario de clase alta, a la inextinguible capacidad de amar de la Loca del Frente, pobre y sin demasiada conciencia política que lo recibe en su casa. Rodrigo Sepúlveda, director de la película, simpatiza probablemente con el travesti, cuya valentía en el corazón está a la altura de cualquier arrojo guerrillero. “Fue sobre todo un provocador. 109

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Fue capaz de salir a la calle y a la escena pública en plena dictadura de Pinochet, con su cara pintada y sus zapatos de tacones altos. Eso me conmueve mucho”, dice Sepúlveda sobre Lemebel. Con el paso de los años y mientras el Lemebel de las artes performáticas le daba paso al Lemebel escritor, aquella figura explosiva de la escena chilena sería reemplazada por una versión algo más decantada, pero igualmente insurrecta. Tal vez los zapatos puntiagudos desaparecerían, pero a cambio llegaron infinitas bufandas y paños, preferentemente rojos. La identidad del escritor era inconfundible. Consciente de las huellas del tiempo y de la erosión del cuerpo, Lemebel reemplazó el cabello que ya raleaba por aquellos pañuelos, ahora en la cara, el cuello y la cabeza. Cuando asomó la quimioterapia y el pelo desapareció, el autor de Loco afán ya tenía un arsenal para tapar las marcas del tratamiento.

BANDA SONORA DE UN INSURRECTO

A Pedro Lemebel le gustaban el bolero, el tango, la ranchera y la canción romántica en general. Se había criado en una casa con una radio prendida todo el día y donde no había un solo libro. Decía que no podía trabajar sin escuchar música y no es raro que los títulos de sus obras vengan de aquellas mismas canciones. Tengo miedo torero es, sin ir más lejos, el nombre de un pasodoble popularizado por Lola Flores y escrito a fines de los

Foto: Gabriela Jara.

LEMEBEL NO SE transformó EN UN ícono LGBT POR ARTE DE MAGIA NI A COSTO CERO. ESTABA SU PROPIA VIDA empeñada EN AQUELLA LUCHA.

60 por Augusto Algueró, uno de los más prolíficos y originales compositores en español. Uno puede hacer una playlist con temas de Algueró y coincidiría perfectamente con los gustos de Lemebel: éxitos infalibles como Noelia o Penélope, en las voces de Nino Bravo y Joan Manuel Serrat. O Amor de poeta y Por qué te vas, escritas a su vez por Manuel Alejandro y José Luis Perales, y cantadas por Jeanette, con su voz casi infantil y etérea. Temas que Lemebel escuchaba una y otra vez. Es más, muchos en Chile conocieron al escritor primero, a través de su programa radial Cancionero, que entre 1994 y 2002 se alimentó de sus crónicas urbanas y de su habilidad de disc-jockey sagaz, sensible y romántico. En este punto conviene decir que Lemebel estaba lejos de la tradición literaria local de la derecha, pero también de la izquierda. Nada de alta cultura. Era una auténtica bestia pop, con talento infinito y capaz de resignificar los códigos de la canción cebolla y el culebrón latinoamericano en defensa de las minorías invisibilizadas. Por eso fue aún más doloroso para una parte importante de los escritores chilenos que Roberto Bolaño, que acababa de publicar Los detectives salvajes, cuando vino al país en 1998 tras 25 años de ausencia, ungiera a Pedro Lemebel como el gran original de la literatura chilena.

FRIDA HASTA EL FIN

Pero el escritor performista estaba lejos de dejarse agasajar con complacencia. Cultivó una buena relación con Bolaño en la medida en que no se tocaran sus grandes luchas y sus pequeñas derrotas. Se crió intelectualmente entre escritoras feministas

como Pía Barros, Raquel Olea o Diamela Eltit y no le gustó que el autor de El gaucho insufrible le recomendara “alejarse” de ellas. Hubo un pequeño quiebre. Después de todo, Lemebel no se transformó en un ícono LGBT por arte de magia ni a costo cero. Estaba su propia vida empeñada en aquella lucha y es probable que el orgullo con que los movimientos minoritarios se expresan hoy en Chile le deba mucho a la virtuosa e insolente personalidad del escritor. Para Sepúlveda, películas como Una mujer fantástica –ganadora del Oscar internacional 2018 y protagonizada por Daniela Vega– no se podrían haber hecho en un país conservador como Chile “sin la existencia del camino que abrió Lemebel”. La directora Joanna Reposi Garibaldi, que filmó al escritor en sus últimos 11 años de vida, busca aquellas señales de consecuencia y compromiso en la literatura, pero sobre todo en las acciones de arte de sus inicios. No hay que olvidar que Lemebel fue profesor de Artes Plásticas y que no enfrentaba las palabras a las imágenes. Por el contrario, las unía. “Una de las obras que más me gustan de él es Las dos Fridas, que alude al famoso autorretrato doble de Frida Kahlo”, comenta Reposi. “Nace a partir de lo que creó con Francisco Casas en Las Yeguas del Apocalipsis y que luego fue retratado por el fotógrafo Pedro Marinello. “En esta creación hay una reinterpretación del cuerpo, que ahora es travesti, homosexual, agredido, marginal y doloroso, unido por un corazón”. La directora recuerda que el autor de Perlas y cicatrices se volvió a vestir y maquillar como Frida Kahlo poco antes de morir, ya postrado en el hospital: “Esa propuesta estuvo en toda la vida de Lemebel, lo acompañó hasta el final y apareció también en sus creaciones no performáticas. Por eso es muy difícil separar a la persona de sus creaciones. Más bien vivía su obra. Las dos Fridas es del año 1989 y nace como comentario y respuesta a la peor época del sida, cuando diezmaba a la comunidad homosexual”. Esta proclama visual no está lejos, después de todo, de las fotos que el Lemebel adolescente se tomaba en el balcón de su departamento en un barrio modesto de Santiago. En ese tiempo era su hermano quien lo defendía de la muchedumbre intolerante y homofóbica; ahora ya no es necesario. Aquella masa conformista la tiene más difícil y los anticuerpos del artista viven en una generación que se protege sola. n 111

En voz

ALTA

Dignity tiene valentía para hablar y denunciar denunciar,, pero también para ir tras sus sueños sin apurar nada. Su nuevo proyecto apunta a los encuentros, retiros, viajes y conversaciones.

Fotos GIUSEPPE VACCARO Estilismo GIORGIA MELIS

Conjunto y pendientes, DOLCE & GABBANA.

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“ME INSPIRA LA serpiente QUE CAMBIA DE PIEL, ASI SE rejuvenece CONSTANTEMENTE”.

PAGINA OPUESTA: total

look, YVES SAINT LAURENT. look, DIOR.

ESTA PAGINA: total

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Por MARIA MANSILLA

El tiempo tiene dos partes. Cronos y Kairós. El primero está tictaqueado por minutos y segundos, por el tiempo cronológico, por la hora del reloj. El segundo es una llave hacia el tiempo subjetivo, el fundamental, de calidad. ¿Cuál es tu plan para este año? La pregunta típica de la entrevista a una artista que –se supone– tiene calendarizado cada segundo de su agenda, no va con Dignity. “No sé dónde voy a estar dentro de dos meses”, piensa en voz alta. Es que ella adopta y se adapta a un modo de vida que es la marca de las generaciones que la siguen: nómade, tecnosocial, multidimensional y, sobre todo, honesta. Experimental. Slow. Digna. Justa. “Me inspira la serpiente que cambia de piel, así se rejuvenece constantemente”, retruca Dignity, domadora de incertidumbres, cuando queremos que nos cuente su secreto de desapego con los espacios que habita, las ciudades, los oficios. Durante la pandemia dejó Nueva York y se instaló sola en su casa uruguaya de José Ignacio, Corazonada. “Somos el movimiento y somos en movimiento. Me entrego a las sincronicidades que se me presentan. Voy con el corazón abierto y flexible para habilitar los cambios de frecuencia que me permiten trascender. Me muevo hacia la dicha, la pienso como trasfondo de mi vida”. En estos años aprendió a escucharse; a mostrar menos, a demostrarse más. Siente que nada de lo que deja en el camino le quita valor. Sabe despedirse de proyectos grandes y de pequeñas cosas, prefiere aferrarse a los buenos vínculos. Esa es la impronta que hoy habita en Peregrinas 5.0, su nuevo proyecto, un espacio de encuentro, conversación, retiros, viajes y programas especiales que buscan la reflexión y la experimentación, integrando el cuerpo, la emoción y el pensamiento.

Total look, SPORTMAX

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ESTA PAGINA: total

look, ROBERTO CAVALLI. look, DROME

PAGINA OPUESTA: total

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Dignity es una pionera espontánea. Hacedora de comunidades y ranchadas. Como cuando denunció a su entonces compañero de elenco Juan Darthés por abuso sin imaginar que con ese gesto valiente estaba fundando el MeToo local. En 2018 salía por primera vez a las calles para sumarse a una manifestación, la del 8M. En diciembre pasado se estampó una remera que dice “La mujer es amor”, y la estrenó para volver a declarar contra Darthés, cara a cara, durante cuatro horas (en el juicio iniciado por la denuncia de Thelma Fardín). Ahora, tanta vida después, la justicia brasileña estaría por emitir el fallo. Dignity es lección de estilo, también por la filosofía con la que atraviesa el proceso, esquivando los obstáculos con la mirada puesta en el todo. “Peregrinas 5.0 es un movimiento de transformación y de evolución -explica-. Es una invitación a viajar por nuestro propio territorio, a peregrinar hacia un destino puramente humano. Nos apoderamos de nosotras mismas, de lo que nos rodea, y así nos propagamos. Caminamos en búsqueda de nuestra propia luz, esa que arde con tanto poder que enciende a quien se acerca”.

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“LA atención PLENA ES PARTE DE MI VIDA. PRACTICO LA pausa Y LA ESCUCHA profunda profunda”.”.

En ese viaje al interior de la subjetividad y del paisaje, Dignity no para de elegir y crear su propia aventura: viajó por tierra con dos amigos desde Buenos Aires, pasando por Córdoba, Catamarca, Tucumán, Salta hasta llegar a Barcena, Jujuy, donde construyeron el primer altar del país para María Magdalena. “Fue la compañera de Jesús. Sacerdotisa, esposa y madre, maestra del desapego. El altar es nuestra manera de rescatarla, de devolverle la dignidad a quien por años no la tuvo y que fue satanizada por la Iglesia”. Desapego para dar el salto, curiosidad para intuir, pasión para soñar el cambio y pausa para atravesarlo, despacito, en el presente. “La atención plena es parte de mi vida. Practico la pausa y la escucha profunda. Trato de ser impecable con mis palabras y soy muy consciente de mi autodiálogo”. Dignity siente y sabe que los movimientos están llenos de momentos. Peregrinas 5.0 se piensa también con una especie de hashtag: Mi cuerpo, mi laboratorio. “Me siento una experimentadora y researcher del sentir. Exploro con mi cuerpo. Experimentamos con nuestra energía maternal, erótica, con el gozo, con el inspirar a la otra, con mostrarse y dejarse mostrar”. Dignity entiende que la moda es un medio de expresión, como le enseñó Marou Rivero, su hermana. Ahora está más conectada con la naturaleza y hace propia una frase de Epicuro: felicidad es ausencia de dolor. Según Cronos, en breve Dignity estará presentando un pódcast en el que se permitirá vibrar con todo lo que aprendió y su propia sanación. “En todo crezco. Estoy a salvo porque me tengo a mí misma.” n

Total look, GABRIELE COLANGELO. IVANO MANSUETO. PEINADO: EZIO DIAFERIA. MAQUILLAJE: LETIZIA MORLE para @thegreenappleitaly. DISEÑO DE SET: ELISABETTA BOI. CASTING: POLIS. DORANNA NOTARNICOLA. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: ERDIOLA MUSTAFAJ. POSPRODUCCION: UNREALITY CHECK. AGRADECIMIENTO: DIEGO DALLA PALMA MILANO.

DIRECCION DE ARTE: ASISTENTE DE ESTILISMO:

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Durante siglos, la joyería de lujo ha sido el reino de maisons históricas que aún hoy marcan el rumbo de las tendencias contemporáneas. Pero en un momento en que los mercados en todo el mundo están cambiando rápidamente, L’OFFICIEL vuelve la mirada a la próxima generación de diseñadores, para anticipar lo que vendrá. Estos artistas jóvenes están redefiniendo la industria, llevándola a un espacio donde se presenta una mezcla diversa de visiones audaces y distintivas distintivas,, se priorizan el abastecimiento ético y las prácticas sostenibles.

Por ALYSSA KELLY 122

KINN, Estados Unidos Cuando Jennie Yoon fundó Kinn en 2017, pensaba en un principio en reemplazar las reliquias familiares que sus padres habían perdido en un robo. Hoy, en su estudio de Los Angeles, crea joyería minimalista que sus clientes pueden legar a sus familias. La mayoría de las piezas están hechas en oro de 18 quilates reciclado u otros materiales que luego son fundidos y refinados para lograr la sensación de alta calidad. La provisión de gemas se realiza cumpliendo con estándares de ética y Yoon misma las selecciona. A través de Repurpose Project, Yoon y su equipo también restauran o reciclan antiguas piezas de joyería para convertirlas en nuevos diseños personalizados.

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BEA BONGIASCIA, Italia Si hay una línea de joyería que es hoy la mayor obsesión de las celebridades –de Dua Lipa a Bella Hadid– es la marca de Bea Bongiascia que lleva su nombre. Luego de graduarse en Central Saint Martins de Londres, la diseñadora creó, a partir de un estilo fantasioso y abstracto, una exitosa colección. Todas las piezas están hechas de oro y plata de nueve quilates, con piedras preciosas y semipreciosas.

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LAUREN RUBINSKI, Francia Una de las tendencias más importantes de este año fueron las piezas de tono kitsch con un sabor veraniego camp. A este estilo, Lauren Rubinski le agrega el refinado toque francés. Insertando elementos de esmalte semejantes a cuentas en piezas de oro y plata de alta calidad, Rubinski ofrece una alternativa de primer nivel a la tendencia de la joyería hecha en casa. Inspirándose en gemas encontradas en la casa de la abuela en Cap d’Antibes, la diseñadora contrata orfebres italianos profesionales para la realización de todas sus creaciones maximalistas.

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NIBURU JEWELS, Chile Mientras que muchos diseñadores buscan inspiración para su trabajo en su propio legado, Marcela Mayorga recurre a los Anunnaki –un panteón de antiguas deidades sumerias– combinando motivos y patrones indígenas con conceptos extraterrestres. Con esta conjunción de lo antiguo y lo galáctico, Mayorga ha creado una línea ecléctica que desafía las nociones artísticas en torno a la joyería de hoy.

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Traducción: Silvia Villegas.

ARACANO, Argentina Inspirado en la belleza de los Andes, Federico de Alzaga comenzó su marca de joyería Aracano en 2001, sumando a su amor por la naturaleza el trabajo con metales. Pasó los años de la infancia en el marco de una de las cadenas montañosas más elevadas del mundo, rodeado no solo de la belleza de la naturaleza sino también de las culturas de siglos pasados. El resultado: joyería con siluetas tribales tradicionales en bronce enchapado en oro y plata . Todas las piezas están hechas a mano por artesanos argentinos.

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COMPLETEDWORKS, Reino Unido Antes de destacarse como talentosa diseñadora de joyas, Anna Jewsbury estudió matemáticas y filosofía en la Universidad de Oxford. El reduccionismo es la idea fundamental de sus trabajos para Completedworks: brazaletes de lazo con el suave ondular de las olas, anillos que combinan delicados detalles perlados con audaces monturas en metales preciosos. Uno de los mayores atractivos de la marca es el diseño de bajo impacto ambiental: todas las piezas de oro son de oro reciclado o de Comercio Justo, gran parte de la plata es reciclada o recuperada.

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Traducción: Silvia Villegas.

J. LE RENARD, Letonia Revitalizar piezas vintage ya es una tendencia instalada en la industria de la joyería, pero Julija Kozarjonoka posee un don especial para crear piezas que incorporan el lujo y la elegancia de las joyas de antaño y al mismo tiempo mantienen la impronta moderna. Los diseños se realizan con gemas obtenidas con procedimientos éticos en Sri Lanka, Tailandia y Tanzania y seleccionadas por Kozarjonoka personalmente. Cada una de sus notables creaciones, confeccionada con esmero por artesanos locales, celebra el poder de la feminidad.

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AMSTERDAM SAUER, Brasil Hoy bajo la dirección creativa de Stephanie Wenk, Amsterdam Sauer cuenta en su haber con ocho décadas de joyería refinada. La celebración incluyó la conversión de una inmensa esmeralda procedente de sus archivos en una serie de piezas –algunas de ellas únicas– que desafían los límites del lujo. Con su trabajo, la marca no solo da relieve a su legado brasileño, sino que también emplea oro reciclado en sus procesos de diseño.

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AURUM BLOOM, Polonia Aliya Riz vivió en todo el mundo, hasta que en sus viajes encontró su lugar en Cracovia. Allí formó un equipo con Dzmitry Haurykau y juntos lanzaron Aurum Bloom, empresa de joyería con raíces en la historia, comprometida con la elegancia. Mientras que Riz y Haurykau encuentran su inspiración en la cultura polaca, la colección más reciente de la marca –El elogio de la sombra– toma su nombre de la novela del ícono literario japonés Jun’ichiro Tanizaki, empleando imágenes de la arquitectura japonesa para sus piezas de líneas puras realizadas en oro de 18 quilates reciclado.

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COMUNIDAD

de mujeres

Alicia Hamann, dueña de la firma peruana Hera Concept, Concept, estuvo en Buenos Aires para presentar una cápsula con la socialite Angie Landaburu. El compromiso con la promoción del trabajo artesanal y el empoderamiento femenino, en esta charla exclusiva con L’Officiel. Por CELESTE NASIMBERA

El diseño y la moda siempre estuvieron presentes en la vida de las hermanas Alicia y Alexandra Hamann. Nacieron en Perú y desde chicas se interesaron por el trabajo de su abuela, que confeccionaba lencería y luego distribuía en diferentes mercados, incluso en Buenos Aires. De adolescentes comenzaron a modelar y llegaron a participar en numerosos eventos de marcas internacionales como Dior y Versace. Mientras tanto. completaban sus carreras universitarias en interiorismo y moda (Alicia) y en negocios y marketing (Alexandra). El entusiasmo por desarrollar un proyecto familiar llegó más tarde. “De pronto, de vivir juntas con mi hermana y mi mamá, cada una de nosotras se fue de la casa. ¡Es que las tres nos casamos el mismo año! Para mí fue como un choque, salirme por primera vez de mi círculo de mujeres. Pensamos que era bueno hacer una empresa que nos mantuviera unidas”, cuenta Alicia Hamann, sobre el surgimiento de la etiqueta. ¿Cómo aparece el nombre Hera Concept? ALICIA HAMANN: Cuando empezamos a planear el proyecto, mi hermana estaba en Miami y yo en Lima. Pensamos en hacer algo con lo que nos encanta: la moda y, al mismo tiempo, ayudar. Ella, además, estaba atravesando un tema de infertilidad, y ese fue otro disparador: convertir la experiencia en energía para empoderar a otras mujeres. Sentimos que, si tienes algo que duele dentro, es importante que salga esa garra de que tú puedes lograrlo, de que tienes esa fuerza interior, de que eres una diosa. Y así es como llegamos a Hera, reina de los dioses griegos, el ejemplo de que las mujeres alcanzan sus sueños aun en circunstancias difíciles, la diosa empoderada de la fertilidad. L’OFFICIEL:

Un trasfondo muy personal… Sí y de mujeres. Queríamos que algo nos mantuviera unidas. Como que hicimos esa conexión que fue bien personal y bonita. Por otra parte, Hera es una marca interesada en la creación de piezas duraderas realizadas en asociación con comunidades de mujeres tejedoras. Posee un fuerte compromiso con la industria ética y los salarios justos en la cadena de producción. Además, buscamos colaborar con muchas mujeres con problemas de infertilidad en todo el L’O: AH:

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mundo al patrocinar proyectos científicos, hospitales y ser un miembro sostenible de Resolve: The National Infertility Association. L’O: ¿Cómo fue darle forma a la empresa, definir los roles de cada una, convertirse en emprendedoras del sector? AH: Queríamos hacer algo utilizando material peruano y con proyección internacional. Dar a conocer que la alpaca es el material del futuro. Me siento muy orgullosa porque es una fibra sostenible. Por curiosidad nos fuimos al mercado inca a ver a los artesanos y ahí empezó lo primerito. ¿Cómo hicimos toda esta parte emprendedora? Yo ya tenía mi empresa de arquitectura, solo cambié el rumbo. Mi hermana me aporta bastante de su lado porque ella estudió negocios internacionales y administración. Cada una encontró su espacio.

¿Cuál es el momento que están atravesando ahora como marca? Hoy hemos salido de vender solo en Perú y un poco en Houston, que es donde ella se había mudado, para sumar Miami, Chile y Canadá. También Argentina, lo estamos hablando. La pandemia transformó nuestro negocio. Al comienzo fue un momento de susto. Habíamos invertido mucho en la colección. Sentimos que no había que perder la fuerza. Y logramos crecer… como un 300 %. Estamos en expansión.

L’O: AH:

L’O: ¿Cómo se conocieron con Angie Landaburu Eurnekian y cómo fue trabajar en conjunto? AH: Nos conocimos en Miami, donde me vine con mi familia de vacaciones hace ocho meses y nos quedamos. Fue en un almuerzo y me impactó: tiene una energía muy linda. Le hablé de la marca, le encantó y ella me contó que estaba buscando proyectos de ayuda social, entonces ahí hicimos la sinergia.

¿Qué planes tienen para el primer semestre? Vamos a tener un showroom en la Semana de la Moda de Milán. También tendremos presencia en la de Nueva York, donde hemos estado llevando la colección. Nuestro foco está en el mercado europeo, solo estamos evaluando por qué ciudad empezar. n heraconcept.com

L’O: AH:

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Fotos VICTORIA DEL SEL Estilismo DELFINA TULLI

Vestido, VANESA KRONGOLD. Anillos, CABINET OSEO.

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y maxipantalón, MIN AGOSTINI. Guillerminas, JULIETA ERDOCIA. Pendientes, UCHA WORLD. OF COLOURS. Camisa de seda, DISETA. Colgante, ISKIN SISTERS. Medias, SILVANA. Guillerminas, FERRONI.

PAGINA OPUESTA: blusa ESTA PAGINA: blazer, FABRICS

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PAGINA OPUESTA: body, NOUS ESTA PAGINA: pañuelo

ETUDIONS. Trench, PERRAMUS. Botas, CALANDRA. de seda, FERRAGAMO. Camiseta, DOMA. Blazer, CABU TAILOR LINE.

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ESTA PAGINA: camisa, blazer

ASISTENTE DE ESTILISMO: Maia

y pantalón, AGOS HIDA. Brazalete, CABINET OSEO. Borceguíes, FERRONI. PAGINA OPUESTA: top, MAYDI. blazer, DOMA.

Bilik. MAQUILLAJE: Jade Kone para Kabuki Makeup School. PEINADO: Joaquín Vega Caro para Kabuki Makeup School. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Matías Petric. MODELO: Valentina Rovere para Lo Management. POSPRODUCCION: Reto Studio. AGRADECIMIENTO: Galería Pasto @pastogaleria.

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FLOR DE LA

vitalidad La camelia roja es el corazón de la nueva línea de Chanel Chanel,, que presenta productos de tratamiento, maquillaje y un agua perfumada.

Por LOLA MONTEIRO

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Si el 2021 fue el año del centenario del Nº 5 –el perfume que cambió para siempre la industria de la belleza– el 2022 ya trae noticias frescas de que este será otro gran año para la marca. Nº1 de CHANEL es la nueva línea de productos que une la impronta histórica de la maison con la innovadora. Fue creada de la mano de Nicola Fuzzati, Director de Innovación y Desarrollo de Ingredientes Cosméticos de Chanel Research and Technology, que cuenta con más de 30 años de experiencia en identificación, desarrollo y producción de principios activos derivados de plantas para usos cosméticos. Con su equipo trabajaron en el laboratorio a cielo abierto ubicado en la región francesa de Gaujacq, un centro de investigación, innovación y cultivo experimental dedicado a la camelia y a la extracción de sus más nobles y eficaces ingredientes. Fue allí donde analizaron las diferentes variedades de esa flor con el fin de identificar a la más prometedora por sus propiedades cosméticas y eligieron a la Camellia Japónica “El Zar”, como flor protagonista del nuevo lanzamiento. Esta variedad es muy especial: concentra en sus pétalos una molécula activa que ayuda a potenciar y proteger la vitalidad de la piel. Este ingrediente estrella combate la senescencia, es decir, el proceso de envejecimiento que va debilitando las células cutáneas. N°1 de CHANEL ofrece un sentido innovador, global y sostenible de la belleza. El lanzamiento combina productos de tratamiento, maquillaje y una fragancia.

ENFOQUE SOSTENIBLE

Una de las claves de esta colección es la sostenibilidad integral. Las fórmulas están compuestas por ingredientes renovables de origen natural con un impacto medioambiental reducido, sin comprometer la seguridad y eficacia de todo el proceso. En cuanto al diseño de los envases, se redujo el peso de los frascos y botellas, teniendo especial cuidado en limitar la utilización de plásticos de un solo uso; se eliminó el celofán, y los folletos han sido reemplazados por códigos QR. Las tapas contienen un 90 % de materiales de base biológica de recursos renovables. La gran novedad es que varios productos de la línea poseen envases recargables.

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EL RITUAL

Nº1 de CHANEL se construyó en torno a un ritual con distintos pasos, que se pueden realizar juntos o por separado. Preparar la piel es la primera instancia. El polvo limpiador se encargará de purificarla e iluminarla, para pasar luego a la loción revitalizante de camelia roja, que energiza, refina y rellena. El suero revitalizante, producto estrella de la colección, previene y corrige los signos de envejecimiento. Este concentrado formulado con un 95 % de ingredientes de origen natural reduce visiblemente la apariencia de las arrugas, los poros, mejora la elasticidad y hace que la tez se vea radiante. La crema de ojos actúa contra las ojeras e hinchazón y suaviza las arrugas de la zona con su textura ligera y fresca. La rutina se sella con la crema revitalizante de camelia roja, que proporciona suavidad y luminosidad al rostro y funciona como una barrera protectora contra la contaminación urbana. La línea cuenta con sus propios maquillajes: una base con pigmentos de larga duración que corrige el tono de la piel y un bálsamo cremoso coloreado para labios y mejillas. Red Camelia se puede aplicar con la yema de los dedos para realzar el tono natural. Además, hay un suero en bruma refrescante anticontaminación que aporta luminosidad. Ideal finalizar el ritual con el agua perfumada L´Eau Rouge. Como la camelia roja no tiene perfume, fue imaginada para dar frescura desde los contrastes: notas afrutadas y notas florales que evocan la camelia de Coco. n 144

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Collar URBAN FAWN.

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LIBERTAD Cortes que no demanden esfuerzos extra, colores similares al de base y cuidados amables amables.. La tendencia para el pelo adopta alternativas cómodas y naturales. Fotos JULIO BARCENA Estilismo YULIA POPOVA

En materia de cuidados capilares, tomar la decisión de volver a foja cero puede ser liberador. Estas son las apuestas de los profesionales más experimentados para lograr un pelo sano y sin luchar contra su propia naturaleza.

CORTE A MEDIDA. Para volver al look natural, ante todo es importante un corte inteligente que permita no sumar tareas de cuidado. Eso sí, debe responder a la textura de pelo y a los hábitos que se siguen habitualmente. Las capas han sido la tendencia dominante en 2021 y, si bien no van a desaparecer, en 2022 se suavizan y dejan espacio a propuestas más rectas y geométricas, como se vio en los desfiles de Saint Laurent. En cuanto a las texturas, la consigna es abrazar lo propio: cabello rizado, grueso, rebelde o voluminoso, y acentuarlo aún más. La textura ondulada, esponjosa y rizada vivirá su momento de oro en el año que comienza y la clave es cortarla mediante mechones angulares de forma que se enmarque el rostro. Por eso, la idea es que solo sea suficiente aplicar un producto texturizador adecuado y dejarlo secar al aire, o con unos breves movimientos de secador. 147

TONOS QUE VIENEN. Los expertos recomiendan optar

por colores próximos al de base: rubios oscuros, castaños o negros. L’Oréal Professionnel descubrió que los metales que contienen el agua de la canilla, la ducha, el mar y la pileta son los responsables del quiebre de la fibra, la debilidad del pelo posdecoloración y de que no se consigan los tonos deseados en la tintura. Por eso lanzó su línea Metal Detox con protocolos para aplicar en el salón, pero también en casa, que neutralizan los metales y desintoxican el cabello ¿El resultado? Menos quiebre, más brillo y suavidad, colores más fieles e inalterables con el lavado. Los baños de color parecidos al color natural también son una alternativa que gana terreno. Para las cabelleras con canas, una opción interesante consiste en acentuarlas con un tono similar –inclinarse por los blancos o platas– y prestar atención a que no se pongan amarillas.

LIMPIEZA E HIDRATACION. El proceso de abrazar el co-

lor y la textura del propio pelo también supone dedicarle tiempo suficiente al lavado y la hidratación. Así como sucede con la piel de cualquier otra parte del cuerpo, el cuero cabelludo se beneficia de una limpieza equilibrada, exfoliación, masaje e hidratación para mantener un estado sano. La piel del cuero cabelludo es más delicada que la de cualquier otra parte del cuerpo y tiene un mayor número de glándulas sebáceas, glándulas sudoríparas y folículos. Cuando se le unen los restos de productos, es habitual que se sienta sensibilizada. Algunas recomendaciones: la mascarilla en gel hidratante de Authentic Beauty Concept permite convertir el lavado del cabello en un minimomento spa: aplicado mediante un masaje en el cuero cabelludo, promueve el flujo sanguíneo y lo deja protegido de las agresiones externas. También conviene utilizar un acondicionador todos los días para tener las cutículas bien selladas e incluso aplicar un ligero sérum en las puntas. Ver que el pelo vuelve a ser natural resulta muy gratificante. n

Camisa, AMERICAN VINTAGE. Aros, THOMAS SABO. MAQUILLAJE Y PEINADO: Estel Caminal (BAQ Agency). MODELOS: Lidia para Blow Barcelona y Nela para Blare Management. POSPRODUCCION: Harrison Medeiros. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Oscar Latorre. AGRADECIMIENTO: The Catwalk Studio.

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ESTADO de plenitud La llegada de Emsculpt Neo al país es la oportunidad para conversar con la doctora Velia Lemel sobre los aportes de la tecnología y la nueva mirada a la estética estética..

Sus palabras suenan como un mantra: Creemos en la identidad, en la esencia de las individualidades. La salud es belleza, y la belleza ideal es la propia. La doctora Velia Lemel, médica dermatóloga, pionera en medicina estética en el país con más de 30 años de trayectoria, define de esta manera su filosofía de trabajo. Menciona además su compromiso con la búsqueda de mejorar y mitigar todos aquellos desequilibrios o problemas que impiden que una persona esté sana, se sienta bien o en plenitud consigo misma. Cree en el uso de las tecnologías no invasivas que permiten alcanzar el objetivo deseado, evitando excesos y resultados no satisfactorios. “Son un complemento de belleza. Cada paciente es único y así hay que abordarlo médicamente. Mi objetivo es ayudar a hombres y mujeres a llegar a su máximo potencial, orientado a aquello que señalan que quieren mejorar, y en relación con su estilo de vida, ocupación y vínculos”. Es en esa línea de trabajo que hoy comparte su experiencia con una innovación tecnológica diseñada para eliminar grasa y, a la vez, desarrollar músculo. Emsculpt Neo es un dispositivo creado por BTL Aesthetics que emite en simultáneo Radiofrecuencia Selectiva y Energía Electromagnética Focalizada de 150

Alta Intensidad (HIFEM+). “Es utilizado para temas no solo estéticos sino también de salud”, dice la doctora y da el ejemplo de su eficacia en el tratamiento de la diastasis abdominal, consecuencia habitual de los embarazos, que hasta el momento solo se podía corregir de manera quirúrgica. Muchos deportistas y atletas son incondicionales de esta técnica. Los estudios mencionan que se logra desarrollar en promedio 25 % de masa muscular y eliminar 30 % de grasa. “Se aconsejan cuatro sesiones de 30 minutos, programadas una vez a la semana. Estamos orgullosos de tener este equipo en el país y en nuestra clínica. Priorizamos el bienestar que buscan nuestros pacientes, entendiendo bienestar como el sentirse más satisfecho respecto de la propia apariencia. La intervención estética sobre el cuerpo debe estar siempre orientada a preservar y mejorar, pero no a transformar”, destaca Lemel. Con espacios en Buenos Aires y Miami, Clínica Lemel brinda más de 20 tratamientos diferentes. “Contamos con aparatología de avanzada que nos permite trabajar de manera precisa y exhaustiva. Somos pioneros en el país en el uso de láser y otras tecnologías médicas”. Tienen además una línea de cosmética, Lemel Cosmeceuticals, creada, como explica la especialista, “para una trasformación de las condiciones biológicas de la piel”. El equipo de profesionales está compuesto por médicos dermatólogos y especialistas en medicina estética, terapeutas y cosmiatras. “El enfoque sobre nuestros pacientes es integral: miramos el cuerpo como un todo, sin escindir cuerpo de rostro, así como también las dimensiones emocionales y el estilo de vida. Somos firmes en el criterio estético y en la preservación del equilibrio delicado del rasgo que hace única a cada persona”. n

“LA intervención ESTETICA SOBRE EL cuerpo DEBE ESTAR siempre ORIENTADA A PRESERVAR Y mejorar,, PERO NO mejorar A transformar”.

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SKIN MALISM MA LISM

La irrupción de la pandemia no solo generó una diferencia en la forma de relacionarnos con el entorno, sino también en muchos hábitos cotidianos como el cuidado de la piel. rutina es simple. Además, cuando se usan muchos productos, es difícil identificar cuál podría generar efectos contraproducentes”. Otro punto que destaca es que, al usar demasiados productos, muchos no se absorben bien. “Al simplificar los pasos, la piel puede tolerar mejor aquellos que son más fuertes, sin producir irritación”. El menos es más, en términos de skincare, podría beneficiar todo tipo de piel. Limpieza, hidratación y protección solar son suficientes. Lo importante es usar los productos adecuados y aplicarlos en el orden que corresponde. “La piel es un reflejo de la persona. Todo lo que produce estrés, físico o emocional, repercute en la piel, generando incluso enfermedades dermatológicas como vitíligo, psoriasis, rosácea o la caída del pelo, por ejemplo”, señala la profesional. Además, es clave llevar una vida saludable y mantener una buena alimentación. “El consumo de la cantidad adecuada de proteínas y vitaminas se refleja en una piel mucho más fuerte y luminosa, retrasando los efectos del envejecimiento”. Señala también que es importante disminuir la cantidad de azúcar que se consume: “Los procesos de glicación, que pueden acelerar el envejecimiento de la piel, se producen cuando las moléculas del azúcar se introducen en las células de la piel, provocando una muerte prematura”. Por otra parte, el ejercicio ayuda a oxigenar e hidratar la piel, haciéndola más firme y luminosa. Desde hace décadas vivimos en un planeta en el que gran parte de las personas tienen una verdadera adicción a las co-

Foto: Pavel Danilyuk.

La reflexión generalizada por efecto de la pandemia ha abarcado todos los ámbitos de la vida; las prioridades han cambiado. Nos hemos visto forzados a desligarnos de cosas o experiencias. En muchos y muchas ha surgido un efecto de desdén hacia lo que antes se consideraba indispensable y hoy puede entenderse como “necesidades creadas”, que de esencial tenían poco. Obviamente, no es algo que se haya activado en todo el mundo, pero sí es una reacción identificable en una buena parte de la población. El minimalismo o simplificación se ha instalado (o ha avanzado) en el día a día de muchos. Hoy, menos es más. ¿Por qué? Los especialistas hacen hincapié en que la pandemia ha puesto en juego nuestra capacidad de disfrutar el tiempo que tenemos, más que la necesidad de más cosas. Muchas personas cambiaron sus hábitos, ajustando rutinas tan comunes y pequeñas respecto de lo que estamos viviendo, como la del cuidado diario de la piel. A pesar de que podría verse como una novedad, hay culturas en las que esa visión es ya una tradición, por ejemplo, la escandinava. El scandi skincare puede considerarse lo opuesto a la popular rutina coreana y su fenómeno global de diez pasos. El llamado skinmalism es una invitación a volver a lo simple. ¿Y cuáles son los beneficios concretos y perceptibles de simplificar la rutina del cuidado de la piel? La dermatóloga chilena Francisca Daza (@franciscadazadermatologia), señala: “Es más probable que una persona sea constante con un tratamiento si la

Por ROSARIO GREZ 152

“ES MAS probable QUE LA persona SIGA UN tratamiento SI LA RUTINA ES SIMPLE”.

sas. Parecería que somos más felices si poseemos objetos y productos a los que se les atribuye el valor de felicidad. Y eso también se aplica de manera especialmente poderosa al rubro de la belleza y cuidado de la piel, algo que filosofías como el skinmalism rechazan y que está logrando cada vez más adeptos con sus rutinas de cuidado simples y alejadas de las promesas de un marketing muchas veces vacío e incluso incorrecto. Johanna Gillbro es una científica sueca que desde la adolescencia se sumergió en los libros para entender la piel a partir del vitíligo que la afectaba. Hoy es una respetada profesional especializada en este ámbito Investigando de manera detallada cómo

la simpleza en los tratamientos y rutinas puede ser un aporte a la salud de la piel, se ha transformado en la autora más citada de la última década en The International Journal of Cosmetic Science. Su libro La Biblia escandinava del skincare: guía para entender definitivamente tu piel detalla la rutina y la manera en que su minimalismo brinda beneficios únicos. El texto es también una invitación, entre otras cosas, a no relacionar eficacia con precio y a entender que el exceso es solo redundancia; un llamado a descubrir el valor –biológico y emocional– de lo simple. Hoy más que nunca, dedicarse unos minutos diarios para el autocuidado, tiene un sentido que va más allá del eventual efecto estético. n 153

En la inmensidad del norte de Chile se emplaza Wara, un refugio acogedor y sofisticado que dialoga en igual medida con el lujo, la geografía y la cultura prehispánica. Todo bajo uno de los cielos más claros del mundo. Por VALENTINA ESPINOZA

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Hacer de las cosas simples un lujo. Esa es la filosofía detrás de Wara, un hotel boutique emplazado en Copiapó, en pleno Desierto de Atacama, pero en un territorio mucho menos explorado que el tradicional San Pedro. Aquí se mantiene casi intacta la sensación de estar visitando un paisaje único en el mundo, con el mar de dunas más grandes de Chile alrededor y, sobre la cabeza, cielos que permiten avistamientos astrológicos como si se tratara de efectos especiales. Esa magia fue la que hace más de 35 años conquistó a Susana Aránguiz, quien en 2014 decidió materializar su propia visión de vida construyendo Wara. Como si la escenografía cinematográfica dada por la naturaleza no fuera suficiente, este lugar se inauguró recibiendo al equipo completo de la filmación de Los 33 (Patricia Riggen), película basada en la historia real de los mineros chilenos atrapados en la mina San José. Actores como Juliette Binoche, Antonio Banderas, Gabriel Byrne, James Brolin y Rodrigo Santoro fueron los primeros en disfrutar de sus instalaciones. Todos prometieron volver. Wara significa luz de estrella en quechua, y de ahí que este hotel fuera diseñado para no emitir contaminación lumínica luego del atardecer para que sus huéspedes puedan apreciar en total magnitud los cielos estrellados. No por nada en 2019 fue reconocido como el “Mejor lugar de relajación de América” por los premios Boutique Hotel Awards, iniciativa promovida desde el Reino Unido para destacar la excelencia en alojamientos de este tipo. La pandemia de por medio puso un stop a la actividad hotelera habitual del norte del país –y por cierto del mundo–, por eso ahora se preparan para volver a recibir a visitantes que busquen una experiencia de viaje única, o lo suficientemente aislada para sentir la tranquilidad y el silencio del entorno.

EL VALOR DE LO ANCESTRAL

Cuando en 1984 Susana Aránguiz se mudó al norte de Chile como una forma de escapar de la rutina y de “salirse del sistema”, como ella misma explica, nunca pensó que habría un antes y un después en su vida. Viajó desde Santiago –donde estudiaba construcción civil y paisajismo– a Totoral, un poblado de la Región de Atacama, esperanzada de poder darle en el desierto un significado mayor a su propia existencia. Hasta ahí llegó aperada de materiales para construir su propia casa y aprender a vivir de un modo más simple. Pronto comenzó a impartir talleres de artesanía en totora a las mujeres de la zona, junto con sistemas de autosuficiencia alimenticia y energética. También se empapó de la cultura ancestral de la región y se propuso rescatar la antigua tradición de la quincha (construcción indígena de ramas y barro), técnica que hoy emplea en habitaciones y áreas comunes de su premiado hotel cinco estrellas con techos armados a partir de 155

REINTERPRETANDO EL LUJO

Así como transmitir la idea de que Atacama es una alternativa mucho más prístina para adentrarse en el desierto, el gran desafío de Susana Aránguiz y el equipo de Wara es poner en valor la región y sus localidades aledañas. Por eso asegura que parte de la experiencia que ofrecen es promover y aprovechar al máximo la zona, siempre a través de actividades que combinen aventura con las comodidades de un hotel de sus características. “Queremos cocinar en el exterior, observar las estrellas alrededor de una fogata y ofrecer experiencias como una cena íntima 156

en la mitad de las dunas, siempre bien atendidos y con buena gastronomía”, aseguran. Según la creadora del proyecto, la simpleza de estas cosas es lo que hace que, luego de una estadía, cada persona regrese a su casa feliz y con una mirada diferente sobre la vida. “En esos momentos uno se cuestiona, piensa mucho y eso se convierte en algo especial para no olvidar”, recalca. El hotel cuenta con siete habitaciones –más bien villas– de entre 50 y 90 metros cuadrados separadas entre sí, con terraza y jardín propio, para ofrecer máxima privacidad. En cuanto a la gastronomía, hacia la costa de la Región de Atacama abundan los peces de roca y mariscos como ostiones, pulpos o locos. En Wara esos productos del mar se combinan con guarniciones típicas del norte de Chile, como la quínoa, o con las verduras y hortalizas de su propia huerta orgánica. También se abastecen de proveedores locales con el fin de fomentar la economía circular, siempre fiel a la visión sustentable de Susana. El clima de Copiapó es uno de los mejores de Chile, con el sol prácticamente asegurado durante todo el año. Por lo mismo, la vida en Wara se desarrolla no solo dentro de sus instalaciones, sino también en sus alrededores. Bajo esa premisa nace la extensión Wara Nómade, un glamping a 45 minutos de distancia que se mimetiza con el paisaje y ofrece todas las comodidades del hotel junto con la experiencia de acampar frente al mar aun estando en el desierto. Una combinación absoluta de vida silvestre con el nuevo lujo; ese que se mide por los momentos que destinamos a conectarnos con lo verdaderamente esencial y a disfrutar de todo lo que suceda en el entretanto. n

totoras, algo que se ha convertido en su sello. “Me vine por una búsqueda del sentido de la vida, con ganas de aportar un grano de arena a personas que vivían aisladas y con pocos recursos”, cuenta, pero en el camino fue descubriendo una forma de darle a la región una forma de desarrollo que no conocía. Entre los años 1800 y 1900, Copiapó fue famosa en el exterior por su riqueza mineral debido al descubrimiento de los yacimientos de plata. Toda esa historia está impregnada en la arquitectura y decoración de Wara. Así es como conviven lám paras de lágrimas de este material con muros de barro y textiles repletos de color tejidos por mujeres colla de la región. Al sur de Chile llegaron los mapuches desde la Patagonia argentina; en el norte sucedió lo mismo con este pueblo indígena, que trajo desde el noroeste de ese país una rica artesanía textil que Susana se ha encargado de destacar en cada rincón del hotel. “Me interesan estas culturas y la riqueza de su trabajo y forma de vida”, explica.

“AQUI SE MANTIENE CASI intacta LA SENSACION DE ESTAR VISITANDO UN PAISAJE único EN EL MUNDO, CON EL MAR DE dunas MAS GRANDE DE CHILE”.

La vida en

MOVIMIENTO Malla, medias y zapatillas de danza. Labios en rojo, cabellos prolijamente peinados y un ramo de rosas entre las manos. Sobre la mesita, una figura femenina para completar el cuadro. Así se compone la escena que la fotógrafa Gaby Messina imaginó para su modelo Galina. Antes le pidió que se vistiera con las prendas de bailarina que la habían acompañado casi toda su vida. “Parecía una muñeca. Y desafiaba la edad con mucha elegancia”. La imagen pertenece a la serie Grandes Mujeres, en la que Messina trabajó hace algunos años. Durante ese período fue construyendo un mosaico de imágenes de diferentes mujeres de avanzada edad a través de una mirada donde predomina la ternura y cierto grado de complicidad hacia su trayectoria. En ese conjunto de protagonistas conviven las más diversas fisonomías, condiciones sociales, expresiones y actividades. En su despliegue –que conjuga la intimidad del encuentro cara a cara con un montaje escenográfico donde los detalles no son azarosos– Messina es pulcra y meticulosa con el uso de la luz y el color. Tanto la ambientación como la puesta en escena remiten al trabajo de los retratistas de la primera mitad del 158

siglo XX, que destacaban la fisonomía del personaje con la captura de una expresión fugaz, pero a la vez reveladora de su carisma. La fotografía de la bailarina Galina forma, a su vez, parte de Belleza sin edad. Organizada por el sitio amantesdelobueno.com, es la primera muestra online en la que diez fotógrafos argentinos de renombre exhiben una belleza que celebra la longevidad positiva. Angela Copello, Carlos Fadigati, María Fernanda Goñi, Diego Ortiz Mugica, Oscar Pintor, Gabriel Rocca, Alicia Sanguinetti, Julie Weisz y Marcelo Zappoli son los otros artistas que participan en el recorrido visual. Porque es el momento de correr el velo. De mirar atentamente a las personas mayores y entender que en cada arruga o en cada porción de piel hay miles de historias que vale la pena conocer. Ese es el propósito con el que nació la muestra y que, gracias a la labor preexistente o producida especialmente para la ocasión, permitió construir un gran relato fotográfico protagonizado por famosos y desconocidos, que intenta ser un aplauso a los años, a las vidas bien vividas, a la belleza que permanece a través del tiempo. n

Foto: gentileza Gaby Messina.

Una muestra interactiva posa la mirada en la belleza de las personas mayores mayores.. Relatos fotográficos que hacen visible lo que parece invisible.

“EN CADA arruga O EN CADA porción DE PIEL HAY MILES DE historias QUE VALE LA PENA CONOCER”.

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La joyería convierte la moda en la forma más pura de escultura. En otros tiempos, oro refinado y gemas, tenían la función de simbolizar estatus. Pero a lo largo del siglo XX, las alhajas fueron cobrando un nuevo sentido de la mano de los diseñadores de Tiffany & Co. como Elsa Peretti y Aldo Cipullo, que en 1969 crearon para Cartier el icónico brazalete love. En la era de Instagram, la joyería ha evolucionado más allá del lujo. Realizada alguna vez en materiales preciosos, hoy es cada vez más en un complemento accesible que brinda un sello personal. En 2021, es juguetona y bromista, evoca el boom de la bijouterie de los 60. Bella Hadid mueve las manos y repiquetean los anillos de resina de La Manso; Dua Lipa y Harry Stiles lucen collares de cuentas pony de Eliou y Balenciaga. Es un indicador de tribus y subculturas de estilo.

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Las editoriales de joyería son la experiencia artística de L’OFFICIEL llevada a sus límites. Los bocetos de detalladas ilustraciones de broches de diamantes de S. Chompre de los años 30 y las nítidas fotografías de Pottier de los 50 se recortaban y formaban collages en las páginas. En los 70 Guégan experimentó con el retratismo: glamorosas modelos con drapeados de parures y collares entrelazados en el cabello sostenían aros entre los dientes. Estas imágenes lúdicas se perpetúan en L’OFFICIEL con Barbies envueltas en perlas o lujosas cadenas que brotan de una copa de champán. En L’OFFICIEL, la joyería reina como la más pura expresión del arte. —Piper McDonald & Tori Nergaard

Traducción: Silvia Villegas.

Las joyas se llevan la mirada, se roban el protagonismo y crean el look

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