Por Marcelo Setton y José Heinz
Por Leo Vaca y Fernando García
TEAM EDITORIAL GLOBAL
COMITE EDITORIAL
Giampietro Baudo Caroline Grosso Jennifer Eymère
DIRECTOR DE CASTING Jennifer Eymère
CASTING,PRODUCTION Y BOOKING
Joshua Glasgow
EQUIPO GRAFICO
Giulia Gilebbi - Art direction
EQUIPO DE MANAGING EDITORIAL
Laure Ambroise, Sabrina Abbas Sara Ali, Jeanne Propeck
CONTENIDO EDITORIAL Y ARCHIVOS Giulia Bettinelli
INTERNATIONAL y MARKETING
DIRECTORA INTERNACIONAL DE LICENCIAS, DESARROLLO DE NEGOCIOS Y BRAND MARKETING
Flavia Benda
JEFE DE PRODUCTOS DIGITALES Giuseppe de Martino Norante
MANAGER DE PRODUCTOS DIGITALES Babila Cremascoli
VENTAS GLOBALES
DIRECTOR DE INGRESOS FRANCIA Robert D. Eisenhart III
DIRECTOR DE INGRESOS ITALIA Carlotta Tomasoni
FINANZAS Y ADMINISTRACION
GERENTA DE FINANZAS Y CONTROL Inez Lee
DIRECTOR DE FINANZAS FRANCIA Thierry Leroy
ASISTENTE EJECUTIVA
Giulia Bettinelli
HR MANAGER Émilia Étienne MANAGER DE CONTABILIDAD Éric Bessenian
DIRECTORA EDITORIAL Ana Torrejón
con chaqueta,
Top y calza, LACOSTE
En una mesa de café, lugar en el que el mundo se detiene y pasan grandes cosas, dijo que no hacía falta tener razón. Confieso que atrapé la frase en el aire, la hice girar entre los pocillos vacíos y casi salgo corriendo a que alguien me la tatúe en un brazo. Hablar con otra persona está muy lejos de ser un ping pong dogmático. En todo caso se comparte, escucha, coincide, disiente y agradecemos si algo quedó picando y nos obliga a revisar puntos de vista. No hay que levantar la voz ni golpear con el puño. Nadie espera el dedo señalando la falta. Uno de los significados de conversar en el Diccionario de la Lengua Española es: vivir, habitar en compañía de otros. Un arte de compartir experiencias a partir de cruces para ampliar los consensos. L’Officiel aspira a abrir el juego y a ser canal para que las voces se crucen y se amplifiquen. Salimos de la coyuntura para bordear los cambios culturales, las hibridaciones, el análisis sobre los roles adquiridos. Preguntamos porque de eso se trata el oficio. El compendio construido con textos e imágenes es la bitácora que vamos armando con un andamiaje indispensable y es el que proporcionan ustedes leyendo y opinando. Hace falta flirtear con el pensamiento y alimentar con estudio las ideas. Tenemos la increíble oportunidad de no cerrarnos en lo aprendido y de darnos el beneficio de la duda. Gustos y disgustos nos pertenecen. Los compartimos confiando en el sublime ejercicio de la conversación. Tener razón es lo de menos.
Izia La Nuit es la versión nocturna del clásico de Sisley. Una fragancia intensamente floral, con notas amaderadas, de cuero y un toque de vainilla.
Isabelle d´Ornano es la cofundadora jun to con su marido, Hubert d´Ornano, de Sisley, la marca cosmética basada en las propiedades de las plantas, que cuenta con varias fragancias de culto. En 2017 quiso rendir homenaje a una rosa de su jardín que florece una vez al año. Así nació el perfume Izia. Su versión noctura, Izia la Nuit, está plena de sensualidad.
Obra de la perfumista Amandine Clerc-Marie, las primeras notas de salida son frescas y vibrantes: la bergamota se mezcla con la mandarina y la grosella negra. La singularidad del cardamomo añade una faceta especiada y amaderada. En profundi dad, la rosa de Izia parece más radiante gra cias a la fresia y la magnolia. En el desenlace, el dúo de ládano y pachulí aporta un efecto de cuero. Por último, un toque de vainilla aumenta la persistencia e intensifica la estela.
Sisley reinterpreta el frasco creado para Izia en 2017 por el escultor polaco Bronis law Krzysztof. El cristal lleva un lacado negro brillante que contrasta con el velo dorado en que se refleja el jugo. El nombre de la fragancia trazado a mano por Isa belle retoma la palabra Izia, diminutivo de su nombre en polaco. El interior del envase revela los collages surrealistas de la artista inglesa Quentin Jones.
Treinta y cinco años después de su creación, vuelve Première de Chanel en su versión original.
En 1987, el reloj Première sorprendió al mundo relojero go bernado hasta entonces por códigos masculinos. No se trataba de una versión reducida de un modelo para hombres sino de un diseño audaz para las muñecas de las mujeres. Su creador, Jacques Helleu decía: “Luché para hacer un reloj fuerte, único, que lograra convertirse en una referencia eterna”.
De geometría negra y dorada, el Première lleva dos agujas recortadas y acabadas en oro bajo un cristal biselado y una co rona engastada con un cabujón de ónix. Es un ícono entre íco nos. El estuche octogonal está inspirado en el tapón del frasco del N°5 de Chanel y la pulsera recrea la correa con cadena en trelazada del famoso bolso acolchado de la maison.
Para Arnaud Chastaingt, director del Watchmaking Crea
tion Studio, encarna el espíritu de la relojería Chanel. “Fue la primera página de nuestra historia relojera. Quería que este diseño volviera a encontrar su lugar en 2022. Esta creación es nuestro ADN y un código Chanel de principio al fin. Mucho más que un reloj, es una lección de estilo”.
En 1987, para el lanzamiento de Première, Chanel abrió dos boutiques exclusivas: en París, en 40 Avenue Montaigne y en Ginebra, en 43 Rue du Rhône –seguida en 1990 por Place Vendôme–. En 2022, cuando la relojería y joyería fina encuen tra su nuevo hogar en la maison completamente rediseñada de 18 Place Vendôme, este reloj pionero vuelve a ser el centro de atención, en una versión sutilmente aerodinámica y, siempre tan fiel a sí misma. Un diseño eternamente joven. n
Dos veces al año, en un calculado engranaje, la industria de la moda nos convoca a Nueva York, Londres, Milán y París. Las semanas se suceden, generando un punto de inicio para las nuevas colecciones. Desde diferentes perspectivas comienzan a proyectarse las novedades. De todos modos, la conversación no solo posee un carácter comercial e inmediato. En paralelo se dan algunos diá logos sensibles y creativos sobre el hacer y el vestir, la identidad y las formas de expresión.
El museo Carnavalet, dedicado a la historia de París, presenta Parisinas, la lucha por la emancipación. Pinturas, esculturas, fotografías, películas, archivos, objetos, car telería y manuscritos conforman un recorrido que va des de los reclamos por los derechos de las mujeres al calor de la Revolución hasta la ley de paridad en el 2000. La ex hibición rinde homenaje a las ciudadanas revolucionarias de 1789, 1830 y 1848, comuneras, sufragistas, pacifistas, combatientes de la resistencia, sindicalistas, activistas feministas, artistas, intelectuales, trabajadoras en huelga y colectivos de mujeres inmigrantes.
El diseño y el vestir. Muestras en dos capitales de la moda.
En París, el Palais Galliera celebra a la artis ta mexicana Frida Kahlo y establece líneas de continuidad entre la política, el género, el arte y las maneras a través del artificio personal. Por primera vez en Francia, y en estrecha colabo ración con el Museo Frida Kahlo en Ciudad de México, la exposición presenta más de 200 objetos de Casa Azul, incluyendo vestidos tra dicionales de Tehuana, collares precolombinos, corsés pintados a mano, prótesis, medicamen tos y correspondencia. Una cadencia propia de su cotidianidad cargada de la fuerza con que se expresó, proyectó su imagen y su obra invalo rable. Además, en Frida Kahlo, más allá de las apariencias pueden verse fotos de la visita de la artista a París, su vínculo con los surrealistas y se genera una perspectiva en relación con la in dumentaria. Vuelve sobre su influencia en una moda de carácter más reciente con Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier, Karl Lagerfeld para Chanel, Riccardo Tisci para Givenchy, Maria Grazia Chiuri para Dior o Rei Kawaku bo para Comme des Garçons. Hasta el 31/12.
Si nos trasladamos a Nueva York podemos visitar los más de trescientos pares que componen Zapatos: anatomía, identidad, magia , en el Museo del Fashion Institute of Technology. Una exhibición a cargo de Valerie Steele (directora y curadora de la institución) y Colleen Hill, curadora especializada. La colección permanente del museo está compuesta por más de cinco mil pares de zapatos, botas, sandalias y zapatillas, un área que es conocida internamente como “el armario”. En esta ocasión, la selección estuvo pensada alrededor de los nuevos estudios de moda, las más recientes maneras de reflexionar sobre la identidad y la relación cuerpo-objeto. En paralelo, la editorial Taschen presenta un libro con espléndidas ilustraciones de esta muestra, editado por Steele y Hill. Una destacada edición que permitirá la difusión de ese patrimonio. Hasta 31/12.
Estilo Kimono: La colección John C. Weber en el MET también establece diálogos entre referencias históricas y nuestros modos contemporáneos del vestir. Busca exponer la transformación del kimo no desde finales del siglo XVIII hasta principios del siglo XX y su adaptación a la vida moderna. Más de sesenta piezas componen la muestra y en tran en relación con grabados, pinturas, objetos propios de las artes decorativas y ejemplares de alta costura occidental. Hasta mediados de febrero.
En un guiño prácticamente actual, el Brooklyn Museum pre senta Figuras retóricas, muestra dedicada a la labor del diseñador y productor Virgil Abloh. La exhibición recorre dos décadas de trabajo tanto para su marca Off-White como para Louis Vuit ton, dónde se desempeñó como director creativo de la línea mas culina hasta su deceso en noviembre del 2021. Objetos diversos dan cuenta de las formas de Abloh, sus claves para transformar códigos urbanos en nuevas directrices del mercado del lujo, así como múltiples colaboraciones con reconocidos artistas. Una forma de diseñar absolutamente vigente: hay propuestas que siguen en circulación, al mismo tiempo que ya son referenciadas en un espacio museístico. Hasta el 29/01/2023
“Casi toda interacción con el entorno está mediada en mayor o menor medida por el diseño. Por eso es importante proteger y poner en valor el patrimonio cultural y una herencia material e inmaterial desde un rol activo impulsando instancias de investigación, aprendizaje y difusión. Analizar los factores que interpelan al diseño en cada momento, las búsquedas estéticas, innovaciones productivas, manifestaciones culturales, los cambios sociales o los contextos políticos y económicos nos permite repensar el relato histórico fuera de los casos tradicionalmente revisados; un modo estratégico de ampliar la narrativa desde otros enfoques emergentes”, afirma Sebastián Rodríguez, coordinador del área de indumentaria de la Fundación IDA (Investigación en Diseño Argentino), sobre la relevancia de preservar los archivos de indumentaria y textil. Narrativas del ayer, del hoy y del mañana. La moda como expresión cultural.
Magdalena Sánchez de Bustamante nació en Jujuy. De niña se la pasaba en las plantaciones de tabaco de su padre colaborando en la cosecha. Ya de adolescente acompañaba a su madre en el trabajo que hacía para una ONG destinado a recuperar y mejorar los tejidos de la Puna. Luego de estudiar antropología, se sumó a la misma organización y viajó a Suiza a realizar una maestría en Desarrollo y Cooperación Internacional. A su regreso, en 2005, se dio cuenta de que quería hacer un proyecto propio. “No que ría seguir el camino de las ONG ni tampoco la vida empresarial: buscaba un híbrido, lo mejor de ambas variantes”. Creó Illari Puna, una firma de textiles realizados a mano por comunidades indígenas campesinas, en su mayor parte andinas. “Cada uno de nuestros productos tiene una historia, un nombre”.
Trabaja con productores, artesanos y artesanas de Jujuy, Salta, Catamarca y Santiago del Estero. “Nos interesa que las mujeres y los hombres reciban un ingreso digno para que no migren de sus hogares. Nos esmeramos para que nuestras artesanías ten gan calidad para poderlas ofrecer en el mercado internacional, al precio que realmente valen”. Estar en contacto con las comuni
dades es uno de los pilares de su emprendimiento. “Todo me lo dio mi experiencia como antropóloga. Si tengo que ir a trabajar a una región, primero estudio el lugar y me voy acercando a su gente para que vayan conociendo el proyecto y puedan confiar en él. Vamos de a poquito creando una relación”.
La propuesta cuenta con una línea de productos para el ho gar compuesta por alfombras, almohadones y mantas. También con una de indumentaria unisex que incluye chaquetas, tapados, chales, ruanas, ponchos y bufandones. “En el equipo hay una di señadora con la que vemos la moldería”. Utilizan fibra de llama y oveja y no usan ningún tipo de químico en el proceso. La paleta se define mayormente por el tono natural de las materias primas. Tienen una tienda física en San Salvador de Jujuy, un canal de venta online y redes sociales. Venden en Argentina y su objetivo es abrirse al resto del mundo. Por eso participaron durante sep tiembre en la feria Maison & Objet, que se realizó en París, y en el London Design Festival, en la capital inglesa. “Queremos crecer y que entren más artesanos y artesanas; lograr fondos para que el proyecto sea sostenible en el tiempo”. n @illaripuna
Tejidos con fibras naturales, hechos por artesanos de la cultura andina para el mercado de alta gama. Illari Puna, un emprendimiento que logró lo que se propuso.
A lo largo de varios capítulos que abor dan temas como el parto respetado, la lactancia o la pérdida gestacional, Violeta Gorodischer va exponiendo las contradicciones de la maternidad como concepto “minimizado y santi ficado” por gran parte de la sociedad. Abarcativo y polifónico, Desmadres. De la experiencia personal a la aventura colectiva: la decisión de maternar hoy se nutre de testimonios muy diversos (de madres, por supuesto, pero también de obstetras, antropólogas, doulas, do nantes de óvulos y otros). La propia voz de la autora cobra lirismo cuando narra experiencias personales. Desmadres es una experiencia intensamente emocio nal y destructiva en el mejor sentido de la palabra: hace falta derribar una torre de preceptos para llegar a las pepitas de verdad que rescata Gorodischer.
“Regreso con una mezcla de ternura y enojo a esa idea del intercambio sim bólico que guiaba mi pensamiento, ahí donde un libro venía a ocupar el lugar de un hijo. Es decir, otro tipo de ofren da para una sociedad hambrienta que nunca deja de exigirles a las mujeres: cultura o ciudadanos, algo hay que dar a cambio de que a una la dejen en paz con sus decisiones”.
Violeta Gorodischer nació en Buenos Aires en 1981. Es Licenciada en Le tras (UBA) y trabaja como periodista desde 2008. Publicó Los años que vive un gato (Tamarisco, 2011), Buscadores de fe (Emecé, 2012) y Sueños a noventa centavos (Seix Barral, 2015), ganador del segundo premio del Fondo Nacio nal de las Artes en 2014. Colaboró en diversos medios (Pági na/12, Rolling Stone, Crisis), fue coe ditora del sello Tamarisco, editó la revista OHLALÁ! y actualmente es editora del suplemento Sábado del dia rio La Nación
Novelas, poemarios, crónicas y memo rias sobre la maternidad abundan en la mesa de novedades. No es casual: como tantas otras experiencias de gé nero silenciadas por siglos, el tema está encontrando su lugar en la letra impre sa. Violeta Gorodischer explora en su libro la dificultad de ponerle nombre a ciertas zonas invisibilizadas, como la ausencia de un término en español para designar a los fetos nacidos sin vida (en inglés stillborn). O la inco modidad que generan las mujeres que no desean tener hijos, para las cuales tampoco existe un término: “Nulípa ras, dicen los médicos, pero, para ser honesta, a veces creo que solo ellos las nombran así”, escribe. Al señalar estas ausencias, Desmadres genera un espa cio discursivo para estas realidades.
Violeta Gorodischer escribe sobre la experiencia de maternar en la Argentina.
investigación periodística y crónica íntima.
Nuevo ensayo de la psicoanalista Alexandra Kohan dispara la conversación. Hablamos de su libro, pero también de los feminismos, las amigas, la belleza.
Por MARIA MANSILLA Fotos ALEJANDRA LOPEZNuestro país tiene, entre muchas otras marcas, dos que son distintivas: la tradición de los talleres literarios y el apego al diván. Alexandra Kohan condensa esos dos mundos. Es psi coanalista, magister en Estudios Literarios, docente y autora. Como escritora tiene distintos canales de comunicación: el aula, un newsletter, sus libros, una columna semanal en un diario, el consultorio. Con más o menos jerga, acompaña a entender y a surfear la vida con marco teórico y poniendo en tensión las palabras, las subjetividades, las emociones.
Este mes presenta Un cuerpo al fin (Paidós). El libro, en mi experiencia, tiene una primera parte: los capítulos iniciales, en los que Kohan discurre sobre lo real con ese tono complejo y casi pedagógico con el que nos habla desde sus columnas, formadoras de lectores. Recorrerlos es como escuchar a través del ojo de la cerradura una conversación entre expertos y sentir que enten demos (y queremos más). Fin de la ponencia. Después viene la segunda parte, la que se parece a una juntada, a una sobremesa, en la que Alexandra, la chica de Mar del Plata, piensa en voz alta y da herramientas para comprender nuestras formas de habitar, vivir, padecer y disfrutar la época, de darle contenido al cuerpo social. Recorre, por ejemplo, qué decimos cuando callamos, la vigilancia y el control, el sexo y el amor, los duelos, los hijos, las madres, la pandemia, los deseos, los desvíos.
L’OFFICIEL: En tus textos conviven citas de Freud y Lacan, por supuesto, pero también Foucault, Regina Spektor, Lucio V. Mansilla, Agusti na Larrea, Spinetta. ¿Cómo hacés para registrar tantas referencias?
ALEXANDRA KOHAN: No es información lo que tengo sino lecturas. Una lectura me lleva a otra, se van produciendo pequeñas ocu rrencias. Concibo la escritura de manera coral, no son citas de
autoridad, escribo con esas voces. Siento lazos afectivos con las personas que cito, lo sepan ellas o no, sean parte de mi vida coti diana o no. Hay mucha gente a la que no conozco y sin embargo tengo un lazo afectivo de transferencia con sus textos. Cuando escribo siento una dispersión que me permite dejarme afectar por distintas cosas. No ficho los libros, los tengo subrayados, anotados. Aplico algo que se espera de un analista, la atención flotante. No es estrictamente concentración o memoria. No recuerdo qué libro leí ayer pero sí qué soñó un paciente hace diez años. Escribo con lo que Florencia Angilletta llama “los perfumes” que te llegan de otras conversaciones.
L’O: En una entrevista contaste que cada año preparás las clases como si fuera la primera vez. Pensaba en Vivian Gornick: en una de sus últimas obras repasa los libros que la marcaron, que reseñó, y se vuelve a desnudar ante ellos. ¿Para qué sirven las relecturas? ¿Cuánto de flexibilidad y sorpresa habilitan?
AK: ¡Tengo ese libro! Lo que pasa es que uno no está siempre igual ni subraya lo mismo de un tema. Me pasa con los textos de psi coanálisis: vuelvo a leer, señalo cosas nuevas y encuentro marcas de las que no entiendo el porqué. Con la literatura, igual. En El libro de Tamar, Tamara Kamenszain también habla de esto: de un poema que una vez le pasó por abajo de la puerta Héctor Libertella. Ella lo leyó años después como por primera vez, pero de otra manera. Uno no está siempre con la misma disposición a ser afectado por un texto. Lo mismo pasa con situaciones de la vida: leer de otra manera alivia, intentar lecturas no esperables, o bien del mismo hecho que producen otra cosa. “Nada cambia tanto como el pasado”, dice también Flor Angilletta.
L’O: En tu nuevo libro decís que el psicoanálisis tiene un saber que no es acumulable. ¿Qué pasa hoy con la conversación entre nuestros cuerpos y la pospandemia, y en medio de una crisis climática que nos dice que lo natural deja de ser un refugio?
AK: La pandemia está ocurriendo, no hay tal pos, los efectos están apareciendo ahora. El virus no terminó. Nosotras estamos acá conversando, nos dimos un beso; ayer por primera vez salí sin barbijo, me lo olvidé. No se puede decir mucho sobre eso, hay que bancar y ver, alojar esos efectos sin volverlos un estereotipo, sin aplanarlos. Creo que se está patologizando mucho la pos pandemia y hay que esperar a ver qué nos pasa.
L’O: ¿Qué nos aportan los feminismos para releer la maternidad?
AK: Me parece que nos esforzamos en visibilizar que no es color de rosa y nos fuimos para el estereotipo contrario, hacia la madre que no aguanta a los hijos, que se queja en las redes y hace de la maternidad una épica. Me molesta en general la épica porque tiende a producir el mismo efecto que producía eso que queríamos visibilizar. Si hay algo que no sabemos es qué es la maternidad. Me acuerdo de varias preguntas que me hacía mi hijo; cuando son chiquitos hacen muchas preguntas tremendas mientras las madres estamos distraídas o un poco en otra. Recuerdo una vez, yo iba manejando, lo miraba por el espejo retrovisor y pensé: si lo sigo mirando voy a chocar. La maternidad es un auto siempre a punto de chocar, siempre estás a punto de derrapar, y derrapás. Hay que hacer caer el ideal de madre, de padre, de todo. Si no, siempre estamos en déficit. Bienvenidas las lecturas del estereotipo pero no coagulemos
otros. La palabra épica es clave. Sacrificio es otra cosa. La ma ternidad es una entrega, un compromiso, una elección. Incluso cuando hay una elección, un hijo produce la desorganización narcisista total, uno se cae a pedazos en todo sentido.
L’O: Se dice “en toda amistad hay una madre”. ¿Romantizamos ese vínculo?
AK: También hay una épica de la amistad. “Tengan amigas” es el nuevo imperativo, como si no fuera un vínculo con poder. Las redes sociales dan la sensación de que esos discursos están por todos lados. Creo que últimamente se armó un moralismo, la idea de que hay que tener amigas y que las amigas tienen que estar por encima de todo. Hay un empaste. Hay que parar y pensar un poco. Me gusta una frase de Barthes: “Si pudiera crear un dios, lo dotaría de una comprensión lenta”. Si no, ¿a las personas a las que no les gusta tanto estar con amigas, las etiquetamos de raras?
L’O: Como toda la comunidad tuitera, elogiaste Better Call Saul ¿Qué fue lo que más te atrapó de la serie?
AK: No miro series habitualmente. Antes miré Breaking Bad y 24. Pero un día escuché a mi hijo y a mi hermano hablando y pensé: la voy a ver. Creo que nos gusta porque nos pone en una incomodidad, nos hace identificar con cosas que moralmente no están muy bien. Abre una gama de posibilidades que no son sencillas, ni negro ni blanco, ni el bien o el mal. Me gustan los contenidos que le dicen al espectador: ¡ves que no sos tan bue no como te creés! Detesto la división entre el bien y el mal, la literatura de mensaje, de compromiso, de denuncia: me parecen una subestimación del lector, una propuesta tranquilizante que te dice qué tenés que pensar o que ratifica lo que sentís.
L’O: ¿Qué es para vos la belleza, dónde la ves?
AK: Para mí, es la belleza de los textos. Y la belleza de un texto está en la forma, en el lenguaje; no me importa el tema, me importa cómo está escrito. La forma produce un efecto. Por eso la cuido en mi escritura. Ayer estaba leyendo un libro y el narrador decía: soy un lector voraz. Cerré el libro. Me expulsó, me sacó las ganas. Me pareció una adjetivación esperable, y yo de la lectura espero otra cosa. n
“Detrás de cada pieza hay un trabajo muy grande. Son horas de caminar, noches de leer e investigar”, sostiene Aquiles Hernández, creador de Casa Hernández, una tienda especializada en mobilia rio, objetos decorativos y utilitarios del siglo XX. Inició el proyec to cuando vivía en su país, Venezuela, y lo continuó ya instalado en la Argentina. Encuentra la mayoría de los objetos en remates, mercados y tiendas de segunda mano; también compra a particu lares. “No vendo nada roto, modificado, ni repintado. La pátina de los años les da valor. Son piezas antiguas, que tuvieron una vida”.
Aquiles nació en Puerto Ordaz, en una zona del sureste de Venezuela. Cuando tenía 20 años y estudiaba ingeniería civil, viajó a Caracas. “Las obras arquitectónicas y la ambientación de los espacios me volaron la cabeza. Gracias al auge de la industria petrolera entre los años 60 y 70, la capital se fue convirtiendo en una de las ciudades más modernas de América Latina. Además, comencé a estar en contacto a través de Instagram con personas que hacen lo que yo hago ahora, como descubrir esas perlas del siglo pasado, y me despertó curiosidad”.
El siguiente paso fue crear su negocio de compra y venta de muebles usados que bautizó Casa Hernández. “Fue una época en que en mi país había muchas ventas de garaje y estaba en auge el mercado de segunda mano. Compraba en general piezas de los años 50 y 60 a un precio módico y las restauraba. Me iba bastante bien. Sin embargo, la situación económica del país hizo que dejara de funcionar y decidí emigrar”. El primero de enero de 2018 llegó a la Argentina. Mientras trabajaba en distintas tiendas de mobiliario, retomó su proyecto.
Lo primero que adquirió fue un lote de ocho sillas y las res tauró. “Fue un dolor de cabeza. Era muy difícil la logística, no tenía un taller para eso”. En ese tiempo, caminando por Buenos Aires encontró una vajilla finlandesa que lo impactó y decidió
Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ
comprarla para uso personal. “Una chica vino a mi casa por las sillas y cuando vio la vajilla me dijo ´te la compro´. Yo no estaba al tanto de su valor, pero ella sí porque se dedicaba al arte. Ahí fue cuando tuve la idea de empezar a investigar y aprender para trabajar con objetos más fáciles de mover”.
Aunque no dejó de lado los muebles, su propuesta se centra en lámparas, vidrios, candelabros, vajilla y cristalería que datan espe cialmente de los años 50 a 80. “Mucho de lo que ofrezco ya no se fabrica más. Todo parece nuevo porque fue hecho con estándares de calidad muy elevados. Y trato de que sea original, que tenga nombre y apellido para que la gente sepa qué se está llevando”.
Reconoce que le cuesta desprenderse de sus piezas. “Todo lo entrego en una caja negra perfumada con papel de seda blanco. Trato de que sea una experiencia, que cuando la gente la reciba sienta que está comprando algo que tiene mucho amor”, dice Aquiles que ya se imagina haciendo sus propios diseños. n @casahernandez
“MUCHO DE LO QUE OFREZCO YA NO SE FABRICA más. TODO PARECE nuevo PORQUE FUE HECHO CON estándares DE CALIDAD MUY ELEVADOS”.
Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ
Natalia Hossni estuvo en contacto con el mundo textil desde muy chica. Vivía en Trelew y su padre tenía una fábrica de hilados. Cuando cumplió los 19 años hizo su primer proyecto de moda: fabricó bikinis que vendía a distintas firmas. A eso le si guió la creación de una etiqueta personal y luego, una empresa de producto terminado. En 2004, con su marido, Luciano Abitboul, fundó Doma. “Arrancó siendo una marca pensada para la expor tación y con un monoproducto: camperas de cue ro”. Vendían en tiendas de Estados Unidos como Bloomingdale´s y Barneys, y llegaron a abrir seis locales en Buenos Aires. En 2014, su pareja deci dió dejar el proyecto para embarcarse en una nueva firma: Ginebra. Natalia se quedó a cargo y planteó la renovación. “Quería una colección que tuviera remeras, vestidos, faldas y pantalones de cuero”.
Hoy la marca cuenta con indumentaria, ac cesorios y calzado. El cuero sigue siendo pro tagonista; viene de España e Italia y también utilizan producción nacional. Hay opciones en textiles como algodón y lino. “Trato de crear prendas que vayan entre sí; que la que compres hoy pueda convivir con una de otra temporada”.
Desarrolla su propia paleta de colores. Los tonos siempre presentes son negro, crudo, dulce de leche y off White, y suma los de moda. “Tomo inspiración del arte, de lo que veo en los museos, mis viajes, la arquitectura; es una mezcla de cosas”. En su pro puesta para esta temporada se destacan los tonos vibrantes como el naranja, el amarillo y los metali zados. Aunque sus clientas tienen predilección por las prendas más entalladas, apuesta por incorporar tipologías más amplias. “Ahora hice un pantalón enorme con la pata superancha”. Además, con un grupo de artesanas de Corrientes, crearon un mo delo de cartera que lleva detalles en cuero trenzado.
Doma tiene un salón exposición en Buenos Aires, un canal de venta online, venta mayorista en distintas provincias y está presente en locales multimarcas de Chile, Uruguay y Brasil. “Nos contactamos con gente de México, Estados Uni dos y España. Conocemos el valor de nuestros diseños y la nobleza de nuestros materiales. Nos sentimos fuertes para expandirnos al mundo”. n
Colores vibrantes, tipologías y presencia global. Doma adopta de la tendencia sus mejores expresiones.
En el Copenhagen Fashion Summit, la cumbre de moda sosteni ble lanzada en 2009 que reúne actores internacionales de marcas y distribuidores, el lujo estuvo en el centro del debate. La pre gunta: “¿Las marcas de alta gama y la sostenibilidad pueden ir de la mano?” fue el disparador del panel convocado por Bartolomeo Rognone, director Ejecutivo de Bottega Veneta, marca que es parte del grupo Kering, así como Gucci, Yves Saint Laurent, Balenciaga y Boucheron, entre otras.
“Priorizamos valor sobre volumen”, decía Rognone sobre su etiqueta, que en los últimos años tuvo un impacto masivo en el mercado del lujo de la mano del diseñador Daniel Lee, cuya mentora en Céline fue Phoebe Philo. “Buscamos diseñar piezas únicas en colecciones esenciales y con materias primas de alta calidad. No seguimos las tendencias. Nos enfocamos en que la creatividad y la innovación sean el alma mater de la marca. Es un principio natural para las nuevas generaciones. Queremos que nuestros productos sean atemporales”. Bajo esa premisa pre sentaron la nueva plataforma Bottega Series en donde los clientes tienen la posibilidad de comprar colecciones pasadas al precio marcado en el momento de su lanzamiento. El inventario ofrece incluso artículos preservados desde 1968.
Del encuentro en el Fashion Summit convocado por Rognone participó Marie Claire Daveu, directora de desarrollo sostenible y asuntos institucionales internacionales de Kering. Con su in corporación en 2012 colocó al grupo de lujo francés como líder de sostenibilidad y ejemplo para sus pares. Daveu hizo hincapié en
la complejidad del cambio. Mencionó a François-Henri Pinault, fundador y director de la compañía, comentando que es una pieza clave del nuevo desafío. “Está convencido de que la sostenibilidad hay que implementarla y aplicarla como parte de la estrategia de liderazgo. En Kering tenemos la visión y hablamos de ética am biental, pero el cambio funcionó porque priorizamos este tópico de igual manera que priorizamos las finanzas”.
Daveu señaló también el rol del consumidor. “Hoy las perso nas tienen un acercamiento colectivo consciente del daño y las consecuencias que causan al ecosistema. Si queremos solucio nar el problema del cambio climático y la biodiversidad, tanto el sector público como el privado deben trabajar en conjunto”. Y aconsejó a las pequeñas empresas que comienzan el camino sostenible conocer en detalle la cadena de suministros. “Deben aplicar la trazabilidad completa de la materia prima que utili zan, no es fácil, pero más difícil es hacer el cambio una vez que la rueda está en movimiento. El diseñador y su equipo tienen que pensar en reciclar y lograr cero residuos e insumos desde la concepción de las prendas. La agilidad es el secreto del éxito”.
En 2021, Kering y Conservation International lanzaron el Fondo Regenerativo para la Naturaleza que apoya proyectos de agricultura e innovación con el fin de impulsar a los productores de algodón, cachemira, lana y cuero en la transición a prácticas regenerativas. Entre los siete seleccionados hay uno argentino. Solidaridad trabaja con pequeños productores de ganado criollos e indígenas en el bioma Gran Chaco para mejorar la gestión sostenible de las tierras de pastoreo y al mismo tiempo restaurar los bosques nativos y la vegetación. El proyecto cubre 120 000 hectáreas de tierra que son el medio de vida de 250 familias de pequeños agricultores. Una vez finalizado este proyecto pilo to, se espera triplicar los ingresos de los productores locales.
El lujo sostenible fue parte de la agenda del Copenhagen Fashion Summit. Experiencias dentro del grupo Kering.
“HAY QUE pensar EN reciclar Y LOGRAR
residuos DESDE
concepción DE LAS PRENDAS.
agilidad ES EL SECRETO DEL éxito”.
El vestido negro es un indispensable para todo fondo de arma rio (y un aliado en la valija) para reconvertir según indique la ocasión. “Son prendas perfectas para un cóctel o celebración con joyas y tacos, pero pueden ir cambiando combinadas con otras piezas y accesorios, incluso con zapatillas y campera de denim” dice Pablo Ramírez. En la fotografía realizada por la dupla Val & Musso en uno de los salones del palacio Duhau, se destacan
los diseños de Ramírez , las joyas de Simonetta Orsini y el en canto propio de llevar un clásico sobre la piel.
De izquierda a derecha: Nicoletta con el modelo Mirna de jersey tramado, línea tubo y escote destacado. Alina con Hanna de crepé, línea evasé, mangas cortas y cuello a la base. Victoria con Martina de jersey tramado, línea tubo, mangas tres cuarto y escote bote. Lola con túnica Helena de crepé con falda lápiz de terciopelo elastizado.
El diseñador Pablo Ramírez presenta cuatro variaciones de un clásico.
Regalo Especial. Esta es la bandolera “Initials Insignia” de cuero verde oliva que recibió la China. Está inspirada en el brazalete del 35 aniversario de House of Herrera , que presenta las iniciales tridimensionales de CH. Se puede llevar cruzada o al hombro.
Invitada por Carolina Herrera, China Suárez estuvo en la Semana de la Moda de Nueva York. En este diario comparte con nosotros sus vivencias y los recorridos por la ciudad.
La fragancia ícono de la marca, Good Girl Eau de Parfum presente en una noche de celebración de Carolina Herrera.
La China compartió una cena exclusiva en Le Dive (Lower East Side de Manhattan) con Wes Gordon –Director Creativo de Carolina Herrera– a la que fueron convocadas solo 34 celebridades de todo el mundo. El postre, con la forma del característico stiletto de “Good Girl”, fue servido por el mismísimo Gordon. Para la ocasión, la China eligió un Carolina Herrera de la línea couture 2020: un diseño amarillo con lunares negros, varias capas de tul y volados en el escote. Lo combinó con un par de zapatos negros de tiras finas y taco aguja, y una minibag al tono. Todo de CH.
Tenía un portón negro cubierto de glicinas, siete hectáreas de árboles centenarios y varias pérgolas revestidas de rosas, ma dreselvas y narcisos. Ese exterior rodeaba la finca donde vivió la escritora inglesa Frances Hodgson Burnett y en el que se inspiró para escribir El jardín secreto (1911). Esa novela fue la preferida de Wes Gordon cuando era niño y punto de partida para ima ginar la colección que presentó en el Hotel Plaza, en la Semana de la Moda de Nueva York. El Director Creativo de Carolina Herrera desde 2018 buscó que los diseños para la Primavera/ Verano 2023 transmitieran el espíritu del libro: belleza, natu raleza y romanticismo. En su recorrido hizo que rosas chinas y peonías de diferentes tamaños dominaran tanto los estampados como las aplicaciones con relieve. La icónica blusa CH, la silueta tubular, el crochet transparente, las flores combinadas con rayas,
los vestidos con metros de tul plisado brillaron en los cuerpos diversos de las modelos. Los colores más destacados fueron ama rillo, rosa, lila, blanco y, como el jardín de Hodgson Burnett era además “secreto”, el diseñador lo materializó con prendas y accesorios negros. “Dan ese marco de misterio y sensualidad”, explicaba. En el desfile en el Hotel Plaza, el mismo donde Ca rolina Herrera había mostrado su primera colección (1984), las modelos desfilaron al ritmo de divertidas canciones de Barbra Streisand. “Empezamos con ‘Don’t Rain on My Parade’, luego pasamos a ‘Guilty’ y terminamos con ‘Hello, Dolly’”, enumeraba Gordon. El espectáculo se cerró con las cinco embajadoras de la fragancia “Good Girl”, encabezadas por la supermodelo Karlie Kloss. Fue una mañana alegre, en la que Carolina Herrera trajo romance e inclusión a las pasarelas de Nueva York.
Como parte de la colección Primavera/Verano 2023, Wes Gordon eligió sombreros amplios y cinturones con grandes hebillas. Los sobres y bolsos de mano traían detalles metálicos. Eran de cuero, con estampado de flores, en el binomio blanco y negro o en colores subidos como amarillo, rosa y lila. En cuanto a la joyería: pendientes largos de piedras preciosas que se movían al paso de las modelos. Además, gemas y broches decoraban los diseños. Los diferentes looks se presentaban con peinados recogidos y raya al medio. El maquillaje: sutil, con ojos delineados y labios rojos.
El evento reunió a unas trescientas personas. Carolina Herrera (con total look azul de camisa de denim con mangas globo y pantalones de seda) y su hija Carolina Adriana, directora creativa de las fragancias de la marca, recibieron a los invitados. La China Suárez (en la foto junto a la modelo e influencer londinense Sarah Lysander) usó un vestido negro de la etiqueta, con picos de tul blanco en la parte de la falda, y espalda descubierta. También estuvieron la actriz Sabrina Carpenter, la cantante Becky G, la editora Anna Wintour y la empresaria Lauren Santo Domingo.
Impacta por su tamaño, su forma, su nombre. Viajó a Bélgica, a Nueva York y ahora está en el microcentro porteño. Para Gabriel Chaile, “Mamá Luchona es la madre de todas mis esculturas”.
Por FERNANDO GARCIA
Las crónicas inmediatas hablarán de Gabriel Chaile (1985) como de un “rockstar”, una categoría de los 70 que hoy es aplicable a casi todo: desde un chef con cuatro estrellas Michelin a una tenista en cumbrada en el ranking WTA. O ahora mismo al artista tucumano residente en Portugal que lleva puesta una combinación de camp era, anteojos de sol redondos y un ramo de flores. La cabeza remata en un jopo afro y arborescente. Pero Chaile no necesita medirse en esa categoría pues su brillo es otro: el de un artista contemporáneo capaz de sacudir todos los parámetros para convertirse en la última gran revelación. A star is born, sí, pero ni con el glamour del cine ni con la arrogancia del rock and roll. Lo que hay detrás de esta consa gración es una historia de trabajo puro y duro y de rescate ancestral.
¿Chailemanía? Es que en la entrada vidriada de ArtHaus, un nuevo espacio multidisciplinario en plena city porteña, esta mañana fría de invierno, todos y todas quieren sacarse una foto con Chaile y su “Mamá Luchona”. La escultura tiene cuatro metros quince de alto y materiales que compiten con la fachada del lugar regenteado por el coleccionista Andrés Buhar. La imagen de Chaile con su obra habrá pasado al final del día por innumerables likes en las cuentas de IG de periodistas, connaisseurs, otros artistas, autoridades, el tout del arte rendido a sus pies (los suyos y los de la “Luchona”).
Por algo la pensó tan alta y de hierro, adobe, huevos y yeso. Pero, en última instancia, las selfies pasan y las obras quedan (y esta está hecha de siglos). Y este tótem de impronta precolombina en la entrada de lo que supo ser un banco y cuyo nombre resuena en la moderni dad del Bauhaus es todo un señalamiento. La cultura de los Valles Calchaquíes vuelta en la forma de esta criatura en una zona muy particular de la ciudad donde se toman decisiones sobre la economía política de todo el país. Chaile ha sido capaz hasta de sacar del for mol de la arqueología y del gift shop del turismo al Tucumán pro fundo, impregnado por la genética visual de la cultura condorhuasi, en una formidable operación de arte contemporáneo que terminó por encumbrarlo en la 59 Bienal de Venecia. Pero mientras la fuen te iconográfica sobre la que se apoya casi toda su producción ha sido (sigue siendo) considerada artesanía por el sistema del arte, sus obras forman parte del repertorio posible tanto para Art Basel como para una galería como Barro en La Boca. Un artista como él que expresa lo que siente viene a desacomodar esas jerarquías. Los límites entre el gran arte que celebra Venecia y las vasijas que se reproducen como artesanía para el turismo han sido borrados. O mejor: él le devuelve a esas imágenes arcaicas el peso de su silencio.
Al día siguiente de ese abrazo de la escena porteña, partió a Tucumán para tomarse un descanso. Venía de una larga temporada de trabajo que incluyó la invitación de la curadora Cecilia Alemani a la exhibición central de Venecia, donde Eduardo Costantini compró cinco piezas escultóricas de Chaile que en conjunto pesan más de 300 kilos. Están hechas de barro; un material que lo representa (más allá de que sea el nombre de la galería que expone su obra). Porque decir que Chaile viene del barro es menos metáfora que una descripción objetiva de sus procedimientos. Puede tener un costado fashionista pero no es un excéntrico ni se comporta como un influencer Hay que ser de(l) barro para entender y reivindicar un término que se utiliza desde México hasta el norte argentino y sus extensiones en los bar rios de extramuros de Rosario y Buenos Aires. Una mamá luchona es una mujer pobre, apenas salida de la adolescencia, abandonada por su pareja, que no se resigna a una vida replegada en lo doméstico.
Una mamá luchona es la que cría a sus hijos y sale a bailar evitando el eclipse del deber al deseo. Una mamá luchona como fue la de Chaile es a quienes representa este tótem sobre el que caen como flechas disparos de smarthpone una mañana muy fría del invierno porteño.
“Mamá Luchona”, ya obra, es como una Ramona de Berni; está antes y después del ojo de la historia europea del arte. n
“UNA mamá luchona ES LA QUE CRIA A SUS HIJOS Y SALE A bailar evitando EL eclipse DEL deber AL DESEO”.
La pregunta se destaca en la página de Bendito del Perú. La etiqueta se compromete con el ambiente, el trabajo justo y la difusión de los tejidos ancestrales.
Por MARINA DO PICOBendito del Perú nació en plena pandemia, cuando “todos estába mos en nuestras casas pensando qué hacer”, comenta Diego Pu rizaga, que en ese momento investigaba sobre sostenibilidad y se le ocurrió crear una marca “con impacto en el cuidado del medio ambiente y en la sociedad”. Así fue como Purizaga empezó a tra bajar con la comunidad de agricultores de la zona de Lambayeque, en Perú, para cosechar algodón orgánico y producir remeras de alta calidad. La misión de Bendito del Perú es llevar trabajo jus to a esta población y posicionar la fibra de su país en el mundo.
Con una propuesta estética minimalista y en un contexto cada vez más consciente de la importancia de conocer el origen de lo que consumimos, Bendito del Perú decidió centrarse en la historia detrás de cada prenda: “En el camino hemos encon trado también que a la gente le interesaba mucho cómo se gestó este proyecto y en sus pilares. Creemos que el consumidor que viene hacia nosotros busca ese diferencial”.
Este año tuvieron la oportunidad de ir a la Feria Internacio nal de la Moda de Copenhague. Ese evento, que pone el eje en la sostenibilidad, les permitió difundir el trabajo que hacen y conocer las necesidades de la gente en relación con el consumo consciente. El impacto social y ambiental de la marca está pen sado desde la materia prima hasta la producción, el diseño y la difusión. Cada aspecto contiene una propuesta superadora, in cluso en las redes sociales. El feed de su Instagram no es el típico catálogo de productos; de hecho, se asemeja más a una galería de arte: polaroids creativas de sus clientes usando los productos, acompañadas de historias y playlists de Spotify confeccionadas por ellos mismos. “Nuestro objetivo es formar una comunidad”, comenta Purizaga, que viaja con su Polaroid a todas partes.
“No hemos trabajado con modelos, no tenemos campaña ni nada por el estilo, todo es muy directo, muy cercano, inclusive las fotos que hicimos para la página web de nuestros productos: son imágenes
Fotos: gentileza Fausto Elizalde. Estilismo: Diego Purizaga. Modelo: Rafael Lovati.
realizadas por amigos fotógrafos y en estudios de, también, amigos artistas. El trabajo colaborativo es parte de la esencia de la marca”.
Uno de sus productos, Bendito Plástico Occidental, fue creado en alianza con el diseñador e ilustrador peruano Neil Gayoso y la or ganización Héroes del Planeta, para despertar conciencia acerca del impacto del plástico en el océano. La organización, que se encarga de reciclar plástico en algunos puertos del sur de Lima, aportó in formación y Gayoso realizó el diseño bajo el paraguas de su marca, Western Cactus. Las ganancias por la venta de las prendas fueron para Héroes del Planeta: “Ahí nació la idea de impactar con nuestros men sajes y estampas. Queremos seguir sumando iniciativas a través de las prendas”. Y ciertamente lo están haciendo. Uno de sus últimos pro yectos fue con una diseñadora peruana: “Las remeras tuvieron como finalidad donar productos de higiene menstrual a mujeres y niñas en estado de vulnerabilidad”. Bendito del Perú seguirá expandiendo los horizontes de la moda consciente y encontrando maneras creativas de tener un impacto sobre el medio ambiente y las comunidades de Perú.
Un proyecto local, íntimo y minimalista con grandes ambiciones. n
Emiliano Mocchiutti fundó hace dos décadas una agencia con proyección internacional. Su mirada acerca de una industria dispuesta a visibilizar cuerpos ignorados.
Por CATA GRELONI PIERRI Fotos GERMAN ROMANI
Tímido, inteligente y perfeccionista, Emiliano Mocchiutti supo transformar su frustrada vocación de modelo en una profesión afín al universo que amaba desde adolescente. Aquellos íconos como Naomi Campbell o Claudia Schiffer cuyos nombres hasta hoy resuenan en la industria de la moda habían cautivado a este rosarino, dueño de la agencia Look 1 Models. “Hice un corto paso por el modelaje, pero no me daba la altura para desarrollar una carrera internacional así que decidí bajarme de ese sueño”, cuenta. Hace más de 20 años que representa a modelos nacio nales que desfilan para las mejores marcas del mundo. Pasa gran parte de su tiempo volando entre Nueva York, París y Milán y visitando clientes como Prada, Paco Rabanne, Dior y Y/Project.
Su camino comenzó en la agencia de Pancho Dotto, trabajó como representante de Dolores Barreiro, pero al tiempo sintió que quería crecer. “Fue un momento en el que el modelaje en Argentina se empezó a mediatizar hacia las revistas y los chis mes, y se alejaba del trabajo de pasarelas”. Así que armó su por tafolio de trabajo y una pequeña valija, y se fue a París, donde se conectó con la exclusiva agencia Viva Model Management. “Logré contratos para Romina Lanaro que en el verano de 2004 desfiló para Prada en Milán”. La etiqueta italiana es una punta de lanza para otras firmas a la hora de hacer búsquedas de modelos nuevas. A partir de Prada, Lanaro pasó a desfilar para Chalayan, Chloé, Rick Owens, Lanvin, Emanuel Unga ro y fue portada de varias revistas de moda. “Romina fue mi escuela. Gracias a ella y su crecimiento me formé como agente de modelos internacionales y aprendí en qué consistía esta in dustria y este oficio que requiere trabajo duro, constancia, ins tinto, buenos contactos y una amplia cartera de clientes”. Hoy,
Mocchiutti sigue aportando talentos al mundo de la moda con Moira Berntz, Denise Ascuet, Allana Brito y Valeria Gómez, entre otros 25 nombres que representa.
L’OFFICIEL: ¿Cuáles fueron los cambios más importantes en el universo del modelaje desde que empezaste con la agencia?
EMILIANO MOCCHIUTTI: Antes, las modelos trabajaban para produc ciones editoriales, campañas, lookbooks y desfiles. Ahora tienen más posibilidades; gracias a Internet y a las redes sociales, hacen desde campañas de comercio electrónico hasta contenido para redes. Pero con la apertura hacia la diversidad de cuerpos, edades y etnias, hay también más competencia. La tendencia valora la personalidad y no solo la belleza. Muchos nombres de la industria como Gucci, Yves Saint Laurent o Burberry priorizan a referentes que se asocien al cuidado personal y al estilo de vida sano.
L’O: ¿Creés que estos nuevos paradigmas llegaron para quedarse?
EM: La moda es cíclica y siempre se alimenta de lo nuevo. La incorporación de modelos curvy y silver hasta en los desfiles de Haute Couture, como en el último de Valentino, fue una sorpresa muy bien recibida por los que estamos en la industria y también por el público. Hay un gran mercado por fuera de lo hegemónico, y lo lógico sería que siguiera creciendo. De todos modos, nunca vi que una tendencia se mantenga en el tiempo. Ojalá que la inclusión no sea algo pasajero.
L’O: ¿Qué etiquetas marcan la agenda en cuanto al reclutamiento de modelos?
EM: Prada, definitivamente. También Louis Vuitton, Miu Miu, Saint Laurent y Givenchy, Las marcas italianas son más exi tistas, buscan a la modelo famosa, salvo Prada que mira hacia adentro y elige de acuerdo con su identidad. Francia es un mercado más abierto a las caras nuevas. Mis modelos van mejor con la semana de la moda de París para comenzar su carrera.
L’O: ¿Cómo es el trabajo de formación de una modelo para llegar a la pasarela de una firma internacional?
EM: Son dos años de trabajo diario para que encuentre su acti tud, temperamento y estilo. El oficio requiere mucha disciplina: cuidarse el pelo, mejorar hábitos de entrenamiento y nutrición. La mayoría pueden enfrentar momentos de mucha soledad. Vienen a Buenos Aires desde el interior del país, Uruguay o Brasil. Siempre ponemos a disposición un terapeuta para que las acompañe en el proceso. Nosotros apuntamos a que cuando llegue el momento de presentarse frente a un diseñador o al crea tivo de una etiqueta internacional puedan causar un impacto, un diferencial. Se llega desde la apariencia, pero la posición se sostiene desde la personalidad. n
“HAY UN gran MERCADO POR FUERA DE LO hegemónico, Y LO lógico SERIA QUE SIGUIERA creciendo ”.Emiliano Mocchiutti y sus socios
En los últimos cuarenta años la población urbana de América Latina creció un 95 %, de acuerdo con el último informe del Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente. Es por eso que las ciudades cobran máxima relevancia, ya que es allí donde se ganará o se perderá la batalla contra el cambio cli mático. Aumentar los espacios verdes y administrar eficiente mente el uso de recursos como el agua o la energía son algunos de los ejes de trabajo. Otro aspecto fundamental es el rediseño del transporte. De este tema hablamos con Pablo Sibilla, presi dente y director general de Renault Argentina, quien describe los avances hacia la movilidad del futuro.
¿Cuáles fueron los primeros pasos en materia de electrifica ción?
PABLO SIBILLA: Hace más de diez años, Renault anunció en Europa que quería ser la primera compañía en producir en serie vehí culos eléctricos a un precio accesible. El compromiso de ofrecer productos al alcance de más personas es una característica muy fuerte de la marca. En Argentina fuimos pioneros cuando en 2018 lanzamos el “Kangoo ZE”. Este modelo fue muy bien recibido, especialmente por las empresas que aspiran a reducir su huella de carbono, muchas de las cuales se dedican a hacer entregas o las incluyen en sus prestaciones. Para el 2030, la totalidad de los vehículos que venderá Renault en Europa serán eléctricos, ese es el objetivo. A medida que la tecnología se vaya masificando, los precios serán más accesibles.
L’O: ¿El cambio llegará a nuestra región con la misma velocidad?
PS: En lo que refiere a las opciones puramente eléctricas, creemos que no. Dada la dimensión que tienen los países en América Latina los kilómetros a recorrer son mayores. Pero sí se avanzará con los modelos híbridos. Al combinar un motor eléctrico con uno a combustión, aumenta el nivel de autonomía considera blemente. Por un precio de compra similar los usuarios van a gastar un tercio del combustible. Eso hará que se inclinen de manera más natural por algún tipo de electrificación. Por otra parte, en Europa existe una mayor conciencia verde y recursos económicos para solventar el traspaso más rápidamente.
L’O: La adopción de esta nueva tecnología, ¿viene acompañada de políticas públicas?
PS: En Francia la compra de eléctricos está subvencionada. Las medidas gubernamentales apuntan a penalizar la adquisición de los vehículos a combustión. Con esas multas financian, al menos en parte, los beneficios que les ofrecen a los usuarios que optan por las nuevas versiones. La realidad es que la movilidad futura está más ligada a las ciudades que a los países. Las ne cesidades y las problemáticas son bien diferentes, las políticas deben estar localizadas.
L’O: ¿Se trata de una nueva forma de entender el negocio?
PS: Renault lanzó su estrategia Renaulution hace más de un año y medio. La empresa se dividió en cuatro marcas: Renault, Dacia, Alpine –la deportiva que compite en Fórmula 1– y Mobilize, que es la que desarrollará las soluciones a futuro y que lanzaremos en Argentina el próximo año. No puedo decir mucho más por ahora, pero sí adelantar que está más ligada a la situación urbana, donde se está modificando el modo de moverse y nosotros queremos seguir siendo un actor importante. Estamos atravesando una gran transformación, quizás la más grande desde que se inventó el automóvil. Los autos seguirán existiendo, pero la idea de propiedad en relación con ellos está cambiando. Esto se observa especialmente en las nuevas generaciones, los jóvenes no tienen el mismo vínculo con las cosas que teníamos nosotros.
L’O: ¿Creen que estos nuevos hábitos de consumo responden a un interés por la salud del planeta?
PS: Sin duda la conciencia ha aumentado, pero no solo en rela ción con lo medioambiental. En el marco de la nueva estrategia anunciamos la política de sustentabilidad, que alcanza a todas las fábricas del mundo y abarca enteramente a la cadena de valor. A ese compromiso le sumamos otros dos ejes: la seguridad de los autos y la inclusión. Actualmente, nuestro plantel se compone de un 20 % de mujeres –incluyendo los puestos directivos– y nuestro objetivo es alcanzar el 50 % lo antes posible. Por otro lado, somos conscientes de que en nuestro país no hay igualdad de oportunidades, por eso estamos trabajando en varios proyectos
Pablo Sibilla, presidente y director general de Renault Argentina, describe los avances en los modelos eléctricos. La nueva tecnología que llega en 2023.
orientados a los sectores más vulnerables. En ese mismo sentido, el Comité de Diversidad también atiende la cuestión de la edad. Nos interesa contratar personas mayores de 40 o 50 años, una práctica muy poco habitual en el mercado laboral y que creemos que es muy importante para la comunidad. Más del 90 % de las unidades que se venden en Argentina son de fabricación nacio nal. Somos un gran generador de empleo –con salarios bastante superiores a la media– y eso nos llena de orgullo.
L’O: ¿En cuánto tiempo llegará a nuestras ciudades este futuro del que hablamos?
PS: Si bien no es fácil de predecir, estimamos que en unos tres años comenzaremos a ver una migración importante hacia los modelos híbridos. En lo que respecta a los totalmente eléctricos, en 2023 lanzaremos el “Megane E-Tech”, un auto ultramoder
no que es un éxito de ventas en Europa. Tuvimos la suerte de conocerlo y presentarlo aquí el año pasado porque la publicidad mundial se filmó en Buenos Aires. En cuanto a democratizar el alcance a este tipo de tecnología, tenemos otras cosas para traer a precios accesibles para América Latina, como el “Kwid E-Tech” que llegará al país durante el primer semestre del año próximo. De acá al 2030 iremos viendo muchos cambios en lo que respecta a movilidad urbana. Si bien no es nuestro core busi ness, ya incursionamos en monopatines, por ejemplo. Tam bién nos asociamos con una fábrica cordobesa de bicicletas que tiene casi los mismos años de historia que la nuestra, es un proyecto muy lindo. Estamos convencidos de que tenemos que seguir trabajando en la industria nacional. La marca tie ne una conexión muy fuerte con los argentinos, y queremos que siga siendo así. n
Juana Molina compone guiada por su instinto y logra que cada vez más oyentes la descubran. Artista cabal.
Por JOSE HEINZ Fotos MARCELO SETTON Producción General ALEJANDRO ROS
Entre los muchos adjetivos que podrían describir la música de Juana Molina, hay uno que resalta por su precisión: atemporal. Es una música “que se sostiene a sí misma”, para utilizar una expresión que la propia artista argentina usó en la charla que mantuvo con L’Officiel en la previa a su actuación en Primavera Sound Buenos Aires, primera edición del festival español en estas tierras. “Por ejemplo, vos escuchás a un músico clásico y lo que tiene de antiguo, digamos, es el sonido. Quizás también la manera de interpretarlo. Pero un preludio de Chopin es una música preciosa, no es que te dice directamente ‘esto es lo que pasaba en 1830’ o la época que sea. Para mí, lo atemporal es todo aquello que podés seguir escuchando sin que te dé la sensación de que ya pasó de moda”.
L’OFFICIEL: Este año sucedió algo curioso con “Running up that Hill”, de Kate Bush: una canción ochentosa redescubierta por toda una nueva generación gracias a una serie.
JUANA MOLINA: A esa canción la recontraconozco, porque la escuché mucho en su momento. Pero claro, debe haber un montón de gente que no la conocía. En todo caso, el problema es que entonces no existían las plataformas ni la manera de escuchar música que hay ahora. Es muy injusta la forma de medir el éxito en la música de hoy, porque desconsidera todo lo que hubo antes. Pongamos de ejemplo el caso de Elvis Presley: si uno se tomara el trabajo de preguntarle a cada radio, en cada día de su época, cuántas veces lo pasaron y cuántos eran sus oyentes en ese momento, ¿cuántas escuchas tendría? Pero vos lo ponés ahora en Spotify y seguramen te tiene menos escuchas que, no sé, Shakira o Wos. Entonces es relativo y hasta cierto punto irrelevante. No digo que la gente no escuche todo eso que escucha. Simplemente no puedo hacer nada con eso, mucho menos en el ámbito de la música independiente.
L’O: En una entrevista que diste a Rockdelux comentabas que tu próximo álbum “va a venir cuando yo lo salga a buscar”. ¿Qué sig nifica salir a buscar el disco?
JM: Significa que si yo no me siento a trabajar, realmente, con dedicación, el disco no va salir. No es que digo “bueno, mañana empiezo a hacer un disco”, o “se me ocurrió esta idea para un disco”. En general, las ideas me vienen cuando estoy ensayan do mucho. Si no estoy trabajando, las ideas no se me ocurren.
L’O: ¿Cuánto hay de técnica y cuánto de intuición en tu forma de componer?
JM: Te diría que es un 90 por ciento de intuición. Estudié mucho guitarra, pero después dejé, solo sé lo básico de armonía. Mis amigos no me creen cuando les digo que yo no sé de música. Por eso me equivoco mucho más tocando que cantando: cuando toco, tengo que buscar lo que estoy pensando.
L´O: Es evidente que no te guías por la música que funciona en el mercado. ¿Pero alguna vez compusiste algo que se aproximara a una idea de música comercial y decidiste descartarla?
JM: Nunca me pasó eso que decís, componer algo que me diera la sensación de que podría tener una chance comercial, digamos.
Lo que sí me ocurrió es que me gustara un tema, pero cuando llegaba el momento de ponerlo en un disco, sentía que no tenía nada que ver conmigo, que no me representaba. Quizás era un buen tema para que lo grabara otra persona.
L’O: ¿Qué lugar ocupa el humor en tu música? Me refiero al humor musical, como el que tenía Frank Zappa.
JM: Bueno, el humor de Zappa es muy distinto al mío, porque necesita un referente para que eso te haga gracia. Y eso a mí no me va. El tiene muchos discos y algunas cosas suyas me gustan, pero su humor es burdo, obvio. Y además desaparece la música en ese humor. Me gusta más el humor que hace algo gracioso en referencia a sí mismo. Es difícil de explicar. Por ejemplo, hay humor en “Medlong”, un tema mío, pero yo sabía que de todas las personas que lo iban a escuchar, solo una se iba a reír, que era un amigo mío. Era algo muy del lenguaje musical, nada que ver con una gracia de otro género. El humor, para mí, funciona porque hace referencia a su propio hábitat. Es como la diferen cia entre Shrek y Toy Story. Shrek, cuando hace chistes, alude a otros cuentos, a otras historias del mundo para niños. En cam bio, Toy Story funciona en su propio universo, no sale de ahí.
L’O: ¿Qué músico te parece que hace eso?
JM: Alguien que para mí tenía humor en su música y después lo perdió es Regina Spektor. Se puso seria y me dejó de gustar. Su disco Soviet Kitsch (2004) está lleno de humor musical. Después se ubicó como estrella pop, más solemne. Quizás más adelan te lo recupere, no sé. No quiero sonar pedante, pero muy poca gente escucha música instrumental. Y en general el humor está en los instrumentos, entonces es probable que se pasen por alto las bromas. La música instrumental es la que realmente maneja el lenguaje puro de la música. Cuando hacés una canción, ya es tás en el borde entre la música y lo literario, se cruzan dos artes. En lo instrumental todo está dicho. Yo canto un poquito, como para introducir la canción, y después me voy a lo abstracto, que es el lenguaje propio de la música. Es justamente lo que no pasa ahora con el trap o el hip hop, que todo es decir algo. A mí me gusta que la música me lleve a su propio mundo, y si me están diciendo cosas todo el tiempo me lo impiden. Cuando le pon go letras a las canciones a veces siento que las saco de ese lugar. Por eso las trabajo tanto, para que eso pase lo menos posible.
L’O: Vas a actuar en un festival que se llama Primavera Sound. ¿Qué soni do tiene la primavera? ¿Tienen su propia música las estaciones del año?
JM: Sí. En el verano, por lo menos en el lugar donde yo vivo (Gen eral Pacheco, Gran Buenos Aires), las tardes son silenciosas, los pájaros no cantan salvo las torcazas, que hacen un canto muy sutil, de siesta. O solo cantan algunos pájaros. O cantan de otro modo. En cambio, en invierno cantan todos, igual que en primavera. n
“YO CANTO UN poquito, COMO PARA introducir LA CANCION, Y DESPUES ME VOY A LO abstracto, QUE ES EL LENGUAJE propio DE LA MUSICA”
Amanda Wall, la exdirectora creativa de una de las marcas de belleza con más impacto en Internet, suma un nuevo perfil. Artista autodidacta, ya ha captado la atención de coleccionistas y curadores.
Amanda Wall sabe lo que estás pensando. Ella pensaría lo mis mo, si estuviera en tu lugar. “Mi carrera como artista se debe a Instagram; fue allí donde se empezaron a ver mis pinturas”, dice con una voz que no revela ninguna emoción. Rodeada de algunas piezas de su segunda exposición en solitario, abre una lata de agua con gas y agrega: “Sé lo que ven; es una transición difícil”. La exejecutiva de belleza estadounidense, nacida en Oregón, aún se mueve con cierto grado de vacilación cuando se enfrenta al término “artista”, a pesar de su presencia en el listado de galerías junto a nombres como James Turrell, Richard Prince, Julian Schnabel y Kenny Scharf. “Es una palabra inmensa y al mismo tiempo diminuta, y lleva consigo toda la historia del arte. Todavía titubeo cuando me preguntan a qué me dedico”, admite con un gesto de desconcierto. Su respuesta es de una sinceridad refrescante, si se tiene en cuenta que el mercado se interesa cada vez más por sus obras. Y sorprende por su objetividad. Es una revelación inesperada que le causa gracia.
Wall llegó a los treinta años a un mundo del arte de difícil acceso. Con una infancia en un entorno de blancos empobre cidos y de limitada educación, la vida se reducía a ir y volver del colegio, ver que había en Tumblr, desaparecer durante las salidas obligatorias con toda la familia y encender fogatas en los bosques. La inclinación hacia lo estético impulsaba la de cisión de alejarse de esa zona rural, pero el arte no le pasó por la mente. “Donde yo crecí no existía, en mi casa ni siquiera
teníamos libros”, explica. Pasaba los días mirando imágenes de alta costura en revistas y en las redes. “Me interesaban los colores y las formas; solo de eso estaba segura”. Cursó una especialidad en diseño en la universidad en Seattle, donde la reclutaron. El modelaje le ofreció una salida. Se mudó a Los Angeles para hacer carrera frente a la cámara.
Luego de una breve experiencia como modelo, Wall pasó a trabajos eventuales en casting y consultoría; finalmente logró hacerse escuchar por Remy Cointreau. La prestigiosa marca de belleza francesa le envió un boceto para una nueva línea de pro ductos para el cabello. Le pareció poco interesante y lo rediseñó. “Yo fui su público objetivo”, explica. Cuando la empresa recibió su proyecto, le ofreció hacerse cargo de la dirección visual de la marca de belleza R+Co, tendencia entre los millennials. “No era mi idea diseñar frascos de shampoo. Pero me dijeron: ‘Hacé esto y te pagamos’. Era fácil”, dice. Fue parte del establecimiento de R+Co como principal competidora de Bumble & Bumble, superpotencia en la década de 2000. La marca se convirtió en un éxito de culto, pionera en el casting callejero y la escena in die. Pero con el tiempo la tarea perdió su atractivo. “No era un desafío. Nada de lo que hacía era para mí. No estaba siguiendo mi propia voz. Podía hacer cosas con un look muy lindo, pero para otros. No me aportaba nada; básicamente, era aburrido”.
Olivier Zahm, jefe de redacción de Purple Magazine y su pareja de ese momento, vio sus pinturas y la alentó a encarar un
rumbo alternativo. Pero sin capacitación formal –reconoce–“no tenía idea de lo que estaba hacienda. De veras no sé qué es lo que no sé”. Aun así, la idea prendió.
Hoy, Wall tiene 37 años y vive en Los Angeles. Su “travesía” hacia la artista comenzó en una Michaels –cadena de tiendas de arte y artesanía–, con un lienzo económico. Ingresó a una “zona de hobby”, trabajando en una pintura por mes y pasó por estados de frustración desesperante. “Era un proceso de darme la cabeza contra la pared, de sentir que me estaba ahogando. Cada vez que pintaba algo bien, cuando lo retomaba me pare cía que era una basura total”, se ríe. Luego de mucha prueba y error, su obra debutó en las redes sociales. Luego llegaron los pedidos de información. “Había un tipo en Los Angeles que tenía una cabaña en el jardín y me dijo que podía montar una pequeña exposición, pero al principio me pareció poco serio”. ¿La persona y el lugar en cuestión? La Cabaña, réplica de la vivienda del Unabomber realizada por el artista Danny First. Se agotaron las entradas para la muestra, pasaron por allí los directivos del Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles y el interés cobró impulso con una velocidad máxima. “La gente estaba comprando mis primeras pinturas, no podía entender por qué”, comenta Wall.
Un año y medio después, el asombro aún la persigue. Aunque abundan los artistas autodidactas, Wall nunca pensó en serlo y el síndrome del impostor dio como resultado una profunda sensatez. “No tengo un diploma que pruebe que soy legítima”, aclara. “Ojalá supiera todo lo que hay para saber. La falta de una capacitación formal y el ingreso a este mundo en este momento, a esta edad, me generan ansiedad”. Al mismo tiempo admite que la naturaleza inconexa del autocuestionamiento es parte de su práctica. “Creo que esta tensión es el espíritu de estos tiempos; hay como una esquizofrenia, la sensación de que nos hemos derrumbado”. Y es que ahora Wall está hablando de lo que manifiestan sus obras, algo que le cuesta dar a conocer. A
diferencia de sus pares, que se explayan en explicaciones inter minables, ha llevado horas lograr que compartiera lo que hay detrás de sus pinturas.
Wall es consciente de los patrones que dominan las rela ciones interpersonales, su actividad en línea se basa en años de observación del mundo de los negocios. Es una especie de incógnita escondida detrás de su flequillo digital. En el mejor de los casos, vas a ver algo de su próximo trabajo, pero en un mundo donde se comparten miles de reflexiones efímeras, no vas a poder adivinar qué piensa. Esto parece ir en contra de lo que expresan los retratos que pinta, decadentes y marcadamente sexuales. Cada uno transmite la atmósfera de carne roja, vino tinto y candelabros semiencendidos, de los tira y afloja de una intimidad que no dan descanso a curadores y coleccionistas. Es una pieza performática sobre sus sentimientos ante una sociedad donde “todo es un juego y la vida es simulación”.
No obstante, puede ser que los coleccionistas queden absortos ante la nueva versión de Wall en su próxima exposición en París. Si bien aparecen alusiones explícitas a la sexualidad, se percibe una mayor atención a lo sensorial. “Para mí, son lo mismo. Estoy jugando con algo vivo que tiene vibración, sentimiento, y movi miento. Es más un sonido que una palabra, incluso un aroma”, explica en su estudio de Los Angeles, deliberadamente oscuro, donde reina una fragancia de incienso. Cada pieza produce una cierta irritación, con cerezas de un azul sintético, bijouterie y
flores de plástico. Para Wall, lo artificial es significativo y remite a su teoría de la vida como un juego. En cuanto al proceso, “No tengo idea de cómo va a ser un cuadro cuando lo empiezo; todo es intuición”. Experimenta, con la esperanza de “no estropear todo. Mis pinturas tienen muchas capas; a veces tomo decisiones y lo único que puedo hacer es desear no haber arruinado algo que me gustaba”, sonríe y señala las velas de un retrato figurativo de gran tamaño. Luego retrocede un poco y recorre el estudio con la mirada. Los primeros planos que debutan aquí son una evolución directa de su trabajo anterior.
Un poco más tristes y disociados, apoyándose en su nueva fase emocional. “Me estoy volviendo nihilista”, afirma.
Dentro de dos semanas tiene que abandonar este estudio; necesita más espacio para afrontar una demanda cada vez mayor. La elección la aleja más aún de sus comienzos. Mientras tanto, nos relajamos, guardamos algo de vino para la despedida y charlamos sobre noviazgos (no le interesan). Está muy cómoda en lo que es ahora su hábitat natural. “He tenido tantas vidas diferentes hasta ahora. Me parece imposible volver atrás.”, sonríe. “Tal vez esto sea mi alma gemela”. n
Traducción: Silvia Villegas. Foto: Huggard & Vanoverschelde. Cortesía de Galería Almine Reich.
El cuartel de bomberos más antiguo de París, a pasos de la Gare du Nord, se está convirtiendo en el mayor ámbito de creación y difusión de prácticas ecológicas en el mundo del lujo y la moda.
La remodelación llevó dos años. Ahora, el edificio ubicado en el décimo distrito de París se ha reinaugurado como La Caserne, espacio comunitario y centro catalizador de moda sustentable. Durante los tres próximos años, el lugar albergará en resi dencia a cuarenta marcas de accesorios y de moda prêt-à-porter. Entre ellos: Benjamin Benmoyal, que ha desarrollado una téc nica de hilado para realizar sus propios textiles usando cintas de casetes de audio y video; Meryl Flambert, fundadora de Bleu Chose, que solo emplea materiales de descarte o que cuentan con la certificación de productos textiles orgánicos (GOTS); Lillian Thibault, cuya marca Awake crea relojes a partir de
materiales reciclados, y Ronja Nielsen, responsable de la marca Bags Affair, que ofrece bolsos y maletines veganos para muje res, confeccionados en corcho. Los diseñadores podrán acceder todas las semanas a clases magistrales sobre el impacto del uso de materias primas, trazabilidad y volumen de producción. La Caserne cuenta con un salón de exposición de materias primas, un estudio de fotografía, un taller compartido 24/7 y una tienda conceptual llamada L’Exception. También pone a los residentes en contacto con otros profesionales de la moda.
Además de proporcionar un entorno en el cual los diseña dores se ejerciten en los fundamentos de la sostenibilidad, La
Caserne está abierta al público con un café vegetariano, una sala de espectáculos, un bar de altura y un espacio para exposiciones.
“Aprender, compartir, incidir, incluir, colaborar, innovar, ac tuar. Porque el futuro no es un lugar hacia el que vamos, sino un lugar que creamos”, explica Maeva Bessis, Directora Ejecutiva de La Caserne. L’Officiel dialogó con Bessis sobre los orígenes, los creadores y los objetivos del centro.
L’OFFICIEL: ¿Quién tuvo la idea de crear La Caserne?
MAEVA BESSIS : Muchísima gente. Es una idea que ha estado en cons tante evolución desde sus inicios y estamos permanentemente
atentos al pensamiento y los deseos de los diversos grupos par ticipantes. Cuando Jacques Veyrat me confió el proyecto, el pri mer paso fue reunirme con creadores para saber qué herramien tas y servicios les ayudarían a desarrollar sus marcas de manera sustentable. Tras la aprobación, me contacté con los habitantes del décimo distrito para comprender cuál era su relación con el edificio que había permanecido inactivo durante quince años.
L’O: ¿Cuáles son tus objetivos para La Caserne?
MB: A corto plazo, consolidar mi equipo y asegurarme de que todos estén en sintonía con sus roles. A mediano plazo, demos trar que un proyecto de impacto también puede ser rentable. Y a largo plazo, abrir nuevas La Caserne en Francia y en otros países.
L’O: ¿Cómo elegiste a tus cuarenta residentes?
MB: El proceso se llevó a cabo en tres etapas. Primero, una con vocatoria para que se presentaran solicitudes en nuestro sitio web, abierta a todos los diseñadores que quisieran crear desde París. Luego, un comité seleccionó la mitad de las marcas. Por último, una votación ciudadana en Instagram que le permitió al público en general elegir las marcas que deseaban apoyar.
L’O: ¿En qué se asemejan estos creadores y en qué difieren?
MB: Los perfiles son muy diferentes. Tenemos marcas de tamaño y posicionamiento muy disímil. Algunas presentan sus colec ciones durante semanas de la moda, otras están más orientadas al prêt-à-porter. Tienen en común el deseo de ser parte de esta nueva generación que busca producir de manera responsable, elegir materiales de stocks inactivos, medir su impacto y asegu rar la trazabilidad a lo largo de toda la cadena de producción. n
Fotos IVAN RESNIK Estilismo LULI RIVERO
MAQUILLAJE:
Fue sucesivamente chica-Disney y heroína de Las mil y una noches Su candorosa Nina Simonetti, doblada en alemán, turco o francés, cautivó a la audiencia global de la serie Soy Luna, un “tanque” in fantil y juvenil que sembró grupos de fans en todas las redes, llenó estadios en todo el mundo y disparó su cuenta personal de IG más allá de los tres millones de seguidores. Después encarnó a la princesa Nadima en una adaptación musical de Aladín en la calle Corrientes. Carolina Kopelioff bien podía haber continuado su trayectoria en blimp –el dirigible que entregan los Kids Choice Awards y que ella ganó en 2017 como Mejor Actriz de Televisión–, transitando alfombras rojas. En cambio, decidió explorar en múltiples direc ciones la actuación, el oficio en el que se formó desde la infancia. “Disney es una burbuja que te instala en una imagen: ‘la chica de Soy Luna ’. Es difícil salir de eso, lograr que te vean de otra mane ra, que también podés hacer otras cosas y que te interesa hacerlas. Hasta que aquella imagen se empieza a desarmar, lentamente, hay que tener mucha paciencia, audicionar, esperar…”, cuenta en el departamento de Belgrano que, durante la pandemia, fue escenario de más de cuarenta castings grabados en video casero, hasta conseguir que la burbuja se rompiera. “Ensayás una escena horas y horas. Grabás doscientas pruebas hasta que un video te parece lo suficientemente bueno como para enviarlo. Le ponés el alma, el cuerpo y no quedás elegida. Después, por ahí, la serie o la película se estrena, vos la mirás y pensás: cómo me hubiera gus tado... Pero, bueno, hay que insistir. En mi caso, yo había tenido mucho tiempo de continuidad, primero con Soy Luna y después en teatro con Aladín, entonces tuve que reconectar con la vida real del actor. De eso se trata, enfrentarse con la vida”.
Este año ya protagonizó tres películas, que se estrenan en los próximos meses. El drama Virgen Rosa, de Dennis Smith, reú ne a Kopelioff con Juana Viale y Agustín Sullivan en la ficción de una familia difícil. La noche que luché contra Dios, con Toto Kirzner (“somos como hermanos”), es una historia dirigida por Rodrigo Fernández Engler que tiene como punto de partida el atentado terrorista a la AMIA. “En el medio hice otra película, Alma, de Juan Pablo Martínez, que se filmó en Bariloche, con Flor Otero y Guille Pfening. Tuve que aprender a bucear, fue un delirio hermoso. Además, como el personaje de Flor es una chica sorda, y en la película somos hermanas, durante la cuarentena las dos dedicamos mucho tiempo a estudiar lengua de señas con una intérprete, por Zoom. Más allá de las escenas puntuales en las que nos comunicábamos, en las que teníamos una supervisión continua, aprendimos bastante de esa otra gramática, de la for ma de construir oraciones propias de la lengua de señas”, cuenta Carolina. El índice que apoya sobre su mejilla derecha, justo en espejo con el lunar de su mejilla izquierda, cifra su nombre: “Así
es como me llamo yo en lengua de señas, me bautizaron así por que este gesto señala un rasgo físico que me identifica”.
Hace poco más de un año recibió las escenas de la audición de Supernova para encarnar a una actriz en crisis. “Lo leí y me pa reció espectacular, no podía creer lo bueno que era el personaje, tenía todo para poder jugar y al mismo tiempo era supercomplejo: ya para el casting tenía que proponer un tic nervioso en los ojos y eso era parte del desafío. Mandé el video, sabiendo que a veces tardan semanas o meses en hacer una elección. Las esperas son duras, generan mucha ansiedad, sobre todo cuando se trata de un proyecto en el que uno tiene muchas ganas de estar. Pero esta vez fue un golazo: mi representante me avisó al toque que el video les había gustado mucho y querían saber si yo estaba dispuesta a hacer escenas de sexo, porque la serie es bastante jugada. Dije que sí, que obvio, cero problema, y al día siguiente me manda ron los dos primeros capítulos. Enseguida conocí a la directora, Ana Katz. La admiro desde siempre. Nunca había trabajado con ella y siento que aprendí muchísimo. Es una maestra para mí”.
Desde los seis años, en colegios de educación por el arte, y a partir de los doce con la maestra Nora Moseinco, Carolina afirmó en las clases de teatro la certeza de una vocación que casi nació con ella, y a la que también sumó la música y la danza. “Me lo tomé desde chica con mucha responsabilidad. En todo esto hay mucho de suerte: caer en el momento adecuado y en contrar el personaje adecuado, pero obviamente también cuenta la disciplina. Cuando uno es chico y se mete en proyectos como los de Disney, la carga emocional es muy grande. Hay que estar bien rodeado para pasarla bien y disfrutar de lo que uno está ha ciendo, más allá de la exigencia. Mis viejos me bancaron mucho, me apoyaron. Cuando empecé en Soy Luna era muy chiquita, aunque claramente me sentía regrande. Fue toda una movida, una locura que para los que formábamos parte del proyecto era cotidiana. Llenar estadios o llegar a un aeropuerto y no poder salir por la cantidad de gente que nos esperaba son cosas que recién pude procesar y dimensionar con el tiempo”.
Cuatro años después, Carolina Kopelioff vuelve a la factoría Disney, pero esta vez para darse el gusto de componer a la pri mera malvada de su trayectoria, en la serie de suspenso y fantasía Selenkay, que se verá en 2023 en la plataforma Disney+. “Una producción zarpada, unos compañeros hermosos y una historia preciosa, que no sé hasta dónde puedo revelar. Transcurre en un pueblo, Río Vivo, y hay varios personajes con poderes sobre naturales. Yo personifico a Emilia, la hija del intendente, una villana. Es un personaje muy divertido, soñado, para el que no hay ningún límite: es el juego absoluto”, se alboroza Carolina. Con la misma seriedad de los seis años, sigue jugando. n
“DISNEY ES UNA burbuja QUE TE instala EN UNA IMAGEN: ‘LA CHICA DE SOY LUNA’. ES difícil SALIR DE ESO”.
Brazalete
Grandes superficies vidriadas conectan el Hotel Costanero MGallery con las mejores vistas de Montevideo. La impronta local se manifiesta tanto en la decoración como en la gastronomía.
La luz es un factor clave en la personalidad del Hotel Costanero. Fue diseñado alrededor de un atrio interno que proporciona iluminación na tural a todo el edificio. Para los espacios interio res, el prestigioso Estúdio Penha de San Pablo, Brasil, tomó en cuenta los trabajos de artistas uruguayos y se inspiró en los detalles arquitec tónicos de las casas históricas de Montevideo.
Asociado a la cadena mundial Accor, el ho tel tiene noventa y dos habitaciones, espacios de trabajo y dos salas divisibles para eventos. Ofrece además el personal y los servicios ne cesarios para realizar reuniones de negocios, cenas privadas y eventos de prensa. Cuenta con una variada propuesta gastronómica. De cara al mar de la Bahía de Pocitos, el restaurante Cauce en el primer piso recrea una cocina internacio nal con toques creativos de los mejores platos locales. Además, en el bar se puede disfrutar de una gran carta de tragos y de tapeo.
Hotel Costanero se encuentra en el corazón de la ciudad, a menos de dos kilómetros de Montevideo Shopping. Algunas de las como didades para destacar: un gimnasio de última generación, sala de masajes, sauna y una pisci na con un sistema de nado contra corriente. n
Suite Deluxe con una terraza desde donde se puede ver la Bahía de Pocitos. Cauce Bar ofrece una extensa carta de tapas para acompañar los cócteles.
Las notas que construyen estilos singulares
“Good Girl”, CAROLINA HERRERA.
cualidades dulces, imponentes
seductoras
jazmín
aportan una brillante feminidad.
“Lady Million”, PACO RABANNE. Es la más popular de la gama, pertenece a la familia floral amaderada y el aroma a miel es un distintivo.3. “Black Orchid”, TOM FORD. Potente y duradera, pertenece al grupo ámbar floral. Tiene un aroma sensual de una imaginaria orquídea negra.
“Libre”, YSL . Esta EDT es luminosa y floral. Fue realizada por Anne Flipo y Carlos Benaim. El frasco evoca las pasarelas de la alta costura.
“J’adore Parfum d’Eau”, DIOR . Se acaba de presentar. Se trata de una fresca combinación de agua y flores blancas que no lleva alcohol.
“Acqua Allegoria”, GUERLAIN . La última creación es Nerolia Vetiver, un floral brillante que rinde homenaje a la naturaleza mediterránea.
“Perfect Intense”, MARC JACOBS. Floral oriental, se lanzó hace unos meses. Notas significativas:
salida el narciso,
corazón
almendra y de
La colección se completa con un nuevo integrante.
“ Nos inspiramos en los elementos que conectan la naturaleza, tanto los que existen en la superficie como los que viven bajo tierra, los visibles y los invisibles, unificando el mundo interior con el exterior”, dicen desde Loewe sobre su último lanzamien to. Se trata de “Earth”, una fragancia unisex que se incorpora al caleidoscopio de color de la colección Botanical Rainbow. Floral, ambarina y con un frasco traslúcido en tono malva, combina notas de trufa con pera, mimosa, elemí y violeta.
Jonathan Anderson, director creativo de Loewe, siempre buscó que la marca tuviera un espíritu libre y una conexión con el arte, la cultura, las artesanías y la naturaleza. Esta visión in clusiva la hizo extensiva al mundo de los perfumes. Botanical Rainbow es una experiencia multisensorial, donde el color y el aroma logran que cada fragancia sea única, pero que al mismo tiempo comparta su identidad con toda la colección.
Entre los integrantes de la familia se encuentran:
“Loewe 001”. Inspirado en los nuevos comienzos y en la luz del amanecer, este grupo de fragancias lleva notas de bergamota, almizcle y sándalo. Los frascos se declinan en tonos que van del amarillo pálido hasta un suave marrón canela.
“Loewe Aura”. Luminosas, generosas y extrovertidas, son fragancias diseñadas para brillar. En el centro de su estructu ra se encuentran notas florales rodeadas por otras dulces como vainilla o frutos rojos. Los frascos llevan pinceladas metaliza das de oro y plata.
“Loewe Agua”. Nacen del brillo que proyecta la luz en el agua. Son dinámicas, refrescantes y comparten notas de cítri cos y de almizcle. Se presentan en tonalidades que van desde el azul, hasta el amarillo, verde y rosa.
“Loewe 7”. Perfumes masculinos, originales y sofisticados, marcados por la intensidad del incienso y por las notas ama deradas y especiadas. Muestran tonos metálicos: azul cobalto, verde oscuro y gris semitransparente.
“Loewe Solo”. La puesta de sol es referente. Este conjunto trae acordes que se contraponen entre sí. En los ejemplares fe meninos contrastan notas amaderadas y afrutadas con florales y gourmand. En los masculinos, las notas de piedra húmeda y madera se oponen a las cítricas y especiadas. Vienen en tonos de amarillo, naranja y marrón oscuro.
“Loewe Aire”. Aromas íntimos y delicados, inspirados en el aire puro y fresco. Los acordes naturales de los cítricos están re presentados por colores que van desde el verde hasta el amarillo.
“Loewe Esencia”. Se conectan con el bosque. Traen notas amaderadas y aromáticas, y una amplia paleta de tonos verdosos.
“Loewe Pour Homme”. La tierra los representa. Sobresalen el sándalo y el ámbar. Los frascos se distinguen por sus tonos mediterráneos.
Con “Earth Loewe” se completa un repertorio multisensorial que captura el perfil de la marca. La naturaleza vista a través de un prisma. n
Mujeres y disidencias se reúnen para cruzar la última gran frontera : la de la equidad digital. ¿Con qué resultados? Todavía está por verse.
Por FERNANDA SANDEZ Ilustración MARIA REBOREDONo uno ni dos ni tres: miles. Noventa y cinco mil, para ser más exactas. Esa fue la cantidad de mensajes misóginos, violentos, cargados de contenido sexual (o las tres cosas a la vez) que re cibió BIA durante 2020. Aclaración: BIA no es una chica sino una inteligencia artificial. Más precisamente, el chatbot del banco brasileño Bradesco. Su nombre (una sigla) lo dice claro: Bradesco Inteligencia Artificial o, más breve, BIA. Pero no hubo caso. Durante un año, a través del home banking, el chat y el Whatsapp, el chatbot encargado de orientar a los clientes en sus operaciones bancarias recibió lo que cualquier mujer en una circunstancia parecida: insinuaciones, insultos, fotos de genitales y, sobre todo, una carga de violencia insólita. Nada de qué sorprenderse si tenemos en cuenta que (como explica la Organización de las Naciones Unidas) en inteligencia artificial hay solo una mujer por cada cinco programadores. A esto la desarrolladora Ana Fukelman, creadora de la App Lunar, una innovadora aplicación sobre el ciclo menstrual, lo denomina “el club de los muchachos”. Y explica que “si bien en América Lati na usamos muchos productos que podríamos llamar femtech, la mayoría no son creados por personas de la región y menos aún por mujeres o disidencias. Hay baja participación femenina en ámbitos de finanzas, programación e ingeniería; en materia de financiamiento de estas nuevas tecnologías también faltan mu jeres: solo entre el dos y el tres por ciento del capital disponible para empresas tecnológicas emergentes va a mujeres”, detalla.
A mujeres
BIA fue apenas un ejemplo de esa ausencia de mujeres, de esa brecha de género tecnológica cuyos nefastos resultados son la norma. Pero cuyas soluciones pueden, también, marcar por dónde viene la salida. Frente al caso de BIA, un nuevo equipo de programación decidió tomar cartas –y códigos– en el asunto, cambiando radicalmente la reacción de la inteligencia artificial frente a sus acosadores. Antes, cuando la programaban hombres, BIA bromeaba o guardaba silencio. Ya no. “No hable así conmi go ni con nadie”, le dispara hoy el programa al agresor de turno.
Prejuicios, estereotipos y división sexual del trabajo de por medio, durante décadas las mujeres en tecnología –y sus áreas asociadas– han sido casi un “bug”, un error que se debía disimu lar. Esconder. Se escondió pues a las mujeres que decodificaron los mensajes del enemigo durante la Segunda Guerra Mundial y también a Margaret Hamilton, la doctora en matemática que escribió el código que permitió que la humanidad llegara a la luna. Y lamentablemente las cosas no han cambiado mucho des de entonces. Tenemos sí un Día Internacional de la Mujer y de la Niña en la Ciencia (se celebra desde 2015, el 11 de febrero)
Swing): “Los algoritmos no son otra cosa que opiniones encrip tadas en un código”. Traducción: las máquinas que nos rodean están programadas por personas que embebieron cada programa en sus propios prejuicios y creencias. Así, alguien determinó que Alexa, el asistente de Google, tuviera voz de mujer. Alguien más programó la inteligencia artificial de las plataformas de búsqueda de empleo para que posicionara mejor en el ranking de candidatos a los hombres solteros, sin hijos y con un MBA. Le dicen tecnolo gía pero no es sino tecnopatriarcado en acción. Como reconoce el documento de la UNESCO: “Si los sistemas no son desarrollados por equipos diversos, es menos probable que se encarguen de las necesidades de usuarios diversos o que se alineen con los derechos humanos. Por ejemplo, los juegos online son a menudo criticados por sus sesgos de género y otras características discriminatorias”.
Pero –de la mano de artistas, activistas, programadoras, ex pertas en lenguaje computacional y un largo etcétera– ni las pla taformas ni el mundo digital tienen por qué seguir siendo lo que han sido hasta ahora. De hecho, luego de que la Corte Suprema de Justicia de los Estados Unidos diera vuelta el fallo que había
pero según un informe de la UNESCO solo un tercio de los cargos en tecnología son ocupados por mujeres. Peor aún, los estereotipos de género han permeado la inteligencia artificial que, poco a poco, maneja desde los sistemas de salud hasta los bancos, varios procesos dentro del mundo del trabajo, la selec ción de aspirantes a un puesto y mucho más. “El uso de tec nologías de IA afectará las oportunidades de las mujeres en el trabajo así como su posición, estatus y tratamiento en el ámbito laboral”, advierte un informe conjunto del BID, la OCDE y la UNESCO publicado en marzo de 2022 con el título de “Los efectos de la IA en la vida laboral de las mujeres”. “Al utilizar la inteligencia artificial, los gobiernos, las instituciones y las em presas deberán achicar las brechas de género y no perpetuarlas o exacerbarlas”, recomienda el documento. Pero al menos hasta ahora eso tiene más de deseo que de realidad.
Tendemos a creer que todo lo vinculado a la tecnología comparte con la matemática su “neutralidad”, su condición de campo libre de los sesgos y prejuicios. Pero no: como explica Beatriz Busani che, experta en derechos digitales y presidenta de la Fundación Vía Libre, “los sesgos siempre están ahí. Hay sesgos de raza, de clase y desde luego, de género”.
Pero, ¿por qué debería importarnos “leer” los algoritmos con lentes de género? Para empezar, por lo que dice la doctora Cathy O´Neil, autora del libro Armas de destrucción matemática (Capitán
legalizado el aborto por casi medio siglo, programadoras y de sarrolladoras de aplicaciones decidieron proteger a otras mujeres de la tecnovigilancia que –combinando datos del ciclo menstrual con los del GPS– podría terminar en la justicia. Algo que ya les sucedió a Celeste Burgess y a su madre, Jessica, acusadas por el estado de Nebraska (en calidad de criminal la primera, y de cóm plice la segunda), por el aborto que Celeste tuvo siendo menor de edad. ¿Las pruebas para la acusación? Las conversaciones priva das que Celeste y Jessica tuvieron por Whatsapp, aun cuando las autoridades también podrían haber recurrido a cualquiera de las apps de rastreo menstrual usadas por millones de mujeres para predecir sus días fértiles. Hoy –que en 13 estados de los Esta dos Unidos el aborto se volvió un crimen– el caso de Celeste es una advertencia y con eso en vista ya hay personas imaginando y concretando apps más seguras y a prueba de atavismos. “En nuestro caso, lo hacemos ´desenganchando´ los datos personales de los datos médicos. No hay modo de saber qué mujer consultó o posteó sobre qué cosa”, explica Fukelman.
Porque, después de todo, quienes alguna vez se aventuraron a crear el mundo de los bits lo hicieron soñando un espacio de liberación, no uno de control y discriminación. Las jóvenes y mu jeres que hoy están expandiendo las fronteras del universo digital para que todas las demás podamos seguirlas lo saben. Y tal vez por eso no descansan. El tecnopatriarcado sigue ahí, operando en las entrañas de un sistema hecho para repelernos pero cuyas murallas ya hemos comenzado a dinamitar. Y desde adentro.
Frente al mar de José Ignacio, Uruguay, Casa Neptuna se ha transformado en un espacio para la investigación y el trabajo creativo.
En un mundo donde la creación surge desde coordenadas múl tiples, la Fundación Ama Amoedo busca visibilizar la práctica artística de la región y ponerla en diálogo con los relatos del arte contemporáneo para hacerlos más diversos y plurales. El proyecto se inscribe en las acciones que Amalia Amoedo, nieta menor de Amalia Lacroze de Fortabat, realiza desde hace más de dos décadas como coleccionista y mecenas. Sus recorridos y su formación como artista con grandes nombres del campo del arte argentino como Marcia Schvartz, Nicola Costantino, Miguel Harte y Jorge Gumier Maier le dan a su misión filan trópica una impronta particular. Actualmente, integra el Co mité de Adquisición del Círculo Latinoamericano del Centre Pompidou de Francia y el Comité de América Latina y el Caribe del MoMA de New York. También participa en la Asociación de Amigos del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y en el Consejo Asesor del Presidente de la Americas Society, entre otros roles que desempeña con compromiso y pasión.
En palabras de Amalia Amoedo: “Esta Fundación es la con creción de muchos años de escucha y de trabajo acompañando la escena del arte contemporáneo”. Los valores que se encuen tran en la base de cada una de las iniciativas parten del amor y la amistad como afectos capaces de generar vínculos y potenciar la acción. Como cuando en 2021 surgió la Fundación Ama Amoe do Residencia Artística (FAARA), que brinda a los artistas la posibilidad de un retiro creativo a orillas del mar en José Igna cio, Uruguay. La idea es propiciar una suspensión de la rutina cotidiana que muchas veces atenta contra el devenir propio de los procesos de investigación y experimentación estética. Tal como explica la historiadora del arte y curadora Verónica Flom, directora de la Fundación, no se trata de una residencia de pro ducción exclusivamente: “Los artistas pueden o no realizar una obra. Lo que se les propone es que se sumerjan en su investiga ción en contacto con la naturaleza y experimenten otro tipo de tiempo”. Una maravillosa casa diseñada por el artista plástico Edgardo Giménez, miembro icónico de la generación Di Te lla de los años 60, cumple las funciones de hogar, laboratorio
y taller de los artistas que integran cada edición del programa. Emplazada en medio del bosque, la obra arquitectónica que sobresale por sus formas y sus colores vibrantes fue bautizada Casa Neptuna, nombre que feminiza al dios de las aguas de la mitología romana al sur del sur.
En su primera edición, un comité internacional de curadores y profesionales conformado por la Directora del Museo Tamayo de la Ciudad de México Magalí Arriola, el Director Artístico de Bellas Artes Projects de Filipinas Inti Guerrero y la Directora de la Americas Society Aimé Iglesias estuvieron a cargo de la selección de participantes. Así, fueron elegidos para inaugurar la residencia los artistas Sofía Gallisá Muriente de Puerto Rico, Liliana Angulo Cortés de Colombia, Andres Bedoya de Bo livia, Noé Martínez de México y Marcela Sinclair y Adriana Bustos de Argentina. El criterio de esta y las siguientes ediciones apuesta a promover una cartografía inclusiva de las artes visuales de América Latina y el Caribe, abrazando la equidad de géne ro y la obra de artistas emergentes de países que generalmente tienen escasa presencia en la escena internacional. El próximo noviembre, durante la semana de Art Basel Miami, la Funda ción hará un evento en honor a estos primeros participantes en el reconocido Bass Museum de Miami Beach.
En 2023, la Fundación continuará con esta residencia y tam bién pondrá en marcha nuevas propuestas. A modo de primicia, Flom detalla acciones y convocatorias por venir: “Vamos a tener, dentro de Casa Neptuna, una nueva modalidad de la residencia
que pone en diálogo a distintas figuras de la cultura como es critores, curadores, artistas e investigadores. Se trata de unir y de que la casa se transforme en un espacio de puente y reunión de pensamientos”. En sintonía con la intención de impulsar las conectividades y las interacciones entre distintas personas y la titudes, una nueva línea de apoyo estará destinada a la partici pación de artistas latinoamericanos en residencias internaciona les. Asimismo, pronto anunciarán becas para artistas, proyectos
artísticos y publicaciones. Por último, Flom destaca una reciente alianza con el Festival de Cine de José Ignacio y con el espa cio de arte contemporáneo Subte, en la ciudad de Montevideo porque, como bien señala: “Es fundamental que la conectividad se extienda a la escena artística local”. Todos auspiciosos y ne cesarios incentivos que contribuirán, seguramente, a fomentar el desarrollo de artistas emergentes y expandir el conocimiento sobre sus obras y producciones a escala global. n
“LO QUE SE LES PROPONE A LOS artistas ES QUE SE sumerjan EN SU investigación EN CONTACTO CON LA naturaleza ”.
Presentación de Alta Joyería. por parte del equipo de Simonetta Orsini y flash de moda a cargo de Pablo Ramírez. Vestidos negros en concordancia con piezas de diseño. L’Officiel Argentina fue parte de la ceremonia.
En los 60 la cultura juvenil atravesaba la música, el cine y la moda. También llegó la minifalda. Se atribuyó su invención a la diseñadora británica Mary Quant y al couturier francés André Corrèges, pero el impacto del diseño radica en su poder como símbolo de libertad revolucionaria: era el primer estilo que las mujeres jóvenes podían reivindicar como exclusivo de su gene ración. En la posguerra hubo un intento de recuperar las siluetas femeninas tradicionales, pero los ruedos más largos no podían hacerle frente a esa vitalidad y a su creciente deseo de expresarse.
La minifalda no tardó en ocupar todos los espacios de la moda. Diseñadores como Lanvin, Pierre Cardin y Saint Laurent la ele varon a un nuevo nivel de lujo, presentando ruedos más cortos en sus colecciones. No obstante, la cultura parisina se resistía. En un número de 1970, L’OFFICIEL declaraba: “LE COURT
EST MORT” (el corto ha muerto), limitando las faldas cortas al estilo juvenil, poco apropiado para la mujer elegante.
La minifalda siguió avanzando, acortándose más y más con cada década, hasta establecerse como un clásico. Para los años 90 y comienzos de los 2000, su presencia se manifestaba con firmeza en las estilizadas minis línea A de las colecciones de Alta Cos tura de Chanel y Versace. La micromini de tiro bajo en denim fue una de las piezas que dominaron la época, infaltable en los guardarropas de Paris Hilton, el personaje de Marisa Cooper de la serie The OC y todo el elenco de Laguna Beach. Con el retorno de los diseños del cambio de siglo, la mini en denim ha recupe rado su lugar entre las fashionistas. Al ritmo de las décadas, se ha transformado en un reclamo glamorizado de feminidad; su trayectoria ya es parte de la historia moderna de la moda.
Traducción: Silvia Villegas.
