L'Officiel Argentina Dec 2021 by L'Officiel Inc.

DICIEMBRE 2021-ENERO 2022

ZOE GOTUSSO Voz cantante

Nº 34 $590 INTERIOR $40

ARTE para vivir

SOLAPA DIOR

DIO

DICIEMBRE 2021-ENERO 2022

CRISTIAN MOHADED Juego de formas

ARTE para vivir

DICIEMBRE 2021-ENERO 2022

TAMAE GARATEGUY Escenas de libertad

ARTE para vivir

DICIEMBRE 2021-ENERO 2022

FLORIAN ZELLER Oficio sagrado

ARTE para vivir 11

DICIEMBRE 2021-ENERO 2022

PAT CLEVELAND Alma de musa

ARTE para vivir 13

int.cartier.com

Chronos & Co, Sensation Du Temps, Simonetta Orsini, Testorelli, Tiempo Latino, Vendemmia

int.cartier.com

Chronos & Co, Sensation Du Temps, Simonetta Orsini, Testorelli, Tiempo Latino, Vendemmia

A Future Together Directed by Wim Wenders Starring Gaia Girace Milan, January 2021 Screening now: Ferragamo.com

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EDITORIAL 28 Por ANA TORREJON

KELLYMORFOSIS 30

Por HERVE DEWINTRE

LECTURA 32 Por CATALINA DEL PINO

FETICHES 34 Foto: NICOLAS VERA Estilismo: DELFINA TULLI

ARTESANOS DEL LUO

DOBLE C DE CARTIER

SUBASTAS DE DISEÑO

A GRAN ESCALA

ARTE Y VIH

MENSAJE DE CAMBIO

TORIBIO & DONATO

FLORIAN ZELLER

Por ANDREA LAZARO

Por VALENTINA ESPINOSA

Por CAROLINA MUZI

Por DORA BECHER

Por FACUNDO ABAL

Por MARINA DO PICO

Por CELESTE NASIMBERA

Por BAPTISTE PIEGAY

ZOE GOTUSSO

EN TANDEM

Por JOSE HEINZ Fotos: NICOLAS VERA Estilismo: DELFINA TULLI

TAMAE GARATEGUY

SIN PRISAS Y SIN PAUSAS

PAT CLEVELAND

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Por IRENE AMUCHASTEGUI Fotos GERMAN ROMANI

FLORALIS 72 Fotos: JUAN MATHE Estilismo: MARCELO RUBINI

Fotos: KATA ULLOA Estilismo: ROMINA MEIER

Fotos: DEIRDRE LEWIS Estilismo: MECCA JAMES-WILLIAMS

104 ESPACIO INFINITO Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ Fotos: GERMAN ROMANI

108 MAR AMAR

Fotos: SOLEDAD HERNANDEZ Estilismo: ANTONELLA FERRARA Y AGUSTINA CHULIVER PEREZ

114 ASI EN LA NOCHE Fotos: MARCELO SETTON Estilismo: GABRIELA SETTON

120 CHRISTIAN MOHADED Por: CAROLINA MUZI Fotos: POMPI GUTNISKY

136 80

114 126 LA VIDA SIMPLE Por MAURA EGAN

132 NOTICIAS BAJO EL SOL Por LOLA MONTEIRO Fotos: MARIE BERIESTAIN Estilismo: ROSA BOUZAS

148 ELEGIR CON LA NARIZ

136

MIN AGOSTINI

140

MAS ALLA DE LO REAL

144

INDIA TIENE MUSICA

148

DE VIAJE

158

PASAJERA FRECUENTE

160

EN FOCO

166

CUERPO ANIMADO

172

ESPACIO JULERIAQUE

176

ULTIMA PAGINA

178

Por FEDERICO KUKSO Ilustraciones: JUAN FRANCISCO BERTONI

Por ANDREA LAZARO

Por CLAIRE BEGHIN

Por MARIANA RIVEIRO Fotos: SANTIAGO ALBANELL Estilismo: FRANCO DERNA

Fotos: LUCAS KIRBY Estilismo: BIANCA SIFREDI

Por CELESTE NASIMBERA

Por CATALINA DEL PINO

DIRECTORA EDITORIAL

Ana Torrejón

DIRECTOR DE ARTE

EDITORA GENERAL

Germán Romani

COORDINADORA DE MODA

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EDITORA DIGITAL

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GERENTE COMERCIAL

Federico Gabrielo

GLOBAL BRANDS MEDIA

Coronel Díaz 1617 (1425) CABA DIRECTOR Y PUBLISHER

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JB Media Consulting Corp.

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DISTRIBUCION CABA

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128, quai de Jemmapes 75010 Paris DIRECCION GERENTES COPRESIDENTES DE CONSEJO EJECUTIVO Y ADMINISTRATIVO

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CONTENIDOS EDITORIALES Y ARCHIVOS INTERNACIONALES

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FUNDADORES

Georees, laurent y Ully jalou (†) NUESTRAS TAPAS:

Zoe Gotusso con camisa y pendientes, FERRAGAMO. Bermuda, ZITO. Foto: NICOLAS VERA. Estilismo: DELFINA TULLI Cristian Mohaded en su muestra TERRITORIOS HIBRIDOS, Museo Nacional de Arte Decorativo. Foto: POMPI GUTNISKY

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La Pausa

Esta carta empieza con una pregunta básica básica:: ¿qué puede pasar si no hacemos nada nada?? La respuesta es igual de simple: nada nada.. Hay que ser valientes para salir de la lógica que pone paños fríos a toda angustia existencial hasta que la olla se destapa y no hay remedio. Los proyectos se tienen que notar. Marca personal aquí, allá y acullá. La felicidad se comparte en redes. Los logros se difunden. Si hay estilo, se amplifica amplifica,, porque si no se vio no existe. ¡Un atardecer! Posteado al segundo conforme a la praxis virtual.. El combo de abrir los ojos y chequear Instagram. El virtual desayuno sin buenos días y con pantalla. El mundo paró y lo hizo sin nuestra anuencia. Algunas cosas cambiaron,, otras tomaron envión para volver a las mismas cambiaron formas. Las vacaciones llegan por default. Quizá podamos darnos la chance de deconstruir los períodos de descanso. No somos las mismas personas las que migramos de un año al otro. A cada quien su historia, sus risas, sus silencios, sus sueños. Reconectar con la esencia profunda es una tarea abrevadora de nadas que terminan en todos gigantescos. Por un 2022 donde la ley mayor sea la del deseo y que ese deseo sea fiel a cada una, a cada uno de nosotros. ¡FELICES FIESTAS! ¡HERMOSAS VACACIONES! ANA TORREJON

Elegance is an attitude Kate Winslet

Encuéntranos en www.longinesargentina.com

The Longines Master Collection

JOYA

Kelly MORFOSIS ¿Supremacía de lo funcional? ¿Aristocracia de lo ornamental? Pierre Hardy concilia ambas teorías del artesanado, engarzando –en pie de igualdad– el lujo y la fantasía, la seducción y la utilidad, en una colección de joyas que se reapropia de los símbolos del Kelly. El legendario bolso del célebre marroquinero proporciona al director creativo de la joyería Hermès los elementos necesarios para una festiva deconstrucción que hace proliferar correas, broches y cierres giratorios, candados, pla-

cas, clavos y cascabeles en collares y cadenas de múltiples diseños, en brazaletes y anillos, en aros, lanzados a todo ritmo. Un cúmulo de elementos funcionales, decorados por el resplandor del oro rosa o embellecidos por la noche brillante de la espinela negra, doblemente ennoblecidos por el gesto creativo y por el destello de materiales preciosos, entre ellos un diamante baguette que se convierte en centelleante aliado de un giro singularmente audaz. n

Por HERVE DEWINTRE 42

Foto: Maud Rémy-Lonvis. Traducción: Irene Amuchástegui.

Pierre Hardy, director creativo de la joyería Hermès Hermès,, sacude los orígenes del bolso icónico que se transfigura en alhaja de líneas lúdicas y dinámicas.

RAICES

Desde la cultura del polo en Argentina hasta el desarrollo en la sociedad británica y en el mundo. Textuales de Nacho Figueras en un nuevo libro de Assouline. Por CATALINA DEL PINO

En las primeras páginas, Nacho Figueras describe el legado del deporte que comenzó a practicar a los nueve años. Este polista argentino, con un hándicap de 6 y capitán del Black Watch, equipo patrocinado por Ralph Lauren, abre una edición que cuenta con las imágenes de la prestigiosa fotógrafa Aline Coquelle. Polo Heritage muestra la historia de uno de los deportes de equipo más antiguos del mundo. Conocido como el “deporte de reyes”, es uno de los favoritos de la familia real británica y su desarrollo abarca continentes, culturas y estilos. Guía al lector en un viaje de Mongolia a México y de Barbados a Pakistán. Da cuenta de los torneos más prestigiosos sobre hierba, arena y nieve. Atraviesa los campos de polo de la India y los de la alta sociedad británica. Enseña sobre la cultura

L’LANCEMENT

del polo argentino y menciona a las familias más destacadas en esta práctica. Licenciada en historia del arte y antropología, la fotógrafa nómada parisina Aline Coquelle siempre ha viajado por el mundo; ha vivido y trabajado en América Central y del Sur, Asia y Africa. Colabora con prestigiosas publicaciones internacionales, y realiza campañas de marketing para marcas de lujo. Ha publicado varios libros con Assouline, como Polo Games (2006); Polo, The Nomadic Tribe (2009); Be Extraordinary, the Spirit of Bentley (2017); Zanzibar (2020); entre otros. Polo Heritage, 300 páginas, 300 ilustraciones. (assouline.com)

FETICHES

SUMMER VIBES Zapatos de salón Vara Print, FERRAGAMO Mesa lateral Stem en madera, FONTENLA.

Foto: Nicolás Vera. Estilismo: Delfina Tulli.

Los clásicos se reinventan con arte y con audacia.

PREMIOS

Artesanos del

LUJO

Detalle del tapiz de Porfirio Gutiérrez.

Son de América Latina y sus trabajos fueron destacados por la calidad artística, la preservación de las tradiciones locales y el respeto por quienes intervinieron en su manufactura. Por ANDREA LAZARO

“Nuestro principal objetivo es el reconocimiento a las prácticas artesanales en el universo del lujo en América Latina, entendido como sinónimo de cultura, arte e innovación”, dijo Miguel Angel Gardetti, creador y director del Premio al Lujo Sostenible en América Latina y fundador del Centro de Estudios para el Lujo Sustentable, en la apertura de la novena edición. El jurado estuvo compuesto por Madeleine Burns (Perú), Marcela Echavarría (Colombia), Roxana Amarilla (Argentina) y Daniel Joutard (Francia). La distinción fue otorgada a los siguientes trabajos:

Porfirio Gutiérrez (México). Tapete / Tapiz decorativo.

ARTESANIA EN METAL

ARTESANIA EN CUERO

Emilio Patarca (Argentina). Colección de catadores para uso personal en tiempos de pandemia.

Jerónimo Coll (Argentina).Mención de Honor.Coronas - Cuchillo criollo verijero.

El interés de Patarca por los metales nació en el taller de su abuelo, un obrero metalúrgico. Fue en las casas de platería tradicionales donde perfeccionó su arte. De aquel tiempo recuerda: “Como era un pibe, me daban las tareas más delicadas porque veía bien; eso mismo hago ahora yo con mis alumnos”. Fundó su propia escuela de orfebrería hace once años luego de recorrer el mundo con su saber. Su obra ya ha pasado a integrar el acervo de museos locales e internacionales.

ARTESANIA TEXTIL Olga Reiche (Guatemala). Textil en telar de cintura.

“En Guatemala existen veintidós grupos étnicos especializados en textiles. Vi cómo estos saberes ancestrales estaban en peligro. No existían –ni existen– instituciones que apoyaran a las artesanas. Trabajo con las comunidades desde entonces”. A finales de la década de 1980 comenzó a indagar en tintes naturales hasta especializarse y, más tarde, capacitar a los grupos indígenas. “Uno de los mayores logros fue acceder a mercados internacionales”. 48

Sus textiles emplean la técnica del telar a pedal y están confeccionados en fibras naturales hiladas a mano en la comunidad de Teotitlán del Valle, en Oaxaca. “Mi padre me enseñó a tejer a los doce años. Cuando noté que los tintes naturales se estaban perdiendo, comencé a investigar y a experimentar con las plantas como fuente de color y medicina. En mis diseños reinterpreto elementos gráficos tradicionales e incorporo nuevas fibras para lograr una mirada renovada de la cultura zapoteca”.

Este tandilense es segunda generación de sogueros. “Preparamos los materiales –cuero de vaca y potro, principalmente– a la antigua. El curtido se trabaja a cuchillo en forma mecánica, sin químicos. La técnica de tejido es riquísima y muy compleja. Su diseño y ejecución demandan una matemática perfecta. En este caso adapté una guarda perteneciente a la cultura Condorhuasi de la región del NOA”.

ARTESANIA EN MADERA Egon Muñoz (Chile). Cuenco Triwe

La materia prima de sus objetos son restos de los árboles que cayeron de forma natural o que fueron talados durante la colonización de la Araucanía, hace más de un siglo. “Encuentro las maderas en los ríos, lagos y bosques del sur de Chile. Han ido adquiriendo colores, formas y texturas únicas porque la intemperie de tantos años y la intervención de los microorganismos e insectos van dejando su huella. Trato de conservar estas características para que las piezas expresen su historia”. Actualmente dicta clases en las comunidades mapuches. n

ANATOMIA DE UN BOLSO

Doble C

de CARTIER

Dos letras entrelazadas definen este bolso insignia que presenta una renovada versión orientada al público más joven. Siempre elegante y con el tamaño y las proporciones adecuadas.

TWIST DE MODERNIDAD

La colección de bolsos Doble C de Cartier se amplía con dos nuevos modelos: mini, disponible en cinco colores; y pequeño, en rojo y negro. Otro de los principales atractivos de esta nueva versión es su cadena de joyería que invita a llevarlo al hombro o cruzado.

PIEZA UNICA

El estilo y elegancia de Doble C de Cartier se reduce a lo esencial: líneas simples, un broche excepcional, bandolera de cadena y cuero de becerro. Además, los bolsos se pueden personalizar con las iniciales de su dueño estampadas con una lámina de oro o grabadas en su espejo interior.

ENFOQUE RESPONSABLE

La nueva versión de Doble C refleja el compromiso de Cartier con principios sostenibles. Esta prioridad asegura la trazabilidad del origen del cuero, el respeto por los recursos humanos en toda la cadena de suministro y por el medio ambiente. La maison obtiene sus productos principalmente de la Unión Europea, y trabaja en estrecha colaboración con sus proveedores de cueros para garantizar que implementen las mejores prácticas. n

Por VALENTINA ESPINOZA 50

Fotos: Gentileza Cartier.

“Hemos modernizado el logotipo eliminando el óvalo y prestando mucha atención a su apertura, que ahora suma una presencia estética y funcional. Además, el sonido de clic que hace cuando se cierra ensalza aún más su esencia joyera”. Así se refiere Marlin Yuson, Directora Creativa de Marroquinería de Cartier, al nuevo lanzamiento de la marca que cuenta con la actriz Lily Collins como embajadora oficial. Una nueva era para una de las firmas francesas de relojes, joyas y accesorios más célebres del mundo, que no teme reinventarse para seducir a las nuevas generaciones.

OMBRÉ LEATHER DISCOVER THE NEW PARFUM

MORADA

de tesoros útiles Arkheion, de Karina Kreth y Belén García Pinto, inaugura una nueva tendencia en Argentina: las subastas de diseño diseño.. Tienen piezas del siglo XX y XXI, especiales especiales,, únicas, de ediciones limitadas para tentar a un nuevo segmento de coleccionistas. Por CAROLINA MUZI

Un pez exquisito guía el primer tramo de conversación con Karina Kreth y Belén García Pinto. Imposible no destacar esa pieza entre otros tesoros que emergen de los catálogos de Arkheion, la iniciativa que funda en la Argentina una modalidad guiada hacia el coleccionismo de diseño. Por “la reinvención de las tradiciones que asocian creatividad y modernidad a una nueva forma de habitar nuestro tiempo”, sostiene la carta de Arkheion. Sus principios: “La reunión de piezas únicas, prototipos, ediciones limitadas y de particular interés de los siglos XX y XXI”. La elegancia del proyecto fue integrarlos en narrativas historiográficas con las que, además, presentan cápsulas espaciales: una suerte de viñetas atemporales, donde las piezas mantienen diálogos flotantes cargados de sentido estético e historiográfico. “La primera subasta fue en diciembre de 2020, un dato no menor”, se ríe Karina. “Por formación o deformación, dedicándonos ambas al interiorismo y a la arquitectura, teniendo a la vez interacción con otras disciplinas –en el caso de Karina con el cine y en el mío con la moda–, fuimos construyendo un camino de ejercicio del ojo. El tema de los muebles y del diseño en general era un pendiente. En marzo de 2019 tuvimos una primera charla. Nunca habíamos trabajado juntas, pero tenemos muchos puntos en común”, relata Belén. Pensaron que el formato subasta podría ser el adecuado, porque Arkheion nace como una estructura flexible, repetible, escalable, nómade … “Mirá cómo la pandemia vino a confirmar esos rasgos…”, apunta Belén. Entonces surgió la idea del vínculo con Roldán, que por su camino y por su búsqueda de lo contemporáneo a través de la galería Barro, por ejemplo, les parecía muy conveniente. “Se lo propusimos a Nahuel Ortiz Vidal, le interesó muchísimo y así fue. Hay una cuestión de aprovechar el momento justo, en el mundo está sucediendo, pero no aquí en la Argentina. De esta manera, todo ese universo del coleccionismo de arte contemporáneo puede saltar al coleccionismo de diseño. Y pasó desde la primera edición: el feedback fue ¡muy bueno! Ese cruce es el correcto, el que tiene que acontecer”, apuesta Belén. 52

L’CONCEPTION

Las arquitectas Belén García Pinto y Karina Kreth.

Uno de esos sets, en la Galería Revólver, mostraba las piezas a subastar (mobiliario, luminarias, adornos) montadas sobre carbón: “Imaginen el contraste de un cabinet espejado de Edgardo Giménez sobre esa superficie”, dice Karina. Exquisito. La figura del comienzo es un pescado tropical con luz interior, una pieza bien art déco, creada alrededor de 1930 por la ceramista francesa Camille Tharaud y fabricada en porcelana Limoges. Integró el catálogo de la segunda subasta de invierno en la tradicional casa Daniel Roldán. La subasta de primavera, la tercera de Arkheion, fue en octubre. Un recorrido por los catálogos colgados en IG, brinda una buena idea de ese rango sofisticado que va de un cabinet espejado de los 80 de Edgardo Giménez a un set para picnic de principios de la década de 1920, en cuero suela, acero y vidrio; de un óleo de Emilio Pettoruti a una vasija Entrevero, del catamarqueño y furor global Cristian Mohaded. Kreth y García Pinto reconocen que además de la pasión que comparten por los cruces entre la arquitectura, el diseño y la historia, las dos evidencian en distinto grado el paso por las casas de remate desde niñitas, impulsadas por madres, tías y una abuela. Pero donde más se ve el entendimiento entre ellas es en la capacidad narrativa, que incluye el conocimiento temá54

“ARKHEION QUIERE DECIR archivo EN GRIEGO. NO DIMOS VUELTAS, teníamos LA IDEA DE QUE EL NOMBRE REPRESENTARA LO QUE EL coleccionismo YA ESTA HACIENDO”. — Karina Kreth

Foto: gentileza Javier Agustín Rojas.

tico previo para seleccionar las piezas, y luego sí, la gracia para componer diálogos de un siglo entero en pequeñas viñetas que remiten al 1900 y al 2000 también. “Hay algunas licencias: piezas del siglo XIX o, si aparecen algunas que consideremos formadoras de una contemporánea o moderna”, señala Karina. Y aclaran una y otra vez que no son curadoras sino “hurgadoras de tesoros”. Vale decir que el coleccionismo de diseño con subastas y catalogación propia es algo que globalmente se corresponde con el siglo XXI. No es que antes no existieran guardadores de piezas de diseño, por supuesto que había coleccionistas y fetichistas –los verdaderos amantes del diseño las tienen en uso–, pero no un circuito de galerías, casas de subastas y muestras que pusieran sistemáticamente en pista este tipo de obras: mayormente mobiliario, luminarias y objetos útiles o decorativos. “No restringirnos a diseño argentino, pero tener un centro ahí es nuestra premisa. En el primer Arkheion, la pieza más antigua era de la década del 20 y la más contemporánea, de 2018; esos barridos nos interesan. Podemos tener una pieza de Joaquín Bosch y al lado una de Roberto Aizenberg. Y algo muy lindo que me parece que hacemos es contarles todo esto a las personas que vienen a la exposición”, relata Belén.

“NO RESTRINGIRNOS A DISEÑO argentino argentino,, PERO TENER UN centro AHI ES NUESTRA PREMISA”. — Belén García Pinto.

Kreth y García Pinto son arquitectas, cursan sus primeros 50 y 40 respectivamente, ambas pasaron por las aulas de la FADU UBA aunque no al mismo tiempo y, antes de eso, también las une el paso por el colegio Jesús María, de donde en estos tiempos recuerdan especialmente a “la Bucca”… Varios signos de admiración traen a esta profesora al ruedo: Beatriz Bucca, dicen, las introdujo al mundo del pensamiento clásico y a los problemas de la narrativa. Pero además de aquellos años de aprender griego, latín y preceptiva literaria, hoy rescatan esa base como un mullido lecho para nuevos saberes y movimientos: la base Bucca. “Bueno, te diría que ya está presente en el nombre de la iniciativa, lo que nos define un poco: Arkheion quiere decir archivo en griego. No dimos vueltas, teníamos la idea de que el nombre representara lo que el coleccionismo ya está haciendo, algo de cabinet, de lugar donde se puede guardar toda esa información. Al comienzo pensamos Arkheion como una plataforma online donde vos pudieras armar tu propia colección y tener tus archivos, tus búsquedas y una secuencia de cuánto lo pagaste y cuanto se vendió, y saber un poco más del origen de la pieza, de cuánto vale en Argentina y cuánto en otros lugares del mundo”, explica Karina. “Hay mucho por hacer, pero ya se nota una mirada integral: no salimos a mostrar los hilos de la marioneta, aunque los hay: un recorrido, un relato, una puesta en relación, que es lo que hace que se vea consistente. La modulación de los contenidos…”. En ese andarivel que figurativamente podría ser una línea de tiempo y espacialmente una superficie rectangular, ellas arman conversaciones de objetos con alto sentido estético, con una colorimetría muy precisa: los sets de subasta bien podrían ser escenografías de cine. Dan ganas de entrar y quedarse. n @a_r_k_h_e_i_o_n

Posadas 1101 - Buenos Aires, Argentina +54 11 4811-1409 / 1353 simonettaorsini.info

TENDENCIA

a gran

ESCALA

Martina haciendo el mural de MOOV.

Andamios, pinceles, latas de pintura, colores, mañanas lluviosas y tardes de sol abrasador. Todo eso pertenece al día a día de Martina Fiorentino. Un mural gigante cubre una de las esquinas de Rivadavia e Hidalgo. Pertenece al nuevo local de MOOV, la etiqueta de moda urbana asociada a grandes marcas deportivas. Muestra color y optimismo como su autora, Martina Fiorentino, que abandonó cuarto año de abogacía para dedicarse a una de las tantas cosas que le gustan: pintar. “Siempre me sentí muy vinculada al arte. Era como una doble vida, a la mañana facultad y a la noche estudiaba teatro, canto, baile, dibujo. Además, me encanta escribir, sacar fotos, aprendí a hacer tatuajes”. En 2017, su último año de carrera, abrió una cuenta de Instagram para mostrarles a sus amigos los dibujos que hacía y la empezó a llamar un montón de gente pidiéndole sus diseños para estampar buzos, almohadones, agendas, o para copiar en un tatuaje. “De ahí en más, decidí tomarme esto muy en serio”, dice. “Esto” es dedicarse a pleno a su trabajo como ilustradora y muralista. El primer envión se lo dio Connie Ansaldi, hoy consultora en innovación y liderazgo. “Ella siempre promociona a distintos artistas en sus redes sociales. Como soy muy mandada le escribí y me llamó para intervenir una escalera en su casa. Fue muy generosa, me conectó con mucha gente. Al tiempo estaba 58

viajando a Costa Rica gracias a ella, para pintar un hotel divino”. Actualmente, Martina interviene objetos y superficies para diferentes etiquetas. También la llaman para eventos en consonancia con la tendencia de invitar a un artista a pintar en vivo. Entre las experiencias que más valora está su trabajo con uno de los muralistas argentinos más reconocidos a nivel mundial, Martín Ron. Cuenta que está orgullosa de haber sido convocada para pintar una de las salas del Buenos Aires Museo (BAM) y que una tarea que disfruta es organizar retiros artísticos fuera de la ciudad para los que quieren aprender técnica mural. En sus diseños están muy presentes la naturaleza y el color, aunque no siempre fue así. “Mis primeros dibujos eran en blanco y negro. Es que en mi mochila siempre llevaba una microfibra negra y la sacaba en el colectivo, en la facu, en cualquier parte. Tengo decenas de cuadernos con dibujos”. Su próximo destino es intervenir un hotel en Punta del Este, desde las paredes hasta la piscina. “Me encanta lo que hago. Mi trabajo es muy creativo y muy corporal”, dice la artista, capaz de subirse a un andamio altísimo para conseguir imágenes de alto impacto. n @martifiorentino

Arte y VIH

A cuarenta años de la aparición del primer caso, un repaso por las obras artísticas más emblemáticas que tomaron la muerte como excusa para hablar de la vida. Las victorias obtenidas y las deudas presentes. Por FACUNDO ABAL Antes de la pandemia de la COVID hubo otra que reptó subrepticia por los bordes de lo visible. Era diciembre de 1981 cuando se daba a conocer el primer caso de VIH en el mundo. Y se puso en escena la precariedad de ciertos cuerpos frente a los dispositivos biopolíticos de normalización social impulsados tanto desde el ref lujo conservador como desde las estrategias de “prevención”, en nombre de la contención de los excesos. Frente a la devastación y la muerte, producir obras artísticas a partir del virus fue el modo, desesperado en muchos casos, de generar otros relatos que se opusieran a la finitud; poner en primer plano el deseo, la pulsión vital, el anhelo de seguir conservando un cuerpo más allá de que ese cuerpo estuviera infectado. “Salgamos de este velorio en un descapotable”, recuerda Marta Dillon que pensó al momento de empezar a escribir su mítica columna Vivir con virus. El escenario fue paradojal. A medida que los artistas lograban una mayor visibilidad, enfrentaban la proximidad de la muerte. En 1994, fallecieron de causas relacionadas al sida Liliana Maresca y Omar Schiliro; dos años más tarde, murió Feliciano Centurión. “Junto a la muerte de amigos jóvenes, amantes y colegas, se experimentaba incertidumbre, discriminación y desamparo institucional. Se generaron heridas colectivas y procesos de duelo que en la memoria se mezclan con las marcas de la represión de la última dictadura militar. La respuesta del arte ante la pandemia implicó un trabajo sobre lo

ESTA PAGINA:: “Saberes PAGINA OPUESTA: De

más próximo. Las afinidades se presentan en las operaciones y los materiales elegidos, en la mirada positiva sobre formas desprestigiadas por su relación con el mundo femenino, la baja cultura, las superficies cotidianas, la intimidad que puede resultar ominosa: una indefinición estética y disciplinar que el arte contemporáneo ha sabido jerarquizar”, explica Francisco Lemus en su libro Imágenes seropositivas. Prácticas artísticas y narrativas sobre el VIH en los 80 y 90. Cuando el VIH, pensado como un cáncer gay, azotó sin piedad los cuerpos, la producción artística viró para convertir el estigma en bandera. Varios artistas trabajaron en torno a la enfermedad y la supervivencia, generando poéticas íntimas, codificables en complicidad con esa escena. Los exquisitos bordados de Feliciano Centurión, en los que aparecen frases amorosas y melancólicas sobre la enfermedad con el ritmo de un mantra; las fotografías de Alejandro Kuropatwa reunidas alrededor del concepto “Cóctel”; los objetos de Omar Schiliro, y la emblemática remera Yo tengo Sida, diseñada por Roberto Jacoby y Kiwi Sainz, son solo algunos ejemplos de cómo el arte trascendió los obituarios. Pasaron cuarenta años desde la aparición del primer caso de VIH. Muchas cosas han cambiado desde entonces: ahora sabemos que los tratamientos son efectivos y que cuando el virus se vuelve indetectable también es intransmisible. A pesar de las victorias, algunos estigmas sobreviven. Es necesario seguir peleando para que todos los cuerpos valgan lo mismo. n

situados” de Feliciano Centurión. la serie “Cóctel”, de Alejandro Kuropatwa.

L’EMOTION

COMUNIDAD

Mensaje de

CAMBIO ¿Qué necesitan las marcas para ser creíbles creíbles?? ¿Qué narrativas se perciben como auténticas auténticas?? Gaby Goldberg, la creativa argentina radicada en Los Angeles que trabaja para grandes compañías en contenidos de impacto social, da su punto de vista. Por MARINA DO PICO

Gaby Goldberg tiene un currículum intimidante. Trabajó para algunas de las marcas más reconocidas del mundo: Disney, Nike, Twitter y Spotify, entre otras. Hoy es la directora creativa de The SpringHill Company, una empresa fundada por el famoso basquetbolista LeBron James y su socio Maverick Carter con el objetivo de “potenciar la grandeza en cada individuo, desde los creadores hasta los consumidores”. La voz que atiende el teléfono, sin embargo, no tiene ni un gramo de vanidad: es dulce y melodiosa, contesta las preguntas con aplomo, tomándose el tiempo para pensar mientras camina por las calles de Los Angeles y cada tanto saluda a alguien. En conversación con L’Officiel, Gaby Goldberg nos cuenta sobre su recorrido profesional y su punto de vista como creativa y generadora de contenidos. 62

¿Cómo descubriste esta vocación? Ser creativo es un proceso que va fluctuando. Van pasando los años y toma diferentes formas, pero desde que empecé a trabajar supe que iba a ser en un ambiente creativo y visual. Hoy mi forma de contar historias es a través de las marcas. L’OFFICIEL:

GABY GOLDBERG:

L’O: Muchas veces, cuando las marcas se involucran en temas sociales o ambientales, se las acusa de hacer pinkwashing o greenwashing, es decir, lavados de imagen que trivializan esas causas. ¿Cuál te parece el enfoque más inteligente y responsable que pueden tomar frente a estos temas? GG: Ser honesto. Ya sea como marca personal o como empresa, uno no se puede sumar a todas las banderas ni luchar por todas

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@SANTESTEBAN_ZAPATOS

“CUANTA MAS RIQUEZA cultural TENES EN EL EQUIPO, MAS DISCURSOS diferentes HAY COMO RESPUESTA A UN mismo PLANTEO”.

hay una cuota de imprevisto y de tirarse a la pileta. Yo trato de hacer cosas, a pesar de no estar segura de que vayan a funcionar, para generar cambio, nuevos puntos de vista. Trabajás en este rubro hace muchos años. ¿Ves cambios reales en términos de diversidad e inclusión en la industria? ¿Cómo evolucionó tu trabajo a lo largo de los años? GG: Veo un montón de cambios, desde ya que siempre son bienvenidos más (risas). Cuando empecé a los 22 años, las mujeres éramos el 5 %, como mucho, de un equipo creativo. Tuve la suerte de conseguir una socia espectacular, Karin Idelson, y entonces de repente estábamos las dos juntas trabajando, empoderándonos y trayendo un montón de mujeres a trabajar con nosotras. Ahora que estoy de nuevo trabajando dentro de una empresa sí veo como un esfuerzo extra tratar de generar un ambiente que sea más rico culturalmente, no solo de género, sino también de razas, culturas. Acá soy un claro ejemplo de eso, una latina en un mundo de estadounidenses. Cuanta más riqueza cultural tenés en el equipo, más discursos diferentes hay como respuesta a un mismo planteo. A mí eso me parece genial porque se generan más debate, discusiones, puntos de vista: con eso lográs un resultado mucho más especial y único. L’O:

¿Siempre te dieron libertad para proponer? Yo no sé si siempre me la dieron, pero siempre me la he tomado (risas) Trato de ser honesta con lo que me propongo porque de ahí surgen los buenos proyectos, las buenas ideas. Todo lo que hago, lo paso por mi propio filtro y tiene que ser algo que me haya entusiasmado a mí primero, que me parezca interesante. Por suerte ahora la compañía en la que estoy es muy abierta a escuchar planteos. L’O:

GG:

las causas sociales, sino por las que entran en conversación con su identidad. Me parece que está bueno que una empresa pueda defender y tratar de mejorar el mundo desde su propio lugar. Hay que elegir bien y ser honesto con el tema del que habla la marca, para no pecar de estrategia de marketing, de pose: eso no está bueno para nadie. Cuando uno es honesto en todo lo que hace, en todo lo que dice y en cómo se maneja, los resultados llegan lejos. No hace falta impostar ningún tipo de visión. L’O: ¿Intuís de antemano el potencial de una campaña de volverse viral, por ejemplo, como lo que sucedió con “I’m more than an athlete”, o a veces te sorprende la reacción? GG: Yo trabajo mucho con la intuición, es mi principal aliado. Me apoyo mucho en lo que siento que es correcto hacer. Porque mal que mal, no existen fórmulas. No soy un oráculo que pueda saber de antemano que eso va a ser un hit. Obviamente, la experiencia me da una sensación de que algo puede resultar. Pero siempre

¿Qué es lo que más te piden los clientes? ¿O cuáles son las frases más comunes que escuchas en reuniones con clientes? GG: Una problemática común de los clientes es que quieren que los escuchen cada vez más personas. Cada vez hay más consumidores con distintos puntos de vista y las marcas tienen que poder hablarles a todos, alinearse u ofrecerles algo que les interese. Pero en general, cada empresa es un mundo de identidades, de personalidad, de historia, que tiene a los creativos dispuestos a solucionar problemas. Más allá de si hay una problemática común o no, a mí lo que me encanta es recibir un problema específico y buscar formas de solucionarlo. Eso es lo me mueve: encontrar soluciones innovadoras. n L’O:

Sostenibilidad,

EXPLORACION

y LIBERTAD Toribio & Donato es una marca costarricense que reflexiona sobre su metodología de diseño diseño,, la elección responsable de los materiales y la generación de prendas en relación con el movimiento de los cuerpos. Viajamos a entrevistar a sus diseñadores y ver su último desfile. Durante el tiempo de repliegue en nuestros espacios privados, muchos nos planteamos cambiar nuestros hábitos de consumo: la preferencia por la compra local, el interés por la trazabilidad del producto y su impacto en nuestro entorno. Volver progresivamente a nuestras rutinas nos permite revisar no solo qué hacemos, sino cómo y para qué lo hacemos. Muchas de las personas que integran la industria de la moda decodifican que es factible transformarla. De estos temas conversamos con los diseñadores de Toribio & Donato, una pujante etiqueta de indumentaria en Costa Rica que surge del trabajo conjunto de dos diseñadores alineados con una propuesta del vestir sostenible. La coincidencia en los objetivos les permitió una instancia colectiva de creación y proyección. “Eramos dos diseñadores independientes y cada uno tenía un ADN propio, pero desde discursos distintos, estábamos trabajando bajo las mismas miradas: el impacto social y la sostenibilidad”, dice Oscar Toribio. En cuanto a los inicios de la sociedad, Donato Sánchez explica: “Al principio hubo resistencia, ´¿cómo dos diseñadores van a trabajan juntos?, ¿cómo hacen con los egos?´. Toribio era conocido por hacer indumentaria artesanal en cuero y lanas. Yo, por trabajar con sedas, organzas y telas más suaves”.

Por CELESTE NASIMBERA

L’DEFILEE

En sus colecciones buscan generar prendas para diferentes tipos de cuerpos a través de un desarrollo particular del patronaje. ¿Cómo surgió? DONATO SÁNCHEZ: Todas las marcas tienen su patrón y nosotros fuimos evolucionando en cada una de nuestras colecciones. Fuimos conociendo los cuerpos y trabajando frente al espejo con nuestras propias clientas sobre las modificaciones que debíamos hacer para que las prendas se adecuaran a cualquier talle. OSCAR TORIBIO: Eso se dio por un proceso de estudio y análisis del cuerpo latino. Las referencias que tenemos son completamente ajenas, incluso trabajando con nuestros cuerpos nos damos cuenta de que no somos una referencia en talla. Honramos el cuerpo de la mujer tal y como es, estudiamos el de la mujer latina diversa, porque en la latinidad hay diversidad. Favorecemos esas siluetas otorgándoles un movimiento libre. L´OFFICIEL:

L´OFFICIEL: Llevar adelante una marca que tiene como base la sostenibilidad también implica generar nuevas propuestas en el mercado. ¿Cómo es ese proceso de ir investigando y buscando soluciones? OT: Hay una frase que es importante para la marca y, como la tenemos apuntada en una pared, volvemos a ella cada vez que empezamos un proceso creativo: La basura es un error de diseño. Como creativos tenemos que pensar en que nuestro producto no se convierta en basura en el futuro. Buscamos primero trazabilidad y la vinculamos a dos cosas. Inicialmente a lo social y después a lo ambiental. Un textil ¿cómo se fabrica?, ¿dónde se hace?, ¿cuáles son las condiciones de los trabajadores? Y luego es pensar en el impacto, toda acción tiene reacción, aunque sea positiva, sobre la sociedad o sobre el medio ambiente. Desde la trazabilidad ambiental analizamos el origen de la materia prima que forma parte de la elaboración del tejido.

Los diseñadores Donato Sánchez y Oscar Toribio en el cierre de su desfile.

¿Qué implica desarrollar sus propios textiles desde materiales prácticamente de descarte? OT: En un país del primer mundo, si voy a reciclar o vender mi ropa, seguro voy a sentir satisfacción; me va a permitir psicológicamente estar dispuesto a ir a comprar más porque ya contribuí a la sostenibilidad. Ese conjunto de prendas se apila y se exporta porque no llega al ciclo de la basura del país o del lugar original. Por ejemplo, el caso de Costa Rica puede ser una estadística global de lo que le llega a un país de ´ropa de segunda mano´ y de lo que puede ser comercializable y lo que no: el 70 % entra directamente al ciclo de la basura. Para un país como el nuestro, que tiene un manejo adecuado de la basura, es un costo muy alto. Si bien es una buena práctica, no es la solución. ¿Qué hacemos nosotros desde nuestra marca? Generamos un valor agregado a ese textil, creando uno nuevo a partir de lo que llegó como ´de segunda mano´. Además, no hay tintes en el proceso porque el color se lo da la prenda original. También trabajamos cuero orgánico. No solamente sensibilizamos, sino que también transformamos la forma de pensar en el proceso del consumo. Gente más consciente, con mayor información, es gente que toma mejores decisiones ya sea en moda, en política o en relaciones. L´OFFICIEL:

En su última presentación en el Teatro Nacional de Costa Rica, presentaron Aída, una colección urbana como si fuera una línea de novias. ¿Cómo proyectaron dos instancias tan diferentes? OT: Es una narrativa completamente distinta. Nosotros somos sostenibilidad, somos impacto social, somos arte y somos influenciados por nuestro entorno. Con la colección Aida quisimos jugar con la mente del que nos conocía: ver la historia de cada uno de nosotros dos y como se fue armando y fusionando. Detrás de eso siempre estuvo la voz de Adrián García Ulibarri, a cargo de la estrategia comercial, diciéndonos que la colección tenía que ser comercializable. Fue una dinámica superbonita en la que nos divertimos, jugamos mucho con el escenario para contar nuestra evolución como diseñadores y como marca madura. No estábamos presentando un vestido de novia, estábamos presentando una técnica que ha evolucionado a través de los años. DS : Si ves detenidamente la colección de novias, vas a encontrar la historia que queríamos contar: la habilidad de trabajar un textil de un modo que se vea limpio, con un buen diseño y con una buena propuesta, jugando con la contemporaneidad y el clásico. OT: Estábamos mostrando elegancia a través de la simpleza, a través del movimiento, a través de un textil orgánico con siluetas muy diversas. n L´OFFICIEL:

“COMO creativos TENEMOS QUE PENSAR EN QUE NUESTRO producto NO SE CONVIERTA EN basura EN EL FUTURO”. — Oscar Toribio

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FLORIAN

ZELLER

El Padre ganó dos premios Oscar Oscar:: al mejor actor, para Anthony Hopkins, y al mejor guión adaptado para Zeller Zeller.. Este novelista y dramaturgo recibió el gran galardón de la industria del cine con su primera película. Por BAPTISTE PIEGAY

¿En qué momento imaginó que la obra teatral El Padre podía convertirse en una película? FLORIAN ZELLER: Muy tardíamente. Al escribir la obra, no sabía en qué medida el público estaría dispuesto a emprender este viaje emocional. Me sorprendieron y me conmovieron mucho las reacciones, que se repetían, cualquiera fuera el país (N. de la R.: fue estrenada en cerca de 45 países) y más allá de las diferencias culturales. Muchas veces, los espectadores nos esperaban a la salida, no para felicitarnos, sino para contarnos su propia historia. Me di cuenta de que esta obra tenía una dimensión catártica. Creo que es el objetivo del teatro, del cine, hacer que uno se sienta parte de algo más grande que uno mismo, recordar que compartimos los mismos miedos y los mismos dilemas, que estamos conectados unos con otros por la fraternidad del destino. Eso brinda un verdadero consuelo. Siento que fue en ese momento cuando tomé la decisión de hacer una película. Lo particular L’OFFICIEL:

de esta historia es que pone al espectador en una posición única, lo hace atravesar un laberinto, preguntarse qué es real y qué no, meterse en la cabeza de este personaje. Me parecía que el cine, por su propio lenguaje, podía lograrlo de una manera todavía más completa, inmersiva. No quería que El Padre fuera solo una historia, sino que encarnara la experiencia de mostrar qué significa perderlo todo, no tener más referencias, tampoco como espectador. El cine podía jugar con esta dimensión de un modo aún más potente que el teatro. Todo lo que el cine permite hacer, por la elección de encuadres, el juego de decorados, embarca al espectador en ese laberinto. L’O: La película parece desarrollarse desde el punto de vista del personaje, y juega mucho con el desconcierto, incluso el del espectador. FZ: Transcurre en un mundo racional, pero que pierde toda lógica. Quería que fuera como un puzzle, que el espectador fuera

L’CINEMA

activo, y que intentara probar todas las piezas para encontrar una combinación con sentido. Pienso que es lo que pasa en la cabeza de alguien para quien la realidad comienza a volverse incierta, cuando las cosas se vuelven incoherentes, cuando las situaciones se contradicen. El cerebro debe hacer un esfuerzo permanente para comprender, y esta batalla interior puede provocar accesos de angustia, de ira, a veces de crueldad. L’O: El departamento también es un personaje en la película. ¿En qué momento tomó conciencia de esto? FZ: Es una dimensión intrínseca del proyecto. Mientras escribía el guion, dibujaba los planos del departamento, que definieron la identidad de la película. Rodamos en estudio porque eso me permitía utilizar todas las facilidades logísticas para construir un departamento-laberinto, producir metamorfosis, a veces sutiles, a veces obvias. Era importante que se sintiera que algo había cambiado, sin que se supiera qué, poner en duda las certezas.

La película también incita a estar muy alerta, a todo, todo el tiempo. Uno de los procedimientos a los que recurrí fue la variación, del encuadre o de los actores. Quería que se experimentara cabalmente el sentimiento de ser ajeno al propio entorno, ofrecer esa experiencia interior, con la intención de despertar la empatía, de abrazar al otro en su diferencia. Es una de las funciones del arte: ayudarnos a comprender aquello que no somos y a quererlo más, o mejor. L’O: FZ:

Eligió no nombrar nunca la enfermedad que sufre el personaje… No quería que el espectador se dijera de inmediato: “ya entendí, la cuestión es esta…”, sino que la película mostrara una trayectoria sin elegir una única perspectiva. Hacer convivir dos puntos de vista: el del padre y el de la hija, esa mujer amorosa, que hace todo lo que puede y que llega al límite de su amor, porque no alcanza, y quería explorar ese desgarro interior. Me alegra mucho que el papel lo interprete Olivia Colman, un ser tan amante de la vida que creo que lo demuestra en cada uno de sus roles. Hay una increíble profundidad de campo en su rostro: conjuga el amor y la impotencia, el desaliento también.

L’O: FZ:

¿Cómo fue el trabajo con Anthony Hopkins? Decir que tenía temor de trabajar con él es poco: es muy intimidante. Pero era una oportunidad única de hacer una película en la que yo había trabajado durante mucho tiempo. Hay que superar la incomodidad de dirigir a un actor. Tuvimos días difíciles, pero nada fuera de lo normal. Yo quería que él explorase sus propios sentimientos, sin estar protegido por un personaje, que fuera profundamente él mismo, que se dejara invadir por sus propias emociones. Yo conocía a este actor desde mucho tiempo atrás: era el hombre del control, del lenguaje, de las situaciones, y verlo perder pie así me permitía hacer un paralelo con los espectadores que conocieron a alguien íntimamente y que lo ven volcar por completo. Quería que descubrieran otro actor, un actor que explora un territorio emocional inédito, desconocido incluso para él.

L’O: FZ:

L’O: La omnipresencia de la música también es esencial, en particular la escena en la que el personaje de Anthony Hopkins escucha un disco rayado. FZ: Quería que el espectador viviera la experiencia del disco rayado: esa escena plasma la sensación de la realidad que descarrila. También es una escena importante para mí en la medida en que, de modo inesperado, durante la preparación de la película hablamos mucho de música con Anthony, y descubrimos nuestra pasión común por un aria de la ópera de Bizet Los pescadores de perlas… Siempre soñó con hacer una película que incluyera esa música. De golpe, esa melodía se repite varias veces. Es el último lazo con el mundo y la belleza cuando todo lo demás tambalea.

Traducción: Irene Amuchástegui

El padre, de Florian Zeller. Con Anthony Hopkins, Olivia Colman, Rufus Sewell.

L’O: Cuando le aparece la idea para una historia, ¿sabe de inmediato qué forma tendrá? ¿Novela, obra teatral, película? FZ: Es más bien a la inversa. Escribo, y más tarde entiendo de qué se va a tratar. Cuando escribí El Padre, no me propuse escribir sobre Alzheimer. Trato de ponerme en la situación del soñador que, al despertarse, mira hacia atrás para comprender lo que soñó.

¿En qué idioma sueña? FZ: En francés. L’O:

¿Cómo vivió este tiempo de inactividad? Ser creativo es proyectarse… Y era complicado proyectarse, escribir, soñar. El espacio mental estaba ocupado por la preocupación, la incertidumbre. Pero uno termina por adaptarse, reinventarse.

L’O: FZ:

L’O: En perspectiva, ¿qué emociones conserva del hecho de haber recibido un Oscar? FZ: En el momento era sorpresa, alegría pura, gratitud. Y eso perdura. n

EN TANDEM Carmen Varela desde Santiago de Chile e Inés Chavanne desde Buenos Aires crearon L’Aube L’Aube.. Los vestidos son el corazón de la colección verano. Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Carmen Varela es diseñadora industrial. Es chilena y desde hace 17 años se dedica a producir ropa corporativa en la fábrica familiar en Santiago. Con la llegada de la pandemia, se hizo un paréntesis en la producción y ahí surgió la oportunidad de cumplir un deseo que tenía pendiente: desarrollar su propia etiqueta. Convocó a Inés Chavanne, directora de moda y arte que vive en Buenos Aires. “No nos conocíamos. Un día me llama y me dice: ´¿Estás para hacer una marca?´”, cuenta Inés. Así fue como nació L´Aube, que en francés significa “el alba”, ya que era durante el amanecer cuando se dedicaban a trabajar en el proyecto. En diciembre de 2020 salió la primera colección y ya no pararon. Se conocieron en persona en octubre de este año. “Fue emocionante. Siempre crear es algo que suma”. El punto de partida fue construir una marca minimalista con piezas cómodas y de buena calidad. “Vestidos que sean funcionales en distintas situaciones; si lo usás con chatas y suelto puede ir para el día y si te lo ponés con un taco y un cinturón lo podés usar de noche”, sostienen. Las colecciones cuentan con una amplia variedad de prendas; predominan las siluetas amplias, los tonos neutros y algunos acentos en colores más vibrantes. También hay estampas, que desarrollan con el ilustrador Patricio Córdoba. “Son abstractas, nunca definidas. Ahora hicimos una especie de escocés, pero pintado con acuarelas”. Aunque trabajan en conjunto, cada una se encarga de su área: Carmen está en la producción e Inés desarrolla la parte creativa y visual. Para la colección de este verano pensaron en diseños para “volver a salir y mostrarse”. Son 150 prendas, la mayoría vestidos, y en una paleta en la que se destacan el lima, rojo, verde y naranja. Entre sus planes: crecer en términos sustentables. “Una de las primeras cosas que nos planteamos fue no desechar nada. Usamos géneros de las décadas del 70 y el 80 que estaban en la fábrica. Teñimos algunos lisos; tuvimos que poner a prueba la imaginación”, afirman. Además, este invierno trabajaron con una hilandería que no genera descartes y para el próximo planean incorporar textiles reciclados provenientes de Brasil. También buscan fortalecer la industria nacional chilena. “Queremos empezar a mostrar el diseño y la manufactura en América del Sur y en el mundo”. Venden en una tienda en Vitacura y en línea en Chile, Uruguay, Perú, Colombia y México. n @laubestores

“UNA DE LAS primeras COSAS QUE NOS PLANTEAMOS FUE NO desechar NADA. USAMOS géneros DE LA DECADA DEL 70 y 80 QUE ESTABAN EN LA FABRICA”.

L’MODE

“SOY MUY

cabeza dura” Defiende al infinito los proyectos en los que cree. Entre sus dominios está el cine de género, el de terror, la comedia negra. Tamae Garateguy se anima a los personajes complejos y a los temas tabú tabú.. Perfil de una realizadora poco común.

Por IRENE AMUCHASTEGUI Fotos GERMAN ROMANI

Por ser “una chica Mórbido”, Tamae Garateguy ya tiene la posteridad asegurada. “Me hace mucha ilusión saber que, algún día, un mexicano llamará a la puerta de la casa de mis nietos: ‘Toc, toc. Una parte de la piel de su abuela nos pertenece. Entréguenla’”. Es un segmento de su brazo derecho, a la altura del tríceps, que luce grabado el logotipo del Mórbido Fest –Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror con sede en el DF–. A cambio del tatuaje, firmó encantada el macabro compromiso de donarlo post mortem a la colección del festival. Se arremanga el buzo Kostüme oversize para exhibirlo, junto con otros recuerdos de festivales de cine de género que lleva en la piel: Fantastic Fest de Texas (una pistola de rayos) y Fantaspoa de Porto Alegre (un ojo desorbitado y sanguinolento apoyado sobre dos serpientes). Es mediodía y, entre las mesas de la tradicional confitería London City del microcentro, entre grises parroquianos, chilla su cresta “pink fantasy”. 78

L’TALENT

En redes, @tamaegarateguy es el lado B de IG: el videoclip que filmó con Marttein salpica de sangre y fluidos el feed. En el cine, desde que hace algo más de diez años triunfó en el Festival de Mar del Plata con Pompeya (su opera prima en solitario). Acumula credenciales como realizadora de cine de género, osada y extrema, con un recorrido que pasó por el thriller erótico, el terror, el western, la comedia ácida, lo bizarro, el melodrama, la acción… 10 Palomas, su película más reciente, pone al investigador que encarna Guillermo Pfening en el centro de una oscura trama de asesinatos en serie. “Me interesa ver qué sucede con la representación de la violencia. Es una búsqueda continua, a riesgo de equivocarme. Preguntarme qué pasa con la humanidad de ciertos personajes, cuando uno está claramente del otro lado desde el punto de vista moral, pero puede ver cómo reaccionan. Me interesa ir al extremo de situaciones y psicologías complejas”, explica. ¿Y cuando el límite cultural de esa representación parece ser la puesta en escena de la violencia hacia mujeres? “Cierto discurso sostiene que no hay que representar escenas de violencia hacia las mujeres. Por lo tanto, esas imágenes empiezan a estar retraídas: no existen. Pero, ¿qué pasa cuando es una mujer la que representa la violencia? Las mujeres tenemos vedadas muchas cosas, también la representación de la violencia. ¿Solo los varones deciden qué se muestra y qué no? Yo siendo mujer sentí que había escenas retraídas de la ficción: ¡y la ficción es justamente el lugar donde tienen que estar estas imágenes, estos pensamientos! No es que si no los representamos, dejan de existir. ¿Vos querés tener una vida virtuosa, amable, centrada, equilibrada? ¿Buscás la mesura y los buenos pensamientos, sentimientos y prácticas? Pero no por eso el ser humano deja

“ME INTERESA VER QUE SUCEDE CON LA representación DE LA VIOLENCIA. ES UNA búsqueda CONTINUA, A riesgo DE EQUIVOCARME”. 80

de tener ideas, imágenes y pulsiones destructivas, tanáticas… Y estas tienen que estar en algún lado. Me puedo equivocar, pero nunca censurarme, porque entonces los únicos que representan la violencia son los varones”. Quien conozca su cine, sabrá lo lejos que está Garateguy de impostar dogmas de corrección política. Y que los tics de la fauna de la industria y el cine independiente son ingredientes para su ejercicio de un humor sarcástico. Upa!, la saga que codirige y coprotagoniza con Camila Toker y Santiago Giralt, en la que personifica a una productora cinematográfica, pulveriza los clisés del medio, se ríe de nuevos tópicos biempensantes y celebra la autoparodia. La tercera entrega de la serie, Upa! Una pandemia Argentina, hecha en cuarentena, se estrenó en el último Bafici. “Las películas Upa! son un poco terapia, un poco reflejo del momento que vive el mundillo cinematográfico independiente. Hicimos Upa 3 por Zoom, es como una crónica del tiempo en el que estamos. Entre les jóvenes planteó una conversación interesante respecto de si nosotres podíamos tocar o no algunos temas: quién puede hablar de qué… Hasta dónde llega la incorrección política ahora, por ejemplo, en esta nueva etapa del feminismo. ¡No nos tomemos tan en serio todos esos temas! Está buenísimo defenderlos, plantearlos, absorberlos, conversarlos y deconstruirse, en especial nuestra generación, de cuarenta y largos, pero tampoco nos tomemos a nosotros mismos tan en serio. La regla del humor dice que te podés reír de una comunidad si formás parte de ella. Yo no sé si comulgamos nosotros exactamente con esos límites, pero es bueno que se abran más campos del humor. Y que haya más preguntas que respuestas”. Con más de diez películas, prepara dos proyectos inminentes. El primero, con producción de Del Toro Films, se rodará en febrero. Es una película de terror, situada en la Buenos Aires de 1930 y centrada en una chica rebelde a quien la familia interna en un hospicio para enfermas mentales administrado por monjas: Auxilio. El segundo la reúne, una vez más, con Camila Toker para codirigir y coprotagonizar Marla & Kiki, que define risueñamente como una cruza entre dos clásicos: El gran Lebowski y Thelma & Louise. “Dos mujeres de nuestra edad quedan involucradas en un caso policial, que se ve complicado porque ellas dos son grandes fumetas, fuman marihuana sin parar, y ese estado permanente va a hacer que todo se resuelva, llegando a lugares fantásticos que, por supuesto, no te puedo espoilear”. Hace poco más de una década, cuenta Tamae, hablaba de sus proyectos y se le reían en la cara. “En 2010, cuando ganamos en Mar del Plata con la primera película, Pompeya, acá no se hacía cine de acción. Y mucho menos siendo mujer. De hecho, en la competencia éramos once colegas varones y yo. Y no fue hace tanto tiempo… pero fue hace un montón”. No es necesario aclarar que ninguna resistencia doblegó la determinación de la directora, de sangre japonesa y vasca (“soy muy cabeza dura”), que porta por nombre sus dos apellidos: Tamae (“algo así como ‘perla de jade’, en japonés”) y Garateguy (“tierra elevada, en euskera”). Una perla de jade en una tierra elevada. n

Floralis Fotos JUAN MATHE Estilismo MARCELA RUBINI

Sombrero tejido, GREENPACHA. Cadena, DOLORES TRULL.

PAGINA OPUESTA: short

ESTA PAGINA: collar de oro, DOLORES TRULL. tejido, JAZMIN CHEBAR. Sandalias con taco de madera torneada, MISHKA. Ramo de flores silvestres y rosas, SOMOS LA CASITA DE LAS FLORES.

Camisa y pantalón de lino, FELIX.

PAGINA OPUESTA: Chemisier, LACOSTE. Sandalias, MISHKA. ESTA PAGINA: pañuelo

de seda, FERRAGAMO. Traje de baño, SMODE.

Cárdigan XL y tutú, JAZMIN CHEBAR.

de baño entero, CARO CUORE. Soquetes y sandalias de rafia, MISHKA. Hortensias, SOMOS LA CASITA DE LAS FLORES. Igna Mora para Estudio Olivera con productos Scharzkopfpro.arg. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Florian Mathé. MODELO: Bella Ferri para Level models. Florian. POSPRODUCCION: Gastón de Chapeaurouge. AGRADECEMIENTOS: Fernanda Beriau y a la florería SOMOS LA CASITA DE LAS FLORES por su colaboración. PAGINA OPUESTA: traje

MAQUILLAJE Y PEINADO:

CANCION

creciente

Con Mi primer día triste, triste, su primer álbum solista, Zoe Gotusso se afirma como una de las cantautoras más importantes de su generación. Su música habla de quién es y qué siente.

Fotos NICOLAS VERA Estilismo DELFINA TULLI

Pendientes, LES NEREIDES. Blazer, SADAELS. Top, NAIMA. Brazaletes, HERMES.

Por JOSE HEINZ

No es fácil ubicar a Zoe Gotusso dentro de los parámetros tradicionales de crecimiento para un artista. Cuenta con un gran aval popular, pero a la vez daría la impresión de que su carrera recién está despegando. Suena prematuro hablar de consagración, pero es indudable que su nombre se encuentra entre las referencias obligadas al momento de mencionar a cantautoras de esta generación. Además, está nominada en dos categorías de los Latin Grammy y se encuentra en medio de una gira –el Ganas Tour 21/22– que la llevará por Colombia, España, Uruguay, Chile y varias regiones de Argentina. A los 24 años, transita ese camino ascendente que empezó en su Córdoba natal y siguió en Buenos Aires, cuando alquiló un “monoambiente en Capital” para probar suerte en la gran ciudad. Rápido repaso de ese recorrido: un día, Zoe recibe un mensaje de Santiago Celli, otro músico cordobés al que le gustó mucho el video de una versión que ella había subido a YouTube. Vivían cerca, tenían amigos en común, se reunieron con sus guitarras y notaron que se complementaban a la perfección, había buena química creativa. Así nació el dúo Salvapantallas, bautizado de esa manera en honor a una canción de Jorge Drexler, uno de sus grandes referentes. La popularidad creció a raíz de algunas versiones que subieron a sus redes, pero pronto decidieron que ya era momento de mostrar sus propias canciones. No querían quedar rotulados como una dupla de covers, una marca difícil de quitar. En su caso, los fans acompañaron desde el primer momento: las canciones eran muy buenas, un pop fresco que resaltaba las cualidades de cada uno, y eso hizo que Córdoba, como plaza artística, les quedara chica. En este punto se acelera la historia. Ambos se mudan a Buenos Aires y publican un álbum (SMS, 2018) que, además de contar con la colaboración de su admirado Drexler, los lleva de gira por todo el país. Sorpresivamente, en el pico de su éxito, deciden terminar con el grupo para aventurarse a sus respectivas carreras como solistas y hoy, con ambos proyectos consolidados, se puede ver que Salvapantallas era apenas una usina que albergaba dos grandes talentos. Zoe lo confirma con Mi primer día triste, un álbum tan melancólico como luminoso, que grabó en Uruguay con producción de su coterráneo Diego Mema y Juan Campodónico, otro nombre charrúa cercano a Drexler. “Yo intuía que Juan iba a entender lo que yo quería para mi música, porque en muchos de los discos que me gustan estaba él en los créditos. Sentía que él iba a captar mi intuición”, dice Zoe. 96

Vestido, BLUE SHEEP. Aro, FERRAGAMO.

“LA intuición ES MI FIEL COMPAÑERA, ME TRAJO A buenos PUERTOS”.

ESTA PAGINA: pantalón

PAGINA OPUESTA: remera y pendientes, FERRAGAMO. y túnica, LA RANDO. Sandalias, MISHKA. Cadena con dije, HERMES. Banqueta en madera tapizada, FONTENLA.

Camisa y pendientes, FERRAGAMO. Bermuda, ZITO. Abotinados, TROSMAN.

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Va a pronunciar esa palabra varias veces más en la charla. “La intuición es mi fiel compañera, me trajo a buenos puertos. Creo que por eso es que las frases motivacionales insisten tanto con el presente, ¿no? Porque después viene la claridad. Y que los puertos sean buenos no significa siempre lugares felices, hay un montón de territorios. Estar en el barro está espectacular también”. Hay algo en esa forma de ver la vida, con sus altibajos, que se refleja en la música de Zoe Gotusso. No solo en las letras, que desde luego hablan de sus experiencias, sino en su cadencia relajada al momento de cantar, un fluir que surfea sobre las melodías, como si supiera que después de una subida viene una bajada. Y viceversa. “En mi caso, lo personal y el trabajo van un poco de la mano. La música expresa quién soy. Cuando estoy de una manera, mi trabajo va en esa dirección porque somos una misma cosa. Es un ida y vuelta de un mismo camino”. Mi primer día triste es un disco que de alguna manera desafía el statu quo de la música joven actual. Se ha vuelto un lugar común señalar el avance de los sonidos digitales sobre los de instrumentos naturales, cuando en realidad pueden combinarse de maneras geniales. El álbum de Zoe suena profundamente orgánico, con sus arreglos de cuerda, los golpes de batería, las guitarras acústicas y su voz despojada de artificios, pero eso no lo ubica en las antípodas de lo contemporáneo, porque miles de chicas y chicos se han identificado con él. Lejos de la arrogancia trapera, cerca de ese pop dictado por los desencuentros, canciones como Cuarto creciente, Ganas o María ya son hits de esta época. Algunas de sus frases decoran pasacalles (“Me encantaría ver la luna con vos”) o incluso pieles, al haberse convertido en tatuajes (“Puro sentimiento”). “Ganas fue el primer simple que saqué para este disco. Me cayó la ficha después de escribirla, al ver el impacto que tuvo. Porque me pasó que al estar triste volví a tener ganas de hacer cosas”, dice Zoe. “Ahí fue cuando me dije: ‘Qué valiosas son las ganas’. Valoré mucho eso después de la pandemia, de estar tan adentro, sin tocar en vivo. ¿Ganas de qué? De cualquier cosa, de hacerme el desayuno, de salir a caminar... Esa palabra, ganas, significa un montón en un tiempo tan gris”. “Yo cuando estoy triste me siento vacía, no tengo ganas de hacer nada”, agrega. “Por eso la letra dice en un momento ‘Ya lloré, ya me levanté’. Creo que a la gente le llegó esa parte, porque el contexto ayudó y eso es algo que me excede. No sabía que este disco iba a salir en pandemia. No soy solo yo y mis decisiones”. n

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MAQUILLAJE: Jade

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Blusa, pantalón y bandolera, JAZMIN CHEBAR. Collar con dije, LES NEREIDES. Brazalete, HERMES. Zapatillas, CONVERSE. Kone con productos Chanel para Kabuki Make up Shcool. PEINADO: Christian Di Petta para Vardo Management con productos Authentic Beauty Concept. ASISTENTE DE ESTILISMO: Lila Scagliarini. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Ignacio Pedrazzini.

Chaqueta, JAZMIN CHEBAR. Pendientes y anillos con cristales, FERRAGAMO.

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SIN

PRISAS y sin pausas Fotos KATA ULLOA Estilismo ROMINA MEIER

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Chinelas, HERMES. Reloj LONGINES en CASA BARROS. Fuente cerámica, ROSARIO URETA en PROYECTO METANOIA. Brazalete, HERMES.

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PAGINA OPUESTA: cartera

y sandalia con taco chino, FERRAGAMO. JEWELS.

ESTA PAGINA: gafas, BVLGARI. Collar, ARA

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BELLEZA Americana

Icono celebrado por sus revolucionarias editoriales y su glamorosa personalidad, Pat Cleveland reflexiona sobre el pasado y el futuro.

L’OFFICIEL: Estás celebrando tu famosa tapa de L’OFFICIEL de septiembre de 1971. ¿Qué significa para vos volver a ese momento? PAT CLEVELAND: Es algo que no deja de estar presente en mi vida. Llegar a París a los 20 años y posar para la revista es una de las cosas más impactantes que me han sucedido. Pierre Cardin estaba allí ese día, imaginate la sorpresa. Además, era mi primera editorial en París y cuando él entró al salón el corazón ya me latía a lo loco. Estaba totalmente enamorada de Pierre, era mi ídolo. Sabés, yo estudiaba moda y a los 15 años ya llevaba su ropa. ¡Que estuviera allí, parado junto a mí! Nunca había soñado que me pasaría algo así. Fue mágico. Y cuando me fotografiaron para la tapa, me sentí transportada. El éxtasis de cubrir tu cuerpo con esa prenda de Dior tan lujosa; sentí que el abrigo y yo nos fundíamos en una sola piel.

Fotos DEIRDRE LEWIS Estilismo MECCA JAMES-WILLIAMS 108

Camisa y pantalones, ALIETTE. Zapatos, JIMMY CHOO. Collar, GUCCI. Aros y anillo, MATEO.

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Abrigo y aros, SCHIAPARELLI.

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¿Cómo era el mundo de la moda cuando saliste en la tapa? Yo era una estadounidense que había venido a París. Estaba trabajando con Antonio López y Karl Lagerfeld, que en ese momento estaban surgiendo. La ropa reflejaba el cambio en los tiempos y la música que se escuchaba en las calles. Antes, la moda era solo para las damas de la sociedad y las estrellas de cine. Recuerdo que cuando hacía desfiles para grandes couturiers como Madame Grès y Schiaparelli, el salón estaba en completo silencio y llevábamos una tarjeta; la moda era algo privado. De golpe, la moda comenzó a salir de esos ámbitos reservados, cualquiera podía tener acceso a la fantasía. En los 70 había una energía impresionante, todos trataban de encontrar un espacio donde expresarse a través del arte y la estética, como Andy Warhol. L’O: PC:

L’O: El rol de la mujer está evolucionando en la moda y en la fuerza de trabajo en general. ¿Qué cambios te han entusiasmado, cuáles te han hecho sentir agradecida? ¿Cuáles te pusieron furiosa? PC: Las mujeres tenemos que enfrentar muchas cosas. Nos sentimos vulnerables, es como si tuviéramos que alimentar al mundo, pero al mismo tiempo las que vinieron antes que nosotras abrieron puertas para que tuviéramos la oportunidad de expresarnos. Dijeron: Sí, podemos usar pantalones. Podemos usar trajes. Podemos fumar. Podemos trabajar. Podemos tener una familia y un negocio. Podemos estudiar. Podemos ser poderosas, y nos tomamos muy en serio ese poder. Eso no quiere decir que tengamos que renunciar a nuestra feminidad. Por eso es que la moda es tan importante: te da la chance de florecer con esa belleza exterior –pero también interior– cualquiera sea tu ADN.

“EN LOS 70 HABIA UNA ENERGIA impresionante EN TODAS PARTES, todos TRATABAN DE ENCONTRAR un ESPACIO DONDE EXPRESARSE A TRAVES del ARTE Y LA ESTETICA”.

¿Hay alguna prenda o joya que te haga sentir espléndida? Mi anillo de compromiso. Lo creó un diseñador holandés y es muy sencillo, lo uso con todo. La ropa: cada una de las prendas que me dieron tiene una historia tras de sí. Me apego a mi ropa y soy muy posesiva. Muchas prendas están en exhibición en museos. Me hace feliz haberlas usado y que ahora cumplan con otro propósito. A veces voy a un museo y veo un vestido mío y pienso: ¡Cómo me gustaría ponérmelo hoy! Y me siento remal, quisiera romper el vidrio y llevármelo a casa. Pero sé que tengo que desprenderme de él. Nunca me separo verdaderamente de los vestidos hermosos que he llevado. Están siempre en mi corazón.

L’O: PC:

¿Qué te gustaría que pasara en el mundo de la moda en los próximos cien años? PC: ¡Qué pregunta difícil! Ahora todos quieren viajar al espacio, así que imagino que habrá asistentes de vuelo que tendrán que llevar ropa apropiada. Me gustaría que alguien diseñara algo que deje respirar la piel, nuevos materiales que no dañen el planeta y ropa que te haga sentir bien. Vibraciones de colores y prendas que le den a tu cuerpo una sensación de bienestar. Creo que ese es el futuro.n DERECHA: tapa de L’OFFICIEL, septiembre de 1971. PAGINA OPUESTA: abrigo y vestido, MICHAEL KORS COLLECTION. Zapatos, GIUSEPPE ZANOTTI. Aro, ALEXANDER MCQUEEN. PEINADO. Junya Nakashima. MAQUILLAJE: Kuma. PRODUCCION: Sarah Milik LILI STUDIOS. ASISTENTES DE FOTOGRAFIA: Michel Oscar y Paula Andrea Poulsen. ASISTENTE DE ESTILISMO: Raz Martínez.

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Traducción: Silvia Villegas.

L’O:

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ESPACIO INFINITO

En Tienda Bristol, Bristol, la arquitecta Mara Pomar unió dos pasiones: las antigüedades y su vocación solidaria. Hay objetos de decoración, muebles de estilo y obras de arte; una curaduría exquisita y un corazón grande que late en seis escuelas rurales.

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ Fotos GERMAN ROMANI

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Durante años, Mara Pomar trabajó como arquitecta, mientras se dedicaba a estudiar sobre antigüedades, historia del arte, pintura y dibujo. A la par, ayudaba a seis escuelas rurales de la provincia de Misiones. Un día encontró cómo unir esos universos. Estaba cargando su auto con muebles y objetos que tenía en su casa para venderlos en un remate, cuando pensó: “No llevo nada, me pongo un negocio”. Así fue que en 2014 nació Tienda Bristol, que destina las ganancias a su tarea social. “Era una buena manera de que algo superfluo se volviera útil”. Abrió un local en el Bajo Belgrano y luego se mudó a Recoleta. “El nombre se me apareció enseguida. Buscaba que fuese en inglés pero fácil de pronunciar y que remitiese a algo, en este caso a la Bristol de Mar del Plata y a la ciudad inglesa”. Hay objetos únicos y unos pocos con reposición, como juegos de tazas que obtiene en remates, de importadores y por consignaciones; también obras de artistas consagrados y nuevos. “La idea es que tengan salida, que no sean cosas que no se puedan vender porque son caras”. El espacio cuenta con tres plantas. Allí conviven armoniosamente cuadros, lámparas, vajilla, biombos, sillones, mesas y piezas de arte, como si fuesen parte de una misma colección. La disposición la realiza el diseñador formoseño Mauro Pesoa, quien está a cargo de la tienda. El y Mara se conocieron en un evento de la organización Distrito Arenales, que lo había convocado para hacer una vidriera para el local, y luego continuaron en contacto. “El iba y venía desde Formosa. Cuando estaba de visita, nos ayudaba a ordenar. Hasta que hace dos años decidió venirse a vivir a Buenos Aires y trabajar acá… ¡No lo dejamos ir a otro lado!”. Todas las ganancias de la tienda se destinan a las seis escuelas rurales de Misiones con las que colabora. “A principio de año, mando útiles y comida; después ropa; y en la segunda mitad, un refuerzo con lo que haga falta”. También se otorgan becas a alumnos para que puedan continuar con sus estudios. Realizan además talleres de alfabetización y de oficios con salida laboral para niños y padres. “Uno de los chicos que asistió al curso de corte y confección empezó a fabricar camisas y ya tiene un emprendimiento que funciona muy bien”. Sus días se dividen entre la tienda y el trabajo con las escuelas, con las que mantiene un contacto continuo a través de los maestros y los padres. “Antes de la pandemia viajaba una o dos veces por año. No soy un fantasma. Para ellos es importante que vayas; te agradecen permanentemente. Los directores nos dedican palabras tan sentidas que te hacen llorar. Es emocionante”. n instagram.com/tiendabristol

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MAR amar

Fotos SOLEDAD HERNANDEZ Estilismo ANTONELLA FERRARA y AGUSTINA CHULIVER PEREZ 118

PAGINA OPUESTA: gorguera, VALENTINNA. ESTA PAGINA: conjunto,

ROCIO RIVERO. Pendientes, ROMERO.

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PAGINA OPUESTA: vestido, VINTAGE. Colgante, ROMERO. ESTA PAGINA: corsé

y pantalón, ROCIO RIVERO. Capa, VALENTINNA. Gargantilla, ROMERO.

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ESTA PAGINA: solero, VALENTINNA. Pendientes, ROCIO PAGINA OPUESTA: túnica, CARLA

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ANDREA.

RIVERO.

PRODUCCION: Abrod

Productions @abrodproductions. MAQUILLAJE Y PEINADO: Carla Luprestti, MODELO: Jimena Galan para @paragonmodelm

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ASI EN LA

NOCHE como en el día Fotos MARCELO SETTON Estilismo GABRIELA SETTON 124

PAGINA OPUESTA: brazalete

con charms en Pandora Rose Gold, PANDORA. Amuleto en plata y espinel negro, ANGEL GABRIEL disponible en PM GALERIA. ESTA PAGINA: anillo curiosa, SWAROVSKI. Grand bol Bleus D´ailleur, HERMES.

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Foto 3: Candelabro Vértigo en ónix y alpaca, AIRE DEL SUR. Choker Threads bañado en oro, OCULTTOO. Pulsera amatistas, FAHOMA.

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Foto 3: Anillo B.zero1 Rock de cuatro bandas en oro amarillo de 18 quilates con pavé de diamantes, BVLGARI disponible en CHRONOS. Cadena de oro amarillo satinado, dije gota en oro amarillo con turquesa y dije chakras oro amarillo con brillante, amatista, zafiro azul, esmeralda, zafiro amarillo, zafiro naranja y rubí, IGNACIO BARCENA.

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Collar Teodora en bronce con baño de oro y piedras naturales (cornalina, labradorita, piedra de la luna), DOLORES TRULL. Anillo de oro 18 quilates con cabouchon de zafiro y brillantes pave en los laterales, THE HOUSE OF NIBIRU.

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Aro Leo Stone Rose en oro rosa 18 quilates inspirado en la constelación Leo con Cubic Swarovski, PAOGI. Anillo en oro amarillo 18 quilates con agata blanca, Chronos. Anillo ojo en oro amarillo con esmeralda, IGNACIO BARCENA.

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DISTINCION

nativa

El diseñador Cristian Mohaded trabajó con maestros artesanos de distintas regiones del país para una muestra que reúne más de 20 piezas de autor. Expresiones históricas y contemporáneas en diálogo fluido. Por CAROLINA MUZI Fotos POMPI GUTNISKY Flacos, altos y juntos, Toribio y Alcira atraviesan los tiempos, las geografías y los estilismos con la más atildada de las elegancias: la dignidad. Erigidos desde el diseño exquisito y la nobleza autóctona del algarrobo a través de la factura sublime del artesano Renzo Galiano, tomaron la forma estilizada de dos tronos nativos. Los guió hasta allí la evocación afectiva de un nieto diseñador, que sabe transitar con particular solvencia esa huella cultural que funde a las personas con los paisajes, sus materialidades y las destrezas para domarlas. Porque ese itinerario, Cristian Mohaded lo comenzó de niño, a la vera de esos abuelos norteños, humildes, y de otra abuela más. Así, hablando su propio lenguaje, desembarcaron en el Palacio Errázuriz, enclave histórico de aristocracia europeísta y sede del Museo Nacional de Arte Decorativo desde 1937. ¿Llaman

Cristian Mohaded y las sillas Toribio y Alcira: piezas hechas en madera de algarrobo y soguería criolla en cuero bovino crudo Coll, Hereford seleccionado. La Alfombra Arco, tipo Alexa, es de lana 100 % natural (producción El Espartano). Sobre la chimenea, los candelabros Cabria, en cerámica Gres y ónix blanco (con Santiago Lena).

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PAGINA OPUESTA:

Campo de Torres. Cestería en fibra de simbol (con el artesano Lorenzo Reyes). en madera de Ipé brasileño y granito boreal cordobés.

ESTA PAGINA: Biblioteca Kavanagh. Detalle

la atención? Sí ¿Se diferencian? Sí. Logran hackear el espacio aunque lo hacen con discreción, desde la singularidad de un encuentro maduro entre proyecto y artesanía local, entre pasado histórico y contemporaneidad. Como Alcira y Toribio, cada una de las 25 piezas que integran esta muestra fantástica del catamarqueño Mohaded, provoca placeres descolonizadores del gusto burgués de antaño –forjado con el imaginario, materiales, artesanados y referentes de afuera– para mostrar otro canon de belleza, de calidad, y de diversidad: uno que emerge de las profundidades auténticas de lo propio, con una atemporalidad a prueba de ciclos, edades, clases y zonas. Hay modernidad y hay atavismo en el circuito de Territorios híbridos, empezando por el impacto de ingreso a la muestra. El Campo de Torres –instalación de columnas monumentales de entre tres y siete metros de altura tejidas a mano en paja simbol por el maestro cestero Lorenzo Reyes– desestabilizan los sentidos y provocan alegría. Se adueñan del olfato por derivas que pueden guiar hasta una feria del NOA, a la vera de un arroyo o al interior de la canasta del mate.

En términos de experiencia, Territorios Híbridos logra conmover a través de la conjunción armónica de dos dimensiones distintas de la creación estética: el tiempo manual de la artesanía y el racional del proyecto. Pero la muestra encierra otro mérito que subyace como hilo argumental: el pretexto curatorial de Wustavo Quiroga –también diseñador, también del interior (Mendoza)– que revive para el Decorativo una misión museística que el paso de las décadas había dormido. Ahora se activa narrativamente en un derrotero historiográfico que cruza nuevas posibilidades. Porque, de algún modo, se trata de recuperar aquella idea pionera del primer director del MNAD, Ignacio Pirovano (1909 - 1980) de trazar un estilo argentino basado en las cualidades distintivas de las regiones del país. A cada zona, sus particularidades culturales, sus materiales propios y sus técnicas. Y de ahí, a un mapa nacional. “Ignacio Pirovano creó junto a su hermano Ricardo la firma Comte, especializada en muebles y objetos de estilo y fue promotor del arte de vanguardia en su rol tanto de mecenas como de embajador cultural. Para esta casa trabajaron destacados autores como el decorador Jean-Michel Frank (1895 - 1941) y el

“ME SIGO PREGUNTANDO qué es EL DISEÑO ARGENTINO Y por qué NO PUEDE ROMPER LOS miedos ALREDEDOR DE LA ARTESANIA”. arquitecto argentino Alejandro Bustillo (1889 - 1982), quienes desarrollaron proyectos para grandes instituciones públicas, centros comerciales y residencias privadas”, ubica históricamente el texto curatorial. Quizá el mejor ejemplo de encuentro de aquella dupla entre el arquitecto nacional y el decorador judío parisino que se refugió aquí durante la Segunda Guerra sean la decoración y el equipamiento del Hotel Llao Llao, en Bariloche. No es casual, entonces, que una de las piezas fetiche de Territorios Híbridos sea el modelo de sillón bajo original del Llao Llao, que por supuesto en lugar de piel tiene un espléndido textil catamarqueño. Y en esa bisagra, que no es únicamente temporal, se articula gran parte del valor de esta muestra, que obviamente hace pie en el talento proyectual de su protagonista –el diseñador Cristian Mohaded–, pero asimismo en la maestría de sus hacedores: los artesanos de Catamarca, Córdoba, la llanura pampeana bonaerense, la Patagonia… Nada más y nada menos que 32 mil kilómetros recorrió Cristian el último año entre uno y otro de los procesos que dirigió y acompañó. Con un camino de consagración que incluye la reciente elección de su proyecto Monte Abierto para el diseño del Pabellón Argentina en la bienal de Diseño de Londres 2021, y obras en la colección permanente del Philadelphia Museum of Art y del Musée des Arts Décoratifs de París, entre otros blasones, Mohaded ya lleva una década como diseñador mimado de la firma francesa Roche Bobois. Afable y sin estridencia, tan elegante él mismo como su diseño, a los 41 años, Cristian desanda su re134

corrido de los últimos tiempos con palabras y dibujos, muchos, increíbles dibujos. Los mostrará a dos pantallas entre celular y notebook: por caso, los que integraron su colección Entrevero (2017), inspirada en una ida a San Antonio de Areco para el Día de la Tradición. Allí descubrió maestros sogueros y plateros de la provincia de Buenos Aires que sumó a su mapa de artesanos. Mohaded se entusiasma entonces conectando los nombres de la tejedora catamarqueña Graciela Salvatierra, con los de los “cueristas” Jerónimo y Máximo Coll o el cestero Lorenzo Reyes, entre otros de quienes trabajaron en la instalación que este año llevó a la Bienal de Londres. “Todo este trabajo, mi abordaje, tiene que ver con descentralizar cosas, salir de Buenos Aires, buscar en lo que viene de atrás, de antes, establecer una plataforma de diálogo material, un federalismo que se pueda generar también desde el diseño, buscar otra validación para estos saberes, que no queden en la panera o el canasto. Me sigo preguntando qué es el diseño argentino y por qué no puede romper los miedos alrededor de la artesanía”, desafía. “Hay que entender al país desde un lugar más integral”. La pandemia lo encontró en Milán. Allí pasa largas temporadas desde 2015, pero el año pasado lo encerró: “Dibujé sin parar: papel Muji y tinta negra. También descubrí el Malbec”, se ríe. Aparecen en la charla las influencias que no son solo de tal o cual diseñador, del impulso de profesores como Lidia Samar o la mentoría de Ricardo Blanco, sino también del sustento al hacer que aportó su madre cuando él tenía doce años y le dio una pala para cavar los cimientos de lo que sería la casa familiar. Se le enciende la mirada hablando de los maestros artesanos, del valor del yuyo que se teje, que no siente menor al de la alpaca o la plata, de las tardes de infancia pintándole el comedor de turquesa a la abuela pintora Estrella Dulab, parte de su mitad sirio libanesa: “Para ella, allá hay un Jardín de Estrellas”, señala los bancos que brillan frente a los ventanales del Palacio. Muestra el acabado brush del ónix boreal, puesto en láminas en la despampanante estantería Kavanagh. De allí se vuelve hacia unos candelabros modulares tamaño XXL, de gres cordobés realizados con Santiago Lena, hasta llegar al biombo de mica. Mohaded se detiene en el damero blanco y negro de un textil tejido con hilo fino de lana de oveja, en telar criollo, que llevó tres meses de trabajo: “El lujo está en el diseño, no en la materialidad”. Mohaded busca en el celular las imágenes que inspiraron un estilema: no es guardapampa, aclara, sino un art dèco Belén; son los frentes de casas bajas y sencillas, distinguidas, cuyos remates escalonados se recortan nítidos en el cielo seco y celeste de Catamarca. n

Mesas Yacaré. En madera de algarrobo.

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la vida SIMPLE

Sobre la mansa costa de la Región Norte de Portugal, el legendario diseñador de interiores Jacques Grange ha encontrado un refugio idílico en el pueblo de Comporta.

Comporta, Portugal. Una serena franja de dunas costeras, bosques de pinos y verdes arrozales, a solo una hora al sur de Lisboa. En décadas pasadas la comparaban con otros lugares: Es Saint-Tropez en los 70. Son los Hamptons en los 80. Es Ibiza en los 90. Cuando en un vuelo de Lisboa a Faro 35 años atrás, el diseñador parisino Jacques Grange detectó esa playa de 12 km con sus enormes dunas, lo primero que le vino a la mente fue Africa. “Era como otro mundo. El lujo es la naturaleza que te rodea”, dice Grange, que ha iniciado el proyecto del Atlantic Club Comporta, una comunidad residencial privada con 22 unidades diseñadas por el decorador. El vuelo resultó profético. Grange se interesó por la región y Vera Iachia – diseñadora de interiores portuguesa y antigua discípula– lo invitó a visitarla en Comporta. La casa de Iachia era una diminuta cabaña en la playa, con techo de paja. En ese tiempo no tenía electricidad ni agua corriente. La mayoría de los residentes atravesaban las dunas en buggies areneros; los canales de los arrozales, en pintorescas canoas de madera. Grange se enamoró de ese estilo de vida idílico y al tiempo le compró a la madre de Iachia su bungalow en la ciudad de Carvalho. Conocido por sus diseños de interiores lujosos (sus clientes van de Yves Saint Laurent y Sofía Coppola al Hotel Mark de Nueva York), en este caso optó por un estilo sencillo para su modesto refugio. Conservó los exteriores simples y pintó los interiores a la cal. Decoró las habitaciones con alfombras marroquíes, muebles de rattan y cerámicas portuguesas de colores vivos. “Amo el mar. Amo el clima. Amo la libertad que se vive aquí”, explica. Los Espirito Santo, una de las familias más grandes de la banca

Por MAURA EGAN 136

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fueron nacionalizados y el Grupo Espirito Santo perdió parte de sus activos. Muchos miembros de la familia dejaron Portugal para llevar sus negocios a otros lugares y abandonaron sus hogares en Comporta. Pero en los 90, algunos miembros de la dinastía Espirito Santo –Iachia, entre otros– comenzaron a regresar y a distribuir tierras entre personas que no eran parte de la familia. Luego de la mudanza de Grange a este complejo, una serie de otros amigos de renombre –la modelo y musa franco-árabe Farida Khelfa, el diseñador de zapatos Christian Louboutin, el diseñador industrial Philippe Starck y el artista alemán Anselm Kiefe– compraron propiedades en el lugar. Muchos amigos, como Françoise Dumas, la talentosa publicista residente en París, visitaron a Grange y su pareja Pierre Passebon un par de veranos y terminaron comprando un lugar propio. “Es tan auténtico”, dice Dumas, que había tenido una casa de vacaciones en Biarritz. “Además, el Atlántico aquí es mucho más templado que en Francia”. Pero por cosmopolitas que fueran los nuevos residentes de Comporta, siempre hubo un pacto tácito de respetar el perfil bajo del lugar. De hecho, toda la región es una reserva natural protegida. La familia Espirito Santo había mantenido un estricto código de edificación para evitar el tipo de dispersión urbana que afectó a zonas como el Algarve. Se instaló infraestructura –escuelas, edificios públicos y algunas propiedades residenciales modernas– pero las casas de vacaciones más deseadas siguieron siendo las tradicionales cabañas de pescadores de techos bajos, que los nuevos residentes decoraron en estilo bohemio, chic y sin pretensiones. Los días se componen de comidas al aire libre de estilo familiar, servidas bajo los techos de paja, y chapuzones refrescantes en

portuguesa, percibieron esa libertad cuando llegaron a la región en la década de 1950. Entonces, Comporta era todavía un remanso rural en Alentejo, una zona agrícola de Portugal habitada por campesinos que cultivaban arroz y por pescadores. El clan Espirito Santo compró una enorme franja de la región y la convirtió en su lugar de recreación para los veranos. Algunas ramas de la familia se instalaron en diferentes lugares ocupados tradicionalmente por viviendas de pescadores y los transformaron en minicomplejos familiares. El objetivo era mantener la discreción sobre su nuevo escondite veraniego. Tal vez los miembros de la familia conservaban reliquias familiares y antigüedades de gran valor en las humildes cabañas de playa, pero desde afuera nadie lo habría notado. En 1974, luego de la Revolución de los Claveles que desmanteló el régimen autoritario de ese entonces, los bancos IZQUIERDA, DESDE ARRIBA: vista desde el Atlantic Club; casa de Françoise Dumas, fotografiadas por Alexandra de Csabay. DERECHA: Jacques Grange y Madison Cox, fotografiados por Pierre Passebon. PAGINA OPUESTA: terraza de la casa de Jacques Grange, fotografiada por Nicolas Mattheus. PAGINA ANTERIOR: exterior de la casa de huéspedes de Jacques Grange, fotografiado por Nicolas Mattheus.

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Grupo Aman está desarrollando desde hace una década un resort frente a la playa, que ha despertado protestas de residentes locales. Tal vez nadie pueda comprender el estilo de vida, tan relajado y propio de la región, como Grange. Por eso resulta lógico que sea el cerebro y esteta detrás del proyecto del Atlantic Club. El terreno de 25 acres se recuesta sobre el océano con vistas espectaculares de los campos de arroz y los bosques. Grange ha convocado a su amigo de muchos años Madison Cox para el diseño del terreno. Todas las casas con techo de paja se harán en la tradicional paleta de azul y blanco con franjas anchas. Cox quiere abordar los jardines con un enfoque “zen, pero refinado”. “No tiene que dar la impresión de demasiado urbano ni sofisticado”, explica. Para lograr ese efecto, ha plantado lavanda, adelfas y árboles frutales, como higueras y granados. La clave es trabajar con el paisaje que ofrece el lugar. “El lujo aquí es sentir lo agreste del entorno”, dice. “Para mí, Comporta es disfrutar del paisaje y no hacer nada”. n

ABAJO: la

casa de Jacques Grande, fotografiada por Nicolas Mattheus. cocina de Françoise Dumas, fotografiada por Alexandra de Csabay.

PAGINA OPUESTA:

Traducción: Silvia Villegas.

la piscina. “Vas de una casa a otra, del almuerzo a la cena”, dice Dumas. Las salidas son para dar un paseo a caballo por las dunas o para comprar alpargatas y caftanes en Lavanda o antigüedades y obras de artesanos locales en el Stork Club, la galería que conducen Grange, Passebon y Marta Brito do Río, amiga de ambos. “Lo hacemos por gusto y por amistad. No lo haríamos si fuera trabajo”, dice Grange. Las tardes de los fines de semana, el almuerzo en el restaurante Sal de la playa Pego atrae a una multitud. Familias multigeneracionales se demoran en las mesas con platos de pulpo a la parrilla, almejas y botellas de vino espumante de la región mientras los niños juegan en la arena. Por las noches, la acción se desplaza al restaurante Museu do Arroz, ubicado en un antiguo molino de arroz, que se ha convertido en el country club de facto de la región. “Pero esto no es Saint-Tropez, este es un lugar muy sencillo”, dice Dumas. Con el correr de los años, se han abierto algunos hoteles pequeños y discretos como The Sublime, que ofrece cabañas respetuosas del medio ambiente en una antigua plantación de corcho, y el Casas Na Areia, un grupo de casas junto al mar, con techo de paja y pisos de arena blanca. La cadena de hoteles de lujo del

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“PARA mí, COMPORTA ES DISFRUTAR del PAISAJE y NO HACER NADA”. JACQUES GRANGE

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noticias

BAJO EL

SOL

Cinco claves de estilo para estrenar en el verano. Tratamientos, maquillaje y buenos hábitos. Por LOLA MONTEIRO Fotos MARIE BERIESTAIN Estilismo ROSA BOUZAS

Vestido, ANA LOCKING. Pendientes, J MUM. Botas, HUNTER. Valija, LOUIS VUITTON.

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1. EQUIPAMIENTO DE LUJO

Dior y Technogym, dos marcas asociadas al lujo, se unieron en torno a los deportes con motivo del lanzamiento de la nueva cápsula Dior Vibe, presentada en la colección Crucero 2022 por Maria Grazia Chiuri. Hay desde objetos de entrenamiento hasta ropa. Así las cintas de correr y los bancos de pesas multifunción conviven con calzas, bikers, shorts, tops, buzos, camperas y accesorios para descubrir a partir de enero de 2022. ¡A entrenar!

2. PIEL RESPLANDECIENTE

Los iluminadores y destellos de glitter van perdiendo terreno frente a productos que aportan un nuevo efecto húmedo, con fórmulas más saludables y brillos menos metálicos. Entre los destacados se encuentra la crema compacta de día L’Intemporel Blossom de Givenchy. Combina propiedades hidratantes y una textura suave en color blanco rosáceo que revela la luminosidad de la piel. Además, su fórmula cuenta con vitamina C, que aporta elasticidad, flexibilidad y brillo.

3. CEPILLADO EN SECO

Se trata de un ritual ancestral que limpia las células muertas acumuladas en la superficie de la piel. Lo ideal es hacer esa exfoliación todos los días con un cepillo de cerdas naturales. Gracias a las repetidas pasadas en forma ascendente, este tratamiento potencia la circulación linfática y sanguínea. Así, las toxinas se eliminan con mayor facilidad y la celulitis disminuye, dejando la piel más fina y tonificada. 144

BACE, el spa de belleza y estética de la Dra. Priscila Dzigciot, lanzó su propio kit de cepillos para rostro y cuerpo, realizados artesanalmente, con componentes naturales. (http://bacespa.com.ar/bace-at-home-productos/).

4. LABIAL ESTRELLA

Luego de dos años marcados por el uso de barbijos y de hacer foco en los ojos, Val Garland, directora global de maquillaje de L’Oréal Paris, demostró durante la última semana de la moda parisina que los labios son ahora los protagonistas del maquillaje. Firmas como Blumarine, Koché y Nina Ricci tomaron el gloss directo de los 2000 para aplicarlo sobre labios delineados, Saint Laurent vuelve sobre los labiales rojos que tanto extrañamos. Acne Studios sumó capas de lentejuelas holográficas y Giambattista Valli apostó a los tonos brillantes.

5. CUIDADO DE MANOS

Según WGSN –la compañía de pronóstico de tendencias con sede en Nueva York– nuevas fórmulas de tratamiento y belleza de manos y uñas nos sorprenderán luego de la pandemia. Afirma que dada la emergencia climática, la necesidad de soluciones sostenibles impulsará las “fórmulas sin” (libres de químicos). Entre los lanzamientos recientes está Sally Hansen con Good. Kind. Pure, una línea de esmaltes 100 % veganos. Por su parte OPI, creó la fórmula Nature Strong, con ingredientes de origen vegetal como la caña de azúcar, el trigo y el maíz. n

PAGINA OPUESTA: vestido, DEVOTA

& LOMBA. Pendiente, ADOLFO DOMINGUEZ.

ESTA PAGINA: vestido, REVELIGION. DIRECCION CREATIVA: Marie

Beriestain @marieberiestain. MAQUILLAJE: Anastasiia Babii @nastia.mua. PATRICIA MULLEN @patricia_mullen_making_faces ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Laura Terol Lora @loraterol. MODELO: Vika Ihnatenko para Number Management @vikaihnatenko PEINADO:

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ELEGIR con la nariz Concebido a comienzos de la década de los 90, el marketing olfativo cobra mayor presencia año tras año. Hoteles, locales de indumentaria, cines, restaurantes y todo tipo de negocios buscan instalarse en la memoria de sus clientes a través del mundo invisible pero influyente de los aromas. Por FEDERICO KUKSO Ilustraciones JUAN FRANCISCO BERTONI sobre fotos de MAGALI PAGNI

No se los ve. Ni muchos saben de su existencia. Pero están allí, prácticamente en todos lados. En cada rincón de los parques temáticos de Disney hay altavoces –algunos a la vista, otros ocultos en las paredes o en túneles subterráneos– que en lugar de arrojar sonidos bombean aromas. Se los conoce como smellitizers y son parte fundamental de la experiencia inmersiva y de consumo continuo que se busca inducir en los visitantes. Desde su instalación en 1984, estos dispositivos cumplen una importante misión: despertar emociones. “El olfato puede transportarnos a una época y un sentimiento que habíamos olvidado hace mucho”, cuenta en su libro Beyond the Castle: A Guide to Discovering Your Happily Ever After, Jody Jean Dreyer, una de las autoridades del llamado “lugar más mágico de la Tierra”. “Tal vez sea el olor familiar y aún tentador de las palomitas de maíz o de las galletas recién horneadas de Main Street, el olor a cuero mohoso y pólvora que emana del paseo de Piratas del Caribe o el de los cítricos de los naranjos de la atracción Soarin’. Estas esencias te transportan de una manera que una experiencia visual o auditiva por sí sola no podría”.

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“LAS PERSONAS RECUERDAN EL dos por ciento DE LO QUE VEN, EL CINCO POR CIENTO DE lo que oyen, oyen, Y EL 35 por ciento DE LO QUE huelen huelen”, ”, — Juan Miguel Antoñanzas

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Más que distracciones, estas emanaciones son parte del hechizo: generan una sensación instantánea de familiaridad y nostalgia, dando la bienvenida a los visitantes pero en especial haciendo que la visita quede para siempre grabada en su memoria. La estrategia tiene muchos nombres, como marketing olfativo, scent branding, olfactory manipulation... En el fondo, apuntan a lo mismo: aumentar las ventas a través de la nariz.

CONVERSACION SILENCIOSA

Ahora se lo recuerda por uno de sus inventos cosméticos, pero fue el francés Eugène Rimmel, uno de los primeros grandes empresarios del perfume, quien echó a rodar esta estrategia aromática. En 1861, inventó los almanaques perfumados con fastuosas ilustraciones para promocionar sus productos. También perfumó programas de teatro y conciertos, y tarjetas de San Valentín, además de obtener patentes de vaporizadores para aromatizar salas de teatro. Rimmel tuvo sus seguidores. Durante el debut del Nº 5 en 1921, la diseñadora Coco Chanel ordenó a sus vendedoras rociarlo por toda la boutique en París, desde los vestidores hasta la entrada. El marketing había descubierto la fuerza del olor. Lo que para entonces era una extravagancia ahora es una industria en expansión, una rama del llamado marketing multisensorial con resultados comprobados científicamente: los aromas crean un entorno agradable, tienden un vínculo emocional entre los clientes y una marca, y potencian la decisión de compra. “Las personas recuerdan el dos por ciento de lo que ven, el cinco por ciento de lo que oyen, y el 35 por ciento de lo que huelen”, asegura Juan Miguel Antoñanzas, de la empresa española Aromas &Co., responsable de que media Gran Vía de Madrid esté perfumadísima. Cuidadosamente seleccionadas para actuar en un segundo plano, las fragancias cautivan, ayudan a desatar una cascada de emociones en la mente del visitante y a disparar memorias, asociaciones, conceptos, conexiones. Un aroma puede lograr que un local se distinga de la competencia y hacer que los clientes lo identifiquen incluso de lejos. Visitar un shopping se convirtió en algo más que una experiencia visual. Ahora se asemeja a internarse en un carnaval de olores. Cada tienda busca distinguirse por su huella aromática propia, un gancho que de manera invisible encuentra desprevenido al visitante y lo captura por la nariz. “Es un potente canal de comunicación”, señala Eduardo Sebriano, especialista en marketing sensorial y gerente de la empresa Sebriano: Marketing con Sentido. “Podés no ver, podés no escuchar, pero no podés dejar de oler”.

Además de invertir en una identidad visual, iluminación, diseño de interiores y un eslogan atrapante, las empresas buscan distinguirse a través de un “odotipo” o logotipo olfativo, fragancias hechas a medida, coherentes con los productos o servicios ofrecidos: los aromas pueden evocar ideas y sensaciones distintas, como relax, glamour, frescura, limpieza, vanguardia, seguridad, lujo, misterio, cercanía, entre otras. “Las fragancias son muy variadas. Una gran mayoría tiende a ser afrutada”, cuenta Carlos Ambrosi, de la empresa cordobesa Oxigenar, con 15 años de carrera en marketing olfativo y clientes que van desde grandes concesionarias de automóviles al sector textil. “La búsqueda en general tiende a la frescura, pero en ciertos rubros como la hotelería se trata de evocar sofisticación. Hoteles pequeños intentan diferenciarse de hoteles cinco estrellas con esencias propias”. El olor a talco es el rey en tiendas para niños y bebés. Agencias inmobiliarias, por su parte, apuestan más por esencias que den sensación de hogar como chocolate, canela, vainilla. Tiendas de ropa masculina suelen ser aromatizadas con notas de madera y cuero que representan masculinidad y sofisticación. Para agencias de turismo se recomienda: maderas orientales, mango, coco, azahar. Y mandarina, limón, manzana verde y hierbas frescas para aviones, trenes y taxis, pues evocan limpieza. British Airways, por ejemplo, difunde toques de hierba del prado en clase ejecutiva, Qantas usa té verde y en las terminales del aeropuerto Heathrow de Londres predomina el pino para hacer que la gente se sienta más tranquila. El Hotel Ritz huele a ámbar, asociado al lujo, la exclusividad y la distinción. Mientras que The Westin usa una fragancia llamada White Tea, en venta en su tienda en forma de sprays, jabones y velas. La clave es que el olor permanezca en el fondo, que actúe en un segundo plano. Nunca debe distraer. Incluso en épocas de delivery, la experiencia se extiende a los hogares con envíos que llegan con el aroma propio de la marca. “El marketing olfativo en Argentina está en un desarrollo inicial”, indica Sebriano y amplía: “Está más maduro en hoteles, shoppings y tiendas premium donde se usan resinas en los sistemas de ventilación. Es un campo en expansión: hay grandes oportunidades para explorar en espacios como oficinas de productos intangibles, por ejemplo, locales de ventas de software y tecnología financiera. Las fragancias aumentan el compromiso de los consumidores, les brindan cercanía. Es una forma de dejar una presencia tangible desde el punto de vista sensorial”. n 149

MIN Agostini EN OBRA Tiene una identidad creativa muy potente. No hace moldería, y se guía por el volumen y movimiento de los materiales. Su formación como arquitecta siempre está presente en la construcción de las prendas. Propósitos esenciales de una diseñadora diferente.

Por ANDREA LAZARO 150

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Foto: @topohuerin Maquillaje: @ximenadiazbrush

Para Min Agostini la palabra moda remite a lo perecedero, una cualidad que no representa sus ideas sobre el vestir. La creadora de la marca homónima prefiere que sus prendas desafíen las tendencias y sobrevivan a la lógica del descarte. Fue su primera carrera, Arquitectura, la que cimentó sus principios de diseño. Su admiración por la escuela Bauhaus se refleja en el apego a la funcionalidad y el protagonismo de los materiales. En el atelier, las propiedades de la tela dictan cuál será su destino. Para mostrar las múltiples formas de habitar que tienen sus “construcciones al cuerpo” –como le gusta denominar a sus piezas– Agostini las modela en registros espontáneos que comparte en las redes sociales. El tono cercano del intercambio con las seguidoras de la marca habla de un vínculo de mutuo conocimiento creado en el tiempo. ¿Cómo fue que decidiste ponerte frente a la cámara? Quería que mi ropa se viera en una mujer que no tiene medidas perfectas. Elegí mostrarme natural, sin maquillaje ni las poses tradicionales de moda. La colección estaba preparada para ser fotografiada en modelos, pero en la pandemia no fue posible. Por ende ¡todo me quedaba larguísimo! Lo resolví subiéndome a un cajón de madera. En realidad, las autofotos surgen cuando estoy inspirada diseñando.

L’OFFICIEL:

MIN AGOSTINI:

¿Es parte del proceso de creación? Me gusta sentir las prendas, me manejo mucho con las sensaciones. Si tengo un ratito, aprovecho y me saco fotos con lo que tengo puesto. Diseño sobre mi propio cuerpo o el maniquí, en un ida y vuelta con la tela. El inconveniente que les veo a las carreras de indumentaria es que enseñan a crear en papel. Los figurines tienen medidas ideales y solo dos lados: frente y espalda. Así se explica la existencia de las costuras laterales que tienden a ensanchar la silueta. Las evito y así mi ropa resulta supersentadora. L’O:

MA:

¿Y cómo responden tus clientas a las propuestas? Siempre diseñé para toda edad y tipo de cuerpo. Mis clientas oscilan entre los 15 y los 80 años. Cuando tenía más contacto L’O:

MA:

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¿Influyeron tus estudios de arquitectura en la comprensión del cuerpo? Totalmente, la volvería a elegir como carrera madre para luego estudiar indumentaria en Milán, tal como hice. Cursé en el Istituto Marangoni y en el Istituto Europeo di Design (IED). La arquitectura te enseña a pensar en tres dimensiones. Mi estilo está definido por la apreciación del espacio. El 90 % de mis prendas es una única pieza de género con uno o dos cortes, a lo sumo. No hago moldería ni uso las pinzas tradicionales. La ropa es holgada, cómoda, sin apretujes; destaca la figura desde otro lugar. Trato de que las costuras no se vean a menos que sean un detalle constructivo, en cuyo caso, las aprovecho. Priorizo las terminaciones a mano. Tengo modistas de alta costura a mi lado para que todo quede perfecto.

L’O:

MA:

¿Cómo te vinculás con el arte? Estoy en contacto permanentemente con artistas. Hace más de diez años hice la cartera Acodarte con Marta Minujín. Es una sustracción de la instalación Colchón (Eróticos en technicolor) de 1964. Tengo varios vestidos intervenidos por nombres de la talla de Yuyo Noé o Eduardo Hoffmann, entre otros. L’O:

MA:

¿Cuál es tu criterio de selección de materiales? Compro los géneros sin saber a priori para qué serán, mi proceso creativo es a la inversa. Las colecciones no siguen un concepto o una inspiración determinados. Recién cuando tengo de diez a quince componentes terminados encuentro el hilo conductor. Para determinar si se tratará de un vestido, una blusa o un pantalón, apoyo la tela sobre mi cuerpo y empiezo a jugar con ella. Me dejo guiar por el volumen y el movimiento que producen los diferentes textiles.

L’O:

MA:

También hay algo lúdico en tu invitación a descubrir los usos posibles de una misma prenda. MA: Que una pieza pueda contener a otras es algo que está presente desde mis inicios. Quiero que cada una siga siendo única y especial con el paso del tiempo, que se adapte al mood que tengas en ese momento, que te acompañe en diferentes etapas de tu vida y pase de generación en generación. L’O:

¿Cuál es tu definición personal de lujo? Tiene que ver con experimentar algo que fue bien pensado. En el caso de la indumentaria, se trata de cómo te hace sentir. Debe sacar lo mejor de vos, darte seguridad, identidad y libertad. Creo fuertemente que el lujo debe encaminarse hacia un consumo consciente. Soy partidaria de las compras pensadas, de anteponer la calidad a la cantidad. Ese es mi camino, estoy en una búsqueda constante para aportar un granito de arena en ese sentido. n L’O:

MA:

Fotos: @juanferrarifotografias. Maquillaje: @delavegamakeup. Peinado: @sergiolamensaok.

“DISEÑO SOBRE MI PROPIO cuerpo O EL maniquí maniquí,, EN UN IDA Y VUELTA CON LA tela tela”.”.

directo con ellas en el local, me encantaba ver cómo les cambiaba la actitud al probarse la ropa. Sonreían, hasta la postura corporal era otra. Me interesa que toda mujer encuentre algo que saque lo mejor de ella de acuerdo con su propio estilo y su onda. Todas tenemos el potencial de gustarnos y a mí me hace inmensamente feliz contribuir a que encontremos nuestra propia belleza.

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Más allá de lo

REAL

De la ciencia ficción a la realidad la crisis de la covid-19 impulsó el paso. Y es ahora, en el mundo virtual donde la moda y el arte prueban su futuro entre los gamers fashionistas y las compras en NTF. Por CLAIRE BEGHIN

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En nuestra memoria colectiva, 2020 quedará como el año en que nos quedamos en casa e hicimos scroll eterno en Instagram y TikTok como parte de la inercia entre las sesiones de trabajo, las idas y vueltas al supermercado y las tareas domésticas. Meses marcados por la única certeza de que nada jamás volvería a ser lo que fue, y que en esta etapa habría que reflexionar sobre las nuevas formas de hacer girar el mundo y –con ellas– nuestras maneras de consumir. Durante los meses en que tiendas y museos cerraron sus puertas, impulsando el comercio electrónico y la exhibición virtual, el arte y la moda –dos de los medios más significativos si se trata de elaborar un relato mientras se sacan cuentas–, se encontraron en el corazón de una pequeña revolución que nació en nuestras pantallas mucho antes de la crisis de la covid-19, pero que la pandemia aceleró considerablemente. En 2019, la firma escandinava The Fabricant realizó la venta de un vestido virtual por 9.500 dólares. Un año después, en medio del confinamiento, la industria experimentó con sus pri-

meras Semanas de la Moda digitales en streaming, fashion films y, en el caso de las marcas más arriesgadas, modelos 3D y una estética gamer distópica. Balenciaga presentó su colección otoño-invierno 2021 enteramente en 3D; Chanel y Dior trabajaron sobre sus diseños a través de filtros virtuales, y Bottega Veneta abandonó Instagram para presentar sus colecciones por medio de fanzines interactivos ultraeditorializados. La moda probaba un nuevo lenguaje digital, incluso al margen de las redes sociales, manteniendo los pies en el mundo real. En paralelo, galerías especializadas en arte digital emergieron en Miami y Dallas, y una treintena de “criptoartistas” presentaron sus trabajos digitales en el encuentro Bitcoin 2021. Luego llegó el estadounidense Mike Winkelmann –conocido en el circuito como Beeple– y su obra digital Los primeros 5000 días se vendió en 69 millones de dólares a través de la casa Christie’s como NFT (Non Fungible Token). Un hito histórico en

PAGINA OPUESTA: la ESTA PAGINA: en

obra numérica Todos los días: Los primeros 5000 días, del artista estadounidense Beeple. 2019, la marca escandinava The Fabricant hizo su primera venta-subasta de un diseño virtual por 9.500 dólares.

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Campaña publicitaria Bottega Veneta y zapatillas virtuales Gucci de la colección Sneaker Garage. PAGINA OPUESTA: retrato de Travis Scott, imágenes del diario digital “Issue 02”.

al margen de su clientela histórica. Me da más miedo un geek de 12 años con ideas más cool que las nuestras que las grandes marcas que siguen dando la pelea en TikTok”, explica.

EMBELLECERSE EN EL METAVERSO

el mundo de estas famosas monedas virtuales cuya función es certificar y autentificar un objeto virtual. La moda no tardó en comprender el potencial económico. RTFKT, un estudio creativo fundado en enero de 2020, vendió 600 pares de zapatillas virtuales por más de tres millones de dólares en pocos minutos. Sus compradores las probaban a través de Snapchat y, tras la compra en NFT, podían recibir los productos elaborados en una pequeña fábrica británica.

LA MODA SE CONVIERTE EN JUEGO “Todo el mundo se pasó el año encerrado sin saber qué hacer, salvo los geeks, que sí sabemos qué hacer cuando estamos encerrados en casa”, dice riendo Benoît Pagotto, uno de los cofundadores de RTFKT. Su principal objetivo: los jugadores adictos a los videojuegos y la cultura geek. Durante el verano de 2020, los fans del juego Animal Crossing, que ya se divertían reproduciendo ropa de diseño y obras célebres, pudieron vestir sus avatares con trajes de Marc Jacobs y Valentino. Pero donde estas grandes firmas solo identificaron un gancho de marketing, Benoît Pagotto y sus socios han construido todo su negocio en el universo gamer. Fue mientras trabajaba como director de marketing del club de e-sport Fnatic que detectó las posibilidades de combinar moda y videojuegos. Con motivo del Mundial League of Legends 2018, creó un par de zapatillas virtuales para los personajes de su equipo, que rápidamente fueron vistos por millones de streamers aficionados a la ropa de calle. “Todo el mundo las quería. Fue entonces cuando pensamos que podíamos avanzar”. Sin preocuparse por la competencia de la industria del lujo. “Para ella sigue siendo solo una palanca de marketing 156

“Hay mundos virtuales completos que se están digitalizando”, asegura la artista y curadora Hilde Lynn Helphenstein, alias Jerry Gogosian. Cobró notoriedad en Instagram por sus ataques satíricos al mercado del arte y su elitismo y dinámica capitalista: el meta arte por excelencia, hecho a la medida de nuestros tiempos. Para Gogosian, esta desmaterialización va de la mano del desarrollo de las criptomonedas y sus nuevas economías. “Llevamos años viendo las posibilidades en juegos como Second Life. (…) Pero no se tuvieron en cuenta hasta que el mundo del arte no puso su sello”. En su opinión, pasará algún tiempo antes de que el mercado se vuelva permanente en la práctica. “Pero yo diría que comercializar una obra como NF tiene más sentido desde el punto de vista filosófico que perpetuar la dinámica actual del mercado”. (…) TikTok e Instagram están llenos de jóvenes artistas que nadie conoce, solo necesitan buenos curadores”. Esta es la generación a la que la moda se dirige ahora, los nativos digitales que se sienten casi más cómodos en el mundo virtual que en el físico. Ya son unos 500 millones de gamers en Fortnite y League of Legends dispuestos a pagar por personalizar sus “skins” (elementos gráficos que permiten cambiar la apariencia de un personaje) con accesorios de lujo. A través del sistema blockchain, el almacenamiento y la transmisión segura de datos, las marcas pueden crear espacios dentro del ecosistema de un juego y abrir tiendas para vender sus artículos desmaterializados. Por ejemplo, Gucci instaló una zona de venta en la plataforma de juegos Redix, donde sus bolsos podían adquirirse por unos cinco dólares. Uno de ellos se revendió en más de cuatro mil. Karinna Nobbs ya había previsto este frenesí. “Nadie quiere estar desnudo en el metaverso”, bromea la investigadora de la moda digital y cofundadora de The Dematerialised, plataforma de venta de ropa virtual. En tiempos en que la imagen que proyectamos de nosotros mismos en las redes sociales es casi más importante que la que proyectamos en la vida real, la combinación de moda y NFT tiene un evidente potencial comercial. Nobbs identifica tres tipos de clientes: “los fashionistas que quieren publicar fotos de sí mismos llevando piezas virtuales únicas; gamers que quieren vestir sus avatares; y la comunidad criptográfica que está más interesada en la especulación y la rareza”. Una vez que se compra una pieza en The Dematerialised, se la puede sumar a una foto personal para publicar en las redes, a un videojuego para vestir a tu avatar, a una plataforma de intercambio de productos peer-to-peer o a una galería virtual, como coleccionista. “El plátano de Maurizio Catellan parece estar muy lejos, ¿no?”, comenta Hilde Lynn Helphenstein.

BIOMIMESIS Y REALIDAD AUMENTADA ¿Se verá la moda ‘física’ afectada por su contraparte virtual? Gala Marija Vrbanic, cofundadora de la firma digital Tribute Brand, que recientemente colaboró con Jean Paul Gaultier, advierte una evolución hacia una mayor neutralidad y sostenibilidad. “Vemos esto como ciencia ficción, pero Apple está trabajando en unos lentes de realidad aumentada. Con el tiempo, las formas, los patrones y los colores podrían proyectarse sobre ropa lisa, funcional y sólida que actuaría como un lienzo

en blanco”, dice. Piensa que esto también podría significar el fin de la moda rápida. “Podemos permitirnos imaginarlo”, reflexiona Karinna Nobbs. “Si es posible probarse y comprar una pieza de manera digital antes de decidir si lo hacemos o no en la vida real, podríamos avanzar hacia un modelo sin stock, donde marcas como H &M o Inditex dejan de producir cientos de miles de prendas que acaban en la basura”. Todavía hay que desarrollar un modelo de negocio viable, y para qué hablar de la caída perfecta de una prenda 3D. La mayoría de las marcas digitales trabajan con patronistas que están acostumbrados a cortar y montar piezas reales. La marca Auroboros está trabajando en esta alianza entre tecnología y ecología. Ofrece “alta costura biomimética” que

–literalmente– crece en el cuerpo a través de un proceso de cristalización química con el apoyo de una estructura a medida antes de desaparecer unas horas después. El mito de la Cenicienta, al estilo del siglo XXI. Para sus fundadores, sus creaciones combinan ecología, alta costura y el arte de la performance. Su línea de prêt-à-porter es totalmente virtual y funciona bajo el mismo principio que Tribute Brand, The Dematerialised, The Fabricant o la veintena de marcas que ya se venden en el sitio web de DressX, otro marketplace digital de la moda. Con la reciente creación del primer Instituto de Moda Digital de Londres, podemos apostar a que la lista crecerá en los próximos años. ¿Continuarán la moda y el arte impulsándose hacia otro mundo cada vez más concreto? n 157

ESTA PAGINA: vestido, ADRIAN

BROWN. Pendiente, JULIO TOLEDO. KARNOUBI. Chaqueta, NAIMA.

PAGINA OPUESTA: conjunto, VALENTINA

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INDIA TIENE

MUSICA El legado y una voz estremecedora hacen que su carrera sea una flecha disparada al blanco. Solo resta aguardar el impacto. Fotos SANTIAGO ALBANELL Estilismo FRANCO DERNA 159

“MI ABUELO Y MI PAPA SON LAS PERSONAS QUE MAS admiro admiro.. PAPA ME AYUDA mucho CON LA MUSICA”

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PAGINA OPUESTA: solero, GINEBRA. Sandalias ESTA PAGINA: vestido, DAELS.

NAIMA. Pendiente, JULIO TOLEDO. Sandalias NAIMA.

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Por MARIANA RIVEIRO

Quizá la genética deje huella. Quizá el talento se imprima en el ADN. Pero algunas cosas no admiten azar: la determinación y el esfuerzo tienen consecuencias. Por eso, India Ortega corre con ventaja. A los 16 años, la hija menor de Emmanuel Ortega y la exmodelo Ana Paula Dutil sabe perfectamente lo que quiere: dedicarse a la música. Llega a la entrevista puntual. Viste jeans negros de pata ancha, una chaqueta de cuero holgada y una remera lisa. Tiene el cabello suelto y ni un atisbo de maquillaje. Recién termina su clase de castellano, ya que cursa sus estudios en forma particular. Luego de vivir nueve años en Miami, la familia decidió subir su vida a un contenedor que bordeara el continente para instalarse en Argentina. Actualmente, India vive con su mamá, aprende piano con un amigo, canta con su primo Dante, practica acordes en la guitarra y comenzó su carrera como modelo. Planea, además, volver a jugar al fútbol (debió abandonar por una lesión que tuvo haciendo gimnasia deportiva). Y del núcleo de ese planeta etéreo propio de una adolescente, brota una voz poderosa, profunda y cálida que envuelve una carrera promisoria. Apuntes de un futuro que recién comienza.

¿Cómo fue volver al país en plena pandemia? Volví el 6 de noviembre de 2020. Al principio no salí por un mes, estaba negada, llorando. Dejé toda mi infancia y mis amigos allá; fue muy duro. Pero aquí empecé a modelar y me gustó mucho.

L’OFFICIEL:

INDIA ORTEGA:

Ya hiciste varias campañas, ¿cierto? Hice una de pijamas para Caro Cuore, la de Naima ya tres veces y una editorial para una revista dominical. Me invitaron a un desfile y voy a ir vestida por la marca. Ahora estoy empezando a tener bastante trabajo y estoy contenta. Me divierte. Creo que es el principio de algo. L’O: IO:

¿Cómo definirías tu estilo? Me gusta usar jeans, remeras, prendas más básicas. Elijo estar cómoda, vivo en jogging y buzo. Pero amo la ropa. En Miami compraba un montón, todo el día estaba mirando ropa online. Acá, todavía, no encuentro demasiado.

L’O: IO:

¿Te gustaría regresar a Miami? La pasé muy bien en Miami. Me gusta el mar. Me encantaba salir en el barco. Mis amigos y el mar son lo que más extraño. Pero cuando llegué acá me di cuenta de que Miami es un buen lugar para visitar, pero no para vivir, porque es muy turístico. L’O: IO:

Pañuelo NAIMA.

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Traje de baño CARO CUORE.

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¿Volverías a Estados Unidos? Sí, yo quiero vivir en Estados Unidos sí o sí cuando sea más grande. Todavía no sé dónde. Nueva York es un lugar interesante, también California, Los Angeles. Antes, me encantaría alquilar una casa rodante y salir a recorrer la costa de California.

¿Tenés algún referente? Me encanta Billie Eilish, cómo canta, su voz, porque a veces las letras son un poco deprimentes. Vi su documental y ella también empezó joven, a los 15. Siento que me representa mucho. Ahora está menos dark y me gusta más.

¿Cómo es ser parte de una familia tan ligada al arte? Mi abuelo y mi papá son las personas que más admiro. Papá me ayuda mucho con la música. Como él empezó a los 15 y enseguida comenzaron las giras por el mundo, me aconseja que no me apure para no perder etapas de la infancia. Con mi abuelo también comparto esa pasión. Siempre me pregunta cuándo vamos a escribir una canción juntos. También con mi tía Rosario, todos me dicen que soy muy parecida a ella.

Por lo general cantás en inglés, ¿te gustaría hacerlo en castellano? Todos los covers que se pueden escuchar en mi cuenta de IG son en inglés. Como ahora vivo acá, quiero empezar a cantar en español. Estudio con una maestra particular. Siento que el inglés es mi primera lengua porque me fui a vivir a Estados Unidos a los seis, pero en realidad no lo es. No estoy acostumbrada a escribir en español. Estoy aprendiendo a mi ritmo.

L’O: IO:

¿Componés tus propios temas? IO: Estoy tratando. Yo toco el ukelele. Intento escribir letras, pero me cuesta. Escribí una canción con mi hermano Noe pero nunca la grabamos. Cuando nos vemos, nos sentamos a hacer música y es muy lindo. A él no le cuesta escribir, así que yo doy ideas y él les da forma. L’O:

¿Qué tipo de música escuchás? IO: Pop. No tanto lo que suena en todos lados, que es más trapero. Ese no es mi estilo. Me gusta la música más tranquila. L’O:

ASISTENTE DE ESTILISMO: Sofia

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L’O: IO:

La idea es ir adaptándose sin apuro... Sí, yo venía a Argentina todos los veranos, solo por tres meses. Entonces me estoy acostumbrando a la calle, al lenguaje, a todo. No tengo muchos amigos acá. Los pocos que hice tienen que ver con el modelaje. Ahora estoy de novia. No necesito más, estoy contenta.

L’O: IO:

¿Cuáles son tus planes? Me quiero concentrar en la música. Es muy lindo porque es algo que está presente en la familia. Yo siempre supe, desde chiquita, que me iba a dedicar a la música. Amo. n

L’O: IO:

Vestido y zapatillas, MISHKA. Collar, JULIO TOLEDO. Pironio. MAQUILLAJE Y PEINADO: Pola Amengual, con productos Sebastian Pro. AGRADECIMIENTOS: Luna/Oks Textiles, @lunaoks

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DE VIAJE

Un recorrido por paisajes evocadores que se percibe allí, en la superficie mas placentera, la de la piel Fotos LUCAS KIRBY Estilisamo BIANCA SIFREDI

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1. Dior homme, cologne masculina, DIOR. 2. Agua Fresca - Lima Tonka, eau de toilette, ADOLFO DOMINGUEZ. 3. YSL, eau de toilette masculina, YVES SAINT LAURENT. 4. Ralph, eau de toilette, RALPH LAUREN 5. CK ONE SUMMER, eau de toilette, CALVIN KLEIN. 6. Concentré d’Orange verte, eau de toilette, HERMES. 7. Authentic Beauty Concept, eau de toilette, AUTHENTIC BEAUTY CONCEPT.

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8. Au Thé Blanc, eau perfumeé, BVLGARI. 9. Ella, eau de toilette, LOEWE. 10. Paris - Biarritz, eau de toilette, CHANEL. 11. Daisy Love, eau de toilette, MARC JACOBS. 12. Costa Azzurra, eau de parfum, TOM FORD. 13. Kenzo Flower, eau de toilette, KENZO. 14. Irresistible, eau de cologne, GIVENCHY.

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ESPACIO JULERIAQUE

Viví LA BELLEZA Juleriaque realiza una campaña protagonizada por Natalia Oreiro. Oreiro. Plantea nuevos desafíos para conectar con la estética y el bienestar.

La belleza no es única y su definición cambia constantemente, pero lo que sí es inalterable es cómo las personas la expresan y las historias que trasmiten a través de ella. Con la campaña Viví la belleza, la cadena de perfumerías Juleriaque propone explorar este concepto y encontrarle nuevos sentidos. Para eso, identifica diferentes estados y momentos, a través de cuatro capítulos:

SENTIR. Dejarnos envolver libremente por la experiencia de la belleza sin juzgarnos, sin interpelarnos. Simplemente tomarnos el tiempo para sentirla. “ROCKEAR”. La belleza es movimiento, acción, todo aquello que se expresa para cautivar y se anima a desafiar los modelos establecidos. EXPLORAR. Jugar y experimentar con el maquillaje es parte de la experiencia para descubrir diferentes versiones de cada persona. COMPARTIR. Desde gestos simples como una sonrisa o un guiño de ojos hasta una mirada cómplice. La belleza nos trasciende. 170

Para esta campaña, Juleriaque eligió a Natalia Oreiro como embajadora a quien califican “como una exponente de la mujer real y auténtica”. “Para mí agradecer es conectar con la belleza. Poder dar las gracias a una arruga que apareció y nos recuerda todo lo que hemos reído”, dice la actriz y agrega: “Cada día hago el ejercicio, aunque muchas veces requiere de esfuerzo, de mirarme al espejo sin juzgarme, sin ser crítica, porque vivo también mi belleza como mujer cuando comparto y me juego por aquellas causas que considero importantes. Conecto con la belleza acompañando los constantes cambios en la vida, pero a mi manera y con mis tiempos”, dice. Juleriaque es la cadena de perfumería líder de Argentina. Fundada en Rosario en 1985, hoy tiene presencia en todo el país a través de sus 40 sucursales. Se especializa en maquillajes, fragancias, tratamientos cosméticos y productos capilares; comercializa más de 90 marcas, nacionales e importadas. La invitación a vivir la experiencia de la belleza siempre está presente en esta empresa, ofreciendo a sus clientes la posibilidad de probar los productos, obtener asesorías y recomendaciones. n www.Juleriaque.com.ar @perfumeriasjuleriaque

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PASAJERA

frecuente

No se sabe si fue ella la que lo buscó o si el trabajo de sus sueños la encontró primero. Clara Cao logró unir dos pasiones pasiones:: viajar y sacar fotos. Por CELESTE NASIMBERA

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“SIEMPRE ME orienté A MOSTRAR EXPERIENCIAS Y contar HISTORIAS”. En los últimos años el amplio desarrollo de las redes sociales generó nuevas dinámicas de trabajo. Clara Cao (@claritacao) inició sus estudios en diseño gráfico y en comunicación social mientras trabajaba en el área digital de Jazmín Chebar e iba probando con la fotografía. No pensó que ese ejercicio lúdico podría proyectarse en la definición “creadora de contenido”, aún ni se utilizaba el término. Hoy, detrás del lente y de una cuenta activa en Instagram, relata experiencias de viajes en las ya establecidas narrativas digitales. ¿Cuál es tu primer recuerdo vinculado a la fotografía? No es un recuerdo, es algo que percibí cuando ya estaba trabajando: revisé y encontré que tenía muchas fotos de mí misma sacando fotos…Una locura. Para mí la fotografía es 80 % experiencia y 20 % teoría. Aprendés haciendo.

L’OFFICIEL:

CLARA CAO:

¿Recordás tu primera cámara? CC: Tuve varias de mi familia pero la primera propia fue una Kodak digital, no estaba ni cerca de ser profesional. Tenía unos quince años y un CD donde venía un programa con filtros que podías aplicar. Me encantaba usarla. L’O:

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¿Cuándo se transformó en una actividad frecuente? Siempre saqué fotos en viajes, registraba y compartía en redes. Me fui de vacaciones a Uruguay y, en Año Nuevo, recibí un petardo en la pierna. Por ese accidente, no pude estar en contacto con la arena ni el mar por un mes. Yo ya tenía planeado un viaje con amigas a Costa Rica y decidí ir igual. Fui con la cámara y me marcó: aprendí a sacar fotos porque era lo único que podía hacer.

L’O:

CC:

¿Qué fue lo primero que subiste a Instagram? No me acuerdo… Siempre me interesó compartir, estar actualizada, usé la plataforma desde el principio. Cuando empezó era para sumar filtros, entonces me encantaba. L’O:

CC:

L’O: ¿Cuándo sentiste que la cuenta se volvió un perfil de alta visibilidad? CC: No hubo un momento. Desde que empecé intenté tener un público que fuera genuino, lograr una interacción real. Con los viajes y los distintos trabajos se va generando. Fue paulatino y lo sigue siendo.

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“VIAJAR TE SACA constantemente DE TU ZONA DE confort confort,, TENES QUE HABLAR EN DISTINTOS idiomas O ESTAR EN SITUACIONES DESCONOCIDAS”.

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¿Cómo surge la vinculación con las marcas? ¡Trabajé con muchísimas! Crecí en una familia interesada en la moda. Cuando empecé en Jazmín Chebar, les hice las redes sociales desde cero, ahí me di cuenta de que me gustaba. Después fueron surgiendo oportunidades en viajes, y siempre me orienté a mostrar experiencias y contar historias. Nike es una marca que me inspira, en marketing es de avanzada y trabajar con ellos es genial, te dejan crear.

L’O:

CC:

Tenés tu propio pódcast, ¿cómo nació la idea? Me dio la posibilidad de hablar desde un lado más sincero, es un espacio que me permite expresarme un montón y compartir herramientas que uso para vivir la vida lo mejor que puedo. L’O:

CC:

¿En qué momento viajar se volvió parte de tu trabajo? Mi objetivo siempre fue viajar. Era lo que más me motivaba. Muchas veces pensaba que en algún momento podría vincularlo a la fotografía… Y finalmente se dio esa posibilidad con el avance de las tecnologías, de las redes sociales, del interés de las marcas por relatos en primera persona. L’O:

CC:

¿Qué significa viajar para vos? Para empezar: moverse es lo más importante. Viajar te saca constantemente de tu zona de confort, tenés que hablar en distintos idiomas o estar en situaciones desconocidas. Es superrico, te nutre, te hace aprender con un alto nivel de intensidad… Pero lo que más me genera es libertad. n L’O:

CC:

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EN FOCO 179

¡EN VIVO Y EN DIRECTO! “La Marée” nos llevó con olas brillantes a un reencuentro. Cala & L’Officiel y los buenos motivos para disfrutar de la moda.

1. Ana Torrejón y Julio Kim. 2. Dora Becher y Agustina Fernández Sardo. 3. Delfina Chaves. 4. Sofía Suaya. 5. Loli Calderón. 6. El show de Rosario Ortega.

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7. Bárbara Lombardo⁣. 8. Carolina ”Pampita” Andohain. 9. Nina Amateis⁣. 10. Lorena Ceriscioli, Leo Pereyra y Gabriela Setton. 11. Vânia Rothen⁣. 11. Mónica Antonópulos. 12. Marina Lis Ra y Luli Rivero.

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LA CELEBRACION DE MERCEDES-BENZ 70 años de Mercedes-Benz en Argentina y una clase de estilo de vida en la caravana protagonizada por 70 modelos clásicos. Recorrida glamorosa por la ciudad de Buenos Aires con un broche final en el Club Pilará. 7

1. El vehículo más antiguo fue un Mercedes del año 1912. 2. Charly Alberti junto a Manuel Mantilla, presidente de Mercedes-Benz Argentina. 3. Anushka Elliot. 4. Pablo Sibilla de Renault, Federico Ovejero de GM, Martín Galdeano de Ford, Manuel Mantilla de Mercedes-Benz, y Daniel Herrero de Toyota. 5. El embajador de Alemania en Argentina Ulrich Sante junto a su mujer. 6. Fernando Carolei y Federico Wiemeyer. 7. Iván de Pineda estuvo a cargo de la conducción y entrega de premios.

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SUPER PRIX Sonrisas, burbujas y buenas intenciones. Prix de Baron B Édition Solidarité, en su décima edición fue a total beneficio de Techo Argentina. Celebrar la vida! 4

1. Franco Masini. 2. Carla Peterson. 3. Josefina Conte, responsable de Desarrollo de Fondos de Techo Argentina, junto a Gustavo Perosio, Director General de Moët Hennessy Argentina. 4 Lucila y Armando Bo. 5. Sabrina Garciarena y Germán Paoloski. 6. Julieta Nair Calvo. 7. Nacho Figueras y Delfina Blaquier. 8. Angelita Landaburu. 9. Julieta Cardinali. 10. Mona Gallosi. 11. Valeria Mazza. 10

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BIENESTAR

CUERPO ANIMADO

La Biomecánica Aplicada al Movimiento (BAM) de la doctora Teresa Zalazar es una propuesta que enseña a utilizar la musculatura para favorecer el bienestar bienestar.. Su nuevo libro detalla los pasos para aliviar dolores y adquirir flexibilidad. Por CATA DEL PINO “El cuerpo tiene memoria y procesa cada una de las situaciones en las que vivimos, por eso es tan importante escucharlo y darle un espacio especial”, dice la doctora Teresa Zalazar sobre su método: Biomecánica Aplicada al Movimiento (BAM). Médica cirujana, especialista en rehabilitación, nació en la provincia de Córdoba y hoy vive en Buenos Aires. De chica, le diagnosticaron escoliosis y la enfermedad fue empeorando con los años. La única solución que los médicos le sugerían era la cirugía. Luego de varias consultas, encontró un método alternativo, sin necesidad de intervención. Zalazar se capacitó en diferentes técnicas corporales, entre ellas la antigimnasia, creada por la fisioterapeuta francesa Thérèse Bertherat, donde encontró las bases para desarrollar un método propio. En el libro Escrito sobre el cuerpo (2021) detalla desde los movimientos centrales de BAM hasta los beneficios. “A veces es necesario entender lo que fuimos escribiendo en nuestro cuerpo a lo largo de los años”. Usted es médica cirujana, sin embargo, para curarse de su escoliosis eligió un camino no invasivo, que parece ser el contrario a su especialidad. ¿Cómo lo explica? TERESA ZALAZAR: Parte de mi formación en la universidad fue la cirugía, que no está reñida ni enfrentada con la rehabilitación. Lo que hay que intentar siempre es buscar el camino menos traumático. Y aun cuando la cirugía es la única opción, también se puede trabajar el cuerpo para cualquier tipo de procedimiento. Los caminos pueden ser complementarios. L’O: ¿Podría explicarnos la técnica del BAM en simples pasos? TZ: Se basa fundamentalmente en movimientos que trabajan sobre la postura y la percepción corporal, reorganizando las L’OFFICIEL:

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“EN NUESTRO CUERPO ESTA escrito TODO LO QUE vivimos vivimos,, LAS COSAS LINDAS Y FEAS, NUESTRAS alegrías Y TRISTEZAS”.

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“AL DESCUBRIR NUEVAS posibilidades DE MOVIMIENTO SE APRECIA fácilmente QUE EXISTEN MUSCULOS DE LOS QUE NO SE TENIA conciencia NI SE SABIA COMO MOVER”.

Foto: Alejandra López.

diferentes cadenas musculares. Se realizan desde pequeños hasta grandes movimientos, en sesiones individuales o grupales. Cuando el cuerpo se siente pesado, rígido, cansado, significa que algo le está pasando. Incluso respirar se puede volver un esfuerzo. Al descubrir nuevas posibilidades de movimiento se aprecia fácilmente que existen músculos de los que no se tenía conciencia ni se sabía cómo mover. L’O: ¿Quiénes pueden practicar esta técnica? TZ: En el libro digo un poco en broma que BAM es para todas las personas que tienen un cuerpo, y lo cierto es que todas y todos tenemos uno. Así que es para un público muy amplio. Esta técnica mejora la postura, la marcha, la dinámica de las articulaciones y el equilibrio. Beneficia el estado muscular y el cardiorrespiratorio, la salud ósea y funcional. Reduce el riesgo de caídas y fracturas. Es fundamental para el equilibrio energético. Al recuperar la movilidad, la forma, la estructura en eje, se alivian dolores y tensiones. L’O: ¿Se puede practicar BAM solo, sin ayuda de un profesional? ¿Y en casa? TZ: ¡Claro que sí! El libro tiene movimientos para realizar en casa y también en la web hay sesiones cortas. Para practicar BAM no es necesario contar con conocimientos previos, ya que los movimientos son muy sencillos, precisos y fáciles de entender. Están pensados para respetar los ejes anatómicos y la forma natural del cuerpo, por lo que es imposible lesionarse durante el trabajo. L’O: ¿Cuántas veces por semana recomienda hacer esta práctica? TZ: Todas las veces que el cuerpo lo desee, no tiene un límite, y sí, la recomendación es hacer este trabajo corporal al menos una vez a la semana. L’O: En el libro menciona que a veces buscamos lograr para nuestro cuerpo una perfección simplemente estética, no una funcional. ¿Cuáles cree que son los primeros pasos que hay que dar para estar en armonía? TZ: El libro busca entender que nuestro cuerpo y nuestra historia van de la mano. En nuestro cuerpo está escrito todo lo que vivimos, las cosas lindas y feas; nuestras alegrías y tristezas. Françoise Mézières, una gran maestra de la Biomecánica, tenía una frase que me encanta, ella decía que todos somos bellos y bien hechos, solo hay que encontrarse con esa forma de percibirnos. n

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Mientras la COVID-19 convirtió las fiestas en un capítulo prohibido de la historia, las últimas pasarelas intentaron revivir las noches de glamour. Quizás la obsesión por todo lo que brilla sea la respuesta de la moda a los primeros cierres por la pandemia y a las posteriores restricciones para las grandes reuniones durante el año pasado. En general, hoy la moda tiene reminiscencias de la cultura disco de los años 70, muy presente en las páginas de L’OFFICIEL, ya sea mediante imágenes de la propia década o de nostálgicas editoriales de eras posteriores. Templos legendarios de la música disco –como el emble188

mático Studio 54 de Nueva York y Le Palace de París– se han convertido en símbolos del exceso y el glamour de la época. Fue un tiempo de desenfreno; un breve momento entre la revolución cultural de los años 60 y el “más es más” de los 80. Desde el látex, el cuero y los brocados hasta el impecable esmoquin blanco, los años 70 fueron un momento inigualado de la moda, nacido de la aparición de los noctámbulos y de una intelectualidad urbana, que dejó una huella imborrable en la cultura actual. n Por Anne Gaffié

Traducción: Silvia Villegas.

La fascinación de la moda por las fiestas y celebraciones se revela en las páginas de L’OFFICIEL, donde los conjuntos extravagantes brillan con la promesa de una salida nocturna.

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