L'OFFICIEL ARGENTINA JUNE 2021 by L'Officiel Inc.

JUNIO-AGOSTO 2021

KATY PERRY Ave Fénix

Nº 29 $390 INTERIOR $20

CANCIONES DE INVIERNO Bhavi • Chiara Sacchi • Jorge López Podcasts • Aldi & Anto Simes • Di Tella

JUNIO-AGOSTO 2021

BHAVI Con buena estrella

EDITORIAL Por ANA TORREJON

NOUVELLE VAGUE Por LAURE AMBROISE Foto: ANTHONY VACCARELLO

LECTURAS Por FACUNDO ABAL

14 16

CERCA DE LAS ESTRELLAS

LO QUE EL DI TELLA NOS DEJO

PALCO PREFERENCIAL

CLARA, COMO ENCENDIDA

“DESTINADO A HACERME RICO”

EL AROMA DE LAS MARGARITAS

Por ANDREA LAZARO

Por DOLORES CAVIGLIA

Por CELESTE NASIMBERA Fotos: BIANCA SIFREDI y STEVEN SIERRA

Por FERNANDA SANDEZ Estilismo: JORGE LEON Fotos: ALEJANDRA LOPEZ

Por CATA GRELONI PIERRI Estilismo: MARCELA RUBINI Fotos: JUAN MATHE

Por EVAN ROSS KATZ Estilismo: DANIELLE GOLDBERG Fotos: GREG SWALES

56 102

46 NEXO

NUEVAS CARAS

MAISON CARTIER

BACK TO BLACK

CAMINAN PARA QUE LAS OIGAN

LONGINES SPIRIT

EN TUS AURICULARES

Por CELESTE NASIMBERA

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Por MARIANA RIVEIRO

Por JOSE HEINZ

Por MARINA DO PICO

Por CATALINA DEL PINO

Por CELESTE NASIMBERA Fotos: BIANCA SIFREDI

xx_LO31_XX.indd 1

6/2/21 10:50 a. m.

A LA CONQUISTA DEL MUNDO

SIGNOS DE EPOCA

CIERTO INVIERNO

Por PAULINA RAMIREZ JOFRE Fotos: MAX LAGOS

Estilismo: GABRIELA SETTON Fotos: MARCELO SETTON

Estilismo: SILVANA GROSSO Fotos: SOL ABADI

DESPERTAR SENTIDOS

102

SOCIEDAD SIMES

106

VESTIR CON EMOCION

112

Estilismo: BIANCA SIFREDI Fotos: LUCAS KIRBY

Por CELESTE NASIMBERA Estilismo: DELFINA TULLI Fotos: NICOLAS VERA

Por PAMELA GOLBIN

118 106 86 EL EXPLORADOR

118

MIRADA DE ARTISTA

126

CONTRASTES

130

LADY GUCCI

138

MAQUILLAJE DIVERSO

140

ESTETICA MASCULINA

142

DE LA QUEBRADA A LA PUNA

144 146

Por DANIELA LUCENA Fotos: GERMAN ROMANI

Por PIPER MCDONALD Y TORI NERGAARD

Estilismo: JORGE LEON Fotos: JUAN JAUREGUI

Por CLAUDIA PASQUINI

Por LOLA MONTEIRO

Por LOLA MONTEIRO Foto: GERMAN ROMANI

MUCHO EN COMUN

Elegance is an attitude Simon Baker

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The Longines Master Collection

DIRECTORA EDITORIAL

Ana Torrejón

DIRECTOR DE ARTE

EDITORA GENERAL

Germán Romani

COORDINADORA DE MODA

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EDITORA DIGITAL

Silvana Grosso

Celeste Nasimbera

GERENTE COMERCIAL

Federico Gabrielo

GLOBAL BRANDS MEDIA

Coronel Díaz 1617 (1425) CABA DIRECTOR Y PUBLISHER

Alex Milberg

ADMINISTRACION

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DISTRIBUCION CABA

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128, quai de Jemmapes 75010 Paris DIRECCION GERENTES COPRESIDENTES DE CONSEJO EJECUTIVO Y ADMINISTRATIVO

Marie-Jose Susskind-Jalou Maxime Jalou

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DIRECTORA GENERAL ADJUNTA

DIRECTOR DE CONSEJO EJECUTIVO

MIEMBRO DE CONSEJO EJECUTIVO

Y ADMINISTRATIVO

Benjamin Eymere

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Giampietro Baudo

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PUBLICIDAD GERENTE DE INGRESOS GLOBALES

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Robert D. Eisenhart III

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INTERNACIONAL Y MARKETING DIRECTOR INTERNATIONAL DE LICENCIAS, DESARROLLO DE NEGOCIOS Y BRAND MARKETING

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DIRECTOR DE PRODUCTOS DIGITALES

Giuseppe De Martino

MANAGER DE PROYECTOS DIGITALES

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CONTENIDOS EDITORIALES Y ARCHIVOS INTERNACIONALES

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FUNDADORES

Georees, laurent y Ully jalou (†) NUESTRAS TAPAS:

Katy Perry con chaqueta, PROENZA SCHOULER. Aros, HARRY WINSTON.Foto: Greg Swales. Estilismo: Danielle Goldberg. Bhavi con buzo LACOSTE. Foto: Juan Mathe. Estilismo: Marcela Rubini.

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L’EDITO “El amor ahuyenta al miedo y, recíprocamente, el miedo ahuyenta al amor. Y no sólo al amor el miedo expulsa; también a la inteligencia, la bondad, todo pensamiento de belleza y verdad, y sólo queda la desesperación muda; y al final, el miedo llega a expulsar del hombre la humanidad misma”. Aldous Huxley

¿Se acuerdan de aquel marzo del 2020 en el que compartíamos bibliotecas y museos para matizar el confinamiento confinamiento?? Estábamos embebidos en la fuerza centrípeta de lo desconocido, desconocido, con la ilusión de un paréntesis que se resolvería bajo la consigna de los tiempos nuevos: rápido, sin dejar estelas, con ilusiones infantiles. La referencia que podíamos compilar iba de 1918 al 2007, crisis sanitarias sanitarias,, nuevos nombres de remedios, la ciencia a contrarreloj y también, historias familiares de barcos y migraciones en suspenso. Ya pasaron 15 meses y hemos visto mucho mucho.. Gestos heroicos, nuevas soluciones a la crisis, derrumbes, olas, porque las olas van y vienen y queremos que en algún momento la marejada cese, el horizonte se despeje despeje,, volver a caminar por playas apacibles respirando sin máscaras. Todavía falta, todavía hay que ejercitar un invierno en el que el miedo no nos paralice ni encapsule. La oportunidad es fortalecer la empatía y la confianza, ser todo lo amables que podamos con nosotros mismos y con los otros. Y esa remera que diga: Esto también pasará, porque así será y debemos salir mejor de lo que entramos a la pandemia. ANA TORREJON 18

L’NEWS

NOUVELLE vague Después de los bolsos Suzanne, Kaia, Kate, Loulou, Niki, Solferino y Monogram llega 5 à 7, 7, firmado Saint Laurent por Anthony Vaccarello.

UNA COLECCION El bolso fue desarrollado para el desfile Primavera-Verano 2021 que se realizó en diciembre en el desierto marroquí. Pudimos ver looks ciclistas, mezcla de estilos, características ya

habíamos visto en el de la temporada Otoño-Invierno. La fusión de leggins de vinilo con chaquetas de hombros marcados y blusas fueron fruto de inspiración para la temporada. UN ESTILO A caballo entre los años 70 y los 80, el “5 à 7” juega a la sobriedad a partir del cuero negro y el cierre dorado con logo. Nos encantan las variaciones en cuero box, cocodrilo mate, pitón y lagarto. Se lleva sobre el hombro y es definitivamente el bolso de mujer de Saint Laurent por Anthony Vaccarello.

Texto: Laure Ambroise. Foto: Anthony Vaccarello.

UNA HISTORIA Cada creación Saint Laurent lleva referencias cinematográficas y musicales que aluden a las preferencias de su director artístico. En la ocasión, Anthony Vaccarello, apeló al filme Cléo de 5 à 7, de Agnès Varda.

LECTURAS

la CULPA

no era DE ELLAS

La canción, sí El colectivo chileno Las Tesis, Tesis, que creó el himno feminista mundial “Un violador en tu camino”, camino”, llega a la Argentina a través de dos libros imprescindibles para la biblioteca de género género.. Una antología y un manifiesto pensados en clave colectiva. Por FACUNDO ABAL

Las imágenes de las protestas en Chile contra el gobierno de Sebastián Piñera se viralizaron. El chispazo de las manifestaciones estudiantiles por las tarifas pronto se convirtió en una llamarada que logró canalizar el descontento de la sociedad chilena. En medio de los gases lacrimógenos un himno feminista se abrió paso con la letra que quedaría para siempre en el oído de todos. Cientos de mujeres tomaron por asalto la Plaza de Armas y nos gritaron en la cara que la culpa no era de ellas. Que no importaba dónde estuvieran o qué tuvieran puesto. Que “el violador eres tú”. La interpelación directa no daba margen para hacerse el distraído. Ese tú era el juez, era el Estado, era el vecino o la pareja. Era eso que desde hace un tiempo forma parte del léxico de todos: el patriarcado. La performance fue creada por el colectivo feminista Las Tesis: cuatro chilenas que pronto estarían en boca del mundo entero. Las plazas con mujeres cantando “Un violador en tu camino” se multiplicaron en distintos puntos del planeta. La llamarada siguió creciendo. A Chile se sumaron Ecuador, México, Colombia, la Argentina y Madrid. Pero el impacto fue mayor cuando vimos las imágenes de las mujeres francesas, alemanas, turcas e indias entonar la canción en sus propios idiomas. El colectivo interdisciplinario Las Tesis está integrado por Sibila Sotomayor y Daffne Valdés, que vienen de las artes escénicas; Paula Cometa Stange, formada en diseño e historia; y Lea Cáceres, que trabaja en el diseño de vestuario. La premisa central era lograr que las perspectivas feministas y las teorías

que las abonaron lograran masividad, más allá de los textos que circulaban en el campo académico y de las militancias. Una tarea nada sencilla: construir un mensaje claro y contundente a partir de las autoras que formaban el canon de los feminismos. De ahí el nombre del colectivo, trabajar con una tesis, una idea, un concepto, y hacerlo casi un mantra que no se nos borre. Con la primera tesis que trabajaron fue con el clásico libro El calibán y la bruja de Silvia Federici. Pero lo que inspiró la canción que se volvió viral fue Las estructuras elementales de la violencia de la antropóloga argentina Rita Segato, donde se plantea la idea de lo que la autora llama “el mandato de violación” es decir, la ancestral apropiación del cuerpo de las mujeres ante el temor de fragilidad de la masculinidad dominante. El trabajo de Las Tesis llega ahora a la Argentina de la mano de dos libros. En Quemar el miedo (Editorial Planeta), el colectivo recupera el formato del manifiesto para plantear las ideas centrales que orientan sus acciones. La noción de rabia sirve como disparador para repasar las múltiples violencias a las que son sometidas las mujeres. Un recorrido en clave política por temas nodales como el aborto, las relaciones tóxicas, el potencial transformador del arte, hasta llegar al sistema capitalista como raíz de todas las opresiones. Por otro lado, el libro/collage Antología feminista (Editorial Debate) con textos clásicos y no tanto, especialmente seleccionados por Las Tesis. Reflexiones de poetas, ensayistas, artistas y activistas, en un compendio tan interdisciplinario como el colectivo chileno. Donna Haraway, Gertrude Stein, Judith Butler, Paul Preciado, Simone de Beauvoir, Chimamanda Adichie, Silvia Federici, Virginia Woolf, Virgine Despentes, Alejandra Pizarnik, entre muchas otras, forman parte de este volumen. El grupo Las Tesis fue nominado por la revista estadounidense Time como una de las 100 personalidades más influyentes del 2020. Las Pussy Riot, su emblemático par ruso, fueron las encargadas de leer los motivos de la distinción. Mientras los feminismos están tejiendo la red más amplia y sólida a nivel mundial, soplan vientos de cambio en el Chile de hoy. Las voces disidentes y las que llegas desde el sur suenan cada vez con más fuerza. Estos libros nos acercan algunas de ellas. n

DISEÑO

Nexo La nueva marca ÜCollective se asocia con la fundación Seamos bosques y lanza una colección cápsula cápsula.. Consumo responsable y sustentabilidad en una conversación contemporánea. Atravesamos tiempos de transformación y el sistema de la moda actualiza sus principales premisas. “Este proyecto nace ante la necesidad de reinventarnos frente a un cambio de paradigma”, afirma Julio Kim, que pensó y desarrolló la novedad en el mercado argentino. ÜCollective no trabaja sobre la noción de temporadas sino a través de colecciones con diferentes perspectivas. Se presentan como un permanente trabajo en formación. Con ese concepto lanzó una serie de remeras en tonos neutros y géneros nobles, hecha íntegramente en nuestro país. Una propuesta de básicos vinculada al cuidado del medioambiente. La cápsula se realiza en alianza con la fundación Seamos bosques para colaborar con la restauración del bosque nativo de Yungas. Por cada compra se plantará un árbol en las zonas deforestadas. “Para nosotros, esta colección significa adherir a un mundo con mayores posibilidades de consumir de manera consciente y respetuosa. Contribuir con causas que creemos son fundamentales y que impulsan un cambio, porque sabemos que no hay plan B para el mundo donde vivimos” dice Julio Kim. UCOLLECTIVE.COM.AR, SEAMOSBOSQUES.COM.AR

Por CELESTE NASIMBERA 24

CARAS

nuevas

La agencia de modelos About apuesta a la diversidad. Rasgos, cuerpos, edades e identidades para vencer los estereotipos. Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Los cambios de paradigma en la industria de la moda están logrando el desembarco de modelos que salen de los estándares. Es el caso de Noah Carlos, una persona de género no binario que ha desfilado para firmas como Vivienne Westwood y Rick Owens, o el de la modelo curvy neerlandesa Jill Kortleve, que ha participado en los desfiles de Alexander McQueen, Jacquemus y Chanel, y ha estado en la portada de medios de moda internacionales. En la Argentina, la diversidad es todavía una cuenta pendiente que, de a poco, comienza a saldarse con proyectos como About, una nueva agencia creada por el fotógrafx (así pide expresamente que escribamos su profesión) Diego Núñez: “Quiero que quienes formen parte de About representen a todes”. 26

L’ÈPOQUE

“EN MI staff HAY QUIENES HACEN MUSICA, PINTAN, SON ESTILISTAS. NO ES UNA condición condición,, PERO SIENTO QUE LO QUE HACEN Y proyectan ES UN PLUS”. Diego trabajó hasta finales del año pasado en el área de marketing de la firma JT. “Me dedicaba, entre otras cosas, a hacer castings, preseleccionando para campañas, desfiles o comercio electrónico”. Al principio, llamaba a las agencias para pedir modelos, pero dice que eso se volvió muy monótono porque nunca incluían personas con cuerpos o rasgos diferentes, así que empezó a buscar entre sus allegados, en Instagram y en la calle. A fines de 2019, se interesó en tener su propia agencia y, tras idas y vueltas por la pandemia, en marzo logró abrirla con talentos con los que había trabajado en los últimos años. “Sabía que podían funcionar y que nadie los estaba teniendo en cuenta”. Considera que “la singularidad, autenticidad y personalidad” son los factores relevantes para contratar a alguien. “Me guío por la intuición. No busco determinadas características físicas, edades o géneros. En mi staff hay quienes hacen música, pintan, son estilistas. No es una condición, pero siento que lo que hacen y proyectan

es un plus”. Para él, aquella figura del modelo inalcanzable quedó atrás. “Se necesita una llegada mucho más directa”. En las redes de la agencia, busca mostrar a sus modelos en situaciones cotidianas, a través de fotos sacadas con teléfonos o sus propias selfies. “Las empresas deberían ser mucho más conscientes de la imagen que quieren mostrar, porque eso las define”. Reconoce que son las marcas más jóvenes o más de nicho las que han comenzado a generar el cambio. “Hay marcas que adhieren a la inclusión por un tema de tendencia y otras que están más comprometidas con esta causa. En la Argentina falta mucho por recorrer, más allá de la moda”. Desde su creación, About ha participado en la última edición de la Semana de la Moda de Buenos Aires y realizado acciones con distintas etiquetas. “Falta un montón y me encantaría que el abanico creciera para poder representar y reflejar a una mayor diversidad de personas”. n

El secreto

EQUILIBRIO

“Pacha”.

de la forma

Diseño, innovación y una cuota de fantasía. Los lanzamientos de la Maison Cartier expresan qué pasa cuando la alta relojería se encuentra con su savoir faire joyero. Por MARIANA RIVEIRO

Todo comienza con el diseño, con la búsqueda incansable de la línea exacta, la curva expresiva y los detalles que estremecen. Sea el rectángulo, el círculo, el óvalo o las asimetrías tan equilibradamente trazadas, si algo caracteriza a los relojes de la Maison Cartier es la perfección de la forma de la caja, esa estructura que los convierte en icónicos. Este año, en la reciente edición del Salón Watches & Wonders, la feria suiza que reúne a las etiquetas de lujo más influyentes del mundo, la maison presentó sus lanzamientos luego de un año atravesado por el desafío del cambio y la evolución permanentes. En un encuentro virtual con la prensa especializada, Cartier dejó en claro cuál es su secreto más preciado: la herencia. Un recorrido por los grandes clásicos de la firma en su versión actualizada.

CIRCULO DE PODER

Desde su creación, en honor a Thami El Glaoui, aficionado de los relojes y bajá de Marrakesch, el “Pasha” se convirtió en una pieza creada para los que se atreven a más. “Es tanto una estética como una sensación de fuerza y poder... Cuando lo lanzamos, en 1985, fue inmediatamente adoptado por toda una generación de líderes de opinión. Ha mantenido esta fuerza”, cuenta Pierre Rainero, director de Imagen, Estilo y Patrimonio de Cartier. Relanzado con gran éxito en 2020 y ligado a las más relevantes personalidades creativas que marcan el pulso de una generación, en 2021 se agregan a la colección Pasha una pieza de 30 mm y una versión cronógrafo de 41 mm. El nuevo reloj suma funciones y detalles de diseño: fondo de caja de zafiro, una nueva corona y grabado personalizado. En acero u oro, está equipado con correas intercambiables gracias a una adaptación del sistema QuickSwitch desarrollado por Cartier.

L’HORLOGE RECTANGULO DE LA INNOVACION

En 1917, Louis Cartier, nieto del fundador de la maison tomó una decisión estética arriesgada, y creó un reloj rectangular en contraposición a los modelos redondos propios de su generación. Siempre en defensa de la originalidad, ese reloj revolucionario fue más tarde el elegido de Gary Cooper y Alain Delon, pero también de Jackie Kennedy y Lady Di. “No uso el Tank para saber la hora”, decía Andy Warhol, quien solía llevarlo sin siquiera darle cuerda, como una obra de arte abrazada a la muñeca. En este caso, “Tank Must SolarBeat” se inspira en el “Tank Louis”. El modelo es la prueba fehaciente de que la perfección del clasicismo puede contener el máximo nivel de innovación. Esta pieza incorpora una esfera fotovoltaica capaz de captar tanto la luz solar como la artificial para dar marcha a su movimiento de cuarzo (sigue teniendo batería, pero su vida útil se multiplica hasta los 16 años). Desarrollado en el laboratorio creativo de La Chaux-de-Fonds, la manufactura de Cartier en Suiza, la hazaña es aplicar la tecnología sin alterar su estética microperforando los números romanos para que la energía llegue a las células que se encuentran bajo el dial. Además, la pulsera está confeccionada con un material compuesto por alrededor del 40 % de materia vegetal de descarte, es decir que se integra a la economía circular en un claro compromiso de Cartier con el camino de la sustentabilidad.

“Tank Must”.

“Cloche”

FANTASIA Y CODIGOS PROPIOS

Inusual, audaz como su época, el “Cloche” (campana) nació en 1920 como parte de Cartier Privé, una propuesta dedicada a los coleccionistas y aficionados, que celebra los grandes mitos de la maison a través de series limitadas. Se trata de una pieza de forma provocadora que, depurada de su correa y dispuesta horizontalmente, remite a un reloj de escritorio. Durante estos casi 100 años de historia, Cartier ha lanzado diversas reediciones del “Cloche”, la última en el 2007. En la versión 2021, está equipado con el calibre 1917 MC y se encuentra disponible en oro rosa, oro amarillo o platino. Además, muestra todos los códigos de relojería de Cartier: el chemin de fer (el motivo de vías del tren que bordea el dial), las agujas en forma de espada y un cabujón cerrado en la corona. Su producción se limita a 100 piezas numeradas.

CRIATURAS DEL BESTIARIO

La colección Libre de alta relojería capitaliza el savoir faire joyero de la firma y revisa el repertorio de formas a través de creaciones únicas, con un giro de locura y libertad. “Porque Cartier es ante todo joyero, nuestras creaciones trascienden todas las categorías. No son solo instrumentos para medir el tiempo ni son simplemente joyas. Son un tercer tipo de objeto con singularidad propia. Los relojes Cartier solo se parecen a sí mismos “, cuenta Marie-Laure Cérède, Directora de Diseño de Relojería de Cartier. En este caso, el estudio de diseño optó por combinar las formas puras con los animales icónicos de la maison.La herencia estética del “Baignoire”, reeditado en 2019, encuentra una nueva identidad inspirada en la tortuga, una creación característica de Cartier. El contraste entre la suavidad de las piedras suiffé y la textura rugosa del pavé de diamantes evoca al animal. Para reproducir el caparazón se diseñaron campos pentagonales y hexagonales construidos con líneas negras y antracita, que se completan con un engaste de 171 diamantes talla brillante, 18 zafiros y 24 tsavoritas. Su caja oval es de oro blanco rodiado de 18 quilates. Tiene movimiento de cuarzo y la correa es de piel de aligátor color azul marino. Se trata de una edición limitada y numerada de apenas 30 piezas. 30

“NUESTRAS CREACIONES trascienden todas las categorías. NO SON SOLO INSTRUMENTOS PARA medir el tiempo NI SON simplemente joyas. SON UN tercer tipo DE OBJETO CON singularidad PROPIA” PROPIA”.. — Marie-Laure Cérède, Directora de Diseño de Relojería de Cartier.

“Cartier Libre”

Posadas 1101 - Buenos Aires, Argentina +54 11 4811-1409 / 1353 simonettaorsini.info

BACK to black

Se cumplen diez años sin Amy Winehouse, Winehouse, una cantante extraordinaria que se sumó a la larga lista de artistas demasiado jóvenes para morir.

Por JOSE HEINZ

L’IDOLE

“AMY SALIA al jardín PARA OFRECERLES TE A LOS fotógrafos fotógrafos,, COMO UN ANIMAL indefenso QUE BUSCA CARICIAS ENTRE SUS cazadores cazadores”.”. — Claire Hoffman

El último álbum de la cantautora estadounidense Julien Baker, Little Oblivions, abre con una canción llamada “Hardline”, en la que narra su depresión, sus adicciones y la violencia que sufrió a un punto difícil de tolerar. Hacia el final de la letra, Baker usa la metáfora del blanco y negro para describir sus extremos anímicos: “No es negro y blanco/¿Y qué si es todo negro?”. Curiosamente, es la misma imagen que empleó Amy Winehouse en Back to Black, su álbum consagratorio de 2007. En la canción que da título al disco, la cantante interpreta a una mujer que le dice a su pareja: “Volvé con ella/ Que yo vuelvo al negro”. Hoy sabemos que Amy no se lo tomaba como un juego. Sus letras eran autobiográficas, descarnadas y profundamente honestas, como la famosísima “Rehab”, donde pedía que no la volvieran a internar en una clínica de rehabilitación. El 23 de julio de 2011 encontraron muerta a Winehouse en su departamento, producto de una intoxicación etílica. Es decir que se cumplen 10 años de su prematura muerte. Es probable que la efeméride origine una serie de homenajes a una figura que representó, ya entrado el siglo XXI, la continuación de esa máxima que habla de un destino macabro para los artistas talentosos y torturados: vivir rápido y morir joven (mejor si es a los 27 años, como Amy, esa edad mítica de la cultura rock). Se pueden decir cosas maravillosas de su música (una voz única, virtuosa, su actualización de las divas del soul, el sonido retro pulido por el productor Mark Ronson, su espectacular backing band), pero también deberíamos atender a las razones que la llevaron al abismo, muchas veces ignoradas por una industria que suele barnizar la decadencia con una capa de glamour. En el fondo, siempre hay una persona que sufre. La muerte de Amy Winehouse dejó algunas moralejas, pero pocos cambios sustanciales dentro del mundo del espectáculo. Aunque era un desenlace probable si pensamos en la vida que llevaba, lamentamos la partida de Amy porque simbolizó un punto final, no un paréntesis. Distinto es el caso de Britney Spears, por 34

ejemplo, quien en 2007, se rapó la cabeza como consecuencia, entre muchas otras, de una crisis psiquiátrica. Algunos medios lo tomaron a la ligera y recién en los últimos años, gracias a sus seguidores, cobró la dimensión correspondiente. Si bien es innegable que en la actualidad hay una mayor conciencia sobre temáticas como las adicciones o la salud mental, todavía queda un largo camino por recorrer. La industria de la música sigue siendo una fábrica que en su afán de maximizar los recursos puede llevarse todo por delante, incluida la vida de sus operarios. Muchas veces ocultados –o mostrados como parte de un estilo de vida intenso y envidiable–, los problemas con la bebida o las drogas han acompañado a las estrellas de pop y rock casi desde sus inicios. En el caso de Amy Winehouse, tomaron carácter público a partir de su segundo trabajo, el que la llevó a la consagración internacional, cuando ya acarreaba varios problemas. Proveniente de una familia de clase trabajadora del norte de Londres (madre farmacéutica, padre taxista), Winehouse demostró un talento inusual desde una edad temprana: a los 17 años ya había firmado un contrato con el sello Island para lanzar Frank (2003), su primer álbum, que obtuvo una nominación para el Mercury Music Prize del año siguiente. Por aquellos días también conocería a Blake Fielder-Civil, con quien mantuvo un intenso y accidentado romance. En una de sus tantas separaciones, cuando se enteró de que Fielder-Civil estaba con otra mujer, Winehouse escribió las canciones que plasmaría en Back to Black y que la convertirían en la figura más representativa del renacimiento del soul en Inglaterra. Pero a pesar de sus méritos artísticos, estaba destrozada por dentro. Consumía crack en pipa y bebía varios litros de alcohol por día; sus presentaciones en vivo se volvieron impredecibles: a veces geniales, a veces patéticas. Más aún, los diarios sensacionalistas británicos habían encontrado una presa perfecta: no solo les proveía material en cada una de sus apariciones públicas, también se filtraban con regularidad imágenes de sus conductas privadas (en enero de 2008, The Sun publicó un video en el que se la veía fumando crack; los rumores señalaron a Fielder-Civil como el responsable de proveer el material). En el perfil que escribió sobre ella para la revista Rolling Stone, Claire Hoffman muestra a Amy como una chica frágil, perdidamente enamorada y obsesionada con su marido (entonces en prisión a raíz de una pelea con el dueño de un bar) y devastada por el consumo. La periodista pasó una noche entera con ella en su casa de Londres, que estaba rodeada de paparazzi. En el artículo, Hoffman revela un detalle candoroso: Amy salía al jardín para ofrecerles té a los fotógrafos, como un animal indefenso que busca caricias entre sus cazadores.

Los meses pasaron y Winehouse se hundió más en sus problemas y su soledad, al punto de dejar un tercer álbum inconcluso (que desde luego tuvo su edición post-mortem). No logró vencer a sus fantasmas. Ya llevamos una década hablando de ella en pasado. Desde entonces se han publicado muchas cosas sobre su figura y su legado, incluido el crudo documental Amy, de Asif Kapadia, además de biografías y análisis de aficionados que publican sus videos en YouTube. En los últimos años han muerto otros referentes jóvenes de la cultura pop, como Avicii o Mac Miller, que no pudieron frenar a tiempo los engranajes de una máquina aceitada con regularidad preocupante. Tal vez haya llegado el momento de que los fans entiendan el funcionamiento de la industria, de sus mecanismos ocultos de explotación. En definitiva, que corran el velo de la fantasía por un rato y les tiendan una mano, porque lo están pidiendo, como deja en evidencia la canción de Julien Baker. n 36

AMY WINEHOUSE Por Blake Wood

Las fotos que ilustran esta nota fueron tomadas del libro Amy Winehouse, del fotógrafo Blake Wood (editorial Taschen). Wood conoció a Amy cuando estaba en la cima de su carrera y durante dos años fueron inseparables. La colección de 85 fotografías en blanco y negro y color del libro son el testimonio de ese tiempo e incluye momentos privados en Londres, París y en la isla de Santa Lucía.

ucollective.com.ar

SOCIEDAD

CAMINAN

para que las oigan En el 2013 empezaron a recorrer el país con la idea de gestar lo que hoy es el Movimiento de Mujeres Indígenas por el Buen Vivir. Vivir. Luchan, como dicen, por “la autodeterminación de nuestros cuerpos, territorios y pueblos”.

Era abril de 2015, apenas unos meses antes de la primera convocatoria de Ni Una Menos, cuando un grupo de cientos de mujeres indígenas de 36 Naciones Originarias marchó hacia el Congreso. Por primera vez en la historia argentina, tomaron la palabra para proponer un camino hacia “el buen vivir”, lo que significaría recuperar una relación más armónica con la naturaleza. Hoy ya son el Movimiento de Mujeres Indígenas por el Buen Vivir y se reconocen “como un movimiento de resistencia antipatriarcal y anticolonialista”. A modo de manifiesto, dicen:

“HASTA AQUI TODOS LOS atentados CONTRA LA VIDA DE NUESTRA madre tierra HAN QUEDADO impunes impunes”.”.

“Nuestra ancestralidad nos da poder y sabiduría. Nuestro amor por la vida nos llama a la lucha”, dicen. Su historia se remonta a 2013, cuando empezaron a recorrer el país con la intención de visibilizar sus cosmovisiones, identidades y derechos. Crearon equipos de trabajo para abordar distintos ejes que forman parte de su lucha diaria. El Grupo de Educación Intercultural es un programa donde mujeres de distintas naciones indígenas tienen intercambios con espacios educativos, profesores, estudiantes y universitarios. En septiembre del año pasado comenzaron la iniciativa Hacedoras por el Buen Vivir, una marca identitaria y ecológica cuyo objetivo es compartir los saberes, arte y artesanías de mujeres indígenas de todo el país. Para ello, propusieron crear una plataforma de comercio online donde ofrecer arte textil, alfarería, cestería, telar y una variedad de productos con identidad ancestral. Esta idea también fue pensada como una manera de paliar los efectos de la pandemia en las economías de artesanas indígenas que se quedaron sin lugares donde comercializar sus productos. El Movimiento lucha, a su vez, contra el extractivismo y toda clase de violencias hacia los territorios. “Ahora nos queman el alma incendiando nuestras tierras”, dice Moira Millán, una weychafe (guerrera) mapuche y activista, sobre los focos de incendios intencionales que se expandieron a un ritmo sin precedentes durante la pandemia. Ante la destrucción de sus territorios no se quedaron cruzadas de brazos: el 14 de marzo comenzaron una caminata de más de 1 900 kilómetros hacia la capital del país para demandar que el terricidio sea considerado un crimen de lesa naturaleza y lesa humanidad: “Hasta aquí todos los atentados contra la vida de nuestra madre tierra han quedado impunes”. Aunque el contexto pandémico no es el escenario ideal para emprender una caminata transprovincial, el ritmo de la destrucción las llevó a actuar de inmediato. “Es por eso que caminamos”, dicen, “para que nuestros pies cuenten lo que a nuestras palabras no se les ha permitido narrar”. n

PARA CONOCER MAS Cuentan con un programa de radio llamado “Voces de los territorios”, que se emite online los martes de 22 a 23 por www.radiocaput.com. Para colaborar se puede escribir a: bastadeterricidio@gmail.com Canal de difusión en Telegram: https://t.me/mmindigenas

Por MARINA DO PICO 38

14 HORAS

y 56 mınutos

Es lo que tardó Amelia Earhart en cruzar el Atlántico sola. Era 1932 y llevaba un cronógrafo Longines en la muñeca. La marca de relojería suiza les rinde homenaje a ella y a otros pioneros de la aviación con nuevos modelos de la colección Spirit. Enfrentar a la sociedad y al cielo era impensable en los años 20, sobre todo para una mujer. Pero Amelia Earhart lo hizo. En su opinión: “Las mujeres al igual que los hombres deberían tratar de hacer lo imposible”. Había nacido en Kansas y en 1921, cuando tenía 24 años, compró su primer avión. Siete años después fue la primera mujer en volar como copiloto sobre el océano Atlántico. Pero su coronación llegó en 1932. “Me quedé sola con las estrellas”, diría de ese vuelo de 14 horas y 56 minutos. Una travesía que despegó en Canadá y terminó en Irlanda del Norte e impuso varias marcas: la primera mujer en solitario en el Atlántico, primera persona en hacerlo dos veces, la distancia más larga volada por una mujer sin hacer escalas y récord por cruzarlo en el menor tiempo. Su objetivo estaba cumplido: desafiar lo imposible, camuflarse entre las nubes y disfrutar de la belleza de la naturaleza. Su único elemento de navegación fue el reloj cronógrafo Longines. El modelo tenía una caja de 35 mm y en la parte trasera llevaba grabada la frase: “Este reloj lo usó Amelia Earhart en sus dos vuelos transatlánticos”. La primera mujer en conectar continentes volando quería que otras tuvieran acceso igualitario a las profesiones tradicionalmente masculinas y que pudieran ganarse la vida como pilotos. Organizó una carrera aérea para mujeres a través del país y fundó Las Noventa y Nueve, un club que reunió a 99 aviadoras pioneras, sigue en funcionamiento y suma cada día más asociadas. En honor al espíritu pionero de Amelia y de otros aviadores y exploradores como Paul-Emile Victor, Elinor Smith y Howard Hughes, que utilizaron relojes y aparatos Longines para sus hazañas, la marca creó nuevos diseños que retoman las características propias de los relojes de los pilotos y se combinan con líneas y códigos actuales. Los modelos de Longines Spirit conservan la corona de gran tamaño, el realce, la tipografía de la esfera, incluso las agujas tipo bastón largas y luminiscentes. Entre sus conceptos contemporáneos se destaca el movimiento automático exclusivo, que incluye espirales de silicio para garantizar una precisión extrema y mayor longevidad. En tiempos en que es necesario mirar hacia adelante, resulta inspirador ver el espíritu de quienes en el pasado abrieron caminos. Amelia Earhart no solo rompió récords, sino también estructuras y ayudó a redefinir lo establecido. n

Por CATALINA DEL PINO 40

Un modelo de Longines Spirit con malla de acero.

L’EMOTION

“ME QUEDE sola CON LAS ESTRELLAS”. — Amelia Earhart (1932).

EN TUS

auriculares

Las grandes casas de moda y varios medios de nicho ingresaron a la industria del pódcast para seguir potenciando sus conversaciones. Episodios internacionales y regionales para seguir. Por CELESTE NASIMBERA Foto BIANCA SIFREDI

Alcanza con abrir la aplicación de Spotify, elegir el programa y poner play para escuchar a los directores creativos de las grandes maisons hablar sobre sus dinámicas de trabajo o a destacados especialistas, sobre los cambios en la industria. Marcas líderes internacionales están desarrollando sus propuestas de pódcast de manera consistente. Dior Talks, 3.55 Chanel, Gucci Podcast y Podcasts from Le Monde Hermès son algunos de los ejemplos más destacados. Cada casa incorporó la estrategia con diferentes objetivos. Chanel tiene una amplia variedad de series en las cuales invita personalidades, recorre muestras propias o conecta con sucesos de la ópera y la danza. En el caso de Dior, la iniciativa tiene un énfasis marcado en temáticas relacionadas con las mujeres y el feminismo. Diálogos que complementa con aportes sobre el savoir faire y relatos históricos. “Hoy el pódcast es una voz oficial diferente, un medio que permite un mayor análisis, abrir otros diálogos y con otros ritmos. Su encanto radica en poder escuchar a los profesionales, el

“HOY EL pódcast ES UNA VOZ OFICIAL diferente diferente,, UN MEDIO QUE PERMITE UN MAYOR análisis análisis”.”. — Alejandra Torres, cofundadora de Drop The Mic.

L’INVITATION “UTILIZO UN lenguaje CERCANO Y SIMPLE QUE MOVILIZA A LA acción acción:: A ‘LA revolución DE LA MODA’ DESDE EL clóset Y SIN EL VERBO comprar COMO PRIMERA ALTERNATIVA”. — Sofía Calvo, creadora de El nuevo vestir.

diálogo del día a día, y ganarle la batalla a la economía de la información. Funciona además como un documento de valor, para fidelizar; podés lograr que una persona se sienta parte de la mesa. También es el poder del audio, escucharlo con auriculares, separarse de la imagen y concentrarse en esos conceptos bajados a palabras”, analiza Alejandra Torres, productora de contenidos y cofundadora de Drop The Mic, Comunidad de podcasters. En paralelo, varios medios de nicho han empezado a incursionar en la industria del audio. Es el caso de The Perfect Magazine, el reciente proyecto de Katie Grand, y de Kinfolk, un novedoso lanzamiento de Monocle; ambos acompañaron sus formatos físicos con pódcasts. El reconocido medio Business of Fashion logra ser una usina permanente de contenidos con los nombres más solicitados globalmente. Durante el aislamiento generó encuentros vía Zoom con sus suscriptores que luego replicó de modo gratuito tanto en IGTV de Instagram como en sus pódcasts. Como las marcas y los medios mencionados poseen su matriz en Europa o Estados Unidos, estos diálogos se encuentran con mayor disponibilidad en inglés. A nivel regional las propuestas están más dispersas y, en su gran mayoría, son proyectos individuales como

Mujer vestida, de Vanessa Rosales (Colombia); El nuevo vestir, de Sofía Calvo (Chile) y Latinoamérica de moda, de Andrea Vaamonde (Venezuela, actualmente vive en México), entre otros. “El Nuevo Vestir pódcast nace de la necesidad de explorar nuevos formatos que me permitan llegar a un público más amplio. Utilizo un lenguaje cercano y simple que moviliza a la acción: a ´la revolución de la moda´ desde el clóset y sin el verbo comprar como primera alternativa. La gente ha agradecido la manera en que se plantean los temas; he tratado de desmarcarme de la apuesta más clásica tipo programa de radio y hacer el formato más lúdico. Tener el pódcast hizo que me convocaran marcas masivas que están empezando a desarrollar su estrategia de sostenibilidad, para que los apoye en la concientización de su público frente a estas nuevas miradas. Creo que todavía el formato no se ha instalado en la industria de la moda latina porque a la escena regional le cuesta innovar: prefieren destinar sus presupuestos de difusión a opciones probadas”, reflexiona la periodista Sofía Calvo, creadora de Quinta Trends, sobre su proyecto en audio. Andrea Vaamonde a cargo de Latinoamérica de Moda, destacado ciclo de entrevistas a los expertos del sector, complementa el análisis. “En el 2018 comencé a escuchar pódcasts en inglés, en especial Business of Fashion, y compartía en mis redes. Mis seguidores me pedían recomendaciones en español. Los pocos que había hablaban de tendencias y cómo vestir, no del negocio, ni del recorrido de las personas que forman parte de la industria. Fue ahí cuando me di cuenta de la oportunidad: el pódcast nació para compartir las experiencias de los actores relevantes del sector, para que otros podamos aprender e inspirarnos a trabajar más en la moda. Somos un continente rico en cultura, textiles, recursos naturales y sobre todo en gente trabajadora que busca salir adelante. Desde la universidad me he vestido con diseños hechos en Venezuela, me encantaba ir a los showrooms que recién se abrían. Ese mismo sentimiento tengo con toda Latinoamérica, lograr que cada día sean más los que apoyen la industria y economía de su país”. En nuestra región la industria del audio está creciendo marcadamente, así como la atenta escucha por parte de los usuarios. “En Buenos Aires hay una ebullición, en las provincias de Córdoba y Santa Fe se está generando una red de pódcasts, lo que falta es que se propague al resto del país. Vemos que están llegando los periodistas, algunos medios, comunicadores y gente del marketing. Grandes empresas ligadas a la industria del entretenimiento están estableciendo estos diálogos. Una movida que se está empezando a encender”, menciona Alejandra Torres. n Ingresá a lofficiel.com.ar para encontrar todos los links y poner play.

CERCA de las

ESTRELLAS Entrevista exclusiva con Kim y Dechen Yeshi, fundadoras de Norlha Norlha,, la marca de lujo sostenible con base en la meseta tibetana. Por ANDREA LAZARO

Foto: gentileza Nikki McClarron.

L’INSPIRATION

“LOS YAKS deambulan libremente Y SON TRATADOS CON humanidad humanidad,, COMO PARTE DE LOS PUNTOS DE VISTA budistas SOBRE EL respeto POR la vida”. vida”. Norlha, el término con el que las comunidades nómadas del Tibet se refieren a sus yaks, significa “la riqueza de los dioses”. La expresión resume la naturaleza del vínculo ancestral entre estos mamíferos y la presencia humana en la región más elevada del planeta. Norlha es también el nombre de un proyecto nacido en el año 2007 con la idea de preservar las tradiciones y la cultura trashumante en torno al yak, mediante la puesta en valor de una fibra natural con importante potencial. Este animal de gran porte, parecido visualmente al bisonte, se protege de las temperaturas extremas con dos capas de pelo: una exterior, más larga y áspera, y otra interior mucho más suave, que se densifica en invierno y se desprende naturalmente al llegar el verano. Desde tiempos inmemoriales, ese vellón descartado sirvió de abrigo en la estepa y fue la materia prima de las habilidades en hilado, tejido y fieltrado que se transmitieron de una generación a otra. “Los yaks deambulan libremente y son tratados con humani46

dad, como parte de los puntos de vista budistas sobre el respeto por la vida. A menudo se dice que esta fibra es vegana, dado que recolectamos el material que van dejando los animales criados al aire libre por los pastores nómadas circundantes”, describen Kim y Dechen Yeshi, autoras del proyecto creado en el pueblo de Ritoma. Fueron estos principios filosóficos los que despertaron el interés de una joven Kim –estadounidense y crecida en Francia– en la cultura tibetana. Cuando su hija Dechen terminó los estudios, se unió al sueño de impactar positivamente en la meseta para juntas hacerlo realidad. A lo largo de quince años, en Norlha Atelier se investigaron las características del pelo de la variedad yak khullu y se capacitó a la fuerza laboral que actualmente está compuesta por un setenta y dos por ciento de mujeres, expertas en la elaboración de textiles de alta gama. Las cofundadoras señalan que el proceso de transformación de la fibra conectó a las personas con

Foto: gentileza Sarah Stedeford.

su propia historia, a la vez que les ofreció más opciones. “De repente, las mujeres divorciadas o solteras pudieron asumir el control de sus vidas, mantenerse a sí mismas y a sus hijos y tomar sus propias decisiones. Ahora, las personas podían ayudar a sus familiares o pagar la educación superior de sus descendientes. Una pareja joven podía comenzar su propia casa y acoger a sus padres cuando querían dejar de ser nómadas”. La incorporación de los más jóvenes al atelier es uno de los mayores indicadores de éxito de la propuesta. En ese sentido, Kim y Dechen Yeshi destacan dos aspectos clave en la perpetuación de las técnicas artesanales: un buen salario y las condiciones laborales satisfactorias. “Hoy en el taller tenemos a muchas madres e hijas trabajando codo a codo; estamos orgullosas de nuestra capacidad para atraer a las nuevas generaciones”. Introducir una materia prima muy poco conocida en el mercado del lujo fue frustrante al principio, recuerdan las creadoras, y agregan que para transmitir el espíritu y la esencia cultural que impregna la marca se apoyaron en las imágenes. Más tarde, tanto las propiedades de los materiales textiles como la historia subyacente llamaron la atención de las casas de moda parisinas. Hermès, Balmain, Lanvin y Louis Vuitton, entre otras, fueron algunas de las que brindaron su respaldo y se convirtieron en una plataforma de difusión para este hilado suave, cálido, ético y durable. Luego se plegó el diseño independiente, como la londinense Jo Cook, que cada año colabora en el armado de las colecciones de ropa femenina, masculina e infantil de la firma.

La clientela de Norlha se concentra en Europa, especialmente en Alemania, Francia y Suiza. Sin embargo, en los últimos años han comenzado a construir una base sólida de ventas en China. “Notamos un aprecio creciente por los productos que son naturales y hechos conscientemente. El gobierno apoya con pequeñas subvenciones e incentivos económicos a los emprendimientos locales que fomentan el empleo y registran una baja huella de carbono”, dicen las fundadoras. La empresa cuenta con la certificación B Corporation y ha sido reconocida por el Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo por su contribución en la disminución de la pobreza. Los saberes artesanales, las fibras preciosas de animales adaptados a la estepa y la altiplanicie, junto con la necesidad de generar trabajo digno respetando el ecosistema, remiten casi instantáneamente a los camélidos sudamericanos, haciendo que este relato de tierras lejanas resuene más familiar. En cuanto a las posibilidades de replicar su experiencia en otros territorios, Kim y Dechen Yeshi hacen hincapié en la importancia de crear modelos de negocio sostenidos por un fuerte sentido de confianza y responsabilidad mutuas, y concluyen que el actual podría ser un momento propicio. “Con la creciente conciencia de los consumidores que buscan comprar productos con un impacto social positivo, vemos potencial en el mundo de hoy para darle la bienvenida a compañías que valoran a las partes interesadas por encima de los accionistas. Esperamos poder inspirar a muchas más comunidades de todo el mundo a crear empresas que resulten una fuerza para el bien”. n 47

Marilú Marini y elenco en la puesta Ubú encadenado de Roberto Villanueva. Foto: Archivo Universidad Torcuato Di Tella.

La conmoción estética

DI TELLA

que el

NOS DEJO

En su libro, Fernando García revela historias y documentos inéditos sobre el instituto que revolucionó el arte argentino. Es sábado a la tarde frente a la calle Florida 936 y acá no hay nada de lo que había antes. No hay fachada vidriada, no hay artistas, no hay conspiración estética (o hay otra cosa, hay destrucción), no hay escenarios. No hay rastro, físico, de aquello que el periodista Fernando García presenta en un libro de poco más de 700 páginas, un estilo de vida. Acá, donde la gente camina con barbijos porque vivimos en pandemia y una persiana metálica lleva un cartel que dice que el local se alquila, el pasado no se nota. Fernando lo sabe y por eso –dirá en breve– este libro: para recordar lo que un grupo de argentinos fue capaz de hacer acá; para contar la historia del Di Tella, un instituto creado por los hermanos Torcuato y Guido (dueños de la empresa de electrodomésticos Siam) que en los 60 fue un espacio de experimentación para artes plásticas, música, teatro y danza, del que surgieron artistas como Marta Minujín, Pablo Mesejean y Marilú Marini. Hablar con él, magister en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano, tiene algo de borgeano porque comienza a contar y engloba; y es

un punto en que todos los puntos se encuentran, su cabeza, la búsqueda de una definición y lo que quedó afuera pero que igual está en El Di Tella, historia íntima de un fenómeno cultural. ¿Por qué publicar hoy un libro sobre el instituto? Es loco porque ocurrió hace más de 50 años, pero importa. Yo trabajo el tema desde hace mucho, los 60 son mi tema, y estaba en carrera, pero cuando de editorial Planeta me lo propusieron, por un lado pensé que no había mucho para agregar y por otro me temblaron las piernas porque sabía que me metía en un pantano. Pero no era verdad que estaba todo escrito. El Di Tella fue la rampa de lanzamiento de la cultura pop argentina.

L’OFFICIEL:

FERNANDO GARCIA:

¿Cuáles fueron esas cosas que descubriste? Ir al archivo fue como abrir un baúl viejo y encontrar revelaciones, documentos, entrevistas, gente que ni sospechaba que existía. Di con una carta de Yayoi Kusama para exhibir en el Di Tella, L’O. FG:

Por DOLORES CAVIGLIA 48

Fotos: Archivo Universidad Torcuato Di Tella.

L’AUTEUR

Cine independiente de los años 60 en el Festival New American Cinema. La fachada y las oficinas del Instituto Di Tella.

Derecha: la expectativa a recorrer la ambientación de los artistas Marta Minujín y Rubén Santantonín. Abajo izquierda: Fernando García y su libro. Abajo derecha: una de las partes de “La Menesunda” simulaba la rutina de una pareja. Living Theatre, una corriente teatra que tuvo su espacio en el Instituto.

¿Fue complicado ordenar el material? Me llevó dos terapeutas. Cada vez que me sentaba a escribir no me salía nada. Fueron crisis. Pero pude domar el toro mecánico y un día saliendo del Museo de Bellas Artes me vino a la cabeza una cosa, así como un satori, como dicen los japoneses, y pensé que tenía que definir lo ditelliano. “Dícese de toda aquella obra y artista que, auspiciada por el Instituto Di Tella, causó conmoción estética en Buenos Aires entre 1963 y 1970, y fue capaz de elevar a la opinión pública la cuestión sobre los límites del arte, ya fuera en lo visual, lo escénico o lo sonoro”. Esas líneas me llevaron meses.

“EL DI TELLA FUE LA RAMPA DE lanzamiento DE LA CULTURA pop ARGENTINA”

L’O: FG:

¿Por qué surgió el Instituto y por qué terminó? El Di Tella es una consecuencia de lo que pasaba en el mundo. Buenos Aires estaba conectada. Era un espacio alternativo, fuera del canon, administrado por gente empresaria. Surgió y fue exitoso por esa alianza. Y terminó porque cumplió de cabo a rabo su función. Ya se habían quemado las naves, se habían roto las posibilidades. Solo quedaba un lento repliegue. Ya no podía dar cabida a la radicalización estética, la había desbordado, y además

L’O: FG:

estaba la diáspora. Los artistas se empezaron a ir porque acá vivían mal, los arrestaban por vestirse con minifalda o ser gays. Y a eso se sumó la quiebra de Siam, el complejo industrial de heladeras, autos y otros productos de consumo hogareño que había fundado Torcuato Di Tella. El Instituto se autoejecutó como si hubiera tenido ese tiempo, recorrió la década con sus vibraciones. ¿Quedó algo de aquel lugar en la ciudad? No, es tristísimo. Pero hay una atmósfera que por algún lugar circula. Aparece a veces en un grupo de teatro como Piel de Lava, en los Mondongo, en la banda Reynols. El Di Tella nos constituye como eso del pasado que formó sedimentos. Pero hoy no hay ningún espacio que vincule lo industrial y lo cultural. El Di Tella fue lo que fue y está bueno contarlo porque lo hicimos acá. Es una buena historia para ver que no somos tan mediocres como creemos. El autodesprecio es el segundo deporte nacional después del fútbol y el Di Tella muestra la capacidad industrial que el país perdió y nos recuerda un momento en que fuimos realmente potencia. n

L’O: FG:

Fotos: Archivo Universidad Torcuato Di Tella. Archivo Marta Minujín. Gentileza Melina García Dato.

46 años antes de la muestra en el Malba. Encontré un proyecto inédito de Piazzolla. La búsqueda de historias pasó a ser incesante, era complicado porque chocaba contra su propia mitología, lo que más se conoce, La Menesunda, Marta Minujín…Y yo no quería eso. Quería romper y la pared estaba dura. Me resultó difícil el rumbo de la escritura, pero la forma fue apareciendo. Y es la adecuada. Fernando dice que quería que el libro fuera ditelliano y así es porque refleja ese lugar, esa atmósfera de Buenos Aires que según él desapareció, pero dejó destellos. Fernando manipuló el texto con la libertad de los artistas que se juntaban en Florida: escribió dos capítulos, los dejó, insertó historias pensadas para otra cosa, descuartizó partes, sumó notas periodísticas, fotos, planos, instrucciones técnicas, canciones, poemas.

MARCELO YARUSSI @bastardoba

Diseñador de indumentaria (Universidad de Buenos Aires) y docente de la misma casa de estudios. Irrumpió en la Semana de la Moda de Buenos Aires a través de la pasarela Semillero UBA y, desde entonces, lleva adelante Bastardo BA. Una marca de bolsos, mochilas, carteras y riñoneras realizados de modo artesanal. “La inclusión y la diversidad son inherentes a mi trabajo, algo naturalizado, no pienso el producto en función de algún tipo de cuerpo o género, es accesible para quien quiera portarlo. Actualmente es una tendencia de la cual numerosas marcas hacen uso, me da mucha ilusión que se sostenga en el tiempo. Creo que hay una leve transformación que tiene que ver con la sostenibilidad. Es importante en todos sus aspectos: rastrear el origen de la materia prima, reducir el impacto de los procesos productivos, generar productos duraderos y atemporales. Algo que no tenemos que dejar de lado a la hora de diseñar y producir y que tiene que ver con la responsabilidad como humano-ciudadano En el capitalismo el fin es producir, generar ganancias, crecer a costa de lo que sea. Por eso, falta camino por recorrer y tenemos que educar y educarnos como consumidores”.

PALCO preferencial La industria de la moda atraviesa transformaciones transformaciones.. Conversamos con cinco jóvenes profesionales para entender cómo decodifican el presente y proyectan el futuro. Por CELESTE NASIMBERA Fotos BIANCA SIFREDI Y STEVEN SIERRA 52

L’TALENT

ARDI CARLOS GRYGIERCZYK @pogo.creative.co

Diseñador gráfico (Universidad de Palermo), socio fundador de POGO, Creative Co. y líder del equipo de imagen en Jazmín Chebar. En el ejercicio de la profesión se volcó a la dirección de arte y la creatividad en la industria de la moda y la música. Actualmente se encuentra abocado a la próxima temporada de verano de la reconocida marca argentina. “La pandemia hizo que tuviéramos que movernos de otra manera, como a otra velocidad. A nivel local creo que el cambio que atrave-

samos está en el crecimiento del comercio electrónico y el comercio digital. Deberíamos poder brindarles a nuestros consumidores una experiencia de compra como en el local, que se sientan igual de cómodos. En estos últimos años hubo un crecimiento de la industria, se profesionalizó, todo tiene más jerarquía. Es un momento en que las marcas tienen que saber bien qué decir y no hacer contenido porque sí. Importa el qué. Las nuevas generaciones son menos fanáticas y necesitan mensajes reales para poder conectar. La fidelidad no va por la marca en sí sino por lo que la marca transmite y representa. Cada vez más el consumidor va a exigir compromiso”.

MARTIN PISOTTI @martinpisotti

Comenzó sus estudios en Biología y Ciencias Ambientales, pero fue a través de una asistencia en fotografía que se interesó por ese oficio. De ahí en más, realizó talleres técnicos y clínicas de obra con Alberto Goldenstein y con Guillermo Ueno. En el último tiempo se encuentra dedicado a la realización de un libro sobre sus trabajos más personales. “Desde que empecé a hacer fotografía de moda, la enfoco de una manera más contracultural, no tanto desde el consumo. Me parece bueno estar viviendo esta transformación en cuanto a la sostenibilidad, la inclusión, la diversidad, que sean tema de agenda: que se hable, que se dude, que se piense qué se quiere comunicar y de qué manera, con responsabilidad y sin daño. Si bien queda mucho por hacer, siento que se está avanzando, se abren nuevos temas y se visibilizan las disidencias. Las nuevas generaciones vienen con una perspectiva muy natural de estas temáticas y eso se siente como un lindo aire fresco”.

BOB HONORES @bob_honors

Un año en la carrera de Arquitectura y el posterior cursado de Indumentaria (Universidad de Buenos Aires) le permitieron proyectarse como diseñador. Hoy se encuentra a cargo de la dirección creativa, el diseño y la moldería en Tramando, y del desarrollo de las cápsulas Jaramillo de Martín Churba junto a Jessica Trosman. Además, es docente en la cátedra Lisman en FADU. “Es interesante cómo, desde la necesidad, podemos reconstruir la experiencia de la industria. Por ejemplo, la incorporación de nuevas dinámicas de producción. Desde 2018, en Tramando utilizamos casi exclusivamente material textil remanente de stock. Y no solo para producir, sino también como punto de partida de la colección: cómo lo manipulamos y transformamos son las generatrices del proceso. Decidimos también trabajar el año sin guiarnos por las presiones de establecer un esquema bipartito de invierno-verano, sino diseñar, proyectar y producir en escalas más pequeñas y en tiempos más responsables. Creo también que al diseñar se trata de habitar la prenda y encontrar un diálogo con el cuerpo portante: una conversación, un pacto. Las pautas establecidas como tipologías específicas a un género o reglas de construcción como de qué lado se cierra una camisa son convenciones que poco nos importan hoy. Espero que pronto podamos divertirnos más con la ropa, más allá de la funcionalidad del vestir”.

IGNACIO CATTANEO @roparevolver

Diseñador gráfico, fotógrafo y skater profesional. Está a cargo de la dirección creativa y el diseño de la marca de indumentaria Revolver. “Después de todo lo que vivimos en 2020 fue imposible no replantearnos tanto nuestras prácticas como nuestro rol. La virtualidad nos enseñó una forma diferente de trabajar, quizá más eficiente. Con respecto a la producción, somos más conscientes en relación con los volúmenes que ponemos en marcha. Creo que cada vez la gente busca más identificarse y sentirse representada no solo con el producto final sino con lo que hay detrás de cada diseño. El propósito, el mensaje, los valores, saber quién y dónde fabrica las prendas, creo que va por ahí. Además, veo interesante que, a partir de la digitalización/virtualidad, se alteren los tiempos y hoy puedan crearse o darse a conocer nuevos proyectos sin tener que hacer grandes inversiones, eso está buenísimo para que todos tengan acceso a mostrar lo que hacen”.

Blusa de lienzo, BOLAZO ARGENTINA, falda de lana, MAYDI.

L’HÉROÏNE CLARA,

como encendida Se crió entre huertas ecológicas y movilizaciones en defensa del ambiente ambiente.. Conoció a Greta Thunberg y habló en las Naciones Unidas. Unidas. Chiara Sacchi dice que “el futuro será verde o no será”. No tiene veinte años todavía, pero habla con una seguridad antigua. Sabia. Será que Chiara Sacchi (algo de madonna renacentista, mucho más de puño en alto y ojos alertas) viene de un reino hecho de hojas, cucharones, sartenes y reuniones llenas de gente. No hay metáfora aquí: su madre, Perla Herro, es una referente en el mundo de la cocina natural y portavoz del movimiento Slow Food, una iniciativa surgida en Italia en los noventa como reacción a la eclosión de la comida rápida. Ese universo, que en los pandémicos tiempos que corren suena a paraíso perdido, fue para Chiara una especie de curso acelerado en temas tales como cultura gastronómica, soberanía alimentaria y justicia social, aunque para ella son solo tres facetas del mismo reclamo: un mejor modo de vivir y un mundo donde quepamos todos.

Por FERNANDA SANDEZ Fotos ALEJANDRA LOPEZ Estilismo JORGE LEON

“Hoy me defino como militante socioambiental, feminista y parte de una organización llamada Jóvenes por el Clima, que cree en un ambientalismo popular y para todos. Y yo creo en eso, porque durante mucho tiempo se vio a la ecología como algo elitista, casi una de las formas de la jardinería, y nada que ver. La ecología es mucho más que reciclar y hacer masa madre”, dice, y se ríe. “Porque es eso, pero también muchísimas otras cosas más profundas y trascendentes”. Con ella todo es así, de altos y bajos. Pasa de la carcajada a una seriedad como de otro tiempo y otra edad. Después sigue. “El ambientalismo en el que creo se ocupa de todas las desigualdades: la social, la de género, la de acceso a la tierra. Aunque cuando comencé con esto fue casi como un juego, una cosa de acompañar desde chiquita a mi mamá en sus actividades”, recuerda hoy. “Comíamos, discutían cosas, yo quizá mucho no entendía, pero con el tiempo aprendí y me puse a leer. A los 14 me sumé a la movida porque me parece que los alimentos sanos, seguros y soberanos son un tema clave. Será que me mandaron a un colegio parroquial pero de barrio, con unas monjas superinteresantes que hacían trabajo social en las villas y que además promovían las huertas, el reciclado, todo eso”. Para Chiara, de hecho, la recuperación de la materia orgánica era casi una asignatura más en el secundario. “Teníamos la compostera en medio del aula y siempre había olor a verdura en el aire. Y eso es bueno, es una manera de que entiendas desde chica lo clave que es la alimentación en tu vida, y que no todo es ir y comprar en un súper. El alimento es otra cosa”. Explica que con cada comida millones de humanos deciden en qué mundo quieren vivir y es por eso que desde hace años apuesta al veganismo y a la agroecología. Su historia la ayudó a tomar conciencia de la alimentación como un gran círculo virtuoso en el que productores y consumidores son apenas dos momentos de la misma rotación. Y hace tres años, este punto de vista llevó a esta chica de Haedo a Nueva York, a compartir debates y reclamos nada menos que con la activista ambiental sueca Greta Thunberg. “Greta es lo más. Tiene síndrome de Asperger y eso es parte de su encanto: no tiene pelos en la lengua, lo que la hace una referente de la ostia. Es chiquita, esmirriadita, pero se sienta frente a un micrófono y la descose. Es muy, muy poderosa”, cuenta. Pero, ¿cómo fue que Chiara llegó a conocerla y a compartir con ella nada menos que una conferencia de prensa en las Naciones Unidas? “Fue todo muy, muy loco, pero con sentido. En 2019 y a través

“TENIAMOS la compostera EN MEDIO DEL AULA Y SIEMPRE HABIA OLOR A verdura EN EL AIRE”. 60

de un amigo cocinero me contactó una ONG llamada Herederos de nuestros océanos. Trabaja con jóvenes en la protección de la biodiversidad y buscaba una activista ambiental joven para una movida que iban a hacer en las Naciones Unidas. ¿Viste cuando pensás que algo no puede pasar nunca, y pasa? Bueno, eso. Después de algunos contactos por correo, unas entrevistas y demás, me invitan a ir. Me acompañan mis papás y recién entonces conocí al resto del equipo. Eran chicos y chicas de todo el mundo, algunos con historias muy fuertes a raíz del cambio climático”, cuenta.

VOZ PARA LAS INFANCIAS

Un chico de una isla remota, a punto de naufragar en un mar de basura. Una chica llamada Greta que decidió arrancar la revolución un día a la vez y, con su movida de Fridays For Future (Viernes

Camisa y vestido de lienzo teñido con fibras naturales, CARLA ANDREA. Zapatillas “Stam Smith” de poliéster reciclado, ADIDAS ORIGINALS.

para el futuro, una huelga y manifestación de alumnos y alumnas suecos todos los viernes, para alertar sobre el cambio climático) terminó llamando la atención del planeta. Una chica de Brasil aterrada por el desmonte, y otra de Estados Unidos, Alexandria Villaseñor, que había perdido su casa en los incendios de California. Y un francés, una alemana, un chico de Palau y así hasta completar dieciséis activistas adolescentes de todo el mundo. Para ese entonces ya todos sabían que la Convención Internacional de los Derechos de Niñas, Niños y Adolescentes obliga a

las naciones firmantes a cumplir con una serie de compromisos, como asegurar un ambiente saludable. Ante el incumplimiento de varios países, la organización Herederos de nuestros océanos presentó una demanda colectiva y decidió que fueran justamente los jóvenes –que deberán convivir mañana con las consecuencias de lo que no se está haciendo hoy– quienes plantearan el reclamo. “Cada uno de nosotres representaba no solo a su país sino a su cultura. Además, la denuncia no es legal sino ética. El reclamo fue a la Argentina, Brasil, Turquía, Francia y Alemania. Esto fue muy criticado en su momento. Nos preguntaron por qué no habíamos señalado también a Estados Unidos, China o Japón, que son algunos de los países más contaminantes. Pero lo cierto es que no todos firmaron la Convención y que no todos los firmantes la ratificaron. Y los que lo hicieron –Argentina entre ellos– acorda-

bre todo y destruye las casas. La gente entra en pánico y le va a pedir ayuda al abuelo de Litokne, que es el cacique. Y Litokne contó que, frente al cambio climático, escuchó a su abuelo decir por primera vez ´No sé´. Lo contó con lágrimas en los ojos y nos emocionó a todos. Pero la sensación es esa: hoy nos toca enfrentar situaciones que no provocamos y frente a las cuales muchos sinceramente no saben qué hacer”. A partir de historias tan dolorosas, Chiara optó por rescatar su experiencia de militancia y salir un poco del discurso apocalíptico. Y no porque quiera ignorar el sufrimiento de los otros sino porque está convencida de que si hay movilización, hay esperanza. “Ojo, no hay que irse a las Islas Marshall para ver cómo el cambio climático nos afecta, tenemos compañeros en El Bolsón que con los incendios lo han perdido todo. De allá volví con la certeza de que

MAQUILLAJE Y PEINADO:

ron que si no cumplían con lo pactado, sus niños tenían derecho a denunciarlos ante las Naciones Unidas. Y eso hicimos”, explica. Lo que en principio iba a ser solo un documento escrito creció, se modificó y llegó a ser una idea mucho mejor: organizar una marcha y una conferencia de prensa, en donde cada uno contara la situación ambiental de su país. “Recuerdo especialmente la historia de Litokne, un compañero de las Islas Marshall que vive en una isla pequeña, superprecarizado y con un Estado ausente. Cada noche, la marea sube y una oleada de basura cu-

ASISTENTE DE ESTILISMO: Luchi Solari. Igna Mora para Estudio Olivera con productos @schwarzkopfpro.arg

hay mucho por hacer, que hay personas dispuestas a hacerlo y que yo soy una de ellas. La ecología, el ambientalismo, la lucha contra los pocos que tienen el poder de destruir nuestras selvas, nuestros mares, para mí es clave. El compost y el reciclaje están muy bien, pero si no peleamos por las políticas públicas, si no ponemos este tema realmente en agenda, no vamos a llegar muy lejos. Por suerte veo que la juventud está cada vez con más ganas de luchar por un futuro mejor para todos y todas. Hoy la clave es esa: involucrarse, aprender y salir a la calle”. n 61

ESTA PAGINA: campera

de cuero vegano, NOUS ETUDIONS. Pantalón, ADIDAS. Zapatillas, LACOSTE. PAGINA OPUESTA: buzo, LACOSTE.

“DESTINADO

a hacerme rico”

Dice la canción que da nombre a su último LP, Cinema Cinema.. Y es cierto que tiene todas las condiciones para lograrlo. Bhavi es uno de los representantes más importantes del trap argentino, argentino, pero además se anima a abordar otros escenarios escenarios:: desde la pintura hasta las criptomonedas. Fotos JUAN MATHE Estilismo MARCELA RUBINI 63

Por CATA GRELONI PIERRI Bhavi es tan belga como las papas fritas, Martin Margiela y Las aventuras de Tintín, y a la vez, tan argentino como la birome, el choripán y Maradona. Su esencia se mueve entre la de un país y la del otro, y se construyó a sí mismo como un artista migrante que lleva en el pasaporte europeo el nombre del rey de los dioses de la mitología hinduista. Hijo de un belga vendedor de robots para ópticas y una argentina, Indra Buchmann nació en Uccle, Bélgica y vivió hasta los siete años en Amberes. Luego estuvo cuatro años en Uruguay, debido al trabajo de su padre y, de ahí en más, con sus padres ya separados, su vida continuó entre las costas de Amberes y Mar del Plata. Fue también en los intervalos entre desplazarse de un continente a otro, que Bhavi empezó a interesarse por la música y la plástica. “Desde chico dibujaba un montón de historietas, pero el paso por la academia de artes plásticas me dejó recuadrado. Solo podía hacer caras. Luego, de a poco, me fui destrabando gracias a la pintura abstracta, entonces combiné ambas para crear mi propio estilo”, dice el artista multifacético quien ahora está preparando su primera exposición de criptoarte, Gran 32 (por el prefijo de Bélgica), una serie de 32 obras de pintura para vender online a través de Tokens No Fungibles (TNF). Con los ahorros de varios cumpleaños, a los 17 se armó de un micrófono, una placa de sonido y un teclado Casio de dos octavas con los que produjo sus primeros discos. The Waking Up fue su despertar musical. Burn To Inspire, su segundo álbum, lleva ese nombre porque lo editó justo después de que su computadora recalentara, se prendiera fuego e incendiara la casa paterna en Bélgica. “Perdí todos los equipos y una data increíble. Fue justo un día antes de volverme para Buenos Aires; en el aeropuerto me compré una compu y tuve que empezar de cero”, dice Bhavi desde una de las mesas de Il Ballo del Mattone, un mediodía de abril, mientras toma té rojo y almuerza pasta. A diferencia de los trappers de su generación, este rubio platinado de ojos cristalinos no saltó a la fama desde ninguna plaza ni conocía a nadie en el entorno de los freestylers. Sus primeros pasos los hizo en Bélgica con álbumes independientes y rapeados en inglés que subió a la plataforma Soundcloud. Además, trabajaba como ingeniero de sonido para Sony y colaboraba con artistas locales como Dvtch Norris y Coely. Cuando el trap empezó a explotar en Argentina, el DJ Bad Boy Orange lo conectó con los productores Halpe y Omar Varela, con quienes grabó “Mojaa”, su primer tema con Duki a principios de 2018. Así cada vez más su argentinidad en sangre lo fue trayendo para el sur. Después de dos años de reconocimiento local y colaboraciones con todos sus colegas, shows en vivo en el Gran Rex, Lollapalooza y giras por boliches del país, Bhavi sale a la carga con su primer álbum de estudio, Cinema, que funciona como secuela de su EP Butakas. Un álbum inyectado de las voces más relevantes del género urbano como los internacionales Pi’erre Bourne y GoldLink y los locales Cazzu, Ysy A, Neo Pistea, Louta y Ca7riel, para nombrar algunos. En un recorrido conceptual de 17 canciones producidas por Halpe, su productor y mano derecha, Bhavi rompe los esquemas, teje beats y baladas con interludios y sonidos de cine de terror tipo clase b y hasta samplea a “Fermín”, de Almendra, en “Piel de Gallina”.

PAGINA OPUESTA: monoprenda, SADAELS. Sombrero

impermeable, KOSTUME. Zapatillas, ADIDAS.

Tengo la salsa profética, eh Toda’ mis cosa’ son épica’, eh Diseños, estilos, estética (Estética), uh, oh Na-na-na-na-na, no, no te compares, no Na-na-na-na-na (Wuh), no, no te compares, no (Wow) (de Cinema) Catsuit y trench de cuero vegano, NOUS ETUDIONS. Pantalón, KOSTUME. Zapatillas, LACOSTE.

“SOY ALGUIEN QUE comparte SU MUSICA CON OTROS”. Blazer, SADAELS. Buzo con capucha, KOSTUME. Pantalón, ADIDAS. Zapatillas, LACOSTE.

MAQUILLAJE Y PERINADO:

Ignacio Mora para Estudio Olivera con productos schwarzkopfpro.ar. More Iñurrieta. POSPRODUCCION: Esteban Moreira

ASISTENTE DE ESTILISMO:

PAGINA OPUESTA: chaqueta asimétrica, remera plastificada y pantalón matelassé, TRAMANDO. Zapatillas LACOSTE. ESTA PAGINA: blazer con perlas y caballos bordados, SADAELS.

¿Por qué tantas colaboraciones en el último disco? Soy alguien que comparte su música con otros. Me gusta hacer las canciones completas y presentarlas a otros artistas que me tienen confianza, para que formen parte y agregarles una salsita diferente. Después, a los otros que no conocía personalmente, pero que sigo hace mil, como Pi’erre Bourne o GoldLink, los contacté por Instagram y se coparon. Armé más o menos 60 temas para este disco. De ahí quedó la mitad y 17 salieron en Cinema. Los otros 13 se van a escuchar en el próximo, que ya está casi listo y también tiene unos featurings relocos. L’OFFICIEL: BHAVI:

L’O: En Cinema hablás de “no comerse la peli”. ¿Cómo hacés vos para mantener el ego a raya? B: En Cinema hablo de comerse la peli, pero que la peli no te coma a vos. Cualquier artista que haga algo con mucha pasión, con una búsqueda propia, tiene ego. El tema es usarlo de una manera piola para hacer lo que vos quieras. Creo que los artistas somos gente muy sensible, pero estás muy expuesto más allá del reconocimiento externo. En mi caso, tengo una buena mamá, una persona muy sabia que me baja a tierra y me educó bien para no convertirme en alguien que trata a la gente despectivamente.

¿Cómo te iniciaste en el mundo cripto? Me metí al mundo de las criptomonedas hace un poco más de un año y después de investigar bastante compré Litecoin. No tiene mucha ciencia en verdad. Es investigar y estudiar un poco el mercado, entender los proyectos e invertir la plata en algo que está en movimiento en vez de dejarla quieta. Entonces, con el arte decidí hacer lo mismo. Antes de la cuarentena tenía pensado hacer una gira por distintos países mostrando la obra que estoy preparando, “Gran 32” y ahora, gracias a la recomendación del artista Federico Bona, voy a vender los originales a quienes compren el código TNF. L’O: B:

Se te escucha con una sólida cultura financiera… No tuve buena educación financiera, la verdad, pero empecé a hacer plata a los 20 años y tuve que aprender rápido. También tuve mi época de gastar, derrochar y me di cuenta de que no va. Ahora soy disciplinado. L’O: B:

¿Y de qué se trata tu otro proyecto, UIUIUI? Es algo que digo desde chico cuando me mandaba alguna, como pintar las paredes de la casa con crayones, y empezó a aparecer en mis canciones como un latiguillo. Ahora se transformó en una marca propia, con remeras con estampas de mi arte, cadenas, una cápsula de anteojos y dos líneas nuevas de las que todavía no puedo decir mucho más pero que vienen del palo de las bebidas y la cosmética.

L’O: B:

Junto con Coscu (el streamer) y otros referentes del trap están modificando la manera en la que hablan los adolescentes. ¿Sos consciente de eso? B: Cuando escucho a alguien decir que algo está “Idiiii” (N. de A.: estar ido, que algo sea increíble) o “dorodou” me causa gracia, pero también me doy cuenta del impacto generacional. Creo que es algo que siempre pasó con las distintas camadas de jóvenes Mucha gente adopta esas nuevas formas y otros eligen quedarse afuera. A mí me encanta que suceda, porque refleja la manera nuestra de hablar. n L’O:

AROMA margaritas de las

Un bebé bebé,, nuevos temas y residencia musical en Las Vegas: Vegas : la vida de la megaestrella pop Katy Perry ha cobrado un ritmo diferente. Fotos GREG SWALES Estilismo DANIELLE GOLDBERG 70

Chaqueta y falda, PROENZA SCHOULER. Zapatos SALVATORE FERRAGAMO. Aros, HARRY WINSTON.

ESTA PAGINA:

chaqueta, pantalón y zapatos, NINA RICCI. PAGINA OPUESTA: chaqueta, PROENZA SCHOULER. Aros, HARRY WINSTON.

Por EVAN ROSS KATZ Katy Perry está sentada en el jardín de su casa en Santa Bárbara. Miro sus ojos azules pixelados por acción de la pantalla y el efecto es dicotómico. Porque a través de los años he visto dos versiones muy claramente diferenciadas. Katy Perry, educada en un hogar religioso, convertida en una estrella pop imponente, casi de caricatura, que superó todos los récords (incluyendo cinco simples de un álbum en el puesto número uno, hazaña igualada solo por Michael Jackson), presentó el show de entretiempo del Super Bowl más visto de todos los tiempos, y llegó a ser la mujer más seguida en Twitter. Pero también está Katheryn Hudson, revelando su ser más íntimo en el documental de 2012 Parte de mí, que siguió los 124 shows de su agotadora gira California Dreams. Vimos a Hudson –casi voyeurísticamente– mientras su matrimonio se derrumbaba y las lágrimas le entrecortaban la respiración, vistiendo el característico bustier de motivos de remolino verde con cubrepezones que simulan pastillas de menta, transformarse en Perry. Un destello de sonrisa falsa y se convierte en una auténtica Velma Kelly (excepto por el crimen) subiendo al escenario al comienzo del “All That Jazz” de Chicago. Pero con Perry, gracias a la perspicacia que me han dado el tiempo y la experiencia, puedo percibir una progresión. Esta Katy, la otra y aquella otra. “Los últimos años fueron un viaje de diversión: los trajes, las luces, los decorados y las actuaciones, pero tengo otra vida en casa, sencilla y normal”, dice desde su jardín en California del Sur, inundado de sol. “Ya no siento que tengo que estar actuando todo el tiempo y creo que es porque he logrado definir tanto mi vida profesional como la personal, interconectarlas para llegar a ser un ser humano plenamente funcional…de algún modo”. Se ríe de su propia autorreflexión, dejando de lado la solemnidad. “Me preocupaba mucho mostrarme sin maquillaje. Incluso para una entrevista como esta, necesitaba peinado y maquillaje y ahora en cambio digo ‘Estoy, bien, sé quién soy. Y lo que pienses de mí es cosa tuya’”. Me recordó la línea de cierre de RuPaul: “A menos que te paguen las cuentas, no les hagas caso”.

Me atrapa de inmediato con su encanto. Lleva un top deportivo, dos collares (uno con la leyenda “Daisy Dove”, el otro con un diseño exclusivo de la margarita y –fiel a su palabra– a cara lavada. Ofrece realidad y yo la absorbo, sin perder ni una gota. Tal vez es una realidad elaborada, con tanto detalle meticuloso como la de la superestrella pop. Prefiero creer que la realidad era, bueno…real. En verdad, nunca lo sabremos. ¿Y por qué vivir en la incertidumbre? Se podría –y se debería– decir que este ha sido un año muy importante para Perry. En agosto del año pasado nació Daisy Dove Bloom, hija de Perry y el actor Orlando Bloom. Dos días después, lanzó su sexto álbum de estudio, Smile, que muchos consideran un regreso al familiar fizzy pop. Unos meses más tarde, en enero, interpretó su canción “Firework” en vivo frente al Lincoln Memorial para celebrar la asunción del presidente Joe Biden y la vicepresidenta Kamala Harris. Fueron acontecimientos deliberadamente sinérgicos. El simple principal del álbum Daisies es un tributo a su hija; la presentación en Washington también se relacionó con ella. “Me pregunté ‘¿Cómo será el mundo que voy a legarle a mi hija cuando tenga 36 años?’. Así que en realidad canté pensando en el cambio climático y en los líderes que lo están abordando con medidas audaces”. Con todo

“HABIA OIDO HABLAR DEL AMOR incondicional,, PERO incondicional AHORA PUEDO experimentarlo.. SE experimentarlo ALCANZA UNA plenitud”.”. plenitud 73

ESTA PAGINA:

Chaqueta, HERMES. PAGINA OPUESTA: camisa, BROCK COLLECTION.

eso, aún encontró tiempo para hacer las cosas “normales” que hacemos durante una pandemia: mirar todos los capítulos de series como Gambito de dama y Succession (“La mejor serie que hay para ver” afirma con seguridad) y volver a enamorarse de los libros. ¿El favorito del momento? La segunda montaña. La búsqueda de una vida con sentido, de David Brooks. Es este tiempo extra en casa con la familia lo que le ha permitido repensarse. “Agradezco no haber pretendido seguir escalando montañas sin parar en mi carrera. Me dije: ´Creo que hay otra montaña más allá que tiene una vista tan bella como la de estas, si no más gratificante´”. En muchos sentidos, Daisy le dio a Perry la oportunidad de crear sin crítica, comparación, expectativas ni temor al fracaso –algo que la ha acosado a lo largo de su carrera, en parte por el éxito estratosférico que tuvo desde sus comienzos. “Como intérprete, siempre me he apoya-

“YA NO SIENTO QUE TENGO QUE ESTAR actuando TODO EL TIEMPO Y CREO QUE ES PORQUE HE logrado definir TANTO MI VIDA PROFESIONAL COMO LA PERSONAL”. do en el amor, la aceptación y la validación del mundo exterior y eso es algo que a veces puede fluctuar”, admite. “Un hijo es alguien que te mira sin saber nada sobre tu currículum, ni sobre tu cuenta bancaria; no sabe nada y no le importa, y tan solo te ama. Amor incondicional. Creo que eso es lo que yo buscaba”. Con el nacimiento de Daisy, Perry se supo plena, pudo sanar heridas profundas que se habían ido formando con los años. “Siempre sentí que, con respecto al amor, me movía con algo de dolor en el corazón”, dice, y sus ojos parecen volverse con lentitud a algún lugar dentro de su mente. “Mi pareja me ayudó enormemente a superarlo. Pero esto fue algo que llegó mucho más profundo. Y está allí, ese amor está allí”. La mirada penetrante regresa, centrada, segura. “Había oído hablar del amor incondicional, pero ahora puedo experimentarlo. Se alcanza una plenitud”. Es en esta relación con Bloom y ahora con su hermosa hija Daisy que la fase de luna de miel pareciera no tener fin, con cimientos que con el tiempo han llegado a profundidades que antes 76

Chaqueta, HERMES. Body, SKIMS. Pantalón, VERSACE. Collar, HARRY WINSTON.

ESTA PAGINA: suéter

y chaleco, THE ELDER STATESMAN. Sandalias, BIRKENSTOCK. PAGINA OPUESTA: camisa y falda, SALVATORE FERRAGAMO.

HAY QUE aprender A SALIR CON VIDA DEL AUTO en llamas. llamas. DE VEZ EN CUANDO, SE PUEDE volver A ENTRAR Y DECIR ‘ESTE ES MI truco MAGICO’”. nante vivir a lo grande y a lo loco, pero a veces está bueno nada más tirar la pelota en el jardín y ver la alegría de tu hija, su risa cuando el perro va a buscarla y la trae de vuelta”. Margaritas. Montañas. El césped del jardín. Quizás es verdad lo que dicen: la naturaleza es sanadora. Está claro que Perry se está enamorando de un mundo más sereno que el de las candilejas despiadadas que –dice– puede ser abrumador. “Hay que aprender a salir con vida del auto en llamas. De vez en cuando, se puede volver a entrar y decir ‘Este es mi truco mágico’. Creo que la música y el mensaje empoderan y ayudan a la gente, pero no debe ocupar todo tu tiempo. Hay que hacer lugar para una vida real”. Esa vida real, que Perry llama “la vida más pequeña, la mejor”, implica mucho tiempo con la familia, no solo Orlando y Daisy, sino también la familia extendida: los padres de Perry, sus hermanos. Hay jueves de tacos y sábados de panqueques daneses –el cuñado de Perry es danés– y jazz. “Cuando pasas tanto tiempo con la familia hay muchas oportunidades para sanar”. También ha comenzado a pensar en su futuro, –no solo uno que incluya una nueva residencia musical en Las Vegas– sino algo un poco más lejano. ”¿Cuál es el próximo intervalo de mi vida? ¿Cómo es? ¿Dónde puedo realizarme? Siempre he soñado con estudiar, aprender psicología o una combinación de psicología y filosofía. Una vez que me integre a un programa y una estructura educativos, voy a poder ver todos esos temas que me interesan. Es para el futuro, pero primero viene Las Vegas”. En la residencia, que comenzará el 29 de diciembre, Perry se unirá a un grupo de talentos: Céline Dion, Carrie Underwood y Luke Bryan, además de Zedd y Tiësto, en el nuevo Resorts World Las Vegas. Será la primera presentación en vivo de Perry desde antes de la pandemia. Le pregunto si está nerviosa o si de algún modo tiene miedo. Responde con un gesto burlón. Está claro que cuando es necesario puede pasar de un mundo al otro con toda facilidad. “Sé que cuando vuelva a estar sobre el escenario voy a dar todo de mí, como en todos mis proyectos”. ¿Pero hasta entonces? “He trabajado profesionalmente desde que tenía 13 años y ahora me he detenido a sentir el aroma de las flores”. n

Traducción: Silvia Villegas.

no eran accesibles. La sonrisa contagiosa de Perry brilla con la sola mención de su pareja. “Pude ser testigo de cómo vive la paternidad”, dice. (Bloom tiene un hijo de diez años, Flynn, con su exesposa Miranda Kerr). “La manera en que estuvo y está presente para él y cómo se esfuerza, creo que esa fue una de las razones por las que tomé esa decisión consciente. Me dije: ‘Este es el padre de mis futuros hijos’. Vi su bondad, su ternura, su empatía y su dulzura. Era lo que yo buscaba, Pensé: ‘Okey, esto es distinto’. Y esta es su primera niña, así que es una sensación muy diferente. Agradezco tanto que esté para mí. Eso es algo que no tiene igual”. Como muchas madres noveles –o quizás todo el que haya pasado este último año relativamente aislado– Perry está usando estos cambios para reflexionar sobre su vida. “Durante 35 años yo tomé todas las decisiones, hice lo que quería, viajando por el mundo y ocupándome de mi carrera”, dice. “Ahora tengo la enorme responsabilidad de cuidar a este regalo increíble. Te hace muy vulnerable y te hace recordar tu propia niñez y pensar que tal vez quieras hacer las cosas de otra manera. Yo quiero hacerlas de otra manera”. Pero, por supuesto, también tenía dudas. “Me daba miedo ser mamá”, admite. Cuenta que hizo un “viaje sanador” para tratar de comprender lo que le pasaba, llegó a las causas e hizo lo necesario para tomar la decisión. “Ahora lo entiendo, sé que esto es lo importante. Todos los días pregunto: ‘¿Cuándo vamos a caminar? ¿Cuándo podemos ir a nadar?’ Hubo más de 12 años en los que no existió ninguna de esas cosas pequeñas. Fue aluci-

PAGINA OPUESTA: chaqueta, KHAITE. ESTA PAGINA:

vestido, zapatos, sombrero y medias,

PRADA.

Jesus Guerrero. MAQUILLAJE: Michael Anthony. MANICURA: Kim Diem Truong. PRODUCCION: Dana Brockman VIEWFINDERS. COORDINADORA DE PRODUCCION: Molly O’Brien. POSPRODUCCION: Amanda Yanez. ASISTENTES DE ILUMINACION: Yolanda Leaney y Sebastien Keefe. ASISTENTES DE ESTILISMO: Alexis Asquith y Jamison Dietrich. ASISTENTE DE PRODUCCION: Jeremy Alvarez. AGRADECIMIENTO ESPECIAL: Hotel Rosewood Miramar Beach. PEINADO:

Camisa y corbata, DOLCE & GABBANA. Trench, JEAN PAUL GAULTIER. Pin, PRADA. Aros, ARA JWLS.

JORGE LOPEZ

A la conquista del mundo Con más de diez millones de seguidores en Instagram, se ha convertido en una de las estrellas latinas de mayor proyección internacional internacional.. Luego de su paso por Elite Elite,, uno de los hits de Netflix Netflix,, enfrenta nuevos proyectos en Brasil y España. De eso y más conversó en exclusiva con L’Officiel. Fotos MAX LAGOS

Por PAULINA RAMIREZ JOFRE Podría cenar todas las noches en cualquiera de los 22 restaurantes con estrella Michelin que hay en Madrid –donde está radicado–, pero Jorge López (30) prefiere comer en La Guatona, el puesto de comida chilena que hay en el Mercado de Lavapiés. También podría andar en un auto último modelo, pero es común verlo pasear por la Gran Vía en una BiciMad, las bicicletas públicas de la ciudad. Y es que a pesar del dinero, la fama y el reconocimiento masivo, intenta llevar una vida normal. Casi como la que tenía cuando creció en Llay-Llay, en la Quinta Región de Chile. Pero la de Jorge no es la típica historia del niño que soñaba con ser actor. De chico quiso ser bailarín del Bafona (Ballet Folclórico Nacional) y en cuanto terminó el colegio hizo la prueba y lo aceptaron, pero al poco tiempo su maestra le aconsejó que se dedicara a la actuación. Sin el apoyo de su familia ni dinero suficiente para estudiar, empezó a ir a diferentes audiciones. Después de realizar algunos proyectos breves en Chile se trasladó a la Argentina para interpretar a Ramiro Ponce en la serie Soy Luna de Disney Channel, con la que comenzó a ser conocido internacionalmente. Hoy, desde la capital española, donde disfruta de lo que dejó su papel como Valerio Montesinos en Elite, la serie española de Netflix, sigue cerrando contratos. Hace unos días viajó a Chile para reencontrarse con los suyos. ¿Cómo ha sido vivir en tres países diferentes mientras la mitad del mundo ha estado confinado en su casa? JORGE LOPEZ: Ha sido heavy, porque cada lugar tiene una manera diferente de enfrentarlo. En España lo más difícil fueron los dos meses de confinamiento total, luego hice una vida relativamente normal con mascarilla. En Brasil fue diferente, estuve rodando una serie para Netflix Brasil casi cinco meses, pero grababa y luego tenía que llegar a encerrarme solo en casa. Ahora en Chile siento como si volviera a estar en la primera etapa de la pandemia. L’OFFICIEL:

L’O: Cumpliste 30 años en cuarentena en un país nuevo, ¿pensaste que iba a ser así? JL: Jamás. Había llegado cinco días antes a Brasil y tuve que cumplir con el aislamiento obligatorio. Yo me imaginaba la fiesta de mi vida, con todos mis amigos juntos y de repente me vi solo en un hotel. Me costó entenderlo, lloré, estuve triste, porque me sentí realmente solo, pero me dejó una gran enseñanza y es que no se puede tener expectativas de nada, porque hay cosas que no dependen de ti.

Y estás acostumbrado a hacer lo que querés… JL: Siempre, a como dé lugar. Yo siempre me las he ingeniado para hacer lo que quiero. L’O:

¿De dónde viene esa constancia? De un lugar donde no fue todo fácil, porque en un principio mi familia no estuvo de acuerdo en que me dedicara a la actuación. Entonces, lo único que tenía era a mí mismo, y si yo faltaba a mis horarios, a mis cosas, a mi agenda, no tenía en quien apoyarme. Eso me enseñó a ser constante.

L’O: JL:

¿Cómo fue pasar de ser un chico Disney a un chico malo en Elite? Yo tenía miedo a la crítica por el estigma de venir de Disney, pero no fue así, sino todo lo contrario. Vi la respuesta del público y de la prensa cuando gané el premio “Mejor Actor Internacional” de GQ México en 2019 y allí me di cuenta de que todo tenía sentido.

L’O: JL:

¿Qué te pasó cuándo te empezaron a reconocer en la calle por Madrid? JL: A mí no me molesta, de hecho, encuentro que es una muestra de amor superenriquecedora, aunque a veces hay situaciones particulares donde invaden tu privacidad. Yo tengo claro que son los costos; la gente no tiene por qué entender eso, así que siempre trato de ser buena onda. L’O:

¿Por qué decidiste quedarte en Madrid? Desde que conocí Madrid en 2018 mientras hacíamos una gira con el equipo de Soy Luna, supe que iba a ser mi ciudad. Me acuerdo que salí del hotel a la calle y dije “aquí quiero vivir”. Me gusta el estilo de vida que llevo, independiente de lo laboral, las actividades que hago, las amistades que tengo, los circuitos en los que me muevo. L’O: JL:

Contame cómo es un día tuyo allá… Salgo de casa por la mañana, me tomo un café con leche de avena en un café japonés que está en el barrio de Malasaña. Luego, por lo general, voy al gimnasio. Me gusta andar en bicicleta, a veces con mis amigos vamos a algún parque a ver el atardecer. También me gusta ir a comer a los mercados. L’O: JL:

L’O: JL:

¿Cómo es tu relación con las redes sociales? Cada vez más distante. ¿Vos manejás tus redes? Sí, ninguna empresa es Jorge López, soy yo.

Con más de diez millones de seguidores ¿cuántos inbox te llegan al día? JL: ¡Miles! L’O:

Trench, CHARLIE & H. Camiseta, LA MARTIC. Pantalón, MARTIN LÜTTECKE. Reloj, CARTIER.

Top, ALEXANDER WANG. Suéter, LORAINE HOLMES. Pantalón, DEMEULEMEESTER. Reloj, CARTIER. MAQUILLAJE: Iván Barría. POSPRODUCCION: Carolina Salamanca

¿Alguno divertido que se pueda contar? (Ríe) Mucha piel, mucho piropo XXX, mucho acting, la gente es muy performática, me encanta igual. L’O: JL:

Cuando empezaste a ser famoso te pedían autógrafos y ahora, selfies… Sí, viví las dos experiencias, porque cuando estaba en Disney no se usaban tanto las redes sociales, era mucho más de autógrafos, de pancartas, de peluches. Muy bonito, era más romántico. L’O: JL:

¿Preferís los peluches a los likes? Sí, porque es más tangible, estás viendo la muestra de amor. Las redes sociales son más distantes y yo soy una persona muy de piel, con mis amigos, mi familia. L’O: JL:

¿Cómo describís tu paso por la Argentina? Fueron cuatro años de mi vida muy importantes, de consolidación a nivel personal. Ahí me empoderé y creí en mí. Los argentinos tienen una personalidad supercautivadora, rápida y creativa, me encantan. L’O: JL:

¿Cuál fue el escenario que te dio más miedo enfrentar? Hacer la última prueba para Elite, que era algo muy íntimo, en vivo, frente al productor ejecutivo y el director. También bailar con Madona en Toronto. L’O: JL:

¿Te da miedo que te encasillen en personajes como Valerio Montesinos? Miedo no, porque lo mismo me pasó con Disney y logré deconstruir ese personaje. Ahora tengo que deconstruir al chico Elite.

L’O: JL:

¿Quién te inspira en tu carrera? Varias personas. Jack Nicholson me parece un intérprete muy interesante. David Bowie, por su identidad, su forma de vestir, él como performance. De los españoles, Javier Bardem. Me gusta su honestidad, es sincero en su actuación. De los chilenos, Pedro Lemebel; su rol fue fundamental, sus registros literarios, su acción social, su lucha, ¡todo! Existe un lugar en su marginalidad en la que me siento reflejado. L’O: JL:

“NO TENIA COMO objetivo ANDAR METIDO EN LAS semanas de la moda, moda, JAMAS PENSE QUE IBA a pasar, pasar, PERO SE HA DADO Y ME ENCANTA”.

¿Cómo describís tu relación con la moda? Superhonesta, es como una amiga, un amigo. Es instintiva, ha surgido por mi forma de ser y quiero seguir haciendo proyectos relacionados con la moda. No tenía como objetivo andar metido en las semanas de la moda, jamás pensé que iba a pasar, pero se ha dado y me encanta. La moda me gusta, me divierte, es una manera de expresarse: es arte. L’O: JL:

¿Cómo te relacionas con los movimientos sociales de este tiempo? ¿Hay alguno que te represente? JL: Muchos. No milito porque siento que me falta información, y si voy a tomar la voz por algo, no lo quiero hacer mal. Gracias a los movimientos sociales las cosas están cambiando, se están abriendo mentes, hay más tolerancia, más aceptación. Me identifican las luchas de las minorías sexuales, el feminismo, la igualdad en todo tipo de ámbitos, todo lo que sea inclusivo. L’O: Y ahora, mirando hacia atrás, ¿qué consejo le darías al Jorge de 18 años que se fue de su casa para estudiar teatro? JL: Que siga su instinto, ese es mi consejo para todos. n L’O:

Abotinados “Doherty

Skull”, tatuado a mano, TERRIBLE ENFANT. Botineta “Star Trek”, GIESSO.

Signos DE EPOCA Fotos MARCELO SETTON Estilismo GABRIELA SETTON

Tarjetero “Camouflage”, MONTBLANC. Anillo “Afrodita Rose” en oro rosa 18 quilates con piedra Cubic Swarovski transparente, PAOGI.

Pañuelo, FERRAGAMO. Sobre de playa, HERMES. Gafas de lectura “My Crew”, VULK.

Bufanda “Marqués”, JT. Reloj “Cellini Date” 39 mm, oro Everose 18 quilates con brazalete de cocodrilo, ROLEX disponible en TESTORELLI 1887.

Riñonera “Carleton”, MISHKA.

Brazalete “Double Tour”, HERMES. Reloj “The Longines Legend Diver Watch”, LONGINES disponible en TESTORELLI 1887.

Cárdigan de lana fría y camisa, LEVI’S.

CIERTO

invıerno Fotos SOL ABADI Estilismo SILVANA GROSSO

Chaqueta ojo de perdiz, SALVATORE FERRAGAMO. Básica de algodón, ETIQUETA NEGRA.

Manuel: sacón de pura lana, MAYDI. Chaleco, SALVATORE FERRAGAMO. Camisa, LEVI’S. Chino, ROCHAS. Malena: blazer, AY NOT DEAD. PAGINA OPUESTA: chaleco de cuero, SALVATORE FERRAGAMO. Camisa, EVANGELINA BOMPAROLA. Medias, MORA. Botineta, DUBIE. Guantes, ARANDU. Pulsera, LUNA GARZON. ESTA PAGINA: Juan

ESTA PAGINA: camisa

de algodón y corbata tejida, GIESSO. Suéter, BLUE SHEEP. de lana y seda, ROCHAS. Suéter, AY NOT DEAD.

PAGINA OPUESTA: traje

Manuel: blazer, ROCHAS. Campera Denim 505, LEVI’S. Pañuelo de bolsillo, LIBERTY. Malena: traje y camisa, CARBONE. Cadena para lentes, IRIBARREN. PAGINA OPUESTA: blusa, LE BONNE. Chaleco, GIESSO. Pantalón, EQUUS. Mocasines, MISHKA. Boina, ARANDU. ESTA PAGINA: Juan

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ESTA PAGINA: Malena: maxiblazer, GIESSO. Guantes, ARANDU. Juan

Manuel: traje, GIESSO. Camisa monograma, SALVATORE FERRAGAMO. y corbata tejida, GIESSO. Camisa monograma, SALVATORE FERRAGAMO. Prendedor, JAZMIN VINTAGE. MAQUILLAJE: Maia Rohrer para Chanel. PEINADO: Leandro Medrano. ASISTENTE DE ESTILISMO: Delfina Tulli. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Leo Catania. POSPRODUCCION: @postrestudio. MODELOS: Malena Monpelat para Look1 Model Management y Juan Manuel Alvarez para Ceres Management. PAGINA OPUESTA: blazer

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“212 HEROES”, EDT, CAROLINA HERRERA. “Gentleman”, EDT Intense, GIVENCHY. “Fucking Fabulous”, EDP, TOM FORD.

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despertar

SENTIDOS Fotos LUCAS KIRBY Estilismo BIANCA SIFREDI

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“Fusion D’Issey”, EDT, ISSEY MIYAKE. “Sauvage”, EDT, DIOR. “The One”, EDP, DOLCE & GABBANA. “Kenzo Homme”, EDT, KENZO.

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“Allure Homme Sport”, EDT, CHANEL. “Boss”, EDP, HUGO BOSS. “1 Million”, Parfum, PACO RABANNE. Agradecimiento: @caririos.deco por los objetos que ilustran esta producción.

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Sociedad

SIMES Dos hermanas en el mundo de la moda. Pasión, proyectos y guardarropa compartido compartido.. Fotos NICOLAS VERA Estilismo DELFINA TULLI

Aldy: blusa cuello alto, JAZMIN CHEBAR. Collar, ARACANO. Anto:pendiente, ROMERO HECHO A MANO. Blazer, JT.

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“A LOS 12 O 13 AÑOS NOS conectábamos PARA VER EL DESFILE DE Marc Jacobs EN NUEVA YORK POR Internet.. ATENTAS A QUE Internet nadie HABLARA POR teléfono PORQUE SE CORTABA”. — Anto

PAGINA OPUESTA: Anto: traje, CARZOGLIO. Blusa

cuello alto, JAZMIN CHEBAR. Anillos, ROMERO HECHO A MANO. Botas, DUBIÉ. Aldy: camisa y pantalón, CARZOGLIO. Brazalete, ARACANO. Mocasines, SANTESTEBAN.

ESTA PAGINA: Aldy: Camisa, JAZMIN

CHEBAR. Falda tableada, CARZOGLIO. Anto: Chaqueta, JT. Pantalón, CARZOGLIO.

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Por CELESTE NASIMBERA

Hace ya algunos años que las hermanas Antonella y Aldana Simes son habitués del mundillo de la moda local. Anto (28) está en el área de imagen y marketing de JT mientras que Aldy (25) trabajó durante siete años como estilista para venta online y redes sociales de Jazmín Chebar. Parecidas físicamente, pero muy fáciles de diferenciar, comparten profesión, amistades, estilo y hasta los zapatos. Su infancia transcurrió en el apacible y bucólico paisaje de la ciudad de La Falda, Córdoba. Fue durante la adolescencia que llegaron a Buenos Aires. Vestían uniforme escolar cuando comenzaron a asistir a las semanas de la moda y a desarrollar su gusto por los desfiles de Marc Jacobs, las revistas, los blogs y las hermanas Olsen. ¿Cómo surgió el interés por la moda? Siempre nos gustó. Durante nuestra adolescencia fue el boom de los blogs, los veíamos como hoy Instagram. Comprábamos todas las revistas que llegaban y si alguien viajaba, era lo primero que le encargábamos. Nuestro gusto estuvo siempre ligado a la imagen, al storytelling. ANTO: Nos fascinaba. A los 12 o 13 años nos conectábamos para ver el desfile de Marc Jacobs en Nueva York por Internet. Atentas a que nadie hablara por teléfono porque se cortaba; tenía que ser en ese momento, porque después el desfile ya no estaba disponible. Nos hacía mucha ilusión. L’OFFICIEL: ALDY:

¿Cómo fue entrar en el mercado laboral? Todavía estábamos en el colegio cuando empezamos a ir a los desfiles. Después nos fuimos conectando a través de blogs y se fue dando. Arrancamos colaborando en la revista DMAG. Luego, nuestro primer trabajo como estilistas fue en AY NOT DEAD, como asistentes para lookbooks y desfiles.

L’O:

ANTO:

L’O: No hicieron una carrera de moda. ¿Cuál fue la decisión al momento de formarse? ANTO: Elegí Ciencias de la Comunicación y fue una opción clave por las herramientas que me brindó y hoy agradezco. Siento que ya teníamos la parte creativa resuelta, entonces fue buscar otras formas de trabajar. En mi caso, desarrollar una parte más dura, más orgánica. ALDY: A mí siempre me gustó muchísimo el cine y me decidí por las Artes Visuales por esa razón. Fue una fuente de inspiración y aprendizaje. Tuve filosofía, sociología, esas materias te permiten tener una mirada distinta.

Suelen hacer estilismo juntas. ¿Cómo es trabajar en dupla? Me gusta trabajar con Aldy. Lo hacemos para amigas, por ejemplo, Carzoglio. ALDY: Sí, también nos llamó Carmen Alen. La marca Alen fue un proyecto que hicimos juntas. Aun cuando estamos ocupadas, si logramos encontrar un fin de semana libre, hacemos fotos porque nos gusta. Nos encanta producir. L’O:

ANTO:

L’O: ¿Cómo abordó cada una la búsqueda del estilo personal? Anto: Somos muy iguales, compartimos toda la ropa. Experimentamos en la adolescencia, buscamos qué nos gustaba. Fue una construcción. ALDY: Calzamos distinto, pero igual usamos los mismos zapatos. No nos gusta hacer shopping, ni seguir las tendencias. Nos interesa una prenda por la prenda en sí misma, su significado, su poder en la historia. Somos muy minimalistas. Aldy: suéter, JT. Falda, JAZMIN CHEBAR. Botas, SANTESTEBAN. Anto: blusa tejida y pantalón, JT. Botas, DUBIÉ. Anillos y bandolera gamuza, ROMERO HECHO A MANO MAQUILLAJE Y PEINADO: Sofia Rubinstein. ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA: Tomas Pons. Agradecemos especialmente a Aldana y Antonella Simes por su colaboración.

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L’O:

¿Salen a comprar ropa juntas o por separado? Se consulta. ¡Es una sociedad! n

ANTO:

“NO NOS GUSTA hacer shopping, shopping, NI SEGUIR LAS tendencias.. NOS tendencias INTERESA UNA prenda POR LA PRENDA EN SI MISMA, SU significado,, SU significado PODER EN LA historia”.”. historia — Aldy

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VESTIR

con emoción

Nino Cerruti, padre de la moda masculina, y Kim Jones, actual estrella de la industria, se han convertido en maestros en su oficio. Combinan sastrería y tradición con una innovación e ingenio que trascienden generaciones. Por PAMELA GOLBIN

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Cerruti habla un francés perfecto, salvo por un ligero acento que revela sus orígenes italianos. “Para construir el futuro, debemos respetar el pasado sin quedarnos estancados en la memoria de las cosas”, dice, y resume así la elegancia de su trabajo. Hoy, a los 90 años, el diseñador representa la excelencia del lujo característica de la casa de moda que lleva su nombre. Profundamente anclado en sus raíces, Cerruti se hizo cargo de la fábrica de telas familiar fundada por su abuelo en Biella, Italia en 1881, y abrió su propia casa de moda parisina en 1967. Ha sido, desde entonces, pionero de un vestir italiano más relajado, representado por la chaqueta desestructurada, con fluidez de diseño entre la vestimenta masculina y la femenina. Kim Jones, el nuevo virtuoso de la moda de origen británico, propone una visión extravagante –pero aun así usable– que va más allá de los géneros establecidos, aportando un espíritu innovador que busca customizar el lujo para todos. “No me gusta usar la moda con fines políticos, sino para crear un joie de vivre”, dice. “La moda hace que las personas se sientan bien con ellas mismas. Tiene ese poder”. Viajero del mundo, el diseñador es un conocedor del estilo urbano que encuentra permanente inspiración en las subculturas del estilo callejero, y usa esa energía para reinventar la sastrería y el vestuario moderno. Recordando su niñez, Jones habla sobre el nomadismo de su padre hidrogeólogo y del largo viaje que lo llevó desde América Latina hasta África, antes de establecerse en Londres. Hoy, a los 47 años,

tiene un doble título sin precedentes: es director artístico tanto de la colección masculina de Dior en París como de la colección de vestuario femenino de Fendi en Roma. A pesar de que estos dos diseñadores provienen de diferentes épocas, los impulsa una misma pasión: el traje. El savoir faire de la sastrería, transmitido de generación en generación, demanda una mirada atenta a los mínimos detalles, con terminaciones increíbles casi imperceptibles a simple vista, para llegar a la máxima perfección.

“NO ME GUSTA SER nostálgico nostálgico.. ME GUSTA SEGUIR adelante”.”. adelante —KIM JONES

Adolf Loos, el padre de la arquitectura modernista, era adicto a los trajes y defendía el traje a medida como arquetipo del diseño progresista. ¿Qué significa el traje para usted? NINO CERRUTI: El traje es una prenda muy tramposa. Para mí, tiene alma propia. Un mismo traje refleja un estado anímico distinto dependiendo de la persona que lo use. Se podría escribir una historia sin fin sobre la psicología del vestuario. L’OFFICIEL:

Usted conserva una gran colección de su propio guardarropa. Siempre he elegido mis prendas muy cuidadosamente. Me han acompañado en el viaje de mi vida, por eso nunca logro separarme de ellas. Es como tener un álbum de momentos importantes, con el beneficio de que además siguen la evolución de la moda masculina desde la década de 1950.

L’O:

NC:

Hablando de la importancia de las telas, Alexander McQueen comentó que “La idea es usar un material para transformar el cuerpo humano”. ¿Cómo interpreta usted esta idea, Sr. Jones? KIM JONES: (McQueen) fue un amigo y un mentor, pude verlo drapear y cortar. Para mí, las telas siempre han sido el punto de partida de una colección. Cuando los hombres compran, tocan el material antes de probarse la prenda. Me gusta trabajar en el sector del lujo de la vestimenta masculina porque me permite usar unas telas maravillosas. La sastrería puede ser bastante fluida según los materiales. En Dior hemos estado trabajando en el drapeado y en técnicas interesantes para crear un tipo de prenda diferente que pueda usarse no solo en un ambiente formal, sino también en uno un tanto deportivo. Es muy italiano y hoy en día, bastante relevante. L’O:

PAGINA OPUESTA: Kim

Jones por Nikolai von Bismarck. ESTA PAGINA: Nino Cerruti.

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tener un guardarropa más relajado. En la década de 1960, los jeans fueron la máxima competencia del mundo de la sastrería. Hoy, la moda está redefiniendo su interpretación moderna en función de las necesidades actuales. La relación entre el cuerpo y la forma de la silueta está en constante evolución. KJ: Me interesa la chaqueta desestructurada por la comodidad y fluidez que aporta. Creo que es una manera más fácil de vivir y aun así uno puede lucir extremadamente formal y elegante y eso me encanta. Cuando estudiaba, era muy importante para mi aprender a hacer correctamente el patrón de corte de una chaqueta para poder después adaptarla a una más moderna. L’O: Una parte importante del ADN de Christian Dior está expresada en el traje Bar, que resume la silueta del new look del año 1947. ¿Cómo aparece en sus colecciones de ropa masculina? KJ: Quería demostrar respeto por el fundador de la casa de moda y mirar sus puntos de partida. Es estimulante porque el Sr. Dior estableció códigos tan modernos que hoy siguen siendo muy actuales e interesantes. Usamos el botón forrado y cosido a mano del traje Bar. También observamos los diferentes forros y estudiamos cómo se confeccionan para luego crear la versión masculina. Hicimos el traje Oblique, una chaqueta cruzada con un solo botón, inspirada directamente en la chaqueta cruzada femenina de múltiples botones del año 1948. Nos gustó la idea de simplificarla y modernizarla para el siglo XXI. Miro mucho las telas antiguas porque eran de mucho mejor calidad; recreamos las telas porque soy muy exigente con los detalles.

¿Le gusta mirar al pasado? Sí, pero no me gusta ser nostálgico. Me gusta seguir adelante.

L’O: KJ: L’O: Como director creativo de Dior Men, usted está lanzando una moderna colección cápsula de sastrería. KJ: Sí, veíamos la sastrería de modo diferente de la obvia vestimenta formal y queríamos siluetas más desestructuradas; para mí es más moderno. Queríamos crear piezas que le hablaran a una generación más joven que busca vestirse de manera más elegante, pero no sabe cómo. La colección tiene una cierta soltura, esa vibra de la ropa deportiva estadounidense, pero también la esencia italiana de la sastrería. L’O: Sr. Cerruti, le han atribuido la invención de la chaqueta desestructurada. ¿Cómo fue? NC: El gran cambio que se produjo fue el deseo progresivo de

Nino Cerruti en su atelier. La fábrica familiar en Bierra, Italia. Fotos del archivo personal de Cerruti.

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L’O: Después de un año de llamadas a través de Zoom, ¿cómo se verá el traje de la pospandemia? NC: Pronto redescubriremos un nuevo placer en lo que usamos. KJ: Concuerdo contigo completamente, creo que la gente va a vestirse elegantemente más a menudo y va a querer expresarse porque ha estado encerrada durante mucho tiempo. Lo sé a partir de lo que están comprando nuestros clientes y lo que dicen mis amigos. No vemos la hora de poder salir, comprar ropa bella y sentir que estamos disfrutando la vida nuevamente. La casa

“EL TRAJE ES UNA PRENDA muy tramposa. tramposa. PARA MI, TIENE alma PROPIA. UN MISMO TRAJE REFLEJA UN ESTADO anímico DISTINTO DEPENDIENDO DE LA persona QUE LO USE”. —NINO CERRUTI

Dior se fundó justo después de la Segunda Guerra Mundial… la pandemia no es una guerra, pero ha impuesto restricciones. La libertad es un privilegio tal que, en verdad, tenemos que expresarnos más. Creo que todos tenemos el mismo optimismo. ¿Cómo ve las diferencias culturales y técnicas entre los trajes británicos, franceses e italianos? NC: Pienso que una prenda hecha a medida siempre tiene algo que la distingue. La diferencia no está solo entre un país y otro sino también entre un sastre y otro, ya que se fabrica de manera artesanal. Es el equivalente a una firma personal. KJ: Italia tiene un aire más relajado, pero también es muy chic. L’O:

Sastrería de Dios por Sophie Carre y Pol Baril; Dior Men por Brett Lloyd; backstage en Dior Men Primavera-Verano 2019 por Morgan O’Donovan.

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Inglaterra se viste de una manera muy “adecuada”, como un caballero inglés, por así decir. Francia es un poco la mezcla entre ambos. Cuando pienso en el vestuario masculino, pienso en Italia y en Londres más que en París, porque para mí París es Alta Costura. En Dior me fijo en formas de embellecer y en proezas técnicas. Disfruto trabajando en distintas partes del mundo. Me gusta ver cómo las diferentes personas reaccionan y abordan las cosas. Me maravilla la increíble calidad y rapidez con que trabajan los artesanos italianos. Es alucinante. ¿Cómo cree que trabajar con los famosos talleres de Dior enriqueció su proceso? KJ: Es una manera muy distinta de trabajar. Un atelier va a producir cinco soluciones distintas para el diseño del detalle de un bolsillo, mientras que una fábrica va a hacer exactamente lo que tú le digas que haga. L’O:

¿Cómo hace compatible el diseño extravagante con ropa que pueda usarse? KJ: Mi objetivo para cada una de estas casas es que cada pieza sea un producto vendible. En última instancia, me interesa más que la gente compre la ropa que diseño que lo que diga la crítica. Pienso que soy afortunado, logro un buen equilibrio entre ambas cosas. Me encanta ver a alguien usando la ropa que yo diseñé porque sé que se siente bien consigo mismo y creo que eso es importante cuando se trabaja en moda. L’O:

L’O: Sr. Cerruti, usted se inspiró mucho en el trabajo del análisis del comportamiento del consumidor de Ernest Dichter… NC: Fue uno de los primeros en analizar las motivaciones del comportamiento del consumidor. Siempre me ha interesado el aspecto sociológico de la moda. Su trabajo fue muy importante porque explicó no solo las razones detrás de la producción de prendas, sino también las necesidades del mercado tanto de hombres como de mujeres. La ropa refleja la realidad de la vida, es por esto que siempre, a partir de mi primera colección, me ha gusta presentar el vestuario femenino y el masculino juntos. El cambio hoy en día

ME ENCANTA VER A alguien USANDO ALGUNA PRENDA QUE YO HAYA diseñado PORQUE SE QUE LES HACE SENTIRSE bien. –KIM JONES

es mucho más rápido que antes, hay una fluidez entre los géneros que seguirá acelerándose en la próxima década. L’O: Usted ha hecho más de 150 colaboraciones para películas y a menudo viste a estrellas de Hollywood ganadoras del Oscar. ¿En qué se diferencia el proceso de confeccionar trajes para la pantalla y cómo influyó eso en sus colecciones de moda? NC: Mi vida personal siempre estuvo presente en mi trabajo. Me apasionaba el cine, pero también era una forma de hacer llegar

Imágenes de campaña fotografiadas por Paolo Roversi del libro Images. Cerruti. Paolo Roversi; Instalación de Nino Cerruti en 2016, gentileza de Pitti Immagine; blazers de Cerruti creados para films.

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Mucho conocimiento se adquiere con la experiencia y hay que transmitirlo. La moda es un mundo muy bello que ofrece mucho y puede brindar grandes satisfacciones. KJ: Sí, creo que la moda es una comunidad de personas. Y el Sr. Cerruti tiene razón, es una bella industria. Hay muchos que han sido muy generosas conmigo, como Stefano Pilati, uno de mis diseñadores favoritos. A pesar de que la moda se ha convertido en una potencia económica mundial, es genial poder trabajar con personas que uno admira, ama, y de quienes puede aprender. Cuando veo jóvenes diseñadores talentosos, quiero que les vaya bien y ayudarlos en lo que necesiten. Se trata de devolver lo que se te ha dado. L’O: Sr. Cerruti, ¿cuál ha sido el cambio más sorprendente de la industria desde que usted empezó 70 años atrás? NC: El cambio de escala y el increíble alcance de la moda. Era pequeña cuando yo empecé, en comparación con la industria globalizada de hoy. Mi familia se ha dedicado a las telas desde principios del siglo XIX. Me hice cargo de la fábrica familiar y en unos años comencé a diseñar. Desde entonces, se ha producido un cambio hacia el diseño de prendas más cómodas. Esto se debe a la evolución de nuestro estilo de vida y comportamiento social. Es muy interesante ver como el guardarropa del hombre cada vez se acerca más al de la mujer. KJ: Siempre he visto el vestuario femenino como una referencia del masculino, así que siempre he sido consciente de ello. Tenía más amigas mujeres que amigos hombres. NC: Creo que en el mundo de hoy debemos preservar nuestra emoción. Para mí, la moda es emoción. Me encanta la emoción. La lógica es fascinante, pero a veces un poco aterradora.

¿Cuál es el lugar de la elegancia en la moda? “Elegancia” es una palabra que me pone nervioso, porque las personas la utilizan de una forma muy artificial. Se puede aprender, pero se debe tener una disposición natural para ello. Lo que vistes no es suficiente. Es cómo lo usas y esto requiere un instinto natural. Tienes que ser tú mismo y reinterpretar las reglas para adaptarlas a quien eres. n L’O:

el mensaje de la moda a ámbitos diferentes de los tradicionales puntos de venta. En ese tiempo, el cine era una parte más importante de nuestras vidas de lo que es hoy día. Mi primer desfile de moda fue en 1958 en Roma, y le pedí a la hermosa Anita Ekberg que usara mi ropa. Ella estaba terminando La Dolce Vita de (Federico) Fellini. Así fue como empezó. Nunca impuse piezas de mi propia colección, diseñaba prendas para complementar mejor el rol de cada personaje. Muchos actores eran clientes de mi boutique en París y después los vestí para sus películas. En ese tiempo, los ámbitos creativos estaban más separados y yo quería acercarlos. La moda, el arte, el cine… las colaboraciones entre distintas áreas ahora son algo común, pero no siempre fue así. Kim, sé que tú eres cercano a Kate Moss. Ella estuvo en varias de mis campañas y tuvimos una muy buena relación de trabajo, aunque a veces tiene un carácter un poco difícil. Tengo muy buenos recuerdos de nuestras sesiones de fotos en el sur de Francia con Paolo Roversi. Kate tiene un gran estilo. KJ: ¡Se lo diré!

NC:

Sr. Cerruti, usted ha sido muy importante en el desarrollo de varias generaciones de diseñadores de renombre: Giorgio Armani, Veronique Nichanian en Hermès, también Stefano Pilati… NC: He sido un privilegiado en mi vida, no solo por trabajar por largo tiempo sino también por compartir mi pasión con otros. L’O:

Dior Men Pre-Otoño 2020; Dior Men Primavera-Verano 2020; Dior Men Pre-Otoño 2021; David Beckham en el casamiento real, 2018; Kylian Mbappé en los UNFP Awards, 2019. Dior Men Otoño-Invierno 2020; Kim Jones en el desfile Dior Men Primavera-Verano 2020

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EL EXPLORADOR A veinte años de sus comienzos en el mundo del arte, Vicente Grondona encuentra nuevos significados en la pintura y en la materialidad del carbón carbón,, sello indiscutible de su obra. Fotos GERMAN ROMANI

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Vicente en su taller, donde explora lo hipervisual a partir de los materiales, el ensamblaje y la textura de las obras. Trench, KEAK.

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Sus pinturas retoman la herencia del informalismo, en diálogo con lenguajes y técnicas propias del arte contemporáneo.

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Por DANIELA LUCENA El taller de Vicente Grondona es como un laboratorio de formas y texturas. Sus obras son el resultado de una búsqueda estética atravesada por el vértigo del trabajo con materiales no convencionales, resistentes y corrosivos. En sus distintos recorridos, Vicente experimentó tanto la creación solitaria como el quehacer colaborativo con otros artistas, diseñadores y escritores. La resignificación de lo dado, desde una mirada siempre sensible y curiosa, es el modo en que define hoy su práctica. En esta entrevista repasamos sus diferentes etapas y sus pasiones actuales. Leí que tus primeros contactos con el arte, en tu infancia, fueron en el taller de tu abuela. VICENTE GRONDONA: Sí. Siempre pienso que mi fascinación con el arte viene en gran parte de ahí. Ella tenía atrás de su casa un taller. Lo recuerdo como una especie de invernadero con ventanas de vidrio, caballetes, cuadros, bustos y obras cubiertas con telas, todo el imagiL’OFFICIEL:

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“ELEGIR MATERIALES QUE SON corrosivos corrosivos,, SUCIOS O MUY DIFICILES de manipular –COMO EL CARBON, EL CLORO O LA LAVANDINA– ESTA VINCULADO A UN estado DONDE REALMENTE encuentro MUCHA FELICIDAD”.

nario del artilugio, del atelier. Eso evidentemente me atravesó, me gustaba estar ahí. Es de ese tipo de imágenes recurrentes en sueños, en ese lugar que queda en el origen de la memoria. ¿Y cómo fue tu formación como artista? Fui unos años a la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en esa misma época me enganché en el taller de Miguel Harte, donde aprendí muchísimo sobre lo espacial y las técnicas escultóricas. También en el año 2000 conocí a Sergio De Loof y en su local La Victoria hice mi primera muestra. Era como un micromundo con gente del arte, de las letras, del teatro, de la noche…. nos divertíamos mucho.

L’O:

VG:

También viviste algunos años en París, ¿qué recuerdos tenés de esa experiencia? VG: Sí, París es la ciudad perfecta para ver pintura y además es perfecta para dibujarla por ese equilibrio entre el caos, la irregularidad y la destrucción, pero también la excelencia máxima en líneas de proporción y elegancia. Uno no puede dejar de mirarla, es fascinante. Hoy rescato muchas cosas de ese periodo. L’O:

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¿Cómo fue ese primer encuentro con las obras en los museos de Francia? Muy intenso, porque es el encuentro entre tus años de estudio y la mano del autor, lo más conmovedor siempre es eso. Vos estás ahí y se da esa conexión entre el momento en que el artista hizo la obra y el presente, es como si se aplanara el tiempo.

L’O:

VG:

¿Qué artistas te gustan o considerás que son tus referentes? Courbet, Picasso, Bacon, Van Gogh, Basquiat, todos son artistas que miré muy intensamente. Más para acá Hokusai, todo ese mundo del arte oriental o el manga incluso. También hay un imaginario que armé a partir de la música, en los 90 me hacía soñar el rock. Y si pienso en artistas de nuestro país aparecen Rómulo Macció, Alfredo Prior, Nahuel Vecino, Fernanda Laguna y últimamente todo lo que reunió UV Estudios me gustó mucho también. L’O: VG:

Obras realizadas para su última muestra en la galería Revólver, en noviembre de 2020.

L’O: A lo largo de estos años hiciste varios proyectos en colaboración con otros: el libro Nuestra difícil juventud con Francisco Garamona, la muestra Los amigos del espejo con Emiliano Maggi, fuiste parte del staff de la galería Belleza y Felicidad y también trabajaste con Jessica Trosman. VG: Sí, tengo un muy buen rollo con el hacer con otros. Con Jessica Trosman hicimos Mutuaretromorfa, la colección que aludía a lo mutuo y a la articulación con lo morfológico. En general tengo muy buena afinidad con los artistas. Fernanda Laguna vio mis trabajos en arteBA y me invitó a formar parte del grupo de Belleza y Felicidad, hacia el año 2003. Yo ya era público de la galería y también iba a las fiestas, son esos grupos naturales que se dan desde las afinidades más nobles. Crecí mucho ahí, creo que todos crecimos mucho, fue una inda época.

Cuando trabajaste con Jessica Trosman, ¿cómo fue ver el pasaje de tu obra del lienzo al cuerpo y al vestir? VG: Fue alucinante porque lo trabajamos como unas serigrafías gigantes y no se le exigió un rigor de serie sino de experiencias en cada mezcla, en cada color. Yo hice los dibujos y el que los desarrolló sobre las telas fue Pablo Sandrigo. Fue un trabajo muy artesanal, centímetro a centímetro, muy interesante. La sensación que recuerdo es la del día del desfile: ver las mannequins y las pasadas fue encantador. Me parece que es parte del camino, está en mi radar la amplificación de mundos, me superatraen todos los crossovers y estamos en una época muy propicia para eso. L’O:

¿Cómo elegís los materiales para tus obras? En principio tienen que ver con eso que estaba a mano y que yo seleccioné entre otras posibilidades. Elegir materiales que son L’O: VG:

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ESTA PAGINA: Algunos PAGINA OPUESTA: Vicente

de los dibujos realizados por el artista en sus largas caminatas por Buenos Aires y París. junto a sus obras “Cabeza de Medusa” y “Cabeza de Hera”, realizadas en carbón vegetal entre 2019 y 2020.

“EL CARBON ES UN ELEMENTO MUY directo Y UNIVERSAL, LO leen DESDE LOS NIÑOS HASTA LOS ADULTOS”. corrosivos, sucios o muy difíciles de manipular –como el carbón, el cloro o la lavandina– está vinculado a un estado donde realmente encuentro mucha felicidad: un lugar de mucho vértigo material, donde no hay control. Ahí es donde el arte empieza a ser como una especie de autoanálisis, de desafío de épica, con correlatos completamente libres y sin ataduras. ¿Cómo se da el proceso creativo con ese tipo de materiales? El estar manipulando algo y que probablemente no quede nada después de las horas, o solo quede hollín en mi pelo y en mis oídos, es también un viaje, un derrotero. La vida es muy extraña porque es muy corta y muy larga a la vez y ahí, cuando uno fracasó después de estar seis horas con la amoladora, es donde lo largo se manifiesta; aunque es interesante eso también. Ese fracaso en realidad hay que medirlo con mejores ojos: a fuerza de destrucción hay creación y hay aglomeración, hay amalgama, se genera algo.

L’O: VG:

¿Por qué elegiste el carbón para hacer rostros? Me interesa lo ligado a la vivencia que asocio con el carbón, como algo que pasó por el fuego y se transformó, pero sigue estando. Generalmente el fuego solo deja cenizas, pero en el carbón se da otro estadio que es muy interesante. Me gusta la analogía con la profundidad de lo que significa la vida, como un correlato con el paso

L’O: VG:

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del tiempo y a su vez con la idea del agujero negro. El carbón es un elemento muy directo y universal, lo leen desde los niños hasta los adultos; cuando la obra entra en contacto con el público empiezan a aparecer cosas muy lindas y profundas, del orden de lo existencial. ¿Cuáles son tus últimas exploraciones en torno al material? Son en torno al protagonismo de la textura, investigaciones sobre el material y el ensamblaje. Las obras tienen que ver con aglutinar carbón con pintura para luego dibujar con un instrumento mecánico y, oreando ese engrudo, buscar el negro de fondo para componer la línea. Es un trabajo de tallado, como de revelados. Creo que es un momento donde está bueno ir a lo hipervisual-presencial que se da con la textura y que se relaciona con la herencia del informalismo, que a mi tanto me gusta rescatar. L’O: VG:

¿Cómo definirías hoy tu trabajo estético? Lo pienso como resignificación, que es una de las maravillosas palabras que hay para explicar el arte contemporáneo o, al menos, mi gusto por el arte. Resignificar las cosas, preguntarse ¿por qué esto es así y no de otra manera? y desde ahí buscar la autenticidad y la nobleza. Existen los seres y las vibraciones, para que pueda vibrar y llegar lejos el discurso siempre tiene que ser transparente y honesto. n L’O: VG:

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Mirada de

ARTISTA

Muchos han dejado su huella en L’OFFICIEL durante estos 100 años de historia. Sin embargo, tres ilustradores históricos, Pierre-Armand Covillot, S. Chompré y Léon Benigni, revolucionaron la manera en que se representaba a las mujeres en las revistas, y la forma en la que ellas mismas se veían reflejadas.

Desde sus inicios hace casi 100 años, ilustradores y artistas que han colaborado con L’OFFICIEL han contribuido a dar forma a la estética cultural de la revista. A medida que crecía la popularidad de las artes decorativas durante las primeras décadas del siglo XX, los editores invitaron a creadores populares de toda Europa a llevar la iconografía del Art Déco a sus páginas. Pierre-Armand Covillot, S. Chompré y Léon Benigni convir-

tieron la moda en una narrativa visual que reflejaba el momento cultural a la vez que superaba la prueba del paso del tiempo. En 1921, año en que surgió L’OFFICIEL, se la consideró una publicación especializada con poco más que ilustraciones técnicas, orientada a compradores de moda y otros actores dentro de la industria. Para 1928, año en que se sumó Covillot, elementos del Art Déco ya se habían incorporado a las

Por PIPER Mc McDONALD y TORI NERGAARD

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portadas de L’OFFICIEL. Covillot, quien diseñó la mayoría de las tapas entre 1928 y 1935, cambió de manera significativa tanto el aspecto de la revista como el perfil de la audiencia al que estaba dirigida. En su doble tarea de diseñador de papeles y de textiles, utilizó la ilustración y el arte decorativo para reflejar un mundo que cada vez se mecanizaba más. En un artículo publicado en la revista en 1929, el escritor Roger Nalys comentó el trabajo progresista y esperanzador del joven Covillot como representativo de una nueva era en el diseño. Sus portadas inspiradas en el Art Déco atraían la atención de los lectores con su audaz uso del color y las líneas geométricas. Cada tapa era una nueva representación del estilo moderno, en auge en el París de la época. A través de la mirada de Covillot, las portadas pasaron rápidamente de lo minimalista y funcional a ocupar un lugar preponderante en el paisaje cultural parisino, captando y transmitiendo el espíritu de la época.

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Mientras Covillot transformaba el aspecto exterior de L’OFFICIEL conectando la moda comercial con el arte, en la década de 1930 los ilustradores Chompré y Benigni definieron la forma en que el lector se conectaba con la moda que se veía en las páginas. En 1929, Chompré se unió a la revista, produciendo ilustraciones de moda hasta entrada la Segunda Guerra Mundial. Con su enfoque más flexible al arte del retrato, su estilo formó parte de la transición hacia una estética contemporánea más estilizada y menos técnica. Sus románticas ilustraciones de ropa y accesorios acompañadas por elegantes imágenes de modelos empezaron a evolucionar hacia una visión más ambiciosa de la moda. Podía representar a una parisina elegante paseando por el Bois de Boulogne, en la playa en Niza, o con su mejor ropa de esquí en Suiza, siempre con un je ne sais quoi parisino. Las imágenes no se centraban tanto en la prenda como en la vida y las experiencias que podría ofrecerles a quienes la vistieran. En la misma línea de Chompré, las ilustraciones de Benigni profundizaron en el imaginario de la moda de L’OFFICIEL. Fue el más conocido de los tres y pasó más de una década consolidando una estética suave, femenina y típicamente francesa. Aportó su talento y habilidades a numerosos diseñadores de moda y textil, ilustrando las creaciones de couturiers de renombre mundial, como Jeanne Lanvin, Elsa Schiaparelli o Cristóbal Balenciaga, entre otros. Convirtió la Alta Costura en un verdadero sueño, utilizando colores inesperados y audaces líneas curvas, sobre modelos increíblemente utópicas. La obra de Benigni daba fe de la relevancia y el placer de la moda dentro de una vida dedicada al arte.

de L’OFFICIEL, diciembe 1934; tapa de L’OFFICIEL ,agosto 1935; todas ilustraciones de Covillot y Benigni. ABAJO: ilustraciones de S. Chompré, 1930-1937 PAGINA DE APERTURA: tapa de L’OFFICIEL, diciembre 1929; tapa de L’OFFICIEL, abril 1931; tapa de L’OFFICIEL, mayo 1933 ilustrada por Benigni; tapa de L’OFFICIEL, agosto 1929. ARRIBA IZQUIERDA: tapa

LAS IMAGENES NO SE CENTRABAN TANTO en LA prenda COMO EN LA VIDA Y LAS experiencias QUE PODRIA ofrecerles A QUIENES LA VISTIERAN. Además de crear un mundo de fantasía, las ilustraciones de Benigni aportaron a los primeros elementos constitutivos del estilo editorial de la revista moderna. Como la fotografía todavía estaba anclada en un trasfondo de estudio, el ilustrador, junto con los editores de moda de L’OFFICIEL, eligió vestidos y sombreros de diversos diseñadores para armar conjuntos basándose en las tendencias populares. Combinaron ropa y accesorios del momento con decorados que estuvieran en la misma línea de diseño, creando fantásticos espacios de ensueño y atmósferas intangibles. El trabajo de estos tres ilustradores, que cubrió las décadas de la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, otorgó luz y arte a los lectores de L’OFFICIEL en tiempos difíciles, hasta que la fotografía de moda finalmente cobró protagonismo hacia mitad de siglo. A través del trabajo de estos artistas e ilustradores –significativo e innovador–, la moda y la revista de moda dejaron de referirse exclusivamente a la vestimenta para convertirse en un estilo de vida. n

ARRIBA: dos

ilustraciones de Benigni, 1935; ilustración de S. Chompré, 1933 de L’OFFICIEL, febrero 1937, ilustrada por Benigni; tapa de L’OFFICIEL, junio 1935, con ilustraciones de Covillot y Benigni; tapa de L’OFFICIEL, diciembre 1933, con ilustraciones de Covillot y Benigni; tapa de L’OFFICIEL, febrero 1934; tapa de L’OFFICIEL, enero 1935; tapa de L’OFFICIEL, agosto 1929 ilustrada por Benigni.

DERECHA: tapa

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Contrastes Fotos JUAN JAUREGUI Estilismo JORGE LEON

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Chaleco puffer y pantalón de gabardina, FURZAI, polera de morley, CALANDRA y guantes, CARPINCHO.

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Tapado de paño y falda, LACOSTE. Polera, JAZMIN CHEBAR. Guantes, CARPINCHO. Minicartera, APPLE.

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Chaqueta y pantalón, COLECCION JARAMILLO BY TRAMANDO. Polera, DELUCCA.

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Chaleco, suéter, camisa, pantalón y bufanda puffer, JT. Botas, CALANDRA.

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Puffer, FURZAI. Maxibuzo, AY NOT DEAD. Shorts, VITAMINA. Botas, PRÜNE.

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Tapado reversible, suéter y maxi pantalón, KOSTUME. Abotinados, DR. MARTENS. ASISTENTE DE ESTILISMO: Luchi Solari. PEINADO Y MAQUILLAJE: Carina Fabiani. MODELO: Jazmyn para Central Models. Agradecemos la colaboración de la Secretaría de Turismo de la provincia de Jujuy (@visitjujuy), Villa del Cielo Hotel Tilcara por su colaboración en esta nota.

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LADY GUCCI

Para noviembre se anuncia el estreno de House of Gucci, Gucci, la película de Ridley Scott en la que lady Gaga interpreta a Patrizia Reggiani, la “viuda negra” del heredero de la famosa etiqueta italiana. Una historia de lujo, traición y asesinato en el Cuadrilátero de la Moda. Moda. Por CLAUDIA PASQUINI Maurizio Gucci era un hombre metódico. A las 8:30 del 27 de marzo de 1995, caminó los 140 metros que separaban su residencia de la oficina de Via Palestro, a pocos metros del Cuadrilátero de la Moda de Milán, donde se concentran algunas de las tiendas más lujosas del mundo. Apenas había atravesado la entrada, cuando recibió cuatro tiros por la espalda. Pese a que había dos testigos presenciales, el asesino huyó y la policía no logró dar con su pista durante dos años. Se barajó que era un ajuste de cuentas de la mafia (¿qué otra cosa, si no, en Italia?). Se investigaron al dedillo los movimientos financieros de la víctima, que apenas 18 meses antes se había visto obligado a vender Gucci a Investcorp, un fondo de inversión con sede en Bahréin. Fue el final de una gestión desafortunada y de la relación de la familia con la marca que lleva su apellido. Pero el sicario no había sido contratado por un capo de la ´Ndrangheta ni por un oscuro financista árabe, sino por una conocida socialite de Milán: Patrizia Reggiani, su 140

exexposa, la madre de sus dos hijas, Lady Gucci. El personaje mereció decenas de notas periodísticas, un documental de Discovery+ y un libro, The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour and Greed, de Sara Gay Forden. Sobre este último se basa el guión de la película que Ridley Scott (el director de Alien y Thelma & Louise) empezó a filmar en marzo con un elenco notable: Lady Gaga en la piel de Patrizia, Adam Driver como Maurizio Gucci, más Jeremy Irons, Jared Leto, Al Pacino y Salma Hayek. El estreno mundial está anunciado para el 26 de noviembre. Patrizia Reggiani ya dejó trascender que está “molesta” con Gaga porque no fue a conocerla. En definitiva, fue ella –la hija malcriada de una camarera y un hombre que había hecho fortuna con los camiones pero carecía de linaje– quien logró enamorar a Maurizio en 1972. Rodolfo Gucci se opuso férreamente a que su único hijo se casara con ella, porque no la consideraba a la altura de su famiglia. Pero debió retractarse: durante la década

CUANDO LOS PERIODISTAS le preguntaron CON SORNA por qué NO HABIA MATADO A SU EXMARIDO con sus propias manos, manos, CONTESTO: “MI VISTA NO ES TAN BUENA. No quería fallar”.”. fallar siguiente, la pareja devino en emblema de la alta burguesía italiana lanzada a la conquista del mundo. El bling bling de joyas y pieles anticipaba la llegada de Patrizia y Maurizio, que alternaban con lo más granado del jet set. Tenían un piso en la Olympic Tower de Nueva York, chalets para ir a esquiar a Saint Moritz, una granja en Connecticut, una casa de playa en Acapulco y un yate de 64 metros, el Creole, entre otras propiedades. Eran la imagen perfecta para la etapa de expansión internacional de la marca. Fundada en 1921 por Guccio, el abuelo de Maurizio, House of Gucci había comenzado como una tienda de refinados artículos de cuero, que se expandió primero a Milán y, después de la Segunda Guerra Mundial, dio el salto a Nueva York. Fue un boom; a fines de los 50, sus exquisitos mocasines y bolsos made in Italy eran el must have de estrellas como Audrey Hepburn y Grace Kelly. Cuando Guccio murió, sus hijos se hicieron cargo del negocio y empezaron las tensiones clásicas de las empresas familiares. Cuando Rodolfo falleció, en 1983, Maurizio heredó más de 200 millones de dólares y la mitad de la compañía. Durante los siguientes años luchó encarnizadamente con su tío y sus primos, dueños de la otra mitad, para conseguir el control total. Los negocios venían barranca abajo: como les sucedió a tantas etiquetas de lujo europeas en la era global, la multiplicación de licencias y las copias devaluaron el glamoroso logo de la doble G. El master plan del heredero era reenfocarse en los productos de alta gama. No estaba mal encaminado: su muerte coincidió con el ingreso del talentosísimo diseñador Tom Ford, que le devolvió el prestigio y las ganancias. Maurizio no llegó a verlo. Mientras estuvo al frente de Gucci, los más de veinte juicios con sus familiares, a quienes les fue comprando sus acciones con la ayuda de Investcorp, desangraron la compañía y su fortuna personal. En simultáneo, su matrimonio también se derrumbó. Un fin de semana de 1985, anunció que se iba de viaje de negocios a Florencia, partió con una valija… y nunca más volvió. Al poco tiempo

se supo que se había mudado con otra mujer, la diseñadora Paola Franchi y su hijo Charly. Patrizia hablaba pestes del marido ante quien quisiera escucharla. “Maurizio no quería ni ver a su familia. Teníamos cuatro casas en Saint Moritz y no quería darles ni una a mis hijas”, explicó en el documental Lady Gucci: The Story of Patrizia Reggiani. En el 92, el hombre logró el divorcio y anunció que se casaría con Paola. Fue el acabose: Patrizia no estaba dispuesta a renunciar al apellido que, tras doce años de matrimonio y toda una vida social construida alrededor, era parte de su identidad. Ella era “la más Gucci de todos”, como supo decir. Para colmo de males, un año después, él se desprendió de la empresa por 150 millones de dólares. “En esa época yo estaba enojada con Maurizio por muchas, muchas cosas –declaró en The Guardian–. Pero, sobre todo, esta. Perder el negocio familiar fue estúpido”. En su furia le preguntaba a todo el mundo, incluido el carnicero, quién podía matar a su exmarido. Hasta que alguien aceptó: su amiga Giuseppina “Pina” Auriemma, la bruja que le leía las cartas, cobró 300 mil dólares por organizar el crimen. A través del portero de un hotel, Ivano Savioni, contrató al chofer Orazio Cicala, que a su vez llevó al mecánico Benedetto Ceraulo, killer de ocasión. Resultaron impunes hasta que el portero fanfarroneó sobre su “hazaña” y un informante pasó el soplo. Cayeron todos. Cuando la policía fue a detener a Patrizia al departamento que compartía con sus hijas adolescentes, pidió llevarse sus pieles y sus joyas a la cárcel. No lo logró. La prensa italiana se hizo un festín con todos los estereotipos de género: las cazafortunas disputándose al rico heredero, la esposa despechada, el asesinato pasional… Nada se dijo del papel que había tenido el hombre que abandonó a su esposa sin explicaciones, la humilló, cortó el contacto con sus hijas y dilapidó el patrimonio familiar. Reggiani fue condenada a 29 años de prisión como autora intelectual del crimen. A los 16, le ofrecieron salir en libertad condicional pero se negó porque debía conseguir empleo: “Nunca trabajé en mi vida y no tengo intención de empezar ahora”, alegó. Sin embargo, dos años más tarde aceptó la opción. La tomaron como “asesora de estilo” en una joyería que pretendía aprovechar la publicidad de su caso. Recién liberada, Patrizia se fue de compras a la vía Montenapoleone con un papagayo al hombro: el pájaro era motivo central de la colección de accesorios que había ayudado a diseñar. Cuando los periodistas le preguntaron con sorna por qué no había matado a su exmarido con sus propias manos, contestó: “Mi vista no es tan buena. No quería fallar”. La realidad es mucho más rica que la ficción. En 2017, imprevistamente, un juez falló a favor de Reggiani concediéndole la extraordinaria pensión vitalicia que había acordado tras su divorcio: un millón de euros por año, más 26 millones de pago retroactivo. Allegra y Alessandra, herederas de la fortuna paterna, apelaron la sentencia. Cuando, además, su propia madre –con quien convive– trató de inhabilitarla legalmente para disponer de sus bienes, Patrizia levantó bandera blanca: ofreció renunciar a parte de la herencia a cambio de ver a sus nietos y pasar algunas temporadas en el chalet de Saint Moritz y el yate Creole. Las apelaciones siguen en proceso. Este año Gucci festeja su centenario bajo la batuta del diseñador Alessandro Michele, que apostó al gender fluid y la sustentabilidad para modernizar el rico acervo de la marca; un modelo opuesto al de la ostentación maximalista que encarnaba Patrizia. La película de Gaga aportará, en simultáneo, una considerable campaña publicitaria. Oficialmente, la compañía nunca aceptó pronunciarse sobre el caso, pero dicen que el día que sentenciaron a Patrizia Reggiani, en las vidrieras de Gucci se veían elegantes esposas de plata. n 141

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MAQUILLAJE

DIVERSO

Las marcas de belleza se vuelven más inclusivas inclusivas:: propuestas sin género y bases con tonos para todas las pieles. Bastan un par de scrolls en Instagram para entender que el maquillaje ya no es una cuestión ligada a un género en particular. La sociedad cambió, la industria se diversificó y con ella, la forma de consumir los productos. MAC, NARS y Bobbi Brown, entre otras marcas, vienen haciendo la diferencia desde los años 90 con embajadores y modelos diversos en sus campañas. La apertura a propuestas más inclusivas también se está dando en relación con la carta de colores de bases y polvos. Si bien los tonos muy claros no eran parte de la oferta, mucho más notoria era la falta de variantes para las pieles negras. El lanzamiento de Fenty Beauty en 2017 logró en su primer mes más de 72 millones de dólares en ventas. ¿Por qué? Los expertos afirman que la marca de belleza de Rihanna sentó un precedente al plantear consignas inclusivas. La cantante y empresaria quería “derribar los límites de la industria” y lo logró. Las cartas de bases con variedad de matices se convirtieron en una realidad y tanto en los muestrarios como en las fotos subidas a las cuentas de Instagram se ven personas de género binario y no binario, que lucen una tez impecable lejos de la perfección. Un cambio en las reglas de juego. Marcas como Dior han renovado sus propuestas más icónicas con nuevos tonos y han reestructurado las más recientes como Backstage, la línea de productos pensada para los desfiles. Ahora en la paleta se presentan 40 tonos que incluyen 16 intensidades y 6 subtonos para cubrir un rango de pieles que van de muy clara a muy oscura, en versiones frías y cálidas. A nivel local, aún hay mucho por recorrer: las paletas de colores suelen oscilar de medios a claros. En las góndolas de farmacias se consiguen maquillajes de grandes firmas internacionales, pero siempre en una gama muy acotada en comparación con otros países. El camino es largo, pero la belleza inclusiva ya es parte de nuestro vocabulario y algo que nuestra industria celebra día a día. Un concepto que, en el último tiempo y de cara al futuro, se ha vuelto omnipresente. n

Por LOLA MONTEIRO 143

ESTETICA

masculina LA TENDENCIA Cada vez más hombres eligen tratar su piel y moldear su figura a través de técnicas no invasivas. invasivas. Lo que buscan y las nuevas tecnologías que potencian resultados. Por LOLA MONTEIRO Foto GERMAN ROMANI

CARA

“Los hombres tienen una piel más gruesa, por eso los signos de envejecimiento se manifiestan más tarde en su rostro”, dice la Dra. Priscila Dzigciot, especialista en Medicina Estética y Antienvejecimiento y directora del Centro de estética y belleza BACE. Señala además que cada vez son más los varones que consultan acerca de tratamientos que mejoren la calidad de la piel y les quiten años. Entre las recomendaciones: • Indiba. Esta tecnología tiene como objetivo redefinir la estructura del óvalo facial. Restaura la flacidez a través de radiofrecuencia, y activa el colágeno y la elastina. “Se obtienen resultados naturales en pocas sesiones y una notable mejora de las líneas de expresión”, dice Dzigciot. • Lifskin. Incrementa la calidad de la piel trabajando la oxigenación, la irrigación sanguínea y la hidratación mediante luces LED y ultrasonido. “La piel lucirá más saludable, luminosa, tersa y con los poros más cerrados”, explica. Y agrega: “Todos nuestros tratamientos se complementan con una rutina cosmética de pocos pasos para hacer en casa, que amplifica los resultados”.

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CUERPO

Para el Dr. Christián Sánchez Saizar, dermatólogo y miembro de la Sociedad Argentina de Dermatología, los procedimientos más requeridos son: • CoolSculpting®, una técnica en frío que reduce la adiposidad localizada en sesiones de 35 minutos, y no requiere tiempo de recuperación. • CM Slim, aumenta el volumen de la masa muscular al mismo tiempo que quema grasa, define y mejora el tono del abdomen, tríceps, hombros, cuádriceps y posteriores. Trabaja la zona elegida generando un campo electromagnético que contrae el músculo de forma involuntaria. El cambio se ve entre las 6 y 8 sesiones. Sánchez Saizar considera que: “la clave está en combinar una alimentación sana y ejercicio con tratamientos no invasivos que ayuden a trabajar zonas puntuales”. n

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DE LA QUEBRADA a la Puna jujeña

Un recorrido imponente entre montañas, pueblitos y zonas arqueológicas arqueológicas.. Los destacados.

Selvas con toda la gama de los verdes, valles con vistas espectaculares, montañas de colores intensos, la colosal planicie blanca de las Salinas Grandes. Jujuy está llena de paisajes naturales que sorprenden. ¿Por dónde empezar? La Quebrada de Humahuaca, declarada Patrimonio de la Humanidad, es un extenso valle montañoso de unos 155 kilómetros. A lo largo de 10 000 años de historia, ha sido el escenario de gran parte de los desarrollos culturales de la región y de los países vecinos de América del Sur. Entre los lugares más característicos se encuentra Humahuaca, a casi 3 000 metros de altura, con sus casas de adobe y piedra, rodeada de cordones montañosos de gran belleza. Un poco más abajo está Uquía, que no solo es famosa por las pinturas de ángeles arcabuceros que adornan su iglesia, sino también por los estratos rocosos de sus cerros que encierran un invalorable tesoro paleontológico. Entre lo más visitado: la Quebrada de las Señoritas, una asombrosa hendidura con pinceladas rojas, blancas y negras. La zona impacta con otros colores, como en Maimará,

El Eco & Wine hotel boutique Villa del Cielo en Tilcara, Quebrada de Humahuaca.

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donde las tonalidades de la formación geológica llamada La Paleta del Pintor brindan un fondo espectacular al poblado. Tilcara es la capital arqueológica de Jujuy, con sus calles empinadas y sitios mágicos como el Pucará, el jardín botánico de altura y la Garganta del Diablo. Los turistas suelen elegirla como base para visitar diferentes sitios de la Quebrada y alrededores, ya que cuenta con la mejor infraestructura de la región. Para agendar: Villa del Cielo, Eco & Wine hotel boutique, que ofrece confortables habitaciones y cabañas con terraza propia con vista al viñedo o a la inmensidad de las montañas. El restaurante, Cielo, es un destacado de la zona. (reservas@villadelcielotilcara.com). Próxima parada: el pequeño pueblo de Purmamarca, a 2 200 metros de altura. El Cerro de los Siete Colores se cuenta entre las maravillas más fotografiadas de la Argentina (las mejores fotos son las que se toman al mediodía, cuando el sol está a nuestra espalda). Desde allí hay solo 66 km hasta las Salinas Grandes, previa subida

turas extremas que se producen en invierno. Desde allí se puede visitar Laguna de los Pozuelos, incluido en la lista de Humedales de Importancia Internacional. Habitado por más de 30 especies distintas de aves, con gran variedad de flamencos rosados. El viaje sigue y la siguiente parada es La Quiaca, la ciudad fronteriza del extremo norte, a 3 342 metros sobre el nivel del mar. Al este se encuentra Yavi, que conserva el tiempo detenido en sus calles de piedra. La milenaria Iglesia atesora el esplendor de un púlpito y altar tallados a mano hace siglos y laminados íntegramente en oro. En este pintoresco pueblito en medio de las montañas, la monotonía del color de la tierra, que es igual en todo el paisaje y en las construcciones del lugar, es otro dato en la suma de sensaciones que despierta la Puna. n Más información en @visitjujuy

Texto: Dora Becher. Foto: Mavi Habil

por la Cuesta de Lipán, donde las sucesivas curvas van abriendo camino hacia paisajes increíbles. Las Salinas son una de las mayores depresiones de la provincia, con más de 12 000 hectáreas de sal a cielo abierto. Se remontan a entre cinco y diez millones de años, cuando la cuenca se cubrió por completo de aguas provenientes de un volcán. La paulatina evaporación dio forma a este salar que posee una costra de alrededor de 30 centímetros. La Puna jujeña ofrece además estepas y lagunas. En Barrancas, ahora llamada Abdón Castro Tolay, se levantan gigantescos paredones naturales que custodian el patrimonio arqueológico de la región. Fue declarada reserva protegida por la gran cantidad de grabados y pinturas rupestres en piedras y rocas, con motivos de llamas, hombres, aves y soles. Leyendas, magia y misterio dominan también la agreste geografía de Abra Pampa, la “Siberia Argentina”, por las tempera-

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Mucho en común La relación entre Jean Cocteau y Gabrielle Chanel en el espíritu de la última colección. La elección de Virginie Viard, directora artística de Chanel, de las Carrières de Lumières para presentar la colección Crucero 2021-22 fue todo un símbolo. Esas canteras de piedra caliza en la localidad de Les Baux-de-Provence, al sur de Francia, fueron la locación que el artista Jean Cocteau había utilizado para su película El testamento de Orfeo, de 1959. “Gabrielle Chanel estaba muy unida a Cocteau, y a mí me encanta su película”, explicaba Viard sobre su decisión y destacaba en particular la escena en la que “un hombre con la cabeza de un caballo negro desciende hacia las Carrières de Lumières con la silueta recortada sobre las paredes blancas”. El blanco y negro es también la paleta cromática propia de la maison Chanel. Otro punto de encuentro. Se puede ver la colección Crucero 2021-22 de Chanel en la web de L’Officiel: www.lofficiel.com.ar

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