L'Officiel Chile Mayo 2021

MARZO-MAYO 2021

LAIS

0

737186 792879

Nº 1 $5.000 CLP

SILUETAS VIRTUOSAS

Adán Jodorowsky · Christiane Endler · Voces de moda

MARZO-MAYO 2021

JOAQUIN

0

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Nº 1 $5.000 CLP

TIEMPO PRESENTE

Adán Jodorowsky · Christiane Endler · Voces de moda

MARZO-MAYO 2021

CHRISTIANE ENDLER

PODER DE MUJER Voces de moda

charlieandh.cl

Vestuario: Loraine Holmes. Fotografía: Max Lagos / Ultra estudio. Dirección creativa y retoque: Caro Salamanca. Asistente de fotografía: Vito Gandolfo. Estilismo: Jazmín de las Flores Martinez - Constanza Tognarelli / We Love Models y Elite Models. Agradecimiento especial: Cresta, retrovision y Ara jwls

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FUERZA NATURAL POR

Laure Ambroise

TODO O NADA Valentina Espinoza FOTOS Thomas Paquet STYLING Chloe Para POR

60 66

116

EDITORIAL

24

AUDEMARS PIGUET

30

THE MASTER GOLDSMITH

42

ARTESANIA CONTEMPORANEA DE LUJO

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MECENAZGO Y GENERO

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ESPERAR ES DESAPARECER

52

POR Valentina

POR Catalina

Espinoza

del Pino

POR Florencia

de la Fuente

POR Francisca Vargas

POR Francisca Vargas

POR Carmen

País

SIN DISFRAZ POR Nicolás

Castro

56

COMPOSICIONES ALEATORIAS

82

POWER DRESSING

88

FOTOS Kata

Ulloa STYLING Romina Meier

FOTOS Mairo Arde STYLING Romina

50

20

96

Meier

102

BELLEZA SIN DOLOR

150

RECICLAR COMO ULTIMA OPCION

152

POR Ailyn

Salvo FOTOS Carlos Saavedra

POR Magdalena

Poulsen

156 106

2021: EL PANORAMA DE LA MODA

112

URBAN CITIZEN

124

BELLEZA IMPERMEABLE

134

POR Magdalena

Poulsen

FOTOS Juan

Mathe STYLING Marcela Rubini

FOTOS Paula

Ziegler STYLING Romina Meier MAKEUP Poli Picó

LA PARISINA, SEGUN MADAME D’ORA POR Piper

McDonald y Tori Nergaars

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LUJO NATIVO

168

LA VIDA EN TECNICOLOR

174

ALMA SIBARITA

178

POR Magdalena

Poulsen

FOTOS Maud

Gabrielson STYLING Flore Chenaux

160 140

22

L.CL

UNCH DIESE

UPCOMING LA

DIRECTORA EDITORIAL

Valentina Espinoza DIRECTOR DE ARTE

EDITORA DE MODA

Marcelo Amigo

PERIODISTA

Romina Meier

Magdalena Poulsen

COLABORADORES

Francisca Vargas, Florencia de la Fuente, Ailyn Salvo, Carlos Saavedra.

CORRECCION DE ESTILO

Norinna Carapelle

INVERSIONES JMG

Juan de Valiente 3630 of. 605, Vitacura. Santiago de Chile.

COMITE EDITORIAL

DIRECTOR EJECUTIVO

Ana Torrejón

DIRECTOR GENERAL DE ARTE

Jaime Aguilera

German Romani

GLOBAL MEDIA BRANDS ARGENTINA

DIRECTORA

DIRECTOR

Gianina Rodríguez

REPRESENTANTE DE VENTAS

PUBLISHER

Miguel Angel Soto

Tomás Becerra

Alex Milberg

tbecerra@lofficielchile.com

JALOU MEDIA GROUP MANAGEMENT

128, quai de Jemmapes 75010 Paris DIRECCION GERENTES COPRESIDENTES DE CONSEJO EJECUTIVO Y ADMINISTRATIVO

Marie-Jose Susskind-Jalou Maxime Jalou

DIRECTOR GENERAL

DIRECTORA GENERAL ADJUNTA

DIRECTOR DE CONSEJO EJECUTIVO

MIEMBRO DE CONSEJO EJECUTIVO

Y ADMINISTRATIVO

Y ADMINISTRATIVO

Benjamin Eymere

DIRECTOR CREATIVO INTERNACIONAL

Stefano Tonchi

DIRECTOR GLOBAL EJECUTIVO

Giampietro Baudo

Maria Cecilia Andretta

DIRECTORA ARTISTICA Y CASTING

DIRECTOR CREATIVO ADJUNTO

Jennifer Eymère

Trey Laird

ASISTENTES EJECUTIVOS

Celine Donker Van Heel Giulia Bettinelli

PUBLICIDAD GERENTE DE INGRESOS GLOBALES

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GERENTE DE INGRESOS FRANCIA Y SUIZA

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GLOBAL DIGITAL Y MEDIA PLANNING

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INTERNACIONAL Y MARKETING DIRECTOR INTERNATIONAL DE LICENCIAS, DESARROLLO DE NEGOCIOS Y BRAND MARKETING

Flavia Benda

DIRECTOR DE PRODUCTOS DIGITALES

Giuseppe De Martino

MANAGER DE PROYECTOS DIGITALES

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ESTRATEGA DE MARKETING Y MEDIOS

Louis du Sartel

FUNDADORES

CONTENIDOS EDITORIALES Y ARCHIVOS INTERNACIONALES

Giulia Bettinelli

Georees, laurent y Ully jalou (†) El contenido publicado se encuentra protegido por derechos de propiedad intelectual, quedando expresamente prohibida su reproducción y modificación por cualquier medio, sin expresa autorización de sus titulares. Las opiniones vertidas en esta revista son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten y no representan, necesariamente, la opinión de HTMedia SA e Inversiones JMG. Inversiones JMG no se hace responsable por daños o perjuicios de cualquier naturaleza que pudiere ocasionar algún acto u omisión de los lectores, motivado por el contenido publicado.

L’Officiel Chile se imprime en Gráfica Andes, Santo Domingo 4593, Quinta Normal, Santiago, Chile.

EDICIONES INTERNACIONALES L’Officiel de la Mode, L’Officiel Hommes Paris, L’Officiel Voyage, L’Officiel ART International, Jalouse, La Revue des Montres, The International Watch Review, L’Officiel Island, L’Officiel Peak, L’Officiel Jewels, L’Officiel Arabia, L’Officiel Hommes Arabia, L’Officiel ART Arabia, L’Officiel Argentina, L’Officiel Austria, L’Officiel Baltics, L’Officiel Belgique, L’Officiel Hommes Belgique, L’Officiel ART Belgique, L’Officiel Brasil, L’Officiel Hommes Brasil, L’Officiel Chile, L’Officiel China, L’Officiel Hommes China, Jalouse China, L’Officiel India, L’Officiel Indonesia, L’Officiel Italia, L’Officiel Hommes Italia, L’Officiel Korea, L’Officiel Hommes Korea, La Revue des Montres Korea, L’Officiel Latvia, L’Officiel Lithuania, L’Officiel Hommes Lithuania, L’Officiel Malaysia, L’Officiel Mexico, L’Officiel Maroc, L’Officiel Hommes Maroc, L’Officiel NL, L’Officiel Hommes NL, L’Officiel Poland, L’Officiel Hommes Poland, L’Officiel Russia, L’Officiel Singapore, L’Officiel Hommes Singapore, L’Officiel St Barth, L’Officiel Switzerland, L’Officiel Hommes Switzerland, L’Officiel Thailand, L’Officiel Hommes Thailand, L’Officiel Turkey, L’Officiel Hommes Turkey, L’Officiel Ukraine, L’Officiel Hommes Ukraine, L’Officiel USA, L’Officiel Hommes USA, L’Officiel Vietnam. www.lofficiel.com www.lofficiechile.com INSTAGRAM: @lofficielchile FACEBOOK: @LOfficielChile

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L’EDITO

Durante 2020 se cerraron las fronteras geográficas, pero no las de la creatividad. Mientras nuestras agendas se pusieron en pausa de forma indefinida y vimos cómo el tiempo avanzó a ratos sin permiso ni piedad, nos vimos forzados a buscar dentro de nosotros mismos luces, señales y todo aquello que nos recordara acerca de nuestras pasiones, esas que nos mueven, nos motivan y nos impulsan a apostar por nuevos proyectos y desafíos, como editar en Chile una revista francesa con 100 años de historia. De eso se trata L’Officiel, de atreverse a dar un gran salto en un escenario que se vislumbra como incierto, pero donde almas creativas han aportado con sus talentos para elevar más alto que nunca a nuestro país, y con ello rendir culto a nombres emergentes y consagrados vinculados al arte en todas sus expresiones. La moda es nuestro motor y la columna vertebral de cada página que están por leer; la entendemos como un punto de inflexión frente a todo lo que nos inspira. A través de ella llegamos a Christiane Endler, la capitana de la selección chilena de fútbol femenino y jugadora del Paris Saint-Germain. Una mujer que se consagró como la mejor arquera del mundo y que hoy sigue luchando en pos de la reivindicación del género, sobre todo en las nuevas generaciones. Así como este año Chile cambiará su Constitución, nosotros desde ya nos sumamos a lo nuevo. Queremos hablar desde una plataforma actual, donde lo análogo con lo digital convivan y se complementen, al igual que todas las voces con algo que contar. Aquí, todos somos y sumamos. ¡Bienvenidos a L’Officiel!

VALENTINA ESPINOZA 26

CHRISTIANE ENDLER FOTOGRAFIADA POR THOMAS PAQUET EN PARIS MAQUILLAJE:

Chanel Beauty STYLING: Chloe Para Abrigo MAX MARA

Edición 1 | lofficielchile.com | L’OFFICIEL CHILE | Juan de Valiente 3630 of. 615, Vitacura, Santiago de Chile.

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ANATOMIA DE UN BOLSO

VERROU HERMES de

INSPIRACION

Robert Dumas nunca dejó de pensar en los cierres inspirados en la vida cotidiana: una cadena, un ancla, un pestillo, un gancho, todo fue inspiración.

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MATERIALIDAD

El Verrou suma versatilidad en diferentes texturas. Está en cocodrilo liso, becerro Allegretto, piel de avestruz Boréale y cuero de cabra.

UN BOLSO QUE ROCKEA

El Verrou se convirtió en el fetiche de Isabelle Dufresne, también conocida como Ultra Violeta, una de las musas de Andy Warhol entre los años 1960 y 1970.

Foto: Cortesía Hermès.

En 1938 Robert Dumas reinterpretó la forma de una cerradura de puerta que le evocaba el de los establos de los caballos, y creó un bolso de mano con un cierre legendario legendario.. El Verrou de Hermès es un espectáculo geométrico geométrico,, racionalmente bello: un verdadero sueño constructivista constructivista..

HISTORIA DE UNA MARCA

AUDEMARS

PIGUET

Desde hace 145 años la firma produce relojes complejos y exquisitos.

En cada una de sus creaciones se fusionan sus valores con la innovación.

Por CATALINA DEL PINO

INSPIRADOR

Jules Louis Audemars instala en 1875 su taller de relojería en la casa familiar de Le Brassus, en el valle de Joux, Suiza. Años más tarde se asocia con Edward Auguste Piguet y juntos crean la firma especializada en relojes de excelencia y alta complejidad.

“Royal Oak Tourbillon”. La línea femenina del “Royal Oak” introdujo piedras preciosas y nuevos colores, como el ciruela.

EN FEMENINO

En 1975, Jacqueline Dimier se convirtió en directora de Diseño, un nombramiento excepcional para el mundo de la relojería, tradicionalmente masculino. Su primer proyecto fue el “Royal Oak” para mujer, lanzado en 1976. “No fue fácil. Mi idea era mantener el carácter esencial de la línea y concentrarme en las proporciones. Quería que el reloj siguiese siendo grande, pero eso no estaba en absoluto de moda entre las señoras”, decía Jacqueline Dimier de su diseño pionero.

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LA EXPERIENCIA

La estética de las boutiques Audemars Piguet busca recrear la esencia del valle de Joux y su naturaleza.

En 2018 abrieron las primeras AP House en Hong Kong, Milán, Nueva York, Múnich y Madrid.

LINEA DE TIEMPO 1875: Jules Louis Audemars y Edward Auguste Piguet comienzan a crear sus relojes en Le Brassus (Suiza).

1899: Diseñan uno de los relojes más complicados para su tiempo, el “Universelle”.

1921: Entra en producción su repetidor de cinco minutos, el más pequeño del mundo.

1955: Presentan el primer reloj de pulsera con calendario perpetuo e indicación de año bisiesto.

1972: Se introduce el icónico modelo “Royal Oak” diseñado por Gérald Genta.

1976: Lanzamiento del primer “Royal Oak” femenino diseñado por Jacqueline Dimier.

1993: Lanzamiento del primer “Royal Oak Offshore” diseñado para deportes extremos.

ULTIMA GENERACION

“Royal Oak 34mm Selfwinding”. Es el primer modelo 34mm RO de cuerda automática en oro rosa de 18 quilates adornado con diamantes. Funciona impulsado por los movimientos naturales de la muñeca.

2000: Para el 125 aniversario de la firma, se diseña un reloj de bolsillo que celebra el legado de la marca.

2002: Con motivo de los 30 años del “Royal Oak”, nace el modelo “Concept”, inspirado en una estética totalmente futurista.

2012: Se celebran los 40 años del “Royal Oak” con un modelo de acabado a mano hecho en platino.

2020: Presentan su primera serie musical 180, compuesta por cinco episodios, cada uno capturado por un director de cine diferente.

2021: El 23 de abril se unirán el arte con la ciencia, en el quinto Comité Artístico de Audemars Piguet.

SIN LIMITES

El 23 de abril de este año se realizará el quinto Comité Artístico de Audemars Piguet (el primero en Asia). La artista seleccionada es Phoebe Hui. Presentará la instalación The Moon is Leaving Us, que muestra el resultado de observaciones históricas de la Luna y plantea preguntas acerca de las formas de representación visual de la naturaleza que tiene la humanidad.

MIRANDO A HOLLYWOOD

El reloj deportivo “Royal Oak Offshore” (1993) marcó el comienzo de una tendencia a los relojes de lujo de gran tamaño. Seis años más tarde, Arnold Schwarzenegger tuvo una versión propia para la película End of Days. Ese modelo se transformaría en la primera edición limitada del “Royal Oak Offshore” y sería pionero en el vínculo de la marca con las celebridades.

LEGADO

Durante el 2020 abrió el Musée Atelier Audemars Piguet en Le Brassus, un espacio que cuenta las historias de todo lo que colaboró en la construcción del universo de la firma.

“HACEMOS OBJETOS HERMOSOS QUE DURARAN muchas vidas... vidas...

TODO LO QUE PRODUCIMOS ES UNA expresión DE LA ARTESANIA DE NUESTROS RELOJEROS”.

— Jasmine Audemars, Presidenta del Consejo de Administración de Audemars Piguet.

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DAMIEN DA MIEN HIRST

ODA ODA COLOR COLO R

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Cherry Blossom es el nombre de la primera exposición de Damien Hirst en un museo francés, que llegará el 1 de junio de 2021 a la Fondation Cartier pour l’art Contemporain. Una verdadera celebración del color, donde interpreta, con lúdica ironía, el tradicional asunto de la pintura de paisaje. Hirst combina pinceladas gruesas y elementos del arte gestual, incorporando elementos tanto del impresionismo como del puntillismo, así como la pintura de acción. La serie Flores de Cerezo está compuesta por telas monumentales cubiertas por completo en colores densos y brillantes, los que envuelven al espectador en un vasto paisaje floral que oscila entre la figuración y la abstracción. El autor señala que después de tres años completos trabajando en ella, la pandemia le dio “mucho más tiempo para vivir con las pinturas, observarlas y asegurarme absolutamente

de su acabado”, asegura, finalizándolas recién en noviembre del año pasado. La serie comprende 107 obras divididas en paneles individuales, dípticos, trípticos, cuadrípticos e, incluso, un hexáptico, todos de gran formato. Además, la Fondation Cartier publicará un libro extraordinario con todas las pinturas de la serie que incluirá, además, una gran cantidad de detalles reproducidos en tamaño real. Con colaboraciones del filósofo Emanuele Coccia, de los historiadores de arte Philippe Costamagna, Michio Hayashi y Gilda Williams, y del escritor Alberto Manguel, cuenta con ensayos que analizan el lugar de Cherry Blossom en la obra de Damien Hirst, así como sus resonancias filosóficas, artísticas y literarias. Del 1 de junio de 2021 al 2 de enero de 2022. Más información en https://www. fondationcartier.com/

Foto: Cedida.

al

L’NEWS

fotog fo togrrafía

AUTOR

de

El libro La Manzana de Adán, de la destacada artista nacional Paz Errázuriz, está nuevamente en el mercado. El texto incluye una recopilación de fotografías tomadas entre los años 1982 y 1987 en el interior de prostíbulos travestis de las ciudades de Santiago y Talca.

Para la época militar, la visibilización de estás temáticas era impensable ya que era considerado como algo subversivo. Sin embargo, eso no fue un impedimento para que la fotógrafa chilena –en paralelo al desarrollo de esta obra– ganara una beca Salomón R. Guggenheim que le permitió terminar el proyecto.

Poco antes de finalizar el periodo militar en el país, su trabajo fotográfico fue expuesto al público que aún se encontraba reacio a temáticas que hablaran de disidencias, discriminación, miseria y marginalidad, y finalmente en 1990 fue publicado por primera vez acompañado por textos de la periodista Claudia Donoso.

La identidad sexual, el cuerpo y la sexualidad son tres temas que se tratan en el texto y de gran importancia para Fundación AMA, organización sin fines de lucro a cargo de la reedición

de este trabajo. Según su directora de proyectos, María Alcalde, “Poder lanzar el libro a la venta es poder resignificar este tipo de contenido y volverlo vigente sobre todo porque habla de lo trans, de lo sexual, del cuerpo vivo. Hoy día, haberlo presentado al público tiene la doble significación de tocar estos temas de nuevo y volver a ponerlo en la palestra”.

En La Manzana de Adán, la cámara de Errázuriz captura la la intimidad de cuerpos que durante mucho tiempo causaron polémica por pertenecer a una minoría estigmatizada que la autora terina convirtiendo en mayoría absoluta. Este libro invita a “observar y repensar las nociones de identidad sexual, trayendo con agudeza la videncia fascinante y perturbadora del trabajo visual y textual de La Manzana de Adán”, aseguran desde AMA. La nueva edición es bilingüe, de tapa dura, con fotografías a color y contiene textos interpretativos a cargo de la curadora Cecilia Brunson y los escritores Pedro Lemebel y Juan Pablo Sutherland y una entrevista a Paz Errázuriz a cargo de Rita Ferrer. Librería Lolita: República de Cuba 1724, Providencia, Santiago.

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L’NEWS

MASque MODA

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Foto: Cedida.

Entrar al Istituto Marangoni significa comenzar a formar parte de la comunidad internacional integrada por reconocidos y célebres exalumnos como Franco Moschino, Domenico Dolce y Alessandra Facchinetti. Cuna de algunos de los mejores diseñadores de moda contemporáneos, es una de las escuelas más importantes del mundo y actualmente cuenta con sedes en Milán, París, Londres, Florencia, Shanghai, Shenzhen, Mumbai y Miami. Su oferta académica es variada, ofreciendo cursos cortos, carreras, posgrados, másters en diversas áreas como diseño de moda, estilismo, business y marketing de moda, diseño de interiores, diseño gráfico e historia del arte, entre otras disciplinas. Para acceder a sus programas desde Chile, el contacto es Federica Levrero, representante oficial de Istituto Marangoni y fundadora de FAD Connection: ask@ fadconnection.com.

LOU OUT THIER

diseeños melódi dis diccos

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y desde entonces la composición ha continuado. Dos artistas obsesionados con la música y el diseño experimentando con el propósito de materializar los acordes y el estilo italiano en anteojos de sol excepcionales. Louthier se centra en el desarrollo de gafas de alta calidad con, diseño elegante, únicos en estilo y estructura; complementos que, al igual que la música, siempre se están reinventando. @louthier_ Foto: Cedida.

En Módena, al norte de Italia, comienza la historia de Louthier. Una ciudad repleta de costumbres profundamente arraigadas que ha sido la cuna de hombres famosos y artistas innovadores donde, la inventiva, la tradición y el estilo dan forma a algunos de los diseños más reconocidos del mundo.

Fue en este lugar donde la visión de un diseñador tropezó en manos de un fabricante de instrumentos musicales, un lutier,

L’NEWS

EL NUEVO

maximalismo

Los años 90, Jean Paul Gaultier y los looks icónicos de Björk son puntos de referencia para la colección FW 2021 de Diesel. Hay una actitud de caos y aventura, sin rimas, pero con mucho estilo. También se hace hincapié en la creación de combinaciones diferentes, ya sea con exceso de accesorios o con un estado de ánimo minimalista, al contrastar los colores brillantes con el negro y los neutros. En esta nueva temporada, las piezas deportivas se acentúan con toques de naranja o turquesa, y también está presente una inspiración centrada en la ropa de trabajo. Aparece un nuevo logotipo de anillo y hay un fuerte énfasis en la tela y las texturas estampadas. Por su parte, el lanzamiento de invierno adopta una postura más pronunciada sobre la vida nocturna y las influencias del rock. Las siluetas son más ajustadas, con mezclilla ceñida, tops de gran tamaño y una paleta de colores básicos de negro, blanco y verde azulado.

Durante el primer semestre de 2021 Diesel estrenará su e-commerce a través de www. diesel.cl.

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L’NEWS

LUJO potencia y

En el último tiempo los vehículos SUV se han convertido en un modelo predilecto gracias a su completo equipamiento en materia de seguridad, su fácil conducción y su capacidad de ser un todoterreno que se adapta a diferentes superficies. Son amplios, confortables y eficientes, ideales para quienes buscan autos versátiles y viajar grandes distancias sin preocuparse por eventuales dificultades técnicas. La marca alemana BMW cuenta con un amplio portafolio en este segmento, donde destacan modelos como el icónico BMW X5, el BMW X6 y el recién estrenado BMW X7, que hace que la conducción a bordo sea una experiencia inigualable al estar tras el volante.

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A pesar de su imponente look, es ligero y ágil gracias a su diseño purista y su estilo deportivo. Como valor adicional, está la posibilidad de personalizar cada ejemplar según el gusto del usuario, ya que lo visual es el complemento al trabajo realizado en el área técnica, según explican desde la firma. En BMW se pueden elegir desde tapices, cueros, pinturas y llantas, hasta el nivel Bespoke, donde es posible pedir a la fábrica elementos que se producirán de manera especial y única para cada cliente, como maderas para los interiores de alguna tonalidad especial o colores que –incluso– no sean de uso habitual en la marca.

Más información en www.bmw.cl.

DISEÑO

GT2P ENERGIA al estilo MIAMI

U

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na reflexión sobre la energía que el ser humano consume, y cómo esa misma energía se le retribuye de vuelta al medioambiente, generando impactos positivos y negativos en él, fue el punto de partida para que el estudio chileno de arquitectura Great Things to People (gt2P) desarrollara el proyecto de arte público llamado Conscious Action, una innovadora instalación que se alojará de forma permanente en el Design District de Miami, en Estados Unidos.

Guillermo Parada, Tamara Pérez, Sebastián Rozas y Víctor Imperiable son los profesionales detrás de gt2P. Todos comparten un interés común: el diseño paramétrico y el diseño digital. Trabajando juntos se han dado cuenta de que nuestro país es un territorio que tiene técnicas y materiales que son inspiración al momento de pensar en su próxima creación.

Han experimentado con artesanía e incursionado en los procesos físicos que tienen los objetos y cómo estos se construyen.

También les interesa saber cómo algo que se encuentra en el mundo digital también puede estar presente en el mundo físico.

La propuesta de los arquitectos para el minuto de desarrollar Conscious Action fue la creación de un objeto interactivo que

cumpliera la doble función de consumo y retribución de energía para instalar en este exclusivo sector del estado de Florida, que se ha convertido en el nuevo epicentro de firmas de lujo y escuelas y galerías de arte. También se pusieron como meta que su creación no necesitara motores para poder generar una interacción con el usuario, sino que aprovechara la misma energía de las personas para darle vida. ¿El resultado final? Una estructura de gran tamaño, con cielo de aluminio interconectado que produce movimiento a medida que los tres columpios suspendidos de él generan su movimiento tradicional de adelante hacia atrás y viceversa. Esto ha despertado la curiosidad de sus visitantes, quienes han vuelto a jugar como niños mientras ven cómo esta enorme pieza genera sus movimientos con total autonomía.

“Ha sido superinstagrameable, aparece en stories de personas conocidas o personas muy normales que agradecen la pieza. Hay quienes nos invitan a que hagamos lo mismo en otras partes del mundo. Pensamos que podemos dar un mensaje de manera positiva. Este tipo de piezas logra eso, y el buen feedback es lo que permitió que lo hayan dejado de forma permanente”, asegura Guillermo Parada, de gt2P. n

Foto: Cedida.

Por FRANCISCA VARGAS

THE

MASTER goldsmith Piezas de oro puras, únicas y forjadas a mano con técnicas milenarias.

La joyería Philippe Spencer hace de la abundancia y el lujo una adicción.

U

n ingeniero civil y un perfumista hoy retirado son la dupla detrás de Philippe Spencer, una exclusiva firma de joyería de lujo que tiene al chileno Philippe Compagnon (35) como una de sus cabezas. Lo que partió como un interés en común, junto al estadounidense Spencer Krenke lograron llevarlo a otro nivel, creando piezas exclusivamente de oro, hechas a mano, personalizadas y únicas en su tipo.

Corría el año 2018 cuando esta pareja de artistas decidió adentrarse en el estudio de los metales preciosos en Nueva York, además de investigar exhaustivamente sobre técnicas antiguas de diversas culturas y siglos para la confección de joyas. Al poco tiempo se convirtieron en Master Goldsmiths, un atributo que los distingue del resto de los diseñadores; ellos trabajan el oro en su forma más pura, martillándolo, formándolo, forjándolo a mano.

A finales de ese año, Philippe Spencer se oficializó como marca y debutó con su primera colección en Grace On Frances, una exclusiva boutique en Key West, en Estados Unidos.

Durante los años posteriores colaboraron con la Sinfónica de Florida y abrieron un estudio en Miami, espacio donde sus clientes tenían la oportunidad participar en el proceso de

fabricación de sus joyas personalizadas, algo que caracteriza fuertemente a la marca.

Según explica Compagnon, en Philippe Spencer trabajan oro de 24 quilates de una pureza del 99,99%. Luego lo intervienen con plata y cobre para bajar el quilataje a 22 y 20 plus (20,5 quilates). Como complemento, añaden a sus obras moonstones y piedras preciosas y semipreciosas de la mejor composición.

Lujo máximo para cada pieza realizada.

Gracias a la sutileza y naturalidad del oro que utilizan, es posible trabajarlo a mano, sin moldes, reproducción de maquinaria, ni softwares de diseño. Philippe explica que todas sus técnicas son milenarias. No hay forma de diferenciar una joya actual con una que haya sido elaborada siglos atrás. Asimismo, al ser forjadas a mano y conformadas en el momento, cada pieza es única e irrepetible.

Su último atrevimiento se traduce en una colección de joyas más grandes, ostentosas y grotescas. Para este creador el mejor concepto que define su trabajo es unapologetically bold. “No hay que sentirse culpable en llevar el lujo más allá de los estándares.

La gente le tiene mucho miedo a la abundancia. Pero de eso se trata la vida; de estar generando, estar creando, estar dando, estar recibiendo”, concluye. n

“SON materiales QUE VIENEN DE LA tierra tierra,, TAN PRECIADOS Y únicos QUE SE TIENEN QUE tratar CON mucho CUIDADO”.

44

Por FLORENCIA DE LA FUENTE Foto CARLOS SAAVEDRA

L’AUTEUR

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TALENTOS

MESTIZA

Artesanía contemporánea de lujo

E

l mestizaje que se produjo históricamente entre españoles e indígenas, sumado a la historia del huaso chileno y la simbología que lo rodea -como los copihues o las medialunas que son grabados en el cuero-, son la principal inspiración de Francisca Olavarría (24), la joven creadora de la marca de carteras de lujo Mestiza, que busca mostrar la idiosincrasia chilena a través de colores, texturas y formas inspiradas en lo criollo.

La confección de cada una de sus piezas une técnicas artesanales, como la talabartería y la ataujía, dos procesos que son íntegramente hechos a mano. El primero es el trabajo en cuero, como por ejemplo los trenzados y flecados, y el segundo es el grabado en metal en donde se incorporan filamentos de oro, bronce o fierro.

Como diseñadora, Olavarría se siente con la responsabilidad de ser articuladora de lo artesano en tiempos contemporáneos.

A su vez, pretende acercar estas técnicas -que son escasas- a la ciudad como una forma de valorar el trabajo hecho a mano y la valiosa artesanía que existe en nuestro país. “Mestiza nace de los artesanos, de la inspiración del huaso para poder rescatar a los artesanos que están en peligro de extinción. La globalización ha influido mucho en los artesanos, porque los diseñadores de

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autor se enfocan en tendencias internacionales, hay muy pocos que tratan de rescatar el tema de la cultura chilena que es tan rica, tan única”, comenta Francisca.

La firma de accesorios nació como el proyecto de titulación de la profesional de la Universidad Católica. No fue fácil, sí desafiante. Tras meses de investigación y aprendizaje en los talleres de los pocos chapeadores y talabarteros que están quedando en Chile, Francisca Olavarría por fin pudo poner en marcha su línea de carteras a fines de 2020. Las argollas, el trenzado y los colores café y negro son predominantes en cada uno de sus modelos, tal como las tonalidades que se utilizan en las monturas de caballos o en las pierneras de los huasos.

Uno de los principios de Mestiza es regirse por el slow fashion, por eso sus colecciones serán semestrales, con una serie de modelos atemporales que podrán encargarse a pedido. La producción de cada bolso es reducida y, gracias a su alta calidad en manufactura y materialidad, está destinada a durar años. “Me gusta la idea de que sean productos heredables. No quiero que solamente la cartera la ocupe la nieta, sino que antes lo hayan hecho la mamá y la abuela. Que exista una herencia del pasado, siempre mezclando lo sofisticado, lo elegante y lo urbano”, asegura Francisca. n

Foto: Cedida.

Por FRANCISCA VARGAS

NUEVO

FRESH AFFAIR

El 1er Shampoo en seco de Kérastase

24 horas de fragancia y absorción instantánea de la grasitud del cuero cabelludo y cabello

PASOS con

ESTILO

Ingeniera comercial de profesión y amante de los zapatos por vocación vocación,, Tatiana Fernández convirtió su pasión en un exitoso negocio de moda.

T

odos los martes, miles de mujeres unidas al Red Shoe Movement –iniciativa fundada en 2012 por la escritora argentina Mariela Dabbah– usan zapatos rojos para demostrar que están unidas y se apoyan en el crecimiento de sus carreras profesionales. Su lema es “Women Supporting Women for Career Succes”, algo así como “Mujeres apoyando a mujeres para su éxito profesional”, y la chilena Tatiana Fernández es una de sus adherentes.

Desde hace seis años es la dueña en Chile de Pretty Ballerinas, firma de calzado español que, en muy poco tiempo, se ha consolidado como un referente y una de las favoritas de las fashionistas chilenas. Por lo mismo, es toda una autorizada a la hora de afirmar que las mujeres se están atreviendo cada vez más en cuanto a la elección de sus zapatos. De hecho, asegura que uno de los colores más vendidos en nuestro país es justamente el rojo, y lo atribuye a que –además del empoderamiento femenino– este tono está muy relacionado con el patriotismo, ese que está tan de manifiesto en la bandera chilena y viste a la selección de fútbol: la Roja. “Cada vez que viajo a hacer las compras se impresionan porque compramos mucho rojo, igual que los mercados de Oriente. También se impactan porque las chilenas están cada vez más osadas y no tienen miedo a lucir plumas, cristales o todo tipo de colores en sus pies. Somos bien audaces como mercado, ya que hay países mucho más tradicionales que en sus elecciones no salen de los básicos”, remarca.

Su amor por el calzado es desde que tiene uso de razón. Cuando niña, gozaba jugando con las carteras y zapatos de su mamá, pero estos últimos fueron el accesorio que la llevaron a pasar de un simple capricho femenino a un negocio consolidado que hoy tiene dos tiendas físicas –en los centros comerciales Parque Arauco y Casacostanera– y un exitoso e-commerce montado en plena pandemia, que hoy opera prácticamente como un local comercial más. Por si fuera poco, los números que arroja esta tríada han convertido a Chile en una de las cinco franquicias más importantes de Pretty Ballerinas en el mundo, ubicada al lado de países como Israel, Canadá, Japón y Singapur.

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Su atracción por los modelos planos, específicamente por las bailarinas, nació en Europa, cuando recién casada se fue a vivir y, entre estudios de magíster y la maternidad, se quedó un buen rato en Madrid. “La vida que hacíamos era superurbana y me di cuenta de que la mayoría de las españolas se vestían bien clásicas con un blazer azul, jeans, bailarinas y se veían ¡impecables! Ahí decidí bajarme de los tacos y, después de probar varias marcas, llegué a Pretty”. Cada vez que Tatiana venía de visita a Chile se daba cuenta de que no había mucha oferta y, por primera vez, sintió que tal vez había una posibilidad de emprender.

Más tarde, y ya de regreso en nuestro país, una presentación importante frente a un directorio en gran parte masculino le dio la razón: después de sus speech los comentarios no solo apuntaron a su buen desempeño, sino que a la originalidad de sus zapatos, que no dejaron a nadie indiferente. “Ahí dije ‘por acá va lo mío’ y empecé a ver las opciones reales de hacer de esto un negocio”, cuenta.

Su primer acercamiento profesional con Pretty Ballerinas lo tuvo enviando un correo al email de contacto del sitio web con la esperanza de que alguien le respondiera. Para su sorpresa, fue el mismo David Bell, creador y fundador de la marca en 2005 quien le contestó, siguieron avanzando las conversaciones y el resto ya es historia.

Sobre sus desafíos actuales con la marca, Tatiana apunta a la digitalización integral de Pretty Ballerinas, sobre todo en la automatización de procesos y omnicanalidad, y cuenta que el centro de todo siempre serán sus clientas, a quienes busca asesorar de mejor manera a través de un equipo de ventas altamente calificado. Le preocupa mucho la relación con ellas no solo en tienda, sino que también a través de sus redes sociales, por eso es ella quien personalmente responde cada mensaje o pregunta que recibe a través de Instagram. “La cercanía es parte de nuestro sello y fue fundamental durante los meses de pandemia, cuando muchas de ellas hicieron por primera vez una compra online. Al saber que hay alguien detrás, siempre se sienten en confianza”, puntualiza. n

Por VALENTINA ESPINOZA Foto CARLOS SAAVEDRA

L’IDÉE

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MECENAZGO

La chilena Alejandra Castro Rioseco es filántropa por vocación y apuesta por la revolución femenina en el arte. “No necesitas ser hombre o tener poder para hacer un imperio”.

Por FRANCISCA VARGAS 50

Foto: Maxim Denisenko.

& género

L’CULTURE C

reó la primera colección de arte que reúne únicamente a artistas femeninas de manera permanente, y el año pasado estrenó el primer museo virtual donde todas las exponentes son mujeres talentosas alrededor del mundo: MIA Anywhere. Alejandra Castro dice siempre haber disfrutado de las cosas bellas, pero cuestionaba el sentido y el fondo de estas. Cuando dio con el arte pudo notar que, en una misma pieza, la belleza y la profundidad de un mensaje pueden coexistir, ya que cada obra tiene un gran estudio y dedicación por parte de su artista creador. De eso ya han pasado 15 años, y hoy su colección personal suma más de 900 obras -número que la ha convertido en la mayor coleccionista de arte femenino del mundo- y museos como el Guggenheim le piden prestadas sus obras.

Si bien es ingeniera de profesión, asegura que no cambiaría su actual trabajo como coleccionista de arte por nada. “Puedes estudiar cualquier cosa y ser lo que tú quieras, pero hay que darse la oportunidad de que la vida te lleve por caminos diferentes.

Siento que la flexibilidad tiene que ver mucho con la creatividad y la inteligencia. Mientras más flexible eres para hacer o para aprender cosas, hay más inteligencia. Mientras menos flexible, más coartas tu propia libertad”, argumenta.

Su rol siempre ha estado relacionado con buscar la igualdad de derechos para las mujeres. Creó la Fundación Mujer Opina en nuestro país y el proyecto Las Ultimas Mujeres, el cual busca el rescate de culturas milenarias mapuches en Chile. Además, participó de la Mesa de Equidad de Género en el Senado y ha sido colaboradora en organizaciones de derechos humanos y apoyo a la ley de aborto en tres causales. “Todo lo que he hecho ha sido en base a tratar de que las mujeres tengan las mismas oportunidades. Es una tarea difícil y agotadora, pero cada día me doy cuenta de que cobra más valor. Nosotras necesitamos las mismas opciones para estudiar, trabajar y expresarnos”, asegura.

Según Alejandra, esa misma desigualdad contra la que lucha a diario también se vive en el mundo artístico. A esto se suma el carácter elitista del entorno, que resulta ser una barrera más para el acceso y el consumo del arte en el mundo. Según explica, en los museos de Dubái -país donde reside actualmente- apenas un 7% a un 12% es la población de artistas femeninas que exhiben sus obras en los pocos museos que existen en los Emiratos Árabes. Por lo mismo, el objetivo central de esta filántropa a través de MIA Art Collection es darles nuevas oportunidades a todas aquellas mujeres que no han tenido la posibilidad de mostrar su trabajo.

Recientemente, con la creación del museo virtual MIA Anywhere, esta posibilidad se ha ampliado, pues sus exhibiciones van rotando cada siete días a las artistas presentes. Y los números le han dado la razón: desde su lanzamiento se ha realizado un total de 45 exposiciones que han reunido artistas -reconocidas y emergentes- de 28 países.

“TODO LO QUE HE hecho HA SIDO PARA TRATAR DE QUE las MUJERES tengan LAS MISMAS oportunidades.. ES oportunidades UNA TAREA DIFICIL, PERO CADA DIA cobra MAS VALOR”.

UNION QUE HACE LA FUERZA

Mientras el año pasado los principales aeropuertos del mundo cancelaban sus embarques debido a la pandemia, MIA Anywhere se presentaba al mundo. Arte y tecnología son dos elementos que Alejandra está entusiasmada en seguir explorando. “Son cosas que la pandemia ha cambiado, entonces hay que modificar la mirada, hay que meter el arte en estos proyectos; salirse un poco del modelo de la galería, de los museos y buscar nuevas alternativas, con nuevas tecnologías y con gente que tiene esa visión”, expresa.

Esta visión es aportada por su equipo. Hombres y mujeres en su mayoría jóvenes que se encargan del área técnica y tecnológica que rodea a MIA Art Collection y MIA Anywhere, además de cuatro curadoras internacionales que, por su amplia experiencia, la ayudan en el descubrimiento de nuevos talentos.

Ninguno de estos proyectos, aclara Alejandra, podría ser posible sin la ayuda de su equipo. Paralelamente, la coleccionista asegura que su misión como mujer en el mundo del arte hoy es lograr la revolución femenina: “No se necesita ser hombre para poder hacer un imperio en el arte”, asegura, al mismo tiempo que busca inspirar a niñas y mujeres para hacerles notar que no existen limitaciones a la hora de cumplir sus propósitos, sin importar lo grande y ambiciosos que estos sean. n

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ALVARO ROMERO

restaurar A TRAVES de la

COCINA

E

n castellano la palabra restaurante significa “restaurativo”, y hace alusión a una comida que se ofrecía en el siglo XVIII después de la Revolución en Francia; algo así como un estofado que prometía recomponer el cuerpo y restaurar el alma. Dos siglos más tarde, el afamado chef nacional Alvaro Romero (36) sigue apegado a esa promesa, más aún en tiempos de crisis y pandemia, donde los restoranes han sido de los pocos lugares públicos que han podido seguir recibiendo gente. “Los restauranteros tenemos esa obligación, sobre todo hoy día, cuando aún hay mucha incertidumbre”, reflexiona.

Con esa misma vocación también se refiere a lo que más lo ha marcado a nivel personal y profesional: la pasión por el servicio, esa que lo ha llevado a liderar proyectos destacados, como el Hotel Singular y el restaurante Europeo. Por lo mismo, cuesta entender que su relación con la gastronomía haya nacido a partir de eso, y no de un amor intrínseco por las preparaciones. “Eso se dio después, vengo de una familia numerosa, de 10 hermanos, donde mi papá nos enseñó a hacer de todo, desde estirar la cama hasta poner la mesa y levantar los platos. La cocina apareció por un tema de entretención; era un espacio donde sentía que podía hacer algo con las manos, ejecutar, y me salía relativamente fácil”, cuenta.

Hoy, la materialización de su expertise culinaria de más de 15 años detrás de una cocina y el amor por el buen servicio está en La Mesa, su primer restorán, que abrió sus puertas en pleno Vitacura poco antes del estallido social y posterior crisis sanitaria, eventos que lo obligaron a cerrar durante seis meses, a muy poco de inaugurarse, pero que hoy ya está funcionando y con reservas copadas de comensales en busca de comer y pasarlo

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bien, como dice su propio dueño, “sin mayores pretensiones”.

Aquí, Alvaro apela a tener una cocina consciente, marcada por su interacción con pequeños y medianos productores de diferentes partes de Chile, y sueña con algún día tener su propia huerta para que La Mesa se abastezca en un ciento por ciento de estos productos. Por ahora, disfruta y agradece la interacción directa con la naturaleza, como cuando cada invierno se levanta a las cinco de la mañana a recolectar hongos apenas comienza a amanecer en días lluviosos. “Es pura magia”, asegura.

En La Mesa, todos vibran con sus mismos valores, motivaciones y autoexigencias. “Siempre trato de dar el ejemplo de cómo uno atendería a alguien en su casa”, y eso tiene mucho que ver con el origen del nombre del proyecto. “Para mí, el elemento más importante de la casa es la mesa: ahí es donde pasa todo. En la mesa te sientas, conversas, lloras, te enamoras, peleas, te vuelves a enamorar, les das comida a tus hijos… Yo quería que mi restorán fuera lo mismo, pero que, además, pudieras comer rico”, explica.

Si le preguntan cuál es el estilo gastronómico de La Mesa, su respuesta es clara: “No soy un restorán de autor, no tengo un sello chileno, asiático, francés ni italiano. Para mí, las cosas son mucho más simples, pero lo simple tiene su trabajo. Tratamos de hacer comida rica, que a la gente le guste, donde todos se sientan cómodos, bien atendidos y quieran volver”, concluye. n

“PARA MI EL elemento MAS importante DE LA CASA ES la mesa: mesa: AHI ES DONDE PASA TODO”.

Por VALENTINA ESPINOZA

Foto: Carlos Saavedra. Maquillaje: Rosario Carvallo.

L’HOMME

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CARLA GUELFENBEIN

ESPERAR es

DESAPARECER La reconocida novelista nacional conversó con L’Officiel sobre su pasión por la escritura escritura,, la lectura, la lucha feminista y su reciente incursión en las artes plásticas. plásticas.

Por CARMEN PAIS THOMAS Fotos CARLOS SAAVEDRA

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Maquillaje: Rosario Carvallo.

L’INTERVIEW

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C

uando era niña sus compañeros de curso solían llamarla despectivamente señorita vocabulario. “Y era lo peor, era como decir ‘qué aburrida’. En mi casa podía faltar cualquier cosa, pero un libro, jamás”, recuerda Carla Guelfenbein, la destacada novelista chilena ganadora del Premio Alfaguara el año 2015 y una de las escritoras más exitosas del último tiempo en Chile. Las palabras siempre le han significado algo muy importante, y desde pequeña le permitieron verter sus sentimientos y mirar desde una cierta distancia la propia experiencia personal. “Me encanta poder percibir y sentir la palabra como algo que está vivo, que se está moviendo, que tú la tomas y que con ella construyes tu propia realidad”, explica.

Sin embargo, la literatura no estuvo siempre entre sus prioridades. Primero incursionó en la carrera de Biología en la Universidad de Essex, Inglaterra, donde se especializó en genética de población. Luego estudió Diseño en el prestigioso Central St. Martins Art School, formación que la llevó a desempeñarse como directora de arte y editora de moda de la extinta revista francesa Elle en Chile. Pero como la pasión siempre es más fuerte, resultó inevitable que de todas formas terminara entre libros y textos. Ese amor por las letras que desde niña la trastornó la llevó a publicar su primera novela después de los 40 años (El revés del alma, 2002), y a traducir sus obras en 17 idiomas alrededor de todo el mundo.

¿Cómo fue que llegaste a estudiar Biología?

La naturaleza fue algo que me llamaba de una manera muy particular. Y no solamente la observación de esta, sino que también las preguntas que acompañaban esa observación. Además, tenía una madre muy feminista y ella me dijo siendo niña: “Carla, la única manera para que una mujer sea independiente, es serlo económicamente”. Entonces, ni pensar en ser escritora, ¡de ninguna manera! (risas). Nunca me dijo que no lo fuera, pero yo lo entendí así. De alguna modo me permitió hacer este camino tan enrevesado, de haber pasado por la ciencia, por el diseño, buscando y buscando, hasta lo que soy hoy día.

L’OFFICIEL:

CARLA GUELFENBEIN:

Diste a conocer tu primera novela después de los 40 años, ¿eres de las que piensan que nunca es demasiado tarde?

CG: ¡Nunca! Sobre todo hoy. Yo creo que aún somos víctimas del enaltecimiento de la juventud. Todavía estamos increíblemente presos de ese concepto, de que la juventud es el divino tesoro, de que hay que intentar extenderla hasta las últimas consecuencias.

L’O:

¿Cuál es tu motor para atreverte?

La pasión. Y la pasión no es tu agilidad física, no es la piel tersa.

Eso no es el motor de la vida verdadera, de reinventarse. Ahora, creo fervientemente que la pasión tiene que ir acompañada de la rigurosidad. Si tú unes la pasión a un trabajo profundamente riguroso, lo más probable es que algo pase.

L’O: CG:

Eres una de las escritoras más exitosas de nuestro país, ¿te ha costado llevarlo dentro de un contexto con mentalidad masculina?

CG: El problema es ser aceptado como parte de un sistema de literatura universal. A la literatura de mujeres se le ha adjudicado ciertas características -que es tan extraño, porque no es ni siquiera exclusivo de las mujeres- que denigran. Los hombres constituyen el cuerpo literario por siglos (hoy ya no es tanto), tú quieres ser parte de eso y, al intentarlo, te encuentras con un muro que te dice “no, usted escribe literatura para mujer”, entonces no eres aceptado. Hoy día este panorama ha cambiado radicalmente, porque nos encargamos de buscar el cambio.

L’O:

“TIENE QUE haber LEYES Y DISCUSIONES PUBLICAS respecto del LUGAR QUE ocupamos LAS MUJERES Y cuáles SON LOS PREJUICIOS de LOS que TODAVIA somos VICTIMAS”.

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“Nos HEMOS “Nos PASADO SIGLOS ESPERANDO ser parte DEL LUGAR DONDE SE toman LAS DECISIONES Y se GESTIONAN LAS COSAS importantes”.

L’O: Cuéntanos un poco sobre tu exposición, ¿qué significó esta nueva incursión para ti?

CG: Fueron 30 collages basados conceptual y visualmente en la novela. Eran unas cajas de acrílico con volumen y cada una tenía diferentes elementos. No solo usé imágenes impresas de revistas, sino que también maderas, hilos, telas, piedras, flores secas y cosas que he ido encontrando a lo largo de mi vida. Al final, cada caja tenía su simbología e historia. Esto se realizó gracias a que las directoras de la galería, Rosita Lira y María Elena Comandari, confiaron en mí.

Uno de los conceptos centrales de tu exposición se resume en esta frase: “Pienso en todas las mujeres que aguardan quietas en la penumbra.

Esperar es desaparecer”. ¿Nos podrías desarrollar más este concepto?

CG: Esta es una frase de la novela y pertenece a uno de los personajes. Es impresionante, porque cuando era chica, por ejemplo, en las fiestas una esperaba sentada a que te sacaran a bailar, y si no te sacaban, no bailabas. Hoy no se me ocurre, no hay ninguna mujer que no salga a bailar a donde quiera.

Entonces, esperar es desaparecer. Eso es una imagen, pero vámonos al centro de ese concepto: las mujeres nos hemos L’O: ¿Cómo ves el rol de la mujer actualmente en nuestro país? pasado siglos esperando ser parte del lugar donde se toman CG: Es una batalla en curso. El tema de los estereotipos no es las decisiones y se gestionan las cosas importantes. Pero ya exclusivo de las mujeres, nosotros nos movemos en un mundo no estamos esperando a que nos abran la puerta. Nosotras, simbólico, en el cual las cosas significan ciertas cosas. Por calmadamente, entramos y ya. Entramos a existir. ejemplo, el movimiento Black Lives Matter, en Estados Unidos, pone en cuestión inmediatamente que simplemente por ser L’O: ¿Te gustaría hacer más exposiciones ligadas a tus trabajos negro, eres un sospechoso. Y las mujeres somos parte de lo literarios? mismo. Es algo que es muy vigente y yo creo que la posibilidad CG: Sí, quiero seguir en esto. Se complementa muy bien la del cambio es a través de muchos canales. Por un lado, la toma energía entre una cosa y otra; ese trabajo que ocupa otra parte de conciencia de cada una de nosotras, de cómo vamos a tratar de tu cerebro y la escritura. Por lo tanto, como forma de vida, la imagen, cómo vamos a considerar nuestro cuerpo. Cómo me pareció maravilloso poder combinar ambas cosas. Tengo vamos a exigir esto y poder representarlo. Y, por otro lado, están muchas ideas y ya estoy trabajando en otra exposición. Me las instituciones también. Tiene que haber leyes y discusiones encanta y esto no lo voy a dejar ahí. n públicas respecto del lugar que ocupamos las mujeres y cuáles son los prejuicios de los que todavía somos víctimas.

L’O:

¿Cómo ven a las feministas desde otra vereda?

Como mujeres que están en contra de los hombres y que esta va a ser una guerra de dualidades. Esa dualidad es lo que las feministas no consideramos. Y yo creo que esa concepción forma parte de un pensamiento mucho más amplio. Una de las posibilidades de salvación es romper esa dualidad, al final somos todos parte de un mismo planeta.

L’O:

CG:

EXPLORANDO OTROS FORMATOS

Entre noviembre de 2020 y enero de este año, Carla Guelfenbein realizó su primera exposición plástica basada en su último libro La estación de las mujeres (2019). En su debut en el mundo de las galerías de arte, presentó una inusual fusión entre biología, diseño y escritura. La muestra se exhibió en la galería ArteEspacio y asegura querer seguir experimentando por esa senda.

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Foto: Cedida.

L’MUSIQUE

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SIN DISF DIS FRAZ El multifacético Adán Jodorowsky confiesa estar viviendo un proceso de transformación y madurez que se acentuó durante la pandemia pandemia.. Desde su departamento en Ciudad de México anuncia una renovada creatividad, esta vez sin tanta sátira ni personajes personajes..

Hoy ya no es El Idolo, Amador, Ada ni Adanowsky.

Hoy es simplemente Adán Adán..

Por NICOLAS CASTRO

T

res de la tarde en Chile, mediodía en Ciudad de México. Adán Jodorowsky aparece puntual en la videollamada, usando una sencilla polera blanca con rayas azules y un pequeño sombrero que le combina.

No está maquillado, ni vestido de mimo, superhéroe o de cualquier otro personaje de los que ha creado para interpretar su música. Atrás quedaron los días en los que se metía tan dentro de ellos que hasta las entrevistas las respondía caracterizado.

A sus 41 años admite estar viviendo una transformación que comenzó hace seis años –desde que dejó su natal París para echar raíces en el mismo departamento en la zona de la Condesa desde el que conversa hoy, con un piano francés de 1925 a sus espaldas–, pero que se agudizó con el inicio de la pandemia. “Al inicio fue muy inspirador, porque soy parte de los privilegiados que pudieron poner el dinero de lado y encerrarme. Eso me hizo reencontrarme y enfrentarme.

Mi finalidad cambió. Hoy quiero hacer música bella, que toque a la gente, más que tener un éxito. Dentro de 30 años la gente no se va a acordar si hubo éxito o no, solo va a quedar la obra”, señala. ¿Y cómo ves hoy entonces a tu personaje El Idolo, este rockstar exitoso tipo Elvis?

Eso era una sátira. Cuando lo hice tenía 25 años. Yo no era para nada conocido en esa época y me inventé un personaje haciendo creer a la gente que yo era una estrella. Me acuerdo que iba a todas las discográficas diciendo que tenía mucho éxito en Francia y no tenían cómo comprobarlo. Entonces me firmaron de puro entusiasmo y pasó lo que pasó con mi música: empecé a existir. Pero era porque mentía, porque no era nadie. Cuando a la gente le muestras algo, empiezan a creérselo.

L’OFFICIEL:

ADAN JODOROWSKY:

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“CHILE FUE muy importante PARA MI, EN UN momento EN QUE DI VUELTA LA página SOBRE VARIAS COSAS DE MI pasado pasado”.”.

¿Por qué decidiste volver con Mis Grandes Éxitos, un disco de covers franceses?

AJ: Ese disco también fue como un descanso para mí. Tengo unos amigos que se llaman The French Kiss, que son una banda de allá, que me propusieron hacer un disco de puros éxitos en francés traducidos al español. No estaba seguro, pero lo hicimos.

Como siempre me ha gustado interpretar personajes, en lugar de hacer un disco concepto me propuse hacer canciones concepto, porque hoy en día la gente ya no escucha discos enteros.

Fue muy divertido hacer los videos, pero no me representa a mí realmente. Representa una experiencia.

LO:

Y esto de tener personajes diferentes en tu carrera se aproxima un poco a David Bowie, pero en tu caso parece ser un acercamiento más de actor, que puede cambiar de piel en cada película. ¿Es así?

AJ: Totalmente. Yo quería ser actor cuando tenía 18 años, pero nadie me contrataba. Entonces me puse a hacer música y desde ahí empecé a crear personajes, actuando en los videos, creando historias. Porque yo nací rodeado de teatro y cine, viendo películas todos los días. Por eso esa parte es muy importante en mi música.

LO:

Y en tu música hay temas muy personales, como el éxito, el amor o el abandono, que vienen de tu propia historia. ¿Es más fácil ponerte un personaje adelante para tratarlos?

AJ: Sí, es una especie de falta de valentía. A veces me da miedo expresar realmente mis sentimientos, entonces lo hago a través de un personaje. Justo estaba pensando ahora en que quizás sea tiempo de que deje de disfrazarme y haga un disco honesto de principio a fin. Ahora tengo ganas de soltar todo, de hablar de la ruptura amorosa que tuve con la mamá de mi hijo, por ejemplo. Porque antes era todo una sátira sobre mis sentimientos.

Ahora ya no tengo ganas de hacer sátira.

LO:

¿Y crees que eso se ha exacerbado hoy con las redes sociales?

Las redes sociales son algo muy especial, porque uno como artista a veces siente que tiene que publicar algo para que la gente esté al día, pero pienso que estamos llegando a un tiempo en que es bueno desaparecer un poquito. Recuerdo cuando tenía 15 años e imaginaba a mis artistas favoritos, porque no sabía cómo hablaban, cómo eran en la vida, qué hacían en su día a día y eso me encantaba. Había un misterio maravilloso.

Deberíamos regresar un poco a eso.

LO: AJ:

En los últimos tres años, Adán Jodorowsky privilegió su carrera como productor antes que de compositor, trabajando para artistas como León Larregui y Bándalos Chinos, algo que, según cuenta, le ha permitido recuperar la propia inspiración. “Vino todo de repente y no entendí qué pasó realmente, pero me hizo mucho bien, porque me di ese tiempo para aprender. Me llaman todavía y lo sigo haciendo, porque me gano mi vida así, pero también me da la libertad de no ponerme la presión como artista de ganar dinero.

Puedo hacer una canción anticomercial si quiero, y no me importa”. ¿Y lo ves como un camino que te permita dedicarte a eso si te aburres de tener las luces sobre ti?

AJ: Hay un poco de eso. De por qué me pongo al frente, por qué quiero lucir, por qué el ego. Pero al mismo tiempo yo nací así.

Me apasiona ser artista y expresarme, cantar, hacer videos, dirigirlos. Es parte de mí, entonces no podría dejar de hacerlo, pero sí me hace bien descansar de mí mismo a veces.

LO:

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¿Tiene que ver con madurez no haberlo hecho antes?

Puede ser. También el hecho de haber tenido a León, mi hijo, me abrió muchos horizontes. Con eso aprendes a dar más, a ser más generoso, a no estar tan enfocado en ti mismo. Hubo muchos cambios que me hicieron madurar. Todavía soy un idiota, pero sí creo que he madurado un poquito.

LO: AJ:

LO: No solo la nacionalidad de su padre une a Adán con Chile.

Fue uno de los primeros lugares donde funcionó su música, y uno de los últimos donde usó el seudónimo Adanowsky. Es imposible no recordarle esa bizarra Noche de Brujas de 2015, cuando en un local del barrio Bellavista dejó atónito al público con una performance de varios minutos sobre el escenario en la que mató a su propio personaje. Esa fue la última vez que tocó en Santiago. Y lo recuerda perfecto: “Uf, ese fue mi peor momento. Era insoportable, el clímax del ego apestoso”.

Parecíamos estar viendo entonces el inicio de este proceso de maduración.

Puede ser. Pero lo que me cambió realmente la vida es haber conocido a mi expareja, Luna. Ella me ayudó muchísimo y fue un canal para tomar otro tipo de camino. También la paternidad y las ceremonias que hice en Atacama. Chile fue muy importante para mí, en un momento en que di vuelta la página sobre varias cosas de mi pasado.

LO: AJ:

“ES MUY fuerte CUANDO ERES hijo DE UNA persona tan conocida EN TODO EL MUNDO, PORQUE la presencia ESTÁ AHI. ENTONCES haberlo interpretado ME HIZO convertirme EN él él,, Y NO TENER LA duda DE cómo habría sido SER COMO él” él”.. ¿Cómo está actualmente tu relación con el país?

La última vez que estuve allá fue para el estreno de Poesía Sin Fin, la película de mi padre en la que actué, pero no regresé más. Hace seis años que no estoy en contacto con Chile. Muchos amigos se fueron de ahí, pero Chile siempre está en mí.

LO: AJ:

¿Qué ves de Chile en ti?

Quizás la melancolía y la nostalgia. Me siento muy cercano a eso. Y a la profundidad, la poesía, el hablar, los amigos. Hay algo de eso muy familiar entre los chilenos.

LO: AJ:

¿Es aquí donde más te ha costado separarte de la imagen de tu padre?

Al inicio sí, pero ahora ya llevo casi nueve discos y algunas películas. La gente toda la vida me va a ver como el hijo de Jodorowsky, pero me liberé de alguna manera demostrando que era una persona creativa. Cada vez me hablan menos de él y más de mi trabajo. Pero mi padre es mi dharma; es mi luz, no mi sombra.

LO: AJ:

Y el hecho de interpretarlo, siendo que él también tiene eso de no preocuparse del éxito comercial en su trabajo, ¿te ha hecho conectarte mejor con él y enfocarte así también en tu propia obra?

AJ: Yo creo que sí. Es muy fuerte cuando eres hijo de una persona tan conocida en todo el mundo, porque la presencia está ahí.

Entonces haberlo interpretado me hizo convertirme en él, y no tener la duda de cómo habría sido ser como él. Fue una especie de acto mágico. Después volví a ser yo y nuestra relación mejoró mucho, se volvió más pacífica. Desde ahí dejé de preocuparme tanto del éxito. Lo que me importa ahora, te lo digo honestamente, es hacer una obra y estar orgulloso de ella.

LO:

Adán suena entusiasmado cuando habla de los proyectos que vienen: un nuevo EP de canciones que hizo durante el encierro, otro disco más experimental y también una sinfonía. Además quiere volver a dirigir películas, volverá a interpretar a su padre, en la continuación de Poesía Sin Fin y planea lanzar su autobiografía. Parte importante de este foco ha sido llevar una vida llena de autocuidado, como ha manifestado en sus redes personales.

Algunos de tus tuits más recientes son comentarios en contra del alcohol y las drogas. ¿Estás en una etapa totalmente sobria?

AJ: Sí, pero no sólo hablo de adicciones como el cigarro, el alcohol o las drogas, sino también del azúcar, el sexo… Adicciones en general. Pero sí: hoy no tomo, no me drogo, no fumo. Hago ejercicio, intento leer lo que más pueda. Hoy ya no está de moda destruirse. Ya terminó esa época. Antes que eso, yo recomendaría ir a un retiro, hacer yoga o ir a una montaña en vez de ponerse heroína en los brazos.

LO:

LO: Desde muy chico has vivido en un entorno provocador y muchos de tus ídolos lo han sido también.

AJ: ¡Yo también lo he sido!

Pero muchas de las cosas que se decían o pensaban entonces ya no son aceptables hoy. ¿Crees que eso te ha hecho revisarte internamente?

AJ: No, siempre pienso lo mismo, pero ya no quiero provocar con cosas que le hacen daño a la gente. Hoy es muy difícil hablar de hacer un chiste. Hay mucho control, todo el planeta te está apuntando con el dedo. Es una especie de dictadura, casi. Pero entiendo: vamos al extremo para que haya un cambio, entonces es normal que esté pasando. No está mal. Todo cambio necesita una muerte, una transformación violenta. Lo estoy observando todo, pero siempre me gusta provocar. No quiere decir que lo pienso. Es simplemente por gusto. n LO:

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FUERZA natural

El nuevo director artístico de Kenzo, Felipe Oliveira Baptista, vuelve a los cimientos de la marca con líneas arquitectónicas y piezas inclusivas, que juegan la libertad plasmada en estampados vibrantes vibrantes..

S

e cuenta que a principios de los años 60, cuando Kenzo Takada abandonó su Japón natal y llegó a París tras seis meses de viaje, la primera cosa que hizo fue bailar la noche entera. Era un momento de posibilidades infinitas para el joven diseñador. Aunque no hablaba francés –lo que lo llevó a trabajar en la temporada equivocada para su primer desfile–, manejaba un lenguaje aún más universal: el del color. Así, combinó su sensibilidad poética con el rigor de los cortes occidentales, articulando el dialecto y el vocabulario de las flores. Fue un periodo de resplandor.

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Hoy, los tiempos son más pragmáticos, y la llegada del diseñador portugués Felipe Oliveira Baptista (45) ha sido más reflexiva. Designado LVMH en 2019 como el director artístico de la colección de hombre y mujer de Kenzo, es considerado uno de los diseñadores más anticipados de la temporada. Su primera colección, que estuvo inspirada en viajes, demostró su maestría en corte –el lado técnico del diseño que tanto ama– y exhibió una poesía elegante, mientras que su lado easy to wear y alegre fue transmitido en los estampados de la marca. La casa de moda trajo de vuelta los archivos de

Por LAURE AMBROISE Fotos NOEL MANALILI

L’ATELIER

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Kenzo, sostenidos por el coleccionista Olivier Châtenet, junto a Baptista, quien explora y revive la herencia de la marca, centrándose particularmente en su colección de los 70.

Ahora, mientras el diseñador presenta su segunda colección, el mundo está complejo e inserto en una crisis sanitaria mundial. “Armé esta colección durante el primer confinamiento. Es una mezcla entre preocupación y alegría, con un deseo optimista de llegar a superar todo esto. Quería destacar la reconciliación entre el hombre y la naturaleza con esta idea de ajustar el ecosistema”, explica Baptista. La propuesta es un llamado a la belleza outdoor: jardines floridos contrastados por los largos velos protectores de los sombreros de los apicultores.

Una moda envolvente para los nómadas en necesidad de viajar.

Después de todo, las abejas son las musas de esta colección: una fuerza de la naturaleza que nos protege y consume solo aquello que necesita. Lo que nos lleva a la mirada de Baptista hacia la sustentabilidad.

“En Kenzo estamos comprometidos en usar un 80 por ciento algodón orgánico, junto con cashmere, nylon y poliéster reciclables. Nuestro packaging está fabricado con materiales amigables con el medioambiente y estamos asociados con World Wildlife, una fundación que tiene como objetivo duplicar la población de tigres salvajes para el año 2022”. Sí, el famoso tigre está de vuelta. Ese ícono tan prominente en las colecciones de Humberto Leon y Carol Lim –directores artísticos de la casa entre 2011 y 2019– sigue presente en Baptista. Esta vez con un espíritu más comprometido y artístico, ya que también se encuentra en forma de grabado a partir de una obra del pintor portugués Júlio Pomar.

En todo el trabajo de Baptista siempre hallamos la idea de “utilidad conectada al placer”. Y lo explica de esta forma: “Siempre me ha interesado ese lado pragmático de la ropa; ese que es fácil de encontrar en los uniformes, donde todo atiende una necesidad. La moda es ambas cosas: funcional y estética”.

Esta cercanía se evidencia en su abrigo/saco de dormir, inspirado en la ropa encapuchada de mujeres provenientes de las Azores, aquellas islas donde nació el diseñador. Su ropa es, por lo tanto, desmontable, reversible y práctica. Más que un estilo, es toda una firma.

A Baptista también le gusta difuminar las líneas generacionales en sus colecciones. “El mejor halago es ver a personas de diferentes edades usando la misma prenda”. Y es que además de ser diseñador, es estilista y fotógrafo. “Siempre he sido multidisciplinario. Amo la arquitectura, la imagen, la fo-

“Amo LA ARQUITECTURA, LA IMAGEN, LA FOTOGRAFIA...

LA MODA ES una MEZCLA de TODO ESO y tropecé con ELLA POR CASUALIDAD”. tografía… La moda es una mezcla de todo eso y tropecé con ella de casualidad”. Este amante del arte se sintió muy conmovido por la exhibición póstuma sobre Christo realizada en el parisino Centro Pompidou en 2020. Cuando le preguntamos sobre sus colaboraciones, asegura que le encanta mezclar sus trabajos con otros diseñadores, como lo hizo con Kansai Yamamoto, el legendario diseñador japonés (quien falleció el año pasado) conocido por sus excéntricas colaboraciones en los 70 con David Bowie.

Kenzo Takada y Felipe Oliveira Baptista: dos hombres, dos estilos, la misma energía y el mismo gusto por la belleza y la poesía. Baptista, sin duda, le hará un tributo a Takada en su próxima colección, la primera que presenta desde el fallecimiento de su fundador, en octubre del año pasado. n

y vestido KENZO y zapatos KENZO STYLIST: Kenzia Bengel de Vaulx MODELO: Nina Fresneau WOMEN MAQUILLAJE Y PELO: Aliz Perrot IZQUIERDA— Chaqueta

PAGINA SIGUIENTE— Chaqueta, vestido

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Cabinet

CABI Market

INET Market 22 al 25 de Abril

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Abrigo MAX MARA. Jeans LEVI’S. Top SAMSOE SAMSOE.

TODO O NAD NA DA

Quien haya dicho que las mujeres son el sexo débil lo hizo porque no conoció a la chilena Christiane “Tiane” Endler: una futbolista como pocas, una guerrera como muchas y una líder de armas tomar tomar..

Por VALENTINA ESPINOZA Fotos THOMAS PAQUET

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ue en la última gala presencial de los premios The Best, realizada en el teatro La Scala de Milán, cuando Christiane Endler (29) deslumbró a la prensa y a los asistentes enfundada en un vestido negro de escote halter firmado por Hugo Boss. En esa oportunidad, la FIFA la seleccionó como una de las tres mejores arqueras del mundo, hecho que marcó un hito importante en su carrera y para la historia deportiva nacional. Hace cuatro años que vive en Francia, específicamente en Saint-Germain-en-Laye, un pequeña ciudad a 25 minutos de distancia de la capital. Ahí está el centro de entrenamiento del PSG (Paris Saint-Germain), club deportivo donde se desempeña como arquera, y que ha catapultado su carrera a las ligas mayores, como cuando en diciembre pasado el diario inglés The Guardian la eligió como la Mejor Portera del 2020, tras mantener su arco invicto en 12 oportunidades durante el año.

A tres meses de ese reconocimiento, conversamos con Christiane desde su departamento en los suburbios parisinos, ad portas de comenzar las clasificatorias para la Champions League femenina. Es a su espacio privado donde llega después de cada entrenamiento. Ahí se relaja, vive en pareja y trata de mantener la cotidianeidad con los pies bien plantados en la tierra. Desembarcó en la Ciudad Luz sin saber el idioma ni conocer a nadie. Hoy se siente a sus anchas, aunque reconoce que sigue impactándose cada vez que pasa frente a la Torre Eiffel.

Además de jugar en uno de los principales clubes de Europa, es la capitana de la selección chilena de fútbol femenino, título que le queda como hecho a la medida por su garra y determinación, junto con ser un aliciente necesario para reivindicar al género desde su vereda privilegiada, como ella misma dice.

Fuiste señalada como la mejor deportista del mundo en tu especialidad y tienes solo 29 años, ¿qué más te queda por delante?

CHRISTIANE ENDLER: Me lo tomo como un reconocimiento a mi trabajo.

No solo por los años que llevo practicando este deporte, sino que también por todo lo que he dejado por estar aquí. No sé si soy la mejor del mundo, pero sí sé que he trabajado más que nadie para poder lograrlo.

L’OFFICIEL:

¿Eres muy exigente contigo?

Muy, y también autocrítica. Siempre creo que puedo mejorar, que puedo seguir creciendo. Si encuentro algo para superarme, lo hago, busco cosas nuevas para dar lo mejor de mí. Hay un punto en el que se toca techo, por eso siempre hay que seguir aprendiendo, y me falta mucho todavía. A nivel profesional quiero ganar un campeonato en Francia, una Liga, una Champions, clasificar con Chile a los Juegos Olímpicos: ese es uno de mis grandes sueños. Quiero ganar en equipo, el buen rendimiento colectivo siempre te lleva a tener un buen rendimiento individual. Y si después de eso me reconocen a mí por haberlo hecho bien, mejor todavía.

L’O: CE:

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Y a nivel personal, ¿en qué momento estás?

Siempre creciendo y aprendiendo. Para mí es muy importante ser una persona íntegra, honesta, un ejemplo para el resto a través de mi trabajo y por el esfuerzo que conlleva el estar donde estoy. Hoy disfruto el día a día y aprovecho cada momento, porque nunca sabes cuándo esto se puede acabar. Me considero superafortunada de poder hacer lo que hago y vivir así, no tengo nada que lamentar. Sí, hay días complicados, otros en que no quiero levantarme ni ir a entrenar, pero en general estoy súper feliz y completa, no puedo pedir nada más.

L’O: CE:

Un escenario muy distinto a cuando llegaste a París en 2017…

Este es mi cuarto año acá y nunca antes había venido a París, aunque siempre había querido conocerlo. Era primera vez que me pasaba llegar a un país sin conocer el idioma, no hablaba absolutamente nada. Por suerte, el inglés me ayudó a adaptarme más fácil y ese primer año tuve muchas compañeras latinas y otras que hablaban español. Se creó buen ambiente y me pude incorporar superbién y rápido al equipo.

L’O: CE:

¿Has aprovechado de viajar estos años viviendo en Europa?

Sí, es la suerte de estar acá, donde todo queda a dos horas en avión. Me gustan mucho Roma y Barcelona. Hay tanta historia y cultura en cada lugar, tantos sitios preciosos que hay que aprovechar de visitar. En algún momento me encantaría poder recorrer Chile completo, ese es uno de mis objetivos de vida, tomarme un par de meses y conocerlo todo.

L’O: CE:

¿Cómo es un día normal de tu vida?

Estamos desde hace varios meses con toque de queda a las seis de la tarde, entonces es muy poco lo que se puede salir, y los fines de semana generalmente tengo partido. En ese sentido, la tecnología ha ayudado mucho para acercarnos a nuestras familias y seres queridos, sobre todo en pandemia. Fue un alivio tener esa posibilidad.

LO: ¿Cómo viviste los meses de cuarentena absoluta, descubriste algún talento oculto?

CE: Por suerte, pude seguir entrenando en mi casa y me enfoqué en hacer cosas distintas que en un año normal no puedo. Empecé a pintar, tomé cursos de cocina online y vi hartas películas y series. La que siempre repito es Greys Anatomy, y ahora estoy terminando This is us y How to get away with murder. También leí libros de autoconocimiento que me han servido mucho. A pesar de que fueron meses bastante caóticos y de incertidumbre para todos, pude aprovecharlos bastante.

L’O: CE:

Desde tus nuevas coordenadas, ¿cómo percibes las diferencias culturales entre Francia y Chile en el día a día?

CE: Es muy grato vivir acá, porque cada uno anda preocupado de lo suyo y no de lo que está haciendo el del lado. No existe esa costumbre de darse vuelta a mirar al otro, me encanta que cada L’O:

Blusa ALEXANDRE VAUTHIER.

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“NO SE SI SOY LA mejor DEL mundo,, PERO SI SE QUE HE mundo TRABAJADO más QUE nadie PARA PODER LOGRARLO”.

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Sweater DANAME.

Abrigo MAX MARA.

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Jumpsuit STAND STUDIO.

uno pueda hacer su vida como quiera, como le parezca y como le guste, sin temor a que lo apunten con el dedo. No se usa decir cosas como “esa gorda” o “esa flaca” para referirse a alguien. Es amable vivir en una sociedad tan abierta. Además, hay veces en que sales a la calle y ves tantas cosas distintas, looks diferentes, y a la gente le da lo mismo. Es una realidad tan multicultural que he llegado a decir ¡jamás me imaginé ver algo así! ¿Te consideras feminista?

Sí, porque quiero igualdad de oportunidades para ambos sexos. Creo que las mujeres nos merecemos tener los mismos sueldos y condiciones laborales que los hombres, sobre todo en mi profesión, donde siempre estamos un escalón por debajo de ellos. No soy ultrafeminista ni de ir a marchar, tampoco me molesta que no se hable con lenguaje inclusivo ni cosas así, pero desde mi vereda quiero igualdad. Es una lucha que varias llevamos.

L’O: CE:

¿Qué bandera de la causa es la que más te representa?

Todas las luchas son superimportantes, pero me quedo con que “soy mujer y puedo hacer lo que yo quiera, en todo orden de cosas”. Si quiero ser futbolista, lo puedo hacer. Si quiero ser tenista, también. Y si quiero ir a la luna y formar parte de la Nasa, puedo. Eso es lo que más me mueve, transmitirles a las mujeres que todas podemos hacer lo que nosotras queramos, siempre con esfuerzo, perseverancia, lucha y trabajo.

L’O: CE:

¿Cómo es ser mujer en un escenario tan machista como el fútbol?

Entrar al mundo masculino es complicado. Al menos cuando yo empecé jamás pensé en poder llegar a tener igualdad de condiciones, porque no existía el fútbol femenino, no era una opción siquiera pedir algo. Ya estar en un equipo era gran cosa, y tener un lugar donde poder jugar y practicar era increíble. No me importaba si no me pagaban o si no tenía la ropa deportiva necesaria. En un comienzo jamás me planteé una lucha contra el hombre, sino que solo por estar y por hacer lo que me gustaba.

L’O: CE:

¿Cuál sientes que es la brecha más grande?

La igualdad salarial me parece superimportante, sobre todo en posiciones y actividades que son las mismas. Eso de que por ser mujer se gana menos no me entra en la cabeza. Igual creo que el fútbol es un mundo un poco aparte. El dinero que mueven los hombres es absurdo, y las futbolistas sabemos que dependemos de lo que ellos hacen, porque como producto (el fútbol femenino) todavía no somos capaces de generar los ingresos necesarios para subsistir solas.

L’O: CE:

¿Crees que eso vaya a cambiar en algún futuro cercano?

Por lo menos en Europa se está trabajando mucho con la imagen de la mujer, en campañas y otras cosas para que el fútbol femenino crezca. Es difícil vender un producto cuando está mal hecho, como lo que sucede en Chile. Hay que trabajarlo primero, porque si lo ofreces ahora, tal como está, a varios no les va a gustar. No está bien preparado ni es atractivo. Hay cosas que se L’O: CE:

STYLING: Chloe

deben trabajar desde el inicio, porque el fútbol femenino va a ser importante. Acá ya se dieron cuenta y se están haciendo cargo.

Esos son los primeros pasos para generar algo de igualdad: partir con los mismos estándares y condiciones de base. ¿Cómo te llevas con las redes sociales?

Me gustan, sobre todo Instagram para compartir cosas de mi carrera, y también personales. Me gusta tener una relación cercana con mis seguidores, poder contestarles. La gente, en general, es supercariñosa. Me llegan muy pocos comentarios con pesadeces. Por eso me salí de Twitter: mueve mucho odio. No importa lo que escribas, siempre te van a decir cosas desagradables de vuelta, porque no todos están contentos con lo que uno dice o piensa.

L’O: CE:

¿Has tenido alguna mala experiencia?

Hubo un tiempo en que me decían que era “facha” por una entrevista que di y mencioné una tendencia política.

L’O: CE:

¿Te arrepentiste de haberlo hecho?

Sí, pero no precisamente por los comentarios, sino porque sentí que (la entrevista) se hizo con mala intención: la publicaron un año después y justo antes de un partido en el mundial femenino. Que se polemizara por mi color político era como ¡qué te importa! Se supone que cada uno puede tener su opinión, ¡es un país de libre! De ahí me cuestioné si seguir hablando o no.

Yo amo Chile, me encanta estar allá, pero últimamente están pasando tantas cosas… Hay gente con rabia –y con justa razón–, pero eso termina creando una sociedad triste y amargada.

Siempre dije que cuando me retirara iba a volver sí o sí, pero estas cosas me hacen dudar un poco.

L’O: CE:

Independiente de lo que cuentas, eres una líder natural e inspiración para las nuevas generaciones. ¿Te ves quizás asumiendo algún rol social?

CE: Yo creo que toda mi vida voy a estar relacionada con el deporte de una u otra forma, puede ser apoyando al fútbol femenino y ayudando para que crezca. Por eso creé mis escuelas de fútbol, con la idea de que niñas y mujeres tuvieran la oportunidad de jugar en un lugar que fuera exclusivo para ellas, darles esa posibilidad que yo no tuve de chica. Cuando acá les cuento a mis compañeras del club que empecé recién a los 16 años me dicen ¿cómo tan tarde? No lo pueden creer, pero tampoco tenía muchas opciones.

L’O:

A propósito de la nueva Constitución, ¿incluirías el fomento al deporte como uno de los puntos a considerar?

CE: Es muy difícil ser deportista, tiene muchos más contras que pros. Dedicarse a cualquier deporte es complicadísimo, y eso no puede ser. Hay que apoyarlo en general, debiera ser un derecho básico de todos los ciudadanos. Pienso que, como país, al desarrollar una sociedad más deportista podrías solucionar muchos otros problemas, de delincuencia o de salud, por ejemplo. Son miles las cosas que se podrían evitar simplemente promoviéndolo, ¡haría tan bien en todo sentido! n L’O:

Para. MAQUILLAJE: Angloma para Chanel Beauty. PELO: Caroline Buffalini.

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VESTIR Fotos JONATHAN ZAMORA Styling MATIAS NUÑEZ

Top tejido CEREMONIA, pantalón CAROLINA HERRERA.

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ock y cine. Esas son las dos grandes pasiones de Joaquín Ibarra (21), quien posó para el lente del chileno Jonathan Zamora en estas páginas. Nacido en Buenos Aires y oriundo del barrio porteño de Almagro, fue descubierto por casualidad a sus 18 años a las afueras del museo Madame Tussauds durante un viaje con su madre a Nueva York. Desde entonces, ha desfilado en las principales capitales de la moda para firmas como Armani, Dolce & Gabbana y Dsquared, entre otras.

Cuando no está sobre la pasarela, disfruta viendo películas como Plein Soleil, de Alain Delon, Rear Window, de Hitchcock y Once Upon a Time in Hollywood, de Tarantino, sus favoritas. Y si de música se trata, cuenta que su referente máximo es Charly García, además de bandas clásicas como The Rolling Stones y The Smiths. “Aún me falta mucho por saber de ambas cosas. Creo que por eso son pasiones; no terminas nunca de descubrir y aprender de ellas”, asegura.

De ahí también es desde donde recoge inspiración para sus looks, estilo que se resume en botas texanas, pantalones de cuero, anteojos, camisas de estilo setentero y las infaltables poleras arremangadas.

Actualmente, está planeando lanzar su propia línea de ropa, y a futuro espera asentarse en la Gran Manzana y estudiar lo que más le entusiasma: el cine. n

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Chaqueta NOSTALGIC VINTAGE, jeans CEREMONIA.

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Top CEREMONIA, pantalón ALEXANDER WANG.

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Camiseta CEREMONIA, top hilo y pantalón ALEXANDER WANG.

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COMPOSICIONES

ALeeAT AL ATO OR iAS La gravedad no conoce de leyes cuando se trata de piezas icónicas para el otoño.

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Fotos KATA ULLOA Producción ROMINA MEIER

Cartera LOUIS VUITTON. Cabeza de cerámica MEMORABILIA MUSEUM Itemtk BRANDTK en STGO/MILAN. Itemtk BRANDTK Candelabro CONSTANZA ALMAZAN en PROYECTO METANOIA.

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Zapatilla DOLCE & GABBANA. Cartera CH CAROLINA HERRERA. Collar VICTORIA ODDO. Perfume CHANEL. Cúpula bronce DIESEL Living en SANTIAGO MILAN.

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Zapato PRETTY BALLERINAS. Cartera LOUIS VUITTON. Botín y escobilla HERMÈS. Jarrón cerámica ROSARIO URETA en PROYECTO METANOIA.

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Cartera DOLCE & GABBANA. Cinturón HERMÈS. Jarrón Itemtk SELETTI BRANDTK en STGO/MILAN. Itemtk BRANDTK Barras de jabón LOTUS FLOWER Honey y Sultana, LUSH.

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Botines GUCCI. Collar CH CAROLINA HERRERA. Barras de jabón Lotus Flower y Honey ItemtkLUSH. BRANDTK SkateItemtk de cerámica BRANDTK SELETTI. Fósforos y portavela cohete DIESEL LIVING en SANTIAGO MILAN.

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POWER Dressing Fotos MAIRO ARDE Styling ROMINA MEIER

Chaqueta BALMAIN en SARIKA RODRIK. Corset DOLCE & GABBANA. Pantalón PIAZZA SEMPIONE en SARIKA RODRIK.

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PAGINA ANTERIOR:

GUIDO VERA look, sombrero SITAKKA. LORAINE HOLMES, anteojos GUCCI.

ESTA PAGINA: Vestido

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Chaqueta y vestido, DOLCE & GABBANA, sombrero GUCCI. VICTORIA BECKHAM en SARIKA RODRIK, top DONNA KARAN en PLACARD.

PAGINA ANTERIOR: ESTA PAGINA: Traje

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GUCCI. Zapatos LE SILLA en SARIKA RODRIK. Blusa y pantalón ALBERTA FERRETI en SARIKA RODRIK.

ESTA PAGINA: Traje PAGINA DERECHA:

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MAQUILLAJE Y PELO: Paulina

Estay. ASISTENTE STYLING: María José Hugeth. MODELO: Lais Scolaro para WLM.

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O R O líquido Los quilates cobran un nuevo protagonismo en diseños únicos y heredables.

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Fotos KATA ULLOA Producción ROMINA MEIER

Anillos arriba, PHILIPPE SPENCER. Anillos abajo CASA BARROS.

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ItemtkReloj BRANDTK Panthère, Itemtk CARTIER. BRANDTK

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Anillos Itemtk BRANDTK y brazalete, Itemtk TIFFANY BRANDTK & CO.

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Brazalete dorado Itemtk SOPHIA BRANDTK SCHNEIDER. Itemtk Anillo BRANDTK y brazalete MOSSO.

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Reloj Oyster Perpetual Date Submariner, ROLEX.

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Culture CLUB 104

Fotos por PEPO FERNANDEZ Styling ALINA CASTRO

Chaqueta DOLCE&GABBANA. Panties WOLFORD CHILE. Zapatos CHRISTIAN LOUBOUTIN en SARIKA RODRIK.

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Pantalón GUCCI. Cinturones VERSACE en VIA CONDOTTI. Guantes CH CAROLINA HERRERA. Zapatos COLECCION PERSONAL.

Vestido ROTATE en PROYECTO METANOIA. Cinturón GUCCI. Aros BIMBA & LOLA.

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Vestido JEREMY SCOTT en SARIKA RODRIK. Zapatos JEFFREY CAMPBELL. Blusa BANANA REPUBLIC. Aros CHANEL.

Vestido GIUSEPPE DI MORANITO en MONTEMARANO. Anillos PANDORA. Aros CAROLINA HERRERA.

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Chaqueta ACNE STUDIOS en PLACARD. Brasier y panties WOLFORD CHILE. Zapatos JEFFREY CAMPBELL.

Traje DOLCE & GABBANA. Anteojos GUCCI. Brasier WOLFORD CHILE. Zapatos SERGIO ROSSI en MONTEMARANO.

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Brasier WOLFORD CHILE. Falda BRAND en BLOOM STAGE. Cartera DOLCE & GABBANA. Zapatos RENE CAOVILLA en MONTEMARANO.

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Vestido GIUSEPPE DI MORABITO en MONTEMARANO. Panties WOLFORD CHILE. Arnés COLECCION PERSONAL. MODELO: Vitalina

en Elite. ASISTENTE STYLING: Thiare Vega. BEAUTY: Fran Mellado. AGRADECIMIENTOS: Ultra Studio

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2021 ¿COMO sigue EL NEGOCIO DE LA

MODA Estamos enfrentando el segundo año de una pandemia que nos ha puesto a prueba y obligado a replantearnos en todo sentido. ¿Hacia dónde iremos en este nuevo año de Covid-19? Una cosa está clara: están puestos los cimientos para el cambio cambio..

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Por MAGDALENA POULSEN

Foto: Cedida. Foto: Kata Ulloa.

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“SE NECESITA TENER esa MIRADA POLITICA Y estratégica CON NUESTRO MUNDO de LA moda Y QUE NO LO VEAN solamente COMO UNA COSA artística,, BONITA, artística ESTETICA”.

La industria completa necesita recablearse. Un panorama que a todas luces se veía venir y que la pandemia aceleró cuando los distintos engranajes del mundo de la moda ya comenzaban a engrasarse. “Deberíamos mandar la moda al psicólogo”, comenta Bárbara Pino, directora del Observatorio de Moda (MODUS UDP), quien afirma que el recableo de aquí en adelante es completamente necesario.

Así lo hicieron notar del otro lado del mundo. Grandes exponentes, como Gucci e YSL, decidieron abandonar la idea de “temporadas”, un concepto ampliamente cuestionado por quienes se preguntaban ¿cuál es el límite de la creatividad y la creación por la creación? Giorgio Armani fue mucho más tajante: “Dejemos de ser víctimas de este sistema”, tras finalizar una de sus pasarelas en febrero de 2020.

El agotamiento que venía arrastrando el modo de obrar de la industria y la explosión de pasarelas varias veces en el año estalló.

El Covid movilizó a quienes están detrás de las casas de moda, y hoy en día hemos podido apreciar muestras virtuales que apelan a la necesidad de transitar por terrenos nuevos.

“Ya no se trata de filmar un desfile, sino de utilizar los medios audiovisuales y digitales para potenciar cuerpos vestidos a partir de una narrativa en particular. El resultado, en algunos casos cercano al cine, es mucho más potente que una campaña publicitaria filmada”, comenta Pía Montalva, académica e investigadora experta en historia de la moda, el cuerpo y la indumentaria, y agrega: “En términos estéticos es lo más novedoso, a mi juicio. Y me interesa ver cómo se resolverá en 116

el futuro, porque si las muestras en vivo regresan se orientarán hacia un público muy reducido, no por un asunto de pandemia, sino como efecto de una estrategia de marca”.

LAS CIFRAS QUE NOS MARCARON

El Covid arrasó y las pérdidas alrededor del mundo fueron millonarias. Según los informes de la empresa de estudios de mercado Euromonitor International, la industria de la moda habría cerrado el año 2020 con un retroceso del 15,7% a escala mundial, hasta un volumen de 1,19 billones de dólares.

La mayoría de los afectados fueron los trabajadores tras los numerosos cierres de fábricas y despidos de los primeros meses de cuarentena, además del corte a los proveedores y suministros.

En marzo pasado, la plataforma de asesoría financiera Bloomberg anunció que alrededor de 1.089 fábricas de ropa en Bangladesh habían cancelado pedidos por un valor aproximado de $1,44 mil millones de dólares, debido al brote de coronavirus, dejando a miles de familias afectadas en situaciones de vulnerabilidad. Desde la arista del consumidor, en nuestro país se observan diversos cambios en la actitud de compra. Según el estudio “Retail en Pandemia: Comportamiento de clientes y respuesta del comercio”, de la Universidad de Chile, una mayoría (57%) ha comprado menos de lo que adquiría antes de la pandemia, y espera seguir gastando menos. De igual manera, se observó que un 58% de las personas consultadas ha cambiado sus tiendas de destino. “Esta pandemia ha beneficiado a los locales que están más cerca de los hogares, en detrimento de los centros comerciales que aglomeraban gran parte de las ventas”, comenta Marcel Goic, economista y director del Centro de Estudios del Retail de la Universidad de Chile, también investigador del MIPP (Instituto para la Investigación de Imperfecciones de Mercado y Políticas Públicas).

El protagonismo de la digitalización ha sido otro de los factores que han caracterizado los últimos meses, siendo el e-commerce una herramienta crucial para el funcionamiento de las marcas. Sin embargo, según Pía Montalva, la venta online no es una opción viable para negocios de todos los tamaños, pues no todos los proyectos independientes cuentan con los medios para implementar de manera oportuna y eficiente este sistema. “En un plazo más extenso, me parece que viene un cambio de escala, una mayor valoración y expansión de las iniciativas de menor tamaño, que bien llevadas resultan más f lexibles y adaptables a los cambios del entorno. Pienso en pequeños proyectos, que apunten a un público muy específico y que renueven permanentemente su oferta”, señala.

Desde la vereda del retail, ese escenario se percibe diferente.

José Luis Silva, exejecutivo de Cencosud y Falabella y actual portavoz de @rehab.cl, instablog dedicado a difundir noticias y datos sobre fashion business en Chile, asegura que en el futuro seremos testigos de un comportamiento híbrido de compras entre el canal físico versus el online. “De acuerdo a los últimos estudios realizados en Chile, el 60% de los consumidores declara querer retomar sus compras en tiendas físicas, pero mantendrá sus compras en el canal online; un 19% comprará exclusivamente en tiendas físicas, y un 11% solo comprará exclusivamente en canales online”, argumenta. Con esta tendencia que se ha mantenido durante los últimos meses, el canal online adquiriría un rol protagónico, desafiando a los retailers físicos y online a generar experiencias diferenciadoras y de valor al cliente, con el objetivo claro de satisfacer sus necesidades y cumplir con las expectativas del servicio esperado.

DESDE LO LOCAL

“Sin remuneraciones entré en modo supervivencia, entonces no podía gastar en nada que no fuera estrictamente necesario, por ende, ni materiales nuevos ni insumos”, cuenta Juan Daltónico, sombrerero nacional que se vio afectado por la falta de trabajo y los cierres de tiendas proveedoras de insumos ubicadas en el sector centro de la Región Metropolitana.

El creador chileno también mantiene un vínculo estrecho con la firma nacional Sombreros Girardi, fábrica que permanece cerrada desde que comenzó la pandemia, lo que ha traído consecuencias para la producción de sombreros de fieltro de Juan y para los diferentes maestros sombrereros que se desempeñan en el área. “Espero que los tiempos mejoren y la fábrica vuelva a abrir para que la tradición no se pierda”, agrega.

En cuanto a la situación de los diseñadores y marcas de autor, Pía Montalva manifiesta una de las mayores preocupaciones que se desarrollaron a lo largo de la pandemia: “Observo que los proyectos de diseño independiente chilenos son bastante frágiles en términos económicos, y un cierre prolongado de sus locales de venta, sumado a la imposibilidad de llegar de parte de los consumidores, dio cuenta de lo poco sostenible que es este ámbito de la industria en Chile”.

Por su parte, la diseñadora Ximena Olavarría cuenta que durante la pandemia debió reinventarse y planear nuevas formas de innovación: “Esta escasez me llevó a crear las piezas de forma mucho más artesanal de lo que yo ya estaba haciendo”, y agrega: “El tema de los insumos fue caótico, porque estaba todo cerrado, era muy difícil conseguir telas, hilos, lo básico, y tampoco me podía exponer ni a mi familia a salir en búsqueda”.

Según la académica Bárbara Pino, de MODUS UDP, en Chile existe una gran informalidad en el ámbito de la moda. Por lo mismo, sugiere que lo primero que debiera cambiar es obtener un reconocimiento de las autoridades nacionales de que esto es un sector productivo. “Se necesita tener esa mirada política y estratégica con nuestro mundo de la moda y que no lo vean solamente como una cosa artística, bonita, estética”, y agrega: “La moda generalmente viene comprendida como una sola cosa. Pero es un sistema cultural que es mucho más complejo, donde se da trabajo, existe innovación de producto y aborda ámbitos políticos, sociales, económicos, culturales y transnacionales”, concluye. n

“YA NO SE TRATA DE filmar UN DESFILE, SINO DE UTILIZAR LOS MEDIOS audiovisuales Y DIGITALES PARA POTENCIAR cuerpos VESTIDOS A PARTIR DE UNA NARRATIVA EN particular particular.. EL RESULTADO, EN ALGUNOS CASOS CERCANO AL CINE, ES MUCHO MAS potente QUE UNA campaña PUBLICITARIA FILMADA”.

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OTROS OTRO A I RES Fotos ESTEBAN VARGAS ROA PARA REPUBLIK Styling ROMINA MEIER

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Chaqueta GUCCI. Anteojos LOUTHIER. Falda VIVETTA VIA CONDOTTI. Zapatos JEFFREY CAMPBELL en Promenade.

Chaqueta CHARLIE & H. Culotte JACQUEMUS en SARIKA RODRIK. Blusa ALEXANDER MCQUEEN en VESTIAIRE.

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PAGINA DERECHA:

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ESTA PAGINA: Chaqueta DIESEL. Chaleco ICEPLAY en VIA CONDOTTI. Blusa CH CAROLINA HERRERA. Biker JAZMIN CHEBAR. Parka ICEPLAY en VIA CONDOTTI. Anteojos y banano LOUIS VUITTON. Bototos DR. MARTENS en PROMENADE.

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ESTA PAGINA:

Falda y top LORAINE HOLMES. Parka SARIKA RODRIK. Abrigo CH CAROLINA HERRERA. LORAINE HOLMES. Blusa MUNAY SISTERS. Botas BURBERRY.

PAGINA IZQUIERDA: Terno

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ESTA PAGINA: Vestido

MAQUILLAJE: Nikki

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y pañuelo VERSACE EN VIA CONDOTTI. Vestido negro DAVID KORMA EN SARIKA RODRIK. Botines PIANURA STUDIO EN VIA CONDOTTI. PAGINA DERECHA: MARIANA: Trench CHARLIE & H. Blusa GUIDO VERA. Pantalón MUNAY SISTERS. Cinturón HERMES. SARAY: Chaqueta GUIDO VERA. Falda ICEBERG en VIA CONDOTTI.

Ossandón. PELO: Javier Sáez. MODELOS: Saray y Mariana para WLM. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Martín Badía ASISTENTES STYLING: Fabian Jeria y María José Hughet.

RETOQUE DIGITAL: Manuela Ugarte. AGRADECIMIENTOS: La Parva y restaurante El Montañés.

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Urban

CITIZEN Fotos JUAN MATHE Stylist MARCELA RUBINI

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Audífonos, MONTBLANC. Buzo, LACOSTE.

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PAGINA OPUESTA: camisa

ESTA PAGINA: bolígrafo Heritage Egyptomania Doue, MONTBLANC. y pantalones de gabardina, JT by JT. Bototos, TERRIBLE ENFANT. Reloj Summit 2 y mochila Meisterstück Urban Slim Black, MONTBLANC.

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ESTA PAGINA:

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polera de cachemira, ETIQUETA NEGRA. Pulsera Wrap Me Brown Leather, MONTBLANC. polera y pantalones, ETIQUETA NEGRA. Mocasines con tachas, TERRIBLE ENFANT.

PAGINA OPUESTA:

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Abrigo reversible y pantalones, KOSTUME. Zapatillas, LACOSTE. Pulsera Wrap Me brown leather y audífonos, MONTBLANC.

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ESTA PAGINA:

PAGINA OPUESTA: polera, LACOSTE. Portfolio Sartorial Calligraphy, MONTBLANC. Chaqueta de cuero con capucha, DIESEL. Polera, LEVI’S. Pantalones, GIESSO. Bolso de cuero, Meisterstück Urban Black, MONTBLANC. Bototos, TERRIBLE ENFANT.

MAQUILLAJE Y PEINADO: Ignacio

Mora para Estudio Olivera con productos Schwarzkopf Pro. MODELO: Gonzalo Martin para Adon Management. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Nicholas Santini.

POSPRODUCCION: Esteban Moreira.

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LES BEIGES . LES BEIGES TAN SOLEIL. BAUME ESSENTIEL TRANSPARENT. LES BEIGES / MEDIUM. LE VOLUME DE CHANEL WATERPROOF. ROUGE COCO GLOSS / CHILLI 756.

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BELLEZA

Impermeable Fotos PAULA ZIEGLER Stylist ROMINA MEIER Maquillaje POLI PICO

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OJOS: “EL

LES BEIGES HIDRATANTE. LES BEIGES TAN SOLEIL. BAUME ESSENTIEL GOLDEN LIGHT LABIAL” LE ROUGE. CRAYON DE COULEUR / CASSIS NUM 8. Máscara LE VOLUME DE CHANEL WATERPROOF LABIOS: GLOSS LE VOLUME

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LES BEIGES Hidratante. LES BEIGES Fluido Iluminador. SUNKISSED LES BEIGES TAN SOLEIL. En Párpados LES BEIGES PALETA DE OJOS. Máscara LE VOLUME DE CHANEL WATERPROOF BAUME ESSENTIEL TRANSPARENT. En Labios ROUGE COCO GLOSS / CHILLI 756.

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ES BEIGES Hidratante. BAUME ESSENTIEL TRANSPARENT. LES BEIGES Fluido iluminador / SUNKISSED. LES BEIGES TAN SOLEIL. LES BEIGES Paleta de Ojos / WARM. Máscara LE VOLUME DE CHANEL WATERPROOF. ROUGE ALLURE LIQUID POWDER INVINCIBLE 956.

ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Josefa

Manríquez. AGRADECIMIENTOS: Hotel W.

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AROMAS biográficos Paloma Espinoza compone fragancias a partir de plantas aromáticas. aromáticas. En Perfumería Botánica crea no solo perfumes naturales, sino también esencias personalizadas que traen al presente recuerdos del pasado.

Por FLORENCIA DE LA FUENTE Fotos CARLOS SAAVEDRA 142

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“LOS AROMAS naturales TIENEN PODER, ENERGIA Y UN mensaje ANCESTRAL”.

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esde su taller ubicado en una casa antigua en Ñuñoa emerge una mezcla de esencias silvestres. Adentro abundan plantas enfrascadas, soluciones aromáticas de diversos tipos y toda clase de aromas. Paloma Espinoza es dueña de un laboratorio artesanal, su propia Perfumería Botánica, que es el lugar donde trabaja y habita.

Desde su infancia, esta creadora desarrolló una particular sensibilidad por la naturaleza, en gran medida debido a una vida rodeada de la flora y fauna de la Patagonia chilena. Como miembro de una familia de artistas visuales, también aprendió a apreciar y observar estos espacios silvestres con gran detalle.

Su primer acercamiento al mundo de los aromas se produjo en Bélgica, en 2002, cuando conoció la aromaterapia científica como una alternativa para el cuidado de su embarazo. En su regreso a Chile y posteriores viajes, fue introduciéndose en otras disciplinas e instruyéndose con grandes maestros sobre los inagotables usos de las plantas aromáticas y aceites esenciales, para finalmente llegar a descubrir su verdadera pasión: la perfumería.

Según explica, trabajar con aromas naturales es un deleite. “Lo tienen todo: poder, energía y un mensaje ancestral, acompañado también por un contexto histórico y cultural que se vive en torno

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a la planta”, manifiesta. También reconoce que detrás de este arte existe un lujo y exclusividad muy evidentes. “No hay otro oficio donde se trabaje con un material tan caro. Ni siquiera la joyería se le acerca”, explica. De este componente se requiere un gran volumen, además de tiempo y dedicación, que van desde el cultivo hasta la extracción de sus fragancias. A esto se añade la variación que las plantas sufren en la producción de sus aromas, según el entorno.

Para esta fabricante de fragancias, a ratos su oficio puede ser particularmente complejo, ya que tanto en Chile como en Sudamérica no existe un repertorio muy variado en cuanto a plantas aromáticas, por eso trae sus esencias de rincones exóticos como Madagascar, principal productor de aromas naturales y un foco importante para la industria mundial de la perfumería.

Luego del largo proceso de obtención de este material transparente, recién se puede comenzar a fabricar la estructura del perfume. Esta labor, como Paloma la describe, además de ser muy delicada, es un arte en sí misma. Y es que tal como lo haría un músico, el perfumista debe partir de una inspiración. Para concretarla debe ocupar notas. Estas tienen distintas afinidades entre sí. Una vez que se logra una armonía, surgen los acordes de esencias y se crea una nueva fórmula. Un perfume único.

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ENCUENTROS AROMATICOS PERSONALES

Una de las particularidades de Perfumería Botánica es la creación de sesiones olfativas. En estos encuentros, los asistentes se someten a una verdadera cata de notas aromáticas bajo una determinada estructura. Luego -y según sus preferencias personales de olores- Paloma arma una fragancia única y personalizada para cada participante. Lo llamativo es que esta experiencia también puede ir más allá de un perfume tradicional, ya que siempre hay quienes llegan con la idea de recrear aromas de su infancia o de recordar a alguna persona importante.

Tan especial es lo que se logra en cada sesión que, en ocasiones, estos encuentros de estimulación sensorial pueden tener un efecto emocional muy intenso. “Se abre una información muy íntima en las personas. Es una llave superpoderosa que te puede llevar a muchos lugares”, asegura la perfumista.

Para lograr un buen desarrollo de estos encuentros, Paloma creó un libro interactivo que ayuda a los asistentes a conocer mejor los aromas que quieren traer al presente. El texto se llama Memoria Olfativa y, a través de cinco capítulos cortos que contienen ejercicios personales, su creadora pretende estimular el lenguaje olfativo de los participantes, a quienes les pide recordar olores que hayan marcado sus biografías. “Desde aquí surge mi interés en explorar la respuesta de cada individuo para la creación de perfumes biográficos, develando en el diseño de un aroma las características íntimas de una persona y que el resultado sea algo significativo y representativo de sí mismos”, puntualiza. n

“SE ABRE UNA información BIEN INTIMA EN LAS personas personas..

ES UNA llave SUPERPODEROSA QUE TE PUEDE llevar A MUCHOS LUGARES”.

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La Parisina, según

Madame d’Ora

A medida que L’Officiel se acerca a su centésimo aniversario, celebramos los nombres más influyentes de la historia de la revista y del mundo de la moda. Comenzamos con esta fotógrafa revolucionaria, que trajo una mirada femenina sin concesiones a un campo dominado por hombres.

Por PIPER Mc McDONALD Y TORI NERGAARD

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Aunque la revista de moda es hoy un medio visual, no estuvo siempre vinculada estrechamente con la fotografía. Los días tempranos de L’Officiel estuvieron marcados en su mayor parte por palabras: una prosa florida describía las colecciones acompañadas por bocetos técnicos; extensas oraciones llenas de jerga legal debatían eventos, y novedades de la industria.

Pasaron varios años desde su creación hasta que la publicación desarrolló un lenguaje visual propio, en parte gracias a Dora Kallmus, más conocida como Madame d’Ora. Así como la revista de moda comenzó como algo técnico, la fotografía de moda evolucionó de manera similar. La fotografía temprana era rígida, sobria; solo se esperaba que capturase la imagen a retratar, sin espacio para la creatividad. No obstante, a medida que la escena artística iba floreciendo a comienzos del 1900, creadores como d’Ora produjeron nuevos enfoques de la práctica fotográfica que invitaban a la estética a incorporarse, a las páginas de la revista. Los bocetos fueron útiles para una publicación centrada en la industria, pero la icónica directora de fotografía ayudó a transformar L’Officiel en una revista visual para un público masivo, ávido de la fantasía que podía proporcionar la alta costura.

Nacida en Viena en 1881 en el seno de una familia adinerada, Kallmus adoptó el seudónimo profesional de d’Ora para los 50 años de su carrera. Su interés en la fotografía se despertó cuando trabajaba como asistente del hijo del pintor austríaco Hans Makart. Con el

tiempo, se hizo evidente que tenía un talento excepcional detrás de la cámara y en 1905 fue la primera mujer en ser aceptada en la Sociedad Fotográfica de Viena. Luego de una breve pasantía en Berlín, regresó a Viena en 1907 y, con el apoyo financiero de la familia, abrió su primer estudio, Atelier d’Ora. Como en ese momento las mujeres no tenían acceso a la capacitación técnica, su asistente y colaborador Arthur Benda se hacía cargo de los aspectos técnicos, mientras que d’Ora se concentraba en la búsqueda de clientes y en definir su estilo visual propio. Por haber crecido en una familia acaudalada, d’Ora sabía manejarse con miembros de la aristocracia y del próspero mundo artístico de las décadas de 1920 y 1930. Tenía un estilo informal y una personalidad encantadora que le permitían capturar las personalidades de sus retratados.

Poco después de abrir su estudio comercial en París en 1925, d’Ora inició un contrato a largo plazo con L’Officiel y no tardó en convertirse en la principal fotógrafa de moda y de los productos de Chanel, Balenciaga, Schiaparelli, Jean Patou, Jeanne Lanvin, entre otros. Sus amigos incluían a numerosos diseñadores y artistas. En los primeros años de su carrera se acercó a la sombrerera y escultora Madame Agnès, cuyos diseños fueron muy populares desde fines de los años 20 hasta entrados los 40.

Fue una amistad significativa para la trayectoria de la carrera de d’Ora , porque los sombreros eran el accesorio más importante para las mujeres de la época. Además de las fotografías que creaba para la revista, también capturó a muchos de los íconos artísticos y culturales de esa era, incluyendo a Colette, Gustav Klimt, Josephine Baker, Coco Chanel y muchos otros, a quienes a menudo fotografiaba vistiendo alta costura. En colaboración con d’Ora, L’Officiel comenzó a emplear un lenguaje visual poderoso y a crear formas que reflejaban el arte moderno de esos tiempos. A partir de este trabajo conjunto, L’Officiel pasó de ser una publicación de la industria a la revista de moda, arte y estilos de vida que influyó en la cultura femenina.

Cuando d’Ora se unió a L’Officiel, los hombres eran mayoría entre el personal de edición y los colaboradores. Si bien la publicación –por estar centrada en la moda– se orientaba a una

ARRIBA, DESDE LA IZQUIERDA:

Tapa de L’Officiel, mayo de 1936, Tapa de L’Officiel, agosto de 1929; Princesa Leila Béderkhan, fotografiada para L’Officiel en 1936.

volvió a la fotografía de moda. A su regreso a París comenzó un proyecto para las Naciones Unidas fotografiando a sobrevivientes de los campos de concentración y a mujeres alemanas desplazadas de sus hogares. Su proyecto final fue una serie de fotografías tomadas en diversos mataderos de París. En esos últimos años, sus imágenes se volcaron a un tono sombrío, que reflejaban una vida dañada por la pérdida de casi toda su familia, incluyendo a su hermana Anna, durante el Holocausto. Murió en 1963 en la casa familiar de Frohnleiten, Austria.

Durante una carrera notable que se extendió por cinco décadas, d’Ora produjo aproximadamente 200.000 fotos. Hoy, todas las revistas de moda están en deuda con ella por su crónica brillante y audaz, tanto del lado atractivo y glamoroso de la cultura como de su oscuridad. n

audiencia formada casi por completo por mujeres, L’Officiel carecía de voces y perspectivas claramente femeninas. A través de su lente, d’Ora introdujo una sensibilidad que capturó a las parisinas. Presentaba a sus modelos como sujetos activos, que interactuaban con la cámara, y se aseguraba de que las imágenes reflejaran sus personalidades. Con su trabajo en L’Officiel, d’Ora les dio a las mujeres la posibilidad de verse en las páginas de la revista como partícipes en una historia, más que como objetos pasivos cuyo único propósito era estar elegantes para complacer la mirada masculina.

A fines de los años 30, el nombre de d’Ora comenzó a desaparecer de L’Officiel. Cuando Europa estaba al borde de la guerra, vendió su estudio y en 1940 huyó de París. Se había convertido al catolicismo en 1919, pero por su ascendencia judía escapó a una pequeña ciudad en Vichy, donde permaneció oculta en un claustro hasta que terminó la guerra. Nunca

ARRIBA, DESDE LA IZQUIERDA: Tapa

de L’Officiel, mayo de 1936. Tapa de L’Officiel, agosto de 1929. Princesa Leila Béderkhan, fotografiada para L’Officiel en 1936.

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Taping

BELLEZA sin Con su origen en la medicina deportiva, hoy estamos ante un nuevo tratamiento estético basado en la aplicación de bandas neuromusculares para combatir las arrugas por edad, tensión y estrés.

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Por AILYN SALVO

Foto: Carlos Saavedra.

dolor

F

ue en el año 1979 cuando un reconocido quiropráctico japonés, el Dr. Kenzo Kase, creó una novedosa técnica fisioterapéutica de recuperación muscular: kinesiotape. Su invento consistía en vendajes elásticos compuestos de tela de algodón o sintética, pegamento y papel en diferentes colores para tratar de forma efectiva los dolores musculares, y hoy vuelve a cobrar protagonismo como una efectiva herramienta en el campo de la estética bajo el nombre de taping.

A nivel corporal, las bandas neuromusculares de kinesiotape también actúan rehabilitando lesiones articulares gracias a su efecto analgésico natural y su acción de soporte muscular.

Como explica la Dra. Dilya Scheglova en su libro El vendaje estético de la cara y el cuerpo, “la propiedad principal del tape es su elasticidad, es decir, la capacidad de estirarse. Debido a esto, no impedirá la movilidad de los tejidos ni limitará el movimiento en ninguna articulación. Su función principal será protectora y de apoyo”. Por lo mismo, era cosa de tiempo para que desde la estética, el ahora bautizado taping apareciera como una nueva opción que promete un rejuvenecimiento y lifting facial sin cirugía ni dolor. ¿Lo mejor? Los resultados son visibles desde la primera sesión.

Tatiana Ivanova (45) es médica ginecóloga de profesión, pero hoy se desempeña como beauty coach y es la principal exponente de esta técnica en Chile, donde comparte sus conocimientos a través de su cuenta de Instagram @tati. ayurveda. Su interés por el taping comenzó a partir de una búsqueda persona l de métodos antienvejecimiento.

A partir de eso se interesó y profundizó en la naturaleza detrás de los pliegues de la piel. “Entendí que las arrugas de la cara son un desequilibrio muscular. Los músculos del rostro trabajan en conjunto, sin embargo, a diferencia de los del cuerpo, hay algunos que se utilizan más que otros, lo que produce hipertonía muscular”, explica.

Según la profesional, también experta en yoga facial, al aplicar la cinta adhesiva sobre el rostro se levanta la dermis, lo que permite un mejor flujo sanguíneo y linfático en áreas de hipertonía muscular, inflamación o dolor. Este proceso favorece un mayor equilibrio del tono muscular, lo que se traduce en mejoras en la pigmentación de la piel, disminución de arrugas y mejor nutrición.

Pero eso no es todo, pues sus beneficios también se extrapolan a un estado de bienestar general, aliviando el dolor en músculos masticadores para personas con bruxismo, facilitando el flujo respiratorio en casos de rinitis alérgica y reduciendo inflamaciones posoperatorias.

A nivel netamente estético, la aplicación de bandas neuromusculares en el rostro es efectiva para tratar los principales signos del paso de la edad, como arrugas de la frente, entrecejo, nasogeniano y cuello; párpado superior caído, bolsas de los ojos, líneas de marioneta y mejillas caídas. También mejora la asimetría facial y la condición general del cutis. El tiempo de uso por aplicación varía según la zona: en cuello se debe probar inicialmente con una hora y extender a tres si es que no hay ninguna reacción alérgica; en el área orbital de dos a tres horas, ya que la piel es más fina, y en el rostro, hasta ocho horas, es decir, se puede llegar a dormir con los parches sin problemas.

Si bien el taping no requiere ningún equipo especial para implementarse y puede realizarse de manera segura en casa una vez estudiada la técnica, la Dra. Ivanova señala que es importante la correcta aplicación y uso de las bandas, como la instalación del anclaje del tape y evitar arrugar la piel. Además, sugiere preferir el tape de algodón en caso de tener piel sensible o alérgica, ya que el pegamento es más suave para esa zona tan delicada. n

LAS bandas ACTUAN rehabilitando LESIONES ARTICULARES GRACIAS A SU efecto ANALGESICO natural.

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como ULTIMA OPCION La circularidad en las decisiones que tomamos al momento de crear y consumir replantea el sistema que conocemos y nos invita a ser más conscientes y menos cómodos cómodos..

“Cuando tú tomas la primera decisión de fabricar cualquier cosa, el 80% del impacto que va a tener ese producto se puede manejar en su etapa de diseño”, asegura Carolina Moya, directora ejecutiva del laboratorio de tendencias y sustentabilidad STGO SLOW y docente de la Universidad Finis Terrae. Esta afirmación refuerza parte del pensamiento de la llamada moda circular, esa que busca que en toda la cadena productiva y de valor –desde que se eligen las materias primas para la confección de una prenda hasta el fin de su vida útil– se utilicen los recursos de manera eficiente, con el fin de generar el menor impacto posible.

En un mundo en que los bienes se vuelven cada vez más escasos, esta parece ser una respuesta eficaz y rentable. Desde el año pasado, en nuestro país comenzó a trabajarse una hoja de ruta con 92 metas y acciones concretas para transitar hacia una 154

economía circular en diferentes aspectos. Según la Iniciativa Número 23, los textiles deben ser parte de los productos prioritarios. Esto quiere decir que quienes los saquen al mercado, deben responsabilizarse del término de su vida útil. Esto, además, los incluiría en la Ley de Responsabilidad Extendida del Productor (Ley 20.920), “lo que deja de manifiesto que en un futuro cercano las empresas textiles se van a tener que hacer cargo de sus residuos”, explica Carolina, quien, además, forma parte del comité estratégico de este proyecto.

LAS ACCIONES DESDE LA INDUSTRIA

Antes de hablar de moda circular, primero debemos entender que la responsabilidad de generar el menor impacto posible proviene tanto del consumidor como de la industria. Ambos

Por MAGDALENA POULSEN

Foto: Kata ulloa.

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actores deben ser conscientes de las consecuencias de sus acciones.

Desde el punto de vista de las marcas, estas deben poner especial atención a la elección de materias primas, sobre todo en aquellas que puedan tener mayor duración, mejor calidad y que permitan cerrar el ciclo en el fin de vida. También preferir monomateriales para facilitar el reciclaje, privilegiando las composiciones puras. Una vez seleccionados los materiales, la fabricación de las prendas debe generar la menor cantidad de residuos que se pueda. Asimismo, es fundamental optimizar el uso del diseño y del patronaje; que nada se pierda y que todo el residuo se gestione de manera responsable. Según la directora de STGO SLOW, las marcas deben generar un sistema de venta que produzca el menor impacto, es decir, que tenga la menor huella de carbono posible. “Además, debemos tener en consideración que la información es fundamental en la durabilidad. Hay que hacerse cargo de enseñarles a los consumidores a cuidar las prendas y educarlos sobre su uso y lavado”, explica. Finalmente, como cierre de este círculo, la marcas deben asegurarse de que exista una cadena de reciclaje para cuando el consumidor decida deshacerse de su prenda.

En nuestro país hay firmas que abordan la circularidad a través de distintos ángulos. Una de ellas es Munay Sisters.

Pía Leiva, su directora creativa, señala que “como diseñadoras somos responsables de lo que producimos y de que esto no termine como desecho”. Por lo mismo, crean teniendo el ciclo de vida de sus productos en mente. “Nuestras prendas están pensadas para que puedan estar en un armario temporada tras temporada, y estamos trabajando continuamente para cerrar el ciclo y lograr la circularidad completa”, explica. Asimismo, la marca trabaja con Ecocitex, emprendimiento ecológico que busca acabar con los residuos textiles en Chile, ya que son los encargados de usar los desechos de producción para convertirlos en nuevos hilados y que siga siendo continuo el proceso textil. Esos mismos desechos son los que incluirá Munay Sisters en su colección de invierno 2021, además de un packaging 100% compostable.

Otro ejemplo es el de la marca MO de Magdalena Olazábal,

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“HAY QUE hacerse CARGO DE enseñarles A LOS CONSUMIDORES A CUIDAR LAS prendas Y EDUCARLOS sobre SU USO Y LAVADO”.

que desarrolló la técnica de lavado con tecnología de ozono y que reduce en 80% el uso de agua, además de no utilizar elementos químicos. Esta técnica sustituye la manera tradicional en que se utiliza cloro y agua caliente, alarga el ciclo de vida de las telas y disminuye notoriamente la huella hídrica en la etapa de producción de la tela. Como resultado, no produce contaminación ni daña a las personas que trabajan en el proceso.

Por su parte, el diseñador Cristóbal Miranda asegura que la circularidad fue uno de los pilares fundamentales al momento de concebir Cris Miranda –su marca upcycling– como un concepto de diseño. Su firma combina prendas en desuso, kimonos de segunda mano y telas saldo de la antigua industria textil de Chile, junto con insumos de alta calidad. “No solo se diseña pensando en la temporada en que comenzará la venta de una prenda, sino también en cómo esta va a envejecer y acompañarnos durante los años que sea utilizada, transformándose así en un objeto de memoria sensible y personal del cliente”, aclara, y agrega que “así como en algún momento el fast fashion nos enseñó u obligó a consumir de forma lineal, hoy es nuestro deber cuestionarnos y aprender cómo hacerlo de manera circular”.

NUESTRA HUELLA COMO CONSUMIDORES

Es conocido que se hable de las “R” de la sustentabilidad a la hora de delimitar ciertas actitudes que nos ayudan a crear un comportamiento más responsable en torno al medioambiente.

Según explican en STGO SLOW, estas erres se dividen en acciones preventivas y de gestión. En el primer grupo están Rechazar, Repartir, Reutilizar, Reducir y Reparar. El objetivo es que la prenda no salga del clóset del usuario y pueda mantenerse en la cadena de uso la mayor cantidad de veces posible. Las erres de gestión, por su parte, apuntan a Refabricar, Reacondicionar y Reciclar, es decir, a que la ropa pueda reincorporarse en el mercado y la industria nuevamente. “El gran error que existe es pensar en el reciclaje como primera opción, porque a la larga estoy consumiendo y limpiando mi karma de consumo reciclando la prenda”, enfatiza Carolina Moya, y argumenta que cuando pensamos en reciclar, debemos considerar que se llevará a cabo nuevamente todo el proceso –excepto la extracción de materias primas– para que pueda completarse la cadena de producción y llegar a un nuevo producto.

Por su parte, Sofía Calvo, directora del medio especializado en moda latinoamericana Quinta Trends, reflexiona que “la ropa más sostenible y menos contaminante es la que tenemos en el clóset, porque es la ropa que ya utilizó recursos, cuya huella no se puede borrar”, y esto cobra especial relevancia cuando los mismos consumidores asumen la responsabilidad frente a sus decisiones de compra.

La protección del medioambiente, la responsabilidad social y el concepto de economía circular han sido temas que han aparecido fuertemente en los hábitos de consumo en los últimos años. Así lo cree Beca Montenegro, licenciada en Sociología de la Universidad de Chile y periodista de moda, quien señala que “a la hora de comprar ropa hay un grupo importante de personas que se enfocan en dos nuevos criterios o aspectos: las características intrínsecas materiales –como los procesos de producción y los materiales que componen las prendas– y el nivel de compromiso de las marcas con agendas sustentables y apoyo de causas que frenan la contaminación: sus valores”.

Dentro de las responsabilidades que existen para crear un consumo responsable en pro de la moda circular, los expertos en tendencias y sustentabilidad plantean hacerse algunas preguntas esenciales antes, durante y posterior a la compra: ¿Realmente lo necesito? Si la respuesta es sí, contrapreguntar: ¿Lo puedo arrendar, conseguir o pedir prestado? Rechazando la compra de una prenda nueva como primera opción. Luego, indagar ¿de dónde viene este producto? Mientras más cerca de nuestra casa esté, menos huella de carbono tendrá. También es importante ser consciente de la huella esclava: ¿Cómo son las prácticas laborales del lugar de origen de mi prenda? El siguiente paso como consumidores es leer siempre la etiqueta y hacerles caso a las instrucciones de cuidado de la prenda para alargar su vida útil: ¿Entiendo lo que significa cada símbolo y recomendación de cuidado? Debemos hacernos cargo de lo que compramos para que dure; no lavar ni planchar si no es necesario y usar cada cosa la mayor cantidad de veces. Por último, recordar que cuando nos queramos deshacer de algo, la primera opción debiera ser donar, pasárselo a alguien o hacer intercambio. Solo como última instancia llevarla al reciclaje.

“El primer paso tanto para los grandes productores como para los consumidores es empezar a preguntarse ¿de dónde vienen las cosas?, ¿cómo fueron hechas? Para hacer estos cambios de hábito no es necesario comprar, se trata de abrir el clóset, usar lo que tienes y buscar otras alternativas que no tengan que ver con el consumo; ser menos cómodos”, concluye Sofía Calvo. n

“EL GRAN error QUE EXISTE ES PENSAR EN EL reciclaje COMO PRIMERA OPCION, porque A LA LARGA ESTOY consumiendo Y LIMPIANDO MI karma DE CONSUMO reciclando LA PRENDA”.

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Palacio

PEREIRA RENOVACION y nueva CONSTITUCION

El recién restaurado edificio público luce su cara más distinguida después de estar al borde de la demolición demolición.. Hoy, manteniendo detalles propios de la arquitectura francesa de 1800, está listo para operar como sede de la Convención Constitucional y pasar a la historia a perpetuidad.

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Por VALENTINA ESPINOZA

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Fotos: Felipe Fontecilla.

J

usto en la esquina de las calles Huérfanos y San Martín, en pleno centro cívico de Santiago, está emplazado el Palacio Pereira, construcción que en algún momento vivió años de gloria como residencia de aristócratas, pero que pasó la última parte del siglo XX en el olvido y al borde del derrumbe tras ser maltratada por el terremoto de 1985. Pudo haber corrido la misma suerte que cientos de palacetes que adornaban las manzanas de la capital, que fueron demolidos para construir torres de departamentos u oficinas, pero en 2011 fue rescatada por el Estado tras una gestión conjunta entre la ex Dibam (Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos) y el equipo de Legado Bicentenario de Presidencia.

Tras casi una década de trabajos de restauración, hoy el edificio está listo para volver a su época de esplendor, tal como cuando en el año 1873 se convirtió en la residencia de la familia de Luis Pereira Cotapos, abogado, empresario y político chileno militante del Partido Conservador. Su arquitecto, Lucien Ambroise Henault, fue contratado por el gobierno de ese período para elaborar los planos de la actual Casa Central de la Universidad de Chile, del Teatro Municipal y del ex Congreso Nacional. Su proyección del Palacio Pereira fue una expresión arquitectónica absoluta de aquella época; una construcción de estilo neoclásico con elementos del Renacimiento francés del siglo XVII que dan cuenta del eclecticismo imperante en esos momentos.

Tras la muerte de sus dueños en la década del 30, el inmueble pasó por varias manos que intervinieron en el edificio. Primero, al Arzobispado de Santiago, más tarde, en la década del 60, fue vendido a una inmobiliaria y utilizado como galería comercial por un breve período, y luego arrendado por el Ministerio de Educación para albergar al Liceo N°3 de Niñas que funcionó allí hasta 1970. Poco después, el Frente de Estudiantes Revolucionarios ligado al MIR ocupó la antigua mansión, siendo desalojados tras el Golpe Militar. De ahí el olvido y el deterioro, pese a estar protegido bajo la Ley de Monumentos Nacionales en la categoría de Monumento Histórico (1984).

La nueva cara patrimonial que el Palacio Pereira presenta a la ciudadanía forma parte de una recuperación que no solo es estética, sino que desde lo más profundo de sus cimientos, pues en sus instalaciones acogerá al Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio y, más importante aún, será uno de los espacios en donde se redactará la nueva Constitución de Chile. “Como ministerio consideramos que es muy simbólico que este sea el lugar de trabajo para la próxima Convención Constitucional. En este espacio ciudadano van a estar dialogando lo arquitectónico y patrimonial con el trabajo de las y los constituyentes, quienes tendrán la misión de redactar la nueva hoja de ruta de la nación”, señala a L’Officiel Consuelo Valdés, titular de la cartera.

RESTAURACIÓN PROFUNDA

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Tras la adquisión por parte del Estado de este monumento histórico en 2011, en un hecho inédito para la arquitectura nacional se convocó a un concurso internacional para su recuperación. La propuesta ganadora fue un proyecto vanguardista en materia de arquitectura, patrimonio y restauración adjudicado por la arquitecta Cecilia Puga junto a Paula Velasco y Alberto Moletto, y fue ejecutado y financiado por el Ministerio de Obras

“LA RECUPERACION DEL palacio FUE MUCHO MAS cercana A LA ARQUEOLOGIA que A UNA RESTAURACIÓN patrimonial”.. patrimonial” Públicas a través de su Dirección de Arquitectura.

Las obras se iniciaron en julio de 2016 con un presupuesto de más de $16 mil millones de pesos. El objetivo fue recuperar el edificio existente y, al mismo tiempo, crear una obra nueva que conviviera de manera armónica con esta construcción y entorno.

Eso sí, los arquitectos no contaban con encontrarse con una construcción tan a mal traer. Si ya el de 1985 había causado un daño extenso, el terremoto de 2010 fue un atentado de la naturaleza contra el inmueble, que desde esa fecha quedó con sus interiores derruidos, sin piso ni techo, con gran parte de las cornisas y ornamentos caídos. Según Cecilia Puga, el abordaje de la recuperación del palacio fue de alguna manera –y por primera vez en Chile– mucho más cercano a la arqueología que a una restauración patrimonial arquitectónica, y eso nos habla de un cambio de paradigma. “Pudimos hacer una radiografía estructural, de los modos y las lógicas constructivas. Ver cómo se procedía, qué materiales se usaban y en qué dosificación, de dónde venían los pigmentos con los cuales se lograron los colores”, explica, y agrega que “este edificio es un testimonio de cómo la concepción del patrimonio hoy en día es infinitamente más sofisticada en el país, tanto del punto de vista conceptual como del punto de vista técnico”, explica.

La restauración fue profunda e implicó la consolidación y reparación estructural, la recuperación de fachadas e interior del edificio original –incluida la nave central–, además de los revoques de yeso, elementos de madera, metal y entonación cromática del revestimiento histórico y de los elementos ornamentales, utilizando la técnica originalmente empleada en la construcción de 1800, “casi parece una escenografía”, asegura Alberto Sato, docente de la Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad Diego Portales, y agrega que “esta es una de las obras más relevantes que se han hecho en los últimos años en Chile, además de ser muy atractiva si se considera que en la ciudad de Santiago no es frecuente ver este tipo de edificaciones”.

El nuevo Palacio Pereira tiene una superficie total de casi 6.500 m2, que se reparten entre el edificio ya existente (antiguo palacio) y su ampliación nueva. La construcción cuenta con una estructura de hormigón armado de siete pisos, con dos subterráneos incluidos. Posee un lenguaje contemporáneo,

“EL PALACIO PEREIRA ES DE estilo NEOCLASICO CON ELEMENTOS DEL renacimiento FRANCES DEL SIGLO XVII, UNA MUESTRA DEL eclecticismo DE LA EPOCA”. armónico e innovador, pero a la vez respetuoso con la edificación histórica. También hay elementos de arquitectura moderna, como vigas de hormigón con líneas simples, en el mismo patio interior donde antes hubo jardines y caballerizas que contrastan orgánicamente con el estilo neoclásico del palacio.

Actualmente, el edificio se encuentra en la fase final de habilitación para que, después de las elecciones del 11 de abril, albergue parte del trabajo de la Convención Constitucional.

Tras la redacción de la nueva Carta Fundamental que regirá

en nuestro país por las próximas décadas –proceso que debería extenderse por un año–, el inmueble volverá a ser usado en plenitud por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio. Ahí no solo funcionarán sus oficinas centrales, sino que será un espacio abierto a la ciudadanía con una cartelera amplia de actividades, salas de exhibición, Centro de Documentación del Consejo de Monumentos Nacionales, cafetería, librería y un gran auditorio: una nueva casa de todos y para todos. n

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5 mujeres miradas 5 CHILE a

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Por FERNANDA ALVAREZ Fotos COLLECTIO

Aunque no todas viven en nuestro país, hay algo que las une: una pasión por redescubrir miradas sobre Chile a través de sus obras.

Cada una con técnicas propias, confiesan que las mueve la pasión y el eterno retorno a las raíces. Todas forman parte de Collectio Collectio,, un colectivo artístico a cargo de Constanza Casas y Elisa Elton que busca reunir talentos tan disímiles como vanguardistas vanguardistas.. Aquí, una curatoría con cinco creadoras nacionales que hay que tener en el radar radar..

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AMALIA VALDES vive actualmente en Berlín y entre sus estudios se cuentan menciones en pintura, conservación y restauración. Además, ha sido parte de decenas de residencias y workshops alrededor del mundo y su obra ya esta en manos de importantes coleccionistas. Desde Europa, confiesa que ha generado un interés continuo e inacabable por tradiciones y símbolos antiguos de diferentes pueblos y culturas chilenas. “Me mueven las culturas ancestrales y sus sabidurías milenarias, los oficios antiguos y los artesanos que son artistas innatos, la naturaleza en todas sus dimensiones, la libertad, mi hija Nina, Berlín”. Define su trabajo como una forma de autosanación. “Veo y pienso la creación como una manera de vivir que me conecta con la intuición y la magia. Adoro cuando mis ideas se traducen en obras y las veo reflejadas en algo concreto”, asegura.

PASCUALA LIRA es licenciada en Artes Visuales con men-

ción en Pintura y su obra busca “experimentar y trabajar la pintura de una manera libre, casi compulsiva. Es hacer el ejercicio de pintar, de prueba y error, de descubrir cosas sin esperar un “gran final”. Es descubrir lo que la pintura necesita sin miedo a equivocarse, donde los errores pueden tener ese factor sorpresa que te va abriendo caminos. Mi trabajo consiste en repetir ejercicios e ir variando para descubrir que el goce no está en la idea última, sino en el hacer”, sostiene.

Su nacionalidad está presente en toda su obra, ya que, según cuenta, la historia personal influye y se presenta como un punto de partida en cada pieza. “En mi caso, la pintura mural del barroco novohispano andino siempre ha sido un motivo de inspiración y de estudio. Es el sincretismo por repetición que hace un arte nuevo. Es esa libertad contenida en ciertos parámetros la que busca una ruta propia que se distancia del punto de partida”, explica.

DE ARRIBA HACIA ABAJO: ESTRELLA COLOR, ESTRELLA CONSCIENTE Y

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ESTRELLA ROSA de AMALIA VALDES.

SIN TITULO, óleo sobre tela, PASCUALA LIRA.

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LA VIDA EXIGE LA MUERTE,

técnica mixta sobre tela. PAULA VALENZUELA.

PAULA VALENZUELA es licenciada en Artes Visuales de

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la Universidad Finis Terrae y cuenta con cuatro muestras individuales y decenas de exposiciones colectivas. Desde Viña del Mar, ciudad en la que reside, nos cuenta que lo que motiva su trabajo es la idea de ir hacia otro lugar. “A mí me mueve mucho imaginarme otras formas, otros espacios, que de pronto no los vemos en la cotidianidad, pero están por ahí, solo depende de nosotros poder verlos. Me mueve inventar cosas, situaciones, escenas, lugares, cuadros, espacios. Me mueve crear tanto dentro como fuera de mis cuadros”, afirma. En relación a Chile, dice no estar muy segura de que sea una verdadera pasión o un desgaste: “Tengo una relación ambivalente con Chile, es un país que me cuesta y me gusta, la verdad no he querido designarle a mi trabajo un territorio determinado, pero el territorio y la sociedad que conformamos nos afectan queramos o no, en ese sentido siempre he tenido, por ejemplo, el tema del paisaje muy presente, siento que como artistas chilenos es algo que nos sucede, nos vinculamos con un territorio muy particular, que se entromete con nosotros, queramos o no, quizás por ahí Chile se cuela a ratos en mi trabajo, pero en general vinculo mi trabajo a algo más global, más humano”, señala. “Mi trabajo tiene que ver con la pintura, ese es mi tema, en eso profundizo, eso es lo que estudio. Intento, en general, no definir demasiado nada, el trabajo va cambiando mucho en el tiempo y creo que es fundamental no definirlo para otorgarle la elasticidad que necesita”.

NICOLE TIJOUX cuenta que Chile está presente en la ma-

yoría de su obra. Y es que al vivir en Londres, es probable que las reminiscencias del origen guíen su trabajo. “Casi todos los modelos que participan en los cuadros son familia y amigos. Los colores y paletas de las aguas son, en general, de aguas de Chile”, comenta Nicole, quien ha cursado residencias en Brasil, Francia, Estados Unidos e Italia. Su obra tiene como eje central la figura humana en el agua y la interacción entre ambos cuerpos en movimiento: “En la pintura se da la oportunidad de traducir el

“CASI todos LOS modelos QUE PARTICIPAN EN LOS cuadros SON FAMILIA Y amigos amigos..

LOS COLORES Y PALETAS de LAS aguas SON EN GENERAL DE AGUAS de CHILE”.

APNEA,

óleo sobre tela. NICOLE TIJOUX.

cuerpo de un modo mas elástico, invisible, fantasmal, luminoso, donde el color es parte en este proceso para diferenciarse de la versión original fotografiada y acercarla más al recuerdo emocional y subjetivo que tengo del momento que capturé”, cuenta.

El proceso creativo de Nicole comienza con una foto. Empezó a retratar a nadadores en piscinas para probar nuevas técnicas: las figuras, sombras y partículas de color fueron luego traducidas a través de pintura al óleo, pero omitiendo alguna información sobre ellas para poder enfocar cómo se comportan los fragmentos en la superficie en movimiento del agua. “Al mismo tiempo, utilicé un solo color para referirme al fondo de la figura, un campo de color plano y sin trazas, cuyo vacío creaba una tensión con la figura llena de detalles dispersos”.

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DE A DOS, costura sobre tela. JOSEFINA CONCHA.

“CON MI obra SIENTO UNA FUERTE CARGA femenina, siempre LO HE PENSADO”.

JOSEFINA CONCHA Tras dos residencias, una en Lima

y otra en Nueva York, la artista visual ha realizado varias exposiciones tanto en Chile como en el extranjero. Su sensibilidad va por el lado de la naturaleza, que inspira cada trabajo que crea. Chile es una de las cosas que más la mueven, ya que siempre ha visto la artesanía como una fuerte inspiración. “Admiro profundamente el oficio de un artesano. Desde el tejido de crin en Rari, la céramica de Quinchamalí, las tejedoras con sus piezas XL de Chapilca, el telar mapuche y los tejidos de Pilwa. Esa tradición, delicadeza, sensibilidad y el compromiso con el oficio, por agotador que sea muchas veces, son una manera de tener presente la historia de nuestras raíces y nuestra cultura”, dice Josefina.

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La mujer también está presente en su trabajo, porque, cuenta, tiene una larga lista que la inspira y revisita de forma constante.

“Con mi obra siento una fuerte carga femenina, siempre lo he pensado, soy consciente de que miro con ojos de mujer. Quizás se manifiesta en las líneas curvas y las formas circulares, los colores, lo textil, lo manual, siempre lo asocio con un aspecto más femenino. En mi trabajo más gráfico nunca ha aparecido una presencia masculina”, confiesa. “Me he concentrado en el uso de un recurso metapictórico. En lugar de pintar, coso y exploro las cualidades que me puede dar el hilo. Intentando recrear gestos que van desde la saturación del material para crear volumen o hasta la síntesis de la línea”, comenta. Y basta ver su obra para darse cuenta de que todo lo que dice se plasma en un lienzo. n

lujo NATIVO

Viajar para estar en conexión con el origen y la naturaleza naturaleza.. Apreciar la riqueza de un paisaje, del tiempo a nuestro favor o una copa de vino. Los hoteles Awasi sumergen al viajero en una experiencia única y artesanal, ambientada en los magníficos escenarios de Atacama y la Patagonia de Chile.

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Por MAGDALENA POULSEN

La tierra más verde de huertos, la tierra más rubia de mies, la tierra más roja de viñas, ¡qué dulce que roza los pies!

Su polvo hizo nuestras mejillas, su río hizo nuestro reír, y besa los pies de la ronda, que la hace cual madre gemir.

Es bella, y por bella queremos sus pastos de rondas albear; es libre, y por libre deseamos su rostro de cantos bañar…

(Extracto de Tierra Chilena, Gabriela Mistral)

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U

n paisaje, una tierra. Nuestra tierra. Hablar de lo que tenemos y aún no hemos descubierto. Nuestro país, un largo viaje de diversos entornos. Inspiración infinita a la que le falta reconocimiento propio. Un norte salvaje. El desierto más árido de la tierra, que nos ofrece la vista a un cielo poblado de estrellas, donde –en un fenómeno único– brota un espectáculo increíble: el Desierto Florido.

Por otro lado, hacia la punta sur se extiende la Patagonia.

Un paisaje onírico y grandilocuente, abrazado de glaciares, cultura andina y belleza indómita.

Dentro de este panorama se encuentran dos oasis, uno en cada extremo de Chile. Awasi –palabra derivada de “wasi”, que en quechua significa “hogar”– es lo más cercano a encontrarse en casa mientras se descubren los entornos y paisajes nacionales. Construidos sobre una narrativa que privilegia la experiencia como algo único para cada huésped, los hoteles Awasi, tanto en Atacama como en la Patagonia, renuevan el concepto del lujo, acercándose a la conexión, el momento presente y la naturaleza.

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Desde el primer momento la sensación es la de estar en el lugar correcto. Un par de zapatillas de descanso en la habitación dan la bienvenida al viajero curioso que decide integrar en su aventura la naturaleza chilena. La conexión es inmediata. Tanto en Atacama como en la Patagonia hay una obligación con la herencia natural y cultural del ambiente. “Cada uno de los hoteles es completamente diferente, desde lo estético, tratando de reflejar el entorno y el patrimonio natural. Eso se puede observar en su decoración, usando esculturas, texturas y arte nativo. Se ve reflejado también en detalles como la música, la gastronomía y, sobre todo, en la arquitectura”, comentan desde Awasi.

La riqueza geográfica de Chile se ensalza desde las vistas increíbles y el vínculo entre el hotel y su entorno, fundiéndose con el panorama.

En el caso de Atacama, Francisco Rencoret y Rodrigo Domínguez, de Plannea, fueron los arquitectos del proyecto, junto con Paula Domínguez, quien se hizo cargo del diseño de interiores.

Todo el hotel está construido en base a adobe, piedras y madera, materiales que se encuentran a menos de cien kilómetros a la redonda. La pintura, por ejemplo, no es comercial, sino que está hecha a partir de la mezcla de pigmentos de las montañas que se encuentran en la zona. El estilo de construcción es fiel al tradicional y está inspirado en las ruinas de Tulor, apegándose al estilo circular y techos de paja.

En Patagonia, la construcción inspirada en los refugios de los gauchos y emplazada a seis kilómetros del Parque Nacional Torres del Paine, es obra de los arquitectos Felipe Assadi y Francisca Pulido. Siendo un escenario natural imposible con el que competir, el proyecto se une con el paisaje y queda escondido, permitiéndoles a los huéspedes disfrutar al máximo la vastedad de la pampa patagónica.

Haciendo hincapié en la importancia de reflejar la cultura en cada elemento, el relato de la comida que se prepara en los hoteles se cuenta no solo a partir de los sabores, sino que también a través de la experiencia. Durante cada merienda a los huéspedes se les entrega una figura característica de la zona: en el extremo sur son figuras que representan a los Selk’nam, una

Foto: Cortesía de Awasi.

RENDIRLE TRIBUTO AL ORIGEN

Foto: Cortesía de Awasi.

“CADA uno DE LOS HOTELES ES completamente DIFERENTE, DESDE LO ESTETICO, tratando DE REFLEJAR EL ENTORNO Y EL PATRIMONIO natural”. de las comunidades nativas de la Patagonia y Tierra del Fuego; mientras que en Atacama, unas muñecas andinas fabricadas por las comunidades de la zona. Ambas figuras se acompañan de la narración de una historia de aquellos pueblos, introduciendo así la comida de la zona y entregando valor a las culturas de cada región. En el caso de Patagonia, por ejemplo, se relata una historia de iniciación Selk’nam a manera de rito, para darles la bienvenida a quienes están sentados a la mesa. Las figuras acompañan a los guests durante cada comida a lo largo de toda su estadía.

“En Awasi diseñamos excursiones y actividades que ofrecen el lado B de los atractivos. Queremos mostrar que hay más de lo que se ve a simple vista y de lo que ofrece un folleto”, comenta parte del equipo sobre las experiencias que pueden vivir los viajeros al momento de registrarse en el hotel. Mostrar

las riquezas de cada destino: conocer a las personas locales, tomar un mate con un gaucho luego de una cabalgata, tener la posibilidad de hilar un telar con una anciana de un poblado de Atacama. Situaciones que hoy en día podemos considerar un lujo.

“En Patagonia, por ejemplo, hay una excursión a Sierra Baguales, un lugar totalmente desconocido, que se encuentra entre el parque y la frontera con Argentina. Ninguna ruta lo cruza ni está en camino a nada. Aquí se puede observar la diferencia de los animales acostumbrados a la presencia de las personas que visitan el parque versus los caballos y guanacos salvajes, que todavía actúan como si la presencia del ser humano fuera algo totalmente extraño. Esa experiencia de poder llevar a los huéspedes a lo más parecido que hay a la Patagonia totalmente despoblada y salvaje es algo que vale un montón”, afirman desde Awasi.

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LAS TRADICIONES LOCALES FORMAN PARTE DE CADA AVENTURA.

EL NORTE DE CHILE SORPRENDE CON SUS PAISAJES ICONICOS.

LA MAGNIFICENCIA DE LOS CIELOS DEL NORTE DE CHILE.

LAS HABITACIONES DE AWASI EN SAN PEDRO DE ATACAMA CON ELEMENTOS PROPIOS DE LA ZONA.

EXPERIENCIAS A LA MEDIDA

Foto: Cortesía de Awasi.

Saber cuándo los lugares van a estar más vacíos para poder disfrutar una puesta de sol o un desayuno. Tener el paisaje enteramente para uno, a pesar de ser un lugar concurrido.

Que cada vivencia sea única... Lo que diferencia a este hotel de cualquier otro es el valor que se le da al tiempo libre y al espacio privado para maximizar cada momento. La experiencia está hecha a la medida, es totalmente “artesanal”.

En Awasi remarcan que sus huéspedes son personas que prefieren la personalización por sobre la ostentación. Es un lujo nativo, artesanal, espontáneo. El lujo de conocer a las personas que están creando la experiencia. Desde el momento en que se llega al hotel se asigna un guía privado y un vehículo 4x4 a cada habitación para que cada excursión se adapte a las necesidades y preferencias del viajero.

Por eso forman parte de Relais & Chateaux, una asociación de hoteles que se enfoca en la alta calidad de su servicio, promoviendo una hospitalidad y gastronomía consideradas fuera de serie. “El factor humano es un gran diferenciador. Cada una de las personas que componen el equipo dan el toque final y contribuyen enriqueciendo la experiencia. Contamos con cinco o seis empleados por habitación que se dedican a ser los oídos y ojos de las preferencias del huésped y crear algo especial para ellos”, comentan desde el equipo.

Un gran ejemplo de su calidad es su cocina, que desarrolla la narrativa del hotel destacando solo los mejores ingredientes: productos locales, de temporada y frescos. Para sumergirse del todo en la aventura es necesario entregarse a la ruta del chef, quien mes a mes junto al sommelier se encargan de desarrollar la historia que contarán a través de los sabores de la carta. El menú nunca es el mismo.

“EL factor HUMANO ES UN gran DIFERENCIADOR. CADA una DE LAS personas QUE COMPONEN EL equipo DAN EL TOQUE FINAL Y contribuyen ENRIQUECIENDO LA experiencia” experiencia”..

Todos los días se puede probar algo diferente marinado con etiquetas nacionales, destacando una gran diversidad de cepas y viñedos para otorgarle al huésped la posibilidad de descubrir entre 10 y 12 vinos distintos y originales en lo que dure su estadía.

Cada chef otorga su alma y sello personal según su ubicación.

En Patagonia, Matías Crosta ofrece un menú de mar y tierra que se caracteriza por su preferencia hacia el consumo responsable, trabajando con pequeños productores e insumos del Pacífico Sur. La idea es abrir la percepción de cada huésped hacia el slow food: consumir de forma variada y respetuosa, honrando la comida y elevando cada ingrediente. Desde Atacama, Juan Pablo Mardones lleva 14 años en el equipo y se caracteriza por ser un apasionado investigador de los ingredientes, rescatando la herencia cultural de la zona. “A él le gusta mucho averiguar, sentarse con la gente nativa y los ancestros a conversar para entender las recetas: el significado medicinal de las semillas, hierbas y cortezas, incluyendo aquellos elementos en sus platos”, concluyen desde Awasi. n

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La

VIDA EN

Tecnicolor Hizo un arcoíris de la fusión entre Oriente y Occidente.

La diseñadora India Mahdavi siembra su talento a través del mundo y, con él, un modo de entender la felicidad.

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Por MAUD GABRIELSON Foto FLORE CHENAUX Traducción IRENE AMUCHASTEGUI

India Mahdavi en su Project Room, en el 29 de la calle de Bellechasse, en el marco de la Paris Design Week.

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Sobre fondo “Hoja de Otoño”, cortina “Pendeloques” creada y realizada por la dupla de diseñadores textiles Les Crafties; mesa creada en colaboración con el artista ceramista Maximilien Pellet y sillones de mimbre “Nalgona” del diseñador estadounidense Chris Wolston. “Suspension Clover” en cristal de Murano soplado, firmado por India Mahdavi y producido por Wonderglass.

Piezas únicas o de edición limitada.

D

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irectora de orquesta. De algún modo, es así como India Mahdavi vivió la cuarentena en 2020. “Hay que decir que fue un período muy extraño. La oficina se vació de golpe y comenzamos a comunicarnos, como todo el mundo, a través de pantallas. Algunos proyectos quedaron en suspenso, pero otros pudieron seguir a pesar de la ansiedad ambiente, y me pareció interesante poder condensar el trabajo de todo el estudio en un pequeño número de proyectos. La creación nos ayudó a llenar el vacío y afrontar la incertidumbre”. Arquitecta, ambientadora, editora de mobiliario, escenógrafa… India Mahdavi tiene múltiples roles y los cumple todos con el aplomo y el virtuosismo de una directora de orquesta cuyas melodías musicalizan el mundo del diseño desde hace cerca de veinte años.

Formada en arquitectura en París, partió luego a Nueva York para estudiar diseño industrial en la Cooper Union. En paralelo, ingresó a la célebre Parsons School of Design para aprender diseño de mobiliario. Colaboró con el ambientador parisino Christian Liaigre a comienzos de la década de 1990, antes de establecer su propio estudio de diseño en 2000, en el corazón del séptimo distrito parisino. De niña quería ser directora de cine. “De algún modo lo soy, un poco. A través de cada proyecto cuento una historia, pongo en escena un universo”, dice. Cuando imagina lugares públicos –el hotel Le Cloître en Arles o el Townhouse de Miami, los espacios Ladurée de Tokio y Los Angeles, o las tiendas Red Valentino o Tod’s de Londres– tanto como cuando diseña casas particulares, India Mahdavi se concentra en quienes van a transitarlos. Para ella, las residencias privadas son retratos de sus habitantes. ¿Su sello? El gusto asumido por los colores puros y vivos, que no duda en contrastar. “No le temo al color”, dice. Nacida en Irán a comienzos de los años sesenta, de padre iraní y madre egipcia, partió con sus progenitores, hermanos y hermanas a Estados Unidos, donde su padre, académico, se doctoró en Harvard. Así, la familia se estableció algunos años en Cambridge, Massachusetts, antes de mudarse a Heidelberg, Alemania, por un año, y finalmente instalarse en el Sur de Francia, en Vence. Mudanzas sucesivas que la obligaron a adaptarse rápidamente. “No era frecuente viajar tanto en esa época, venir de afuera. Yo era siempre la diferente, la que hablaba otros idiomas. Creo que eso desarrolló mi capacidad de adaptación. Soy camaleónica”. Los viajes la abrieron al mundo y su diversidad. “Creo que mi atracción por el color viene de ahí. Mis recuerdos de Estados Unidos son en tecnicolor, mientras que de Alemania me quedó el blanco y negro, algo muy estructurado. Pero también hay gran parte de memoria inconsciente, de aquello que pudieron haberme contado o imágenes que vi en libros. Mi padre me hablaba mucho de Irán, de su país, y cuando fui, años más tarde, sentí una especie de familiaridad con el lugar. Vuelvo a ver las mezquitas con todas esas cerámicas de motivos geométri-

Mesa “Mi amigo Bugs”, de la serie Los héroes de mi infancia, en marquetería de paja, realizada por Ateliers Lison de Caunes.

cos, esos colores sublimes. Creo que involuntariamente integré todo eso y está reescrito en mi trabajo”. El uso del color se convirtió en una expresión cabal. El ejemplo más elocuente, sin duda, es el restaurante The Gallery at Sketch, en Londres, que reinventó en 2014 como una explosión rosada. “Llegué a un espacio cúbico, monumental. El rosa se impuso de inmediato porque quería un contraste con ese volumen monumental y con las obras provocadoras de David Shrigley. En ese restaurante moderno estábamos, de paso, resignificando el rosa: lo

Showroon de la calle Las Cases 3. Canapé “Œdipe” en lino azafrán; sillones “Charlotte” en terciopelo; mesa “Flower” en laca; taburete “Bishop” en ratán; alfombra “Jardín del Edén” producida por Golran y empapelado “Chez Nina” para Gournay. Conjunto creado y producido por India Mahdavi.

“YO ERA SIEMPRE LA diferente, LA QUE HABLABA OTROS IDIOMAS. CREO QUE ESO DESARROLLO MI capacidad DE ADAPTACION. SOY CAMALEONICA”. actualizamos, le dimos fuerza. De pronto, se convirtió en un color por derecho propio, todo el mundo lo utiliza desde entonces, tanto en la moda como en la ambientación”. India Mahdavi también lanzó su propia línea de colores el año pasado, en alianza con el taller de diseño de pinturas y empapelados Mériguet-Carrère. “Cuando comencé en el oficio, los colores se trabajaban con los pintores, que llegaban a la obra con sus tonos, y fabricábamos nuestras propias mezclas.

Hoy el sector se desarrolló mucho, pero imaginar esta línea

de colores, vivos e intensos, me encantó. Hay cincuenta y dos diferentes, como en un mazo de cartas. Para mí son una nueva herramienta de trabajo”.

Se define como políglota y polícroma, pero confiesa cierta inclinación por la estética francesa. “Simetría, orden, narración: hay una grandeza en los franceses que aprendí al lado de Christian Liaigre (que acaba de morir y a quien rindo homenaje porque de él aprendí todo). También hay en Francia un verdadero amor por los materiales y por el oficio”. India Mahdavi lo celebra trabajando en estrecha colaboración con numerosos artistas y artesanos franceses. “Es una riqueza increíble. Hace poco empecé a trabajar con los esmaltes de Longwy, por ejemplo, una colaboración que se plasmó en la unión de mi icónico taburete “Bishop” con sus motivos históricos. De ese encuentro nacieron ediciones limitadas que adquieren una dimensión totalmente distinta, a la vez moderna y de una autenticidad poco frecuente”. No le escapa a ninguna experiencia, no le teme a ninguna audacia, se prestó recientemente al juego del prêt-à-porter, imaginando una línea para la cadena Monoprix: “Siempre me gustó trabajar textiles, y esta fue una nueva manera de abordarlos.

Además, fue una tarea conjunta con un taller de confección solidario en India, destinado a mejorar la vida cotidiana de las mujeres”. Y siguiendo con los proyectos, a principios de 2020 inauguró su Project Room, nuevo espacio de exposición parisino: “un lugar de libre expresión que presentará instalaciones, piezas únicas, conferencias o performances al capricho de los encuentros. Es mi carta blanca”. Un espacio de libertad que vivirá sin duda al ritmo de los colores. n

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AsiLbaM A rita

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We highly recommend. Esa es la premisa de Milk & Uni, una exclusiva plataforma de viajes que recomienda a partir de las experiencias personales de Dax Luksic, Paula Marchant de Abreu y Ana Mari Rovirosa, un trío de exploradores curiosos, conocedores y bonvivants unidos por su pasión por viajar, la gastronomía y descubrir nuevos lugares. El nombre del proyecto deriva de un juego de palabras que combina dos conceptos extremos: “Uni significa erizo en japonés, y Milk proviene de milk and cookies (leche con galletas), como una forma de representar la fusión de dos comidas completamente distintas. Nuestras mejores experiencias viajeras siempre han logrado el equilibrio perfecto entre lo simple con lo extravagante, o lo familiar con lo exótico, ya que solo así se llega a conocer realmente cada destino”, explica Paula.

Dax y Ana Mari, por su parte, recuerdan que sus amigos y familiares siempre le preguntaban dónde ir y cuáles eran los mejores datos de restaurantes y hoteles, sobre todo después de cada vacación, “así nació esta idea que se quedó en mi mente por varios años, hasta que llegó la pandemia y todo cambió. Nos dimos cuenta de que no existía nada como Milk & Uni hoy; algo que fuera más allá de

recomendaciones en plataformas como Tripadvisor”, señala Luksic.

Hoy, tanto en su web (www.milkanduni.com) como en Instagram (@milkanduni) presentan opciones tan variopintas como cocinas con estrellas Michelin hasta restaurantes locales o datos únicos, como un increíble hotel boutique perdido en la selva de Myanmar.

“Sentimos que ahora más que nunca la gente está deseando viajar a nuevos destinos y conocer gente interesante después de haber estado encerrados durante tanto tiempo”, cuentan.

Miami, Milán y Santiago son ciudades que conocen muy bien y que hoy están relativamente abiertas por el Covid. Por lo mismo, fueron el punto de partida para lanzar este proyecto hace apenas algunas semanas. Sorprendidos con los buenos resultados obtenidos y el crecimiento de una comunidad de sibaritas en tan poco tiempo, están en pleno brainstorming de lo que será su primera materialización de este año: un viaje para 20 personas a un destino aún desconocido, pero seguramente espectacular. “Lo único seguro es que se centrará en la gastronomía. Nuestra idea es ir abriendo camino a ciudades en todo el mundo y hacer descubrir un universo nuevo a toda nuestra comunidad”, concluyen. n

Foto: Cedida.

Viajar es un goce, pero hacerlo a sitios aprobados por un grupo de expertos, un auténtico placer.

Cuando editaban los números de L’Officiel, Andrée Castanié y Georges Jalou eran quienes veían todo, representaban todo, predecían todo. A menudo le pedían a René Gruau que ilustrara las tapas. El artista autodidacta tenía la capacidad de encuadrar a la perfección las últimas tendencias de la moda en sus cautivantes dibujos en tinta, inspirados en Toulouse-Lautrec y en la caligrafía japonesa.

En los 60, los flecos no eran moda. Habían hecho sus últimas apariciones en las faldas flapper de los años locos. Pero para la tapa de diciembre de 1964, Gruau eligió un traje escarlata, 182

adornado con flecos. Estaba haciendo, al mismo tiempo, una referencia a las chaquetas tejidas de Jean Patou del momento y un guiño al regreso de la intrincada pasamanería de los 50.

Predijo lo que vendría: el renacimiento de los flecos de finales de los 60 y los 70, como se ve en las páginas de L’Officiel de diciembre de 1969 y septiembre de 1971 (fotos). La pasamanería textil cobró luego vida propia, con materiales, formas, tamaños y colores diversos.

Los flecos rojos de Gruau volvían la mirada a un pasado venerado, celebraban el presente y predecían un futuro desconocido. n

Texto: Hervé Dewintre (Director de joyería y relojería de L’Officiel – Jalouse). Traducción: Siñvia VIllegas.

Flecos. La sagaz predicción de René Flecos.

Gruau en diciembre de 1964.

PROXIMA edición

JUNIO 2021

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