L'OFFICIEL CHILE JUNE-AUGUST 2021

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Santiago de Chile

40

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EDITORIAL POR Valentina

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Espinoza

LO CONTEMPORANEO EN UNA JOYA

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POR Francisca Vargas

ENTRE LINEAS POR Celeste

EL SECRETO EQUILIBRIO DE LA FORMA POR Mariana

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Ribeiro

FILOSOFIA SEN POR Cata

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Nasimbera

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Greloni

EL SALTO DE UNA CINEASTA POR Florencia

de la Fuente

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TALENTO PARA EXPORTAR POR Magdalena

CAMINO AL EXITO POR Paloma

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Poulsen

Pareja

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Elegance is an attitude Kate Winslet

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152 ILUMINAR CON ARTE POR Magdalena

LA DOUCEUR DE VIVRE POR Daniela

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Poulsen

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Cáceres

EL FACTOR VITELIO POR Valentina

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Espinoza

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HEAVY METALS POR Jennifer

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Livingston

VESTUARIO EMOCIONAL FOTOS Pamela

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Golbin

ENSAYO SOBRE LAS FORMAS

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FOTOS Marcelo

Setton STYLING Gabriela Setton

LA MIRADA DEL ARTISTA POR Piper

McDonald y Tori Nergaars

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CUANDO PERDERSE ES GANAR POR Rita

VESTIGIOS HISTORICOS DE LA PATAGONIA POR Florencia

POR Rodrigo

González

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de la Fuente

EL ESCRITOR QUE CANTABA RANCHERAS

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Cox

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DIRECTORA EDITORIAL

Valentina Espinoza

DIRECTOR DE ARTE

EDITORA DE MODA

PERIODISTA

Marcelo Amigo

Romina Meier

Magdalena Poulsen

COLABORADORES

Francisca Vargas, Florencia De La Fuente, Carlos Saavedra, Valeria Arancibia.

CORRECCION DE ESTILO

Norinna Carapelle

INVERSIONES JMG

Juan de Valiente 3630 of. 605, Vitacura. Santiago de Chile.

COMITE EDITORIAL

DIRECTOR EJECUTIVO

DIRECTOR GENERAL DE ARTE

Ana Torrejón

Jaime Aguilera

German Romani GLOBAL MEDIA BRANDS ARGENTINA

DIRECTORA

DIRECTOR

PUBLISHER

Gianina Rodríguez

Miguel Angel Soto

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REPRESENTANTE DE VENTAS

Tomás Becerra tbecerra@lofficielchile.com

JALOU MEDIA GROUP MANAGEMENT

128, quai de Jemmapes 75010 Paris DIRECCIONGERENTES COPRESIDENTES DE CONSEJO EJECUTIVO Y ADMINISTRATIVO

Marie-Jose Susskind-Jalou Maxime Jalou DIRECTOR GENERAL

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DIRECTOR CREATIVO INTERNACIONAL

DIRECTOR GLOBAL EJECUTIVO

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Y ADMINISTRATIVO

Y ADMINISTRATIVO

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PUBLICIDAD GERENTE DE INGRESOS GLOBALES

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INTERNACIONAL Y MARKETING

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DIRECTOR DE PRODUCTOS DIGITALES

MANAGER DE PROYECTOS DIGITALES

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Giuseppe De Martino

Babila Cremascoli

CONTENIDOS EDITORIALES Y ARCHIVOS INTERNACIONALES

FUNDADORES

Georees, laurent y Ully jalou (†)

Giulia Bettinelli

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L’Officiel Chile se imprime en A Impresores, Av. Gladys Marin Millie 6920, Santiago, Chile.

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L’EDITO La moda es un terreno donde se articula la identidad: un medidor de la cultura cultura,, de lo político, de lo social, del género, de la raza. Y sí, definitivamente, va mucho más allá del vestuario. Por lo mismo, no queda ajena a las coyunturas globales y locales, sino que opera -a través de sus principales actores- con más fuerza que nunca para ser una suerte de plataforma para la conciencia histórica y el llamado social. A partir de esta óptica entendemos cómo, para mantenerse viva y latente durante los tiempos de crisis, se aferra y nutre de disciplinas artísticas que le aportan desde sus respectivas sensibilidades sensibilidades.. En esta edición de L’Officiel nos apegamos a la música y al cine como ejes centrales para narrar las historias que leerán en las próximas páginas; fuentes de inspiración que nos enorgullecemos de mostrar de la mano de chilenos que están haciendo patria en el exterior. Francisca Valenzuela lleva su voz más allá de los estudios de grabación y la alza frente a temas vigentes, como la poca presencia femenina en la industria musical, mientras que Jorge López pasa por alto los prejuicios frente a los latinos en el cine y se convierte en el actor revelación de Netflix, al mismo tiempo que en nuevo rostro para Carolina Herrera. Ambos son grandes embajadores de nuestra cultura y del Chile actual, talentos creativos que nos encanta hacer convivir con consagrados que han hecho de la moda mucho más que un arte; un universo desde donde hoy reflexionamos y nos emocionamos. ¡Bienvenid@s!

VALENTINA ESPINOZA 24

charlieandh.cl

FRANCISCA VALENZUELA fotografiada por PATRICIO BATTELLINI JORGE LOPEZ fotografiado por MAX LAGOS KATY PERRY fotografiada por GREG SWALES TIFFANY fotografiada por PAULA ZIEGLER

Edición 2 | lofficielchile.com | L’OFFICIEL CHILE | Juan de Valiente 3630 of. 615, Vitacura, Santiago de Chile.

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L

os días se vuelven cada vez más fríos, pero la posibilidad de volver a salir y disfrutar resulta cada vez más irresistible después de los largos meses de cuarentena.

Para quienesbuscan retomar de a poco la cotidianeidad –pero al mismo tiempo desconectarse del ruido y el ajetreo de la ciudad–, The Ritz-Carlton, Santiago ofrece una gran variedad de panoramas para todos los gustos: Noche Gourmet, para quienes quieren compartir y probar los mejores platos en una cena de tres tiempos en la habitación; Experience SPA, para una

desconexión total con masajes de relajación y acceso al rooftop del piso 15 con todas sus instalaciones; o City Escape, un tiempo de relajo total en habitación Deluxe, Junior o Executive, que incluye desayuno en Restaurante Estró y acceso a piscina climatizada y jacuzzi de hidromasaje temperado. Todo al tradicional estilo The Ritz- Carlton, Santiago, que redefine el servicio personal con una pasión especial haciendo de cada panorama una de las mejores experiencias en la ciudad en línea con los protocolos de seguridad que exige la nueva normalidad (@ritzcarltonsantiago). n

Fotos News: cedidas.

DE

disfrute OTOÑO

L’NEWS EL imaginario COLORIDO

MATIAS PRADO de

Los trazos son su forma de comunicación. A través de coloridas ilustraciones el artista chileno Matías Prado (@matiasprado) ha expuesto parte de su trabajo en Santiago, Madrid y Barcelona, y ahora se apronta a un nuevo desafío que lo tiene entusiasmado: una colaboración exclusiva con la marca de anteojos Ben and Frank que estará a la venta en Chile y en México.

Esta cápsula de edición limitada será una fiel representación de su estilo habitual. “Mi propuesta tiene mucha relación con el juego, la imagen, los colores, la dimensión, las formas geométricas; todo desde una forma mucho más orgánica y no tan perfecta, con errores, como trazos chuecos o que se salen de un margen”, explica Prado, quien desarrolla su trabajo en una palera de colores inmensa y un imaginario naif. Sobre su trabajo con Ben and Frank, asegura que este se materializará en anteojos en tonalidades llamativas y muy originales, “un juguete atrevido para quienes les gusta innovar a través de sus accesorios y vestuario, ya sea para ir a la oficina o andar en la calle”, cuenta. Además, un porcentaje de lo recaudado por la venta de estos anteojos irá en favor de una fundación elegida por el artista, como parte de la visión de la marca de crear alianzas colaborativas con propósito, además de una nueva forma de hacer y mostrar diseño. (benandfrank.cl). n

LO

contemporáneo

JOYA en UNA

Su interés diario está puesto en la orfebrería orfebrería.. En su taller, Andrés Herrera artista disfruta pasar el tiempo creando nuevos diseños con sus propias manos manos..

Por FRANCISCA VARGAS RAMOS

O

rfebre, ilustrador y fotógrafo son los tres títulos que posee este multifacético artista, oficios por los que siente un profundo respeto. En cada disciplina le gusta explorar desde la materialidad de cada una y, a la vez, disfruta conectar con ellas desde su sensibilidad como artista.

Si bien dedicó varios años de su vida a la fotografía, en la actualidad Andrés Herrera Valenzuela (37) se dedica a tiempo completo a la orfebrería. Cuenta que su primer acercamiento con el arte de labrar objetos comenzó hace seis años, cuando tomó un curso en la escuela de joyería contemporánea y artística Walka.

“En una época pensé que ya había pasado la moda de la joyería y que los cursos que había hecho ya no me servían. Pero me di cuenta de que este interés se podía convertir en algo importante y lo desarrollé más”, comenta Andrés.

Dejar de fotografiar y dedicarse a hacer joyas ha sido un camino largo que ha disfrutado, y hoy confiesa que ese proceso de decantación ya terminó. Una experiencia que para él ha resultado positiva y que no ha sido excluyente, pues aún trabaja como fotógrafo de manera intermitente y nunca ha abandonado la ilustración.

Lo que lo convenció de concentrar toda su energía en la joyería es que, además de ser algo que le apasiona, pudo tener como profesora a Valentina Garreton, órfebre que le dio más libertad de explotar partes alternativas de la joyería y dejar de lado lo tradi-

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cional de esta área. Así, al momento de crear una joya, Andrés puede plasmar sus gustos personales en ella.

Las joyas que trabaja Herrera son de plata o de bronce, siendo este último material su favorito. Todas sus piezas están inspiradas en diseños del imaginario barroco, el renacimiento, las esculturas y las artes decorativas, elementos que vienen únicamente de sus gustos personales. “Me encantaría que mis joyas logren servir de puente entre todas estas influencias del pasado y una sensibilidad más contemporánea relacionada conmigo”, comenta.

Con cera, arcilla, plasticina o yeso, Andrés comienza el proceso creativo de las joyas desde la tridimensionalidad, es decir, no dibuja un boceto previo para realizar un diseño, sino que con sus manos moldea de manera inmediata cada idea que tiene en mente. Cuando está conforme con la pieza que creó, viene el proceso de fundición y ensamblaje.

“Me encanta modelar las piezas a mano y estar en mi taller, para mi eso es felicidad absoluta. Descubrí que ese es mi lugar, y si tengo un taller donde pueda trabajar tranquilo, ya tengo la mitad de la vida lista”, comenta.

Sobre su producción, algunas piezas son únicas y otras pueden tener más de una versión, pero con variaciones. Su trabajo se puede ver en su sitio web andresherrera.cl y en Instagram (@ andresherrerav), donde da cátedra de su talento como fotógrafo y orfebre. n

L’BIJOU

Fotos: Gentileza Andrés Herrera.

ME ENCANTA modelar LAS PIEZAS a mano Y ESTAR EN mi taller, taller, PARA MI ESO ES felicidad ABSOLUTA. DESCUBRI QUE ESE ES mi lugar. lugar.

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La dupla detrás de Market People ha creado una relación íntima entre las marcas de moda más apetecidas y sus seguidores en Instagram, convirtiendo piezas de segunda mano en un bien asequible y atemporal.

Por PALOMA PAREJA Fotos CARLOS SAAVEDRA

H

ay algo de magia cuando dos personas se complementan pese a la inmensidad de sus diferencias. La historia de Market People (@emarketpeople) comienza cuando Stephanie Truan –economista y MBA Harvard–, de mente matemática y apasionada por las startups, conoció en Estados Unidos a Ignacia Cartoni, una creativa sin límites; diseñadora gráfica con estudios en el Parsons School of Design y Central Saint Martins, amante de la moda y poseedora de un olfato sagaz para encontrar joyas vintage en cualquier parte del mundo.

Corría noviembre de 2019 y el match entre ambas, que por esos días vivían en Miami, fue genuino. El resto es historia. “Nosotras democratizamos el lujo”, asegura Stephanie con vehemencia, frase que refleja la premisa absoluta de una plataforma que se diferencia con creces de otras tantas que también ingresaron a la venta de ropa de segunda mano online.

La curatoría exigente de prendas de alta moda y marcas de streetwear, además de piezas de outlets, son parte de este proyecto que nació en plena crisis sanitaria mundial, pero que tuvo un crecimiento abismal en solo un par de meses. “Partió la pandemia y todas comenzaron a vender su clóset.

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L’FEMMES

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“NUESTRO modelo de negocio ES LA SELECCION. TU confías EN Market People PORQUE SABES QUE tendrás UNA BUENA experiencia”.. experiencia” — Stephanie Truan

Así que sabíamos que no había que descubrir la pólvora, sino hacerlo excepcional, teníamos hambre de ser las mejores”, cuenta Ignacia sobre los inicios de su emprendimiento, cuando estaba con un hijo recién nacido a quien cuidar y su socia embarazada: ambas ocupando la mitad de sus casas como bodega, estudio fotográfico, producción y centro de embalaje. Comenzaron vendiendo sus propios clósets, crearon un formulario donde la gente subía sus prendas para luego ser seleccionadas bajo dos filtros: el estado y la marca. La fórmula era entregar productos de primer nivel a un precio accesible. “Nuestro modelo de negocio es la selección. Tú confías en Market People porque sabes que tendrás una buena experiencia. Y si no es así te respondemos, nunca vamos a descuidar el customer service”, señala Truan.

INSTAGRAM, MAS QUE UNA VITRINA

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Si las ventas online se dispararon en los últimos meses ha sido porque ha existido una hiperconectividad que ha contribuido al éxito de las tiendas virtuales. “Por eso era tan importante diferenciarse del resto. Mi rol de ‘ jefa de consignación’ que nació en redes sociales partió como un juego y ahora me han parado en la calle para preguntarme si soy yo”, cuenta Ignacia. Y es que entrar al Instagram de Market People es una experiencia visual llamativa, algo así como una sobredosis de colores vibrantes e imágenes estridentes que se entremezclan de forma fluida con videos que sus creadoras graban y publican sin edición alguna.

“El primero que subimos fue porque Ignacia me empezó a explicar sobre una cartera Prada de cuero napa que había llegado, y sabía que necesitábamos comunicarle esa información detallada al público”, cuenta Stephanie. Fue así como comprobaron que si hacían un video explicativo, el producto se vendía en cosa de minutos. “El secreto fue que empezamos a educar a la gente en procesos de comprar online y sobre marcas: el porqué una prenda determinada cuesta lo que cuesta. No hay que desvalorizar el trabajo del diseñador”, recalca Ignacia.

El tema sustentable también lo toman como un punto a favor, ya que el impacto por la sobreproducción de ropa asociada al fast fashion y retailers es algo cada vez más relevante para las nuevas generaciones que hoy están en redes. “Esto es

una moda, pero es una moda positiva, porque hemos logrado que clientas que no compraban de segunda mano hoy lo hagan y les encante”, declara Stephanie. “La idea no es ser radical, pero sí comunicar que, cada vez que me compro algo y pienso en que lo voy a vender lo cuido, y eso es 100% sustentable”, insiste Ignacia.

Actualmente, Market People está ampliando su abanico de productos para incluir próximamente una sección masculina, de niños y decoración, siempre con la idea de dar una mejor experiencia de usuario en todos los sentidos. Por eso, con su estética lúdica, apelan a lo cotidiano, a la cercanía, a usar la ropa “porque la vida es una y es ahora”, concluyen. n

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ANATOMIA DE UN RELOJ

Los DIAMANTES son eternos

Una exploración técnica y estética del “Oyster Perpetual Lady-Datejust”, Lady-Datejust”, la nueva creación de Rolex.

Uno de los hechizos del “LadyDatejust” radica en sus 1.089 diamantes engarzados en la caja, el bisel, el brazalete y la esfera pavé con números romanos. El oro amarillo de 18 quilates es otra presencia que brilla en este modelo.

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SEÑAS PARTICULARES

La lente Cyclops, bautizada así por el gigante de un solo ojo de la mitología griega, aumenta dos veces y media la visualización de la fecha para facilitar la lectura. El brazalete President está provisto de un cierre invisible llamado Crownclasp.

FAMILIA CON HISTORIA

Seleccionar las mejores piedras, modelarlas, colocarlas una a una en el lugar que ocupan. Todos estos gestos de una minuciosidad excepcional se repiten en cada “Lady-Datejust”.

Foto: Cortesía de la Marca.

GEMAS PRECIOSAS

CRISTALINA PARRA

POESIA propia

Su debut literario se llama Tambaleos Tambaleos,, y en él hace un cruce sin escala desde su infancia en Santiago, la vida con su abuelo en Las Cruces, su paso por Nueva York y su despegue definitivo en Dubái. La nieta de Nicanor Parra continúa la senda del antipoeta antipoeta..

Por VALENTINA ESPINOZA

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Retrato: Juan Queirolo.

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icanor solía llamarla ‘Lina Paya’, nombre que ella misma se inventó cuando aún era pequeña y no podía pronunciar correctamente el suyo. Él hablaba de una tal ‘Lina’ como su amiga y como la persona a quien más admiraba. Decía que tenía la belleza del Medio Oriente y que al escucharla hablar, estudiaba el lenguaje. Cristalina Parra (21) creció viendo a su abuelo con un lápiz y un cuaderno, una práctica que ella prolonga y que ha complementado la app Notas del celular. “Me interesa la manera en la que la gente habla, el ritmo natural del habla, las distintas maneras de hablar, me interesa cómo las ciudades en las que habito se desenvuelven, en los sonidos, en los olores y sabores que nacen en cada esquina de una ciudad. Me interesa cómo los habitantes de una ciudad hablan de ella”, asegura.

Tambaleos (Editorial Planeta) es su primer libro que contiene poemas de una bitácora de viaje en algunos momentos, y en otros parte de un diario de vida. “Es un menjunje de palabras que, en este orden, fueron expulsadas de mi cabeza, saltándose mi boca, directo a la página”. De ahí el nombre. Mientras escribe sobre su día a día desde Abu Dhabi, ciudad donde cursa Historia del Arte en la sede de Emiratos Arabes de la Universidad de Nueva York, la poesía que leía cuando niña se asoma en su inconsciente. Claudio Bertoni, Raúl Zurita, Allen Ginsberg, Neruda, Nicanor y Violeta Parra, “voces que parecen impregnadas en las paredes de mi mente desde la infancia. Y ahora otros poetas como Mahmud Darwish, Etel Adnan o Tishani Doshi se pasean por mi cabeza. La música es casi igual de importante en mi proceso creativo”, confiesa.

Hija de la actriz María José Núñez y del músico Juan de Dios “Barraco” Parra –hijo menor de Nicanor– identifica la guitarra como la melodía de fondo de toda su vida. Su canción favorita para antes de dormir era ‘Casamiento de Negros’-, “porque la pintura de la Violeta estaba en la pared, arriba de mi cama”,

L’JEUNE cuenta. Como parte de una de las familias que han dejado un gran legado cultural a Chile en la literatura y la música, Cristalina asegura que su herencia es algo que le enorgullece muchísimo, tanto por el lado Parra como Núñez. “Crecí con una madre soltera que no recibía ayuda de nadie. Ella me transformó en la mujer trabajadora que soy hoy día. Esa energía femenina y poderosa que nace de mi mamá es central en Tambaleos, un libro escrito por una mujer joven e independiente. Mi punto de vista está, naturalmente, informado por mi experiencia femenina”, explica.

“Me desperté sin ganas, preguntándome qué hago tan lejos de casa. ¿Por qué los adoquines aquí no me dicen nada? El cielo habla otro idioma y los perros no saben oler un temblor. Quiero estar en Chile, mamá. Tengo la guata revuelta y no quiero estar tan lejos. Quiero un agua de tilo y una piedra, la guitarra de mi papá y las bromas de mi primo. ¿Cómo está la Estación Santa Ana, papá? ¿Y cómo se escucha la calle en la noche? ¿El señor del organillo hace cuánto tiempo no pasa por la equina? Cuando

salí a la calle me brotó una mora en el pecho, papá. Tengo la guata revuelta y ando en tierras extrañas, cantando, pero apenas”.

Así reza el poema ‘Chile despertó y siento que sigo en un sueño lejano’, donde se asoma la melancolía por estar lejos de los suyos; instalada literalmente al otro lado del mundo.

Sin embargo, asegura que Tambaleos no existiría sin esta distancia física de por medio, ni tampoco sin Abu Dhabi, su nuevo punto de partida. “La mayoría de los poemas de este libro fueron escritos fuera de Chile y, entonces, cuando escribo de Chile lo hago desde afuera, no solo temporalmente, porque escribo sobre el pasado y sobre mi infancia, sino que también espacialmente.

En los tres años que llevo viviendo en Emiratos Arabes, este se ha transformado en un nuevo hogar. Mi tiempo aquí y en la universidad me ha ayudado a encontrar una manera de ver mi entorno. En Tambaleos, a pesar de utilizar un idioma coloquial, intento hacer un trabajo de deconstrucción y sanación espiritual.

Para mí escribir es un proceso de sanación y autoconocimiento sumamente importante”, concluye. n

“CRECI CON UNA madre soltera QUE no recibía AYUDA DE NADIE. ELLA ME transformó EN LA MUJER trabajadora QUE SOY HOY DIA”.

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ANATOMIA DE UN BOLSO

BLASON

Collection DE CAROLINA HERRERA

PIEL MOCAN

De grano sutil y regular. Esa es la materialidad elegida para el Blasón, que con el uso y el paso del tiempo lo vuelve más flexible y resistente.

BOWLING BAG

El formato XL del Blasón exalta la calidad de su piel, con una construcción de líneas limpias y con las asas como sello de identidad.

FUNCIONALIDAD

Su forro interior en lino se completa con un amplio cierre que da acceso sin restricciones a todos sus rincones.

Foto: Cortesía Carolina Herrera.

Nace con la intención de hacer honor a las pieles creadas en exclusiva para la Casa Herrera y con su nombre hace un guiño al pasado aristocrático de la familia. Una joya que reivindica sus orígenes y lo vuelve irresistible.

GIANIDAFIRENZE.CL

PORTUGAL está de

MODA

E

l reciente premio de los World Travel Awards que consideró a Portugal como el Mejor Destino del Mundo confirmó la tendencia actual, reconocida también por muchas guías, escritores de viajes, blogueros especializados en turismo. El país de la península ibérica es uno de los destinos ideales en todo el mundo por múltiples razones: se distingue por su belleza natural, tradiciones culinarias y por su historia rica en tradición, que incluye luchas medievales contra el imperio musulmán y las cruzadas que libraron los Templarios del cristianismo en sus tierras.

A los tradicionales azulejos con motivos geométricos que desde el siglo XV III se tomaron los frontis de iglesias, palacios y casas, jardines, fuentes y escalinatas como uno de los principales elementos decorativos portugueses, se suma su alta gastronomía, donde la ubicación y la proximidad atlántica justifican el lugar destacado que ocupan los pescados y mariscos, aunque también recibe notables inf luencias de la cocina española, árabe y también de las antiguas colonias portuguesas, haciendo de su propuesta culinaria una amplia mixtura de sabores, aromas y texturas.

Lo mismo sucede con sus vinos, ya que Portugal es un país de gran tradición vinícola, algo muy similar a lo que ocurre en

nuestro país, donde el vino prácticamente forma parte de la identidad nacional. La calidad de sus cosechas ha sido reconocida en todo el mundo con numerosos premios y galardones, siendo El Douro y el Alentejo las regiones en las que se concentra el mayor número de espacios dedicados al enoturismo.

Como una forma de celebrar los 500 años desde que Hernando de Magallanes descubrió el estrecho y transformó su viaje en una hazaña, Portugal y Chile se unen a través de la gastronomía y vinos portugueses como parte del intercambio cultural de medio siglo entre ambos países. Ese es el objetivo de AGAVI –Asociación Portuguesa para la promoción de la gastronomía y el vino, productos regionales y biodiversidad de Portugal–, que pretende constituirse como punto de encuentro e interacción entre los diferentes socios y agentes económicos que operan en un ámbito de actividad que aporta reflejos culturales, sociales y económicos de especial trascendencia en el sector. Desde Chile, el destacado cronista gastronómico Daniel Greve es el encargado de transmitir experiencias que fusionan vino, pastas y cocktails a través de su canal de YouTube (www.youtube.com/ danielgreve). Sin duda, una gran experiencia para empezar a entusiasmarse desde ya y estar preparado ante la inminente apertura de fronteras. n

Fotos: Cedidas.

Con la promesa de 3.000 horas de sol al año, 850 kilómetros de playas idílicas para recorrer y una oferta gastronómica de primer nivel, Portugal lidera como el lugar favorito para visitar en la pospandemia pospandemia..

L’NEWS

ENTRE

líneas

Vanessa Rosales acaba de sacar su segundo libro, Mujer incómoda. incómoda.

Textuales sobre el proceso creativo de esta escritora y crítica cultural con gran trayectoria en el campo de la moda.

Por CELESTE NASIMBERA

S

i espiamos la intimidad que nos habilita Instagram podemos observar en la cuenta @vanessarosales fragmentos de su biblioteca, imágenes de mujeres icónicas –la mayoría en blanco y negro– acumuladas en las paredes, hasta incluso localizar una antigua máquina de escribir. No solo se trata de una mujer que escribe, sino que es de aquellas que utilizan la lectura para encontrar reflexión y estilo. Formada en Ciencias Sociales con especializaciones en la Universidad Di Tella (Argentina) como en la Parsons School of Design (Estados Unidos), la colombiana Vanessa Rosales ha realizado colaboraciones en publicaciones destacadas, tales como Vogue, BoF y Vestoj. Esta escritora y crítica cultural es, además, columnista de El Espectador y creadora de la serie de podcast Mujer vestida. A través de la pantalla conectamos Buenos Aires con Bogotá para conversar en las semanas previas al lanzamiento de su nuevo libro. ¿Cuál es tu definición del periodismo de moda?

Estuve recuperando algunos de los motivos fundacionales por los cuales hice periodismo de moda, es un campo que está entre la crítica cultural, la teoría de la moda y la historia de las mujeres. Creo que ahora ya me distancié un poco de ese lugar que intersecciona a la cultura, a la teoría de la moda y a la historia de las mujeres en clave feminista. También me gustó tener la oportunidad de realizar una pasantía en La L’OFFICIEL:

VANESSA ROSALES:

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Nación y ver mi nombre en un medio impreso, tenía esa ilusión.

LO: A la distancia, ¿cuál fue la experiencia del primer libro?

VG: En ese momento yo estaba más dedicada a la escritura en medios y mi intención era convertirme en una ensayista como muchas de mis referentes. Pero fue lo que resultó en ese momento. Por eso el segundo libro es muy distinto. Llevó muchos años. ¿Cómo fue escribir Mujer incómoda?

Ha sido una gran lección alrededor de la temporalidad de la escritura, de cómo contrasta con esas dinámicas mediáticas de las cuales fui parte. Empecé con cuadernillos, yo escribo a mano.

Además, venía leyendo ensayos personales y observando cómo distintas mujeres estaban utilizando ese género. Empezar con mi experiencia personal para volver sobre temas que siempre me han preocupado. Me volqué al estudio de lo construido como femenino y encontré un lema alrededor de la incomodidad: ser una mujer incómoda, estar incómoda, todo lo relativo a la libertad, empecé a escribir reaccionando. Este segundo libro es también una articulación de mí híbrido: me formé en Ciencias Sociales con mucha inquietud, me formé en un periodismo vieja guardia y luego tengo la posibilidad de ejercer el periodismo de moda en Colombia y en un campo consolidado hace 30 años como son las fashion studies. n LO:

VG:

Fotos: Cedida.

L’AUTEUR

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El secreto

EQUILIBRIO

“Pasha”.

de la forma

Diseño, innovación y una cuota de fantasía. Los lanzamientos de la Maison Cartier expresan qué pasa cuando la alta relojería se encuentra con su savoir faire joyero.

Por MARIANA RIBEIRO

T

odo comienza con el diseño, con la búsqueda incansable de la línea exacta, la curva expresiva y los detalles que estremecen. Sea el rectángulo, el círculo, el óvalo o las asimetrías tan equilibradamente trazadas, si algo caracteriza a los relojes de la Maison Cartier es la perfección de la forma de la caja, esa estructura que los convierte en icónicos.

Este año, en la reciente edición del Salón Watches & Wonders, la feria suiza que reúne a las etiquetas de lujo más influyentes del mundo, la maison presentó sus lanzamientos luego de un año atravesado por el desafío del cambio y la evolución permanentes. En un encuentro virtual con la prensa especializada, Cartier dejó en claro cuál es su secreto más preciado: la herencia. Un recorrido por los grandes clásicos de la firma en su versión actualizada.

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DESDE EL MAS ALTO CIRCULO DE PODER

Desde su creación, en honor a Thami El Glaoui, aficionado de los relojes y bajá deMarrakech,, el “Pasha” se convirtió en una pieza creada para los que se atreven a más. “Es tanto una estética como una sensación de fuerza y poder... Cuando lo lanzamos, en 1985, fue inmediatamente adoptado por toda una generación de líderes de opinión. Ha mantenido esta fuerza”, cuenta Pierre Rainero, director de Imagen, Estilo y Patrimonio de Cartier.

Relanzado con gran éxito en 2020 y ligado a las más relevantes personalidades creativas que marcan el pulso de una generación, en 2021 se agregan a la colección Pasha una pieza de 30 mm y una versión cronógrafo de 41 mm. El nuevo reloj suma funciones y detalles de diseño: fondo de caja de zafiro, una nueva corona y grabado personalizado. En acero u oro, está equipado con correas intercambiables gracias a una adaptación del sistema QuickSwitch desarrollado por Cartier.

L’HORLOGE EL RECTANGULO DE LA INNOVACION

En 1917, Louis Cartier, nieto del fundador de la maison, tomó una decisión estética arriesgada, y creó un reloj rectangular en contraposición a los modelos redondos propios de su generación. Siempre en defensa de la originalidad, ese reloj revolucionario fue más tarde el elegido de Gary Cooper y Alain Delon, pero también de Jackie Kennedy y Lady Di. “No uso el Tank para saber la hora”, decía Andy Warhol, quien solía llevarlo sin siquiera darle cuerda, como una obra de arte abrazada a la muñeca.

En este caso, “Tank Must SolarBeat” se inspira en el “Tank Louis”. El modelo es la prueba fehaciente de que la perfección del clasicismo puede contener el máximo nivel de innovación. Esta pieza incorpora una esfera fotovoltaica capaz de captar tanto la luz solar como la artificial para dar marcha a su movimiento de cuarzo (sigue teniendo batería, pero su vida útil se multiplica hasta los 16 años). Desarrollado en el laboratorio creativo de La Chaux-de-Fonds, la manufactura de Cartier en Suiza, la hazaña es aplicar la tecnología sin alterar su estética microperforando los números romanos para que la energía llegue a las células que se encuentran bajo el dial. Además, la pulsera está confeccionada con un material compuesto por alrededor del 40% de materia vegetal de descarte, es decir que se integra a la economía circular en un claro compromiso de Cartier con el camino de la sustentabilidad.

Foto: Cortesía de la marca.

“Tank Must”.

47

“Cloche”

FANTASIA Y CODIGOS PROPIOS

Inusual, audaz como su época, el “Cloche” (campana) nació en 1920 como parte de Cartier Privé, una propuesta dedicada a los coleccionistas y aficionados, que celebra los grandes mitos de la maison a través de series limitadas. Se trata de una pieza de forma provocadora que, depurada de su correa y dispuesta horizontalmente, remite a un reloj de escritorio.

Durante estos casi 100 años de historia, Cartier ha lanzado diversas reediciones del “Cloche”, la última en el 2007. En la versión 2021, está equipado con el calibre 1917 MC y se encuentra disponible en oro rosa, oro amarillo o platino. Además, muestra todos los códigos de relojería de Cartier: el chemin de fer (el motivo de vías del tren que bordea el dial), las agujas en forma de espada y un cabujón cerrado en la corona. Su producción se limita a 100 piezas numeradas.

EXTRAVAGANCIA DE LAS CRIATURAS DEL BESTIARIO

La colección Libre de alta relojería capitaliza el savoir faire joyero de la firma y revisa el repertorio de formas a través de creaciones únicas, con un giro de locura y libertad. “Porque Cartier es ante todo joyero, nuestras creaciones trascienden todas las categorías.

No son solo instrumentos para medir el tiempo ni son simplemente joyas. Son un tercer tipo de objeto con singularidad propia. Los relojes Cartier solo se parecen a sí mismos”, cuenta Marie-Laure Cérède, directora de diseño de relojería de Cartier.

En este caso, el estudio de diseño optó por combinar las formas puras con los animales icónicos de la maison. La herencia estética del “Baignoire”, reeditado en 2019, encuentra una nueva identidad inspirada en la tortuga, una creación característica de Cartier. El contraste entre la suavidad de las piedras suiffé y la textura rugosa del pavé de diamantes evoca al animal. Para reproducir el caparazón se diseñaron campos pentagonales y hexagonales construidos con líneas negras y antracita, que se completan con un engaste de 171 diamantes talla brillante, 18 zafiros y 24 tsavoritas. Su caja oval es de oro blanco rodeado de 18 quilates. Tiene movimiento de cuarzo y la correa es de piel de aligátor color azul marino. Se trata de una edición limitada y numerada de apenas 30 piezas. n 48

“NUESTRAS CREACIONES trascienden todas las categorías. NO SON SOLO INSTRUMENTOS PARA medir el tiempo NI SON simplemente joyas.

SON UN tercer tipo DE OBJETO CON singularidad propia.

LOS RELOJES CARTIER SOLO SE PARECEN a sí mismos”. mismos”.

— Marie-Laure Cérède, Directora de Diseño de Relojería de Cartier.

“Cartier Libre”

L’TALENT

50

Filosofía SEN

El artista español explora nuevas formas de composición en Corazón Cromado, Cromado, el EP que produjo durante la pandemia.

En esta entrevista habla de las colaboraciones con músicos latinoamericanos y de su interés por la moda.

E

l cromo es un elemento químico que se caracteriza por ser un metal de transición. Duro pero frágil, su nombre se debe a los distintos colores presentes entre sus compuestos: tantos, como los que componen la música de Christian “Sen” Senra (@sensenra). A los 25 años acaba de lanzar Corazón Cromado, convirtiendose en uno de los artistas más destacados de su generación en España.

Desde hace seis años edita música y su estilo es aún menos lineal que la costa viguense, donde nació. Empezó su carrera solista con Permanent Vacation (2015), un disco con letras en inglés, de sonido galiforniano (como le dicen a ese puente invisible que conecta las costas de Galicia con las de San Francisco), lo-fi y garagero. Lentamente, fue virando la esencia de sus canciones y el idioma de sus letras hacia una búsqueda más suave, sensual y local para llegar a Sensaciones, en 2019, el álbum que le dio el reconocimiento del público y la prensa española. Con

una voz que va entre el susurro y el falsete, explora el desamor y la seducción a través del R&B y el neo-soul. Sus canciones tienen también composiciones sonoras complejas al estilo de Frank Ocean, una de las inf luencias más importantes en sus arreglos y a quien le rinde tributo imitando la portada del simple “In My Room”, que el estadounidense había lanzado unos meses antes.

Después de un pequeño tour por su país con Sensaciones a fin del año pasado, Senra, que en 2020 participó dos veces en la plataforma berlinesa de música emergente COLORS, volvió a la carga con Corazón Cromado. El EP, que trae siete canciones y dos colaboraciones con su coterráneo C. Tangana y el colombiano Feid, continúa con el temperamento de su última obra: una mezcla de baladas R&B sensibles con flow hispano, cajas de ritmos y dejos urbanos. Entre los simples: “Tumbado en el Jardín Viendo Atardecer”, en clave synth-pop que se quiebra al

Por CATA GRELONI PIERRI Fotos CELINE VAN HEEL 51

medio en dos composiciones (como “Nights”, de Frank Ocean), o “Me Valdrá la Pena”, la balada a modo de coda que suma un intertexto de la música de Maná. Senra comentó que escuchaba “Rayando el Sol” con su hermana (la artista plástica Vaas Senber que ilustró cada uno de los simples) cuando eran niños y, en medio del aislamiento, ella lo sorprendió al teléfono con una parte del estribillo, que decidió incorporar “como un shout out a la banda mexicana”, dice.

Sen Senra agrega que conoce a varios artistas latinoamericanos a través de la investigación de sonidos por Internet. “Me gusta mucho cómo suenan Chavela Vargas, Atahualpa Yupanqui, José Larralde, Víctor Jara y el trío Los Panchos. No son músicos nuevos, pero aprecio mucho el estilo de cada uno y su identidad”, dice desde su casa en Madrid, donde vive hace tres años. ¿Cómo surgió este nuevo EP? Con esto del aislamiento, aproveché el paro para viajar a Galicia y volver a componer. Recuperé demos que tenía en el ordenador. Generalmente, el cuerpo me pide conceptualizar los discos, pero con Corazón Cromado me di el lujo de ser más libre y explorar sin pretensiones. Relajarme y dejar que fluyera lo que salía de adentro.

Empecé a pensar obsesivamente en el concepto de cromar objetos, que me pareció divertido y curioso al mismo tiempo. Por un lado, la idea de bañar en cromo cosas para que no se oxiden ni se lastimen, y por el otro, la simple función decorativa de mejorar superficialmente el aspecto. Me divirtió pensar el proceso de bañar en metal algo tan frágil como un corazón para fortalecerlo.

Lo único que tengo claro es que no quiero ser predecible, creo que por eso mi estilo fue cambiando tanto a lo largo de los años.

L’OFFICIEL:

SEN SENRA:

¿Y por qué elegiste a C. Tangana para grabar?

Con Pucho tenemos una relación de hace varios años y muchos colegas en común, y finalmente este año se dio la oportunidad de meternos juntos al estudio. Le tengo mucho cariño a esta canción, porque fuimos sin pretensiones. Entramos a la cabina Alizzz (Cristián Quirante), Anxo (Ferreira), Pucho y yo, y estuvimos todo el día tocando el piano y la guitarra, viendo qué salía. Cuando tuvimos un gancho que nos gustaba fuimos construyendo desde ahí. Me parecen lo más guay las canciones que surgen de la improvisación.

LO:

SS:

La otra colaboración de Corazón Cromado fue con Feid. ¿Ya se conocían?

SS: No, pero Feid me tiró buena onda por Instagram y conectamos muy bien. El justo me escribió cuando estaba armando “Wu Wu”; lo viví como una señal, así que lo invité a formar parte y tuvimos muy buen rollo. Estoy muy contento con cómo esta colaboración y la de C. Tangana se desarrollaron de una forma tan orgánica.

LO:

También llamaste a Pedro Artola –que trabajó para el diseñador Jacquemus– para dirigir los videoclips de “Tumbado En El Jardín Viendo Atardecer” y “Sublime”.

SS: Hicimos los videos en Barcelona con su equipo y la verdad es que fue muy bonito. Pedro es muy creativo y le gusta experimentar a nivel visual y con la moda; me gusta juntarme con gente de mi generación que está en el mismo camino, compartimos ideas y la curiosidad por hacer cosas nuevas. Yo no soy ningún profesional de la moda, pero desde pequeñito me interesa jugar con la ropa.

Es otra expresión artística que me gusta mucho.

LO:

Se nota la influencia de Frank Ocean en tu música y producción. ¿Qué es lo que más valoras de su trabajo?

SS: Es un superartista que descubrí en sus comienzos, cuando era parte del colectivo Odd Future y lo que más me gusta es su libertad a la hora de componer. Es un músico muy completo: la lírica, la melodía, la forma en la que te hace viajar mientras escuchas su música y cómo te la va enseñando. Me resulta ultrainspirador.

LO:

“ME PARECEN LO MAS guay LAS CANCIONES QUE SURGEN DE LA IMPROVISACION”.

52

¿Cómo fue la experiencia de salir de gira en plena pandemia?

Hicimos un tour de teatros cumpliendo con la seguridad y restricciones que había, pues no queríamos quedarnos sin la posibilidad de presentar Sensaciones en vivo. Entonces fue un tour pequeñito, de ocho shows en Madrid, Valencia, San Sebastián y Barcelona. Preparé un concierto a la medida de esta situación tan extraña que estamos viviendo, un show con luces, casi como una obra de teatro, para que pudieran estar sentados y disfrutar igual. Salió de lo más guay y el feedback fue increíble. n LO:

SS:

“El listón siempre en altura peligrosa pa’ que sude un poco esta carita hermosa”. (de Tumbado en el Jardín Viendo Atardecer)

Camisa, RAF SIMONS SS04. Abrigo, RAF SIMONS SS15. Falda, COMME DES GARÇONS HOMME PLUS. Botas, BATA. Bolso, VINTAGE. STYLING: Carla Paucar y Alez Turrión. DISEÑO DE SET: Atenea Martínez.

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Francisca Alegría

SALTO CINEASTA El

de una

Luego de su triunfo en Sundance y años de arduo trabajo, la directora chilena presentará su primer largometraje, que mantendrá sus influencias del cine experimental y dramático que caracterizan a sus cortos previos.

L

a chilena Francisca Alegría (35) es guionista, directora y mente maestra del cortometraje “Y todo el cielo cupo en el ojo de la vaca muerta”, un drama independiente que la llevó a ser ganadora de la categoría Short Film Jury Award: International Fiction en el Festival de Cine de Sundance en 2017, momento que implicó un antes y un después en su carrera.

Desde su infancia, durante su estadía en la localidad de Los Andes junto a sus abuelos, comenzó a crecer en ella la semilla del cine. En sus idas a acampar a la cordillera descubrió la antigua cámara VHS-C de sus padres, y pronto la maravilla de crear historias a través de un lente. Así, junto a sus hermanas y primas, comenzó a grabar sus primeros intentos de cortos y películas. “Naturalmente se dio que yo era la que estaba detrás de la cámara y decía: ‘Mira, tú entra por acá y di esto’. Esa siento que fue mi entrada al cine, desde niña con esas ganas de crear ficción, recrear cosas, historias y mundos de aventura”, recuerda.

Algo que nunca pensó que se tornaría en un sueño de toda la vida, pronto la llevó a estudiar Dirección Audiovisual en

la Universidad Católica y, en un abrir y cerrar de ojos, a la Universidad de Columbia, en Estados Unidos, a especializarse en guion y dirección de cine.

Actualmente, Francisca se encuentra grabando uno de sus proyectos más grandes y ambiciosos: su primer largometraje: “La vaca que cantó una canción sobre el futuro”. Una idea que guardaba en el cajón desde hace mucho tiempo y que sufrió repetidas transformaciones a lo largo de la carrera de esta joven cineasta. Con influencias del cine experimental y el movimiento artístico surrealista, la directora comenzó a gestar una historia que mezcla realidad con ficción, algo que forma parte del sello de sus guiones. “Fue una idea que vino de mis sueños, de experiencias en el campo y de dejar echar a andar un poco mi imaginación que me llevó a encontrar una historia que reunía muchos personajes de mi familia, pero en un setting fantástico, sobrenatural y extraño”, explica.

Para esta nueva cinta, la directora hizo un largo viaje desde su hogar, Los Ángeles, California, hacia Valdivia, en el majestuoso sur de Chile, hogar de uno de los festivales de

Por FLORENCIA DE LA FUENTE Foto CARLOS SAAVEDRA 54

L’DIRECTRICE

55

mayor relevancia nacional y un escenario clave que para Francisca tiene el encanto de los bosques y los ríos que forman parte fundamental de su película.

Protagonizada por la chilena Leonor Varela junto a la argentina Mía Maestro, incluyendo las actuaciones de Alfredo Castro y Marcial Tagle, “La vaca que cantó una canción sobre el futuro” comienza con una metáfora en que la naturaleza expresa su agonía a partir del canto de los peces que anuncian un cambio de corriente en el río, melodía que culmina con su muerte. Con esto nos comenzamos a introducir en la vida de Cecilia, una rígida mujer en sus 40 años que debe dejar la ciudad y visitar la lechería de su padre enfermo. En su viaje va acompañada de sus dos hijos, uno de ellos transicionando a niña. Pronto, Cecilia se reencuentra con el fantasma de su difunta madre suicida, una mujer incomprendida pero -paradójicamente- llena de vida. El conflicto gira en torno al gran vacío que deja en su familia, particularmente en su hija.

“Esta mujer llega a mostrarle a su familia cómo vivir, ya que, si bien está muerta, pareciera ser de carne y hueso y manifiesta impulsos súper humanos”, argumenta Francisca.

la historia de una madre a quien separan de sus hijos por estar medio loca, como se le veía en aquella época”, enuncia la autora.

¿Cuáles son los conceptos clave de este largometraje?

Uno de los grandes conceptos es la muerte vista como un revivir; la muerte como un comienzo y, en ese sentido, la película está llena de muertes, donde no tiene que haber sufrimiento, sino un dejar ir, un soltar que puede llenar de calma.

Este drama, con un toque sobrenatural, también tratará temáticas muy latentes en la actualidad, como la dualidad masculina-femenina y el f luir de los géneros que veremos encarnados en distintos personajes de esta historia, en especial en la protagonista, que con su firmeza representa un lado masculino y muy heteronormado, que pronto comenzará a romperse.

No hay que dejar de lado la latencia de la naturaleza en los filmes de Francisca Alegría, parte de su impronta como guionista y directora. En este caso, vemos repetido un elemento que forma parte del corto que le significó un galardón en Sundance: las vacas. “Son animales súper importantes en la película y las vemos como madres. Hay toda una mirada de cómo nuestro sistema las esclaviza y las separa de sus hijos. Esto hace un paralelo con

“FUE UNA idea QUE VINO DE MIS SUEÑOS, DE experiencias EN EL CAMPO Y DE DEJAR echar A ANDAR UN POCO MI imaginación” imaginación”..

FRANCISCA ALEGRIA:

56

FA:

Francisca espera poder exhibir su última cinta independiente hacia finales del 2021, y desde ya la vislumbra como una película que podría formar parte de una trilogía con nuevas historias.

Además, actualmente está escribiendo dos nuevos proyectos para Chile y el extranjero junto a la actriz Fernanda Urrejola, su pareja y protagonista de su corto estrenado recientemente en el Festival Cine de Mujeres 2021 (FemCine) y producido por Margot Robbie, “El arrullo de la bestia”. n

Foto: cedida.

L’OFFICIEL:

¿Qué buscas comunicar a través de tu arte?

Me interesa mucho transmitir el mundo de lo sutil. Ahí caben emociones, sensaciones, miedos y el mundo animal y vegetal. Eso que no se ve a simple vista; me gusta mucho poder transmitirlo y lo estoy tratando de hacer en esta película desde un movimiento de cámara o desde un silencio.

LO:

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EXT EX TERIOR Prendas para vestir en dimensiones desconocidas y en la Tierra. La marca nacional Popa Spacewear transporta a un mundo de fantasía fantasía,, un lugar donde la moda postgravedad es un distintivo de cada pieza.

Por FRANCISCA VARGAS RAMOS

P

ierre Cardin, Grace Jones o el synthwave son los principales referentes que Sofía Baccelliere (24) tiene al momento de crear una nueva prenda. La diseñadora de vestuario es dueña y directora creativa de Popa Spacewear, una firma de vestuario chilena que nació en el año 2017, pero que recién en 2019 comenzó a crecer a la velocidad de la luz. En su propuesta existe una conexión entre el espacio exterior y la moda retro futurista de los ’60, algo que viene del interés de crear un nuevo mundo, eso que aún resulta desconocido para las personas. “Tenemos la idea de lo que es el espacio, pero aún no podemos llegar a conquistarlo”, argumenta la creadora.

Emprender en el mercado local ha sido un camino desafiante.

“Al hacer una prenda, además del universo creativo, está el moldaje, la confección, las terminaciones y después de eso una producción. Es un proceso largo y al principio lo hacía solo yo”, comenta Sofía. Con el tiempo su equipo ha ido creciendo, y hoy detrás de la marca existe un grupo creativo además de una modista, un sastre y un bordador, quienes son los encargados de convertir cada diseño en una realidad.

Cada prenda Popa se concibe para ser usada por personas atrevidas, apasionadas por lo que hacen y que valoran el diseño nacional, más allá del género o un rango de edad determinada.

La marca apunta a vestir personalidades audaces y modernas

que se atrevan a usar algo distinto y abracen el concepto de spacewear como estilo de vida; algo así como una moda post gravedad que puede manifestarse como un mundo de fantasía diferente en la mente de cada quien; ropa para ser utilizada en dimesiones desconocidas y en la Tierra.

Aquí, la sastrería y lo deportivo conviven armónicamente en un mismo outfit, y se siguen dos líneas de producción consistentes: la primera regida por el slow fashion, pues a través del sistema pre-order confeccionan piezas a medida para sus clientes. También incorporaron el upcycling, ya que según argumenta su directora creativa, “si yo estoy generando algún tipo de contaminación al crear mis prendas, tengo que devolverle también la mano al planeta”. También tienen disponibles productos “listos para ser usados”, prendas que ya están creadas y que tienen un stock mayor y que se pueden encontrar en www.popa.fashion.

Comenzar la expansión en el mercado extranjero son los próximos pasos de la marca nacional y, cuando esto ocurra, un porcentaje de las ganancias serán destinadas a una fundación que incentive la moda sustentable, un compromiso que su directora creativa no planea descuidar, “Es algo que me comprometo hacer, o crear un producto que esté destinado a este tipo de donación como forma de apoyo”, concluye. n

“SI YO ESTOY generando ALGUN TIPO DE contaminación AL CREAR MIS PRENDAS, TENGO QUE DEVOLVERLE TAMBIEN LA MANO AL planeta”.

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L’CREATION

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TALENTO exportar para

Agustín Alberdi se mueve a través de dos sentidos sentidos:: la vista y el oído. Creación artística y publicitaria publicitaria.. Ambos en perfecta complementariedad, le han permitido crear proyectos como The Movement,, un sello audiovisual para los directores del futuro.

Movement

N

o soy un melómano, pero soy un interesado profundo en la ingeniería y arquitectura que hace sonar la música”, admite Agustín Alberdi. Nacido en Puerto Madryn, en plena Patagonia argentina, el realizador publicitario y director ganador de un Grammy, desarrolló su interés por la creación audiovisual desde muy joven. Las cámaras que veía dando vueltas en su ambiente familiar despertaron la primera curiosidad en torno a los formatos de registro, luego vino el descubrimiento geográfico.

“Viví rodeado de postales muy particulares, experiencias de

Por MAGDALENA POULSEN 60

Foto: gentileza Agustín Alberdi.

L’HOMME

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“VIVI RODEADO DE postales MUY PARTICULARES, experiencias DE OTRO TIEMPO, OTROS estímulos” estímulos”.. otro tiempo, otros estímulos. Creo que todo eso fue generando una suerte de imaginario muy rico, de lugares, de anécdotas, de personajes. Ahora, quizás visto a la distancia, son muy cinematográficos. Como una especie de recorte o visión del mundo”, cuenta.

Antes de volverse un nombre reconocido para la industria de los videos musicales y de trabajar para artistas como Julieta Venegas, Babasónicos o Florence & The Machine, el mundo para Alberdi tenía mucho que ver con sus ires y venires al campo, visitar el cine del pueblo como una manera de conectar con el mundo dentro de la inmensidad patagónica y los veranos creando eventos culturales, descubriendo nuevas cosas que hacer y tocando con una banda que –según su propia historia– tenía mucho más de actitud que de talento. “Todo eso me llevó a ser quien soy, y que al momento de decidir ese imaginario de pueblo pequeño en el medio de la inmensidad geográfica empezara a ver cómo registrarlo”, comenta. ¿Cómo llegaste a Landia?

Landia es una casa de producción que existía y era muy incipiente, llevaba cuatro o cinco años cuando comencé a trabajar como director ahí y rápidamente tuve mis primeros años de notoriedad a partir de algunos proyectos. Me sumaron como socio considerando lo que yo quería hacer. Estaba interesado en lograr exposición internacional y que empezaran a llamarme para las cosas a las que aspiraba, que estaban muy relacionadas con proyectos que venían de afuera y con una producción de alta gama a nivel creativo. Landia siempre fue el lugar donde yo operaba y me habían dado la posibilidad de diseñar y armar lo que tuviera ganas. Me invitaron a la casa, a ser dueño de la casa, a construir mi habitación y crear más espacios desde adentro.

A partir de su asociación con la productora que tiene sede en Argentina, México y España, Alberdi llegó con un proyecto: una nueva forma de crear contenido global transmedia. “Lo de The Movement empezó hace cinco años a tomar forma y estuvo relacionado con una idea mía de finalmente lograr una suerte de sello que no estuviera relacionado con el lado comercial y publicitario de Landia, que tuviese que ver con los nuevos contenidos y con las nuevas plataformas”, explica. Lo que empezó como una mesa de cowork que reunía a creativos de menos de 30 años del arte audiovisual y las nuevas plataformas en las oficinas de Landia, es actualmente un lugar de búsqueda para los directores del futuro.

“Nuestro objetivo es tomar a una persona que nos parezca interesante y ver cómo trabajando juntos lo podemos poner, de alguna manera, en un nivel superior con respecto a su craft, ayudándolo desde el diseño y desde cómo producir. Ver cómo podríamos llevar a cada uno de estos nuevos realizadores y L’OFFICIEL:

AGUSTIN ALBERDI:

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artesanos de la imagen a un nivel superior”, agrega.

Apoyado por Landia como su nave nodriza, el proyecto The Movement cuenta con todas las libertades experimentales de no ser una productora en sí misma, y se permite encontrar nuevos talentos, formarlos y amplificarlos a través de ideas relevantes, de interés y de calidad internacional. Crear contenido significativo y contar historias contemporáneas es parte de este sello audiovisual que comenzó su camino con el mundo de la música. Paloma Mami, Nathy Peluso, The Marías, Ca7riel y C.Tangana se encuentran entre algunos de los exponentes que han sido inmortalizados por este grupo de directores. “El video musical te da esa enorme gratificación de saber que es tuyo y de los artistas”, afirma Alberdi. ¿Qué significa para ti haber ganado un Grammy?

Es el premio que más me gusta. Son básicamente los Oscar de la música. El que tengo fue por un video de Julieta Venegas donde me premiaron como mejor realizador de videos musicales de ese año (en 2010). Hasta ese momento nunca pensé que me podía pasar. Es uno de los máximos orgullos que tengo. Es un galardón que habla mucho de mis intereses y de un momento en el que uno siente que realmente las cosas están sucediendo.

LO:

AA:

LO: Si pudieras elegir entre la música y la publicidad, ¿con cuál te quedas?

AA: Me quedaría con la música, por lo que representa. Lo que ha significado la publicidad es esta posibilidad de viajar muchísimo y todo el tiempo estar relacionándome con gente, con equipos y experiencias muy diversas que siempre he trasladado después a videos musicales o cualquier tipo de contenido o cuestión personal. El mundo publicitario es el que nos da de comer a todas nuestras familias, y nosotros lo logramos capitalizar con algo que nos llena mucho, los videos musicales. Siento que una cosa ha alimentado a la otra de una manera positiva. Te diría que no podrían vivir uno sin el otro en mi caso. La publicidad me ha permitido hacer todos los videos musicales que he querido en el tiempo que he querido.

¿Cómo te ves en cinco años más?

Un poquito parecido. Me gusta mucho este managing que hago y el crecimiento de The Movement; consolidarlo como un sello que trabaja para artistas y creadores de todo el mundo.

En el campo más personal de dirección, estoy con un montón de cosas relacionadas con formatos largos y muchas de ellas me gustaría que sucedieran en la Patagonia. Sería como una especie de vuelta. Intentar hacer un regreso a las vivencias, a los olores, a la gente, pero con todo el background y carrera que he construido filmando por el mundo. n LO:

AA:

Camino al

EXITO El Istituto Marangoni es inherente al amplio concepto de arte, así como la vocación por la educación artística es inherente a Federica Levrero, la consultora de estudios en el exterior de la prestigiosa institución para Latinoamérica y creadora de Fad Connection.

“La creatividad aumenta la libertad”, señala con convicción Federica Levrero. Y probablemente es el mismo principio con el que se fundó en 1935 el Istituto Marangoni, una de las más importantes escuelas de moda y diseño del mundo con sedes en ciudades como Londres, París, Florencia, Milán, Bombay, Shanghai, Shenzhen y Miami, y donde Levrero es su consultora de estudios para Latinoamérica.

“Ayudo a las personas a encontrar su vocación dentro de la industria de la moda”, cuenta, una tarea que puede tornarse muchas veces abrumadora para los postulantes. “Cuando salimos del colegio pensamos que lo único que se puede estudiar en moda es Diseño, y no es así. La industria es gigantesca. Mi rol como asesora en educación es guiar a los estudiantes y presentarles lo vasta que es”, afirma.

El vínculo de la uruguaya con Marangoni nace hace 11 años, cuando asumió la misión de representarlos regionalmente –Chile, Argentina y Paraguay están bajo su tutela–. Entre sus labores no sólo está el ayudar en la elección de una carrera, sino también en aconsejar a los futuros estudiantes respecto de las cartas de aceptación, creación de portafolio y CV, además de la recolección de las referencias y toda la documentación necesaria para poder aplicar y así aumentar las probabilidades de aceptación. “Mi conocimiento de hace tantos años me da la capacidad de entender lo que la institución está buscando, siento esa confianza”, relata.

Federica, además, trabaja para diferentes universidades que imparten carreras en el rubro del diseño, las artes y la moda. Por eso creó Fad Connection, una plataforma de coaching y mentoría especializada en estas áreas que lanzó en pleno peak de la pandemia. “Fue absolutamente desafiante, pero quería ser de esos emprendedores del 2020. Y en realidad es algo que vengo haciendo desde hace mucho tiempo, pero unifiqué la información

y se creó la imagen el año pasado”, manifiesta. Levrero estudió Administración de Empresas, trabajó 12 años en turismo, pero es una apasionada por la educación, específicamente en el área de la creatividad. Siempre le llamó la atención la búsqueda vocacional, por eso es fundamental para ella crear ese match perfecto entre el postulante y la institución correcta. “La creatividad nos permite ser más flexibles y adaptarnos mejor a las circunstancias, por eso mi interés en promover la educación por las artes creativas”, recalca.

Para estudiar no hay límite de edad, de hecho, existen dos perfiles de postulantes: el que recién termina el colegio y desea empezar una carrera universitaria, y el profesional que quiere insertarse en el mundo de la moda o del arte. “Hoy en día la diversidad que hay en las distintas profesiones hace que cualquier cosa que hayamos estudiado antes se pueda ajustar a lo que realmente nos apasiona. Me gusta descubrir cómo unificar los conocimientos que ya tenemos con los nuevos, y así crear un CV único”, asegura. Actualmente, Marangoni tiene algunas de sus sedes abiertas, como la de Londres, mientras que en Milán y en París aún trabajan con un sistema educacional hibrido, donde un porcentaje de las clases son online y otro es presencial.

Levrero habla con elocuencia, sabe que no es lo mismo estudiar en el país natal que en el extranjero, por eso la importancia de tomar una decisión consciente. En Fad Connection, de alguna forma, cimientan el camino al éxito. “Promovemos el intercambio cultural. Ayudamos a los alumnos a tomar una decisión, ya que la claridad conlleva a una vida más ‘sustentable’, puesto que no estarán gastando energía en industrias que no les apasionen.

Ahí es donde se generan la armonía y el equilibrio”, concluye. n

“LA creatividad NOS PERMITE ser MÁS FLEXIBLES Y adaptarnos MEJOR A LAS circunstancias,, POR ESO MI interés EN PROMOVER circunstancias LA educación POR LAS ARTES CREATIVAS” Por PALOMA PAREJA 64

Foto: Cedida.

L’VOIX

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EN la

FORTALE LEZ ZA Desde California, Francisca Valenzuela hace una pausa en medio de un intenso proceso creativo, uno como el que no tenía desde los inicios de su carrera, para reflexionar tanto sobre sus proyectos personales y colectivos en los que participa activamente hace años, y que dan el nombre a su último disco —La Fortaleza-, una amplia gama de significados significados..

Por NICOLAS CASTRO Fotos PATRICIO BATTELLINI Styling ORETTA CORBELLI 66

Total look MAX MARA. anillos, pulsera y collar POMELLATO.

L’ARTISTE

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C

omo a cualquier músico que tiene la suerte de tener el reconocimiento suficiente para habitar en ese eterno ciclo de grabar música para luego viajar tocándola en vivo, la pandemia le impuso a Francisca Valenzuela un receso obligatorio. Una total anomalía que se acentúa, además, por una historia de vida nómade que la tenía viajando constantemente entre Chile y California, su lugar de nacimiento y donde todavía vive parte de su familia.

Por si fuera poco, a principios del año pasado la cantautora chilena reapareció musicalmente con La Fortaleza, su cuarto álbum de estudio, que ponía fin a un silencio discográfico de seis años y que marcaba también su primer trabajo lanzado con el impulso de un sello multinacional. La artista apenas pudo realizar un pequeño puñado de los varios shows que tenía agendados para promocionarlo, incluyendo un tenso paso por el Festival de Viña del Mar. Luego de buscar la manera de adaptarse a esta nueva realidad y perfeccionarse a través de cursos de composición y producción musical, Valenzuela ha entrado en un trance creativo que la tiene haciendo varias maquetas de nuevas canciones, un proceso que interrumpe para esta entrevista, la primera que da en meses. “Mi concentración artística está mucho más dedicada. Y, al mismo tiempo, como los ánimos están frágiles, no tengo tanta energía para hacer todo junto como hacía antes”, nos cuenta a través de Zoom desde Los Angeles.

¿Existe en ti la necesidad de hacer música aunque no la vayas a sacar?

FV: Siempre está la necesidad de escribir, crear y comunicar. Y me doy cuenta porque, aunque escriba decenas de canciones para mantener el músculo en práctica, siempre aparece esa que sí me emociona. Y es una emoción genuina, que me ayuda a un proceso. Puedo pasar horas en ese trance casi espiritual de escribir y componer. He logrado reconocer en este silencio que realmente tengo esa vocación artística y que tengo que hacerle caso. Eso ha sido un regalo que he sentido en este tiempo.

LO:

¿Cómo has luchado para no sucumbir ante la frustración propia de este último tiempo?

FV: Esa sensación existe igual, pero lo que tengo súper incorporado es la perspectiva de la realidad y la gratitud. Tengo la oportunidad de seguir haciendo música, una discográfica con la que tengo el compromiso de lanzarla, una audiencia que ha ido creciendo conmigo por 10 años, en Chile y Latinoamérica. Esa oportunidad me mantuvo siempre tranquila. Si bien me puedo permitir estar mal, no voy a tirar la toalla ni ser autoflagelante. Y si bien todavía no sé cómo vaya a ser el resultado de las canciones que tengo, sí siento un crecimiento y que está cuajando una identidad artística de muchos años y muchas experiencias. Ha sido como un renacer.

LO:

¿Cómo ha sido llevar la relación con esa comunidad en este período más introspectivo?

FV: Hay semanas en que me siento súper conectada y con ganas de participar; otras en que no, no más. A veces porque tengo otros proyectos o simplemente porque estoy más insegura o frágil.

Pero también siento que la comunidad que he podido construir es sólida, generosa y empática. No tengo miedo a que, si no estoy participando una semana en esta rueda de ratón, eso tenga un costo o sienta que me quedo afuera de algo.

LO:

¿Cuándo fue la última vez que pudiste dedicarte tan profundamente a crear?

FRANCISCA VALENZUELA: Creo que al principio de mi carrera. En términos de intensidad o concentración, de seguro ha habido otros momentos, pero siempre han sido más interrumpidos.

L’OFFICIEL:

¿Te ha beneficiado en lo creativo esta obligación de parar?

Es un beneficio difícil de nombrar, por el contexto complejo del mundo, pero el encierro sí me ha obligado a estar sola conmigo misma y darle vuelta a toda mi carrera y preguntarme qué es lo que quiero hacer. El año pasado estaba incómoda, insegura. Pero ahora, por fin llegué a un punto en que aprendí a maquetear sola como yo quería, sin necesidad de banda o productores. Esto me permite dedicarle más tiempo a esta etapa y disfrutarla. No sé cuál va a ser el resultado, pero lo que estoy haciendo ahora se siente coherente. Se siente bien.

LO: FV:

Esa hiperconexión hace que el público esté mucho más pendiente de la opinión de sus artistas favoritos en temas de contingencia. O también de su actitud frente a la pandemia. ¿Cómo lo sientes tú?

FV: Para mí es importante, como ser humano y artista, ser consecuente. Sí hay causas que apoyo y en las que soy bien explícita, pero eso no significa que vaya a estar tomando un rol LO:

“POR FIN LLEGUE A UN PUNTO EN QUE aprendí A MAQUETEAR COMO YO QUERIA, SIN necesidad DE BANDA O productores productores.. ESTO ME permite DEDICARLE MAS TIEMPO A ESTA ETAPA Y disfrutarla” disfrutarla”..

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Conjunto MIU MIU.

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Total look TODS. Collar, anillo y aros BVLGARI. Zapatos, ALEVI MILANO.

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en cada cosa que esté pasando. A veces el arte se topa con algunas causas que son importantes para mí, y ahí es cuando me siento conmovida por su poder de activación. Soy feliz de ser llamada a eso. Y si puedo servir para visibilizar cosas, eso me parece más importante incluso que dar mi propia opinión. Desde mi plataforma puedo también dirigir ojos a personas que estén en la primera línea, haciendo esos cambios sociales que estoy apoyando. Entonces trato de ser cautelosa y criteriosa sobre cómo usarla, porque tampoco puedo ser siempre la persona perfecta.

Act ualmente te ves mucho más cómoda que antes en ese espacio de ser un modelo a seguir para otra gente.

FV: Sí, creo que estoy más cómoda porque también estoy más grande. Para mí la exposición no es fácil y no es lo primero q ue e s toy bu s c a ndo.

Sin duda, quiero que mi música sea exitosa y quiero ser popular con ella. Quiero crecer y desarrollarme, tocar la mente y los corazones d e l a s p e r s on a s , si n embargo, también reconozco que lo necesito hacer en mis propios términos. No puedo estar 100% expuesta, porque no es lo que me hace bien.

Una de esas causas de Francisca ha sido la de visibilizar la profunda desigualdad de género en la industria musical. Con ese f in nació Ruidosa, una plataforma feminista que partió como festival en 2017 y que se ha expandido por la región a través de paneles de conversación, investigaciones y un constante fomento al trabajo de mujeres, tanto arriba como detrás de los escenarios.

Y si bien ya se han logrado hitos —como una investigación que reveló la poca participación femenina en festivales—, la cantante admite que todavía falta mucho. “Vivimos en una sociedad patriarcal, extracapitalista, que tiene una estructura triangular exitista, entonces hay que proponer modelos alternativos de liderazgo en la industria de la LO:

música. Alternativos no en el sentido del éxito, sino del comportamiento, de las referencias y de los estereotipos”. ¿Sientes que se va equiparando más del lado artístico que en el de la industria?

FV: En los dos lados. Me acuerdo cuando estuve en una premiación con un artista y me dijo que le alegraba que hubiese más mujeres, a lo que le respondí que siempre ha habido, lo que pasa es que antes probablemente no las veía. Sí creo que hay más diversidad gracias a los canales de comunicación. Antes, con el control de los medios, éramos pocas mujeres y disidencias, y si las había seguían un mismo fenotipo. Tras bambalinas es lo mismo. Hace tiempo, cuando me empecé a dar cuenta de que no me encontraba con mujeres en reuniones, me cuestionaba lo diferente que habría sido esa conversación si hubiera habido una. Por eso tenemos que levantar y mostrar el trabajo femenino, para que no digan después que no hay.

LO:

LO:¿Crees que se ha avanzado en dejar de hegemonizar la apariencia física de las mujeres para tener éxito en la industria musical? Eso no pasa con los hombres.

F V: Por d a r t e u n e j e mplo burdo, por el que me han dicho anticuada: “Tú no quieres que las mujeres salgan en bikini”. Y yo feliz de que cada mujer salga como ella quiera, pero mi problema es con la reacción social a la decisión de hacerlo o no; las oportunidades que pueden abrirse o cerrarse, por eso, y que hegemónicamente haya una cosa por sobre la otra. Eso es lo que hay que cambiar culturalmente y que todavía se ve en los medios de comunicación o en la sociedad. Las redes sociales, al ser vitrinas individuales, permiten que cada quien tenga su identidad, y por lo tanto que puedan aparecer proyectos que antes hubieran quedado atrapados en el embudo de un medio o un sello. Mientras más pase el tiempo, más f luido va a ser.

LO:

Y en tu caso, ¿le pones mucha cabeza a cómo proyectas tu imagen?

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Total look PRADA. Collar, anillos y aros BVLGARI.

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Total look GENNY. Collar y anillo BVLGARI.

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“EL parámetro QUE TENGO ES MI COMODIDAD. MUCHAS veces ME ENCUENTRO CON QUE ME DICEN ‘ES QUE ESTO NO ES tan TU’, PERO CUANDO TOMO decisiones GENERALMENTE LO HAGO desde LO ARTISTICO”.

FV: El parámetro que tengo es mi comodidad. Muchas veces me encuentro con que me dicen “es que esto no es tan tú”, pero cuando tomo decisiones generalmente lo hago desde lo artístico.

Eso no quita que también tenga muchas inseguridades, como todos los seres humanos del planeta. Exponerse tiene ciertos costos, por lo que uno tiene que ir viendo en lo que se está metiendo y a quién escucha.

En ese sentido, las redes sociales abren el espacio para que gente dé opiniones que no les han pedido. ¿Las lees? ¿Te afectan?

FV: Cuando estoy en una semana activa, sí participo. Leo, respondo comentarios. Siento que, más que un ellos y yo, somos una comunidad. Les interesa lo que estoy haciendo y tiran buena onda, entonces me siento súper agradecida. Pero obvio que uno también se encuentra con mala onda. Y hay veces que eso afecta, y mucho. Y uno tiene esa capacidad humana, apestosa, de que haya 300 comentarios positivos y uno malo, y con ese me venga una especie de fijación magnética (risas). Entonces tengo que hacer un esfuerzo consciente para identificar cuánta energía estoy poniendo en eso y no agrandarlo en mi cabeza.

Es difícil. Pero, en general, la onda que siento en mis redes es buena y es transparente.

LO:

¿Te gustaría que la reapertura te pillara con un disco nuevo listo?

Me encantaría, pero no sé ni cuándo estará el disco listo ni cuándo será la reapertura (risas). Hay muchas incógnitas, por eso estoy concentrada y confiada en que se van a alinear las cosas para cuando sea correcto. Para eso hay que trabajar mucho. Y vivir. He tenido proyectos que me han tenido entusiasmada, pero quiero estar focalizada en lo que quiero hacer. Tengo ganas.

Y tengo la curiosidad de ver hacia dónde me lleva. n LO: FV:

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Total Look ETRO. Botas ALEVI MILANO. Collar y anillos BVLGARI.

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“A veces EL ARTE SE TOPA CON ALGUNAS CAUSAS QUE SON importantes PARA MI, Y AHI ES CUANDO ME SIENTO conmovida POR SU PODER DE activación” activación”..

MAQUILLAJE: Robert

Munoz para Dior Makeup. PELO: Giovanni Giuliano para Art Department LA usando Kevin Murphy. ASISTENTE: Cris Bachmann.

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Camisa y corbata D&G, Pin PRADA, Jumpsuit JEAN PAUL GAULTIER en Tracksize, Aros ARA JWLS.

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JOR JO RGE LOPEZ

conquis conq uistta MUNDO A LA del

Con más de 10 millones de seguidores en Instagram Instagram,, se ha convertido en una de las estrellas latinas de mayor proyección internacional internacional.. Tras su paso por Elite Elite,, uno de los hits de Netflix del último tiempo, ahora enfrenta nuevos proyectos en Brasil y España que lo harán aún más conocido a nivel global. De eso y más conversó en exclusiva con L’Officiel Chile.

Por PAULINA RAMIREZ JOFRE Fotos MAX LAGOS

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P

odría cenar todas las noches en cualquiera de los 22 restaurantes con estrella Michelin que hay en Madrid –ciudad donde está radicado–, pero Jorge López (30) prefiere comer en “La Guatona”, el stand de comida chilena que hay en el Mercado de Lavapiés. También podría andar en un auto último modelo, pero es común verlo pasear por la Gran Vía arriba de una BiciMad, las bicicletas públicas de la ciudad. Y es que a pesar del dinero, la fama y el reconocimiento masivo, él intenta llevar una vida normal. Casi como la que tenía cuando creció en Llay-Llay, en la Quinta Región de Chile.

Pero la de Jorge no es la típica historia del niño que soñaba con ser actor. De chico quiso ser bailarín del BAFONA (Ballet Folclórico Nacional) y en cuanto terminó el colegio hizo la prueba y quedó, pero al poco tiempo su maestra le aconsejó que se dedicara a la actuación. Sin el apoyo de su familia ni dinero suficiente para estudiar, empezó a ir a diferentes audiciones.

Después de realizar algunos proyectos breves en Chile se trasladó a Argentina para interpretar a Ramiro Ponce en la serie de Disney Channel Soy Luna, que le significó comenzar a tener reconocimiento internacional. Hoy, desde la capital española, sigue cerrando contratos relacionados con la actuación y la moda, pero antes se detuvo unos días en Santiago para volver a conectar con los suyos. ¿Cómo ha sido vivir en tres países diferentes mientras la mitad del mundo ha estado confinado en sus casas?

JORGE LOPEZ: Ha sido heavy, porque cada lugar tiene una manera diferente de enfrentarlo. En España lo más difícil fueron los dos meses de confinamiento total, luego hice una vida relativamente normal con mascarilla. En Brasil fue diferente, estuve rodando una serie para Netflix Brasil casi cinco meses, pero grababa y luego tenía que llegar a encerrarme solo en casa. Ahora en Chile siento como si volviera a estar en la primera etapa de la pandemia.

“PREFIERO LOS peluches A LOS likes, PORQUE SON tangibles;; ESTAS tangibles VIENDO LA muestra DE AMOR. LAS REDES sociales SON MAS distantes Y YO soy UNA persona MUY DE PIEL, CON MIS AMIGOS, MI familia”.”. familia

L’OFFICIEL:

Cumpliste 30 años con cuarentena en un país nuevo, ¿pensaste que iba a ser así?

JL: Jamás. Había llegado hacía cinco días a Brasil y tuve que cumplir con el aislamiento obligatorio. Yo me imaginaba la fiesta de mi vida, con todos mis amigos juntos, y de repente me vi solo en un hotel. Me costó entenderlo, lloré, estuve triste, porque me sentí realmente solo, pero me dejó una gran enseñanza y es que no se puede tener expectativas de nada, porque hay cosas que no dependen de ti.

LO:

Y tú estás acostumbrado a hacer lo que quieres…

Siempre, a como dé lugar. Yo siempre me las he ingeniado para hacer lo que quiero.

LO: JL:

¿De dónde viene esa constancia?

De un lugar donde no fue todo fácil, porque en un principio mi familia no estuvo de acuerdo en que me dedicara a la actuación. Entonces, lo único que tenía era a mi, y si yo faltaba a mis horarios, a mis cosas, a mi agenda, no tenía en quién apoyarme.

Eso me enseñó a ser constante.

LO: JL:

¿Cómo fue pasar de ser un chico Disney a un chico malo en Élite?

Yo tenía miedo a la crítica por el estigma de venir de Disney, pero no fue así, sino todo lo contrario. Cuando vi la respuesta del público y de la prensa cuando gané el premio “Mejor Actor Internacional” de GQ México en 2019, sentí que todo tenía sentido.

LO: JL:

¿Cómo fue cuándo te empezaron a reconocer en la calle por Madrid?

Al principio fue un poco duro, el reconocimiento era heavy.

A mi no me molesta, de hecho encuentro que es una muestra de amor súper enriquecedora, aunque a veces hay situaciones particulares donde invaden tu privacidad. Yo tengo claro que son los costos, la gente no tiene por qué entender eso, así que siempre trato de ser buena onda.

LO: JL:

¿Por qué decidiste quedarte en esa ciudad?

Desde que conocí Madrid en 2018 mientras hacíamos una gira con el equipo de Soy Luna, supe que iba a ser mi ciudad.

Me acuerdo que salí del hotel a la calle y dije “aquí quiero vivir”.

Me gusta el estilo de vida que llevo, independiente de lo laboral, las actividades que hago, las amistades que tengo, los circuitos en los que me muevo.

LO: JL:

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Top ALEXANDER WANG, Sweater LORAINE HOLMES, Reloj CARTIER, Pantalon ANN DEMEULEMEESTER, Aros ARA JWLS.

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Boina CHARLES JEFFREY LOVERBOY. Turtle neck CALVIN KLEIN. Pantalón JEAN PAUL GAULTIER en Tracksize. Zapatos PRADA. Blazer HERMÈS. Aros ARA JWLS.

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Cuéntame cómo es un día tuyo allá…

Salgo de casa por la mañana, me tomo un café con leche de avena de un café japonés que está en el barrio de Malasaña.

Luego, por lo general, voy al gimnasio. Me gusta andar en bicicleta, a veces con mis amigos vamos a algún parque a ver el atardecer. También me gusta ir a comer a los mercados.

LO: JL:

LO: JL:

LO: JL:

¿Cómo es tu relación con las redes sociales?

Cada vez más distante. ¿Tú manejas tus redes?

Sí, ninguna empresa es Jorge López, soy yo.

Con más de 10 millones de seguidores, ¿cuántos inbox te llegan al día?

JL:¡Miles!

LO:

¿Alguno divertido que se pueda contar?

(Ríe) Mucha piel, mucho piropo XXX, mucho acting, la gente es muy performática, me encanta igual.

Las redes sociales son más distantes y yo soy una persona muy de piel, con mis amigos, mi familia. ¿Qué te hace sentir chileno? ¡Mi amor por los completos! (ríe). Creo que tenemos un lenguaje súper especial, expresiones que no se me han ido, como el “po”.

LO: JL:

LO: JL:

Empezaste a ser famoso con autógrafos y ahora te piden selfies…

JL: Sí, viví las dos experiencias, porque cuando estaba en Disney no se usaban tanto las redes sociales, era mucho más de autógrafos, de pancartas, de peluches. Muy bonito, era más romántico.

LO:

LO: JL:

¿Prefieres los peluches a los likes?

Sí, porque es más tangible, estás viendo la muestra de amor.

¿Cómo describes tu paso por Argentina?

Fueron cuatro años de mi vida muy importantes, de consolidación a nivel personal. Ahí me empoderé y creí en mí. Los argentinos tienen una personalidad súper cautivadora, rápida y creativa, me encantan.

LO

JL:

¿Qué es lo más grato de la fama?

Cuando uno marca a una persona es muy bonito. Yo no quería ser un actor famoso, en mi caso la fama es una consecuencia de algo que no fue premeditado, y lo más grato es cuando te das cuenta de que tu trabajo ha sido un aporte para otra persona.

LO: JL:

¿Y lo más ingrato?

Que es una vida súper solitaria; aunque son solo momentos y la soledad tampoco es mala.

LO:

“QUIERO hacer CINE, PARA ALLA VAMOS. TENER ALGUN reconocimiento,, reconocimiento UN PERSONAJE cinematográfico QUE DIERA QUE HABLAR, TAL VEZ EN Estados Unidos O CON ALMODOVAR”.

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JL:

Me gusta eso que dices de que la soledad no es mala...

Es que depende de cómo la mires y cómo la utilices. Me he sentido solo, he llorado y he pasado por situaciones de mierda, pero es necesario pasar por esas experiencias para poder ver las cosas con altura de miras.

LO: JL:

¿Cuál ha sido el escenario que más miedo te ha dado enfrentar?

Cuando hice la última prueba para Élite, era algo súper íntimo, en vivo, frente al productor ejecutivo y al director. Cuando bailé con Madonna en Toronto también fue heavy.

LO: JL:

¿Te da miedo que te encasillen en personajes como Valerio Montesinos?

JL: Miedo no, porque lo mismo me pasó con Disney y logré deconstruir a ese personaje. Ahora tengo que deconstruir al chico Élite.

LO:

¿Quién te inspira en tu carrera?

Varias personas. Jack Nicholson me parece un intérprete muy interesante. David Bowie, por su identidad, su forma de vestir, él como performance. De los españoles, Javier Bardem.

Me gusta su honestidad, es sincero en su actuación. De los chilenos, Pedro Lemebel; su rol fue fundamental, sus registros literarios, su acción social, su lucha, ¡todo! Existe un lugar en su marginalidad en la que me siento reflejado.

LO: JL:

Trench CHARLIE & H. Aros ARA JWLS. Camiseta LA MARTIC. Pantalón MARTIN LUTTECKE. Reloj CARTIER.

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Top ALEXANDER WANG. Traje D&G. Aros y collar ARA JWLS. Reloj CARTIER. Banano PRADA. MAQUILLAJE: Ivan Barría. RETOQUE: Caro Salamanca. ASISTENTE DE PRODUCCION: Catalina Mellot.

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“EN UN principio MI FAMILIA NO ESTUVO DE ACUERDO EN QUE ME DEDICARA A LA actuación actuación.. ENTONCES, LO UNICO QUE TENIA ERA A MI MISMO, Y SI YO faltaba A MIS horarios horarios,, A MIS COSAS, A MI AGENDA, NO TENIA EN QUIEN apoyarme apoyarme.. ESO ME ENSEÑO A SER CONSTANTE”.

PR: JL:

¿Has sentido discriminación por ser chileno?

No sé si por ser chileno, pero sí por ser latino a veces.

¿En qué lo has visto?

La palabra discriminación es muy fuerte. Creo que tiene que ver con una cosa de desconocimiento, somos culturas diferentes y por eso herir sensibilidades puede ser más fácil.

PR: JL:

LO: Pero igual es sabido que ser latino tiene una carga en industrias como el cine…

JL: Yo soy altamente sensible, entonces prefiero no enganchar con ese tema y sí enfocarme en mi trabajo, no tomarlo como algo personal. Es algo que he aprendido con el tiempo. Cuatro años atrás quizás otro gallo cantaría.

¿Hay algo que falte en tu vida?

Tiempo. Tiempo para mí, porque como mi carrera es tan importante a veces me pospongo, es como cuando pospongo el despertador en la mañana, que lo hago al menos cinco veces, eso mismo hago conmigo. A veces echo de menos mi vida fuera de un rodaje, pero también pasa algo muy importante y es que yo amo mi trabajo y el estilo de vida que conlleva, no es una vida tipo.

LO: JL:

¿Cuál es tu mayor temor?

Vivir una situación que es totalmente probable, que tiene que ver con perder a un ser querido; eso me da mucho miedo, pánico. No estoy preparado para perder a mi abuela o a mi madre.

LO: JL:

¿Cómo te relacionas con los movimientos sociales de este tiempo? ¿Hay alguno que te represente?

JL: Muchos. No milito porque siento que me falta información, y si voy a tomar la voz por algo no lo quiero hacer mal. Gracias a los movimientos sociales las cosas están cambiando, se están abriendo mentes, hay más tolerancia, más aceptación. Soy pro no discriminación; me identifican las luchas de las minorías sexuales, el feminismo, la igualdad en todo tipo de ámbitos, todo lo que sea inclusivo.

LO:

¿Cómo te gustaría que fueran tus titulares en 10 años más?

JL: Quiero hacer cine, para allá vamos. Tener algún reconocimiento, un personaje cinematográfico que diera que hablar, tal vez en Estados Unidos o con Almodóvar.

LO:

¿Cómo describes tu relación con la moda?

Súper honesta, es como una amiga, un amigo. Es instintiva, ha surgido por mi forma de ser y quiero seguir haciendo proyectos relacionados a la moda. No tenía como objetivo andar metido en los Fashion Weeks, jamás pensé que iba a pasar, pero se ha dado y me encanta. La moda me gusta, me divierte, es una manera de expresarse: es arte.

LO: JL:

¿Algún proyecto en este ámbito?

Sí, pero prefiero no contarlos aún, como todo está cambiando tan rápido tal vez después no resulten…

LO: JL:

¿Qué suena ahora en tu playlist?

Brasil, tengo pura música brasileña por el idioma, porque en la serie que estaba haciendo (en Sao Paulo) tenía que hablar portugués.

LO:: JL:

Y ahora, mirando hacia atrás, ¿qué consejo le darías al Jorge de 18 años que se fue de su casa para estudiar teatro?

JL: Que siga su instinto, ese es mi consejo para todos. n LO:

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HEAVY metals

No todo lo que brilla es oro. La prueba está en la relojería,, donde el color plateado inspira las esferas y los relojería diales. Desde que el reloj pulsera reemplazó al de bolsillo en el guardarropa masculino, a principios del siglo XX, la plata desapareció casi por completo de los catálogos, cediendo su lugar al acero inoxidable, el oro blanco (como en Hermès) o el platino. Los relojeros también continuaron innovando con nuevos materiales. Para sus “Luminor”, el relojero italiano Panerai desarrolló una nueva aleación con el nombre de Platinumtech Platinumtech,, más fuerte y sólida que el platino regular. Luego de cosechar innumerables elogios en los últimos años, los relojes de acero se encuentran entre los modelos más deseados y hay que armarse de paciencia si se espera adquirir el popular “Odysseus” “Odysseus”,, el primero de su tipo producido por el fabricante alemán A. Lange & Söhne.

Söhne. Inicialmente, el acero fue el metal preferido de relojes profesionales como los “Breitling Chronomat”, pero luego conquistó todas las gamas, desde el deportivo chic “Overseas” de Vacheron Constantin a los más refinados de Cartier y Montblanc, y demostró ser tan versátil como hermoso.

Fotos JENNIFER LIVINGSTON 88

“Star Legacy Automatic Date 43mm”. MONTBLANC.

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Chronomat B01 42, BREITLING.

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“Odysseus” en acero inoxidable con esfera azul. A. LANGE & SÖHNE.

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“Santos Dumont”. CARTIER.

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“Speedmaster Moonwatch Master Chronometer”. OMEGA.

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“Overseas Dual Time” con esfera blanca. VACHERON CONSTANTIN.

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“Carrera Porsche Chronograph Special Edition”. TAG HEUER.

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“Luminor Marina Platinumtech 44mm”. PANERAI.

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MODELOS: Aedan, Nrada

“Arceau L’Heure de la Lune”. HERMÈS. y Zheng (IMG). Jorge Dorsinville. MAQUILLAJE, PEINADO, MANOS: Charlotte Day. PRODUCCION: Jenny Friedberg CREATIVE CHAOS. TECNOLOGIA DIGITAL: Dallas Raines.

RETOQUES: Picture House. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Hans Olson. ASISTENTE DE ESTILISMO: Robbie Gutman.

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VESTUARIO emocional Tanto el padre de la moda masculina Nino Cerruti, Cerruti, como la actual estrella de la industria Kim Jones, se han convertido en maestros dentro de su oficio, mezclando sastrería y tradición con una innovación e ingenio que trasciende generaciones.

Por PAMELA GOLBIN 98

C

erruti habla perfecto en francés, salvo por un ligero acento que revela sus orígenes italianos. Dice que “para construir el futuro, debemos respetar el pasado sin quedarnos pegados en la memoria de las cosas”. Esto encarna la elegancia de su trabajo. Hoy, a sus 90 años, el diseñador representa la excelencia del lujo que caracteriza la casa de moda que lleva su nombre. Profundamente anclado en sus raíces, se tomó la fábrica de telas familiar fundada por su abuelo en Biella, Italia en, 1881, y abrió su propia casa de moda parisina en 1967. Desde entonces, es pionero en la facilidad del vestir italiana, marcada por la chaqueta desestructurada, con una fluidez del diseño entre la ropa masculina y femenina.

Kim Jones, el nuevo virtuoso de la moda proveniente de Gran Bretaña, sostiene una visión extravagante –pero portátil– que va más allá de los géneros establecidos, instaurando un espíritu innovador personalizando el lujo para todos. “No me gusta usar la moda para fines políticos, sino para crear a joie de vivre”, dice. “La moda hace que las personas se sientan bien con ellas mismas. Tiene ese poder”. Viajero del mundo, el diseñador es conocido por comprender el estilo urbano que está constantemente tomando inspiración en las subculturas del estilo callejero, y usa esa energía para reinventar la sastrería y el vestuario moderno. Recordando su niñez, Jones habla sobre el nomadismo de su padre hidrogeólogo y de su largo viaje que lo llevó desde América Latina hasta África, antes de que se estableciera en Londres. Hoy, a sus 47 años, tiene

el doble título sin precedentes de director artístico tanto para la colección masculina de Dior en París como para la colección de vestuario femenino de Fendi en Roma.

A pesar de que ambos diseñadores provienen de diferentes épocas, una pasión en común los une e impulsa: el traje.

Transmitido de generación en generación para convertirse en una perfección sartorial, el savoir faire de la sastrería demanda un buen ojo para los pequeños detalles e increíbles terminaciones casi imperceptibles a simple vista.

“NO ME GUSTA SER nostálgico. ME GUSTA SEGUIR adelante”.

—KIM JONES

L’OFFICIEL: Adolf Loos, el padre de la arquitectura moderna, era un “suit-o-phile” y defendía el traje a medida como un arquetipo del diseño progresivo. ¿Qué significa para usted el traje?

NINO CERRUTI: El traje es una prenda muy tramposa. Para mi, tiene su alma propia. Un mismo traje refleja un estado anímico distinto dependiendo de la persona que lo use. Uno podría escribir una historia sin fin sobre la psicología del vestuario.

Usted ha guardado una gran colección en su propio armario…

Siempre he elegido mis prendas con un gran cariño. Me han acompañado en el viaje de mi vida, por eso nunca logro separarme de ellas. Es como tener un álbum de momentos importantes, con el beneficio que además trazan una evolución en la moda masculina desde la década de 1950.

LO:

NC:

Cuando hablamos de la importancia de las fibras textiles, Alexander McQueen comenta que “La idea es usar un material que transforme el cuerpo humano”. ¿Qué significa eso para usted, Mr. Jones?

KIM JONES: (McQueen) era un amigo y un mentor, pude verlo drapear y cortar. Para mi, las fibras textiles siempre han sido el punto de partida de una colección. Cuando los hombres compran, primero sienten la prenda antes de probársela.

Dependiendo del material, la sastrería puede volverse bastante fluida. En Dior hemos estado trabajando en el drapeado y en otras interesantes técnicas para crear diferentes tipos de prendas que puedan ser usadas no solo en un ambiente formal, sino también en una moda más deportiva, lo cual es muy italiano y, en este día y época, bastante relevante.

Retrato Señor Cerruti: cortesía de la marca.

LO:

NINO CERRUTI, GENTILEZA DE HOUSE OF CERRUTI.

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relajado. En la década de 1960, los jeans fueron la última competencia del mundo de la sastrería. Hoy en día, la moda hace una moderna interpretación de las necesidades actuales.

La relación entre el cuerpo y la forma de la silueta está en constante evolución.

KJ: Me interesa la chaqueta desestructurada por su comodidad y fluidez. Creo que es una manera más fácil de vivir y aun así uno se puede ver extremadamente formal o inteligente y me encanta eso. Cuando estaba estudiando, era muy importante para mi aprender cómo hacer el patrón de corte de una chaqueta de manera apropiada para después ser capaz de adaptarla a una más moderna.

LO: Una parte importante del ADN de Christian Dior está expresado en el Bar Suit, que encapsula la silueta del new look del año 1947. ¿Cómo ha influido eso en sus colecciones de ropa masculina?

KJ: Quería respetar al fundador de la casa de moda y mirar su punto de partida. Es estimulante por que el Sr. Dior estableció códigos muy modernos que siguen siendo muy actuales e intrigantes para las personas. Desde el Bar Suit, usamos el botón cubierto y cosido a mano. También observamos los diferentes lineamientos y estudiamos su construcción para luego crear una versión masculina. Hicimos el Oblique Suit, una chaqueta cruzada de un botón que se inspiró directamente de la chaqueta cruzada de múltiples botones femenina del año 1948. Nos gustó la idea de simplificarla y modernizarla para el siglo XXI. Miro mucho las fibras textiles antiguas, porque la calidad era mucho mejor y nosotros rehacemos las telas, pues realmente soy muy exigente con los detalles.

LO:

Como director creativo de Dior Men, usted está lanzando una colección de sastrería moderna.

KJ: Sí, estábamos observando la sastrería en un modo diferente a la ropa formal obvia y queríamos siluetas más desestructuradas, lo que para mí es más moderno. Queríamos crear piezas que le hablaran a una generación más joven que quiere vestirse formal pero, que no sabe cómo hacerlo. La colección tiene una cierta simplicidad que va con la vibra que proviene de la ropa deportiva americana, pero también incorpora la esencia italiana de la sastrería.

LO:

LO: Sr. Cerruti, se le ha atribuido la invención de la chaqueta no estructurada. ¿Cómo ocurrió eso?

NC: El gran cambio fue el deseo de tener un armario más

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EN SENTIDO HORARIO DESDE ARRIBA: FABRICA DE TELAS DE LA FAMILIA NINO CERRUTI EN BIERRA, ITALIA; NINO CERRUTI EN SU TALLER; UN TRAJE DE CERRUTI, IMAGEN DE SU ARCHIVO PERSONAL; IMAGENES DEL ARCHIVO PERSONAL DE NINO CERRUTI.

KJ:

¿Le gusta mirar al pasado?

Sí, pero no me gusta ser nostálgico. Me gusta seguir adelante.

LO: Después de un año de llamadas a través de Zoom, ¿cómo se verá el traje de la postpandemia?

NC: Pronto redescubriremos un nuevo placer en lo que usamos.

KJ: Concuerdo contigo completamente, creo que las personas van a vestirse formal más seguido y van a querer expresarse, porque han estado encerradas durante mucho tiempo. Sé esto por lo que nuestros clientes están comprando y por lo que hablan mis amigos. Estamos ansiosos por salir y conseguir cosas nuevas para usar y sentir que estamos disfrutando la vida nuevamente. La casa Dior se fundó justo después de la Segunda Guerra Mundial, y si bien la pandemia no es una guerra, definitivamente ha impuesto restricciones. La libertad es un privilegio tal que hace que nos expresemos más. Creo que todos tenemos el mismo optimismo.

“LO QUE VISTES NO ES suficiente suficiente.. ES COMO LO USAS Y esto REQUIERE DE UN instinto NATURAL. TIENES que SER TU MISMO Y REINTERPRETAR LAS reglas PARA adaptarte A QUIEN ERES”.

—NINO CERRUTI

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¿Cómo ve las diferencias culturales y técnicas entre los trajes británicos, franceses e italianos?

NC: Pienso que una prenda hecha a la medida siempre tiene algo que la diferencia, no solo de un país a otro, sino también entre un sastre y otro, ya que se fabrica de manera artesanal. Es el equivalente a una firma personal.

KJ: Italia tiene un aire más relajado, pero también es muy chic.

Inglaterra se viste de una manera muy “adecuada”, como un caballero inglés, por así decirlo. Francia es un poco la mezcla entre ellos dos. Cuando pienso en el vestuario masculino, pienso en Italia y en Londres más que en Francia, porque para mí París es alta costura. En Dior me fijo en formas de embellecer y en las proezas técnicas. Disfruto trabajando alrededor del mundo y observar cómo reaccionan y abordan las cosas diferentes personas. Lo que encuentro impresionante de los artesanos italianos es la increíble calidad y rapidez con la que hacen las cosas. Me deja boquiabierto.

LO:

EN SENTIDO HORARIO DESDE ARRIBA: DIOR MEN SAVOIR FAIRE TAILORING FOTOGRAFIADO POR SOPHIE CARRE; ESMOQUIN DE SASTRERÍA DIOR MEN SAVOIR FAIRE FOTOGRAFIADO POR POL BARIL; DIOR MEN MODERN TAILORING FOTOGRAFIADO POR BRETT LLOYD; BACKSTAGE EN DIOR MEN PRIMAVERA / VERANO 2019 FOTOGRAFIADO POR MORGAN O’DONOVAN.

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Usted ha estado trabajando con los reconocidos talleres de Dior. ¿Cómo ha enriquecido su proceso?

KJ: Es una manera muy distinta de trabajar. Un atelier va a tener cinco soluciones distintas a un detalle del diseño de un bolsillo, mientras que una fábrica va a hacer exactamente lo que tú le dices que haga.

LO:

¿Cómo une diseños extravagantes con ropa usable?

Mi propósito para cada una de estas casas es que cada pieza sea un producto vendible. Al final del día, estoy más interesado en que la gente compre la ropa que diseño que en lo que diga la crítica. Pienso que soy un afortunado, tengo un buen balance entre los dos. Me encanta ver a alguien usando la ropa que yo diseñé, porque sé que se siente bien consigo mismo y creo que eso es importante cuando se trabaja en moda.

LO: KJ:

Sr. Cerruti, usted estaba muy inspirado en el trabajo del análisis del comportamiento del consumidor de Ernest Dichter…

NC: Él fue uno de los primeros en analizar la motivación detrás del comportamiento del consumidor. Siempre he estado interesado en el aspecto sociológico de la moda. Su trabajo fue muy importante en eso; explicaba no solo las razones detrás de la producción de prendas, sino también las necesidades del mercado tanto de hombres como de mujeres. La ropa refleja la realidad de la vida, es por esto que desde mi primera colección en adelante me gusta presentar el vestuario femenino y masculino juntos. Los cambios hoy en día ocurren mucho más rápido que antes, hay una fluidez entre los géneros que seguirá acelerándose en la próxima década.

LO:

LO: Usted ha hecho mas de 150 colaboraciones para películas y a menudo viste a actores de Hollywood ganadores del Oscar. ¿Qué tan diferente era el proceso de confeccionar trajes para la pantalla y como influyó eso en sus colecciones de moda?

NC: Mi vida personal siempre estuvo presente en mi trabajo.

Era un apasionado del cine, pero este también era una forma de difundir el mensaje que quería transmitir mediante la moda fuera de las tiendas. En ese tiempo, el cine era incluso una parte más importante de nuestras vidas de lo que es hoy día.

Mi primer desfile de moda fue en 1958 en Roma, y le dije a la

“ME encanta VER A alguien CON ROPA QUE HE diseñado PORQUE SE QUE SE sienten BIEN CONSIGO mismos”.. mismos” –KIM JONES

hermosa Anita Ekberg que usara mi ropa. Ella estaba recién terminando La Dolce Vita de (Federico) Fellini. Y así fue como empezó. Nunca impuse piezas de mi propia colección, prefería diseñar prendas para cada personaje en específico para complementar de mejor manera su rol. Muchos actores inicialmente eran clientes en mi boutique en París y después los vestía para sus películas. En ese tiempo, los campos creativos estaban más separados y yo quería agruparlos. La

DESDE ARRIBA — IMAGENES DE LA CAMPAÑA DE CERRUTI FOTOGRAFIADAS POR PAOLO ROVERSI DEL LIBRO “IMAGENES. CERRUTI. PAOLO ROVERSI ”; VISTA DE LA INSTALACION DEL SR. NINO CERRUTI EN 2016, CORTESIA DE PITTI IMMAGINE; BLAZERS CERRUTI CREADOS PARA PELÍCULAS IZQUIERDA, DE IZQUIERDA A DERECHA: ABRIGO DE CERRUTI CREADO PARA UNA PELICULA; NINO CERRUTI DE SU ARCHIVO PERSONAL.

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trabajar con personas que uno admira, ama y de quienes puede aprender. Cuando veo jóvenes diseñadores talentosos, quiero que les vaya bien y ayudarlos en lo que necesiten. Se trata de devolver lo que se te ha dado.

Sr. Cerruti, ¿cuál ha sido el cambio más sorprendente de las industria desde que usted empezó 70 años atrás?

NC: El cambio de escala y el increíble alcance de la moda. La industria era pequeña cuando yo empecé en comparación a lo globalizada que es hoy día. Mi familia ha estado involucrada con fibras desde principios del siglo XIX. Me adueñé del taller familiar y en unos años comencé a diseñar. Desde entonces, ha ocurrido un cambio destinado a diseñar prendas que sean más cómodas. Esto se debe a la evolución de nuestro estilo de vida y comportamiento social. Es muy interesante ver cómo el armario del hombre cada vez es más parecido al de una mujer.

KJ: Siempre he considerado el vestuario femenino como una referencia del vestuario masculino y siempre he sido consciente de ello. Tenía más amigas mujeres que amigos hombres.

NC: Creo que en el mundo de hoy debemos preservar nuestra emoción. Para mí, la moda es emoción, y me encanta. La lógica es fascinante, pero a veces un poco aterradora.

LO:

¿Cuál es el lugar de la elegancia en la moda?

“La elegancia” es una palabra que me pone nervioso, porque las personas la utilizan de una forma muy artificial. Se puede aprender, pero se debe tener una disposición natural para ello.

Lo que vistes no es suficiente. Es cómo lo usas y esto requiere de un instinto natural. Tienes que ser tú mismo y reinterpretar las reglas para adaptarlas a quien eres. n

LO:

NC:

moda, el arte, el cine… colaboraciones entre distintas áreas se han convertido en algo trivial, pero no siempre fue así. Kim, sé que tú eres cercano a Kate Moss. Ella estuvo en varias de mis campañas y tuvimos una muy buena relación de trabajo, incluso las veces en que ella tenía un carácter difícil. Tengo muy buenos recuerdos de nuestras sesiones de fotos en el sur de Francia con Paolo Roversi. Tiene un gran estilo.

KJ: ¡Le diré eso!

Sr. Cerruti, usted ha nutrido a varias generaciones de importantes diseñadores: Giorgio Armani, Veronique Nichanian en Hermès, y también a Stefano Pilati…

NC: He sido un privilegiado en mi vida, no solo por trabajar por un largo tiempo sino también de compartir mi pasión con otros. Hay much,o conocimiento que se adquiere en la experiencia y necesita ser transmitido. La moda es un mundo precioso que ofrece mucho y te puede otorgar una gran satisfacción.

KJ: Sí, creo que la moda se forma por una comunidad de personas. Y el Sr. Cerruti tiene razón, es una hermosa industria. Muchas personas a mi alrededor han sido muy generosas, como Stefano Pilati, quien es uno de mis diseñadores favoritos. A pesar de que la moda se ha convertido en una enorme potencia económica mundial, es genial poder LO:

DESDE ARRIBA: UN LOOK DE DIOR MEN PRE-FALL 2020; UN LOOK DE DIOR MEN PRIMAVERA / VERANO 2020; UN LOOK DE DIOR MEN PRE-FALL 2021; DAVID BECKHAM VISTIENDO DIOR PARA LA BODA REAL EN 2018; KYLIAN MBAPPÉ VISTIENDO DIOR A LOS PREMIOS UNFP EN 2019. DERECHA, PARTIENDO DESDE LA IZQUIERDA: UNA MIRADA DE DIOR MEN OTOÑO / INVIERNO 2020; KIM JONES EN DIOR MEN PRIMAVERA / VERANO 2020.

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EL

DIVAN

VIRTUAL de ANTONIA GIESEN

No es una obra de teatro. La actriz iba por una aventura a Berlín y sorpresivamente el vuelo la dirigió a algo muy cerca ‘de casa’: en medio de la pandemia, la actriz se reconectó con su primera profesión, la sicología.

Por LUCY WILLSON Fotos DANIEL TOLEDO

PAGINA OPUESTA: Pañuelo

ZARA. Abrigo LORAINE HOLMES. Pantalón SANDRO.

L

a pantalla está llena de personajes con superpoderes: vuelan, corren a la velocidad de un rayo, leen la mente, se hacen invisibles y así suman y siguen. Extrañamente, entre la ficción y realidad, la actriz y sicóloga Antonia Giesen (29) también desarrolló una cualidad que coquetea con la fantasía: está y no está. Casi un juego de espejos que intenta confundirte.

Así sucedió con “Pacto de sangre”, donde era una escolar con una doble vida en que intercambiaba sexo por dinero. Era el personaje que detonaba el drama de la telenovela, presente para todos y ausente en cámara. En “La jauría” también generaba la crisis de una comunidad colegial por su desaparición tras una protesta feminista.

Hoy hablamos frente a la pantalla del computador sobre su activa presencia en Chile. Allí está un clip musical para la canción Si bien, de Bronko Yotte; el personaje del podcast sobre un futuro distópico Borrado; el premio Caleuche que se llevó este año por la película El hombre del futuro; los lazos que dejó la miniserie de Chilevisión con la TV española “Inés de alma mía”, el próximo estreno en cine de “La Verónica” y su rodaje con los realizadores de “Casa Lobo”.

En cada uno de estos proyectos locales ella es figura, y los mira con una distancia literal y extendida, pues va para los dos años de estar instalada en Berlín. Partió en modo aventura a Alemania junto a su marido coreógrafo, Domingo del Sante, y su hijo Mateo (11). Allá la pilló el coronavirus, del que se contagió cuando su pareja regresó de un workshop en Suiza. También en esa ciudad se vio corriendo tras el esquivo idioma y, quizás, lo más relevante, en esa capital se dio el reencuentro con su gran amor pre-actuación: la sicología.

Antonia abre la pantalla luego de atender a un paciente en Chile. En un acotado escape a Santiago para grabar “La jauría 2”, aprovechó para reactivar su red. Hoy está dedicada a su primera profesión con un diván virtual que despliega desde la capital alemana. Ya está a todo ritmo. Cuando formaba parte del elenco de “Sres. Papis” cursaba su último año en sicología.

Se tituló mientras ascendía en reconocimiento y trabajó un buen tiempo en la salud pública en el Centro de Salud Mental (Cosam) de Ñuñoa. “Fue una gran experiencia simultánea a la actuación. En algún momento paré y dije: me tengo que dedicar a esto. Debía concentrarme y tenía mis rollos entre personales y éticos con el tema de estar atendiendo y salir en la tele. Estuve medio confundida, hasta que lo aclaré. Así tuve pacientes que sabían de mi otro trabajo, así que no interfirió mucho”, aclara.

¿Por qué pusiste pausa a la sicología?

Salí porque me salieron proyectos, como “Pacto de sangre” y la película “Ema”. Era mucha pega y no podía atender a tantos pacientes. Entonces llegó el momento en que dije: tengo que elegir.

L’OFFICIEL:

ANTONIA GIESEN:

¿Cómo fue retomar la clínica?

La dejé en stand by hasta que me fui con “Inés del alma mía” a España, Perú, Chile y me mudé a Alemania. Entonces, cuando partió la pandemia, me puse a atender de nuevo.

LO:

AG:

¿Tenías pacientes?

No, ya que había dejado la consulta en la época del Cosam y cuando también partía con la atención privada. Pero acá se dio la necesidad desde varios lugares: tenía ganas de hacer algo –porque me vine a Berlín sin ningún proyecto en particular–, estaba lo

LO:

AG:

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monetario, el tema de que tenía una profesión en cuerpo y cómo no iba a hacer nada con ella y, también, extrañaba la sicología y la clínica específicamente.

Estaba en ese proceso cuando tomó el avión de regreso a Chile por la segunda temporada de “La jauría”. Optó por mantener a sus pacientes y no seguir aumentando horas para coordinar sin estrés con la agenda frente a cámara. “Lo logré, volví y sigo con los pacientes”, cuenta. Ante el comentario sobre el retorno a pantalla de la serie “In Treatment” con una mujer como analista (Uzo Aduba, famosa por su papel de Crazy Eyes en “Orange Is The New Black”), Antonia repara: “Cuando estudiaba revisaba algunas de las escenas. Ojalá sea buena, porque siempre me da mucho nervio y tengo reparos cuando hacen el ‘mono’/ estereotipo de la escena de sicoterapia. Tiende a ser tan alejada”.

Ibas a Alemania por una aventura, pero te pilló la pandemia, ¿cómo es una inmigrante encerrada?

AG : Un poco raro porque, de alguna manera, ‘mi pandemia’ –en términos simbólicos– comenzó antes: venirme a un lugar distinto implicaba dejar mi trabajo y también dejar de conectar con ciertas personas y una rutina determinada. Entonces, cuando me mudé ya venía en esto que, luego, hizo replantearse a todo el mundo.

LO:

¿El reseteo? ¡Sí, tal cual! El reseteo de preguntarse: ¿qué hago?, ¿para qué sirvo?, ¿cuáles son mis rutinas?, ¿qué tengo ganas de hacer?, ¿cómo lo hago?, ¿a quién le hablo?, ¿con quién quiero estar? ¡Todo eso! En mi caso también fue reconectar con mi hijo, porque al llegar acá pasé de tener full pega a estar sin trabajo. Entonces fue lo mismo que les sucedió luego (por el confinamiento) a todos los papás y mamás: estar en la casa 24/7 y decir ‘hola, cuáles son los hijos que tengo’.

LO:

AG:

“VENIR A UN LUGAR distinto IMPLICABA DEJAR MI TRABAJO Y también DEJAR DE CONECTAR CON ciertas PERSONAS Y UNA CIERTA rutina”.”. rutina

Top de punto ALEXANDER WANG. Pañuelo HERMES como top. Cadena BALENCIAGA. Pantalón LORAINE HOLMES.

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ESTA PAGINA: Cadena

PAGINA OPUESTA: Cadena BALENCIAGA. Top H&M. BALENCIAGA. Top ALEXANDER WANG. Pantalón DIESEL. Chaqueta como falda, colección personal. Zapatos ZARA.

Cadena BALENCIAGA. Top H&M. Falda LORAINE HOLMES.

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“ESE proyecto (“Borrado”) ES MUY ESPECIAL, PORQUE HABLA DE inteligencia ARTIFICIAL, EL FUTURO Y SE mezcla CON UNA CRITICA A LAS relaciones DE PODER. ES MUY interesante.

Y ME gusta”.

¿Qué falta?

Carecer de palabras y poder hacer gestos. Pero sí, me parece muy interesante la aparición de nuevos formatos para no dejar de ‘hacer’. Creo que la gente se ha enfrentado a un nivel de creatividad para poder sobrevivir, no sólo por necesidad económica, sino que porque en lo creativo está la vitalidad.

LO:

AG:

¿Consecuencias?

Puede sonar extraño, pero a nosotros nos pegó muy bien la pandemia. Sí, ha habido un tema con el cuerpo, con las ganas de hacer deporte. Los tres somos bastante activos, de hacer escalada, talleres, y mi hijo que juega un montón. Pero nos ha servido para conectarnos y, en ese sentido, conformamos un buen clan.

También me obligó a que no partiera al tiro por otro proyecto.

Todo puede ser ahora y mañana no. Esa es la dinámica.

LO:

AG:

En este “estar, pero no estar” en Chile participas en “Borrado”, la serie en audio con Marcelo Alonso en la plataforma Emisor Podcasting. ¿Cómo es trabajar en modo transcontinental?

AG: Ese proyecto es muy especial, porque habla de inteligencia artificial, el futuro y se mezcla con una crítica a las relaciones de poder. Es muy interesante y me gusta. Todo el género de ciencia ficción/acción para mí es un descubrimiento, porque me daba un poco de pudor quizás actuarlo (físicamente), pero aquí el formato de audio te permite probarlo dentro de otra plataforma sin poner el cuerpo como presencia.

LO:

Esa historia –que la tiene a ella y a Alonso como “borradores” de la memoria de personas apuntadas como amenazas al sistema– prepara su segunda temporada. Eso sí, ya no podrá tener al frente los ojos con su coprotagonista, porque grabará de manera remota.

Hoy Antonia está a la espera de proyectos no cerrados. Está vinculada con España, pues “Inés del alma mía” dio pie para tener en ese país a un representante, además del que maneja en Chile.

“Eso ha estado bien porque, pese al encierro, me ha tocado realizar self tapes, el nuevo formato de casting no presencial. Y es interesante, porque audicionar siempre me ha parecido un muy buen ejercicio y ahora una crea la escena: te tienes que ingeniar para ver cómo te planteas, ubicas la cámara, revisas el material.

Actúas una y otra vez. Aparecen nuevas necesidades y eso ha sido bueno”, cuenta. Además, está en plan con los realizadores de Casa Lobo. “Soy la única actriz con puros elementos creados por ellos. La idea es rodar el primer semestre de 2022”. ¿Y qué te sucede con esa presencia/ausencia que viene desde “Pacto de sangre”?

AG: (Lanza una carcajada) ¡Parece contenido de sicoterapia!

Curiosamente me han tocado unos personajes en que gente me ha dicho: ¡Qué heavy como siempre estás con papeles sufridos!

Aunque a mí me acomodan. Me acomoda el drama y el thriller.

Pero debo decir que post “La jauría 2” ya estoy con ganas de ‘estar presente’ (ríe). Ya no quiero más de aquello. ¡Estoy o no! n LO:

¿Qué te sucede con este tipo de trabajos?

Nunca va a ser del todo comparable ni reemplazable, y espero que así lo sea. Lo mismo con la actuación y un montón de otras cosas, como la docencia.

LO:

AG:

STYLING:

Matías Nuñez. MAQUILLAJE: Maida Cardemil. DIRECCION DE ARTE: Alexander Medel. PRODUCCION: Republik.

ENSAYO

sobre LAS FORMAS Fotos MARCELO SETTON Styling GABRIELA SETTON

Collar Ice Cube Two-Tone en oro rosa y oro blanco 18 quilates, CHOPARD. Anillo doble, CABINET OSEO.

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Mocasín Paul, JAZMIN CHEBAR. Anillo hecho a mano con piedras naturales trituradas y teñidas, inspirado en El Beso de Gustav Klimt, ODRAZ.

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Cadena Aurora hecha a mano en bronce con dije, MARIA FAURE. Anillo Zefir en oro blanco 18 quilates, diamantes y topacio azul tonalidad London, en talla cabochon, TESTORELLI 1887.

Aros Cinque Terre en plata vermeil rosé, TESTORELLI 1887.

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Cartera lazo Vara, SALVATORE FERRAGAMO.

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Cartera, POSESO. Pantufla en piel de cabra, SANTESTEBAN. Brazalete serpiente plateado, WHITING & DAVIS disponible en SACRE STUDIO.

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Zapato Strap, JAZMIN CHEBAR. Brazalete esmaltado, TRAMANDO.

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el

AROMA margaritas de las

Una hija hija,, nuevos temas y residencia musical en Las Vegas: Vegas : la vida de la megaestrella pop Katy Perry ha cobrado un ritmo diferente.

Fotos GREG SWALES Styling DANIELLE GOLDBERG 118

Chaqueta y falda, PROENZA SCHOULER. Zapatos SALVATORE FERRAGAMO. Aros, HARRY WINSTON.

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ESTA PAGINA:

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chaqueta, pantalón y zapatos, NINA RICCI. PAGINA OPUESTA: chaqueta, PROENZA SCHOULER. Aros, HARRY WINSTON.

Por EVAN ROSS KATZ Katy Perry está sentada en el jardín de su casa en Santa Bárbara. Miro sus ojos azules pixelados por acción de la pantalla y el efecto es dicotómico. Porque a través de los años he visto dos versiones muy claramente diferenciadas. Katy Perry, educada en un hogar religioso, convertida en una estrella pop imponente, casi de caricatura, que superó todos los récords (incluyendo cinco simples de un álbum en el puesto número uno, hazaña igualada solo por Michael Jackson), presentó el show de entretiempo del Super Bowl más visto de todos los tiempos, y llegó a ser la mujer más seguida en Twitter. Pero también está Katheryn Hudson, revelando su ser más íntimo en el documental de 2012 Parte de mí, que siguió los 124 shows de su agotadora gira California Dreams. Vimos a Hudson –casi voyerísticamente– mientras su matrimonio se derrumbaba y las lágrimas le entrecortaban la respiración, vistiendo el característico bustier de motivos de remolino verde con cubrepezones que simulan pastillas de menta, transformarse en Perry. Un destello de sonrisa falsa y se convierte en una auténtica Velma Kelly (excepto por el crimen) subiendo al escenario al comienzo del “All That Jazz” de Chicago.

Gracias a la perspicacia que me han dado el tiempo y la experiencia, puedo percibir una progresión. Esta Katy, la otra y aquella otra. “Los últimos años fueron un viaje de diversión: los trajes, las luces, los decorados y las actuaciones, pero tengo otra vida en casa, sencilla y normal”, dice desde su jardín en California del Sur, inundado de sol. “Ya no siento que tengo que estar actuando todo el tiempo y creo que es porque he logrado definir tanto mi vida profesional como la personal, interconectarlas para llegar a ser un ser humano plenamente funcional… de algún modo”. Se ríe de su propia autorreflexión, dejando de lado la solemnidad. “Me preocupaba mucho mostrarme sin maquillaje. Incluso, para una entrevista como esta, necesitaba peinado y maquillaje y ahora, en cambio, digo ‘estoy bien, sé quién soy. Y lo que pienses de mí es cosa tuya’”. Me recordó la línea de cierre de RuPaul: “A menos que te paguen las cuentas, no les hagas caso”.

Me atrapa de inmediato con su encanto. Lleva un top deportivo, dos collares (uno con la leyenda “Daisy Dove”, el otro con un diseño exclusivo de la margarita y –fiel a su palabra– a cara lavada.

Ofrece realidad y yo la absorbo, sin perder ni una gota. Tal vez es una realidad elaborada, con tanto detalle meticuloso como el de la superestrella pop. Prefiero creer que la realidad era, bueno… real.

En verdad, nunca lo sabremos. ¿Y por qué vivir en la incertidumbre?

Se podría –y se debería– decir que este ha sido un año muy importante para Katy. En agosto del año pasado nació Daisy Dove Bloom, su hija con el actor Orlando Bloom. Dos días después, lanzó su sexto álbum de estudio, Smile, que muchos consideran un regreso al familiar fizzy pop. Unos meses más tarde, en enero, interpretó su canción “Firework” en vivo frente al Lincoln Memorial para celebrar la asunción del presidente Joe Biden y la vicepresidenta Kamala Harris. Fueron acontecimientos deliberadamente sinérgicos. El simple principal del álbum Daisies es un tributo a su primogénita; la presentación en Washington también se relacionó con ella. “Me pregunté: ‘¿Cómo será el mundo que voy a legarle a mi hija cuando tenga 36 años?’.

Así que en realidad canté pensando en el cambio climático y en los líderes que lo están abordando con medidas audaces”. Con

“HABIA OIDO HABLAR DEL AMOR incondicional,, PERO incondicional AHORA PUEDO experimentarlo.. SE experimentarlo ALCANZA UNA plenitud”.”. plenitud 121

ESTA PAGINA:

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Chaqueta, HERMES. PAGINA OPUESTA: camisa, BROCK COLLECTION.

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todo eso, aún encontró tiempo para hacer las cosas “normales” que hacemos durante una pandemia: mirar todos los capítulos de series como Gambito de dama y Succession (“la mejor serie que hay para ver”, afirma con seguridad) y volver a enamorarse de los libros. ¿El favorito del momento? La segunda montaña. La búsqueda de una vida con sentido, de David Brooks.

Es este tiempo extra en casa con la familia lo que le ha permitido repensarse. “Agradezco no haber pretendido seguir escalando montañas sin parar en mi carrera. Me dije: ´Creo que hay otra montaña más allá que tiene una vista tan bella como la de estas, si no más gratificante´”. En muchos sentidos, Daisy le dio a Perry la oportunidad de crear sin crítica, comparación, expectativas ni temor al fracaso –algo que la ha acosado a lo largo de su carrera, en parte por el éxito estratosférico que tuvo desde sus comienzos. “Como intérprete, siempre me he apoya-

“YA NO SIENTO QUE TENGO QUE ESTAR actuando TODO EL TIEMPO Y CREO QUE ES PORQUE HE logrado definir TANTO MI VIDA PROFESIONAL COMO LA PERSONAL”. do en el amor, la aceptación y la validación del mundo exterior y eso es algo que a veces puede fluctuar”, admite. “Un hijo es alguien que te mira sin saber nada sobre tu currículum, ni sobre tu cuenta bancaria; no sabe nada y no le importa, y tan solo te ama. Amor incondicional. Creo que eso es lo que yo buscaba”.

Con el nacimiento de Daisy, Katy se supo plena, pudo sanar heridas profundas que se habían ido formando con los años.

“Siempre sentí que, con respecto al amor, me movía con algo de dolor en el corazón”, dice, y sus ojos parecen volverse con lentitud a algún lugar dentro de su mente. “Mi pareja me ayudó enormemente a superarlo. Pero esto fue algo que llegó mucho más profundo. Y está allí, ese amor está allí”. La mirada penetrante regresa, centrada, segura. “Había oído hablar del amor incondicional, pero ahora puedo experimentarlo. Se alcanza una plenitud”.

Es en esta relación con Bloom y ahora con su hermosa hija Daisy que la fase de luna de miel pareciera no tener fin, con cimientos que con el tiempo han llegado a profundidades que antes 124

Chaqueta, HERMES. Body, SKIMS. Pantalón, VERSACE. Collar, HARRY WINSTON.

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ESTA PAGINA: suéter

y chaleco, THE ELDER STATESMAN. Sandalias, BIRKENSTOCK. PAGINA OPUESTA: camisa y falda, SALVATORE FERRAGAMO.

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“HAY QUE aprender A SALIR CON VIDA DEL AUTO en llamas. llamas. DE VEZ EN CUANDO SE PUEDE volver A ENTRAR Y DECIR ‘ESTE ES MI truco MAGICO”’. nante vivir a lo grande y a lo loco, pero a veces está bueno nada más tirar la pelota en el jardín y ver la alegría de tu hija, su risa cuando el perro va a buscarla y la trae de vuelta”.

Margaritas. Montañas. El pasto del jardín. Quizás es verdad lo que dicen: la naturaleza es sanadora. Está claro que Perry se está enamorando de un mundo más sereno que el de las candilejas despiadadas que –dice– puede ser abrumador. “Hay que aprender a salir con vida del auto en llamas. De vez en cuando, se puede volver a entrar y decir: ‘Este es mi truco mágico’. Creo que la música y el mensaje empoderan y ayudan a la gente, pero no debe ocupar todo tu tiempo. Hay que hacer lugar para una vida real”.

Esa vida real, que Katy llama “la vida más pequeña, la mejor”, implica mucho tiempo con la familia, no solo Orlando y Daisy, sino también la familia extendida: sus padres, sus hermanos.

Hay jueves de tacos y sábados de panqueques daneses –el cuñado de Perry es danés– y jazz. “Cuando pasas tanto tiempo con la familia hay muchas oportunidades para sanar”.

También ha comenzado a pensar en su futuro– no solo uno que incluya una nueva residencia musical en Las Vegas– algo un poco más lejano. ”¿Cuál es el próximo intervalo de mi vida? ¿Cómo es? ¿Dónde puedo realizarme? Siempre he soñado con estudiar, aprender psicología o una combinación de psicología y filosofía. Una vez que me integre a un programa y una estructura educativos, voy a poder ver todos esos temas que me interesan.

Es para el futuro, pero primero viene Las Vegas”.

En la residencia, que comenzará el 29 de diciembre, la intérprete se unirá a un grupo de talentos: Céline Dion, Carrie Underwood y Luke Bryan, además de Zedd y Tiësto, en el nuevo Resorts World Las Vegas. Será la primera presentación en vivo de Katy desde antes de la pandemia. Le pregunto si está nerviosa o si de algún modo tiene miedo. Responde con un gesto burlón. Está claro que cuando es necesario puede pasar de un mundo al otro con toda facilidad. “Sé que cuando vuelva a estar sobre el escenario voy a dar todo de mí, como en todos mis proyectos”. ¿Pero hasta entonces?

“He trabajado profesionalmente desde que tenía 13 años y ahora me he detenido a sentir el aroma de las flores”. n

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Traducción: Silvia Villegas.

no eran accesibles. La sonrisa contagiosa de la cantante brilla con la sola mención de su pareja. “Pude ser testigo de cómo vive la paternidad”, dice. (Bloom tiene un hijo de 10 años, Flynn, con su exesposa Miranda Kerr). “La manera en que estuvo y está presente para él y cómo se esfuerza, creo que esa fue una de las razones por las que tomé esa decisión consciente. Me dije: ‘Este es el padre de mis futuros hijos’. Vi su bondad, su ternura, su empatía y su dulzura. Era lo que yo buscaba. Pensé: ‘Okey, esto es distinto’. Y esta es su primera niña, así que es una sensación muy diferente.

Agradezco tanto que esté para mí. Eso es algo que no tiene igual”.

Como muchas nuevas madres –o quizás todo el que haya pasado este último año relativamente aislado–, Katy está usando estos cambios para reflexionar sobre su vida. “Durante 35 años yo tomé todas las decisiones, hice lo que quería, viajando por el mundo y ocupándome de mi carrera”, dice. “Ahora tengo la enorme responsabilidad de cuidar a este regalo increíble. Te hace muy vulnerable y te hace recordar tu propia niñez y pensar que tal vez quieras hacer las cosas de otra manera. Yo quiero hacerlas de otra manera”. Pero, por supuesto, también tenía dudas. “Me daba miedo ser mamá”, admite. Cuenta que hizo un “viaje sanador” para tratar de comprender lo que le pasaba, llegó a las causas e hizo lo necesario para tomar la decisión. “Ahora lo entiendo, sé que esto es lo importante. Todos los días pregunto: ‘¿Cuándo vamos a caminar? ¿Cuándo podemos ir a nadar?’. Hubo más de 12 años en los que no existió ninguna de esas cosas pequeñas. Fue aluci-

PAGINA OPUESTA: chaqueta, KHAITE. ESTA PAGINA:

vestido, zapatos, sombrero y medias,

PRADA.

PELO: Jesús Guerrero. MAQUILLAJE: Michael Anthony. MANICURE: Kim Diem Truong. PRODUCCION: Dana Brockman VIEWFINDERS. COORDINADORA DE PRODUCCION: Molly O’Brien. POSPRODUCCION: Amanda Yanez. ASISTENTES DE ILUMINACION: Yolanda Leaney y Sebastien Keefe. ASISTENTES DE STYLING: Alexis Asquith y Jamison Dietrich. ASISTENTE DE PRODUCCION: Jeremy Alvarez. AGRADECIMIENTO ESPECIAL: Hotel Rosewood Miramar Beach.

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Reciclados La modelo francesa Ivanka Smilenko fue el rostro de la campaña Twilly de Hermès Hermès,, L’Interdit de Givenchy Givenchy,, los diseños de Vivienne Westwood y recientemente caminó por la pasarela de Chanel en su última colección Métiers d’art. En esta producción de moda moda,, posa con prendas de temporada y las piezas vintage más bonitas de su madre.

Fotos RAUL RUZ Styling VANESSA BELLUGEON

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Chaqueta bordada con hilos, colección 1984, YSL RIVE GAUCHE en ANOUSHKA PARIS. Blusa de poliéster, PATOU. Jeans, HED MAYNER en ANOUSHKA PARIS. Hebilla de metal esmaltado, VERSACE. Medias de lana y cachemira, FALKE. Zapatos en satén y cristales, MANOLO BLAHNIK.

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ESTA PAGINA: body PAGINA OPUESTA:

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y pantalones en jersey elástico, collar, GIVENCHY. Cinturón y mocasines, CELINE BY HEDI SLIMANE. Bolso “Kelly”, HERMES VINTAGE. vestido de gabardina, falda de mohair, cuello alto de viscosa y zapatos, PRADA. Hebilla de metal esmaltado, VERSACE. Aros, GIVENCHY.

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chaqueta sin mangas en tweed de algodón y minibolso, CHANEL. Polera de algodón, RALPH LAUREN. Jeans, HED MAYNER EN ANOUSHKA PARIS. Brazalete y anillo, ARISTOCRAZY. Hebilla de metal esmaltado, VERSACE. Zapatos, PRADA. PAGINA OPUESTA: chaqueta entallada de lana virgen, blusa de poliéster y pantalones de lana virgen, PATOU. Aros, GIVENCHY. Medias, CALZEDONIA. Sandalias de cuero, VERSACE. PELO: Leslie Thibaud. MAQUILLAJE: Sergio Corvacho. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Romain Hirtz. ASISTENTE DE ESTILISMO: Kenzia Bengel de Vaulx.

ESTA PAGINA:

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la

del

artis tistta

Muchos artistas han dejado su huella en L’OFFICIEL durante estos 100 años de historia. Sin embargo, tres ilustradores históricos, Pierre-Armand Pierre -Armand Covillot, S. Chompré y León Benigni, Benigni, fueron los que revolucionaron la manera en que se retraba a las mujeres en las revistas, además de la forma en la que ellas mismas se veían reflejadas.

D

esde sus inicios, hace casi 100 años, ilustradores y artistas que han colaborado con L’OFFICIEL han ayudado a dar forma a la estética cultural de la revista. A medida que las artes decorativas aumentaban su popularidad durante las primeras décadas del siglo X X, los editores invitaron a creadores populares de todo el continente europeo a llevar la

iconografía Art Deco para incluirla en sus páginas.

Pierre-Armand Covillot, S. Chompré y Léon Benigni transformaron la moda en una narrativa visual, una que ref lejaba el momento cultural superando la prueba del paso del tiempo.

En 1921, año en que L’OFFICIEL surgió, la revista se consideró como una publicación comercial con poco más

Por PIPER Mc McDONALD y TORI NERGAARD

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ilustraciones técnicas, enfocada en compradores de moda y otros actores dentro de la industria. Para el año 1928, momento en que Covillot se unió a la revista, elementos que pertenecían al movimiento popular de la época –el Art Deco– lograron ser parte de las portadas de L’OFFICIEL. Covillot, quien diseñó la gran mayoría de las tapas entre 1928 y 1935, cambió tanto el aspecto como la audiencia de la revista de manera significativa. Desempeñándose como diseñador de papeles y textiles, utilizó la ilustración y el arte decorativo para ref lejar un mundo que estaba siendo cada vez más mecanizado. En un artículo publicado en 1929, el escritor Roger Nalys comentó sobre el trabajo progresista y esperanzador del joven Covillot, quien representaba una nueva era para el diseño. Sus portadas inspiradas en el Art Deco atraían la atención de los lectores debido a su osado uso de colores y líneas geométricas. Cada una era una nueva versión del “estilo moderno” de esa época, algo que estaba en

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auge en París. Gracias al ojo de Pierre-Armand, las portadas evolucionaron rápidamente desde un estilo minimalista y funcional a una posición de gran importancia dentro del paisaje cultural parisino, representando y traduciendo el estado anímico del momento.

Mientras Covillot transformaba el aspecto exterior de L’OFFICIEL al conectar la moda comercial con el arte, en la década de 1930 los ilustradores Chompré y Beningni dieron forma a cómo el lector se conectaba con la moda exhibida al interior de las páginas. En 1929, Chompré fue el siguiente colaborador que se unió a la revista, produciendo ilustraciones de moda en plena Segunda Guerra Mundial.

Conocido por tener un enfoque descriptivo más f lexible, su estilo formó parte de la transición de la publicación hacia una estética más contemporánea, estilizada y menos técnica.

Junto con sus románticas ilustraciones de ropa y accesorios, sus elegantes imágenes hechas con modelos empezaron a tener un enfoque más ambicioso de moda. Él podía representar a una elegante mujer parisina en un paseo por el Bois de Boulogne, en la playa de Niza, o con su mejor ropa de esquí en Suiza, siempre con un je ne sais quoi parisino, creando imágenes que hablaran menos de la prenda en sí misma y más sobre la vida y las experiencias que estas ofrecían a su portador.

Siguiendo a Chompré, las ilustraciones de Benigni profundizaron en la imaginación de la revista sobre la moda. Considerado el más conocido de los tres, pasó más de una década consolidando una estética suave, femenina y notablemente francesa. El artista contribuyó con sus habilidades a una variedad de diseñadores de moda y textil y, a su vez, ilustraba las creaciones de diseñadores reconocidos a nivel mundial, como Jeanne Lanvin, Elsa Schiaparelli ARRIBA, DESDE LA IZQUIERDA: PORTADA DE L’OFFICIEL DE DICIEMBRE DE 1934; SOBRE DE L’OFFICIEL DE AGOSTO DE 1935; TODOS LOS FOTOGRAMAS ILUSTRADOS POR COVILLOT CON ILUSTRACIONES DE BENIGNI. ABAJO — ILUSTRACIONES DE S. CHOMPRÉ, 1930-1937. PÁGINA ANTERIOR, EN SENTIDO HORARIO DESDE LA IZQUIERDA: PORTADA DE L’OFFICIEL, DICIEMBRE DE 1929; SOBRE DE L’OFFICIEL DE ABRIL DE 1931; PORTADA DE L’OFFICIEL DE MAYO DE 1933 ILUSTRADA POR BENIGNI; SOBRE DE L’OFFICIEL DE AGOSTO DE 1929; TODOS LOS FOTOGRAMAS ILUSTRADOS POR COVILLOT.

LAS IMAGENES se HICIERON MENOS sobre LA PRENDA EN SI MISMA Y más SOBRE la VIDA Y LAS experiencias QUE ESTAS OFRECIAN A su PORTADOR. o Cristóbal Balenciaga, entre otros. Benigni convirtió la alta costura en un verdadero sueño, utilizando colores inesperados y líneas curvas osadas, todo superpuesto sobre modelos utópicas. Su trabajo hablaba sobre la relevancia y la alegría de la moda como un estilo de vida artístico.

Además de representar un mundo fantástico, las ilustraciones de Benigni contribuyeron a la construcción temprana de lo que sería el moderno editorial de la revista. Como su fotografía seguía viéndse antigua, el ilustrador, junto con los editores de moda de L’OFFICIEL, utilizaron vestidos y sombreros de una variedad de diseñadores para armar conjuntos en base a las tendencias populares del momento; combinaron ropa y accesorios con fondos que estuvieran en la misma línea de diseño, creando fantásticos espacios y estados de ánimo intangibles.

Abarcando las décadas que vieron pasar la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, el trabajo de estos tres ilustradores otorgó luz y arte a los lectores de L’OFFICIEL durante ese difícil período histórico, hasta que la fotografía de moda finalmente empezó a tomar protagonismo ya hacia mitad de siglo. A través del significativo e innovador trabajo de estos artistas, la moda y la revista de moda en sí misma pasaron de ser simples elementos de vestuario a un estilo de vida. n ARRIBA, DESDE A LA IZQUIERDA—DOS ILUSTRACIONES DE BENIGNI, 1935; ILUSTRACIÓN DE S. CHOMPRÉ, 1933.

DERECHA, SENTIDO HORARIO DESDE LA IZQUIERDA—PORTADA DE L’OFFICIEL FEBRERO DE 1937 ILUSTRADA POR BENIGNI; PORTADA DE L’OFFICIEL JUNIO DE 1935 CON ILUSTRACIÓN DE COVILLOT Y BENIGNI; PORTADA DE L’OFFICIEL DICIEMBRE DE1933 ILUSTRADOR POR COVILLOT Y BENIGNI; PORTADA DE L’OFFICIEL FEBRERO DE 1934; PORTADA DE L’OFFICIEL ENERO 1935; PORTADA DE L’OFFICIEL AGOSTO 1929 ILUSTRADA POR BENIGNI.

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ALMAS

GEMELAS Fotos AGATA SERGE Styling KASIA JABŁONSKA

Chaqueta, BALENCIAGA. Camisa y pantalones, GANNI.

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ESTA PAGINA: vestido, ANN DEMEULEMEESTER. Cinturón y botas, ISABEL MARANT. Collar, ALEXANDER MCQUEEN. Vestido, NOIR KEI NINOMIYA para COMME DES GARÇONS. Chaqueta, ALEXANDER WANG. Falda, NOIR KEI NINOMIYA para COMME DES GARÇONS Cinturón, ALEXANDER MCQUEEN. PAGINA OPUESTA: camisa, BURBERRY. Falda, NOIR KEI NINOMIYA para COMME DES GARÇONS. Cartera, JIL SANDER. Colgante, BOTTEGA VENETA. zapatos, GUCCI.

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ESTA PAGINA: camisa, GIVENCHY. Anillos, BOTTEGA VENETA. Suéter, BALENCIAGA. Colgante, MARNI. PAGINA OPUESTA: vestido, BOTTEGA VENETA. Chaleco, ANN

DEMEULEMEESTER. Chaqueta y pantalones, BURBERRY.

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ESTA PAGINA: chaqueta, BALENCIAGA. Maxifalda, GANNI. Botas, BOTTEGA VENETA. KEI NINOMYIA para COMME DES GARÇONS. Chaqueta, ALEXANDER WANG. Falda, NOIR KEI NINOMYIA PARA COMME DES GARÇONS. Cinturón, ALEXANDER MCQUEEN. Falda, NOIR KEI NINOMYIA para COMME DES GARÇONS. Mocasines, ISABEL MARANT. Vestido, ANN DEMEULEMEESTER. Cinturón, ISABEL MARANT. Colgante, ALEXANDER MCQUEEN.

PAGINA OPUESTA: vestido, NOIR

CONSULTORA CREATIVA:

Bogna Stepa. MAQUILLAJE: Anna Sokołowska. PEINADO: Michał Pasymowski para Art Faces Warsaw. MODELOS: Julia Hanczewska, Maria Jerzyk para Selective.

ASISTENTES DE FOTOGRAFÍA: Zuza Gołas y Anja Konieczny.

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ILUMINAR con ARTE

La fascinación por mirar las estrellas o por sentarse a observar el fuego; nos hemos sentido atraídos por la luz a lo largo de nuestra historia historia.. Los artistas que trabajan con este elemento han sabido contenernos con obras que emocionan, sorprenden, transportan transportan,, pero por sobre todo, iluminan.

Por MAGDALENA POULSEN 148

Fotos: Trimex

las fuentes de luz disponibles en el mercado eran muy tradicionales, las ampolletas incandescentes eran estáticas y las posibilidades experimentales –como el neón o los fluorescentes– no estaban al alcance de proyectos domésticos.

La llegada de la tecnología led, que permite opciones más accesibles, abrió las posibilidades para cada hogar y se trasladó la frontera de lo utilitario a lo estético. “Desde ahí aparece la puerta de entrada a mis objetos de luz. En dos años han llegado a más de 20 hogares y solo un cuarto de esos espacios son de coleccionistas de arte”, comenta.

El dúo de artistas NOCTUARY (@_noctuary), conformado por Diego Miranda y Soledad Águila, se desenvuelve como un espacio de juego en el que se aborda la luz como un material. El hacer y la experimentación son parte de la esencia de sus trabajos. “Buscamos crear una interacción que sea inmersiva, donde el espectador pueda transportarse a otro estado. Lo que queremos es generar sensaciones envolventes e hipnóticas. Es muy importante para nosotros el trabajo del objeto. Sin importar la fuente lumínica que sea, hay algo que se ve marcado en nuestro trabajo: el uso del volumen de luz”, explica Soledad. Las últimas piezas que han trabajado rescatan el tema de lo objetual, donde la luz aparece y se proyecta más tangible, lo importante aquí es generar sensaciones que permitan dialogar con el espacio.

“Mant uve un año en secreto mis primeros objetos, experimentando y disfrutando sus posibilidades en casa, hasta que decidí iluminar el cumpleaños de una amiga escultora. Entre artistas, curadores y coleccionistas de arte, mis objetos brillaron en todas sus posibilidades. Esa noche se interesaron coleccionistas, y con las primeras ventas comencé un camino que me ha permitido experimentar y descubrir en distintas escalas”, cuenta Daniela Josef ina, artista, restauradora de edificios y codirectora de HAMBRE (@ hambrehambrehambre), quien relata parte del inicio de su investigación y de las posibilidades expresivas de diversos objetos con luz eléctrica.

Daniela forma parte de una generación de creativos y artistas chilenos que decidieron desarrollar una exploración en torno a este elemento. Nombres consagrados como Iván Navarro y Alfredo Jaar han transitado –en su propia manera– este camino hacia la luz.

“Una obra lumínica aporta una experiencia, no sólo jerarquiza el lugar en el que se ubica, sino que contribuye con sus características lumínicas y las proyecta en el espacio.

Incluso puede conducir la conversación en torno a ella, o dejar en silencio a sus espectadores”, af irma Catalina Harasic, diseñadora integral de la Universidad Católica y magíster en Arquitectura del Paisaje UC. Actualmente tiene su propia oficina (@switch_iluminacion), donde trabaja proyectos de iluminación de interior y exterior, públicos y privados, y explica que en la década de los 60 el diseñador de iluminación Richard Kelly planteó una idea que sigue vigente hasta el día de hoy: la luz cumple tres funciones:luz para ver (Ambient Luminescence), luz para mirar (Focal Glow) y luz para contemplar (Play of Brilliants). “Esta tercera idea establece que la luz en sí misma es placentera, podemos contemplarla por largos períodos de tiempo disfrutando cada estímulo que el medio provee. Por ejemplo: el juego de brillos y refracciones en las lágrimas de cristal, o el dinamismo y cambio de tonalidades en el fuego de la chimenea, y hoy en día los espectáculos de luces de recitales que nos atrapan en la sucesión de estímulos visuales”, agrega Harasic.

Daniela Josefina, por su parte, recuerda que años atrás

UN NUEVO OBJETO DE DESEO

El año pasado la revista de diseño de interiores Architectural Digest mostró la casa de la modelo Kendall Jenner en un video de YouTube. Más allá de rescatar la dedicación con que Jenner había elegido cada pieza presente en su hogar, uno de los momentos centrales se detuvo en un gran óvalo rosa que iluminaba una de las paredes: “Scorpius”, la escultura lumínica del artista James Turrel que tiene gran protagonismo en su vivienda, forma parte de la extensa obra de este autor que ha trabajado con la luz y el espacio creando obras de arte, que involucran a los espectadores -en sus propias palabras- con los límites y la maravilla de la percepción humana.

La presencia de arte lumínico en las viviendas tiene que ver con algo cultural, analiza Soledad Águila. “Forma parte de las cosas que uno ve y la información que uno recibe. De alguna manera todo este input respecto de la luz y cómo se entiende el trabajo lumínico es algo mucho más masivo hoy en día.

LA LLEGADA DE la tecnología LED ABRIO LAS posibilidades PARA CADA HOGAR Y SE trasladó LA FRONTERA DE LO utilitario A LO ESTETICO. 149

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otros colaboradores que se van sumando, dependiendo del proyecto. “Lo que hacemos es desarrollar una línea entre el arte, ciencia y tecnología”, explica Andrés, y continúa: “Algo que nos caracteriza es que somos muy técnicos en términos de herramientas y desarrollo hacia el arte, lo que se busca va más allá de un resultado estético. Nos gusta el hacer, la manufactura”. Trimex se especializa en la creación de experiencias inmersivas que juegan con el “recorrido y la experiencia”, sus tres técnicas madre son el uso y fabricación de Leds, el láser y la proyección. Actualmente trabajan con técnicas mixtas que incluyen estos dos últimos elementos, los que pueden conversar al mismo tiempo e ir reaccionando en tiempo real al unísono. “Es un arte performático pensado para ser instalado en un sitio específico y que haya convocatoria de gente. Nuestras instalaciones son de gran formato y la idea es que sean habitadas por personas. Una de nuestras necesidades es intervenir espacios en específico, pero también vendemos obras instalativas”, agrega Terrisse.

La académica Catalina Harasic manifiesta que una obra de arte lumínica tiene la cualidad de ser la protagonista indiscutida de un recinto. Y tiene la virtud de estar presente cuando todo lo demás está apagado. Algo que confirma la artista Daniela Josefina con sus objetos de luz: “Lo que más disfruto es la sorpresa, y curiosidad que sienten en la primera mirada a mis objetos, en personas de todas las edades y en distintos contextos. Desde las estrellas al fuego, históricamente la luz nos lleva a lo divino y cuando se encienden mis objetos esa magia se toma los espacios y superficies. Con cada pieza me interesa intensificar el efecto mágico de la luz, al servicio de la comodidad y el goce”, finaliza. n

Foto: Cortesía de Noctuary.

Alguien puede querer experimentar a través del uso de color: ¿Qué pasa si pongo una luz roja en mi pieza? ¿O una verde? ¿Cómo se transforma el espacio?”, señala Águila Por otro lado, la artista María José Tapia (@maria.jose.tapia) agrega el elemento Covid-19 como un detonador: “Quizás ahora, con la pandemia, ha resultado que la gente compre más cosas para iluminar su casa, y así generar distintas situaciones en el mismo espacio”. María José estudió arte en la Universidad Diego Portales y desde ese momento comenzó a experimentar con la luz en distintos formatos, hasta que se dio cuenta, de que quería tener un control total de la proyección, lo que la llevó al video mapping. Esta técnica se ha podido observar en espacios musicales y artísticos, sin embargo, en el último tiempo uno de sus exponentes más notorios es el equipo detrás de Delight Lab, quienes a través de una visión y manifestación ligada a la política han desplegado su luminaria en contadas ocasiones hacia la Torre Telefónica en el centro de Santiago, llegando incluso a ser censurados.

“El video mapping se puede llevar a distintos formatos, incluso a una escala muy grande como edificios o casas.

La proyección interactúa con un espacio arquitectónico o escultórico en un calce perfecto a través de las proyecciones, lo que permite generar distintos mundos por medio de la animación 2D o 3D”, afirma la artista, quien se ha destacado por su trabajo en el área de la música, iluminando con su arte distintos recitales y conciertos.

Desde la necesidad técnica de resolver trucos tecnológicos artísticos nace Trimex (@trimexcollective), un colectivo multidisciplinario formado por el núcleo entre Andrés Terrisse, Juan José Aldunce y Roy Macdonald, junto a

Vestido BALMAIN en SARIKA RODRIK.

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HÔTEL particulier Fotos PAULA ZIEGLER Styling ROMINA MEIER

Abrigo ISABEL MARANT en MONTEMARANO.

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Trench ALBERTA FERRETTI en SARIKA RODRIK. Traje MKT STUDIO en MONTEMARANO. Body WOLFORD CHILE. Cartera LOUIS VUITTON.

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Traje ICEBERG en VIA CONDOTTI.

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Cardigan GUCCI. Pantalon ISABEL MARANT en MONTEMARANO.

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Traje MKT STUDIO en MONTEMARANO. Body WOLFORD CHILE.

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Vestido ISABEL MARANT en MONTEMARANO. Aros LOUIS VUITTON

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Top SIMONE ROCHA en SARIKA RODRIK. Pantalon GIORGIO ARMANI en MONTEMARANO.

Chaqueta GUCCI. Botas VALENTINO en MONTEMARANO. Body WOLFORD CHILE.

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Vestido LANA CAPRINA en VIA CONDOTTI. Cinturón VALENTINO en MONTEMARANO.

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Vestido ISABEL MARANT en MONTEMARANO. Aros LOUIS VUITTON. Maquillaje Poli Picó para Chanel Beauty. Asistente de producción: María José Hugeth. Asistente maquillaje: Magdalena Thiale.

Asistente de fotografía: Nicolas Torres. Modelo: Tiffany para WLM. Agradecimientos: The Ritz-Carlton, Santiago.

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la DOUCEUR de

VIVRE

La autora chilena Francisca Matteóli ha dedicado su vida a viajar y a escribir sobre ello. Siguiendo con su vocación de retratar en el papel distintos lugares maravillosos, desde París acaba de lanzar su duodécimo libro titulado Voyages Extraordinaires,, en colaboración con Louis Vuitton.

Extraordinaires Vuitton.

Por DANIELA CACERES VILLALON 166

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Retrato principal: Julio Piatti. Otras fotos: gentileza de la autora.

H

ace ya más de un año que la forma de vivir cambió por la pandemia, y con ello se redujo la cantidad de viajes en todo el mundo. Ante este nuevo contexto forzoso, revivir recuerdos pasados se convirtió en la vía de escape de Francisca Mattéoli, escritora chilena ciudadana del mundo, pero con residencia permanente en la capital francesa. “Durante este tiempo viajé mucho con la imaginación. Un escritor, y sobre todo un escritor de viajes, debe saber adaptarse, y eso fue lo que hice”, comenta.

En sus 20 años de carrera ha lanzado 12 libros, entre ellos Hotel Stories: Legendary Hideaways of the World, 100 Hôtels de Légende, Escape Hotel Stories, Retreat and Refuge in Nature y World Tour, entre otros. Todos ellos dan cuenta de que a lo largo de su vida ha recorrido bastante más que una persona promedio, y en cada una de sus páginas retrata vivencias, cuentos de viajes e historias de hoteles.

Francisca es chilena, de madre escocesa, y ha vivido períodos largos de tiempo en Chile, Brasil y Francia. Al tener padres de dos nacionalidades diferentes, confiesa que el mundo está en su ADN y que siempre ha sentido curiosidad por otros modos de vida. “Eso quería encontrarlo en mis recorridos. Siempre quise ver el mundo, mezclarme con todo tipo de gente y saber más sobre personas y lugares”, comenta.

“DURANTE este TIEMPO viajé mucho CON LA imaginación. UN escritor,, Y SOBRE todo escritor UN ESCRITOR de viajes,, DEBE SABER viajes ADAPTARSE, Y ESO fue LO QUE HICE”.

Su última aventura editorial acaba de ser presentada de la mano de Louis Vuitton: Voyages Extraordinaires, un libro que celebra el viaje a través de experiencias extraordinarias en todos los continentes, con historias y fotos únicas. “Espero que tenga también magia, humanidad y fantasía, porque un viaje es todo eso y más”, precisa la autora. Algo que hace aún más sentido en estos momentos en que no podemos trasladarnos con el ritmo y la libertad de antes, por eso autora espera que su texto sea una especia de escape “que nos haga la vida más ligera y nos ayude a superar este periodo difícil.

Hoy más que nunca necesitamos soñar y alejarnos de todo lo que nos preocupa, y el libro está hecho para eso”, asegura.

La relación entre la autora y la Maison partió en 2013, cuando comenzaron a trabajar en World Tour, por lo tanto su última publicación la percibe como “una continuación de ese trabajo, pero diferente. Louis Vuitton y yo compartimos la misma pasión por el arte de viajar, la elegancia de una forma de vida, una tradición de familia y el sabor de los sueños”, explica. Francisca relaciona su mundo con los viajes y la moda en igual medida, porque para ella todo está conectado. “El arte de viajar significa

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tener curiosidad por el mundo, por los demás, vivir con la mayor elegancia posible. En el pasado, cuando las personas viajaban, tanto hombres como mujeres se vestían para cada momento del día y sentían el deseo de descubrir nuestro planeta. Me gustaría volver a rescatar todo eso, al menos con mis libros”.

Pese a su agenda incesante y a estar radicada en una de las ciudades más inspiradoras del mundo, Mattéoli regresa a Chile con regularidad. “Amo Atacama. Vuelvo muy a menudo. De hecho, amo todo Chile, el país es único, nunca he encontrado un lugar así en el mundo; uno que incluya tantos paisajes, experiencias y culturas diferentes. Cada vez que voy quedo fascinada como una niña”, asegura.

–¿Si pudieras elegir un lugar en el mundo para estar en este momento?– “Me encantaría estar en Brasil. Mi familia iba al Copacabana Palace desde que abrió en 1923 y yo continúo con la tradición. Amo el espíritu brasileño, la música, el alma del país y de la gente. Echo de menos el amor que tienen por la felicidad, ¡y también por una buena caipirinha!”. n

FOTO SUPERIOR— LOUIS VUITTON: VOYAGES EXTRAORDINAIRES, UN LIBRO QUE CELEBRA EL VIAJE A TRAVES DE

“Louis Vuitton Y YO compartimos LA MISMA pasión POR EL ARTE de viajar, viajar, LA elegancia DE UNA FORMA DE VIDA, UNA tradición DE FAMILIA Y EL sabor DE LOS SUEÑOS”.

EXPERIENCIAS EXTRAORDINARIAS EN TODOS LOS CONTINENTES, CON HISTORIAS Y FOTOS UNICAS. LA ULTIMA AVENTURA LITERARIA DE LA CHILENA FRANCISCA MATTEOLI.

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UN SIGLO de

REVOLUCION olfativa “Una fragancia de mujer que no esté asociada con el aroma de una sola flor”. Esa fue la premisa para crear uno de los perfumes más icónicos de todos los tiempos.

Por VALENTINA ESPINOZA

C

uando Gabrielle Chanel encargó a Ernest Beaux la creación de una fragancia que se distinguiera de la tradición naturalista y floral del siglo XIX, seleccionó la muestra que olió en la quinta botella. Era un experimento; un perfume con aroma a mujer concebido como una pieza de alta costura. Una creación radical en todos los sentidos; el gemelo olfativo de Coco y un reflejo de su personalidad; una invención absoluta que evoca un puñado de flores, sin evocar una distintiva entre ellas y que, a diferencia de los perfumistas de principios de la época, dejó un nombre más poético por un simple número de registro: 5.

Cien años después, seguimos hablando de CHANEL Nº5 como una fragancia que rompió y sigue quebrando esquemas.

Es identificable donde sea que se asome por su aroma atípico, uno que continúa siendo asociado a actrices y celebridades que han contribuido a perpetuar su aura legendaria y en la actualidad, para seguir siendo uno de los perfumes más vendidos del mundo. Y es que más que una nueva fragancia, lo que Ernest Beaux y Chanel crearon en 1921 fue una revolución olfativa. Mademoiselle Chanel exhibió otro golpe de genio audaz al nombrar esta creación única.

Hoy, la nariz olfativa de la Maison es Olivier Polge, quien por circunstancias de la vida siempre estuvo ligado a las fragancias, pues su padre Jacques también se desempeñó como perfumista de CHANEL. Según cuenta, los perfumes no eran un tema en ese momento, ni tampoco en los años siguientes. Estudió Historia del Arte, se perfeccionó en piano mientras y en los veranos trabajaba en el Laboratorio de Fragancias CHANEL; eso le marcó el camino. Comenzó una pasantía en Charabot, la misma casa de producción de materias primas aromáticas donde se formó Ernest Beaux antes de crear el N°5. Luego fue contratado por International Flavors & Fragrances y enviado a Nueva York. De regreso en París, en octubre de 2013, se

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incorporó finalmente a CHANEL. El resto es historia y una prueba de la innovación constante de la marca. ¿Qué sigue representando Nº5 a 100 años de su creación?

Bueno, hay ciertas cosas que cambian y otras que no. Es algo que dijo Gabrielle Chanel; la moda cambia, pero el estilo permanece. Y el N°5 a través del tiempo se mantiene moderno.

También hay que considerar que cuando se creó, el mundo de la moda estaba desconectado de la perfumería, y Gabrielle los unió. Hoy parece algo obvio, pero ella tenía esa buena intuición de que N°5 podría expresar un sentido nuevo del estilo.

LO:

OP:

¿Cómo dirías que es la mujer que hoy en día usa N°5?

Creo que sigue siendo la expresión de elegancia, estilo y feminidad, pero también de una cierta diversidad. A lo largo de los años, además de mantener el aroma original de N°5, también hemos creado interpretaciones a través de diferentes concentraciones, como el Eau de Toilette, o Eau de Parfum, pero también Eau Premiere y N°5 L’Eau, que captura o pone una luz diferente en la fragancia. Todas para diferentes tipos de personalidades.

LO:

OP:

¿Se puede develar el misterio de cómo se crea una fragancia?

Es un proceso lento porque es un oficio que no tiene reglas.

Tienes que experimentar los perfumes. Cada vez que tienes una idea sobre una combinación, tienes que vivirla, necesitas unos días para darte cuenta plenamente de si te gusta o no.

LO:

OP:

¿Qué es lo que más te inspira a la hora de crear?

En lo personal, me gusta mucho la música. No es el mismo campo, pero creo que ha construido mucho mi sensibilidad.

Se pueden hacer muchos paralelismos entre la música y los perfumes. Ambos son inmateriales y abstractos. n

LO:

OP:

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Foto: cortesía de la marca.

Innovadores

Portadas de revistas famosas, colaboraciones con fotógrafos visionarios, backstages de desfiles que hicieron historia, complicidad con supermodelos, divas del cine e íconos contemporáneos. El estilo, la imaginación y la capacidad que demostraron para proyectarse hacia el futuro los llevaron a trabajar en las grandes marcas de la cosmética. Nicolas Degennes inventó los códigos del maquillaje Givenchy, trayendo a nuestros días los valores del fundador. Peter Philips es el catalizador de los proyectos innovadores de Dior, como la línea Backstage,, y Terry Barber continúa desarrollando la Backstage idea libertaria y antibelleza de MAC. Por FABIA DI DRUSCO Ilustraciones BLAIRZ 172

Terry Barber Director de Makeup Artistry de MAC para el Reino Unido y Europa, cree en una belleza emocional, expresión de las subculturas jóvenes, versus la aburrida perfección de las redes sociales.

Electrizante, jovencísimo, MAC lo descubrió en el espacio de Henri Bendel en Nueva York –anómalo con respecto a los mostradores de otras marcas de cosméticos: en lugar de elegantes vendedores había chicos tatuados, con corte mohicano”–. Terry Barber empieza a trabajar para la marca canadiense cuando en 1993 abre en lo de Harvey Nichols, en Londres. “Era como estar en el Studio 54: los protagonistas del mundo de las discotecas pedían cita con nosotros para experimentar los looks más extravagantes”. Con una filosofía “all ages, all races, all genders”, la marca, fundada en 1984 por Frank Toskan y Frank Angelo, introduce en la cosmética valores que solo se han impuesto en la moda de manera reciente: no gender e inclusividad. Inicia un trayectoria provocadora e irreverente, valorizando al máximo la idea de la belleza de la imperfección y del maquillaje como expresión creativa de la propia individualidad. Asume, además, una posición bien definida, como Viva Glam, la campaña de recaudación de fondos para ayudar a las comunidades más afectadas por el sida, cuando la enfermedad todavía pesaba como un estigma. “MAC no buscaba provocar un shock, sino proponer una nueva idea de normalidad, poniendo en escena la determinación de ser libres de quienes pertenecían a las subculturas. No es casual que haya sido la primera en contratar a una drag queen como RuPaul para ser la imagen de la marca y en ampliar casi sin límites la paleta de colores. Las otras etiquetas vendían lujo, MAC proponía la moda de la calle y la cultura pop”. Al mismo tiempo, presentaba formulaciones innovadoras de los productos pensados para satisfacer las exigencias de los artistas profesionales del maquillaje y de los sets fotográficos, como el favorito de Barber, la “Face and Body Foundation”. Hoy director de Makeup Artistry para el Reino Unido y Europa, Barber funda su estética en su fascinación adolescente por David Bowie en los años 70 y en la idea de la belleza emocional de los 90. “Me gustaban los maquilladores como Pat McGrath y Topolino pero, sobre todo, Dick Page: su trabajo para Helmut Lang y Calvin Klein era increíblemente elegante”. Entre los momentos más emocionantes de su carrera cita la tapa para la revista V con Grace Jones

fotografiada por Jean-Paul Goude, la primera tapa que hizo para i-D y también su trabajo en el backstage con Val Garland en los desfiles de Alexander McQueen, “todo lo que amo concentrado en un mismo show sobre la idea de la aristocracia en una nave que se hunde (se refiere al filme inicial de la presentación de la colección Irere, primavera-verano 2003). Si un maquillaje tiene un aspecto demasiado estructurado me deja indiferente, lo encuentro frío. Sigo prefiriendo una imperfección intencional a la línea perfecta”. En su cuenta de Instagram propone juntar texturas o detalles de maquillaje con objetos no asociados a la idea convencional de belleza, incluido el vello púbico. “Me interesa crear imágenes e historias extrañas, proponer una suerte de antibelleza que provoque una respuesta emotiva. No utilizaría Instagram si tuviese que mostrar la perfección, porque sería un gesto competitivo y no creo ser particularmente brillante desde el punto de vista técnico”. Entre sus marcas registradas está el uso exagerado del rubor rojo o rosa encendido. ¿Previsiones para el futuro? “Es un momento interesante, la pandemia va a crear una revolución. Basta de consumismo, perfección o la idea de inaccesibilidad; basta con la atención obsesiva a la propia imagen. En la última década ha dominado una aburrida perfección en las redes sociales, ahora espero que las subculturas juveniles propongan una visión más emocional”.

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Nicolas Degennes Su visión edgy chic es la base del maquillaje Givenchy.

Nicolas Degennes se formó entre Francia y Estados Unidos. Estudió teatro, música, arte, fotografía, maquillaje cinematográfico y teatral. En 1999, cuando era director artístico de Canal+, Givenchy lo convoca para desarrollar una línea de maquillaje que fue lanzada al mercado en 2004, desde donde se desempeñará como creativo de la marca hasta finales de junio de este año. Su primer gran éxito fue “Prisme Libre”: “El polvo tradicional era demasiado pesado. ‘Prisme Libre’ fue una reelaboración radical. Reunía cuatro colores de polvos libres ultrafinos, entre ellos el verde, propuesto por primera vez como corrector.

El primer ‘Prisme Libre’ contenía madreperla, fragmentada al máximo, para tener el justo equilibro entre luminosidad y opacidad, hasta llegar a un producto perfecto para las mujeres que no usan base. Deja la piel absolutamente natural, pero mucho más linda”. La intuición de Degennes volvió a manifestarse en la creación de la línea Mister, lanzada antes que la gender fluidity fuera tendencia: “En mi cabeza, el maquillaje y las texturas que yo creo son,por definición,no gender, porque son invisibles”. Degennes vivió todos los cambios que se produjeron en la cima del sector moda de la marca, desde Alex- ander McQueen pasando

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por Julien Macdonald, Riccardo Tisci y Claire Waight Keller hasta la llegada de Matthew Williams. “El trabajo directo con el diseñador comienza tres semanas antes del desfile, pero la cosmética empieza a trabajar en una colección de temporada dos años antes. La moda influye más directamente sobre el embalaje. La coherencia profunda de mi trabajo está con los códigos atemporales de Hubert de Givenchy, bajo el signo de la elegancia y el profundo respeto por la persona”. El concepto de respeto incluye el relacionado con el planeta, ya que, al igual que otras marcas, Givenchy está maximizando en sus fórmulas la presencia de ingredientes de origen natural. Constituyen, por ejemplo, el 97% de la fórmula de la nueva “Prisme Libre Skin Caring Glow Foundation”: “La luminosidad y el efecto difumado están asegurados por un mix de pigmentos correctivos y aceite de coco; el 90% de la fórmula es skincare y el 70% es agua. Soy consciente de que cuando explota la demanda de un producto natural como el aceite de coco, se produce un efecto boomerang sobre el planeta. El camino justo es hacer las cosas con cuidado, sin la destrucción que puede causar el consumo individual. Y esto es, justamente, lo que intentamos hacer”. ¿La última innovación? “Un rubor de polvos libres, sin la consistencia de los materiales ‘pesados’ que contienen los tradicionales, con la medida justa de color que necesitamos, porque sin color no hay vida”. ¿Un objetivo que aún no haya alcanzado? “Eliminar la pesadez del maquillaje al final del día, porque cuando creemos que tenemos la cara cansada, es en realidad porque el maquillaje se fue degradando”.

Peter Philips

El director creativo de maquillaje de Dior cuenta el origen de los big eyes en los desfiles y su producto soñado: un labial 100% inalterable.

cómo el pintor aplicó el color. Además, aunque suene como un cliché, me influencia la realidad y cómo un nuevo tono de labial puede cambiar la percepción de tu personalidad”. En el 2016 la dirección artística de la moda de Dior pasó a manos de Maria Grazia Chiuri. “Raf tenía un enfoque muy conceptual del maquillaje, podía bastarle un toque de delineador metálico; María Grazia usa el maquillaje con una visión muy distinta. Por ejemplo, nunca usa labial y en sus desfiles toda su atención está centrada en los big eyes. Entre nosotros hay una confianza absoluta, pero yo siempre respeto sus recomendaciones”. ¿Su desfile preferido? “La Alta Costura de la primavera 2018, donde al maquillaje se le sumaban las máscaras de Stephen Jones. Yo dibujé con delineador unas fantásticas cejas emplumadas”. Para Philips la identidad de Dior, su característica distintiva, es el compromiso de mantener sus promesas: “La honestidad con respecto a lo que se afirma es la clave del éxito de Dior y lo que guía mi trabajo.” ¿El producto más icónico? “A nivel de imagen, seguramente el ‘Rouge Dior’”. Creado en 1953 y propuesto en enero de este año en una versión renovada recargable, con una fórmula enriquecida por nuevos ingredientes extraídos de flores, y con cuatro terminaciones: opaco, sedoso, metálico y aterciopelado. “También hay productos icónicos ‘discretos’, como ‘Diorshow Maximizer’ y ‘Lip Maximizer’”. Entre sus éxitos está la línea Backstage “nacida tres años atrás, para atraer a los consumidores más jóvenes. Al comienzo, el marketing lo consideraba un proyecto paralelo, pero, con el tiempo, creció muchísimo”. ¿Su producto favorito? “El corrector ‘Dior Forever’, por su cobertura impecable pero transparente y su larga duración: luminoso y nunca brilloso. Tanto es así que muchas mujeres lo usan como base”. ¿El producto con el que sueña y aún no realizó? “Un labial que sea realmente inalterable. ´Rouge Dior Velvet´ es transfer resistant, pero no al 100 %”.

Director creativo y de imagen de maquillaje de Dior desde el 2014, Peter Philips llega a la maison en la época en que la dirección artística estaba en manos de Raf Simons. Philips, formado como Simons en la Royal Academy of Fine Arts Antwerp, venía precedido por su reputación, luego de cinco años en la dirección creativa de maquillaje de Chanel. “Había estudiado diseño de moda y empecé a interesarme activamente en el maquillaje a los 26 o 27 años. Aprendí observando a las mujeres y la luz de los fotógrafos. Soy un fan incondicional del trabajo de Avedon, Irving Penn, Inez & Vinoodh, Willy Vanderperre. Adoro las películas en blanco y negro y a las divas de la época de oro de Hollywood. Me fascina estudiar los detalles en un cuadro y ver 175

Gucci Westman “Mis padres eran consumidores de productos saludables y yo crecí entre Suecia y California, siguiendo una dieta vegetariana totalmente libre de azúcares. Mi estilo de vida siempre fue consecuente; mi línea de maquillaje no podría ser otra cosa que clean y responsable”, cuenta Gucci Westman. Casada con el exdiseñador de Rag & Bone, makeup artist de confianza de celebridades, directora creativa de maquillaje de Lancôme durante cinco años y de Revlon durante ocho, en el 2018 lanzó su propia línea, Westman Atelier. Encuentros fundamentales para su carrera: cuando comenzaba, Spike Jonze, que la introdujo en el mundo del cine en la época de ¿Quieres ser John Malcovich? y Grace Coddington, la legendaria directora de moda de Vogue USA. “Con Revlon estábamos muy cerca de lanzar una línea verde en Barneys, pero no se concretó. Entendí que había llegado el momento de crear una línea enteramente mía para poder decir que no a cualquier tipo de concesión; basada en la innovación, utilizando ingredientes clean y alternativos, como por ejemplo aceites light en lugar de siliconas. Mi idea original era ofrecer una línea orgánica, pero en ocho meses me di cuenta de que el nivel no hubiera sido el deseado. Entonces, armé una lista negra de todo lo que no quería y me comuniqué con distintos laboratorios de Asia y Europa, con la presión constante de superar los límites de la cosmética convencional. Quise crear un maquillaje con un efecto absolutamente natural, fácil de usar, que le proporcione a la piel una sensación de liviandad, confort y nutrición, que se funda con la epidermis en vez de formar un estrato. Todos los productos han sido complejos de realizar, porque el desafío era reformularlos con ingredientes clean y más seguros que los que se usan habitualmente. En particular, la máscara de pestañas, porque la fórmula fue repensada en todos sus componentes.

Tiene una base de extracto de corteza de arce como agente

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hidratante y nutriente; semillas de girasol, carnaúba y cera de abejas para lograr grosor, y extracto de raíces de achicoria como voluminizador; los conservantes son derivados del aceite de coco”. El “Lip Suede”, por ejemplo, son cuatro colores distintos de labial en un único estuche, lo que permite muchísimas combinaciones: “Fue difícil encontrar una cera que no fuese sintética.

Logramos reemplazarla por un mix de aceites de cereza más péptidos para estimular la producción de colágeno y lograr un efecto ‘relleno’. Como no se puede obtener un rojo brillante o un rosa encendido con ingredientes naturales, utilicé pigmentos sintéticos con colores brillantes encapsulados en ingredientes clean, que impiden el contacto directo con la piel”. Las sombras “Eye Pods” contienen emolientes derivados del aceite de coco y extractos de arroz; el rubor en barra “Baby Cheeks”, aceite de jojoba bio, arcilla blanca y extracto de frambuesa. Una lista de componentes que le aseguraron una adhesión entusiasta de las puristas de la clean beauty, a pesar de que en los últimos años cada vez más marcas declaran fórmulas hechas a base de ingredientes naturales. “Sé cuán complejo es reformular la identidad de una marca grande, pero cuanto más inviertan las grandes firmas en ingredientes clean, más fácil nos será a todos encontrarlos”. Gucci habla de Westman Atelier en primera persona con tutoriales en YouTube e Instagram (“La gente piensa que yo tengo una buena piel, pero no es verdad”), y también en videos con sus amigas estrellas como Julianne Moore, Kate Hudson, Reese Witherspoon y Michelle Pfeiffer. No es común que una emprendedora que podría concentrarse exclusivamente en su marca hable también de otras líneas que admira: Costa Brazil, Tata Harper, In Fiore, Ubuna, WelleCo. Para el packaging eligió una estética minimalista, inspirada en los perfumes de viaje de antaño: “Este año empiezo a lanzar el primer producto recargable, pero la idea es adaptar toda la línea a este concepto.

También estoy desarrollando un pequeño proyecto en torno al perfume y pensando en una línea de suplementos”. n

TRADUCCION: TERESA DONATO.

Con Westman Atelier transformó el punto de referencia de la belleza clean y responsable.

La revolución del ACIDO HIALURONICO Su capacidad de atraer y retener el agua lo ha convertido en uno de los ingredientes estrella de la cosmética.

Por CATALINA DEL PINO

Fotos: Gentileza de las marcas.

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Después de un año en el que nos volvimos especialistas en casi todo, aprendimos también los cuidados de belleza que pueden hacerse en casa para que la piel se vea mejor. El ingrediente estrella es el ácido hialurónico, una molécula que se ha convertido en indispensable para la cosmética. Presente en muchos tejidos y fluidos de nuestro organismo, se encarga de proporcionar y mantener la hidratación y elasticidad de la dermis, previniendo arrugas y líneas de expresión. Con el paso del tiempo sus funciones se vuelven más lentas y uno de los datos más evidentes es la pérdida de volumen en el rostro. Muchos de los productos cosméticos que se comercializan en la actualidad contienen ácido hialurónico. Logran penetrar en la piel, incluso en las capas más profundas, mezclarse con el ácido hialurónico natural y, de este modo, promover la producción de más cantidad de esta sustancia, además de favorecer la formación de colágeno. Tiene gran capacidad de adherirse a la piel, dejando un aspecto luminoso y, muy importante, rellenando imperfecciones. Entre las fórmulas que contienen este potente rejuvenecedor hay cremas, sérums, boosters y ampollas para el día, la noche y también para mejorar zonas específicas, como la de los ojos. n

1. Enriquecido con lirio antioxidante. “Capture Youth Plump Filler”, DIOR. 2. Protege del daño ambiental. “Advanced Night Repair”, ESTEE LAUDER. 3. Brinda hidratación intensa. Hydra Max, CELLSKINLAB. 4. Tiene vitamina B5. “Hyalu B5 Serum”, LA ROCHE-POSAY. 5. Ayuda a tensar la piel. “Physiolift Emulsión Alisadora”, AVENE. 6. Con ácido hialurónico puro. “Revitalift Filler”, L’OREAL PARIS. 7. Corrige imperfecciones, suma elasticidad. “Visionnaire”, LANCOME.

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Naturaleza & TECNOLOGIA

H24 de Hermès es la nueva fragancia masculina que fusiona salvia, palisandro y absoluto de narciso con esclareno, la innovadora molécula sintética de sensual aroma metálico. Un perfil vivo y luminoso.

Por LOLA MONTEIRO

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“Para crear este nuevo emblema de la perfumería de Hermès he tenido que recurrir a vías menos previsibles y alejarme de las notas amaderadas convencionales. Me gusta apostar por materias primas naturales y trabajarlas utilizando tecnologías que logran otras texturas”, explica Christine Nagel, perfumista de la maison. El amor por la fluidez, las proporciones exactas y la nobleza de los materiales son los principios que comparte con Véronique Nichanian, directora artística del universo masculino de Hermès. “Cuando asisto a un desfile de Véronique, siempre me impresiona poder sentir las texturas, e incluso la trama del tejido, a través de los ojos”, menciona, y hace hincapié en cómo la ropa masculina de la firma dio soporte a H24, la nueva fragancia. Las claves de su identidad:

SINGULARIDAD

La salvia esclarea (Salvia sclarea) es la nota aromática con matices de heno que constituyen la columna vertebral del perfume. “Esta variedad de salvia resulta muy envolvente y sensual”.

Luego, el absoluto de narciso es el elegido por su perfil vegetal, pero también porque aporta cierta reminiscencia del tabaco.

La tercera pieza: esencia de palisandro extraída de un árbol silvestre. “La he seleccionado por su frescor vegetal simple y natural. Hemos tenido la suerte de encontrarla en Perú, de la mano de los productores que la maison acompaña en su iniciativa ecorresponsable, consistente en explotar y replantar la especie de forma sostenible y respetuosa del medioambiente”, agrega la perfumista.

IMAGINARIO

La molécula futurista de la fórmula se encuentra en el esclareno, una nota que en principio se presenta terrosa para luego ganar sensualidad y una vibración metálica. Su composición establece el vínculo con el mundo del prêt-à-porter masculino de Hermès al evocar el aroma de sus talleres. Es un elemento de vanguardia, una madera que no huele como tal. Se presenta en un frasco de líneas aerodinámicas diseñado por Philippe Mouquet y en un estuche de papel reciclado. n H24 EDT ya se encuentra disponible en la boutique Hermès.

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El factor

VITELIO

La exposición a través de internet y el arrastre de las redes sociales dieron a Alberto Vitelio el impulso que necesitaba para internacionalizar su carrera.

Actualmente su obra circula por galerías de Italia y Estados Unidos, mientras él desde Chile ya planea su próximo gran desafío.

Por VALENTINA ESPINOZA 180

Fotos: José Moraga y gentileza del artista.

H

ace poco, Yoon Ahn, la diseñadora nipona de la marca de culto Ambush y una de las favoritas de Kanye West, Pharrell Williams o Rihanna, tomó prestada una de las obras del chileno Alberto Vitelio (31) para presentar su colección otoño invierno 2021. La pieza en cuestión es la Silla Labi (2018)-, un objeto de diseño que poco apunta a la practicidad de este noble elemento, sino que exuda arte; algo que su propio autor sigue entendiendo cómo procesar. “La industria quiere lo perfecto en relación con un objeto, y yo no respondo a eso, ni a la ergonomía o comodidad que debiera tener una silla. Sí o sí lo vinculo a algo artístico, porque tiene que ver con plasmar con mis manos desde mi cabeza la concepción de un objeto”, aclara.

La silla fue concebida tras un proceso de “error controlado” de

la escoria generada por soldadura al caer sobre su estructura de madera tallada a mano. De esa forma se generaron un sinfin de cráteres de diferentes diámetros, definidos con un acabado de pintura automotriz en trabajo de capas. Labi forma parte de la colección que Vitelio creó en exclusiva para la Nilufar Gallery de Milán, una de las más prestigiosas del mundo, que descubrió su trabajo a través de la web. Alberto venía de una estadía de un año en Europa, primero junto al diseñador catalán Guillermo Santomà en Barcelona, y luego una pasantía con Marlène Huissoud en París. Cruzó el Atlántico por primera vez en 2015 con la idea de explorar, siempre consciente de que si se quedaba en Chile no se le abriría el mundo que él quería. “Ahí descubrí el mundo de las ferias de diseño y de cómo era operar en torno a las galerías de arte para promover 181

mi trabajo”. De eso ya ha pasado un buen tiempo, y hoy continúa exponiendo en Nilufar, además de la galería Unique Design, en Georgia, para posteriormente seguir a Los Angeles, en Estados Unidos, durante el segundo semestre. En Norteamérica debutó con Del cielo y la tierra, una colección que desarrolló durante los meses de encierro por pandemia desde su taller en Santiago, y que hoy se ha convertido en su mejor carta de presentación. Aquí Vitelio incursiona en esculturas de tres puntas moldeadas y coloreadas con pintura automotriz, algo que lo remonta a sus inicios y a los primeros prototipos que creó cuando recién se formaba con diseñador industrial en el DUOC.

DISEÑO CON ALMA

El trabajo con capas de pintura sobrepuestas sobre su obra tampoco fue al azar, sino que se conecta en profundidad con el momento actual del artista. “Mi trabajo últimamente refleja el concepto del tiempo, y las capas es una prueba de ello. Si ves lo que estoy haciendo ahora, entiendes que hay demasiadas horas invertidas en eso para lograr las piezas finales. Cuando las aprecias, puedes comprender que existen fácilmente cinco meses de pintura detrás. Me enfrento a la obra con un color que al siguiente día no me gusta, y así voy cambiando. Las capas hacen que aparezcan texturas, y esa elección propia de hasta dónde seguir las convierte en una pieza artística”, explica.

El nombre Del cielo y la tierra también está vinculado con su apreciación personal sobre la vida, donde no todo resulta bello, armónico o estético. “Son piezas que nacen muy desde el suelo, algo así como unas catedrales góticas apuntando al cielo. No soy religioso, pero sí creo en una vinculación entre lo terrenal y lo que está fuera de nuestro alcance. Cuando creí estar en el mejor momento de mi vida, tres horas antes de inaugurar la muestra en Milán me avisaron que mi papá había muerto. Siempre he sido muy de vincular las emociones con mi trabajo, y entendí que el mejor día de mi vida también podía ser el peor de todos.

Desde ahí empecé a crear una conexión mucho más rica con lo que hago, y Del cielo a la tierra refleja un poco eso”.

Pese al reconocimiento internacional que ha logrado, Alberto Vitelio mantiene los pies en la tierra, consciente de que una carrera artística “no se sostiene solamente del ego que da el exponer en grandes lugares”. Por lo mismo, en el corto plazo pretende desarrollar un proyecto de objetos cotidianos, accesibles y de manufactura nacional.

Asimismo, confiesa que se autoimpuso un límite de dos años para radicarse fuera del país. “Le tengo mucho cariño a Chile; acá están mis raíces, mis posibilidades, tengo un taller en la casa de mi familia, pero estoy llegando a un punto en que sé que tengo que exigirme más”, asegura.

Esa exigencia podría materializarse a fines de 2022 cuando postule a una residencia artística en los Países Bajos que tiene en la mira, y desde ya está trabajando en su propuesta que pretende llevar completamente decantada. “No siento que esté en el olimpo. Estoy completamente dedicado a mi trabajo y tengo la convicción de que en algún momento lo que logre me va a permitir estar tranquilo y construir algo estable. El navegar constante con la incertidumbre -incluso desde antes de la pandemia- me ha generado muy poca ansiedad; ese es el aspecto humano de mi vida. Hoy soy una persona consciente de que las metas siempre pueden volver a modificarse”, concluye. n 182

W W W. D O N M E L C H O R . C O M

cuando PERDERSE es GANAR

La artista visual Juana Gómez adelanta los ejes que tendrá su próxima exposición en la galería NAC. A la fotografía fotografía,, el bordado y el textil sumará tejido y cerámica cerámica.. Una vez más es la vida humana, su conexión con la naturaleza, la muerte y la sed de sobrevivencia lo que la ocupan y obsesiona.

Por RITA COX 184

Obras: gentileza de la artista.

A

fines de febrero de 2020 un gigantesco incendio forestal afectó al sector precordillerano de las Sierras de Bellavista en la comuna de San Fernando. Un poblado que pocos o nadie conoce, y que cada cierto tiempo, en verano, hace noticia por los incendios de sus paisajes preciosos. Una localidad minúscula a la que varias décadas atrás llegaron inmigrantes italianos y judíos, y donde hoy no hay más de trescientas casas, dos almacenes, una cancha de futbolito, otra de golf, mucho verde, un lago y un aspecto alpino como de Heidi y el abuelo. Ese fue el refugio de la artista visual Juana Gómez durante los primeros doce meses de pandemia. El destino de veraneo se transformó en hogar, taller y jardín para ella, su marido y su hija de 10 años; el escenario cotidiano de los paseos con sus perritas. También fue el pie forzado para “bajarse del pony”, como dice, bajar las revoluciones desde que en 2015 mostró sus primeros trabajos de fotografía, textiles bordados, con exposiciones dentro y fuera de Chile, venta, prensa especializada extranjera destacando su nombre. El espacio en mute para meterse hacia dentro y pensar qué nuevo capítulo tejer en su decisión de dedicarse al arte.

“Necesitaba tiempo, pero estaba la fuerza de la inercia, y el estallido y la pandemia me dieron ese tiempo, la obligación de

detenerme y ver desde donde emerge lo nuevo”, explica.

Juana Gómez, bordadora, fotógrafa, ceramista, mujer bajita y con cara de niña y con una mente lúcida y profunda encontró buena parte de lo que viene para ella en la devastación del bosque quemado. “Agarré un caballo y fui a tomar fotos de cómo estaba el bosque”, cuenta sentada en su pequeño taller, en un rincón del jardín trasero de la galería NAC, en Vespucio Norte. Allí no solo prepara su próxima muestra para fines de este año o principios del próximo. También imparte talleres de cerámica y textil y fotografía, “clases bien acotadas para que me alcance la plata para la terapia y pagar este espacio”.

La conversación parte con una advertencia. “Voy a tratar de no ser tan dispersa, porque las preguntas se responden con ideas que estoy desarrollando”, dice.

Partamos por algo muy sencillo, pero fundamental en tu cotidianidad: los dos perros que te acompañan a todos lados.

JUANA GOMEZ: La blanca, la más chica, es la Cali, mi primera perra de la vida. En nepalés es la diosa Cali y significa negra, asunto que supe después. La Pina se llama así en honor a la Pina Bausch. Me la regaló Mónica Bravo, una amiga mayor, una L’OFFICIEL:

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gran maestra textil que es como una abuela. Mis perros son mi máxima felicidad. Son una parte demasiado importante para mí y voy con ellas a todas partes. En este tiempo de pandemia han sido especialmente importantes. Un ansiolítico natural.

dentro de ciclos y giros. Los antiguos ya eran conscientes de que los ciclos en que estamos inmersos se conectan con los giros del universo. Así nacen los calendarios siderales, los mapas de algunos astros, o estructuras de cuándo sembrar y cosechar. Y ambas, cerámica y textil, son muy constitutivas del ser humano.

Está en la Biblia la relación de crear al hombre desde el barro y está el textil para vestir la desnudez”.

Juana Gómez cuenta que “sentí la necesidad de hacer vasijas que contengan vida. Estoy haciendo en cerámica negra vasijas impermeables que puedan contener agua y cultivar en ellas. En noviembre voy a esquilar e hilar y con esos textiles voy a extraer el agua y transportarla a otros lugares como si fuesen raíces.

También haré una instalación con hongos, otra de bordados.

Tiene que ver con mi necesidad de seguir ahondando en la tierra”.

Juana, que viene hace años fijando su atención en la biología, en la anatomía y en la ecología para establecer relaciones con los oficios que maneja y el arte que desarrolla, agrega que entre hilado y ADN también se establecen metáforas y relaciones que la sorprenden. “Benja me mandó el código genético del Covid-19; cuatro letras ordenadas de una determinada manera.

Cuando lo vi casi me caigo de espalda porque era lo mismo que estaba desarrollando en el bordado y lo mismo que se desarrolla en el textil. El arte textil incaico tiene las mismas estructuras.

La estructura genética es igual a cómo se teje en el textil”.

Estás investigando y trabajando la representación del liquen.

Sí. Es un ser simbiótico que nace de la unión de un alga, una bacteria y un hongo. Sus sustratos son muy precarios: una roca o la corteza de un árbol. Crecen en condiciones muy adversas.

Me gustó, además de los colores, su capacidad de transformarse en algo nuevo para contener la vida. Como las malezas, son capaces de retener agua y ayudar a las plantas.

LO:

JG:

¿Cómo fue esa estadía en la precordillera?

Fue una decisión que tomamos con el Benja (su marido). Él es asmático, con el estallido Chile se había bajado de la Feria Arcos, donde Sergio Larraín y yo éramos los artistas representantes, y con la pandemia en camino a llegar a Chile, y que ya había explotado en Europa, tomamos la determinación.

Fue hermoso habitar un espacio que conocíamos bien en verano, pero nunca habíamos estado en invierno. Un invierno completo y muy lluvioso. Fue estar al ritmo de la naturaleza: levantarse temprano, calentarnos con leña, caminar, caminar y caminar con mis perras, ver el crecimiento de los hongos, de las plantas, tomar fotos de musgos que comenzaron a crecer en la primavera y empezar a investigarlos. Ver cómo tras el incendio la vida se resiste a morir. Volver a Santiago fue un shock.

Doce meses de pausa de la ciudad y sus demandas, con homeschooling de su hija Julieta y el trabajo a distancia de su marido, el periodista de la FAO y escritor Benjamín Labatut (publicado por Anagrama y en la lista corta del Premio Booker Internacional de 2021) es una de las muchas otras pausas que se detectan en la trayectoria vital de Juana Gómez. El 17 de octubre de 2019 inauguró su primera exposición en NAC bajo la dirección de Nicole Andreu y tras su separación de la galerista Isabel Croxatto. Una determinación, que cuenta, tomó porque necesitaba otro ritmo de trabajo, menos frenético. Con Andreu en Chile, y con la representación en Londres de Michael Hoppen Gallery, Juana Gómez prepara sin apuros su próxima muestra, en que a la fotografía y bordados sobre textiles se sumará el tejido, la cerámica y una nueva reflexión sobre la naturaleza, la vida y la muerte, sus obsesiones a estas alturas.

“Estoy trabajando en cómo unir el textil y la cerámica. Tienen varias cosas que las unen, pero me quedo con dos. Ambas emergen de la tierra. La cerámica es tierra y proporciones de minerales que dan cierta estructura a esa pasta que, a través del torno y del fuego, la puedas transformar en otra cosa. Por otro lado, el textil viene de las fibras que emergen de la tierra.

Al hilar, hilas con un giro, con un movimiento. Pasa lo mismo con el torno. Y comienzas a construir un relato con el giro. El giro tiene una cosa muy simbólica, porque las personas vivimos

LO:

JG:

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EL ARTE DE ENLOQUECER

LO: Me decías hace unos días que “dedicarse al arte era enloquecer un poco”. ¿Cómo es eso?

JG: Es como la imagen de Alicia persiguiendo al conejo y metiéndose en esta cueva para meterse a un mundo en donde todo está patas para arriba, donde las lógicas no son las del mundo

HAY QUE romper CON ESA LÓGICA Y meterse EN ESTA LOCURA PARA trabajar EN ARTE. A LA VEZ, HAY QUE SABER enrielar O NO SIRVE DE nada SI NO SABES concretar concretar..

“SENTÍ LA necesidad DE HACER VASIJAS QUE contengan VIDA. ESTOY haciendo VASIJAS impermeables QUE PUEDAN contener AGUA Y CULTIVAR EN ELLAS”.

PAGINA ANTERIOR: RETRATO DE JUANA GOMEZ POR CARLOS SAAVEDRA. ARRIBA: CONSTRUCTURAL X PARIS PHOTO. DERECHA ABAJO: OBRA HONG KONG POR JUANA GOMEZ.

que ella conoce, donde todo parece algo onírico y fantástico.

Hago mucha terapia para ir desentrañando este relato que se comienza a construir desde uno mismo. Hay algo en el exterior, pero también en el interior, en el subconsciente. Y al poder entender que hay señales que se empiezan a aparecer y a conectar, comienzas a irte muy para adentro o a desconectarte aún más del hacer clásico del ir, trabajar, pagar las cuentas. Ya el trabajar en arte te desconecta de esa ritualidad del trabajo estandarizado.

Es distinto nunca haber estado en ese ritmo estandarizado que haberse salido de ahí, como en mi caso. Eres más consciente de esa no estructura, esa no lógica de producción. Hay que romper con esa lógica y meterse en esta locura para trabajar en arte. Y, al mismo tiempo, hay que saber enrielar o no sirve de nada si no sabes concretar. También puedes chiflarte trabajando y luego darte cuenta de que no resultó y pasar a lo siguiente. Esa zona es muy delicada. Solo uno sabe. También me parece que es un camino algo taoísta: entre más voy perdiendo, entre más me voy perdiendo, más voy ganando. Juana Gómez no se llama Juana Gómez. Se llama Francisca. Juana es el nombre que adoptó tras tomar la determinación de dejar de trabajar como diseñadora, primero en revista Paula y luego en Noise Media. Antes de Juana,

durante una estadía en Barcelona, fue “Fran Bío” y después de eso fue solo “Bío”.

LO: Pareciera que renaces junto a cada nuevo nombre. ¿Hay algo de eso?

JG: Para mis nombres tienen que ver con los proyectos. Juana fue de iniciar mi camino en el arte con una madurez y una espiritualidad que antes no había desarrollado. Fue también comenzar a trabajar conmigo misma, con mi imagen, con mi cuerpo. Quise erradicar la marca de un nombre como Francisca y partir nuevamente con Juana. Con Benja vimos el documental de Nina Simone y ella, para poder hacer la música que quería hacer, no la clásica que se esperaba de ella, se puso “Nina” para que no la descubrieran. Creo que en mi caso fue algo parecido.

Mi mamá es servidora de la eucaristía, es profesora de catequesis y borda las estolas. Cuando yo estudiaba Arte siempre me advirtió que por ningún motivo posara desnuda. Tal vez, en mi trabajo, podría haber elegido a una modelo, pero también sentía que ya en esa elección suponía una arbitrariedad. Esos cambios de nombre tienen que ver también con que creo que uno puede ser muchas personas en una misma vida y porque si

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un día hago una cosa tal vez otro día también puedo hacer otra.

Me interesa ser consciente de esa posibilidad de libertad y no ser yo quien se limite.

Estás trabajando con tu mamá?

Con mi mamá estoy trabajando hace tiempo. Es mi partner de bordado y ella sabe tejer mucho mejor que yo. Para esta nueva exposición quiero hacer cosas tejidas, entonces yo voy armando ideas y ella me ayuda a traducirlas a nivel de tejido.

Estoy trabajando con el punto cruz. Hay software que pasa todas las imágenes a punto cruz, entonces este programa te da que cada código es un color. Y ese código es un abecedario, pero en vez de tener letras, tiene un punto. Estoy representando en el textil paisajes que se están quemando, líquenes, cosas que están pasando en la naturaleza.

LO: ¿ JG:

Antes de que te fuera bien como artista, ¿tuviste miedo de que te fuera mal, de lanzarte al vacío y fracasar?

JG: Lo hablaba con mi psicólogo: me daba miedo que me fuera bien. Más miedo de que me fuera mal. Me daba terror. He hecho el ejercicio de salirme de mi propia cabeza, de mis propias formas de ser y de pensar. He confiado en el instinto o en lo intuitivo.

LO:

LO: “Desprogramarse”, decía Claudia Donoso que del periodismo y la escritura transitó hacia el collage. ¿Cómo se hace?

JG: De partida me pasó algo muy bonito, una amiga me recomendó que fuera a ver a Gonzalo Pérez (psicólogo, astrólogo y terapeuta). Fue una conversación tremenda. Me dijo que tenía que trasladar al arte lo que yo vivía en la cordillera. De hecho, antes de hablar contigo me metí a su página web para ver si lograba actualizar la lectura de todo lo que él me dijo en esa conversación y fue muy heavy, porque todo lo que he ido desarrollando tiene que ver con lo que he vivido en Las Sierras.

Yo también viví en el sur y él en mi carta astral veía paisajes y me dijo “veo los árboles en que tú te subías”. De hecho, me sigo subiendo arriba de los árboles. En esa conversación hablamos de mi conectar con mi cuerpo femenino más que mi feminidad y eso también fue fuerte, porque en esa época yo estaba bordando mis órganos, mi útero, conectando con la matriz. Me di cuenta de que como mujeres no es muy amorosa la relación que tenemos con los ovarios, en el sentido de que no los vemos, solo sabemos que están cuando nos duelen y sangramos. Pero creo que son el primer hogar. Son la primera casa universal del ser humano.

Has mencionado varias veces a Benjamín en esta conversación. ¿Cómo es tu relación con él?

JG: Era el mejor amigo de una amiga y nunca había hablado con él, aunque éramos del mismo grupo. La primera vez que salimos, tipo cita, nunca más pudimos parar de hablar. Fue como un vómito de ideas, alguien con quien poder conectar mis ideas y él me las profundizaba de vuelta y eso me voló la cabeza. Nuestra relación desde un inicio se transformó en un desarrollo de ideas.

En ese momento yo no estaba el arte, estaba muy desencantada, y él estaba con su literatura. Yo no me sentía el mejor apoyo por mi propio desencanto. Él fue de las personas que me empujó a retomar. Una vez adentro, él es mi primer cortafuegos de ideas.

Discutimos mucho sobre mi trabajo. Él escribe sobre temas de ciencia y me comparte esa información. Me parece que es un intercambio mutuo. A cada uno le interesa lo que hace el otro. Él escucha mucho lo que yo le digo sobre sus textos y le digo que yo no soy ni editora ni literata, pero sabe que yo hablo desde lo que me suena bien o suena mal. Desde esa sinceridad me escucha. n LO:

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Celebra el otoño

azahar.cl

ENCUÉNTRANOS EN TIENDAS SKECHERS Y EN

SKECHERS .CL SITIO OFICIAL

ENCUÉNTRANOS EN TIENDAS SKECHERS Y EN

SKECHERS.CL SITIO OFICIAL

VESTIGIOS históóric hist icoos PAT ATA AGON ONIIA DE LA

Brisas fueguinas del pasado de una factoría maderera levantada durante el pasado colonial y de migración suiza se transmite a través de la Casa-Museo Alberto Baeriswyl, Baeriswyl, un lugar que pone en valor el trabajo interdisciplinario interdisciplinario..

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Por FLORENCIA DE LA FUENTE

Fotos: Gentileza CAB.

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a historia de la Casa-Museo Alberto Baeriswyl (CAB) se remonta al fenómeno de la explotación forestal y la colonización suiza en la Región de Magallanes, al extremo sur de Chile. Entre los densos bosques de la península de Brunswick se explotaba la madera para cubrir las necesidades básicas de vivienda y calefacción de los pobladores. Fue en la primera década del siglo XX en que, en una búsqueda de nuevos territorios para impulsar el desarrollo regional, cruzando el Estrecho de Magallanes, en la gran Tierra del Fuego se encontró el lugar perfecto frente al Canal Whiteside.

Aquí, Alberto Baeriswyl Pittet, hijo de inmigrantes suizos y experto en el rubro, decidió fundar su propia factoría en 1908, que pasó a ser el emprendimiento maderero más grande de la zona. En 36.330 hectáreas de esta tierra se instalaron aserraderos, talleres,

astilleros, viviendas, almacenes, droguerías y escuelas. Lo mágico de este lugar, además de ubicarse en este imponente territorio patagónico, es que llegó a transformarse en un verdadero poblado, conocido como Puerto Yartou, un rincón apartado del mundo y rodeado de la más pura naturaleza, que alberga la historia de los inmigrantes suizos que hicieron sus vidas junto a sus familias en este emplazamiento entre 1905 y 1941.

Más de seis décadas después, específicamente en 2004, Puerto Yartou vuelve a ser visitado, esta vez por la artista visual María Luisa Murillo, quien llegó acompañada por su madre, María Teresa Böhm Baeriswyl, nieta del mismo personaje que fundó esta olvidada industria maderera. María Luisa residía en España en ese entonces y se encontraba trabajando en uno de los grandes temas de su obra: el abandono.

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En esta búsqueda surge la idea del reencuentro con su pasado familiar, y así emprendió un arduo viaje al extremo austral del mundo, teniendo que enfrentar las adversidades de la marea y los caminos que implicaba trasladarse a Tierra del Fuego, para fotografiar lo que quedaba de este antiguo pueblo. “Llegamos a Puerto Yartou y nos encontramos con un verdadero poblado fantasma. Había muchos vestigios industriales y aún quedaban algunas construcciones en pie.

A partir de este encuentro surgió la pregunta de qué hacer con este patrimonio, con esta historia”, cuenta Murillo.

María Luisa y su madre se dieron cuenta de lo desaprovechado que estaba este tesoro patagónico, cuyo background histórico, geopolítico, ecológico y natural tenía un valor único. Era necesario hacer de este lugar un patrimonio histórico y darlo a conocer al resto del mundo. Especial protagonismo cobró una casa de estilo colonial en forma de T que solía ser el centro administrativo de la fábrica donde también habitaba Alberto Baerswyl.

En 2009, presentó un proyecto al Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes (Fondart), con el objetivo de restaurar la casa principal de Puerto Yartou, lo que implicaba en primera instancia evaluar su valor patrimonial material. Pronto lograron generar una colaboración entre el Cantón de Friburgo, la Confederación Suiza representada por la embajada de aquel país en Chile y la Comisión del Bicentenario, celebración especial con la que coincidió el levantamiento de este vestigio.

A partir de este gran proyecto, María Teresa también forma la Fundación Suiza de Puerto Yartou –la cual preside– que administra y vela por salvaguardar, recopilar y transmitir la historia que viene de lo que quedó de esta industria maderera, además de los relatos de las familias inmigrantes suizas que dieron vida a este lugar en el pasado.

INNOVAR DESDE EL FIN DEL MUNDO Al levantar esta casa se mantuvo su estilo colonial, con sus cuatro habitaciones dobles, comedor, cocina y baños repletos de antigüedades y majestuosos papeles murales vintage. Para

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María Luisa, este único vestigio que lograron conservar del puerto debía ser más que un simple refugio, necesitaba ser un museo. El problema radicaba en el limitado espacio. Es así como se gesta la idea de combinar casa y museo, que implicó una exhaustiva investigación y una propuesta museográfica combinada con tecnología.

Con ayuda de sucesivos fondos adjudicados, iniciaron la investigación a manos del premio nacional de Historia Mateo Martinic y la antropóloga Macarena Fernández, que incluyó entrevistas a personas que tuvieron familiares en el área, además del análisis de Archivo Nacional de Santiago para encontrar distintos matices de la vida pasada en Puerto Yartou. Luego se realizó un segundo levantamiento arquitectónico patrimonial de todo el caso histórico por Nicolás Recabarren.

La primera etapa del proyecto museográfico estuvo a cargo de Miguel Laborde y Roberto Benavente, quien fue el impulsor principal de mezclar tecnología con museografía. “Creo que son demasiadas cosas lo que lo hacen interesante, esto de rescatar la historia del lugar y además presentarla en un formato interesante, que mezcla tecnología con esta lógica museística de los museos de sitio”, asegura María Luisa.

Así nació una aplicación móvil para tablets con realidad aumentada integrada por medio de códigos QR que funcionan en diversos puntos de la Casa-Museo. La app incluye fotografías en blanco y negro de principios del siglo XX de la factoría; imágenes que despliegan información relacionada a este tiempo, incluyendo los pueblos originarios. Una experiencia de lujo y gratis para el goce de sus visitantes.

María Luisa, como directora de Arte y Proyectos de la CAB, entendió que la institución debía mantenerse viva. En 2017 decidió implementar el programa de Residencias de Arte, Ciencias y Humanidades CAB, con especial apoyo del Consejo de la Cultura Suizo Pro Helvetia. A través de esta iniciativa se realiza una invitación abierta a artistas y expertos en diversas disciplinas –tanto chilenos como suizos– para hospedarse

Fotos: Gentileza CAB.

“RESCATAR LA historia DEL LUGAR Y ADEMAS presentarla EN UN FORMATO interesante,, QUE interesante MEZCLA tecnología CON esta LOGICA museística DE LOS MUSEOS DE sitio”.

por 10 días en la Casa-Museo y aportar desde sus miradas a un análisis crítico circunscrito a un tema específico. Hasta el momento se han realizado tres convocatorias: Tiempo Profundo (2019), Resistencia y Poder (2020) y consciencia (2021). “Me interesaba mucho esta multiplicidad de saberes y que ojalá todos estuviéramos juntos, caminando, conversando y tomándonos una copa de vino, para entender qué ve el otro, cómo lo ve, qué entiende del paisaje y tratar de conocer y reconocer de distintas formas el territorio donde estamos insertos, que es un territorio tan rico”, comenta.

Después de cada Residencia, la idea es que se genere un trabajo conjunto de exhibición junto a una publicación de la investigación multidisciplinaria en torno a cada tema. Tiempo Profundo se alcanzó a presentar en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo Cerrillos, mientras que lo que surgió de las otras dos instancias quedó pendiente debido a la pandemia.

La bisnieta de Alberto Baeriswyl destaca que esta reflexión crítica sobre la historia y la construcción de identidad en torno a Puerto Yartou y la Casa-Museo también se intenta replicar en los turistas que llegan hasta este rincón de Tierra del Fuego. “Lo que más puedo rescatar de este lugar es que la gente que visita se siente muy emocionada y se conmueve con todo lo que hay; con el paisaje, con la casa y la historia que hay detrás”, concluye. n

–MARIA LUISA MURILLO.

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ESCRITOR QUE CANTABA rancheras Por RODRIGO GONZALEZ

A siete años de su muerte, la figura y la obra de Pedro Lemebel inspiran a toda una generación que lo observa como un ícono cercano y pop, comprometido y consecuente consecuente..

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Foto: Claudia Román.

l apellido Lemebel no existe en los árboles genealógicos de Chile. No posee ninguna historia milenaria asociada. Es una completa invención que no tuvo más de tres representantes en este mundo, todos muertos: Olga, su hija Violeta y su nieto Pedro. El descendiente famoso de esta pequeña generación solía contar que su abuela había creado ese apellido cuando escapó de casa y fue madre soltera. Se podría haber agotado en su hija Violeta Lemebel, casada con el panadero Pedro Mardones, pero el hijo pródigo de la generación quiso que sus libros, sus performances y su vida entera fueran conocidos bajo la identidad de un conjuro fraguado en forma de léxico.

La propia identidad del escritor nace entonces de la porfía, del desacato y de la independencia. El autor de La Esquina es Mi Corazón (1995), que sin embargo tenía buenos recuerdos de su padre, dijo en alguna oportunidad que firmar como Pedro Mardones se hubiera prestado a confusiones con éste y que, además, deseaba honrar la creatividad y tozudez de sus antecesoras.

Pero también, sin filtros fatuos, directo al grano y orgulloso de su originalidad, reconoció en alguna oportunidad ante el escritor y cronista chileno Oscar Contardo: “Pedro Mardones es como nombre de gásfiter, ¿no crees tú?”. Nunca quiso armarse de modestias falsas y ridículas.

La tradición literaria chilena está más o menos definida por el uso del seudónimo y el origen de clase. No es de extrañar que los premios nobel de Literatura locales Gabriela Mistral y Pablo Neruda, ambos de origen humilde, se hayan llamado en realidad Lucila Godoy y Neftalí Reyes en un país donde la cuna, los apellidos y las relaciones lo son todo. En este sentido, Pedro Lemebel es un brillante miembro de aquella sociedad de poetas muertos en eterna resurrección.

Fallecido con solo 62 años, en enero de 2015, el escritor, cronista y artista plástico se encuentra actualmente pasando por una de sus múltiples resurrecciones. La tierra elegida es el globalizado paraíso del streaming, que en Latinoamérica acogió el estreno de la película Tengo Miedo Torero, basada en su obra más famosa, y del documental Lemebel. Los dos están en Amazon Prime Video. La primera es una adaptación bastante fiel de su obra más conocida y

PEDRO Lemebel ERA UNA auténtica bestia CON talento INFINITO, CAPAZ DE resignificar LOS códigos DE LA canción CEBOLLA EN defensa DE LAS MINORÍAS invisibilizadas.. invisibilizadas

el segundo es un documental muy libre y original de Joanna Reposi Garibaldi, premiado en el Festival de Berlín.

En Tengo Miedo Torero el actor Alfredo Castro, el más conocido e internacional de los histriones chilenos, es la llamada Loca del Frente, un travesti de amores arrebatados con algunas características del propio Lemebel. En Lemebel, vemos al artista a través de una mirada que privilegia sus performances iniciales y luego su precipitado final, condicionado por un cáncer de laringe que le extirpó la inconfundible voz con que leía sus crónicas y hería al pacato establishment de Chile.

PROVOCACION EN EL BARRIO CHILENO

Pedro Lemebel publicó nueve obras en su vida. De todas ellas, apenas una fue una novela. Fue precisamente Tengo Miedo Torero, su narración más conocida. El resto se repartió en crónicas, viñetas, retablos de vida y retratos de personajes que caminan por los bordes (no le gustaba la palabra marginal) y que son discriminados, humillados y ofendidos por su sexualidad, por su clase, por sus rasgos físicos o por hablar como piensan. Como él.

Dueño de un estilo arrollador y barroco, donde los adjetivos y sustantivos se cruzan y mezclan para crear una prosa poética inclasificable, Lemebel confiaba en la forma y en el estilo de la misma manera en que otros sólo creen en el contenido y discurso. Era cercano al Partido Comunista chileno debido a razones familiares y muy amigo de su fallecida líder Gladys Marín, pero probablemente estaba a años luz de la moral viril y machista de los jerarcas de la organización.

En el documental de Joanna Reposi, se escucha hablar a su hermano mayor Jorge Mardones, quien recuerda a Pedro y su precoz interés por la fotografía, por la pose, por el retrato de sí mismo en diferentes facetas. Dice que solía defenderlo de los bravucones y matones del barrio en la población San Miguel de avenida Departamental, sector de clase media baja de Santiago.

Lo molestaban por su homosexualidad.

Con el paso del tiempo no sería necesario que nadie lo defendiera de absolutamente nada. Más bien había que escudar a los que osaban interpelar su garbo y decisión. Siempre amó los tacos altos y fueron su marca de fábrica y de moda cuando hacía sus primeras performances en el dúo performático Las Yeguas del Apocalipsis con Francisco Casas. Rasgaron las vestiduras del Chile santurrón e hipócrita de fines de la dictadura e inicios de la democracia, entre 1987 y 1993.

La película Tengo Miedo Torero se ambienta un poco antes de ese período, concretamente en 1986, cuando Augusto Pinochet es blanco de un atentado frustrado. Es una historia que coteja el coraje de un joven revolucionario de clase alta con la inextinguible capacidad de amar del travesti pobre y sin demasiada conciencia política que lo acoge en su casa.

Rodrigo Sepúlveda, director de la película, simpatiza probablemente con este último. Su valentía en el corazón está a la altura de cualquier arrojo guerrillero. Maneja una visión similar sobre el propio Lemebel: “Fue sobre todo un provocador. Fue capaz de salir a la calle y a la escena pública en plena dictadura de Pinochet, con su cara pintada y sus zapatos de tacones altos. Eso me conmueve mucho”.

Con el paso de los años y mientras el Lemebel de las artes performáticas le hacía paso al Lemebel escritor, aquella figura explosiva de la escena chilena sería reemplazada por una versión algo más decantada pero igualmente insurrecta. Tal vez los zapatos puntiagudos desaparecerían, pero a cambio llegaron infinitas bufandas y paños, preferentemente rojos. La identidad del escritor era inconfundible.

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BANDA SONORA DE UN INSURRECTO

A Pedro Lemebel le gustaba el bolero, el tango, la ranchera y la canción romántica en español en general. Se había criado en una casa con una radio prendida todo el día y donde no había un solo libro. Decía que no podía trabajar sin escuchar música y no es raro que los títulos de sus obras vengan de aquellas mismas canciones. Tengo Miedo Torero es, sin ir más lejos, el nombre de un pasodoble popularizado por Lola Flores y creado a fines de los 60 por Augusto Algueró, uno de los más prolíficos y origi198

nales compositores en español.

Uno puede hacer un playlist con temas de Algueró y coincidir perfectamente con los gustos de Lemebel a través de éxitos infalibles como Noelia o Penélope, patentados por las respectivas voces de Nino Bravo y Joan Manuel Serrat. O escudriñar en la voz casi infantil y etérea de Jeanette cantando Amor de Poeta y Porque te Vas, temas a su vez de Manuel Alejandro y José Luis Perales. Temas que Lemebel escuchaba una y otra vez.

Es más, muchos en Chile conocieron al autor primero (y quizás siempre) a través de su programa radial Cancionero, que entre 1994 y 2002 se alimentó de sus crónicas urbanas y de su habilidad de disc-jockey sagaz, sensible y romántico.

En este punto conviene decir que el escritor chileno estaba lejos de la tradición literaria local de la derecha, pero también de la izquierda. Nada de alta cultura. Hay que señalar con el dedo que

Foto: Gabriela Jara.

Consciente de las huellas del tiempo y de la erosión del cuerpo, Lemebel reemplazó el cabello que ya raleaba por aquellos pañuelos, ahora en la cara, el cuello y la cabeza. Cuando asomó la quimioterapia y el pelo desapareció, el autor de Loco Afán ya tenía un arsenal y un repertorio de sobra para tapar las marcas del tratamiento.

Foto: Pedro Marinello.

como Pía Barros, Raquel Olea o Diamela Eltit y no le gustó que el autor de El Gaucho Insufrible le recomendara “alejarse” de ellas”. Hubo un pequeño quiebre.

Después de todo Lemebel no se transformó en un ícono LGBGT por arte de magia ni a costo cero. Estaba su propia vida empeñada en aquella lucha y es probable que el orgullo con que los movimientos minoritarios se expresan hoy en Chile le deban mucho a la virtuosa e insolente del escritor. Rodrigo Sepúlveda dice que una película como Una Mujer Fantástica, ganadora del Oscar internacional 2018 y protagonizada por Daniela Vega, nos e podría haber hecho en un país conservador como Chile “sin la existencia del camino que abrió Lemebel”.

La directora Joanna Reposi Garibaldi, que filmó al escritor en sus últimos 11 años de vida, busca aquellas señales de consecuencia y compromiso en la literatura, pero sobre todo en las acciones de arte de sus inicios. No hay que olvidar que Lemebel fue profesor de Artes Plásticas y que no enfrentaba a las palabras con las imágenes. Por el contrario, las unía.

Pedro Lemebel era una auténtica bestia pop, con talento infinito y capaz de resignificar los códigos de la canción cebolla y el culebrón latinoamericano en defensa de las minorías invisibilizadas.

Por eso fue aún más doloroso para una parte importante de los escritores chilenos cuando Roberto Bolaño, que acababa de publicar Los Detectives Salvajes, vino al país tras 25 años de ausencia en 1998 y ungió a Pedro Lemebel como el gran original de la literatura chilena. Sobre el resto, sólo hubo un gesto de indiferencia o, peor, de burla.

FRIDA HASTA EL FIN

Pero el escritor performista estaba lejos de dejarse agasajar con complacencia. Cultivó una buena relación con Bolaño en la medida, en que no tocaran sus grandes luchas y sus pequeñas derrotas. Se crió intelectualmente entre escritoras feministas

“Una de las obras que más me gustan de él es Las Dos Fridas, que alude al famoso autorretrato doble de Frida Kahlo”, comenta Reposi. “Nace a partir de lo que creó con Francisco Casas en Las Yeguas del Apocalipsis y que luego fue retratado por el fotógrafo Pedro Marinello. “En esta creación hay una reinterpretación del cuerpo, que ahora es travesti, homosexual, agredido, marginal y doloroso, unido por un corazón”.

La directora recuerda que el autor de Perlas y Cicatrices se volvió a vestir y maquillar como Frida Kahlo poco antes de morir, ya postrado en el hospital: “Esa propuesta estuvo en toda la vida de Lemebel, lo acompañó hasta el final y apareció también en sus creaciones no performáticas. Por eso es muy difícil separar a la persona de sus creaciones. Más bien vivía su obra.

Las dos Fridas es del año 1989 y nace como comentario y respuesta a la peor época del sida, cuando diezmaba a la comunidad homosexual” Esta proclama visual no está lejos, después de todo, de las fotos que el Lemebel adolescente se tomaba en el balcón de su departamento en un barrio modesto de Santiago. En ese tiempo era su hermano quien lo defendía de la muchedumbre intolerante y homofóbica, pero ahora ya no es necesario. Aquella masa conformista la tiene más difícil y los anticuerpos del artista viven en una generación que se protege sola. n 199

allá MAS

DE

OBVIO lo

El arquitecto Bernard Dubois atraviesa diferentes culturas a través de su trabajo.

Por NATHALIE NORT Foto JULES FAURE

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B

ernard Dubois es el arquitecto más cotizado por el mundo de la moda. Un día puede estar en un restaurante en Le Marais en París y a la mañana siguiente en un bosque de pinos en Cap Ferret. Siempre a cargo de imaginar las boutiques insignia de casas de moda y marcas contemporáneas que buscan incorporar su estilo minimalista y sensual. Por estos días, el arquitecto continúa con un pie firme en Bruselas, su ciudad natal, y el otro en el tren franco-belga de alta velocidad Thalys, para poder observar de mejor cómo cambia en mundo en tiempo real.

Nos encontramos con Dubois en la Avenida George V, en una mansión de cuatro pisos cerca del hotel Prince de Galles, ese triángulo de oro donde el lujo se siente a gusto. El edificio alberga la primera tienda insignia en Occidente de Icicle, una compañía eco-consciente originada en Shanghai, donde su filosofía “Hecho en la Tierra” viene del concepto taoísta que habla sobre el hombre coexistiendo con la naturaleza. Unos meses antes de que la pandemia se expandiera por todo el mundo, el arquitecto belga presentó su concepto de diseño para la boutique de Icicle en París, tomando como referencias al Louvre y la galería James Simon de Berlín, edificio muy similar al Partenón. “Todo está dispuesto para que una modernidad radical esté unida a la historia y la herencia. La mayoría de mis proyectos tienen múltiples escalas de intervención”, dice Dubois. “Primero el espacio la arquitectura del lugar– y después las artes decorativas: el diseño de los muebles, la iluminación y cualquier otro objeto.

Me gusta inventar y combinar arquitecturas y elementos que no necesariamente vayan juntos”.

El arquitecto de 41 años estudió química y fotografía antes de cambiarse a arquitectura en La Cambre, una renombrada escuela de artes visuales en Bruselas que tiene como exalumnos a Anthony Vaccarello y Marine Serre. Con su diploma en mano, Dubois supo sacar provecho de lo que Bélgica hace

“UN PUNTO DE inflexión,, DONDE inflexión LOS CÓDIGOS PUEDEN PARECER familiares O TÍPICOS DE UNA ERA Y LLEVARLOS totalmente A OTRO LUGAR”. mejor: incentivar a los jóvenes creativos a expresar su talento internacionalmente. Luego de que con sus socios de ese momento ganaran la competencia nacional del Pabellón de Bélgica en la Bienal de Venecia en 2014, el joven arquitecto abrió su propia agencia, y gracias a su amistad con el diseñador de moda Nicolás Andreas Taralis, voló a China, país que se convirtió en su primer campo de juego.

En la boutique de Icicle, Dubois partió creando un techo con doble altura y una escala con bordes redondeados. Diferentes materiales, desde yeso de cal hasta paloma, una piedra natural, todos son en tono marfil. La misma repetición espacial se

IZQUIERDA, DESDE LA DERECHA: BOUTIQUE ICICLE EN PARÍS, FOTOGRAFIADA POR ROMAIN LAPRADE; TIENDA DE AESOP EN BRUSELAS, FOTOGRAFIADA POR ROMAIN LAPRADE.

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RESTAURANT PNY EN PARÍS, FOTOGRAFIADO POR ROMAIN LAPRADE.

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“ME GUSTA INVENTAR Y combinar ARQUITECTURAS Y elementos QUE NO necesariamente VAN JUNTOS”.

DERECHA: EXPOSICION DE MUEBLES EN LA GALERIA MANIERA DE BRUSELAS, FOTOGRAFIADA POR ROMAIN LAPRADE. ABAJO: TIENDA INSIGNIA DE COURREGES EN PARIS, FOTOGRAFIADA POR ROMAIN LAPRADE.

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presenta en cada piso, donde los exhibidores se abren a una sala más grande con diseño de roble o cuero lacado en añil, provocando una variación. En el piso de más arriba, el espacio modular está al lado de una biblioteca, con la intención de invitar a los visitantes a descubrir la cultura contemporánea china a través de exposiciones y eventos. Es en este espacio que mezcla lo oriental con lo occidental, donde las proporciones se coordinan con los motivos arquitectónicos que seducen a los fundadores del la marca, Shawna Tao y Shouzeng Ye, “quienes me mostraron su Shanghai –museos, galerías, jardines– para entender que compartimos intenciones estéticas que atraviesan el minimalismo y las materias primas”, comenta Dubois.

Sumado a Icicle, Dubois ha diseñado espacios comerciales alrededor del mundo para Zadig & Voltair, Dice Kayek, A Bathing Ape, y Aesop. Sin embargo, el último proyecto de su firma fue rediseñar la nueva tienda insigne de Courrèges, una histórica boutique en Rue François. La tienda es un lugar llamativo, con arcos cromados enrollados en terciopelo y alfombras inmaculadas que van de pared a pared, perfectamente alineado con el futurismo retro de la marca. Fundada en 1961, la legendaria firma francesa fue relanzada en 2015, y su director artístico actual, Nicolas Di Felice, fue asignado al cargo en 2020.

Di Felice, un joven diseñador belga quien también se graduó de La Cambre, trabajó en Balenciaga y Louis Vuitton con Nicolas Ghesquière y en Christian Dior con Raf Simons antes de tomar el timón en Courrèges. La colaboración de Dubois junto a su

compañero belga aún no termina, ya que actualmente está en construcción otra boutique de Courrèges en Marais, donde aplicarán el mismo estilo pero a un espacio más modesto.

Un cambio de escenario, pero aún en París, es el restaurante de hamburguesas PNY en Rue du Faubourg St-Antonie, el cual muestra a la perfección la obsesión de Dubois por un diseño general idéntico. El espacio se define por una serie de puestos de madera, un espíritu común en los lugares de comida de los años 60 y una propuesta pop bastante forzada, donde Dubois refleja la estética posmoderna del arquitecto suizo Mario Botta.

“Quería rendir homenaje a la famosa fachada agrietada que Hans Hollein creó para la joyería Schullin en Viena”, dice. Más lejos, en Rue Sainte-Croix de la Bretonnerie, Dubois trabaja en otra locación para la cadena gastronómica parisina. Aquí, la arquitectura brutalista de André Jacqmain’s utilizada para la antigua librería Louvain-la-Neuve en Bélgica fue la inspiración.

En cuanto a Aesop, la marca minimalista de cosméticos de lujo que eligió a Dubois para interpretar la quintaesencia arquitectónica belga dentro de su tienda en Bruselas, el arquitecto explica que tomó “ladrillos herrington amarillos – típico patrón belga utilizado en exteriores durante el siglo XX,

pero los incorporé de forma vertical en sus interiores, en un formato mucho más estrecho que permite lograr curvas más suaves, estructuradas y un aire exótico proveniente de Japón, Brasil y hasta Marruecos con su bejmat”.

Para Dubois, la arquitectura es un concepto que lo abarca todo. “Los arquitectos con quienes me busco identificar dibujaron todo y no priorizaron los objetos acorde a su tamaño, porque para ellos todo formaba parte de una simple disciplina, sin distinciones entre diseños, interiores, urbanismo o arquitectura”, dice. Al preguntarle acerca de Alvar Aalto, Mies van der Rohe o Philip Johnson su entusiasmo crece, y aumenta mucho más cuando menciona proyectos que lo sacan de su zona de confort comercial, como un hotel en el distrito 10 o una villa en Cap Ferret. La versatilidad de Dubois quedó de manifiesto en su colaboración reciente con el diseñador de artículos de cuero Isaac Reina en la galería Maniera de Bruselas, donde el arquitecto creó varios objetos domésticos, incluyendo una lámpara, un sillón, una estantería y una mesa auxiliar. “Lo que me interesa de trabajar con formas es llegar a ese límite”, aclara Dubois. “Un punto de inflexión, donde los códigos pueden parecer familiares o típicos de una era y llevarlos totalmente a otro lugar”. n

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Durante el último siglo, el plata ha sido símbolo de lo nuevo y revolucionario revolucionario..

Desde trajes de noche inspirados en el Art Deco hasta la ciencia ficción, el plateado ha sido protagónico en las páginas de L’OFFICIEL a lo largo de los 100 años de historia de la revista, pero su importancia cultural también ha evolucionado.

Durante la década de 1930, el plata significaba glamour. Si bien L’OFFICIEL aún no imprimía fotografías en color en 1933, no había duda del alto brillo de los vestidos metalizados de Alix Barton, incluso en blanco y negro. En los años 60, este tono definió la era espacial. Las telas con lentejuelas y lamé fabricadas por Pierre Cardin y André Courrèges hablaron del momento cultural, visualizando directamente la sed global por los viajes espaciales y la tecnología. Nada era tan moderno como un 206

minivestido plateado reluciente. Durante la década de 1990, el plateado gritó celebridad. Los metálicos que brillaban tanto como los íconos de los tabloides de la época eran inseparables tanto de la moda como de las superestrellas de Hollywood. Mientras los Supers brillaban con sus juveniles vestidos de malla de Paco Rabanne, el plata continuó haciendo una declaración en los primeros años cuando la imaginaban diseñadores como Versace y Louis Vuitton. En 2021, los plateados vuelven a convertirse en un metareflejo del espíritu juvenil y los anhelos progresistas de generaciones pasadas.

—Piper McDonald y Tori Nergaard