L'Officiel Paris N° 1048 - Spring 2021

NO 1048 - AVRIL-MAI 2021

SPRING 2021

ANDRA DAY Rises Up

L 15003 - 1048 H - F: 5,90 € - RD

ISSN 1777-9375

Family Stories

Look Celine par Hedi Slimane

TENDANCE BIJOUX réalisation

LA NOUVELLE VISION DE SWAROVSKI texte

27

Emily Minchella

28

Hervé Dewintre

HAUTE JOAILLERIE

30

Emily Minchella artwork Giulia Gilebbi

Look Nicola Lecourt Mansion

réalisation

38

LE SAC CURVE D’ALEXANDER McQUEEN

12

texte Laure Ambroise

LE SAC 11.12 DE CHANEL

14

texte Laure Ambroise

SUMMER TIME SELON LOUIS VUITTON

15

texte Laure Ambroise

LA COLLAB MONCLER X JW ANDERSON

16

texte Laure Ambroise

LA COLLAB WEEKEND MAX MARA X DONALD ROBERTSON

58

18

texte Laure Ambroise

LONDON GRAMMAR, LA CRÈME ANGLAISE Noémie Lecoq

LA NOUVELLE VIE DE LA FONTAINE GAILLON texte

LA POÉSIE SENSORIELLE D’AXEL HUYNH texte

texte Antigone

23 24

Schilling

LA COLLECTION TRIBAL DE GRAFF

38

Giulio Martinelli photographie Alberto Tandoi stylisme

GAIA & LORENZO

46

Baptiste Piégay stylisme Julie de Libran photographie Sonia Sieff interview

Pauline Borgogno

LE JASMIN FAÇON BULGARI

26

PINK LADY

52

Marco Costa photographie Alessandro Lo Faro stylisme

Hervé Dewintre

Looks Valentino et Julie de Libran

texte

22

Pauline Borgogno

PATTERN PLAY

Atelier Hannes Peer

texte

20

98

CATCH ME IF YOU CAM interview Laure Ambroise stylisme

Jennifer Eymère et Kenzia Bengel de Vaulx

photographie Fiona Torre

46

58

Look Saint Laurent par Anthony Vaccarello

Look Philosophy by Lorenzo Serafini

130

FAMILY AFFAIRS texte

DECODING DOMESTICITY texte

118

Pierre-Alexandre Mateos & Charles Teyssou

124

Julia Trotta

TWIN SET

130

Stella Greenspan photographie Tina Barney stylisme

LIFE AS A SITCOM

142

Donatien Grau artwork Francesco Vezzoli texte

52

FASHION IMITATES ART texte Tori

SEVENTIES STYLE SELON ST. VINCENT texte

80

Noémie Lecoq

TOP CHRONO POUR HOGAN interviews Laure Ambroise, Baptiste

84

Piégay, Sophie Rosemont

Bellugeon photographie Jules Faure

94

Nathalie Nort photographie Fiona Torre et Élise Ortiou Campion

98

Sophie Rosemont

ADRESSES

104

OUVERTURE CAHIER GLOBAL

105

GROWING UP ANDRA DAY

106

texte

Gwen Thompkins

stylisme Laura Ferrara photographie Alexi Lubomirski

168

Nergaard

124

texte

texte

162

Pierre-Alexandre Mateos & Charles Teyssou

90

Xin Ni stylisme Xie Xing Zing photographie Zack Zhang

IN THE MOOD FOR HANNES PEER

152

Hunter

ROOM TO GROW

texte Tori

texte

ÉTÉ FERTILE EN VUE

texte Lucy

LA SILHOUETTE SCULPTURALE

stylisme Vanessa

RENCONTRE AVEC ALLEN DENG

PATERNITY LEAVE

texte

148

Nergaard & Piper McDonald

L’ OFFICIEL NO 1048 – SPRING 2021

Directrice de la publication et de la rédaction Marie-José Susskind-Jalou L’OFFICIEL GLOBAL

L’OFFICIEL FRANCE

Contributing Global Chief Creative Officer Stefano Tonchi

Rédactrice en chef mode Vanessa Bellugeon

Rédactrice en chef magazine Adrienne Ribes

Executive editor Giampietro Baudo

Mode Senior fashion editor Laure Ambroise

Magazine Rédactrice en chef adjointe Léa Trichter-Pariente

Casting & Photographie Jennifer Eymère Joshua Glasgow

Joaillerie/Horlogerie Emily Minchella Hervé Dewintre

Département artistique Graphistes Giulia Gilebbi Luca Ballirò

Production Joshua Glasgow

Global Executive Director Giampietro Baudo Global Artistic and Casting Director Jennifer Eymère Global Contributing Creative Director Trey Laird Global Editorial Team Laure Ambroise | Mode Global Casting, Production & Booking Joshua Glasgow Global Digital Editorial Director Joshua Glass Global Head of Content Projects and Fashion Initiatives Caroline Grosso Consulting Executive Managing Editor Regan Solmo Global Graphic Team Giulia Gilebbi, Luca Ballirò Global Contributing Design Director Micheal Riso Global Managing Team Sabrina Abbas, Sara Ali, Jeanne Propeck

Beauté Mélanie Mendelewitsch Rédactrice parfum Antigone Schilling

Secrétariat de rédaction Secrétaire générale de la rédaction Jeanne Propeck

lofficiel.com Rédactrice en chef Karen Rouach Community manager Caroline Mas

CONTRIBUTEURS PHOTOGRAPHES Tina Barney Jules Faure Alessandro La Faro Alexi Ludomirski Sonia Sieff Alberto Tandoi Fiona Torre

Charles Teyssou Gwen Thompkins Julia Trotta Francesco Vezzoli Xie Xing Zing TRADUCTRICE Légère Balivet

RÉDACTEURS ET COLLABORATEURS Pauline Borgogno Marco Costa Laura Ferrara Donatien Grau Stella Greenspan Lucy Hunter Noémie Lecoq Julie de Libran Giulio Martinelli Pierre-Alexandre Mateos Piper McDonald & Tori Nergaard Xin Ni Nathalie Nort Élise Ortiou Campion Baptiste Piégay Sophie Rosemont

LES PUBLICATIONS DES ÉDITIONS JALOU L’Officiel de la Mode, L’Officiel Hommes, Jalouse, La Revue des Montres, L’Officiel Voyage, L’Officiel Fashion Week, L’Officiel Art, L’Officiel Chirurgie Esthétique, Lofficiel.com L’Officiel de la Mode, Jalouse, La Revue des Montres, L’Officiel Voyage, L’Officiel Fashion Week, L’Officiel Hommes, L’Officiel Art, L’Officiel Chirurgie Esthétique, L’Officiel Allemagne, L’Officiel Hommes Allemagne, L’Officiel Argentine, L’Officiel Autriche, L’Officiel Belgique, L’Officiel Hommes Belgique, L’Officiel Art Belgique, L’Officiel Brésil, L’Officiel Hommes Brésil, L’Officiel Chili, L’Officiel Chine, Jalouse Chine, L’Officiel Hommes Chine, L’Officiel Chypre, L’Officiel Corée, L’Officiel Hommes Corée, La Revue des Montres Corée, L’Officiel Inde, L’Officiel Italie, L’Officiel Hommes Italie, L’Officiel Lettonie, L’Officiel Liechtenstein, L’Officiel Lituanie, L’Officiel Malaisie, L’Officiel Maroc, L’Officiel Hommes Maroc, L’Officiel Mexique, L’Officiel Monaco, L’Officiel Moyen-Orient, L’Officiel Hommes Moyen-Orient, L’Officiel Pays Baltes, L’Officiel Pays-Bas, L’Officiel Hommes Pays-Bas, L’Officiel Philippines, L’Officiel Pologne, L’Officiel Hommes Pologne, L’Officiel Russie, L’Officiel Voyage Russie, L’Officiel Singapour, L’Officiel Hommes Singapour, L’Officiel St Barth, L’Officiel Suisse, L’Officiel Hommes Suisse, L’Officiel Voyage Suisse, L’Officiel Thaïlande, L’Officiel Hommes Thaïlande, L’Officiel Turquie, L’Officiel Hommes Turquie, L’Officiel Ukraine, L’Officiel Hommes Ukraine, L’Officiel USA, L’Officiel Hommes USA, L’Officiel Vietnam

Design: Yorgo&Co Photo: Thomas Mailaender

Je suis l’homme à tête de chou Moitié légume, moitié mec.

Coming soon. maisongainsbourg.fr @maisongainsbourg

L’ OFFICIEL

DIRECTION Global Co-Chairmen and Members of Executive and Administrative Boards Marie-José Susskind-Jalou Maxime Jalou Global Chief Executive Officer, Director of Executive and Administrative Boards Benjamin Eymère Global Deputy Chief Executive Officer, Member of Executive and Administrative Boards Maria Cecilia Andretta Global Chief Creative Officer Stefano Tonchi Global Artistic and Casting Director Jennifer Eymère Global Editorial Committee Giampietro Baudo, Jennifer Eymère, Stefano Tonchi Executive Assistants Céline Donker Van Heel c.donkervanheel@ jaloumediagroup.com Giulia Bettinelli g.bettinelli@lofficielitalia.com INTERNATIONAL ET MARKETING Director International Licensees and Brand Marketing Flavia Benda f.benda@jaloumediagroup.com Global Head of Digital Product Giuseppe De Martino Global Digital Project Manager Babila Cremascoli Global Editorial Content and Archives Giulia Bettinelli

ADVERTISING Global Chief Revenue Officer Anthony Cenname Managing Director France Robert D. Eisenhart III Media Director Italian Market Carlotta Tomasoni Global Digital Ad Ops and Media Planning Ilaria Previtali

PUBLICITÉ Managing Director France Robert D. Eisenhart III Directrice commerciale L’Officiel Anne-Marie Disegni a.mdisegni@jaloumediagroup. com Directeurs de publicité Christelle Mention (joaillerie, beauté) c.mention@jaloumediagroup.com Marina de Diesbach (horlogerie) m.diesbach@jaloumediagroup.com Stéphane Moussin (opérations spéciales) s.moussin@jaloumediagroup.com Directrice commerciale - marché italien Carlotta Tomasoni c.tomasoni@jaloumediagroup.com Régie externe Mediaobs Sandrine Kirchthaler skirchthaler@mediaobs.com Traffic manager Adama Tounkara a.tounkara@jaloumediagroup.com

ADMINISTRATION ET FINANCES Tél. 01 53 01 10 30 Fax 01 53 01 10 40 Directeur administratif et financier Membre du board administratif Thierry Leroy t.leroy@jaloumediagroup.com Directrice des ressources humaines Émilia Étienne e.etienne@jaloumediagroup.com Responsable comptable & fabrication Éric Bessenian e.bessenian@jaloumediagroup.com Diffusion Lahcene Mezouar l.mezouar@jaloumediagroup.com Trésorerie Nadia Haouas n.haouas@jaloumediagroup.com

PRODUCTION Directeur de la production Joshua Glasgow j.glasgow@jaloumediagroup.com DIFFUSION Jean-François Charlier jf.charlier@jaloumediagroup.com International Editorial et Archives Manager Giulia Bettinelli g.bettinelli@lofficiel.com Nathalie Ifrah n.ifrah@jaloumediagroup.com Project Manager Sarah Hissine s.hissine@jaloumediagroup.com ABONNEMENTS CRM ART - Editions Jalou CS 15245 - 31152 Fenouillet Cedex | Tél. +33 5 61 74 77 73 abonnement.editionsjalou@ crm-art.fr VENTE AU NUMÉRO France V.I.P.

Laurent Bouderlique Tél. 01 42 36 87 78 New Export Press 87-89, quai Panhard Levassor no51501, 75634 Paris Cedex 13 Jean Mary Eyquem Tél. +331 49 28 73 28 FABRICATION Impression, suivi de fabrication et papier par Roto3 Industria Grafica S.r.l.

Via Turbigo 11/B 20022 Castano Primo (MI) Imprimé sur des papiers produits en Italie et Finlande à partir de 0 % de fibres recyclées, certifiés 100 % PEFC Eutrophisation : papiers intérieurs Ptot 0,006 kg/tonne et Ptot 0,003 kg/tonne ; papier couverture Ptot 0,006 kg/tonne DISTRIBUTION MLP ÉDITÉ PAR LES ÉDITIONS JALOU SARL au capital de 606 000 € représentée par Marie-José Susskind-Jalou et Maxime Jalou, co-gérants, filiale à 100 % de la société L’Officiel Inc. S.A.S. Siret 331 532 176 00095 Siège social : 128, quai de Jemmapes, 75010 Paris | Tél. 01 53 01 10 30 – Fax 01 53 01 10 40 Dépôt légal avril 2021 N° de commission paritaire 0323 K 80434 | ISSN 0030.0403 Printed in EU/Imprimé en UE FONDATEURS Georges, Laurent et Ully Jalou (†) DIRECTRICE DE LA PUBLICATION Marie-José Susskind-Jalou

Design: Yorgo&Co Photo: Thomas Mailaender

Je suis l’homme à tête de chou Moitié légume, moitié mec.

Coming soon. maisongainsbourg.fr @maisongainsbourg

FAMILY STORIES “La famille ne doit pas seulement être composée de ceux avec qui nous partageons le sang, mais aussi de ceux à qui nous le donnerions.” Ce numéro de L’Officiel est dédié à cette idée de famille, racontée par Charles Dickens, et qui dépasse les liens de l’ADN pour devenir un noyau d’affections choisies, inclusif et sans barrières. Un double numéro avec une seule âme, qui allie luxe, mode, design, accessoires et art dans une profonde conversation avec deux grands protagonistes : L’Officiel d’un côté, prêt à fêter son centenaire, et L’Officiel ART de l’autre, un projet unique choisi pour raconter le monde de l’art d’un point de vue sui generis. Les pièces de ce puzzle se réunissent pour créer une image chorale marquée par les collections printemps-été 2021, pour composer la 1048e playlist de

l’histoire de ce magazine. Star mondiale de ce numéro, Andra Day, l’interprète sur grand écran de Billie Holiday, chanteuse légendaire et marraine des droits civiques. Pour animer cette conversation artistique, la photographe Tina Barney a choisi de montrer les nouvelles tendances par le biais de jumeaux dans une banlieue américaine. Quatre photographes des années 90 revisitent la notion de portrait de famille, interrogeant ses mécanismes sous-jacents. Sans oublier l’analyse du concept de paternité dans l’art grâce à une série d’œuvres originales sur le sujet. Un regard singulier, en somme, sur ce noyau fondateur qui, comme le dit le vieil adage, “est l’espace où la vie commence et où l’amour ne s’arrête jamais”.

-Giampietro Baudo

COVER STARS : Andra Day en CHANEL. Camille Charrière en LUDOVIC DE SAINT SERNIN, PRADA, MAISON MICHEL et

JIMMY CHOO. Allen Deng en TOD’S. Anna Vivchar en RAF SIMONS et BULGARI. Kacie Hall en PHILOSOPHY BY LORENZO SERAFINI. Assa Sylla en GANT HOMME, SWEET PANTS ET HOGAN.

Photos Alexi Lubomirski, Fiona Torre, Zack Zhang, Alberto Tandoi, Alessandro Lo Faro, Jules Faure

L’ÉDITO

Lecourt Mansion 2021 as seen by Gorka Postigo

L’NEWS

LE Curve Le harnais, élément symbolique d’Alexander McQueen, inspire une fois encore Sarah Burton, directrice artistique de la maison.

Classic with a twist Réinterprétation moderne du sac seau, le Curve vient compléter la ligne de maroquinerie inspirée du célèbre harnais. On aime sa

fermeture à double rabat qui crée cette forme elliptique très pure, à la façon d’une selle de cheval. On affectionne également ce jeu de lanières cousues main.

Jeu de détails Orné d’un logo embossé à l’avant et d’un autre scellé estampé à l’arrière, il matérialise la perfection de la réalisation. On se voit déjà le porter avec une des sublimes robes à manches ballons de la dernière collection (voir photo ci-dessus)…

Existe pour ce printemps-été dans les teintes bronzage, rose thé, citron vert, corail, jaune, noir, denim ou ivoire, et dans d’autres coloris pour la saison prefall.

-Par Laure Ambroise Photo DR

Hommage En 2002, Alexander McQueen revisita l’histoire du Petit Chaperon rouge à la Conciergerie avec capes couture en taffetas mauve et robes victoriennes harnachées de cuir. En 2011, Sarah Burton, qui succédait à Alexander McQueen, lui rendit hommage par un premier défilé, également à la Conciergerie, avec une mode accessoirisée de harnais à la façon d’armures protectrices. Le harnais, accessoire cher au designer, n’a donc jamais quitté la maison. Mieux, il est devenu un de ses symboles.

MARGARETSELECTIONPARIS.COM

LE 11.12 Réinterprétation du sac 2.55 imaginé par Gabrielle Chanel en 1955, le sac 11.12 a acquis son statut d’icône sous l’impulsion de Karl Lagerfeld au début des années 80. Chaque détail reflète l’héritage de Mademoiselle. Dans sa conception, la technique du piqué-retourné maintenu par des points de bride évoque celle du prêt-à-porter. Dans son allure, son matelassage surpiqué “diamant”, inspiré de l’univers équestre cher à la créatrice, ainsi que sa chaîne ajustable qui libère le corps, à l’instar de la mode signée Chanel. Véritable allié du quotidien,

le sac 11.12 est plus qu’un classique. Concentré d’histoire et de luxe, il est un symbole de l’élégance. Pensé pour toutes les femmes, il se transmet à la façon d’un héritage précieux.

Fonctionnel, il affiche aussi une grande délicatesse par l’emploi d’un cuir d’agneau souple, mais aussi de veau grené dit “caviar”, entre autres matières issues des collections de prêtà-porter. Il est le parfait atout des femmes dans leur évolution, sans jamais perdre de sa modernité.

-Par Laure Ambroise

Photo Inez & Vinoodh

Ce modèle porte en lui toute l’histoire l’ histoire de la maison de la rue Cambon. Pour cette campagne baptisée The Chanel Iconic, le couple de photographes de photographes Inez Van Lamsweerde & Vinoodh Matadin l’a mis en scène dans Saint-Germain-des-Prés.

L’NEWS

SUMMER time

L’été approche et une nouvelle garde-robe s’impose.

Quoi de mieux que ces dégradés Malibu sunrise et bleus Riviera signés Louis Vuitton pour nous faire voyager ?

Photo DR

Jogging 80s, bermuda oversized, bob boyfriend, short taille haute, maillot dégradé, robe zippée, mais aussi drap de bain, paréo et nu-pieds… pas une pièce ne manque à ce dressing idéal.

Pour l’imaginer, la maison Louis Vuitton a savamment mélangé les sources d’inspiration. Tout d’abord, le thème Sunbathing dont l’imprimé star est le fameux Damier Azur créé en 2006, devenu iconique dans sa nuance de la French Riviera. On l’aime autant sur un deux-pièces que sur une parka. Dans ce même thème, on retrouve des dégradés pastel solaires allant du rose au orange sur fond de logo XXL, accessoirisés du sac Twist pour

une version chic, ou du cabas Onthego en raphia et cuir pour un mood plus décontracté. Sans oublier les looks à rayures parasol, à se damner.

Pour le second thème, Morning Swim, Louis Vuitton a misé sur les couleurs vitaminées et des dégradés arc-en-ciel ambiance Miami ou Malibu. Les volumes sont flous, les matières légères avec de la soie seconde peau et du coton super doux.

Une collection pour colorer des vacances au zénith et retrouver un peu de l’insouciance de nos étés.

-Par Laure Ambroise

BOL d’air Pour sa seconde collection unisexe avec Moncler Genius, le designer JW Anderson nous fait voyager en revisitant ses pièces d’archives. archives. particulier ?

Qu’est-ce qui fait que Moncler Genius est un projet si

L’idée que plusieurs voix puissent s’exprimer à travers une même marque me semble démocratique et inclusif, je trouve l’idée moderne et c’est ce qui rend le projet différent.

JW ANDERSON :

L’O : L’idée de collaboration enrichit-elle la mode, et de quelle façon ?

Bien sûr. Je pense que le dialogue, donc la collaboration peut tout enrichir. Que ce soit dans la mode, l’art, la politique…

Lorsqu’il y a dialogue, voire confrontation, il en découle de la créativité.

JWA :

Votre première collection avec Moncler Genius était colorée et non-binaire, pourriez-vous définir celle-ci en quelques mots ?

JWA : Elle représente l’optimisme et l’aventure.

L’O :

L’O : Quel est le moodboard de cette collection ?

Il y avait cette idée de navigation et d’aventure que vous pouvez voir littéralement cousue dans la collection. Le matelassage est également né de l’idée d’un véritable édredon.

JWA :

L’O : Le duvet est-il un matériau facile à travailler ?

JWA : Non, il est très difficile à travailler, c’est pourquoi nous ne l’avons que rarement utilisé chez JW Anderson. Ce que j’ai adoré dans ma collaboration avec Moncler, c’est le talent de leurs équipes pour travailler avec ce tissu bouffant, ce qui m’a permis de créer des pièces que je n’avais jamais imaginées auparavant.

L’O : L’art et la mode ne font souvent qu’un dans votre travail, est-ce

le cas également dans cette collection ?

JWA : Chacune de mes collections s’inspire de l’art, de manière plus ou moins directe. Mais dans celle-ci, l’art est davantage en arrière-plan.

Le confinement a-t-il modifié votre façon de travailler ? De quelle façon ? Et quel rôle y jouent les réseaux sociaux ?

JWA : Le fait d’être enfermé à Londres et à Paris a certainement rendu le travail plus difficile mais, pour l’essentiel, le processus est resté le même, nous avons simplement trouvé des moyens différents de le faire fonctionner. Quant aux réseaux sociaux, c’est un peu une arme à double tranchant. C’est un moyen de rester connecté au monde pendant l’enfermement mais, en même temps, les algorithmes ne vous laissent voir qu’une partie du monde. La possibilité de sortir et d’interagir avec le monde pour trouver l’inspiration me manque.

L’O :

L’O : Vous avez été le dernier président du festival d’Hyères, trouvez-

vous que la nouvelle génération est affectée par cette crise ?

JWA : Absolument. Il est déjà incroyablement difficile de se lancer dans la mode, alors si l’on ajoute à cela une pandémie et ses conséquences économiques, cela devient un véritable défi pour les jeunes créateurs. Mais je suis sûr qu’ils trouveront un moyen. La créativité trouve toujours un moyen de s’exprimer.

-Propos recueillis par Laure Ambroise

Photos DR

L’OFFICIEL :

L’NEWS

17

MADAME Flutterflies La maison italienne Weekend Max Mara dévoile sa dernière collaboration signature imaginée avec l’artiste Donald Robertson, qui nous raconte comment cette ligne Flutterflies Flutterflies,, incarnée par Sofia Richie, a magnifiquement pris son envol.

Ces étagères ont-elles été le déclic des imprimés de cette collaboration ?

DR : En effet, c’est après ce rendez-vous que la marque m’a demandé de réaliser des planches d’inspiration. Et lorsqu’ils m’ont appelé pour me les demander, j’étais justement en train de réaliser des papillons avec du gaffer, une sacrée coïncidence.

J’ai donc envoyé au studio de Reggio Emilia tout ce dont je disposais pour qu’ils puissent commencer à travailler.

L’O :

Est-ce la première fois que vous créez une collection capsule avec une marque de mode, vous qui êtes un habitué de la beauté ?

DR : J’ai travaillé avec des créateurs à New York, Londres, Paris et en Corée, mais c’est une première en Italie.

L’O :

L’O : Pourquoi avez-vous choisi cet imprimé papillons ? Représente-

t-il un symbole particulier à vos yeux ?

DR : Étrangement, je n’ai jamais travaillé les papillons jusqu’à

maintenant.

L’O : Pourquoi avez-vous décidé de contraster le noir et blanc avec des rayures et des imprimés aux couleurs vives ?

DR : Si vous me suivez sur Instagram, vous verrez que c’est exactement comme ça que je peins, avec du ruban adhésif.

Et Weekend Max Mara a su magnifiquement exploiter mon processus créatif.

L’O : Pensez-vous

que s’habiller avec des couleurs vives est un choix innocent, ou qu’il démontre un désir de positivité ?

DR : Je crois que le bonheur est une décision que l’on prend au réveil. Un jean à rayures arc-en-ciel peut vous aider à vous sentir mieux si vous passez une journée difficile.

L’O : Quelle

relation entretenez-vous avec la mode ?

Je suis comme un grand frère qui taquine ses frères et sœurs. J’aime m’amuser avec elle.

DR :

L’O : Vous qui manipulez la couleur comme personne, quelle est votre

couleur préférée ?

DR : L’arc-en-ciel flou.

Vous vivez en Californie, y a-t-il quelque chose qui rappelle cette région dans cette collection signature ?

DR : La Californie a inventé cette couleur.

-Par Laure Ambroise L’O :

Photo DR

Comment est née cette collaboration avec Weekend Max Mara ?

DONALD ROBERTSON : Instagram a rendu le monde très petit.

Nous nous connaissons tous grâce aux réseaux sociaux. On s’est donc rencontré virtuellement la première fois dans mon studio de Santa Monica, ce qui a été l’occasion pour eux de découvrir plus en détail mon travail avec tout ce qu’il comporte d’amusant. Et ils ont pu voir mes étagères recouvertes de gaffer coloré.

L’OFFICIEL :

Pull en lin et jupe en maille rayés, sac Pasticcino, WEEKEND MAX MARA FLUTTERFLIES BY DONALD ROBERTSON.

L’NEWS

CRÈME anglaise Sur la pochette du nouvel album de London Grammar, Hannah Reid prend la pose sur un lopin de terre aux fleurs desséchées, flottant au milieu d’un océan sombre, sous un ciel d’encre. Seule, au milieu de nulle part, mais sereine. Née de l’imagination du collectif créatif Crowns & Owls, cette photo éblouissante en dit long sur l’état d’esprit actuel de la chanteuse, longtemps tourmentée à l’idée d’être propulsée au premier plan, sur ses disques comme sur scène. “J’avais envie d’écrire un album féministe, qui ose parler des hauts et des bas que j’ai traversés tout au long de ma carrière, confie-t-elle depuis Londres. Ce sentiment d’émancipation m’a permis de faire des choses que je n’aurais jamais eu le courage d’entreprendre avant, quand j’étais sur mes gardes et que je préférais me faire toute petite.

L’industrie de la musique peut parfois être sexiste et, à un moment, j’ai perdu confiance en moi. Je l’ai retrouvée grâce à ce nouvel album.”

Une énergie combattante irrigue les morceaux qu’elle chante aujourd’hui, toujours portés par son timbre de contralto. À fleur de peau, cette voix a toujours été un instrument à part entière dans le trio mixte anglais. Elle évoque des envies d’ailleurs sur America, conclusion aussi minimaliste que poignante, et sur la magnifique chanson-titre, Californian Soil. “Je rêve souvent de paysages, explique Hannah. Les panoramas m’inspirent beaucoup.

Petite, j’étais une grande amatrice de culture américaine, de la popmusic au cinéma hollywoodien, même si je n’y avais jamais mis les pieds. Quand enfin je m’y suis rendue, j’y ai vu une réalité très différente, et cette prise de conscience a eu un profond impact sur moi.”

Dans les textes de ces nouvelles chansons, la chanteuse anglaise se dévoile plus que jamais. Sa source d’inspiration principale : la saga littéraire L’Amie prodigieuse, écrite par la mystérieuse romancière italienne Elena Ferrante. “Je crois que c’est la description la plus juste et la plus puissante de ce qu’être une femme veut dire, affirme Hannah. Le fait de fêter mes 30 ans en 2019 a aussi été une étape essentielle dans mon cheminement.”

L’esthétique sobre de London Grammar se reflète dans des choix vestimentaires subtils. “À nos débuts, certaines personnes voulaient me faire porter toutes sortes de tenues, et ça a fini par m’exaspérer, raconte Hannah. Ça m’a poussée à me réfugier vers des valeurs sûres, des jeans, du passe-partout. C’était ma façon de m’exprimer. La mode m’intéresse, bien sûr. Mais je suis toujours attirée par ce qui est discret, comme les créations de Pangaia, une marque engagée dans le développement durable, ainsi que Les Girls Les Boys. En ce moment, je porte beaucoup de survêtements à la fois confortables et stylés. Sur scène, j’essaie d’être à l’aise. J’admire des artistes comme Beyoncé qui arrivent à faire le show en talons aiguilles, je trouve ça extraordinaire car j’en serais bien incapable !” Ça n’a aucune importance : sa propre musique va puiser ailleurs que dans l’extravagance et les paillettes, et elle subjugue tout autant. Divinement féminine sans effort. Avec une force émotionnelle rare. En toute élégance.

Album Californian Soil (Because), disponible.

-Par Noémie Lecoq

Photo Crowns & Owls

Longtemps sur la réserve, Hannah Reid, chanteuse sensible de London Grammar, assume enfin son rôle de leader sur un troisième album voluptueux voluptueux,, où sa voix lyrique s’envole plus haut que jamais. Une émancipation qui lui va à ravir ravir..

L’NEWS

NOUVELLE vie Si le confinement a écourté l’inauguration du lieu, il n’aura en rien entaché sa superbe. Tout au contraire, l’adresse parisienne demeure une institution phare, prête à accueillir à nouveau les fidèles en son antre chaleureux. S’étant lancé le défi de réveiller les belles endormies, Moma Group a parié sur La Fontaine Gaillon – restaurant mythique du 2e arrondissement de Paris racheté à l’acteur Gérard Depardieu par Benjamin Patou (Moma Group) associé à Guillaume Houzé (Groupe Galeries Lafayette).

La bâtisse historique se distingue toujours par la statue du jeune Triton armé de son trident, mais à l’intérieur, de la décoration intérieure à l’assiette, l’adresse renaît. D’un côté, elle s’est embellie sous la houlette du designer Axel Huynh, faisant la part belle à un intérieur prônant l’artisanat à la française avec un style parisien revisité. De l’autre, une carte inédite signée Marc Veyrat dévoile d’audacieuses touches iodées et végétales qui attisent les papilles autant qu’elles éveillent l’odorat. Le chef savoyard met à l’honneur les poissons de lacs relevés de sauces légères, de parfums des bois comme de touches exotiques. Au menu, carpaccio de langoustines et huîtres de l’écailler, et des recettes signatures comme la

cassolette d’écrevisses ou une bouillabaisse à s’en damner. Le chef surprend les palais, la cuisine gagne en élégance, les habitués en redemandent tout comme les figures incontournables de la mode qui ont élu domicile sur la sublime terrasse à la végétation luxuriante surplombée par la fontaine Gaillon. Cette dernière rappelant étrangement l’esprit de la fontaine de Trévi à Rome. À l’instar de Claude Lelouch, réalisateur iconique du film Un homme et une femme qui fut le premier à se prêter au rituel jet de pièce dans la fontaine le soir de l’inauguration, venez vous aussi faire exaucer vos vœux en y jetant votre pièce porte-chance et goûter aux merveilles gastronomiques dans une atmosphère unique… Au coin du feu, confortablement calé dans le velours des banquettes, en terrasse à l’ombre d’un parasol ou encore dans les salons en enfilade du premier étage tapissés de paysages orientalistes. Une délicieuse expérience à vivre dès la réouverture des restaurants.

1, rue de la Michodière, Paris 2e. Tél. 01 88 33 93 00.

—Pauline Borgogno

Photo Maxime Ledieu

Réveillé par Moma Group, le restaurant La Fontaine Gaillon, institution parisienne du quartier de l’Opéra, rouvre ses portes.

L’NEWS POÉSIE sensorielle C’est un entrepreneur visionnaire visionnaire.. Avec son parcours atypique atypique,, le designer Axel Huynh ne cesse de surprendre. Lui se définit comme un créateur d’émotions,, laissant la recherche de la sensorialité guider ses projets. d’émotions

Photo Sonia Sieff

Il a la beauté d’un jeune garçon et l’expérience d’un vieux sage.

Axel Huynh semble avoir déjà tout vécu : mannequin repéré par Jean-Paul Gaultier à 17 ans, il se découvre ensuite un talent pour la direction artistique et la scénographie en évoluant au sein du milieu de la nuit parisienne, du Folies Pigalle au Palace – Google Arts & Culture et Radio FG lui consacrent actuellement un volet de l’exposition en ligne “L’Utopie French Touch”, dévoilant ses premières créations visuelles. À l’aube des années 2000, il fonde son agence d’événementiel Crazybaby!, centrée sur une expérience client unique. “J’ai toujours aimé l’alchimie. La multisensorialité est au cœur de ma réflexion ; mettre en éveil les sens insuffle une âme à un lieu, à un instant”, confie-t-il. L’autodidacte transmet des émotions comme aucun autre, et ce parti pris séduit. Touche-à-tout, il ne reste pas sur ses acquis. À la quarantaine, sa soif de connaissance lui ouvre la voie du design. À l’origine, une rencontre. “L’actrice Hilary Swank m’a confié son écrin parisien pour le redécorer. Le sujet a séduit Architectural Digest US, puis Condé Nast a diffusé le projet à l’international. Cette vitrine incomparable a lancé ma carrière.”

Avec le support du salon Maison & Objet et Henryot & Cie, il expose une première collection signature à l’esprit minimal inspiré du Bauhaus, valorisant les matériaux bruts, le minéral, les métiers

d’arts et le savoir-faire à la française. “Il existe une forme d’essentialité dans mon travail. De retour à la genèse. Entre élégance et pureté des lignes, sans oublier une forme de sagesse et d’équilibre où bien-être, confort et modularité prévalent.” Le design et la création permettent à Axel Huynh d’explorer différents supports d’expression artistique (mobilier, luminaires, arts de la table, etc.). En témoigne sa nouvelle collection de bijoux unisexe en édition limitée avec Atelier Paulin, qui s’inspire de son histoire et de ses origines chinoises.

Son style “classique revisité” enchante ; lui seul sait mêler avec autant de justesse avant-gardisme et authenticité. Preuve en est, ses prestigieux projets : l’hôtel Mona Bismarck, les restaurants Dôme Montparnasse ou La Fontaine Gaillon. Dernier challenge en date : la Galerie Bourbon, nouveau fleuron de Moma Group, qui a confié à Axel Huynh le soin de réinventer ce lieu chargé d’histoire.

Avec son décor au nomadisme éclectique et son parcours sensoriel conçu comme une invitation au voyage, le lieu s’annonce comme le hot spot de la rentrée… @AxelHuynh @AxelHuynhParis @Villa_AH @CrazybabyParis -Par Pauline Borgogno

PRÉCIEUX JASMIN Terre à parfums parfums,, l’Inde est un pays d’excellence pour la production de jasmin. Afin que la culture ancestrale de cette plante se perpétue dans les conditions les meilleures, Bulgari, Firmenich et Jasmine Concrete ont créé le projet équitable Gems of India.

À quelques dizaines de kilomètres de Madurai, dans des champs bien verts, figure, très discrète, l’impératrice des fleurs, le jasmin, cultivé depuis des millénaires. Dans ce champ labellisé Gems of India, c’est presque la fin de la saison, mais subsistent encore quelques fleurs qui, une fois épanouies, seront cueillies, à l’aube, pour conserver intact leur parfum. L’Inde excelle dans la culture du jasmin, mais les conditions de travail sont rudes et il est tentant de partir travailler en ville. Pour que cette précieuse culture artisanale perdure, les trois partenaires – Bulgari, Firmenich et Jasmine Concrete – ont décidé de piloter un projet remarquable impliquant une centaine de familles cultivant le jasmin. Ainsi, une aide matérielle est apportée dans la logistique de gestion des cultures pour améliorer l’irrigation (l’eau est un problème important en Inde), faire progresser la qualité de la production et, en parallèle, pour les mois sans cueillette, initier à la permaculture de qualité. Les familles reçoivent aussi une vache et sont aidées à travers une couverture médicale. Un véritable projet à échelle humaine qui se préoccupe des conditions de travail à la source. Et c’est avec fierté qu’une des premières familles montre le potager et les nouvelles techniques d’irrigation en cercle autour des plantes de

jasmin. Le triumvirat s’engage à acheter la totalité de la production au prix du marché. Ce jasmin sera traité par le partenaire indien Jasmine Concrete dont le directeur, Raja Palaniswamy, a sélectionné des exploitations situées à une distance raisonnable de l’usine afin que la fraîcheur des fleurs soit optimale. Les premières récoltes s’annoncent de qualité avec des fleurs déjà plus odorantes.

Traitement et transformation seront réalisés sur place dans l’usine high-tech de Jasmine Concrete ; les absolus seront ensuite envoyés chez Firmenich et mis à la disposition des parfumeurs.

Célèbre pour sa joaillerie, la maison Bulgari l’est aussi pour ses parfums avec de belles histoires de thés (vert, blanc, rouge, noir) et ses variations autour d’un iconique Jasmin Noir. Pour Luis Miguel Gonzalez Sebastiani, Global General Manager Parfums, la qualité est primordiale, et tout le jasmin qui entre dans la composition des parfums Bulgari doit être de cette provenance exclusivement.

Avec la collection Gemme, en hommage aux pierres précieuses, retour aux sources de l’Inde avec Gyan (“sagesse divine” en sanskrit) où le jasmin s’entoure d’encens et de patchouli dans une fragrance dédiée au saphir. Le jasmin se retrouve aussi dans Irina (jade blanc) ou Lazulia (lapis-lazuli). Partenaire du projet, Bulgari sera le seul parfumeur à pouvoir revendiquer l’utilisation du jasmin issu de la production Gems of India. Prévu au départ sur trois ans, ce projet écoresponsable garantit des revenus aux familles et, avec ses principes de culture biologique, participe à la protection de la richesse des sols. Un mode d’exploitation durable pour imaginer le futur tout en préservant une tradition ancestrale.

-Antigone Schilling

Photo Matteo Carassale

Dans la région du Tamil Nadu (sud de l’Inde), le marché aux fleurs de Madurai célèbre le jasmin, le lotus, la tubéreuse, la rose, des fleurs prêtes à se transformer en guirlandes ou en offrandes. Mais parallèlement au marché coloré et pittoresque où les ventes se pratiquent au détail, d’importantes transactions d’achat de fleurs sont signées, car l’Inde demeure un des pays les plus importants pour la culture des plantes à parfum, le jasmin en particulier.

L’NEWS

LE Tribal Baptisée Tribal, la nouvelle collection de Graff puise dans la force cosmique des éléments la source d’une inspiration où le diamant règne en majesté.

Déclic Inspirée d’un conte folklorique décrivant l’épopée de la fondatrice des Étoiles, la nouvelle collection Graff confirme le statut

hors pair d’une maison qui a construit sa renommée sur les plus beaux diamants du monde afin d’inscrire ses créations dans la légende des siècles, au-delà des tendances du moment. Une création Graff, c’est l’Éternité sinon rien.

Savoir-faire Lancée lors de l’équinoxe du printemps, la collection Tribal sollicite les étoiles qui semblent irradier de leurs feux cet étincelant big-bang joaillier. Aux motifs évocateurs de colliers éblouissants fait écho le charme quasi talismanique de diamants exceptionnels qui, grâce à la virtuosité des maîtres-artisans londoniens, prospèrent avec élégance sur l’or blanc.

-Par Hervé Dewintre

Photo DR

Mythe Premier joaillier à être honoré du Queen’s Award to Industry and Export, Laurence Graff est tout simplement l’empereur des diamants. Un titre justifié par une vie consacrée, dès le plus jeune âge, aux pierres exceptionnelles (gemmes nobles et historiques, ou découvertes fabuleuses) qui ont toutes fait l’admiration des rois, des princes, des présidents ou des icônes culturelles. Une passion, un flair et une audace aujourd’hui transmis à François Graff qui incarne avec brio la maestria de cette maison familiale décidément sans équivalent.

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TRAITS précieux Quand les pendants d’oreilles allient le fond, la forme et la tendance.

1. Buccellati Boucles d’oreilles en dentelle d’or blanc gravé et diamants taille brillant, collection Haute Couture.

5. Pomellato Boucles d’oreilles La Gioia en or rose, serti de diamants bruns et blancs, collection Sabbia.

2. Chanel Haute Joaillerie Boucles d’oreilles Constellation Astrale en or blanc et or jaune, sertis de diamants, saphirs jaunes et lapis lazuli, collection Escale à Venise.

6. Repossi Boucles d’oreilles Serti Inversé en or blanc, serti d’un diamant taille poire et pavé de diamants.

3. Chaumet Boucles d’oreilles Joséphine Duo Éternel en or blanc, serti de deux diamants taille poire et de diamants taille brillant.

Photos DR

4. DFLY Boucles d’oreilles Oddity en or recyclé et diamants de synthèse.

7. Tiffany & Co Boucles d’oreilles en platine et or jaune, diamants blancs et diamants jaunes.

8. Viltier Boucles d’oreilles Magnetic Solo en or jaune Fairmined et diamants blancs.

-Par Emily Minchella

Boutiques réaménagées, packaging revisité, logo redessiné, direction artistique réédifiée : l’empire Swarovski s’est métamorphosé pour prodiguer sa nouvelle philosophie de l’éclat.

Mars 2021, avenue des Champs-Élysées, la boutique Swarovski affiche une mine éclatante : le rose, le vert et le jaune cohabitent avec allégresse. Ce festival chromatique n’est pas anodin puisqu’il s’inspire du colorama présenté par Daniel Swarovski à l’Exposition universelle de Paris en 1900. Robert Buchbauer, nouveau PDG de l’empire Swarovski, et Giovanna Engelbert, toute première directrice artistique du géant autrichien, sont présents pour détailler leur nouvelle vision de la marque. Le but de cette métamorphose – qui réunit toutes les divisions du groupe autour d’un thème enchanteur – est clair comme le cristal : il s’agit de redonner tout son éclat à cette maison, née il y a 126 ans dans une vallée du Tyrol autrichien. Il s’agit également d’exalter l’attrait et de galvaniser la singularité des créations Swaroski. Les cristaux imaginés par Daniel Swarovski affolaient l’imagination de Jeanne Paquin, des sœurs Callot, de Gabrielle Chanel – qui se déplaçait en personne dans les Alpes pour choisir ses sachets de pierres. Les archives de L’Officiel le prouvent : peu de décennies, des Années folles aux Trente Glorieuses, ont résisté à l’attraction de Swarovski, qui vit son nom associé tour à tour à Jeanne Lanvin, Elsa Schiaparelli, puis Jacques Fath ou Cristóbal Balenciaga.

Au sommet de sa gloire, Christian Dior exprimait volontiers

sa prédilection pour ces pierres du Tyrol, et plus précisément son admiration pour une pierre opalescente baptisée Aurore boréale, créée pour lui par Manfred Swarovski, le petit-fils de Daniel Swarovski. Giovanna Engelbert a la ferme intention de restaurer ce prestige qui s’appuyait alors sur une solide capacité d’innovation, de remarquables dispositions à la communication et une formidable intelligence créative. Cette exigence irrigue donc la première collection imaginée par Giovanna Engelbert.

Sortie d’un “jardin mathématique”, Collection One réunit colliers, boucles d’oreilles, bagues, bijoux pour le corps. Ces pièces – conçues pour les femmes et les hommes – explorent toutes les facettes du cristal en soulignant sa géométrie et son caractère brut. Les arêtes vives se mettent au service de délicatesses taille coussin, les motifs complexes célèbrent la couleur par le bais de superpositions audacieuses. “Je voulais libérer le plein potentiel du cristal, détaille Giovanna Engelbert. Les premiers dessins de Daniel Swarovski ont été une fabuleuse source d’inspiration : j’y ai découvert la magie de ses inventions avant-gardistes et j’ai compris à quel point son rêve était puissant.” Une métamorphose radicale au service de l’émerveillement.

-Par Hervé Dewintre

Photo DR

L’NEWS

DIALOGUE DE SAISON

La nature éternelle entre en conversation avec les pièces de haute joaillerie de haute joaillerie les plus vibrantes du moment.

Réalisation EMILY MINCHELLA Artwork GIULIA GILEBBI

L’NEWS

PAGES D’OUVERTURE, À GAUCHE : Collier

Éblouissante en or rose et platine sertis de diamants tailles Asscher, brillant et baguette, collection Escale à Venise, pièce transformable, CHANEL HAUTE JOAILLERIE. À DROITE : Collier Vatna en platine serti d’un diamant central taille émeraude et de 32 diamants tailles émeraude, carré et brillant, collection Surnaturel, pièce transformable, CARTIER.

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PAGE DE GAUCHE : Collier

Lavallière Diamants en or blanc pavé de diamants, onyx et laque, collection haute joaillerie Histoire de Style, Art Déco, pièce transformable, BOUCHERON. CI-CONTRE : Collier en platine serti de saphirs taille coussin, de diamants tailles marquise, poire, brillant, et émeraudes taille carrée, HARRY WINSTON.

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Collier Soleils en or jaune et platine sertis de saphirs jaunes taille émeraude, grenats spessartites, saphirs jaunes, diamants taille baguette et diamants, collection Stellar Times, LOUIS VUITTON. PAGE DE DROITE : Collier Piaget Wings of Light en or blanc serti d’un diamant taille coussin, de diamants tailles marquise et brillant, pièce transformable, PIAGET. Collier Nuée d’émeraudes en or blanc et platine sertis d’émeraudes et de saphirs taille baguette, et de diamants tailles rond, baguette, triangle et demi-lune, VAN CLEEF & ARPELS. CI-CONTRE :

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CI-CONTRE : Collier

Okavango Grace en or blanc serti de diamants bruts et polis, collection Reflections of Nature by De Beers, DE BEERS. Boucles d’oreilles Spirited Wind en or blanc serti de diamants tailles baguette et brillant, collection Messika by Kate Moss, MESSIKA.

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CI-CONTRE : Bague Rose

Dior en ors rose et blanc serti de diamants et saphirs roses et ornée d’un diamant central taille émeraude, DIOR JOAILLERIE. Collier haute joaillerie Barocko en platine serti d’un coussin antique rubis, de diamants taille brillant et de rubis, BVLGARI.

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pattern PLAY

En patchwork patchwork,, imprimé ou juxtaposé, l’art cinétique s’invite dans un jeu d’opposés strictement genderless.

Stylisme GIULIO MARTINELLI Photographie ALBERTO TANDOI

L’STYLE

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EN OUVERTURE, PAGE DE GAUCHE : Veste, gilet

et pantalon en velours impirmé, GUCCI. Boucles d’oreilles et sautoir en or rose, nacre et diamants, collection Haute Joaillerie, BULGARI. PAGE DE DROITE : Cape, cropped top et jupe A-Line en brocart patchwork, et derbies en cuir tressé, DOLCE & GABBANA. Collant, EMILIO CAVALLINI. Collier en or rose pavé de diamants, collection Serpenti, BULGARI. CI-DESSUS : Robe en soir, LOUIS VUITTON. Collant, EMILIO CAVALLINI. Montre Serpenti 7 tours en or rose et diamants, BULGARI. PAGE DE GAUCHE, À GAUCHE : Top et culotte en toile de laine et tulle léger, et boots en cuir, SPORTMAX. Collant, EMILIO CAVALLINI. Boucles d’oreilles et sautoir en or rose, nacre et diamants, collection Haute Joaillerie, BULGARI. À DROITE : Parka en nylon et coton, 2 MONCLER 1952. Col roulé, MONCLER COLLECTION.

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CI-DESSUS, À GAUCHE : Veste

et jupe-culotte, SOLOTRE. Pull en nylon, MONCLER COLLECTION. Collant, EMILIO CAVALLINI. Cuissardes Mixon en daim et mailles serties de cristaux, JIMMY CHOO. À DROITE : Top et jupe en denim imprimé, GIAMBATTISTA VALLI. Collant, EMILIO CAVALLINI. Escarpins en cuir verni, CHRISTIAN LOUBOUTIN. PAGE DE GAUCHE : Pull en maille, jupe en cady rebrodé, minisac Miu Belle en cuir matelassé et sneakers à talons, MIU MIU. Collant, EMILIO CAVALLINI. Collier en or rose, nacre, malachite et diamants, collection Haute Joaillerie, BULGARI.

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CI-DESSUS : Veste à col en maille et pantalon en jacquard de soie, GIORGIO ARMANI. Collant, EMILIO CAVALLINI. Sandales, BALLY. PAGE DE GAUCHE : Robe en maille à longues manches amovibles, RAF SIMONS. Sautoir en or rose, nacre et diamants,

collection Haute Joaillerie, BULGARI.

COIFFURE : Chiara

Bussei. MAQUILLAGE : Riccardo Morandin. ASSISTANTS STYLISME : Adele Baracco, Terry Lospalluto et Donato D’Aprile.

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Gaia & Lorenzo

Aussi à l’aise dans les répertoires symphoniques que lyriques, le chef d’orchestre suisse Lorenzo Viotti, curieux de tout, pose ici en compagnie de l’actrice Gaia Weiss.

Interview BAPTISTE PIÉGAY Photographie SONIA SIEFF Stlylisme JULIE DE LIBRAN

L’STYLE

L’OFFICIEL : À quand remontent vos premiers souvenirs de musique ?

Très jeune, vers 5 ans, j’ai assisté à une représentation de Simon Boccanegra de Verdi, un choc incroyable qui tenait aussi au fait que je voyais pour la première fois quelqu’un mourir sur scène, pour le retrouver vivant en coulisses !

J’étais fasciné par le monde du théâtre et la possibilité de jouer ainsi avec le drame, la vie, la mort…

LORENZO VIOTTI :

L’O : Quelle a été votre formation ?

LV : J’ai commencé par la percussion et la batterie, à 9 ans. Cette pratique m’a permis d’intégrer des orchestres, à Vienne, et de découvrir l’autre versant du travail d’orchestre. En tant que percussionniste, on est installé au dernier rang de l’orchestre, et on a peu de contact avec le chef d’orchestre. Ce n’est en effet pas un instrument typique pour un chef, mais la dissociation des bras, la liberté corporelle apportent beaucoup lorsqu’on doit

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diriger, ainsi que le sens du rythme, du tempo, qui est essentiel.

Je suis aussi fan de hip-hop, de funk, de soul, de jazz… J’ai beaucoup joué dans des groupes, et je continue à le faire, et cela m’a apporté une autre palette sonore, de stabilité, de rythme, de couleur, un rapport différent au tempo. Ce n’est pas sans doute pas très classique, mais c’était une formation importante. Cela m’arrive encore de jouer de la batterie sur scène, notamment des œuvres de Bernstein, tout en dirigeant.

Comment expliqueriez-vous le rôle d’un chef d’orchestre à quelqu’un qui en ignore tout ?

LV : C’est un peu un coach d’équipe de football participant à la Ligue des Champions, qui devrait entraîner une équipe différente chaque semaine, dont il faut gagner la confiance en très peu de temps. Sauf qu’à la place de onze joueurs, il y a cent personnes ! C’est un métier sans règle. Il n’y a pas de L’O :

compétition à gagner, mais des cœurs. Pour que votre émotion se transmette au public. Le chef d’orchestre est le pont entre la scène et le public, nos gestes ont un impact sur le son, qui permettra à l’orchestre de transmettre des émotions, ou pas…

L’O : Avant la mise en place d’une nouvelle interprétation d’un opéra,

sur fond mythologique ou héroïque, ne m’attirent pas encore.

Comme elles n’attirent pas certaines générations plus jeunes, car il y a trop de décalage entre elles et les thèmes, qui sont parfois absolument inintéressants. Je comprends pourquoi il y a plus d’inclination pour le travail de Benjamin Britten, à l’image de son Peter Grimes, même s’il est plus complexe acoustiquement, parce que ses thèmes sont plus proches de nous, il parle de communauté, de rejet, d’acceptation. Alors que si vous faites une mise en scène d’Aïda de Verdi, avec des éléphants sur scène, quel intérêt ? Aïda peut être magnifique, mais pas dans ce contexte.

écoutez-vous le travail des chefs d’orchestre qui l’ont déjà dirigé ?

LV : Pendant mon enfance et mon adolescence, j’ai écouté beaucoup d’opéras, pour m’intéresser aux différents styles, les avoir dans l’oreille. Je n’éprouve ni peur ni pression lorsque j’accepte de diriger une grande œuvre. Si j’ai accepté, c’est que je suis sûr d’avoir une vision singulière et qu’elle m’attire. Il y PAGES PRÉCÉDENTES, LORENZO : Trench, HUSBANDS. Pull, PRADA. Pantalon, HERMÈS. GAIA : Robe manteau et robe chemise, JULIE DE LIBRAN. a des œuvres que je ne suis pas prêt à diriger, peut-être parce Legging, JULIE DE LIBRAN X ERES. Sac, CELINE PAR HEDI SLIMANE. que je n’ai pas encore la maturité nécessaire pour les défendre et PAGE DE GAUCHE, LORENZO : Pull, HERMÈS. Montre, OMEGA. GAIA : Body, HERMÈS. apporter une lecture émotionnelle au public qui me serait propre. Body, HERMÈS. Bracelet, JULIE DE LIBRAN X GOOSSENS. IN QUESTA PAGINA—Top ricamato, pantaloni di pelle e ballerine con cristalli, CI-DESSUS, JIL SANDER; LORENZO : collana Chemise, "Tango" VALENTINO. in oro rosa GAIA :eRobe, diamanti JULIE , POMELLATO. DE LIBRAN. Certains opéras,NELLA comme Les Contes d’Hoffmann d’Offenbach, PAGINA ACCANTO— Camicia e gonna di pelle, TRUSSARDI; orecchini Chapeau, e bracciale ÀCHEVAL."Iconica bold" in oro rosa, POMELLATO.

L’O : Jusqu’où la scénographie peut-elle influer sur votre travail ?

LV : C’est extrêmement important. Je porte de l’attention à tout :

aux lumières, au jeu des acteurs, aux costumes… Je questionne beaucoup le metteur en scène pour organiser la rencontre entre nos deux visions de l’œuvre. Et j’essaie parfois de provoquer des chocs scéniques. S’il n’y a pas cet échange, c’est malheureux. À cet égard, j’ai eu pour l’instant beaucoup de chance. C’est aussi une problématique psychologique et humaine : comment aborder une œuvre tout en préservant la liberté du scénographe ?

L’O : Vous préparez un Faust pour l’Opéra de Paris. Quel est le moment

le plus délicat dans la mise en place d’une nouvelle interprétation ?

LV : Travailler avec beaucoup d’individus, c’est composer avec leur personnalité musicale, leurs idées et leur ego. Le point délicat tient à la psychologie. Le processus entier est fragile. Si la tension est productive, c’est merveilleux. Mais si un(e)tel(le) se comporte comme une diva, je n’ai plus aucun respect.

Quand vous réfléchissez en amont d’une interprétation, vous travaillez sur les timbres, les couleurs, les textures, etc. ?

LV : C’est un ensemble. Toutes les techniques sont possibles.

J’essaie d’abord de trouver le côté musical. Dans un opéra, chaque note sous-entend un mot. On ne peut pas parler juste de technique avec les musiciens, il faut aussi parler du caractère d’un passage, de la poésie d’une phrase, de l’érotisme d’une ligne. Il n’y a pas de règles définies. Il faut avoir une richesse d’imagination et rester un peu un enfant, continuer à rêver pour faire rêver le public.

L’O :

L’O : Est-ce que l’absence du public change votre direction ?

LV : Non,

même s’il s’agit d’un art vivant. Mais en Europe, on a tellement de chance, par rapport à nos collègues aux États-Unis, qui n’ont plus de travail du tout depuis un an. Je ne vais pas m’arrêter de me battre pour mon art, même si l’on ne sent plus la présence, le souffle du public.

Coiffure : Caroline Bufalini. Maquillage : Julie Camus. Assistant photo : Vivian Daval.

Assistant stylisme : Kenzia Bengel de Vaulx. Remerciements à Axel Huynh.

L’O : Quels autres arts vous influencent ?

Tous ! Pour moi, l’opéra, c’est la rencontre de toutes les pratiques artistiques : la poésie, donc le livret, la mode, donc les costumes, la scénographie, qui renvoie bien sûr à la peinture dans son rapport à la lumière, à la composition…

LV :

L’O : À partir de quand vous êtes-vous senti prêt à servir aussi bien le

répertoire symphonique que lyrique ?

LV : C’est un équilibre essentiel. Je dirige trois opéras par an, sinon, je dirige des œuvres symphoniques. Parfois, j’ai pu avoir envie d’arrêter l’opéra, au vu du manque de créativité des institutions culturelles. Je vais bien sûr continuer mais selon mes conditions.

En Europe, les grandes institutions musicales devraient enrichir leurs propositions envers la nouvelle génération. Cela ne passe pas seulement par le streaming. Il faut rendre ces grandes maisons plus accueillantes. Le chef d’orchestre n’est pas uniquement le type en costume qui gesticule de dos, il doit être

le porteur d’un message, d’une soirée, d’une institution. Il faut tendre la main au public, l’inviter par exemple aux répétitions, montrer un peu de soi, comme je le fais sur les réseaux sociaux.

L’opéra et le monde symphonique sont des univers merveilleux.

L’O : Quel est votre rapport à la mode ?

LV : La

mode et la musique classique ont un point commun : on fait un art du passé, en restant dans le présent, tout en anticipant l’avenir ! Je me sens proche de la Maison Armani, de la classe de ses vêtements, de l’humilité de Monsieur Armani. J’adore l’horlogerie aussi, particulièrement la Maison Omega, qui estime que chaque participant à la création est essentiel.

PAGE DE GAUCHE, LORENZO : Caban et col roulé, DIOR. Pantalon, BERLUTI .

GAIA : Combinaison, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELLO. CI-DESSUS, LORENZO : Veste, chemise et pantalon, PRADA. Montre, OMEGA. GAIA : Pull et sac, CHANEL. Jean, CELINE PAR HEDI SLIMANE.

Bague, JULIE DE LIBRAN X GOOSSENS.

PINK Lady Volants XXL, tons pastel pastel,, imprimés fleurs et corset (de)lacé racontent une histoire à l’eau de rose contemporaine.

Stylisme MARCO COSTA Photographie ALESSANDRO LO FARO

L’STYLE

PAGE D’OUVERTURE : Robe, MSGM. Chapeau, AMORPHOSE. CI-CONTRE : Total look, LOEWE. PAGE DE DROITE : Total look, AMORPHOSE. (Verres, BIDET À BOIRE. )

CI-CONTRE : Total

COIFFURE : Serena

look, BLUMARINE. Sac à main, BENEDETTA BRUZZICHES. PAGE DE DROITE : Total look, VERSACE.

Polh. MAQUILLAGE : Greta Agazzi. ASSISTANTE PHOTO : Eleonora Tinti. ASSISTANTE STYLISME : Maria Alessia Simonte.

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L’STYLE

Catch me IF YOU CAM Chroniqueuse et consultante, réunissant un million de followers, le parcours de Camille Charrière est l’archétype d’une success story se déroulant entre Londres et Paris. Elle nous raconte ici ses choix de vie, son rapport à la mode et son mariage à venir…

Propos recueillis par LAURE AMBROISE Photographie FIONA TORRE Stylisme JENNIFER EYMÈRE et KENZIA BENGEL DE VAULX Coiffure et maquillage EMILIE GREEN

CI-CONTRE : Robe en crêpe de soie à volants en plumes d’autruche et marabout, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELLO. Bagues et boucles d’oreilles en or blanc, or jaune et diamants, PLACE VENDÔME. Escarpins en tissu pailleté, JIMMY CHOO. PAGE DE GAUCHE : Soutien-gorge en tricot, ISA BOULDER. Culotte en laine d’agneau, SONIA RYKIEL. Boucles d’oreilles en métal doré, NUIT ET LINETTE. Machine à cryolipolyse augmentée pour sublimer la silhouette par CONTOUR PARIS. PAGES PRÉCÉDENTES, À GAUCHE : Top en maille de cristal Swarovski, LUDOVIC DE SAINT SERNIN. Jupe en résille de strass, PRADA. Voile en tulle, métal et cristal, MAISON MICHEL. Boucles d’oreilles en or blanc et diamants, bracelet en or blanc brossé et diamants, bagues en or blanc et or jaune et bagues en or blanc et or jaune et diamants, PLACE VENDÔME. À DROITE : Robe en tricot, ISA BOULDER. Voile en dentelle de Calais, ATELIER BLANCHE. Boucles d’oreilles en or blanc et diamants, PLACE VENDÔME. Canapé, PIERRE PAULIN.

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CI-CONTRE : Maillot de bain en nylon et élasthanne, HUNZA G. Voile en organza, ATELIER BLANCHE. Bracelet en or blanc brossé et diamants, bracelet en or blanc, bagues en or blanc et or jaune et bagues en or blanc et or jaune et diamants, PLACE VENDÔME. Sandales en satin entièrement rebrodé de perles, JIMMY CHOO. PAGE DE GAUCHE : Soutien-gorge en tricot, ISA BOULDER. Culotte en laine d’agneau, SONIA RYKIEL. Boucles d’oreilles en métal doré, NUIT ET LINETTE. Escarpins à brides en cristaux, JIMMY CHOO. Machine à cryolipolyse augmentée pour sublimer la silhouette par CONTOUR PARIS.

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“QUELQUE chose DE vieux, QUELQUE CHOSE de neuf, QUELQUE CHOSE d’emprunté, QUELQUE CHOSE DE bleu, ET UN PENNY d’argent DANS SA CHAUSSURE.”

CI-CONTRE : T-shirt

en coton, COPERNI. Pantalon en soie brodée de sequins, LOUIS VUITTON. Boucles d’oreilles en métal doré, NUIT ET LINETTE. PAGE DE GAUCHE : Robe en viscose, SUPRIYA LELE. Boucles d’oreilles en or blanc et diamants, bracelet en or blanc brossé et diamants, bracelet en or blanc et diamants, bagues en or blanc et jaune et bagues en or blanc et jaune et diamants, PLACE VENDÔME. Escarpins en tissu pailleté, JIMMY CHOO.

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“J’AI GRANDI entre PARIS ET LONDRES, J’AI des AMIS UN peu PARTOUT DANS LE MONDE, LA plupart NE SE CONNAISSENT PAS donc LE MÉLANGE VA être EXPLOSIF.” L’OFFICIEL : Diplômée d’un master en droit, vous vous êtes d’abord lancée dans la finance avant de devenir cette femme d’influence que vous êtes aujourd’ hui, racontez-nous cette reconversion…

CAMILLE CHARRIÈRE : J’ai pris l’habitude de raconter que je suis venue vivre à Londres pour rejoindre un Anglais – une relation qui n’a pas fait long feu, mais qui m’a quand même valu une happy ending (je vous préviens, je fais plein d’anglicismes, c’est le prix à payer pour avoir passé dix ans outre-Manche) puisque je suis tombée éperdument amoureuse de cette ville excentrique et dynamique. Tu te sens pousser des ailes à Londres. Ce n’est pas un mythe, la capitale a vraiment une énergie qui te prend aux tripes, et les Anglais ont ce truc intangible qui te pousse à ne pas te conformer à la masse. Malheureuse à travailler dans la finance qui ne me correspondait pas du tout, j’ai ressenti pour la première fois que je pouvais sortir du sentier tout tracé auquel mes études de droit me destinaient. Je suis donc partie voir ce qui se passait du côté de la mode, sans piston, sans stratégie et sans savoir comment j’allais payer mon loyer. Au grand désarroi de mes proches d’ailleurs, qui

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m’en ont longtemps voulu de tourner le dos à cette carrière dite “sérieuse”. La suite, vous la connaissez.

Vous sentez-vous plutôt influenceuse, journaliste, businesswoman ?

C.C. : Bonne question. En fait, vu mon parcours atypique, j’ai du mal à définir mon métier. C’est un peu cliché, mais je suis une millennial, on est la génération slasher. Je suis donc chroniqueuse/influenceuse/styliste/consultante. Pour faire simple, je dis que je travaille dans les médias.

L’O :

Votre influence sur les réseaux sociaux a commencé avec votre blog Camilleovertherainbow. Racontez-nous cette histoire…

C.C. : Je me suis servie du blog que j’alimentais durant mes pauses déjeuner pour prendre mes marques et me faire connaître dans un monde que je ne connaissais pas du tout. Le blason, Over the Rainbow, signifiait que la mode était vraiment un univers parallèle à ma vraie vie, un truc que je faisais pour le fun. Je ne voulais pas qu’on puisse me retrouver via mon nom de famille. Une fille dans la L’O :

CI-CONTRE : Top en maille de cristal Swarovski, LUDOVIC DE SAINT SERNIN. Jupe en résille de strass, PRADA. Voile en tulle, métal et cristal, MAISON MICHEL. Boucles d’oreilles en or blanc et diamants, bracelet en or blanc brossé et diamants, bagues en or blanc et or jaune et bagues en or blanc et or jaune et diamants, PLACE VENDÔME. Sandales à nœuds asymétriques en maille gros-grain, JIMMY CHOO. Fauteuil en liège noir, BLACKCORK PAR TONI GRILO.

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CI-CONTRE ET PAGE DE GAUCHE : Maillot de bain en nylon et élasthanne, HUNZA G. Voile en organza, ATELIER BLANCHE. Boucles d’oreilles en or blanc et diamants, bracelet en or blanc brossé et diamants, bracelet en or blanc, bagues en or blanc et or jaune et bagues en or blanc et or jaune et diamants, PLACE VENDÔME. Sandales en satin entièrement rebrodé de perles, JIMMY CHOO.

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CI-CONTRE : Body

en jersey stretch côtelé, KHAITE. Voile en tulle, métal et cristal, MAISON MICHEL. Boucles d’oreilles en or blanc et diamants, bagues en or blanc et or jaune et bagues en or blanc et or jaune et diamants, PLACE VENDÔME. Lunettes en acétate, TOM FORD. PAGE DE DROITE : Robe string asymétrique en jersey, NICOLA LECOURT MANSION. Boucles d’oreilles en or blanc et diamants, bagues en or blanc et or jaune et bagues en or blanc et or jaune et diamants, PLACE VENDÔME. Sandales à nœuds asymétriques en maille gros-grain, JIMMY CHOO.

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CI-CONTRE : Combinaison

en soie et ceinture en métal, CHANEL. Voile en tulle, métal et cristal, MAISON MICHEL. Boucles d’oreilles en or blanc et diamants, bagues en or blanc et or jaune et bagues en or blanc et or jaune et diamants, PLACE VENDÔME. PAGE DE GAUCHE : Robe en Econyl, MARCIA. Collant à motifs en polyamide, FENDI. Serre-tête en nylon, PRADA. Boucles d’oreilles (perso), NUIT ET LINETTE. PAGES PRÉCÉDENTES : Body asymétrique en soie et pantalon évasé e n georgette de soie, NENSI DOJAKA. Escarpins à brides en cristaux, JIMMY CHOO. Boucles d’oreilles (perso), NUIT ET LINETTE.

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CI-CONTRE ET PAGE DE GAUCHE : Blouson en cuir, SAKS POTTS. Top en Econyl, MARCIA. Culotte taille haute en dentelle et satin de soie, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELLO. Voile en tulle, métal et cristal, MAISON MICHEL. Boucles d’oreilles en or blanc et diamants, bagues en or blanc et or jaune et bagues en or blanc et or jaune et diamants, PLACE VENDÔME. Yacht Galeon, CSB MARINE.

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“J’INJECTE beaucoup DE second DEGRÉ DANS MES TENUES. JE NE ME considère SURTOUT PAS COMME LE guru DU BON GOÛT. JE NE CHERCHE PAS À FAIRE DU sans-faute.

AU CONTRAIRE !” finance qui parle chiffons sur la toile, ce n’est pas crédible.

Du moins, c’est ce que je me disais à l’époque. C’était mon espace créatif anonyme. Grâce à lui, j’arrondissais mes fins de mois. Je n’imaginais pas du tout la direction que ma vie online prendrait, même si j’ai tout de suite compris la valeur de construire une communauté.

L’O : Comment arrivez-vous à conjuguer votre passion pour la mode, une industrie qui fait tout pour être moins polluante mais qui l’est encore, et vos engagements pour l’environnement ?

C.C. : Je fais comme tous ceux qui adorent les fringues et qui ont une conscience : j’essaye de repenser intelligemment mon rapport à la consommation. Je me dis qu’à chaque achat je vote avec mon porte-monnaie, donc j’essaye de mieux choisir les créateurs et les marques que je soutiens.

Finalement, cette pandémie aura eu le mérite de me réconcilier avec la mode dans le sens où elle a renforcé ma conviction que s’habiller est un acte d’expression et de survie. Ce sont les jours où je me sentais en chute libre que je prenais vraiment soin de bien choisir ce que je portais.

En quoi votre style est-il éthique ?

Mon objectif, cette année, est d’augmenter la durée de vie de mes vêtements et d’acheter moins. Le principe que je me répète sans cesse est celui du fondateur de Parley for Oceans, Cyrill Gutsch : “Quand on jette un vêtement, il ne disparaît pas par miracle. Il atterrit forcément dans la nature.”

L’O :

C.C. :

Votre Instagram est géré comme une plateforme média.

Pouvez-nous en expliquer ces spécificités ?

C.C. : Je vois mon métier comme celui d’un curateur.

L’O :

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J’essaye d’utiliser ma voix pour amplifier celle des gens qui m’inspirent, des designers aux activistes, en passant par les restaurateurs, les hôteliers, les écrivains ou les podcasteurs.

Vous êtes une habituée des frontrows, de quels designers vous sentez-vous proche ?

C.C. : Marcia, Grace Wales Bonner, Nensi Dojaka, Supriya Lele, Ludovic de Saint Sernin, Nicola Lecourt Mansion et Coperni. Sans oublier la maison Prada, évidemment.

L’O :

Quel est le style de Camille Charrière, celui que toutes les maisons s’arrachent ?

C.C. : Je reprendrais les mots de l’une de mes créatrices préférées, Cate Holstein, fondatrice de la marque Khaite, “ feminine, timeless, twist of trash” (féminine, intemporelle, un brin trash). J’injecte beaucoup de second degré dans mes tenues. Je ne me considère surtout pas comme le guru du bon goût. Je ne cherche pas à faire du sans-faute. Au contraire !

L’O :

Qui sont vos icônes en matière de style ?

Lady Diana, les sœurs Olsen, Obama, Jane Birkin, Zoe Kravitz, Sharon Tate…

L’O :

C.C. :

Vous allez vous marier prochainement avec le producteur François Larpin. Pouvez-vous nous parler de votre rencontre ?

Comment vous a-t-il fait sa demande ?

C.C. : Il n’aime pas trop que je raconte donc je vais me contenter de vous dire que c’était au même endroit où il m’a dit je t’aime pour la première fois, un spot hors du temps, en Sicile, où l’on se croirait encore dans les années 60, ma période fétiche.

Il a fait sa demande le soir de mon anniversaire, et si j’avais su je me serais sûrement accoutrée autrement. Je portais une robe ultracourte avec une paire de Converse.

L’O :

Quelle est la chose la plus difficile dans l’organisation d’un mariage ?

C.C. : En ce moment, tout simplement avoir le droit de réunir plus de six personnes au même endroit.

L’O :

L’O :

Y a-t-il un mariage, réel ou fictif, qui vous inspire ?

C.C. : Mamma Mia, à dos d’âne, superkitsch et pittoresque. Je suis

fan de comédies musicales donc un flashmob ne me déplairait pas. Façon rassemblement éclair convenu puis dispersion.

L’O : Pouvez-vous nous donner quelques détails sur votre robe, votre bague de fiançailles…

C.C. : Je pourrais vous répondre par ce proverbe anglais que l’on a coutume de dire à une future mariée : “Quelque chose de vieux, quelque chose de neuf, quelque chose d’emprunté, quelque chose de bleu et un penny d’argent dans sa chaussure.” Plus sérieusement, la bague est une pièce rétro sertie de diamants de chez mon joaillier favori (Cartier, ndlr), qu’il a choisi seul. Pour le reste, je vous réserve la surprise.

L’O : Oiseau de nuit, comment voyez-vous la soirée de votre mariage ?

C.C. : Ceux qui me connaissent savent que je suis toujours la première et dernière sur le dancefloor. Aller danser a été la chose qui m’a le plus manqué durant cette année compliquée.

La musique fait la différence entre un bon moment et une soirée inoubliable. J’ai grandi entre Paris et Londres, j’ai des amis un peu partout dans le monde, la plupart ne se connaissent pas donc le mélange va être explosif.

CI-CONTRE : Maillot

de bain en satin extensible, ISA BOULDER. Voile en dentelle de Calais, ATELIER BLANCHE. Boucles d’oreilles en or blanc et diamants, PLACE VENDÔME. ASSISTANT PHOTO : Pierre

Nowak.

Remerciements à la Villa Green Galaxie

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Seventies STYLE

Inspirée par le New York du début des années 1970, des bas-fonds aux soirées glam, St. Vincent signe un nouvel album au groove irrésistible.

Entretien avec la reine du rock arty.

Pour accompagner son nouvel album et en expliquer la genèse, Annie Clark, alias St. Vincent, a élaboré un petit comic book à l’ancienne, au dessin granuleux et aux couleurs acidulées. Tout s’enracine en 2010, quand son père se fait incarcérer suite à des manipulations boursières – un choc que la chanteuse exorcisera en écrivant Strange Mercy, son troisième album, sorti l’année suivante. Tandis qu’elle devient une figure omniprésente de la scène rock américaine, son père collectionne fièrement les coupures de presse qui la concernent depuis sa cellule texane.

Propos recueillis par NOÉMIE LECOQ

Photo DR

L’ARTISTE

L’histoire condense en quelques cases les neuf années pendant lesquelles “daddy” purge sa peine. Annie va lui rendre visite, se fait refouler à l’entrée quand ses vêtements sont trop moulants, lui envoie des romans… Enfin, il retrouve la liberté en 2019 et l’album Daddy’s Home commence à prendre forme dans l’esprit de la musicienne, influencée par les vinyles que son père lui passait en boucle quand elle était petite. Héritée des sonorités de la première moitié des seventies, cette ambiance à la fois lascive et effervescente impressionne dès le tout premier extrait dévoilé, le sublime single Pay Your Way in Pain.

Lorsqu’elle nous rejoint sur Zoom depuis Los Angeles, St. Vincent répète avec ses musiciens en vue d’une performance à l’émission culte Saturday Night Live. “Le déclic est venu au moment où j’ai enregistré la chanson At the Holiday Party. J’étais avec mon ami Jack Antonoff (qui a coproduit Daddy’s Home avec elle, ndlr) au studio Electric Lady, et j’ai tout de suite su qu’on avait trouvé l’atmosphère du disque, qui ressemble à ce qu’on peut entendre sur les albums new-yorkais fabriqués entre 1971 et 1976.

J’ai d’ailleurs l’impression qu’on traverse une époque similaire en ce moment : une révolte culturelle, un certain désenchantement, une incertitude économique… Cette époque difficile a vu naître des musiques géniales ! On s’est beaucoup amusés en studio. Chacune de ces nouvelles chansons dresse le portrait de personnages imparfaits qui font de leur mieux pour s’en sortir.” Alors que certaines de ses œuvres précédentes assumaient leurs effets spéciaux et leur complexité sonore, Daddy’s Home séduit par son immédiateté, ses rythmes contagieux et ses mélodies enivrantes. Une simplicité teintée de sophistication qui en fait l’un des sommets de sa carrière. “J’ai réalisé cet album entre l’automne 2019 et la fin 2020, mais la pandémie mondiale n’a pas vraiment eu d’impact sur ma façon de travailler. J’ai eu davantage de temps pour m’y consacrer sans être interrompue.” Sur The Melting of the Sun, cette trentenaire féministe rend hommage aux artistes féminines qui ont compté pour elle : musiciennes, actrices ou écrivaines envers qui l’industrie a parfois été impitoyable. “Je voulais simplement dire merci à Joan Didion, Joni Mitchell, Nina Simone, Tori Amos ou encore Marilyn Monroe pour ce qu’elles ont fait, pour leur courage et leur force. Elles m’ont rendu la vie plus simple et j’espère prolonger ce processus pour la génération suivante.” Placée vers la fin de l’album, la chanson Candy Darling est également une évocation émouvante de l’icône new-yorkaise transgenre, muse d’Andy Warhol.

St. Vincent a fait ses débuts au sein de plusieurs groupes, à l’aube du xxie siècle. Elle a d’abord accompagné The Polyphonic Spree, puis Sufjan Stevens, avant de se lancer en solo. Son indépendance ne l’empêche pas d’apprécier les collaborations.

En 2012, elle a ainsi façonné l’album Love This Giant en duo avec le mythique David Byrne, ex-leader des Talking Heads. Il y a quelques années, c’est à la rubrique people des tabloïds qu’on la croisait parfois, quand elle était en couple avec Kristen Stewart ou Cara Delevingne, mais elle a depuis retrouvé le respect de sa vie privée et une aura de mystère. Elle continue d’apparaître dans les pages mode et d’assister à de nombreux défilés. “Les

“L’ESTHÉTIQUE était CELLE D’UNE FEMME glamour QUI N’A PAS FERMÉ L’ŒIL DEPUIS TROIS JOURS. À PREMIÈRE vue vue,, ON SE DIT QU’ELLE EST jolie jolie,, MAIS À Y REGARDER DE PLUS PRÈS ON SE rend COMPTE QUE SON MASCARA A coulé ET QUE SES ONGLES SONT CASSÉS ET SALES.” vêtements me donnent de l’énergie, explique-t-elle. Ils m’aident aussi à raconter une histoire. J’ai grandi à l’époque de Nirvana et du mouvement grunge qui se caractérisait par son désintérêt de la mode. Les groupes arrivaient sur scène dans les mêmes vêtements qu’ils portaient la veille. De façon assez ironique, les gens se sont mis à copier cette attitude, et c’est devenu une mode en soi. J’admirais le look de Madonna, Björk, Marc Bolan et Kathleen Hanna de Bikini Kill. Avec ce nouvel album, j’avais vraiment envie de revenir à des costumes des seventies et aux robes façon nuisettes. L’esthétique était celle d’une femme glamour qui n’a pas fermé l’œil depuis trois jours. À première vue, on se dit qu’elle est jolie, mais à y regarder de plus près on se rend compte que son mascara a coulé et que ses ongles sont cassés et sales. J’avais en tête des héroïnes blondes pas si lisses que ça.”

Sur la pochette en noir et blanc, à côté de la typo elle aussi très seventies, Annie incarne tout à fait cette idée. Métamorphosée, elle a troqué sa chevelure brune habituelle pour un carré blond et une frange longue. Sous sa nuisette et sa veste en fausse fourrure blanche, on remarque que l’un de ses bas est filé. Calée dans un fauteuil, elle nous fixe, un discret sourire aux lèvres.

Impériale et épanouie, tout comme ce nouvel album.

Album Daddy’s Home (Caroline), sortie le 14 mai.

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Photo DR

TOP chrono

Après plus d’une année au ralenti ralenti,, nous avons eu envie de rencontrer trois actrices de caractère dont la carrière est en pleine ascension : ascension : Géraldine Nakache, Gaia Weiss et Assa Sylla. Et quoi de mieux qu’une paire de sneakers Hyperactive Hogan pour (re)partir dans le tourbillon de la vie ?

Propos recueillis par LAURE AMBROISE, BAPTISTE PIÉGAY ET SOPHIE ROSEMONT Stylisme VANESSA BELLUGEON – Photographie JULES FAURE

GÉRALDINE NAKACHE C’est une conversation en face à face, comme il y en a si peu actuellement, et nous savourons notre chance. Entre mille choses – des noms de villes qu’on ne sait pas correctement prononcer à des recettes chocolatées addictives –, on évoque l’échange de photos et vidéos peu avenantes (mais très drôles) avec son amie Leïla Bekhti sur Instagram : “Si on n’avait pas connu la pandémie, on n’aurait sans doute pas osé, commente Géraldine Nakache. On est toutes les deux très pudiques concernant nos vies personnelles…”

C’est vrai : sans nourrir la presse people, l’actrice et réalisatrice parisienne fait partie du paysage cinématographique français depuis près de seize ans, et son talent lui vaut d’avoir continué à travailler en dépit du contexte sanitaire. Bientôt, on la verra dans Vacances, un film de Béatrice de Staël : “Je joue une mère de famille confrontée à un drame. L’histoire est aussi intense que les conditions dans lesquelles on a tourné, mais cela fait partie des raisons pour lesquelles on choisit d’être acteur !” Elle prête aussi sa voix au légendaire dragon Sisu dans le formidable dessin animé Raya et le dernier dragon : “C’était une expérience géniale. Il y a quelque chose d’éternel dans les films Disney. Et je gagne suffisamment de miles avec ma fille pour la convaincre de se coucher à heure fixe !”

C’est ce qui nous plaît toujours chez Géraldine, cette répartie qui fuse vite et bien. Elle a été à bonne école : Groland ! Pendant ses études de cinéma, suite à une annonce lue dans le Télé 7 jours parental, elle frappe à la porte de la directrice de casting, et devient son assistante. Puis celle de la réalisation des Guignols, avant de partir sur la chaîne Comédie. En sept ans, elle passe du recrutement à la production : “Ce qu’il m’en reste, c’est la musique, les dialogues, les rires du public. Quand ils fusent, c’est vertigineux !”

Depuis, Géraldine continue à “ fabriquer des images”, comme elle dit joliment, à travers ses réalisations généreuses et des rôles tout terrain. Si ses récents spots pour La Redoute rencontrent autant de succès, c’est parce qu’elle y explore ce qui la fait elle-même vibrer au cinéma : “Cette crise a confirmé l’attachement que j’ai pour mes sujets de prédilection, le collectif et l’amitié.”

On la sait donc proche de Leïla Bekhti, mais aussi de Jonathan Cohen, qui l’a fait tourner dans La Flamme : “Moi qui préfère le sprint, j’ai du mal avec cette course de fond que nous impose cette crise sanitaire… On n’est pas les plus à plaindre, mais c’est important de savoir

L’MUSES

qu’on peut s’appeler juste pour se dire qu’on est fatigués. Mais qu’il faut résister. Notre besoin de culture est immense, et le canapé ne remplacera jamais la salle noire.” Laquelle a toujours compté, depuis l’enfance : “Quand j’étais enfant, tous les dimanches, notre père nous emmenait au cinéma. Il y avait une sorte de rituel, soit le pop-corn, soit la glace, je me sentais privilégiée.” Elle garde le souvenir ému de Nikita, vu à l’âge de 10 ans avec son grand frère, le réalisateur Olivier Nakache.

On en vient alors au succès de la série En thérapie, réalisée par le duo Olivier Nakache et Éric Toledano : “Éric et Olivier cherchent l’honnêteté tout en donnant à voir ce qui fait du bien. Ils prouvent que cette opposition entre populaire et hype est caduque.”

Parfait exemple est donné avec la série Hippocrate, de Thomas Lilti, où Géraldine tient le rôle de la directrice de l’hôpital : “Cette nouvelle saison est une immense réussite, s’enthousiasme-t-elle.

Thomas nous plonge dans cet échantillon de l’humanité qu’est l’hôpital.

Toutes les classes sociales y sont représentées. Comme sur un plateau ! On ne peut pas tourner un film s’il manque un seul des nombreux corps de métier. Je partage avec Thomas la même matière première : l’humanité.”

On remarque un beau livre posé sur sa table basse, Every Person in New York de l’artiste Jason Polan, qui a dessiné des gens croisés à New York entre 2014 et 2019 : “Est-ce que c’est parce qu’on est en manque de visages ? En tout cas, son prisme, tantôt abstrait, tantôt réaliste, me touche beaucoup.” S.R. CI-DESSUS : Robe, COURRÈGES. Sneakers Hyperactive, HOGAN. PAGE DE GAUCHE : Blouse et collier, PACO RABANNE.

Short, CELINE PAR HEDI SLIMANE. Sneakers Hyperactive, HOGAN. Coiffure : Cyril Laloue@Wise & Talented avec les produits Maria Nila.

Maquillage : Margaux Jalouzot.

GAIA WEISS L’OFFICIEL : Quels sont vos premiers souvenirs de cinéma ?

Le dimanche nous regardions des classiques avec mon père, c’était une tradition. Et ma mère m’a initiée au cinéma polonais. Je dirais que mes premiers souvenirs, dans le désordre, sont Singing in the Rain, Pan Tadeusz de Wajda, Billy Elliot et Guerre et Paix avec une voix polonaise doublée par-dessus la VO. GAIA WEISS :

L’O : En tant que spectatrice, quelles sont vos scènes préférées ?

G.W. : J’ai découvert True Romance de Tony Scott à 17 ans, c’est mon film préféré depuis. Il y a tellement de références et un casting de folie, Patricia Arquette, Gary Oldman, Christian Slater, James Gandolfini…, mais je ne saurais pas choisir une scène en particulier.

L’O : Et celles que vous avez eu le plus de plaisir à jouer ?

Je viens de tourner Victims d’Agnieszka Lukasiak, sur les répercussions que peut avoir le harcèlement sexuel sur un jeune couple. C’est à ce jour le rôle le plus exigeant que j’ai eu à jouer, le personnage était tellement proche de moi qu’il était difficile de

G.W. :

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faire la part des choses. Et pourtant je pense que c’est le rôle que j’ai eu le plus de plaisir à jouer.

L’O : Si

vous deviez choisir un film faisant l’objet d’un remake où vous auriez le premier rôle, lequel choisiriez-vous ?

G.W. : Je me vois bien jouer une nouvelle adaptation de Nana de Zola dirigée par Lars von Trier. Dans Malcolm & Marie, Marie dit à Malcolm, en parlant de son film, “You were able to take all the ugly shit and make something beautiful.” Pour moi, c’est ça la force du cinéma, réussir à transcender les expériences négatives de la vie pour en faire quelque chose de beau.

Quels sont vos souvenirs de formation au Cours Florent ? Et qu’est-ce que vos années de danse ont apporté à votre jeu ?

G.W. : Je suis allée au Cours Florent pour me préparer aux concours des écoles anglaises, donc initialement je ne faisais que la classe d’Acting in English. Mais j’ai rencontré des personnes merveilleuses, Isabelle Duperray, Sherazade Benaddi, et Laurent Natrella de la Comédie-Française qui m’a donné le goût pour les auteurs classiques français. La danse classique m’a appris la rigueur.

L’O :

L’O : De toutes vos expériences d’actrice, lesquelles vous ont le plus marquée ?

Les tournages “modestes” ou la superproduction du type Vikings ?

G.W. : Sur des productions à gros budget, il y a plus de confort et de

temps de préparation, mais sur des projets indépendants il peut y avoir plus de liberté de création. C’est intéressant de pouvoir faire les deux. En fin de compte, ce qui me marque vraiment ce sont les rencontres, et le souvenir d’une équipe, des aventures que nous avons traversées ensemble, des liens qui se sont créés.

L’O : Quels rôles vous attirent ? Ceux où vous retrouvez quelque chose de

vous ou ceux qui vous emmènent très loin de votre personnalité ?

G.W. : Selon moi, on décroche toujours un rôle à un moment précis, pour des raisons qui parfois nous dépassent. Et c’est toujours l’occasion de découvrir une part de soi qu’on ignorait jusque-là, c’est la beauté de ce métier.

L’O : Quel est votre rapport à la mode ?

G.W. : La mode est une façon de mettre en valeur son authenticité.

Comme le théâtre, le cinéma, c’est une autre façon d’exprimer sa créativité. On donne à voir une image de soi au monde.

Comment organisez-vous votre carrière entre mannequinat et cinéma ?

G.W. : J’ai fait du mannequinat de 13 à 18 ans, une période délicate où l’objectification du corps peut créer de nombreux complexes.

Des années de thérapie m’ont aidée à surmonter certaines choses, ce qui me permet aujourd’hui d’aller plus loin dans mon jeu, d’avoir beaucoup plus de liberté. Par ailleurs, l’expérience du mannequinat m’a appris à exprimer certaines émotions en photo sans avoir recours à la parole, aux gestes, simplement à travers le langage du corps, à travers un regard. C’est un outil important.

L’O :

Vous êtes assez active sur les réseaux sociaux, est-ce par nécessité professionnelle ou par plaisir d’interagir avec vos proches et vos fans ?

G.W. : Je me souviens avoir créé un compte Twitter, puis Instagram, car il était stipulé dans mon contrat pour le film La Légende d’Hercule qu’une grande partie de la promotion se ferait via ces réseaux. C’était en 2013. Les équipes américaines étaient en avance, et j’ai eu droit à des cours de communication digitale.

Aujourd’hui, je pense avoir trouvé un équilibre entre ce que je veux montrer de ma vie privée et la partie professionnelle. Quant aux interactions avec des personnes qui suivent mon travail, j’ai toujours préféré répondre aux lettres que je reçois via mon agent et rencontrer les gens en vrai à différentes occasions.

L’O :

L’O : Quelles

ont été les rencontres les plus déterminantes dans votre parcours ?

G.W. : J’aime travailler avec des réalisateurs de mon âge. Je viens, par exemple, de tourner Méandre de Mathieu Turi (la sortie est prévue le 16 juin, ndlr). Notre collaboration était très forte, chacun de nous rebondissait sur les propositions de l’autre, et je pense que c’est ce qui donne, entre autre, sa force au film. Avec un réalisateur de ma génération la communication est souvent plus facile, l’échange plus fluide.

L’O : Quels sont vos modèles ?

Je m’inspire des gens que je croise, ou qui font partie de ma vie. Comme mon ami Russell Owen qui vient de réaliser Shepherd dans lequel je joue aux côtés de Tom Hughes. On se connait depuis huit ans et je n’ai jamais rencontré quelqu’un d’aussi déterminé et rigoureux.

G.W. :

L’O : Quelle chanson avez-vous en tête à ce moment précis ?

G.W. : Je suis en train d’écouter Hanoi de Red Axes au moment où je réponds à cette interview.

L’O : Quels livres vous servent de boussoles essentielles ?

G.W. : La Rose aux treize pétales d’Adin Steinsaltz, Autobiographie d’un yogi de Paramahansa Yogananda, Le Livre de la joie, conversations entre le Dalaï Lama et Desmond Tutu.

Comment vivez-vous cette période si particulière pour tout le monde et en particulier pour le monde de l’art ?

G.W. : C’est une année qui a remis en question beaucoup de choses, comme notre rapport au monde. Mon compagnon et moi sommes allés tourner un court métrage dans les Alpes sur l’impact qu’a eu la pandémie sur son métier de Dj et producteur de musique.

In the Valley a commencé sa tournée des festivals et vient d’être sélectionné au LifeArt Festival de Miami. B.P. L’O :

CI-DESSUS : Veste, LA

PETITE FRANÇAISE. Hoodie, HOD. Short, LEE. Sneakers Hyperactive, HOGAN. PAGE DE GAUCHE : Tunique, pantalon et collier, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELLO. Bague, MEA AYAYA. Jonc, ZAG BIJOUX. Sneakers Hyperactive, HOGAN.

Coiffure et maquillage : Sergio Corvacho.

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ASSA SYLLA Quels sont vos premiers souvenirs de cinéma ?

Ils remontent au tournage de mon premier film, Bande de filles, de Céline Sciamma. Grâce à ce film, j’ai compris que je voulais devenir actrice. Ce fut un tournage incroyable fait de très belles rencontres, il m’a beaucoup fait grandir.

L’OFFICIEL :

ASSA SYLLA :

Quel est le film ou le réalisateur qui vous a donné envie de faire ce métier ?

A.S.: Je n’ai jamais vraiment pensé faire ce métier. Pour moi, c’était un rêve impossible, inaccessible. Certains films m’ont beaucoup marquée quand j’étais plus jeune, comme Les Demoiselles de Rochefort de Jacques Demy, pour son esthétique et surtout ce mélange de comédie, de danse et de chant. Les Choristes aussi, de Christophe Barratier. J’étais très impressionnée par le jeu d’acteur de Gérard Jugnot et Jean-Baptiste Maunier. Un jour, j’ai été prise pour un petit rôle dans le film C’est beau la vie quand on y pense de Gérard Jugnot, et j’étais très émue de tourner à ses côtés après l’avoir tant admiré…

L’O :

Quel rôle rêveriez-vous d’incarner au cinéma ?

Celui d’une femme forte, aventurière, intrépide comme Lara Croft dans Tomb Raider.

L’O :

A.S. :

Qui sont vos modèles et pourquoi ?

Viola Devis, une actrice incroyable, et inspirante pour ma génération. Je suis également fan du travail d’Ava Duvernay, une femme forte et une battante. Et j’aime beaucoup Camille Cottin, elle a un parcours incroyable et elle a su s’imposer à l’international grâce à une palette de jeu étonnant et une grande force de caractère.

L’O :

A.S. :

Depuis votre rôle dans le film de Céline Sciamma, vous n’avez jamais quitté l’écran. Peut-on peut dire que votre carrière est un long fleuve tranquille, ou pas ?

A.S. : Je pense que pour beaucoup d’acteurs, gérer une carrière de cinéma n’est pas un long fleuve tranquille. C’est un métier passionnant mais qui reste difficile et où il faut savoir trouver sa place. C’est une remise en question permanente, personnelle et professionnelle, où l’on pense beaucoup à “l’après”. Il faut savoir se faire confiance, mais également beaucoup se challenger et travailler sans relâche.

L’O :

Le rôle d’Imane dans la série Skam vous colle-t-il toujours à la peau ?

A.S. : Le personnage d’Imane est un personnage fort qui m’a beaucoup fait grandir, ce fut un honneur de l’incarner pendant plusieurs saisons. J’ai été très touchée de voir que beaucoup de jeunes filles se sont senties proches de ce personnage, mais il est derrière moi maintenant.

L’O :

Êtes-vous une femme engagée ?

Je le suis auprès de l’association En Avant Toute(s) que j’ai découverte en 2019 et qui lutte contre les violences envers les femmes et les personnes LGBTQI+. Il faut libérer la parole et montrer que les victimes ne sont pas seules. Je viens aussi de découvrir l’association Salam qui fait des maraudes auprès des migrants tous les mercredis, et je vais commencer prochainement des tournées avec eux. Les valeurs humaines et solidaires sont très importantes pour moi, et je ne peux pas rester sans rien faire face à la violence ou l’indifférence.

L’O :

A.S. :

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Quel est votre rapport à la mode ?

J’aime beaucoup la mode qui est pour moi indissociable de l’univers artistique et cinématographique dans lequel j’évolue.

J’aime collaborer avec des maisons qui me ressemblent et qui défendent des valeurs fortes, que ce soit des maisons de haute couture ou des jeunes créateurs.

L’O :

A.S. :

L’O : Vous avez 127 000 followers, les réseaux sociaux et vous, c’est une

vraie histoire d’amour…

A.S. : Instagram me permet d’avoir une certaine proximité avec ma communauté. C’est un moyen de faire partager une petite partie de moi, des instants de vie de mon quotidien comme les coulisses de ce métier… Mais je pense qu’il faut avoir du recul avec les réseaux sociaux, il y a les bons et les mauvais côtés et j’avoue que parfois ça me fait un peu peur car tout est axé sur l’image que l’on expose aux yeux de tous.

Pouvez-vous nous parler de vos projets ?

Le film Le Dernier Mercenaire de David Charhon va sortir sur Netflix en juillet prochain. Il y a également la série Une si longue nuit de Jérémy Minui qui sortira courant 2021 sur TF1.

On peut également parler de la saison 2 du podcast Dominos sur la plateforme Sybel et du tournage de la série Le Visiteur du futur de François Descraques qui est en cours. L.A. L’O :

A.S. :

CI-CONTRE : Veste, GANT HOMME. Hoodie, SWEET PANTS. Boucles d’oreilles, CHANEL. Sneakers Hyperactive, HOGAN. PAGE DE GAUCHE : Chemise, LEE COOPER. T-shirt, KAPPA. Short, CELINE PAR HEDI SLIMANE. Cycliste, LULU LEMON.

Boucles d’oreilles, CHANEL. Sneakers Hyperactive, HOGAN.

Coiffure et maquillage : Sergio Corvacho.

Assistant photo : Guillaume Noé Masson. Assistante stylisme : Lily Gray.

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Allen DENG Depuis son rôle dans la série Ashes of Love, l’acteur de 28 ans est l’une des stars montantes en Chine. Rencontre.

Texte XIN NI Stylisme XIE XING ZING Photographie ZACK ZHANG

L’ACTEUR

C’est grâce à son rôle de Xu Feng dans la série Ashes of Love, en 2018, qu’il est devenu populaire. Mais avant qu’il ne connaisse un tel succès, Allen Deng a joué de nombreux seconds rôles dans des films comme Ode to Joy 2 ou White Deer Plain. Des personnages difficiles à oublier pour lui. “J’aime l’expérimentation, je joue avec les sentiments, c’est vraiment important pour moi.” Dans le film My Name is Dalian, il est tout simplement bluffant.

Peu de temps avant cette interview, Allen a terminé le tournage de Faith Makes Great, une série dans laquelle il joue le personnage de Wu Zutai, l’un des constructeurs du canal Hongqi (le canal du Drapeau rouge, de 70 km de long, qui devait résoudre les problèmes de sècheresse dans cette partie de la Chine). Ce dernier est décédé peu de temps après le début du projet, à tout juste 27 ans. “C’est assez triste comme histoire puisque Wu Zutai n’a jamais pu voir le projet abouti. Sans doute que peu de gens connaissent son histoire, mais j’aime l’idée qu’à travers mon interprétation tout le monde puisse se rapprocher de lui, le comprendre, saisir l’esprit de cette génération, encore très précieuse pour nous aujourd’hui.” Afin que la fiction se rapproche au plus près de la réalité, et que l’acteur puisse rentrer au mieux dans 92

“DE CHAQUE film, IL Y A QUELQUE CHOSE DE merveilleux À APPRENDRE, MAIS JE REGARDE rarement DES FILMS DU POINT DE VUE DE l’acteur, JE préfère CELUI DU spectateur.”

son personnage, l’équipe du tournage s’est rendue dans les villes de Linzhou et Anyang, dans la province du Henan, où a été reproduit le chantier de construction. Quand il est arrivé pour la première fois dans la ville de Linzhou, Allen a ressenti le respect de la population locale pour le canal Hongqi. Les conditions de tournage ont été épiques : sans protections, Allen a dû jouer dans un environnemxent périlleux, entre étroits chemins de pierres, falaises, précipices… Plus qu’une aventure, ce fut un véritable défi pour l’acteur guetté par le vertige. “Mais dès que je suis entré dans le personnage, je n’ai plus eu peur. J’étais Wu Zutai, et plus aucune difficulté n’était impossible à surmonter.”

Diplômé de la Shanghai Theatre Academy, Allen ne cesse d’enrichir sa culture cinématographique, et ne rejette aucun genre. “De chaque film, il y a quelque chose de merveilleux à apprendre, mais je regarde rarement des films du point de vue de l’acteur, je préfère celui du spectateur.” Cependant, contrairement à beaucoup de gens, il ne visionne jamais un film deux fois. Pour lui, la seule façon pour que la magie du cinéma opère, c’est de ne pas connaître l’histoire à l’avance. Et à la question de la nécessité,

parfois, de revoir un film pour en saisir toute la subtilité ou en décoder la complexité, l’acteur répond que l’incompréhension fait aussi partie du charme du film.

Aujourd’hui, à l’approche de la trentaine, Allen voit sa vie se transformer. “Je pense qu’à cet âge, tout change rapidement, soi-même, les parents, les amis, le cadre de vie… le temps qui passe nous oblige à dire adieu à quelque chose, comme à notre enfance. Plus on grandit, plus on se sent seul. Mais la solitude est aussi un moyen de mûrir. Comme tout sentiment, il n’est si négatif ni positif, tout dépend de la manière dont vous l’abordez. La solitude nous amène à la réflexion, donc à l’indépendance, au devoir d’assumer vos responsabilités. Je pense que beaucoup de choses se réalisent à partir de la solitude.”

Traduction Ying Xuan PAGE D’OUVERTURE : Veste, chemise

et pantalon, GUCCI. Broche à nœud papillon et mocassins à boucles, ROGER VIVIER. CI-DESSUS, À GAUCHE: Blouson en cuir et pantalon, HERMÈS . AU MILIEU: Blazer, TOD’S . À DROITE : Blazer brodé, chemise à col lavallière, pantalon et broche fleur, GUCCI. Coiffure et maquillage : Li Jiancheng.

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ÉTÉ fertile en vue De la volonté de mettre en lumière toutes les richesses du massif, la Biennale Esterel est née. Ce nouveau rendez-vous estival réunira la fine fleur de la création pour mieux célébrer l’environnement.

Difficile de trouver en France, et d’autant plus sur la Côte d’Azur, meilleur terrain de jeu pour célébrer l’alliance de la créativité et de la biodiversité. Ce territoire, les randonneurs qui cheminent vers le belvédère du Cap Roux le connaissent bien. Les abeilles et les parfumeurs aussi. Hiver comme été, ses sentiers diffusent des secrets aussi délicats qu’enchanteurs.

Mimosa, pin d’Alep, arbousier, genêt, romarin, la palette aromatique est immense, et sa faune est l’une des mieux protégées d’Europe. Sauvage, l’Estérel – soit 32 000 hectares de roche, de garrigue et de forêt, dont près de la moitié classée en zone Natura 2000 – a su se préserver de la bétonisation galopante de la Riviera depuis un siècle. Ouverte par le Touring Club de France en 1903, la Corniche d’or qui relie SaintRaphaël à Mandelieu serpente sur trente kilomètres entre eau turquoise et roche rouge. Elle est un peu notre Highway One à nous, le trait d’union entre Var et Alpes-Maritimes, avec des airs de Corse et de Sardaigne, ses sœurs tectoniques.

C’est dans cet environnement très protégé que naît aujourd’hui la Biennale Esterel, projet voué à connecter l’homme avec la nature par le biais des arts, des sciences, du design, de la mode ou de l’artisanat. Ici, l’Estérel, écosystème naturel et culturel, donne lieu à des possibilités inédites de créer une synergie entre différents talents, au cœur d’un même lieu réunissant artistes et savoir-faire, mais aussi des entreprises internationales et des institutions locales. Pour ce faire, Projet Esterel, organisation à but non lucratif portée par Philippe Combres et Jennifer Eymère, présidente de l’organisation, a identifié les ressources locales à valoriser. Les chênes-lièges du massif, les céramiques du pays de Fayence, le travail de la ruche ou des parfums à Grasse se sont imposés comme premières pistes de travail.

Par NATHALIE NORT Photographie FIONA TORRE ET ÉLISE ORTIOU CAMPION

L’ART

“Le simple souvenir de mon enfance passée ici, dans l’Estérel, à regarder les tortues et à pédaler dans la pinède, suffit aujourd’hui à repenser ma construction de l’avenir. La crise sanitaire mondiale aura au moins eu le mérite de sensibiliser les gens à l’urgence climatique et à la préservation des espaces naturels”, confie Philippe Combres, cet art dealer habitué aux foires internationales superlatives et au bilan carbone d’autant moins neutre. Ainsi, le liège a été choisi comme médium fédérateur de cette première biennale. Confiée à Bounoure & Genevaux, duo d’artistes établi à Montpellier et déjà à l’origine d’un ouvrage de référence sur ce matériau écologique, la curation s’emploie à son retour en grâce. Parce que sa récolte a, pendant des siècles, fait partie du quotidien de l’Estérel – avant d’être remplacée par des lièges industriels puis de pratiquement disparaître face à l’avènement du bouchon en plastique –, une partie importante du projet vise à relancer l’activité de “levée du liège”, laquelle contribue notamment à limiter les incendies de forêt. Plus d’une trentaine d’artistes, architectes, designers ou éditeurs d’art de tous horizons répondront à cet appel à résidence. À la manière d’un summer camp, la Biennale Esterel s’apprête à accueillir en juillet prochain la réflexion et le travail de ces différents talents et partenaires réunis à la Villa Galaxie.

Un warm-up en attendant la première édition de la Biennale qui, elle, s’ouvrira au public à l’été en 2022.

Multiplier les points de vue Chacune des œuvres du duo d’artistes Bounoure et Genevaux traite de l’espace et de la lumière. Elles ont pour impulsion primitive un geste, le pli. Une simplicité – étymologiquement, simple “n’a qu’un pli” – qui s’inscrit comme un tracé, une ligne devenant multiple, l’effervescence du zéro à l’infini. Vertu cardinale de l’art contemporain, la subjectivité du point de vue se trouve ici accentuée par l’image reflétée dans un poli miroir plissé dont la perception change selon le temps et la position de l’observateur. Pleine nature ou paysage urbain, 96

l’environnement de l’œuvre joue tout autant un rôle composite qu’intuitif. Plutôt que de sculptures, le duo d’artistes, qui fait du pli son moteur de création depuis quinze ans, préfère parler d’installations puisque celles-ci sont liées au contexte. Ni haut ni bas, ni droite ni gauche, juste un plissement de la matière où s’invite une image distordue du réel. De cette image formée par des plans excentrés, il revient à chacun d’en trouver le sens, la réalité variable. “Pour la série Apparition, les formes sont issues d’un processus que nous avons nommé ‘cut folding’ : on plie une feuille de papier et l’on opère une coupe, puis on déplie. Il existe un lien topologique entre pli et découpe. Bien que nos œuvres proposent l’image d’une réflexion du monde compliquée par les plis, le dispositif est une recherche de sincérité et de simplicité. Du pli initial, de cette division naît une complexité mue par les lois de la symétrie”, expliquent ces lauréats 2019 du prix Art de la ville de Strasbourg.

Parce qu’ils sont les auteurs du livre Le Liège (éditions Alternatives) et que leur passé d’architectes fut principalement lié à des questions environnementales, Guillaume Bounoure et Chloé Genevaux répondent aujourd’hui à l’invitation de la Biennale Esterel qui aura pour cadre la Villa Galaxie. Ici, leur mission est double. Artistes en résidence mais également curateurs de l’édition 2021-22, leur thématique “liège et pli” s’impose d’emblée comme la meilleure piste au regard de cette ressource locale à valoriser. Identifier les meilleurs fabricants au monde de produits en liège et multiplier les collabs entre ces derniers et des créateurs triés sur le volet, afin de réaliser in situ des pièces d’exception, c’est tout un processus créatif, une réflexion structurante en résonance avec leur pratique artistique.

Biennale Esterel : Summer Camp curaté par Bounoure & Genevaux (@bounouregenevaux), du 7 au 21 juillet 2021.

Plus d’infos sur @biennaleesterel, biennaleesterel.com

VILLA GALAXIE_Fortement inspirée des Case Study Houses californiennes, cette maison de vacances a été imaginée dans les années 60

par Georges Jalou avec l’architecte Claude Magne sur l’adret du massif de l’Estérel. À quelque 20 minutes de Cannes, son environnement de roches volcaniques millénaires et de restanques odorantes constituait le site idéal pour ce type de construction expérimentale et contemporaine, dotée d’un plan et de volumétrie composites et dissymétriques. À l’époque, c’est à Pierre Paulin qu’on confia l’architecture intérieure et le mobilier. Aujourd’hui, les designers invités par la Biennale trouveront dans les forêts de chênes-lièges environnantes, ou suberaies, le matériau approprié au cadre : le liège. Délaissé pendant plusieurs décennies, ce matériau léger, doté de nombreuses qualités, fait un retour en force dans notre quotidien. La Villa Galaxie ne pouvait qu’accompagner pareille renaissance.

Elle offre à la Biennale Esterel son meilleur terrain de jeu.

PAGE DE GAUCHE ET CI-CONTRE : Guillaume Bounoure et Chloé Genevaux dans leur atelier ; au mur, leurs œuvres en miroir plié.

EN OUVERTURE : À la Villa Galaxie, fauteuils en liège noir The Cut par Toni Grilo pour Blackcork, poufs et boudin en liège blanc

par Green Galaxie Home.

IN THE mood FOR

PEER

Depuis sa création en 2009, son agence d’architecture architecture est l’une des plus courues d’Italie, et bien au-delà, grâce à la vision que Hannes Peer a du design design,, qui se doit d’être un lieu de rencontre entre passé et contemporain contemporain..

Si son nom trahit ses origines autrichiennes, c’est à Milan que Hannes Peer a été formé avant de partir faire son apprentissage aux quatre coins du monde. Il y revient fonder sa propre agence d’architecture à la fin des années 2000. À son actif, le design de résidences privées comme d’espaces commerciaux, et plusieurs pièces destinées à devenir des classiques. Parmi elles : la collection Paesaggio pour SEM (un fauteuil Nuvola, une console Butterfly, une lampe Petali), l’impressionnant plafonnier Mobile, en alu, acier et silicium, ou le bien-nommé Paysage, un plafond composé de rectangles de verre suspendus. De quoi entrer dans le top 100 de l’Architectural Digest France. Sa patte ? L’éclectisme, quelque part entre industriel et artisanat. Des couleurs, des matières,

des intentions. Un refus de se ranger dans une seule et même catégorie. Dans ses propositions, on note aussi bien l’influence du mouvement Fluxus que du brutalisme ou de Le Corbusier en passant par Agostino Bonalumi… ce qui rompt avec le sacrosaint académisme italien ! “En Italie, les contraintes académiques sont très importantes, confirme-t-il. Mais j’ai jugé qu’il fallait s’en affranchir. Mélanger les styles sans avoir peur de briser les frontières.

L’affirmation de ce mélange entre traditionnel et contemporain, entre des textures comme le bois, le béton, l’acier, la soie, le velours, c’est le fil rouge de mon travail, ma signature. En Italie, il y a beaucoup d’architectes, et la concurrence est rude. Il faut donc se distinguer et refuser toute tiédeur.”

Par SOPHIE ROSEMONT

Photo Giulio Ghirardi

L’ARCHI

Photos Giulio Ghirardi

Une forte personnalité se ressent donc dans les créations de Hannes Peer tout comme dans son parcours, très affirmé depuis sa plus tendre enfance : “J’ai officiellement pris la décision d’être architecte quand j’avais 10 ans !, raconte-t-il. Ma mère étant artiste, elle m’emmenait souvent avec elle dans les musées et les galeries, elle m’a initié au dessin dès mes 3 ans… Mais je ne voulais pas l’imiter car je la voyais se battre face à un quotidien éprouvant, tant du point de vue des finances que de l’inspiration. Je préférais étudier quelque chose qui me permettrait à la fois d’être créatif et de gagner ma vie normalement, d’avoir un métier plus structuré.” Après le bac, ce féru de mathématiques intègre l’École polytechnique de Milan. Puis il fait ses armes chez les plus grands, Rem Koolhaas à Rotterdam, Zvi Hecker à Berlin, puis part à New York, en Argentine… Son expérience auprès de Koolhaas est la plus déterminante de toutes. “Il n’est jamais satisfait ! commente Hannes Peer. Il veut toujours plus. Après avoir travaillé pour lui, j’ai décidé de créer ma propre écriture architecturale, en sachant que ça allait me demander beaucoup de temps et d’investissement.

Et j’ai commencé à me concentrer sur le lieu où je vivais.” En l’occurrence Milan, dont il apprécie particulièrement la période des années 60-70, tout en étudiant des personnalités cruciales de l’architecture italienne comme Carlo Mollino ou Gio Ponti.

CI-DESSUS, À GAUCHE : La salle à manger avec la suspension Mobile designée en exclusivité pour la Blend Gallery à Rome, la table et la peinture “Superstructure III” (2019), signées Hannes Peer. Chaises Tucroma de Guido Faleschini (1969). CI-DESSUS, À DROITE : Le salon avec un canapé Diesis 40 d’Antonio Citterio et Paolo Nava pour B&B Italia. Peinture de Philippe Rinaudo (2019). Sculpture “Erosion” d’Ursula Huber.

PAGE DE GAUCHE : Le salon avec un sofa en cuir sur mesure et la peinture “Superstructure V”(2019), signés Hannes Peer. Paire de fauteuils Boomerang de Jose Zanine Caldas (années 50).

PAGE PRÉCÉDENTE : Hannes Peer chez lui à Milan. Appliques Finestra de Gio Ponti (1957).

Ce qu’il préfère dans son métier ? “Les recherches, inlassables.

Et le lien quasi affectif à la maison ou l’appartement de ceux pour qui on travaille. On se plonge littéralement dans la vie des gens, l’intimité d’une famille ou d’un couple. On doit comprendre qui ils sont pour mieux servir leur intérieur, et on apprend ainsi à les aimer.”

Comme il aime ses étudiants, à qui il donne cours de longues heures par semaine, leur transmettant le goût des recherches, des moodboards et des croquis à foison. Cet amour de l’enseignement, il le partage avec son maître à penser, l’artiste allemand Joseph Beuys (1921-1986) : “Il est le père conceptuel que je n’ai jamais eu. Il a créé le concept des sculptures sociales, comme il les appelait, il jouait sur la provocation, la politique également. D’après Beuys, tout le monde pouvait s’intéresser à l’art. Tous les jours, il partageait son savoir.

Comme lui je crois beaucoup aux valeurs de l’enseignement.”

Son statut de professeur lui a permis d’être récemment vacciné contre la Covid-19, ce dont il se réjouit : “J’ai hâte de revenir à la normalité, de serrer les gens dans mes bras. Les contacts humains me manquent terriblement.” Cependant, malgré la crise sanitaire, Hannes Peer travaille. Beaucoup. En effet, les sollicitations autour de projets résidentiels ont explosé : “Il était temps ! Les Italiens sont connus pour ne pas se soucier de leur maison car ils vivent longtemps chez leurs parents…, mais lorsqu’ils se réveillent, ils sont pleins d’exigences !”

En revanche, son travail concernant le retail a drastiquement diminué. Ce qui nous amène à parler du tout premier projet de son agence, pour le fantasque styliste Alessandro Dell’Acqua : “Cela a été mon premier projet galvanisant. Alessandro voulait un résultat optimal avec un minuscule budget et on a réussi à faire s’envoler un concept. Ça a été mon premier vrai client, il l’est toujours…” Depuis, tout s’est enchaîné : des collaborations avec Maison Prada, Numéro 1, le flagship Iceberg, SEM, la Blend Gallery de Rome et, en ce moment même, la marque parisienne La Chance, fondée par 101

Lorsqu’enfin on l’interroge sur les qualités que doit absolument posséder un bel intérieur, Hannes Peer brille par la brute sincérité de sa réponse : “Se sentir chez soi. Être à son aise. Il ne faut surtout pas chercher à ce que son salon soit la copie conforme d’une page d’un catalogue, sans identité, sans chaleur. Il faut que le lieu où l’on vit nous ressemble. On parle beaucoup de minimalisme mais cela n’a pas toujours du sens. Si une pièce est remplie d’objets qui nous tiennent à cœur, on la garde comme elle est – à moins de suffoquer. C’est donc une question d’équilibre et de contrastes. Chez moi, j’ai une table d’un designer brésilien, Sergio Rodrigues, des appliques de Poliarte, mais aussi un tabouret africain… c’est un peu rock’n’roll, comme moi !”

CI-DESSUS : Le bureau avec une lampe prototype à trois bras signée Hannes Peer pour la Blend Gallery à Rome. Panneaux en aluminium de Jean Prouvé (1969). Bureau par Poggi (1960). Fauteuil de Sergio Rodrigues pour OCA Brésil.

PAGE DE DROITE : La chambre avec des appliques de Biancardi et Jordan Arte pour Poliarte (1970) et la suspension Cubi de Jacopo Foggini.

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“IL NE FAUT surtout PAS CHERCHER À CE QUE SON salon SOIT LA COPIE conforme D’UNE page D’UN CATALOGUE, SANS IDENTITÉ, SANS chaleur.. IL faut QUE LE chaleur LIEU OÙ L’ON VIT NOUS RESSEMBLE.”

Photos Giulio Ghirardi

Louise Bréguet et Jean-Baptiste Souletie. Une table, nous confiet-il sans nous en dire plus, mais visiblement très enthousiasmé…

MODE, JOAILLERIE & HORLOGERIE

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CENTRES : : CENTRESD’INTÉRÊT D’INTÉRÊT

VILLE :: _______________________________ VILLE

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22/03/2021 16:52

Dans ce numéro, qui marque plus d’une année vécue sous le signe de la pandémie de Covid-19, nous avons voulu mettre l’accent sur la famille, sur laquelle nous sommes tous amenés à réfléchir, jour après jour.

Durant ces semaines, ces mois de confinement mondial, nous avons trouvé amour et réconfort au sein de notre famille – qu’elle soit de sang ou de cœur, par ADN ou par choix –, nous avons partagé avec elle nos pensées et émotions les plus profondes. Son importance nous a sauté aux yeux dès lors que notre existence s’est trouvée menacée. Les liens qui nous lient se sont mués en refuge contre un ennemi mystérieux.

Nous avons demandé à des artistes et photographes contemporains de nous proposer leur vision, leur réflexion sur la place de la famille au sein de leur œuvre. Dans Twin Set, Tina Barney se penche sur la relation entre les jumeaux. Paternity Leave présente les questionnements et les œuvres de plasticiens pères de famille sur le sens de la parentalité.

Pour tirer des enseignements du passé, nous nous sommes penchés

sur l’engouement pour le portrait de famille dans les années 1990, et découvert comment quatre artistes majeurs ont redéfini la pratique.

Et, avec l’universitaire et curateur Donatien Grau et l’artiste Francesco Vezzoli, nous nous sommes replongés dans les sitcoms américaines classiques, celles qui ont établi les archétypes de la famille et ainsi jeté les bases du storytelling contemporain sur Instagram et Facebook.

L’Officiel continue à célébrer un siècle de publication de portfolios mémorables par des artistes inspirants, des designers et toutes sortes de créateurs. Dans Fashion Imitates Art, nous explorons le concept de la mode comme discipline artistique, une idée propagée sans relâche dans les pages de notre magazine depuis cent ans. Un concept qui ne pouvait que prospérer à Paris, où art et mode s’entremêlent depuis toujours. Dans la culture française, dans les musées, les créateurs de mode tiennent souvent leur rang aux côtés des artistes et des intellectuels. Un peu comme une famille élargie.

Andra GROWING UP

DAY

À l’écran, la chanteuse a fait connaître Billie Holiday à une nouvelle génération de fans fans.. Mais celle qui a remporté le Golden Globe a d’autres histoires à raconter raconter..

Par GWEN THOMPKINS Photographie ALEXI LUBOMIRSKI Stylisme LAURA FERRARA

Andra Day n’est pas Billie Holiday, sauf quand elle le veut bien.

Et, dernièrement, c’était le cas. Pendant toute la saison des récompenses, c’est la chanteuse de jazz qu’elle incarne dans Billie Holiday – Une affaire d’État, de Lee Daniels qu’on croyait voir en personne sur les tapis rouges. Pour sa chanson Tigress & Tweed, Andra s’est inspirée des parfums favoris de la diva. Son nom de scène même fait écho à son surnom, Lady Day. Elle peut chanter comme Holiday, briller comme Holiday, être une grande gueule comme elle, aussi. Et quand elle se glisse dans ses chaussures, elle nous console un peu de la mort de Billie.

La plupart du temps, cependant, Andra est quelqu’un d’autre. Une femme de 36 ans, avec un autre nom et une famille qui l’aime, à la franchise vivifiante, éparpillée tout le long de la côte Ouest.

Cassandra Monique Batie, comme son père l’a appelée, est une enfant de la Californie du Sud ; une fille cadette à la répartie facile qui a grandi dans le sud-est de San Diego, où vit la majeure partie de la population noire de la ville. La famille Batie a emménagé ici pour travailler avec ou autour de l’immense flotte pacifique de la marine. Les gens du coin sont des marins, comme son père, qui a le grade de Master Chief, ou des Marines. Pourtant, Paradise Hills est le coin de San Diego le plus loin de l’océan. Il est plus proche de Tijuana, au Mexique, ce qui explique peut-être que Cassandra parle si bien espagnol, qu’elle connaisse par cœur les menus de restaurants à tacos et soit apparue récemment sur l’album du rappeur de San Diego Ryan Anthony, Barely See the Beach 3.

“C’est quoi, Grace et Frankie ?”, demande Andra quand elle entend le titre de cette série de Netflix avec Jane Fonda et Lily Tomlin, qui se passe dans une maison sur la côte, juste au nord d’où elle a grandi. Pour des gosses de Paradise Hills, certaines parties plus blanches de la ville pourraient aussi bien être le Pays imaginaire.

“Il faut que je jette un coup d’œil.”

L’inspiration des voisins d’Andra à San Diego, et plus au sud à Chula Vista, vient plutôt d’au-delà de la frontière, où la culture et l’esthétique résonnent profondément avec la forte population mexicaine et mexicano-américaine. Pas étonnant que, en 2015, Andra soit apparue à son Tiny Desk Concert (une session intimiste sur la radio publique NPR) comme le croisement improbable d’une Vénus du barrio et de Rosie la riveteuse.

Foulard jaune noué autour de son chignon bouffant, pince à cheveux vert pétant retenant sa frange cuivrée, elle portait d’immense créoles en or, des bracelets indiens, des bagues, une écharpe léopard, un pull blanc et un pantalon palazzo imprimé évoquant piña coladas et brises tropicales.

Le natif de la Nouvelle-Orléans Danny Barker, lauréat du Jazz Master décerné par le National Endowment for the Arts, disait souvent que le public écoute d’abord avec ses yeux. Ce jour-là, les auditeurs ont entendu ses ongles manucurés plus longs que ceux de Barbra Streisand, son mascara à la Eartha Kitt, son rouge à lèvres à la Sade. En d’autres mots, ils ont vu exactement ce qu’Andra voulait leur montrer : la fille délurée du quartier qui a réussi. “Je fais ça pour les nanas du quartier, explique-t-elle. Et ce n’est pas seulement parce que j’en viens. C’est une attitude, un truc de fille, du genre ‘OK, peut-être que je suis fauchée, que je galère, que c’est dur émotionnellement, mais crois-moi que mes baby hair sont stylés, PAGE PRÉCÉDENTE : Top

et jupe à volants, VERSACE. Boucles d’oreilles, HARRY WINSTON. Collier, perso. Sandales, MISSONI. PAGE DE DROITE : Top et jupe, CHANEL. Collier, perso.

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ma queue de cheval impeccable, mes boucles d’oreilles en place, mon make-up bien épais, mes cils bien longs, mes talons au point’. Parce que ça te remonte le moral. Parfois, c’est juste le petit boost de confiance dont tu avais besoin.”

La voix d’Andra Day est dynamique et rauque, mi-chanteuse réaliste mi-gueuleuse d’hymne national, mâtinée de vocaliste de jazz laidback. “Le ton ambré de sa voix a bien des similitudes avec celui de Billie Holiday”, dit Howard Reich, critique de jazz historique du Chicago Tribune, qui qualifie les envolées vocales d’Andra d’“éloquentes”. Le fait qu’elle se glisse si facilement dans le timbre de Billie peut faire oublier qu’elle parle tout aussi couramment le

“JE faisais LES PIRES TRUCS À L’ADOLESCENCE. J’AI EU UNE période OÙ JE piquais LA VOITURE DE MA mère ET JE partais ME BALADER AVEC.” langage des autres sœurs célestes du jazz, parmi lesquelles Ella Fitzgerald, Dinah Washington, Sarah Vaughan, Lena Horne et Nina Simone – des femmes du xxe siècle dont l’œuvre est familière à qui se penche sérieusement sur la musique américaine. “À l’église, on dit ‘étudiez pour recevoir l’approbation’, explique Quiana Lynell, lauréate en 2017 du concours international Sarah Vaughan de jazz vocal. Dans le jazz, vous devez montrer que vous avez fait vos devoirs pour être adoubé par tout le monde – les tourneurs, les agents et les musiciens avec lesquels vous pourriez être amené à travailler. Les instrumentistes ont le droit d’explorer. Les vocalistes, beaucoup moins.”

Il faudrait surtout que les Fitzgerald, Washington, Vaughan et autres se taisent enfin. Le plus grand obstacle pour n’importe quel chanteur, finalement, est de trouver un son unique. Dans son périmètre recouvrant le jazz, le R’n’B, la pop et le hip-hop, Andra Day se doit de sonner comme Andra Day ou, plus précisément, comme Cassandra Batie.

Chez les Batie, on a probablement le talent dans les veines, mais c’est difficile à prouver en dehors de la First United Methodist Church de Chula Vista. C’est là que la famille se rendait à la messe et où la mère d’Andra, Delia – alias Missy –, a travaillé pendant longtemps comme gardienne, avant d’en devenir la gestionnaire.

“Ma mère a une voix magnifique, mais on ne l’entend jamais, elle est si timide”, dit Andra, ajoutant que son père est aussi un excellent chanteur. Ses parents se sont séparés quand elle avait 17 ans. Son plus jeune frère, Jaxon, est allé au même lycée artistique qu’elle.

Il en est parti avant de terminer ses études, mais est toujours

CI-DESSUS : Manteau,

MAX MARA. Soutien-gorge, JONATHAN SIMKHAI. Jean, LEVI’S. Boucles d’oreilles, HARRY WINSTON. Escarpins, DIOR. PAGE DE GAUCHE : T-shirt, GUCCI. Culotte, INTIMISSIMI.

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CI-DESSUS : Robe longue à décolleté brodé dans le dos, GIVENCHY. PAGE DE DROITE : Robe en mousseline, DIOR.

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chanteur et multi-instrumentiste. “Il s’inquiète toujours de ne pas être assez bon, dit Andra, reconnaissant que les mêmes doutes ont pu l’entraver. Mettez dans l’article que son premier album est attendu pour le courant de l’année. Comme ça je pourrai lui foutre la pression !”

On ne dira jamais assez qu’Andra Day est une vraie pipelette. Et quand elle parle de sa famille, elle se lâche. Sa grande sœur Nadea Guillory était un “gangster” au lycée : farouche, loyale et toujours prête à se battre. Jaxon était un rapporteur. Joshua, un autre frère cadet, semble à l’entendre avoir été un enfant sage, ou seulement plus discret. Delia, sa mère, aujourd’hui à la retraite, écrit des livres pour enfants sous le nom de D.A. Batie. “Un seul pour l’instant, dit Andra. Il s’appelle J’entends le vent souffler et je m’émerveille. C’est vraiment cool de la voir exprimer sa tendresse pour les enfants dedans.

C’était pas la même histoire quand j’étais petite !”

C’était quelle histoire pour la petite Cassandra, alors ? “Dans ma famille, on m’appelle Sange”, mais elle révèle que dans son enfance on la surnommait Bees (abeilles) et Beetlejuice. Pourquoi donc ?

“Parce que c’est une bande d’enfoirés ! dit-elle, élevant la voix. Ça va pas de surnommer sa gamine Beetlejuice, tu veux lui pourrir la vie ou quoi ?” Quand je lui demande quel est le premier mot qui lui vient à l’esprit quand elle pense à sa famille, elle me répond “Amour, tout simplement amour”. Et le second ? “Enfoirés !” Non seulement ce qu’elle raconte sur elle et ses proches est hilarant, mais c’est un vrai plaisir d’être en sa compagnie. Elle est bavarde, amicale, le genre de fille qui fait rigoler tout le salon de coiffure depuis son fauteuil sous le séchoir.

Son côté cash lui a donné la réputation d’être franche – dans le business, on dit “honnête” – et sa facilité à accéder à ses émotions, qui fait merveille sur scène, se traduit aussi à l’écran. C’est ce petit plus qu’on retrouve chez des artistes aussi différentes que Doris Day, Abbey Lincoln ou même Lucille Ball, dont le look a visiblement inspiré Andra. Des femmes qui peuvent porter une robe de soirée et se mettre à vous parler de patins à roulettes. Ou de cornichons. Ou de vol de voitures. “Je faisais les pires trucs à l’adolescence, se remémore Andra. J’ai eu une période où je piquais la voiture de ma mère et je partais me balader avec. C’était une Toyota Camry bordeaux. Je me souviens, une fois, je ne suis pas allée assez loin, juste chez le voisin au coin de la rue.” On imagine la réaction de Delia… Chez les Batie, on aime bien et on châtie bien. “J’ai pensé fuguer, explique la chanteuse. Mais vraiment je n’aurais pas pu.”

Vingt ans plus tard, sa mère et elle vivent ensemble dans la vallée de San Fernando, à trois ou quatre heures de San Diego, selon la circulation. C’est là que non seulement sa carrière a décollé, mais aussi qu’Andra s’est “désintoxiquée” de comportements qui ont dominé la majeure partie de sa vingtaine. “Mon appétit sexuel n’était pas très, très sain. Je ne vais pas minimiser les choses, c’était comme une addiction… J’avais des histoires vraiment tordues où je brisais le cœur de mes partenaires.” Elle a depuis rendu publique sa décision d’être abstinente, prise il y a sept ans, un engagement que sa foi renforce encore. Dans un métier qui repose en grande partie sur le charisme sexuel, sa chasteté apparaît comme particulièrement courageuse, mais elle ne semble pas près de changer d’avis. “Je voudrais attendre jusqu’au mariage, expliquet-elle. Et si ça n’arrive pas, ça ne me dérange pas. Il y a beaucoup d’amour dans ma vie, de plein de sources différentes.”

“C’est pas le district des diamantaires, c’est le Southeast”, rappe Andra PAGE DE DROITE : Spencer

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et jupe à volants, ALEXANDER McQUEEN.

dans la vidéo de Ryan Anthony pour Southeast Summers. On voit bien qu’elle s’éclate sous le soleil de Californie : “Y a pas de meilleure place où être / Quand c’est l’été dans le Southeast…” Andra envisage un éventuel retour à San Diego un jour. Après plus de quinze ans dans le showbiz, personne ne lui en voudrait de rentrer quelque temps chez elle. Elle aimerait bien voir grandir sa nièce et son neveu. Quant à sa carrière, comme elle dit : “On peut faire ce que je fais de n’importe où.”

LE PUBLIC A VU exactement ce QU’ANDRA VOULAIT leur MONTRER : LA FILLE délurée du QUARTIER du QUARTIER QUI A réussi A réussi..

Même si elle retourne à San Diego, il y a bien des chances que la prochaine génération de Batie soit aussi peu affectée par sa célébrité que l’actuelle. “D’une certaine manière, ça ne les a pas touchés du tout.

Je leur dis ‘je suis nommée aux Golden Globes et à l’Oscar’, et eux, c’est ‘alors, c’est à cette heure-ci que tu arrives avec les pizzas ? Ah, ouais, félicitations, hein !’ Ça m’empêche de prendre la grosse tête. Nos relations n’ont absolument pas changé.”

Il est vrai aussi qu’elle n’est pas la seule créative du clan. Quoiqu’en disent les membres de la famille, quelque chose les pousse eux aussi à se renouveler. Depuis le Tiny Desk Concert de 2015, sa mère a entamé une carrière d’écrivaine, son père a lancé un petit restau-gril à Las Vegas, sa sœur a ouvert trois établissements de puériculture à Seattle. Est-il possible que le succès d’Andra les ait inspirés ? “Je devrais leur demander, songe la chanteuse. Je ne l’ai jamais fait parce que je sais bien qu’il diraient ‘nan, pas du tout’. C’est comme ça dans le Southeast. Rien ne les impressionne.”

Pourtant, quand Andra a remporté en février le Golden Globe de la meilleure actrice dans un long métrage, elle était assise entre ses deux parents divorcés, ses mains dans les leurs. Ils se sont mis à pleurer à l’annonce du résultat. “Ils me voient travailler depuis si longtemps pour y arriver, ils m’ont vue évoluer et trouver la sérénité, raconte-t-elle. Et dans le fond, je pense que c’est ça le plus important pour eux. Quoi que je fasse, si je suis en paix, ils sont aux anges.”

Le problème avec la famille, c’est qu’elle n’a rien à voir avec le cinéma. Le scénario est bien souvent à peine esquissé, parfois même complètement improvisé. Mais sa vérité réside dans ce qui est dit ou non dit, ce qui est fait ou défait. Andra Day s’estime “bénie” au sein de la sienne. C’est pour cela qu’elle se sent bien dans la peau de Cassandra aujourd’hui. Ou de Sange. Mais pas de Beetlejuice, plus jamais.

Traduction Légère Balivet

Arriva sul set, ed è impossibile non avvertire immediatamente un’indefinibile ma inequivocabile star quality, insieme al bisogno di attenzione, alla velocità del cambio repentino di umore e opinione cui ci hanno abituato i suoi personaggi comici. Con i suoi sette David di Donatello (il primo ottenuto nel ’90 per “La stazione” di Sergio Rubini, seguito da quelli per “Fuori dal mondo” di Giuseppe Piccioni, “Caterina va in città” di Paolo Virzì, “Manuale d’amore” di Giovanni Veronesi, “Giorni e nuvole” di Silvio Soldini, “Viaggio sola” di Mariasole Tognazzi, “Mia madre” di Nanni Moretti), Margherita Buy è una delle attrici italiane più note e amate dal pubblico. Attualmente è impegnata sul set “Il primo giorno

CI-DESSUS : Top

et short en jacquard et sandales bijoux, MIU MIU. Ceinture, ALEXANDER McQUEEN. Boucles d’oreilles, HARRY WINSTON. PAGE DE GAUCHE : Robe en dentelle, CHANEL.

COIFFURE : Tony Medina. MAQUILLAGE : Porsche Cooper. MANUCURE : Jolene.

ASSISTANTS PHOTO : Gregory Brouillette, Justin Loy et Ricky Steel. ASSISTANTS STYLISME : Jade Study et

Amer Macarambon.

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FAMILY affaırs

Quatre photographes emblématiques des années 90 ont réinventé le concept de portrait de famille. Revue.

Les photos de famille comptent parmi nos trésors les plus précieux. Qu’elles soient destinées à être vues ou à rester privées, elles sont aussi importantes pour ceux qui y figurent que pour ceux qu’elles touchent. Dans les années 1990, quatre photographes se distinguent, qui ont interrogé les rites, les règles et les mécanismes de ce format particulier. Depuis les représentations méticuleuses et distanciées de Michael Clegg & Yair Martin Guttmann jusqu’au réalisme crasseux et spontané de Richard Billingham en passant par le Southern Gothic ténébreux de Sally Mann ou la somptueuse imagerie classique de Carrie Mae Weems, ces œuvres dévoilent la dynamique et la complexité du portrait familial.

Au plus haut du pic boursier des années 1980, les banquiers de Wall Street se mettent à se représenter dans les pages de leurs rapports financiers annuels, à la façon de ces Hollandais de

Par PIERRE-ALEXANDRE MATEOS & CHARLES TEYSSOU

PAGE DE DROITE : Couvertures

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Guttmann.

de “Bildtidningen,” 1985/1989/2013, de Clegg & Guttmann et “Ray’s a Laugh”, 1996, de Richard Billingham.

Courtesy of the artist and Anthony Reynolds Gallery, London. Previous page—Courtesy of the artist and Georg Kargl Fine Arts.

PAGES D’OUVERTURE : ”An American Family: A Rejected Commission,” 1987, de Clegg & SUR CETTE PAGE : ”Untitled,” 1996, et “Untitled,” 1995, de Richard Billingham.

la bourgeoisie industrielle naissante du xviiie siècle exigeant d’être immortalisés en peinture. Bien au fait de cette tradition historique et armés d’un sens certain de l’ironie conceptuelle, Clegg & Guttmann se font connaître pendant cette décennie de l’image reine. Le duo adopte un style entre le faux classicisme des publicités pour horlogerie suisse et les canons d’Antoine Van Dyck, afin de questionner les représentations du pouvoir et leurs stratagèmes sous-jacents. Les portraits montrés en 1987 dans l’expo collective “Fake: A Meditation on Authenticity”, sous

PLUS qu’une FAMILLE, cette PHOTO représente UN CORPS SOCIAL (…) une MEUTE QUI MARQUE son TERRITOIRE EN usant DE la MISE EN SCÈNE. l’égide de William Olander, révèlent la photo de famille comme bras armé du jeu social. Trônant en couverture du catalogue, An American Family: A Rejected Commission est aussi arrogante que sinistre. On y voit une famille posant dans un décor d’une obscurité voluptueuse, les silhouettes martiales de ses membres semblant émerger de la noirceur de la finance mondiale. Les parents sont assis, respirant la confiance en eux, la respectabilité.

Les enfants se tiennent debout à leurs côtés, prêts à reprendre le flambeau. Le père est ébloui, la couleur de sa cravate Cifonelli est déjà ternie par sa propre mortalité. Le fils arbore un sourire crispé qui dissimule mal un air narquois acquis pendant des études peu brillantes à Bennington College (fameusement dépeint par Bret Easton Ellis dans Les Lois de l’attraction). La mère ressemble à une duchesse de Guermantes qu’on aurait téléportée depuis la série de HBO Succession. Plus qu’une famille, cette photo représente un corps social. Une agrégation d’intérêts communs, une meute qui marque son territoire en usant de la mise en scène.

La psychologie de l’individu traduit l’attitude de classe. Comme son titre l’indique, l’œuvre a été refusée par ses commanditaires. À l’opposé du regard acide que posent Clegg & Guttmann sur la classe dirigeante, Richard Billigham a exposé des clichés intimistes de sa propre famille lorsqu’il était étudiant en art à Londres, en 1997. Le show, “Sensation”, fut organisé par Charles Saatchi à la Royal Academy, un lieu où se retrouvaient à l’époque des membres éminents des Young British Artists comme Tracey Emin ou Damien Hirst. Alternant scènes de vie et de disputes, images d’humains et d’animaux familiers, les photos de Billingham représentent souvent ses parents, Ray et Liz, et son frère, Jason, dans leur appartement décrépit de la banlieue de Birmingham, dans le nord-ouest de l’Angleterre. Pris le plus souvent à la dérobée, les clichés capturent une réalité brutale et sans filtre, leur expressivité encore renforcée par un grain jaunâtre.

Les tirages bon marché choisis par l’artiste allient la forme et le fond en sous-tendant l’impression de réalisme cradingue.

Sa mère, des tatouages plein les bras, fume des cigarettes à la chaîne. Son père semble perpétuellement saoul et hagard. Jason,

chômeur, trompe son ennui à coups de drogues dures et de Britpop. On est en 1997, et les deshérités de Grande-Bretagne paient le prix de huit ans de politique économique thatchérienne.

Au milieu du salon familial, un chat et un chien se fraient un chemin parmi les meubles, où réside un fatras de bibelots, de puzzles représentant des destinations exotiques inaccessibles, de masques de carnaval vénitien et de canettes de bière vides.

Les corps sont presque trop humains : ils crient, rotent, rient, avalent, exhalent, excrètent. On croirait un bestiaire. Le petit appartement de Billingham semble un terrier, une tanière où la famille se protège d’un monde extérieur hostile. Le spectateur est face à une intimité parfois triste, grotesque ou gênante, mais reste pris au jeu de la promiscuité et de l’intensité émotionnelle.

La tendresse n’est cependant jamais absente du regard du photographe. Ses clichés sont finalement plus proches du réalisme britannique que d’une esthétique post-punk à la Nan Goldin, comme on pourrait le penser au premier abord.

Billingham partage avec le peintre victorien Walter Sickert et le groupe de Camden Town un goût pour la représentation de l’ennui domestique et des réalités du prolétariat. Plus près de notre époque, c’est le courant réaliste du cinéma anglais qui vient à l’esprit, comme la trilogie autobiographique de Bill Douglas My Childhood, My Ain Folk, et My Way Home, ou les drames de Ken Loach Kes ou Riff-Raff. En 2018, Billingham a tiré un long métrage de sa tumultueuse série de photos, Ray & Liz, qui a été primé aux festivals de Locarno et de Séville. Comme le dit le romancier Nick Hornby, ces images “vous captivent, même si c’est tout ce qu’elles font”.

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Comme Billingham, l’Américaine Sally Mann traite de l’intimité de sa famille de manière ambivalente. Celle qui fut une des photographes stars des années 1990 a, dans sa série Immediate Family – exposée en 1992 à l’Institut des arts contemporains de Philadelphie puis publiée aux éditions Aperture –, posé son appareil dans sa résidence secondaire de Lexington, dans la Virginie rurale. On y voit ses enfants profiter de la vie campagnarde : ils rient, dansent, bondissent, cueillent des baies sauvages, se font mal, saignent parfois. Des actions originelles pourtant marquées par l’impermanence. Sous un orage, les enfants deviennent des personnages d’allégorie ; les gestes les plus anodins prennent des allures d’histoire immémoriale. On perçoit le passage du temps.

Des vibrations minuscules qui nous émeuvent, révélées par des changements de lumière, de température qui affectent tant le sujet que le spectateur. Des moments joyeux se muent en expériences douloureuses, le jeu en violence, la découverte en peur, et l’on découvre que l’innocence n’empêche pas de faire connaissance avec la mort. La pureté du procédé de Sally Mann, sa proximité avec ses enfants, est désarmante de nudité et déroutante par l’étendue même de son symbolisme. Son noir et blanc magnétique et éthéré rappelle les photos iconiques de la Grande Dépression, celles de Dorothea Lange notamment. La densité des éléments naturels – la rivière noire, la forêt humide – prêtent à l’image des qualités romantiques, voire fantastiques. Plus directement, c’est tout l’univers du gothique sudiste qui est invoqué : un mélange de violence et de bienveillance dans lequel baignent les enfants de la photographe, auquel s’ajoute une dimension mystique. Nous sommes ici dans le berceau de l’Amérique, celui d’un nouvel Eden, un territoire de mythes et d’histoires de fantômes.

Une autre référence incontournable en matière de portrait domestique dans les années 1990 est la somptueuse série de photos ménagères de l’Américaine Carrie Mae Weems. The Kitchen Table Series est composée de vingt clichés en noir et blanc accompagnés de quatorze textes écrits à la troisième personne, autant de scénarios décrivant le quotidien d’une femme dans sa cuisine.

Rigoureuses et sobres, les prises de vue sont toutes éclairées de la même façon, par une simple lampe pendant du plafond, et ont toutes le même angle, le bout de la table. Tout à la fois sanctuaire et confessionnal, refuge et champ de bataille, la cuisine est par tradition un espace féminin, et aussi le lieu par excellence de la négociation. En feuilletant ce qui est essentiellement un roman d’apprentissage, on assiste aux diverses activités solitaires ou

CES CLICHÉS nous PARLENT du PLAISIR et DE la TERREUR D’ÊTRE chez SOI. collectives d’une femme, incarnée par Carrie Mae Weems, au fil de la journée. Elle joue aux cartes, débat de politique, se maquille avec sa fille, dîne avec son mari ou nourrit un oiseau en cage. La série est délibérément cinématographique, chaque photo donnant à voir le champ – le domaine du perceptible et du contrôlable – tel que perturbé par les tourbillons de la vie extérieure, dans le contre-champ. Le plasticien Mike Kelley, ami de longue date de Carrie Mae Weems, a dit de ses photographies qu’elles étaient “de toute évidence fabriquées, n’essayant jamais de se faire passer pour des images factuelles ; au contraire, leur dimension mythique vous pousse à les considérer d’une façon plus complexe”.

The Kitchen Table Series est une odyssée de l’intime qui interroge l’équilibre des pouvoirs au cœur des familles et des relations. En dépit de leurs éléments factuels reconnaissables, les clichés de Carrie Mae Weems restent enveloppés de mystère. Leur scénario est énigmatique : la situation débouchera-t-elle sur un happy end ou non ? Ils nous parlent du plaisir et de la terreur d’être chez soi.

On peut penser en les regardant aux élégantes peintures en nuances de gris du Danois Vilhelm Hammershoi représentant des femmes seules, attendant indéfiniment dans leurs appartements sombres comme autant de Mme Bovary. Ou au film culte de Chantal Akerman Jeanne Dielman, 23, quai du Commerce, 1080 Bruxelles.

Ces œuvres ont en commun avec les photographies de Carrie Mae Weems de réussir l’équilibre entre regard quasi anthropologique et intensité formelle, pour révéler le lyrisme au cœur du quotidien de chaque famille, fait de courage, de modestie et de résignation.

Qu’il soit instrument du pouvoir ou source d’embarras, souvenir heureux ou objet de deuil, une porte ouverte sur l’intimité ou un moyen de résistance, le portrait de famille reste le format le plus classique de la photographie. Dans notre décennie marquée par l’implosion de la limite entre sphères publique et privée, il nous relie à une forme d’universalité, la capture de l’être aimé ou haï. Ce n’est certainement pas une coïncidence si, dans le célèbre traité de photographie de Roland Barthes, La Chambre claire, c’est autour d’une photo absente que l’auteur articule son argumentaire. Cette photo, la plus précieuse de toute, est un portrait de famille – celui de sa mère disparue.

Traduction Légère Balivet

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Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York.

SUR CETTE PAGE : ”Untitled (Woman and Daughter with Children from Kitchen Table Series)”, 1990, de Carrie Mae PAGE DE GAUCHE : Couvertures de “Immediate Family” (Aperture, 1992) de Sally Mann, et “Kitchen Table Series” (Damiani, 2016)

Weems. de Carrie Mae Weems.

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Sous l’objectif de Talia Chetrit, la famille révèle les connexions et les personnages que nos proches nous offrent.

En 1996, les Américains qui avaient accès à Internet ne s’y connectaient que trente minutes par mois, et Google n’existait pas encore. C’est l’année de l’assassinat de Tupac Shakur, celle du kidnapping et de la mort de la petite JonBenét Ramsey, l’année de la réélection de Bill Clinton à la présidence des États-Unis. C’est aussi ma première année de cours de photographie, dont il reste un souvenir – un cliché de ma mère dans un champ de blé, paupières doucement baissées, son visage tourné vers le soleil – accroché au mur du salon familial.

Talia Chetrit et moi sommes toutes deux ce qu’on appelle des “Xennials”, cette génération à cheval entre les X et les millennials qui a grandi dans un monde analogue et est devenue adulte à l’aube de l’ère numérique. Alors, quand j’ai vu pour la première fois une de ses expos, qui présentait notamment des photos qu’elle avait prises adolescente au milieu des années 1990, ma propre “pratique” pubescente m’a sauté aux yeux, et j’ai repensé à cette photo de ma mère, en m’interrogeant brièvement sur son statut. Les ados d’aujourd’hui prennent et partagent des photos, communiquent en images comme

Par JULIA TROTTA

l’érotisme, les stéréotypes de genre, l’humour, l’absurde, et la discipline photographique elle-même. Des thèmes qu’elle aborde de manière plus clinique que biographique, et très rarement sentimentale, bien qu’une certaine tendresse puisse parfois se faire jour.

Un double portrait de Talia et de sa mère, daté 1995-2013, montre une femme regardant chaleureusement droit vers l’objectif, sa tête comme soudée à celle d’une ado bouche bée dont le regard est tourné vers le bas. L’ado indifférente est bien sûr l’artiste elle-même mais, au moment de l’expo, elle était plus proche en âge de cette image sereine de sa mère. D’une certaine manière, les deux personnages représentent Talia Chetrit, qui maîtrise parfaitement la dualité entre connexion et ambivalence. Dans Parents (stacked) (2013), on voit de nouveau sa mère, dix-huit ans plus tard, cette fois-ci tête à tête avec le père de Talia. La photo est plus professionnelle, et il émane de ce séduisant couple de quinquagénaires beauté et profondeur émotionnelle, ainsi que des stars de Hollywood présentant leur meilleur visage. Leurs têtes sans corps flottent sur un fond noir, leurs expressions amplifiées, comme de très beaux clowns.

Quand LA><ART lui a passé commande d’une œuvre pour un panneau d’affichage sur La Cienega Boulevard en 2014, Talia a choisi une photo de sa mère à la mer, regardant d’un air nostalgique vers l’horizon (et de nouveau je pense à cette image de la mienne dans le champ de blé). Les dimensions exagérées du panneau offrent de nouvelles possibilités d’exhibitionnisme familial, alors que les passants pensent probablement être devant une sorte de publicité discrète.

Ce travail sur la matière parentale passe à la vitesse supérieure lorsque Talia tourne en secret une vidéo pendant plusieurs séances photo avec ses géniteurs. On y voit, par fragments, combien le rôle de Talia derrière la caméra rend ses parents pudiques, insécures, espiègles et conscients de leur image – des facettes qu’on ne révèle habituellement qu’à

ils respirent, mais, à l’époque, utiliser un appareil photo semblait un acte profondément adulte.

Les œuvres de (toute première) jeunesse de Talia Chetrit, astucieusement recadrées et éditées, ont fait l’objet d’une expo à la galerie Leslie Fritz de New York en 2013, aux côtés d’autres clichés représentant les mêmes sujets vingt ans plus tard. Des gens qui, pour la plupart, étaient l’artiste elle-même et ses proches. Ces images sont assez banales et semblent à première vue être les instantanés d’une jolie famille blanche aisée, dont la place serait plus dans un album photo que sur les murs d’une galerie. Mais le talent surnaturel de Talia et le regard transgressif qu’elle pose sur ce format produisent une étude pointue et productive. Adolescente, elle a probablement enrôlé ses proches parce qu’ils étaient disponibles et tout disposés à poser pour elle. Mais au fil du temps ils se sont révélés un prisme au travers duquel explorer l’intimité, 126

ses plus proches. Le fait de filmer ses parents à leur insu évoque l’esprit dans lequel les photos de jeunesse ont été prises, mais le procédé est aussi révélateur des dynamiques – psychologique, sexuelle et familiale – emblématiques du travail de Talia Chetrit. Elle aime et provoque ses sujets tout à la fois. Tout autant que son public.

Entrée en scène de Denis.

Il se trouve que je connais personnellement Talia, bien que nous ne nous voyions que très rarement. Quand je suis tombée sur des images géantes d’elle s’ébattant dans un pré avec un svelte jeune homme, j’ai tout de suite compris que ce nouveau personnage faisait partie de la famille. Les photos, si grandes et brillantes qu’on dirait une hallucination, ont été exposées à la Kölnischer Kunstverein en 2018. Sur Untitled (Outdoor Sex #1) et Untitled (Outdoor Sex #2), Talia Chetrit s’envoie gaiement en l’air avec un homme dont j’apprendrai plus tard que le nom est Denis. Elle a apporté son appareil photo et, de toute évidence, le garçon est partant. Il est accroché à elle, et elle à son appareil par l’intermédiaire du câble de déclenchement à distance qu’on voit cheminer du premier plan jusqu’à l’action, ce qui nous rappelle que l’artiste est au travail.

L’année suivante, une nouvelle photo titrée Seated Portrait nous donne une meilleure vue du couple. À demi-nue, Talia EN OUVERTURE : ”Seated Portrait”, 2019.

CI-DESSUS : ”Untitled (Outdoor Sex #1)”, 2018.

PAGE DE GAUCHE, DE HAUT EN BAS : ”Portrait”, 1995/2013 ; Billboard

Boulevard in Los Angeles, 2014 ; “Mom around Dad”, 2014.

on La Cienaga

est étendue, enceinte, portant un tee-shirt blanc relevé sur son ventre, le câble du déclencheur en main. Elle s’appuie sur les jambes de son partenaire qui, lui, est allongé et complètement nu, excepté une paire de lunettes stylée.

Tous deux regardent fixement l’objectif ; le nombril de Talia et le bout du sexe érigé de Denis semblent eux aussi nous regarder fixement.

Profitant de son nouveau rôle de mère, Talia se délecte des possibilités de détournement de la vie domestique en scènes bizarres ou au glamour outré. Dans le meilleur des cas, il est déjà absurde de faire coexister glamour et bambins, mais le contraste est encore plus criant en 2020, l’année ou personne n’est sorti de chez soi. Guys (les gars) est un portrait père-fils.

Denis, en robe de tulle haute couture blanche, appuyé sur une chaise longue à motif léopard, adopte maladroitement une posture d’animal. Leur fils, d’à peu près 5 mois, est à quatre pattes au premier plan, imitant la pose de son père.

Tous deux regardent la caméra, c’est-à-dire Talia. Le bébé ressemble tellement à sa mère qu’il pourrait aussi bien être son avatar. Une autre photo montre Denis, cette fois-ci en tenue bondage, donner le biberon à son fils dans la cuisine.

On peut voir d’antiques outils en fer derrière lui tandis qu’il se cambre et plonge son regard dans l’objectif. Il est définitivement partant. (Voir Denis en robe à volants me fait penser à un de mes tableaux préférés, The Bride (Lawrence Alloway), un portrait façon renaissance de Lawrence Alloway peint par sa femme, Sylvia Sleigh.)

Pour les besoins de cet article, j’ai sélectionné différentes œuvres jalonnant la décennie écoulée qui révèlent une 127

TALIA se DÉLECTE des POSSIBILITÉS DE DÉTOURNEMENT DE la VIE DOMESTIQUE en SCÈNES BIZARRES OU au GLAMOUR OUTRÉ.

continuité chronologique liée à l’âge et à l’évolution de la famille, mais il est important de noter que Talia Chetrit ne souscrit pas à ces notions de linéarité ou de feuilletonnage.

Dans sa nouvelle expo à la galerie Kaufmann Repetto de New York, elle a présenté des œuvres représentant son fils et son partenaire aux côtés de Chetrit Family. La photo en noir et blanc, tirée de ses archives adolescentes, représente la famille réunie dans le quartier du Queens pour fêter l’anniversaire du grand-père. La sincérité désarmante de cette image met le reste de son travail en perspective et souligne la complexité de l’expérience vécue. Cette photo qui passerait presque inaperçue est pour moi la plus touchante de l’exposition. Une prise de vue sur la même pellicule montre les tours jumelles se détachant sur la skyline de Manhattan.

Tout comme le grand-père, les tours ont disparu. Je pense au livre de 2001 de Svetlana Boym, The Future of Nostalgia, dans lequel il est écrit : “La nostalgie est le désir d’un foyer qui n’existe plus ou qui n’a jamais existé. La nostalgie est un sentiment de perte et de déplacement, mais c’est aussi l’ histoire d’amour qu’on a avec ses propres fantasmes. L’amour nostalgique ne peut survivre qu’ à longue distance. Une représentation cinématographique de la nostalgie serait une double exposition, la superposition de deux images – de chez soi et de très loin, du passé et du présent, du rêve et de la vie quotidienne. Si nous tentons de les réunir en une seule, le cadre se brise ou la surface prend feu.” Alors que Talia Chetrit manie en virtuose forme et concept pour nous tenir à distance critique, elle ne peut néanmoins s’empêcher de nous blesser un peu.

Traduction Légère Balivet 128

IL PROBLEMA con la PAROLA “NATURALE” SORGE quando viene USATA PER “NATURALE” SORGE quando viene USATA PER

CI-DESSUS, À GAUCHE : ”Untitled,” 2020.

Ci-dessus :“Boot/Baby,” 2020.

PAGE DE DROITE : ”Untitled,” 2020.

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All photographs courtesy of the artist.

La photographe américaine dépeint, sui generis sui generis,, les rituels du quotidien en grande périphérie.

Stylisme STELLA GREENSPAN Photographie TINA BARNEY

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EN OUVERTURE, LAUREN ET CHLOE : tops et jupes à ruchés, NOIR KEI NINOMIYA. CI-DESSUS, LAUREN ET CHLOE : Robes à imprimé floral, BATSHEVA. Sandales, JIMMY CHOO. PAGE DE GAUCHE, TOREY ET KHOREY : Cardigan, pulls et pantalons, THE ELDER STATESMAN. Chaussettes, TABIO. Mocassins, CHURCH’S. Bijoux, perso.

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À DROITE, LAUREN ET CHLOE : Robes, SIMONE

ROCHA.

Chapeaux, NEW YORK VINTAGE. Collants, LEG AVENUE.

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À DROITE, KHOREY ET TOREY :

Blazers, chemise, pantalons et boots,

PHIPPS. Chemise, AG JEANS. Chapeaux, NEW YORK VINTAGE. Boots, BURBERRY. Bijoux, perso.

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CI-DESSUS, CHLOE ET LAUREN : Robes et sac, BOTTEGA VENETA. PAGE DE GAUCHE, TOREY : Débardeur, FRISSON KNITS. Pantalon, GUCCI. KHOREY : Pull, PRADA. Pantalon, COACH. Bijoux, perso.

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À DROITE, CHLOE ET LAUREN : Vestes, combinaison, top, pantalon

Ballerines, CHANEL.

et sandales, GUCCI.

COIFFURE : Tsuki. MAQUILLAGE : Kuma. ASSISTANTS PHOTO : Sebastiano Arpaia et Nick Ventura. ASSISTANTE sTYLISME : Rika Nurrohmah.

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“The Reunion (Rachel on Tinder),” 2021, #francescovezzoli

LIFE as a

Sitcom

Que peut nous apprendre ce format qui fut roi en son temps, alors que nous nous interrogeons sur l’avenir ? Qu’il est peut-être salutaire d’introduire un peu de fiction dans sa vie.

Le premier problème que l’on rencontre quand on aborde la sitcom est sa définition. Qu’est-ce qu’une sitcom ? Quel en est le cadre formel ? Si l’on dit que Friends est la sitcom absolue, il est à se demander s’il constitue un genre à lui seul.

L’étymologie du mot peut aider à comprendre son sens.

“Sitcom” est l’abréviation de situation comedy (comédie de

situation). Par conséquent, un système comique reposant sur une situation. Le mot “situation” lui-même est difficile à préciser : il pourrait décrire la présentation de divers objets et personnages dans un lieu. La sitcom serait donc la présentation comique de divers objets et personnages dans un lieu. Le mot “lieu” aussi se révèle délicat. S’agit-il d’un décor unique, immuable, comme dans les sitcoms des

Par DONATIEN GRAU Artwork FRANCESCO VEZZOLI

“The Reunion (Joey on Grindr),” 2021, #francescovezzoli

années cinquante et soixante ? Ou le lieu est-il une ville, comme dans Beverly Hills 90210 ? Et que se passe-t-il si le lieu est central, mais que l’action de la série se déroule dans de nombreux endroits, comme dans Dix pour cent ?

Un autre écueil dans la définition du terme réside dans l’origine du genre. La sitcom est considérée comme un poids lourd de la culture étatsunienne. À partir des années quatre-vingt, le monde entier regardait des sitcoms.

Matthew Perry et Jennifer Aniston sont devenus nos amis.

Les pré-Gen Z les ont regardées en direct, et les jeunes de maintenant les streament. On pourrait même dire qu’une grande fracture sépare ceux du vieux monde – celui de l’exportation de la culture américaine, quand quelques séries dominaient la planète – et les habitants du nouveau monde, pour qui les millennials sont déjà trop vieux et pour qui la sitcom ne représente pas une porte ouverte sur une autre vie – à leurs yeux, la vie elle-même est une sitcom.

Un effet produit par la présence de personnages récurrents dans un endroit qui nous devient aussi familier que notre propre maison. Les appartements de Friends nous sont familiers, que l’on vive à New York, à Paris, à Tokyo, à Delhi, à Lagos ou Los Angeles. À une époque où la maison cessait d’être une base – les plus privilégiés voyageant de par le globe, et tous découvrant les univers d’Internet –, les sitcoms faisaient montre d’une rassurante stabilité. Ces gens ont une maison. Ils ont une vie.

Ils vivent, ils aiment, ils ont des amis. L’essence profondément américaine de cette utopie – l’utopie de la félicité sociale – s’est répandue au-delà de la globalisation culturelle et s’est invitée dans les autres pays : le Brésil, l’Inde, la France, l’Italie, l’Espagne et l’Amérique latine ont créé leurs propres versions de ces amis fictifs.

le ready-made était délibérément conçu pour transmettre une signification au public.

Les personnages de sitcom – comme dans la téléréalité – n’ont pas de psychisme. Des passions, certes, et ils peuvent être emportés par des sentiments puissants, mais la vie continue. Dans sa version sitcom, la rancœur n’existe pas.

Au fil des nombreuses saisons, la haine va et vient, ainsi que l’amour. Parfois ces sentiments reviennent. Mais les héros n’étoffent jamais leur disposition affective – ils sont dans un état permanent de réaction au moment.

Je me souviens que, lors d’un dîner chez Azzedine Alaïa, dont j’étais alors un proche ami et collaborateur, j’expliquais à Kim Kardashian les thèmes qui animaient Pierre Guyotat quand il écrivait son livre Coma. Il y parle de sa tentative de faire le vide, de se percevoir comme une scène de théâtre, un champ. Et Kardashian d’acquiescer : c’est exactement ce qu’elle fait et la façon dont elle vit, me dit-elle, en refusant la démarcation entre l’interne et l’externe. La vie est une, et en continuel mouvement. Dans les deux cas – très différents, certes – de Kim Kardashian et Pierre Guyotat, les choix sont existentiels, héroïques.

Il s’agit de créer de l’image et de la textualité en étant à la fois soi-même et autre, identifiable et pourtant vacant, pour permettre aux gens de se projeter sur vous.

CES GENS ONT une MAISON. ILS ONT UNE vie.

Ils VIVENT, ILS AIMENT, ILS ONT des AMIS. L’ESSENCE profondément AMÉRICAINE DE L’UTOPIE DE LA félicité SOCIALE.

Même aux yeux des plus jeunes, qui ont pourtant amis et famille aimante, la sitcom reste encore une meilleure version de la vie que la leur. Il pourrait tout à fait y avoir des princes à Bel-Air, et bien que le personnage soit vaguement inspiré de la propre vie de Will Smith, personne ne vit comme lui.

Ce qui en fait un rêve pour le public, c’est la condensation, la sérialisation, la transformation de la vie quotidienne. À cet égard, la sitcom a conduit à la naissance d’un certain type de téléréalité. Les Kardashian sont des personnages de sitcom, mais la série est censée nous présenter leur “vraie vie”. Le simple fait de se laisser filmer au quotidien pour distraire autrui est par essence duchampien : il transforme l’existence en ready-made. Bien sûr, ce n’est pas l’existence de n’importe qui que l’on pose sur un piédestal, de même que

Dans le Ion, Platon parle de l’“enthousiasme poétique”, le fait d’être habité par un dieu qui vous prête un souffle poétique.

Pour être possédé, on doit être vide. Pas de place pour les sentiments complexes, profonds, conflictuels. Ils vous passent à travers, et vous êtes le truchement qui leur permet d’aller dans un sens ou dans l’autre.

Cette façon de penser qui met de côté la psychologie s’est répandue plus largement dans la société à travers les sitcoms : puisqu’elles sont davantage définies par leurs situations que par leurs personnages, ces derniers n’en sont pas le sujet. Ce qui l’est, c’est le cadre, qui peut être exploité, déplacé, bouleversé. Puisque ce n’est pas personnel, que ce soit relationnel. Les sitcoms traitent de relations. Au sein des familles, entre amis, et avec les amis qui deviennent une famille. Pour nombre d’entre nous, les personnages sur l’écran sont nos amis, notre famille. On pourrait se demander si Gossip Girl est classable parmi ce genre. Un jour que j’étais à New York, je suis allé au restaurant Sant Ambroeus, sur Madison Avenue. Et là, assise devant l’étagère à pâtisseries, se trouvait Kelly Rutherford, qui incarne la socialite Lily Van der Woodsen dans la série.

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“The Reunion (Phoebe on Tinder),” 2021, #francescovezzoli

Je me souviens de la profondeur de son regard alors qu’elle posait les yeux sur quelque chose qu’elle était la seule à voir – l’image même de la mélancolie. On aurait cru voir Lily. Je me suis demandé si elle jouait déjà ou se préparait à jouer, ou si c’était tout simplement la vraie Kelly vivant sa vie.

La définition traditionnelle de la sitcom la relie à un décor immuable. Une autre combine ce décor avec une époque spécifique – le temps de la sitcom n’est-il pas révolu ? Ou pouvons-nous bâtir sur ses fondations ? Voilà qui aurait ma préférence. Parce que dans ce cas, la sitcom devient la métaphore de notre mode de vie actuel : appeler “amis” des gens que nos ancêtres auraient traités en étrangers, ne pas faire de différence entre la fiction et la réalité, et faire de notre vie un roman. La sitcom fut en son temps une échappatoire, qui nous donnait la vie qui nous semblait due, qu’on aurait voulu se voir offrir sur un plateau. Es-tu une Carrie ? Ou plutôt une Miranda ou une Samantha ?

Une question incontournable dans les années 1990.

Certainement, le sentiment d’évasion est là. Mais, plus important encore, la sitcom fait entrer la magie dans notre vie.

Elle nous procure des amis qui ne veulent pas être amis avec nous. L’un des fondamentaux du genre est l’existence d’une troupe, un groupe d’acteurs, et nous les rêvons amis. Il faut bien qu’ils le soient entre eux, pour être les nôtres. La sitcom nous donne l’impression que la vie peut être un roman, une saga, une série – une idée prolongée par la téléréalité et les réseaux sociaux.

Mon ami Emanuele Coccia vient de m’envoyer le manuscrit de son excellent nouveau livre, Philosophie du foyer, que j’ai lu préalablement à l’écriture de cet article. Il y explique qu’une maison ne devient un foyer qu’après qu’on y a emménagé – une identité qui ne peut exister qu’à la suite d’une transformation. Il me semble que c’est une idée forte quand on l’applique à la situation, quelque chose qui est situé. J’ai entamé cette réflexion en soulignant que le lieu de la situation peut changer, qu’elle n’est pas obligée de rester au même endroit si ce qu’elle montre, ses personnages, leurs relations se déplacent. Il y a peut-être un genius loci, mais il est à espérer que les relations sont plus solides que les endroits.

LA SITCOM devient LA MÉTAPHORE DE notre MODE DE VIE ACTUEL : APPELER “AMIS” DES gens QUE NOS ANCÊTRES auraient TRAITÉS EN ÉTRANGERS, NE PAS faire DE DIFFÉRENCE entre LA FICTION et LA RÉALITÉ, ET FAIRE DE NOTRE VIE un ROMAN.

Instagram, Facebook, ces médias sociaux sont aussi des sitcoms auxquelles chacun participe. Comme le disait Shakespeare, “ le monde entier est une scène, hommes et femmes, tous n’y sont que des acteurs”.

Mais que se passerait-il si nous convenions tous que nous n’avons pas besoin d’évasion ?

Que nous n’avons pas besoin de ces amis imaginaires ? La vie pourrait se muer en sitcom, nous serions les héros de notre propre histoire. On s’aime, on ne s’aime pas ; on est amis, on ne l’est pas ; on se parle, on ne se parle plus. Des vies partagées.

Quelles seraient donc les conséquences d’une pareille action ?

On s’autoriserait de nouveau à expérimenter, à fluidifier la vie, à laisser les miracles survenir. C’est ce que la fiction rend possible. Bien sûr, il y a les impôts à payer, il faut aller au travail. Tout le monde ne peut pas être le prince de Bel-Air.

Pendant l’année écoulée, la plupart d’entre nous se sont retrouvés coincés chez eux, seuls ou avec un être cher, une famille ou un animal de compagnie. Plutôt éloigné du large casting d’une sitcom.

Pourrait-il y avoir une sitcom du confinement ?

C’est finalement ce que les gens dans le monde entier ont tenté de créer en se filmant chez eux, en lançant des lignes de vie alors que la notion de communauté se brisait autour d’eux. Leurs tentatives ont mis en exergue les deux écueils auxquels ils sont confrontés : le premier est celui du fil narratif, qui est bien ce qui nous manque le plus en ce moment. Que faire ?

Et après ? Voilà des questions auxquelles il est bien difficile de répondre. Le second est la communauté : la famille, l’interaction face à face, la théâtralité qu’elles engendrent.

Difficile de cabotiner quand on est seul ou juste à deux ; on en paraîtrait vite artificiel.

Cette situation nous donne à voir à quoi pourrait ressembler une version sitcom de notre vie actuelle. Elle devrait mettre l’accent sur les relations, les interactions, sur le fait que nous sommes tous dans le même bateau, que nos groupes d’amis se portent mieux quand ils évoluent, se distendent, se défont et se reforment, et qu’une fois que nous avons pris conscience de ces circonstances miraculeuses, nous sommes prêts à accomplir nos propres miracles quotidiens. Dans notre vie sitcomée, nous accepterons l’existence du plaisir comme celle de la colère, nous saurons qu’on peut être en un endroit et une multitude d’autres, nous comprendrons que nous devons prendre soin de nos relations avec nos amis, notre famille, les entretenir.

Alors peut-être que notre vie finira elle-même par figurer dans une sitcom. Comme un détournement à la Duchamp.

Traduction Légère Balivet 147

fashion ART imitates

Depuis un siècle, L’Officiel chronique les évolutions d’un concept né au sein de ses pages : l’art comme mode de vie. vie.

On pourrait rejeter l’idée qu’un objet destiné à la consommation puisse être considéré comme une œuvre d’art. Il est cependant indéniable qu’un vêtement bien structuré sorti des mains d’un couturier provoque la même émotion qu’un tableau de maître.

Dans L’Officiel, qui porte au plus près de son cœur l’identité même de la Parisienne, souvent, l’art et la mode ne font qu’un.

Fondé à Paris en 1921, L’Officiel apparaît à un moment crucial de l’histoire du vêtement. La transformation du couturier en créateur et l’influence des mouvements artistiques sur la mode prennent de plus en plus d’importance, notamment à travers le

travail de Paul Poiret et d’Elsa Schiaparelli. À l’origine une publication destinée au milieu professionnel, L’Officiel commence à parler dans ses pages des courants culturels de son époque et sait reconnaître l’importance des mouvements artistiques naissants, comme en témoignent des articles sur Tsuguharu Foujita, Marc Chagall et Jean Cocteau. Cependant, au fil du siècle et avec l’évolution tant de l’art que de la mode, le magazine ne se contente plus de publier profils d’artistes ou critiques d’expositions mais passe à une approche plus conceptuelle, développant des éditos mode à la perspective définitivement artistique.

Par TORI NERGAARD & PIPER MCDONALD

Les musées, notamment, deviennent les toiles de fond de shootings appréciés dans les années cinquante et soixante.

Des femmes élégantes en tailleur Nina Ricci ou Maggy Rouff déambulent parmi des sculptures de Giacometti ou les peintures de la galerie Denise René. Le musée est alors l’endroit à la mode de la femme moderne, qui se mue elle-même en œuvre d’art entre ses murs.

Avec l’essor du pop art dans la seconde moitié du xxe siècle, la relation entre l’art et la mode prend un nouveau sens. L’habillement lui-même devient œuvre d’art, le couturier et le styliste se muant en artistes. L’Officiel ne parle plus seulement d’art, il le crée en assemblant les tendances du moment dans des images sophistiquées. Ce qui compte plus encore que le vêtement, ce sont les représentations et le storytelling proposés à la lectrice.

Dans la décennie quatre-vingt-dix, la mode atteint son point culminant culturel. Provocante, luxueuse, sexy, bien présen-

L’HABILLEMENT luimême DEVIENT œuvre d’art,, LE COUTURIER d’art ET LE STYLISTE SE muant EN ARTISTES. tée dans un emballage brillant, elle devient un média visuel de masse et évolue elle-même en art populaire, tout particulièrement dans les pages de L’Officiel. On peut y découvrir des séries mode mettant en parallèle des looks contemporains et leur pendant artistique, dans lesquelles les mannequins se contorsionnent comme des statues ou remplissent l’espace telle la peinture sur une toile. Les motifs de leurs tenues évoquent des œuvres connues, et la qualité des vêtements rappelle la somme de savoir-faire et de talent nécessaire à leur confection.

CI-DESSUS, À GAUCHE : Modèles devant des peintures de Roger-Armand Desserprit photographiés pour L’OFFICIEL en 1953 ; Modèles à l’exposition Vasarely à la galerie Denise René photographiés pour L’OFFICIEL en 1963. CI-DESSUS, À DROITE : Modèles en Versace photographiés pour L’OFFICIEL en 1986 ; Modèles photographiés pour L’OFFICIEL en 2000. À GAUCHE, SENS HORAIRE : Modèles en Yves Saint Laurent photographiés pour L’OFFICIEL en 1970 ; Modèles photographiés pour L’OFFICIEL en 1991 ; Modèles en Yves Saint Laurent photographiés pour L’OFFICIEL en 1988 ; Modèles en Christian Dior photographiés pour L’OFFICIEL en 1970.

PAGE PRÉCÉDENTE, DE HAUT EN BAS : Marc Chagall photographié pour L’OFFICIEL en 1971 ; Gustave Singier photographié pour L’OFFICIEL en 1971 ; Portrait de Jean-Pierre Yvaral dans un numéro de L’OFFICIEL de 1979 ; Une illustration de 1928 d’Erté dans un numéro de L’OFFICIEL de 1977 ; Affiche pour le ballet Phèdre de Jean Cocteau dans un numéro de L’OFFICIEL de 1949 ; Jean Bazaine photographié pour L’OFFICIEL en 1971 ; Tsuguharu Foujita photographié pour L’OFFICIEL en 1929 ; Photo de Jean Cocteau dans un numéro de L’OFFICIEL de 1963 ; Screen print de Piet Mondrian L’OFFICIEL de 1973 ; Une lithographie de 1896 d’Edvard Munch dans un numéro de L’OFFICIEL de 1976 ; Une lithographie de 1940 de Paul Klee dans un numéro de L’OFFICIEL de 1976.

En 2012, les Éditions Jalou lancent leur magazine d’art contemporain L’Officiel Art. Dans son premier numéro, le rédacteur en chef, Jérôme Sans, parle sans détour de l’entrée de la mode dans le monde de l’art, et déploie un large éventail d’autres formes artistiques : visuelles, performatives, culinaires… toutes liées à l’idée de faire entrer l’art au cœur de la vie.

L’art et la mode sont centraux dans la vie de la Parisienne, le personnage principal d’un siècle de L’Officiel. Après tout, les rues de Paris, capitale des deux disciplines, sont à elle. Elle est tombée dedans quand elle était petite, et cette influence se ressent dans son apparence, ses choix esthétiques éclairés, sa fascination pour la culture. La Parisienne se doit de brûler de passion tant pour la mode que pour l’art, et de les considérer comme indissociables.

Traduction Légère Balivet

COLONNE DE GAUCHE, DE HAUT EN BAS : Modèle

en Thierry Mugler photographié pour L’OFFICIEL en 1990 ; Modèle en Yohji Yamamoto photographié pour L’OFFICIEL en 1989 ; Trois modèles photographiés face à trois œuvres d’art pour L’OFFICIEL en 1990.

COLONNE DE DROITE, DE HAUT EN BAS : Modèles photographiés pour L’OFFICIEL en 1982 ; Modèles en Yves Saint Laurent photographiés pour L’OFFICIEL en 1989 ; Extrait de The Ballad of Sexual Dependency (1985) de Nan Goldin dans un numéro de L’OFFICIEL de 2001.

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Paternity LEAVE La paternité n’est généralement qu’une note de bas de page dans les biographies des grands maîtres mâles mâles.. Quelques artistes contemporains réfléchissent au rôle de père et à ses conséquences créatives créatives..

Par LUCY HUNTER

Courtesy of the artist and Hauser & Wirth, © Rashid Johnson

CI-DESSUS : “Fatherhood as Described by Paul Beatty,” 2011, par Rashid PAGE DE GAUCHE : “Untitled”, 2021, par Rashid Johnson.

Johnson.

Dans l’art conceptuel, on réunit rarement un public de 200 millions de personnes. C’est un chiffre ahurissant, c’est plus encore que pour la fameuse performance les yeux dans les yeux de Marina Abramovic au MoMA de New York en 2010.

Pourtant, en 1987, le duo d’artistes féministes Polvo de Gallina Negra (Poudre de poule noire, PGN) a investi une chaîne de télé publique mexicaine pour une performance dénonçant les ravages de la maternité et la flatterie vide de sens qui lui est associée sous le patriarcat. Maris Bustamante et Mónica Mayer, les membres du duo, ont profité de leur apparition prévue dans le talk-show populaire Nuestro Mundo pour envoyer valser le baratin attendu et imposer à la place une performance en direct, avec un culot inouï.

Par-dessus les cheveux laqués du présentateur décontenancé, Guillermo Ochoa, les artistes enfilent un tablier jaune à fleurs sous lequel pointe un ventre de polystirène proéminent ; elles le proclament “madre de un dia” (mère d’un jour) et le coiffent d’une couronne en cure-pipes. Ochoa, fair-play, joue le jeu de la grossesse tandis que le duo lui offre diverses pilules pour stimuler son empathie et simuler les nausées. Alors que la scène provoque les sifflets et les regards mauvais du public, Maris et Monica enjoignent Ochoa d’ignorer cette manifestation évidente de l’irrépressible envie patriarcale. Mère d’un jour n’est

LA RIGUEUR d’une PRATIQUE artistique artistique,, L’OUVRAGE REMIS dix FOIS SUR LE métier SONT BIEN PLUS PROCHES de L’ANTIGLAMOUR DES régurgitations ET DES COUCHES SALES QUE DU fantasme D’UN EXCEPTIONNALISME créateur DIVIN. qu’un élément de l’œuvre de long terme (et ce n’est pas peu dire) ¡MADRES!, dans laquelle PGN mène l’enquête sur la maternité à la première personne – une performance pour laquelle ses membres ont reçu une aide précieuse dès le départ : “Un jour, nous avons décidé de nous pencher sur le sujet et, naturellement, la première étape était de tomber enceintes […] Le projet a démarré avec la naissance de nos filles, menée à bien avec le concours et le soutien de nos maris, les artistes Victor Lerma et Rubén Valencia, qui nous ont gentiment aidées à nous lancer.”

Ces contributeurs conjugaux sont à peine une note de bas de page dans le projet de Bustamante et Mayer, mais le 154

commentaire appelle une question plus large : où sont donc les œuvres d’art sur la paternité ? La situation semble complètement déséquilibrée. Polvo de Gallina Negra n’est qu’une goutte d’eau dans un océan d’art consacré à la maternité, un courant qui remonte à des siècles en arrière mais qui trouva un nouveau débouché dans les années 1970-80, quand la conjugaison de la deuxième vague du féminisme et du mouvement de libération de la femme a ouvert la voie à une déferlante d’œuvres conceptuelles sur l’absence de reconnaissance du travail maternel et la soumission qui en découle. Dans ce corpus, on trouvera les journaux scientifiques de Mary Kelly chroniquant les différents effluves de son nouveau-né ; les collages textes-photos mettant en scène des femmes noires de Lorna Simpson, qui mettent à mal la prétendue neutralité du status quo patriarcal blanc ; le Maintenance Manifesto de Mierle Ukeles, qui détaille l’usante kyrielle de corvées nécessaires à maintenir la cohésion du foyer, que ce dernier soit un confortable pavillon de banlieue à étage ou les abords d’une décharge municipale (dans les deux cas, le combat est perdu d’avance). Pas de papa parmi ces artistes, pour une raison qui pourrait paraître évidente. Quand on n’a pas à se battre pour défendre sa place dans la société – quelle que soit la lutte : l’égalité salariale ou le droit de ne pas être assassiné par la police –, on est libre de parler d’à peu près tout le reste.

De puissantes forces sont à l’œuvre dans le fait que l’on ignore sans complexe la sphère domestique lorsque l’on parle d’artistes masculins (surtout quand ils sont blancs, hétéros et cisgenres).

Et cette lacune nous fait passer à côté de quelque chose.

Soyons clairs, il existe quantité d’œuvres d’art sur la famille par des artistes de tous genres, mais elles consistent souvent en une descente à la mine freudienne servant de prétexte à la représentation des angoisses de l’auteur. Un exemple classique serait les univers bizarres créés par Mike Kelley, où des accrochages de peluches sales semblent contenir des menaces voilées. Et quand la paternité s’invite dans la biographie des artistes, c’est souvent sous la forme aplanie d’une mythologie. Il n’y a qu’à voir comment la nombreuse progéniture de Picasso a cimenté sa réputation d’homme à femmes (dont la conduite laisse pour le moins à désirer puisqu’à 45 ans il faisait la cour à une Marie-Thérèse Walter de 17). Ou, à l’inverse, c’est un pan de leur vie ignoré des biographes. On sait peu que la fille de Matisse fut emprisonnée et torturée par la Gestapo pour son rôle dans la Résistance. Ce qui a dû être un profond traumatisme familial ne suscite pourtant que peu d’intérêt. C’est que des hommes comme Picasso et Matisse se voient accorder le luxe d’une histoire compartimentée : leur art existe hors contexte, par ses propres mérites. C’est une latitude dont chacun devrait bénéficier, mais qui n’est accordée qu’à peu d’élus.

Tout ça pour dire qu’il est grand temps que l’on discute avec les artistes de leur rapport à la paternité. Passons un tablier jaune par dessus le brushing du monde de l’art et avalons quelques comprimés d’empathie. Les artistes de ce portfolio nous ont proposé des œuvres qui examinent leur propre expérience de la parentalité, et traduisent la tâche colossale de guider un autre être humain à travers la vie. La réflexion d’Artur Lescher l’a fait se souvenir de la manière de penser amazonienne : avoir un enfant, c’est voir pousser une branche à son âme. Nous leur avons donc demandé : quel effet ça fait ?

Le but de l’exercice n’est pas de réduire ces artistes-papas à une seule dimension, comme on le fait trop souvent avec les artistesmamans. La paternité peut être la porte d’entrée sur la pratique de n’importe quel créateur, mais elle peut tout aussi bien ne pas

© Sam Durant. Courtesy of Paula Cooper Gallery, New York, and CC Strombeek, Belgium.

CI-DESSUS : ”Another World Is Possible,” 2019, par Sam Durant.

Installation view, Cultuurcentrum Strombeek, Belgium. Photographie par Sophie Nuytten.

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“Getting Lost in Artland,” 2020, par Aami Suh and Do Ho Suh.

l’être. Dans tous les cas, devenir parent est de toute évidence un événement majeur, et les artistes sont à même d’avoir un point de vue unique sur le sujet. Cependant, il est nécessaire de ne pas trop se focaliser sur une biographie pour ne pas risquer de tomber dans le piège de l’“interprétation”, cette lamentable forme de recherche de sens que Susan Sontag appelait “la revanche que l’intellect prend sur l’art”. Comme pour lui donner raison, Rashid Johnson déplore que son fils soit la victime de cette dictature du commentaire sur la création : “À l’école, il est bombardé de ‘que crois-tu que ça signifie ?’… Et c’est comme ça que les enfants apprennent à regarder ou à explorer une œuvre d’art, en s’imaginant qu’elle dissimule une intention qu’elle se refuse à livrer et qu’il faut alors disséquer.” Alors mettons de côté l’idée que la paternité transforme forcément la pratique de l’artiste – étendons d’ailleurs cette politesse aux femmes et aux non-binaires, à qui on laisse rarement l’occasion de se distancier ainsi de leur planning familial. Et, fi du geste sacré de la création, penchons-nous un peu sur le profane. À savoir l’art enfantin. Ce degré zéro de l’expression esthétique est le marqueur incontournable de la parentalité. Griffonné sur papier kraft, barbouillé à la peinture ou au crayon gras, c’est un faux Dubuffet sur chaque porte de frigo. Mes observations personnelles tendent à prouver qu’on n’échappe pas à l’attrait d’un dessin d’enfant. C’est une drogue douce contre laquelle toute résistance est futile, et les papas-artistes ne sont pas immunisés. Sam Durant compare les œuvres de son fils, qui sont accrochées au mur de son studio, à des Rothko : “De magnifiques peintures colorées – des paysages, des ciels, des mers –, délavées et minimalistes.” Lescher admet lui aussi que des dessins vintage de sa progéniture (ses deux enfants sont maintenant adultes) côtoient dans son salon “certaines des peintures [qu’il] admire le plus”. La contribution de Do Ho Suh à ce portfolio est un cadavre exquis composé avec ses deux enfants, Aami et Omi. Selon les mots de l’artiste, ces royaumes quasi mycologiques faits de pâte à modeler représentent “Artland, un écosystème sauvage et fantastique” : “C’est l’expression fascinante du chaos qui réside dans la tête des enfants, ainsi que leur curieux intérêt, apparemment inné, pour la fabrication de mondes.” Artur Lescher en son temps s’extasiait sur la surnaturelle maîtrise de la couleur que sa fille semblait posséder, et sur la finesse de l’analyse et des goûts de son fils. (En roi de la perception spatiale, il met littéralement en scène dans sa contribution la projection inhérente à la parentalité. La photo qu’il nous a soumise représente l’ombre de deux mains l’une dans l’autre, métaphore de l’équilibre ténu à maintenir entre soutien et liberté qui caractérise le fait d’élever un enfant.) Les artistes sont des papas comme les autres !

L’absence évidente de paternalia dans les interviews d’artistes est assez ironique, l’enfant tenant une place centrale, en Occident, dans l’imaginaire concernant la production artistique et la créativité. Depuis un siècle, les jeunes humains sont considérés comme ayant accès à une forme primordiale d’inventivité, eux qui ne connaissent pas les mécanismes de répression et de sublimation dont nous, adultes, sommes les jouets. Il n’est que de voir ce qui fascinait les avant-gardes dans l’entre-deux-guerres, ou l’esthétique dénuée de culture artistique de l’art brut. Et que dire des gribouillages exubérants de Cy Twombly, dont Sam Durant dit qu’il n’a compris son œuvre qu’après la naissance de son fils ?

Même quand le fait d’élever un enfant influence visiblement une œuvre, le sujet reste clos. Rashid Johnson raconte qu’on ne lui pose que très rarement de questions sur son état de père, bien qu’il ait opéré ce qu’il appelle un “détournement domestique” dans ses installations et autres œuvres qui questionnent la matérialité, la 158

transmission et le concept de chez-soi. Cependant, il l’admet, sa maisonnée a résisté à l’envahissement des Lego et autres variétés de chaos blesse-orteils – son fils Julius, dit-il, est “inférieur en nombre” face à lui et à sa compagne, l’artiste Sheree Hovsepian, la mère de Julius. Mais la question demeure : qu’est-ce qui fait que changer des couches paraisse si irréconciliable avec le stéréotype de l’artiste rugueux et inspiré ? (Puisqu’on aborde le sujet, Rashid Johnson estime son volume de couches traitées à des centaines.

Sam Durant, lui, nous a fourni le chiffre d’“une infinité”.)

Hypothèse : on ne parle pas de leur paternité parce que cela trivialiserait l’idée que nous nous faisons du supposé génie des artistes. L’un des mythes culturels les plus ancrés et tenaces est que ces derniers sont des visionnaires sauvages et libres. Cliché ?

Bien sûr. Mais c’est aussi l’alchimie qui transforme de l’huile sur une toile en des millions de dollars à chaque séance d’enchères vespérales de Sotheby’s. En comparaison avec un Pollock projetant de la peinture dans sa cabane, ou les nuits de débauche parisiennes de Hemingway, un artiste qui donne le biberon à son nouveau-né, c’est vraiment trop nul.

EN COMPARAISON AVEC UN Pollock PROJETANT DE LA peinture LA peinture DANS SA cabane cabane,, OU LES NUITS DE débauche PARISIENNES DE Hemingway Hemingway,, UN ARTISTE QUI DONNE LE biberon À SON NOUVEAU-NÉ, C’EST vraiment TROP NUL. Qu’est-ce qui se perd quand on fait l’impasse sur la paternité des artistes ? Masculinité toxique mise à part, on se prive de points de vue clés sur la qualité de créateur. Comme l’expose Sam Durant : “Oui, le stéréotype, c’est que l’artiste est déchaîné, irresponsable, immature. Mais, pour la plupart, nous ne sommes pas comme ça du tout. Nous sommes des adultes capables d’élever nos enfants.” Rashid Johnson confirme qu’il “ne [se] considère pas du tout comme un créatif ”, et que pour lui, ce qui caractérise un artiste, ce n’est “pas tant la fantaisie de sa création que la compréhension de l’importance de la prise de décision”. Comme le disent depuis des décennies nombre de féministes, la rigueur d’une pratique artistique, l’ouvrage remis dix fois sur le métier sont bien plus proches de l’anti-glamour des régurgitations et des couches sales que du fantasme d’un exceptionnalisme créateur divin.

Traduction Légère Balivet

“France and Two Cows,” 2020, par Rindon Johnson.

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“Untitled,” 2001/2021, par Artur Lescher.

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“Whale and the Snail (Jin),” 2020, par Jin Ketevan, Georgia Meisenberg et Florian Meisenberg.

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Dans les années 1970 1970,, les membres du groupe créatif italien Design radical ont façonné une nouvelle vision de la maison en repensant les relations qui y prennent place et l’utopie collective autour de l’espace domestique domestique..

L’exposition “Italy: the New Domestic Landscape”, qui eut lieu au MoMA de New York en 1972, fut l’un des moments fondateurs de l’histoire du design. L’intelligentsia nord-américaine y découvrit, grâce au commissaire Emilio Embasz, un groupe de penseurs, de designers et d’architectes italiens, connu collectivement sous le nom de Design radical. Parmi ses représentants les plus célèbres : Gae Aulenti, Ettore Sottsass, Archizoom Associati, Superstudio et Gaetano Pesce, réunis par un désaveu des idéaux modernistes ainsi que par un questionnement sur l’expression de la pensée utopiste au moyen du design. Un passage du Petit Prince d’Antoine de Saint-Exupéry figure en exergue du catalogue, laissant entendre que l’utopie doit être repensée depuis l’entité domestique, et qu’elle doit passer par la transformation de l’institution la plus réfractaire au changement : la famille.

MARXISTS DO IT BETTER L’exposition de 1972 ne présente pas un mouvement unitaire bâti autour d’un manifeste politique ou esthétique, bien que ses participants aient en commun d’être allergiques à l’éclosion de la société de consommation dans l’Italie d’après-guerre. Ce qui révolte le plus le Design radical, c’est l’aggravation de la fracture entre les travailleurs et la haute bourgeoisie du mitan des années soixante aux années soixante-dix. Les bidonvilles qui s’étalent à la périphérie de Milan ou de Rome sont à mille lieues des aspirations domestiques décrites dans les revues de design italiennes. Par conséquent, l’opinion qu’ont ces artistes du design et de l’architecture oscille entre méfiance et rejet total – pour eux, il est inconcevable de continuer à séparer le design des affaires courantes.

Par PIERRE-ALEXANDRE MATEOS & CHARLES TEYSSOU

Contrairement à l’idée moderniste d’une utopie résultant de la vision omnisciente d’un architecte démiurge, les membres du Design radical pensent qu’elle doit être réinventée dans le noyau domestique. La responsabilité idéologique qu’ont les avant-gardes de concevoir de nouvelles perspectives d’avenir s’est déplacée de l’architecture et de la planification urbaine vers le design. Dans le même mouvement, le modèle de la famille nucléaire (un couple d’adultes, avec ou sans enfants) imposé par le développement du capitalisme durant le xixe siècle doit être complètement repensé.

“Italy: the New Domestic Landscape” est une attaque contre le logement bourgeois, structuré verticalement autour du pater familias (le chef de famille de la Rome antique). Tout mouvement d’avant-garde, toute contre-culture a besoin d’un ennemi pour se constituer, qu’il soit réel ou imaginaire. Pour le Design radical – comme pour bien d’autres dans les années soixante, les situationnistes en France, l’Independent Group en Angleterre, et le mouvement artistique trans-européen CoBrA –, l’ennemi, c’est ce père fondateur mythique du modernisme qu’est Le Corbusier.

Orfèvre du rationalisme, l’architecte franco-suisse voyait l’espace urbain comme une gigantesque chaîne de montage de fonctions dont l’architecte serait le seul maître.

Infusé à la pensée situationniste, le Design radical s’insurge contre le pouvoir aliénant de la liturgie domestique conceptualisée dans les années 1920 par Le Corbusier en “machine à habiter”. À la suite du boom économique des années cinquante, la devise “le design décide, l’utilisateur suivra” devient le modèle de la société de consommation de masse. L’idéal de la famille modèle est agressivement projeté au cœur de chaque foyer par la presse, la radio et la télévision. L’image de deux enfants jouant innocemment sous le regard aimant de leur mère tandis que le père lit son journal devient le mètre-étalon du bonheur et de la reconnaissance sociale. Les mouvements qui émergent dans 164

L’ennemi, C’EST ce PÈRE fondateur DU modernisme qu’est LE CORBUSIER. CORBUSIER.

CI-DESSUS : Vues des installations de l’exposition “Italy: The New Domestic Landscape”, en 1972, au Museum of Modern Art, New York.

Photos par Leonardo LeGrand ©The Museum of Modern Art Archives, New York.

PAGE DE DROITE, DE HAUT EN BAS : ”Kar-a-sutra,” 1972, par Mario Bellini ©Studio Castelli ; “Sacco Bean Bag Chair,” 1968, par Piero Gatti, Cesare Paolini et Franco Teodoro. Courtesy of Zanotta ; ”Camaleonda,” 1970, par Mario Bellini ©Alessandro Sorci.

EN OUVERTURE : “Supersurface, The Happy Island, project,” 1971, par Superstudio (Gian Piero Frassinelli, Alessandro et Roberto Magris, Adolfo Natalini, Cristiano Toraldo di Francia, and Alessandro Poli). The Museum of Modern Art, New York.

les années soixante considèrent, eux, que la vie domestique appauvrit la créativité et la spiritualité individuelles, en incitant les gens à se composer un intérieur décoré avec goût. Ne se voyant pas en créateurs héroïques imposant des idées et des solutions prédéterminées, les artistes du groupe défendent leur conception du design comme un écosystème privilégiant la notion de jeu au cœur de la vie quotidienne. Et c’est comme ça qu’en 1972 – près de quatre décennies après la première expo de design au MoMA, “Machine Art”, sous l’égide de Philip Johnson en 1934 – le musée fit entrer la rhétorique marxiste à New York.

POUR UN ARCHIPEL DES UTOPIES L’exposition “Italy: the New Domestic Landscape” est divisée en deux parties. D’une part, 180 objets produits dans les dix années précédentes, et d’autre part, onze “environnements” commandés par le musée pour l’exposition. L’objectif du curateur est de montrer comment l’avant-garde italienne pense l’avenir et crée des espaces de vie adaptés à celui-ci. La première partie comprend trois catégories : conformiste, réformiste et contestataire, une organisation destinée à représenter une gradation politique depuis l’optimiste section pro-design jusqu’à celle farouchement anti-design. Une distinction à peine perceptible pour le visiteur, les objets étant disposés dans de grandes boîtes en pin et plexiglas censées reproduire l’effet du fameux passage couvert milanais Galleria Vittorio Emanuele II. De plus, Ambasz choisit d’illustrer

le côté contestaire non par un refus de production d’objets, mais par un design modulaire ou sans forme. Parmi les exemples les plus connus, le pouf Sacco, dessiné par Piero Gatti, Cesare Paolini et Franco Teodoro en 1968, la Tube Chair de Joe Colombo de 1968, et l’Abitacolo de Bruno Munari, une structure habitable, de 1971. Sous des dehors inoffensifs, ces designers avaient pour ambition de disséminer la créativité dans tous les aspects de la vie – dans un combat constant contre l’engourdissement intellectuel et la routine. “Pas moyen d’être guindé quand on est avachi dans un tel pouf ”, écrit Ambasz dans le catalogue de l’exposition. Le foyer se mue en un laboratoire explorant les nouvelles relations entre les gens et les objets. Après le rebond économique de l’après-guerre, le premier ennemi des avant-gardes est l’ennui.

On se doit d’injecter du jeu dans chaque moment de l’existence.

Une idée qui prend sa source dans une conception de l’objet non comme entité formelle finie, mais comme une sorte de bombe à fragmentation sociale capable de faire exploser de l’intérieur la cellule familiale traditionnelle. Le sofa modulaire est un cheval de Troie idéologique qui a pour but de bouleverser la micropolitique du foyer et d’entamer sa mutation de zone de décision autoritaire en lieu de consensus démocratique.

C’est pourtant la partie environnement de l’exposition qui prend position le plus radicalement sur le sujet du design. Là aussi divisée en deux parties, pro et anti, elle met en opposition ceux qui pensent

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est installée et diffuse le film Supersurface : An Alternative Model for Life on Earth qui met en scène des familles vivant dans ce type d’environnement. La contribution d’Archizoom est une pièce vide dans laquelle résonne une voix qui s’interroge sur la nécessité d’un archipel des utopies, où chacun trouverait chaussure à son pied.

Ces deux environnements présentent le discours le plus radical sur la pensée utopiste, puisqu’ils visent non pas à construire la cité idéale mais purement et simplement à éradiquer l’architecture et la planification afin de laisser chaque foyer bâtir la sienne.

LA FAMILLE EST MORTE, VIVE LA FAMILLE !

Dans ses propositions les plus radicales, “Italy: the New Domestic Landscape” se fait l’écho d’une dénonciation de la famille comme entité politique réactionnaire. Certains des participants à

“ITALY: THE NEW Domestic LANDSCAPE” SE FAIT L’ÉCHO D’UNE dénonciation DE LA FAMILLE.

que le design peut transformer les relations sociales, notamment dans le cercle familial, et ceux qui sont convaincus que la société est déjà saturée d’objets et que la priorité, c’est le changement politique.

Parmi les pro-design, trois environnements sont construits sur des structures modulaires : la série d’unités domestiques à roulettes d’Ettore Sottsass ; les éléments architectoniques rouges combinables de Gae Aulenti ; l’espace d’habitation compact jaune Total Furnishing Unit de Joe Colombo. Les quatre autres environnements sont des éléments mobiles, le plus original étant la Kar-A-Sutra verte de Mario Bellini qui, comme son nom le suggère, est un lit orgiaque installé dans une sorte de monospace.

De leur côté, les tenants de l’anti-design produisent des installations inspirées par la cybernétique. Ugo La Pietra propose une cellule domestique censée fonctionner comme un noyau de communication à l’intérieur du domaine médiatique global.

L’œuvre est une critique de la transformation du domicile en réceptacle passif par la faute de la télévision. Superstudio crée une petite installation cubique un peu surélevée, composée d’un miroir polarisé sur lequel est tracé un quadrillage, de manière à symboliser une infrastructure continue de systèmes de communication. À l’intérieur du cube, l’espace se reflète à l’infini. Une télévision y 166

l’exposition revendiquent un retrait total du domaine du design, arguant que, préalablement à un soulèvement idéologique, tout objet ne représente qu’un système réactionnaire. Ainsi que l’a dit Adolfo Natalini, membre de Superstudio, en 1971 : “Si le design n’est qu’une incitation à consommer, alors il nous faut le rejeter ; si

l’architecture n’est que la codification du modèle bourgeois de propriété et de société, alors il nous faut la rejeter […] Tant qu’on n’en sera pas là, le design doit disparaître. On peut vivre sans architecture.” La famille comme modèle fondateur de socialisation est en première ligne de ce combat. Le concept de foyer est alors en pleine évolution. Ce qui était le lieu de la sédimentation des rapports de force devient l’endroit des expérimentations micropolitiques qui donneront naissance à des modes de vie alternatifs, à d’autres façons d’être

ensemble et de s’aimer. De nouvelles subjectivités vont se libérer des règles sociales et des usages en vigueur sous le patriarcat.

Près de cinquante ans après l’exposition, que reste-t-il du Design radical ? Il serait un peu facile de le balayer d’un revers de main en l’accusant d’avoir ouvert la voie, par son approche comportementale et sa réflexion sur l’environnement médiatique, à l’éthique technolibérale de la Silicon Valley. La présence de poufs dans la moindre start-up est presque devenue l’équivalent de leurs phrases rebattues vantant la disruption. Cependant, la conception de l’utopie de ces artistes, un ensemble de rituels micropolitiques plutôt que la portée aux nues de l’idéologie d’un individu, est probablement la trace la plus durable qu’ils ont laissée, on le voit dans les questionnements actuels sur le genre. Comme le révélait l’amitié interespèce de l’enfant et du renard du Petit Prince, la domesticité peut se révéler une pratique révolutionnaire.

Traduction Légère Balivet

EN HAUT ET PAGE DE GAUCHE : Vues

de l’installation de l’exposition “Italy: The New Domestic Landscape”, 1972, at The Museum of Modern Art, New York. Photos par Leonardo LeGrand ©The Museum of Modern Art Archives, New York.

PAGE DE GAUCHE : “Tube Chair of Nesting and Combinable Elements,” 1969–1970, par Joe Colombo. Manufactured by Flexform, Italy. The Museum of Modern Art, New York.

CI-DESSUS : “Preliminary Project for Microenvironment,” c.1971, par Ettore Sottsass. The Museum of Modern Art, New York. ©2021 Ettore Sottsass. À DROITE : ”Abitacolo” (“Cockpit”), 1971, par Bruno Munari. Courtesy of Rexite.

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La silhouette sculpturale a confirmé la place de la mode parmi les arts arts..

Si les silhouettes de l’Antiquité prédatent la sortie de L’Officiel, Paul Poiret, l’un des premiers designers stars, les a remises sur le devant de la scène dans les années 1920 – bien que Coco Chanel, autre héroïne française de la mode, veuille aussi s’en accorder les lauriers.

Tout au long du xxe siècle, des silhouettes inspirées par les créations en trois dimensions des plus grands artistes sculpteurs, et adoptées par les femmes les plus chics, ont dominé. Les formes surréalistes de Schiaparelli imitent l’art statuaire : épaulettes et coupes sanglées transforment le corps en œuvre digne d’un musée.

Alors que L’Officiel devient le porte-parole de la mode française, il tisse des liens entre la silhouette et la sculpture. Sans perdre de vue le contraste entre le glamour, la fantaisie de la mode et le sérieux des beaux-arts, le magazine a toujours défendu ce point de vue avec une bonne dose d’ironie. Si la statue représente la version la plus idéalisée du corps humain, la silhouette de magazine est sa cousine exubérante et délurée, ravie de marcher dans les pas de la sculpture en lui apportant animation et vivacité, sans jamais cesser de se moquer d’elle-même.

—Tori Nergaard Traduction Légère Balivet

L’ABUS D’ALCOOL EST DANGEREUX POUR LA SANTÉ. À CONSOMMER AVEC MODÉRATION.