L'Officiel Paris N°1045 - Fall 2020 by L'Officiel Inc.

NO 1045 AUTOMNE 2020 WWW.LOFFICIEL.COM

FALL 2020

ISSN 0030.0403

Timeless Style for a Brand New World

NO 1045 AUTOMNE 2020 WWW.LOFFICIEL.COM

Rebecca Marder Rebecca Marder en Chanel

COVER_Trial_okj.indd 54

ISSN 0030.0403

Simon Porte Jacquemus, Pierre Cardin, Camille Rowe, Farida Khelfa, India Mahdavi, Jean-Luc Godard, Lyna Khoudri, Tina Kunakey, Stacy Martin, Bruno Sialelli, Sofia Sanchez de Betak, Isamaya Ffrench, Nicolas Lecourt Mansion, Charles de Vilmorin… Cahier global : French by French

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NO 1045 AUTOMNE 2020 WWW.LOFFICIEL.COM

Stacy Martin

Stacy Martin en Louis Vuitton COVER_Trial_okj.indd 55

ISSN 0030.0403

Simon Porte Jacquemus, Pierre Cardin, Camille Rowe, Farida Khelfa, India Mahdavi, Jean-Luc Godard, Lyna Khoudri, Tina Kunakey, Rebecca Marder, Bruno Sialelli, Sofia Sanchez de Betak, Isamaya Ffrench, Nicolas Lecourt Mansion, Charles de Vilmorin… Cahier global : French by French

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Camille Rowe Camille Rowe en Nicolas Lecourt Mansion et Tiffany & Co.

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ISSN 0030.0403

Simon Porte Jacquemus, Pierre Cardin, Farida Khelfa, India Mahdavi, Jean-Luc Godard, Lyna Khoudri, Tina Kunakey, Stacy Martin, Rebecca Marder, Bruno Sialelli, Sofia Sanchez de Betak, Isamaya Ffrench, Nicolas Lecourt Mansion, Charles de Vilmorin… Cahier global : French by French

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NO 1045 AUTOMNE 2020 WWW.LOFFICIEL.COM

Lyna Khoudri Lyna Khoudri en Emporio Armani et Celine par Hedi Slimane

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ISSN 0030.0403

Simon Porte Jacquemus, Pierre Cardin, Camille Rowe, Farida Khelfa, India Mahdavi, Jean-Luc Godard, Tina Kunakey, Stacy Martin, Rebecca Marder, Bruno Sialelli, Sofia Sanchez de Betak, Isamaya Ffrench, Nicolas Lecourt Mansion, Charles de Vilmorin… Cahier global : French by French

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NO 1045 AUTOMNE 2020 WWW.LOFFICIEL.COM

Tina Kunakey Tina Kunakey en Kenzo

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ISSN 0030.0403

Simon Porte Jacquemus, Pierre Cardin, Camille Rowe, Farida Khelfa, India Mahdavi, Jean-Luc Godard, Lyna Khoudri, Stacy Martin, Rebecca Marder, Bruno Sialelli, Sofia Sanchez de Betak, Isamaya Ffrench, Nicolas Lecourt Mansion, Charles de Vilmorin… Cahier global : French by French

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NO 1045 – AUTOMNE 2020

Anatomie d’un sac : le Jackie 1961 de Gucci page 32 Style : Quand Marina Rinaldi rencontre Antonio Berardi page 34 Style : Zoey Deutch, égérie du sac Peekaboo ISeeU de Fendi page 35 Style : le jacquard selon Louis Vuitton page 36 Livre : Le Grâce de Thibault de Montaigu page 37 Doc : Natalie Wood: What remains Behind page 38 Musique : l’émotion Sufjan Stevens page 40 Expo : David Hockney à la galerie Lelong page 41 Doc : Billie retrace la vie chaotique de Billie Holiday. page 42 Beau livre : l’édition collector de L’Éclaireur de Lynd Ward page 43 Expo : Vaughn Spann à la galerie Almine Rech page 44 Expo : “Pierres précieuses” au Muséum de Paris page 46

Joaillerie : rencontre avec Reed Krakoff chez Tiffany & Co. page 48 Tendance montres : nouveaux musts page 50 Tendance bijoux : effet XXL page 51 PAGE 52

MODE Camille Rowe page 52 Rebecca Marder page 64 Stacy Martin page 74

MAGAZINE Art & mode : le beau ou le chaos page 84 Icône : Godard à son image page 90 Rencontre avec Bruno Sialelli page 94 Rencontre avec Charles de Vilmorin page 98

PAGE 64

PAGE 74

PAGE 176

Rencontre avec Nicolas Lecourt Mansion page 102 La mode selon Sofia de Betak page 106 Chez Mathilde Favier page 112

Photos Marili Andre, Maxwell Grangier,

Édito page 30

JEWELS THAT TELL TIME*

PARIS, 29 AVENUE MONTAIGNE, +33 1 47 20 03 09 MONACO, HÔTEL DE PARIS, PLACE DU CASINO, +377 99 99 69 00 HARRYWINSTON.COM

NO 1045 – AUTOMNE 2020

Destination : évasion en Thaïlande page 116

BE WELL Édito page 118 Les palettes cinq couleurs de Dior page 119 Susie Cave, égérie de Gucci Bloom page 120 Parfums : voyages olfactifs page 122 Le nouveau mascara Dark Star de Pat McGrath page 123 La collab Byredo et Isamaya Ffrench page 124 Le hot spot Seasonly aux Galeries Lafayette page 126

Lyna by Vanessa page 176 Pierre Cardin & Simon Porte Jacquemus page 190 Attitude haute couture page 194 Farida by Farida page 204 Accessoires fétiches page 208 India Mahdavi, la vie en Technicolor page 220 PAGE 130

The Flow of Time : quand Tiffany & Co. rencontre Antonin Tron, Angel Chen et Christopher John Rogers page 224 Looking back : les franges de 1964 page 232

DOSSIER GLOBAL Ouverture page 129 PAGE 106

Cover story page 130

PAGE 194

Photos Cass Bird, Christophe Rihet, Axle Jozeph

French by French page 142 Tina by Julie page 176 Zoé by Vanessa page 156 Los Angeles by Laure page 164

Directrice de la publication et de la rédaction Marie-José Susskind-Jalou

L’OFFICIEL GLOBAL

L’OFFICIEL FRANCE

Contributing Chief Creative Officier Stefano Tonchi

Rédactrice en chef mode Vanessa Bellugeon

Rédactrice en chef magazine Adrienne Ribes

Executive editor Giampietro Baudo

MODE Senior fashion editor Laure Ambroise

MAGAZINE Editor-at-large Delphine Valloire

CASTING & PHOTOGRAPHIE Jennifer Eymère Joshua Glasgow

Global Executive Director Giampietro Baudo Global Artistic and Casting Director Jennifer Eymère Global Contributing Creative Director Trey Laird JOAILLERIE/HORLOGERIE Emily Minchella Hervé Dewintre Global Editorial Team Laure Ambroise | Mode Delphine Valloire | Magazine Caroline Grosso | Mode Global Casting, Production & Booking Joshua Glasgow Consulting Executive Managing Editor Regan Solmo

BEAUTÉ Mélanie Mendelewitsch Rédactrice parfum Antigone Schilling PRODUCTION Joshua Glasgow

Rédactrice en chef adjointe Léa Trichter-Pariente

DÉPARTEMENT ARTISTIQUE Graphistes Giulia Gilebbi Luca Ballirò

LOFFICIEL.COM Rédactrice en chef Karen Rouach Community manager Caroline Mas

SECRÉTARIAT DE RÉDACTION Secrétaire générale de la rédaction Jeanne Propeck

CONTRIBUTEURS

Global Graphic Team Giulia Gilebbi Luca Ballirò Global Contributing Design Director Micheal Riso Global Managing Team Sabrina Abbas Sara Ali Jeanne Propeck

Photographes Chantal Anderson Marili Andre Cass Bird Flore Chenaux Sergio Corvacho Maxwell Granger Georgia Hardt Axle Jozeph Jennifer Livingston Christophe Rihet Sonia Sieff Traductrice Géraldine Trolle

Rédacteurs et collaborateurs Virginie Apiou Kenzia Bengel de Vaulx Gaultier Desandre Navarre Maud Gabrielson Stella Greespan Pamela Golbin Laure Hériard Dubreuil Julie de Libran Christian-Luc Parison Matthieu Peck Brydie Perkins Manon Renault Sophie Rosemont Vanessa Seward Lisa Immordino Vreeland Julien Welter

LES PUBLICATIONS DES ÉDITIONS JALOU L’Officiel de la Mode, L’Officiel Hommes, Jalouse, La Revue des Montres, L’Officiel Voyage, L’Officiel Fashion Week, L’Officiel Art, L’Officiel Chirurgie Esthétique, L’Officiel Allemagne, L’Officiel Hommes Allemagne, L’Officiel Argentine, L’Officiel Autriche, L’Officiel Belgique, L’Officiel Art Belgique, L’Officiel Brésil, L’Officiel Hommes Brésil, L’Officiel Chine, L’Officiel Hommes Chine, Jalouse Chine, L’Officiel Corée, L’Officiel Hommes Corée, La Revue des Montres Corée, L’Officiel Inde, L’Officiel Indonésie, L’Officiel Italie, L’Officiel Hommes Italie, L’Officiel Kazakhstan, L’Officiel Hommes Kazakhstan, L’Officiel Lettonie, L’Officiel Liban, L’Officiel Hommes Liban, L’Officiel Lituanie, L’Officiel Malaisie, L’Officiel Maroc, L’Officiel Hommes Maroc, L’Officiel Mexique, L’Officiel Moyen-Orient, L’Officiel Hommes Moyen-Orient, L’Officiel Art Moyen-Orient, L’Officiel Pays-Bas, L’Officiel Hommes Pays-Bas, L’Officiel Pologne, L’Officiel Hommes Pologne, L’Officiel Russie, L’Officiel Singapour, L’Officiel Hommes Singapour, L’Officiel St Barth, L’Officiel Suisse, L’Officiel Hommes Suisse, L’Officiel Thaïlande, L’Officiel Hommes Thaïlande, L’Officiel Turquie, L’Officiel Hommes Turquie, L’Officiel Ukraine, L’Officiel Hommes Ukraine, L’Officiel USA, L’Officiel Hommes USA, L’Officiel Vietnam Lofficiel.com

Walk , Donâ&#x20AC;&#x2122;t Run.

DIRECTION Global Co-Chairmen and Members of Executive and Administrative Boards Marie-José Susskind-Jalou Maxime Jalou Global Chief Executive Officer, Director of Executive and Administrative Boards Benjamin Eymère Global Deputy Chief Executive Officer, Member of Executive and Administrative Boards Maria Cecilia Andretta Global Chief Creative Officer Stefano Tonchi Global Artistic and Casting Director Jennifer Eymère Global Editorial Committee Giampietro Baudo, Jennifer Eymère, Stefano Tonchi Executive Assistants Céline Donker Van Heel c.donkervanheel@ jaloumediagroup.com Giulia Bettinelli g.bettinelli@lofficielitalia.com INTERNATIONAL ET MARKETING Director International Licensees and Brand Marketing Flavia Benda f.benda@jaloumediagroup.com Global Head of Digital Product Giuseppe De Martino Global Digital Project Manager Babila Cremascoli Global Media and Marketing Strategist Louis du Sartel Global Editorial Content and Archives Giulia Bettinelli

Responsable comptable & fabrication Éric Bessenian e.bessenian@jaloumediagroup.com Diffusion Lahcene Mezouar l.mezouar@jaloumediagroup.com Trésorerie Nadia Haouas n.haouas@jaloumediagroup.com

ADVERTISING Global Chief Revenue Officer Anthony Cenname Chief Revenue Officer France and Switzerland Jean-Philippe Amos Media Director Italian Market Carlotta Tomasoni Global Digital Ad Ops and Media Planning Ilaria Previtali

PRODUCTION Directeur de la production Joshua Glasgow j.glasgow@jaloumediagroup.com

PUBLICITÉ Directeur commercial France Jean-Philippe Amos jp.amos@jaloumediagroup.com Directrice commerciale L’Officiel Anne-Marie Disegni a.mdisegni@jaloumediagroup.com Directeurs de publicité Christelle Mention (joaillerie, beauté) c.mention@jaloumediagroup.com Marina de Diesbach (horlogerie) m.diesbach@jaloumediagroup.com Stéphane Moussin (opérations spéciales) s.moussin@jaloumediagroup.com Directrice commerciale - marché italien Carlotta Tomasoni c.tomasoni@jaloumediagroup.com Régie externe Mediaobs Sandrine Kirchthaler skirchthaler@mediaobs.com Traffic manager Adama Tounkara a.tounkara@jaloumediagroup.com

RÉDACTION Éditeur Délégué Membre du Board Exécutif Emmanuel Rubin e.rubin@jaloumediagroup.com DIFFUSION Jean-François Charlier jf.charlier@jaloumediagroup.com International Editorial et Archives Manager Giulia Bettinelli g.bettinelli@lofficiel.com Nathalie Ifrah n.ifrah@jaloumediagroup.com Project Manager Sarah Hissine s.hissine@jaloumediagroup.com ABONNEMENTS CRM ART CRM ART - Editions Jalou CS 15245 - 31152 Fenouillet Cedex Tél. +33 5 61 74 77 73 abonnement.editionsjalou@crmart.fr

ADMINISTRATION ET FINANCES Tél. 01 53 01 10 30 Fax 01 53 01 10 40 Directeur administratif et financier Membre du board administratif Thierry Leroy t.leroy@jaloumediagroup.com Secrétaire général Membre du board administratif Frédéric Lesiourd f.lesiourd@jaloumediagroup.com Directrice des ressources humaines Émilia Étienne e.etienne@jaloumediagroup.com

VENTE AU NUMÉRO France V.I.P. Laurent Bouderlique Tél. 01 42 36 87 78 International Export Press Carine Nevejans Tél. +331 49 28 73 28

FABRICATION Impression, suivi de fabrication et papier par Roto3 Industria Grafica S.r.l. Via Turbigo 11/B 20022 Castano Primo (MI) Imprimé sur des papiers produits en Italie et Finlande à partir de 0 % de fibres recyclées, certifiés 100 % PEFC Eutrophisation : papiers intérieurs Ptot 0,006 kg/tonne et Ptot 0,003 kg/tonne ; papier couverture Ptot 0,006 kg/tonne DISTRIBUTION MLP ÉDITÉ PAR LES ÉDITIONS JALOU SARL au capital de 606 000 € représentée par Marie-José Susskind-Jalou et Maxime Jalou, co-gérants, filiale à 100 % de la société L’Officiel Inc. S.A.S. Siret 331 532 176 00095 Siège social : 128, quai de Jemmapes, 75010 Paris Tél. 01 53 01 10 30 – Fax 01 53 01 10 40 Dépôt légal septembre 2020 N° de commission paritaire 0323 K 80434 ISSN 0030.0403 Printed in EU/Imprimé en UE FONDATEURS Georges, Laurent et Ully Jalou (†) DIRECTRICE DE LA PUBLICATION Marie-José Susskind-Jalou

ÉDITO PAR GIAMPIETRO BAUDO

Alton Mason et Shayna McNeill en Celine par Hedi Slimane et Chanel

Camille Rowe en Nicolas Lecourt Mansion et Tiffany & Co.

Rebecca Marder en Chanel

Stacy Martin en Louis Vuitton

Tina Kunakey en Kenzo

Lyna Khoudri en Emporio Armani et Celine par Hedi Slimane

“La mode n’a jamais tort.” Cette phrase de Malcolm McLaren a inspiré ce numéro de “L’Officiel” dédié au style français raconté par un casting de visages internationaux réunis dans un dossier global, une première dans l’histoire de ce magazine centenaire. À l’esprit, sculpté en grosses lettres, l’enseignement de deux icônes de la mode parisienne, Gabrielle Chanel et Yves Saint Laurent, qui aimaient à répéter: les modes passent, le style est éternel. Le style français, sans aucun doute.

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ANATOMIE D’UN SAC

Le Jackie 1961 de Gucci Ce modèle iconique, revisité par Alessandro Michele, réinvente les codes traditionnels de l’accessoire.

Jackie a dit Créé en 1961, le sac Hobo de la maison Gucci devient célèbre grâce à Jackie Kennedy qui, en 1964, en commande six exemplaires, avant de l’arborer partout, depuis les rues de New York jusqu’à Capri. La marque le rebaptise donc de son prénom, et c’est ainsi que naît The Jackie. Avec sa forme incurvée, son élégance, son fermoir doré, il devient l’accessoire préféré des jet-setteuses des sixties et seventies. Une histoire sans fin Modèle iconique de la maison italienne pendant plusieurs décennies, le Jackie n’a cependant cessé d’être revisité tout au long de son histoire. Avec cette nouvelle version signée Alessandro Michele, on retouve le côté vintage du modèle de 1961, mais, pile dans l’air du temps, il fait sa première apparition sur le podium du dernier défilé homme automne-hiver 2020. Dépassant les codes traditionnels de l’accessoire, le créateur redéfinit le Jackie 1961 en lui ôtant son genre. L’atout style Il est proposé en trois tailles (moyenne, petite et mini), dans des couleurs dont seul Alessandro Michele a le secret : lilas, jaune paille, bleu dragée, rose bonbon, python naturel, en plus des classiques noir, rouge et toile suprême GG avec bande Web. Avec sa bandoulière amovible, il est le parfait accessoire d’une mode couture comme d’un style grunge.

Photo Gucci

Par Laure Ambroise

NOTSHY.FR

STYLE

Quand Marina Rinaldi rencontre Antonio Berardi Après Fausto Puglisi, Roksanda Ilincic, Stella Jean et Ashley Graham, c’est au tour du designer anglais de collaborer avec la maison italienne.

Photo Erez Sabag

Qui est la femme Marina Rinaldi by Antonio Berardi ? Elle est à la fois sexy, sensuelle, puissante, forte, féminine et masculine. La femme rêvée, autrement dit. La topmodèle Guinevere Van Seenus, qui incarne cette collection, est tout cela et bien plus encore ! Collaborer avec cette maison, c’est participer à l’inclusivité dans la mode, est-ce quelque chose qui vous tient à cœur depuis longtemps ? J’ai commencé ma carrière en ayant à esprit les courbes des femmes. Cela fait partie de mon héritage, et c’est fondamental pour les femmes que j’admire. Quel est le mood créatif de cette collaboration ? Je me suis inspiré de ces femmes qui représentent la sensualité comme celles qu’on peut voir dans le travail du peintre John Singer Sargent, du photographe Adam Fuss ou du sculpteur Gian Lorenzo Bernini. Ajouter à ce moodboard, Monica Vitti, Elizabeth Taylor dans La Vénus au vison, Honor Fraser et Guinevere Van Seenus. Pouvez-vous nous parler des images avec Guinevere Van Seenus qui ont été réalisées pour cette ligne ? Erez Sabag, le photographe, a su capter l’essence de Guinevere de telle façon que chacun peut s’identifier à elle. Elle est sensuelle, moderne et impardonnablement féminine. Êtes-vous un designer engagé ? Je suis engagé en ce sens que tous les tissus que nous avons utilisés pour cette collaboration proviennent des stocks de la maison Marina Rinaldi. Elle et moi sommes très attachés à réduire notre empreinte carbone, nous avons donc tout réalisé avec ce que nous avions. Je m’engage également en faveur des femmes, et j’espère que cela se verra dans la collection. Par Laure Ambroise

STYLE

Beauté dévoilée

Inscrit dans le patrimoine de la maison Fendi, au même titre que le célèbre sac Baguette, le Peekaboo, qui fêtera ses 11 ans prochainement, est l’incarnation du luxe. En combinant savoir-faire et créativité, il continue de rimer avec technicité et haute qualité, collection après collection. La maison Fendi lance une première campagne internationale mettant à l’honneur la relation émotionnelle entre la nouvelle version du Peekaboo, dotée de poches intérieures détachables, interchangeables et personnalisables de ses propres initiales, avec la star Zoey Deutch à travers une vidéo et une série de photos. Rencontre avec l’actrice

américaine qui nous parle de cette collaboration. L’Officiel : Qu’est-ce que cela vous fait fait d’être l’ambassadrice de la première campagne Peekaboo ? Zoey Deutch : C’est un honneur, je suis une grande fan de la marque, alors rejoindre la famille Fendi est très excitant. Que signifie Fendi pour vous ? La marque est pour moi synonyme d’élégance, de savoir-faire et de style. Je pense que Fendi imagine des vêtements pour les femmes qui veulent être aux commandes tout en étant capables de se détendre, d’être joyeuse… Et c’est exactement le genre de fille que je suis.

Quels adjectifs décrivent le mieux le Peekaboo ? Chic, mystérieux, classique. En quoi est-il un sac iconique ? J’aime qu’il s’ouvre à la façon d’un grand sourire, ce qui permet de révéler sa beauté intérieure, et ses poches interchangeables. En plus d’être classique, il est très pratique et chic, on peut y mettre le nécessaire évidemment, mais bien plus encore. Or je suis connue pour mettre beaucoup de choses dans mon sac… Quel point commun avez-vous avec ce sac? La malice ! Propos recueillis par Laure Ambroise

Photo Fendi

Né des souvenirs d’enfance de sa créatrice Silvia Venturini Fendi, le sac Peekaboo se voit réinterprété en format accordéon sous le nom de Peekaboo ISeeU avec pour égérie l’actrice américaine Zoey Deutch.

STYLE

Un jacquard sinon rien Pour cet automne-hiver, la maison Louis Vuitton imagine un jacquard tout en couleurs dans la ligne Since 1854 qui regroupe aussi bien une collection de sacs que de vêtements. Plus qu’un imprimé, l’obsession de la saison.

Photo Louis Vuitton

La célèbre toile Monogram de Louis Vuitton revient cet automne-hiver revisitée par le directeur artistique des collections femme, Nicolas Ghesquière. Dans le nouveau dessin de ce jacquard précieux, composé autour de la fleur en noir ou rouge, apparaît la date 1854, année de création de la célèbre maison. Une jolie façon de prolonger dans le temps la noblesse du savoir-faire cher à Louis Vuitton depuis sa création. Telle une madeleine de Proust, cette toile rappelle le moment où Georges Vuitton, pour rendre hommage à son père, dessina un blason néogothique s’inspirant de la décoration intérieure de leur fief originel d’Asnières. On le retrouve donc sur les sacs Dauphine, Neverfull ou Petit Noé, mais également dans un vestiaire d’essentiels, appelé Since 1854, qui comprend aussi bien des vêtements que des souliers et des accessoires. Il sera disponible en magasins dès le 25 septembre. Par Laure Ambroise

LIVRE

Le mystère de l’extase Dans La Grâce, Thibault de Montaigu traverse sa dépression ultra-moderne et ses interrogations existentielles en enquêtant sur son oncle, un hédoniste des seventies devenu moine. Et, ce faisant, il laisse entrer la lumière.

Photo Sofia Achaval de Montaigu, DR

Les univers se télescopent dans le nouveau livre de Thibault de Montaigu : Charles Peguy et Xavier Dupont de Ligonnès, saint François d’Assise et Le Palace, les rues de New York et un pèlerinage en Bosnie-Herzégovine, les sans-papiers et les us et coutumes Vieille France, les errances sexuelles des années 70 et l’éthique raide des ordres catholiques. Tout commence par une dépression, celle, violente, qui saisit l’auteur et dont il peine à sortir. Il tente d’y échapper par l’écriture en enquêtant sur Ligonnès quand, un soir, lors d’une messe bénédictine, il entrevoit en un éclair la présence divine. Les souvenirs de son oncle Christian, un “homme de Dieu”, remontent alors à la surface, l’entraînant dans une quête existentielle sur cet homme, plus proche de lui qu’il ne l’aurait imaginé. Il découvre un homme brillant, à l’homosexualité cachée, qui s’épuise dans un hédonisme absurde, un “aristo mondain obsédé par le sexe qui, un beau jour, a vu Dieu et à tout plaqué pour devenir franciscain”. Thibault de Montaigu dissèque les vies de Christian et de saint François qui, lui aussi, laissa une vie dissolue pour embrasser un idéal, et renaître. Car c’est bien de résurrection qu’il est question, avec une musique qui sonne magnifiquement juste sous la plume de l’écrivain. Ces mondes perdus ont-ils jamais existé ? Tous ces signes étaient-ils vraiment là ? Le stylo légué par Christian à Thibault, oublié puis retrouvé au bon moment, le frappe comme un symbole. Montaigu met en lumière ces instants fatidiques qui marquent une vie, qui laissent entrevoir l’existence de Dieu. Qu’on croit en Dieu ou pas, le grand vecteur de cet idéal divin semble être dans ce livre l’Art dans toute sa puissance d’évocation : un chant grégorien qui s’élève au cœur de la nuit, L’Extase de saint François de Bellini ou encore quelques notes de piano. La Grâce, de Thibault de Montaigu (Plon). Par Virginie Beaulieu

CINÉMA

In memoriam Dans le documentaire Natalie Wood: What Remains Behind, l’icone hollywoodienne, qui connut une fin tragique, revient d’entre les morts pour briller d’une lumière tendre…

Elle a ébloui le public avec la Maria émouvante de West Side Story ou encore l’adolescente tourmentée aux côtés de James Dean dans La Fureur de vivre, son premier baiser de cinéma. Sa mort énigmatique à 43 ans, une nuit de novembre 1981 au large de l’île de Catalina, a d’emblée accroché son étoile aux côtés de celle d’une autre martyre de Tinseltown : Marilyn Monroe. Natalie Wood passait alors un week-end avec son partenaire à l’écran, Christopher Walken, et son mari, Robert J. Wagner, à bord de leur yacht The Splendour. À l’issue d’une nuit de disputes copieusement arrosée, elle disparaît et son corps flottant est retrouvé à l’aube, loin de là, près d’un canot de sauvetage. Dans une interview à Playboy, seize ans plus tard, Christopher Walken lance de façon sibylline : “Ce qui est arrivé cette nuit-là, Il n’y a qu’elle qui le sait, car elle était seule.” Cette noyade, accidentelle ou non, continue pourtant de faire des vagues : l’enquête a été réouverte en 2011 par la police de Los Angeles. Avec ce documentaire, sa fille Natasha Gregson Wagner a voulu remettre Natalie Wood a sa “vraie” place : celle d’une star, mais aussi d’une mère et d’une femme libre. Paradoxalement, la mort qu’elle voulait mettre de côté pour mettre sa vie en lumière se retrouve au centre du documentaire avec le témoignage frontal de son beau père Robert J. Wagner, qui raconte pour la première fois, face caméra, cette nuit fatidique. Le croire ou non n’est pas vraiment au centre du propos. Ce qui frappe surtout c’est la tristesse abyssale et les souvenirs douloureux de ces deux petites filles, Natasha, 11 ans à l’époque, et Courtney sa sœur, 7 ans. Et la force avec laquelle elles s’engagent dans ce plaidoyer pour l’innocence de “Daddy Wagner”,

90 ans, et plus largement pour l’image de leur mère. Dans ce documentaire, on voit Natalie Wood, l’enfant star intelligente, docile et sérieuse, coachée par une mère russe, instable et ambitieuse, qui commence sa prolifique carrière à 4 ans. À 7 ans, elle joue avec Orson Welles qui la qualifie de “parfaite petite pro” et ajoute “tellement douée qu’elle en était terrifiante”. Elle réussit ensuite la transition et devient une actrice adulte bankable qui séduit les plus grands réalisateurs – Elia Kazan, Nicholas Ray, John Ford – avec ses yeux de biche et un jeu qui sait si bien explorer les émotions. Les amoureux (Dennis Hopper, Sinatra, Warren Beatty…) et les maris défilent, et telle cette extraordinaire Daisy Clover, une star en devenir qu’elle a jouée à l’écran, sa santé mentale se détériore. Elle se bat avec les studios et gagne le droit de choisir ses films. La pression monte pour continuer à travailler dans cette Olympe où il y a si peu d’oxygène. Au-delà de ses sourires heureux de films de vacances en Super 8 et des souvenirs de ses amis Robert Redford et Mia Farrow, la cruauté de Hollywood affleure ainsi que les effets dévastateurs de cette gloire tant désirée mais si toxique. Natalie Wood a d’ailleurs écrit un essai jamais publié intitulé Public Property, Private Person où l’on trouve cette phrase qui pourrait être son épitaphe : “Comment séparer la réalité de l’illusion, quand vous avez été piégé dans un monde irréel toute votre vie ?” Soirée spéciale Natalie Wood sur OCS Géants le 18 octobre 2020 avec diffusion du documentaire Natalie Wood: What Remains Behind. Par Virginie Beaulieu

Photo courtesy HBO

LOREM IPSUM

Natalie Wood et sa fille Natasha Gregson Wagner à Hawaï, en 1978.

La ballade onirique de Run Away With Me, la pop song martelée de boîtes à rythmes de Video Game, le R’n’B indie de Lamentations, le final épique d’America… The Ascension est l’un des plus beaux albums de l’année, et nous permet de retrouver la galaxie de Sufjan Stevens. À 45 ans, celui-ci ne semble ni vieillir ni s’encroûter dans un style musical, réinventant sans cesse ses textures sonores. Une ambition qu’il poursuit depuis l’enfance, passée à apprendre foule d’instruments pour oublier la férocité d’une société américaine postmoderne et des dysfonctionnements familiaux. Si on entend parler à tort et à travers de “l’univers” des artistes, ce terme n’est pas galvaudé quand il s’agit du

Le plus bel album de l’automne, The Ascension, est signé par le folkeux américain Sufjan Stevens.

songwriter du Michigan, désormais basé à Brooklyn où il gère son propre label, Asthmatic Kitty. D’abord, il y a son timbre, d’une douceur presque douloureuse ; des mélodies inspirées, parfois expérimentales ; un spectre d’influences trop large pour se résumer à quelques noms, de Nick Drake à Steve Reich. En résulte un folk à la fois intemporel et contemporain, épousant son époque sans jamais vendre son âme au diable. Au contraire, l’inspiration de Sufjan Stevens semble toujours venir du ciel – pour mieux nous hisser ensuite vers les étoiles. Ce qui a été confirmé par Planetarium, album cosmique enregistré avec Nico Muhly, Byce Dessner de The National et James McAlister. Depuis la sortie du

sublime Carrie & Lowell, en 2015, qui revenait sur le destin tragique de sa mère, Sufjan Stevens n’a en effet proposé que des disques collaboratifs : The Decalogue avec le pianiste Timo Andres et, au printemps de cette année, Aporia, avec son beau-père Lowell Brams. Le parti pris était majoritairement instrumental. Entre-temps, sa voix nous a bouleversés sur la bande originale du film Call Me By Your Name. Aujourd’hui, elle est chargée d’émotions sur The Ascension, écrin de chansons pop inventives, introspectives mais politiques, portées par un souffle quasi mystique… Album The Ascension, de Sufjan Stevens, (Asthmatic Kitty). Par Sophie Rosemont

Photo DR

Ascenseur émotionnel

Photo Jean-Pierre Gonçalves de Lima, courtesy Galerie Lelong & Co. Paris (David et Ruby dans l’atelier en Normandie, mai 2020)

ART

“J'irai revoir ma Normandie” David Hockney a trouvé, à 81 ans, une source inattendue d’inspiration : la Normandie. C’est l’histoire d’un double coup de foudre esthétique. En 2018, fuyant l’effervescence londonienne, David Hockney découvre la beauté d’un coucher de soleil à Honfleur et la splendeur de la tapisserie de Bayeux. Exalté par ces deux visions, il loue à Rumesnil une maison à colombages pour en faire son atelier, et s’y installe en mars 2019. Son ami Jean Frémon retrace dans le livre David Hockney en pays d’Auge cet enracinement fertile qu’il a vécu en direct. Lorsqu’il lui demande combien de temps il compte rester en Normandie, Hockney

lui répond : “Tant que le travail marche. À Bridlington, j’étais venu pour quatre semaines, je suis resté neuf ans.” Son obsession du paysage s’était en effet ancrée dans son Yorkshire natal il y a quelques années. Là, l’exil est plus étonnant. Son travail commence à la manière de la tapisserie de Bayeux : une vue à 360 degrés sur le paysage reproduite à l’encre de Chine sur un carnet de 24 pages en accordéon. De là, il passe à 24 grands dessins qui seront exposés à New York. Le livre de Frémon dévoile aussi un Hockney intime, avec ses souvenirs de Lucian Freud, Francis Bacon, de la reine Elizabeth II, ou l’influence des réalisateurs Jacques Tati et Jean Renoir. On y trouve enfin les réflexions de l’artiste sur la capture du temps : “Hockney n’a pas peur du contemporain, il s’en empare : un chargeur de téléphone portable branché sur une prise, il le dessine. Un cendrier plein de mégots, il le dessine. Il dessine ce qu’il voit

par souci de la vérité de ce qu’il est. N’ayant rien à cacher de lui, il n’a rien à cacher de ce qu’il voit, ni de ce qu’il aime. Or il aime peindre ce qu’il voit.” Et que voit-il ? Le printemps glorieux de la campagne normande. La floraison des aubépines, le vert de l’herbe, les pommiers, les premières jonquilles, les ciels, la pluie… “L’arrivée du printemps dure environ six semaines en Normandie, alors j’ai l’intention de la faire aussi comme un rouleau. C’est comme un film mais c’est vous qui vous déplacez.” Le printemps, pour Hockney, est un éternel recommencement, mais jamais le même, comme sa peinture. Expo “David Hockney : My Normandie”, du 15 octobre au 23 décembre à la Galerie Lelong & Co, Paris 8e. Livre David Hockney en pays d'Auge, de Jean Frémon (Éditions de L’Échoppe). Par Virginie Beaulieu

CINÉMA

Lady Dark

Pour s’attaquer à la vie furieusement déglinguée de Billie Holiday, plus de soixante ans après sa mort, mieux valait avoir un as caché dans sa manche… Et c’est bien ce que le réalisateur James Erskine a trouvé sous la forme de 125 cassettes enregistrées dans les années 70 par la journaliste Linda Lipnack Kuehl qui, pour écrire une biographie (jamais parue) de la chanteuse, a interviewé tous ceux qui l’ont côtoyée : ses amis d’enfance, ses compagnons de cellule, les maquereaux crapuleux de son adolescence, son avocat, son psy, les policiers qui l’ont poursuivie et surtout les musiciens qui l’ont aimée, de Charles Mingus à Count Basie. La chanteuse Sylvia Syms introduit d’ailleurs parfaitement la légendaire “Lady Day” en ces termes : “Pour les gens du showbiz, c’était la patronne. Sans même se forcer, elle était la plus sensuelle des chanteuses. Je voyais le monde entier sur ce visage, toute la beauté et toute la misère du monde. Billie Holiday ne chantait que la vérité ; elle ne connaissait rien d’autre.” Cette vérité-là, une vérité qui fait mal, nous est livrée par bribes au travers de mots conservés sur bandes magnétiques : celle d’une femme géniale dans son art, sentimentale, fière et forte mais aussi blessée, masochiste et trop “impulsive” pour son bien. Linda Lipnack Kuehl voulait dresser son portrait en évitant de la traiter comme une victime mais comme la superbe artiste qu’elle était. Une artiste qui a été exploitée toute sa vie : par ses macs quand elle était adolescente, par une industrie du disque gérée par des Blancs, et enfin par des boyfriends managers ou des maris violents et toxiques, des “salopards” abusifs. Billie Holiday s’est pourtant défendue comme une lionne, contre

tous et pas seulement contre ce Sud ségrégationniste ultra-violent, cet “enfer” selon le batteur Jo Jones, qu’elle a parcouru avec l’orchestre de Count Basie à 22 ans. Elle a affirmé sa bisexualité, ses désirs débordants, sa personnalité, ses combats en chantant l’extraordinaire Strange Fruit sur les lynchages au Cafe Society en 1939 devant un public imbu de ses privilèges. Après son année d’emprisonnement en 1947 pour usage de drogues, elle revient sur la scène du Carnegie Hall pour un show glorieux, sold-out. Billie n’avait pas peur de

grand-chose, mais peut-être aurait-elle dû avoir un peu plus peur d’elle-même. Son corps a lâché devant ses excès de drogues, de pilules et d’alcool en 1959, à 44 ans seulement. Après sa mort, ses disques ont continué de remporter des prix, et à rapporter des millions de dollars ; les gardénias sont fanés depuis bien longtemps mais sa voix, unique, résonne, elle, encore très fort. Billie, un documentaire de James Erskine, en salles le 30 septembre. Par Delphine Valloire

Photo Carl Van Vechten, Beinecke Library, DR

Dans le documentaire Billie, le voile se lève sur le parcours chaotique mais flamboyant d’une des plus grandes divas jazz du siècle, avec le blues en plein cœur.

Cette édition collector des “romans sans paroles” cultes de Lynd Ward tient autant de l’exploit d’édition que de l’expérience artistique unique avec la redécouverte de six œuvres enflammées, politiques et universelles. Aucun mot, aucune légende : l’image seule raconte la cruauté, le désir, le pouvoir, l’ambition dans les pages des romans en gravure sur bois de l’Américain Lynd Ward. Un noir et blanc ciselé, qui emprunte autant à l’Art deco qu’à l’expressionnisme allemand. Les Éditions Toussaint Louverture publient cette œuvre unique en respectant les vœux de Ward : une seule planche par double page avec impression sur la “belle page” de droite, dans une

encre veloutée, la “deep black”, pour plus de profondeur, les couvertures d’origines etc. Le coffret en lui-même est un objet merveilleux, un joyau d’édition conçu avec un dévouement peu commun. Lynd Ward, né au début du XXe siècle et mort en 1985, influencé par les œuvres des artistes allemands Frans Masereel et Otto Nückel, est devenu le pionnier du roman graphique en publiant, en 1929, son premier projet, Gods’ Man, qui eut un succès fulgurant. Ces œuvres ont été encensées par la Beat Generation et Allen Ginsberg puis admirées par Alan Moore (Watchmen), Will Eisner ou Art Spiegelman (Maus) . Ces six romans prennent tous la forme de fables, centrées sur le thème du destin. Lynd Ward lui-même voit très tôt un signe du sort quand son professeur de primaire lui fait remarquer que son nom à l’envers signifie “dessiner” (draw). Le fatum ou la question du choix faustien se trouve au centre de Gods’ Man et de Prelude to a

Million Years (1933). Dans Madman’s Drum (1930), on suit la malédiction qui frappe un homme devenu assassin pour un tambour. Wild Pilgrimage (1932) raconte les péripéties d’un homme qui tente d’échapper à l’oppression des usines et du réel (en noir) suivant ses rêves et ses désirs (en sanguine). Dans son esthétique expressionniste et symboliste, et son traitement de la puissance du fantasme et de la sexualité, ces romans graphiques font écho aux films du cinéaste King Vidor (La Foule, Le Rebelle) et aussi, plus étonnamment, aux dessins subversifs de Tom of Finland, avec des courbes ou des jaillissements aussi inquiétants qu’oniriques. Lynd Ward, L’Éclaireur, coffret de trois livres (3 000 ex.), Éditions Toussaint Louverture, 65 euros. Parution le 22 octobre. Par Virginie Beaulieu

Photos DR (Lynd Ward, “Prelude to a Million Years” 1933, L’Eclaireur Volume 2 - Editions Toussaint Louverture)

Ombre et lumière

EXPO

Le fabuleux destin de Vaughn Spann À l’occasion de son exposition “Smoke Signals” à la galerie Almine Rech de Bruxelles, une sélection inédite de peintures abstraites, retour sur le parcours singulier de l’artiste américain.

Dans le sillage de Nathaniel Mary Quinn, Vaughn Spann, 27 ans, trace son chemin vers les sommets à une vitesse fulgurante depuis 2018. Pourtant, leurs parcours ne peuvent pas être plus éloignés. D’un côté, Quinn, né dans un des pires quartiers du tristement célèbre South Side de Chicago et qui a commencé doucement à se faire connaître à 37 ans. De l’autre, Spann, qui a explosé en deux ans, est passé très vite d’expositions collectives prestigieuses à un contrat exclusif pour l’Europe et la Chine depuis juillet 2019 avec la célèbre galerie Almine Rech. Sa première exposition solo à New York en janvier a été sold out au bout d’une semaine. Bref, Spann a tout du petit prodige de l’année. Son parcours ? Inattendu et plein d’anges gardiens. Né en Floride et élevé dans le New Jersey, Spann se destine à des études de biologie quand une rencontre avec Denyse Thomasos, artiste renommée et professeur d’art, le fait changer de parcours universitaire. Il se met à étudier les beaux-arts à plein temps, et elle voit clairement dans cet élève un peintre en devenir. Il postule ensuite dans l’une des meilleures universités du monde, Yale, pour un Master of Fine Arts, et est accepté à sa deuxième tentative, le lendemain de la naissance de son premier enfant. Le voilà donc de traçant son chemin dans un environnement élitiste d’Ivy League où les galeries du monde entier

envoient des sbires pour spotter les nouveaux talents bankables. Là, il sera aidé par deux mentors, les artistes afro-américains Rashid Johnson et Titus Kaphar, qui lui apprendront à éviter les pièges du milieu. Vaughn Spann explore l’abstraction en s’attachant aux symboles du drapeau, de l’arc-en-ciel, des taches de dalmatiens (chien marqueur d’une certaine classe sociale pour lui) ou encore à des nébuleuses géométriques dans cette nouvelle exposition. Sans oublier la lettre X dont il fait une série, Marked Man, lettre qui évoque pour lui la position de son corps contre sa voiture quand il est arrêté par la police pour des contrôles routiers intempestifs et stressants. En fouillant son subconscient, il s’attache aussi à peindre des toiles figuratives, presque fantastiques avec des personnages à deux têtes, habillés de couleurs vives et entourés d’animaux, qui évoluent dans des paysages qui évoquent sa Floride natale. Avec une intelligence et un aplomb à la hauteur de ses ambitions, Vaughn Spann mène de main de maître sa partie d’échecs sur un marché de l’art rempli de pièges. Expo “Smoke Signals” par Vaughn Spann à la galerie Almine Rech, Bruxelles, du 3 septembre au 10 octobre 2020. Par Delphine Valloire

Photos “The exchange (north star)”, 2020, courtesy of the artist and Almine Rech ; Dan Bradica

LOREM IPSUM

JOAILLERIE

Les bijoux de la Terre Événement majeur de l’année, l’exposition “Pierres précieuses”, conçue en partenariat avec la maison Van Cleef & Arpels initie au Muséum national d’Histoire naturelle une conversation passionnante entre le minéral, la gemme et la création joaillière.

Nicolas Bos partage avec les frères Arpels cette aptitude à jeter un regard croisé sur les cultures. Le président et directeur artistique de la grande maison de joaillerie française manifeste également une grande prédilection pour les conversations imprévues. Cette volonté de lancer des passerelles entre les spécialités, les philosophies et les expertises, a présidé la conception et la réalisation de l’exposition “Pierres Précieuses”. Non pas dans un musée d’art mais au sein de la salle d’exposition temporaire de la Grande Galerie de l’Évolution du Muséum national d’Histoire naturelle du Jardin des Plantes à Paris. Scénographiée par l’agence Jouin Manku, cette exposition ambitieuse, conçue et produite avec Van Cleef & Arpels, s’inspire du projet “The Art and Science of Gems” qui a vu le jour à Singapour, à l’ArtScience Museum, en 2016. Nicolas Bos et Bruno David, président du Muséum national d’Histoire naturelle, ont décidé d’offrir à ce projet dont ils étaient les initiateurs, une prolongation ambitieuse au Jardin des Plantes. “Notre collaboration avec le Muséum se poursuit aujourd’hui avec l’exposition ‘Pierres Précieuses’ mais aussi des projets de recherche, conférences, expositions de l’École des Arts joailliers, indique Nicolas Bos. Elle s’inscrit dans une longue tradition de dialogue entre l’esthétique et la science, entre l’art et la technique ; un dialogue inhérent à nos métiers, que Van Cleef & Arpels souhaite valoriser et transmettre.” François Farges, professeur au Muséum, a travaillé main dans la main avec Lise MacDonald, directrice du patrimoine et des expositions de Van Cleef & Arpels, en tant que commissaires scientifiques de l’exposition. La grande force de celle-ci,

c’est de nous faire saisir la poésie et la beauté du minéral et de la gemme mais aussi l’étourdissante variété de phénomènes qui a présidé leur apparition. Bruno David précise : “Cette exposition est emblématique de la transversalité entre plusieurs mondes. Mais plus encore, elle témoigne d’une forme de continuum entre les productions de la nature que sont les minéraux, l’attirance qu’ils exercent sur les hommes par leur beauté et leur rareté et la célébration qu’en font les lapidaires et les créateurs de bijoux.” C’est une exposition d’objets qui fait la part belle aux pièces provenant de la prestigieuse collection du Muséum et aux créations joaillières puisées dans la collection patrimoniale de Van Cleef & Arpels. Elle met également en lumière de nombreux prêts provenant de particuliers ou d’institutions parisiennes. L’exposition s’articule en trois chapitres : le premier présente une grande fresque géologique mise en regard avec des objets remarquables, dont un coquillage percé datant de 90 000 ans, trouvé en Algérie et considéré comme l’un des plus anciens bijoux au monde. Remarquable également et symbole absolu de l’intelligence de la maison conjuguée au génie de la Terre : la Grande Table des Orsini, chef d’œuvre de marqueterie de pierres, ayant appartenu au cardinal Mazarin. Le deuxième chapitre de l’exposition égrène en les détaillant les sept principes géologiques à la base de la formation des pierres. L’occasion, dans chacune des vitrines illustrant ces mécanismes (la pression, l’air, l’eau, la température, etc.) d’admirer des gemmes extraordinaires (dont une magnifique tourmaline du Mozambique, d’un bleu néon, de 65 carats), de gemmes d’une rareté absolue (l’opale ananas) et de

créations exposées pour la première fois en France, telles que la collerette en diamants et platine de 1939 provenant de la collection de la reine Nazli d’Égypte, la parure Trèfles de 1966 en or jaune, turquoises et diamants, le clip Bouquet de bleuets de 1966 en or jaune, rubis et calcédoine, la collerette Cravate de 1954 en platine, saphirs et diamants, la broche Gladiateur de 1956 imaginée à partir d’une perle baroque. Ou encore, provenant des archives du Muséum, des gemmes issues des Joyaux de la Couronne de France ou des saphirs français, extraits dans un lieu secret au cœur du Puy-de-Dôme, et enfin, la célébrissime pierre à image Le Château si éloquemment poétisée par Roger Caillois. Le troisième chapitre proclame que Paris a été un lieu de découverte, d’innovation, de recherche, que ce soit en minéralogie scientifique, en gemmologie, en joaillerie. Ce chapitre nous entraîne dans l’histoire du Jardin des Plantes, dans les mystères des cabinets de curiosités et des cabinets du Roi. Enfin, célébration ultime de la beauté des gemmes et des minéraux, l’exposition présente une œuvre dont la présence réjouit Nicolas Bos : “Il y a une pièce qui a été remise en état à la faveur de l’exposition et que je suis très heureux de voir présentée : l’Arbre aux tourmalines créé par Jean Vendôme. C’est pour moi une œuvre d’art au carrefour de la joaillerie, du design et de la sculpture.” Une exposition phare, qui émerveille pour instruire, qui instruit pour émerveiller. Exposition “Pierres précieuses”, jusqu’au 14 juin 2021 à la Grande Galerie de l’Évolution, Jardin des Plantes, 36, rue Geoffroy-Saint-Hilaire, Paris 5e. Par Hervé Dewintre

Photo MNHN/F. Farges

LOREM IPSUM

Topaze bleue, env. 250 millions d’années, Oural, Russie.

JOAILLERIE

Lutte de classe

L’Officiel : Quel premier bilan tirez-vous de votre présence chez Tiffany & Co. ? Reed Krakoff : Quand je suis arrivé, mon objectif était de rendre les bijoux et les diamants plus faciles à porter. Je voulais que ces pièces ne soient pas destinées uniquement aux tapis rouges. Encore aujourd’hui, nous expérimentons constamment afin de rendre les pièces portables en toutes occasions. Je crois que nous avons réussi à changer la perception du bijou précieux et j’en suis extrêmement fier. La collection Extraordinary Tiffany fait la part belle aux pierres d’exception, comment avez-vous effectué votre sélection ? Pour moi, il s’agit avant tout de proposer des appariements inattendus de pierres précieuses qui conjuguent une grande variété de tailles de pierres – marquise, coussin, émeraude, brillant, baguette, demi-lune –, de couleurs et de sertissages.

Et puis, comme vous le savez, l’exigence absolue préside la sélection des pierres précieuses chez Tiffany ; elles ne sont pas seulement rares mais uniques. Ce sont elles qui guident le design et non l’inverse. Les diamants proposés par la collection Extraordinary Tiffany proviennent du Botswana, de Namibie, du Canada, de Russie. Aucun ne provient du Zimbabwe ou d’Angola. Qu’est-ce qui vous a conduit à mettre en lumière la provenance des pierres ? Cette initiative fait suite à l’annonce, en 2019, selon laquelle Tiffany devenait la première maison de joaillerie de luxe à communiquer la provenance – région ou pays – de ses diamants certifiés. La priorité donnée à l’environnement et aux droits de l’homme est une longue tradition chez Tiffany, elle est le fruit de plusieurs décennies d’investissement. Nous avons toujours surpassé les normes en vigueur à ce sujet dans l’industrie. Quelle est votre pièce préférée de cette collection ? Une nouvelle version d’un collier traditionnel qui alterne diamants fancy intense yellow et diamants blancs de différentes tailles. Cette association de couleurs et de tailles crée un contraste saisissant. Il résume la philosophie de cette collection à la perfection. Vous avez aussi présenté une pièce issue de la collection 2021. Sans briser un secret, pourriez-vous nous décrire ce que vous avez en tête pour vos nouvelles créations ? La prochaine collection est toujours en préparation, donc je ne peux encore rien dévoiler, seulement dire que nous continuons à repousser les limites de l’artisanat et de l’innovation. Propos recueillis par Hervé Dewintre

Photos DR

La célèbre maison new-yorkaise a présenté à Paris sa nouvelle collection de haute joaillerie : des pièces uniques qui mettent en lumière la provenance des diamants. L’occasion de nous entretenir avec Reed Krakoff, Chief Artistic Officier de Tiffany & Co, qui nous détaille sa philosophie de l’élégance et de la décontraction.

LOREM IPSUM

Collier en platine et or jaune serti de diamants jaunes fancy intense taille coussin de plus de 13 carats et de diamants blancs tailles émeraude et coussin de plus de 30 carats, Tiffany & Co.

HORLOGERIE

Nouveaux musts La rentrée a sonné pour les grandes maisons horlogères qui présentent leurs dernières pièces en acier ou or gris de haute facture.

2. Chanel Horlogerie, Montre Code Coco Oversize en acier et titane, cadran laqué serti d’un diamant, mouvement quartz. Édition limitée. 3. Patek Philippe Montre Nautilus Dame en acier, lunette sertie, mouvement mécanique à

remontage automatique. 4. Rolex Montre Oyster Perpetual 34 en acier, cadran finition soleil, mouvement perpétuel, mécanique à remontage automatique.

6. Cartier Montre Maillon de Cartier petit modèle en or gris et diamants, mouvement quartz. 7. Jaeger-LeCoultre Montre Reverso Classic Dame en acier, mouvement quartz. 8. Dior Horlogerie Montre La Mini D de Dior Satine, 19 mm, en acier, diamants et nacre blanche, mouvement quartz.

5. Bulgari Montre Serpenti Seduttori 33 millimètre en acier et diamants, cadran en opaline, mouvement quartz.

Par Emily Minchella

Photos DR

1. Audemars Piguet Montre Royal Oak en acier, cadran avec motif Grande Tapisserie, mouvement à remontage automatique.

JOAILLERIE

Effet XXL Maximalistes, flamboyantes, ces bagues en imposent avec leur opulente pierre de centre, et invitent à (se) raconter les plus fabuleuses histoires.

blanc et un diamant taille poire.

1. Chaumet Bague Lux en or blanc serti d’un cabochon de corail peau d’ange, d’aigues-marines taille baguette, de topazes orangées rondes, de turquoise et de diamants taille brillant. Collection Perspectives.

jaune, diamants et une émeraude. Collection New York.

2. Gucci Haute Joaillerie Bague en or blanc, rubellite et diamants. Collection Hortus Deliciarum.

5. Tiffany & Co Bague en or jaune serti d’une tanzanite et de diamants.

8. Van Cleef & Arpels Bague Céliane or blanc, or rose, une opale taille cabochon, saphirs mauves, onyx, turquoise et diamants.

3. Harry Winston Bague Emerald Vitrine en platine et or

6. Boucheron Bague Miroirs Infinis en or blanc, jade

Par Emily Minchella

7. Buccellati Bague Cocktail en or blanc et or jaune gravés, diamants blancs et diamant jaune. Pièce unique.

Photos DR

4. Louis Vuitton Bague Cocktail en platine, or jaune, tourmaline et diamants blancs. Collection Stellar Times.

Robe en soie, NICOLAS LECOURT MANSION. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO.

Camille Rowe Leçon d’été indien par le top français à la Villa Galaxie conçue par Pierre Paulin sur les hauteurs de Cannes. Sous le soleil exactement.

PHOTOGRAPHIE GEORGIA HARDT STYLISME JENNIFER EYMÈRE

Ci-dessus : Robe en velours, ELMIRA MEDINS. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO. Page de gauche : Robe-chemise en georgette de soie brodée et ceinture corset en veau verni, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELLO. Soutien-gorge en viscose, DIOR. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO.

Robe en cuir écologique, MARINA RINALDI. Pantalon en velours, ACNE STUDIOS. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO.

Cape en soie, EMPORIO ARMANI. Babies en cuir à chaîne en métal doré, GUCCI. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO.

Veste et pantalon en laine et soie imprimĂŠes et chemise en popeline de coton, GUCCI. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO.

Robe en soie, BURBERRY. Sac en shearling et métal, CHANEL. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO. Collant brodé de perles et escarpins en cuir, ACNE STUDIOS.

Ci-dessus : Robe longue en viscose brodée de sequins, BOTTEGA VENETA. Broche en or et diamant, bagues en or et diamants et bagues en platine et diamant, TIFFANY & CO. Page de gauche, en haut : Combinaison en crêpe de Chine à manches bouffantes et motif piqué, FENDI. Babies en cuir et satin à nœud en strass, GUCCI. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO. Page de gauche, en bas : Robe sans manches en dentelle avec bustier, franges et broderies, FENDI. T-shirt en coton, ATLEIN. Bottes en cuir, NODALETO. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO.

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Ci-dessus : Chemise en mousseline de soie, MAX MARA. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO. À gauche : Veste en cuir de veau, LOUIS VUITTON. Blouse en soie mélangée, DESIGUAL X CHRISTIAN LACROIX. Ceinture corset en veau verni, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELLO. Collant en nylon et escarpins en cuir, ACNE STUDIOS. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO. Page de droite : Combinaison en laine et soie mélangées avec ceinture en cuivre, SALVATORE FERRAGAMO. Bagues et bracelets en or jaune, or rose et or blanc sertis de diamants, TIFFANY & CO.

Coiffure et maquillage : Virginie Hullaert. Assistant stylisme : Kenzia Bengel de Vaulx

MODE

Rebecca Marder Elle, espoir du théâtre et du cinéma français, resplendit, tout de Chanel vêtue, devant l’objectif. Lui, plume prometteuse du paysage littéraire, écrit, incisif et fasciné, sa rencontre autour d’un café avec cette actrice atypique.

PHOTOGRAPHIE MAXWELL GRANGER STYLISME JENNIFER EYMÈRE TEXTE MATTHIEU PECK

Robe en taffetas, ceinture en métal et résine et casquette en velours, CHANEL. Boucles d’oreilles Attirante en or blanc et diamants, CHANEL HAUTE JOAILLERIE. Maquillage CHANEL.

On avait rendez-vous, Rebecca Marder et moi, quelque part en bas de chez elle, dans le 11e arrondissement. Un square, quelque part. Elle venait d’aménager. La veille, j’avais tenté d’ironiser sur son emploi du mot tardif quant à un message reçu à 23 heures. Je ne connaissais pas de café précis, moi non plus, et j’étais en avance. J’ai marché un peu dans le parc, comme quelqu’un qui va sans but, poussant l’oisiveté jusqu’à lire les panneaux Histoire de Paris. J’apprenais que le square se tenait à l’emplacement des anciens abattoirs de Ménilmontant. Voilà, c’est presque à ce moment précis que j’aperçus Rebecca s’approcher. Elle portait un long sourire dans un jean quasi-clair, de légers talons et ce genre de chignon, érudit qui a l’air d’envoyer le monde se mêler de ce qui le regarde. En faisant quelques recherches, j’avais déjà remarqué ce trait chez Rebecca. Cela frappe tout de suite : lorsqu’elle parle d’elle, c’est surtout les autres qu’elle invoque. Beaucoup de noms, et l’ardeur en les prononçant. Quelque chose d’organique. Lié à autrui. C’est un mot fourre-tout, organique. Cela définit la vie – son intérieur. Lorsque Rebecca Marder explique se souvenir avoir voulu, plus jeune, être bouchère, les choses prennent un certain sens. Le sang peut-être. La viande. Elle explique avoir aimé toucher la viande. Bizarre dit-elle, surtout à notre époque. C’est une confession qui dans son étrangeté soudain devient séduisante, pensais-je. Puis il y eut la tentation des plantes. Fleuriste. Les organismes encore, leur destin éphémère, plié, qu’elle relie volontiers à celui d’un tournage. Bien sûr l’expérience est unique. La première fois, c’était à 5 ans. Puis chaque été, plus tard. Tout un vocabulaire de l’interrogation se déploie ici : la chance, le destin – qui sait. La volonté de ne vouloir faire que ça. Une forme de hasard bien habillé. L’écran. Les plateaux qui vous embarquent dans leur grande farandole pendant un mois ou deux. Parfois six. Puis le monde se renverse et les équipes se séparent. Rentrent chez elles. Plus rien ne vous appartient, au fond, et je pense à une définition de la beauté qui me paraît exacte : une quête de l’insaisissable, un éclair disparu – le refus de ce qui dure. C’est peut-être cela, jouer : une électricité blanche – cette élégance que l’on déplace. Elle-même confesse que, d’une certaine manière, au fil des représentations celles-ci s’autodétruisent. Elle parle du trac, et des demi-évanouissements. J’ai beau m’être toujours méfié du mot transe, j’accepte cette fois d’y croire. J’accepte et je l’observe allumer sa cigarette dans la lumière trop lourde, cette lumière flasque d’été qui promène sa lenteur. Mes questions se résument à des comment, pourquoi. Elles prennent forme dans leur silence. Rebecca répond vite, dit se sentir enfin utile lorsqu’elle joue – être galvanisée. Elle parle aussi du contrôle de son corps comme d’une nécessité pour s’inscrire dans le moment. Pour un novice, ce sont des flammes, ces mots. On y perçoit le bleu dans lequel jeter les interrogations. Il est toujours agréable de se laisser séduire par un lexique qui ne nous appartient pas. Il faut écouter sans vouloir y résoudre les équations et les nœuds. Laisser flotter les phrases devant vous, là, et s’y livrer comme dans une aventure d’enfance. Maintenant ses yeux suivent les acrobaties de son langage. Il y a les accélérations et les respirations. Le père compositeur et la mère journaliste. Ses souvenirs de spectatrice, ceux qui forgent. Les livres, russes, ceux qui bouleversent. Une fascination pour la prise en main des destins, ce contrôle de la vie malgré les folies d’exister. Ce passé est proche, celui de ses 20 ans. Là, le saut en parachute de la Comédie française. La charge sur les épaules et l’oxygène qui bâcle son travail. Ce poids qui a cédé sur vous, alors que tout reste encore à faire. Quinze mois de tournée, les chambres d’hôtel monochromes et leur télévision qui lèche l’intimité. Les salles

combles et celles vides, parfois, sabotées par l’ouverture d’un supermarché voisin. Le “Français” intrigue, comme ils appellent leur maison mère. C’est une tour Eiffel qui enjambe la Seine pour entrer dans un costume. À la Comédie française, on se sent au début comme le spectre de soi-même, dit-elle. Il y a ce monde fantasmé d’apparitions et de pénombre, de longs couloirs cachés des vivants. Au Palais-Royal, c’est sur leurs salles secrètes que vous marchez. Souterraines. Et puis le jeu des bêtes. Des acteurs surdoués. L’air rouge et le velours des drames. Je comprends qu’il y a de quoi déjà remplir une vie. Mais à côté l’amour bien entendu et, chaque soir ou presque, quelqu’un que vous connaissez pour venir vous voir, avec qui il faut partager un verre. Ce café où nous sommes sert dans des verres en plastique. C’est un établissement à usage unique. Ceux dans lesquels nous nous rendons une fois, par hasard, comme aujourd’hui. Puis plus jamais. Il y a Rebecca devant moi et son solfège autour de nous. J’écoute avec précision. Les études sincères mais grincheuses. L’hypokhâgne qui dit privilégier le sérieux, la théorie. Ces professeurs miraculeux, ceux qui ouvrent devant vous les brèches. Certains autres, idiots, que tout le monde a déjà croisés. Après une absence pour tourner, un jour, l’un d’eux demande si elle veut inscrire son nom au dos de sa chaise. Certains appellent cela goutte d’eau. Je nomme cela carnage. Par-dessus notre table c’est toute une histoire intérieure qui est en mouvement. Des mémoires isolées et tendres, celle de sa mère qui refuse de signer les autorisations pour comédiens mineurs. Ces cours que l’on sèche, adolescent, pour aller grignoter des rêves au fond des cinémas. C’est dans le dérisoire que s’inscrivent les traces. Dans ce qui n’a pas d’utilité. Parler de la jeunesse, au fond, abrite toujours son lot d’obscurité. Comme si en elle était déjà inscrit, de manière irréversible, chaque instant à venir. Rien n’y est soudé, pourtant, sinon quelques souvenirs qui s’y roulent sur eux-mêmes. La sienne elle en parle comme d’une chance. L’odeur souple du bonheur. Celle d’avoir été menée au théâtre tôt, enfant dit-elle, à cet âge où l’on peut s’ennuyer devant une pièce, s’endormir et transformer le présent en berceuse. Croyez-le ou non, à la table voisine un acteur de sa troupe se lève pour saluer Rebecca. Le Français traque. J’imagine ce chapelet de comédiens, cinquante-six au nombre, tous liés par des tragédies et des drames communs qui ne sont pas les leurs. Il y a du beau, là-dedans. Dans les yeux de Rebecca, il y a cette émotion lorsqu’elle en parle. Des autres, encore. Simone Veil, à l’écran l’année prochaine dans le film d’Olivier Dahan, qu’elle incarne de ses 15 à ses 37 ans. Traverser une vie. Les prothèses de vieillissement, les rides factices et le temps saboté. Cela sonne comme un jeu d’enfant, de ceux que l’on jalouse dans la cour de récréation. Mais le temps long je demandais, le temps long existe-t-il ? Soudain voici que nous parlons de coquelicots, de la naissance de ceux-ci. Moi aussi, je m’étais étonné de l’éclosion des saisons, alors enfermé comme tous – confiné. On ne salue jamais assez le vent d’apporter ses nouvelles couleurs. Nous discutons de l’importance de l’ennui. Des jours sans fin, parfois visqueux, que chacun a vécu. Voilà sur quoi nous nous sommes quittés, au bout de la rue de ce café dont je ne veux pas retenir le nom. Je pensais aux journées sans but qu’elle disait avoir aimées, que j’aime aussi, et partais à pied. J’espérais peut-être apprendre, au fond, qu’ailleurs aussi des fleurs poussent sur des abattoirs. Que les rideaux s’ouvrent et se ferment, que voulez-vous, à chaque instant devant nos pas.

Blouse en satin, lavallière en soie, jupe en viscose, boucles d’oreilles en perle et métal et sac en cuir et métal, CHANEL. Maquillage CHANEL.

Robe en crêpe de laine, blouse en satin, collier en métal, cuir, verre et strass, ceinture en cuir et strass, sac en cuir et bottes en cuir, CHANEL. Béret en coton texturé, MAISON MICHEL. Boucles d’oreilles Attirante en or blanc et diamants, CHANEL HAUTE JOAILLERIE. Maquillage CHANEL.

Gilet en tweed, bracelet en métal, sac en tweed de velours, cuir et métal et mocassins en cuir, CHANEL. Maquillage CHANEL.

Robe en taffetas et ceinture en métal et résine, CHANEL. Maquillage CHANEL par Sandrine Cano Bock : soin HYDRA BEAUTY Camellia Water Cream, teint LES BEIGES TEINT BELLE MINE NATURELLE HYDRATATION ET LONGUE TENUE Beige 10, sur les pommettes JOUES CONTRASTE Rose Initial, Mascara LE VOLUME STRETCH DE CHANEL Noir, sur les sourcils LA PALETTE SOURCILS Light, sur les lèvres ROUGE COCO FLASH Feel.

Blouse en satin, collier en métal, cuir, verre et strass, sac en cuir et ceinture en cuir, strass et métal, CHANEL. Béret en coton texturé, MAISON MICHEL. Boucles d’oreilles Attirante en or blanc et diamants, CHANEL HAUTE JOAILLERIE. Maquillage CHANEL.

Gilet en tweed et bracelet en métal, CHANEL. Maquillage CHANEL. Coiffure : Ludovic Bordas Maquillage : Sandrine Cano Bock Assistant photo : Benjamin Bill Assistant stylisme : Kenzia Bengel de Vaulx

Robe en taffetas et ceinture en métal et résine, CHANEL. Maquillage CHANEL. Rebecca Marder sera bientôt au cinéma à l’affiche de “Seize Printemps” de Suzanne Lindon (9 décembre), de “Simone, le Voyage du siècle” d’Oliver Dahan (2021) et du prochain film de Sandrine Kiberlain. Au théâtre, elle sera à l’affiche de “Le Côté de Guermantes” au Théâtre Marigny, mise en scène de Christophe Honoré (30 sept-15 nov) et de “Les Serge (Gainsbourg Point Barre)” au Studio Marigny (25 nov-3 janv).

MODE

Stacy Martin 30 ans en 2020, la beauté d’une madone et un talent fou. Jamais à court de projets, la jeune femme revient sur ce qui (a) fait d’elle une actrice. PHOTOGRAPHIE MAXWELL GRANGER CASTING JENJALOUSE STYLISME BRYDIE PERKINS INTERVIEW SOPHIE ROSEMONT

Double-page d’ouverture,

Pull en laine et coton mélangés, chemise en soie imprimée, pantacourt en cuir de veau, bague en métal doré et escarpins en cuir de veau et métal, LOUIS VUITTON.

Ci-contre et page de gauche,

Veste en laine et nylon, châle en soie et laine, short en soie, sac Noe en jacquard Since 1854 et cuir de vache, bague en métal doré et bottines en cuir de veau, LOUIS VUITTON.

“Je n’ai pas de langue maternelle car j’ai toujours parlé l’anglais comme le français à la maison. C’est un beau cadeau de mes parents : en tant qu’actrice, je peux aussi bien jouer dans des films français qu’anglo-saxons, avoir accès à des réalisateurs et des genres différents.” Stacy Martin

Dans le nouveau long-métrage de Nicole Garcia, Amants, Stacy Martin brille dans le rôle de l’hypnotique Lisa… Un beau chemin parcouru depuis 2014, l’année de son entrée fracassante dans le cinéma avec Nymphomaniac, de Lars von Trier, qui avait repéré ce mannequin au physique aussi gracile que son jeu était (déjà !) affirmé. Depuis, on l’a vue et aimée chez Benoît Jacquot, Marie Monge, Michel Hazanavicius, Joann Sfar, Ben Wheatley ou encore Nicolas Saada. Entretien. L’Officiel : Peut-on parler du film de Nicole Garcia, Amants, qui va bientôt sortir en salles ? Stacy Martin : Après avoir lu le scénario, j’ai plusieurs fois rencontré Nicole afin qu’on puisse établir un lien… Avec elle, c’est toujours un système de recherche, de questionnements. Quand elle m’a offert le rôle, c’était un grand bonheur, car le scénario est mystérieux, avec une tension de film noir. Par la suite, avec Pierre Niney, nous avons travaillé sur le couple formé par Simon et Lisa, et l’alchimie s’est vite créée. Puis Benoît Magimel nous a rejoints… Amants est riche, complexe, et explore différentes formes que peut prendre l’amour. Quels sont vos autres films à venir ? Pour l’instant, au vu du contexte, aucune date de sortie n’est confirmée. Mais entre autres projets, il y a Archive de Gavin Rothery, un film de science-fiction où je joue un robot qui prend petit à petit conscience des plans machiavéliques de son créateur… Lorsqu’on est actrice, comment travaille-t-on en 2020 ? Tout est un peu bancal. C’est une année où on a dû s’adapter de manière très radicale, notamment du côté des pays occidentaux où on n’a pas l’habitude ni l’expérience des pandémies. Dans mon métier, j’alterne des mois très remplis et d’autres pas du tout, et j’ai eu la chance de vivre un confinement agréable. Néanmoins, retourner travailler, c’est prendre énormément de précautions. Sur le tournage d’une série pour la BBC et Netflix, Le Serpent, les mesures sanitaires sont très strictes et gâchent l’intimité, la sociabilité du plateau. Mais si c’est ainsi que l’on peut continuer à travailler, alors faisons-le. Par ailleurs, je pense aux films à petit budget qui ne peuvent guère se permettre financièrement de respecter toutes ces règles, je suis curieuse de voir ce qui va pouvoir se

construire ces prochains mois… S’il y a des subventions en France, ce n’est pas le cas dans beaucoup d’autres pays. Votre mère est anglaise, votre père français, vous êtes née à Paris, vous vivez à Londres… Entre la France et l’Angleterre, votre cœur balance ? Oui, et tant mieux ! Ce sont deux cultures distinctes. J’ai grandi à Paris, je me sens parisienne, mais cela va faire douze ans que je suis à Londres, dont je suis tombée amoureuse à l’âge de 18 ans. Je n’ai pas de langue maternelle car j’ai toujours parlé l’anglais comme le français à la maison. C’est un beau cadeau de mes parents : en tant qu’actrice, je peux aussi bien jouer dans des films français qu’anglo-saxons, avoir accès à des réalisateurs et des genres différents. Le Japon a également été un pays important pour moi, j’y ai passé six années de mon enfance… Comment avez-vous compris que le cinéma deviendrait votre métier ? Jusqu’à ce premier rôle avec Lars von Trier, jouer, c’était seulement mon hobby. Avec Nymphomaniac, j’ai eu l’opportunité incroyable de comprendre que je pouvais en faire mon métier. Depuis, à chaque fois que je tourne un film, je suis toujours agréablement surprise d’avoir la capacité d’en vivre, de ne pas m’angoisser pour payer mon loyer. C’est une chance de mélanger profession et passion. En quoi Nymphoniac a bouleversé votre vie autant que votre carrière ? Il m’a rendu actrice, m’a aidée à faire des choix, et à me convaincre que les films que j’aime nesont pas inaccessibles ! Quand je prenais des cours de théâtre, on interprétait du Tchekov et de l’Ibsen, et jamais je n’aurais cru travailler un jour sur des textes aussi beaux que les leurs, mais au cinéma. Parmi tous les personnages que vous avez incarnés, lequel vous touche le plus ? Chaque acteur laisse une trace de lui dans un personnage, et inversement. Cependant, je crois avoir été très touchée par le rôle d’Eleanor dans Vox Lux de Brady Corbet. Elle est la sœur d’une pop star, incarnée par Natalie Portman. Eleanor m’a brisé le cœur, car sa joie de vivre est détruite par le sacrifice de son talent pour le succès de sa sœur. C’est fascinant, ces proches qui évoluent dans l’ombre des stars…

Veste en laine et nylon, pantalon en nylon et créoles en métal doré, LOUIS VUITTON.

Ci-dessus et page de droite,

Veston en laine et coton mélangé, pull en laine, pantalon en nylon, créoles en métal doré et boots en cuir et coton, LOUIS VUITTON.

“Quand j’étais petite, je me créais toujours beaucoup d’histoires, des petits scénarios dans ma tête, et j’ai réalisé que je n’étais pas la seule à faire ça, que toute une industrie se consacrait à inventer des histoires !” Stacy Martin

Hormis le cinéma, quels autres arts vous accompagnent au quotidien ? Avant tout la peinture. Quand je commence à travailler un rôle, je m’inspire de livres d’arts, pour les sensations et les couleurs, pour être influencée par autre chose que par le littéraire et le concret. Je peux passer trente minutes devant un tableau de Mark Rothko ou Yves Klein. C’est cet art-là qui enlève toute possibilité de langage, qui offre une multitude d’interprétations… Il l ibère de la pression et de la logique implacable de la société. Vous venez d’avoir 30 ans. Comment le vivez-vous ? Très bien ! J’avais même hâte. Pas de regret de l’adolescence, ou de la vingtaine : plus je vieillis, plus je suis à l’aise avec ce que je suis et mes choix de vie.

Quel est le film qui vous a le plus marquée lorsque vous étiez enfant ? Jurassic Park. Il m’a transportée dans un autre monde. Spielberg parvient à nous faire croire que les dinosaures existent, et, encore aujourd’hui, les effets spéciaux restent impressionnants. En sortant de la salle de cinéma, j’avais la confirmation que l’imaginaire pouvait devenir réel. Quand j’étais petite, je me créais toujours beaucoup d’histoires, des petits scénarios dans ma tête, et j’ai réalisé que je n’étais pas la seule à faire ça, que toute une industrie se consacrait à inventer des histoires ! Et le rôle iconique que vous auriez adoré jouer ? Celui de Catherine Holly dans Soudain l’été dernier de Tennessee Williams.

Ci-contre,

Top en soie et coton mélangés et bottines en cuir de veau et toile Monogram, LOUIS VUITTON. Page de gauche,

Bomber en coton, top en lycra, pantalon en soie et bottines en cuir de veau, LOUIS VUITTON. Coiffure : Halley Brisker Maquillage : Kelly Cornwell Assistant photo : Kalvin Phillips

Photo Dior

Dior Homme été 2021, Amoako Boafo par Francis Kokoroko.

ART & MODE

Le Beau ou le chaos 2020 restera l’année où marques et artistes s’unirent, écumant les archives, se baladant d’ateliers en galeries, délivrant un message d’inclusivité tout en préparant le terrain pour une nouvelle génération. La mode est-elle un art ? Et si cette question appartenait déjà à un autre siècle… PAR MANON RENAULT

Assis au milieu de toiles dans son atelier au Ghana, l’artiste Amoako Boafo parle de son rapport au dessin, évoque sa technique d’application de la peinture déambulant au milieu de portraits de jeunes garçons habillés en gris perle ou rose mordant, inspirant la dernière collection Dior Homme par Kim Jones. Éditée tel un documentaire d’art, la séquence intitulée “Portrait d’artiste” est la première partie d’un film présenté dans le cadre de la fashion week numérique de Paris. Ralentis, plans larges sur les mains de Amoako Boafo, entrecoupés du roulis des vagues, la vidéo appelant à une posture contemplative est signée par l’artiste vidéaste Chris Cunningham. Si la vidéo n’était pas prévue au départ – la Covid19 a empêché tout défilé –, “elle permet de parler de l’artiste, de sa vie, de ses sujets”, souligne le communiqué de la marque. “Il y a quelque chose qu’on ne peut pas faire dans un défilé. Appuyer sur pause et expliquer d’où les choses viennent”, remarque de son côté Kris Van Asshe qui a choisi de présenter les pièces de sa collection pour Berluti en empruntant une mise en scène exploitant le motif de la discussion Skype avec l’artiste céramiste Brian Rochefort dont les œuvres ont été photographiées et imprimées sur des chemisettes en soie. “La réponse à la Covid-19 a été littérale. La mode doit muter. En se tournant vers des vêtements d’intérieur ou

des tenues sans style, les gens obligent la relation art-mode à évoluer. Elle ne se joue plus au niveau de la stylisation du vêtement mais au niveau de la narration et de la mise en scène empruntée par les marques”, remarque Adam Geczy, artiste visuel enseignant à l’université d’art de Sydney, auteur de l’ouvrage Fashion and Art. De fait, les collaborations entre mode et art ne se limitent plus à un échange de visibilité prenant pour medium les vêtements, mais à une prolifération de contenus protéiformes. Un film pour Saint Laurent signé par le réalisateur Gaspar Noé était présenté à Cannes en 2019. Réunissant Charlotte Gainsbourg et Béatrice Dalle, Lux Aeterna (en salles fin septembre) raconte le tournage chaotique d’un film sur une sorcière mise au bûcher dans une mise en abyme très symbolique sur la lumière et les ténèbres. En début d’année, Bottega Veneta lançait une résidence d’artistes baptisée Bottega Residency mettant à l’honneur chaque semaine réalisateur, artiste, écrivain, musicien, tandis que la maison Dior prenait le chemin du podcast en diffusant Dior Talks, une série autour de l’art et du féminisme où l’on peut entendre des artistes engagées telles Judy Chicago ou Mickalene Thomas. Plus personne ne compte les cartes blanches, expositions ou livres permettant à la mode d’enfiler les parures symboliques de l’art. Allant jusqu’à faire

ART & MODE

Valentino automne-hiver 2020-21. “Of Grace and Light”, performance live mise en scène par Nick Knight.

oublier la fonction même de la mode : réaliser des vêtements. La fusion de la mode est de l’art est-elle le signal d’une remise en question de l’ensemble du système ? Que raconte cette ode à la beauté qui se dessine en creux des différentes collaborations ? “Depuis la fin des années 1980, l’art et la mode éprouvent une fascination mutuelle. Au tournant des années 1990, la mode entre dans les musées, qui deviennent des vitrines commerciales tout comme les défilés. Les pratiques des designers se rapprochent des pratiques artistiques, et la mode conceptuelle apparait à mesure que la technologie et l’innovation deviennent des préoccupations philosophiques clés qui l’emportent sur l’aspect pratique, la fonctionnalité et la portabilité des vêtements”, explique Adam Geczy. Martin Margiela, Rei Kawakubo pour Comme des Garçons ou Hussein Chalayan font partie de cette vague de designers repoussant les limites, critiquant les conventions de la mode. En 1996, la collection Lumps and Bumps de Kawakubo crée l’illusion d’un corps féminin déformé – en rien l’imagerie conventionnelle d’un vêtement destiné à être porté. Pour Adam Geczy il faut aussi noter l’aspect multiforme de certaines carrières de créateurs, tel Hedi Slimane qui, en 2007, après sept ans chez Dior Homme, décide de se mettre en retrait de la mode pour se consacrer à sa passion pour la photographie. “Articulant scène musicale, mode urbaine et défilés, Slimane change la perception sur le travail de styliste, et les

Le retour du vêtement comme source d’émotion “Le risque, à force de chercher la dimension intellectuelle, c’est qu’on arrive à quelque chose d’artificiel, qui se traduit par à un écart irréductible entre les notes d’intentions – de teneur quasi doctorale –, et le vêtement semble creux. Pourtant la mode peut prendre à rebours ce mouvement dissociant idées et créations, initié par l’art contemporain en assumant pleinement son statut d’art – au sens antique du terme, soit une technique qui s’éprouve à partir de la matière, d’un geste, du choix des tissus et du rapport au corps. La vidéo composée pour la collection haute couture Valentino en est une illustration. Ici, la mode affirme un pouvoir créatif à même la matière”, explique la philosophe Marie Schiele, spécialisée dans les questions de mode. Ainsi chez Valentino le vêtement 86

Photos DR

anthologies regroupant ses clichés publiés dans des éditions artistiques se collectionnent tout autant que ses pièces vestimentaires”, ajoute Adam Geczy. Aujourd’hui, sa position de directeur artistique à la tête de la maison Celine lui permet de proposer des playlists cinématographiques ou musicales (sur la plateforme Mubi), et d’inviter des jeunes artistes à imaginer les pièces de ses collections. En juillet dernier, ce sont sept artistes qui étaient conviés pour la collection The Dancing Kid. Parmi eux, l’Américain David Kramer dont les phrases imprimées sur des bombers expriment avec ironie les méandres de l’American Dream.

Bovan par Matty Bovan, collection faite et peinte à la main sur un mannequin en bois pendant le confinement par le designer français dans le Yorkshire.

Photo Pascal Möllmann et Virgil Abloh

“For Ever”, de Pascal Möllmann.

ART & MODE

“L’époque est celle du dialogue créatif, où chaque discipline en nourrit une autre en conservant ses propres traditions. Il ne s’agit pas de s’efforcer de faire des collaborations pour être ‘à la mode’. D’ailleurs, plus un artiste court après ce titre éphémère, plus il risque d’être remplacé au prochain battage médiatique.” Pascal Möllmann redevient l’essence d’une expérience esthétique fantasmagorique. Imaginée avec l’artiste photographe et vidéaste Nick Knight, le défilé haute couture par Pierpaolo Piccioli, prenait la forme d’une performance au carrefour de l’humain et du numérique dans laquelle les vingt pièces coutures immaculées et surdimensionnées semblaient prendre vie. “Cela fait trop longtemps que la couture ne parle pas assez de mode, ne transmet plus d’émotions. Je ne voulais pas de fioriture, pas d’emballage, pas de storytelling. Simplement montrer des vêtements et le travail humain qu’il y a derrière”, déclarait Pierpaolo Piccioli sur Instagram. De même chez Dior, les peintures d’Amoako Boafo prennent une matière textile au fil de la seconde partie de la vidéo, où les ombres des mannequins s’entrelacent sur des fonds rappelant les motifs des peintures de Boafo présentées en première partie. “Il s’agit de représenter la solidarité, expliquait ce dernier. En temps de crise, les notions changent, et notre rôle d’artiste doit également évoluer.” Ainsi, ces différentes collaborations font du vêtement une matière première poétique.

LGBTQI+ actuelles. Entre les souvenirs de son club Taboo ou ses poses pour le peintre Lucian Freud, il a fait de la marginalité une option politique. Iconoclaste hors catégorie, Marvin M’Toumo, finaliste du Festival d’Hyères 2020, crée sur le fil entre plusieurs disciplines : “Je développe une pratique poétique qui s’appuie sur différents mediums. Cela me permet de préserver ma liberté. C’est aussi une posture politique qui empêche de se définir de manière immuable faisant un écho direct aux discours de ma génération questionnant l’identité, de genre ou ethnique.” Faire émerger la beauté au milieu du chaos Tout comme lui, Matty Bovan, jeune créateur et artiste anglais, articule les identités et propose des collections surréalistes dégoulinantes de couleurs. À peine 30 ans, les joues creuses et les cheveux arc-enciel, il lance en pleine pandémie le label Bovan dont le look-book présenté sur Instagram prend le motif d’un tableau vivant. La France n’est pas en reste : à tout juste 23 ans, Charles de Vilmorin (voir page 98) lançait fin avril sa première collection. S’il dessine autant qu’il peint, il s’inscrit dans cette nouvelle vague imaginant la mode comme le véhicule de futurs utopiques. Pascal Möllmann, dont la peinture à l’huile For Ever, qui dépeint une jeune fille dansant avec un squelette, forme de vanité moderne, illustrait le défilé Off/White Tornardo Warning de Virgil Abloh. Depuis son atelier suisse, l’artiste se fait l’initiateur du mouvement Neue Schomeit (Nouvelle Beauté). “Virgil et moi sommes convaincus de l’importance de la Beauté et de la façon dont la création et la diffusion de celle-ci sont littéralement notre travail. C’est peut-être l’expérience de la Beauté qui aidera l’humanité à garder la foi, à trouver la joie et même une direction”, explique-t-il. En 2020, mode et art forment plus qu’un simple couple marketing. “L’époque est celle du dialogue créatif, où chaque discipline en nourrit une autre en conservant ses propres traditions. Il ne s’agit pas de s’efforcer de faire des collaborations pour être ‘à la mode’. D’ailleurs, plus un artiste court après ce titre éphémère, plus il risque d’être remplacé au prochain battage médiatique. Au lieu d’essayer d’être ‘original’, essayez simplement de partager la beauté. Laissez l’originalité à la publicité”, conclut Möllmann.

Être le miroir d’un monde qui change Pour Dior, il s’agit aussi d’exposer la richesse artistique du Ghana, présentant dans son communiqué Boafo comme une valeur montante de l’art contemporain “qui explore la perception de l’identité noire et de la masculinité”. À l’heure où les manifestations contre le racisme, dénonçant un système patriarcal, envahissent les rues comme les réseaux sociaux, la mode ne se contente plus du partage d’un carré noir (posté début juin sur Instagram en réaction au meurtre de George Floyd dans le cadre du mouvement Black Lives Matter) et s’engage en utilisant les collaborations artistiques comme manifestes des plus politiques. Pour son label J.W. Anderson, Jonathan Anderson rend hommage à l’artiste queer Tom Of Finland connu pour ses œuvres subversives au caractère érotique assumé, déjouant les valeurs hétéro-normées. De son côté, la marque Supreme met en vedette le performer emblématique des nuits londoniennes des années Thatcher, Leigh Bowery, emporté par le sida en 1994. Questionnant avec poésie les tabous sexuels, son travail artistique reste une référence pour les communautés 89

Photo Archives Hedi Slimane

ICÔNE

Godard à

son image PAR JULIEN WELTER

Pour Celine, le cinéaste s’est fait tirer le portrait par Hedi Slimane. Une preuve éclatante de l’influence que l’œuvre du survivant de la Nouvelle Vague exerce sur les créateurs d’aujourd’hui.

Dans le prolongement de sa série Portrait of a performer/ artist pour Celine, Hedi Slimane a dévoilé ses photos de Jean-Luc Godard dans sa maison en Suisse, à Rolle. Le créateur est venu en admirateur et a mis en scène le cinéaste de 89 ans, en veste de costume à rayures, chemise blanche et fédora : des références à un âge d’or du cinéma. Pourtant, la place qu’occupe Godard est paradoxale (forcément, pour lui). C’est celle d’une icône iconoclaste. Il est lui-même une “image”, sainte, révérée ou moquée, mais une image qui joue elle-même avec les images, les casse, les assemble, les monte et les remonte, dans des films désormais réalisés en reclus. On a l’impression que, sans quitter Rolle, Godard cherche quand même à renouer le lien avec le dehors, à partager, parfois de manière facétieuse, comme lors de sa conférence de presse par FaceTime, à Cannes en 2018, pour la présentation de son film Le Livre d’image, en compétition. Plus récemment, en avril, cigare en bouche et débardeur vert, il s’est fait superstar des réseaux sociaux le temps d’un live sur le compte Instagram de l’Ecal, l’école d’art de Lausanne. Interviewé chez lui, en plein confinement, il s’est longuement exprimé, entraînant en réaction une cascade d’émojis et de cœurs avec les doigts. Le thème de ce show viral portait justement sur les images, cette fois au temps du coronavirus. Il a aussi été question de médecine, de science et de langage. À 89 ans, le cinéaste a toujours ce don de surgir de

nulle part. C’était parfois filandreux, un peu fumeux, mais comme toujours, il y avait des étincelles, des perles à saisir. On peut estimer que Godard cultive là son mythe auprès d’un auditoire plutôt jeune, mais il faut en avoir le courage, l’imaginaire et la capacité de questionnement permanent. C’est passionnant, quand on essaie d’inventer quelque chose, de creuser un sillon qui ne soit jamais prévisible. D’autant plus que l’époque refuse totalement cette ambition, en cherchant tout le temps à imiter, à reproduire, à faire recette (dans tous les sens du terme). Vague d’inspirations Quant à Godard et la mode, plus particulièrement, c’est là aussi une histoire pleine de rebondissements et toujours d’actualité. On se souvient de sa campagne publicitaire pour les jeans Closed de Marithé + François Girbaud en 1987 (“En général, les gens vont travailler en pantalon ; eux, c’est spécial : ils travaillent le pantalon. Pantalon, pas jeans américains !”). Puis, il y eut le court-métrage tourné durant la fashion week, On s’est tous défilés, avec ses commentaires godardiens en surimpression (“Depuis des éternités, la mode lutte contre l’éternité”). Plus récemment, en 2019, Virginie Viard, directrice artistique des collections Chanel, présentait sa nouvelle collection printemps/été 2020 inspirée de la Nouvelle Vague. L’esprit de cette collection, avec ses tailleurs en tweed revisités en combishorts colorés (rose, rouge ou 91

ICÔNE

La génération d’aujourd’hui a, comme Godard en son temps, tout à la fois le sentiment de vivre une époque de profonde mutation sociale et culturelle, et d’être née trop tard. orangé) entendait se prolonger, grâce à l’annonce du soutien de Chanel à la rétrospective dédiée à Godard, qui s’est tenue au début de cette année 2020 à la Cinémathèque française de Paris. Peu de temps avant, le cinéaste, dont les films ont inspiré des collections pour des créateurs et marques aussi variés qu’Anna Sui, Rodarte ou Band of Outsiders, avait collaboré avec la Fondation Prada à Milan. Les visiteurs de cet établissement ont pu découvrir à cette occasion le Studio d’Orphée, un atelier, studio d’enregistrement et de montage, mettant en scène le matériel technique utilisé pour ses films réalisés depuis 2010. L’an dernier aussi, disparaissait la première épouse et muse du cinéaste, Hanne Karin Blarke Bayer, qui commença comme modèle après que Coco Chanel en personne lui eut trouvé un nom, Anna Karina. À l’automne 2007, la créatrice Agnès b. avait d’ailleurs dédié à Anna Karina une collection, revisitant les tenues emblématiques portées par la comédienne dans les films de Godard : robe rouge à volants, petit cardigan porté sur une robe en dentelle… Godard, le portraitiste de la jeunesse des années 1960, avec ses errances amoureuses et morales, sa liberté des mots et des corps et ses vêtements et jupes à danser, demeure une référence esthétique d’aujourd’hui. Moins que de lancer des modes, la Nouvelle Vague a cristallisé celles de l’époque dans des images accessibles à tous. Pour la première fois aussi, elle a montré à l’écran les tenues de l’intimité comme les soutiens-gorge ou les chemises d’homme que portent ses héroïnes pour dormir. Personne ne l’a oublié, comme personne n’a oublié la blondeur surnaturelle de Brigitte Bardot incendiant son cardigan et sa jupe noire dans Le Mépris, en 1963. Bardot avec ses jupes au-dessus du genou, ses ballerines et son regard charbonneux. Ou Chantal Goya dans Masculin/ Féminin en 1965, avec ses petites jupes à carreaux et son pull en shetland, devenue la pièce vestimentaire phare de l’année 1965, accessible à tous (quand, sur le tournage d’À bout de souffle, en 1959, le cinéaste cherche une robe à rayures pour Jean Seberg, c’est au Prisunic du coin qu’il la trouve). À bout de souffle a aussi inauguré la mode du complet de Jean-Paul Belmondo : bouton de veste ouvert, cravate en vrac et chapeau qui tombe. Sans compter les manteaux camel du trio Anna Karina/Claude Brasseur/Sami Frey de Bande à part, en 1964, qui ont inspiré Rick Owens,

quand le pull porté par Claude Brasseur dans ce même film a été décliné aussi bien chez Lanvin que chez Acne studios. Éternel Godard. Visionnaire, parfois même. N’avait-il pas, en 2010, tourné Film socialisme sur le paquebot Costa Concordia, avant son naufrage, qui symbolisa une Europe marchande menacée de prendre l’eau de toute part ? Une idée de la modernité Godard continue d’inspirer beaucoup de créateurs car il est multiple. Il y a le dandy mélancolique, l’agitateur révolutionnaire, l’artisan vidéaste, le démiurge vaudois et le provocateur misanthrope. Celui es fictions ou celui des documentaires, voire des essais, ciné tracts, clips et publicités. Le puzzle godardien invite à batailler entre ellipse et raccord, collage et citation, charnel et spirituel, trivial et sublime. Entre toutes ces embuches, une jeunesse, qui a l’habitude de brûler ses idoles peut certainement dialoguer avec un cinéaste qui ne revendique aucune filiation, mais n’en laisse pas moins un héritage. La génération d’aujourd’hui a, comme Godard en son temps, tout à la fois le sentiment de vivre une époque de profonde mutation sociale et culturelle, et d’être née trop tard. Elle peut donc se reconnaître dans ses films, dans leur volonté d’interroger et de réinventer sans cesse les images. Godard, c’est toujours une idée de la modernité, un renouvellement esthétique de la création. C’est un cinéma dénué de vérités définitives, mais voué à penser l’Histoire, en particulier celle d’une société française violente et crispée. Et puis Godard s’autorise tout, il n’écoute que lui. Il est génial quand il fait le clown, quand il est sentimental, sensuel et mélancolique. Il est lourd quand il veut donner des leçons et qu’il regarde les autres de haut. Quand il marmonne ses phrases obscures, on ne sait pas s’il délivre une vérité précieuse, ou si c’est juste un vieillard qui délire. Mais revoir aujourd’hui Une femme est une femme, À bout de souffle ou Pierrot le fou, ça met en joie. On attrape un peu de leur liberté, de leur énergie, de leur humour aussi. Ces films avancent à toute allure, sans s’excuser de rien, en prenant un maximum de risque et en imposant leur singularité et leur audace. Ça cavale, il y a du spectacle et la pensée est toujours en mouvement, l’énergie vient du tiraillement entre la mélancolie et la joie. Comment ne pas y revenir ?

Photo Archives Hedi Slimane

Photo Ezra Petronio

Bruno Sialelli, le nouveau directeur artistique de la maison Lanvin.

RENCONTRE

Le nouveau souffle de Lanvin PROPOS RECUEILLIS PAR LAURE AMBROISE

Nommé directeur artistique des lignes homme et femme de la maison Lanvin depuis 2019, Bruno Sialelli, designer marseillais de 32 ans, a réussi en une poignée de collections à redonner vie à la plus vieille maison de couture française toujours en activité. L’Officiel : Vous avez grandi à la Cité radieuse, le complexe résidentiel expérimental conçu par Le Corbusier à Marseille. Cela a-t-il influencé votre destinée de créateur ? Bruno Sialelli : Je pense que oui. C’était le choix de mes parents de nous élever dans cet univers si radical. Et disons que ma normalité en temps qu’enfant ayant grandi dans un bâtiment pareil n’était pas celle des autres. J’allais à l’école maternelle au 8e étage et j’avais à disposition des activités très axées sur la créativité avec des ateliers théâtre, peinture ou calligraphie. Je participais à tout et comme j’étais superactif à cet âge-là, mes parents étaient bien co ntents de m’envoyer au cinéma, à la piscine, au gymnase… Je n’avais qu’à passer d’un étage à l’autre. À qui devez-vous votre premier pas dans la mode ? Ma mère était assez extravagante et expérimentale dans sa manière de s’habiller, elle portait des marques comme Marithé + François Girbaud, Versus ou Jean-Paul Gaultier. Elle travaillait avec son petit frère, l’humoriste Elie Kakou qui était obsédé par la mode et l’idée du costume, et qui était proche de créateurs comme Jean-Paul Gaultier qu’il parodiait. Discret et observateur, il exprimait énormément de choses par son look. Enfant, je l’observais avec attention. C’est

dans cet univers que j’ai grandi et, à 15 ans, j’ai compris que j’avais besoin d’exprimer ma créativité et que la mode pouvait être un champ d’expression. Parlez-nous de votre passage par l’Opéra de Marseille… J’ai passé un bac artisanat-métiers d’art qui m’a permis de travailler deux ans à l’atelier de costumes de l’Opéra de Marseille où j’ai appris à draper, à connaître les matières, etc. Puis à 17 ans j’ai fait un stage chez Christian Lacroix, à la couture, et là, la mode est devenue une évidence. C’était fabuleux ! La Couture avec un grand C. Ce moment, très court puisque j’y suis resté huit semaines, a été comme une tornade de beauté. J’étais fasciné, entouré de gens super lookés, c’était le rêve. Cela m’a donné envie de m’inscrire au studio Berçot pour continuer mon apprentissage. Vous aviez déjà un sacré parcours en intégrant le Studio Berçot… Je ne le réalisais pas vraiment et je n’étais pas le seul. Berçot, c’est un cursus court, deux ans, qui n’est pas exclusivement porté sur la technique. C’est davantage une école où l’on vous pousse dans vos retranchements afin de définir votre univers. Elle fonctionne comme une “maison” et je me suis reconnu dans cette éducation. Elle est très différente de La Cambre ou St Martins.

RENCONTRE

“Jeanne Lanvin était une visionnaire. Elle n’était ni couturière ni dessinatrice, elle ressemblait plus à un directeur artistique qui collaborait avec ses pairs.”

Vous avez travaillé avec Nicolas Ghesquière chez Balenciaga, Jonny Johansson chez Acne Studios, Julien Dossena chez Paco Rabanne, Jonathan Anderson chez Loewe avant d’arriver chez Lanvin. Parlez-nous de ces collaborations… Balenciaga était une maison école dotée d’un univers fort avec cette idée d’interprétation d’un futur proche. Avec Nicolas Ghesquière et Natacha Ramsey, j’ai appris à aller au bout d’une idée avec cette notion de précision extrême emprunte d’expérimentation et d’innovation. Avec Acne, je voulais intégrer une marque qui faisait du chiffre avec le prêt-à-porter. J’ai découvert la culture suédoise avec ce respect immense des employés et cette façon hybride de travailler. Une expérience tout en contraste pour un Marseillais comme moi. Puis je suis revenu à Paris où j’ai fait une saison chez Paco Rabanne avec Julien Dossena. C’était comme un retour aux sources. Et enfin, Loewe avec qui cela s’est fait presque par hasard. J’ai rencontré Jonathan Anderson, il a adoré mon book, l’a trouvé assez “pluriel”. Chez Balenciaga, on m’appelait “hybride designer” parce que je pouvais faire du flou, du tailleur, de l’underwear. Mais je n’avais jamais fait d’homme. Or, après notre rencontre, Jonathan Anderson est revenu vers moi et m’a dit : “je pense que tu ferais très bien l’homme”. Je me suis dit que ça pouvait être génial de redimensionner ma créativité sur un autre corps et une autre garde-robe. Vous êtes né à la fin des années 80, les nineties ont marqué votre enfance et les années 2000 celles de votre adolescence. Êtes-vous attaché à ces décennies créativement parlant ? Je suis sensible à toutes les décennies. Je passe de l’une à l’autre. Mais celle qui vous marque véritablement est celle de votre adolescence. Regardez Marc Jacobs et les années 80. Chez Lanvin, il y aura toujours l’ADN Lanvin que je mêlerai à mes envies personnelles pour raconter mon histoire. Vous avez pris la direction artistique de la plus ancienne maison française en activité, quel est votre mode opératoire ? Nous puisons dans les archives. Lanvin est l’une des maisons qui en disposent le plus. Les archives, c’est un processus à part entière, ce sont les témoins de l’art de vivre d’une époque. La marque a toujours su se conceptualiser par rapport au présent et, que ce soit dans les années 10, 20 ou 30, elle était en phase avec son temps. Référence des années 20, elle a été un effet

de l’après-guerre et c’est peut-être cette période qui m’intéresse le plus avec ce côté grandiose, ce glamour, cette opulence. Avec les évènements actuels, il y a comme un schéma qui est en train de se reproduire. Je fais un lien entre 1920 et 2020, et j’ai cette envie de fabuleux, d’opulence et de glamour au sens littéral du terme. L’histoire de Lanvin est l’une des plus longues de la mode, et elle est toujours en activité. C’est un bel atout et il faut jouer avec. La créativité, c’est également une gymnastique. Comment faites-vous pour conserver les valeurs de la maison Lanvin tout restant fidèle à votre vision artistique ? Lanvin est une maison plurielle qui a connu beaucoup de créateurs. Tous ont exprimé leur temps. Au moment de Jules-François Crahay, c’était les seventies libertaires. Avec Claude Montana, c’était la femme forte. Cela forme des dialogues, des points communs avec mon univers. Cocteau dit au début de La Belle et la Bête : “Laissez-moi vous dire quatre mots magiques et un véritable ‘Sésame ouvre-toi’ de l’enfance : Il était une fois…” Cette pureté, c’est une forme de créativité qui va avec cette liberté qu’on retrouve chez Lanvin. Vous avez dit que Madame Lanvin était en avance sur son temps, créant la première marque de style de vie complet, et que vous vouliez ramener sa vision tournée vers l’avenir. Y êtes-vous arrivé ? Pas du tout, mais c’est un objectif. Jeanne Lanvin était une visionnaire. Elle n’était ni couturière ni dessinatrice, elle ressemblait plus à un directeur artistique qui collaborait avec ses pairs pour agrandir son univers et son champ d’expression. Être directeur artistique des collections homme et femme, est-il un exercice difficile ? Non, l’homme et la femme passent par le même processus dans mes créations. C’est pour cela que lorsque je suis arrivé chez Lanvin, je les ai fait défiler ensemble. Cela a été comme un réflexe. Mes équipes de création travaillent dans le même studio et réfléchissent ensemble dans le même exercice de style. On réfléchit à des héros, même parfois à des héros domestiques. Quels sont les héros de votre dernière collection ? Varla, Rosie et Billie, les trois pilleuses de Faster, Pussycat! Kill! Kill! de Russ Meyer, et Petra von Kant de Rainer Werner Fassbinder. Je réfléchis en termes de rôles et non d’actrices. 96

Photo DR

Bruno Sialelli

Bella Hadid en backstage du dĂŠfilĂŠ Lanvin automne-hiver 2020.

RENCONTRE

Graine de génie PAR DELPHINE VALLOIRE

C’est une émotion toute particulière de voir naître un créateur. Charles de Vilmorin, 23 ans, a tout d’un ovni. Avec sa première collection graphique ultra-colorée, il a débarqué sur Instagram en fin de confinement dévoilant un univers flamboyant. Son enthousiasme, sa grâce presque un peu maladroite, son élégance immanquable ont tout de suite évoqué à toute la presse française un autre prodige, Yves Saint Laurent. Pourtant, il est tout à fait autre, avec sa personnalité bien à lui, le produit d’une autre époque, d’un autre parcours. Charles de Vilmorin a un tempérament d’artiste. Dans son petit atelier studio du 17e arrondissement, il dessine et peint en permanence, coud ses rêves de vêtements, photographie ses créations sur ses amis. Il fait tout à la vitesse de la lumière : du bac au cursus à la Chambre syndicale de la couture qui s’est achevé sur la création impromptue de sa propre marque en avril dernier. Hasard, travail acharné, passion ou vocation ? Le fait est que le mot évidence revient souvent dans sa conversation. Le chemin, celui de la mode, est en tout cas bien tracé pour cet électron libre qui sait si bien accueillir l’aventure. L’Officiel : Pour vous, la mode est un choix ? Charles de Vilmorin : Oui, et la Chambre syndicale de la couture était une école qui me tentait beaucoup ; je l’ai intégrée tout de suite après le bac. J’avais déjà fait un stage de troisième chez Lanvin, c’est vrai, la mode a toujours été présente, j’ai toujours su que je voulais faire ça. Pour le dessin, pareil, j’ai commencé à dessiner quand j’étais petit ; à l’époque, je reproduisais des robes que je voyais et je les modifiais. Je faisais beaucoup de collages, je découpais dans des magazines des motifs, des couleurs et des formes que j’assemblais. C’est le collage qui m’a permis de faire cette transition entre le fait de dessiner ce que je voyais et le fait de dessiner des choses que j’imaginais moi-même.

Votre studio est couvert de dessins, le dessin et la mode sont-ils pour vous organiquement liés ? Oui pour moi c’est complètement indissociable : le dessin, c’est la base. J’aime beaucoup dessiner, pas seulement des silhouettes de mode. Comme un illustrateur. Mais quand j’ai envie de faire un vêtement, je pars toujours du dessin. Et ensuite je le monte. À l’école, je partais d’une musique pour pousser le concept. Pour les vestes de ma première collection, ça a été très instinctif : je les ai dessinées et j’ai imaginé la gamme en même pas une soirée. Et ensuite je l’ai faite. C’était mon premier projet hors de l’école. Des formes plus simples, pas de compétition, pas de livre épais d’inspirations ou de concept : juste une envie. Sans avoir à me justifier. Pour vous, la mode est-elle un art ? Ah ! c’est la première question que m’a posée le directeur de la Chambre syndicale à mon entretien. Moi à l’époque, j’étais très naïf, j’ai répondu oui avec enthousiasme. Il m’a expliqué : “mais non mon petit gars, ce n’est pas du tout un art, c’est un business”. Ça m’a bien remis les pieds sur terre. Aujourd’hui, avec le recul, je ne vois pas la mode comme un art à part entière mais pas non plus comme un simple business. L’art, c’est faire passer des messages et exprimer des choses à travers une esthétique ; or la mode, sans cela, n’a aucun intérêt. Il faut faire passer des choses, il y a une sensibilité qui est primordiale et il faut qu’il y ait un but. Ceci dit, je ne vois pas non plus un vêtement comme un tableau. Ce n’est pas figé, c’est porté, vivant, modifiable. Il peut être interprété par plein de gens de manières très différentes. 98

Photo Charles de Vilmorin

Autoportrait de Charles deÂ Vilmorin dans son atelier.

“Pendant mes études je voulais toujours faire des collections très portables et, au final, ça ne l’était absolument pas.” Charles de Vilmorin Pourtant vos vestes font penser à Niki de Saint Phalle, Grayson Perry ou encore à des créateurs artistes comme Saint Laurent et Yamamoto… Oui, ce sont de vraies influences. Je suis très influencé par l’art, la peinture, la musique, la sculpture… J’écoute et je regarde tout mais si je dois citer un nom, en ce qui concerne le cinéma, c’est celui de Tim Burton, que j’admire depuis toujours. J’aime le fantastique à la limite de l’horreur et, à l’inverse, le cinéma français très réaliste, celui de Klapisch ou Ozon. Pour la peinture et la photo, j’aime aussi les extrêmes, la Renaissance et le surréalisme, les photos de Tim Walker – mon préféré – mais aussi des images de l’intime et du réel sans mise en scène. J’écoute aussi toutes sortes de musiques, de Lady Gaga à Malik Djoudi, Woodkid et Flavien Berger avec qui j’adorerais bosser sur mon premier défilé. Vous avez des parti-pris forts : pas de saisons, un travail de couture pour des pièces à moins de mille euros, de l’écoresponsabilité avec une production à la commande… Oui j’ai fait des calculs à partir des prototypes ; je voulais les vendre le moins cher possible. J’ai sorti les vestes en avril et, fin juillet, une capsule pour l’été, plus accessible avec mes dessins imprimés directement sur tissu. Là, je travaille sur mon premier défilé prévu en janvier que j’ai déjà en tête. Pendant mes études je voulais toujours faire des collections très portables et, au final, ça ne l’était absolument pas. Je sais qu’il y aura un côté théâtral parce que je ne peux pas m’en

empêcher mais il faut que sur portant il y ait des looks qui parlent à tout le monde. Mes amis portent mes vestes, avec un jean ça passe parfaitement. Vous êtes en plein dans la tendance maximaliste. Il y a aussi un esprit très seventies, non ? Ce ne sera pas toujours le cas mais pour ce projet-là c’était dans ma tête : une espèce de légèreté. C’est assez poétique comme période : très colorée, très libre. Sur mes vestes il y a plein de visages qui s’embrassent, cette notion d’amour… Les seventies, c’est ça aussi. Lancer sa propre marque aussi vite, c’est courageux non ? C’est tombé par hasard. Au début de l’année, un type a acheté quasiment toute ma collection de fin d’études. Je me suis dit, c’est maintenant ou jamais. J’ai donc financé ma création d’entreprise et ma première collection. Pour le nom de ma marque, c’est le mien, je ne m’en lasserai jamais, et c’est un nom dont je suis quand même fier (sa grand-tante est l’écrivaine Louise de Vilmorin, ndlr). Je devais sortir ma collection avant le confinement mais tout a été retardé, heureusement. Fin avril, je me suis lancé. J’étais prêt, j’avais même fait les photos. Je fais de la photographie depuis toujours. C’est un peu la finalité, une création de A à Z. J’adore le travail d’autres photographes mais je ne me vois pas demander à quelqu’un de shooter la fin de mon projet. Là, ce sont des amis sur les images, pas des mannequins. Ils viennent de tous les horizons, de tous les domaines, ça me plaît.

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Photos Charles de Vilmorin

RENCONTRE

Créations signées Charles de Vilmorin.

RENCONTRE

Tout feu tout flamme À seulement 26 ans, la créatrice de mode Nicolas Lecourt Mansion, qui a déjà remporté le prix Pierre Bergé de l’Andam 2019, refuse les étiquettes et impose une mode couture sans compromis. PROPOS RECUEILLIS PAR LAURE AMBROISE PHOTO PANDORA GRAESSL

L’Officiel : Racontez-nous vos débuts de créatrice… Nicolas Lecourt Mansion : À la fin de ma dernière année à l’Atelier Chardon-Savard, en 2016, j’ai présenté une collection d’une dizaine de looks, une sorte de mémoire de recherche qui m’a offert des opportunités pour travailler en freelance dans l’entourage de plusieurs créateurs et de stylistes, tel Azza Yousif qui m’a présenté Jean-Paul Gaultier. Une rencontre en amenant une autre, j’ai fait la connaissance de beaucoup de monde. Pourquoi la haute couture vous passionnait déjà enfant ? Je ne sais pas, mais il est vrai que mon premier souvenir de mode remonte à l’enfance, lorsque j’essayais de redessiner les robes de mariées de Christian Lacroix et John Galliano découvertes dans les magazines de mariage que mon père laissait sur son bureau puisqu’il travaillait, à cette époque, dans le retail des costumes pour hommes. Ces robes me fascinaient. Puis j’ai développé une passion pour l’histoire de la mode du xxe siècle. Mes influences se sont alors portées sur Poiret, Schiaparelli, Worth, Grès, Balenciaga puis Christian Dior… Mais celui qui a toujours incarné la modernité à mes yeux est sans aucun doute Azzedine Alaïa, mon créateur préféré. Il est celui qui a su innover en matière de mode et de business, et qui a su écouter les femmes,

ses clientes et meilleures amies. C’est de cette même façon que je voudrais travailler et façonner ma marque. Née à Strasbourg comme Thierry Mugler, sentez-vous une filiation entre son travail et le vôtre ? En termes d’esthétique, mon travail est en effet très inspiré par Mugler avec ses constructions, son usage du corset et du bustier. Je pense que lui et Alaïa sont proches dans leur façon d’appréhender le corps. Je suis aussi influencée par McQueen, d’Alexander à Sarah Burton dont je trouve le théâtre de mode unique. Il y a aussi Balenciaga, pour ses coupes éloignées de l’architecture classique du corps et le développement de ses propres matières. Et Martin Margiela pour son talent de tailleur et son côté punk. Il connaît la construction et ça change tout. Enfin, j’admire le travail de nombreux designers sans forcément comprendre leur style, mais tout en étant sensible à l’importance qu’ils représentent pour la mode. C’est le cas d’Olivier Rousteing, un des pionniers à travailler avec des artistes comme Rihanna ou Beyoncé. Il a imaginé une mode avec des courbes et l’a “glamourisée”. C’était nécessaire d’avoir un créateur comme lui. Êtes-vous influencée par la culture ballroom ou clubbing ? Je suis très proche du milieu de la nuit, et mes meilleures copines en sont les icônes. Pour la scène

Nicolas Lecourt Mansion.

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ballroom, je n’appartiens pas à une house, mais je travaille avec beaucoup de gens qui en sont des pionniers comme Kiddy Smile, qui me soutient et m’inspire avec sa démarche communautaire et sa libération du corps par la musique et la danse. La danse a toujours fait partie de votre vie ? J’ai toujours dansé. La danse fait partie de moi, même si je l’ai pratiquée jusqu’à maintenant de façon très superficielle. D’une certaine façon, elle participe de mon travail puisque je crée des vêtements de scène pour Kiddy ou Christine and the Queens. Vous avez collaboré avec Rita Ora et Nicki Minaj sur leurs tournées. En quoi le show-business influence-t-il la réalisation d’un vêtement ? La construction du vêtement doit permettre à l’artiste d’exécuter n’importe quel mouvement, et c’est au créateur de l’anticiper. Pour Nicki et Rita, j’étais leur tailleur personnel. Je devais reconstruire les vêtements qui leur étaient envoyés sur la tournée, les modifier afin que leurs corps soient mis en valeur. C’est du surmesure, c’est donc beaucoup d’écoute et d’échanges. Vous aimeriez repartir en tournée ? Oui, mais pas de la même manière, en dessinant les costumes et en participant à la direction artistique. Recevoir le prix de l’Andam Pierre Bergé 2019 a-t-il changé quelque chose à votre façon de travailler ? Oui, beaucoup. C’était la première fois que j’avais des moyens. Et, ce qui n’est pas négligeable, il m’a apporté la reconnaissance du milieu et donc m’a donné confiance en moi, surtout avec un président du jury comme Martin Margiela. Gardez-vous un souvenir de la remise des prix ? J’étais présente à la remise des prix mais à l’annonce des finalistes j’étais sur la tournée de Nicki. Cette remise des prix, en juin, faisait suite au jury et je me souviens d’avoir été très surprise d’entendre nom nom. Pour être honnête, je ne pensais pas faire partie des finalistes. Mon projet était tellement jeune, je voulais juste acquérir l’expérience du concours. Quand je regardais la liste des gagnants qui l’avaient précédemment remporté, ils étaient beaucoup plus avancés dans leur carrière que moi. Comment définiriez-vous votre mode ? Assez téméraire. La manière dont je crée le vêtement va avec la manière dont je le porte, c’est presque thérapeutique, une sorte de psychiatrie visuelle et sensorielle. Généralement, c’est assez fort, je ne suis pas Issey Miyake. J’adore Miyake, et j’en porte beaucoup ! Aimez-vous particulièrement ce qui brille ? Oui. Je ne sais pas pourquoi mais je suis obsédée par la brillance, la lumière, la réflection, le cristal, et c’est pour ça que j’aime imaginer des costumes de scène. Pour l’Andam, j’ai travaillé avec Swarovski, ce qui était

génial puisque j’ai passé ma vie à rêver des robes en maille métallique de Versace. Cette collaboration m’a permis de me concentrer sur un matériau et travailler avec des artisans incroyables. C’était un travail presque très méticuleux, presque chirurgical. J’adore cette façon de travailler, quand on ne sépare pas le processus de fabrication du produit final. Avec ma marque, j’essaie de créer une mode globale, quelque chose d’inclusif sans en porter l’étiquette, parce que je suis une personne trans, que je travaille avec des personnes trans et que j’ai toujours eu un casting divers. On a tendance à oublier notre diversité, notre pluralité en tant qu’être humain, et la mode aussi. Pensez-vous que la mode française soit assez inclusive ? Non, aucune mode n’est assez inclusive. Ce n’est pas une histoire de pays. La mode est le reflet de l’humanité. La manière dont on s’habille détermine nos différences avec les autres. Et pour l’inclusivité, qui est l’acceptation d’un corps, c’est la même chose. La mode est le médium du corps puisqu’elle permet de le sublimer quels que soient sa couleur et son genre. Il y a quelques créateurs qui ont été les pionniers de l’inclusivité, comme Gaultier ou Galliano, mais avoir mis cette inclusivité en lumière l’a fait rentrer dans la catégorie des freaks” et le marketing l’a utilisé comme un outil. Or, les gens qui ne rentrent pas dans les standards ne sont pas des freaks. Je ne suis pas dans la norme et je ne suis pas un freak. Je revendique ma beauté et le fait d’être unique. Je refuse d’étiqueter ma mode comme inclusive pour cette raison. Le style français existe-t-il, et si oui quel est-il ? C’est la couture et son influence sur l’artisanat pour transformer un vêtement en quelque chose de flamboyant. Je le vois impertinent, sexy, limite un peu vulgaire avec ce tabou du rien. Le style français, c’est assumer son style sans coller à des stéréotypes. Quelles sont les héroïnes de vos collections ? Pour ma collection 0, c’était Dolores Sanchez, la première femme à avoir revêtu l’habit de matador et à avoir déconstruit les codes misogynes de la corrida. Pour ma collection 1, que j’ai baptisée Rétribution, je me suis inspirée du personnage de Séverine dans Belle de jour, incarnée par Catherine Deneuve, que j’ai mixé avec les images de dominatrices de la photographe Suzanne Meiselas. Pour la collection Rule, je me suis intéressée à la sorcière mais plutôt dans le sens de la femme puissante, érudite et influente, comme Marie Laveau, “la reine vaudoue”. Pour la première collection post-Andam, j’ai choisi Gloria von Thurn und Taxi, et pour la dernière, celle d’aujourd’hui, ce sont les Ursulines, un ordre religieux quasi féministe, dont le cardinal de Richelieu a fait brûler le couvent.

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Photo Pierre-Ange Carlotti

Collection Nicolas Lecourt Mansion automne-hiver 2020-21 105

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La mode engagée de Sofia Sanchez de Betak Influenceuse engagée, créatrice de la marque Chufy, directrice artistique et globe-trotteuse, Sofia Sanchez de Betak multiplie les cordes à son arc et sélectionne désormais, tous les mois, ses looks préférés à partir des collections passées de la marque Mango, dont elle est ambassadrice. Une jolie façon de démontrer que le style n’est pas incompatible avec la durabilité. Photographiée à Majorque aux Baléares où elle possède une maison avec son mari, le scénographe et producteur de défilés Alex de Betak, la belle Argentine sait nous faire voyager avec goût.

PAR LAURE AMBROISE PHOTOGRAPHIE CHRISTOPHE RIHET RÉALISATION KENZIA BENGEL

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Chemise en coton mélangé, MANGO. Jupe en gabardine, ALAÏA. Derbies en cuir, CAMPER.

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Ci-dessus,

Robe en coton mélangé, MANGO. Veste en coton biologique, CHUFY. Sandales, perso. Page de gauche,

T-shirt en coton, MANGO. Pantalon en coton mélangé, ACNE STUDIOS. Ceinture en cuir, COPERNI. Tennis en cuir, CAMPER.

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Ci-dessus et page de droite,

Body en maille stretch, ALAÏA. Jean en coton mélangé, MANGO.

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L’art de vivre de Mathilde Favier Rencontre avec la directrice des relations publiques de la maison Dior qui nous raconte son nouvel intérieur parisien. PROPOS RECUEILLIS PAR LAURE AMBROISE RÉALISATION VANESSA BELLUGEON PHOTOS SERGIO CORVACHO

L’Officiel : Entre votre sœur Victoire de Castellane, directrice artistique de la joaillerie chez Dior, et votre oncle Gilles Dufour, qui a longtemps dirigé le studio Chanel, la mode est une affaire de famille chez vous. Quelle influence cela a-t-il eu sur vous ? Mathilde Favier : La mode est dans mon ADN. C’est sans doute la raison pour laquelle je me suis toujours sentie très confortable dans ce milieu tout en gardant un immense recul. Lorsque vous avez été à l’école de Karl Lagerfeld, à travers mon oncle qui a dirigé le studio de Chanel pendant dix-sept ans, vous ne pouvez pas faire autrement que de regarder le théâtre de la mode avec beaucoup d’humour et de légèreté. Personne ne m’a jamais impressionnée, et j’ai toujours eu le répondant nécessaire, je me suis toujours sentie à l’aise sans être trop naïve. Vous semblez maîtriser l’élégance parisienne et son art de vivre de façon innée, quel a été votre apprentissage du style ? J’ai eu la chance d’être élevée par une mère infiniment raffinée, très originale, curieuse de tout et bourrée de charme. Mon oncle Gilles Dufour a eu son importance lui aussi, c’est un homme de goût ultra chic avec une vision charmante et fraîche de la jeune fille que j’étais.

J’ai donc grandi comme cela. Par la suite, je me suis beaucoup inspiré des maisons merveilleuses dans lesquelles j’ai été invitée et de leurs maîtres de maison. Je garde de très beaux souvenirs de la villa de la Reine Jeanne dans le Midi, dans laquelle j’étais reçue toute petite par Paul-Louis Weiller, mais aussi de la confection des nappes en papier commandées par Marie-Hélène de Rothschild à l’hôtel Lambert, la maison de Giovanni Volpi à la Giudecca à Venise où je me suis mariée, les nombreux week-ends et vacances avec Lee Radziwill, les dîners intimes chez Cristiana Brandolini, le thé chez Madeleine Castaing, les dîners du dimanche soir chez François-Xavier et Claude Lalanne… cela laisse forcément des traces ! Adolescente, vous réalisez plusieurs stages chez Chanel où vous rencontrez Sofia Coppola qui elle aussi s’exerce au métier de la mode, avant de collaborer avec la styliste Carine Roitfeld puis de devenir directrice des relations publiques de la maison Prada puis celle de la maison Dior. Qu’aimez-vous dans ce métier et qu’est-ce qui vous fascine ? Ce que j’aime dans ce métier, ce sont les gens, je les aime vraiment et je les observe. La race humaine est terrifiante certes, mais elle me fascine.

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LIFESTYLE

Quelle est la signature de votre style ? Féminine, avec tout ce que cela comporte de masculin. Ce numéro de L’Officiel est consacré au style français, quelle en est votre définition ? Ma Française à moi est une femme libre. Elle ne fait pas exprès. Elle est un doux paradoxe. Réservée mais audacieuse. Elle ose ! Vous venez de (re)décorer votre appartement parisien, pouvez-vous nous en parler ? Ma maison correspond à une nouvelle phase de ma vie. J’ai 50 ans, mes enfants ont quitté la maison, je suis amoureuse. Je sais enfin qui je suis et mon décor en est la traduction. Pourquoi aimez-vous tant les imprimés et comment arrivez-vous à les mélanger ? C’est une dualité chez moi. Je suis terriblement parisienne et en même temps, j’ai déjà presque fait le tour du monde. Voyager a été très longtemps une nécessité même si c’est moins le cas à présent car le confinement a fait que… Tous ces imprimés et ces mélanges de tissus et de couleurs sont le témoignage de la beauté du monde. Je ne me lasse pas de l’artisanat en règle générale, c’est ce qui m’attire en premier lorsque je visite un pays, des vêtements aux objets. Qui sont les décorateurs que vous admirez ? Je les admire tous. C’est un métier complexe et délicat qui nécessite une grande psychologie. Jacques Grange m’a énormément appris. Madeleine Castaing aussi.

J’admire beaucoup le travail d’India Mahdavi, et celui de Caroline Sarkozy qui sont des femmes de goût. Et j’ai une affection particulière pour mon amie Brenda Altmayer avec qui je me suis beaucoup amusée pour r(e)décorer ma maison. Quel est l’objet que vous préférez chez vous ? Sans doute les pieds et mains de mes enfants sculptés par Claude Lalanne lorsqu’ils étaient nouveaux-nés. Ils sentent encore mes nourrissons. Quel est votre idéal d’intérieur ? Je n’ai pas d’idéal. C’est trop fatigant. Vous semblez passionnée par l’art de la table, avez-vous un bon conseil à donner ? Ma passion, c’est de recevoir des gens que j’apprécie. Qu’ils se rencontrent, qu’ils passent un bon moment et qu’ils s’apprécient à leur tour. Cela se passe forcément autour d’un bon repas – j’adore cuisiner – et d’une jolie table. J’insiste sur le fait que l’art de la table, pour moi, ce n’est pas une histoire d’assiettes. La réussite d’un dîner c’est avant tout l’alchimie qui va s’opérer entre ces gens. Le reste n’est qu’un décor. Votre Instagram témoigne de votre goût pour le yoga et la nourriture vegan et sans gluten. Prendre soin de vous est important ? C’est essentiel. Si je ne suis pas bien avec moi-même alors je ne peux rien donner à personne. Et si c’est le cas, je suis malheureuse… alors oui, je prends beaucoup de plaisir à bien vieillir.

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DESTINATION

Évasion en Thaïlande Des plages dorées, des îles de rêve, des temples noyés dans une végétation luxuriante, une population accueillante… Le pays a tous les atouts pour un voyage alliant découverte, farniente et culture. PAR CHRISTIAN-LUC PARISON

Chiang Rai où vous naviguerez en pirogue sur la rivière Kok, mais aussi les fermes d’éléphants, les élevages de papillons et les serres d’orchidées… Toutes les beautés de la jungle dans des conditions de confort très acceptables. Sur le chemin du retour, il ne faut pas manquer de faire un détour vers l’ouest et la région de Kanchanaburi qui fascine les voyageurs en quête d’authenticité et de nature. Les parcs nationaux de Sai Yok Noi et Somdet Phra Sri Nakharin regorgent de cascades et de grottes naturelles. Et le célèbre pont sur la rivière Kwaï justifiera un arrêt très émouvant ou, pour les plus aventureux, un petit voyage à bord d’un des trains qui empruntent toujours la voie ferrée de la mort sur des ponts en bois qui jonglent avec les lois de la physique. Frissons garantis… Y aller Avec le voyagiste Bouddha Spirit, spécialiste de l’Asie, qui propose des itinéraires sur mesure. Parmi ceux-ci, on retiendra une “Échappée Belle de Bangkok à Chiang-Mai” se terminant par un séjour balnéaire à Phuket au magnifique Ayara Hilltops Resort & Spa, lequel accroche ses bungalows de luxe sur les collines dominant la mer. 17 jours/14 nuits à partir de 3 676€. Le “Combiné Bangkok - Rivière Kwai (Kanchanaburi) - Koh Samed” de 13 jours/10 nuits est à partir de 2 048 €. Le circuit “Royaume de Lanna avec extension à Hua-Hin” en voiture privée avec guide francophone est à partir de 2 759 € pour 15 jours/12 nuits. Tous ces voyages comprennent les vols aller-retour depuis Paris. Tél. 01 42 18 22 28 et bouddhaspirit.com Plus d’informations : Office national du Tourisme de Thaïlande, 90, avenue des Champs-Élysées, Paris 8e. Tél. 01 53 53 47 00 et tourismethai.fr

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Photos DR

On ne citera jamais assez les beautés du littoral thaïlandais, des plages de Phuket, de la baie de Phang Nga et sa célèbre île de James Bond ou des rivages dorés de l’île de Koh Samui avec le parc marin d’Ang Thong et sa quarantaine d’îles aux étonnantes masses calcaires frangées de sable blond et de forêts tropicales… Mais au-delà de ses côtes, la Thaïlande a mille secrets à dévoiler. Au voyageur curieux, elle se révèle un formidable terrain d’évasion et de découvertes. Après deux ou trois jours à Bangkok (il faut absolument faire une balade en bateau le long des klongs avec leurs pittoresques marchés flottants, flâner dans les rues animées et visiter le Palais Royal), la route vers le nord vous conduira à Ayutthaya. La ville abrite dans son temple de Mongkhon Bophit le plus haut bouddha de bronze du pays. Incontournables, les temples ponctueront votre parcours, à Prang Sam Yod, Lopburi et bien sûr à Sukhothai. Le site archéologique de cette ancienne capitale du royaume de Siam est une merveille d’architecture raffinée. Ses vestiges extraordinaires se déploient sur trois sites grandioses inscrits au patrimoine mondial de l’Unesco. On ne manquera pas non plus le parc de Sukhothai avec ses temples majestueux, le Wat Sa Si, le Wat Si Sawai et le Wat Si Chum… Après Lampang et ses anciennes bâtisses en bois pleines de charme que l’on admire lors d’une promenade en calèche, commence le fameux Triangle d’or aux confins de la Thaïlande, du Laos et de la Birmanie. Une région de montagne peuplée de tribus comme les Karen, d’origine tibéto-birmane. Au programme de votre circuit montagnard au cœur d’une végétation luxuriante : Chiang Mai, la capitale du nord au bord de la rivière Ping d’où l’on part pour une excursion vers “le plafond de la Thaïlande”, le Doi Inthanon qui culmine à 2 565 m d’altitude au cœur du Parc national du même nom, puis

Le temple bouddiste Maha That à Ayutthaya.

Les îles de Koh Surin en mer d’Andaman.

Pirogue sur un canal de Bangkok.

La cascade de Kanchanaburi, dans l’ouest de la Thaïlande.

BE WELL Retour à la vie Après des mois chaotiques, le concept galvaudé de self-care prend enfin tout son sens. Anxiogène au possible, l’actualité nous rappelle chaque jour l’importance du soin porté à soi, et l’urgence absolue de préserver son corps comme son esprit. Un programme joyeusement égoïste placé sous le seul signe de la légèreté, qu’on applique à la lettre en découvrant la nouvelle fragrance de Gucci incarnée par la sublime Susie Cave, en s’abandonnant aux mains expertes des praticiennes du Skin Studio Seasonly, ou en insufflant une dose de fantaisie dans son maquillage grâce aux divines créations de Dior et Pat McGrath, sans oublier la première collection de maquillage Byredo concoctée par la prodige des pinceaux Isamaya Ffrench. Par Mélanie Mendelewitsch

BE WELL

Plein les yeux Photo DR

Dernières-nées de la maison Dior, les palettes cinq couleurs nous propulsent hors de notre zone de confort beauté. Envie de jouer les apprenties make-up artistes ? Nulle meilleure toile de fond que les paupières, terrain d’expérimentation

infini. Fortement pigmentée, la palette cinq couleurs se réinvente sous l’impulsion de Peter Philips, directeur de la création et de l’image du maquillage Dior. Mats veloutés, satinés ou métallisés, ces fards à effets multiples se superposent à l’envi, et permettent toutes les audaces. Une success story beauté qui s’enrichit de nouvelles teintes, prétextes rêvés pour s’aventurer hors de

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la zone balisée du sempiternel nude à l’approche de l’automne. On craque pour Mitzah, variation sexy sur le thème du brun ; pour Trafalgar et ses teintes rouge rosé ; et pour Black Bow, accord mystérieux qui achève de convaincre les dernières résistantes à la tendance gris argenté. Par Mélanie Mendelewitsch

BE WELL

Susie en son jardin Mannequin, actrice, designer et égérie : Susie Cave et sa beauté éthérée investissent tous les champs créatifs avec succès. Muse d’Alessandro Michele qui la met en scène dans la campagne du dernier opus olfactif de la saga Gucci Bloom, la créatrice talentueuse et épouse de Nick Cave se confie à L’Officiel.

L’Officiel : Qu’est-ce qui vous a convaincue d’être le visage de Gucci Bloom Profumo di Fiori ? Susie Cave : Je connais Alessandro Michele depuis longtemps maintenant, et il est tout simplement l’une des personnes les plus généreuses et adorables qu’il m’ait été donné de rencontrer. Ma famille et moi l’aimons énormément, et il m’a tellement aidée, aussi bien professionnellement qu’à titre personnel. Au-delà de ces liens, il est évidemment l’un des designers les plus doués de sa génération, et c’était pour moi un honneur d’être sollicitée pour cette campagne. Je me suis laissée entièrement guider – ce que j’ai parfois du mal à faire –, je savais que j’étais entre les mains d’un maestro, et j’étais donc en pleine confiance. Comment s’est déroulée votre collaboration ? C’était extraordinaire de pouvoir voir Alessandro travailler, d’être aux premières loges de son processus créatif. Sa connaissance profonde de l’essence même de la beauté et la façon dont il achève les choses sont vraiment bluffantes.

C’est un vrai perfectionniste, et j’ai appris beaucoup à son contact. J’admire la façon dont il poursuit sa vision sans faire le moindre compromis, c’est un véritable génie. Vous êtes vous-même designer, et avez créé votre marque, The Vampire’s Wife. Où trouvez-vous l’inspiration pour vos créations ? Partout. Dans la musique et la littérature bien sûr, mais aussi dans des éléments aussi divers que la végétation, les contes pour enfants, les ballets russes, la religion, la poésie, la flamboyance du Hollywood d’antan et les animaux. Tout, sans exception ! Quelles sont les muses qui vous inspirent en matière de beauté et de style ? Ma muse absolue, c’est la grande Isabelle Adjani. Pure et intemporelle. Quel rôle joue la fragrance dans votre style si particulier ? Pour me plaire, un parfum doit remplir deux conditions : être pur et minimaliste, et en second lieu il doit plaire à mon mari. Vous formez un couple iconique avec Nick Cave. Comment vous inspirez-vous

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mutuellement, bien que vous évoluiez dans les domaines différents que sont la mode et la musique ? La vérité, c’est que nous sommes tous deux très impliqués dans le travail de l’autre. Il a des opinions très arrêtées sur les vêtements, et ne manque pas de faire savoir ce qu’il aime et ce qu’il déteste. La mode féminine l’enthousiasme plus que tout, et c’est pareil pour moi dès lors qu’on parle de musique. La musique constitue un pilier absolu de ma vie et de mon quotidien, ce qui fait que j’ai également mon mot à dire sur ses œuvres. Nous nous soutenons et apprenons l’un de l’autre sans cesse. Si vous deviez dresser un portrait de la femme Gucci, quels mots vous viendraient à l’esprit ? Audacieuse, puissante, fluide, joueuse, engagée, peu orthodoxe et, surtout, très belle ! Les secrets de beauté qui vous suivent partout ? L’eau de rose et la poudre de talc. Deux essentiels dont je ne peux me passer. Par Mélanie Mendelewitsch

Photo Gucci

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Voyages olfactifs On s’offre un surplus d’évasion grâce à ces cinq nouveautés, concentrés d’été indien.

1. My Way, Giorgio Armani. Fleur d’oranger, bergamote de Calabre, jasmin et tubéreuse : outre son cocktail prometteur et son nom synonyme d’indépendance, le dernier-né de la maison Armani fait le choix d’une fragrance écoresponsable, aux ingrédients sourcés avec soin et contenus dans un écrin rechargeable. 2. Coco Mademoiselle L’Eau Privée, Chanel. Véritable invitation à l’exploration de contrées exotiques, le nouveau chapitre de l’épopée Coco Mademoiselle devrait nous aider à patienter jusqu’à notre prochaine escapade grâce à la rencontre au sommet de la rose et du jasmin. 3. L’Initial, Guerlain. Réédition du mythique Shalimar Parfum Initial, la nouvelle composition de Thierry Wasser célèbre l’orange, le jasmin, la rose de Turquie et l’iris, mix corsé d’une pointe de fève tonka, de vanille, de caramel et de musc blanc. 4. Serpent Bohème, Boucheron. Hommage parfumé au bijou protecteur de la maison Boucheron, ce floral fruité associe l’effervescence pétillante de la mandarine et du cassis à la fraîcheur d’un bouquet de roses. 5. Oud Blanc, Van Cleef & Arpels. Capiteux, sensuel, porté aux nues par les addicts de fragrances orientales : on croyait tout savoir sur le bois d’oud. C’était sans compter sur le dernier opus de la Collection Extraordinaire qui révèle une facette méconnue de cette matière mystérieuse aux vertus purificatrices. Par Mélanie Mendelewitsch

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Photos DR

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La patte McGrath

Photo DR

La make-up genius dévoile son nouveau mascara Dark Star à la formule inédite, dernier indispensable beauté.

Adepte du maquillage nude ? Passez votre chemin. La “mother” idolâtrée par l’internationale des beauty addicts dévoile ses nouveautés, hits d’une rentrée qu’on aimerait à nouveau placée sous le signe de la légèreté. Au menu ? Des textures incomparables, marque de fabrique de Pat McGrath, qui a fait la réputation sans faille de sa marque éponyme. Sa collection Mothership VII Divine Rose autorise toutes les audaces, notamment

grâce à la pigmentation quasi irréelle de ses fards à paupières. Des accroche-lumière qui invitent à l’expérimentation et qu’on couronne volontiers de son Dark Star Mascara, concentré de volume à l’origine des looks ultra sexy repérés sur les derniers défilés Chloé et Louis Vuitton. Un lancement célébré sous l’œil de Steven Meisel, ami intime et collaborateur de la célèbre maquilleuse depuis plus de deux

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décennies, qui signe la campagne de ce nouveau produit star. L’occasion rêvée de célébrer les muses de la make-up artist, casting impressionnant où Naomi Campbell, Irina Shayk, Damian Hurley, Salomon Diaz et Maty Fall Diba (en photo) côtoient Leon Dame et Tess McMillan, sans oublier Hudson Kroenig et Marisa Berenson. Par Mélanie Mendelewitsch

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Couleurs du temps

L’Officiel : Après des années de création dans le domaine du parfum, qu’est-ce qui vous a poussé à lancer une ligne de make-up ? Ben Gorham : J’ai créé Byredo il y a presque quinze ans, et me suis d’abord focalisé sur la fragrance. Il y a cinq ans, l’envie de me lancer dans la cosmétique et le maquillage a clairement émergé. Dans le même temps, je me suis familiarisé avec le travail d’Isamaya. Au-delà de son talent, j’ai eu la sensation qu’elle et moi partagions le fait d’appartenir à une même industrie, mais avec des parcours très différents de ceux de nos pairs. Après l’avoir rencontrée, il est devenu évident qu’elle était la personne parfaite pour ce projet. Ma première bataille a été de réaliser que je ne connaissais rien au maquillage ! Isamaya m’a guidé. L’idée d’intemporalité a aussi été l’un des piliers de ce processus créatif. J’ai utilisé des objets anciens comme références, des pièces dont il est difficile de dire si elles ont été créées hier ou il y a trois millénaires. Comment s’est déroulée votre collaboration ? Isamaya Ffrench : Nos premières discussions

tournaient autour de la couleur, nous essayions alors de trouver des références communes. La couleur est ma passion, et je souhaitais créer un produit phare pour Byredo. Cela a donné naissance à la série de Colour Sticks. B.G. : La création de produits est pour moi un processus très émotionnel. J’ai toujours l’espoir de créer un lien particulier avec mes clients, et le dialogue que j’ai engagé avec Isamaya en est la parfaite illustration. Isamaya, vous avez collaboré avec de nombreuses marques de cosmétiques. Qu’est-ce qui vous a convaincue de vous lancer dans ce projet ambitieux avec Byredo, et quelles ont été vos inspirations pour cette collection ? I.F. : Je n’avais aucune envie de créer une énième marque sans spécificité particulière. Si nous nous lancions dans cette aventure, il fallait vraiment que nous fassions les choses différemment des autres. J’ai voulu mettre l’expression de soi au cœur du processus créatif, et imaginer une nouvelle façon d’envisager le maquillage, quelque chose de plus conceptuel que ce que l’on peut voir à

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longueur de campagnes publicitaires. Selon moi, il y avait une vraie place à prendre sur le marché quant à la couleur pure, et j’ai voulu créer des outils dignes d’artistes professionnels. C’est ainsi que notre Colour Library Byredo est née. Je me suis inspirée des couleurs de paysages que j’aime pour obtenir un panel complet de teintes. Le résultat, ce sont les 16 Colour Sticks, avec des formulations du plus mat au plus glossy. Comment la fragrance et le maquillage peuvent-ils se compléter selon vous ? B.G. : Quand j’ai créé Byredo, il me semblait absurde d’avoir des parfums distincts pour les hommes et les femmes. Je considère que cela vaut aussi pour le maquillage et la couleur. Cette fluidité nous met sur la voie d’une évolution positive selon moi. Par ailleurs, le maquillage a aussi une senteur et j’avais deux parfums en tête, liés à la violette et à l’iris, qui m’évoquaient les fards des 80s et 90s que ma mère portait, mais aussi des notes vanillées très actuelles. J’ai voulu amener un autre niveau de sophistication avec des touches fruitées et florales, ce qui a donné leur parfum unique à nos rouges à lèvres.

Photos Byredo

Ben Gorham, fondateur de la marque Byredo, et Isamaya Ffrench, talentueuse make-up artist, nous racontent la génèse de leur première collection de maquillage.

L’industrie du maquillage évolue beaucoup et soulève des débats quant à son inclusivité. Diriez-vous que le maquillage peut être vecteur d’empowerment et avoir une portée sociétale, et si oui dans quelle mesure ? B.G. : Notre mission première sur ce projet a d’abord été d’utiliser la couleur pour raconter des histoires différentes, afin d’inciter les gens à s’exprimer dans leur individualité. I.F. : J’ai l’impression que l’heure est à une plus grande créativité en matière de maquillage, notamment du fait de l’émergence des réseaux sociaux, de la façon dont nous repensons les critères de beauté et de l’apparition d’une certaine fluidité de genre. Tout est question d’appropriation, d’expression de soi. Les personnes à la peau noire portent par exemple du bleu ou du vert sur les lèvres ; cela redéfinit les standards, et c’est sublime. Je trouve toutes ces problématiques passionnantes, et elles ont nourri ma réflexion quand j’ai développé les Colour Sticks. Nous avons voulu aussi repenser nos moyens de communication. Nous ne

voulions pas avoir une représentation figée avec un mannequin précis, ni définir “la femme Byredo” de façon exclusive. Nous avons donc opté pour une campagne pensée par un artiste digital, un pari audacieux qui nous a permis de transmettre la philosophie et l’esthétique de notre vision à travers une image 3D. Quelles sont les muses ou les artistes qui vous ont inspirés dans l’élaboration de cette collection ? I.F. : Yves Tumor a été une influence majeure. C’est un performeur incroyable, et un musicien authentique. Je n’ai pas l’habitude de me référer à des muses précises en général, mais je dois dire que les jumelles Giulia et Camilla Venturini sont en parfaite adéquation avec notre palette Corporate Colour. Les tendances beauté que vous aimez et que vous détestez ? I.F. : J’aime effacer les sourcils, et je déteste la tendance du monosourcil ! Beaucoup de femmes ont du mal à sortir de leur zone de confort dès lors qu’il est question de maquillage. Quel conseil leur

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donneriez-vous afin de les aider à expérimenter davantage ? I.F. : Essayer des teintes chaudes et métalliques. Une option idéale pour insuffler un peu de nouveauté sans aller trop loin. Les teintes cuivrées, les marrons métalliques et les couleurs bronze sont d’excellentes alternatives aux smoky classiques. Si vous ne deviez garder que trois essentiels de votre collection, quels seraient-ils ? I.F. : Les Colour Sticks pour commencer. Il s’agit du premier produit que j’ai imaginé pour Byredo, et j’adore le fait que chacun puisse avoir son produit fétiche parmi la large gamme de teintes. Je citerais aussi le mascara, sa brosse est très petite ce qui permet d’atteindre le ras des cils avec précision. Et enfin, le baume à lèvres, composé à 99 % d’huiles naturelles, très nourrissant et hydratant. Produits disponibles en exclusivité aux Galeries Lafayette et sur le site de Byredo. Propos recueillis par Mélanie Mendelewitsch

BE WELL

Peau neuve

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Les Galeries Lafayette accueillent le Skin Studio Seasonly, enseigne beauté parmi les plus désirables du moment.

Une pause self-care au beau milieu d’un marathon shopping ? Si le phénomène est assez courant dans les malls de la cité des Anges, la capitale française tarde à lui emboîter le pas. C’est pourtant le pari des Galeries Lafayette qui dévoilent le Skin Studio de Seasonly, niché au deuxième étage du grand magasin. Un stand rose poudré composé de deux bulles intimistes, écrin instagrammable où découvrir les bienfaits de

la jeune marque de cosmétiques créée par Fany Péchiodat. Des soins qui misent sur la transparence, aux formules volontairement réduites et aux actifs sourcés minutieusement. Sous les doigts experts des facialists maison, on renoue avec les fondamentaux : pas de formule alambiquée ni de protocole à rallonge, ces prêtresses du glow préfèrent miser sur le massage facial et la stimulation manuelle, secrets d’une peau resplendissante. Selon les

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indications cutanées et l’humeur du jour, on opte pour la formule Summer Glow qui prolonge l’éclat estival ou pour le soin tonique Flash Gym, danse des doigts qui lifte les traits. Des parenthèses ressourçantes de 15 à 60 minutes qui permettent de recharger nos batteries avant de reprendre le chemin des cabines d’essayage. Par Mélanie Mendelewitsch

ADRESSES

MODE, JOAILLERIE & HORLOGERIE A.P.C. apc.fr Acne Studios acnestudios.com Adrienne Landau adriennelandau.com Alaïa maison-alaia.com Alexandra Golovanoff alexandragolovanoff.com Alexandre Vauthier alexandrevauthier.com Angel Chen angelchen.com Artemas Quibble artemas-quibble.com Atlein atlein.com Audemars Piguet audemarspiguet.com Azzaro azzaro.com Baroqco baroqco.com Beaufille beaufille.com Berluti berluti.com Bottega Veneta bottegaveneta.com Boucheron boucheron.com Buccellati buccellati.fr Bulgari bulgari.com Burberry burberry.com Calzedonia calzedonia.com Camper camper.com Carel carel.fr Cartier cartier.fr Casablanca casablancaparis.com Causse causse-gantier.fr Celine celine.com Chanel chanel.com Charles de Vilmorin charlesdevilmorin.fr Chaumet chaumet.com Christian Louboutin christianlouboutin.com Christopher John Rogers christopherjohnrogers.com Chufy chufy.com Comptoir des Cotonniers comptoirdescotonniers.com Coperni coperni.fr David Hart davidhartnyc.com Desigual desigual.com Dior dior.com Dolce & Gabbana dolcegabbana.com Dunhill dunhill.com Elmira Medins elmiramedins.com Emporio Armani armani.com Fabrizio Viti fabrizioviti.com

Falke falke.com Fendi fendi.com Galvan galvanlondon.com Giambattista Valli giambattistavalli.com Gucci gucci.com Harry Winston harrywinston.com Hermès hermes.com Isabel Marant isabelmarant.com Jacquemus jacquemus.com Jaeger-LeCoultre jaeger-lecoultre.com James Veloria jamesveloria.com Jennifer Meyer jennifermeyer.com Julie de Libran juliedelibran.com J.W. Anderson jwanderson.com Kenzo kenzo.com Khaite khaite.com La Redoute laredoute.fr Laura Lombardi lauralombardi.com Lemaire lemaire.fr LHD thewebster.us Loewe loewe.com Louis Vuitton louisvuitton.com Maison Margiela maisonmargiela.com Maison Michel michel-paris.com Mango mango.com Manolo Blahnik manoloblahnik.com Marc Jacobs marcjacobs.com Marina Rinaldi marinarinaldi.com Marques’Almeida marquesalmeida.com Max Mara maxmara.com Michael Kors michaelkors.fr Miu Miu miumiu.com Molly Bracken mollybracken.com Monica Sordo monicasordo.com Nemozena nemozena.com New York Vintage newyorkvintage.com Nicolas Lecourt Mansion nicolaslecourtmansion.com Nodaleto nodaleto.com Off-White off—white.com Ottolinger ottolinger.com Patek Philippe patek.com Paul Stuart paulstuart.com Pilgrim Vintage pilgrimnyc.com

Pinko pinko.com Prada prada.com Proenza Schouler proenzaschouler.com Re/Done redone.com Repetto repetto.fr Rolex rolex.com Saint Laurent ysl.com Salvatore Ferragamo ferragamo.com Sarah Aphrodite sarahaphrodite.com Schiaparelli schiaparelli.com Swarovski swarovski.com Telfar telfar.net The Label Edition thelabeledition.com Tiffany & Co tiffany.fr Valentino valentino.com Van Cleef & Arpels vancleefarpels.com Vanessa Bruno vanessabruno.fr Vanessa Seward vanessaseward.com Vaquera vaquera.nyc We Love Colors welovecolors.com Wing + Weft wingweftgloves.com BE WELL & LIFESTYLE Boucheron boucheron.com Byredo byredo.com Chanel chanel.com Dior dior.com Giorgio Armani armani.com Gucci gucci.com Guerlain guerlain.com Ho Karan hokaran.com Pat McGrath patmcgrath.com Skin Studio Seasonly aux Galeries Lafayette : 2e étage du magasin Coupole, 40 boulevard Haussmann, Paris 9e. Tél. 01 42 93 20 28. Van Cleef & Arpels vancleefarpels.com

XAVIER LAVICTOIRE - REIMS

L’ A B U S D ’ A L C O O L E S T D A N G E R E U X P O U R L A S A N T É . A C O N S O M M E R AV E C M O D É R AT I O N .

Depuis un siècle, ce magazine a été la voix officielle de la mode, en commençant comme héraut et porte-parole de la couture française à Paris puis en se multipliant en une collection de publications internationales. Le tout premier numéro, à l’automne 1921, déclinait déjà dans ses pages trois langues – le français, l’anglais et l’espagnol –, et aujourd’hui L’Officiel existe dans plus de vingt pays. Avec un regard particulier sur la façon dont nous nous habillons et sur ce que la mode crée, L’Officiel a survécu à de multiples révolutions et à une guerre mondiale, ne cessant jamais de paraître pendant les tourmentes ou les crises mondiales.

Déployant les technologies du moment – de l’illustration à la photographie, du film à Instagram ou à la vidéo –, sa mission a toujours été de réfléchir sur l’univers de la mode avec un œil sur le passé et une vision pour l’avenir. Dans ce monde qui bouge vite, nous voulons ramener un regard honnête et direct sur la mode et favoriser un dialogue constructif et respectueux entre les cultures et les continents. Cette section globale spéciale de L’Officiel veut célébrer la mode avec sincérité et sans prétention, en commençant par s’interroger sur ce que le style français symbolise dans une culture cosmopolite. Se concentrer, non pas sur ce qui nous divise, mais sur ce qui nous unit.

A NEW ENERGY/ A NEW WORLD

Shayna McNeill et Alton Mason racontent une nouvelle mode, entre hÃ©ritage fashion et joie de vivre. Photographie CASS BIRD Stylisme STELLA GREENSPAN

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PAGE PRÉCÉDENTE, ALTON : Blazer, chemise et pantalon,TELFAR. Ceinture de smoking, GIORGIO ARMANI. Boots, JAMES VELORIA. SHAYNA : Robe, GUCCI. Bottes, LEMAIRE. Ceinture et boucles d’oreilles, PILGRIM VINTAGE. CI-CONTRE : Blazer, pantalon et collier, BERLUTI. PAGE DE GAUCHE : Veste à paillettes, VAQUERA. Chapeau à plumes, NEW YORK VINTAGE. Broche, PILGRIM VINTAGE.

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CI-CONTRE, ALTON: Blazer, DUNHILL. Col roulé, DAVID HART. Leggings, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELLO. SHAYNA : Blazer, blouse et leggings, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELO. Boucles d’oreilles, LAURA LOMBARDI.

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137 CI-CONTRE : Pull,

A.P.C. Jupe, ALAÏA. Chemise, SARAH APHRODITE. Béret, NEW YORK VINTAGE. Bracelet, PILGRIM VINTAGE. Collant, CHANEL. Bagues, TIFFANY & Co. PAGE DE GAUCHE, ALTON : Manteau,MARC JACOBS. SHAYNA : Veste, jupe et collant, JUNYA WATANABE.

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et jean, A.P.C. Chemise, PAUL STUART. SHAYNA : Veste, pull et jean, A.P.C. Chemise, PAUL STUART. Bague, CARTIER.

CI-CONTRE : Robe, SCHIAPARELLI. Gants, WING + WEFT. PAGE DE DROITE, SHAYNA : Veste à plumes, ADRIENNE LANDAU. Brassière et culotte, FENDI. Ceinture, SARAH APHRODITE. Collant, FALKE. Chaussettes, WE LOVE COLORS. Boucles d’oreilles, LAURA LOMBARDI. Escarpins, MARC JACOBS. ALTON : Veste à plumes, ADRIENNE LANDAU. Pantalon, BEAUFILLE. Ceinture, ARTEMAS QUIBBLE. Boots, CELINE PAR HEDI SLIMANE. SET DESIGN : Marla Weinhoff

Studio. COIFFURE : Dylan Charles. MAQUILLAGE : Frank B. MANUCURE : Lolly Koon.

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C’est un mystère que nous envie le monde entier. Le style français défie toute explication, tout manuel, toute analyse. Toujours tranchante, Coco Chanel avait lancé ce slogan : “La mode se démode, le style jamais.” Et l’enfant terrible Saint Laurent avait, lui, adapté ce bon mot à sa façon : “Les modes passent, le style est éternel.” Finalement, ces deux grandes légendes de la mode made in France, si radicalement opposées, étaient tombées d’accord pour poser cette quête quasi-existentielle : celle du style. Complexe, forcément différent, qui échappe à ceux qui le cherchent avec trop d’efforts. Un graal moderne, une attitude qui fait exister une personnalité sincèrement à travers le vêtement. Pour approcher cette vérité ultime, nous avons demandé à trois femmes exceptionnelles, aux regards uniques sur la mode et le monde, de mettre en scène “le style à la française” dans trois histoires de mode. Julie de Libran a imaginé sur le mannequin Tina Kunakey Cassel une mode sexy et moderne. Ayant grandi entre Aix-en-Provence et San Diego, puis étudié et travaillé à Milan auprès de Gianfranco Ferré, Gianni Versace ou Miuccia Prada, avant de revenir à Paris pour devenir la directrice artistique de Sonia Rykiel puis de sa propre marque, Julie de Libran a pu affûter son regard si français en contraste avec les autres langages de mode qui l’ont entourée. Laure Hériard Dubreuil, Parisienne brillante diplômée en économie, mandarin puis en merchandising au Fashion Institute

of Technology, a fondé le concept store de luxe doublé d’une face e-commerce The Webster à Miami en 2007. Pour nous, elle a créé une mode à son image : arty, passionnée, exclusive, colorée… faisant le lien entre les deux continents. Vanessa Seward, bien qu’elle soit née en Argentine et ait grandi à Londres, incarne à sa manière le style français, celui qu’elle aime, un esprit couture ou casual, paradoxalement intemporel et seventies. Elle a d’ailleurs travaillé aux accessoires chez Chanel et Saint Laurent avant de devenir pendant huit ans directrice artistique d’Azzaro, maison symbolisant l’élégance française. Pour L’Officiel, elle a conçu une mode vintage, sage et pleine de fraîcheur sur la jeune Zoé Lenthal. Ultra-chic. Enfin, pour incarner cette Française idéale, nous avons choisi l’actrice Lyna Khoudri, bientôt à l’affiche du nouveau film de Wes Anderson tourné en France The French Dispatch, qui revisite ici pour nous l’esprit Nouvelle Vague, le style intemporel et si moderne porté dans les sixties par Anna Karina, la muse amoureuse de JeanLuc Godard. Ces quatre histoires de mode prouvent, chacune à leur manière, qu’Henry de Montherlant avait raison en écrivant : “La vraie force du style est dans le sentiment.”

—Delphine Valloire

Dans cette collaboration entre Julie de Libran et le top Tina Kunakey, le glamour sâ&#x20AC;&#x2122;invite dansÂ le Paris du quotidien. Photographie SONIA SIEFF

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PAGE PRÉCÉDENTE: manteau, brassière

et culotte en laine et jupe en tulle, Collier en argent et sac en métal et strass AN Derbies en cuir, A N N avec pochette brodée de paillettes,

SS S

H :

Robe deux pièces, haut et jupe en mousseline de soie brodée de franges à paillettes transparentes AN Souliers en cuir argenté, et miroir,

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CI-DESSUS: Haut PAGE DE DROITE:

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brodé de sequins et chocker en métal doré, A N N

Body tricoté, jupe en lin à découpes au laser et sandales à lanières en cuir, A

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CI-DESSUS: Robe-pull A

à capuche en maille mélangée, jupe longue en coton ciré et ceinture en cuir de veau grené,

H : Body

en maille stretch, brassière en agneau plongé et jupe longue Édition en agneau plongé, A A A

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CI-DESSUS: Chemise A

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H : Veste

et pantalon en satin de soie et sandales à talons à cuir verni,

A A

à double boutonnage en laine et pantalon extra-large coordonné, S H A A

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H : Pull

en maille de cachemire, jupe en cuir d’agneau fin, sac Kelly en veau Barénia, boucle d’oreille et chaussures en veau Toscan, H

CI-DESSUS: Col

écharpe en laine vierge et cape manteau en laine vierge, A AN A AN N A H S AN Bottes en cuir, SA et jean en coton,

ASS S AN

STYLISME: Julie de Libran. A : Pier Arno. ASS S AN H

Veste en laine, débardeur en coton A AN

A : Harold James. Daval. ASS S AN S Y S : Kenzia Bengel de Vaulx.

A : Vivian

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Vanessa Seward fait équipe a e la i irl Zoé Lenthal dans une collaboration le contemporain rencontre le vintage. Photographie MAXWELL GRANGER

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PAGE PRÉCÉDENTE:

Robe en soie rebrodée de sequins, CELINE PAR HEDI SLIMANE. Ceinture, perso.

CI-DESSUS ET PAGE DE DROITE: Robe en georgette de soie, Serre-tête en velours, VANESSA SEWARD. Bagues en or blanc et diamants et bracelet en or jaune, diamants et nacre, A . (SUSPENDUE DERRIÈRE) Robe en mousseline, CHANEL. À DROITE: Blouse

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en soie, SAINT LAURENT. Ceinture en cuir, VANESSA SEWARD A NS Jupe et santiags, perso.

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CI-DESSUS: Chemise

en coton imprimé, jupe-culotte en denim et ceinture en cuir, AN SSA S Nœud à strass, VANESSA SEWARD. Santiags, perso.

PAGE DE DROITE: Blouse

en soie rayée à col Claudine, nœud papillon en coton et soie et ceinture en cuir, CELINE PAR HEDI SLIMANE. A . Pantalon en velours à bandes en gros grain, DIOR. Bracelet en or jaune, diamants et nacre,

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CI-DESSUS: Robe PAGE DE GAUCHE: Chemise STYLISME: Vanessa

en soie rebrodée de sequins, CELINE PAR HEDI SLIMANE. Ceinture, perso.

en denim, AN SSA S

NS Jupe en soie jacquard, CHANEL. Santiags, perso.

Seward. COIFFURE: Margot Moine. MAQUILLAGE: Virginie Huielart. ASSISTANT PHOTO: Benjamin Bill. ASSISTANT STYLISME: Kenzia Bengel de Vaulx.

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Que se passe-t-il quand le style parisien se mélange l a i de bohème de Los Angeles ? Laure Hériard-Dubreuil raconte cet éclectisme s r n as in d e a ri s ran ais Photographie CHANTAL ANDERSON

SOKO Auteure-compositrice-interprète, également actrice, a sorti son troisième album “Feel Feelings” cet été. Elle porte une chemise CASABLANCA, un jean RE/DONE et des lunettes de soleil LOEWE X PAULA’S IBIZA.

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JUDITH GODRÈCHE é érence du cinéma ran ais, l’actrice sera l’a fiche du dernier film de ichael ngelo ovino, The limb . Elle porte une chemise ACNE STUDIOS, un pantalon LHD et des boucles d’oreilles MONICA SORDO. A : Soko porte un gilet GUCCI et un pull LOEWE X PAULA’S IBIZA.

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ALEXA FALLICA A

anne uin ALEC BE Auteur-compositeur-interprète. Ils sont tous deux de jeunes talents émergents. Alexa porte un pull LHD. Alec porte un pull LOEWE. A H : Soko porte un pull LOEWE X PAULA'S IBIZA. Judith porte une chemise ACNE STUDIOS.

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SONIA AMMAR est manne uin, actrice et musicienne. lle porte un costume VETEMENTS. A Â : Alexa porte un haut KHAITE. Alec porte une chemise ACNE STUDIOS.

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ISABELLE SAUBADU Styliste et designer. DON RAPH ncien joueur de ootball devenu peintre abstrait. Elle porte une combinaison FENDI et des boots CELINE PAR HEDI SLIMANE. Lunettes de soleil et boucles dâ&#x20AC;&#x2122;oreilles, perso. Lui porte une chemise GUCCI, un pantalon OFF-WHITE et son propre chapeau.

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N AS : Sonia

N : Sonia porte un costume VETEMENTS, des mocassins CELINE et un collier JENNIFER MEYER. porte une robe LHD, (à l’épaule) un sac MARQUES’ ALMEIDA, (à la main) un sac BOTTEGA VENETA et ses propres tennis.

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N : Alexa porte une robe PROENZA SCHOULER et un bracelet CHANEL. Judith porte un cardigan LHD, une jupe GALVAN, un collier JENNIFER MEYER et des boucles d’oreilles MONICA SORDO.

: ASS S AN

olly

ills.

Kalea allo ay. ASS S AN

A S Y S

: Sandy : Linda

Ganzer. Addouane et Gigi Freyeisen.

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Paris by Lyna Lyna Khoudri, nouvel espoir du cinéma français rejoue la Nouvelle Vague dans les rues de Paris. Photographie MARILI ANDRE

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PAGE PRÉCÉDENTE: Pull

en laine et chemise en soie, PINKO.

SS S : Pull A

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: Cape

en laine,

réversible en cachemire, LOUIS VUITTON. Robe en velours rebrodée de cristaux Swarovski, EMPORIO ARMANI. Blouse en satin, N A H S AN Collant, FALKE. Chaussures en cuir verni, REPETTO.

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Manteau en laine et chemise en coton, PRADA. Jupe en laine, VANESSA SEWARD POUR LA REDOUTE. Chaussettes, FALKE. Chaussures en cuir, MAX MARA.

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RENDEZ-VOUS dans

LE 17E arrondissement de PARIS où la JEUNE COMÉDIENNE VIENT 18h30. La grande affaire du moment, c’est la sortie de The French Dispatch de Wes Anderson. “Quand j’ai tourné le f ilm, je n’avais pas reçu le césar pour Papicha de Mounia Meddour. Wes ne m’avait jamais vue sur un écran. Tout a commencé par une vidéo envoyée à la production. Un soir je me suis f ilmée avec mon téléphone. Je devais me présenter, raconter mes actions militantes. J’ai parlé de ma participation à un blocus dans mon lycée, à Saint-Ouen. Cette action, c’était surtout pour manquer les cours et aller danser dans la rue avec mes potes.” Trois semaines après, Lyna passe le casting à Paris sans savoir rien du rôle. “Je flippe parce que c’est en anglais. L’assistant de Wes me répond : ‘no stress, on n’a pas encore petit déjeuné’. Il me tend un pavé énorme, que des répliques hyper travaillées. J’ai trente minutes ! Plus tard, l ’assistant, adorable, m’indique les accents toniques de mots que je n’avais jamais prononcés de ma vie.” En attendant une réponse de la production, Lyna tourne à l’arrache un petit film avec des potes en Algérie. “C’était la première fois que j’allais dans le

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désert, j’étais émerveillée. Le reste du monde me semblait très loin. J’ai f inalement regardé mes mails un soir. Mon agent me cherchait partout pour m’annoncer que j’étais prise. Je ne savais toujours rien de mon rôle ! Ni qui allaient être mes partenaires.” Lyna se retrouve ainsi à Angoulême pour des essais costumes. Le jeu de piste à la découverte de son personnage continue. “Il y avait un mur avec tout le casting. Chaque nom inscrit était dingue… Tilda Swinton, Bill Murray, Willem Dafoe… Je me disais : c’est quoi ce mur ??? Et j’ai compris toute seule que Timothée Chalamet jouerait mon petit ami, et que Frances McDormand serait notre partenaire.” Sur le plateau, Lyna ne dispose que de ses répliques, à peu près quinze pages. “Puis, j’ai eu ma partie du scénario, soit quarante pages, mais je n’ai jamais eu le scénario en entier. Seule l ’équipe technique l ’avait. Alors entre acteurs on s’interrogeait, je croisais Bill Murray qui me racontait son tournage du jour. On a réussi à capter un peu l ’histoire. Mais il y a eu plein de choses découvertes

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PAGE PRÉCÉDENTE: Robe

en velours rebrodée de cristaux Swarovski, EMPORIO ARMANI. Blouse en satin,

A H

AN .

PAGE DE DROITE: Chemisier

en tricot de viscose avec col à bordure blanche, LILI SIDONIO. Ceinture box en cuir noir, PRADA. Jupe ample en cuir A-line en noir, THE LABEL EDITION. Chaussettes à pois en nylon blanc, FALKE. Chaussures en satin, REPETTO. Montre dorée, SWAROVSKI.

à la projection.” Dans The French Dispatch, Lyna Khoudri est Juliette, une étudiante qui vit un Mai 68 surréaliste. Casque de moto sur la tête, elle milite pour ses droits de femme indépendante et déterminée qui argumente sans cesse avec son petit ami, un Timothée Chalamet lui aussi très engagé. “Juliette me ressemble, elle ne se lance qu’après avoir réfléchi à tout.” Chaque soir à l’hôtel, l’ambiance est au cinéma. “Dans le hall il y avait sur une table des DVD à notre disposition. Les dîners, c’était presque des blind tests. Wes me disait : ‘Tu as vu Partie de campagne de Renoir ?’ ‘Non.’ ‘Vois-le.’ Je rentrais dans ma chambre et je le regardais tout de suite. Il y avait aussi Le Pont du Nord de Jacques Rivette. C’était LA référence pour mon rôle, notamment le casque de moto et le blouson en cuir de l ’héroïne jouée par Pascale Ogier. Juliette est aussi frondeuse qu’Ogier dans le f ilm. Ça m’a nourrie. Tout comme La Vérité de Clouzot. Bardot y est extraordinaire. Elle se défend, elle revendique. Juliette revendique aussi pas mal. J’avais sous mon casque la coiffure de Bardot. C’est impressionnant de voir l ’amour de Wes pour la culture française, pointue comme populaire. Il a mis Aline de Christophe dans le f ilm.

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Je lui ai fait découvrir Les Mots bleus. Wes sait parfaitement à quels moments mettre de la culture française et à quels autres rester le cinéaste américain qu’il est.” Depuis, Lyna a joué le rôle solaire, spontané et débrouillard de Diana dans Gagarine de Fanny Liatard et Jérémie Trouilh. “C’est un f ilm humaniste sur la banlieue et les banlieusards. Une œuvre onirique, positive.” Lyna a grandi en banlieue. “Je suis née en Algérie en 92, en pleine décennie noire de la montée de l ’extrémisme. On a dû fuir le pays. Mon père, journaliste très engagé, était en danger. Mais ma conscience politique est née avec les émeutes de 2005. En face de chez moi une usine a brûlé. On a dû dormir à l ’hôtel pendant une semaine. Ça m’a touchée directement. J’ai senti à ce moment-là que, fondamentalement, j’étais de ce côtélà, du côté des émeutiers.” Lyna n’abandonne pas pour autant l’Algérie. “Quand tu es à Alger, tu sens l ’âme de la ville, l ’Empire ottoman, la France d ’Haussmann, les cinquante dernières années plus arabisantes…” Ce mélange de cultures, Lyna le travaille. “On ne parlait pas arabe à la maison. Quand j’allais en Algérie, petite, mon père était mon traducteur. Mais en secret j’enregistrais

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PAGE DE DROITE: Body PAGE SUIVANTE: Robe, EMPORIO S Y S

: Vanessa

Bellugeon. Lucas

en maille de laine style Mariner avec grand col, MIU MIU.

ARMANI. Blouse, CELINE. Collant, FALKE. Chaussures en cuir verni, REPETTO.

: Nabil

Harlow.

mentalement les conversations de ma famille, et puis un jour, à force d ’écouter, j’ai parlé arabe.” L’Algérie pour Lyna, c’est aussi l’Histoire et notamment la colonisation. “La guerre d ’Algérie et la colonisation sont une horrible folie. Impossible de se rendre compte à quel point. J’ai lu mille livres sur le sujet qui m’ont menée à Aimé Césaire, Frantz Fanon… Ces écrivains contestataires m’ont construite. J’ai su d ’où je venais et qui j’étais vraiment grâce à eux.” L’Algérie, l’Orient, sont tatoués au poignet de Lyna. “C’est une main de Fatma. Mais je regrette ce tatouage. Je ne veux plus de marque gravée sur moi.” Sur son T-shirt, une broderie rose Yves Saint l’Oran. “C’est une amie qui lance sa marque, Atlal. Elle brode sur ses pièces un mot en français et un en arabe.” Lyna définit son style vestimentaire comme classique, “mais j’aime avoir le bon sac, les bonnes chaussures. Je peux me changer trois ou quatre fois avant de sortir.” Suit-elle la mode ? “J’aime beaucoup Valentino. Une pièce de Valentino se porte toujours, comme un tailleur Chanel, là où des créateurs plus fun se démodent. Valentino, ça transpire l ’amour, c’est chaud, très incarné.” Se verrait-elle égérie d’une marque ? “Je ne sais pas. Ce n’est pas mon métier, même si je trouve que la collaboration entre Rihanna et Dior a du

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: Gregoris. ASS S AN

: Enzo

Le Hen. ASS S

AN S Y S

: Cindy

Lucas

sens.” Dior justement, il en est question dans Haute Couture de Sylvie Ohayon. “C’est une comédie sociale : une jeune f ille de banlieue fait son apprentissage avec une première d ’atelier de chez Dior jouée par Nathalie Baye. J’ai passé beaucoup de temps dans ce monde des ateliers. J’ai vu ce qu’était la perfection de la méthode, l ’exactitude du savoir-faire.” En attendant la sortie de cette comédie, Lyna prépare son prochain rôle pour un film encore secret. “Deux heures de natation et une heure de muscu par jour. C’est beaucoup plus intense que mes dix ans de modern jazz. Je voulais être danseuse. C’était ma passion avant le cinéma.” Cinq minutes après s’être quittées, Lyna envoie un sms : “L’Histoire d’Adèle H. Adjani !… On n’a pas parlé d ’Isabelle Adjani mais elle fait partie de moi.” The French Dispatch, de Wes Anderson, sortie le 14 octobre 2020. Gagarine, de Fanny Liatard et Jérémie Trouilh, sortie le 18 novembre 2020. Haute Couture, de Sylvie Ohayon, sortie décembre 2020.

—Virginie Apiou

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Propos recueillis par PAMELA GOLBIN

PHOTOS ARCHIVES PIERRE CARDIN

Rencontre sous le soleil provençal avec deux créateurs visionnaires le l endaire Pierre ardin e le alen e Simon Porte Jacquemus.

SUR CETTE DOUBLE PAGE, DES PORTRAITS DE PIERRE CARDIN ET SIMON PORTE JACQUEMUS DURANT L’INTERVIEW ; PIERRE CARDIN DANS SON A ANS S ANN S S N A S A N S N N S

PC : Non, j’ai ouvert une prison ! (il rit) C’est parce que je suis tributaire de toutes les responsabilités. J’ai toujours gardé les soucis pour moi. Les joies, le bonheur, les fêtes, c’est pour les autres. Les gens s’ennuient vite de nos difficultés. Ce n’est pas leur problème. SPJ : Moi, j’ai toujours partagé le positif, afin que le solaire de la marque rayonne sur les autres. L’O : PC :

Vous avez, comme on dit, plutôt bien assuré ? Oui, et dès le début, car je me suis toujours autofinancé.

Est-ce difficile d’être à la fois le créatif et le PDG d’une entreprise ? Oui, mais il y en a qui sont capables de faire les deux (il rit). C’est bel et bien mon cas ! SPJ : Idem, je pense que c’est important d’avoir un équilibre. Les matins, je m’occupe justement des responsabilités de la finance et les après-midi sont dédiés à la création. On ne peut pas être dans une bulle en permanence. Il faut absolument être dans la vie réelle. L’O : PC :

L’O : Est-ce qu’il y a parfois des décisions artistiques qui sont prises dans un but financier ? SPJ : Non, pas vraiment. En fait, tout doit faire bon sens sans oublier

Nous voici en Provence, confortablement installés au Café de Sade, en compagnie de Pierre Cardin, 98 ans, propriétaire des lieux et doyen de la mode française toujours en activité, attablé avec Simon Porte Jacquemus, 30 ans, jeune premier de la classe revendiquant haut et fort l’influence du maître. Ce qui les rapproche, c’est d’œuvrer en faisant bande à part, avec cette capacité frondeuse à s’émanciper en contournant les chemins tout tracés, pour s’élancer et voler de leurs propres ailes. À l’instar du château Lacoste haut perché, tout à la fois nid d’aigle et vaste domaine érigée par le légendaire marquis de Sade, qui culmine et domine le massif du Luberon. Pierre Cardin l’a racheté, ainsi qu’une grande partie du village escarpé accroché à flanc de colline. Aujourd’hui, pour nous recevoir, il est descendu de son repaire conduit par son chauffeur, un peu comme s’il franchissait en carrosse le couloir du temps. Confinement oblige, en ces temps d’incertitude où les gestes barrières sont de rigueur, leur présence presque côte à côte donne littéralement à voir le lien qui les relie en filigrane, dernier maillon essentiel rattachant l’âge d’or de la couture au flambeau du futur.

Courrèges ÉTAIT P

sources

—SIMON PORTE JACQUEMUS

l’humain. Je ne vais pas décider d’organiser un défilé dans trois semaines simplement parce que j’en ai envie ! Je pense au bien-être de mes équipes et à la durabilité de ce que je fais. L’O :

Comment définiriez-vous le succès ? C’est la réussite.

C’est exceptionnel d’être à la fois avec le doyen et le benjamin de la mode, à deviser autour d’un déjeuner estival. PIERRE CARDIN : J’ai été jeune moi aussi, je ne suis pas né vieux. Ça se voit non ? Alors trinquons ! À la jeunesse ! Et à la nouvelle créativité ! SIMON PORTE JACQUEMUS : À la vôtre !

Et c’est quoi la réussite ? C’est le travail. C’est par le travail que j’y suis arrivé. Il faut de la discrétion, de l’ambition, savoir se taire et regarder les choses en face.

L’O : Fait assez rare aujourd’hui, vous êtes tous les deux indépendants, seuls à la tête de vos maisons. PC : Moi, je l’ai toujours été. Je n’ai jamais eu de patron. J’avais les moyens de le faire. Je n’avais pas besoin d’aide. SPJ : Pour moi, c’était un choix. Je n’avais aucune envie de faire partie d’un grand groupe. Les chèques ne m’intéressaient pas. J’ai dit non à toutes les propositions des maisons et des financiers.

L’O : Quand a eu lieu le basculement, le moment où vous vous êtes dit : “Ça y est, j’ai réussi !” ? PC : En réalité on n’est jamais arrivé. SPJ : Mon équipe est mon plus grand succès. D’être copié est aussi un signe du succès. Quand on est copié par toutes les marques de fast fashion cela signifie que notre signature est là, que les gens l’achètent et la portent.

Pour l’instant ? Non, c’est une volonté délibérée. J’aime m’a liberté, je suis bien comme ça. Le plus grand défi pour un créateur est de rester libre.

Qu’est-ce que vous vous êtes offert avec le premier gros chèque ? J’ai payé mes employés ! SPJ : (Rire) Ah ! Les responsabilités ! PC : Dans ma maison, il y avait trois cents employés. Alors, vous comprenez, j’avais des sueurs froides tous les 28 du mois.

L’OFFICIEL :

L’O : SPJ :

L’O :

Et cette liberté vous pousse chaque fois à ouvrir des portes ?

PC :

L’O : PC :

Peut-on vous décrire comme des personnes chanceuses ? Je suis très conscient de ma réussite. Mais de mon travail également. Ce n’est pas comme Dior qui avait des partenaires financiers… SPJ : La réussite, le succès, la chance, c’est très personnel, intime même, ainsi que la manière dont chacun le perçoit. PC : Je voulais qu’on me reconnaisse… Je voulais me faire un nom. J’étais très conscient de ma volonté d’y arriver. J’en ai tout de même fait un atout puisque mon nom est devenu un phénomène social. L’O : PC :

L’O : Lorsque vous avez commencé tous les deux, est-ce que vous avez pensé à une femme en particulier, ou à un univers ? PC : Plutôt une forme, un volume. Une idée, une silhouette, portable, surtout portable. SPJ : Moi, je pense à une idée générale, à une histoire avec un titre comme Le Mépris de Godard. Quelque chose de très français. Raconter et être proche des gens aussi. Il y avait tout de même cette obsession de la femme depuis ma jeunesse, liée à une femme en particulier, ma mère, portant son propre nom, Jacquemus.

Quant à vous, Simon, je sais que vous entreposez vos collections. En effet, tout en double, plus des archives. C’est important, mais un peu tôt pour faire des expositions. Je n’y pense pas trop, même si conserver c’est quelque part y penser. Quand j’étais plus jeune, je rêvais d’être un grand couturier, mais aujourd’hui, j’ai juste envie de faire les choses d’une belle manière, d’être à l’écoute de ce qui se passe tout en restant proche de notre clientèle. En fait, je pense que c’est à la fois notre plus grand objectif et notre plus belle satisfaction. Je conçois mes collections de A à Z, ceintures, robes ou manteaux, c’est moi qui suis derrière tout, sincère et intègre. C’est ce qui me rend heureux dans ma vie. L’O :

SPJ :

L’O : Et vous avez séjourné à la résidence préférée de M. Cardin, le Palais Bulles à Théoule-sur-Mer… SPJ : C’était génial. J’ai vécu un rêve. C’était euphorique. J’adore cet endroit. En fait, j’en suis fan depuis des années. Dans mon esthétique, c’est une de mes références absolues. PC : Oh oui, c’est une sculpture habitable. C’est magique.

Est-ce que les volumes vous ont surpris ? C’était parfait. Et il y avait des céramiques de Picasso. Je suis obsédé par Matisse et Picasso. Il y avait des meubles, une lampe notamment que j’adore. Plein de choses comme ça que j’affectionne vraiment et qui font qu’on s’y sent bien. M. Cardin, comment êtesvous arrivé ici, à Lacoste ? PC : On m’a proposé d’acquérir le château du marquis de Sade. J’ai dit oui, sans y penser. L’O :

SPJ :

Et vous avez lancé l’homme il y a peu ? Oui, parce que j’ai eu envie de raconter des histoires autour de l’homme. Au début, avec la femme, c’était spontané. Mais là, il m’a fallu du temps pour comprendre ce que je voulais raconter à travers les collections masculines. L’O :

SPJ :

M. Cardin, la création masculine, vous en connaissez quelque chose ? Oh, bah, écoutez… C’est moi qui ai fait le premier prêt-àporter pour homme. J’étais toujours le premier… N’est-ce pas ? SPJ : C’est mieux d’être premier. L’O : PC :

L’O : PC :

Vous avez beaucoup investi dans l’immobilier. Ah ! Ça alors… Les emplacements Cardin, on connaît.

Pourquoi l’immobilier ? Parce que si c’est bien placé, on vend toujours. Je possède aussi le Palazzo Bragadin où a séjourné Giacomo Casanova à Venise. L’O :

Vous qui êtes du genre compétitif, avez-vous une activité ou un sport favori ? PC : Je n’en ai pas. Pour moi, c’est “work, work, work”. SPJ : Très moderne de dire ça ! “Work, work, work” ! L’O :

PC :

L’O : PC :

L’O : M. Cardin, parlez-nous de ces fameux couturiers parisiens de l’après-guerre que vous fréquentiez… PC : Dior, je l’ai connu avant sa marque, lorsqu’il était encore antiquaire. Il était timide.

S A

PHOTOS DR

S A H A

S A

L’O : M. Cardin, le Brooklyn Museum vient de vous consacrer une rétrospective. Qu’en pensez-vous ? PC : C’est la reconnaissance de mon travail. Ce n’est pas un hasard. C’est le résultat du labeur, du sérieux et de la personnalité. Il faut créer sa personnalité.

Casanova, le marquis de Sade, mais vous les collectionnez ? Eh bien oui, c’est ma destinée de collectionner des amoureux…

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L’O : PC :

Balmain n’était pas timide, lui. Non ! Il était play-boy !

Cristóbal Balenciaga ? Oui, je l’ai connu, mais il était toujours très discret. Très timide. SPJ : Si je me souviens bien, M. Cardin, vous m’aviez raconté que M. Dior avait rêvé toute sa vie d’être Balenciaga. PC : Exactement. C’est lui-même qui me l’a dit. L’O :

Qu’est-ce qui vous inspirait chez lui ? La naïveté des couleurs et des formes. Pour moi, son travail était très primitif, un peu comme du Picasso. PC : Il avait un style. L’O :

SPJ :

PC :

Et Chanel ? Oh… j’aimerais mieux ne pas en parler. Elle était jalouse de moi. J’étais extrêmement beau, jeune, avec du talent. Et elle était, malheureusement, d’un certain âge… SPJ : Ah, la jalousie dans la mode, c’est très dur. PC : Chaque fois, elle répétait : “Mais qui est ce jeune homme ? Comment s’appelle-t-il ?” Pourtant, je lui ai été présenté plus de vingt fois, d’autant qu’on la mettait toujours à mes côtés lors des dîners. Bref, elle ne disait que du mal des autres. Jalouse et méchante… SPJ : Tout ce que je ne veux pas être. PC : Mais elle avait beaucoup d’humour. SPJ : À 20 ans, quand j’ai commencé, j’ai ressenti dans les soirées et les cocktails des regards méchants provenant des anciennes générations. Je me suis toujours dit que je ferais exactement l’inverse. J’irai vers les jeunes, je les supporterai, comme je le fais avec Ludovic de Saint Sernin. Je refuse d’être là à penser qu’on va prendre ma place. PC : Quelle est la situation à Paris ? Y a-t-il des jeunes comme vous actuellement ? SPJ : Il y a beaucoup plus de monde depuis quelques années. Il y a dix ans, nous n’étions pas légion. Paris était un peu endormi et c’est vrai que ça bouge maintenant. L’O :

PHOTOS CARDIN, DR

PC :

C’est difficile la fraternité dans une même industrie ? Il y a toujours de la jalousie. Il y avait Courrèges avec moi, que j’aimais bien et qui avait beaucoup de talent. Beaucoup de talent ! SPJ : Oui, ses dessins sont magnifiques ! J’adore Courrèges aussi. Avec vous, c’était une de mes grandes sources d’inspiration.

Pour vous, vaut-il mieux être à la mode ou avoir un style ? Avoir un style, c’est évident ! Le style, c’est une marque. La mode, c’est passager. L’O : PC :

Crée-t-on la chance ou naît-on avec elle ? Difficile de répondre à cette question… Quoi qu’il en soit, il faut savoir la saisir. SPJ : C’est sûr, il faut la provoquer. PC : Quel âge avez-vous ? SPJ : 30 ans. PC : Oui, à 30 ans, j’avais déjà pas mal de monde dans ma maison. SPJ : Nous sommes un peu plus de 80 personnes. PC : Comme moi à l’époque. L’O : PC :

C’est bien parti alors ! C’est clair ! Il a tout devant lui. Mais il doit travailler d’arrachepied, même si les responsabilités sont de plus en plus lourdes. SPJ : Il est vrai que c’est moins léger qu’au début. L’O : PC :

M. Cardin, quel conseil donneriez-vous à Simon ? De travailler dans le silence, d’écouter sa conscience, et ne pas écouter les autres. L’O : PC :

L’O : PC :

Je crois qu’il a déjà accompli tout cela. Oui, mais il faut continuer. Débuter, c’est facile. C’est après…

Simon, quelle question aimeriez-vous poser à Pierre Cardin ? Existe-t-il des choses que vous voudriez changer ? PC : (Reprenant Édith Piaf) “Non, je ne regrette rien !” SPJ : (Rire) Je m’y attendais ! PC : “Ni le bien, ni le mal ! Tout ça m’est bien égal !”

L’O :

PC :

SPJ :

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Attitude MARQUÉE PAR L’ABSENCE de GRANDES MAISONS, SITUATION sanitaire OBLIGE, la COUTURE dévoile CETTE ANNÉE UNE SYMPHONIE BOURGEOISE PONCTUÉE de PIÈCES SPECTACULAIRES de HAUTE JOAILLERIE.

Haute Couture

Photographie AXLE JOZEPH Stylisme GAULTIER DESANDRE NAVARRE

PAGE D’OUVERTURE: Longue

veste en tweed avec détails chaînes et broderies, et bottes-pantalon en daim avec broderies camélias, CHANEL HAUTE COUTURE.

CI-DESSUS: Caftan

Parure

en cady brodé de raphia et cristaux et maxi chapeau de paille, DOLCE & GABBANA ALTA MODA; imosa en or jaune, péridots, citrines, tsavorites, diamants, perles et émeraudes, DOLCE & GABBANA ALTA GIOIELLERIA. PAGE DE DROITE: Manteau

en laine, collection Recicla, chapeau, sac, chaussettes thermo-isolantes, bottes Tabi en tartan et sandales Tabous en cuir, MAISON MARGIELA ARTISANAL DESIGNED BY JOHN GALLIANO_

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CI-DESSUS: Robe-manteau en brocart entièrement brodée à la main de dentelle en lurex et de cristaux, AZZARO COUTURE; Chapeau Derek en cuir, MAISON MICHEL; Boucles d’oreilles et broche Vossi en or blanc et diamants, CARTIER HAUTE JOAILLERIE; Sandales, CHRISTIAN LOUBOUTIN. PAGE DE GAUCHE: Trench

en coton, bustier en mousseline et pantalon, ALEXANDRE VAUTHIER COUTURE; Collier Zip Antique Ondée en or jaune, émeraudes, spinelles et diamants et bracelet Opart en or jaune, émeraudes, lapis-lazulis, onyx et diamants, VAN CLEEF & ARPELS. Gants, CAUSSE; Sandales, CHRISTIAN LOUBOUTIN.

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CI-DESSUS: Longue robe en tulle drapé et brodé d’une citation de Marcel Mariën, DIOR HAUTE COUTURE. Masque en métal et cristaux Swarovski, BAROQCO COUTURE JEWELRY. Bracelet Lumière en or blanc et diamants, VAN CLEEF &ARPELS. PAGE DE GAUCHE:

inirobe

paillettes la uées, cape en tulle et sandales en satin, GIAMBATTISTA VALLI HAUTE COUTURE.

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CI-DESSUS:

PAGE DE GAUCHE: Veste

ongue robe manteau en t eed brodé de strass et boutons bijoux et escarpins en cuir et gros grain, CHANEL HAUTE COUTURE. Masque en métal et cristaux Swarovski, BAROQCO COUTURE JEWELRY.

et pantalon en gabardine, ALEXANDRE VAUTHIER COUTURE. Broche orale en cristaux, MAISON LEMARIÉ. Collier Sinopé en or blanc, saphirs, lapis-lazulis et diamants, et bague Chasselas en platine, diamants et laque, CARTIER HAUTE JOAILLERIE. : Clara

Costenoble.

: Maëlys

Jallali et Alexia Amzallag. ASS S

: Emma

Vadon.

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Muse du Palace et des couturiers comme Jean-Paul Gaultier et Azzedine Alaïa, Farida Khelfa nous raconte le temps d’un instant l’insouciance d’une époque, es ann es , où la vie n’était qu’une fête. Pouvez-vous nous raconter votre arrivée à Paris ? Quand je suis arrivée à Paris, je ne savais pas vraiment où aller. J’avais l’adresse d’une de mes sœurs, j’ai traîné un peu partout et puis j’ai rapidement rencontré cette bande du Palace aux Halles. C’était le quartier branché de l’époque où l’on trouvait toutes les friperies années 50, c’était là où ça se passait. Il n’y avait pas encore le Forum, mais à la place un trou énorme. L’OFFICIEL :

FARIDA KHELFA :

Pierre & Gilles à l’appartement d’Edwige, la physionomiste du Palace, vous n’aviez peur de rien ? FK : Non, mais j’en avais vu pas mal avant d’arriver jusqu’ici donc je savais repérer le danger. Il m’est arrivé des bricoles, mais rien de grave, et puis ça fait partie de la vie. Mais j’avais toujours mon jean plié à la tête de mon lit, au cas où il faille partir en courant. Vos jours et vos nuits se ressemblaient-ils ? Il n’y avait pas de jour ! En général, on émergeait vers 4 heures de l’après-midi, ou alors on sortait de boîte de nuit au petit matin et on traversait les Halles pour aller manger un steak haché cru sur le pouce à la boucherie Roger avec Edwige. Je sais que c’était pas très vegan, mais c’est comme ça que cela marchait. L’O : FK :

L’O : Vous parlez du Palace comme d’une initiation, vous y avez découvert quoi ? FK : Le milieu homosexuel. Je pense que j’avais beaucoup d’amis homosexuels quand j’étais très jeune, mais ça ne se savait pas. Alors qu’ici personne ne s’en cachait. Tous étaient très gentils avec moi et je me sentais totalement en sécurité avec eux. C’était comme des copines, et même encore mieux. Arrivant d’une banlieue lyonnaise, je n’avais aucun code et ils m’ont accueillie à bras ouverts sans jamais me juger. Comme Fabrice Emaer du Palace, un homme tellement charmant, qui nous faisait rentrer alors qu’on n’avait pas un centime, et ce n’est pas ce qu’on consommait ! Mais il avait compris qu’il fallait nous laisser rentrer pour attirer la jeunesse dorée. Ce qui me plaisait, c’était donc cette absence de jugement et cet anonymat, impensable aujourd’hui puisque cela n’existe plus, et c’est tellement angoissant. On avait le droit d’être qui on voulait et ça m’a beaucoup plus. L’O :

Vous viviez à gauche à droite, de la chambre de bonne de

L’O : Vous avez rencontré le monde de la mode sur les pistes de danse du Palace et des Bains Douches, avec Yves Saint Laurent, Kenzo, Claude Montana, Thierry Mugler ou Jean-Paul Gaultier. Ce sont eux qui vous ont fait aimer la mode ? FK : Oui, mais c’est surtout eux qui m’ont repérée avec mon style que je ne soupçonnais pas. Je m’habillais comme j’aimais avec un jean 501 très serré à la taille ou des fuseaux, un col roulé noir et des chaussures de rocker années 50 ou des Weston golf noir & blanc. Tout cela était assez masculin sauf quand je mettais les talons aiguilles rouges que Christian (Louboutin) m’avaient ramenés de Londres. Ce sont eux qui m’ont fait découvrir la mode et amenée sur leurs podiums pour défiler. Les vêtements de marques ne m’intéressaient pas à cette époque-là.

Photo DR

Qui était votre référence en matière de style ? Katharine Hepburn.

L’O : FK :

L’O : Avoir été la “reine de la porte” des Bains Douches a-t-il affûté votre œil pour le style ? FK : À fond, puisque je ne jugeais les gens que là dessus. En général, ceux qui avaient du style n’avaient pas de fric, donc je ne faisais rentrer que des gens qui ne consommaient pas… Ceux qui avait du blé étaient très mal sapés et ça, ce n’était pas possible. La mauvaise boucle d’oreille pouvait tuer un look.

C’était quoi avait du style ? Les gens qui avaient du style se faisaient des looks, s’habillaient, c’était super important pour eux. Personne n’achetait de trucs de marque car personne n’en avait les moyens, donc ça forçait l’imagination, c’est de cette façon qu’on se démarquait.

Paris avait un goût de liberté dans les années 80, quel était-il ? Dans les années 80, on pouvait dire et faire un peu tout ce qu’on voulait. Il y avait moins de ségrégation sociale. Au Palace, les mecs de banlieue rentraient, ce qui n’arrive plus dans les boîtes d’aujourd’hui. J’imagine qu’il faut montrer patte blanche et que si on n’a pas les codes, on ne rentre pas. Il y avait également beaucoup de mannequins noires. Il y en a eu beaucoup moins dans les années 90 et 2000, maintenant ça revient, surtout avec le mouvement Black Lives Matter et l’activisme qui fait que maintenant on est obligé. Avec les années 2000, la ségrégation sociale et forcément ethnique, a changé. L’O : FK :

L’O : FK :

L’O : La première fois que vous avez défilé c’était pour Jean-Paul Gaultier, et il vous a laissé choisir vos vêtements. Quel souvenir en gardez-vous ? FK : Plutôt que de ce défilé, je me souviens de ma première rencontre avec Jean-Paul. Il était à Trinité, rue de Chateaudun, il était brun, timide et très gentil avec moi. J’étais venue essayer

“On pouvait dire et aire n e o ce qu’on voulait. l a ai ins de s r a ion sociale.”

L’O : Vous avez travaillé avec beaucoup de créateurs. Y avait-il une énergie, un esprit particulier qui les rendaient si influents, si inspirés et si respectés ? FK : Tout d’abord, ils ont tous créé leur propre maison. Que ce soit Jean-Paul Gaultier, Azzedine Alaïa, Thierry Mugler ou Christian Lacroix, ils étaient chez eux et dotés de fortes personnalités pour s’imposer. Et c’est cela qui change tout. Aujourd’hui, nombreux designers sont obligés de suivre et respecter l’histoire de la maison dont ils ont repris la direction artistique. S’imposer est donc plus difficile. L’O : Vos amies d’hier sont toujours vos amies d’aujourd’hui : Naomi Campbell, Carla Bruni-Sarkozy, Victoire de Castellane, Christian Louboutin. Qu’est-ce qui vous a soudées ? FK : Je suis extrêmement fidèle en amitié et en amour. C’est très difficile pour moi de me faire des amis. Cela prend du temps et je fais donc en sorte de les garder. En général, je ne me dispute pas avec eux parce que sinon c’est fini. J’évite donc les conflits. Et d’une certaine manière, c’est comme ça que cela tient. Et puis ce sont des gens bien, et au fil des décennies je suis rarement déçue.

des vêtements alors que je n’avais pas le corps d’un mannequin. J’étais très pulpeuse et ronde, j’avais de la poitrine, je ne pensais même pas rentrer dans ses vêtements, mais ça a marché. Et finalement mes essayages lui ont beaucoup plu et on s’est très bien entendu. Il y a eu aussi Mugler pour qui j’ai défilé très tôt. Tous deux étaient très visionnaires. Ils avaient vraiment une vision très définie, à long terme. Ils sentaient le mouvement, les gens et l’air du temps, ils comprenaient tout. L’O : En 1982 vous avez rencontré le photographe Jean-Paul Goude, de vingt ans votre aîné, avec lequel vous avez partagé votre vie plusieurs années. Est-ce lui qui a forgé votre culture de l’image ? FK : Oui, quand même, c’est-à-dire que j’étais assez arrêtée dans mes goûts. J’adorais le travail de Jean-Paul, ce qu’il avait fait avec Grace Jones. Je trouvais cela tellement élégant. C’était la première fois qu’on voyait une femme noire avec une coupe de GI, habillée en costard sans rien en dessous, avec la peau tellement noire qu’elle en était bleue, c’était d’une élégance folle. Pour moi, c’était le summum du chic. Jean-Paul m’a appris beaucoup de choses comme la danse, la musique, le Bauhaus, Stravinsky, les ballets russes. Moi qui était branchée littérature, même si l’image m’intéressait, il l’a fait rentrer dans ma vie, et ça m’est resté.

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En ouverture et sur ces pages, des images provenant des archives personnelles de Farida Khelfa, réalisées dans les années , avec des photos de George Musy et d’autres du mamazine Palace. Les dessins sont des portraits d’elle signés Jean-Paul Goude.

L’O : Vous avez tantôt été actrice tantôt réalisatrice, quel rôle préférezvous ? FK : J’adore être actrice, jouer, c’est un sentiment de grande liberté, que j’éprouve également lorsque je réalise des docs. Quand on en commence un, on ne sait pas où l’on va, et, souvent, on est amenée là on l’on ne s’y attendait pas. J’en ai réalisé plusieurs, à commencer par le portrait de Jean-paul Gaultier, puis il y a eu celui sur la jeunesse tunisienne au moment du Printemps arabe pour lequel j’ai interviewé tous les activistes à l’origine du mouvement. Un autre sur Christian Louboutin, un sur la campagne de Nicolas Sarkozy en 2012 lorsqu’il s’opposait à François Hollande, et le dernier sur les femmes du Moyen-Orient. L’O : Ce numéro de L’Officiel est consacré au style de la femme française, comment la définiriez-vous ? FK : Une bourgeoise un peu libérée, même si la mode vient de la rue. L’O : Vous avez été directrice du studio d’Azzedine Alaïa de 1996 à 2003, puis directrice de la couture chez Jean-Paul Gaultier. Travailler avec vos amis rend-il les choses plus simples ? FK : Non pas du tout. Je déconseille de travailler avec ses amis, même si j’ai beaucoup appris à leurs côtés. Avec Azzedine, c’était fantastique, même si la période était très difficile pour lui. Il m’a fait comprendre que dans la vie il ne faut jamais lâcher parce que lui n’a pas lâché et que c’est reparti. Mais d’une manière générale, je préfère garder mes amis que de travailler avec eux.

L’O : Pouvez-vous nous dire ce que vous aimez chez Elsa Schiaparelli dont la marque a été reprise par Diego Della Valle qui vous avait nommée ambassadrice de la maison ? FK : J’aimais sa grande liberté. C’était une femme qui a révolutionné la mode en son temps et qui s’est inventée. Elle venait d’une grande famille italienne d’intellectuelles, et avait une liberté de ton, une ingéniosité avec le vêtement, les couleurs, les coupes, avec tout d’ailleurs. Chanel disait d’elle, pour la dénigrer, “cette artiste qui fait de la mode”. Or tous les gens qui font de la mode aujourd’hui veulent être des artistes. Les choses ont donc beaucoup changé en un siècle. L’O : Vous avez été décrite comme une icône du style, une muse, une ambassadrice de la mode. Qu’est-ce que cela signifie pour vous ? FK : Pas grand chose, je suis très touchée qu’on dise cela de moi mais je ne me le répète pas en me levant le matin. Je dis merci beaucoup mais je ne me définis pas ainsi.

Alors comment vous définissez-vous ? Comme une femme du xxe siècle qui essaie de survivre au xxie. Surtout comme une mère de famille, qui ne veut pas sombrer dans l’amertume mais rester toujours assez positive. —Laure Ambroise L’O :

Photos DR

FK :

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Fétiche.

Pendant un siècle, ce magazine a prédit les tendances, de la plus stricte sobriété à la plus grande extravagance, et, surtout, a mis en avant les pièces les plus remarquables de chaque saison. Cette année, c’est à vous de choisir. À l’aube du centenaire de ie , nous avons décidé qu’il était temps de vous donner les rênes, de devenir rédactrices de mode et de sélectionner les accessoires les plus désirables de la saison automne-hiver 2020-21 i n d l Et vous avez gracieusement accepté ! Les sondages de nos stories Instagram ont été inondés de vos réponses, avec plus de 600 000 votes à travers le monde.Bien sûr, chaque pays a sa propre vision de la mode ais les a ess ires e n s a ns photographiés sont ceux qui sont universellement les plus convoités, et qui combinent le mieux le désir de nouveauté avec l’héritage de chaque marque. Si vous avez voté à une écrasante a ri r les es r n de Dior et les nouveaux lassi es e le sa a ie ne r di i n de Gucci, vous avez aussi voté pour le manifeste de chacune de ces marques, sachant que quelque chose de spécial se trouve juste de l a re de e a ier de s ie a r nie d déballage d’un nouvel accessoire tout juste sorti du magasin est l’une des ses e n s a end ns le plus chaque automne.

Joyeux déballage.

Photographie JENNIFER LIVINGSTON Texte CAROLINE GROSSO Traduction GÉRALDINE TROLLE

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i contre

ac en cuir appa ntrecciato, BOTTEGA VENETA. Page de gauche andales lma Page précédente Boots ron en cuir de veau et gomme, DIOR.

en cuir, SAINT LAURENT.

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i contre Boots en cuir, VALENTINO GARAVANI. Page de gauche ac Pee aboo see en cuir, FENDI.

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Page de gauche

ac auphine

i contre andales en cuir verni, PRADA. en textile jac uard ince et cuir de vachette, LOUIS VUITTON.

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i contre ac ha ne en cuir de veau, CELINE PAR HEDI SLIMANE. Page de gauche ac ac ie en cuir, GUCCI.

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i contre Boots en veau Boston, SALVATORE FERRAGAMO. Page de gauche Petit sac lympia en cuir doux, BURBERRY.

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VIE EN De la fusion de l’Orient et de l’Occident, elle fait un arc-en-ciel. Polyglotte, à l’aise dans tous les d aines la desi ner n ia a avi s e s n alen ra ers le nde e a e l i ne er aine id e d on e r. Par MAUD GABRIELSON o o ra ie FLORE CHENAUX

India Mahdavi dans son Project Room, 29 rue de Bellechasse, dans le cadre de Paris Design Week. Sur fond de Feuille d’automne, rideau Pendeloques conçu et realisé par le duo de designers textiles es ra ties, table con ue en collaboration avec l’artiste céramiste aximilien Pellet et auteuils en osier algona du designer americain hris olston.

Sur fond de Feuille d’automne, rideau Pendeloques con u et realisé par le duo de designers textiles es ra ties, table con ue en collaboration avec l’artiste céramiste aximilien Pellet et auteuils en osier algona du designer americain hris olston. uspension lover en verre sou é de urano signée India Mahdavi et éditée par Wondergalss. Pièces uniques ou en édition limitée.

Chef d’orchestre. C’est en quelque sorte ainsi qu’India Mahdavi a vécu le confinement de ce début d’année. “C’était une période très étrange, il faut le reconnaître. Le bureau s’est vidé d’un seul coup et puis nous avons commencé, comme le reste du monde, à échanger par écrans interposés. Certains projets ont été mis sur pause, mais d’autres ont pu continuer, et malgré l’anxiété ambiante, j’ai trouvé intéressant de pouvoir condenser le travail de l’ensemble du studio sur un petit nombre de projets. Nous avons comblé le vide et l’incertitude par la création.” Architecte, architecte d’intérieur, éditrice de mobilier, scénographe… India Mahdavi cumule en effet plusieurs casquettes et mène tout de front avec l’aplomb et la virtuosité d’un chef d’orchestre dont les mélodies accompagnent le monde du design depuis près de vingt ans. Formée à l’architecture à Paris, elle s’envole ensuite pour New York pour y étudier le design industriel à la Cooper Union. Simultanément, elle complète sa formation à la célèbre Parsons School of Design de New York, pour y apprendre la création de mobilier. Elle collabore ensuite avec le décorateur parisien Christian Liaigre au début des années 1990, avant d’établir son propre studio de création en 2000, au cœur du 7e arrondissement de Paris. Plus jeune, elle voulait pourtant être réalisatrice de cinéma. “D’une certaine façon, c’est un peu ce que je fais. À travers chacun de mes projets, je raconte une histoire, je mets en scène un univers”, dit-elle. Qu’elle imagine des lieux publics – comme l’hôtel Le Cloître à Arles ou le Townhouse de Miami, les espaces Ladurée de Tokyo et Los Angeles, ou bien encore les boutiques Red Valentino ou Tod’s de Londres –, ou des maisons particulières, India Mahdavi s’attache toujours à y projeter ceux qui vont les traverser. Elle conçoit les résidences privées comme des portraits de leurs habitants. Sa signature ? Son goût assumé pour les couleurs franches et vives, qu’elle n’hésite pas à confronter entre elles. “Je n’ai pas peur de la couleur”, dit-elle. Née en Iran au début des années 1960, d’un père iranien et d’une mère égyptienne, elle s’envole rapidement avec ses parents et ses frères et sœurs pour les ÉtatsUnis, où son père, universitaire, poursuit un doctorat à Harvard. La famille s’établit ainsi quelques années à Cambridge, dans le Massachusetts, avant de déménager à Heidelberg en Allemagne pour une année, puis de finalement s’installer dans le Sud de la France, à Vence. Des déménagements successifs qui la forcent à s’adapter plus vite que les autres. “C’était rare à cette époque de voyager autant, de venir d’ailleurs. J’étais toujours la fille différente, celle qui parlait d’autres langues. Je pense que cela a fortement développé ma capacité d’adaptation. Je suis comme un caméléon.” Ces voyages l’ont également ouverte au monde et à sa diversité. “Je pense que mon attirance pour la couleur vient de là. Des États-Unis, mes souvenirs sont en Technicolor, alors que de l’Allemagne je garde le noir et blanc, quelque chose de très structuré. Mais il y a aussi une grande part de mémoire inconsciente, de ce que l’on a pu me raconter, d’images que j’ai vues dans des livres. Mon père me parlait beaucoup de l’Iran, de son pays, et en y retournant des 222

Table on mi Bugs, de la série es héros de mon en ance, en marquetterie de paille, réalisée par les teliers ison de aunes.

années plus tard, j’ai y retrouvé une sorte de familiarité. Je revois ces mosquées avec toutes ces céramiques avec des motifs géométriques, ces couleurs sublimes. Je pense que j’ai malgré moi intégré tout cela et ça se retranscrit dans mon travail.” Ainsi, l’utilisation de la couleur devient une expression à part entière. L’exemple le plus parlant est sans doute The Gallery at Sketch, à Londres, qu’elle a repensé en 2014, dans une explosion de rose. “Je suis arrivée dans un espace cubique, monumental. Le rose s’est rapidement imposé car je voulais un contraste avec ce volume monumental et avec les œuvres provocatrices de David Shrigley ; on racontait une brasserie moderne et, en chemin, on a donné à la couleur rose une autre connotation : on l’a actualisée, on lui a donné de la force. Tout d’un coup, le rose

Vue du ho room, , rue as ases. anapé dipe en lin sa ran, auteuils harlotte en velours, table lo er en la ue, tabouret Bishop en rotin, tapis ardin d’ den édité par olran et papier peint hez ina pour la maison de ournay. nsemble con u et edité par ndia ahdavi.

est devenu une couleur à part entière, que tout le monde utilise depuis, dans la mode comme dans la décoration.” India Mahdavi a également lancé sa propre gamme de couleurs l’an dernier, en association avec l’atelier de création de peintures et papierspeints Mériguet-Carrère. “Quand j’ai commencé mon métier, on travaillait les couleurs avec les peintres, qui débarquaient sur les chantiers avec leurs pigments, et on fabriquait nos propres couleurs. Aujourd’hui, le secteur s’est beaucoup développé, mais imaginer cette gamme de couleurs, un peu vives et chaleureuses, m’a beaucoup plu. Il y en a cinquante-deux différentes, comme dans un jeu de cartes, qui est devenu pour moi un nouvel outil de travail.” Celle qui se définit comme polyglotte et polychrome avoue un certain penchant pour l’esthétique française. “Symétrie, ordonnancement, narration : il y a de la grandeur chez les Français,

que j’ai notamment apprise auprès de Christian Liaigre, qui vient de décéder et à qui je rends hommage parce que j’ai tout appris avec lui. Il y a également en France un réel amour de la matière et des savoir-faire.” L’artisanat français, India Mahdavi le célèbre en travaillant en étroite collaboration avec de nombreux artistes et artisans. “C’est une richesse incroyable. Je travaille depuis peu avec les émaux de Longwy, par exemple, une collaboration qui s’est concrétisée par la rencontre de mon iconique Bishop et de leurs motifs historiques. De cette rencontre sont nées des éditions limitées qui prennent une tout autre dimension, à la fois moderne et d’où émane une authenticité rare.” Ne s’interdisant aucune expérience, aucune audace, India Mahdavi s’est récemment prêtée au jeu du prêt-àporter, en imaginant une ligne pour Monoprix : “Travailler le textile m’a toujours plu, et c’était une nouvelle manière de l’aborder. De plus, nous avons travaillé avec un atelier de confection solidaire en Inde, destiné à améliorer le quotidien des femmes.” Et les projets se succédant, elle a inauguré en début d’année un Project Room, nouvel espace d’exposition au 29, rue de Bellechasse : “un lieu d’expression libre qui présentera des installations, des pièces uniques, des lectures ou performances au gré des rencontres. C’est ma carte blanche”. Une carte blanche qui vivra sans aucun doute au rythme des couleurs.

iroir Tr e en rotin, lampes asonava et on iovanni, auteuil Botero avec un tissu de eisha rosland, ic ey ouse en rotin, télévision en céramique de l’artiste chinois a un, table tarr en cérami ue et noyer.

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Trois designers contemporains combinent leur propre vision avec les pièces historiques de i an o dans une o a ora ion cinématographique innovan e. Tiffany & Co. est peut-être la plus importante maison de de joaillerie américaine, et L’Officiel un magazine de mode respecté, centenaire, qui publie des reportages sur cette industrie depuis le tout début. En pensant à ces deux marques, le mot “intemporel” vient à l’esprit. Intemporel, pour moi, signifie immortel, durable, sans âge et constant. Le mot pourrait également suggérer un côté désuet, mais ce projet vise à changer cela. Dans les pages suivantes, nous présentons les bijoux Tiffany à travers les yeux d’une nouvelle garde de la mode composée de jeunes créateurs talentueux – Antonin Tron, Angel Chen et Christopher

John Rogers – qui redéfinissent l’intemporalité en se libérant des traditionnelles limites du genre et de l’appartenance ethnique. Pour ce projet, nous avons demandé à chaque designer d’imaginer sa muse en mélangeant les bijoux Tiffany à ses propres créations, et avons filmé ces collaborations inventives (visibles dans leur intégralité sur lofficielusa.com, ndlr). Sur ces pages, vous verrez des images fixes de ces vidéos, et lirez les réflexions de ces créateurs sur leur amour de la mode, leur imaginaire et leur lien personnel avec la joaillerie. — Lisa Immordino Vreeland, Réalisatrice — Traduction, Géraldine Trolle

Bijoux TIFFANY & CO. VÃªtements CHRISTOPHER JOHN ROGERS

n onin TRON D’où vient le nom de votre marque, Atlein ? C’est un hommage à l’océan Atlantique. J’y passe autant de temps que possible. J’adore surfer ; c’est ce que je préfère dans la vie ! LIV : Quand le thème de la durabilité est-il devenu si important pour vous ? Comment l’avez-vous appliqué à votre collection ? AT : Cette idée de durabilité a toujours été dans ma vie, grâce à mes parents. Lorsque nous étions en voiture l’été, ma mère refusait de mettre la climatisation et nous expliquait qu’il fallait économiser le pétrole pour notre avenir. J’ai grandi avec ces questions, et puis, comme tout le monde, j’ai pris conscience de ce style de vie insoutenable que nous vivons tous. Nous sommes dans un moment de transition. Lorsque vous démarrez une entreprise, chaque choix que vous faites a un impact sur l’environnement. Il était donc très important pour moi de créer une entreprise avec certaines valeurs. Nous avons lancé Atlein en 2015 après que j’ai passé de nombreuses années à travailler LISA IMMORDINO VREELAND :

ANTONIN TRON :

pour de grandes entreprises. Il y avait tellement de gaspillage… C’est devenu vraiment difficile pour moi de gérer cela, alors j’ai voulu penser un système alternatif. Comment créer la mode aujourd’hui ? Chaque fois que vous créez quelque chose, vous détruisez quelque chose. Je crois que les réponses à beaucoup de ces problèmes environnementaux résident dans la réduction : fabriquer moins et travailler plus localement. Atlein est une entreprise familiale. C’est moi et Gabriele (Forte), qui est ma partenaire dans la vie. Mes frères m’aident et ma mère travaille aussi avec nous. Elle s’occupe de la comptabilité, fabrique les bijoux pour les défilés, puis elle cuisine pour tout le monde après. Je ne pourrais pas faire tout cela sans elle. LIV : Quelle histoire essayez-vous de raconter en mélangeant les bijoux Tiffany avec votre esthétique ? AT : Tout est dans le contraste. La plupart de mes robes sont fabriquées en jersey très fluide, et ajouter ce bijou – cet élément plus rigide – crée une très belle tension.

Bijoux TIFFANY & CO. Total look ATLEIN EDITED BY John Northrup

ne CHEN Lorsque vous créez une collection, quels sont les éléments les plus importants que vous gardez à l’esprit ? ANGEL CHEN : Le premier est la couleur. Je veux m’assurer que la collection est pleine de couleurs parce que ma famille a créé un business de peintures murales et que mon père est une sorte d’ingénieur de la couleur : assis dans un laboratoire, il a fait des découvertes sur la couleur toute sa vie. Pour cette raison, je veux garder cet ADN de la couleur dans ma collection. Le second élément serait le mélange entre les cultures orientale et occidentale. Je veux toujours apporter des éléments traditionnels chinois à une esthétique plus contemporaine. Le troisième est la notion de collection sans genre, sans frontière et sans âge. LIV : L’artisanat est une facette très importante de votre travail. Pouvezvous nous en parler ? Je passe toujours beaucoup de temps sur différentes techniques traditionnelles manuelles, comme la broderie, la sérigraphie, beaucoup de points de couture, le tissage ou le brocart de Jakarta. C’est beaucoup de main-d’œuvre pour beaucoup de travail. L’artisanat, c’est le patrimoine, l’histoire, la vie, la culture. Tout ce qui est fabriqué en masse, je ne dis pas que c’est mal ou mauvais mais cela manque d’esprit. Le produit que vous créez avec beaucoup de soin, beaucoup de réflexion et beaucoup de savoir-faire durera toujours plus longtemps et créera un lien émotionnel plus fort. LISA IMMORDINO VREELAND :

Comment votre famille vous inspire-t-elle ? Je pense que ma façon de dessiner a été inspirée par mon père. Il a toujours travaillé avec la couleur et différents matériaux et textiles, et j’ai toujours des tonnes d’idées qui me viennent à l’esprit en regardant son travail. Quant à ma mère, elle est très élégante. Quand j’étais jeune, je me cachais dans son placard, je volais sa belle écharpe et je l’enveloppais autour de mon corps – je suppose que cela peut être considéré comme ma première création. Ma grand-mère est très douce et douée pour beaucoup de techniques, spécialement la couture, le crochet et le tricot. C’est une femme fascinante. Elle m’a appris à coudre mon premier pantalon dans un morceau de rideau. Quand je conçois ou que je dessine, je pense toujours à ma famille. Elle m’inspire énormément et m’a, en quelque sorte, appris les choses au fil du temps. LIV : Pensez-vous que les bijoux sont étroitement liés aux émotions et aux sentiments ? AC : Je crois que les bijoux ont de l’esprit car ils vivent en quelque sorte avec vous. Il existe certains types de bijoux que vous ne pouvez vraiment pas enlever. Sans doute nous protègent-ils. C’est une croyance spirituelle très ancienne. Beaucoup de vieux Chinois pensent que les bijoux peuvent vous protéger du mal, d’autres vous porter chance, vous apporter de la richesse, ou encore l’amour, la santé ou le bonheur. LIV :

AC :

Bijoux TIFFANY & CO. Total look ANGEL CHEN

ris o er o n ROGERS Quand avez-vous réalisé pour la première fois que vous vouliez être designer ? CHRISTOPHER JOHN ROGERS : À l’école primaire. Mes amis et moi avions l’habitude de dessiner des bandes dessinées, créer des petits personnages. J’ai commencé à étudier ce que les vêtements et les costumes pouvaient signifier pour un personnage et sa personnalité, comment cela pouvait lui donner de nouveaux pouvoirs qu’il n’avait pas auparavant. C’est à ce moment-là que j’ai commencé à penser à la mode comme moyen d’expression. Après cela, je suis allé sur YouTube pour regarder des vieux défilés de mode. Ceux de McQueen des années 90 et du début des années 2000, et ceux de John Galliano. J’étais ravi à l’idée de créer, pas seulement des vêtements, mais un monde, une scène de théâtre. LIV : Y a-t-il une femme dans votre tête qui vous sert de référence ? CJR : Les femmes, ou les personnes, auxquelles je pense finissent toujours par être mes amies les plus proches. Elles vivent en accord avec leur personnalité. J’aime les gens qui mélangent, qui créent des associations, qui ne sont redevables à aucun type d’esthétique ou de références, et qui inventent leur propre monde, pas pour impressionner quelqu’un, mais uniquement parce qu’ils aiment s’habiller comme on aimerait vivre une aventure. Vous devez être très sûr de vous pour vous sentir à l’aise dans ces vêtements. Et si vous ne l’êtes pas, les vêtements peuvent vous aider à le devenir. LISA IMMORDINO VREELAND :

Vous aimez clairement la couleur. Que signifie-t-elle pour vous ? La couleur est la façon dont je vois le monde. Et c’est pour moi une manière de rendre les gens heureux. Ma photo d’école de CM2 me montre en total look jaune, ce qui, avec le recul, était hilarant. Et ma mère qui me disait : “Je ne sais vraiment pas ce que tu portes.” LIV : Quelle est votre relation avec les bijoux ? CJR : Ma grand-mère en avait des tonnes, elle adorait ça. Elle s’habillait toujours d’une seule couleur de la tête aux pieds, avec des bijoux assortis, que ce soit des bijoux fantaisie assortis à son costume rouge ou des diamants qu’elle portait avec un ensemble blanc. C’était son moyen de s’exprimer et de ne pas se prendre trop au sérieux. Cette esthétique et ce point de vue se sont manifestés dans le travail que je fais. LIV : Comment avez-vous travaillé avec Alek Wek sur ce projet ? Quel genre d’histoire racontez-vous ensemble ? CJR : Alek est l’une de mes principales inspirations. Chaque fois que je pense au high glam et à la haute couture, je pense à Alek. Et s’il y a définitivement quelque chose que nous défendons tous ici, c’est l’expression de soi, une façon de prendre de la place, d’être glamour où que vous alliez. Qu’il s’agisse d’un événement habillé ou que vous marchiez simplement dans la rue pour aller acheter un litre de lait, façonnez-vous de manière à être au maximum de vous-même. LIV :

CJR :

Bijoux TIFFANY & CO. VÃªtements CHRISTOPHER JOHN ROGERS

Andrée Castanié et Georges Jalou voient tout, pressentent tout. Ils confient régulièrement à René Gruau le soin d’illustrer les couvertures de L’Officiel de la mode et de la couture à Paris dont ils sont respectivement directrice générale et rédacteur en chef. Il faut dire que le dessinateur a l’art de cristalliser l’air du temps d’un trait de plume qui emprunte autant à la peinture qu’à la calligraphie. La mode, dans les années 60, n’est pas du tout aux franges, dont la dernière apparition date des Années folles. Pourtant, l’illustrateur en borde la tenue écarlate qui se détache sur la couverture du numéro de décembre 1964. Ici, les franges sont à la fois une interprétation des vestes en maille tricotée de Jean Patou, mais aussi des encolures en imitation d’astrakan qui prolongent la plupart des tenues de sport d’hiver de l’époque, qu’une émanation du retour en grâce, depuis les années cinquante, de la passementerie. Les franges de Gruau sont aussi une prémonition de ce qui

triomphera quelques années plus tard, à la fois dans la société avec le mouvement beatnik et dans le répertoire de la haute couture avec la célèbre collection africaine d’Yves Saint Laurent. Cette envie, d’une part, de ressusciter l’artisanat du Grand Siècle et, d’autre part, d’explorer d’autres latitudes – amérindiennes, africaines, indiennes – se retrouve dans la plupart des collections automne-hiver de cette année. Les franges aiguillent l’imagination chez Dior, manifestent leur frivole liberté chez Miu Miu, expriment l’amour d’un Ouest sauvage chez Alanui, ajoutent un parfum de caprice aux silhouettes imaginées par Daniel Lee chez Bottega Veneta. Au fond, conjuguant l’attrait des créateurs pour l’inconnu et le charme ancestral des pans flottants, les franges empruntent leur philosophie à la grande et vénérable famille, au nom ancien et un peu oublié, des suivez-moi-jeune-homme. — Par Hervé Dewintre

Photos DR

Looking a : en 1964, René Gruau utilise les franges pour prédire l’avenir

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