El misterio del actor por Alesandra Roczniak

El misterio del actor

Trabajos de casting por alumnos de RAV II T.T. (setiembre 2021) en la cátedra de Dirección de Actores a cargo de la Profesora Alesandra Roczniak

Por Alesandra Roczniak

El director está obligado a preocuparse de los actores, es el punto fuerte del rodaje.

François Truffaut

La dirección de actores es una de las funciones más importantes y complicadas en el cine, encierra un misterio que requiere de una inversión de tiempo, esfuerzo y energía, para conocer bien a los intérpretes con los que se va a trabajar y establecer una relación favorable para extraer lo mejor de ellos. Cuando comencé a trabajar en la cátedra de Realización Audiovisual específicamente en el área de Dirección de actores, encontré muchas dudas y miedos a la hora de trabajar con actores. El director en este paso deja de lado lo técnico y se encuentra con el actor, y… ahora ¿cómo se sigue? Es posible que sea uno de los apartados más dejados de lado en el proceso creativo de la producción y por eso devenga en incertidumbre. Mi propuesta es enfocar al nuevo director hacia la oportunidad de observar clases de actuación o mejor aún participar de seminarios o talleres como vínculo de conocimiento de técnicas actorales. Si tenemos un buen guion, un buen equipo de trabajo y una organizada producción, solo falta elegir “el elenco”. Querer encontrar el misterio del actor que impulse el universo de la película parece ser una tarea exhaustiva e intensa. Cuando hablo de intensidad me refiero a conseguir que ese guion

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elaborado con pasión y determinación esté acompañado de actores que con su presencia y acciones vivencien ese mundo posible. El objetivo del actor, tanto en el teatro como en el cine, es la creación de un personaje pleno. El actor es un individuo orgánico y vivo, un individuo que interpreta su papel y nada de lo que en él existe se anula, por el contrario, el actor construye un personaje sumando sus características físicas y su personalidad. La dirección que necesita un actor tiene que ser clara, breve y realizable; los actores necesitan libertad y permiso para explorar las ideas que reciben de la dirección y apropiarse de ellas. El actor quiere crecer y aprender y luego dirá del director: “Aprendí

mucho, me ha hecho hacer cosas que no sabía que podía hacer” .

Casting: ¿qué buscar?, ¿cómo dirigir?, ¿cómo elegir a los actores?

Algunos directores encuentran importante el rostro, la mirada, los gestos y para otros, tal vez sea más importante el gusto, cómo eligen mostrar esas emociones, las pausas para decir y los modos de expresarse (el actor no debe caer en un cliché) y también otros directores reconocen que la personalidad del actor hace un aporte al personaje. Desde el primer encuentro entre el actor y su papel se debe apreciar el interés, en esas primeras lecturas debe hallar un aspecto que lo conecte con la futura imagen del personaje, que luego será reforzada con la ayuda del director. ¿Cómo reconocer el potencial que tiene el actor? El director italiano Bernardo Bertolucci nos aclara: “Creo que el secreto de trabajar bien con un actor es saber primero cómo escogerlo. Y, para que salga bien, tienes que olvidar por un momento el personaje en el guion y ver si la persona que tienes delante te fascina o no. Esto es importante, porque durante el rodaje, la curiosidad que sientes por ese actor te impulsará a explorar el personaje de la trama”.

Encontraremos diferentes estéticas y metodologías en cada actor, será importante tomarnos el tiempo en hacer un trabajo de conocimiento, dirigir es un proceso por el cual se evalúa la capacidad de escucha, de confianza y de propuesta del actor y comunicación del director. El director Tim Burton, nos agrega respecto de su experiencia: “Nunca pido a los actores que hagan una prueba, porque, realmente, no sirve para nada. No necesito saber si un actor sabe actuar; porque normalmente saben hacerlo. Lo que necesito saber es si se ajusta al papel y la respuesta, en realidad, no tiene nada que ver con la interpretación” . Algunos directores prefieren ensayar, otros lo rechazan. Algunos planifican todo para tenerlo controlado hasta el detalle y otros prefieren decidir las cosas sobre la marcha para ser más espontáneos. Con respecto a los ensayos, nos comenta el director Sydney Pollack: “No paso demasiado tiempo ensayando, porque siempre me da miedo de acertaren los ensayos y que se pierda en la interpretación. Así que cuando creo que nos estamos acercando, traigo al equipo y mando a los actores a las caravanas para maquillaje y vestuario, después voy a ver a cada actor en privado y comento más la escena con ellos”. Surgen muchas preguntas mientras nos preparamos para dirigir, pero antes debemos seleccionar a los actores y organizarnos. Elegir a los actores puede ser doloroso, porque se suele tener una idea preconcebida del personaje y entonces encontrar al actor que se ajuste a esa idea puede ser difícil, pero todavía existe la posibilidad de adaptar el papel al actor.

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El director chino John Woo cuenta cómo observa a los actores: “Lo primero que me gusta ver es cómo se mueves los actores, cómo abordan las escenas y lo combino con mis propias ideas. Le diría algo como: “Acércate a la ventana y siéntete solo. Olvida la escena, olvida al personaje. Olvídate de todo, simplemente piensa en cómo actúas cuando te sientes solo. Me parece que eso ayuda a los actores a sacar sentimientos verdaderos basados en sus propias vidas y a proyectarlos en el personaje”. La clave para dirigir actores es proporcionar un espacio seguro, un entorno de confianza, donde puedan trabajar. Esto implica asegurarse de que no haya distracciones en el rodaje y centrar la atención en ellos, observarlos de cerca, mostrarles que no se los dejará cometer errores pero a la vez no se los pondrá en apuros. Es importante no dar instrucciones a un actor delante de otros actores, para evitar que sientan que todos los están observando y juzgando. Escuchar a los actores es un buen paso, porque los actores tienen contribuciones importantes para hacer. Tal vez, el “nuevo director” considere que tiene que decir todo a los actores, que debe imponerse, pero es más importante escuchar y corregir. Así llegar al rodaje sabiendo adónde se va. Es importante que los actores estén dispuestos a correr riesgos. En una película los personajes no saben lo que les va a pasar, no saben lo que van a decir o hacer cuándo les ocurren las cosas. Los actores, por lo contrario, sí saben lo que les va a pasar. Cuando un director le dice a un actor que reaccione de esta o tal manera para que se asemeje a la idea que tiene de su película, al actor se le está pidiendo un resultado. No se le puede dar al actor un mapa emocional de la escena, describiendo reacciones y sentimientos que crees que el personaje debe de tener en cada escena. Es más útil potenciar la conexión del actor a un proceso de vivir el instante. Los actores utilizan un sentido del objetivo o de simple intención para conectar de manera creíble a la realidad emocional del personaje. El objetivo es lo que un personaje quiere de otro personaje y la intención es lo que el personaje hace para conseguirlo. Ayudaría que el director discuta sobre la intención y el objetivo. Tanto el director como el actor tienen que llegar a entender lo que el personaje quiere o necesita. Un director que quiera tener buenas actuaciones en su película debería hacer cualquier cosa para evitar que los actores caigan en un trabajo mecanizado. Para un actor, intentar ser como es el personaje generalmente provoca estrés e inseguridad. Para evitarlo, el actor y el director tienen que desmontar sus ideas sobre el personaje en una serie de tareas realizables. Esto implica un entendimiento profundo del comportamiento humano y requiere mucho tiempo, por lo que ayuda que el director dé indicaciones aptas para llevarse a cabo. Otra cosa que el director debe evitar es juzgar a los personajes. Un juicio negativo sobre un personaje puede condicionar al actor e impedir que sea capaz de darle vida. Los personajes, como las personas, llegan a saber cómo son por las necesidades que tienen, las cosas que les pasan y las decisiones que toman. El escritor, el director y el actor se aproximan al personaje que crean poniéndolo en situaciones, permitiéndole tener necesidades y tomar decisiones, pero nunca deben juzgarlo, esa parte dejémosla para el público. Ellos van a decidir quién es débil, fuerte, ambicioso, vago. El director tiene que reconocer si los actores son capaces de escucharse, si son capaces de afectarse el uno al otro de manera genuina en el momento; o si, tan solo se

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dicen las líneas de diálogo el uno al otro sin ninguna afección. Podemos encontrar una buena dirección cuando -en términos de actuación- se genera un comportamiento en el actor, activo y dinámico, siendo evidente que no ha quedado solo en la superficie del guion, sino que es objetiva y específica. Algunas herramientas para dar forma a la actuación se pueden incorporar teniendo en cuenta los verbos, los hechos, las imágenes, los eventos y las tareas físicas.

 LOS VERBOS: Las acciones hablan más alto que las palabras.

Utilizar un verbo centra la atención del actor en su compañero de escena. Esto permite al actor influenciar/afectar al otro y así crear eventos emocionales en la escena.

 LOS HECHOS: 1) hechos del pasado de los personajes que están en el guion y 2) hechos del pasado de los personajes que no están en el guion (pasado imaginado). En el trabajo con el actor es importante resaltar aquellos hechos pasados que sí están en el guion y las elecciones imaginativas que se toman para construir lo imaginado.

 IMÁGENES: Establecer al personaje en una situación (una serie de hechos) que produzcan el comportamiento que se quiere retratar. 1) imágenes del texto, es decir, palabras creadas por el autor; 2) imágenes que el actor trae y que se convierten en el submundo del guion. Ejemplo: La memoria del aroma de una flor puede recordar la infancia, un verso de una canción puede vivenciar un amor, leer las noticias pueden provocar angustia, llanto, etc.  EVENTOS: Cada escena tiene un suceso central que debe sorprender al espectador. Es más bien un evento emocional, como una confrontación, una negociación, un truco o una seducción. Hablar sobre los eventos en una escena es una manera muy útil de comunicarse con los actores. Por ejemplo: establecer que dos personas en el pasado se amaron pero que ahora se confrontan, puede ayudar al actor a acceder a sus recursos personales e imaginativos, mucho más que decir que se quiere que la escena resulte mordaz y retorcida.

 TAREAS FÍSICAS: El actor puede concentrarse en lo que está haciendo y permitirse estar en el momento para que su comportamiento sea natural y espontáneo. Una tarea física saca al actor de su concentración en el diálogo que le toca decir y esto permite que el diálogo salga de otra manera. Tener cosas simples y físicas que hacer reduce el nivel de estrés y concentra al actor, al tiempo que refuerza su confianza.

Cuando los actores preguntan cómo es su personaje, deben recibir información sólida y específica y así surgirán imágenes y situaciones verdaderas del personaje. Si hace preguntas, e incluso cuando lo que te pide es un resultado, tratar de ser pacientes y buscar en la experiencia, así contestar con alguna de las herramientas: un hecho, un verbo, una imagen, un evento o una tarea física. Se puede aprender a dirigir actores de tal manera que el actor sienta que su actuación es propia pero firmemente apoyada por una dirección con autoridad, inteligente y capaz de escucharlo.

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