MÁRGENES ARQUITECTURA 6: NUEVA YORK. AQUÍ, AHORA

MÁRGENES ARQUITECTURA

HIGH LINE LOUIS KAHN STEVEN HOLL ELVIRA LINDO PAUL AUSTER ALBERTO CAMPO BAEZA NORMAN FOSTER SANAA MEMORIAL 9/11 HERZOG & DE MEURON N.Y. PEQUEÑA ESCALA SOLEDAD SEVILLA PROYECTOS ETSA MADRID UE MADRID ICELAND AIRWAVES 2012 BILL CUNNINGHAM CLOISTERS

N6 /12 €

NEW YORK. AQUÍ, AHORA

EQUIPO REVISTA MÁRGENES ARQUITECTURA NÚMERO 6 Año 2

DIRECCIÓN José Miguel Gómez Acosta + Daniel López Martínez REDACCIÓN José Miguel Gómez Acosta + Daniel López Martínez DISEÑO Daniel López Martínez + José Miguel Gómez Acosta MAQUETACIÓN Daniel López Martínez FOTOGRAFÍA PORTADA High Line wildflower field, Iwan Baan 2011 COLLAGES INTERIORES Daniel López Martínez ILUSTRACIÓN Arquitectura dibujada (Pág. 48-46) Fabián Suárez (www.efesuarez.com) FOTOGRAFÍA Contenidos Marginales (Pág. 64) Carlos Pérez Siquier FOTOGRAFÍA INTERIOR CONTRAPORTADA: James Shaughnessy, 1953 IMPRESIÓN Gráficas Alhambra (www.graficasalhambra.es) DEPÓSITO LEGAL AL-1418-2010 ISSN 2173-2086 DISTRIBUCIÓN PUBLICIDAD SUSCRIPTORES Y PROPUESTAS DE COLABORACIÓN www.margenesarquitectura.com CONSEJO EDITORIAL Juan Calatrava Escobar, Antonio Jiménez Torrecillas, Víctor Pérez Escolano, Hildigunnur Sverrisdóttir, Alberto Campo Baeza y Luis Feduchi El criterio de los artículos es responsabilidad exclusiva de su autor y no refleja necesariamente la opinión de MÁRGENES ARQUITECTURA. Reservados todos los derechos. El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de la correspondiente indemnización por daños y perjuicios, para quienes reproduzcan, plagien, distribuyan o comuniquen públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la previa autorización.

AGRADECIMIENTOS Siguiendo el espíritu del número 2 de MÁRGENES ARQUITECTURA titulado Granada. Aquí, ahora, proponemos completar el viaje de ida y vuelta Granada-Nueva York, con el presente NY Aquí, ahora. Gracias a todos nuestros amigos neoyorquinos, de nacimiento, adopción o corazón. A Ralph Elman y Annie Lawler que nos acogieron en su casa de Battery Park en plena tempestad. También a Ben Elman, que compartió su hospitalidad en la tormenta. A Guðrun H. Tulinius y Ásdis Þórólfsdóttir, por su cariño antes y después de NY, en Islandia. Gracias como siempre a suscriptores, compradores, seguidores de redes sociales y, por supuesto, a las Escuelas de Arquitectura y sus estudiantes. Gracias a Juan Domingo Santos y a todos los profesores del área de proyectos de Granada por confiar en nuestra labor. Gracias a todos los amigos y colaboradores. A los traductores Raquel Carrasco Campos, Manuel Amezcua Clemot, Blanca Gago Gómez y Laura Olavarrieta. A José Antonio Ramos Pérez por el apoyo incondicional y el entusiasmo. A Mónica Fernández Roldán por toda su creatividad y propuestas de presentación de MÁRGENES en Granada. A Carlos Pérez Siquier por su generosidad y a Fabián Suárez por su ilustración. A Francisco Carreño por su mirada sobre Nueva York. A Cristina López por su trabajo continuado en nuestra web. A Francisco Torralba por su disposición a escribir. A Soledad Sevilla por su amabilidad. A Alejandro Reyes, siempre espectacular. A Kamilla desde la organización del Iceland Airwaves. Y, especialmente, a Elvira Lindo por una mañana de domingo que quisiéramos repetir. A nuestro consejo editorial: Juan Calatrava, Víctor Pérez Escolano, Antonio Jiménez Torrecillas, Alberto Campo Baeza, Luis Feduchi y Hildigunnur Sverrisdóttir, con la que esperamos colaborar de nuevo en Reykjavík.

A Luis O´Valle sin el que nada en Nueva York hubiese sucedido.

Por último, a la chica anónima que, desde el aeropuerto JFK logró que pudiéramos regresar a tiempo sorteando el huracán Sandy y sus inconvenientes. ¡Gracias!

Queríamos dedicar este número NY Aquí, ahora a Manuel Acosta Brocal que, hace aproximadamente un siglo, viajó a Nueva York, tal vez para construir rascacielos.

N6_2013

N.Y. Aquí, ahora 0.1 N.Y. AQUÍ, AHORA 01 Sumario 02 Editorial + Collage 04 High Line, Diller Scofidio + Renfro + James Corner Field Operations 12 Departamento de Filosofía de la NYU + Biblioteca en Queens, Steven Holl 18 Steven Holl 20 Sperone Westwater &New Museum, Foster and Partners & SANAA 26 Casa Olnick Spanu, Alberto Campo Baeza 30 Memorial 9/11, Handel Architects LLP 36 F.D.R. 4 Freedoms Park, Louis Kahn 40 Nueva York, pequeña escala, Terry Chiao + HWKN 44 Parrish Art Museum, Herzog & de Meuron

0.2 ARQUITECTURA DIBUJADA 50 ETSAM: Laura Carrero Cecilia_Chelsea trade Center 54 ETSAM: Teresa Amengual Galdón_Museo de Arquitectura en N.Y. 56 ETSAM: Antonio Rodríguez Cámara_Centro Deportivo, SPA,Hotel, Plaza Pública 58 ETSAM: Alejandro Jesús González Cruz_Salutem Per Aquam 60 UEM.: Gonzalo Gutiérrez_DEM, Dispositivo Energético Multifuncional 62 UEM.: Laura Masa_Positive Waste

0.3 CONTENIDOS MARGINALES 66 Libros: El Palacio de la Luna 68 Cine: Elvira Lindo 70 Nexos: Nueva York, punto de encuentro 72 Música: Iceland Airwaves 2012 74 Marginal: Soledad Sevilla 76 Efímero: Bill Cunningham 78 Viaje: Los Cloisters 1

EDITORIAL Spain On-Site, siete años después En el año 2006, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) acogió una exposición dedicada a la arquitectura española contemporánea, On-site: new architecture in Spain, en la que se mostraban 18 obras terminadas y 35 proyectos. El comisario de la exposición, Terence Riley, tras 13 años al frente del departamento de arquitectura del museo neoyorquino, había proyectado una muestra dedicada a la arquitectura pública del siglo XXI como despedida de su puesto. Sin embargo, durante la selección de edificios para dicha muestra Rilley llegó a la conclusión de que España era el lugar donde la arquitectura contemporánea de calidad se estaba desarrollando con mayor intensidad, creando un “centro internacional de innovación y excelencia en el diseño”.

Las propuestas elegidas cubrían prácticamente todos los ámbitos de la arquitectura. Desde proyectos de gran presupuesto cuyo interés, más allá de la presencia icónica, se ha atenuado con el paso del tiempo (la Ciudad de la Cultura de Galicia de Eisenman Architects, o el Metropol Parasol de Jürgen Mayer), hasta proyectos que aún hoy son referencia mundial en su campo (las viviendas sociales en Sevilla de Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano, el Museo de Arte Contemporáneo/MUSAC de Emilio Tuñón y Luis Mansilla, o el Estadio de fútbol de Barakaldo firmado por Eduardo Arroyo / NO.MAD). Desde edificios que han estampado la marca España en todo el mundo, como la Nueva Terminal T4 del Aeropuerto de Barajas (Richard Rogers Asociados y Estudio Lamela) o la ampliación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Jean Nouvel), hasta actuaciones de escala más modesta y sumo cuidado por el detalle como el Edificio Zaida de Álvaro Siza. Desde grandes proyectos que se quedaron en el camino (Centro de Congresos de Córdoba de Rem Koolhaas y Ellen van Loon) hasta viviendas unifamiliares como la Casa Levene (Eduardo Arroyo / NO.MAD) o la Casa con Huerto de Cerezos (Juan Domingo Santos).

Muchas de las obras seleccionadas estaban firmadas por algunos de los más prestigiosos arquitectos a nivel mundial, aunque muchas otras eran producto de estudios españoles. Despojado de cualquier característica unificadora, el estilo español se basaba en una heterogénea excelencia. Según Rilley, no existía un estilo español en arquitectura, como tampoco rasgos comunes, escuelas o tendencias, más allá de la calidad propiciada, en gran medida, por el boom inmobiliario, la inversión pública y la particular formación de los profesionales en España.

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Siete años después, el panorama es radicalmente distinto. Con una crisis económica que afecta con especial fuerza al sector de la construcción, con una degradación urbanística y paisajística acusada, la producción arquitectónica en España ha tenido que reinventarse. Mucho de este reciclaje mental pasa por poner en tela de juicio el antiguo modelo, la huella desmedida de edificios emblemáticos o la falta de sostenibilidad, cuando no del mínimo sentido común constructivo, de mucha de la arquitectura depredadora de los últimos tiempos.

De repente la arquitectura española ha pasado de un extremo a otro. De los honores y el reconocimiento, al colapso. Para muchos profesionales, en especial jóvenes arquitectos, no existe otra manera de seguir trabajando en España que la de reinventar por completo la profesión. La necesidad imperiosa como punto de partida ayuda a limpiar muchas de las adherencias que han opacado la brillante arquitectura en este país. Como Rilley señalaba, “la arquitectura como nueva expresión artística en España significa que ésta no sólo tiene que resolver problemas de manera eficiente, sino que puede ser emblema de las más altas aspiraciones de la población".

La próxima cita, sin necesidad de museos ni exposiciones, es en España dentro de otros siete años. El reto, una nueva definición de la excelencia en el diseño. Parece que, por suerte, no queda otro camino.

Spain On-Site, seven years later In 2006, the Museum of Modern Art in New York (MoMA) hosted an exhibition dedicated to contemporary Spanish architecture, On-site: new architecture in Spain, which was showing 18 completed works and 35 projects. The exhibition curator, Terence Riley, after 13 years as head of the architecture department of the New York museum, had planned an exhibition dedicated to the XXI century public architecture, as fired from his job. However, during the selection of the sample buildings Riley concluded that Spain was the place where quality contemporary architecture was being developed with greater intensity, creating an "international center for innovation and design excellence."

The selected proposals covered virtually all areas of architecture. From big-budget projects whose interest, beyond the iconic presence, has dimmed with the passage of time, (the City of Culture of Galicia

by Eisenman Architects, or the Metropol Parasol by Jürgen Mayer) to projects that are still the global benchmark in their fields (social housing in Seville by Fuensanta Nieto and Enrique Sobejano, the Museum of Contemporary Art / MUSAC by Luis Mansilla and Emilio Tuñón, or Barakaldo Soccer Stadium signed by Eduardo Arroyo / NO.MAD). From buildings that have stamped the Spain brand worldwide, as the new T4 terminal of Barajas Airport (Richard Rogers Associates and Estudio Lamela) or the expansion of the National Museum Reina Sofia Art Centre (Jean Nouvel), to more modest scale buildings with great attention to detail, such as Zaida Building of Alvaro Siza. From large never made projects (Cordoba Congress Centre of Rem Koolhaas and Ellen van Loon) to single-family homes such as the house Levene (Eduardo Arroyo / no.mad) or Cherry Orchard House (Juan Domingo Santos).

Many works were selected from some of the most prestigious architects worldwide, although many others were products of Spanish offices. Stripped of any unifying feature, the Spanish style was based on a heterogeneous excellence. According to Riley, there was no Spanish-style architecture, no common features or trends, beyond the quality brought about largely by the housing boom, public investment and private professional training in Spain.

Seven years later, the outlook is radically different. With an economic crisis that especially affects the construction industry, with an important urban and landscape degradation, architectural production in Spain has had to reinvent itself. Much of this mind recycling needs to put the old model into question: the emblematic buildings excessive footprint, the lack of sustainability or even the lowest common sense of much of the lately predatory architecture.

Suddenly, architecture in Spain has gone from one extreme to another, from honors and recognition to collapse. For many professionals, especially young architects, there is no other way to continue working in Spain than completely reinventing the profession. An essential starting point is to help clear many of the adhesions that have overshadowed the brilliant architecture in this country. As Riley noted, "architecture as new artistic expression in Spain means that it not only has to solve problems efficiently, but may be emblematic of the highest aspirations of the population."

The next appointment, without museums or exhibitions, will be in Spain in the next ten years. The challenge: a new definition of design excellence. Fortunately, it seems that there is no other way.

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HIGH LINE Diller Scofidio + Renfro + James Corner Field Operations

Proyecto: The High Line, West Side of Manhattan, New York Arquitectos: James Corner Field Operations (jefe del equipo) + Diller Scofidio +

Renfro con Piet Oudolf Colaboradores: Buro Happold + L’Observatoire + Robert Sillman Associates + Pine

and Swallow + Northern Designs + Philip Habib Associates + Pentagram Promotor: The City of New York + Friends of the High Line Superficie construida total: 7.08 acres, 23 manzanas, 1.45 millas Fecha de finalización: Sección 1, 2009 / Sección 2, 2011 / Sección 3, 2014 Imágenes: Iwan Baan + Joel Sternfeld Texto: Francisco Torralba (traducción de Blanca Gago Gómez)

www.thehighline.org

Cuando el ferrocarril entró en las urbes a mediados del s. XIX se produjo una doble paradoja. Los románticos lo maldijeron por romper con la vida tranquila de las ciudades, mientras que décadas después, con la entrada de la aviación y democratización de los automóviles, se convirtieron en la última imagen romántica. Su llegada hizo que varios intelectuales del momento, como Ildefonso Cerdá, pensaran que traerían la paz al mundo, pero en muchos casos lo que trajeron fue fragmentación urbana y acentuación de las diferencias sociales.

Desde que en 1980 circulara el último tren por las vías del High Line, ésta quedó abandonada, convirtiéndose en un posible foco de marginalidad, en donde la basura y las malas hierbas crecían a la sombra de los rascacielos del oeste de Manhattan. Tras varios intentos de demolición, la ciudad, gracias a la presión de plataformas ciudadanas, decidió recuperar el espacio y convertirlo en un parque elevado. Por donde antes circulaban mercancías, hoy

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corretean los niños, los lectores se tumban al sol y la gente pasea, ajena al frenético ritmo de la ciudad.

A lo largo de una milla (aunque se pretende que su longitud final sea de 1.45), secciones de las antiguas vías se mezclan con jardines, piezas de hormigón y estructuras de acero, convirtiéndose en un parque con un marcado acento contemporáneo, pero en el que aún es posible respirar su historia. Destaca el juego de luces y sensaciones que se produce en las secciones que perforan y atraviesan los edificios. No se trata de una mera musealización de un antiguo espacio industrial, sino que éste se ha convertido en una arteria verde llena de vida.

Los resultados han sobrepasado todas las expectativas. Inmediatamente la zona ha sufrido una meteórica revalorización, además de una más que importante regeneración social, y es que la High Line ha sido aprehendida por los residentes, quienes se encargan de su conservación y organizan diferentes actividades culturales.

En la página anterior, de izquierda a derecha: - Laboratorios Bell, en la actualidad Westbeth Artists housing, en Bethune Street esquina con Washington Street. Autor desconocido, 1934 - Vista de la calle 17 oeste, mirando al norte.

Autor desconocido, 1934 - Mirando hacia el sur en una tarde de mayo (el edificio Starrett-Lehigh). Joel Sternfeld, mayo 2000 - Mirando hacia el este en la calle 30 en una mañana de mayo. Joel Sternfeld, mayo 2000

En esta página, de arriba abajo: - Gansevoort End, plaza y escaleras, calles Gansevoort y Washington. Iwan Baan, 2009 - Vista nocturna de Gansevoort Woodland, vista aérea desde la calle Gansevoort hacia la calle 13 oeste, hacia el sur. Iwan Baan, 2009

En la página siguiente: - Washington Grasslands, vista aérea de High Line sobre la calle 12 oeste. Iwan Baan, 2009

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En la página anterior: - Un camino serpenteante une la antigua y la nueva arquitectura en el oeste de Chelsea, entre las calles 24 oeste y la 25 oeste, mirando al sur.

Iwan Baan, 2011 En esta página, de arriba abajo: - Secciones transversales en distintos puntos - Diagramas del método de construcción de superficies y estructuras como medios de producción de hábitats naturales y sociales diversos. Diseñados como una superficie continua, y construidos a base de piezas prefabricadas que pueden inclinarse para permitir atravesar la gruesa sección estructural del High Line o elevarse para pasar por encima de ella sin alterar las "reservas" naturales.

Foso

Llanos

Puente

Montículo

Rampa

Paso elevado

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Detalles constructivos

Plaza en la DĂŠcima Avenida, con asientos de anfiteatro y una inusual vista sobre la Avenida en la calle 17. Iwan Baan, 2009

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Sundeck Water Feature and Preserve, entre las calles 14 oeste y 15 oeste, mirando al sur. Iwan Baan, 2009

Detalle constructivo

When the railway got in cities in the middle of the nineteenth century, a double paradox took place. Romantic people cursed it for breaking off with quiet life of the cities, whereas some decades after, with the entrance of aviation and the democratization of the automobile, train became the last semblance of the romantic concept. Its arrival made some intellectuals of the moment, like Idelfonso CerdĂĄ, think that peace would be brought by its means, but in many cases what they brought was urban fragmentation and an accentuation of social differences.

Since the last train circulated in 1980 around, High Lane railroad was left abandoned, turning into a possible focus of marginality, where rubbish and weed grew up under the shadow of Manhattan’s west skyscrapers. The city council, after many attempts of demolition of the place, decided to recover the space and to convert it in an elevated park. Today children

play around where supplies used to circulate. Readers lie down in the sunlight, unbeknownst to the frenetic rhythm of the city.

Along a mile (even the final lenght should be of 1.45 meters), sections of the former railways blend with gardens, pieces of concrete and steel structures, becoming a park with a strong contemporary look - in which you can breathe in its history yet. The interplay of lights and sensations which take place in the sections that perforate and get across the buildings should be highlighted. It is not a question of a mere musealization of a former industrial space, but instead this place has actually become a green artery full of life. The results have surpassed all the expectations. The zone has underwent a meteoric revalorization, aside from a more important social generation. High Lane residents have taken possession of it and they are in charge of its conservation and they also organize some cultural activities.

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STEVEN HOLL Departamento de Filosofía de la NYU + Biblioteca en Queens

DEP. DE FILOSOFÍA, NYU Washington Place

Proyecto: NYU Department of Philosophy, New York, NY, United States Arquitectos: Steven Holl Architects Jefe de equipo: Tim Bade Colaboradores: Edward Lalonde, Ernest Ng, Lesley Chang, Nick Gelpi, JongSeo

Lee, Irene Vogt, Ebbie Wisecarver, Clark Manning Promotor: New York University Superficie construida total: 2.787 m2 Fecha de finalización: 2007 Imágenes: Andy Ryan Texto: Steven Holl Architects

www.stevenholl.com

Vista exterior y vestíbulo del departamento

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Este pequeño proyecto, que comprende la completa renovación interior de un edificio en esquina de 1890 en el número 5 de Washington Place para la consolidación del Departamento de Filosofía de la Universidad de Nueva York, organiza los nuevos espacios atendiendo a la luz y las propiedades extraordinarias de los materiales.

El eje de la nueva escalera, situado debajo de un nuevo lucernario, adosado al edificio de seis plantas, presenta una porosidad cambiante de luces y sombras que se transforman con cada estación.

Una película prismática instalada en las ventanas de la caja de escalera orientadas al sur, descompone en ciertos momentos la luz del sol formando un arco iris. La planta baja, utilizada por toda la Universidad, alberga un nuevo auditorio curvilíneo de madera sobre un suelo de corcho. Los pisos superiores acogen, a su vez, los departamentos y seminarios.

Escaleras de conexiรณn de los distintos niveles del Departamento

BIBLIOTECA QUEENS

Proyecto: Hunters Point Community Library, Queens, NY Arquitectos: Steven Holl Architects Jefe de equipo: Olaf Schmidt Colaboradores: Chris McVoy, Chris McVoy, Filipe Taboada, Bell Ying Yi Cai, Rychiee

Espinosa, JongSeo Lee, Michael Rusch, Yasmin Vobis, Jeanne Wellinger Promotor: Queens Library, N.Y. City Department of Design and Construction Superficie construida total: 21.000 m2 Fecha de finalización: 2014 (en construcción) Imágenes: Steven Holl Architects Texto: Steven Holl Architects

www.stevenholl.com

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El emplazamiento privilegiado en el East River, frente a una magnífica vista de Manhattan, sirve de inspiración para este proyecto. Una escalera panorámica se levanta desde el gran vestíbulo, permitiendo a los usuarios del edificio disfrutar de una gran visión de la ciudad, flanqueada perpendicularmente por mesas de lectura dispuestas en diferentes secciones ascendentes y apoyadas en las estanterías.

La visión desde la entrada al edificio son los propios libros, y la visión a medida que se asciende a los distintos niveles es la del East River y Manhattan. La sección de la nueva biblioteca es abierta y fluida, a pesar de su planta compacta, permitiendo un diseño energético más eficiente y un espacio público de mayor superficie. En el acceso lateral de la zona este, la biblioteca y un pabellón bajo de oficinas forman un jardín público de lectura con un pequeño bosque de ginkgos. Así mismo, la escalera interior conduce a otro jardín de lectura en la azotea con impresionantes vistas panorámicas. Por la noche la presencia de la nueva biblioteca como un foco de luz a lo largo de la línea de costa se une el famoso anuncio de Pepsi y al de Long Island, convirtiéndose en faro e icono de este nuevo equipamiento.

- Izquierda: Fotomontaje del รกrea de adultos - Arriba: Acuarela de Steven Hall, interior de la Biblioteca - Abajo: Imagen nocturna de la Biblioteca con el cartel luminoso de Pepsi-Cola - Pรกgina siguiente: imagen de la maqueta de la Biblioteca, exterior

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NYU Department of Philosophy The complete interior renovation of an 1890 corner building at 5 Washington Place for the consolidation of the New York University Department of Philosophy organizes the new spaces around light and phenomenal properties of materials.

A new stair shaft below a new skylight joins the 6-level building vertically with a shifting porosity of light and shadow that change seasonally. Prismatic film was installed on the south-facing stairwell windows which occasionally break the sunlight into a rainbow. The Ground level, utilized by the entire University, contains a new curvilinear wooden auditorium on a cork floor. The upper level floors contain Faculty Offices and Seminar Rooms.

Queens Library The prominent site on the East River, facing a magnificent view of Manhattan, inspired the design. A “Manhattan view” stair rises up from the open arrival space, allowing the users a great view toward the city, flanked perpendicularly by reading tables in ascending sections backed with bookcases. The view from the entry is of books, and the view on the way up is of the East River and Manhattan. The building section of the new library is open and flowing, while the plan is compact, allowing for the most energy-efficient design and the greatest amount of public space on the site.

On the east entrance side, the library together with a low park office pavilion forms a public reading garden with a bosque of ginko trees. Ascending the stair inside one can reach the rooftop reading garden with amazing panoramic views. At night the glowing presence of the new library along the waterfront joins the Pepsi sign and the “Long Island” sign to become a beacon and inviting icon for this new community place.

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STEVEN HOLL NUEVA YORK ESTÁ MIRANDO SIEMPRE A MANHATTAN. SU PROYECTO DE BIBLIOTECA EN QUEENS MUESTRA ESA NECESIDAD DE MIRAR Y SER MIRADO. UN INTERIOR QUE ENMARCA LA VISIÓN EXTERIOR DE LA ISLA DE MANHATTAN Y UN INTERIOR QUE SE HACE VISIBLE, ESPECIALMENTE DURANTE LA NOCHE CUANDO LA BIBLIOTECA SE TRANSFORMA EN UNA SUERTE DE ANUNCIO LUMINOSO. ¿ES ESTA LA FORMA EN LA QUE EL EDIFICIO SE APROPIA DEL LUGAR? ¿HASTA QUÉ PUNTO LA ESPECIAL UBICACIÓN DEL EDIFICIO Y SU RELACIÓN CON LA ISLA DE MANHATTAN CONDICIONARON ESTA IDEA? La ubicación del proyecto fue crucial para inspirar el diseño. El edificio forma un triángulo con el edificio de la ONU y el FDR Four Freedoms Park en Roosevelt Island. También queríamos liberar la línea de costa para que la población de Hunters Point pudiera disfrutar de un espacio verde. En el acceso del lado este, la biblioteca, junto con un pequeño pabellón de oficinas, genera un jardín público de lectura bajo un bosque de ginkgos. La escalera interior conduce a otro jardín de lectura situado en la azotea, con impresionantes vistas panorámicas. Por la noche la presencia luminosa de la nueva biblioteca a lo largo de la línea de costa se une al anuncio de Pepsi y al de "Long Island" en el antiguo Gantry para convertirse en un faro y un atractivo icono.

EN EL CASO DEL DEPARTAMENTO DE FILOSOFÍA DE LA NYU, GUARDA CIERTA RELACIÓN CON LA BIBLIOTECA EN QUEENS. UN PROYECTO DE RENOVACIÓN INTERIOR, CUYAS CLAVES SON LA LUZ, LA SOSTENIBILIDAD Y LA ATENCIÓN AL DETALLE, A LA PEQUEÑA ESCALA. ¿QUÉ IMPORTANCIA TIENE LA LUZ, EN ESTE CASO DIURNA, COMO RECLAMO PUBLICITARIO O SIMBÓLICO DE LA INTERVENCIÓN? ¿QUÉ RELACIÓN GUARDAN AMBOS PROYECTOS EN TANTO QUE LUGARES PARA MIRAR Y SER MIRADOS? Estos proyectos, más que lugares para ser vistos o ver a los demás, representan una experiencia de movimiento en el espacio, capaz de crear un ámbito social de interacción. La arquitectura es una disciplina fenomenológica, es decir, sólo puede entenderse al mover físicamente el cuerpo a través del espacio, experimentando una superposición de perspectivas. Al girar la cabeza o el cuerpo se revelan diferentes espacios, sintiendo diferentes texturas y materialidades. Esa es realmente la manera de experimentar la arquitectura: no puede entenderse viéndola en un libro, es necesario experimentar el sonido, la materialidad, la energía espacial, la luz cambiante.

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En la biblioteca de Hunters Point en Queens, la principal vía de circulación interior discurre por la fachada oeste, con vistas cambiantes y perspectivas del East River y Manhattan.

El Departamento de Filosofía de la Universidad de Nueva York fue originalmente un almacén construido en 1890 y diseñado por el arquitecto Alfred Zucker en un ecléctico estilo Neo-renacentista, típico de numerosos edificios históricos situados entre Washington Square Park y el campus principal de la NYU. La Universidad había estado utilizando la segunda planta del edificio, rehabilitada en 1990, para albergar sus Servicios Profesionales, y tenía varias oficinas y locales de ensayo musical. El Departamento de Filosofía, anteriormente situado en varios edificios, contaría con una nueva sede en este edificio. Esto resultaba ideal, aunque se corría el riesgo de perder el contacto directo al estar repartidos en varias plantas. Con esto en mente, propusimos una escalera que funciona como la columna vertebral del departamento. La escalera es una estructura blanca porosa que cambia de dirección ligeramente en cada piso. Como una torre de luz (con luz natural entrando a través de la ventana lateral, así como a través de su pared porosa y del nuevo lucernario) y convirtiéndose en punto de encuentro en cada uno de los rellanos.

SU MODO DE PROYECTAR MEDIANTE LA ACUARELA ES MUY ESPECIAL, PROPIO, ¿QUÉ ENCUENTRA EN ESTA TÉCNICA, POR QUÉ LA ESCOGIÓ COMO MEDIO DE EXPRESIÓN PROYECTUAL? Es una técnica que me relaja. Muchas veces, mis creaciones arquitectónicas comienzan con estos primeros bocetos. En tanto que la inspiración inicial de una obra es una fusión del proceso analógico del cerebro-mente-mano, siento que estos primeros dibujos son cruciales en el proceso de proyecto. Lo que Louis Sullivan llamaba "el germen" nace de los bocetos conceptuales y espontáneos. Al igual que el alma o el espíritu inicial de un proyecto, su presencia en el comienzo del proceso es crucial. A veces no es más que una imagen a la deriva.

A veces mis dibujos no son muy buenos, sino más bien algo desechable. En el campo de la creación no se puede hacer siempre todo bien. Algunas mañanas en las que no me siento bien hago dibujos horribles. Otros días puedo haber mirado algo de Matisse, el gran colorista, y eso me inspira.

Tengo un estante encima de mi mesa de dibujo lleno de cuadernos.

Estos pequeños libros de mi archivo son una especie de historia de mis fantasías arquitectónicas. Completo dos o más de estos cuadernos cada mes. Así que con veinticuatro o veintiocho cuadernos al año y veinticinco años haciendo esto, hay mucho material. Es una

NEW YORK IS ALWAYS LOOKING TO MANHATTAN. YOUR PROJECT, THE LIBRARY IN QUEENS, SHOWS THAT NEED TO SEE AND BE SEEN. AN INTERIOR FRAMING THE OUTSIDE VIEW OF MANHATTAN ISLAND AND AN INTERIOR THAT BECOMES VISIBLE, ESPECIALLY AT NIGHT WHEN THE LIBRARY IS TRANSFORMED INTO A KIND OF NEON ADVERTISING. IS THIS THE WAY IN WHICH THE BUILDING TAKES OVER THE PLACE? TO WHAT EXTENT THE PARTICULAR LOCATION OF THE BUILDING AND ITS RELATIONSHIP WITH THE ISLAND OF MANHATTAN CONDITIONED THIS IDEA? The site of the project was crucial in inspiring the design. The building will form a triangle with the UN building, and the FDR Four Freedoms Park memorial on Roosevelt Island. We also wanted to free up this space along the water for the community in Hunters Point to enjoy the green space. On the east entrance side, the library together with a low park office pavilion forms a public reading garden with a bosque of ginko trees. Ascending the stair inside one can reach the rooftop reading garden with amazing panoramic views. At night the glowing presence of the new library along the waterfront joins the Pepsi sign and the “Long Island” sign at the old Gantry to become a beacon and inviting icon for this new community place.

Ilustración de Alejandro Reyes

especie de catálogo de mis primeros impulsos creativos, algo que me permite rastrearlos muy fácilmente.

Otras veces, tengo que trabajar con restricciones de tiempo severas, realizando un proyecto en menos de un mes. Incluidas plantas, secciones y detalles constructivos. En definitiva, todo lo necesario para que el proyecto funcione. Cuento con la ayuda de mi equipo, que es realmente bueno. Ellos trabajan muy duro. Pero mis ideas comienzan a menudo con ese boceto de la mañana, el primer impulso creativo desde el que partimos. . ¿QUÉ OBRAS DE ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA DESTACARÍA EN NUEVA YORK? ¿CUÁL ES SU LUGAR FAVORITO DE LA CIUDAD? El Rockefeller Center es un gran espacio público. También la reciente realización del Memorial FDR ha supuesto una alegre sorpresa. Los treinta y siete años que han transcurrido desde que se proyectó sólo han intensificado el misterio del silencio y de la luz con el que está cargado. El lenguaje de la arquitectura es el silencio de su experiencia. Se puede describir el poder de los bloques de treinta y seis toneladas de granito de Carolina del Norte que componen el espacio del Memorial en el extremo de la isla de Roosevelt, sin embargo la experiencia física es mucho más potente.

La tensión espacial de la brecha de una pulgada que existe entre estos bloques, la vista a través de este espacio, a través del granito pulido, la presión de la luz en el peso del material; todas estas dimensiones están presentes en el Four Freedoms Park.

IN THE CASE OF THE NYU DEPARTMENT OF PHILOSOPHY, THE PROJECT HAS SOME BEARING ON THE QUEENS LIBRARY. AN INTERIOR RENOVATION WORK, WHOSE KEYS ARE LIGHT, SUSTAINABILITY AND ATTENTION TO DETAIL, THE SMALL SCALE. HOW IMPORTANT IS THE LIGHT, DAYTIME HERE, AS A PUBLICITY OR SYMBOLIC DEVICE OF THE INTERVENTION? WHAT RELATIONSHIP DO BOTH PROJECTS HAVE AS PLACES TO WATCH AND BE WATCHED? These projects are not so much about being seen or seeing others as they are about your experience moving through space, and creating a social space for interaction. Architecture is a phenomenological discipline in the sense that the only understanding of architecture is when you move with your body through the space, when you experience the overlapping perspectives. If you turn your head or turn your body you see a different space unfolding, you sense a different texture, you feel a different materiality. That is really the way to experience architecture: you can’t see it in a book properly; you cannot experience the acoustic realm, the realm of materiality, that spatial energy, the changing light.

In the Hunters Point Community Library in Queens, the main interior circulation route runs along the west facade, offering changing views and perspectives of the East River and Manhattan.

In the NYU Department of Philosophy, the building was originally a warehouse and built in 1890, designed by the Architect Alfred Zucker in eclectic Renaissance Style- typical of several historic buildings around Washington Square Park and among the main NYU campus. NYU had been using the building to house its Career Services on the 2nd Floor and had various offices and music rehearsal studios retrofitted to rooms designed in a previous renovation dating to the late 1990’s. The Department of Philosophy had already been promised this building and a relocation from their previous house in Silver Center was in the works.

They had been spread out in several buildings and would now have a unified home. Moving to their own building was ideal, but they were nervous to lose touch with each other when they would be on several floors. With that in mind we proposed the staircase that would function as the backbone of the department.

The staircase is a white porous structure changing direction slightly at each floor.

As a Tower of Light (with light from the window on the side, through the porous wall system and through a new skylight) where people meet each other on one of the landings, see each other going down when the staircase suddenly changes direction. You can already see it after a few weeks. Where New Yorkers normally take the elevator for just one or two floors the staircase in this project invites them for a more active participation in the building. At times the porous screens permits peek holes from and into the staircase.

YOUR WAY OF DESIGNING USING WATERCOLOR IS VERY SPECIAL, PERSONAL, WHAT DO YOU FIND IN THIS ART, WHY CHOSEN IT AS A WAY OF EXPRESS YOUR WORK? It’s a technique that kind of loosens me up. A lot of times, my architectural creations start with these early sketches. As the initial inspiration of a work is a fusion of the analogue process of the brain—mind—hand, I feel these first drawings are crucial in the design process. What Louis Sullivan called “the seed-germ” is embedded in the little spontaneous concept drawing. Like the soul or initial spirit of a project, its presence at the beginning is crucial.”Sometimes it is just a painting – just drifting.

Sometimes my sketches are not even good. They may be just throwaways. One of the things about creativity is that you cannot do everything well all the time.

Some mornings I may not feel good and I do crummy drawings. Another day, I may be looking at something by Matisse, the great colorist, and that gives me inspiration.

I have a shelf over my drawing board full of my drawing pads. These little books in my archive are a sort of history of my architectural fantasies. I go through two or more of these every month. So with twenty-four or twenty-eight pads per year and twenty-five years of doing this, there is lot of material. It is a kind of catalog of my first creative impulses and I can trace back these first impulses very easily.

Other times, I have to work with severe time restraints, such as doing a project in less than a month. This includes the floor plans, all the sections, all the mechanical drawings. In short, how the whole thing works. I have the help of people on my staff who are really good. They work very hard. But my ideas often start with that early morning sketch, the first creative impulse and we go on from there.

FOR YOU, WHAT ARE NOW THE HIGHLIGHT IN NEW YORK’S CONTEMPORARY ARCHITECTURE? WHAT IS YOUR FAVORITE PLACE IN TOWN? Rockefeller Center is a great public space. Also, to experience the realization of the FDR memorial today is an astonishing joy. Thirty-seven years has only intensified the mystery of the silence and light with which it is charged. Architecture is a language spoken in the silence of its experience. One can describe the power of the thirty-six-ton North Carolina granite blocks that make up the memorial “room” at the tip of Roosevelt Island; however the physical experience is much more powerful. The spatial tension of the one-inch gap between these blocks, the view through this gap across the polished granite, the pressure of light in the weight of the material; all thesedimensions are all present in Four Freedoms Park.

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SPERONE WESTWATER & NEW MUSEUM Foster and Partners & SANAA El barrio de Bowery, situado al sur de Manhanttan entre Chinatown y Little Italy, debe su nombre a la palabra holandesa bouwerij –granja- y nos recuerda las trazas aún presentes de la antigua Nueva Ámsterdam. Bowery, durante mucho tiempo, fue símbolo de la depresión económica y, a pesar de su elevada tasa de criminalidad y de marginación social, fue el germen de una nueva escena musical protagonizada por Patti Smith, Blondie o los Talking Heads. Durante

SPERONE WESTWATER Foster & Partners Proyecto: Sperone Westwater, 257 Bowery, New York Arquitectos: Foster + Partners Promotor: Sperone Westwater, Gian Enzo Sperone + Angela Westwater Superficie construida total: 1.858 m2 Fecha de finalización: 2010 Imágenes: Credit Nigel Young, Foster + Partners Texto: Foster + Partners

www.fosterandpartners.com

La galería Sperone Westwater celebró su nueva apertura en Bowery, con la exposición inaugural de Gillermo Kuitca. Su nuevo edificio duplica el espacio expositivo con un planteamiento innovador en relación al movimiento vertical dentro del contexto de una sala de arte. Al tener que ajustarse a un solar compacto de 7,6 por 30,5 metros, una de las principales características del proyecto es la galería móvil que actúa como ascensor, conectando las cuatro plantas de exposición superiores y permitiendo al visitante moverse gradualmente entre los distintos niveles. Según Norman Foster: “El concepto para la Sperone Westwater representa a la vez una respuesta al carácter dinámico del Bowery y un deseo de repensar cómo nos relacionamos con el arte en el contexto de una galería. La galería móvil anima el exterior del edificio y genera un rotundo elemento vertical en el interior. Como un añadido cinético a la calle, es un símbolo vibrante de la reinvención de la zona y una respuesta audaz al programa principal. Espero que las nuevas posibilidades estructurales y espaciales de la galería sirvan de inspiración a los artistas”.

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los años 90, el lugar comenzó a cobrar una nueva vida, rehabilitándose paulatinamente muchos de sus espacios. En la actualidad este proceso se ha visto coronado con dos de las joyas de la corona de la arquitectura reciente de Nueva York. Bowery quiere aún seguir siendo un lugar de experimentación continua. Un lugar en el que se cuestione el arte y el papel de los museos en el siglo XXI.

- En la página anterior: Sección longitudinal - Arriba: imagen nocturna del alzado frontal de la Galería - Abajo: Alzado de la calle Bowery con la Sperone Westwater y el New Museum - Página siguiente: Imagen nocturna de la calle Bowery con la Sperone Westwater y el New Museum al fondo

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NEW MUSEUM SANAA

Proyecto: The New Museum of Contemporary Art, 235 Bowery, New York Arquitectos: Sejima and Nishizawa and Associates + Gensler Promotor: New Museum of Contemporary Art, New York City, Zubatkin Owner

Representation Superficie construida total: 5.574 m2 Fecha de finalización: 2007 Imágenes: Javier Callejas Sevilla Texto: SANAA

www.sanaa.co.jp

De izquierda a derecha y de arriba abajo: Alzados Oeste, Sur, Este y Norte

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El New Museum of Contemporary Art completa un vacío urbano en el downtown de Manhattan. Debido al denso entorno urbano en el que se encuentra, un mero apilamiento de los espacios museísticos podría haber dado lugar a una masa introvertida; sin embargo, el hecho de desplazar los volúmenes, unos respecto de los otros, permitió realizar una construcción más abierta capaz de hacer que el museo interactuase con su entorno. Dicho desplazamiento genera claraboyas y terrazas al tiempo que la variación maximiza el espacio de pared dentro de la piel del edificio. La relación cambiante entre el núcleo y la envolvente permite diferentes proporciones y formas de iluminación.

Sperone Westwater gallery opens on the Bowery

New Museum of Contemporary Art (2007)

Sperone Westwater celebrates the opening of its new gallery on the Bowery in New York with an inaugural exhibition by Argentinean artist, Guillermo Kuitca. Its new building, designed by Foster + Partners, doubles the exhibition area and pioneers an innovative approach to vertical movement within a gallery setting.

Responding to the compact 25 by 100 foot site, one of the features of the project is a moving gallery, which connects the upper four exhibition floors and allows visitors to move gradually between levels.

Norman Foster commented: ‘The concept for Sperone Westwater represents both a response to the Bowery’s dynamic urban character and a desire to rethink the way in which we engage with art in the setting of a gallery. The moving gallery animates the exterior of the building and creates a bold vertical element within. Like a kinetic addition to the street, it is a lively symbol of the area’s reinvention and a daring response to the Sperone Westwater’s major program. I hope that artists will be inspired by the gallery’s new spatial and structural possibilities.’

The New Museum of Contemporary art is an urban infill in Downtown Manhattan. Given such a dense urban setting, stacking museum spaces might easily have led to an introverted mass, but by shifting the volumes in relation to each other, we opened the building up and the museum started to interact with its surroundings. The shifting allows for skylights, terraces, and variation, all while maximizing wall space and keeping within the zoned building envelope. As the relation between core and envelope vary, different lighting conditions and proportions arise.

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CASA OLNICK SPANU Alberto Campo Baeza

Proyecto: The Olnick Spanu House, Garrison, New York Arquitecto: Alberto Campo Baeza, Estudio Arquitectura Campo Baeza, S.L. Colaboradores: Miguel Garcia-Quismondo (Project Manager), Ignacio Aguirre Promotor: Nancy Olnick & Giorgio Spanu Superficie construida total: 900 m2 Fecha de finalización: 2008 Imágenes: Javier Callejas Sevilla Texto: Alberto Campo Baeza

www.campobaeza.com

Rizar el rizo En un lugar de profunda calma donde tras un día de lluvia y niebla, una intensa luz se refleja en la quietud del espejo de las profundas aguas del majestuoso río Hudson.

Un lugar donde los atardeceres son de mil colores cuando el agua se rompe en mil reflejos. Un lugar donde el aire es limpio y calmo y templado. Un lugar que se diría que está muy cerca del cielo.

En este impresionante lugar, decidimos establecer un plano, una plataforma, que subrayando el paisaje que aparece frente a nosotros, intentara realzar el paisaje.

Para conseguirlo, construimos una gran caja de 122 pies de largo por 54 pies de ancho por 12 pies de alto. Con recias paredes de hormigón que acentúan su relación con la tierra. La cubierta de esta caja es plana y de piedra, travertino, para establecernos sobre ella.

Y para protegernos del sol y de la lluvia, levantamos sobre el plano de piedra una cubierta ligera de 100 pies de largo por 40 pies de ancho a 9 pies de altura sostenida por 10 pilares cilíndricos de acero que se ordenan según una cuadrícula de 20x20 pies. Esta 26

cubierta vuela 10 pies en todos sus bordes. Y para acondicionar ese espacio, lo acristalamos con una caja de vidrio de 94 pies de largo por 25 pies de ancho. Esta caja de vidrio acoge en su interior los pilares de atrás y deja fuera los de delante, para acentuar más la transparencia.

Esta construcción sobre la plataforma asemeja una gran mesa con 10 patas. Se crean en ella tres áreas divididas por dos cajas blancas en el interior que no llegan al techo y que contienen escaleras y servicios. El espacio central es el estar y el comedor con una gran mesa blanca. A un lado, más cerca de la piscina, está la cocina y al otro lado, a modo de pensatoio, la zona de chimenea.

Y dentro de la caja de hormigón, dormitorios y baños. En su vestíbulo central conectando la entrada principal y la salida directa al jardín se crea una Galería donde se exponen, al igual que en las otras áreas de la casa, piezas de arte contemporáneo italiano, de Arte Povera.

En definitiva, una vez más, la cabaña sobre la cueva. La pieza tectónica sobre la pieza estereotómica.

En la pรกgina anterior: Bocetos originales de Campo Baeza En esta pรกgina: Imรกgenes del exterior e interior de la Olnick Spanu House

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En la página anterior, de arriba abajo: - Imagen exterior de la vivienda - Planta alta, Glass Box (caja de vidrio) - Sección transversal constructiva En esta página: - Imagen del exterior de la vivienda - Planta baja, Basement Cave (sótano cueva)

Gilding The Lily The place is of profound tranquility where after a day of rain and fog an intense light reflects in the stilled mirror of the majestic Hudson River´s deep waters.

A place where twilights are a thousand colors as the water breaks into a thousand reflections. A place where the air is clean and calm, and mild. One could say a place that is very close to heaven.

In this impressive place, we establish a plane, a platform that underlines the landscape before us, seeking to enhance it.

A large long box is thus built, 122 feet long by 54 feet wide by 12 feet high, with sturdy concrete walls that accentuate its relationship to the land. The roof of this box is flat, paved in stone, travertine, so that we may use it.

And to protect ourselves from the sun and rain, over the stone plane we raise a light roof 100 feet long by 40 feet wide by 9 feet tall, held by 10 cylindrical steel pillars that are arranged according to a 20 x 20 foot grid. This roof cantilevers 10 feet along all of its sides. And to make this space habitable, we put a glass box under the roof, an enclosure measuring 94 feet

long by 25 feet wide. This glass box contains the back row of columns within it and leaves the front columns outside, in order to further accentuate its transparency.

This construction on the platform resembles a large table with ten legs. Three areas are created within it, divided by two white boxes that do not reach the ceiling, containing the stairs and service spaces. The central space is the living area, and the dining room has a large white table. On one side, closer to the swimming pool, is the kitchen, and on the other side, in the manner of a pensatorio, the area around the hearth.

And below, inside the cement box, the bedrooms and baths are housed. In its central vestibule, connecting the main entrance and the access to the garden, a gallery has been created where pieces of Arte Povera and other pieces of contemporary Italian art are displayed, in addition to other areas around the house.

In all, once again, the hut over the cave. The tectonic piece on top of the stereotomic piece.

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MEMORIAL 9/11 Handel Architects LLP

Proyecto: National September 11 Memorial, New York Arquitectos: Handel Architects LLP (Arquitecto al frente: Michael Arad) Promotor: National September 11 Memorial & Museum Superficie construida total: 32.375 m2 Fecha de finalización: 2011 Imágenes: Joe Woolhead Texto: Handel Architects

www.handelarch.com

El Memorial del 11 de Septiembre define un espacio público de 32725 m2 situado en el denso tejido urbano del Bajo Manhattan, donde se levantaban las antiguas Torres Gemelas del World Trade Center. Dicho espacio forma parte del proyecto global de reconstrucción del Complejo que, con sus 64750 m2, conecta la zona con el resto de la ciudad.

A medida que los visitantes del monumento se dirigen hacia el centro de este espacio descubren la presencia de dos piscinas que horadan profundamente la gran extensión plana de la plaza.

Dichos vacíos, con 9 metros de profundidad, contienen dos cascadas que definen el borde de las antiguas torres. Su vacío se hace presente y su ausencia visible. Alrededor de cada uno de estos vacíos aparece un plano elevado que sirve como fuente y

- Abajo: sección por la piscina sur - Derecha: imagen de las dos piscinas - Página siguiente: Imagen nocturna de la piscina norte con la entrada del museo detrás

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punto de arranque de las cascadas. El borde metálico dentado de los canales de este plano elevado hace que el agua caiga en corrientes separadas y evoca la inquietante pérdida de miles de vidas y el sufrimiento colectivo, con su ondulante cortina de agua compuesta por miles de pequeños hilos de agua.

Los nombres de las víctimas se encuentran grabados en paneles de un bronce oscuro y patinado, y aparecen como sombras durante el día. Por la noche, los paneles se iluminan desde el interior, de manera que cada nombre brilla con un suave resplandor.

Es un lugar para la contemplación solemne, pero también para la vida cotidiana de los empleados de oficina y los residentes de la zona. Es un lugar donde el pasado y el presente se unen.

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- En la página anterior: Vista aérea del solar del World Trade Center - En esta página: planta general de la intervención

The National September 11 Memorial is an eight acre plaza set within the dense urban fabric of Lower Manhattan, where the former World Trade Center Twin Towers once stood. The Memorial Plaza is an integral part of the sixteen acre redeveloped World Trade Center Complex, and it reaches and connects the site to the city beyond.

As visitors to the memorial make their way towards the center of this space, they encounter the two reflecting pools that deeply puncture the vast flat expanse of the plaza, and form empty vessels. They are recessed thirty feet into the ground and are lined by waterfalls, delineating the location of the former towers. The voids are absence made present and visible.

Surrounding each acre-sized void is an eight-foot wide and two-foot high water table that serves as the source and springing point of these waterfalls. The serrated metal edge of the

weir channels the water into separate streams and evokes the haunting loss of thousands of individual lives and the collective loss suffered by all with its billowing curtain of water composed of thousands of individual strands of water.

The names of the victims are incised into darkly patinated bronze panels and appear as shadows during the day, marked by the absence of material. At night, the hovering wing-like profile of the panels is illuminated from within, lighting each name with a soft glow.

It is a place where solemn contemplation can and should rub shoulders with office workers and residents who are at work and play. It is a place where the past and the present come together.

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F.D.R. 4 FREEDOMS PARK Louis I. Kahn

Proyecto: Franklin D. Roosevelt Four Freedoms Park, Roosevelt Island, East

River, New York City Arquitectos: Louis I. Kahn + Mitchell / Giurgola Architects Superficie construida total: 40.000 m2 Fecha de finalización: 2012 Imágenes: Amiaga + Paul Warchol Texto: F.D.R. Four Freedoms Park

www.fdrfourfreedomspark.org

El Parque de las 4 Libertades Franklin D. Roosevelt es el único monumento dedicado al ex presidente en su estado natal de Nueva York.

Es la última obra del fallecido Louis Kahn, uno de los arquitectos más emblemáticos del siglo XX. El parque conmemora las 4 Libertades tal como se detallaron en el famoso discurso del presidente del 6 de enero de 1941. Cuatro principios esenciales que debían tenerse en cuenta “en todas partes del mundo" como base del nuevo orden global tras la tragedia y el triunfo de la Segunda Guerra Mundial.

Libertad de palabra y de expresión. Libertad de Culto. Libertad para vivir sin miseria. Libertad para vivir sin temor. En 1974, después

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de completar el proyecto de este parque, el arquitecto Louis Kahn murió inesperadamente; el gobernador Rockefeller se convirtió en vicepresidente de los Estados Unidos, al tiempo que la ciudad de Nueva York se encontraba al borde de la quiebra. En consecuencia, la falta de recursos financieros y de liderazgo político dio lugar a un retraso significativo en la ejecución del Parque. Su construcción, según el diseño original de Louis Kahn, se inició en marzo de 2010.

El parque FDR es la última obra del emblemático arquitecto estadounidense Louis Kahn, y supone su único proyecto en la ciudad de Nueva York.

En página anterior: - Planta del Parque En esta página, de arriba abajo y de izquierda a derecha: - Vista aérea del Parque. Amiaga - Imagen del monumento a Roosvelt. Paul Warchol.

- Vista aérea del Parque. Amiaga

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- Página anterior y esta página: Imágenes del Parque. Paul Warchol - Al lado: dibujo original de Louis Kahn

The Franklin D. Roosevelt Four Freedoms Park is the only memorial dedicated to the former President in his home state of New York. It is the last work of the late Louis I. Kahn, one of the iconic architects of the 20th century. The Park celebrates the Four Freedoms, as described in President Roosevelt’s famous January 6, 1941 State of the Union speech.

President Roosevelt advocated four essential freedoms, “everywhere in the world,” as the basis of a new world to be sought after the tragedy and triumph of the Second World War. Freedom of Speech and Expression. Freedom of Worship. Freedom from Want. Freedom from Fear.

In 1974, after completing the architectural design for the Park, architect Louis Kahn died unexpectedly, Gov. Rockefeller became Vice President of the United States, and the City of New York teetered on the brink of bankruptcy. Consequently, the lack of financial resources and political leadership resulted in a significant delay in the Park’s implementation.

Construction of the Park, following Louis Kahn’s original design, began in March 2010. The Park is on budget and is scheduled to open in October/November 2012.

The memorial Park is the last work of the iconic American architect Louis I. Kahn, and is the only Kahn design in New York City.

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N.Y. PEQUEÑA ESCALA CABIN IN A LOFT Terri Chiao

Proyecto: A Cabin in a Loft, Brooklyn, New York Arquitectos: Terri Chiao Constructores: Terri Chiao, Micah Roufa, Jason Papa, Julianne Gola, Kate Scott,

Loreal Monroe, Taka Sarui, Benjamin Cohen, Dan Winikur, Josh Draper, Grace Cheung, Ammr Vandal, J. Itty Mathew, Benjamin Zweig, Qi Su Fecha de finalización: 2011 Imágenes: Andreas Serna + Shawn Connell Texto: Terri Chiao

www.asmallspace.com / www.katzchiao.com

La cabaña del loft La cabaña del loft es una guest house de una sola habitación, obra de Adán Frezza y Terri Chiao, situada dentro de su propio espacio de vivienda y trabajo, en el vibrante barrio de artistas de Bushwick, Brooklyn. Este modelo de alojamiento en la cabaña del loft contribuye a que los autores puedan desarrollar plenamente su labor como artistas y diseñadores.

La cabaña del loft se encuentra en una fábrica textil reconvertida, dentro de un barrio industrial de Brooklyn, Nueva York. Es a la vez un espacio de vida y un experimento arquitectónico basado en la construcción de dos pequeñas estructuras dentro de un espacio mayor, así como en una variación de ambientes espaciales capaz de crear zonas de intimidad, manteniendo al mismo tiempo la calidad espacial y su carácter lúdico.

El proyecto propone un modelo alternativo de estancia doméstica, construida sobre la economía espacial, el intercambio y la autoacción. La propia visión del entorno también ayuda a crear un espacio ágil que se pliega, crece y abraza los cambios que ocurren en las vidas de los habitantes de la casa, como un sistema vivo.

Concebido como una casa dentro de otra casa, la cabaña y casa del árbol sirven como camarotes privados, cada uno con su propio jardín semiprivado extendiéndose a través de la sala de estar compartida del loft.

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En la página anterior: - Perspectiva axonométrica del proyecto En esta página, de arriba abajo: - Imagen del Loft. Andreas Serna - Varias vistas (transformación) de la cabaña del árbol. Andreas Serna - Imagen de la cabaña. Shawn Connell

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WENDY HWKN

Proyecto: Wendy, estructura móvil Arquitectos: HWKN (HollwichKushner) Fecha de finalización: 2012 Imágenes: Michael Moran Texto: HWKN

www.hwkn.com / www.meetwendy.com

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Wendy ganó el Programa para Jóvenes Arquitectos de 2012 del MoMA PS1. Wendy está fabricada con un innovador tejido de nanopelícula de titanio capaz de neutralizar la polución ambiental, formando una piel que trasciende su límite físico mediante herramientas como la sombra, el viento, la lluvia, la música y la identidad visual. El tejido de sus brazos puntiagudos dispara ráfagas de aire fresco, música y agua (a través de cañones y vaporizadores) creando espacios de relación. Según Marc Kushner, codirector del estudio HWKN: "con Wendy quisimos comprobar hasta dónde podía llegar una envolvente arquitectónica a la hora de capturar la imaginación del público, demostrando lo que la arquitectura puede realmente hacer por su entorno”. "Wendy Abroad es una oportunidad para llegar a un público aún más amplio, para tomar conciencia sobre el potencial de la arquitectura que nos rodea".

Cabin In A Loft A Cabin in a Loft is a one-room guest house that my partner Adam Frezza and I run out of our live/work loft space in the vibrant artists neighborhood of Bushwick, Brooklyn. By staying here, guests are supporting our work as artists and designers.

A Cabin in a Loft is located in a converted textile factory in an industrial neighborhood of Brooklyn, NY. It is both a living space and an on-going architectural experiment. By building small structures within a larger space, a variation of spatial environments creates privacy while maintaining openness and playfulness.

The project is a suggestion for an alternate model of domestic inhabitation, one built on spatial economy, sharing, and self-action. The environment itself is also a vision for creating nimble space that bends, grows, and embraces changes in the lives of the inhabitants; the home as a living system.

Conceived of as houses within houses, the cabin and treehouse serve as private sleeping cabins, each with its own semi-private garden set off from the shared living space of the loft

Wendy Wendy made her first appearance in New York City as the winner of the 2012 MoMA PS1 Young Architects Program when she was previously on display during the summer Warm-Up concert series. Wendy Abroad kicks off during the Abu Dhabi Sustainability Week, January 13- January 17, 2013. The Wendy Abroad installation, re-envisioned in the context of a new site by the Foundation, will be open to the public through February 6.

Wendy is composed of fabric treated with a ground breaking titania nanofilm to neutralize airborne pollutants. Wendy’s boundary is defined by tools like shade, wind, rain, music, and visual identity to reach past the confines of physical limits. Spiky fabric arms shoot out blasts of cool air, music, and water (via cannons and mists) to create social zones.

“The design for Wendy was a study in how far we could push the envelope of architecture to capture the public's imagination and demonstrate what architecture can do for the built environment”, says HWKN Co-principal Marc Kushner. “Wendy Abroad is an opportunity to touch an even broader audience and raise awareness about the potential of the architecture that surrounds them”.

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PARRISH ART MUSEUM Herzog&deMeuron

Proyecto: Museo de Arte Parrish, Water Mill, New York, USA Arquitectos: Jacques Herzog + Pierre de Meuron + Ascan Mergenthaler Promotor: Parrish Art Museum, Water Mill, New York, USA Empresa constructora: Ben Krupinksi Builders, East Hampton, USA Superficie construida total: 3.196 m2 Fecha de finalización: 2012 Imágenes: Gary Wildfeir-Field + John Hill Texto: Herzog & de Meuron

www.herzogdemeuron.com

El punto de partida para el nuevo Museo de Arte Parrish es el estudio del artista en el extremo oriental de Long Island. Hemos establecido los parámetros básicos de un espacio único de galería, depurando las proporciones del estudio y adoptando una sección sencilla de vivienda con claraboyas orientadas al norte.

Estas galerías forman dos alas en torno a una columna central de circulación flanqueada por dos pórticos que forman la base de la sencilla extrusión del edificio.

La planta de dicha extrusión es una traslación directa de la distribución funcional ideal. Un grupo de diez galerías define el corazón del museo. El tamaño y la proporción de estas galerías pueden ser fácilmente adaptados mediante la reorganización de las particiones interiores, dentro de la trama estructural. Al este de la galería central se encuentra la parte trasera que alberga las funciones de administración, almacenes, talleres y zona de carga. Al oeste de las galerías se encuentran los espacios públicos de vestíbulo, tienda,

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cafetería junto con un espacio flexible multifuncional y educativo en el extremo occidental.

Una secuencia ordenada de pies derechos, vigas y cerchas define el eje unificador del edificio. Su materialización es una expresión directa de los materiales y sistemas constructivos locales. Las paredes exteriores de hormigón in situ funcionan como grandes apoyos a la forma general del edificio, aunque la gran escala de estos elementales muros se matiza con un banco corrido que permite sentarse a mirar el paisaje circundante. El gran voladizo que recorre todo el edificio permite la existencia de porches y terrazas al aire libre.

La ubicación del edificio responde a la necesidad de orientar los lucernarios al norte. Esta orientación este-oeste, y su relación fortuita diagonal dentro de su emplazamiento, genera acusados cambios en la visión perspectiva del edificio, destacando, además, sus extremadamente simples proporciones.

En la pรกgina anterior: - Secciรณn transversal En esta pรกgina, de arriba abajo y de izquierda a derecha: - Flanco del museo. Gary Wildfeir-Field - Imagen de la uniรณn de las cubiertas a dos aguas. Gary Wildfeir-Field - Detalle Exterior. John Hill

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En la pรกgina siguiente: - Secciรณn constructiva En esta pรกgina, de arriba abajo: - Planta baja del museo - Planta de cubiertas del museo - Imรกgenes interiores del museo. John Hill

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The starting point for the new Parrish Art Museum is the artist’s studio in the East End of Long Island. We set the basic parameters for a single gallery space by distilling the studio’s proportions and adopting its simple house section with north-facing skylights. Two of these model galleries form wings around a central circulation spine that is then bracketed by two porches to form the basis of a straightforward building extrusion.

The floor plan of this extrusion is a direct translation of the ideal functional layout. A cluster of ten galleries defines the heart of the museum. The size and proportion of these galleries can be easily adapted by re-arranging partition walls within the given structural grid. To the east of the gallery core are located the back of house functions of administration, storage, workshops and loading dock. To the west of the galleries are housed the public program areas of the lobby, shop, and café with a flexible multi-purpose and educational space at the far western end.

An ordered sequence of post, beam and truss defines the unifying backbone of the building. Its materialisation is a direct expression of readily accessible building materials and local construction methods. The exterior walls of in situ concrete act as long bookends to the overall building form, while the grand scale of these elemental walls is tempered with a continuous bench formed at its base for sitting and viewing the surrounding landscape.

Large overhangs running the full length of the building provide shelter for outdoor porches and terraces.

The placement of the building is a direct result of the skylights facing towards the north.

This east-west orientation, and its incidental diagonal relationship within the site, generates dramatically changing perspective views of the building and further emphasises the building’s extreme yet simple proportions.

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Fabiรกn Suรกrez: ALZADO DE EMERGENCIA

E.T.S.A. MADRID

Laura Carrero Cecilia Chelsea Trade Center sobre High Line, Nueva York Chelsea Trade Center Over High Line, New York Septiembre 2011 / Tutor: Manuel OcaĂąa del Valle

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La relación con el contexto que este proyecto plantea no es formal sino activa.

El cometido de la actuación no es la de simular lo ya existente, sino la de reanimarlo. El reto aquí es transformar y revalorizar la preexistencia. El Chelsea Trade Center plantea la superación de los dos momentos álgidos de la modernidad: el rascacielos y el parque urbano, poniendo en cuestión algunas de las dicotomías planteadas: campo/ciudad, cultura/industria o moderno/contextual.

Pertenece por tanto al contexto global de metrópolis verticales del siglo XXI, activando la masa continua de rascacielos anónimos, que es ahora el paisaje urbano característico, y revisando la horizontalidad de los programas públicos de la ciudad histórica. Su vinculación a esta reciente reutilización de una infraestructura de transporte surge de una idea de modernidad renovada que permite estrategias de unión, hibridación y transformación que generan complejidades a las que no se podría haber llegado borrando lo existente. La utopía moderna empieza hoy.

The relationship with the context that this project poses is not formal but active. The object of the action is not to simulate what already exists, but to revive it. The challenge here is to transform and enhance the preexistence. The ChelseaTrade Center proposes overcoming two crucial moments of modernity: the skyscraper and the city park, calling into question some of the dichotomies raised: country/city, culture/industry or modern/contextual.

It belongs therefore to the overall context of vertical 21st century metropolis, enabling the continuous mass of the characteristic anonymous skyscrapers cityscape and reviewing the horizontal and public programs of the historic city.

His connection to this recent reuse of a transportation infrastructure stems from a renewed idea of ​​modernity that allows union strategies, hybridization and transformation that generate complexities that could not have come erasing what exists. The modern utopia begins today.

Fragmento del texto de Rodrigo Rieiro, para su amiga Laura Carrero

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En las páginas anteriores, de izquierda a derecha: - Imagen del exterior del proyecto - Perspectiva axonométrica desmontada - Planta de situación En la página de al lado, de arriba abajo y de izquierda a derecha - Planta de acceso desde el High Line - Planta 04 - Sección En esta página, de arriba abajo y de izquierda a derecha: - Planta 05 - Planta 07 - Imagen del proyecto

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E.T.S.A. MADRID

Teresa Amengual Galdón Museo de Arquitectura en Nueva York Museum of Architecture in New York Octubre 2008 / Tutor: Héctor Fernández Elorza

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El edificio se encuentra en una parcela “clave” en el centro de Manhattan, junto a otros edificios como el MoMA, el American Folk Art Museum o Saint Thomas Church. La torre de 36 plantas ocupa la totalidad de la parcela, generando dos patios, uno que sirve de entrada al parking del edificio, y otro que no pertenece propiamente a la parcela del proyecto. Debido a la gran altura del edificio del Financial Times (con el que comparte medianera por el Oeste) podemos considerar que el Museo de Arquitectura tendrá sólo 3 fachadas. La fachada Este es especial ya que sus primeros 33 metros serán medianeros, hasta sobrepasar la altura de los edificios adyacentes. Debido a las proporciones del solar, la planta resultante es muy alargada y estrecha, por lo que se decidió vaciar la zona central del edificio a partir de la planta 18. Como resultado de esta acción la torre nace como un solo edificio pero al llegar a los 84 metros de altura se divide en dos torres en las que se ubican la cafetería y restaurante en la torre Sur y la biblioteca y oficinas en la torre Norte.

The building is placed in a “key” plot in Manhattan's centre, close to the MoMA, the American Folk Art Museum or Saint Thomas church. The 36 floors tower takes up the complete plot, staying two courtyards: one which serves as an entrance to the building's parking; and another one which does not belong to the building's plot. Because of the high rise of the Financial Times' building (with which it shares boundary to the west), we can consider that the Architecture Museum will have three façades. The east façade is special, since the first 33 meters of façade will be on boundary, until it exceeds the height of the adjacent buildings. Because of the plot's dimensions the resulting floor is very long and narrow so it was decided to clear the central zone of the building from the 18th floor. As a result of this action the tower begins as one unique building, but as it reaches the 84 meters high it is divided in two towers. The cafeteria and the restaurant are located on the south tower and the library and offices are on the north.

En la página anterior: - Imagen del proyecto En esta página; de izquierda a derecha y de arriba abajo: - Sección longitudinal - Planta 36 / +163m / Oficinas (8) - Planta 22 / +101m / Restaurante (3) / Biblioteca (4) - Planta 18 / +84m / Cafetería y Biblioteca (1) - Planta 14 / +63m / Salón de actos - Planta 3 / +13m / Exposición temporal (2) - Planta 0 / Acceso

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E.T.S.A. MADRID

Antonio Rodríguez Cámara Centro deportivo + SPA + Hotel + Plaza Pública Sport Center + SPA + Hotel + Public Square Junio 2009 / Tutor: Héctor Fernández Elorza

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"Había en el aire que respirábamos un sentimiento parecido al descanso. Como si bruscamente el mar estuviera muy cerca..."

Un elemento de naturaleza horizontal, elevado, asoma de las aguas en la gran ciudad de Nueva York. Constituye un muelle de diferente carácter, reforzado por su naturaleza pétrea, robusta, perteneciente a la ciudad, pero lejos de lo vertical, del estrés de lo cotidiano. Se trata de un espacio para el refugio, el descanso, la charla. Un lugar de socialización que conserva la funcionalidad de las antiguas termas romanas, pero con una ubicación singular: el límite de la gran isla de Manhattan. El proyecto se desarrolla en el límite Sureste de la isla. El muelle 17 está situado al final de Fulton Street, una calle peatonal que conecta el corazón del “financial district” con el parque fluvial a orillas del East River. En este punto se sitúa el Spa, en continuidad con esta calle y en perpendicular al paseo fluvial. A pocos metros, el puente de Brooklyn, con su enorme presencia conecta Manhattan con el barrio que le da nombre al otro lado del río.

"There was in the air we breathed a similar feeling to rest. As if suddenly the sea was very close..."

An element of an horizontal nature, elevated, appears from the waters of the great city of New York. It Is a pier with a different stone character, reinforced by its nature, robust, belonging to the city, but far away from the vertical, the stress of everyday life. This is a space for sheltering, rest, talk. A place of socialization that retains the functionality of the ancient Roman baths, but with a unique location: Manhattan island's border. The project will be developed on the southeast edge of Manhattan island. The Pier 17, located at the end of Fulton Street, which connects the heart of the "financial district" with the river park along the East River. It is at this point where intervention takes place and the Spa is situated in continuity with this street and perpendicular to the river walkway. A few meters away, the Brooklyn Bridge, with its huge presence connects Manhattan with the named neighborhood at the other side of the river.

En la página anterior, de arriba abajo y de izquierda a derecha: - Vista aérea de situación del proyecto - Estructura de muros (hormigón armado) y vigas en celosía, maqueta - Vista desde la cubierta hacia el este con el puente de Brooklyn al fondo - Alzado Suroeste (doble página) En esta página: - Planta de Centro Deportivo + SPA

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E.T.S.A. MADRID

Alejandro Jesús González Cruz Salutem Per Aquam Salutem Per Aquam Junio 2010 / Tutor: Hector Fernández Elorza

De arriba abajo: - Planta de situación - Planta nivel 3 - Sección transversal

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La ciudad de Manhattan, centro neurálgico comercial y financiero de EEUU, fue creciendo a lo largo de los años, ganándole terreno al río, con la intención de generar un punto de conexión marítima con el resto del mundo. Su línea de borde se fue definiendo en piers que servían para el embarque y desembarque tanto de mercancías como de pasajeros.

El proyecto propone la reestructuración del Pier 17, su conexión con el resto de los piers y el uso del río, implantándose sobre el East River como continuación de la trama urbana peatonal, en un espacio abierto en el que la horizontalidad predomina frente a la verticalidad.

Un programa híbrido capaz de generar espacio público, entre el Hotel, volumen superior tectónico, de estructura metálica, ligera, en diálogo con un horizonte lejano, y el Spa, volumen inferior estereotómico, de estructura de hormigón, pesado, en diálogo constante con el río.

The city of Manhattan, commercial and financial hub of the U.S., grew over the years, gaining ground to the river, with the intention of generating a maritime connection point with the rest of the world. His edge line was defined in serving piers for loading and unloading of both goods and passengers.

The project proposes the restructuring of Pier 17, its connection with the rest of the piers and the use of the river, implanted on the East River as a continuation of the urban pedestrian fabric, in an open space where the dominant horizontality versus verticality .

A hybrid program capable of generating public space, between the Hotel, a higher tectonic volume, with a metallic and light structure, related to the distant horizon, and the Spa, a stereotomic lower volume of concrete structure, heavy, in constant dialogue with the river.

Secuencia del proceso de montaje de la maqueta original del proyecto

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UNIVERSIDAD EUROPEA DE MADRID

Gonzalo Gutiérrez www.gonzaloga.com

DEM. Dispositivo Energético Multifuncional MED. Multifunctional Energy Device Octubre 2010 / Tutores: Acebo x Alonso

En esta página, de arriba abajo: - Imagen aérea del proyecto - Axonométrica En la página siguiente: - Detalle de sección

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La crisis en la que estamos sumergidos actualmente no solo afecta a los sistemas económicos, sino también a las grandes metrópolis. Se trata de una Crisis Energética. Ésta surge al haber una demanda de energía muy superior a la cantidad generada. Para intentar paliar este problema las autoridades buscan soluciones ecológicamente insostenibles, optando siempre por el transporte de energía generada en lugares remotos, con la consiguiente pérdida, o creando nuevas centrales eléctricas de origen fósil o nuclear. Con los avances actuales en materia de energías alternativas se puede cambiar el modelo de producción-distribución de la energía. El proyecto propone la creación de un Dispositivo Energético Multifuncional en el Lower Manhattan. Un edificio híbrido, con una gran producción energética, y que al mismo tiempo puede albergar nuevos equipamientos y dotaciones al deteriorado distrito en el que se emplaza. De este modo se produciría y consumiría la energía a escala local, y sin las enormes pérdidas sufridas a causa del transporte.

The crisis in which we now find ourselves not only affects economic and financial systems but also large cities, although this attracts less media attention. It concerns an energy crisis that is produced by needing more electricity than is generated, leading to what is called a Load Pocket. In an attempt to resolve this problem, authorities search for ecologically unsustainable solutions, always opting for transporting energy generated in distant locations or building new nuclear or fossil power plants. With the new advances in alternative energies, the energy production-distribution model can be changed. This project proposes setting up a Multifunctional Energy Device in Manhattan, beside the Brooklyn Bridge. A hybrid building that generates large amounts of energy and can also house a programmed support load that can also provide new services to the area in which it is located. Energy would thus be produced locally, without the enormous losses due to transport.

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UNIVERSIDAD EUROPEA DE MADRID

Laura Masa Positive Waste Abril 2011 / Tutores: Acebo x Alonso

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Durante los últimos 50 años, la actividad humana ha provocado ingentes cantidades de residuos en magnitudes históricamente sin precedentes. El incontrolado desarrollo y una acelerada respuesta a la problemática de sus desperdicios se ha traducido en unas ciudades que dan ahora la espalda a sus ríos, convirtiendo el espacio urbano fluvial en malolientes cloacas, de las que la ciudad se avergüenza. Por eso este proyecto propone un nuevo concepto de arquitectura ready-made. Un remix posmoderno donde un gran barco de mercancías rehabilitado alberga una doble planta de depuración en sus depósitos, y en cubierta, junto a una estación de investigación polar que conforma las salas y el aulario de investigación y formación medioambiental.

La topografía con huertos de la cubierta y las terrazas rodeadas por paseos y circuitos de bicicletas se harán mediante los lodos que se obtengan con la depuración. ¿Estamos hablando de la posibilidad de construir ciudades a partir de los residuos? En este caso no se puede tirar nada.

During the last 50 years, human activity has caused huge amounts of waste in historically unprecedented quantities. The uncontrolled development of cities and the rapid response to the problem of waste has resulted in some cities now giving back to its rivers, making the rivers in urban space smelly sewers, of which the city is ashamed. "It is necessary that the whole society aware ..." So this project proposes a new concept of ready-made architecture. A postmodern Remix where a large cargo ship has a double rehabilitated treatment plant in their tanks, and on deck, and a polar research station that conforms research and environmental education rooms and classrooms. The topography of the roof gardens and terraces surrounded by walkways and bicycle routes will be made through the sludge to be obtained with debugging. Are we talking about the possibility to build cities out of waste? In this case nothing can be thrown away!!

En la página anterior, de izquierda a derecha y de arriba abajo: - Planta de situación - Diversos planos del barco: Escotillas + Cubierta + Pasarela de Depuradora + Formas + Depuradora con mancha de agua sucia y mancha de flores + Refuerzos de estructura + Estructura En esta página, de arriba abajo: - Elementos reciclados: Vessel Bulkcarrier / Harbor Crane / British Antartic Survey Halley VI / Steel XIX Century Bridge / Restauration Tools / High Line Rain Rails - Vistas mix

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Contenidos Marginales MANHATTAN, Carlos Pérez Siquier

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El Palacio de la Luna Paul Auster y el paisaje americano MOON PALACE Paul Auster and The American Landscape

Moon Palace The story of Marco Stanley Fogg is a story of dispossession, of total disregard. It is also, somehow, a story on the immensity of the American landscape.

We find M.S. Fogg inside his small, empty study.

The place is illuminated by the neon light coming from The Moon Palace, a nearby Chinese restaurant. There is no furniture. Several boxes, all alike, full of books, occupy the space. They are almost his only inheritance. Fogg tries to imagine which pieces of furniture could be created out of those geometrical objects. He sleeps, eats, rests on top of those boxes, which are stacked up in different shapes. And as the boxes disappear -since the sale of those books will become his only source of income for a long time- the imagining gets more complicated. He reaches the point, though, at which the problem becomes absolutely simple. When, in the landscape of the room, there is almost nothing left, the options get clearer and the choice becomes one. Again, emptiness fills the space.

Central Park Once the study is abandoned, Fogg, a homeless beggar, wanders around the biggest urban vacuum in New York City: Central Park's immense rectangle. There he discovers that, even in the midst of absolute poverty, where it seems like nothing can exist, lies a world filled with possibilities. What in the city plan may remind of a blank map of unexplored lands is actually a universe in itself, an infinite enclosed garden. Fogg roams about it to the point of disregard, to the end of his tether, of his own life. But before he goes over the border, the cycle is again closed, and, saved by a deluge, the urban space substitutes the vacuum.

Urban Infinity Like someone who moves forward through the circles of Dante's Heaven and Hell, Fogg immerses himself in the next level: a urban labyrinth within which the city grows, unknowing of its limits. His promenades with the mysterious and obstinate Effing lead him to an ever changing but always identical New York City. A stroller, he watches the sunset hour. The enormity of buildings and avenues suddenly means nothing without the activity of the city dwellers. The lives and actions of two vagabonds, like them anonymous, guards the ultimate meaning of the metropolis.

The great horizon But regardless of its vast collection of empty and full spaces, of repeated rooms, of streets and parks, of superimposed lives, New York City is nothing if compared to the great horizon.

The wild landscape, the real heritage of the new world. The supreme nakedness where one can only face oneself before disappearing, disolved in one's own immensity.

The Moon And beyond the void, the Moon. Above all, above all the landscapes, quietly encountering its place in the darkness.

Imágenes y texto: José Miguel Gómez Acosta Traducción: Laura Olavarrieta

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Palacio de la Luna La historia de Marco Stanley Fogg es una historia de despojamiento, de total desapego. Es también, de alguna forma, una historia sobre la inmensidad del paisaje americano.

Nos encontramos con M.S. Fogg en su pequeño estudio vacío. El neón del cercano restaurante chino Palacio de la Luna ilumina el lugar. No hay muebles. El espacio lo ocupan numerosas cajas, todas iguales, llenas de libros. Casi su única herencia. Fogg se enfrenta al ejercicio de imaginar qué muebles se podrían crear con esas piezas geométricas. Duerme, come, descansa sobre esas cajas apiladas de diferentes formas.

Y, a medida que las cajas desaparecen, puesto que la venta de esos libros será su sustento económico durante una larga temporada, el ejercicio se complica. Llegado a un punto, sin embargo, el problema se vuelve absolutamente sencillo. Cuando en el paisaje de la habitación casi no queda nada, las opciones se hacen claras y la elección es única. De nuevo, el vacío llena el espacio.

Central Park Una vez abandonado el estudio, Fogg, indigente, vaga por el mayor vacío urbano de Nueva York: el rectángulo inmenso de Central Park. Allí descubre que, aún en la pobreza absoluta, donde parece que nada pueda haber, existe un mundo pleno de posibilidades. Lo que en el plano de la ciudad recuerda a los mapas en blanco de las tierras inexploradas, es en realidad un universo propio, un infinito jardín cerrado.

Fogg deambula por él hasta el límite último del desapego, el límite de sus fuerzas, de su propia vida. Pero antes de sobrepasar la frontera, se cierra de nuevo el ciclo y, salvado por un diluvio, el espacio urbano sustituye al vacío.

Infinito urbano Como quien avanzara a través de los círculos del Infierno o el Cielo de Dante, Fogg se sumerge en el siguiente nivel: un laberinto urbano en el que la ciudad crece sin conocer límite. Sus paseos con el anciano, misterioso y recalcitrante Effing le conducen a un Nueva York siempre cambiante pero a la vez idéntico. Es un paseante vigilando la hora crepuscular. La enormidad de los edificios y las avenidas, de repente, no es nada sin la actividad de sus habitantes. La vida de dos vagabundos anónimos como ellos, su acción, guarda el sentido último de la urbe.

El gran horizonte Pero Nueva York, con toda su colección inabarcable de llenos y vacíos, de cuartos repetidos, de calles y de parques, de vidas superpuestas, no es nada en comparación con el gran horizonte. El paisaje salvaje, el verdadero patrimonio del nuevo mundo. La desnudez máxima donde sólo cabe enfrentarse a uno mismo antes de desaparecer, diluido en la propia inmensidad.

La Luna Y aún más allá de la nada, la Luna. Por encima de todo, de todos los paisajes, encontrando tranquilamente su sitio en la oscuridad.

Paul Auster (Newark, Nueva Jersey, 3 de febrero de 1947). Escritor, guionista y director de cine estadounidense, Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2006.

Elvira Lindo y Nueva York Una mirada interior

ELVIRA LINDO A Look Inside

We met on a Sunday morning. The place of our meeting is curious, a former tearoom spy legend. We are inadvertently introduced by a handshake, closer than any trivial greeting. The theme is New York, but this matter is the excuse.

Beyond the city or cinema, beyond the pretext, Elvira Lindo directly gives me a chosen piece of her worldview.

The city from the inside We talked about her project in New York: a movie that is currently being filmed, and in which Elvira Lindo's work goes far beyond the mere writing of the script. "This story is not a request.

I'm friends with Javier Cámara. In fact we met in New York. He was the one who told me that he would like us to do something together, so subconsciously I started writing the script.

From there we started to look for everything you need, starting with the producer. So I say it is an atypical project. Against all odds the project is underway, we have been fortunate to be able to pull it off. I had never participated in anything that would have had a better chance of getting frustrated".

The story of the film is both very New Yorker and very Spaniard. An outsider who comes to town to fulfill his dream (studying to be an actor there) and, after a long time sees that this dream has not been fulfilled. "I think it is very funny, but also very gloomy. The film is about those moments in life when you have to gauge what kind of dreams you can have, if you have to change your illusions, what is the meaning of being realistic".

One of the key points is the location scouting: how to portray a city without falling into the stereotypical view of the tourist, finding a look inside the daily life of the inhabitants of New York neighborhoods. How to "tell the city in a natural way, as it appears in your life when you are there, when you live there".

Cinematographic New York I wonder, beyond vital matches, why New York.

What are the cinematic qualities of the city?

"You can photograph New York from every angle.

And it’s always interesting. This has its problems.

The city has a beauty that sometimes is neglected, in the disorder. Finding an original point of view for the city is very complicated. At last, for us, the most interesting thing is the neighborhoods beyond other places whose image is overfished. There is a neighborhood life where people can find their identity. The entire city is boundless. The district gives recognizable landmarks. We wanted to shoot our own city.

Literature and cinema have always focused on closed, reduced, areas.

A city museum and city beats New York, as a monumental place, reveals a city already completed: a finished work. However, it Texto: José Miguel Gómez Acosta Imagen Elvira Lindo: Xavi Menós Imagen inferior: Chelsea. Óleo sobre tabla, 100 x 40cm, Francisco Carreño Traducción: José Miguel Gómez Acosta + Annie Lawler

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Nos citamos un domingo por la mañana. El lugar de nuestro encuentro es curioso, un antiguo salón de té con leyenda de espionaje. Un apretón de manos, más cercano que cualquier saludo trivial, nos introduce sin darnos cuenta en la conversación. El tema es Nueva York, pero el tema es la excusa. Más allá de la ciudad o el cine, más allá del pretexto, Elvira Lindo me regala directamente un fragmento escogido de su visión del mundo.

La ciudad desde dentro Hablamos de su proyecto neoyorquino: una película que se rueda actualmente, y en la que la labor de Elvira Lindo va mucho más allá de la mera escritura del guion. “Esta historia no es un encargo. Yo soy amiga de Javier Cámara, de hecho nos conocimos en Nueva York. Él fue el que me dijo que le gustaría que hiciésemos algo juntos, así que inconscientemente comencé a escribir el guion. A partir de ahí nos pusimos a buscar todo lo necesario, empezando por el productor. Por eso digo que es un proyecto atípico. Contra todo pronóstico el proyecto está en marcha, hemos tenido la suerte de poder sacarlo adelante. Creo que nunca había participado en nada que hubiese tenido tantas posibilidades de frustrarse”.

La historia de la película es a la vez muy neoyorquina y muy española. Alguien de fuera que llega a la ciudad para cumplir su sueño (estudiar y ser actor allí) y que, transcurrido un tiempo largo, ve que este sueño no se ha cumplido. “Creo que tiene momentos muy cómicos, pero también muy melancólicos. Trata de esos momentos de la vida en que hay que calibrar qué sueños son los que puedes tener, si hay que cambiar unas ilusiones por otras, qué significa ser realista”.

Uno de los puntos fundamentales es la búsqueda de localizaciones. Cómo retratar una ciudad sin caer en la visión estereotipada del turista, cómo encontrar una mirada interior, la del habitante cotidiano de los barrios de Nueva York. Cómo “contar la ciudad de manera natural, tal como aparece en tu vida cuando estás allí, cuando vives allí”.

Nueva York cinematográfico Me pregunto, más allá de coincidencias vitales, por qué Nueva York. ¿Cuáles son las cualidades más cinematográficas de la ciudad?

“Nueva York es fotografiable desde cualquier ángulo. Siempre resulta interesante.

Esto tiene sus problemas. La ciudad tiene una belleza que a veces está en lo descuidado, en su desorden. Buscar un punto original en la mirada de la ciudad es muy complicado. Al final, para nosotros, lo más interesante son los barrios, más allá de otros lugares cuya imagen está sobrexplotada. Hay una vida de barrio donde la gente encuentra su identidad. La ciudad entera resulta inabarcable. El barrio te da unos puntos de referencia reconocibles. Nosotros pretendíamos fotografiar nuestra propia ciudad.

La literatura y el cine se han centrado siempre en zonas acotadas, reducidas.

Una ciudad museo y una ciudad que late El Nueva York monumental nos revela una ciudad ya completada, una obra terminada.

Sin embargo, es evidente que algo está pasando, que debajo de la imagen mítica late otra ciudad.

is clear that something is happening, that beneath the mythical image beats another city.

"New York is at risk of becoming Venice, a resort steeped in the past. But, anyway it is a lively place. You can see it in how the city changes, in how migration forced by a ruthless economic system makes its inhabitants move and seek refuge elsewhere. It is a flexible city; Spanish ones are much more rigid. And even in its humblest sites, New York has a beauty.

It seems that Manhattan was already complete; however the west part of the city, by the river, is one of the areas that has been transformed in recent years. It requires great talent and a great respect for tradition. High Line is a truly exciting model of recycling. Several factors have converged: the neighborhood, able to appreciate the beauty of some old abandoned rails, some engineers and planners of great talent, and collaboration between the authorities and the private sector.

The wild beauty of the abandoned tracks is the High Line’s inspiration. It is extraordinary.

Besides the High Line, I like the new Morgan Library, a quiet place to enjoy. And what I increasingly like is historic Brooklyn: a place with a huge beautiful neighborhood, where everything runs slower”.

New York, a film To say goodbye, Elvira Lindo talks about her favorite movies about New York.

Enemies: a love story: The city seen by immigrants.

Smoke: A very specific portrait of a place and its inhabitants from Brooklyn.

Radio Days: A New York that seems out of New York.

“Nueva York corre el riesgo de convertirse en Venecia, un centro turístico detenido en el pasado. Pero, de cualquier manera, es una ciudad muy viva. Se nota en cómo cambia la ciudad, en cómo los flujos migratorios forzados por un sistema económico cruel hace que sus habitantes se trasladen y busquen refugio en otras partes. Es una ciudad flexible; las ciudades españolas son mucho más rígidas. Y además, aun en sus sitios más humildes, Nueva York tiene una belleza.

Parece que Manhattan estaba ya hecho y, sin embargo, la zona oeste, al lado del río, es una de las que más se ha transformado en los últimos años. Hay que tener mucho talento y un gran respeto por la tradición. High Line es un modelo de reciclaje, un lugar realmente emocionante. Han confluido varios factores: la vecindad, capaz de valorar la belleza de unos viejos raíles abandonados; unos ingenieros y urbanistas de gran talento; y la colaboración entre lo que pueden aportar las autoridades y la participación económica privada.

La belleza de las vías salvajes abandonadas es la inspiración de High Line. Es extraordinario.

Aparte de High Line, me gustó mucho la remodelación de la Morgan Library, un sitio muy tranquilo en el que gusta estar. Y lo que aprecio cada vez más es el Brooklyn más histórico. Un lugar con una enorme belleza de barrio, donde todo transcurre más lento.

Nueva York una película Para despedirnos, Elvira Lindo apunta algunas de sus películas neoyorquinas de referencia.

Enemigos, una historia de amor. La ciudad vista por los inmigrantes.

Smoke. El retrato de un espacio y una gente muy concreta de Brooklyn Días de Radio. Un Nueva York que parece estar fuera de Nueva York.

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Nueva York, punto de encuentro Chicago Nueva York Teoría, arte y arquitectura entre los siglos XIX y XX Antonio Pizza & Maurici Pla Abada Editores 2012

Nueva York, capital del siglo XX. Una guía histórica de la arquitectura de Manhattan Kenneth Frampton Abada Editores 2004

NYC Nueva York Revista Sileno número 3 Sileno 1997

NEW YORK, MEETING POINT

Chicago-New York Theory, Art and Architecture from the 19th and 20th centuries Antonio Pizza & Maurici Pla Abada Editores 2012 New York, capital of the twentieth century. A historical guide to the Manhattan architecture Kenneth Frampton Abada Editors 2004 NYC Nueva York Sileno Magazine. # 3 Sileno 1997

New York is the meeting point of the twentieth century. The roads that leave from New York branch infinitely, connecting with each other in a complex network of ideas, overlapped and contradictory at the same time.

Nueva York es el punto de encuentro del siglo XX. Los caminos que parten de Nueva York se bifurcan infinitamente, conectándose entre sí en una red de ideas compleja, superpuesta y contradictoria.

The first proposal presents a glance over New York before the fall of the Twin Towers, as a highlight closing of the twentieth century. Silenus magazine discusses the idea of the city from multiple fields, beyond the purely urban or architectural, delving into the cultural idea and relations of the so called twentieth century capital with Literature, Music or Theater, proposing a bestiary of New York and watching the city as a gateway to the future.

La primera propuesta presenta una mirada sobre Nueva York anterior a la caída de las Torres Gemelas, como cierre culminante del siglo XX. La revista Sileno aborda la idea de la ciudad desde múltiples campos, más allá del meramente urbanístico o arquitectónico, ahondando en la idea cultural y en las relaciones de la llamada capital del siglo XX con la literatura, la música o el teatro, proponiendo un bestiario de Nueva York y mirando la ciudad como una puerta de futuro.

Precisely the ending text in Silenus Magazine, signed by Kenneth Frampton, is the seed of the fabulous book, New York, capital of the twentieth century. A historical guide to the Manhattan architecture. This work unravels the New York architectural, beyond façades, getting into the political, social and cultural development of the metropolis. Led by Frampton, the reader is a witness of the rise of Art Deco, the ziggurats, the creation of Central Park or the great bridges, as someone attending the actions of a great play. The construction of buildings like the

Precisamente el texto con que termina Sileno, firmado por Kenneth Frampton, es la semilla del fabuloso libro Nueva York, capital del siglo XX. Una guía histórica de la arquitectura de Manhattan. Esta obra desentraña la arquitectura neoyorquina más allá de las fachadas, adentrándose en la historia política, social y cultural de la metrópolis. De la mano de Frampton asistimos al auge del art déco, a los zigurats, a la creación de Central Park o los grandes puentes, como quien contempla los actos de una gran obra de teatro. La construcción de edificios como el Empire State o el Chrysler se asemeja a la aparición estelar de los primeros actores dentro de una obra coral llena de excepcionales secundarios. Otros edificios, como el Seagram o el Guggenheim, marcan los nudos dramáticos más conocidos dentro de una trama llena

Texto: José Miguel Gómez Acosta Imágen: Mónica Fernández Roldán Traducción: Manuel Amezcua Clemot

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Empire State or the Chrysler resembles the star apparition of the stars in a choral play full of exceptional supporting ones. Other buildings, like the Guggenheim or Seagram, mark the very well known dramatic knots within a plot full of twists and digressions. The graphic that accompanies the book, signed by Alejandro Muñoz Miranda, achieves while transcending the topic of the city without giving up its legend.

Nevertheless, Chicago-New York. Theory, Art and Architecture from the 19th and 20th centuries by Antonio Pizza and Maurici Pla considers the American city from a perspective of the 21st century. Despite the time between both centuries is brief, a distance from which one can watch the progress of industrialization and transportation, the development of the urban land, or the role of historic and cultural lines, tourist and trade becomes apparent. The soul of the city is presented through a detailed story that recreates the monstrous transformation that, for better or worse, starts with Modernity.

According to Maurici Pla, in the 21st century "New York remains the suitable place of cultural mixing, an incomprehensible amalgam of languages ​​and contradictions, all in the service of the same dynamics, a whirlwind that absorbs everything and played it all non stop, as the productive force of the metropolis encourages itself on all that one day decides to get to them"

de digresiones y giros inesperados. La parte gráfica que acompaña a la obra, firmada por Alejandro Muñoz Miranda, consigue al mismo tiempo trascender el tópico de la ciudad sin renunciar a su leyenda.

Chicago - Nueva York. Teoría, Arte y Arquitectura entre los siglos XIX y XX, de Antonio Pizza y Maurici Pla, sin embargo, considera la ciudad americana desde la óptica del siglo XXI. Aunque el tiempo transcurrido entre siglos es breve, se hace patente una distancia desde la que mirar el avance de la industrialización y de los medios de transporte, el desarrollo territorial de la trama urbana, o el papel de los centros históricos como ejes culturales, turísticos y comerciales. El alma de la ciudad se presenta a través de una minuciosa historia que recrea la monstruosa transformación que, para bien y para mal, arranca con la Modernidad.

Según Maurici Pla, en el siglo XXI “Nueva York sigue siendo el lugar idóneo del mestizaje cultural, de una amalgama incomprensible de lenguajes y contradicciones, todo ello al servicio de una misma dinámica, un torbellino que lo absorbe todo y que lo reproduce todo sin cesar, puesto que las fuerza productivas de la metrópoli se nutren de todo aquello que algún día decide ponerse a su alcance”

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Iceland Airwaves 2012 De Brooklyn a Reykjavík ICELAND AIRWAVES 2012 From Brooklyn to Reykjavík

It’s impossible to summarize the amazing Iceland Airwaves music festival. Once again, the variety of offerings was reflected in the unique way that music invades the perfect city of Reykjavik. The balance between big bands and new projects, including the Icelandic scene and bands from North Europe and North America means that this 2013 edition had its own sound, despite its heterogeneous nature. An edition in which only one thing missing: The NASA concert hall was sadly closed, waiting for the city to decide about its uncertain future.

Imposible resumir, una vez más, el asombroso cartel del festival nórdico de referencia Iceland Airwaves. De nuevo su variedad de propuestas ha tenido reflejo en la manera única en que la música toma la ciudad perfecta de Reykjavík. El equilibrio entre grandes bandas y nuevos proyectos, entre la escena islandesa y las bandas procedentes de Norteuropa y Norteamérica ha hecho que la edición de 2012 presente un sonido propio, pese a su carácter heterogéneo. Una edición en la que sólo se ha echado en falta una cosa: la tristemente cerrada sala de conciertos NASA que espera a que la ciudad decida aún sobre su incierto futuro.

Dirty Projectors We started in Brooklyn with Dirty Projectors, Björk’s old friends, with whom they have collaborated on several occasions and who accompanied the band's debut at the Reykjavik Art Museum. Delivered to a capacity audience, the Dirty Projectors developed their complex vocal harmonies and rhythms superimposed with layers close to trance. The clapping of the audience added an extra rhythmic layer at the highlight of the concert.

Dirty Projectors Comenzamos en Brooklyn con Dirty Projectors, viejos amigos y colaboradores de Björk en varias ocasiones; de hecho, la cantante islandesa les acompañó en su debut en el Museo de Arte de Reykjavík. Ante un público entregado que abarrotaba el recinto, Dirty Projectors desarrollaron sus complejas armonías vocales y sus capas de ritmos superpuestas hasta casi alcanzar el trance. Las palmas de la audiencia añadieron un estrato rítmico extra en el punto álgido del concierto.

Nico Muhly Nico Muhly, disciple of Philip Glass, Björk collaborator and considered one of the new talents of contemporary music, dazzled in Iðnó small theater. As an irrepressible stream, the notes of his prodigious piano dragged the audience into a deep soundscape full of vitality and energy.

The sources of Muhly's music, from minimalism to avant-garde classical and pop, crystallized in a vibrant concert, much more electrifying than many other rock bands.

Ghost Town Jenny Kim Kylland, the soul of this emerging group, has polished his style during his Icelandic performances. Their sound, reduced into an acoustic band (harp, piano, musical saw), mixes Kylland’s magnificent voice with ethereal atmospheres, very stylish and was perfectly integrated into the work of its three components. Their debut EP, "The Swan", combines, according to Kylland, an "electronic cinematic pop, woven with the dark side of country music and soul."

Texto: José Miguel Gómez Acosta Imágenes: Luis O'Valle (Rökkurró, Asonat, GusGus, Ghost Town Jenny, Sigur Rós, Rökkurró) Dibujos: José Miguel Gómez Acosta Traducción: José Miguel Gómez Acosta + Annie Lawler

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Nico Muhly El estadounidense Nico Muhly, discípulo de Philip Glass, colaborador de Björk y considerado como uno de los nuevos talentos de la música contemporánea, deslumbró en el pequeño teatro Iðnó. Como un torrente irreprimible, las notas de su prodigioso piano arrastraron al público hacia unos paisajes sonoros llenos de vitalidad, energía y profundidad. Las fuentes de la música de Muhly, desde el minimalismo, las vanguardias o el pop, cristalizaron en un concierto vibrante, mucho más electrizante que el de numerosas bandas de rock.

Ghost Town Jenny Kim Kylland es el alma de este grupo emergente que ha pulido su estilo durante sus actuaciones islandesas. Su sonido, reducido a una formación acústica (arpa, piano, sierra musical) mezcla la magnífica voz de Kylland con atmósferas etéreas, sumamente elegantes y perfectamente integradas en el trabajo de sus tres componentes. Su EP de debut, The Swan, combina, según Kylland, un “pop electrónico y cinematográfico, tejido con el lado oscuro de la música country y soul”.

Rökkurró The Icelandic band Rökkurró, with no new record, returned to a loyal and eager audience to listen again in Reykjavik. Their live performance is precise and the voices of the two female singers complement each other perfectly. To define Rökkurró’s sound, both during the intimate concert at mythical shop 12 Tónar and in the spectacular grounds of Harpa, we just need to clarify the meaning of the band name: Rökkur, twilight and Ro, quiet, serene.

Rökkurró Aunque sin disco nuevo que presentar, los islandeses Rökkurró congregaron a una audiencia fiel y deseosa de escucharlos de nuevo en Reykjavík. Su directo es preciso y las voces de sus dos cantantes femeninas se complementan de manera perfecta. Para definir el sonido de Rökkurró, tanto en el directo íntimo de la mítica tienda 12 Tónar, como en el espectacular recinto de Harpa, sólo hace falta desentrañar el significado del nombre de la banda: rökkur, crepúsculo y ró, silencioso, sereno.

Sigur Rós No doubt, Sigur Rós were the climax of the festival, the highest summit of Icelandic music.

Sigur Rós again in Reykjavik, reeling one to one their most important songs in a non-stop, retrospective with highlights as Hoppípolla or Svefng-Englar, and an impressive staging, in which the projections and light mixed to get the classic atmosphere of the Icelandic group. The advancement of their new release, Brennisteinn, a surprisingly loud composition, confirms the group’s creativity remains intact.

Sigur Rós Sin duda el colofón del festival, la cumbre máxima de la música islandesa. Sigur Rós de nuevo en Reykjavík, desgranando una a una sus canciones importantes, en una retrospectiva sin pausa, con momentos culminantes como Hoppípolla o Svefn-g-englar, y una impresionante puesta en escena, en la que las proyecciones y la luz se mezclaron para conseguir la atmósfera clásica del grupo islandés. Como regalo, un adelanto de su nuevo trabajo, Brennisteinn, una composición ruidosamente sorprendente que deja claro que el grupo mantiene intacta su creatividad.

Epilogue We must end this tour of this Iceland Airwaves edition with a final mention of artists like Daughter and his close encounter in the little church Fríkirkjan, the fun pop of Thorunn Antonia, Asonat electronics, the melodic elegance of Me and my Drummer, or the vocal harmonies and acoustic sound of the Estonian band Ewert and The Two Dragons. Not forgetting old acquaintances as GusGus, FM Belfast, Sóley or the band that has quickly achieved success from the 2012 edition, Of Monsters and Men.

Epílogo Es necesario cerrar el recorrido de esta edición del Iceland Airwaves haciendo al menos mención a artistas como Daughter y su íntimo encuentro en la pequeña iglesia Fríkirkjan, el divertido pop de Thorunn Antonia, la electrónica de Asonat, la elegancia melódica de Me and my Drummer o las armonías vocales y acústicas de los estonios Ewert and The Two Dragons. Sin olvidar a viejos conocidos como GusGus, FM Belfast, Sóley o el grupo que más rápidamente ha alcanzado el éxito desde la edición de 2012, Of Monsters and Men.

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Soledad Sevilla SOLEDAD SEVILLA Road Trip

COULD YOU DESCRIBE ANY PERSONAL MEMORY THAT IS SOMEHOW CLOSELY LINKED TO SPACE AND ARCHITECTURE? Yes, I remember the hot summers in Castile, at my grandparents' with spacious rooms where we were forced to take a nap. In one of these spaces in the dark, the light that filtered through the cracks and dust in suspension helped me to fight boredom. I was strongly attracted by that small space that had not succumbed to the darkness; I swept the floor with my grandfather’s shaving brushes.

Some years later those bright bursts were materialized with cotton or copper threads in the Tower of the Guzman, La Algaba, Sevilla. All tower 1990.

Centre of Culture "Sa Nostra" Somni recobrat Palma, 1993. Albright-Knos Art Gallery, Buffalo, New Museum New York, would be the dawn of 1990.

WHAT IS ARCHITECTURE FOR YOU? WHAT IS THE RELATIONSHIP BETWEEN YOUR WORK AND ARCHITECTURE? My work has always been influenced by space. I have done approximately sixty installations that have been pieces made by merging some prior idea adapted to the space in which they settled.

AT THE TIME OF UNDERSTANDING ARCHITECTURE AND ART, WHICH SIGNIFICANT DIFFERENCES DO YOU FIND BETWEEN AMERICAN AND EUROPEAN PEOPLE. I don’t think there are such a great differences nowadays. New York is within a continent of great size, and I personally think the latter is the responsible for the monumentality of American cities, and also a kind of spirit of renewal and freedom, without the burden of an unchanging past.

HOW WAS THAT FIRST APPROACH WITH THE COURTYARD OF THE CASTLE OF VELEZ BLANCO AT THE METROPOLITAN IN NYC AND WHAT LED YOU TO THINK ABOUT THE INSTALLATION "MAY 1904-1992"?, HOW WAS THE GENESIS OF THAT IDEA? On the occasion of the Universal Exposition of Seville (Expo 92), the steward of the Andalusia pavilion proposed a project to eight artists, among whom I was; a project that had to take place in one of the eight provinces of Andalusia and in a monument or public space. At that time I was working on the series of bulls, and she (the steward) suggested me to do something that we had talk about consisting in some banderilleros images projected and moving around the ring with bats in their hands, just before getting the bull. The perfect place for that piece was the Palace of Carlos V, in the Alhambra (Granada).

The director of the Alhambra was not interested in the project, and then I thought of the castle of Vélez Blanco. I had attended to a summer course at the University of Baeza on Renaissance Architecture in Andalusia where I learned the history of the courtyard which impressed me.

The impact of that history, hitherto dormant, sparked the idea of restoring the castle courtyard. I had never been in Velez Blanco, and I did not know if it would be possible to carry out this project.

When I visited the castle I thought the space was unbeatable so that I could perform the project. The idea was to fill the hollows with some screens that collected the image and the ruined walls were the perfect support for the projection. The team traveled to New York and photographed the courtyard, currently at the Metropolitan Museum, where it was set in the 1960’s, after a series of vicissitudes. The projection was made for three nights in a row. We lit the projectors at sunset, and as it was getting dark the image was gaining strength, with the dark night the courtyard was in all its glory. The images also went out slowly and the courtyard vanished into the night, slowly, as it had appeared.

Imágenes: Mayo 1904-1992 (www.soledadsevilla.com) Traducción: Manuel Amezcua Clemot

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Viaje de ida y vuelta

¿PODRÍA DESCRIBIRNOS ALGÚN RECUERDO PERSONAL QUE DE ALGUNA MANERA ESTÉ MUY LIGADO AL ESPACIO Y A LA ARQUITECTURA? Sí, recuerdo los veranos calurosos en Castilla, en la casa de mis abuelos de amplias habitaciones donde nos obligaban a dormir la siesta. En uno de esos espacios a oscuras, la luz que se colaba por las rendijas y el polvo en suspensión me ayudaban a combatir el aburrimiento. Atraída por ese pequeño espacio que no había sucumbido a las tinieblas, yo barría con las brochas de afeitar de mi abuelo.

Años mas tarde esas ráfagas luminosas se materializaron con hilos de algodón o de cobre en La torre de los Guzmanes, La Algaba, Sevilla; Toda la torre, 1990, Centre de cultura “Sa Nostra”,Palma de Mallorca Somni recobrat, 1993. Albrigth-Knos Art Gallery, Bufalo, New Museum New Yor, Sería la del alba, 1990. ¿QUÉ ES PARA USTED LA ARQUITECTURA? ¿QUÉ RELACIÓN EXISTE ENTRE SU OBRA Y LA ARQUITECTURA? Desde siempre, mi trabajo ha estado condicionado por el espacio. Las aproximadamente sesenta instalaciones que he hecho, han sido piezas elaboradas con la fusión de alguna idea previa adaptada al espacio en el que se instalaba. ¿QUÉ DIFERENCIAS SIGNIFICATIVAS ENCUENTRA EN LA FORMA DE ENTENDER LA ARQUITECTURA Y EL ARTE EN GENERAL, DE LOS NORTEAMERICANOS Y LOS EUROPEOS? Actualmente no creo que haya grandes diferencias. Nueva York está en un continente de dimensiones grandiosas, creo que de eso se deriva la monumentalidad de las ciudades norteamericanas, y también de un espíritu renovador y de libertad, sin el lastre de un pasado inmovilista. ¿CÓMO FUE SU ENCUENTRO CON EL PATIO DEL CASTILLO DE VELEZ BLANCO EN EL METROPOLITAN DE NY Y QUÉ LE LLEVÓ A PENSAR EN LA INSTALACIÓN “MAYO 1904-1992”, CÓMO FUE LA GÉNESIS DE LA IDEA? Con motivo de la Expo 92, la comisaria del pabellón de Andalucía propuso a ocho artistas, entre los cuales me encontraba, un proyecto que debía tener lugar en alguna de las ocho provincias andaluzas y en un monumento o espacio publico. En ese momento yo estaba trabajando en la serie de los toros, y ella sugirió que hiciese algo que habíamos comentado y que consistía en las imágenes de unos banderilleros proyectadas y moviéndose alrededor del anillo con los palos en la mano, antes de entrarle al toro. El lugar perfecto para esa pieza era el Palacio de Carlos V, al director de La Alhambra no le interesó el proyecto, y entonces pensé en el castillo de Vélez Blanco. Yo había asistido en la Universidad de verano de Baeza a un curso sobre arquitectura del renacimiento en Andalucía donde conocí la historia del patio, y me dejó impresionada.

El impacto de esa historia, aletargado hasta ese momento, desencadenó la idea de devolverle el patio al castillo. Nunca había estado en Vélez Blanco, no sabia si sería posible llevar a cabo ese proyecto. Cuando visité el castillo me pareció que el espacio era inmejorable para poder realizarlo. Se trataba de poner unas pantallas en los huecos que recogieran la imagen, y las paredes en ruinas fueron el soporte perfecto para la proyección. El equipo viajó a Nueva York y fotografió el patio, actualmente en el Metropolitan Museum, donde se instaló después de una serie de vicisitudes en la pasada década de los 60. La proyección tuvo lugar durante tres noches consecutivas. Encendíamos los proyectores al atardecer y, a medida que se iba haciendo de noche, la imagen iba cobrando intensidad; con la noche cerrada el patio alcanzaba todo su esplendor. También se apagaban lentamente, y el patio se esfumaba perdiéndose en la noche, poco a poco, como había aparecido.

Soledad Sevilla Portillo (Valencia, 1944) es artista plástica y desarrolla su obra mediante pinturas e instalaciones principalmente.

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Bill Cunningham Amando a los neoyorquinos BILL CUNNINGHAM In love with New York People

"We all dress for Bill” said the legendary Anna Wintour, editor-in-chief of American Vogue. Her words emphasize the legend surrounding the octogenarian New York Times photographer Bill Cunningham, perhaps the father of street fashion photography, who has portrayed from the 60s the social life and daily surprises in New York that may go unnoticed to a less trained eye.

For his column On the street he has paraded the trends, events, and the anonymous imagination of the city. The prolific work of Cunningham has become the most accurate expression of time, place and individual style in New York.

Behind his mythical image riding a bike, dressed in his electric blue jacket, hiding along the streets of Manhattan, armed with a simple camera, there is concealed a photographic work that is without pretensions, somewhat irregular and far from being of a high technical quality. However, through the strength of his gaze, the sincerity of his inventory, his ability to capture moments of sublime inspiration for the world of fashion, he has become an essential figure.

But in addition, when we listen to his comments about any particular collection, for instance, his comparison between the geometric coats of Rei Kawakubo, the cubism of the figures of Picasso and the colors of the paintings of Matisse, we realize that we are faced with one of those strange figures of the fashion world who understands it as true art, steeped in history and aesthetic references, away from trends and close to sincere personal expression.

The boxes in which apparently he stores most of his photographs, represent a visual memory of the past 50 years of New York. They have saved the germ of the original street style, a fashion concept that yields more than 200 million results if you type it in Google. The websites devoted to coolhunting, or haunters focusing on trends, have not stopped growing, and blogs such as Style and the City and The Sartorialist have helped turn this into a truly global phenomenon in which all kinds of cities have become scenarios to photograph anonymous fashion lovers and creators.

The 2011 documentary Bill Cunningham New York enhances the figure of this photographer.

His ability to instantly capture attire, attitudes and dress. His radically original and visionary freedom and gaze that do not distinguish sex, age or genre. But also his ability to love the city of New York through a portrait of its inhabitants.

A great and mutual love.

According to Cunningham “the best catwalk is on the street”.

Texto: Daniel López Martínez + José Miguel Gómez Acosta Imágen: Mónica Fernández Roldán Ilustración: José Miguel Gómez Acosta Traducción: Raquel Carrasco Campos

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“Todas nos vestimos para Bill”, afirmó la mítica Anna Wintour, editora de Vogue USA. Sus palabras ponen de relieve la leyenda que rodea al octogenario fotógrafo del New York Times, Bill Cunningham, tal vez el padre de la fotografía de moda en la calle, quien ha retratado, desde la década de los 60, la vida social neoyorquina y las sorpresas cotidianas que pueden pasar desapercibidas para un ojo menos entrenado.

Por su columna On the Street han desfilado las tendencias, los eventos y la imaginación anónima de una ciudad. La prolífica obra de Cunnigham se ha convertido, por acumulación, en la más fidedigna expresión del tiempo, el lugar y el estilo individual de Nueva York.

Tras su mítica imagen en bicicleta, vestido con su chaqueta azul eléctrico, recorriendo escondido las calles de Manhattan, armado con una cámara sencilla, se esconde una obra fotográfica sin pretensiones, algo irregular y muchas veces alejada de una gran calidad técnica. Sin embargo, la fuerza de su mirada, la sinceridad de su inventario, la capacidad para captar momentos de altísima inspiración para el mundo de la moda lo han convertido en una figura imprescindible.

Pero además, cuando escuchamos sus comentarios acerca de alguna colección en concreto, como por ejemplo, su comparación entre los geométricos abrigos de Rei Kawakubo, el cubismo de las figuras de Picasso y los colores de las pinturas de Matisse, nos damos cuenta de que estamos ante una de esas extrañas figuras del mundo de la moda que la entienden como un verdadero arte, cargado de historia y de referencias estéticas, alejado de la tendencia y cercano a la sincera expresión personal.

Las cajas en las que, al parecer, almacena la mayor parte de sus fotografías, representan la memoria visual de los últimos 50 años en Nueva York. En ellas se guarda el germen original del street style, un concepto de moda que alcanza más de 200 millones de resultados si se teclea en Google. Las páginas dedicadas al coolhunting, o cazadores de tendencias, no han dejado de crecer, y blogs como Style and the city y The Sartorialist han contribuido a convertir esta actividad en un auténtico fenómeno global en el que todo tipo de ciudades se han transformado en escenarios para fotografiar a anónimos amantes y creadores de moda.

El documental de 2011 Bill Cunningham New York destaca la figura de este fotógrafo.

Su capacidad para capturar de manera inmediata atuendos, actitudes y vestimentas.

Su libertad y su mirada radicalmente original y visionaria que no distingue sexo, edad o género. Pero también su capacidad para amar la ciudad de Nueva York mediante el retrato de sus habitantes. Un amor inmenso y correspondido.

Según Cunningham, “el mejor desfile está en las calles”.

William J. Cunningham (New York, 1929), fotógrafo de moda que publica su obra en el The New York Times, es famoso por sus imágenes de street style.

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Los Cloisters Nueva York a la sombra del unicornio THE CLOISTERS New York in the shadow of the Unicorn

At the north end of the island of Manhattan, on a spit of land progressing over the Hudson, the eyes of the Cloisters watch New York; perched on the rock, hidden in their own Finis Terrae, away from the noise, subject to the rules from a different time.

En el extremo norte de la isla de Manhattan, sobre una lengua de tierra que avanza sobre el Hudson, encaramados a la roca, escondidos en su propio Finis Terrae, alejados del ruido, sujetos a unas reglas de tiempo diferentes, los ojos de los Claustros vigilan Nueva York.

The subway map lunges a powerful line along the west bank. A drawn artery that seems to cross the abyss that separates the Cloisters from the downtown, as a thin and unreal walkway. A secret stream that runs away from the black sink towards the footprint of the falling towers, dripping on every street of the island.

El plano del metro arroja una poderosa línea a lo largo de la ribera oeste. Una arteria dibujada que parece atravesar el abismo que separa los Claustros del downtown, como una pasarela delgada e irreal. Una corriente secreta escapando del negro sumidero que, hacia la huella de las torres caídas, gotea cada calle de la isla.

The metro stop where we looked, before we could scarcely glimpse the tiny tower of the Cloisters, calls us. Welcome to an imaginary world where the trees of the park have been placed by men as the stones did; the latter were brought from Europe, from the vastness of time, and have been placed under a perfect strategy of lie.

La parada de metro donde nos asomamos, antes de divisar siquiera la torre diminuta de los Claustros, nos avisa. Bienvenidos a un mundo imaginario donde los árboles del parque han sido plantados por el hombre, y las piedras, traídas desde Europa desde la inmensidad del tiempo, han sido colocadas bajo una perfecta estrategia de la mentira.

We visited the Cloisters an autumn morning. The fog and the bridge that enters the Bronx, the faint rain, the cold air; everything helps to create a walking atmosphere. A few tourists -almost nobody- an empty bus... As if it were not expected, the bell tower rises above us, as emerged from the Romanesque hills.

Visitamos los Claustros una mañana de otoño. La bruma y el puente que penetra en el Bronx, la lluvia tenue, el aire frío, ayudan al ambiente del paseo. Unos pocos turistas, casi nadie, un autobús vacío. Como si no se la esperara, surgida de las colinas románicas, la torre campanario se alza sobre nosotros.

San Miguel de Cuixa, Saint-Guilhem-le-Désert, Bonnefont-in-Comminges, Trie-sur-Baise, and Froville. Buildings that were disassembled, whose stones were sent to New York between 1934 and 1938 and then reassembled with a new meaning, a gorgeous hybrid, absurdly strange.

Medieval gardens, as directed by old manuscripts, surround the architectural ensemble. Two twin tracks slightly displaced are the emptiness of the cloisters.

San Miguel de Cuixa, Saint-Guilhem-le-Désert, Bonnefont-en-Comminges, Trie-surBaïse, y Froville. Edificios que fueron desmontados, cuyas piedras, enviadas a Nueva York entre 1934 y 1938, fueron recompuestas con un sentido nuevo, un híbrido magnífico, absurdamente extraño. Jardines medievales, según la indicación de viejos manuscritos, rodean el conjunto. El vacío de los claustros son dos huellas gemelas ligeramente desplazadas.

El acceso a los Claustros es cálido, la enormidad del peso de la piedra nos protege al entrar. La luz es tenue, los pasos resuenan y hay lugar para los sonidos de la naturaleza.

Innumerables piezas: vitrales y columnas, manuscritos, tesoros y marfil, pinturas y esculturas, columnas medievales finamente talladas.

The access to the Cloisters is warm, the enormity of the weight of the stone protects us when entering. The light is dim, only the echoing steps and there is no room for the sounds of Nature.

Countless pieces: windows and columns, manuscripts, treasures and ivory, paintings and sculptures, medieval finely carved columns.

And at the center of everything, the center of the silence of the Cloisters, the Hunt of the Unicorn.

There is not a clear history, not even known for certain if the seven tapestries were a set. The date of its origin, circa 1500. The pagan interpretation speaks of teased lovers; the Christian tradition describes the Hunt of the Unicorn as an allegory of Christ's Passion.

Hunters get in the forest, the Unicorn dips his horn in a source; the wounded Unicorn, defending his life, finally it delivers itself to the love of the hands of a maiden, the dead Unicorn.

And, miraculously, the resurrected unicorn, in a gated garden, watchful in nothingness. It rises perfect under the perfect shadow of a pomegranate tree.

No meaning when in the beautiful tapestry room, one comes face to face with the Unicorn.

No meaning, everything stops. New York stops in the shadow of the Unicorn.

Texto: José Miguel Gómez Acosta Imagen: El Unicornio Cautivo (1495–1505) Traducción: Manuel Amezcua Clemot

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Y en el centro de todo, el centro del silencio de los Claustros, la Caza del Unicornio.

No hay una historia clara, ni siquiera se sabe a ciencia cierta si los siete tapices formaban un conjunto. La fecha de su origen, en torno a 1500. La interpretación pagana habla de amantes burlados, la tradición cristiana describe la Caza del Unicornio como una alegoría de la pasión de Cristo.

Los cazadores entran en el bosque, el unicornio moja su cuerno en una fuente, el unicornio herido, defendiendo su vida, entregándose al fin al amor de las manos de una doncella, el unicornio muerto. Y, milagrosamente, el unicornio resucitado, en un jardín cerrado, vigilante en la nada. Alzándose perfecto, a la sombra perfecta de un granado.

No hay significado cuando en la bella sala de los tapices uno se encuentra cara a cara con el unicornio. No hay significado, todo se detiene. Nueva York a la sombra del unicornio se detiene.

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