MEW Magazine - FEB 2020 - SKAM España

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febrero 2020

Magazine MADRID · BARCELONA (ESPAÑA) mewmagazine@mewmagazine.es www.mewmagazine.es @mewmag / @mew_magazine DIRECTORA EDITORIAL & JEFA DE REDACCIÓN P. Guergué mewmagazine@mewmagazine.es DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA & MAQUETACIÓN Ana Márkez amarkez@mewmagazine.es PUBLICIDAD & SPONSOR publicidad@mewmagazine.es COMUNICACIÓN & MARKETING Itziar Monge imonge@mewmagazine.es REDACCIÓN & COLABORADORES Rosa Suria / Judith Torquemada / Yurena Guerra / Paloma Escudero / Almudena Martínez / Paula Robaina / Ada Fernández FOTOGRAFÍA Ana Márkez / Xana Sánchez DIRECCIÓN DE MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA Lucía Castro DIIRECCIÓN DE MODA Y ESTILISMO Jairo Villada AGRADECIMIENTOS Universal Music / Movistar+ / Hostel Sleep'n / Hotel VP Plaza España DEPÓSITO LEGAL MEW Magazine pone en su conocimiento que los artículos que se publican en la revista, así como la imagen, sea de índole personal y/o mercantil, que se reproduce en la misma, queda protegida jurídicamente frente a terceros en aplicación de la normativa sobre propiedad industrial e intelectual. En este sentido, se informa específicamente acerca de la prohibición de reproducción parcial o total del contenido, para su posterior difusión pública y/o explotación propia.

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Febrero nos trae la libertad. Y la sororidad. Las ganas de la ficción bien hecha. La búsqueda de aquello que necesitamos ver y encontrar.

Los referentes que nos enseñen que todo es posible. Que podemos ser sin necesidad de pedir permiso. Que todos tenemos batallas propias que afrontar. Que no importa tu pasado ni el contexto. Febrero grita entre la juventud y la consolidación. 29 intensos días donde encontrarnos, tropezarnos, caer y volver a incorporarnos. Días para disfrutarnos. Esos donde la empatía fortalece todo lo que queremos compartir. Porque ponerse en la piel de la persona que tenemos en frente nos suma mucho más que nos resta. Aunque nos cueste verlo. Aunque haya días para el olvido.

Nuestra ficción está más viva que nunca. En el mismo punto donde lo más relevante es lo que se cuenta y no quien te lo cuenta. Donde se dan oportunidades. Donde 'La Valla' nos habla de esos derechos que nunca, seamos quienes seamos, debemos perder. Y 'Skam España' nos brindan los referentes que debemos mantener.

SUMARIO

2 7 8 14 14 16 20 22 24 38 60 60 64 66 68 72 76 80 84 88 92 100 102 108 154 160 162 168 172 176 200 204 206

SECCIONES Equipo y carta directora Índice Moda Música Crónicas: Alba Reche MÚSICA URBANA: Mujeres indispensables GRANDES CLÁSICOS: The Beatles DESCUBRIENDO ARTISTAS: Arizona Zervas EL FENÓMENO: K-POP Premios Odeon

Cine MÚSICA, CINÉFILOS COLUMNA DE OPINIÓN: Óscars 2020 EL CLÁSICO DEL MES: Casablanca 15 AÑOS TIENE MI AMOR: Para que no me olvides LUGARES DE PELÍCULA: París FENÓMENOS: Dunquerque vs 1917 LAS MUJERES EN EL CINE EL PERSONAJE: Harley Quinn

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REPORTAJES Crislo Marta Sango SKAM España Nicole Wallace Celia Monedero Hajar Brown Irene Ferreiro Alba Planas Uñax Ugalde Daniel Ibáñez

DE TÍ APRENDÍ

224 Robert de Niro

El universo que nunca debió ser: DC Óscars 2020 COLUMNA DE OPINIÓN: Los Goya 2020

PELÍCULAS PARA TU COLECCIÓN

Series Especial: Vergüenza Críticas Reportaje: Historia ficcionada LA SERIE DEL MES: Néboa FENÓMENOS: El internado Entrevista: Olivia Molina

TEORIZANDO: The Walking Dead RECAPITULAMOS: El ministerio del tiempo UN MES DE SERIES

212 Literatura 212 FENÓMENOS: Andrea Izquierdo.

216 5 LIBROS: Para vivir el amor este Febrero 220 Viajes 220 HISTORIAS Y LEYENDAS: Madrid 222 VIAJANDO Y COMIENDO

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LOOKS

DE INSPIRACIÓN PARA ESTE INVIERNO TEXTO YURENA

GUERRA

Es el momento de estrenar todos los conjuntos que hayamos encontrado en rebajas. Todas las compras que hicimos tienen que empezar a desfilar desde nuestro armario hasta la calle y vamos a mostraros un conjunto para cada día de la semana para todos los estilos y gustos y uno de fiesta de regalo. ¿Comenzamos?

Muchas veces comienza la semana y no sabemos qué ponernos. Queremos ir cómodas pero abrigadas, elegantes pero a la vez también informales, por eso mismo lo mejor es tener más o menos organizados los conjuntos o los tipos de conjuntos que más nos gusten y así empezar los lunes tranquila, sin tener que ponerte nerviosa delante del armario porque no sabes qué ponerte.

Lo importante es sentirte cómoda con lo que llevas y, por supuesto, darle el toque que más se adapte a tu estilo, pero aquí van los looks de inspiración para todos los días de la semana.

Lunes Para empezar bien la semana, que mejor que un look cómodo y colorido? Cualquier pantalón vaquero de estilo Baggy o Slouchy es una opción acertada. Si te los pones de un solo color, sin ser desgastados o rotos, siempre quedan más elegantes. Puedes encontrarlos en Zara, Stradivarius y también en tiendas como Levis. Son sueltos y cómodos, además suelen sentar bien a casi cualquier tipo de cuerpo. Por encima podrías poner una sudadera o un jersey crop top de algún color llamativo, como por ejemplo lila.

Estos podrás encontrarlos en Zara y en Bershka. ¿Para los pies? Las zapatillas Nike Air en todos pastel son preciosas, cómodas y super divertidas, levantan cualquier look que a primera vista sea más aburrido.

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© Andrea Rueda. Instagram

Andrea Rueda es un buen ejemplo para mostrar en cuanto a este tipo de looks.

Martes Si viene un día más frío, este tipo de conjunto puede ser una buena opción. Un jersey de lana gruesa en la parte de arriba, un pantalón baggy de los mismos tonos que tiene el jersey, un abrigo largo de estilo gabardina y unas botas cañeras.

El jersey de este estilo podemos encontrarlo en cualquiera de nuestras tiendas favoritas. ¿Los pantalones?

Zara siempre tiene muchos pantalones de estilo baggy. Las botas Dr. Marteens son siempre una buenísima opción, cómodas, bonitas y super resistentes.

© Marta Riumbau. Instagram

Marta Riumbau nos enseña como combinar todas estas prendas y crear un conjunto ganador.

Miércoles Si apetece un look más motero y sexy, siempre es una buena opción coger un conjunto todo negro y de cuero. La chupa vaquera de Mango con flecos sumada a unos pitillo de cuero como los que encontramos en Calzedonia y una camiseta básica es un look súper atrevido y acertado. En cuanto al calzado, podemos optar por una bota motera como las Dr. Marteens, o unos taconazos como las botas rockeras que encontramos en Zara. María Pombo nos muestra una variante de este tipo de conjuntos.

Jueves Día de ir cómoda y calentita. Se está acabando la semana, estamos ya a punto de entrar en el fin de y queremos que llegue cuanto antes el viernes, así que la mejor opción es ir con una ropa que vaya acorde con nuestro mood. Anna Padilla opta por llevar un jersey beige de Oufitbook que combina con unas botitas UGG del mismo color y unos vaqueros deshilachados y desgastados de Zara. Cómoda, calentita y feliz. ¿Te animas con este look?

Viernes A un paso del sabado, podemos decir que ya estamos de mejor humor. Nos apetece arreglarnos mucho más pero todavía no podemos ponernos en el mood fiestero. Por eso mismo, Mery Turiel hace un look ganador de viernes. Las botas moteras del mismo color que el jersey oversize conjuntado todo con la falda colorida de flores, todo de Pull&Bear es uno de los conjuntos más bonitos de toda la semana. Este tipo de faldas las encontramos también en Bershka, Mango y Zara. ¿Te atreves?

Sábado El fin de semana es para atrevernos más con los looks, para ir a un parque, tomarnos una cervecita y hacernos unas cuantas fotos, por eso la opción que nos trae Rocío Osorno nos encanta. Como ya podéis ver, las botas estilo motero son las favoritas de la temporada, junto a las botas cowboy, por lo que estas, las cuales podemos encontrar en Zara o en Ulanka, combinadas con un pantalón blanco y con una chaqueta de algún print animal o incluso MEW - 9

Š María Pombo. Instagram

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© Anna Padilla. Instagram

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de colores y formas geométricas es un acierto seguro. ¡Nos encanta!

Domingo ¿Qué mejor que unas deportivas blancas Converse del mismo color que el jersey combinadas con unos pantalones metalizados de cuero de Calzedonia para terminar la semana? Teresa Bass nos enseña que no solamente tenemos que llevar looks metalizados para salir de fiesta o para la noche, si no que también los podemos llevar de manera más desenfadada durante el día. ¡Maravilloso!

Fiesta Si algún día salimos por la noche y nos apetece ir sexys, atrevidas y a la vez elegantes, siempre es una buena opción llevar una americana vestido negra y combinarla con unas botas de caña alta negras. Para ceñirla un poco más a nuestro cuerpo, podemos añadir un cinturón bonito y divertido. Los cinturones de este estilo podremos encontrarlos en Zara y Mango, al igual que las botas de caña alta. La americana vestido podemos encontrarla en Zara también o en Bershka.

© Mery Turiel. Instagram

Esperamos que los looks os hayan servido de inspiración y que los llevéis a vuestro terreno.

La moda tiene que ser divertida y sacar nuestro lado más creativo, así que a innovar.

© Teresa Bass. Instagram

© Rocio Osorno. Instagram

© Andrea Rueda. Instagram

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CRÓNICA

ALBA RECHE SE LLEVA EL CORAZÓN DE MADRID A veces es cuestión de alma. De creer y querer. De sentir que tienes algo profundo que ofrecer. Vivirlo y abrazarlo poderosadamente. Eso es lo que hemos podido ver esta noche dentro del concierto de Alba Reche en Madrid. 'Quimera' llegó a bocajarro rasgando cada poro de nuestra piel.

TEXTO P. Guergue | FOTOGRAFÍAS Ana Márkez

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uimera. Había ganas.

Y también necesidad.

Había ganas de palpar su voz y necesidad de escuchar su música. Aquella que le pidió un riesgo y se lo dio.

Aquella que le ha dado una personalidad apabullante y un sonido de entraña. Del sentimiento profundo de amar la música. Es, sin lugar a dudas, Alba Reche.

Sube al escenario y el silencio se aleja hacia el ‘Eco’. Un hasta luego que se convierte en un hasta siempre. Una despedida que inunda el directo y da comienzo al sueño. Y todo se para.

El tiempo se queda estancado.

Solo hay voz. Una artista que se mueve sobre el escenario con una naturalidad envidiable. Es esencia del sonido que perdurará en el tiempo. Porque es algo que se palpa. Que se siente.

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Madrid se ha quedado sin corazón. Absolutamente conquistado, ha huido para ser la sombra de Alba a lo largo del recorrido que le quede por caminar. Porque seguir su paso es bailar entre las notas. Porque la magia que se ha vivido entre ella y su público ha sido embriagador. Una energía que debería de ser perpetua. Una comunión maravillosa donde nada duele y todo cura.

Con ritmo vertiginoso, hemos sufrido una montaña rusa de sentimientos. Caminando entre la historia de sus once capítulos y aquellos recuerdos que no podían faltar. Una combinación cuidada y meditada. Porque era importante hacer el guiño de lo que se espera pero cuidando la forma y el fondo.

De Barcelona a Madrid. De Madrid a Barcelona. Dos grandes noches seguidas que han consolidado el inicio de todo lo que Alba Reche tiene por entregar. Quimera es su punto de partida. Donde la vorágine de la vida inunda cada estrofa. Hablando del ser y de permanecer.

De respetarse hasta la saciedad.

De decir adiós a aquello que nos destroza. Y de abrazarnos a los que siempre permanecen.

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MÚSICA URBANA

Mujeres indispensables en la música urbana por Almudena

ritmos de calle,, voces calle poderosas y rimas ácidas en sus canciones © Dani Pujalte

gue un resultado muy curioso y adictivo. Y solo hace falta ver el boom que supuso 'Septiembre', la canción que la propulsó a la palestra de manera definitiva. Desde entonces, todos los que conocemos a Luna Ki estamos más que pendientes a sus nuevos lanzamientos, como por ejemplo 'Buenos días'.

Conoce a artistas referentes del género y descubre a las futuras promesas de la escena actual, que oscilan entre diferentes estilos, desde el trap y el rap, pasando por el reggeaton y el neoperreo e incluso el R&B, entre muchos otros.

Durante mucho tiempo los géneros musicales urbanos se han asociado única y exclusivamente a los hombres. Por suerte, hoy en día hay muchas mujeres que pisan con fuerza en dicha escena, derribando los muros y los prejuicios, demostrando así su talento frente a un micro y su arte para desenvolverse encima de un escenario. Y si todavía no lo crees así, solo tienes que seguir leyendo este artículo para darte cuenta de la gran cantidad de artistas femeninas que están petándolo o lo van a hacer dentro de poco.

La primera mujer de la que quiero hablar es Bad Gyal, la culpable de haberte hecho bailar en cualquier discoteca gracias a temas como 'Fiebre', 'Mercadona' o 'Internationally'. La catalana empezó a

sonar en 2016 y desde entonces la joven ha trabajado muy duro hasta convertirse en una de las principales figuras femeninas del dancehall internacional. Y es que Bad Gyal ha realizado ya varios tours por Estados Unidos y Canadá y ha llegado a actuar en festivales muy potentes como el Lollapalooza de Argentina y Chile en 2019. Sin duda, una de las mujeres que no te puedes perder si quieres ritmos bailables y letras llenas de poderío.

En segundo lugar se encuentra otra de las mujeres con más repercusión en el ámbito español: La Zowi. Nacida en Francia y criada en diferentes ciudades de Europa, La Zowi ha conseguido desestigmatizar la palabra puta, refiriéndose a sí misma de esta manera en incontables ocasiones. Sus canciones, caracterizadas por rimas ácidas y ritmos muy urbanos, consiguen transmitir el ambiente callejero donde ha crecido pero también saben reflejar todo lo que ha conseguido gracias a la música, sin avergonzarse por ello.

Alejándonos un poco del estilo más callejero de La Zowi, nos encontramos con Luna Ki, una artista que no entra dentro del término trap, sino que encaja más bien en un pop perverso mezclado con una estética muy cute que consi-

El sello discográfico La Vendición Records tiene en su equipo a La Zowi y a otra de las mujeres de las que quiero hablar: Albany. Esta joven nacida en Girona y criada en Granada lleva ya años luchando por su carrera musical y se la conoce tanto por sus temas en solitario como por ejemplo 'Mi crush' o 'Nadie' como por sus colaboraciones con otros grandes del panorama actual como Yung Beef o Goa. En definitiva, una artista con letras sinceras, tristes y crudas que llegan a cualquiera.

Adentrándonos ahora en una música más bailable nos encontramos con Bea Pelea. Si realmente estás buscando una artista que abandere el reggaetón feminista y romántico, Bea Pelea es la más indicada. Y es que con tan solo escuchar 'La gasolina' junto a La Favi, podemos encontrarnos con los ideales de empoderamiento que quiere transmitir la malagueña.

Valores que se pueden bailar hasta el suelo, ¿qué más se puede pedir?

Además, como recomendación personal creo que 'Si no te vuelvo a ver' de Bea Pelea es un must en cualquier playlist de música urbana.

"Las gitanas dando palmas a Jenny, todas andamos con las chanclas en kelly". Esta frase de la canción 'Femme Fatale' supuso el inicio de Slim Kawasaki en 2015, convirtiéndose así en una de las pioneras del trap español. Desde entonces, la artista ha cambiado

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en varias ocasiones de nombre artístico, llamándose ahora Somadamantina. Sus aportaciones a la música han sido algo escasas debido a la esquizofrenia que padece, tema del cual ha hablado abiertamente en varias ocasiones pero lo cierto es que todo lo que ha sacado vale la pena. Desde 'Ducati Lov', su colaboración con Yung Beef, pasando por 'Hermoso' y terminando con 'Borracha de amor', su último single.

Las jóvenes promesas del panorama

Es posible que ya conocieras a muchas de las artistas nombradas anteriormente, pero hay varias mujeres que han empezado a desenvolverse en el panorama actual y quiero hablar de ellas porque confío en que van a llegar alto, van a pisar fuerte y se van a hacer oír. En primer lugar está Aleesha Rose.

Esta joven de Ibiza me conquistó a través de las redes sociales. Derrocha estilo y tiene una voz prodigiosa que sabe aprovechar en diferentes estilos. 'This is ain't love song', 'Si tú quieres', 'Peligrosa' o su último tema 'Cógeme' demuestran su versatilidad y capacidad de transmitir tanto con ritmos rápidos y lentos, acompañados siempre de unos visuales increíbles.

La segunda promesa de la lista es Ambizius, una

joven que siempre anda entre mis playlists gracias a sus temas como 'Cuéntale' o 'Infiel'. Nacida en Bélgica y crecida en Canarias, Ambizius cuenta con una voz muy bonita que sabe transmitir todo lo que se propone, poniendo especial atención en el empoderamiento femenino como hemos podido ver en el tema '100tos'. También me gustaría destacar las covers que cuelga en redes, sin duda una artista a la que es mejor no perder de vista.

En tercer lugar se encuentra Kenya Racaile.

Llevo escuchándola mucho tiempo y sigue sorprendiéndome que todavía haya gente que no la conozco porque es una artista con todas las letras. La primera canción que escuché de la valenciana fue 'Tú me llamas mami' y desde entonces sigo cada paso de la joven, convenciéndome más de su talento y de su buena mano con todo lo que hace. Rimas muy pegajosas y realmente bailables que hacen de Kenya Racaile otra de las firmes promesas del panorama español.

Artistas internacionales

que no debes perderte Para ir terminando, es totalmente necesario destacar algunas de las mujeres que más lo están © Razzmatazz

petando en el ámbito internacional dentro del habla hispana. Para empezar, hablemos de la cantidad de talento que hay en Argentina. ¿Quién no conoce a Cazzu? La joven se ha convertido en una de las mujeres más influyentes del trap y del rap internacional gracias a sus rimas y su personal estilo. ¿Pero qué hay de Nicki Nicole y Ms Nina?

También dos argentinas que han conseguido partir el panorama con sus temas, la primera gracias a su frescura y la segunda gracias a su facilidad de hacernos bailar con todos y cada uno de sus temas.

Por otra parte, nos encontramos con Tomasa del Real, la reina chilena del neoperreo, subgénero del reggaetón que nos hace barrer el suelo con el pelo cada vez que la escuchamos, como su principal hit. Y por último… ¡La que tú conoces!

Eso es, La Goony Chonga no podía faltar en esta lista de mujeres y es que también es capaz de hacernos disfrutar gracias a sus ritmos cubanos y su poderosa actitud tanto en la vida real como encima del escenario.

Además, no puedes dejar de escuchar sus colaboraciones con La Zowi, con quien mantiene una relación de amistad y profesional envidiable.

'PLEASE PLEASE ME' El inicio del fenómeno fan por Ada Fernandez

El 11 de febrero se cumplen 57 años de la grabación del primer álbum de los cuatro de Liverpool, los detonantes de una revolución en la forma de reconocer el trabajo de los artistas y que lleva dejando a gente afónica de tanto gritar desde los 60: el fenómeno fan.

Cuando The Quarrymen empezaron a tocar skiffle y rock and roll en 1956 jamás hubieran imaginado que siete años después tendrías que huir corriendo de las hordas de fans que les perseguirían por todo el mundo. Estos cuatro jóvenes cuyos nombres estarán para siempre grabados a fuego en la historia de la música y en el imaginario colectivo universal lo cambiaron todo: volvieron loco al mundo.

formación de la banda, de un quinto miembro que al final no fue y de una sustitución en la batería, estos cuatro jóvenes ingleses dijeron que eran Los Beatles y cambiaron la historia de la música y la cultura para siempre.

Aunque el fenómeno Elvis ya se extendía por Estado Unidos a mediados de los 50 y las jovencitas desfallecían por La Pelvis, fue en 1957 de la mano de estos cuatro jóvenes Antes de ser el grupo más influ- que se desató la locura total y Los yente de todos los tiempos, John Beatles lo cambiaron todo.

Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr tocaban en El detonante pubs de Liverpool y locales de dudosa moral en Hamburgo. Después de idas y venidas, de cambios en la John, Paul, George y Ringo graba-

do a sus seguidores (y sobre todo seguidoras) a seres pasionales sin control. Sin embargo, si bien en los 60 este nuevo fenómeno era sorprendente ahora ha pasado a ser de lo más cotidiano.

Llegados a este punto cabe preguntarse por qué esto no se había producido antes. ¿Por qué fueron ellos?

La pregunta tiene una respuesta de lo más sencilla: porque era la primera vez que todo el mundo podía verles y oírles. Porque había televisión y radio.

ron el 11 de febrero de 1963 todas las canciones que componían el que sería su primer disco de estudio. Esta grabación fue posible gracias a dos figuras indispensables para entender la historia de la banda, ambas denominadas como “el quinto Beatle”: George Martin y Brian Epstein.

George Martin, productor musical, y Bian Epstein, vendedor de muebles reconvertido en manager y estilista, confiaron en cuatro chavales que mezclaban el blues, el rock y el skiffle para crear un sonido que sería el más reconocido de la historia de la música. Lo que no imaginaba ninguno de ellos, ni los cuatro de Liverpool ni sus 2 cómplices, eran las repercusiones que este disco tendría en la manera de reconocer y admirar el trabajo de un artista.

‘Please Please Me’ no fue solo el primer disco de la banda, sino que fue el detonante de toda una serie de acontecimientos que se sucedieron para ponerlo todo patas arriba. El álbum llegó al número 1 de las listas británicas y permaneció allí 30 semanas, solo para ser sustituido

por el segundo álbum de la banda, ‘With the Beatles’. A este éxito comercial le acompaño un éxito sin precedentes entre el público que pasó de abarrotar el Cavern a gritar histéricamente y perseguir a los cuatro trajeados del flequillo después de cada actuación.

La televisión pasa de ser un medio meramente informativo a formar parte del ocio y entretenimiento de la clase media americana y británica, permitiendo que no solo llegue al gran público la música de los cuatro de Liverpool, sino que la gente les ponga cara y les reconozcan. Por primera vez en la historia se podía reconocer a un artista más allá de la foto de la portada de un disco, se le veía actuar, se le escuchaba hablar… y el artista se convertía en ídolo.

Y ahí nació la locura. Nació la Beat- Ahora ya no nos podemos limitar lemanía. a escuchar un disco o ver una película, necesitamos saber de la vida Un año después, en febrero de de sus protagonistas e intérpretes, 1964 y con otro álbum bajo el bra- queremos conocerlos: ese es el fazo, Lennon, McCartney, Harrison y natismo ciego que desataron los Starr cruzaron el charco para cons- Beatles en los 60 al que no hemos tatar lo que venían sospechando sabido poner cura en 60 años. desde Reino Unido: ya no había marcha atrás y tendría que huir de Si soy sincera, hasta les estoy agrasus locos admiradores cantando ‘A decida. Lennon, McCartney, HarriHard Day’s Night’ para siempre. son y Starr nunca más pudieron ni

El porqué del fenómeno fan

La histeria, los gritos, las lágrimas, los temblores. Los Beatles llevaron la admiración a otro nivel reducien-

podrán salir tranquilamente de su casa, pero enseñaron al mundo lo que era la verdadera pasión.

Además, qué aburrida sería la vida sin un poquito de locura, ¿no?

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Descubriendo artistas Arizona Zervas pisando fuerte por Rosa Suria

Su ‘Roxanne’ está sonando en todo el mundo, arrasando con su fuerza y convirtiéndose en uno de los grandes éxitos del momento. Un aterrizaje firme para Arizona Zervas, que apunta a un futuro prometedor.

Haz la prueba. Pon la radio, cualquier emisora musical, durante una hora. A no ser que des con un programa muy concreto dedicado a un género específico, lo más probable es que escuches al menos una vez ‘Roxanne’. Y no hablo del clásico de The Police, si no del single que ha llevado a Arizona Zervas a alcanzar el éxito mundial. En pocos meses se ha convertido en una de las canciones más reproducidas en todo el planeta, además de una de las más utilizadas en aplicaciones como Tik Tok, que fueron su gran trampolín. Suena, como digo, en radios, pero también en la televisión, en los móviles de millones de personas, en anuncios… Está en todas partes, como también lo empieza a estar el nombre del rapero, que parece dispuesto a unirse al nutrido grupo de artistas jóvenes que triunfan dentro de la música urbana y 22 - www.mewmagazine.es

fuera de ella.

Este single, que resume a la perfección su estilo musical, ha supuesto su aterrizaje en el mercado internacional, pero no el comienzo de su carrera. Este joven rapero estadounidense nació hace 24 años en un

"sabe lo que es romper todo tipo de barreras geográficas"

pueblo del condado de Maryland, y parece que siempre tuvo claro que la música era su futuro. Todavía en el instituto, Arizona Zervas comenzó a componer y producir sus propias canciones, que compartía a través de redes sociales y plataformas como Spotify. Quizá fue el ejemplo de otros muchos artistas enmarcados en estilos similares al suyo el que le guió por este camino, pero lo cierto es que, pese a su juventud, ha sabido llevar su carrera con inteligencia y acierto. De hecho, aunque el boom mundial se ha producido con ‘Roxanne’, ya contaba con una pequeña legión de fans y cierto prestigio dentro de las música urbana y, por supuesto, de las propias redes sociales.

Domina estas últimas y, curiosamente, hace tiempo ya fue protagonista de otro momento viral, en este caso más centrado en Estados Unidos. Aunque con su ‘Roxanne’ sabe lo que es romper todo tipo de barreras geográficas, AZ ya experimentó en primera persona lo que significa convertirse en fenómeno. Fue en 2016, cuando su rap dedicado a la NFL dio la vuelta a todo su país durante el

descanso de la popular Super Bowl, el evento deportivo más seguido del año. Un hito que, si bien no fue a más a nivel profesional, le sirvió para comprender cómo funciona esto de la popularidad en el siglo XXI, así como para poner su nombre en el mapa y para ganar más seguidores para su particular legión.

Ahora el fenómeno se ha multiplicado por 100, o por 1000, pero Arizona Zervas sabe lo que hace y sabe cómo procesar el éxito. Ahí puede estar una de las claves de su asentamiento dentro de la industria musical, en mantener los pies en la tierra y la mente siempre en marcha. El rapero acaba de fichar por Columbia Records y se enfrenta a una nueva etapa en la que su música, por fin, va a tener la repercusión y el alcance que lleva peleando desde su época de estudiante.

La otra gran clave Su experiencia va a ser un gran pilar en los próximos meses, en los que se enfrentará a situaciones que probablemente no esperaba encontrarse hace tan solo un año.

Pero lo que marca la diferencia entre un artista y otro, además de el esfuerzo y el talento, que en este caso están más que presentes, es el conocimiento del mercado en el que se mueven. Saber ver la tendencias y adaptarse a ellas para sobrevivir. Así, hemos visto cómo artistas de renombre cambiaban su estilo musical adaptándose a las demandas de un público, ciñéndose a la máxima de reinventarse o morir.

Si repasamos los muchos singles que Arizona Zervas ha ido lanzando al mercado en los últimos años, no tardaremos en comprender que

Pero queda en eso, en una cercanía que es agradable y sobre todo comprensible, muy lejos de la copia que sin embargo podría haber surgido con facilidad. El autor de ‘Roxanne’ ha construido su propia voz sin ningún tipo de presión y ha creado su propia oportunidad, la que ahora debe aprovechar para hacerse oír más que nunca. La música urbana está viviendo un momento de auge que hace años era casi imposible de prever o imaginar, un escenario inmejorable para el surgimiento de artistas como este rapero, concienciados, formados y atentos a unas tendencias que poco a poco van creando ellos mismos. Hace tiempo fue Kendrick Lamar, después llegó Post Malone y, si todo sigue su curso natural, probablemente 2020 sea el año de Arizona Zervas.

Un nuevo torbellino que ha llegado Es cierto que la comparación sale pisando muy fuerte. sola, a mí misma me ha ocurrido.

el rapero cumple con creces con este tercer punto. A través de sus canciones, podemos ver cómo ha sabido leer el mercado y no encerrarse en un solo género. Su música, o quizá su manera de entender este arte, se acerca bastante a la de Post Malone, por lo melódica que es, además de potente. AZ no ha quedado atrapado en el rap más puro, que rápidamente elimina a una gran parte del público potencial. Ni tampoco ha olvidado sus raíces y la música que más le gusta. Ha combinado esto último con lo que demanda la mayoría en estos momentos, olvidándose de los complejos que han acabado con muchos compañeros de profesión, y cogiendo un poco de aquí y otro poco de allá para crear su propio sonido.

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K-POP,

el fenómeno que no entiende de fronteras TEXTO ROSA SURIA Se ha convertido en el fenómeno por excelencia a nivel mundial. Todo el mundo habla de sus bandas, que arrasan en ventas y en reconocimientos internacionales. Las redes sociales se han llenado de sus rostros y las radios comienzan a poner sus temas, algo que hace unos años era impensable. Estudiamos a fondo el fenómeno del K-Pop. El K-Pop puede ser definido como un género musical, surgido a comienzos de los años 90 en Corea del Sur, en el que se unen diferentes estilos musicales como el hip hop, la música dance electrónica o el rock. Pero ya en 2020 es imposible hablar de este género haciendo referencia simplemente a esta definición. El K-Pop es además un fenómeno a nivel mundial, probablemente el más grande en estos momentos y desde hace unos cuantos años. Aunque prácticamente desde su nacimiento su éxito internacional fue notable, ha sido en estos últimos tiempos cuando se ha producido el estallido definitivo, rompiendo todo tipo de fronteras y barreras.

Así, ahora, es posible que nos encontremos una canción de BTS sonando en las radios más importantes de nuestro país o incluso en algún programa de televisión. De igual manera, día tras día nos topamos con alabanzas de todo tipo de celebrities, que también forman parte de este fenómeno. Cantantes, bandas, actores y actrices que adoran a estos grupos y que no pierden la ocasión de fotografiarse con ellos cuando tienen la suerte de encontrarlos en alguna entrega de premios o de colaborar profesionalmente en el caso de los músicos. Estas MEW - 25

bandas de K-Pop, especialmente algunas como la ya mencionada BTS, GOT7, BLACKPINK o EXO, se han convertido en las más veneradas de la actualidad y en torno a ellas se ha generado un fenómeno de masas que difícilmente puede ser comparado con otros.

Desde dentro El K-Pop está en todas partes. Es imposible navegar por las redes sociales principales o leer los medios especializados y no encontrar decenas de comentarios por minuto.

Las canciones de estos grupos aparecen cada vez con más frecuencia y el fenómeno no deja de crecer, lo cual provoca que muchos busquen el por qué de este éxito mundial.

Y, como desde fuera, es un fenómeno complicado de comprender y conocer a fondo, por la lejanía física y cultural, he querido hablar con personas que formen parte del mismo. Fans que se toparon con el K-Pop de manera accidental y que ahora no pueden ni quieren salir de él, que se han convertido en fieles defensoras de este género y de la cultura coreana y que han querido compartir conmigo sus pensamientos y sus sentimientos.

Estos grupos no sólo han logrado que su música sea valorada y escuchada en todo el planeta, recibir premios internacionales y llenar estadios en todos los rincones de la Tierra. No sólo han conseguido colocarse entre los temas del momento en diferentes redes sociales y protagonizar titulares en los medios especializados y generalistas más importantes de la actualidad.

A ellos también se les debe el enorme -y aún creciente- interés que se ha despertado por Corea del Sur. Miles de personas han comenzado a viajar al país asiático y a promocionar su cultura, su gastronomía y su idioma, que cada vez estudian más personas, especialmente jóveComo todo fenómeno, el del K-Pop nes. tiene también un aspecto senti26 - www.mewmagazine.es

mental en el que se sustenta una gran parte del movimiento. La música, los vídeos, las historias, los cortos… Todo lo que hacen estas bandas conecta directamente con sus millones de seguidores. Y sí, cantan en coreano, pero la música es un idioma universal -y existen muchos traductores online que pueden ayudarnos a entender los mensajes que mandan sus canciones-. Las personas que forman parte de este fenómeno sienten y conectan de la misma manera que lo hacen quienes son seguidores de One Direction o amantes del Universo Cinematográfico de Marvel. Y cuando hablamos de aspectos subjetivos, no hay una opción mejor que otra. Eliminar los prejuicios es básico para comprender cualquier tipo de fenómeno.

Una vez aclarado esto, también hay aspectos objetivos que nos permiten entender el boom del K-Pop. Pilar, fan que ha llegado a viajar a Corea del Sur en varias ocasiones, me comentaba que lo que más le sorprendió y le atrapó de este gé-

nero cuando se topó con él es lo completo y variado que es. Siempre hay movimiento, los grupos y artistas no dejan de reinventarse y lanzar música, videoclips, cortos, proyectos diferentes, giras… No hay tiempo para aburrirse, y todo ello sin descuidar ningún detalle.

Al contrario de lo que ocurre con otros artistas occidentales, en el K-Pop nunca se sacrifica la calidad en pos de la inmediatez. Y un claro ejemplo lo encontramos en sus videoclips, que parecen auténticas producciones de Hollywood, como también me comentaba Cristina.

Su cultura del esfuerzo y del trabajo les lleva a crear proyectos completamente innovadores y a rozar la perfección en cada uno de ellos.

Además, la enorme cantidad de bandas que existen y la variedad de las mismas permiten que los seguidores puedan explorar todo tipo de estilos musicales y conocer diferentes historias, moviéndose también como lo hacen los propios grupos. El K-Pop es un género innovador en sí mismo, que no deja

de crecer y de adaptarse con el paso del tiempo, y en el que siempre hay algo nuevo. En una época en la que lo tenemos todo a un clic y en la que nos aburrimos con facilidad, precisamente por esto, es el género ideal.

Lo que hay que mejorar Digo género ideal porque aún no ha alcanzado la perfección. De hecho, es casi imposible hacerlo. Aunque el K-Pop llega acompañado de muchísimos aspectos positivos, entre los que también se encuentra la posibilidad de construir comunidades con miembros de todos los rincones del mundo, también hay aspectos a mejorar. Y uno de ellos es la situación laboral de los propios artistas. Al parecer, los contratos existentes en la actualidad rozan, en muchos casos, la esclavitud y terminan por mermar las fuerzas de los músicos. De hecho,

hemos visto cómo algunos de ellos han terminado siendo presas de la depresión, la ansiedad e incluso las drogas.

El género no tiene nada que mejorar, pero, tal y como me señala Pilar, la industria sí debe hacerlo.

La clave está en comprender que, detrás del éxito que logran, los artistas son también personas y deben ser tratadas como tales, con unos mínimos que garanticen su salud física y mental. Un objetivo en el que ya se ha empezado a trabajar, al menos en algunas de las empresas, que han comenzado a eliminar estos ‘contratos de esclavos’ y a mejorar sus condiciones, permitiéndoles compaginar sus pasiones, que son la música y el baile, con una vida medianamente privada y saludable. Queda mucho camino por andar, pero precisamente la enorme popularidad del K-Pop en estos momentos, que ha provocado que se ponga el foco en estas condiciones muchas veces infrahumanas, puede ser la clave para que todo cambie a mejor.

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Mordisco de Mujer

CRISLO FOTOGRAFÍA ANA MÁRKEZ | MUAH LUCÍA CASTROE ENTREVISTA Y TEXTO P. GUERGUE ESTILISMO JAIRO VILLADA | LOCALIZACIÓN ABONAVIDA

C

RISLO LLEGA CON SU SEGUNDO SINGLE. 'BABY WHY' ES UN NUEVO TEMA CREADO Y CALCULADO AL MILÍMETRO, DESDE SU COMPOSICIÓN HASTA LA EXPOSICIÓN QUE DEBÍA CREARSE DENTRO DEL VIDEOCLIP. ALGO QUE CRISLO NECESITA REALIZAR EN CADA NUEVA PROPUESTA QUE LANZA AL MERCADO. PORQUE EL PASADO ES EL MEJOR APRENDIZAJE PARA EL PRESENTE. LO QUE EL AYER NOS DIO NOS AYUDA A COLOCAR NUESTRAS PRIORIDADES Y NUESTROS MIEDOS EN EL LUGAR CORRESPONDIENTE. MEW Magazine (MW): ¿Recuerdas ese momento en el que supiste o sentiste que querías dedicarte a esto de la música?

Crislo: Lo recuerdo perfectamente. Llevo cantando desde los 8 años. Pero la inquietud de la música vino desde antes. Tengo recuerdos de estar en casa, con mi padre, y estar viendo 'Lluvia de estrellas', donde iban todos los niños, y yo decía “papá yo quiero ir a 'Lluvia de Estrellas'”. Pero a partir de los 8 años me decidí y me apoyaron.

MW: ¿Cómo has vivido todo este proceso? Todas esas horas de trabajo...

Crislo: Llevo desde los 15 en el escenario. Al principio era una niña. Me costaba muchísimo. Me daba mucha vergüenza todo. Poco a poco vas normalizando.

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MW: Ahora que estás con tu proyecto personal, a veces no somos conscientes de nuestro anterior aprendizaje,...a día de hoy ¿cuántas lecciones de ese pasado estás utilizando?

Crislo: Sobre todo para los directos. Si estoy enferma ya sé cómo va a funcionar mi voz. Sé los pasos que tengo que seguir cuando me surge un problema. Eso te lo da el día a día. Trabajar. Me siento mucho más segura porque tengo esas tablas. Me da mucha seguridad.

pones una canción en seguida lo sientes. Lo notas.

te organizada. Si hacemos dos horas de estudio, son dos horas. Cuando quedaMW: Cuando decides el mos, el tiempo que estamos, single, ¿también comienza lo aprovechamos. No me la proyección hacia el vi- quedo mucho en el estudio deoclip? porque entramos en un buCrislo: Cuando estamos cle que no nos lleva a nada. componiendo yo ya voy pensando en el directo, en el vi- MW: Es verdad que tú esdeoclip...en todo. Compon- tás en todo el proceso pero go y voy maquinando. cuando escuchas el single recién terminado, ¿cómo MW: Para crear un tema, se viven esos escasos minu¿cuántas horas de trabajo tos? hay detrás?

Crislo: Es su subidón. CuanCrislo: Muchas. Primero em- do das con la clave del tema, piezas por el proceso de montamos una fiesta en el MW: Después de tantos estudio. años en la profesión, cuando sacas tu primer single, MW: Con este segundo sin¿cuál fue la primera sensagle, ¿volviste a sentir vértición? go ante el estreno?

Crislo: Eran nervios. Pero Crislo: Sí, soy bastante exinervios guays. Expectante a gente conmigo misma. Lo que la gente viera mi proyecsentí porque es un proyecto to. Mi proyecto es un poco que es nuestro y que hay que peculiar. Nace de un grupo cuidar mucho. Es algo que se de amigos. Nos pusimos a siente siempre como cuando crear. Era todo muy casero. subes a un escenario. Quien Creo que lo sientes mucho diga lo contrario, miente. más. Deseando que la gente lo viera y sus impresiones. El MW: ¿Cómo se vive el apoprimer single tuvo una acoyo constante del público gida muy buena. ante lo que le estás ofreciendo junto a todo tu equiMW: Hace poco que sa- composición. Proceso de po? caste tu segundo single... producción, donde enfo- Crislo: El público es nuestro ¿Qué tiene que tener un cas más el tema... En la pro- pulmón. La gente que nos sitema para que tú decidas ducción cambia bastante el gue. Te dan ganas de seguir que el público debe cono- tema. Pero el momento más creando, de lanzar más múcerlo? tenso es el videoclip. Porque sica.

Crislo: Yo tengo varios te- tiene que salir muy bien. Llemas, de hecho, a día de hoy, vas mucho tiempo creando MW: ¿Notasteis más ressigo componiendo. Al can- ese tema, ya lo tienes visuali- ponsabilidad de un primer tante creo que le pasa que zado y eso tiene que ser per- single al lanzamiento del siempre su último tema es fecto. segundo? No querer deel que más le gusta. Suelo fraudar al público que ya poner los temas a la gente y MW: ¿Eres de esas artistas a está ahí... hago caso de lo que la gente las que hay que sacar arras- Crislo: Sí, lo notamos. Son me dice. Sobre todo la gente tras del estudio? factores que existen siempre. que tiene el criterio suficien- Crislo: No. Porque hago mute para ayudarme. También chas cosas a lo largo de la se- MW: ¿Cuánto de paciencia es verdad que cuando com- mana y para eso soy bastan- se necesita para estar en el

"Suelo poner los temas a la gente y hago caso de lo que la gente me dice"

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Traje - María Ávila

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La vida del

cantante es hoy estoy

guay y

mañana

entro en

depresión absoluta

Total look - María Ávila y Reveligion

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mercado musical?

Crislo: Mucha paciencia. Constancia.

Ganas de trabajar. La vida del cantante es hoy estoy guay y mañana entro en depresión absoluta. Hay que saber llevarlo. Es nuestro trabajo y no hay que volverse locos. Mi consejo es currar, currar y currar.

MW: Cuando estás en el proceso de composición del tema, ¿cuánto de importante es pensar en los directos?

Crislo: Para mí, eso es el todo. Me sale inconscientemente. Soy muy creativa y me pongo a pensar, a maquinar. El directo va ligado a la composición.

MW: ¿Cómo vivís internamente la voracidad con la que se consume, a día de hoy, la música?

Crislo: Yo soy muy inquieta. A mí eso me encanta. La semana pasada ya terminé de grabar el siguiente single.

Habrá gente que no lo digiera tanto porque quiere sacar su disco tranquilamente. Son diferentes maneras de trabajar. Como digo yo, adaptarte o morir. A mí me encanta porque estás constantemente creando.

MW: ¿La música es lo único que rompe fronteras?

Crislo: Sí. La música lo es todo. Te hace sentir, te hace vibrar. La música es vida.

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MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace?

Crislo: Muchos quebraderos de cabeza (Risas). Pero una satisfacción que no puedo comparar con otra cosa. Es una forma de hacer sentir a la gente y que se sienta parte de ti.

Traje - María Ávila

Vestido - Mordisco de mujer

Total look - María Ávila y Reveligion

prem ODEO

LA PRIMERA ETAPA PA PREMIOS POR

El pasado 20 de Enero llegó la primera ed que quisieron celebrar la música y bridar pasado año. Una noche de inicio. De nuevos

TEXTO P. GUERGUE / FO

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mios ON 2020

ARA LA VUELTA DE LOS R LA MÚSICA

dición de los Premios Odeón. Unos premios por aquello que más resonó a lo largo del s comienzos.

OTOGRAFÍAS ANA MÁRKEZ

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La música necesita de su espacio.

Es el mayor lenguaje del mundo.

Aquello que rompe cualquier tipo de frontera. Y, lamentablemente, en nuestro país, hasta la fecha, habíamos olvidado lo esencial que es tener una gala, una celebración, una entrega de premios por y para la música. Y no solo aquellas que nos emiten las radio fórmulas, sino la valoración que nace desde la misma profesión. Este es un primer paso. El intento y el querer en un mismo sentido. Alejandro Sanz, Don Patricio, Rosalía, Manuel Carrasco, José Mercé y Tomatito, Vanesa Martín, Beret, Estopa, Aitana y Morat resultaron premiados en una primera gala cálida pero falta de ritmo en la que José Luis Perales recibió el Premio de Honor.

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El Teatro Real de Madrid fue testigo de primera mano de la llegada de parte de los grandes nombres de la música comercial. Y algún que otro cantautor despistado. Pero ni un solo atisbo de la música independiente que, oculta, crece exponencialmente año tras año. Mientras las dudas se cernían entorno al minuto a minuto pero con esperanza de reconducirlo en un futuro. Porque si hablamos de música, deben estar todos. Y si hablamos de premios, no solo las grandes cifras deben ser alabadas mientras subestimamos a quienes creemos inferiores.

Alejandro Sanz se llevó el trofeo más codiciado de la noche. Su trabajo #ElDisco, que ya acumula otros importantes premios inter-

nacionales desde su lanzamiento, joven cantante Don Patricio, obtuobtuvo la consideración de Mejor vo otra de las menciones más deÁlbum de 2019. seadas, la Mejor Canción de 2019, gracias a Contando lunares, un Por otro lado, Vanesa Martín ob- tema que rubrica junto a Cruz Catuvo la distinción como Artista Fe- funé. menina del Año, mientras que la joven Aitana se erigió en Artista El cuadro de ganadores de estos Revelación del Año y Manuel Ca- ya históricos I Premios Odeón lo rrasco recibió el trofeo por el Mejor completan José Mercé y Tomatito Directo en un año en que fue capaz (Mejor Álbum de Flamenco, con De de llenar el Wanda Metropolitano verdad), Beret (Artista Masculino con más de 50.000 espectadores. del Año), los colombianos Morat Además, Rosalía también figuró (Artista Latino del Año) y Estopa, entre las galardonadas gracias a Grupo del Año y otro ejemplo de Con altura, la colaboración junto a banda, tras cumplir su vigésimo J Balvin y su inseparable productor aniversario de trayectoria, infalible El Guincho, que consiguió el Odeón para sus seguidores. al Mejor Vídeo.

Otro canario como El Guincho, el

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M A R TA SA N G o · MARCANDO LOS 80 ·

FOTOGRAFÍA ANA MÁRKEZ | MUAH LUCÍA CASTRO TEXTO Y ENTREVISTA P. GUERGUE ESTILISMO JAIRO VILLADA | SHOWROOM TEMECE LOCALIZACIÓN ABONAVIDA 44 - www.mewmagazine.es

Traje de Mordisco de Mujer

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M

arta Sangó, ex concursante de OT 2018, ha lanzado su primer single al mercado. 'Por ti'. Una canción con toques ochenteros. Con pinceladas de disco, pop/rock y synth pop. Una apuesta por lo que es, saltándose la norma estipulada. Un golpe en la mesa demostrando que la música es música. Da igual su sonido. Da igual si es de ayer o de hoy. Se trata de seguir rompiendo fronteras. Llenando nuestra vida de notas de calidad. Buscando un sonido propio y honesto.

MEW Magazine (MW): 'Por ti' ha sido tu primer single, ¿cómo ha sido todo ese proceso de documentación sobre ese sonido que querías lanzar?

Marta Sangó (M.S.): Un trabajo de muchísimos meses. Primero como aclarándome sobre qué sonido realmente quería. Y luego encontrando a las personas con las que iba a trabajar. Una vez encontradas, a darle forma a la canción. Todas mis influencias han tenido mucho que ver. En cuanto a la música y en cuanto a la estética también.

pausado y meditado. Tengo que dar las gracias a mis dos compañeros de composición. El resultado final no fue como algo sorprendente porque llevábamos muchísimo trabajando en ella pero sí que es verdad que no tiene nada que ver el resultado final al inicio. Es una locura lo que ha cambiado el tema.

MW: ¿Tu sensación cuando escuchaste el tema cien por cien terminado?

M.S.: Muy feliz. Muy contenta. Fue una sensación muy buena.

MW: ¿Has descubierto que eres más perfeccionista de lo que quizá te imaginabas?

M.S.: Sí. Es cierto que dentro de la academia era un no parar de querer hacerlo mejor y mejor. Pero con el nivel mediático que tenemos... sabía que sacase lo que sacase lo iba a ver mucha gente y eso ha hecho que la presión aumente muchísimo. He visto una exigencia muchísimo mayor en mí. Estoy muy contenta de sentirme cien por cien identificada con lo que he sacado.

MW: Aunque ha sido un trabajo arduo, ¿tenías claro cómo tenía que ser ese sonido?

M.S.: En realidad sí. Dentro de la academia descubrí que a la hora de mostrar música me planteaba lo de los 80. En cuanto a las nominaciones solo escogí canciones de esa época. Me hizo ver que a lo mejor era lo que tenía que hacer más adelante.

MW: ¿Hubo varios temas? ¿Se trabajó desde el inicio en 'Por ti'?

M.S.: Desde que salí de la academia he hecho muchos temas. Pero todos los descarté hasta que comencé a componer 'Por ti'. Tardé muy poco en dedicarme a cien por cien en esa canción. Fui viendo, poco a poco, que era una canción que podía ser una muy buena carta de presentación.

Es bastante completa. Tiene muchos campos. Tiene muchísimos niveles y abarca diversos estilos.

MW: ¿Cómo viviste el proceso desde el boceto hasta la primera construcción del tema en el estudio?

M.S.: Muy intenso. El proceso ha sido bastante

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“Hay que conseguir un buen equilibrio entre la canción y el videoclip”

MW: ¿Tu responsabilidad crecía por no defraudar a ese público que te seguía desde la academia?

M.S.: Sí. Obviamente siempre he querido sacar algo que le gustase a la gente porque la música no es solo para mí, es para todo el mundo. Sin las personas que consumen música yo no podía ser cantante.

He estado constantemente pensando en qué pensaría la gente. Porque no es algo que se escuche en el día a día. Vivimos en 2020 y no en los 80.

MW: ¿Has tenido que trabajar la paciencia?

M.S.: Al principio tuve que trabajarme el... está todo el mundo sacando su single y tú cuánto tiempo llevas en la misma canción. O en darle vueltas sobre qué canción tienes que sacar. Al principio tenía presión de ser la última y de hecho he sido la última en sacar single. Pero tardé poco en quitar ese pensamiento de mi cabeza. He dado el tiempo que se merecía la canción.

r la El videoclip, realizado po un look & e en ti , co ba Ta ra to uc od pr también a la feel, como no, orientado época de los 80’s. Marta nto. Con aparece con empoderamie acorde a la fuerza y sensibilidad. Todo el blanco y el e tr en do an sc Bu . n ció n ca a lluvia de negro. Pero lanzando un de proyecto color poderosa. Una joya ar en las ch cu es y er v e ed pu se ya que gitales. principales plataformas di

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MW: ¿Tenías claro cómo enfocar el tema en un videoclip?

M.S.: Sí. Tenía mucha preocupación para reflejar muy bien lo que decía la canción.

A mí los videoclips me parecen esenciales. Hay que conseguir un buen equilibrio entre la canción y el videoclip. Quería una parte más oscura al principio y luego más colorida.

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MW: ¿Recuerdas las horas previas al lanzamiento? ¿Conseguiste aplacar un poco los nervios?

M.S.: Justo cuando salió el videoclip yo llevaba como dos horas en escena en el teatro, en 'La Llamada'. El single estaba fuera y yo estaba en el teatro. Fue un poco raro, curioso. Y luego fue súper guay. Me fui a celebrarlo.

MW: ¿Cómo estás viviendo la reacción del público?

M.S.: Muy buena. He tenido mucha suerte. Porque el público ha reaccionado bastante bien. Las críticas que puedo ver son muy buenas. Es cierto que no todo puede gustar a todo el mundo. Es una verdad que hay que tener presente.

Sobre todo cuando una crea.

MW: ¿Cómo estás viviendo, internamente, la velocidad con la que el público consume a día de hoy la música?

M.S.: Muchas veces la presión nos juega una mala pasada. Y a lo mejor, a la hora de sacar algo, lo proyectamos no como una carrera sino a corto plazo. Y es algo que influye muchísimo en el consumidor.

Estamos en el momento en el que necesitamos cada vez más. Todo nos cansa.

Nada nos sorprende. Yo tengo mucha música que sacar pero le voy a dar el tiempo que necesite.

MW: Si tuvieses que definir 2019 con una canción, ¿qué tema sería?

M.S.: 'One more try' de George Michael.

Es la última canción que canté en la academia y es la canción que he estado cantando en la gira de Operación Triunfo. El mensaje de la canción lo llevé hacia mi vida.

MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace?

M.S.: No quiero sonar cursi ni empalagosa. Estoy aquí por la música. La música le da sentido a mi vida. Si no existiese la música de un día para otro no sabría qué hacer.

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MÚSICA CINÉFILO ,

MÚSICA , CINÉFILO por Yur

ena Gue

rra

"A TODOS LOS CHICOS DE LOS QUE ME ENAMORÉ" La música en cualquier

La Banda Sonora que nos transporta a nuestro primer amor

película forma parte del reparto, es un elemento

indispensable, pero si ade-

más es un filme romántico, se convierte en uno de los

protagonistas, en algo realmente importante.

Por esta

razón hemos decidido hacer

un repaso por las canciones de la primera parte y descubriremos dos canciones que

BS de “P.D: todavía te quiero”

formarán parte de la

Seguro que si has visto la película terminaste completamente enamorada de la relación de Lara Jean con Peter Kavinsky, y también, como no, de la Banda Sonora, de las canciones que los acompañan en todos los momentos importantes de su relación.

Vamos a repasar todas y cada una de las canciones que han estado con la pareja en cada punto clave de la película.

Twinsmith, “You & I”

¿Recordáis el momento en que Lara Jean recuerda la relación de amistad que tenia con el novio de su hermana antes de que estos empezaran a salir?

Pues bien, esta canción de la banda “Twinsmith” es la que pone ritmo a la situación tan complicada en la que se encuentra nuestra protagonista. Es genial que hayan elegido justo la canción que se llama ‘Tu y yo’, ¿verdad?

Sofia Symphony Orchestra, "Vassil Katandjienv" Uno de los momentos más épicos de la película es cuando Lara Jean se da cuenta que las cartas que ha estado escribiendo a los chicos de los que se iba enamorando para

liberarse del sentimiento han sido enviadas a sus correspondientes destinatarios. Es un tema un tanto complicado para digerir, por esto mismo los encargados de elegir las canciones que acompañan a los actores en todo momento decidieron elegir alguna que le diera mucho más dramatismo al momento, por eso eligieron una ópera.

No existe nada mas dramático.

Confidence Man, “Boyfriend” Lara Jean y Peter Kavinsky hacen su debut como pareja oficial en la cafetería del instituto. Todo el mundo los ve, se hace algo público y es uno de esos momentos de película que pasa en cámara lenta y todo parece hasta coreografiado. La canción de “Confidence

Man” habla sobre las relaciones de pareja por lo que decidieron que era el momento perfecto para añadir esta pieza.

Anna of the north, “Lovers” Esta es LA CANCIÓN. “Lovers” aparece en el momento más intenso de la película, cuando Lara y Peter por fin se besan en el jacuzzi del hotel del viaje a Aspen. Es curioso que la canción hable precisamente de enseñar la luz que tenemos en uno mismo. De no escondernos más, de hacer lo que queremos en el momento que queremos. Es muy bonito el símil que nos encontramos ya que ambos están enamorándose y son ellos mismos lo que están intentando ponerse trabas y no dejan salir sus verdaderos sentimientos.

Es un claro mensaje para

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que se acabe la mentira y comiencen a vivir la realidad.

Many Voices Speak, “Video Child” Toda película romántica tiene un momento en el que parece que los protagonistas se les acabó el amor, por lo que esta no podía ser menos.

Una triste Lara Jean limpia su cuarto después de creer que su relación con Peter se ha acabado. “Many Voices Speak” es una banda suiza pop que, según los supervisores musicales del filme, da el toque emocional y la textura que este momento en concreto necesita, aunque sin pecar de ser un grupo que hace canciones tremendamente tristes.

Tears for Fears, “Everybody wants to rule the world” Si hay un momento de la película que adoramos profundamente es cuando el Señor Jean y su hija tienen una charla preciosa y profunda acerca del amor, en la cual sale también la relación de amor de los padres de la chica. Es por esto mismo por lo que eligieron la 62 - www.mewmagazine.es

canción de este grupo de los 80, porque al parecer es la favorita de la madre de ella, fallecida años atrás. Una canción en acústico que queda maravillosamente bien en ese momento.

justo para San Valentín, así que no podemos imaginar mejor plan para el fin de semana de los enamorados.

Matthew E. White & Natalie Prass, “Cool Out”

La primera se llama “Nobody compares to you” y es del DJ y productor Gryffin y Katie Pearlman.

Bastante acertada es esta elección ya que la película comienza con la relación ya oficial y real de Lara Jean y Peter Kavinsky.

La canción final de la película, la canción cumbre, el magnífico broche de oro para una de las películas más vistas de Netflix. Buscaron una canción perfecta para el momento pero que no fuera conocida para que así no empañara el momento en el cual, después de mucho tiempo, después de todo lo vivido, Peter Kavinsky y Lara Jean por fin deciden salir juntos, pero esta vez con la verdad y sus sentimientos reales por delante.

Esta canción es perfecta para ello.

Ahora que ya hemos hecho un repaso a la Banda Sonora de la primera parte, vamos a hablar un poquito de lo que va a suceder, musicalmente hablando, en la segunda parte.

La fecha de estreno de “PD: Todavía te quiero” es el 12 de febrero,

Ya conocemos dos canciones.

La segunda canción que conocemos es “I like me better” de Lauv.

En esta segunda parte veremos como otro de los chicos a los que envió la carta aparece y hace tambalear su mundo. “I like me better” es una canción que habla del amor propio, de saber como estar con uno mismo antes de estar en una relación. Falta saber en que momento aparecerá este tema, pero seguro que no decepciona.

Poco queda para que sepamos que es lo que nos traerá esta segunda parte y que canciones harán que todos los momentos sean muchísimo más especiales. El 12 de febrero la tendremos en Netflix.

COLUMNA DE OPINIÓN Año bisiesto, no toca diversidad por Rosa Suria

E

ste año, al parecer, no importa que la mayoría de nominados se encuentren en el grupo de privilegiados blancos. Quizá es porque hay 29 de febrero y no toca. O porque somos cada vez más hipócritas.

Cómo hemos aplaudido todos a Bong Joon-ho por reivindicar el cine no anglosajón en versión original. Cómo nos gusta ver que ‘Parásitos’ está siendo reconocida en la temporada de premios, y no sólo en la ingrata categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa. Nos enorgullece enormemente ver cómo rompemos fronteras, presumimos de que fuimos de los primeros en ver la película y, por supuesto, en coreano. Viva lo diferente, bla, bla, bla. Sin embargo, pocas voces han señalado en esta ocasión la enorme falta de diversidad que se está observando en esta temporada de premios. Tan solo en Inglaterra ha estallado una verdadera polémica, con un movimiento que acusa a los BAFTA de ser demasiado blancos. Podría decir que me 64 - www.mewmagazine.es

sorprende y me podría encerrar en que ha habido intérpretes negros que han ganado premios allí -esto es peor que el que tiene un amigo homosexual y cree que eso excusa todos sus comportamientos homófobos-, pero lo cierto es que son más blancos que la leche. Algo que en este 2020 se repite hasta la saciedad.

Con las únicas excepciones de Lupita Nyong’o y Eddie Murphy, que tampoco están teniendo demasiado protagonismo, así como del propio Bong Joon-ho, todo lo que vemos es blanco.

Sí, también hay algún latino que se ha colado en los Globos de Oro, como es el caso de Ana de Armas, o en los Critic’s Choice, como el magnífico Jharrel Jerome. Pero la regla general es la que tanto conocemos, que pareció desaparecer en años como el anterior, pero que ha regresado pisando fuerte. Y aquí es cuando muchos tirarán de otro argumento casposo y sinsentido, además de utilizado a la saciedad: “hay que nominar a los mejores, sin importar el color de la piel o la procedencia”. Efectivamente. Esa sería la máxima ideal en una sociedad y, más concretamente, en una industria en la que realmente existiera

la igualdad de oportunidades.

Si hubiera el mismo número, la misma variedad, la misma profundidad y la misma importancia de papeles para negros, blancos, asiáticos, latinos, personas LGTB y discapacitados, por citar tan solo algunos ejemplos, no habría polémica posible.

Ahí es donde radica el problema.

Hollywood sigue dando la mayoría de papeles protagonistas a hombres blancos, a no ser que hablemos de una película de esclavitud, ahí al menos tienen la decencia de contar con los negros. Pero siempre dentro del tópico y del estereotipo. Lo raro es que nos encontremos un largometraje en el que el protagonista sea un médico negro o una profesora negra y más raro es que, de encontrarnos con ello, no gire todo en torno al racismo y a la superación personal. En ‘El lobo de Wall Street’, el protagonista es blanco. En ‘La La Land' los protagonistas son blancos.

En ‘La forma del agua’ la protagonista es blanca. Sí, también hay películas con negros como protagonistas, pero en las que se cae en el tópico. Y, por supuesto, también hay muchos secundarios negros, supongo que para lavar imágenes y librarse de

polémicas.

La solución pasa por la igualdad y por la concienciación. No se trata de que los directores y las productoras traten de mejorar su reputación incluyendo actores y actrices negros sin mayor intención que esa y con una presencia muchas veces simbólica. Tampoco se trata de hacer sólo historias de negros e historias de blancos.

Está claro que, para la representación étnica e histórica, es importantísimo mantener las primeras y dar un espacio a sus relatos, pero también lo es crear historias reales que muestren la diversidad que sí existe en la época en la que estamos viviendo, aunque esté aún muy lejos del objetivo deseable. Tenemos que ver barrenderos negros, profesores negros, médicos negros, policías negros, científicos negros, periodistas negros, abogados negros, astronautas negros. Como también tenemos que verlos asiáticos, y no sólo en sus películas.

Latinos, y no sólo poniendo el contrapunto gracioso o picante para los protagonistas. Y podría pasarme así horas, mencionando a todos esos colectivos que siguen sin aparecer en la pantalla con frecuencia y de manera realista, ni que decir tiene que

tampoco lo hacen en las ceremonias de premios.

Y no tenemos que hacerlo porque sea lo correcto, por quedar bien o por sentirnos mejor con nosotros mismos y con nuestra sociedad. Ni siquiera porque hacerlo sería acercarse lo máximo posible a la realidad que en teoría se busca representar. Debemos hacerlo porque importa, porque el cine y las series tienen una vocación y una función social más importante que el entretenimiento. Todos necesitamos vernos en una pantalla, sentir que nuestra realidad no es extraña y no es única -en el mal sentido de la palabra-, sentirnos abrazados y comprendidos y evitar así una tortura propia que es demasiado común. La representación, a todos los niveles, importa, y va mucho más allá de la pataleta de cuatro personas que, con sus quejas, consiguen que un año sea bueno para un grupo social y al año siguiente sea olvidado. Es un derecho de las personas y un deber de quienes están detrás de las cámaras -por poner un ejemplo entre mil-.

Imagina cómo es crecer siendo una persona trans y no ver ninguna referencia similar en

ninguna parte. Imagina cómo es crecer siendo árabe y ver que tus iguales, en la pantalla, siempre son terroristas o, como mucho, acusados de terrorismo. Imagina cómo es crecer siendo latino y que el cine te diga que vas a ser el estereotipo explosivo y gracioso. Imagina todos esos imaginas, piensa en el cine y en las series que tenemos hoy en día -pese a los avances que ha habido- y trata de imaginar las consecuencias de esa falta de representación y de diversidad en las industrias cinematográfica y televisiva. No es un capricho ni una reivindicación vacía. Es la justicia que debería reinar en todos los ámbitos de la sociedad y que, por ahora, brilla por su ausencia.

Hay mucho trabajo que hacer y ahora mismo estoy hablando de ficción, pero la ficción puede marcar el camino. El cine es muchas veces el reflejo de la realidad, pero otras muchas es la realidad que empuja a la sociedad a levantarse, la que comienza el cambio necesario, también a nivel individual. Tiene un poder único y debe aprovecharlo, preocupándose menos por lavar imágenes y más por perseguir los objetivos que favorecieron su creación y su crecimiento.

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El clásico del mes, ‘CASABLANCA’: EL CLÁSICO ENTRE LOS CLÁSICOS por Rosa Suria de los prejuicios que suelen acompañar a muchos cuann un mes como febrero, en el que se celebra el amor do ven cine clásico-, no se tarda absolutamente nada en de manera especial, viajamos a una de las historias comprender que estamos frente al producto perfecto, que mejor han explorado este sentimiento en el frente a la película que todos los creadores deberían tener como objetivo. Y sin un cuarto de las facilidades y la cine: ‘Casablanca’. tecnología de la que se dispone ahora mismo.

“Siempre nos quedará París”. Una frase que incluso aquellos que no han visto nunca ‘Casablanca’ relacionan con Lograr un balance perfecto entre todos los elementos de la película y con el amor y todo un lema en el mundo una película parece, en ocasiones, una tarea imposible. del cine. Hace mucho tiempo que la película de Michael Que brille todo por igual y que nada eclipse al resto es Curtiz se convirtió en el clásico entre los clásicos y no siempre la meta, pero sólo los auténticos maestros del importan los años que pasen y los títulos que lleguen: cine o los que saben hacer verdaderos malabares lo consiempre será considerada como una de las tres obras siguen, siempre con algo de suerte a su lado. Supongo maestras del séptimo arte. Lo es por lo que representa, que en el caso de Michael Curtiz se unió todo: una buepor la historia en sí, pero también por el nivel sublime nísima idea, que partía de la obra de Murray Burnett y de su guión, de su dirección, de sus interpretaciones, de Joan Alison, un reparto que parecía haber nacido para su diseño de producción… Viéndola -siempre alejados encarnar a los personajes de esta historia, un momento inmejorable y un dominio absoluto del cine en su totalidad. Una conjunción de factores cuyo resultado sigue

E

siendo admirado y aplaudido a día de me costó mucho conectar con él, pero hoy. es imposible resistirse a ese misterio que le rodea, a sus diálogos inteligentes Su carácter de película imprescindible y a su mirada. Es imposible no mirarle y de obligado visionado se comprende cuando está en escena, incluso cuanen los primeros compases de la cinta, do su réplica la da una brillante Ingrid se comprende en la recreación de esa Bergman capaz de contener la emoción Casablanca multicultural y en el limbo de una manera sobrecogedora. que era en los años 40, se comprende en la mirada de Humphrey Bogart y en A todos se nos quedó grabado ese el “tócala, Sam, por los viejos tiempos” “siempre nos quedará París” en la mede Ingrid Bergman. El café de Rick se moria, aunque quizá lo que más me convierte en nuestro hogar casi desde rompe por dentro de esa escena sea que entramos en él por primera vez y la frase que le sigue. “No lo teníamos, la historia de esos dos amantes que se lo habíamos perdido, hasta que vinisreencuentran en medio del miedo, de te a Casablanca, pero lo recuperamos la huida y de la guerra de repente tam- anoche”. Esa afirmación recoge todo el bién se convierte en nuestra. amor que muestran las miradas de Rick e Ilsa, sobre todo cuando se miran sin más testigos, y recoge la generosidad EL AMOR de un Rick que sabe que podría tener al amor de su vida para siempre, pero Dicen que cuando amamos a alguien de a cambio de demasiado. El recuerdo y verdad somos capaces de dejarle marla conciencia limpia ganan aquí a un char. Es el ejercicio de amor supremo, egoísmo que podríamos haber llegado en el que nos olvidamos de todo egoísa comprender, sobre todo en un momo y pensamos únicamente en el bienmento de guerra y locura como esos estar de la persona a la que amamos. años 40, pero que nuestro misterioso Nunca pensé que el personaje de Rick protagonista ni siquiera puede plansería capaz de hacer algo así, supongo tearse. que porque su tez seria y sus intervenciones muchas veces desagradables me confundieron. Si alguien quisiera crear MÁS ALLÁ DEL AMOR un personaje verdaderamente enigmático, debería fijarse en este hombre con Todos estamos de acuerdo en que esmoquin blanco, mirada profunda y ‘Casablanca’ es un grito de amor a los corazón roto. Casi hasta el último mi- cuatro vientos. Y cuando pensamos en nuto de la película, el espectador no es ello nuestra mente viaja directa hacia la capaz de adelantarse a sus acciones, no historia de Ilsa y Rick, hacia ese París sabe si va a terminar huyendo con su en el que se amaron sin freno y a esa amada o va a ayudar al marido de esta Casablanca en la que se reencontraron a escapar. El espectador no sabe si tiene y se quisieron bien. Pero la película de ante sí a un hombre egoísta y huraño o Michael Curtiz es un mito porque es a una persona que se deja llevar por el mucho más que esa historia. De hecho, corazón y que no tiene ningún interés lo que más me sorprende personalen salir ganando. mente es el acierto con el que se representa un momento tan convulso como Ahí está uno de los principales juegos aquel y una ciudad tan diferente como de ‘Casablanca’, en la dualidad de un Casablanca. Acostumbrado a ver otro personaje que, en realidad, si presta- tipo de películas ambientadas en la Semos atención a los detalles, siempre gunda Guerra Mundial, cuando el eses auténtico y fiel a sí mismo. Confie- pectador llega a este clásico encuentra so que Rick no fue magnético para mí en él un diamante único. desde el primer momento, de hecho

‘Casablanca’ nos lleva al otro lado de la guerra, lejos del frente, a las huidas sin descanso, a la realidad de miles de desplazados, a la lucha que no se conoce tanto, sobre todo por los que estamos alejados de esa realidad en el tiempo.

Nos presenta la ansiedad de esas personas cuyo único delito era luchar contra las injusticias o simplemente ser quienes eran, con sus ideales y sus inquietudes, perseguidas hasta la saciedad, amenazadas con campos de concentración -en el peor de los casos- o con una muerte rápida si tenían suerte. Nos introduce, a través de esta historia de amor, en la faceta menos conocida de la guerra más explotada en el mundo del cine y nos permite también conocer una ciudad que, sorprendentemente, ha pasado desapercibida durante mucho tiempo.

Todo esto aparece en pequeñas historias que se entrecruzan con la trama principal, pero aparece sobre todo en el personaje de Victor Laszlo. El marido de Ilsa debería haber sido, de manera natural, el antagonista, ese con el que el espectador no conecta. Sin embargo, la inocencia de un Paul Henreid que lucha incansablemente por la supervivencia del mundo y de la democracia, sin importarle siquiera su vida y anteponiendo el bienestar de la sociedad y, por supuesto, de su amada al suyo propio, es embaucador. Reconozco que por momentos ni siquiera quiero que el amor de Rick e Ilsa sea real, no quiero que triunfe, no quiero que salga del recuerdo. Porque los ojos puros de este checoslovaco, que representan a millones de miradas que se endurecieron y se perdieron en la sinrazón de la Segunda Guerra Mundial, me atrapan desde su primera aparición. Porque en él está la justicia, la lucha por unos ideales que conectan directamente con los míos, la verdad de millones de seres humanos que poco tenían que ver con peleas políticas y bombas, en él está todo lo que perdimos durante aquellos años y cada vez que decidimos que las armas, la crueldad, el dolor y la muerte son la solución.

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PARA QUE NO ME OLIVDES Vida y muerte, recuerdos y olvido

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por Judith Torquemada

Q

FERNANDO FERNáN GóMEZ, EMMA VILARA a SAU, MARTA ETURA a Y ROGER COMA PROTAGONIZAN ESTA PELíCULA DE PATRICIA FERREIRO QUE PONE AL ESPECTADOR ANTE EMOCIONES Y SENTIMIENTOS QUE TODOS HEMOS EXPERIMENTADO O LLEGAREMOS A EXPERIMENTAR. EN ESTO RESIDE SU VALOR.

'Para que no me olvides' arranca con el personaje de Fernando Fernán Gómez hablándole a sus muertos. El espectador no tarda en comprender qué hace el bueno de Mateo, un hombre de edad avanzada que prepara un regalo para su hija mientras habla con su mujer ya fallecida. Su nieto, David, y su propia hija, Irene, lo observan en silencio y con una sonrisa. Aunque en los momentos más agrios de 'Para que no me olvides' se tambalea esta idea de dar una nueva vida a los que ya no están, en la plácida rutina de la que disfrutan los personajes al principio comprenden que Mateo no ha encontrado otro modo de sobrevivir y de honrar la memoria de quienes no pudieron hacerlo. “Un día me di cuenta de que no podía permitirme el lujo de olvidarlos”, nos dice más tarde.

'Para que no me olvides' es una película familiar con cuatro protagonistas. Irene, una directora de teatro volcada con su trabajo; Mateo, su padre, un enérgico hombre de letras que no ha perdido las ganas de vivir; David, su hijo, un brillante estudiante de arquitectura; Clara, la novia de David, una bondadosa joven que trabaja como cajera en un supermercado. Sus vidas son corrientes y sencillas, pero dan un vuelco cuando David decide marcharse a vivir con Clara, y el descontento que Irene siente por esta relación provoca que también se resienta la que tiene con su hijo. Es una película de relaciones, y es una película de personajes, y es una película de emociones. En los momentos más íntimos, el espectador tiene la sensación de que estar colándose por medios pocos legales en la vida privada de cuatro personas desconocidas.

Escrita y dirigida por Patricia Ferreira ('Thi Mai, rumbo a Vietnam', 2018), está protagonizada por Fernando Fernán Gómez, Emma Vilarasau, Marta Etura y Roger Coma, que dan vida a Mateo, Irene, Clara y David respectivamente. Cuenta su directora que Virginia Yagüe y ella querían hacer una película sobre la muerte cuando empezaron a escribir el guion, y que terminó por convertirse en una que habla de la fuerza de la vida. Así lo he sentido siempre yo también, aunque lo segundo no elimina lo primero. 'Para que no me olvides' te hace pensar en la muerte. No tanto en la propia como en la de aquellos que amamos y ya no están; te hace pensar en lo que somos capaces de inventar para mantenerlos a nuestro lado, y en los recuerdos a los que nos aferramos para no dejarlos ir. En los recuerdos que, por otro lado, envuelven nuestros días sin que a veces reparemos en ello. Una fotografía, un dibujo, un peluche. Mirad a vuestro alrededor y pensad cuánto de esto tenéis cerca.

Patricia Ferreira se mueve con mucho acierto en torno a los personajes, mostrándonos todas sus caras y también todas las caras que encierra el dolor. 'Para que no me olvides' no es una película difícil; puede decirse, incluso, que es una película bastante predecible narrativamente hablando. Es lo de menos, en cualquier caso. Su fuerza reside en sus emociones, en los sentimientos puestos ante el espectador a través de personajes muy diferentes que han vivido vidas muy diferentes; con una excepción, no conocemos grandes detalles del pasado de éstos, pero intuimos el camino que han seguido hasta llegar al tiempo presente. Eso dice mucho de la delicadeza con la que están construidos, que propicia que comprendamos cada sentimiento y cada reacción dada en los diferentes escenarios que atravesamos. Las interpretaciones hacen mucho. Casi me siento ridícula intentando hablar de Fernando Fernán Gómez. También está fuera de duda la sensibilidad de una joven Marta Etura, y esta película no viviría sin las respiraciones de Emma Vilarasau, el grito que ahoga en un puño o el silencio que queda en ella tras la pérdida.

'Para que no me olvides' versa sobre la muerte y la vida, y también sobre el recuerdo y el olvido. El título no engaña. Esta película está dispuesta para que comprendamos la importancia de mantener vivo aquello que ya no está; con la Guerra Civil olvidada en el siglo pasado, vivimos a través de los recuerdos de Mateo todo lo que fue y todo lo que dejó a su paso. Familias rotas, incomprensión, jóvenes que tienen que empezar a hablar con sus muertos para poder seguir adelante. “Tenía que acordarme de todo 70 - www.mewmagazine.es

hasta que devuelvan el honor a los muertos sin nombre”, clama Fernando Fernán Gómez. Podría haber sido un balbuceo todavía doloroso por esa pérdida, pero es casi un grito, supongo que llevado por la fuerza de la vida.

Me gusta 'Para que no me olvides', aunque me duele, y no siempre estoy en condiciones de verla. Aunque lo que queda tras ella es un mensaje esperanzador, del color que el propio espectador quiera teñirlo, el recorrido emocional hasta la conclusión final no siempre es fácil de llevar. No necesita ser innovadora en ninguno de los aspectos que llegan primero -historia, personajes o ritmo narrativo- para terminar resultando una grata sorpresa por ese peso sentimental que sabe llevar con tanto cuidado y con tanta contundencia. Y no quiero que nos olvidemos de ella, por eso está aquí.

LUGARES DE PELĂ?CULA

'Medianoch y la ciudad 72 - www.mewmagazine.es

por Judith Torquemada

he en ParĂ­s' d para todos MEW - 45

LA CIUDAD DE LA LUZ, QUE TAMBIÉN HA CONSEGUIDO ATRIBUIRSE EL TÍTULO DE LA CIUDAD DEL AMOR, QUEDA RETRATADA POR WOODY ALLEN DESDE UNA PERSPECTIVA ROMÁNTICA Y NOSTÁLGICA, PERO LA SENSACIÓN QUE QUEDA EN EL PÚBLICO ES TAMBIÉN DE REALIDAD. DE QUE PARÍS ES, AL FINAL, UNA CIUDAD PARA CUALQUIERA.

brillando, que desde hace tiempo pelea por hacerse con el título oficial de la ciudad del amor, y que en este mes de febrero nos viene muy bien para deleitar a los enamorados creyentes, pero que siempre ha llevado y llevará la Luz por bandera, y con sus luces nos quedamos. El París de 'Medianoche en París' es esperanzador, amable y despierto, y está repleto de belleza, arte y energía.

Gil (Owen Wilson) es un escritor norteamericano bohemio, y enamorado de París, que llega a la capital francesa con su prometida (Rachel McAdams) y los padres de ésta. Quieren disfrutar de unas pequeñas vacaciones antes de casarse, pero individualmente tienen objetivos diferentes. Gil solo quiere pasear por sus calles soñando con la que considera la mejor época de París (los felices años 20) y dar vida a los escenarios que fueron protagonistas de sus eventos. Así es como cae en una especie de hechizo que hace que, a medianoche, sea transportado a estos años, para conocer a los artistas que los vivieron y disfrutar de ese pasado con el que siempre ha sentido una conexión especial. Esto es 'Medianoche en París'; el París del presente, y el París del pasado.

Con 'Si Tu Vois Ma Mère' acompañando las primeras imágenes, asistimos a la presentación de esos símbolos reconocibles de una de las ciudades más visitadas del mundo: la Torre Eiffel, los Campos Elíseos, el Moulin Rouge, el puente Alejandro III, el Louvre con su Pirámide, Notre Dame. Durante tres minutos es todo lo que tenemos: música e imágenes. Esos grandes símbolos se suceden unos a otros, y se combinan con imágenes menos concretas, que nos invitan a sumergirnos en la rutina parisina, en lo cotidiano: una vista panorámica bajo un hermoso cielo encapotado, el tráfico, los turistas, los cafés, un cine, las gotas de lluvia repiqueteando finalmente en las calles. La impresión que transmite es de un París amplísimo, inmenso, infinito en sus dimensiones.

De tonos suaves y largos paseos. Estas primeras imágenes abarcan la totalidad de un día: desde sus primeras horas hasta la más oscura noche, cuando las luces se encienden. Como si quisieran decirnos: esto es París y todo esto es lo que puedes tener en esta ciudad, ¡en un solo día! También nos dicen, aunque en esta ocasión con palabras, que «no hay una ciudad igual en el mundo», y al final no tienes más remedio que creértelo.

Desde el espacio se pueden ver esas luces, nos cuentan en 'Medianoche en París' (2010, Woody Allen), «los cafés, la gente bebiendo y bailando». El escenario de todo esto: París. Y con esta poderosa idea se construye una película en la que nunca falta un punto de luz; una película que surge de una emoción igualmente poderosa: la nostalgia. La nostalgia por lo que fue, que siempre es mejor que lo es. Lo que es, el presente, también tiene cabida en una de las mejores obras del cineasta estadounidense. Y el amor por una ciudad que sigue

'Medianoche en París' es un precioso homenaje a una ciudad irrepetible y todo lo que inspira. También sus alrededores, pues durante la película paseamos por aquellos jardines que Monet inmortalizó y que son imagen de todo lo bello, y también recorremos los exteriores de un Palacio de Versalles impresionante que albergó a la realeza francesa durante mucho tiempo. La luz buscada, la luz pretendida y conseguida, es clara, afable, de un día de verano. Nos detenemos frente a El Pensador de Rodin, inmutable, eterno, hipnótico en su quietud. Paseamos por bucólicos mercadillos en los que siempre se encuentran tesoros, con la música que nunca abandona y la sensación de ese verano eterno. París parece ofrecerse para

disfrutarse de esta manera: exprimiendo los sentidos. Para pasear la Rive Gauche con una baguette bajo el brazo o sentarse en el Café de Flore a zambullirse en un buen libro, propio o ajeno.

Muchos dirían que es el barrio más bonito de París, casi un pequeño pueblo adosado, y aunque Woody Allen no se entretiene en su encanto, su esencia se percibe en muchos detalles.

Mientras que el París del presente lo disfrutamos durante el día, la noche de 'Medianoche en París' está hecha para los años viente.

«Imagínatelo en sus años veinte», nos dicen, «París en sus años veinte con lluvia, con sus pintores y escritores». El París de los años veinte es el París de las fiestas, de los artistas, de los bohemios, de los bailes. El país de los escritores y los poetas, y el amor y Montmartre. Todavía hoy esta colina está considerada el barrio de los artistas, y a ella tenemos que dirigirnos para sentir más de cerca esta otra cara de la ciudad que nos presentan cuando las campanadas anuncian la medianoche. Con sus pequeñas calles adoquinadas y una historia en cada esquina, Montmartre apunta directamente a los románticos y los nostálgicos, pero no se olvida de los demás.

Este París de los años veinte es el París de los creadores, de las vanguardias, del surrealismo, de los movimientos artísticos, y de las conversaciones hasta el amanecer, que se alternan con bailes y glamour y desenfreno, y libertad y diversión, y paseos a la orilla del Sena iluminados por las farolas y los farolillos de los locales que no cerraban nunca, y que quizá ahora sean lavanderías. El París de los años veinte es una ensoñación, porque ya no está, pero su revolución fue tan contundente que, como sucede con Montmartre, su esencia permanece. Por eso hoy también podemos encontrarlo, en aquel barrio y en otros muchos lugares.

hasta las entrañas del Moulin Rouge. Acariciamos con la punta de los dedos la Belle Époque, y nos maravillamos con las miradas de Marion Cotillard cuando ella también se asoma a este momento en la historia. Entonces comprendemos que en el París de finales del siglo XIX, en el París de los años veinte, en el París de 2010 y en el París de ahora, todo es posible.

Y no aciertas a concluir cuál es la mejor época, en cuál decidirías quedarte y perderte. Y mientras todos te dicen que su presente es aburrido, que lo que fue es mejor que lo que es, tú comprendes que esta es una película rebelde en su nostalgia, que termina siendo una defensa del presente, en el que conviven pasados, épocas, movimientos, revoluciones. Y aparece otra seguridad: París es una ciudad para todo y para todos.

'Medianoche en París' no se conforma con aquellos locos años viente. Va más allá, y nos lleva MEW - 75

FENÓMENOS DE CINE

'‘DUNKERQUE’ VS ‘1917’' ‘1917’' por Paula Robaina

‘Dunkerque’ y ‘1917’. dos películas que comparten género y el haber sido nominadas a mejor película del año en los oscar. dos fenómenos que han sido comparados y enfrentados en twitter para determinar cuál es mejor. en este artículo analizamos los puntos fuertes de ambas películas respecto a su competidora.

‘1917’ de Sam Mendes ha sido una de las películas revelación del año 2019 (aunque en España se estrenase en enero de 2020). El filme está nominado a un total de 10 categorías en los Oscar, incluidas mejor película y me76 - www.mewmagazine.es

jor director. Ambientada en la Primera Guerra Mundial, cuenta la historia de los soldados Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) en una arriesgada misión contrarreloj.

‘Dunkerque’ de Christopher Nolan se estrenó en 2017. Al igual que la anterior, estuvo nominada a la mejor película en los Oscar. No se hizo con este premio, pero sí a mejor sonido, montaje y efectos sonoros. A diferencia que ‘1917’, ‘Dunkerque’ tiene lugar en la Segunda Guerra Mundial.

Narra los hechos que acontecieron en la playa de Dunkerque, que da nombre a la película. ¿En qué gana ‘Dunkerque’? ¿Cuáles son los puntos fuertes de ‘1917’?

(Alerta Spoilers)

Los planos de ‘1917’ Uno de los mayores atractivos del filme es el efecto visual de un solo plano secuencia que compone toda la película. Evidentemente, no se trata de un plano secuencia único porque es imposible grabar así una película de este calibre. La clave está en juntar secuencias de larga duración que da el efecto de ser un solo plano. Es muy complicado detectar los microocortes destacando el gran trabajo de montaje.

El resultado es espectacular e hipnótico.

Planos como en los que caminan por las trincheras consiguen sumergir al espectador y crear el efecto de que una sola cámara ha seguido durante toda la acción a los protagonistas.

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El sonido y la banda sonora sación constante de intensidad, así que gar a algún sitio para recibir ayuda'. Lo quise construir la música de un modo que realmente pasa es que tanto Schode ‘Dunkerque’ Es uno de los puntos fuertes de la película y no es de extrañar que se hiciera con el Oscar a mejor sonido. Es envolvente y capaz de mantener al espectador en tensión durante toda la película.

La banda sonora de Hans Zimmer consigue este agobiante efecto gracias a la llamada “Escala de Shepard”. Esta ilusión auditiva compuesta por pistas que parecen no cesar de elevar su tono de forma infinita provoca que el espectador no puede dejar de estar en tensión.

Este efecto se logra superponiendo tres escalas de notas con una separación de una octava entre ellas. Así suenan en bucle y esto provoca esa sensación de un ascenso interminable. Además, Zimmer basa su obra en el tictac de un reloj, algo que ayuda a mantener la sensación de angustia y desesperación que transmite todo el filme.

Christopher Nolan explicó en una de sus entrevistas que escribió el guion de Dunkerque basándose en este aspecto sonoro: “Escribí el guion de 'Dunkerque' de acuerdo con este principio.

Crucé las tres líneas temporales de un modo parecido a ese, creando una sen78- www.mewmagazine.es

similar a estos principios matemáticos”. field, Blake, y los espectadores llegan a aceptar que Blake se está muriendo”, declaró para Digital Spy. El guion de 1917

La historia es sencilla, pero funciona.

Aunque de que lo que destaca de la película es la destreza técnica no se descuida el guion como en otras muchas películas. Y, a pesar de que esto tampoco ocurre en ‘Dunkerque’, parece que la historia de ‘1917’ tiene mucho más peso y consigue complementarse con los aspectos nombrados anteriormente.

El guion está lleno de giros que cogen por sorpresa a los espectadores.

Por ejemplo, la escena de la muerte de Blake. Puede que muchos se esperaran que alguno de los dos protagonistas muriese, pero seguramente que de una forma más compleja y no en ese instante de la película. Además, durante esta escena es fácil pensar que conseguirán ayuda y que Schofield salvará a su compañero. Esto no es casualidad porque se trata justo del efecto que buscaba provocar en la audiencia Krysty Wilson-Cairns la guionista de ‘1917’: "Ya que él logra levantarse, uno piensa, 'Oh, algo ha sucedido, conseguirán lle-

La tensión de ‘Dunkerque’ A pesar de que ‘1917’ también consigue mantenerse en tensión no se acerca al nivel de estrés que consigue lograr ‘Dunkerque’. El ritmo de la película es mucho más frenético y no tiene ni un solo momento de pausa que consiga aliviar al espectador. La escases de diálogos hace que no haya momentos de reflexión entre personajes. ‘Dunkerque’ es ataque tras ataque, explosión tras explosión hasta su desenlace. Y la clave de toda la película: la capacidad de crear todas esas sensaciones sin necesidad de mostrar sangre o mutilaciones. ¿La experiencia sensorial de ‘Dunkerque’ o la espectacularidad visual de ‘1917’? Las dos tienen sus puntos fuertes y sus debilidades por lo que es difícil declarar a una campeona. Lo que está claro es que son dos películas que van más allá de la pantalla y consiguen algo muy complicado en la actualidad: crear nuevas experiencias.

80- www.mewmagazine.es

las mujeres

en el cine

Las mujeres de los premios TEXTO ROSA SURIA

Estamos muy lejos de encontrar la igualdad en la industria del cine. Los rostros femeninos escasean siempre, también en época de premios. Pero, por lucha -que no por suerte-, cada vez son más las mujeres que alzan su voz y logran ser escuchadas.

Las mujeres también hacen cine. También componen música. También montan y editan. También producen. Nunca ha habido profesiones o labores pensadas sólo para un género o para un sexo, y en el séptimo arte no iba a ser menos. Sin embargo, pese a que llevamos décadas luchando por lograr una igualdad que debería ser nuestra por derecho, la presencia de las mujeres en el cine sigue siendo minúscula en comparación con la de los hombres. Y en la temporada de premios, como era de esperar, esta presencia se reduce incluso más. Seguimos viendo cómo las categorías de Mejor Dirección y Mejor Guión siguen estando copadas por hombres, pese a que hay un importante número de películas que triunfan en taquilla y en crítica y que llevan la firma de una mujer.

En esta temporada 2019-2020, la sorpresa negativa ha llegado de la mano de Greta Gerwig.

Su versión de ‘Mujercitas’ ha sido una de las cintas más aclamadas del año y se esperaba que la estadounidense volviera a ser reconocida con una nominación al Oscar a Mejor Dirección. Por el contrario, la también directora de ‘Lady Bird’ ha tenido que conformarse con estar presente en la categoría de Mejor Guión Adaptado. Y los más machitos, que por supuesto no creen que el género o el sexo de un cineasta influya en MEW - 81

su presencia en la temporada de premios o en las oportunidades laborales dentro de la propia industria, no encuentran nada extraño en su ausencia. Ni mucho menos en la poca presencia de mujeres en A nivel nacional, hemos vuelto a ver cómo las noesta categoría o en cualquier otra de las que no es- minaciones en los Premios Goya eran mayoritariamente masculinas. Ni una sola mujer entre los tán divididas separando hombres y mujeres. nominados en categorías como Mejor Dirección o Dentro del ámbito de las sorpresas, en este caso Mejor Guión Original y con Isabel Peña salvando mípositiva, nos encontramos a la también nominada nimamente la categoría de Mejor Guión Adaptado.

Hildur Guðnadóttir. La chelista islandesa es la res- Un año más, la presencia de las mujeres es mínima, ponsable de la brillante banda sonora de ‘Joker’, por como también lo es en nuestro cine, pese a que se la que ha recibido una nominación al Oscar. Como cuentan por cientos los nombres de las cineastas, era de imaginar, es la única mujer dentro de la ca- guionistas, montajistas, compositoras y demás que tegoría. Y, también como era de imaginar, su traba- luchan cada día por entrar en una industria tan elijo prácticamente no está teniendo reconocimiento tista y aún tan sexista como esta. Por eso, supone dentro de la prensa. Sí, todos hemos hablado de la una bocanada de aire fresco encontrarnos con Irene banda sonora de la película, de lo fundamental que Moray y con su corto ‘Suc de Síndria’. Galardonada es en este caso para que el espectador conecte con con el Goya al Mejor Cortometraje de Ficción, esta ella y para que la comunicación sea efectiva, de lo cineasta no dudó en hablar precisamente de esto, bien que acompaña la evolución del personaje in- de las muchas mujeres que luchan por sobrevivir a terpretado por Joaquin Phoenix, pero pocos se han una sociedad que sigue menospreciándolas, en el acordado de hablar de ella, de su autora. Suyas son cine y fuera de él.

Marca España

las bandas sonoras de ‘Chernobyl’ o ‘María Magdalena’ y suyo debería ser también el reconocimiento. El caso de Benedicta Sánchez es otro de los más especiales y significativos del año. Aunque su catego82 - www.mewmagazine.es

ría (Mejor Actriz Revelación) separa a hombres de mujeres, no podía faltar en un artículo como este.

Mujer maltratada, madre soltera, inmigrante, luchadora, casi refugiada. Benedicta se reinventó a sí misma, se convirtió en fotógrafa y regresó a su Galicia natal. Una vida complicada, repleta de altibajos y de momentos oscuros, que ha terminado sorprendiéndola a sus 84 años de edad con un bellísimo papel en la cinta de Oliver Laxe, ‘O que arde’, y con un Goya a Mejor Actriz Revelación que nunca antes había sabido tan bien.

Además, en un homenaje que llega de la misma industria de la que ella huyó, después de ser aplastada y deshumanizada completamente, Pepa Flores, popularmente conocida como Marisol, ha recibido el Goya de Honor en reconocimiento a toda su trayectoria profesional. La malagueña no quiso pisar el Martín Carpena para recoger este premio, que sí aceptaron sus hijas, y continúa en su retiro absoluto de los focos. Una mujer cuya vida resume a la perfección las continuas vejaciones a las que han sido sometidas las mujeres -y, en menor medida, continúan siéndolo- en el mundo del espectáculo y en industrias como la cinematográfica. Ella tuvo la va-

lentía de huir, pero también la desgracia de tener que hacerlo, y su ejemplo, más que ser objeto de homenajes -que nunca están de más-, debería servirnos para reflexionar acerca de los métodos que se utilizan, de lo deshumanizados que están los actores y de lo nocivo que puede ser este mundo del cine que tanto adoramos.

Las mujeres hacen cine, componen música, crean magia con las cámaras, diseñan vestuarios inmejorables. Crean y construyen como también lo hacen los hombres. Y eso es lo que verdaderamente importa, lo que tiene que ser reconocido. No de quién es el vestido que lleva Penélope Cruz o quién acompaña a Greta Fernández a la gala. Ni cuánto pesan. Ni cómo se han peinado. Ni se ese color les favorece menos que el otro. Importa lo que hacen, importa su trabajo e importa que sus condiciones sean las mismas que las de sus compañeros hombres. Hasta que esto no se logre, no habremos alcanzado la supuesta ‘normalidad’ que tanto reclamamos y defendemos.

MEW - 83

El personaje!!

Harley Quinn

La emancipación más esperada por Rosa Suria Este 7 de febrero se estrena ‘Aves de presa’, película dirigida por Cathy Yan y centrada en el personaje de Harley Quinn y su esperada emancipación. Atrás queda Joker, ahora es el momento de ser quien quiera ser.

La evolución de Harley Quinn en los cómics es amplia y responde a un periodo de tiempo largo, del que por ahora no ha disfrutado en el mundo del cine. En papel, ya hemos visto a esta villana pasar a ser una especie de anti-heroína, la hemos visto empoderarse, la hemos visto decir adiós a Joker y convertirse en quien quería ser. Un marco bastante amplio y positivo y que previsiblemente va a servir de ejemplo para lo que va a ir ocurriendo en la gran pantalla. Es de esa Harley Quinn, de la interpretada por Margot Robbie, de la que quiero hablarte. Un personaje al que conocimos hace unos años en ‘Escuadrón Suicida’ y que no necesitó más que esta película, duramente criticada desde el momento de su estreno, para conquistar a todo el público.

La Harley que nos encontramos en la película de David Ayer era una mujer evidentemente trastornada, pero también sometida por Joker. El amor que sentía o que creía sentir por el personaje interpretado por Jared Leto la 84 - www.mewmagazine.es

empujaba a tomar unas decisiones en pos de otras, la empujaba a actuar sin pensar en ella misma, sólo en el bien de su pareja, y la convertía en alguien que más

te, deportista y con una notable inquietud por las enfermedades mentales, especialmente por aquellas más extrañas y menos comunes. Una mujer que no tiene miedo a nada, ni siquiera a los criminales más peligrosos de la ciudad más oscura del mundo, Gotham, pero que acaba siendo atrapada por eso que más le atraía y por lo que cree que es el amor. Así comienza la andadura de una Harley Quinn que termina enloqueciendo por seguir a ese amor, pero cuya emancipación está llamando a la puerta.

¿De dónde viene? adelante veremos que no era.

Aun con todo esto, en los pocos instantes de libertad de los que disfruta, vemos a un personaje divertido, atrevido, juguetón y mucho más profundo de lo que podríamos imaginar. Detrás de su estética rebelde, por momentos también algo pueril, hay todo un mundo por conocer y por estudiar. Ya en ‘Escuadrón Suicida’ se anticipa que estamos ante uno de los personajes más complejos del universo DC.

En ‘Escuadrón Suicida’ ya se nos presentaron los orígenes del personaje. Antes de convertirse en Harley Quinn, Harleen era conocida como la doctora Quinzel. Psiquiatra en el Asilo Arkham, hogar de los delincuentes más peligrosos del mundo, se enfrentaba a ellos día tras día. Desde sus estudios, se acercaba a la realidad de esas mentes dañadas y trataba de encontrar precisamente

“una mujer que no tiene miedo a

Una joven brillan-

nada, ni siquiera a los criminales más peligrosos”

el origen de su maldad y de sus crímenes. Fue ahí cuando su camino se cruzó con el de Joker y la atracción no tardó en surgir.

En principio eran sus muchos trastornos los que le interesaban, pero pronto cayó en la red embaucadora del payaso de Gotham y terminó enamorándose de él.

Completamente sometida por su poder y sus juegos mentales, acabó arrojándose a las sustancias químicas que habían desatado la locura en Joker y se convirtió, por lo que ella creía que era amor, en Harley Quinn.

Tal y como vemos en la película, la relación entre estos personajes siempre es tóxica y siempre es Harley la que está sometida y anulada. Hace lo que quiere Joker sin que éste necesite pedírselo, no tiene una identidad propia, simplemente es una sombra de su amado y un boceto de lo que éste quiere tener a su lado. Así, entre trajes coloridos, armas extravagantes y mucho tinte fantasía, se nos presenta un claro caso de maltrato. Detrás de sus gamberradas y sus delitos, del collar con el apodo y de los besos apasionados hay un sometimiento que anula completamente a una persona. Hay miedo y hay una servidumbre que nunca debería darse en una relación.

Hay violencia física, por supuesto, pero sobre todo hay un maltrato psicológico que daña completamente el interior de una Harley Quinn que ni siquiera es capaz de comprender quién es.

Es cuando entra en contacto con otras personas, los miembros del Escuadrón Suicida, y cuando sale de la burbuja en la que ha estado encerrada con Joker, cuando puede abrir poco a poco los ojos y comprender que ha estado anulada durante demasiado tiempo.

Y, como ocurre en todo maltrato,

la cosa no cambia de la noche a la mañana. A Harley Quinn le cuesta salir de ese encierro en el que está metida, le cuesta ver a Joker como realmente es, le cuesta creer lo que empieza a tener ante sí.

Por eso, la emancipación no se da en esta película, porque de darse habría sido todo demasiado naif y demasiado imposible. Y aunque hablemos de superhéroes y villanos, la historia de Harley Quinn está más cerca de nosotros de lo que en un principio podíamos creer.

¿Hacia dónde va?

El subtítulo de ‘Aves de presa’ ya nos lo dice todo: ‘y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn’.

Ha llegado el momento que nos anticipaba ‘Escuadrón Suicida’ y que tantas ganas teníamos de ver, por lo satisfactorio que va a ser desde el punto de vista del espectador y por lo mucho que lo merece un personaje como este.

Después de ese primer contacto cinéfilo con ella, vamos a poder conocer a la verdadera Harley

Quinn, vamos a saber cuánto había de ella en ese personaje inicial y cómo es realmente. Sin maltrato de por medio, aunque probablemente con algunas secuelas -más allá de la principal, su locura-. Sin un Joker que trate de empequeñecerla y eclipsarla continuamente. Con sus propias metas y objetivos, tomando ella misma las decisiones sin más condicionantes que sus deseos y sin abandonarse, queriéndose y gustándose.

En los tráilers de la película que ya han sido publicados, vemos a una Harley Quinn que continúa siendo pícara y juguetona, una de las principales esencias del personaje. Pero la vemos segura y feliz, mucho más cómoda que en ‘Escuadrón Suicida’, sin las continuas dudas y preocupaciones que le provocaba Joker. Tan segura que es ella misma la que se decide a formar un equipo, a socializar, a ejercer de líder y a generar lazos entre personas que aparentemente no tienen demasiado en común y, sobre todo, no tienen ganas de conocerse.

Ha pasado de ser una persona prácticamente anulada, con Joker siempre en la mente y reducida a un par de bromas, más allá de su carácter letal, a ser toda una líder. Ha pasado de ser la amante del payaso a convertirse en la auténtica protagonista de su vida y, por supuesto, de esta historia. Un

salto de gigante en el que profundizará esta película, que nos permitirá conocer más de la Harley Quinn inteligente que vislumbramos en ‘Escuadrón Suicida’, así como también de la Harley Quinn generosa, de la estratega, de la líder, de la amiga, de la real. Ya no es un accesorio, ahora todo gira en torno a ella, ahora es ella la que toma las decisiones, quien piensa por sí misma y quien guía su destino. Se acabó su particular patriarcado.

¿Por qué este paso es tan importante?

La respuesta principal es más que evidente: tenemos que dejar de idealizar las relaciones tóxicas y el primer paso para lograrlo es dejar de hacerlo en el cine. Lo que vemos en la gran pantalla es el reflejo de nuestra sociedad, pero también puede provocar cambios en ella y a nivel individual. Es importante, mejor dicho, es básico que el cine de este paso en firme y se dejen de romantizar comportamientos que nada tienen de románticos y que no guardan ningún tipo de relación con el amor. Romper de esta manera con la unión de Joker y Harley Quinn significa muchas cosas a nivel de trama y de personajes, pero también a nivel de impacto social.

Por supuesto, también es importante que tengamos, de una vez por todas, películas enmarcadas dentro del cine de superhéroes y protagonizadas por mujeres. En el caso de DC, ya tuvimos ‘Catwoman’ hace

algunos años, pero no estoy segura de que ese sea precisamente un buen ejemplo.

Necesitamos tener personajes femeninos potentes en todos los géneros, no solo en drama o en comedia, también en el de los superhéroes. Necesitamos que las niñas se vean reflejadas, en buenos y malos, que no tengan ante sí sólo referentes -negativos y positivos- masculinos. Que las mujeres no sean vistas como meros accesorios de los hombres, siempre protagonistas, y que tengan su propia voz, que decidan por sí solas, que sean reales y que se acerquen a nosotras.

Eso es precisamente lo que, en principio, se busca con ‘Aves de presa’. Un gran salto a nivel de personaje que llega en forma de emancipación, pero también un importante paso en busca de la igualdad y de la diversidad en el cine.

Conocemos a Joker a fondo, le hemos visto en numerosas películas, hasta como protagonista, pero curiosamente de Harley Quinn sólo sabemos que es su amante y que es letal. Nada más. Ha llegado el momento de que sea ella la que hable y, sobre todo, ha llegado la hora de que tenga identidad propia. Una pena que haya tenido que pasar tanto tiempo para que esto ocurriera.

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El Universo que nunca debió ser Texto: Ada Fernández

Con motivo del estreno de ‘Aves de Presa’, la aventura en solitario de Harley Quinn que trae nuevas compañeras de escuadrón, hacemos un repaso a la trayectoria del Universo Extendido Cinematográfico de DC con sus luces y sus muchas, muchas sombras.

En la era de las grandes franquicias que colonizan la sociedad con millones de artículos de merchandising, el Universo Extendido de DC sigue siendo la más irregular, caótica e imprevisible de todas ellas.

Después de 7 películas, varios directores creativos y una carrera a contracorriente por alcanzar a La Casa de las Ideas, las adaptaciones en la gran pantalla de las viñetas de Detective Comics siguen sin en88 - www.mewmagazine.es

contrar del todo su voz propia.

Resulta paradójico que DC, la editorial de las gafas de Clark Kent, de la risa del Joker, del murciélago de Gotham, del hombre más rápido del mundo y del superhéroe más parodiado de los últimos tiempos (culpo a ‘The Big Bang Theory’ por lo que le han hecho al pobre Arthur Curry); y Warner Bros., la productora del ‘Caballero Oscuro’ de Nolan y el ‘Superman’ de Christopher Reeve, no hayan sido capaces de encontrar la forma de trasladar sus brillantes y mundialmente conocidas historias y a los héroes y villanos más famosos y reconocidos por el público mainstream a la gran pantalla para formar un gran universo de una manera… por lo menos ordenada.

Aunque empezara con una inequívoca figura que portaba una gran S en el pecho y ondeaba su capa roja al viento a la que daba vida Henry Cavill, el universo forjado por Zack Snyder ha ido avanzando a trompicones, sin explicar nada.

No hay una presentación de personajes más allá de la del Hombre de Acero, un desarrollo, una toma de contacto antes de que de repente varios héroes se junten. Que una película de dos horas y media como ‘BatmanVSuperman’ tenga que presentar a Batman, a Wonder Woman, a Lex Luthor y a todo un universo con miles de easter eggs que ni un 1% de los espectadores reconocerá como guiños a los comics que completan la presentación del momento y la etapa que

los personajes están viviendo es simplemente ridículo.

Sin embargo, más allá de que el público general entendiera o no del todo ‘BatmanVSuperman’, lo que realmente resulta interesante preguntarse es por qué DC y Warner Bros. dieron lugar a que eso pudiera suceder. Por qué corrieron tanto teniendo los personajes y las historias que tenían.

parte gracias al ruido que hacía al cosechar premios la Saga del Caballero Oscuro de Christopher Nolan, lo cual resulta paradójico dada la situación actual de crisis de identidad que sufre el cine de DC. Debido a este éxito se hizo una secuela. Y luego Marvel presentó a Hulk. Y después a Thor.

Y finalmente al Capitán América.

Y aunque en cada una de las películas se hacía alguna referen-

Para entender la decisión de producir ‘BatmanVSuperman’ en 2016 después de haber presentado tan solo a sus nuevos Clark Kent y Lois Lane, hay que cruzar a la otra acera.

Hay que hablar de La Casa de las Ideas. Hay que hablar de Marvel.

Mientas Warner Bros. recogía nominaciones y premios por todo el mundo en 2008 con ‘El Caballero Oscuro’, Marvel plantaba la semilla y tomaba una decisión arriesgada en la que no creía casi nadie y que acabó por germinar para convertiste en la mayor franquicia cinematográfica de todos los tiempos.

Kevin Feige, el productor de todas esas películas de superhéroes de Marvel de dudosa calidad de los 2000, se encuentra con Jon Favreau, que viene de dirigir ‘Elf’ y ‘Zathura’, y juntos desarrollan un guion basado en los comics de un personaje que casi nadie conoce: Iron Man. Consiguen cerrar un reparto muy interesante formado por conocidos del cine indie liderado por Robert Downey Jr… y el resto, como se suele decir, es historia.

Aunque nadie ponía la mano en el fuego por el éxito de la película, la cinta triunfó gracias en parte a las películas de dudosa calidad de superhéroes de los 2000 y en

cia a las otras mediante escenas post-créditos o nombres de otros personajes que solo los fans entendían, Marvel presentó a todos sus héroes para en 2012 gritar “VENGADORES, REUNÍOS”.

Al quedar huérfanos del Batman de Nolan que tantas alegrías les había dado, DC mueve ficha y encarga a Zack Snyder una nueva película sobre Superman después del fracaso de ‘Superman Returns’, buscando recuperar a su más célebre personaje y construir otra saga a su alrededor. Sin embargo, durante el rodaje de ‘El Hombre de Acero’, los ‘Vengadores’ de Joss Whedon son un éxito sin precedente y DC siente la presión de responder agrupando a sus héroes, sin reparar en que la película de Snyder no estaba preparada ni planteada para ello.

Por correr y ponerse al día intro-

dujeron a Batman y Wonder Woman en una película en la que no se sabe ni quien es el villano y de la que nace la escena más absurdamente memorable del cine de superhéroes. “Mi mami se llama Martha” “ANDA, LA MIA TAMBIÉN”. ¿En serio esa era la mejor forma de unir a dos personajes que han estado dos horas enfrentados?

El caso es que a partir de este momento todo se hace con prisa.

Y las prisas son malas consejeras.

El universo de Zack Snyder no recibe las mismas críticas que las cada vez más sobresalientes películas de Marvel y DC entra en una crisis de identidad con tres frentes abiertos: la película de ‘La Liga de la Justicia’ que continúa una senda oscura, el intento de acercamiento al “estilo Marvel” con cintas como ‘Aquaman’ o ‘Shazam’, y el nuevo y fresco estilo de ‘Wonder Woman’.

Para entender qué pasó con ‘La Liga de la Justicia’ solo hay que juntar todos los factores que he comentado antes: la crisis de identidad por querer separarse de la visión oscura de Zack Snyder en una película de Zack Snyder, el pretender mezclar el humor y el drama como Marvel incorporando a Joss Whedon al proyecto pero sin dar tramas ni situaciones que lo hagan posible, y el bigote. ‘La Liga de la Justicia’ no solo intentó ser tan grande que no se entendía nada por falta de cohesión entre las tramas, sino que tuvo dos directores, dos rodajes y dos guiones, siendo dos películas diferentes en un único metraje. Algo parecido ocurrió con el ‘Escuadrón Suicida’ de David Ayer, que se convirtió en una película totalmente distinta al entrar en la sala de montaje… pero añadiendo un Joker totalmente

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desastroso.

Por otro lado y con una filosofía muy diferente y parecida al “estilo Marvel”, el ‘Aquaman’ de James Wan deja que la voz creativa de su guionista y director guie el proyecto sin sentir el yugo de seguir un estándar marcado por lo anterior, asemejándose en gran parte a lo que Marvel hizo con ‘Guardianes de la Galaxia’. De igual manera, ‘Shazam’ toma también este nuevo camino para ser un ‘Deadpool’ para todos los públicos, más amable con la audiencia de DC. Sin embargo, aunque la segunda mucho menos que la primera, estas dos cintas se quedan a medio camino, sin un resultado sobresaliente y planteando secuelas que, aunque potencialmente interesantes, no se esperan con excesiva impaciencia.

Y por último toca hablar de ‘Wonder Woman’. Los Superman y Batman de turno han quedado eclipsados por un personaje, aunque históricamente relegado siempre a un segundo plano, ha contado una mejor historia y ha sabido conectar con el gran público de una manera casi unánime.

La ‘Wonder Woman’ de Gal Gadot y Patty Jenkins no fue solo un soplo de aire fresco para una franquicia en crisis por las prisas, sino que sentó las bases de lo que debería haber sido desde el principio el Universo Cinematográfico de DC: un Universo creado poco a poco, fiel a sus personajes y a sus grandes arcos argumentales sin tener que copiar o apresurarse para coger a la competencia. Además, ‘Wonder Woman’ no fue solo una sólida historia de génesis para desarrollar al personaje presentado en ‘BatmanVSuperman’, sino que se permitió ser divertida a la vez que espectacular; y lo que es más importante: dio voz a las superheroínas que todavía no habían podido inspirar a niñas y jóvenes de todo el mundo

en la gran pantalla siendo la primera película del género protagonizada por un personaje femenino.

Y si Wonder Woman fue la revolución de los héroes, la Harley Quinn de Margot Robbie fue la de los villanos.

‘Aves de Presa’ no es solo la emancipación de Harley Quinn, es el reconocimiento que merecen un personaje y una interpretación estelares que cargaron sobre sus hombros una película que no había por dónde coger. Ni Will Smith, ni Jared Leto, ni siquiera Viola Davis, ‘Escuadrón Suicida’ fue la película de Margot Robbie, lo que supone un viraje eminentemente femenino en los dos extremos de este universo. ¿Y si el Universo Extendido de DC habla en femenino?

La Lois de Amy Adams, la Martha de Diane Lane, la Katana de Karen Fukuhara, la Atlanna de Nicole Kidman, la Mera de Amber Heard; todas las polémicas en el lado masculino con Ben Affleck, Jared Leto y un bigote que no fue en el centro del huracán, en el lado femenino han sido aciertos, y eso da que pensar. Quizás Marvel sea el universo para todos, pero DC, aun a regañadientes por las tonterías de siempre, tiene que reconocer que esto es lo que ha hecho bien, que no queremos al Joker, queremos a Harley, y que no nos importaría ver una película de Mera, que el personaje de Lois Lane aprovechara mejor a la maravillosa actriz que le da vida, y que llevamos 3 años esperando a que Gal Gadot se vuelva a enfundar los brazaletes a las órdenes de Patty Jenkins.

Porque quizás, al universo que nunca debió ser, lo salvaron ellas.

oscars 2020 LA CARRERA HACIA LOS OSCAR 2020 ESTÁ CASI LLEGANDO A SU FIN, SIENDO ESTOS LOS ÚLTIMOS PREMIOS CINEMATOGRÁFICOS QUE RECONOCEN Y PREMIAN EL TRABAJO DE LOS TÍTULOS ESTRENADOS EN 2019. HA SIDO UN AÑO LLENO DE GUIONES EXCEPCIONALES, INTERPRETACIONES FEMENINAS Y MASCULINAS BRILLANTES Y FOTOGRAFÍAS IMPECABLES QUE HAN DADO COMO RESULTADO GRANDES PELÍCULAS. TANTO ES ASÍ QUE ESTE AÑO SON 9 LOS LARGOMETRAJES QUE OPTAN A LA ANSIADA ESTATUILLA COMO “MEJOR PELÍCULA”. PERO… ¿CUÁLES SON ESTAS PELÍCULAS Y POR QUÉ LOS ACADÉMICOS DE HOLLYWOOD HAN CONSIDERADO QUE SON LAS MEJORES OPCIONES PARA LLEVARSE ESTE PREMIO?

Paloma Escudero

Le Mans 66/ Ford v Ferrari Comenzamos con un drama biográfico: ‘Le Mans 66’ sitúa en los años 60 a un equipo americano de ingenieros y diseñadores, liderado por el visionario Carroll Shelby (Matt Damon) junto al piloto e ingeniero Ken Miles (Christian Bale). Estos recibirán un encargo del mítico Henry Ford y de Lee Iacocca y tendrán que construir un nuevo coche de carreras que pueda arrebatarle el dominio al mismísimo Ferrari en el exigente Campeonato del Mundo de Le Mans en el año 1966.

La cinta está dirigida por James Mangold y protagonizada por Matt Damon y Christian Bale.

Junto a ellos, Caitriona Balfe, Jon Bernthal, Josh Lucas y Tracy Letts completan el reparto de esta épica película automovilística. Pese a que no se trata de una de las películas más trascendentales del año y en general ha pasado un poco desapercibida, sí que es de esas que cuando terminas de verla te deja con una buenísima sensación en el cuerpo. Para empezar porque es entretenida, porque conozcas o no la historia real que hay detrás, está tan bien contada y de forma tan amena que hace que te intereses por ella.

Por otro lado, el dúo de Matt Damon y Christian Bale es inmejorable, ambos logran unas buenísimas interpretaciones totalmente a la altura de lo que se espera de ellos. Además, ‘Le Mans 66’ es 92 - www.mewmagazine.es

buena en su conjunto porque todos los pequeños detalles están trabajados y logrados. Tiene una puesta en escena sencilla pero tan cuidada que es impecable. Lo mismo ocurre, por supuesto, con la fotografía y con el sonido, algo indispensable en una película de coches y carreras como esta.

Quizás me cuesta un poco porque no es el tipo de cine que consumo, pero puedo llegar a entender el motivo de nominar a una película así.

Aunque, eso sí, no creo que cuente con demasiadas posibilidades de salir ganadora en la próxima edición de los Premios Oscar.

Jojo Rabbit El protagonista de esta historia es Jojo “Rabbit” Betzler (Roman Griffin Davis). Él es un solitario niño alemán que vive con su madre, Rosie (Scarlett Johansson). Como se espera de alguien de su edad en un momento como este, Jojo pertenece a las Juventudes Hitlerianas.

Sin embargo, esta no será su única preocupación y responsabilidad ya que un día descubrirá que en el sótano de su casa se encuentra escondida una niña judía (Thomsin McKenzie). Su vida dará un giro enorme y su mundo se pondrá patas arriba. Pero para afrontar su enorme nacionalismo dentro de esta absurda Guerra Mundial contará con la ayuda de su amigo imaginario: Adolf Hitler (Taika Waititi).

Además de participar en ella como

actor, Taika Waititi es el encargado de dirigir ‘Jojo Rabbit’, una sátira de humor negro. Lo que más destaca de la película es la originalidad con la que se aborda un tema como es el del nazismo y la II Guerra Mundial. En este caso este hecho histórico se utiliza más bien como telón de fondo ya que no se trata estrictamente del tema principal. Taika Waititi utiliza la figura de Hitler de forma divertida para desarrollar una película de un humor diferente.

casi en cuestión de segundos, pero sin pasarse. Es tan loca y graciosa como emotiva y sensible. El guion es una completa locura desde el principio hasta el final. Hay que destacar la impecable interpretación de Scarlett Johansson, pero sobre todo la de Roman Griffin Davis, que refleja a la perfección esa inocencia infantil.

De entre todas las candidatas, no hay duda de que ‘Jojo Rabbit’ se ha convertido en una de las sorpresas del año. Se trata de una de las pePese a ser en gran parte una co- lículas más atrevidas por lo surreamedia de lo más absurda y casi lista que parece hacer una sátira así sin sentido en muchas ocasiones, de alguien como Hitler. también tiene algo de drama. ‘Jojo Rabbit’ es una película curiosa que te hace pasar de la risa a la tristeza

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Joker Por primera vez conoceremos los orígenes de este conocido villano que tiene atemorizada a la ciudad de Ghotam. Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) vive allí con su madre y lo único que le interesa en la vida es animar a la gente haciéndoles reír. Sin embargo, sus problemas psiquiátricos y psicológicos harán que la gente le vea como un bicho raro, lo que le llevará a descargar su ira y su maldad contra la sociedad.

Todos conocemos al Joker, ese enemigo con el que tantas veces ha combatido Batman. Pero es que, afortunadamente, no se trata de una película más sobre el payaso más conocido del mundo. De hecho, no sabría muy bien ni en qué género o categoría catalogarla, ‘Joker’ es sencillamente brillante. Todd Phillips nos presenta de forma muy original una visión completamente diferente de este clásico personaje de DC. ‘Joker’ es grandiosa desde el principio hasta el final, te atrapa por completo para meterte de lleno en las oscuras y transitadas calles de Ghotam junto a Arthur.

Una película magnífica que no sorprende que hay tenido tantísimo éxito. Todd Philipps reinventa por completo a este personaje y su historia y consigue que ‘Joker’ sea una película magnífica. Joaquin Phoenix es el Joker, directamente, no hay más. La película no podría entenderse sin su brutal puesta en escena.

Se trata de una de las películas más sonadas para alzarse con el Oscar a Mejor Película, porque todo en ella funciona a la perfección.

El IrlandEs una de las incógnitas más famosas en la historia del país.

En ‘El Irlandés’ Scorsese nos lleva de nuevo a explorar ese amplio mundo criminal de mafia y de los gángster de una forma que solo él puede hacerlo. El maestro Scorsese nos presenta una visión fresca y renovada de un género que ya conocemos de sobra. Pese a su larga duración ‘El Irlandés’ no aburre, de hecho la historia es tan cautivadora que quieres más y más. Una película inteligente, bien construida y totalmente redonda, una obra maestra.

Nos encontramos ahora ante un biopic de Frank Sheeran (Robert De Niro), conocido como el Irlandés. Un estafador y sicario al que se le llegaron a atribuir más de 25 asesinatos relacionados con la mafia, el mundo de los sindicatos y la política en general. Se trata de una crónica sobre uno de los grandes misterios de EE.UU: la desaparición del mítico sindicalista Jimmy Hoffa (Al Pacino) el 30 de julio de 1975, quien no fue declarado muerto hasta seis años después. Pese a que Sheeran llegó a afirmar su implicación en el crimen, este asesinato sigue siendo 94 - www.mewmagazine.es

Todo ello se debe en una grandísima parte a que Scorsese se ha rodado de los mejores hombres para rodar ‘El Irlandés’. ¿Alguien más indicado que Robert De Niro para ponernos la piel de gallina con este frío y calculador personaje? Y si a esta soberbia interpretación le añades a los hipnóticos Al Pacino y Joe Pesci, te sale una película casi perfecta.

El gigante Netflix entra de lleno en los Oscar 2020 con una de las películas más esperadas y potentes de la temporada.

Erase una vez en Hollywood Ahora nos trasladamos a Los Ángeles a finales de los años 60, donde conoceremos al actor de western Rick Dalton (Leonardo Dicaprio) y a su doble de acción y también su mejor amiga Cliff Booth (Brad Pitt). El mundo de la interpretación en Hollywood es muy complicado pero ambos intentarán hacerse un hueco como sea. En este camino se cruzará en sus vidas Sharon Tate (Margot Robbie), una nueva estrella del cine casada con el director Roman Polanski.

Quentin Tarantino vuelve a escribir y dirigir una película y lo hace por la puerta grande: con un largometraje que es todo un homenaje al cine, con un estilo clásico de los años 60 y a la vez con un toque moderno. ‘Érase una vez en Hollywood’ es todo un regalo para los amantes del cine en general y de este director en particular.

Una película sobresaliente que lleva su sello grabado en mayúsculas y con muy buena letra.

En ‘Érase una vez en Hollywood’ funciona como

un reloj perfectamente engrasado, no hay nada que desentone. Todo pasa por algo y todo está más que justificado. ‘Érase una vez en Hollywood’ es una película espléndida que brilla gracias a que prácticamente todo el peso de la misma recae sobre tres de los grandes rostros de Hollywood. Leonardo Dicaprio y Brad Pitt juntos en la gran pantalla es el dúo perfecto que no sabíamos que necesitábamos hasta ahora. Junto a ellos, la aportación femenina no podía venir de otra que no fuera Margot Robbie, que aunque con pocas apariciones, son suficientes para caer rendidos ante ella. ‘Érase una vez en Hollywood’ es sencillamente memorable.

Brad Pitt lo tiene fácil en esa carrera por el Oscar y no me sorprendería nada ver a Tarantino subiendo al escenario a recoger su estatuilla por esta película que tantas alegrías le está trayendo.

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Parasitos Tanto Ki-taek (Kang-ho Song) como sus dos hijos y su mujer se encuentran sin trabajo por lo que tienen que malvivir en un pequeño piso. Sin embargo, esta horrible situación cambiará cuando el hijo mayor Gi Woo (Choi Woosik) consigue trabajo como profesor de inglés particular en casa de los Park, una familia muy rica. Con ingenio y agudeza toda la familia irá poco a poco formando parte de esta casa…

Pero si hablamos de grandes sorpresas sin duda la palma se la lleva ‘Parásitos’ cuyo boom y éxito ha sobrepasado literalmente cualquier tipo de frontera. Bong Joon Ho es quien firma esta comedia negra de suspense que ha ido un paso más allá rompiendo barreras. ‘Parásitos’ combina de forma ágil y audaz la comedia con el misterio y la intriga. Se trata de una película tan atípica que es de lo más poderosa y potente. El interés ha sido tal que todos han caído rendidos ante ella pese

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a no estar doblada al inglés. Y es que no es para menos.

Hay que ver ‘Parásitos’ y sentirte atrapado por esta deslumbrante atmósfera que hace que sea una película formidable y magistral. Por mucho que te preparen, no te imaginas lo que vas a ver y sentirte cuando te sumerjas en el mundo de ‘Parásitos’, todo es inesperado y se escapa de tu control. Los silencios están muy bien cuidados para crear un ambiente de misterio totalmente necesario. Con unas interpretaciones hipnóticas.

Teniendo en cuenta que ‘Parásitos’ está también nominada como Mejor Película de Habla No Inglesa y en esta categoría se va a alzar por encima de ‘Dolor y Gloria’, no creo que también acabe con la estatuilla de Mejor Película. Ambos reconocimientos serían, eso sí, igual de válidos y merecidos para una película tan espectacular como esta.

mujercitas Totalmente alejada de las anteriores llega ‘Mujercitas’. A mediados del S. XIX Amy (Florence Pugh), Jo (Saoirse Ronan), Meg (Emma Watson) y Beth (Eliza Scanlen) son cuatro hermanas que viven con su madre (Laura Dern). Con el tiempo entablarán una bonita amistad con el vecino de al lado, Laurie (Timothée Chalamet) y con Friedrich Bhaer (Louis Garrel).

Las hermanas March vuelven a la gran pantalla de la mano de Greta Gerwig, quien nos ofrece una versión hecha desde el corazón de este gran clásico.

Greta Gerwig adapta ‘Mujercitas’ con gran maestría y hace que deje de ser algo del pasado para convertirse en algo moderno y de ahora. ‘Mujercitas’ te deja con un buenísimo sabor de boca, porque es un cuento delicado e íntimo pero al mismo tiempo muy humano y cercano. Sigue siendo tan emotiva como antes y aunque la historia es la misma, esta

nueva adaptación tiene la esencia de la directora, que le d su toque más personal.

Florence Pugh se ha convertido en una de las grandes actrices revelación de este 2019 y su actuación en ‘Mujercitas’ es de las más relevantes. Sin desmerecer a una Saoirse Ronan que sigue demostrando que ha nacido para la interpretación, y que junto a Timothée Chalamet forman una pareja fantástica.

Un reparto femenino que se corona con las interpretaciones de Meryl Streep y Laura Dern, de las que poco se puede decir ya a estas alturas de su carrera.

Aunque los reboots son peligrosos y arriesgados, este ha sido todo un acierto. Pese a no contar con una nominación por su dirección, por lo menos la cinta de Greta Gerwig ha conseguido, de forma más que merecida, colocarse como candidata a ser la Mejor Película.

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1917 Desde el frente occidental de la Primera Guerra Mundial dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blke (Dean-Charles Chapman) son encomendados a una complicadísima misión.

Tienen que entregar un mensaje urgente y decisivo al coronel MacKenzie (Benedict Cumberbatch) para que pare el ataque que está a punto de empezar.

Para ello, en una carrera contrarreloj, tendrán que abandonar la trinchera en la que se encuentran y avanzar por el campo francés ahora ocupado por alemanes.

En Hollywood siempre tiene que haber mínimo una película al año sobre la Primera o la Segunda Guerra Mundial. Y, siendo sinceros, menos mal que este año Sam Mendes ha decidido dirigir este drama bélico.

‘1917’ es simplemente todo lo que se le puede pedir a una película de guerra. En ‘1917’ no hace falta que todo el rato esté pasando cosas ni haya bombas explotando cada dos minutos, no lo necesita. Es una película impresionante con todas las letras.

‘1917’ es una película completamente inmersiva que te hace ser parte de una historia en la que no solo te interesa la Guerra como tal. Sam Mendes es un virtuoso de la dirección y así lo demuestra una vez más.

Es una maravilla cómo está rodada, con una precisión técnica inmejorable. La fotografía y el sonido te atrapan por completo y contribuyen a que ‘1917’ sea una delicia visual.

En los Premios Oscar todo puede pasar, y visto lo visto, quizás ‘1917’ podría dar la gran sorpresa alzándose con el codiciado premio.

Historia de un matrimonio

Nicole (Scarlett Johansson) es una actriz que dejó su carrera en el cine para trabajar en la compañía de teatro de su marido Charlie (Adam Driver), un director de teatro. Todas las historias tienen su final y el de esta pareja está llegando. Con un hijo en común, ambos tendrán que hacer frente a un divorcio que los llevará al extremo.

‘Historias de un matrimonio’ es una de esas películas que te marcan por completo por lo muchísimo que transmite. Noah Baumbach ha escrito un guion tan real y bueno que ‘Historia de un matrimonio’ da en el clavo en todo momento, y eso a veces duele. Una pe-

lícula brutalmente cercana y honesta. Una historia de amor y desamor contada desde las perspectivas de dos personajes interpretados de manera sensacional por Scarlett Johansson y Adam Driver.

Si ‘Historias de un matrimonio’ es de las mejores películas del año es porque las suyas son de las mejores interpretaciones de toda su carrera. Sin hacer ningún tipo de spoiler, hay una escena concreta en la que cuesta tanto distinguir entre ficción y realidad y es tan sobrecogedora es que cuando realmente te das cuenta de lo sensacionales que están ambos.

Sin menospreciar, por supuesto, a Laura Dern, que se come la pantalla uno de los mejores monólogos que se han visto en el cine. ‘Historia de un matrimonio’ está rodada de forma tan impecable que casi parece una obra de teatro. Planos cortos que acercan al espectador a la historia y te hacen emocionarte sintiendo lo mismo que los protagonistas.

Pese a que en ningún momento sonaba como favorita, ‘Historia de un matrimonio’ tenía que estar entre las nominadas a Mejor Película este año porque lo tiene todo para poder alzarse con este galardón.

COLUMNA DE OPINIÓN Los premios Goya: la fiesta sin cine

por Ada Fernández

M

e encantan los lunes post-Goya. Son probablemente mi día favorito del año.

Siento una alegría incontrolable al ver a todo el mundo hablando de cine. Desde las portadas de los periódicos o las aperturas de los informativos, pasando por las conversaciones de ascensor con vecinos o la charla matutina con los compañeros del trabajo, ese día todo el mundo comenta la Gala en algún momento.

Como profesional del sector, eso no hace más que alentar y reafirmarme en mi pasión por mi trabajo. Oír a la gente hablar de cine, de cine español, paseando por la calle, en los grupos de whatsapp de la familia y en los grandes medios, ese momento de gloria es por lo que trabajamos el resto del año todos los que nos rendimos ante la locura de dedicar nuestra vida al séptimo arte en España. Los lunes post-Goya son ese día de reconocimiento no solo de nuestros compañeros de sector, sino de toda la gente que pone cara a 100 - www.mewmagazine.es

los productores, montadores, compositores, guionistas, sonidistas y directores que crean las grandes historias que llevan el sello español en la gran pantalla.

Y, sin embargo, las cosas no son del todo así.

Los lunes post-Goya son mi día favorito del año, sí, pero lo son durante unas horas: el tiempo que tardo en darme cuenta de que de lo que menos se habla al día siguiente de la Fiesta del Cine Español, es de cine.

Quizás puesto así suena demasiado dramático, y siendo justos esto no es del todo cierto, pero los matices a esta afirmación no hacen más que empeorar las cosas.

Cada año, la Fiesta del Cine Español reúne ante el televisor a más de 3 millones y medio de espectadores que siguen la Gala desde su alfombra roja hasta su clausura durante unas cuantas horas (no especificaremos cuantas). Sin embargo, esos 3 millones y medio de espectadores se sientan frente a su televisor para ver unos premios sobre cine mientras hablan de la mejor vestida, el que ha venido con la nueva novia, el desastroso

número musical de turno, ese chiste sin gracia o el discurso de soltar la lagrimita de todos los años.

Hasta ahora no se ha mencionado que hablen de cine, ¿verdad?

En Twitter serán trending topic el vestido de Penélope, el esmoquin de Pablo Iglesias y las entrevistas a los Javi; y se harán memes indiscriminados de los invitados durante los discursos institucionales, los de agradecimiento, los de los presentadores… sí, en los Goya se hacen muchos discursos.

Seguimos sin hablar de cine.

A la mañana siguiente, la gente comentará la gala y hablará de que ha ganado uno y no otro en las categorías de Mejor Director, de que les hubiera gustado que ganara esa el de Mejor Actriz, y de que el que salió a recoger el premio ese que no se acuerdan cuál es dio un discurso super chulo.

Ahora parece que si que hablan un poco de cine. Sin embargo, si ahondamos un poquito y le preguntamos a esa gente que comenta que debería haber ganado ese y no aquel, o que este año se lo merecía ella y no

la otra el porqué de esa valoración, las respuestas podrán variar, pero casi todas tendrán algo en común: no tendrán nada que ver con el trabajo de esa persona en el proyecto en concreto por el que estaba nominada respecto al trabajo de las otras personas nominadas.

No tiene sentido decir que un nominado debería ganar porque te cae mejor que otro o que se lo tendría que haber dado a ese porque ya le han nominado muchas veces. De igual manera, nadie se merece un premio porque “es la que mejor va, mírala que guapa la han puesto”, “es que es el que está más bueno” o porque sea “novio de” o “novia de”.

Así no se reconoce el trabajo de los profesionales del cine. Y es en este momento en el que llegamos a la conclusión y evidencia más triste de todo este asunto: la gente no puede juzgar a los profesionales del cine por su trabajo porque, simplemente, no lo han visto.

La gente sigue sin ver cine español. Y aún menos cine español del que se premia en los Goya.

Aunque en los últimos años el número de espectadores de cine nacional en sala no ha hecho

más que crecer y gracias a los servicios on demand nuestras películas llegan cada vez a más espectadores, lo cierto es que el cine que más se consume no es el protagonista en los Goya.

No me malinterpretéis, no digo que las comedias románticas de turno protagonizadas por Clara Lago o Álex García sean malas películas. Al contrario, valoro y mucho que ayuden a visibilizar los largometrajes hechos en nuestro país y que lleven a millones de espectadores a las salas a ver cada vez más cine nacional, pero lo que no se puede comparar es la historia, el mensaje y la huella que dejan estas películas con respecto a otras.

Comprendo que el cine no sea exclusivamente una actividad culturalmente enriquecedora y educativa, pero lo peor de esta situación es que esa eminente vocación de ocio y entretenimiento del séptimo arte haga que historias como las que han sido premiadas este año queden relegadas a no ser más que un título o un nombre en el imaginario colectivo de la cultura popular; o que simplemente impidan que sus importantísimos mensajes que van más allá de lo banal, del mero pasatiempo de sobre-

mesa, y que tanto bien podrían hacer en nuestra sociedad en un momento como este, lleguen los espectadores españoles.

Es triste ver cómo año tras año la Fiesta del Cine Español se convierte en una fiesta sin cine por el simple motivo de que los Goya son más que una gala anual por televisión: son historias que merecen ser escuchadas, que conmueven, que enseñan y que relatan, en muchos casos, episodios que nos ayudarían a comprender mejor nuestra sociedad, nuestra historia y a nosotros mismos.

Los Goya son un puño en la mesa interrumpiendo aquel “ganaréis, pero no convenceréis”. Son un agujero en la pared por el que mira el mundo un hombre atrapado. Son un viaje en tren o luchar contra las llamas en las montañas de Galicia. Son la intemperie o una casa pequeña y de paredes encaladas en la que crece una de las figuras más importantes del cine español. Son un trozo de sandía para combatir el calor o un profundo hoyo.

Ojalá todos los que vieron la gala este año hubieran sabido todo eso. Así que, aunque veamos los Goya por la fiesta, no olvidemos nunca el cine.

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PELÍCULAS PARA TU COLECCIÓN Repasamos los estrenos en DVD y Blu-ray desde el 5 de febrero al 5 de marzo, ofreciéndote la sinopsis de cada película, así como una serie de datos técnicos y la puntuación de la misma. Siempre es buen momento para ampliar tu colección cinematográfica. Toma nota de los títulos que te interesen y… ¡Acción!

HOTEL MUMBAI

THE INFORMER

VIVIR DOS VECES

Fecha de lanzamiento: 6 de feb.

País: Australia Duración: 125 minutos Dirección: Anthony Maras Guión: John Collee, Anthony Maras Reparto: Armie Hammer, Dev Patel, Jason Isaacs, Nazanin Boniadi, Angus McLaren, Anupam Kher, Natasha Liu Bordizzo, Tilda Cobham-Hervey, Suhail Nayyar Género: Thriller

Fecha de lanzamiento: 6 de feb.

País: Reino Unido Duración: 113 minutos Dirección: Andrea Di Stefano Guión: Matt Cook (Novela: Börge Hellström, Anders Roslund) Reparto: Joel Kinnaman, Rosamund Pike, Clive Owen, Common, Ana de Armas, Nasir Jama, Emanuel Coelho, Edwin De La Renta, John D. Hickman, Joanna Kaczynska, Tommy McInnis Género: thriller

Fecha de lanzamiento: 6 de feb.

País: España Duración: 101 minutos Dirección: María Ripoll Guión: María Mínguez Reparto: Oscar Martínez, Inma Cuesta, Mafalda Carbonell, Nacho López, Aina Clotet, Isabel Requena, Antonio Valero, María Zamora, Hugo Balaguer, Valeria Schoneveld Género: Comedia

Sinopsis: Thriller que nos traslada directamente a la Mumbai de 2008. Allí, somos testigos de cómo una serie de terroristas pakistaníes irrumpen en el hotel Taj Mahal Palace, donde mantienen recluidas a numerosas personas durante unas 68 horas. Un relato angustioso en el que se estudian las diferentes reacciones del ser humano en momento de tensión extrema.

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Sinopsis: Pete Koslow, ex convicto, debe regresar a la cárcel en la que estuvo preso y hacerlo como infiltrado. Su única manera de lograr la libertad total que tanto ansía será resolver un asunto relacionado con la mafia en Nueva York.

Sinopsis: Comedia familiar que sigue el viaje de Emilio, su hija Julia y su nieta Blanca. Juntos, y siempre antes de que Emilio pierda la memoria de manera definitiva, buscan al amor de la juventud de este. Un viaje en el que, además de vivir numerosas aventuras, tendrán la oportunidad de resolver asuntos pendientes y de darse nuevas oportunidades que todos merecen.

JOKER

PARÁSITOS

Fecha de lanzamiento: 7 de Feb. País: Estados Unidos Duración: 121 minutos Dirección: Todd Phillips Guión: Todd Phillips, Scott Silver Reparto: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz, Frances Conroy, Brett Cullen, Bill Camp, Shea Whigham, Dante Pereira-Olson, Douglas Hodge, Jolie Chan Género: Thriller, drama

Fecha de lanzamiento: 14 de feb.

País: Corea del Sur Duración: 132 minutos Dirección: Bong Joon-ho Guión: Bong Joon-ho, Jin Won Han Reparto: Song Kang-ho, Lee Seongyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, Park Seo-joon, Lee Jeong-eun, Park Keun-rok, Hyun Seung-Min Género: Intriga

Sinopsis: Arthur Fleck vive en Gotham y sueña con convertirse en un humorista de éxito, mientras se gana la vida como payaso.

Sus problemas mentales hacen que la sociedad lo aparte y lo trate como un bicho raro, llevándole hasta un límite en el que la locura se apodera completamente de él, hasta transformarle en Joker.

Sinopsis: Tanto Gi Taek como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo, empieza a dar clases particulares en casa de Park, las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados imprevisibles.

LO QUE ARDE

Fecha de lanzamiento: 14 de feb.

País: España Duración: 89 minutos Dirección: Oliver Laxe Guión: Santiago Fillol, Oliver Laxe Reparto: Amador Arias, Benedicta Sánchez Género: Drama

Sinopsis: Amador regresa a casa, junto a su madre Benedicta y a su perra luna, después de haber cumplido condena por haber provocado un incendio. A partir de ese momento, recupera también su vida tranquila, entre pastos y vacas, que se viene abajo cuando un fuego arrasa la zona.

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RAMBO: LAST BLOOD

Fecha de lanzamiento: 18 de feb.

País: Estados Unidos Duración: 100 minutos Dirección: Adrian Grunberg Guión: Matthew Cirulnick, Sylvester Stallone (Historia: Dan Gordon, Sylvester Stallone. Personaje: David Morrell) Reparto: Sylvester Stallone, Paz Vega, Sergio Peris-Mencheta, Adriana Barraza, Yvette Monreal, Óscar Jaenada, Marco de la O, Rick Zingale, Louis Mandylor Género: Acción

Sinopsis: Después de muchas aventuras, Rambo se retira en su rancho. Pero la paz no dura demasiado y el mítico personaje regresa a la acción después de que su ahijada desaparezca tras cruzar la frontera con México.

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DÍA DE LLUVIA EN NUEVA YORK

EL ASESINO DE LOS CAPRICHOS

Fecha de lanzamiento: 18 de feb.

País: Estados Unidos Duración: 92 minutos Dirección: Woody Allen Guión: Woody Allen Reparto: Timothée Chalamet, Elle Fanning, Selena Gomez, Jude Law, Diego Luna, Liev Schreiber, Annaleigh Ashford, Rebecca Hall Género: Romance

Fecha de lanzamiento: 18 de feb.

País: España Duración: 100 minutos Dirección: Gerardo Herrero Guión: Ángela Armero Reparto: Maribel Verdú, Aura Garrido, Daniel Grao, Antonio Velázquez, Roberto Álamo, Ruth Gabriel, Bianca Kovacs, Ginés García Millán, Paula Pielfort, Eduardo Aladro Género: Drama policiaco

Sinopsis: Gatsby Welles y Ashleigh son una joven pareja enamorada de universitarios que se dispone a pasar un fin de semana en la ciudad de Nueva York. Ella va a entrevistar al reconocido cineasta Roland Pollard, que pasa por un momento de crisis creativa, y durante su azarosa aventura conocerá al cautivador actor Francisco Vega. Por su parte, Gatsby también conocerá a una joven, Chan, que le ayudará a poner en orden sus sentimientos.

El lluvioso fin de semana estará plagado de encuentros, desencuentros y equívocos.

Sinopsis: La película nos presenta a una pareja de policías que persigue a un misterioso asesino en serie que reproduce con sus cadáveres las escenas de los Caprichos de Goya.

LA FAMILIA ADDAMS

MALÉFICA: MAESTRA DEL MAL

Fecha de lanzamiento: 19 de feb.

País: Estados Unidos Duración: 87 minutos Dirección: Conrad Vernon, Greg Tiernan Guión: Pamela Pettler, Matt Lieberman (Personajes: Charles Addams) Reparto: Animación Género: Animación

Fecha de lanzamiento: 19 de feb.

País: Estados Unidos Duración: 118 minutos Dirección: Joachim Rønning Guión: Linda Woolverton, Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster (Historia: Linda Woolverton) Reparto: Angelina Jolie, Michelle Pfeiffer, Elle Fanning, Harris Dickinson, Ed Skrein, Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Sam Riley, David Gyasi, Lesley Manville Género: Fantástico

Sinopsis: Gomez y Morticia preparan la visita de su numerosa familia para celebrar la ''Mazurka con sable'' en honor a Pugsley, un rito de iniciación para convertirse en un hombre digno de la familia Addams. Cuando por fin se levanta la niebla, Margaux entra en pánico al descubrir la mansión de la familia Addams, un claro impedimento en su sueño de vender todas las casas del barrio a personas selectas.

Sinopsis: secuela de ‘Maléfica’ que tiene lugar años después de lo ocurrido en la primera película. En ella, se explora la relación entre Maléfica y Aurora y las alianzas que se dan con el único objetivo de sobrevivir.

ZOMBIELAND: MATA Y REMATA

Fecha de lanzamiento: 19 de feb.

País: Estados Unidos Duración: 99 minutos Dirección: Ruben Fleischer Guión: Dave Callaham, Rhett Reese, Paul Wernick Reparto: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone, Abigail Breslin, Zoey Deutch, Rosario Dawson, Luke Wilson, Avan Jogia, Bill Murray, Thomas Middleditch Género: Comedia

Sinopsis: en esta secuela de ‘Zombieland’ nos reencontramos con los protagonistas de la película original, que ahora viven en la Casa Blanca y que, de nuevo, tendrán que viajar por Estados Unidos y enfrentarse a todo tipo de amenazas, tanto para su vida como para sus relaciones.

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SKA

ESPAÑA

AM

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EL REFLEJO DE LA REALIDAD Alba Planas, Irene Ferreiro, Nicole Wallace, Celia Monedero y Hajar Brown dan vida a cinco mujeres con una lucha que nos hace soñar.

S

kam España ha sido la serie que llega en silencio. Bajo el anonimato que daba mostrar la realidad. Con la naturalidad que da el trabajo realizado a conciencia, con perseverancia pero con sencillez. Porque lo más grande suele salir desde lo más pequeño.

Donde poder encontrar el empoderamiento y la sororidad. Cinco chicas por ellas mismas.

Sin figuras masculinas en las sombras. Ellas por ser ellas. Desde el adiós a esa relación que no nos da la calma interna que necesitamos, pasando por la aceptación de una misma, hasta llegar a la lucha incansable contra nues110 - www.mewmagazine.es

tro contexto. Donde a la violencia de género, la homofobia, el bullying...se les asesta una profunda patada. Porque las generaciones que vienen pueden llegar a ser lo que intentamos y solo pudimos rozar con las yemas de los dedos.

Skam España es el reflejo de la realidad. Esa que a ratos nos abruma y en otros momentos nos saca los colores. Es el éxito de lo bien trabajado.

texto y entrevista P. GUERGUE fotografía ANA MÁRKEZ | muah LUCÍA CASTRO · CRISTINA ALBARÁN · GRETA MANOVEL · VLADLENA NIGMANOVA · LETICIA PERILLÁN estilismo ANA SAN JOSÉ | localización SLEEP'N ATOCHA showroom TEMECE SHOWROOM/XXL COMUNICACIÓN/ EL ARMARIO DE PEPA/LEANE/SFERA

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NICOLE WALLACE “TODO EL MUNDO TIENE UNA BATALLA INTERIOR QUE LIBRAR” L A S A PA R I E N C I A S E N G A ÑAN. MÁS QUE NUNCA. LAS REDES SOCIALES NOS HAN MÁS PUESTO TANTO M A Q U I L L A J E . . . H A S TA E N EL ALMA. QUE MUCHAS V E C E S O LV I D A M O S Q U E TODOS SOMOS DE CARNE Y HUESO. DE EMOCIONES Y DE SENTIMIENTOS. QUE LLORAMOS PORQUE NOS HIEREN. QUE LIBRAM O S C I E N TO S D E B ATA LLAS AUNQUE TENGAMOS UNA SONRISA PERPETUA EN NUESTRA CONCIENCIA. H A S TA E L M Á S F U E R T E , SE DERRUMBA. O NO ENCUENTRA EL SENTIDO A LO VIVIDO. ASÍ QUE COMPA R T E E L S E R S I N J U G A R A JUZGAR.

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MEW Magazine (MW): ¿Recuerdas esos primeros castings?

Nicole Wallace (N.W.): Los recuerdo como si fueran ayer. Fue súper random para mí, por decirlo así. Me acuerdo que había que mandar un video diciendo lo típico, tu nombre, la edad...y me acuerdo que estaba de exámenes y dije “qué pereza” y no lo mandé. Y me llamó mi representante como dos semanas después y me dijo “creo que les ha gustado muchísimo tu video”...

(Risas). Me dijo que me querían ver y fui. Hice unos cuantos más y en el proceso conocí a muchos de mis compañeros. Hasta que un día me llamaron. Estaba en el bus.

Me preguntaron si estaba sentada, les dije “sí, no me puedo levantar” (Risas) y me dijeron que me habían cogido.

el papel podría ser tuyo?

N.W.: Siempre tienes como esa duda...pero no me lo quiero creer porque luego soy gafe y me lo jodo yo a mí misma. Siempre tienes un poco de ilusión de que te puedan coger.

MW: ¿Cómo has ido viviendo el inicio, con ese anonimato, a todo este estallido que ha habido con Skam España?

N.W.: Pues lo hecho de menos. Al principio era como...si hago una serie que nos conozca la gente, sino para qué la hago. Pero ahora lo hecho de menos. Y agradezco mucho que la primera la hiciésemos de esa forma porque creo que también nos ha dado perspectiva. Ahora crea un poco de ansiedad de la mejor forma posible porque al final es gente a la que le está gustando tu trabajo. Y que te apoya. Pero sienMW: ¿En algún momento de do tan jóvenes y tan de golpe pues todo ese proceso sentiste que crea un conflicto interno.

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MW: Cómo se vive cuando te dicen, te ha tocado, la tercera temporada va para ti...

N.W.: Lo viví de forma extraña porque como en la original, la de Nora, es la segunda, al principio creíamos que iba a ser igual.

Entonces, lo viví dos veces, por decirlo así.

En la tercera era como que ya sabía, me tenía que tocar en algún momento. Fue más fácil.

vernos representados con nuestros propios personajes.

MW: ¿Qué está ocurriendo en esta tercera temporada?

N.W.: Qué no está ocurriendo...(Risas). Estoy muy ilusionada con esta temporada. Fue un conflicto gordo porque tenemos la original como guía y queríamos darle un toque de novedad para buscar la sorpresa casi con cada clip nuevo. Fue un conflicto ver hasta MW: Internamente cómo vais vivien- qué punto lo podíamos llevar. Donde tirar y do esas noticias... donde no tirar. Creo que cuando la gente de N.W.: Pues como si te contara tu amiga que un paso hacia atrás y ya tenga la temporada se ha liado con un chico en una discoteca. entera, va a poder volver a atrás, a los primeEs como un cotilleo más. Nos lo vamos com- ros capítulos y entender todo. Tengo ganas partiendo. Lo más guay del proceso es com- de que vean el viaje que da Nora. partirlo con todas.

MW: ¿Da vértigo cuando se ve que MW: ¿Qué hay de especial en Skam cada vez hay más público respaldanEspaña? Porque, con lo complicado do el proyecto? que es el mercado, a nivel internacio- N.W.: Da vértigo porque es un feedback nal, ha calado y está gustando muchí- que te llega muy inmediato. Es al segundo. simo.

Y Twitter e Instagram está vivo. Y las redes N.W.: Creo que mucho del reconocimiento sociales, ahora mismo, es lo máximo. Intenla tiene la original. Ya de por sí creó un fan- to mirarlo lo menos posible. Intento pensarlo dom y una magia. Y un hilo entre toda la con cabeza. gente que lo estaba viendo. Pero lo que hace especial a Skam Espñaa es que está todo MW: Dentro de un tiempo, cuando súper cuidado. Desde el minuto uno hasta eches la mirada atrás, ¿qué crees que el último segundo. Desde el mismo proceso te vas a llevar de Nora? de hablar con psicólogos para elegir las tra- N.W.: Me voy a llevar muchas cosas. Con mas de las que vamos a hablar. O nosotras Nora comparto muchos aspectos. Espero mismas para entender lo que le puede estar que de esta temporada se lleven que todo el pasando al personaje. Las redes están más mundo puede cometer errores, por muy percuidadas que casi el resto de los remakes. fecto o estable que parezca. Todo el mundo Nosotras le ponemos muchísimo amor. tiene una batalla interior que librar. Aunque no te la cuenten o no la sepas.

MW: ¿Cuánto de importante es que en una serie haya cinco chicas que son MW: ¿Con qué sueña Nicole a nivel las protagonistas por ellas mismas? profesional?

N.W.: Creo que es una de las partes más im- N.W.: Me pillas justo en un momento súportantes que tiene Skam. Chicas a las que per conflictivo. De buena manera. Tengo les pasan cosas. A ellas. Hay que reflexionar un montón de puertas abiertas y no quiero sobre que le estemos dando importancia a cerrar ninguna. Por ahora me estoy centranque cinco chicas sean protagonistas porque do en terminar segundo de Bachillerato. Es debería estar normalizado. lo más importante. Sí que quiero seguir con mis estudios. Lo único que tengo claro por MW: ¿Ha sido importante para el pro- ahora. Me encantaría hacer películas y me yecto que vosotras fueseis anónimas? encantaría hacer series. Y todo lo que me ¿Ha sido más real para el público? salga es más que bienvenido. También estoy N.W.: Yo creo que sí. Y que tengamos la haciendo música que me encanta. Mi meta edad que tienen los personajes, que sepamos no es explotar ni volverme súper famosa, de lo que están hablando. Que podamos sino seguir siendo yo, poco a poco.

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Vestido - Cristina GarcĂ­a

CELIA MONEDER “LO QUE MÁS ME I M P O R TA E S AY U D A R A LA GENTE”

AYUDAR. A VECES SOLO SE TRATA DE ESO. DE EJERCER UNA FUNCIÓN MÁS ALLÁ DEL GUSTO PROPIO. TENER UN OBJETIVO HACIA AQUEL QUE NOS MIRA. EL REFERENTE DE QUE NO PASA NADA. QUE PUEDES SER QUIEN QUIERAS SER. COMO QUIERAS SER. QUE TIENES EL DERECHO A IR Y VENIR, SIN TENER QUE ECHAR LA MIRADA ATRÁS. SEA LA HORA DEL DÍA QUE SEA. PORQUE LA VIDA ES TUYA, NUESTRA. PORQUE TENER MÁS NO TE HACE MEJOR. Y TENER MENOS NO TE HACE INFERIOR. SER ES LO ÚNICO QUE IMPORTA. SER Y TENDER LA MANO. EMPATIZAR Y CALMAR LAS HERIDAS.

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“SKAM ES BÁSICAMENTE UNA SERIE QUE AYUDA” 124 - www.mewmagazine.es

MEW Magazine (MW): ¿Recuerdas esos primeros castings?

Celia Monedero (C.M.): Estaba en una escuela de interpretación en esa época. Ellos siempre nos avisaban de los castings. Entonces, me avisaron de un casting para una serie adolescente y no me dijeron más. Había que mandar un video y lo mandé. Me cogieron en ese casting y me mandaron más pruebas y pruebas. El último casting que hice fue con Hajar. Y me gustó tanto hacer el casting con ella...fue una conexión por parte de las dos. Y nada. Me llamaron y aquí estoy.

MW: ¿Qué sentiste cuando te llaman y te dicen que el personaje es tuyo?

C.M.: Es que no me lo creía.

Pensé...tu sueño hecho realidad. Siempre he querido ser actriz.

MW: ¿Cómo se vive cuando te dicen que en esta tercera temporada el cincuenta por ciento vas a ser tú?

C.M.: Al principio fue como... no me lo creo. Que te digan de la noche a la mañana que eres co-protagonista fue un sueño multiplicado por mil. Fue rarísimo porque no me lo esperaba. Porque además en ninguna de las demás versiones Viri ha tenido una temporada. Ser yo...representar algo muy importante, como es la crisis económica...es como...encima voy a poder ayudar más a la peña.

MW: ¿Qué pasa en esta tercera temporada para que el público haya crecido tanto?

C.M.: Creo que la gente ha ido descubriendo más la serie.

Creo que se van dando cuenta de todo lo necesario que es nuestra serie. Y se van sintiendo cada vez más comprendidos. Y la tercera temporada ha sido tan novedad...que haya co-protagonista... Yo lo vivo genial, orgullosa.

MW: ¿Cómo recuerdas tu primer día de rodaje?

C.M.: Estaba tensa. Con nervios y a la vez con ilusión. Unas ganas de darlo todo...y estar con gente que me encanta. De MW: ¿Es fundamental que Skam me llevo a las personas. en nuestra país haya una serie joven donde las proMW: ¿Cómo se vive ese tagonistas sean protagoproceso de venir del ano- nistas por ellas mismas? nimato hasta día de hoy?

C.M.: Es súper importante C.M.: Al principio lo llevé porque sirve para que las mumalamente. Que te empiecen a jeres nos sintamos súper emparar por la calle, que te pidan poderadas. Que sintamos que fotos...abruma. Porque además nosotras lo valemos. Nadie nos yo soy una chica anti redes so- puede decir lo contrario. Todaciales. Pero conforme pasa el vía hay aspectos que aun nos tiempo te vas acostumbrando, fallan. Pero que nadie nos quite te vas sintiendo orgullosa. Por- nuestras ganas de vivir. Poder que Skam es básicamente una salir por la calle sin tener mieserie que ayuda. do. Poder hacer lo que nos de la gana, cuando nos de la gana.

MW: Dentro de unos años, cuando eches la mirada atrás, ¿qué crees que te habrás llevado de Viri?

C.M.: De Viri no me puedo quedar con una sola cosa. Me quedo con sus ganas de luchar.

De seguir. De seguir adelante siempre. Es que es tan bonito el personaje... He aprendido muchísimo del personaje. Sus ganas de vivir. Su sonrisa ante todo. Me ha servido para saber lo que importa de verdad en la vida. Nadie te debe juzgar por lo que eres. No te tienes que avergonzar de nada.

MW: ¿Con qué sueña, a nivel profesional, Celia?

C.M.: Celia sueña con seguir en el mundo de la actuación.

Ya sea en cine, teatro o televisión. Pero, sobre todo, con hacer cosas que ayuden a la gente. Porque igual soy consciente que a lo mejor no puedo seguir actuando toda mi vida. Esta profesión es de altibajos. Entonces, estoy estudiando también psicología. Porque a mí lo que más me importa es ayudar a la gente. Y que la gente se sienta identificada con un personaje.

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H A J A R BROWN “TODO POR LO QUE LUCHO LO ESTOY PLASMANDO EN AMIRA”

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HAJAR TIENE ÁNGEL. ES DE ESAS PERSONAS QUE TE CONQUISTAN SIN ESPERARLO. CON SU NATURALIDAD Y HONESTIDAD. ES EL PUNTO DE LOCURA Y DE ESTABILIDAD PERFECTO. ES EL EJE DE LA LUCHA. DEL OBJETIVO CLARO. DEL HACER POR ALGO Y NO POR NADA.

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MEW Magazine (MW): Me gustaría saber si, a día de hoy, tras tres temporadas de Skam, de vez en cuanto, vuelves hacia atrás, hacia esos primeros castings...

Hajar Brown (H.B.): Sí, de hecho lo comentamos siempre entre nosotras. Añoramos los principios. Ese círculo. Esa piña.

No teníamos redes sociales. Éramos pequeñitos, anónimos. Añoramos mucho esa magia que teníamos entre nosotras. Y lo nerviosos que estábamos en los castings.

Parece que han pasado mil años pero solo han sido dos.

MW: Desde ese anonimato, en algún momento, ¿pensabais en un impacto como el que hay a día de hoy?

H.B.: De alguna forma lo veíamos venir.

Pero porque el proyecto está súper bien. Y cómo lo están tratando. Confiábamos en este proyecto. Pero para nada esta acogi-

da y estos resultados. Contábamos con ello pero no en esta magnitud.

MW: ¿Qué recuerdas de ese momento en el que te dijeron que ese personaje era tuyo?

H.B.: Cuando me dijeron que iba a ser Amira la de Skam España me vino la de Dios. Una llorera tremenda. No sabía lo que se me venía por delante.

Yo era súper fan de Skam la original y todos sus remakes. La original la he visto como trece veces. Tener el honor de ser Amira es lo más grande.

MW: ¿Hubo algún instante en el que sintieras que Amira podía ser para ti?

H.B.: La verdad es que el nivel estaba muy alto. Yo lo hacía por probar...por si cuela. Y, al final coló. Les he gustado (Risas). Estoy súper contenta la verdad.

MW: ¿Qué tiene Amira de especial?

H.B.: Es que Amira es un bebé. Me recuerda un poco a mi yo de los 16 años. Como Hajar le estoy dando a Amira lo que yo necesitaba en su momento. Por eso creo que es tan especial para mí.

MW: ¿Qué crees que Amira te está dando a ti?

H.B.: Es como revivir otra adolescencia. Me da una perspectiva de cómo podrían haber sido las cosas. Esas respuestas que buscaba en ese momento me las ha dado Amira ahora.

MW: ¿Cómo vivís ser, por fin, cinco chicas protagonistas absolutas sin la necesidad de jugar a ser la novia de, la hermana de, la hija de...?

H.B.: Ya era hora. El consumidor lo pide. Y que seamos nosotras como 'las pioneras' nos llena de orgullo. Nos llena de mucha responsabilidad también.

De mostrar y enseñar que valemos por lo que tenemos. Por el talento, por el esfuerzo y por el trabajo.

MW: ¿Dónde está la magia de Skam España para que haya conquistado al público a nivel internacional?

H.B.: Creo que la magia es la sencillez que tiene Skam España. Es el cariño con el que tratan los temas. La normalidad a ciertas cosas...la visibilidad a otras...

"Como Hajar le oa d n a d y o t s e o y e u q o l a Amir su n e a b a t i s e nec momento" MW: Han sabido plasmar bien la realidad de las nuevas generaciones...

H.B.: Mi humilde opinión es que sí.

Han hablado con psicólogos para tratar todo esto. Han hecho un montón de estudios con adolescentes.

MW: ¿Habéis notado más responsabilidad en esta recién estrenada temporada en comparación al inicio?

H.B.: Al inicio teníamos ese margen de si lo hacemos mal no pasa nada.

Ahora que llevamos dos, tres temporadas, ya es un poco la experiencia. Ya

vamos con otro objetivo. Con otras ganas y con otra madurez.

MW: ¿Qué está pasando con esta tercera temporada?

H.B.: Es una maravilla la tercera temporada. Es muy importante para que se tenga en cuenta la lucha que tenemos las mujeres. Porque, al final, la ficción es el reflejo de la sociedad. Se necesitaba tener una temporada así.

MW: ¿Da vértigo ese movimiento en masa que hay en redes?

H.B.: Yo es que no me lo espero. Y siempre me meto al hashtag a leer.

Pero nunca me espero que sea tendencia. O que vivan tanto la serie como hacemos nosotros.

MW: ¿Qué oportunidades te ha dado Skam España a nivel profesional?

H.B.: Yo, en general, soy muy ruidosa con mi lucha. Me ha dado un megáfono. Todo por lo que lucho lo estoy plasmando en Amira, en esta serie. Estoy mega satisfecha con eso.

MW: ¿Qué tiene de especial esta profesión, la de ser actriz?

H.B.: Sentimientos. Seas actor o cámara. Estés dentro o fuera.

MW: ¿Cómo se consigue equilibrar la propia energía con la energía del personaje?

H.B.: Yo lo llevo súper mal. He ido probando. He ido probando que me funciona y que no. He ido preguntando. Tengo a mis amigas que están igual que yo... Acabo de empezar, no sé cómo se hace. Pero si que es verdad que a veces vuelvo a mi casa súper Amira. O llego al rodaje súper Hajar y me tengo que bajar.

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, A L L E O D A V E L AL H E S E U Q L A T I JE V A Z I D N E R P A L " O Y O "TODO E D A V E L L E ME LO H

IRENE FERRERIRO 138 - www.mewmagazine.es

SER DEL COLECTIVO Y ADOLESCENTE, INGREDIENTES DE UN COCTEL EXPLOSIVO PARA EL CUAL NO HAY PREVIA PREPARACIÓN. LAS DUDAS Y LOS REFERENTES INEXISTENTES ABRUMAN SIN PREGUNTAS. Y SE VIAJA ENTRE CURVAS PELIGROSAS HASTA EL ENCUENTRO QUE NOS ABRACE. PORQUE VER QUE SER QUIEN ERES NO ES OPCIÓN ALGUNA PARA LA SEÑAL ES TAN ESTRICTAMENTE NECESARIO COMO EL AIRE PARA RESPIRAR. APRENDER, CAER Y VOLVER A SALTAR.

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MEW Magazine (MW): A día de hoy, ¿recuerdas esos primeros castings?

Irene Ferreiro (I.F.): Sí. De hecho, al primer casting, yo no quería ir porque había quedado con una amiga y mi madre me obligó. “O vas a este casting o te desapunto de la agencia y no vuelves a hacer nada más de teatro en tu vida” y yo “vale, joder, voy”. Y, al final, mira (Risas).

MW: ¿Qué sentiste cuando te dijeron que el papel de Cris era para ti?

I.F.: Me puse a llorar. De hecho me llamaron cuando estaba en clase. Salí un momento al pasillo y quedaban cinco minutos para acabar la clase y de repente salen mis amigas y me ven llorando y yo “todo bien chicas, no os preocupéis”.

mi caso.

MW: ¿Qué estás aprendiendo con Cris?

I.F.: Al haber tenido una temporada entera para conocerla, todo el aprendizaje vital que se ha llevado ella, me lo he llevado yo.

Creo que hemos crecido juntas.

MW: ¿Cómo viviste cuando en esa segunda temporada te comunicaron que Cris iba a ser la protagonista?

I.F.: Me quedé loquísima.

Me había muchísima ilusión. También da muchísimo miedo llevar el peso de una temporada entera, saliendo en todas las secuencias. Y explorando muchos más matices del personaje.

MW: ¿Sentís más resMW: ¿En algún momento sentiste ponsabilidad hacia el público con el que el papel de Cris podía ser tuyo? paso de las temporadas?

I.F.: Yo me sentía cómoda con el papel. I.F.: Sí. Porque también queremos darles Nunca tienes la certeza de que va a ser calidad. Hay más fans y son fans exigentes. tuyo. Y si la tienes...yo no la tenía, no era

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MW: ¿Cómo se digiere algo tan viral como 'Croana'? ¿Cómo se controla eso?

I.F.: No se controla. Ahí está la movida. Todo lo que ha pasado con Croana ha tenido una parte muy, muy, muy buena. Y también una parte muy mala. La parte buena es que creo que hemos ayudado a mucha gente. Mucha gente se ha sentido representada y visibilizada con nosotras. Y los que no se han sentido representados han podido ver lo que es la bisexualidad de cerca y dejar de tenerle tanto miedo.

Lo que es a mí, como Irene, la parte mala me la he comido enterita (Risas).

MW: ¿Se era consciente de la necesidad de visibilización?

I.F.: Sí, completamente. Yo como joven bisexual no he tenido referentes durante la época en la que he tenido que descubrir mi sexualidad. Creo que era súper importante tener chicas bisexuales, protagonistas en ficción y hacerlo desde un punto de vista no sexualizado MW: ¿Cómo se vive cuando se es partícipe en una serie que tiene 5 chicas protagonistas porque lo son por si mismas?

I.F.: Es muy guay. Siempre hemos dicho que Skam es una serie femenina y aunque, obviamente, la puede ver todo el mundo y espero que la vea todo el mundo, el target principal son las chicas jóvenes. Que les podamos ser útiles. Que se sientan cercanas.

MW: ¿Qué tiene de mágico Skam España?

I.F.: Lo hacemos todo con mucho cariño y con mucho amor y eso la gente lo ha tenido que notar. Espero. Aparte de ser nuestro primer proyecto grande, que lo hemos cogido con muchísima ilusión, también es algo que nos hacía mucha ilusión a todos.

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ALBA PLANAS

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“LOS ENDIOSAMIENTOS CREAN INSEGURIDADES EN UNA MISMA”

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EL EMPODERAMIENTO DE LA MUJER. AQUELLO QUE CUESTA PELEAR. DONDE LA TOXICIDAD QUEDA RELEGADA A UN TERCER PLANO PARA VIVIR. PORQUE RESPIRAR DESDE LA SERENIDAD NOS DA UNA VISIÓN MUCHO MÁS LIMPIA DE NUESTRO DÍA A DÍA. Y DE LA PROPIA. EL AMOR, LA CARICIA Y EL BÁLSAMO DE SABER QUE ES HORA DE SER TÚ, COMO TÚ. SIN ANOTACIONES DE QUIEN DEBERÍAS Y MUCHO MENOS DE QUIEN DEPENDERÍAS. PORQUE ES HORA DE BAILAR AL SON DE LAS DIRECTRICES QUE TE MARQUES SIN SOMBRAS DE NADIE. MEW Magazine (MW): ¿Recuerdas esos primeros castings?

Alba Planas (A.P.): Lo recuerdo. Además yo fui la que más chungo lo tuvo. La que más casting hice (Risas).

MW: ¿En algún momento del proceso creíste que era imposible llegar a Eva? A.P.: Más que imposible...me acojoné. Es como que siempre me suele pasar con las cosas nuevas.

MW: ¿Cómo es cuando se abre fuego y se es la primera protagonista en esa primera temporada?

A.P.: Lo disfruté mucho. Me arroparon muchísimo. Por esa parte lo vivi bastante tranquila. Lo vivi como un trabajo que estábamos creando todos juntos. Luego no he vivido tan diferente el resto de temporadas. Lo he vivido en días de rodaje porque he rodado menos.

MW: ¿Cómo vais viviendo, temporada a temporada, las novedades que van surgiendo?

A.P.: No nos enteramos todos a la vez. A Nicole en la tercera temporada le avisaron antes a ella. Igual con Irene y luego nos enteramos el resto. Por ejemplo, en la primera temporada, recibí guiones antes que el resto. Pero nos vamos chivando un poco (Risas). Que no se entere Bego.

Siempre nos hace mucha ilusión las noticias.

MW: ¿Qué hay de mágico en Skam España?

A.P.: A mí me sorprendió al ser una serie que está en una plataforma que únicamente tiene visibilidad en España.

Luego sí que ayuda Youtube. También ayuda mucho que haya otros remakes en otros países. Porque la mayoría de los fans internacionales se han visto todos los remakes. Es muy guay. Es muy de agradecer. Hace mucha ilusión que te vean en otros lugares que no sean España.

MW: ¿Cómo se digiere estar en una producción donde las cinco chicas son protagonistas por ellas mismas?

A.P.: Me siento súper agradecida de que mi primer proyecto más potente o con más peso haya sido así, una serie protagonizada por mujeres jóvenes. Encima dándonos una oportunidad porque teníamos muy poca experiencia. Es un mundo muy difícil para empezar. Y que apuesten por eso me parece que es muy, muy importante. Una vez hablaba con unos amigos y me decían que Skam era una serie para chicas porque la protagonizan chicas. Me di cuenta que, al final, las mujeres hemos estado acostumbradas a crecer con contenidos donde los protagonistas son hombres. Y tenemos la capacidad para empatizar. Porque empatizas con la persona. Pero muchos chicos, como no han tenido esa cultura, ven algo protagonizado por mujeres y creen que solo es para chicas. Por eso me parece muy útil que se de este producto.

MW: ¿Crees que resulta más sencillo empatizar o verse reflejado cuando el proyecto ha apostado por actrices, hasta ese momento anónimas?

A.P.: Algo que me parece tóxico de esta profesión es que el público endiosa a las figuras públicas. Entonces, cuando los ves tan arriba, es complicado que te veas reflajdo.

Entonces, que fuéramos nosotras, que somos personas desconocidas que en la serie salimos sin maquillar, con granos, llorando, …eso es muy guay para representar la realidad tal cual es. Los endiosamientos crean inseguridades en una misma.

Porque la realidad no es así.

MW: ¿Qué está pasando en esta tercera temporada que el 150 - www.mewmagazine.es

público está creciendo de forma bestial?

A.P.: No sé exactamente los datos pero el otro día me mandaron que la segunda temporada había duplicado a la primera en audiencia y la tercera había duplicado en audiencia a la segunda. Es súper guay que vaya creciendo poco a poco. Porque eso significa que están valorando el producto.

MW: Aún queda historia por delante pero, hasta día de hoy, ¿qué te llevarías de Eva? A.P.: Creo que el recorrido que hace en la primera temporada. Es el recorrido que hacen todos nuestros personajes que muestran un poco como el empoderamiento de la mujer. Cada una en su ámbito. Mi personaje más en la inseguridad de una relación tóxica. El bullying de alguna manera. En Cris, la bisexualidad... Y Nora y Viri pues ya veréis MW: En unas semanas llegas al teatro, ¿qué nos puedes contar de esta historia?

A.P.: Es un proyecto muy bonito. Se llama 'Sex Toy España' porque es una obra que ya se hizo en México. Y, ahora, esta es una co-producción mexicana y española. Son 6 monólogos de 6 mujeres. Algunos son ficción y otros son reales. Hemos escrito cada una el nuestro, con ayuda del dramaturgo, en un laboratorio precioso de investigación. Hablando de temas súper necesarios.

Estrenamos en Barcelona el 5 de Marzo.

MW: Y, ahora, a nivel profesional, ¿con qué sueña Alba?

A.P.: Con no dejar de disfrutar nunca de esto. Es una profesión que me emociona muchísimo. Que me siento muy afortunada de haber tenido la oportunidad en Skam España. Sueño con seguir viajando a través de la mente y de las emociones y los recuerdos de las personas.

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Situado muy cerca de la estación de Atocha, en Madrid, se encuentra SLEEP´N Atocha, un hotel que iguala a la perfección el espíritu vibrante de la ciudad. Las 2 Mercedes, estudio encargado del proyecto de interiorismo, lo definen como “un hotel de 80 habitaciones dirigido a un público joven, con una decoración divertida y flexible que se adapta a las distintas actividades de los huéspedes, manteniendo siempre un ambiente alegre e informal”.

Este oasis de color nace de la renovación de un hostal madrileño inaugurado en 1950. La arquitecta Mariana de Delás, buscó reorganizar este hostal de aspecto laberíntico para que cada habitación contara con un cuarto de baño. Además, incorporó una sala de estar en cada planta y diseñó habitaciones adaptadas a personas con movilidad reducida, añadiendo diseño, comodidad y frescura al establecimiento buscando siempre la mejor eficiencia energética.

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Su localización es inmejorable, en pleno Triángulo del Arte de Madrid, y recibe numerosos viajeros de alrededor del mundo. El confort, la modernidad y sostenibilidad, además de la optimización del espacio, han sido las principales metas a alcanzar por el equipo de arquitectos.

Compromiso green´n Destaca de SLEEP´N Atocha su compromiso “GREEN´N”, una política de responsabilidad social que se centra en tres ámbitos (medio ambiente, equipo humano y sociedad) y permite desarrollar el negocio de manera responsable con el entorno y la comunidad. SLEEP´N colabora con la ONG Reforesta, tanto para la formación medioambiental de los empleados, como en acciones de compensación de huella de carbono así como en campañas de plantación de árboles y recogida de basuras. En el 2019 han plantado más de 300 árboles.

Reconocimientos y Premios SLEEP´N ha obtenido durante 3 años consecutivos el certificado de excelencia de Tripadvisor, un premio por la renovación Sostenible de la Secretaría General de Turismo, dos premios STELA de la fundación Síndrome de Down y esta certificado por el sello medioambiental Travelife en la categoría “Gold”.

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E J A T R O REP L A I C E P S E

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'VERGÜENZA VERGÜENZA''

TIENE QUE VER MUCHO CON LA NATURALEZA DE NUESTRO PAÍS

HABLAMOS CON JAVIER GUTIÉRREZ Y MALENA ALTERIO, LOS PROTAGONISTAS DE LA FICCIÓN MÁS IRREVERENTE DE MOVISTAR+, JUSTO ANTES DEL ESTRENO DE UNA TERCERA TEMPORADA QUE SE ATREVE A DERRIBAR OTRA BARRERA UNIENDO DE FORMA FANTÁSTICA EL HUMOR DE SIEMPRE CON UN MISTERIO QUE NINGUNO DE NOSOTROS HUBIERA PREVISTO.

Es un placer hablar con Javier Gutiérrez y Malena Alterio de 'Vergüenza' porque da la sensación de que están tan enganchados y fascinados por esta ficción que protagonizan como el propio espectador. Por eso me siguen las bromas y las alusiones a lo que ya hemos visto, me tientan con lo que no había tenido oportunidad de ver y se animan a debatir entre ellos sobre las intenciones de una serie que, como dice Javier, “es muy de aquí”.

Mew Magazine (MW): ¿Cómo habéis abordado esta tercera temporada?

Malena Alterio (M.A.): El abordaje viene a ser siempre el mismo: con ilusión y con alegría. Es cierto que esta temporada plantea un giro bastante radical. En la primera temporada la vergüenza era a nivel de pareja y con el entorno; luego fueron padres y el entorno que sentía vergüenza ajena se amplió.

En esta ultima temporada todo se hace

muy público. Es como vivir la vergüenza particular a nivel público. Creo que es un giro bastante radical y hace que la vergüenza aumente. No es lo mismo sentir vergüenza de tu madre en una cena de familia que sentir vergüenza de tu marido a nivel nacional. Es bastante desastroso todo, pero creo que la serie continúa con su mismo estilo, su misma línea. Los personajes siguen siendo víctimas de sí mismos, con el ingrediente añadido de que hay un misterioso acontecimiento que mantendrá a la gente enchufada hasta el final, porque no sabemos qué ha pasado. Se convierte en medio thriller... bueno, medio no: entero. Es muy inteligente por parte de los autores y los directores.

Javier Gutiérrez (J.G.): Siempre intentas no repetirte, ofrecer algo que no tenga la sensación de que el público está viendo más de lo mismo, y llevas lo anecdótico exprimiéndolo hasta la extenuación. En ese sentido, en esta temporada, jugar con el thriller y con el suspense... que la comedia siempre esté presente, pero también haya un elemento casi de serie americana en cuanto al juicio público y no tan público que se hace del personaje de Jesús, por determinada acción que él comete al comienzo... Como actor encaras el proyecto desde otro lugar, porque sabes que le van a ocurrir cosas a los personajes que son insospechadas para el espectador y también para uno mismo, entonces uno tiene que trabajar desde otro lugar. En esta tercera temporada hay muertes incluso, cosa que no había pasado en las dos anteriores. Entonces la cosa se torna más peligrosa, inquietante, escabrosa, sin perder nunca la comedia.

MW: ¿Qué es lo más interesante que vamos a ver en vuestros personajes?

M.A.: Yo creo que los personajes se van adaptando a lo que les van aconteciendo, y hay algo muy especial que les va a pasar. La historia arranca con una cosa muy anecdótica que vista a ojos públicos es muy juzgada y se hace la bola muy grande, y esto va a afectar a toda la familia. Primero a Jesús, que lo intenta tapar, pero la bola es tan grande que no se puede... En fin, nos va arrastrando a todos. Los personajes siguen siendo los mismos, pero con lo que les va aconteciendo. No es que se vuelvan de otra manera sino que tratan de no caerse, de seguir viviendo, de sobrevivir.

J.G.: Si en las dos primeras temporadas el espectador no sabe si Jesús es consciente o no de sus acciones, porque a mí como espectador siempre me queda la duda de si sabe la magnitud de sus acciones, de lo que puede provocar, en esta temporada sí es consciente, pero a pesar de esa consciencia tira para adelante. Le da lo mismo quién se quede en el camino y cómo se quede, él tiene una idea y va con ella a muerte, hasta el final. En ese sentido sí hay un cambio en el personaje de Jesús. Cierto componente de egoísmo, de soberbia... Afloran de repente una serie de cosas en él, en su personalidad, que estaban ahí y que el publico las veía, pero en este caso se torna un personaje, en ese sentido, más consciente de sí mismo. Y a pesar de esa consciencia decide ser más Jesús que nunca. Sin perder esa cosa que me provoca mucha empatía con él, a pesar de que es un personaje difícil de empatizar: que es un pobre diablo. Es un tipo del que yo me apiado casi constantemente mas allá de lo que haga.

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MW: Hablando de provocar: cuando os ponéis delante de la cámara, ¿qué buscáis provocar en el espectador?

Además de que no vuelva a comer fuet, por ejemplo.

J.G.: (risas) Yo comí el otro día fuet.

M.A.: Mi intención a la hora de hacer alguna escena... no busco ningún resultado en la visión de lo que hago, sino asistir a lo que me exige el guion, las escenas que estamos contando, y luego la repercusión o lo que vaya a generar... eso es cuestión del espectador (risas).

J.G.: Sí, pero antes hablábamos una cosa... Nosotros somos muy osados a la hora de... tú ves una escena escrita, y nosotros como actores queremos ir mas allá. En ese sentido somos muy generosos con los personajes y muy comprometidos con la serie.

M.A.: Sí, pero no planteamos nada más. Dentro de lo que hay: lo ampliamos o proponemos algo.

J.G.: Te voy a poner un ejemplo, a ti que me has hablado del fuet. Cuando tuvimos que hacer la escena del fuet, los directores se resistían un poquito, era la ultima escena del día, estábamos ya cansados de toda la jornada... No querían pasar por la escena de puntillas, pero no sabían muy bien cómo plantearla a la hora de.... cómo hacemos esto, es delicado, no queremos que quede en una broma sino que realmente es el detonante de que estas dos personas puedan tener sexo, porque hay una disfunción erectil en mi personaje. Nosotros fuimos muy valientes a la hora de decir: vamos a plantear la escena y vamos a hacerla llegando hasta las últimas consecuencias, porque vosotros habéis escrito que el personaje se mete un fuet por el ano, y eso va a misa. Eso es así. Entonces hay que llegar a ver cómo este personaje gracias a Nuria se mete un fuet por el ano (risas). Y en ese sentido sí creo que somos muy audaces y muy comprometidos con el personaje.

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M.A.: Sí, pero no pensando en cómo va a repercutir.

MW: Me gustaría profundizar en esto, pero...

J.G.: Ten cuidado con lo de profundiJ.G.: Yo sí pienso en provocar más bo- zar hablando de esta serie... (risas). chorno y vergüenza en el espectador.

Porque sino... ¿Para qué?

MW: Mejor os hago una última pregunta a modo de resumen: ¿qué M.A.: No, claro, sí. Sí, sí... y yo en cam- creéis que le gusta al espectador de bio, no. Yo pienso en la escena, luego lo esta serie? que la gente piense... Obviamente hay M.A.: Que es incorrecta, que es irreveun punto cuando la lees que dices: esto rente, que es transgresora, que no hay es heavy. Pero cuando la hago trato de una serie igual, con este sentido del huolvidarme qué va a pasar. mor. Que trata el humor de una forma que yo no había visto en España hasta este momento. Se aborda de una forma muy seria, pero a la vez sin limites. Yo creo que a mí eso es lo que me engancha.

J.G.: Y porque es muy de aquí. Tiene que ver mucho con la naturaleza de nuestro país, y con señores y señoras muy reconocibles. Y yo creo que eso a la vez asusta, espanta, provoca rechazo, pero hay una fuerza que te lleva y que también hace que te asomes al abismo, que es esta comedia que tiene cosas transgresoras, pero sobre todo tan novedosas. Se hace muy buena ficción en nuestro país, muy buenas comedias, pero faltaba algo como 'Vergüenza'. Y creo que al hilo de 'Vergüenza'... No J.G.: Fíjate que yo... soy muy seguidor es que hayamos cambiado el tipo de de la serie y siempre me pongo en el humor, ni mucho menos, pero sí hay lado del espectador, en el sofá. Igual me un punto de traspasar ciertos limites equivoco, pero sí me gusta pensar en que sientan un precedente a la hora de qué le puedo dar al espectador. No me que haya cadenas o productoras que se pasa en otros trabajos, pero en este sí. atrevan a hacer un humor más transPor ejemplo, hay una escena de sexo en gresor. esta tercera temporada, que no has visto todavía, muy subida de tono y muy...

Va a tener unas consecuencias muy importantes en la relación de Nuria y Jesús. Y yo haciéndola quería ir mas allá de lo que había. Y de hecho hemos ido mas allá. Una cosa es lo que está escrito en el papel y otra cosa es lo que está puesto en pie, que verá el espectador, por esas ganas de darle más, de echar más manteca, de echar más leña al fuego. Porque esta serie es eso. Tú querías dos tazas, pues te vamos a dar cinco (risas).

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"ES LA TEMPORADA QUE QUIERO VER

HABLAMOS CON JAVIER GUTIÉRREZ Y MALENA ALTERIO, LOS PROTAGONISTAS DE LA FICCIÓN MÁS IRREVERENTE DE MOVISTAR+, JUSTO ANTES DEL ESTRENO DE UNA TERCERA TEMPORADA QUE SE ATREVE A DERRIBAR OTRA BARRERA UNIENDO DE FORMA FANTÁSTICA EL HUMOR DE SIEMPRE CON UN MISTERIO QUE NINGUNO DE NOSOTROS HUBIERA PREVISTO.

La tercera temporada de 'Vergüenza' es diferente a las anteriores. Lo sabrán los espectadores desde los primeros instantes, así como sus creadores lo tuvieron claro desde el principio.

'Vergüenza' no pierde la capacidad de

provocar esto mismo, ni se aleja de la comedia, pero se acerca al thriller. No es sencillo construir una temporada de una ficción ya asentada en torno a dos polos que pueden llegar a verse como opuestos, así que teníamos muchas ganas de saber cómo pasó todo.

Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero nos han desvelado un poco más de este proceso de creación y de la evolución pretendida (y conseguida) en la ficción.

Mew Magazine (MW): Esta tercera temporada comienza con un hecho muy concreto de Jesús, ¿qué es lo que queríais a contar a grandes rasgos en esta nueva entrega?

Juan Cavestany (J.C.): Más que temas, es un argumento. Queríamos empezar con un episodio en el que Jesús hace el ridículo delante de toda España y todo el mundo le ve, y todo el mundo le persigue por la calle y le reprocha el ser como es él. Queríamos empezar con eso y que eso nos llevara a otra cosa, que sería una trama en la que por su sentimiento extremo de vergüenza fuera capaz de llegar a algo muy difícil, a lo último. Eso es lo que nos planteamos, y entonces nos pusimos a trabajar, a escribir. Y nos costó bastante. Era muy apetecible, porque eran como dos historias; aproximadamente cubren tres episodios cada una de estas cosas.

Y son dos cosas como muy apetecibles de contar, pero nos costó bastante en la escritura pasar de una cosa a la otra. ¿Cómo pasas de uno que se ha hecho conocido, famoso, por dar vergüenza a todo el mundo, a esa otra parte de thriller? Nos costó bastante en la escritura, pero al final creo que lo dejamos bien compuesto.

vais desarrollando la trama? Álvaro Fernández (A.F.): El argumento. Normalmente empezamos a pensar en general, hacia dónde va la temporada. La primera es tan longeva que desde que empezamos a pensarla hasta que salió ya ni me acuerdo, la dos y la tres sí lo tengo más claro. “Esta va de esto, este es el tono”, y luego vamos trufándolo de situaciones vergonzosas.

J.C.: Es verdad que la primera era más una colección de situaciones que nosotros teníamos acumuladas en un cajón y que fuimos articulando para darle forma de argumento, pero ese camino nos costó. Nos dimos cuenta de que eso nos costaba, entonces la dos y la tres empezamos a trabajarlas desde el argumento. Es decir, pensando qué queremos contar en cuanto a trama, en cuanto a argumento, y hacia dónde queremos ir, hacia qué resolución queremos ir. Eso ha hecho que la serie sobreviva más allá de la ocurrencia y tenga una entidad dramática. Es una historia de personajes a los que te quieres creer, entonces los hemos tratado con cariño y con cierto rigor a la hora de contar su devenir, y eso es lo que hace que haya funcionado. A la vez, me da mucha envidia cuando... Siempre hablamos de Larry David, que fue lo que nos inspiró hace años a esto. Ahora mismo no es la serie más de moda o más moderna, pero siempre está ahí, él siempre hace lo mismo, temporada tras temporada, las mismas situaciones, los mismos conflictos con la gente, pero a la vez distinto, a la vez nuevo, no se le acaban nunca las ideas. A mí eso me da muchísima envidia. 'Vergüenza' podría haber sido una colección de cagadas de Jesús, más, y más, y más, pero no nos salían más.

MW: En este sentido siempre he tenido una duda: ¿se os ocurre primero el argumento y a partir de ahí desa- A.F.: Y aunque nos salieran más, rrolláis las situaciones vergonzosas, o ¿cómo las sostienes? Me parece muy a partir de una situación vergonzosa difícil. Igual sí podría ser, no lo sé, la

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ciales, su poder, la viralidad, el hacer famoso a alguien a lo tonto... ¿Queríais dejar algún mensaje con esto MW: Y este cambio narrativo en el para que lo viera el espectador y penque habéis introducido el misterio, sara a lo mejor damos un poco de verde una forma muy concreta, ¿se debe güenza también como sociedad? a que queríais dar un giro a la serie?

A.F.: Sí, es que nos hemos encontrado A.F.: Claro, queríamos seguir explo- con que ahora el foco de la vergüenza rando diferentes maneras de contar está ahí, nos ha llamado (risas). Todo esta misma historia. Esto surgió de for- lo que ocurre con Internet y las redes ma como muy espontánea. Me acuer- sociales es tremendo, o algunas de las do perfectamente de un mail que me cosas que ocurren. Es tremendo la vermandó Juan con el esbozo de lo que ha güenza que te puede dar, y sobre todo sido al final la idea de la serie, y desde ese sentimiento que todos hemos lleel principio vimos que era un winner gado a sentir de estar mandando algo total. Esperemos que lo sea. Así como y arrepentirte al instante. Esa cosa de la primera y la segunda temporada las una autovergüenza sin testigos es tresorpresas son en torno a ver a dónde va menda, es una cosa novedosa, no exisa llegar Jesús, en este caso la sorpresa tía antes. Puedes pasar vergüenza sin está en la estructura, lo que creo que que nadie te esté mirando. es más ambicioso. La empiezas viendo con unas expectativas que creo que no se van a defraudar nunca... Quiero decir, el primer plano casi es Jesús cagando, y eso es verdad que nos va llevando hacia otro sitio, pero nunca te olvidas de ese humor. Pero de un capítulo a otro te va sorprendiendo hacia donde te va llevando. La historia se acerca a un género como el thriller, o el policíaco, sin abandonar la comedia. verdad. Nos vamos a quedar con la duda (risas).

J.C.: Claro, hasta ahora hemos estado tirando mucho de la idea de hacerlo pasar mal al espectador, de provocar vergüenza ajena en el espectador que lo está viendo, de esa experiencia de estar disfrutando de una comedia y a la vez pasarlo mal. Ahora... Yo creo que no hemos traicionado eso, eso es lo que ha formado la serie y creemos que lo sigue teniendo, pero en este caso la mirada está más en la vergüenza del propio Jesús. Jesús es el que lo pasa mal, es quien es objeto de la mirada de todo un país, y es el que va a sufrir una grandísima vergüenza que le va a hacer enfrentarse a su último reto. El ojo está más puesto en eso, por lo tanto el conflicto está más en el personaje que en el que lo está viendo.

"es la temporada que la gente va a devorar más rápido"

J.C.: Este es un tema que no está en la tercera temporada, pero que es muy importante. Yo me fui de Twitter en parte por eso, porque me daba yo a mí mismo vergüenza de decir “ay, quiero poner esto”, y lo ponías y decías... ¿Por qué he puesto yo esto? Y luego a la vez quieres que lo lean, pero no. Pero bueno, más que hacer ninguna afirmación o reflexión sobre la era de las redes, que mucha gente sabe más que nosotros y está muy contado, yo creo que está ahí el tema de Internet por lo que decía Álvaro antes: porque ahora los mayores ejemplos o episodios de dar vergüenza los comete la gente que se expone en Internet.

MW: En esta temporada también hay MW: Por otro lado, recuerdo que un foco muy claro hacia las redes so- hace tiempo un amigo me dijo que

una de las cosas que más le gusta de 'Vergüenza' es que le hace pensar que todos pasamos vergüenza y que no pasa nada, que está bien, que así es el ser humano.

A.F.: Mira, puede ser terapéutica (risas).

MW: ¿Pretendéis lanzar vosotros este mensaje o es algo que ya cada uno tiene que tener en la cabeza?

J.C.: Yo sí que pienso que ya no tengo tanta vergüenza como tenía antes. A lo mejor ha sido terapéutico para mí, o que simplemente me he hecho mayor. Yo he sido muy vergonzoso, muy pudoroso con ciertos temas, y ahora ya no.

A.F.: Yo he descubierto una cosa tremenda al pensar en la serie y al hacerla: me he dado cuenta de que mi vergüenza viene claramente de mi padre. He visto a mi padre, he recordado lo que era mi padre, porque ha sufrido lo indecible por una vergüenza tremenda que le daba todo. Lo he visto claro al hacer la serie.

MW: Por concluir de alguna manera, ¿qué es lo que más os gusta a vosotros, personalmente, de esta tercera temporada?

A.F.: Lo que más me llevo es la evolución que tiene. Estoy muy orgulloso de que hayamos conseguido que cada capítulo sea mejor que el anterior. Sube y sube, y pasan cosas nuevas. Es un trabajo bastante complicado y creo que está conseguido.

J.G.: Sí, yo también creo que es eso.

Creo que es la capacidad que tiene de enganche, de disfrute, de expectativa constante, creo que esa es la clave de la tercera temporada. La dinámica de enganche, de querer seguir. Creo que es la temporada que la gente va a devorar más rápido. Y como nota adjunta: yo es la que quiero ver. La quiero ver. Después de haberlas terminado, la primera y la segunda no necesitaba verlas, y esta la quiero ver.

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CRÍTICAS

‘Mythic Quest: Raven’s Banquet’, la actualización definitiva

Rosa S.

A

pple TV+ estrena este 7 de febrero ‘Mythic Quest: Raven’s Banquet’, una comedia que nos sumerge de lleno en el mundo de los videojuegos -el real- y en los muchos absurdos que se dan dentro del mismo.

Continúa la andadura de Apple en el mercado de las plataformas de contenido audiovisual. Sus primeros pasos han sido firmes, algunos de ellos con más éxito que otros, pero parece que el gigante de la manzana sabe lo que hace y tiene claro que quiere cubrir al máximo público posible.

Ha pensado en los más jóvenes, en los que buscan series profundas y conectadas con la actualidad, en los amantes del thriller, así como en los de las historias amables. Y, para sorpresa de muchos, también se ha acordado de los amantes de los videojuegos con ‘Mythic Quest: Raven’s Banquet’.

Esta comedia de 9 episodios nos introduce de manera abrupta en el aún desconocido mundo de los videojuegos.

Todos los hemos probado e incluso muchos han apostado por investigar acerca de ellos a fondo, pero siguen estando muy lejos de nosotros. De

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ahí que una de las principales virtudes de esta original serie sea precisamente representar este micro-universo con acierto y sin optar por una glamourización que no habría llevado a ningún sitio. El equipo de programadores que la protagoniza está compuesto por personajes ficticios, pero lo cierto es que podrían tener rostros y nombres reales.

Los egos, las discusiones, los deseos y las absurdas situaciones que se dan entre ellos coincidiendo con el lanzamiento de una nueva expansión del juego original representan la realidad de un mundo que genera millones de dólares y también millones de sueños. ‘Mythic Quest: Raven’s Banquet’ nos permite, entre risas, desvirtualizar todo aquello que siempre hemos imaginado sin alcanzar a imaginarlo realmente y nos acerca al auténtico ‘making off’.

Todo ello con la importante presencia de la comedia, que baña absolutamente todas las escenas de la serie. Aunque en ella se presentan temas que sin duda pueden provocar diferentes reflexiones en

el espectador -de hecho, esto ocurre continuamente, capítulo tras capítulo-, en ningún momento se sacrifican las carcajadas. Los personajes, odiosos y atractivos a partes iguales, son tan cómicos como las situaciones que protagonizan y nos llevan de la mano por una historia que se divide en 9 capítulos de media hora, pero que en realidad dura un suspiro. ¿Es entonces una serie para los amantes de los videojuegos? Sin duda, pero también puede funcionar para quienes no nos sentimos enormemente atraídos por este universo.

Cuesta más entrar y conectar con lo que vemos en la pantalla, eso es cierto, pero el humor es el encargado de provocar la primera conexión -quizá la más importante-, que crece y se fortalece conforme vamos olvidándonos de la carcasa y nos zambullimos en el complejo interior de los protagonistas, mucho más que el prototipo cómico que creemos encontrarnos en el primer episodio.

Tercera temporada de 'Vergüenza': como siempre, pero diferente

Judith T.

L

a tercera temporada de 'Vergüenza' lleva a sus personajes al extremo, nos hace taparnos la cara en varias ocasiones y el contexto no puede ser más actual. ¡Ah!, y ahora es también un thriller.

'Vergüenza' ha conseguido que un tipo de humor casi incómodo se haya consolidado en tres temporadas fantásticas, cada una con una razón de ser. Siguiendo una misma estela, pero con unas intenciones y un camino diferenciado. Tiene mucho mérito, sobre todo cuando pensamos que es una ficción que se basa en el comportamiento de unos personajes que ni siquiera sufren grandes estímulos externos. 'Vergüenza' va del día a día, de la rutina, de las vidas corrientes, pero está pensada y plasmada con tan buen hacer que nunca se nos abre la boca con desgana. 'Vergüenza' es provocadora, alborotadora y emocionante en más de un sentido. Esto es algo que pensaba antes de la tercera entrega; no podía imaginar que mi entusiasmo se iba a multiplicar con un giro radical a la hora de hacer las cosas.

La tercera temporada de 'Vergüenza' comienza con un acontecimiento muy concreto que va a llevar la vergüenza de Jesús (Javier Gutiérrez) a un plano público, consiguiendo que toda

su familia, con Nuria (Malena Alterio) a la cabeza, lo sufra con él. El espectador creerá entonces que va a disfrutar (o sufrir desde la vergüenza ajena) de una temporada que girará en torno a la fuerza de Internet, los contenidos virales y los juicios públicos que se vienen celebrando desde hace tiempo en nuestra sociedad, y así es. 'Vergüenza' expone el paso de lo íntimo a lo público, con todo lo que eso conlleva, y con un personaje principal decidido a llevar sus convicciones hasta las últimas consecuencias. Lo que siempre hemos tenido en 'Vergüenza', esa necesidad de cubrirnos la cara con una mano que mantenemos en realidad abierta para seguir viendo, está presente y cuidado.

'Vergüenza' sigue siendo 'Vergüenza', pero es también algo más.

terio que nos acompaña hasta el final, a través de un emocionante interrogatorio con personajes secundarios que se enreda con la narración de la historia protagonizada por Jesús gracias a un montaje también muy cuidado.

Ese misterio apunta directamente al hecho con el que arranca la temporada, al propio Jesús, y nos habla de un fallecimiento. Por si no hubiera suficientes razones para engancharse a 'Vergüenza', con mucho la ficción que más me ha hecho disfrutar en los últimos años, ahora también es un elegante y divertido thriller. Y esta es una tercera temporada fantástica, que llega el próximo 14 de febrero a Movistar+.

Porque cuando el espectador menos lo espera aparece un mis MEW - 161

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Historia f iccionada TEXTO ALEX

DELGADO

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El tiempo pasa y buen ejemplo de ello es el cambio que se produce en la sociedad. La historia está en una constante evolución en la que en ocasiones no se produce los cambios deseados e incluso se involuciona, pero este tipo de acontecimientos son uno de los rasgos característicos de la sociedad.

La aparición de la radio supuso un cambio inmenso en la población y fue una de las primeras veces en las que se pudo ver el cambio y la influencia que tenia el medio de comunicación auditivo en la sociedad. El caso más evidente fue el caso de “La guerra de los mundos” (1934) de Orson Welles en Estados Unidos. Era una simple narración pero el poder la radio quedó evidenciado en la sociedad. El temor estaba propagándose por las ondas pero en el fondo lo que se estaba haciendo era transmitir una sensación generalizada en la sociedad estadounidense ante lo desconocido.

La ficción española ha evolucionado y se arriesga con formatos que facilitan la comprensión de la historia gracias a las series pero todavía les queda un largo recorrido.

La pequeña pantalla llegó varios años más tarde a sus vidas y desde ese instante quedó plasmado y evidenciado que tenían una función socializadora y de elemento de cambio más que importante. Sin embargo, en España no fue hasta la transición cuando se comenzó a hacer formatos transgresores, como “La bola de cristal” o “La edad de Oro”, y que representaban las inquietudes de una sociedad que quería aprender y formar parte de un hecho histórico.

LA HISTORIA TELEVISADA Si a alguien le preguntan por un canal en abierto que ofrezca contenido divulgativo que sea apto para todos los públicos y que repase la historia de un país, estado o continente automática164 - www.mewmagazine.es

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mente su cerebro piensa en La2.

La segunda cadena de la televisión pública española ofrece un contenido variado, multicultural y sobre todo innovador. Formatos como “Orbita Laika” o el mítico “Documentos TV” repasan las inquietudes de una generación y sociedad con más ansias de ser escuchada y formar parte de este cambio histórico.

La televisión educa aunque en los últimos años se está apostando por contenidos Low Cost prefabricados. Es en este aspecto en el cual las series revolucionan el mercado, ofreciendo un contenido pedagógico distinto al habitual. No obstante, es la televisión pública la que va un paso adelantado, siendo varios los formatos que han llevado a la pequeña pantalla, algunos de los cuales llevan ya varias temporadas.

Una de esas series es “Isabel”, en la que una inmensa Michelle Jenner se ponía en la piel de Isabel La Católica. La trama es complicada pero gracias a los guiones se convierte en ágil y fácil de comprender. Sin embargo, los diálogos parecen impostados, no están en una argot de la época, han querido conectar tanto con la audiencia que han olvidado que la esencia de la serie es hacer llegar al espectador las características históricas. No se deben conformar con personajes históricos. Pese a eso, la historia está bien vertebrada, respetan todos los acontecimientos históricos y acerca al espectador los elementos básicos para comprender la historia.

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TELEVISIÓN ESPAÑOLA: LA REFERENCIA Hablar de RTVE es hablar de la historia televisada por antonomasia.

Un claro referente es “Cuéntame cómo pasó”. La ficción del grupo Ganga ha sido el claro ejemplo de cómo representar la historia en la pequeña pasada. Con más de 20 temporadas, la familia Alcántara se ha hecho con un hueco en las casas de los españoles y han convertido los jueves en el día de la familia. Su viaje va desde los últimos años del franquismo y han sabido gestionar a la perfección la trama.

La serie evoluciona conforme a la historia y no tienen ningún tipo de reparo con tal de acercar esos momentos más escatológicos a la población. Lo hacen con una veracidad increíble y lo mejor es que han sabido representar a la familia tradicional española, con sus más y con sus menos.

Otra de las ficciones de RTVE que se ha hecho con un espacio importante en la programación es “El Ministerio del Tiempo”. Partía con una premisa: una organización que trabaja conjunta para evitar que personajes del pasado viajen al presente y cambien la historia tal y como se la conoce. Con esto, lo que logran es que con una trama verídica ficcionada se eduque.

Es decir, acerca al público personajes históricos de la talla de Isabel II, Lope de Vega o el Lazarillo de Tormes.

En España hay otras ficciones que también han tratado la temática histórica, como pueden ser “Hispania”, “La catedral del mar” en Antena 3 o “La Peste” y “Arde Madrid” en Movistar +. Es justamente esta última la que va un paso más allá y representa a la perfección l sociedad española de la época.

Con la premisa de la visita de Ava Gardner a Madrid, intentan adentrarnos en el mundo femenino en medio del auge franquista.

Estos solo son unos ejemplos más de la profundidad narrativa ficcionada de la televisión en España.

Sin embargo, deberían arriesgar más en las series y adentrarse en la historia como tal. La televisión debe educar, ya sea pública o privada, debe acercarnos a un mundo conocido pero enseñado de manera densa. Tiene que favorecer la educación y comprensión. Las series buscan la interacción con el espectador. En ese punto reside el éxito de estos formatos, que pese a tener una trama irreal, juegan con esa premisa y a la vez favorece la cultura, porque al final, nuestra historia está para conocerla y no cometer errores del pasado.

l e d e i r e s La mes

-- ‘NÉBOA’ -Y LA PRIMERA BATALLA GANADA por Judith Torquemada LA NUEVA FICCIÓN DE TVE NOS HA CONVENCIDO EN SU ESTRENO... PERO PODRÍA NO HABERLO HECHO, Y AUN ASÍ SEGUIRÍA SIENDO NUESTRA SERIE DEL MES. EN UN MOMENTO EN QUE NOS APETECE MUCHO QUE NOS HAGAN CREER QUE CUALQUIER COSA ES POSIBLE, 'NÉBOA' LLEGA CON SU NIEBLA GALLEGA DE LA QUE LLEVAMOS HABLANDO SEMANAS. No ha sido fácil elegir protagonista para este serie del mes. Hemos tenido largas conversaciones y acalorados debates en torno a varios títulos que han tenido que ceder, como nosotras hemos tenido que rendirnos, ante la evidencia: llevamos hablando de 'Néboa' muchas semanas. Mucho antes de su estreno en TVE, estábamos hablando de 'Néboa'. Independientemente del resultado final, sin importar qué pensemos de esta apuesta de ficción cuando lleguemos a su último episodio, 'Néboa' ha ganado esta batalla. No descartamos que sus contrincantes 168 - www.mewmagazine.es

(cuya identidad nos reservamos) tengan una oportunidad futura.

'Néboa' nos traslada a una pequeña (e imaginaria) isla gallega; durante esos acalorados debates y esas largas conversaciones, hemos sido capaces de dejar al margen la efervescente pasión que despierta en nosotras (suponemos que en cualquiera) Galicia y sus paisajes, pero todavía no sé cómo. En este lugar de ensueño, Néboa, una joven es asesinada durante la primera noche de celebración de los carnavales. El espectador comprende algo en seguida: la víctima conocía a su asesino, como todos los demás personajes. Tardamos un poco más en saber datos de igual importancia. Por ejemplo, que el responsable del crimen deja una marca que provoca que sus habitantes y la Guardia Civil retrocedan en el tiempo: hace más de cien años se cometieron cinco asesinatos semejantes, que tuvieron una nueva réplica

en 1989.

La ficción está protagonizada por Emma Suárez, que da vida a Mónica, una inspectora que llega a la isla, junto a su hija, resuelta a hallar al culpable. Mónica no sospecha que todo es más retorcido de lo que puede parecer en un principio. Encontrará ayuda en varios de los habitantes de Néboa, entre los que destaca Carmela (Isabel Naveira), también investigadora, con una implicación directa con el caso que solo comprenderemos una vez que empecemos a bucear en el pasado, y nos abramos a considerar la posibilidad de que un ser sobrenatural ande suelto.

'Néboa' llegó a nuestras pantallas el pasado 15 de enero. Podéis echar cuentas: no hemos visto muchos episodios. No importa. Es nuestra serie del mes porque, como he dicho unas líneas más arriba, llevábamos hablando de ella semanas; con cada adelanto de TVE, con cada pequeño detalle que el equipo iba conociendo, nuestra expectación crecía. Y nos decíamos las unas a las otras que teníamos ganas, y que tenía buena pinta. 'Néboa' captó nuestra atención con imágenes inquietantes, oscuras; nacidas en la niebla, en las hogueras, en un escenario que en seguida nos condujo al misterio. ¡Néboa' captó nuestra atención con esa máscara que lleva como símbolo. El primer episodio confirmó nuestras buenas sensaciones; buen ritmo, buena narración, buen guion, buen reparto. No parece ser una ficción que vaya a apostar por la incoherencia o los acontecimientos precipitados, así que tiene nuestra confianza en este sentido y tras haber visto los episodios ya emitidos sigue teniendo nuestra atención.

Aunque nadie ha llegado a ser condenado por estos asesinatos que se vienen repitiendo desde hace un siglo, todos sus habitantes le han puesto un nombre al responsable: el Urco. El Urco, un monstruo, un hombre con cabeza de lobo que sale del mar rodeado de cadenas para llevarse a los vivos. ¿Es este ser mitológico que podría haber vivido un siglo el responsable de los crímenes o es un hombre corriente que pasa su testi- Lo más interesante de 'Néboa' lo encontramos cuango a otra generación para que continúe sus primeras do la ficción se decide a poner distancia entre ella y otras del mismo género; por lo que hemos visto hasobras? ta ahora, terminará de convencernos si se anima a MEW - 169

acercarse a 'Luna, el misterio de Calenda' (sí, he dicho 'Luna, el misterio de Calenda') para alejarse de otras como 'Hierro'. Me explico: queremos más mitología. En un momento en que estamos entregados a desenterrar, disfrutar, comprender y valorar las antiguas creencias de un lugar, como se ha demostrado con el éxito literario de la trilogía del Baztán de Dolores Redondo o la trilogía de la Ciudad Blanca de Eva García Sáenz de Urturi, eso es lo que queremos. Queremos al Urco. Queremos que los habitantes lo teman, que nos cuenten más cosas de su origen, naturaleza y objetivos, que actúen considerando la posibilidad de que sea real. Queremos creer que es real. Queremos que 'Néboa', con su niebla, sus paisajes gallegos y sus creencias, nos haga pensar que todo es posible.

Incluso aunque no lo sea. No nos importa si termina siendo 170 - www.mewmagazine.es

de expectación, podemos decir que ha cumplido con el primer objetivo: no defraudarnos con su estreno. Esperábamos algo parecido a lo que hemos visto, y aquello que no esperábamos, pero que está, también nos ha gustado. Suficiente para mantener con atención esta oportunidad que hemos querido darle a la nueva ficción de TVE que, como ya he dicho, puede funcionar. Para quien busque un thriller templado encuadrado en unos paisajes asombrosos, con un abanico de personajes que se mueve en una escala de grises y con más secretos por desentrañar de los que nos anuncia la sinopsis. También para aquellos que, como yo, valoran las ficciones que consiguen que su imaginación eche a volar y que están deseando perderse por una isla gallega aislada del resto del aburrido mundo donde no nos permitimos creer que seEn cualquier caso: 'Néboa' puede res como el Urco sean reales. funcionar. Después de semanas un thriller clásico mientras mantenga esta estética inquietante y juegue con nosotros en ese sentido; quedándonos con ese género, además, en los últimos años se han desarrollado buenas series en esta linea, y el último ejemplo de TVE, 'Malaka', nos tiene también ganadas. Tampoco nos importa (demasiado) que se haya empezado a recurrir pronto a tramas muy trilladas, porque también en éstas hemos advertido un tono diferente. Supongo que por la propia naturaleza de Galicia, y por ese primer episodio que quizá sin pretenderlo con tanta fuerza nos introdujo en una especie de universo paralelo donde los humanos cohabitan con los monstruos. A lo mejor tiene que ver con mi gusto personal, y con que siempre estoy dispuesta a creer en estas cosas por el mero disfrute.

FENÓMENOS DE SERIES

‘EL INTERNADO’ REABRE SUS PUERTAS por Rosa Suria

Diez años después de que el Internado laguna negra colapsara de manera definitiva, la serie de éxito de atresmedia regresa, ahora de la mano de amazon prime video. Renace el fenómeno, con nuevas historias pero la misma esencia.

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Marcos y Paula llegaron al Internado Laguna Negra después de la fatídica desaparición de sus padres. Allí se encontraron con una serie de adolescentes conflictivos y con un hogar al que tardaron en acostumbrarse. Demasiada oscuridad en los pasillos y demasiados secretos en las miradas generaron en seguida cierta desconfianza en ellos, pero la presencia de almas únicas como la de Héctor de la Vega terminó abrazándoles, igual que lo hizo con nosotros, los espectadores. A decir verdad, nuestra conexión con ese tenebroso internado se produjo casi de manera inmediata, en cuanto nos adentramos en el bosque y nos topamos con el antiguo edificio de piedra. Era imposible no sentirse atraído por el enorme magnetismo que desprendía ese lugar y que, también en seguida, desprendería su his-

toria.

Ahora, diez años después de la emisión de su último episodio y de que se resolvieran todos los misterios que rodeaban a ese lugar, ‘El Internado’ renace con un reboot que podremos disfrutar en Amazon Prime Video. En esta era, en la que es tendencia recuperar historias ya conocidas y traerlas a la actualidad en forma de nuevas versiones, este fenómeno televisivo español no podía quedarse en el cajón.

Y aunque no se va a retomar la historia inicial, puesto que quedó completamente cerrada, y no vamos a regresar a Laguna Negra como tal, la esencia de la serie va a ser el eje en torno al que se construya esta nueva versión. Una vez más, viajaremos hasta un internado ubicado en una zona inaccesible de montaña. Allí nos encontraremos con decenas de adolescentes, también problemáticos, y con muchos misterios por resolver. Tal y como han co

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¿Por qué? En este caso la respuesta no es difícil de encontrar. Sencillamente, ‘El Internado’ tenía absolutamente todos los ingredientes necesarios para convertirse en fenómeno. No es la mejor serie Renace así el fenómeno, ese que reunía que se ha hecho en España, desde luego, a millones de espectadores frente al te- pero tampoco necesitaba serlo. Tenía levisor semana tras semana, durante un el misterio como columna vertebral y total de siete temporadas. Marcos, Ca- éste llegaba acompañado de romance, rol, Iván y Vicky darán paso a nuevos historia, un importante componente personajes, con nuevas historias, pero social y la típica trama adolescente que con la misma espina dorsal. Se recupe- siempre atrapa. Estos jóvenes tenían un ra así una serie que hizo historia a ni- importante espacio en la serie, un espavel nacional y que aún es recordada y cio protagonista, pero los adultos tamseguida por miles de personas, que no bién lo tenían y no eran simplificados al terminaron de marcharse del Internado tópico. Aunque todo girara en torno al misterio y al thriller, también teníamos Laguna Negra. un importante estudio del ser humano y de la sociedad del momento, así como TODO LO QUE NECESITA de las consecuencias de la ausencia de UNA SERIE PARA SER UN cariño y atención en las edades más FENÓMENO tempranas, por poner un ejemplo. mentado los responsables, volveremos a tener los ingredientes que tuvimos en ‘El Internado’, pero con mayores dosis de terror.

El fenómeno en torno a ‘El Internado’ no tardó demasiado en surgir. De hecho, recuerdo con claridad cómo mis compañeros de clase comenzaron a comentar la serie de manera casi enfermiza desde sus primeros episodios. No hablábamos de otra cosa. Todo giraba en torno a los secretos de Laguna Negra, la identidad de Iván o el romance de Marcos y Carolina. Sin darnos cuenta, nosotros mismos fuimos creando ese fenómeno semana tras semanas y llevamos a la serie al Olimpo de la ficción española.

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Los creadores de ‘El Internado’, Daniel Écija, Laura Belloso, Juan Carlos Cuesto y Rocío Martínez-Llano, conocían la fórmula y la aplicaron, pero supieron ir más allá, dándole profundidad a ese universo construido en medio de la nada y aportándole un valor extra que es el que marcó la diferencia. Viendo ‘El Internado’ el espectador tenía que pensar, que intentar ir un paso por delante de los personajes, pero también se emocionaba, se enamoraba, se enfadaba y reflexionaba. La conexión con los personajes fue total, igual que ocurrió

con la trama, y sus historias supieron tener su espacio y no ser devoradas por el monstruo del thriller, que muchas veces arrasa todo lo que encuentra a su paso.

EL REPARTO, CLAVE Dentro de esa fórmula de éxito conocida y tan bien aplicada está el reparto.

Sin un reparto carismático e implicado, ‘El Internado’ no habría sido el fenómeno que fue y que continúa siendo. Tanto los actores jóvenes, en ese momento en su mayoría desconocidos para el público general, como los veteranos, supieron entrar de lleno en la historia y en sus personajes, convirtiéndose en ellos.

Ahora, una década después, se nos hace imposible imaginar a otros intérpretes en la piel de personajes como Marcos, María, Fermín o Julia.

En ‘El Internado’ conocimos a una generación de actores y nos encontramos con varias más y presenciamos la perfecta conjugación de todas ellas. Como cuando algo te ocurre porque estás en el lugar adecuado y en el momento adecuado, todos ellos se juntaron en el instante preciso y en el proyecto ideal y construyeron, junto a creadores, guionistas y directores, un ecosistema que nos atrapó de manera inmediata y del que nunca logramos escapar. Lo cierto es que ni siquiera quisimos hacerlo, y ahora tenemos la suerte de regresar por la puerta grande.

OLIVIA MOLINA TEXTO Y ENTREVISTA: P. GUERGUE FOTOGRAFÍA CORTESÍA DE ANTENA 3

'La Valla' es de entraña. De emociones y sentimientos.

De personajes que te insuflan de energía poderosa para entender que lo que nos pertenece, no puede ser arrebatado. Que podemos vivir aletargados pero porque estamos a la espera del impulso suficiente para reivindicar que la empatía es mucho más que una actitud. Que ponernos en la piel del otro tiene la energía suficiente y eficiente para saltar sobre lo que nos imponen. Y que la libertad es un derecho sin el cual es poco probable respirar. “Es una serie que arrastra porque son personajes que empiezan con un instinto de supervivencia en unas circunstancias que son completamente hostiles. Y empiezan a hacer un pulso contra todo lo establecido”, así de contundente suena Olivia Molina cuando hablamos de su último proyecto que ya está disponible en ATRESPLAYER PREMIUM. 176 - www.mewmagazine.es

MEW Magazine (MW): ¿Qué es lo que más te atrajo de 'La Valla'?

Olivia Molina (O.M.): El primer impacto me vino por el concepto de lo que significaba una valla.

Al principio te dejan la idea con los dos primeros guiones que me presentaron a mí. Y lo primero que me impactó fue ese título. Esa idea como de separación de bandos. De todo lo que nos espera en vez de todo lo que nos une. A raíz de ahí empecé a explorar la historia. Me gustó mucho el personaje de Julia y la aventura en la que se ve metida desde el primer minuto. Me atrajo mucho el contexto. 2045. Donde me sonaban muchas cosas cercanas. Me parecía interesante esa extraña cercanía.

MW: Cuando leíste el guión, ¿pensaste, en algún momento, en el público? ¿En como le llegaría esa historia?

O.M.: Es cierto que el escenario que se muestra es bastante oscuro, sin embargo, si me parecía que los personajes eran muy luminosos. Que se movían por sentimientos y necesidades a temporales. Como el derecho a proteger a los tuyos. A tu dignidad. A la dignidad colectiva. Me parecía que el mensaje que trasladaba de fondo era muy positivo.

MW: Cuando una se mete en una historia, en un personaje tan emocional, ¿da miedo, da vértigo pensar que el propio personaje requiera excesiva energía por nuestra parte?

O.M.: Es una pregunta interesante. Me pasaba casi al contrario. El personaje me insuflaba a mí energía. Era increíble. Me veía metida en situaciones y aventuras todo el tiempo. Julia es más activa que yo. Y mira que soy activa. Está metida como en una avalancha de circunstancias que me obligaba a tener una energía mucha más alta de la que estoy acostumbrada. Fue muy rico eso. No es que me diera miedo pero era un personaje que sí me sacaba de la zona de confort. Siempre da mucho vértigo pero es lo que me atrajo de esta creación y de este personaje.

MW: ¿Necesitamos proyectos en los que su base sea más emocional, más del sentimiento?

O.M.: A mí siempre me parece que desde los sentimientos, desde la emoción, es desde donde se comprenden mejor las cosas. La información aséptica está bien, es información pero es de otra índole. El ser humano se conmueve a través de emociones. Y cuando las historias tocan esas teclas me parece que llegan a lugares genuinos y

muy humanas. Tener el privilegio de contar una historia desde ahí me pareció muy bonito. También me interesaba que hablábamos casi de un futuro retro. Una mezcla curiosa. Una España futurista pero que nuestro país ya ha vivido. Ya hemos vivido una sociedad en la que hay falta de derechos y libertades. Había ecos que ya habían pasado y eso me causaba mucha impresión. Sobre todo el poder contarlo a través de un personaje que está viviendo esa realidad.

MW: ¿Por qué crees que el público va a poder empatizar con Julia?

O.M.: Es un personaje que sabe que está marcado por el contexto en el que crece. Como todos.

Pero que ha forjado un carácter a raíz de ver como su familia ha sido separada por un factor externo.

Ha vivido como es pasar de una democracia a una dictadura. Es un personaje con muchos valores éticos. De la necesidad de vivir en justicia. En el primer capítulo la vemos como anestesiada pero entra en conciencia. Creo que es un personaje que el mismo es empático con el otro. Entiende el dolor del otro, lo comprende y se lo pone en primera persona. Lo convierte en algo como propio.

Desde ahí se puede comprender mucho el personaje.

JULIA ES Y SERÁ ESA HEROÍNA DE TIERRA. CERCANA Y LEAL. AQUELLA QUE LUCHA DESDE LA CONCIENCIA. LA QUE TOCA EL ALMA Y TE INVITA A CAMINAR CON EL BARRO HASTA LAS RODILLAS PORQUE, AL FINAL, SIEMPRE TIENE QUE PREVALECER LA LIBERTAD. LA DEL INDIVIDUO Y SU CONTEXTO. ESA QUE NOS DEJA TENER PENSAMIENTOS CRÍTICOS Y HONESTIDAD PROFUNDA. DENTRO DE LA DISTOPÍA QUE VIENE CON 'LA VALLA', EXISTE EL TOQUE DE ATENCIÓN. EL QUE NOS ALERTA. EL QUE NOS SUSURRA QUE TODO LO QUE TENEMOS, NO NOS PERTENECE. QUE VIVIMOS DE PRESTADO Y QUE DEBEMOS RESPETO HACIA ESA TIERRA QUE NOS DEJÓ VIVIR DE ALQUILER, EL TIEMPO QUE NOS QUEDE POR VIVIR. MEW - 177

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FOTOGRAFÍA ANA MÁRKEZ | MUAH LUCÍA CASTRO TEXTO Y ENTREVISTA P. GUERGUE ESTILISMO JAIRO VILLADA | SHOWROOM SOLOIO / PLASHION COM. LOCALIZACIÓN VP PLAZA ESPAÑA DESIGN 178 - www.mewmagazine.es

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Foto: A. Mรกrkez

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Unax Ugalde da vida a Hugo en 'La Valla'. Un salto sin red por la calidad de sus guiones, por la historia infinita que narra, por aquello que puede volver si olvidamos lo esencial que tenemos entre nuestras manos.

Hugo es el héroe inesperado pero leal. Y Unax, su anclaje.

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MEW Magazine (MW): ¿Cómo llega 'La Valla' a tus manos?

Unax Ugalde (U.U.): Fue a través de Luis San Narciso. Pensó en mí para este personaje y Dani Écija también, con el cual yo había trabajado hace muchísimos años. Con él tuve la suerte de hacer una de las series que más he querido, 'El Grupo'. Y, de repente, se ha vuelto a cruzar nuestro camino.

MW: ¿Cuál fue tu primera sensación cuando pudiste leer el guión del primer capítulo?

U.U.: Mi sensación fue que tenía un diamante en bruto. Que teníamos un diamante en bruto entre manos. Creo que pocas veces hemos recibido un guión tan complejo, tan bien escrito desde el origen. Los actores nos dimos cuenta que teníamos que hacerlo muy mal para estropearlo.

MW: ¿Cómo se vive, como actor, cuando se tiene que narrar una historia con un contexto tan duro?

U.U.: Es una distopía. Un futuro no deseado. Y es duro lo que contamos. Pero como actor pues con mucha imaginación. Porque estamos imaginando un mundo que aun desconocemos. Aunque los últimos acontecimientos nos están poniendo muy cerca a lo que transmitimos en la serie. En la serie hay un virus

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“POCAS VECES HEMOS RECIBIDO UN GUIÓN TAN COMPLEJO”

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U “hacemos un retrato muy veraz de una sociedad posible” 184 - www.mewmagazine.es

que ataca a la población. Es el noravirus. Y después ha aparecido el coronavirus (Risas). Y luego la falta de recursos, el daño que se está haciendo al planeta...

Hoy día es tendencia absoluta y estamos de completa actualidad. Como actor afrontas un proyecto como este con mucha responsabilidad. Porque estás tocando muchos temas que son muy cercanos y posiblemente reales.

MW: ¿Da vértigo dar vida a un personaje con un contexto como este por si resta una mayor energía que otro personaje en un contexto más asequible?

U.U.: No, la verdad es que no. Es un ejercicio de compañerismo.

De equipo. Porque no solo somos los actores los que estamos detrás de un rodaje. Hay un equipo humano amplísimo. Entonces, hay un ejercicio de responsabilidad absoluto porque quieres que quede lo mejor posible.

MW: ¿Quién es Hugo?

U.U.: Hugo es un ingeniero agrónomo que, a principios de la dictadura, decide escapar del epicentro del conflicto. Se escapa a Asturias para crear junto a su mujer un futuro. Allí tienen una niña y el futuro va en contra de ellos y el virus ataca a la familia directamente y mi mujer fallece en el primer capítulo. Y decidimos reagruparnos en Madrid. En Madrid está la valla que separa el sector 1 del sector 2. Hugo es un padre de familia que tratará de sacar a su familia adelante y con el tiempo se dará cuenta de que no solo tiene en sus manos su destino sino el destino de toda una nación.

MW: ¿Por qué crees que el público va a poder empatizar con Hugo?

U.U.: Creo que el público empa-

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tizará con Hugo y con todos los personajes porque creo que hacemos un retrato muy veraz de una sociedad posible en un futuro.

Tocamos temas muy cercanos. Utilizamos un mundo extraordinario que aun está por descubrir, que aun está por inventar. Y nosotros lo hemos inventado. Nos ha costado mucho tiempo, en las sociedad, conquistar los derechos y puede que nos cueste muy poco perderlos. La serie es un pequeño toque de atención.

MW: ¿Qué aprendizaje te llevas de Hugo?

U.U.: Creo que lo que más te aporta de los personajes es meterte tú en la posibilidad de que estuvieras en esa situación. Avanzar al 2045 e imaginarte cómo podría ser ese futuro distópico, ese futuro no deseado, esa represión, esa falta de derechos que podría venir...creo que para mí, como actor, me ha traído a recuerdos o a historias del pasado que he escuchado o he leído.

MW: Como actor, internamente, ¿cómo estás viviendo esta nueva doble vida que tienen las series con las plataformas?

U.U.: Con ilusión. Toda la gente que nos dedicamos a este mundo estamos muy contentos y muy esperanzados. En estos momentos, las plataformas están permitiendo una producción mayor, una gran difusión y eso nos permite hacer productos de mayor calidad. Sabemos que ya no solo trabajamos para nuestro país, sino que trabajamos internacionalmente. Atresmedia ya ha puesto sello a nivel mundial, ya tiene premios muy importantes.

MW: La libertad es...

U.U.: La libertad es lo principal que tiene un ser humano y lo último que debería perder.

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MW | ESPECIAL 'LA VALLA'

DANIEL IBÁÑEZ “Sentimiento de cambio” FOTOGRAFÍA ANA MÁRKEZ | MUAH LUCÍA CASTRO TEXTO Y ENTREVISTA P. GUERGUE ESTILISMO JAIRO VILLADA | SHOWROOM SOLOIO / PLASHION COM. LOCALIZACIÓN VP PLAZA ESPAÑA DESIGN

Traje y camisa - J. Cristian Lagares

'LA VALLA' ES LA ÚLTIMA PROPUESTA DE DANIEL ÉCIJA DENTRO DE LA FICCIÓN QUE PODEMOS VER EN ATRESMEDIA. UNA PRODUCCIÓN O UNA AVENTURA QUE HABLA DEL PASADO Y DE FUTURO. DE COMO HEMOS VIVIDO Y DE LO POCO QUE NOS ACORDAMOS PARA NO COMETER LOS MISMOS ERRORES. PARA NO TROPEZAR CON LA MISMA PIERDA. PARA NO HERIR NUESTRA LIBERTAD.

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MEW Magazine (MW): ¿Qué esconde esa valla?

Daniel Ibáñez (D.I.): Muchos conflictos la verdad. Conflictos familiares, conflictos con el Estado y mucha aventura.

MW: ¿Qué sentiste cuando leíste el primer capítulo entero?

D.I.: Ilusión. Muchísima ilusión por el proyecto que es y por la gente que iba a tener alrededor. Con el reparto y con toda

da un hilo de esperanza.

MW: ¿Qué tiene Álex de especial?

D.I.: Lo considero especial porque es el alivio cómico en una serie donde pasan cosas, realmente, malas a la familia.

Mi personaje se toma la vida de otra manera. Y eso ayuda a que la historia coja un poco de ligereza.

“LA INOCENCIA Y EL SENTIDO DEL HUMOR LE DEFINEN MUY BIEN”

la historia que iba a venir por delante.

MW: ¿Qué te parece la historia que se cuenta? ¿Pensaste en algún momento en el público? ¿Cómo iba a recibir esa historia?

D.I.: Sí, constantemente. Como actor lo haces. Cómo puedo enfocar el trabajo, cómo lo van a recibir...sí. Lo primero que pensé es le va a encantar a la gente. Creo que esta historia va a enganchar y no se ha hecho nada parecido.

MW: Hace unos días hablábamos con Olivia y nos comentaba que sí, que es cierto que la historia es un poco dura pero que el mensaje es esperanzador, ¿ves lo mismo?

D.I.: A través del trabajo de Nestor Calvo, Daniel, el guión y nosotros, siempre hay una luz al final del capítulo. Siempre que194 - www.mewmagazine.es

MW: ¿Por qué crees que el público puede empatizar con Álex?

D.I.: Por la inocencia probablemente. Y por el sentido del humor. Yo creo que la inocencia y el sentido del humor le definen muy bien.

MW: ¿Cómo se consigue equilibrar la energía que requiere un personaje dentro de una historia tan dura como la que se cuenta en 'La Valla'?

D.I.: En nuestro oficio tienes que aprender a separar, sino te vuelves loco. Como ya se han dado casos de gente que se vuelve loca. Yo, de hecho, estoy bastante tarado también (Risas).

MW: ¿Qué es lo que te gustaría que el público enganchase de lo que se va a contar a través de 'la Valla'?

D.I.: Me gustaría que engan-

Daniel Ibáñez Abrigo marrón - Soloio Jersey - Lacoste

Traje y camisa - J. Cristian Lagares 196 - www.mewmagazine.es

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chase el sentimiento de cambio. Es algo que se da mucho en la historia. Y creo que todos debemos tener dentro.

Nunca es tarde ni nunca es mal momento para empezar a cambiar una situación que, desde luego, es injusta.

MW: Las series comienzan a tener doble vida gracias a las plataformas, ¿cómo vives esta nueva situación como actor?

D.I.: Pues lo primero muy contento porque no sabía que había sido el estreno más visto de ATRESPLAYER. Y significa que algo está yendo bastante bien. Y luego veo que hay numerosas plataformas y nos quedamos todos asombrados. Es el presente y el futuro.

Las plataformas van a ser las que nos permitan ver ficción de la forma en la que nosotros queramos, en casa y en el momento que queramos.

MW: ¿Es importante esa doble vida?

D.I.: Es un arma de doble filo. Porque al haber tantas plataformas y tanto contenido espero que no se olvide al mismo ritmo que sale. Porque sino cada ficción tendrá un recorrido en la memoria del espectador muy corto.

“NUNCA ES TARDE NI NUNCA ES MAL MOMENTO PARA EMPEZAR A CAMBIAR UNA SITUACIÓN QUE, DESDE LUEGO, ES INJUSTA” 198 - www.mewmagazine.es

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'THE WALKING DEAD'

DESPEDIDAS, POSIBILIDADES Y UNA GRAN GUERRA por Judith Torquemada

La segunda mitad de la décima temporada de 'The Walking Dead' nos amenaza con una dolorosa despedida y nos advierte de una peligrosa guerra en la que estarán implicados todos sus protagonistas. Así podrían ser las cosas.

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Vuelve 'The Walking Dead', y yo prometí estar aquí en su regreso. La ficción estrena la segunda mitad de una temporada que ha planteado nuevos conflictos siguiendo líneas narrativas ya conocidas que, a pesar de ello, han logrado recuperar por momentos la emoción necesitada.

No tuvimos demasiadas sorpresas en los primeros episodios, pero sí exploramos escenarios interesantes que colocaron a los personajes en situaciones emocionantes. Parece que el miedo seguirá siendo el motor principal de los capítulos venideros, pero antes de adentrarnos a ex-

plorar sus posibilidades (y otras que nada tienen que ver con esto) vamos a hablar del acontecimiento más triste que veremos en esta temporada con la que la serie celebra una década.

LA DESPEDIDA Supongo que habrá más de una; me extrañaría mucho que todos los personajes secundarios de los que se han servido para construir las últimas tramas sobrevivieran a esta temporada.

Estamos acostumbrados a que nos asesten puñaladas que no matan pero duelen; por ejem-

TEORIZANDO

plo, Jesus (Tom Payne) o más recientemente Siddiq (Avi Nash).

Por otro lado, hacia el final de la primera mitad tuve el pálpito de que también Negan (Jeffrey Dean Morgan) caería. De su futuro hablaré más adelante, de momento voy a concentrarme en la despedida.

Michonne (Danai Gurira) abandona 'The Walking Dead'. Se anunció hace unos meses, y ha llegado el momento de verlo en pantalla. Sabemos que su adiós va a tener una gran carga emocional, y eso nos lleva a pensar que recurrirán a una herramienta utilizada con anterioridad: el reencuentro con personajes que ya no están, a través de flashbacks o de conversaciones desarrolladas en la mente de quien va a morir.

En el caso de Michonne, se habla mucho de la vuelta de Andrea (Laurie Holden), que nos dejó en la tercera temporada. Andrea y Michonne tenían una relación muy estrecha, y muchos segui-

dores de la ficción no han perdo- bien, ¿no? nado el tímido papel concedido al personaje. Sí, es posible que la LAS POSIBILIDADES recuperen para el adiós de nuestra protagonista.

Ah, lo que más me gusta de 'The Walking Dead': las infinitas poYo, que soy una soñadora, entu- sibilidades que nacen de la amsiasta y llena de tontas esperan- plia gama de personajes y sus zas cuando se trata de esta se- emociones llevadas al límite en rie, creo que puede ser un buen un mundo loco donde una guemomento para traer de vuelta rra sucede a otra. Y lo que mea Rick Grimes (Andrew Lincoln). nos me gusta de 'The Walking Se sabe que nunca ha querido Dead': que estas posibilidades desvincularse del todo del uni- se desaprovechen. Creo que fue verso de 'The Walking Dead'; de un error llevar a Negan hasta los hecho, se encuentra preparando Susurradores, y retomo con esto una trilogía de películas para su el protagonista del antaño villapersonaje, así que ¿por qué no no. Creo que fue un error, pero incluir a Michonne en éstas te- no hay marcha atrás, así que emniendo en cuenta que nunca ha pecemos a trabajar a partir de podido olvidar ni dejar de bus- éste: ¿qué va a suceder con Necar a Rick? Llamadme ilusa, pero gan? Varias posibilidades. En las creo que aquí hay posibilidades. imágenes de los adelantos le veUn reencuentro entre ambos que mos conversando con Alpha (Sacierre su participación en la fic- mantha Morton), observando de ción pero abra las puertas de lo reojo a una Gamma (Thora Birch) que veremos en las películas, y que tiene dudas y completando de paso nos adelante algo para el ritual de conversión en un Suir creando expectación. Suena surrador. Quiero creer, recurrien

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do de nuevo a la esperanza, que lo que de verdad va a completar Negan es un camino de redención; no porque quiera justificar de alguna manera mi cariño hacia el personaje, sino porque creo que es lo más estimulante para el espectador. Ya le hemos visto ejerciendo de súper-villano, así que estaría bien ver cómo utilizar su inteligencia y su carisma para otros fines. Por ejemplo, embaucar a Alpha y compañía en una trampa que les haga perder terreno frente a las Comunidades, que pasarían a tener otra visión de Negan. Quiero creer que es lo que va a pasar. Y ahora que hablo de ello me vuelve el pálpito: no estoy segura de que nos quede mucho tiempo de Negan en la ficción.

Creo que tampoco a Gamma le queda mucho tiempo. Una de las muertas de confianza de Alpha acude a las Comunidades para explicar la trampa que les han tendido a Daryl (Norman Reedus), Carol (Melissa McBride) y compañía; recordemos que la primera mitad de temporada terminó con varios de los nuestros atrapados en una cueva rodeados de caminantes. Parece que Gamma quiere distanciarse de Alpha, y a mí me da que esto termina con ella convertida de verdad en 202 - www.mewmagazine.es

un caminante.

Más cosas. Ezekiel (Khary Payton) y Carol vuelven a estar cerca; con respecto a Carol, creo que en esta temporada la veremos lidiando con sus emociones más negativas y creo que estas le conducirán a hacer verdadero daño a los Susurradores, porque cuando Carol entra en modo venganza pocas cosas pueden detenerla. También veremos cerca a Eugene (Josh McDermitt) y Rosita (Christian Serratos), aparentemente tanto como el primero deseaba. Y con respecto a Eugene, no me olvido de esa conversación radiofónica que mantuvo con una desconocida, de la que seguro sabremos más. ¿Tendrá algo que ver con Maggie (Lauren Cohan)? Porque, sí: Maggie regresa.

Después de un tiempo lejos de las Comunidades, regresará al lado de los nuestros y seguro que lo hará con una visión diferente del mundo. Tal vez con herramientas que ayuden en esa lucha contra los Susurradores para la que todos se sienten preparados... Sin dejar de estar atemorizados.

na parte de sus imágenes de adelanto a mostrarnos que los personajes están en guerra.

Quiero pensar que no será solo una guerra física, aunque desde luego no me importa que levanten los escudos y se dediquen a luchar. Esta ficción necesita acción y tensión, no solo emociones y diálogos intensos, eso lo sabemos todos. Pero no pueden existir exitosamente lo uno sin lo otro, así que tomando la segunda parte diré que espero (y confío) que ese miedo que ha dominado a los miembros de las Comunidades siga presente. Que lo aborden como quieran, o como buenamente puedan, y que sometan a los personajes a distintas exposiciones a éste, pero que no desaparezca. No se ha aprovechado todo lo bien que podría haberse aprovechado, porque los Susurradores dan verdadero miedo y solo lo hemos sentido cuando pronunciaban una amenaza en voz alta. Quiero ver paranoia de verdad; quiero ver dudas, incluso. Durante la primera parte, imaginé con mucha alegría cómo sería que alguno de los personajes se sintiera tan asustado que decidiera unirse a los Susurradores, solo para sentirse a salvo.

Como de verás soy una soñadora irremediable cuando se trata de esta serie, creo que van a sorprendernos con algo similar. Con todo el asunto de Siddiq y Dante, quedó demostrado que el espectador se siente satisfecho cuando la ficción juega con él; cuando lo hace desde la coherencia y construyendo el engaño poco a poco. Y ahora que los creadores parecen haber comprendido que necesitamos algo más que guerras, zombies y conflictos emocionales para seguir enganchados, porque de eso ya hemos LA GUERRA tenido bastante, supongo que nos proveerán de un buen misterio en 'The Walking Dead' dedica bue- los capítulos que vienen.

Recapitulamos > ASÍ SE HACE

El Ministerio del Tiempo POR ROSA SURIA

H

ace cinco años que llegó a nuestra televisión ‘El Ministerio del Tiempo’, una de las mejores ficciones que ha surgido en España y que, para gozo de sus millones de seguidores, regresará muy pronto con su cuarta temporada.

Me resulta casi imposible encontrar una idea más innovadora y más divertida que aquella de la que parte ‘El Ministerio del Tiempo’. Los viajes al pasado siempre han captado rápidamente el interés de cualquiera, al fin y al cabo la posibilidad de cambiar aquello que ha ocurrido anteriormente o de conocer otras épocas es una de las grandes ambiciones del ser humano. Y ya que, por ahora, no hemos conseguido dar con la clave para hacer posibles los viajes interespaciales e intertemporales, verlo en televisión resulta un aperitivo más que suficiente. Así lo debieron pensar los hermanos Olivares, que también supieron hacer atractiva nuestra historia y darle vida de una manera que a muchos se nos habría escapado.

Son muchas las virtudes de esta serie, empezando por esa idea desde la que surge todo y siguiendo por unos personajes que están construidos con maestría y

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que además aportan una bocana- a un cierre definitivo tras el final da de aire fresco más. ‘El Ministe- de su tercera temporada, la buerio del Tiempo’ nunca habría fun- na nueva saltó hace unos meses, cionado sin Alonso de Entrerríos, sin Amelia Folch o sin Julián Martínez. Junto a ellos conocemos el gran secreto del Gobierno de España y junto a ellos nos acercamos a nuestra propia historia, poniendo rostro y voz a los nombres que hemos estudiado desde pequeños y eliminando numerosos prejuicios que siempre nos han acompañado. cuando se confirmó que tendríaHan pasado cinco años desde el mos una cuarta entrega, en la estreno de su primer episodio, ‘El que volveríamos a encontrarnos tiempo es el que es’, y la serie de con rostros conocidos como el Televisión Española está a punto de Rodolfo Sancho. El rodaje ha de comenzar una nueva etapa. comenzado y el esperado regreDespués de que todo apuntara so podría producirse en los próxi-

mos meses, casi coincidiendo con el quinto aniversario del estreno de uno de los mejores pilotos que se han visto dentro de la ficción española.

Todo bien Tenía un muy buen recuerdo del primer episodio de ‘El Ministerio del Tiempo’. Sobre todo recordaba que me atrapó en seguida y que nada más terminar ya estaba deseando ver el siguiente. No fue una de estas series en las que necesitas ver casi la mitad de la primera temporada para engancharte, ni mucho menos. Y estos recuerdos se han reforzado con el re-visionado del piloto, gracias al que además he comprendido por qué me sucedió esto y por qué guardaba tan buenas sensaciones en relación a él. Cinco años más tarde, conociendo la historia

y el futuro de los personajes que se nos presentan en este primer episodio, el efecto ha sido exactamente el mismo.

Pensándolo fríamente, creo que no se le puede pedir más a un primer capítulo. La presentación de los personajes es magnífica: conocemos sus orígenes, sus preocupaciones y sus conflictos y podemos reconocer varios rasgos de sus personalidades, todo ello sin que el espectador llegue a abrumarse. Además, también tenemos la oportunidad de realizar nuestra primera inmersión en el Ministerio del Tiempo, primero

conociendo el concepto y su funcionamiento y después pasando a la práctica con el primer viaje. Esta combinación de teoría y acción nos permite entrar en la serie de manera firme, sin dudas o confusiones, y además experimentar la adrenalina de esos viajes y conectar con la historia de nuestro país.

Ya en este capítulo inicial le ponemos rostro a uno de esos nombres que tanto hemos leído en los libros de texto: el Empecinado. De ser una figura inanimada que se encargó de organizar la guerrilla contra los franceses, ese personaje pasa a ser un ser humano con un carácter algo diferente y curioso y con cierta tendencia a defender el honor de las mujeres -algo que no siempre ocurría en esa época-.

Así, con este primer y corto viaje, conocemos también la esencia de la serie, el camino que va a seguir a partir de ese momento, sin necesidad de esperar hasta mitad de temporada para saber qué es lo que quiere contarnos y cómo quiere hacerlo.

El poder de lo original Se me ocurren miles de razones por las que ‘El Ministerio del Tiempo’ siempre funcionó tan bien, pero la principal es la autenticidad y la originalidad de la serie. Todo en ella es novedoso, no es la copia o la adaptación de algo que ya había funcionado aquí o fuera de nuestras fronteras. Surge directamente de la mente de dos creadores amantes de las series y de la historia y conscientes del poder y el deber de la ficción. Ahí reside el éxito de la serie, en su originalidad y en la valentía de sus creadores de presentar una idea tan rompedora como es que la historia de todo un país dependa de una estudiante, un enfermero del SAMUR y un antiguo soldado con ciertos problemas con la autoridad.

Si bien es cierto que puede ser algo largo para las longitudes a las que estamos acostumbrándonos ahora, también en España, siento que no sobra ni falta nada en este primer contacto con los protagonistas y con la historia en sí. El capítulo está perfectamente concebido y estructurado, con un ritmo constante -que no pesado-, que va creciendo conforme crece también el interés de los espectadores, llegando así al final en lo más alto. Así es como deberían construirse los pilotos y, sobre todo, así es como deberían terminar, sin cliffhangers absurdos, pero con gancho.

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UN MES DE SERIES Repasamos los estrenos de series que tendrán lugar desde el 5 de Febrero al 5 de Marzo, para ayudarte a ordenar tu calendario de visionados.

Con nuestras pequeñas fichas, podrás decidir a qué ficciones das prioridad

y cuáles te interesan menos, así como descubrir títulos que no sabías que

llegaban en los próximos días y que

Locke and Key

pueden sorprenderte.

Fecha de estreno: 7 de febrero País: Estados Unidos Cadena: Netflix Capítulos: 10 Género: Terror, Fantástico

Fec Pa Ca Ca Gé

Sinopsis: Tres hermanos se mudan con su madre a la mansión ancestral de su padre tras el asesinato de este. Allí encuentran unas llaves mágicas que esconden poderes... y secretos.

Sin est en la v

Mythic Quest: Raven's Banquet Estreno Fecha de estreno: 7 de febrero Cadena: Apple+

Kidding Temporada 2 Fecha de estreno: 10 de febrero Cadena: Movistar+

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La amiga estupenda Temporada 2 Fecha de estreno: 10 de febrero Cadena: HBO

Cobra Estreno Fecha de estreno: 12 de febrero Cadena: SKY

Narcos: Tempo

Fecha de estreno: Cadena: Netflix

Katy Keene

Luimelia

cha de estreno: 7 de febrero aís: Estados Unidos adena: Netflix apítulos: 10 énero: Terror, Fantástico

Fecha de estreno: 14 de febrero País: España Cadena: ATRESplayer Premium Capítulos: 6 Género: Drama, Romance

nopsis: Mientras estos artistas en ciernes toman la pasarela, el tudio de grabación, Broadway y la escena social de Nueva York, ncontraran algo más que una carrera, forjarán amistades para toda vida. Spin-off de 'Riverdale'.

Sinopsis: 'Luimelia' es un novedoso formato de ficción, spin-off de la pareja formada por Luisita y Amelia en la serie de Antena 3 'Amar es para siempre' que acumula miles de fans en todo el mundo. 'Luimelia' mostrará cómo sería su relación en 2020.

: México orada 2

: 13 de feberero

Las chicas del cable Temporada 5 Fecha de estreno: 14 de febrero Cadena: Netflix

Vergüenza Temporada 3 Fecha de estreno: 14 de febrero Cadena: Netflix

Outlander Temporada 5 Fecha de estreno: 17 de febrero Cadena: Movistar+

MEW - 207

Strike Back Temporada 5 Charité en guerra Fecha de estreno: 18 de febrero País: Alemania Cadena: Filmin Capítulos: Género: Guerra Sinopsis: Berlín, 1943. El Charité, considerado el hospital más importante de Europa, debe hacer frente al día a día en condiciones extremas, con el mundo en guerra y Alemania sometida al estricto control del régimen nazi. La joven doctora Anni Waldhausen y su marido Artur, también médico especializado en pediatría, aguardan el nacimiento de su primer hijo. Ambos son el perfecto ejemplo de pareja aria: jóvenes, obedientes al régimen y con buena salud. Pero cuando su hija, Karin, nace con un edema cerebral, decidirán ocultarle al mundo la enfermedad de la niña. Los responsables de "Deutschland 83" producen la secuela de 'Charité'.

Homeland Temporada 8 Fecha de estreno: 23 de febrero Cadena: FOX

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Better Call Saul Temporada 5 Fecha de estreno: 24 de febrero Cadena: Movistar+

Fecha de estreno: 18 de febrero Cadena: HBO

Fec Pa Ca Ca Gé

Miracle Workers: La edad media Temporada 2

Sin viv ha en El e da ge

Fecha de estreno: 21 de febrero Cadena: TNT

El último gran robo Estreno Fecha de estreno: 25 de febrero Cadena: Filmin

Altered Tempo

Fecha de estreno: Cadena: Netflix

Hunters

Esta mierda me supera

cha de estreno: 21 de febrero aís: Estados Unidos adena: Amazon Prime Video apítulos: 10 énero: Thriller

Fecha de estreno: 26 de febrero País: Estados Unidos Cadena: Netflix Capítulos: 8 Género: Drama, Fantástico

nopsis: 'Hunters' sigue a una banda de cazadores de nazis que ven en el Nueva York de 1977. The Hunters, como se les conoce, an descubierto que cientos de altos cargos nazis están viviendo ntre nosotros y conspirando para crear un cuarto Reich en EE.UU. ecléctico equipo de Hunters emprenden una sangrienta búsquea para levar a los nazis ante la justicia y frustrar sus nuevos planes enocidas.

Sinopsis: La joven Syd se enfrenta al caos del instituto, los dramas familiares y el amor no correspondido que siente por su mejor amiga mientras intenta domar sus nuevos poderes.

d Carbon orada 2

: 27 de febrero

Wisting Estreno Fecha de estreno: 27 de febrero Cadena: AMC

Dispatches From Elsewhere Estreno Fecha de estreno: 1 de marzo Cadena: AMC

Élite Temporada 3 Fecha de estreno: 3 de marzo Cadena: Netflix

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For Life

Desenfrenadas

Fecha de estreno: 27 de febrero País: Estados Unidos Cadena: AXN Capítulos: 13 Género: Thriller

Fecha de estreno: 28 de febrero País: México Cadena: Netflix Capítulos: Género: Thriller

Sinopsis: Un prisionero se convierte en abogado y comienza a litigar casos para otros reclusos mientras lucha por anular su propia sentencia por un crimen que no ha cometido.

Sinopsis: Tres jóvenes emprenden un viaje por carretera para escapar de los problemas. Pero se cruzan con una mujer desesperada que les obliga a cambiar de dirección.

Ghost Theather Estreno Fecha de estreno: 5 de marzo Cadena: Dark

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El Pueblo Temporada 2 Fecha de estreno: 14 de febrero Cadena: Amazon Prime Video

This Close Temporada 5 Fecha de estreno: 2 de marzo Cadena: Sundance TV

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fenómeno LITERARIO

andrea izquierdo,

Invierno con Andrea

TEXTO JUDITH TORQUEMADA Andrea Izquierdo ha publicado con Nocturna Ediciones su último libro, 'Verano en Barcelona'. Se trata de una novela independiente que complementa la trilogía de 'Otoño en Londres', uno de los grandes fenómenos de los últimos años de la literatura juvenil. Así estamos pasando el invierno a su lado.

El hotel Ellesmere se halla al sur de Hyde Park, en uno de los barrios más elitistas de Londres, hogar del creador de Peter Pan: el célebre South Kensington. Allí va a parar Lily, admitida en la universidad gracias a una beca y atónita por su lujosa residencia. Para Meredith, ese ambiente es muy común, al igual que para Ava, más interesada en que sus secretos no salgan a la luz pese a la insistencia de Connor, ese chico coreano que siempre acompaña a Rex (del que todos hablan debido a su madre) y a Martha, la del pelo azul que armó un número cuando se cruzó en una fiesta con Tom; sí, ¡el mismísimo Tom Roy!, amigo de Finn, el pelirrojo aficionado a los videojuegos que siente antipatía por Oliver... Ese al que Lily preferiría no tener que ver nunca más. Con el inicio del otoño, todos ellos coinciden en el entorno más exclusivo de Londres, donde cuanto más alta es la cima, más riesgo entraña el precipicio. Así empieza todo.

Desde aquel otoño de Londres, Andrea Izquierdo (Zaragoza, 1995) nos ha acompañado en cada estación y de su mano hemos recorrido varias ciudades hasta llegar aquí, hasta un invierno que es un verano en Barcelona y que pasamos de nuevo en compañía de una de las escritoras de literatura juvenil más importantes de nuestro país. © Zoey Grossman

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entonces cuando verdaderamente comenzó el fenómeno al que dedicamos estas líneas. Reencontrarse con personajes que habían gustado tanto, recuperar esa narración dinámica a la que hago referencia y volver a zambullirse en los conflictos de ese grupo de jóvenes que son un poco más grupo pero que siguen condenados de muchas maneras, provocó que una oleada de lectores confirmase lo que también he dicho líneas más arriba: que Andrea Izquierdo es una de las escritoras de literatura juvenil más importantes de nuestro país. 'Invierno en Las Vegas' es, en muchos sentidos, más serio; esos dramas de universidad tan apetecibles dejan paso a algo más. Hay misterio, sorpresas, emociones y Las Vegas como escenario; que es, por cierto, un escenario al que no estamos tan acostumbrados cuando se trata de liteAunque hay casualidades que unen a los personajes, ratura, y eso siempre se agradece. creo que 'Otoño en Londres' es más un entretenido ensayo sobre la convivencia de un grupo que no 'Primavera en Tokio' puede hablarle al lector más termina de ser grupo; un grupo que está compuesto entregado de la obligación de terminar de florecer por personas muy diferentes entre sí que por diver- para seguir viviendo; de asomarse a la vida adulta, sas circunstancias están condenadas a encontrarse, de tomar decisiones, de la importancia de conoen muchos escenarios, de muchas maneras, y con cerse a uno mismo para elegir bien. Es el más difemuchos resultados. La lectura de este libro, como la rente, sigue su propio camino y es por eso que no propia pluma de la escritora, es fresca y fácil; y los ha convencido a la totalidad de sus lectores. Para quien haya quedado prendado de esos personajes dramas de universidad siempre son apetecibles. que ya conocían, llorarán y reirán (sobre todo lloraDespués llegó 'Invierno en Las Vegas'; creo que fue rán) cada sentimiento. Los temas más importantes 'Otoño en Londres' dio inicio a una serie de novelas de un mismo corte y estilo, todas con alma propia y con una misma característica: una vez que el libro cae en tus manos, no vas a querer soltarlo hasta que no llegues a la última página. Un abanico de personajes tan amplio como las tramas que los sacuden se abren ante nosotros para presentarnos realidades de todo tipo y conflictos que ayudarán a los más jóvenes a conocerse. 'Otoño en Londres' comienza en una bella estación, en una de las más bellas ciudades del mundo, y Andrea Izquierdo tiene el poder de trasladarnos hasta sus calles de tal manera que todo lo demás quede lejos. Los lectores han viajado con estas historias desde que la propia Lily se subió a aquel avión para comenzar una nueva vida.

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de los jóvenes de hoy en día siguen estando ahí, y como también lo son sus personajes. Qué bonito en muchos sentidos es el libro que carga con más este verano en pleno invierno; qué bonito este inpeso emocional. Quizá porque es un adiós, o quizá vierno leyendo. porque ya llevamos mucho recorrido y ni siquiera la envolvente Tokio puede despejarnos.

Los tres libros, como conjunto, conforman una trilogía fresca escrita con gracia, perfectos para cuando el lector quiere atreverse (y disfrutar) con dramas juveniles al más puro estilo 'Gossip Girl', pero con otra firma. Porque los firma Andrea Izquierdo, y ella tiene su propio estilo. Con este ha construido todo un fenómeno en torno a su pluma, y también en torno a su voz. Y ha conseguido que este invierno lo pasemos en Barcelona, y casi nos creamos que puede ser verano.

'Verano en Barcelona' es la última entrega. Nuevos personajes, y también algunos de los de siempre, de los más queridos. Hay una magia innegable en 'Verano en Barcelona'; supongo que tiene que ver con esa que se siente cuando regresas después de mucho tiempo a un lugar del que has disfrutado.

Andrea Izquierdo nos lleva de nuevo, y quizá mejor que nunca, porque esta escritora también crece, avanza y mejora, como algunos de esos personajes que nos acompañan desde hace casi cinco años.

Y sigue siendo ella misma, se nota en sus páginas,

Verano en Barcelona Ximena llega a Barcelona con un único objetivo: ponerse a prueba. Tal vez su nueva compañera de piso, Laia, la ayude a perder su timidez. Estudiar en otra ciudad sirve para encontrarse a uno mismo, al fin y al cabo, y si no que se lo digan a Lily, que lo dejó todo para mudarse a Londres... y ahora es a Tom al que acaba de dejar. Sí, ni siquiera Ava comprende el misterio de esos dos.

Algo parecido le ocurre a JC con su propia situación sentimental y con la de su mejor amigo Alfred, porque ¿quién iba a entender la relación intermitente que mantiene con Mireia? En especial ahora que ha conocido a Ximena... Dicen que los amores de verano arden mucho y te queman pronto... Aunque también pueden no apagarse.

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5 libros para vivir el amor este febrero Aunque no somos muy dadas a creer en un San Valentín que no sea el que nos han regalado de forma conjunta J.R.R. Tolkien y la habilidad española para crear memes, sí nos apetece recomendar cinco lecturas que os hagan disfrutar de un buen romance, que nunca viene mal.

A mí eso de denostar la literatura romántica me parece también muy del siglo pasado, así que ni me voy a molestar en hacer una firme defensa del género (no descarto ponerme con ello otro día). Estas líneas quiero dedicarlas a hablar de cinco títulos que me han hecho creer en el amor, vivirlo de otra manera o desde otra perspectiva, o disfrutarlo, incluso en momentos complicados.

No está en esta lista, porque me tacharían de evidente, pero: Orgullo y prejuicio', de Jane Austen.

Siempre.

' ¿Y si fuéramos nosotros?'

Becky Albertalli y Adam Silvera

« Arthur está en Nueva York solo por el verano, pero si Broadway le ha enseñado algo es que el universo te puede enviar un impresionante romance cuando menos te lo esperas. Ben piensa que el universo debe ocuparse de sus propios asuntos. Si el universo lo apoyara, no estaría en camino a la oficina del correo llevando una caja con las pertenencias de su exnovio.

Pero cuando Ben y Arthur se encuentran en el correo, ¿qué es exactamente lo que el universo les tiene reservado? Tal vez nada. Al fin y al cabo, se separan. Tal vez todo. Al fin y al cabo, se reúnen. Pero ¿qué sucede si no pueden lograr una primera cita exitosa… o una segunda… o una tercera? ¿Qué sucede si Arthur se esfuerza demasiado para hacerlo funcionar… y Ben no se esfuerza lo suficiente? ¿Qué sucede si la vida no es realmente como una obra de Broadway? Pero ¿y si lo es? » Un romance al más puro estilo comedia romántica, que te hará pasar un buen rato y te dejará una buena sensación en el cuerpo. Creo que necesitamos muchos libros que visibilicen y que sigan luchando por lo que es justo y haciendo ver cuánto duele que no te dejen vivir como quieres (y tienes el derecho de) vivir, pero también necesitamos comedias románticas de Hollywood que nos saquen una sonrisa.

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'7 semanas en París' Paula Gallego

« Diana siempre ha sido una conquistadora, pero su última relación le rompió el corazón y ahora intenta reunir los pedazos. Mientras tanto, el azar no se lo pone fácil y hace que acabe compartiendo piso con Julie; que con su chupa de cuero y sus tatuajes de chica mala es la más pura expresión de la tentación. Julie también dejó de creer en el amor después de Adam.

Tras su relación arrastra un dolor al que no ha sido capaz de enfrentarse ella sola, pero está en París para curarse y pasar página; y como es una jugadora tan experimentada como lo era Diana, no perderá la oportunidad de intentar arrastrarla a su juego. Diana tendrá que luchar contra sus provocaciones, pero el peligro tiene los ojos verdes más bonitos del mundo… Y quizá la prudencia esté sobrevalorada. » Hay muchas cosas en '7 semanas en París', así que en lugar de desvelaros todo lo que encierra este precioso libro de Paula Gallego os animo a que descubráis la dulzura y la delicadeza y el ingenio con el que escribe esta autora, y la historia que nos ha regalado en esta obra.

'El sol también es una estrella' Nicola Yoon

« Esta es la historia de una chica, de un chico y del universo.

Natasha. Soy una persona que cree en la ciencia y en los hechos. No en el destino. Ni en los sueños, que nunca se cumplen. Y tampoco soy de esa clase de chicas que se enamora perdidamente de un desconocido en una atestada calle de Nueva York. No cuando mi familia está a punto de ser deportada a Jamaica. El amor no tiene cabida en mi vida.

Daniel. Siempre he sido el niño bueno. El estudiante modelo. A la altura de las expectativas de mis padres. Nunca he sido el poeta. Ni el soñador.

Pero cuando la vi a ella por primera vez, mi mundo dio un giro y todo eso dejó de importarme. La sola presencia de Natasha me hacía pensar que el destino nos deparaba algo mucho más extraordinario... para los dos.

El universo. Cada momento de nuestra existencia nos ha traído a este preciso instante. Ante nosotros se abre un futuro con millones de posibilidades. ¿Cuál de ellas crees que se hará realidad? » Una lectura fácil y rápida de una historia dulce y contada con mucho sentimiento. Un romance original para los más jóvenes que se lee en una tarde en la que todo lo que hay que hacer es dejarse llevar. Si eres de quien ama hacerlo, entonces seguramente disfrutarás de este libro.

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'Siempre el mismo día' David Nicholls

« Emma y Dexter se conocen la noche del 15 de julio de 1988, durante su fiesta de graduación en la universidad. Tienen 20 años, acaban de licenciarse y el futuro parece ofrecerles todas las posibilidades que brinda el mundo a una pareja joven. Su entendimiento es inmediato y sin embargo las diferencias entre ellos son numerosas. Dexter es de familia acomodada, despreocupado y aficionado a las fiestas y a las relaciones de una sola noche. Pero se siente atraído por el idealismo de Emma, una chica de clase trabajadora, amante de la literatura y de sutil inteligencia. Sin embargo, aquel mismo verano, Dexter se marcha a recorrer Europa durante un año, mientras Emma debe quedarse en Edimburgo. A lo largo de veinte años, veremos cómo evoluciona esta historia de amor, sus separaciones y altibajos, pero también sus reencuentros y alegrías. » Lo especial que es esta historia se advierte en el propio planteamiento. 'Siempre el mismo día' recorre veinte años de la vida de dos personas que se aman, se separan, crecen y se siguen amando. No es un libro fácil, es uno de esos grandes romances que nos puede hacer daño, pero también de ello se pueden extraer enseñanzas sobre el amor y la vida, y para eso estamos aquí. Para amar y seguir aprendiendo.

'Un lugar donde refugiarse' Nicholas Sparks

« Cuando Katie aparece en la pequeña localidad de Southport, en Carolina del Norte, su precipitada llegada provoca muchas preguntas sobre su pasado. Katie es hermosa pero no le gusta lucirse y tiene una determinación obstinada por evitar cualquier relación demasiado personal, hasta que una serie de desafortunados sucesos la obligan a establecer ciertos lazos: uno con Alex, un viudo propietario del colmado del pueblo y que tiene dos hijos pequeños y un gran corazón; el otro, con Jo, su soltera y muy franca vecina. Poco a poco, Katie irá dejando caer sus barreras, echando raíces en la comunidad y acercándose cada vez más a Alex y su familia. Pero Katie no puede dejar enterrado el oscuro secreto que oculta su pasado y que todavía la persigue y la aterroriza. Un pasado que la obligó a emprender un viaje a través del país. Katie acabará por darse cuenta de que debe escoger entre una vida segura pero carente de emociones y otra que aun siendo más arriesgada puede darle mucha felicidad... » Si os estáis preguntando de qué os suena ese nombre, tranquilidad, os lo cuento. Nicholas Sparks es el responsable de que hayáis llorando decenas de veces viendo 'El diario de Noah', pues suyo es el libro.

Con este antecedente, podéis imaginar lo que encontraréis en las páginas de una de sus novelas más conocidas, aunque quizá os sorprendáis. No es solo una historia de amor, y eso lo engrandece todo.

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Historias y leyendas

Madrid y sus fantasmas

por Rosa Suria Con el estreno de ‘Malasaña 32’, las muchas historias de fantasmas que habitan en Madrid han vuelto a salir a la luz. Repasamos las más espeluznantes en un paseo por la versión más oscura de la capital.

Para mí es algo cíclico.

Cada cierto tiempo, vuelvo a sentir curiosidad por las historias más oscuras de mi ciudad, Madrid. Por sus fantasmas, por sus leyendas y por esos hechos reales que marcaron edificios y barrios enteros. Una serie de historias que debemos 220 - www.mewmagazine.es

luchar por preservar, porque también forman parte de nuestra cultura y de lo que es Madrid, de su identidad más allá del turismo, el fútbol o los negocios.

En esta ocasión, la culpa la tiene ‘Malasaña 32’, película de Albert Pintó basada en hechos reales ocurridos en el barrio madrileño de Malasaña. Nada más terminar de verla, volvieron a mi mente historias ya conocidas, como la de Elena o la de Mundita, que siempre han despertado en mí una curiosidad especial y que, sin

importar el paso de los años, continúan erizándome el vello cuando leo sobre ellas. Relatos oscuros que forman parte de la historia de la ciudad y de sus gentes y que siguen siendo todo un reclamo para

sus propios habitantes, así como para turistas.

De hecho, los tours de terror de la capital siempre tienen colgado el cartel de aforo completo. Y es que, además de lo sorprendentes que pueden resultar todas

estas leyendas, son muchas y están muy cerca de nosotros.

La de Elena y la Casa de las Siete Chimeneas siempre ha sido la que más ha conectado conmigo. Esta es una de las casas señoriales más conocidas de la ciudad, precisamente por la peculiaridad de que cuenta con siete chimeneas y porque se encuentra a escasos metros de la Gran Vía. Aunque actualmente es la sede oficial del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, la fama de este edificio está directamente ligada a asesinatos y presencias extrañas. Todo comienza en el mismo momento de la construcción del edificio, ordenada por un montero de Felipe II, que se la regaló a su hija Elena. La joven, recién casada con un capitán,

comenzó allí una vida de ensueño que se truncó con la muerte de su marido en el frente. A partir de ese momento, la pena y el dolor la convirtieron en un ser casi sin vida, hasta que un día apareció muerta en su cama. La leyenda cuenta que fue asesinada por su amante, el propio Felipe II, y que, tras la desaparición de su cuerpo, un espectro con aspecto de mujer comenzó a pasearse por la cornisa del edificio.

Lo más tenebroso de esta historia es que años más tarde se encontró su cuerpo detrás de una pared y un tiempo después se volvió a encontrar un cadáver, en esta ocasión de un hombre que nunca llegó a ser identificado.

Aunque la mujer de la cornisa ya no aparece, dicen las malas lenguas que siguen ocurriendo

cosas muy extrañas dentro del edificio.

Algo similar ocurre con la historia de Mundita y el Palacio de Linares, conocido ahora como Casa América. Este es probablemente el edificio encantado más popular de la ciudad. Cuenta la leyenda que los marqueses que construyeron el edificio eran en realidad hermanos y que, aunque no podían hacer vida conyugal, acabaron dejándose llevar por la pasión. Unos dicen que Mundita, el fantasma más popular del edificio, era su ahijada y otros afirman que era su hija, nacida en el pecado. Aunque las psicofonías más famosas captadas allí acabaron siendo un fraude, dicen que se siguen escuchando voces extrañas y melodías que surgen de ninguna parte y que hay

estancias que siempre están a una temperatura inexplicablemente gélida.

Estas son solo dos de las muchas historias tenebrosas que podemos encontrarnos a lo largo y ancho de Madrid. De hecho, durante la construcción del Palacio Real se tuvo que recurrir a un exorcista para expulsar a dos demonios que atormentaban a los obreros, algo que también ocurrió con la construcción de la Real Casa de Correos.

Prácticamente en cada esquina, en los barrios más castizos, hay una historia relacionada con fantasmas y muertes extrañas. Y es que, detrás de los carteles luminosos y las grandes avenidas, Madrid siempre ha sido una ciudad dominada por la oscuridad.

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Viajando y comiendo

agramers inst

S U H I TA C A F É : EL TEMPLO DE LOS por Rosa Suria

Los amantes del sushi y los nativos de Instagram han encontrado un lugar común al que peregrinar. Está en Madrid y en no demasiado tiempo se ha convertido en uno de los locales de moda a nivel nacional.

Si te gusta el sushi, es imposible que no hayas oído hablar de Sushita Café. Desde hace tiempo, los locales de esta cadena de restaurantes se han convertido en imprescindibles para los foodies madrileños y para las celebrities que viven en la capital de España. De hecho, es prácticamente imposible comer o cenar allí sin una reserva previa. Y cuando digo previa me refiero a varios días de antelación.

Las buenas críticas han corrido como la pólvora, como también ha ocurrido con las miles de fotos que se han compartido en Instagram, en las que la belleza de los platos y la decoración de los diferentes restaurantes ha ejercido como reclamo suficiente. Estoy segura de que muchos descubrimos Sushita Café a través de la red social, por un conocido o por un influencer, y no tardamos más de una semana en visitarlo.

Tal es la repercusión que han tenido los restaurantes de la cadena que se han convertido en una de las recomendaciones estrella para los turistas que escogen Madrid para pasar unos días. Algunos de sus locales, como el de Miguel Ángel, siempre aparecen en boca de todos y están a rebosar hasta la misma hora del cierre. Lo bueno de todo esto es que, pese a la enorme fama que ha cosechado, la cadena no ha bajado el ritmo ni ha sacrificado la calidad.

Sushita Café está de moda, sí. Es de los restaurantes más estéticos de la capital española, también. Pero, por encima de todo, es un templo de la cocina japonesa, en el que todos los platos están deliciosos. No falla ninguno.

Ahí está la clave del éxito, en no relajarse nunca y no dar nada por hecho. A día de hoy, esta cadena tiene asegurados los clientes a diario, sin necesidad de mayor promoción que la que le hacen sus muchos embajadores de marca, lo que podría haber provocado una dejadez que habría conducido directamente al fracaso. Son muchos los casos

en los que esa comodidad del éxito ha terminado suponiendo el fin de todo. Sin embargo, en Sushita Café siguen cuidando cada detalle, tanto dentro de la carta como en la experiencia total del cliente.

Desde el mismo momento de la entrada al restaurante, el cliente se siente cómodo, atendido, pero no atosigado. Las esperas son cortas, pero nunca hay prisa por parte de los camareros. Y los platos no tardan en llegar a la mesa, siempre con cierto orden y procurando que los comensales vayan degustándolos de poco en poco. Así, la velada siempre resulta agradable y completa, nunca apresurada o caótica, pese a la enorme afluencia de clientes que abarrotan los locales desde apertura a cierre.

Si en tu visita te fijas, te darás cuenta de que todo funciona como los engranajes de un reloj. Es muy complicado, casi imposible, encontrar un fallo o un error en alguno de sus restaurantes.

Y esto incluye la comida, por supuesto. En la carta, centrada en la gastronomía japonesa, hay opciones para todos: desde sopas y salteados hasta las elaboraciones más sofisticadas de sushi, pasando por otros platos típicos del país nipón que quizá muchos no están tan acostumbrados a degustar.

Todo ello con una calidad sorprendente si lo comparamos con el precio. Es cierto que estos no son restaurantes de sushi rápido y básico y que, por tanto, no encontramos precios irrisorios, pero tampoco son inaccesibles. Una buena comida en grupo, con entrantes, platos y postre, puede salir en torno a 25 euros por comensal. Una relación calidad-precio en la que el cliente sale ganando.

Sushita Café es, efectivamente, el templo de los foodies y los instagramers, y hay miles de razones para que así sea. También es el mío desde que probé su tempura de gambas rojas por primera vez. Sólo falta comprobar si tú también caes en la moda o si, como nos ha ocurrido a muchos, llegas a la conclusión de que lo de este restaurante va más allá de las tendencias.v

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"SE ATREVIÓ A EXPLORAR TODO TIPO DE GÉNEROS" por Rosa Suria

ROBERT DE NIRO,

í de ti aprenELdAMOR POR EL CINE Más de 5 décadas de carrera cinematográfica representan a la perfección el enorme amor de Robert De Niro por el cine, al que sigue cuidando, mimando y dedicando gran parte de su vida a sus 76 años.

Podría decirse que Robert De Niro nació para ser artista. En una familia de poetas, pintores y escultores, habría sido extraño que el niño saliera abogado -aunque cosas más raras se han visto-. El neoyorkino tuvo la suerte de llegar al mundo en una familia que le inculcaría el amor por el arte desde su niñez y que, más tarde, comprendería su inquietud por este séptimo arte y le permitiría explorarla a una edad muy temprana. De no haber sido así, probablemente no habríamos conocido su talento tan 224 - www.mewmagazine.es

pronto y nos habríamos perdido unos inicios que forman parte de la historia del cine moderno. Pero lo cierto es que tenemos que viajar precisamente a esos comienzos, a esa infancia repleta de arte y de un ambiente bohemio, para entender de dónde viene su amor por el cine. Su constante e incansable dedicación a este arte conecta directamente con lo que mamó en su infancia.

Pese a que la calle formó parte de ella y de su adolescencia, el joven Robert consiguió escapar de las golosas garras de Little Italy y de la mafia que la dominaba. Creció rodeado de la realidad que más tarde representaría en la pantalla y que, sin duda, le serviría de inspiración, pero escapó y superó una adolescencia compli-

cada, tras la que comenzó a estudiar interpretación. Su viaje entre frames y fotogramas comenzó precisamente en el momento en el se atrevió a salir de esas calles y arrancó oficialmente con sus primeras colaboraciones con Brian de Palma: ‘The Wedding Party’ y ‘Saludos’. Ahí fue cuando su amor por el cine se hizo tangible por primera vez, con dos interpretaciones que le presentaron ante una industria que le acogería casi de manera inmediata.

Este amor por el séptimo arte comenzó a llegar al gran público a través de personajes como su mítico Travis Bickle (‘Taxi Driver’) o Jake LaMotta (‘Toro Salvaje’), que le llevaría directamente a su primer y único Oscar como Actor Protagonista. Siempre respetando esa profesión y esa disciplina que tanto

amaba, Robert De Niro se labró un nombre dentro de la industria gracias a personajes complejos, atormentados y muy bien dirigidos, siempre contando con la confianza de grandes amigos como Martin Scorsese, a cuyo nombre suele ir ligado el del protagonista de ‘El irlandés’. Pero también lo hizo gracias a una entrega que sólo se comprende cuando se conoce la pasión que hay detrás. De Niro ha ganado y ha perdido peso para sus papeles, ha aprendido a tocar instrumentos, se ha mudado al sur de Italia para interiorizar el acento de la zona, se ha empapado de todo tipo de conocimientos para meterse en la piel de sus personajes y, así, nos ha entregado algunas de las mejores interpretaciones de la historia del cine.

Pero su amor por el séptimo arte, que es lo que quizá más me fascina de su figura, una de las que más admiro dentro de la industria, siempre fue más allá. El bueno de Robert conocía ya en los 80 la fórmula del éxito. Sabía lo que tenía que hacer para recibir nominaciones y premios, para que sus películas triunfaran en taquilla y para conseguir nuevos papeles. Tenía absolutamente todo para que su carrera siguiera creciendo y para llenar su bolsillo, pero no quiso encasillarse y se atrevió a explorar todo tipo de géneros. Una apuesta que no terminó de gustar a una importante fracción de la crítica, pero que debía formar

parte de su carrera y, sobre todo, de ese camino para explorar su auténtica pasión. Porque la mejor manera de conocer algo es vivirlo en primera persona, aunque eso signifique desaparecer de las ceremonias de premios durante demasiados años.

EL OTRO LADO DEL CINE Drama, comedia, terror, thriller… Después de tocar todos los palos, de interpretar a personajes muy dispares, de explorar sus límites como actor y de conquistar a todo el planeta con escenas como el alabado monólogo de ‘Taxi Driver’, Robert De Niro siguió explorando y explotando su amor por el cine, pero desde el otro lado.

Muchos años frente a la cámara y esa pasión que tantas veces he mencionado -y voy a seguir haciéndolo- le permitieron conocer a fondo esta disciplina y atreverse a dar el salto a la función de director, en la que se estrenó con la brillante ‘Una historia del Bronx’. En ella encontramos su amor por el cine, por supuesto, pero también todo lo que bebió en esas calles de Little Italy que le conquistaron pero no le atraparon. Aparece esa mafia que lo dominaba todo en el barrio, ese líder al que admirar y seguir, esa familia inmigrante en busca del sueño americano, el racismo, la religión, la

sociedad estanca… Un retrato inmejorable de la realidad de una zona muchas veces ignorada de Nueva York, en el que la dirección es impecable, como también lo es su interpretación.

Director y pseudo-protagonista, De Niro demostró aquí -y ya iban muchas veces- su dominio del cine y de todos sus aspectos.

Volvería a dirigir en ‘El buen pastor’, pero su amor por el cine no sólo aparece cuando él es el protagonista delante y detrás de la pantalla. Todos conocemos sus personajes, incluso los menos destacados, y sabemos de su labor como director, pero cuando se ama algo se quiere que prospere y que crezca. Y ahí es donde encuentro la principal labor de Robert De Niro.

Detrás de muchos de los grandes títulos de estos últimos años se encuentra su nombre, su firma y su financiación. Aunque esta labor, quizá porque es menos vistosa o porque directamente no interesa a la prensa y al público general, no es tan conocida y no suena tanto, es imprescindible para la subsistencia de la industria del cine y para que las películas salgan adelante. Los productores ejecutivos apuestan, muchas veces a ciegas, por títulos que llegan a sus manos de una manera o de otra e invierten una parte de su patrimonio en estas apuestas, permitiendo que los proyectos se hagan realidad. Sin ellos, no habría cine.

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No tendríamos ni blockbusters ni historias más pequeñas verle la vida a este barrio neoyorkino tras los atentados e independientes, no habría películas de mafia ni de su- del 11S y promocionar el cine más independiente. Desde perhéroes, ni animación. No habría nada. su creación, en 2002, este festival ha ido ganando en fama y reconocimiento y se ha convertido en uno de los princiEl último ejemplo que viene a mi mente cuando pienso en pales dentro de la industria del cine. Gracias a él, decenas Robert De Niro es el de ‘Así nos ven’. La aclamada serie de cintas pequeñas, que en principio no aspiran a llegar de Netflix, creada por Ava DuVernay, cuenta la historia al gran público, llegan a las salas de cine y se cuelan inde los conocidos como ‘los cinco de Central Park’, cin- cluso en la temporada de premios. Un ejemplo más de la co adolescentes que fueron acusados y condenados por importancia del trabajo que hay detrás de las principales una violación que no habían cometido. Este caso real es figuras del cine, como el actor, el director o el guionista, y uno de los que mejor representa los fallos y los defectos en el que Robert De Niro ha puesto gran parte de su esdel sistema judicial estadounidense y producir una serie fuerzo y de su atención en los últimos años. centrada en un tema tan polémico y con un componente racial tan fuerte es tanto un riesgo como un compromiso con la ficción y con la sociedad. Tal y como la propia DE TI APRENDÍ creadora ha señalado, esta historia no habría llegado a los millones de espectadores que la han visto si no hubiera sido por la apuesta de un De Niro que sigue creyendo, Robert De Niro, de ti aprendí que siempre hay que seguir confiando y apostando. creciendo y que las pasiones hay que perseguirlas, explorarlas y explotarlas. Que no debemos acomodarnos en una posición de éxito, sino aprovecharla y utilizarla para MÁS CINE impulsar a aquellos que aún no han conseguido dar el salto. Que es importante, diría básico, que quien tiene el poder apueste por los pequeños y ayude, en la sombra, a Y aquí no acaba la cosa. Dentro de su entrega al séptimo que ese mundo que tanto ama crezca. Y que las pasiones arte y también a la ciudad de Nueva York, Robert De Niro no entienden de edades, siempre que siga habiendo ilucreó el Festival de Tribeca, cuyo objetivo inicial fue devol- sión y energía.