MEW Magazine - NOV 2016 - Silvia Maya

MEW Magazine Spain Dirección y jefa de redacción P. Guergué mewmagazine@mewmagazine.es Dirección Ejecutiva A. Márkez agarcia@mewmagazine.es Comunicación y Marketing Itziar Monge imonge@mewmagazine.es

Redacción Silvia Serrano Montserrat Bautista Diego Paz Miguel A. Holguín Juncal García P. Guergué Fotografía Christian Caballo ccaballo@mewmagazine.es Fotografía y Maquetación A. Márkez agarcia@mewmagazine.es MAKE UP Y PELUQUERÍA Sara González SHOWROOM DE SILVA MAYA Six Madrid LOCALIZACIÓN DE SILVIA MAYA Hotel Santo Domingo

LEttER fRoM dE EdITOR Esta semana hemos vivido una nueva edición de los Premios Grammy Latinos. ¿No os parece una incongruencia? Por un lado nos volvemos más que dignos gritando siempre la palabra igualdad, en todos los ámbitos de la vida. Y resulta que luego somos los primeros en poner nuevas limitaciones, muros o barreras. Allá por 1959 llegó la primera edición de los Grammy. Los premios más importantes de la música a nivel internacional. Grande que nace, grande que pasa por allí y se lleva su galardón. Pero como supuestamente lo latino no se valoraba como correspondía, en el 2000 nació su edición hispana. Y mi pregunta es... ¿no hubiese sigo mejor defender lo latino dentro de esos grandes premios y no sacar un hijo postizo? Sea lo que sea, creo que todos deberíamos revisar nuestro ombligo de vez en cuando y darnos cuenta que metemos la pata día sí y día también. Y que si queremos defender nuestra lengua y nuestra música, no podemos hacerlo en guetos que auto creamos para dar impulsos a nuestro ego.

Pues haciendo revisión de esta última edición me tropecé con un tremendo escándalo. O eso vendían las redes sociales y gran parte de la prensa nacional y latina. Andrés, de Dvicio, había cometido el gran error de no dar por muerto a Juan Gabriel (fallecido meses atrás) y hacer ver que aún seguía con vida en el momento de otorgarle el premio póstumo.

Andrés cometió un error. Se equivocó. Seguramente porque por primera vez en su historia, como banda de pop española, estaban nominados a dichos premios. Ya está. No hay más. No hay faltas de respeto.

No hay insultos. Bueno, no de parte de Andrés a Juan Gabriel...porque lo que es del resto del público hacia Andrés... Lo que hay que aguantar. Resulta que Andrés comete un error y parece pecado capital. Y ya nos olvidamos de todo lo que los medios han dicho e insinuado de Juan Gabriel durante sus últimos años. Eso sí han sido auténticas faltas de respeto. ¿O es que solo hay que respetar a una persona cuando ha muerto?

La falta de respeto no es justificable en ninguno de los casos. Aunque una persona pueda defenderse. Así que aquellos que hablan de respeto con la boca bien grande, que primero miren todo lo que han ido diciendo, achacando e insinuando. Señoras y señores, el respeto no es solo a los muertos. Juan Gabriel no merece solo respeto ahora, el respeto también se merecía antes. Prefiero un error de Andrés a soportar de los medios y/o público todas las insinuaciones ofensivas hacia el divo mexicano. Que han existo y que siguen existiendo.

noviembre 2016

CONTENIDOS

libros fashion Amaya Arzuaga

Mercedes-Benz Fashion Week Madrid

music Dasoul Hugo Salazar Maika Makovski Nunatak Vanesa Martín DHI

portada

Silvia Maya teatro La Bella Durmiente Jardines La cena de los idiotas La lucha

Últimas novedades Elena Ferrante Lorena Amkie

cine Animales Salvajes y dónde encontrarlos Jaume Balagueró El ciudadno ilustre

Bocados Gourmet La vuelta al día Cinco quesos casi perfectos

Amaya Arzuaga

MERCEDES-BENZ FASHION WEEK Madrid

Con este desfile cumplen 20 años en Cibeles y lo celebran presentando una colección compuesta de nuevas propuestas para esta temporada junto a las piezas más representativas de las anteriores colecciones de Primavera-Verano, como resumen de la trayectoria de Amaya Arzuaga.

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libros

Carlos Ruíz Zafón

El Laberinto de los Espíritus El Laberinto de los Espíritus es un relato electrizante de pasiones, intrigas y aventuras. A través de sus páginas llegaremos al gran final de la saga iniciada con La Sombra del Viento, que alcanza aquí toda su intensidad y calado, a la vez que dibuja un gran homenaje al mundo de los libros, al arte de narrar historias y al vínculo mágico entre la literatura y la vida.

Mariposas en tu estómago: mi efecto mariposa Natalie Convers Booket

No hay dos personas más diferentes que Beca y Alex. Ella lo daría todo por su familia, él lo daría todo para mantener lo más lejos posible a la suya. Ella es fuego controlado y él es el iceberg que puede convertir en mil pedazos el barco de apariencias.

Montañas. Traspasando los límites

Stefan Dech | Reinhold Messner | Nils Sparwasser Lunwerg

A partir de tomas por satélite desde varios kilómetros de altura, en el Centro Aeroespacial Alemán (DLR) se han creado imágenes digitales de alta precisión de los paisajes montañosos.

Mi primer libro de cocina india Amandip Uppal | Lisa Linder Lunwerg

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El gusto por la buena mesa es una característica común a todas las regiones de la India y un elemento esencial en su vida familiar y cultural. Platos rápidos y sencillos de preparar para que puedas sumergirte en el fascinante mundo de la gastronomía india.

Lorena Amkie La cocina de Peter Pan Christian Escribà Tholoniat Planeta Gastro

Más de 70 recetas del maestro pastelero Christian Escribà para niños de entre 8 y 12 años, pensadas para que puedan elaborarlas solos, sin apenas ayuda de un adulto.

El Club de los Perdedores Alexa tiene 15 años y es víctima de bullying, pero ha decidido dejar de esconderse.

Y hace lo primero que se le viene a la mente: crear un Club Anónimo de Perdedores.

Así, lo que en principio es un blog pensado para salvar a otra de sus compañeras losers, termina dándole fuerzas para cambiar todo el universo que la rodea…

El bebé verde Roberta Marrero Lunwerg

“No nací hombre ni mujer. Nací bebé. Necesito tiempo para saber quién soy.” Así empieza la autobiografía ilustrada de Roberta Marrero: la historia real de una niña que nace en el cuerpo de un niño y de su camino hacia el autodescubrimiento.

El desierto en llamas Alwyn Hamilton Destino

En el reino de Miraji, las personas son como su desierto: implacables. Sólo alguien nacido entre el sol abrasador y las arenas mágicas puede hacer que todo cambie. Amani vive en una aldea oprimida por el sultán de Miraji, en la que miseria y magia conviven. La joven tiene un sueño: escapar de allí y llegar a la capital del imperio.

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Elena Ferrante, Una mujer violentada Texto: Juncal García

Virginia Woolf en su libro “un cuarto propio” (A room for one’s own ,1929)afirma que “Mujeres y ficción son hasta dónde yo sé, problemas no resueltos” esa frase que podría verse superada, vuelve a estar de actualidad con la polémica suscitada por la investigación acerca de la identidad de la autora italiana Elena Ferrante.

La autora de Una amiga estupenda ( L’amica geniale, 2011 ) señaló lo siguiente antes de publicar su primer libro “ Creo que los libros una vez que se han escrito no tienen necesidad de sus autores. Si tienen algo que decir encontraran tarde o temprano a sus lectores. “ Por eso ella ha mantenido siempre en secreto su identidad, para librarse según sus propias palabras de “la angustia causada por la notoriedad”.

La autora firma sus libros con pseudónimocomo señala en una entrevista concedida por email en 2015 a la revista Vanity Fair “ese círculo de personas que triunfan, los que piensan que ha ganado no importa el qué.“ La intimidad de la escritora se preserva hasta el dos de octubre de este año ,cuando el periodista italiano Claudio Gatti desvelaquién es la escritora en un artículo publicado simultáneamente en varios medios: el alemán All gemeine Zeitung, la francesa Mediapart , la New York Review of Books y el dominical de su periódico Il Sole. La investigación se basa fundamentalmente en el rastro que deja el dinero. El seguimiento de las cuentas corrientes, lasganancias por derechos de autor y algunas adquisiciones inmobiliarias,llevan a este sabueso a la conclusión de que Elena Ferrante es Anita Raja.

Anita Raja es una traductora nacida en Alemania y residente en Roma, hija de Golda Frieda Petzenmaum, una profesora de alemán judía sobreviviente del Holocausto y de Renato Raja, un magistrado napolitano. Estácasada con el escritor Domenico Startone. Nació en Nápoles y vive desde los tres años en Roma. Ha traducido novelas de la escritora alemana Christa Wolf, está especializada en autores de Alemania del Este y es también experta en Kafka.

Las reacciones no se hacen esperar, su colega , el escritor Erri de Luca se pregunta“¿ A quién quiere usted que le interese la identidad de Elena Ferrante- Para el lector, para mí como lector, no es la identidad del autor lo que me interesa sino su obra .” Como señala en la versión italiana del Huffington Post de 13 de noviembre añadiendo:“ Yo creo que si queremos escribir manteniendo el anonimato frente a nuestro público tenemos el derecho a hacerlo.”

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La investigación económica corresponde a la privacidad de las personas y debe ser utilizada sólo contra defraudadores y sujetos de delitos económicos no contra una pareja de escritores.“Claudio Gatti para defenderse de esta y de otras críticas señala que Elena Ferrante viola la vida privada de Elena Ferrante proporcionando datos totalmente erróneos en su supuesta autobiografía La Frantumaglia (2003) . El daño ya esta hecho, un efímero destello en un dominical supone quizás el truncamiento de una sólida carrera literaria.

Esta invasión en la intimidad de la escritora se acerca a la privación de su vestimenta, a una desnudez impuesta, a la violación de una voluntad. No es no. Virginia Woolf, en la obra ya citada,señalaba que para escribir hace falta independencia económica y un cuarto propio. Parece que han invadido el cuarto propio en el que Elena Ferrante había querido recluirse para crear una de las obras más influyentes en la literatura actual. No en vano, la autora ha sido considerara por la Revista Time como uno de los personajes más influyentes en 2016. Elena Ferrante, forma parte de una larga lista de escritoras que publican bajo un alias para poder sobrevivir en un mundo tradicionalmente dominado por los hombres. Escritoras como las hermanas Brontë adoptaron nombres masculinos, Colette escribió la serie Claudine (1900-1903)con el nombre de su marido Willy, la autora de Historia de O (Histoire d’O, 1954) Dominique Aury publicó esta novela desenfrenada bajo pseudónimo para no molestar a su familia.

Algunos, a estas alturas, andan fisgoneando en el cuarto propio de las escritoras. La frenética sociedad de la información prefiere el escándalo mediático al pensamiento crítico. Los artículos culturales adoptan las formas y los temas del sensacionalismo más amarillento. Todo eso forma parte de la derrota del pensamiento que preconizaba Alain Finkielkraut. Autores como Roland Barthes, Michel Foucault o Humberto Eco defendieronla importancia del texto per se, su autonomía frente a su autor. En otras palabras , la irrelevancia del autor respecto a su obra.

No importa. Los lectores de Elena Ferrante seguiremos leyendo a la Ferrante y no a Anita Raja. Esperaremos que encuentre su muñeca perdidaen esa habitación propia invadida de paparazzi. Esperaremos que siga escribiendo esa crónica de la mujer en la modernidad tan frecuentemente silenciada y violentada.

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Lorena Amkie Entrevista: P. Guergué

El club de los perdedores, de Lorena Amkie, narra de manera vívida un problema complejo: desde el uso de las redes sociales para acosar, a las diferencias generacionales que hay con los padres, profesores y autoridades que no pueden comprender la magnitud del problema. El acoso escolar o bullying es un problema creciente que ha captado la atención de la sociedad y en este libro se plasma de una forma muy real (está escrito en 1a persona), teniendo en cuenta que la autora lo ha vivido muy de cerca. ¿Cómo surge el proyecto de lanzar esta novela juvenil con esta temática?

No lo planeé en absoluto: publiqué la trilogía de Gothic Doll y a partir de ahí los lectores que habían conectado con mi obra, de 12 a 20 años más o menos, comenzaron a escribirme correos electrónicos y empecé a tener un intercambio constante y directo con ellos tanto en las redes sociales como en presentaciones y talleres literarios que imparto.

Este contacto y el enterarme de sus vidas y sus historias me hizo viajar en el tiempo a mi propia adolescencia y recordar algunos episodios que atestigüé y que nunca supe cómo debí haber manejado. Descubrí que las preocupaciones de los chicos de hoy y las que yo tenía eran las mismas, aunque el contexto cambiara, y que podía conversar con ellos acerca del tema. ¿Cuánto debe ahondar un escritor en sus demonios internos para poder transmitir con naturalidad los sentimientos que desea que capte el lector?

Supongo que para cada autor es diferente y que muchos no crean historias que les exijan una conexión emocional, pero para mí es vital: si no voy a aprender algo de mí misma, algo del mundo mientras escribo, la historia no vale la pena. El alma de los personajes es la que uno como autor les presta, así que hay que saber evocar las emociones a partir de las experiencias personales de uno.

¿Qué necesitaba transmitir Lorena con la publicación de ‘El Club de los Perdedores’?

Necesitaba encontrar una respuesta. Necesitaba saber cómo debí haber actuado ante la violencia y qué responderle a los chicos y chicas que me piden consejo, y eso sólo podía averiguarlo metiéndome a ese mundo de nuevo y probando todas las alternativas que mis personajes tenían, a ver qué funcionaba. ¿Qué sentiste cuando llegó el primer ejemplar físico a tus manos?

Cada vez que veo un libro con mi nombre me sobrecoge la emoción. Este es un sueño que tuve desde niña y aunque a veces parecía lejano o imposible, jamás dejé de perseguirlo.

Después de tres libros de vampiros, estaba preocupada por cómo mis lectores iban a tomar el cambio de registro y de temática, pues mientras escribo no pienso más que en la historia, pero al verlo publicado comienzan las preocupaciones del mundo exterior. Pensé que debía confiar en los lectores: ellos se darían cuenta de que mi alma estaba ahí y conectarían con ella. ¿Cómo viviste y vives la reacción del público hacia tu publicación?

Cuando yo soñaba con ser escritora, imaginaba al típico autor solitario metido en una buhardilla, escribiendo de noche y con un whisky en las manos. Nunca imaginé que el mundo cambiaría tanto que yo podría tener un contacto tan directo con los lectores y ha sido la mejor sorpresa.

Este libro, en especial, tuvo más de 50 reseñas en YouTube, se lee en colegios como referencia al tema del acoso escolar y ha tenido una respuesta abrumadora. Eso me hace sentir feliz, claro, pero sobre todo me hace sentir que no estoy sola, que es posible hablar con los jóvenes de temas difíciles sin tratarlos como si fueran tontos. Me llena de emoción escuchar a algún chico diciendo que el libro le ayudó en algo. Es algo increíble. ¿Qué ocurre en los sistemas educativos para que año tras año aparezcan más casos de bullying en las escuelas o institutos de los distintos países?

Yo creo que la violencia hacia los diferentes es inherente a

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la naturaleza humana. No creo que sea algo nuevo ni creo, lamentablemente, que vaya a dejar de existir, y me parece que los sistemas educativos no son los únicos responsables: las grandes violencias nacen de las pequeñas violencias y viceversa. Tenemos que ver qué alternativas les estamos dando a los jóvenes y qué mundo les estamos heredando. Qué escuchan en las noticias y en sus propias casas y qué nivel de tensión y miedo vivimos todos para provocar los niveles de intolerancia que llevan a la violencia.

Parece que por ser niño o adolescente, el mundo real, es un paraíso, pero no es así, ¿el mundo se equivoca no haciendo frente a los problemas de los más jóvenes?

Así es: tendemos a idealizar la infancia como una etapa perfecta, pero para muchos de nosotros distó de serlo…

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Los niños pueden ser crueles y en la adolescencia están no sólo los cambios físicos sino una confusión que va desde lo más cotidiano hasta lo más existencial. Es la etapa para preguntarse quién soy, quién quiero ser, a quién quiero amar, para qué estoy aquí, y no es sencilla, sobre todo para las personas que tienen aspiraciones, gustos o una apariencia distinta a la mayoría. Sí creo que un error común por parte de los adultos es pensar que los chicos exageran. Es posible que sean más dramáticos, sí, pero hay que saber detectar cuándo están hablando en serio y escuchar, siempre, siempre. La sensación de no tener con quién hablar, de que nadie nos cree, es tan desesperanzadora que los jóvenes pueden tomar decisiones fatales que pudieron ser prevenidas con un hombro y un oído amigo.

¿Qué te ofrecen las palabras para bailar como lo haces junto a ellas?Inmortalidad: la oportunidad de vivir un montón de vidas, probar mis hipótesis en cuerpos ajenos, por decirlo de algún modo, enamorarme todo el tiempo, matar sin consecuencias, volver a nacer… ¿Cuándo supo Lorena que su destino estaba escrito junto a la palabra narrativa?

Desde que comprendí que dedicarse a crear historias era una ocupación posible. Siempre amé el lenguaje y comencé a hacer versitos desde los 9 años… Supe que sería escritora, costara lo que costara, desde la adolescencia.

Adaptarse o morir... ¿cuál es la tercera opción?

Jeje, la búsqueda de esa tercera opción es lo que da sentido a toda la historia, así que no te la puedo contar…

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¿El sentido del humor es necesario en cualquier situación de nuestra vida?

Hay momentos para todo, claro: no todos apreciarán un chiste a la mitad de un sepelio, pero el no tomarse a uno mismo demasiado en serio ayuda, lo creo firmemente, en cualquier situación. ¿Cuánto de complicado es alcanzar la fibra sensible de un lector?

Creo que los lectores detectan a nivel inconsciente cuando uno está siendo honesto con ellos. Genuino. Con esto quiero decir: los lectores (al menos los jóvenes) buscan conectar con otras almas, con las emociones más básicas, y detectan cuando un autor se está dejando el alma en una historia y si es así, se permiten viajar con los personajes.

Supongo que es complicado si uno como autor no reconoce sus propias búsquedas, sus defectos y problemas, porque así es imposible empatizar. Para mí no ha sido tan complicado porque no puedo evitar poner todo de mí en mis historias.

Y para finalizar, ‘El Club de los Perdedores’ es una novela que…

Habla de la amistad, el amor, la búsqueda de la identidad y la dificultad de sobrevivir cuando uno es diferente a los demás pero es, ante todo, la historia de Alexa. Una chica un poco extraña.

Fotografía: C. Caballo entrevista: p. guergué

“Todas las promesas” es lo último de Dasoul. Un nuevo rumbo. Un cambio a lo establecido. La vuelta de tuerca que tiene acostumbrada.

Al final, el mundo es algo mucho más sencillo si no nos quedamos estancados e indagamos. Porque esa investigación nos hará mucho más fuertes, mucho más transigentes y ofreceremos la mejor parte de nosotros mismos.

Dasoul llega en esta nueva etapa de la mano de la conjunción de Universal Music y Roster Music. Todos aúnan sus esfuerzos para conseguir que su voz traspase cualquier límite establecido y el público caiga rendido en sus redes.

No importa el sonido o la letra. A veces es suficiente tener el carisma necesario para establecer qué quieres ser y cuándo lo quieres ser.

Pactar con el futuro está sobrevalorado. No hay nada como vivir el presente, dispuesto a cambiar el mañana en cuanto así lo requiera la música.

¿Con cuántas mariposas en el estómago suele afrontar Dasoul las nuevas etapas?

No sé el número exacto pero sé que semanas antes del lanzamiento siempre hay ansiedad, siempre hay nervios por saber lo que piensa el público.

Pero ya realmente una vez el tema está fuera ya todo empieza a fluir y los nervios se convierten en noches de poco sueño, porque estoy de promoción o estoy pendiente de Youtube o pendiente a las visitas en Spotify, o estoy pendiente a lo que dice la gente por twitter, lo que dice la gente por Instagram o por Facebook. Es una mezcla de sensaciones pero si es verdad que la semana antes del lanzamiento hay entre ansias y nervios. Más ansias que nervios.

“Todas las promesas” es tu nuevo single, ¿nos presenta a un nuevo Dasoul?

No, es un Dasoul que siempre ha estado. Lo que pasa que no se lo había mostrado a la gente tal cual yo quería mostrárselo. Todo el mundo me relacionaba con las canciones pisteras, las canciones de discotecas que tienen esos mensajes directos, pícaros, picantes, o sino, por el penúltimo single que es súper bonito también que es un tropical dance, un poquito más rela-

jadito. Pero con esta canción lo que quise hacer es demostrar a la gente que no solo puedo hacer música para las discotecas y que se cataloga como pachanguera, creo yo, vulgarmente como pachanguera. Sino que puedo hacer cualquier estilo de música. ¿Qué sensaciones te transmitió “Todas las promesas” para decir eres tú con el que quiero presentarme de nuevo?

El conjunto. Tanto la letra que es súper bonita como la instrumental, la producción. La forma de interpretarlo también. Depende de cómo esté ese día pues lo interpreto de una manera u otra. Ese día lo hice bien, de hecho no lo tuve que grabar otra vez. O sea, la primera grabación fue la que dejé. La primera grabación que normalmente siempre es para la demo pero fue la grabación que dejé porque fue la grabación con más sentimiento. Y yo creo que el conjunto de la grabación, tanto la producción es arriesgada como la interpretación, como la composición.

Hacen que la canción sea única. ¿Cuánto de arriesgado es Dasoul en su carrera musical?

Mucho. En todos los singles que he sacado he arriesgado. O sea, desde que me conocieron con ‘Él no te da’. Han sido canciones arriesgas tras canciones arriesgadas. Ahora con “Todas las

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D a s o u l

promesas” es otra historia que nunca había hecho antes. ¿Cuánto de responsabilidad sientes la noche antes de lanzar el single?

La noche antes, lo mismo que los días anteriores. Es un día más de la semana. La responsabilidad es grande porque cada vez el listón está más alto porque yo me lo pongo más alto. Esa es una de las claves. Si tú no te pones el límite en el cielo, no vas a conseguir tocar el cielo. Depende de tus límites, tus metas. Y yo creo que cada vez mis metas están más altas. Mi meta siempre ha sido la que está ahí, que la gente reconozca mi música, se sienta identificada con mi música y le da valor a mis composiciones y a mí música.

Esa es mi meta y mi responsabilidad. Bendita responsabilidad.

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En los primeros días, ¿la reacción del público fue mejor de lo esperado?

Sí. Totalmente. Estaba asustando por el tipo de producción que es. Una canción más anglo, más americana que española y pensé que el público no lo iba a aceptar tan bien.

Aquí artistas españoles que hagan esas producciones hay pocos. Hay muy pocos por lo arriesgadas que son. Y porque es muy difícil llevar lo americano a lo español. Es muy complicado españolizar una cosa que es de fuera. Yo lo he hecho con los tres últimos singles y creo que me ha salido bien.

¿Tienes la fórmula secreta para intuir que single o qué single no va a ser un éxito?

No, eso nunca. Si tuviera la fórmula secreta ten por seguro que tendría una lista de canciones ya preparadas, diciendo esta va a ser la próxima, esta va a ser la próxima, etc. Si es verdad que tengo una candidata ahí para próximo single, en un futuro no muy lejano. Pero porque vas oyendo lo que suena en la calle, vas interpretando como va cambiando la música y entre más enriqueces tu oído más entiendes como está evolucionando la cosa. Pero de ahí a tener la fórmula hay un camino muy largo. ¿Estás caminando tal y como quieres caminar en tu carrera musical¿ Sí. Totalmente. El paso que acabo de dar, sacando este single, y firmando con Universal, ha sido uno de los pasos más importantes de mi vida. Es uno de los pasos con el que todo artista sueña, pertenecer a una de las compañías más importantes del mundo. Perteneciendo también a una de las compañías más importantes de España como es Roster Music, las dos compañías trabajando en conjunto conmigo, haciendo todos la misma fuerza para llegar a un mismo lugar. Creo que más no se puede pedir. Pedir más es de avariciosos. Ahora lo que queda es trabajar duro y demostrar con resultados.

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FotografĂ­a por: Christian Caballo

La música es el escondite perfecto para...

Evadirte de los problemas.

Los sueños se cumplen si...

Si nunca dejas de soñar.

La felicidad es tan sencilla como...

Vivir.

La clave en la vida es...

Tener equilibrio.

Tenemos que escuchar “Todas las promesas”...

Para conocer una faceta nueva de mi música. Una faceta que pocos conocen pero está ahí.

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Hugo Salazar Fotografía: C. Caballo Entrevista: P. Guergué

“Adivina, adivinanza” ha sido la vuelta más esperada y más arriesgada de Hugo Salazar. Más ritmo, más energía, un cambio al sentido y al camino. Desandar para volver a andar. Hacer el camino sabiendo que es lo que quiere hacer, sin direcciones indicadas por terceros.

Con la responsabilidad y el respeto hacia el público como equipaje del viajero que busca consuelo en esa mirada de terceros. Los que le dieron el primer aplauso. Los que le dejaron entrar en su casa y ser parte de esa banda sonora de vida.

Hugo Salazar compone cuando necesita hacerlo. Sin marcajes. Sin horarios. Sabiendo que para ser, hay que trabajar. Sin olvidar que para trabajar, no se debe de dejar de soñar.

Tres años han pasado ya desde tu último trabajo, ¿qué ha ocurrido en la vida de Hugo durante estos tres años, antes de lanzar su nuevo single?

Han pasado muchas cosas la verdad. Me he tomado un tiempo sabático para componer las canciones de este nuevo trabajo, de hecho el adelanto es fruto de ese tiempo y de maduración. He vuelto a las aulas también. Hice el acceso a la Universidad y estoy a punto de acabar ‘Nutrición y Dietética’.

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Ahora llegas con “Adivina, adivinanza”, ¿qué nos trae Hugo de nuevo?

Esta canción a diferencia de temas míos anteriores, quizás sea bastante más dinámica, bastante más ligerita.

Le da un punto, un rollo más diferente a lo que yo hacía antes. Es un tema rápido. Yo estaba acostumbrado a medios tiempos, baladas, y este tema es bastante más enérgico. ¿Cómo has ido viendo la reacción del público?

Bastante bien. La verdad es que a nivel de la gente que me sigue, y sobre todo, gente de los medios, nos están felicitando porque parece que les está gustando la canción.

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Cuando seleccionas el single, ¿piensas mucho en los gustos del público?

Realmente de todas las canciones que he hecho, esta de “Adivina, adivinanza” he tenido que ponerme en la piel de la gente que me pedía o me demandaba este tipo de canciones.

¿Cuántos demonios internos traspasa Hugo a sus composiciones?

Depende. Según se mire. Hay muchos demonios disfrazados. Lo que ocurre yo tengo una manera de componer bastante enigmática y hay cosas que se esconden en las cosas que expreso que quizá no todo el mundo entiende. Pero algún que otro demonio se esconde. ¿Componer se llega a convertir en una necesidad?

En etapas sí. No en el día a día. Podría venderte la moto de que me paso la vida con una guitarra en lo alto pero no. No es así. Es por etapas. Hay etapas en las que te apetece componer y etapas en las que estás, a lo mejor, más perezoso. Pero en las etapas que te apetece, sin duda, es una necesidad.

Una necesidad de expresarte. De expresar algo que llevas dentro y que no sabes cómo hacerlo e intentas sacarlo de alguna manera.

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¿Qué es lo que más inspira a Hugo?

Las historias. Llámese sentimental o no. “Adivina, adivinanza” es una historia autobiográfica. Está contada en primera persona y no deja de ser una historia en sí. Quizá me inspire la necesidad de tener que contarla pero tal y como es. ¿Desde dónde compones mejor? ¿Desde el amor o desde el desamor?

Desde el amor creo. Me gusta más componer desde la chispa. Desde la alegría y desde la felicidad de ese amor, no desde la ruptura de una historia. Aunque a veces es inevitable escribir también al desamor. Yo tengo muchas canciones que están dirigidas

Si echas la mirada atrás y recuerdas a ese Hugo que se empezó a subir, por primera vez, a los escenarios y ahora vuelves a día de hoy, ¿qué es lo que sientes igual? ¿Tienes algún sentimiento que se parezca a lo que sentías años atrás?

Ahora es el mismo nervio pero de otra manera. Esa tensión de cantar la sigo conservando cada vez que me subo a un escenario.

Y con el paso de los años, ¿se siente una mayor responsabilidad hacia el público?

Creo que sí, que puedes estar en lo cierto. Uno se hace más mayor. Supuestamente cuantos más años tienes que componer mejor. Y quizá si sienta esa responsabilidad.

“La música me da la oportunidad de potenciar mi felicidad, mi tristeza, de algún sentimiento que tenga en ese momento.”

a ese desamor. No deja de ser un sentimiento que he tenido.

Desde que comenzaste con toda esta aventura que es la música, hasta día de hoy, ¿has llevado el proceso tal y como querías?

En algunas cosas sí y en otras, a lo mejor, me he tenido que ceñir a las exigencias del guion. Algunas cosas sí las he decidido yo y he tomado el camino que quería y en otras me he tenido que dejar guiar. Sin duda, el camino de la música es muy largo y tiene rutas alternativas que son erróneas, por supuesto que yo habré tomado alguna errónea. Pero, bueno, he tenido la fortaleza de volverme atrás, desandar el camino y volverlo a andar.

¿Qué es lo que te ha dado el público que nada más lo ha hecho?

Me ha dado muchas cosas. Sobre todo me ha dado la oportunidad de compartir todas estas historias con ellos. El hecho de que ellos me dejen penetrar en su día a día para mí ya es suficiente. ¿Y la música? ¿Qué significa para ti?

Es una manera de expresarme que quizá no pueda hacer de otra manera.

La música me da la oportunidad de potenciar mi felicidad, mi tristeza, de algún sentimiento que tenga en ese momento. Es una manera de expresarse. Es un lenguaje universal. Es una constante en mi vida.

Fotografía: A. márkez Entrevista: P. Guergué Hay voces que cuando las escuchas, no comprendes el motivo por el cual el mercado de la música es tan injusto. No encuentras excusas posibles.

Ni modas. O estilos. Y si a la voz le sumas una calidez personal impresionante, entonces las fórmulas matemáticas dejan de ser tan exactas.

MaikaMakovski es música, artista y una increíble persona. Su voz, cuando la tienes a un metro de distancia, es inigualable. Desprende un aura cargada de sensibilidad. Es tan elegante y a la vez tan perfecta que no encuentras motivos para que no esté en los primeros puestos de los temas más escuchados del país.

¿Escuchaste alguna vez eso de ‘esto es una locura’?

Bueno, tenía a todo el mundo alrededor mío acostumbradísimo. Ni estudiaba ni nada. Yo lo que hacía era tocar y dar la murga con mis canciones.

Además mi padre es música. Con lo cual en casa ayudó mucho. Sé de colegas que han tenido verdaderas discusiones, traumas, para dedicarse a esto.

Y muchos de ellos que podrían haberlo hecho y no lo hicieron porque era demasiado fuerte el enfrentamiento que tenían que tener en sus casas.

Y yo...yo no tuve que tenerlo. ¿Qué es lo mejor y lo más complicado de ser músico?

Lo mejor de ser músico es la música. Lo más complicado son los números y el mundo real. El mundo que hay cuando dejas tu habitación o tu estudio. Pero también ese mundo trae sus alegrías. Porque es el mundo en el que más tenemos que conquistar, creciendo.

Viaja cargada de música desde sus 15 años

Da pena que sigamos cayendo en los mismos errores de siempre. Que sigamos aplaudiendo a quien viene de fuera y seamos incapaces de hacerlo a quien viene de dentro. Lo bueno es que Maika está por encima de eso y ella hace su camino como solo se puede hacer, trabajando. Y con una pizca de sueños aferrados a la mano.

¿Recuerdas ese preciso instante en el que supiste que, si o si, tenías que dedicarte a la música? ¿Pues sabes que sí? Sí me acuerdo. Parece como un recuerdo que no tiene que existir de lo romántico que es. Tenía quince años y estaba tocando en un concurso en Palma. Y era una noche de septiembre, en la que hacía una brisa perfecta y estaba al lado del mar. Empecé a cantar y me subía un fuego por la garganta tremendo y toda esa conjunción entre el mar y el viento... lo que sentí esa noche... me acuerdo de pensar en el escenario, yo no quiero hacer otra cosa.

¿Qué siente Maika cuando se esconde dentro del estudio?

Depende. Hay veces que me pongo muy nerviosa. Por mucho que intentes no pensar que eso se va a quedar ahí grabado para siempre, es muy difícil abstraerse de esa idea. Pero cuando todo va rodado en una grabación, cuando es el momento adecuado y la música adecuada, y los músicos adecuados, es maravilloso. Es un mundo para mí mucho más descocido que el escenario, lo he hecho mucho menos, pero me interesa. Me interesa un montón. ¿La mejor parte y la peor parte de la producción de este último trabajo?

La peor parte ha acabado siendo la mejor parte.

Ha llevado mucho tiempo este disco. Pero no ha llevado mucho tiempo este disco porque estuviera trabajando en las mismas canciones mucho tiempo. Sino porque me ha llevado mucho tiempo darme cuenta de que este disco tenía que ser esto.

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Maika Makovski

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Un compendio de canciones. Algunas son de hace cuatro años, de Macedonia, y otras son canciones que las escribí en Barcelona. En un momento vital completamente diferente. Entonces, estos cuatro años de espera son lo mejor y lo peor que tiene este disco.

¿Cómo realizas la selección de los temas que si o si tiene que estar en el álbum? ¿Cuánto cuesta desprenderse de las que no pueden estar?

Tiene lo suyo. Tiene mucha miga.

Acumulé muchos temas. Tenía ciento y pico antes de hacer una criba. Tenía cuarenta después de hacer una criba.

Entre el productor y yo hicimos la selección de 15. Y quedaron 11 temas finales. ¿Hay algún descarte que ha dolido más de la cuenta?

Si me lo estoy pensando demasiado es que no. No, porque yo no conozco muy bien el significado del adiós. Ahí está el tema. Si lo quiero grabar para un siguiente disco, ahí está todavía.

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¿Cuál es la clave de un tema para que sea el single?

Buena pregunta. Ojalá te pudiera dar una buena respuesta. Supongo que hay gente que tiene teorías sobre esto. Que tiene fórmulas y que se mete en el estudio ya sabiéndolas. No sé...te diría, si me abstraigo un poco, un buen estribillo, un mensaje claro, una duración que no sea como un single de los 70 (Risas). Diría que es eso.

Y cuando escuchamos un no, ¿por qué hay que seguir persiguiendo el sí?

Porque sigue vivo dentro. Porque el sueño sigue estando allí. A veces no, a veces los sueños son caducos. Y ese es el único miedo que yo le tengo al no.

Que cuando yo me niego algo que me apetece hacer, existe la posibilidad de que en el futuro ya no me apetezca.

Entonces es lo que yo llamo los sueños podridos.

¿Cuántas veces has escuchado la palabra ‘no’?

La he escuchado porque tengo muchas ideas locas. Sobre todo de cara a la gente que tiene que dar el dinero para financiarlas. Pero como te he dicho antes yo no creo en el adiós y por tanto no creo en el ‘no’. Si una idea no se puede llevar a cabo en ese preciso momento, mientras me siga apeteciendo, la sigo teniendo en la cabeza y sigo intentando que ocurra de alguna manera u otra. Pero no te creas que tantas veces porque no me apoyo demasiado en los demás.

Hablando de sueños, ¿cuántas oportunidades hay que darles?

Todas las que pidan. Mientras siga vivo el sueño o la fantasía, el embrión de una idea, creo que hay que mimarla y hacerla crecer como a un hijo.

FotografĂ­a cedida por Universal Spain

- Nunatak Entrevista: P. GuerguĂŠ

Mosaico de melodías y voces

Engloban vuestro sonido dentro del indie-folk... ¿Es una etiqueta buscada? ¿O todas las etiquetas que llegan a nuestra vida son ajenas a nosotros?

Normalmente son ajenas, entendemos la utilidad de las etiquetas, pero nosotros no las usamos para definirnos.

Cuando uno ya está en el mercado musical... ¿se siente más responsabilidad cuando hay que meterse en el estudio de grabación para lanzar nuevos temas?

No diría tanto, sentimos la responsabilidad de seguir siendo honestos con nosotros mismos, hacer la música que nos flipa y estar muy orgullosos del resultado, nada más.

¿Qué ha sido lo más complejo de todo?

Quizás una de las canciones más complejas fue El pulso infinito. Encontrar el sonido que queríamos y buscábamos llevo su tiempo, pero otra vez más Luca dio con la tecla e hizo una de sus magias, para conseguir justo lo que llevábamos en la cabeza ‘Nunatak y el Pulso Infinito’ es el nombre del álbum... ¿hubo mucha discusión al respecto?

Cuando llega la hora de poner nombres es siempre un caos, y siempre acabamos desvariando mucho, pero en esta caso llegamos bastante rápido a este nombre, y nos encantó a todos desde el principio.

¿Cómo habéis vivido todo el proceso de producción?

Ha sido apasionante, nos quedamos a dormir en el mismo Estudio Reno, así que fue algo así como un campamento musical (risas) la verdad que fue una experiencia genial

¿Cómo fue esa noche previa al lanzamiento del primer single? ¿Cuántos nervios florecieron?

Muchos la verdad, es tu criatura, y llevas mucho tiempo y trabajo detrás, y la verdad que aunque tu estés muy seguro de la calidad del tema, la acogida del público y crítica importan. Por suerte las primeras impresiones fueron muy buenas.

¿Qué nuevas lecciones os habéis llevado de esta nueva producción?

La más importante es que siempre falta tiempo (risas) hemos aprendido muchísimo de nuestro productor Luca Petrica, a nivel de sonidos de guitarras, pedales, sintes, estructuras de canciones, etc. Pero también hubo lecciones no menos importantes, como saber que si quieres tener un buen día productivo de estudio, es una gran idea dejarte unas buenas lentejas hechas el día anterior (risas)

¿Qué prima en vuestras composiciones?

Una melodía, a veces luminosa a veces oscura. Un ritmo, a veces potente a veces delicado ¿Qué esencia buscáis en un tema para poder incluirlo dentro de una nueva producción?

Que nos llene, que nos estremezca. Es difícil definir esa sensación de seguridad que sientes cuando cantas por primera vez una melodía que sabes que irá seguro en tu siguiente trabajo.

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MW | MÚSICA | ENTREVISTA

Naturaleza - Viento - Fuego

¿Cuánto cuesta conquistar el aplauso del público?

La verdad que es complicado, una veces más y otras menos. En esta gira que empieza sabemos que habrá momentos fáciles y otros difíciles, pero nosotros estamos mentalizados en dar el 100% en cada bolo. ¿Y de la crítica?

Es parecido la verdad, al final el arte es subjetivo por definición, así que entendemos que hay gustos para todo, aunque sea un topicazo.

MW | MÚSICA | ENTREVISTA

¿Por cuál de los dos aplausos sentís más responsabilidad?

Yo no diría responsabilidad. Nosotros no estamos aquí para buscar el aplauso. Estamos aquí para expresar sentimientos y emociones a través de la música, el aplauso es una consecuencia de la relación de esas emociones y el público. Así que si llegan siempre son bienvenidas, pero no las buscamos.

Para Nunatak... ¿qué es imprescindible para hacer buena música?

Estar rodeados de gente que quieres y en la que confías, ser coherente con tus principios y con tus pasiones, y a partir de ahí, dar rienda suelta a la creatividad.

Para quien escuche vuestro nuevo álbum por primera vez… ¿con qué sensación os gustaría que terminase?

Con el de haberse embarcado en un viaje emocionante, con pasajes épicos, oscuros y delicados, con un final agridulce que le invita a volver a escucharlo de nuevo.

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“Sentimos la responsabilidad de seguir siendo honestos con nosotros mismos”

MW | MÚSICA | ENTREVISTA

Vanesa Martín Fotografía: a. márkez texto: p. guergué

Munay. Vanesa Martín ha regresado.

No sé si lo ha hecho mejor o peor que antes. Aún debo degustar cada nuevo tema, lentamente, con los ojos cerrados, en esas noches en las que el sueño decide hacer vida ajena a mi cuerpo.

Lo que sí sé es que no ha perdido su esencia. Su sonido. Su alma.

Quinto álbum de estudio y sus composiciones siguen siendo punto de referencia. Hay magia. No son palabras inconexas. Todo cobra sentido cuando Vanesa decide juntar una palabra con otra. Pegar palabra a palabra y dejar que la melodía haga el resto.

Munay es una palabra de origen indio que significa el amor del creador por la creación, el amor a la naturaleza,a uno mismo y al prójimo. Munay es también, a partir de este momento, el sugerente título del nuevo álbum de Vanesa Martín, un título algo enigmático que nos remite al arte de amar de los pueblos andinos, queimplica amor con voluntad y propósito inmaterial.

Momentos cruciales de por medio o no. Sea en una trayectoria profesional

o personal, la realidad es que hace dos años Vanesa consiguió ser más visible que nunca dentro de nuestro mercado musical y este nuevo lanzamiento, el único objetivo que tiene, es afianzar ese buen momento. No repetir. Mejorar.

Crecer. Sumar. Aumentar esa calidad y rozar la excelencia. Porque Vanesa no es de las que se quieren mantener. Vanesa es de las que lucha y pelea. Y lo consigue. Porque espera. Porque sabe hacerlo. Se queda en la retaguardia, esperando el mejor momento, porque sabe que llegará. Y lo hace en silencio.

Trabajando. Siendo constante. Haciendo lo que mejor sabe hacer. Escuchar.

Porque para componer como ella lo hace, hay que saber escuchar. Porque solo escuchando de verdad, puedes trasladar todas las historias como si fuesen propias.

el amor volverá. O sabemos que terminará para siempre. Sabemos que la amistad no suele ser efímera. Aunque a ratos vengan y te traicionen. Creemos en los sueños. Pero somos conscientes que todo se consigue con trabajo y constancia. Buscamos la complicidad y, a veces, la dejamos escapar. Eso es Vanesa. La dueña de nuestras palabras.

Nuestras historias. Ella pone melodía y nosotros nos teletransportamos a un momento, una época, un sueño, la nostalgia, el dolor o la pasión.“Yo nunca paro. Voy componiendo sobre la marcha, apuntando aquí y allá, grabando ideas en el móvil… Para mí, la música también es terapia. Siempre canto desde el compromiso y me expreso con mucha libertad y mucha claridad, desde mi posición, la de una mujer que no se conforma absolutamente con nada”.

A Vanesa nos la creemos. Nos la creemos dentro del álbum. Y en los directos. Observamos cómo cada poro de su piel desprende cada sensación. Las historias cobran sentido. Tenemos fe en encontrar el amor. O en que vuelva. Tenemos fe en saber cómo decir no. En no volver a caer. Sabemos que

Cuando a ratos nos despierta el éxito, tras muchos años de trabajo y esfuerzo, siempre se teme no saber cómo afianzarse. Se teme perder el equilibrio y no saber cómo continuar. Porque, a veces, nos acomodamos en el sofá de nuestra casa o en el estudio de grabación. Parece que tocar el cielo es la meta. Pero si

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te mantienes sentada en las nubes, es mucho más divertido.

“Crónica de un baile cambió mi vida más que cualquier disco anterior. Fue el disco que me asentó y confirmó. De ahí la importancia que tenía para mí la preparación y grabación de este nuevo disco”. Munay es su contundente respuesta. ¿Para qué esperar a que el futuro decida? Lo mejor es plantarle cara y gritarle muy alto que se sigue en pie, con capacidad para sorprender. Para ser quienes éramos, sin dejarnos apabullar. Porque éxito no es sinónimo de triunfo personal.

Ni triunfo personal será nunca sinónimo de éxito.

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El éxito llegó a Vanesa hace dos años pero el triunfo personal ha ido llegando con cada proyecto que ha lanzado al mercado. Porque nunca ha dejado de ser quien quería ser.

De ofrecer esas letras que muy pocos compositores tienen la suerte de llegar a escribir. A Vanesa le brotan las palabras de las entrañas. No decora. No tiene que buscar o indagar.

Brotan. Munay excava en múltiples sentimientos íntimos y diferentes estados de ánimo, “un vuelo incombustible de sueños, vida y experiencias. Las canciones de Munay son un canto a la vida y a momentos que he vivido en primera persona o han vivido otros a mi alrededor. Experiencias que me van contando, voy viendo, que percibo y convierto en canciones. A veces puede parecer todo muy personal porque a la hora de componer siempre intento ponerme en el lugar de otra persona para imaginar lo que ha podido sentir”.

Vanesa ha vuelto. Y lo puedes celebrar porque lo ha hecho por todo lo alto. Ha tomado grandes decisiones y lo ha hecho consciente del momento. Por ello no dudó en elegir al productor Eric Rosse hace casi un año. “Yo estaba buscando un cambio. En su día me había quedado muy enganchada con el disco Little Voice, de Sara Bareilles, pero entonces no sabía que era Eric el productor. Cuando escuché Terral, de Pablo Alborán, me llamó la atención su trabajo. Más tarde le conocí en Las Ventas, en el concierto de Pablo. Conversamos, congeniamos y le dije: ‘tú vas a ser mi próximo productor’. Él se reía, pero así ha sido”.

La grabación se llevó a cabo durante cinco semanas en Los Ángeles, California, con músicos del lugar, grandes profesionales y experimentados, músicos que han tocado con Bruce Springsteen, Red Hot Chili Peppers, ToriAmos, Bryan Adams, Birdy… “De repente te ves ahí, con gente que te habla con tanta naturalidad de las cosas tan extraordinarias que ha hecho y te quedas alucinada. Me parecía estar soñando. Fue increíble, hubo muy buenaconexión. Hasta les hice gazpacho para la barbacoa que organizaron el 4 de julio. Y otro día les hice lentejas”.

Munay. O Vanesa Martín. Es lo mismo. Es esencia y vida. La tuya, la mía. La de ella. La nuestra. Es la banda sonora de lo que fuimos, somos y seremos.

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FotografĂ­a cedida por Warner Music

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D H I Localización: abonavida Fotografía: a. márkez texto: p. guergué

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Llevamos hablando de música gran parte de este último número. Y no podíamos cerrar sus páginas sin dejar un hueco calculado al grupo DHI. Grupo mallorquín que quiere abrir las puertas del mercado a patadas con música fresca y soñadora.

Nos reunimos entorno a tres de sus componentes para hablar de cómo es la situación actual de la música. De cómo es posible que un puñado de jóvenes decida luchar por un futuro dentro de algo tan sumamente complicado y de lo difícil que es alcanzar cualquiera de nuestros sueños. Aunque al final el tesón, trabajo y constancia sean las armas perfectas para no dar nuestro brazo a torcer y pelear por lo que realmente nos importa.

DHI es pop. O no. ¿Para qué etiquetar? Seguro que hay un hueco para ellos. Solo hace falta que la suerte abra la puerta y entrarán alocadamente perfectos a todas las emisoras del país. Porque necesitamos de ellos.

De una banda que se despeine y sea políticamente incorrecto. Que demuestre que la música no es solo del artista que lo hace en solitario. Estamos carentes de magia en dosis gigantescas.

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DHI es sintonía de la música hecha con corazón.

¿Qué habéis encontrado en la música?

Toni: Te da otro punto de vista de ver las cosas. Porque te transporta totalmente. La música es capaz de volver a traerte recuerdos en la cabeza que de ninguna otra manera podrías conseguir. ¿Cómo gestionáis las composiciones?

Kiko: Tenemos una idea. Un día se le puede ocurrir a Toni, otro día a Pedro y otro día a Lalo u otro día a mí. Una vez con esa idea, la plasmamos en el local y la empezamos a trabajar. Y a hacerla nuestra. Es un trabajo común, por parte de todos.

Y cuando llega el momento de elegir el single, ¿hay mucho debate interno?

Toni: No, pues curiosamente, cuando es el momento de elegir el single todos estamos de acuerdo porque se ve muy claro. Cuando una canción nos marca mucho a todos, nos marca por igual, es curioso. No solemos tener mucho debate.

Cuando lanzasteis el primer single, ¿cuál fue la primera sensación que os recorrió?

Kiko: Espectacular. Esa sensación la recuerdo como si fuera ayer. Fue la primera vez que empezó a sonar en radio.

Esa fue una novedad súper grande. Fue una sensación indescriptible.

Pedro: Hoy en día se nos siguen poniendo los pelos de punta cada vez que una radio pone nuestro single. ¿Y el primer contacto con el público en un directo? ¿Cómo fue?

Kiko: Fue en Palma de Mallorca, en nuestra ciudad. Fue en la Plaza de España y fue una sensación que es increíble y más cuando se conocían la canción. Que te la canten es muy grande.

¿Cómo comienza toda esta aventura dentro de la música?

Kiko: Comienza por casualidad, gracias a una profesora de la Universidad donde yo estudiaba. Ella organizaba una gala benéfica, sabía que me gustaba la música y que tocaba y me propuso y nos animó hacer esa actuación y tomárnos- ¿Cuánto de complicado es ganarse el cariño y el respeto lo mucho más en serio. del público?

Kiko: Es complicado. Yo creo que poco a poco lo conseguiDesde que comenzasteis en esta aventura, ¿cuántas veces mos. Si hablan mal también está bien, que hablen. Bien o os han llamado un poco locos? mal pero que hablen.

Pedro: Es arriesgado tomar una aventura así. Como ha dicho Kiko fue una casualidad. Hemos ido partido a parti- Cuando el público responde positivamente al single que do como diría el Cholo Simeone. Poco a poco. Y si que es seleccionáis... un poco locura la verdad porque sin saber que iba a pasar Pedro: Es la alegría más grande que te pueden dar. Este vepues nos hemos lanzado. rano estuvimos tocando en la Plaza de Toros de Mallorca y tocamos nuestro single, ‘Recuerdos de verano’, y ver a toda Kiko: Y más hoy en día porque el tema está complicado. una plaza cantar y que tú estés en silencio eso es increíble.

Y más en este mundo que se apuesta muy poquito por los grupos o por los artistas pero quien no arriesga no gana y Kiko: Miramos mucho por el público que nos viene a ver. nosotros en eso somos emprendedores. Y hay que arriesgar Si una canción no funciona en directo la quitamos. Desistien la vida para triunfar. mos de tocarla en público.

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¿Tenéis muy claro el tipo de sonido que queréis tener y mantener?

Toni: Esto ha sido recientemente. Nos hemos descubierto como grupo. Hemos sabido reunir todos los ingredientes.

Hemos encontrado como la fórmula mágica en la que podemos plasmar todas nuestras ideas y que nos guste a todos.

Nos hemos autoproclamado como el pop isleño. ¿Dónde creéis que reside la magia del directo entre el público y el artista?

Toni: La magia está en que el público vea que te lo estás pasando bien. No puedes ir a tocar solo por tocar y porque han pagado la entrada.

Kiko: La magia son sensaciones de si conectas o no conectas.

También depende del público.

Cada ciudad es un mundo.

La magia es complicada de definirla entre el público y el artista. Pero si ven un buen rollo y un buen ambiente y hacen las canciones suyas, ahí está la magia de conexión entre el grupo y el público.

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La Bella Durmiente

MW | TEATRO | CRĂ?TICA

Texto: Silvia Serrano

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La bella durmiente manifiesta el respeto a las diferencias a través de un musical encantado

La bella durmiente en su estilo más moderno llega al teatro Apolo para representar nueve funciones con las que pretende dar un giro radical al tradicional cuento al que estamos más que habituados. A través de un acercamiento a la cultura y a la sociedad actual, y por medio de pequeñas modificaciones en la trama que en un comienzo parecen indiferentes, las compañías Barabú Producciones y ToyProducciones se proponen cambiar la moraleja de esta historia a la vez que conquistar al espectador usando como herramientas principales el color, la música y la imaginación.

Destaca una música de lo más actual, que abarca desde canciones pop hasta el góspel, sin perder el toque infantil que consigue llenar de inocencia a la obra. Lo acompaña una escenografía fantástica a la vez que sencilla que te hará sumergirte de lleno en un reino mágico, muy lejano y muy cercano al mismo tiempo.

A todo esto se suman las marionetas y el original vestuario que conseguirá que obra se convierta en una experiencia inolvidable desde el mismo comienzo. El responsable último de todo esto es el director de escenografía David Pizarro.

El guionista y director de la obra es Jesús Sanz Sebastián. Este dramaturgo y director artístico licenciado en Comunicación Audiovisual realiza giras tanto nacionales como internacionales en diferentes proyectos, como por ejemplo Forever. King of pop, un musical homenaje a Michael Jackson. Además trabaja, como en esta ocasión, en adaptaciones de diferentes películas y series Disney.

En cuanto a los actores, nos encontramos ante no muy conocidos pero auténticos profesionales del teatro musical. Seis intérpretes que conseguirán hacernos reír, bailar y emocionarnos con sus espectaculares voces. Sus nombres son Paula Moncada, Rafael Bueso, Natan Segado, Marina Agapito, Yolanda Altabert y Cristina Gallego. ¿Cuándo empezó todo?

MW | TEATRO | CRÍTICA

La bella durmiente es un cuento de tradición popular transmitida de generación a generación de forma oral. La versión quizá más famosa es la del escritor francés Charles Perrault, en ocasiones influida por elementos característicos de la historia que narran los Hermanos Grimm. Quizá fue a partir de la versión cinematográfica, de manos de Walt Disney Pictures en 1959, cuando este cuento comenzó a ser conocido a nivel mundial. En la actualidad esta obra ha sido versionada en numerosas ocasiones, además de haber inspirado películas como Maléfica, del director Robert Stromberg y en la que destaca la presencia de Angelina Jolie, que fue estrenada en 2014 con el objetivo de dar otro enfoque al personaje protagonista, que se convierte no solo la villana sino también la heroína de la trama.

Suponemos que este musical ha bebido en gran medida de todas estas creaciones, ya que la trama se mantiene aparentemente fiel a la versión Disney, aunque este montaje acabará convirtiéndose en una obra verdaderamente crítica y rompedora con las versiones anteriores, poniendo como punto de mira el respeto a las diferencias y cuestionando los verdaderos antagonistas de la trama. Se trata, por tanto, de un musical familiar moderno y divertido muy recomendable para todos aquellos que estén cansados del cuento tradicional y deseen contemplar una nueva perspectiva. Podrás visitarlo del 12 de noviembre al 8 de diciembre los sábados a las 16 h. y los domingos o festivos a las 12 h.

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MW | TEATRO | CRÍTICA

JARDINES silvia serrano Impromadrid invita al público a “meterse en jardines” con su nueva propuesta, JARDINES Cuando acudes a un espectáculo de improvisación puede pasar cualquier cosa.

Ni si quiera los propios actores saben lo que ocurrirá sobre las tablas del escenario y eso es lo que hace de este tipo de teatro algo mágico, excitante y arriesgado que mantiene al espectador en vilo durante toda la función.

El propio título lo deja entrever, cinco temerarios actores pretenden meterse en jardines inesperados, dejando correr la creatividad a rienda suelta y conseguir, en cada espectáculo, llegar a un puerto diferente. “Jardines parte de las ganas de saber más”, y eso es justamente lo que consiguen transmitir al espectador, ganas de saber lo que ocurrirá un instante más adelante, de hallar la respuesta a esa pregunta que los personajes de la obra dejaron sin responder.

Y es que más que respuestas esta obra ofrece preguntas. Invita al oyente a que contesten ellos mismos a las cuestiones que se plantean, pero esta vez de una forma 64 - www.mewmagazine.es

que sobrepasa lo retórico.

A través de breves entrevistas al público asistente se crearán historias que hablan sobre los aspectos más cotidianos y a la vez más profundos de los seres humanos: nuestros miedos, los recuerdos, antiguos amores, el paso del tiempo… Se busca que espectador y artista viajen juntos por un mundo donde todo vale, con el objetivo de que al finalizar la función ambos tengan la sensación de haber crecido como personas, respondido dudas pero, sobre todo, tener otras mil cuestiones en la cabeza sobre las que pensar.

Impromadrid es una compañía teatral que se dedica a la investigación en el ámbito de la improvisación teatral. Con más de quince años de rodaje, pretenden ofrecer a su público espectáculos únicos y originales.

Además, ofrecen una serie de cursos y talleres para hacer llegar al máximo número de gente sus nuevos descubrimientos e innovaciones. Son los creadores y productores de uno de los festivales de improvisación teatral más importantes a nivel mundial, el Festival

Internacional de Improvisación Teatral de Madrid (FESTIM).

Encargado de la dirección de este espectáculo en concreto encontramos a Ignacio López, guionista y dramaturgo licenciado en Comunicación Audiovisual y fundador de la compañía. Le acompañan en escena Paloma Córdoba, Ignacio Soriano, Borja Cortés y Jorge Rueda, este último amenizará la velada con la compañía de su piano. La increíble compenetración que existe entre los actores no para de

sorprender y maravillar al espectador que asiste, sin dar crédito, a la narración de historias creadas al instante.

En definitiva, un espectáculo que no dejará de sorprendernos debido a la ausencia de límites creativos y a la originalidad del marco teatral sobre el que los actores formarán las historias. Una apuesta por la experimentación teatral y el continuo desarrollo de las artes escénicas en la que por una vez los espectadores se convierten en los verdaderos protagonistas.

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MW | TEATRO | CRÍTICA

la cena d e l o s i d i o ta s T e x to : sil v ia s e rra n o Séptimo año de éxito para la clásica comedia La Cena de los Idiotas, en el teatro Muñoz Seca.

Las reglas del juego son sencillas. Cada semana un grupo de hombres de negocios se reúnen en una cena donde cada uno de ellos debe traer como acompañante el hombre más peculiar o, vulgarmenLa ya popular obra de te hablando, el hombre más idiota que haya encontraorigen francés vuelve a los escenarios madrileños en la do. El que lleve el acompañante que más se ajuste a que es su séptima edición a manos del director Jose- este requisito será en gran ma Yuste. Sin modificar la admirado por los demás. historia del francés Francis Esta cruel costumbre le Veber, pretende hacer reír saldrá cara al protagonista de la historia, que debido a a los espectadores a la vez una serie de acontecimienque plantea los requisitos que debe tener un verdade- tos verá como su aparente vida perfecta de hombre de ro idiota.

La cena de los idiotas sigue ahora más presente que nunca en la oferta teatral.

Una comedia de aparente simplicidad con una importante carga de crítica social en su trasfondo.

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clase alta se vendrá abajo, resultando ser la montaña de mentiras y maldades que había construido mucho más frágil de lo que en un principio parecía. Así, se plantea a los espectadores la cuestión de qué es más beneficioso, la inteligencia malvada o la inocencia bondadosa. ¿En qué consiste ser un verdadero idiota? Lo que en un principio parece ser una respuesta obvia resultará no serlo tanto a medida que transcurre la trama.

La historia se mantiene, pero cambia el elenco.

La función se gana el calificativo de “comedia” a puro pulso. Pocas son las obras que combinan de una manera tan continuada todo tipo y formas de humor. Desde los juegos de palabras, las situaciones de confusión, los momentos surrealistas y los gags visuales hasta el humor inteligente o el absurdo. Toda forma es válida para conseguir que el público no pierda ni por un momento su sonrisa. Además, a todo esto se unen unos austeros pero no por ello menos importantes efectos de sonido, luces y sombras que dotarán a la acción de una peculiaridad característica. A pesar de que toda la trama transcurre en el salón de la casa de una familia acomodada, al salir del espectáculo el público tiene la sensación de haber visto y vivido mucho más.

El reparto de la versión de Yuste ha variado considerablemente a lo largo de estas siete temporadas. En esta ocasión, nada menos que Ramón Langa es el encargado de dar vida al protagonista. Este actor es conocido por su importante papel como actor de doblaje, siendo la voz habitual de Bruces Willis. Así, participó en el doblaje de películas como El Sexto Sentido o PulpFiction.

También ha doblado en numerosas ocasiones a Kevin Costner, como en el caso de Bailando con lobos o El guardaespaldas. Además, puso voz a Gill en la película Buscando a Nemo. Por otro lado, ha participado en varios programas televisivos, como por ejemplo La hora de José Mota, Cuéntame cómo pasó o Sin tetas no hay paraíso. En cuanto a su trayectoria como actor teatral, ha formado parte de montajes como Don Juan Tenorio (2002) o El alcalde de Zalamera (2003).

Manu Badenes es el encargado de hacernos reír con su papel de idiota con el que conseguirá sorprender una y otra vez a la audiencia. Se trata así del actor que más trabajo tiene que hacer para conseguir en primer lugar engañar al público y posteriormente conquistarlo.

Uno de los cómicos del canal de televisión Paramount Comedy, Badenes combina su actuación en esta obra

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con otra que se realiza en el mismo teatro, Una boda feliz.

Además, ha participado en Las noches del Club de la Comedia y lleva su propio espectáculo, Historia de lo nuestro.

Otros actores que participan en la función son Santiago Urrialde, Esperanza Lemos, Fermí Herrero y Estela Bercero.

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En cuanto al director, Josema Yuste, se trata también de un actor, humorista y presentador. Él mismo adoptó el papel de protagonista de esta obra en 2010. Además, ha participado en programas de televisión como La que se avecina o Tu cara me suena. También ha formado parte de numerosos cortometrajes españoles, como es el caso de Ciudadano Kien, de José Mota, parodia de Ciudadano Kane.

El origen y su e vo l u c i ó n Francis Veber fue el creador de la obra allá por el año 1993.

Se estrenó en Théâtre des Variétés, en París. Este autor es uno de los escritores más reconocidos de comedias francesas. Galardonado con un Premio Óscar y un Premio César, ha sido guionista y director en numerosas obras teatrales, como es el caso de El juego de los idiotas, ¡Que te calles! o Salir del armario.

Veber decidió llevar La cena de los idiotas al cine en 1998, donde consiguió dar a conocer la obra a nivel internacional, con un excelente feedback. Esta película recibió seis nominaciones de los premios César de 1999, de los cuales consiguió finalmente tres, a mejor guión, mejor 68 - www.mewmagazine.es

actor de reparto (Daniel Prévost) y mejor actor (Jacques Villeret). Jacques Villeret es un actor francés que en esta ocasión interpreta el papel de François Pignon, el idiota.

Es conocido también por películas como Robert et Robert, gracias a la cual recibió el Premio César a mejor actor secundario. Encargado de encarnar a Pierre Brochant, el hombre de negocios, está Thierry Lhermitte, actor en numerosas películas francesas además de su labor como director, guionista y productor.

En conclusión, La cena de los idiotas se trata ya de una comedia clásica que combina a la perfección risa, crítica y profundidad. Ya sea por la originalidad de su mensaje o por tratar un tema tan humano como es la crueldad frente a la ignorancia, esta obra consigue sobrevivir al paso de los años. A pesar de los cambios que se han producido desde la década de los noventa, aún hoy podemos ver reflejada la vida real en esta obra. Quizá sea este uno de los secretos de esta historia. Conseguir rescatar lo característico de la sociedad en la que vivimos y exagerarlo hasta el punto de convertirlo en cómico.

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La lucha

que a todos conmueve Texto: mONTSE bAUTISTA A aquellos jóvenes que habláis de libertad y luego esclavizáis a los padres. A aquellos que maltratan a la señora que los parió. A los que dicen que son de izquierdas y son tiranos que meten y someten. A los que se sientan en un programa por dinero y venden sus miserias. A los que maltratan y abandonan animales. A los que beben y ponen en ponen en peligro la vida de los demás porque la suya es una mierda. Al ejército, a la Iglesia, al facha. A todos y cada uno de ellos tengo algo que decirles. Absteneros de leer esto porque si Antonia San Juan no actúa para vosotros, yo no pienso dirigiros estas líneas.

Dicho esto me gustaría señalar que 1,2,3,4 y así hasta 15 para contar los personajes que interpreta Antonia San Juan cual camaleón que cambia de piel ante el peligro. Comienza el espectáculo, irrumpen los aplausos y acto seguido se oye a alguien recitando: “Me llaman la Agrado porque toda mi vida solo he pretendido hacerle la vida agradable a los demás.

Además de agradable soy muy autentica. Miren que cuerpo. Todo hecho a medida, rasgao de ojos 80.00.

Nariz, 200 […] Tetas dos, porque no soy ningún monstruo. 70 cada una pero estas las tengo ya súper amortizadas. Silicona en labio frente pómulo, caderas y culo. Limadura de mandíbula 75 mil […] Depilación definitiva laser 60 mil por sesión. Bueno lo que les estaba diciendo que cuesta mucho ser autentica señora y en estas cosas no hay que ser rácana porque una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de si misma”.

Agrado es quien da la bienvenida a los 245 espectadores allí presentes y da paso a los demás personajes que nos hacen reflexionar sobre quiénes somos y el mundo en el que vivimos. Es el caso de esa mujer “a quien con saña le robaron la alegría” y que “por el mundo anda perdida”. Tras ella se esconde una historia turbia en 70 - www.mewmagazine.es

la que los celos, la inquietud y la muerte son los protagonistas.

Pero entre reflexión y reflexión también hay hueco para el humor que nos traen otros roles como la cuñada que nos suelta su monologo viendo la vida pasar desde una tumbona y con copa de gin-tonic en mano. O la actriz que tiene una lucha interna en la que trata de ganar la solidaridad pero en la que finalmente vence el egocentrismo.

Antonia San Juan comenzó su trayectoria antes de ponerse al mando de Almodóvar y mucho antes de incorporarse de incorporarse a esa loca comunidad de vecinos.

Llegados a este punto yo os pregunto, ¿alguna vez habéis montado en una montaña rusa? Pues bien cerrad los ojos. Dad rienda suelta a vuestra imaginación para experimentar esas sensaciones que te deja en el cuerpo pasar de lo más alto a lo más bajo, volver a subir y volver a bajar. Y así hasta que llega el final.

Algo parecido es lo que sucede con Antonia San juan sobre el escenario pues con un chasquido, como por arte de magia, nos lleva desde la risa hasta la nostalgia. Si hablamos aquí de esa mezcla de sentimientos me es inevitable mencionar el caso de la prostituta, que tan pronto empieza con un tono cómico como a nos relata una tragedia que hace llorar al alma.

Y, como no, tampoco falta la autocrítica. Para esto está la hermana gemela y poligonera de la actriz que acude a un “plató de televisión” para “criticar” y “reírse” de San Juan al mismo tiempo que nos cuenta los orígenes de la actriz.

Esto es solo una breve descripción de una obra original no sólo en su contenido sino también en su forma con la que se pretende, según la artista ha declarado en varias ocasiones, reflejar su lucha por la cultura y por su crecimiento personal. También pretende alejarse de ese teatro del individuo que está “aparentemente a su favor”

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y con cuyo discurso el público empatiza porque en el fondo se siente identificado.

Aquí lo que se trata es precisamente de ir contra el individuo para cuestionar todo lo que pasa en la sociedad y encontrar así un remedio a los males que padece.

Esto es lo que se pone de manifiesto en estos textos que está firmados por Enrique Gallego y Felix Sabrosos y la propia Antonia san juan, que además dirige la obra.

Los orígenes humildes de una gran estrella “Mi lucha” es el tercer unipersonal de San Juan después de “Otras mujeres” y “Las que faltaban”, cuyo éxito ha traspasado las fronteras del país y del continente europeo.

Con ellas queda comprobado que su talento va mucho más allá que esos papeles de Estela Reynolds y Agrado, anteriormente citada, que le han llevado a la fama.

Pero Antonia San Juan comenzó su trayectoria antes de ponerse al mando de Almodóvar y mucho antes de incorporarse de incorporarse a esa loca comunidad de vecinos. A los 21 años se trasladó a Madrid y empezó a actuar por los bares y pubs de la ciudad.

Aunque su pasión por el mundo del espectáculo ya se podía intuir cuando tenía temprana edad, pues ya por aquel entonces no tenía ningún reparo en subirse a las mesas del bar de su padre para interpretar las rondallas que aprendía de su abuela.

Las mesas del bar de su padre ahora se han convertido en los escenarios de los mejores teatros. Hasta el 30 de octubre estuvo en el teatro Nuevo Apolo de Madrid.

Allí regresará 6 y 27 de noviembre y del 4,11 y 18 de diciembre, pero también estará en estos meses en las localidades de Elche, Valencia, Valladolid y Tenerife.

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ilvia Maya sigue embarcada en mentiras.

Aquellas que nos obliga a gestionar la realidad. Llegó hace unos meses al Teatro Lara con ‘Todo es Mentira’ y tras su prórroga, vuelven cargados al máximo para seguir acercando al público uno de los remakes más destacados de nuestro cine.

Sobre todo para una generación.

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FotografĂ­a por: C. Caballo

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[...] “sólo quería respirar, estar tranquila y ser capaz de agradecer como quería hacerlo” [...]

Amor o desamor, da igual, lo importante es embaucar al público con esos toques de ironía y pura comedia que hacen de una tarde, un momento memorable.

Porque cuando plantamos la verdad ante los ojos de cientos de personas, uno sabe que vale la pena compartir esas historias, con una misma sonrisa.

Silvia es de esas actrices que aman su profesión hasta la saciedad. Viven por y para su trabajo, sin olvidar que más allá de las tablas, está esa fina línea de salvación. Camina con seguridad pero algo distante.

No nos conoce, es nuestro primer encuentro y sus pasos son dubitativos hacia todo el equipo. Suponemos que indagando, desde esa pequeña distancia, quiénes somos y qué vamos a hacer esa mañana con ella.

La calidez que desprende nos va embriagando con el paso de los minutos. Sobre todo cuando se sienta para tener una pequeña charla con nosotros y dejarnos conocerla un poco más allá de lo que podemos ver en el teatro. Y por eso de romper el hielo, ¿qué mejor manera de hacerlo que acercándola hacia uno de sus últimos grandes recuerdos dentro de su profesión?

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Has sido premiada en el pasado festival de Málaga, ¿Cómo se viven los premios por parte de un artista? ¿Crees que es el mejor reconocimiento para un artista o el mejor reconocimiento seguirá siendo siempre el aplauso del público?

Para mí el reconocimiento es que te vuelvan a dar trabajo. En realidad yo sigo con los mismos miedos, sigo con las mismas ganas, no ha cambiado mucho, no sé, lo que te digo, para mí el reconocimiento es que quieran volver a trabajar contigo.

Cuando te dijeron, Silvia el papel es tuyo...

Me puse a llorar. Me aguante un poco porque esto de estar hablando por teléfono con la productora... Porque a nosotros después del casting nos dijeron que en una semana nos dirían algo. Entonces yo desconecte, para no pensar más y a la mañana siguiente me estaban llamando para decirme que si. Entonces yo no tenía el teléfono de nadie y vi un teléfono desconocido, pensé que sería una telefonía o lo que sea... Y nada me lo dijo, nada Silvia, que queremos que formes parte del equipo, tal... y fue como, ¿en serio? Me dijo, sí, muy en serio, enhorabuena.

Y nada, me contuve un poco pero ya cuando colgué y llamé a mi familia pues lloré de alegría porque es trabajo y está muy bien trabajar (Risas).

Y con esta respuesta, entiendes que ella no busca el éxito instantáneo o el reconocimiento momentáneo. Ella busca algo más. Un presente y un futuro que le haga dormir con la tranquilidad de saber que el maña- Todo es mentira es una historia na está cargado de trabajo. de amor de hoy en día. Un retrato urgente de las relaciones entre una generación de canoCuando uno sube al escenario y resos primerizos. ¿Qué significa coge la estatuilla, ¿qué es lo primero querer cuando no nos entendeque se le pasa por la cabeza? mos ni a nosotros mismos? ¿Cita Nada, creo. Yo no fui capaz de... sólo quería respirar, estar tranquila y ser a ciegas o encerrona? ¿Amor capaz de agradecer como quería libre o barra libre? ¿Pareja hacerlo, como sentía que tenía que estable o (entre)abierta? ¿Comagradecer, porque me sentía muy partes mi piso o invades mi esagradecida. pacio?

Ahora mismo podemos encontrarte en la obra de teatro ‘Todo es Mentira’, ¿cómo llegó a este proyecto a tus manos?

Pues por casting. Hice un casting y tuve la suerte de que me eligieron y así.

Todo es mentira es la historia de tres parejas muy distintas entre sí, pero con algo en común: ninguno dice lo que realmente piensa. Pablo, diseñador en paro, quiere ser un tipo duro

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Fotografía por: A. Márkez

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y odia todo lo que le rodea hasta que conoce a Lucía, una hermosa traductora, la chica de sus sueños… ¿o de sus pesadillas? Natalia, publicista de éxito, comparte su vida con Claudio, músico incomprendido que no llega a fin de mes. ¿Quién de los dos pagará los platos rotos? Ariel y Lola, artistas de vanguardia, comparten una firme convicción sobre la descendencia y una gran rivalidad profesional. ¿Podrá convivir bajo el mismo techo su presunta genialidad? Ninguno está contento con su situación, pero todos dejarán que las cosas sigan como hasta ahora… o quizá no. Para quien conozca su historia, se darán cuenta que, como venimos anunciando desde estas primeras líneas, estamos ante la versión teatral del film homónimo de Álvaro Fernández-Armero “Todo es mentira”. ¿Habías visto la película antes de presentarte al casting?

No, ni antes ni ahora. ¿No la has visto todavía?

No. Decidí que no la iba a ver porque bueno además me dijeron que mi personaje era una mezcla de dos, o sea que ni siquiera está en la peli y me parecía que estábamos haciendo otra cosa, aunque quería mantener un poco una sensación como de cine y tal. Tenemos mucho audiovisual en la obra también, pero me parecía que era otra cosa y que era nuestra manera y que no la iba a ver y luego ya cuando ya estrenamos y la hicimos y tal busqué pero no he encontrado una versión entera. No soy de descargarme pelis tampoco, así que si no está en Filmin, no la veo. No, pero en Youtube salen cachitos de peli y algún cachito he visto pero no he visto la peli entera.

Cuando analizaste el personaje, ¿qué es lo que más te gustó de ella?

Pues creo que es bastante distinta a mí, aunque a veces sí que creo que compartimos muchas cosas y bueno me parece interesante trabajar personajes que estén alejados pero que también, de alguna manera, compartas algo y puedas ir pillando. Y me ha costado, me ha costado bastante. Para mí ha sido un proceso... lo he sentido largo. ¿Qué crees que estás aportando tú como Silvia al personaje?

No lo sé. No soy muy consciente creo. Creo que es algo que igual desde fuera es más fácil analizar cuando uno ya... cuando el público ve el resultado creo que es más fácil analizar. Es como uno mismo...a veces nosotros creemos que

somos ciertas cosas y luego desde fuera aparentamos otra cosa y no tenemos nada que ver. Entonces me parece un poco difícil contestar esa pregunta. No lo tengo muy claro.

“Todo es Mentira” pero ¿cuánto hay de verdad en la obra?

De verdad estamos nosotros. Como nos relacionamos, como escuchas al compañero y cómo reacciona, como vives todas las funciones...que estás ahí presente...para mí esa es la verdad del teatro. ¿Cuánto esconde tu personaje al resto de personajes?

No mucho. Yo creo que precisamente...bueno, sí que tiene inseguridades, como la mayoría de la gente y de los personajes pero, en principio, es una tía bastante clara y bastante dura también. No le importa mucho que esos amigos o su entorno lo sepan. Ya la conocen tan bien...y ella se permite bastantes cosas (Risas). ¿Crees que para sobrevivir, de vez en cuando, está bien soltar alguna que otra mentira o no?

No soy muy fan de las mentiras, no lo llevo muy bien y además yo creo que me doy cuenta cuando alguien me miente. Alguna vez lo he hecho pero no me gusta. ¿Qué es lo que más te está gustando de la reacción del público con esta obra?

Que se ríen bastante. Se lo pasan bien. Se les pasa rápido.

Se nota mucho cuando hay público que ha visto la peli porque se ríen en las frases de la peli que nosotros mantenemos. Se nota mucho la diferencia cuando hay gente que la conoce, cuando hay gente que no. Y bueno...nos están diciendo eso, que salen muy contentos, que se entretienen.

El día del estreno, ¿cómo aplacaste los nervios ese minuto antes de saltar al escenario?

Prácticamente estamos nerviosos todos los días o voy a hablar por mí. Estoy nerviosa y saltamos mucho, cantamos mucho, bailamos mucho... Nos sirve como calentamiento y como para desfogar y así, como con un poco de locura. ¿Qué es lo mágico que tiene el teatro?

El vértigo. Da mucho miedo pero también es lo bonito porque sólo existe esa función y si no estás ahí, te la has perdido. Entonces es importante estar presente y disfrutarlo y da miedo, da sensación pero eso es lo maravilloso del teatro. ¿Quizá el teatro es donde uno crece más rápido?

No sé si es donde se crece más rápido pero con esto que decías, está bien que a veces una frase no salga, tampoco puedes estar pensando en eso. Lo bueno del teatro también es que un día, por lo que sea, no estás donde tienes que estar y mañana igual ya no se acuerda nadie. Pero el cine por ejemplo, la tele, da como más impresión porque eso va a

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FotografĂ­a por: C. Caballo

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estar ahí para siempre como no tengas un buen día. Como la toma no salga bien te la vas a comer el resto de tus días. ¿Dónde te sientes más a gusto?

En cine, o por lo menos ahora mismo, en la etapa en la que estoy, sí. Pero ni siquiera sé por qué. O sea, tampoco te sabría decir porque, además cada cosa tiene lo suyo.

Tele he hecho muy poco y prefiero hablar de cine o teatro pero bueno, es que es tan distinto que ni siquiera se puede comparar. Igual, ahora mismo, en esta etapa, si tengo que elegir,... No, no puedo elegir (Risas). He dicho el cine así, muy rápido, pero es que es muy distinto. Ahora, después de todo este proceso de ensayos, que he tenido una lucha interna importante, estoy empezando a disfrutarlo mucho.

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¿Qué has podido trasladar del cine al teatro y viceversa, del teatro al cine?

A mí lo que me parece básico es el hilo de pensamiento. Si un personaje no está pensando igual que nosotros estamos hablando aquí, ahora, y a ti te vienen imágenes, te vienen pensamientos de lo que yo te estoy diciendo, o eso espero (Risas)... Creo que, tanto con el cine como con el teatro, es básico para un personaje, para que esté vivo. Que siga pensando, aunque no esté hablando con su compañero en ese momento, aunque sólo esté escuchando. La escucha te hará reaccionar.

“Para mí, el

reconocimiento, es que te vuelvan a dar trabajo”.

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La crisis en el sector ha traído nuevas formas de intentar sacar adelante proyectos e incluso vidas. Para algunos, salas de un aforo muy reducido no es la mejor alternativa posible mientras que para otros, se convierte de una forma de expresión, gritando ‘aquí estamos, nos mantenemos en pie’. De ahí que quisiéramos comentar con Silvia su parecer respecto al sector en sí y la crisis o carencias que sufren el resto de compañeros cuando las obras de teatro no tienen la visibilidad necesaria para que el gran público apoye o no el producto.

Hace unos meses salió a la luz un documental haciendo referencia al Teatro Of y la crisis del sector, nos paramos durante un rato a charlar con sus creadores y su visión y nos hicieron hincapié en el crecimiento de salas con aforos muy pequeños, ¿cómo ves la situación la actual?

He estado en salas alternativas y para los actores es un suplicio. O sea, si es difícil, es muy difícil, no se hace mucha promoción tampoco y es muy difícil que la gente se movilice y vaya a verte. Nosotros creo que incluso en una obra teníamos un mínimo pero el mínimo, era muy mínimo,

claro. Es otra historia. Quema un poco. Quema, quema mucho. ¿Por qué crees que a la gente le cuesta tanto ir al teatro?

No te sé decir porque como yo no lo entiendo. Como voy mucho al cine y también al teatro... Nosotros siempre nos buscábamos excusas, es que hoy hace muy buen día, entonces la gente se queda en las terrazas... No, hoy es que es la final de la Champions y entonces están viendo el partido.

Siempre teníamos cosas porque no entendíamos porque no podíamos llenar una sala de 30 personas, 30 localidades.

Puede que simplemente el teatro no esté de moda o que el público tenga, en cierta medida, infravalorada la actuación que un actor ofrece sobre unas tablas, cuando es ahí y solo ahí, donde puedes disfrutar del trabajo sincero y real de un auténtico profesional. Para Silvia el enigma puede resolverse en una sencilla afirmación: “yo creo que vende mucho más un actor de tele y un actor de cine. La gente en la calle no habla de teatro”. Puede que todo sea tan sencillo como que entre todos demos cabida a un arte sin el cual, la vida del entretenimiento no hubiese sido igual.

Nos despedimos de Silvia con una serenidad interna increíble. Conscientes de que, tarde o temprano, volveremos a tropezarnos en el camino y seguramente con un mayor impulso en su vida profesional. A veces, solo hace falta un único segundo para descubrir quien actúa porque rebota y quien lo hace porque le nace y no entiende su mundo más allá del esfuerzo constante de dar vida a personajes que nos hagan sentir.

Fotografía por: C. Caballo

Fotografía por: A. Márkez

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FotografĂ­a por: C. Caballo

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MW | CINE | CRÍTICA

LA MAGIA DE HARRY POTTER VUELVE A HECHIZAR LA GRAN PANTALLA Texto: Montse Bautista Harry Potter ha regresado para quedarse.

Pero esta vez el protagonista no es él sino que le releva en el papel principal Newt Scamander, un magizoólogo al que Eddie Redmayne (quien le da vida) define 92 - www.mewmagazine.es

como un mago “que siente pasión por las criaturas y al que le apasiona viajar por el mundo aprendiendo estudiando estas criaturas, ¡algunas de las cuales tiene en su maleta de viaje!”.

Y estas ganas de conocer el planeta y las distintas especies que lo habitan, le llevan hasta Nueva York. Scamander aterriza en esta ciudad un día cualquiera de 1926 (la acción transcurre, por tanto, 70 años antes que la de Harry Potter) Y ahí, frente a un banco lleno de señores enfundados en sus trajes de chaqueta y que portan sus maletines probablemente repletos de fajos de dinero, una de esas fantásticas criaturas decide escaparse.

Sin comerlo ni beberlo, este extraño y rebelde animal da el pistoletazo de salida a una aventura que el protagonista vivirá junto con otros tres personajes: Jacob Kowalski (Dan Fogler) Porpentina Goldstein (Katherine Waterston) y Queenie Goldstein (Alison Loren).

Ellos cuatro se adentraran en una trama en a que se toparán con toda clase de bestias. Igualmente, y como en toda película que se tercie, estos personajes se tendrán que enfrentar al enemigo en una dura batalla.

En esta ocasión el antagonista del filme no es “el innombrable “sino un jefe del Departamento de la Ley Mágica del Mi-

“estos animales fantásticos no van a dejar indiferente a nadie”

nisterio de Magia de Estados Unidos que responde al nombre de Percival Graves y que está encarnado por el actor Colin Farrell, quien afirma que lo que más le gusta de Graves es “su solidez y sentido del enfoque” Además Farrel es fan confeso de las películas del mago más famoso.

Pero, ¿es Percival Graves quien dice ser?

Eso sólo tienen el privilegio de saberlo los que han leído el libro. El resto de mortales no lo averiguaremos hasta el final de la cinta pero lo que si sabremos es que Scamander y cía también tendrán que enmendar unos cuantos de encantamientos para acabar con un ser que carece de figura humano y/o animal alguna. Se trata de un ente que está destruyendo la ciudad y que ha acabado con miles de vidas.

Al reparto encabezado por el oscarizado actor se une David Yates que repite como director de la saga por quinta vez, tras haberse puesto a los mandos de las cuatro últimas entregas de Harry Potter. Yates ha contado con prácticamente el mismo equipo técnico con los que trabajó anteriormente para llevar los libros de Rowling a las salas de cine. No obstante, hay una novedad porque la autora debuta como guionista.

El propio Redmayne ha declarado que su respeto por la saga de J.K Rowling es tal que no quería “fastidiarla”. Para su tranquilidad está muy lejos de eso. Aunque pueda parecer muy pronto para decirlo, dado que se estrenó el pasado viernes 18,

el éxito de la película ya se vaticinaba desde que se confirmase su rodaje. Prueba de la gran acogida que ha tenido la cinta son las redes sociales, pues han ardido en comentarios positivos.

Aunque cierto es que no todo el mundo se deshace en halago y que hay quien pone en tela de juicio la calidad de la película. De lo que no cabe duda es que estos animales fantásticos no van a dejar indiferente a nadie y que tendremos que convivir con ellos durante algunos años puesto que se ha confirmado que, al menos, habrá 4 películas más. La segunda parte se estrenará en 2018 y la protagonizará Johnny Deep que se pondrá en la piel del villano Grindelwald.

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texto: diego paz Dos años después de aterrorizarnos con “[REC] 4 Apocalipsis”, Jaume Balagueró regresa a los platós de cines para comenzar el rodaje de la que será su nueva película. “Muse” es el largometraje número diez de una extensa carrera que abarca casi 20 años. “Muse” también será su primer trabajo fuera de la saga REC desde hace 5 años, cuando estrenó en 2011 “Mientras Duermes” con Luis Tosar. También será su primer trabajo en inglés desde que estrenase allá por 2005 “Frágiles” con Calista Flockhart; y en 2002 “Darkness” con Anna Paquin y Lena Olin.

dad y terror, asustó a audiencias en todo el mundo y dio lugar a una consiguiente saga que incluye “[REC]2”, “[REC] 3 Génesis” y “[REC]4 Apocalipsis”. La franquicia ha llegado a recaudar más de 60 millones de Euros en todo el mundo y la primera película incluso tuvo su remake Hollywoodiense llamado “Quarantine” que, a su vez, originó su propia secuela. Pero lo que quizás más sorprenda a muchos de sus seguidores es que fue, nuevamente junto a Paco Plaza, el encargado de dirigir la película documental sobre Operación Triunfo “OT: La Película” En ella siguieron a los jóvenes cantantes Para ésta ocasión el director catalán durante la gira que hicieron por toda ha escogido a un reparto muy interna- España poco después de salir de la acacional en el que destacan Christopher demia. A pesar de todos los prejuicios Lloyd ( “Regreso al Futuro”, “Quién que rodearon al fenómeno televisivo, la engañó a Roger Rabbit”) Franka Po- película obtuvo buenas críticas y tanto tente (“Corre Lola, corre”, “El Mito de Jaume Balagueró como Paco Plaza se Bourne”) Joanne Whalley (“Willow”) sienten bastante orgullosos de ella. y Elliot Cowan (“DaVinci’s Demons”) Completando el reparto estarán la ru- Balagueró fue uno de los primeros reamana Ana Ularu y las españolas Ma- lizadores españoles que, siguiendo la nuela Vellés y Leonor Watling. estela de Alejandro Amenábar, empezó a rodar en inglés y con actores internaJaume Balagueró es quizás el director cionales. Muchos de nuestros mejores de cine de terror más importante de Es- directores son reclamados en el extranpaña. Toda su filmografía ha tenido un jero por su buen hacer, principalmengran impacto en el cine español, sien- te, con películas de género. Varios de do uno de los responsables de la edad ellos, a pesar de abarcar numerosos de oro del cine fantástico, de terror y premios en festivales de todo el munsuspense. Ha ganado casi 40 premios do, sólo encuentran fuera la financiainternacionales en varios festivales, ción sus películas y el reconocimiento entre ellos; Sitges, Fantasporto y Bru- que no obtienen en España. Allá están selas. Buena parte de ellos los obtuvo los ejemplos de, entre los más exitosos, gracias a “[REC]”, que dirigió junto a Nacho Vigalondo (quien estrena pronPaco Plaza. “[REC]”, con su novedoso to “Colossal” con Anne Hathaway) planteamiento mezclando telerreali- Jaume Collet-Serra (que alcanzó el

número uno de la taquilla americana junto a Liam Nesson con “Sin Escalas”) y, aparte del mencionado Alejandro Amenábar, Juan Antonio Bayona, quien ha estrenado recientemente “Un Monstruo viene a verme” con gran éxito de crítica y público y que se hará cargo de la siguiente entrega de una de las franquicias más taquilleras de la historia del cine: “Jurassic World 2” “Muse” está basada en el libro del escritor Jose Carlos Somoza “La dama número 13” Cuenta la historia de Salomon, un hombre traumatizado por la reciente muerte de su pareja, quien empieza a tener pesadillas recurrentes sobre el asesinato de una mujer. Cuando el crimen ocurre en la vida real, Salomon comienza una búsqueda de respuestas que le llevarán hasta una extraña realidad controlada por unas manipuladoras criaturas mitológicas.

“Muse” está próxima a comenzar su rodaje y se espera un estreno para finales de 2017. Cuenta con guión del propio Balagueró junto a Fernando Navarro (“Anacleto agente secreto”) sobre la novela “La dama número 13” de Jose Carlos Somoza. Será una coproducción entre España, Irlanda, Belgica y Francia. La fotografía estará a cargo de Pablo Rosso, el montaje a cargo de Guillermo de la Cal, y el vestuario a cargo de Catherine Van Bree. Producen Filmax (España) Fantastic Films (Irlanda) Frajas Prods. (Belgica) y The Joker Films (Francia).

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MW | CINE | CRÍTICA

JAUME BALAGUERÓ PREPARA SU PRÓXIMA PELÍCULA “muse”

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El ciudadano ilustre la identidad nacional Texto: M. Ángel Holguín

Cuando suena un himno y varios señores se llevan la mano al pecho, muchos de ellos entonando letras que narran historias de gloria y conquista, se ondea una bandera de vivos colores y se piensa en el concepto de identidad nacional, las palabras que, con mayor probabilidad, surgen en la cabeza de aquellas personas que se sienten cercanas a su país son: orgullo, pasión, patria... Si entre estas personas estuvieran los directores argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat, los vocablos a los que asociarían dichos acordes estarían más cercanos a la estupidez, la idolatría, el ego y la cobardía. Y es que El ciudadano ilustre, obra que representará a Argentina en la ceremonia de los Oscars, trata en su lectura más profunda de cómo una nación se forja, ante todo, sobre estatuas caídas de ídolos mitificados y semidioses tan cercanos del amor como del odio, y que reflejan en sus acciones los sueños que el pueblo nunca imaginó alcanzar.

La figura de Daniel Mantovani es la que sirve como elemento central y catalizador de la idea citada en el párrafo anterior. Mantovani es un Premio Nobel de Literatura nacido en Salas, una población rural de Argentina, que ha estado viviendo en Europa du96 - www.mewmagazine.es

rante los 40 años que ha durado su profusa carrera literaria. Los personajes de sus novelas están inspirados en los personajes de su pueblo, algo que él nunca ha escondido y que acabará por traicionarle. Óscar Martínez, contrastadísimo actor argentino, da vida a este afamado escritor de forma soberbia e impecable.

Convierte en hipnótico cada monólogo del guion, hace sentir la tensión al espectador, contagia su visión del conflicto que se desarrolla en la pantalla y acaba haciéndonos partícipes a tiempo completo de su narrativa. Con la carrera de este film hacia la estatuilla de la academia de cine de Estados Unidos, Martínez ya ha aparecido en el mismo número de ocasiones que Ricardo Darín en esta gala. Lo cierto es que en el caso que nos compete, la actuación del veterano intérprete es tan sólida que acaba cargando en sus espaldas con el peso de la historia al completo. No en vano, ha sido merecedor por primera vez en su carrera del premio a mejor actor del Festival Internacional de Cine de Venecia.

Caminando de puntillas por el apartado técnico de El ciudadano ilustre, habría que destacar un guion que, si bien da la sensación de no mostrar todo lo que promete, es coherente, divertido y excepcional-

mente fluido. Por contra, la realización deja bastante que desear, y se adivina una cierta dejadez en la fotografía y la edición de sonido. Nada que te saque de la historia pero elementos que tendrá que superar la cinta de Duprat y Cohn si quiere alzarse con el codiciado Oscar.

La realidad y la magia El discurso que inicia El ciudadano ilustre es una de las presentaciones de personajes más fidedignas, definitorias y directas que se recuerda en el cine moderno. Daniel Mantovani se autodefine con su discurso de recogida del Nobel, insultando de paso a las autoridades presentes. Finalmente, recibe el aplauso de jurado y público, ambos rendidos a su genialidad. A pesar de eso, Mantovani ejerce en esta ocasión de adivino y es que asegura que recibir semejante premio no puede ser sino el signo inequívoco de su inminente decadencia. Y es eso lo que vemos a continuación.

Con una elipsis de varios años, los cineastas argentinos nos muestran que, efectivamente, las musas han abandonado el afamado escritor, que anula todas las citas que tenía previstas a la vez que declina cada premio que le otorgan. Esta presentación dilatada pero necesaria del protagonista, nos muestra a alguien vacío de ideas, aburrido, solitario y con la imposible intención de pasar desapercibido. Como guinda a esta magistral introducción, el detonante: la carta que llega desde Salas, su lugar de nacimiento, en el que creció, al que abandonó para marchar a Europa desde dónde escribió sobre ese mismo emplazamiento. El rechazo inicial a dicha invitación, acaba derivando en una añoranza incontrolable. Finalmente, Mantovani acepta la condecoración como ciudadano ilustre y viaja, de incógnito, a Salas.

Se divide el film en capítulos, como si de una de sus novelas se tratase.

Es en el segundo episodio en el que se nos muestra al pueblo. Salas, a pesar de ser un lugar, estar compuesto por historias, seres humanos y situaciones, es, en sí mismo, un personaje. De hecho se revelará como el antagonista del escritor. El primer momento de cercanía con un habitante de Salas, se da cuando este accede a recogerlo desde el aeropuerto.

Ambos pasan la noche en medio del campo debido a un pinchazo en el coche. El cuento narrado por nuestro protagonista durante esa escena es un aviso de lo hipnótico del personaje que ocupa la centralidad de esta obra. Mirando a cámara y con medio rostro ensombrecido, la actuación de Óscar Martínez hace de Daniel Mantovani un cuentacuentos mágico que es capaz de abstraer de la realidad tanto al ‘paleto’ que tiene frente a él, como al espectador, que no tiene otra opción que sentarse en la misma fogata a escuchar, con la boca abierta, las historias humanas que siempre nos han fascinado incluso más que la fantasía elaborada.

La presentación del pueblo que, en su conjunto es un personaje más que una localización, uno complejo y lleno de matices es el lapso más cómico de este inicio de largometraje, de esta preparación del terreno para lo que vendrá después. La inclusión de un Power Point cutre como narración de la vida de Mantovani es la introducción ideal para este se

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gundo acto. El alcalde, el concurso de pintura, el amigo que ahora está casado con la ex novia, la adolescente que está loca por él, la surrealista entrevista televisiva y el encuentro con varios de sus admiradores, son momentos de carcajada asegurada y de tensión palpable.

Conforme la historia recorre su camino, nos percatamos de que El ciudadano ilustre es algo más que una comedia, puesto que nos empieza a golpear en el estómago con comparaciones odiosas y una espiral de locura ya imparable.

Dios en el barro Finalmente, el mensaje que nos queda en este largometraje es el de la debilidad del ser humano, que necesita ir del amor al odio constantemente para sentirse vivo. Por un lado, el amor del pueblo hacia su máximo referente: un premio Nobel, y el de Daniel a su pueblo por todo lo que le ha inspirado. Sin embargo, el enfrentamiento con la realidad, cuando ese Dios, esa imagen perfecta que tenía Salas de Daniel, baja al barro, ambos descubren que no son como creían, que la realidad es que ahora viven dos universos paralelos. Y aunque Daniel encuentra complicidad en algunos personajes, acaba enfrentado con la mayoría, provocando al pueblo hasta un punto de no retorno, en el que se trata de él o ellos.

MW | CINE | CRÍTICA

De lo que trata El ciudadano ilustre es de la redención humana. De perdonarse a uno mismo por no haber enterrado nunca a su propio padre, por no haber podido volver a su lugar de nacimiento en el que, sin embargo, ha vivido toda su vida de la mano de su obra literaria. El lío en el que se ve imbuído Daniel acaba por devorarlo y escupiéndolo al exterior con violencia.

Sin apartar la comedia, ‘El ciudadano ilustre’ es una fábula que hemos visto, leído y escuchado cientos de veces, pero que, cuando nos la vuelven a contar no nos queda otra opción que sentarnos junto al fuego y escuchar con la boca abierta el regreso de un Premio Nobel a su inculto pueblo.

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MW | BOCADOS DE GOURMET | CRÓNICA

La vuelta al DÍA en una competición con mucha gastronomía Fotografía: A. márkez Entrevista: P. Guergué Demos la vuelta al día. No hay cestas. Son bolsas. Cada equipo tiene un color. Y la pasta como ingrediente estrella.

90 minutos de competición. 5 meses después, turno para la gran final. Sorpresas incluidas. Parece algo alocado todo lo que en estas pocas palabras te estamos relatando pero es lo que hemos vivido en dos horas de una mañana bastante entretenida.

unido en torno a 700 aspirantes. De los cuales, han llegado a la final 12. 6 chefs y 6 foodies. Han tenido que competir por parejas para llevarse un suculento premio. Y es que a veces no es necesario que te den en mano un cheque para tapar agujeros. A veces lo más importante es las oportunidades que te ofrece esta aventura. Ya que en estas tres ediciones que ya llevan a sus espaldas, el 80% de los candidatos que entraron a la competición (Demos la vuelta el Día), trabajan Resulta que en Día, los supermercados, hace tres años, tu- como cocineros. Y dejaron atrás el pasado. vieron a bien crear una competición para acercar la alimentación a pie de calle. Un concurso relativamente similar al Parece que eso de ser cocinero, chef, foodie, no es una que podemos ver en Masterchef en TVE. Este año se han re- moda pasajera que una vez comenzó a tener visibilidad en 100 - www.mewmagazine.es

12 concursantes. 6 parejas. 1 grupo ganador.

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televisión. Parece que la pasión por los fogones están incrustada en nuestra sangre desde hace decenas de años y sólo hacía falta un poco de visibilidad para que la persona de a pie de calle se diese cuenta que es posible vivir de ello. Cocinar disfrutando. Trabajar cocinando.

Día ha tenido una genial idea. Ofrece convertir tu sueño en realidad. Y sin la necesidad de tener que soportas las soporíferas horas de grabación de un programa de televisión. Durante esta final sobraba la alegría y la ilusión.

Los 12 finalistas, sonrientes, han estado viviendo un auténtico sueño. Y por lo que sabemos, un sueño sin fin.

Porque varios de ellos ya están destinados a dibujar su nombre junto a varios de los chefs más importantes de nuestro país. Y es que, reconozcámoslo, la cocina da oportunidades. Y muchas.

Hay huecos disponibles. Hay demanda y hay oferta. ¿Y dónde se ha llevado a cabo toda esta gran aventura? En el Salón La Redacción del Restaurante Pedro Larumbe. Allí hemos sido testigos, junto a 300 personas más que se han acercado (era abierto al público), de una vorágine de nervios.

Porque se ha tenido que dar el pistoletazo de salida y los 12 candidatos, divididos en 6 equipos, han salido disparados hacia el supermercado portátil para coger todos los ingredientes necesarios para sorprender. Igualito que en la tele. Pero mucho más real. Y han vuelto a los fogones siendo cons102 - www.mewmagazine.es

cientes que debían preparar el mejor plato de pasta de su vida.

La organización ha tenido como objetivo que la emoción no perdiese el hilo y al cabo de unos minutos, los Chefs han sido atados de manos y han tenido que dirigir a los foodies en la creación del plato. Hemos comenzado a ver manos temblorosas donde el peso de la responsabilidad se ha deslizado por cada uno de los tendones y articulaciones. Porque tu compañero depende de ti. No es tu futuro. Es el futuro de ambos. Estos minutos han

sido los más tensos de la competición.

Hasta que por fin, los chefs, han podido meter sus manos entre la pasta y acabar el plato junto a sus compañeros. El rostro de orgullo de cada uno de ellos ha sido admirable.

Teniendo en cuenta que comenzaron esta andadura cinco meses atrás.

Mucho tiempo donde han recibido clases específicas, además de sus correspon-

dientes prácticas.

6 especialidades divinas han salido a la luz. 6 platos de pasta exquisitos. Pero no todos podían vencer. Solo 2 podían llevarse el gato al agua. Y así ha sido.

Esther Barrientos y Esther García.

Ambas se han llevado un premio en metálico de 1500 euros más tres meses en el restaurante de Mario Sandoval y un viaje gastronómico por el País Vasco.

Pero antes de dar por finalizado este pequeño reportaje cabe destacar el cuidado con el que DÍA ha tratado a cada uno de los asistentes.

Exquisiteces varias han rotado por nuestras papilas gustativas, inundándonos por completo.

Dulces y salados.

Ha dado igual.

Clásicos o modernos.

Demos la vuelta al día con proyectos que hacen de una ilusión, un sueño cumplido.

EL JURADO El jurado ha estado conformado por Pedro Larumbe, chef y presidente del Grupo Larumbe; Ana Lorente, tutora del Campeonato Demos la vuelta al día; Patricia Calzado, chef de Demos la vuelta al día, Iliana Iglesias, directora de marketing y comunicación del Grupo DIA y Jonathan Sanz, ganador de II Campeonato Demos la vuelta al día.

Su trabajo no ha sido nada sencillo. La competición ha estado más que igualada. En todos los equipos se han producido errores, y más de uno demostrado una enorme capacidad de reacción, creatividad y paladar.

6 PLATOS. 1 GANADOR.

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Cinco quesos casi perfectos Bendita Locura apuesta este otoño por sus platos con gorgonzola, burrata, provolone, parmigiano y mozzarella

Desde el gorgonzola a la burrata, los quesos italianos resultan ideales en gastronomía ya que son capaces de combinar a la perfección con innumerables ingredientes, no es necesario degustarlos sólo como postre o aperitivo, y se integran en muchas recetas de la cocina italiana. Te contamos qué los hace tan especiales, cómo son y las claves de su éxito de la mano de Bendita Locura Coffee & Dreams (Príncipe de Vergara, 73. Madrid), en cuya carta podemos encontrar una buena variedad de ellos.

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En Italia hay alrededor de 450 tipos de queso y al igual que ocurre en España, cualquier región tiene su variedad característica. Muchos de ellos los conocemos a la perfección, como el parmigiano o la mozzarella, pero otros son un poco menos conocidos a pesar de ser protagonistas de muchos de los nuevos platos de la gastronomía contemporánea.

De la intensidad del parmesano a la sedosidad del provolone Con tal variedad de quesos es prácticamente imposible no encontrar alguno que nos guste. Los hay intensos, duros y de potente sabor como el parmigiano; aromáticos, fuertes, con un ligero toque dulce y otro picante como el gorgonzola; cremoso y suave como el provolone; y la burrata, mantecoso y suave, con un aspecto y un sabor muy particular.

El gorgonzola, al igual que el famoso roquefort, está elaborado con leche de vaca fermentada con un hongo que hace que madure muy rápido y

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adquiera pronto un intenso aroma y ese color verde tan característico. A pesar de ello, es muy cremoso, un poco dulce y ciertamente picante. Se utiliza para preparar salsas de pasta, pero también es un imprescindible en las tablas, sobre todo las variedades más curadas.

En Bendita Locura lo añaden a una ensalada de manzana, crispo bacon y nueces, aliñada con vinagreta de mostaza y naranja, ya que como dice su propietario, David Monzón:“el gorgonzola marida a la perfección con el punto amargo de las nueces y la frescura de la manzana. Es un plato perfecto para el otoño, cuando las nueces están en su mejor momento”.

se cuece a fuego lento como manda la tradición desde hace casi ocho siglos. Su curación puede llegar a durar tres años y sus piezas no pesan menos de treinta kilos.Suele utilizarse para rayar sobre los platos de pasta, pero en Bendita Locura lo encontramos en lascas sobre su “tatine de ibérico con higos, y brotes verdes, “ya que sus sabores contrastan y se realzan entre sí, logrando un equilibrio perfecto”– matiza David.

El provolone es un símbolo del país alpino, que cuentan que se inventó para celebrar su proceso de unificación. Con un sabor muy fino y ligeramente ahumado, este queso se distingue por su facilidad para fundirse, por lo que Otro de los quesos fuertes y picantes, quizá se suele tomar caliente acompañado de pan, el más conocido de todos, sea el parmigia- gracias a lo que se ha convertido en un gran no. Para conseguir esa textura seca de gran entrante para compartir. consistencia y el sabor inconfundible de esta variedad, se utiliza leche de vaca y cuajo que David Monzón nos habla de cómo ser sirve

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Y casi por último, la burrata. Es un queso cremoso, suave y muy peculiar. Se trata de una variedad muy moderna ya que data de mediados del siglo pasado, que surgió como tantas afortunadas recetas, de la casualidad, buscando un modo de conservar la mozzarella. Con un exterior semisólido y un interior casi liquido, puede

decirse que se elabora en dos pasos, primero el interior y posteriormente ‘la bolsa’ que lo recubre.Podría confundirse con la mozzarella, aunque en realidad no se parecen tanto. Esta última está hecha con leche de búfala y la burrata con leche de vaca, aunque ambas combinan muy bien con aceite de oliva, tomate e hierbas aromáticas. En Bendita Locura, la burrata se prepara con tomatitos pera en aceite, rúcula y pesto genovés, mientras que con mozzarella elaboran un tatine de búfala, tomate seco, aceituna negra, canónigos y pesto rosso, una delicia que nos traslada a Italia desde el primer mordisco

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en su restaurante, en una sartén de hierro acompañado de tomates y perfumado con aceite de trufa blanca:“La trufa blanca es el ingrediente más codiciado de la cocina italiana y el provolone un símbolo del país, juntos funcionan muy bien y sirven como homenaje a una de las gastronomías más celebradas del mundo”.