MEW Magazine - MARZO 2021 - Susana Abaitua

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Magazine MADRID · BARCELONA (ESPAÑA) mewmagazine@mewmagazine.es www.mewmagazine.es P. GUERGUÉ DIRECTORA mewmagazine@mewmagazine.es DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA & DISEÑO Ana Márkez amarkez@mewmagazine.es

COMUNICACIÓN & MARKETING Itziar Monge imonge@mewmagazine.es

REDACCIÓN Rosa Suria & Judith Torquemada

PUBLICIDAD & SPONSOR Javier Amaro jamaro@mewmagazine.es

MODA Y CREATIVIDAD Jairo Villada / Lorena Pacheco

Redacción: Yurena Guerra / Paloma Escudero / Álex Delgado / Paula Robaina / Nuria Arévalo / María P. Pinto / Mikel Montero

AGRADECIMIENTOS LCM Records / Get Agencia / Cristina Chaparro Management / Laura Ramón Representante Lucía del Río Management / Única Representaciones / Alter Ego Talent House / Sofía Pedroche Gosua Management / Bellón&Guidera / Gran Vía Comunicación / Promotora 360 / Getin SONY Music Spain / Mayte Ortega Representante / Repetto Management / Movistar + Media Pro / Globomedia / Amazon Prime Video / TeMeCé / Braing&Beast / Evika / Fresia / Levi’s Trium Jewelry / C’Moi / García Madrid / Martinelli / Sfera DEPÓSITO LEGAL MEW Magazine pone en su conocimiento que los artículos que se publican en la revista, así como la imagen, sea de índole personal y/o mercantil, que se reproduce en la misma, queda protegida jurídicamente frente a terceros en aplicación de la normativa sobre propiedad industrial e intelectual. En este sentido, se informa específicamente acerca de la prohibición de reproducción parcial o total del contenido, para su posterior difusión pública y/o explotación propia. mewmagazine.es 5

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Carta de la directora

Hace un par de días, a punto de comenzar la madrugada, pensé en mis padres.

En todo lo que han dado por mí y en todo lo que han hecho por mí. En su amor y en su comprensión. Y se erizó mi piel al pensar cómo se sentirían si una buena noche, en las redes sociales, mi nombre apareciese en tendencia anunciando mi muerte. Por un accidente inesperado. Y tras la filtración irresponsable de algún avispado y repugnante ser. Y, entonces, entendí que hemos perdido el rumbo completamente. Y no sé si seremos capaces de encauzarlo de nuevo. Porque hemos antepuesto llamar la atención y la fama momentánea al dolor que podemos provocar en una persona. En una familia.

Nos estamos desligando de la empatía de forma bestial. ¿En qué momento hemos perdido el horizonte? ¿Y cuánta culpa tenemos los medios de comunicación en esta estúpida moda? ¿Todo vale? ¿Los ‘likes’ deben estar por encima de

cualquier cosa? ¿Lo fundamental es ser el líder de una tendencia mundial? ¿La exclusiva? ¿Es más importante ser el foco de una noticia que pensar en una madre, una hermana, una hija?

Pienso en mis padres y en lo que ellos hubiesen sufrido siendo protagonistas de esta acción tan asquerosa…y la realidad es que si todos nuestros malditos días, a cualquier hora, nos pusiéramos en la piel del de enfrente, dejaríamos de comportarnos como desalmados. Si retomásemos la vida viviendo piel con piel y obviando la vida tras una pantalla, encontraríamos la respuesta a qué ser y qué cerrar definitivamente.

Los medios de comunicación deberíamos aprender a comportarnos. A dejar los ‘likes’ a un lado y a respetar el dolor.

Y el público se contagiaría de nosotros.

Dejemos de usarlos como reporteros, fotógrafos y videógrafos. Tenemos la obligación.

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34 · Flavio

Honestidad y creación.

21 · Opinión

Separar la obra del artista .

24 · Moda

Traje de gala y mascarillas.

32 · Lali Espósito

Una artista todoterreno.

44 · Blas Cantó

La canción es ‘Voy a quedarme’.

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72 · Susana Abaitua La mejor locura posible.

58 · Inmigración Ilegal y niños.

60 · Comedia

Detrás de ‘El Príncipe de Zamunda’.

62 · Janick

Revelación en los Goya 2021.

68 · ‘Loco por ella’

Honesta y contundente.

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152 · Claudia Riera

Entre la música y las sombras.

86 · Referentes

La lucha y las comedias románticas .

110 · EEUU

La lucha por la libertad.

128 · Salva Reina

Entre sueños y realidad.

140 · Gonzalo Díez

Luz entre la oscuridad.

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178 · Marta Poveda

Una lucha y un trabajo constante.

168 · Luz Cipriota A corazón abierto.

186 · Sharon Carter Su regreso al UCM.

190 · 5 libros

Para sorprender en la cocina .

200 · Maravillas

Al alcance de tus ojos.

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Columna de opinión

SOBRE SEPARAR LA OBRA DEL ARTISTA por JUDITH TORQUEMADA

V

ictoria Abril empleó la rueda de prensa en su honor en los Premios Feroz para hablar de la crisis sanitaria. Sin entrar en detalles, su discurso transmitió irresponsabilidad, egoísmo y una desconexión tremenda con la realidad que están sufriendo millones de personas. Supongo que ella no la está sufriendo, de lo cual me alegro. Yo la he sufrido, seguro que tú también. Así que el cuerpo se nos queda de aquella manera cuando escuchamos a esta intérprete, una intérprete de esas de toda la vida, aprovechar su momento de gloria para negar lo que hemos sufrido.

Uf. Es duro. ¿Qué hay que hacer, entonces? ¿Retirar ese galardón por toda una carrera como actriz? ¿Obviar su persona y centrarse en su obra? ¿Se puede separar la obra del artista? Depende.

Cuando J.K. Rowling decidió posicionarse en contra de la comunidad trans y emplear su altavoz para enviar mensajes de odio, de rechazo o de duda, me planteé qué pasaba con ‘Harry Potter’. Esta saga llenó mi infancia y mi adolescencia, y volver a Hogwarts todavía es volver a casa. ¿Estaba apoyando a Rowling si volvía a leerlo? ¿Estaba fomentando su posición privilegiada? Me dije que no. Que lo había hecho, en el pasado, adquiriendo esos libros, que no lo hacía, en el presente, haciendo uso de algo que ya era mío. Que podía leerlo, pero que no le concedería un

segundo de esa gloria. Podía disfrutarlo en silencio. Hay obras de las que no podemos desprendernos, así que tenemos que encontrar caminos.

Pero cuando la obra de ese artista cuenta con un momento actual, cuando reconocerla puede significar que ese artista utilice el valor de lo que ha creado para compartir un pensamiento que atenta contra los derechos de los seres humanos... En fin, pues no, no creo que deba separarse. No creo que deban concederse espacios a personas con discursos tránsfobos, homófobos, racistas, machistas. En este momento, no creo que deban concederse espacios a personas negacionistas.

Tremendo papelón el de los compañeros de los Feroz, por cierto.

Pero, sí, puede evitarse el reconocimiento a toda una carrera si esa carrera está ensuciada por un discurso de mierda (perdón).

Creo que ese artista debe tener responsabilidad, principios y moral, y no solo talento. Creo que no tenemos que aplaudir lo último si su altavoz no es el adecuado.

Será por artistas, será por talento. Necesitamos también modelos, ejemplos, espacio para los buenos. Vamos, que no dudo del talento que pueda tener Victoria Abril, pero en estos momentos me importa una mierda (perdón otra vez).

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Columna de opinión

COMPARAR ES DE MAL GUSTO por ROSA SURIA

A

ntes de que se estrenara ‘El Internado: Las Cumbres’, las redes sociales ya estaban plagadas de nocivas comparaciones. Que si “quien no conoce a Dios, a cualquier santo le reza”, que si “lo que compras en una plataforma vs lo que te llega” y una ristra interminable de dichos populares que, en su momento, pudieron tener gracia. Pero que ahora, y en el tema que nos compete, dan más bien vergüenza ajena.

Llevo años escuchando al gran público pedir un regreso de ‘El Internado’ o una nueva adaptación de la historia. Una producción que nos permitiera regresar, en cierta manera, a la emoción que caracterizaba a la serie.

Pero nada más confirmarse que el deseo se convertía en una realidad, y sin haber visto absolutamente nada, ya aparecieron los primeros críticos.

No creo que nadie conciba un reboot o un remake buscando la comparación.

Bueno, hay casos para todo.

Pero en la mayor parte de ellos, se busca preservar la esencia de una historia, transformándola y adaptándola. Ofreciendo algo nuevo.

No creo que ‘El Internado: Las Cumbres’ haya buscado en ningún momento igualar o parecerse a su predecesora.

De hecho, desde su arranque se observa que tiene un carácter muy personal.

Tampoco creo que sea justo

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comparar ambas series, y me enfada ver cómo se ha convertido en una constante. No era justo antes de que se estrenara la primera temporada de la ficción de Amazon Prime Video, pero tampoco lo es ahora. Porque de ella sólo hemos visto el aperitivo, y de su madre lo hemos visto todo. Hemos tenido tiempo para analizarla y para profundizar en sus tramas y personajes. No como en este caso, en el que sólo hemos vivido la presentación.

Sin llegar a conocer siquiera a los protagonistas. ¿Lo sabíamos todo de Marcos, Carlos y compañía en ocho episodios?

El de ‘El Internado: Las Cumbres’ es un caso más entre un millón. Dicen que el ser humano tiene la necesidad imperiosa de relacionarse y de comunicarse. Pero yo, a veces, cada vez más, pienso que tenemos la necesidad imperiosa de criticar, de señalar y de ir en contra de todo y de todos. Y me pregunto: si tanto rechazo te produce una serie, incluso antes de su estreno, ¿por qué no la omites? Vive y deja vivir. Y disfruta de la cultura sin buscar la masacre.

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MODA

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LOOKS PARA ESTA PRIMAVERA

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por YURENA GUERRA

¡otra vez estamos en marzo! ¿puedes creerlo? un año hace ya desde que empezó esta locura y cada vez queda menos para que

acabe, veámoslo así. cada vez queda menos para poder abrazarnos, besarnos y salir

tranquilamente a dar un paseo con el buen

tiempo que ya debería estar a la vuelta de la esquina. cada vez queda menos para que la primavera vuelva a ser primavera, así, con

mayúsculas. para que podamos lucir looks

tan increíbles como los que te vamos a mos-

trar ahora mismo y que seguro que te hacen soñar con esa ansiada vuelta a la norma-

lidad pero que podrás lucir, de momento,

con todas las precauciones. ¡vamos a ello!

LOOK 1

Los dos primeros estilismos vienen de la mano de Rocío Camacho. Y es que, esta chica va siempre ideal. Muchas son las bromas que hace en cuanto a ir con falda o pantalón corto en invierno y sin medias, por eso del frío y morir congelada, pero lo cierto es que en esta época del año es lo más correcto. El primero que vamos a enseñar es un básico que todas deberíamos tener. Una falda plisada, de volantes, corta, con algo de vuelo o con estampado floral, con juntada con una camiseta básica blanca y una cazadora vaquera a juego. Si a esto le añades unas botas estilo cowboy, tienes un look de 10. En su caso, la falda la podemos encontrar en Zara, al igual que la camiseta, las botas estilo cowboy en Merkal Calzados y una cazadora vaquera de Levi’s, que nunca puede faltar como fondo de armario.

LOOK 2

Como bien hemos dicho, el segundo conjunto también viene de la mano de Camacho, aunque este es un poco más rockero y atrevido. Con unos pantalones cortos de cuero algo abombados y un crop top de punto y cuello vuelto, hace que algo muy sencillo sea idóneo para, por ejemplo, una cena un poco más formal. Estos pantalones de cuero negro podemos encontrarlos en Zara, al igual que el crop top de punto de color camel. Si como ella lo llevas con unos collares o cadenas doradas por fuera del jersey y un bolso de cadena dorada a juego con las joyas, triunfarás seguro.

LOOK 3

Y de Rocío Camacho pasamos a Mery Turiel. Otra persona que siempre acierta, siempre, se ponga lo que se ponga, y es por eso por lo que siempre aparece en la sección de los mejores looks para empezar cada mes. Si hay algo que nos encanta de la primavera o del otoño es que se pueden mezclar prendas de invierno algo más abrigadas

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con prendas un poco más ligeras, y eso es precisamente lo que ha hecho la influencer con este primer look todo de Lefties. Un jersey de punto gordo blanco combinado con una falda larga y suelta, simulando a la gasa, de flores verdes con toques blancos, y una apertura lateral de infarto. Todo ello a conjunto de unas botas de cowboy como las que describíamos antes en el primer look de Rocío y unas joyas doradas que realzan cualquier look.

LOOK 4

Este segundo conjunto también nos lo propone Mery Turiel. Como podemos observar, y como ya hemos dicho antes, las prendas que estaban de moda en la temporada pasada de otoño/invierno siguen estando vigentes en este inicio de la primavera, aunque se combinen de manera algo distinta. Una sobrecamisa de cuadros verdes y grises como la que lleva Mery, la cual encontraremos sin problema en tiendas como Zara o Bershka, a conjunto con un gorrito de punto, pero esta vez todo conjuntado con un Little Black Dress de fondo de armario que siempre encuentras en tienda, sea la que sea. El look lo finaliza con unas botas altas de suela de goma que tanto se han llevado este invierno del color de la sobrecamisa.

LOOK 5

Los siguientes dos looks vienen de la mano de Marta Riumbau. Si es por algo por lo que la catalana se diferencia del resto es por su estilo sencillo, pero a la vez atrevido.

Siempre juega con la misma gama de colores y es capaz de jugar con ellos a la perfección en cualquier época del año. El primer look que hemos elegido de ella consta de algo muy sencillo: pantalón wide leg de color gris, crop top de cuello alto negro y cardigan de punto de tonos pastel como blanco, rosa o azul. Todo ello lo finaliza con un moño cómodo y desecho y con unas converse que apenas se llegan a apreciar. Unos pantalones de este estilo los podemos encontrar en Shein, en Bershka o en Mango. El crop top es de Zara y el cardigan de The Desire Shop.

LOOK 6

Por otro lado, Riumbau nos muestra también un look primaveras completamente atemporal. Sea el año que sea, siempre va a estar de moda. ¿En que consta? Un jean de color jean, es decir, azul vaquero, y un polo blanco, en este caso con una cremallera de color plata y algo oversize. Nunca falla y es ideal tanto para salir a tomar unas cañas, para pasear por tu ciudad o para ir al cine. Todo el look completo es de Mango. A esto le podemos añadir unas deportivas de plataforma como las que podemos encontrar en Bershka o en Pull&Bear, y si quieres añadir algo de color, ponerlo en el bolso.

LOOK 7

Y para finalizar, no podía ser de otra manera que con Andrea Rueda. Esta chica SIEMPRE acierta, haga lo que haga, sea la estación que sea, vaya al evento que vaya o realice la actividad que realice. Además, como Mery Turiel, tiene una capacidad increíble para mezclar prendas de vestir con deportivas, algo que siempre está muy en tendencia. En este caso, no podía ser de otra manera que, llevando un conjunto de dos piezas de lo más primaveral, adecuado a la estación en la que estamos a punto de entrar. Un dos piezas, jersey y pantalón corto de punto, a rayas blancas y lilas de la tienda que acaba de estrenar hace muy poquito otra de nuestras influencers favoritas, Aretha Fusté. La tienda se llama THA Shop, y tenéis que echarle un ojo porque tiene cosas maravillosas.

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MODA

TRAJES DE GALA Y MASCARILLAS, ¿UN LOOK GANADOR? hace unos días se celebraban los premios feroz, y lejos de ser unos premios exclusivamente cinema-

tográficos y televisivos, se convirtieron también en una fuente inmensa de trajes de gala y mascarillas. y es que,

¿sabemos combinar el complemento estrella con un look arreglado?

por YURENA GUERRA / fotografías ©Alberto Ortega / Premios Feroz

Los Premios Feroz han sido un buen arranque del mes de marzo para el mundo “celebrity” y actoril y no solamente ha sido por las películas y series premiadas, si no también por lo bien que han sabido conjuntar nuestras estrellas los trajes de gala, los vestidos arreglados y los pantalones de pinzas con el complemento imprescindible desde hace un año en nuestro día a día: la mascarilla.

Las galas de premios siempre dan mucho de qué hablar, los diseñadores se esmeran para que sus colecciones desfilen por las alfombras rojas como si un pase de modelos se tratara, y es por eso por lo que estos premios nacionales que llevan celebrándose desde hace ya ocho años no podían ser menos. Si hablamos exclusivamente de los diseños de ropa que nuestras actrices, actores, directores, han lucido, diremos que ha sido una gala con muchísimos más aciertos que errores, algo que, bajo mi humilde opinión, es algo prácticamente imposible. El negro fue el color principal, el color protagonista de la noche, aunque no faltaron algunos diseños un poco más coloridos como el de Candela Peña de la mano de Jorge Redondo o el increíble look en negro y rojo firmado por Oscar de la Renta de la actriz Natalia de Molina. Si hablamos de un look un poco más arriesgado o fuera de lo común, podemos decir que la actriz emergente Milena Smit se llevó el

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primer premio. Llevaba un traje de falda y top de la firma francesa Jean Paul Gaultier que dejó a todo el mundo impactado.

Aunque también destacó el vestido corto de Paula Usero de la firma española Encinar que combinó con unas medias de rejilla que nos han enamorado. ¿Hará que vuelva esta tendencia?

Aunque, lo que, si fue espectacular, fue como todas y cada una de las personas que desfilaron por esa alfombra de los Premios Feroz 2021 decidieron sacar su mejor complemento de paseo, la mascarilla. Como bien decimos, casi todos los estilismos eran negros y por eso mismo las mascarillas también, aunque había bastantes diferencias entre unas y otras. Que si terciopelo, que si de la tela del vestido, que si de lentejuelas, que…vamos, múltiples opciones como por ejemplo las de Teresa Riott, actriz de la serie ‘Valeria’, o Vicky Luengo, actriz de la serie ‘Antidisturbios’.

Pero también hubo otras personas que decidieron arriesgar, o más bien no hacerlo, llevando a conjunto también su mascarilla con el traje elegido. Hablábamos de Candela Peña y su vestido precioso verde esmeralda de Jorge Redondo, pues su mascarilla era del mismo color. ¡Iba ideal! Otra que eligió llevar del color de su vestido su complemento estrella fue la actriz Macarena Gómez, que, con un espectacular vestido de Teresa Helbig, sorprendió a todos

vistiendo de rojo pasión y con una mascarilla a la que no le faltaba detalle. Iba también increíble.

Y es que, ahora que las mascarillas han llegado a nuestra vida para quedarse, tenemos que aprender a conjuntarlas con nuestras prendas de ropa. Es verdad que para nuestro día a día es muchísimo más fácil, pero eso no significa que no podamos utilizarlas cuando vestimos de gala.

En los Premios Feroz se ha demostrado que todo el mundo está muy concienciado de las pautas que hay que seguir para poder erradicar este virus y que, si todos nos ayudamos entre nosotros, pronto las mascarillas solo serán un complemento más de la larga lista de ellos que han pasado de moda y que finalmente terminan siendo descatalogados. Pero, por el momento, aprendamos a vivir con este complemento vital y divirtámonos utilizándolo.

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MÚSICA

Lali Espósito, todoterrenoo ESTE MES ESTRENA ‘SKY ROJO’ EN NETFLIX, UNA PRUEBA MÁS DE QUE NO HAY RETO QUE SE LE RESISTA. por ROSA SURIA / fotografías ©Sony Music Spain

La carrera profesional de Lali Espósito comenzó casi como una carambola. Como un golpe de suerte de esos que están destinados a ocurrir. Cuando era prácticamente una niña, se presentó a escondidas a un casting, pero se colocó en la fila que no le correspondía. Y llamó la atención de Cris Morena.

Una historia que ha contado en numerosas ocasiones y que seguramente ya conocieras, pero que dice mucho de ella. En primer lugar, nos habla de sus ganas y de su valentía, que la empujaron a presentarse a esa prueba sin que nadie lo supiera. Y también de su talento y de su carisma natural, que fueron los que captaron la atención de la productora. Una combinación que la ha llevado a ser una de las artistas más polifacéticas del momento.

Está a punto de estrenar ‘Sky Rojo’ en Netflix, serie de Álex Pina y una de las grandes apuestas de la plataforma para este 2021.

Podría decirse que con esta producción el planeta entero va a conocer a la Lali actriz.

Pero lo cierto es que ya hemos tenido la oportunidad de verla en series que arrasaron más allá de Argentina, como ‘Casi ángeles’.

Fue esta, con permiso de ‘Floricienta’, la que le otorgó la fama en nuestro país y la que logró que el fenómeno aterrizara y estableciera unas buenas bases en España.

No tardamos en conocer su faceta de cantante, y en enamorarnos de ella. Primero

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con el grupo Teen Angels y más tarde en solitario. Ha sido a través de esta última etapa como hemos conocido más a fondo a Lali, su estilo, su esencia y su talento. Y hemos descubierto que hay una Lali guerrera, una Lali ardiente y una Lali comprometida. Porque podría haberse quedado con la actuación o con la actuación y la música, que no es poco. Pero esta argentina todoterreno ha querido utilizar su plataforma para un bien mayor.

Lali es también activista. Una fiel defensora de la igualdad entre la mujer y el hombre y, por tanto, una figura activa en causas como la legalización del aborto en Argentina. A lo largo de los años, hemos visto cómo se ha ido implicando más en la lucha feminista y cómo, por supuesto, se ha ido deconstruyendo. Y la hemos visto aprovechar sus entrevistas para mandar mensajes importantes, al igual que ha hecho con sus redes sociales y, por supuesto, con su música. En la que vemos a una mujer empoderada, que canta sobre todos los temas que desea cantar y con su propia voz, rompiendo numerosos moldes.

siones a premios como los Premios Lo Nuestro, los MTV Europe Music Awards o los Premios Billboard de la Música Latina. Ha alcanzado el éxito y sigue cosechándolo a día de hoy. Rompiendo fronteras y firmando temas en solitario y colaboraciones que alcanzan importantes cifras en plataformas como Spotify o YouTube.

A nivel interpretativo, su participación en ‘Sky Rojo’ habla por sí sola. Aquí, la evolución de Lali es casi más llamativa, y el gran salto lo da con esta producción de Netflix. Empezó en papeles pequeños, en producciones que, si bien superaron las fronteras argentinas, probablemente iban destinadas a un público más cerrado. Y está a punto de estrenar el que es uno de los títulos más esperados de la plataforma para este año. ¿Descubriremos una nueva Lali en él?

La respuesta parece más que obvia.

Quizá lo que más sorprenda de Lali Espósito no sea su capacidad para desarrollarse en diferentes facetas, como la actuación o la música.

Si no, más bien, su capacidad para hacerlo con éxito. A nivel musical, Lali ha lanzado cuatro álbumes en solitario, ha llevado a cabo cuatro giras y ha sido nominada en incontables oca-

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REPORTAJE

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fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo LORENA PACHECO muah VLADA NIGMANOVA

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Cazadora, de Pepe Jeans. Sudadera, de Pull&Bear.

Pantalones, de Sfera Man.

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FLAVIO PRESENTA SU NUEVO SINGLE ‘SOBRAN LAS PALABRAS’, UN TEMA PRODUCIDO POR PABLO ROUS Y COMPUESTO POR EL PROPIO FLAVIO JUNTO A ROY BORLAND Y RAÚL GÓMEZ. DESPUÉS DEL ÚLTIMO LANZAMIENTO ‘DEJARSE LLEVAR’, UN TEMA CON UN RITMO OCHENTERO, EL ARTISTA NOS VUELVE A SORPRENDER CON SU VOZ PERSONAL Y ÚNICA EN EL NUEVO SINGLE. UNA BALADA QUE HABLA SOBRE LA RUPTURA DE UNA RELACIÓN EN LA QUE NOMÁS QUE AMBOS LO INTENTAN, NO FUNCIONA. FLAVIO ES UN CANTANTE LLENO DE HONESTIDAD Y SENSIBILIDAD. CON UNA PROPUESTA TAN PERSONAL COMO DIFERENTE. Y CON UNA CALIDAD MÁS QUE REMARCABLE. Y HABLAMOS DE MÚSICA Y DE POESÍA. DE TEXTOS Y DE PENSAMIENTOS. UN ARTISTA MULTIDISCIPLINAR QUE TIENE MUCHO QUE CONTAR.

MEW Magazine (MW): Después de este ultimo año, ¿qué es lo más complejo, para ti, de esta profesión?

Flavio: Creo que aun me quedan muchas cosas por vivir y creo que, de momento, no puedo identificar aquello que me resulte más complejo. De momento, la veo muy sencilla.

anécdotas. Intentando que se me conozca un poquito más.

MW: ¿Es importante desnudarse ante el público?

Flavio: Creo que es muy importante la relación de un artista con la gente que le sigue. Estrechando más ese lazo artista-seguidor, la gente lo valora y el trato se convierte en algo especial.

MW: Otro detalle que no pasa desapercibido es que cada single que has lanzado al mercado hemos visto un Flavio completamente diferente.

Flavio: Este año lo estoy encarando de tal forma que me sirva para conocerme. Y buscar el estilo que realmente me defina. Estos tres primeros estilos que saqué son, para mí, uno más ‘jazzístico’, uno tipo balada y otro tipo Charlie Puth. Y creo que son tres estilos que me definen completamente. Que he escuchado durante toda mi vida. Y, ahora, a través de ellos creo que puedo encontrar por donde verdaderamente quiero tirar.

“ un artista no debe cerrarse a diversas posibilidades que la música le puede proponer “

MW: Después de todo lo que has ido creando y haciendo en este último año, ¿cómo lo valoras?

Flavio: Con todo lo que ha pasado ha sido un año, sobre todo, de reflexión. Introspección. Conocerse a uno mismo.

Y agradecido por haber entrado a un programa así y tener la visibilidad que ahora tengo.

Con muchas ganas de mostrar ese Flavio que aun no se conoce.

MW: Algo que me queda claro es que la frase “yo con yo mismo” es importante para ti. Nombre de single y nombre de tu primer libro. ¿También es una frase definitoria?

Flavio: Creo que la canción me define a nivel de carácter. Luego, con el libro, intenté que mis seguidores conociesen una parte más personal. El Flavio de la infancia, del pasado, lo que vivió,

MW: ¿Está siendo importante probar?

Flavio: Sí. Igual que está siendo importante empezar a componer con más gente. Y no solo componer para mí, sino para más personas.

MW: ¿La música no tiene límites?

Flavio: Yo creo que no. Un artista debe buscar su estilo propio, pero no debe cerrarse a diversas posibilidades que la música le puede proponer.

MW: ¿Qué es más sencillo para ti? ¿Componer solo o en equipo?

Flavio: Al principio, componer en privado. Pero, este año, al tener tantas sesiones, al componer con más gente le he cogido el gustillo.

MW: Cuando uno trabaja en equipo, ¿también comienza a descubrir cosas nuevas de uno mismo?

Flavio: Claro. El ver cómo componen las personas con las que estás teniendo la sesión… Su manera de componer, su manera de aportar la idea… El nivel melódico… Te empapas de conocimientos que a lo mejor por tu cuenta, individualmente, no los encuentras.

MW: Haciendo una parada en el libro que acabas de publicar, ¿cuánto de complejo ha sido eso de desnudarse?

Flavio: La verdad es que no ha sido complejo porque, al fin y al cabo, son cosas que he vivido. Solo he tenido que transportarlas a papel.

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REPORTAJE

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Camiseta básica, de Zara. Camisa, de Dockers.

Pantalones, de Sfera Man. Mocasines, de Zara.

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Camisa, de Dockers. Pantalones, de Zara.

Botines, de Massimo Dutti.

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REPORTAJE

MW: ¿Tenías claro los textos que debían ir incluidos y los que no?

Flavio: Desde que me lo proponen es cierto que hay algunos textos que se fueron quedando fuera porque seguía escribiendo.

Vas viendo que algunos encajan más porque se relacionan más los unos con los otros.

MW: ¿Qué sentiste al tener el libro entre tus manos?

Flavio: Mucha emoción. Después de todo el trabajo, de haberlo visto de forma digital, tenerlo entre las manos, palparlo, fue muy bonito.

MW: Volviendo a la música, a tu cuarto single, ¿cómo lo defines tú?

Flavio: No es un Flavio nuevo, pero es un Flavio con las ideas más claras. Una balada. Pero en la primera que saqué sí que había un Flavio más perdido. Que se estaba adentrando en el mundo de la música y no entendía muy bien a nivel de composición, producción.

‘Sobran las palabras’ es de mis canciones favoritas.

MW: A nivel de composición, ¿vas notando tu evolución?

Flavio: Sí, voy notando la evolución porque al reunirme con gente y sus experiencias, noto que voy creciendo.

MW: ¿Uno espera a la inspiración o hay que fijarse unos horarios?

Flavio: Es que eso de cuando sea…a mí no me va mucho.

Tengo que sentarme y ponerme a componer.

· · · Puedes ver toda la entrevista en nuestro canal de Youtube.

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Sobrecamisa y camiseta, de Zara.

Pantalones, de Sfera Man. Zapatillas, de Pull&Bear.

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MÚSICA

BLAS CANTÓ SE QUEDA LA CANCIÓN SELECCIONADA ES ‘VOY A QUEDARME’.

por ÁELX DELGADO fotografías ©RTVE

El mundo se ha parado pro completo y tras un año e pandemia todo intenta seguir su curso y volver a la normalidad lo antes posible. Un claro ejemplo se encuentra en Eurovisión. El Festival de la canción vuelve tras un año en el que no se pudo realizar la edición prevista. Ahora, la organización ha tomado cartas en el asunto y ha preparado un plan para que el certamen se pueda celebrar en perfectas condiciones y asegurando las medidas de seguridad en todo momento en tiempos de Coronavirus.

Las delegaciones europeas siguen trabajando y en los últimos días se han

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presentado varias de las candidaturas que defenderán cada país en Rotterdam entre el martes 18 de mayo y el sábado 22 de mayo, fecha de la gran final. En el caso de España, se anunció que Blas Cantó repetiría como candidato y el pasado 20 de febrero se celebró una gala que no pasó desapercibida, en la cual se decidió que canción iba a ser la seleccionada para representar a España finalmente.

En una gala donde los problemas técnicos estaban a la orden del día, (nada nuevo en RTVE y los programas musicales en directo), todo se decidía entre dos canciones ‘Voy a quedarme’ y ‘Memoria’. Eran dos

En los dos últimos años España ha apostado por dos cantantes que cuenta con una importante trayectoria a sus espaldas. Blas Cantó está preparado para tomar el relevo del catalán Miki Núñez, que interpretó en 2019 la canción ‘La Venda’, quedando en la 22º posición con 54 puntos.

propuestas muy distintas y con una puesta en escena que dejaba mucho que desear.

En una gala realmente lenta y sin sentido, vimos a ese Blas Cantó que emocionaba y se emocionaba.

La canción finalmente seleccionada fue ‘Voy a quedarme’, una preciosa balada de esas que te destrozan desde la primera nota. Se trata un tema con influencias de cortes tradicionales. Compuesta Leroy Sánchez, Daniel Ortega ‘Dangelo’, Dan Hammond y el propio Blas Cantó, relata la pérdida de un ser querido de una manera desgarradora.

‘Voy a quedarme’ se compuso justo cuando la abuela del artista murciano estaba falleciendo a causa del coronavirus.

Blas Cantó, tenía un fuerte vínculo con su familiar, algo que ha mostrado en varias ocasiones en redes sociales y de la cual no ha dudado en afirmar que “es el amor de mi vida.

La emoción estaba presente desde el pri-

mer momento durante su actuación. Con un inicio a cappella digno de admirar, Blas Cantó muestra realmente uno de sus puntos fuertes: la presencia escénica. El artista español tiene una firmeza sobre el escenario que hace que el mundo se detenga. Este hecho se puede observar en la gala de ‘Destino Eurovisión’, donde gracias a los primeros planos y su mirada fija a cámara, se conseguía conectar con la audiencia. Poco a poco la canción va creciendo hasta terminar en un momento apoteósico donde sus falsetes hacen que se pueda conocer realmente el potencial de la voz del español.

también que tipo de Festival se celebra y en qué condiciones, puesto que en el peor de los casos se celebrará con las actuaciones grabadas desde cada delegación.

Este aspecto, si se tiene en cuenta lo visto en la gala de hace unos días, van a tener que trabajar mucho si no quieren hacer un mal papel, algo complicado viendo el deplorable sonido que tenía la canción durante la gala. Lo que no hay duda, es que Blas Cantó se dejará la piel hasta el final.

De cara a la gala de ‘Eurovisión’ tendrán que trabajar en muchas áreas, puesto que la puesta en escena de ‘Destino Eurovisión’ dejaba mucho que desear tanto en escenografía como en realización. Por delante, Blas Cantó tiene un largo camino por recorrer en el que tendrá que trabajar en muchas áreas, pero su punto fuerte será su carisma y las tablas sobre el escenario. Por otro lado, será importante ver

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MÚSICA URBANA

Maikel Delacalle ‘

reinventando el género por ÁLEX DELGADO fotografías ©Universal Music Spain

46 MARZO 2021 · MW

©Ana Márkez

©Ana Márkez

Maikel Delacalle es una persona que se ha hecho a sí misma y que ha superado todos los obstáculos posibles, desde la pérdida de su madre en la última etapa de su infancia a pasar por un centro de menores. Eso ha hecho que sepa que quiere hacer con su vida y luchar por ella en todo momento. Sus temas son inclusivos, no recurre al tópico de letras denigrantes ni sexistas. El tinerfeño no ha perdido en ningún momento su esencia ni esos valores que tanto ha defendido desde el inicio de su trayectoria profesional.

el artista tinerfeño se ha propuesto

revolucionar la escena urbana. maikel

delacalle ha conseguido en pocos años ser la referencia internacional gracias a sus temas, donde el sonido urbano

se ha mezclado con un r&b que es su seña de identidad.

La industria musical no deja de sorprendernos y en los últimos días se ha confirmado que hay un cambio de tendencia en el consumo cultural de la sociedad.

La población es cada vez más consciente de ello, y recientemente se ha observado cómo se va buscando a ese artista que le represente realmente y se aleje de esa música comercial que está más presente en nuestro entorno. La gente busca ese artista que ha crecido poco a poco a poco y que no tiene a una gran discográfica desde el inicio tras ellos, siendo libres en todo momento. Un claro ejemplo se encuentra en Maikel Delacalle, un artista urbano que no ha dejado indiferente a nadie desde sus inicios.

Maikel Delacalle es un artista de la zona de San Isidro, en Granadilla de Abona (Tenerife) que ha conseguido crear a su alrededor un gran número de seguidores.

El isleño ha logrado representar a una

generación que necesitaba encontrar a un referente. El joven artista ha sabido generar una legión de seguidores gracias a un estilo único y con esas rimas imposibles.

En cada uno de los temas de este joven trapero ha sabido sorprender mezclando elementos de géneros tan distintos como el R&B, el dancehall o el hip-hop. Maikel Delacalle se encuentra en uno de sus mejores momentos profesionales y personales. Con una media de más de un millón y medio de oyentes mensuales en Spotify, en 2020 ha presentado ocho temas, entre los que destacan: ‘Me Fascina’ con Ecko, ‘Dándole’ con Rafa Pabön y The Rudeboyz, ‘Perdío’ junto a Lérica y ‘Quisiera (Remix)’ con Rafa Pabön, Justin Quiles, Jerry Di y Jambene.

Uno de sus puntos fuertes se encuentra en su cercanía con el público. Para comprenderlo hay que remontarse a sus orígenes e infancia, donde se crió en uno de los barrios más humildes. Manteniendo la esencia carnavalera que tanto caracteriza a las Islas Canarias, el trapero adaptó las creencias y la cultura de los residentes latinos, en especial colombianos y venezolanos, algo que le hizo que le marcó significativamente en todos los aspectos de su vida.

Las letras de Maikel Delacalle están cargadas de verdad y de esa sensación única de sentirse representado desde el primer momento. Todo ello lo hace innovando y creyendo en un proyecto que ha creado él desde cero. Gracias a plataformas como Youtube se dio a conocer con covers únicas introduciendo sus pequeñas modificaciones. Desde ese instante su vida cambió por completo, pero sigue manteniendo los pies en el suelo.

La música fue su salvación en uno de sus peores momentos personales y eso ha hecho que mantenga esa esencia callejera y siga estando conectado a la sociedad. El artista español quiere ser un referente y lo hace en todo momento teniendo claro lo que quiere transmitir con cada una de sus creaciones, esas en las que nos muestra ese cachito más íntimo y veraz de él mismo, porque las letras hablan de lo vivido, de sus sentimientos y de las preocupaciones de una sociedad que busca ser escuchada.

Una de las grandezas de este artista se encuentra en que su música se puede escuchar en cualquier momento y nadie se va a sentir molesto. Maikel Delacalle es un cantante que sigue adaptándose a una sociedad cambiante y lo hace con la intención de llegar al mayor público posible.

Eso lo consiguió con ‘Cadenas’, uno de los temas con un sonido internacional y que puede ser escuchado en cualquier parte del planeta.

Maikel Delacalle es un artista que rompe con todas las barreras posibles. Desde sus inicios demostró que había otra manera de hacer música urbana de calidad y con un estilo propio donde el R&B es un pilar fundamental. El tinerfeño sabe cómo sorprender y emocionar con sus creaciones.

El 2021 se prevé un año complicado para la industria pero el trapero se ha preparado a consciencia para ello y seguramente nos presentará esos temas con un sonido latino pegadizo y que seguirán sonando a Delacalle.

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REPORTAJE

48 MARZO 2021 · MW

POL 3.14 Bipolar eternamente fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo LORENA PACHECO / muah VLADA NIGMANOVA

Tras el éxito del lanzamiento de ‘Bipolar’, junto a Cepeda, el artista ha regresado con el tema inédito ‘Amor intermitente’. Un tema que lo sitúa, de nuevo, en la órbita musical. Dentro de un oficio que le ha dado todo y que también le ha quitado parte, pero como bien describe su profesión, “es un lío muy bonito que empecé hace unos años y no me podido quitármelo de encima”.

‘Amor intermitente’, es una canción que habla de esas relaciones que te atrapan de tal manera que no sabes como dejarlas ir. Enganches de ida y vuelta de los que no sabes escapar y se convierten en amores totalmente adictivos y complicados. También le ha querido dar un doble sentido a la canción y lo compara con la época que estamos viviendo desde hace meses: “ Cuando hacía esa canción me estaba auto describiendo. Estamos ante un Pol que es intermitente, que tiene altibajos. Porque en esta racha es complicado mantener el equilibrio. Creo que todos hemos perdido bastante el equilibrio y el eje. Aquí he visto un Pol que va y viene. Un día se levanta y puede con todo y al día siguiente no”.

El madrileño POL 3.14 ha construido una solida carrera musical que empieza en 2010. Había estudiado periodismo y ejerció durante un tiempo, pero la pasión por componer le llevó a dedicarse plenamente a la búsqueda de su hueco en el panorama musical. Empezó a tocar la guitarra después de escuchar en un concierto una canción de Antonio Vega. Comenzó tocando en los bares y locales madrileños, y posteriormente, empezó a componer sus propias canciones.

“Intento ser autoexigente y sacar lo mejor que tengo en ese momento. Y que no siempre será lo mejor. Pero hay que intentar aspirar a lo máximo”, así de seguro se muestra cuando le pregun-

tamos sobre la necesidad de estar siempre en la ola y gustar o no a la mayor parte del público.

El lanzamiento de su primer disco, ‘Pol 3.14’ (2010), le situó en lo alto del panorama del momento: fue la entrada más fuerte de un artista novel en las listas de ventas, su música formó parte de la exitosa serie de televisión ‘Los hombres de Paco’ y estaba presente en las principales emisoras de radio. “Lucho contra mis canciones del pasado y me acompañan. Fueron muy poderosas y gracias a ellas, hoy por hoy, estoy donde estoy”, concluye hablando del pasado.

A este disco le siguieron ‘Jóvenes Eternamente’ (2012), ‘Solo’ (2014) y su cuarto álbum, ‘Conexiones Artificiales’ (2019). Este último disco le señala definitivamente como una realidad de su tiempo, con el mar como hilo conductor, siente la necesidad de regresar a lo esencial, aceptar los errores del pasado y avanzar hacia delante con paso firme. En 2020 nos sorprendía con la inesperada colaboración de Cepeda en una nueva versión del clásico ‘Bipolar’, que resultó ser todo un éxito, posicionándose en el #1 de iTunes en sus primeras horas.

POL 3.14 es música pop con personalidad, canciones que van del intimismo al nervio épico, melodías tristes y alegres al mismo tiempo, son su característico sello de identidad. Una ventana a la esperanza que deja una agradable sensación de felicidad. Su música a acompañado películas como ‘A tres metros sobre el cielo’ y series como ‘El Barco’ o ‘Los hombres de Paco’.

Puedes ver toda nuestra entrevista con Pol 3.14 en nuestro canal de Youtube.

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50 MARZO 2021 · MW

Cazadora, de Levis. Camiseta básica, de Mango. Zapatillas, de Levis.

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REPORTAJE

Total look, de Levis de Loop Vintage.

52 MARZO 2021 · MW

Camiseta, de Levis. Pantalones, de Mango. Zapatillas, de Vans.

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MÚSICA

Descubriendo artistas Leslie Odom Jr

todo empieza cuando crees que ha acabado por ROSA SURIA La última escena de ‘One Night in Miami’, con Leslie Odom Jr. metido en la piel de un Sam Cooke que cantaba por primera vez su ‘A Change is Gonna Come’, es una de las más emotivas de lo que llevamos de año. Lo es por lo evidente, por lo que significó esa canción para toda una comunidad y por el significado que sigue teniendo. También por la valentía de un Cooke que se había dedicado a ayudar de una manera muy diferente, y que no se había atrevido o no había sabido cómo utilizar su voz para mandar un mensaje que siempre sintió como propio. Pero parte de la emoción de esa escena la contiene la voz del intérprete, que, con permiso del desaparecido cantante, casi supera la versión original.

Puede que Leslie Odom Jr. haya sido un descubrimiento para una importante parte del público. Pero lo cierto es que otra importante parte del mismo lleva enamorado de él desde el pasado año 2015, en el que vivió el que sigue reconociendo como uno de los grandes momentos de su carrera.

O, quizá, el más importante.

Su participación en el musical ‘Hamilton’, en el que dio vida a Aaron Burr entre 2015 y 2016, cambió por completo su carrera profesional, su vida y su manera de entenderla. Su forma de enfrentarse a los problemas, a los retos y a los sueños.

Para el momento en el que recibió un email de Lin Manuel Miranda en el que le invitaba

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“En menos de una década, Leslie Odom Jr. ha recuperado la fe en sí mismo y en la industria”

a un workshop en el que se trabajaría en el segundo acto de ‘Hamilton’, la carrera de Leslie ya era larga. Pero no lo fructífera que habría deseado. Si bien es cierto que en su palmarés, por ese entonces, ya aparecía un papel protagonista como el de Sam Strickland en ‘Smash’, no era lo que él imaginaba cuando pisó Broadway por primera vez y se enamoró del teatro y de los musicales. No era lo que imaginaba cuando, siguiendo el consejo de su madre, dejó pasar un papel en el epicentro de los musicales para centrarse en sus estudios. Siempre confió en su talento, pero después de muchos papeles pequeños y de muchas respuestas negativas, pensó en dejarlo. Dejar la actuación y dejar su segunda pasión, la música.

Pero los golpes de suerte, o de justicia, siempre llegan cuando menos los esperamos. Y así llegó ‘Hamilton’. Lo curioso fue que Leslie Odom Jr. tuvo que volver a elegir. Por un lado, el musical que le emocionó tanto como para volver a recuperar la pasión que siempre había tenido. Y, por otro, un contrato televisivo de casi medio millón de dólares. El estadounidense decidió seguir a la pasión, a la emoción y al corazón. Pronto supo que había acertado, imagino que en cuanto subió por primera vez a las tablas como Aaron Burr, para ese momento fuera de Broadway. Ahora, ha recibido dos nominaciones a los Globos de Oro, por su papel en ‘One Night in Miami’ y por la canción ‘Speak Now’,

Fotografía ©Theo Wargo / WireImage

que forma parte de la banda sonora de esta película. Y es considerado uno de los intérpretes a tener más en cuenta en los próximos años.

Su voz se llevó en su día gran parte de las miradas en cada función de ‘Hamilton’. Y no es para menos. A mí también me ha ocurrido cuando he visto el musical, incluso con una pantalla de por medio. Pero no solo con su voz. Sus movimientos, la pasión con la que pisa las tablas y con la que se mete en la piel de Burr, la fuerza que transmite en cada intervención y ese toque humano que aparece en el momento adecuado, para que, sin llegar a ponernos nunca de su lado, empaticemos algo con el villano de la historia.

Lo mismo ha ocurrido con ‘One Night in Miami’. En la película dirigida por Regina King, su voz tiene menos espacio que en el musical, evidentemente. Pero un par de apariciones estelares le bastan para conquistar a todo aquel que decida entrar en la película. Tanto que, imagino, más de uno habrá decidido investigar si el actor también ha querido y ha sabido explotar este talento fuera de las pantallas.

LA CARA B DE LESLIE ODOM JR. La respuesta es afirmativa. Leslie Odom Jr., además de ser uno de los intérpretes con más futuro de su generación (a pesar de haber dado el gran salto ya en su madurez), ha apostado por su faceta musical. De hecho, cuenta con un total de cuatro álbumes de estudio en el mercado, dos de ellos centrados en temas navideños.

La música religiosa ha tenido un importante impacto en su vida y en su carrera, puesto que fue en la iglesia donde comenzó a cantar de forma más seria y constante. De ahí que parte de su discografía tenga una relación directa con la misma. Si a esto le sumamos que en Estados Unidos, su principal mercado, los discos navideños siguen siendo lanzamientos bien recibidos por una importante parte del público, encontramos la explicación para estos dos álbumes que, a primera vista, pueden chocarnos mínimamente.

En ‘Mr’, su segundo álbum, ya vemos cómo combina su base, ese amor por el Jazz y por sus múltiples derivadas, con algo de electrónica y con un viaje de ida y vuelta al R&B. Ya apreciamos el efecto de otros géneros en la música de Leslie Odom Jr. Incluso el efecto de esa música urbana que es protagonista en ‘Hamilton’ y que, sin duda, ha dejado una importante huella en él. A nivel personal y a nivel profesional.

APUESTAS GANADORAS En esta temporada de premios, Leslie Odom Jr. parece estar viendo la recompensa de todas esas apuestas que ha ido realizando. En su día, dijo que “cuanto más alto es el riesgo, algunas veces, muchas veces, mayor es la recompensa”. Un dicho que en ocasiones se pierde por el camino, pero que esta vez ha dado en el clavo. Él ya sabe lo que es llevarse galardones, como el Tony Award a Mejor Actor en un Musical que debe tener colocado en alguna estantería de su casa. Pero en este arranque del año, el de Queens está viendo cómo su talento musical y su talento interpretativo están siendo reconocidos a nivel mundial gracias a su transformación en Sam Cooke y a la sensibilidad que transmite su trabajo en ‘One Night in Miami’.

En menos de una década, Leslie Odom Jr. ha recuperado la fe en sí mismo y en la industria. Ha rescatado una pasión que casi se le escapa entre los dedos, como consecuencia de la frustración del artista que no encuentra su camino. Y ha sabido explotar sus talentos apostando, además, por papeles en los que ha encontrado un mensaje importante que transmitir al público. Acostumbrados a ver cómo hay artistas que comienzan a despuntar casi en su adolescencia, podríamos decir que él ha tardado un poco. Pero lo cierto es que ha llegado en el momento oportuno.

Es en sus otros dos discos, ‘Leslie Odom Jr.’ y ‘Mr’, donde podemos conocer al cantante y a su estilo. Si queremos ponerle una etiqueta, podemos decir que la música del estadounidense se enmarca en el Jazz. En ella, aparecen sonidos de otros géneros, como el R&B, pero su base son el piano y el chelo. En sus canciones, explora el Jazz y sus subgéneros, viajando por el mundo y ofreciéndonos, por ejemplo, la posibilidad de escuchar, casi sin esperarlo y entre baladas, una dulce bossa nova.

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CINE

InmigraciÓn ilegal y niÑos Un terrible drama ante el que la sociedad parece que no querer abrir los ojos.

por ROSA SURIA fotografías @Paramount Pictures Spain

C

on el anuncio de las nominaciones a los próximos Premios Goya, ‘Adú’ está teniendo una tercera vida. La cinta se estrenó en cines hace algo más de un año y poco tiempo después aterrizó en Netflix.

En la plataforma tuvo su segunda vida, convirtiéndose en una de las películas más vistas poco tiempo después de ser añadida a la misma. Ahora la ‘culpa’ de su renacer la tienen las 13 nominaciones que ha cosechado, siendo una de las grandes sorpresas del año en relación a estos galardones.

Con esta tercera vida, la película no solo ha atraído a una parte del público que aún no había llegado a ella, sino que ha reactivado una conversación que nunca debería caer en el olvido. La que gira en torno al drama de la inmigración ilegal y a cómo lo viven los niños. En la película, seguimos el periplo del pequeño Adú, que apenas levanta dos palmos del suelo. Por lo general, con su edad, en nuestro mundo, los niños van al colegio, juegan en el parque por las tardes, les leen un cuento antes de dormir y viven ajenos a cualquier tipo de preocupación. Sin embargo, en su mun-

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do, los niños de su edad tienen que huir de una casa arrasada, en completa soledad, y recorrer miles de kilómetros plagados de miles de peligros para alcanzar un futuro medianamente seguro. En el que, al menos, la palabra muerte quede algo lejos.

Lo que vemos en ‘Adú’ es una historia ficticia, con una clara intencionalidad. Pero la realidad está plagada de historias que comparten la misma base.

Seguro que recuerdas la imagen del niño Aylan, con solo tres años, inerte en la orilla de una playa de Turquía. Este niño sirio de origen kurdo trataba de alcanzar Grecia junto a su familia cuando una nueva tragedia se cruzó en su camino. Y digo una nueva porque la vida de Aylan, aunque corta, ya había conocido muchas. Comenzando por la guerra que le obligó a dejar su país y fue el detonante de una huida desesperada cuyo final conocemos todos.

La historia de Aylan tampoco es única, aunque ha servido para ilustrar un drama que sigue más vivo que nunca, pese a que nos hayamos olvidado de él. Cuando su fotografía fue publicada por los medios a nivel mundial, parecía que nos concienciábamos medianamente del horror que

nos rodea mientras giramos la cabeza.

Pero, efectivamente, unos años más tarde nos encontramos en el mismo punto que antes. Girando la cabeza, cerrando los ojos y dejando que día tras día pierdan la vida niños y adultos de la manera más cruel posible.

Según datos de Statista, el 12% de las personas que entraron en España de manera ilegal en 2019 fueron niños. Por su parte, UNICEF señala que en 2015 hubo un total de 19.000 menores no acompañados o separados de su familia que solicitaron asilo países que no forman parte de la Unión Europea. En 2016, según la Eurostat, fueron 63.280 los menores no acompañados que solicitaron asilo en Europa.

Unas cifras alarmantes y tal abultadas que, probablemente, nos impidan ver lo que hay detrás de ellas. Hay niños, con nombres propios, con historias propias y con un objetivo común: sobrevivir.

Niños invisibles y olvidados, que cada día se juegan la vida para tener una mínima parte de lo que a nosotros, privilegiados, casi nos corresponde por nacimiento. Y niños que desaparecen, sin dejar ningún rastro. Que mueren solos, con hambre, con frío o con los pulmones encharcados.

La de ‘El apicultor de Alepo’, novela escrita por Christy Lefteri, es otra historia que puede ayudarnos a abrir los ojos. Especialmente si tenemos en cuenta que la base de la misma es la realidad, las historias que la autora conoció en un campo de refugiados. En este libro volvemos a toparnos con el drama de la inmigración ilegal de los niños, solos o acompañados.

Con una historia que nos habla de lo que

se deja atrás cuando se emprende un viaje tan arriesgado como el suyo. De las motivaciones, las ilusiones y los sueños. Pero también de los miedos, las pérdidas, el dolor, el rechazo y la angustia.

Y la sensación de ser invisibles, transparentes, estorbos, sobras, marginados y olvidados.

Los telediarios parecen haberse olvidado de que, cada día, decenas de personas arriesgan lo más valioso que tienen porque no encuentran otra salida. Según datos del Ministerio de Interior del Gobierno de España, en lo que llevamos de año (hasta el 15 de febrero), han llegado a nuestro país 3.581 personas de manera irregular. A España, en menos de dos meses. Y en plena pandemia. 3.581 historias de las que no sabemos nada, porque no interesan, porque no queremos ensuciarnos con sus dramas, que muchas veces perpetuamos nosotros con nuestro silencio.

Por ahora, las 13 nominaciones que acumula hacen de ‘Adú’ una de las películas españolas más destacadas del último ejercicio.

Pronto sabremos cuántos cabezones se llevan Salvador Calvo y su equipo a casa.

Personalmente, creo que el premio de esta película sería que hablásemos más de lo que cuenta y que actuemos todos, y no solo pequeños grupos concienciados, para evitar que se sigan perdiendo vidas inocentes.

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CINE

DETRÁS DE LA COMEDIA DE 'EL PRÍNCIPE DE ZAMUNDA' por ROSA SURIA

A

keem Joffer, el príncipe de Zamunda, huye a Estados Unidos cuando su familia quiere casarle con una mujer a la que no conoce, siguiendo las tradiciones de la nación ficticia. Huye en busca del amor verdadero, hacia un país que, en teoría, es el centro del mundo. Pero en el que se encuentra completamente perdido, especialmente cuando descubre la cantidad de prejuicios absurdos con los que los estadounidenses se refieren a África, a sus tradiciones, a sus naciones y a sus habitantes. Nadie parece conocer Zamunda, su riqueza y su poder. Y, por supuesto, nadie le conoce a él, camuflado como un humilde habitante de Queens.

Ese es el argumento de ‘El príncipe de Zamunda’, comedia creada y protagonizada por Eddie Murphy, que fue estrenada a nivel mundial el año 1988 y cuya historia encuentra su continuación en ‘El rey de Zamunda’, esperada secuela de Amazon Prime Video. Han pasado más de treinta años desde su llegada, y la percepción de la película sigue siendo muy diferente

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según quién la vea. Comedia surrealista y absurda para unos; celebración de unas raíces olvidadas y negadas durante mucho tiempo para otros.

Dejando a un lado algunos aspectos en los que la película no ha envejecido demasiado bien, ‘El príncipe de Zamunda’ fue una cinta enormemente importante para la comunidad afroamericana. Lo fue porque en ella encontraron una de las primeras muestras de orgullo africano en la gran pantalla. No vieron en ella una

comedia sin más o, como había ocurrido en otras ocasiones, un drama acerca de los problemas a los que se habían enfrentado históricamente. En ella, vieron numerosos motivos para estar orgullosos de sus raíces africanas, encontraron un mensaje que gritaba a los cuatro vientos que lo africano es bello, es valioso y es importante. Una celebración convertida en película, que, en cierta manera, sentó las bases de otros grandes fenómenos como ‘Black Panther’.

El hecho de que se presente Zamunda como una nación rica y poderosa ya es significativo. Cambia por completo la imagen de todo un continente y nos muestra algo sorprendente y horroroso: estamos acostumbrados a que África se encuentre en una situación insostenible y nos da igual. Pero ahí el mensaje es para nosotros, los blancos, que no concebimos siquiera la posibilidad de que exista riqueza en un continente que admiramos por su belleza, pero obviamos por todo lo demás.

Para la comunidad afroamericana había otros muchos mensajes. El primero: no te escondas. Akeem se esconde porque

M

ás de 30 años después del estreno de ‘El príncipe de Zamunda’, Amazon Prime Video estrena su secuela. Para muchos, una comedia absurda más. Para toda una comunidad, probablemente una de las primeras películas en las que se celebra su herencia africana. Sus raíces y su lazo con una tierra repleta de clichés y de prejuicios.

pretende encontrar el amor verdadero, el de una mujer que se enamore de él por cómo es, no por su corona o por su riqueza. Sin embargo, el orgullo de pertenecer a una nación como Zamunda se respira en cada secuencia de la película. Y se observa en un vestuario que bebe directamente de la historia y la tradición del continente.

Nunca antes se había visto este orgullo en un blockbuster como ‘El príncipe de Zamunda’, que terminó el año entre los estrenos más taquilleros de Estados Unidos.

La película también reivindica, detrás de la comedia, la belleza de la negritud. El poder de una comunidad que tradicionalmente había sido -y continúa siéndolo- rechazada por el color de su piel. Ese orgullo que aparece en el filme de principio a fin, en vestuario, guion y banda sonora, no había tenido un reflejo tan claro en el cine hasta ese momento. Y el hecho de que lo tuviera en una comedia, destinada a un público amplio, quizá provocó que su impacto fuera aún mayor.

Aún a día de hoy, y con referentes mucho más cercanos y más potentes, como la ya mencionada ‘Black Panther’, son muchos los miembros de la comunidad afroamericana que continúan destacando ‘El príncipe de Zamunda’ como una de las películas imprescindibles para esta comunidad. Como una cinta que cambió por completo su manera de sentirse y de manifestarse. Que les invitó a salir a la calle con las ropas que nunca se atrevían a vestir en público, a reunirse con los suyos y a celebrar públicamente su historia. Que les hizo comprender el significado de ser africano y sentirse orgullosos de ello.

Durante mucho tiempo, se ha intentado distanciar a la película de cualquier tipo de movimiento de liberación de la comunidad. Se ha querido ‘blanquear’, nunca mejor dicho, la historia, y dejarla como una mera comedia que no convenció a una importante parte del público y de los críticos. Sin embargo, el indudable impacto de ‘El príncipe de Zamunda’ sigue presente a nivel global, con especial foco en Estados Unidos. Y durante los

próximos meses, probablemente, volverá a sentirse con más fuerza. Ahora el mensaje cambia. Los miembros de la comunidad afroamericana llevan su orgullo africano por bandera, así como la belleza de la negritud. Pero la celebración volver a ser la misma, como lo fue hace más de 30 años y como lo fue con el estreno de ‘Black Panther’.

‘El príncipe de Zamunda’ y su secuela, ‘El rey de Zamunda’, están disponibles en Amazon Prime Video. La segunda cinta vuelve a ser protagonizada por gran parte del reparto original: Eddie Murphy, Arsenio Hall, James Earl Jones y Shari Headley.

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REPORTAJE

JANICK fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah PATRICIA BARRANCO

62 MARZO 2021 · MW

ENTRE LA COMEDIA Y LA TRAGEDIA. ASÍ HA VIVIDO JANICK JUNTO A AYOUB. RIENDO, PERO OFRECIENDO ESOS MATICES DE HUMANIDAD QUE HAN HECHO DE SU PERSONAJE ALGO MUCHO MÁS ESPECIAL. UN PROYECTO QUE LE HA SERVIDO PARA CONSEGUIR SU PRIMERA NOMINACIÓN A LOS PREMIOS GOYA. NOS REUNIMOS CON JANICK PARA HABLAR DEL OFICIO. DE LOS SUEÑOS QUE SE TEJEN ALREDEDOR DE NUESTRAS EXPECTATIVAS Y DE COMO TODO LLEGA CUANDO MENOS LO ESPERAS. MEW Magazine (MW): ¿Cómo toma uno la decisión de dedicarse a este oficio?

Janick: Cuando estás loco. Porque es un oficio bastante inestable. Muy poca gente vive de esto. Pero cuando quieres algo no dudas. Me encanta el cine.

MW: Cuando uno inicia este oficio, ¿genera expectativas?

Janick: Sí, por supuesto. Todo el mundo que se mete en esto tiene sueños. Es inevitable generar expectativas. Pero también es importante tener los pies en el suelo. Entender que nada de lo que está pasando es definitivo.

Los focos y los flashes deslumbran a la gente. Mientras que lo importante es disfrutar del camino. Y lo que tenga que venir, vendrá. No hay que obsesionarse con eso.

MW: Cuando el personaje llega a tus manos, ¿te pide cosas?

Janick: Sí, por supuesto. Creo que eso es lo divertido y lo especial de esto. La posibilidad de meterte en otro ser. Sales de ti para dar de ti. Por ejemplo, cuando me llegó Ayoub (‘Historias Lamentables’), este personaje, me estaba pidiendo algo.

Que le diera forma. Matices, gestos. Que le diera una forma de andar, una forma de expresarse.

En el papel ves letras pero tienes que darle cuerpo y vida. Y a mí me lo estaba pidiendo continuamente.

MW: ‘Historias Lamentables’ te llega…

Janick: A través de un casting. A tra-

vés de mi representante. Llegué al casting bastante confiado. Salí de allí con bastante confianza. Y a los dos días me llamó mi representante para comentarme que les había gustado mi prueba. Hice una segunda prueba con Javier Fesser. Estuvimos una hora. Y me dieron el papel.

· · · El director de ‘Campeones’ lanzó el pasado mes de noviembre una película compuesta por cuatro relatos aparentemente independientes pero interconectados entre sí, donde el espectador podrá vivir en su propia piel los infortunios y calamidades que sufren uno tras otro, los incautos protagonistas de Historias Lamentables.

“Historias Lamentables es una selección de cuentos llenos de humor, ternura, mala leche y emoción”, ha comentado Javier Fesser, director de la película. “Son relatos independientes pero conectados entre sí en donde el espectador va a contemplar, con una sonrisa de oreja a oreja, muchas de las cosas que ‘cree’ que nunca le van a suceder a él. Pobrecito mío”.

· · · MW: ¿Te resultó sencillo comenzar a darle forma a Ayoub?

Janick: Sí, en mi caso sí. Ayoub es un personaje africano y yo soy africano. Tengo muchos amigos africanos. También conozco a gente que ha venido como Ayoub en situación de dificultades de documentación.

MW: ¿Y como se maneja la comedia dentro de la tragedia?

Janick: Muy buena pregunta porque cuando me llegó el guión pensé que iba a ser pura comedia. Pero cuando Javier Fesser nos reunió por primera vez nos dijo que iba a ser una comedia pero que no se iba a grabar como tal. Eso me llamó la atención porque luego en el rodaje me daba cuenta que había comedia pero que había que darle ciertos puntos y matices de humanidad. Y ahí es donde ha calado el personaje de Ayoub. Porque si hubiese sido solo comedia, a lo mejor, no estaría donde estoy ahora.

El toque dramático para darle lo justo al

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REPORTAJE

Abrigo, de H&M. Jersey y pantalón, de Zara. Calzado, de Pitillos.

64 MARZO 2021 · MW

“es importante tener los pies en el suelo.

Entender que nada de lo que está pasando es def initivo”

Camisa, de Zara. Pantalón y calzado, de H&M. Accesorios, de Trium Jewelry..

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REPORTAJE

personaje ha marcado la diferencia.

MW: ¿Qué sientes ahora por este personaje que te ha dado esta nominación a los Goya?

Janick: Otra pregunta complicada… Realmente no sé lo que siento. Es emocionante. Mucha felicidad. Mucha alegría. Mucha responsabilidad. Da un poquito de vértigo.

Lo que ha conseguido esto es que ahora estoy con ganas de más. La Academia ha visto algo en mí que, tal vez, yo no veía. Me ha hecho confiar muchísimo más en mí.

MW: ¿Qué has aprendido de todo este Proyecto?

Janick: De Ayoub he aprendido que hay que empatizar un poquito más con la gente. Que creemos que lo practicamos, pero no es así. La gente es muy individualista.

También he aprendido a luchar por tus sueños. Todo pasa por algo.

··· Puedes ver nuestra entrevista con Janick en nuestro canal de Youtube.

Camisate, de Zara.

Pantalón, de H&M.

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Total look, de H&M. Botines, de Fórmula Joven.

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CINE

LOCO POR ELLA

Jaque mate a los prejuicios. A esa obsesión que tenemos de identificar, señalar y etiquetar. Un paseo por las emociones y por aquello que nos invita a jugar en otro nivel. Lejos de los miedos y con una entrega más profunda. por P. GUERGUÉ

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‘Loco p o r ella’ es una de e s a s p r o puestas que llegan de forma fresca e inesperada.

U n o de esos largom e trajes donde s o l o esperas un antídoto eficaz p ar a e s o s d í a s nebulosos que estamos vivien-

frente para darnos cuenta de que tendemos a alejarnos de todo lo que signifique problemas a la vida. Hemos entrado en la vorágine de centrarnos, exclusivamente, en nosotros. Olvidando la empatía y la solidaridad.

Así que echamos a correr en cuanto olemos que vamos a comprometernos con algo que desconocemos y que tememos. Y así observamos el estupor de todas las personas que rodean a Adri cuando toma la decisión de ir tras Carla, cueste lo que cueste.

Porque nuestros mejores consejos siempre han sido y serán aquellos que pongan un muro como barrera ante cualquier peligro inminente. Eso de volar libre y de saltar al vacío…no va con nosotros.

Y de frente nos tropezamos con Carla. Que es consciente de lo que ocurre, pero ha decidido apostar por vivir. Eso que muchos hemos dejado atrás para centrarnos en el trabajo, pero, sobre todo, en el mañana. Por-

apartar a todas aquellas personas a las que tememos por no saber cómo hacer las cosas. Porque tenemos miedo a equivocarnos, a hacer daño, a no saber rectificar a tiempo. Y antes de darnos el derecho a tropezarnos, hemos aprendido a correr en dirección contraria. A huir de lo que nos dictan que es ‘diferente’. Pero ¿qué es la locura? ¿Y lo normal? ¿Tú eres normal? ¿Y quién no lo es? ¿Dónde está la verdadera línea entre lo que tú y yo somos? Carla, Adri, Saúl, Marta, Tina, Víctor, Sergio, Laura o Andrés nos dan una lección inmensa para que dejemos de apagar la luz.

Llorar sana. Y hablar también lo hace.

Y tener que acudir a un especialista en cualquier momento de tu vida, es lo lógico. Ya sea un psicólogo o un psiquiatra. Y si debes repararte, en algún instante del camino, porque te hayas roto en mil pedazos, hazlo. Porque puedes hacerlo. Porque tienes el derecho. Porque todos nos caemos y todos

“Y si debes repararte, en algún instante del camino, porque te hayas roto en mil pedazos, hazlo.” do últimamente. Pero, de pronto, te sorprende. Y encuentras en una propuesta fresca y honesta, una identidad propia que pocas veces se descubre.

Y más en historias como esta.

‘Loco por ella’ no habla de la locura o sí. Quizá de la locura de ellos o de la nuestra propia. De aquello que nos dicen y nos marcan como problemas, aunque en el fondo haya mucha más cordura y mucho menos caos de lo estipulado. Nos golpea de

que procrastinar se ha convertido en nuestra sombra. Carla nos da un chute de energía y nos invita a enfrentarnos a nuestros miedos, aunque haya alguna posibilidad de perderlo todo. Hasta aquello que nombran como razón.

Carla da la mano a Adri y Adri hace lo propio con Carla. Ambos, con sombras y con luces, van tejiendo lo que podría ser un mundo mejor, ante la asombrosa mirada de todos. Y entonces, hay un momento de reflexión contundente porque el largometraje nos muestra que si pusiéramos el foco en el sitio adecuado podríamos rectificar todos los errores del pasado. Y podríamos perdonarnos y otorgarnos nuestras oportunidades. Y dejar de

nos levantamos. Y habrá un momento, en todo ese recorrido, en el que haya una mano tendida, sin preguntas. Solo con una capacidad inmensa de espera y de silencio. Para darte los tiempos y el espacio. Para estar por el simple gusto de estar. Sin preguntas ni presión.

‘Loco por ella’ nos dice abiertamente que hemos venido a este mundo a vivir. Y que los miedos no pueden paralizarnos. Porque cuando eches la mirada atrás te darás cuenta que, todo el camino andado, no era el que habías tejido en tus sueños. ¿No merece la pena arriesgarnos?

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EN PORTADA

SUSANA

ABAITUA fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo JAIRO VILLADA maquillaje LUCÍA CASTRO / peluquería PATRICIA BARRANCO / localización HOTEL COOLROOM

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Abrigo y pantalón, de Matsu Studio. Zapatos, de C’moi. Accesorios, de Trium Jewelry.

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Susana Abaitua llega con energía y magnetismo a nuestra cita. Un último año intenso viaja con ella como sombra.

Y con agradecimiento porque un oficio cargado de incertidumbre le ha dado y le está dando una constancia necesaria para poder seguir creciendo a nivel profesional.

Nerea Lextxundi (‘Patria’) le ha ofrecido el puesto que desde hace años lleva conquistando. Por la elección de personajes o por la oportunidad que ha encontrado en ellos. En su contexto, en su construcción.

Susana Abaitua es de esas actrices de piel y de alma. Por eso en Carla (‘Loco por ella’) vemos la honestidad y el respeto necesario que otorga cada nueva aventura.

MEW Magazine (MW): ¿Lo más complejo del oficio?

Susana Abaitua: Te diría que intentar llevar una vida normal (Risas). Me refiero a los horarios de rodaje, a estar trabajando, no estar trabajando, compaginar con el resto de la gente que forma parte de tu vida y que no forma parte de la profesión.

Vestido, de Gaudí. Zapatos, de Pons Quintana.

Accesorios, de Trium Jewelry.

MW: ¿Cómo ha sido este último año para ti?

Susana Abaitua: Yo no me puedo quejar. Absolutamente nada. Tengo que decir que no he sido la persona más feliz del planeta. Es normal. Ha habido subidas y bajadas. Sobre todo, empatizando con lo que está pasando o con otra gente.

Lo que doy es las gracias porque soy una afortunada. Porque más allá del trabajo, me puedo quedar en casa si hay que quedarse en casa. Luego, ¿qué te voy a decir? Estoy en un momento muy dulce en mi profesión. Hemos estado en casa y la gente ha tenido ‘Patria’. Terminé de rodar una película diez días antes del estado de alarma. Y, en cuanto terminó el confinamiento, me puse a rodar.

MW: Durante el rodaje, ¿tenías la sensación de que esta adaptación de ‘Patria’ iba a funcionar tan bien como lo ha hecho?

Susana Abaitua: Sabíamos que iba a dar de qué hablar. Y

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que la gente esperaba esta serie. También te digo que tanto no me lo esperaba. Y tan buena acogida tampoco.

En mi manera de ser, no intento irme muy lejos. Eres consciente que el libro es una barbaridad, que ha funcionado muy bien, pero tanto no. He recibido mensajes de cariño de muchísima gente.

MW: Cuando una inicia este oficio, no sé si una se genera expectativas o no, pero ¿está siendo el viaje mucho mejor de lo que imaginabas por aquel entonces?

Susana Abaitua: Qué buena pregunta… Siempre te sorprende. Nunca sabes exactamente, pero tienes una proyección de ti. Y de hacia dónde quieres ir. En mi caso, mi objetivo sería tener muchos guiones, tanto de cine, teatro o televisión y elegir. Este sí, este no y ahora un mes para descansar.

No me imaginaba hacer una serie para HBO, por ejemplo.

MW: Uno de tus últimos estrenos ha sido ‘Loco por ella’ para Netflix, ¿cómo llega este proyecto?

Susana Abaitua: Por la forma más convencional del mundo. Un casting (Risas). Me apetecía muchísimo trabajar con Dani de la Orden pero no nos conocíamos personalmente.

"DOY LA GRACIAS PORQUE SOY UNA AFORTUNADA. PORQUE MÁS ALLÁ DEL TRABAJO, ME PUEDO QUEDAR EN CASA SI HAY QUE QUEDARSE EN CASA. [...] ESTOY EN UN MOMENTO MUY DULCE EN MI PROFESIÓN"

Hice el casting con Álvaro Cervantes directamente. Y desde el casting hubo muchísima química entre los tres. Nos entendimos súper bien. Me enamoré del personaje de Carla. Desde la primera frase del guion.

··· ‘Loco por ella’ nos invita a vivir. A hacerlo desde el corazón. Teniendo en cuenta a todas las personas que viven y conviven con nosotros. Sin señalar, ni juzgar. Sin etiquetar. Sin anteponer lo que dicen que somos.

‘Loco por ella’ nos da un buen golpe en el estómago y nos muestra que tenemos la obligación de cambiar el rumbo de las cosas. Que hay que abrir más los brazos. Que aquello que tenemos claro puede que tenga una oscuridad inesperada. Pero que esa oscuridad también es bella o, incluso, más bella que toda la luz que tú mismo puedas llegar a transmitir.

Carla (interpretado por Susana Abaitua) se divide entre la realidad y el deseo. Entre esa vida que le ha tocado vivir y su necesidad de saltar de esa cuerda de trapecista que le engancharon a sus pies. Y como espectador caes en su magia. Y te devora.

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Vestido, de Karl Lagerfeld. Botas, de Fresia.

Accesorio, de Trium Jewelry.

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Vestido, de Juan Millán. Zapatos, de C’moi.

Pendientes, de Acus. Anillos, de Trium Jewelry.

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EN PORTADA

MW: ¿Qué has aprendido sobre ti a raíz de Carla?

Susana Abaitua: Absolutamente todos los personajes me hacen descubrir cosas. Siempre lo digo. En la vida yo tengo la careta de la alegría, por así decirlo, pero al final cuesta mantenerlo. Y los personajes te permiten quitar cosas y experimentar terrenos que en tu cotidianidad y en tu vida no te atreves. Porque ya eres de una manera cara a la gente.

Con Carla, en concreto, me quedo con todo el tema de la salud mental. Aunque siempre he sido bastante empática. Y me parece que dar mucha más visibilidad está muy bien. Entender más y no caer en el cliché de lo que puede ser una persona maniacodepresiva. O lo que es una ansiedad o una depresión.

MW: ¿Fue fácil su construcción?

Susana Abaitua: No, ha sido bonito. Ha sido un trabajo muy de campo. De primero, hable con un psicólogo. Le pedí permiso a Dani de la Orden para mandarle el guion. Porque no quería caer en el cliché del personaje.

Sino tener muy claro al personaje. Como que es bipolar, pero qué tipo de bipolar es. Quería tenerlo muy concreto.

MW: ‘Loco por ella’ es una descripción perfecta de ese mensaje que lleva tiempo corriendo por las redes sociales y que dice que cuando conoces a alguien no sabes qué batalla está enfrentando. Que no lo des todo por hecho…

Y así nos presentan a Carla y a Adri. Cada uno con una lucha interna.

Susana Abaitua: Qué guay… Es que el guion está muy bien escrito. Y luego Dani de la Orden que es un genio a la hora de llevar a cabo todo esto. En la manera de presentar a ambos personajes yo me enamoré. En esa pri-

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mera secuencia en ese bar. Es perfecta.

Hay una cosa muy bonita y es que todos los personajes, tanto Adri como Carla como los del centro, tienen un arco precioso. Y eso forma parte de un buen guion, una buena dirección y un buen montaje.

MW: Y el equilibrio tan perfecto que hay entre la comedia y el salto a la lágrima…

Susana Abaitua: Qué bueno lo que me dices. Nosotros es que nos lo hemos pasado pipa.

El rodaje ha sido una pasada.

La primera vez que la vi, me pasó. Y eso que formo parte del proceso. Es difícil emocionarte con una peli que has hecho.

MW: Nos hacen señalar a personas de las cuales nos dicen que no pertenecen a la ‘normatividad’ estipulada…

Susana Abaitua: Y, ¿qué es ser normal?

También me planteo eso… Creo que hay mucho más en la sombra de lo que se quiere decir.

Al final, en el caso de esta película, la gente que está en el centro es gente consciente de lo que le pasa, que quiere mejorar. ¿Quién te dice que el que no es consciente de nada está mejor?

· · · ‘Loco por ella’ es para disfrutarla. La historia de Carla y Adri es para vivirla. Comprenderla y abrazarla. Porque en este mundo inesperado y cargado de incertidumbre hay que hacer sin dejar nada para el futuro. Sentir como si cada beso o cada caricia fuese la primera.

Puedes ver toda nuestra entrevista con Susana Abaitura en nuestro canal de Youtube.

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cias, además de ser únicas, cuentan con el sello de la casa, lujo y calidad, y prometen ofrecer vivencias memorables.

• Cool Escape Madrid Además de disfrutar de un alojamiento en familia en Máster Suite (2 habitaciones con su respectivo baño y salón intermedio) o dos habitaciones Deluxe con desayuno incluido, podrán vivir la experiencia de Escape City Box Madrid, un escape room urbano para jugar en familia por las calles de Madrid, mientras buscan todos juntos “La Lanza del Destino”, una reliquia que, según la leyenda, proporciona poderes divinos a quien la posea. El reto del equipo de CoolRooms: ¿Seréis capaces de seguir su pista?

• Cool Karting Madrid Por otro lado, si lo que a papá le apasiona es la velocidad, la experiencia de visitar el Karting del famoso piloto Carlos Sainz en su centro La Ermita, en Madrid, es la opción ideal para él porque podrá sentir toda la emoción de un Gran Premio acompañado por toda la familia. Además de alojarse todos juntos en una Máster Suite (2 habitaciones con su respectivo baño y salón intermedio) o dos habitaciones Deluxe con desayuno incluido.

Estas experiencias son válidas del jueves 18 de marzo al domingo 21 de marzo de 2021

El Día del Padre se acerca cada día más y a veces resulta que faltan ideas para ser originales. Pero no es el caso del equipo del Hotel CoolRooms Palacio de Atocha (www.coolrooms.com), que ha preparado una serie de experiencias únicas para celebrar por todo lo alto lo importante que es la figura de papá. Sobre todo, en un año que, sin duda, merecemos más que nunca disfrutar con cada uno de nuestros seres queridos.

El equipo de este emblemático hotel palacio del centro de Madrid, elegido Mejor Hotel Urbano de España en la prestigiosa guía Gold List, ha presentado una serie de divertidas actividades pensadas para disfrutar todos juntos, en familia. Las experien-

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Pero el Hotel CoolRooms Palacio de Atocha también tiene opciones de regalo para papá, que invitan a la desconexión, la templanza y el disfrute individual o en pareja.

• Alojamiento + Harley Davidson Esta opción ofrece alojamiento con desayuno para dos personas en su icónica habitación Deluxe y la oportuni-dad de elegir entre diferentes modelos de Harley Davidson para disfrutar prácticamente de un día sintiendo la libertad de recorrer la ciudad.

• Alojamiento + Brunch Pero si papá prefiere un fin de semana más relajante, este alojamiento con desayuno para dos personas en la habitación Deluxe y con un delicioso brunch, es la opción perfecta para él.

Estas experiencias son válidas del 19 de marzo al 30 de abril (excepto Semana Santa del 26 de marzo al 4 de abril)

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IRIS DÍAZ por P. GUERGUÉ / fotografía MARCOS CABRERA

IRIS DÍAZ DA VIDA A LA SARGENTO CRUZ EN LA SEGUNDA TEMPORADA DE ‘HIERRO’. UN PROYECTO QUE LLEGÓ DESDE EL SUEÑO MÁS PROFUNDO, PERO DE LA FORMA MÁS INESPERADA. DE ESOS INSTANTES QUE CAMBIAN TU VIDA. ESAS OPORTUNIDADES QUE TE SIGUEN CONECTANDO CON LO MÁS PROFUNDO DE LOS SENTIDOS. IRIS ES SENSACIONES Y EMOCIONES. Y CRUZ LE HA ENSEÑADO A TENER UNA MAYOR CONTENCIÓN, PERO SIN PERDER UN ÁPICE DE HUMANIDAD. EXPLORANDO Y CONSTRUYENDO DESDE LA NADA PORQUE ES DESDE AHÍ DESDE DONDE SE CREA EN PROFUNDIDAD. LA SEGUNDA TEMPORADA DE ‘HIERRO’ ES UNA AUTÉNTICA DELICIA. UNA DE ESAS SERIES PARA DEGUSTAR Y VOLVER A VER. PARA SABOREAR CADA MATIZ.

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MEW Magazine (MW): ¿Lo más complejo de tu oficio?

Iris Díaz: Supongo que los tiempos de espera y el colocar, cuando recibes los ‘noes’, que no tiene nada que ver contigo. Porque pasas una etapa en la que te juzgas. Piensas que has hecho algo mal y finalmente entiendes que tú lo has dado todo y que simplemente no has encajado en aquello que buscan.

Eso es lo más complicado y con el tiempo he podido ir encajando.

MW: Un oficio en el que la herramienta de trabajo es el cuerpo de una misma…

Iris Díaz: El cuerpo, la mente y la emocionalidad. Juega demasiado con todo el imaginario propio. La gente que nos dedicamos al arte somos herramienta sensible.

MW: Y dónde queda el trabajo de la autoestima…

Iris Díaz: Para mí ha sido fundamental.

Y aún con todo te digo que estrenamos hace un par de semanas, yo ya había visto la serie, y solo tenía ganas de meterme debajo de la cama. La parte de salir a la palestra, todavía, me da susto. Por eso, porque toca la autoestima.

MW: ¿Cómo llega ‘Hierro’?

Iris Díaz: Por casting. Audicioné para la primera temporada, con una ilusión que flipas, y no hubo personaje para mí.

Llega la segunda temporada y a priori tampoco había personaje para mí. Porque los guiones no estaban del todo definidos.

Conozco a Jorge Coira desde la época de ‘El Comisario’. Él sabía que yo llevaba un tiempo trabajando como coach de voz para niños. Y me dijo que las protagonistas iban a ser unas niñas, que era lo único que de primeras tenía claro. Y me dijo de trabajar como equipo técnico.

Finalmente, escriben el personaje de Cruz.

Me llama, flipo y voy al casting. Hice una prueba y me sentí súper conectada. Me pasó en ‘El Comisario’ y me ha vuelto a pasar en ‘Hierro’.

MW: Hubo alguna característica especial de Cruz que te llamase más la atención que otra a la hora de abordar su construcción…

Iris Díaz: Te tengo que decir que la Cruz que había al principio. Entre esa y la que el espectador puede ver al final, nada tiene que ver. Es un personaje que, desde

el inicio, dejaron mucha carta abierta. No lo tenían muy claro ellos y porque creo que dejaron mucho para mí. Para ver qué me fluía a mí. Es una manera de trabajar que me flipa.

Al principio estaba cagada pensando por dónde sostenerla. Quién era ella. Pero fue bonito porque aquí no había la típica rigidez. Lo que me dijeron es que tenía que olvidarme de lo que era. Que olvidase su cargo y eso de…una mujer que ha luchado en un mundo de hombres. ¿Quién es ella? ¿Qué música escucha? ¿Qué lee? Y empezamos a construir... Es una manera de hacer súper artesana.

“se ha conseguido un equilibrio muy orgánico” MW: Todos los personajes tienen un sentido y Cruz y Montes mantienen siempre su sentido de justicia, ante todo, aunque la vida parezca no ser demasiado justa…

Iris Díaz: Jorge Coira dejó que sucedieran las cosas de manera natural. Y creo que sucedió una autorregulación. Nada es blanco ni negro porque la vida tampoco es así. Todo el rato trabajas cuestionándote preguntas y eso es lo bonito. Y se ha conseguido un equilibrio muy orgánico.

Coexisten momentos de sororidad. Pero todo desde algo muy natural.

MW: Cada frase de cada personaje suma…

Iris Díaz: Porque la escucha siempre está activa. Coira tiene una sensibilidad brutal para tratar al actor.

MW: El equilibrio que vemos en los personajes de Cruz o Montes me llama mucho la atención porque no podemos olvidar que todo se teje alrededor de dos

menores y que no se cae en el error de empatizar con ellas por empatizar…

Iris Díaz: Como en el interrogatorio de las niñas que es una de las secuencias más complejas. Cómo se trabaja la empatía para acercarte a una niña de ocho años para sacarle información. Ser cómplice de la jueza cuando nos damos cuenta que la niña nos está mintiendo y aunar todas estas capas.

MW: Los silencios, las miradas…todo aporta en cada escena de esta segunda temporada.

Iris Díaz: Es una serie para volver a verla y poder quedarte con más matices. Ha sido un regalo.

MW: ¿Fue fácil equilibrar la energía de Cruz con la de una misma durante esas semanas de rodaje?

Iris Díaz: Hubo de todo. No te voy a mentir. Cinco semanas donde vivíamos en el parador y grabábamos en el parador.

No fue fácil. Pero a la par creamos una familia.

MW: En esas horas finales de rodaje, ¿cómo fue la despedida a Cruz?

Iris Díaz: Mi última secuencia fue en el campanario. Yo, miré aquella puesta de sol maravillosa que me regaló El Hierro y con mi manía…cuando suena la claqueta final yo me despido. Doy las gracias y me despido del personaje por si no lo vuelvo a ver nunca más. Un ritual que me viene bien para hacer un cierre.

Para mí fue guay porque mi última secuencia fue la última secuencia de ‘Hierro’.

MW: ¿Quién crees que eres gracias a tu oficio?

Iris Díaz: Que soy muy resiliente. Que los sueños se cumplen pero que hay que trabajar un huevo. Que he tenido que tocar el éxito para entender que, al final, el éxito es algo propio.

Estudio mucho cada proyecto. Me meto mucho en la tripa del personaje. Entonces, me ha hecho ser una mujer muy empática.

Porque he tenido la oportunidad de vivir en otros mundos y en otros cuerpos. Y, al final, darte cuenta que del oficio me quedo con el off. Con el trabajo en casa. Con la vulnerabilidad.

Puedes ver nuestra entrevista con Iris Díaz en nuestro canal de Youtube.

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SERIES

LA LUCHA, LOS REFERENTES Y LAS COMEDIAS ROMÁNTICAS Con el reciente estreno de ‘Con amor, Victor’, disponible en Disney+, surgen de nuevo el debate y las reflexiones en torno al tipo de historias que necesita la comunidad LGTB+. Para seguir luchando por ganar las batallas estancadas, para que las televisiones se llenen de referentes y también, al final, quizá sobre todo, para que existan comedias románticas al uso protagonizadas por miembros de la comunidad. Se van llenando espacios con lo primero, falta mucho de lo segundo. por JUDITH TORQUEMADA

F

ue el pasado 23 de febrero cuando Star, el sello adulto de Disney, aterrizó en la plataforma, que gana cada vez más adeptos. ‘Con amor, Victor’ fue uno de los grandes estrenos. Emitida originalmente por Hulu, sus derechos internacionales fueron adquiridos por este gigante, que ha acercado así una historia importante a un público que necesita de historias importantes. ‘Con amor, Victor’ es un spin-off de la película ‘Con amor, Simon’, que sorprendía en 2018 con un relato sólido, amable y emocional sobre el despertar sexual de su protagonista. Su protagonista era Simon, interpretado por Nick Robinson. El protagonista de ‘Con amor, Victor’ es Victor, interpretado por Michael Cimino. Sus caminos son diferentes, pero siguen un recorrido paralelo.

La diferencia: Victor tiene un referente.

Victor llega a Creekwood High School con la intención de empezar una

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nueva vida. Su familia acaba de mudarse, es nuevo en la ciudad, quiere conocer nuevas amistades y ser la persona que siente que tiene que ser. Claro que para eso tiene que entender la persona que es. Tiene que descubrirse, y tiene que aceptarse. Victor mira a las chicas a su alrededor, pero también mira a los chicos. Esto último le da miedo. Le da miedo ser homosexual en una familia religiosa que, cree, tal vez no lo aceptaría. Le da miedo ser apartado, marginado, objeto de burlas o incomprensión.

Pero, al mismo tiempo, Victor se promete intentarlo de algún modo. Intentar ser él mismo. Así que al conocer la historia de Simon, antiguo estudiante que se declaró a un compañero de instituto con el que empezó una relación, decide escribirle. Este intercambio de mensajes entre ambos, junto con las experiencias que Victor vivirá en un nuevo ambiente, ayudarán a que logre todo lo anterior. Entenderse, descubrirse, aceptarse y también quererse.

‘Con amor, Simon’ fue una película aplaudida en 2018. La culpabilidad que persigue al protagonista, su confusión y su miedo, las malas decisiones que toma por no querer aceptar quien es, calaron entre un público generalista, que se sintió cercano a esta realidad. La realidad de un adolescente que, por ser homosexual, cree que debe vivir escondido, negándose, mintiendo.

Desgraciadamente, no puede considerarse que esté normalizado no ser heterosexual. La sociedad acepta y abraza cada vez más, con la naturalidad que corresponde, poco a poco, pero la norma de ese público generalista sigue siendo considerar a todo el mundo heterosexual... hasta que se demuestre lo contrario. Hasta que se siente frente a sus padres y lo diga: soy homosexual. O soy bisexual. ‘Con amor, Simon’ vive este momento, y también sirve para entender lo injusto que es dar por hecho la condición sexual de nuestro hijo,

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SERIES

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nuestro hermano, nuestro amigo o nuestro vecino. Lo injusto que es tener que explicar que no, porque equivale a tener que decir que eres diferente, que te sales de la norma.

Y no es así. No te sales de la norma. No hay normas. Eres quien eres, nada más.

Películas como ‘Con amor, Simon’, o series como ‘Con amor, Victor’, pueden ayudar a entender. A acercar estas dudas y estos miedos al público, llenando quizá a ese público de comprensión, ayudando a alcanzar la normalidad que necesitan los adolescentes. Porque solo son adolescentes queriendo tener una vida corriente, y a cambio tienen que enfrentarse a un escenario que causa pánico en ellos. El momento de sentarse frente a las personas que les han dado la vida, que, en este caso, les quieren, a dar una noticia que no tendrían que dar, porque no es noticia. Es quien son. Nada más. Pero es noticia, porque se sienten algo distinto a lo que sus personas cercanas esperaban. Esta es parte de la lucha. Que dejemos de esperar heterosexualidad, que dejemos de darla por hecho.

‘Con amor, Victor’ también nos enseña lo importante que es tener referentes. Es también una lucha que poco a poco se va conquistando. Desde hace tiempo, las pantallas de nuestras televisiones y las pantallas de nuestros cines se han llenado de ficciones con personajes que pertenecen a la comunidad LGTB+. Hay, sin embargo, un terreno que todavía no está conquistado. Esos personajes LGTB+ desempeñando papeles que no tengan que ver con su orientación sexual, o con su identidad. Personajes LGTB+ siendo detectives, camareros, viajeros del tiempo, vampiros sanguinarios, periodistas o historiadores del arte. Adolescentes que no tengan que enfrentar ese escenario de pánico, que sean sólo adolescentes cometiendo estupideces o resolviendo crímenes en un internado. Que esa orientación sexual sea parte

de quien son como todo lo demás, no la excusa de la que parte o en la que muere la historia. Esto me lleva a las comedias románticas.

Es importante tener referentes, porque esos referentes ayudan a entenderse, descubrirse, aceptarse y quererse. Es importante tener estas historias de adolescentes que apuestan por ser quienes son, a pesar de todas las dudas y todos los miedos, y sale bien. Todavía sigue siendo importante, pero es también igualmente importante que nuestras pantallas se llenen de comedias románticas de dos adolescentes homosexuales queriéndose y nada más.

‘A todos los chicos de los que me enamoré’, pero protagonizada por dos chicas que no tengan ni dudas ni miedos relacionadas con su orientación sexual. También es importante tener un ‘Notting Hill’, la madre de todas las comedias románticas de este siglo, protagonizado por dos hombres que se quieren pero pertenecen a dos mundos distintos. Hay un sinfín de obstáculos románticos que se han aplicado desde el principio de los tiempos a las relaciones entre dos personajes heterosexuales. La comunidad LGTB+ también quiere disfrutar de esos clichés, no solo sufrir por pertenecer a ésta. Creo que se entiende dónde está el punto, y dónde está la lucha. Porque este terreno, ya digo, no está conquistado.

munidad LGTB+. El colectivo trans, en cambio, atraviesa todavía los primeros escenarios de la lucha. Es tarea de todos allanar el camino, facilitarlo, contribuir a normalizar hasta que tengamos que dejar de hablar de “normalizar” y nos limitemos a vivir. La ficción, en este sentido, siempre ha ayudado, y retomo para resumir lo ya expresado. Que es importante que la identidad de cada uno y su identidad sexual deje de verse como una batalla por la que hay que luchar. Que es importante que en nuestras pantallas haya cada vez más referentes verdaderamente representativos de lo que es la realidad. Y que no podemos olvidar que se necesitan también películas ligeras, y no solo dramas, para lograr todo lo anterior. Como se necesita que desde los grandes estudios y plataformas se apueste por contar historias que se salen de la norma, como seguro así se sigue viendo.

Repito: no hay norma.

Es importante, y termino con esto,que personas del colectivo LGTB+ tenga voz y oportunidades, porque son quienes saben realmente qué contar, cómo hacerlo y las formas a emplear. No basta con cumplir el cupo, ni con sumarse al carro para ganar adeptos. Hay que apostar de verdad. Se nota cuando se hace. Ahora bien: ¿estamos en el camino?

¿Estamos en el camino? Los últimos años apuntan hacia un futuro mejor, más representativo, al menos en lo que se refiere al espectro romántico de la co-

"SOLO SON ADOLESCENTES QUERIENDO TENER UNA VIDA CORRIENTE, Y A CAMBIO TIENEN QUE ENFRENTARSE A UN ESCENARIO QUE CAUSA PÁNICO EN ELLOS." mewmagazine.es 89

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REPORTAJE

CLARA GARRIDO

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah LETICIA PERILLÁN

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Cazadora, de BSB.

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REPORTAJE

C

Durante más de 5 años, ‘Acacias 38’, ha acompañado a los espectadores tarde a tarde. Congregando a lo que ya se podría denominar una familia. A punto de cerrar su puerta para siempre charlamos con Clara Garrido. Sobre su personaje. Sobre Genoveva. Esos personajes opuestos a una misma que son más divertidos y disfrutones. Donde se juega con la pasión por delante.

MEW Magazine (MW): ¿Cómo llega una hasta la interpretación?

Clara Garrido: La verdad que en mi caso nunca he tenido el momento de planteármelo porque desde muy pequeña sabía que me apetecía hacer teatro. Desde muy pequeña me apuntaron a clase. En principio como un juego y en seguida vi que era a eso a lo que quería dedicarme.

MW: ¿Qué crees que encontraste en el teatro?

Clara Garrido: Mucho juego. Siempre ha sido un espacio en el que me he sentido muy libre. Y me ayuda a concentrarme en otra cosa que no soy yo. Y eso siempre es de agradecer (Risas).

MW: La energía que se genera con el público, ¿es lo mágico del teatro?

Clara Garrido: Creo que sí. Que es un momento como muy único que compartes con los compañeros, con el equipo que está ahí. Y es secreto. Es como que pertenece a ese momento y a las personas que están ahí.

MW: ¿Es fácil leer al público?

Clara Garrido: Creo que es fácil porque cuando he hecho teatro como que nos era muy fácil ver si era un día bueno o malo. Como que en la segunda escena ya lo estábamos sabiendo. Hay algo de la energía del público que traspasa a los actores inmediatamente.

MW: El hecho de hacer teatro, ¿te ha sumado, posteriormente, en la parte audiovisual?

Clara Garrido: Absolutamente. Son medios diferentes, con lenguajes diferentes pero mi manera de

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trabajar parte de un mismo sitio. Y creo que es muy importante aprender del teatro. Para mí, me parece el paso más natural.

MW: Con el paso del tiempo, ¿es más fácil construir un personaje o depende del personaje?

Clara Garrido: Ahora mismo depende del personaje. Sigo cogiéndolos como si fueran los primeros personajes.

MW: ¿Cómo llega esa Genoveva a tu vida?

Clara Garrido: Llega en un momento en el que la necesitaba mucho. La estabilidad que te da un personaje como Genoveva, en una serie diaria, es un regalo. Cuesta mucho llegar ahí y lo viví como un regalo absoluto poder trabajar de mi trabajo y de mi pasión.

MW: ¿Desde dónde partió su construcción?

Clara Garrido: En general, me ayudo inspirándome en otras imágenes. De música de cine. En el caso de Genoveva, por ejemplo, siempre me ha inspirado mucho el mundo de las amistades peligrosas. Como algo intuitivo. No por algo en particular.

MW: ¿Cuánto de fácil o de complejo fue empatizar con ella?

Clara Garrido: Al principio fue muy fácil. Su arco ha ido del bien al mal. Al principio era absolutamente ‘team Genoveva’ (Risas). Como soy tan consciente de ese origen del personaje me ayuda a empatizar ahora con cosas que hace que no son tan buenas. No las justifico, pero sí que consigo empatizar con que esa maldad viene por un dolor porque también sintió mucho amor.

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Camisa, de H&M. Pantalones, de Bershka.

Zapatos, de Pons Quintana.

Sobrecamisa, de Alba Conde.

Vestido, de H&M. Botas, de Popa.

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REPORTAJE

MW: A lo largo del arco que has vivido junto a Genoveva, ¿ha habido algún momento en el que te has sorprendido por lo que iba a hacer?

Clara Garrido: Claro, como son personajes que tienen tanto recorrido a veces es como que tú no sabes y vives la propia sorpresa que puede sentir el espectador. Porque no es un personaje finito.

Sí, sí que suele haber sorpresa.

MW: ¿Su mayor virtud?

Clara Garrido: La capacidad de amar. Es ultra emocional y muy instintiva.

MW: ¿Ha sido divertido convivir con ella?

Clara Garrido: Mucho. Muchísimo. Además, que nunca esperé que me fuesen a dar un personaje de mala. Honestamente (Risas).

Yo me lo paso muy bien con ella. Con todas las cosas que hemos ido haciendo juntas.

MW: Y con jornadas tan intensas, ¿cómo se equilibra la energía?

Clara Garrido: En momentos de tramas muy intensas, son semanas durísimas. Evidentemente, intento soltar todo lo que puedo antes de irme a casa (Risas). Porque sino me muero.

MW: Con Genoveva…

Clara Garrido: Con Genoveva me he quitado muchos juicios como actriz. Me he quitado mucha vergüenza de hacer al ser un personaje tan extremo. Como actriz me he quitado miedo a hacer muchas cosas. Se lo agradezco mucho, la verdad.

Puedes ver toda nuestra entrevista con Clara Garrido en nuestro canal de Youtube.

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SERIES

True Crime, un reflejo de la sociedad LAS PLATAFORMAS DE STREAMING NO DUDAN EN APOSTAR POR SERIES DE TRUE CRIME. por ÁLEX DELGADO / fotografías ©Netflix

Las ficciones basadas en asesinatos o desapariciones reales, más conocidas como True Crime, permiten al espectador conocer todos los detalles que estaban alrededor de los casos más siniestros de la historia de la humanidad. En un momento en el que la sociedad necesita respuestas, el True Crime les permite adentrarse en un terreno pantanoso y en el que es imposible salir.

Con este tipo de iniciativas y producciones audiovisuales, se consigue mostrar el lado oscuro y oculto de los casos más relevantes ocurridos en los últimos años y dándole al público un contenido que necesitaban.

El consumo televisivo y audiovisual ha cambiado. Las plataformas son conscientes de ello y cada vez apuestan más por un tipo de formato en el que se logra captar la atención del espectador desde el primer momento. Lejos de crear un formato desde cero, las productoras están viendo que cogiendo elementos ya creados se consigue atraer al público desde el primer momento. Un claro ejemplo se encuentra en el género del True Crime, un estilo que pese a saber ya el final la gente sigue atenta al desarrollo de la trama.

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Es bastante probable, pese a que el propio nombre lo indique, que no se sepa realmente que es un True Crime. En líneas generales podemos definirlo como ese género en el que suceden una o más desapariciones o muertes. Este tipo de género comienza desde el descubrimiento del cuerpo o la denuncia de la persona desaparecida y poco a poco se va narrando el método de resolución del caso.

En líneas generales es frecuente pensar que el True Crime es un género en el que únicamente se tiene

que coger la historia en cuestión y buscar en la hemeroteca. Pese a eso, se trata de un estilo en el que se juega con la realidad y la ficción de una manera bastante interesante. Las series no dudan en generar una trama prácticamente hecha y lo hacen centrándose en las personalidades de las personas que han participado en ellos.

El True Crime no es algo nuevo, solo hay que ver obras como ‘A sangre fría’ de Truman Capote. El género se ha adaptado y la crónica negra ha llegado a nuestras pantallas para quedarse. Plataformas como Netflix han visto como este tipo de contenido y formato suele funcionar realmente bien. Uno de los mejores ejemplos se encuentra en ‘American Crime Story’ de Ryan Murphy, con el que el gigante americano ha visto que era uno de sus productos audiovisuales más conocidos.

Uno de sus puntos fuertes se encuentra en el hecho de como exponen el papel de la justicia y los continuos errores que se pueden llegar a cometer durante

un proceso de investigación. En el caso de ‘The Staircase’ se basa en el proceso judicial que vivió Michael Peterson, que fue finalmente condenado por asesinar a su esposa, Kathleen Peterson en 2001, se muestra la colaboración entre las autoridades de Estados Unidos y Alemania para resolver el caso. En cambio, en el caso la primera temporada de ‘American Crime Story’, se centra especialmente en los tejemanejes que hay desde la justicia con tal de defender su estrategia judicial.

Durante los últimos años se ha observado como las plataformas siguen apostando por el True Crime. Uno de los principales motivos se encuentra en su bajo presupuesto. En líneas generales únicamente tienen que reconstruir algunos elementos, como es en el caso de ‘Escena del Crimen: Desaparición en el Hotel Cecil’, recientemente estrenada en Netflix. Se trata de una serie en la cual reconstruyen el caso de Elisa Lam y en ella, únicamente reconstruyen ciertos elementos del hotel

y recuperan los testimonios reales de personajes que fueron fundamentales en la resolución del caso.

Normalmente se apuesta por reconstruir casos muy conocidos y en los que se sabe prácticamente todo. En el caso de ‘El crimen de Alcasser’ (Netflix, 2019), van un paso más allá y aporta información adicional a la investigación. A todo ello, se adentran en la incidencia mediática a la hora de crear un discurso ambiguo y que perjudicó gravemente el papel policiaco durante la investigación.

En un momento en el que prácticamente todo es conocido y en el que las fake news se han apoderado de nosotros, el público y la sociedad necesita saber algo distinto. Por ello, se busca conocer los rasgos de las personas involucradas en cada True Crime. La especie humana es curiosa por naturaleza y la violencia atrapa a una audiencia que necesita algo nuevo y distinto. Al fin y al cabo, todos aquellos que tienen una participación de mayor o menor grado en el caso, tienen una frustración social, la cual es bastante probable que quien la esté viendo también la sienta. El True Crime nos muestra la idealización de nuestro lado oculto ante la adversidad.

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REPORTAJE

Por la

Ley de Probabilidad fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah LUCÍA CASTRO

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na viuda que pudo ser chica Almodóvar, un cantante venezolano muerto, un sobrino delincuente y una ambiciosa concejala que aspira a ser la alcaldesa de Madrid. Suma un Jesús Gil de barrio, una actriz porno, un exagente ruso y una vieja paralítica que tiene una ballesta y un gato que se llama Chiquetete.

Con estos mimbres se construye esta serie, ‘Deudas’, una comedia macarra y provocadora que tiene en su centro el choque salvaje de dos familias y dos mujeres. Y dentro de toda esta vorágine veremos a Valeria de la mano de Ana Verónica Schultz.

Hablamos con ella de este nuevo proyecto y del viaje profesional y emocional que está realizando. “Lo más difícil es mantener la motivación. Mantenerte en esos momentos cuando no te llaman. Y es ahí cuando tienes que trabajar tu parte interna. Mantenerte en constante trabajo actoral”.

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Camisa y falda, de BSB. Accesorios, de Trium Jewelry.

REPORTAJE

Vestido, de Alba Conde.

Cinturón, de BSB. Accesorios, de Trium Jewelry.

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MEW Magazine (MW): ¿Es en los momentos malos cuando una tiene que intentar forjarse una buena autoestima?

Ana Verónica Schultz: Totalmente. He combinado mi profesión con un trabajo espiritual. Con trabajo de meditación y un trabajo interno. Es una profesión donde dependemos mucho de nuestro cuerpo. Y es importante que nos mantengamos en una energía positiva.

Daniel Écija. Con episodios de 50 minutos de duración. Una comedia gamberra y provocadora.

· · · MW: ¿Tuviste la sensación de que Valeria iba a ser para ti?

Ana Verónica Schultz: Desde el inicio. Había algo que me decía que era mi momento. Tras tanto esfuerzo por ley de probabilidad llega un momento en el que te tiene que tocar.

En esos momentos que no te llaman es cuando te tienes que preparar. Tanto física como mentalmente.

MW: ¿Fue fácil hacerse con Valeria?

Ana Verónica Schultz: Al principio me removió muchas emociones. Valeria es un personaje venezolano que está muy arraigada a sus raíces. Y yo en ese momento estaba alejada de Venezuela, de mi país. Fue como volver al pasado. Viajé a mis recuerdos para buscar allí cosas que me pudiesen servir.

MW: ¿Te imaginabas el viaje tal y como está siendo?

Ana Verónica Schultz: No, no me lo imaginaba así. Estoy mu agradecida. Cuando empezamos en esta profesión siempre pensamos en lo más, en lo top. Y lo top, al final, es el recorrido.

MW: ¿Lo más difícil de un casting?

Ana Verónica Schultz: Que cuando lo tengas que hacer estés bien. Con una buena energía.

MW: ¿Qué es más sencillo? ¿La bienvenida a un personaje o la despedida?

Ana Verónica Schultz: Lo más bonito es conocer el personaje. A mí me cuesta bastante desvincularme de los personajes. Me los llevo en el corazón. Me los guardo en una parte.

MW: ¿Es más divertido dar vida a personajes que no son similares a una misma?

Ana Verónica Schultz: Totalmente. Todos tenemos una parte dentro de nosotros mismos que se puede adaptar al personaje.

Es buscar algo de ti que te lleve hasta allí.

MW: ¿Has descubierto cosas de ti gracias a personajes?

Ana Verónica Schultz: Sí, sí. Me ha pasado con un personaje maniático (Risas).

Ver sus manías me hizo ver las mías.

" EN ESOS MOMENTOS QUE NO TE LLAMAN ES CUANDO TE TIENES QUE

MW: ¿Es el momento para darle al público comedia?

Ana Verónica Schultz: Sí, creo que es la opción. Estamos viviendo un momento de mucha tensión, con mucha incertidumbre y necesitamos reír. Tener momentos agradables. Aunque sea un ratito para remontar la energía.

MW: Pase lo que pase, tienes que seguir adelante…

Ana Verónica Schultz: Efectivamente.

Es eso lo que pasa en ‘Deudas’. Es comedia porque la vida misma es pura comedia.

Vivimos una situación de locos, pero debemos permitirnos reír. Y ‘Deudas’ es eso.

Disfrutamos. Nos reímos. Y es eso lo que queremos darle al espectador.

PREPARAR

MW: ¿Cómo llega ‘Deudas’?

Ana Verónica Schultz: Estaba en un momento de mi carrera donde no me salía ningún personaje. Y me planté y escribí a todos los directores de casting. Y tuve mucha suerte. Justo me contactó Luis San Narciso. Tenía una prueba para dar vida a Valeria en ‘Deudas’. Hice la prueba presencial y tuve un feedback maravilloso.

··· ‘Deudas’, nueva serie de Atresmedia Televisión, llega semana a semana a ATRESplayer PREMIUM. Los suscriptores a la plataforma de pago de Atresmedia, tanto en España como en el resto del mundo, disfrutan ya, sin publicidad y antes de su emisión en el prime time de Antena 3, de la nueva serie creada por

"

MW: ¿Para que una escena salga perfecta hay que olvidarse de una misma y entregarse al compañero?

Ana Verónica Schultz: Afortunadamente tuve un compañero, Salva Reina, que es súper solidario. Era verle los ojos y entrar allí, al lugar donde tenía que entrar.

Si tú me hablas y yo te oigo, puedo contestarte naturalmente. Y el actor es igual. Tiene que escuchar a su compañero. Estar allí.

Incluso cuando la trama no se enfoca en ti.

MW: Valeria te ha enseñado…

Ana Verónica Schultz: A tener un poco más de paciencia. Porque tengo un carácter bastante explosivo. Valeria me ha dado contención.

· · · Puedes ver nuestra entrevista con Ana Verónica Schultz en nuestro canal de Youtube.

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Traje, de Alba Conde. Calzado, de C’moi Accesorios, de Trium Jewelry.

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Mono y cinturón, de BSB. Sandalia, de Pons Quintana. Pendientes, de Evika.

Accesorios, de Trium Jewelry.

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SERIES

ESTADOS UNIDOS SIN FILTROS por ROSA SURIA 110 MARZO 2021 · MW

‘Estados Unidos: la lucha por la libertad’, la mini-serie documental que Netflix acaba de estrenar y que cuenta con la participación de intérpretes como Will Smith, Mahershala Ali o Pedro Pascal, retrata a un país que está muy lejos de ser la cuna de los sueños y el hogar de los soñadores, como tantas otras veces se nos ha vendido.

©The Granger Collection

C

recemos creyendo que en Estados Unidos es todo mejor. Que la prosperidad que hace años popularizó el cliché del ‘sueño americano’ sigue siendo una realidad. O que en algún momento lo fue verdaderamente. Porque sí, se podía prosperar en Estados Unidos, había oportunidades. Pero también una enorme cantidad de barreras a las que, sobre todo, se enfrentaban -y se siguen enfrentando- aquellos que no eran blancos, hombres y heterosexuales.

Esto es lo que muestra en sus seis episodios ‘Estados Unidos: la lucha por la libertad’, mini-serie documental que Netflix ha estrenado recientemente.

En ella, todo gira en torno a la Enmienda XIV de la Constitución de los Estados Unidos, entre cuyas disposiciones encontramos la siguiente afirmación: “toda persona nacida o naturalizada en los Estados Unidos, y sujeta a su jurisdicción, es ciudadana de los Estados Unidos y del estado en que resida. Ningún estado podrá crear o implementar leyes que limiten los privilegios o inmunidades de los ciudadanos de los Estados Unidos; tampoco podrá ningún estado privar a una persona de su vida, libertad o propiedad, sin un debido proceso legal; ni negar a persona alguna dentro de su jurisdicción la protección legal igualitaria”.

En teoría, y si nos ceñimos al anterior fragmento, toda persona nacida en Estados Unidos o nacionalizada y, por tanto, considerada ciudadana del país, posee los mismos derechos. Sin embargo, la realidad, tal y como se va desgranando en los capítulos que componen esta mini-serie, es muy diferente.

Ya antes de la redacción de la constitución de Estados Unidos existían ciudadanos de primera y de segunda, y la redacción de esa enmienda no cambió absolutamente nada.

“ ESTADOS UNIDOS ES EL PAÍS DE LAS LUCHAS CONSTANTES, DE LAS INJUSTICIAS Y DE LA DESIGUALDAD ” mewmagazine.es 111

SERIES

112 MARZO 2021 · MW

Con el paso de los años, el párrafo reproducido anteriormente se ha convertido en el refugio, el arma y el escudo de personas afroamericanas, mujeres y homosexuales, entre otros, en sus respectivas luchas. Y muchas veces ha tenido el efecto esperado, pero otras tantas ha sido pisada por el propio sistema que, en teoría, debería garantizar su cumplimiento.

Este documental, a través de diferentes figuras notorias y cuyo impacto en la historia de Estados Unidos sigue teniendo su reflejo en la actualidad, difumina esa imagen de país de los sueños. Y la convierte en una que se acerca mucho más a la realidad. La del país de las luchas constantes, de las injusticias y de la desigualdad. El país de las trampas llevadas a cabo por los privilegiados, por esos hombres blancos y heterosexuales, muchas veces adinerados, que han manejado los hilos de millones de habitantes durante siglos. Y que siguen pisando la enmienda de la que tanto se enorgullecen, pero que solo cuidan cuando se refiere a ellos mismos.

UNA APUESTA CLARA

Estados Unidos nació, efectivamente, como un país de soñadores. De personas que buscaban la libertad y la prosperidad. Pero en el camino se entregaron a la esclavitud, a la segregación, al machismo, a la homofobia y a la xenofobia. A día de hoy, sigue considerándose de manera general como la meca de las oportunidades e, incluso, de los derechos. Porque así fue concebida. Pero sus calles y sus gentes gritan auxilio mientras el mundo sigue mirando hacia ellos con una mezcla de asombro y admiración irrompible.

Porque aunque hayamos presenciado el terrible asesinato de George Floyd, hayamos visto cómo Donald Trump denigraba a mujeres o cómo se encerraba en jaulas a los hijos de los inmigrantes que levantaban el país, la fascinación en torno a la imagen ficticia del mismo sigue existiendo.

La de ‘Estados Unidos: la lucha por la libertad’ es una apuesta clara. Si la historia, los telediarios y las redes sociales no nos sirven para concienciarnos, tendremos que utilizar voces y rostros conocidos. Así, vemos a intérpretes como Will Smith, Mahershala Ali, Pedro Pascal, Yara Shahidi o Diane Lane poniendo voz y alma a importantes figuras de la historia estadounidense. De la historia de la constante lucha de los estadounidenses.

‘Estados Unidos: la lucha por la libertad’ pretende acabar con ella y dirigir nuestros ojos hacia los lugares a los que tienen que mirar. En el pasado, en el presente y en el futuro.

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REPORTAJE

JUAN LÓPEZ TAGLE

fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo LORENA PACHECO muah LETICIA PERILLÁN

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Abrigo, de Massimo Dutti. Jersey, de H&M. Vaqueros, de Sfera Man.

118 MARZO 2021 · MW

DESDE EL OTRO LADO DE LA BARRERA TENDEMOS A INFRAVALORAR EL TRABAJO DEL DE ENFRENTE. SOLEMOS TENDER A PENSAR QUE ES ALGO SENCILLO. SOBRE TODO, SI HABLAMOS DE LAS PROFESIONES U OFICIOS QUE SE DEDICAN AL ARTE Y LA CULTURA. PERO DETRÁS DE CADA UNA DE DICHAS PROFESIONES HAY TODO UN MUNDO COMPLEJO Y PARA EL CUAL NO TODOS ESTAMOS PREPARADOS. DE AHÍ QUE EN LAS ÚLTIMAS SEMANAS ME HAYA INTERESADO POR SABER QUÉ ES LO MÁS COMPLEJO PARA NUESTROS ACTORES/ ACTRICES. “AGUANTAR. DE HECHO, TENGO UN ESTUDIO DE ACTORES DONDE VIENEN TAMBIÉN A ENTRENAR Y, ALGUNA VEZ, ME HAN PREGUNTADO SOBRE QUÉ DIGO A LOS ACTORES JÓVENES, LO MÁS IMPORTANTE DE LA PROFESIÓN, Y SIEMPRE COMENTO QUE TENER CORAJE. BÁSICAMENTE. Y ESO ES LO MÁS COMPLEJO DE MI OFICIO”, ASÍ LO HA DESCRITO JUAN LÓPEZ TAGLE. UN ACTOR QUE SE REÚNE CON NOSOTROS PARA PRESENTAR LA TERCERA TEMPORADA DE ‘PEQUEÑAS COINCIDENCIAS’.

MEW Magazine (MW): ¿Aquello que te atraía cuando empezaste es lo mismo que te sigue atrayendo en estos momentos de tu oficio?

Juan López Tagle: Sí, en gran parte sí.

Hay algunas cosas que me atraen más y que he descubierto en todos estos años. Y hay algunas cosas que al descubrirlas me atraen menos. Pero lo que más me atrae, el hecho de contar historias y que la gente vaya a verlas, esto sigue siendo lo que más me atrae.

MW: ¿Estás construyendo tu camino como querías construirlo?

Juan López Tagle: Hay una gran parte que sí. Una gran parte en la que me mantengo en el mismo camino. Y que soñé cuando me decidí a dedicarme a esto. Y luego hay partes en las que no. Probablemente, a todos nos gusta conseguir objetivos más rápido. A veces uno debe tener más paciencia y trabajar más de lo que nos gustaría.

MW: Cuando el trabajo o las oportunidades fallan, ¿a qué se aferra uno?

Juan López Tagle: En mi caso, tengo la suerte de que mi vocación tiene un componente docente. Que me gusta mucho y que disfruto mucho. Y gracias a Dios tengo un estudio. Me paso las horas trabajan-

do, investigando, enseñando.

MW: Cuando uno está enseñando, ¿también aprende de sus alumnos?

Juan López Tagle: Sí. De hecho, cuando empecé a dar clases, durante un par de años, tuve un discurso que era “es que soy mucho mejor actor desde que enseño”.

MW: para ti, hablando de los personajes, de su llegada y de su despedida, ¿qué es más fácil? ¿Conocer al personaje, darle la bienvenida, o el momento en el que uno cierra definitivamente?

Juan López Tagle: Dar la bienvenida.

Hay veces que despedirse es fácil también.

Pero lo más sencillo es dar la bienvenida porque uno tiene la ilusión y la ilusión mueve el mundo. Despedirse siempre tiene ese componente de dejar las cosas atrás.

MW: ¿Ha habido algún personaje que hayas arrastrado durante un tiempo tras la despedida?

Juan López Tagle: Sí, creo que ha pasado, pero pienso que tiene que ver con los viajes que vivimos a nivel emocional. Y pueden estar muy relacionados con lo que nos está pasando.

MW: ¿Los personajes siempre piden cuando uno comienza a construirlos?

Juan López Tagle: Bueno…hay veces que están más callados de lo que deberían.

Y necesitas saber por dónde tirar. También es cierto que hay veces que es bueno que pidan y otras veces no.

MW: ¿Algún personaje que haya sido un reto mayor del que imaginabas?

Juan López Tagle: Sí, sí, el propio Giovanni de hecho.

MW: ¿Y cómo se supera ese reto?

Juan López Tagle: Con trabajo. De hecho, la única manera, en cualquier trabajo artístico, es el propio trabajo.

MW: ¿Cómo llega ese Giovanni a tus manos?

Juan López Tagle: Llega en un proceso de casting. Con la diferencia de que en ese proceso de casting el director estaba desde el primer momento. De hecho, no iba a castear para ese personaje. Iba para otro personaje. Y lo que pasó es que me entendí muy bien con Javier y me propuso probar para varios personajes más. Creo que probé todos los personajes masculinos de la serie.

Con el personaje que más problemas estaba teniendo para encontrar era Giovanni y decidimos probar y funcionó. Creo que hubo algo de entender la esencia de Giovanni y de toda su composición física.

MW: Para ti, ¿cuál es la mayor virtud de Giovanni?

Juan López Tagle: Que le da bastante igual lo que piensen los demás de él. Creo que eso es una virtud bastante importante.

MW: ¿Cuánto de difícil es hacernos reír a los que estamos tras la pantalla?

Juan López Tagle: Lo más… El otro día estuve rodando en ‘Señor, dame paciencia’ y hablábamos con los actores, en la hora de la comida, de lo difícil que es hacer comedia. Hay que tener un tipo de ‘timing’ y no tener el feedback del público en el momento porque cuando estás en teatro, independientemente del público que hay veces que está más frío o caliente, uno percibe un poco el ambiente. Lo que está pasando ahí. Vas cogiéndole el tacto a la función y vas viendo como va.

Pero, en tele, no. En tele tienes que tener un buen director. Y confiar en que eso va a funcionar.

MW: Cuando un personaje se aleja mucho de uno mismo, ¿el trabajo es mucho más divertido?

Juan López Tagle: No lo sé (Risas). Hay veces que sí. Porque te obliga a hacer toda una composición física, externa del personaje. Es jugar a ser otro ser humano completamente diferente.

MW: ¿Estás dando vida a personajes con los cuales imaginabas?

Juan López Tagle: Sí. Hay momentos en los que estoy más en lo que me falta, en lo que me gustaría hacer. Pero por los que he pasado, sí, estoy encantado. Por ejemplo, la posibilidad de poder hacer a Giovanni es un regalo. Me ha permitido jugar y explorar cosas muy diferentes.

· · · Puedes ver toda nuestra entrevista con Juan López Tagle en nuestro canal de Youtube.

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REPORTAJE

Sudadera y sobrecamisa, de H&M. Vaqueros, de Sfera Man. Zapatillas, de Pull&Bear.

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SERIES

’WANDAVISION’, AL FINAL DEL CAMINO ’WANDAVISION’ CONCLUYE SU ETAPA EN TELEVISIÓN REMITIÉNDONOS A LO QUE YA CONOCÍAMOS, DESVELÁNDONOS AQUELLO QUE QUERÍAMOS CONOCER Y ABRIENDO LA PUERTA A UN FUTURO QUE PARECE INFINITO.

por PALOMA ESCUDERO

La primera y única temporada de ‘Wandavision’ concluye este viernes 5 de marzo. Los viernes volverán a ser una fiesta en apenas dos semanas, porque el Universo Cinematográfico de Marvel se ha ampliado de manera definitiva y constante, así que el próximo 19 de marzo se estrena ‘Falcon y el Soldado de Invierno’, que será más thriller y menos magia. Creemos. Con Marvel nunca se sabe. ‘Wandavision’ podría haber sido una gran paranoia al estilo ‘Legión’ pero optó por ser un homenaje a varias de las sit-com más importantes de la historia de televisión. La manera en la que estas formas han casado con el fondo oscuro, imposible, que acompaña a Wanda, explican el por qué del entusiasmo del público.

El por qué de las fiestas de los viernes que se han alargado días enteros entre gritos, teorías y ganas de más.

Hay quien no disfrutó de los dos primeros episodios de esta arriesgada apuesta. Sí, claro que es arriesgado coger a dos personajes como Wanda y Vision y ponerlos a soltar chascarrillos. Pero la química entre Elizabeth Olsen y Paul Bettany ha facilitado mucho las cosas, y desde la mesa de guion se ha hecho un trabajo fantástico para ponerlos en situaciones rutinarias, y por ello inesperadas, con las que es fácil conectar. Como Vision es una mezcla entre vibranium y un ordenador morado y rojo, que además murió (dos veces) de la manera más trágica posible, es gracioso ver de pronto cómo se traga un chicle y todos sus mecanismos colapsan. Y también es arriesgado, porque es salirse de lo propuesto hasta el momento en este universo, pero se ha llevado a cabo con mucho acierto. ‘Wandavision’ ha sido, en efecto, una serie divertida, con buenos momentos humorísticos.

Pero, siendo honestos, estas formas no han convencido a todos. Los primeros compases no convencieron a todos. Si uno está ciertamente encariñado con los personajes, con ese cariño quizá absurdo pero sincero que a veces desarrollamos por personajes de ficción, y además está dispuesto a asistir a una presentación de sus vidas y nada más, es mucho más fácil entrar. Pero no todo el mundo entró, ni siquiera aunque fuera más que evidente que el humor no era más que un disfraz para la pena y el dolor de Wanda.

Eso me lleva al fondo de ‘Wandavision’.

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Que explora no solo el poder inmenso de Wanda, que es, lo venimos diciendo desde hace tiempo, la más poderosa de este grupito de superhéroes.

Exploramos ese poder sobre todo a través de sus posibilidades, porque lo que se crea a partir de éste nos resulta indestructible, inabarcable, infinito. Uno llega a ese punto en el que piensa: ya está, esto es todo, nadie podrá con ello. Ni siquiera la intromisión de un villano que tiene sobre todo personalidad, cuya identidad me reservaré para no arruinar la fiesta a los seguidores despistados. Ese villano importa sobre todo por las formas, por las escenas tan visualmente atractivas que protagoniza, pero el fondo... El fondo existe en Wanda y nada más. El fondo de ‘Wandavision’ es Wanda, su dolor y su pena, y a ello nos enganchamos.

Después de ‘Infinity War’, después de ‘Endgame’, muchos nos preguntamos, sobre todo los que vivimos este universo casi como si fuera real, por el futuro de unos personajes cuya etapa había concluido, al menos en parte. ‘Endgame’ fue una despedida para muchos, y los títulos anunciados posteriormente apuntaron hacia una nueva era. Marvel Studios, con estas series de ficción, se ha propuesto darnos las respuestas que necesitábamos con respecto al futuro de los personajes de siempre. Y es muy satisfactorio reconocer en ‘Wandavision’ a la Wanda que imaginamos tras los eventos de esas dos grandes películas. Es muy satisfactorio reconocer su poder, su pena y ese carácter oscuro que siempre ha acompañado a uno de los personajes que más han sufrido en este universo. Wanda está sufriendo. Vemos ese vacío al que hace referencia en ciertos momentos, lo vemos en sus ojos, sobre todo cuando está cerca de perder su ilusión. Wanda vive de su ilusión y por su ilusión. Con su pena ha creado su propio universo. De su pena nace todo, también el dolor del

resto. Poder, tristeza y oscuridad. Bien entrelazado, bien presentado, bien asentado en la narración.

Así que en Marvel siguen haciendo bien su trabajo, creando una continuidad y construyendo unos personajes sólidos, con un carácter real y un camino propio. Por eso el fondo de ‘Wandavision’ es el verdadero acierto de

El fondo existe en Wanda y nada más.

El fondo de ‘Wandavision’ es Wanda, su dolor y su pena, y a ello nos enganchamos

esa serie: porque nos remite a lo que ya conocemos, nos explica lo que no sabíamos y queríamos saber, y además nos abre la puerta al futuro. Porque cuando se trata de Marvel siempre hay una puerta al futuro.

Cómo conecta ‘Wandavision’ con todo lo que sucederá a partir de ahora es algo que está por ver, pero estos eventos también van a tener una continuidad y una relación con personajes que ya conocemos. También con otros que tenemos que conocer. Del mismo modo que ha rescatado nombres casi olvidados (como el de Darcy Lewis), ese gran poder de Wanda tendrá una repercusión en un universo habitado por personajes a los que todavía no hemos visto las caras. Quién sabe si también en otros universos.

En realidad, podemos afirmarlo: también en otros universos.

Así que todo esto ha sido ‘Wandavision’: una apuesta arriesgada en su forma, que nos ha hecho reír, nos ha hecho disfrutar y nos ha sorprendido con episodios originales, variados, dinámicos. Un golpe sobre la mesa con respecto al fondo, porque ha demostrado que Marvel Studios puede seguir desarrollando personajes, explorando en su interior y construyendo un camino seguro, constante y lógico. Una puerta siempre abierta hacia un futuro que, como siempre, apetece mucho. Y una buena serie de televisión.

Además, nos ha dejado la mejor línea de guion vista en una serie en lo que llevamos de año: qué es la pena sino amor perseverante. Ese ordenador morado y rojo nos ha mirado a los ojos y nos ha dicho cosas sobre nosotros mismos.

Gracias, ‘Wandavision’. Por todo.

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REPORTAJE

126 MARZO 2021 · MW

EN

SUEÑOS

DE SALVA REINA fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah LUCÍA CASTRO & PATRICIA BARRANCO

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Traje, de García Madrid. Camisa, de Calvin Klein. Zapatos, de Martinelli.

128 MARZO 2021 · MW

Salva Reina domina el oficio como pocos. Y sigue al pie del cañón enlazando proyecto tan proyecto. Nunca creyó, mientras forjaba su futuro dentro de su empresa de animación o el teatro infantil, que la televisión llamaría a su puerta.

Y de la televisión al cine. Nunca creyó, pero sí que lo soñó.

Sí que focalizó sus deseos. Y aunque eso de la autoestima y abrazarse a uno mismo lo tiene un poco olvidado, Salva Reina le pone todo su esfuerzo y corazón a cada uno de los personajes que le toca interpretar. Buscar el alma aunque tengan un fondo común.

Ahora podemos verlo en ‘Deudas’ (ATRESplayer PREMIUM) y se encuentra en pleno rodaje de ‘Feria’ para Netflix. Y hablamos con él del pasado, del camino realizado, de las expectativas y de cómo ha ido llegando mucho mejor y mucho más rápido. Quizá por el empeño. O por el trabajo. O por el corazón.

MEW Magazine (MW): Con el paso del tiempo, ¿uno echa la mirada para atrás? Es decir, ¿analiza cómo ha ido construyendo su camino?

Salva Reina: Es curioso, pero a veces no tienes tiempo con esta vida que tenemos. Donde va todo tan rápido. Pero en esta pandemia hemos tenido tiempo (Risas). Me siento muy afortunado. Y cuando te paras un poco y piensas en todas las cosas que hemos tenido la oportunidad de hacer, te sientes muy agradecido a la vida.

MW: ¿Lo más complejo que te ha tocado vivir con este oficio?

Salva Reina: Quizá la inestabilidad. Ese salto al vacío continuo. Aunque creo que también es lo que más engancha.

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REPORTAJE

MW: ¿El camino que estás haciendo es el camino que tú tenías en mente?

Salva Reina: Mucho mejor. Para nada esperaba salir en televisión. En el cine. Verme en una pantalla grande. Cuando empecé con todo esto tenía mi empresa de animación, mis cositas de teatro infantil, mis cursos… Uno siempre sueña con hacer cosas diferentes, salir en series, pero no me lo esperaba para nada.

Lo que sí te quiero decir es que en aquel momento tenía la misma ilusión que tengo ahora. Al final es dedicarse a lo que te gusta. En aquel momento también era feliz.

MW: ¿Has notado que todo ese trabajo en el teatro te haya sumado en tu salto a lo audiovisual?

Salva Reina: Evidentemente. El teatro, en mi opinión, es la base de todo. Cuando escucho a alguien decir que el teatro no le gusta mucho pienso que quizá no le guste en exceso actuar. El teatro es el feedback directo. El salto al vacío de cada día. Es magia y algo irrepetible.

MW: Haciendo teatro, ¿ha habido algún momento en el que no hayas leído bien al público?

Salva Reina: Sí, sí, pasa de vez en cuando. Y ahora mucho con esta vida nueva y con las mascarillas. Porque tu feedback directo son las caras.

Ya sea comedia o drama. La cara de una persona es lo que hace que tú sepas si estás transmitiendo o no. Y hasta que te acostumbras a las mascarillas, las primeras veces, lo pasas bastante mal.

MW: Hablando de personajes, ¿qué te resulta más sencillo? ¿Dar la bienvenida o desprenderte de ellos?

Salva Reina: Desprenderme de ellos. Terminas y hasta otra. Duele un poco, sobre todo si lo has disfrutado mucho. O si ha significado algo para ti.

Pero creo que es más sencillo que enfrentarte a uno nuevo. Por las inseguridades de ser capaz o no.

Lo más complicado es adentrarte, pero también lo más bonito.

MW: A la hora de construirlos, ¿cada personaje siempre pide algo diferente?

Salva Reina: Sí. Creo que sí y, además, hago porque sí. Aunque sea un personaje parecido. Aunque sea un personaje andaluz, entrañable, simpático o como lo quieras llamar… Que, a lo mejor, he podido hacer varios en mi carrera. Pero siempre los

he emprendido desde puntos diferentes. Cada uno tiene sus secretos, su forma de ver la vida, sus ilusiones… Intento darle a cada uno un matiz diferente.

MW: ¿Ha habido algún personaje que te haya pedido algo muy concreto y que hayas dudado en cómo dárselo?

Salva Reina: Cada uno tiene su intríngulis. Es curioso porque hay algunos que sí, que de repente lo tienes en la primera lectura. Y hay otros que cuesta más. Y ahí está el trabajo. Y lo bonito. Pero hay un momento en el que estás ensayando y, de pronto, aparece. Un movimiento, una mirada y ahí viene.

MW: Ahora podemos verte en ‘Deudas’ y me gustaría saber si cuando uno hace comedia resulta más sencillo equilibrar la energía del personaje.

Salva Reina: No, intento afrontar todos los trabajos de la misma forma. Ya sea comedia o drama.

Depende un poco de la historia o de lo que requiera el personaje. De los compañeros. De cómo sea el rodaje o la función.

MW: ¿Alguna vez no has comprendido, leyendo el guion, las acciones que iba a tomar tu personaje?

Salva Reina: (Se queda pensando…) Sí (Risas).

Es que, ¿sabes qué pasa? Que me pasa con casi todos. Pero con trabajo siempre se llega a buen puerto.

MW: ¿Cómo llega la oportunidad de ‘Deudas’?

Salva Reina: Me llaman después de hacer ‘Malaka’ que era una serie completamente contraria. Con un personaje muy oscuro. Con muchas capas. Y me llamaron para presentarme un proyecto con Dani Écija y después me dijeron que la protagonista iba a ser Carmen Maura y que haría de hijo.

Fue una pasada. Hicimos una prueba, tomo cuadró y para adelante.

· · · ‘Deudas’ es una comedia macarra y provocadora que tiene en su centro el choque salvaje de dos familias y dos mujeres: Pepa Carranza (Carmen Maura), una mujer de barrio que necesitará cuatrocientos mil euros para salvar a su familia;

"LO MÁS COMPLICADO ES ADENTRARTE, PERO TAMBIÉN LO MÁS BONITO"

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Abrigo, de Gaudí.

Jersey, de Zara.

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Chaqueta y camisa, de Gaudí. Pantalones, de Levis. Calzado, de Martinelli.

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y Doña Consuelo De La Vega, una vieja lisiada llena de dinero y de odio que quiere acabar con ella.

· · · MW: ¿Te resultó accesible empatizar con el personaje?

Salva Reina: Pues con este…yo quería haberlo propuesto de otra forma. Lo veía de otra manera. Ellos estaban empeñados en verlo de otra forma y al final llegamos a un término medio.

Ese camino y ese proceso es bastante chulo. Enriquece mucho más. De las cosas más fascinantes que he aprendido de esta profesión es que te dirijan.

MW: Con esta situación que estamos viviendo, ¿es importante la propuesta que nos enviáis con ‘Deudas’?

Es decir, hay que reírse venga lo que venga, pase lo que pase.

Salva Reina: Sí, siempre hay que reírse. Siempre hay que reírse. Primero de uno mismo y segundo de todo. Estar abierto a reírse de todo. Desde el respeto y sin hacer daño a nadie. Sin caer en la frivolidad.

MW: A día de hoy, ¿qué te hace sonreír por las mañanas?

Salva Reina: Pues mira, a día de hoy, me hace sonreír por las mañanas, desde hace nueve años, una pareja estupenda que tengo y que se llama Mara Guil. Una actriz como la copa de un pino y una persona maravillosa. Y verla todas las mañanas me saca una sonrisa.

· · · Puedes ver nuestra entrevista con Salva Reina en nuestro canal de Youtube.

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Traje, de García Madrid.

Camisa, de Calvin Klein.

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SERIES

'ESTOY VIVO'

MUCHO MÁS GAMBERRA QUE NUNCA

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por MIKEL MONTERO / fotografías ©GloboMedia

lega a La 1 la cuarta temporada de ‘Estoy vivo’, el thriller policiaco en el que se mezclan la comedia, las historias universales de amor y amistad y los sucesos sobrenaturales. La temporada arrancará con un apagón a escala mundial que acarreará terribles consecuencias en la Pasarela, ese lugar de tránsito entre la vida y la muerte donde vive la hija del Enlace y Susana. Mientras, en la Tierra, han desaparecido misteriosamente todos los ocupantes de un autobús. Un extraño suceso que intentarán resolver los policías de la comisaría de Vallecas.

En la presentación de la cuarta temporada de ‘Estoy vivo’ Daniel Écija, creador de la serie y productor ejecutivo de Good Mood, ha subrayado esa “identidad propia” de ‘Estoy vivo’. “En esta serie lo imposible es posible. Puedes volar con ella. Es muy española y un cómic que solo podría ser nuestro”.

También ha asegurado que va a haber más humor: “Tenemos actores con aptitudes para hacer humor y en este año tan horroroso tocaba reírnos”.

A la presentación también han asistido los intérpretes Javier Gutiérrez, Alejo Sauras, Cristina Plazas y Guiomar Puerta.

Javier Gutiérrez ha dicho sentirse orgullo-

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so de que la serie convoque a tanta gente, “desde los más pequeños a los abuelos”. Ha destacado el alto nivel de los guiones. “Son sorpresivos hasta para nosotros. Me quito el sombrero con cada capítulo y cada trama” ha recalcado.

Alejo Sauras, que interpreta al Enlace, ha comentado que su personaje tiene “un arco enorme”. “Empezó siendo un niño en cuerpo de adulto, ha pasado por varias vidas y por fin se ha hecho adulto. Hay un apagón que le afecta especialmente, que será el desencadenante de la tragedia que ocurre en esta temporada”.

Por su parte, Cristina Plazas cree que es una serie sobre las segundas oportunidades: “En el caso de Laura (su personaje), no solo son segundas oportunidades emocionales. ‘Estoy vivo’ también habla de la posibilidad de salir de cualquier agujero”.

Guiomar Puerta es una de las novedades de la serie. Y a pesar de no poder desvelar en exceso todo lo que vamos a vivir junto a su personaje, ha querido destacar que: “Interpreto a una nueva policía que se incorpora en la comisaría y empieza a trabajar con Márquez (personaje al que da vida Javier Gutiérrez) en el caso del autobús desa-

parecido. Va a tener una trama amorosa muy apasionante”.

En esta temporada Márquez (Javier Gutiérrez) y el Enlace (Alejo Sauras) no lucharán sólos contra las fuerzas del mal. Han formado un equipo que se hace llamar ‘Los vengadores de Vallecas’, a los que dan vida Jesús Castejón (Sebas), Alfonso Bassave (David), Fele Martínez (Óscar), Goizalde Núñez (María), Laia Manzanares (Carlota) y Lucía Caraballo (Bea). ‘Estoy vivo’ también contará, de nuevo, con la colaboración especial de Julia Gutiérrez Caba como directora de la Pasarela. A ellos se unen Guiomar Puerta, Almagro San Miguel y Pablo Vázquez Adriana (Guiomar Puerta) y Mikel

(Almagro San Miguel) son dos jóvenes policías recién salidos de la academia. Los dos colaboran con Márquez y Santos en el extraño caso de la desaparición de los pasajeros de un autobus, al mismo tiempo que se establece una clara atracción entre ellos desde el primer momento... Landa (Pablo Vázquez) es el nuevo comisario del distrito de Vallecas. Se trata de un policía de la vieja escuela que llega para poner orden en la comisaría. Sin embargo, pronto queda claro que Landa no ha venido sólo a eso…

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REPORTAJE

GONZALO DÍEZ fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo LORENA PACHECO muah LETICIA PERILLÁN

La luz entre la oscuridad HAY VUELTAS Y VUELTAS. Y EL REGRESO DE ‘EL INTERNADO’ ES UNO DE ESOS QUE GENERA EXPECTACIÓN Y MUCHA. Y ASÍ HA SIDO CON ‘EL INTERNADO: LAS CUMBRES’. AMAZON PRIME VIDEO ESTRENÓ EN EXCLUSIVA EL PASADO 19 DE FEBRERO LA ESPERADA SERIE EN MÁS DE 200 PAÍSES Y TERRITORIOS A NIVEL MUNDIAL. UNA HISTORIA DE MENTIRAS QUE VA TAPANDO OTRAS MENTIRAS Y DONDE VOLVER ATRÁS ES POCO PROBABLE. 8 EPISODIOS CON UN REPARTO DE LUJO. CON UN EXCELENTE EQUILIBRIO ENTRE NUEVOS ROSTROS Y REPARTO ADULTO. ESTA NUEVA HISTORIA TRANSCURRE EN UN INTERNADO UBICADO JUNTO A UN ANTIGUO MONASTERIO, SITUADO EN UN LUGAR INACCESIBLE ENTRE LAS MONTAÑAS, AISLADO COMPLETAMENTE DEL MUNDO. LOS ALUMNOS SON CHAVALES REBELDES Y PROBLEMÁTICOS QUE VIVEN BAJO LA ESTRICTA Y SEVERA DISCIPLINA IMPUESTA POR EL CENTRO QUE LOS PREPARA PARA LA REINSERCIÓN EN LA SOCIEDAD. EL BOSQUE CIRCUNDANTE ALBERGA ANTIGUAS LEYENDAS, AMENAZAS QUE SIGUEN VIGENTES Y QUE LES SUMERGIRÁN EN AVENTURAS TREPIDANTES Y TERRORÍFICAS. Y ENTRE TANTA OSCURIDAD HAY UN PERSONAJE QUE DESTACA POR SU HALO DE LUZ Y DESPREOCUPACIÓN COMO JULIO. GONZALO DÍEZ LE DA VIDA. 140 MARZO 2021 · MW

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REPORTAJE

Americana, de Dustin. Camiseta y pantalón, de Tommy Jeans. Zapatos, de Ce-Dos-Ce.

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Cazadora y camiseta, de Lee. Pantalón, de Lloyd’s. Zapatillas, de Georges Rech.

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REPORTAJE

MEW Magazine (MW): ¿Qué es lo que más te atrae de esta profesión?

Gonzalo Díez: Lo que más me gusta es poder meterme en la piel de los personajes y vivir experiencias que Gonzalo no viviría en su cotidianidad. Al final, cuando estás interpretando, en este caso a Julio, pues me transporto a un internado y puedo vivir experiencias que están fuera de mi alcance.

MW: ¿Cómo llega ese Julio a tus manos?

Gonzalo Díez: Hice una prueba para Luis San Narciso que era el director de casting para otra producción que se estaba llevando a cabo. Y me dijo que para esa serie no daba el perfil pero que probará para ‘El Internado’. Entonces, fui a Globomedia y me hizo el mismo la prueba.

Y días después me confirmaron que estaba dentro del elenco.

MW: ¿Tenías la sensación de que podías formar parte de ese elenco?

Gonzalo Díez: Era la primera vez que iba a unas oficinas así. Pero sí, tenía la sensación de que podía ser.

MW: Cuando uno entra a formar parte de ‘El Internado: Las Cumbres’ y sabe que existe ‘otro internado’, ¿hay que olvidarse de esas referencias?

Gonzalo Díez: Creo que está bien tenerlas en mente sobre todo de una serie que triunfo tanto en su época.

Y eso hace que quieras esforzarte mucho en esta nueva aventura. Pero sí que es verdad que el público tiene que intentar olvidar un poco esa trama para empezar de cero con otra historia totalmente diferente.

MW: Cuando te plantan delante de Julio, ¿fue fácil hacerte con el personaje?

Gonzalo Díez: Sí, creo que el casting está muy bien

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conseguido. Todos nos parecemos un poco, en mayor o menor medida, a los personajes que representamos y yo en mi caso creo que Julio y yo nos parecemos bastante.

Sí que es verdad que el más lanzado. Yo soy algo más cohibido.

Me ha resultado fácil hacer de Julio.

MW: Lo interesante de tu personaje es que dentro de toda la oscuridad que vemos en ‘El Internado: Las Cumbres’, Julio es ese foco de luz…

Gonzalo Díez: Julio es un poco el contrapunto a tanto misterio, tanta oscuridad. Creo que es necesario. Sobre todo, para creerte un poco más todo el conjunto. Y es lo que me gusta de mi personaje. Es la otra cara de la moneda. Le otra otro color a toda la trama en general.

MW: ¿Es importante mostrar ficciones más oscuras a un público acostumbrado a historias más blancas?

Gonzalo Díez: Está bien tocar un poco todos los palos.

Al final ‘El Internado’ es una serie oscura, fantástica. Y es interesante para el público.

MW: ¿Cómo recuerdas ese primer día de rodaje?

Gonzalo Díez: Estaba bastante nervioso. Me acuerdo llegar allí, entrar a plató y estaba todo el rato boquiabierto. Era la primera vez que entraba en un plató. Estaba todo el rato fascinado con lo que estaba viendo. Y me sorprendió la cantidad de gente que hay detrás de las cámaras. Al final el público solo ve a los actores, pero detrás hay muchísima gente trabajando.

MW: ¿La mayor virtud de Julio?

Gonzalo Díez: Creo que la espontaneidad y la naturalidad. Está en un sitio que es una cárcel, pero siempre intenta evadirse. Y eso llama mucho la atención de él.

Camiseta y pantalón, de Brain&Beast.

Zapatos, de Ce-Dos-Ce.

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REPORTAJE

Sudadera, de Dockers. Pantalones, de Unit. Zapatillas, de Georges Rech.

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SERIES

·

MATAR AL PERRO

LA NUEVA MODA DE LA FICCIÓN ESPAÑOLA ·

Hay algo que llevo bastante mal. Y es que no soporto el maltrato o el asesinato animal en ficciones que no viene al caso. Ni cuando viene al caso. Creo que no podemos pelear contra el maltrato animal y seguir aguantando escenas fuera de lugar. Las mismas que no aportan nada. Para mí, son minutos perdidos en pantalla. por P. GUERGUÉ / fotografías ©Uunsplash

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os Espabilados’ (Movistar+) y ‘El desorden que dejas’ (Netflix) son dos de las últimas ficciones en las que se ha decidido matar al perro. ¿Por algún motivo en especial? A mí parecer no. No hay sentido y tampoco aporta nada a la trama. No es el eje ni el centro del futuro que veremos en la historia. Así que mi pregunta es la siguiente, ¿es necesario ver el maltrato animal? Nos llenamos la boca comprometiéndonos con mil causas y cuando llega el momento de hacer y de contar historias, nos olvidamos todo aquello que es relevante.

A veces obviamos que todo lo que mostramos transmite un mensaje. La ficción termina siendo referencia. Pero se ve que lo ajustamos a nuestras propias necesidades. A ratos mencionamos que es solo ficción y que no hay que tomarse las cosas tan en serio y luego que se hace un trabajo social. Creo que es importante tomar conciencia de lo que no es necesario. Y no es necesario matar a un perro para seguir contando la historia de un grupo de chavales maltratados por el sistema. Si ya es duro ver la sociedad que tenemos entre manos, más complicado es ver cómo ni siquiera tenemos la seguridad de permanecer junto al animal más leal que existe. Y todo porque tenemos que mostrar que la policía puede llegar a tomar malas decisiones. Que si tensamos la cuerda podemos tropezarnos con consecuencias irreparables. Que es lo que nos quieren decir dentro de ‘Los Espabilados’. Si tomas malas decisiones, eres responsable de lo que ocurra. Como que, por ejemplo, un perro que te está defendiendo muera por un balazo de forma absurda y ante un policía

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incapaz de empatizar ni con un menor indefenso ni con un animal.

Y no pasa nada de nada porque si hemos matado al perro, podemos regalar otro. Como cuando llega Navidad y regalamos un cachorro para, en verano, dejarlo abandonado porque ya no nos mola tanto esa responsabilidad. ¿En qué momento se puede tejer una situación así y no darse cuenta del error? ¿Cómo podemos guionizar algo así?

Hay estudios que aseguran que la muerte de un perro en cualquier película o serie provoca un rechazo, al instante, en el espectador. Que, por supuesto, es lo que yo mismo viví viendo ambas ficciones. Unas enormes ganas de no haber dado al ‘play’ para ver algo así. Y pocas razones para seguir viendo el arco total de la historia.

Debemos de comprometernos más y mejor. Y mucho más si estamos haciendo una serie para un público joven. Y debemos hacerlo porque, aunque se hayan cometido errores en el pasado, siempre hay margen para rectificar y cambiar el rumbo. Si queremos que la gente entienda que un perro no es un juguete, debemos mostrarlo. Debemos enseñar a la gente. Y sin más margen de error.

Y no pasa nada de nada porque si hemos matado al perro, podemos regalar otro.

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REPORTAJE

CLAUDIA RIERA Ella es Inés, entre la música y el alma

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo LORENA PACHECO / muah LETICIA PERILLÁN 152 MARZO 2021 · MW

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REPORTAJE

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on Claudia Riera me ha pasado lo que muy pocas veces me ocurre. Eso de tener la seguridad de que cada nuevo personaje será un alma diferente, donde no volverás a ver a nadie más que haya interpretado en el pasado. Con miradas nuevas, silencios diferentes y hasta un movimiento corporal ajeno al pasado. Un trabajo de campo y de alma. “Lo más complejo es deshacerte de ti para ser el canal más puro posible y encarnar un alma que no tiene ni voz ni cuerpo. Al final, tienes que ser eso, el cuerpo de otra persona. Hablamos de personajes y, al final, son personas con sus complejidades y con sus dolores de cabeza. Con su vida, con su mochila de traumas. Y tienes que poner eso en tu cuerpo, Ahora podemos ver su trabajo en las manos de Inés dentro de ‘El Internado: Las Cumbres’ (una producción de THE MEDIAPRO STUDIO).

Un personaje tan misterioso como magnético en tu vida, en tus traumas”.

MEW Magazine (MW): ¿Has descubierto cosas de ti gracias a los personajes?

Claudia Riera: Sí y no. Sí, porque, al final, lo que haces es extrapolar partes de ti.

Todo parte de ti. Pero ellos acaban habitando en mí más que yo en ellos.

MW: ¿El personaje pide y sí o sí hay que dárselo?

Claudia Riera: Sí. Hay que darle lo que requiera. Y creo que es un trabajo de mucha sensibilidad y mucha empatía. Mucha compasión. Hacia una misma y hacia el personaje. Realmente es como desprenderte de ti y darle lo que requiere.

MW: ¿Qué te pedía Inés cuando la conociste?

Claudia Riera: Muchas cosas que no entendía (Risas). Ha sido un proceso muy intenso con Inés. Me ha costado muchísimo porque todo son grandes interrogantes. He hecho todo el proceso de preproducción y producción sabiendo lo mismo que sabe el espectador viendo los ocho capítulos. Que como bien sabrás no es mucho. Y ha sido muy intenso. Tenía que buscarle la lógica a eso, sus comportamientos. Tiene carácter, pero es una persona que está en el vacío.

Tiene amnesia, pero es una amnesia de un año atrás. Así que tiene un año de vida el cuerpo recuerda. Así que es como tener que encajar muchas piezas juntas. O como un puzzle donde no tienes las propias piezas. Y que todo tenga una coherencia y una naturalidad.

MW: ¿Has tenido que pedir en algún momento alguna pieza de ese puzzle que mencionas?

Claudia Riera: La he suplicado (Risas).

La he suplicado muy fuerte y no me quisieron decir nada. No he sabido nada hasta el final del rodaje que sí que me dijeron algunas cosas. Porque tenía que rodar unas escenas finales en las que sí lo necesitaba para poder hacerlo bien.

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REPORTAJE MW: Detrás de toda la complejidad que vemos en Inés, para ti, ¿cuál es su mayor virtud?

Claudia Riera: Su fortaleza. Inquebrantable. Está por encima de todo lo que le ocurre. Tiene tanta soledad. Una soledad absoluta. No tiene a nadie. No tiene recuerdos. Solo sabe que está en un sitio que es un infierno. No tiene amigos.

No puede contarle a nadie. No confía en nadie porque no puede confiar en nadie. Y tiene ese temple, esa fortaleza. Es tan fuerte y a la vez tan vulnerable. Creo que es un matiz tan precioso dentro de una persona…

MW: En Inés, como bien dices, existe el equilibrio perfecto entre la fragilidad y la fortaleza… Hay momentos en los que parece que se va a romper y al momento vuelve a darte una lección de valentía.

Claudia Riera: Sí, sí, es eso. Pero no le queda otra. Todos, en situaciones extremas, actuamos de forma absolutamente incoherente. Y ella lo hace. Y eso me sorprendía. Por eso tenía que encontrar el por qué. Porque eso, no es fácil, son situaciones muy extremas. Y ella es increíble.

Inés me tiene absolutamente fascinada.

MW: Es que parte desde la nada…

Claudia Riera: Absolutamente. Pero desde la nada, desde ese vacío en el que quise empezar a trabajar, tienes que crear un todo, ¿no? Nada es nada y tenía que llenar todos esos silencios. Hay muchos planos de miradas. Muchos planos donde ella solo observa. ¿Desde dónde parte esa observación? ¿Qué le interesa? ¿Qué conoce? ¿Qué desconoce? ¿Por qué le interesa? ¿Por qué no le interesa? Son muchos detalles con Inés. Muchos.

MW: Además, lo que más sorprende es que cuando vemos esos pequeños latigazos del pasado, esa Inés no tie"HA SIDO UN PROCESO MUY INTENSO CON ne nada que ver con la INÉS. ME HA COSTADO MUCHÍSIMO PORQUE Inés que tenemos en el TODO SON GRANDES INTERROGANTES." presente.

Claudia Riera: Es otra persona. Todos buscábamos que fuese otra persona completamente. Al final nuestra Y eso hace que su cuerpo, su manera de gestionarse, todo, forma de comunicarnos en nuestro bagaje, nuestros recuertenga que ver con eso. dos. Lo que hemos vivido. Y queríamos que fuese otra persona, pero sin perder su esencia. Su sensibilidad. Su delicadeza.

MW: ¿Te gusta el arco vivido con Inés? Porque comenzamos a verla de forma tímida en los primeros compases para MW: Para mí, Inés tiene tres ejes. Por un lado, Dario, terminar convertida en el gran eje de todo lo que se esconde por otro León y el tercero es la música. Y este último es el eje en ‘El Internado: Las Cumbres’. más firme que tiene.

Claudia Riera: Lo es y es una fortuna como actriz estar Claudia Riera: La construí a partir de la música. A partir en un proyecto donde tienes un personaje tan complejo, tan de un piano. Era lo único que sabía y la construí a partir de interesante y que tiene un arco tan bonito. Que lo veas evoahí. No podía construirla desde la nada. Así que me pregunté lucionar y que puedas hacerle evolucionar. qué sabía de ella. Y de Inés sabía que la música le llena el alma. Creo que es su fuente de vida.

Es que con Inés tiene que ser todo súper pequeño. Desde la inexpresividad. Con ella he trabajado mucho con los sentiLa mayor vida que ha tenido ha sido a partir de la música. dos. Porque empieza aletargada pero cuando empieza a re-

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Camisa y jeans, de Brain&Beast. Zapatos, de Antipoda.

Falda y top, de Bimba y Lola.

Zapatos, de Brain&Beast

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Cazadora y jeans, de Brain&Beast

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REPORTAJE

Camisa, de La Mona Checa.

Falda y zapatos, de Zara.

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cho trabajo y teniendo mucho control. Porque no rodamos en cronológico, pero teniendo muy claro las decisiones que se toman en cada escena.

MW: ¿Cómo se manejan los silencios de Inés?

Claudia Riera: Es que le pasa mucho por dentro… Pero le pasa mucho que tampoco entiende. Y tampoco tiene cómo verbalizarlo. Es muy observadora. Es muy inteligente. Así que se queda en la contención, pero le brillan los ojos.

cibir los estímulos de León, de Dario, de Amaia, le surgen preguntas.

MW: ¿Ha sido fácil esa contención que había que tener?

Claudia Riera: No, he tenido que estar muy concentrada durante todo el rodaje. Mucho. Muchísimo. Era como que no tenía escenas fáciles. Cuando estaba trabajando, estaba trabajando y no podía salir de ahí. Salir de ahí hubiese perjudicado al personaje completamente.

MW: ¿Qué demonios le genera León?

Claudia Riera: (Risas) Le genera contradicciones. Muchas. Tiene una atracción incoherente, involuntaria hacia ese ser. Y que no entiende. Y que no está de acuerdo en tener.

Porque cuando sientes esa atracción tan bestia da miedo.

MW: ¿Cuánto de divertido ha sido trabajar con esa Inés?

Claudia Riera: Muchísimo. Aunque no sé si esa es la palabra más adecuada. La he sufrido en mi cuerpo, en mis noches. Pero hay una cosa como sadomasoquista en los actores que… ¡Qué me gusta un buen drama! Los personajes más complejos y los más duros de vivir y de entender y que son sufridos, al final, te crean un patio de juego increíble. Donde tienes mil posibilidades y siempre puedes ir a más.

MW: ¿Inés es de esos personajes que una, en su carrera, desea tener en algún momento?

Claudia Riera: Sí. Esto es un sueño.

MW: Y cuando a una le llega tan joven y con una gran proyección por delante… ¿cómo se vive?

Claudia Riera: Con mucho honor. Que hayan confiado en mí para hacer a Inés después de haber hecho a Triana (‘Vis a Vis: El Oasis’). Una punki descerebrada sin dos dedos de frente (Risas). Muy inteligente, pero… ¡Oh, Dios mío! (Risas) Y de repente me llaman y me proponen a Inés Mendoza.

Que es todo lo opuesto a Triana. Y como actriz te sientes ultra mega valorada.

MW: Dentro de este oficio tan complejo, ¿te está gustando el viaje que tienes entre manos?

Claudia Riera: Me está gustando mucho el viaje. También es un oficio complejo. Y es muy "DE INÉS SABÍA QUE LA MÚSICA LE LLENA EL sacrificado. Sacrificios ALMA. CREO QUE ES SU FUENTE DE VIDA." que nunca pensé que tendría que hacer y que en un momento dado he estado a punto de no hacer. Pero que han sido necesarios para poder hacer a Triana o a Inés.

Y no me arrepiento de haber hecho esos sacrificios. Porque Una persona que no tiene recuerdo y, de pronto, un estímulo me hace feliz contar estas historias. tan fuerte te bloquea todo. Quieres ir hacia ahí pero no.

MW: ¿Con qué Claudia te has tropezado gracias a este MW: ¿Qué necesita de Dario y qué no encuentra en él? oficio?

Claudia Riera: El amor de un padre. La escucha de un Claudia Riera: Con una Claudia más disciplinada. padre. Un amigo. Alguien que quiera ayudarla.

Inés necesita a alguien que la escuche, que la abrace. Necesita que la quieran.

· · ·

MW: ¿Y cómo se equilibran todas esas emociones durante las semanas de rodaje?

Claudia Riera: (Risas) Se desequilibran todas. Con mu-

Puedes ver toda nuestra entrevista con Claudia Riera en nuestro canal de Youtube.

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EN MARCHA

¿QUIÉN ES YUKI TSUNODA?

YUKI TSUNODA DEBUTARÁ ESTA TEMPORADA 2021 EN LA F1 DE LA MANO DEL EQUIPO ALPHATAURI

por PAULA ROBAINA / fotografía ©yukitsunoda07 Yuki Tsunoda es el nuevo piloto de AlphaTauri, que correrá junto a Pierre Gasly. El piloto japonés hará su debut en la F1 esta temporada de 2021. La temporada pasada compitió en F2 quedándose a 15 puntos del título. Durante la temporada se barajaban muchos nombres para ocupar este asiento en AlphaTauri: desde el piloto que lo ocupaba la temporada anterior, Daniil Kvyat hasta el para aquel entonces piloto de Red Bull, Alex Albon.

Pero finalmente, la temporada en F2 de Yuki Tsunoda y su tercer puesto en este campeonato le sirvieron para hacerse con el asiento. Conoce en este artículo la trayectoria previa de uno de los nuevos rostros de la parrilla de F1 en este 2021.

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Yuki Tsunoda comenzó a competir en karts con cuatro años. El piloto japonés compitió sus primeros años sin salir de Japón y no participó en ninguna competición nacional hasta 2010, con 10 años.

Ese año corrió en la clase Junior del Campeonato JAF All Japan Kart y fue campeón de la Tokyo NTC Cup Series. En 2013 fue campeón de la Serie del Distrito Este del Campeonato Regional de Kart de Japón y en 2015 se hizo con el segundo lugar de Campeonato JAF All Japan Kart Championship. Yuki se graduó en la Suzuka Circuit Racing School, una escuela de pilotos que busca entrenar física y mentalmente a las próximas estrellas del motor de Japón. Gracias a esto entró en el programa Honda Formula Dream Project, ya que había llamado la atención de Honda.

En 2016 hizo su debut en los monoplazas, en la Fórmula 4 japonesa. En su primera carrera consiguió un segundo puesto. En 2017 fue campeón de la Serie JAF-F4 East Japan Series y consiguió el tercer puesto en la FIA-F4. Fue al año siguiente cuando se hizo con la victoria de este campeonato, con siete victorias y nueve poles. La carrera de Yuki dio un nuevo giro cuando se anunció la asociación de RedBull-Honda de cara a 2019.

De esta forma, la macara de bebidas energéticas lo ficho para su Red Bull Junior Team.

Toyota Racing Series de Nueva Zelanda donde fue cuarto con una victoria.

Al finalizar la temporada, realizó unos test en Faenza con el equipo AlphaTauri que terminaron de confirmar un secreto a voces: Yuki Tsunoda iba a debutar en 2021 en la F1. Ahora solo queda esperar para saber si el piloto japonés conseguirá estar a la altura del reto y logrará soportar la enorme presión y exigencia que ejerce Red Bull sobre sus pilotos. No lo tendrá fácil, pero puede ser uno de los pilotos que de la sorpresa la temporada que viene.

Ese 2019 participó en la Fórmula 3 FIA, en la que acabó en la novena posición, con una victoria y en la Euroformula Open, donde fue cuarto, también con una victoria. Su victoria en la F3 hizo que Honda decidiera que era el momento de que Tsunoda debutara en la Fórmula 2. Y fue todo un acierto porque hizo un gran papel en este campeonato. El piloto japonés consiguió tres victorias, siete podios, cuatro poles y tres vueltas rápidas.

Finalmente, acabó el año tercero a 15 puntos de Mick Schumacher. Además, le otorgaron el Trofeo Pirelli, el Premio Anthoine Hubert y fue el ganador del rookie del año de la FIA. Esa temporada también participó en la

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TEATRO

Paso AzorÍn, una compaÑÍa “todoterreno" en tiempos difÍciles Ramón Paso, Ana Azorín e Inés Kerzan preparan ya su próxima producción, asociados con el Teatro Lara, que llevará por título El Mensaje y que estrenarán en abril en la Sala Cándido Lara.

fotografías ©Teatro Lara Con 8 años de trayectoria, la compañía de teatro PasoAzorín cuenta con más de 20 montajes en su repertorio, en el que se puede destacar La Importancia de llamarse Ernesto, con la que han hecho más de 100 funciones con excelente respuesta de público al volver a escena tras el periodo de confinamiento.

Difícil hablar de compañía joven con tal trayectoria o de jóvenes promesas cuando la capitanea Ramón Paso, director y dramaturgo con un amplio recorrido en el teatro español. Pero lo cierto es que en relativo poco tiempo y no sin esfuerzos, más bien con perseverancia y ahínco, la compañía PasoAzorín ha encontrado un merecido hueco en la profesión, con aceptación del público y la crítica. Y en parte, gracias al Teatro Lara, donde

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han podido desarrollar de forma continuada su repertorio. Una perfecta simbiosis entre teatro y compañía que ha dado muchas alegrías sin duda.

Teatro Lara y PasoAzorín comienzan un nuevo camino juntos, esperanzados por la primavera y el verano. “Pensamos que las medidas se van a ir relajando poco a poco, al menos las restricciones horarias o las zonas básicas de salud y parte de la movilidad entre autonomías, esto nos dará la oportunidad de llegar a un nuevo público. Hay quien aún no ha podido venir al Teatro Lara. Y hay que buscar a ese público, darle historias positivas que le hagan volver al teatro. Y si las medidas siguen, no se relajan, con más razón tenemos que ofrecer a nuestro público fiel y recurrente nuevas obras de teatro que emocionen, que les diviertan y con la calidad que caracteriza nuestra programación” asegura Antonio Fuentes, director del Teatro Lara. “Es por ello que nos embarcamos con PasoAzorín, junto a otros productores, en un nuevo y divertido texto de Ramón Paso que se llama El Mensaje.”

El Mensaje es una comedia de Ramón Paso que parte de una premisa: “¿Qué estás dispuesto a ganar o perder, según se mire, a cambio de saber toda la verdad de lo que piensan de ti?” Una premisa con la que arranca una trama que habla de la necesidad de decirnos la verdad. “Ser honestos con la gente que nos importa. La protagonizan personajes que necesitan decirse las cosas. Esas cosas que si no se dicen se encallan en uno y no ayuda a que las relaciones avancen” afirma Paso. Un montaje que se ha estado preparando estos últimos meses en el seno del Teatro Lara y que comienzan los ensayos en esta primera semana de marzo. Contará con profesionales como Javier Ruiz de Alegría en la concepción del espacio y Alzueta en el diseño de iluminación.

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REPORTAJE

LUZ CIPRIOTA fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo LORENA PACHECO muah MARCELA TOVAR Vestido, de Fraile.

Zapatos, de &Otherstories.

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LUZ CIPRIOTA

Emmanuel de Martino invita a la actriz Luz Cipriota a meterse en la piel de Ana, una joven que durante una noche de insomnio recapacita y se da cuenta de una verdad absoluta: todos vamos a morir. A partir de ese momento el personaje de Ana, entre dosis de humor y canciones originales, se enfrenta a cuestiones existenciales y consigue que el propio público pueda preguntarse a sí mismo: ¿qué estoy haciendo conmigo mismo mientras la vida me está ganando la partida?

El monólogo cumple tercera temporada con nueva actriz. Luz Cipriota es internacionalmente conocida por trabajos como ‘Las Chicas del Cable’ o ‘El Cuento de las comadrejas’, este último bajo las órdenes de Campanella, con el que también trabajó en en la obra teatral ‘Parque Lezama’

MEW Magazine (MW): ¿Los personajes siempre retan?

Luz Cipriota: Los personajes que yo elijo hacer siempre son un reto. Me ha pasado que me han convocado para personajes que eran muy parecidos, cosas que yo ya había hecho y, en general, no los cojo. Porque si no me genera un desafío, me aburro.

Quiero algo diferente. Si no es en cine, que sea en teatro. O interpretar un personaje que no haya, nunca, experimentado. Que eso me obligue a aprender un idioma, una disciplina.

MW: ¿Se aprende de cada uno de los personajes?

Luz Cipriota: Se súper aprende. Ahora estoy haciendo una obra que se llama ‘Desde el sofá’ que habla de una mujer de mi edad que está en su casa preguntándose qué pasaría si mañana fuera el último día de tu vida. Y realmente, tras la pandemia, todo se resignifica muchísimo. Porque creo que es algo que nos pasó a la mayoría.

MW: ¿Cómo fue dar la bienvenida a Ana, tu nuevo personaje?

Luz Cipriota: Fue muy fluido. Tuve la oportunidad de ver la obra con otra actriz. Que me encantó. Pude ver, de alguna manera, el producto terminado.

MW: Como público solo nos quedamos con el resultado final. Nunca somos conscientes de todo el trabajo previo que se ha de realizar. ¿Cuánto esfuerzo hay tras una obra?

Luz Cipriota: Muchísimo. Y especialmente Emmanuel de Martino lo tiene muy claro. La escribió hace diez años e hizo varias temporadas en Argentina. Tiene el ‘timing’ perfecto y eso hay que ensayarlo. Cada palabra tiene un momento y una tonalidad. Un silencio específico.

MW: Y cuándo una salte al escenario y vea al público con la mitad de la cara tapada…

Luz Cipriota: Es muy fuerte. Pero lo es también la vida diaria.

Uno hace como que ya estamos acostumbrados.

· · · Puedes ver el resto de nuestra entrevista con Luz Cipriota en nuestro canal de Youtube.

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Blazer, de Reveligion.

Top crop y mallas ciclistas, de Zara.

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Camisa, de Brain&Beast.

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REPORTAJE

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Abrigo, de Brain&Beast.

Zapatos, de Antipoda.

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TEATRO

Fariña Continúa su estancia en el Teatro Cofidís Alcázar hasta el 4 de abril Fotografías © S Media 174 MARZO 2021 · MW

La obra Fariña continúa las representaciones en el Teatro Cofidís Alcázar de Madrid. Tras un gran éxito en las Naves del Español de Madrid, el espectáculo teatral que se estrenó en el Alcázar el pasado 16 de diciembre prorroga su estancia hasta el 4 de abril con funciones de viernes a domingo.

Fariña está dirigida por Tito Asorey y cuenta con la dramaturgia de José L. Prieto sobre el exitoso libro del periodista Nacho Carretero. Al elenco formado por Xosé A. Touriñán, Marcos Pereiro, María Vázquez, Cris Iglesias, Sergio Zearreta y Víctor Duplá se suman como covers Borja Fernández y Melania Cruz.

Su autor, el periodista Nacho Carretero, realizó un exhaustivo trabajo de campo para concentrar en poco más de 300 páginas la historia del narcotráfico en Galicia en las últimas décadas del pasado siglo. El resultado fue un ensayo periodístico, publicado por Libros del K.O., que vio la luz en 2015 y cuya repercusión es ya de dominio público. La productora audiovisual Bambú compró los derechos para hacer de esta historia una serie de televisión, estrenada en 2018 con gran éxito y disponible en Netflix.

Durante los 100 minutos que dura, Fariña no permite al espectador ni acomodarse en la butaca. A una imponente descarga suceden conversaciones entre jóvenes y vecinos de los pueblos hablando, comprando, consumiendo y manejando con soltura el famoso Winston de batea. El fenómeno está en marcha. El elenco de actores entra y sale de la escena metiéndose en la piel de decenas de personajes entre situaciones familiares: un alcalde corrupto dispuesto a financiar una verbena, los vecinos más jóvenes probando la mercancía a escondidas...

El salto al narcotráfico ocurre en el escenario con la misma soltura con la que tuvo lugar en la realidad. De pronto, en escena, se escucha acento colombiano y marroquí. Se escuchan ritmos de percusión y canciones. Se escuchan bromas y bravuconadas. Las drogas toman el control: ostentación y subidón llenan el teatro.

Y, de nuevo como sucedió en la realidad, aparece la tragedia. En forma de madres y jóvenes hundidos y, por fin, operaciones policiales. Todo cabe sobre un escenario que recoge un recorrido fiel por este oscuro capítulo de la historia de Galicia desde un punto de vista único. Un viaje en el tiempo desde una óptica próxima, real y familiar, con la sensación, y la reflexión que el espectador hace al salir del teatro, llegando a adquirir una eficacia inédita.

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REPORTAJE

MARTA POVEDA PODEROSA Y ENTRE TABLAS

No hay nada más interesante que sentarte ante una artista que sepa desgranar su profesión. Que tenga cosas que decir y que contar. Entran unas ganas inmensas de aprendizaje y escucha. Y aunque parezca algo obvio, no siempre sucede. Más bien, pocas veces sucede. Nos estamos acostumbrando tanto a ir al grano, pero, muchas veces, nos olvidamos del camino, del trasfondo. De todo su contexto. De aquella que nos ha llevado hasta donde estamos.

fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA muah CRISTINA ALBARRÁN

Junto a Marta Poveda hacemos un repaso por la profesión. Por esos proyectos que llegaron y esos personajes que se quedaron.

M

EW Magazine (MW): ¿En qué crees que te ha retado a ti tu oficio?

Marta Poveda: Como persona me ha retado a verme las caras con mi rebeldía. Y con mi capacidad de no adaptarme a muchas circunstancias (Risas). Y con mi inconformismo. Todo eso tengo que intentar canalizar y gestionarlo. Dejar de ser yo misma y enfocarlo en el plano artístico. Entonces, sí que me ha retado a enfrentarme a mi tozudez, a mi cabezonería y a mi rebeldía.

esperaba.

MW: En el día a día, ¿lo más complejo?

Marta Poveda: Todo lo que no tiene que ver con subirse a un escenario o ponerse delante de una cámara. Hay una parte de la industria que me resulta agresiva. Que lo manejo muy mal y no me gusta.

MW: Si echas la mirada atrás, a esos comienzos dentro del oficio, el camino posterior, ¿ha sido como imaginabas?

Marta Poveda: No. No, la verdad es que no. Nunca me hubiera imaginado un camino tan interesante y tan intenso.

Empecé estudiando teatro de vanguardia. Nunca me imaginé afrontando los clásicos. Y eso ha sido fantástico.

MW: ¿Y cómo se vive el auge de las redes sociales? Donde parece que casi se le imponga a los actores/actrices su uso y disfrute…

Marta Poveda: Es una herramienta que ahora estamos prácticamente obligados a utilizar. Yo intento que sea una herramienta de trabajo en la que se vea una parte de mí que sea, promocionalmente, lo más cercana a mí. Y a la vez que pueda expresar algunas de mis inquietudes.

Cuando empecé tenía muy pocas expectativas para poder vivir de esto. Y no he dejado de vivir de esto. Y además las cosas que he hecho me han gustado mucho. Mucho mejor de lo que

Que sea una herramienta de trabajo, a día de hoy, me da mucha pereza. Todo en su justa medida es interesante teniendo en cuenta que es un arma de doble filo. Y abusar no mola.

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Camisa y pantalones, de Zara.

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Camisa, de Zara. Colgante, de Jairo Villada.

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REPORTAJE

MW: ¿Con qué Marta te has tropezado haciendo teatro?

Marta Poveda: Haciendo teatro sale mi parte más creativa. Más arriesgada y más fuerte. La expresión teatral es la que hace que el actor sea dueño de su propia creatividad. Al fin y al cabo, eres el instrumento con el que estás trabajando. Y es tan inmediato y con un contacto tan directo hacia el público…que la responsabilidad es plenamente tuya.

La Marta que hay en mí, en teatro, es la más poderosa.

MW: ¿Dónde notas un mayor desgaste? ¿En teatro o en lo audiovisual?

Marta Poveda: Leí hace mucho tiempo un estudio en el que analizan y concluían que el actor, en dos horas de función, gasta la misma energía que un trabajo parecido al de un minero. Salvando, por supuesto, las distancias y el tipo de trabajo que es.

La energía en dos horas es inmensa. Un subidón de adrenalina que hace, incluso, que se te corten las enfermedades durante ese rato. Te olvidas. Está todo a favor de estar delante del público. Físicamente estás convulsionando. Sales muy agotado. Pero el cansancio de un rodaje tiene que ver con un cansancio más mental por lo que tú decías de la concentración. Porque a lo mejor tienes saltos en el tiempo donde tu cabeza tiene que estar ubicada en el momento concreto, mantener todos los antecedentes…esperas infames que, a veces, hace que tu energía se caiga.

Son dos complejidades muy diferentes. Pero quizá es más difícil afrontar el agotamiento del audiovisual.

MW: ¿Te ha sumado el teatro a lo audiovisual?

Marta Poveda: Y lo audiovisual al teatro. Pero sí, el teatro genera muchísimos recursos. Luego, tienes que modular la energía. También me suma el férreo trabajo de análisis de texto. Construyes los personajes muy meticulosamente.

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MW: Hablando de personajes… ¿Dónde te diviertes más? ¿Creando para el teatro o creando para lo audiovisual?

Marta Poveda: Yo creo que ahí depende del personaje más que del medio. Si está bien escrito te lo pasas teta. Sobre todo, porque tienes que investigar mucho. Y eso es lo interesante de un personaje bien escrito.

MW: ¿Qué personaje ha pedido más de ti en comparación con el resto?

Marta Poveda: Este último que he hecho, quizá, es uno de los que más me ha pedido. Ha sido de los más complejos y difíciles. Lady Macbeth.

Más allá de que es uno de los personajes más conocidos de la historia del teatro. Y eso hace que tenga su doble filo. Porque tenemos una idea muy estereotipada del personaje. Y al mismo tiempo es un personaje del que tenemos muy poca información, como todos los personajes femeninos de Shakespeare.

MW: Lo más divertido…

Marta Poveda: Lo más divertido es tener que buscar y alejarte de ti mismo. Y buscar la manera de moverte, de hablar, de pensar.

MW: ¿El personaje no tiene final en el teatro?

Marta Poveda: Sigue creciendo porque si es un buen texto es universal y tiene millones de miradas diferentes.

Cada día es diferente y el público que viene es diferente.

Tu momento es diferente.

MW: Hablando de esta pandemia y del teatro, ¿qué ocurre cuando una salta al escenario y ve al público con la mitad de su cara tapada?

Marta Poveda: Lo primero que sientes es un agradecimiento infinito por la militancia de esas personas que en pandemia, salen de su casa, compran unas entradas y vienen a estar dos horas con la cara tapada.

Notas que la interrelación va a ser un poco más compleja. Porque, efectivamente, con la cara tapada se oye diferente. Entonces notas que no va a llegar al cien por

Vesitdo, de Zara. Zapatos, de C’moi.

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REPORTAJE

“ Hay un ambiente más complicado pero un mayor sentimiento de comunión “

cien de lo habitual.

Hay un ambiente más complicado pero un mayor sentimiento de comunión. Mucho agradecimiento.

MW: ¿Cómo es ser amigo o amiga de Marta Poveda?

Marta Poveda: (Risas) Admiro mucho a todos mis buenos amigos. Porque tienen mucha paciencia (Risas). Porque hay que aguantar un bicho bola bastante importante. Una persona que se va de vez en cuando, se esconde del planeta y vuelve. Vuelve con cosas que ofrecer.

· · · Puedes ver toda la entrevista con Marta Poveda en nuestro canal de Youtube.

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Traje, de H&M. Zapatos, de C’moi.

Accesorios, de Trium Jewelry.

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LITERATURA

SHARON CARTER El regreso de Sharon Carter al UCM por PAULA ROBAINA En el Universo Cinematográfico Marvel conocimos por primera vez a Sharon Carter en la película ‘Capitán América: El Soldado de Invierno’. Sharon se nos presenta como la vecina enfermera de Steve Rogers. Lo que no sabíamos es que en realidad estaba vigilando muy de cerca (y protegiendo) al Capitán América, ya que era una espía de S.H.I.E.L.D que trabajaba para Nick Fury. ¿Te suena su apellido? Eso es porque, en el UCM, es la sobrina de Peggy Carter, fundadora de S.H.I.E.L.D. Después de los sucesos de ‘Capitán América: El soldado de Invierno’ Sharon pasa a trabajar para la CIA. A Sharon volvemos a verla en ‘Capitán América: Civil War’, donde a pesar de su trabajo en la CIA, ayudó al bando del Capitán América. La última vez que supimos de ella fue en ‘Avengers: Endgame’, revelando que estuvo entre los desaparecidos por el chasquido de Thanos. Quizás en este regreso al UCM veamos más en profundidad dónde estaba Carter durante ‘Avengers: Infinity War’ y cómo fue su regreso después de que el chasquido fuera invertido.

Ahora podremos volver a ver a este personaje en la nueva serie original

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de Marvel para Disney+, ‘The Falcon and the Winter Soldier’. Estos nuevos proyectos de Marvel en formato de series nos están permitiendo conocer en más profundidad a personajes que hasta ahora han sido secundarios en el UCM. Las veces que Sharon apareció en pantalla era para sacar de un apuro a Steve Rogers y ser su interés romántico. Ahora parece que este personaje tendrá el conocimiento de que merece. Pero ¿Cómo es la Sharon Carter de los cómics?

Sharon Carter en los cómics es mejor conocida por su alias Agente 13. En las primeras historias del Capitán América en las que Sharon hizo su debut, fue presentada como la hermana pequeña de Peggy Carter. Más adelante fue traída de nuevo a las viñetas, pero esta vez como la sobrina de Peggy. Sharon es hija de Harrison y Amanda Carter y creció escuchando las historias de su tía Peggy Carter como heroína de guerra. Ambas tenían una relación muy estrecha y fue Peggy quien le regaló su primera cartuchera, sabiendo el camino que iba a seguir su sobrina.

Incitada por estas historias, decidió seguir los pasos de su tía y se unió a S.H.I.E.L.D

donde se le dio el alias de Agente 13. De hecho, Sharon se negó a dar a conocer su apellido, para asegurarse de no tener ningún trato de favor ni estar a la sombra de su tía.

A Sharon la hemos visto en varias historias y líneas temporales de Marvel Cómics. En su primera misión importante con S.H.I.E.L.D, y en la que conoce al Capitán América, ella era la encargada de hacerse con el peligroso explosivo de gran alcance llamado Infierno-42 que estaba a manos de HYDRA. Mientras un mercenario luchaba con el Capitán América para recuperarlo, ella huyó con el explosivo que se había activado por accidente, tratando que explotara sin causar victimas más que ella misma. El Capitán América finalmente consiguió salvarla de la explosión y juntos completaron la misión. Esta es una muestra de la entrega de Sharon a su trabajo y de su carácter de heroína, dispuesta sacrificarse por el resto. Sharon Carter es, tanto en los cómics como en el UCM, una experta en artes marciales, armas de fuego y espionaje. De hecho, la propia Natasha Romanoff comenta en ‘Capitán América: El Soldado de Invierno’

que Sharon es una espía ejemplar, después de que mantuviera casi de forma perfecta su papel como enfermera. En algunas historias de Marvel Cómics, Sharon incluso ha sustituido a Nick Fury como director de S.H.I.E.L.D.

forzada trama amorosa. Esperemos que en esta nueva oportunidad este personaje tenga un mayor protagonismo y se nos demuestre todo el potencial, carisma y fuerza que tiene la Agente 13, Sharon Carter.

A pesar de ser una agente letal, Sharon es representada como una mujer con fuertes valores y que lucha por lo que cree correcto. Además, es una persona afable y con gran sentido del humor. Esto cam-

bia en la versión de Ultimate Marvel, donde nos muestran una Sharon Carter más serie y reservada, aunque sigue manteniendo sus fuertes ideales. Lo interesante de estos cómics es que ella sigue trabajando para S.H.I.E.L.D y es compañera de Jimmy Woo, uno de los personajes principales de la serie de Disney+ ‘WandaVision’. Por lo que no sería de extrañar que la serie ‘Falncon and The Winter Soldier’ siguiera esta línea de los cómics, con una Sharon con una apariencia y carácter más parecida a la de los primeros cómics, pero con el trabajo y las relaciones de los cómics de Ultimate. De esta forma, Sharon Carter podría ser uno de los personajes que uniera ambas series de Disney+. ¿Hará justicia esta serie al personaje de Sharon Carter? La Agente 13 ha sido injustamente maltratada por el UCM, usándola solo como personaje de relleno para una

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REPORTAJE

MICHELL ROXANA por P. GUERGUÉ / fotografía ANA MÁRKEZ

MICHELL ROXANA HA CAMINADO ENTRE LA BELLEZA Y CREYENDO EN SÍ MISMA PARA ENCONTRAR EL CAMINO. EL QUE LE MUESTRA LA PUERTA DE LA FELICIDAD. PORQUE HACER EN CADA MOMENTO LO QUE UNA DESEA O NECESITA ES LO REALMENTE IMPRESCINDIBLE EN LA VIDA. NOS REUNIMOS CON MICHELL EN SU ÚLTIMO VIAJE A ESPAÑA Y LO HACEMOS PARA HABLAR DEL QUE SERÁ UNO DE SUS PROYECTOS MÁS AMBICIOSOS: ‘LAS AVENTURAS DE MICHELAND’. SU PRIMER LIBRO.

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MEW Magazine (MW): En todo este camino que has ido realizando, ¿cuánto hay que cuidarse a una misma?

Michell Roxana: Es natural que todos tengamos defectos o complejos. Y que tengamos que aprender a vivir con ellos. Incluso, una de las cosas buenas de nosotros, los venezolanos, es que nos reímos de todo. De los complejos que tengamos, de nosotros mismos.

Yo siento que eso también sube la autoestima.

En EE. UU. es diferente porque tienes un complejo o alguien te señala y la persona se reprime un poco más.

Entonces, siento que nunca llegan a fortalecer esa parte. Y creo que es una lucha con uno mismo para fortalecer esa parte y tener más seguridad.

Ahora con las redes sociales hay un tema de señalamiento. La gente piensa que porque eres una figura pública tiene el derecho, al estar detrás de una pantalla, a señalarte. Tú no sabes quiénes son ellos, pero ellos sí saben quién eres tú. Así que tienes que estar muy segura de quién eres, de lo que estás mostrando.

MW: Quizá, ¿eso sea lo más complejo de ser una figura pública?

Michell Roxana: Definitivamente sí es una de las cosas más complejas. A nadie le gustan los comentarios negativos. A ninguno nos gusta. Y cuando no estamos, realmente, seguros con nosotros mismos, quizá, esto nos pueda afectar.

Hay que formar muy bien esa parte y hacer un tipo piedra. Persona piedra.

Para que estas cosas no te toquen.

MW: A punto de publicar tu primer libro, la pregunta obligada es, ¿cómo surge esta idea?

Michell Roxana: A veces el conocimiento del cuidado del medio ambiente lo dejamos a un lado. Porque creemos que hay cosas más importantes en la vida cotidiana. Por esta razón comiendo a ver el déficit que tenemos.

Y comienzo a pensar, ¿para quién

escribo? O, ¿por qué escribo? Y me doy cuenta que nosotros aprendemos mejor las cosas cuando somos niños.

Y qué mejor que te den esa enseñanza cuando eres un niño para cuando vayas creciendo lo vayas haciendo automáticamente. Es por esta razón que hago un libro para niños.

no elegir lo que realmente me hiciera feliz. Pero siento que en la vida tenemos diferentes caminos. Y la vida misma te va llevando a que camino tomar.

Y siento que ahora el camino que he tomado tiene mucha conexión. Por eso creo que voy en el camino correcto. Y me hace feliz.

Se llama ‘Las aventuras de Micheland’. Y tiene que ver con una niña muy curiosa en el que la madre tierra le habla y le dice sobre cosas que le afectan. Y cómo poder ayudarla. Es una aventura súper simpática. Sé que les va a gustar muchísimo. Y sé que los niños van a aprender muchísimo de esto que es lo más importante.

MW: ¿Cuántas oportunidades hay que darles a los sueños?

Michell Roxana: Infinitas. Ese es el número exacto.

MW: ¿Qué ha sido lo más difícil de todo ese proceso de creación?

Michell Roxana: Querer escribir para niños. No sabía en lo que me estaba metiendo. Porque pensamos que los niños son fáciles y no lo son.

Porque los niños tienen una psicología muy diferente a nosotros y debemos tener cuidado al momento de escribirles a ellos. Además de que tiene que ser algo que les llame la atención.

Tiene que ser una aventura que los envuelva, pero, al mismo tiempo, con un aprendizaje.

MW: ¿Te has descubierto más perfeccionista de lo que tú ya sabías que eras?

Michell Roxana: Totalmente. Al principio, no sabía bien lo que quería.

Y hemos estado casi un año y medio escribiendo. Porque no solo es escribirlo, también plasmarlo.

MW: ¿Cuántas veces te han tenido que decir que ya está todo terminado y que hay que dejar de darle vueltas?

Michell Roxana: Tengo una persona que me dice exactamente esas palabras (Risas). Y aun, a día de hoy, le sigo escribiendo para modificar cosas.

MW: ¿El camino que estás creando es el camino que te está gustando crear?

Michell Roxana: Definitivamente.

Cuando era pequeña tenía miedo de

MW: Y si, alguna vez, nos cierran la puerta, ¿qué hay que hacer?

Michell Roxana: Siempre nos van a cerrar una puerta. Es lo normal de la vida. Lo importante es lo que tú realmente quieras hacer. O cómo toques las diferentes puertas que vengan. No es una sola puerta en la vida.

Siempre va a haber una puerta que se abra y es ahí donde hay que aprovechar.

· · · Puedes ver nuestra entrevista con Michell Roxana en nuestro canal de Youtube.

"CUANDO ERA PEQUEÑA TENÍA MIEDO DE NO ELEGIR LO QUE REALMENTE ME HICIERA FELIZ." mewmagazine.es 189

LITERATURA

5 libros para sorprender en la cocina por PALOMA ESCUDERO Estos últimos meses hemos pasado más tiempo que nunca en casa y la cocina se ha convertido en una de las habitaciones más visitas. Casi todos hemos sacado el cocinero que llevamos dentro para intentar hacer ricas elaboraciones. Con mejores o peores resultados ya que la cocina es intentarlo sin parar hasta que nos salga lo que queremos y de la forma en que habíamos pensado. Si lo que te apasiona es el mundo de la cocina y probar nuevas recetas, aquí te dejo una selección de cinco libros diversos para que te pongas a ello cuando antes. Encontrarás todo tipo de recetas: dulces, saladas, de cuchara, de vanguardia o mucho más clásicas. Libros muy útiles para que sigas mejorando y aprendiendo sobre la gastronomía de nuestro país y de fuera.

'El placer de comer sin remordimientos' CHEF BOSQUET El Chef Bosquet nos enseñará nuevas recetas saludables así como muchos trucos y consejos de cocina. En este nuevo libro Roberto Bosquet no se limita solo a preparar platos y explicarnos cómo hacerlo. Ha querido ir un paso más allá para ayudarnos en todo lo relativo a la cocina y la elaboración de un buen menú. Para él lo más importante no es solo que aprendas una serie de recetas sino que sepas muy bien qué ingredientes utilizar, si puedes o no sustituirlos y qué es lo que aportan a cada receta unos u otros.

En este libro descubriremos quién es el Chef Bosquet y cuál es su trayectoria, como ejemplo de que todo es posible si luchas por ello. Este libro surgió durante el confinamiento para demostrar que comer sano nunca había sido tan fácil ni tan divertido.

Porque la cocina puede ser muy entretenida. Modificar recetas, combinar ingredientes que podrían no pegar a simple vista, etc. Al Chef Bosquet le encanta experimentar en la cocina y aquí te enseñará cómo hacerlo para que funcione perfectamente y no la líes demasiado. En este libro descubrirás que las pizzas, las croquetas o los dulces no tienen por qué estar reñidos con no comer sano sino todo lo contrario.

Aprenderás a combinar sabores y texturas para disfrutar al máximo de la comida en sus versión salada y dulce. Un libro perfecto para saber comer todo lo que te apetezca en cada momento y de manera saludable. Descubrirás todo tipo de recetas sorprendentes que seguro que te encantarán.

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'La buena cocina: 900 recetas que siempre salen bien' KARLOS ARGUIÑANO

Este es el último libro que ha publicado Karlos Arguiñano. Recetas con las que ha querido reivindicar la auténtica cocina de toda la vida. Además, también destaca lo importante que es saber escoger buenos ingredientes para cocinar. Esto es algo fundamental para tener éxito.

Podemos alimentarnos de forma saludable con productos muy sencillos, a precios razonables y al alcance de todos. Karlos Arguiñano ya es un cocinero de renombre en nuestro país y un libro de recetas suyas siempre es buena opción para tener a mano en casa. El arte de escoger y mezclar bien los ingredientes es uno de los secretos mejor guardados de la cocina. Con este libro Karlos Arguiñano quiere ayudarte a que saques el cocinero que llevas dentro y sorprendas con platos deliciosos y sabrosos.

En este libro encontrarás una gran variedad de productos para todos los gustos. Por si fuera poco, Karlos Arguiñano nos propone diferentes formas de cocinar un mismo producto para no aburrirnos nunca de él. Un libro muy extenso pero muy práctico para todos los amantes de la buena cocina. Todas las elaboraciones están muy bien explicadas, con todos los ingredientes necesarios, el paso a paso de todo lo que hay que hacer. Aunque no todos, muchas de las recetas llevan imágenes de alta calidad para que conozcamos el resultado final. Siempre es buen momento para aprender nuevas recetas o las clásicas que nos cuesta atrevernos con ellas. Contiene un índice para buscar lo que quieres.

'El club de la cocina' CARLOS PASCAL

Carlos Pascal es el fundador de Kitchen Club y ‘El club de la cocina’ es su primer libro de recetas. Si lo que te gusta es la cocina moderna y vanguardista no hay duda de que este libro está hecho para ti. Las escuelas Kitchen Club que creó hace unos años son un espacio gastronómico que ha revolucionado el mundo de los cursos tradicionales de cocina. Carlos Pascal ha reinventado la cocina tal y como la conocíamos para ofrecer platos de lo más innovadores y diferentes.

Utilizando ingredientes de toda la vida es capaz de hacer grandes creaciones gastronómicas. Si te apasiona este mundo de la cocina alternativa alejada de todo lo demás, Carlos Pascal te da las claves para conseguirlo en este libro. ‘El club de la cocina’ está compuesto por más de 100 recetas para acercarte a su universo gastronómico. También hay recetas clásicas y tradicionales, su punto fuerte es la innovación en la cocina.

Todo el mundo podrá ponerse manos a la obra en la cocina porque hay elaboraciones para todas las dificultades. En ‘El club de la cocina’ hay platos de diversos países del mundo. Desde Italia, pasando por Francia y Japón e incluso platos de nuestra gastronomía española. Podrás elaborar picoteos, entrantes, platos del mar, carnes y diferentes postres. Además, al final de ‘El club de la cocina’ hay una serie de recetas base: varios tipos de caldos o reducciones y tres páginas de helados y sorbetes. Un buen libro para manejarte con destreza en la cocina.

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LITERATURA

'Mis recetas favoritas para hacer en casa' CRISTINA ORIA En ‘Mis recetas favoritas para hacer en casa’ la conocida chef Cristina Oria recoge algunas de sus mejores recetas. Las recetas que según ella nunca falla. Aquí encontrarás las recetas favoritas de Cristina Oria para hacer en casa en cualquier momento. Pueden ser para elaborar menús diarios para toda la familia, para ti solo o incluso para celebrar alguna ocasión especial. Así podrás dejar a tus invitados con la boca abierta gracias a tus sabrosos platos elaborados con sus mejores consejos.

En ‘Mis recetas favoritas para hacer en casa’ hay elaboraciones para todos las comidas del día. Desde desayunos dulces y salados hasta platos salados para comer o para cenar. Todos ellos muy fáciles de elaborar si sigues sus pasos al pie de la letra. Nada puede fallar con este libro de Cristina Oria.

La materia prima tiene mucha relevancia en este libro que es el indicado para la gente que no tiene demasiado tiempo pero no quiere renunciar a comer bien. Cristina Oria comparte con todos los lectores su estilo de vida junto a su familia, nos enseña el huerto de donde saca los productos y ofrece una experiencia gastronómica de lo más completa. Con estas recetas serás todo un maestro en la cocina y no habrá plato que se te resista. Las recetas favoritas de Cristina Oria rápidamente se convertirán en las tuyas y serán tus platos estrella en cada ocasión.

Fantástico para aprender bien las recetas básicas y otras más sofisticadas con explicaciones sencillas.

'5 ingredientes' JAMIE OLIVER Jamie Oliver es un reputado cocinero inglés del que se pueden aprender muchas cosas útiles para aplicar en la cocina. Cualquiera de sus libros son buenos para descubrir recetas y saber mucho más sobre el arte culinario. El de ‘5 ingredientes’ en concreto me parece un libro muy útil para tener cerca cada vez que vayamos a planear el menú semanal o cuando nos apetezca internarnos en la cocina. Jamie Oliver vuelve a la carga con este libro en el que encontrarás 130 platos increíbles, fáciles y rápidos.

Todos ellos combinan solamente cinco ingredientes con los que prepararás comidas asombrosas. No necesitas nada más para destacar en la cocina como un buenísimo cocinero.

Es por esto por lo que ‘5 ingredientes’ es el libro perfecto para la gente ocupada ya que no tienes qué pensar demasiado qué ingredientes utilizar ni cómo combinarlos. Jamie Oliver no dejará ningún plato sin preparar. Ensaladas, diferentes recetas de pasta, carne, pescado y también combinaciones en las que el arroz o los fideos son los protagonistas.

Muchos vegetales para una dieta variada y equilibrada, ternera, cerdo, cordero y también muchas recetas para los caprichos dulces. Recetas que son muy creativas, deliciosas y nutritivas para conseguir el máximo sabor en tus platos sin demasiadas complicaciones. Los platos son variados y originales por lo que será fácil que encuentres alguno que te guste. Las elaboraciones están muy bien explicadas para que no se te escape nada.

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LIFESTYLE

DESCUBRIENDO ESPAÑA

GIRONA

por ÁLEX DELGADO / fotografía ©Sofía Layla Normalmente cuando se habla de Catalunya todo se relaciona con la capital, Barcelona. Sin embargo, hay ciudades que cuentan con una riqueza cultural y social realmente envidiable. Una de ellas es Girona, una ciudad que te atrapa nada más pisarla y en la que es imposible no enamorarse de ella. Se trata de un municipio en el que pese a no tener playa es uno de los centros nacionales turísticos más importantes y no es para menos.

Girona tiene una arquitectura y tradición en la que el tiempo no se detiene. Es pisar la ciudad y ver como todo tu alrededor te invita a perderte en cada una de sus calles sin importarte el hecho de perder el tiempo al quedarte embelesado por su belleza. La ciudad es un ejemplo internacional de que se puede preservar la historia y orígenes desde el inicio y que el patrimonio cultural se tiene que cuidar para seguir aprendiendo de anteriores generaciones.

Hablar de Girona es hablar de una ciudad que ha luchado para mantener durante años esos elementos que fueron tan importantes en el pasado. No es de extrañar que en los últimos años hayan sido distintas las producciones internacionales que hayan apostado por rodar gran parte de sus ficciones en la ciudad catalana. El claro ejemplo se encuentra en ‘Juego de Tronos’ que aprovechó distintas localizaciones de la capital para rodar parte de la temporada 6 de la serie, siendo la Catedral de Girona, que se transformó en el Gran Septo en la ficción.

La ciudad catalana es conocida por su “barri vell”, una zona en la que se encuentra el “call jueu”, un barrio judío que se mantiene en perfecto estado y es uno de los más grandes de toda la península Ibérica. A todo ello, conserva prácticamente en perfecto estado las murallas de época medieval y que tras la restauración, permite a los visitantes recorrer los tramos de la muralla Carolingia más extensos de Europa. De este modo, tanto el turista como la población residente pueden disfrutar de una ciudad que atrapa por una belleza que habla por sí misma.

Cuando se apuesta por la cultura se hace desde todas las formas posibles. Girona es el mejor ejemplo de ello y desde el 1954 se lleva celebrando una de las festividades más bonitas que se recuerdan. Conocida como ‘Temps de flors’, y con una duración de una semana,

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las calles de Girona se cubren de un colorido distinto y donde las platas son fundamentales.

La principal riqueza de Girona se encuentra en su enorme valor arquitectónico. Hemos hablado de su casco Antiguo (Barri Vell), pero no nos hemos adentrado en la majestuosa catedral de Santa María, un monumento que combina el estilo románico, barroco y gótico, que hace que sea una autentica preciosidad digna de admirar.

Si Florencia tiene sus casas del ponte Vecchio, en Girona tienen las casas colgantes del rio Oñar. El tramo estas casas se pueden ver desde el propio puente de piedra del año 1890, ofreciendo una imagen de lo más colorida de la ciudad catalana. Girona se caracteriza por los constantes contrastes y es que no es de extrañar que sea una ciudad que realmente es acogedora, algo que es evidente si se analiza su tipo de urbanismo, en el que en menos de una hora puedes visitar la zona del casco antiguo, pasando por el Barrio de Sant Narcís, que se construyó tras la Guerra Civil alrededor de una plaza donde estaban los servicios esenciales.

Con una arquitectura bastante peculiar, Girona destaca por un urbanismo sin precedentes. Son varios los museos que hay alrededor de la ciudad y en el que se apuesta con un contenido de exposiciones de calidad con los que consiguen crear que sea una ciudad puntera y de referencia por su protección cultural constante. Localizaciones como la de la Universitat de Girona en pleno casco antiguo junto al antiguo convento de Sant Domènec, te permite conocer la historia de una ciudad que tiene vida propia y que no dejará de sorprenderte.

Girona es una ciudad viva, en la que nunca se descansa y es digna de visitar sea cual sea el clima que haga en ese momento. Es más, los días lluviosos e incluso nublados, la ciudad tiene un aura especial. Hablar de Girona te lleva a esa ciudad medieval que no decepciona. Por sus calles se han rodado películas como ‘Soldados de Salamina’ (David Trueba, 2002), ‘El Perfume. Historia de un asesino’ (Tom Tykwer, 2005) o ‘Murieron por encima de sus posibilidades’ (Isaki Lacuesta, 2013), entre muchas otras.

Es bastante probable que leyendo unas líneas te cuestiones el motivo por el cuál Girona centra toda la atención de este espacio. Realmente se trata de una ciudad única, de esas que si parpadeas te pierdes lo más importante.

En los últimos años han sido numerosas las producciones que han decidido rodar algunas de sus escenas por las calles de la ciudad catalana. Los que hemos vivido allí hemos descubierto que Girona es esa ciudad que pese a la rutina siempre estará para arroparte.

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Un viaje al pasado de Escocia por

Los castillos han sido históricamente un símbolo de Escocia. No solo en los tiempos más recientes, cuando la cultura popular empezó a asociar estas imponentes construcciones con el bellísimo país. También, sobre todo, aunque de otra manera, fueron un símbolo siglos atrás. Cuando no eran exclusivamente un punto turístico que abandonar asombrados, con la sensación de haber viajado al pasado. Estos castillos han sido casas, fortalezas, lugares de reunión, de batallas, de resistencia y una demostración de poder. Algunos siguen siendo todo esto.

Pertenecientes a todas las épocas, a todas las edades por las que ha atravesado Escocia, estos castillos se encuentran entre los más fotografiados y visitados del mundo. No solo lo más populares, como el castillo de Stirling, también otros que uno encuentra en un trayecto inesperado. No hay nada mejor que un trayecto inesperado en un país en el que viajar lleva consigo sorpresas. Siempre. Sin excepción. En Escocia uno aprende que una carretera cualquiera puede llevarte a descubrir un rincón excepcional, y que ese rincón también tendrá sorpresas que merece la pena

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JUDITH TORQUEMADA / fotografías ©Unsplash

descubrir.

Cuando se trata de estas construcciones, hay que mantener los ojos bien abiertos. Los clanes escoceses, durante muchos siglos, se esforzaron por erigir estos edificios para dar cobijo a los miembros que portaban su emblema. Así que un paseo alrededor de un lago tranquilo puede concluir con un encontronazo con uno de los muchos edificios que levantó el clan Campbell. Es el caso del castillo de Kilchurn, que mira hacia el lago Awe casi con timidez, abandonado y so-

litario, pero sin haber perdido el encanto que un día tuvo. Porque ni siquiera aquellos escenarios aparentemente en ruinas, como también es el caso del castillo de St. Andrews, se libran de despertar la admiración en el viajero.

Otros se encuentran en un estado que dista mucho de un escenario ruinoso. Por ejemplo, el castillo de Floors, en el sur de Escocia, en plenos Borders, con unas vistas fantásticas a los montes Cheviot. Es todavía el hogar de los duques de Roxburgh. Un caso similar es el castillo de Kelburn, en el centro del país.

Hogar del clan Boyle desde el siglo XIII, su peculiaridad reside en el toque de color con el que ha recibido los nuevos tiempos. Y es que su edificio principal presenta un mural de lo más colorido que se distancia por completo de esas formas solemnes que asociamos tradicionalmente a las construcciones de este tipo. Es una preciosidad, y confirma que en Escocia, cuando se trata de castillos, no hay una única manera de hacer las cosas.

Puede decirse, en cualquier caso, que todos tienen algo en común. No hay castillo escocés sin su historia. No hay castillo escocés que no esté relacionado con algún acontecimiento ocurrido siglos atrás que todavía pueda sentirse en el momento presente.

Escocia, tierra de leyendas, de magia y de creencias ancestrales. Tal vez no tenga un efecto en la vida diaria de sus habitantes, pero puede sentirse en prácticamente cada rincón que se recorra. Así que cuando uno se planta frente a la fachada de una construcción imponente debe preguntarse algo: qué sucedió entre esas paredes. Qué sucedió en sus jardines, en los bosques que lo rodean, en ese lago de aguas tranquilas que se adivina a lo lejos. Si se tiene oportunidad, hay que adentrarse en su historia.

Aunque las formas de estos edificios, en ruinas o no, son suficientes para transportar a cualquiera que tenga un mínimo de inquietud a otra época, es la historia de esa época anterior la que terminará de fascinar. Con magia o sin ella, estos castillos han sido testigos del paso de los siglos en un país que vivió la expulsión de sus habitantes, invasiones repetidas, imposiciones, la pérdida de su cultura y, al final, la recuperación parcial de ésta. Estos castillos han sido testigos silenciosos, pero, por fortuna, hay quien puede hablar por ellos. No perdáis nunca la oportunidad de escuchar a quien tenga algo que contar de esta tierra.

Como cualquier recorrido por ésta, os sorprenderá.

Castillo de Dunnottar. En el noreste de Escocia, las ruinas del castillo de Dunnottar se asoman de manera imposible a un acantilado, creando una postal sencillamente inigualable, insuperable. De visita obligada.

Castillo de Dunrobin. El castillo de mayor tamaño de las Tierras Altas, su origen se remonta al siglo XIV y constituye un ejemplo de arquitectura único en el país. No esperas encontrar algo así en Escocia.

Castillo de Dunvegan. También es obligada la visita a la bellísima isla de Skye, donde espera el castillo habitado más antiguo de Escocia, asociado eternamente al clan MacLeod. Es un lugar único en el mundo.

Castillo de Edimburgo’. El castillo de la capital de Escocia merece la fama que tiene. Por importancia, por historia y por belleza. Vigila ciudad desde las alturas, imponente y eterno como la tierra que custodia.

Castillo de Eilean Donan. Una de las imágenes más reconocibles de Escocia. Cuesta creer que sea real, pero es real. Este castillo ofrece un paisaje de ensueño que puede resumir a la perfección lo que es este país.

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LIFESTYLE

e l b a d u l sa

N A K E D A N D S AT E D : FA S T F O O D

por PALOMA ESCUDERO / fotografías ©Inés Garp

Naked and Sated no es un restaurante cualquiera. Literalmente significa desnudo y satisfecho y se está convirtiendo en la revolución de la comida saludable. Desnudo porque todos los productos son naturales y saciado porque de aquí seguro que no te irás con hambre. Un sitio que ha reinventado la cocina tradicional para ofrecer en su menú platos fast foos pero de lo más saludable. El chef ejecutivo y el encargado de idear todos los deliciosos platos es Roberto Bosquet. Para él, el lema de Naked and Sated es poder comer sin remordimientos.

En Naked and Sated lo que quieren es poner en nuestro plato alimentos frescos, de temporada, llenos de sabor y texturas. De esta forman nos ayudarán a cuidarnos casi sin que nos demos cuenta.

Aquí podrás comer de forma saludable platos ricos, sabrosos y rápidos. ¿Qué más quieres? Los métodos de cocción que utilizan en Naked and Sated son los más saludables posibles. Asimismo los alimentos son de gran calidad y gracias a ellos pueden elaborar buenísimos platos.

Es un restaurante en el que los ingredientes están sin procesar para que sus platos no lleven productos industriales, ni harinas refinadas o azúcares añadidos. Así podrás ir a cenar o comer fuera sin tener que pensar demasiado en lo que estás comiendo. Una forma divertida y muy fácil de cuidarse aunque estés fuera de casa. Por el momento Naked and Sated cuenta con dos locales en Madrid: uno en la Calle Serrano y otro en Estébanez Calderón. Aunque ahora también puedes recoger tu comida y disfrutarla en casa.

El Chef Bosquet tuvo tanto éxito con sus recetas en Instagram que decidió montar este restaurante que apenas lleva dos años en la capital. Para ello, contó con Ibai Gómez, Marcos Llorente y Marino Cid como socios. Poco a poco el restaurante se ha ido convirtiendo en un local muy popular al que nadie puede resistirse.

Aquí encontrarás platos para todos los gustos e incluso opciones infantiles para los más pequeños.

Otra de las cosas que destacan de Naked and Sated son sus precios. Hay veces que tenemos que pagar demasiado si queremos ir a un restaurante que ofrezca comida de más calidad y que sea saludable. Pero este no es el caso de Naked and Sated. En la carta encontramos todo tipo de precios pero bastante asequibles para cualquier bolsillo. Así no tendrás que resistirte a ir a probar su variado y original menú con opciones para todos los gustos, aler-

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gias, intolerancias y necesidades.

En su carta encontrarás desde pizzas, hasta hamburguesas, gofres salados, ensaladas o entrantes para compartir. Las ensaladas con atún frescos, tomates de la huerta, garbanzos y todo tipo de ingredientes deliciosos y recién elaborados. Por su parte, las pizzas están elaboradas con base de quinoa y los toppings son muy sabrosos: de 5 quesos, boloñesa, de pollo mechado o de huevos rotos. Los gofres aquí son como nunca antes los habías probado ya que están hechos de tortilla de patata. Una forma diferente y original de degustar este plato típico de nuestra gastronomía.

Además, en su menú encontramos también las típicas galettes al estilo francés o tostas variadas con aguacate, huevo o salmón por encima. También podrás compartir huevos rotos saludables, tacos o hummus de diferentes sabores. Por si fuera poco, los postres son las estrellas de su carta. No podrás irte sin probar alguno de los muchos que ofrecen. Los reyes de la corona son sin ninguna duda los dónuts, pero cualquiera de las opciones será una buena idea.

Barritas, carrot cheescake, pudding de chia, entre otros muchos.

En Naked and Sated comer bien, comer sano, comer delicioso y comer tratando de cuidar el medio ambiente es posible. Por otra parte, el Chef Bosquet no deja de pensar, innovar e idear nuevos platos que ofrecer en su restaurante. Siempre está tratando de mejorar y elaborar nuevas recetas que todos puedan degustar en Naked and Sated. La cocina ha pasado de ser un simple hobby a su vida entera. Roberto Bosquet dedica todas las horas de su día a este proyecto para que Naked and Sated siga creciendo y evolucionando.

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LIFESTYLE

MARAVILLAS AL ALCANCE DE TUS OJOS

no estoy hablando de esos lugares que no conoces, que tienes cerca y que son una maravilla, aunque también podría hacerlo. pero no. es algo más. por judith torquemada

/ fotografías ©Unsplash

Todavía intentando innovar en esto de los viajes en tiempos de pandemia. Porque hay quien no puede dejar de viajar, de descubrir ni de aprender, porque eso significa vida, pero simplemente no puede hacerse. No debe hacerse. Al menos, no debe hacerse como la experiencia conocida hasta el momento. Así, los últimos meses han transcurrido entre recomendaciones de productos culturales que cumplen, de algún modo, con

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esta necesidad, y herramientas como la última compartida. Esa funcionalidad de los grandes museos del mundo que te permite descubrir sus salas, pasillos y obras de manera virtual.

Para esta nueva propuesta, el dispositivo móvil vuelve a ser obligatorio. Aunque cada vez se siente más cerca el momento de subir a un avión y despegar de verdad, sigue siendo fundamental que, como humanidad, nos

quedemos tan cerca de nuestro lugar de vivienda como sea posible. Así que lo cumplimos, nos quedamos cerca, pero buscamos formas de viajar lejos. En esta ocasión: la herramienta de Street View.

Hace tiempo que Google la integró en su completa aplicación de mapas del mundo, pero en las últimas semanas ha incorporado una opción que hace aún más atractiva esta manera de

Y SI ADEMÁS QUIERES JUGAR...

conocer los lugares. Se trata de una pantalla dividida.

Mientras que en la parte superior puedes disfrutar de todas las imágenes incluidas con Street View, la parte inferior está dedicada al mapa más tradicional, con todas sus ventajas. De esta manera, no hace falta salirse de Street View para escoger una nueva calle que explorar, como sucedía antes. Todo es mucho más compacto y sencillo.

Por si todo esto le sonara extraño a alguien: Street View es una herramienta de Google que permite disponer de millones de imágenes panorámicas de lugares de más de 130 países del mundo. Esto significa que puedes darte un paseo por ese pequeño pueblo inglés que siempre quisiste disfrutar o aterrizar en apenas unos segundos en un parque natural chileno que tan lejos parece quedar.

Y avanzar, recorrer sus calles, retroceder y formar caminos.

en Perú. Imágenes nítidas, concretas y repletas de pequeños detalles. No constituye una experiencia de viaje completa, porque nada excepto, en fin, viajar, lo hace, pero sí permite formarse una imagen de esos lugares que hasta ese momento sólo son una idea.

Puede que haya que esperar todavía un poco para tener estas maravillas al alcance de nuestras manos, pero de momento podemos disfrutar de ellas con los ojos. De esta manera tan del siglo XXI. Sigamos cuidándonos y haciendo las cosas bien, y pronto volveremos a dejar los móviles de lado (o no, quizá los necesitemos para capturar ese atardecer en esa carretera chilena).

Peligro: esta aplicación puede provocar altos niveles de adicción.

GeoGuessr es otro buen acompañante para quien necesite seguir viajando, porque invita a conocer los lugares del mundo de otra manera: adivinando su ubicación. Involucrándose de verdad con las imágenes, con lo que muestran, lo que inspiran y los elementos que las conforman.

Esta aplicación muestra imágenes aleatorias de cualquier parte del planeta para que el jugador adivine, a través de pequeños detalles o de sensaciones, qué lugar es ese. Todo un reto que además cumple con uno de nuestros deseos: aprendes. Aprendes sobre el mundo. Para cuando puedas volver a explorarlo.

Street View es bastante interactiva. Todavía no permite aprehender todos los lugares del planeta, pero sí ofrece imágenes sorprendentes, espectaculares, de lugares sorprendentes y espectaculares como Machu Picchu,

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