MEW Magazine - MARZO 2022 - Paul Alone

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Magazine MADRID · BARCELONA (ESPAÑA) mewmagazine@mewmagazine.es www.mewmagazine.es P. GUERGUÉ DIRECTORA mewmagazine@mewmagazine.es DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA & DISEÑO Ana Márkez amarkez@mewmagazine.es MODA Y CREATIVIDAD Yurena Guerra

COMUNICACIÓN & MARKETING Itziar Monge imonge@mewmagazine.es PUBLICIDAD & SPONSOR Javier Amaro jamaro@mewmagazine.es

Redacción: Rosa Suria / Judith Torquemada / Paloma Escudero / Álex Delgado / María Rodríguez / María P. Pinto / Mikel Montero / M. Valverde / María Fernández

AGRADECIMIENTOS Reacting Talent / Cram Talent / Kuranda Management / Levi Comunicación / Getin / Warner Music Movistar + / Netflix / AtresMedia / Amazon Prime Video / MediaPRO / Starplayz / HBO Sloggi / Berhska / Victoria / Dr. Martens / COS / Scoota / Polo Club / Calvin Klein / Converse Decathlon /Polo Ralph Lauren / Hogan / Susmie’s Collection / Zer Era / Area XXL Comunicación TTarragó / Fabra Comunicación

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Carta de la directora Parece que el mundo haya tomado la decisión de no darnos un solo respiro. Quizá hasta que seamos conscientes, al cien por cien, que lo único que nos puede salvar es el amor. El amor propio y el amor hacia los demás. Que debemos gestionar todo desde la mayor de las empatias y con un buen puñado de honestidad. Un cóctel que muy pocas veces ha dado error.

Porque si nos perdemos en el egoísmo, en la envidia, en los sinsentidos, convertimos el mundo en un lugar inviable, insostenible y cargado de mierda.

Nada es mejor ni se convierte en mejor desde la ira o desde la rabia. Abrazar siempre ha sido mucho mejor que dar la espalda. Aunque a veces nos quieran cambiar las normas.

La realidad es que ninguno de nosotros nacemos cargados de odio y quizá, a ratos, sería bueno volver a nuestra esencia...a la inocencia que teníamos y a esas ganas enormes de querer, pero de querer bonito.

Cuando todo está perdido, cuando todo se convierte en caos lo único que nos rescata del abismo es el amor.

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36 · Paul Alone

Vuelta a los directos.

16 · Opinión

La mejor época del año.

22 · Moda

Los chalecos, ¿cuál es el origen?.

28 · Mara Silma

Lágrimas de acero.

34 · Flower Race Causando furor.

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70 · Amaia Aberasturi Acariciando la locura.

50 · Mass

Produnda y desgarradora.

98 · Erik Hayser

Abrazando los retos.

108 · Antonio De la Torre El actor de verdad.

112 · Fela Domínguez

Confianza, disciplina y amor.

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Columna de opinión

LAS APARIENCIAS ANTE TODO por P. GUERGUÉ

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i de toda la vida las apariencias han resultado ser el motor de muchas vidas, las redes sociales han incrementado dicha necesidad. Mucho más dentro del mundo del entretenimiento. Hay una necesidad imperiosa de remarcar lo que no se es, para captar a un público que se deja cegar por luces de neón. Las ficciones basan sus lanzamientos en nombres cargados de seguidores, en supuestos miles de ‘Me gusta’ y en un TT instantáneo, aunque solo sea para unos segundos en pantalla. Lo importante es tenerlo en créditos, aunque luego su personaje dure un suspiro o resulte tan absurdo como innecesario. Y no pasaría nada si esta acción absurda no repercutiese en nadie más. El hecho es que por un lado se miente al espectador que termina enfadado, ya sea por la escasa participación o porque el invitado/invitada estrella no tiene ganas ni motivación para hacer una buena interpretación y, por otro lado, hay actores y actrices que se ven relegados y apartados, aunque su personaje sí tenga un arco, un viaje y una trama de altura.

Día a día, como medio de comunicación, recibimos notas de prensa de nuevas producciones o lanzamientos donde el nombre estrella aparece en las primeras líneas de presentación y los profesionales de la interpretación no tienen cabida.

Lo que posteriormente ocurre es que cuando llegan los visionados para prensa descubres que el marketing se les ha ido

de las manos y que hay actores y actrices que se llevan la historia de calle, aunque no recuerden sus nombres para crear dichas notas de prensa ni para ofrecerte la opción de entrevistarlos. Son protagonistas fantasmas, aquellos que, de momento, gracias, no han sacado un presupuesto extenso para la compra sistemática de seguidores, ‘likes’, comentarios y demás prendas.

Ojalá diésemos un giro de 180º a este sin sentido. Ojalá entendamos de una vez que, si la historia es buena, tendrá público. Y que, si la historia es mala, da igual quién esté en cartel, tendrá su ‘tirón’ el primer fin de semana y luego la ficción será olvidada y enterrada. ¿No es mejor arriesgar y conseguir permanecer en la eternidad? ¿No es mejor apostar en serio por esos ‘fantasmas’ que se terminan comiendo la pantalla?

Las apariencias nunca son la solución.

Siempre terminan perdiendo en la batalla. Y lo que es peor de todo es que el público termina entreteniéndose en otro lugar, en otra plataforma, en otras propuestas. Dejad de subestimar al consumidor de ficción porque sabe distinguir perfectamente entre lo que tiene o no fecha de caducidad. Y a la prensa… dadnos la verdad porque también os podemos sorprender mostrando que lo que nos importa es contar una buena historia.

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Columna de opinión

LA MEJOR ÉPOCA DEL AÑO por JUDITH TORQUEMADA

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a temporada de premios generalistas de cine ha sido siempre y seguramente siempre será mi época favorita del año. La barrunto desde antes de los Globos de Oro, pero es con estos con los que me vengo arriba. Los Goya son mi noche, esa que es sagrada. Este será el quinto año que me acerque a Londres a disfrutar de los BAFTA. Y de los Oscars qué voy a contar: mi amor y mi condena. Ni un año sin enfadarme, ni un año sin disfrutarlos.

Es esta, con todo, la mejor época del año. No tiene ningún sentido que una década después siga peleándome con la Academia de Cine de Estados Unidos porque no le dan el premio gordo a Benedict Cumberbatch (seguramente este año tampoco se lo lleve), pero todavía de vez en cuando les mando un tuit, en castellano, recordándoles su mal gusto. Cuando es Olivia Colman la que se lo lleva, ahí les doy las gracias. Y es que me sale la fanática que llevo dentro, que en la mayoría de los momentos ha dado ya paso a la profesional, como en ningún otro momento.

Si este año Lin-Manuel Miranda se lleva su primer Oscar y se una a esa lista de los Ganadores EGOT (Emmy, Grammy, Oscar y Tony, amén) me van a escuchar gritar en Puerto Rico.

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No les voy a perdonar, pese a ello, que Andrew Garfield no tenga siquiera opción de llevárselo, que es quien debería hacerlo (perdón, Benedict, siempre tuya). Si es Penélope Cruz quien da la sorpresa, y no lo descarto, también se me escuchará gritar. No entiendo muy bien qué les ha llevado a nominar a Javier Bardem, pero en esta casa se ama fuerte a Bardem, así que ahí estamos apoyando. Tampoco entiendo la ausencia de ‘El último duelo’, buenísima película. Aún más buena cuando recuerdo que la dirigió Ridley Scott a sus más de 80 años.

Esa clase de película. Tampoco se va a comer un rosco ‘Tick Tick... Boom!’, que es la que me llevo en el corazón, pero supongo que simplemente Lin-Manuel no puede llevárselo todo. Tiene que dejar algo para el resto.

La que espero que no deje nada para el resto es ‘El poder del perro’. Que se lo lleve Benedict. ¿O era Andrew?

Pensamientos de temporada de premios. Calibro posibilidades, discuto y anticipo fotografías de los ganadores, con ese Oscar en la mano que mi yo más lógico sabe que no sirve de mucho y que cada vez tiene menos valor. Lo sé y no me importa.

No todo es la lógica.

Feliz temporada y que gane el mejor (Olivia, Benedict, Lin-Manuel, etc.).

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MODA

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LOOKS PARA EMPEZAR LA PRIMAVERA

18 MARZO MARZO2022 2022· ·MW MW

por YURENA GUERRA / fotografías IG

este mes comienza una nueva época del año

y tenemos que celebrarlo por todo lo alto.

los días comenzarán a ser más largos, habrá más horas de luz y mejor tiempo, además de

que las tiendas se empezarán a llenar de colores para dar la bienvenida a la primavera

por todo lo alto. aquí os dejamos algunos conjuntos para inspiraros y que empecéis marzo con energía.

LOOK 1

Maria Pombo probablemente sea una de las influencias que más colorido tiene el armario. Se atreve con rosa, rojo, azul o incluso amarillo, como en este caso. Por mucho que se diga que este color da mala suerte a la hora de vestir, lo cierto es que está en tendencia esta temporada y no puede gustarnos más. Un conjunto vaquero de la tienda Mango que combina a la perfección con un bolso negro, camiseta básica blanca y, o bien unas deportivas blancas, o unas botas cowboy o militares, y conjunto hecho para arrasar.

LOOK 2

Otra de las tendencias que siguen estando en auge esta temporada son los petos vaqueros o los monos. Después de estar agotadísimo el que subió María Pombo hace meses a las redes de manga corta y cremallera frontal acampanado de Mango, Veronica de Moda Just Cocó nos propone un peto mucho más suelto y cómodo, que podemos encontrar en Zara, conjuntado de manera ideal con un jesey blanco, una gabardina en tono camal y unos mocasines que están también muy en tendencia.

LOOK 3

Si hay algo que ya sabíamos era que los chalecos cada vez se estaban llevando más y más. Empezamos con los chalecos cortos y de polipiel, mayoritariamente simulando un plumífero, después vinieron en versión larga, y ahora volvemos a mitad de los 2000 porque vuelven los chalecos vaqueros y lo hacen para quedarse. Personalmente es una de las modas que más gana tenía de que volviera, así que no podéis perder la oportunidad de conseguir uno como el que nos propone Rocío Camacho. Después de verlos en Lefties, Zara y Bershka, podemos decir que han llegado para quedarse por mucho tiempo. Rocío lo combina con unas botas Cowboy, del mismo estilo que el chaleco, con unos Jeans Skinny y un jersey camal básico.

Ideal.

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LOOK 4

Rocío Osorno es una de nuestras fijas en esta sección. Es increíble cómo puede jugar con todos los estilo y superposiciones posibles y que todo sea de inspiración para el resto. Es verdad que lleva varias fotos en las que no se separa de ls gorra y es que es verdad que ahora que empieza el buen tiempo y el solecito, vuelven al panorama actual. La sevillana conjunta su gorra negra con un chaleco negro, un jersey blanco con una camisa asomando, unos pantalones verdes Wide Leg estilo traje y una deportivas Chunky que también siguen siendo tendencia después de años. Los pantalones y el jersey se pueden encontrar, si no esos unos muy parecidos, tanto en Bershka como en Zara.

LOOK 5

Mery Nuriel es otra de nuestras fijas, otra de nuestras referentes. Como siempre, nos está sirviendo de inspiración para crear muchísimos looks de todos los estilos, y podéis ir a su Instagram (@Meryturiel) y ver la cantidad de vídeos que está creando con las tendencias del momento. Aún así, hemos seleccionado un look que no va a hacerte pasar desapercibido. Los colores flúor vienen pisando muy fuerte y es por eso por lo que ella ha escogido este de color naranja vibrante y precioso para salir de noche, eso sí, sin perder ni el glamour ni la comodidad. Combinado con unas botas Dr.Marteens y unas medias con motivos divertidos de Calzedonia, está lista para comerse el mundo pero siempre desde el lado cómodo y divertido de la vida. ¡Nos encanta!

LOOK 6

María Fernández-Rubíes es una influencia muy conocida en España y que nos está empezando a encantar. Siempre con una sonrisa en la cara y con una energía desbordante que se refleja en su ropa, nos parece ideal y a la par que elegante. Para un sábado nos parece ideal la manera que ha tenido de mezclar tejidos y tendencias. Como bien hemos dicho más arriba, los colores flúor son algo que está en auge, sí nos fijamos en todas las semanas de la moda, y también los estampados de animal. Es por esto por lo que ella ha decidido mezclar ambas tendencias combinando unos pantalones Palazzo de color verde flúor a juego con sus salones del mismo color, y una americana ancha, fluida y con hombreras de cebra y satinada. Nos encanta y nos parece una combinación arriesgada pero ganadora.

LOOK 7

Y el último look viene de la mano de nuestra italiana favorita, Chiara Ferragni, como no podía ser de otra manera. Ella lleva un total look de Versace, por lo que no está al alcance de todos, pero aquí estamos para intentar encontrar clones. Tanto en Lefties como en Pull&Bear y Zara han sacado conjuntos de tela vaquera ideales, además de tener esas medias de rejilla en Calzedonia. El punto importante son los tacones con plataforma que se han hecho tan virales de la marca italiana y que si antes solo se podían encontrar clones en ASOS, ahora también Amancio ha hecho de las suyas y empiezan a venir en distintas versiones a Zara. ¡Genial!

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MODA

LOS CHALECOS, ¿CUÁL ES EL ORIGEN DE ESTA PRENDA TAN VERSÁTIL? Como siempre que algo empieza a ser tendencia, nos preguntamos el por qué y la procedencia de la prenda de ropa en cuestión. Con los chalecos suele suceder ya que han pasado de ser una prenda masculina y utilizada en los trajes completos, a ser algo versátil, para todos los géneros y que se usa, incluso, de abrigo. ¿Quieres conocer más? por YURENA GUERRA / fotografías ©Instagram

A principios de los 2000 comenzaron a ponerse de moda los chalecos vaqueros cortos gracias a las cantantes pop que los popularizaron como fue el caso de Britney Spears o Christina Aguilera, aunque el cine y la televisión también ayudaron mucho a que esta prenda se vitalizara, ya que películas como ‘El Bar Coyote’ los mezclaba con la estética cowboy los hacía mucho más atractivo. Desde entonces, no habían vuelto a aparecer y parecía que ya los habíamos enterrado para siempre, pero en el año 2020 comenzaron a ponerse de moda otra vez los que eran de polipiel y largos.

Hoy, en 2022 podemos decir que estaba tardando en volver el estilo vaquero pero que al final todo llega. Aún así, mucha gente se pregunta de donde salió esta prenda, ya que es prácticamente imposible que se haya inventado a principios de este siglo, al fin y al cabo la moda es cíclica y después de años y años y años de historia y de registros, es muy difícil encontrar una prenda que no haya sido vista nunca antes. Por este motivo, hemos estado investigando y esto es lo que hemos encontrado sobre la historia de los chalecos.

Esta prenda se utilizaba principalmente para alargar y marcar la figura masculina, ya que potencia los hombros al no tener mangas, los botones centrales que tenían los chalecos de época ayudaban a tonificar el abdomen y además al ser cortos poten-

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ciaban y aumentaban el volumen de las caderas y el inicio de las piernas, haciéndolas ver también largas y tonificadas. Comenzó a verse más a menudo durante el reinado de Carlos II de Inglaterra el cual lo añadió a su vestimenta. Si que es cierto que era bastante largo pero poco a poco se fue acortando hasta que se quedó por encima de la cadera. Era la prenda que le daba algo de color y elegancia a los trajes de la época, ya que por norma general era la prende que cargaba con el peso de los colores, los bordados y las telas más lujosas, quizá porque era la prenda de todo el conjunto que menos tela necesitaba. Al principio, los chalecos tuvieron bastante escote, pero poco a poco, y según fue avanzando la historia y las figuras masculinas pasaban a tener otros cánones de aceptación, el escote fue subiendo y los botones inferiores fueron siendo o bien desabrochados o bien eliminados para así crear una cintura más grande.

Fue una prenda exclusiva de los hombres durante siglos, en todas sus variantes, y no fue hasta el siglo XX cuando las mujeres comenzaron también a utilizarlos. Al principio era como el accesorio masculino, solamente se usaba con trajes, tanto en hombres y mujeres. El chaleco, la americana y el pantalón o falda de traje eran siempre del mismo color y se combinaba con una camisa y unos zapatos de salón ideales para la ocasión. Pero no fue hasta los años

70 cuando las mujeres decidieron reivindicar su derecho de poder llevar las mismas prendas que llevan los hombre pero con un estilo propio y elaborado.

Todo el movimiento feminista, el cambio de mentalidad y una apertura del mundo y de la mente de las personas hizo posible que las mujeres consiguieran eliminar los estereotipos y sacar adelante con valentía y estilo una prenda de ropa que solo estaba reservada para ellos.

Gracias a muchas personalidades de finales del siglo XX como, por ejemplo, Lady Di, esta prenda se hizo muy popular y no solamente se usaba en trajes, si no que comenzamos a usarla en nuestro día a día y con combinaciones imposibles. Atrás quedaron los días en los que solamente se usaba como un complemento encima de una camisa. Hoy en día, no solamente se utiliza como prenda “interior” si no que también tenemos los que hacen las veces de abrigo.

Ha pasado a ser una prenda casi imprescindible en cualquier armario, tanto masculino como femenino, además de ser muy cómoda, versátil y elegante. ¿ Y tú?, ¿Con qué versión te quedas?

IG ©Madame de Rosa

IG ©María Pombo

IG ©Rocio Osorno

IG ©Esti Prieto

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MÚSICA

Así viene el nuevo álbum de Alex the Astronaut Incluirá los single ‘Growing Up’, ‘Airport’ y el nuevo, ‘Octopus’, que viene acompañado de un cálido vídeo animado que captura un viaje de autodescubrimiento que refleja el reciente diagnóstico de trastorno del espectro autista de Alex the Astronaut. por MARÍA FERNÁNDEZ / fotografía © Giulia McGauran (derecha) / Jamie Heath (izquierda)

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de ‘Octopus’ cuenta esta historia a través de un pulpo que navega por los altibajos del instituto.

Alex the Astronaut anuncia su segundo álbum, How to Grow A Sunflower Underwater, que saldrá a la venta el 22 de julio de 2022 a través de Nettwerk. La continuación de su alabado álbum de debut de 2020, The Theory Of Absolutely Nothing, es una exploración íntima del crecimiento postraumático, y un cuerpo de trabajo que afirma a Alex como una compositora verdaderamente esencial, capaz de transformar la forma en que nos vemos a nosotros mismos y al mundo que nos rodea. Incluye los sencillos ‘Growing Up’, ‘Airport’ y el nuevo sencillo, ‘Octopus’, que viene acompañado de un cálido vídeo animado que captura un viaje de autodescubrimiento que refleja el reciente diagnóstico de trastorno del espectro autista de Alex the Astronaut. La cantante, compositora y narradora también está confirmada para actuar en el SXSW 2022.

‘Octopus’, un glorioso himno, se abre con un estallido de efectos de burbuja que pretenden imitar la sensación auditiva de las expediciones de buceo de Alex, una actividad que emprendió durante los confinamientos de Sydney. Capturando su característica habilidad para fusionar lo lúdico con lo profundo, ‘Octopus’ se duplica para explorar un cambio sorprendente en la percepción de sí misma provocado por el reciente diagnóstico de trastorno del espectro autista (TEA) de Alex (“Creo que a veces soy como un pulpo / me esfuerzo por pasar desapercibida”). Dirigido y animado por Bianca Bosso y Sam Murphy en Interns Creative, el vídeo

“La familia de los pulpos puede llamarse pulpos, octopi u octópodos. A mí me gustan más los octópodos”, señala Alex. “Los octópodos pueden cambiar de color para mimetizarse con su entorno, volver a tener extremidades y decorar sus casas con conchas.

Son genios increíbles que viven entre nosotros. Al crecer aprendemos que solo las personas que muestran una serie de habilidades pueden ser llamadas inteligentes o valiosas para la sociedad.

Cuando me diagnosticaron TEA el año pasado me preocupaba que la gente me mirara raro y pensara que no encajaba cuando se enterara, cosa que a veces ocurre, pero aprendí que todos tenemos un conjunto diferente de superpoderes, como nuestros amigos los octópodos.

Todos necesitamos un poco de ayuda de nuestros amigos a veces y todos tenemos un superpoder que podría ayudar al mundo a crecer. Si dejáramos de preocuparnos por lo que cada uno hace o deja de hacer, creo que todos seríamos más valientes, más curiosos y mucho más amables”.

How to Grow A Sunflower Underwater documenta tanto los momentos aparentemente mundanos (un corte de pelo, una sesión de terapia, un viaje a la playa y al supermercado) como los que cambian totalmente la vida (su experiencia como cuidadora y el TEPT que le siguió, su reciente diagnóstico de TEA) impregnando sus canciones con conciencia y sensibilidad, imaginación y humor idiosincrásico a partes iguales. Reforzando la elegante capacidad de Alex the Astronaut para fusionar lo lúdico con lo profundo, How to Grow A Sunflower Underwater se adentra en nuevas vulnerabilidades de Alex al documentar las complejidades de la vida, su fuerza como compositora magnificada por su sentido de la empatía y la adopción de un nuevo nivel de transparencia emocional.

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ENTREVISTA

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Lágrimas de acero

fotografía MARA SAIZ texto y entrevista P. GUERGUÉ

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ENTREVISTA

“

‘Lágrimas de acero’ es un tema muy especial porque habla de la superación a todos los niveles (no solo en el amor)”, así describe Mara Silma su último lanzamiento y que ya puedes disfrutar. Un tema que habla de lo importante que es tomar conciencia de nuestro propio valor. De abrazarnos. De querernos. Lo analizamos junto a ella y además damos una vuelta por todo ese mundo que es la música, lo que esconde y lo que no. · · ·

MEW Magazine (MW): ¿Qué parte de ti que desconocías saca a relucir la música?

Mara Silma: Quizás la parte más personal es mi lado sensible. En general no suelo hablar de mis penas/sufrimiento y me cuesta sacar esa faceta de cara a los demás y con la música acabo sacando esa parte de mi en mis composiciones y cuando canto en directo y, al final, compartiendo algo que para mi es súper íntimo con personas que en algunos casos ni conozco.

MW: ‘Lagrimas de acero’ es tu último single, ¿que has encontrado tú a nivel personal y profesional dentro de esta canción para querer compartirla?

Mara Silma: ‘Lágrimas de acero’ es un tema muy especial porque habla de la superación a todos los niveles (no solo en el amor). Aunque la historia que cuento en la canción es la de dos personas que parece que están sufriendo una ruptura, en realidad el tema lo compuse por algo más profundo. Es ese momento en el que te das el valor a ti mism@ que mereces y decides romper con todo y todos los que no te valoren o te traten con menos respeto del que te das tú a ti mism@. De ahí la frase de “ya no soy la misma” que se repite a lo largo de toda la canción.

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“Mi parte favorita es cuando compongo la melodía y letra sola en mi casa” MW: ¿En qué parte de todo el proceso de creación y producción de un tema disfrutas más?

Mara Silma: Mi parte favorita es cuando compongo la melodía y letra sola en mi casa. Para mi es un proceso muy especial en el que tengo que buscar sentimientos y emociones dentro de mí, a veces incluso dentro de lugares que no me gusta visitar a nivel emocional. Al final es mi forma de conocerme porque salen cosas que a veces no me espero a nivel musical.

tocar, pero que sí utilizaba para componer y en este caso, junté varias ideas que surgieron. Por una parte, me vino a la mente una historia que estaba viviendo una amiga mía y por otra una historia que estaba viviendo yo. Así surgió la letra de Lágrimas de Acero. La melodía salió a la vez y eso ya fue más improvisado.

La producción siempre es más divertida porque el sentimiento ya está fuera y nos centramos en jugar con los instrumentos entre todos los de la banda.

MW: ¿Y su producción?

Mara Silma: La producción de lágrimas de acero fue bastante fácil porque yo quería respetar mucho la canción original a guitarra y voz, por lo que nos centramos en meter detalles que ayudaran a hacer que el tema cogiera forma y caminara, pero siempre respetando la original.

MW: ¿Cómo recuerdas la composición de ‘Lágrimas de acero’?

Mara Silma: Compuse lágrimas de acero hace unos 3 años en mi cuarto. Me acababan de regalar un teclado que no sabía

MW: Cuando llega el momento de publicar un nuevo tema, ¿es inevitable el vértigo?

Mara Silma: Cuando publico un tema nuevo siempre siento un poquito de

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ENTREVISTA

" DE LA M Ú S I CA HE APR E N DI DO Q U E CO N ESFUE R ZO, P ERS EV ERANC IA Y RODEÁN DO T E DE PE R SO N AS Q U E T E APOR TE N Y Q U I ERAN , LAS C OSAS V AN S AL I E N DO " vértigo, pero quizás es un vértigo parecido al del día anterior a un concierto. Una sensación de nervios mezclados con ilusión. Creo que es algo valiente el exponerse a las críticas (buenas y menos buenas) de cualquiera que pueda escuchar tu canción una vez que está fuera, pero la ilusión de haber sacado algo después de un largo proceso de creación y producción siempre gana a ese vértigo.

MW: ¿Qué parte de ti crees que muestras dentro de ‘Lágrimas de acero’?

Mara Silma: Creo que lágrimas de acero muestra mi lado más fuerte y la capacidad de superación…superación para dejar atrás todo lo que no me ayuda a crecer, que me bloquea o no me hacen bien.

MW: ¿La música es un camino lleno de paciencia?

Mara Silma: Pienso que la música es un camino de perseverancia y mucho esfuerzo.

Para mí la paciencia es sinónimo de “espera” y cuando tienes un proyecto, esperar pacientemente no suele llevar a ninguna parte, o al menos esa es mi experiencia. La música es un camino de “sudor y lágrimas”, una montaña rusa de sentimientos en el que la perseverancia te ayuda a seguir a pesar de los bajones y el estrés de sacar un proyecto con tus propios medios.

MW: En la música, ¿hay que dejarse llevar? ¿Experimentar? ¿No ponerse límites?

Mara Silma: A la hora de componer y producir creo que sí es importante dejarse llevar y experimentar, o al menos así lo hago

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yo. Para mi es la clave, el no saber que va a salir de un tema y que me salga directamente de una emoción o un sentimiento que tengo.

Cuando he compuesto para alguna banda con un tema de composición “obligado” me sale la canción, pero creo que al no llevar ese sentimiento no se siente igual al cantarla y al escucharla.

MW: ¿A qué recuerdo de infancia le debes una canción?

Mara Silma: Tengo una canción a medias hablando de mi infancia ya que fue una infancia muy especial y divertida. Mis amig@s de toda la vida lo son prácticamente desde que nací, y me encantaría dedicarles a ellos, a mi hermana y a las personas que nos vieron crecer ( nuestros padres, abuelos, el que nos vendía pipas en el kiosko, etc…) una canción que en algún momento espero terminar.

MW: A nivel creativo, ¿hay alguna emoción que te bloquee?

Mara Silma: Sí. Cuando he vivido alguna situación más dramática o que me ha hecho sufrir, me cuesta mucho entrar en esa parte y usarla para componer hasta que va pasando el tiempo.

MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace?

Mara Silma: La música me da paz. Para mí es mi vía de escape, mi sitio para desconectar de todo. Además, el sentimiento de emprender un proyecto personal como es “MARA SILMA” me ayuda a crecer en todos los aspectos y a valorar el trabajo y esfuerzo que conlleva sacar un proyecto adelante.

De la música he aprendido que con esfuerzo, perseverancia y rodeándote de personas que te aporten y quieran, las cosas van saliendo y que lo más importante es disfrutar del camino hacia lo que pueda o no pueda llegar a pasar, en vez de vivir la experiencia con penas y agobios esperando que llegue ese momento en el que todo cambie.

···

Saca tu agenda y anota que puedes ver a Mara Silma en directo el próximo 21 de abril en Moby Dick Club. ¡No te lo pierdas!

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MÚSICA

FLOWER FACE SIGUE CAUSANDO FUROR CON CADA NUEVO LANZAMIENTO LO VENÍAMOS VIENDO Y ES QUE LA DESGARRADORA BALADA DREAM-POP MUESTRA A LA ARTISTA EN SU MOMENTO MÁS VULNERABLE, ENFRENTÁNDOSE A SUS PROPIAS DEBILIDADES

por MARÍA FERNÁNDEZ / fotografías ©Ruby McKinnon La artista de Montreal Ruby McKinnon, alias Flower Face, ha causado sensación con su melancólica forma de componer canciones de estilo confesional y sus brillantes instrumentales de indie-rock. Hoy anuncia el pedido anticipado en vinilo de su nuevo disco The Shark In Your Water, además de desvelar el nuevo single “Pisces Moon”.

La desgarradora balada dream-pop muestra a la artista en su momento más vulnerable, enfrentándose a sus propias debilidades. En el vídeo musical que acompaña a la canción, se levanta el telón del escenario para mostrar a Ruby McKinnon sola bajo los focos. Poco a poco, una multitud de músicos se levanta del público para unirse a ella, tocando cada uno de los instrumentos, a medida que la canción crece con una grandiosidad sombría. Sin embargo, una persona permanece entre la multitud. Es un chico que mira con angustia antes de salir finalmente.

Ruby explica la canción diciendo: “Cuando escribí [Pisces Moon] tenía en mente a alguien en concreto, pero a medida que seguía trabajando en ella a través de los arreglos y las demostraciones y todo eso, me di cuenta de que en realidad se trata de mí misma y de mis propias debilidades y comportamientos. Cuando era más joven, al enamorarme por primera vez, me costaba mucho controlar esas partes de mí misma. En general, soy una persona voluntariosa y asertiva, pero habría hecho cualquier cosa para mantener a la persona que amaba conmigo. He sacrificado mucha dignidad y orgullo en mi desesperación por hacer que alguien se quede. Más adelante, he aprendido que eso nunca funciona, y por lo general puedo rechazar esos impulsos cuando empiezan a salir a la superficie. Pero ser vulnerable es aterrador, y la racionalidad no siempre

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está sobre la mesa. Hay que encontrar un equilibrio entre cuidar de uno mismo y ser fiel al corazón. No quiero volverme fría, pero tampoco quiero ser impotente.

La imagen del tren es un hilo conductor en todo el disco, pero es especialmente importante en esta canción: “Siempre corro detrás de ese tren, siempre corro detrás de ese chico / Después de que me deje en la estación otra vez, porque sé que está en su corazón ser bueno. Para mí, los trenes simbolizan el anhelo y la añoranza, y el quedarse congelado en el lugar mientras lo que más quieres en el mundo pasa volando a tu lado”.

Ruby McKinnon es una artista multifacética que crea música folk melancólica con un corazón de bedroom pop bajo el nombre de Flower Face. Inspirándose en sus propias experiencias vitales vertiginosas, junto con fuentes tan variadas como la serie de eventos desafortunados de Lemony Snicket, Jesucristo Superstar, la obra de Mads Mikkelsen y su perro Ziggy, los testimonios musicales de Flower Face recuerdan la emoción irregular de Bright Eyes al tiempo que conjuran el éxtasis etéreo de una herida fresca.

Con formación clásica de piano desde los 5 años, McKinnon comenzó a componer su propia música a los 14 años.

Animada por sus padres, obsesionados con la música, formó Flower Face al más puro estilo D.I.Y.: grabando su debut independiente, Fever Dreams, casi exclusivamente en la aplicación GarageBand de su padre. Repleto de himnos acústicos de desamor, el álbum no tardó en encontrar espacio en las listas de reproducción de las habitaciones junto a The National, Daughter, Big Thief y Mazzy Star.

En 2018, McKinnon amplió su sonido y se asoció con el productor y amigo de la familia desde hace mucho tiempo, Joshua Kaiser, para su segundo lanzamiento, Baby Teeth. Con una paleta sonora cada vez más evocadora y construcciones temáticas más profundas, el álbum abor-

da, entre otras cosas, la propia batalla de McKinnon contra el cáncer de ovario en fase tres a los 17 años.

Recordando su diagnóstico, McKinnon dice que fue su “roce con la parca”, lo que finalmente le hizo darse cuenta de que necesitaba seguir una carrera musical.

“Parecía que todo el mundo me conocía antes de que tuviera la oportunidad de

“ Ser vulnerable es aterrador, y la racionalidad no siempre está sobre la mesa.

Hay que encontrar un equilibrio entre cuidar de uno mismo y ser fiel al corazón ”

presentarme. Era la ‘chica del cáncer’ en la escuela, y esos detalles íntimos de mi vida se convirtieron en la base de las reuniones del personal y de las discusiones en clase y de las campañas de recaudación de fondos. En aquel momento estaba tan al margen que no me di cuenta de cómo podía afectarme ese aspecto. Pero una vez que dejé el instituto y empecé a conocer gente nueva, quedó claro hasta qué punto esa experiencia había dañado mi sentido de la intimidad y la dignidad. Sentí que era importante, incluso urgente, que contara mi propia historia”, recuerda. “A medida que mi alcance ha crecido, compartir mi historia en mis propios términos se ha convertido en algo muy poderoso. Y ha inspirado a otros a compartir sus historias conmigo a cambio”.

“En cierto modo, soy afortunada de haber recibido este nuevo sentido de propósito y de creer en mi capacidad para construir una vida que me guste”, añade.

“No quiero que esa parte de mi vida me defina, y no quiero ser la niña del cartel de nada, pero sin duda me impulsó hacia adelante y me dio tal profundidad de experiencia de la que sacar provecho cuando escribo”.

Fue este “sentido de propósito” lo que impulsó a McKinnon a dedicarse a la música con más seriedad, incluso utilizando su licenciatura en Bellas Artes, diseñando todo el material gráfico del álbum y conceptualizando sus vídeos musicales. Su espíritu de bricolaje resonó con los fans en Internet, ya que construyó un grupo de seguidores leales entusiasmados por seguirla en su viaje.

En 2022 Flower Face lanzará la esperada continuación de Baby Teeth: The Shark In Your Water.

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PA UL

ALO NE 36 MARZO 2022 · MW

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilista YURENA GUERRA / muah CORAL JUÁREZ

Paul Alone lleva unas últimas semanas cargadas de música, lanzamientos, novedades y música en directo. Si hace varias semanas estaba de vuelta con ‘Contéstame o mátame’, en un claro homenaje a la paciencia que tanto nos cuesta encontrar en algunos momentos, a la impaciencia, al desespero que sentimos cuando esperamos algo tan fuertemente que queremos morir en vida, el mes de marzo no quiere ser menos y ‘Menos mal que te conocí’ es su más reciente lanzamiento.

Paul tiene esa peculiar manera de componer, tan directo y sincero, tan animado y natural que es inevitable arrancarte una sonrisa al escucharlo cantar.

Un enamorado de la vida que nos atrapa de nuevo con su voz, su pasión y sus historias, tan reales como directas. La vida misma contada con esa gracia tan característica del navarro.

MEW Magazine (MW): Para todos aquellos que no nos dedicamos a tu oficio, ¿cómo es eso de trabajar en la música?

Paul Alone: Bastante guay la verdad. No me puedo quejar. Es cierto que es una carrera complicada, como todas, pero muy entretenida y muy variada y ahí está lo guay, el rollo.

MW: Para ti, ¿qué es lo más atractivo?

Paul Alone: El que cada día sea distinto. Hay días bastante jodidos, pero también hay días muy buenos.

MW: ¿Y lo más complejo? O lo que tú cambiarías…

Paul Alone: Creo que tiene gracias así (Risas). A veces es complicado y me gustaría cambiar muchas cosas, pero el hecho de que sea tan complicado es lo que le da ese atractivo.

MW: ¿Uno se termina a esa paciencia que dicen que hay que tener y a convivir con esa incertidumbre que viene ligada al oficio?

Paul Alone: Sí, de hecho, hay una frase que escuché el otro día que dice tal que así: “el futuro es una mierda porque no sabes lo que va a pasar, pero a la vez si lo supieras sería un rollo”.

Creo que hay que acostumbrarse a la incertidumbre con todo.

MW: ¿Cómo va a ser esa vuelta a los escenarios? ¿Qué sentirás cuando llegue esa primera fecha?

Paul Alone: No lo sé… El otro día me puse a ver videos de la última gira que fue como hace dos años y ojalá sea parecida porque, tras dos años sin tocar, es lo que más deseas. Que sea igual o mejor que la última gira.

MW: ¿Se va generando cierto vértigo con el paso de los días?

Paul Alone: Siempre, sí. Al minuto.

MW: ¿Cómo trabajas los temas cuando va a comenzar una gira?

Paul Alone: Normalmente, al principio, cada uno por su lado, vamos pensando y probando, viendo lo que mejor nos encaja,

el ritmo… Vamos haciendo consenso entre todos. Y luego nos juntamos en los ensayos y vamos probando las ideas para ver si funcionan, si no funcionan se cambian en el propio ensayo.

MW: ¿Eres extremadamente perfeccionista?

Paul Alone: Es un problema eso, eh (Risas). Me gustan las cosas bien hechas.

MW: ¿Cómo crees que va a ser esa vuelta cuando el público aun tenga ese cincuenta por ciento de la cara tapada?

Paul Alone: Bueno, creo que la energía se nota, lo que transmiten los cuerpos, el movimiento.

Realmente cuando estás en un escenario no ves muchas caras.

Ves un poco como una especie de energía general.

MW: ¿Es importante beber de la energía del público?

Paul Alone: Es importante entenderla. Si no la entiendes el show pierde gracia. Creo que nunca hemos hecho un show en el que no hayamos cambiado el orden.

MW: ¿Qué tema has descubierto tú de nuevo gracias a una gira?

Paul Alone: Me han sorprendido algunos bastante. Sobre todo, de esos que son temas un poco más míos y llegas al directo y la peña se vuelve loca. Me pasó con ‘No valgo pa’ ciudad’, me pasó con ‘Pequeña’…

Esas dos son lo que más loco a nivel expectativas.

MW: ¿Y te ha pasado eso de tener un tema que parece que no es el más viral pero que con el paso de los conciertos, gracias a cómo lo interpretas sobre el escenario, se ha convertido en el favorito del público?

Paul Alone: Creo que es ‘Me siento vivo’, ese tema porque hacemos un juego ahí con el público con euforia máxima. Y es muy especial porque su energía en el directo es muy bestia.

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Total look, de Zer Era.

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MIENTRAS SIGAN PASANDO COSAS, SALEN CANCIONES

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alejado de la rutina MW: ¿Cómo se equilibra toda esa energía del escenario cuando el directo acaba?

Paul Alone: No se acaba (Risas). Sales con toda la banda del escenario, con toda la euforia encima y se alarga hasta que da el bajón.

MW: En esa época cargada de tanta incertidumbre y hechos tan imprevisibles, ¿ha sido más complicado encontrar la inspiración?

Paul Alone: No, solo ha sido distinto.

Voy a soltar otra frase que no es mía: “Para escribir hay que vivir”. Mientras sigan pasando cosas, salen canciones.

MW: Uno como creador…¿se presiona más dentro de un mercado en el que hay que sacar un nuevo tema por mes?

Paul Alone: Creo que es mucho mejor tema a tema que un disco. Porque un disco es como un tema de conclusión de algo muy gordo y sacando tema a tema tengo como una especie de libertad muy guay. Saco uno y si funciona genial, si no funciona, igual pero se sabe que no se puede ir por ese camino.

Creo que para el artista es más fácil el ir sacando tema a tema para saber o entender un poco donde estás. Sacar un disco creo que no te permite analizar de forma concreta lo que ha podido o no funcionar.

Tema a tema es más fácil ir encontrándote.

MW: ¿Es importante probar y salir de la zona de confort?

Paul Alone: Sí, siempre. Creo que cada generación genera géneros de otros géneros. Y que al final termina consolidándose y todos hablamos de eso.

Nuestro objetivo es mezclar cositas sueltas, ir mezclando, hasta que salga algo.

MW: ¿Qué crees que está dejando tú música dentro de la

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música?

Paul Alone: No lo sé… Te lo diré de aquí a quince años.

Ahora mismo vivo en una especie de nube donde voy haciendo cosas.

MW: Si echas la mirada atrás y analizas cada uno de tus temas, ¿has ido aprendiendo con cada uno de ellos?

Paul Alone: Joe… Sí… A veces echo la mirada atrás, a hace tres años y pienso que es una mierda y en qué momento tome esa decisión (Risas), pero ahí está la gracia, el ir creciendo, el ir mejorando como músico y como cantante.

MW: Creativamente hablando, ¿has sufrido bloqueos?

Paul Alone: Sí MW: ¿Y cómo se salta de ese bloqueo?

Paul Alone: Igual que escribes dejas de escribir. Lo que no puedo hacer es sentarme a forzar algo si no quiere salir.

MW: La vida sin música sería…

Paul Alone: Un rollo. Imáginate en el coche sin música, en la radio solo peña hablando (Risas).

La música es la banda sonora de todo.

MW: ¿Cómo es ser amigo o amiga de Paul?

Paul Alone: Buah…no lo sé. No tengo ni idea, ojalá saberlo. Te traigo a peña y que ellos te lo cuenten (Risas).

··· Paul Alone comienza su próxima gira este 10 de marzo en Madrid (Mon Live) y seguirá por Barcelona (11 de marzo), Valencia (12 de marzo), Pamplona (1 de abril), Zaragoza (2 de abril), Gran Canaria (8 de abril) o Tenerife (9 de abril), entre otras ciudades. ¡No te pierdas su vuelta a los escenarios!

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Gorro, de Susmie’s. Chaleco, de COS. Pantalón, de Bershka. Calzado, de Converse.

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Bucket, de Polo Ralph Lauren. Calzado, de Hogan.

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Polo y pantalones, de Bershka.

Calzado, de Converse.

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CRÍTICAS

‘Mass’: profunda y desgarradora

Paloma Escudero

‘M

ass’ llega ya a los cines tras su paso por el Festival de San Sebastián. Pese a no ser de las películas más sonadas, fue muy bien recibida tanto por el público como por la crítica y ahora los espectadores van a poder disfrutar de esta película dramática. ‘Mass’ está escrita y dirigida por el cineasta Fran Kranz. De manera impecable consigue retratar las diferentes formas en las que se manifiestan las secuelas de una tragedia violencia.

El mismo acto puede afectar de manera completamente distinta a las personas, teniendo consecuencias diversas e imprevisibles en la vida de dos parejas. ‘Mass’ está protagonizada por Jason Isaacs, Martha Plimpton, Ann Dowd, Reed Birney, Breeda Wool, Michelle N. Carter y Kagen Albright. Una película dramática que apela directamente a los sentimientos más profundos de los espectadores y que te impacta de manera inesperada.

La historia de ‘Mass’ tiene como protagonistas a dos matrimonios que mantendrán una intensa conversación sobre un trágico hecho que, por desgracia, les ha unido de por vida. El encuentro derivará en una larga discusión en la que compartirán sus opiniones y sentimientos y su forma de asumir lo que pasó. Y es que han tenido que enfrentarse de formas diferentes a una misma situación que les ha marcado para siempre.

Gail (Martha Plimpton) y Jay (Jason Isaacs) son los padres de una persona que ha sido víctima de un atentado en un

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colegio. Conoceremos también a Richard (Reed Birney) y Linda (Ann Dowd), los padres del culpable que perpetró el atentado. Ahora son conscientes del año que su hijo ocasionó a los familiares de todas las víctimas del colegio. Sin embargo, desde el día que pasó todo sus vidas también se han convertido en una auténtica pesadilla de la que no pueden escapar fácilmente.

Han pasado ya unos años y ambas parejas han decidido que es el momento de enfrentarse a su dolor y sus traumas para intentar superarlos y seguir adelante.

Parece que con el tiempo están dispuestos a hablar de todo lo que pasó en un complicado pero necesario intento por continuar con sus vidas de una manera sanadora y tratando de dejar ciertos sentimientos atrás.

La premisa de la que parte ‘Mass’ es tan buena que solo puedes esperar –y casi desear- que siga como parece. Y, afortunadamente, así es. ‘Mass’ es una de esas películas que poco a poco se va creciendo a medida que avanzan los minutos, llegando a un punto álgido que te deja casi sin aliento. Un drama que remueve por dentro al espectador, que en todo momento está expectante por ver si los protagonistas consiguen alcanzar una cierta paz mental.

‘Mass’ se presenta casi como si fuera una obra teatral, utilizando solo un escenario en el que aparecen los protagonistas. No necesitan nada más que una mesa para sentarse los cuatro a conversar. Los per-

sonajes están muy bien construidos, poco a poco conocemos a las dos parejas y vamos viendo qué es lo que les pasa y en qué situación se encuentra cada uno.

Lo bueno de una película dramática como ‘Mass’ es que las emociones van floreciendo sin prisa, siguiendo unos tiempos muy buenos y necesarios. No hay nada fuera de lugar ni excesivamente forzado. Una auténtica catarsis que pone el foco de atención en la culpa y en el perdón con un tema que está a la orden del día y que afecta a muchas familias.

‘Mass’ es sobrecogedora y desgarradora por todo lo que hace sentir teniendo en cuenta el tema central. Una película que brilla precisamente por su sencillez ya que cuenta con un guion muy bien escrito que sabe lo que quiere decir y cómo hacerlo. La dirección es magistral, cuidada y que se centra en los detalles importantes.

Una realidad que puede ser difícil de narrar pero que lo consigue de manera profunda, intensa e incluso atrevida.

Pero si por algo es efectivo el drama de ‘Mass’ es precisamente por las soberbias interpretaciones de Jason Isaacs, Martha Plimpton, Ann Dowd y Reed Birney.

Ofrecen escenas duras pero llenas de verdad y naturalidad. Los cuatro actores protagonistas están magníficos y sus emociones se transmiten al espectador de una manera muy certera. Logran emocionarte y que sientas todo por lo que están pasando.

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CINE

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por REDACCIÓN fotografías © 2021 Metro-Goldwyn-Mayer Pictures Inc.

detrás de la nueva,

historia

de cyrano

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CINE

La virtud dentro de la pasión El director cinematográfico Joe Wright sintió que había llegado el momento de celebrar la vida y el amor. Tenía una historia profunda que quería contar... y una historia clásica que reimaginar de un modo nuevo y vigorizante. Si era capaz de reunir un reparto y un equipo técnico, el proceso de hacer una película sería en sí mismo una afirmación de la vida; la película acabada sería un regalo para los espectadores, que la recibirían todos juntos sintiéndose más fuertes.

Wright llevaba el último par de años tratando que su siguiente película fuera una nueva versión cinematográfica de Cyrano de Bergerac, la historia intemporal de ingenio, coraje y amor; la obra de Edmond Rostand es una de las exploraciones más famosas e imperecederas del romance jamás contadas. Erica Schmidt había adaptado y dirigido una nueva versión teatral de la obra, que se había representado en diferentes producciones en Estados Unidos.

Conoció por primera vez al legendario personaje en la última gran producción para la gran pantalla, la película de 1990 Cyrano de Bergerac. Wright reflexiona: «La vi cuando era un adolescente lleno de ansiedades y esa historia sobre sentirse indigno de amor tuvo un profundo efecto en mí. Sin embargo, no me veía haciendo una nueva versión porque no podía ver más allá de “la nariz”». Esa especificación de la obra original de que Cyrano era increíblemente narigudo siempre se había respetado a lo largo de las décadas, tanto en teatro como en pantalla... hasta hace unos cuantos años.

Wright fue a ver la representación de Schmidt en el Goodspeed Theater de Connecticut, Estados Unidos: «Al ver a Peter Dinklage interpretar a Cyrano junto a Haley Bennett en el papel de Roxanne, me sentí increíblemente conmovido. Creo que, con cualquier otra versión, daba la

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sensación de que el actor, por convincente que resultara, podía, al final del día, sentarse en su silla de maquillaje y quitarse esa nariz de su rostro. Peter aportaba una verdad inherente y una honestidad al personaje de Cyrano que me resultaron profundamente emotivas».

Wright, «inmediatamente conquistado», visualizó una expansión alegre y musical de la producción de Schmidt en una película que, además, redescubriría «el núcleo real y descarnado de cómo conecta la gente».

La representación de Schmidt de su nueva versión era la culminación de años de desarrollo teatral. Cuenta que Michael Gen-

naro, por aquel entonces en el The Paper Mill Playhouse de Nueva Jersey, le encargó adaptar Cyrano de Bergerac y convertir la obra en musical en 2005. «Siempre me ha encantado la obra de Rostand: su historia, su carácter épico, el mundo en el que se desarrolla... Y el personaje de Roxanne me decía mucho. Además, Cyrano está intentando embaucar a Roxanne (con cartas de amor escritas bajo otro nombre) y eso me animó a querer buscar otra perspectiva.

El final de la obra, su tragedia, fue mi puerta de acceso. Por eso, cuando Michael me preguntó con qué quería trabajar, eso estaba en lo alto de mi lista».

Incluso antes de que Dinklage llegara al papel, Schmidt había reconcebido las

nociones más enraizadas de la obra.

Nos cuenta: «En mi versión teatral, siempre fue un Cyrano sin una gran nariz. Normalmente, en las representaciones de la obra de Rostand, vemos a un actor muy refinado y, normalmente, muy atractivo con una nariz falsa desproporcionada, hablando de lo horrible que es ese rasgo de su rostro. Yo quería llegar a algo real, más profundo; una inseguridad que solo sintiera el personaje. Sentí que había una verdad universal en aquello, que todos nos lo hacemos a nosotros mismos y a la gente que queremos; todos tenemos “una nariz” que imaginamos que el resto del mundo detesta, o algo a lo que culpamos por no recibir amor, atención o comprensión».

En 2016 llegó un momento revelador, cuando Schmidt escuchó por primera vez leer la obra en alto a Peter. Supe al instante que su innato humor evasivo (protector, defensivo, escéptico) combinado con su desprecio y su desconfianza hacia su persona, era justo lo que el personaje de Cyrano necesitaba.

«Era como si Peter conociera a Cyrano antes de interpretarlo, y nunca había leído ni visto ninguna versión de la obra».

«Me colé totalmente en la producción, ¿no?», dice riéndose Dinklage, que está casado con Schmidt. «Erica llevaba un tiempo trabajando en ello.

Yo me quedé al margen; pero luego, cuando escuché la música que habían compuesto pedí leer para el papel».

«Muchas veces se escucha música muy buena en el tráiler de maquillaje y, en los primeros días de rodaje de la serie Juego de tronos escuché la canción Terrible Love del grupo The National.

Sabía que me encantaría su música y, a partir de ese día, me dediqué a devorar todo lo que habían publicado».

Varios miembros de la popular banda se habían unido al proyecto de Schmidt; los hermanos Bryce y Aaron Dessner componían la música, y el matrimonio formado por Matt Berninger y Carin Besser escribían las letras. Dinklage se dio cuenta de que su propio instrumento, su voz, sería elemental. «Por suerte, tengo un registro barítono similar al de Matt»,

reflexiona el actor. «Tiene una de las mejores voces del mundo del rock, y descubrí que me veía capaz de cantar esos temas. Mi truco era no imitarlo, porque cuando estás en la ducha imitas mucho a tus cantantes favoritos; yo quería conferirles a las canciones mi propia personalidad».

Tras ello se sucedieron dos años de talleres de teatro, seguidos de la dirección de Schmidt de los actores participantes, incluidos Dinklage y Haley Bennett, en esos enclaves, así como en el Goodspeed, donde Gennaro se había trasladado.

Aunque la música fuera el punto de entrada, Dinklage y Schmidt siguieron trabajando para cuantificar el personaje de Cyrano. Nos cuenta: «Sobre las tablas, dejaba en manos de las suposiciones del público y las letras de Matt y Crin, claro, enfocar las inseguridades del personaje sin referirnos abiertamente a la estatura de Peter. Él lo interpretaba de un modo muy crudo y real, sin florituras».

Tras ver el espectáculo en 2018, Wright telefoneó a Schmidt y le dijo que quería hacer una adaptación cinematográfica protagonizada por Peter y Haley, dirigida por él y de cuyo guion se encargara la propia Schmidt.

el siguiente proyecto de Wright como director.

Dinklage siente que «las películas son una expresión de arte de su director, y las que Joe ha hecho tienen un hilo romántico en común: son cinemáticas, pero Wright también pone una gran dosis de ingredientes teatrales en sus obras. Se enamoró de nuestro espectáculo sobre el amor.

«Todas las cartas que se escriben en la película son en esencia igual que los mensajes que se escriben por el móvil hoy en día; actualmente, todos somos Cyranos que queremos presentarnos en Internet y en sitios de citas como una versión quiénes somos. La gente lee un perfil y luego, al conocer a la persona en cuestión, se decepciona; o también pasa que desaparece la fase de descubrimiento si ya lo sabes todo de una persona por lo que has leído online. Son correlaciones que existen entre el mundo de hoy y esta obra, que sigue vigente cientos de años después por algo; es relevante porque trata del amor y de la pérdida. Seas un adolescente con los sentimientos más desgarradores que hayas tenido o crees que nunca tendrás, o más mayor con otro enfoque ya del amor, todo el mundo puede entenderlo».

«Nunca había trabajado en cine y no creía posible que fuera a pasar». Sin embargo, la senda de las tablas a la gran pantalla demostraría ser más rápida de lo esperado en más de un aspecto.

Las conversaciones de Schmidt con Wright siguieron adelante, y Working Title le encargó escribir la adaptación del guion. Comenzó a trabajar en el guion de la película «entre proyectos teatrales», que incluían otra representación de su producción; el proceso de desarrollo de la película siguió rápidamente para que CYRANO, según lo acordado, fuera

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REPORTAJE

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fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo YURENA GUERRA / muah LETICIA PERILLÁN

NACHO

NUGO

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REPORTAJE

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Chaleco, de COS.

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REPORTAJE

Cazadora y jeans, de Bershka. Camiseta, de Polo Club. Calzado, de Converse.

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“Te acostumbras y desarrollas mucho la paciencia y acabas entendiendo que es parte de la profesión”, así de sereno se muestra Nacho Nugo cuando le planteamos qué es lo más complejo que uno vive dentro de su oficio.

A pesar de su juventud Nacho es un tipo que sabe perfectamente en el lugar en el que está bailando y jugando.

Disfrutando de cada personaje, trazando personalidades que no tienen nada que ver con él, jugando..

MEW Magazine (MW): Haciendo mención a tu oficio, ¿qué es lo más complejo que tú encuentras en él?

Nacho Nugo: Imagino que la inestabilidad. Siempre está ahí, aunque es cierto que te acostumbras y desarrollas mucho la paciencia y acabas entendiendo que es parte de la profesión y llevándola de la manera más sana posible y gestionándola bien.

MW: ¿Y cómo se gestiona, aparte de dicha inestabilidad, esos ‘no’?

Nacho Nugo: Esa es la parte más complicada porque a veces pones mucha ilusión en un proyecto, pasas muchas fases de casting y al final tienes un ‘no’ porque nunca sabes los criterios que tienen o que pesan más.

Aprendes que es parte de la profesión, que puedes tener diez ‘no’, pero que cuando te dan un ‘sí’, compensa todos esos ‘no’ (Risas). Somos así de masocas.

MW: ¿Uno va aprendiendo que ese ‘no’ no es algo personal, sino que simplemente no se da el perfil en ese momento?

Nacho Nugo: Sí, especialmente cuando llevas unos cuantos castings. Tu trabajo y tu esfuerzo es un 20%, luego hay un sinfín de criterios más.

MW: ¿Qué es más sencillo? ¿Dar la bienvenida o despedir a un personaje?

Nacho Nugo: Despedirse da pena, pero es más fácil. Cuando te dan el sí y tienes que empezar un proyecto es más difícil porque tienes que construirlo todo y te sueles notar con pocas herramientas.

Siempre cuesta algo más la arrancada que despedirse.

MW: ¿Notas que tengas un proceso similar? ¿O depende del personaje?

Nacho Nugo: Creo que siempre cumplo ciertos patrones, quiero centrarme mucho en el guion, sacar toda la información que pueda y a partir de ahí entro en una fase de darme más libertad.

Creo que el personaje se va construyendo un poco cuando también comienza el rodaje.

MW: ¿Te diviertes mucho más cuando el personaje está alejado de ti?

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REPORTAJE

Sudadera, de Polo.

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Nacho Nugo: Sí. De hecho, me hace mucha gracia y antes lo comentábamos en maquillaje que cuando estaba en la escuela de interpretación siempre me decían como que tenía un perfil para un tipo muy concreto de personaje. Que tenía cara muy dulce, muy de niño, que no me iban a dar personajes muy complejos. Y de repente llevo tres años haciendo personajes súper alejados de mí, oscuros, llenos de conflictos.

Lo disfruto muchísimo la verdad.

MW: Hay compis tuyos que me dicen que gracias a un personaje han podido sanar ciertas heridas internas y otros que me dicen que han sido capaces de identificarlas y sanarlas posteriormente cuando han despedido al personaje, ¿te ha pasado algo similar?

Nacho Nugo: Eso es interesante (Risas). Yo creo que aprovecho mucho la energía que yo tengo en ese momento para dársela al personaje. Imagino que es una manera de desahogo y de volver a casa más limpito.

MW: ¿Cómo llega ‘Sequía’ a tus manos?

Nacho Nugo: Pues de la forma más aburrida, a través de un casting. Fue un proceso muy largo, hubo varias fases, había muchos chavales audicionando también, le eché un poco de morro la verdad. Me enteré del proyecto y me puse en contacto con la directora de casting directamente.

Desde el primer momento fluyó todo muy bien con ella y con los directores de la serie. Apostaron por mí y estoy muy feliz y muy agradecido la verdad.

··· ¿De dónde parte ‘Sequía’? A causa de una fuerte sequía, el pueblo de Campomediano emerge de las aguas en el fondo del pantano que también lleva su nombre. En una de las antiguas casas aparecen los restos humanos de dos hombres. La inspectora de la policía Daniela Yanes se hace cargo del caso. Las víctimas, con orificios de bala, hacen evidente que se trata de un crimen que ha permanecido oculto.

La identificación de los cuerpos hace que dos poderosas familias separadas por la frontera entre España y Portugal, pero unidas por los negocios, se vean envueltas en una investigación que se remonta a finales de los 90 y en una trama en la que diferentes personajes entrecruzan sus caminos con consecuencias imprevisibles. Dentro de toda esa vorágine descubrimos a Rubén, el más joven del clan Barbosa. Ha heredado la falta de escrúpulos de su abuelo Luis, pero el carácter pasional de su madre. Sus decisiones van a conseguir que la brecha en la familia se haga aún más profunda. ··· MW: ¿Te veías como Rubén?

Nacho Nugo: Sí, suena mal decirlo, pero es de estos personajes que, aunque están muy alejados de lo que tú eres o de lo que tú haces, sientes que estás entendiendo bien cómo está escrito, que puedes aportarle algo además de lo que está en el guion.

MW: ¿Qué ha sido más sencillo, empatizar o no juzgarlo?

Nacho Nugo: Las dos y creo que cuando veáis la serie completa entenderéis porqué lo digo.

Justificar a Rubén es muy difícil, pero como actor intento no juzgarle para poder poner toca la carne en el asador.

MW: ¿Qué similitudes tienes con Rubén? ¿Y qué es lo que más te aleja?

Nacho Nugo: Creo que lo que nos acerca es la ambición bien entendida. Es decir, Rubén es un chico que tiene muy claro lo que quiere en la vida a pesar de lo joven que es y yo siempre lo he tenido también bastante claro. Creo que los dos somos bastante luchadores.

Afortunadamente para mí me siento muy alejado de Rubén.

MW: ¿Qué espera Rubén de sí mismo? ¿Qué esperan esos padres de Rubén? ¿Y qué espera su abuelo?

Nacho Nugo: Rubén de sí mismo espera llegar a lo más alto en los negocios. Su abuelo espera que sea su futuro heredero y que ocupe él papel que el ahora tiene en la empresa. Y sus padres creo que esperan de él que no haga mucho ruido. Que sea un chaval normal, que no esté demasiado metido dentro de la empresa. Y que no se deje contaminar demasiado por su abuelo (Risas).

MW: ¿Ha sido fácil equilibrar la energía de Rubén?

Nacho Nugo: Fue intenso porque ‘sequía’ es una serie grabada entre Cáceres, Madrid, Lisboa… Muchos actores portugueses y españoles… Sí que es verdad que en un momento tienes que tener muy claro la energía a focalizar, pero contábamos con un equipo técnico maravilloso que hizo todo muy fácil.

MW: ¿Es fácil soltar al personaje en ese día a día?

Nacho Nugo: Para mí, sí es fácil. Es verdad que hay días, dependiendo de las escenas que te toquen, que te vas a casa destrozado. En mí caso es una cuestión más física que mental.

MW: ¿Qué es lo peor y lo mejor de la ambición?

Nacho Nugo: Creo que lo mejor es que muchas veces sirve de motor para luchar por tu objetivo y lo peor es que quizá la ambición mal entendida puede llegar a llevarte a la avaricia.

MW: ¿Te gustó el arco de Rubén?

Nacho Nugo: Sí, sí. Se mete en un viaje emocional de idas y venidas que es brutal y eso como actor es un regalo.

··· Idas y venidas, aventuras cargadas de locura y una infinidad de lecciones. Energía abrumadora y honestidad directa. Nacho Nugo camina y brinda por cada oportunidad y respira a conciencia en ese impás que, a veces, toca protagonizar.

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REPORTAJE

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SERIES

ANTHONY EN ‘LOS BRIDGERTON’

El próximo 25 de marzo llega por fin a Netflix la esperada segunda temporada de la exitosa serie ‘Los Bridgerton’.

Tendremos nuevos capítulos para conocer a Anthony, el soltero más codiciado de la temporada en la alta sociedad victoriana.

por PALOMA ESCUDERO / fotografía ©Liam Daniel/Netflix 68 MARZO 2022 · MW

‘Los Bridgerton’ es una ficción que ha batido récords en la plataforma con millones de personas viéndola en muy poco tiempo. Esta adaptación de las novelas de Julia Quinn ha sido todo un éxito por lo bien que está hecha así como por la historia que cuenta y por los magníficos personajes protagonistas.

Esta segunda temporada de ‘Los Bridgerton’ siguiendo el orden natural de los libros originales se basará en la segunda novela de la saga literaria: ‘El vizconde que me amó’. Por tanto, todos los capítulos girarán en torno al personaje de Anthony Bridgerton, quien está en búsqueda de una esposa. El hermano mayor de los queridos Bridgerton tomará el relevo de su hermana Daphne para ser el gran centro de atención en esta nueva entrega.

Anteriormente vimos cómo Daphne empezaba un intenso romance con Simon, el Duque de Hastings. Pese a que su mayor impedimento era el hecho de tener hijos, consiguieron superar todas las adversidades y el amor terminó triunfando en ‘Los Bridgerton’. Para alegría de todos, la última escena de la que somos testigos es Daphne dando a luz a un niño, lo que supone un nuevo comienzo para la bonita pareja.

hasta ahora.

Y es que ahora Anthony sorprenderá a todos cuando decida empezar a buscar esposa para sentar la cabeza de una vez por todas. ¿Quién será su amor definitivo? Esto supondrá nuevos bailes por todo lo alto, nuevos encuentros y mucho romanticismo para una serie llena de glamour y de altas expectativas.

Aunque no era el protagonista, Anthony Bridgerton fue ganando popularidad poco a poco cada vez que salía en la pantalla. Por eso hay muchas expectativas puestas en esta nueva temporada y, sobre todo, por los fans de las novelas por ver cómo de fieles –o noserán estos nuevos episodios. Lo que está claro es que podemos esperar mucho más amor, romances inesperados, mucha clase de la alta sociedad y una serie que seguirá siendo visualmente muy atractiva.

Lo que sí cambiará respecto a las novelas y será toda una novedad ahora es el hecho de saber ya quién es la misteriosa Lady Whistledown. Con este enigma ya resulto habrá que ver si su personaje, y por tanto el de Penélope, seguirán apareciendo o no. Y es que esta anónima y su voz en off eran una pieza clave en el desarrollo de la trama de ‘Los Bridgerton’. ¿Estará Anthony tranquilo o su

“Anthony Bridgerton se presentaba como un hermano protector y muy preocupado por su familia” Si bien en la anterior temporada Anthony Bridgerton se presentaba como un hermano protector y muy preocupado por su familia, habrá que ver cómo evoluciona en solitario en su propia temporada. Porque Anthony es una persona muy familiar, que pese a tener su lado duro y frío también sabe sacar una cara amable que siempre está dispuesto a defender y proteger a la gente a la que quiere.

presencia le seguirá la pista de cerca?

A los amantes de esta serie entre lo clásico de Jane Austen y los cotilleos de la auténtica reina cotilla de ‘Gossip Girl’, se avecinan nuevos dramas y romances en las altas esferas de la burguesía. Porque aunque Anthony sea el auténtico protagonista, no podemos dejar de lado a personajes como su hermano Colin, quien se ha ido de viaje tras su fatídica relación con Marina Thompson.

Además, también habrá que ver en qué posición queda ahora la señorita Ciena, una joven cantante de ópera a la que conocimos como su amante pero que terminó la primera temporada yéndose con otro caballero. Por lo que parece, Anthony tratará de buscar a su nuevo amor fuera de lo que hemos conocido

Por su parte, Benedict se ha ido alejando de lo que su familia (y la sociedad) ha establecido como normal las relaciones sentimentales. ¿Y qué pasará con Eloise? ¿Será presentada en sociedad como el resto o podrá alcanzar su sueño de ser una escritora reconocida?

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REPORTAJE

Amaia Aberasturi fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilista YURENA GUERRA muah LETICIA PERILLÁN

70 MARZO 2022 · MW

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REPORTAJE

Total look, de Bershka.

Calzado, de Victoria.

72 MARZO 2022 · MW

Vestido, de Venca.

Calzado, de Dr. Martens.

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REPORTAJE

“Lo más difícil que veía era que tenía que parecer una adolescente”

Total look, de Bershka.

Calzado, de Dr. Marteens.

74 MARZO 2022 · MW

‘La edad de la ira’, el libro de Nando López, traducido a varios idiomas, ha obtenido un gran impacto tanto en ejemplares vendidos como en lectura a través de soportes digitales. La novela, que tiene también una versión teatral, es una de las más recomendadas a los adolescentes en colegios e institutos, por retratar una generación reivindicativa, comprometida, hiperconectada, hedonista y ansiosa de apertura. Unos adolescentes que encaran el cambio mientras lidian con los viejos valores representados por sus padres y el sistema educativo. Y uno de esos adolescentes es Sandra a quien Amaia Aberasturi da vida desde el pasado mes de febrero en una de las últimas ficciones que ha estrenado A ATRESplayer PREMIUM. Trazamos junto a Amaia a un personaje que le ha dado locura y un exceso de sonrisas que ha abrazado, primero con cierta inquietud y, posteriormente, con una solvencia maravillosa. Sandra nos acerca a la adolescencia, a un Universo al que, muchas veces, cerramos la puerta.

MEW Magazine (MW): ¿Qué Amaia has descubierto tú gracias a la interpretación?

Amaia Aberasturi: Pues creo que cambia mucho porque es un trabajo donde empatizas mucho con otras personas, con otros personajes, en este caso, y creo que se trabaja mucho eso mismo, ponerte en el lugar de otras personas.

Se te abre un mundo nuevo de diferentes universos. Todo eso es muy satisfactorio.

MW: ¿Qué suele ser más sencillo para ti? ¿Ese momento en el que una da la bienvenida a un nuevo personaje e inicia su construcción o el momento de decir adiós?

Amaia Aberasturi: Creo que es más sencillo construir. Me cuesta mucho desprenderme de mis personajes porque les cojo mucho cariño y ya no solo por el personaje sino por el proyecto también, por toda la gente que ha estado participando ahí.

MW: ¿Tienes algún sistema para despedirte de los personajes?

Amaia Aberasturi: Yo no (risas), yo no hago nada con el personaje, pero al mismo tiempo es como que poco a poco le voy diciendo adiós. Termino de rodar y ese último día de rodaje digo: “jolín, que pena, es la última vez que me voy a convertir en este personaje”. Y ese día voy como pensándolo, asimilándolo.

MW: ¿Cómo llega ‘La edad de la ira’ a tus manos?

Amaia Aberasturi: Pues llega justo cuando estaba rodando otra serie. Y llega como en un día de mucho caos. Recuerdo que llegué al casting con muchísima ilusión. Me encantó. Previamente vi que era sobre un libro, me compré el libro, me empecé a leer el libro… Hice el casting con una idea de lo que era ‘La edad de la ira’. Y nada más terminar el casting seguí con el libro hasta terminarlo.

Feliz cuando me dijeron que estaba dentro.

MW: ¿Una nota o siente que ese personaje para el que está haciendo el casting puede ser para una o no?

Amaia Aberasturi: A veces sí y a veces no. Es verdad que a veces lo he sentido y ha sido mío y otras veces lo siento y no lo es. Y otras veces pienso que no lo he hecho bien y quizás no es el momento y de pronto surge.

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Top, de Sloggi.

Chándal, de Bershka.

Calzado, de Victoria.

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REPORTAJE Es cierto que, por ejemplo, con ‘Akelarre’ fue como un amor a primera vista. Y ahí sí que sentí por primera vez que ese personaje tenía que ser mío.

De mente abierta, idealista, divertida y segura de sí misma, Sandra es la que da el primer paso con Marcos, el compañero de clase del que está enamorada. Junto con Raúl, un chico nuevo un poco friki, forman un grupo de amigos muy distintos pero deseosos de encontrar su sitio. De repente, sus ilusiones se ven desbaratadas por un terrible incidente: el padre de Marcos aparece asesinado y todo apunta a que su hijo, un chico aparentemente normal, es el responsable.

MW: ¿Cómo recuerdas la construcción de Sandra?

Amaia Aberasturi: Para empezar, lo más difícil que veía era que tenía que parecer una adolescente, loca, en búsqueda de mi identidad, como que todo era nuevo y esa parte como más alocada era la que más miedo me daba.

No había interpretado nunca a un personaje así. Todos los que había interpretado eran dramas más serios, más gordos, como más dramáticos, peor y Sandra era todo lo contrario. Sandra es venga a reír. Al principio me daba respeto la situación de rodaje, el tener que llegar con ese punto de locura.

Al final yo no soy una adolescente y quería estar a la altura de una de ellas. Que un adolescente lo vea y diga: “esta persona es un adolescente”. Eso es lo que más trabajé.

Luego es cierto que Sandra también tiene otra parte que es más seria, defiende muchísimo sus derechos, los de los demás, no se calla, es muy cañera… Esa parte la veía más sencilla porque estoy acostumbrada a hacer personajes de este tipo.

MW: ¿Fue fácil empatizar con ella?

Amaia Aberasturi: Súper fácil. Con Sandra se empatiza rapidísimo porque es un personaje que tiene tanto amor que dar que rápidamente la ves y sientes a través de ella y con ella. De hecho, en el libro me pasó, empatizaba con todo lo que ella vivía.

MW: Cuando una cuenta con el apoyo de un libro, ¿es mejor apoyarse en la novela o, todo lo contrario, alejarse un poco de dicha referencia?

Amaia Aberasturi: Creo que está bien quien decida apoyarse en el libro para construir desde ahí y creo que está bien quien decida no hacerlo.

En mí caso, el libro me ayudó. Ya te digo que para hacer el casting me lo leí un poco para ver por dónde iba la serie, que podrían querer, cómo podría ser Sandra… Luego es cierto que, una vez me dieron los guiones, el libro lo deje a un lado.

MW: ¿Qué encuentra Sandra en Marcos?

Amaia Aberasturi: Sandra en Marcos encuentra a una persona que le llena. No solo físicamente, más emocionalmente. Creo, además, que Sandra es una persona que es ayudadora y Marcos un chico que está sufriendo por algún motivo y que ella no sabe cuál es, pero la mantiene enganchada en el sentido de que ella quiere que Marcos confíe en ella. Y esto cada día le hace amarle más y más y más.

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Quiere saber qué pasa, qué hay dentro de ese Marcos triste. Está enamorada de Marcos, le encanta.

MW: ¿Y en Raúl? ¿Qué encuentra?

Amaia Aberasturi: Creo que a Sandra le gusta lo diferente. Lo común, lo simple, ya lo tiene como muy visto. Y Raúl viene al instituto con muchísima personalidad y eso es algo que Sandra apoya. Ella también es una persona con mucha personalidad.

MW: ¿Qué parte de la personalidad de Sandra robarías para ti?

Amaia Aberasturi: La parte de justiciera. Creo que Sandra lo hace de una forma mucho más determinante de la que yo pueda tener. O saber decir que no…Sandra dice que no fácilmente.

MW: Si Amaia fuese amiga de Sandra… ¿Qué le aconsejaría en el primer capítulo y que le aconsejaría en el último?

Amaia Aberasturi: En el primer capítulo le aconsejaría que no tuviera tanto rencor hacia su madre. Que toda la filosofía de vida que ella tiene la aplique también en su familia. Aplícate el cuento Sandra porque lo dices, pero luego no lo haces (Risas) cuando se trata de ti. Y también esto está relacionado con Marcos porque a ella, de alguna manera, le cuesta ver que Marcos no es para ella.

Es verdad que luego lo acaba bien y aquí voy al cuarto capítulo, al último… Aquí, fíjate, que tampoco le aconsejaría nada, yo le diría: “sigue como lo estás haciendo”. Porque aprende a amar de otra manera a una persona que quiere con todo su amor.

Es lo que aprende, que Marcos se quede en su vida de otra manera. Lo mismo con Raúl. Creo que aprenden a amar de otra manera como súper sana.

MW: ¿Te gusta el arco que vive Sandra?

Amaia Aberasturi: Sin lugar a duda, es precioso. Es un arco donde Sandra madura por un lado y, por otro lado, creo que hay muchísima búsqueda de la identidad. Sandra también se va encontrando a sí misma y encuentra muchas respuestas en este camino.

MW: ¿Qué has redescubierto de la adolescencia dando vida a Sandra?

Amaia Aberasturi: Que es un momento súper divertido, pero también súper duro. Porque es un momento donde ni eres niño ni eres mayor tampoco y parece que los problemas de los adolescentes se minimizan un poco. Claro que tienen problemas y lo sufren.

MW: ¿Qué has descubierto de ti gracias a Sandra?

Amaia Aberasturi: Pues que soy una persona súper risueña, que me lo paso muy bien riéndome, la verdad. Que normalmente en set es muy complicado porque como te he dicho todos mis personajes han sido así como de entrar en mi mundo y de entrar un poco en la mierda. Y, de pronto, he descubierto de mí que se puede pasar muy bien haciendo diferentes personajes, no solo estos personajes oscuros.

Este miedo que tenía de hacer una persona risueña, alocada, me ha parecido como una fantasía, se me ha abierto una puerta que… ¡Hola comedia, también! (Risas)

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SERIES

El legado de ‘Cómo conocí a vuestra madre’ 80 MARZO 2022 · MW

Después de muchas teorías, demasiadas citas, encuentros románticos y apasionados –otros no tanto- y muchos corazones rotos, Ted Mosby consiguió encontrar a la madre de sus hijos en ‘Cómo conocí a vuestra madre’. No fue fácil, pero la ficción tuvo un final para todos los protagonistas, aunque no todo el público estuvo convencido con él. Ahora Hilary Duff toma el testigo de Josh Radnor para descubrir ‘Cómo conocí a vuestro padre’. ¿Estáis preparados para nuevas historias y nuevos personajes? por PALOMA ESCUDERO

¿Quién no ha imaginado alguna vez cómo sería tener un grupo de amigos tan consolidado y disparatado como el de Ted Mosby? Porque ‘Cómo conocí a vuestra madre’, siguiendo de alguna manera la estela de ‘FRIENDS’, marcó precisamente a la siguiente generación. Barney, Ted, Robin, Lily y Marshall se convirtieron rápidamente en la compañía de todos durante muchos años.

Y es que Ted Mosby estuvo nada más y nada menos que 9 años contándoles a sus hijos la apasionante (e interminable) historia de cómo conoció a su madre. Con un emotivo y bastante controvertido final, nada exento de polémica, se puso fin a una serie que tantas cosas buenas nos dio a que nadie le puede quitar. lo largo de las temporadas.

Sus charlas en el mítico bar McLaren’s eran también las nuestras en muchas situaciones de nuestra propia vida. Hicimos nuestras sus conversaciones, sus vivencias y algunos de sus consejos. Porque no, no todos valían –y menos la mayor parte de los de Barney, para qué nos vamos a engañar-. Una de esas series que siempre tenía algo que ofrecer, que aportar y que enseñar.

‘Cómo conocí a vuestra madre’ nos hizo reír muchísimo, sin para durante minutos seguidos.

Pero también nos hizo emocionarnos muchas veces hasta incluso llegar a las lágrimas. La clásica comedia romántica que daba todo lo que hacía falta en cada momento y por eso se volvió tan mítica y es una de las grandes que se han estrenado en los últimos años. Ya tiene un hueco

Y, sobre todo, muchas veces nos hizo creer en el amor y en las historias que son de verdad llenas de sentimientos.

Aunque no siempre salía todo bien, había algo que podíamos aprender con todos los fracasos amorosos, y no solo con los de Ted. Lecciones de vida que nos daban casi sin darnos cuenta y sin necesidad de ninguna “intervención”.

Después de tantos capítulos es normal que hiciera sentir todo tipo de emociones, incluso llegó a cansar por momentos cuando la cosa se alargó. Pero no hay duda de que la última temporada la vivimos casi con los dedos cruzados deseando que terminara bien tal y como habíamos llegado a imaginar en algún momento.

Tras muchos años en la pequeña pantalla no resulta fácil despedirse de una serie como esta. ‘Cómo conocí a vuestra madre’ marcó un antes y un después en este tipo de ficciones y es inevitable volver a ella a veces cuando la reponen en la televisión o simplemente porque es lo que más nos apetece en determinados momentos.

Varios años después se cambian los roles y será una mujer la que le cuente a sus hijos cómo conoció a su padre. Aunque se repite exactamente la misma fórmula, las expectativas se mantienen esperando que sea una serie que por lo menos esté a la misma o casi a la misma altura que su predecesora.

Porque queremos seguir sintiendo lo que sienten los personajes, emocionarnos con ellos, creernos sus historias y pensar que somos parte de ellas. La primera temporada de ‘Cómo conocí a vuestro padre’ cuenta con 10 episodios que servirán sobre todo de introducción de los nuevos personajes y sus vidas en común y por separado.

Es el momento de trasladarnos al presente de Sophie para conocer a su grupo de amigos. Estos tratarán de descubrir quiénes son, cuál es su sitio en la vida, qué esperan de ella y cómo enamorarse en una época en la que las aplicaciones para ligar y conocer gente son más habituales. Las opciones son cada vez más ilimitadas pero aun así parece que todo es más complicado. ‘Cómo conocí a vuestro padre’ se presenta así como una serie renovada y mucho más actual y moderna.

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REPORTAJE

l e i n a D a r e r b a C tra luz o , s o j PERILLÁN Otros o É / estilismo YURENA GUERRA / muah LETICIA xto y entrevista

MÁRKEZ / te fotograf ía ANA

P. GUERGU

n tranforme es u o c té s e o n l que u templanza amino con e mpo y con la ue debe e ti l e n Dibujar un c e r y que realiza s lo que te aporta y q bajo que ha abrera ée ra saber qu ino. Daniel C a m p a c te o n h ie ic c d fi donsu de pinceladas, rrado o fura e a c r a e c id e v n a a n perm ción u egundas la interpreta , donde permite dar s e dibuja con c a eridas y a y se desh fue, cerrar h rt o ie n iv u d e e u s q e lo d brir es, redescu oportunidad s. ia c experien abrir nuevas

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REPORTAJE

MW: ¿Hay que tener mucha paciencia para dedicarse a este oficio?

Daniel Cabrera: Sí, mucha, mucha. Y dejar que las cosas reposen muchísimo. No tener miedo a que reposen y a que florezcan.

MW: ¿Y cómo se maneja la incertidumbre?

Daniel Cabrera: Imagino que cada uno lo gestionará de una manera, yo no pensando en ella. Voy día a día.

MW: ¿Lo más complejo de un casting?

Daniel Cabrera: Muchas veces estar a la altura de lo que te piden.

MW: ¿Qué te resulta más sencillo? ¿Dar la bienvenida a un personaje o el momento de su despedida?

Daniel Cabrera: Depende mucho del personaje. Porque hay personajes que al principio no te volvían loco, pero llega un momento en el que los abrazas tanto que decirles adiós es complejo.

MW: ¿Qué es más complejo? ¿Empatizar o no juzgar?

Daniel Cabrera: Para mí, no juzgar. Empatizar…puedo entender si es un asesino en serie de dónde ha nacido la historia o de dónde detona, entiendo de dónde viene… A veces me cuesta no juzgar, depende del personaje, sobre todo si es machista u homófobo.

MW: ¿Cómo llega ‘La edad de la ira’ a tus manos?

Daniel Cabrera: Ya conocía la novela, nunca la había leído y cuando me lo pasaron mis ‘repres’ investigué muchísimo y empecé a leerlo. Y me pareció fascinante cómo lo enfocaba. E intenté estar, de alguna manera, dentro del proyecto.

···

MEW Magazine (MW): ¿Qué has encontrado dentro de la interpretación y qué crees que has descubierto gracias a ella?

Daniel Cabrera: Me gusta mucho la dualidad que te da la interpretación en la vida real porque en realidad el teatro nació, de alguna manera, como queja hacia la sociedad. Una forma de contar la realidad, pero al mismo tiempo evadiéndote de ella.

Al final tú puedes enfocar o coger de ella lo que necesites en cada momento.

A la interpretación le saco todo lo que me pueda dar para la vida.

MW: ¿Cómo es ser actor?

Daniel Cabrera: Al final es como cualquier otro oficio, hay partes que disfrutas una barbaridad y otras más complejas. Es un viaje al que hay que tener muchas ganas de embarcar. Es una montaña rusa.

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ATRESplayer PREMIUM continúa estrenando nuevas producciones y haciendo cada vez más grande su catálogo de contenidos. La plataforma de pago de Atresmedia estrenó el pasado domingo, 27 de febrero, su nueva serie original, ‘La edad de la ira’.

Manu Ríos, Amaia Aberasturi, Daniel Ibáñez, Carlos Alcaide protagonizan esta nueva serie que retrata la adolescencia actual partiendo del thriller para abordar las complejidades que afectan a una nueva generación de jóvenes. Eloy Azorín completa el reparto junto a Sara Jiménez, María Morales, Xavi Sáez, Eleazar Ortiz, Álvaro Larrán, Dani Sabiti y Daniel Cabrera, entre otros.

‘La edad de la ira’ contará con cuatro capítulos de 50 minutos de duración. El responsable de la adaptación televisiva es Juanma Ruiz de Córdoba, guionista de ‘Vis a vis: El Oasis’, ‘Vis a Vis’, ‘Cuenta atrás’ y ‘Águila roja’; que ha trabajado junto a Lucia Carballal,

Sudadera, de Polo Club.

Vaqueros y calzado, de Bershka.

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REPORTAJE

Jersey, de Scoota. Pantalón, de Bershka. Calzado, de Polo Club.

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REPORTAJE

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“ hay un punto de egoísmo innato en el ser humano”

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REPORTAJE sentimientos, traumas y como, aunque la vida nos eche muchísimo encima, nosotros somos los que tenemos el control.

MW: ¿Crees que no somos cien por cien conscientes de que cada acción nuestra tiene una consecuencia para aquella persona que esté frente a nosotros?

Daniel Cabrera: Evidentemente depende de la persona, pero muchísimas veces no somos conscientes. No podemos lanzar lo que nos de la gana.

No puedo ir por la calle y de pronto vomitar lo primero que se me pase por la cabeza. No puedo hacer eso.

guionista (‘Vis a vis: El Oasis’, ‘Vis a vis’) y dramaturga (‘La resistencia’ y ‘Una vida americana’, finalistas en los Premios Max). ··· MW: Cuando uno forma parte de un proyecto que se basa en una novela, ¿es más fácil porque uno puede apoyarse en ella o es mejor mantener cierta distancia?

Daniel Cabrera: Muchas veces depende de la adaptación y de cuánto de fiel vaya a ser. Cuando he pillado un personaje que, de alguna manera, está tan adjudicado, coger distancia me cuesta muchísimo.

Para mí es algo negativo que exista ya tantísimo de un personaje.

MW: ¿Desde qué característica iniciaste la construcción del personaje?

Daniel Cabrera: Al principio puede parecer un personaje no demasiado tridimensional, pero son personajes que sí nos encontramos en nuestro día a día, que estamos rodeados de ellos y trágicamente hemos tenido que convivir con ellos.

Para hacer justicia al personaje decidí enfocarlo de la manera más lógica para mí. Darle la mayor normalidad del mundo.

MW: ¿Qué separa a tu personaje de Marcos y qué les une?

Daniel Cabrera: El común es que son dos personas que son amigos, que son colegas y que tienen los mismos privilegios y eso es algo que une muchísimo. Y lo que no les une es de dónde nace y a dónde va la actitud que vemos en ellos. En mi personaje es algo que le sale innato.

La serie habla del poder que tenemos cada uno sobre nuestros actos y la gestión de nuestros

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Hay un punto de egoísmo innato en el ser humano. Aunque me gusta creer que se puede trabajar.

MW: ¿Has conseguido verte identificado en esa adolescencia que vemos en ‘La edad de la ira’?

Daniel Cabrera: Sí, de forma muy cruda, sí. Por ejemplo, igual, a la banalización de temas. Muchas veces la gente que tiene algo que aportar es la que se queda callada y la gente que no tiene ni idea habla por hablar.

MW: ¿Has redescubierto, en cierta medida, la adolescencia?

Daniel Cabrera: No me acuerdo mucho de la mía personalmente, pero me ha dejado un buen sabor de boca eso de volver a un sitio que quizá no ha sido el mejor de mi vida. He podido verlo con otros ojos y con otra luz.

MW: ¿Qué es para ti la amistad?

Daniel Cabrera: Un aliado. Mis amigos y mis amigas son un aliado con todo lo que ello implica.

Sabes que te va a cubrir las espaldas.

··· Quizá la amistad sea tan reconfortante porque te ofrece la seguridad de no caer, haya la tormenta que haya. La tabla de salvación que te ayudará a recomponer cada trozo interno que se haya ido despegando con el paso del tiempo, las piedras del camino…los errores sufridos o los errores provocados.

Vestido, de Forever21.

Camisa, de Pull&Bear. mewmagazine.es 91

REPORTAJE

Chaleco, de COS.

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Sudadera, de Bershka. Pantalón, de Zara. Calzado, de Dr. Martens. mewmagazine.es 93

SERIES

‘ALBA’ LLEGA A LAS NOCHES DEL PRIME TIME Elena Rivera encabeza el reparto de ‘Alba’, conformado por Eric Masip, Álvaro Rico, Adriana Ozores, Pol Hermoso, Jason Fernández, Beatriz Segura, Miquel Fernández, Ana Wagner, Tito Valverde o Pepa Gracia, entre otros. por MIKEL MONTERO / fotografías ©A3 Comunicación

I

nspirada en la exitosa ‘Fatmagül’, ‘Alba’ es un drama emocional cuyo punto de partida es la violación múltiple de una joven que luchará contra la rica y poderosa familia de sus agresores por hacer justicia

Alba es una joven sin miedo. Sin embargo, tras volver a su pueblo por vacaciones, una prometedora noche de fiesta se tiñe de tragedia cuando un grupo de chicos la agrede sexualmente. Al día siguiente, se despierta desnuda en la playa.

Un año antes, cuando dejó atrás su previsible vida, no podía imaginar que en la gran capital se reencontraría con Bruno, su vecino de siempre y por el que jamás se había interesado. Lo que separados por una simple calle nunca sucedió, se hace posible en una ciudad de cuatro millones de habitantes.

En un encuentro casual, tan improbable como mágico, Alba y Bruno se enamoran perdidamente. Nada podía separarles. Hasta esa noche fatídica.

Inexplicablemente, tres de los cuatro agresores, son los mejores amigos de Bruno. Pero cuando Alba descubre la identidad del cuarto hombre, el final de la pesadilla es, en realidad, el principio.

Una de las señas distintivas del sello Series Atresmedia es la

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gran apuesta por dar espectacularidad a los escenarios que acogen los rodajes de las ficciones y desplazarse a los lugares idóneos que muestren de la manera más realista posible el contexto de la serie.

En este caso, ‘Alba’ ha contado con unos exteriores de lujo como son Villajoyosa, Benidorm y Finestrat, tres localidades de la Costa Blanca que se han convertido en grandes protagonistas de la serie por su belleza natural rodeadas de mar, color, buen clima y mucha tradición.

Entre las localizaciones mediterráneas en las que se ha llevado a cabo las grabaciones de esta nueva serie de Antena 3 destacan: La Playa de Bol Nou, el paseo marítimo y la playa centro de Villajoyosa o los acantilados del parque natural Serra Gelada de Benidorm.

En los próximos meses llegarán numerosas nuevas producciones que seguirán completando el gran catálogo que tienen preparado tanto Antena 3 como ATRESplayer PREMIUM: ‘La ruta’, ‘La novia gitana’, ‘Dos años y un día’, ‘Cristo y Rey’, ‘Las noches de Tefía’, ‘Zorras’, ‘Camilo Superstar’, ‘Ana &’, ‘UPA Next’,…

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EN CONTRAPORTADA

ABRAZANDO

LO DIFERENTE

Erik Hayser, da vida al enigmático Esteban Solares dentro de ‘Oscuro Deseo’, el thriller noir que destila sexo, misterio e intriga y que desde hace varias semanas está de vuelta con segunda entrega cargada de tentaciones y un gran puñado de anheladas expectativas. El actor internacional analiza con nosotros su característico, emblemático y sombrío personaje. Un tipo que habita, se esconde y se abraza al deseo y a la traición cargado de venganza.

Un personaje que ha sido un delicioso reto, capaz de hacerte desear estar fuera de la zona de confort por mucho tiempo.

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H a y s k i er r E

fotografía ALEX SALINAS / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo ANITA DEL REY

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EN CONTRAPORTADA

PERSONAJE

DE RETO

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Me gusta pensar que mi trabajo es una extensión de cada una de las cosas que quiero decir.

MEW Magazine (MW): ¿Lo que más te atrae de tu oficio?

Erik Hayser: La posibilidad de adentrarse en la piel de personajes, situaciones e historias que están completamente fuera de mi realidad. El regalo de vivir cosas extraordinarias.

Así mismo disfruto también el poder compartir lo que soy y lo que quiero decir a través de mis personajes. Me gusta pensar que mi trabajo es una extensión de cada una de las cosas que quiero decir desde lo más profundo de mi alma.

MW: ¿Y lo más complejo del oficio?

Erik Hayser: Una de las cosas más complejas y difíciles es que esta es una carrera de resistencia en la cual uno tiene que lidiar con el rechazo y las críticas constantemente.

Hay que tener la certeza del camino elegido para sobrevivir a esta profesión. Personalmente, no la cambiaría por nada del mundo.

MW: ¿Qué te ha dado a nivel profesional y personal ‘Oscuro deseo’?

Erik Hayser: Profesionalmente es, sin lugar a duda, el proyecto de mayor exposición a nivel mundial en el que he participado. Está abriendo puertas para llevar mi trabajo a lugares a los que nunca imaginé. Y personalmente es el personaje que más he disfrutado.

Me hizo ver un poco de lo mucho que aún tengo por crear.

··· La segunda entrega y temporada final de ‘Oscuro deseo’ llegó a Netflix el pasado 2 de febrero. ‘Oscuro deseo’ está creada y escrita por Leticia López Margalli, dirigida por Pitipol Ybarra y Kenya Márquez y protagonizada por Maite Perroni, Alejandro Speitzer, Erik Hayser, Jorge Poza, Catherine Siachoque, Arturo Barba, Regina Pavón y Ariana Saavedra.

En esta segunda entrega somos testigo de encuentros explosivos y una sorpresiva tragedia serán el detonador para un nuevo e inquietante juego de espejos y giros inesperados. Esteban (Erik Hayser) es uno de esos

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‘‘

REPORTAJE

Me quedé con muchas ganas de conocerlo aún más. personajes tremendamente demoledores y que convierten la historia en algo completamente diferente.

Sobre ello nos detenemos para analizarlo con el actor que le da vida. ··· MW: ¿Lo más duro a la hora de construir a Esteban?

Erik Hayser: La oscuridad, las carencias y los resentimientos son el pilar en la construcción de este personaje. Navegar alrededor de ello mientras iba bordando al personaje fue duro y agotador por momentos, pero sin duda también fue el proceso de creación de personaje más deliciosos de mi vida.

Ahhh… creo que lo más duro también fue el dolor de cadera producto de estar cojeando todo el día con el bastón….

MW: ¿Y lo más sencillo?

Erik Hayser: Haber estado rodeado de director@s y de un equipo creativo maravillosos que me cobijó y me acompañó de la mano en la creación de Esteban.

Mis compañer@s fueron mi brújula y mi norte.

MW: ¿Es importante que los personajes nos reten?

Erik Hayser: Para mí no solo es importante, es fundamental. No concibo la idea de interpretar

a un personaje al que no considere un verdadero reto.

MW: ¿Qué hay dentro de la personalidad de Esteban que más llama tu atención?

Erik Hayser: Una de las cosas que me llaman mucho la atención de este personaje es que nunca se cuándo está mintiendo y cuándo dice la verdad…

Construir bajo esta premisa fue muy entretenido.

MW: ¿Qué parte de tu personalidad crees que hubiese encajado bien con Esteban y que no tiene?

Erik Hayser: Quizá le habría sugerido que tomara un mejor whisky…

MW: ¿Qué has descubierto de Esteban en esta segunda temporada?

Erik Hayser: Que más fácil cae un hablador que un cojo… y que nada es lo que parece…

MW: Si Erik fuese amigo de Esteban, ¿qué le hubiese aconsejado dentro de la primera temporada? ¿Y en la segunda?

Erik Hayser: Yo le hubiera dado un abrazo y le habría brindado mi amistad. Creo que una relación afectiva y un abrazo a tiempo lo hubieran alejado del psicópata que es.

MW: ¿Qué has descubierto de ti gracias a dar vida a Esteban?

Erik Hayser: Que en verdad y sin que suene a frase hecha, voy a conseguir cada una de las cosas que me proponga.

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EN CONTRAPORTADA

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MW: ¿Esteban es de esos personajes que uno desea hacer a lo largo de su trayectoria?

Erik Hayser: Si, me encantaría que la vida me diera el regalo de seguirlo explorando. Me quedé con muchas ganas de conocerlo aún más.

MW: ¿Qué tiene ‘Oscuro deseo’ para llegar tanto y tan bien al público?

Erik Hayser: Me parece que tiene elementos claves para entretener a un público muy amplio: Sensualidad, erotismo, sexo, acción, drama, suspenso… elementos que conectan, sorprenden y por sobre todas las cosas, entretienen.

MW: ¿Qué es lo que más aprecias dentro de un personaje?

Erik Hayser: Que durante la historia vaya cambiando. Que sea tridimensional y que siempre deje lugares hacia donde seguirlo explorando.

MW: Descríbete en una emoción…

Erik Hayser: Alegría.

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TEATRO

ANTONIO DE LA TORRE, EL ACTOR DE LA VERDAD

los intérpretes siempre debe-

rían ir en busca de la verdad. transmitir eso, verdad o

realismo, debería ser siempre

el objetivo. porque serán esas

cualidades las que convertirán una buena interpretación en

una interpretación sublime. y

es justo la falta de estos dos elementos la que hace que

muchos actores y actrices se

queden a un paso de la gloria o, no vayamos a pecar de

hiperbólicos, del reconocimiento. en el caso de antonio de la torre, a estas alturas (y desde hace mucho tiempo), parece claro que la verdad es su

mejor compañera de viaje.

por ROSA SURIA / fotografías ©SEDA

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El pasado mes de febrero, alguien me hizo un regalo que no esperaba.

Acostumbrados a ver a los actores y las actrices que admiramos con una pantalla de por medio, es casi místico disfrutar de sus interpretaciones en directo, sin más distancia que unos metros prudenciales que simplemente nos permiten tener una mejor visión. La hora larga de duración de ‘Un hombre de paso’ se me pasó, valga la redundancia, en un suspiro. La viví intensamente, como un niño cuando va por primera vez a un parque temático, fijándose en cada detalle para no perderse nada.

Pero ese carácter místico estaba ahí, otorgándole cierto tono onírico a la situación. O más bien a mis recuerdos.

Pero sensaciones oníricas aparte, lo que saqué en claro de ‘Un hombre de paso’, además de que el horror nunca debería ignorarse ni repetirse (ya podría tomar nota Putin), es que lo de Antonio de la Torre es de otro mundo. Con una pantalla de por medio, realización, montaje y post-producción, es un maestro de la interpretación. Pero sin nada entre

medias, con un paraguas y un puro, el pelo engominado hacia atrás y la inquietud de quien se sabe culpable pero no quiere admitirlo, también lo es.

No tengo pensado entrar en lo que ha dicho la crítica. Lo bueno del arte es que cada uno lo podemos percibir de una manera o de otra. Y ninguna opinión es correcta. Salí de las Naves del Español pensando en muchas cosas y repitiéndome constantemente, como si de un mantra se tratase, un “qué natural es Antonio”. Y vaya si lo es. Con tartamudeos, trabadas e improvisaciones

incluidas clava un personaje que provocó en mí lo que creo que buscaba provocar: rechazo, frialdad, incredulidad. Muchas veces, en el teatro se tiende a aquello de lo que estaba pecando yo antes, a la hipérbole. Y eso aporta intensidad a la obra y a los personajes, pero le resta credibilidad. Antonio de la Torre, en ‘Un hombre de paso’, hace la apuesta contraria. Y, conmigo, funciona.

Todo esto me llevó a desarrollar un pensamiento más amplio. ¿Qué es lo que diferencia al malagueño del resto de actores? La clave está

en lo que ví en la obra dirigida por Manuel Martín Cuenca: la naturalidad. La verdad. Antonio de la Torre interpreta, pero más bien es. Se transforma en sus personajes, los llena de vida y nos cuenta su historia. Conectando de manera directa con los orígenes de su profesión, con esos juglares o contadores de historias que daban voz a numerosos personajes, a incontables leyendas, para llegar de manera directa a grandes audiencias, que regresaban a casa encantadas, con la sensación de haber formado parte de algo grande, como de un sueño, con cierto carácter

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TEATRO

onírico.

Antonio de la Torre es un contador de historias de los de antaño, que no sólo pone voz a sus personajes, sino también alma. Y lo hace con aquellos que le permiten brillar más, como puede ser un Mujica en ‘La noche de 12 años’ o Higinio en ‘La trinchera infinita’. Pero también con otros muchos, en los que su naturalidad es la que termina convirtiendo sus interpretaciones (y a esos personajes) en sublimes. Una eterna lista que podría comenzar con Manuel en ‘El Reino’, continuar con Velarde en ‘Que Dios nos perdone’ o Jose en ‘Tarde para la ira’ y finalizar con personajes como Adán en ‘La gran familia española’ o Bachi (sí, el borrachi) en ‘Primos’. Todos ellos tienen algo en común: una verdad que traspasa la pantalla.

Siempre había considerado que, como me resulta evidente, esta verdad surge de un talento orgánico para la actuación. Y así es. Pero nunca había llegado a imaginar que ese talento se pudiera palpar durante algo más de una hora. Que se podría sentir en una respiración entrecortada, en un titubeo o en una palabra improvisada delante de una audiencia anónima. Nunca me había parado a pensar que en un suspiro, que en el cine paso por alto, pudiese encontrar la esencia de un personaje. O a la persona que hay detrás de ese término que muchas veces, inintencionadamente, resta humanidad al sujeto.

Precisamente humanidad no encontré demasiada en un Maurice Rossel algo atormentado, pero que hace mucho tiempo se creyó su mentira.

Sí encontré una verdad que erizó mi piel y me obligó a sentarme nada más salir del teatro, en

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un banco de piedra, con el aire frío de Madrid en febrero chocando contra mi rostro, asimilando lo que acababa de ver y, sobre todo, lo que acababa de sentir. Algo así debían sentir los que se acercaban a los juglares, a los contadores de historias, alejándose momentáneamente de su realidad para viajar a otras, muy lejanas. Aquellos que conocieron a los primeros magos de vidas, de historias, de personas, capaces de transmitir todo con una mirada, con una respiración o con una palabra aparentemente inocente.

veces ha nacido, se ha enamorado, ha sufrido la pérdida más absoluta, se ha sentido cargado de dicha o roto por dentro? ¿Cuántas veces tuvo que ser Rossel y hacerse las preguntas que él mismo se haría antes de subirse a las tablas y encender el primer puro? La magia de la interpretación está, supongo, en no saberlo y no pensarlo. Sólo observar y dejarse llevar por el carácter místico del arte y de los contadores de historias.

Esos mismos que, como Antonio de la Torre, no dudan a la hora de vivir todas esas vidas, algunas maravillosas y otras terriblemente duras, para que los demás las disfrutemos a través de sus rostros, sus cuerpos, sus voces y sus ojos. ¿Cuánto ha tenido que sentir a cada uno de esos personajes para entregárnoslos con tanta verdad? ¿Cuántas

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REPORTAJE

FELA

DOMÍNGUEZ

Confianza, disciplina Confianza, y amor fotografía CHINO LEMUS / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo “FONSSO” ALFONSO SÁNCHEZA / maquillaje ANDY ALEXIS / peluquería JORGE RAMIREZ

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José el Soñador’ regresó a los teatros de México, este exitoso musical de Broadway viene esta vez protagonizado por Carlos Rivera, Fela Domínguez y Kalimba. Hablamos con la actriz del oficio y de la música, del camino realizado y de las oportunidades vividas. De como cada paso que una da siempre tiene un buen puñado de aprendizaje detrás. “Me encanta el viaje que voy haciendo. Siento que ha sido paso a paso, pero firme. Y he disfrutado cada cosa, cada caída… ¡Cada triunfo!”

como esclavo y llegar hasta Egipto, donde con el paso del tiempo acabó perdonando y viviendo en plenitud. Espectacular obra para toda la familia creada por Tim Rice y Andrew Lloyd Webber, autores de ‘Jesucristo Súper Estrella’ y ‘Evita’. ··· MW: ¿Qué hay de mágico en un musical?

Fela Domínguez: La magia de poder conectar con la gente todos los días con una misma historia. Aunque la historia es la misma el público cambia y eso hace que todo se vuelva mágico.

MW: ¿Cuál crees que es la base principal para que un musical llegue y enganche al público?

Fela Domínguez: La honestidad con la cual abordamos cada uno su personaje.

MEW Magazine (MW: ¿Quién crees que eres gracias a tu oficio?

Fela Domínguez: Soy una mujer que sabe perfectamente lo que quiere y lo que no quiere.

MW: ¿Qué has descubierto de ti gracias a la música?

Fela Domínguez: He descubierto que no hay nada imposible, y que aún cuando estás apunto de tirar la toalla, la música me llena de una fuerza sobrenatural para seguir.

MW: ¿Y gracias a la interpretación?

Fela Domínguez: Por medio de la interpretación me di cuenta que soy capaz de poder transformarse sin perder mi esencia. Que el arte no tiene límites.

MW: ¿Cómo llega a tus manos ‘José el Soñador’?

Fela Domínguez: Llega por medio de una llamada para invitarme a las audiciones de ‘José el Soñador’, y ahí empezó todo el trabajo de preparación para mandar el video a Londres.

" PUEDO ESTAR PASANDO POR ÉL PEOR MOMENTO, Y LA MÚSICA JAMÁS ME ABANDONA

MW: ¿Recuerdas cómo comenzaste a preparar este proyecto y el personaje?

Fela Domínguez: ¡Sí! Fueron 3 meses intensos de investigación sobre el personaje, aprenderse el repertorio, el cual es inmenso. Y muchas horas compartiendo con esta increíble compañía hasta lograr que el personaje sea natural.

MW: ¿Qué hay de diferente dentro de ‘José el Soñador’?

Fela Domínguez: ¡La combinación exacta de lo tecnológico con la parte teatral! ¡El despliegue escénico es alucinante! ¡Logrando un espectáculo nunca antes visto!

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MW: ¿Una debe de beber de la energía del público cuando está sobre el escenario?

Fela Domínguez: Creo que más bien es una retroalimentación. Ambos, el público y el artista en escena, compartimos energías indispensables para que todo se pueda llevar a cabo.

MW: ¿Se aprende a leer al público? ¿A saber si en ese momento se está llegando a ellos o no?

Fela Domínguez: ¡Muchas veces, sí! Por la euforia de los gritos o las lágrimas. Incluso las risas. Pero otras no, ya que un público callado no significa que no esté disfrutando.

MW: ¿Qué personaje crees que te ha abrazado más el corazón y por qué?

Fela Domínguez: Creo que cada uno de los personajes que he hecho me han abrazado a su manera y me han marcado de por vida dándome cosas que jamás podré desechar. Cómo la confianza en mí misma, la disciplina y el amor por los míos.

MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace?

Fela Domínguez: La música me sana, es como si fuera mi oxigeno.

Cuando canto, ¡todo está bien! Puedo estar pasando por él peor momento, y la música jamás me abandona.

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MW: ¿Te gusta el viaje profesional que vas dibujando proyecto a proyecto?

Fela Domínguez: Me encanta el viaje que voy haciendo.

Siento que ha sido paso a paso, pero firme. Y he disfrutado cada cosa, cada caída… ¡Cada triunfo!

Un clásico de la comedia musical que recrea la historia de José, uno de los hijos de Jacob, que tenía el don de predecir el futuro a través de los sueños. La envidia que despertó en sus hermanos lo llevó a ser vendido

MW: ¿Cómo es ser amiga/amigo de Fela Domínguez?

Fela Domínguez: Eso tendrías que preguntárselo a mis amigos…

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TEATRO

Teatralia: 10 montajes internacionales subrayan el alcance y variedad de propuestas escénicas SE HAN PROGRAMADO OBRAS DE OCHO PAÍSES: CANADÁ, CHILE, BRASIL, REPÚBLICA DE COREA, REPÚBLICA CHECA, BÉLGICA, REINO UNIDO Y NORUEGA por M. VALVERDE

En su edición número 26, el festival recupera las estupendas producciones de fuera de Europa que no pudieron acudir a la edición de 2021 a causa de la pandemia. Son Doodle Pop, de Corea del Sur, que llega a Teatralia con la colaboración del Centro Cultural Coreano; Depois do silêncio, de Brasil; Cyclo, de Chile; y Glob, Not quite midnight (Casi medianoche), Une lune entre deux maisons (Una luna entre dos casas) y Don Qui Quoi!?! (Don Qui ¡¿¡Qué!?!) de Canadá, con la colaboración de la Embajada de Canadá en España.

Diez espectáculos internacionales muestran el alcance y la variedad de las propuestas escénicas de Teatralia, el Festival Internacional de Artes Escénicas para todos los públicos, que se celebra en la Comunidad de Madrid entre el 4 y el 27 de marzo.

Junto a una selección de quince de los mejores montajes españoles, Teatralia se ha preocupado de mostrar distintos enfoques escénicos para el público familiar que se llevan a cabo más allá de nuestras fronteras.

En su edición número 26, el festival

©Gabriel Talbot, Andre Chevrier, Alex Guillaume

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recupera las estupendas producciones de fuera de Europa que no pudieron acudir a la edición de 2021 a causa de la pandemia.

Son Doodle Pop, de Corea del Sur, que llega a Teatralia con la colaboración del Centro Cultural Coreano; Depois do silêncio, de Brasil; Cyclo, de Chile; y Glob, Not quite midnight (Casi medianoche), Une lune entre deux maisons (Una luna entre dos casas) y Don Qui Quoi!?! (Don Qui ¡¿¡Qué!?!) de Canadá, con la colaboración de la Embajada de Canadá en España.

Esta presencia internacional de

ocho países de tres continentes distintos, se completa con los montajes europeos Thelonius, de Bélgica; Yana and the Yeti, del Reino Unido y Noruega; y La historia

que se nos olvida, de la República Checa.

Canadá es el país que aporta el mayor número de espectáculos internacionales, una exigente y representativa selección de la escena canadiense, entre la que figura uno de los momentos más esperados del festival: la representación de Une lune entre deux maisons (Una luna entre dos casas), la obra fundadora del teatro para la primera infancia en la provincia de Quebec. Escrita por Suzanne Lebeau y producida por Le Carrousel, relata la amistad entre dos niños de caracteres diferentes.

En otra de las producciones canadienses, Don Qui Quoi!?!, DinamO Théâtre y Théâtre de la Petite Marée rescatan al personaje de Sancho Panza de la novela cervantina y lo trasladan al tiempo actual.

Y en Glob, de Les Foutoukours, Rémi Jacques y Jean-Félix Bélanger, dos maestros de las artes del payaso, vuelcan su inspira-

ción en una historia de amistad entre dos seres mudos, que se relacionan jugando, haciendo equilibrismo, acrobacias, tocando música y bailando. Cierra el cuarteto de obras canadienses Not quite midnight (Casi medianoche), una versión en danza del cuento de Cenicienta, coreografiada por Hélène Blackburn, fundadora de la compañía Cas Public. La obra subraya la idea de superación para alcanzar un estado de plenitud, a la vez que reconsidera el modelo femenino de Cenicienta.

De Europa proceden tres montajes. La historia que se nos olvida, de Teatro de Pavel Šmíd, relata con marionetas la lucha entre el bien y el mal. La producción de Pickled Image y Nordland Visual Theatre, Yana and the Yeti, recurre también a las marionetas para narrar la relación entre una niña y un monstruo, que entablan una amistad a pesar de sus diferencias.

Por último, la compañía belga Zonzo Compagnie aborda el universo musical

del pianista de jazz estadounidense Thelonious Monk en Thelonius. Protagonizada por el trío De Beren Gieren (un pianista interpretando el personaje de Monk, un contrabajista y un baterista), la formación recrea con humor piezas del artista en un escenario que remite a la ciudad de Nueva York, donde el joven músico descubrió su fascinación por el piano viendo tocar a su hermana.

La compañía chilena Aranwa presentará Cyclo, un espectáculo de danzas y músicas latinoamericanas que constituye una exaltación de la naturaleza, y sus ciclos, como fuente de vida.

De Brasil llega Depois do silêncio, de Os Buriti. Basada en una historia real, une danza, teatro y lengua de signos para narrar la experiencia de una joven ciega y sorda, a la que una profesora enseña el lenguaje de signos con el que comunicarse con el mundo exterior. El montaje incorpora a una actriz sorda, como un ejemplo de un teatro que apuesta por la integración de intérpretes con discapacidad o alteraciones sensoriales, como en este caso.

Por último, la representación asiática la asume la sorprendente Doodle Pop, de BRUSH Theatre LLC, de Corea del Sur, cuyos dos personajes dibujan en una gran pantalla digital la odisea de una tortuga que anhela regresar al mar.

©BRUSH Theatre

©Adam DJ Laity

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LITERATURA

‘VELOCIDAD MÍNIMA’ EN 11 FICCIONES Once ficciones que Paco Bezerra ha escrito a lo largo de los últimos veinte años.

por M. VALVERDE / fotografías ©Nostromo Comunicación

n ‘Velocidad Mínima’ se reúnen por primera vez las once ficciones que Paco Bezerra ha escrito a lo largo de los últimos veinte años.

Contra todo pronóstico, obtuvo el Premio Nacional de Literatura Dramática por Dentro de la tierra, con apenas 31 años, siendo así el autor más joven en recibir este galardón.

e

Paco Bezerra (Almería, 1978) abandona los estudios en el año 1997 y viaja a Madrid, apenas con el graduado escolar, para formarse en Interpretación en el Laboratorio de Teatro William Layton y en Dramaturgia en la Resad. Una vez licenciado, se muda a París donde comienza a escribir Dentro de la tierra, Premio Nacional de Literatura Dramática 2009, convirtiéndose en el único autor que lo consigue sin un estreno en su haber. Sin embargo, de 2011, que estrena por primera vez, hasta 2022, publicación de este libro, su obra se ha estrenado en diecisiete países de todo el mundo.

Ha recibido varios premios: el Cal-

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derón de la Barca (2007), accésit del Lope de Vega (2009), premio Eurodram (2014), premio GETEA de Buenos Aires (2018), y premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela (2021), entre otros. Sus textos se han traducido a una decena de idiomas.

La singularidad de ‘Velocidad Mínima’ reside en que nos encontramos con un «libro de vida», en que cada obra es un capítulo con una pregunta específica sobre una idea, un enigma, una violencia. Desde la asombrosa Ventaquemada hasta su último texto –hasta la fecha– tan salvaje como impredecible, Muero porque no muero, sobre la figura de Teresa de Jesús, cada pieza desvela una problemática de la sociedad contemporánea, ya sea para hablar del ciberacoso sexual a menores o revisitar la figura de la femme fatale o empatizar, desde una mirada actual, con el dolor de Fedra o el de Edipo, sin temor a adentrarse en lugares incómodos. Cada lectura revelará un desplazamiento a una zona incierta en donde cada cual habrá de buscar y encontrar de nuevo su sitio.

Escritura espaciosa trazada con cuidado para invocar al pensamiento, animar a la duda y así detenerse a reflexionar.

El teatro, según el autor, vendrá después.

¿QUÉ OBRAS INTEGRAN ‘VELOCIDAD MÍNIMA’?

‘Ventaquemada’ (2003) es un texto complejo, oscuro y escabroso. Peculiar en todas sus formas, pues está exento de acotaciones. Fue llevada a escena por Nacho Sevilla en una alabada representación realizada en los desaparecidos sótanos de la RESAD. ‘Dentro de la tierra’ (2007) se encuadra en la España rural, en un mar de plástico almeriense. Un historia donde la realidad confluye con lo onírico, y presenta unos invernaderos que esconden algo más que tomates. La obra mereció el Premio Nacional de Teatro Calderón de la Barca 2007, junto al Premio Nacional de Literatura Dramática 2009. Fue estrenada en el Centro Drámatico Nacional (CDN) bajo la dirección de Luis Luque.

‘Grooming’ (2009) indaga en la veracidad de las relaciones digitales y muestra una preocupación por el ciberacoso sexual. Recibió la Mención de Honor del Jurado del Premio de Teatro Lope de Vega 2009. Fue estrenada en Teatro de la Abadía bajo la dirección de José Luis Gómez. Será versionada en la gran pantalla por el cineasta Pablo Maqueda.

‘La escuela de la desobediencia’ (2011). Dramaturgia a partir de las novelas Ragionamenti de Pietro Aretino y L´École des filles ou la Philosophie des dames (atribuida a Michel Millot). En esta obra se reflexiona sobre las implicaciones de la supuesta-impuesta moral femenina y de la expresión del deseo. Fue estrenada en Teatro Salón Cervantes bajo la dirección de Luis Luque.

‘Ahora empiezan las vacaciones’ (2012). Dramaturgia a partir de El pelícano de A. Strindberg. Se trata de un texto potente que muestra una tragedia doméstica: una madre que engaña a sus hijos y los mantiene desnutridos. Fue estrenada en La casa de la portera bajo la dirección

de Luis Luque.

‘El señor Ye ama los dragones’ (2013) es un probervio popular chino que sirve a Bezerra para tratar un tema tan actual como el miedo a la verdad. Fue estrenada en Naves del Español del Teatro Español bajo la dirección de Luis Luque y nominada al premio Max al mejor autor en 2016.

‘El pequeño poni’ (2016) está basada en el acoso escolar que sufrieron dos niños en Carolina del Norte. Se trata de un relato en el que una mochila de My Little Pony revela oscuras y tristes realidades mantenidas anteriormente bajo un tenue velo. Fue estrenada en Teatro Salón Cervantes, con dirección de escena de Luis Luque, y nominada al Premio Valle-Inclán de Teatro 2017.

‘Lulú’ (2017) es un thriller rural que trata de revertir el mito de la “femme fatale” o, al menos, sembrar la duda sobre su figura. Fue estrenada en Teatro Salón Cervantes con dirección de escena de Luis Luque.

‘Fedra’ (2018) es una mujer torturada por sentir una pasión terrible e inmoral. Una obra que pone el interrogante sobre la institucionalidad del deseo o la plena libertad del mismo. Fue estrenada en Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con dirección de escena de Luis Luque. Recibió el Premio Cerino al Mejor Autor de la 64º Edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

‘Edipo (A través de las llamas)’ (2021) es, en este caso, un Edipo metafísico y fantasmagórico que busca una salida a la pesadilla en la que se encuentra. Mientras, Edipo expone un sinfín de cuestiones exitencialistas que sobrevuelan la propia realidad. Fue estrenada en Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida con dirección de Luis Luque.

‘Muero porque no muero’ (La vida doble de Teresa) (2021) cuenta la vuelta a la vida de Teresa de Jesús 500 años después de su fallecimiento. El texto ha sido galargonado con el XXX Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela.

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LIFESTYLE

MUMUAR FEST 2022 DONDE EL ARTE TIENE NOMBRE DE MUJER.

por M. VALVERDE fotografía del cartel LINA AVILA

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MUMUAR Fest 2022, Muestra de Mujeres Artistas, vuelve con fuerza este 2022. Un evento pensado como espacio abierto común lleno de inquietudes, de sensibilización y de diálogo en el que mujeres artistas consagradas y emergentes tienen la oportunidad de visibilizar su ARTE a través de multitud de manifestaciones como el cine, la poesía, la pintura, la escultura, la performance, la literatura o la música en vivo. Todo un festival artístico repartido en 7 escenarios diferentes de la capital madrileña.

MUMUAR Fest nació en 2019 con la necesidad de visualizar y empoderar a

mujeres artistas emergentes, de crear redes y ayudarlas y darlas a conocer. En la primera de las ediciones se llegó a medio centenar de artistas y, para este año, se acercan al centenar dejando entrever el potencial de las mujeres en las artes. Esta vuelta a la actividad tras el parón por la pandemia, además de tocar el tema de la igualdad, busca que muchas de las obras hablen en femenino sobre el Cambio Climático y se muestre cómo las mujeres artistas son también parte importante para concienciar a la sociedad en este campo.

MUMUAR Fest ofrecerá un abanico de

MUMUAR Fest quiere convertirse en un referente anual del arte realizado por las mujeres en todos sus campos con una continuidad en próximos años y cuenta con el apoyo de personas que apuestan por este evento porque creen en la discriminación positiva, la cultura y en el trabajo de la mujer.

ARTE para todos los gustos: conciertos, sesiones cinematográficas, recitales poéticos y cuentacuentos, pelea de raperas, talleres para toda la familia, coloquios, exposiciones… Porque todo cabe en esta Muestra de Mujeres Artistas. Los nombres emergentes estarán acompañados y amadrinados por mujeres ya consagradas en sus disciplinas como Marga Clark, Pía Tedesco, Ágatha Ruiz de la Prada, Sista Cheka, Tina Olivares, Laura Victoria Valencia, Candela Muniozgurien o Lisa Fracchia, entre otras.

El Espacio Rastro Madrid será el escenario central donde se celebrará este año la mayoría de las actividades de MUMUAR Fest. Entre ellas, la exposición colectiva “Mujeres muestran su visión del Cambio Climático” que reúne medio centenar de inquietudes artísticas de más de treintena mujeres de todas las edades y distintas nacionalidades y donde podrán verse

esculturas, pinturas, fotografías, collage, maniquíes y complementos de moda, videoclips, entre otras manifestaciones estéticas. Un Jurado de Selección bien nutrido de científicos que trabajan por el Cambio Climático se ha encargado de la selección, entre los casi 150 trabajos recibidos, para formar parte de esta exposición y donde se ha valorado la implicación de la obra con el Cambio Climático.

La ambientación musical de la muestra correrá a cargo del proyecto Generando Igualdad, y su disco VIVE, proyecto en el que grandes artistas del panorama musical como Rozalen, La Mari de Chambao u Olga Román, entre otras, cantan y relatan situaciones reales de violencia sufrida por las mujeres.

Otra las exposiciones que se ha unido a MUMUAR Fest es el proyecto artístico Por las Nubes realizado por niñas de

1º de la ESO del Colegio Público José García de Mende, en Ourense. Dibujos que representan nubes que previamente fueron observadas y dibujadas con mucha atención por dos motivos: su belleza y la importancia que tienen como componentes de la atmósfera, esa parte del planeta que tanto interesa. El placer de mirar a lo lejos.

La música será otro de los pilares importantes de MUMUAR Fest y su día será el sábado. Uno de los platos fuertes será la Pelea de Raperas que tendrá lugar el sábado a las 19.30h. Una curiosa competición de rap e improvisación con varias jóvenes cantantes raperas emergentes y que actuarán e improvisarán tras otras artistas como Noelia La Negri -única cantaora de flamenco que toca la percusión- Mimi Barbz o Sista Cheka.

©Sandra del Toral

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