MEW Magazine - MAYO 2021 - Alice Wonder

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Magazine MADRID · BARCELONA (ESPAÑA) mewmagazine@mewmagazine.es www.mewmagazine.es P. GUERGUÉ DIRECTORA mewmagazine@mewmagazine.es DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA & DISEÑO Ana Márkez amarkez@mewmagazine.es

COMUNICACIÓN & MARKETING Itziar Monge imonge@mewmagazine.es

REDACCIÓN Rosa Suria & Judith Torquemada

PUBLICIDAD & SPONSOR Javier Amaro jamaro@mewmagazine.es

MODA Y CREATIVIDAD Jairo Villada / Lorena Pacheco

Redacción: Yurena Guerra / Paloma Escudero / Álex Delgado / María Rodríguez / Nuria Arévalo / María P. Pinto / Mikel Montero / Enrique Sancho

AGRADECIMIENTOS Sonde3 Producciones / Josi Cortés Comunicación / Asi Desastre / Infarto Producciones Cristina Chaparro Management / Mayte Ortega Manager / La portería de Jorge Juan Cram Talent / Warner Music / ONErpm / Movistar + / Netflix / HBO / Amazon Prime Video Disney + / Media Pro / Antena 3 / Agencia Jaque / Mediaset /

DEPÓSITO LEGAL MEW Magazine pone en su conocimiento que los artículos que se publican en la revista, así como la imagen, sea de índole personal y/o mercantil, que se reproduce en la misma, queda protegida jurídicamente frente a terceros en aplicación de la normativa sobre propiedad industrial e intelectual. En este sentido, se informa específicamente acerca de la prohibición de reproducción parcial o total del contenido, para su posterior difusión pública y/o explotación propia. mewmagazine.es 5

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Carta de la directora

La constancia y los sueños, esa unión que muy poca gente asume y comprende.

Pero que es tan certera como que, a día de hoy, sale el sol por las mañanas. Porque no hay nada que llegue a tu vida sin una buena dosis de constancia y unas pocas gotas de perseverancia. Una lucha diaria que puede llevarte al desgaste más absoluto y al deseo de tirar la toalla, quizá, cuando más cerca estás de alcanzarlo. Porque hay quienes dicen que la vida siempre te pone a prueba para saber si de verdad aquello que deseas, lo deseas tanto como dices. Y que te lleva al más absoluto límite. Por el miedo a que lo obtengas y no merezca la pena lo que realices posteriormente. Y aunque parezca una locura, hay mucha verdad ahí. Y es que si no eres capaz de ofrecer lo mejor de ti tras un desgaste absoluto, es mejor que tu sueño o tu deseo, lo dejes aparcado en ese baúl de los recuerdos. Porque al obtenerlo el camino no va a ser mucho más fácil. No te equivoques. El camino será

igual de complejo o más. Tu sueño te pedirá más esfuerzo y muchas menos horas de sueño. Más calidad y más sorpresa.

Ser original. Ofrecer siempre aquello que nunca ofrecerás a los demás. Es decir, la confirmación de que aquí has venido para hacer algo distinto porque para hacer lo mismo que ya existe, es mejor que te dediques a trabajar en el sueño de otro.

La constancia y los sueños son un matrimonio que no admite separación alguna.

Y que muy poca gente quiere aceptar.

Pero es indisoluble. Y estamos condenados a asimilarlo. Que es algo que los artistas que han pasado por nuestras editoriales lo han integrado a su día a día. Y la paciencia. La paciencia también suele ser importante. Además de saber entender en qué momento del camino has de soltar amarras para no seguir aferrados a esas personas que, lamentablemente, solo quieren llevarte a la deriva.

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8 MAYO 2021 · MW

60 · Alice Wonder

Que se joda todo lo demás.

28 · Love Of Lesbian

El futuro de la música en directo.

30 · Tu Otra Bonita

Un camino hecho a base de ‘Crema’.

44 · Álvaro Gango

Un regreso esperado.

56 · H.E.R

Cuando lo que importa es la música.

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10 MAYO 2021 · MW

88 · Stephanie Gil

Una aventura de aprendizaje.

72 · Oscar 2021

La gran noche del cine.

74 · Isa Montalbán

Por la ley de la pasión.

84 · Emma Stone

Una carrera impecable.

86 · Una joven prometedora

Amistad, justicia y venganza.

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12 MAYO 2021 · MW

118 · Pol Hermoso En la piel de otros.

96 · El cuento de la criada 100 · Amaia Sagasti y Un mundo horrible.

Juan Grandinetti

110 · Sara y Lucas Un amor tormentoso.

112 · High School Musical Un éxito que no tiene fin.

La nueva era de Paco.

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Columna de opinión

‘ENDGAME’ Y EL RECONOCIMIENTO ROBADO por JUDITH TORQUEMADA

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mpezaré diciendo que ‘Vengadores: Infinity War’ (2018) me parece una mejor película que ‘Vengadores: Endgame’ (2019), que es la que concluye la primera etapa del Universo Cinematográfico de Marvel.

‘Endgame’ no deja de ser un homenaje a esa década y los personajes que la han marcado. Esto significa que se toma sus licencias y prioriza, en muchos momentos, ese homenaje a todo lo demás. Y esto es precioso, pero no siempre acertado del todo. Así que es una buena historia y es una buena película, pero no es la mejor.

Sí es, en muchos sentidos, la última, y por ello, en muchos sentidos, la más importante. La última para una generación de superhéroes que han marcado la Historia, la última para muchas generaciones de espectadores que han pasado diez años de su vida esperando una nueva entrega, un nuevo escenario, una nueva extensión de un universo bien pensado, formado y desarrollado. Diez años viendo evolucionar a estos personajes, conociéndolos, tomándolos un cariño sincero y real. Diez años entendiendo la profundidad de este mundo que se ha nutrido de grandes directores, intérpretes, productores, guionistas, cineastas, en general. Más de diez años, en realidad. Más de veinte películas, decenas de personajes con papeles asentados, historias emocionantes, importantes, entretenidas, divertidas, completas. ‘En-

dgame’ fue la culminación de un trabajo que nunca antes se había visto, porque nunca antes se había hecho algo así, tan extenso y tan total.

Los Premios Oscar no significan para mí lo que un día, quizá hace diez años, significaron. Casi incontestables, muy importantes, definitivos. Hoy los presto la atención justa, les pongo una emoción que nunca morirá, sobre todo discuto con ellos, pero desde la calma que me ha proporcionado ser consciente de que, en realidad, no significan demasiado. Y aun así... Aun así tuerzo el morro cuando pienso que ‘Endgame’ no estuvo ahí, reconocida por el Hollywood que la hizo y la vio nacer y evolucionar desde ‘Iron Man’ (2008). No solo hubiera sido un final redondo que, por fin, una película de superhéroes estuviera ahí, reconocida como la buena película que (han demostrado) puede llegar a ser. Hubiera sido, además, un final justo.

Hubiera sido precioso y muy justo que su título se hubiera pronunciado esa noche en la categoría de mejor película del año y ese Hollywood y todos los espectadores hubiéramos aplaudido con ganas, conscientes de todo. La culminación de un universo que va camino de cumplir quince años merecía ese reconocimiento. No lo tuvimos. Y no te lo perdonaré jamás, Academia.

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Columna de opinión

DAME DOS MINUTOS por ROSA SURIA

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ué impotencia. Qué impotencia escuchar entrevistas que no aportan ningún tipo de valor, que tiran de preguntas hechas, de manual, que lo mismo da hacérselas a un actor, que a una directora, a un productor, a una guionista o a una técnica de sonido. Incluso a un panadero o a una médica. Porque son preguntas generales, que sirven para cubrir el expediente y pasar a lo siguiente.

Qué impotencia cuando tienes tanto que preguntar y tanto que contar. Tanto de lo que hablar y sobre lo que reflexionar. No porque seas más que la otra persona, sino porque quizá te llega más lo que haces y lo que hacen los demás. Y porque, quizá, cuando no tenemos las oportunidades, desde la distancia, las exprimimos mucho más que si son nuestras. Porque cuando algo se convierte en habitual, olvidamos mantener su valor. Y olvidamos cuidarlo y cultivarlo.

He perdido la cuenta de la cantidad de veces que he pensado “dame dos minutos con X y hago maravillas”.

Dame dos minutos para hablar del valor de ‘One Night in Miami’, para emocionarme repasando el significado de ‘Minari’, para analizar la perspectiva desde la que se enfoca ‘Judas y el mesías negro’. Dame dos minutos para transmitir todo lo que provocan el cine y sus historias en las personas que amamos

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el séptimo arte, para contárselo a quienes lo crean y le dan forma.

Para compartir el sentir de los demás, para poner el foco en lo que de verdad le importa a la mayoría: el alma.

Qué impotencia repetirse esto una y otra vez. Y ver como quienes pueden hacerlo, no lo aprovechan. Y buscan la polémica constantemente, para arañar un clic más, olvidándose de la verdadera función del periodista, que sigue siendo la misma cuando hablamos de cultura.

Contar, servir de canal, analizar y presentar un contenido de valor. “De algo hay que vivir”, dirán muchos.

Y no puedo estar más de acuerdo. Pero hay maneras y maneras. Y, ay, si me dieran esos dos minutos.

Tres, dos, uno… ¡Tiempo! “¿Qué es lo que no le podía faltar a tu Sam Cooke? ¿En qué pilar apoyaste toda la construcción del ‘personaje’?” “Esta es una película en la que podemos encontrar muchas cosas diferentes, dependiendo de la perspectiva desde la que la veamos. ¿Qué crees que puede encontrar la comunidad afroamericana?” “¿Qué le debes a Malcolm, Muhammad, Sam y Jim?” “¿Hacia dónde vamos y hacia dónde hay que mirar ahora?”.

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MODA

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LOOKS PARA COMENZAR MAYO POR TODO LO ALTO

20 MAYO MAYO2021 2021· ·MW MW

por YURENA GUERRA / fotografías IG

ya está aquí mayo y con él, esperemos, un cambio de temperatura. parece ser que la

lluvia nos va a dar una tregua y que el sol va a aparecer entre las nubes grises y nos

v a recompensar con un poquito de calor y alegría. desde luego, después del mes de

abril, el cual ya augurábamos que estaría

pasado por agua, ya nos apetece sacar esos vestidos, faldas o pantalones cortos del

armario. aquí os vamos a mostrar algunos

de los looks que más nos gustan de cara a

este nuevo mes y que seguro que a vosotras también. ¡por fin llegan los looks primaverales!

LOOK 1

Vamos a comenzar esta vez por un look más sobrio, sofisticado, clásico, elegante, pero que a la vez es muy rompedor y que nunca pasa de moda. Viene de la mano de la cantante Aitana, la cual ha presentado con este oufit su reciente canción ‘Ni una mas’. Un traje oversize azul marino con raya diplomática, un crop top blanco de lo más favorecedor y unas deportivas de plataforma. Ideal, como siempre va ella. El crop top lo puedes encontrar en tiendas como Bershka, Zara o Pull&Bear, el traje oversize puedes conseguirlo muy parecido en Bershka y las deportivas que ella lleva en concreto son el modelo Puma Mayze, muy en tendencia.

LOOK 2

Y de un look muy sobrio pasamos a uno muy alegre y colorido. Si a esto le añades incluso pelo rosa, pues es que ya no puede ser un conjunto más divertido. Hablamos de Laura Escanes. Hace un mes mas o menos nos sorprendió a todos con el pelo rosa y ahora nos sorprende con oufits de lo más coloridos, como este que tenemos aquí. Tanto el top, como los pantalones y el bolso son de la tienda SHEIN. Las zapatillas deportivas son New Balance y a nosotras, el conjunto en tonos pastel, nos enamora.

LOOK 3

Y de Laura Escanes, pasamos a otra influencer. Esta vez nos vamos a fijar en el estilo de Marta Riumbau. Si algo caracteriza a la catalana es la mezcla de estilo minimalista y desenfadado. Todos sus looks son, o suelen ser, en una misma gama cromática y esto hace que visualmente llame muchísimo la atención. Combina prendas que quizás nosotras nunca combinaríamos, pero descubrimos

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que quedan maravillosamente bien. Esta vez el look que hemos elegido es muy básico, simple y sencillo pero de lo más versátil y favorecedor. Consta de una cazadora vaquera oversize que podemos encontrar en Levi’s, unas zapatillas deportivas Converse de botín y plataforma y un vestido camisero de tonos lilas que podemos encontrar en Lefties, Zara o Pull&Bear.

LOOK 4

El siguiente conjunto que creemos que muy favorecedor y que para la primavera y el verano es estupendo nos lo propone Ana Moya. Una madre fuerte, independiente, trabajadora, que tiene múltiples cosas que hacer a lo largo del día y que necesita un look que sea a la par de cómodo, favorecedor. Es muy importante sentirnos bien con nosotras mismas y eso muchas veces podemos expresarlo o buscarlo a través de la ropa. Este vestido de tonos verdes con flores rojas, manga corta y largo midi es ideal para el dÍa a día y es de Lefties. Lo puedes combinar con unas sandalias, botas camperas o deportivas, al igual que añadirle una cazadora vaquera o de cuero incluso para las noches que refresque mas.

LOOK 5

Y de Ana Moya pasamos a Mery Turiel. Ella NUNCA falta en nuestro repaso mensual de looks e inspiración, y es que esta chica siempre va ideal. Sea invierno, verano, primavera u otoño, tiene una prenda que desearías tener en tu armario y ahora no podía ser menos. Un conjunto también de Lefties que nos recuerda a las noches de verano.

Una blusa blanca suelta con collares de colores y una falda pantalón en tonos blancos y lilas, harán que no quieras mas que desear las noches interminables de la estación estival. Es ideal y también podemos combinarlo con sandalias o deportivas y añadir una cazadora vaquera para cuando refresque.

LOOK 6

Y de Mery Turiel pasamos a su mejor amiga, Andrea Rueda. Con un estilo bastante parecido, pero con algunos toques que las hace únicas y diferentes. El vestido que ella propone es de ASOS y es de unos tonos verdes y blancos preciosos que combina de manera magistral con unas sandalias de tacón y dedo acolchadas que este verano van a estar en tendencia. De largo midi y con escote en v y manga corta es un estilo de vestido de lo mas favorecedor y muy versátil, que te puedes poner para muchas ocasiones como ella, para hacer turismo por la preciosa isla de Tenerife.

LOOK 7

Y por último, pero no por ello menos importante, Rocío Camacho, que nunca falta en nuestra selección de looks. Esta vez traemos un vestido de su propia marca de ropa, Seima. Es de color blanco, corto, manga larga y ajustado. Súper favorecedor para muchísimas ocasiones y que ella combina con unas sandalias de tacón pero también queda genial con unas deportivas Converse de botín y plataforma. Ideal.

¡Ideales todos los looks para ponernos ya de ya! Hasta junio.

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MODA

LBD O LITTLE BLACK DRESS. EL VESTIDO ATEMPORAL QUE NUNCA PASA DE MODA el lbd o little black dress lleva siendo tendencia desde hace muchísimos años, es una prenda que no pasa de moda y aquí vamos a conocer un poco mas sobre ella.

por YURENA GUERRA

El Little Black Dress en ingle, Petite Robe Noire en francés, un Vestido Corto Negro en español son las maneras en las que se conoce al LBD, que no es mas que un vestido corto negro generalmente estilo coctel elegante que puede usarse, de una manera u otra, para cualquier tipo de evento y celebración. Pero ¿Cuándo comenzó esta moda? ¿Quién la creó? ¿Por qué surgió?

Como no podía ser de otra manera, este vestido se popularizó gracias a la modista y visionaria Coco Chanel en los años 20.

Harta de lo estricto en cuanto a la manera de vestir de las mujeres y la poca comodidad que los trajes de aquella época proporcionaban, lo que pretendía era que muchas mujeres utilizaran tipos de vestidos que fueran cómodos, duraderos, versátiles y que fueran de un color neutro, es decir, que pudieran ponerse en cualquier ocasión sin miedo a arriesgar demasiado. Es más, en el año 1926 apareció un diseño de este tipo de vestido por primera vez firmado por Gabrielle Chanel y que auguraba un futuro muy prometedor a este tipo de trajes. Y es que antes no estaba bien visto que una mujer vistiera de negro ya que solamente eran colores que se utilizaban en los funerales y también para personas que trabajaban en

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el servicio, es decir, la servidumbre, por lo que una mujer adinerada que se podía permitir tener varios vestidos en su armario no debería vestir de ese mismo color hasta que llegó Coco y lo revolucionó todo.

Tanto es así que hoy en día este estilo de vestidos está considerado un imprescindible en el armario de cualquier mujer, es un básico que, como decimos, no pasa de moda. Lleva más de 100 años siendo tendencia y todo apunta a que esto no vaya a cambiar.

Pero esto no es solo mérito de lo diseñadores o de las casas de modas. Aunque personas como Christian Dior dijeran que el negro se puede llevar a cualquier hora el día y de la noche, a cualquier edad y en cualquier ocasión, son muchas otras personas las que han apostado por popularizar el LBD. Entre ellos se encuentran las divas del cine.

Y es que, si nos paramos a pensar, la gran mayoría de los vestidos negros que se nos vienen a la cabeza son porque los hemos visto en el cine o en las alfombras rojas de los estrenos de las películas. Sin duda, el más famoso fue el que vistió Audrey Hepburn en la película ‘Desayuno con dia-

mantes’ y que fue creado y diseñado por su gran amigo del alma Givenchy.

Esta claro que pocas prendas son tan versátiles como esta a la hora de vestir y es verdad que queda bien en cualquier tipo de piel, estatura, y raza. Es más, Yolanda Domínguez fotografió durante algunos años a mujeres de distintas razas, estaturas y pesos para demostrar que hay belleza en todas y cada una de ellas. Lo curioso era que todas llevaban un Little Black Dress.

Es por esto por lo que siempre es considerado como una pieza clave y fundamental en el armario de cualquier mujer y que puedes ponerte para la noche con una cazadora de cuero o una blazer y unos taconazos o para ir a pasar el día paseando por la ciudad con unas deportivas y una cazadora vaquera.

Y a ti, ¿cómo te gusta llevar el LBD?

FOTO ©Mango

IG ©Chiara Ferragni

IG ©Andrea Rueda

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MÚSICA

EL FUTURO DE LA MÚSICA EN DIRECTO por MARÍA RODRÍGUEZ / fotografías ©Industria Works

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omo en los tiempos de antes, el 27 de marzo se llenaba el Palau Sant Jordi de Barcelona con 5.000 personas sin distancia alguna. 5.000 personas que esperaban con ansias el volver a bailar, sin restricciones las canciones del grupo barcelonés Love of Lesbian. En el primer concierto masivo desde que empezó la pandemia, la gente volvió a tocarse, bajo los ojos de centenares de sanitarios y de los principales promotores de los grandes festivales, ya no solo del país, sino del mundo. Fueron muchas las medidas de seguridad implementadas, pero la ilusión de volver a tocar la vieja normalidad acompañó a los asistentes, no solo durante el concierto, si no que también durante la soleada mañana que los llevó de vuelta a salas como; Luz de Gas, Razzmatazz i Apolo. Unas salas donde antes reinaba la fiesta y la euforia barcelonesa, pero que ese día acogió un dispositivo sanitario para hacer test rápidos a todos esos voluntarios que decidieron asistir al concierto.

Bajo una neblina blanca Santi Balmes, cantante de Love of Lesbian, advertía

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a los asistentes; “Bienvenidos al concierto más emocionante de vuestras vidas”. Un concierto que quedará imprimido en la mente de muchos como si fuese el primero, ciertamente lo fue. Era la primera vez en mucho tiempo que el público pudo volver a hacer de la euforia su mejor aliado, sentir el contacto humano y el calor de una multitud emocionada y llena de esperanza, al volver a vivir las cosas de la forma más parecida posible a la vida de antes, que parece ser ya una realidad de otro planeta muy diferente al nuestro.

El miedo y la incertidumbre desaparecieron completamente a lo largo de las 2 horas de concierto. De la nueva normalidad, ya solo quedaban las gafas empañadas a causa de las mascarillas FPP2 que proporcionó la organización y el aire frio que entraba por los conductos de ventilación.

A pesar de las medidas, el público se entregó a corazón abierto, sin contener lo que les pedía el cuerpo. Saltaban y chillaban a través de un recorrido por los grandes hits de Love of Lesbian. El concierto, les sirvió a los de Sant Vicents dels Horts para despedirse de algunas canciones que tardarán tiempo en volver a tocar, debido a la publicación de su nuevo álbum, V.E.H.N (Viaje Épico Hacia la Nada) el 16 de abril. “Nadie por las Calles”, “Si saldremos de esta”, i “Allí donde solíamos gritar”, fueron algunas de las canciones que no faltaron y como una metáfora de todo lo vivido este último año dejó a todo el Sant Jordi con las emociones a flor de piel.

La prueba piloto, al que dio luz verde el PROCICAT i los departamentos de Cultura, Salut e Interior de la Generalitat de Catalunya, fue el pistoletazo de sa-

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ove of Lesbian fue el encargado de poner la banda sonora al primer concierto sin distancias de la pandemia. El evento recogió a 5.000 personas con sed de música en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Con exitosos resultados el protocolo de seguridad seguido en el concierto podría ser la solución a todas las demandas del sector cultural.

lida a la iniciativa Festivals per la Cultura Segura. De la que forman parte grandes festivales catalanes como el Primavera Sound y el Sonar, entre muchos otros. Una iniciativa destinada a demostrar, tal como indica su nombre, que la cultura es tanto segura como necesaria. Nace con el objetivo de idear un nuevo protocolo para la celebración de eventos musicales masivos, como un suspiro de una industria que está en peligro de extinción des de hace un año y medio.

La Fundació de Lluita contra la Sida, corroboraron que el concierto no fue un foco de contagio masivo, aportando un poco de esperanza a todo el sector cultural que ha sido duramente castigado esta pandemia. El doctor Josep Mª Llibre concluía en la rueda de prensa posterior al concierto que; “un concierto de música en vivo en un recinto cubierto con las medidas y la ventilación correcta es una actividad segura”

El evento lo precedió otra prueba piloto, liderada por Primavera Sound, que reunió en la Sala Apolo a 500 personas el pasado 12 de diciembre. El estudio corroboró que se podían hacer conciertos de manera segura y la eficacia de los test rápidos a la hora de acceder a eventos culturales. Gracias al éxito de este primer estudió, el concierto que agrupó 5000 fans de Love of Lesbian y despertó el interés de toda la prensa a nivel internacional, pudo realizarse.

Con los resultados encima de la mesa se abre otro capitulo en el mundo de la música en vivo que se mira con ilusión un futuro no tan lejano. El director del festival Cruïlla afirmaba durante la rueda de prensa donde se comunicaron los resultados; “Habrá conciertos este verano, con medidas de seguridad y tutelaje de profesionales médicos. El primer paso fue la prueba piloto de la sala Apolo, el segundo el concierto del Sant Jordi y ahora hay que trabajar para tener una metodología adecuada, simple y asequible económicamente”.

Los resultados extraídos por el Hospital Germans Trias i Pujol, junto con

Fueron muchos los recursos, y la gente que se reunió para poder realizar el

concierto, y aunque este fue todo un éxito, seguramente aún tardaremos tiempo a recuperar la vida que llevábamos antes del COVID. Los sentimientos de nostalgia provocados por las memorias de esos festivales i conciertos repletos de gente, aún nos seguirán acompañado durante un tiempo antes de poder crear de nuevos. No obstante, los promotores de los grandes festivales, los trabajadores de la industria musical y toda esa gente que se muere de ganas de volver a pisar un recinto para ver a sus artistas favoritos, se lo miran con esperanza, sabiendo que el concierto que se celebró el 27 de marzo en el Sant Jordi, es tan solo el primer paso para recuperar todo aquello que hemos perdido a lo largo de la pandemia.

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REPORTAJE

TU OTRA BONITA UN CAMINO HECHO A BASE DE ‘CREMA’

fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA muah CRISTINA ALBARRÁN & PATRICIA BARRANCO

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Total look, de Gaudí.

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REPORTAJE

“En esos momentos bajos nos hemos abrazado a la amistad que tenemos.”

‘C

rema’ es su cuarto álbum de estudio.

Pero es mucho más. Se trata de un concepto. De un abrazo. De un sentimiento y de un camino trazado a base de lo que de verdad importa en esta vida.

Tu Otra Bonita, una de las bandas más singulares del panorama musical actual y vuelven para quedarse. ‘Crema’ es el título de su recién estrenado nuevo álbum, un trabajo que combina un sonido delicado junto con temas que estallan e invitan al baile.

‘Crema’ es un regalo para los sentidos, ahora que los tenemos a flor de piel. Un juego de emociones. Lo obligado de dejarse llevar por las sensaciones que nos embriagan ante cada nueva encrucijada.

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MEW Magazine (MW): ¿Con cuántos kilos de paciencia hay que venir a esto de la música?

Alberto: Gran pregunta, hay que tener paciencia con todo en la vida. Pero en este mundo creo que nosotros hemos aportado bastante. Porque, al final, es un camino muy largo. En el que te encuentras con muchísimas cosas. Tanto buenas como malas.

MW: ¿A qué os habéis aferrado vosotros en esos momentos más bajos?

Héctor: Realmente siempre hemos creído en lo que hacíamos. En esos momentos bajos nos hemos abrazado a la amistad que tenemos. Cuando ha habido algún momento más duro en lo musical, el entendernos, creer en lo que hacíamos y comprendernos, ha hecho que no fuera tan

duro.

Nunca hemos pasado un momento especialmente difícil como banda. Creo que lo hemos sabido llevar muy bien.

MW: ¿Lo más complejo de este oficio que habéis elegido?

Héctor: Moverse en este mar de tiburones.

Lo más complejo de la música. Y que no es un camino que solo trazas tú. Nosotros hemos intentado siempre, por todos los medios, ser fieles a una idea, ya no solo musical sino a una idea de comportarnos, de vida, de cómo somos. Y hay veces que la música no te deja ser así. Es lo más feo de esto. Aunque con el tiempo te adaptas y sabes moverte con más soltura.

MW: Qué os ha dado ‘Crema’, en todo ese

proceso de composición, producción, ¿y creación?

Héctor: Es curioso porque al final cada cosa que sacas nueva piensas que es un paso más. Y, en este caso, está siendo como más tangible. ‘Crema’ es una apuesta un poco más allá de lo que habíamos hecho hasta ahora. Ya no solo una apuesta en la música y en las canciones, sino que nos acompaña un concepto. Dar importancia a lo que realmente lo tiene. No sé si ha sido de manera fortuita o buscada o en estos tiempos que estamos viviendo nos hemos dado cuenta que, al final, a lo que hay que hacer caso es a lo que realmente nos importa.

Decidimos que para la banda y para nosotros tres lo importante son nuestras canciones. Y queríamos recuperar la esencia.

Lo que nos gusta. Lo que nos hace realmente felices.

MW: ¿Ha sido fácil la construcción del álbum? ¿Había claridad en esos temas que debían estar incluidos?

Héctor: Fácil no hay nada. Desde que decides que canciones van a formar el disco hasta lo que es el resultado final, de la imagen, de la fotografía. Todo. Sí que puedo decir que ha sido fácil por la gente y el equipo con el que trabajamos. Procuramos rodearnos de gente afín a nosotros.

Nosotros somos así. Somos naturales y las cosas que hacemos las hacemos con todo el amor. Estamos en la música que nos apasiona. ‘Crema’ ha salido de una manera muy fácil.

MW: ¿Ha habido algún tema que, una vez producido, os haya sorprendido más de la cuenta?

Héctor: Los temas están producidos por varias personas. Hemos tenido cinco productores. Hay dos temas que nos han sorprendido. Al menos a mí. ‘Alfombra roja’ es el primero. Es un tema que incluso se nos escapaba del concepto. Y que, sin embargo, es más fiel a nosotros. Es una crítica hacia la música. A que te tienes que saber mover en el lobby musical, sino estás fuera. Y el resultado de esa canción es genial.

Sobre todo, es un pelotazo en directo.

Nos pasó algo parecido con ‘Algo que ya’.

Teníamos dudas y al final, a mí, es el tema que más me gusta dentro de ‘Crema’.

Félix: Para mí, cuando nos entregaron la

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REPORTAJE

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Camisas, de H&M. Pantalones, de Levi’s. Camiseta (Félix), de Abanderado. Accesorios, de TRIUM Jewelry.

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REPORTAJE

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Tenemos un ejército de fans que son una maravilla

canción de ‘Mi cura’ vi que tenía algo que no habíamos tenido antes. Siempre nos ha gustado la variedad y es lo bueno que tiene trabajar con varios productores.

Porque, aunque sigues una línea, cada uno te muestra una manera de producir. A mí me impactó mucho este tema por el sonido y sus matices.

MW: ¿Algún descarte que haya dolido más de la cuenta?

Félix: Héctor dice que las canciones tienen fecha de caducidad (Risas). Entonces las descartadas, rara vez, se vuelven a utilizar más.

Alberto: Con la pandemia que hemos vivido, Héctor a tenido mucho tiempo para darle a la cabeza. Y el disco ha cambiado un poco de cómo iba a ser originariamente. Los descartes son inevitables y nunca se sabe si volverán o no, pero, en principio, la idea es que no vuelvan.

MW: ¿Qué sensación tiene uno cuando toca el trabajo el físico en un momento en el que parece que se deshecha todo lo que no sea digital?

Alberto: Bueno, es una forma de decir que ya está hecho. A nosotros nos gusta mucho la música. Tener un disco entre las manos, leer sus créditos. Tener algo físico es que nos encanta. ¿Qué no se vende tanto? Eso es real. Pero para nosotros es la muestra de tu trabajo.

Y encima en este trabajo hemos hecho un vinilo. No lo habíamos hecho antes. Es un sueño tenerlo.

MW: Con el paso de los temas y de los lanzamientos, ¿los nervios se aplacan o es bueno tenerlos siempre?

Héctor: Soy una persona súper nerviosa, pero en la música no lo soy. Porque tengo la seguridad de lo que hago. Y estamos tan preparados y llevamos las cosas tan trabajadas que no hay hueco para el nerviosismo.

Si fuera a la aventura me pondría nervioso.

MW: ¿Lo audiovisual es cada vez más importante o siempre lo ha sido?

Héctor: Creo que siempre lo ha sido. Incluso, si me apuras, creo que antes era más importante. Porque antes no teníamos la oportunidad de tener este abanico musical que tenemos ahora. Que por seis euros tenemos todo el universo histórico de la música.

Antes estabas deseando ver el videoclip. Era una forma de escuchar el tema. Estabas deseando su estreno.

La lista de los más importantes.

Ahora el talento se ha multiplicado y cualquiera con un teléfono móvil te hace un video interesante. Aunque creo que antes se ponía un poco más de mimo a las cosas. Ahora hay gente que también hace genia-

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lidades como el último video de C.Tangana. Pone en valor, lo simple.

MW: ¿Es inevitable el consumo rápido de música?

Héctor: Ahora una canción dura quince días. Esto es así. Pero la culpa de eso la tenemos los músicos. No solo la gente o el consumidor. O quizás es la sociedad la que nos ha llevado a esto. Es un debate un poco profundo.

Félix: Porque al sacar temas parece que sigue el movimiento. Al final, ahora mismo, todo gira entorno a las redes sociales. Al streaming. A las reproducciones.

Ahora es una forma de que cada producto te de vida cada X tiempo. También, incluso, hasta para la relación con tus propios fans.

MW: Al público, a los fans, ¿hay que trabarlo todos los días?

Félix: Sí, nosotros, además, para eso, hemos siempre muy cercanos. En pandemia nos hemos acercado más a nuestra gente. Nos escribe muchísima gente por redes sociales e intentamos contestarles. Porque, luego, cuando estás en los conciertos se nota. Tenemos un ejército de fans que son una maravilla.

MW: Hablando de conciertos… En estos momentos, ¿se consigue llegar de la misma forma al público cuando el cincuenta por ciento de la cara está tapada?

Alberto: Es diferente. Hay que adaptarse a todo. Creo que nosotros lo hemos hecho bastante bien. Aunque la relación con la gente es más distante porque ahora cuando acaba el concierto no puedes hablar con todo el mundo.

MW: ¿Qué os da la música que nada más lo hace?

Héctor: Entendemos la música como una forma de vida. Es como nuestra filosofía. Enmarca todas las pautas de nuestro día a día. Todo se amolda a la música.

La música nos ha aportado conocernos que es lo que nos vamos a llevar de todo esto. · · · ‘Crema’ es de esos tragos que hay que beberlos lentamente.

Degustando cada gota con nuestro paladar. Haciendo caso a los matices, al sonido, a la propia inconsciencia. Un trabajo que muestra que sí hay espacio para hacer la música desde otra perspectiva y trazar un camino que dejará huella.

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MÚSICA

UN SUEÑO CARGADO DE RASGUÑOS Y TRABAJOS ALTERNATIVOS por ÁLEX DELGADO

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la dramática situación que está viviendo la industria

musical ha obligado a nu-

merosos artistas a tener que

buscarse una salida alternativa para poder sobrevivir cuando todo está parado. los traba-

jos alternativos de publicidad o de otras áreas son una

importante fuente de ingresos para ellos con la que pueden demostrar su versatilidad y

talento delante de las cáma-

ras a la espera de que suene el teléfono.

Poco o nada tiene que ver la industria cultural y en especial la musical con la de hace dos décadas. En un momento en el que supuestamente decían que todos los artistas tenían su espacio en un mercado que cada vez está más saturado, las falsas esperanzas estuvieron en un primer plano y los cantantes o agrupaciones tuvieron que ingeniárselas con tal de sobrevivir y sacar el máximo rendimiento a un proyecto con una infinitud de elementos negativos en su alrededor.

Desde la aparición de ‘Operación Triunfo’ en la escena social y popular española, el fenómeno fan se revolucionó por completo el panorama de la industria musical. Desde las discográficas vieron en estos jóvenes artistas un nuevo filón por el que apostar, frente a un pánico injustificado entre el resto de artistas. El miedo a que se quedasen sin su parte de un pastel muy disputado estuvo presente, pero eso no les impidió seguir batallando hasta el final con tal de conseguir su sueño: triunfar en la música nacional e internacional.

©Ana Márkez

En España, igual que en el resto del planeta, hubo un momento en el que el castillo construido e imaginado se destruyó y llegó a mostrar una realidad que no terminaron de gustar a los artistas y a sus equipos. El calendario de eventos se fue reduciendo poco a poco, hasta llegar a un punto en el que los conciertos eran casi inexistentes y el negocio se iba cayendo. Los cantantes no entendían que había sucedido y que había provocado que estuvieran en esa situación tan incomprensible donde su trabajo estaba en entredicho.

Por suerte, la aparición de algunas plataformas digitales permitieron que pudieran seguir explotando su talento y su marca, llegando a publicar sus temas con tal de llegar a un público que se veía sobrepasado por un mercado tan saturado y con diversas opciones. Este tipo de segmentación no consiguió solventar los problemas de una industria en crisis y que obliga a sus cantantes a sacar más composiciones de lo habitual para conseguir un salario digno y que les permita poder mantener un alto ritmo de vida.

Esta situación se ha ido incrementando en el panorama musical nacional, obligando a muchos artistas a buscarse un nuevo mercado donde poder subsistir en un momento de baja capacidad laboral. De este modo, se puede llegar a considerar que son pluriempleados aprovechando una popularidad que era evidente y que le permitía abrirse otras puertas y proyectos laborales ante la inmediatez de la necesidad de trabajo. Se trata de una relación bidireccional en la que ambas partes se aprovechaban entre ellas.

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MÚSICA

Los artistas se han visto obligados durante varias décadas a apostar por ceder su imagen por campañas publicitarias que le otorgan una gran retribución y que les permite vivir con cierta soltura. Un caso es el de Edurne con Pantene, que es imagen de la conocida marca de cosmética y cuidado capilar desde hace varios años. Este tipo de acción no degrada al artista, que a la vez compagina su actividad laboral publicitaria con la artística, realizando una interesante campaña de marketing y branding empresarial y personal.

En los últimos años se ha observado como los artistas también han ofrecido su imagen personal a campañas de cuidados corporales entre otros elementos. Un claro ejemplo ha sido David Bustamante, que ha lanzado varias colonias al mercado y que tienen una gran acogida por parte de su público. Tanto es así, que el artista cántabro no dudó recientemente en admitir que una de sus principales fuentes de ingresos se encontraba alejada de la música y eran sus productos corporales los que le ofrecían esa estabilidad económica que necesitaba.

Los últimos artistas han decidido ir un paso más allá y han aprovechado la aparición de un fenómeno fan mucho más fuerte que el inicial de la década de los 2000 para ampliar un abanico comercial mucho más amplio y que deja en el aire la capacidad creativa de una industria que necesita reinventarse. En los últimos años han sido diversos los cantantes que han decidido publicar sus primeros libros como Aitana con “La tinta de mis ojos”, Ana Guerra con “Con una sonrisa”, Marina Jade con “Mi ruido azul”, Dave Zulueta con “Un poeta en silencio” o Flavio con “Yo con yo mismo”. Obras que desde el primer ©Mediaset

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©Ana Márkez

momento han recibido la crítica de un público que no comprendían como se podía publicar ese libro. La única excepción es el de Dave, que ha recibido muy buena crítica y en el que contiene un mínimo de calidad.

Los últimos meses han confirmado que hay un nuevo espacio para ellos: la pequeña pantalla y en especial, las series. Artistas de la talla de Nia (ganadora de ‘Operación Triunfo 2020’) se une al proyecto de “Érase una vez…”, la primera serie de Netflix o los recién anunciados Flavio (‘OT 2020’), Samantha (‘OT 2020`) y Roi Méndez (‘OT 2017`) han anunciado su participación en la serie “Ni p*** idea de música”, serie que no tiene fecha de estreno ni plataforma de emisión.

tando por la industria musical en un momento en el que la cultura está parada. No se rinden y continúan luchando por eso que era su sueño y que tanto han tenido que batallar con la intención de hacerse un hueco por muy complicado que sea y seguir sonando en las radios.

En esta pequeña, pero larga lista son varios los artistas que no se han rendido y que siguen apos-

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REPORTAJE

ÁLVARO GANGO

Total look, de Zara.

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fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah LETICIA PERILLÁN

Á

lvaro Gango sorprendía a finales de 2020 con su regreso a la escena musical, tras cuatro años alejado de ella. Con ‘Suerte’, una canción grabada en directo y acústico y días más tarde con ‘Deshielo’, un tema que engancha desde la primera escucha por su energía y fuerza, Álvaro mostraba así el inicio de una nueva etapa en la que su objetivo principal es que prime la autenticidad. El hacer las cosas con calma y sin pretensiones más allá de ser fiel a lo que tiene dentro. Y lo más importante, disfrutar en el camino.

Después de esta primera toma de contacto con dos canciones que muestran dos registros diferentes del madrileño, llega ‘PERSPECTIVA’, el nuevo adelanto del proyecto de Álvaro Gango. Un sencillo que destaca por su pop-folk orgánico con unos estribillos que atrapan en cada escucha y unas cuerdas (cello y violín) que consiguen elevarte del suelo, con una cuidada producción.

MEW Magazine (MW): Con el paso de los años, ¿qué Álvaro has ido descubriendo gracias a la música? Álvaro Gango: Es complicada esta para empezar… Pero creo que se va descubriendo mucho. Ya no solo en la música, sino en la vida. Al final, van pasando muchas cosas. Este es un mundo en el que pasan aún más. Depende de cada etapa vas descubriendo algo de ti.

Lo que estoy haciendo con este nuevo proyecto es intentar ir mucho a esas emociones. A rescatar y a redescubrir cosas.

MW: ¿Qué es lo más complejo para ti? Álvaro Gango: Creo que lo tengo claro. Lo más complejo es a nivel psicológico, saber gestionar y tener claro que cuando estás arriba no eres el rey y cuando estás abajo no eres lo peor. Sino tratar la media.

MW: Cuando tomas la decisión de volver con este proyecto tan personal, ¿sabías desde el inicio cómo debía ser la vuelta? Álvaro Gango: Lo que tenía claro es que necesitaba parar. Para encontrarme. Tampoco es que estuviera perdido, aunque necesitaba encontrar todo lo que ahora estoy sacando. Pero sí, lo tenía claro.

Han ido surgiendo las canciones, las letras. Ha sido mi terapia.

MW: ¿Ha sido fácil sentarse a componer? Álvaro Gango: En mi caso no me he presionado demasiado. No estuve pendiente de tiempos. Estuve pendiente de objetivos. Sabía lo que quería. El tipo de música, el estilo. Sobre todo, sé lo que quiero contar. Cada vez estoy más seguro de eso.

No ha sido extremadamente complejo, pero siempre es difícil ponerte. En las canciones que compongo comienzo mucho con la melodía y a través de ahí, hay algo que guía. Esa melodía te lleva a un significado, a un tipo de palabras y a un universo. Trabajo

mucho desde ahí. Me gusta hacer las cosas fáciles.

Me gusta, dentro de asumir retos, porque creo que soy un tipo peleón, encontrar el camino que fluya.

MW: ¿Hay que tener mucha paciencia? Álvaro Gango: En mi caso, sí. Soy paciente y creo que me funciona. Pero creo que depende del estilo y del carácter de la persona.

Creo que hay que ser real y si eres real puedes ser más o menos paciente, pero va a funcionar.

Unido a lo psicológico que hablábamos antes, la paciencia es un arma que te ayuda a gestionar.

MW: Cuando uno se dedica al arte, la música, ¿hay que ser honesto? Álvaro Gango: Yo creo que sí. Si estamos aquí y tienes una oportunidad de decir algo, no hay nada más bonito que hacerlo que con tu verdad.

MW: Después de ese parón, a tu regreso, ¿te invadió un poco el vértigo? Álvaro Gango: Sí, sí… De hecho, al principio, también hasta miedo. Pero porque está muy unido al vértigo. Como cuando estás en una montaña rusa y te vas a lanzar. Pero merece la pena. Porque sentir eso está bien, es lo que te impulsa a no perder el respeto.

Yo creo que nos tenemos que sentir muy vivos.

MW: El primer lanzamiento fue ‘Suerte’. Un videoclip donde te vemos aparecer muy lentamente, ¿tenías claro que la vuelta tenía que ser así y con este tema? Álvaro Gango: Sí. Lo tenía clarísimo. En el transcurso de ir haciendo temas, también estaba por ahí también ‘Deshielo’ y ‘Perspectiva’, los he querido unir de alguna forma y por eso los tres temas tienen una sola palabra como título.

Decidí apostar por ‘Suerte’ porque empezaron a pasar cosas… ciertas cosas en ciertos sitios que me hicieron saber que la canción tenía que ser esta. También la canción era una especie de carta.

Estoy soy yo y así quiero volver.

Respecto al video siempre quise que fuese honesto. Quería que fuese real. Sin retoques, en directo. Con la guitarra. · · · ‘Suerte’ es la canción con la que Álvaro Gango inició su carrera en solitario.

Una noticia que nos pilló por sorpresa. Pero Álvaro llevaba meditando y trabajando mucho tiempo. Solo tenía que sentir que era el momento para poder hacer las cosas desde dentro y con toda la naturalidad que caracteriza a este artista madrileño.

Compuesta (letra y música) por él mismo, ‘Suerte’ es una mirada optimista

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Camisa, de Levi’s. Camiseta y calzado, de Timberland.

Pantalón, de Zara. Acceosrios, de TRIUM Jewelry.

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Polo, de Fred Perry. Pantalón, de Levi’s. Calzado, de Mikakus for Cupra.

REPORTAJE (que tanta falta hace hoy en día) al futuro. La capacidad de resistencia, de no sucumbir ante los momentos duros “los truenos forman parte de la ecuación final de la tormenta que tuvimos que salvar”. De seguir adelante y la búsqueda para ello de nuestro propio refugio, “he creado un lugar donde escapar del miedo”, componen el tema central sobre el que gira este primer acercamiento. Y que supone la vuelta del músico a la escena musical.

Un tema emocionante que impacta por su crudeza y sutilidad. Por eso, Álvaro ha querido mostrar esta canción en acústico, de la manera más pura posible, en un video rodado en directo en una sola toma de plano-secuencia, en el que únicamente cuenta con el acompañamiento de su guitarrista Sinese.

‘Suerte’ fue el principio de una etapa a la que se sumó, posteriormente ‘Deshielo’. ‘Perspectiva’, su tercer tema, ha sido el último lanzamiento de todo lo que tiene reservado. ··· MW: En cada tema que has publicado se te nota muy desnudo… Álvaro Gango: Estoy jugando las cartas en ese sentido al minimalismo. A ir a la esencia, a la raíz. Quiero llegar justo a eso. Ir al núcleo y a partir de ahí empezar a extender. Ir a una idea primaria para empezar a hacerlo más complejo.

No quería adornar demasiado. Quería empezar desde esa honestidad y desde esa simpleza.

MW: ¿Te has descubierto más perfeccionista ahora que ha empezado todo de nuevo? Álvaro Gango: Soy perfeccionista, sí, pero intento que no se me vaya de las manos. Intento conseguir loo que quiero, ir a por ello, pero intento escuchar mucho. Y dejarme aconsejar, aunque tome la decisión final.

No he parado hasta que tenía la canción y expresaba lo que quería expresar.

MW: ¿Hay alguna emoción que a nivel de composición te suela bloquear? Álvaro Gango: En mi vida soy mucho más productivo cuando estoy bien, cuando estoy tranquilo. No necesito estar súper feliz. Quizá la tristeza es lo que menos me ha funcionado hasta ahora.

MW: A la hora de componer, ¿hay que esperar a que la inspiración llegue? Álvaro Gango: Hay opiniones para todo. Pero

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como no tenía tiempos marcados, me he dejado espacio para que fluyeran las cosas.

Me he dejado tiempo porque quería disfrutar de todo el proceso.

MW: ¿Estás trazando este nuevo camino tal y como lo imaginabas? Álvaro Gango: Sí, creo que estoy donde imaginaba. Donde quiero estar. Cuando lees lo que la canción provoca al público es cuando le encuentras todo el sentid.

MW: ¿A qué recuerdo de infancia le debes una canción? Álvaro Gango: De pequeño, mis padres tenían una caravana y nos íbamos de acampada todos los fines de semana. Necesito la naturaleza para sentirme bien. Y sé que quiero ir a ese baúl y tirar algo por ahí.

MW: ¿Cuántas oportunidades hay que darles a los sueños? Álvaro Gango: Todas. Hace poco he leído un libro que se basaba en esto mismo, “vive tu propio sueño, no vivas el de otros”. A tus sueños hay que darles oportunidades infinitas.

MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace? Álvaro Gango: La ilusión. Volver a ser niño.

Volver a jugar con todo. Me da vida, me da todo.

“A tus sueños hay que darles oportunidades infinitas”

· · · Álvaro Gango regresa hablando de la ‘Suerte’, rozando el ‘Deshielo’ para dar pasos con ‘Perspectiva’. Vuelve a un mundo que acelera sin mirar atrás pero consciente de que la honestidad siempre tiene una doble puntuación a largo recorrido.

Un nuevo comienzo y tres temas que lo sitúan en esa pestaña que tanto nos gusta, la del buen hacer.

Jersey, de Zara. Pantalón, de Levi’s.

Calzado, de Baldinini.

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MÚSICA

ZAHARA

Para los fans de Zahara abril ha terminado como un mes muy especial puesto que la cantante ha publicado su último disco: ‘Puta’. De nuevo, letras profundas, emotivas y con mensajes.

por PALOMA ESCUDERO

P

ara los fans de Zahra abril ha sido un mes especial puesto que la cantante ha publicado su último disco: ‘Puta’. Es cierto que Zahara siempre se ha caracterizado por escribir letras profundas llenas de sentimientos y mensajes.

Pero ‘Puta’ es sin duda uno de los trabajos más íntimos y personales de Zahara. Un disco en el que se abierto completamente en canal para que todos podamos escuchar a su cabeza y, sobre todo, a su corazón. Este nuevo álbum de Zahara cuenta con 11 canciones entre las que se encuentra el primer single ‘Merichane’. En esta canción tan desgarradora, la cantante se mostró vulnerable para denunciar los abusos y el dolor que ha sufrido desde la infancia.

Esta es la tónica que sigue todo el disco ‘Puta’ ya que Zahara ha querido enseñar, en forma de canciones, esa parte de su vida y de la de muchas mujeres actualmente. ‘Merichane’ es el apodo con el que la llamaban cuando apenas tenía 12 años y todo el mundo se metía con ella. Es por eso por lo que con este disco quiere alzar la voz para denunciar una serie de hechos que no tenía que haber vivido.

Con un videoclip igual de conmovedor, Zahara pone voz a historias que no han sido fáciles. Zahara se ha convertido en una de las artistas más escuchadas en nuestro país, y a raíz de este disco muchísimo más. Una cantante que ha sido valiente al publicar canciones denunciando el acoso recibido por mujer y artista a lo largo de su vida. Algunos temas de estilo ochentero y otros inspirados en el álbum ‘Folklore’ de Taylor Swifft. Zahara es una cantante rompedora que siempre sabe sorprender a sus seguidores con cada publicación que realiza.

Zahara lleva años trabajando de manera independiente para crearse un nombre en la industria musical española. Poco a poco y con muy buena letra ha logrado ser una de las artistas más relevantes del panorama. Este último disco ‘Puta’ ha sido toda una revolución en su carrera por las duras confesiones que

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hay en muchas de las letras de las canciones. Zahara nunca ha tenido reparos a la hora de profundizar en sus relatos. Lo que ha vivido a lo largo de los años ha servido como experiencia para poner voz a ‘Puta’.

Zahara ha demostrado ser una mujer valiente, fuerte y muy luchadora. No hay nada que pueda interponerse en su camino. Ha nacido para la música y por eso a sus espaldas carga con el peso de una brillante carrera musical. Cuando habla de sus agresiones machistas lo hace desde lo más profundo de su alma para que muchas puedan sentirse identificados y hacer suyas las letras de las canciones. Zahara compone desde la verdad y la honestidad por eso sus canciones siempre son tan especiales.

Mientras que en ‘Taylor’, su pequeño homenaje a la cantante estadounidense, reflexionaba sobre el amor y el odio.

‘Canción de muerte y salvación’ exponía con valentía esa pequeña oscuridad que muchos llevamos dentro. Con ‘Puta’ Za-

hara vuelve a embarcarnos en un viaje emocional que no tiene retorno. Un billete de ida hasta lo más profundo de la artista del que ya no vuelves siendo la misma persona. Zahara se expone por completo para que todos sepamos lo que ha vivido, lo que sintió y lo que sigue sintiendo.

Como ha expresado en varias ocasiones, Zahara pretendía sacar un disco con el que solo leyendo el título la gente sintiera la incomodidad con la que tenemos que vivir nosotras. “Esa incomodidad ya no es mía”, ha querido dejar claro Zahara a modo de presentación de ‘Puta’.

Y la artista lo ha conseguido. Muchos se han llevado las manos a la cabeza con este disco, frente a miles y miles de fans que han aplaudido sin parar todas las canciones. Historias de dolor, de culpa, de amor y desamor, de sufrimiento y de ganas de salir hacia delante pese a todo.

Además de las tres canciones mencionadas anteriormente, también encontramos ‘flotante’, Sansa’, ‘Berlin U5’, Ramona’, ‘Ne-

gronis y martinis’, ‘Médula’ y ‘Joker’. Todas ellas mostrando alguna debilidad de la artista y de casi cualquier persona que escuche este disco. Con estas canciones, Zahara se ha sentido liberada de alguna manera y ha vuelto a nacer siendo más poderosa aún. Una manera de sanar determinadas heridas que no eran fáciles de ver.

Zahara da un paso al frente para gritar cosas que no se había atrevido hasta ahora.

Así la cantante pone voz a sentimientos que muchas veces son difíciles de expresa y que no todo el mundo se atreve a hacerlo en voz alta. Zahara se convierte una vez más en la voz de toda una generación. Con este disco la artista lo que ha dicho ha sido desprenderse con cuidado de todas las capas que la han protegido durante años. Esto no ha sido fácil pero sí satisfactorio al final.

Zahara llegó a encontrar algo oscuro y demasiado dañado con el tiempo.

En ‘Puta’ ha expuesto sin reparos todas estas manchas negras que la cubrían y ha dejado que se vieran todas sus imperfecciones. Sin miedo y sin importar nada más, las canciones de Zahara arrasan emocionalmente con todo a su paso. Letras conmovedores y emotivas que han llegado al corazón de todos sus fans. No hay duda de que este disco ha marcado un antes y un después en su carrera musical.

Cuando te abres de la forma en la que lo ha hecho Zahara en ‘Puta’, ya no hay vuelta atrás. La cantante ha dado un paso al frente muy valiente y su trabajo es admirable. Zahara es una de esas artistas que empezaron muy jóvenes en el mundillo. Ahora es cuando más está viendo recompensado todo su esfuerzo y el trabajo duro. Cuando las cosas se hacen bien, se nota y lo bueno acaba llegando tarde o temprano. Y ese ha sido -y sigue siendo- el caso de Zahara.

Zahara ha conseguido reflejar a la perfección todos los sentimientos que quería. Y por eso ‘Puta’ ha sido una de las grandes publicaciones musicales del año. Un disco que no ha dejado indiferente a nadie y que tiene mucho que contar y poco que callar.

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MÚSICA

PITIZION ‘Gracias a ti’ es el tema que esperábamos

L

por MIKEL MONTERO / fotografías ©Agencia Jaque

a artista colombiana Pitizion que ha irrumpido en la escena musical con éxito gracias a su propuesta, regresa este 2021 con ‘Gracias a ti’, primer single de su esperado trabajo discográfico.

‘Gracias a ti’, es una poderosa balada donde la artista expone de manera natural su vulnerabilidad a la hora de amar, pero transcurre poco a poco hacia un esperanzador mensaje de fuerza y amor propio. Logrando un tema que seguro va a tocar la vida de sus seguidores con esa invitación a curar y fortalecer el alma, desde dentro hacia afuera.

El video que se grabó en la ciudad de Medellín, bajo la dirección de David Méndez Zapata de Smilenotsmile, se desarrolla en ambientes hostiles, donde Pitizion relata la letra y dureza de la canción, con un final inesperado.

Con éxitos como: ‘Ella’, ‘Tu última canción’, ‘Fuí lo que soy’, ‘No pasa nada’, ‘Tú’, entre otros temas, la artista, continúa cosechando éxitos que respaldan su reconocimiento como la nueva artista latina más importante del momento.

Letras llenas de sentimiento, una propuesta

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musical con sello y su característica voz, la han llevado a conquistar rápidamente a la industria musical y al público.

La pandemia fue el momento perfecto para el desarrollo creativo y artístico de Pitizion quien vio la oportunidad para usar este tiempo en la creación de su nuevo trabajo discográfico con el que espera continuar escalando posiciones a convertirse en el referente femenino musical más importante del momento. Buscando consolidar una carrera duradera y que deje huella, gracias a su propuesta auténtica y diferente, que logra cautivar a personas de todas las edades, y que la industria musical ha sabido reconocer y apoyar desde el primer día.

Pitizion, es muestra de que, con amor, pasión, la meta clara y trabajo constante, los sueños se hacen realidad. Sin duda, Pitizion se ha convertido en un referente femenino de la música latina. Su sencillez, carisma, y versatilidad artística, la cual fusiona diferentes influencias musicales, han logrado establecer su lugar en la industria y frente al público, por lo que la artista cuenta con mas de 1.3 millones de oyentes mensuales en Spotify.

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MÚSICA URBANA

Juan Ballesteros un trabajo relevante en la industria por REDACCIÓN fotografías ©Agencia Jaque

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“La clave está en la exposición de los talentos a nivel local y después de eso, en hacer grandes alianzas con diferentes agencias y equipos especializados que lleven la ola de lo que venía sucediendo con cada talento en su país y hacer que la industria crea en tu trabajo, y en el trabajo de tu talento”, asegura Ballesteros.

el género urbano está en la cresta de la ola. un ciclo que parece no tener

fin gracias al cambio de consumo de

los usuarios. un consumo rápido que

necesita del constante movimiento de

artistas y nuevas figuras. tema a tema de un viernes a otro viernes. canciones que se olvidan casi a la misma

velocidad de la llegada de los nuevos

estrenos. como si nuestros oídos tuviesen un máximo de escuchas disponibles. algo inimaginable en aquella época

donde el primer single de un proyecto discográfico seguía en lista durante

semanas hasta la llegada del álbum.

un álbum que acariciábamos y degustábamos a paso lento. pero

¿quiénes

son las figuras desconocidas que hay detrás?

¿quién gesta las grandes olas ¿desde dónde parten? ¿qué estrategia siguen? comerciales?

en esta nueva editorial nos paramos en una de las figuras más importantes de los últimos tiempos. uno de esos tipos

que son fundamentales en la explosión y gestión de una carrera y de esos

que olvidamos en el transcurso de la historia cuando son los que más nos pueden contar y desgranar.

Actualmente, Colombia se ha convertido en uno de los referentes más importantes de la música en Latinoamérica, muchos de sus exponentes lideran los principales listados del mundo y son figuras influyentes para la sociedad. Detrás de todo este éxito, los artistas cuentan con un equipo de trabajo liderado por empresarios como Juan Guillermo Ballesteros Montoya, una de las figuras de management más relevantes de la industria del entretenimiento en el continente latinoamericano.

Con más de 15 años de experiencia es consciente del gran papel que juegan las figuras públicas dentro de la sociedad, por esto uno de sus principales ideales en el desarrollo de artistas es que “deben ser aspiracionales para las nuevas generaciones, deben enviar un mensaje en el que confirmen que se puede salir adelante, se puede lograr lo que se proponen y que siempre pueden ir más lejos” asegura Juan.

Juan Ballesteros, es un empresario colombiano y fundador de BUSINESS MANAGER JB, durante su carrera se ha especializado en el desarrollo de proyectos musicales desde cero, se ha dedicado a darle identidad propia a las marcas y darle personalidad a cada proyecto. Esta organización que tiene sede en Colombia y Estados Unidos, actualmente lidera en su roster a Greeicy, Mike Bahía, Blader, dj y productor de música electrónica y la artista emergente Annasofía.

Esta estrategia ha dado en el clavo, pues además de los artistas que actualmente representa, este empresario inició su trayectoria y exitoso camino con el equipo de Maluma, haciendo todo el personal manager de los cuatro primeros años del artista paisa y poniendo en el mercado canciones como “Farandulera”, “Obsesión”, “La Temperatura” entre otras, que le dieron el salto a la fama al cantante en Colombia en el año 2011. Además, otros de los proyectos que fueron éxito en sus manos fueron THE COLOMBIAN SALSA y ALKILADOS. Actualmente Juan Guillermo Ballesteros, suma una serie de éxitos y objetivos cumplidos junto a Greeicy y Mike Bahía, desde el inicio proyectó a largo plazo que eran artistas con un fuerte impacto en sus seguidores y no se equivocó pues hasta el día de hoy las cifras son un claro ejemplo de los dos fenómenos virales que son, pues Greeicy tiene 17M seguidores en Instagram, 6.5M oyentes mensuales en Spotify y más de 2 billones de views en Youtube, por su parte MIKE tiene más de 4M de seguidores en Instagram, 4.4M oyentes mensuales en Spotify y 800 millones de views en Youtube. Además de las diferentes campañas publicitarias que los aseguran como unos de los favoritos para las marcas.

Para Juan Guillermo Ballesteros Montoya la clave del éxito se encuentra en la disciplina, persistencia y el compromiso, sin importar el nivel en el que se encuentren, además de la importancia en la formación de los artistas, su relación con su público y las marcas para representar e impulsar su propia imagen.

BUSINESS MANAGER JB se ha caracterizado por el diseño y el análisis del comportamiento de la marca de principio a fin además por un desarrollo de marketing exitoso.

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MÚSICA

Descubriendo artistas H.E.R

cuando lo que importa es la música por ROSA SURIA Muchos se sorprendieron al escuchar el nombre de H.E.R. como ganadora al Premio Oscar a la Mejor Canción Original por ‘Fight For You’, tema de la banda sonora oficial de ‘Judas y el mesías negro’. Una sorpresa que creció al verla subir al escenario con un brillante look azul y unas gafas de sol que no se quitó en toda la noche. El traje en sí fue un homenaje a Prince, pero las gafas forman parte de su ‘personaje’, de ese que ha creado ella misma y que aparece en cada uno de sus actos públicos.

Para los estadounidenses, seguro que no supuso un gran sobresalto verla recogiendo la estatuilla. Y para quienes suelen estar pendientes de lo que ocurre en el panorama musical internacional, tampoco. Pero, pese a que ya cuenta con cuatro Grammys en su palmarés, hay que admitir que H.E.R., al menos en nuestro país, sigue siendo una gran desconocida.

Ya en 2017 se hablaba de ella como una de las grandes promesas del R&B, una artista a la que debíamos escuchar y no perder la pista. Dos años más tarde, con 21, ganó sus dos primeros Grammys. Y, ahora, se encuentra en un momento profesional inmejorable, que no hace otra cosa que demostrar que ningún camino es mejor que otro. Y que, apostando por nuevas plataformas y olvidándose de los pasos tradicionales que suelen seguir los artistas, también se puede llegar a la meta del éxito. Muchas veces

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con menos rodeos de los que cabría imaginar. ¿QUIÉN ES H.E.R.?

“¿Estamos ante una artista que va a crear un nuevo molde?”

Buena pregunta. H.E.R., desde que reapareció musicalmente bajo este pseudónimo, siempre ha jugado con su identidad. Su nombre real es Gabi Wilson, aunque lo cierto es que este nunca fue un secreto para nadie. De hecho, con 10 años, ya era conocida en Estados Unidos como niña prodigio.

Visitaba diferentes platós de televisión, siempre de la mano de su madre y de su padre, en los que interpretaba covers y presumía de saber tocar cuatro instrumentos (batería, guitarra, bajo y piano). Todo ello con una soltura y una madurez impropias de su edad.

Antes de conocerla como H.E.R., Gabi participó en talent shows como Radio Disney’s Next Big Thing y llegó a lanzar su primer single. Sin embargo, tras ello, y probablemente como resultado de su maduración, optó por desaparecer un tiempo de la vida pública. Esto ocurrió en 2014.

Dos años más tarde, en 2016, reapareció ya bajo el pseudónimo que todos conocemos, y con una imagen totalmente renovada. Gafas de sol y un halo de misterio que no la ha abandonado desde entonces.

Volvió a los escenarios con el

©George Chinsee

lanzamiento de su EP debut, ‘H.E.R. Vol. 1’, en el que ya recibió el apoyo de artistas de la talla de Alicia Keys. Y el mundo comenzó a preguntarse qué había detrás de ese cambio, quién era H.E.R. Lejos de buscar ser una estrella, extravagante y misteriosa, Gabi quiso utilizar este pseudónimo, que surge de la frase “Having Everything Revealed” (tenerlo todo revelado), para que toda la atención del público se centrara en la música, y no en ella. Quiso dejar claro que la protagonista de todo no sería ella como persona, como ‘famosa’, sino su música. Por eso siempre trató y trata de mantener el máximo posible de su vida personal bajo un velo. Porque no es lo que quiere mostrar.

También ha señalado en alguna ocasión que ni siquiera ella misma sabía en ese momento quién era, porque estaba creciendo y evolucionando, al igual que sigue haciéndolo ahora. Dos afirmaciones o dos detalles que dicen mucho de una cantante que ha sabido, efectivamente, captar todos los focos y redirigirlos a lo que de verdad importa: su trabajo, sus canciones. ¿CÓMO ES SU MÚSICA? Su música, como su propia imagen y esa construcción de un personaje propio que ella misma ha elaborado, es muy personal. Es propia, pero utiliza un código común para todas las mujeres de su generación, a las que busca representar a través de sus canciones.

Quiere ser altavoz, canal y medio. Y quiere ser también mensaje, para ellas y para los demás. Algo que, a juzgar por la acogida del público y por sus propias canciones, está consiguiendo.

que se llevó el Grammy a Mejor Canción del Año.

Quizá sería pretencioso que lo dijera ella misma. Pero siento que Gabi, a través de H.E.R., quiere cantar y contar cosas que importan. Y hacerlo mediante sus propios pasos, que muchas veces se salen del molde. Esta joven cantante ha preferido apostar por formatos como el single o el EP, dejando un poco de lado el álbum tradicional. Y por plataformas como Soundcloud antes que por la radio. Y le ha funcionado. Porque sabe lo que quiere, sabe lo que hace, sabe lo que necesitan quienes la escuchan y, además, tiene el talento suficiente para convertirse en una estrella de la música. O, mejor dicho, para convertir su música en estrella.

Rihanna, Alicia Keys, Barack Obama o Drake son solo algunos de los nombres propios que ya han mostrado su admiración por H.E.R. y, sobre todo, por su música. Con 23 años, sabe lo que es llevarse dos de los premios más importantes a nivel internacional. Y sabe lo que es hacerlo sin llamar la atención más allá de su profesión, lo cual parece casi más difícil que lo anterior, y más en los tiempos que corren. ¿Estamos ante una artista que va a crear un nuevo molde? Es posible. Pero, sobre todo, estamos ante un prodigio. Y tenemos la suerte de poder disfrutarlo. ©Victoria Will

H.E.R. conecta directamente con el R&B clásico, con esas baladas y pseudo baladas de carácter onírico que nos trasladan con facilidad a otras dimensiones. Tiene ese toque mágico del género, que ha hecho suyo y que ha recuperado con cariño y con gusto, como están haciendo otros cantantes jóvenes, véase Khalid.

Y su música también conecta directamente con la realidad y con la actualidad. En ella, las rupturas y las relaciones amorosas tienen un importante papel. Al igual que las mujeres. Pero también lo tiene su comunidad, a la que escucha y da voz a través de temas como ‘I Can’t Breathe’, que surge del asesinato de George Floyd y por el

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ALICE R E D N WO - QUE SE JODA TODO LO DEMÁS fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA muah PATRICIA BARRANCO

El próximo 14 de mayo, Alice Wonder, llega con un álbum muy especial. Un nuevo trabajo íntegramente en castellano que verá la luz tras una etapa, creativamente hablando, muy productiva y experimental. ‘Que se joda todo lo demás’ es un grito para ser quien quieras ser. Para olvidarnos de los focos innecesarios y vivir como queramos hacerlo.

Sintiendo más. Fluyendo mejor.

Alice Wonder es de esas artistas que por justicia debería estar surcando las olas del éxito irrefrenable por la honestidad que siempre desprende en sus letras. Por una voz inigualable y por esa forma de amar la música que muy pocos tienen.

‘Que se joda todo lo demás’ es diferente, pero suyo. Quizá, mucho más suyo.

Una nueva identidad entre la fortaleza y esa sensación de poder resquebrajarse a momentos. mewmagazine.es 61

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“CONVIVO EN EL ABISMO TOTAL TODOS LOS DÍAS DE MI VIDA” MEW Magazine (MW): ¿Con qué Alice te has tropezado al crear este nuevo trabajo?

Alice Wonder: Una Alice que estaba tirando del carro de esa situación de cuarentena. Yo no tenía pensado hacer un álbum en castellano. Simplemente que cuando estaba en cuarentena me puse a componer. Había algunas que ya tenía y otras aparecieron en el proceso. Canciones que fueron producto del cansancio y la espera eterna.

Estoy experimentando lo que es dejar ir y simplemente hacer y crear las canciones que me apetecían y meterlas en ese bloque.

MW: ¿No te bloqueó esa cuarentena? Creativamente hablando.

Alice Wonder: No, porque creo que soy bastante práctica. Entonces, no iba a permitirme el lujo de estar de bajón y no crear una mierda (Risas).

MW: ¿Cómo ha sido el proceso de producción de los temas?

Alice Wonder: Pues el proceso de producción de los temas…Yo produzco con Ángel Luján que es ahora mismo mi equipo de producción, con ayudas externas obviamente. En cuarentena, Ángel y yo nos pusimos a trabajar vía streaming. Tenía unas canciones que había trabajado en solitario y otras que había trabajado con él y, en cuarentena, nos pusimos a currar muchísimo en canciones en inglés. Y, alguna, en castellano. Y hubo un momento en el que lo vimos claro. Porque en un principio íbamos a hacer un disco de mezcla y mezcla y decidimos que lo mejor era poner todo lo castellano en un solo disco para dar a esos temas una casa.

Fue en mi casa, en uno de los cuartos que yo tenía. Allí hicimos un estudio. Compramos las pantallas. Ángel se hizo unos corchos forrados en tela. Y nos pusimos ahí a grabar. Casi el cien por cien está hecho en ese cuarto. Es algo increíble.

MW: Y cuando una crea todo de una forma tan íntima, ¿se genera un mayor vértigo cuando se acerca la fecha para mostrarlo ante el público?

Alice Wonder: Convivo en el abismo total todos los días de mi vida. Aunque no lo parezca porque pueda aparentar tener una

actitud todo chula (Risas). Y realmente estoy acojonada todo el tiempo. Y al mismo tiempo es una sensación de estar tan viva por tener tanto miedo…

Por ejemplo, ‘Por si apareces’, fue una canción que Ángel y yo produjimos a pico y pala porque había una primera versión que no me convencía.

Entonces, la situación era como de tener que salvarla. Y yo me acuerdo de estar ahí, cono esos bajones de sentir que la canción era una mierda porque la gente ya la quería a guitarra y voz y todo me resultaba tosco. Pero conseguir llegar al sitio que te gusta, sacarla ante el público y que también le guste es como o ‘guau’. Pero luego hay otras cosas más frikis que te arriesgas a que la gente no entienda como mi single favorito que se llama ‘Quién soy’. Me arriesgo a que la mitad del público que tengo piense que se me ha ido la olla. · · · ‘Por si apareces’, es una de las canciones más coreadas en sus conciertos bajo el lema “esta guerra pide paz”. Y se trata de esa primera canción de una serie en la que se ha dado un paréntesis con el inglés, para poder componer en su idioma materno. Esto le ha permitido ahondar en las posibilidades expresivas y poder llegar así aún más lejos tras sus primeras incursiones en castellano con “Bajo la piel” y “La apuesta”; pasando así de ser un “juego” a plasmarlo como una posible realidad tanto de presente como de futuro. “Esta canción es la primera canción que compuse con mi hermana mayor, tras una conversación muy personal, me explicaba cómo un antiguo amor había querido volver a su vida trastocándolo todo y había querido invadir su hogar y volver con ella, para más tarde volver a desaparecer, salió como un grito a la impotencia que sentimos todas y todos cuando amamos a alguien que no sabe amarnos igual de bien, esa conversación se convirtió canción y ahora años mas tarde, me encuentro compartiéndola en los escenarios delante de cientos de personas que la corean conmigo”. · · · MW: ¿Es importante experimentar?

Alice Wonder: Sí, mucho. Sino me dedicaría a otra cosa. Es que sino no sabría a qué podría dedicarme. Lo de experimentar lo llevo dentro. No soy capaz de concentrarme en una sola cosa nunca.

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64 MAYO 2021 · MW

Chaqueta, de Bershka. Pantalón, de MVP Wardrobe. Deportivas, de H&M. Accesorios, de TRIUM Jewelry.

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EN PORTADA

“PUEDO TIRARME UN DÍA ENTERO SIN HABLAR, PERO ME PONGO DELANTE DEL PIANO Y LA GUITARRA Y PUEDO SACAR TODO LO QUE TENGO DENTRO”

Creo que, si me lo paso bien experimentando, habrá gente que lo disfrute.

MW: En estos momentos, ¿hay que tener más paciencia que nunca en la música?

Alice Wonder: Sí (Risas). Me quedan ochocientos euros en la cuenta. Como Broncano, te lo digoo (Rissas). In the limit, total. Yo no sé quién estará a gusto ahora. Imagino que los que tengan ahorros.

Es un momento en el que los más hábiles van a sobrevivir. Es una especie de selección natural. Es muy chungo de decir. Yo he tenido la suerte de que me han salido canciones y que he conseguido atraer a un nuevo público gracias a los temas en castellano que he ido lanzando. Y creo que no me he ralentizado. Esa es la suerte que he tenido.

Se trata de buena o mala suerte. Quizá, también, algo de astucia.

MW: ¿Y cómo se consigue conquistar al público cuando la oferta, cada día, es más amplia?

Alice Wonder: Mi truco es no mirar la oferta. Escucho poco. Pero me encanta descubrir cosas que merezcan la pena. Porque hoy en día no hay tanta oferta que me sorprenda. Hay canciones que me encantan.

MW: El consume tan rápido que hay en la música, ¿beneficia al sector?

Alice Wonder: Creo que es algo que está y que ya no se puede controlar. También pienso que la calidad se ha desvirtuado. Lo mejor de esta situación es que creo que es más fácil destacar si haces algo bueno.

MW: ¿Con qué sensación te gustaría que se quedase el público en esa primera escucha de lo nuevo?

Alice Wonder: Que se joda todo lo demás, que es el título del álbum, es el mejor mensaje. Haz lo que te apetezca.

Vive tu vida porque estamos llenos de focos que son mitad verdad y mitad mentira. Y hemos entrado en una nube de dejarnos atrás y creo que es un disco que es sincero.

No pretende que haya un hit que lo pete. Porque cada uno tiene su color.

Es un disco que de principio a fin te mete en un viaje que, en estos momentos, es de agradecer. Que la persona que lo escuche desconecte un rato.

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MW: ¿Quién crees que eres tú gracias a la música?

Alice Wonder: Es que creo que sería nadie sin la música. Y no por la música que hago oficialmente sino porque para mí la música es un refugio tan grande… Puedo tirarme un día entero sin hablar, pero me pongo delante del piano y la guitarra y puedo sacar todo lo que tengo dentro. · · · ‘Que se joda todo lo demás’ es un álbum que merece ser degustado. Como los de antes.

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EN PORTADA

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CINE

La gran noche del cine por

La gala de los Premios Oscar se ha considerado, desde hace décadas, la gran fiesta del mundo del cine. Con el paso del tiempo, los espectadores hemos ido comprendiendo que estos reconocimientos entregados por la estadounidense Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas son, en fin, estadounidenses y que como tal hay que tomárselos. El mundo, el mundo del cine y el mundo en general, se ha expandido, y no todas las grandes películas del año se concentran en esta fecha. Pero esta fecha, esta noche, todavía premia, aunque sea de manera sesgada, grandes películas y grandes equipos. Sigue siendo una fiesta. Un recuerdo de lo que siempre será Hollywood, por empeño o por nostalgia, o porque quien tuvo retuvo. Quizá, en algún momento, porque consiga recuperar lo que fue.

Lo cierto es que los Premios de la Academia no interesan como algún día interesaron. Este año, de hecho, ha marcado un mínimo histórico en cifras de audiencia. La gala celebrada el 25 de abril congregó a 9,85 millones. El año anterior, que ya se consideró un año malo, 23,6 millones de espectadores se reunieron frente a la pantalla. Cabe preguntarse qué está pasando para que los Premios Oscar estén perdiendo su halo dorado, pero ese análisis se torna-

72 MAYO 2021 · MW

JUDITH TORQUEMADA

ría demasiado extenso para estas líneas. Sí debe señalarse que este 2021 ha sido un año complicado. Con buena parte de las salas de cine todavía cerradas y títulos posponiéndose de manera continua, complicando ese agotamiento pandémico que sufrimos, incluso algunos espectadores asiduos se han desentendido de los estrenos en salas. Las plataformas han ganado terreno, también las series, incluso los grandes clásicos, que siempre reconfortan. Ninguno de estos elementos debería ser rival, todos deberían ser convivientes, pero vivimos tiempos difíciles.

Tampoco fue una gala notoria, a pesar de que al frente de ésta se encontraba Steven Soderbergh, reputado director y productor que sabe lo que es ganar una estatuilla dorada. Soderbergh prometió una gala segura y así cambió el escenario: del tradicional Dolby Theatre a la Union Station, la estación de trenes de Los Ángeles. También jugó con la idea de hacer una gala de película en el sentido más literal de la palabra. Una gala que fuera más una película que una gala. Los recursos que destinó a este respecto (ese filtro aplicado a las imágenes o la misma dirección) se advirtieron con facilidad y el inicio prometía, como lo hizo él mismo, pero las intenciones fueron mejor que el resultado final.

Se agradeció, en cualquier caso, poder disfrutar de la presencia de buena parte de los nominados.

Quienes no pudieron acudir, por seguridad o por trabajo, sí optaron a esa videollamada que tan corriente se ha vuelto en la vida de todos. Los discursos de los ganadores recordaron los tiempos que vivimos, la importancia de cuidar el cine y a las personas que lo hacen posible, la promesa de que vendrán tiempos mejores. También, como no podía ser de otra manera por el corte de las películas nominadas, hubo palabras destinadas a recordar que todavía hay batallas sociales que no están ganadas. Vimos mascarillas y lágrimas, pero también sonrisas bajo éstas.

Destacó, por lo malo, el momento de recordar a quienes ya no están con nosotros. Apresurado y sin la emoción que debía tener. También la ausencia de proyecciones de pequeños fragmentos de las películas, y el final de gala: precipitado y torpe. Destacó, por lo bueno, la sensación de que quienes estaban allí estaban todos a una. Y lo que es más importante: la gran calidad de las películas de las que hemos podido disfrutar este año. A medida que sus protagonistas iban tomando ese nuevo escenario para agradecer el reconocimiento otorgado, se iba haciendo grande la idea de que este año, a pesar de todo, hemos tenido grandes títulos. Esto es lo más importante de la gran noche del cine, lo que recordaremos en unos años. Que en ese 2020 para olvidar, queremos, en realidad, conservar muchas películas con nosotros.

La preciosa e importante ‘Nomadland’ se convirtió, como se esperaba, en la gran triunfadora de la noche. Se hizo con tres premios: mejor película, mejor dirección y mejor actriz protagonista.

‘El padre’, el arrollador drama en torno a la vejez de Florian Zeller, se llevó mejor guion adaptado y también mejor actor protagonista. No es una película para todos, pero es una gran película.

‘Una joven prometedora’, el largometraje debut de Emerald

Fennell, se hizo con el Oscar a mejor guion original.

También se ha llevado el reconocimiento de un público entregado a esta película.

‘Sound of metal’ se hizo con galardones técnicos que permitieron poner el nombre de esta película sobre la mesa. Con un excepcional Riz Ahmed, recordamos que es una de las mejores del año.

‘Judas y el mesías negro’ puso la música. Daniel Kaluuya un

toque de humor. Su discurso será el más recordado, también su grandísima interpretación, que le valió un Oscar, y esta buena película.

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REPORTAJE

Por la

Ley de la Pasión fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo LORENA PACHECO / muah LETICIA PERILLÁN

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I

sa Montalbán es de esos rostros que ha llegado al cine, a las series, a la ficción con un magnífico compromiso hacia su profesión Una actriz que desde siempre supo que lo suyo era estar delante de las cámaras y que está tejiendo un camino de personajes inesperados pero que le están dando alas para no dejar de volar nunca.

Entrelazando un proyecto tras otro, inundará nuestras pantallas progresivamente con un magnetismo diferente. Porque como bien dice Jesús Font, director con el que en estos momentos está rodando ‘Hollyblood’ “al ponerle la cámara delante se le iluminan los ojos”. Y la ilusión, no tiene ni límites ni fronteras.

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Total look, de Mango. Medias, de Calzedonia.

REPORTAJE

Total look, de The-Are. Botines, de Pull&Bear.

76 MAYO 2021 · MW

MEW Magazine (MW): ¿Cómo descubre una que lo suyo es esto de la interpretación?

Isa Montalbán: He querido ser actriz desde pequeña. Nunca he duda. Me encantaba hacer teatro y cuando veía cine, quería estar ahí, al otro lado. Desde pequeña le dije a mi madre que quería ser actriz y hasta ahora.

MW: ¿Cómo ha sido trabajar con Verónica Echegui?

Isa Montalbán: Estoy encantada. Ha sido maravilloso. Tiene un punto muy bueno y es que es actriz y nos entendió desde el primer momento. Y nos estuvo ayudando, dejándonos nuestro espacio.

MW: ¿Los personajes a los que estás dando vida son los personajes con los que soñabas?

Isa Montalbán: No, no me lo esperaba así. Está siendo mucho mejor. Sobre todo, el personaje de ‘Tótem Loba’ porque me daba un poco de miedo. Porque aparte de estar basado en algo que ha pasado, no sabía si iba a llegar a conseguir reflejar lo que, al fin y al cabo, Verónica vivió. Y no sabía si iba a ser como algo muy grande o si no iba a saber expresarlo muy bien, pero, finalmente, me dejé llevar.

MW: ¿Está siendo fácil este viaje?

Isa Montalbán: No es fácil, pero pienso que tampoco está siendo tan complicado porque he tenido facilidad a la hora de realizar los castings y que me terminaran seleccionando para los papeles. No he tenido un proceso muy largo hasta el primer papel, por ejemplo. Pero sí que es cierto que no es un camino sencillo.

MW: ¿Lo más complejo de un casting?

Isa Montalbán: Quitarte todos los nervios con los que vas (Risas). Porque quieras o no te puede jugar una mala pasada.

MW: ¿Recuerdas ese primer día con ese primer personaje en tus manos?

Isa Montalbán: Sí y estaba cagada de los nervios (Risas). Porque no me lo podía creer, ni cuando me lo dieron. En el momento en el que me lo dieron me puse súper contenta porque era mi primer trabajo.

MW: ¿Y es en ese momento, cuando una ya está dando vida a su primer personaje, cuando confirma al cien por cien que ese es el camino que quiere seguir?

Isa Montalbán: Sí, sí, sin duda. En el momento en el que me dieron el guion y me comentaron que ahí estaba mi personaje, mi mente solo quería estar frente a las cámaras y acelerar los ensayos para empezar a grabar cuanto antes.

· · ·

QUE NACE DE

En ‘Tótem Loba’ vemos a Estíbaliz, que acepta la invitación de su amiga del instituto Raquel, para ir a las fiestas de su pueblo. Lo que parece ser un fin de semana divertido y excitante se revela como una pesadilla al descubrir Estíbaliz que en el pue­blo de su amiga la tradición es que los hombres se disfrazan de lobos y salen a cazar a las mujeres durante la noche. Y lo que resulta más aterrador aún es que a nadie parece importarle ni alarmarle esta terrorífica y abominable costumbre. Un cortometraje de veintidós minutos de duración que puedes ver en Movistar+.

FORMA

· · ·

" HAY QUE DEJAR QUE SALGA LO

NATURAL

MW: ¿El personaje suele pedir lo que necesita?

Isa Montalbán: Sí, hay muchas veces que tengo pensado algo y, de repente, estoy actuando y me sale otra cosa. Algo que no puedes frenar. Al fin y al cabo, en ese momento, estás siendo ese personaje. Hay que dejar que salga lo que nace de forma natural.

MW: Los guionistas suelen comentar que a veces el personaje traza líneas que ellos no tenía en la cabeza, que toman decisiones propias y que es inevitable. ¿Alguna vez has sentido que el personaje quería algo contrario a lo preparado?

Isa Montalbán: Me pasó con el corto de ‘Tótem Loba’. Había momentos que de verdad sentía muchísima ansiedad y muchísimas ganas de llorar y a lo mejor yo sentía que no tenía que hacerlo, pero lo dejaba fluir. Hice caso a lo que el personaje necesitaba.

"

MW: ¿Es importante empatizar con el personaje, siempre, aunque esté muy alejado de una misma?

Isa Montalbán: Siempre. Y no juzgarlo porque entonces, imposible. Siempre hay que tener en cuenta que no eres tú.

MW: ¿Te está gustando el camino que vas dibujando dentro de tu oficio?

Isa Montalbán: La verdad es que estoy muy contenta. Porque para empezar no me esperaba comenzar tan bien. Y los papeles que voy teniendo, me han hecho sentir muy cómoda. Y cómo he realizado el trabajo, también.

MW: ¿Tienes claro el futuro que quieres tejer?

Isa Montalbán: Sí, luego otra cosa es que salga (Risas). O a saber por dónde me lleva la vida.

MW: Dar la bienvenida a un personaje o despedirse de él, ¿qué es lo más complejo?

Isa Montalbán: Para mí, creo que ambas. El darle la bienvenida, tener que empatizar, sentir cómo es, ser esa persona…y luego tener que despedirse…siempre es intenso todo el proceso.

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Zapatos, de Mango.

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Isa Montalbán ya está inmersa en un nuevo proyecto de la mano del director Jesús Font (El Comisario, Todos los hombres sois iguales). Inmersos en el rodaje de su ‘Hollyblood’.

Un film que protagoniza junto a Oscar Casas (Xtremo, Los Rodríguez y el más allá), Carlos Suárez (Lo dejo cuando quiera, Contigo no, bicho), Secun de la Rosa (La pequeña Suiza, ¡Ay, mi madre!) y Amparo Fernández (Vasil, El sustituto). Les acompañan, en el que será su debut ante las cámaras, Piero Méndez y Lara Boedo.

Dentro de ‘Hollyblood’ veremos a Javi (Óscar Casas). Un adolescente normal con una vida normal. Tan normal que no tiene nada especial como para que Sara (Isa Montalbán), la compañera de clase que le gusta, se fije en él. Ella solo tiene ojos para esa saga literaria de vampiros, ‘HollyBlood’, de la que estrenarán una película muy pronto.

Javi está decidido a contarle a Sara lo que siente por ella, pero una serie de imprevistos y malentendidos hacen que Sara crea que Javi es un vampiro sobrenatural. Así que nuestro protagonista, además de los remordimientos por el engaño, tendrá que lidiar: con el matón del instituto, la pertinaz mejor amiga de Sara y con un fanático de Van Helsing, obsesionado con cazar vampiros.

Lo que ninguno de ellos sabe es que una antigua y maligna amenaza habita en su instituto, y se dispone a atacar de nuevo, así que deberán decidir entre limar asperezas y pelear juntos o sucumbir ante el vampiro más poderoso de todos los tiempos.

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CINE

‘Fátima’, su devoción y su fe continúa fascinando a la gente

Portugal, 1917. Tres niños afirman haber visto a la Virgen María en Fátima. Sus revelaciones enfurecen al Gobierno y a algunas personas de la Iglesia que intentan convencerles de retractarse de su historia. por REDACCIÓN / fotografías ©Diamonds Films

¿de dÓnde parte la cinta?

Una inspiradora película sobre el poder de la fe. Tres niños afirman haber visto a la Virgen María en Fátima.

A medida que se extiende la noticia de sus visiones, miles de peregrinos acuden al pequeño pueblo portugués con la esperanza de presenciar un milagro. Lo que allí experimentarán cambiará sus vidas para siempre.

Inspirada en los hechos acontecidos en la ciudad de Fátima (Portugal) durante la Primera Guerra Mundial.

En todo el mundo católico, la ciudad portuguesa de Fátima es conocida por la milagrosa aparición de la Virgen María a tres jóvenes pastores en 1917. Lo que era pequeña aldea de granjeros se convirtió en un lugar internacionalmente conocido debido a las apariciones que tenían los niños, llegando a ser visitado por cerca de 6 millones de peregrinos al año. Actualmente, el poder de su legado ha reunido a un ecléctico grupo internacional de artistas de cine que creen que el mensaje milagroso de fe y paz de Fátima, que conmovió al mundo hace más de un siglo, hoy es más importante que nunca.

El productor James T. Volk dice que al principio no estaba familiarizado con la historia de Lucía Santos y sus primos Francisco y Jacinta Marto. Sin embargo, a medida que aprendía sobre ello, sabía que había encontrado una narrativa que estaba perfectamente relacionada con la misión de su compañía. Él y su socio, Dick Lyles, fundaron Origin Entertainment con la intención de crear entretenimiento que inspirase a sus espectadores para juntos hacer un mundo mejor. “Cuando me enteré de lo ocurrido en Fátima me quedé asombrado”, dice Volk. “Pensé que todo el mundo debía conocerlo. Mucha gente que ha crecido en un entorno católico sabe la historia, pero alguien como yo, que me críe en el entorno de la iglesia Evangélica, es difícil que la conozca. Esta historia puede ser un puente entre gente de todas las religiones. La inocencia de estos tres niños ayudó a expandir el mensaje de paz y esperanza a una generación entera. Quizá pueda hacerlo también hoy en día”.

Volk y Lyles optaron por los derechos para hacer un remake de la película de 1952 de Warner Bros., ‘El Milagro de nuestra Señora de Fátima’, basada en los eventos de

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1917. Se acercaron a Rose Ganguzza, quien ha estado conduciendo a películas independientes hacia el éxito durante casi 20 años, para ayudarles a producir la película.

“He estado fascinada por la historia desde que era una niña”, dice Ganguzza. “En mi colegio, católico, las monjas solían sacar las sábanas blancas y el proyector y nos ponían la película cada año. Así que estuve de acuerdo con este proyecto, pero tenía unas ideas muy fijas en cómo se debía modificar el guión.”

Ganguzza sabía que la historia debía ser actualizada para una audiencia moderna y que la película necesitaba ubicar los eventos en el contexto de la Europa occidental a principios del siglo XX. “No puedes contar esta historia en el vacío”, dice. “Lo que estaba sucediendo es fundamental para su comprensión. Había un sentimiento anti-católico enorme a lo largo de la Península Ibérica. Estaban cerrando iglesias en España y Portugal y ahorcando a curas.

Estaban en medio de un conflicto militar como nunca se había vivido antes. Hordas de jóvenes estaban siendo asesinados diariamente. Contar esta historia como fue contada en 1952 no funcionaría hoy en día.”

La veterana productora también creyó que era esencial centrarse en los niños como precursores de esperanza y pureza. “Estos tres niños estaban enviando un mensaje de paz y convicción en un momento en el que la gente estaba en una situación desesperada,” explica Ganguzza. “Parecía como si la guerra nunca se fuese a acabar, que iba a seguir expandiéndose, que iban a seguir perdiendo a sus seres queridos.”

Los hermanos Marto han sido canonizados recientemente por la Iglesia Católica y Lucía está en camino de ser santificada, pero los cineastas han insistido en retra-

“La inocencia de estos tres niños ayudó a expandir el mensaje de paz y esperanza a una generación entera” - Volk

tarlos en primer lugar como niños. “Habría sido fácil poner a estos niños en un pedestal y venerarlos como santos,” dice Ganguzza. “Pero queríamos mostrar su humanidad. ¿Es lo que dicen real y verdadero? ¿Creemos en la palabra de estos niños o dudamos de ellos como los adultos de sus vidas también lo hicieron? Es imprescindible la interpretación de la belleza de la inocencia. Su amor, su devoción y su fe continúa fascinando a la gente.”

Natasha Howes fue añadida al grupo debido a su profundo conocimiento y comprensión de la historia de los niños de Fátima. En la investigación del documental de 2009, The 13rd Day, producido por ella, Howes se convirtió en una experta de Fátima. “Parte de mi papel en esta película era garantizar que manteníamos la autenticidad de la historia. He trabajado con el Santuario de Fátima y organizaciones dedicadas a difundir el significado y el mensaje de Fátima alrededor de todo el mundo.”

Lyles añade, “tuvimos el placer de trabajar con Natasha en un proyecto previo y su comprensión de la historia y profundas raíces en esta comunidad la convirtieron en un miembro fundamental de nuestro equipo.

A la hora de elegir un director para la película, Ganguzza sugirió a Marco Pontecorvo sin dudarlo, basándose en el éxito de su primera película, ‘Pa-rada’, y particularmente en su habilidad para trabajar con niños. Pontecorvo ha tenido una larga y distinguida carrera como cineasta, trabajando como director de fotografía en diversos proyectos como ‘Juego de Tronos’ y la comedia de John Turturro ‘Aprendiz de gigoló’. También ha dirigido diferentes proyectos para la televisión italiana, pero FÁTIMA. LA PELÍCULA es su primer largometraje en inglés.

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CINE

La carrera de Emma Stone Emma Stone tiene una trayectoria impecable como actriz, siendo una de las mejores.

por PALOMA ESCUDERO / fotografías ©Disney+

mma Stone es una actriz y cantante estadounidense que lleva ya muchos años consolidada como una de las grandes intérpretes del panorama actual. Y es que a estas alturas no cabe ninguna duda sobre ello: Emma Stone es una de las actrices más polifacéticas. Emma Stone siempre ha destacado por su enorme talento y su arrolladora personalidad.

Una actriz muy transparente y natural que siempre nos cautiva en sus apariciones en la pantalla. En su larga y reconocida carrera como actriz destacan grandes producciones y personajes, algunos incluso han hecho que esté nominada al Oscar.

E

Drama, comedia, musical, no hay género que se le resista a Emma Stone.

Con el tiempo ha demostrado su valía en cada papel que se le ha otorgado. Su talento parece no conocer límites y por eso es una actriz a la que se le puede ofrecer casi cualquier personaje. Emma Stone es una actriz que trabaja duro por conseguir lo que quiere y así obtener buenísimos resultados. Cada vez que Emma Stone aparece en pantalla realmente todo mejora y todos

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los focos parecen apuntarla directamente a ella para atraer nuestras miradas.

Con una forma de actuar muy característica y aportando siempre su toque personal, Emma Stone se ha convertido en una de las actrices imprescindibles en Hollywood. Si leemos el nombre de Emma Stone en algún proyecto sabemos que no puede fallar. Solo con que esté ella ya es aliciente suficiente para atraer al público.

Emma Stone tenía claro desde pequeña que había nacido para la interpretación, solo tenía que esperar a que su talento fuese reconocido.

Empezó representando pequeñas obras de teatro en el Valley Youth Theatre de Phoenix, donde descubrió su pasión por la interpretación. Aquí formó parte de ‘The Wind in the Willows’, ‘Titanica’ o ‘Alicia en el país de las maravillas’, entre otras muchas. Durante su adolescencia, decidida a hacerse un hueco en el mundo de las actrices, Emma Stone se mudó a Los Ángeles, en California. A partir de este momento todo cambiaría en su vida porque llegaron sus primeros trabajos.

Emma Stone debutó en la televi-

sión con ‘The New Partridge Family’. A continuación, sus primeros papeles fueron en la serie dramática ‘Medium’ y en la comedia ‘Malcolm in the Middle’. El empujón que necesitaba acababa de llegar y poco a poco los proyectos no dejaban de llegar a sus manos. Tan solo unos años después Emma Stone apareció por primera vez en la gran pantalla. La primera película en la que vimos a la actriz fue ‘Supersalidos’, de Greg Mottola.

Si bien es cierto que no es uno de sus papeles más destacado, sirvió para centrar en ella toda la atención. De esta forma, tanto el público como la crítica y la industria empezó a oír su nombre. De hecho, esta película le valió a Emma Stone valió Young Hollywood Award como “Nueva cara fascinante”. Lo que no podía imaginarse Emma Stone es que después de esta película vendrían numerosos proyectos. La actriz no ha dejado de trabajar y de sorprendernos en todos estos años.

Ese mismo año participó en la serie ‘Drive’ para posteriormente tener un papel en las películas ‘The Rocker’ y ‘The House Bunny’. Entre los años 2009 y 2011 la carrera de Emma Stone como actriz empezaba a consolidarse firmemente. Primero, apareció en ‘Ghosts of Girlfriends Past’ con Matthew McConaughey, Jennifer Garner y Michael Douglas. El apocalipsis zombi de ‘Bienvenidos a Zombiland’ también marcó su carrera. Una de las películas que la lanzó a la fama fue ‘Rumores y mentiras’, comedia musical que protagonizó.

Esta divertida y carismática interpretación le valió varias nominaciones: Globos de Oro, BAFTA y MTV Movie Award.

En 2011 tuvo una breve aparición en la película ‘Amigos con derecho’. Pero si por algo la recordamos ese año es por su papel en ‘Crazy, Stupid, Love’ junto a Ryan Gosling. La película fue todo un éxito y Emma Stone nos enamoró a todos en la pantalla. Cambiando completamente

de registro apareció con Viola David en el drama ‘Criadas y Señoras’. Ambientada en los años 60, Emma Stone interpretó a una periodista llamada Skeeter Phelan que escribe un libro sobre testimonios de criadas negras.

Tan solo un año después la actriz sorprendía dando el salto a las películas de superhéroes en ‘The Amazing Spider-man’, donde interpretó a Gwen Stacy. Emma Stone volvió a repetir en ‘The Amazin Spider-man2: el poder de Electro + Duende verde’. La química con Andrew Garfield era arrolladora y su participación en las películas fue todo un acierto. A continuación, vendría su papel en ‘Birdman’, de Iñárritu. Esta película de humor negro fue el lanzamiento final que Emma Stone necesitaba en su impecable carrera.

Estuvo nominada de nuevo al Globo de Oro y al Oscar por primera vez.

Su carrera comenzó a centrarse sobre todo en el cine, y es que no ha parado de aparecer en todo tipo de películas. En 2016 el director y guionista Damien Chazelle nos hizo a todos un increíble regalo con ‘La La Land’, en el que Emma Stone está sensacional. Su papel de Mia Dolan junto a Ryan Gosling nos hizo a todos soñar y emocionarnos en el cine. Sin sorpresas para nadie, Emma Stone consiguió por primera vez un Oscar, un BAFTA y un Globo de Oro. Después la actriz protagonizó ‘Batalla de sexos’ y, sobre todo ‘La Favorita’, una maravillosa película de Yorgos Lanthimos en la que Emma Stone está impresionante. En 2019 Emma Stone apareció de nuevo en ‘Zombieland: Mata y remata’ junto a sus compañeros Jesse Eisenberg y Woody Harrelson. Ahora, Emma Stone tiene pendiente de estrenar ‘Cruella’, tanto en cines como en Disney+. La actriz se pone bajo la piel de esta clásica villana de Disney para sorprendernos a todos. Un papel arriesgado y diferente que seguro que bordará como en todos sus anteriores trabajos. Y es que está claro que Emma Stone es una brillante actriz, de esas que pueden con todo lo que se les venga encima.

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“SÓLO ÉRAMOS CRÍOS” ¿CUÁNDO DEJAMOS DE SER NIÑOS QUE NO SON CONSCIENTES DE SUS ACTOS? Y, SOBRE TODO, ¿HASTA QUÉ PUNTO PODEMOS ESCUDARNOS DETRÁS DE ESA FRASE HECHA FRENTE A ACTOS ATROCES QUE COMETEMOS SIENDO PLENAMENTE CONSCIENTES?

por ROSA SURIA ‘Una joven prometedora’ habla de amistad, de justicia y de venganza. Habla de un miedo intrínseco que acompaña a las mujeres. O, más bien, de dos miedos combinados. El de ser violadas y el de no ser creídas. Habla de la realidad de miles de niñas, jóvenes y adultas que sufren en silencio, que se van en silencio, que gritan en silencio. Y habla de la impunidad de quienes llevan siglos apoderándose de nuestros cuerpos y nuestras mentes, rodeados por brazos amigos y risas cómplices, y por un silencio muy diferente al nuestro. El silencio del que sabe que ha cometido un delito atroz, pero está seguro de que no tendrá que pagar por él.

Porque así es la vida, y así son nuestras sociedades.

Cassie perdió a su mitad el día que Nina fue violada, vejada y grabada. La perdió antes de que se marchara físicamente y vio cómo todos los que estaban a su alrededor giraban la cabeza y miraban hacia otro lado. Tuvo que dejar su vida para apartarse del horror sufrido y cambió.

Perdió la confianza y la fe en los demás, perdió su libertad física y emocional, perdió su vida, ese camino prometedor que tenía por delante. Y perdió a su mitad, perdiéndose a sí misma.

Desde entonces, en una década, Cassie también ha perdido la cuenta de las veces que ha escuchado una frase que duele casi tanto como lo ocurrido. “Sólo éramos críos”. Tres palabras que suelen llegar acompañadas de una explicación algo más amplia, en la que se repiten las excusas yuxtapuestas que no hacen otra cosa que confirmar la culpabilidad y la falta de sentimiento de culpa de quienes las pronuncian. “Yo no hice nada”; “no nos dimos cuenta de que no se encontraba bien”; “parecía que le gustaba”; “yo ya no soy así, he cambiado”; “fue un juego”;

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“estábamos borrachos”; y un largo etcétera de estupideces que reflejan la cómoda y superior posición en la que se sitúan los hombres dentro de nuestras sociedades.

‘Una joven prometedora’ tiene una estética que enamora desde la primera secuencia. Y las muchas caras del personaje interpretado por Carey Mulligan son magnéticas e igualmente atractivas.

Pero lejos de la anécdota, de esa especie de mística que rodea a su personaje y a sus acciones y de la emoción de la venganza, es una película en la que todo gira en torno a la impunidad. Y a los límites que hay que cruzar para lograr que se haga justicia. Incluso cuando hay testigos, incluso cuando hay pruebas, incluso cuando se tiene todo para ser escuchada, creída y protegida.

Lo que ocurre en la película de Emerald Fennell debería resultarnos surrealista, casi distópico. Que una mujer tenga que planear su propio asesinato para que, finalmente, se encarcele al responsable de la violación sufrida por su mejor amiga y, más tarde, de su propia muerte. Que una mujer tenga que entregar literalmente su vida para hacer justicia, para que su voz y la de otras muchas se escuchen. Pero lo más terrorífico de la cinta no es esto, y ya es lo suficientemente atroz. Lo más terrorífico de la película es que no nos resulta tan lejano como cabría esperar. Al contrario. Todos reconocemos comportamientos que hemos observado, sufrido o perpetrado. Todos nos podemos ver en algunos de los personajes. No sólo las mujeres, que fácilmente nos encontramos en el miedo, la rabia y la desconfianza de Cassie. También los hombres. Porque sí, esos comportamientos son reales.

Y están presentes en cada bar, en cada cafetería, en cada fiesta, en cada casa…

En todas partes.

que marca el arranque de ‘Una joven prometedora’, pero generalmente terminan con un final feliz y con la romantización de una relación no consentida en un inicio.

La respuesta es sencilla y evidente. No estamos acostumbrados a tener esta visión porque no estamos acostumbrados a que detrás de las cámaras y de los guiones se encuentre una mujer. Seguramente esta película habría sido muy diferente si la hubiera dirigido un hombre. El mensaje habría sido diferente o habría llegado

“ Hacen falta historias que hablen de nosotras, que utilicen nuestro código y que lleguen desde la experiencia y desde el conocimiento ”

con una fuerza y una contundencia menores. Y la conexión también habría sido menor. Es la óptica de una mujer que sabe de lo que habla la que permite que la historia sea un fiel reflejo de la realidad y la que hace que se ponga el foco en aquello que de verdad nos importa.

Hacen falta historias como esta, historias de mujeres que sufren día a día e historias que muestren la impunidad que nos rodea. Porque para combatirla, primero tenemos que conocerla, que admitir que existe y que saber identificarla. Hacen falta historias que hablen de nosotras, que utilicen nuestro código y que lleguen desde la experiencia y desde el conocimiento. Hacen falta historias contadas por mujeres, escritas por mujeres, construidas por mujeres. Con nuestra sensibilidad y con las pisadas que han ido dejando las que caminaron antes que nosotras. Porque es así, usando nuestra propia voz, cómo se crean maravillas como esta cinta. Películas que me hubiera gustado ver en mi adolescencia, cuando creía que ‘violación’ era una palabra muy lejana que sólo hacía referencia a una realidad muy concreta.

Acabar con la cultura de la violación no va a ser sencillo ni va a ser rápido. Pero lo primero que debemos hacer es mostrarla, permitir que quienes no la ven puedan comprenderla y abrir los ojos a quienes han sido cómplices durante años. Emerald Fennell ha puesto ya su importante granito de arena. Ahora todas tenemos que continuar la senda que ha marcado.

Juntas. Como Nina y Cassie.

¿Y por qué no estamos acostumbrados a verlos en las pantallas? Rectifico. ¿Por qué no estamos acostumbrados a verlos de manera crítica en las pantallas? Porque todos hemos visto escenas como la

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REPORTAJE

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UNA AVENTURA DE APRENDIZAJE Stephanie Gil fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA muah LETICIA PERILLÁN

Camisa y falda, de MVP Wardrobe. Calzado, de The Cut Project. Accesorios, de TRIUM Jewelry.

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n todo el mundo católico, la ciudad portuguesa de Fátima es conocida por la milagrosa aparición de la Virgen María a tres jóvenes pastores en 1917. Lo que era pequeña aldea de granjeros se convirtió en un lugar internacionalmente conocido debido a las apariciones que tenían los niños, llegando a ser visitado por cerca de 6 millones de peregrinos al año.

Stephanie Gil llega a nuestros cines, este 7 de mayo, dando vida a Lucía. Tenía 13 años cuando se rodó ‘Fátima’, pero ya llevaba años trabajando en España e hizo su debut interpretativo en inglés en la reciente secuela de ‘Terminator: Destino Oscuro’. “Stephanie es muy natural en pantalla,” dice James T. Volk, uno de los productores de la cinta. “Puso todo su corazón en el papel. Fue realmente un camino emocional para ella experimentar por lo que pasó su personaje. Lo que fue para una niña de 10 años recibir este increíble mensaje y tener a todo el mundo dudando de ella, soportar que su familia y su pueblo se vuelvan en su contra. Y Stephanie lo logró en todos los niveles.”

MEW Magazine (MW): ¿Lo más complejo de tu oficio?

Stephanie Gil: Creo que todo el proceso antes de grabar. O el proceso casting porque hay mucha incertidumbre y tienes que prepararte el personaje muy bien.

MW: ¿Y lo que más te atrae?

Stephanie Gil: Ser otras personas. Interpretar a gente muy diferente. Lo más interesante de actuar es ser otra persona, darle matices, intentar ver cómo hacerlo más humano… Me encanta ese proceso.

MW: ¿Cómo se consiguen equilibrar los nervios cuando una tiene un casting?

Stephanie Gil: Honestamente, hago un ejercicio de respiración. Sobre todo, antes del Coronavirus. Porque ahora lo hago desde casa y como tengo a mi familia al lado, estoy relajada. Pero antes me concentraba mucho en respirar, en acordarme bien de las líneas…dejar los nervios a un lado.

MW: Este próximo siete de mayo llega ‘Fátima’ a nuestros cines y me gustaría saber cómo llega este proyecto a tus manos.

Stephanie Gil: Me llegó en 2018. Me llamaron para un casting y yo estaba súper ilusionada porque me encantaba el proyecto. Tenía muy buena pinta. Luego me hi-

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REPORTAJE cieron una prueba con los actores que iban a ser mis primos para ver nuestra conexión y así llegó este papel.

MW: En ese proceso que me comentas, ¿tenías la sensación de que el papel iba a ser para ti?

Stephanie Gil: La verdad es que salgo de los castings e intento olvidarme de ellos.

MW: ¿Qué es lo que más te impactó del personaje de Lucía?

Stephanie Gil: Su fuerza. Es muy madura para su edad. La ves relacionándose con los adultos, cómo les habla…Le ocurre algo a una edad tan joven que admiro su valentía y su fuerza y cómo supera la situación. Aunque es cierto que le ocurre con sus primos, pero ella es la mayor y es la que tiene que llevar el rol de ‘madre’.

“S ALGO DE L O S CASTIN GS E I N TEN T O OLVIDA R ME DE EL L O S ” A pesar de ser tres años mayor de lo que era Lucía en la película, Gil tiene muchas similitudes con su personaje, a quien describe como una niña fuerte, lista y segura de sí misma. “Espero compartir esa misma fuerza”, dice la actriz. “Tiene un mundo interior maravilloso y está siempre pensado. Yo tengo mi propio mundo interior también, eso es algo que compartimos. Aunque leí algo de la historia antes de llegar al set de rodaje, no leí mucho sobre cómo era la vida de Lucía. Quería entender el punto de vista que me contase Marco de la historia.”

Tras la visitación de la Virgen, la vida de Lucía cambió drásticamente, dice Gil. La inofensiva niña granjera se convierte en el enemigo la gente, del Estado y de parte de la Iglesia. “Todo el mundo la juzga a ella y a sus primos. Eso es bastante duro para una niña de 10 años. La relación de Lucía con su madre, que ya de por sí es una montaña rusa de emociones, se sale de control porque su madre cree que Lucía está siendo irrespetuosa con la Virgen.” ··· MW: ¿Fue fácil su construcción? ¿Te resultó sencillo?

Stephanie Gil: Históricamente hablando, Lucía es una figura muy importante, entonces, intenté prepararlo muy bien, estudiar cómo era ella.

Marco, el director, me ayudó mucho.

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Gil trabajó estrechamente con Pontecorvo para convertirse en Lucía a sus 10 años. “Me sugirió que intentará poner mi voz más aguda”, recuerda ella. “Trabajó conmigo para desarrollar una manera diferente de moverme que me parecer más joven. Como director, Marco fue genial. Tenía toda la película planeada en su cabeza.

Sabía los planos que quería y él era muy divertido.”

Sostener la intensa emoción de su personaje fue un desafío, admite Gil, pero hacer esta película ha sido una de las experiencias más especiales de su corta carrera.

El momento que dice recordará toda su vida fue la visita al Santuario de Fátima. “A pesar de no haber rodado allí, fue realmente conmovedor ver a todos el mundo allí reunido.” · · · MW: Cuando se tiene que dar vida a un personaje histórico, aunque una eche mano de referencias para su construcción, cuando llega el momento de rodaje, ¿una tiene que olvidar toda esa información y centrarse en lo que vaya fluyendo?

Stephanie Gil: Tienes que tener un poco de cuidado y no caer en el error de hacer todo lo que has leído. Mantienes a Lucía, pero intentas equilibrar diferentes matices dependiendo de la escena y de la situación.

MW: ¿Cómo recuerdas el rodaje? ¿Equilibraste bien la energía que te pedía Lucía?

Stephanie Gil: Lo que más recuerdo es a todos los sitios por los que fuimos. Intentaba estar con mucha energía en el set. Algo difícil porque había muchas escenas emocionales. Aunque es cierto que a la hora de grabar me equilibraban muy bien las escenas, entre las más intensas y las menos.

MW: El estreno de ‘Fátima’ se está viviendo de forma escalonada a nivel mundial. No sé si eso ayuda, ante el estreno en España, a estar un poco más tranquila cuando una ya ha visto que la crítica, a todos los niveles, está siendo buena.

Stephanie Gil: Tenía mucha ilusión de ver qué decían los críticos ante la película, pero no dejo que me afecte. Y me hace muy feliz ver cómo hablan de la película.

MW: ¿Una ya sentía, en pleno rodaje, que este proyecto iba a funcionar tan bien?

Stephanie Gil: La primera escena que grabé, lo hice en el set, en el estudio, en la casa y pude verlo montado y me flipó mucho.

Mono, de MVP Wardrobe.

Calzado, de The Cut Project.

Accesorios, de TRIUM Jewelry.

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Total look, de Karl Lagerfeld.

Accesorios, de TRIUM Jewelry.

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MW: ¿Qué has aprendido de Lucía?

Stephanie Gil: He aprendido de Lucía y del rodaje en sí. Han sido dos meses intentos de rodaje. Pero contestando a tu pregunta, de Lucía he aprendido su fuerza y me ha contagiado algo de su optimismo. Seguir hacia adelante sin que te afecte lo que te diga la gente.

MW: Vamos a poder verte, próximamente, en uno de los estrenos de TVE, ‘Ana Tramel’, en la piel de Jimena. ¿Es importante que un personaje no tenga nada que ver con el otro cuando te enfrentas a un nuevo proyecto?

Stephanie Gil: A mí me gusta que sean muy diferentes. Es mucho más divertido a la hora de crear por mucho que meta matices propios haciendo uso de esa parte que tengamos en común.

‘Ana Tramel. El juego’, se trata de la adaptación televisiva de la novela de Roberto Santiago, ‘Ana’, coproducida por RTVE, Tornasol, DeAPlaneta y ZDF Enterprises. Un thriller de investigación judicial, protagonizado por Maribel Verdú, que se adentra en el mundo del juego.

La serie cuenta la historia de Ana Tramel, una brillante abogada penalista que vive sus horas más bajas. Una llamada de su hermano Alejandro, al que hace años que no ve, le hace ponerse de nuevo en marcha: ha sido acusado de asesinar al director del casino Gran Castilla. Rodeada de un pequeño equipo de confianza, se tendrá que enfrentar a una enorme corporación de la industria del juego.

Este último proyecto de Stephenie Gil podrá verse, próximamente, en TVE.

MW: ¿Qué nos puedes contar de esa Jimena? Sin muchos ‘spoilers’…

Stephanie Gil: (Risas) Es una chica, adolescente, que vive una situación complicada.

MW: ¿Qué tiene esta serie para que pueda enganchar al público?

Stephenie Gil: Es una serie con mucho misterio que tiene consigue mantenerte pendiente de lo que está por venir. Hay un equilibrio muy bueno entre el misterio y la emoción.

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SERIES

UN MUNDO HORRIBLE

En ‘El cuento de la criada’, los creadores de Gilead lo plantean como un país en el que se recuperan y protegen los valores tradicionales. Un eufemismo detrás del que se esconden represión, torturas y una dictadura de la que es casi imposible escapar. por ROSA SURIA

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¿verdad?

Atwood construyó un mundo distópico, en el que las mujeres fértiles se habían visto convertidas en esclavas sexuales y reproductoras y habían sido separadas de sus hijos. Un mundo en el que leer era un delito para las mujeres, que tenían que dedicarse a la vida contemplativa y al servicio a su marido. Un mundo en el que nadie podía ser quien verdaderamente era, salvo unos cuantos hombres afortunados, ni siquiera todos, que hacían y deshacían a su antojo.

Este es el mundo que se llevó a la pequeña pantalla hace unos años con la serie homónima de Bruce Miller, cuya cuarta temporada se acaba de estrenar en HBO. Un mundo que da miedo, más bien pánico, porque saca y refleja lo peor del ser humano. Pero también porque, lejos de parecernos una realidad distópica imposible de alcanzar, como podría ocurrir con ‘Los Juegos del Hambre’ (pese al juego metafórico que fácilmente reconocemos en esta saga), no lo vemos tan lejano. Y

dad: violación, embarazo, parto, separación, nuevo hogar, violación, embarazo, parto, separación, nuevo hogar, violación… Un infierno que no termina, que avanza en bucle y que rompe el alma, el corazón y la esencia de esas mujeres que se ven convertidas en algo que jamás podrían haber imaginado.

Mientras el mundo espera en silencio.

Esta realidad, lógicamente, nos resulta inimaginable en estos momentos.

Pero de la cual conocemos sus raíces.

La gestación subrogada, esa práctica por la que una mujer decide, supuestamente libremente, gestar el feto de una pareja y cedérselo después del parto, siempre con contraprestación económica. Un tema enormemente polémico en la actualidad que esconde, detrás de eufemismos y palabras muy bien escogidas, la explotación del cuerpo de mujeres necesitadas que no encuentran otra alternativa.

Los bebés convertidos en un bien material, con valor y precio. Las mujeres convertidas en objetos sin alma, que gestan y acogen con su cuerpo, para luego ser separadas de una parte de sí mismas. Un proceso demoledor física y psicológicamente, por el que pasan para salir adelante económicamente

“La intolerancia es una de las principales protagonistas de la vida en Gilead. Y, sorpresa, cada vez lo es más en nuestra vida.”

Margaret Atwood sabía de lo que hablaba cuando escribió ‘El cuento de la criada’. El fantasma del totalitarismo persigue a las sociedades desde su propia creación. Y lo sigue haciendo ahora, casi 40 años después de la publicación de esta novela. Un totalitarismo que, por supuesto, llega siempre acompañado de una reducción drástica de los derechos de los seres humanos. Y, obviamente, del dominio de una facción de esta sociedad que, generalmente, suele ser la de los hombres blancos heterosexuales. Qué sorpresa,

encontramos, en algunas de las atrocidades que contemplamos, la evolución de comportamientos y hechos que ya estamos presenciando en estos momentos en nuestras sociedades.

GESTACIÓN SUBROGADA La primera gran similitud y la más terrorífica está directamente relacionada con las criadas, con las grandes protagonistas de esta historia. Esas mujeres fértiles que, por el mero hecho de serlo, son separadas de sus familias y utilizadas como vientres andantes, siendo violadas en incontables ocasiones. Una secuencia que se repite hasta la sacie-

en una sociedad en la que, sin dinero, no tienes nada.

Mientras tanto, niños abandonados en orfanatos de todo el mundo, que crecen en ellos o moviéndose de casa de acogida en casa de acogida, sin el calor, el abrigo y el cuidado de una familia.

Una muestra más de la sociedad deshumanizada que estamos creando y alimentando. Unos bebés valen miles de dólares, otros son olvidados por la mayoría.

LA EXCUSA DE LA RECUPERACIÓN DE LOS VALORES La similitud entre la realidad de las

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criadas y de las mujeres que subrogan su vientre no se distancia tanto como quizá cabría esperar, sobre todo para aquellos que no se han molestado en conocer la realidad de las segundas. Pero no es la única que podemos observar fácilmente en ‘El cuento de la criada’.

Los líderes de Gilead y aquellos que apoyaron la rebelión y el levantamiento tenían un objetivo claro: recuperar los valores tradicionales y protegerlos. Volver a unos orígenes en los que la familia tuviera un papel fundamental, en los que el estrés y las prisas no se comieran todo lo demás y en los que poder dedicar tiempo a las personas que queremos. Recuperar también la fe católica, el respeto a los mandamientos y a las escrituras, a los principales pilares de la religión (obviamente, la única que consideran verdadera).

Por suerte, sigue pareciendo complejo, por decirlo de alguna manera, que en la actualidad se dé un régimen autoritario como este. Pero los argumentos utilizados por los fundadores y los seguidores de Gilead nos suenan bastante. Porque no dejamos de escuchárselos a los miembros de los partidos de extrema derecha que, poco a poco, van ascendiendo en diferentes países. Candidatos en los que podemos reconocer fácilmente a personajes como Fred Waterford, pero sobre todo a su ideología.

Y a sus excusas.

Esa recuperación de valores resultó ser una gran mentira para llegar al poder y, después, olvidarse por completo de los mismos. Al menos en lo que respecta a ellos.

También nos suena, ¿verdad?

SOLO VALE UNA REALIDAD Y, como en todo totalitarismo, solo sirve una realidad. Solo existe una verdad. Y, el resto, no tiene cabida en la sociedad. En ‘El cuento de la criada’ no tiene cabida más que una religión, una orientación sexual, una opinión política… No hay espacio para los musulmanes, los budistas o los ateos. Tampoco para los homosexuales, los bisexuales o las personas trans. Ni para las mujeres que leen, que trabajan, que piensan, que tienen aspiraciones más allá de la familia… En definitiva, tampoco hay es-

pacio para las mujeres. Como mucho, hay una celda.

La intolerancia es una de las principales protagonistas de la vida en Gilead. Y, sorpresa, cada vez lo es más en nuestra vida.

Especialmente si la miramos con la óptica de esos partidos de extrema derecha que están embaucando a una parte de la sociedad. En su caso, resumiendo, no hay espacio para el diferente. Simple y llanamente. Todo el que se salga del molde que ellos mismos han construido, no vale. Y ese ‘todo’ hace referencia a la raza, la religión, el género, la orientación sexual, la opinión política… Contra lo que ellos llaman ‘el todo vale’, imponen el ‘solo vale lo mío’. Y lo peor es que los débiles, encandilados por discursos grandilocuentes y vacíos, se lo compran.

Gilead está muy lejos. Y, por suerte, sigue siendo ficción. Con más suerte y, sobre todo, con mucha cordura, seguirá siendo ficción para siempre. Pero Margaret Atwood no creó un mundo fantástico a miles de años luz del nuestro. Más bien, lo que hizo, y lo que están reflejando y desarrollando con mucho acierto en la serie de MGM Television y Hulu, fue analizar los comportamientos de nuestras sociedades y adelantarse a lo que podría ocurrir. Con un toque de épica extra, por eso de que se trata de una novela, pero con mucha verdad. Y con mucha inteligencia y mucha sensibilidad.

Dicen que el ser humano es el único animal que se tropieza dos veces con la misma piedra. Y no es baladí. Porque, efectivamente, tropezamos, y tropezamos, y tropezamos.

Aunque lo hayamos visto delante de nuestras narices, en la vida real. Y aunque lo revisitemos en incontables ocasiones en la pantalla y en las páginas de los libros. ¿Volveremos a tropezar? Me gustaría terminar este artículo diciendo que no, que confío en la inteligencia colectiva y en la memoria. Y también en el sentido común.

Pero todo apunta a que volveremos a ser los mismos.

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REPORTAJE

Amaia Sagasti & Juan Grandinetti ·LA NUEVA ERA DE PACO· fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah Amaia PATRICIA BARRANCO / muah Juan LUCÍA CASTRO

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na década después de la emisión del último capítulo, vuelven ‘Los hombres de Paco’. La exitosa serie de Antena 3, que se convirtió en todo un fenómeno entre los espectadores alcanzando los 117 capítulos y un total de nueve temporadas, abre una nueva etapa que se verá en el prime time Antena 3.

La serie, producida por Atresmedia en colaboración con Globomedia (THE MEDIAPRO STUDIO), cuenta con un elenco de protagonistas encabezado por los míticos actores que ya se pusieron en la piel los recordados personajes y se suman a ellos nuevos rostros.

Paco Tous, Pepón Nieto, Carlos Santos, Neus Sanz, Amparo Larrañaga, Amaia Sagasti y Juan Grandinetti protagonizan esta nueva entrega, que también contará con la participación de Adriana Ozores, Hugo Silva, Michelle Jenner, Juan Diego, Mario Casas y Fede Celada.

Esta nueva temporada mantiene el espíritu que hizo grande a ‘Los hombres de Paco’, su humor, su forma de entender la amistad, el amor, la vida y la justicia, pero adaptados a los nuevos tiempos, porque han pasado unos cuantos años y muchas cosas han cambiado, pero no su esencia. Eso nunca. La vuelta de ‘Los hombres de Paco’ no va a defraudar a los viejos seguidores de la serie, pero también va a conseguir enganchar a nuevos espectadores. Paco es más viejo, más sabio y aún más testarudo. Ha crecido como persona y a su alrededor

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todo está cambiando. Pero si algo tiene Paco es que es un superviviente nato y siempre va a saber adaptarse a cualquier reto. Eso sí, siempre con la ayuda de sus amigos.

Así que no os preocupéis porque Paco y Mariano vuelven tan en forma como siempre. Enfrentándose a otro de sus casos surrealistas, una de las esencias fundamentales de la serie desde hace 10 años. En definitiva, ‘Los hombres de Paco’ vuelven distintos, renovados, modernos, pero conservando su espíritu y su forma de ser, lo que les funciona y lo que se les da mejor. Se van a adaptar a los nuevos tiempos, aunque sea a cabezazos. ¿Y qué mejor vuelta que con energías cargadas y nuevos aires para enfrentar los contratiempos que se avecinen? De ello hablamos con Amaia Sagasti que dará vida a Ika y con Juan Grandinetti que se meterá en la piel de Rober. Dos rostros jóvenes que vienen a mostrarnos una n ueva era.

Pilar ‘Ika’ es sobrina de Paco, al que debe su profunda vocación policial y al que adora. Es una buena policía, decidida e implacable. Su sed de justicia, heredada de Paco, se une a su impulsividad y ganas de marcar la diferencia, todo sin dejar de ser cariñosa. Al entrar a formar parte del nuevo equipo de investigación, conoce Rober, un joven que va a poner su mundo patas arriba.

Juan: Total look, de Zara.

Amaia: Top, de Rinascimento. Pantalón, de BSB. Accesorios, de TRIUM Jewelry.

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REPORTAJE

“ROBER ES UNA PERSONA MUY CONSECUENTE Y LEAL” - JUAN GRANDINETTI

MEW Magazine (MW): Ya hemos podido disfrutar del tráiler de ‘Los Hombres de Paco’. Es cierto que aun no tenemos la fecha de estreno, pero intuimos que está cerca y me gustaría saber cómo se van controlando esos nervios.

Juan Grandinetti: Al estar terminando de grabar y con tanto jaleo como que no me queda mucho tiempo para pensar en cuanto falta. Pero uno empieza a tener ganas de verlo y que esto suceda. Y sí que podemos decir que falta muy poquito.

Amaia Sagasti: La verdad que un poco como Juan. Porque como no hemos dejado de trabajar durante todos estos meses, saber que viene el estreno es como que te impresiona, pero no estas a eso.

Al menos en mi caso, estoy a trabajar, a terminar y luego ya me pondré nerviosa.

MEW Magazine (MW): ¿Cómo llega ‘Los Hombres de Paco’ a vuestras manos?

Amaia Sagasti: En la cuarentena me llegó el casting. Que fue una época en la que, casualmente, hice un montón de castings. Y cuando llegó el de ‘Los Hombres de Paco’ yo le dije a mi chico, “vamos a grabarlo, pero no me van a coger”. Lo hice con toda mi buena intención, pero no dama un duro porque me cogieran. Y me cogieron. Fue una sorpresa. Lloré y reí al mismo tiempo. Fue muy intenso y muy poco esperado.

Juan Grandinetti: En mi caso, igual. Fue también en el confinamiento. Y me paso algo similar en el sentido de que había hecho un casting poco tiempo atrás y me encontraba en una situación en la que tampoco tenía muchas ganas de hacer nada. No se sabía cuando iba a volver todo o cuando iba a empezar.

Quizá, cuando uno pone menos expectativas en las cosas, es cuando más se suelta. Cuando más pleno estás. Quizá salen con más

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naturalidad. Además, ‘Los Hombres de Paco’, en su momento, también lo pasaban, allá, en Argentina. Y acá estamos.

MEW Magazine (MW): Cuando uno ya forma parte del proyecto, ¿debe obviar ese éxito del pasado?

Juan Grandinetti: Me parece que uno tiene que obviar todo eso.

Es lo mejor porque no puedo pretender estar a la altura de algo que no hice y algo que no viví. Por mucho que uno pueda hacerse una idea por el clima que se respira. Lo que tengo claro es que esto es algo que se incorpora a este fenómeno, pero que viene a aportar algo distinto.

Amaia Sagasti: Yo veía la serie con mis padres. Lloraba, me reía.

Fue una serie que se quiso mucho. Y tiene un montón de seguidores a día de hoy. Entonces, verme yo ahí, con toda esa gente, me acuerdo que pensaba “¿qué hago aquí?” (Risas). Me sentía como si fuera una espectadora de la serie que estaba rodando. Luego entendí que evidentemente venimos a aportar, a trabajar. A hacerlo lo mejor que sabemos.

MEW Magazine (MW): Cuando comenzasteis a construir a Ika y Rober, ¿partisteis desde alguna característica especial?

Juan Grandinetti: La verdad es que no recuerdo uno en particular. Más bien fue como un proceso en conjunto. Una construcción en conjunto. Me cuesta mucho crear el personaje en individual.

Termino de armar el personaje con la gente. Porque lo que más se muestra en la serie es el personaje con la gente. Cómo se comporta con la gente. Y creo que eso te brinda la capacidad de luego lo que tienes que realizar en solitario.

Como tengo a Amaia aquí, a mi lado, por ejemplo, si comparo a Ika con Rober, Rober es un personaje mucho más retraído.

Amaia Sagasti: A mí una cosa que me pasa mucho es que cuando

Traje y calzado, de Zara. Camiseta, de Sebago. Cinturón, de Fred Perry.

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Camiseta, de H&M. Falda, de Custo Barcelona.

Accesorios, de TRIUM Jewelry.

“LA MAYOR VIRTUD DE IKA ES QUE ES MUY BUENA PERSONA” - AMAIA SAGASTI empiezo a leer las escenas del personaje lo empiezo a ver rápido.

En mi cabeza empieza a haber una construcción. Y antes de comenzar con los ensayos empecé a practicar, por ejemplo, su andar.

Cómo se sentaba. O algún pequeño gesto. Aunque luego no he tenido por que incorporarlo.

MEW Magazine (MW): ¿La mayor virtud de Ika y de Rober?

Amaia Sagasti: La mayor virtud de Ika es que es muy buena persona. Y que tiene siempre predisposición a hacer justicia.

Juan Grandinetti: De Rober es que es una persona muy consecuente y leal.

MEW Magazine (MW): ¿Qué va a significar Ika para Rober y qué va a descubrir Rober gracias a Ika? Y viceversa…

Juan Grandinetti: ¿Qué va a significar? Casi que todo. Te respondo a las dos en una. Rober, antes de Ika, tenía una historia y a partir de Ika, de compartir muchas cosas con ella, vive un punto de inflexión. Rober empieza a mirar el mundo de otra manera. Y a entender las cosas de otra manera y aprender a valorarlas.

Amaia Sagasti: Para Ika la aparición de Rober va a suponer un trastoque a nivel vital. Va a ser una persona que, lo primero, le va a romper muchos muros por experiencias pasadas. Va a conseguir sacar su lado más cariñoso. Más bonito. Y le va a enseñar mucho.

MEW Magazine (MW): En rodaje, ¿está siendo fácil equilibrar la energía del personaje con que uno mismo tiene?

Amaia Sagasti: En mi caso, sí. Porque hay cositas de Ika que también tengo.

Juan Grandinetti: En mi caso también. Que de hecho es lo que más me cuesta, separar esas energías. Por momentos tuve que luchar bastante para no manejar el mismo registro que Juan.

MEW Magazine (MW): ¿Qué van a aportar Rober e Ika a estos nuevos ‘hombres de Paco’?

Juan Grandinetti: Caras nuevas y frescura.

Amaia Sagasti: Nuevas ideas, nuevas energías. Es como una bienvenida a algo más de lo que ya eran ellos que son maravillosos.

MEW Magazine (MW): ¿A qué tiene que estar preparado el público para estos nuevos ‘hombres de Paco’?

Amaia Sagasti: Tiene que estar preparado para ver mucha acción, muchos momentos paqueros pero muy potentes. Mucho humor.

Juan Grandinetti: Lo importante para mí es intentar no ver esta vuelta con la melancolía de que sea lo mismo. Porque, aunque la esencia es la misma han pasado diez años. Es importante tratar de amigarse con eso.

MEW Magazine (MW): Bajo mi punto de vista la esencia fundamental de ‘Los Hombres de Paco’ es el equilibrio perfecto que mantenía entre la comedia y el drama. Para vosotros, ¿se sigue manteniendo esa esencia?

Juan Grandinetti: Yo creo que sí. La serie va bastante por estos dos estados. Hay mucha comedia y mucho drama. Dentro de la comedia hay drama y viceversa. Cada estado tiene su momento.

Hay momentos en los que sin llegar a la lágrima te hace replantearte cosas.

MEW Magazine (MW): ¿Qué aprendizaje os lleváis de Ika y de Rober?

Juan Grandinetti: Rober me acercó a un montón de cosas que eran un poco lejanas a mí. Y hablar de la informática que no tengo ni idea (Risas). Y con ser un policía y agarrar armas… ¡Eso estuvo bueno! Tuvimos muchos entrenamientos.

Nada en particular y todo en general (Risas).

Amaia Sagasti: A Ika le he cogido mucho cariño. Y de ella me llevo la importancia de mostrarse. No ir de duro en la vida. Quitarte caretas y bloqueos cuando tienes a alguien al lado, que quiere estar contigo.

· · · ‘Los hombres de Paco’ calientan motores. Una serie que conservamos en el corazón y a la que tenemos unas inmensas ganas de darle una nueva oportunidad. Volver a estar con los de siempre, pero dar la mano a los nuevos que llegan. Si la esencia de Paco y sus hombres sigue presente, Ika y Rober tienen un lugar asegurado en nuestro corazón. No cabe ni la más remota duda.

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SERIES

SARA Y LUCAS: un amor tormentoso

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En un momento en el que el regreso de ‘Los hombres de Paco’ está cada vez más cerca, recordamos como fue una de las historias de amor más bonitas y apoteósicas de la pequeña pantalla. Michelle Jenner y Hugo Silva se encargaron de representar a Sara Miranda y Lucas Fernández, la pareja más conocida del barrio de San Antonio y que confirmaron que su amor era más fuerte de lo que muchos se pensaban. por ÁLEX DELGADO

La pequeña pantalla ha sabido representar a la perfección un cambio en la sociedad que se estaba produciendo y especialmente ha ocupado el papel de una especie de oráculo ante un futuro impredecible. En los últimos años se ha visto algunas series, como ‘Los Hombres de Paco’, que se han adentrado en un terreno pantanoso y en el que mostraron una tipología de relación que iba a marcar el futuro de una generación.

Hablar de ‘Los Hombres de Paco’ es hablar de una serie que hizo especial mención en las relaciones personales, siendo la relación entre Lucas Fernández (Hugo Silva) y Sara Miranda (Michelle Jenner) la gran protagonista. La ficción española no tuvo miedo en mostrar una realidad lejos de las falsas expectativas y gracias a eso, consiguieron que gran parte de la población española estuviese pendiente de lo que sucedía en la serie.

Hablar de Lucas y Sara es hablar de esa relación que nos encogió el corazón a todos y que poco a poco fue ocupando un papel fundamental en la trama de una serie que revolucionó la sociedad. No había miedo, se mostraba eso que sucedía en una vida real donde la idealización de estereotipos se había apoderado de una población que necesitaba unos referentes y sobre todo, precisaban una representación de la verdad.

En la ficción de Atresmedia fueron un paso más allá y lo hicieron con dos personas que estaban buscando ser comprendidos en un momento de indefensión e inseguridad personal. con un personaje tierno, dulce, aniñado y en plena adolescencia. Es por En el caso de Hugo eso, que no tuvieron ni el menor reparo en enfrentar a dos personajes Silva jugaron con que parecían contrarios, pero que en el fondo necesitaban recibir un un personaje duro, cariño que no encontraban y es que finalmente como se pudo ver la serio y con cierta relación terminó triunfando. predisposición de Desde el inicio bien es cierto que existía una cierta atracción por chulería. En cambio, parte de los dos, especialmente de Sara que no le importaba que Lucas con Michelle Jenner le doblase la edad. En el fondo, ambos conseguían esa idealización de nos encontramos la pareja, ese cariño y ese bien estar que no se conseguía. La inocencia juvenil hacia frente a una madurez desbocada que le hacía replantearse su actitud frente a la vida.

Lucas y Sara es el claro ejemplo de esa relación con códigos y en el que el amor puro e indestructible estaba presente desde el inicio, llegando a hacer frente a las intenciones y pretensiones de las familias, las cuales se oponían a la unión. Los jóvenes no tenían miedo a mostrar esa verdad que les unian y es que aunque la relación parecía tener todos esos aspectos que desde fuera parecía que no iba a cuajar, ellos confirmaron que las impresiones externas no eran importantes siempre que ellos dos supieran lo que había entre ellos.

“Parece que va a llover” se convirtió en una frase replicada por gran parte de la sociedad y es que esa era la que repetían una y otra vez Sara y Lucas en sus inicios cuando la familia seguía sin saber lo que sucedía entre ellos. Los chuzos de punta era la clara representación de que habían que hacer frente a todas las adversidades para ser feliz.

Hugo Silva y Michelle Jenner supieron mojarse en el momento oportuno, transmitiendo una felicidad y tranquilidad envidiable, siendo esa pareja que confirmó que no hay que temerle a nada ni a nadie. ‘Los hombres de Paco’ confirmaron que tras la torpeza de la sociedad se podía crear esa vida que todos deseamos tener y que raramente se consigue.

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SERIES

‘HIGH SCHOOL MUSICAL: EL MUSICAL’ por PALOMA ESCUDERO / fotografías ©Disney+ 112 MAYO 2021 · MW

Uno de los estrenos más esperados de Disney+ el año pasado fue ‘High School Musical: el musical. La serie’. Esta ficción original de la plataforma tuvo tanto éxito que la segunda temporada ya es una realidad muy cercana. Una temporada en la que nos esperan nuevos romances, grandes historias por descubrir y, sobre todo, muchas canciones con coreografías.

E

l próximo 14 de mayo Disney+ estrenará la segunda temporada de ‘High School Musical: el musical. La serie’. Nuevos episodios para seguir conociendo a estos jóvenes artistas que tanto nos cautivaron en la primera temporada. Una refrescante comedia protagonizada por jóvenes y desconocidos actores que demostraron un enorme talento tanto para la interpretación como para la música. Aunque ‘High School Musical: el musical. La serie’ se aleja por completo de las películas originales y no comparten mucho más que el nombre y algunas canciones.

Sí que es cierto que resultó siendo casi un pequeño homenaje a estas populares películas de Disney Channel, especialmente a la primera. Y es que se trata de una serie de instituto en la que el club de teatro quiere llevar a cabo un musical basándose en estas canciones y personajes. Una manera muy original de “revivir” este clásico de Disney que tanto gustó en su momento.

‘High School Musical: la serie. El musical’ tiene un tono diferente a otras series de la plataforma ya que, además de ser un musical, está grabada como si fuera un falso documental. Esto es un buen punto a su favor que esperemos que continúe en la segunda temporada ya que le aportaba mucha cercanía y naturalidad. Así pudimos conocer muchísimo mejor a todos los protagonistas. Sus miedos, sus inquietudes y sus sentimientos quedaban así perfectamente reflejados.

Por otro lado, está claro que no es una serie para innovar y ofrecer algo completamente único e inédito. Pero ahí también está su magia, porque ‘High School Musical: el musical. La serie’ es una ficción realmente buena. Es una serie tierna, divertida, y un poco nostálgica para los fans de las películas originales. ‘High School Musical: el musical. La serie’ es fresca

“ ‘HIGH SCHOOL MUSICAL: LA SERIE’.

EL MUSICAL TIENE UN TONO DIFERENTE A OTRAS SERIES ” mewmagazine.es 113

SERIES

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y cumple con el cometido de ser muy entretenida.

En los primeros episodios de ‘High School Musical: el musical. La serie’ pudimos conocer a una de las parejas que más furor generaron: al formada por Nina y Richard. Ambos iban a interpretar a Gabriella y Troy y su historia creó un gran entusiasmo y expectación. Además, aquí descubrimos también el gran talento de Olivia Rodrigo y también de Joshua Bassett. El resto del elenco también son actores jóvenes cuyo talento seguiremos disfrutando en la próxima entrega.

Matt Cornett, Sofia Wylie, Larry Saperstein, Julia Lester, Dara Reneé, Frankie Rodriguez, Joe Serafini, Mark St. Cyr y Kate Reinders, completan el reparto.

Esta segunda temporada de ‘High School Musical: el musical. La serie’ seguirá poniendo en valor la importancia de la amistad. Este grupo de amigos seguirá siendo el foco de atención de todas las tramas. Y, por supuesto, la música será el pilar de todo esto ya que cantar y bailar continuará siendo la pasión de estos adolescentes. Nuevos episodios para poder explorar más a fondo en las relaciones que fueron surgiendo y así profundizar mucho más en los personajes.

En esta ocasión el musical que se llevará a cabo en ‘High School Musical: el musical.

La serie’ será ‘La Bella y la Bestia’. Los alumnos del East High School quieren darle una lección a su competencia por lo que decidirán que este será el musical que representarán en el festival de primavera. Sin embargo, no todo dentro y fuera del escenario es fácil y el camino de nuestros dos queridos protagonistas parece estar condenado a separarse.

Está claro que esta segunda temporada de ‘High School Musical: el musical. La serie’ pondrá a prueba a los protagonistas dejándolos al límite. Tendrán que luchar por superar las adversidades al ritmo de buenas canciones y algún que otro baile espectacular. Además, esperamos escuchar muchas canciones originales que estén a la altura de algunas de la primera temporada.

Además de los actores que ya conocemos, esta segunda temporada tendrá invitados especiales: Derek Hough, Olivia Rose Keegan, Roman Banks, Andrew Barth Feldman y Asher Angel.

AHORA HARÁN ‘LA BELLA Y LA BESTIA’ El musical que representarán en esta segunda temporada de ‘High School Musical: el musical.

La serie’ será ‘La Bella y la Bestia’. Un clásico que nunca pasa de moda al que le darán su toque más personal.

Para darle una lección a la competencia, los alumnos del East High School interpretarán este musical en el festival de primavera.

Sin embargo, las cosas se pondrán difíciles dentro y fuera del escenario.

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SERIES

‘Hospital Central’, un mito televisivo Hay series que se han quedado grabadas en el recuerdo de los españoles y “Hospital Central” es una de ellas. La serie de Telecinco será siempre recordada por ser una de las más trascendentes y por su espíritu rompedor. La ficción arropó a un espectador que necesitaba conocer los entresijos del conocido hospital. por ÁLEX DELGADO

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no impidieron que el “central” volviera a abrir en un momento determinado para ayudar, eso que tanto hicieron a cambio de tan poco.

Las puertas de ese mítico hospital vivieron auténticas historias de lucha y de superación en las que la identidad de las personas y pacientes no quedaron en un segundo plano. En ‘Hospital central” no tenían miedo en tratar temas de actualidad como las pandemias y lo hicieron mostrando todos los lados posibles, desde el miedo y el temor y desde el lado más centrado y tranquilo, confirmando que estas situaciones se pueden controlar si se quiere, siempre que se

La ficción española sigue dando tumbos en aspectos sociales que están en un primer plano. No es de extrañar que en los últimos años apuesten por temáticas sanitarias o que tengan relación con un hospital o centro de salud. Series como “Farmacia de guardia”, “El síndrome de Ulises” o “Polseres Vermelles” son un claro ejemplo, pero si hay una que marcó un antes y un después no es otra que “Hospital central”, una de las ficciones más longevas nacionales y que recientemente anunciaba que regresaba en formato de spin-off.

La ficción de Videomedia para Mediaset España estuvo en emisión 12 años completando un total de 20 temporadas. Protagonizada por Jordi Rebellón, Alicia Borrachero, Nacho Fresneda, María Casal, Patricia Vico, Fátima Baeza, Diana Palazón, Antonio Zabálburu, Marian Álvarez, Carles Francino o Pedro Casablanc entre muchos otros actores y actrices, llegaron a la casa de todos los españoles gracias a una trama que era verídica y que no tenía ninguna línea roja. Se trataba de una serie que mostraba los entresijos de una realidad silenciada y obviada por muchos.

Inspirada en la mitica serie americana “Urgencias”, “Hospital Central” consiguió que la audiencia se quedase pegada en las inagotables desgracias y sucesos que pasaban en un centro de salud que era la referencia y en el que todos y cada uno de los facultativos tenían un carácter tan peculiar que terminaba arropando a un espectador que necesitaba recibir imputs de un especialista.

“Hospital central” no se andaba con rodeos y si tenía que atacar y defender la sanidad pública lo hacía sin importarle las consecuencias. La privatización del sector y los intereses políticos

confíe en la medicina.

La serie de Telecinco confirmó que un nuevo tipo de ficción inclusiva se podía hacer. El claro ejemplo se encuentra en la relación de Esther (Fátima Baeza) y Maca (Patricia Vico), que pese a un polémico inicio, demostró que el amor entre ambas era más fuerte de lo que se imaginaban y confirmaron que su relación tenía futuro en un momento en el que la sociedad todavía no había asimilado este tipo de relaciones.

“Hospital Central” es esa serie que humaniza a unas personas que se dejan cada día la piel en los centros hospitalarios de todo el mundo sin pedir nada a cambio. La ficción de Telecinco perduró en la memoria de muchos espectadores que veían como se trabajaba en un hospital y sobre todo, como evolucionaban unos personajes entrañables, que pese a su peculiar carácter, no eran más que una representación de una sociedad que solo necesitaba y buscaba ser escuchada.

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REPORTAJE

PH EN LA PIEL DE OTROS

P OL H E R MO S O fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo CANDELA NOVERQUES / muah VLADA NIGMANOVA

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Polo y zapatos, de Hugo Boss. Pantalón, de Polo Club.

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P Tras su recordado personaje en ‘Merlí’, Pol Hermoso ha regresado a nuestras pantallas protagonizando una de las apuestas de Atresmedia. ‘Alba’. Un estreno que se vivió el pasado 28 de marzo dentro de ATRESplayer PREMIUM y que narra una historia compleja y dura. La ficción, inspirada en la mundialmente exitosa ‘Fatmagül’, es un drama emocional, una historia de amor en medio de lo imposible. Una ficción que. cuenta con 13 capítulos de 50 minutos de duración. Y donde el objetivo principal es hacernos replantear muchas de las actitudes y acciones que hacemos o permitimos hacer. Hasta un sencillo y torpe comentario.

Pol Hermoso da vida a Rubén. Un tipo completamente diferente a él y con el que le ha resultado complejo hacer uso de la empatía y encontrar algo más allá de los hechos. Un trabajo milimétrico para dar lo que el trabajo pedía en ese momento.

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Charlamos de la profesión y del esfuerzo que lleva dentro. Del aprendizaje constante que realiza uno y de los altos y bajos que se viven. De lo transcendente que es decir ‘sí’ ante cada nueva oportunidad que se presente y mantener los pies en el suelo.

MEW Magazine (MW): ¿Lo más complejo de este oficio?

Pol Hermoso: Que tiene muchos altos y bajos. Que es muy irregular. Y es una cosa que un actor tiene que saber. Y yo lo he tenido que aprender a base de trabajar y dejar de trabajar. Es todo muy lento.

MW: Hay que tener paciencia…

Pol Hermoso: Mucha, muchísima.

Paciencia y trabajar. Porque hay gente que se queda con eso de la paciencia, esperando, pero hay que provocar cosas. Que la suerte tiene un papel muy importante, pero hay que buscarla. Hay que moverse. Eso sin duda.

En los últimos años he aprendido mucho a decir que sí. Porque tuve una época en la que me puse un poco especial. Si no es un proyecto desastroso di que sí a la mayoría. Porque siempre te acabas llevando a algo. Y el boca a boca funciona. Nunca sabes quién está trabajando contigo.

MW: Y sobre la autoestima…

Pol Hermoso: Hay que aprender mucho de los ‘no’. Es una profesión que tiene muchos. Ya no solo a nivel de casting sino simplemente que no te salga nada.

Incluso a nivel de busco representantes y no los encuentro. O hasta que las clases de teatro no te estén funcionando.

No hay profesión en la que se hagan tantas entrevistas de trabajo como en esta. Y no te tiene que afectar en el día a

Camisa, de Espirit. Pantalón, de Scotta.

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REPORTAJE

Traje y zapatos, de Hugo Boss.

Camiseta, de Polo Club.

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día. Porque es que es complicado.

MW: Con el paso del tiempo, ¿se aprende afrontar mejor los castings?

Pol Hermoso: No lo sé. No hay una fórmula. Al final se trata de ir con buena predisposición a trabajar. Porque cada prueba es un mundo.

MW: ¿Te ha sumado el teatro a lo audiovisual?

Pol Hermoso: Creo que sí. A nivel didáctico me ha dado mi base.

MW: ¿Qué es lo más sencillo para ti? ¿Dar la bienvenida a un personaje o el momento de la despedida?

Pol Hermoso: Lo más fácil es dar la bienvenida. Lo coges con mucha ilusión. Tienes ganas de trabajar, de investigar.

MW: ¿Cómo llega ‘Alba’ a tus manos?

Pol Hermoso: Hice castin para otro personaje y no di la talla.

Hice para Tirso, pero no cuadraba. Entonces, me propusieron para Rubén. Imagino que en el primer vieron algo.

Jacobo, excepto por que ambos son clasistas, misóginos y machistas.

Quiere a Jacobo y sabe que le necesita, pero no piensa mover un dedo por la empresa.

· · · MW: ¿La construcción inicial partió de alguna característica concreta?

Pol Hermoso: Lo que me llamó la atención fue que cuando leíamos los guiones, a veces, eran conversaciones que todos habíamos escuchado alguna vez. Sobre todo, como chicos.

Se trata de comentarios que escuchamos entre amigos y que deberíamos parar en ese momento, pero no lo hacemos. Y en la serie se ve muy claro.

MW: ¿Cuánto de complejo ha sido el rodaje cuando uno tiene que contar una historia tan cruda?

Pol Hermoso: Bueno, al final, el trabajo es hacer lo que se te pide. No puedes juzgar el trabajo por si lo que estás haciendo es bueno o peor.

" LO ÚNICO QUE QUEREMOS ES QUE, COMO ENTRETENIMIENTO, LA GENTE LA DISFRUTE. Y QUE LES HAGA PENSAR "

En la parte de la prueba bien porque solo fueron dos pruebas.

Porque hay otros proyectos donde hay hasta siete pruebas y llega un momento en el que ya no sabes qué está pasando y si te están testeando (Risas).

MW: ¿Cómo fue dar la bienvenida a ese Rubén?

Pol Hermoso: Curioso porque es un personaje con el que cuesta empatizar. Cuesta encontrar las partes humanas. Y el trabajo fue por ahí. No intentamos recrear a un villano. Sino nos hubiésemos enfocado en otro tipo de serie y creo que no era interesante tirar por ahí. Sobre todo, por el tema que estamos tocando.

··· Dentro de ‘Alba’, Pol Hermoso da vida a Rubén. El hijo de Mercedes y Mariano Entrerríos. Se trata de un chaval que a base de tenerlo todo al alcance de su mano se ha convertido en un vago, un caprichoso y un irresponsable por mucho que su madre intentase evitarlo. La sonrisa y el don de gentes de Rubén es lo que siempre juega a su favor, algo a lo que Mercedes saca partido. Rubén es, por tanto, la antítesis de su primo

Lo que debíamos tener muy claro es qué queríamos contar y qué no queríamos contar. No quedarnos en medias tintas por miedo. O no hacer una cosa demasiado explícita. Así que el trabajo fue más sobre qué y cómo queríamos contar para no quedarse ni cortos ni largos.

MW: ¿Fue fácil equilibrar la energía de Rubén?

Pol Hermoso: Rubén tiene mucha más energía de la que yo tengo. Entonces, había un trabajo. Es que Rubén tiene mucho de lo que yo no tengo y había mucho trabajo detrás (Risas).

Al final del día me quedaba KO. MW: Con el paso de los trabajos y de los personajes, ¿se afrontan mejor los estrenos?

Pol Hermoso: No (Risas). Es que nunca sabes. Porque al final un proyecto tiene tantas capas… A veces no sabes cómo va a ser la estética porque solo tienes el texto. Nervios hay siempre.

MW: ¿Con qué sensación te gustaría que el público se sentase a ver ‘Alba’?

Pol Hermoso: Pues que al final estamos contando una historia que habla de muchos temas. Que no solo hablamos de una

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REPORTAJE

violación. Lo único que queremos es que, como entretenimiento, la gente la disfrute.

Y que les haga pensar.

MW: ¿Es más divertido cuando el personaje es el polo opuesto de uno mismo?

Pol Hermoso: Tiene cosas buenas y cosas malas. ¿Cosas buenas? Que es muy fácil despegarte de ti. Porque como estás haciendo algo tan alejado, no recaes. Pero eso también implica que no tienes ninguna base y que tienes que trabajarlo.

Creo que a mí me cuesta más a nivel físico.

Porque si está entorno a tu edad es fácil caer en dejes. Pero, en este caso, como era tan distinto a mí, lo ves súper claro. Es mucho más fácil rectificarlo.

MW: ¿Qué has podido aprender con un personaje como el de Rubén?

Pol Hermoso: Poca cosa la verdad. A veces me suelen preguntar sobre qué me suelo llevar a casa porque a veces si tienes un personaje con mucha alegría o vitalidad, llegas a tu casa con ese chute, pero con Rubén, durante el rodaje, me iba a casa muy vacío. No llevarte nada a casa es pobre, la verdad.

MW: ‘Alba’ en una palabra o en una emoción…

Pol Hermoso: Agridulce. Muy agridulce.

· · · Pol Hermoso camina a lo largo y ancho de su oficio con las ideas cada vez más claras. Sabiendo qué es lo que quiere y qué es mejor dejar marchar. Poniendo el foco donde realmente hay que colocarlo.

Porque las luces van y vienen, pero el trabajo siempre se queda en el recuerdo.

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Polo, de Hugo Boss.

Pantalón, de Scotta.

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TEATRO

Los papeles de Sísifo, una oda a la libertad de expresión FERNANDO BERNUÉS TRANSFORMA EL MARÍA GUERRERO EN LA REDACCIÓN DEL EGUNKARIA, EL DIARIO VASCO QUE CERRÓ POR PRESUNTAS RELACIONES CON ETA.

por MARÍA P. PINTO / fotografía ©Mikle Blasco “Los papeles de Sísifo” (“Sisiforen Paperak”) es una obra teatral que se basa, libremente, en el conocido “caso Egunkaria”, un diario que se publicaba íntegramente en euskera y que fue cerrado bajo sospecha de una posible relación entre el diario y la Organización terrorista nacionalista vasca, ETA. “O se está con la libertad de expresión o se está contra la libertad de expresión”.

Así comienza esta oda al periodismo que ha llenado la sala principal del Teatro María Guerrero durante el mes de mayo. La

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historia gira entorno a una joven periodista recién llegada al equipo de redacción del periódico y cómo sus principios éticos y deontológicos alrededor de los cuales gira su visión periodística se ven obstaculizados por los problemas que presupone trabajar en un medio tan precario. A la vez que acontece la historia de este personaje, presenciamos la trama policial y judicial que dan lugar a la detención de ciertos miembros del periódico, las torturas por parte de la Guardia Civil durante los interrogatorios y, finalmente, el cierre del medio.

Estrenada en San Sebastián, “Los papeles de Sísifo” es una obra que enfrenta al espectador ante uno de los episodios nacionales más oscuros de nuestra historia. Una sociedad donde la libertad de expresión y, en especial, la capacidad de los medios por ejercer su labor periodística, se disolvían en el aire bajo la amenaza de posibles represiones.

No obstante, el espectador no acude a la representación de un documental como tal. “Los papeles de Sísifo” es, sencillamente, una obra teatral, una ficción, inspirada en el “caso Egunkaria”. Sobre el escenario defienden las palabras del escritor Harkaitz Cano once actores, entre los que se encontraban Anjel Alkain en el papel de Torregarai, Asier Hernández, una estupenda Olaia Gil como Mónica, Mireia Gabilondo como la jueza Natalia Ruiz Arcas (con sustitución de Aizpea Goenaga algunos días de abril, Asier Hormaza, Dorleta Urretabizkaia, Xabi “Jabato” López, Mikel Losada, Markos Marín, Alexandru Stanciu, y un maravilloso Iñaki Rikarte como Torque. Además, en las funciones que se llevaron a cabo en euskera formaron parte del elenco Joseba Apaolaza e Iñigo Azpitarteen. A modo de enlace entre una escena y otra, acompaña la guitarra de Ikerne Giménez. Un acompañamiento que, sin duda, funciona como elemento divisor entre las escenas, pero que se acaba volviendo monótono, hacien-

do que el ritmo de la obra sea ligeramente lento y predecible (en cuanto a las transiciones y al ritmo). No obstante, si bien es cierto que ralentiza el ritmo, la guitarra ayuda a la creación de un fantástico ambiente sonoro en determinadas ocasiones.

Giménez, además, ha sido la responsable de una espectacular escenografía: un escenario divido en dos partes donde, en la zona delantera (la cual estaba muy próxima al público, causando una agradable cercanía con el espectador) se formaba un enorme cubo blanco que se asemejaba a los bordes de una pantalla y que ofrecía en el espectador la ilusión de estar observando una historia al otro lado del televisor. Un espacio donde se sucedían la mayor parte de los diálogos, además de las torturas realizadas por la Guardia Civil a los miembros del periódico. Unas torturas que, por cierto, mantenían en vilo a todo el patio de butacas e impregnaban el aire del teatro de una constante tensión a través de una propuesta arriesgada, potente y, por supuesto, muy acertada por parte del director a la hora de escenificarlas. Por otro lado, nos encontramos con la segunda parte de la escenografía, situada al fondo, la cual Giménez ha conseguido transformar en una magnífica y bella sala de redacción del Egunkaria. Impregnado de colores más cálidos y terrosos, este espacio desprende a través de detalles (como el hecho de que los asientos sean cajas de cartón) un ambiente precario, pero, a la vez, sencillo y agradable que se contraponen totalmente con lo frío y aséptico de la parte delantera del escenario.

“Los papeles de Sísifo”, una coproducción entre el CDN y el Antzerkiz, fue escrita por Harkaitz Cano, un escritor licenciado en derecho que ha desarrollado su labor en géneros como la literatura juvenil e infantil, las crónicas y la poesía. Desenvolviendo su escritura principalmente en euskera, Cano ha sido su propio traductor al castellano y ha ganado en tres ocasiones el Premio Euskadi de Literatura.

Fernando Bernués ha sido el responsable de la puesta en escena de la obra. Director, productor y escenógrafo, Bernués ha sido el miembro fundador de Tanttaka Teatroa y Tentazioa Produkzioak. Bernués se ha convertido en uno de los grandes referentes de las artes escénicas gracias a montajes como “El Florido Pnesil”, “No-

vecento el pianista del océano”, “Como un viento helado” o “Deje su mensaje después de la señal”.

“Los papeles de Sísifo” es una obra que enfrenta al espectador ante uno de los episodios nacionales más oscuros de nuestra historia.

“ “Los papeles de Sísifo” es una obra que enfrenta al espectador ante uno de los episodios nacionales más oscuros de nuestra historia ” El Euskaldunon Egunkaria ha sido, desde su apertura en 1990 hasta su cierre en 2003, el único diario que se publicaba en euskera. El periódico se editaba en Guipúzcoa y distribuía en las diferentes zonas del País Vasco, Navarra y el País Vasco Francés. El Egunkaria era un diario que no tenía una mirada ideológica concreta. No obstante, muchos acusaron al diario vasco de tener una afinidad con la izquierda nacionalista vasca. Fue en 2003 cuando la Audiencia Nacional, a través del juez instructor Juan del Olmo, se ordenó el cierre temporal y el embargo preventivo de los bienes del periódico bajo la acusación de su actividad dentro de la red empresarial controlada por ETA. En la misma operación que llevó al cierre temporal (supuestamente de 6 meses, pero que se prorrogando a lo largo del tiempo) también trajo consigo la detención de varios miembros y directivos del periódico vasco. Entre ellos, Martxelo Otamendi, director del Egunkaria desde 1993 hasta su cierre, e Iñaki Uria, quien formó parte del equipo del diario desde su creación, siendo nombrado subdirector del medio, posteriormente director y, por último, con-

sejero delegado, puesto que acuñó hasta el cierre del periódico.

Tiempo más tarde, concretamente siete años después, el magistrado Javier Gómez Bermúdez, desde la Sala de lo Penal de la Audiencia Nacional, decidió absolver a los cinco directivos del periódico vasco: Martxelo Otamendi, Juan María Torreldai, Javier Oleagalos, Ignacio María Uria y José María Auzmendi. Gómez Bermúdez emitió que la decisión que llevaron a cabo de cerrar el diario no estaba sustentada bajo ninguna forma legal, carecía de valor: “la orden de cierre no tenía habilitación constitucional directa y carecía de una norma legal, especial y expresa que la autorizara”.

A pesar de todas las acusaciones que se formaron a lo largo del tiempo contra el Egunkaria, resultó imposible probar una relación, directa o indirecta, en la banda terrorista vasca y los miembros del periódico. No obstante, a pesar no encontrar ninguna relación entre ETA y Egunkaria, los continuos cierres temporales y las constantes acusaciones contra el diario, además de la presente precariedad económica, causaron inevitablemente que periódico vasco cerrara sus puertas para siempre.

“Los papeles de Sísifo”, como se ha mencionado anteriormente, es un homenaje a la profesión periodística, a todos aquellos medios que se vieron perjudicados cuando la censura y la ausencia de libertad de expresión producían un agujero en la democracia de la sociedad española. “Los papeles de Sísifo” es Egunkaria, pero también son todos aquellos miedos que fueron cerrados de manera injusta, produciendo un daño irreparable en el cuarto poder de la sociedad democrática. A través de las palabras de Harkaitz Cano y de la mirada y puesta en escena de Fernando Bernués, la oscuridad del franquismo y postfranquismo empapa el ambiente de la escena. Sitúa al espectador frente a un espejo que desvela los más profundos horrores de su sociedad.

Y es que, si una cosa es cierta, es que hay una continua resistencia por parte de la sociedad de enfrentarse a sus pasados más oscuros (tanto si nos remontamos siglos atrás, como en la época de la Inquisición española o el colonialismo europeo, como si nos remontamos a lo ocurrido hace apenas un siglo), de no admitir todas las atrocidades que se han cometido y todos los derechos humanos que se han vulnerado.

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TEATRO

©Vicente R

CANAL STREET, EL LUGAR DE LA DANZA URBANA

CICLO DEDICADO A LA DANZA URBANA CON 8 ESPECTÁCULOS’. por REDACCIÓN

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Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan la primera edición presencial de Canal Street, un ciclo dedicado a la danza urbana con 8 espectáculos de distintos artistas nacionales e internacionales que se celebrará entre los días 11 y 16 de mayo.

Canal Street contará también con una Battle Contest (batalla de baile) que reunirá a 16 bailarines seleccionados encima del escenario mostrando sus habilidades en diferentes disciplinas. El ciclo busca así convertirse en un referente, no solo para el público amante de la danza en general, sino para jóvenes y familias que disfruten

de la danza urbana.

Blanca Li, directora artística de los Teatros del Canal, destaca la importancia de Canal Street como parte de su proyecto: “desde que llegué a la dirección de los Teatros del Canal quería abrir este espacio al Hip Hop y las danzas urbanas porque me parece muy importante que existan, no solo en la calle, sino también en los escenarios.”

El ciclo arranca el día 11 de mayo con Avalanche, de la compañía Dani Pannullo Dancetheatre, una muestra de fútbol freestyle en la que la que el coreógrafo, muy

La primera edición de Canal Street se presentó durante el periodo de confinamiento, entre el 18 y el 22 mayo de 2020, con una gran acogida por parte del público y consistió en una competición de danzas urbanas que se pudo seguir a través de las redes sociales y Teatroscanal.com. Se organizaron también talleres online y un espectáculo en directo de Iron Skulls, una de las compañías que estarán sobre el escenario en esta edición 2021. interesado en nuevas formas de deporte urbano, incluye además del elenco de bailarines de danza urbana habitual en sus espectáculos, una novísima modalidad que se sitúa entre el control, la práctica del deporte y cierto virtuosismo.

Pixel, de la Compagnie Käfig, ofrecerá el día 12 una mezcla una mezcla de baile hip-hop con proyección digital de vanguardia. Con una puesta en escena nunca antes vista en la que los bailarines logran hazañas aéreas y acrobáticas en un paisaje digital tridimensional que cambia con cada movimiento, en un suelo que se desplaza bajo sus pies, una ola que se eleva repentinamente del suelo o una cuadrícula de puntos que se rompe en una ráfaga de nieve. Ese mismo día, los Brodas Bros, se subirán al escenario con Around the world: mapping, proyección interactiva, láser, danza aérea, vestuario de leds en un espectáculo sorprendente, el show más tecnológico de Brodas Bros

jamás visto hasta ahora.

Bboy Grazy + Circle of Trust llegan el día 13 con Street, donde el bboying y el break dance más espectaculares se alían en un espectáculo único. Bboy Grazy es bailarín y coreógrafo de bboying y break dance.

Formó parte del famoso grupo Fusion Rockers, que marcó un antes y un después en la danza urbana de España, inspirando a muchos jóvenes que hoy en día son campeones en el sector. Circle of Trust, formado en 2002, parte de los movimientos urbanos para abrir diferentes caminos hacia nuevos estilos más contemporáneos.

Los días 14 y 15 de mayo la Compagnie Blanca Li presentará Elektrik, una reinvención del electro dance, entre la explosividad y la precisión. Con ocho intérpretes de referencia a nivel mundial en la cultura electro y una banda sonora compuesta en parte por Tao Gutiérrez, Elektrik es la tercera producción de

Blanca Li con estilo urbano después del espectáculo Elektro Kif en 2009 y de la película Elektro Mathématrix en 2015.

La compañía Iron Skulls llega el 15 de mayo con No sin mis huesos, una pieza inspirada en la biografía de Cervantes, que indaga en el contexto sociopolítico del Siglo de Oro trasladando al público a un mundo onírico en el que los fantasmas y los pensamientos obsesivos toman un papel fundamental en la vida del autor, en especial, durante su estancia en Argel.

Por último, Cie Accrorap y Kader Attou presentan The Roots, una pieza que apela a la historia de cada uno, de cada bailarín, con su riqueza y singularidad. Parte de las raíces de su baile, alimentado a lo largo de los años, para ir hacia la memoria de los cuerpos y representar finalmente el fruto de esta búsqueda: ahondar en esta generosa danza para descubrir nuevos caminos.

©BSLG

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LITERATURA

por REDACCIÓN / fotografía ©Unplash

QUEMAR LIBROS

E

liminar el conocimiento es una labor que nunca ha pasado de moda. Porque antes que una sociedad con conocimiento, preferimos borregos que tengan tanto miedo como les inyectemos. Es mejor eso a que lean, investiguen y generen sus propias conclusiones. La destrucción deliberada del conocimiento solo nos enseña que tenemos más fuerza de la imaginada pero que elegimos seguir durmiendo.

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«El 10 de mayo de 1933 se organizó en Berlín una hoguera en Unter den Linden, la avenida más importante de la capital. Aquel lugar tenía una gran resonancia simbólica: frente a la universidad y adyacente a la catedral de San Hedwig, la Ópera Estatal de Berlín, el Palacio

«Feuersprüche», una serie de ensalmos al fuego, arrojaron el busto sobre los miles de volúmenes de la biblioteca del instituto, a los que habían añadido libros de judíos y de otros escritores “no alemanes” (entre ellos destacados comunistas y homosexuales) arrebatados de las librerías y las bibliotecas. [...]»

Real y el hermoso monumento conmemorativo de Karl Friedrich Schinkel.

Una entusiasta multitud de casi cuarenta mil personas contemplaba a un grupo de estudiantes que desfilaba ceremoniosamente hacia la hoguera portando el busto de un intelectual judío, Magnus Hirschfeld (fundador del innovador Instituto de Ciencias Sexuales). Coreando

Tomando como punto de partida la infame quema de libros «no alemanes» y judíos de 1933, que daba una idea bastante inequívoca sobre las intenciones de los nazis, Quemar libros nos sumerge en un viaje de tres mil años a través de la destrucción del conocimiento y la lucha por preservarlo.

© John Cairns

nombre de la censura.

«Orwell ya lo puso de manifiesto en 1984, y sus palabras suenan desconcertantemente reales hoy en día si pensamos en el papel que las bibliotecas y los archivos deben desempeñar en defensa de las sociedades abiertas: “Había la verdad y lo que no era verdad, y si uno se aferraba a la verdad incluso contra el mundo entero, no estaba uno loco”. Las bibliotecas y los archivos se han convertido en el soporte fundamental de la democracia, el Estado de derecho y la sociedad abierta, puesto que son organismos que existen para «aferrarse a la verdad». [...]»

Esta obra es, a la vez, una gran historia de la civilización y un manifiesto sobre la vital importancia de las bibliotecas físicas en una era cada vez más digital, pero también una historia humana a la que da vida un sorprendente reparto de aventureros, arqueólogos autodidactas, poetas, activistas… y, por supuesto, los bibliotecarios y el heroico camino que recorren para conservar y rescatar el conocimiento y garantizar así la supervivencia de la civilización. «[...] Salvaguardar la verdad contra la proliferación de «hechos alternativos» significa capturar esas verdades y las declaraciones que las desmienten para tener puntos de referencia en los que la sociedad pueda creer y confiar. »

Richard Ovenden, director de la mundialmente conocida Biblioteca Bodleiana de Oxford, nos cuenta que los ataques a bibliotecas han sido una constante histórica desde la antigüedad, pero han incrementado su frecuencia e intensidad en la Edad Moderna. Las bibliotecas son mucho más que almacenes de literatura; al conservar documentos legales como la carta magna o registros censales, también defienden la ley y los derechos de los ciudadanos. En este fascinante libro, Ovenden traza un análisis completo, desde lo que realmente sucedió con la Biblioteca de Alejandría hasta los papeles de la generación Windrush, y desde Donald Trump borrando tuits vergonzosos hasta John Murray quemando las memorias de Lord Byron en

“los bibliotecarios y el heroico camino que recorren para conservar y rescatar el conocimiento”

Richard Ovenden es bibliotecario de Bodley (ocupa el cargo de alto ejecutivo de las Bibliotecas Bodleianas de la Universidad de Oxford) desde 2014. Con anterioridad desempeñó distintos puestos en la Biblioteca de la Universidad de Durham, la Biblioteca de la Cámara de los Lores, la Biblioteca Nacional de Escocia y la Universidad de Edimburgo.

En 2003 se trasladó a la Biblioteca Bodley en calidad de Conservador de Colecciones Especiales y en 2011 asumió el cargo de Bibliotecario Adjunto. Se formó en la Universidad de Durham y en la Escuela Universitaria de Londres, y es profesor asociado en Balliol College de Oxford.

Es miembro de la Sociedad de Anticuarios, de la Real Sociedad de las Artes y de la Sociedad Filosófica Estadounidense. Recibió la Orden del Imperio Británico en los Honores del Cumpleaños de la Reina de 2019. Ejerce de Tesorero del Consorcio de Bibliotecas de Investigación Europeas, es Presidente de la Coalición para la Conservación Digital y miembro de la Junta del Consejo de Recursos de Bibliotecas e Información (Washington D. C.).

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LIFESTYLE

10 DESTINOS A LOS QUE VIAJAR ESTE VERANO por ENRIQUE SANCHO La llegada masiva de vacunas a la mayoría de los países, las restricciones, los confinamientos y la mayor responsabilidad de los ciudadanos ha hecho que los casos de Covid hayan bajado significativamente en muchos países y que el horizonte de viajes al exterior en los próximos meses se vea un poco más claro. Aunque todo hay que considerarlo con precaución, las fronteras comienzan a abrirse y los casos de prohibición y cuarentena cada vez son menos. También las compañías aéreas van ampliando lentamente sus destinos y frecuencias, los hoteles refuerzan sus medidas de seguridad y en muchos lugares ya se celebran conciertos y actuaciones.

Por otra parte, y después de 15 meses de restricciones en los viajes, muchos de los más de 1.300 millones de personas que según la OMT viajaron al extranjero en 2019 empiezan a tener esperanzas de que las cosas vuelvan a su cauce poco a poco y que la pasión por viajar sea de nuevo una de las prioridades. Hoy en día y con la perspectiva de que en la Unión Europea se haya vacunado al 70 % de la población para este verano, más del 52 % de los europeos indican que tienen intención de viajar en los próximos meses... y que el destino prioritario será España.

Pero mientras las cosas se van normalizando lentamente, no está mal hacer un repaso a los destinos que parecen más seguros para viajar próximamente, con todas las prevenciones porque las cosas pueden cambiar en cualquier momento, y donde no hay requisitos para hacerlo o son mínimos. Y también aquellos en lo que no hay

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que pensar por el momento y en los que los viajes habrá que posponerlos a 2022 o más delante. Esta es la selección que han hecho el buscador de vuelos y hoteles jetcost.es.

han recibido su cartilla verde, un carné de vacunación que se les entrega una semana después de haber recibido la segunda dosis de la vacuna.

España abierta. En teoría, cuando se levante el Estado de Alarma y las restricciones entre Comunidades, en España se podrá viajar libremente entre provincias y Comunidades abiertas. De hecho, se estima que, como ya ocurrió en el verano de 2020, España sea el principal destino de los españoles, algo, por otra parte, que viene ocurriendo siempre, desde mucho antes de la pandemia. Tan solo el 9 % de los españoles sale al extranjero para sus vacaciones y este año serán menos.

Egipto, a la espera del Gran Museo. El vecino Egipto también se abre al turismo con pocas limitaciones. Con una incidencia de solo 6,3 por 100.000 personas y relativamente pocos casos de Covid, en un país que tiene más de 100 millones de habitantes, el país de los faraones trata de dar facilidades a sus visitantes. No es necesaria cuarentena, aunque se debe presentar una tarjeta de salud pública a la llegada y prueba PCR negativa. En las localidades del Mar Rojo, si no se tiene la PCR, se hace al llegar.

"más de 1.300 millones de personas que según la OMT viajaron al extranjero en 2019 empiezan a tener esperanzas de que las cosas vuelvan a su cauce" Israel, un Muro lleno de lamentaciones. Ha sido uno de los países que más rápidamente ha vacunado a su población que ya lo está casi en un 80 %, a punto de conseguir la inmunidad de rebaño y el primero (junto con algunos lugares de Estados Unidos y Gibraltar) que ha autorizado pasear sin mascarilla. Desde finales de mayo se podrá viajar libremente siempre que se trate de turistas en grupo (los turistas individuales tendrán que esperar) y un cupo de 3.000 pasajeros diarios, vacunados contra la COVID-19 y que además presenten una PCR negativa previa el inicio del viaje, también tendrán que hacerse un test serológico al llegar a Israel, aunque este último requisito podría desaparecer si finalmente se llega a algún acuerdo respecto al carnet de vacunación. Quienes sí pueden disfrutar de toda la oferta hotelera, de restauración y de ocio son los israelíes que

Chipre, bajo la protección de Afrodita.

Los turistas vacunados de Reino Unido han sido los primeros en ser invitados a visitar Chipre sin someterse a cuarentenas ni pruebas Covid a partir del 10 de mayo, para el resto, y hasta 65 países las autoridades chipriotas han introducido un nuevo régimen de clasificación de países para determinar las restricciones de entrada al país. Las personas procedentes de España (Categoría Roja) pueden acceder libremente si están vacunados o llegar provistos de un test PCR negativo realizado 72 horas antes del inicio del viaje y someterse a una segunda prueba a su llegada a los aeropuertos de Larnaca o de Pafos. Hasta que no se obtenga resultado del test, el viajero debe guardar aislamiento. Algo parecido hace la vecina Grecia.

Tailandia, del paraíso Phuket a la bulliciosa Bangkok. Tailandia ha optado por abrir por etapas a los turistas vacunados, con Phuket como destino piloto, en el que la isla puede ser visitada desde el 1 de abril con una cuarentena de siete días que permite actividades turísticas de ocio en áreas específicas. Además, se requiere un seguro de viaje que llegue hasta los 100.000 dólares y reserva en firme de hotel. Los siguientes serán Krabi, Phang Nga, Ko Samui, Pattaya y Chiang Mai. Bangkok y su bulliciosa actividad tendrán que esperar. Tailandia acaba de lanzar el nuevo centro de información online Entry Thailand para visitantes internacionales vacunados.

Seychelles, el paraíso abierto. Se trata del único país del mundo, junto con Israel, que tiene a más de la mitad de su pobla-

ción hoy en día ya vacunada y ha abierto sus fronteras a todos los turistas que hayan recibido las dos dosis y después de dos semanas desde el último pinchazo, además deben presentar una PCR negativa, un seguro médico y reserva en un alojamiento que esté acreditado. Medidas adicionales que se suelen aplicar en muchos otros destinos.

Polinesia, de paraíso en paraíso. Para combatir el infierno a que nos ha llevado la pandemia, nada como recuperarse en algunos de los pequeños paraísos que se abren al turista. Ya hemos visto Seychelles, ahora toca otro un poco más lejos: la Polinesia francesa. Tahití registra tres veces menos de fallecidos a causa de la COVID-19, por millón de habitantes, que Francia. Un nuevo protocolo que acaba de ser aprobado permite la llegada de turistas vacunados o inmunizados desde el 1 de mayo, aunque se mantiene el toque de queda a las 9 de la noche y hay restricciones para moverse libremente.

Maldivas, no hay dos sin tres. Ya llevamos dos paraísos para la próxima escapada, falta el tercero: Maldivas. Las Recomendaciones de Viaje a Maldivas del Ministerio de Exteriores indican que Maldivas está abierta al turismo. Todos los turistas y viajeros con visado de corta duración deben presentar un certificado de vacunación o PCR negativo realizado durante las 96 horas previas a la salida hacia Maldivas.

Las facilidades para viajar a las islas desde España mejoran este verano ya que, según informa jetcost.es, Iberia ha anunciado dos frecuencias semanales para julio y agosto, señal de que será fácil viajar allí.

Islas portuguesas, las más seguras de Europa. Aunque se mantienen las restricciones de viaje entre España y Portugal, y la alta incidencia en ambos, curiosamente los dos archipiélagos lusos están entre los destinos más seguros para viajar en la era Covid, debido a su escasa población, los pocos casos de contagios y que se trata de destinos en los que el punto fuerte es la naturaleza. Eso sí, es necesario presentar

una PCR negativa realizada en las últimas 72 horas antes del embarque. Además de manera obligatoria deben rellenar un encuesta epidemiológica de la Autoridad Regional de Salud.

Croacia, la excepción europea. Con dos veces menos casos graves de Covid-19 por millón de habitantes que los países más afectados, Croacia puede verse como un destino seguro en Europa. El país también ha establecido una especie de mapa de semáforo. Así, si uno viene desde un estado o región de la Unión Europea que no esté en verde en la lista del Centro Europeo para la Prevención y Control de Enfermedades (ahora toda España está en rojo o amarillo), tendrá que hacerse una prueba PCR en las 48 horas antes del viaje o hacérsela al llegar a Croacia y permanecer aislado hasta que salgan los resultados. Si se está vacunado, todo lo que se necesita hacer para entrar a Croacia es presentar un certificado de vacunación COVID-19 y completar el formulario de entrada a Croacia.

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LIFESTYLE

DESCUBRIENDO ESPAÑA

córdoba por ROSA SURIA

Andalucía y sus ciudades siempre tienen una luz especial. No importa la fecha en la que las visites, son luminosas. Y acogen con una facilidad que enamora a todo aquel que pisa sus calles. También las de Córdoba, ciudad de la bella y monumental mezquita, de callejuelas empedradas y, ante todo, ciudad de las flores.

Especialmente en el mes de mayo, en el que sus patios (y sus balcones) se engalanan para una de sus fiestas más importantes. Y se llenan de color, de olor y de una hermosura dificil de igualar e incluso de comparar.

En este mes tan especial, en el que se celebran 100 años del nacimiento de la fiesta de los Patios de Córdoba, queremos viajar a la ciudad andaluza y dar un paseo entre sus calles y sus lugares más emblemáticos, para acercarte a ella e invitarte a que vivas esta experiencia única en primera persona.

Esta fiesta, Patrimonio de la Humanidad, tiene relación directa con los orígenes de la ciudad, en los que se solían construir patios en las casas, que terminaban siendo el corazón de las mismas. Los dueños de estas casas, algunas de las principales joyas de Córdoba, los decoran con sumo cuidado cada año. De sus paredes cuelgan decenas de macetas que bañan de color el blanco característico de las mismas, y que dejan completamente anonadados a los visitantes. Una tradición propia que se sigue cultivando y que atrae a personas de todo el mundo.

Durante un par de semanas, aquellos que lo deseen pueden visitar los patios que están dentro de concurso y también aquellos que no lo están, siguiendo una serie de rutas que pueden consultarse fácilmente a través de Internet.

Y, aunque en mayo casi todas las miradas se las llevan estas flores y sus llamativos colores, no todo queda en los patios. En Córdoba, podemos viajar en el tiempo visitando la bellísima mezquita, cuyos arcos son conocidos mundialmente y forman una de las estampas más características y emblemáticas de la ciudad. De la misma manera que en Granada es imprescindible visitar la Alhambra, en Córdoba tendrás que reservarte unas horas para hacer lo propio con su mezquita.

Como no podía ser de otra manera, su patio también es una maravilla digna de visitar y de recorrer.

138 MAYO 2021 · MW

Muy cerca de la mezquita se encuentra el Puente Romano, construido originalmente para permitir que cualquiera pudiera cruzar fácilmente el río Guadalquivir.

Una función que sigue realizando cada día, pero ahora convertido en un monumento admirado, de nuevo de gran belleza. Especialmente cuando cae la noche y las luces se reflejan en las aguas calmadas, contrastando con el tono amarronado del puente.

Otra parada imprescindible para cualquier turista y, por supuesto, para los amantes de la historia es el Alcázar de los Reyes Cristianos, una fortaleza en la que los Reyes Católicos pasaron varios años y en la que, además, Cristóbal Colón solicitó su ayuda para viajar a las Indias (lo que más tarde daría pie al descubrimiento de América).

De nuevo, lo que probablemente no sea una sorpresa para nadie, su patio es uno de los rincones más bellos y admirados de este alcázar.

Más allá de estos monumentos, la ciudad de Córdoba es un monumento en sí mismo. Sus calles y sus fachadas han enamorado a visitantes de todos los rincones a lo largo de los siglos. Y nuestro consejo es que las recorras tranquilamente, sin un plan demasiado definido, dejándote llevar por tus propios pasos. Así, seguramente, acabarás en su Judería, de calles empedradas, estrechas y retorcidas, donde cada dos pasos se encuentra una maravilla más bella que la anterior. Y pisarás la Plaza de la Corredera, una de las más bellas y originales de España, cuyo espacio amplio contrasta con las mencionadas callejuelas, como la Calleja de las Flores.

Pasea, pasea y pasea, y disfruta de la gastronomía cordobesa, con su salmorejo, sus flamenquines y sus flores.

Delicias que te ayudarán a seguir disfrutando de la ciudad a pie, como mejor se puede conocer cualquier lugar, y que te acercarán a sus habitantes, gente hospitalaria como pocos, que te mostrarán la verdadera cara de una Córdoba que sigue teniendo la misma magia que la rodeaba en épocas tan lejanas como la Edad Media.

Y, si después de todo, te sobra tiempo, tenemos una última recomendación para ti. A unos ocho kilómetros del centro de la ciudad se encuentra el yacimiento arqueológico de Medina-Azahara, ciudad que fue el núcleo del Califato. En este yacimiento, se pueden recorrer las ruinas de la ciudad, incluido el Salón Rico, uno de los lugares más hermosos y mejor conservados de la época. Y un cierre perfecto para un viaje en el que la luz, la historia, la belleza y, por supuesto, las flores serán los protagonistas.

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LIFESTYLE

s o n u y a s e d

L A D E S AY U N E R Í A : LOS DEFINITIVOS por PALOMA ESCUDERO

Han llegado a Madrid los desayunos definitivos en La Desayunería. En la Calle de Barbieri número 4 encontrarás unos de los mejores y más variados desayunos de Madrid. La mayor carta de desayunos que podrás encontrar en la ciudad está en La Desayunería. ¿Seguro que te los quieres perder? Este restaurante se ha vuelto cada vez más popular por estar especializado tanto en desayunos más normales como en los brunchs.

La Desayunería nació en Barcelona como un proyecto muy personal que gracias a la gente se convirtió en un local muy conocido y de gran reputación. El éxito fue tal que también podemos disfrutar de estos deliciosos desayunos en Madrid. Los desayunos que encontrarás en La Desayunería no son desayunos cualquiera.

Y es que se trata de un restaurante especializado en los típicos desayunos americanos. ¿Y cómo son? Totalmente a lo grande, con abundantes cantidades de comida para que tu paladar disfrute todo el tiempo.

Otra de las cosas más destacadas de La Desayunería es que puedes desayunar a cualquier hora del día. El desayuno es la comida preferida de mucha gente y por eso este es el sitio perfecto para empezar el día. Pero no solo para eso. ¿Quién no ha querido -o lo ha hecho ya alguna vez- desayunar a la hora de la cena o de la comida? Además, los desayunos y las meriendas también tienen mucho en común. Aquí podrás escoger un gran brunch con el que unirás tanto el desayuno como la comida y así disfrutarás el doble.

El principal reclamo de la gente cuando va a La Desayunería son sus famosos pancakes. Todo un clásico en los desayunos americanos y una de sus mejores recetas. Estas tortitas americanas son lo que más atraen a la gente a ir a este local. La Desayunería es uno de los sitios con la carta de pancakes más variada de nuestro país.

La receta más tradicional la encontrarás aquí y se elabora al momento. Eso sí, La Desayunería es el único sitio en el que elaboran un dulce sirope casero con aroma de maple (arce) para añadirle a tus toritas.

Este sirope es muy típico de Estados Unidos por lo que no podía faltar en un restaurante como este. Las tortitas podrás acompañarlas de los toppings y siropes que más te gusten. E incluso podrás escoger entre algunos pancakes que van rellenos. No importa que seas más de dulce o de salado porque en La Desayunería todo el mundo puede encontrar algo que le guste en su larga carta. Ya hemos hablado de sus ricas y populares tortitas, pero esto no se

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termina aquí.

Si continuamos con los dulces también descubrirás una amplia variedad de tostadas francesas, que seguro que te recuerdan un poco a nuestras típicas torrijas. Por otro lado, pasando a lo salado, los sándwiches no pueden faltar en un local de inspiración americana. En La Desayunería tienen sándwiches con todo tipo de ingredientes: huevos, queso, pollo, tortilla, bagels, etc. Seguro que encontrarás alguno que es tu preferido. Las “omelettes” tampoco fallan en La Desayunería, donde las hacen con champiñones, bacon, salchichas y hasta pimientos.

Como todo buen desayuno americano, en La Desayunería también puedes escoger entre varios platos completos. De esta forma podrás combinar varios de sus desayunos. Por qué no desayunar unas ricas tortitas, acompañadas de huevos revueltos o a la plancha. Y es que las patatas, el bacon y las salchichas no pueden faltar en un buen desayuno estilo americano. La Desayunería es ese sitio para desayunos que nunca falla.

Estos desayunos los podrás acompañar de un zumo o batidos de helados. Como ya he dicho que también puedes ir a comer o a cenar, no solo tienes opciones de desayuno para ello. Aunque sí, esta siempre será la mejor idea.

En La Desayunería también sirven varias ensaladas, así como una enorme variedad de hamburguesas y diversos platos para compartir -o para ti solo-. Este sitio en Madrid no deja de triunfar.

Poco a poco han ido ampliándose el número de locales especializados en todo tipo de desayunos, pero ninguno como La Desayunería. La decoración del local invita a que todo el mundo quiera pasar a descubrir estos desayunos americanos. Hay banderolas, coloridas lámparas, mapas e ilustraciones que hacen de La Desayunería una estancia acogedora donde sentirse como en casa.

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