MEW Magazine - NOVIEMBRE 2020 - Lucas Vidal

2 NOVIEMBRE 2020

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4 NOVIEMBRE 2020

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Magazine MADRID · BARCELONA (ESPAÑA) mewmagazine@mewmagazine.es www.mewmagazine.es DIRECTORA EDITORIAL & JEFA DE REDACCIÓN P. Guergué mewmagazine@mewmagazine.es DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA & DISEÑO Ana Márkez amarkez@mewmagazine.es REDACCIÓN Rosa Suria & Judith Torquemada DIIRECTOR CREATIVO Y DE MODA Jairo Villada

COMUNICACIÓN & MARKETING Itziar Monge imonge@mewmagazine.es PUBLICIDAD & SPONSOR Javier Amaro jamaro@mewmagazine.es MAQUILLAJE/PELUQUERÍA Lucía Castro

COLABORADORES Redacción: Yurena Guerra / Paloma Escudero / Álex Delgado / Paula Robaina / Nuria Arévalo / María P. Pinto / Mikel Moreno COLABORADORES Fotografía: Xana Sánchez AGRADECIMIENTOS Cram Talent/ Kailash / Josi Cortés / B-Art Talent / Elvira Herrera / SONY Music Spain / Bedelka Talent / Netflix / Equipo Singular / Movistar + / Ttarrango / Finally Press / Trium Jewelry / Ramsos / Blackmarino / Mythos / Soy Pitita / Venca / Pintini / Mostylion / Soloio / Maria Francés / Evika / Azarey / Joe Braham / Sockaholic / Martinelli / Mythos DEPÓSITO LEGAL MEW Magazine pone en su conocimiento que los artículos que se publican en la revista, así como la imagen, sea de índole personal y/o mercantil, que se reproduce en la misma, queda protegida jurídicamente frente a terceros en aplicación de la normativa sobre propiedad industrial e intelectual. En este sentido, se informa específicamente acerca de la prohibición de reproducción parcial o total del contenido, para su posterior difusión pública y/o explotación propia.

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6 NOVIEMBRE 2020

Carta de la directora

A lo largo de este número hablaremos de las emociones y de la visibilidad. De lo importante que es enfatizar y decir que aquello que no se quiere mostrar, deja un regusto de no existir. Y de la empatía. Empatía que debe ir de la mano de la paciencia. Porque hay que saber lidiar con las piedras que nos van lanzando a través del camino. Porque lo más probable es que lo desconocido, lo honesto, lo real provoque un miedo atroz. Y de la libertad.

También hablamos de ella. De lo fundamental que es y de lo poco que la valoramos. Porque estamos demasiado ocupados en otros rollos o en demasiadas bobadas que bailan a nuestro alrededor para que perdamos perspectiva. E, inocentes, lo hacemos.

La cultura nos deja preguntas en el aire. Esa es su función. La de no dejarte impávido, solemne y en un silencio sepulcral. La cultura está para que cuestiones el mundo en el que vives. Pienses, hables, analices y profundices.

Para no dar las cosas por hecho.

Para luchar y creer que todo se puede y que los impedimentos no existen. Para que, de verdad, creas que te lo mereces y que debe ser tuyo. Pero, sea lo que sea, bajo el prisma de la empatía, el respeto y la solidaridad.

Seremos lo que seamos si caminamos juntos. Y quedaremos, de la forma que sea, si prevalece nuestra solidaridad.

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8 NOVIEMBRE 2020

54 Anaju

Hablando de emociones.

26 Looks

34 K!ngdom

44 Ettjah

7 para el frío de noviembre. Herederos del synthpop. Rap por la liberación de Palestina.

82 Dani Martín

Unavuelta sin barreras.

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10 NOVIEMBRE 2020

96 Lucas Vidal

El genio del sonido.

68 Sole

Irregular en sus formas .

70 Hil Kanpaiak

72 Milena Smit

Una Itziar ItuĂąo soberbia. Descubrimiento en 'No MatarĂĄs'.

82 Fernando Valdivielso El comienzo de una base trabajada.

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12 NOVIEMBRE 2020

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14 NOVIEMBRE 2020

142 Yaima Ramos

Hablando de los personajes y del amor.

114 Gangs Of London 116 Nasdrovia Una apuesta potente y prometedora.

120 Pepo Llopis

Se atreve a ser politicamente Un camino inesperado. incorrecta.

132 Los Javis

Iconos del mundo audiovisual espaĂąol.

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16 NOVIEMBRE 2020

160 Vicky Luengo

Carácter sin decoración.

180 'Matar Cansa'

184 Zack Gómez

Un magnífico Jaime Lorente. 'Transformación', una obra necesaria.

196 Viajar

En una nueva era para la humanidad.

200 Comer

Sin arruinar tu dieta.

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18 NOVIEMBRE 2020

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Columna de opinión por P. GUERGUÉ

ABRAMOS LOS OÍDOS

Antes de que sea demasiado tarde, escuchemos la música que de verdad queremos escuchar.

ceros a las espaldas decida qué música se escucha y cuál no. Nos están quitando la libertad de elección. Y, encima, sonreímos incautos. Como si de verdad nuestra sociedad quisiera escuchar siempre el mismo estilo musical, con casi las mismas letras y las mismas voces. Nos imponen y nos destruyen, lentamente, por dentro. Y lo aceptamos.

Escuchando nuevos temas, hablando con artistas emergentes y otros que no lo son tanto, me embarga la pena. Porque muchos de ellos quedarán abocados al olvido de un sistema que solo se mueve por dinero. Por el trabajo fácil. Por ordenadores y teclas que te generan sonidos enlatados. Obviando a esos músicos de verdad. A los que han llenado sus manos de callos ensayando y ensayando y ensayando. No sé en lo que nos estamos convirtiendo, pero me da pena. Me da pena no tener derecho a elección. Me da pena que un cheque con ciertos 20 NOVIEMBRE 2020

Siempre me pregunto qué música sería la más escuchada si de verdad fuese a través de nuestra elección. Si pudiésemos tener voz y voto. Apuesto a que las listas de éxito tendrían una variedad inmensa y a la vez absurda. Entrelazando el pop-rock con el bolero o el indie con el reggaetón. ¡Y qué bonito sería esa variedad!

Sería increíble volver a esa etapa donde encontrar nuevas voces en Youtube era mucho más fácil que ahora. Donde pinchar el video de un cantante desconocido, te llevaba a otras diez recomendaciones de gente que nunca habías visto. Pero, ahora, tampoco sucede ya. Ahora las recomendaciones siempre son las mismas y los aleatorios te llevan a lo igual, una y otra vez. Aumentando las cifras de aquellos a los que hay que aumentar las cifras.

¡Qué error tan grande estamos cometiendo! Nuestra escena musical se merece algo mejor. ¿Nadie se ha dado cuenta que las cifras no concuerdan con los conciertos o las giras? Antes quien triunfaba, tenía giras inmensas. Un listado de conciertos interminable. Ahora, solo sucede en un 10% de los casos.

Los restantes ‘superventas’ o ‘súper cifras’ no pueden dar más de 5 o 10 conciertos. Porque los Festivales de una canción o dos o tres no cuentan dentro de una gira. Una gira es esa hora y media con tus temas, vibrando con tu público.

Así que algo no encaja. Y no se trata de que el mercado haya variado. Porque hay gente que, sin tener esos datos maravillosos de cien millones de reproducciones, tiene giras de más de 50 conciertos en un mismo verano (si la pandemia no lo impide).

Abramos los ojos antes de que sea demasiado tarde.

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22 NOVIEMBRE 2020

Columna de opinión

EL ‘PLACER’ DE ENTREVISTAR por ROSA SURIA

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ay algo casi mágico en entrevistar a quien siempre has admirado. Sobre todo si la entrevista va bien, si encuentras la confianza y la comodidad que necesitan entrevistado y entrevistador para abrirse y hablar desde una posición honesta. También hay una enorme satisfacción cuando el resultado es óptimo, una especie de chute de energía que dura el resto del día. Cuando termina la conversación y de ella han salido risas, reflexiones complejas y miradas sinceras, es como si toda tu batería se recargase de manera instantánea. Pero lo que nunca se ve es todo el trabajo, la implicación y el desgaste que hay detrás de cada uno de esos cruces de preguntas y respuestas.

Supongo que, como en todo, habrá quien llegue a una entrevista sin demasiadas preocupaciones. Con preguntas básicas que van a buscar la respuesta fácil ya programada con anterioridad. Preguntas que los entrevistados ya se esperan y que contestan de manera mecánica, sin prestar demasiada atención y sin poner ni una pizca de esfuerzo. Yo abandoné esta técnica hace bastante tiempo, consciente de que esas cuestiones ya no interesaban a nadie. Y también de que a los medios más pequeños, independientes y sin un gran nombre detrás, se nos mira con lupa y no se nos perdona prácticamente nada.

Preparo mis entrevistas a conciencia, sin importar quién sea el entrevistado. Sin que mis gustos personales intervengan. No importa que la serie o película que presente me haya resultado un producto fallido. O que su música no genere en mí ningún tipo de emoción. Parto siempre del máximo respeto hacia su trabajo, un respeto que muchas veces no encuentro en la persona a la que tengo enfrente. Y creo que gran parte de la culpa radica en que nos olvidamos de que ante todo somos personas, iguales. Nos olvidamos de mirarnos de frente y, a veces, nos miramos desde abajo o desde arriba. Y perdemos la perspectiva.

Cuando llegas a una entrevista con una batería de preguntas bien pensadas, que parten del conocimiento y del análisis y que buscan caminos diferentes y te encuentras con un entrevistado desinteresado e incluso irrespetuoso, lo que debería ser una experiencia gratificante puede convertirse en una prueba de resistencia. Ocurre cuando te topas con respuestas sin ningún tipo de profundidad, que muchas veces quedan reducidas a un ‘sí’, ‘no’, ‘no sé’. Y también cuando te encuentras con un entrevistado que parte desde una posición hostil y superior, desde la que más que contestar aquello que le preguntas, lo juzga. Como si le molestara ser entrevistado, como si hacer promoción de su trabajo fuera más un problema que una oportunidad. Quizá haya que recordarles lo segundo.

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Columna de opinión

Y QUE ME LEA MI MADRE, SI QUIERE por JUDITH TORQUEMADA

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levo pensando un tiempo en los críticos de cine. Cada uno tiene derecho a elegir su papel en este espectáculo infinito, tanto más si tiene un escenario en el que poder representarlo y unos espectadores dispuestos a atender. A mí también me gusta leer (de vez en cuando) críticas indescifrables, a veces porque están hechas tan de dentro que no puede entenderlas más que el propio autor, a veces porque hay tanto conocimiento detrás (y tantas ganas de demostrar ese conocimiento) que uno se pierde. Pero, sobre todo, me gustan las personas que hablan para todos.

En general, en la vida, me gustan las personas que hablan para todos, sin más pretensión que la de comunicar.

Creo que si proliferaran estos papeles de comunicador para todos iríamos más al cine. Del mismo modo que el boca a boca sirve entre los espectadores, si las críticas fueran más accesibles quizá apeteciera más, a todo el mundo, afiliarse a un medio, un nombre, una columna concreta, y apetecería más escuchar esa opinión, in24 NOVIEMBRE 2020

cluso hacerla caso. Incluso terminar yendo al cine a ver ese estreno porque, mirad, este crítico ha hablado con mucha claridad sobre cómo ha llegado esta película a inquietarlo y me ha llamado lo suficiente la atención como para darle una oportunidad. La gente no ha visto 'Peaky Blinders' después de leer una de esas críticas indescifrables; la gente ha visto 'Peaky Blinders' después de que se la recomendara su amiga un miércoles por la tarde tomando un café. Oye, tienes que ver esta serie, que es así un poco oscura, pero te engancha en seguida y, además, ¡cómo está el protagonista!

Eso es lo que mueve.

Creo.

Quizá si empezáramos a hablar para todos, no solo entre nosotros, tal vez conseguiríamos que más gente quisiera leernos, confiar y dar oportunidades.

Está perfecto señalar que esa película tiene ecos de ese director que en los años cuarenta hizo maravillas, pero tal vez haya que empezar a hablar para las personas que no conocen a ese director. Creo. Digo. Es el papel que yo me he propuesto adoptar para que mi madre quiera leerme.

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MODA

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LOOKS PARA EL FRÍO DE NOVIEMBRE

26 NOVIEMBRE OCTUBRE 2020 2020

por YURENA GUERRA

el frío nos encanta, no por el tiempo

meteorológico en sí, si no porque se nos

abre un mundo de colores, posibilidades,

estampados, mezclas, texturas y prendas de diferentes estilos que quizá en verano no

podamos llevar a cabo, ya que, como bien

sabemos, durante la época estival todo nos

sobra. es por eso por lo que hemos querido jugar con los colores y también con los

países, porque bien sabemos que el tiempo no es igual todos lados. por eso mismo

vamos a dar un repaso a las prendas que

más de moda están para estos fríos días de

otoño de la mano de nuestras influencers

y cantantes favoritas, no solo de españa,

si no de italia e incluso alemania. además, pueden incluso servir para un segundo confinamiento. increíble,

¿no?

LUNES

Tenemos que empezar la semana con buen pie, esto significa que el zapato es algo de lo más importante para comenzar la semana con energía.

Para esta ocasión hemos elegido a la influencer italiana Chiara Ferragni, eso si, con prendas low cost. Podemos observar lleva un vestido de colores granates y negros con medias semitransparentes negras y botas de caña alta de estilo cowboy. Todo esto lo podemos encontrar tanto en Zara como en el Pull&Bear. Las medias podemos encontrarlas en Calzedonia y además son colores muy fáciles de combinar con la mascarilla que elijamos. ¡Todo un acierto!

MARTES

El segundo estilo es para los martes, que son los primos feos de los lunes. Esta vez nos hemos inspirado en el total look de Stradivarius de Rocio Camacho. La influencer combina deportivas de suela ancha blancas con pantalones de estilo cuero y una de las tendencias estrella de esta temporada: camisa blanca oversize y sobre ella un chaleco de punto de color gris. Los colores son muy básicos, pero es verdad que es una combinación ganadora. ¡A nosotras nos encanta!

MIERCOLES

Los miércoles es verdad que estamos ya un poco de mejor humor. Parece que vemos el final de la semana más cerca y además ya nos hemos acosMW 27

tumbrado a la rutina. Por esto mismo hemos elegido un look sencillo e informal, pero a la vez cómodo y que puede ser muy versátil ya que nos sirve tanto para ir a una oficina como para tomarnos unas cervezas con amigos. Esta vez nos hemos inspirado en Verónica, @modajustcoco, que combina de manera ideal una sudadera blanca con una sobrecamisa de cuadros, todo de H&M, unos pantalones vaqueros y, como parte estrella del look, unos botines de tacón. ¡Nos flipa esta combinación!

JUEVES

Por fin solamente nos quedan dos días de trabajo y es por eso por lo que hemos querido elegir esta vez un look más sobrio. Leonie, una instagramer e influencer alemana nos ha encantado como ha llevado de manera tan sobria elegante un traje de terciopelo marrón. Algo bastante difícil de combinar pero que ella lo ha llevado de una manera elegante y perfecta. Es verdad que el suyo no es asequible para todos los bolsillos pero tenemos que decir que hay uno exactamente igual en Zara, que desde luego es algo que nos podremos permitir.

VIERNES

Es el ultimo día de la semana y queríamos un look que nos sirva para trabajar, pero también para esos vinitos post trabajo y pre toque de queda. Parece que este look es difícil de conseguir, pero tranquilas, aquí lo traemos. Andrea Rueda nos da las claves. Los colores tierra son elegantes, pero también divertidos a la hora de meter estampados o accesorios de algún que otro color. Por ejemplo, una falda color camel con una gabardina de los mismos tonos, pero un jersey con algún motivo étnico puede hacer de un look aparentemente aburrido, algo muy especial.

SABADO

Por fin sábado. Día de desayunos tranquilos, de prepararnos para salir a comer o a cenar con tranquilidad, no tener nervios por el estrés del trabajo o porque al día siguiente pueda sonar el despertador. Para este día hemos elegido a Alexandra Pereira. La influencer ha escogido unos pantalones de cuero, como los del look de Rocío Camacho, de color negro y los ha combinado con un jersey color camel, que encontraremos en Sfera, Zara o Stradivarius, una gabardina o abrigo de paño beige, como el que encontramos en Lefties, pero el punto especial son las botas. Un pequeño tacón, caña alta, suelta y estampado de serpiente. ¡INCREÍBLE!

DOMINGO

Último día de la semana y por eso podemos permitirnos un look un poco más effortless. Esto significa que podemos permitirnos ir cómodas y guapas, sin que parezca que hemos pasado algunas horas de nuestro día pensando que nos vamos a poner. Para ello hemos elegido a Aitana. Ha combinado unas deportivas blancas de suela gruesa o plataforma, un pantalón de pata de elefante de tonos vaqueros y un top negro deportivo. Sencillo, básico, con prendas que todos tenemos en nuestro armario y que nos hace ir cómodas y a la vez informales. ¡Todo un acierto!

28 NOVIEMBRE 2020

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MODA

LAS BOTAS ALTAS, ¿ACIERTO O ERROR? siempre que pensamos en calzado de invierno nos viene a la menta una bota, sobretodo de caña alta, pero

por YURENA GUERRA

¿por qué este año parece que han llegado con más fuerza?

Como bien decíamos, siempre que pensamos en el calzado de invierno, a nuestra mente acude la imagen de un par de botas negro. Y es que es verdad que desde hace años es el calzado por excelencia de los meses más fríos del año.

Durante algunos años hemos estado viendo como, más que las botas, los botines eran los reyes tanto de las pasarelas como del Street style y por eso este año parece que han quedado relegados a un segundo plano.

Las botas altas de estilo militar negras, clásicas, cómodas, que pueden ser conjuntadas con muchos estilos distintos, desde un pantalón algo más ajustado hasta una falda de vuelo mas girly. Siguen siendo un estilo de bota muy socorrido y podemos encontrarlas en nuestras tiendas low cost de confianza como Stradivarius o Zara.

Las botas altas de caña alta y ancha son las que este año parece que vienen “pisando fuerte”. También en la parte de abajo son de estilo más militar, más rudo, con suela ancha, similares a las botas de agua, pero con una caña infinita que hace que la bota nos llegue prácticamente a la rodilla. De este estilo son las botas que podemos ver que lleva la insta30 NOVIEMBRE 2020

gramer e influencer alemana Leonie Hanne. Es verdad que parecía que el blanco, el beige o incluso el verde, iban a ser los colores que iban a predominar en este estilo de bota, pero la realidad es que, en la gran mayoría de tiendas como Mango o Zara, nos encontramos con el color negro como el absoluto protagonista. Este estilo de bota algo más desenfadado sirve precisamente para esto. Gracias a su estilo y forma, queda bien con casi todas las prendas. Cabe un pantalón por dentro de la caña y también crea un efecto óptico de pierna delgada y estilizada si, por el contrario, decides combinarlas con un vestido o una falda corta.

Otro estilo de bota alta que nos vamos a encontrar en tiendas este año es la bota de caña alta y ancha pero armada y con un poco de tacón. Este estilo más “ochentero” suele venderse en tonos marrones o beige con un tacón ancho, cuadrado y bastante alto. Este estilo de bota queda IDEAL con un vestido corto de los mismos tonos y con una gabardina por encima. Estas las podemos encontrar en Mango, por ejemplo, que además este año su colección es muy de finales del siglo pasado. Nos encanta.

Las últimas botas de las que vamos a

hablar son las botas de estilo cowboy pero algo modificadas. Es verdad que este tipo de bota se estila mucho más en botín, pero todo cambia y evoluciona, se adapta a las nuevas modas, por eso mismo son varias las marcas como el Pull&Bear, las que han decidido sumar las dos tendencias y crear un tipo de bota cómoda, versátil y muy estilosa. Si ya de por si una bota de estilo cowboy es de caña ancha, pues si la hace de caña alta con este tipo de anchura, crea un efecto increíble en las piernas. Un estilo rockero pero a la vez elegante pero nada pasado que se crea gracias a dos prendas de lo más versátiles que hará que tu armario parezca otro completamente nuevo. Increíble, ¿verdad?

En definitiva, si quieres entrar en el invierno pisando fuerte, no te olvides de hacerte con unas botas de caña alta y ancha del estilo que más te guste. Seguro que no te arrepentirás.

©IG Leonie Hanne / Bota de caña alta ancha y sin tacón.

©IG Andrea Rueda / Bota Militar

©IG Chiara Ferragni / Bota cowboy caña alta

©IG Mery Turiel / Bota militar alta

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32 NOVIEMBRE 2020

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MÚSICA · REPORTAJE

K!NGDOM K!NGDOM nace en 2018 con el propósito de revitalizar la escena musical, de una manera muy versátil. Su uso elegante de los sintetizadores no ha pasado desapercibido para bandas internacionales tan emblemáticas como OMD o White Lies, que los eligieron personalmente para abrir sus conciertos en España, entregándoles el testigo como herederos del synthpop.

Y todo esto, sin ninguna discográfica detrás. Ellos componen, producen y se autoeditan, convirtiéndose en una de las revelaciones de la escena pop electrónica gracias a las buenas vibraciones que transmiten con su potente y energético sonido. Lo que hace especial al grupo es la calidad impecable de sus producciones, que puede equipararse a cualquier banda de su género a nivel internacional.

fotografía ANA MÁRKEZ · texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA · muah LETICIA PERILLÁN & VLADA NIGMANOVA 34 NOVIEMBRE 2020

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Ivรกn: Camisa negra, de Fred Perry. Pantalรณn color vino, de Dockers. Deportivas, de Premiata. Accesorios, de Trium Jewelry. / Ane: Vestido negro cruzado, de Massimo Dutti.

Botas altas negras de napa, de Venca. Accesorios, de Trium Jewelry. / Gomis: Camisa blanca, de Fred Perry. Pantalรณn a cuadros, de Pull&Bear. Deportivas blancas, de Zara.

mucha (Risas).

Jorge: Estamos en ello.

Andrea: Iván tampoco tiene mucha paciencia.

Iván: Yo, a veces, tampoco.

Andrea: Jorge es el que más paciencia tiene de los tres (Risas).

Iván: Pero tiramos mucho de ella. El fruto tarda en llegar pero creemos que llegará.

MEW Magazine (MW): ¿A uno de la por echar la mirada atrás a cuando todo comenzó?

Iván: Nos has leído la mente porque estamos ahora haciendo un video que trata de eso, exactamente. Un video que nos hace mucha ilusión y que compartiremos. Trata de todo lo que hemos hecho en estos casi dos años. Yo estoy muy nostálgico. Echo, mucho, la mirada atrás.

Jorge: Son fases y esta es una primera fase. Este primer disco. Aunque nosotros ya estamos pensando en la segunda.

Andrea: Y en la tercera (Risas).

MW: ¿Cuánto de complicado ha sido esta primera fase?

Andrea: Depende... El proceso creativo ha sido súper fácil. Se nos ha complicado un poco la cosa por el Coronavirus. Porque el disco iba a salir el pasado mes de marzo pero, estamos bastante contentos la verdad.

MW: ¿Está siendo fácil el viaje dentro de la música?

Jorge: Para nosotros yo creo que sí.

Nosotros nos sentimos muy cómodos. A pesar de venir cada uno de nuestra profesión. Nos sentimos como pez en el agua.

MW: Siempre me dicen que hay que tener mucha paciencia, ¿es cierto?

Andrea: Sí, hay que tener bastante paciencia la verdad. Aunque yo no tengo 36 NOVIEMBRE 2020

MW: En algún momento, ¿os habéis planteado la pregunta de qué queremos aportar a la música?

Andrea: Creo que queremos como revitalizar un poco la escena de la música actual. Meter la electrónica y juntarlo con el español que tampoco se ve tantísimo.

Y hacer algo nuevo y diferente y unirlo con un proyecto audiovisual.

MW: ¿Qué habéis aprendido creando este primer trabajo?

Jorge: Que las cosas cuestan mucho más de lo que piensas. Cuando ves a un artista solo ves el final del proyecto. Y generar un disco, con cariño, cuesta. En toda de decisiones y en encontrar los sonidos que quieres.

MW: ¿Ha sido fácil saber qué temas tenían que estar incluidos?

Andrea: Lo hemos tenido bastante claro.

En cuanto se componía un tema nuevo lo sabíamos. Y hacíamos la producción en nada de tiempo.

Jorge: Nos enamoramos rápido (Risas).

Y alguno lo hemos tenido que dejar para el siguiente disco. Ya tenemos varios temas ahí.

"Las cosas cuestan mucho más de lo que piensas"

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MW: ¿Qué os tiene que provocar un tema para saber que tiene que estar incluido?

Iván: Creo que, al final, es que te mueva algo.

Y da igual, a veces, lo que sea. Una letra. Una melodía. Un solo de un instrumento. Un ritmo.

Creo que hay un poco de enamoramiento. Me enamoro de esta melodía.

MW: Siendo tres...¿quién tira de quién para dejar de seguir dando vueltas por un tema que ya está terminado?

Andrea: Depende de la canción. Y de qué. Yo, por ejemplo, soy más especial con las letras.

Jorge: Yo con todo (Risas). Nos cuesta, nos cuesta cerrar las cosas. Sobre todo porque somos bastante perfeccionistas. Pero es verdad que llega un momento en el que tienes que decir que hasta aquí. Nos ponemos una fecha y ya está.

Iván: Es una de las cosas en las que más hemos evolucionado. Las imperfecciones molan.

"Lo que haces es descargar lo que tienes dentro"

38 NOVIEMBRE 2020

MW: Imagino que cuando uno tiene que llevar todo el proyecto a sus espaldas, el trabajo que hay detrás es inimaginable...

Jorge: Sí, es así. Lo bueno del proceso es que siempre vas variando. Sino, saldrían siempre las mismas canciones. Está muy bien ir evolucionando e ir probando nuevas cosas. Así nos divertimos también. Y eso es lo que hace que no sea monótono.

Iván: Cuando se hace un trabajo audiovisual hay un 70% de trabajo que nunca se verá. El proceso creativo es así. Aunque a veces de un poco de rabia.

MW: ¿Vosotros también tenéis una relación especial con el coche? Muchos me comentan que cada vez que tienen un tema nuevo, sí o sí, tienen que ir al coche a escucharlo.

Andrea: Yo corroboro (Risas). Yo los escucho siempre en el coche.

Iván: Sí, yo también. Aunque no el masterizado sino los procesos.

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MW: ¿Cómo ha sido eso de decidir qué tema iba al principio del álbum y qué tema al final?

Iván: Otro gran trabajo donde hemos echado horas y horas y nunca se verá.

Andrea: La primera la teníamos como bastante clara. Y el final, también. La primera tenía que ser 'Marte' porque le tenemos mucho cariño. Y la última es 'Valeria'.

Iván: Lo difícil es elegir la primera y la última.

Cuando decides eso, el resto del proceso es más sencillo. Aunque nuestro disco es muy ecléptico, contamos una historia.

Jorge: Terminamos con 'Valeria' porque a todo el mundo le encanta.

MW: ¿Qué os gustaría provocar dentro de la gente que escuche vuestro álbum?

Jorge: Una especia de altibajos para que ni en todo el disco estés arriba ni en todo el disco estés abajo.

Es una montaña rusa con un final apoteósico.

MW: ¿Lo habéis tenido en cuenta para esos conciertos que vendrán a futuro?

Andrea: Sí, en los directos nos centramos muchísimo en eso. En crear distintas emociones. Hacer que el público vaya desde más abajo hasta más arriba.

Iván: Nos lo curramos muchísimo. Además, siempre aportamos nuevos temas.

MW: Creativamente hablando, ¿hay algo que, en cierta manera, os bloquee?

Andrea: Cuando empezamos 'Valeria' me bloqueé muchísimo. Porque no conseguía encontrar la melodía. Estuve una semana sin saber por dónde tirar.

MW: ¿Por qué palabra, jamás, comenzaríais una canción?

Iván: A priori, no hay ningún por la que no comenzaría una canción.

Andrea: Tienes razón, no cerrarse me parece bien.

Aunque hay palabras feas que es mejor no usar.

MW: ¿Qué os da la música que nada más lo hace?

Andrea: A mí, tranquilidad.

Iván: Paz. Me aporta todo. Es una meditación activa.

Jorge: Descarga. Lo que haces es descargar lo que tienes dentro. Y eso hace que te quedes en paz.

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42 NOVIEMBRE 2020

Ivรกn: Polo estilo ingles, de Merc London.

Pantalรณn gris, de Zara. Deportivas, de Premiata. Accesorios, de Trium Jewelry.

Ane: Mono verde, de Venca. Bota media verde, de Venca. Accesorios, de Trium Jewelry.

Gomis: Polo estilo ingles, de Merc London.

Pantalรณn azul basic, de Mango.

Deportivas blancas, de Zara.

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MÚSICA

Descubriendo artistas Ettijah

rap por la liberación de Palestina por ROSA SURIA Ettijah, en su traducción al castellano, significa dirección. Quienes hemos tenido la suerte de nacer rodeados de paz y de las comodidades del denominado estado de bienestar, siempre hemos conocido la dirección o las direcciones a seguir. Nacemos, aprendemos lo básico, nos escolarizan, estudiamos, nos graduamos, trabajamos y un largo etcétera de verbos que terminan componiendo una vida medianamente tranquila. En la que, por supuesto, puede haber sobresaltos y obstáculos, pero en la que la dirección sigue cuanto menos clara.

No pueden decir lo mismo quienes han nacido y se han desarrollado en medio de una guerra, en un campo de refugiados y rodeados de destrucción y de muerte. Ahí, la dirección o las direcciones que nosotros veíamos con claridad se difuminan. Se confunden hasta el punto de llegar a borrarse por completo.

El pasado ya no importa, el presente es oscuro y el futuro deja de existir.

Supongo que por eso la banda rapera femenina palestina Ettijah escogió este nombre. Porque dentro del caos, la decadencia y la inestabilidad en la que han 44 NOVIEMBRE 2020

crecido sus miembros, han sabido encontrar una vocación y un altavoz, una dirección con la que, además, han abierto y siguen abriendo el camino a otros muchos.

Estas jóvenes raperas, que encontraron su dirección en unas ac-

"Están orgullosas de sus raíces y de su pueblo y rapean por él"

tividades organizadas por Musicians Without Borders, nacieron y han crecido en el campamento de Dheisheh, al sur de Belén. Un campamento de refugiados que fue creado en 1949, con el objetivo de acoger temporalmente a palestinos desplazados durante la Guerra Árabe-Israelí de 1948. Una acogida temporal que ha terminado siendo permanente y que ha marcado las vidas de todos aquellos que habitan sus calles. Así, décadas después de su creación, estas chicas han vivido siempre enfrentadas a conflictos complejos como la ocupación de Palestina, la guerra, los controles, las invasiones nocturnas y los muchos obstáculos a los que las mujeres como ellas se tienen que enfrentar. De ahí, de su propia experiencia, es de donde surgen los temas de sus canciones, que se han convertido en himnos para la población palestina, sobre todo para los y las más jóvenes.

Después de encontrar esa vocación, las integrantes de Ettijah se unieron a un grupo de jóvenes raperas palestinas impulsadas por la organización Shoruq.

Ahí, fueron explorando el género y mejorando en él,

buscando ese camino propio que había quedado difuminado. Hasta que optaron por crear una banda bajo el nombre de Shoruq Rap Girls. No sería hasta hace unos cuatro años, en 2016, cuando encontraron el nombre de Ettijah, encontraron esa dirección tan necesaria y que tan bien están recorriendo hasta el momento. Durante todo este tiempo, jóvenes raperas han ido formando parte del grupo y dejándolo, por diferentes motivos, pero hay tres nombres que constituyen el corazón de la banda y que no planean dejar de hacerlo: Diala Shahin, Dalya Ramadan y Nadeen Odeh.

Juntas han explorado y continúan explorando esta pasión que les permite, además, compartir con el resto del mundo su realidad. Una realidad desconocida para muchos y encubierta por otros tantos. Están orgullosas de sus raíces y de su pueblo y rapean por él. Para que se conozcan esos problemas a los que se tienen que enfrentar cada día, para que sepamos cómo es la vida de los palestinos que fueron despojados de su hogar y de una impor-

tante parte de su vida y para reivindicar los derechos de las mujeres como ellas, que nunca deberían ser olvidados ni pisoteados. Gracias al apoyo de Shoruq, sus canciones no sólo nos han llegado a través de plataformas sociales como YouTube, sino también en directo.

Y es que las chicas de Ettijah han viajado a Italia, Francia y Estados Unidos para ofrecer conciertos en los que han sorprendido por la crudeza de sus letras, pero también por su enorme talento, con el que continúan conquistando oídos y corazones que no entienden de fronteras impuestas.

Con sus canciones, las chicas de Ettijah están mandándonos importantes mensajes a los afortunados.

Recordándonos en qué dirección debemos mirar y qué problemas debemos combatir, tirando de una empatía que cada vez escasea más y utilizando la mejor arma posible: la música. Pero también están abriendo un importante camino para las niñas -y, por descontado, los niñosde Palestina y para otros refugiados. Están demostrándoles que se puede llegar a la meta y que, aun-

que hayan crecido entre bombas o en el aislamiento de un campo de refugiados, merecen escoger la meta que deseen. Tanto es así que las jóvenes se consideran a sí mismas sus propios modelos a seguir.

Están orgullosas del trabajo que hacen y que, por cierto, compaginan con sus estudios y con la lucha contra todos esos obstáculos sobre los que nos cantan. Son conscientes de que sus voces hace tiempo que han dejado de ser ignoradas para convertirse en una guía necesaria y aplaudida a partes iguales.

Igual que ocurriera en Estados Unidos, donde nació el rap, el género ha vuelto a convertirse en el mejor aliado de quienes no encuentran altavoces y no son escuchados. En el caso de Ettijah, sus mensajes nos llegan en árabe y en inglés, idioma con el que amplifican su alcance y eliminan una barrera más en su lucha, sin perder en ningún momento de vista su cultura, sus raíces y la identidad de su pueblo.

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MÚSICA URBANA

PITIZION por MIKEL MONTERO

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a fusionar y a lanzar mensajes necesarios.

Su último éxito ha sido 'La Diferente' y viendo su recorrido, no será el último. Nominada al Grammy Latino como mejor nueva artista, continúa demostrando su crecimiento contundente y orgánico.

gran habilidad para rapear con una pegajosa melodía, trayéndonos un sencillo que resalta la belleza en todas sus formas, la diversidad y el amor propio con letras empoderadas que dicen.

hay artistas que llegan al

mercado musical para algo que

más que lanzar melodías al aire. quizá haya algo más fácil que

echar a volar sin sentido. quizá haya que poner un poco más de corazón. y menos de control.

Pitizion, actriz, cantante y compositora colombiana, se ha convertido en una de las cantautoras más importantes del momento. Ha revolucionado la industria de la música latina por su estilo original. Ha sido capaz de combinar letras emotivas con música pop que incorpora pinceladas urbanas y, en ocasiones, toques de rap. Una forma de mezclar y de cuidar. De sonar como buscan las masas pero teniendo en cuenta el calado del mensaje. E, incluso, el resultado final. Porque seguir las composiciones de esta artista es darse de bruces con la verdad, el desahogo y la posibilidad de salir adelante. 'Tú' fue uno de esos éxitos trabajados pero inesperados. Un tema que plasma ese estilo autentico de Pitizion, ya que integra su

De 'Tú', llegó 'Ellas'. Donde unió su talento y su espectacular voz, al estilo fresco y original de la mexicana Kenia OS, junto con las notas pop de la artista peruana Nicole Zignago para dar vida a las historias de muchas mujeres. Historias de mujeres desilusionadas y con carácter recuperado, listas para decir adiós a esa persona que no las merece. Y es que Pitizion tiene claro que sus letras deben ser contundentes y alejadas de ese machismo indirecto que, últimamente, presiden muchos éxitos. Donde la mujer parece que no tenga vida más allá de estar enamorada. Pendiente de su amor.

Anotando cada deseo o necesidad del de enfrente. Dejando a un lado sus sueños.

Se agradece que en la música urbana cada vez haya más hueco para las mujeres y para historias que no te digan directa e indirectamente que debes estar a la sombra del hombre. Mensajes oxidados que deben ser eliminados y restaurados por artistas como Pitizion. Artistas que juegan con la música. Que experimentan. Que no tienen miedo

A menos de una semana de dar a conocer el video oficial de su nuevo single, la artista colombiana supera el millón de reproducciones en Youtube ratificando una vez más su éxito en varios países de latinoamérica con su propuesta. El videoclip es un reflejo de la lucha constante que tenemos los seres humanos contra nosotros mismos y a su vez una reflexión sobre temas tan complicados como la depresión y el suicidio, dejando libre su vulnerabilidad para lograr un tema 100% real, con el que personas de todas las edades se han podido identificar. De ahí ha venido una colaboración maravillosa. Vinculándose a ASODEP (Asociación colombiana contra la depresión y el pánico).

Una entidad sin ánimo de lucro fundada en la ciudad de Bogotá, conformada por un equipo multidisciplinario de Psiquiatras, Psicólogos y trabajadores de la Salud que buscan brindar atención, educación humanizada y profesional que favorezca el mejoramiento de la calidad de vida, la convivencia y la salud mental de los pacientes con depresión y ansiedad, y a la vez el de sus familiares mediante servicios de prevención, intervención, rehabilitación y promoción de la salud Mental, ajustados a los principios de ética y dignidad humana.

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MÚSICA · REPORTAJE MÚ

DANI MARTIN COMIENZA UNA NUEVA ETAPA LLENO DE VITALIDAD por ÁLEX DELGADO

dani martín es uno de los

artistas más polivalentes del mercado musical nacional. lleva más de dos décadas

encima de los escenarios y

ha sido capaz de sorprender con cada una de sus interpretaciones. el madrileño

sigue con los pies firmes en el suelo y es en ese punto en el que consigue que el público

se sienta seguro y representado en cada una de sus letras. ahora dani martín lanza su álbum más personal.

Verdad. Esa palabra que tiene seis letras y que puede tener distintos significados y puede ser muy relativa. Y es en ese aspecto en el que muchos artistas se han centrado para conseguir que sus seguidores acaben siguiendo su trayectoria musical. En un momento en el que los artistas han acabado repitiendo el mismo estilo y en el que todo suena igual es muy importante mantener la esencia del cantante por mucho que las nuevas tendencias musicales hayan cambiado. Es en ese punto dónde Dani Martín ha sabido encontrar el equilibrio entre lo que funciona, los nuevos estilos que predominan pero manteniendo eso que tanto le caracteriza.

Desde su primera incursión en el mundo de la industria musi-

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©Ángel Manso

©Ángel Manso cal, allá por el 1999, Dani Martín ha sido capaz de comprender que era aquello que necesitaba la sociedad y dárselo por todo lo alto. ‘El canto del loco’ llegaba en el mejor momento, dándole voz a esa gente que no se sentía representada por una sociedad que estaba en constante cambio y que se preguntaba todo y más ante un futuro incierto. Con un estilo pop roquero lograron representar a una gene-

ración que lo tenía todo para comerse el mundo y sobre todo, demostraron que viniendo desde abajo se podía triunfar haciendo el trabajo bien hecho y con cuidado.

Sus temas en ‘El Canto del Loco’ son conocidos por gran parte de la población española y del extranjero. Con un aire macarra y desangelado conseguían que sus letras fueran escuchadas en cualquier momento.

Desde ‘Pequeñita’ hasta ‘Eres tonto’, pasando por temas como ‘A contracorriente’, ‘Un millón de cicatrices’ o la emblemática ‘Besos’ han sido varios de los temas que marcaron a toda una generación. Sin embargo, la formación no solo se conformaban con temas movidos, y es que también iban un paso más allá y mostraban su versatilidad gracias a canciones como ‘Contigo’, una de las baladas

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más importantes del siglo XXI.

El disco ‘Cero’ es el claro ejemplo de ello.

En canciones como ‘Cero’ ya indicaba que empezaba una nueva etapa en la que no tenía ningún tipo de barreras y en el que se encontraba solo ante el peligro. Un peligro que se traducía en si iba a seguir contando con el apoyo del público o no, algo que en definitiva era el mejor testeo y no es para menos. El artista poco a poco se quitaba ese miedo que tenía respecto a un futuro incierto y que no sabía cómo afrontar.

Los años han pasado pero Dani Martín sigue siendo ese niño que miraba con cariño 50 NOVIEMBRE 2020

© Miquel Benitez

Dani Martin consiguió desde sus inicios demostrar que se puede representar a una generación que se preocupaba por todo y que no sabía qué hacer en momentos en los que deberían vivir al límite. Lo hacía gracias a su constante conexión con la calle y la sociedad. Ese fue, es y será su punto fuerte.

Conocer lo que hay fuera y sobre todo, saber tratar temas tan variados y hacerlo de una manera distinta, llegando a sorprender a un público que es muy selecto ante un mercado musical en continua expansión.

No fue hasta que decidió arrancar su carrera musical en solitario cuando arriesgó en todos los sentidos. Dani Martín se abría como nunca en su primer disco y lo hacía mostrándose públicamente como nunca antes se le había visto. El madrileño iniciaba una nueva etapa personal y profesional en la que no tenía ningún tipo de reparo de expresar públicamente todos sus miedos, sus inquietudes y sobre todo, esa parte tan poco conocida de él. Se trataba de entregar todo eso que antes no se atrevía, permitiendo que sus seguidores le conocieran un poco mejor.

e ilusión un micrófono. Ahora ha lanzado su último disco ‘Lo que me dé la gana’, un trabajo discográfico que lo tiene todo y que demuestra que queda todavía mucho Dani Martín por delante. Su experiencia es realmente sorprendente y demuestra una vez más que no tiene límites. En este nuevo álbum sorprende con estilos distintos y variados, siendo un auténtico viaje de emociones y sentimientos.

Con su último disco, ‘Lo que me dé la gana’, el madrileño ya hace una declaración de intenciones por todo lo alto. Tiene claro lo que quiere hacer y cómo quiere hacerlo y no va a parar hasta conseguirlo. Cuando se sube al escenario disfruta

como el primer día que pisaba con miedo un escenario y en el que lograba situar su nombre en la lista de artistas españoles más vendidos.

Dani Martín no quiere descansar y es algo evidente. Sus lanzamientos y actividades en estos meses han sido frenéticos. El artista ha demostrado que está dispuesto a quitarse todas esas capas que se ha tenido que ir poniendo en los últimos años con tal de ser aceptado socialmente. Detrás de esa fachada se encuentra un chico que no ha cambiado y que es como el resto de personas con sus inseguridades y fortalezas.

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MÚSICA · REPORTAJE

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Cazadora jeans, de Mango woman. Jeans en negro, de Levis.

Pendientes de aros dorados, de Trium Jewelry.

ANAJU

Hablar de música, hablar de emociones fotografía ANA MARKEZ / texto y entrevista P. GUERGUE estilismo JAIRO VILLADA / muah VLADA NIGMANOVA localización ABONAVIDA

ES GRATIFICANTE OBSERVAR COMO LLEGAN, NACEN ARTISTAS DISPUESTAS A CAMBIAR EL RUMBO DE LAS COSAS. QUE NO SE DEJAN INFLUENCIAR POR LO QUE SUPUESTAMENTE VENDE. SINO QUE EXPERIMENTAN Y BUSCAN LO QUE LES GUSTA SIN PENSAR EN CIFRAS REMOTAS. ANAJU ACABA DE LLEGAR CON ‘ROTA’. UN TEMA QUE TE TRANSPORTA Y TE ACUNA. UN SONIDO CUIDADO Y DELICADO. UNA FORMA DE NARRAR DIFERENTE. Y DE SENTIR. MEW Magazine (MW): ¿Qué nueva tú has encontrado dentro de 'Rota'?

Anaju: Está la misma de antes, pero si está 'Rota', lo dice. Antes se lo callaba. Ahora hace canciones (Risas).

MW: ¿Cómo fue el proceso de composición de 'Rota'?

Anaju: Durante la cuarentena. En una de esas muchas noches de insomnio que hemos debido tener todo el mundo. Vino dado por la situación concreta que teníamos. Mandarnos de OT a nuestras casas. Y se nos juntó un poco todo. Salimos de ahí y no sabíamos lo que iba a pasar. Nos enteramos de la pandemia... Un cúmulo de cosas. Y ahí te paras un poco a pensar en tus cosas y en tus movidas.

La noche que salió 'Rota' era uno de esos momentos de bajón en el que te pones a vomitar palabras. Salió bastante sola. No hubo que forzar.

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MW: ¿Qué te tiene que transmitir un tema para que tú decidas apostar, por él, como single?

Anaju: 'Rota' tenía que ser el single porque lo habíamos trabajado ya de tal forma que es que estaba claro. Había otra candidata que luchó por adelantarse en la carrera y convertirse en single pero fue como un espejismo momentáneo.

MW: ¿Te has tenido que repetir, muchas veces, eso de no le des más vueltas porque ya está?

Anaju: No, no. Fue algo a lo que llegamos Raúl Refree y yo al mismo tiempo. En plan, está. Lo sabías. Acabar de grabar las últimas voces y nos miramos y lo supimos.

Nos quedamos como plenos.

MW: ¿Te tomaste un tiempo, en silencio, tú sola para escuchar el tema acabado?

Anaju: Sí. Porque realmente me había quedado tan a gusto con la producción que buscaba mis ratos de soledad para oír todos los detalles. Oírla cuando todavía 56 NOVIEMBRE 2020

era solo mía.

MW: En esas primeras líneas, ¿te imaginabas una producción así?

Anaju: Pues un poco sí porque antes de que saliera la letra, salieron las armonías porque cuando la estuve trabajando dentro de OT eran todo armonías. Ya respiraba este alma tan ambiental.

MW: ¿Te ha gustado presentar este sonido como inicio?

Anaju: La verdad es que sí. Llevaba oyendo, últimamente, música de este estilo y lo encontraba como súper personal. Le veía mucha alma a este tipo de canciones.

MW: Aunque quieras seguir experimentando, ¿te gusta este sonido como base?

Anaju: Es interesante porque este sonido te da mucha puerta abierta a la experimentación. ¿Qué se vaya a tomar como base para el resto de temas? Ya veremos... (deja un halo de intriga sonriendo.)

MW: ¿Qué le quieres aportar tú a la música?

Anaju: Si te dijera...algo nuevo, iría de fantasma total (Risas). Busco compartir las inquietudes que pueda tener yo o el universo sonoro que me guste.

MW: A la hora de trasladar el tema a lo audiovisual, ¿tenías la idea clara?

Anaju: No. para nada. Era como, ¿qué hacemos de videoclip? Estaba muy claro lo que respiraba la canción, muy cuidado, muy bello.

Sí que tenías claro el baile contemporáneo. A un movimiento muy fluido. Y ahí es donde entraron las ideas de Mario Sanz. Del director.

Que, en mi opinión, fueron súper acertadas.

MW: ¿Cómo fue esa parte de la interpretación dentro del videoclip? En vuestro rostro se va transmitiendo el mensaje...

Anaju: De hecho, la mayor carga de información estaba en la mirada. Lo que más trabajamos a nivel interpretativo. O a nivel de como tenía que verse en cámara. La mirada. Era el hilo invisible que unía.

MW: ¿Crees que el público te ha sabido leer bien? Porque no esperaban lo típico...

Anaju: Ha sido un buen recibimiento y mensajes del tipo... me esperaba algo diferente y así ha sido. Así que guay. Si había unas expectativas de calidad pues que todo bien. Prosiga (Risas).

MW: ¿La música es un camino de paciencia?

Anaju: Sí, sí. De paciencia y de trabajo. Y de trabajar la paciencia.

Top azul bebe, de Pintini. Jeans negro, de Levis.

Deportivas violetas con plataforma, de Levis. Accesorios, de Trium Jewelry.

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Americana color miel, de Pintini. Top negro, de Venca. Pantalones a cuadros bicolor, de Bershka. Botas negras con plataformas, de Mango.

Accesorios, de Trium Jewelry.

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Camisa con bolsillos, de Venca. Pantanlones, de Pintini. Accesorios, de Trium Jewelry.

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MW: ¿Y cómo se trabaja esa paciencia?

Anaju: Uy...con más paciencia (Risas). Pico y pala, un poco.

MW: ¿Se consigue equilibrar la energía de lo que una quiere hacer y lo que se va obteniendo?

Anaju: Es complicado. Pero porque, al fin y al cabo, no estoy haciendo las cosas sola. Hay un equipo trabajando y apoyando. Entonces, también se mueven unos tiempos.

MW: Creativamente hablando, ¿hay alguna emoción que te bloquee?

Anaju: Pues no lo sé... A la hora de plasmar cosas veo que me estoy moviendo en una zona bastante cómoda. Y creo que todavía no me ha surgido.

MW: ¿Hay que aprender a saber delegar?

Anaju: Sí, por supuesto. Soy malísima (Risas). Tengo que aprender un montón. Delegar no se me da bien.

MW: ¿Por qué palabra jamás comenzarías una canción?

Anaju: ¿Por qué hay que cerrarle puertas a las palabras? (Risas) Pues igual no la empezaría por cabrón (Risas).

MW: ¿A qué recuerdo de infancia le debes una canción?

Anaju: ¿Por qué me haces preguntas tan jodidas? (Risas). Le dedicaría una canción a algún momento en familia. Nombrar infancia y me viene estar en el campo, con primos, abuelos, mi hermana... Como la parte súper inocente.

MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace?

Anaju: Todo. Hablar de música es hablar de emociones.

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Y HABLAR DE ‘ROTA’ ES HABLAR DE CALIDAD. DE SENTIDO Y DE ARMONÍA. ANAJU LLEGA SABIENDO QUÉ QUIERE HACER Y CÓMO QUIERE HACERLO. Y SE NOTA DESDE ESA PRIMERA NOTA. PORQUE LA EXPERIMENTACIÓN Y LA BÚSQUEDA DEBE IR ACOMPAÑADA DE ESA NECESIDAD DE TRANSMITIR MUCHO MÁS ALLÁ DE ENCONTRAR EL APLAUSO FÁCIL. LO FÁCIL SE EVAPORA. LO CREADO DESDE LA BÚSQUEDA INTERNA, SE MANTIENE.

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FENÓMENOS DE MÚSICA

CEPEDA, VIVIR SIN MÁSCARAS 'principios', 'nuestros principios' y 'con los pies en el suelo'. tres trabajos que lo sitúan como un referente. de forma inesperada. de esos artistas que hacen el camino a pico y pala. y sin máscara. con la verdad por delante. y con un aguante inmensurable. porque tanto como lo aman, lo odian. pero como bien dice nuestro refranero, ‘ladran, sancho, señal que cabalgamos’. y eso es lo importante. dar pasos sin echar la mirada atrás. por MIKEL MONTERO

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Cepeda tiene tanto de honestidad que el éxito no podía pasar de largo. A pesar de muchos. A favor de otros. Porque quien no deja indiferente es que está haciendo extremamente bien las cosas. De eso trata la vida, ¿no? De no ser educados por el hecho de ser educados. Sino de hablar alto y claro y no dejarse acallar. En un margen de tiempo muy corto, Cepeda ya ha despuntado como uno de nuestros compositores de cabecera.

Una realidad que se confirma tras cada nuevo lanzamiento. Donde no solo vemos su crecimiento constante como letrista, sino el impacto que acarrea. Y de lo fundamental que es la honestidad. Él tiene un don. Una forma de narrar que rasga y enloquece. La capacidad de arrastrarte por cada una de sus historias. Y evocar todo aquello que tenías olvidado. Y perdonar. Dar media vuelta y empezar de nuevo. Cepeda habla del amor y del desamor. Pero siempre teniendo en cuenta esa brecha social que muchas veces intentamos tapar. Por eso llegó ese ‘723’. Un tema complejo y que necesitó de un tiempo para crecer. Porque siempre es mucho complicado cuando tenemos que hablar de terceros. Y de vidas que nunca viviremos. O, mejor dicho, nunca sufriremos.

Tengo la sensación, después de haber escuchado ‘Con los pies en el suelo’, su último álbum, que Cepeda, aun, tiene mucho que contar. Que apenas ha comenzado. Que nos está enseñado solo la punta de todo un iceberg. Y eso da un gusto extremo porque tienes esa sensación de que, aunque haya lanzado un disco redondo, solo se va a seguir superando. Que va a seguir creciendo. Pocos artistas te dejan con ese regusto. Y es importante destacarlo. ‘Con los pies en el suelo’ es el resultado del crecimiento. Del paso del tiempo. De esas anotaciones que nos va dejando la vida. De las ganas inmensas de contar y de escuchar.

Quizá sea un álbum mucho más personal que el anterior. Mucho más a bocajarro. Donde desnuda parte de su dolor, de sus miedos e, incluso, del pasado. De ese que se suele cernir a nuestro alrededor cuando menos lo necesitamos. Con la plenitud de esa consciencia de segura y de que es el momento de hacerlo. Echando a un lado todas esas capaz que súper ponemos para no parecer tan cristalinos. Y, quizá, de ahí viene ese ‘Da media vuelta’. De la necesidad de cicatrizar la brecha y gritar al viento que todo pasa. Que, aunque haya una racha de dolor, tarde o temprano, escampa. Que es cuestión de aguantar. Y de quererse. De llegar a la conclusión de que no son más fuertes que tú, sino todo lo contrario. Que quien daña es quien realmente vive embaucado por la soledad.

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MÚSICA

NOVEDADES DEL MES

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'ADIÓS' - CALI Y EL DANDEE FEAT. ANDRY KIDDOS

Acompañada de un piano y una producción muy simple y genuina, “Adiós” es un tema de letras crudas, que sumada a una interpretación que deja al descubierto los sentimientos, narra la historia de un amor perdido que no es posible recuperar.

'GATITA GANGSTER' - CAZZU

Después de presentar un álbum de solo R&B Cazzu vuelve a su esencia mostrando su lado más gangster junto al puertorriqueño Ñengo Flow.m“Gatita Gangster” viene con videoclip incluido, fue grabado en simultáneo en Buenos Aires y Miami, en Octubre de 2020.

'SIN QUERER' - ALEJANDRO SANTAMARÍA FT. KOBI CANTILLO Con una letra inspiradora que le canta al amor y un sonido romántico y urbano, "Sin Querer" el nuevo sencillo se ha convertido en un hit viral en todas las redes sociales. Un éxito más en el camino que Alejandro ha emprendido cargado de calidad.

'VÉRTIGO' - PABLO ALBORÁN

El cantante y compositor malagueño ha presentado ya otros adelantos como “Si hubieras querido” o “Hablemos de amor”, ayer publicaba “Corazón descalzo”, que se suma al compendio de 11 canciones que formarán su quinto álbum de estudio.

'ALMAS VIEJAS' - CAROL ROVIRA

Carol Rovira lanza el primero de los singles que van a acompañarnos durante la próxima temporada de '#Luimelia'. 'Almas Viejas' habla del amor.

De esas historias que quisimos tapar pero que perduran en nuestro interior.

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'STUDIO 2054' - DUA LIPA

"Studio 2054" ha sido grabado en directo en un impresionante almacén en el que se podrá ver a Dua actuar en diferentes escenarios, sets surrealistas, discotecas, raves, bares de rock, salones de baile de moda y más.

Además, estará acompañada de un importante elenco de músicos.

'SAD SONGS' - ROUTE 94

Este nuevo tema, de corte dance, es perfecto para la pista de baile y combina a la perfección el talento de ambos artistas. Route 94 comenzó el despegue de su imparable carrera en 2014 con el lanzamiento de “My Love” con Jess Glyne.

'DESPECHO NUEVO' - NIBAL FEAT. PAULA CENDEJAS

Esta es una balada que cuenta una historia acerca del desear que otra persona nueva en tu vida te rompa el corazón para olvidar el dolor de un amor más grande. El single ha sido producido por Freddy Vilchez.

'THE END' - RULO Y LA CONTRABANDA FEAT. ANDRÉS SUÁREZ Un trabajo de una incuestionable calidad musical esculpido con una delicadeza casi artesanal y sustentado en líneas melódicas cautivadoras, intensos estribillos y un sonido minuciosamente alineado con la personalidad y la voz aterciopelada de Rulo.

'CIELO SIN ESTRELLAS' - ALEJANDRO BEJARANO

¿Cómo se sostiene un árbol sin raíz...? ¿Cómo sería mirar al cielo, y que esté vacío ¿Dónde se refugia un soldado en plena guerra? Esa trinchera para el soldado, esa raíz para el árbol, esa estrella que llena el cielo... De esa persona habla “Cielo sin estrellas”.

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CRÍTICAS

'Sole': irregular en sus formas, contundente en su fondo

Judith T.

E

l italiano Carlo Sironi debuta como director con 'Sole', un drama sobre la juventud, la gestación subrogada y, al final, un estudio del ser humano. Con un guion del propio Sironi, que escribe junto a Antonio Manca y Giulia Moriggi, 'Sole' está protagonizada por dos jóvenes y desconocidos intérpretes: Sandra Drzymalska y Claudio Segaluscio. Ambos nos conectan en seguida con esa atmósfera desolada, desesperanzada, llena de resignación, que propone el director. Y aunque puede ser difícil conectar con sus personajes desde el cariño que desarrollemos por sus respectivas personalidades, es fácil hacerlo cuando comprendemos el papel que aquí representan. Entonces empatizamos. Entonces comprendemos.

'Sole' narra la historia de Lena (Sandra Drzymalska), una joven polaca embarazada de siete meses que llega a Italia para dar en adopción al bebé a cambio de dinero. La pareja que va a hacerse cargo le pide al sobrino del hombre, Ermanno (Claudio Segaluscio), que cuide de la joven durante el tiempo que tenga que estar entre ellos. Inician así una convivencia en la que

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él, además, debe hacerse pasar por el padre del bebé, para que la adopción sea más fácil.

Desde el principio se intuye un conflicto final que se hace más grande, que aprisiona a medida que avanza la película.

Si bien es cierto que sus últimos compases son opresivos y duros, con mensajes contundentes y una mirada muy clara hacia la realidad que retratan, 'Sole' no ha conseguido atraparme del todo. Tal vez tuviera mal día, o tal vez Sironi se excede con sus ritmos lentos y su ausencia de conversación. Las imágenes hablan por sí solas, desde luego, pero no siempre tienen la fuerza necesaria para atrapar. Sí vemos con facilidad la triste resignación de ella, que ni siquiera se permite mirar en la distancia a aquello que va a perder; la pasividad de él ante lo que sucede a su alrededor, condenado como está a un mundo pobre y pesimista; la despreocupación de ellos, que tampoco miran más de lo necesario a quien va a darles la vida. A quien tratan como una mera intermediaria entre ellos y lo que desean.

El fondo de 'Sole' está más que

claro, y es contundente. El espectador puede sentirlo y sabrá reconocer lo que está bien y lo que está mal, incluso aunque no termine de entenderlo del todo. Pero sus formas son irregulares. Mientras que algunas imágenes llegan con facilidad y con peso, y llegan para quedarse y para tener un efecto en el espectador, he encontrado otras carentes de la fuerza que necesita una película que habla sobre todo con imágenes. Sus primeros compases no han llegado a aburrirme, pero sí se me han hecho cuesta arriba. 'Sole' explota hacia el final, también a su manera. Explota desde la emoción contenida, pero ésta se hace más evidente y el conflicto ya es nuestro, así que sentimos esa explosión, y ahí sí funciona.

'Sole' responde a las formas que triunfan últimamente en nuestro continente. Gustará a quienes se sientan cercanos a estas formas, y también a quienes, como yo, las sientan cerca en ocasiones, y en otras ocasiones encuentren el punto de atención en su fondo, al margen de estas formas. No creo que sea para todos, pero ojalá este mensaje llegase a todos.

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CRÍTICAS

'Hil Kanpaiak': del pasado y del dolor.

P. Guergué.

'H

il Kanpaiak' será para quien la quiera ver y como la quiera ver. Con una Itziar Ituño soberbia que se deja embaucar por el dolor y la venganza de una forma maravillosa. Una historia de secretos y malas decisiones que pesan para el resto de tu vida.

Quizá esta historia no sea para todo el mundo porque quizá se cuenta de una forma más especial. Con la lluvia de fondo y silencios que hablan mucho más que ciertos diálogos. 'Hil Kanpaiak' parte del género negro y camina hacia la tragedia.

Y lo hace de forma bestial. Sin fisuras y mucho menos edulcorantes. Estamos ante un film sobrio, directo y sin afeites donde el componente visual y la puesta en escena son decisivos para forjar su carácter. La historia se lleva a cabo alimentándose del ‘ahora’ y del ‘pasado’ de modo análogo. A veces choca. A veces no. Existe igualmente en la película una innegable apuesta por omitir de forma visual gran parte de las acciones de los personajes, basándose en el concepto del fuera de campo. Esta fórmula ofrece una herramienta de análisis muy útil al especta-

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dor, ya que le invita a considerar un espacio distinto al que tiene delante enmarcado. Un espacio que ha quedado excluido. Pero que también puede provocar rechazo. Y sufrir desconexiones con lo que se está intentando narrar. Eso de quedarte fuera de la historia y no saber cómo introducirte de nuevo. Por eso ‘Hil Kanpaiak’ no será para todo el mundo. Porque no todo el mundo entenderá qué se busca con una acción así.

Los actores y su interpretación son otro elemento fundamental para el desarrollo de la película.

Y lo bordan. Nos meten en su dolor y lo cuentan con frescura y honestidad. Aferrándose a la verdad. A esa cruel realidad que muchas veces queremos tapar.

Itziar Ituño y Eneko Sagardoy se comen la pantalla. Encontrándonos en una trama donde las miradas de los personajes esconden más que muestran. Caminan y arrastran al espectador a sus sentimientos. Que no son pocos y que se van fraguando y encontrando lentamente. Quizá por ello, los momentos de violencia cobran mayor fuerza por su factor inesperado. Porque no ves, de primeras, a los personajes abocados a ello. Y, en cam-

bio, llegan. Pese a tener un reparto inmejorable (Itziar Ituño, Eneko Sagardoy, Yon González, Kandido Uranga, Asier Hernández, Iñigo Aranburu, Josean Bengoetxea, Dorleta Urretabizkaia e Itsaso Arana), merece la pena destacar la labor de Itziar Ituño (da vida a Karmen), protagonista del film, en una interpretación cimentada no ya en su mirada, sino directamente en sus ojos como imagen exponencial. Magnética y desafiante a partes iguales. Increíble su capacidad de hacernos empatizar y al mismo tiempo, provocar el rechazo.

Hace unos días hablando con Lucas Vidal, me comentó que la música es parte esencial de cualquier historia. Que, si la música falla, no hay forma de levantar el proyecto. Da igual el protagonismo en sí que tenga.

En este caso es una suerte de reinterpretación de la función que realizaba el ‘coro’ en las tragedias griegas. Un elemento observador o centinela, que actúa sin juzgar, que sobrevive a los personajes y los hechos. Y es que eso es lo que necesita la trama. Ni más ni menos. Solo, lo justo.

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CINE · REPORTAJE

Milena Smit:

Un equilibrio dentro del desequilibrio.

fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA maquillaje PATRÍCIA BARRANCO peluquería BINGEN GOÑI

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Abrigo de piel sintética en blanco, de Bershka.

Cinturón negro con evilla dorada, de Gaudí.

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Pendientes, de Venca. Vestido corte blaiser con plumas, de Apparentia Collection. Botas, de Azarey.

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H

ay historias que te sorprenden. Por su agilidad. Por su forma de ver el cine. Por la forma de contar y de narrar. Por hacer posible que te sientas partícipe en todo momento.

Como si en tus manos estuviese la decisión final. Como si el personaje pudiese seguir tus consejos de última hora. Y durante todo ese proceso que sufrimos en ‘No Matarás’, vemos como, de pronto, llega Mila (interpretado por Milena Smit) y nos arrastra hacia su oscuridad.

E, incluso, hacia su obsesión. Nos lleva por el camino que quiere explorar. Y la clave de todo ha estado en las manos de David Victori que ha dado y ha confiado en sus actores. Dejando en sus manos todas las opciones posibles. “Rendirte al personaje. Llega un punto en el que estás tan metido y encima la manera que tuvimos nosotros de rodar...tienes que olvidar por completo quién eres tú, dónde están tus juicios interpersonales y tienes que estar completamente rendido a lo que sienta el personaje en ese momento. Y no pisar los unos a otros. Ahí tuvimos muchísima compenetración porque de alguna manera había un equilibrio dentro del desequilibrio de los dos personajes. Dani, al final, siempre está un poco por detrás de Mila. Y Mila controla un poco más toda la situación. Ayuda y es factible la relación entre ellos dos en el desequilibrio de las emociones de ambos” así nos lo explica Milena al preguntarle por eso que fue tan necesario para construir un personaje tan alocadamente equilibrado.

Mila busca en Dani y Dani busca en Mila. Ambos se encuentran porque, irremediablemente, han de tropezarse. Encontrarse y aceptar que hay un camino conjun-

to que no deben obviar. Suceda lo que suceda. Milena lo tiene claro, “Mila busca, al principio, un salvavidas.

Porque está sola. Lo que a ella le ha pasado es verse en la situación de tener que pedir a un desconocido. Que te pague una hamburguesa porque tu novio te ha dejado tirada sin un duro, probablemente, en medio de una discusión. Ella lo que quiere, en ese momento, es olvidarse de lo que está pasando. Y Dani lo que le ofrece es eso, un salvavidas en medio del océano. Creo que Mila tiene un arco emocional bastante importante. Porque, al final, ese salvavidas se acaba convirtiendo en un conducto para llamar la atención de Rai. Al final se da cuenta que todo lo que le había mostrado al principio no tenía nada que ver con lo que va a pasar después”.

‘No Matarás’ es una historia de una noche. De un comienzo y de un final. La demostración absoluta de que la vida siempre tiene unos planes contrarios a los tuyos.

Y David Victori lo borda. Hace un control absoluto de las emociones. Te arrastra de forma inimaginable. Y bailas, absolutamente, al compás de la música. Una música que es un protagonista más. “Yo sigo poniéndome de los nervios. A mí me pasa una cosa muy curiosa que cuando veo la peli es como si viera dos pelis diferentes.

Hay un momento en el que me pasa todo como si fueran quince minutos y el resto de la peli se me pasa como su fueran cinco horas pero que no quiero que se acaben.

No se me hace ni larga ni lenta sino estar viviendo un viaje. Es muy estimulante”, destaca Milena.

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Body con sobre cuello, de SofĂ­a Peralta.

Botas negras con plataforma, de Bershka.

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Anillo, de Venca. Traje de dos piezas de lentejuelas negras, de Apparentia Collection.

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Botas negras altas de charol, de Azarey.

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CINE · REPORTAJE

FERNANDO VALDIVIELSO

Fv

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah LETICIA PERILLÁN / localización HOTEL URSO

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A VECES NO SE NECESITA UN PAPEL DE CIENTOS DE MINUTOS. A VECES, SOLO SE NECESITAN UNOS MINUTOS, LOS PRECISOS, PARA ROMPER LOS MOLDES. ARAÑARTE LAS ENTRAÑAS. Y ES LO QUE NOS HA SUCEDIDO CON FERNANDO VALDIVIELSO Y SU PAPEL EN ‘NO MATARÁS’. RAI ES UN HURACÁN CLAVADO. UN PERSONAJE AL QUE LE HA DADO TODO Y DONDE SE HA DEJADO EL ALMA. DEJÁNDOSE LLEVAR, COMO SOLO LOS GRANDES HARÍAN. PORQUE PARA LLEGAR A TRANSMITIR HAY QUE DEJAR LA MENTE EN BLANCO Y SOLO SENTIR.

MEW Magazine (MW): ¿Cómo descubres que lo tuyo es la interpretación?

Fernando Valdivielso (F.V.): Pues es curioso... porque a mí, de pequeño, me gustaba mucho la Herpetología. Pero llegué a la interpretación, creo, porque vi 'Parque Jurásico' y me fliparon los dinosaurios y a partir de ahí me empezó a gustar la Herpetología. Pero con los años me di cuenta que lo que me gustaba era el hecho de haber podido estar allí, grabando esto. Y ahí empezó el gusanillo.

MW: ¿Cuánto de complicado esta siendo toda esta aventura?

F.V.: Pues te puedo decir que, ahora, es cuando están empezando a salir las cosas. Estudie en la Resad (Real Escuela 84 NOVIEMBRE 2020

Superior de Arte Dramático de Madrid). Entre con 18 y salí con 22. Tuve una época en la que lo dejé un poco. Y ahora es cuando están empezando a ir bien las cosas. Así que imagina el tránsito. Es díficil.

MW: ¿Lo más complicado de una prueba?

F.V.: Un casting es como un patíbulo. No tienes facilidad o alguien del otro lado no te lo pone fácil. Y te sientes juzgado.

MW: ¿A qué se aferra uno para continuar en esto cuando depende tanto del de enfrente?

De que te digan 'Sí' o 'No...

F.V.: La gente que continua en esto es porque tiene una perseverancia...y una convicción de que esto es lo suyo... Es muy duro porque estás todo el rato en una balanza. Y luego

el jucio de la gente que te rodea...”¿de qué estás viviendo?”.

Te tienes que enfrentar a tantos frentes que, realmente, es muy difícil. Los que quedan es gente que no sabe hacer otra cosa y que no tienen amor por otra cosa que no sea esto.

MW: ¿Cómo llega 'No Matarás' a tus manos?

F.V.: Con un casting. Fui a la prueba, estaba David Victori, y terminé la escena y ya me estaba dando notas y eso me pareció muy guay porque ya me dio como una idea. Y terminé la escena y me dijo, “¿qué tienes que hacer hoy?” y me quedé a probar a las actrices.

Toda una mañana entera. Dándolo todo y acabé reventado (Risas).

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Camisa en raso, de Emidio Tucci. Pantalรณn con pinzas blanco, de la firma Maour. Zapatos negros, de Bershka. Accesorios en plata, de Trium Jewelry.

Colgante en plata, de Mythos.

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Abrigo Tiziano, de la firma Soloio. Jersey verde pistacho, de Soloio. Jeans, de Maour. Cinturรณn negro, de Diesel. Zapatillas, de Soloio

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MW: Para una escena tan complicada como la que tú tienes dentro de 'No Matarás', ¿de dónde parte la construcción del personaje?

F.V.: Lo que te tienes que construir es un deseo muy fuerte hacia el otro personaje.

Hicieron un trabajo muy especial con nosotros porque partieron de cosas muy nuestras. Y reforzaron la situación con elementos que fueron reales. A Mario no lo conocí hasta que llegue al set. Hasta que entré en escena.

Tenemos una escena muy complicada y yo no había ensayado nada con Mario.

Yo llegaba a set. Había unas cortinas, nos metían en el camerino. Nos maquillaban y nos soltaban como toros miura. Y eso se ha quedado en la película y tiene mucha verdad. Por eso es tan impactante.

Entré en escena y, el primer día, tiré la puerta abajo. El teléfono personal de Mario lo estrellé contra una pared y lo reventé. Todo el decorado del set lo tiré por la ventana. Toda una locura.

MW: Hablando de energía, se tiene que terminar bastante arriba rodando una escena así...

F.V.: Imagínate... Hay planos que son de 65 minutos. Todo el equipo acabamos reventados. Esa escena la rodamos durante cuatro días. Por ejemplo, Milena, acabó sin voz.

MW: En una misma escena se consigue empatizar con todos y entrar en su misma locura.

F.V.: Que guay que digas eso. Que bonito.

MW: Parece que tú estés manejando a los personajes, como espectador.

F.V.: Es muy vivencial. Además, cada uno de ellos, tienen unas causas muy fuertes. Cada uno tiene su verdad y está defendiendo su objetivo. Empatizas con los tres porque, realmente, la vida es así.

MW: Otra cosa a destacar es la música...

F.V.: Es una barbaridad...

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MW: Empiezas con ese dolor que tiene el personaje y vas evolucionando al ritmo de la música...

F.V.: Es otro personaje más. Te va manipulando. Han hecho un trabajo increíble con esto.

MW: Cuando estabas grabando, ¿sentías que lo que se estaba creando es lo que, posteriormente, has visto?

F.V.: Yo estaba rodando aquello y no sabía cómo iban a poder montar todo (Risas). Porque es que no había marcas.

No había un patrón.

MW: Cuando viste 'No Matarás' cien por cien terminada, ¿qué sentiste?

F.V.: Desde entonces a David le llamo Gaspar Victori por Gaspar Noé, porque es muy bruta (Risas). Es un puñetazo en el estómago. Es tan fuerte que no te lo esperas.

MW: ¿Cuánto se aprende en un rodaje así?

F.V.: Se aprende un montón. Yo soy muy obsesivo trabajando. Y me gusta controlar. Y es una de las cosas por las que yo lo pasaba mal.

MW: ¿Es importante mostrar historias de personas y no de héroes?

F.V.: Creo que es guay, de repente, encontrar fórmulas nuevas. Y que pongan al espectador en lugares distintos. Lo bonito de ir al cine es sentarte y que te sorprenda de alguna forma.

MW: En una palabra, en una emoción, ¿cómo describes 'No Matarás'?

F.V.: Salvaje.

SALVAJE. ENLOQUECEDORA. UNA HISTORIA QUE NUBLA TODOS LOS SENTIDOS. UNA FORMA DE CONTAR QUE TE ARRASTRA DURANTE Y DESPUÉS. UNA EXTRAORDINARIA FORMA DE EXPLICARTE QUE AQUELLO QUE NUNCA HARÍAS…NO PUEDE SER, QUIZÁ, TAN DESCABELLADO.

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Chaqueta Live Fast con interior de piel de borrego, de BlackMarino. Camiseta blanca, de BlackMarino. Pantalรณn gris marengo, de Soloio. Calcetines bandera americana, de Sockaholic. Zapatos negros, de Bershka. Accesorios, de Trium Jewelry.

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un trato diferencial y personalizado.

El URSO Hotel & Spa recuperó su actividad de forma completa el pasado 22 de Junio, adecuándose, como no puede ser de otra manera, a la normativa vigente. De este modo, todos los clientes pueden disfrutar, por ejemplo, de su Spa, tanto de la zona de aguas como de los tratamientos de Natura Bissé y Sisley Paris.

También está ya abierto el restaurante Media Ración, donde su jefe de cocina Antonio del Álamo ha puesto de nuevo en marcha los fogones para volver a preparar recetas de toda la vida con el mejor producto y con su sello personal, que caracterizan desde siempre la propuesta del restaurante.

Además, para que la experiencia sea completa, el Champagne Bar de URSO propone sus tardes de piano y Ruinart. Con ellas, todas las tardes de los martes, jueves, viernes y sábados, además de una sesión de piano en directo, los asistentes pueden elegir entre una amplia carta de champagne -servidos en copa o botella- entre los que cabe destacar Ruinart Blanc de Blancs o un maravilloso Dom Ruinart 2007 que puede consumirse por copas, así como la carta habitual de bebidas, cócteles y snacks del hotel.

Inaugurado en agosto de 2014, URSO Hotel & Spa, que pertenece a Small Luxury Hotels of the World, es el primer hotel boutique de cinco estrellas de Madrid. Situado en un enclave privilegiado, en el barrio de Salesas, URSO ha querido integrar el carácter señorial de la arquitectura burguesa de Madrid con la modernidad y el confort que se espera en un alojamiento del siglo XXI, para llegar así a un público cosmopolita que busca la mejor calidad y

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Fiel a su promesa de experiencia local, URSO Hotel & Spa continúa trabajando con productos de Km 0, así como con empresas de la ciudad de Madrid, muchas de ellas vecinas del hotel, como Flores Miguel, Cacao Sampaka, Patatas La Azucena, Caramelos Paco, Cafés del Pozo o Frutas Barceló entre otros, ayudando a la comunidad local a recuperar cuanto antes la actividad normal.

Del mismo modo el compromiso con el medio ambiente sigue presente ahora más que nunca, eliminando los plásticos de un solo uso, aprovechando la energía generada a través de placas solares y poniendo a disposición de sus clientes cargadores para vehículos eléctricos.

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CINE · ENREDADOS

ON THE ROCKS

SOBRE EL AMOR PATERNOFILIAL Y LAS HERIDAS por ROSA SURIA

O

en ‘on the rocks’, las relaciones de pareja cuentan

con un importante protagonismo.

pero el análisis que realmente merece la pena, el que se

lleva toda nuestra atención, es el de

la relación padre

hija. una relación

–

que nos habla de

un amor conocido y de esas heridas del pasado que siguen

teniendo su efecto en el presente.

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curre con todas las películas y, en general, con todas las historias.

Depende de los ojos que las miren, tendrán un significado u otro. Y generarán una serie de reflexiones y conclusiones diferentes. De ahí que lo que para algunos puede resultar un largometraje plano o predecible, para otros puede ser una especie de revelación o puede invitar a un viaje introspectivo. Con ‘On The Rocks’ ocurre algo similar. La película puede llegarnos como un retrato de la desconfianza que se instala actualmente en la gran mayoría de las parejas y del poder que pueden tener los celos en una persona que, aparentemente, no suele ser presa de ellos. Pero también puede aterrizar en nosotros como el estudio de los lazos que unen a un padre y a su hija y del efecto que tienen en ellos las heridas abiertas en un tiempo lejano.

Esto último es justo lo que encontré en el visionado de la película de Sofia Coppola. La relación de Laura y Felix me cautivó desde que les vi juntos en pantalla por primera vez. Desde el primer silbido y la primera mirada cómplice. Y siguió haciéndolo incluso cuando el personaje interpretado por Bill Murray había metido la mata en incontables ocasiones y había compartido con su hija -y con el espectador- su retrógrada visión de las relaciones de pareja y las mujeres. Supongo que porque entre los dos creí ver un amor genuino e inevitable, que habla de necesidades mutuas y de un cariño que no desaparece, a pesar de las heridas que continúan abiertas.

Entre ambos personajes se aprecia una clara dependencia. Por un lado, Felix necesita continuar cuidando de su hija y librándola de los comportamientos que él mis-

mo protagonizó con su mujer. Para él, su hija sigue siendo su niña, tal y como se nos señala al comienzo de la película. Y lo sigue siendo a la hora de protegerla, pero también en los juegos constantes que desarrolla para ella, en la manera en la que busca sorprenderla y divertirla.

Como lo hacía en la infancia, con todo tipo de estrategias, a cada cual más loca.

Por otro lado, el personaje interpretado por Rashida Jones también muestra esa necesidad de contar con su padre. Sin ocultar en ningún momento el dolor que aún le produce la traumática separación que vivió años atrás, desde la posición de espectadora de honor, Laura evidencia constantemente que su padre es un pilar para ella. Un comodín al que acude cuando no sabe a quién llamar, el cómplice perfecto para cualquier plan, conspiración o

trastada. No se nos muestra ningún fragmento de su infancia, pero sospecho que, de niña, también acudía a él para todo tipo de ocurrencias.

Y eso es algo que ni el tiempo ni las heridas han podido borrar.

Además de esta necesidad, el amor es innegable, aunque a veces llegue de forma incorrecta. Laura adora a su padre y, en parte, por eso siempre cede ante él. Por eso y porque, en secreto, disfruta de sus locuras y de los momentos surrealistas que le regala en cada salida. Y Felix adora a su hija, por la que está dispuesto a hacer cualquier cosa. Siempre a su manera, y es ahí donde falla.

Pero la intención, que no siempre es lo que cuenta, pero que siempre debe tenerse presente, es salvarla de todos los males que pueda encontrar en su camino. En este caso, una supuesta infidelidad.

Junto a este amor y a esta necesidad, también apreciamos las heridas del pasado. La marcha de Felix y el dolor que causó en su mujer siguen presentes en el alma y en la memoria de Laura. De hecho, es de ahí de donde surgen sus inseguridades, la incapacidad de preguntar directamente a su marido qué está ocurriendo y el miedo de repetir la historia. Han pasado muchos años, pero Laura sigue sintiendo el abandono de un padre que no supo cuidar lo que tenía y que prefirió buscarlo en otro lugar. Y, entre muchas capas de purpurina y egocentrismo, la decepción también se mantiene en un Felix que no llega a ser capaz de admitir sus propios errores. Hay una brecha entre ambos que, si bien no les separa, sí instaura una extraña desconfianza, un juicio constante que Laura prefiere ocultar en pos de mantener a su lado a quien tanto quiere.

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EN PORTADA

Cazadora vaquera Trucker, de Salsajeans.

Camisa oxford blanca y jeans, de MAOUR. Calcetines, de Sockaholic.

Calzado, de Camper.

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Americana en beige, de Giacca Acerra.

Jersey cuello alto en negro y pantalones a cuadros, de Soloio.

Lucas Vidal EL GENIO DEL SONIDO P O N E R LA S E M O C I O N E S A L A LC A N C E D E TO D O S, S U O B J E T I VO. A P R E N D E R , S I N P O N E R S E N I N G Ú N T I P O D E L I M I TAC I O N E S, S U T R A BA J O.

fotografía ANA MARKEZ / texto y entrevista P. GUERGUE / estilismo JAIRO VILLADA / muah LETICIA PERILLÁN / localización MW COOLROOM 97

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LOCO AVENTURERO, SIN MIEDO A NADA. CON UNA MAGNÍFICA CAPACIDAD PARA SEGUIR SORPRENDIÉNDOSE, A PESAR DE LAS YA GRANDES EXPERIENCIAS VIVIDAS. Y PARA SEGUIR MIRANDO AL DE ENFRENTE CON GANAS DE APRENDER Y DE SABER. DE ESA FORMA SE VISTEN LOS GENIOS. DE INQUIETUDES. MEW Magazine (MW): ¿Cómo descubres que la música es lo tuyo?

Lucas Vidal (L.V.): Creo que la descubrí, prácticamente, cuando nací. En mi casa siempre se oía mucha música clásica. Y a los tres, cuatro años, empecé a tocar el piano. Me gustaba. Pasaba muchas horas tocando. Era bastante evidente que mi carrera profesional tendría que ver con la música.

MW: Desde esa toma de decisión, hasta el día de hoy, ¿ha sido más fácil o más complejo, de lo imaginado, el viaje?

L.V.: no ha sido fácil. Siempre he tenido en cuenta el recorrido y lo he disfrutado mucho. Ahora bien, no ha sido fácil. Para poder llegar a hacer algo que te gusta tienes que esforzarte, tienes que echarle muchas horas y, sobre todo, hacerlo con pasión.

MW: ¿Cuánto de importante es investigar en la música?

L.V.: En el caso de mi profesión, que hago música de películas y de series, es muy importante estar abierto a la investigación. Hay veces que toca películas de época, hacer una canción de los años 50 o 60. Es bastante intenso el proceso. Y cuánto más sepas de algo, mejor.

MW: Cuando llega el momento en el que ya se pueden elegir los proyectos donde participar, ¿qué tiene que tener dicho proyecto para que quieras estar ahí dentro?

L.V.: Te voy a ser sincero...me cuesta mucho decir que no (Risas). Siempre he sido el fácil de la clase (Risas).

Ahora sí que es verdad que leyendo determinados proyectos, leyendo el guión, sí que me atraen más que otros.

Y si me gusta la historia pues me apetece a hacerla.

MW: ¿Cómo llega 'Alguien tiene que morir' a tus manos? ¿Cómo llega esta propuesta?

L.V.: Vas a alucinar... Yo soy director musical de los Premios Platino. Y hace dos años hicimos una 'permofance', de un disco, que produje e hice los arreglos, de Raphael. Juntando la música orquestal y la sinfónica.

'Raphael Resinphónico'. Entonces, invitamos al evento a Raphael y tocamos 'Mi gran noche' y 'Yo soy aquel'. Y al público le encantó. Y entre ellos estaba mi querido y admirado Manolo Caro. Y le preguntó a Paco León por

mí, que estaba a su derecha, y nos puso en contacto.

Manolo me habló de la serie que tenía en manos. 'Alguien tiene que morir'. Me leí el guión y lo vi clarísimo.

Tenía que estar en este proyecto.

MW: Imagino que el proceso es mucho más complejo de lo que puedes comentarnos o resumirnos pero, ¿en qué te fijas tú, con las escenas, a la hora de iniciar ese proceso de composición?

L.V.: Tú sabes la técnica, sabes qué funciona y tienes las ideas. Las juntas. Y creas una historia. Puedo llegar a entender qué nota puede funcionar, que nota no funciona...aplico la creatividad teniendo un poco la experiencia de lo que es el lenguaje, en este caso, musical.

Y lo aplico a la escena. Teniendo en cuenta qué queremos contar de lo que le pasa al personaje en esa escena. ¿Queremos narrar la felicidad que tiene? ¿La nostalgia de un tiempo pasado? ¿El miedo que puede sentir? Y eso da mucho juego para que yo pueda hacer la música.

MW: ¿Ha sido fácil crear para este proyecto?

L.V.: No, no ha sido fácil. Sobre todo al principio. Pero sí que es cierto que Manolo lo hace todo muy fácil. Es encantador y ha sido un placer. Pero, al principio, encontrar el tono me llevó dos o tres semanas. Manolo quería que el espectador se quedara con la música y creo que lo hemos logrado.

MW: ¿Cuántas vueltas le das tú hasta que dices que está terminado?

L.V.: Bastantes vueltas. Con una escena puede estar tres o cuatro horas. La veo. Vuelvo a verla. Tiro hacia delante, hacia atrás. Ten en cuenta que, normalmente, tenemos que sincronizar. La música tiene que ir al minutaje ('frame') exacto. De alguna manera, todo tiene que ir muy medido. Y esas decisiones se toman entre Manolo y yo en una sesión. En qué escena poner música y en cuál no. Y qué es lo que queremos a nivel narrativo.

MW: No sé si sueles dejarte un tiempo de margen para volver a esa escena ya compuesta y analizar si a ti te transmite lo que se esteba buscando a nivel musical.

L.V.: No tengo tiempo (Risas). Porque sobre todo, en tele, hay que ir muy rápido. Hago algo y si le gusta al director paso a la siguiente. Al final, podemos hacer revisiones pero si el director está conforme con lo visto no da pie a nuevas revisiones.

MW: ¿La música cura?

L.V.: Creo que sí, que cura. En el sentido que hace pasar un buen rato a quien la escucha. Que es la intención de 'Karma', mi lanzamiento. Al crear mi álbum lo hice penMW 99

"PARA PODER LLEGAR A HACER ALGO QUE TE GUSTA TIENES QUE ESFORZARTE" 100 NOVIEMBRE 2020

Gabardina tonos tierra, de H&M premium.

Jersey cuello alto en gris, de Roberto Verino.

Pantalones negros, de Soloio.

Calcetines de lunares, de Sockaholic.

Calzado, de Camper.

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102 NOVIEMBRE 2020

Abrigo de lana, de Merc London. Camisa Oxford blanca, de MAOUR. Pantalones en gris marengo, de SOLOIO. Calcetines, de Joe Braham. Calzado, de Camper.

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sando en que la gente pudiera oírlo y pudiera relajarse.

Estar tranquilos. O hacer ejercicio.

MW: Hace unas semanas, acudí a ver una película que, musicalmente hablando, me traslado todas las emociones del personaje a lo largo de su historia. Comencé sintiendo su dolor y terminé con esa misma rabia que él sentía... La música te envolvía de forma increíble.

L.V.: Sí, sí, totalmente. Tiene un factor narrativo muy importante. Si te gusta la peli es que el compositor ha hecho bien su trabajo. Te acuerdes o no te acuerdes de la música.

KARMA, UN TRABAJO QUE EL ARTISTA DESCRIBE COMO EL RESULTADO POSITIVO DE UNA BUENA ACCIÓN PREVIA, LA RECOMPENSA FELIZ TRAS HABER TOMADO LA DECISIÓN DE ABANDONAR SUS RUTINAS Y SU ESTABILIDAD EN EL TRABAJO PARA REINVENTARSE COMO COMPOSITOR. LUCAS VIDAL ASEGURA QUE, CON ESTE PRIMER ÁLBUM, LEJOS DEL MUNDO DE LAS BANDAS SONORAS, SIENTE LA VOLUNTAD DE EXPLICAR UNA HISTORIA Y DE CONECTAR LOS SONIDOS A IMÁGENES CONCRETAS. ES DE ESA MANERA COMO DISCURRE KARMA: A PARTIR DE LA CONEXIÓN ENTRE EMOCIONES UNIVERSALES Y UN LENGUAJE RECONOCIBLE, CERCANO E INSTALADO EN NUESTRO SUBCONSCIENTE CULTURAL, PERO LLEVADO AL PRESENTE. KARMA ES, EN DEFINITIVA, LA OBRA DE UN COMPOSITOR DE TRADICIÓN QUE RENUNCIA A ABANDONAR SUS RAÍCES Y QUE INCLUYE, ADEMÁS, OTROS RITMOS DE SU PRESENTE. MW: 'Karma' ya está en manos del público. Te has ido a la parte más electrónica. ¿Cuánto de complicado ha sido llegar hasta allí?

L.V.: Pues mira... En el 2016, después de todo el tema de los Goya y de las películas pactadas y demás, me levanté un día y dije, quiero hacer algo diferente. Ya estaba en mi zona de confort. Necesitaba desarrollarme de tal forma que pudiese juntar el mundo orquestal con el mundo electrónico. Y llamé a los directores y les dije que lo sentía mucho pero que no iba a hacer, de momento, más pelis. Y estuve dos años y medio sin hacer pelis. Y me levantaba con unas pesadillas...pensando que se me había ido la olla (Risas).

Esa es una de las razones por las que el álbum también se llama 'Karma'. Gracias a ese tiempo que tuve de mucho estudio. Porque empecé sonando muy pop, tuve que reconducirlo, porque no quería sonar así. Y fue un proceso muy duro, muy complicado. Pero fíjete, justo cuando lo tenía casi listo, volví al cine y me han salido más oportunidades gracias a esto. Por eso lo de 'Karma'.

Al final, si haces las cosas de una manera correcta, luego, siempre, tienes un retorno. En cualquier cosa. Y creo que en este caso, gracias al tiempo que he dedicado al álbum, he podido hacer proyectos tan diversos como 'Élite' o el himno de La Liga. O 'Alguien tiene que morir'.

MW: Cuando escuchaste el álbum cien por cien terminado, ¿era la idea que tenías al principio?

L.V.: No. No, no. El álbum es una idea totalmente diferente de la idea inicial.

MW: ¿Qué sentiste cuando escuchaste lo que habías creado?

L.V.: Es un poco raro. Es muy emocionante.

MW: ¿Ha habido bloqueos? ¿Has sentido bloqueos, creativamente hablando, durante su creación?

L.V.: Sí, durante el álbum, sí. He tenido días que decía, “Dios mío que estoy haciendo”. Pero, al final, siempre tengo tantas ganas de aprender y de poder descubrir cosas que, en esos bloqueos, buscaba documentación, a nivel musical, para desbloquearme.

MW: Y durante todo ese proceso, ¿cómo se equilibra la energía de uno mismo?

L.V.: Es complicado pero creo que siendo muy eficiente. En mi caso, cuando trabajo, trabajo. Me concentro.

Tengo un equipo maravilloso que me ayuda para que yo pueda estar solo haciendo el tema creativo. El tema técnico y demás lo tengo solucionado. Entonces, en mi vida personal es igual. Cuando estoy con mi familia, estoy con mi familia.

Al final, trato de hacer las cosas bien pero, siendo eficiente. Que también tiene su parte buena y su parte mala. Que por la noche llego y me duermo en dos minutos (Risas). Porque es un desgaste de energía constante. Pero eso es lo que creo que me ayuda a poder hacer diferentes proyectos.

MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace?

L.V.: La vida. Para mí, crear, componer, es muy importante.

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El hotel coolrooms palacio de atocha es un nuevo concepto de hotel de lujo con 35 amplísimas habitaciones en un edificio rehabilitado de 1852 en pleno corazón del barrio de las letras de madrid.

Se trata de un proyecto a varias manos que une la rigurosa sensibilidad del estudio de arquitectura antana, la fluidez estilística en el interiorismo de proyecto singular y la precisión poética en el luminario de maría covarrubias. Esta fusión complementaria tiene como resultado un alojamiento con alma, de autor, capaz de unir lo confortable con lo estimulante. O dicho de otra forma: el hotel que le faltaba a madrid.

Cosmopolita y palaciego, dispone de una espectacular entrada vigilada por la figura del dios hermes en alusión al éxito y triunfo de su antiguo propietario –alto funcionario del ministerio de ultramar y caballero de la orden de carlos iii–; y su paso de carruajes, con techos de 7 metros de altura, conduce 108 NOVIEMBRE 2020

en línea recta a un jardín secreto con una alberca.

Sus habitaciones, alegremente desproporcionadas, ofrecen un tamaño único en madrid, y la luz natural baña su diseño a medio camino entre lo clásico y lo contemporáneo. Entre ellas destacan dos coolsuites llamadas a convertirse en las favoritas de los viajeros hedonistas, con su propia terraza privada sobre los tejados de madrid y su jacuzzi en el exterior.

El chef Diego Alonso recorre los mercados de la zona próxima al Hotel Palacio CoolRooms Palacio de Atocha cada mañana con el objetivo de elaborar las sugerencias del día para el restaurante del hotel, que ya ha abierto sus puertas. La cena y el almuerzo se pueden servir en su pequeño y coqueto restaurante, o bien en la piscina, situada en el bellísimo patio donde únicamente distrae el relajante sonido del agua. El restaurante del Hotel CoolRooms ofrece una carta corta, muy concreta y muy rotunda en cuanto a sus mensajes gastronómicos de cara: mucha sugerencia cada día, producto de calidad, de cercanía, que se adquiere en mercado de proximidad, que colabora y ayuda al pequeño comercio, producto fresco, con mucho color (verduras frescas) y que se ha trabajado con la dirección para combinar éxitos de antaño con algunas novedades firmadas por el chef Diego Alonso.

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JUICIO RÁPIDO

'No matarás', camino al abismo (P. GUERGUE) Empezamos desde la soledad más absoluta, acompañando a Dani (Mario Casas). Caminamos tras él, siendo testigos de su día a día, temiendo, incluso, acabar como él. Viendo que, a veces, da igual lo que hagas si la persona que tienes enfrente no tiene ningún tipo de empatía. Nos da la mano junto a su silencio y sus pasos tranquilos y cansados de ser siempre el mismo.

Seguimos por esa aceptación de no hacer nada memorable en nuestra vida. Porque Dani cree que no lo merece, que el destino le ha dado la carta menos divertida de toda la baraja.

Para encauzarnos hasta esa persona que, desde la distancia, nos valora y nos sorprende. Y nos da la valentía para romper con una monotonía que ya no nos pertenece.

Y, entonces, cuando has tomado la decisión, llega la noche y todo lo cambia. En pocos minutos, todo tu mundo, gira 180 grados. Lo que creías improbable, es probable.

Aquello inimaginable, se planta ante ti. Porque llega Mila (interpretada por una excelente Milena Smit) y te engancha hasta los bajos fondos.

Cometiendo infinidad de errores. Dando pasos hacia la oscuridad.

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'On The Rocks', la elegante mirada de Sofia Coppola (rosa suria) Sofia Coppola pone su mirada en las relaciones humanas, las amorosas y las paterno filiales. Nos habla de cómo las heridas del pasado siguen teniendo su efecto en nuestro presente, aunque muchas veces nos neguemos a verlo y a reconocerlo. Lo vemos en Laura, interpretada por Rashida Jones, y también en su padre, Felix, al que da vida un brillante Bill Murray. A través de una extravagante aventura llevada a cabo por este padre y su hija, la directora explora los celos, la importancia de la sinceridad y de la comunicación y la maternidad y todo lo que conlleva.

'Sentimental', el amor que llora (P. GUERGUE) ‘Sentimental’ es una comedia con gotas de drama que nos dirige por esas etapas donde el amor está a punto de caducar. Donde Javier Cámara, Griselda Siciliani, Belén Cuesta y Alberto San Juan se bastan solos para coparlo todo con maestría.

‘Sentimental’ va del amor. De lo que vamos dejando por el camino. Y que pocas veces observamos con atención. Porque no tenemos tiempo o porque la vida nos quita esas ganas inmensas de seguir disfrutando. O porque no sabemos en qué lugar nos encontramos ya y si somos lo que la otra persona quiere o necesita. O aún peor, si somos lo que de verdad queríamos llegar a ser. Cesc Gay habla de las personas.

'Amor de calendario': lo esperado y nada más (JUDITH TORQUEMADA)

Y eso está bien. No siempre necesitamos que una película sea la mejor película del mundo para disfrutar de ella. A veces simplemente necesitamos una hora y media que nos relaje y nos entretenga. 'Amor de calendario', la última comedia romántica de Netflix, es lo que promete: entretenida, de ritmo ágil, tiene momentos divertidos y dos protagonistas a los que apetece ver en pantalla. Emma Roberts y Luke Bracey podrían protagonizar de ahora en adelante todas las comedias románticas.

' La voz humana': un cortometraje impecable de Almodóvar (PALOMA E.)

‘El juicio de los 7 de Chicago’: épica y emocionante (ROSA SURIA)

Rescata uno de los juicios más conocidos de la historia de Estados Unidos. Un juicio contra una serie de manifestantes que se mostraron contrarios a la Guerra de Vietnam y que, finalmente, terminó siendo un juicio en contra de la propia libertad de los estadounidenses. Así nos lo muestra Aaron Sorkin en la cinta, cuyo comienzo resulta algo abrumador por la cantidad de información que se nos entrega. Pero que en seguida se estabiliza para convertirse en una narración épica y emocionante de lo ocurrido en los juzgados. Su ritmo narrativo es una de sus principales virtudes, como también lo son las interpretaciones de un reparto que está al máximo nivel. Especialmente en el caso de Sacha Baron Cohen, quien nos entrega un trabajo carismático y emocional, en el que recoge a la perfección la esencia del desaparecido Abbie Hoffman. En él también se aprecia la intensidad que viene marcada desde la dirección y que acompaña a la vorágine de reacciones y emociones que aparecen en el espectador.

Pedro Almodóvar escribe y dirige ‘La voz humana’, un impecable cortometraje que cuenta con Tilda Swinton como protagonista. Una adaptación libre y conmovedora del relato de Jean Cocteau. Un cortometraje muy intenso en el que una soberbia Tilda Swinton brilla con luz propia.

En ‘La voz humana’ disfrutamos de un monólogo cautivador y emotivo que conquistará al espectador. Una asombrosa fotografía de José Luis Alcaine, acompañada por una banda sonora perfecta de Alberto Iglesias.

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CRÍTICAS

‘Gangs of London’: una apuesta potente y prometedora

Paloma E.

E

sta crítica no contiene ningún spoiler y se ha realizado en base al visionado de los cuatro primeros episodios de ‘Gangs of London’.

Durante 20 años Finn Wallace (Colm Meaney) ha sido el criminal más poderoso de Londres. Miles de millones de libras fluyen a través de su organización cada año. Pero esto va a cambiar. Ha sido asesinado y nadie sabe quién lo ordenó. Su hijo Sean Wallace (Joe Cole), con la ayuda de la familia Dumani con Ed Dumani (Lucian Msamati) al frente, tomará el lugar de su padre. Esta toma de poder repercutirá en el mundo del crimen internacional.

Para eso Elliot Finch (Sope Dirsù) puede ser su mejor aliado y el único hombre capaz de ayudarlo. Todo está a punto de desbaratarse si no actúan bien, y pronto. En este contexto tan sombrío y turbulento, Elliot se verá envuelto en la mayor organización criminal de Londres.

‘Gangs of London’ es la última y prometedora apuesta de Sky. Una ficción muy potente y con muchos puntos a su favor creada por Gareth Evans. La serie nos llevará al corazón del crimen organizado de Londres. En

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‘Gangs of London’ seremos testigos de las luchas por el control entre varias familias de mafiosos. Londres se convierte en un personaje más, siendo el escenario perfecto para el desarrollo de esta historia. Un escenario oscuro, lúgubre y muy frío.

Esta nueva ficción parte de una buena base y con solo cuatro capítulos se intuye una buenísima serie con un comienzo brutal que consigue atraer al espectador. La temática criminal no pasa de moda y si está tan bien llevada a cabo, no hay nada que pueda fallar en esta serie. El aspecto visual y la fotografía están muy cuidados, lo que ayuda a introducirte por completo en la trama. Asimismo la estética del crimen organizado por todo el mundo está muy lograda.

‘Gangs of London’ consigue ser un drama criminal muy elegante.

‘Gangs of London’ es muy violenta y con muchísima acción ya que cuenta con la venganza como hilo conductor. Es dura y muy explícita, pero es necesario y todo está justificado y muy bien coreografiado. La sangre y las peleas están presentes en todo momento. Sin embargo, no se queda solo ahí ya que el

componente familiar tiene mucho peso en el desarrollo de la trama. Los lazos familiares y todos los vínculos tienen una gran importancia. SI bien es cierto que el tema de los criminales está muy manido, Evas consigue innovar con su propuesta.

Una ficción que mantiene todo el tiempo un ritmo frenético, sin parar en ningún momento.

En los primeros episodios parece que está arriba todo el rato, no hay tiempo casi ni para respirar. ‘Gangs of London’ es muy intensa y llega por la puerta pisando muy fuerte. Un thriller criminal salvaje y muy adictivo en el que todo parece que va a funcionar a la perfección.

Además, cabe destacar el trabajo del brillante reparto, especialmente el de Joe Cole.

Cualquiera diría que ha nacido para ser parte de una banda criminal. Este papel le va como un guante. Por su parte, Sope Dirsù le ofrece la réplica perfecta para convertirse en un buenísimo tándem interpretativo. Pero en una serie de hombres, una brillante Michelle Fairley consigue imponerse ante todos con un personaje muy poderoso.

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CRÍTICAS

‘Nasdrovia’ se atreve a ser políticamente incorrecta

Rosa S.

M

ovistar+ ha probado entender de series de calidad, de comedias y de historias políticamente incorrectas. Y en ‘Nasdrovia’ ha vuelto a unir estas tres realidades. Protagonizada por Leonor Watling y por Hugo Silva y creada por Miguel Esteban, Luismi Pérez y Sergio Sarria, la ficción se atreve a bucear en el mundo de la mafia rusa y de la corrupción y a hacerlo en clave de comedia.

Riéndose de todo y de todos y tirando de unos tópicos que no están aquí por falta de imaginación, sino precisamente para jugar con ellos. De hecho, toda su trama está construida en base a los mismos, igual que una importante parte de su humor, con el que lo que terminan haciendo los creadores es desmontar esos clichés de los que parten. O, por supuesto, confirmarlos de una manera canalla y, como señalaba, políticamente incorrecta.

La serie, que se estrena en la plataforma este 6 de noviembre, nos convierte en testigos de primera mano de la aventura de Edurne y Julián, dos abogados acostumbrados a moverse en los límites de la legalidad, entre empresarios y políticos corruptos. Cansados de esa vida de

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lujo y estrés, lo apuestan todo a una única carta y se hacen con un nuevo restaurante ruso.

Un plan que, a priori, parece perfecto. Hasta que la mafia se cruza en su camino. Bueno, y la crisis de los 40, la otra gran protagonista de ‘Nasdrovia’.

El humor, en muchas ocasiones encontrado en el fracaso o la desdicha de sus protagonistas, es el hilo conductor que une sus seis episodios. Y su rotura de la cuarta pared es lo mejor de la serie, sobre todo gracias a una Leonor Watling especialmente carismática y todo lo cómicamente dramática que pide su personaje. Lógicamente, no es un recurso nuevo ni sorprendente. Pero siempre funciona, y en esta ocasión lo vuelve a hacer. Desde su primera escena, en la que el impacto es sólo comparable con la conexión inmediata y satisfactoria entre el público y una Edurne al borde del precipicio.

La corta duración de los episodios, en torno a media hora, también juega a favor de la serie. Una comedia con la carga

de humor, a veces absurdo y otras tantas tópico, que observamos en esta, tiene que llegarnos en dosis pequeñas. Para evitar sobrecargar al espectador y quemar su carisma, su gracia y esa conexión de la que hablaba.

De ahí que otro de los principales aciertos de la ficción venga de la mano de su duración, que nos permite conocer a los personajes y sus motivaciones y desarrollar la trama, sin llegar a la temida saturación.

Con todo, ‘Nasdrovia’ es una serie para quien guste de la comedia, de las bromas típicas y de las historias surrealistas, casi inverosímiles. Hay mucho de absurdo en esta serie, pero también mucha crítica encubierta entre chistes. Y mucha reivindicación, plasmada de la mejor manera posible: a través del humor. Además de una estética casi tan deliciosa como la gastronomía rusa. En un visionado casi fugaz, divertido y diferente, Leonor Watling y Hugo Silva marcan un alto nivel interpretativo, alcanzado con soltura por secundarios como Anton Yakovlev y Mark Ivanir.

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SERIES · REPORTAJE

Pe A

veces las oportunidades llegan de la forma más inesperada.

Y eso es lo que le ocurrió a Pepo Llopis y su encuentro o tropiezo con la interpretación. A partir de ahí, simplemente, ha decidido dejarse llevar y aprovechar la ola. Su última aparición ha sido dando vida a Didac en ‘Campamento Albanta’. Una historia que no es lo que parece. Una forma de contar maravillosa.

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Un camino inesperado Llopis fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / maquillaje VLADA NIGMANOVA

po

Camiseta azul, de Levis. Pantalones azul marino, de Merc London.

Deportivas, de Zara. Colgante, de Trium Jewelry. Reloj, de Mostylion.

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Cazadora jeans negra, de Zara basic. Camiseta, de Fred Perry.

Pantalones negros, de Zara basic. Deportivas blancas, de Mango.

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Sudadera acolchada, de Caster jeans. Pantalones beige, de Merc London.

Deportivas, de Zara basic.

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Polo a rayas, de Fred Perry. Pantalones beige, de Merc London.

Deportivas, de Zara basic. Reloj negro, de Mostylion.

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U

NA HHISTORIA PARA DEJAR LOS ERRORES APARCADOS Y PERDONAR. APOSTAR POR SEGUNDAS OPORTUNIDADES. PARA DEJAR DE LIMITARSE.

MEW Magazine (MW): ¿Cómo llega la interpretación a tu vida?

Pepo Llopis (P.L.): Hace tres años tocaba en una banda y nos llega a través del bajista la opción de hacer un casting en Valencia donde buscaban gente que tuviésemos relación con el entorno de la música pero que no hubiéramos hecho nunca nada de interpretación. Todo esto para hacer una película concreta, del director Roberto Bueso, que se llamaba 'La Banda'. Nos presentamos a ese casting, pero como banda. A fin, un poco, de promocionarnos. Y cuando llegamos allí, resultó que el casting era individual.

Tres o cuatro días después nos llamó el director para decirnos que habíamos pasado el proceso de casting. Y terminé haciendo 'La Banda'. Y después de esto, cuando pasa un tiempo, me llaman para darse directamente el papel de Didac en 'Campamento Albanta'.

Y aquí estamos.

MW: ¿Cómo está siendo para ti toda esta aventura?

P.L.: Lo primero, súper divertido.

Súper gratificante. Siempre lo digo. Al final, sería muy necio si no aprovechara estas oportunidades.

MW: Cuando llega 'Campamento Albanta' y te dicen que tienen un papel para ti, ¿cuál es tu primer pensamiento?

P.L.: Es una broma de alguien (Risas). Pero cuando vi quien estaba detrás, me sobró tiempo para tirar para adelante.

MW: ¿Desde que parte esencial comenzaste la construcción de Didac?

P.L.: A Didac lo preparamos desde dos puntos distintos. Yo trabajo con niños con TEA. Es mi otra vida que nada tiene que ver con esta. Y, a lo largo del año, organizamos tres campamentos distintos. Y entonces lo del mentor, el líder, lo tiraba más o menos por ahí. Luego ya sabemos que Didac tiene un transfondo. Y, entonces, tiro desde conocer mucho a Didac. Hablar mucho con el director.

Hablar mucho con Eva Llorach.

Y, entre los tres, el trabajo se fue forjando.

MW: ¿Fue fácil empatizar con él?

P.L.: Sí, sí. Didac tiene una tremenda coraza con la que sí puedo empatizar en cierta medida. Didac y yo sí que tenemos algo que ver.

Aunque él pueda ser una persona más manipulable, más influenciable. Pero la parte de la coraza, de mostrar hasta donde yo quiero mostrar, ese sentimiento de estar encerrado en un sitio...eso sí.

MW: ¿Cómo fue eso de equilibrar la energía del personaje con la de uno mismo en una historia tan emocional?

P.L.: Sí, por eso tuve a Didac desde dos puntos. El primero, desde lo liviano, lo funcional. Y luego otro punto de vista muy, muy distinto. Por eso lo de conocer mucho, sobre todo, a las personas con las que iba a interpretar las escenas más delicadas, las más emocionales. Vas haciendo como una simbiosis entre Didac y Pepo.

MW: ¿Conocisteis la historia al completo desde el inicio o fuisteis descubriendo todo como el espectador, poco a poco?

P.L.: La conocíamos.

MW: ¿Y cuál fue tu sensación cuando tuviste toda la historia

entre tus manos?

P.L.: Lo primero, unas ganas enormes de que esa historia se grabe y vaya para adelante. Y eso, a priori, es más fácil por saber toda la historia, aunque tampoco te creas que te relajas más.

MW: Quizá una de las cosas que más llaman la atención es que esa parte de equipo, de grupo, de campamento parece real. Traspasa la buena química de todo el reparto.

P.L.: Efectivamente. Creo que, desde producción, se hizo una cosa muy buena que es ponernos a todos los actores en el mismo hotel. Y allí pudimos aprovechar todo el tiempo que igual no habíamos tenido en ensayos previos.

Hicimos un trabajo de campo, de piña, en el hotel.

MW: Habla del dolor, pero también habla del perdón... ¿Cuánto de importante es, antes de perdonar al de enfrente, perdonarnos a nosotros mismos?

P.L.: Básico porque hasta que no te perdones a ti mismo, va a ser muy difícil que puedas perdonar a alguien. El primero que se tiene que perdonar es Didac para, después, poder hacer vínculos reales. Toda la historia de Didac y su madre es una historia de amor/ odio constante.

MW: En esta historia no se justifica qué es cada personaje o quién es...

P.L.: Es gloria bendita. Porque no hace falta tildar a nadie, ni etiquetar a nadie en nada. Cada uno es como es y va haciendo.

MW: No hay ningún héroe. Todos comenten errores...

P.L.: Todos.

MW: Lo que acerca mucho más al espectador. Porque no hay nadie perfecto.

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" P.L.: Ni lo requiere. Si hubiese un personaje perfecto, 'Campamento Albanta' no sería lo que es. Destaca porque todos los personajes son frágiles. Y, sobre todo, verdad.

MW: La llegada de las plataformas dan cabida a historias tan diferentes como esta...

P.L.: Sí, es una serie que podría no tener cabida en algún canal, pero eso es lo que hace que 'Campamento Albanta' sea lo que es. Entra bien en una plataforma concreta.

Porque habla desde la naturalidad total. No hay que omitir nada. No hay que poner apellidos a cosas que no necesitan de ello.

El guión está escrito desde los cielos, pero está todo muy bien bajado al suelo, al campo de lo terrenal.

MW: ¿Es importante dirigirnos a un público joven de forma madura, tal y como lo hace 'Campamento Albanta'?

P.L.: No podrías haberlo dicho 128 NOVIEMBRE 2020

Te mete valores, pero lo haces desde la madurez

mejor. Te mete valores, pero lo haces desde la madurez. Hay un trasfondo muy serio.

MW: Algo con lo que me quedo es con...oye, a veces no somos conscientes del daño que podemos hacer soltando ciertas cosas, aunque sea en un momento de enfado. Porque puedes destrozar a alguien...

P.L.: Y si tuviésemos que definir la serie con una palabra sería empatía. Por parte de los personajes hacia sí mismos y hacia el resto.

MW: ¿Qué has aprendido de Didac?

P.L.: Que uno no puede andar mintiéndose a sí mismo todo el rato. Y parar, mirarte el espejo y entender quién eres.

"

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ECHAMOS DE MENOS A... por MIKEL MONTERO

señala a la vuelta de la esquina.

Desquiciante, pero eternamente bonita. Protagonizando esas historias que se echan de menos.

Aunque no lo queramos reconocer. Y es que hace tiempo que no encuentro una historia de dos que mantenga mi culo pegado a un mullido sofá. Que me lastime cuando dejan de mirarse o que me ericen la piel con una simple sonrisa cómplice. Y creo que Izzie se llevó demasiadas cosas con ella. Tal vez nos dio en exceso y por eso se nota tanto.

A Izzie. Esa niña pobre que vivía en un campamento de caravanas alrededor de Chehalis, Washington. Esa niña que, desde pequeña, quiso ser doctora.

Echamos de menos a Izzie porque había algo en ella que ningún otro personaje ha vuelto a aportar a 'Grey's Anatomy'. Algo denominado bonito, divertido, fresco, ágil. De esos personajes que nunca pesan en la imagen. Y de los que siempre esperas un poco más. Y un poco más. Izzie era de esos. De los que sabes que te pueden fallar hasta extremos inenarrables pero que te puedan dar el mayor abrazo posible. A los que matarías, en ocasiones. Pero con los que sabes que esa carcajada no se repetirá.

Y es que nos dio lo que nunca somos capaces de ser. Porque siempre tenemos mucho más miedo del que nos gusta reconocer.

Porque metía la pata y no pasaba nada. Un poco de cocina, una receta más y vuelta a empezar.

Y eso siempre daba esperanza, ¿o no? Qué poco agradecemos a

este tipo de personajes. A los que nos dan permiso absoluto para soñar. Y eso, lamentablemente, no está de moda. Y se echa de menos. Mucho.

Izzie siempre fue de segundas oportunidades. Hacia ella misma y hacia los demás. De esos amores de barra inesperados. Pero deseados. De saber esperar y herir a bocajarro. Porque tenía ese carácter enloquecedor.

Ese que no es capaz de admitir, de primeras, el error, pero te

Izzie es buena y compasiva. Se envuelve emocionalmente con sus pacientes. A tal grado de romper las reglas y eso, eso es lo que más nos gustaba de ella.

Romper esa línea entre médico y paciente. Y ser algo más. Sentirse algo más. Dejar de ser una tarjeta de crédito o un número más, ocupando una cama más. Quizá por eso de haber sufrido. De haber sentido que nada importaba, solo su sueño. Por esa sensación de abandono. Por la necesidad de madurar.

UN VIAJE PERSONAL Álex El amor inesperado y deseado. El que lo impregna todo.

Y nunca se va.

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George La amistad. En todo lo extenso de su significado. Lo más real.

Cristina La confidente.

Ese colchón confortable donde caer sin miedo.

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SERIES · REPORTAJE

El mundo de los Javis Iconos del mundo audiovisual español.

por PALOMA ESCUDERO

J

avier Calvo y Javier Ambrossi ya no necesitan presentaciones. Dos nombres muy sonados y reconocidos en nuestro país, e incluso fuera de nuestras fronteras.

Todo el mundo sabe quiénes son o ha oído hablar de ellos. Bautizados popularmente como “Los Javis”, sus productos audiovisuales y su manera de entender y mostrar el arte han marcado un antes y un después en el mundo cultural. Javier Calvo y Javier Ambrossi entienden a la perfección la cultura pop de España, tanto la actual como la de algunos años más atrás. Y no solo eso, sino que saben explicarla y trasmitirla muy bien en sus series y películas.

No hay nada que se resista a su exquisito talento.

Ambos comenzaron sus respectivas carreras artísticas muy 132 NOVIEMBRE 2020

pronto y lo hicieron como actores.

No fue hasta hace unos años que dieron un importante salto dirigiendo y escribiendo su propio musical en el Teatro Lara: ‘La Llamada’. Un canto a la vida, al amor y a la amistad que todavía hoy sigue siendo un gran éxito. Tanto es así que decidieron adaptarlo a la gran pantalla, siendo una de las películas del año.

Una película emotiva, sentimental y para disfrutar cantando y bailando.

‘La Llamada’ es todo lo que está bien en un musical lleno de luces y colores. Original, diferente y de lo más divertido.

Los Javis han demostrado que se complementan muy bien y que juntos pueden con todo. Sus cabezas están siempre funcionando y no paran de crear y de tener nuevas ideas. Lo siguiente fue ‘Paquita Salas’, una serie como nunca antes se había visto. ‘Paquita Salas’ supuso todo una revolución y un fenóme-

no incluso a nivel mundial tras su salto a Netflix. Y no es para menos puesto que no hay nadie como esta icónica representante de actores. Es inteligente, divertida, carismática y sarcástica. Una serie para todos los gustos que ha ido creciendo hasta llegar a una tercera temporada brillante.

Por último, los Javis nos han sorprendido a todos con ‘Veneno’, una serie que es un precioso homenaje a Cristina Ortiz. Respetando y admirando su figura, Javier Calvo y Javier Ambrossi han sabido crear una ficción sin precedentes que va más allá de un simple retrato de los hechos. Una serie muy bien trabajada y desarrollada, hecha desde el cariño. Una forma perfecta de conocer la historia de Cristina Ortiz a través de los ojos y pensamientos de los Javis.

Se han convertido en dos iconos del mundo audiovisual español. Sus trabajos se caracterizan por ser muy cercanos a su público.

Producciones honestas y siempre realizadas desde su punto de vista, con mucho trabajo detrás. Siguiendo un estilo muy marcado y siendo fieles a su esencia sus trabajos son fácilmente reconocibles. Trabajando desde el cariño, el respeto y una profunda admiración hacia su trabajo y las personas que les rodean.

La importancia de la amistad, el amor en todas sus formas y la tolerancia son algunos de los temas más recurrentes en sus guiones.

Ellos tratan de reflejar lo importante que es respetar a los demás y también a uno mismo. Ser diferente al resto es algo que te hace mejor y no deberías sentirte nunca marginado ni ignorado por ello. En sus ficciones hay personajes para todos, para que todo el mundo pueda sentirse identificado con alguien.

Además, los cameos nunca pueden faltar. Se han hecho tan conocidos

gracias a su gran talento que todo el mundo quiere trabajar con ellos. Pero estas apariciones están siempre justificadas y hacen que la trama sea aún mejor.

Por otro lado, sus producciones combinan muy bien diversos géneros como el drama y la comedia. Las emociones y los sentimientos siempre están presentes. Ficciones que te pondrán la piel de gallina y te emocionarán pero también te harán reír y disfrutar muchísimo. Guiones llenos de ritmo y con una fotografía en la que predominan los colores vivos dotándolas de vitalidad y alegría. No hay nada del todo oscuro ni sombrío en ellos. Por esos sus productos audiovisuales gustan tanto y consiguen cautivar a millones de personas. Ellos son reales y naturales como la vida misma.

Asimismo, los Javis cuentan con un magnífico grupo de actores con los que los hemos visto trabajar en diversas ocasiones. Se entienden a la perfección y todos demuestran lo bien que trabajan juntos y lo bien que funcionan. Pero también dan voz a otros rostros menos conocidos pero con mucho talento. Algo que hemos visto sobre todo en ‘Veneno’, donde la prioridad ha sido dar papeles a personas trans y que de verdad puedan interpretar dichos papeles. No cualquier cosa sirve hoy en día y eso lo saben muy bien. Nunca dejan de sorprendernos y sus creaciones cada vez son más impecables; siempre consiguen superarse.

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SERIES · REPORTAJE

Cuerpo azul marino de Ramsos.

Pantalones Zara.

MARIONA TERÉS Americana rosa brillo, de Maria Frances.

Camiseta “culture will beat ignorance”, de SoyPitita.

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fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo JAIRO VILLADA muah LETICIA PERILLÁN / localización HOTEL DOUBLETREE BY HILTON PRADO

MARIONA TERÉS LO TIENE CLARO. PARA EVOLUCIONAR, HAY QUE RENOVARSE. HAY QUE PROBAR Y CONTAR LAS COSAS DE FORMA DIFERENTE. APOSTAR POR SAVIA NUEVA. DEJAR QUE NARREN CON MÁS VERDAD Y MENOS PASADO. DE AHÍ HAN LLEGADO DOS DE SUS GRANDES PERSONAJES. EN 'PAQUITA SALAS' Y EN 'VENENO'. APUESTAS DE CALIDAD POR ABRIR LA PUERTA A TEMAS QUE PARECE QUE NADIE QUIERA TOCAR. Y PUEDE QUE AHÍ MISMO SEA DONDE RESIDA EL ÉXITO. MEW Magazine (MW): ¿La interpretación fue algo que fuiste descubriendo con el paso del tiempo?

Mariona Terés (M.T.): Lo fui descubriendo con el paso del tiempo pero creo que, en el fondo, lo tenía ahí metido. No es algo que tuviese desde pequeña. Fue todo poco a poco.

MW: Desde que una toma la decisión...¿está siendo fácil el viaje?

M.T.: Odio estas preguntas (Risas). Pues no, porque el camino nunca es fácil. Un caos. Son caminos muy difíciles. Y es una profesión de fondo, la verdad. Sabes que vas a tener temporadas en las que vas a trabajar mucho, temporadas en las que no trabajas nada. Eso si trabajas porque hay mucha

gente que no puede acceder ni a tener un representante ni un casting. Y no trabaja en la vida. Es una profesión muy difícil.

Con muchos altibajos y muchos 'No'. Pero es que mola tanto hacerle que...¿qué vas a hacer?

MW: ¿Y a qué se aferra una? ¿A esos momentos?

M.T.: A esos momentos. Porque en esos momentos te olvidas de todo lo demás. No existe. No existen las penurias. Ni cuando no tenías dinero para pagar una factura. Ni para comer. Eso ya no existe. Se te olvida. Y solo ves tu proyección (Risas).

MW: ¿Hay que aprender a tener mucha paciencia?

M.T.: Sí, por esos altibajos de los que hemos hablado antes. Y sobre todo quererse a una misma. Y no solo en esta profesión, sino para todo. Aceptarse como todos y tirar para adelante. Y si es un 'No', no pasa nada. Ya llegará otra oportunidad. Eso no significa que no seas buena actriz. Significa que justo no te ven para ese papel.

MW: ¿Tienes algún proceso especial o marcado a la hora de construir los personajes o depende de cada un de ellos?

M.T.: Dependiendo. Y dependiendo si es MWMW 137 137

Vestido blanco con botonadura en perlas, de Zara.

Pendientes chapados dorados, de Venca.

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un drama o comedia. Si es algo más profundo o no.

MW: ¿Te sueles fijar en algo en concreto siempre?

M.T.: Pues depende del trabajo que quiera hacer.

A veces es más físico y otras veces es más personal. Depende del proyecto. Del color y de la nota que le quieran dar a la gente. Hay muchos tipos de procesos. Yo soy muy de imaginación. A mí me viene muy bien fotos o inspirarme en otras personas. Que no lo voy a hacer como ellas pero me ayuda.

MW: ¿ha habido algún personaje que te haya dado mucho más de lo que esperabas en un primer momento?

M.T.: Amparo de la 'Veneno'. Y en 'Paquita Salas' también me pasó. Estaba cagada, ¿eh? Encima en el final del capítulo dos acabo en bragas y en sujetador. Pensaba en...o gusto o no gusto. Creo que ese personaje me lo ha dado todo. Y el de la 'Veneno' también. Porque analizando creo que somos muy parecidas. Sobre todo con el tema de la amistad. Y es bonito reconocértelo. Y es que el personaje es súper bonito. Me ha encantado.

MW: ¿Qué tienen 'Veneno' y 'Paquita Salas' para llegar tan bien al público?

M.T.: Pues que son dos pedazo de series y estoy en las dos (Risas). El primer factor que tienen ambas series son los Javis. Que ya son un producto en sí. Gente joven que escribe cosas actuales. Con mucho ritmo. Con mucha comedia. Y mucha verdad. La gente estaba deseando que nos contaran estas historias. Ya hace falta más gente joven que cuente historias. Con las que podamos tener más empatía porque estábamos un poco obsoletos.

Segundo, que hacen un casting tremendo. Y que cuentan cosas derribando muros. Ahora, por ejemplo, con el tema de la transexualidad. Mientras que en Paquita se hablaba de todo lo físico.

Si estoy gorda, no me dan trabajo. Se meten en temas muy guays y que pueden ayudar a la gente.

Se hace todo con mucha comedia y mucha verdad a la vez. Y ellos son muy guays porque mezclan la comedia con el drama mostrando la vida real. Porque estás llorando y luego te ríes.

MW: Con los Javis estás riendo a carcajadas y al segundo estás llorando...

M.T.: Y es que la vida es así. Estás llorando y de pronto puedes girarte y reírte. O reírte y luego llorar. Eso es algo que ellos hacen muy bien. Y creo que se debería hacer más. Son muy actuales, muy frescos. Es muy fácil empatizar con todos los personajes que escriben.

MW: También te hemos podido ver, en las últimas semanas, en 'Historias de Alcafrán', ¿cómo llega a tus manos?

M.T.: Pues es que no hice ni prueba. Me llamaron directamente. Te lo prometo (Risas). La directora de casting es la misma que de 'Cuéntame' y justo había hecho unas sesiones para allí. Y se acordó de mí. Buscaban a un personaje que en la biblia ponía que tenía que ser gordito. Pero sí que es verdad que estoy muy contenta porque durante la serie el personaje no tiene un problema con eso. Son otros sus problemas. Ni se menciona nada sobre su peso.

MW: ¿Cómo estás viviendo desde dentro la llegada de las plataformas?

M.T.: Pues bien porque está creando mucho trabajo. Y justo ahora con el tema de la pandemia nos viene muy bien. Sobre todo por como está el teatro.

MW: ¿Las plataformas han dado cabida a proyectos más diversos o que no tenían cabida?

M.T.: Creo que no tenían distribución y ahora lo subes a una plataforma y ya se puede ver. Antes había muchas películas que se quedaban ahí en el olvido. Que algunas son muy buenas y nunca conseguían una distribuidora. Y ahora ya la puedes vender y es más accesible. Y como encima hay tanto, tanto contenido, la gente se tiene que poner las pilas y hacer cosas más guays. O que la gente que está arriba que contrate gente más joven (Risas).

MW: Los personajes son mucho más ricos...

M.T.: Son mucho más ricos porque son más de verdad. Aunque creo que ya se estaba cambiando en el cine antes de la llegada de las plataformas.

También venimos de un sitio y estamos en constante movimiento.

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SERIES · REPORTAJE

CUANDO LA REALIDAD SUPERA A LA

FICCIÓN por ÁLEX DELGADO

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n los últimos meses la sociedad se ha visto zarandeada por la pandemia del COVID-19, viéndose paralizada prácticamente cualquier tipo de actividad esperando las decisiones de una clase política que ha tenido que ir a ciegas ante un futuro incierto. La política, esa temática que cuesta tanto comprender, pero que en el fondo está justamente detrás de todos estas problemáticas es uno de esos géneros que la televisión se está adentrando poco a poco.

Las series con una temática relacionada con la política son de esas que te adentran en un mundo complicado, oscuro e incluso turbio, de esos que es imposible salir indemne, donde la corrupción y la crispación social están en un primer plano. Bajo estas premisas son innumerables las productoras que apuestan por crear un contenido distinto y que logre acercar a un 140 NOVIEMBRE 2020

público cada vez más selecto a este universo por descubrir.

Un claro ejemplo es una las ficciones que en los últimos días ha estrenado Filmin: ‘Helvética’. La serie es un coproducción entre Suiza y Bélgica de la Radio Télévision Suisse (RTS) y se atreve a poner en jaque uno de los sistemas políticos más corrompidos y tenebrosos de los países europeos. Su trama es un clásico en España aunque le han dado una vuelta que permite al es-

pectador no estar viendo siempre lo mismo. Por ello se basan en la lucha por el poder y lo hacen representando la batalla más encarnizada de egos de la televisión. Bajo esta premisa ‘Helvética’ se atreve a jugar con un espectador que poco a poco descubre las artimañas políticas que se emplean en un país desconocido, con poca presencia mediática y en el que todo está milimetrado.

Hablar de política en televisión es trasladarse automáticamente a una de las series más impactantes de la pequeña pantalla. ‘El ala oeste de la Casablanca’ es una serie perfecta la mires por donde la mires. Creada en 1999 nos muestran esa política que tanto desea tener la población, en la que el dialogo es posible y el entendimiento. Se trata de una serie en la que las conversaciones están en un primer plano y lo hacen en un pasillo lleno de diálogos densos y profundos de esos

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a sociedad está controlada por la política y solo hay que verlo en nuestro día a día. La televisión y las plataformas de pago han apostado por la producción propia y poco a poco se adentran en un terreno pantanoso y que no deja de sorprender, permitiendo así que las series puedan innovar tanto en su continente como en su contenido con historias que no dejan indiferente.

que te llenan y logran solucionar los problemas. Más allá de eso se trata de una ficción que se adentra a un mundo desconocido, mostrando como es un proceso electoral o cómo se redacta una ley, a la vez que comprendes cómo funciona el sistema político de los Estados Unidos. Todo esto lo hace gracias a unos personajes únicos, que te atrapan y arropan en cada situación, que junto a su tratamiento de imagen y sonido hace que sea una de esas series dignas de ser recordadas durante años.

En el lado contrario nos encontramos con una de las series más importantes de política de los últimos años: ‘House of cards’. La ficción se atreve a mostrarnos ese lado más desconocido y realista de la política y es que como han mostrado en repetidas veces es evidente que la democracia está sobrevalorada. De este modo, se consigue ver

todo lo que hay detrás de la política, haciendo que los intereses personales y la manipulación sean dos de las ramas más importantes en el ascenso político.

No todo iba a ser buenas referencias en este artículo y es que hay series que fracasaron por su enfoque. Este es el caso de ‘Marseille’ de Netflix. Creada por Dan Franck contaba con Gérard Depardieu como punto fuerte. En ella un alcalde quiere retirarse por la puerta grande y tras orquestar su salida del cargo junto a su pupilo, este le termina fallando haciendo publica una trama mafiosa. Lo que originariamente podía parecer una serie prácticamente perfecta, poco a poco termina siendo una mezcla de emociones y tramas que no tienen sentido alguno y que no terminan de cerrarse del todo. Este fue el principal problema de una serie que no transmite nada.

Una de las mejores maneras para conocer el punto débil de algo no es otra que la caricaturización y en España lo sabemos perfectamente. ‘Vota Juan’ es el claro ejemplo de ello. La ficción nos narra una historia en la que el humor es el hilo conductor y lo hacen con un personaje protagonista interpretado por Javier Cámara con el que es imposible no empatizar. La serie se adentra en ese turbio y oscuro mundo de detrás de las cámaras, en el que se hace cualquier cosa con tal de conseguir el poder y dónde la mediocridad del ser humano está en su máximo esplendor.

La política es una de esas ramas que nunca decepciona y que siempre sorprende con giros imposibles. Por ello, las cadenas han apostado por un ámbito poco explotado y que permite explayarse en todo momento.

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SERIES · REPORTAJE

YA I M A RAMOS

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah SANDRA NISO

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Total look, de Natalia Perรณ. Top negro con cadenas doradas y pantalรณn campana de polipiel en negro.

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Y

Su pasión por la interpretación llego gracias a 'Dioses rotos'. Un largometraje que recuerda gracias a su abuela. Que fue la encargada de mostrárselo. Con ocho años tuvo claro que lo suyo era eso. La interpretación. Meterse en la piel de vidas y de historias. Y con el tiempo ha ido aprendiendo de la paciencia, cuando dejarle su espacio y cuando no permitírselo. Y de la autoestima. Algo fundamental para caminar a lo largo de esta aventura tan loca e inesperada.

MEW Magazine (MW): ¿Está siendo fácil el viaje?

Yaima Ramos (Y.R.): No, ningún viaje de ningún artista es fácil. A mí, algo que me enseñó mi abuela es que “ese mundo va a costar” y eso es algo que ya llevas integrado en ti.

Y, simplemente, es tirar para adelante. Pero cuando lo haces la satisfacción que sientes es muy bonita.

MW: ¿Hay que tener mucha paciencia y trabajar esa paciencia?

Y.R.: Sí y no. Sí, hay que tener paciencia porque no siempre te va a tocar un compañero fácil o un director que te comprenda.

O una maquilladora a la que no le importe retocarte... No siempre te va a tocar el equipo perfecto. Entonces, por ese lado, tienes que tener paciencia. Pero, cuando no te fijas en eso porque solo tienes que darle vida a una persona que existe en otra realidad, la paciencia da igual.

MW: ¿Es importante trabajar la autoestima?

Y.R.: Muchísimo. Y, además, aconsejo mucho ir al psicólogo. Nos puede poner bien, los pies sobre la tierra. Es importante tener la autoestima alta. Quererse. Que es lo más importante.

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MW: ¿Es importante la seguridad en una misma? En una profesión en la que te expones todos los días...

Y.R.: Sí, totalmente. Esto lo hablaba con un compañero hace un tiempo. Y me decía que, cuando entra a un casting, entra seguro de lo que va a hacer. Que gusta, bien. Que no gusta, no pasa nada. Continuo. Pero, tienes que estar seguro. Y yo pienso igual. No es lo mismo que, quien te está juzgando, te vea segura o insegura.

MW: ¿Alguna vez la has liado en un casting?

De eso de, madre mía, ya me puedo ir olvidando y, de pronto, te han llamado para continuar en el proceso.

Y.R.: (Risas). En los dos últimos castings que he triunfado. Tanto para 'Mar de Plástico' como para 'La Valla'. Para 'La Valla' me grabé un video y de ahí me hicieron una prueba con el que iba a ser mi compañero de trama. Y ahí estaba Luis San Narciso y me puse como un flan. Pensé, tengo que salir de esta como sea.

Justo los dos en los que pensaba que lo había hecho mal, han sido los que me han dado la oportunidad en la tele.

MW 145

LA SERIE SE AMBIENTA EN UN FUTURO PRÓXIMO. LA CADA VEZ MAYOR ESCASEZ DE RECURSOS NATURALES HA CONVERTIDO A LAS DEMOCRACIAS OCCIDENTALES EN REGÍMENES DICTATORIALES. MIENTRAS LA VIDA EN LAS ÁREAS RURALES SE HACE IMPOSIBLE, LA CAPITAL HA QUEDADO DIVIDIDA EN DOS REGIONES FÉRREAMENTE CERRADAS: EL SECTOR 1 (EL DEL GOBIERNO Y LOS PRIVILEGIADOS) Y EL SECTOR 2 (EL RESTO). LA ÚNICA FORMA DE PASAR DE UNA ZONA A OTRA ES CRUZAR LA VALLA QUE LAS SEPARA, PARA LO QUE SERÁ REQUISITO DISPONER DEL SALVOCONDUCTO REGLAMENTARIO. ESTE ES EL PUNTO DE PARTIDA DE UNA HISTORIA QUE NOS LLEVARÁ A CONOCER A JULIA, HUGO, EMILIA… UNA FAMILIA QUE LUCHA POR RECUPERAR A LA PEQUEÑA MARTA, EN MANOS DEL GOBIERNO. UNA HISTORIA DE SUPERVIVENCIA, DE TRAICIONES, DE GRANDES SECRETOS Y EN LA QUE UN CRIMEN PERSEGUIRÁ A SUS PROTAGONISTAS. LA PRODUCCIÓN DE ATRESMEDIA ESTÁ PROTAGONIZADA POR UN ELENCO DE GRANDES Y RECONOCIDOS INTÉRPRETES COMO SON OLIVIA MOLINA, UNAX UGALDE, ÁNGELA MOLINA, ABEL FOLK Y ELEONORA WEXLER. COMPLETAN EL REPARTO DANIEL IBÁÑEZ, BELÉN ÉCIJA, MANU FULLOLA, IVÁN CHAVERO, JUAN BLANCO, ELENA SEIJO, YAIMA RAMOS, NICOLÁS ILLORO, LAURA QUIROS, ÁNGELA VEGA, PEDRO BEITIA, ÓSCAR DE LA FUENTE O CRISTINA SORIA. DANIEL ÉCIJA Y SONIA MARTÍNEZ SON LOS PRODUCTORES EJECUTIVOS DE ‘LA VALLA’ MIENTRAS QUE INÉS PARÍS Y DAVID MOLINA SON CO-PRODUCTORES EJECUTIVOS. EL EQUIPO DE GUION ESTÁ CONFORMADO POR DANIEL ÉCIJA, INÉS PARÍS, CLARA BOTAS, JORGE VALDANO SÁENZ, ROBERTO MARTÍN MAIZTEGUI, VERONIK SILVA, ÁNGELA ARMERO, TATIANA RODRÍGUEZ, ARANTXA CUESTA Y DAVID MUÑOZ. EN LA DIRECCIÓN: DAVID MOLINA, ORIOL FERRER, LUIS OLIVEROS, JESÚS RODRIGO Y LUCAS GIL. NESTOR CALVO ESTÁ AL FRENTE DE LA DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA; SONIA GRANDE, ENCARGADA DEL DISEÑO DE VESTUARIO; Y SALVADOR GÓMEZ Y RAQUEL DÍAZ, RESPONSABLES DE LA DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN. 146 NOVIEMBRE 2020

MW: ¿Cuál es tu sensación cuando te plantean lo que se va a contar en 'La Valla'?

Y.R.: Me entero de qué va el tema cuando hacemos la lectura a la italiana. Ahí ya empiezan a contar el tema de una distopia. Y luego ya, nos dieron un tipo de librillo donde explicaban en qué tipo de España íbamos a estar. Qué fue lo que pasó.

Ahí es cuando yo ya llega el 2020 lo vuelvo a leer para decir, qué fuerte.

"SOY ACTRIZ Y SOY NEGRA, Y ES EL PRIMER TRABAJO QUE HAGO EN EL QUE NO TENGO QUE PONER NINGÚN ACENTO" MW: ¿Por dónde iniciaste la construcción de Manuela?

Y.R.: Si te digo la verdad, eso no pasó desde el principio. Eso paso un poquito después. 'La Valla' comenzó en unos términos y cuando íbamos avanzando, decidieron ir hacia atrás y borraron todo lo que había ocurrido porque iban a poner otros alicientes. Ahí, yo, sin querer, me bloqueé un poco para continuar. Y comentándolo con una de mis compañeras me dijo que me calmara y que pensara tranquilamente. Entonces, fui concentrándome. Y así pude decidir por dónde llevar al personaje. Más o menos pasaron como dos meses.

MW: ¿Fue fácil empatizar con Manuela?

Y.R.: Sí, muy fácil. Sí, pero porque

Manuela es una mujer que aunque trabaje en la casa del Ministro ella sabe de dónde viene. Cómo llegó a esa casa. Llegó por un favor que le pidió su madre a Rosa. Y Rosa se encarga de ella desde muy niña. Manuela es una tía muy cercana.

MW: En 'La Valla' se habla de la libertad, de lo que ocurre cuando nos la quitan. Parece que hoy día no seamos tan conscientes de lo importante que es y de lo fácil que se esfuma.

Y.R.: Esa escena de Ángela Molina, de esa familia, comiendo, la niña preguntando...me parece una escena...es como si no estuviese viendo la serie. Es como si tuviese una ventana y estuviese viendo a esa familia.

En ese momento, en el que Ángela Molina pronuncia “nos han quitado la libertad”, siempre se me ponen los vellos de punta.

Hay que estar muy atentos. Si dejamos, mucho tiempo, nuestras cosas en manos de otros, eso acabará pasando, tarde o temprano.

MW: Vemos mucho dolor pero es una historia de esperanza...

Y.R.: Sí, exacto. Ese es el mensaje con el que nos tenemos que quedar.

Al principio es todo muy oscuro.

Es una dictadura, es duro. Pero, a medida que se va desarrollando vas viendo por dónde va ese rayo. Ese rayo de luz. Y ves que ese rayo, cada vez, es más grande. El mensaje es muy bonito. Es un mensaje de esperanza. Si, verdaderamente, nos unimos todos, todo sale.

MW: Nos resulta fácil empatizar con todos los personajes porque hay verdad tras ellos...

Y.R.: Ya no es blanco o negro. Ahora es negro, aquí está el blanco y en medio hay un matiz de colores grises y de todos los tonos. Aquí es cuando digo que la ficción española ha avanzado bastante. Y en darle un poco de más creatividad a sus

Mono jeans bicolor, de Berskha.

Pendientes tucan, de Evika.

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Vestido en raso rojo con volante, de Mala mujer.

Pendientes, de Evika. Zapatos, de Franjul.

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Vestido W.A.W Pendientes · María Pascual

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personajes. A mí, como actriz, me permite poder relajarme un poco más. Y trabajar en base a algo. Y eso es lo que permite a los espectadores enamorarse de cada uno de los personajes.

MW: Es necesario salir de la zona de confort...eso de dirigir un producto a toda la familia.

Y.R.: Sí, sí, además me vienen un par de series a la cabeza. Es que no puedes llegar a todos. Y la mejor manera de llegar a todo el mundo es hacerlo natural. Y otra cosa que me gusta mucho y que está avanzando en la ficción española y tengo que enfatizarlo y es...soy actriz y soy negra y es el primer trabajo que hago en el que no tengo que poner ningún acento.

Hace seis años tenías que poner un acento. ¿Por qué? Si yo también puedo nacer aquí...

QUÉ IMPORTANTE ES VISIBILIZAR LA VIDA. TAL Y COMO ES. SI TENER QUE JUSTIFICAR UNA RAZA O UN COLOR. O UNA CONDICIÓN SEXUAL. SIN TENER QUE ETIQUETAR DE QUÉ PAÍS VIENES O A CUÁL VAS. PORQUE SI VISIBILIZAMOS, EDUCAMOS. SI MOSTRAMOS, DECIMOS ABIERTAMENTE QUE EXISTIMOS. UN EJERCICIO QUE CADA VEZ SE HACE MÁS. PERO SOLO ESTAMOS EN EL PRINCIPIO. QUEDA MUCHO POR RECORRER.

MW: ¿Qué has aprendido de Manuela?

Y.R.: (Se queda pensando con una sonrisa). De Manuela he aprendido que el amor verdaderamente existe.

Y que no tiene que ser un amor romántico. El amor existe en todo. Manuela me ha enseñado lo bonito que es el amor desde su punto de vista.

De cómo quiere a otros personajes.

Amor de perdón.

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Zapatos, de Zara.

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El personaje!!

Beth Harmon

La lucha constante por ROSA SURIA

Beth Harmon es el resultado de un cúmulo de heridas que no han encontrado cura. Sobre todo de una, la más dolorosa de todas, probablemente la herida más traumática para cualquier ser humano. Tanto que la protagonista de ‘Gambito de dama’ nunca llega a ser capaz de compartirla con su entorno. Ni siquiera con quienes le entregan ese amor que tanta falta le ha hecho y le hace durante toda su vida. Hay muchas situaciones que pueden entrar dentro de lo que se considera como una infancia dura o difícil. Pero no se me ocurre una más horrible que saber que tu propia madre, presa de la desesperación y de la incapacidad, ha optado por sacrificar tu vida.

Las últimas palabras de la mujer que le dio la vida y que trató de quitársela, ese “cierra los ojos”, no se borran de su memoria. Ni en los momentos más brillantes, ni en los más oscuros.

A sabiendas de que esa decisión fue tomada ante la imposibilidad de encontrar un futuro mejor, la huella que deja en Beth Harmon nos habla de una falta de amor y de cariño que la perseguirá el resto de sus días. He intentado ponerme en su lugar desde el primer episodio, pero es tan horrible lo que ha tenido que enfrentar desde 152 NOVIEMBRE 2020

una corta edad que me resulta imposible. No sé cómo se puede superar el saber que tu propia madre intentó matarte. Que, en cierta manera, pudiste ser un problema demasiado grande para ella, tanto como para arrojarse al lugar del que todos huimos. De hecho, ni siquiera ella encuentra una respuesta, una manera de afrontar eso y eliminar el trauma. Por eso se refugia en todo tipo de adicciones, desde el propio ajedrez hasta el alcohol.

Poseedora de una mente brillante y con un especial talento para los números, además de ese amor que le había sido negado, la pequeña Beth tenía la necesidad de encontrar algo retador que ocupara su mente y la alejara de todo lo demás.

Es ahí donde entra en escena el ajedrez, hacia el que inicialmente se sintió atraída por la curiosidad.

Pronto, en cuanto Shaibel permitió que entrara en su juego, comprendió que tenía ante sí el reto que estaba buscando. Pero también la atención, la admiración y el cariño que casi había olvidado entre tanta oscuridad. Y una de sus primeras adicciones, combinada con la de esas misteriosas pastillas para la tranquilidad, que la introdujeron, sin ser consciente de ello, en un camino casi sin salida.

El carácter retador del juego y la adrenalina que acompaña a cada jugada se acaban convirtiendo de dos de los pilares de su día a día.

Pilares que se mantienen hasta su madurez, pero que también amenazan constantemente con derrumbar su vida. Beth Harmon, además de necesitar cariño y ser presa de un trauma difícil de superar, siempre fue competitiva.

Aunque su competitividad aumenta conforme va cumpliendo años, hasta llegar a un punto dañino para sí misma. Perder nunca fue una opción, algo que encuentra su por qué, de nuevo, en su infancia.

“Beth Harmon es una superviviente"

Así nos lo recuerdan en ‘Gambito de dama’. Los huérfanos nunca se pueden permitir el lujo de perder, porque una derrota puede marcar la diferencia entre una buena vida en familia y una vida precaria en un centro de acogida, sin amor y sin cuidado. Una máxima que acompaña a Beth durante todo su camino. Las derrotas no son una opción y pueden llegar a mermar enormemente su autoestima y su ánimo, sumiéndola en una depresión que conoce a la perfección.

Beth también es una mujer, generalmente, segura de sí misma y orgullosa de sus capacidades. Unas capacidades y un talento que empieza a aceptar gracias a un Shaibel que pronto supo verlos y reconocerlos. Es un placer contemplarla jugando, dejándose llevar por sus conocimientos y por su intuición, sobreponiéndose a situaciones adversas y disfrutando de los retos que aparecen ante ella como apareció el ajedrez. También es un placer contemplarla cuando está segura y cómoda en su intimidad, cuando se olvida de la coraza que siempre lleva puesta y se deja atrapar por ese gran desconocido que es para ella el amor. La que en su día fue una niña esquiva y reservada termina convirtiéndose en una mujer inquietante, con agallas y capaz de superar todo tipo de escollos. A veces por sí misma y a veces con ayuda. Aceptar esa ayuda también es un importante paso madurativo para ella, acostumbrada a vivir en soledad y sin recurrir a nadie.

las derrotas y los corazones rotos.

Pero en la que las adicciones siempre están acechando, aprovechando cada pequeña caída para apoderarse de ella. Principalmente porque su gran trauma continúa ahí, como también lo hace la necesidad de sentirse querida por alguien. De saber que hay alguien en el mundo que se preocupa por ella, aunque lo haga de una manera extraña, como ocurre con su madre adoptiva.

Ese es su talón de Aquiles, que ni siquiera le corresponde a ella, sino que es la consecuencia de la herida que se reabre cada vez que recuerda ese “cierra los ojos”.

quedar definida por esas adicciones y por las sombras que la persiguen.

Por encima de ello, Beth Harmon es una mujer con un talento increíble, enormemente inteligente y con unas ansias de saber que, en ocasiones, han llegado a generar en mí cierta envidia. Es divertida, es fiel y es valiente. Y es una persona que, a pesar del dolor que la acompaña constantemente, es capaz de darlo todo a quien quiere, de luchar por los demás antes que por ella y de escuchar y abrazar cuando alguien lo necesita. Pero, sobre todo, hay algo que sí la define. Beth Harmon es una superviviente.

Pero sería muy injusto para ella

A lo largo de los siete episodios que componen ‘Gambito de dama’, asistimos a la maduración de una Beth Harmon que poco a poco va librándose de sus ataduras y de sus miedos. Que se abre y se deja querer, mientras aprende a hacerlo. Que descubre su sexualidad sin miedo y con confianza. Que aprende a gestionar los rechazos, MW 153

SERIES · TEORIZANDO

'THE GOOD DOCTOR'

L A S C I C AT R I C E S Q U E S E Q U E D A N Y EL AMOR QUE LLEGA por MIKEL MONTERO Hay golpes mortales en ciertas temporadas de ciertas seque queremos, es resarcirnos ries. 'The Good Doctor', en algún de un final que quizá no ha momento de su historia, tenía que golpearnos duro. Y así lo hizo al sido el mejor. porque, tal vez, final de la anterior temporada. cómo público aun no estábamos Y es que, cuando hay personajes preparados para shaun y lea queridos, cuesta decir adiós. Pero como tal. ni tal vez para ver, de si encima son personajes quenuevo, a claire herida. ridos pero que siempre te retan como espectador, es mucho más complicado ese 'hasta siempre'.

Recordemos que en los últimos cuarenta minutos que disfrutamos de la serie nos tropezamos con un seísmo que sacudía la ciudad de San José y ponía al personal del Hospital St. Bonaventula tercera temporada nos

rompió. en esta cuarta, lo único

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re en alerta máxima. El Dr. Neil Melendez (Nicholas González), el Dr. Aaron Glassman (Richard Schiff) y Lea (Paige Spara) lo sufrían en un evento benéfico del que conseguían escapar aparentemente sanos y salvos. Pero Meléndez colapsa mientras intenta ayudar a los heridos y, para desgracia de sus fans y de Claire (Antonia Thomas), con quien todo apuntaba a que iba a vivir una historia de amor en la ficción, el cirujano sufre unas lesiones internas incompatibles con la vida y muere en brazos de ésta tras declararse mutuamente su amor. Momento en el que nuestro corazón tam-

TEORIZANDO

bién se rompió. Nicholas González asegura que su adiós se debe a una decisión puramente de guion y se despide de la serie agradecido por haber formado parte de ella desde sus inicios, pero "en un momento en que sientes que es hora de seguir adelante, y sabiendo que estoy dejando The Good Doctor en un lugar realmente genial".

Así que, si de teorizar se trata, lo más probable es que en esta cuarta temporada seamos testigos del dolor de Claire, una vez más. Donde parece ser que todas las personas a las que quiere terminan desapareciendo de su lado.

A mí, particularmente, me gustaría que esta pérdida sumase y no restase a su historia. Es momento de verla crecer y evolucionar. Con un aspecto mucho más maduro y me gustaría creer que encontrando a esa persona con la que ser feliz, afianzando pasos. Lo que no soportaría es un exceso de drama y de poco autocontrol. Porque sería repetir los pasos una y otra vez.

Y, encima, hacia un personaje que no se lo merece.

Por otro lado, nos quedamos con la miel en los labios, ante esa declaración por parte de Shaun (Freddie Highmore) a Lea y viceversa. Un momento esperado y ansiado por muchos y odiado por otros. Porque, quizá, Lea ha surcado demasiadas historias previas y siempre anteponiendo sus necesidades a las del Dr. Murphy.

Pero, la realidad es que necesitamos ver cómo evoluciona Shaun.

Queremos ver que se enamora de verdad. Ver qué ocurre cuando la persona de enfrente lo pone contra las cuerdas. Hasta qué punto va a ser posible y hasta qué punto no.

Ya le hemos visto en una anterior relación y todos los problemas que eso ha traído. Por eso espero que junto a Lea nos den un punto de giro interesante. Y no caer en esas mismas problemáticas. Sino buscar más allá. Darnos quizá aquello que no esperamos. Mostrarnos, de verdad, que Lea y Shaun están he-

chos el uno para el otro. Que nos dejen soñar. Que buena falta nos hace. ¿Qué pasará con Morgan? ¿Qué pasará con el Dr. Alex Park?

Lo que sabemos a ciencia cierta es que se verán atrapados ante todo lo ocurrido. Como los tan mal nombrados 'daños colaterales'.

Pero sería interesante resolver definitivamente la situación que vive Alex y el hecho de echar tanto de menos a su familia. Porque debemos avanzar. Y no seguir dando vueltas a una misma trama durante mucho tiempo. Hay veces que siento que este personaje ya dio todo lo que tenía que dar y que debe de pasar el siguiente. Mientras que con Morgan me sucede todo lo contrario. Evoluciona, choca, se cae y se levanta. Siempre de forma diferente.

MW 155

LA SERIE DEL MES

‘ANTIDISTURBIOS’

Y EL PLACER DE LAS SERIES BIEN CONCEBIDAS Y MEJOR CONSTRUIDAS semanas antes de su estreno, todo el mundo hablaba de ‘antidisturbios’. sin

polémicas de por medio. y eso, sobre todo en españa, sólo puede significar una cosa: tenemos entre manos algo muy gordo. una de nuestras mejores series. por rosa suria

La serie del mes o, sin miedo a equivocarme, la serie del año.

Como mínimo a nivel nacional.

‘Antidisturbios’ no sólo ha sido el título más comentado durante el mes de octubre, con permiso de ‘Patria’ o ‘La maldición de Bly Manor’, sino también uno de los más aplaudidos y analizados de lo que llevamos de 2020. Ya el hecho de que se hablara de ella como la serie del año semanas antes de su estreno lo dice todo. Esta expectación podría haber sido un arma de doble filo, pero la confirmación llega en las primeras secuencias del episodio piloto. En ellas, ya 156 NOVIEMBRE OCTUBRE 2020 2020

encontramos la calidad, el gusto y la visión de un Sorogoyen que aquí gusta y se gusta más que nunca.

‘Antidisturbios’ se ha ganado el título de serie del mes (repito, y del año) por muchas razones. Y lo complicado es saber por dónde empezar. Destaca desde su propia concepción. Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, manteniendo su esencia analítica y arriesgada, se han atrevido a hurgar en lo más básico del ser humano. En los instintos, en el rostro que mostramos cuando alcanzamos nuestro límite y en la violencia más absoluta entendida

como algo cotidiano. Y también se han atrevido a entrar de lleno en un cuerpo que con su sola presencia genera polémica. Sin juicios, sin señalar algo como bueno y lo contrario como malo. Dejando en manos del espectador las conclusiones finales y mirándole de frente, sin ponerle las cosas fáciles, retándole en un visionado cargado de adrenalina.

Esa adrenalina, que también es otra de las razones por las que la serie se sitúa a un nivel alcanzable por muy pocos títulos, surge de un guion construido con un acierto al que la dupla Sorogoyen-Peña ya nos tiene acostumbrados.

No sobra una coma, no falla una expresión y no hay puntada sin hilo. A través de un lenguaje cercano y siempre natural, quizá lo más valioso de sus diálogos, desnudan a los personajes. Nos dejan pinceladas para que nos acerquemos a sus motivaciones y a su rostro humano, el que está detrás del casco o de la armadura invisible. Y nos inyectan la tensión que se respira en cada secuencia y que aumenta según se va desentramando el nudo principal. Ahí, el trabajo del director con la cámara, su juego con los planos secuencia y con los primeros planos y contrapicados, es básico. Y es sublime.

Con esta dirección cuidada, en la que la seña de identidad de Sorogoyen se respira en cada plano, nos metemos de lleno en la furgona de los antidisturbios.

También en la mente de Laia, en su lucha, con la que no busca derrocar a nadie, sino hacer justicia. Y en las vidas privadas de todos los agentes, en su dormitorio, donde nadie más les ve. Sentimos la ansiedad de Úbeda, la desesperación de Osorio o el desencanto de Parra.

Y no podemos retirar la mirada de la pantalla, ni siquiera en esos instantes en los que sentimos que nos colamos en la intimidad de los personajes. Con su dominio de la cámara, de la situación y de la narración, el director ha conseguido crear una experiencia redonda. Que no termina con el final del último episodio.

una vez más, del año) por las muchas reflexiones que plantea y que provoca.

Porque no queda en la pantalla, sino que se viene con nosotros, a reuniones familiares y comidas con amigos. Por ese análisis siempre acertado de dos mentes que no sólo han demostrado saber mucho de ficción audiovisual, sino también de la interpretación de nuestra realidad. Y que se atreven a señalarnos constantemente, de manera inteligente y sensible. Como ese momento en el que nos recuerdan que, entre gritos, traiciones y corrupción, hemos olvidado quién debería ser el verdadero protagonista de esta historia: Yemi Adichie.

No es la primera vez, ni creo que sea la última, que Sorogoyen y Peña bucean en las cloacas de nuestra sociedad y de nosotros mismos. No sé si se sienten cómodos entre tanta oscuridad, pero sí veo claramente que se sienten bien moviéndose entre grises. Sumergiéndose primero en su historia, para después alejarse en pos de eliminar todos esos juicios. Son la mirada, el narrador y el creador de todo. Pero no el juez, eso nos lo dejan a nosotros.

No me gustaría cerrar este texto sin recordar otra de las muchas razones por las que ‘Antidisturbios’ se ha ganado los aplausos de todo el público: su equipo. Partiendo de esa dupla magnífica, acompañada en esta ocasión por un tercer guionista y un segundo director: Eduardo Villanueva y Borja Soler.

Y siguiendo por un reparto brillante, encabezado por Vicky Luengo, Roberto Álamo, Hovik Keuchkerian, Álex García, Raúl Arévalo, Raúl Prieto y Patrick Criado, que nos regala un auténtico espectáculo, tanto en los papeles protagonistas, como en los secundarios.

Sin olvidar la fotografía, el sonido, la música y el montaje (también sublime).

Como si de un engranaje se tratara, la maquinaria de ‘Antidisturbios’ ha resultado ser perfecta. Y ha dado como fruto una ficción compleja, completa y difícil de olvidar. Mejor dicho, imposible de querer olvidar.

‘Antidisturbios’ es la serie del mes (y, MW 157

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MW 159

SERIES · REPORTAJE

VICKY LUENGO Vicky Luengo tiene un horizonte. De esos buenos.

De los que dejarán poso. Porque tiene las ideas muy claras y a cada proyecto le da lo mejor de sí misma. Siempre trabajando hacia el personaje, a darle lo mejor, dejando a un lado sus propias inquietudes o necesidades. Cosa que solo las grandes suelen hacerlo.

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo YURENA GUERRA / maquillaje VLADA NIGMANOVA / peluquería ESTER MELERO

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'Antidisturbios' es una de esas series que llegan para dar más calidad y más prestigio a lo que se hace. Dirigida por Rodrigo Sorogoyen, este thriller de acción narra de forma trepidante la historia de un grupo de Antidisturbios que, tras la muerte de un hombre durante la realización de un desahucio, se ven envueltos en una trama que va mucho más allá de lo que parece a simple vista.

Camisa oversize, de Pull & Bear. Shorts de lana, de Bershka. Botas, de Dr. Martens.

Pero además, esta historia encierra una mirada muy personal sobre la controvertida figura de los antidisturbios y su papel en nuestra sociedad, y que encuentra personas detrás de escudos y porras. Todo, a través de la piel de una protagonista femenina metódica, ambiciosa y muy humana también.

Laia. Un personaje compuesto desde el alma y no desde el envoltorio. Y Vicky Luengo le da vida.Y es que cuando soñamos de pequeños, nadie nos suele leer la letra pequeña de la vida.

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Vestido negro de tachuelas, de Liu Lo.

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MEW Magazine (MW): ¿Cómo llega 'Antidisturbios' a tus manos?

Vicky Luengo (V.L.): Pues por un casting normal. Me llamaron para hacer una prueba con la directora de casting. Estaba Rodrigo Sorogoyen también. Hice un casting muy largo que suele ser poco habitual.

Estuve como cuatro horas el primer día. Y pensé o este hombre es un tarada o yo le estoy gustando muchísimo (Risas). Y creo que son las dos cosas (Risas). Creo que le gusté mucho como actriz pero aparte es un tarao. Luego estuve un mes entero sin saber nada y yo ya pensé que era que no. Y luego me volvieron a llamar y volví a hacer un casting como de cuatro horas otra vez. Hice una entrevista personal con él, me mandó los guiones y entendí el motivo por el cual hace pruebas así de largas.

Es un director muy exigente. Sabe muy bien lo que quiere. Es muy listo. A mí me parece un genio.

"VEMOS UNA GESTIÓN DE LA CULPA MUY DIFERENTE EN CADA UNO DE LOS PERSONAJES"

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Rodrigo Sorogoyen es metódico. Consciente de lo que necesita su historia y cómo encontrarlo. Responsable de un equipo y conocedor de lo relevante de contar con grandes profesionales alrededor. “En “Antidisturbios” he intentado cuidar este aspecto con sumo escrúpulo. Aparte de contar con un elenco de protagonistas de primer nivel, he intentado, junto con el equipo de casting de Arantza Vélez y de figuración, que las actrices y actores que acompañasen a los protagonistas entendieran a

la perfección la historia y el tono con el que quería contarla.

No creo en intérpretes buenos o malos, creo en papeles acertados o desacertados. Intento trabajar en el casting mucho para saber si congenio con el actor, si nos entendemos rápidamente y, una vez que los actores ya forman parte del proyecto, intento darles confianza y transmitirles mi ilusión.”

MW: En esas primeras cuatro horas, ¿tú tenías la sensación de que Laia podía ser para ti o no?

V.L.: No, no. De hecho me acuerdo que, al principio, cuando me llegó la prueba, le decía a mi representante que cómo me iban a coger a mí para ser la protagonista de una serie de Sorogoyen.

Estaba muy ilusionada pero pensando que no me lo iban a dar nunca en la vida. Y cuando estaba en la prueba y lo vi y vi que nos entendíamos currando, tuve la sensación de que me había ido muy bien. Y en la segunda sí que fui atacada de los nervios porque ahí sí que pensé que podría ser.

Total look chándal, de Mago. Zapatos, de Zara.

MW: ¿De dónde vino la construcción de Laia?

V.L.: A nivel de la fisicidad, Rodrigo me pidió que me alejara mucho de lo que yo soy. Yo cuando hablo, muevo mucho las manos. Él me pidió que para Laia hiciera algo muy contenido. Que no MW 165

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Traje, de Bershka. Zapatos negros, de Venca.

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moviera las manos. Quise que Laia todo fuera en los ojos, en la cabeza. El trabajo físico me condicionó, en general, durante toda la serie.

Lo que mueve a Laia es la verdad y la justicia. Entonces intenté conectar con todo lo que es eso.

Las injusticias. Y, luego, intentar enseñar una mujer normal. Estaba muy obsesionada con eso.

Dar más prioridad al intelecto, a la palabra, que a su físico. Intentamos huir de todo lo que eras maquillajes excesivos. Intentar dar prioridad a la mente.

MW: ¿Fue fácil empatizar con ella?

V.L.: Sí. Yo soy un poco cabezota, igual que ella (Risas). Es una persona que quiere llegar a un sitio y le da igual los obstáculos que se le pongan por delante.

Y no es solo cuestión de ambición o no, es que ella quiere hacerlo bien.

MW: ¿Es importante mostrar personajes reales?

V.L.: Creo que sí, cuanto más te acercas a mostrar la verdad, a mí, al menos como espectadora, más me interesas.

MW: ¿Qué hay en las plataformas? ¿Hay más cabida para contar diferente?

V.L.: Gracias a las plataformas lo que hay es muchísimo más lugar para contar historias. Muchísimas más oportunidades. Es un gran lugar donde enseñar contenido muy diverso.

"HE APRENDIDO A TENER MUCHA LIBERTAD TRABAJANDO."

MW: ¿Cómo fue convivir con Laia y su energía?

V.L.: El rodaje fue muy largo. Estuvimos cuatro meses rodando, casi cada día. Fue muy cansado pero fue fácil. El trabajo fue fácil. Me sentí muy cómoda. Lo único que se me acentuó fue el control. Que si Laia es controlado, yo...

MW: ¿Rodrigo Sorogoyen ha sacado lo mejor de ti?

V.L.: Sí. A mí me ha dado muchísima confianza.

Muchísima libertad. Me he sentido muy a gusto en sus manos. Creo que es un director que le gustan mucho los actores y que tiene muchísima sensibilidad.

MW: Cuando estabas rodando, ¿tenías la sensación de que la historia podía funcionar como está funcionando?

V.L.: Sí, cien por cien. Es que el guión era una maravilla.

Es muy difícil encontrar un guión tan bien escrito. Desde guión ves que funciona.

Un buen guión es la base de cualquier cosa. Con un mal guión no haces nada.

MW: ¿Qué has aprendido de Laia?

V.L.: He aprendido muchas cosas la verdad. He aprendido de Laia que la ambición no es mala.

Que hay veces que hay que parar para coger un poco de perspectiva. Y de haber estado en 'Antidistusbios' he aprendido que el trabajo en equipo es lo que eleva todo. He aprendido a tener mucha libertad trabajando.

Vicky Luengo ha vestido de verdad a Laia. Le ha compuesto un traje de justicia. De hacer las cosas bien por el simple hecho de hacerlas bien. Y ha funcionado.

Porque, en pantalla, es requieren mujeres reales, con carácter, fuertes y aguerridas. Que muestren y deMW: Hay escenas, emocionalmente hablando, muestren lo que existe y siempre lo hizo.

muy duras y potentes...

V.L.: Rodrigo ha ensayado con nosotros un montón. Un montón de ensayos previos a rodar. Ha hablado muchísimo conmigo. Tenía muy claro lo que tenía que hacer pero te da mucha libertad para vivirlas. Que es lo que le imprime esa verdad. Hay mucho trabajo detrás para que parezca que no hay trabajo. Y a las escenas, por ejemplo, del capítulo seis no sé ni cómo las hice. Te vas metiendo en el momento.

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FENÓMENOS DE SERIES

GOD SAVE THE QUEEN, Y THE CROWN se estrena la cuarta temporada de 'the crown' con la ficción convertida en una de las predilectas de

los espectadores. la familia real inglesa nunca había estado tan cerca, tampoco el gobierno del país. sus complejidades, la relación que los une, y todos los conflictos personales de nombres históricos, que

reconocemos y que seguimos viendo en nuestros telediarios, han quedado aquí retratados con precisión y elegancia.

por JUDITH TORQUEMADA

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Será el próximo 15 de noviembre cuando se estrene la cuarta temporada de 'The Crown'. Ya no hay sorpresas con esta serie, pero al principio las hubo. Al principio, cuando Netflix era casi más un rumor que empezaba a consolidarse que la plataforma internacional, popular, generalista, que es ahora, apenas podíamos creernos, como espectadores generalistas, que estuviéramos enganchándonos de la manera en que nos enganchamos a esta serie tan sobria, tan seria, tan inglesa. Qué inglesa es, pero cómo engancha. Engancha por el buen gusto de sus imágenes, y engancha por el drama, por la política y por lo personal. 'The Crown' es un fenómeno consolidado y la joya de la corona de Netflix. Elegante, inteligente y valiente, con una dirección fantástica, un guion fantástico y un reparto a la altura de la realeza y los nombres históricos de los que se sirve para existir.

Una de las apuestas más arriesgadas de Netflix llegaba para acercarnos a todos, a todas las personas de todo el mundo, dos de las instituciones más conocidas a nivel mundial: la monarquía inglesa y el gobierno inglés.

La reina Isabel II, y todos los Primeros Ministros que desde el siglo pasado han condicionado el devenir del país, y por tanto el devenir del mundo. Desde que Claire Foy se pusiera en la piel de una Isabel II de 25 años, hemos vivido dos décadas a su lado y una al lado de Olivia Colman, que no se cansa de encadenar reinados (y que no se canse nunca, por favor). Junto a ellas, hemos tenido que comprender desde la distancia lo difícil que es compaginar lo público con lo privado, hemos lamentado algunas decisiones y hemos aprendido que a veces la realeza tiene que elegir ser realeza y nada más. Hemos conocido a muchos personajes, que son personas, que tienen una historia que interesa, y que condicionó el contexto al que pertenecían, así que condicionó, aunque sea de manera nimia, el devenir del mundo. Todo lo que sucedió en el Palacio de Buckingham y también en el número 10 de Downing Street importó, importa, y nos gusta verlo. Nos sigue gustando verlo.

Por eso, 'The Crown' estrena cuarta temporada teniendo ya una quinta y una sexta confirmada. Peter Morgan, el creador de la serie, avanzó que concluirá con esta sexta. Morgan es también el responsable de la obra de teatro de la que partió todo, y ha estado muy bien acompañado de directores de la talla de Stephen Daldry ('El lector', 2008) o Benjamin Caron, con una trayectoria en la televisión inglesa que incluye títulos como 'Sherlock'. Todo muy inglés, así que todo muy elegante, muy sobrio, muy trascendente, muy propio y, al mismo tiempo, muy universal. En fin: God save The Queen, y 'The Crown'.

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EN MARCHA

Max Verstappen y la nueva generaciÓn VERSTAPPEN LLEGÓ A LA F1 CON 17 AÑOS Y SE CONVIRTIÓ EN EL PILOTO MÁS JOVEN EN DEBUTAR

por PAULA ROBAINA / fotografía @Max33Verstappen @redbullracing Max Verstappen ostenta los récords de ser el piloto más joven en debutar en la categoría, el más joven en puntuar y el más joven en ganar un GP. Su llegada al mundial fue un aviso de la generación de nuevos pilotos que estaría por llegar a la F1 y toda una revolución en el paddock. Con tan solo 23 años, tiene un total de 40 podios y 9 victorias y se ha convertido en el primer piloto del equipo Red Bull Racing. ¿Pero cómo llegó a la F1 con tan solo 17 años?

Verstappen comenzó su andadura en los karts en 2004, cuando tenía siete años. Ese mismo año se convirtió en campeón de la Clase Mini del campeonato belga. Repitió titulo en 2006, año en el que ganó las 21 pruebas del campeonato. En 2008 compitió en el campeonato Benelux en el Rotax Mini 176 NOVIEMBRE 2020

Maxklasse y ganó once de las doce carreras.

Debido a estos resultados le permitieron competir con solo 11 años en la clase cadete de este campeonato. De nuevo, ganó once de las doce pruebas. Dio al paso al panorama internacional en 2010. Quedó segundo en el campeonato KF3 Copa del Mundo, por detrás de su actual compañero de equipo, Alex Albon. Se volvieron a enfrentar en el en la WSK Euro Series y esta vez fue Verstappen quien se llevó el título. Su último año compitiendo en karts fue en 2013. En ese año ganó el campeonato del mundo de 2013 KZ en Francia, en la categoría de KZ1, la más alta del mundo del karting.

Ese mismo año condujo por primera vez un monoplaza, en un Barazi-Epsilon FR2.0-10 Renault Fórmula. En 2014 comenzó su competición en monoplazas en la Winter Series, donde logró dos victorias. Compitió en la Fórmula 3 Europa con el equipo Van Amersfoort Racing. Fue tercero en el campeonato con once victorias.

Verstappen ostenta el récord del piloto con mayor número de victorias consecutivas en la Fórmula 3 (seis). Ese año también ganó el Masters de Fórmula 3 en Zandvoort. Sus actuaciones en estas competiciones levantaron el interés de diferentes equipos de F1, incluido Red Bull.

El equipo de las bebidas energéticas decidió que Max Verstappen se uniera al equipo Toro Rosso cuando tenía 16 años.

La FIA tuvo que seguir unos protocolos es-

peciales, debido a que nunca se habían encontrado con la situación de que un piloto tan joven subiera a la F1. Rodó más de 150 vueltas con un monoplaza de F1 para probar que tenía capacidad de pilotar un F1. Tras esta prueba, la F1 le otorgó la superlicencia y pudo comenzar su andadura en la categoría. En el GP de Malasia de 2015 se convirtió en el piloto más joven en puntuar en la F1 y en 2016, Verstappen fue ascendido a Red Bull tras tan solo cuatro carreras, sustituyendo a Daniil Kvyat. El holandés ganó su primera carrera con Red Bull en el GP de Barcelona de 2016, firmando un gran debut.

Ha sido cuestionado por su agresividad conduciendo, pero la madurez que ha adquirido en los últimos años posicionan a Max Verstappen como un futuro campeón del mundo y el principal precursor de esta nueva generación de pilotos de la F1.

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EN MARCHA

EL FUTURO DE RED BULL

¿CUÁLES SON LAS OPCIONES DE RED BULL DE CARA A 2022?

por PAULA ROBAINA fotografía @Max33Verstappen @redbullracing

178 NOVIEMBRE 2020

Los cimientos del equipo Red Bull de F1 han temblado después de que Honda anunciara que abandonaría su trabajo con el equipo. Honda dejará la competición en la temporada de 2021. Por lo tanto, Red Bull tendrá que encontrar una, un motor de cara a 2022.

El equipo de bebidas energéticas tiene diferentes cartas sobre la mesa, algunas más arriesgadas que otras. Todavía no conocemos cuál será la

elegida, si es que no tienen un as en la manga. En este artículo repasamos todas las opciones que tiene Red Bull Racing.

Mercedes y Ferrari son dos opciones que se han descartado casi desde el anuncio de la marcha de Honda. Y es lógico. A pesar de ser ambos motoristas, también son los principales rivales de Red Bull. En el caso de Ferrari,

Aunque ya han negado que haya ninguna clausula que haga referencia al motor en el contrato de Max Verstappen, la realidad es que Red Bull necesita un coche competitivo para mantener al holandés en sus filas. Esto hace que la decisión del equipo de cara a 2022 sea más crucial todavía. viendo los resultados de este año de todos los coches que llevan este motor, podría haber sido el propio Red Bull quien habría tachado esta opción desde el principio. Apostar ahora mismo por un motor Ferrari es casi una misión suicida. ¿Y qué hay de Mercedes? Bueno, está claro que esta sería la opción predilecta de Red Bull, pero a los alemanes no se les debe ni haber pasado por la cabeza. A pesar de su dominancia total, esta temporada Red Bull ha sido el único equipo que ha conseguido estorbar un poco a Mercedes.

Así que el equipo alemán no estaría por la labor de proporcionar un motor a su principal rival.

Esto nos lleva a la opción más real: Renault. Pero si has seguido las últimas temporadas de F1 y si viste

la primera entrega de ‘Drive to Survive’ sabrás que la relación entre Renault y Red Bull no es precisamente idílica. Antes de asociarse con Honda, Red Bull corría con motor Renault. Los problemas de fiabilidad que presentaron estos motores y la falta de potencia hicieron que el equipo austriaco acabara su relación con los franceses. Y de verdad que acabó muy mala mente, tirándose pullas delante de todos los medios y Netflix. Pero de los motoristas actuales de la F1, parece que esta es la única bala que le queda a Red Bull. Y tampoco es que Renault pueda negarse. El Apéndice 9 del Reglamento Deportivo de la FIA indica que el fabricante con el menor número de clientes deberá proporcionar el motor al equipo que no tenga más alternativas.

Pero ¿Hay más alternativas? La última especulación respecto al futuro de Red Bull en la F1 habla de que podría atreverse a fabricar su propio motor. Esto lo haría utilizando la tecnología de Honda como base y así pudiendo desarrollar su propio prototipo. Y, aunque es una posibilidad, también es un riesgo. Esta opción requeriría una gran inversión económica y sería llevar un motor totalmente nuevo a un año donde cambia todo el reglamento de la F1. Solo queda esperar para ver si Red Bull estará dispuesto a tomar este riesgo.

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TEATRO · CRÍTICA

'Matar cansa' por PALOMA ESCUDERO

“Una víctima seduce, provoca. Una víctima aguarda el momento, toda una vida, atrae despacio a su asesino”. Esta es la confesión de un hombre que se presenta como el admirador de un asesinato. Bajo esta premisa parte la obra de teatro ‘Matar cansa’. Un relato que navega de manera visceral, poética e incluso evangélica a través de los acontecimientos que llevaron a este asesino a convertirse en una figura temida por el mundo y venerada por nuestro narrador.

Sobre el escenario un 180 NOVIEMBRE 2020

magnífico Jaime Lorente narra la historia de alguien a que admira.

Pero no es alguien cualquiera, es un asesino que busca en la muerte el sentido de su vida. Una vida totalmente manchada por la sangre de personas inocentes. El narrador es cobarde, pero seguirá a su admirado criminal hasta el final.

Nunca llegamos a conocer quién es este hombre tan apasionado. ¿Su mejor amigo? ¿Su víctima? El discurso está bañado de un misterio amoral. Mientras que mucha gente solo ve malos y buenos, asesino y asesinado, muy pocos se quedan en algo intermedio. En ese equilibrio tan necesario en nuestras vidas.

Una obra que de alguna forma busca el poder descubrir-

nos a nosotros mismos en ambas caras de la que parece la misma moneda. Por un lado, debajo de la sábana y por el otro mientras su-

jetamos el cuchillo que será el arma del crimen. Para que saciemos de una manera purgativa esa necesidad de ser eternos, esa necesidad de sangre. Porque todos hemos necesitado que alguien haga el trabajo sucio por nosotros cuando no hemos sido capaces por nuestra propia cuenta.

‘Matar cansa’ es de esas obras tan intensas que te dejan completamente devastado y sobrecogido.

Parece como si estuvieras pegado a la butaca escuchando los hechos atroces que se narran de forma casi natural y real. Cuando las luces se apagan anunciando el final de la obra estás tan impresionado por lo que acabas de ver que no sabes ni dónde estás. Necesitas un tiempo de reacción para levantarte de la butaca antes de levantarte a ovacionar como todo el mundo. Y, como ocurre con las buenas obras, necesitas también un tiempo después para procesar lo que has visto. Para hablar de esta obra de teatro es mejor hacerlo un poco en frío, cuando tus pensamientos e ideas están más o menos ordenadas en tu cabeza. Y es que ‘Matar cansa’ expone al espectador un punto de vista diferente al que estamos acostumbrados.

Qué barbaridad de obra.

Hacer un monólogo es algo muy arriesgado que no cualquiera puede

hacer. Primero hay que atreverse, y después hay que tener las ganas y el talento necesarios. Y Jaime Lorente ha vuelto a demostrar que derrocha talento y que vale para esto. En ‘Matar cansa’ Jaime Lorente se crece totalmente sobre el escenario. Se transforma dejando al espectador en un estado de fascinación impresionante. Consigue transmitir mucho solo con su voz y sus gestos.

Esta no es una obra fácil, hay que ser muy valiente para encararla solo.

Jaime Lorente se enfrenta a un reto que supera con creces.

se trata de unos asesinatos vividos y no narrados. Por otro lado, hacia el final la obra va tomando un cariz mucho más poético. En ‘Matar cansa’ el espectador conocerá a tres personajes diferentes, entre los que se encuentra el propio narrador.

De alguna manera Jaime Lorente interpreta a tres personajes en uno.

Sin embargo, no es algo tan sencillo como esto porque hay mucha profundidad y matices en esta pieza. En ocasiones pueden llegar a confundirse las líneas que separan al narrador del personaje.

Lo que consigue sobre el escenario es algo brutal que te pone la piel de gallina en varias ocasiones.

Una interpretación muy corporal en la que se tiene que dotar de toda la expresividad posible, logrando que el público entienda lo que está haciendo en todo momento. ‘Matar cansa’ es sencillamente brillante.

Una obra de teatro diferente y original que no es nada visual. Se vale sobre todo de la imaginación y el uso de imágenes que tanto el espectador como Jaime tienen que crearse. Y hay está el mayor desafío interpretativo con el que Jaime demuestra que no hay nada de que se le resista.

Un viaje emocional a través de las palabras y los gestos de un soberbio Jaime Lorente. Una obra de teatro que te dejará un poco tocado y reflexionando. Es magistral desde el principio hasta el final. ‘Matar cansa’ es también un poco incómoda por lo que cuenta y por cómo lo cuenta. Su forma de hablar de la muerte y de los asesinatos de forma tan explícita. La puesta en escena no puede ser más sencilla. Solo una silla y unos focos sirven para que el espectador se concentre en Jaime y en la historia que nos cuenta. La dirección de Alberto Sabina es impecable y muy cuidada, cada movimiento y cada gesto cuentan. Una adaptación de un texto del dramaturgo Santiago Loza muy bien desarrollada y llevada a cabo.

‘Matar cansa’ se divide en dos partes. Una primera parte que es mucho más explicativa ya que

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TEATRO

EL 38º FESTIVAL DE OTOÑO EL FESTIVAL, CON ALBERTO CONEJERO AL MANDO, VOLVERÁ A ABRIR SUS PUERTAS ENTRE LOS DÍAS 12 Y 29 DE NOVIEMBRE las aves, en castellano), Mouawad nos adentra en los confines de un conflicto que lleva décadas perpetuándose, el árabe-israelí, en un trágico escenario donde se narra el destino imposible de dos amantes, ella árabe, él israelí. Un espectáculo donde el director libanés posiciona el aspecto geográfico y el lingüístico como epicentros de la obra, ya que, por una parte, la historia se desarrolla, principalmente, en Israel, tierra de angustia y dolor que no ha sentido tregua alguna a lo largo de los años, y, por otra, porque se respetan en el escenario de la ficción los lenguajes de la realidad: resonarán, bajo esas cuatro paredes de la Sala Roja, el alemán, el inglés, el árabe y el hebreo.

por MARÍA P. PINTO Comienza una de las temporadas más esperadas en el panorama teatral madrileño. En un ambiente sumido en la decadencia económica y social provocada por una global crisis sanitaria, el Festival de Otoño está apunto de levantar telón ante la expectante mirada del espectador en un intento de preservar la vida cultural.

22 salas y espacios son los que acogerán este año a un total de 37 espectáculos. Un festival en el que se sumergen una diversidad de lenguajes escénicos como el teatro físico, teatro de objetos (una auténtica maravilla, por cierto), teatro textual, danza contemporánea, artes vivas, performance y poesía, entre otros.

Una de las presencias más llamativas en la programación del festival es la de Angélica Liddell, a quien podremos ver con la representación de dos espectáculos que formalizan la tendencia teatral de la controvertida directora española donde se prioriza, más que una lógica narrativa, una sucesión de “estímulos visuales y filosóficos”. Una costilla sobre la mesa: madre, una explosión de culpa y expiación a través de la cual Angélica viaja a la Extremadura de sus ancestros para expresar su amor y dolor como réquiem a su madre fallecida en 2018, y Una costilla sobre la mesa: padre.

Presentación de Sacher-Masoch. Lo frío y lo cruel (o el problema de la 182 NOVIEMBRE 2020

semejanza), basado en el tratado de Gilles Deleuze, donde Liddell se enfrenta a la muerte de su padre a través de un acto masoquista en el cual la hija adquiere el papel de verdugo. Una experiencia escénica que seguramente no dejará indiferente al espectador.

Otra de las obras destacadas, y que fundamenta la internacionalidad como seña de identidad del festival, es Tous des oiseaux, de Wadji Mouawad, el aclamado dramaturgo y director canadiense de origen libanés que revolucionó la escena teatral internacional gracias a Incendios. Con Tous des oiseaux (Todas

VARIEDAD DE EXPERIENCIA ARTÍSTICAS

El Festival de Otoño cobra vida bajo un amparo de colaboración con entidades como la Filmoteca, el Museo del Prado y el Reina Sofía; festivales como el Festival Iberoamericano de Cádiz y el Surge de Madrid; y programas como La Sala en Radio Nacional de España.

Además de la amplia oferta que ofrece en su programación, el Festival de Otoño pone a disposición del público una serie de actividades transversales. Tal es el caso de

la “Dramaturgia transmedia”, una iniciativa llevada a cabo junto al programa La Sala, de RNE, donde diversos dramaturgos y dramaturgas, elegidas por la directiva del festival, tendrán la posibilidad de investigar acerca de este concepto desarrollando piezas que incorporen diversos lenguajes específicos y adheridos a este tipo de dramaturgia como es el audiovisual, el gráfico y el interactivo.

Post_Panokipton es uno de los proyectos que entran dentro de este plan. Con Belén Santa-Olaya (directora creativa de Stroke114) al timón de este barco dramaturgo, Post_Panokipton es una experiencia que comenzará el jueves 12 de noviembre y tendrá una duración de 9 días a través de los cuales los participantes/espectadores serán contactados y tendrán la posibilidad de interactuar con los diferentes personajes.

Por otra parte, también nos encontramos con “Revoloteando por el Prado”, una actividad familiar llevada a cabo por Laboratoria que tiene como objetivo romper con los esquemas tradicionales de la enseñanza sobre pintura clásica y llevar, bajo nuevas experiencias narrativas y de atrezzo, el significado de estas obras de arte a un público infantil. Además, el Festival de Otoño cuenta con una actividad en colaboración con la Filmoteca española donde se llevará a cabo un ciclo de cine presentado como “Festival de Otoño en Filmoteca”.

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TEATRO · REPORTAJE

Z E M Ó G ZACK 184 NOVIEMBRE 2020

tienes que aprender y cosas que tienes que gestionarte. Pero hay algo que también va pasando solo.

fotografía ANA MÁRKEZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo JAIRO VILLADA / maquillaje CRISTINA ALBARRÁN

‘T

RANSFORMACIÓN’ HA ENCONTRADO A ZACK GÓMEZ. Y ZACK HA ENCONTRADO A ‘TRANSFORMACIÓN’. UNA HISTORIA DE SER DEJANDO LOS TEMORES ATRÁS. UNA VISIBILIDAD NECESARIA PARA DEJAR LAS DUDAS AL LADO Y CENTRARNOS EN LO QUE DE VERDAD IMPORTA, LO DE DENTRO. LAS PERSONAS. PARA COMPRENDER. PARA DEJAR EL DESCONOCIMIENTO AL LADO. PARA EXISTIR. PORQUE SI NO VEMOS, NEGAMOS Y TACHAMOS.

MEW Magazine (MW): ¿Qué has encontrado dentro de la interpretación?

Zack Gómez (Z.G.): Creo que me he encontrado a mí mismo. Creo que es lo más bonito que he encontrado.

He encontrado partes de mí que no conocía. Y otras que conocía pero que estaban poco exploradas.

MW: ¿Es una profesión sencilla?

Z.G.: No y sí. No porque es difícil en momentos en los que ves que las cosas no avanzan o que no avanzan como tú quieres. Pero es sencilla porque estás haciendo lo que te gusta.

MW: ¿Cómo está siendo el viaje dentro de esta profesión?

Z.G.: Es complejo porque tienes muchos 'arriba' y 'abajo'. Cosas que

MW: Hace unas semanas, una compañera tuya de profesión me comentó que vosotros trabajáis con vuestro propio cuerpo, que sois vuestro propio instrumento...y que hay que saber equilibrarlo muy bien.

Z.G.: Es una maquinaria que cambia todos los días. Es lo que yo, al menos, veo en el teatro. Tienes que

Hay tipos de público. Y aunque el público esté en silencio, lo sientes.

El público, siempre, te da. Te da mucho.

MW: ¿Es importante nutrirse de su energía?

Z.G.: Sí, sí, totalmente.

El público está haciendo el viaje contigo. Con tu personaje. Con todos los personajes. Entonces, el público, es casi uno más.

Esa energía te alimenta.

MW: En cada pase que se da de la obra, ¿se van descubriendo cosas del personaje?

Z.G.: Siempre. El teatro está vivo. Nunca dejas de descubrir cosas nuevas. Si siempre repites lo mismo, igual, es que no estás en el momento.

repetir una función, pero nunca estás igual. Es utilizar lo que tienes, pero saber manejarlo.

MW: ¿Qué tiene de mágico el teatro?

Z.G.: Que se crea ese momento de una cosa suspendida en el aire que no sabes explicar. Que viene y se va. Eso es lo que tiene de mágico.

MW: ¿Hay una comunicación con el público que asiste?

Z.G.: Sí. Lo vivo así todos los días.

MW: ¿Cómo llega 'Transformación' a tus manos?

Z.G.: Llegó en un momento muy concreto para mí.

Vi un casting en el que por primeva vez estaban buscando gente 'trans' y no binaria. No era para ningún proyecto sino para dar visibilidad a gente 'trans' y no binaria en la industria. Y era el primer casting en el que buscaban a gente diversa.

Y a raíz de ese casting no hubo más. Y el de 'Transformación' es el siguiente que vi. Y donde buscaban específicamente un chico 'trans'.

Entonces fui y conocí a Verónica Mey y a Paloma Pedrero. Era como si fuera perfecto para mí. Una MW 185

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Camisa · David Catalán / Jeans · Koala Baby

sinergia muy bonita.

"ES UNA FUNCIÓN VALIENTE QUE EDUCA MUCHO"

MW: Cuando leíste el texto, lo que se quería contar, ¿cuál fue tu sensación?

Z.G.: Qué guay, vamos a hablar de esto. Vi el material y dije, “esto lo tenemos que contar”.

Que bien que voy a formar parte de algo que va a hablar de todo esto.

Me veía identificado en muchísimas cosas. Hay una escena preciosa del primer encuentro entre un chico 'trans' y una chica que suben a casa e imagino que eso la gente también se lo preguntará, qué pasa en esa situación y es un momento mágico contarlo de una manera tan poética en teatro.

MW: ¿Cuánto de importante es la visibilidad?

Z.G.: Pues...lo que no se conoce, no existe. Eso es así. Además, estamos en un momento en el que la gente quiere ver gente diversa. La gente pide este tipo de historias.

Se están empezando a escribir, empezando a salir actores, actrices, artistas... Es importantísimo salir y decir estoy aquí y esta es mi vida.

Cazadora con detalles militares, de Pull&Bear.

Camiseta, de Mostylion. Accesorios, de Trium Jewelry.

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MW: ¿La falta de visibilidad tiene que ver con el miedo?

Z.G.: Totalmente. Eso es lo que me ha impedido,

a mí, hasta ahora, salir y decir este es Zack, este soy yo y esta es mi historia. El miedo nos paraliza. A que nos rechacen, a que nos señalen. Pero, una vez cruzas ese miedo, te das cuenta de que está en tu cabeza. Que luego el mundo no es tan hostil.

Que hay partes del mundo que son hostiles pero que está cambiando.

Muchas veces la gente hace comentarios que vienen del desconocimiento. No de querer hacer daño. Simplemente de no saber. Y la manera de acercar a esa gente a tu realidad es explicar.

MW: Dentro de 'Transformación', ¿has descubierto cosas nuevas sobre ti?

Z.G.: Sí, he descubierto que estoy muy orgulloso de todo el camino. Siempre he sentido que tenía como que esconderlo o taparlo. Y, de repente, 'Transformación' me ha hecho celebrar mis cicatrices. Mis heridas, mis luchas. Y he descubierto muchas cosas como actor, como artista.

Estoy con compañeros maravillosos. Y aprendo de ellos todos los días.

Hemos puesto en común nuestras historias, nuestros miedos.

MW: Cuando se tratan temas tan importantes, ¿se generan ciertas expectativas por cómo lo va a recibir el público?

Z.G.: Sí, sí teníamos expectativas por como iba a llegar el mensaje. Que iba a pasar con el público. Y ha sido maravillosa la respuesta. El público en pie. La gente emocionada.

Es una función valiente que educa mucho.

MW: ¿Es importante el trabajo que hace el teatro?

Z.G.: Sí, creo que lo más guay de esta obra de teatro es que habla de la transexualidad masculina desde diferentes puntos y con tres personajes muy distintos. Tres formas de expresar su masculinidad.

MW: Hay que ser honestos con la realidad...

Z.G.: Sí, porque la obra no edulcora las cosas. Por ejemplo, mi personaje, es abiertamente machista mientras otro personaje está en súper contacto con su lado femenino.

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MW: En una palabra, en una emoción...¿cómo describes 'Transformación'?

Z.G.: Galaxia.

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REPORTAJE · LITERATURA

BRUJA ESCARLATA Una historia de poderes y amor sin prejuicios por PAULA ROBAINA Bruja Escarlata (Scarlett Witch, si lo prefieres) o simplemente, Wanda Maximoff. Tanto en el MCU como en el Universo Marvel Cómics es conocida por muchos nombres, pero despierta la misma sensación: terror en sus enemigos (a veces, incluso en sus aliados). Porque los poderes de Wanda posiblemente sean los más complejos de todo el universo Marvel. Y eso le convierte en una de las heroínas más poderosas… Y una de las villanas más peligrosas. En el mundo de los Cómics Marvel, a Wanda la hemos visto en todas sus facetas: salvando el mundo, tratando de destruirlo, enamorándose y siendo madre. En este artículo analizamos la complicidad de nuestra Bruja Escarlata y todas sus facetas.

El MCU ha hecho un gran trabajo adaptando el personaje de Wanda (a la que de momento no se le ha otorgado el titulo de Bruja Escarlata) Sobre todo, han conseguido que podamos ver el alcance de sus poderes y la razón por la que es considerada una de las heroínas más poderosas de este universo. A Wanda la vimos por primera vez en las escenas postcreditos de ‘Capitán América: Soldado de Invierno’. Pero cuando realmente la conocimos fue en ‘Vengadores: La era de Ultrón’. Aquí la vimos en el papel de villana y se nos mostró como, incluso sin saber utilizar sus poderes con su total potencial, era capaz de poner en serios apuros 192 NOVIEMBRE 2020

a Los Vengadores. En ‘Capitán América: Civil War’ ya era parte del equipo, pero el peligro del descontrol de sus poderes llegó a hacer que incluso sus aliados la vieran como una amenaza. Y en ‘Avengers: Infinity War’ y ‘Avengers: Endgame’ la vimos desplegando todo su potencial. Wanda fue de las pocas que consiguió realmente enfrentarse a Thanos (dos veces), dando una muestra de su increíble poder.

Ahora, en la serie de Disney+ ‘WandaVisión’ veremos una de las facetas de Wanda más desgarradoras y oscuras que ha habido en el Universo Marvel Cómics.

En esta serie, la Bruja Escarlata utilizará sus poderes de alteración de la realidad para crear un universo en el que ella y Visión viven felices y tienen una vida normal.

En los cómics, cuando Wanda se da cuenta de que nada de esto es real… No se lo toma exactamente bien. Podríamos decir que es su nuevo punto de partida como villana. Esta sería estará basada en el cómic de 'Dinastía de M'. En esta historia, Wanda distorsiona tanto su realidad que acaba perdiendo el control y la capacidad de distinguir el mundo real de su mente. El descontrol de los poderes es tal que los Vengadores y los X-Men llegan incluso a plantearse sacrificarla. En la serie no veremos a los X-Men, ya que no han sido introducidos en el MCU, pero si que podríamos ver a esta Wanda fuera

de control. Pero ¿Cómo es la Wanda de los cómics? ¿Qué la diferencia de las adaptaciones?

Los poderes de Bruja Escarlata son posiblemente los más complejos de Marvel. Tanto en el MCU como en los cómics, vemos como Wanda ha ido teniendo una evolución de sus habilidades, volviéndose cada vez más poderosa.

Pero lo que no nos llegan a mostrar (al menos de momento, porque parece que esto cambiará en ‘WandaVisión’) es quién le ayuda a desarrollar estos poderes. En los cómics Marvel, la figura de Agatha Harkness es esencial en la vida de Wanda. Esta bruja que sobrevivió a los juicios de brujas de Salem fue la mentora de Wanda Maximoff durante mucha de sus historias y un apoyo muy importante para ella. En la gran pantalla decidieron prescindir totalmente de la figura de Agatha. Por supuesto, tampoco vemos su relación con los X-Men ya que Fox tenía los derechos de estos personajes. Ahora que Disney ha comprado Fox y, por lo tanto, el MCU podrá volver hacer uso de estos personajes, Wanda sería el personaje perfecto para introducirlos. En los cómics, hemos visto como ha sido capaz de destruir y crear mutantes tan solo con sus hechizos.

La personalidad de la Wanda de los cómics es bastante fiel a la Wanda del MCU. Destaca su humor irónico e incluso algo acido a veces, un rasgo que le hemos visto en viñetas y en la pantalla. Wanda es plenamente consciente de lo poderosa que es casi desde el minuto uno.

Aunque esto también le trae bastantes dolores de cabeza, ya que es conocedora de lo peligrosa que puede llegar a ser… sobre todo si pierde el control. Porque uno de los rasgos

centrales de Wanda, que la convierten en una de las superheroínas más humanas de Marvel y también en una bomba de relojería, es su capacidad de amar. Las pérdidas de seres queridos son su punto débil. Lo que la han llevado a locura y a ser un prácticamente un arma mortal. Los Vengadores llegaron incluso a considerarle inestable,

por su incapacidad de saber sobrellevar la muerte de su familia y el control de sus poderes. Pero la Bruja Escarlata es también un personaje que nos ha enseñado a amar sin prejuicios y sin límites. Y eso es lo que más única la hace en el Universo Marvel.

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FENÓMENOS DE LITERATURA

SANDERSON,

EL IMPRESCINDIBLE nova publica este mes de noviembre 'el ritmo de

la guerra', la esperada cuarta parte dentro de la

espectacular saga 'el archivo de las tormentas'. una saga que brandon sanderson inició con 'el camino de los reyes' y que, diez años después, ha crecido

tanto como el propio autor. sanderson es el nombre

imprescindible para los amantes de la fantasía en este

siglo xxi. tiene un universo propio, y muchas historias que contar.

por JUDITH TORQUEMADA

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Cuando decimos que Brandon Sanderson (Lincoln, Nebraska, 1975) tiene un universo propio, no nos referimos exclusivamente a esa capacidad que tienen los grandes autores de tomar unos elementos y hacerlos suyos de tal manera que sus obras sean reconocibles.

Aunque también podríamos hablar de esto, en realidad tenemos que ser más concretos: Brandon Sanderson tiene un universo propio, el Cosmere. Un universo mágico que ha construido desde cero y que ha alimentado con decenas de obras, que seguirá alimentando con otras veinte ya planeadas, interconectadas entre sí, que conformarán el universo mágico más grande jamás creado.

Brandon Sanderson es un constructor de mundos, en todos los sentidos. Unos personajes que son un mundo en sí mismos, unos conflictos que reúnen mundos, unas historias que encierran miles de mundos. Y que viven en uno solo, el suyo, el de Brandon Sanderson, un auténtico fenómeno. El imprescindible en este siglo XX para los amantes de la fantasía.

Sanderson no ha dejado de escribir. En menos de veinte años ha desarrollado una bibliografía extensa y rica, claramente enfocada hacia la literatura fantástica, pero que cuenta con sus incursiones en el género de la ciencia ficción. Con veinte millones de lectores en todo el mundo y sus creaciones traducidas a más de treinta idiomas, Brandon Sanderson es la persona a la que necesitas leer si quieres disfrutar de todo lo que engloba una buena historia de fantasía. Tal vez asuste, tal vez abrume, tal vez sientas que no sabes por dónde empezar y entonces no empieces nunca, pero si no lo haces estarás perdiendo una experiencia inolvidable al lado de un hombre que está reinventando, a su manera, la fantasía.

Además, es muy sencillo: empieza por 'Elantris'. 'Elantris' fue su primera gran novela dentro del Cosmere, y aunque más tarde ha sido ampliada puede leerse como una obra autoconclusiva. Con ella te acercarás a la escritura de este autor que es un mago de las palabras, y después estará esperándote 'El imperio final', la primera parte de 'Nacidos de la bruma'. Te espera así: “caía ceniza del cielo”. Porque así empieza. Y aunque todo empieza con 'Elantris', todo empieza un poco aquí, con la bruma, y también más tarde, con 'El camino de los reyes', la primera parte de la decalogía 'El Archivo de las Tormentas'. Nova publica este 19 de noviembre la cuarta entrega, 'El ritmo de la guerra'. Casi 1.500 páginas para una continuación que venimos pidiendo a gritos desde hace tiempo.

Brandon Sanderson, el imprescindible. Empieza y lo demás llegará solo, porque una vez que tomes el primer libro con su nombre no querrás parar. Por eso es uno de los fenómenos del siglo.

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LIFESTYLE · VIAJES

Viajar en una nueva era para la humanidad CÓMO LO QUE ESTÁ SUCEDIENDO HA CAMBIADO Y CAMBIARÁ NUESTRA MANERA DE MOVERNOS por JUDITH TORQUEMADA

¿Qué va a pasar cuando la situación sanitaria internacional mejore y las fronteras se abran del todo? ¿Qué pasará cuando volvamos a sentirnos seguros y recuperemos las ganas? ¿Querremos volver a viajar? ¿Debemos hacerlo ahora? ¿Cómo podemos hacerlo? Para los que amamos la vida viajera, estas cuestiones son habituales. Para los que deseamos volver a tomar la carretera como nuestra, estas preguntas llevan meses estando ahí. Muchas cosas han cambiado, y muchas cosas seguirán cambiando. No podemos ignorarlo, ni debemos hacerlo. Solo tenemos que adaptarnos, como hemos hecho siempre.

Quizá nunca antes lo hayáis pensado, pero la manera de viajar, la forma de movernos, está íntimamente relacionada con los movimientos sociales que existen en cada momento determinado, así como están relacionadas con las consecuencias que dejan los grandes acontecimientos históricos, y también con los principios

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que determinan, para bien o para mal, nuestros sistemas.

Siendo así, y no hace falta siquiera señalarlo con tesón porque lo estamos viviendo, la crisis sanitaria internacional provocada por la covid-19 va a cambiar esa manera de viajar y esa forma de movernos que ha condicionado nuestras últimas décadas.

Los quince días que hace tres años hubiéramos empleado para marcharnos a Bali los hemos utilizado este verano para recorrer el Norte de España o para descubrir nuestro interior, tan rico y siempre tan olvidado. Y lo que en principio fueron decisiones determinados por las fronteras cerradas y las prohibiciones adecuadas a la situación, han terminado generando sentimientos que creíamos olvidados en el tiempo. Las redes sociales y su influencia, las posibilidades reales de recorrer el mundo, la sospecha de que experimentaremos sensaciones más extremas a miles de kilómetros de nuestro hogar han dado paso a la tranquilidad y la seguri-

dad de sabernos en casa, y el deseo de conocer lo que tenemos cerca, antes empañado por esas ganas de volar lejos. No estábamos mirando a nuestro lado, y ahora nos hemos visto obligados a hacerlo para llenar nuestra vida y nos hemos encontrado con que tenemos cosas que nos interesan, que nos gustan. Tal vez, cuando esto acabe, esos quince días no estarán siempre destinados a conocer la otra punta del mundo. Tal vez nos interese conocer primero lo que tenemos cerca.

También estamos descubriendo que nos gusta descansar en el pueblo, y que estos pequeños rincones están llenos de posibilidades. Los campos, las sierras, las

playas de alrededor, nos interesan y nos ayudan a evitar las aglomeraciones de las grandes ciudades. Lo que en principio fue precaución, ha terminado generando un sentimiento de apego por la naturaleza y los espacios al aire libre. Hemos hecho más senderismo que nunca, hemos conocido nuestros campos como nunca antes. Esto también nos condicionará en un futuro, cuando tengamos que decidir entre visitar Londres o apostar por ese rincón de Inglaterra apartado, en plena naturaleza. Creo también que hemos recordado, o reaprendido, que no importa tanto el lugar como el quién o el cómo. Que no importa tanto ver mucho y hacer las mejores fotos (no interesa tanto con la mascarilla) como disfrutarlo.

Creo que esta situación de emergencia está generando una nueva forma de viajar, aunque ahora no podamos hacerlo. Y creo que será una mejor forma de hacerlo.

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LIFESTYLE · A BOCADOS

as Set

R E S TA U R A N T E S A S E Q U I B L E S PA R A D I S F R U TA R D E L A TEMPORADA DE por ROSA SURIA

Llega una de las épocas del año más especiales para los amantes de la gastronomía y el producto nacional. Los meses de otoño son sinónimo de hojas doradas por el suelo, castañas asadas y, por supuesto, setas. De numerosos tipos, formas, tonalidades y sabores. Unos hongos que se utilizan en revueltos, guisos y asados, como guarnición o como protagonistas de platos dignos de todas las condecoraciones habidas y por haber. Y es que aunque su apariencia muchas veces no sea apetecible, sobre todo en su entorno, rodeadas de tierra y barro, estamos hablando de uno de los principales manjares de nuestra tierra.

Como tal, las setas tienen fama de estar al alcance de tan solo algunos bolsillos, de los más amplios. Sin embargo, es un producto tradicional, del campo. Por lo que está presente en las cartas de temporada de restaurantes humildes, en los que una comida no tiene por qué llegar a costar precios estratosféricos. Si quieres disfrutar de las setas unidas a la máxima vanguardia, quizá tengas que ahorrar algo más. Pero si lo que buscas es llegar al origen del producto, aquí tienes cinco propuestas fácilmente adaptables a un bolsillo medio.

EL CISNE AZUL (MADRID) Un clásico entre los clásicos. En pleno centro de Madrid nos encontramos con El cisne azul, una taberna tradicional en la que podemos disfrutar de las mejores setas durante todo el año. Aunque, como siempre, es preferible acudir en temporada. Lo mejor es que allí se preparan las setas con mucha sencillez, respetando enormemente el producto y convirtiéndolo en el auténtico protagonista. Cocina tradicional, sabrosa y para todos los bolsillos.

EL EMPALME (RIONEGRO DEL PUENTE, ZAMORA) Otro clásico es El empalme, en Rionegro del Puente, 198 NOVIEMBRE 2020

provincia de Zamora. Aunque su aspecto exterior no llame demasiado tu atención, por su estética de mesón de carretera, nuestro consejo es que sigas el tópico: su comida es de las más sabrosas que podrás encontrar. En El empalme son expertos en todo tipo de hongos y los incluyen en cada apartado de su carta. También en los postres. Perfecto para el que busque una oferta tradicional, pero con mucha personalidad.

CASA VALLECAS (BERLANGA DE DUERO, SORIA) Ubicado en una antigua casa palacio del siglo XV, el restaurante Casa Vallecas es uno de los templos de las setas en nuestro país. Uno de esos lugares de peregrinaje a los que acuden los amantes de este producto y de la gastronomía castellana. En su carta, encontrarás una vuelta de tuerca a platos conocidos y a la propia utilización de las setas. Además, cada año celebran jornadas micrológicas, así como jornadas dedicadas a otro venerado hongo: la trufa.

JOSÉ VICENTE (ARACENA, HUELVA) Viajamos ahora hasta Andalucía, concretamente hasta la Sierra de Aracena, en Huelva. Allí nos encontramos el restaurante José Vicente. Como ocurría con las dos primeras propuestas, en él hallarás una gastronomía tradicional y una enorme variedad de setas, preparadas siempre de una manera sencilla y siguiendo la cocina típica de la zona. Perfecto para quienes quieran degustar el sabor auténtico de las setas desde una mirada clásica.

GANBARA (SAN SEBASTIÁN) Ir de pintxos en el País Vasco es una de esas experiencias que todos deberíamos probar. Y que quien prueba, necesita repetir. En San Sebastián, podemos disfrutar de estos manjares en Ganbara, un restaurante del centro de la ciudad en el que tienen una mano especial para los hongos.

Sí, también para la admirada trufa. Ya lo decía antes, no hay mejor manera de comer las setas que en revuelto, y en esta casa lo saben bien. Y lo dominan.

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LIFESTYLE · BIENESTAR

¿Qué comer fuera de casa sin arruinar tu dieta?

Si comes con frecuencia fuera de casa te habrás dado cuenta que hacer buenas elecciones a la hora de pedir muchas veces es misión imposible. por ALEJANDRO GÓMEZ / fotografías UNPLASH

Ni compensaciÓn , ni restricciÓn.

La recomendación más importante: si te has pasado en una comida de nada va a servir no comer nada el resto del día para compensar el exceso.

No va a servir porque el aporte de calorías y nutrientes ya está hecho y así lo único que se puede conseguir es tener una mala relación con la comida y favorecer los episodios de atracones y actos compensatorios. ¿Te has pasado en una comida? No hay problema, vuelve a tu plan saludable en la siguiente y listo.

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Hay veces que por diferentes circunstancias comeremos fuera de casa. Eso no debería ser un problema para permanecer en un peso saludable, de hecho, si es algo puntual tampoco debes preocuparte, no te vuelvas loco durante esa comida, disfruta del momento especial y ya está, en la siguiente comida retomas tu plan de alimentación saludable y listo. Actúa como si nada.

Otra situación que puede darse, y es ahí donde cobra mayor importancia estas recomendaciones que te voy a dar, es cuando las comidas fuera de casa se repiten con mayor frecuencia, ya sea por trabajo o por ocio.

Es en esta situación, cuando frecuentamos restaurantes con asiduidad, la que puede poner en peligro la pérdida de peso y/o arruinar todo el buen trabajo que hayamos hecho el resto de la semana. Por ello, para evitarlo, te enumero una serie de pautas muy sencillas que te ayudarán a no perder el control durante estas comida para que su impacto en el peso corporal y en tu saluda sea el mínimo posible: 1. Elige un restaurante con opciones saludables: muchas veces esto no dependerá exclusivamente de ti pero controlar esta variable te ayudará enormemente en los siguientes pasos a seguir. Está claro que si vas a un restaurante que no tiene ni una sola opción saludable te resultará imposible hacer una buena elección.

2. Escoge lo menos “malo”: ¿No has podido elegir restaurante y en el que has acabado no tiene ni una opción que podamos considerar saludable? Vale, no hay problema, nos adaptamos a la situación e intentamos salvar esa comida. Algunos ejemplos son: no pedir el menú gigante con doble ración de patatas, cambiar la cerveza o el vino por agua, pedir ensalada como guarnición o fruta como postre. El objetivo es reducir el aporte calórico de esa comida para que no nos pase excesiva factura.

3. No llegues con hambre: si llegas hambriento a la hora de escoger platos vas a arrasar y no te vas a dar ni cuenta, no vas a tener ese puntito de calma para hacer una buena elección y vas elegir aquellos platos que te vayan a dar más placer, estos suelen ser los más calóricos.

Además, te comerás el pan y te beberás el refresco antes de que llegue el plato, aumentando así el aporte calórico de la comida.

Llegar bien saciado a la hora de comer puede ser una buena estrategia para evitar lo anteriormente citado. Comer una pieza de fruta o beber un par de tragos de agua pueden ayudarte en este objetivo.

4. ¿Qué pedir fuera de casa?

Normalmente si te pides un menú entero comerás más cantidad/calorías de las que necesitas ya que las raciones suelen ser bastante exageradas. Por ello, pedir raciones saludables para compartir suele ser

Comer fuera de casa no debería ser un problema para llevar una correcta pauta de alimentación o permanecer en un peso saludable siempre y cuando sepamos cómo actuar.

mejor opción.

Si lo que te apetece es comer un menú debes saber que si escoges un plato cuya guarnición o primer plato sea una buena fuente de verduras estarás reduciendo drásticamente el contenido calórico de la comida y estarás favoreciendo la saciedad, seguramente no te vas a quedar con hambre en esa comida. Acompaña a la verdura con una porción de pescado o carne magra y tendrás un plato perfectamente de dieta.

Otra alternativa puede ser un plato de legumbre y o arroz acompañado de verduras. Como ves, que sea un plato colo-

rido con gran variedad de vegetales es lo que va a hacer que sea una buena elección.

Escoge siempre técnicas culinarias saludables como pueden ser a la plancha, horno o hervido. Evita aquellos platos con fritos, rebozados o salsas que multiplicarán las calorías del plato y no aportarán nutrientes de calidad.

5. Postres, pan y bebidas alcohólicas: son alimentos muy calóricos y con bajo aporte de nutrientes y saciedad. Esto los convierte en alimentos muy prescindibles que si los evitamos o reducimos nos ayudarán en gran medida a que esa comida no sea una auténtica bomba calórica.

Además nos ahorraremos el impacto negativo que tiene para la salud incluso cantidades moderadas de alcohol.

Si llevamos a cabo estas sencillas pautas antes y durante las comidas no tendremos de qué preocuparnos. Además, tal y como hemos dicho al principio, deberán prestar más atención a las comidas fuera de casa aquellos que las tengan con una frecuencia de más de dos o tres veces a la semana.

Si únicamente te sales de la dieta una vez a la semana o con una frecuencia menor no debes preocuparte, es algo puntual que no va a arruinar tu dieta ni tus progresos siempre y cuando el resto de la semana lleves una alimentación sana y equilibrada y tengas un estilo de vida activo.

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LIFESTYLE · SALUDABLE

5 restaurante saludables en Madrid por PALOMA ESCUDERO

Comer fuera de casa y hacerlo de forma consciente y saludable parece complicado, pero realmente cada vez es mucho más fácil. Comer sano está de moda y en los últimos años son muchos más los restaurantes que tienen una oferta healthy en su carta y en sus menús. En Madrid ya es muy fácil encontrar un buen restaurante con una carta variada, equilibrada y de lo más saludable. Ya sea para ir a cenar o a comer, solo o acompañado, un restaurante healthy será siempre la opción perfecta. Es por eso por lo que a continuación os dejo una pequeña selección con algunos de los locales a los que tienes que ir en Madrid para comer muy rico y saludable.

Además, en muchos de estos sitios también hay ofertas sin gluten o sin lactosa.

De esta forma todo el mundo podrá disfrutar de sus platos sin sentirse excluido. Lo bueno es que aquí podrás dar rienda suelta a tu imaginación y no pedir lo mismo de siempre porque todo es muy diferente y original. Asimismo, hoy en día todo suma a la hora de ir a un restaurante y los clientes son cada vez 202 NOVIEMBRE 2020

más exigentes. La presentación de los platos o incluso la decoración del local suman puntos a la hora de escoger un restaurante al que ir.

Está claro que la calidad gastronómica es lo más importante, sí. Pero sentirse a gusto en el sitio en el que estamos comiendo también es clave. A la hora de elegir un sitio para ir a disfrutar de una comida todos los detalles cuentan.

Restaurantes que en muchos casos han sabido reinventar la comida tradicional para ofrecer platos de lo más originales y, sobre todo, deliciosos. De esos sitios en los que puedes comer sin ningún tipo de remordi-

miento porque todo está elaborado de la forma más natural y saludable posible. Con materias primas muy buenas de primera calidad, productos ecológicos y de temporada, sin azúcares añadidos ni harinas refinadas y con productos sin procesar. Quién podría resistirse a una buena comida en un sitio con una oferta gastronómica tan rica, variada y saludable.

Desde las ensaladas más clásicas hasta otras mucho más elaboradas acompañadas de todo tipo de guarniciones. Pero comer sano no tiene por qué ser sinónimo de comer solo ensaladas ni mucho menos. Platos fríos o platos calientes, no importa lo que estés buscando, seguro que podrás encontrarlo aquí En estos sitios encontramos también pizzas originales hechas a base de quinoa o con masas integrales. Aunque suene raro o demasiado diferente, puedo aseguraros que apenas se nota la diferencia con las de siempre y están buenísima.

Son pizzas muy crujientes, sabrosas y coronadas con muchos toppings para que disfrutes.

Las hamburguesas también son los platos e strellas en algunos de estos sitios. De pollo, de carne y hasta vegetarianas. Las opciones son múltiples para todos. También destacan los acompañamientos o entrantes de muchos de estos restaurantes. Como por ejemplo el hummus, que tan de moda está ahora. Por no hablar de sus exquisitos postres.

Parece mentira que muchos de ellos no lleven ni siquiera ningún tipo de azúcar añadido.

Donuts tan ricos como los originales o tartas y galletas recién hechas que parecen sacadas del paraíso.

Hay tantos platos y combinaciones entre las que elegir en todos estos restaurantes que seguro que todos llamarán tu atención en seguida. Los vegetales, los hidratos y las proteínas son fundamentales para llevar una dieta equilibrada, y aquí lo saben muy bien. Está todo tan rico que no dudarás en ir otro día a probar toda su carta. Comer rico y saludable es posible, y no solo a base de verduras o ensaladas. Todos los platos que imaginas podrás encontrarlos en esta diversa oferta gastronómica. No te pierdas ninguno de estos fantásticos restaurantes en Madrid para disfrutar de la comida más saludable del momento.

Cyrclo. Los platos más tradicionales y variados están

en este restaurante en el que en seguida te sentirás como en casa. Degustarás unos platos exquisitos que te dejarán con muchas ganas de repetir.

Naked and Sated. ¿Alguna vez has probado una pizza

con base de quinoa? ¿Y donuts dulces y sabrosos pero sin azúcar? Si tu respuesta es que no, tienes que venir a probar sus platos deliciosos y saludables.

Honest Greens. Una propuesta muy diferente y sugerente con platos fríos o calientes. Ensaladas para todos los gustos, guarniciones diversa y bebidas llenas de sabor. No podrás resistirte a este restaurante.

Zest Patatas bravas, hamburguesas, croquetas de queso de cabra, pastas rellenas y hasta un falso risotto.

Un restaurante light con platos riquísimos y exquisitos. Par los amantes de la comida.

Superchulo. Solo el nombre lo dice todo. Aquí encon-

trarás comida sana, ecológica, sostenible y sin ningún aditivo. Siempre respetando todos los productos para que disfrutes del sabor más natural y rico.

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UN MEJOR AMIGO QUE SIEMPRE HA ESTADO A MI LADO CINE

dí ti apren de A VOLAR

En un momento en el que la industria audiovisual sufre y pelea para intentar mantenerse viva, rescato todo aquello que ha hecho el cine por mí. Todo lo que me ha enseñado y continúa enseñándome en cada historia, en cada viaje, en cada personaje y en cada vivencia.

Un homenaje, una reivindicación o simplemente un desahogo para una época en la que las salas lloran.

por ROSA SURIA

La primera vez que pisé una sala de cine tendría unos dos años.

Llevaba siempre conmigo a mi inseparable chupete y no conseguía estar demasiado tiempo sentada en el mismo sitio. Supongo que por eso vi ‘Pocahontas’ en mitad del pasillo, de pie y completamente atenta a lo que estaba ante mí en la pantalla. Me cuentan, porque yo no guardo recuerdos demasiado nítidos de esa época, que después de eso pasé una larga temporada ‘cantando’, o intentándolo, los temas de la banda sonora de la película de Disney. Al parecer, esa primera experiencia cinéfila había ido mejor de lo esperado.

A partir de ese momento, mi historia de vida ha estado siempre unida al cine, a todas esas otras historias que nos llegan a través de muy

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diversas voces. A escenarios reales y ficticios, a dramas y a comedias que se quedan contigo, a sustos, a lágrimas, a carcajadas. También a dilemas, a relevaciones y a reflexiones de todo tipo. Desde esa primera vez, con chupete en boca, me ha sido imposible distanciarme del séptimo arte. Y, honestamente, nunca he tenido intención de hacerlo. Porque en él he encontrado un refugio, pero también una puerta hacia mundos que jamás habría conocido de otra forma. He encontrado mis particulares alas, que me han permitido alcanzar lugares inimaginables, pero también mantener los pies en el suelo. El cine me ha presentado realidades que desconocía o que ignoraba y me ha ayudado a conocer mi mundo y a conocerme a mí misma.

Como si fuera mi ángel de la guar-

da, un mejor amigo que siempre ha estado a mi lado, en los recuerdos más felices, pero también en los instantes en los que he necesitado un salvavidas.

Cuando era pequeña, ir al cine suponía una aventura. Primero fue mi hermana quien me acompañaba. A ella le tengo que agradecer haber disfrutado de todos los estrenos de Disney que coincidieron con mi infancia. También las consiguientes visitas a la tienda de la compañía, en la que me perdía entre peluches de mis personajes favoritos.

Recuerdo que nunca era suficiente.

Al llegar a casa, un regimiento de cintas VHS me esperaban. Y mi familia, tirando de paciencia y también de su propio amor cinéfilo, aceptaba ver por enésima vez ‘101 dálmatas’ o ‘Tod y Toby’, dos de mis grandes clásicos.

Aún no levantaba demasiado del suelo cuando mi hermano expandió mi mundo cinematográfico. Como nos pasó a muchos, el primer gran salto llegó con ‘Harry Potter y la piedra filosofal’. Pero no tardaría en descubrirme ‘El Señor de los Anillos: la comunidad del anillo’. La trilogía basada en la novela de J.R.R. Tolkien se convirtió casi en una obsesión para mí. Además de en el primer gran movimiento cinematográfico que me atrapó. Con mis amigas, jugaba a ser Legolas o Aragorn (en

ese momento no supe ver bien los referentes femeninos) y llegué a acumular todo tipo de productos de la saga. Desde cuadernos hasta juegos, pasando, por supuesto, por las películas. Mi romance con el cine no era cosa de un tiempo, no era algo pasajero, y aquí ya empezaba a comprenderlo.

el cine me permite mirar a través de los ojos de otros

A partir de ese momento, me anexé a todas las visitas a las salas que planearan mis hermanos, quienes, con mucha paciencia una vez más, siempre me aceptaron. Ahora me doy cuenta de que hubo muchas películas que nunca llegué a enten-

der del todo, pero disfrutaba tanto de la experiencia que jamás me planteé cambiarla por otro plan. No importaba el género, la trama o los actores. Mi felicidad consistía en comprar las entradas, con nervios por si no quedaban para la sesión seleccionada, y en llenar toda una bolsa de gominolas. También consistía en entrar en la sala oscura, encontrar los asientos y disfrutar de los tráileres de las muchas películas que iría a ver meses más tarde. La felicidad era sumergirme en esa pantalla gigante y dejarme llevar por lo que aparecía en ella. Y sigue siéndolo.

No concibo mi vida sin cine. En casa y en las salas. Con los nervios previos y las charlas posteriores.

Porque el cine me ha permitido formarme como ser humano, mirar a través de los ojos de otros, conocer realidades lejanas a la mía y sentirlas como propias y ampliar mis horizontes hasta el infinito. El cine me permite creer en vampiros y en una sociedad mejor, conocer las injusticias y aquellos que luchan o lucharon para acabar con ellas, viajar a los lugares más bellos del planeta y a los momentos más importantes de nuestra historia. El cine son las alas que nos permiten volar, y debemos seguir cuidándolas.

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