MEW Magazine - OCTUBRE 2021 - Joel Bosqued

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Magazine MADRID · BARCELONA (ESPAÑA) mewmagazine@mewmagazine.es www.mewmagazine.es P. GUERGUÉ DIRECTORA mewmagazine@mewmagazine.es DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA & DISEÑO Ana Márkez amarkez@mewmagazine.es MODA Y CREATIVIDAD Jairo Villada / Yurena Guerra

COMUNICACIÓN & MARKETING Itziar Monge imonge@mewmagazine.es PUBLICIDAD & SPONSOR Javier Amaro jamaro@mewmagazine.es

Redacción: Yurena Guerra / Paloma Escudero / Álex Delgado / María Rodríguez / María P. Pinto / Mikel Montero / Marta Valverde Ayudante fotografía: David Vicario

AGRADECIMIENTOS STA Talent / Repetto Management / Gran Vía Comunicación / Maydel Manager / Mesala Films Amarión Producciones / Levi Representación / La Troupe Representantes / Malandra Music A Leighthouse Entertainment / Loinaz Representación / Paloma Juanes / Innercia Entertainment Equipo Singular / Amazon Prime Video / Movistar + / Netflix / AtresMedia / Amazon Prime Video Hotel Doubletree / Hotel Atocha Tapestry / Massimo Dutti / Mango / Bershka / Trium Jewelry Zara / Venca / Polo Ralph Lauren / Polo Club / Calvin Klein / Karl Lagerfeld / Girati / Esprit Baldinini / Eugenio Loarce / Commelle / EDC / Bulgari / XRebbels / Enneges / Lacoste / Brea DEPÓSITO LEGAL MEW Magazine pone en su conocimiento que los artículos que se publican en la revista, así como la imagen, sea de índole personal y/o mercantil, que se reproduce en la misma, queda protegida jurídicamente frente a terceros en aplicación de la normativa sobre propiedad industrial e intelectual. En este sentido, se informa específicamente acerca de la prohibición de reproducción parcial o total del contenido, para su posterior difusión pública y/o explotación propia. mewmagazine.es 5

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Carta de la directora El otoño llega y llega, como siempre, de forma inesperada. Cuando aun no estamos tan preparados... Empiezan a caer las hojas, porque hay que sanar, y dejar espacio para las nuevas que vengan. Hay que despegar tiritas de golpe y dejar que la nueva piel roce con el aire.

El otoño siempre nos pinta de nostalgia y de sueños fugaces que marcamos para el próximo verano. Como si la vida nunca tuviese fin y siempre tuviésemos esa alternativa de comenzar de nuevo.

Le damos la vuelta al nuevo curso. Tocamos todo lo que la cultura nos ha permitido tocar. Desde el viaje a San Sebastián y su gran Festival de cine, hasta nuestro especial para homenajear a la valentía de apostar por más miradas femeninas, como en ‘Madres’. Damos un salto junto a Álvaro Mel y su oportunidad con Amenábar.

Para darnos un abrazo con ‘Los Protegidos’ y Mario Marzo…

Tocamos la cultura en otoño…siempre que nos dejen hacerlo.

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8 OCTUBRE 2021 · MW

48 · Mariana Di Giralamo Creer en sus personajes.

22 · Moda

Empezar el otoño con fuerza.

30 · Aitana

¿Una estrategia fallida?.

32 · Maximiliano Calvo

Acompañado por la música.

44 · Crítica

El Buen Patrón.

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10 OCTUBRE 2021 · MW

100 · Aida Folch

En las manos de Olivia.

60 · Netflix

En el SSIFF69.

62 · Evan Hansen

66 · Halloween Kills

Adaptación cinematográfica. La ira es más fuerte.

70 · San Sebastián Su gran Festival.

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12 OCTUBRE 2021 · MW

154 · Joel Bosqued

Fuera de la zona de confort.

114 · Michelle Calvó Dejar ir las cosas.

128 · Uri Guitart Poner el alma.

140 · Tokio

Sin temor a nada.

142 · Carlos Serrano El juego de empatizar.

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14 OCTUBRE 2021 · MW

186 · Ylenia Baglietto & Lander Otaola Bailando entre tablas.

168 · Los Protegidos

Amar desde lo diferente.

172 · Mario Marzo Un ansiado regreso.

184 · Framing Time Luz y color.

200 · RRSS

Ansiedad en niñas .

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Columna de opinión

UN MUNDO TAN CARGADO DE MIERDA… por MIKEL MONTERO

T

enemos, cada día, más contenido en ficción. Más series. Más cine. El número de plataformas no deja de crecer. Tenemos una serie para cada estado de ánimo. Una película para cada hora del día. Aun así, el sector sigue siendo precario para muchos de los profesionales que se dedican a ello.

El glamour que venden los medios de comunicación, a veces, nos saca del foco.

Y perdemos realidad. Y muchos datos.

Obviamos los problemas que existen, como el racismo que el propio Hugo Catalán denuncia que ha sufrido y que sufre en su México, a pesar de estar en 2021 o la falta de oportunidades porque no has tomado la decisión de comprarte un buen puñado seguidores, likes y comentarios.

No todo vale. Y se sigue permitiendo. Estamos poniendo la máscara por encima del trabajo y el buen hacer. Dejamos que importen más las cifras que sí un actor es bueno o no. Importa más su físico que su capacidad de trabajo en equipo. Se apoya mas el ego que la suma en un conjunto.

Aplaudimos un mal ambiente con tal de tener al ‘influencer’ del momento en el reparto. Y ‘obligamos’ a los profesionales del oficio ‘a vender’ a su compañero en promoción si la crítica no acompaña de forma favorable.

Hay que respetar a los trabajadores de cualquier sector. A los que se lo curran y aman su profesión. A los que se suben a

las tablas y giran de teatro en teatro con una sonrisa inmensa porque dar vida a otras personas es lo mejor que les puede pasar. Hay que empezar a entender que existen muchas ‘Patria’. Que se pueden hacer proyectos sin grandes ‘influencers’ y triunfar. Que el público no es tonto.

Y que un primer vistazo a una serie lo echa cualquiera. Lo complicado es que ese público, pasado los meses o los años, recuerde la ficción. O alguno de sus personajes. Que sienta añoranza y que sea capaz de volver a ver cada uno de sus capítulos.

Pensemos que algo no se está haciendo bien cuándo la gente pide la vuelta de ‘Los hombres de Paco’, ‘Los Protegidos’, ‘Física o Química’, ‘Los Serrano’, ‘Motivos Personales’… Escuchemos al público porque quizá esté gritando algo importante.

Tal vez, a pesar de todo lo que se está haciendo, hay esencias que no han vuelto. Quizá que para que algo funcione, los rostros poco conocidos también deben tener cabida. Tal vez que hay que apostar por caras nuevas, aunque un personaje se apoye en un rostro contrastado.

Hay actores buenos que no tienen un cuerpo diez, ni millones de seguidores y que tienen que trabajar en otro sector para poder comer. Frente a ellos, gente que dirige plataformas que eligen a dedo a actores en base a sus datos en Instagram. Nos está quedando un mundo tan de mierda… ¡Gracias!

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Columna de opinión

NOMINACIONES Y PREMIOS, ¿FALSOS? por MARTA VALVERDE

H

emos entrado en la vorágine de premios. Y cuando llegan estas semanas siempre nos tropezamos con situaciones similares, año tras año. La primera de ellas que el público no se siente identificado con el palmarés. La segunda, que hay ciertas nominaciones que carecen de sentido. Esta segunda suele recaer más en la industria musical. La suerte de la industria cinematográfica es que no puede comprar el número de entradas que se venden. Ni el número de reproducciones. Así que las nominaciones pueden venir con más o menos sentido basándose en el trabajo realizado o en el apoyo de la crítica y el público.

La industria musical se ha convertido en un circo. Reproducciones compradas en todas las plataformas existentes.

Emisoras de radio que bailan al antojo de las discográficas. Y premios y nominaciones que se basan en ‘amigos’. Decadentemente perdidos. Así se encuentran en dicho sector. Menos mal que lo único que no pueden comprar son el número de entradas para un concierto, sino sería… ¡el desmadre padre! Así que aquellos que deseen ser objetivos con los artistas que venden o no venden, solo tienen que fijarse en las fechas de los conciertos y en el tamaño de los aforos. Ahí es donde está la clave de todo. Y por supuesto, del listado de conciertos quitad, por favor, todos aquellos festivales o conciertos patrocinados bajo el nombre de una

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emisora de radio. Esos directos no cuentan. Salen adelante, aunque no se haya vendido nada. La venta de unos nombres salva la decadencia de otros.

La industria musical se ha convertido en el Instagram de la cultura. Aparentar lo que no somos. Crear iconos donde no existe nada. Inflar cifras que solo engañan. Y que solo repercuten en el artista que entra en el juego. Porque el público va y viene. Mucho más el de ahora. Ya no existe ese que crecía junto al artista. El que ha pasado, por ejemplo, de ‘El Canto del Loco’ a Dani Martín. Ahora comemos rápido y lo cagamos aún mucho más rápido. Y queremos un nuevo menú. Y, por supuesto, mejor que el anterior.

No queremos una evolución sorpresiva ni nada que se salga de nuestro esquema.

Al menos en el cine aun tenemos algo más de mano. Lo que no gusta, no vende. Por mucho marketing que se empeñen en meternos entre ceja y ceja. Luego pueden premiar o no.

Pueden nominar o no, pero siempre puedes ir a las cifras objetivas para mostrar el motivo de tu opinión…o no.

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MODA

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LOOKS PARA EMPEZAR EL OTOÑO CON FUERZA

22 OCTUBRE OCTUBRE2021 2021· ·MW MW

por YURENA GUERRA / fotografías IG

volvemos al otoño, mi época favorita del

año, y la que, según mi forma de ver, tiene

las prendas de ropa más bonitas compara-

das con todas las temporadas. esta nueva

colección viene pisando fuerte. predominan

los colores básicos, tonos tierra y conjun-

tos monocromáticos, con lo cual podemos

esperar ver las tiendas repletas de blancos,

negros, beige y marrones y no tanto colores vivos.

¿comenzamos?

LOOK 1

Comenzamos con Alexandra Pereira, de la cual elegí dos looks, blanco y negro, día y noche. Para este primer día he preferido el look blanco roto, ya que siempre necesitamos un chute de energía los lunes para que nuestra semana comience con buen pie. Es verdad que con ella muchas veces no podemos jugar con las prendas low cost, pero si podemos encontrar varios clones en tiendas como Zara o Mango de estas prendas. Un traje blanco con pantalón ‘Wide Leg’ y americana cruzada preciosa, que podemos encontrar en Zara. El bolsito de Jacquemus ‘Le Chiquito’ se puede sustituir por los bolsos mini que podemos encontrar en Mango y, personalmente, este look queda genial con unas deportivas ‘chunky’.

LOOK 2

El siguiente look es todo negro también de Alexandra Pereira, pero esta vez todo negro. Los pantalones de polipiel o leggins de polipiel los tenemos en Zara y también en Bershka, y las botas ponemos encontrarlas en Mango, también disponibles de color beige, súper en tendencia.

En cuanto al jersey, es verdad que la mayor característica o la más destacable es la de las mangas abullonadas de punto gordo y esto lo podemos encontrar en H&M y en Zara. Los bolsos para darle un toque de color los tenemos, por ejemplo, en Pull&Bear.

LOOK 3

Para el miércoles he elegido un look súper bonito y favorecedor, también muy neutro, como se lleva esta temporada. La protagonista es Rocío Osorno. Es un look muy sencillo pero la realidad es que es muy favorecedor. Los pantalones ‘Wide leg’ son muy tendencia, por eso ella opta por unos beige grisáceos, los cuales podemos encontrar de muchos más colores en Bershka y los com-

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bina a la perfección con una americana con hombreras negra y sandalias de tacón del mismo color, que podemos sustituir por los botines de tacón y calcetín de Zara. Le añadimos un bolso de cadena y precioso.

LOOK 4

Vamos con Teresa Bass, otra de nuestras habituales en la sección de moda de la revista.

Ella se ha acostumbrado de igual manera a llevar todo muy monocromático y ‘comfy’ y la verdad es que a nosotros nos encanta. Un pantalón ‘jogger’ o de tipo cargo, un jersey ‘crop’ y unas deportivas blancas por completo con los calcetines blancos y ya tenemos un súper look hecho. Todas las prendas en color arena, blanco o beige, hace que el look sea sofisticado, suave y delicado y es una apuesta segura.

LOOK 5

Los estilismos de Rocío Camacho siempre son muy acertados. Es verdad que hace no muchos días puso las deportivas de las que vamos a hablar, que aparecen en este look, en su Instagram y a la gente no les gustaron precisamente, pero la realidad es que son muy tendencia las deportivas blancas y más si estas llevan un toque especial como la etiqueta naranja. A mi, personalmente, me encantan y creo que les dan un toque original a los looks. Combinado con un pantalón campana negro y un ‘crop top’ negro y una camisa blanca ‘oversize’ que está muy de moda esta temporada. Para mmi va ideal y es un look perfecto para un viernes salir de clase y empatar con tus amigos por la tarde noche para tomarte unas cervezas.

LOOK 6

Los últimos dos looks corren de la mano de nuestra persona favorita, Mery Turiel. La influencer siempre acierta con sus looks. ¿Necesitamos algo rockero?, lo tiene, ¿un vestidazo para un evento especial?, lo tiene, ¿un look ‘afterwork’ para ir ideal a tomarte un vino con tus compañeros de curro?, busca en su Instagram porque es verdad que también podrás encontrar algo que te encaje. Esta vez los dos looks elegidos son bastante sport, para el fin de semana. Los pantalones vaqueros ‘slouchy’ que siguen en tendencia y podemos encontrarlos en tiendas como Levi’s los conjunta de manera perfecta con un jersey de rayas marineras, que podemos conseguir en Zara y unas deportivas tipo botín de la marca Vans. ¿No va ideal?

LOOK 7

El último look es un look muy de domingo. Ideal y, por supuesto, monocromático. Total, look negro que nos flipa. Las deportivas son las mismas que el look número 6, pero también se pueden reutilizar cualquiera de las mencionadas en los otros looks, ya que al ser un set de chándal negro puede quedar especialmente bien con unas deportivas blancas. Ideal. Podemos encontrar este tipo de sets en Oysho, Mango o Zara.

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MODA

LAS GORRAS, ¿ES REALMENTE NUEVA ESTA MODA? las gorras son un básico de tu armario para este próximo otoño/invierno, pero

¿son realmente

una moda novedosa o viene de largo lo de usar este “cubrecabezas”? sigue leyendo, que te cuento todo lo que se de este accesorio tan “chic”.

por YURENA GUERRA

Las gorras son, sin duda, uno de los complementos estrella de la próxima temporada Otoño/Invierno y, la verdad, uno de mis favoritos. Puedes lucirla con un look mas informal pero también queda de lujo con uno un poco más arreglado, además queda muy bien con pelo largo, pero no podemos descartar utilizarla con pelo corto, ya que le da un toque original a tu peinado. Todo esto por no mencionar que es un salvavidas para esos días en los que tenemos el cabello un poco más “descuidado” o cuando, simplemente, no nos apetece peinarnos. Pero, la pregunta es, ¿es tan moderno este complemento como parece? ¿Ha sido siempre tan “elegante” y divertido como lo es hoy en día?

Me he puesto a investigar de donde viene esta moda de la gorra y he encontrado algunas cosas de lo más interesantes. Para comenzar, podemos decir que las gorras se han estado utilizando a lo largo de prácticamente toda nuestra historia, lo que pasa es que tenían otras formas, patrones y nombres, pero la gorra tal y como la conocemos hoy en día apareció a mediados del siglo 19, exactamente en los años 50 de ese siglo.

Fue en el año 1849 cuando, por primera vez, vimos a alguien utilizando este deseado complemento que hoy en día se ha vuelto imprescindible. Y es que, apareció por la necesidad que tenían los jugadores de béisbol en Estados unidos de poder ver en los partidos sin que el sol les deslumbrara, pero que a la vez pudieran estar cómodos corriendo, saltando o bateando. Es

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así como el equipo del deporte americano ‘Brooklyn Excelsiors’ comenzó a llevar la gorra en todos sus partidos y a su vez, el resto de los equipos copiaron la idea.

Como sucede con cualquier moda, al final se hizo algo “viral”. El béisbol empezó a convertirse en un deporte cada vez más y más popular y con él, las prendas utilizadas en los partidos, no podemos olvidarnos de que otras grandes modas nacieron o se popularizaron gracias a este deporte como por ejemplo las chaquetas beisboleras. Se creó una empresa especializada en gorras que llevo este sombrero a todas partes de Estados Unidos, y más tarde al mundo estero, y esta fue la archiconocida New Era, aunque, tras ella, otras muchas comenzaron a hacerse de oro gracias al diseño de este peculiar sombrero.

Pero no sería hasta la década de los noventa del siglo pasado cuando realmente se popularizarían alcanzando niveles extraordinarios. Toda la cultura urbana y del hip – hop, al igual que el movimiento negro, acogieron esta moda y la elevaron a otro nivel. Series de estos años como ‘El príncipe de Bel Air’ hicieron que cualquier adolescente o adulto joven que fuera a la moda deseara tener uno de estos accesorios en su armario. Mas tarde, también se comenzarían a usar en otros deportes gracias a los contratos firmados con ciertos equipos por parte de New Era, marca que actualmente hace las gorras de los equipos de baloncesto de la NBA como los Chicago Bulls o los Lakers.

El material también ha ido cambiando a lo largo de los años. Mientras que en un principio tenían que ser de tela y muy transpirables ya que eran para hacer deporte, hoy en día se fabrican de absolutamente todos los tejidos, incluso de piel, haciendo así de estas una prenda para cualquier época del año.

Sin duda, el deporte, la música, la cultura en general, han contribuido muchísimo a la moda, pero lo que más ha hecho que se creen prendas que más tarde serán consideradas algo imprescindible han sido las circunstancias de las personas debido a la evolución de la sociedad. El pantalón para las mujeres surge cuando necesitamos sentirnos cómodas para comenzar a trabajar, por fin, debido a la guerra, la gabardina surge en los conflictos armados por la necesidad de protegerse del frío y el agua, y la gorra surge en el deporte, por la necesidad de poder practicarlo sin que el sol sea un obstáculo que sortear.

Hoy en día es una de las prendas más “chic” que podemos utilizar y, sin duda, durante esta temporada, tendrás que tener por lo menos una en tu armario.

IG ©The Fresh Prince

IG ©Alexandra Pereira

IG © Rocío Camacho mewmagazine.es 27

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MÚSICA

Aitana y McDonald’s ¿una estrategia fallida?

Aitana no puede consumir su propio mc Menú

por ÁLEX DELGADO / fotografías ©MC Donals 30 OCTUBRE 2021 · MW

En un momento social y laboral donde la cultura está viviendo sus peores horas, los artistas tienen que reinventarse, aceptando trabajos que anteriormente no lo harían, pero no les queda más remedio si quieren estar en el punto de mira de la sociedad. En las últimas semanas se ha visto como Aitana ha llegado a un acuerdo colaborador con la cadena de comida rápida McDonald’s, llegando a tener su propio menú.

Desde un punto de vista de marketing, es una buena estrategia y más teniendo en cuenta que coinciden en ambos casos con el target objetivo. Tanto Aitana como la cadena internacional de comida rápida está destinados a una generación joven. En ambos casos, contando con la inocencia de sus productos o el peculiar carisma que suelen tener, algo lógico y que puede comportar un gran crecimiento bidireccional.

Ahora bien, todo este perfecto castillo de naipes que parece que sea idílico, tiene un trasfondo mucho más grande. Se supone que este tipo de colaboración está con todo bien cerrado y medido, pero no es así y se han olvidado de un factor muy importante. Supuestamente el famoso colaborador debería poder consumir este tipo de productos, pero nada más lejos de la realidad. Aitana es celiaca y parte de su mc menú no lo puede consumir porque su cuerpo no lo tolera.

Ese aspecto a nivel de marketing es un error muy grande, y no nos centremos en el hecho de comer comida hipercalórica y perjudicial para la salud. En un momento donde el usuario necesita veracidad, Aitana vende algo que no haría. Por eso, deberían controlar mejor esos aspectos formales que inciden directamente. Es inadmisible que desde una estrategia de marketing con un equipo tan potente como el que tiene, no se haya estudiado estas variables.

Es evidente que Aitana es un filón publicitario muy importante para su imagen personal y profesional gracias a su magia y carisma. La catalana se ha consolidado como una de las artistas de referencia mediante a una sinceridad y gracia natural que no puede caer en ese burdo error.

Con esa acción no hace otra cosa que destrozar toda una carrera profesional y provoca una crisis de credibilidad. Es cierto que tiene derecho a seguir ganándose la vida, pero hay factores que perjudican gravemente la imagen de la artista.

No tenemos que obviar que ella es una referente para una generación que está constantemente en redes sociales, por lo que puede comportar un problema social bastante importante siempre que no se tenga en consideración esos aspectos a corto plazo.

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REPORTAJE

32 OCTUBRE 2021 · MW

Acompañado por la música

maximiliano

calvo fotografía ANA MÁRKEZ asist. fotografía DAVID VICARIO texto y entrevista P. GUERGUÉ muah LETICIA PERILLÁN

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REPORTAJE

34 OCTUBRE 2021 · MW

MEW Magazine (MW): ¿Qué Maximiliano has descubierto gracias a la música?

Maximiliano Calvo: No recuerdo al Maximiliano antes de la música. Creo que no lo hay. Si bien en mi familia no hay músicos siempre se ha escuchado mucha música. Tangos, Boleros, Rock Argentino de la época… siempre hubo ese ambiente y yo, tan pesado cómo soy, empecé a interesarme por aprender música o descubrirla desde los instrumentos a muy temprana edad.

Me he criado junto a la música y siento que eso me ha hecho valiente, curioso, sensible y caótico.

MW: ¿En qué medida te ha sanado la música?

Maximiliano Calvo: La música me ha acompañado. No recuerdo que me sane. El tiempo siempre me curó las heridas (o las fue cerrando). Las canciones siempre me acompañaron en ese proceso. Hay mil canciones que le hacen recordar a momentos de melancolía extrema o de dolor, pero lo bueno de cuando las escucho es que me sale una media sonrisa como de: “has seguido adelante, Maximiliano. Muy bien.”

MW: ¿Qué Maximiliano has querido mostrar dentro de este EP? Maximiliano Calvo: El liante, claro está.

MW: ¿Cómo has vivido su composición?

Maximiliano Calvo: El puse el lío porque así es mi cabeza y la composición viene un poco de la mano. Es todo un caos que voy organizando y luego, mira, ni tan mal.

MW: ¿Y su producción?

Maximiliano Calvo: Fui produciendo las canciones a la par que componiéndolas. Es un proceso que me gusta mucho. Todo o Nada.

EN ABRIL 2021, MAXIMILIANO CALVO COMPONE UN TEMA PENSANDO EN MARÍA JIMÉNEZ. SE LO ENVÍA, Y MARÍA CONTESTA MEDIA HORA MÁS TARDE CON UN AUDIO DE WHATSAPP: “HAY QUE GRABAR EL TEMA. PERO YA. LOS CANALLAS NO PIERDEN EL TIEMPO”.

30 DE JULIO DE 2021, SE PUBLICA ESE DÚO DE MARÍA Y MAXI, UNA RUMBA SALVAJE, INFECCIOSA Y ATÍPICA. EL LÍO AMOROSO, SENTIMENTAL, ENFERMIZO DE UN AMOR IMPOSIBLE POR LA NOCTURNIDAD DE UN CANALLA DESTRUCTIVO SIN PALIATIVOS Y LA PACIENCIA INFINITA, O NO, DE UNA MUJER ENAMORADÍSIMA. OJALÁ CON EL LÍO, ESE CANTO AL CANALLEO, AL AMOR Y LO QUE CUESTA, VUELVAN LAS ALEGRÍAS A LOS CHIRINGUITOS, LAS SONRISAS EN LAS PISTAS DE BAILE, LOS CANTURREOS EN LAS REUNIONES AHORA POSIBLES, ETC...

EL LÍO DE MAXIMILIANO, PRIMER EP DE MAXIMILIANO CALVO EN EL SELLO MALANDRA MUSIC CON LICENCIA A LA RENACIDA VIRGIN MUSIC ESPAÑA (UNIVERSAL) YA ESTÁ AL ALCANCE DE TU MANO Y DE TODOS SUS SENTIDOS. NOS DETENEMOS UN RATO Y HABLAMOS CON ÉL DE LO QUE HA SUPUESTO ESTE LANZAMIENTO PARA ÉL.

MW: ¿El mayor recuerdo que conservarás siempre de esta colaboración con María Jiménez?

Maximiliano Calvo: Llegar a su casa y ver su intimidad. Que me haga parte de su familia.

MW: ¿Qué te tiene que transmitir un tema cuando está naciendo para que decidas producirlo?

Maximiliano Calvo: Siempre empiezo por el título. Si tengo un buen título ya voy a fuego con todo.

MW: Dentro de la producción de este EP, ¿te han sorprendido los temas, una vez finalizados y producidos, más de lo que esperabas tras terminar su composición?

Maximiliano Calvo: Como te decía, voy haciendo todo junto y es un poco para eso… para que cada momento me sorprenda. Me mantenga divertido frente a la creación. Me aburro muy rápido.

MW: ¿A nivel de creatividad hay alguna emoción que te bloquee a la hora de sentarte a componer?

Maximiliano Calvo: El miedo al que dirán… a lo que pienso que la gente espera de mí, de mi obra.

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REPORTAJE

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empecé a interesarme por aprender música o descubrirla desde los instrumentos a muy temprana edad”

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REPORTAJE

" V ER LA M Ú S I CA COMO UN A CARRERA ME E STR ES A "

MW: ¿Cuánto te has refugiado dentro de tus composiciones?

Maximiliano Calvo: Todo. Para mí es un bálsamo.

Sin ellas sería un asesino o algún ladrón de estos que pegan buenos golpes.

MW: ¿Cuánto de importante es experimentar dentro de la música?

Maximiliano Calvo: En el ámbito de la creación artística se puede hacer de todo. Es el único sitio en donde el libertinaje es algo maravilloso y no lastima a nadie. Creo que hace falta que la música actual experimente más.

MW: ¿Uno ha de sentarse todos los días a componer o debe esperar a que la inspiración llame a la puerta?

Maximiliano Calvo: Es como el refrán: “que la inspiración te pille trabajando”. La creatividad es un músculo… y es como todo, hay que trabajarlo. Además componer o crear conceptos u objetos artísticos es maravilloso.

MW: ¿La música es una carrera de fondo?

Maximiliano Calvo: Ver la música como una carrera me estresa. La palabra “carrera” me cae fatal y me genera ansiedad.

MW: ¿Qué es el verdadero éxito para ti?

Maximiliano Calvo: Poder seguir viviendo de esto.

MW: ¿A qué recuerdo de infancia le debes una canción?

Maximiliano Calvo: Al disco entero “El Amor Después Del Amor” de Fito Páez. Los domingos por la mañana, mi madre limpiando la casa, las ventanas abiertas, mi barrio que tiene unos árboles enormes, ese olor a domingo… que es como el comienzo del asado, como si fuese a leña quemada mezclada con paz. Como si La Paz tuviese un aroma.

MW: ¿Qué te da la música que nada más lo hace?

Maximiliano Calvo: Un sitio de recreo como decía Antonio Flores. Un recreo del peso de existir, de lo mundano.

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MÚSICA

Charly Humos presenta ‘El Final Está Cerca’ El álbum cuenta con una edición de lujo en formato físico de edición limitada. El productor reúne una veintena de invitados, entre ellos Matiah Chinaski, Cevladé, Ruzica Flores, Rick Santino y Dj Pérez. ‘El Final Está Cerca’, primer volumen de la saga Música Para Películas, representa la consolidación del productor de Pupila Negra Estudio. por REDACCIÓN / fotografías cortesía de Pupila Negra Estudio

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quien relate o acompañe cada historia.”

El Final Está Cerca es una obra de 14 canciones de las cuales el autor se encargó íntegramente de la composición musical y ejecución de arreglos, incluyendo en su reparto las prestigiosas colaboraciones de Cevladé, Angelo Soliloquio Ruzica Flores, SLC, Kafkiana, Matiah Chinaski, Psicotrópico & Luisoul, Rick Santino, Kbrozethys (Trovadores Tales), Raptor, 36 Kimico, Mr Leyn, Piter Ponx, Electrón Magneto, El Sistema 407, Tánatos, Dj Pérez, Ese Té, Dj See All y Redmist.

Charly Humos es un rapero, beatmaker y productor musical que durante la última década ha mantenido un activo protagonismo dentro de la escena, firmando bajo ese nombre más de una decena de lanzamientos entre beat tapes, bandas sonoras y álbumes de rap; además de asociársele como parte de destacados proyectos sobre los escenarios, entre ellos Ruzica Flores, Técnica Mixta (con Franz Mesko) o L4denegro (con Cevladé).

En el año 2015 funda el estudio y sello independiente Pupila Negra Estudio. Desde ahí ha podido proyectar y posicionar sus visiones en torno a la música y el compromiso con las bases de la cultura Hip Hop, gestionando espacios de encuentro y educación popular. Si bien como productor ha plasmado su identidad en trabajos y colaboraciones con artistas de la talla de Ceaese, Matiah Chinaski, Cevladé, Catana, Rvyo, Dania Neko, La Deyabu o Nahuel Viera, podría decirse que la versatilidad de su propuesta encuentra hoy su debut mediático con la publicación del álbum El Final Está Cerca, primer volumen de su serie discográfica Música Para Películas.

“Básicamente quise hacer el disco que siempre soñé.

Mezclé lo experimental de la música que compongo con paisajes sonoros, detalles y puentes que el rap no acostumbra mucho a usar. Quise darle esa atmósfera más inversiva, casi como una película, de ahí el nombre, para que no solo sea el contenido del rap, sino también la emocionalidad de la música

“Las canciones son bien variadas porque quise que cada una fuese una obra que se define por sí misma, pero que el hilo conductor, más que un instrumento o un ritmo en particular, fuese la intensidad y las sensaciones que logra la música al llevarte a distintos estados anímicos y a veces mentales, aparte de los guiños al cine, con distintas escenas y diálogos. El disco inicia con una atmósfera pesimista que luego decanta en aceptación, pasa al optimismo con canciones como “El viaje”, terminando con “Ragnarök”. El track final queda en tensión en el último compás, que no termina de forma par, dejando así un final abierto para el segundo volumen.”

Música Para Películas Vol. I: El final está cerca fue grabado, mezclado y masterizado por Charly Humos en Pupila Negra Estudio entre los años 2019 y 2021. El álbum cuenta con la llamativa dirección de arte de Cristóbal “Dgkstarr” Miranda (Dgee.cl) y está disponible en todas las plataformas digitales bajo la distribución de Nawal Rage. Su lanzamiento contempla una limitada edición deluxe en formato físico que incluye doble CD (álbum y versión instrumental), más cancionero, código de descarga y stickers, las cuales se pueden pre-ordenar directamente en las redes de Pupila Negra Estudio.

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CRÍTICAS

‘El buen patrón’: brillante comedia con Javier Bardem

Paloma Escudero

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ernando León de Aranoa vuelve al cine social por la puerta grande como solo él podía hacerlo. El director ha presentado ‘El buen patrón’ en el marco de la 69 edición del Festival de Cine de San Sebastián. La película está protagonizada por un magnífico Javier Bardem, firme candidato para todos los premios de esta nueva temporada. Por otra parte, en el reparto encontramos también a grandes actores como Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Tarik Rmili, Rafa Castejón, Celso Bugallo y Yaël Belicha, entre otros.

‘El buen patrón’ cuenta la historia del empresario Blanco. Él es un carismático propietario de una empresa que se dedica a fabricar balanzas industriales. La empresa la ha heredado de su padre y es lo más importante para él, por lo que casi no puede pensar en nada más. El patrón se encuentra en un gran estado de nervios y estrés porque está esperando la inminente visita de una comisión que tendrá que decidir a qué empresa le da el próximo premio local a la Excelencia Empresarial.

Ahora mismo eso es lo único que le preocupa a Blanco así que todo tiene que estar perfecto para que él pueda ampliar su personal colección de trofeos. Cualquier problema que surja con sus trabajadores tendrá que ser resuelto en el tiempo suficiente para que nada se interponga en su objetivo. Para ello cruzará todas las líneas imaginables y hará cosas demasiado cuestionables. Y es que todo parece conspirar contra él, su impecable trabajo y su ansiado premio. Una inesperada y explo-

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siva sucesión de acontecimientos tendrán imprevisibles consecuencias para él y el imperio que ha construido.

18 años después del estreno de ‘Los lunes al sol’, Fernando León de Aranoa y Javier Bardem se vuelven a juntar en una gran comedia que recuerda mucho a ese fantástico largometraje. Uno de los estrenos más esperados de este Festival de San Sebastián y del año, que supera con creces todas las expectativas. Fernando León de Aranoa es un buenísimo director y guionista que todavía tiene mucho que aportar a la industria cinematográfica y con ‘El buen patrón’ no ha hecho más que reafirmarlo.

Si bien el protagonista de ‘El buen patrón’ es un personaje exagerado, no sorprende tampoco su egoísmo porque podría ser casi cualquier jefe del panorama. El clásico empresario que vende que sus empleados son como su familia y que sus problemas son lo primero, pero en realidad solo sabe mirarse al ombligo. Una crítica social ácida y satírica de lo más acertada.

Con un guion inteligente y brillante que sabe dar en el punto clave en todo momento.

Se trata de una comedia negra que crítica sin ningún pudor muchas lastras sociales y empresariales y hasta parodia su propio cine social. ‘El buen patrón’ no es una comedia cualquiera, puesto que aquí no hay puntada sin hilo. La trama no es solo entretenida sin más, es una historia atractiva que tiene un desarrollo que solo va in crescendo. Cada escena es maravillosa,

con diálogos hilarantes y secuencias muy divertidas.

‘El buen patrón’ es una película para disfrutar de verdad y reír a carcajada limpia con lo ingeniosa que resulta. Pero cómo no iba a funcionar una película así que cuenta con un impresionante Javier Bardem como el perfecto protagonista. Casi te olvidas del actor para centrarte en el personaje de Blanco. Javier Bardem vuelve a demostrar el enorme talento que tiene con una increíble interpretación que bien podría ser una de las mejores de su larga y brillante carrera.

Además, en ‘El buen patrón’ también podemos disfrutar -una vez más- de la presencia de Manolo Solo, quien siempre suma en todos los proyectos en los que participa. Asimismo, encontramos a una fantástica Almudena Amor, que sorprende con una encantadora y a la vez arrolladora interpretación. Es el segundo título que ha presentado la actriz en San Sebastián y no sorprende dadas sus desconocidas dotes para la interpretación. Por su parte, Óscar de la Fuente se pone bajo la piel de un personaje clave ofreciendo algunas de las escenas más memorables.

Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Tarik Rmili, Rafa Castejón, Celso Bugallo y Yaël Belicha, completan el reparto de ‘El buen patrón’.

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CRÍTICAS

‘Mediterráneo’: un relato necesario y sobrecogedor

Paloma Escudero

‘M

editerráneo’ es uno de los estrenos más esperados de este Festival de San Sebastián ya que ha sido preseleccionada para representar a España en los Oscars. Marcel Barrena escribe y dirige esta historia basada en hechos reales que cuenta el origen de la ONG Open Arms.

‘Mediterráneo’ está protagonizada por Eduard Fernández, Dani Rovira, Anna Castillo, Sergi López y Àlex Monner.

Otoño de 2015 en Badalona. Óscar (Eduard Fernández) y Gerard (Dani Rovira) son dos socorristas que deciden poner rumbo a Lesbos, en Grecia, impactados por la horrible imagen e un niño ahogado en las aguas del Mediterráneo.

En seguida Óscar sentirá la necesidad de viajar hasta allí para saber qué está pasando y ver cómo puede hacer algo por ayudar. Al llegar descubrirán una realidad demasiado sobrecogedora.

Miles de personas arriesgan cada día su vida cruzando el mar en precarias embarcaciones. Quieren llegar a Grecia huyendo de los conflictos armados que hay en su país de origen. Sin embargo, nadie ejerce ningún tipo de labor de rescate y sus vidas corren peligro en el mar. Junto a Esther (Anna Castillo), Nico (Sergi López) y otros miembros del equipo, lucharán por cumplir un cometido, dando apoyo a personas que lo necesitan. Para todos ellos este viaje marcará un antes y un después en su vida y supondrá una odisea que les cambiará por completo.

46 OCTUBRE 2021 · MW

Septiembre de 2021 y ‘Mediterráneo’ es una película muy importante y necesaria.

Hay historias que deben ser contadas y, por desgracia, esta es una de ellas. Este es uno de los grandes poderes del cine: dar voz a grandes historias y poner cara a personas como Óscar y Gerard, miembros de Open Arms. Todas las personas que se arriesgan ayudando a los refugiados son los verdaderos protagonistas de ‘Mediterráneo’.

‘Mediterráneo’ es una fantástica película que va directamente a lo que importa.

Tiene claro qué es lo que quiere contar y cómo quiere hacerlo, sin adornar nada.

Basándose en unos hechos que ocurrieron de verdad y en unas personas valientes que han cambiado muchas cosas. ‘Mediterráneo’ pretende quitar una serie de prejuicios absurdos y abrir los ojos a una sociedad que no siempre es consciente de todo lo que pasa.

Un largometraje muy humano y con mucha alma. ‘Mediterráneo’ emociona y estremece de una manera muy especial. Una película que te hace sentir una impotencia enorme por todo lo que está pasando y lo que sea hace -o no- por solucionarlo. ‘Mediterráneo’ es muy sobrecogedora por la realidad tan cruda que nos muestra. Si bien es una película muy comercial, esto es un punto a favor porque de esta forma más gente conocerá los hechos que retrata.

‘Mediterráneo’ es también en cierta manera un relato esperanzador porque nos enseña que, pese a todo, siempre hay gen-

te buena dispuesta a todo lo que esté en sus manos. No todo el mundo conoce a Óscar Camps ni su magnífica labor en Open Arms. Esta es una buenísima oportunidad para poner un poco de atención en un tema importante. Porque la fotografía de la que hablan recorrió Europa y a todos nos impactó de una forma u otra ver lo que pasa a tan solo unos kilómetros de nuestras casas.

No es un documental, pero casi lo parece.

Marcel Barrena es fiel a los hechos y a las personas de las que habla, con un guion muy estudiado, detallado y muy respetuoso en todo momento. Su dirección es impecable y se nota el enorme trabajo que hay detrás de un proyecto tan impactante como este.

Asimismo, Eduard Fernández está asombroso poniéndose bajo la piel de ese socorrista que un día dejó su vida de lado por salvar la de otros. Un actor carismático, con una energía y una naturalidad arrolladoras. Además, no podría estar mejor acompañado: Anna Castillo cambia un poco de registro con un papel muy emocional. Por su parte, Dani Rovira y Sergi López también destacan en cada escena.

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REPORTAJE

48 OCTUBRE 2021 · MW

MARIANA O

M A L O R I G I D - CREER EN SUS PERSONAJES fotografía ANA MÁRKEZ / asst. fotografía ANA MÁRKEZ texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo JAIRO VILLADA muah CRISTINA ALBARRÁN

Mariana Di Girolamo, la abrasiva “Ema” de Pablo Larraín, es ahora “La Verónica”. ¿Y quién es ‘La Verónica’? Una influencer de Instagram, como la Victoria Beckham de nuestro tiempo. Dentro de una película rodada únicamente a través de primeros planos que evocan a las interfaces digitales. Un salvaje juego de dobles realidades, falsedades y muchos puñales por la espalda. Un largometraje que toma la decisión de destapar la gran hipocresía de un mundo que vive de cara a una galería vacua y despiadada. Alejados de vivir el presente y solo hacerlo a través de una pantalla.

Verónica, una modelo muy popular en redes sociales, casada con una estrella internacional del fútbol, cae en desgracia cuando descubre que es la principal sospechosa en la investigación sobre el asesinato de su primera hija, ocurrido diez años atrás. Frente a la presión de la investigación, su matrimonio está al borde de la ruptura y comienza a sentir celos de Amanda, su hija recién nacida. De este gran proyecto hablamos con Mariana. Y de la profesión. De lo que supone vivir junto a la incertidumbre y de aquello que nunca rechazaría a favor de su oficio. mewmagazine.es 49

REPORTAJE

50 OCTUBRE 2021 · MW

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REPORTAJE

52 OCTUBRE 2021 · MW

“A LOS PERSONAJES HAY QUE CREERLOS, HAY QUE DEFENDERLOS” MEW Magazine (MW): ¿Una se termina acostumbrando a la incertidumbre de la profesión? ¿A no saber si el siguiente proyecto será o no el último, si llegará el siguiente?

Mariana Di Girolamo: Es difícil. La pandemia, por ejemplo, fue brutal para la cultura. La gente estuvo muy parada, con muy poco subsidio, muy poca ayuda. Escaseo el trabajo. De repente, se reactivó. De repente, nos vimos llenos de cosas, por suerte.

Pero es bastante inestable. Estás meses trabajando a ‘full’ y de repente tienes un vacío.

Quisiera no acostumbrarme. Quisiera que no fuera así.

MW: A la hora de construir un personaje, ¿se ha de escuchar a dicho personaje?

Mariana Di Girolamo: Varía demasiado con cada tipo de proyecto. Por ejemplo, en ‘Ema’ no trabajamos con un guion. A veces, hay un guion súper establecido y el director te dice que te quedes con eso. A veces tienes espacio o no para la improvisación.

He encontrado los personajes de manera muy distinto. Por ejemplo, en ‘Ema’ me encontré primero con su aspecto físico.

No hicimos trabajo de mesa. Me encontré con su pelo, con su ropa, con cómo caminaba. Mientras que con ‘La Verónica’ fue distinto. El primer encuentro fue con el guion.

A los personajes hay que creerlos, hay que defenderlos.

MW: ¿Es importante encontrar un movimiento corporal diferente a cada personaje?

Mariana Di Girolamo: Sí, completamente. A mí me gusta mucho el mundo de la danza y lo hice a nivel profesional para ‘Ema’.

Es igual de importante que la voz. Como camina, como mira…

MW: ¿Cómo fue construir a Verónica?

Mariana Di Girolamo: Vengo trabajando con el director hace bastante tiempo. Hemos hecho siempre películas muy insólitas.

Hicimos tres películas para realidad virtual, dos que aun no se han estrenado… Siempre me invita a hacer cosas distintas.

‘La Verónica’ es a cámara fija, en un plano medio. Todo el tiempo van a ver mi rostro.

Todo el tiempo. Y fue importante hacer todo el trabajo previo. Conocer a todo el equipo.

Sobre todo, para llegar a la película preparados y confiados.

Es una película bien distinta y revolucionaria en su formato.

Estábamos un poco asustados de que no funcionara y ha pasado todo lo contrario. Para mí, como actriz, fue muy desafiante. Mucho trabajo de texto. Tuve que estudiar un montón. 53 escenas y cada una es un plano secuencia. En un trabajo muy íntimo con la cámara.

MW: ¿Fue fácil el rodaje?

Mariana Di Girolamo: Fue súper especial en el contexto en el que grabamos la película. Fue en nuestro despertar social en Chile. Una revolución en mi país. El rodaje se vio un poco truncado por lo que estaba pasando. Se respetó nuestro deseo de manifestarnos y el rodaje se vio alargado.

El rodaje fue bastante cansado. Algunos inicios de días con sensación de vértigo, “¿voy a poder decir esta escena sin parar? ¿vamos a tener que parar mucho por mi culpa?”. Es cierto que necesité de mucho silencio.

MW: ‘La Verónica’ plantea una realidad muy cruda con todo lo que estamos viviendo en y por las redes sociales, ¿están sacando lo peor de nosotros?

Mariana Di Girolamo: Es un arma de doble filo. Y yo lo he vivido en carne propia. Por ejemplo, a la hora de informarme de algo les creo antes que a los medios de comunicación. Son muy poderosas en ese sentido, pero también generan mucha ansiedad.

Es la imposibilidad de estar viviendo el momento como disfrutar de ese instante de una buena comida sin tener que retratarlo para el mundo.

Hay que tener cuidado. Hay que manejarlo bien.

No puedo decirte si es bueno o malo, solo que hay que tener cuidado. Porque puede ser peligroso y te puedes ir a un hoyo.

MW: ¿Es importante, para ti, participar en proyectos que generen preguntas al espectador?

Mariana Di Girolamo: Sí, es importante y es un privilegio abordar mujeres como las que a mí me han tocado.

En el caso de ‘La Verónica’ doy vida a una madre que debe ser

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54 OCTUBRE 2021 · MW

Blusa, de Karl Lagerfeld. Vestido, de Zara. Calzado, de Baldinini. Broque, de Eugenio Loarce.

Traje, de Zara. Calzado, de Bershka.

Sombrero, de Esprit. Accesorios, de Karl Lagerfeld.

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REPORTAJE

“DOY VIDA A UNA MADRE QUE DEBE SER PERFECTA PARA EL MUNDO”

perfecta para el mundo. Porque la maternidad está colocada en un lugar donde solo vale la perfección.

MW: ¿Por qué nos cuesta tanto contar la realidad? En España vivimos como a una periodista como Samantha Villar que publicó un libro donde hablada de la realidad de la maternidad se la tachaba de “mala madre” por hablar de las cosas buenas y de las malas. No pasa nada por señalar aquello que no va a ser tan bueno o que directamente va a ser malo…

Mariana Di Girolamo: No pasa nada. Y es que a las mujeres, como le pasa a Verónica en ‘La Verónica’, les da pavor que la consideren una “mala madre”. Que es una de las peores cosas que te pueden decir cuando eres madre.

Quizá por la historia, por el patriarcado… ¿Qué es ser una buena madre? ¿Qué es ser una mala madre?

MW: ¿Qué parte de tu personalidad le hubieses dado a Verónica?

Mariana Di Girolamo: Le hubiera regalado un poco de temple.

MW: A pesar de la pasión que sientes hacia tu profesión, ¿a qué no renunciarías por ella?

Mariana Di Girolamo: A viajar. · · · Mariana Di Girolamo es una de esas actrices que hay que guardar en nuestra agenda. Por la calidad de sus personajes y por las grandes decisiones de participar en proyectos que siempre te cuestionan la vida. Quiénes somos y a dónde vamos. Una actriz que se reinventa con cada nuevo personaje. Al que siempre le da el cien por cien de su energía.

Body, de Mango. Chaleco, de Sofía Peralta.

Pantalón, de Commelle. Calzado, de Zara.

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Traje, de EDC. Calzado, de Bershka.

Accesorios, de TRIUM Jewelry.

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REPORTAJE

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Abrigo, de Karl Lagerfeld.

Accesorios, de TRIUM Jewelry.

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CINE

Netflix en el SSIFF69 La participación de Netflix en el Festival de Cine de San Sebastián ha sido clave

por PALOMA ESCUDERO / fotografías SSIFF69

etflix cada vez está más presente en los Festivales de cine más importantes del mundo y el Festival de San Sebastián no iba a ser una excepción. La plataforma ha presentado tres títulos en esta última edición: ‘Fue la mano de Dios’, ‘Distancia de rescate’ y ‘El poder del perro’. Los tiempos están cambiando y, por tanto, la forma de hacer cine también.

El gigante Netflix se ha impuesto ya como una de las grandes productoras capaz de sacar muchos -y muy buenos- proyectos adelante.

N

Ahora que ya se pueden presentar en los Festivales películas de la plataforma, parece que estas están empezando a aumentar. Y es que son las excepciones de todo el Festival ya que no tendrán un estreno en salas propiamente dicho sino que irán directamente a la plataforma para que todos puedan disfrutarlas. Teniendo en cuenta el aumento del consumo de Netflix, ya no es necesario que se estrenen en cines tras su paso por los Festivales ya que los espectadores las podrán ver igualmente.

60 OCTUBRE 2021 · MW

Netflix ha presentado en San Sebastián tres grandes títulos que tendrán una buenísima acogida en su estreno en la plataforma. Tenemos un thriller intenso y agónico; un relato dramático con las dosis necesarias de comedia; y un excelente y entusiasta western dramático. Tres apuestas rompedoras, de lo más sorprendentes y muy diferentes entre sí.

Schisa (Filippo Scotti), un joven que vive en Nápoles en los años ochenta. Sorrentino vuelve a la ciudad en la que nació para contar su historia más personal: un relato sobre el destino y la familia, los deportes y el cine, el amor y la pérdida.

En ‘Fue la mano de Dios’ el cineasta italiano consigue la combinación perfecta entre el drama y la comedia, pero alejándose de otros títulos suyos mucho más exagerados. Sorrentino hace gala de un humor brillante y muy inteligente. Se trata del filme más profundo, personal e íntimo del director. Ni si quiera el drama en la película es exagerado ni excesivo. No todo gira en torno a esto y por eso es emocionante y muy emotiva.

Paolo Sorrentino firma un gran regreso con ‘Fue la mano de Dios’. Asistimos también a un retrato muy bonito del nacimiento de su gran vocación y su sueño en la vida: ser director de cine. Sorprende un joven Filippo Scotti que refleja a la perfección la inocencia de la adolescencia y los inicios del director. Además, la ambientación y la estética de la película es impecable, trasladándonos a una hermosa Italia de los años 80.

Además, han sido tres de las películas más esperadas y aplaudidas, tanto por el público como por la crítica. Por un lado, Netflix ha traído a San Sebastián el ansiado regreso de Paolo Sorrentino: ‘Fue la mano de Dios’. Película protagonizada por Filippo Scotti, Toni Servillo, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Luisa Ranieri, Renato Carpentieri, Massimiliano Gallo, Betti Pedrazzi, Biagio Manna y Ciro Capano.

Por otra parte, Claudia Llosa ha presentado un thriller agónico sobre los miedos y la valentía de la maternidad.

‘Distancia de rescate’ es una adaptación de la novela homónima de Samanta Schweblin protagonizada por María Valverde, Dolores Fonzi, Germán Palacios, Emilio Vodanovich, Marcelo Michinaux, Guillermo Pfening y Guillermina Sorribes Liotta.

Amanda (María Valverde) decide pasar las vacaciones en un tranquilo pueblo argentino con su hija pequeña Nina.

‘Fue la mano de Dios’ es una comedia dramática en la que Paolo Sorrentino se enfrenta a la tragedia que marcó su vida cuando era un adolescente, la muerte de sus padres. La película narra cómo Maradona salvó indirectamente a Sorrentino de una muerte segura. ‘Fue la mano de Dios’ presenta la historia de Fabietto

Sin embargo, ella siempre está pendiente de su hija y preocupada por su bienestar, llevándolo todo al límite y al extremo. Una historia inquietante de almas rotas, peligros invisibles, y el poder del amor que sienta una madre por su hijo.

El tiempo se agota y el sonido y la música

parecen avisarlo todo el tiempo. La historia te atrapa gracias a una atmósfera envolvente que juega con lo onírico y lo que es o no real.

Sabes que algo terrible va a ocurrir pero no sabes el qué exactamente ni en qué momento y es con esto con lo que juega muy bien ‘Distancia de rescate’. Una película intrigante que te mantiene en tensión todo el tiempo. Asimismo, María Valverde está extraordinaria en un papel que se sale por completo de su zona de comfort.

Por si fuera poco, la australiana Jane Campion también ha estrenado en San Sebastián de la mano de Netflix: ‘El poder del perro’. La película ya se estrenó en el Festival de Venecia y obtuvo el León de Plata a la Mejor Dirección. Un western dramático protagonizado por Benedict Cumberbatch, Jesse Plemons, Kirsten Dunst, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Frances Conroy, Keith Carradine y Peter Carroll.

Los hermanos Phil (Cumberbatch) y George Burbank (Plemons) son las dos caras de una misma moneda. Phil es elegante, genial y cruel, mientras que George es impasible, quisquilloso y muy amable. Juntos son copropietarios de un enorme rancho en Montana. Un lugar en el que la figura de Bronco Henry, el mayor cowbow que Phil ha conocido jamás, es venerado. George se casará en secreto con Rose (Dunst), una viuda del pueblo. Entonces un sorprendido y furioso Phil comenzará una guerra sádica e implacable para destruirla utilizando a su hijo Peter como peón.

Jane Campion dirige un tenso y muy delicado western que bien merece un buen reconocimiento.

Una magnífica adaptación de la novela de Thomas Savage. ‘El poder del perro’ funciona muy bien como un clásico western en el que todo encaja. La música de Jonny Greenwood nos guía por una impecable película.

Benedict Cumberbatch brilla en el papel de este vaquero, siendo una de las mejores actuaciones de su carrera.

Un gran éxito por parte de Netflix, que estrena una extraordinaria película.

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CINE

ADAPTACIÓN CINEMATOGRÁFICA

La película requería llenar de gente el mundo de Evan. Fue una oportunidad para reflejar la realidad actual de los institutos de barrio y de las zonas de las afueras. Los adolescentes de hoy son la generación más diversificada racialmente de toda la historia de Estados Unidos.

por REDACCIÓN / fotografía Universal Pictures 62 OCTUBRE 2021 · MW

La adaptación de una novela, un relato o una obra de teatro a la pantalla siempre implica cambios. Lo que funciona contado de una forma no lo hace igual de bien en otro medio. Sin embargo, muy a menudo estos cambios son una oportunidad para enriquecer o dar más importancia a algunos personajes, y todos los responsables de QUERIDO EVAN HANSEN estaban entusiasmados con la idea. El núcleo central del musical permanece intacto, pero la película ha hecho posible que se profundizara en algunos aspectos de la historia y se mejoraran varias cosas.

El productor Marc Platt estudió cómo trasladar el musical a la gran pantalla y habló en repetidas ocasiones con Steven Levenson: “Steve es un gran dramaturgo, y también un guionista genial”, dice. “Empezamos con una idea muy cinematográfica centrada en la historia de Evan en el huerto de frutales – y el hecho de que se había inventado la historia de su rescate por parte de Connor cuando se cayó del árbol. No se descubre realmente qué ocurrió en el huerto hasta el final del musical. En el escenario no se ve lo que pasa en el huerto, solo se oye a Evan contarlo”.

del huerto, por fin vemos lo que ocurrió realmente porque Evan acaba confesando la verdad en la canción ‘Words Fail’. En cine podemos enseñar las tres versiones. Se lo dije a Steven y él hizo el resto”.

La adaptación cinematográfica hizo posible explorar la historia en formas imposibles de utilizar en un escenario. “¿Qué pasa con Evan cuando por fin reconoce que ha mentido?”, comenta Marc Platt. “¿Cómo se supera algo así? ¿Quién era realmente Connor y cómo saber más de él? Se podía sacar mucho partido de estos estupendos personajes y de una historia tan profunda. El recorrido emocional y la vida de los personajes se cruzan y se afectan mutuamente, lo que nos abría un sinfín de posibilidades”.

Volver a trabajar con las soluciones que habían encontrado para el escenario fue un reto para Steven Levenson.

“Todo puede mejorarse, pero habíamos resuelto algunos retos creativos de la mejor manera posible”, explica. “Y de pronto, hay que encontrar otras soluciones para los mismos problemas en un medio diferente. Para eso hace falta

“En una obra de teatro se tiende a quitar un máximo de detalles. En el guion me esforcé en buscarlos”

“Lo primero que le dije a Steve fue que imaginaba el principio de la película con imágenes fragmentadas de un niño corriendo”, sigue diciendo Marc Platt.

“No se sabe lo que pasa, pero trepa por un árbol y se cae. Por fin aparece la cara del personaje, que mira a cámara desde el suelo, y empiezan a oírse las primeras notas de ‘Waving Through a Window’”.

Marc Platt sugirió que esta misma escena volviera a verse a mitad de la película, pero desde una perspectiva diferente. “Esta vez no se ve una imagen fragmentada, sino toda la historia tal como la cuenta durante la canción ‘Forever’. Es la versión inventada de Evan.

Trepa al árbol y se cae, pero esta vez, cuando mira hacia arriba, su amigo le rescata. Y en la tercera y última escena

recordar lo que funcionó bien y estar dispuesto a reinventarlo si hace falta.

Utilicé ambas posibilidades”.

Steven Levenson también debió tener en cuenta aspectos muy específicos para la película. En un escenario, mucho se basa en la abstracción. Por ejemplo, dos paredes hacen un dormitorio, una mesa es un comedor. “En un guion, el mundo es mucho más detallado”, dice. “En una obra de teatro se tiende a quitar un máximo de detalles.

Pero al centrarme en el guion me esforcé en buscar los detalles que llenarían ese mundo”.

Ocurre lo mismo con los personajes.

En el musical, unos cuantos actores representan a los compañeros de Evan y tres adultos hacen el resto. Pero la pelí-

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64 OCTUBRE 2021 · MW

cula requería llenar de gente el mundo de Evan. Fue una oportunidad para reflejar la realidad actual de los institutos de barrio y de las zonas de las afueras.

Algunas técnicas narrativas funcionan de maravilla en los escenarios, pero son totalmente artificiales en una pantalla, algo que afectaba a las funciones de Connor Murphy. En el musical, Steven Levenson explica que “Connor regresa como una voz en la cabeza de Evan, lo que nos permite entrever las emociones que vive Evan en su recorrido. Decidimos muy al principio que no era factible para una película, era demasiado teatral. Tuvimos que encontrar otra forma de meternos en la cabeza de Evan”.

CANCIONES QUE SE PIERDEN, CANCIONES QUE APARECEN No todas las canciones del musical han llegado a la gran pantalla. “Cualquier canción en un musical realiza una función muy concreta propia del personaje, el relato y la puesta en escena”, explica Marc Platt.

“Pero eso no significa que vaya a funcionar en una película”.

Las canciones “Anybody Have a Map?”, “Disappear”, “To Break in a Glove” y “Good for You” no están incluidas en el guion cinematográfico.

“Lo curioso es que esto me gustó”, dice Steven Levenson. “Lo más difícil fue no tirarlo todo por la borda y empezar desde cero. Tuve una charla con Adam Siegel y le pregunté con cierta preocupación si debía adaptar cada frase. Me contestó que no. Y añadió: ‘Si adaptaras la obra de otra persona, solo conservarías lo que te apeteciera’.

Tenía la sensación de que debía volver a escribirlo todo, cambiarlo todo, hacer algo nuevo. Me sentí liberado cuando entendí que podía conservar lo que funcionaba”.

Benj Pasek y Justin Paul compusieron dos canciones nuevas para los personajes de Alana Beck (“Anonymous Ones”, cocompuesta con Amandla Stenberg) y Connor Murphy (“A Little Closer”). Pero Marc Platt y Steven Levenson se dieron cuenta de que no cabían todas las canciones en la película.

“Algunos temas son ‘de presentación’, el personaje no canta a nadie en particular, se vuelve hacia el público y canta”, explica

el productor. La canción “Does Anyone Have a Map”, cantada por Cynthia Murphy y Heidi Hansen mirando al público, acerca de las dificultades de educar a un adolescente es un perfecto ejemplo. “En una película no tiene cabida, es demasiado forzada y teatral”, acaba diciendo Marc Platt.

Cualquier canción que no pareciera auténtica y espontanea, por muy buena o querida que fuera, debía desaparecer en la película. “QUERIDO EVAN HANSEN es una película musical acerca de la vida actual”, añade Marc Platt. “Al contrario de otros musicales, no es un mundo de colores brillantes y tampoco transcurre en una época pasada, todo ocurre ahora. Trata de temas reales muy importantes en los que la vida está en juego”.

EVOLUCIÓN DE LOS PERSONAJES Las expresiones de los actores en un escenario no pueden ser las mismas que en el ambiente más intimista de una película, donde deben matizarse más. Se adaptaron todos los personajes de QUERIDO EVAN HANSEN y algunos – como Larry Mora, Jared Kalwani, Connor Murply y Alana Beck – fueron revisados y/o ampliados para las necesidades de la película.

En el musical, Larry Murphy es el padre biológico de Connor, pero en la película se convierte en Larry Mora, su padrastro, encarnado por Danny Pino. Cambiar esto

y dar el papel a Danny Pino refleja la realidad de muchas familias mixtas y abre una nueva dimensión a las relaciones familiares después de la muerte de Connor.

Jared Kleinman se ha transformado en Jared Kalwani, al que da vida Nik Dodani, y en la película es de ascendencia oriental y gay. Su amistad con Evan es aún más compleja y empática.

Connor Murphy, al que encarna Colton Ryan, tiene más importancia y peso en la película. En la obra de teatro es un solitario algo amenazante y enigmático, más real en la fantasía de Evan que en la realidad. Ahora vemos más al verdadero Connor y cómo era antes de que la rabia se apoderase de él.

En el escenario, Alana Beck parece una ambiciosa empollona, pero en la película se la ve desde detrás de su perfecta fachada. Interpretada por Amandla Stenberg, tiene más en común con Evan de lo que él imagina, y se descubrirá su soledad y aislamiento.

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CINE

LA IRA ES MÁS FUERTE: HALLOWEEN KILLS HACÍA TIEMPO QUE DAVID GORDON GREEN SOÑABA CON DIRIGIR UNA TRILOGÍA QUE PUDIERA SER LA PIEZA DEFINITIVA PARA ACOMPAÑAR A LA OBRA MAESTRA DE JOHN CARPENTER DE 1978

por REDACCIÓN / fotografías Universal Pictures Cuando el director David Gordon Green se despertó el lunes 22 de octubre de 2018, descubrió que su película La noche de Halloween, protagonizada por Jamie Lee Curtis en un regreso triunfal, había recaudado nada menos que 76 millones de dólares el fin de semana de su estreno, pulverizando todos los récords del género. En la versión de David Gordon Green, que transcurre 40 años después del clásico de 1978 dirigido por John Carpenter, Laurie Strode se niega a ser la víctima e intenta vengarse de Michael Myers, el monstruo que le robó la juventud y la persiguió durante toda su vida. La complicada historia de un trauma sin resolver, resistencia y empoderamiento despertó un nuevo fervor en los fans de Halloween en todo el mundo.

Malek Akkad – cuya empresa familiar, Trancas International Films, ha producido la saga Halloween desde el principio – y sus socios productores Jason Blum, de Blumhouse, y Bill Block, que tiene en su haber numerosos taquillazos -, descubrieron que la reacción del público había ido mucho más allá de sus expectativas.

“La genialidad de la película se debía a que todo encajaba: reunimos a Jamie Lee Curtis y a John Carpenter”, dice Malek Akkad. “Sabíamos que David había conseguido algo asombroso y que teníamos una gran película entre manos, pero no esperábamos que fuera recibida con tantas ganas. Fue un auténtico placer ver que no solo gustaba a los fans de siempre, sino a un público mucho más amplio”.

Hacía tiempo que David Gordon Green soñaba con dirigir una trilogía que pudiera ser la pieza definitiva para acompañar a la obra maestra de John Carpenter de 1978. La idea de hacer otras dos películas adicionales – HALLOWEEN KILLS y la entrega del año próximo, Halloween

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Ends - empezó a tomar forma incluso antes del estreno de La noche Halloween de 2018. Las tres películas solo se basarían en la película original de 1978 sin tener en cuenta ninguna de las siguientes secuelas, y las tres transcurrirían la misma noche.

David Gordon Green estaba convencido de que la única forma de hacer justicia a la historia de Laurie era volver atrás en el tiempo. “Si hemos hecho lo que debíamos, estas cuatro películas constituirán un arco dramático incomparable”, dice. “La de John Carpenter en 1978, la nuestra de 2018, y luego HALLOWEEN KILLS y la futura Halloween Ends. Los hilos conductores son mucho más que mero entretenimiento. Ofrecen más sustancia, son más relevantes, y si un personaje se ha escapado en una entrega, su papel será un poco más grande en la próxima”.

Los productores y el director sabían que el éxito de la primera entrega les permitía crear el arco dramático de las dos siguientes. Scott Teems se unió a Danny McBride y al director para escribir HALLOWEEN KILLS. “Una película tan exitosa como La noche Halloween nos permite a los tres trabajar hacia un capítulo más grande, más malvado y más loco”, explica. “Con HALLOWEEN KILLS queremos ofrecer algo mayor para los fans y también descubrir cosas nuevas”.

David Gordon Green y su socio creativo Danny McBride han visto la película de 1978 numerosas veces y sabían perfectamente qué personajes debían incluirse en HALLOWEEN KILLS. “Debíamos abrir la historia adentrándonos en el mundo de Haddonfield”, explica Danny McBride. “Queríamos que fuera un pueblo con vida, y para eso había que incluir a personajes de la película original y encontrar la forma de hacerlos participar”.

Al empezar a escribir, los tres guionistas tenían claro que debían estudiar las consecuencias de la violencia en toda

una comunidad. “En la primera entrega exploramos cómo le afectó a Laurie la matanza que realizó Michael Myers la noche de Halloween hace cuarenta años, y a su vez cómo había afectado a toda su familia”, dice Danny McBride. “En HALLOWEEN KILLS nos interesaba ver cómo había afectado esa misma noche a todo el pueblo. Por eso, David quería que la gente fuera parte de la historia”. En HALLOWEEN KILLS, Laurie ya no está sola, o no únicamente con su hija y nieta.

Ahora, todo Haddonfield lucha a su lado.

“ David capitanea el barco y Danny tiene una visión periférica de la trilogía. Eran incansables cuando se rataba de descubrir el núcleo de esta segunda entrega ”

Los tres guionistas crearon una estructura inesperada para la película, que empieza segundos después del final de la entrega anterior, cuando Laurie, a pesar de sus heridas, consigue atrapar a Michael Myers y dejarle quemándose vivo en el sótano de su casa. HALLOWEEN KILLS arranca con una escena donde los habitantes de Haddonfield aún no saben que el sanguinario Michael Myers ha regresado, uniendo a la perfección las dos películas. “Siempre me ha fascinado ver una historia dramática desde diferentes perspectivas”, explica Scott Teems. “Empezar HALLOWEEN KILLS por la mitad de la película anterior – desde el punto de vista de personajes que ni sabíamos que vivían en Haddonfield – aporta una tensión y una energía inesperadas. Le recuerda al público que la historia no solo es la de Laurie Strode. Sin embargo, todos los personajes están conectados con ella, lo que acabará conduciéndoles hacia el auténtico mal”.

El trío de guionistas demostró formar el equipo ideal. “Disfruto mucho con la tensión y la energía que aporta Scott para llevar la historia hacia delante”, dice el productor Jason Blum. “David capitanea el barco y Danny tiene una visión periférica de la trilogía. Eran incansables cuando se trataba de descubrir el núcleo de esta segunda entrega. Conocimos a Laurie hace 40 años y hemos seguido su recorrido, pero ¿qué pasa con los otros habitantes de Haddonfield, a los que Michael Myers también traumatizó? ¿Cómo se sienten al volver a estar en el punto de mira? No creo que haya otros tres narradores capaces de plasmar mejor semejante arco emocional y físico”.

El productor Bill Block también apreció que los guionistas incluyeran a las almas perdidas del pueblo y crearan un guion perfectamente equilibrado entre la emoción y el terror. Pero lo que más le sorprendió fue su habilidad a la hora de introducir pequeñas viñetas cómicas.

“Son muy conscientes de la necesidad de incluir momentos de alivio cómico entre imágenes tan brutales”, explica.

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CINE

La búsqueda interminable para curar enfermedades UN ESPECIALISTA EN ENFERMEDADES INFECCIOSAS DE PRESTIGIO MUNDIAL Y LÍDER EN SALUD PÚBLICA. por REDACCIÓN fotografías ©Disney+

Fauci, la película documental sobre el Dr. Anthony Fauci, el principal experto en enfermedades infecciosas y alto funcionario de Estados Unidos, se estrenará en exclusiva en el servicio de streaming de Disney+ el miércoles 20 de octubre.

Fauci, la película documental sobre el Dr. Anthony Fauci, el principal experto en enfermedades infecciosas y alto funcionario de Estados Unidos, se estrenará en exclusiva en el servicio de streaming de Disney+ el miércoles 20 de octubre.

Fauci ofrece una visión poco común sobre la extensa trayectoria profesional y sobre la vida personal de un funcionario al servicio de su país que, después de dedicar toda su vida a su vocación, se enfrenta a su mayor reto: una pandemia cuya ferocidad no tiene parangón en la historia moderna. Con su especial combinación de visión científica, franqueza e integridad, el Dr. Anthony Fauci se convirtió en un ícono cultural durante la pandemia del COVID-19. Pero también le ha pasado factura porque ha debido enfrentarse a ataques de adversarios en una nación cada vez más dividida por las

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estrategias de los partidos políticos, con la ciencia en el punto de mira.

El Dr. Fauci es un especialista en enfermedades infecciosas de prestigio mundial y el líder en salud pública con más años de servicio en Washington, DC, bajo siete presidencias. Ha supervisado la respuesta de Estados Unidos a 40 años de brotes, incluidos el VIH/SIDA, el SARS y el Ébola. Fauci de National Geographic Documentary Films, ha supuesto un acceso sin precedentes al Dr. Fauci, algo que ha permitido elaborar un retrato revelador e íntimo de un hombre al que solo se conocía por sus apariciones en las noticias.

La película, dirigida por los ganadores del Emmy John Hoffman (The Weight of the Nation, Sleepless

in America, Rancher, Farmer, Fisherman) y Janet Tobias (Unseen Enemy, No Place on Earth), producida por Alexandra Moss (Not Done: Women Remaking America), Jon Bardin (All In: The Fight for Democracy), con Dan Cogan, ganador del Oscar (Ícaro) y Liz Garbus, nominada dos veces al Oscar (What Happened,

Miss Simone?, The Farm: Angola, USA) como productores ejecutivos, se estrenó en varios cines de Estados Unidos el 10 de septiembre de 2021 en ciudades como Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Washington, D,C, y Nueva Orleans.

“Solo hay un Dr. Tony Fauci, y es un enorme privilegio ser los primeros en contar la historia de su vida y su carrera, incluida su búsqueda interminable para curar enfermedades y prevenir brotes”, han declarado Hoffman y Tobias.

La película cuenta con declaraciones del ex presidente George W. Bush, Bill Gates, Bono, la ex asesora de seguridad

nacional Susan Rice, el Dr. Francis Collins, director de los Institutos Nacionales de Salud, el Dr. Tom Frieden, ex director de los Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades, los periodistas Laurie Garrett y Apoorva Mandavilli del New York Times, así como relevantes activistas de la lucha contra el SIDA, entre otros. La familia, los amigos y los antiguos pacientes del Dr. Fauci también aportan comentarios más personales sobre el hombre y su personalidad.

“Janet y John han hecho un trabajo extraordinario desentrañando la personalidad de un hombre extraordinario que conozco desde hace 30 años”, afirma Peter

Staley, que aparece en la película y que es miembro fundador de ACT UP. “Como activista, creo que pasaré el resto de mi vida discutiendo con Tony Fauci, pero nunca dudaré de su compromiso con la salud pública, ni de su profunda decencia y humanidad”.

Fauci está dirigida por John Hoffman y Janet Tobias, cuyas carreras se han centrado en contar historias significativas e interesantes sobre la ciencia y la salud pública dentro del género documental.

En los últimos 36 años, Hoffman se ha especializado en conectar con un público preocupado por las enfermedades, comenzando con la prevención del VIH, las adicciones, el Alzheimer, la obesidad, el sueño y el papel de los NIH (Institutos Nacionales de Salud de Estados Unidos) a la hora de liderar los avances médicos.

La reciente película de Tobias, Unseen Enemy, fue una llamada de advertencia sobre la amenaza de una pandemia, que no debería haber pasado desapercibida.

Fauci es una producción de Alexandra Moss (Not Done: Women Remaking America) con montaje de Amy Foote (Padre, soldado, hijo) y Brian Chamberlain (Not Me, Murphy).

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CINE

69º FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN por PALOMA ESCUDERO / fotografías SSFF 70 OCTUBRE 2021 · MW

Ese año se ha celebrado la 69ª edición del Festival de Cine de San Sebastián. Del 17 al 25 de septiembre, la ciudad de Donosti se vistió de gala para uno de los festivales de cine más importantes del mundo. ‘Un segundo’, de Zhang Yimou fue la película inaugural; mientras que Daniel Monzón se encargó de clausurar el Festival con ‘Las leyes de la frontera’.

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l Festival de San Sebastián no solo es el festival de cine más importante de España sino que es uno de los referentes a nivel mundial. Por este festival pasan cada año grandes rostros del cine de nuestro país y también internacional. De aquí han salido grandes películas y muchos directores, directoras, actrices y actores, han visto cómo se les abrían las puertas a nuevos proyectos. Con todas las medidas necesarias, el Festival de San Sebastián no ha descansado para celebrar una fantástica edición. Ni si quiera el COVID ha podido frenar esta necesaria celebración del cine.

Durante nueve días San Sebastián se convierte en ciudad de cine para acoger a miles de personas que vienen dispuestos a disfrutar de las nuevas películas que se van a estrenar. El pasado 17 de septiembre, el aclamado director Zhang Yimou se encargó de inaugurar el festival con una atrevida propuesta: ‘Un segundo’. Por el contrario, fue un thriller español el que cerró estos días de cine. Daniel Monzón dirige y escribe ‘Las leyes de la frontera’, película que clausuró el festival.

Lo mejor de un festival como el de San Sebastián es que puedes ver todo tipo de cine porque aquí todo tiene cabida. Desde thrillers angustiosos y agónicos cuya atmósfera para atraparte como ‘Distancia de rescate’ de Claudia Llosa o ‘La Hija’ de Manuel Martín Cuenca. Pero también encontramos dramas muy profundos y personales como ‘Fue la mano de Dios’ de Sorrentino o comedias de lo más inteligentes y brillantes como ‘El buen patrón’. Y es que en esta nueva edición del Festival de San Sebastián hemos podido ver el regreso del gran Sorrentino, que no ha dejado a nadie indiferente y que ha emocionado y conmovido al público de San Sebastián.

Además, han pasado casi 20 años de ‘Los lu-

“ DURANTE NUEVE DÍAS SAN SEBASTIÁN SE CONVIERTE EN CIUDAD DE CINE PARA ACOGER A MILES DE PERSONAS ”

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CINE

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nes al sol’ y Fernando León de Aranoa vuelve a trabajar con Javier Bardem en una magnífica película que encumbra al actor como uno de los mejores de nuestro país. Por otro lado, el genio de Wes Anderson también ha presentado su especia película ‘La crónica francesa’. Si bien a nivel de contenido no es la mejor del director, sí que es una película muy bonita en la que el reparto está excelente. ‘Petite maman’ también ha tenido una cálida acogida en San Sebastián.

Una de las películas más especiales y originales de este festival ha sido ‘Quién lo impide’, de Jonás Trueba. A caballo entre el documental y la ficción, el director firma un acertado retrato de toda una generación. Louis Garrel ha estrenado ‘La croisade’, muy aplaudida por el público. Otra de las más alabadas ha sido ‘Maixabel, escrita y dirigida por Icíar Bollaín y protagonizada por Luis Tosar y Blanca Portillo.

Penélope Cruz y Antonio Banderas tampoco han querido perderse la 69ª edición del Festival de Cine de San Sebastián. Junto a Óscar Martínez, han presentado ‘Competencia oficial’, una crítica satírica al cine de Gastón Duprat, Mariano Cohn y Andrés Duprat. Y hablando de grandes estrellas… Jessica Chastain deslumbró a todos paseándose por la alfombra roja durante los últimos días del festival. La actriz presentó ‘Los ojos de Tammy Faye’, un fantástico biopic de telepredicadora. Jessica Chastain lo protagoniza junto a Andrew Garfiel y está dirigido por Michael Showalter.

Además, la gran Marion Cotillard también visitó la ciudad de San Sebastián para recibir un premio muy especial por su impecable carrera. Posteriormente a su entrega del premio, nuestro querido director Carlos Saura presentó su último cortometraje, ‘Rosa Rosae. La guerra civil’. Una de las películas más controvertidas y

que mayores expectativas generó es la francesa ‘Titane’, de Julia Ducournau. Y lo mismo ocurre con ‘Benedetta’, una impresionante y brutal película de Paul Verhoeven.

Otro de los grandes estrenos de esta edición ha sido ‘Mediterráneo’, una importante y necesaria película sobre los refugiados y el origen de la ONG Open Arms. Eduard Fernández, Anna Castillo, Dani Rovira y Sergi López hacen un gran trabajo gracias a la dirección y guion de Marcel Barrena. ‘Josefina’, ‘Érase una vez en Euskadi’, ‘Benediction’, ‘Arthur Rambo’, ‘Camila saldrá esta noche’, ‘Earwig’, ‘La caja’, ‘El empleado y el patrón’, ‘Las vacaciones de Hilda’ o ‘Mass’ son algunos de los títulos que se han presentado en el Festival de San Sebastián.

Asimismo, este año también ha habido hueco para las series y Alejandro Amenábar llegó con ‘La Fortuna’. Una ficción para Movistar+ protagonizada por Álvaro Mel, Ana Polvorosa, Stanley Tucci, Karra Elejalde y T’nia Mille. Y el programa ‘Raphaelismo’ de Rapahel.

Como viene siendo habitual últimamente, parece que las polémicas acechan y pueden surgir en cualquier momento. Y es que este año la organización del festival se arriesgó demasiado otorgando un premio a Johnny Depp por su trayectoria cinematográfica. Aunque se trata de un premio a su carrera como actor, es difícil no separar lo profesional de lo personal. Por tanto, este premio no agradó a todo el mundo y la visita de Johnny Depp fue un tanto agridulce.

PALMARÉS FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN ‘Blue moon’, la ópera prima de la rumana Alina Grigore, se alzó con la Concha de Oro en la 69ª edición del Festival de Cine de San Sebastián. La mejor interpretación – este año sin distinción de género- fue para Jessica Chastain por ‘Los ojos de Tammy Faye’ y Flora Ofelia por ‘As in heaven’. Además, Tea Linderburg ha sido la mejor directora por ‘As in heaven’. El elenco de ‘Quién lo impide’ se llevó el premio a la Mejor Interpretación de Reparto. Terence Davies el Mejor Guion por ‘Benediction’. Y la Mejor Fotografía ha sido la de Claire Mathon en ‘Undercover’. Un palmarés bien liderado por mujeres.

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CRÍTICAS

‘La fortuna’: una serie ambiciosa y sorprendente de Amenábar

Paloma Escudero

T

cree y defiende.

‘La Fortuna’ está basada en ‘El tesoro del Cisne Negro’, un cómic de Pablo Roca y Guillermo Corral. Álex Ventura (Álvaro Mel), es un joven e inexperto diplomático que trata de hacerse un hueco en el Ministerio de Cultura. Sin proponérselo y de la noche a la mañana, se convertirá en el líder de una misión que pondrá a prueba todas sus convicciones. Tendrá que recuperar el tesoro submarino robado por Frank Wild (Stanley Tucci), un aventurero que recorre el mundo saqueando el patrimonio de las profundidades del mar.

Pero Álex no estará solo ya que contará con la ayuda de Lucía (Ana Polvorosa), una funcionaria de armas tomar que tiene sus ideas y sus objetivos muy claros.

Además, también estará con ellos Jonas Pierce (Clarke Peters), uno de los mejores abogados norteamericanos que ayudará al Ministerio español a recuperar lo que es suyo. Álex se verá envuelto en la aventura de su vida, descubriendo la importancia del amor, la amistad y, sobre todo, el compromiso con todo en lo que uno

Para ello tendrán que demostrar que el tesoro encontrado es suyo y es aquí donde comienza una entretenida búsqueda e investigación. No hay duda de que ‘La Fortuna’ es una grandísima producción y el resultado es una serie impecable a nivel técnico. Se nota el enorme despliegue de medios y todas las posibilidades con las que ha contado el director para desarrollar la miniserie. Se nota la mano de Amenábar, con una dirección muy cuidada. Es por eso por lo que ‘La Fortuna’ tiene aires de grandeza y trata de ser una serie bastante épica, ayudada por una banda sonora maravillosa.

ras conquistar las salas de cine con sus películas, Alejandro Amenábar se lanza a dirigir ‘La Fortuna’, una miniserie de 6 episodios. Se trata de un proyecto internacional de lo más ambicioso que espera conquistar también al público de fuera de España. El reparto de ‘La Fortuna’ está encabezado por Álvaro Mel y Ana Polvorosa, acompañados por Stanley Tucci, Clarke Peters, T’Nia Miller, Karra Elejalde, Juan Carlos Vellido, Manolo Solo, Blanca Portillo, Pedro Casablanc, entre otros.

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‘La Fortuna’ se presenta así como una serie de investigación y de aventuras con piratas modernos que saquean el mar con submarinos de alta tecnología. La premisa de la que parte la serie es bastante interesante ya que no parece la típica historia de aventuras y de tesoros robados. Aquí hay una lucha de intereses y dos bandos muy definidos: la empresa para la que trabaja Frank Wild y el Ministerio de Cultura español que decide recuperar lo que cree que le han robado.

Visualmente es una serie muy atractiva, con una fotografía de Alex Catalán y unos planos muy vistosos, especialmente cuando se remontan al pasado de la historia de España. El guion también está firmado por Amenábar junto a Alejandro Hernández. Aquí quizás falla un poco más en algunos diálogos que no terminan de funcionar, así como interacciones entre

personajes demasiado forzadas. Pero ‘La Fortuna’ también tiene algunos chascarrillos que le quitan seriedad de forma natural y llevadera.

Toca hablar también del reparto de ‘La Fortuna’. Primero encontramos a Álvaro Mel, a quien encuentro bastante cómodo en el papel protagonista. El actor comparte con su personaje esa inocencia y hasta timidez al ser su primer papel protagonista en un trabajo audiovisual. Además, es el contrapunto perfecto para la veterana Ana Polvorosa, quien se sale de su zona de confort y me gusta mucho lo que hace en ‘La Fortuna’.

Encontramos también a Juan Carlos Vellido como un fantástico asesor del Ministro de Cultura, interpretado por Karra Elejalde. Los dos protagonizan algunos de los diálogos más divertidos de la serie. Una vez más Manolo Solo consigue captar toda las miradas sin ser ni siquiera el protagonista; es un gusto verle trabajar tan bien. Además, ‘La Fortuna’ se completa con un reparto internacional liderado por Stanley Tucci, Clarke Peters y T’Nia Miller.

‘La Fortuna’ es una de las series más esperadas y aunque hay cosas que chocan un poco y no terminan de casar, en general es una serie que no va a decepcionar. Es muy entretenida y la brevedad de los capítulos (45 minutos) ayuda a que sea una serie que disfrutes viendo y que quieras continuar capítulo a capítulo. ‘La Fortuna’ tiene un buen comienzo y parece que el desarrollo no va nada mal encaminado.

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REPORTAJE

Camisa y pantalón, de ENNEGES. Calzado, de XREBBELS. Reloj, de Bulgari.

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fotografía ANA MÁRKEZ / asist. fotografía DAVID VICARIO / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo JAIRO VILLADA muah CRISTINA ALBARRÁN / localizaciónuah HOTEL DOUBLETREE

Á L VA R O MEL MEW Magazine (MW): ¿Cómo llega ‘La Fortuna’ hasta tus maUN HÉROE nos? ¿Cómo llega esta oportuniANÓNIMO dad? Álvaro Mel: Pues a través de un primer casting. Con Yolanda y Eva. Para mí, dos de las mejores directoras de casting que hay en España. Y siempre han tenido como un papel preparado para mí. Fueron las priEl ganador del Oscar® Alejandro Amenábar está al frente meras que me descubrieron. Y luego he seguido de este ambicioso proyecto internacional protagonizado por haciendo casting con ellas. Así llegó el primer casÁlvaro Mel, como el joven diplomático Álex Ventura, y Ana ting de ‘La Fortuna’ y sin saber que era para ‘La Polvorosa, en el papel de Lucía, su compañera de trabajo Fortuna’. Sin saber que era un proyecto con Aley aventuras. ‘La Fortuna’ cuenta además en su reparto con jandro Amenábar. reconocidos rostros populares del cine y la ficción norteamericana como el nominado al Oscar® por ´The Lovely BoTras ese casting hubo una llamada de mi reprenes’ Stanley Tucci, en el papel del cazatesoros Frank Wild; sentante diciéndome que el director quería verme Clarke Peters (‘Da 5 Bloods: Hermanos de armas’´), como el porque le había gustado mucho el casting. Y me abogado Jonas Pierce y T´Nia Miller (La maldición de Bly reuní con Alejandro. He de decir que cuando me Manor), como la abogada Susan McLean. El elenco prinenteré que era con él los nervios me invadieron un cipal se completa con Karra Elejalde, Manolo Solo, Blanca poco.

Portillo o Pedro Casablanc, entre otros.

‘La Fortuna’ es de esas propuestas que te dejan con un buen sabor de boca.

De esas series que muestran que hay formas muy diferentes de contar historias. Donde cada personaje tiene su peso y algo mucho más importante, su humanidad.

Nos reunimos con Álvaro Mel para hablar de esta oportunidad junto a Alejandro Amenábar, de lo que ha supuesto dar vida a Álex Ventura y de cómo afrontó un rodaje desde el cual lo cuidaron desde el inicio. Porque al final el resultado final tiene mucho que ver con la calma, serenidad y buen hacer de esos días de grabación.

· · · Álex Ventura, un joven e inexperto diplomático, se ve convertido sin proponérselo en el líder de una misión que pondrá a prueba todas sus convicciones: recu-

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REPORTAJE

Mono, de BREA. Calzado, de Bershka.

Accesorio, de GIRATI.

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Traje, de BREA. Camisa, de ENNEGES. Cinturón, de Lacoste. Calzado, de Bershka. Accesorios, de Bulgari.

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AUNQUE SEAMOS HÉROES ANÓNIMOS TAMBIÉN SE PUEDEN HACER LAS COSAS BIEN

perar el tesoro submarino robado por Frank Wild, un aventurero que recorre el mundo saqueando el patrimonio común de las profundidades del mar. Conformando un singular equipo con Lucía, una funcionaria de armas tomar, y Jonas Pierce, un brillante abogado norteamericano apasionado por las viejas historias de piratas, Álex emprenderá la aventura de su vida, descubriendo la importancia del amor, la amistad y el compromiso con aquello en lo que uno cree.

··· MW: ¿Recuerdas desde dónde partiste para construir al personaje? Álvaro Mel: Con el personaje comparto ciertas cualidades y una vez supe que estaba inspirado en el comic de Paco Roca, me lo leí mil veces y ahí sí que empecé a sacar similitudes con el personaje.

Es verdad que luego con el personaje construyo un paralelismo que es…él se ve al frente de una operación y yo me veo al frente de una producción. Es un poco como que vamos de la mano. Y el personaje va teniendo una evolución y yo en el rodaje, cada vez, me iba sintiendo más cómodo. Y como la grabación ha sido cronológica, Álex Ventura ha ido madurando al mismo ritmo que yo me iba sintiendo más a gusto.

MW: Entonces, ¿fue fácil empatizar con Álex Ventura? Álvaro Mel: Fue fácil en cuanto a ciertos valores, aunque hay otros que no comparto con él y esos son los que hay que trabajar.

MW: ¿Qué significa para ese Álex, esa Lucía? Álvaro Mel: Creo que es algo recíproco porque ellos se creen, dentro de su ámbito, que lo saben todo. Álex lo está en su mundo académico y Lucía en el mundo real. Ella sabe cómo manejar a los funcionarios que están ahogados, que no tienen ilusión.

Lucía para Álex es encontrarse a sí mismo en cuanto a valores. Choca continuamente con ella para construirse. Y al final de tanto aflojar y tirar se van conociendo el uno al otro, persiguiendo un bien común.

MW: A Álex Ventura siempre lo vemos apacible, sereno, contenido, ¿ha sido fácil ejecutarlo? Álvaro Mel: Creo que sí porque al final soy algo similar y es como que los nervios van un poco por dentro. En los pri-

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meros capítulos está un poco más nervioso, pero luego los nervios van por dentro cuando debe de manejar la situación.

MW: En ‘La Fortuna’ todo encaja perfectamente. Hay diferentes tramas, pero todas ellas te van sumando información… Álvaro Mel: Todo va encajando perfectamente y es lo que dijo Manolo Solo en San Sebastián haciendo referencia a otro compañero de profesión y es el hecho de que cuando ves una historia y puedes prescindir de un personaje, realmente ese personaje no hace falta. Aquí pasa un poco lo mismo. Creo que todas las tramas atraen tanto porque cualquier personaje tiene humanidad.

MW: ¿Cómo recuerdas el rodaje? Álvaro Mel: Para mí fue muy fácil. Empatizaron mucho conmigo. Me cuidaron mucho desde el primer día de rodaje.

Un primer día que fue para tomar contacto con el equipo y donde simplemente iban a ser unas pruebas de cámara, pero donde esas primeras pruebas de cámara se convirtieron en el primer día de rodaje. Una sola secuencia metido en el coche cuando Álex va hasta la iglesia.

En el rodaje había un gran ambiente. Una gran calma. Y eso hacía que trabajaras de una forma más libre, aunque estuviese todo marcado.

MW: ¿Dónde reside la esencia de ‘La Fortuna’? Álvaro Mel: Lo que defiende Alejandro, salir de nuestra burbuja. Y que desde España y con nuestra cultura podemos hacer las cosas bien. Es decir, aunque seamos héroes anónimos también se pueden hacer las cosas bien. Por muy poquitas veces que salgan las cosas, se pueden intentar.

MW: ¿Qué extraes tú de ese Álex Ventura? Álvaro Mel: Aparece siendo alguien que no se ve capaz, pero luego acaba viéndose como alguien capaz. Lo acaba consiguiendo. Como alguien satisfecho. Como alguien orgulloso. Él se queda con que ha conseguido lo que quería.

· · · Álex Ventura nos habla de lo importante de la constancia y perseverancia. Nos lleva sigilosamente hacia un desenlace que premia la valentía. El esfuerzo. Álvaro Mel le da vida y nos lo creemos con creces.

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Camiseta y pantalón, de BRAIN & BEAST. Calzado, de Karl Lagerfeld. Reloj, de Bulgari.

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para satisfacer todas las necesidades de los clientes, pero siempre manteniendo el estilo formal y cuidado que caracteriza a la marca. Además, tienen un sello personal que muy pocas veces verás en otros hoteles: sus empleados estarán encantados de ofrecerte una galleta de chocolate como cortesía a su bienvenida. ¿No es esta una manera maravillosa de comenzar su viaje?

El hotel alberga en su interior el restaurante “Kirei Las Cortes” perteneciente al grupo Kabuki, donde podrás disfrutar de la fusión culinaria de productos mediterráneos y japoneses. Además, en el restaurante los huéspedes podrán disfrutar de los desayunos del hotel y del menú de “room-service”.

Su localización es inmejorable tanto si viajas por negocios o para hacer turismo, ya que se sitúa a tan solo un paso del Paseo del Prado que alberga los tres museos más importantes de la ciudad: El Museo Thyssen-Bornemisza, El Museo del Prado y El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. A su vez, está muy cerca de la estación de metro y de cercanías de “Sol”, que conecta con los principales de la ciudad.

Numerosos viajeros de todo el mundo encuentran en este hotel lo que están buscando: confianza de una marca mundialmente conocida por su prestigio, sencillez y buen trato.

En el corazón Barrio de Las Letras en Madrid, se encuentra el hotel DoubleTree by Hilton Madrid-Prado, antiguo edificio construido en la década de los años 30 y renovado e inaugurado en el año 2017. Estiloso hotel boutique de 4 estrellas que pertenece a la cadena internacional Hilton Worldwide y cuenta con 61 habitaciones decoradas al más puro estilo minimalista ofreciendo todo tipo de detalles al huésped.

Todas las habitaciones son dobles con diferentes tipos de cama

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COMPROMISO CON LA MARCA El hotel DoubleTree by Hilton Madrid-Prado pertenece al grupo internacional Hilton y por lo tanto, sus huéspedes pueden disfrutar del programa de fidelidad Hilton Honors, que cuenta con más de 100 millones de miembros de todo el mundo.

RECONOCIMIENTOS Y PREMIOS DoubleTree by Hilton Madrid-Prado obtuvo en el año 2019 el certificado “Hospitality Excellence Award” que les categoriza como hotel con mejor servicio de la marca DoubleTree by Hilton en toda la región de EMEA. Un premio bien merecido debido a sus buenos resultados en satisfacción al cliente.

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SERIES

El fenómeno ‘Toy Boy’ en el Iberseries Platino Industria

Álex González, Jesús Mosquera, Cristina Castaño, María Pedraza y Federica Sabatini encabezan el reparto. Regresan Carlo Costanzia, Jose de la Torre y Raudel Raúl. por REDACCIÓN / fotografías AtresPlayer

Imperio en Costa del Sol Todo apunta a que el asesino de Triana está en el One Per Cent, el nuevo club de striptease de lujo de Marbella. Así que los Toy Boys comienzan a bailar allí, dispuestos a descubrir la verdad. El Turco y Rania, los dueños del club, no están dispuestos a dejar que nadie destape los secretos de su local.

Al fin y al cabo, es imposible construir un imperio en la Costa del Sol sin mancharse las manos de sangre.

De esta forma regresa Álex González tras su participación en ‘Tres Caminos’ (Amazon Prime Video) o ‘Fuimos canciones’ (Netflix). Una vuelta que nos recuerda a participaciones similares como ‘El Príncipe’ o ‘Vivir sin permiso’.

La segunda temporada del fenómeno ‘Toy Boy’ se ha presentado esta mañana en el festival Iberseries Platino Industria. La serie estrenó su primer capítulo este domingo en ATRESplayer PREMIUM, que continúa haciendo cada vez más grande su catálogo.

La plataforma de pago de Atresmedia sigue ofreciendo las series españolas de mayor éxito internacional y ofrecerá semanalmente un nuevo capítulo de esta segunda temporada de ‘Toy Boy’.

Las grabaciones de la segunda entrega de la exitosa serie de Atresmedia arrancaron en abril en la Costa del Sol, un escenario de lujo que ha acogido el rodaje por diferentes localidades de la zona. La nueva temporada de ‘Toy Boy’ está producida por Atresmedia TV en colaboración con Plano a Plano.

Una segunda temporada que mantiene, prácticamente, a todo su elenco encabezado por Jesús Mosquera, Cristina Castaño y María Pedraza. Álex González, fichaje estrella, se sumó como protagonista en esta nueva entrega a la que también se ha incorporado la actriz italiana Federica Sabatini (‘Suburra’).

Junto a ellos, el elenco de ‘Toy Boy’ se completa con Jose de la Torre, Carlo Costanzia, Raudel Raúl Martiato, Juanjo Almeida, Pedro Casablanc, María Pujalte, Adelfa Calvo, Miriam Díaz-Aroca, Jose Manuel Seda, Eduardo Velasco y Maxi Iglesias.

Además, la segunda temporada de ‘Toy Boy’ contará con la participación en varios capítulos de numerosos actores conocidos, entre los que destacan Enrique Arce, Paco Marín, Ibrahim Al-Shami, Toni Zenet, Juan Betancourt o Joaquín Nuñez.

Los nuevos episodios de ‘Toy Boy’ podrán verse cada domingo en exclusiva en ATRESplayer PREMIUM y, tras su emisión en esta plataforma, llegarán a todo el mundo de la

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mano de Netflix tras el acuerdo alcanzado entre Atresmedia y el operador internacional tras el gran éxito logrado dentro y fuera de España con la primera temporada.

‘Toy Boy’ está creada por César Benítez, Juan Carlos Cueto y Rocío Martínez. Los productores ejecutivos de esta segunda temporada serán Montse García, César Benítez, Emilio A. Pina y Emilio Amaré, junto con Pablo Roa y Fernando Sancristóbal, quienes también se encargan de la coordinación de guion, en un equipo que completan los guionistas Fran Carballal, Nerea Gil, Enrique Lojo, Pablo Manchado y Verónica Marzá. Lucía Alonso-Allende es coproductora ejecutiva de la serie.

La dirección correrá de nuevo a cargo de Javier Quintas (‘La casa de papel’), a quien en esta segunda temporada se suma la directora Laura M. Campos (‘Valeria’). Por su parte, Johnny Yebra será el director de Fotografía y David Jareño, el director de Producción.

Esta segunda temporada de ‘Toy Boy’ se unirá en exclusiva al cada vez mayor catálogo de ficción española de ATRESplayer PREMIUM, al que no deja de llegar nuevo y exclusivo contenido. La plataforma de pago de Atresmedia ha sido la que más nuevas series españolas ha emitido en las últimas temporadas y con esa misma apuesta por la ficción española arranca el otoño. ¿Qué veremos en esta nueva temporada? ¿Desde dónde parte la nueva trama? Recordemos que Hugo Beltrán ha conseguido demostrar su inocencia por el asesinato de Philip Norman. Pero los enemigos que se ha ganado en el proceso han querido cobrarse su deuda.

Una bomba en el Inferno ha destrozado los sueños de los Toy Boys y dejado a Triana al borde de la muerte. Y Hugo no puede permitir que el responsable salga impune.

Contará con la participación en varios capítulos de numerosos actores conocidos como Enrique Arce, Paco Marín, Ibrahim Al-Shami, Toni Zenet, Juan Betancourt o Joaquín Nuñez.

Pero, ¿quién ha podido ser? Aunque las heridas entre los Rojas y los Medina siguen abiertas, parece que por el momento han enterrado el hacha de guerra. Macarena ha desaparecido de la ciudad para desintoxicarse en una clínica de su adicción al sexo, el comisario Zapata se ha jubilado y Benigna está demasiado ocupada intentando mantener el control de Medina-Rojas.

Recordemos que la primera temporada de ‘Toy Boy’ no contó con los mejores resultados en audiencia. Ni dentro de la plataforma estrella de Atresmedia ni en el prime time de Antena 3. Pero gracias a la época que estamos viviendo con las plataformas, las series e incluso las películas tienen mucha más vida.

Y mucha más esperanza para poder continuar desarrollando tramas. Así ha sucedido con ‘Toy Boy’ que tras su paso por Netflix, ha encontrado a su público. Lo que le ha valido para seguir generando estos nuevos capítulos.

No es que en las plataformas todo valga. Lo que sí es cierto es que hay más público y mucho más variado. Por lo tanto, hay más opciones. Se abre el abanico que hasta bien poco era algo impensable.

‘Toy Boy’ está dirigido a un público muy concreto. Quizá a ese que quiere ver algo sencillo y fácil. Rápido de digerir. Una de esas tramas que no requiere de un exceso de preguntas, ni tampoco ciertas certezas. Una historia de guapos y guapas con estupendos cuerpos que se entremezclan con grandes decorados. En su primera temporada con un exceso de silencios sin sentido que esperemos que en esta segunda haya quedado solventado. Porque parece que hay historia, pero se va diluyendo.

Quizá metidos en un sin sentido o en algo que se fue de las manos.

Lo dicho, es una propuesta sencilla. Fácil. Algo que se consume en un fin de semana sin requerir de tu atención al cien por cien. Y este tipo de proyectos también deben de tener cabida. Porque hay público para todo y para cada etapa.

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EN CONTRAPORTADA

HUGO CATALÁN

Total look, de Merkabá (Step on Fashion Showroom).

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EN EL CAMINO DE ENTENDER LA VIDA

H

fotografía KARLA BOCANEGRA / asst. fotografía JAVIER PÉREZ / texto y entrevista P. GUERGUÉ maquillaje REN RODRÍGUEZ / localización ORGÁNICO HOTEL BOUTIQUE

ugo Catalán, uno de los protagonistas en la serie “El juego de las llaves”, está aprendiendo a ser tendencia, a pesar de que el actor tiene casi 20 años de carrera, y ha sabido construir una sólida carrera dentro de la interpretación.

Incluso desafiando el racismo y los estereotipos vigentes en la escena mexicana. Demostrando que cuando se tiene talento, no importan ni los rasgos ni la apariencia, sino la pasión. La perseverancia o la constancia.

El actor, nacido en la Ciudad de México hace 39 años, ha formado parte de producciones como “La casa de las flores”, “Amarres”, “Falsa identidad” y “Su nombre era Dolores, la Jenn que yo conocí”.

Hace pocas semanas se estrenó en streaming la segunda temporada de la erótica y controvertida “El juego de las llaves” donde interpreta a Leo. Un tipo que no te deja indiferente e impredecible. Capaz de cometer las mayores locuras.

MEW Magazine (MW): ¿Qué ha significado la interpretación para ti?

Hugo Catalán: Un camino de entender la vida.

Desde siempre. Es el sitio donde siento libertad creativa para poder dar salida a ciertos sentimientos y emociones. Es bien liberador el camino del intérprete en ese sentido.

Para mí es una necesidad más que un trabajo. No podría no ser actor.

MW: ¿Y cómo está siendo el camino? ¿Fácil?

Hugo Catalán: No, nunca es fácil. Si fuera fácil no sería tan placentero cuando las cosas van bien.

México es un país muy racista y muy clasista. Yo no lo he tenido fácil. Lo digo abiertamente porque me repugna que siga ocurriendo en el año

2021. Que sigan existiendo etiquetas o que te encasillen en ciertos personajes por un tema racial.

Aparte de eso, no es sencillo porque es como una montaña rusa. Y los intérpretes nos tenemos que volver creadores. Porque no puedes entregar el poder a la gente que produce las cosas. Y que te escojan porque te pareces a…

MW: ¿Y uno se habitúa a la incertidumbre?

Hugo Catalán: No, nunca te haces a la idea. Es siempre un comenzar de cero. Terminas un proyecto agotado, contento y amanece al otro día y ya estas en el punto cero.

En la interpretación no hay un fin. No hay un tiempo lineal. No vas a ninguna parte.

MW: ¿Dar la bienvenida a un personaje es más fácil que despedirse?

Hugo Catalán: Sí, más fácil, más grato. Dejar ir es un poco más difícil.

MW: Ahora podemos verte en la segunda temporada de ‘El juego de las llaves’, pero me gustaría saber cómo construiste tú a Leo en su momento.

Hugo Catalán: Empezó con las audiciones. El personaje está inconforme todo el tiempo. Enojado. Y de repente yo entre en esa misma dinámica dentro de las propias audiciones. Entré en la misma línea que el personaje.

Leo es una caricatura de un intelectual de izquierdas. Hacerlo me divierte muchísimo. En la primera temporada salgo desnudo, en una escena, a armársela a un policía en la calle (Risas).

Son cosas como bien liberadoras, ¿no?

MW: Fue fácil empatizar con Leo… Hugo Catalán: Sí, sí, me considero una persona no tan radical, pero siempre en busca de un mundo un poco más equilibrado. Me gustaría que las cosas fuesen un poco más igual para todos, ¿no?

Trato de hacer el bien a los demás. E intentar hacer bien mi arte, mi trabajo.

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94 OCTUBRE 2021 · MW

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EN CONTRAPORTADA MW: ¿Qué parte de la personalidad de Leo robarías para ti?

Hugo Catalán: Esa desfachatez que tiene. Sin pensar en las consecuencias. En esta segunda temporada Leo se convierte en stripper. Y no sabes lo que lo gocé.

Es tan divertido…me lo pasé tan bien.

Me he convertido en una persona mucho más saludable. Mi cabeza se despejó más.

MW: Leo siempre nos deja con la boca abierta…es imprevisible.

Hugo Catalán: Ha sido muy divertido y estoy muy agradecido. Tomaron el riesgo de darle una vuelta a mi personaje.

Pasó de ser un tipo radical a estar arrastrando el culo por el piso. Es algo maravilloso (Risas). Además, es que a mí me encantan los retos. Y Leo fue todo un reto.

‘El juego de las llaves’, en su segunda temporada, es irreverente y muy divertida. Mucho.

Con unos personajes que ya conocemos y que a pesar de ello nos siguen sorprendiendo con sus tomas de decisiones y sus locuras inesperadas.

Hugo Catalán está perfecto junto a un Leo que lo saca de su zona de confort. Con el que disfrutamos desde los primeros segundos y a quien acompañados, a lo largo de todos los capítulos, con una sonrisa en la cara.

· · ·

MW: Esta segunda temporada me parece mucho más divertida que la primera…

Hugo Catalán: Creo que sí, que intentó ser más divertida. Pero yo no tengo un ojo objetivo la verdad, porque veo mis escenas y algún que otro detalle más, pero no tengo la visión del espectador.

Hicimos una temporada muy digna.

Encima en el pleno pico de la pandemia. Porque ahora las filmaciones han encontrado la forma de filmar. En ese momento estábamos inventándonos el protocolo. Por supuesto, todo lo llevábamos al extremo, casi como en una película de Spielberg.

Disfruté mucho esta segunda temporada. Los primeros episodios los vi ya como cuatro veces.

MW: ‘El juego de las llaves’ muestra a personajes imperfectos, que cometen errores pero con el mensaje de…siempre se puede volver a empezar.

Hugo Catalán: Eso es bien lindo de la serie. Como el personaje de Adriana que hace Maite. Siempre hay la opción de buscar nuevos horizontes. Eso es lindo.

Igual que el mismo Valentín. Creo que esas historias vienen bien al espectador.

Vemos las ficciones para entender la vida. Y definitivamente hay gente que se identifica con la serie y que le ayuda.

MW: ¿Qué has aprendido tú de ese Leo en estas dos temporadas?

Hugo Catalán: Haber hecho a Leo ha mejorado mi vida, en muchos sentidos.

96 OCTUBRE 2021 · MW

“Vemos las ficciones para entender la vida”

Abrigo, de DN Di Nuovo.

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SERIES

‘Madres’, dar tanto amor como vida por

Hay en ‘Madres’ algo tan dulce como doloroso. El amor. Ese que todo lo puede, pero que también necesita de un tiempo y de un respiro. Siempre he dicho y diré que lo que una madre perdona a un hijo no se lo perdona a nadie. Y viceversa. Quizá por el cordón umbilical o por lo que sea...que se une cuando un bebé comienza a gestarse en el vientre de una mamá. Lo cierto es que en ‘Madres’ hemos estado bailando al son de cada una de nuestras emociones. A ratos hemos estado a favor de esas madres que, un buen día, deciden desprenderse de su vida y entregarla.

En otros momentos hemos querido arropar a esos hijos un tanto perdidos. Todo ello desde una visión femenina que ha hecho posible que recibamos esta historia de otra forma.

Con otra mirada. Un enfoque diferente. Poniendo el foco en otros sitios. En otros lugares. Porque, quizá, lo que se viva dentro de un hospital no se viva en ningún lugar más.

Seguramente, cuando comienzas a ir más habitualmente es cuando descubres que ahí existe otro Universo. Y cuando debes pasar semanas enteras allí…la percepción de todo tu contexto se modifica de forma incontrolable. Vamos… que la vida se para. Que todos tus planes se quedan aparcados tras esa puerta de cristal que se abre y se cierra a tu paso.

Mientras tus manos aprietan con fuerza esa pequeña bolsa de mano que has decidido llevar para controlar esa sensa-

98 OCTUBRE 2021 · MW

P. GUERGUÉ / fotografías Amazon Prime Video

ción de angustia.

Seguramente sientas un dolor en el pecho, mucho más agudo del que nunca puedas llegar a imaginar. Que, de pronto, el miedo te invada por la incertidumbre…por la necesidad de que sí o sí, todo salga bien. Que esos días allí, solo sean un recuerdo más en esa libreta de hojas rasgadas en la que se ha convertido tu vida. Y que, por favor, te sigan dando esperanza. Que se la sigan dando a ella. A él. A todos.

Y cuando llegas allí, al otro lado, hay una familia como la tuya. Con algo más de experiencia en eso de estar encerrados. Y sin saber ni cómo ni por qué…todo fluye.

Aida Folch: Ella es Olivia. Una gran profesional que antepone su trabajo a todo. Porque sus pacientes son su única prioridad.

Dejando lo emocional y personal a un lado. Pero la vida siempre tiene unos planes diferentes a los nuestros…

Como si ya fuesen parte de tu nuevo mundo.

Las relaciones que se crean dentro de un hospital, las historias que se cuentan entre esos escasos metros cuadrados, se pierden entre esas paredes, como secretos imperfectos que no quieres que nadie más escuche.

Allí se quedan consejos, palabras de ánimo, el repaso por tu vida, de donde vienes, qué ha ocurrido pero, sobre todo, la lección de desgastar la vida de otra forma. Mucho más rotunda. Abrazando más que nunca, soltando ese “te quiero” a tiempo, viendo más allá de esa vida loca, descontrolada y materialista.

Apreciarás esas visitas de auxiliares, enfermeras y médicos. Allí dejarás aparcadas las miradas cómplices de aquellos que están en tu misma situación, a los que solo debes mirar a los ojos para, en cierta medida, enviar toda la energía positiva, dándoles esperanzas de una pronta recuperación.

Pues eso es lo que vas a ver en ‘Madres’…con otros casos, con otras vidas, con historias que te encogerán el corazón, con personajes que formarán parte de tu familia. A veces comprenderás a esas ‘Madres’, otras veces entenderás que los médicos tienen una excesiva paciencia y que cargan con más de lo que se ve por fuera. Apoyarás a los hijos que no ven tanto peligro como sus progenitoras. Pero lo que más te impactará es que allí dentro nace un inmenso ecosistema emocional. Donde tendrás unas inmensas ganas de llorar, pero también de reír. Porque de eso trata la vida. De buscar el equilibrio entre lo más devastador que pueda pasarte al mismo tiempo que pequeños milagros te rozan.

Desde MEW Magazine hemos querido hacer un pequeño homenaje a sus tres temporadas (la tercera acaba de ser estrenada en Amazon Prime Video) trayendo hasta vosotros cinco reportajes con cinco de las actrices y actores que ya forman parte de esta extraordinaria familia. Cinco puntos de vista. Formas diferentes de construir personajes y de abordar proyectos.

Joel Bosqued: Andy. Un personaje imprevisible. Caminando entre esa línea que divide lo humano del hastío que la vida nos provoca.

Un personaje que nunca deja indiferente y por el que siempre terminas apostando.

Uri Guitart: Da vida a Ruben. Alguien que está realmente perdido tras los varapalos de la vida. Incapaz de confiar a nadie, poco a poco verá que, de pronto, siempre se abre una nueva puerta.

Carlos Serrano: Un tipo divertido. Ese es, sin lugar a dudas, Kike.

Alguien que le mostrará a Olivia que hay diferentes formas de vivir y que todas son igual de dignas y respetables. Empatía absoluta.

Michelle Calvó: Camila llega de forma arrolladora. Su seguridad, honestidad y lealtad caerán como un reguero. Una mujer capaz de cometer errores, pero sin perder su integridad.

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REPORTAJE

AF EN LAS MANOS DE OLIVIA

A I DA FOL C H fotografía ANA MÁRKEZ / assit. fotografía DAVID VICARIO / texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA / muah CARMEN GÓMEZ / localización HOTEL ATOCHA TAPESTRY

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A Aida Folch vuelve a las manos de Olivia en la temporada 3 de ‘Madres’ que ya se ha estrenado en Amazon Prime Video. Una nueva temporada donde manteniendo su esencia, llegan nuevos matices. Haciendo hincapié en la capacidad que tenemos para reinventarnos. Identificar nuestros puntos flacos y a pesar de todo alzar la voz para pedir ayuda.

Olivia es como ese huracán que, de pronto, golpea duro, pero pierde su fuerza con el paso de las horas. Uno de esos personajes divertidos por lo extremo de todo.

102 OCTUBRE 2021 · MW

MEW Magazine (MW): Olivia lleva ya a sus espaldas el rodaje de cuatro temporadas en ‘Madres’, ¿es más gratificante como actriz cuando le dejan desarrollar un personaje?

Aida Folch: Totalmente, la diferencia entre el cine y las series es que tienes la oportunidad de ver desarrollar a tu personaje y que tenga un largo recorrido. En mi caso, me contaron desde el principio cómo sería la evolución de Olivia.

Como podemos ver en la primera temporada, Olivia es un personaje frío.

Es un poco desagradable. No tiene tacto.

Pero vamos viendo, a través de los capítulos, por qué es así. Su madre biológica la ha abandonado, su madre adoptiva no se llevaba bien con ella y ha muerto, …

Tiene un montón de carencias afectivas.

De esta forma el espectador la va queriendo, poco a poco, un poco más.

El viaje de Olivia va a ser convertirse en más humana. Más vulnerable, que va a dejarse ver… Era un recorrido de personaje que a mí me interesaba.

Y a través de tantas temporadas, que estamos grabando ya la cuarta, se puede desarrollar bien.

MW: ¿Te gusta cómo se ha llegado hasta esta tercera temporada?

Aida Folch: Me gusta cómo se ha ido desarrollando todo. En esta tercera temporada vamos a ver a Olivia ejerciendo de madre. Vamos a hablar de la conciliación con un personaje que ama su trabajo, que es vocacional. Y que una persona que es médico está muchísimas horas en un hospital. Cómo todo esto la va a superar y cómo va a poder compaginar o no ambas áreas. Vamos a ver cómo el contexto ayuda como la familia.

Además de ver qué ocurre con el padre ausente.

Vestido, de Mango. Calzado, de Zara.

Accesorios, de Trium Jewelry.

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REPORTAJE

Blaiser, de Mango.

Vestido y calzado, de Zara.

Accesorios, de Trium Jewelry.

104 OCTUBRE 2021 · MW

Blusa, de Mirto.

Accesorios, de Trium Jewelry.

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106 OCTUBRE 2021 · MW

MW: Hablando de alguno de los casos por los que pasará Olivia, vemos la llegada de una gran amiga de ella, embarazada…y uno se queda con la sensación de lo complicado que es hacer favores, mucho más cuando internamente estás en un terrible caos… Como todo se complica, aunque quieras hacer las cosas bien…

Aida Folch: Sí, yo creo que es muy interesante la trama que tengo con Hiba Abouk porque plantea un dilema moral, ¿no?

Denunciar un caso dentro de un hospital donde tú trabajas es un riesgo muy grande porque primero no sabes lo que ha ocurrido, si la paciente tiene o no razón, no sabes si es bueno meterse en problemas de los demás o no… Olivia no sabe si ayudar a su amiga, pero sabe que tiene que hacerlo y esto le da mucha riqueza a mi personaje.

Juani. Porque además tengo muchísimo. Mi hermana, choni, de barrio, con Olivia que es una estirada, pija…es muy divertido. Además, Olivia no quiere coger ningún canguro, algo que me he enterado que sucede bastante cuando tienes hijos.

MW: ¿Has empatizado aun más con Olivia en esta tercera temporada? Porque como espectadores la vemos como más humana…

Aida Folch: Yo he empatizado con Olivia desde el primer momento (Risas). Es un personaje que me encanta. Es muy divertido verla cuando se desmonta. Y creo que al espectador

MW: Una de las escenas más divertidas es cuando Olivia llega a casa y Juani, con la cena preparada, le explica que va a tener que bajar a su nivel porque ella, económicamente, no puede llegar al suyo…

Aida Folch: Bueno, bueno, esa es otra… (Risas). Juani le pide a Olivia renuncie a cosas que está acostumbrada y por mucho

A Olivia le gusta dejar a Juani a cargo del bebé. Y la pobre Juani, explotada, no tiene tiempo de desarrollarse como ser humano (Risas). Olivia la va a manipular todo el tiempo y va a ser algo divertido. Y como el padre está ausente sus discusiones van a ir entorno a la educación, a cómo se hacen las cosas… Es una de las tramas chulas y que conlleva ver a Olivia fuera del hospital, ejerciendo de madre, en su casa, con su hermana en pijama… Vamos a conocer un poquito más la intimidad del personaje.

" ‘MADRES’ TIENE UN ESTILO MUY PROPIO. ES EMOCIONANTE. ES DURA POR MOMENTOS, PERO TIENE SENTIDO DEL HUMOR "

también le gusta verla cuando ya no tiene el control.

que acepte ella sabe que no será así.

Es cierto que vamos a ir viendo en esta temporada que cada vez es más humana. Se le van a ir quitando todas las capas de cebolla.

MW: ‘Madres’ se mantiene muy coral desde su primera temporada…

Aida Folch: Todo importa. Está muy bien hilado, contamos un montón de cosas.

MW: Y qué no pasa nada por necesitar al resto de personas porque en las dos temporadas anteriores la vemos reticente a pedir ayuda, pero en esta tercera, al menos de forma indirecta, vemos como tiene que recurrir a sus compañeros y familiares… Eso sí, no lo pronuncia directamente y espera a que sea el de enfrente quien lo exponga.

Aida Folch: Ese es el kit de la cuestión de Olivia, uno de ellos.

Es una persona que no sabe pedir ayuda, que cree que puede con todo ella sola. Es muy orgullosa. Pero cuando todo se va de las vamos hay que saber pedir ayuda. Que es algo que va a aprender a través de este arco dramático que tiene.

MW: Una de las relaciones que más nos gustan de ‘Madres’ es la que Olivia tiene con su hermana Juani porque son completamente diferentes, ¿qué vamos a poder ver de ellas?

Aida Folch: Es muy divertida toda la trama que tengo con

MW: ¿Qué le hubieses dado a esta Olivia de la tercera temporada que no viste en ella?

Aida Folch: Le hubiese dicho que se relajara un poquito. Porque a pesar de los momentos de humor con Juani la vamos a ver muy agobiada.

Es muy duro estar agobiada todo el día en el set. Porque es un personaje que se implica muchísimo. Es muy buena médico, no lo olvidemos. Y se quiere implicar al máximo en todos los casos y no llega.

MW: Para ti, ¿cuál es su mayor virtud?

Aida Folch: Es una persona justiciera y que se implica muchísimo. Creo que es buena persona. Que es frágil. Solo que le pierden las formas, el orgullo.

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REPORTAJE

A mí me encanta. Yo la amo. Soy fan de Olivia. Además, la entiendo súper bien.

MW: ¿Has descubierto cosas de ti gracias a ella?

Aida Folch: Así es…con cada personaje te das cuenta que hay un montón de cosas que no conocías de ti. A día de hoy creo que es el personaje que más se asemeja a mí.

MW: ¿Cómo definirías a Olivia como madre?

Aida Folch: Creo que es una buena madre, aunque muy estresada. Vamos a poder verla como nunca. Cantando, siendo súper cariñosa. Incluso pastelosa.

MW: Como proyecto global, ¿qué destacas tú de ‘Madres’ en esta temporada 3?

Aida Folch: Creo que vamos mejorando.

‘Madres’ tiene un estilo muy propio. Es emocionante. Es dura por momentos, pero tiene sentido del humor. Es la tercera nos sentimos como pez en el agua, sabemos lo que estamos haciendo, el tono que tiene.

He oído por ahí que la tercera es la mejor (Risas).

··· Aida Folch abraza a sus personajes con fuerza. Les dota de la capacidad exquisita de ser y sentir por encima de cualquier circunstancia.

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Blusa y pantalón, de Mirto.

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110 OCTUBRE 2021 · MW

Blusa, de Rails. Pantalón, de Henrikev.

Calzado, de Augustha. Accesorios, de Trium Jewelry.

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SERIES

‘Vida perfecta’ CON BROCHE FINAL 112 OCTUBRE 2021 · MW

El trío femenino protagonista de la serie, formado por Dolera junto a Celia Freijeiro y Aixa Villagrán, está acompañado por un destacado elenco en el que destacan los nombres de Enric Auquer, Goya al mejor actor revelación en 2020 y reconocido con el Premio Feroz y el Premio Ondas por su interpretación de Gari en la serie, repite su personaje en esta segunda temporada, Manuel Burque, Font García, Carmen Machi, Fernando Colomo y Míriam Iscla entre otros. por M. VALVERDE / fotografía Movistar+

¿Cuánto dura una crisis? ¿Qué viene después de una catarsis? A María, Cris y Esther la vida les dio la vuelta en la primera temporada de Vida Perfecta empujándolas a lo inesperado, al vértigo y vieron como las fichas del tablero de su vida daban volteretas por el aire y se desordenaban, pero ¿qué ocurre luego? ¿Cómo recolocas todas esas piezas que se desordenaron en un momento de tu vida? ¿Cómo te recolocas tú?

Nuestras tres protagonistas van a transitar “lo que viene justo después del volantazo”, después de un embarazo, de una crisis de pareja, de una crisis laboral, personal, vital... Tendrán que tomar decisiones, madurar y aprender que la vida es así y que quizás no es que la vida te vaya a dar la vuelta una vez, quizás la vida esté girando todo el tiempo.

‘Vida Perfecta’ vuelve para seguir hablando de la vida.

De la vorágine en la que entramos casi a ciegas sin darnos

cuenta que aquello que más importa lo vamos dejando de lado. Porque la quinta marcha que le metemos a nuestro día a día nos va engullendo por momentos. Casi sin percatarnos de ello. Aturdiéndonos. Y es que tendemos a hacer lo que se hace, aunque deseemos centrarnos en otras cosas. Olvidándonos de nuestros deseos e incluso de nuestras necesidades.

Y suele suceder por el miedo a ese qué dirán que nos sellan a fuego desde que nacemos.

La vida nos lanza unas cartas y debémos aprender a jugar con ellas. A veces tendremos la opción de comodín y otras tantas tendremos que arriesgarnos aunque quepa la posibilidad de absoluta derrota. Un juego, un baile sin fin. La pérdida de la consciencia.

La recuperación de lo que realmente somos, identificando lo que fuimos. Eso ha sido y es ‘Vida Perfecta’. Una historia que te cuestiona. Que te deja cientos de preguntas y muy pocas certezas. Lo que siempre debería ser.

‘Vida Perfecta’ T2 ya tiene fecha de estreno, el viernes 19 de noviembre llegará en exclusiva a Movistar+ completa bajo demanda. La serie, creada por Leticia Dolera, tuvo su premier en la inauguración del festival Iberseries Platino Industria (IPI), en la sección Capítulo Uno. ‘Vida Perfecta’ T2 está creada y dirigida por Leticia Dolera, que también firma el guion junto a Manuel Burque. En esta segunda temporada las directoras Lucía Alemany (‘La inocencia’, dos nominaciones al Goya) e Irene Moray (‘Suc de síndria’, Goya al cortometraje de ficción) dirigen sendos episodios.

El trío femenino protagonista de la serie, formado por Dolera junto a Celia Freijeiro y Aixa Villagrán, está acompañado por un destacado elenco en el que destacan los nombres de Enric Auquer, Goya al mejor actor revelación en 2020 y reconocido con el Premio Feroz y el Premio Ondas por su interpretación de Gari en la serie, repite su personaje en esta segunda temporada, Manuel Burque, Font García, Carmen Machi, Fernando Colomo y Míriam Iscla entre otros.

La primera temporada de ‘Vida Perfecta’ consiguió un gran reconocimiento por parte de la audiencia, la crítica y festivales como CANNESERIES, que la encumbró como Mejor Serie y reconoció a las tres protagonistas con el Premio de Interpretación. Además, ‘Vida Perfecta’ ha ganado el Fotogramas de Plata a la mejor serie española según los lectores, dos Premios Feroz, a la mejor serie de comedia y al mejor actor de reparto para Enric Auquer, que también se hizo con el Premio Ondas.

Esta temporada final contará con 6 episodios de 25 minutos de duración. Un broche final a un proyecto cargado de entrega y buen hacer.

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REPORTAJE

MICHELLE CALVÓ fotografía ANA MÁRKEZ / asist. fotografía DAVID VICARIO / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo YURENA GUERRA / muah LETICIA PERILLÁN 114 OCTUBRE 2021 · MW

H

ay algo entre delirante y exquisito en aquellos artistas que han centrado su bienestar en la meditación. En el auto conocimiento. En el de priorizar lo realmente importante y pelear por el oficio para vivir, pero sin vivir dentro del oficio. Que es justamente lo que nos encontramos frente a Michelle Calvó. Una actriz que disfruta de su profesión sin aparcar un sinfín de proyectos que suman para mantener el equilibrio. Para centrarse y mantener los pies en tierra firme.

Ahora llega con Camila entre sus manos. Un nuevo personaje dentro del universo de la tercera temporada de ‘Madres’. Nuevo reto y nueva aventura. Un personaje más cerca de ella pero igual de exigente que el resto.

MEW Magazine (MW): ¿Has descubierto partes tuyas, gracias a la interpretación, que desconocías previamente?

Michelle Calvó: Creo que redescubrí partes de Michelle. Me di cuenta que era mucho más fuerte de lo que pensaba. Aunque siempre me he considerado una mujer muy fuerte, que siempre ha luchado por lo que ha querido. Pero sí que es verdad que me di cuenta de que era mucho más fuerte porque me vine a Madrid con 19 años, sola, con una mano delante y otra detrás. Vine a ser camarera y a trabajar en lo que pudiera para poder pagarme los estudios de interpretación. Y sobreviví.

No solo sobreviví, aprendí muchísimas cosas. Actualmente, me sirven para mi día a día. Aprendí de heridas que se hicieron en ese camino. Vi que podía gestionar todo esto de una manera positiva.

MW: ¿El camino fue más complicado de lo que tú imaginabas en un primer momento?

Michelle Calvó: Cien por ciento, sí. Es una profesión bastante complicada dentro de lo que se creen de solo eventos, todo focos, todo brillo…hay mucho dolor. Hay muchos ‘no’ que hay que aprender a aceptar. Es una profesión muy frágil.

MW: ¿Se aprende a vivir entre la incertidumbre?

Michelle Calvó: Se tiene que aprender.

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REPORTAJE

“

Hay que dejar ir las cosas, hay que dejar que fluyan”

116 OCTUBRE 2021 · MW

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REPORTAJE

S E R E N D I P I A Tengo compañeros que veo que les cuesta porque obviamente hay algo muy emocional dentro de esta profesión. Y vocaciones. Por lo que es imposible no volcar en ella todo lo que tenemos.

Es complicado aprender a vivir con la incertidumbre porque todo el rato queremos trabajar (Risas). Pero hay que aprender a gestionarlo para que no nos domine, pero, sobre todo, nos empodere. Porque desde ese empoderamiento va a llegar el disfrute real. Y, al final, es para lo que estamos aquí.

MW: Cuando algunas puertas se cierran, ¿a qué se aferra una?

Michelle Calvó: Soy poco de aferrarme. Creo mucho en redescubrirnos, en aceptar muchísimas identidades. Y hay que reciclarse.

Yo disfruto lo que tengo. Me preocupo en exprimirlo al máximo. Y si se cierra una puerta no pasa nada. Hay que dejar ir las cosas, hay que dejar que fluyan. Ya llegará algo maravilloso que es por lo que hemos tenido que dejar ir lo otro.

MW: ¿Cómo llega ‘Madres’ a tus manos?

Michelle Calvó: Después de un proceso muy heavy que vivió todo el mundo, la pandemia.

Fue reencontrarme con lo que amo. Fue muy bonito. La oportunidad de encarnar un personaje precioso. Me siento muy cercana a él. Por la parte feminista, la parte reivindicativa, la parte

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activista o el carácter.

Me sentí muy cómoda interpretándolo. Además, llegó como un regalazo, no solo por el momento en el que llegó, sino por la oportunidad de poder trabajar con grandísimas actrices y grandísimos actores. Y un hermano de vida que es Jon Plazaola. Que siempre pedíamos a la vida que nos diese la oportunidad de trabajar juntos y llegó. Fue como épico.

Conocer a Ana Labordeta que la considero un ser humano excepcional fue otro regalo. Así que regalo en su totalidad.

MW: por lo que te resultó fácil empatizar con Camila desde el principio…

Michelle Calvó: Sí, la verdad es que sí. Sentía mucha afinidad con sus ideas, con sus valores.

Aparte me gustó muchísimo conocer un problema social, en la parte médica, que es la violencia obstétrica.

Ella es muy pasional en sus reivindicaciones. Y yo también.

Fue muy guay viajar a través de sus ojos.

MW: ¿Hubo alguna característica en particular desde la cual tu forjarás su construcción?

Michelle Calvó: Me centré mucho en su feminismo. En la manera que ella tenía de afrontar

Total look, de Bershka.

Botines, de Corina.

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120 OCTUBRE 2021 · MW

Cazadora, de Wildreamers. Body, de Bruna. Pantalón, de BRAIN & BEAST. Pendientes, de GUESS.

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REPORTAJE

Vestido, de Koahari.

122 OCTUBRE 2021 · MW

todas las situaciones. Tanto esa lucha que inicia para defender a las mujeres como en la manera de relacionarse con los distintos personajes. Tanto con el personaje de Jon Plazaola como con el de Ana Labordeta.

Por ejemplo, el respeto que debe procesar al personaje de Ana Labordeta, por ese trío amoroso que se genera.

MW: ¿Qué encuentra Camila en ese Eduardo?

Michelle Calvó: Creo que ve algo en Eduardo que ni siquiera él era consciente. Ve una vitalidad, reconoce una admiración en él… Le admira muchísimo, no solo como profesional, sino como ser por como trata a sus pacientes. Encuentra un punto de diversión.

MW: En una serie que se viaja de emoción a emoción, durante el rodaje, ¿cómo se equilibra la energía que pide el personaje?

Michelle Calvó: Cada persona tiene su método porque cada persona es un mundo.

Yo en su momento decidí que la profesión era parte de mi vida, no mi vida. Y desde que tomé esa decisión hay muchas cosas que me anclan a la tierra. Que me equilibran, que me mantienen despierta en la realidad. Aparte medito y entreno mucho.

MW: ¿Hay que escuchar las necesidades del nuevo personaje que llega?

Michelle Calvó: Sí, hay que escuchar las necesidades. Sí que es cierto que hay un proceso de creación que, obviamente, se parece al del resto, pero hay que indagar en cada uno de ellos. Por ejemplo, en Camila, que es extrema en su feminismo, me documenté escuchando otras opiniones, otros discursos.

Hay un proceso de unión de conciencias con tu personaje.

MW: ‘Madres’ siempre ha sido una serie coral donde todos los personajes suman y

“en su momento decidí que la profesión era parte de mi vida, no mi vida” nunca restan…

Michelle Calvó: Ha sido muy bonito verlo desde el rodaje. Que todo tenía su importancia. Absolutamente todo. Y cada detalle de las historias, sumaban a las otras. Y esto me parece súper interesante porque no siempre se consigue.

MW: Si pudieses robar algo de la personalidad de Camila, ¿qué le robarías?

Michelle Calvó: Decir las cosas sin ningún miedo. Camila tiene mucha garra. Esto es lo que soy, esto en lo que pienso y esto es lo que siento. Más vale que lo aceptes porque sino el problema lo vas a tener tú.

Eso para mí es admirable.

MW: ¿Qué parte de tu personalidad le hubieses dado a ella?

Michelle Calvó: Es difícil… Porque en Camila me cuesta porque tenía muchas cosas mías. Me era súper sencillo. Estaba muy conectada a ella.

MW: En una emoción, ¿cómo es la tercera temporada de ‘Madres’?

Michelle Calvó: Empatía.

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Total look, de Giodoro.

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SERIES

DEXTER, LA VUELTA La producción, que constará de 10 episodios, cuenta con el showrunner de la serie original, Clyde Phillips, y el mismo protagonista, Michael C. Hall. Para que lo que vuelva, vuelva en su esencia.

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por REDACCIÓN / fotografías Movistar+

n otoño de 2006 se estrenaba ‘Dexter’, una serie que causó un gran impacto entre público y crítica al contar como protagonista con un peculiar forense del departamento de policía de Miami, que en sus ratos libres se transformaba en un serial killer. La serie duró ocho temporadas con Michael C. Hall (‘A dos metros bajo tierra’) encarnando al asesino en serie favorito de EE UU. La producción se convirtió en una de las más aclamadas de la televisión. Consiguió múltiples nominaciones a los Emmy como mejor drama, así como un prestigioso premio Peabody en 2008.

También fue nombrada en dos ocasiones una de las 10 mejores series de televisión del Instituto Estadounidense del Cine (AFI).

‘Dexter: New Blood’, la esperada serie evento de Showtime, llega a Movistar+ el 8 de noviembre. La producción, que constará de 10 episodios, cuenta con el showrunner de la serie original, Clyde Phillips, y el mismo protagonista, Michael C. Hall. La distribución global de ‘Dexter: New Blood’ corre a cargo de ViacomCBS Global Distribution Group.

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Es importante destacar que el reparto incluye a Julia Jones (‘Goliat’), Alano Miller (‘Jane the Virgin’), Johnny Sequoyah (‘Believe’) y Jack Alcott (‘El pájaro carpintero’).

A estos nombres hay que sumar a Clancy Brown (‘Billions’, ‘Carnivàle’, ‘Cadena perpetua’). Quien interpretará a la nueva némesis del asesino, un tipo que se ha hecho con el control del pueblo. Y por suerte para sus acérrimos fans…también regresa Jennifer Carpenter (Debra, la hermana de Dexter).

Ambientada 10 años después de que Dexter Morgan (Michael C. Hall) desapareciera en el ojo del huracán Laura, el otrora asesino en serie está viviendo con el nombre falso de Jim Lindsay –un homenaje al autor de los libros, Jeff Lindsay– en la pequeña ciudad de Iron Lake, Nueva York. Dexter puede estar abrazando su nueva vida, pero a raíz de eventos inesperados en esta comunidad, su Pasajero Oscuro volverá a llamarlo… ¿Estás preparado para todo lo nuevo que vas a vivir? ¿Preparado para tu serial killer favorito? ¡Calienta motores! Porque lo bueno, lo realmente bueno, ¡está de regreso!

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REPORTAJE

poner el alma

Uri Guitart fotografía ANA MÁRKEZ / asist. fotografía DAVID VICARIO texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo JAIRO VILLADA / muah LETICIA PERILLÁN

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ri Guitart tiene esa energía de quien empieza. La perseverancia y la constancia que todo inicio requiere y necesita. Llega a ‘Madres’ bajo la mano de un personaje complejo como el de Rubén. Un chaval tocado y herido por la vida y sus circunstancias que duda de todo y de todos. Con una enorme falta de confianza y con un angustioso miedo a dar la mano.

U

Uri Guitart ha disfrutado de esta experiencia como un niño. Dentro de un equipo de trabajo que le ha dejado un sinfín de aprendizajes. Y donde ha confirmado que “el resultado de un proyecto es el alma del equipo”.

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El resultado de un proyecto es el alma del equipo

" MEW Magazine (MW): ¿Cómo llegas a la interpretación?

Uri Guitart: Creo que como muchos intérpretes. De pequeño era como el típico niño que siempre hace un show. Siempre jugando a ser alguien. Un día vi un musical y ese día tuve claro que quería dedicarme a esto.

MW: ¿Lo que te atraía del oficio es lo que te has encontrado?

Uri Guitart: Sí, creo que sí y que cada vez he ido descubriendo más cosas. Al principio era el hecho de jugar a ser, pero ahora hay muchas más cosas. Sobre todo, todo el trabajo de equipo que hay en un rodaje, la magia de ir construyendo todo.

MW: ¿Has descubierto cosas nuevas sobre ti también?

Uri Guitart: Muchísimas. El resultado de un proyecto es el alma del equipo. He descubierto que me encanta trabajar en equipo. Trabajar solo no me gusta.

Vas descubriendo facetas de ti que molan y otras que no tanto.

MW: ¿Cómo llega la temporada 3 de ‘Madres’ a tus manos?

Uri Guitart: En noviembre de 2019. Me llegó el casting y quise hacerlo muy bien así que llamé a mi coach. Tras hacerlo, al cabo de las semanas, nos llamaron y nos dijeron que me olvidara del papel del casting porque me querían para otro personaje.

MW: Y cuando tienes entre tus manos a Rubén, ¿qué ha sido más fácil? ¿Empatizar con él o no juzgarlo?

Uri Guitart: Ha sido fácil empatizar con él por cosas que tiene el personaje y que me pillan de muy cerca. Tengo un amigo que vivió en un centro de menores y a los 18 años vino a casa porque a esa edad los echan. He encontrado mucho en la relación que tenía yo con mi colega con Rubén en sí.

hacerlo desde otro lugar?

Uri Guitart: No puedes centrarte solo en una cosa. Tienes que tener un ‘background’ del personaje. Construirle una vida. Qué transporte público usa, que sitios suele frecuentar, qué tipo de ropa lleva…qué es lo que más odia, su comida favorita… Si construyes todo eso, terminas sumando mucho más y mejor.

Construir los pequeños detalles es fundamental.

MW: ¿Fue fácil encontrar un movimiento corporal para Rubén?

Uri Guitart: Fue fácil porque yo soy bastante dejadito (Risas).

Sí que es verdad que luego en ser fue un poco más complicado. Me estoy descubriendo como profesional.

MW: Cuando uno da vida a un personaje así, ¿es fácil colgarlo al final del día y volver al día siguiente para retomarlo?

Uri Guitart: Creo que hay cosas que se te pegan. Hay momentos en los que llegas a tu casa y tienes alguna reacción que interpretas como Rubén y no como Uri. Hay momentos de mucho cansancio tras vivir un brote psicótico, dentro del mundo de Rubén. Y volver a vivirlo al día siguiente…es agotador.

MW: ¿Cómo entra uno a un proyecto que cuenta con dos temporadas previas?

Uri Guitart: Con mucho entusiasmo. He tenido la suerte de que todo el mundo ha sido absolutamente increíble conmigo. Del primero hasta el último. Muy buen ‘feeling’ desde el primer día. Todo el mundo con ganas de trabajar y de hacer las cosas bonitas.

Ha sido un equipo top.

MW: ¿Qué sucede en esa relación de Rubén con Héctor?

Uri Guitart: Sucede que los dos acaban aprendiendo muchísimo el uno del otro. El mundo no es solo como ellos lo gestionan. A veces hay que dejar que un hijo se equivoque. A veces hay que aceptar que se necesita un abrazo…

MW: ¿Qué has aprendido de Rubén?

Uri Guitart: Que a pesar de que la vida te ponga muchas cosas encima, por muy difícil que parezca, siempre hay una solución. Siempre hay una manera de estar bien con uno mismo, aunque no todos los días sean fáciles.

· · ·

Empatizar ha sido muy fácil y no juzgarlo, de buenas a primeras, también. Pero cuando tenía que pasar por mí ha habido momentos de juzgarlo.

“Siempre hay una manera de salir del agujero”, así sentencia Uri Guitart en los últimos segundos de nuestra entrevista. Porque siempre es importante mirar al frente, continuar, aunque la vida nos golpee. Caminar por la incertidumbre y bailar junto a ella.

MW: A la hora de comenzar la construcción de Rubén, ¿uno se centra exclusivamente en esos brotes psicóticos o debe

Seguir. hí está la clave de todo.

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Camiseta, de Calvin Klein. Chaleco y pantalón, de Bershka. Calzado, de Converse. Accesorios, de Trium Jewelry.

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REPORTAJE

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Siempre hay una manera de estar bien con uno mismo, aunque no todos los días sean fáciles

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Camisa, de Vintage. Pantalón, de Bershka. Calzado, de Zara.

Accesorios, de Trium Jewelry.

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Camisa y pantalón, de Bershka. Calzado, de Vans. Accesorios, de Trium Jewelry.

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REPORTAJE

Espíritu de HONESTIDAD La mirada de Uri Guitart es pureza. De esos tipos que sueñan a lo grande, pero amarrado siempre a tierra.

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Camiseta, de Vintage. Pantalón, de Levi’s. Calzado, de Zara. Accesorios, de Trium Jewelry.

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SERIES

TOKIO Con todo perdido, Tokio ha reinventado un género donde todo era posible. El personaje de Úrsula Corberó no le temía a nada, pero que únicamente buscaba sentirse querida y valorada.

por ÁLEX DELGADO / fotografías Netflix

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n los últimos años la televisión nacional ha vivido un cambio generacional completo, donde la apuesta por la transversalidad, algo que las series han sido el máximo exponente de este cambio narrativo.

Por ello, hemos pasado de un modelo de consumo y descriptivo mucho más amplio y abierto. En Antena 3 y Atresmedia lo han vivido de cerca con ficciones como ‘La casa de papel’, que ha pasado de no ser renovada a contar con una amplia trayectoria en plataformas de videos bajo demanda online como Netfix.

Desde el inicio ‘La Casa de Papel’ ha tenido una visión más avanzada a la de su época y lo han hecho poniendo a las mujeres en un primer plano. Esa visión feminista ha permitido que la narrativa y el discurso de la trama sea distinto y no exista ningún tipo de desigualdad a la hora de proponer los roles de cada personaje. La ficción de Vancouver Media ha sabido leer entre líneas de todos los aspectos posibles en una sociedad de cambio y en la que es necesaria encontrar referentes. Bien es cierto que no cuentan con una clara motivación referencial, pero la psicología de los personajes nos indican algunas características que son fundamentales para comprender la manera de actuar de cara uno de los mismos.

Esa mirada feminista ha sido representada por Alba Flores (Nairobi) y Úrsula Corberó (Tokio). Desde el fatídico final de la primera mitad de la temporada final de ‘La Casa de Papel’ nos hemos quedado huérfanos de narrador, algo que no es un gran problema, porque seguramente la artista siga formando parte de la temporada final, ya sea con la narración en off o bien realizando algunos flashbacks en cada episodio, igual que sucedió en el caso de Alba Flores. Sin embargo, no existe ningún tipo de contraindicación en estos casos, por lo que desde la productora tendrán todo muy controlado y nos dejarán un final a la altura de las circunstancias.

Con Tokio nos encontramos con una chica valiente, que no le teme a nada y que tiene las ideas claras desde el ini-

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cio. No tiene miedo y actúa por impulsos en cada momento, no analiza la situación, pero eso no es un problema. Siempre supo salir de los momentos más críticos y en la secuencia final, confirmó que no era una retirada a tiempo, sino que dejaba paso a otro tipo de contenido y abriendo las posibilidades de un futuro a la altura de esa familia que ella había escogido. Tokio representa a ese conjunto de personas que no ha tenido voz y que ha tenido que reinventarse durante todo la serie para salir adelante y recuperar esa confianza que no tenía con anterioridad.

El personaje de Úrsula Corberó ha sabido representar a una sociedad donde las minorías y las desigualdades hayan estado en un primer plano. En un momento donde la salud mental y psicológica es tan importante, Tokio es un canto de esperanza y un camino a seguir en ese aspecto. A pesar de su inseguridad y timidez hacía lo propio, se caracterizaba por una incapacidad para reconocer y expresar sus sentimientos libremente, tal vez por temor a no ser correspondida, y en caso de que o hiciese, siempre se hacía con la agresividad para expresar

cada uno de los momentos y emociones que sentía desde el inicio.

Tokio era la piedra angular de un grupo que se convirtió en una familia, el nexo de unión inquebrantable por mucho que lo intente. Tokio se convertía en una protectora que no dudaba en dar su propia vida para la defensa de sus seres queridos. Ella arrasaba con todo para tenerlos cerca y protegidos. Era autónoma y nadie la podía controlar, tenía las ideas claras y hasta el final lo ha estado demostrando, que contaba con una solidaridad y entrega muy grande para sus seres queridos, especialmente para esos que volvieron a confiar en ella cuando la sociedad le había desprestigiado y ninguneado continuamente.

Con una infancia y adolescencia muy complicada, Tokio ha sabido resurgir como el ave fénix. Ese feo social que terminó aceptando, ha hecho que tuviese que crearse una máscara de pro-

tección, de esas inquebrantables salvo que consiga recuperar la confianza ante esa persona en cuestión. Ese auto mecanismo de defensa permitía que sus carencias afectivas no estuviera en una primer plano, porque en el fondo, Tokio era como cualquier persona de a pie, necesitaba sentirse querida y sobre todo valorada.

Rebelde, así es Tokio, que no ha contado un referente prácticamente durante toda su vida. Por eso, cree que las reglas están hechas para quebrantarse y romperse. Está en contra de una sociedad sin cambios y que no funciona, en la que no tiene cabida ni es aceptada. Quiere sentirse líder, pero aunque le cueste aceptar está siempre a las órdenes de un hombre. Por ello, Tokio ha estado luchando eternamente para hacerse con un hueco en un mundo machista y retrogrado, donde ella quería ser el inicio del cambio, era una rebeldía rompedora en todos los aspectos posibles.

Desde el inicio de ‘La Casa de Papel’, Tokio ha sido la gran esperanza en todos los aspectos. Lo tenía todo perdido y no le importaba las posibles consecuencias, por eso, Tokio ha conseguido ganarse el corazón de todos, apostando por una veracidad y constancia que ha permitido garantizar la estabilidad de una banda que ha sido su familia, esa que ha sido buscada desde el inicio. Con una rebeldía desbordada y sin límites, el carisma y personalidad de Tokio ha conquistado a una sociedad que necesitaba tener a alguien que no se conformase con nada y que no tuviera miedo a decir lo que pensaba sin temer las posibles represalias a sus actos, porque en el fondo, por mucho que lo tuviese todo perdido, necesitaba sentirse querida y valorada.

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REPORTAJE

Carlos Serrano fotografía ANA MÁRKEZ / asist. fotografía DAVID VICARIO / texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo JAIRO VILLADA / muah LETICIA PERILLÁN 142 OCTUBRE 2021 · MW

Jersey, de Zara. Pantalón, de Mango.

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REPORTAJE

Camisas, de Mango/Mirto. Camiseta, de Calvin Klein.

Pantalón, de Zara. Calzado, de Sebago.

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"No me cuesta mucho empatizar con la gente en general"

Es uno de los nuevos rostros de ‘Madres’.

En su tercera temporada entra de lleno dando vida a Kike, un tipo extremadamente divertido y enamorado, hasta las trancas, de su Juani. Un dúo que provoca un equilibrio perfecto entre lo emocional y lo más terrenal, dentro de un proyecto donde la lágrima siempre está revoloteando sin cesar.

Carlos Serrano que nos tiene más que acostumbrados a verle de malo malísimo, llega con un personaje diferente. Quizá uno de esos que deja más expuesto de lo normal, más tú, mucho más cercano.

Kike es aire fresco y sonrisa cálida. De esos que caminan por la vida sin pedir perdón, pero sin hacer daño. Los que lanzan la mano, aunque no tengas capacidad de gritar que necesitas ayuda. De los que se lanzan sin mirar si hay una red al final de la caída.

MEW Magazine (MW): Si echas la mirada atrás… ¿Aquello que te atraía de tu profesión es lo que te sigue atrayendo ahora?

Carlos Serrano: Sí, es lo único que me atrae.

MW: ¿Y qué es lo que te atraía?

Carlos Serrano: Las ganas de jugar, de hacer que eres otro. Las ganas de pasármelo bien. Y bueno, con el tiempo, te vas encontrando obstáculos donde, de repente, se pierde un poco y entonces hay que volver a encontrar el juego.

MW: ¿Es oficio donde hay que tener mucha paciencia y ser consciente de que es a largo plazo?

Carlos Serrano: Sí, sí, hay que tener mucha paciencia, pero eso también hay que aprenderlo. En ese a largo plazo también está el tener que aprender a tener paciencia.

MW: Cara a un personaje, ¿qué cuesta más? ¿Empatizar con él o no juzgarlo?

Carlos Serrano: A mí me cuesta no juzgarlo en una primera lectura. Luego dejas de juzgarlo porque empiezas a comprenderlo.

No me cuesta mucho empatizar con la gente en general.

MW: ¿Y entre dar la bienvenida o despe-

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Polo y calzado, de Karl Lagerfeld.

Cazadora, de Mango. Pantalón, de Levi’s.

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REPORTAJE

dirse del personaje? ¿Qué es más sencillo para ti?

Carlos Serrano: A mí no me cuesta despedirme del personaje. Me cuesta despedirme de las personas. Este es un trabajo donde pasas doce o catorce horas, todos los días, de una manera súper intensa y de repente dejas de verles.

te y que le coge cariño.

MW: Un personaje tan alegre…¿es más fácil a la hora de construirlo?

Carlos Serrano: Pues no sé que decirte… En general, siempre me han llamado para hacer de malo. Y ahí enseguida tienes razones a las que agarrarte. Y un personaje tan bondadoso me resulta un

“ES IMPORTANTE LA FRESCURA DE OTRA MANERA DE COLOCAR LA CÁMARA O DE ESCRIBIR” MW: ¿Recuerdas cómo llega ‘Madres’ a tus manos?

Carlos Serrano: Recuerdo que me habían hablado de ‘Madres’, sobre todo del buen ambiente que se vivía, varios amigos que ya habían trabajado en la primera y en la segunda temporada. Y me daban mucha envidia. Y de repente me llegó la oportunidad.

MW: Kike es un personaje súper divertido…

Carlos Serrano: Sí, yo me lo pasé muy bien haciéndolo (Risas). La verdad es que la mitad del personaje ya lo llevaba hecho viendo a María de Nati haciendo de la Juani. Pensé en un tipo que se entienda y se vuelva loco por esta chica. Y de ahí salió.

MW: ¿Qué significa esa Juani para ese Kike?

Carlos Serrano: Creo que significa risa y estar tranquilo. Es un poco lo que buscamos todos en una pareja, ¿no? Pasarlo bien. Yo creo que la risa es súper importante en una pareja.

MW: Kike es un tipo que sabe manejar a Olivia…

Carlos Serrano: Creo que es un tipo, sobre todo, práctico. Y creo que con esa honestidad o se gana a la gente o la pierde. En el caso de Olivia tiene que hacer un sobre esfuerzo por ser la hermana de quien es (Risas).

Kike es un tipo que empatiza con la gen-

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poco escurridizo. Pero al final es ser honesto contigo y con el texto.

MW: ‘Madres’ tiene una visión femenina que años atrás era casi imposible encontrar en una ficción, ¿crees que es importante?

Carlos Serrano: No solo es importante, es necesario. Ya es hora de que nos pongamos las pilas. Llevamos años viendo todo lo escrito por machos alfa y ya está. Ya vale. Es importante la frescura de otra manera de colocar la cámara o de escribir.

Pantalón y cazaadora, de Antony Morato.

Camiseta, de Calvin Klein. Calzado, de Baldinini.

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SERIES

FIEBRE DE REMAKES

LA TELEVISIÓN NACIONAL DEBE DE SER INCONFORMISTA.

por ÁLEX DELGADO fotografías ©Media Pro/AtresPlayer

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Hay cosas que se tienen que aceptar y no pasa nada, es evidente que todo está inventado, que no vamos más allá de lo existente y que estamos acostumbrados a ir a lo fácil. Eso pasa en España especialmente con las series que se están lanzando últimamente, no hay novedad, es la continuidad de algo inventado y que ha tenido éxito. Duele decirlo, pero no hay capacidad inventiva y nos acostumbramos a ir a lo fácil, a eso que ha tenido éxito en el pasado y seguir con un fenómeno fan que rara vez tras un amplio periodo de inactividad recupera la confianza en este proyecto.

En España estamos viviendo un fenómeno de remakes sin precedentes. O bien es por la baja capacidad económica de las productoras, de la baja producción en estos momentos de nuevos contenidos y formatos o bien, por otros motivos que no vienen al caso, pero es evidente que tenemos una fiebre de remakes donde todo es previsible. No es plato de buen gusto, pero tenemos un problema y es hora de reconocerlo. No se pueden hacer remakes de todo, porque al final, estaremos en un continuo y aburrido día de la marmota.

En los últimos meses hemos vivido el reencuentro de ‘Física o Química’, el de

En los últimos meses, la ficción nacional ha vivido un serio proceso de cambio, donde los contenidos están siendo muy repetitivos y no apuestan por algo nuevo y sorprendente. Esta dinámica está terminando de agotar a un espectador que necesita nuevas emociones.

‘Operación triunfo 1’ y ‘El Internado: las cumbres’, que en el fondo viene a ser lo mismo de siempre. Hasta ese punto se entiende y bueno, se puede llegar a aceptar que es una apuesta de continuidad con una fórmula que no falló. El problema reside en la motivación de este tipo de conductas programáticas y formativas.

Bien es cierto que es algo que se sobrentiende que tendrá un importante éxito, pero no es algo testado, es esperar en que el público vuelva a apostar por ello.

Ahora bien, nos encontramos con un problema mucho más grande cuando reflexionamos los motivos que pueden propiciar la creación de un remake de un producto determinado y no otro. Por ejemplo, ¿sería viable hacer un remake de una de las series más importantes de la comedia nacional del siglo XXI y que

tras más de diez años desde que finalizó el formato, sigue manteniendo buenos índices de audiencia como es ‘Aquí no hay quien viva’? evidentemente sería un filón importante para Atresmedia pero hay muchos factores desencadenantes que no podrían llevarse a cabo.

Por un lado, nos encontramos con la problemática de los derechos, que pueden pertenecer a una cadena o grupo informativo mediático o bien a una productora.

Por otra parte, no tenemos que olvidar que hay unos actores con los que llegar a un acuerdo y en este caso, hay una productora que ya no existe, como es Miramón Mendi, por lo que es todo mucho más complicado, puesto que de la serie original, Atresmedia tiene los derechos de emisión y explotación.

Es evidente que tenemos un problema informativo comunicativo siempre que apostemos por formatos ya inventados y que en el pasado han dado un buen resultado para las empresas. No hay tiempo que perder, hay que cambiar una dinámica nostálgica que va en contra de una sociedad de cambios. La televisión tiene que ser más inteligente y sobre todo, no mirar a su alrededor para analizar a un público según sus intereses. La fiebre que vivimos de los remakes actualmente es un parche sobre un problema de fondo de mayor envergadura y que no se ha querido afrontar.

La crisis mediática no es problema de las ficciones y al final, la cultura está siendo la peor amparada de un problema mucho más grande y que ya viene siendo hora de hacerle frente si quieren recuperar la confianza del público.

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EN PORTADA

BOSQUED

fotografía ANA MÁRKEZ asst. fotografía DAVID VICARIO texto y entrevista P. GUERGUÉ estilismo JAIRO VILLADA muah LUCÍA CASTRO asst. muah VANESA LÓPEZ localización HOTEL ATOCHA TAPESTRY

JOEL

154 OCTUBRE OCTUBRE2021 2021· ·MW MW

Joel Bosqued es un actor que nunca deja indiferente al espectador. Alguien que se enfunda los personajes desde puntos de vista diferentes. Con movimientos corporales tan interesantes como la sencilla profundidad que se puede dar a través de una mirada. Porque él siempre tiene una mirada diferente para cada personaje. Un punto de anclaje. Una forma contundente de contar la vida al que está al otro lado.

En ‘Madres’ ha dado vida a Andy. Un tipo joven al que de un día para otro la vida lo frena. Todo se para.

Inmóvil. Quieto. Una sensación extraña porque cuando todo vuelve a la vida, el resto del mundo no se ha detenido. Y ha de incorporarse a sus cambios y a sus decisiones. Algunas de ellas complejas. Otras destructivas. Pero a nivel profesional se ha convertido en uno de esos personajes que te permiten ir más allá.

“En el caso del personaje de Andy he tenido mucha evolución. Arranco en coma y poco a poco voy despertándome.

Desde la primera hasta la tercera temporada hay una evolución bastante grande. Con Andy la zona de confort ha sido bastante justita”.

Camisa, de Karl Lagerfeld. Pantalón, de Mirto.

Accesorios, de Bulgari.

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Camisa y pantalón, de ENNEGES. Cinturón, de Lacoste. Calzado, de Bershka. Accesorios, de Bulgari.

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EN PORTADA

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EW Magazine (MW): ¿Uno necesita que los personajes le saquen de su zona de confort?

Joel Bosqued: Supongo que conforme te vas acostumbrando al personaje vas necesitando salir de esa zona de confort. Al principio como casi todo lo que es nuevo pues tienes esa intriga y conforme va pasando el tiempo, quizás, necesitas algo más.

En el caso del personaje de Andy he tenido mucha evolución. Arranco en coma y poco a poco voy despertándome. Desde la primera hasta la tercera temporada hay una evolución bastante grande. Con Andy la zona de confort ha sido bastante justita. Pero sí que es cierto que con otros personajes, de cara a otras temporadas, necesitas crecer.

Que se vaya hacia un lado o hacia otro para no acomodarte.

Cuánto mayor es el reto tú también vas avanzando.

MW: Andy es un personaje que, como espectador, nunca te deja indiferente…

Joel Bosqued: Creo que, en general, ‘Madres’ es una serie que ha marcado bastante. Siempre diré que cuando me la leí, dije “menudo dramón”, “a ver quién se sienta en su casa a ver esto”.

Luego todo el equipo ha hecho posible que sea una serie donde puedas empatizar.

Andy, a pesar de no saber por dónde va a salir, siempre ha tenido un lado muy humano. A pesar de ser una bomba, tiene esa sensibilidad por ese lado humano que tiene.

MW: ¿Ha sido fácil no juzgarlo en algún momento puntual?

Joel Bosqued: Siempre que hacemos un personaje es muy difícil no juzgar. Hay una parte crítica. Creo que es muy difícil meterse en la piel de un asesino, por ejemplo. O de un violador o de un maltratador. Si eres una persona con dos dedos de frente, meterse en ese papel, puedes hacerlo muy bien, pero no puedes juzgarlo. En muchos futuros personajes puede tocarme de malo y juzgarlo sería malo para mi trabajo.

MW: ¿Fue fácil construirlo?

Joel Bosqued: Sí y no. Yo no tengo la edad que tiene Andy y a la hora de interpretarlo era un reto. No solo a nivel de interpretación sino a nivel corporal. Un adolescente de diecisiete años no se mueve como me muevo yo. Aunque tenga una edad y pueda aparentar mucho menos caracterizándome, para mí la interpretación es muy importante.

Quizá hace unos años yo quería hacer papeles de mayor y ahora no me importa hacerlos de joven.

Andy, corporalmente, fue todo un reto.

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Camisa, de Tommy Hilfiger.

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Traje, de BREA. Camiseta, de Calvin Klein.

Calzado, de XREBBELS. Accesorios, de Bulgari.

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mewmagazine.es 161 Camisa, de Koziski. Pantalón, de BRAIN & BEAST. Calzado, de Breshka.

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“tengo un par de apariciones que hacen posible que se cierre el personaje de una manera bonita”

MW: ¿Por qué reacciona con su madre de forma contraria a como lo hace con su padre?

Joel Bosqued: Creo que con las madres siempre hay ese amorodio. Siempre pagamos las cosas con las personas a las que más queremos o con aquellas con las que peor nos comunicamos.

Esa falta de comunicación nos pasa factura. Y luego hacemos a la inversa, queremos hacer algo positivo y para hacerlo positivo lo transmitimos desde lo negativo. Cuando quieres un abrazo, dices que no te toquen. Y en realidad necesitas que te toquen.

Las madres en general tienen el cielo ganado.

MW: En esta tercera temporada vemos a la madre de Andy que aparte de luchar contra el ‘nido vacío’ tiene que hacerlo contra la incomunicación de su hijo. ¿Vamos a poder ver un final feliz de esos que tanto nos gustan o va a ser un poco más complicado?

Joel Bosqued: Es bonito. Te diré que es bonito.

En la tercera temporada, en principio, Andy no iba a estar porque yo estaba haciendo otras cosas y, al final, se hizo un esfuerzo entre todos y tengo un par de apariciones que hacen posible que se cierre el personaje de una manera bonita.

MW: ¿Qué le hubieses dado de tu personalidad a Andy?

Joel Bosqued: Estabilidad. Yo soy bastante estable.

MW: ¿Con qué te quedas de la experiencia vivida con Andy y con? ‘Madres’?

Joel Bosqued: Volvería, ¿eh? Pues mira, me fui de allí…porque siempre que te tiras mucho tiempo en un sitio te quieres ir.

Pero en cuanto me fui dije…”¿qué dices? ¿estamos locos o que?

Si estabas muy bien”. Estaba muy a gusto.

Me quedo con la gente. Con todo. Se generó una familia desde el inicio.

· · · Y quizá eso sea lo más importante…el equipo humano. Todas aquellas personas que hacen posible proyectos y personajes como el de Andy. Mucha gente implicada en contar historias que merezcan la pena y que al final del todo nos queden muchas preguntas en la cabeza. Cuestiones que nos replanteen todo.

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Traje, de Antony Morato. Camisa, de ENNEGES. Calzado, de XREBBELS. Accesorios, de Bulgari.

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Panoram Hotel Management y Hilton, han anunciado hoy la apertura de su nueva propiedad, el Atocha Hotel Madrid, primer hotel de esta marca en España. El hotel es la primera propiedad del continente europeo bajo la marca Tapestry Collection, conocida por su estilo único y vibrante personalidad, que invita al huésped a explorar el destino local.

El primer hotel en España de la marca “Tapestry Collection by Hilton” ofrecerá una auténtica experiencia de hospitalidad, con marcado carácter sostenible, que promete un servicio atento, amable y cómodo, donde desde los miembros del equipo hasta el último detalle destilarán el sabor de la tradición y hospitalidad madrileñas. Ubicado en la Calle de Atocha, nº 107 de Madrid, este hotel cuenta con 46 habitaciones de entre 24 y 46 m2, repartidas en 4 plantas.

LA EXPERIENCIA “ATOCHA”: SIMPLICIDAD, COMODIDAD Y SOSTENIBILIDAD La historia del Atocha Hotel Madrid comienza en los años 40, donde por la Puerta de Sur de Madrid, ahora estación de Atocha, entraba el comercio y la artesanía de esparto a la ciudad. Un material

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(atocha significa esparto) que evoca simplicidad, tradición e historia.

Con este espíritu Panoram Hotel Management y Tapestry Collection by Hilton recuperan la esencia de lo simple, cómodo y sostenible en este renovado hotel, que respira la tradición de una manera sostenible y agradable en sus instalaciones sin perder la elegancia y sofisticación de una propiedad de Hilton.

Los materiales utilizados para el diseño del interior del hotel, en línea con la historia, se componen de maderas, esparto, cristal y hierro forjado, además de una impresionante vegetación que aporta reminiscencias a la naturaleza y simplicidad del Madrid de la época. Un artwork único para el que se ha contado con la colaboración de la artista Gabriela de Sagarminaga.

UN HOTEL QUE CUIDA TODOS LOS DETALLES A cada paso que se da por las distintas estancias del hotel, los huéspedes podrán sentir que están paseando dentro de un espacio de autor, sin práctica presencia de plástico o papelería, y que incluso sustituye el previsible cartel de “no molestar” por un atrayente “pompón de esparto”, símbolo del Atocha hotel Madrid. Cabe remarcar que las habitaciones de este hotel son 100% non-smoking.

Madrid es gastronomía y este es otro de los apartados clave en la experiencia del hotel, gracias a su restaurante “Atocha 107”, epicentro del sabor madrileño de la mano del chef Joaquín Felipe, en el que platos icónicos de la gastronomía castiza se dan cita con la vanguardia y la sofisticación. Revisiones creativas de la mejor comida y vinos locales para que los nuevos huéspedes puedan disfrutar de la ciudad de Madrid y su singular carácter.

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SERIES

‘LOS PROTEGIDOS’ O COMO NORMALIZAR Y AMAR DESDE LO DIFERENTE por ÁLEX DELGADO / fotografías ©AtresPlayer

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pocas series hacen una función social tan importante como

lo ha hecho ‘los protegidos’. la ficción de antena

3 ha

conseguido apostar por una vinculación desinteresada y

con el apoyo de una audien-

cia necesitada de este tipo de

contenido. en ‘los protegidos’ confirmaron que realmente tenemos miedo a salir de lo

aceptado socialmente, abriendo las puertas a una relación personal mucho más importante.

La pequeña pantalla se encuentra en los últimos años en plena transformación hacia un nuevo modelo de negocio, donde las ficciones se están americanizando en su duración y consiguen ir al grano desde el inicio.

Un claro ejemplo lo estamos viendo en Atresmedia, con producciones de la talla de ‘El Internado’ o ‘Los Protegidos’, que han confirmado ser el camino a seguir en la ficción nacional. No únicamente por su duración, que recientemente se han apostado por capítulos con una extensión reducidos a los 45 minutos frente a los 80 minutos que llegaron a durar en el pasado., sino que también ese cambio se ha notado en la trama.

El caso de los ‘Los Protegidos’ nos encontramos con una ficción que ha ido un paso más allá. Con una audiencia media de 15,1% y 2.843.000 espectadores, confirmaron que contaron con un público fiel desde el inicio. La serie de Boomerang TV ha ido un paso más allá y no se ha conformado con ir a lo fácil. La clave de su éxito se encuentra en el hecho de mezclar productos variados, jugando con géneros que rara vez pueden

encajar a la perfección, pero en este caso se puede conseguir.

No se puede encasillar en una tipología concreta, no es un misterio o intriga al uso, va mucho más allá y lo hacen indagando de manera indirecta en el interior del ser humano.

Protagonizada por Antonio Garrido y Angie Cepeda, Mario Montero y Jimena García en la ficción, junto a Luis Fernández (Ángel “Culebra” Izquierdo), Ana Fernández (Sandra Olaiz), Mario Marzo (Lucas López), Priscila Delgado (Lucía Expósito) y Daniel Avilés (Carlos Montero), poco

a poco llegaron a atrapar a la población nacional e internacional. A todo ello, también contaron con la participación de la familia Ruano Ruano en la ficción, capitaneada por una Gracia Olayo que interpretaba a la todo terreno Rosa Ruano que eran imposible odiarla, junto a Javier Mendo (Borja Ruano), Esmeralda Moya (Claudia Ruano) y Óscar Ladoire (Antonio Ruano).

‘Los Protegidos’ es una serie que va mucho más allá de la típica trama con niños de ciencia ficción e intriga. Nos encontramos con la familia fic-

ticia de los “Castillo Rey”, esa en la que intentaban proteger a unos niños con poderes de su utilización por parte del “Clan del elefante”. Sin embargo, esos poderes de los menores van mucho más allá en la trama y son la excusa para una serie que no se queda en la superficie y que sabe mezclar todas las tramas de una manera excelente y donde no hay ningún cabo suelto, permitiendo que el espectador se quede pegado a la pantalla en todo instante.

La ficción de antena 3 no se conformaba con lo fácil y jugaba con la inocencia de

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SERIES

un espectador que sabía las bases en las que se movían las ficciones en ese momento, pero reinventaron un género creando temáticas y modelos de consumo distintos. La serie apostó por giros de trama casi constantes y donde la ingenuidad de los seguidores era fundamental. En ‘Los Protegidos’ no solo eran niños los menores de edad, sino que también lo eran os mayores y a la vez ese espectador que necesita creer en la magia o en esos elementos externos que nos abrían a la imaginación.

En el fondo, realmente quien tenía esos poderes era una audiencia que entraba en una trama casi imposible y donde la incertidumbre era la pauta que marcaba cada episodio. En el fondo, no era más que un alegato para defender a esa generación que se está formando y que tiene la capacidad de sentirse emocionados hacia cada imput externo que recibía. ‘Los Protegidos’ se caracterizaba por la búsqueda de esa verdad que cuesta asimilar, lo que no quieres oír está siempre presente, pero es inevitable obviarlo.

La clave del éxito de ‘Los Protegidos’ se encuentra en el hecho de amar lo diferente normalizándolo. La serie se ha centrado en luchar contra los estereotipos, en buscar ese punto de conexión de todos con todos y sobre todo en no tener miedo.

Socialmente se tiene la concepción de que todo aquello que esté fuera de lo aceptado es malo, que se tiene que rechazar y en cambio, aquí nos encontramos con un discurso narrativo donde se suele aceptar todos los factores externos e internos condicionantes.

Por otro lado, tenemos que analizar la importancia de la serie en líneas generales en la

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ficción nacional e internacional. Normalmente se encasillan las series por géneros, y en cambio, en ‘Los Protegidos’ han sabido encontrar la manera perfecta de entrelazar géneros. En este caso, no han tenido problemas a la hora de apostar por la intriga pura sobre la experimentación con niños en líneas generales, con las escenas más cómicas introducidas por una familia Ruano Ruano que han llegado a acariciar lo más profundo del ser humano. Es gracias a ese aspecto lo que ha hecho que sea una serie prácticamente perfecta desde el inicio hasta su final.

familia con sus rencillas internas, pero es la familia que uno elige y se encuentra, esa que estará siempre, nos guste o no, y que realmente es ese amor incondicional que todos necesitamos.

En el remake de ‘Los Protegidos: El Regreso’ han sabido encontrar la clave de esta unión de conceptos y temáticas. Con las rivalidades propias de una familia ficticia, la serie cuenta con 45 minutos de duración y únicamente cuatro episodios. Van al grano y es que en el fondo, siguen siendo esa

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REPORTAJE

o i r a M o z r Ma

greso ÁN e r o d ISTINA ALBARR a i RA / muah CR ER GU A N Un ans RE mo YU ERGUÉ / estilis P. GU o y entrevista

CARIO / text graf ía DAVID VI

tillo familia Cas la e u q e d el paso años des a continúa y pasado diez id v n a la H ro e P re o que p liz. ucas. A ese o un final fe y un suceso desconocid eL v e tu d y e o R rp e u , fueron s l destino rendió. ‘Los regresa al c nueva etapa el tiempo, e d que tanto ap ta l Mario Marzo s e e d iy te m n io fa ra d cierne soás du tanto le menaza se ue nunca. M aber descubriremos a q e s v o sonaje que n ra g re a e s n isión. u , es están más una nueva m na doles. Ahora a ochando es n rr rá rá e a ta d p n y e Protegidos’ fr ta n n c e se ejó u sencia inta ue sí merec os, lo que le a de una historia que d ll e re b lia. Con la e Porque hay historias q ueva etap llos. Hacia tes. é fue de e sí parte la n u A q hacer de an s e o s rn a a c id v le. ra expli ento de su lla imborrab m e o u h m regresar pa é u q n aron y e dónde camin encuentran. nergía suocha una e rr e d y z li el que o está fe Lucas como e d r o Mario Marz d e c o pecial. Con ismo. ejor de sí m mamente es m lo r a d a esto más y dispu

MÁR fotograf ía ANA

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KEZ / asst. foto

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Camiseta, de So Human. Pantalón y calzado, de Bershka.

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MEW Magazine (MW): ¿Cómo vive uno cuando le llaman y le dicen que la vuelta de ‘Los Protegidos’ va a ser real?

Mario Marzo: Me lo veía venir o quería vérmelo venir. Venían los remakes de series como ‘Física o Química’ o ‘Los Hombres de Paco’ y recuerdo que escribí a Ana Fernández comentándole “a ver si van a volver ‘Los Protegidos’ ahora” y nos echamos a reír.

Cuando me llamaron fue una alegría inmensa. Además, yo estaba justo en un momento muy malo y estaba muy tristón.

Casi una noticia de salvación.

Cuando me lo dijeron me apetecía un montón. Hace años sabía que en el hipotético caso de que volviéramos a grabar yo quería estar cien por cien. Me daban igual las condiciones. Solo quería estar para volver a vivir una experiencia que fue muy importante para mí.

MW: ¿Cómo se planta uno delante de Lucas? ¿Cómo es ese momento?

Mario Marzo: Volver a entrar en la piel de Lucas fue muy sencillo. Y hablándolo con mis compañeros para todos fue súper sencillo. Al final, es una analogía muy manida, pero cuando se habla del disfraz del actor…Cuando es un personaje que hemos trabajado tanto, seis meses de grabaciones para doce capítulos… Fue ponernos ese disfraz y volver a vernos.

Han pasado 8 años desde que los Castillo acabaran con el clan del Elefante. Y, aunque lo podía parecer, no fue un final feliz.

La familia se rompió y todos siguieron por caminos separados.

Pero cuando un grupo de gente con poderes secuestra a Dora, la hija de Sandra, los Castillo tendrán que superar el pasado para hacer frente a esta nueva amenaza unidos. La búsqueda de Dora les llevará de vuelta a Valleperdido y a todo lo que creían haber dejado atrás, incluida una terrible revelación: el Clan del Elefante ha vuelto.

· · · MW: ¿Cómo has vivido ese momento en el que Lucas se reencuentra con el resto de personajes?

Mario Marzo: Es un reencuentro bastante especial. Mucho más especial de lo que nosotros nos imaginábamos. Es mucho más humano y con unas condiciones especiales.

" Solo queria estar para volver a vivir una experiencia que fue muy importante para mi

MW: ¿Uno vuelve a partir, durante la construcción del personaje, de la misma característica de aquella primera etapa?

Mario Marzo: Cuando estaban trabajando en la pre-producción y tuvimos las primeras entrevistas sí que nos marcaron querían no un cambio sino una evolución natural de los personajes.

Porque ocho años marcan a todas las personas. Y todos los personajes parten desde un punto muy especial. Un siniestro que ocurre y todos los personajes empiezan a evolucionar desde ahí.

Entonces, creo que todos los personajes hemos mantenido esa esencia que teníamos al principio y que era importante, porque seguimos siendo la misma persona, pero pasados esos ocho años.

MW: Uno ve la vuelta y encuentra la esencia. Identifica a los personajes perfectamente…

Mario Marzo: Al final, nosotros, como familia, nos vemos separados por ciertas cosas que ocurren y tenemos que volver a juntarnos por el secuestro de la hija de Sandra. Cada uno partimos de puntos diferentes. Hemos rehecho nuestra vida. Pero somos una familia y eso no se pierde.

En esa primera etapa creamos una marca. Éramos una familia. Era importante mantenerlo.

"

En el caso de Lucas se ha dedicado a tocar el piano, a tener una vida más allá de la familia. Sigue siendo una persona tímida, sigue siendo esa persona introvertida, que piensa mucho, que tiene sus pequeñas aficiones. Le gustan más los espacios cerrados a los abiertos, pero es el cambio de una persona de 15 años a 25.

MW: Hay una carga emocional tremenda…

Mario Marzo: Cuando nos plantearon esta nueva etapa dejaron muy claro que quería una serie mucho más naturalista en el que los personajes tuviesen tiempo a reaccionar. Y los poderes tuviesen un punto de vista secundario. Porque tras doce años ya son parte natural de ti y fluyen en el momento en el que tienen que hacerlo sin la preocupación de esos primeros años.

Esta temporada, visualmente, es mucho más espectacular y los poderes ocurren porque ocurren. Si hay que hacerse invisible, se hace. Si te tienes que transformar, lo haces.

MW: Aunque conozcas muy bien a Lucas, ¿te ha sorprendido en esta temporada?

Mario Marzo: La verdad es que sí. Sobre todo, en los siguientes capítulos. Y me hace muchísima ilusión. Y cuando lo iba leyendo estaba literalmente saltando en la cama (Risas).

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REPORTAJE

Jersey, de Bershka.

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REPORTAJE

Emitida de 2010 a 2012 en Antena 3, la serie logró una media de más de 3 millones de espectadores y lanzó al estrellato a unas jóvenes estrellas.

La historia arrancó con un grupo de personas que se hacen pasar por una familia, los Castillo, con el objetivo de huir de una extraña organización que les busca llamada el Clan del Elefante. El motivo no es otro que los poderes sobrenaturales de muchos de sus miembros. Ocultos como una verdadera familia, este equipo terminó queríendose como si su fantasía fuese verdad. Y con ellos, un arsenal de fans que han permanecidos inalterables con el paso del tiempo… Y siempre con la esperanza de vivir el regreso. Porque los Castillo consiguieron convertirse en la familia de todos.

· · · MW: ‘Los Protegidos’ sigue manteniendo a sus fans de siempre…

Mario Marzo: Totalmente. Cuando estábamos en los ensayos lo hablábamos. Luis ha tenido un carrerón, Ana igual… A Luis por la calle le siguen llamando ‘culebra’.

Ana sigue siendo ‘chispitas’.

Hicimos una marca tan especial que eso deja huella en la gente.

MW: De la personalidad de Lucas, ¿qué querrías para ti?

Mario Marzo: Creo que es una persona muy reflexiva.

Y con mucha sangre fría. Más de la que tengo yo. Probablemente cogería un poquito de ahí.

MW: ¿Y qué le darías tú a Lucas?

Mario Marzo: Un poquito de ‘latineo’ (Risas). Yo le veo correr, andar…mira que ha evolucionado, pero hombre, un poquito más de garbo. Un poquito de pimienta negra recién molida. Pero al final es lo que distingue al personaje también, el no saber exteriorizar sus emociones.

MW: ¿Cómo definirías tú esta nueva temporada?

Mario Marzo: Como una temporada muchísimo más madura. Mucho más realista. Creo que la gente va a estar muy sorprendida, muy contentos.

En estos cuatro capítulos hay un arco muy claro. Con una dirección que no tenía la primera etapa.

· · · ‘Los Protegidos’ han vuelto y con ello nuestro pasado…porque tiempos pasados siempre fueron mejores.

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Sudadera y pantalón, de Polo Club.

Calzado, de Bershka. mewmagazine.es 179

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Plumas, de Herno. Camiseta, de So Human.

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TEATRO

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FRAMING TIME, LUZ Y COLOR ·

TEn la pieza de una hora de duración que Gelabert y Muzijevic presentan en Teatros del Canal, el movimiento y la música son tan protagonistas como la iluminación, ya que la propuesta está construida a base de luz, color y elementos escenográficos. por REDACCIÓN / fotografías ©Ramón Eguiguren (Teatros del Canal)

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l bailarín y coreógrafo español Cesc Gelabert y el pianista bosnio Pedja Muzijevic se alían en Framing Time, un solo bailado por Gelabert a partir de la interpretación de la obra del músico minimalista estadounidense Morton Feldman Triadic Memories for piano solo, compuesta en 1981. La Sala Verde de Teatros del Canal acoge dos funciones de esta pieza los días 13 y 14 de octubre a las 19.45.

Framing Time es el fruto de dos residencias, una dirigida por Muzijevic en el Banff Centre for Arts and Creativity de Canadá en 2015, y otra en el Baryshnikov Arts Center de Nueva York en 2016.

Muzijevic, que vive en Estados Unidos, pidió al escenógrafo y diseñador de iluminación Burke Brown que realizará la puesta en escena de un recital en el que se interpretaría la obra de Feldman. Al ver la iluminación que había creado Brown, aquello le semejó a una danza y pensó en proponer a Gelabert que se sumara al proyecto, porque le parecía el coreógrafo ideal para la música de Feldman. Gelabert aceptó. Con el coreógrafo español, la pieza creció y dotó al movimiento de su coreografía de una imaginería mística y escultórica, tal y como se vio en su estreno en Nueva York en 2018.

Con Framing Time, Cesc Gelabert volvía colaborar con Baryshnikov Productions tras crear el solo In a Landscape para la compañía fundada Baryshnikov y Mark Morris en 1990, y que interpretaron el propio Baryshnikov y Muzije-

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vic en 2003.

En la pieza de una hora de duración que Gelabert y Muzijevic presentan en Teatros del Canal, el movimiento y la música son tan protagonistas como la iluminación, ya que la propuesta está construida a base de luz, color y elementos escenográficos.

Framing time es una muestra del trabajo de colaboración de Gelabert con otros artistas, como se desprende de su larga trayectoria. Empezó sus estudios de danza en 1969 y los amplió, entre su afición al fútbol y la carrera de arquitectura, hasta decidir que la danza sería su única profesión. En 1972 firmó su primera coreografía y un año después su primer solo, Acció 0. Vivió en Nueva York a partir de 1978 y se hizo un hueco en el mundo de la danza neoyorquina.

De regreso a Barcelona, en 1985 fundó con Lidya Azzopardi la compañía que lleva el nombre de ambos, y en 2003 pasó a ser compañía asociada del Teatro Lliure hasta el 2012. En 1987 y 1988 creó Réquiem (Verdi) y Belmonte, piezas emblemáticas de la historia de la danza en España, dos de la treintena de espectáculos creados por la compañía.

El movimiento y la música son tan protagonistas como la iluminación, ya que la propuesta está construida a base de luz, color y elementos escenográficos.

En 1996 recibió el Premio Nacional de Danza y en 2000 el Premio Max de las Artes Escénicas por Zumzum-Ka como mejor espectáculo de danza y coreografía. En 2005 y en 2006 lograría otros dos Max como mejor intérprete.

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REPORTAJE

Ylenia Baglietto & Lander Otaola fotografía ANA MÁRKEZ / asst. fotografía DAVID VICARIO texto y entrevista P. GUERGUÉ / estilismo YURENA GUERRA muah Ylenia LETICIA PERILLÁN / muah Lander CRISTINA ALBARRÁN

Y

lenia Baglietto y Lander Otaola llegan junto a ‘Los Gondra’ es un proyecto de tres funciones exigentes, pero con un equipo artístico y técnico de lo más comprometido. Porque en teatro ir al mismo son es el mejor proceso posible para que un proyecto funcione y llegue al público. De eso hemos hablado con ellos.

De la profesión. De lo que les exige y de lo que ellos piden a cambio. De lo importante que es ser a lo largo del todo el camino. E ir aprendiendo de aquello que suma e incluso de lo que resta.

MEW Magazine (MW): ¿Qué es lo más complejo del teatro?

Ylenia Baglietto: Creo que es mantener al público siempre atento. Creo que es muy fácil quedarte en tu butaca, ahí, en el calor si lo que estás viendo no te interesa. Nuestro objetivo y nuestro reto es mantener a las personas ahí enganchadas al espectáculo. Enganchados en tensión y sobre todo emocionados.

Lander Otaola: Y también el hecho de trabajar en equipo. Comparo mucho el fútbol con el teatro. Es un trabajo en equipo. Si uno no baja a defender, te meten gol, aunque tú seas muy bueno. Y en el teatro pasa mucho eso. Nos tenemos que amoldar unos a otros y dejar los egos a un lado. Hay que remar todos en la misma dirección porque sino el barco se hunde.

MW: ¿Habéis descubierto cosas de vosotros gracias al teatro?

Ylenia Baglietto: Absolutamente. A mí me gusta mucho indagar en mi misma y ver en qué me parezco al personaje, qué puedo relacionar con mi vida para llegar al personaje. Eso hace que siempre estés activa, no solo en el personaje sino también en tu vida. Creo que va de la mano, que va unido.

Lander Otaola: Imagino que sí. Me gustaría decirte que sí, que el teatro me ha cambiado, pero mentiría. Imagino que me ha cambiado la vida. El teatro a lo mejor te enseña a tener más empatía o sensibilidad.

Bailando entre tablas 186 OCTUBRE 2021 · MW

Lander: Chaqueta y camiseta, de Polo Ralph Lauren. Pantalón, de Calvin Klein.

Calzado, de Hogan.

MW: ¿Qué es más fácil? ¿Empatizar con un personaje o no juzgarlo?

Ylenia Baglietto: Creo que, a veces, se nos va y lo juzgamos. Me he visto en muchos momentos juzgando al personaje. Yo que en la vida soy muy empática creo que me va mejor el tema de la empatía.

Lander Otaola: Siempre, sin querer, juzgas al personaje.

Hay actores, de hecho, que se niegan a hacer según qué personajes. Y eso me parece un poco chorradas porque tú eres un actor y si te toca hacer de Hitler, aunque Hitler fuese un monstruo, pues tendrás que amoldarte.

MW: A la hora de construir un personaje, ¿se disfruta más dentro del teatro? ¿hay más tiempo?

Ylenia Baglietto: Creo que se disfruta siempre porque, al final, es nuestro trabajo. Y queremos crear siempre el personaje de la mejor manera posible. Es cierto que depende del tiempo que tengas puedes disfrutar más o menos ya sea en teatro, cine o televisión. Puedes indagar más o menos.

Es verdad que a mí me gusta indagar mucho. Por eso si estoy en una gira de teatro sigo indagando y cambiando cosas. Cada día que voy al escenario intento probar cosas.

Si tú quieres y te lo permites puedes indagar en los tres sectores.

Lander Otaola: Yo creo que lo importante es que el proyecto sea bueno. El teatro te da más tiempo también para aburrirte. Porque cuando estás ensayando a lo mejor estás siete semanas ensayando todos los días lo mismo. En cine, cada día, haces una secuencia diferente. O en televisión mucha diferentes y ya no las vuelves a hacer nunca más.

El teatro es el arte de la repetición. Pero claro tampoco es siempre lo mismo porque tú tampoco estás igual.

MW: ¿El personaje de teatro sigue sorprendiendo pase el tiempo que pase?

Lander Otaola: A lo mejor desde casa vas con una idea más clara y cuando vas a ensayar te sorprende. Sobre todo, si tienes un buen director.

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Sudadera, de Alice Rails Collection.

Pantalón, de Venca Pendientes, de COS.

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Camiseta, de Bershka.

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REPORTAJE Creo que es uno de los grandes problemas de España que hay muy pocos directores buenos de actores.

Ylenia Baglietto: Una de las cosas más importantes, en sí, es estar con tu compañero. Estar con el otro. Estar con el que está frente a ti.

Y de esa manera también descubres cosas del personaje. ¿Por qué? Porque esa respuesta que cada día te da tu compañero te hace conocer a tu personaje más.

Cuanto más consciente eres del que tienes enfrente y de lo que te está dando el que tienes enfrente, descubres más de tu propio personaje.

quien regresa por primera vez tras su exilio forzoso, Uxue, una activista arrepentida que ahora propicia encuentros entre viejos enemigos, o Imanol, el viudo de una antigua terrorista que no ha sabido aceptar su pérdida.

Así, la pieza se centra en esta ocasión en esa generación que no ha sufrido la violencia y en cómo se seguirá construyendo una sociedad sin las personas que vivieron y recuerdan los hechos del pasado.

· · ·

MW: ¿Uno aprende en teatro a saber leer al público?

Ylenia Baglietto: Absolutamente. De hecho, lo necesitamos en drama, pero en comedia mucho más. Es básico escuchar al público. Dependiendo del tempo del público tú vas a saber cuando meter el ‘gag’. Es absolutamente necesario escuchar a público.

MW: ‘Los últimos Gondra’ llega a lo largo de este mes de octubre a las tablas madrileñas… ¿cómo están siendo los ensayos?

Lander Otaola: Duros, duros (Risas). Duros, largos e intensos. Vamos a hacer en siete semanas, lo que se tarda en hacer una función, vamos a montar tres. Creo que es el mayor reto teatral al que yo me he enfrentado en mi vida.

Lander Otaola: El teatro sin público es que no tiene sentido. Y es verdad que en comedia tienes que escucharlo porque va mandando más.

El público te lleva. Sabes cuando algo no funciona o sí.

Lo bueno es que hay un gran director, un gran equipo artístico y técnico. Y el guión es fantástico.

Creo que las nuevas generaciones estamos perdiendo un poco esa escucha con el público.

··· Tras Los Gondra (una historia vasca) y Los otros Gondra (relato vasco), Josep María Mestres vuelve a ponerse en la dirección de un montaje que cierra la historia de confrontación y desgracias de la familia Gondra.

Su relato observa cómo Borja Gondra rememora, sueña o inventa el momento de su muerte en su centenaria vivienda familiar rodeado de antepasados que desaprueban su trato a la memoria del clan. Borja termina descubriendo la existencia de dos hijos gemelos de los que no sabía nada: Iker, un activista que pronto saldrá de la cárcel reivindicando la lucha política, y Eneko (Lander Otaola), un escultor que vive en el extranjero sin preocuparse del pasado. Ambos heredarán la casa, una novela sin terminar y sus propias cenizas.

A ellos se les unen las vidas de otros personajes como Claudio y Martina (Ylenia Baglietto), una pareja formada por el hijo de quien tuvo que irse y la hija de quien tuvo que ver en esa huida, Blanca,

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Es un lujo, pero estamos agotados. Y llevo muy mal madrugar todos los días (Risas).

Ylenia Baglietto: Siete semanas para montar tres obras de teatro es agotador. Pero es muy bonito también y creo que estamos aprendiendo muchísimo. El equipo es tan guay que se aprende mucho.

MW: ¿Es fundamental el equipo para que algo funcione?

Ylenia Baglietto: Absolutamente. De hecho, hay veces que te planteas si quieres hacer un proyecto porque a lo mejor el equipo que te rodea no es el que tú elegirías.

Cada vez más te apetece trabajar en familia. O sintiéndote a gusto con los que tienes alrededor. Al final, las cosas salen mucho mejor cuando estás tranquilo. Cuando hay un ambiente de construir y de crear.

Elijo, cada vez más, que el equipo con el que trabajo me encante. Me parece fundamental.

Lander Otaola: Subscribo sus palabras. Es que es esencial. Si hay un mal equipo, no hay proyecto.

MW: ¿Qué tienen ‘Los Gondra’ para que funcionen tan bien y venga esta tercera parte?

Lander Otaola: Pues no lo sabemos, la verdad.

a mí me gusta mucho indagar en mi misma y ver en qué me parezco al personaje” - Ylenia mewmagazine.es 191

REPORTAJE

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Ylenia: Peto, de Venca.

Lander: Camisa, de Polo Ralph Lauren.

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REPORTAJE Creo que el teatro es un misterio. La verdad es que es una obra muy elegante. Y lo que cuenta es muy interesante. Es el conflicto vasco de otra manera, desde otra perspectiva.

Nunca sabes porque hay funciones que también son magníficas y no va nadie. Y otras que son un horror y hacen diez temporadas.

Ylenia Baglietto: Es una función que está súper bien escrita.

Es muy fácil de estudiar y cuando una obra te entra fácil en la mente significa que está muy bien escrita. Las escenas tienen mucho sentido.

MW: ¿Con qué sensación os quedáis después de cada ensayo?

Ylenia Baglietto: Con la sensación de que te quieres echar la siesta (Risas).

Lander Otaola: Con hambre y sueño (Risas).

Ylenia Baglietto: Los ensayos siempre son muy productivos. A pesar del casancio, cuando llegamos a casa, sentimos felicidad por formar parte de este proyecto.

Lander Otaola: Es un lujo estar en un proyecto así.

MW: Hace un tiempo le pregunté a un director de teatro que con qué sensación querría que el público saliese tras ver su obra. Y me dijo que el teatro tenía que servir para dejarte preguntas, para cuestionarte cosas… ¿Creéis lo mismo?

Lander Otaola: Por supuesto. Fíjate, esta función, más que conclusiones te deja con preguntas. Dónde estás tú, cómo te posicionas. Pero cada género es un mundo. Creo que la gente, sobre todo, tiene que salir feliz del teatro.

MW: ¿Qué no darías por vuestra profesión?

Lander Otaola: Creo que nos encanta nuestra profesión, es nuestra pasión, nuestro mundo, pero la vida está antes.

Ylenia Baglietto: Mi vida. Me lanzo a todo, a tope y a veces te das cuenta que tú salud se pone en riesgo. Quiero sacar lo mejor de mí, pero, a veces, hay que relajarse. Es una de las cosas que estoy aprendiendo ahora.

··· La Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán acoge el estreno de la tercera y última parte de la trilogía de Borja Ortiz de Gondra sobre la violencia en el País Vasco. Un montaje que podrá verse en varias funciones previstas los días 13, 14, 15, 16, 17, 21, 22, 23, 24 y 31 de octubre y 2, 3, 4, 7, 9, 10, 11, 14, 16, 17, 18 y 21 de noviembre.

Disfruta de Ylenia Baglietto, Lander Otaola y el resto del equipo en una función que no te dejará indiferente.

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” CREO QUE LA GENTE, SOBRE TODO, TIENE QUE SALIR FELIZ DEL TEATRO ” - LANDER

Camiseta, de So Human.

Pantalón, de Pinko. Calzado, de Bershka.

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REPORTAJE

Ylenia: Abrigo, de FAY. Calzado, de Furla.

Lander: Jersey, de Polo Ralph Lauren.

Pantalón, de COS Wallace Trousers.

Calzado, de Bershka.

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LIFESTYLE

DEPRESIÓN, TRISTEZA Y ANSIEDAD EN NIÑAS

Desde las relaciones familiares hasta la salud, el aprendizaje y la confianza en sí mismas y en su capacidad de liderazgo, niñas y adolescentes se ven afectadas negativamente por la información falsa en Internet. En esta línea, una de cada tres (33%) participantes en el estudio en España ha discutido con amistades o miembros de su familia como consecuencia de la información errónea y la desinformación online. por REDACCIÓN / fotografías ©Freepik

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a desinformación -los conocidos bulos y fake news- y la información errónea que se propagan en Internet provoca que casi la mitad (46%) de las niñas y adolescentes de todo el mundo sientan depresión, tristeza, estrés, preocupación o ansiedad, según The Truth Gap / (Des)informadas online, el nuevo informe global de Plan International, organización que trabaja por los derechos de la infancia y la igualdad de las niñas.

El informe ha sido presentado hoy en un acto en el Congreso de los Diputados, que ha sido presidido por la presidenta de la Cámara Baja, Meritxell Batet, y ha contado con la participación de portavoces de los diferentes grupos parlamentarios y de la directora general de Plan International, Concha López, quien ha destacado que un 90% de las niñas y adolescentes asegura que la desinformación tiene un efecto negativo en sus vidas. Además, un

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grupo de jóvenes han trasladado a los diputados y diputadas su petición para que los gobiernos garanticen la alfabetización digital de las niñas, adolescentes y mujeres jóvenes.

The Truth Gap / (Des)informadas online es el nuevo informe de la serie El Estado Mundial de las Niñas, que la organización publica anualmente con motivo del Día Internacional de la Niña, que se conmemora el 11 de octubre. Este año, el estudio recoge datos de 33 países, combinando metodología cuantitativa y cualitativa. Por un lado, se ha llevado a cabo una encuesta online a más de 26.000 niñas, adolescentes y mujeres jóvenes en 26 países, incluido España. Por otro lado, se han realizado entrevistas en profundidad a niñas, adolescentes y mujeres jóvenes de 18 países, siete de los cuales no se habían incluido en la encuesta.

“La pandemia no solo ha deja-

do al descubierto las brechas digitales de conectividad o de uso, también ha hecho evidentes los riesgos a los que se exponen las niñas y adolescentes sin competencias digitales. La alfabetización digital es fundamental para participar de manera crítica y segura en los espacios online. Las niñas y adolescentes piden herramientas para construir su futuro sobre certezas y no sobre bulos, y para ello es necesario que la educación garantice de forma urgente la alfabetización digital de todas las niñas, adolescentes y jóvenes”, señala Concha López, directora general de Plan International.

A través de las encuestas realizadas en España, el informe demuestra que lo que ocurre en Internet no solo se queda en el entorno online: la desinformación y la información errónea tienen un impacto real en la vida cotidiana de las niñas y adolescentes. Desde las relaciones familiares hasta la salud, el aprendizaje y la confianza

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LIFESTYLE

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en sí mismas y en su capacidad de liderazgo, niñas y adolescentes se ven afectadas negativamente por la información falsa en Internet. En esta línea, una de cada tres (33%) participantes en el estudio en España ha discutido con amistades o miembros de su familia como consecuencia de la información errónea y la desinformación online.

El bombardeo constante de desinformación e información errónea lleva a niñas, adolescentes y mujeres jóvenes a cuestionarse los conocimientos aprendidos en la escuela: una de cada cuatro (25%) ha puesto en duda lo aprendido en clase, con los riesgos que esto supone para su educación. Esto se debe, en gran medida, a que más de la mitad de las niñas y adolescentes encuestadas (55%) asegura no saber identificar contenido falso en Internet y solo el 30% ha recibido formación en el ámbito educativo para saber identificar la desinformación y la información errónea.

Niñas y adolescentes se enfrentan solas y de forma autodidacta a estas informaciones falsas y erróneas, y algunas reconocen aplicar sus métodos de verificación: “Miro en diferentes sitios, ya sea en otras cuentas de diferentes activistas, en Google... Busco por todos lados y me informo en varios sitios diferentes para darlo lo más claro posible”, explica una chica española de 17 años entrevistada para el estudio.

El informe The Truth Gap / (Des) informadas online subraya que la información falsa en Internet es un problema a nivel global. De hecho, como resultado de enfrentarse a este fenómeno, una de cada cinco (20%) niñas y jóvenes encuestadas se siente físicamente insegura al navegar por Internet.

Charlotte, una joven de 23 años de Gales que ha participado en el estudio, señala que la abundancia de desinformación e información errónea en Internet puede dejar a las personas en una situación “muy, muy vulnerable (…) Creo que a veces existe una falta de responsabilidad en el mundo online donde la gente puede hacer cosas sin tener repercusiones”, explica.

Muchos de estos bulos e informaciones erróneas han llevado a un 28% de las encuestadas a creer un mito o falsedad sobre la COVID-19 y una de cada cuatro se ha cuestionado si debe vacunarse contra el virus. Este problema se ve agravado en países con rentas bajas o medias, donde las niñas y las jóvenes tienen el doble de probabilidades de haber cuestionado la conveniencia de vacunarse (31%) que las de los países de ingresos altos (16%). Estos datos son especialmente significativos si tenemos en cuenta que los países con rentas más bajas no alcanzan apenas el 2% de la población vacunada, con los riesgos para la salud de niñas y mujeres que esto supone.

Mia, una joven de 20 años de Kenia, señala que: “Estamos en un mundo en el que todo se hace por Internet. Así que creo que [la alfabetización digital] debería enseñarse en las escuelas, desde primaria hasta secundaria y la universidad. Para que cuando crezcamos tengamos una mejor visión de cómo utilizar nuestras plataformas digitales”.

Ante los resultados del informe, Plan International y un grupo de niñas y adolescentes han lanzado una petición global, a través de una carta abierta disponible en la web de la organización, para exigir a los gobiernos que tomen medidas urgentes para garantizar la alfabetización digital de todos los niños, niñas y jóvenes, con una perspectiva amplia que incluya el pensamiento crítico y la alfabetización

mediática y les dote de las competencias necesarias para identificar la desinformación y la información errónea en Internet y poder participar con confianza y seguridad en los espacios online.

Tal y como recoge el informe The Truth Gap / (Des)informadas online, son las propias jóvenes quienes señalan que todas las personas son responsables de combatir la desinformación y la información errónea que se propaga en Internet.

En este sentido, es esencial que siempre se compruebe la veracidad de la información online antes de compartirla.

Además, Plan International apuesta por incluir la alfabetización digital como parte del currículo desde primaria, dentro de un sistema educativo más amplio basado en la promoción de la igualdad de género. Del mismo modo, apuesta por financiar y desarrollar iniciativas y campañas de alfabetización digital para que las niñas, niños y sus familias comprendan la importancia crítica de la inclusión digital, la conectividad y las oportunidades y riesgos que conlleva estar en Internet; y garantizar que los derechos de la infancia en el entorno digital se reflejen en los marcos políticos, normativos y legislativos pertinentes, con la participación de las propias niñas y en base a sus experiencias.

"EL 55% DE LAS CHICAS ENCUESTADAS EN ESPAÑA ASEGURA NO SABER DIFERENCIAR CUÁNDO EL CONTENIDO ONLINE ES FALSO O REAL" mewmagazine.es 203

204 OCTUBRE 2021 · MW

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