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ÍN DI CE
Milton Glaser...................... David Carson..................... Oliviero Toscani................ Martín Solomón................. Neville Brody..................... Norman Rockwell.............. Max Miedinger................... Herbert Bayer.....................
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®Revista Typo. República Dominicana, Diciembre, 2015. Diseñada en Adobe Indesign. FOTO PERSONAL 40 Páginas. Diseño y Diagramación por Dahiana, Matrícula -----------. Todos los Derechos Reservado
NUESTRA PORTADA
GLA SER
MILTON
Milton Glaser
En el primer campo ha trabajo Sobre Miltón Glaser para publicaciones como Paris Macht, L´Express, Esquire o Village
Voice
y
La
Vanguardia (1987-1989) para
En 1973 se publicó Milton Glaser: Graphic Design, una obra recopilatoria de su trabajo tenido
numerosas
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realizar un cambio en esta publicación coincidiendo con su
que
ha
ediciones
paso al color. En
identidad
corporativa,
desde finales de los setenta se encargó de un gran proyecto para la compañía Grand Unión, una cadena de supermercados Milton Glaser, Nueva York, 929, Ilustrador y diseñador muy prolífico conocido sobre todo por sus diseños para discos y libros. Glaser
estudio
en
la
conocida Cooper Unión entre 1948 y 1951 para continuar su formación en la Academia de Bellas Artes de Bolonia con el pintor Giorgio Morandi. Fundó con Seymour Chwast el Push Pin Studio para, en 1974, crear su propia compañía.
en los Estados Unidos. También creó el logo de DC Comics. En 1981 creó el conocido símbolo para la campaña I Love New York. El estilo de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y está influido por numerosas fuentes si bien siempre ha dado a la ilustración una importancia grande. Ha diseñado
algunos
tipos
de
letra, la mayoría de carácter decorativo
y
escasamente
legibles, como reflejo de esta orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica. Su
Ha creado más de 300 carteles concepción creativa se acerca entre los que se cuenta el famoso más a la de un artista tradicional de Bob Dylan, un símbolo de que expresa en su obra una los años sesenta. Glaser se particular visión del mundo. ha dedicado al diseño editorial y a la identidad corporativa.
David Carson
Asistente le ocurrió hacer diseño, y con Director dentro de la Met Office, el carácter desafiante de un y lideró la Dirección General de surfista dijo “al carajo las reglas” por
oposición
ser
Investigación de la capa límite, y más tarde la Subdivisión de Climatología Dinámica. Entre 1987 a 1989, el Dr. Carson
fue
Concejo
de
Ambientes
adscrito
al
Estudios
sobre
Naturales
(con
su acrónimo eninglés NERC) como su primer Director de David John Carson nacidó en 1960 es un climatólogo inglés. Entre 1990 y1996, fue director del Centro Hadley, y director de modelos predicción
numéricos
de
meteorológica,
en
la UKMO, entre 1999 a 2000, y de 2000 a 2005 director del World Climate Research Programme. El Dr. Carson se unió a la Oficina Meteorológica del RU, en 1969, realizando
su Ph.D,
en
el
Departamento de Matemática Aplicada, de laUniversidad de Liverpool, trabajando sobre la estructura y evolución de la capa límite atmosférica. Hizo las primeras investigaciones sobre el desarrollo de un modelo general de circulación de la atmósfera. En 1982, obtuvo
Programas de Ciencias de la atmósfera. En enero de 1990, retornó al Met Office, siendo Director de Estudios de Clima, y luego primer Director del Centro Hadley.
Así es David Ray Carson, un norteamericano nacido el 8 de septiembre de 1954, en la ciudad de Corpus Christi, estado de Texas. De aspecto tranquilo, pero de alma rebelde, paso muchos años de su infancia en su natal Texas, luego asistió a la Universidad Estatal de San Diego, así como Oregon College of Art de Comercio. El primer contacto real de Carson con el diseño gráfico fue realizado en 1980 en la Universidad de Arizona en un curso de dos semanas de gráficos, impartido por Boelts Jackson.
Carson, Más tarde, en 1983, Carson fue la enseñanza de la Sociología en Diseñador Gráfico. la escuela secundaria del mar de California, donde además cultivó su pasión por el surf. Carson no tenía noción del diseño El diseño sin reglas. como tal, hasta que surgió un En lo que respecta a la teoría, viaje a Suiza, donde asistió a como a la práctica del diseño un taller de tres semanas en el gráfico, existen ciertas normas diseño gráfico como parte de su y reglas para un buen trabajo. carrera. Aquí es donde conoció Estas dictan como hay que a su primera gran influencia, que trabajar la diagramación, también pasó a ser el profesor el encuadre, los colores, la de este curso, Hans-Rudolf Lutz. simplificación de la forma, legibilidad, etc., etc. etc…. Pero En la práctica, Carson tiene una un buen día, apareció un tipo al Licenciatura en Sociología. que de la noche a la mañana se Typo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016 7 David
Durante el período de 1982-1987, Carson trabajó como profesor en Torrey Pines High School en San Diego, California. En 1983, con sus primeras incursiones en el mundo del diseño, Carson comenzó a experimentar y se encontró inmerso en la cultura artística y bohemia del sur de California. A fines de 1980 había desarrollado su estilo característico, el uso de “sucio” de tipo y no convencionales técnicas fotográficas. Fue por esto que fue duramente criticado por los “catedraticos” del diseño, el diseño reglamentado o de “la vieja escuela” del diseño, calificando su trabajo como un absurdo, ilegíble y sin sentido de la coherencia. Si llevaramos el diseño a un hambito religioso, lo habrian quemado en la hoguera por sacrilego. Pero su trabajo sería apreciado y valorado mas temprano que tarde. Carson se convirtió en el director artístico de la revista Transworld Skateboarding. Entre otras cosas, también se convirtió en un surfista profesional, y en 1989 Carson fue calificado como el noveno mejor surfista del mundo, y Steve Pezman Debbee, los editores de la revista Surfer (y más tarde surfistas Diario).
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Carson aprovechado para diseñar Cultura Playa, que evolucionó a partir de un suplemento anual a una nueva publicación trimestral. Aunque sólo seis ediciones trimestrales fueron producidas, el tamaño tabloide local, editado por el autor Neil Fineman-Carson permitió hacer su primer impacto significativo en el mundo del diseño gráfico y tipografía, con ideas innovadoras, impactantes y desafiantes.
revista Ray Gun, una revista de las normas internacionales, en la que había mucho sobre música y estilo de vida como tema principal.
Portada revista RayGun, con la banda “Garbage”
Ray Gun logró que Carson se hiciera muy conocido y atrajo a nuevos admiradores de su trabajo. En este período, Carson aparece en publicaciones como el New York Times y Newsweek lo que genera un aumento de su publicidad en gran medida.
Portada revista Surf
Portada revista RayGun especial de la banda “OASIS”
Es aquí donde comienza a generar polémica, ya que incluso aquellos a quienes no les gustaba su trabajo, en el que la legibilidad menudo invocadas por la atención de los lectores estricto, solicitaban sus servicios debido a la buena recepción del público ante la novedad. Pronto, Carson fue contratado por el editor Marvin Scott Jarrett para el diseño de la reconocida
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En 1995, Carson fundó su propio estudio, David Carson Design,
en Nueva York, y comenzó a atraer a los principales clientes de todo Estados Unidos. Durante los próximos tres años (1995-1998), Carson estaba haciendo un trabajo para Pepsi Cola, Ray Ban , Nike, Microsoft, Budweiser, Giorgio Armani, NBC, American Airlines y los Jeans Levi Strauss. Más tarde trabajó para una variedad de nuevos clientes, incluyendo a AT & T, British Airways, Kodak, Lycra, Packard Bell, Sony, Suzuki, Toyota, Warner Bros., CNN, Oro Cuervo, Johnson AIDS Foundation, Global MTV, Princo, Lotus Software, Fox TV, Nissan, quiksilver , Intel, Mercedes-Benz, MGM Studios y Nine Inch Nails. Además, su trabajo llegó a la pantalla grande, junto con Tina Meyers, diseñó el “crowfiti” tipo de letra utilizado en la película The Crow: City of Angels. Le dio nombre y diseñó el primer número de la revista Blue, aventura y estilo de vida, en 1997. David diseñó el primer número y las cubiertas de los tres primeros, dirección de arte y diseño de la revista hasta su desaparición.
Portada revista BLUE En 2000, Carson cerró estudio de Nueva York y siguió a sus hijos, Lucas y Luci, en Charleston, Carolina del Sur, donde su madre los había trasladado. En 2004, Carson se convirtió en el director creativo de Gibbes Museum of Art de Charleston, ha diseñado el especial de “Exploración” edición de la revista Surfing, y dirigió un comercial de televisión para Umpqua Bank en Seattle, Washington.
Carson junto a sus hijos Lucas y Lucy Carson afirma que su trabajo es “subjetivo, personal y muy indulgente”
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Los trabajos de Carson son conocidos entre la generación que creció con la revista Ray Gun, y en general, la generación visual inteligente de MTV. Él tomó la fotografía y la tipografía, los manipulaba y retorcía, todo junto,
generando,
en
algún
nivel, un mensaje confuso, pero en realidad él estaba llegando a los ojos del espectador, y más profundo dentro de la propia
composición.
Steven
Heller, revisor y consultor del New York Times y numerosos libros sobre diseño, dijo: “Él influyó
significativamente
en
la generación de abrazar la tipografía
como
un
medio
de expresión”, mientras que el
diseñador,
educador
e
historiador Ellen Lupton, dijo después del lanzamiento del cuarto libro de David Trek: “David Carson continúa siendo una de las voces más distintivas en los tipógrafos del mundos – muy imitada, pero nunca igualado” (ID Mag.nyc). AIGA (American Institute of Graphic Arts) llamado Carson “nuestra estrella más grande”.
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Oliviero Toscani Oliviero Toscani
LOS OAN
(n.
1942,
Milán)
es
un fotógrafo italiano, reconocido
principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990. Estudió
fotografía
en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo
al
crecimiento
de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente. Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de sida agonizando
en
una
cama
de
hospital,
rodeado de familiares dolientes. Otras,
incluían
aluico Tibor
Kalman. Bajo el lema “una revista
sobre
el
mundo”,Colors
resto
explotaba
del el
multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Typo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016
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Toscani
creó
Fabrica,
un
exposiciones
individuales,
centro de investigación sobre
en orden cronológico, en las
el arte en la comunicación; y
ciudades
encargó el diseño al arquitecto
Paulo,
japonés Tadao Ando.
México, Helsinki,Roma y otras
En 2007 el fotógrafo vuelve a
causar
unas
controversia
fotografías
una
campaña de la firma Nolita, en las cuales aparecía la modelo francesa Isabelle Caro, conocida por
padecer anorexia.
Las
imágenes mostraban a Isabelle extremadamente
delgada,
desnuda, con los huesos de su cara y columna vertebral muy notorios bajo su piel y todo su cuerpo en general bastante afectado
por
este trastorno
alimentario. Además
de
Benetton, el
trabajar
Toscani
diseñador
publicitarias
ha
de
con sido
campañas
para
Esprit,
Valentino, Chanel y Fiorucci. Las
campañas
de
Toscani
han ganado cuatro veces el premio Lion d’Or en el Festival de
Cannes.
Personalmente,
Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix
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d’Affichage.
Ha
Milan,
catorce ciudades.
con
para
de Venecia, Sao
tenido
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ciudad
de
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SOLO MON
MARTIN SOLOMON fue, y es tos esenciales del DISEÑO”. otro de los grandes tipógrafos y diseñadores del siglo XX, que se ha ido. Martin estudió comunicación artística en la Universidad Estatal de Nueva York y en el Instituto Pratt. A muy temprana edad fue director creativo de varias agencias hasta que lo fue de su propia firma Martin Solomon Company desde 1961. Desde entonces, su trabajo ha sido reconocido y exhibido ampliamente en todas las grandes esferas del mundo del diseño gráfico mundial. Se destacó por su labor docente en las más prestigiadas escuelas e instituciones de diseño en Nueva York y expuso su genial labor gráfica en innumerables congresos y reuniones de diseño. Por su extraordinario trabajo tipográfico en el año del 2003 recibió el premio a la excelencia tipográfica, la medalla TDC (Type Director Club). Ejemplo de ello, es su libro más conocido “The Art of Typography” y sus logotipos diseñados para Hyundai, R.J. Reynolds Tobacco, Fisher Price, y los automóviles Volvo.
Para Martin Solomón la tipografía fue “el arte de producir mecánicamente letras, números, símbolos y fomas con la ayuda del conocimiento de los elementos, los principios y los atribu-
Desafortunadamente el 4 de mayo de 2006 muere este magnífico maestro, diseñador y tipógrafo neoyorkino, y del mundo, de un ataque cardiaco, dejándonos la sabiduría de sus trabajos y palabras y sobre todo la humildad de su bellísima persona.
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BRODY 18
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Neville Brody
Neville
Brody es
un diseñador británico nacido el 23 de abril de 1957 en Londres. Brody se formó en el London College of Printing entre 1976 y 1979. Sus primeros trabajos fueron cubiertas de discos para sellos independientes en lo que ya podía apreciarse un interés por el diseño de los años veinte y un alejamiento de las convenciones de las tendencias de la década de los setenta. En 1981 se convirtió en director de arte de The Face para la que diseñó Typeface Six una nueva tipografía, que recogía las influencias del punk y las nuevas corrientes de lanew wave.
na y City Limits. Podrían resum-
porativa de la televisión austría-
irse sus principales ideas como
ca (ORF) y el canal alemán cod-
un rechazo a la concepción del
ificado Première.
diseño como solución de problemas.
monografía, The graphic lan-
Hacia 1988 hizo del ordenador
guage of Neville Brody II, que
personal la principal herramienta
cubre su trabajo desde 1988.
de trabajo y comenzó a diseñar nuevas fuentes tipográficas han sido distribuidas por Linotype. En 1988 apareció la primera monografía sobre su obra, The graphic language of Neville Brody, al tiempo que se celebraba una exposición en el Victoria and Albert Museum que ejerció una influencia destacada en toda Europa. El uso del ordenador ha provocado una evolución importante en su estilo que se ha dulcificado notablemente con un mayor uso del color frente a la sobrie-
The Face, de la mano de Bro-
dad de su primera etapa. Incluso
dy rompió con la tradición del
el diseño de sus nuevas fuent-
diseño editorial respetuosa con
es tipográficas paraFontshop,
la estructura reticular y los prin-
algunas en colaboración con el
cipios de funcionalidad. Bro- tipógrafo Erik Spiekermann, redy comenzó a alterar las con- sponden a un estilo más desvenciones tipográficas usadas
enfadado. Su creciente fama le
para la jerarquización de la in-
ha permitido acceder a otro tipo
formación. Otras publicaciones
de proyectos, inhabituales en un
en las que trabajó fueronAre-
grafista, como la identidad cor-
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En 1994 se publicó la segunda
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Es fundador de la red de espacios para la experimentación gráfica Research Studios, con oficinas en Londres, París, Berlín y Barcelona. Dirigidas por Lionel Massias (RSParís), Daniel Borck (RSBerlín), Pablo Rovalo (RSBCN).
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Transformando caras, rom- Brody transformó la imagen de piendo retículas: la historia de la revista The Face al tiempo Neville Brody. que rompía con las normas de
mente es crear un espacio de
diseño, y más concretamente
mental sin olvidarse de realizar
las
con la estructura reticular, que
trabajos más convencionales
personalidades de las últimas
habían imperado durante el siglo
para diarios ingleses como The
décadas que han cambiado la
XX por influencia de diseñadores
Observer o, ya en 2006, la ree-
forma visual de presentar la in-
y teóricos de la talla de Jan Tsch-
structuración de The Times.
formación ha sido el inglés Nev-
ichold oBeatrice Warde.
Una
de
ille Brody. Neville Brody comenzó a trabajar como director de arte para la revista musical británica The Face en el año 1981 y desde esa fecha sus diseños influirían en revistas, libros y discos.
En 1986 Brody pasaría a trabajar para la revista Arena y dos años más tarde aparecería la primera monografía dedicada íntegramente a su obra: The graphic
confluyen el constructivismo, el
elVictoria & Albert Museum.
de componer páginas para la revista The Face a base de dibujos, recortes, letraset y fotocopias recordaba mucho a los collages del artista soviético Aleksandr Ródchenko, anticipándose el diseño grunge y deslavazado de la década de los 90
El objetivo que se propuso a de The Times, era darle una mayor claridad y fuerza y que a su vez los cambios pasasen desapercibidos para la mayor parte de los lectores.
language of Neville Brody, coincidiendo con una exposición en
por supuesto, el punk. Su forma
suelta a su trabajo más experi-
la hora de renovar la imagen
En los diseños de Neville Brody dadaísmo, el situacionismo y,
trabajo donde poder dar rienda
Ya en los 90 Brody edita la revista de tipografía experimental Fuse y colabora activamente con otro viejo conocido, Erik Spiekermann, en Fontshop. Él es el responsable de algunas de las fuentes más rompedoras de los últimos años Cuando a mediados de la última década del siglo pasado Brody funda Research Studios, lo
.
que el diseñador inglés tiene en Typo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016
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Para ello utilizó una nueva tipografía, un nuevo sistema de navegación y remodeló la mancheta, todo ello con el fin último de que la lectura del diario se pareciese más a la experiencia de leer un periódico en digital y que el maquetador tuviera una mayor libertad a la hora de compaginar imágenes y textos.
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ROC Kwell Typo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016
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Norman Rockwell
En 1910, Rockwell se trasladó a Su estilo a lo largo de los la Art Students League, donde años aprendió anatomía e ilustración,
Norman
Percevel
Rock-
well (Nueva York, Estados Unidos, 3 de febrero de 1894 – Stockbridge,
Massachusetts,
perfeccionando sus conocimientos previos, con maestros como George Bridgman o Thomas Fogarty.
Estados Unidos, 8 de noviem-
Sin embargo su carrera se verá
bre de 1978) fue unilustrador, fo-
para siempre inmortalizada por
tógrafo y pintor estadounidense
su empleo como ilustrador ofi-
célebre por sus imágenes llenas
cial del Saturday Evening Post,
de ironía y humor. Su infancia fue feliz, viajando y pasando los veranos en Nueva Jersey junto con su familia. Desde pequeño dio muestras de un gran talento para el dibujo, comenzando con unos acorazados que gustaron mucho a los niños de su localidad. Alrededor de1908 descubre que su verdadera vocación es, definitivamente, la ilustración, y por ello asiste todos los días desde ese año a las clases de arte de la
A Red Cross Man in the Making, una revista de actualidad y so- (1918). ciedad; su primera portada data de 1916;
Rockwell Las primeras obras de Norman
Norman
trabajó para esta revista has- Rockwell tienen un profundo ta 1963. Sus portadas, anun- sentido anecdótico; proliferan, cios,
ilustraciones
y
demás durante principios de siglo y
publicidad han sido repetidas e los primeros años veinte y treimitadas hasta la saciedad, sím- inta, las obras que representan bolo del típico ilustrador virtuoso a niños en diferentes actitudes, norteamericano: hizo publicidad siempre enfatizando los detalles para McDonald’s o Coca-cola, propios del carácter de los niños: cereales, chicles, neumáticos, corriendo, burlándose de otros, etc. Rockwell reconocía al también
tomando el desayuno, yendo a la escuela o jugando al béisbol.
Chase School enManhattan.
gran ilustrador Joseph Christian En torno a los años treinta y
A los quince años, abandona de-
inspiración y así lo menciona en el clima típicamente hollywood-
finitivamente los estudios para ir a la National Academy School, donde hacía copias de vaciados en yeso, costumbre propia de muchos artistas del siglo XIX, a
Leyendecker como influencia e cuarenta, plasmó con exactitud su autobiografía My Adventures ense del momento, prácticaas an Illustrator (Mis aventuras mente ajeno al clima apocalípcomo ilustrador). Rockwell fue tico
de
laSegunda
Guerra
también amigo personal de Ley- Mundial, a la que, sin embargo, endecker.
modo de aprendizaje. Typo Magazine 26 Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016
dedicó un cuadro de carácter
publicitario pro-soldados amer-
ca su serie de “Libertad”, forma- Ya en la década de los 50 y 60,
icanos, “Démosle suficiente y a da por varios cuadros: “Libertad
Rockwell volvió a sus temas am-
tiempo” (1942, haciendo así un de la necesidad”, de 1943, que
ables y tiernos, representando
llamamiento público para apoy-
representa a una familia reunida
imágenes navideñas, familias
ar a los soldados. El resto de su
en torno a una mesa el día de
reunidas, viajes familiares en au-
obra en estos veinte años oscila
Acción de Gracias, “Libertad de tomóvil, interiores de tiendas o
en el plasmado de la sociedad
expresión”, del mismo año, “Lib-
norteamericana de entonces y
ertad del miedo” y por último, e incluso hizo algunas obras re-
sus convenciones sociales, y “Libertad de culto”, considerada
barberías, heladerías con niños, pletas de ironía, como “El en-
otros momentos concretos a los
por muchos su obra maestra, tendido”, de 1962, donde repre-
que la llegada del cine sin duda
plena en emoción, detalles y sentó a un hombre de espaldas
ayudaron a forjar, como “Un
solemnidad.
observando con pose afectada
golpeador de primera” (1941,
un cuadro perteneciente al Ex-
“Los flirteadores” o “Chica leyen-
presionismo abstracto, propio de
do el Post”, ambos de 1941 tam-
pintores como Pollock, por los
bién. Durante estos años, Rockwell también profundizó en un tipo de representaciones que cada vez ganaron mayor significación en su obra global, como los dedicados a la crítica social o a ensalzar ciertos valores o virtudes
Las 4 libertades: Libertad de expresión
que Rockwell se sentía atraído. El hecho de que Rockwell supiera representar la realidad con una
maestría
increíblemente
precisa, hacía contraste con sus obras de carácter expresionista, las cuales realizaba tanto a modo de burla como de estudio.
del pueblo norteamericano y
Fueron llegados ya mediados
de la raza humana en general.
de los 60 y principios de los 70,
Algunos de sus trabajos respi-
cuando Rockwell recuperó su
raban cierto aire patriótico, val-
punto mordaz y crítico con la so-
or por entonces tenido muy en
ciedad: los cambios políticos que
cuenta debido a la entrada de
entonces sufrió norteamérica,
Estados Unidos en la guerra,
entre ellos los de la integración
como sucede con “La lealtad del
de los negros, la lacra del racis-
Boy Scout”, de 1942.
mo y la investidura del presiden-
De esta convulsa época desta-
te Kennedy, fueron tomados e interpretados por Rockwell, quiTypo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016
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en siempre abogó por la multi-
tración pasó a ser un arte arcai-
•
culturalidad, la integración y so- co, y la pintura tradicional o figubre todo, la defensa del débil y el
rativa había olvidado sus raíces;
apoyo a los negros perseguidos
de hecho, Norman Rockwell se
o insultados: de este período de-
quejaba habitualmente de que
stacan obras impactantes como
“nunca iba a poder crear una
“El problema con el que convivi-
gran obra, una obra maestra”, y
El primo Reginald va al campo (1917)6
•
Papá Noel y el Libro de gastos (1920)7
•
Madre arropando a los niños en la cama (1921)8
mos todos”, de 1964, donde rep- que se sentía sobrecogido por
•
Prohibido nadar (1921)9
resenta con delicada intensidad otros artistas y comúnmente in-
•
Las cuatro libertades (1943)10
•
Libertad de palabra (1943)11
•
Libertad de creer (1943)12
•
Libertad de desear (1943)13
gunda esposa, maestra de pro-
•
Libertad de temer (1943)14
fesión, Mary Barstow, fue de las
•
Rosie
a una niña negra que tiene que fravalorado. ir escoltada a la escuela, víctima de los insultos y agresiones de otros ciudadanos; o el magnífico lienzo “La regla de oro”, de 1961, donde queda patente su pasión por la defensa de los derechos humanos, su religiosidad y su
Con su primera esposa, Irene, estuvo casado poco tiempo; se divorció de ella en 1930. Su se-
tres que tuvo la más duradera y la que sin duda mejor com-
la
remachado-
ra (1943)15 •
El ir y el venir (1947)
Con ella tuvo tres hijos, Jerry
•
Fondo del sexto (1949)16
Personalidad y vida ínti- (Jarvis), nacido en 1932, Tomma my, nacido al año siguiente, y
•
Dar gracias (1951)
•
Muchacha
respeto a todas las razas.
prendía el carácter de Rockwell.
Norman Rockwell fue una per-
Peter, el último, nacido en 1936.
sona de talante sereno y profundamente reflexivo; sin embargo, se sabe que sufría de leves depresiones constantes, y también pasaba
ocasionalmente
entre las corrientes artísticas de entonces; no hay que olvidar
Romper lazos con el ho-
La
Licencia
de
la
de
•
Strong-
•
El scoutmaster (1956)
man (1916)2
•
Triple autorretrato (1960)17
•
Abuelos a batear (1916)3
•
Regla de oro (1961)
•
Pelirroja ama a Hatty Per-
•
El problema con el que todos
•
Muchacho
y
carro
Unión (1955)
bebé (1916)1 •
Circo
Barker
y
kins (1916)4
que llegado el siglo XX, la ilus•
28
espe-
gar (1954)
Trabajos importantes
con respecto a su arte, incapaz de sentirse ubicado o integrado
el
jo (1954) •
por
hondas crisis de autoconfianza
en
En un palco del teatro (1916)5
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convivimos (1964)18 •
Nuevos cabritos en el vecin-
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dario (1967) •
El novato
Sus obras comentadas •
Antes de la inyección, 1958.
Portada del número de octubre de 1920 de la revista Popular Science.
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helvetia significa “suiza” nombre
para su uso en títulos u otras
latino en suizo de donde provi-
aplicaciones donde el texto es
ene esta tipografía, jugaron con corto y grande, de ahí que princiesto añadiéndole una c.
palmente se aplique a logotipos empresariales y corporativos, no es muy buena para texto, cuando el cuerpo es pequeño tiende a comportarse de manera defectuosa, da la impresión de torcerse, y al justificar un texto, se
La HELVETICA de MAX MIEDINGER
forman muchos “ríos”. Algunos diseñadores como Wolfgangrt y Esta tipografía se volvió muy Paul Rand han defendido el uso popular a fines de 1960 y du-
de la helvetica sólo para el uso
rante 1970, debido a su enorme
en titulares y a gran tamaño.
La fuente helvetica está basa-
influencia dentro del llamado
da en una tipografía anterior la:
“Estilo Internacional” (particular-
Berthold Akzidenz Grotesk su
mente en Identidades Corpora-
creador fue Max Miedinger en
tivas),
A partir de 1984 se incluyo la fuente en los sistemas como Apple lo que hizo que se consoli-
1957 un famoso tipógrafo Suizo.
dara aún más su ubicuidad (pre-
La nueva fuente fue un encargo
El estilo de esta tipografía es sente en a un mismo tiempo en
que le realizo Eduard Hoffman
sencilla y pertenece al tipo sans
ya que Miedinger trabajaba para
serif, fue creada para ser enten-
el, en la fundición de tipografías
dida fácilmente ya que tiene una
Haas’sche
El
estupenda legibilidad , aunque
primer nombre que recibió la
también se crea una posición
helvetica fue el de Neue Hass
neutra sobre la cuestión de leg-
Grotesk (esta basada en el tipo
ibilidad de helvetica, ubicándo-
Akzidenz Grotesk de 1896),
la a la mitad de la escala entre
después en 1960 decidieron
los tipos humanistas y los tipos
renombrarla y pensaron en el
ultra-geométricos. La tipografía
nombre de helvetica ya que
helvetica es un tipo muy bueno
Schriftgießerei.
todos los lados).
Como curiosidad, la fuente Arial tan popularizada por Microsoft es una copia de la helvetica, Microsoft quería la helvetica en el paquete de Windows, pero no estaba de acuerdo en los gastos para comprar la licencia por lo que buscaron un tipo en Monotype que pudiera reflejar las car-
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acterísticas de la helvetica, y en-
Gracias a esto helvetica volvió a
contraron la Arial, que fue hecha
coger fuerzas a lo largo de los 90
por Robin Nicholas y Patricia
para convertirse en la tipografía
Saunders como respuesta a la
de moda de nuevo, combinada
popularidad de la helvetica.
con distintos elementos, helvetiSin embargo a finales de los años 1980, elVIRUS postmodernista
ca es de nuevo la tipografía para todo.
la llegada de la contra-cultura y los movimientos radicales a la helvetica dieron su propia visión
de la fuente; La denominaron la tipografía del capitalismo, la letra de las grandes empresas y corporaciones, la letra de los carteHelvetica resultó ser la fuen-
les que te decían lo que debías
te que todo el mundo deseaba,
hacer y lo que estaba prohibido.
moderna y sobria, mecánica
La helvetica fue vista como un
y estructurada, contraria a las
letra estática, clavada, sin ritmo,
cómicas y manuales letras de la
sin mensaje en sí misma. Para
publicidad de la época. Los van-
muchos, si la tipografía es al
guardistas se enamoraron de
texto como el color a un cuadro,
sus cortes rectos y su legibilidad
helvetica era una tipografía en
extrema. Se convirtió en la letra
blanco y negro.
Sin duda con el paso de los tiempos
seguirán
existiendo
tipógrafos y diseñadores que creen distintas fuentes, pero si algo tenemos que tener claro es que a lo largo de todo este tiempo la helvetica, como el aire, seguirá rondando por todo nuestro entorno y seguramente permanecerá inmutable a lo largo de los años.
corporativa por excelencia, imagen de claridad y frescura. En ciudades como Nueva York por su aspecto moderno fue elegida para toda la cartelería y la señalización de la ciudad.
Aún con todos estos movimientos que reindicaban una tipografías libres y de diseño,
38
TANTES QUE UTILIZAN HELVETICA:
seguía habiendo, claro esta, fieles admiradores y seguidores de la helvetica como tipografía
ALGUNAS MARCAS IMPOR-
clave. Typo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016
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BAYER 40
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Herbert Bayer
de Architype Bayer.
Herbert
tion of America y desde 1966 de
Bay- En 1928, Bayer dejó la Escue-
er (Hagg, Austria, 1900 - Santa la de Bauhaus para converBárbara, Estados Unidos, 1985) tirse en director artístico de la fue un diseñador gráfico, pintor, oficina en Berlín de la revista 1 fotógrafo y arquitecto austriaco. Vogue. Diez años más tarde, Bayer fue el diseñador de publicidad más innovador de la Escuela de la Bauhaus, a la que perteneció: su trabajo destaca por la temprana introducción de la fotografía en los años 1920.
Bayer fue aprendiz del artistaGeorge
Schmidtham-
mer en Linz. Tras dejar el taller se interesó por el manifiesto Bauhaus de Walter Gropius. Tras estudiar durante cuatro años en la Escuela de la Bauhaus,1 con profesores como Wassily Kandinsky2 o László Moholy-Nagy, Gropius nombró a Bayer director de impresión y publicidad. Influenciado por el minimalismo, Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó una fuente sans serif completamente en minúsculas para todas las publicaciones
de
Bauhaus.
En 1925 diseñó una fuente sans serif geométrica, universal, cuya versión digital recibe el nombre
huyendo de la Alemania nazi, se mudó a Nueva York,2 donde
desarrolló una larga carrera en la que destacó en prácticamente todos los aspectos de las artes gráficas. Ya en 1938 organizó
la Atlanthic Richfield Company. En 1959 diseñó su “fonetik alfabet”, un alfabeto fonético para el inglés. Era sans serif y no tenía letras mayúsculas. Tenía símbolos especiales para las terminaciones -ed, -ory, -ing e -ion, así como para los dígrafos “ch”, “sh” y “ng”. Un subrayado indicaba la duplicación de una consonante en la ortografía tradicional
la exposición y el catálogo Bau-
En 1968 preparó la exposición
haus 1910-1928 en el MoMA de
del catálogo 50 años Bau-
Nueva York.1
haus en Stuttgart. La colección
En 1946, contratado por el industrialista y visionario Walter Paepcke, Bayer volvió a mu-
de arte moderno del Museo de Arte de Denver ha recibido su nombre.
darse, esta vez a Aspen, enCol- Obra orado, donde Paepcke trataba de promocionar el esquí como deporte popular. En el ámbito arquitectónico, Bayer codiseñó
Los trabajos de Bayer aparecen en importantes colecciones privadas y públicas, incluyendo
el Aspen Institute y restauró el MIT List Visual Arts Center. la
Wheeler
Opera
House;
además, produjo carteles publicitarios que identificaban el esquí con el ingenio, la emoción y el glamour. Bayer estuvo asociado con Aspen hasta mediados de los años 1970. Entre 1946 y 1956 fue consejero
FORMACION EN LA BAUHAUS En el espíritu del minimalismo reductiva, Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó el uso de todo en
minúsculas, sans serif para la artístico de la Container CorporaTypo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016 41
mayoría de las publicaciones de la Bauhaus. Bayer es uno de varios tipógrafos de la época, incluyendo Kurt Schwitters y Jan Tschichold que experimentó con
En 1928, Bayer dejó la Bauhaus
Povolotski de París, y poco después
tuvo lugar la segunda, en esta para convertirse en director de ocasión arte en el Kunstlerbund März de la de la oficina de Berlín de la re- ciudad vista austríaca de Linz. Vogue. [1] Permaneció en Alemania
mucho más tarde que la mayola creación de un alfabeto más ría de basada los progresistas. En 1936 se dien fonética simplificada. De señó 1925 a un folleto para el Deutschland 1930 Bayer diseñó una geoméAusstellung, una exposición trica para sans-serif Propuesta de Tipolos turistas en Berlín durante los grafía
Detalle de ‘El habitante solitario de la ciudad’ (1932), una de sus fotografías surrealistas. En aquellas fechas, Bayer compaginaba sus diseños publicitarios
universal [1] que existía sólo como un
Juegos Olímpicos de 1936 - el con pinturas y fotomontajes de estilo folleto
diseño y nunca fue realmente echado
celebra la vida en el Tercer surrealista. Uno de los ejemplos Reich, y más famosos de esta época es la autoridad de Hitler. Sin em- la bargo, fotografía ‘El habitante solitario en 1937, las obras de Bayer fue- de ron la ciudad’ (1932), cuyo diseño incluidos en la exposición nazi volvió de a popularizarse de nuevo 75 propaganda “Arte Degenerado”, años sobre después, cuando el dúo británila que se fue de Alemania. Al hu- co The yendo Chemical Brothers lo empleó en la Alemania, viajó en Italia.
en tipo real. Estos diseños ahora se emiten en forma digital como Bayer Universal. [2] El diseño también inspiró ITC Bauhaus y Architype Bayer, que lleva la comparación con el tipo de letra estilísticamente relacionados Architype Schwitters.
Post-Bauhaus año en Alemania
42
Su primer exposición individual
portada de uno de sus discos.
llegó en 1929, cuando se organizó
Mientras el éxito y la fama de Bayer
una muestra de su obra en la Galería
no dejaban de aumentar, Alemania
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se había convertido ya en un lugar demasiado peligroso para la mayor
co. Entre varios trabajos destaca un folleto que realizó en 1936 y que
parte de sus amigos y conocidos. El
estaba destinado a los turistas que
partido nazi de Adolf Hitler se había
recibió Berlín con motivo de la
alzado en el poder, y la Bauhaus, la escuela en la que había desarrollado
celebración de los Juegos Olímpicos, y en el que se reflejaban las supuestas
bondades de vivir en el régimen gran parte de su talento, fue nazi obligada y se glorificaba la figura de Hitpor la Gestapo a cerrar sus puertas, al ser considerada anti-alemana y
ler.
Durante unos siete años, entre 1930
y 1937, Bayer trabajó (aparentevinculada con comunistas y libe- mente rales. sin dilemas morales) para los Curiosamente, mientras muchos de
mandatarios nazis, los mismos que
sus amigos dejaban el país te- perseguían a sus amigos promiendo gresistas la persecución –entre ellos Gro- e intelectuales, y asesinaban a pius judíos como su mujer. y su esposa–, Bayer decidió quedarse
en Berlín, a pesar de que su esposa Irene era judía. De hecho, el artista comenzó a recibir encargos de instituciones nazis, para quienes realizó numerosos carteles, folletos y pinturas de cariz propagandísti-
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Suprematismo Ruso
Malévich completa sus teorías escribiendo un ensayo El su-
El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia en 1915-1916. Fue fundado por Kasimir Malévich.1 Surgió en Rusia paralela alConstructivismo (alrededor de 1915). Se
prematismo (también conocido como El mundo de la no representación). Los suprematistas se juntaron en un grupo denominado Supremus (sociedad de artistas) cuyo líder era Malévich, entre ellos se encuentran Liubov Popova, El Lissitzky, Aleksandr Ródchenko.
inició con las ideas del pintor Ka-
Los suprematistas no seguían
zimir Malévich, quien promovía
los estilos tradicionales de la
la abstracción geométrica y
pintura, y no trasmitían men-
el arte abstracto, en búsqueda
sajes sociales. Las obras su-
de la supremacía de la nada y
prematistas fueron aumentando
la representación del universo
su colorido y composición con el
sin objetos. El Suprematismo
paso del tiempo.3
rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica. Se desarrolló entre los años 1913 y 1923, siendo su primera manifestación la pintura de Malévich “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1915.2 La primera exposición del suprematismo fue en Moscú en 1915 donde se mostró por primera vez el Cuadrado Negro y el Cuadrado rojo. Ese mismo año el pintor Kasimir Malévich y el poeta Vladímir Maiakovski escriben el manifiesto. En 1920
La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (creada en 1922) determinó que, al haber tanto analfabetismo, había que volver al realismo, para 1925 esta vanguardia estaba casi desaparecida. El suprematismo (como la obra de Wassily Kandinsky y elNeoplasticismo) fue uno de los principales logros de la abstracción. Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño de Occidente y en la Bauhaus. Typo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016
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Escuela de la Bauhaus
Nombre El
nombre
Ideología de fundación Bauhaus
deriva
Walter Adolph Georg Gropius,
de la unión de las palabras en
fundador de la Bauhaus, nació
alemán Bau,
“construcción”,
en Berlín el 18 de mayo de 1883.
y Haus, “casa”; irónicamente, a
Fue hijo y nieto de arquitectos,
pesar de su nombre y del hecho
estudió arquitectura en Múnich y
de que su fundador fue un ar-
en Berlín. Uno de los principales
quitecto, la Bauhaus no tuvo un
ideales de Gropius era represen-
departamento de arquitectura
tado mediante la siguiente frase:
en los primeros años de su ex-
“La forma sigue a la función”.
istencia.
Buscaba la unión entre el uso y
Sus propuestas y declaraciones
la estética.
de intenciones participaban de
Su trayectoria es una circun-
la idea de una necesaria refor-
stancia que hay que consider-
ma de las enseñanzas artísticas
ar determinante para la orient-
como base para una consigui-
ación ideológica de Gropius.
ente transformación de la socie-
Procedente de la burguesía in-
dad burguesa de la época, de
teligente, trabajó en Múnich
acuerdo con el pensamiento so-
de 1907 a 1910 con Peter Beh-
sociales y que busca erigir una
cialista de su fundador. La prime-
rens, el primer arquitecto con-
barrera infranqueable entre los
ra fase (1919-1923) fue idealista
tratado por una gran empresa
artesanos y los artistas
y romántica, la segunda (1923-
industrial
Walter Gropius
1925) mucho más racionalista y
artístico (AEG). A partir de en-
Arquitectos, escultores, pintores, ... debemos regresar al trabajo manual ... Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las clases
como
responsable
en la tercera (1925-1929) alca- tonces, Gropius siempre planteó La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal), o simplementeBauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas en manos del Partido Nazi.
nzó su mayor reconocimiento, el problema de la edificación en coincidiendo con su traslado relación con el sistema industrial de Weimar a Dessau. En 1930, y con la producción en serie, llebajo la dirección de Mies van gando incluso hasta el extremo der Rohe, se trasladó a Ber- de considerar el edificio como lín donde cambió por completo un producto directo de la indula orientación de su programa stria y fundando así en 1943, de enseñanza.
junto conKonrad Wachsmann, una empresa de edificaciones Typo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016
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prefabricadas. La fábrica Fagus, de arquitectura revolucionaria, le dio cierta fama en 1911 –que confirmó en Bolonia en 1914– al construir para la exposición del Werkbund un palacio para oficinas de atrevida concepción estructural, estética y técnica. La Gran Guerra interrumpió su actividad de constructor, reclamado al frente. Pero durante aquellos años fue madurando en su ánimo la conciencia de que tenía un deber humano
se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una dos los ámbitos de la vida cotid-
•
1927 – 1930: Hannes Meyer
•
1930 – 1933: Ludwig Mies
iana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo(Heinrich von Eckardt). Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas dad por la Unesco en 1996.
el acosante crecimiento del Na-
que la posguerra plantearía con
cional Socialismo. Debido a que
toda gravedad; y este problema
la ideología Bauhaus era vista
social había de fundirse con la
como socialista internacionalis-
estética.
ta y judía, los nazis cerraron la
industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profe-
van der Rohe
La Bauhaus y la nueva tipografía Según Philip B.Meggs, la Bau-
comoPatrimonio de la Humani- haus generó un nuevo estilo
un papel en el problema social
hoy conocemos como diseño
rectores: 1919 – 1927: Walter Gropius
der Rohe, la escuela sufrió por
normativas y patrones de lo que
Estuvo organizada por tres di-
•
quitectura había de desempeñar
La Bauhaus sentó las bases
1932 – 1934: Berlín
nueva estética que abarcaría to-
muy elevado que cumplir: la ar- Siendo director Ludwig Mies van
Relación con el diseño[editar]
•
escuela.
tipográfico en su escuela de diseño (1919-1933). Se emplearon
casi
exclusivamente
las fuentes de sans-serif y Bayer diseñó un tipo universal que redujo el alfabeto a formas limpias, simples y construidas en forma racional.
Arquitectura
Muchos de los integrantes de Uno de los principios establela misma, entre ellos el mis- cidos por la Bauhaus desde su mo Walter Gropius, refugiados,
fundación es “La forma sigue a
se instalaron finalmente enEsta- la función” dos Unidos para seguir con sus ideales.
El edificio de la Bauhaus de Dessau (1925-1932) de Walter
siones no existían como tales La Bauhaus tuvo su sede en tres y fueron concebidas dentro de ciudades:
Gropius, es el más emblemáti-
esta escuela. Sin duda la escue-
despliega en varios volúmenes,
la estableció los fundamentos
•
1919 – 1925: Weimar
académicos sobre los cuales
•
1925 – 1932: Dessau
48
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co de entre sus escuelas. Se independientes entre ellos, y diseñados según la función para
la que fueron concebidos. Tiene
dos en este momento en el mu-
una configuración relacionada
seo Madame Tussaud. En su huían del régimen nazi. Desde
con las condiciones de la zona
mayoría consta de formas trian- 2003, “La Ciudad Blanca” es
donde se ubica: limita con una
gulares y rectas que ayudaron a considerada patrimonio de la
calle, atraviesa otra perpendicu-
la apreciación de la rigidez del
humanidad, y son más de 1500
lar a la primera y dos de sus alas carácter que impuso Lawliette.
los edificios de estilo internacio-
contornean un cercano campo
Sus colores son opcionales, pero
nal contabilizados y sujetos a
deportivo, y se abre al ritmo de
generalmente se utilizan tonos distintos planes de restauración
la vida urbana con sus grandes
marrones y rojos oscuros, aun-
fachadas de luminosas cristal-
que hay excepciones como por
eras. Este proyecto es consid-
ejemplo en el famoso Jauque-
erado como la obra maestra del
lyn, en el cual se utilizaron col-
La Bauhaus no tenía una sec-
racionalismo europeo.
ores fuertes en los que predom-
ción fotográfica, pero en 1923 se
inaba el azul cielo y el magenta.
le encargó el taller de metales al
Después de haber aportado tan-
maestro húngaro László Moho-
La arquitectura salida de la Bauhaus se desarrolló después de la Primera Guerra Mundial. Se basa en formas simétricas de orígenes
grecolatinos.
Tam-
bién incluye aspectos del Renacimiento Clásico. Mark Lawliette comenzó esta revolución hacia la arquitectura. Él quiso expandir su arte a través de la prestigiosa escuela Bauhaus, siendo uno de los más importantes participantes de este maravilloso movimiento que cambió
la fotografía como un nuevo me-
culosis. En esa misma época se
dio de expresión artística. En-
produjo un cambio drástico en la
señó técnicas como el fotomon-
arquitectura, cambiando así de
taje, el montaje lumínico, la foto
formas triangulares a ovaladas
escultura y el collage abriendo
y rectangulares entre otros as-
vías en este campo. Alentó, en
pectos. Por ello hoy en día no es
el marco de la expresión fo-
muy conocido el nombre de este
tográfica, la exploración de nue-
gran artista que sin lugar a duda
vas formas más que nuevos te-
fue uno de los más importantes
mas. Una de las innovaciones
en este sector.
esenciales de esta escuela fue
arquitectura.
arquitectura Bauhaus. Hay más
Le Pour Leyette, Jauquelyn, Açufrenchais, todos ellos situa-
Fotografía
años de edad, murió de tuber-
Tel Aviv es la ciudad con más
creaciones fueron: El Yvoliette,
y preservación.
to a este arte Lawliette, a sus 46 ly-Nagy , que introdujo entonces
el modo de apreciación hacia la
Algunas de sus más famosas
arquitectos judíos europeos que
edificios construidos al estilo Bauhaus que en cualquier otro lugar del mundo, incluyendo cualquier ciudad de Alemania. El
sin duda la de haber asociado de manera sistemática el arte con sus posibles aplicaciones, ya fueran documentales, decorativas o publicitarias. Grandes fotógrafos
estudiaron
en
la
Bauhaus como Herbert Bayer, estilo fue llevado en los 30 por Typo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016 49
Lázlo Moholy-Nagy, Lucía Molí- el socialismo contra el nacio-
productos que, integrados en
Nagy, Walter Peterhans, Horacio
nalismo imperialista. Sectores
la producción industrial, se con-
Coppola, Florence Henry, Grete
del
demostraron
vertirían en objetos de consumo
Stern y Ellen Auerbach, entre
una creciente capacidad de or-
asequibles para el gran público”
otros.
ganización, cuestión que fue
ya que una de sus metas era la
forzosamente potenciada por
de independizarse y comenzar
cada vez más evidente crisis
dos en la Escuela, para dejar de
La fundación de la Bauhaus se
económica. Al igual que otros
depender del Estado que hasta
produjo en un momento de cri-
movimientos pertenecientes a la
ese momento era quien los sub-
sis del pensamiento moderno y
vanguardia artística, la Bauhaus
sidiaba.
la racionalidad técnica occiden-
no se marginó de los procesos
tal en el conjunto de Europa y
políticos-sociales,
particularmente en Alemania.
do un alto grado de contenido
Su creación se debió a la conflu-
crítico y compromiso de izqui-
encia de un conjunto de desar-
erda. La Bauhaus -como dem-
rollo político, social, educativo y
uestran los problemas que tuvo
artístico en las dos primeras dé-
con políticos que no la veían con
cadas del siglo XX, cuya espe-
simpatía- adquirió la reputación
cificidad está dada por las van-
En ésta fase se implantó en la
de ser profundamente subver-
guardias artísticas de comienzo
escuela el llamado “vorkurs” o
siva.
curso preliminar, creado por Jo-
proletariado
Contexto histórico-polítila hiperinflación alemana y la a vender los productos elaboraco
de siglo. La modernización conservadora del Imperio alemán durante
mantenien-
1
Cronología[editar]
la década de 1870 mantuvo el
Primera [editar]
poder en manos de la aristoc-
En el momento de su fundación
racia. Esto exigía también, del militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD había galvanizado las posiciones políticas con conceptos de la solidaridad internacional y de establecer
50
época
(1919-1923)
los objetivos de la escuela, caracterizados por Gropius en un manifiesto, fueron: “La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que lasBellas Artes e intentar comercializar los
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Se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
hannes Itten. Como su nombre lo indica, el curso preliminar, antepuesto a los estudios propiamente dichos, tenía por misión liberar de convenciones al futuro miembro de la institución, despertar sus dotes personales y
orientarle
espiritualmente
para la ulterior formación. Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanzaron cierto éxito. Los es-
tudiantes se mostraban flexibles
se basaba en las formas ele-
alma del objeto para esculpirla
y dispuestos a hacer todo tipo de
mentales, de las que, según él,
en la tela con rasgos abstractos.
trabajos, por tanto salían de la
se derivaban todas las demás.
escuela bien formados, sabien-
El arte debía descubrir esas
do dibujar, modelar, fotografiar
formas, desvelarlas, hacerlas
Esta primera etapa culmina
o diseñar muebles. La escuela
visibles. Preparaba concienzu-
con la inminente necesidad del
disponía de talleres de ebanis-
damente las clases escribiendo
cambio de sede de la escue-
tería, diseño, teatro, cerámica, tejido, encuadernación, metal-
en unos cuadernos que, poste- la propiciado por la gran deriormente fueron publicados en presión. En 1925 se estrena la
urgia, vidriería. Pero no de pin-
forma de libro.
tura y escultura en el sentido tradicional. El
taller
sede de Dessau; la primera eta-
En 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto. Había participado
de teatro,
dirigido
en las reformas educativas en
por Oskar Schlemmer, era con-
la época de la revolución rusa,
siderado muy importante dentro
fundando en la Unión Soviéti-
del programa de la escuela por
ca varias escuelas. Durante
su naturaleza de actividad social
ese tiempo mantuvo correspon-
que combinaba diversos me-
dencia con Gropius. Cuando la
dios de expresión. Decorados,
revolución rusa empezó a sufrir
vestuario, etc. formaban parte
dificultades y comenzaron las
de las prácticas de los alumnos.
disputas y purgas políticas, Kan-
Fueron famosas las obras de
dinsky decidió trasladarse a la
Schlemmer, sobre todo el Bal-
Bauhaus. Su prestigio, tras la
let Triádico, obra estrenada en el
publicación de De lo espiritual
teatro de Stuttgart.
en el arte en 1911 y sus prim-
Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta (además de ser un violinista y pintor notable) muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza
eras obras abstractas de1910, era
por
entonces
Klee se retiró en el año 1931.
ya
muy
grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual
pa de la Bauhaus se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño. Segunda época (1923-1925) [editar] En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, creó en Holanda la revista y el movimiento De Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y enGropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo. A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo
y razonado, donde utilizaban el en toda Alemania. La incorpoTypo Magazine Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016 51
ración a la Bauhaus deLászló Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas delconstructivismo ruso de El Lissitzky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
dencia comunista. En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos. La escuela, situada esta vez en un antiguo edificio de telefonía, sobreviviría
De esta época datan algunos
solo hasta abril de ese mismo
de los más importantes escri- año. Fueron inútiles las protestos teóricos de la Bauhaus en el
tas de Van der Rohe, que insistía
ámbito de la pintura. Así, Kleee-
en presentarse como patriota y
scribe «Vías del estudio de la
veterano de guerra y defendía
naturaleza» (Wege des Natur-
que su trabajo no tenía implica-
studiums, 1923) y «Cuaderno de
ciones políticas.
bocetos pedagógicos» (Pädagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación del Arte
siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Además de estas fiestas «oficiales», cualquier acontecimiento era igualmente
La vida cotidiana y las susceptible de desembocar en fiestas de la Bauhaus una celebración: la finalización
de un tapiz, la adquisición de de Jena la conferencia El arte La Bauhaus fue también un la nacionalidad del matrimomoderno (Über die moderne gran experimento vital de una nio Kandinsky, o el nacimiento Kunst). Por su parte, Kandin- pequeña comunidad de jóvenes de un niño. sky publica «Punto y línea sobre (1.400 aproximadamente) que, el plano» (Punkt und Linie zu tras la quiebra del viejo orden y Fläche, 1926) como el n.º 9 de la traumática experiencia de la la serie de la Bauhaus.2
recién acabada Primera Guerra
Tercera época (1925-1933)[editar]
Mundial, se lanzó llena de entu-
En
1925
László
Moho-
ly-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo
siasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del met-
al, fiesta de los cometas) y casi de docentes y alumnos de tenTypo Magazine 52 Luis F. Perdomo P. 100036176| 2016
La Nueva Bauhaus Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. László Moholy-Nagy fundó en Chicago en 1937 la New Bauhaus. De las nuevas encarnaciones de la escuela, esta sería la que respetaría más fielmente el plan de estudios original. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm(República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación),
que
recupera
pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.
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