Mondo Sonoro edición marzo 2023

La Paloma Claro que sí

SHAME, IVÁN FERREIRO, MICAH P. HINSON, CRIM, THE STRANGLERS, LIA KALI, THE BLAZE, CELTIC FROST, LA DEMOSCÓPICA

YUNG

Sáb

Sáb

Sáb

Sáb29 ROCHE MUSIQUE 10TH ANN.

PULP, THE STROKES, DAFT PUNK, NEW ORDER, ARCTIC MONKEYS, BLUR, R.E.M., PHOENIX, PRODIGY, DEPECHE MODE, FRANZ FERDINAND, PIXIES, PLACEBO, ARCADE FIRE, BEASTIE BOYS, THE CHEMICAL BROTHERS, THE KILLERS, THE CLASH, NIRVANA, LCD SOUNDSYSTEM, WEEZER, LOS PLANETAS, THE RAPTURE, THE STONE ROSES, UNDERWORLD, INTERPOL, THE SMITHS, FATBOY SLIM, MGMT, TALKING HEADS,

FOALS, PRIMAL SCREAM, JOY DIVISION, THE JESUS & MARY CHAIN, JAMIROQUAI, KINGS OF LEON, JAMES,

7/Mondo freako

Rococó Entrar en la edad adulta

“No me sale querer” (Autoeditado, 23) supone la puesta de largo de Rococó, la banda madrileña liderada por Aníbal Yanguas, a quien acompañan músicos que también forman parte de Naranja, Biela, Featherweight y Corea la Buena. Juntos firman un disco de emo pop rock sólido y que merece atención.

TEXTO Salomé Lagares

APESAR DE HABER SIDO guitarrista de Naranja durante años, a Aníbal Yanguas, líder y vocalista de la banda madrileña Rococó, nunca se le había pasado por la cabeza lo de ser frontman. En 2020, sin embargo, cuando se dio cuenta de que una nueva escena punk rock y pop punk estaba floreciendo en España, empezó a plantearse la posibilidad de compartir la música que hasta entonces había escrito como ejercicio más bien privado. “Creé el grupo no por una cuestión de ego ni por una necesidad insatisfecha de que la gente me prestara atención, sino porque quería sacar mis temas. De hecho, ni siquiera fue del todo cosa mía, porque a mí siempre me ha dado mucha vergüenza cantar, sino de mi her-

mana, que me animó a tirarlo adelante”. Tras reclutar a dos de sus antiguos compañeros de Naranja (y actualmente miembros de Biela), David Marín y Alex de las Heras —a quienes hay que sumar a Nacho Vizcay de Corea la buena en la formación actual—, Rococó debutaron con un EP homónimo en 2021 que les colocó rápidamente en muchos radares, probablemente porque en él se podía encontrar tanto la melancolía que uno esperaría de una joven banda de pop punk como una canción sobre ligar en la era de Tinder e Instagram o una versión de “Se preparó” de Ozuna Aunque resultó un gran movimiento, Yanguas no está seguro de si volvería a usar una versión para presentar a la banda.“Funcionó bien, y es cierto que muchos grupos optan por sacar versiones cuando están arrancando, pero

3debo decir que estoy empezando a cogerle algo de tirria a las covers… Es decir, cuando lo haces por diversión, por pasártelo bien, como con nuestra cover de ‘All The Small Things’ [Blink-182], no pasa nada, pero si caes en eso constantemente, al final te conviertes en una banda de versiones… Y yo creo que, para Rococó, se trata más de contar tu historia”.

DE CONTAR SU HISTORIA es, precisamente, de lo que va “No me sale querer”, un proyecto en el que la mirada de Rococó apunta hacia dentro para tratar de discernirse a sí mismos con claridad en medio del desorden. “El disco está compuesto por reflexiones sobre las relaciones, con un tono que te lleva todo el rato a la misma conclusión, al desasosiego de no poder saber cómo te sientes y no ser capaz de salir de esa espiral”. Estas crisis, catalizador

e inspiración a partes iguales del proceso creativo de Yanguas, son un leitmotiv en su vida personal. “Tengo ansiedad y a veces se me hace todo una bola. La música a menudo me ayuda a pasar el mal trago, no solo escribiendo, sino también escuchando. Cuando escuchas música y te sientes identificado con lo que oyes, todo se hace un poco menos complicado. ‘No me sale querer’ es precisamente un intento de desahogo, de canalizar un bloqueo emocional y simplificarlo”. Esa intención se refleja en un lirismo mucho más maduro y cohesivo que en anteriores propuestas de Rococó: lejos quedan las observaciones banales, los estribillos simplones y un estilo que confiesa “estaba quizá cercano al tontipop”. Yanguas admite que antes de empezar a pensar en el álbum, jamás se había planteado escribir en serio, pero la presión de descubrirse definitivamente como banda al mundo y una mayor predisposición a la vulnerabilidad le empujaron a trabajar el concepto desde una perspectiva más íntima y compleja.

EMOCORE/ Pocos títulos más esclarecedores como el elegido por los madrileños para su debut, definirían mejor un sentir compartido por una generación entera. “No me sale querer” es más que un simple aterrizaje formal en la escena underground, pues también se siente como una declaración de intenciones con la que, echando mano de un discurso marcado por el descontento y la desidia, el cuarteto firma una arrolladora carta de presentación sin peros ni ambages. Nueve canciones que van directamente al grano y profesan tanta sinceridad por verso, que tras su escucha sentiremos que hemos formado parte de una de esas intensas conversaciones que afloran durante una cálida noche de verano en la que terminamos vomitando verdad sin filtro. Convertir en himnos automáticos todos sus males personales puede resultar ser un recurso sanador, aunque lo que Rococó parecen buscar es que seamos nosotros los que nos olvidemos por un momento de todo aquello que nos atormenta y nos liberemos a golpe de pogo y salto. FRAN

“Tenía mis temas, pero eran todo ideas a medio cocinar, que me gustaban pero no acababa de concretar de verdad. Con este disco he intentado hablar sobre mis experiencias igual, pero expresándolas de manera más adulta”. El esfuerzo también le ha llevado a alejarse de los ritmos frenéticos y redescubrir un gusto por hacer las cosas pausadamente. “Al querer escribir algo más real y honesto, tardé bastante en sacar las letras de ‘No me sale querer’. He aprendido a tener calma con aquello que creo que merece la pena cultivar”.

EL DISCO ORBITA ALREDEDOR de un núcleo gravitacional de pop punk, pero de vez en cuando esta rotación es atravesada por destellos de midwest emo, punk rock e indie pop, de acuerdo con la visión que Yanguas ha ejecutado junto a Qvilava (pseudónimo de Pablo García), antiguo integrante de la propia banda y productor del álbum. “Trabajar con Pablo ha sido extremadamente fácil porque somos amigos desde hace más de diez años. Entendía mis ideas y hacia dónde queríamos llevar el proyecto a la perfección, así que ha sido muy intuitivo”. ‘”No me sale querer” es un álbum marcadamente autobiográfico, como demuestran “Tu círculo” o “Narciso”, dos temas que relatan conflictos reales, aunque con implicados de identidad difusa. El primero, una crítica poco sutil a “la gente que adopta perfiles que no pegan nada con quiénes son de verdad, tanto quienes van de alternativos como los que se las dan de peligrosos desde La Moraleja”, y el segundo, una crónica de una disputa ya solucionada, asegura.

MÁS ALLÁ DE ESTAS DOS CÁPSULAS de rabia, la emoción principal desde donde habla “No me sale querer” es la nostalgia, algo que infecta sencillos anteriores de Rococó como “hoy peor que ayer”, su colaboración con Biela. “Yo creo que la nostalgia es un sentimiento recurrente, especialmente en mi música, porque siempre estamos echando de menos. Quiero decir, el ser humano siempre está buscando algo: ser más fuerte, más inteligente… en general, ser mejor o tener una vida mejor. Y ese instinto es el que nos ha llevado a evolucionar desde la prehistoria hasta donde estamos hoy, pero moverse hacia delante también implica dejar otras cosas atrás, y por eso siempre echamos en falta algo”.

AUNQUE EXISTA UNA TENDENCIA marcada a mirar hacia atrás en “No me sale querer”, Yanguas no se cierra a evolucionar musicalmente y experimentar con esti-

los que poco tienen que ver con la tradición de la que bebe su debut. “Ahora mismo apostamos por este rollo porque es lo que nos apetece, pero considero que el futuro de la música pasa por ser más agresivo y transgresor, por el hyperpop y el future bass, que es lo que más me gusta escuchar últimamente y lo que suena más innovador. Siempre hay hueco para experimentar y avanzar. No entiendo que haya quien se cierre a eso”. SALOMÉ LAGARES

La avaricia rompe el saco

l Valencia 04 marzo. Varadero (La Fishparty Vol II)

l Barcelona 07 marzo. Sala Vol (con Comic Sans y L’Hereu Escampa)

l Sant Feliu de Guíxols 18 marzo. Atzavara Club (con Comic Sans y L’Hereu Escampa)

l Madrid 24 marzo. Café La Palma (con Miguel Cervera)

mondosonoro.com

DICEN QUE RECTIFICAR es de sabios, que todo el mundo merece una nueva oportunidad y que nunca es tarde si la dicha es buena. Todo esta retahíla de frases hechas pueden aplicarse y vienen a cuento ante la oportuna rectificación que han hecho Lori Meyers, en el tema de las entradas de pista de su concierto en el WiZink Center de Madrid el próximo 30 de diciembre. Por si existe todavía por ahí algún despistado que no se ha enterado de la polémica, resulta que las localidades habilitadas en la pista del pabellón madrileño, tenían tres franjas de precios que iban de los 35 euros la entrada normal, los 45 el denominado ‘Golden Ticket’ y los 150 eurípides la zona VIP habilitada en el frontal del escenario. Una práctica bastante común en conciertos de “grandes estrellas” foráneas, pero por fortuna muy poco extendida entre los artistas españoles ajenos al mainstream. No parecía por tanto muy adecuado que una banda alternativa de las características de los granadinos entrara en estas prácticas de corte tan mercantilista. Como era de esperar, las críticas a través de las redes no tardaron en llegar. Una reacción que surtía efecto y empujaba a la banda a emitir un comunicado en el que con un explícito (es textual) “A la mierda las zonas Golden y VIP. Toda la pista a 35€” enderezaban el rumbo que posiblemente se había emprendido por estar mal asesorados. Y lo cierto es que desde Mondo Sonoro lo celebramos y queremos reconocerles el mérito por haber corregido el error que iban a cometer de haber seguido adelante con esta discriminación de precios. Práctica con la que estamos totalmente en contra la haga Lori Meyers, Metallica, Red Hot Chili Peppers o el vecino del quinto. No nos gusta que, como ha acabado sucediendo en el mundo del fútbol, el acudir a un concierto se convierta en algo accesible tan solo para los bolsillos más privilegiados, y métodos de venta como el de los precios dinámicos –establecidos en función de la demanda por un algoritmo– no solo nos preocupan, sino que nos indignan hasta el cabreo. El mismo enfado que tuvieron muchos fans de los de toda la vida de Bruce Springsteen cuando Ticketmaster puso en práctica este sistema de venta en las entradas de su gira estadounidense. Está claro que el Boss y su promotora ganarán mucho más dinero, pero el prestigio de un artista que siempre ha tenido una aureola de “working-class hero” queda resentido y eso debería importarle más que un buen puñado de dólares que ciertamente no necesita. ¿Quieren otra frase hecha? La avaricia rompe el saco. Que así sea. SERGI ‘DON DISTURBIOS’ MARQUÉS

EN CONCIERTO

“Tengo ansiedad y la música me ayuda a pasar el mal trago”

Los

TEXTO JC Peña FOTO Pooneg

Ghana

NO HA SIDO SENCILLO, pero al final hablamos con el jovial y volcánico frontman Charlie Steen en una accidentada combinación de Zoom y correo electrónico. El caos ha merecido la pena, porque estamos ante un trabajo que confirma a su grupo, por si quedaba alguna duda, como uno de los verdaderamente imprescindibles de la escena joven británica.

CHARLIE Y SUS COMPAÑEROS compusieron el disco desde cero en tres meses, tras una época de bloqueo creativo, con el reto de tocar las canciones en la mítica sala emblema del underground londinense Windmill Brixton. El exigente desafío les ha salido más que bien. “Lo único que queríamos era sonar a nosotros. Y esto es muy vago, lo sé. Pero lo que quiero decir es que al final de todo somos nosotros quienes tenemos que vivir con este disco, y los que lo tenemos que tocar. Al final se trata más de instinto que de un pensamiento racional. Creo que a nuestro segundo disco, ‘Drunk Tank Pink’ (21), le dimos demasiadas vueltas, lo analizamos demasiado. Mientras que este es muy natural. Es esa actitud de si te sientes bien con él y suena bien, es que está bien”.

ELEGIR A FLOOD (Nine Inch Nails, U2, PJ Harvey) como productor no parece la decisión más obvia, teniendo en cuenta que querían grabar esencialmente en directo. “Siempre hemos querido hacer un disco en vivo -afirma-. En el primero tuvimos muy poco tiempo, y en el segundo no estábamos lo suficientemente compenetrados. Y Flood es un productor acojonante. Piensa en todos los grupos y artistas con los que ha currado: Nine Inch Nails, Nick Cave, PJ Harvey… y la lista sigue y sigue. Es gente alucinante y muy respetada que trabaja con él una y otra vez, lo cual dice mucho. Creo que tiene muy buen oído, y no se anda con gilipolleces. Ha visto de todo. Ni siquiera cobró. Gastó todo el dinero en contratar a los técnicos que creía que iban a ser importantes para el álbum y en los que confiaba”.

EL RESULTADO es “el álbum más unificado de los que hemos hecho. Creo que todo el mundo está presente. Hay momentos realmente simples, y otros que no lo son. Volviendo a lo que queríamos sonar, hay tantísimas bandas alucinantes que nos gustan que te puedes ver influido muy fácilmente, pero lo más importante era encontrar una voz personal. Y esperamos que esté ahí”. Porque “ha sido el mayor reto al que nos hemos enfrentado. Grabar en vivo depende de que todo el mundo se meta en la misma sala y esté muy compenetrado, pero para nosotros son los pequeños fallos en las grabaciones lo que las hace interesantes. La toma perfecta no es que todo el mundo haya tocado exactamente lo mismo, sino que tenga feeling”.

LA EXTROVERSIÓN MUSICAL también se traduce en las letras, que exploran el vínculo sagrado de la amistad. “No es que se planeara líricamente tal cual, pero se compuso en tres meses. Y por lo tanto, tanto los temas musicales como de letras son muy distintivos y están interrelacionados. Y sí, metidos en ello me di cuenta de que lo que necesitaba decir es que mis mejores amigos son una influencia importantísima en mi vida. Son la gente a la que quieres ayudar, y la que te ayuda, y con la que compartes los mejores y los peores momentos”. Charlie se propuso mejorar como cantante, y recibió unas cuantas clases de una profesora. “Quería mejorar. Había llegado el momento de probar cosas diferentes. No era tanto que quisiera cantar como la puñetera Amy Winehouse, sino que me sirviera como terapia. Además, fue muy bueno tener una presencia femenina (la profesora) en un ambiente tan masculino”.

TODO EL ENFOQUE MUSICAL como el de los textos impulsó al quinteto también a meter más segundas voces y coros. “Como grabamos en directo, no nos apoyábamos en una línea de sintetizador o una pandereta para que algo mole. Si no tienes alguna mano libre, no puedes tocarlo en vivo. Pero tienes bocas”, dice un Charlie que habla

londinenses Shame refinan su propuesta sin perder un ápice de su fuerza telúrica en “Food

For Worms” (Dead Oceans/Popstock!, 23), oda a la camaradería y a la necesidad imperiosa de mirarnos menos el ombligo.

El poder de la amistad

también de cómo la colorida ilustración surrealista de la portada, obra del artista canadiense Marcel Dzama, acompaña al espíritu del álbum. “Por eso queríamos que la portada fuera colorida. El humor ha sido siempre una parte muy importante del grupo, y queríamos sacarlo con los vídeos, las actuaciones y ciertos momentos de las canciones. Creo que la reacción a estos últimos años tiene que ver con mirar más hacia fuera, a prestar más atención a quienes tenemos a nuestro alrededor”.

EL BALANCE ES CLARO: “Es mi disco preferido, y la ética de la banda siempre ha sido: si te gusta, muy bien, y si no te gusta, perfecto también. Puede sonar cursi, pero estoy muy orgulloso de él, y eso es, por supuesto, lo más importante”. La culpa la tienen canciones tan poderosas como “All The People”, con la que cierran, todo un himno a lo que nos une. “En cuanto Sean vino con la idea supimos que tenía que terminar el disco, porque salimos con una nota positiva. No estaba terminada cuando entramos a grabarla, y pasamos un montón de tiempo dándole vueltas intentando dejarla bien. Al final acabamos usando una de las primeras tomas que hicimos juntos en la sala. Es la única canción en la que no hay ninguna grabación adicional, porque siempre tratamos de que la última sea un poco diferente al resto”. Toca, pues, rodar su nuevo trabajo, y se disponen a hacerlo en una gira tremenda que, por suerte, no parece intimidar a un grupo que vive el escenario como su hábitat. J.C.P.

“La toma perfecta es la que tiene feeling”

MONDO FREAKO

Kakkmaddafakka Abre los ojos

La última vez que hablamos con ellos lo hacíamos en una sala de Barcelona que ya no existe y Axel Vindenes, cantante y guitarrista de la formación, casi me vomita encima por una leve intoxicación alimenticia. Ahora, igual que esa noche cálida de verano, se enciende un cigarro de marihuana medicinal mientras sonríe, dispuesto a hablar con la misma ilusión de “Revelation” (Bergen Mafia, 22), su sexto disco.

“TENGO MUCHA ENERGÍA, aunque me canso mucho también, pero estoy bendecido por Dios, quien me ha dado toda esta chispa y las ganas por hacer cosas”, asegura Axel Vindenes al otro lado de la pantalla y prosigue: “Así que incluso hacer entrevistas es genial, porque como nos vemos cada ciertos años, revisitamos cosas de la última vez que hablamos, etcétera. ¡Es como ir al psicólogo!”. Vindenes, guitarrista y vocalista de la banda noruega no parece haber necesitado de ningún psicólogo durante este tiempo de parón forzoso. “Esta pandemia ha sido una bendición y una maldición a la vez, porque tocar no era

una opción y estamos muy acostumbrados a grabar y enseguida emprender la gira. Durante dieciocho años no hemos hecho otra cosa que viajar, así que necesitábamos una pausa”, asegura. Una buena excusa para dedicar tiempo al estudio y volver a trabajar con dinámicas similares a la de su debut, “Hest”. “Al principio era como dejar la heroína, necesitábamos ese chute del público”.

UN DISCO QUE ABRAZA GÉNEROS y estilos dispares, del indie pop al disco, pasando por AOR; algo que ya es marca de la casa, porque aman “todo tipo de música” y lo que realmente les importa es que cuando escuches su discografía puedas ver cómo han “crecido musicalmente” y que reconozcas “ese sonido Kakk”. “Queríamos hacer un álbum completo, es decir, que tuviera una canción en acústico [“Lucky Like Me”]; una balada [“Silver Moon”]; también quería canciones para ir de fiesta [“Sixt Gear”, Storm”, “Trip”] y una que fuera más disco [“Horses Are Running”]”. Sumado a su mentalidad de pasarlo bien, la banda va un paso más allá tanto en el diseño de las letras como en el concepto del álbum como un todo. Tras el sugerente título de “Revelation” se imprime la necesidad de despertar conciencias. “Hay gente que vive siendo demasiada buena, como en la canción ‹Good Guy’; otros que son esclavos de un salario mínimo (“Wage Slave”) y algunos

de mis amigos son como peces atrapados en una pecera (“Gold Fish”). La revolución solo nos lleva a dar vueltas sobre nosotros mismos, como esos peces; en cambio, la revelación te empuja hacia arriba, a salir. Y ese es el objetivo del disco”, explica apasionadamente el cantante.

PARA SU SIGUIENTE TRABAJO, los noruegos ya están pensando en componer “gathering songs”; canciones para juntarse, mientras se pone a cantar “Three Little Birds” de Bob Marley como ejemplo. Además, se han comprado una casa en Italia para grabarlo y tener una especie de granja, con gallinas, muchas gallinas. Claro, si tienes gallinas “ya no tienes que trabajar tanto, porque tendrás huevos gratis”, argumenta Vinendes. Toda una revelación. MARTA TERRASA

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“La revolución solo nos lleva a dar vueltas sobre nosotros mismos”

Iván Ferreiro, rodeado de su familia musical habitual, con su hermano Amaro y Ricky Falkner a la cabeza, vuelve más libre que nunca con “Trinchera pop” (Warner, 23), diez nuevas canciones como refugio,

Iván Ferreiro

RESPIRAR, VIVIR y crear sin que nos demos cuenta. Trincheras pop que contienen y confluyen con otras infinitas trincheras, convirtiendo el ruido en arte, emociones compartidas y libertad. Casi siete años después de su anterior álbum íntegramente de canciones propias, “Casa” (16), nos llega “Trinchera pop”, un disco sin prisas, una obra a fuego lento, donde el dejarse llevar por lo días y disfrutar de cada momento han sido clave en su gestación. “A estas alturas de mi vida me doy cuenta de que mi proceso creativo no tiene que parecerse al que hacía cuando tenía veintitrés, veinticuatro o treinta años… Mi proceso creativo tiene más que ver con ir tirando y viviendo la vida, que con un empeño de escribir algo. Entonces lo he llevado todo muy tranquilo. Con la pandemia todo se paró y yo estaba dedicado a plantar pimientos, a plantar lechugas… y entonces eso... Me levantaba, regaba un poquito, luego iba al ordenador y mandaba algún mail, luego me sentaba en el estudio a grabar algo… De alguna forma, lo que hice fue pensar mucho, muchas cosas y

luego, a la hora de grabar y tocar, pues ser mucho más instintivo. Y solo disfrutar, tratar de disfrutar todo el tiempo, que no siempre se consigue”.

“TRINCHERA POP” comienza a girar y a los pocos minutos ya sentimos que las canciones desprenden una frescura diferente a todo lo anterior. Tanto en lo sonoro, con más texturas electrónicas, efectos, atmósferas y coros, como en el contenido, con unas letras más “poéticamente filosóficas” y menos aparentemente románticas. “Aunque todo podamos llevarlo un poco a lo romántico, nosotros no pensamos en este disco para nada en las cosas románticas, sino que estábamos pensando más en filosofía de la creatividad. Nos interesaba mucho eso. Las conversaciones sobre el proceso creativo eran lo que más nos divertían, y en el fondo también nos dimos cuenta de que queríamos hacer un disco que hablara sobre el proceso creativo. Lo que ocurre es que en realidad, el proceso creativo contiene política, amor, amistad, dolor… contiene todo. Yo no quería que sonara como ‘Casa’ (16), no quería que los textos se parecieran tampoco a los textos de ‘Casa’; me apetecía que el oyente

“En una canción uno puede ser un asesino, puede ser un violador, puede ser Dios, puede ser el presidente de los Estados Unidos…”

sanación y queja, donde late con fuerza la creatividad y el disfrute, además de una juguetona brisa electrónica bajo sus alas.

TEXTO David Pérez Marín

FOTO Pau Roca

El arte de convertir el ruido en canciones Ferreiro

tuviera que transitar un camino distinto, y como al final el oyente es el dueño de la canción, el que va a decidir de lo que habla… Yo, lo que quería era proponerle al oyente textos y música para que ponga su historia, y yo, pues saber la mía, sin tener que contársela a nadie. No hay nada más bonito que contar tus secretos sin que nadie se entere”.

EN LO ESTRICTAMENTE SONORO, esa brisa fresca electrónica que se aprecia en todo el disco, surge desde la experimentación y el juego. “Ahora me apetecía buscar un poco más desde mis máquinas, que es lo que me divierte. Me gusta la electrónica porque hacer canción todos los días es mucha intensidad, no puedo estar todos los días buscando una canción. La electrónica me permite ir todos los días a mi estudio y relacionarme con la música sin tener que sacar nada concreto, solo disfrutar del ritmo, de la sonoridad, de pasar el día ahí. No quería que sonara como el anterior, quería partir desde otro lugar y que el resultado viniera de la diversión; y sobre todo tampoco quería hacer una electrónica que sonara a la electrónica de todos. Quería crear mi propio mundo.

Realmente, me he dedicado a divertirme mucho con las máquinas y todo eso, y después hacíamos la canción”.

DEL INICIO AL FINAL, pista a pista, con referencias cinematográficas y literarias a cada paso, se nos traza una especie de fuga metafísica de la cuadriculada, caótica y estresante realidad hacia los sentimientos atrincherados a base de canciones. “Las canciones, para nosotros, son el lugar en el que nos refugiamos de lo que nos da miedo. Y tal como está el mundo últimamente, con todo lo que ha pasado y sigue pasando, pues nosotros y muchísima gente al final encuentra ese sitio para refugiarse de todo ese miedo, de todo ese descontrol. Nosotros encontramos nuestro sitio seguro en la trinchera de la canción. Y creo que sigue habiendo música y canciones que nos permiten alejarnos de todo el ruido. Las canciones cogen el ruido y lo convierten en algo coherente”.

“TRINCHERA POP” se cierra con “En las trincheras de la cultura pop”, una sinfónica, vibrante y enérgica pieza en la que late con fuerza el espíritu del disco: el de entender la música y la cultura en general, como

lugar para sanarse y refugiarse de tanto ruido. “Y también para quejarse, porque sobre todo yo creo que tiene que ser el lugar para existir uno dentro de todos sus parámetros. Nos pasamos la vida recortando emociones, recortando reacciones, de lo políticamente correcto, de lo que se debe hacer, lo que no se debe hacer, lo que se puede decir, lo que no se puede decir… Y realmente creo que las canciones están para que digan lo que nosotros queremos que digan, tanto si las escribimos como si las escuchamos, porque al final elegimos a los músicos que dicen las cosas que queremos decir. Creo que se habla mucho sobre de qué deben hablar las canciones o de qué no, y yo pienso que una canción es un espacio en el que se puede hablar de todo. En una canción uno puede ser un asesino, puede ser un violador, puede ser Dios, puede ser el presidente de los Estados Unidos… Las canciones son como los libros, como los videojuegos, como las películas, puede pasar cualquier cosa en ellas. Son un lugar de libertad en el que uno puede sentirse y sentir que es lo que le dé la gana”.

D.P.M.

La Demoscopica

JUEVES 16 DE MARZO Teatro Barceló - MAD

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MICAH P. HINSON Una historia verdadera

Pasa el tiempo y Micah P. Hinson continúa firmando canciones tan inquietantes, conmovedoras y de belleza desgarradora como las que componen “I Lie To You” (Ponderosa, 22), disco que presentará a mediados de marzo en los escenarios españoles. Y, de paso, también sigue ofreciendo entrevistas en las que habla largo, tendido y sin tapujos.

TEXTO Raúl Julián

FOTOS Nati Andreoli

LAS CANCIONES de “I Lie To You”, publicado por Micah P. Hinson a finales del pasado año, se sitúan (una vez más) entre esa belleza austera y triste, casi de apariencia delicada, y las desgarradoras emociones que presentan como argumento, motivando un atractivo contraste. De algún modo, este nuevo álbum nos presenta a un artista más asentado, incluso sereno en formas. Y también algo más abierto a otros géneros. La apreciación motiva una interesante reflexión en el entrevistado. “Asentado. Sereno. Abierto. Estas son tres palabras apropiadas, ya que, cuando las usas en el presente, debo suponer que antes se me veía de forma directamente opuesta. Caótico. Deprimido. Cerrado. Y podría estar de acuerdo en que, hasta el momento, esas palabras podrían describirme. Desde el principio se habló de drogas, locura y todos

HINSON

esos temas rebuscados y lascivos que llenaban páginas. Era una buena historia: un chico de Texas que toca canciones tristes y tiene problemas con la ley y la vida. Vale, lo entiendo. Y, mira, funcionó: a cualquier escala se hablaba de esas cosas. Es cierto que había pasado por todo eso, pero era un agujero negro que me absorbía. Mi mentalidad era: ‘Si la gente lo piensa, bueno, pues a la mierda ¡apóyate en eso! Sé el forastero, sé el triste paleto tejano con una pila de males a la izquierda y una pila de canciones a la derecha’. Sirvió para un propósito, pero me veo obligado a filosofar acerca de cuál fue el costo de todo aquello”.

“I LIE TO YOU” se grabó en Italia, pandemia de por medio, a la que el músico se refiere una y otra vez como “La plaga”. “Grabamos cinco días en Calitri justo antes de que la plaga golpeara nuestro mundo. Me fui a Texas y estuve en trabajos por días

en una pizzería y un videoclub, mientras que Asso, el productor, estaba en Italia y nos pasábamos ideas. En total, el álbum tardó más de tres años en completarse y es, con mucho, el periodo de tiempo más largo que he empleado en un disco. Yo necesitaba una plaga: antes de que apareciera me sentía perdido, no disfrutaba de escribir o tocar música; no disfrutaba de vivir la vida.

EL APUNTE Mirando hacia adelante

PARECE QUE, DE UN MODO U OTRO y después de todo, Hinson continúa aprovechando sus composiciones para exorcizar algunos demonios, aunque al mismo tiempo parece convencido de obviar ese turbulento pasado suyo. “Me he dado cuenta de que tenía una clara obsesión con mi pasado y de que escribía desde un ‘yo’ pasado. Estaba cantando sobre ‘cosas muertas’, sobre ‘personas muertas’ y sobre viejas reliquias. Qué esfuerzo más tonto. Al querer cambiar la forma en la que escribía las canciones me encontré hundido hasta la barbilla, ahogándome debajo de esa temática pasada. Así que sentí que era hora de dejar de escribir desde esta perspectiva. ‘I Lie To You’ es el último disco de una serie que vienen de ese pasado y, en la medida que pueda, no volveré a escribir de esa forma. Cuando escribo sobre el pasado, no puedo mirar con claridad al presente y mucho menos al maldito futuro. En este disco quería eliminar todas esas cosas que en el pasado podrían haber hecho que mis discos resultasen difíciles de escuchar”. R J

Estaba a punto de jubilarme, colgar mi guitarra y pasar a otras empresas”. Lo que es obvio es que, después de veinte años de carrera, Micah P. Hinson continúa firmando composiciones inquietantes y capaces de conmover, además de plenamente reconocibles. “Tiene que ver con todos los movimientos que he hecho en mi vida. Se podría argumentar que algunos fueron en vano o caóticos, pero es interesante considerar la idea de que cada paso caótico me estaba poniendo a prueba dentro de una vida que realmente servía (y sirve) a un propósito único. Diría que el disco que mejor me representa es ‘The Pioneer Saboteurs’ (Full Time Hobby, 10). Fui muy lejos con el sonido, llenando cada espacio con algo. Quería que los elementos se moldearan y alteraran dentro de las canciones y cubre un espacio más amplio que cualquiera de mis otros trabajos. Es ruidoso. Es tranquilo. Fue la mejor representación de mí mismo”. Lo cierto es que el entrevistado ha tenido una vida compleja y de lo más agitada, por lo que suele considerársele eso que, tirando de tópico, se llama un artista maldito. “El dicho es ‘Si camina como un pato, es un pato’. Y caí en ese concepto. Me siento extraño al ser considerado ‘maldito’ y eso no me ayudó en esta vida. Debo responsabilizarme del hecho de haber ayudado a que esa idea avanzase. Todavía hoy me parece una manera de pensar agotadora que maldigo... esas cosas que la gente escribe y dice sobre mí. Al final, no soy un pato y no camino como un pato”. En marzo volverá a pisar los escenarios españoles, esos que siempre le han acogido con cariño. “Seremos una máquina bien engrasada. Han pasado bastantes años desde que hice una gira ‘como es debido’ y justo a ahí pertenece una parte de mí: a la carretera y a los escenarios pequeños en los que toco para la gente”. R.J.

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“

“La mía era una buena historia: un chico de Texas que toca canciones tristes y tiene problemas con la ley y la vida”

l Barcelona 15 marzo. Sala La Nau l Sevilla 17 marzo. Sala Malandar l Madrid 20 marzo. Teatro Barceló (Bee Week)

MONDO FREAKO

Los tarraconenses Crim tienen hambre de carretera. Por eso este mes saldrán a presentar las canciones de su nuevo trabajo, “Cançons de Mort” (HFMN/BCore, 23), convertidos ya en unos referentes de lo suyo en todo el territorio.

SON LAS DIEZ DE LAS MAÑANA y nos citamos con Crim para charlar sobre su nuevo trabajo, “Cançons de Mort”. La formación al completo inicia una maratón de entrevistas que se alargará todo el día. Lo afrontan con ilusión. Supongo que es el precio a pagar por tocar en la banda de punk rock en catalán más importante del momento. Pero ¿se podían imaginar que despertarían tanto interés cuando empezaron a quedar para ensayar en el lejano 2011? “En absoluto, montamos la banda con cero ambición, sin expectativas. La idea era quedar entre semana para tocar. Venimos de un mundo en el que nadie cuando monta una banda piensa en sacar la cabeza más allá de ese rincón en el que te reúnes con gente que conoces”.

SIN INVENTAR NADA NUEVO, porque hablamos de punk rock sin aditivos extraños, encontraron su sonido. O mejor dicho, su sello. Punk rock “criminesco”, había leído en la nota de prensa. Ellos se quitan importancia, también al hecho que algunas bandas en Cataluña parecen emularlos. “Nosotros también tenemos nuestras influencias y quizá somos un puente. No inventamos nada, simplemente lo hicimos en un idioma al que no estábamos acostumbrados”, dicen. Sea como sea, Crim vuelven a la carga con un nuevo álbum de estudio después del inspiradísimo “Pare nostre que esteu a l’infern” de 2018, un trabajo que apareció en estas mismas páginas como el mejor disco de punk y hardcore de la cosecha de ese año. Veremos qué les deparan los próximos meses, porque los listones están para superarlos y los techos de cristal para reventarlos. “Para nosotros ya hemos hecho mucho más de lo que sería lógico [risas]. Todo lo que llegue, bienvenido será. No hacemos las cosas pensando en, por ejemplo, llenar un Sant Jordi”. Pero, ¿algo un poco más pequeño como un Sant Jordi Club? “No creo que pase, aunque tampoco pensamos que llenaríamos un Razz [risas]. No tenemos referentes, o precursores, pero mientras sea creíble para nosotros no hay un techo”.

SIN FIJARSE OBJETIVOS a largo plazo, pero tampoco sin ponerse límites, Crim ya tienen ganas de presentar a lo largo y ancho de la península y más allá un largo que solo ellos saben todo el trabajo y sobre todo el sacrificio que esconde. Su composición empezó en 2019, justo antes de que llegara la Covid-19. Hablaremos poco de esos días pandémicos de infausto recuerdo, pero lo cierto es que el disco fue “grabado en la clandestinidad durante la era oscura de 2020” en Cal Pau Recordings, como ellos mismos explican en el libreto del disco. “Nuestro plan era sacar primero ‘Cançons de Mort’ y luego el disco del décimo aniversario [el de sus temas en inglés con ilustres invitados e invitadas], pero con la pandemia pensamos que no tenía ningún

sentido sacar el nuevo disco y era mejor lanzar el de aniversario que no necesitaba una gira de presentación”. La grabación fue dirigida por el omnipresente Santi García, con quien ya han trabajado previamente y la sintonía es absoluta. “Llevamos muy preparados los temas, pero él da su opinión y le hacemos caso si nos propone algo porque nunca se equivoca. Y además nos flipa grabar con él, cómo trabaja, cómo suena, estar con él durante la semana y media de grabación…”, rememoran unos músicos que también tienen palabras de agradecimiento para HFMN, su agencia. Crecieron de la mano porque “Crim fue la tercera referencia de HFMN como sello, que inicialmente era booking de bandas extranjeras y promotora de conciertos”.

“Montamos la banda con cero ambición, sin expectativas”

Crim Patrimonio mundial

Para la banda es “genial porque es llevar el DIY a la máxima potencia”.

HABLAMOS TAMBIÉN DE LAS LETRAS, uno de los puntos fuertes de una banda con una capacidad ingente de crear himnos. Cada disco viene bien servido de frases memorables, de esas que el público corea en directo e incluso hace suyas. ¡Qué presión a la hora de encarar la hoja en blanco! “Un poco [risas]. No debería ser así, al final solo son canciones, pero también es cierto que si no dijéramos nada, no estaríamos aquí”, resume su cantante y guitarra, Adrià, que llegó al estudio sin una sola letra terminada. Las remató durante la grabación, en un contexto distópico, y sin ser un disco pandémico alguna reflexión al respecto se coló. “Estábamos en nuestra ‘cresta’, teníamos muchos conciertos, en un punto muy guay, y de repente todo se fue a la mierda. No queríamos que recordara a la pandemia pero a nivel personal sí hay reflexiones antidepresivas, de autoanimarse. No hay un hilo pero forman parte del mismo discurso”, añade.

NO PODÍA DESPEDIRME de ellos sin preguntarles por la portada, pues repiten ilustrador, Guillem H. Pongiluppi, pero esta vez es mucho más oscura y sobre todo perturbadora. Querían “un cuadro, un bodegón humano” y les entregó una escena dantesca, con cuerpos mutilados y fruta putrefacta, con cuatro inquietantes animales antropomórficos observando en un segundo plano.“Le pedimos un Caravaggio”, suelta Adrià, totalmente en serio. Y no me parece una tontería, pues pensándolo bien “Cançons de Mort” es un disco parido en tiempos de oscuridad, que relata excesos y miserias de la condición humana, pero al mismo tiempo arroja algo de luz en forma de melodías memorables. LUIS BENAVIDES

R

Más en www.mondosonoro.com

EN CONCIERTO

l Barcelona 18 marzo. Razzmatazz

l Bilbao 24 marzo. Gaztetxe de Zorroza

l Valencia 31 marzo. Rockcity

l Madrid 01 abril. Copérnico

l Lleida 21 abril. Cafè del Teatre

l Salt 28 abril. La Mirona

l Tarragona 6 mayo. Sala Zero

“Había trabajado con anterioridad con Animal Collective y de repente, con el paso del tiempo, se habían convertido en una suerte de familia extendida”

John Cale en Spin

“Siento que este momento en la música es el resultado de los levantamientos de 2020, de Black Lives Matter. Es como si mucha gente dejase de lado la homofobia y el racismo que tenían interiorizados”

Kelela en Dazed

“Nuestra versión del ‘Jolene’ de Dolly Parton es terrible. No éramos muy buenos por aquellos días”

“CADA VEZ QUE PIENSAS EN CAMBIAR, SURGE UN POCO EL MIEDO A VENDERTE”

Andrew Eldritch de The Sisters Of Mercy en Brooklyn Vegan

Natalie Mering Weyes Blood en Mojo

“Espero que ninguna chica joven tenga que experimentar la mierda que yo he experimentado”

Halley Williams de Paramore en NME

YPODRÍAMOS VOLVER a citar algunos de los nombres que han pasado por nuestras fiestas cuando empezaban sus carreras y que ahora son nombres indispensables de la escena independiente estatal: Lori Meyers, La M.O.D.A., La Bien Querida, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Triángulo de Amor Bizarro, Cariño y un larguísimo etcétera.

MUCHO HA CAMBIADO el concepto de demo a día de hoy, si es que todavía tiene sentido, pero lo que no ha cambiado ni un ápice son nuestras ganas de darle un empujón más a aquellos artistas que nos encantan. Lo hacemos mes a mes desde nuestras páginas y, una vez al año, también desde La Demoscópica, que en esta ocasión se duplicará para celebrarse en Madrid y Barcelona con unos días de diferencia. En ellas podrás ver a artistas como La Paloma, dani, Menta, Besmaya, Habla de Mí en Presente o Elane, además de un artista sorpresa en Barcelona.

AMBAS CITAS se llevarán a cabo este mes de marzo, empezando por la que se llevará a cabo en Madrid el 16 de marzo en el Teatro Barceló (con las invitaciones ya agotadas) y siguiendo por la que se celebrará en Barcelona el 31 de marzo, concretamente en la Sala Wolf. Y recuerda, La Demoscópica tiene entrada gratuita en ambas ciudades hasta completar aforo. Eso significa que aunque te hayas descargado tu invitación, deberás ser puntual para no quedarte en la calle.

ENCARAR DOS FIESTAS ha sido posible gracias a la implicación de todos los artistas y la participación como patrocinadores

de Estrella Damm, Wegow y AIE, así como de la colaboración del ciclo de conciertos Bee Week, de Witis Agencia, Brat Producciones y de la Sala Wolf.

PERO CENTRÉMONOS en el cartel. En Madrid podremos ver a cuatro artistas con propuestas bien distintas, pero sin duda complementarias. Tendremos a dani, protagonista de nuestra portada del mes pasado gracias a su segundo larga duración, “posdata” (El Volcán, 23), con su pop electrónico de corazones rotos. Al trío madrileño La Paloma, quienes debutan en largo con el álbum “Todavía no” (La Castanya, 23), una adictiva mezcla de indie rock, noise pop y melodías para corear. Y hablando de guitarras, también sonarán muy fuertes y potentes las de Menta, autores de “Un momento extraño” (Sonido Muchacho, 22), un disco que bebe de la tradición española del rock independiente más afilado. Aunque también habrá pop para bailar de la mano del dúo vasco-barcelonés Besmaya y de un repertorio, el conformado por sus diversos singles y su epé de hace unos meses, en el que no faltan las buenas melodías, la emoción y la luz.

En cuanto a la Ciudad Condal, La Demoscópica de Barcelona también contará con dani, una artista que ha visitado la ciudad en diversas ocasiones, sumando día a día más público a sus actuaciones. Pero la suya será la única actuación que coincidirá en ambas fiestas. Acompañándola nos encontraremos con la rapera Elane, voz y actitud que combina tradición y modernidad, fuerza y emotividad, como bien demuestra “Metamorfosis” (Propaganda Pel Fet!, 22) y sus colaboraciones

DANI HABLA DE MÍ EN PRESENTE

ELANE

LA PALOMA

BESMAYA

Vuelve La Demoscópica de Mondo Sonoro

Se acerca La Demoscópica de Mondo Sonoro, que vuelve con fuerzas renovadas y con dos fechas a celebrar en Madrid y Barcelona respectivamente con grupos y artistas que se cuentan entre nuestros favoritos del momento.

con artistas de lo más diverso. Aunque la fiesta vendrá de la mano de los barceloneses Habla De Mí En Presente, garantía de noche redonda con la techno-rumba que han desplegado sobre todo en “Vivir más” (Halley Records, 22). Pero eso no será todo, porque también contaremos con un grupo sorpresa de primer nivel que vendrá a presentar... oh, perdón, casi se nos olvidaba que se trata precisamente de eso, de un artista sorpresa cuyo nombre no vamos a desvelar.

Así que ya sabes, descarga tu invitación y sobre todo acude a la sala el día del concierto con la máxima puntualidad, no vaya a ser que te quedes fuera. MS

Fueron demoscópicos...

l Aiko El Grupo: Madrid 2021

l Biela: Madrid 2021

l Derby Motoreta’s Burrito Kachimba: Madrid 2019

l Cariño: Madrid 2019

l Maria José Llergo: Madrid 2019

l La Plata: Valencia 2017

l Bearoid: Bcn 2015

l Biznaga: Madrid 2014

l La M.O.D.A.: Burgos 2012

l Pájaro Jack: Murcia 2011

l Fira Fem: Madrid 2011

l Guadalupe Plata: Sevilla y Córdoba 2010

l Anni B. Sweet: Madrid 2009

l Novedades Carminha: Vigo 2009

l Supersubmarina: Jaén 2009

l La Bien Querida: Madrid 2008

l Russian Red: Madrid 2008

l Cápsula: Bilbao 2007

l Bigott: Aragón 2006

l Triángulo de Amor Bizarro: Santiago 2005

l Lori Meyers: Granada 2002

MENTA

LA PALOMA Va a ser que sí

TEXTO Raúl Julián

FOTOS Paula Yubero

TENIENDO EN CUENTA que La Paloma es una banda mayoritariamente novel, procede comenzar la entrevista situando al lector acerca de cómo, cuándo y dónde surgió el proyecto en cuestión. “Todo se desarrolló durante el confinamiento duro de la pandemia. Nico y Lucas nos conocimos en un evento del Colectivo SALÒ en Carabanchel y poco después empezamos a hablar de montar algo juntos, semanas antes de que nos encerraran. Aprovechamos los meses en casa para trabajar la idea del proyecto a distancia compartiendo ideas de canciones, y en cuanto empezó la desescalada y comenzamos a poder salir y juntarnos buscamos a alguien que quisiera sumarse. Rubén trabajaba en el estudio de foto en el que revelaba Lucas y un día, charlando, salió el tema de la banda y se subió al carro al momento. Juan apareció al poco tiempo: acababa de volver a vivir a Madrid después de unos años fuera y andaba buscando gente con la que tocar”. Aunque la pregunta sea tópica, la curiosidad puede y resulta imposible no indagar de dónde viene el nombre de la banda. “‘La Paloma’ es un concepto muy repetido en Tetuán, el barrio de Madrid de donde es Nico, en el que vivimos algunos de nosotros y donde tenemos el local de ensayo. Hay pescaderías, bares, institutos e incluso las fiestas del barrio llevan ese nombre. Lucas es de un barrio de Gran Canaria que se llama Maspalomas, y cuando empezamos a darle vueltas al nombre del Proyecto, de repente dimos con ‘La Paloma’ y todo cobró sentido al momento”.

TODAVÍA NO” es el debut en formato largo de los madrileños, un disco sólido y que cuenta con un generosísimo número de canciones que funcionarían como incuestionable sencillo. “Queríamos conseguir una producción ambiciosa y calidad de sonido; unas canciones fieles al momento musical (de composición, gustos e intereses) en el que estábamos a la hora de grabarlo; y una energía que fuera fiel a los conciertos sin tener que grabar el disco en directo. En cuanto a esto último, apenas hemos metido en el disco elementos que no pudiéramos reproducir

en vivo, como teclados o arreglos locos”. También destaca la narrativa que protagoniza las propias canciones, guiándolas hacia el objetivo final. “Creemos que, ante todo, son canciones sinceras. En cuanto a la forma, hay de todo: desde canciones más directas a otras con un significado más rebuscado o incluso sin significado concreto; y en cuanto a contenido, más de lo mismo. El disco tiene una narrativa muy variada y consideramos que, aparte de tener un contexto generacional, muchas veces inevitable, lleva una carga personal muy fuerte. Hablamos nosotros de lo que nos está pasando (nos gusta/no nos gusta/nos molesta/nos preocupa/etcétera) a nosotros, a nuestros amigos o a los que no son nuestros amigos. No estamos hablando de nada nuevo y tampoco es esa nuestra intención, pero le damos mucha importancia a cómo decimos lo que queremos decir”.

EL APUNTE ¿Banda revelación?

LO CIERTO es que el cuarteto ha generado unas considerables expectativas gracias a su EP previo “Una idea, pero es triste” y también a los diferentes adelantos de “Todavía no”, del tipo de “Todo esto”, “Algo ha cambiado” o “El adversario”, postulándose como una de las bandas revelación de la temporada dentro de la escena independiente nacional. “Queremos seguir componiendo y seguir tocando. Cuanto más de todo mejor. Estamos felices de lo que nos ha pasado hasta ahora, y solo esperamos que las cosas sigan yendo igual y nosotros sigamos tan contentos. En cuanto a expectativas reales: tocar muchísimo (el verano va teniendo buena pinta) que es de las cosas que más nos gusta; y en cuanto a metas a conseguir a corto plazo y relacionado con lo de tocar en directo, estamos locos por poder hacer el equipo de La Paloma más grande, para contar así con una parte técnica que ahora mismo no tenemos (sonido, backline, etcétera)”. — R J

LA MÚSICA DE LA PALOMA destila cierta inmediatez o urgencia, pero sin renunciar en ningún momento a dejar poso en el oyente. “Componemos constantemente. Es algo que no dejamos de hacer prácticamente nunca, aunque estemos girando, de vacaciones o en periodos de ensayo. Es la forma en la que entendemos la banda y es una de las razones por la que la tenemos: para hacer canciones. Esto hace que siempre tengamos temas en los que trabajar y los conjuntos de estas canciones van tomando forma poco a poco. Vas hilando y de repente tienes un disco o un EP que funciona y es coherente. La trascendencia no es algo que nos atormente ni mucho menos, ni tampoco tenemos una filosofía de Carpe Diem. Andamos a caballo entre disfrutar todo lo que nos pasa y pensar en lo siguiente, en evolucionar”. “Todavía no” incluye diferentes intensidades, motivadas por unas preferencias que van desde el shoegaze hasta el pop pasando por el noise, en lo que conforma un amplio abanico estilístico. “Nuestra idea es hacer canciones de la forma más sincera que podamos. Los arreglos, el sonido y la producción sirven a las canciones. El orden de los temas sirve al disco. Trabajamos la canción de forma independiente, aportando la intensidad y el enfoque que consideramos que funciona mejor. Hemos dedicado mucho tiempo a pulir las canciones tanto a nivel compositivo como a nivel de sonido y producción. Una vez tuvimos los once temas, empezamos a crear una narrativa para ordenarlas de la mejor forma posible. Le dimos mil vueltas y al final dimos con la que consideramos mejor experiencia de

Los madrileños La Paloma se estrenan en formato largo con “Todavía no” (La Castanya, 23), álbum con mayoría de singles potenciales que puede (y debe) presumir de aunar pop y distorsión en meritorio equilibrio. Tanto que señala al grupo como candidato a una de las revelaciones de la temporada.

“Es bonito sentirte inspirado por colegas y bandas que no murieron hace veinte años”

3escucha. O, por lo menos, la que más sentido tenía para nosotros y la que más nos gustaba”.

Sucede que, en realidad, no hace tanto que el combo vio publicado aquel EP de cinco temas que estrictamente significó su primera incursión en la escena, “Una idea, pero es triste” (La Castanya, 21). “El EP lo percibimos no solo como música, sino como un momento concreto en el tiempo o una experiencia. Ya el título hace referencia a un momento concreto en los inicios del grupo. Es también un cúmulo de emociones, recuerdos y una larga serie de ‘primeras veces’. Esas canciones son nuestra primera vez juntos componiendo, grabando, cargando una furgo, yendo a tocar a no sé dónde por dos duros, bocatas increíbles, risas constantes, bajonas, etcétera. Muchas cosas que son de lo más común en nuestras vidas hoy en día. Seguimos tocando las canciones del EP. Nos encantan y estamos muy orgullosos de ellas, creo que todavía no nos hemos cansado. Dicho esto, si tuviéramos que regrabarlas ahora tal y como las tocamos en directo, sería todo un poco distinto. Es una experiencia bonita ver cómo las canciones van evolucionando y cambiando con uno y con el tiempo, a base de tocarlas mucho. Cambian ciertos detalles, y en cada concierto son un poco distintas, pero las versiones de esas canciones que dejamos grabadas están bastante bien”. Esa es una afirmación que invita a pensar que, pese a que hace menos de dos años que vio la luz el mencionado EP, ya se habrán dado cambios en el seno del grupo, incluyendo la forma de elaborar su propia música. “Hemos tenido la oportunidad de trabajar más a fondo las canciones en todos los sentidos. Como grupo, llevamos más tiempo tocando juntos, nos conocemos mejor y estamos cada vez más en sintonía. A título individual, como músico vas cambiando tu forma de hacer música o mejorando en cómo tocas tu instrumento. O incluso tocando instrumentos nuevos. Esto se vierte directamente en el proceso de composición y creemos que ha ayudado en lo que consideramos un salto positivo de sonido que se percibe en este nuevo disco. En ese aspecto y en la producción, Diego Escriche ha sido clave. Estuvimos un mes y medio puliendo a fondo mano a mano el enfoque estético y de producción de las canciones por separado y del conjunto. Al final, hemos sumado una pieza más a la banda sin la que habría sido muy difícil materializar lo que teníamos en la cabeza para este trabajo”.

PUEDE CONSIDERARSE que La Paloma es un grupo generacional, de esos que encajan en la nueva hornada de la escena indie, algo que a los propios músicos no parece molestarles (ni tampoco importarles) demasiado. “Creemos que somos una banda de ahora, como muchísimas otras. Hablamos de las cosas que nos preocupan e intentamos hacer todas las canciones que nos gusten que podamos. No intentamos encajar en ningún sitio en particular, pero nos encanta compartir esto con bandas amigas. Dicho esto, es inevitable que te asocien o te metan en ‘lotes’ con grupos del momento, como si fuera una especie de escena, pero tenemos demasiado aprecio a ciertas escenas y movimientos a nivel histórico. Tanto que sería una falta de respeto hacia todo eso decir (nosotros) que formamos parte de algo semejante”. Pasan así a formar parte de una escena que, en su opinión, goza de muy buena salud. “Hay muchos grupos y eso es muy buena señal. Cuanta más música haya, ya sea de guitarras o de cualquier otro instrumento, mejor. Luego ya, que la gente consuma lo que le dé la gana. Hay muchos grupos que hacen cosas que nos flipan, y hay algo muy bonito también en sentirte inspirado por cosas que hacen colegas y bandas que no murieron hace veinte años. Las canciones redondas de Mujeres, la evolución de La Plata, la música de Nueva Vulcano, la propuesta de Vulk... mil cosas. Creo que en España estamos en un buen momento a nivel musical”. Una inclusión que no implica que La Paloma carezca de especificidades y rasgos artísticos específicos, con los que desmarcarse en la consecución de una identidad propia. “Nuestro elemento diferenciador es el que pueden tener todas las bandas y artistas. Somos cuatro personas que nos hemos juntado a hacer canciones y que intentamos dejar algo de nosotros en cada una de ellas. Queremos pensar que eso hace especial un proyecto. No estamos inventando la rueda, pero también queremos pensar que la carga personal que damos a las canciones ya nos diferencia. También tenemos a Lucas, que es de Gran Canaria y a veces dice unas palabras rarísimas”.

NOS QUEDA POR TRATAR el tema de los conciertos, concretamente indagar acerca de cómo son los directos de un grupo que, antes de publicar su debut en formato largo, ya había tocado en países como Portugal, México y Estados Unidos. “Pues sí, hemos tenido la suerte de poder tocar fuera de España, abriendo para Bodega en Portugal y Francia, el SXSW de Austin y México dos veces en 2022. No creo que sea algo a lo que uno se pueda acostumbrar y, independientemente del posible éxito que puedan tener los conciertos en países random, estar fuera con tus amigos haciendo lo que más te gusta hacer, comiendo cosas ricas y tal, no tiene comparación. Una vez más afrontamos el tema de los directos como tantas otras cosas en la banda: desde la sinceridad. Como siempre, hay días en los que estás rayado o estás con una energía loca y eso se vierte en la puesta en escena, en las canciones y en la conexión que creas con el público”. Ahora falta verles defendiendo estas nuevas canciones sobre el escenario. “Por ahora, nuestros directos son bastante fieles a lo que somos en nuestro día a día, no hay mucha floritura. Digo por ahora, porque sería estúpido rechazar la posibilidad de evolución de la puesta en escena. En líneas generales nos limitamos a tocar siempre con la máxima intensidad y con las máximas ganas, que son las que tenemos. Parte de la presentación del disco se hará en festivales, algo que nos apetece porque siempre es un momento de celebración y fiesta y tiene algo de especial tocar en esos escenarios; pero la verdad, muchas ganas de la gira de salas. Creemos que es ahí donde podemos permitirnos hacer la presentación de las canciones en condiciones, dándoles el espacio, el cariño y el público que se merecen. Es un contexto más íntimo y directo, donde sentimos que mejor podemos hacer llegar a la gente lo que sea que estamos intentando hacer”. — R.J. Más

EN CONCIERTO

l Madrid 16 marzo. Tearo Barceló (La Demoscópica)

l Barcelona 01-03 junio. Primavera Sound

l Madrid 08-10 junio. Primavera Sound

l Benidorm 28-30 julio. Low Festival

l Torremolinos 23-26 agosto. Canela Party

l Burela 01 septiembre. Festival Osa do Mar

l Menorca 21-24 septiembre. Cranc Festival

“

“La narrativa del disco tiene contexto generacional y también una carga personal muy fuerte”

EL DISCO. RECUPERADO.

Rocket Juice & The Moon

Rocket Juice & The Moon

Honest Jon’s Records (2012)

CONTAMOS HASTA SEIS (“1-2-3-4-5-6”) y ya estamos dentro de otro proyecto paralelo del bueno de Damon Albarn, que de la mano de esa proliferación innata que bulle en su interior y con la que genera súper-grupos como ristras de churros, nos sorprendía en 2012 con una nueva propuesta de armas tomar. Mientras que a día de hoy no nos es extraño verle sacando a flote su más dispar impronta, eliminando barreras y etiquetas, y firmando ejercicios que dignifican y elevan la categoría de la world music a un merecido podio que no repela, una década atrás ya pudimos verle brindándonos el fugaz y furtivo deleite de una más de sus incontables ideas. Y es que por aquellas Albarn ya andaba quitándose de encima el sambenito de britpopero al uso y sumergiéndose de pleno en la más dinámica, fresca y rompedora fusión de la mano de Rocket Juice & The Moon, un careo a tres compuesto por el mencionado artista, junto a Flea (bajista de Red Hot Chili Peppers) y el tristemente ya desaparecido Tony Allen, que por entonces ejercía como batería de Fela Kuti.

LA INTRAHISTORIA de este triple hermanamiento radica en un vuelo con dirección a Lagos, en el que el citado trío coincidió y poco más hizo falta para que la chispa saltara entre ellos. El resto, como se suele decir, es historia. El enfoque, el talento, el eclecticismo y la luz que irradian estas tres mentes apasionadas alumbró un único trabajo homónimo que no

TAN. CERCA.

solo rinde pleitesía al afrobeat más puro, sino que también integra una amplia variedad de nombres adicionales e ilustres con los que logran dar cabida a una generosa revisión de las diferentes aristas que la música negra entraña. Y ahí es donde esta particular colección de dieciocho cortes se hace fuerte, entregándonos la visión y el aporte de figuras geniales como la todopoderosa Eryka Badhu, quien ejerce como reina y señora de algunos de los cortes principales del disco, ya bien sea dándonos bien de groove (“Hey, Shooter”) o llevándonos a terrenos más propios del jazz-rap (“Dam (N)”); o como el delicioso candor de Fatoumata Diawara, quien maridará su arraigo con la vanguardia (“Benko”) y logrará enamorarnos a golpe de sensualidad y tradición (“Follow-Fashion”).

DE LA MANO DE VARIOS y brillantes aportes puramente instrumentales que parecen sacados de una jam session (como el virtuosismo a las cuatro cuerdas de “Night Watch” o el reggae caleidoscópico de “Check Out”), el álbum asienta sus evidentes intenciones de buscar en el ayer respuestas para el hoy, sin perder de vista la técnica del presente pero manteniendo la mente y el corazón en un espíritu old-school inolvidable con el que el trío no solo ratificó su entendimiento creativo mutuo, sino que también aseguró la versátil e inmortal vigencia y valía del funk, por al menos una década más.

FRAN GONZÁLEZ

RR La legendaria banda de rock Guns N’ Roses ha anunciado todas las fechas de su gira de este año que les llevará por buena parte del mundo. Y la mejor noticia es que se confirman fechas en España: Madrid (9 junio, Cívitas Metropolitano) y Vigo (12 junio, Estadio Abanca Balaídos).

RR La banda instrumental Toundra y el fotoperiodista ganador del Pulitzer Manu Brabo colaboran de nuevo, esta vez con “Ukraína” para mostrar el horror de la guerra en ese país. Se estrenará los próximos 24 y 25 de mayo en el Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque de Madrid.

RR José González presentará su documental, “A Tiger In Paradise”, en un evento único llamado “An Exclusive Evening With... José González”, el 26 de abril en la sala Paral·lel 62 de Barcelona, en el que se proyectará esta película, charlará con sus fans y actuará en directo.

RRLori Meyers volverán al WiZink Center cinco años después de su espectacular actuación en este recinto madrileño. Será el 30 de diciembre, por lo que prácticamente despedirán allí el año.

RR La mítica banda aragonesa de rock Héroes del Silencio verá publicado por primera vez en vinilo el álbum en directo “Parasiempre” el 12 de mayo de 2023. El álbum fue grabado en directo durante su gira “Avalancha”, que recorrió más de 140 ciudades.

RR Kasabian, Ojete Calor, Miss Caffeina y ELYELLA actuarán en la fiesta Welcome V Aniversario del WARM UP Estrella de Levante la noche del 28 de abril, pistoletazo de salida del festival que se extenderá hasta el 30 de abril en La Fica (Murcia) con Franz Ferdinand, The Kooks, Hot Chip. Vetusta Morla, Viva Suecia y muchos más.

RR Los barceloneses Dorian han ido dando pasos adelante significativos tanto en nuestro país como en Latinoamérica. Ahora alcanzan otra cima, anunciando un concierto muy especial el 15 de junio en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, dentro del Suite Festival. MS

FOTO: ARCHIVO

Zea Mays Una cata de lujo

“Adore” “Kemena” y “Kuraia” en euskera son tres sinónimos para hablar de la fuerza y el valor necesario para tirar hacia adelante. Pero también son las tres palabras que Zea Mays han escogido para titular su último trabajo, donde han tenido la oportunidad de trabajar con cinco productores de lujo.

EN “ADORE KEMENA KURAIA” (Garden Records, 22), Zea Mays han trabajado con nada más y nada menos que cinco prestigiosos productores: Ricky Falkner, Santi García, Dave M. Allen, Paco Loco y Aritz Aranburu. La idea surgió en los meses de parón a causa de la pandemia, por la imposibilidad

TAN.LEJOS

de dar conciertos. “Cuando vimos que la cosa se iba a alargar, decidimos grabar lo que hacíamos en el local para sacarlo en digital y, si en el futuro había oportunidad, juntarlo en un disco”, nos explica Piti, guitarrista de la banda bilbaína. Así se pusieron en marcha para grabar estos temas, pero de una manera original, haciendo, tal y como cuenta Aiora, vocalista de Zea Mays, “una especie de menú degustación de productores y estudios con gente con la que teníamos ganas de trabajar”. Una propuesta que, a pesar de lo que podría parecer, no ofrece más que ventajas. “Lo que hemos hecho ha sido probar con varias personas y, de esta forma, hemos aprovechado este tiempo de incertidumbre para enriquecernos musicalmente y almacenar canciones. Lo bueno de hacerlas y llevarlas al estudio inmediatamente, es que, de esta manera, las canciones no perdían la frescura”, señalan. Además, en este arriesgado

RR Para celebrar el décimo aniversario de “Push The Sky Away”, Nick Cave & The Bad Seeds han compartido en una web especial (ptsa.nickcave.com) la filmación de un gran concierto en Los Ángeles pocos días después de lanzar el disco. Lleva por título “Live At The Fonda Theatre”

RR Black Country, New Road comparten una filmación de sus tres espectáculos especiales en Londres. “Live At Bush Hall” es su primer lanzamiento importante desde que el cantante Isaac Wood

Warhaus Corazón roto

Hay territorios compartidos que no pueden faltar, pero el toque personal del relator es lo que convierte una mera ruptura en una pieza sofisticada y reveladora, tal y como sucede en “Ha Ha Heartbreak” (PIAS, 22), el tercer álbum del artista belga Maarten Devoldere, más conocido por ser una parte indispensable de Balthazar y por firmar música en solitario como Warhaus.

“ ES CIERTO QUE EL DISCO no suena para nada llorica”, nos cuenta Maarten. “El ser humano tiende a aparentar estar bien. Se podría decir que esos arreglos groovies son en cierto modo un maquillaje. Pero realmente, y a diferencia de otros de mis discos en los que sí puse muchas dosis de humor negro, en este he apostado por una onda mucho más oscura. Las cosas como son, no he estado en mi mejor momento. Es la primera vez en mi vida que he atravesado una ruptura de estas dimensiones. Tal vez sonará engreído por mi parte, pero hasta ahora había sido yo quien solía dejar a las chicas, así

dejó la banda e incluye exclusivamente nuevo material que no hemos escuchado en estudio.

RR El dúo estadounidense de dream pop Beach House ha anunciado la publicación de “Become”, un epé de cinco canciones que se publicará en formato físico por el Record Store Day. El material está producido por el grupo.

RR Además de anunciar el nuevo álbum “Resound NYC”, Moby ha estrenado “Punk Rock Vegan Mo-

vie”, un documental sobre la historia del punk rock y su relación con el activismo por los derechos de los animales. En él aparecen miembros de bandas como Fugazi, Bad Brains, Red Hot Chili Peppers, AFI y muchas más.

RR El próximo 22 de abril verá la luz en vinilo y disco compacto “Give Way”, un directo de Pearl Jam que se grabó en vivo en el australiano Melbourne Park en 1998. Incluirá hasta diecisiete canciones interpretadas durante la gira de presentación de “Yield”

reto, han contado con la complicidad absoluta de las personas que estaban a los mandos, y así lo relata Piti: “Lo que vimos es que cada productor cogió este trabajo como algo suyo. Vimos que el disco fue a mejor y que lo que llevábamos ganaba muchísimo y ha sido muy divertido porque esta vez no íbamos con los temas tan preparados como otras veces, para que el productor pudiera meter mano en las canciones y nos dieran una visión diferente a la que nosotros teníamos”.

AUNQUE YA CONOCÍAMOS varios de los temas que conforman este trabajo porque ya se habían publicado en formato single, Zea Mays no han podido evitar la tentación de reunirlos en un elepé en formato CD y vinilo para disfrute de sus fans. El conjunto lleva el explícito título formado por los tres sinónimos de los que hablábamos al principio, y que dan sentido al mensaje que buscaban transmitir en las canciones. “Habíamos pasado todos una época mala por la pandemia y creo que estábamos un poco perdidos. Entonces, lo que proponíamos era la búsqueda de ese valor que tenemos dentro para tirar

RR Lana del Rey ha sorprendido a propios y extraños con un segundo avance del que será su noveno álbum de estudio, “Did You Know That There’s A Tunnel Under Ocean Blvd”. Se trata de “A&W”, una canción de más de siete minutos en el que la estadounidense introduce elementos urban en su sonido.

RR Se publica “The Singles. Volume 1”, una caja conmemorativa con los diez primeros singles de la carrera de la banda estadounidense The Strokes. Los siete

que lidiar con esto ha sido bastante nuevo para mí. Una ruptura te permite conocerte mucho mejor, es como mirarte de repente en un espejo y verte a ti mismo por primera vez en mucho tiempo”. A golpe de funk y creando una esfera de lo más sensual, el alma máter de Warhaus huye de la lástima más convencional y sana sus demonios sacando su lado más crooner. “Considero que lo que logro proyectar finalmente con mi música no es algo pretendido o buscado, sino más bien fruto de la casualidad. Como persona, estaba hecho polvo, pero como mente creativa traté de que ese dolor al menos me sirviera para poder hacer el álbum más bonito que fuera posible”. El dolor, sin embargo, no es la principal fuente de inspiración para Maarten, pues reconoce no tener ya edad para esos tópicos propios del

hacia adelante”, explica Aiora, mientras que Piti añade que “lo que planteamos es la necesidad de tener armas para poder combatir lo que nos venga, ese coraje para, en vez de sentirnos humillados, intentar defendernos, porque por lo visto, parece que está de moda eso de generar miedo para tenernos controlados”. SERGIO IGLESIAS

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EN CONCIERTO

l Iruña 24 marzo. Zentral

l Mazaleón 31 marzo. L’Argilaga

l Barcelona 1 abril. Sala Sidecar

l Donostia 21 y 22 abril. Dabadaba

l Bilbao 28 y 29 abril. Kafe Antzokia Bilbo

l Gasteiz 13 mayo. Jimmy Jazz

pulgadas en vinilo incluyen hits básicos de la banda como “Last Nite”, “Reptilia”, “Someday” o “New York City Cops”.

RR Parece que hay vientos favorables para algunas de las bandas que marcaron la música alternativa estadounidense de los noventa. Karate llevan un tiempo girando, Codeine acaban de volver a los escenarios, igual que la referencial banda de hardcore Botch y los emo Knapsack ven como se recupera toda su discografía. MS

artista torturado: “Reconozco que cuando era más joven consumía drogas de manera muy salvaje con el fin absurdo de llevarme al extremo más trastocado posible. Cuando creces te das cuenta de que el mito de Jim Morrison ha hecho mucho daño en la música”, explica Maarten. “La edad me ha enseñado que el mejor arte nace de una rutina vital sana”.

FRAN GONZÁLEZ

l Madrid 06 marzo. Nazca

l Barcelona 07 marzo. La Nau

“Parece que está de moda eso de generar miedo para tenernos controlados”

“La edad me ha enseñado que el mejor arte nace de una rutina vital sana”

FOTO: EIDER ITURRIAGA

MONDO FREAKO

Lia Kali Contra todos

La música de Lia Kali es una fusión de rap y neo-soul con otros géneros. Su vida un ejercicio de superación constante. Ambas cosas quedan reflejadas en “Contra todo pronóstico”

(Propaganda Pel Fet, 23), el esperado nuevo trabajo de una de las voces con más talento y futuro de la escena

“TODA MI VIDA me han estado diciendo que no iba a conseguirlo, que era demasiado difícil. Es un mensaje que me comido mucho, me han dicho muchas veces que no valía y me he comido muchos noes. Por eso he llamado ‘Contra todo pronóstico’ al disco”. Un álbum muy esperado en la escena rap, y que esconde un mensaje. “Además simboliza también esa lucha por salir de las oscuridad más absoluta, recuperar la autoconfianza, quererme a mí misma, salir de la catarsis… esos momentos en lo que parece que nada tiene solución, pero al final, contra todo pronóstico, se acaba saliendo del agujero”.

PERO CONTEMOS LA HISTORIA desde el principio. Lia Kali comenzó su carrera con una banda tributo a Amy Winehouse, sin duda la artista que más le ha influenciado. “A partir de ahí empecé a ver en la música una forma de sacar el dolor y la oscuridad de mí. Fue algo maravilloso darme cuenta de que con la música podía liberarme de todo aquello y que además a la gente le gustaba cómo lo hacía. Desde ese momento comencé a darme cuenta de que podía haber un camino ahí para mí”. Después vino un contradictorio paso por el programa televisivo de La Voz, “al que agradezco mucho la oportunidad pero donde me di cuenta de que ese mundo no estaba hecho para mí. Aquello incluía tener que firmar con una

multinacional cuyo contrato tenía una letra pequeña ciertamente abusiva. Me di cuenta de que, aunque fuese más difícil y lento, era mejor ser dueña de mi música y mi carrera”. Y tras ello llegó lo que ella considera el punto de inflexión de su trayectoria. “Cuando conocí a Marcel de Lupita’s Friends se abrió una nueva sonoridad ante mí más abierta hacia el rap. En mi vida siempre ha estado presente el hip hop, tenía muchos amigos que rapeaban, siempre hemos estado cantando en la calle y conociendo a otra gente y grupos. Y al conocer a Marcel, que produce a Sofía Gabanna, Hard GZ y otros artistas de Barcelona, me propuso grabar y empezamos a tomárnoslo más en serio. Creamos el grupo Sibil La 3 y aprendí mucho con ellos. A partir de ahí he ido conociendo a más gente de la escena y la verdad es que me han acogido muy bien, ha sido muy orgánico todo”. A raíz de ahí vino un crecimiento musical que derivó en conciertos, colaboraciones con nombres como Sofia Gabanna, Santa Salut, Elane, Hard GZ, Denom, Delaossa, SFDK y la creación de su primer larga duración.

“CONTRA TODO PRONÓSTICO” es un disco sincero y profundo que viaja desde la oscuridad hacia la luz, mostrando el camino recorrido por Lia en búsqueda de su paz interior. El álbum comienza con una introducción donde explica la narrativa del

conjunto, “porque en un disco tan personal pensé que era buena idea poner en situación al oyente”, y que continúa con una canción en la que habla sin tapujos de su ingreso en un centro psiquiátrico cuando era una niña. “Fue una canción que me costó escribir; pero allí me drogaron, maltrataron… y quería denunciarlo. Fui ingresada tras una bronca en casa y me tuvieron allí encerrada sin que nadie me examinase y sin que mis padres supiesen de mí. Hasta que ya se dieron cuenta de que no me ocurría nada y me dejaron irme. Tenía quince años”. No hay filtros en Lia Kali a la hora de profundizar en sus emociones más personales y sus sentimientos más dolorosos. La barcelonesa ha dado vida a un trabajo en el que se desnuda emocionalmente hablando. “Porque al final sólo contamos lo bueno para dar una buena imagen de nosotros, pero estas malas experiencias también forman parte de nosotros y nos construyen. Parece que estos temas de la salud mental son tabú y es algo con lo que la gente sufre mucho. Por eso es bueno compartirlo, porque la gente al escucharlo puede sentirse identificado y eso ayuda”.

OTRA MUESTRA DE ESPÍRITU de lucha fue un post de Instagram que subió hace unos meses, donde comparaba dos fotos suyas y el cambio físico que había entre ellas, o, mejor dicho, el cambio de actitud de ciertas personas hacia ella dependiendo

FOTO:

de su físico. Una realidad desagradable e injusta que ha vivido en primera persona. “Creo que es algo cultural. Los protagonistas de las películas siempre son guapos y guapas, los que son gordos hacen el papel de gracioso, y en realidad eso es una forma de ridiculizarles. Hay excepciones, pero la mayoría de los actores son ese prototipo. Y en la música está pasando algo parecido, los y las cantantes que son pibones lo tienen más fácil. Quizá sea por culpa del videoclip y que la imagen ahora importa más en la música, pero cada vez hay menos Rosendos”, explica Lía. Crítica y luchadora, con un extraordinario talento nato para cantar, pero también para las críticas constructivas. Y que responde con la misma contundencia cuando se le pregunta por qué hay tan pocas mujeres en los grandes festivales urbanos de España. “Eso habría que preguntárselo a los programadores que son quienes eligen. Igual el problema empieza porque hay pocas programadoras mujeres”.

ALFONSO GIL ROYO

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EN CONCIERTO

l Salamaca 04 marzo. Ibérico Urban Festival

l Barcelona 05 abril. La 2 Apolo (Cruïlla Primavera)

l Valencia 15 abril. La Pérgola de La Marina

l Madrid 20 abril. Independance

l Gijón 21 abril. Gijón Sound Festival

l Villarobledo 28-30 abril. Viña-Rock

l Barcelona 05-08 julio. Cruïlla

l Huelva 22 julio. Karnanfest

l Bueu 03-05 agosto. Sonrias Baixas

TOP VÍDEOS.

Q

Lido Pimienta Te quería

Excelente videoclip con una gran puesta en escena. Si resulta extraño que salga ahora con tantos meses de retraso, más te sorprenderá el giro violento de la historia.

1

QCiudad Jara

La Isla (ft.- Shinova)

2

Ciudad Jara unen fuerzas con Gabriel de la Rosa de Shinova en un tema que pone banda sonora a una historia en la que un empleado de la limpieza se evade de su día a día gracias a la música y al anhelo de viajar a esa isla de ensueño que siempre ha imaginado.

Q

Beck

Thinking About You

Beck se nos pone romántico y melancólico en esta dulce balada de tintes folkies que acompaña con un clip rodado en elegante blanco y negro. Una historia de añoranza por ese amor que se ha ido.

3

QTove Lo

Borderline

Tove Lo protagoniza esta trágica historia de amor con un muñeco de pruebas automovilísticas que logra fugarse para seducir a la cantante. Lo divertido es ver la entrevista posterior que mantienen en otro clip la propia cantante y el muñeco protagonista.

4

QDepeche Mode

Ghosts Again

Elegante clip rodado en blanco y negro el que nos presentan Depeche Mode para ir abriendo boca. El vídeo, que incluye un homenaje a la película “El séptimo sello” de Ingmar Bergman, cobra un sentido muy especial tras la llorada muerte de Andy Ftetcher. MS

5

“Empecé a ver en la música una forma de sacar el dolor y la oscuridad de mí”

ARCHIVO

The Stranglers Más canciones de amor y odio

Continúan siendo una leyenda y lo son merecidamente. A punto de alcanzar los cincuenta años de carrera, todavía viajan para encontrarse con su público. En marzo podremos verles presentando sus éxitos y “Dark Matters” (Coursegood, 21).

ES UNA IDEA tan comúnmente extendida esa de que Jean Jacques Burnel (Londres, 1952) es un tipo irascible que, cuando uno habla con él por teléfono, se congratula de su afabilidad. El único miembro original de The Stranglers, bajista del cuarteto que ahora completan el guitarrista y vocalista Baz Warne, el batería Jim Macaulay y el teclista Toby Hounsham, me atiende desde su casa en el sureste de Francia, “a una hora al oeste de Niza, entre los Alpes y el mar”, me dice, para hablar sobre el estado de la histórica banda británica, que está a punto de cumplir cincuenta años de carrera – toda una anomalía – a unos días de su nueva gira española.

EL VETERANO BAJISTA Y VOCALISTA considera que la clave para tan ininterrumpida longevidad es “no operar desde

MONDO FREAKO

un punto de vista comercial y retener un sentimiento underground”, así como tener “la oportunidad de escribir sobre lo que está ocurriendo en el mundo”, tal y como hicieron en un “Dark Matters”, su consistente último álbum hasta la fecha, que aún aguarda continuación. De hecho, si de algo les sirvió aquel trabajo es para certificar que siempre se han sentido más cómodos escribiendo sobre asuntos turbios que sobre amor. “Desgraciadamente no veo mucho amor ahora mismo en el mundo”, comenta, ya que “la propia palabra ‘amor’ ha sido devaluada en el mundo de la música: es como si imprimes muchos billetes, que el dinero pierde valor, pues eso ha pasado con la palabra, que ha sufrido inflación”, argumenta.

HAN SIDO TIEMPOS DUROS estos últimos para la familia Stranglers. Hace solo unas semanas falleció Jet Black, quien fue su histórico batería hasta 2015, pero aún más duro fue el deceso de Dave Greenfield, quien fue su teclista a hasta que el Covid se lo llevó en 2020. Su muerte impregnó parte de su último disco. “Es difícil expresarlo con palabras”, cuenta Burnel, quien se pregunta “¿cómo te sientes cuando pierdes a alguien que te ha acompañado durante cuarenta y cinco años?”, al tiempo que asume que “es algo muy fuerte: al menos él inspiró a algunos

discípulos, y uno de ellos es nuestro teclista actual, Toby Hounsham, quien lleva con nosotros desde hace un año y medio, y ha estudiado a Dave durante treinta y cinco años”.

CURIOSAMENTE, “DARK MATTERS” llegó al número cuatro de las listas de su país, algo inimaginable hace dos o tres décadas, aunque Burnel explica que, fieles a su desdén por la comercialidad, podían haberlo llevado aún más alto. “Cometimos el error de publicarlo en la misma semana que Ed Sheeran, Adele y Drake. ¡Imagínate! Si lo hubiéramos publicado una semana antes, ¡hubiéramos llegado al número uno!”, exclama entre risas. CARLOS

PÉREZ DE ZIRIZA

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“No vemos mucho amor en el mundo”

Celtic Frost Más allá del metal

“Morbid Tales”, sangre black metal

CON “MORBID TALES”, Warrior siempre supo que había forjado una referencia básica desde la que ramificar las extensiones de un sonido básico, que acabaría siendo fuente de sustento para figuras como Chuck Schuldiner de Death, quien llegó a considerarlo como el disco clave a la hora de ir en busca su propio estilo. Con éste, su primer álbum, Celtic Frost estaban metabolizando agresividad extrema, pero también diversión, en un cauce de intensidad básico en los designios de la materia black metal y death metal. Sin embargo, tal como me reconocía el propio Warrior: “No, no éramos conscientes de lo influyente que acabaría siendo este disco. Todo lo que queríamos hacer de aquella era tocar y establecernos como banda. Queríamos conseguirlo de la manera más sólidamente posible. Necesitábamos afianzarnos con nuestra compañía de discos porque teníamos una perspectiva muy diferente a nuestra banda anterior, Hellhammer, de la cual nuestro sello discográfico estaba muy contento”. De hecho, las grabaciones de Hellhammer, junto a “Black Metal” (82) de Venom, fueron la piedra roseta que alumbró las características de la ortodoxia black metal

Entre 1984 y 1987, Celtic Frost gestaron una terna de discos hambrientos por abrir de par en par los esquemas de la ortodoxia black y death metal. “Morbid Tales”, “To Mega Therion” e “Into The Pandemonium” rompieron la baraja de forma tan abrupta que a día de hoy sus logros siguen insuflando de inspiración a cientos y cientos de bandas. Sobre aquella época gloriosa, surge ahora “Danse Macabre”, caja recopilatoria del material grabado en los años ochenta por el grupo suizo liderado por Tom G. Warrior, chamán de una formación sin la que jamás sería posible entender el nacimiento de la etiqueta postmetal.

“To Mega Therion”, el mazo de los dioses

TRAS HABER CUMPLIDO su misión con “Morbid Tales”, Celtic Frost se enfrentaron al más difícil todavía: demostrar que su primera piedra de toque no había sido fruto de un mero impulso de explosión iniciática. Warrior y los suyos se empecinaron en demostrar que podían competir con el resto de bandas líderes mundiales. El resultado final de las sesiones llevadas a cabo para su segundo largo quedó plasmado en una colección de canciones rabiosas como en “Morbid Tales”, pero infectadas por un ansia mayor de búsqueda y autodescubrimiento. “Queríamos hacer algo como una obra de teatro, pero dentro de los contornos de un disco de música. Y para ello también teníamos que experimentar en el estudio. Lo que nos motivaba era contemplar la música como si se tratase de pintura. Y queríamos añadir tal concepción visual del sonido dentro de la materia heavy metal. Queríamos sonar extremos, aunque de una manera diferente”. Con semejantes ínfulas por arañar los preceptos de la normalidad subyacente, Warrior se parapetó bajo el sonido de la disidencia y se zambulló en un mapa sonoro a contracorriente aún por inventar. Uno para el que él

mismo iba a ser el cartógrafo jefe. Dichas pretensiones tienen sus raíces en la vital influencia que H.R. Giger portadas como la que hizo para “To Mega Therion”. Más allá de esta aportación, su personal visión del surrealismo futurístico-gótico comenzó a infiltrarse fuertemente en los tejidos melódicos de los suizos.

“Into The Pandemonium”, a contracorriente

ENTRE EL PRIMER y el segundo álbum de Celtic Frost había transcurrido un año. Sin embargo, la sensación era de que fue un lustro, como mínimo, lo cual no iba a cambiar para su siguiente trabajo, “Into The Pandemonium”, uno marcado por un cúmulo de tensiones inesperadas. “Estábamos muy limitados en nuestras habilidades técnicas. Por lo que teníamos que trabajar muy duro para aunar nuestras diferentes visiones de la música. Sabíamos lo que queríamos hacer, y sabíamos que no podíamos ser muy heavy metal o extreme metal. Nos encantaba esa música, pero queríamos ser extremadamente impredecibles y experimentales. En aquella época, no nos importaba mezclar música clásica, jazz, new wave, teclados o coros femeninos en lo que hacíamos, sin dejar de ser una banda de metal”. Al igual que en “To Mega Therion”, la huella dejada por el batería Reed St. Mark fue de gran peso. Lo que más impresiona no es la rítmica tan especial que St. Mark imprime al conjunto final, sino cómo éste es capaz de hacerlo fluir con tan desbordante naturalidad. “Fue algo muy sencillo de conseguir porque

Reed no provenía del heavy metal. Él había tocado jazz latino en Nueva York. Esta base le proporcionaba una vibración creciente. Nunca había tocado antes en una banda heavy metal. Nunca había tocado cosas que hicieran suponer que llegara a acoplarse con el bajo pensado para Celtic Frost”.

PERO “INTO THE PANDEMONIUM” aún contenía más sorpresas en su interior. Como “One in Their Pride”, una elucubración marcial de hip hop primigenio, compuesta en la misma época en la que el colectivo de productores Bomb Squad comenzaban a despuntar en sus trabajos para Public Enemy. Su concepto bélico del funk está hermanado con el corte de Celtic Frost, aunque según Warrior los tiros iban por otro lado. “Llevo escuchando música electrónica desde los tiempos que comencé con el heavy metal. Comencé con Kraftwerk a comienzos de los setenta, y me quedé completamente fascinado por su uso

de los samples y los sintetizadores. También fueron muy importantes para mí los primeros singles de Depeche Mode, de los que me hice fan desde sus comienzos, cuando eran casi como un grupo new wave de corte experimental. Era algo muy simple, duro y provocador. Nuestra inmersión en el mundo de la electrónica resultó ser muy complejo; éramos muy inexpertos en la materia. Al fin al cabo éramos una banda rock”. En aquel mismo 1987 no sólo Celtic Frost habían desviado la mirada anglosajona hacia lo que estaba sucediendo en Suiza, sino también The Young Gods, una banda de electrónica industrial y metálica que corroboraba al país de los Alpes como una curiosa mutación de avant-garde metal, las más excitante y atrevida de aquella temporada.

LO QUE VINO DESPUÉS jamás igualó el impacto de tan heterodoxa trilogía inicial, la simiente de una banda que nunca cuajó definitivamente sus diferentes mutaciones, pero no por no tener la capacidad para hacerlo, sino por la ambición devoradora, que les llevaban a probar tantos caminos como fuera posible hasta hacer de Celtic un grupo que transciende el propio género metal para ser uno capaz de influenciar por igual a Pantera, que a Faith No More que a Nine Inch Nails, Neurosis o Nirvana, entre tantos y tantos grupos que le deben parte de su genoma creativo. MARCOS GENDRE

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39/Mondo VINILOS

Alizzz BOICOT Whoa/Warner

POP / Ha pasado más de un año desde que Alizzz publicase ese álbum en el que se destapó como un gran cantante de pop de guitarras. Ahora regresa con “BOICOT”, un EP de cinco temas en los que se atreve a experimentar, sonando más áspero y al mismo tiempo más nítido aunque pueda parecer una contradicción. Menos Alizzz y más Cristian, pero con su labia directa totalmente intacta. A lo largo del epé se acerca a la electrónica e incluso a lo urban, pero sin dejar de lado el pop, llevándolo a su máximo exponente en “Todo está bien”. En “Superficial” critica todo lo que hay de artificial en la fama y, acto seguido, celebra todos los éxitos que ha conseguido en su carrera en “Los mejores”. Aunque si hay una pista especial es la rockera y ya conocida “Qué pasa nen”, su única pieza en catalán y todo un himno del Baix Llobregat. “BOICOT” deja claro que cualquier tipo de sonido le encaja, así que estamos deseando descubrir dónde está su techo.

ALEJANDRO CABALLERO

The Blaze: emoción y baile

ELECTRÓNICA / Han despertado recelo desde sus primeros cortes, como casi todo lo que ha derivado del french touch en los últimos tiempos. ¿Por efectistas? No hay trampa en la pregunta: ellos disponen por y para que la maquinaria de la emoción funcione… y siempre consiguen recibo. Voces graves, coros puntuales, percusión profunda, teclados calmos y, zas, tormenta. Son como esas películas con carteles diáfanos, un solo actor conocido y participaciones en festivales de monóculo. Cannes, Toronto, Berlín. Obras cuya dirección de fotografía es impecable, el guión ingenioso, el soni… ¿La recordaré mañana? Los primos Guillaume y Jonathan Alric saben hacer pasar historias de extrarradio, crisis generacionales, cotidianidad y bucolismo por el filtro de la publicidad. Pero eso no hunde sus aspiraciones. Al contrario, ellos son conscientes del juego. Un juego que les llevó con su primer disco, “Dancehall” (18), a coronar todas las

plazas. Ahora quieren repetir, pero con balas bailables. Algo parecido le ha pasado recientemente a Fred Again.., que para medirse ante semejante zafarrancho de directos, ha necesitado de savia nueva. “Jungle” tiene las piezas para gustar a un nicho aesthetic, pero también a públicos más masivos. Buena muestra de lo primero, el single “Dreamer”, o el inicio del disco: radiante. Una canción de cuna al estilo The Blaze, “Lullaby”. Coros vocales dulces, arreglos primaverales y un bajo demoledor que rompe hacia el IDM. Y para regocijo de los que cierran Sónar con gafas de sol y botella de agua, temas como –¡viva los bajos gordos!– “Lonaly”, “Madly” o “Haze”, que les acerca a Acid Arab en el ecuador del disco, estandarizando algo su vertiente más pistera. A destacar, por otros derroteros, la culebrera “Siren” o la prima hermana del “Orbs” de Jamie XX, “Eyes”. A medio camino, progresiones poderosas, como la de “Dust”: arreones que te sacan de un apuro de curro, que te motivan en spinning o te acompañan en un bajón. “Queríamos mantener el aspecto introspectivo que transmite nuestra música, sin olvidar que la gente también viene a bailar cuando nos ve en vivo”. Objetivo conseguido. Los que quieran, sabrán sacarle fallo a este “Jungle”, pero el horizonte de expectativas se ha cumplido. Emoción –rápida– y baile.

Reyko Fantasía Autoeditado

POP / Cómodos en su propio desorden, Reyko construyen un álbum con el que sentirse liberados sin perder su esencia. Una colección pop que enriquecen con nuevos desafíos y que se desarrolla de forma independiente teniendo como único enlace principal la frágil voz de Soleil e incluso perdiéndola al darle el peso a Igor en “All I Ever Do”. Partiendo de un inicio bastante inocentón e inofensivo como es “Tú y yo”, Reyko se apoyan esta vez en la sencillez para entregar cantos al amor y cortes que celebran la vida. Paisajes oníricos, loops de batería resultones y riffs de guitarra que se mueven entre el rock setentas y el pop alternativo de finales de los dosmil. Un híbrido entre la celebración de los temas de soft pop que tantas alegrías les han dado y la intención de dejar claro que son mucho más que una voz frágil y una base pegadiza.

ÁLEX JEREZ

The Blaze Jungle Animal63

Caroline Polachek confrma las expectativas

Caroline Polachek Desire, I Want To Turn Into You

Perpetual Novice

POP / La expectación por el esperado segundo álbum de Caroline Polachek era enorme, y motivos no faltaban. “Desire, I Want To Turn Into You” llega en el mejor momento de la artista, cuatro años después del aclamado “Pang” y con la magnífica recepción de singles como “Bunny Is A Rider” o “Welcome To My Island”. Nuevas canciones que han sido cocinadas a fuego lento en su casa y en el estudio, junto a su colaborador habitual, Danny L Harle, mientras la pandemia ocurría. Su gran paso por Primavera Sound 2022 fue la constatación de que algo importante estaba por llegar tan solo meses después. De hecho, no es baladí mencionar a la ciudad de Barcelona, pues ha sido un lugar muy relevante para este disco.

Por muy remoto que suene, ella misma mencionaba “Como ronea” de Las Chuches como clara inspiración de “Sunset”, su propia rumba catalana en la que aparecen palmas y guitarras españolas. A nivel temático, en este álbum se exploran los contradictorios sentimientos que afloran cuando uno se enamora. Todo ello envuelto en letras metafóricas, una voz privilegiada y angelical, y una producción bizarra que conversa entre el pop mainstream (“Smoke”) y la experimentación más celta (“Blood And Butter”), industrial (“Billions”) o PC Music (“Fly To You”, con Grimes & Dido). Solo ella podría ser telonera de Dua Lipa en la gira mundial de “Future Nostalgia” mientras colabora junto a Sega Bodega, Charli XCX u Oneohtrix Point Never. Los dos lados del pop, el mainstream y el underground, a priori opuestos pero muy conectados, de los cuales Caroline recoge lo mejor y lo transforma en su propia movida. Un trabajo muy sólido que deja huella y que le abre las puertas hacia una carrera muy prometedora. La cuestión es si Caroline tomará la vía fácil o se complicará la vida a mitad de camino. ÁLVARO TEJADA

James Yorkston, Nina Persson

The Great White Sea Eagle Domino/M.A.U.

FOLK / Grandes duetos de la música (podríamos empezar por Johnny Cash y June Carter y crear una larga lista) nos confirman que el folk y las parejas mixtas maridan con éxito garantizado. Si a esta efectiva fórmula se le suma el talento multidisciplinar de James Yorkston y la legendaria firma de Nina Persson (The Cardigans), el montante final es una deliciosa continuación (no esperada, pero agradecida) del anterior largo que el escocés firmó con Second Hand Orchestra y que demuestra que segundas partes también pueden ser buenas. Y es que si a ese costumbrismo romántico, con sus luces y sus sombras, le añadimos un excelente castillo de arreglos instrumentales (que transitan por la psicodelia, el neoclásico y hasta el relato narrado), el resultado es una maravillosa oda al amor en todas sus dimensiones que apaña tanto a almas acarameladas como a corazones rotos. FRAN GONZÁLEZ

Gambardella Caracas Aloud Records/ Error!/ Gandula/ Spinda

ROCK INSTRUMENTAL / Los amantes de la psicodelia y el instrumental están de enhorabuena con el nuevo artefacto de Gambardella. El trío barcelonés vuelve a la carga con “Caracas”, que lejos de evocar a la capital de Caracas hace referencia a la calle barcelonesa en la que tenían su templo. Esto es, su local, donde parieron con el volumen al once estos ocho nuevos temas. Grabado en directo en los estudios Wheel Sound, “Caracas” tiene mucho (o todo) de improvisación, algo que llevan años perfeccionando. Porque sí, la improvisación también se practica. Solo así pueden fluir temas como “Ascensiones” y mi favorita “Valencia Mutante”, una suerte de free-jazz, el hijo rebelde de papá Tortoise y mamá Karate. La machacona “Viva la Numeración”, el math rock visceral de “Juanismo” y la mediterránea “Valldaura” que transmuta en algo digno de Carpenter son momentos destacados en un alucinante y alucinógeno viaje. LUIS BENAVIDES

Ryuichi Sakamoto 12 Milan Records

CONTEMPORÁNEA / El ex Yellow Magic Orchestra regresa tras seis años de silencio, tiempo en el que ha estado enfrascado en la lucha contra el cáncer. Una tesitura determinante en el aspecto extremadamente delicado y minimalista del álbum, en el que la búsqueda de la belleza se convierte en una empresa imperante, reflexiva y extremadamente paciente en el desarrollo de las composiciones. El japonés sugiere sentimientos mediante el pulso latente en teclas muy específicas que otorgan idéntica importancia a los silencios que a aquellas notas capaces de insinuar emociones. Fragmentos que tienen en el sintetizador o el piano su (casi) único componente, empeñados en motivar alteraciones como esperanza y dolor, luciendo casi fantasmagóricas a través del actual trazo del autor. Lo que en otro caso podría haber sido una secuencia inerte es, en las inspiradas manos del asiático, el conmovedor triunfo de la sutileza. RAÚL JULIÁN

María Escarmiento Cosas de brujas Montebello/ Cycling Records

POP / Después de varios años investigando y experimentando con diferentes propuestas y estéticas con coraje y buen ojo, María Escarmiento ha terminado encontrando en el hyperpop una vía de expresión sobre la que cimentar el tótem que representa esta primera etapa en su carrera. Subiéndose hábilmente a la tendencia que promete marcar el próximo ciclo del underground nacional, ha conseguido reunir a su alrededor a los nombres que más y mejor han trabajado este nicho cuando solo era una mera posibilidad. Así, “Cosas de brujas” es un notable ejercicio de estilo en el que ha colaborado con pioneros como Fran Laoren, BLNCO, Eda, dtunedfreq, pero también con Natalia Lacunza, logrando un equilibrio interesante que sobresale, sobre todo, por su velocidad y por su coherencia. Los imprescindibles son “Tus detalles”, “Me mirabas”, “Prefiero” y su versión de “Puedes contar conmigo” de La Oreja de Van Gogh. LUIS M. MAÍNEZ

Caitlin Rose Cazimi Pearl Tower Records

POP / He estado intentado averiguar, a partir de varias entrevistas, qué demonios le sucedió a Caitlin Rose para desaparecer durante nueve años de la primera línea de los focos. Sin embargo, la cantante no parece muy dispuesta a hablar, aunque deja entrever una profunda crisis personal, no solo creativa. Y ahora es cuando toca tirar de tópico y decir que la espera ha merecido la pena. Y aunque me desagrada ser tan obvio, tampoco es cuestión de faltar a la verdad. Caitlin Rose ha hecho un trabajo muy personal y medido. Un disco del que tenía que sentirse orgullosa de nuevo para recuperar su autoestima como compositora y en el que se ha dejado imantar mucho más por el pop-rock de autor que por el ritmo trotón del country de Nashville. Pese a todo, el disco no alcanza ni de lejos el mismo grado de redondez sonora que sí tenía su debut. Trabajo irrepetible y handicap que va a arrastrar toda su vida discográfica. DON

DISTURBIOS

White Reaper Asking For A Ride Elektra/ Warner

POWER POP / White Reaper comenzaron haciendo punk de garaje con estribillos power pop y una energía desbordante. Tras el notable “The World’s Best American Band” (17) fueron fichados por una gran compañía, Elektra, y entregaron un disco, “You Deserve Love” (19), en el que estaban las melodías pero no la garra, era un disco demasiado pulcro, mirando de reojo a las listas. A los chicos no les gustó aquella producción y ahora se ponen ellos mismos detrás de la mesa para entregar un disco divertido y con garra, algo que se les presupone, ganando algo más de músculo aunque con unas pocas canciones de relleno. Aun así es un disco perfecto para escuchar a todo volumen en el coche y su contagiosa energía puede hacer que una nueva generación descubra el placer de los estribillos certeros y las guitarras a todo volumen. Cheap Trick, Thin Lizzy, Weezer o Kiss dan su aprobación absoluta a este disco. SERGIO ARIZA

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Rococó No me sale querer

2 Tigres Leones Todo va bien

3 _juno _BCN747

4 Los Mejillones Tigre El fuego

5 Iván Ferreiro Trinchera Pop

6 Charnego Regreso al Futuro

7 Lia Kali Contra todo pronóstico

8 Juan Azul Los mejores días ya han pasado

9 María Escarmiento Cosas de Brujas

10 El Kanka Cosas de los vivientes

Juan Azul Los mejores días ya han pasado Everlasting Records

INDIE POP / Lanzarse a tu primera aventura en solitario jugando la ambiciosa carta de crear un sonido único y particular es un salto al vacío arriesgado, pero Juan Fernández-Savater no es ningún neófito y parecía tener claro desde un principio el impacto que buscaba generar con su primer disco como Juan Azul. Siete sencillos cortes que dejan con ganas de mucho más, gracias a sus inacabables texturas ricas en referencias y a una sorprendente habilidad para alternar pasajes sintéticos, episodios psicodélicos y notas de pop romántico al uso. Juan se apoya en una deliciosa y sobrecargada instrumentación que no parece acabarse nunca para narrar un sentimentalismo próximo que divaga entre lo progresivo (“El valle de las muñecas”), el postpunk (“Me dijo ser tuyo”), o lo experimental (“Vampirillos”), revelando con ello un registro tonal del todo revelador presto a conquistarnos en un debut enteramente prometedor. FRAN GONZÁLEZ

1 The Blaze Jungle

2 Sunny War Anarchist Gospel

3 Caroline Polachek Desire, I Want To Turn Into You

4 Young Fathers Heavy Heavy

5 Kelela Raven

6 H.C. McEntire Every Acre

7 The Murder Capital Gigi’s Recovery

8 Ryuichi Sakamoto 12

9 Fucked Up One Day

10 Anna B Savage In/Flux

AMERICANA / ¿Qué tiene la música de H. C. McEntire que llama tanto la atención? Pureza y magia. Un timbre de voz cristalino y una delicadeza que no está al alcance de cualquiera. Pero algo sucede con H.C. que no es capaz de alcanzar las cotas de popularidad que merece. Puede que vivir alejada de los focos mediáticos de una gran ciudad tenga mucho que ver. Sin embargo, no es menos cierto que es ese mismo aislamiento campestre en Carolina del Norte lo que nutre y da vida a sus canciones. Ese entorno en el que cada acre del título del disco la inspira en un proceso de observación detallada que va de fuera a dentro. Del espacio que la rodea al análisis de sus emociones, la soledad y la depresión. Todo ello es el caldo de cultivo perfecto para que las tonadas de inspiración country-folk surjan a borbotones de su guitarra para conformar un universo de belleza inusual, sustentado en nueve canciones de esas que te acarician el alma. DON DISTURBIOS

H. C. McEntire Every Acre Merge/ Popstock!

El gospel anarquista de Sunny War

Sunny War Anarchist Gospel New West

AMERICANA / El nuevo trabajo de Sunny War presenta novedades. La más importante para su carrera es el fichaje por New West que le debería proporcionar mayor difusión de la que ha tenido hasta la fecha. Y es que era solo cuestión de tiempo que su personal propuesta empezara a llamar la atención de la escena de su país. De hecho, J. Micah Nelson (Particle Kid), hijo de Willie Nelson, ya participaba en el anterior disco y, en este “Anarchist Gospel”, la paleta de colaboraciones se amplía con nombres tan ilustres como los de la activista y cantante canadiense Allison Russell, el californiano Chris Pierce, Jim James de My Morning Jacket y un miembro de la realeza country-folk como David Rawlings. Casi nada. Todo ello demuestra en gran medida que estamos ante una artista

Kelela Raven WARP/ Music As Usual

R’N’B / Dice Kelela que el inicio que da vida a “Raven” es como ese soplo de alivio que sueltas cuando por fin conectas y estás en paz contigo mismo. Como esa sensación del aire entrando con fuerza en tus pulmones para limpiar todos los demonios que durante años llevas arrastrando e intentando analizar. Una especie de bomba de exploración que arrasa con todo, de aceptación y deseo que no conoce límites. Una síntesis de la vida después de la muerte. Este nuevo álbum se desarrolla así a partir de un mensaje contra la marginación y de pura renovación que pone una vez más el mundo del r’n’b patas arriba. Porque, hasta ahora, Kelela no ha dado ni un solo paso en falso, sabe muy bien lo que hace como estrella. “Raven” es una historia de amor queer hacia ella misma, hacia la mujer, hacia la necesidad de liberación y pérdida del miedo que busca transmitir a su gente. Un álbum grande para soñar.

ÁLEX JEREZ

muy especial capaz de tejer complicidades que refuercen su sonido. Y es que ese es otro de los aspectos a destacar del álbum: La producción. Porque a diferencia de sus anteriores discos, en este, Sunny War se muestra mucho más sólida y cargada de detalles que arropan sus tonadas con la guitarra y esa voz robusta que es una de sus señas más identitarias. Y por encima de todo ello están, cómo no, las canciones. Catorce

The Inspector Cluzo Horizon Fuckthebassplayer

ROCK / Volviendo a sentir que su impronta rockera y buenrollera nos lleva más hacia las áridas tierras de Nashville que al agreste contexto occitano, la novena carta en la discografía de esta dupla de Gascuña supone un verdadero acierto en su registro, emergiendo entre guiños al sonido de la Creedence (“Act Local Think Global”) como la perfecta banda sonora para quien reposa al sol a lo largo de una tórrida tarde de verano. Más allá de su identitaria pose agro-rock, Lacrouts y Jourdain logran presentar un abanico generoso de rock al uso con briznas de grunge (“Shenanigans”), de nervio rockabilly (“The Armchair Activist”) y de balada (“The Outsider”), sin pasar por alto su siempre viva intención por tirar de las orejas al sistema, tanto al que afecta a su entorno más próximo (“Saving The Geese”) como al que envuelve la industria (“Rockophobia”, con sorpresiva participación de Iggy Pop).

FRAN GONZÁLEZ

joyitas que te envuelven y conmueven con la sabiduría de un alma vieja atrapada en un cuerpo de treinta y dos años. Historias que destilan espiritualidad, pero desprendiéndola de cualquier tipo de religiosidad. Una forma de escribir que la propia Sunny War reconoce haber aprendido de artistas como Elliott Smith, Nick Drake o Gillian Welch.

DON DISTURBIOS

El Kanka Cosas de los vivientes A Volar Music

CANTAUTOR / Cinco años han pasado para poder disfrutar del quinto álbum de El Kanka. El malagueño ha hecho que este largo tiempo merezca la pena regalándonos catorce canciones impregnadas de su especial personalidad. Se trata de un disco compuesto y grabado a la vieja usanza, de ahí que, de las tres colaboraciones, dos sean solo con músicos, y que habla de cosas mundanas. Eso es lo mejor que tiene Juan, que su especial forma de componer hace que su mensaje le llegue a todo el mundo de forma indistinta. Dentro del LP nos encontramos con canciones que divagan por muchos géneros, pero sin alejarse de su universo musical. Canciones como “Autorretrato” o “No se dice suerte”, en las que se trata de definir, se convierten ya en piezas indispensables de su carrera, y esa preciosa colaboración junto a Silvana Estrada, “Para vivir”, es capaz de emocionar hasta el más frío. Un regreso por todo lo alto.

Grawui+Marta

Cascales Contradictions

Great Canyon Records

POP / ¿Se imaginan que el indie y el neoclásico puedan coexistir en un disco? Pues eso es lo que han hecho Grawui y Marta Cascales en su EP de debut. Las jóvenes artistas ya tenían un bagaje dentro de la música –una en The Crab Apples y otra como pianista profesional–, pero han decidido dejarlo a un lado para dedicarse a explorar. Seis canciones que, a pesar de tener el piano y la voz como elementos fundamentales, se acercan más al pop que al acústico, en parte gracias a la producción de Dani Ferrer. En sus piezas tratan con sentimientos melancólicos, de esos con los que todos hemos tenido que lidiar alguna vez, pero las finalizan arrojándonos un halo de esperanza. En la primera mitad del álbum encontramos las pistas más tranquilas que chocan con la otra mitad, especialmente con “El brillo en el suelo”, la joya del EP. Un trabajo vibrante y emocionante que nos deja con ganas de saber que más va a traer esta unión.

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

ALEJANDRO CABALLERO SERRANO

HARDCORE / Los canadienses dejaron el listón por las nubes con su anterior y ambicioso doble conceptual “Dose Your Dreams” (18), y regresan con marcada vocación de incidir en su lado más inmediato. Su sexto disco es una inyección de positividad adrenalítica en toda regla. Lo cual hace destacar esa calidez especial que tienen como principal valor. Si obviamos la voz rota de Damian Abraham, el quinteto explota sus armas melódicas y estructuras con brillantez en canciones que evocan por momentos a ilustres clásicos que combinan energía eléctrica y luz melódica como Bob Mould (“Lords Of Kensington”, “Broken Little Boys”, la estupenda “Falling Right Under”). La tónica y el nivel se mantiene en cortes como “Nothing’s Inmortal”, “Cicada” –de lo mejor del lote– o la popera “One Day”, que completan un disco tan disfrutable como liviano en el buen sentido de la palabra.

JC PEÑA

Ty Segall & Emmett Kelly Live At Worship Drag City

BLUES / No hace falta insistir en que uno de los puntos fuertes del californiano es la hiperactividad. Tampoco es ningún misterio que su hábitat natural está en el escenario. Su estética sonora de la vieja escuela beneficia este enfoque, de ahí que el nuevo año arranque con este EP en directo -breve e íntima presentación de su más reciente álbum- interpretado con la ayuda de Emmett Kelly, guitarrista de la demoledora The Freedom Band. Lo grabaron el pasado verano en una actuación acústica gratuita espontánea en una tienda de ropa vintage. La frescura que ambos buscan es precisamente el punto fuerte del EP, cuyas canciones –la mitad del estupendo “Hello, Hi”– se grabaron en cinta (sonidazo, por cierto). El balance es que se puede liar parda con dos guitarras acústicas y voces, si se va sobrado de talento, como es el caso. ¿El único pero? Que veinte minutitos se hacen cortos.

JC PEÑA

El mejor trabajo de Young Fathers

ROCK / Los escoceses Young Fathers han regresado de un parón de cinco años, tras “Cocoa Sugar” (18), con el mejor trabajo de su carrera, un cuarto disco con el que dicen volver a la fuente original, a África, al continente de las percusiones y los ritmos tribales del que descienden dos de las terceras partes del grupo. “Heavy Heavy” es un álbum jubiloso en el que sus múltiples influencias se combinan a la perfección en eso tan difícil de conseguir que es sonar a sí mismos, mezclando múltiples elementos y géneros, cantos africanos, ritmos glam, hip hop o post-rock para lograr algo único que se expresa en ese “Vayamos más allá del límite a otro nivel” que cantan en “Holy Moly”. Otro

aspecto a destacar en este disco es que han logrado algo compacto y en el que no sobra nada, diez canciones empaquetadas en treinta y tres minutos, sin que ninguna de ellas pase de los cuatro minutos ni baje de los dos, directas al grano (a la yugular), tanto en lo musical como en lo lírico. En un momento dado cantan “Escucha el ritmo de los tambores y entumécete / Diviértete”, parece ser el claro leit motiv del disco, el mundo sigue siendo duro y lleno de sufrimiento, pero es el momento de rebelarse ante ello e intentar disfrutar mientras se pueda. Resumiendo, es difícil describir un disco tan intenso y original como “Heavy Heavy”, aquí hay influencias muy variadas pero perfectamente cohesionadas en su propia música: TV On The Radio y Tricky, Animal Collective y Massive Attack, Kanye West y M83, post-rock, afrofunk, hip hop o glam; Young Fathers, en definitiva. Una banda que ha entregado, al fin, el disco que se les presuponía tras sus prometedores inicios (con Mercury Prize incluido). De los primeros grandes discos en lo que llevamos de año. SERGIO ARIZA

Young Fathers Heavy Heavy Ninja Tune/[PIAS]

The Murder Capital y su repaso a los estilos

The Murder Capital Gigi’s Recovery Human Season Records

POST-PUNK / Resulta curioso cómo las líneas de conexión entre post-rock y nuevo postpunk se han afianzado más y más con el paso de los tiempos. De Foals a The Murder Capital, los ejemplos son cada vez más claros y convincentes. Así sucede con el segundo álbum de esta formación irlandesa, en la que incluso hay espacio para la épica pinkfloydiana en la majestuosa “Crying”. En su caso, dicha forma de hacer equilibrismos sobre esta vía está más conectada con la brecha abierta por Radiohead hace ya más de dos décadas. Y es que el tiempo pasa, pero lo que no lo hace es la necesidad de seguir mirándose en el espejo de fuentes básicas de alimentación como Joy Division, tal como sucede en “Return My Head”. El cúmulo de influencias que ponen mimbres al conjunto también

recolecta la vía arty de Sonic Youth y Pavement; en este caso, por medio del tramo inicial de “Ethel”, antes de que todo se desate en un crescendo de emoción desbocada. Magia en estado puro con la que poder alcanzar diferentes estados de expresión, ya sea desde la onírica atmósfera enrarecida de “The Stars Will Leave The Stage” a las bondades atonales con las que afilan cada punteo del pop en cinemascope, en modo The Triffids, de “Only Good Things”. Las semblanzas con la mítica formación australia-

Tigres Leones Todo va bien Sonido Muchacho

FOLK.POP / En su segundo y sobresaliente álbum la británica busca inspiración en las complejidades contradictorias del amor, remisa a responder a las preguntas que se formula. Lo hace con un enfoque deliberadamente terapéutico, en ese punto en el que la oscuridad puede alcanzar la luz. Poniendo toda la carne en el asador, con el aplomo de una veterana, desde la misma apertura: la devastadora “The Ghost”. El poder expresivo de su delicada voz, siempre en el centro pero sin alardes innecesarios, se hace eterno. Y la desnuda austeridad de “I Can Hear The Birds Now”, la preciosa “Hungry” o “Say my Name” y sus estribillos rotos, hacen brillar el talento en carne viva de la compositora, que no tiene problemas en soltarse hacia el soul pop atemporal y la electrónica elegante. Asombra imaginar el recorrido de una mujer capaz de cantarle al amor y su reverso con maravillas del calibre de “Touch Me” o “The Orange”. JC PEÑA

POP / Tigres Leones se han convertido un grupo relativamente clásico, indiscutiblemente encantador y, desde luego, muy querido dentro de la escena patria. Es la sensación que genera el presente retorno, en el que esa desprejuiciada manera de entender el pop sigue resultando bálsamo infalible con el que tintar las grises rutinas existenciales. La referencia viene cargada de colaboraciones que van desde Tulsa a Marcelo Criminal, pasando por Estrella Fugaz o Medalla, a lo largo de nueve canciones con narrativa especialmente poética y descriptivamente costumbrista. El cuarto disco de la banda cuenta con mayoría de singles potenciales, apostillando un álbum elegante y bien construido. Un trabajo que podría ser la entrega más descaradamente pop del cuarteto, si bien cabe entenderse al mismo tiempo como optimista, pesimista, realista... o irónica, en una dualidad múltiple que no hace sino potenciar su atractivo. RAÚL JULIÁN

na se palpan de forma clara y saludable a lo largo de un recorrido en el que también hay espacio para el minimalismo etéreo en la hermosa “Belonging” y para la obnubilante atmósfera arábiga que recorre cada centímetro de la titular del disco. Un disco de tomo y lomo que invita a desafiar las tendencias de consumismo actual mediante la necesidad de varias escuchas para captar todo el jugo aquí concentrado. Que no es poco.

MARCOS GENDRE

Jonatan Leandoer96 Sugar World year0001

Ciutat Brandon Primavera Labels

ROCK / 2021 fue un año de turbolocura de interior. Pasó factura. Y a Yung Lean le llevó a crear, junto a Frederik Valentin, su mayor rareza y un álbum que es todo menos lo que esperas del sonido year0001. Bajo su seudónimo Jonatan Leandoer96 publica “Sugar World”, un disco de ocho cortes piano rock, glam rock, baladas de pista vacía… Una fiesta de bar para dad rockers que disfrutan de emborracharse en un karaoke, pero en este solo canta Lean. Por primera vez su mundo se presenta más pomposo, teatral, y menos digital. La producción instrumental es precisa y limpia, y se contrapone al timbre cloudrap inconfundible de Yung Lean. Y aquí está la gracia, la mezcla perfecta para que los sadboys2001 culminen en cantos lalala, pasando el brazo por el hombro de su colega y cantan a ese amor imposible (“Rivers Of Another Town”). Haga lo que haga, siempre se sale con la suya.

ELECTRÓNICA / Procedentes de sus sendos proyectos madre (Mainline Magic Orchestra y We Like Turtles), Jordi Pareta y Guillem Berguedà aprovechan su debut como Ciutat para crear la perfecta banda sonora para el camino de vuelta a casa tras una intensa noche anterior que poco a poco se diluye entre los primeros rayos de la mañana. Fruto de su contexto, “Brandon” acepta sin filtro todo tipo de géneros (desde electrónica downtempo, funk de dormitorio, flamenco jacarandoso, house melódico, dejes urbanos y tintes jazzísticos) y brinda la oportunidad a que otros talentos (Chico Blanco, Kora, Xavi Bufa, EJ Marais, Rafael Ulecia) se lleven la gloria en los cortes más relevantes del disco. A golpe de poesía de estar por casa y electrónica relajada, Ciutat romantizan el siempre denostado walk of shame mañanero entre silbidos, cantos de pájaro y ritmos que no conseguirás quitarte de la cabeza.

FRAN GONZÁLEZ

EVA SEBASTIÁN

7 7 8

Anna B Savage In/FLUX City Slang

EL COLUMPIO ASESINO GIRA AMARGA BAJA

Disco escrito durante el viaje de la tumba de su madre en Sant Feliu de Guixols al sur de Nueva Zelanda en moto exigiendo + Investigación Cáncer - Corrupción

Sonic Youth Sister (1987)

Canción: “ Schizophrenia”. Un himno juvenil para mí. Después de Nirvana descubrí a Sonic Youth y me explotó la cabeza. Gracias a ellos conocí una manera más ruidista de acercarse al rock. En “Schizophrenia” hay casi seis canciones en una, con cambios, acoples, pedales, diferentes voces y el sonido único de Sonic Youth.

Alberto Vázquez (Unicorn Wars)

Alberto Vázquez es el director de “Unicorn Wars”, y “Unicorn Wars” es la impactante y gran película de animación que se ha llevado el Goya en su categoría. Pero Vázquez también es un gran aficionado a la música, así que le preguntamos por sus discos y canciones favoritas.

NO HA SIDO SENCILLO seleccionar seis discos y seis canciones. Lo que he hecho es escribir sobre artistas y canciones que han sido importantes en mi vida a nivel personal y que he escuchado mucho, independientemente de que las canciones sean mejores o peores. Muchas cosas han quedado fuera, pero este es un resumen certero de mis influencias.

Joy Division Closer (1980)

Canción: “Atrocity Exhibition”. Último disco de la banda de post punk. La batería, la línea de bajo y la voz de Ian Curtis inconfundible. Oscura y depresiva. Esta canción y su peculiar ritmo me llevó a aprender a tocar la batería.

Autechre Incunabula (1993)

Canción: “Basscadet”. Primera canción (y la más “comercial) que escuché del dúo británico que cambió la electrónica. Música muy vanguardista con ritmos quebrados y padres del IDM, un subgénero de la electrónica fascinante.

Manta Ray y Corcobado Diminutocielo (1997)

Canción: “Hoy no existo”. Un disco compartido entre dos bandas españolas que escuchaba mucho, Manta Ray y el inclasificable Javier Corcobado, nuestro peculiar crooner español chatarrero. Rock-pop desgarrado. Muy buenos músicos.

Enrique Morente & Lagartija Nick Omega (1996) David Bowie Scary Monsters (1980)

Canción: “Ashes To Ashes”. Unos sintetizadores de inicio y una línea de bajo muy electrónica. Papá Bowie siempre a la vanguardia del pop hasta su muerte. La letra reinterpreta al Mayor Tom de la mítica canción “Space Oddity”.

Canción: “Poema para los muertos”. Un álbum impresionante y emotivo, como este tema interpretado por Morente con letra de Lorca. Este álbum fue un gran experimento que fusionó el rock con el flamenco con éxito. Y gran directo. MS

48/Mondo Media

Kristoffer Borgli Enferma de

EN “ENFERMA DE MÍ” (Sick Of Myself) Kristoffer Borgli en el que nos comparte una historia de personas que, por su incesante búsqueda de atención, se nos hacen despreciables y atractivas a un mismo tiempo. “Hay un libro llamado ‘¡Salva al gato!’ de Blake Snyder, en el que se habla de cómo hacer que tus personajes gusten. Se supone que tienes que mostrar al protagonista a solas y hacerle salvar a un gato. Entonces, la audiencia pensará que es empático y altruista. Siento que hay una tendencia a que cuánto más nos guste un personaje, más calidad tendrá la narrativa en la que aparece. Y con gustar me refiero a que invitarías a esa persona a tu fiesta de cumpleaños. Sin embargo me atrae más uno que haga cosas malas. Me encanta Jordan Belfort en ‘El lobo de Wall Street’, también Travis Bickle en ‘Taxi Driver’ o Daniel Plainview en ‘Pozos de ambición’ No me interesa tenerles en mi cumpleaños, pero sí como personajes. Lo que me funcio-

naba es que me sentía atraído por este tipo de personajes y por sus comportamientos. No necesitas que salven ningún gato para hacerlos interesantes”. Y lo cierto es que este director noruego de casi cuarenta años lo ha logrado. Ha creado personajes con los que poder moverse en temas controvertidos. “Es que la ficción es donde debemos experimentar con esos temas, explorar las partes más oscuras de nuestra psique. Así podemos liberar, de alguna forma, la presión que ejercen sobre nosotros esos pensamientos y mantenerlos alejados. Soy de la opinión de que la industria del cine debería estar saneada de una forma que no sea un medio para educar cómo ser, sino más bien un espacio de cómo no ser”, argumenta con mucha convicción. “En esta película estaba viendo las peores versiones de mí mismo. Excavé en mi mente y encontré narcisismo, manipulación, oportunismo, lástima, competitividad... Todas ellas existen en mí, pero me detengo antes de actuar en consecuencia”. Ahora cabe preguntarse que ocurriría si nos enfrentásemos a per-

sonajes sin filtro ninguno, que pudiésemos convertir en personas interesantes como Borgli comenta. “Es que casi no les podrías culpar por ser así por toda la presión que siente. Signe, la protagonista, consigue esa cicatriz tan especial y la gente está en plan ‘Whoah, qué persona más interesante! Su historia debe ser potente’. Consigue la atención que necesita porque su narrativa está en el rostro. Me parece que la idea de Signe es brillante. Si eres lo suficientemente estúpido para llevarla a cabo, claro”.

EL RESULTADO DE TODA ESTA investigación sobre la psique de los personajes es un juego de contrastes que permiten al director hablar de algo sobre lo que no podemos escapar y que encaja en el momento actual. “Sí, creo que es una histdoria muy moderna, de gente joven viviendo el ahora. Pienso que el impulso sería contar este tipo de narrativa de una manera digital. Por mucho que suceda ahora a nuestro alrededor, el deseo de ser reconocido, de ser el personaje principal, es algo innato, lo

que hace que el tema sea atemporal. En la modernidad hay muchas formas de saciar nuestro deseo de protagonismo, pero yo quería presentarlo como algo ancestral que se encuentra en un mundo moderno”. De hecho, “Sick Of Myself” no es una película digital, sino que se filmó en treinta y cinco milímetros. “La filmé en treinta y cinco milímetros y usé música clásica por ese preciso motivo. La idea era tener un poco del pasado y un poco del presente. No obstante no quería culpar a las redes sociales, porque no quería que se convirtiese en una película sobre redes sociales. No aparecen en el filme. Sería un error diagnosticar el momento actual como una crisis de las redes, porque es algo más grande que eso”.

LA PELÍCULA PRESENTA ciertas coincidencias con otra obra noruega de la misma productora. Hablamos de “La peor persona del mundo”, lo cual para Borgli es algo con cierto sentido. “No la he visto. Salió después de que nosotros acabásemos de rodar. Es la misma productora y sabía sobre qué iba la historia. De hecho, mientras hacíamos scouting, los productores nos iban diciendo en qué lugares filmar para no coincidir. Así que cualquier solapamiento es pura coincidencia. Sin embargo, ambas películas están rodadas en Oslo durante el verano y venimos de backgrounds culturales con cierta similitud. Es curioso, porque a pesar de todo eso, algunas personas me han dicho que ese debería ser el título de nuestra película, porque Signe es, sin duda, la peor persona del mundo. Me hace gracia porque esa similitud es una forma de ver la

perspectiva y los temas que se tratan desde Oslo”. Además, “Sick Of Myself” supone la ópera prima en largometraje de Borgli, fuera del que había sido su medio habitual, el cortometraje. “La presión que sentí al pasar al formato largometraje surgió en el guion. Filmar es parecido, en cambio, encontrar una manera de contar una historia que tiene tres actos, crear un mundo para el personaje, trabajar su arco dramático, toma prioridad en la historia. Y ese es el gran reto. Siento que este proyecto me ha hecho crecer más como escritor que como director”. Ahora solamente nos queda ver cómo habrá crecido en su siguiente trabajo, “Dream Scenario”, una comedia protagonizada nada menos que por Nicolas Cage y Michael Cera, con producción del mismísimo Ari Aster para A24. LUIS DE LA IGLESIA

Al noruego Kristoffer Borgli le descubrimos gracias al clip de aquel hit que fue “Inspector Norse” de Todd Terje. Ahora, una década más tarde y gracias a su nueva película, “Enferma de mí” (Sick Of Myself), se le ha reconocido en la Seminci de Valladolid y aplaudido en Cannes. El 10 de marzo llega a nuestras pantallas.

“En la ficción debemos explorar las partes más oscuras de nuestra psique”

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CINE Y SERIES

UNOS INDIVIDUOS con aspecto desalentador, palabras graves y herramientas sospechosas aparecen repentinamente para perturbar las tranquilas vacaciones de una familia feliz. Lo que estos individuos, capitaneados por el hercúleo Dave Bautista, les explicarán a los protagonistas suena disparatado, terrorífico y sangriento. Sin embargo, en una sugerente paradoja, está garantizada la supervivencia de la familia. Esta subversión de la trama habitual de secuestros en el hogar –“Horas desesperadas”, “Funny Games” - es una excentricidad que le da atractivo a la propuesta. Lo que Bautista y los suyos les contarán requerirá mucha confianza por parte de ellos. Y también –ese es el problema– por parte de los espectadores. Los tres puntales argumentales del film son familia, religión y sacri-

ficio. El film esconde referencias bíblicas, pero en el fondo a Shyamalan la religión que le interesa es la imaginación. Shyamalan ha demostrado ser, a través de sus películas, el evangelizador del fantástico que pide a los espectadores que le crean a él y a sus personajes. Ya sea para hablar de niños que ven muertos, de señales alienígenas, de superhéroes cotidianos o de terribles profecías. Así, en el caso de “Llaman a la puerta”, las sillas en que están inmovilizados los dos padres en la casa son también las butacas ocupadas por los espectadores. Sin embargo, la premisa de la cinta es demasiado arriesgada incluso para permitir una pequeña grieta en el raciocinio que la haga verosímil. Tampoco ayuda el desarrollo de la trama. En definitiva, un film solo para creyentes en Shyamalan. J

VERDEJO

PICATOSTE

TANTO SI ERES un recién llegado al universo de Junji Ito como si ya eres un fan consagrado del legendario mangaka japonés, los doce pases de esta adaptación antológica de algunas de sus historias pondrán perfectamente de relieve la fascinación, incomodidad, confusión, espanto y sobrecogimiento que solo su imaginario es capaz de generar en el espectador. A pesar de la brevedad de sus episodios y de esas puntuales limitaciones estéticas que en ocasiones presentan una animación más rudimentaria o estática, “Junji Ito Maniac: Relatos Japoneses de lo macabro” es una brillante muestra de todas las aristas propias del complejo universo del autor de obras tan relevantes como “Uzumaki”, “Tomie” o “Gyo”, quien además demuestra no hacerle falta recurrir a los clichés del género para

helarnos la sangre. Con recursos que van más allá de esos lugares comunes del terror, Ito nos presenta de la mano de este proyecto de Netflix un vistazo directo a los principales paradigmas de su estilo: desde el body horror más repulsivo (“El autobús de los helados”, “La guarida del demonio del sueño”), su particular y escalofriante obsesión con las cabezas (“Las fotografías de Tomie”, “Los globos de la horca”, “Las estatuas sin cabeza”), o ese costumbrismo grotesco no apto para estómagos sensibles (“Moho”). En duda queda sentenciar si es la mejor adaptación que se ha realizado hasta la fecha de su particular imaginario, pero desde luego sí es la que al menos mejor condensa todas las aristas y recursos que han hecho de su narrativa la más sobrecogedora del manga actual.

HACE NO MUCHO TIEMPO se apostillaba a Clint Eastwood como “el último cineasta clásico”, etiqueta equivocada por diversas razones; entre otras, que el estilo clásico nunca morirá, por lo que no procede hablar de “último”. Convirtámosla, pues, en un título simbólico y oficioso que ha quedado vacante por inactividad del nonagenario Eastwood y entronicemos ya a Steven Spielberg como el heredero, “el nuevo último cineasta clásico”. A lo largo de su trayectoria, Spielberg ha hecho remakes de filmes antológicos, ha incursionado en distintos géneros de Hollywood y cada vez más ha extremado la pulcritud de la puesta en escena –ahí están “El puente los espías”, “Los archivos del Pentágono” o “Lincoln”, en la que las secuencias en los porches nos recordaban a John Ford. En “Los Fabelman”, que invoca a

Ford, al melodrama sirkiano y a la comedia juvenil playera, nos lleva a las décadas de los cincuenta y sesenta y se inspira en su propia biografía: en ocasiones da la sensación de estar ante una dramatización de un documental sobre su figura. Spielberg nos conmina a perseguir las pasiones de todo tipo, no solo los sueños vocacionales. Así se vinculan las dos historias que nos cuenta: la fiebre por el cine del protagonista –alguno de sus cortos se llama igual que otros del adolescente Spielberg–y la historia familiar de amores soterrados. Las pasiones hay que cuidarlas, nunca huir de ellas. “Los Fabelman” es un canto a la imagen filmada y todo lo que nos puede revelar y provocar. Contiene grandes momentos, una galería de personajes escritos con honda precisión e interpretaciones sorprendentes.

J. PICATOSTE VERDEJO

LA SUPERFICIALIDAD es un atrevimiento que solo funciona en el caso de ser, al mismo tiempo, ligera y divertida. La caricatura es un estilo, un cómo y una forma, que solo resulta agradable si es inteligente y original. “La Tierra según Philomena Cunk”, sin ser un dechado de virtudes, cumple a rajatabla las normas no escritas para prescindir de la objetividad y de la coherencia. Este documental de cinco episodios escrito principalmente por Charlie Brooker (“Black Mirror”) en el que una ficticia Philomena Cunk, que ya protagonizó el documental “Cunk On Britain” en 2018, recorre la historia de la humanidad a lo largo de la historia es una suerte de remedo del “Sapiens” de Harari acelerado y desmitificado. La historia del ser humano, en manos de Cunk, es más un accidente que un des-

tino. Especialmente divertidas son las entrevistas de Cunk con expertos reales de las principales universidades británicas, donde consigue llevar el surrealismo al límite provocando situaciones cargadas de ironía que resultan al mismo tiempo didácticas e hilarantes. “La Tierra según Philomena Cunk” es un feel good mockumentary con el que, paradójicamente, uno puede olvidarse de los problemas del mundo y del día a día al perderse en los problemas del mundo y del ser humano a lo largo del tiempo. A pesar de no ser memorable es terriblemente ameno y ágil; su falta de trascendencia es un agradable refresco en mitad del desierto de autocontemplación al que nos llevan muchos de los creadores humorísticos del momento.

LUIS M. MAÍNEZ

Junji Ito Maniac: Relatos Japoneses de lo Macabro Studio Deen

Los Fabelman Steven Spielberg

La Tierra según Philomena Cunk Charlie Brooker

FRAN GONZÁLEZ

LIBROS

nes de cine

“Meditaciones de cine” es el segundo libro de Quentin Tarantino, el primero de no ficción. El hilo conductor es la infancia y adolescencia del futuro cineasta. Nos lleva a los setenta, cuando era un chaval en un barrio pobre y multirracial de Los Angeles y vivía con su madre. A lo largo de estas páginas, Quentin evoca el cine que vio en esa época que, en su mayor parte, es el del Nuevo Hollywood: las películas de De Palma, Bogdanovich, Scorsese, Paul Schrader... En ese sentido, el libro es una auténtica oda a la falta de supervisión parental; confiesa, por ejemplo, que vio “Grupo Salvaje” (69) y “Deliverance” (72) con sólo once años. Se adivina una historia autobiográfica tan buena que merecería que el propio Tarantino la llevara al cine.

J.G. Ballard Alianza Editorial

Las vidas de Brian Brian Johnson Contra 7

Seguramente la inactividad pandémica y los problemas auditivos que le obligaron a ceder su puesto en directo a Axl Rose durante la gira “Rock Or Bust” en 2020 animaron a Brian Johnson a contar con todo lujo de detalles su vida antes del salto a la fama internacional, porque este no es un libro sobre su trayectoria con AC/DC, sino sobre su vida antes de ellos. Padre y esposo a los diecinueve, fan del Newcastle United, amante de los coches y currante por necesidad desde su primera juventud, viniendo como venía de una familia muy humilde, Brian Johnson se destapa aquí como un narrador eficaz y vigoroso, sin florituras literarias pero detallista y tremendamente honesto al servicio de un relato adictivo que aúna dureza y humor.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

El cómic de boxeo es una de mis grandes debilidades. Pero no esperaba disfrutar tanto con el excelente guion de Jean-Christophe Deveney y Pierre Ballester y el dibujo y entintado de Sagar Fornies. Éste opta, como siempre, por un trazo poco definido, que le sienta la mar de bien a un tema como el boxeo, pero aquí adornado con un realce de las siluetas que llena la obra de singularidad. En muchas ocasiones los personajes parecen dotados de un aura luminosa que contrasta a la perfección con esa indefinición comentada para llenarse de personalidad. Los textos brillan también con luz propia en esta atractiva y convincente historia de dos hermanos llegados de su Argel natal a Francia para convertirse en boxeador uno y promotor el otro. EDUARDO IZQUIERDO

En los últimos años, el canadiense Jeff Lemire se ha convertido en un nombre indispensable en el mundo del cómic, asociado a mil series –exagero, pero son demasiadas para listarlas todas aquí–, a sus guiones para DC y Marvel o al universo Black Hammer, pero son las que realiza en solitario, las que cuentan con su particular trazo y con su cara más emocional las que más le tocan a uno. Podría hablar sobre “Sweet Tooth” o “Essex County”, pero en realidad estoy refiriéndome a “Royal City”, “El soldador submarino” y este por fin reeditado “Nadie”. Aquí Lemire no nos habla sobre padres e hijos, sino que toma como base al hombre invisible de Wells para profundizar en temas universales con una mirada muy certera sobre las comunidades cerradas. JOAN S LUNA

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Reconocerse fan del escritor británico J.G. Ballard –fallecido en Londres en 2009– resulta no sencillo, sino sencillísimo. Porque el atractivo de sus obras es tal que es prácticamente imposible no acabar llegando a ellas en algún momento de nuestras vidas. Y cuanto antes mejor, se lo aseguro. No importa que hayamos llegado por adaptaciones cinematográficas (“El imperio del sol”, “Crash”, “Rascacielos”) o por su impacto en el mundo de la música (Joy Division, The Normal, Radiohead, Manic Street Preachers, Klaxons). Lo realmente importante es descubrir su obra y disfrutarla como merece. Y esta nueva edición de sus relatos completos diez años después del incómodo tomo lanzado por RBA, por fin le hace justicia a su grandioso y adictivo contenido.

JOAN S. LUNA

Jon Bilbao Araña Impedimenta 9

Hablar de Jon Bilbao es hacerlo de una de las voces más importantes de la literatura española. La culpa la tienen libros como “Los extraños” y “Basilisco”, complementos obligatorios de “Araña”, la novela de novelas que hoy nos atañe, en la que volvemos a encontrarnos con el pistoleo John Dunbar. O sea, nuestro Basilisco, que va camino de convertirse en uno de los personajes más icónicos del universo literario ibérico reciente. Las épocas se entrecruzan a lo largo de una lectura fragmentada en el tiempo, donde el contexto central es un western que, por momentos, nos hace pensar en cómo sería una nueva incursión de Tom Spanbauer en terreno de pistoleros y el desierto de Nevada.

MARCOS GENDRE

Junji Ito: maestro del terror Ciudades y mansiones encantadas

Junji Ito ECC

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En esta antología, en la que ECC reúne varios relatos breves cuyo nexo en común son los lugares encantados, encontramos los tópicos y obsesiones recurrentes del maestro del terror japonés. El horror cósmico, en el que los personajes se ven sometidos por fuerzas sobrenaturales desconocidas, se mezcla con el horror corporal, caracterizado por cuerpos deformes y grotescos en los que el mangaka despliega toda la potencia de su estilo. En sus relatos, el mundo sobrenatural irrumpe en lo cotidiano, envolviendo las historias en un aura inquietante de pesadilla y arrastrando a los personajes a una espiral de locura. Junji Ito conoce el material del que están hechas las pesadillas y, en estos relatos, nos lo sirve en pequeñas pero efectivas dosis.

LAURA MADRONA

A día de hoy, la estadounidense Tillie Walden tiene veintiséis años, lo cual no tiene por qué sorprender. Lo que de verdad sorprende es que lleve diez años dibujando cómics –con nosotros a sus pies desde que nos llegó “Piruetas” en 2017– y que ya en sus primeras historias se vislumbrase su especial talento. Y eso es precisamente lo que recoge este “Sola en el espacio”: dieciséis historias cortitas realizadas entre 2013 y 2016, más dos más extensas en las que la estadounidense ya nos descubre las claves y los temas que ha seguido tocando durante el resto de su trayectoria. También salen ya a la luz su personal estilo gráfico y su especial sensibilidad a la hora de crear personajes. Una antología de los primeros pasos de una gran artista. JOAN

JOSÉ MARTÍNEZ ROS

Nadie Jeff Lemire Astiberri 8

Relatos 1

S. LUNA

PODCASTS

Ahora qué Quevedo

La historia de Quevedo cumple con los mandamientos del periodismo y responde a las preguntas que marcan toda noticia y seguro que desentrañaría alguna de las claves detrás del éxito repentino del artista canario. El podcast que ha firmado junto a Spotify Studios, una de esas colaboraciones que huelen a distancia a gran apuesta editorial, gira alrededor de unos versos de Quevedo en “Ahora qué”, canción incluida en “Donde quiero estar”, debut largo con el que se ha colado en los puestos más altos de las listas de éxitos a nivel mundial. La canción reza: “2021 sembrar; 2022 recoger; 2023 coronar; 2024 desaparecer”. Y en estas cuatro fases se divide el videopodcast de cuatro episodios de menos de 10 minutos que refleja el ascenso de Quevedo a lo más alto. LUIS M MAÍNEZ

Air: 25 aniversario del “Moon Safari”

A mediados de los 90 en Francia se estaba formando una potente escena electrónica a lomos de Daft Punk, pero sería otro dúo, Air, el encargado de poner la banda sonora al domingo por la mañana después de haber pasado el sábado en una salvaje rave escuchando “Da Funk”.

El Langui

Lo últimos de la lista

Enrique Ballester y Javier Aznar

El universo fútbol no solo es un activo importante del mundo podcast, sino que es uno de los sectores que vieron en el formato una oportunidad antes que el resto. En clave de humor y camaradería, Javier Aznar conduce este proyecto de la marca del veterano diario AS, y Enrique Ballester hace de comentarista. La faceta podcaster de Javier Aznar en “Hotel Jorge Juan”, más intelectual, deja paso a su pasión por el fútbol sin perder su liviandad bien entendida y su clase, algo cada vez más difícil de encontrar y que supone una de sus señas de identidad. Enrique Ballester, en cambio, se destapa en el universo podcast como un Sancho bromista y ocurrente, alejado de las grandes luces, y sirve de voz de ese público que vive el fútbol como un instrumento para divertirse. LUIS M. MAÍNEZ

A su trabajo como cantante, con el que comenzó su carrera debutando hace ya veinte años con La Excepción, se han sumado colaboraciones en cine, televisión y radio. El Langui, es, así, un artista total capaz de emocionar y de transmitir haga lo que haga. En esta charla presenta su nuevo álbum, “Espasticidad”, sus colaboraciones con Diego el Cigala y Kase O y mucho más.

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Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Virginia Barbero

Depósito legal B. 11 809-2013

Impresión Rotimpres

Unos días antes de su paso por el Wizink Center dos de los integrantes de Morgan, Nina y Paco, nos regalaron en nuestra redacción de Madrid esta versión acústica de “River”, uno de los primeros temas de su último trabajo, “The River and The Stone”, y el que es, según nos contaron, el hilo conductor de todo el álbum.

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