FLORES_ORTIZ_ATEMPO

PAG. 4 Cuphead: Don’t deal with the devil y el análisis de la popularidad de este videojuego

La revelación del pop británico Dua Lipa y su ascenso con el gran éxito de Future Nostalgia.

PAG. 17 El pasado en el futuro: el viaje artístico de la cantante británica Dua Lipa

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Shina Ortiz Tsuda

Franco Segovia Flores

Redactora, maquetadora y diseñadora

Redactor, maquetador y diseñador

Supervisoras y Asesoras Margarita Ramirez Vera Jiménez Charlie Baca

ATEMPO

Abarca diferentes aspectos del tiempo y de lugar, porque nos gusta explorar más sobre los clásicos de los años veinte, la moda de los años treinta o la inspiración y referentes de los años cincuenta. No nos detenemos en una época en específico porque sabemos que cada década tuvo algo en especial.

Queremos que exploren junto con nosotros, y viajen a través del tiempo para poder conocer más de lo que puede ser desconocido.

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ÍNDICE 06

Cuphead: Don’t deal with the devil

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El swing: el ritmo que marcó los salones de baile en los años 40

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SlickSatan: cómo traer de vuelta la ilustración de los 60

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El pasado en el futuro: el viaje artístico de Dua Lipa

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Anime Retro: el estilo que marcó el manga en la década de los 90

30s 30s 30s 30s 30s 30s 30s 30s 30s 30s CUPHEAD: Don’t deal with the devil

Escrito por: Shina Ortiz Tsuda

Exploramos las principales

influencias y referencias que

forman este gran videojuego.

reemplazar los fotogramas de una fimalción, por dibujos “calcados” sobre cada fotograma, mostrando así una mayor naturalidad en cuanto a los movimientos, expresiones, luces y proporciones dentro de la animación. Debido a ello, junto con niveles y jefes cada vez más complejos y desafiantes, Cuphead consigue ser un éxito comercial durante su lanzamiento. A fines del 2017 consiguió vender alrededor de 3 millones de copias.

Pero ¿es solo eso lo que lo volvió tan popular? Analizemos un poco de su historia para poder comprenderlo mejor. El argumento gira en torno a los hermanos Cuphead y Mugman, quienes jugaban tranquilamente en su isla. Un día se alejaron de su hogar y terminaron en el casino del mismo Diablo. La suerte les sonreía y empezaron a apostar y ganar dinero sin parar, hasta que el Rey Dados les animó a nuestros personajes a jugar una ronda más aumentando el premio gordo. Sin embargo, si perdían, no solo sería el dinero, sus almas iban a pasar a ser propiedad del Diablo. Con eso nos podemos dar una idea de cuáles serían los resultados.

Al final, llegaron a un trato que consistía en que el Diablo les perdonaba la vida si ellos se volvían una especie de cobradores, teniendo que hacerles una visita a los habitantes de la isla con el fin de que paguen las deudas que tienen pendientes. No obstante, este tipo de noticias no suelen ser muy agradables, así que no podían esperar una cálida bienvenida al llegar con ellos

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¿Qué es cuphead y cómo consigue volverse uno de los videojuegos más populares al poco tiempo de haber sido lanzado en el mercado en el 2017? Para luego volver a recobrar su popularidad durante el 2021. Expliquemos un poco sobre este peculiar videojuego, su estilo, su música y las diferentes referencias que trae consigo dentro de toda su historia.

Cuphead: Don’t deal with the Devil es un videojuego creado por los hermanos Chad y Jared Moldenhauer, quienes comenzaron con el desarrollo de este mismo en 2010, para ser lanzado al mercado el 29 de setiembre del 2017 para Microsoft Windows, Xbox One y Steam. Un año después se programó para MacOS y en el 2019 se anunció una versión para Nintendo Switch y PlayStation 4. El estilo y la popularidad del videojuego toma fuerza por su estilo gráfico visual, inspirado en los dibujos animados de los años 30, basándose principalmente en las caricaturas de diferentes estudios de animación como Fleischer Studios y Walt Disney Animation, buscando imitar las mismas cualidades subversivas y surrealistas que trae consigo este tipo de animación.

Como se menciona en uno de sus libros “The art of Cuphead”, donde muestran todo el proceso de creación de personajes, las animaciones en el juego se crearon con las mismas técnicas de animación de la época, con el Rotoscopio.

Esta técnica, si bien es más compleja, permite un mejor dominio de las animaciones y efectos incluidos. Consiste, esencialmente, en

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"La variedad de villanos y escenarios nos da un juego entretenido y alucinante"

y exigirles el pago. Un concepto bastante sencillo, pero lleno de niveles cada vez más complejos y entretenidos de jugar.

Durante los enfrentamientos, ya podemos darnos una idea de que esto no será tan fácil como aparenta, mucho menos cuando sigamos avanzando durante todo el juego y que solo contemos con tres vidas y una vida extra que tendremos que ganar. Los jefes finales no querrán pagar sus deudas y los enfrentamientos contra ellos nos harán perder varias veces.

Sin ninguna duda, como bien menciona la crítica y las opiniones de los miles de jugadores que ya ha recolectado el videojuego, las batallas contra estos jefes son uno de los puntos más destacados de Cuphead y es que los combates se vuelven cada vez más adictivos y complejos de manejar. En total son cerca de 20 combates los que se liberan durante todo el juego, sin embargo, el nivel de complejidad y el gran trabajo que hay detrás de cada pelea hace que valga la pena y no se vea limitado en la cantidad de partidas.

Ya sea en ordenador o através de la Nintendo Switch, las batallas se darán en una pantalla fija por la que los jefes se irán moviendo o se mantendrán estáticos en su lugar mientras nosotros tenemos que hacerles frente a sus ataques. Lo mejor de estas batallas es que no hay ninguna idéntica a la anterior. Algo característico del videojuego es su nivel de dificultad y cómo la secuencia de ataques por cada jefe cambia conforme pasamos de nivel.

A medida que les vayamos reduciendo la vida, algo que no se verá en ningún momento, los jefes irán modificando su aspecto o parte de los elementos del escenario, al mismo tiemo, sus

patrones de ataque irán cambiando y tendremos que estar preparados en menos de cinco segundos. Es por ello que, se podría decir qu serán más de 20 combates los que deberemos de superar.

De hecho, un solo jefe final puede dividirse en otros y así tendriamos más de una solo partida para un nivel. En cualquier caso, es seguro que te encontrarás con una serie de villanos característicos como una pareja de ranas, un pájaro, un dragón de tres cabezas, un payaso, una abeja gigante y hasta un cigarrillo maligno, entre otros. Tal vez sea difícil eliminarlos, pero las batallas serán tan entretenidas que disfrutaremos de repetirlas una y otra vez, incluso cuando ya las hayamos dominado por completo.

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Música y Animación Cuphead ha recibido no solo diferentes premios, sino tambios galardones muy bien merecidos, estando relacionados principalmente a lo que es el concepto y aspecto artístico del videojuego. Ya no solo se trata de que Cuphead sea una maravilla en cuestión de técnica y juego, sino que el complemento ideal que cuenta consigo son sus gráficos y la música entrañable de los años treinta. Sin temor a equivocarnos, podríamos asegurar que nos encontramos ante uno de los juegos más bonitos y bien desarrollados de los últimos años.

En todo momento da la impresión de que estamos viendo unos dibujos animados como los de la década de 1930, por las animaciones tan logradas de los personajes y los villanos a derrotar, como por todos los elementos que aparecen por el escenario. Las batallas están plagadas de guiños y de curiosidades que también merecen nuestra atención y que es otro motivo más por el que deberemos repetirlas varias veces hasta darnos cuenta de hasta el mínimo detalle que esconden.

Está claro que Cuphead está influenciado por los dibujos de Disney y Fleischer Studios de hace casi un siglo y la mayoría de jugadores y desarrolladores de videojuegos se encuentran asombrados y conmovidos porque aún se sigan rescatando elementos como esos. Especialmente porque es difícil encontrarse un videojuego que consiga imitar tan bien este apartado y que logre entrar por los ojos al instante desde el primer segundo. Por si esto no fuera suficiente la banda sonora es otro apartado con el que hay que aplaudir sin parar a Kristofer Maddigan, el compositor de todos estos temas tan memora-

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bles y orquestados con una banda de jazz. Todas las melodías les sientan como un guante a las batallas y no nos cansaremos de escucharlas una y otra vez.

Inicialmente se comentaba que el videojuego solo contaría con una serie de jefes finales que habrían que derrotar antes de avanzar a cada nivel y era extraño pensar que Cuphead se volviera solo otro juego más de run & gun, pero terminó convirtiendose en mucho más que eso con personajes entrañables y de aspecto peculiar.

Lo único negativo que se podría decir de Cuphead es que su estudio de desarrollo no ha logrado crear unos niveles a la altura de la calidad que ofrece el resto del juego. Lo único por lo que realmente merece la pena jugar a ellas es porque contienen monedas que se pueden canjearlas en la tienda por nuevas armas y otro tipo de mejoras, pero por lo demás son completamente opcionales. Durante el juego no se necesitan recolectar y es una tarea no obligatoria de cada nivel. Senciallmente puedes llegar al final y ver los créditos. Al menos tampoco son fáciles de superar, así que aquellos que se cansen de tanto jefe final también pueden adentrarse en ellas con el fin de desbloquear el 100% del juego.

Tampoco es que sea un suplicio jugar estas fases, porque son únicas y diferentes al resto y vienen bien para cambiar de aires, pero se nota que se han incluido por añadir algo más a la experiencia, porque tan solo habrá un total de seis de ellas en toda la aventura y ninguna será especialmente larga. A pesar de eso, es un videojuego que ha logrado mantenerse en los últimos cuatro año y trayendo consi- go una buena dinámica dentro de la comunidad gamer.

40s 40s 40s 40s 40s 40s 40s 40s 40s 40s El swing: El ritmo que marcó los años 40

Escrito por: Shina Ortiz Tsuda

¿Qué es el swing y cómo su música

revolucionó los años 40 en diferentes

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lugares de todo el mundo?

El swing es un estilo de música Jazz que emergió en los años 20 en Estados Unidos con el gran cantante Louis Armstrong, quien, a fines de los años 30, consigue consolidarse como un músico de talla junto con Benny Goodman, Duke Ellington o Count Basie. Asimismo, en esta época, el swing consigue su máxima popularidad dentro del ambiente norteamericano, siendo el principal tema dentro de los salones de baile.

Este estilo musical utiliza instrumentos característicos del Jazz como una sección rítmica compuesto por un piano, contrabajo y batería, además de tener trompetas, trombones, saxofones y clarinetes.

En relación a los bailes, estos surgen al mismo tiempo que su música y se vuelven mucho más espotáneos, marcando su propia tendencia y evolución dentro del mundo musical. El

más conocido de estos bailes es el Lindy Hop, que viene cargado con mucha energía, dinamismo e improvisación.

A pesar de la etiqueta que podría representar los bailes, realmente son de carácter mucho más flexibles desde el punto de vista de vista de la formalidad y llegando a ser más cercano al streedt dance ¿Por qué? Dado que no habían escuelas o propias enseñanzas de este baile, sino que se aprendía dentro de la pista.

Era un estilo de baile basado principalmente en la prueba y error, imitando a otros bailarines y compartiendo los mismos pasos.

Tras la Segunda Guerra Mundial, hubo un cambio de ciclo social que provocó que este se trasladara a la música, por lo que el Jazz avanza y evoluciona hacia otros estilos, pero seguía manteniendo la misma esencia del swing.

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A causa de este cambio dentro del Jazz, el swing queda olvidado por un tiempo hasta que logra revivir en los años 80 en su lugar de origen y próximamente consigue moverse hasta las zonas de Europa occidental.

Se debe mencionar también que en este época, la segregación racial estaba mucho más marcada. Nos encontrabamos en una década en la que las mujeres recién podían votar y el espejismo de las virtudes del capitalismo recién iban apareceidno. Dentro de este contexto, nacen los primeros indicios del jaz y lo interesante de la expansión de este estilo de baile fue que, gracias a este, la comunidad afroaméricana fue cada vez más recibida dentro de los salones de baile, principalmente dentro de las zonas de Nueva Orleand, Chicago y Nueva York.

Ellos consiguieron mezclar una síntesis de la música contemporánea, de esta forma sus bailes incluían el jazz, el ragtime y el charlestón, mejor conocido como Lindy Hop, como se mencionó al inicio. Así, en la década de los 40, se lleva el reconocimiento como música popular norteamericana mainstream.

Pese a sus orígenes afroamericanos, el Swing consiguió alcanzar, de forma cotidiana, a las audiencias blancas y dentro de la alta sociedad.

Incluso llegó a tener cierto prestigio y elegancia en diferentes salones de baile. Benny Goodman, pasó a ser un desconocido a ser el Rey Blanco del Swing, gracias a sus versiones de diferentes canciones.

De esta forma el swing era música de negros tocada por blancos y que lograba convivir con todo el mundo. El estatus social dejó de ser importante dentro de los locales y todo el mundo abarrotaba las orquestas organizadas.

La familia de los bailes al estilo “Swing” es, probablemente, la mayor contribución norteamericana dentro del mundo del baile para todos. Además de ser el primer baile enteramente creado por estadounidenses.

conocido como el Sultán del Swing. Múltiples bandas comenzaron a despegar y conseguir su posición en los sectores europeos, si no eran reconocidos en Estados Unidos. Además, los músicos independientes tenían la oportunidad de presentarse en las Jam Sessions, donde podían tocar y hacer música para cientos de espectadores que solo querían pasarla bien.

Poco después, consigue moverse a otros territorios de Europa y aparece en España hacia finales del años 90, comenzando por Barcelona y Donosti, llegando a la capital unos años más tarde, consolidandose dentro de Madrid. Pronto, se convirtió en otra meca del swing donde miles de aficionados se reunían en clubes para bailar al ritmo de la música. Tiempo después también abarcó otros salones de baile, teatros y escenarios.

En el 2010 vuelve a recobrar su popularidad y en el 2012, el Swing empieza a extenderse entre jóvenes y adultos gracias a su gran energía, teniendo mayor presencia en los medios de comunicación y redes sociales.

El Swing Europeo Por primera vez en la historia, el jazz consigue trascender otras fronteras y se expande fuertemente hacia sociedades exteriores. Llegando hasta Europa, allá por el 1939, el jazz se vuelve más receptivo y vigoroso, creándose diferentes formas de Swing autóctono.

En ese sentido, la escuela principal en Europa toma lugar en París, Francia, con un dominicio dentro del Hot Club de Francia. Es aquí donde surge el Jazz Manouche o Gipsy Jazz, de la mano del gitano - francés Django Reinhardt, o mejor

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60s 60s 60s 60s 60s 60s 60s 60s 60s 60s Slicksatan: cómo traer de vuelta el arte de los 60

Escrito por: Franco Segovia Flores Slicksatan: un artista que trajo consigo el estilo de los años 60 en cuestión de arte y diseño.

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Cuando pensamos en los años 60, a nuestra memoria vienen los colores vivios, los vestidos amplios o las minifaldas de las chicas de la ciudad, también los peinados complejos y armados que era tendencia en aquellos años, todo ello característica de una representación construida a través del tiempo, la historia y el medio de entretenimiento como lo es el cine.

En cuestión de la música también tuvimos grandes referentes que hasta hoy en día se siguen escuchando y disfrutando. Se bailaba al ritmo de “Twist and shout” de los Beatles, “El baile del Ladrillo” de Violeta Rivas, “Datemi un Martello” de Rita Pavone, “Let’s twist again” de Chubby Checker, “La bamba” de Ritchi Valens, los músicos del Club de Clan, los Rolling Stones, Led Zeppelin, Elvis Presley, y la lista puede continuar.

Las tendencias en las artes reflejaron tanto las turbulentas tendencias sociales y políticas de la época como la influencia de artistas y escritores de una generación anterior. En la década de 1960, los pueblos habían pasado por la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), la Guerra Fría (1945-1991), la Guerra de Corea (1950-1953) y la Guerra de Vietnam (1954-1975) luego los artistas se volcaron a estimular los sentimientos y pensamientos de la gente. Hablamos de un arte que buscaba reflejar de alguna forma las emociones del momento.

En el arte visual, movimientos como el Arte Pop, el Arte Psicodélico, el Op Art, el Minimalismo, el Arte Conceptual y la aparición de Happenings se convirtieron en los conceptos más significativos y transformadores del mundo del arte de los años ‘60. Se creaba el nuevo tipo de imagen pop y se les daba otro uso a los materiales industriales.

Los artistas dieron importancia a la idea del arte de bajo perfil utilizando imágenes de la cultura de masas. Las superficies planas, los colores vibrantes y un tono más animado, pero sin perder el realismo en sus imágenes.

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sencillo de ver y el uso de colores vibrantes ayudaba a manejar la dinámica de la historia que iban generando. De esta manera traían consigo un estilo que se fue reproduciendoy expandiendo en todo el mundo.

Otros artistas que representaron este periodo fuerona Peter Blake, Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein, Roy Lichtenstein se hizo famoso por sus enormes lienzos con escenas de historietas. Estas pinturas enfatizaron los pequeños puntos de color que hacen que el color parezca mezclarse en la letra pequeña de una página de periódico. Las obras de Warhol y Lichtenstein se reprodujeron masivamente en la década de 1960 y llevaron a reflexionar en la existencia de los límites entre el arte y el diseño.

Otros aspectos de las ilustraciones en la época

de materiales industriales. Aristas de este movimiento fueron Donald Judd, Carl Andre y Robert Morris. Las esculturas minimalistas podían fabricarse industrialmente y no mostraban la habilidad de un artista. Tanto en las pinturas como en las esculturas, esta tendencia se fue haciendo paso a través de las diferentes opiniones de expertos de la época.

Por otro lado también se tuvo presente la influencia del arte Conceptual, se enfocaba principalmente en la idea de lo que podría representar al arte dentro de la obra y cómo se expresaba con mayor enfasis. Dentro de la misma tendencia de los movimientos descriptos, se propagó esta forma de expresión reduciendo las obras al mínimo absoluto, muchos lo vieron como la desmaterialización del arte.

Cuestionó el derecho de las personas como

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Este tipo de arte se reflejó mucho más cuando las publicaciones de historietas y cómics empezaron a distribuirse en masa y ser parte del consumo diario de los ciudadanos norteamericanos hasta expandirse poco a poco.

Historietas como Archie, mafalda o la pequeña Lulú fueron una obra de ello y un estilo que se marcó a partir de los años cincuenta, pero que fue tomando mayor importancia y fuerza durante la década de los sesenta.

Los diseños e imágenes que encontramos en las ilustraciones son delineados sólidos, pero que seguían jugando con el diseño mismo. Las facciones y rasgos de los personajes no eran tan realista dado que mantenían una serie de características animadas que los hacían más

Otra tendencia que también se empezaba a mostrar con mayor intensidad dentro de las diferentes obras artísticas y diseños “modernos” fue el Minimalismo. A pesar de que muchos consideran este tipo de arte como un aspecto más reciente, realmente el Minimalismo marcaba un antes y un después dentro de los años sesenta.

Fue la negación de la expresión del artista y la intención de realizar objetos que no tuvieran la apariencia de bellas artes. Mayormente eran obras geométricas con el énfasis puesto en el espacio físico que ocupaba la obra de arte y el uso

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historietas, los dibujos, incluso los propios diseños de Barbie de la época, sin perder su esencia principal.

Nos situa en un espacio en específico del tiempo que logra mostrar consigo mucho más que simples diseños. Además de tener esas ligeras texturas que bien recuerdan a años anteriores.

Posiblemente, lo que más distingue a la década de los años sesenta, es que se trata de una época de transición, en donde, desde el ámbito de las artes tradicionales: la pintura y el diseño iban trayendo consigo mayores significados de los conceptos anteriores.

Además de que destaca también las superficies planas, el color y los bordes bien delimitados. El diseño gráfico, la moda y un cierto estilo de vida se crearon de la mano de este nuevo aire, junto con la gran referencia que fue Marylin Monroe y Elvis Presley durante esos años. Junto con el arte escénico se volvió una forma de presentación artística de diferentes referencias y reprentaciones. Tanto los acontecimientos como las representaciones artísticas se consideraban arte «puro» no se podía comercializar, solo experimentar y observar por cuenta propia.

los coleccionistas de arte, los propietarios de galerías y los curadores de museos, a definir el arte. A finales de los ’60, se vieron inspirados por los avances del movimiento de derechos civiles, el movimiento de mujeres y los artistas afroamericanos. Ya no se percibía solo la representación de la familia blanca promedio de clase media que hasta el momento se había enfocado, sino también los diferentes sub culturas que iban naciendo en los barrios y calles de Estados Unidos.

Se acercaban a la gente, exhibieron obras de arte sin terminar, y llevaron adelante presentaciones en vivo que no pudieron repetirse.

Los críticos decían que no existían normas para juzgar tales obras, pero los defensores respondieron que ese era la idea. Las obras podían ser montículos de rocas o de tierra expuestos al aire libre con alguna intención. La tendencia del Op Art, que adopto el arte abstracto y geométrico.

Fue a lo más simple y utilizo la línea, el color y el contraste.

Lo que logra desarrollar SlickSatan a través de su cuenta Instagram son diferentes adaptaciones de un arte casi olvidado a través de los años. Al ver sus ilustraciones podemos traer consigo diferentes referencias como las

80s 80s 80s 80s 80s 80s 80s 80s 80s 80s El pasado en el futuro: el viaje artístico de DUA LIPA

Escrito por: Franco Segovia Flores

Repasamos las principales influencias

de la artista para su último gran

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álbum: Future Nostalgia.

A inicios del 2020, nadie esperaba que un virus hubiese retenido los planes de toda la humanidad. Diversos artistas tuvieron que posponer presentaciones y lanzamientos por ser fechas de desconcierto. Sin embargo, Dua Lipa se arriesgó a realizar un movimiento que pocos se hubueran atrevido: adelantar la publicación de un disco. Pese a la gran promoción , publicar un disco antes de la fecha anunciada es peligroso porque puede traducirse en pérdidas económicas y el fracaso de la música del artista.

Aún con eso, Dua Lipa decidió lanzar "Future Nostalgia" porque quería que, a pesar de la situación, las personas "puedan tener la oportunidad de bailar y disfrutar del ritmo".

El segundo disco pop de la cantante británica puede ser descrito como el perfecto soundtrack de la pandemia por sus fuertes influencias del disco, electropop y de artistas con gran trayectoria en la industria musical.

El segundo álbum de estudio de la cantante ha recibido elogios de la crítica especializada y el público en general por traer de nuevo la tendencia retro. Además, ganó múltiples premios por la creación de este disco. Pero, antes de adentrarnos en el proceso creativo, exploremos la carrera de Lipa.

británica comenzó en el año 2013 con la firma de un contrato junto a Tap Management. En el 2015, la cantante se unió a Warner Music Group.

Con esta alianza, la británica lanzó algunas canciones previas a su debut, como "New Love" y "Be The One".

Si bien no tuvieron tanto éxito, su álbum debut llamado "Dua Lipa" se convirtió en uno de los más escuchados en el año 2017 y se adentró en uno de los más escuchados de la plataforma musical Spotify. Asimismo, de este álbum, se desprende uno de sus hits más populares a nivel mundial: "New Rules". Con esto, la cantante se convirtió en una de las más exitosas de dicho año y tuvo diversas colaboraciones con diversos artistas del momento. Gracias a un inicio bastante popular, la cantante tuvo la oportunidad de ganar dos Grammys a "Mejor Nuevo Artista" y también por su canción "Electricity".Además de eso, también ha generado una gran influencia dentro de la industria del pop en los últimos años, haciendo diferentes colaboraciones con otros artistas de gran renombre y de mira internacional.

No obstante, Dua Lipa también se convirtió en foco de críticas de comentarios en internet. La artista se presentó en diferentes premiaciones y tuvo la oportunidad de realizar performances de cantar los hits de su álbum homónimo. Por esto, muchos internautas criticaban su falta de energía y su poca habilidad para bailar. No es de sorprender el nivel de ciber acoso que muchos pueden pasar por estos detalles.

¿Qué se puede esperar de Dua Lipa?

Dua Lipa es una de las artistas más populares de los últimos años. La carrera de la cantante

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Venganza a través del baile

En internet, los pasos de baile de la intérprete se volvieron virales por su "falta de energía y compromiso" con la coreografía. A partir de ese entonces, Lipa se convirtió en blanco de burlas por años. Sin embargo, esto no detuvo a la británica en su carrera, sino que la motivó a esforzarse más.

En 2018, en la presentación de "One Kiss", junto a Calvin Harris, ella se volvió viral porque sus pasos de baile fueron catalogados como mediocres. Pese al cargamontón recibido, la artista británica no permitió que el acoso virtual detuviera su carrera. y pudiera seguir adelante con muchos más planes que traerían grandes sorpresas para sus fanáticos.

En 2019, Dua Lipa anunció que el primer single de su segundo álbum se iba a estrenar antes de fin de año. Este tendría influencias del disco, funk y vendría acompañado de un video musical. "Don't Start Now" se lanzó el 1 de noviembre y tenía una estética bastante definida: un bodysuit, color negro y amarillo.

Como promoción de la canción, Lipa se presentó en diversos programas y shows de algunos países como Estados Unidos, Reino Unido y Corea del Sur. En estas, la artista

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Traer de vuelta a la nostalgia del pop clásico

demostraba todo su talento vocal, pero también lo acompañaba por coreografías impresionantes. Este movimiento fue inteligente por parte de la artista, debido a que respondió a todas las críticas sin decir ni una sola palabra, sino demostrando en el escenario de lo que podía ser capaz.

Dua Lipa mencionó en entrevistas que su nueva era estaría envuelta en pasarla bien y bailar. En cuanto a la producción general del disco, la artista mencionó que su nuevo proyecto la obligaba a salir de su zona de confort y desafiarse a sí misma: crear canciones que suenen a sus clásicas favoritas, pero que no dejen de tener el estilo de la cantante. Es característico de cada artista poder probar cosas nuevas para evolucionar en el medio y así explorar nuevos ámbitos y categorías que antes no conocían.

"Don't Start Now" se convertiría en su segunda canción en entrar al Top 10 del Billboard 100, lista de las canciones más populares en Estados Unidos. Tras el lanzamiento del primer single, Dua Lipa comentó que el nombre de su nuevo proyecto se llamaría "Future Nostalgia".

La cantante comentó que quería realizar un disco que se sintiera nostálgico, pero que tenga elementos que lo desvinculen del mismo. En otras palabras, se trataba de una mezcla de nostalgia con algo fresco y futurista. A partir de eso, surge la dualidad –para algunos contradcción– en llamarlo de esa manera.

Para la creación de este álbum, Dua Lipa no solo tuvo presente en mente el traer de vuelta

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"Future Nostalgia ha demostrado estar inspirado no solo por referentes populares, sino también por las grandes divas del pop"

Mujeres al volante

al pasado de manera sonora, como en el fuerte sonido synth de los 80s de "Physical" o la fuerte infuencia disco de los 70s en "Levitating".

También, lo hizo con la estética, dado que trajo diversos elementos que marcaron diferentes décadas. Los colores de "Don't Start Now" recuerdan a las portadas de Kill Bill, o el video de "Hallucinate" se asemeja al estilo animado de Disney a principios de los años 30.

Así, Future Nostalgia ha demostrado estar inspirado no solo por referentes populares, sino también por las grandes divas del pop. Incluso, la misma artista confirmó que la era que tomó como inspiración estaba relacionado a otro cantantes como Diana Ross, Gwen Stefani, Madonna, entre otros referentes con un mismo estilo y género musical para que toda la esencia del álbum no se perdiera.

En enero del 2020, Dua Lipa develó la portada de su disco "Future Nostalgia". Para muchos internautas, la portada del disco era una de las mejores portadas que se podrían haber visto en años. Esta se caracterizaba por tener a Lipa al volante de un auto en la oscuridad y la luna era el único objeto que iluminaba su camino.

Esta fotografía está claramente inspirada en una sesión fotográfica de Madonna para Versace –imágenes en la siguiente página–.

Traer esta referencia fortalece el concepto de nostalgia en su proyecto. Ambas se colocan al volante de sus caminos músicales y, con este álbum, Dua Lipa se estableció como una de las promesas más grandes de la industria musical.

Ese no es el único elemento en el que se

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Para la reedición de su disco "Future Nostalgia- The Moonlight Edition", Dua Lipa tomó como referente visual a Donna Summer, en una sesión fotográfica que realizó en una luna. Para esto, Lipa también tomó a la luna como objeto central, que ya estaba presente en la anterior portada, en sus fotografías de la nueva edición del disco.

Es más, Dua Lipa consolidó su era musical con el lanzamiento de "Club Future Nostalgia" en el que invita a sus artistas favoritos a colaborar con ella: como Missy Elliot, Gwen Stefani, Madonna, BLACKPINK, otros. Dua Lipa ha conseguido a puntar lejos cada vez más.

inspiró de la conocida "Reina del Pop". Madonna también se inspiró en sus referentes o en música que recordaba para lanzar uno de sus discos más exitosos: "Confessions on a Dance Floor" en el 2005. "Hung Up" usó como sample a "Gimme!

Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)" de ABBA. Cuando se le consultó a la cantante, afirmó que ABBA era uno de los grupos que le traía cierta nostalgia y le recordaba a su juventud.

Así, Dua Lipa usó como referente a Madonna, pero se isnpiró, en algunos casos, en artistas que marcaron su infancia y, en otros, de artistas que han marcado diferentes generaciones con su música.

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aire dfresco:trae de vuelta la tendencia retro y se ancla en el pasado. Gracias al éxito que han tenido diversos artistas que se han atrevido a recurrir a esta tendencia, como Lipa o The Weeknd, han surgido otros que han recurrido a lo retro para sus producciones musicales.

Con esto, Dua Lipa se consolidó en el 2020 con un állbum que acompañó a varios de sus oyentes durante la pandemia. Nos dio 11 canciones, que después se convirtieron en más de 20 con la reedición, para bailar, para mover el cuerpo, para cantar, para disfrutar.

Se convirtió en el soundtrack de baile de aquellos que estuvimos encerrados en la cuarentena porque podíamos seguir celebrando, seguir moviendónos incluso desde nuestro dormitorio. Además, nos recordaba que no debían motivos para estar tristes, pese a ser una época difícil, siempre habría un motivo para bailar.

Con estos elementos visuales, es posible afirmar que Dua Lipa tuvo distintos referentes visuales para consolidar una de las eras más sólidas de su carrera y que atrajo la atención de múltiples personas.

Una máquina del tiempo sonora Uno de los elementos más distintivos del álbum es, definitivamente, los sonidos que logra mezclar Dua Lipa en Future Nostalgia. Cada uno de los tracks del disco tienen a referentes muy particulares de la música de décadas pasadas.

Por ejemplo, la producción de la canción "Future Nostalgia" recuerda a las mezclas que realizaba el dúo Daft Punk en los noventas. Por su parte, la canción "Good In Bed" recuerda al pop británico de los 2000s y la influencia de Lily Allen es notoria. Por otro lado, "Physical" tiene la influencia de distintas canciones de los 80s e incluso recuerda a la canción del mismo nombre de Olivia Newton-John. Asimismo, "Hallucinate" recuerda a la música electrónica de los 2000s de Madonna.

Con esto, Dua Lipa apela al recuerdo: se convirtió en la banda sonora de muchos de sus oyentes, como un medio de regresar al pasado. A través de la música, Dua Lipa te lleva a aquellos momentos que has vivido más joven, ya sea bailando frente al televisor, o escuchando en el MP3. Así, Future Nostalgia se vuelve un soplo de

Top 5: ATEMPO Favoritas 1. Levitating 2. Physical 3. Pretty Please 4. Love Again 5. Don't Start Now

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90s 90s 90s 90s 90s 90s 90s 90s 90s 90s アニメレトル*: el estilo que marcó el manga en los 90s *Anime Retro

Escrito por: Shina Ortiz Tsuda Del anime al manga y cómo la

tendencia en los años noventa se fue

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expandiendo cada vez más

Cuando llegaron los años noventa también trajo consigo nuevos estilos dentro de lo que sería la tendencia para el manga y el anime en aquellos años. Las mayores representaciones de la época fueron Rumiko Takahashi con sus obras como Inuyasha, Ranma 1/2 y Urusei Yatsura. También Naoko Takeuchi con su clásica serie de mangas Sailor Moon u obras más representativas, y casi un ícono de la cultura popular dentro del medio, Evangelion.

También tenemos presente algunas comedias románticas como Lovely Complex y Ouran High School Host Club, hasta novelas de suspenso como Monster y Death Note, aventuras mecánicas como Eureka Seven y Tengen Toppa Gurren Lagann, hasta atrevidos dramas de per-

sonajes como Koi Kaze y NHK e youkoso, hasta extravagancias audiovisuales únicas como FLCL y Bakemonogatari, esta década marcó un gran inicio para los nuevos estilos de referencia en el manga y, sobre todo, en la inclusión de la animación dentro del anime y su gran expansión dentro del mercado europeo y, con una gran carrera hacia delante, el mercado latinoamericano.

El primer referente del cual podemos comentar es un clásico dentro de las comedias románticas con un ambiente escolar, cliché, pero sobre todo, con unos personajes entrañables y una protagonista que no es lo que parece: Ouran High School Host Club. “Kiss, Kiss, Fall in Love”, es lo primero que se escucha al ver cualquier epi-

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Otra forma de ilustrar con éxito la vibra de la alta cultura es a través de la banda sonora de Yoshihisa Hirano, que está completamente orquestada con una poderosa sección de cuerdas y hermosas melodías. Los colores de la canción de apertura son brillantes, la música es un vals sofisticado y los movimientos florecieron lo suficiente como para realmente llevar al espectador al mundo de clase alta del Ouran Koukou Host Club .

El gran valor que tiene consigo Sailor Moon Sailor Moon no solo representó un cambio en cuanto a diseño e ilustración, sino también dentro de la dinámica del anime de aquellos años. Donde una chica podía ser la protagonista de su propia historia y motrar una representación más amplia de lo que se podía esperar de los años noventa cuando se decidió su adaptación al anime. La historia de Sailor Moon nos cuenta como una chica

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sodio de este anime. Con buena razón, la mente dice automáticamente: “Oh no, Dios, no es otra de estas comedias de anime típicas”. Pero si se le da la oportunidad, Ouran demuestra ser una sátira de calidad con una variedad de personajes locos y diversión asegurada episodio tras episodio. La pura ridiculez de su trama y elenco es lo que impulsa esta historia, centrada en el Club de anfitriones de Ouran, donde “los chicos más guapos de la escuela con demasiado tiempo libre entretienen a las jóvenes que también tienen demasiado tiempo libre”. A través de estas presentaciones conscientes, el público está preparado para el caos que se producirá dentro de los muros extravagantes de la Academia Ouran.

La protagonista de este cuento, Fujioka Haruhi, asiste a Ouran gracias a sus sesos en lugar de su estatus social. Cuando rompe un florero caro, decide unirse al grupo como un niño hasta que pueda ganar el dinero para devolverle el dinero al club. A primera vista, Haruhi parece ser el único personaje genuino y agradable en el programa. Pero a medida que avanza la trama, los niños obtienen un desarrollo muy necesario, cada uno con sus propias peculiaridades personales. Al igual que los personajes que el club entretiene, los espectadores se encontrarán eligiendo a su anfitrión favorito personal, ya sea Haruhi o un miembro del elenco de apoyo algo extravagante.

A veces es difícil saber si el programa se está burlando o si es realmente ofensivo, pero dado su entorno cómico, los espectadores pueden asumir con seguridad que solo está tratando de ser divertido. El Club de anfitriones, por ejemplo, atrae al alumnado femenino atendiendo sus diferentes fantasías en torno al cosplay o acciones que ellos mismo realizan. También hay un personaje categorizado como “otaku”, que trae otro alivio ligero y divertido dentro de la serie, y los chistes que vienen con ella solo pueden ser completamente apreciados por aquellos familiarizados con el anime. Aún así, a pesar de lo extraño que puede ser el humor del programa a veces, sin lugar a dudas tiene un encanto irresistible que ha atraído a muchos nuevos fanáticos al medio.

Visualmente puede que no sea el trabajo más fuerte en el catálogo BONES del estudio, pero lo que el diseñador de personajes y director de animación Kumiko Takahashi (Card Captor Sakura) ha logrado con Ouran es tan elegante y encantador como los terrenos escolares de la academia misma. Se basa en la misma calidad del peculiar y enérgico School Rumble (2004) sin sumergirse en la simplicidad de otros éxitos de comedia como Azumanga Daioh (2002) o Lucky Star (2007).

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llamada Usagi se convierte en una chica mágica que tiene que ir enfrentando a diferentes enemigos, pero también problemas de la vida diaria entre el amor y el misterio.

El estilo shoujo del manga engloba historietas y caricaturas creadas especialmente con muchachas adolescentes en mente. Aunque el shojo manga no abarca a un único género, difiere de su contraparte shonen (muchachos) y seinen (jóvenes) manga en términos de estilo visual y porque aborda temas y emociones románticos.

Además, las dos series de Sailor Moon están clasificadas como maho shoujo, un tipo de anime de fantasía que por lo general presenta a una muchacha, entre las edades de 8 y 14 años, a quien se le concede la capacidad de transformarse en un “hermoso” alter ego con poderes mágicos para salvar al mundo de un enemigo cruel.

Además de ser lindas e intensas al mismo tiempo, la heroína experimenta crecimiento y madurez espiritual –en otras palabras, la magia la ayuda a aprender cómo crecer.

La popularidad del shojo manga como Sailor Moon no se limita a Japón.

En Occidente, los anime de muchachas con poderes mágicos, sobre todo Sailor Moon, allanaron el camino para la introducción de anime y manga fuera de Japón. Sailor Moon no se trata solamente de combatir extraterrestres, sino de un mundo de adultos que quieren destruir todo lo hermoso en las chicas. Para salvar a las personas que ama, pelea y queda herida y colapsa y a veces hasta fracasa completamente. Y cuando puede arreglárselas, trata de salvar monstruos también, pero todo eso logra generarse a través de un camino de madurez físia y emocional que van experimentado las protagonistas cada vez más.

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