EDITORIAL
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a educación es nuestra nueva revolución, no es el fusil, no es la violencia, es la educación." René Pérez Joglar / Calle 13
Este es el octavo número de nuestra revista y estamos orgullosos de resistir en un lugar del mundo donde los intelectualoides intentan cambiar al país desde la comodidad inalámbrica de sus portátiles y BlackBerrys, mientras que en Islandia, Egipto y Túnez los pelados se hacen matar por un cambio en el destino de su país, resistimos en un lugar donde los anarquistas soportan sus ideas en un par de botas Dr. Martens, ante los cosmopolita criollos que no conocen el río Magdalena y que creen que la Carrera Séptima es la Quinta Avenida Neoyorquina; somos testigos mudos –más no mancos– de que el tercer mundo palpita bajo el asfalto bogotano. Cada ejemplar de Music Machine es un documento histórico que mantendrá vivo el cómo, el cuándo y el porqué de una época donde las tragedias naturales no son menos catastróficas que las malas decisiones de quienes nos gobiernan. No somos esnobistas ni arribistas, la farándula se la dejamos a los medios de siempre y, respetamos tanto el trabajo de los artistas colombianos, que nunca los pondremos a pelear para ganar una estatuilla inútil. Cada vez nos leen mas, cada vez fallamos menos; atacamos al sistema desde adentro utilizando las herramientas actuales para difundir nuestras ideas en la red, hacemos estruendos en cada línea escrita por los que trabajamos en este proyecto, no competimos con nadie porque no nos interesa ganar, no demostramos nada porque dejamos atrás el protagonismo que tanto buscan los ciegos de alma.
Equipo Dirección General Adolfo Lemos adolfolemos@musicmachine.com.co
Corrector de Estilo Miguel Corzo redaccion@musicmachine.com.co
Redactores Andrés Durán, Manuel Estévez, Julián Gutiérrez, Dary Hormiga, Efraim Medina Reyes, Héctor Mora, Luisa Piñeros, Jorge Rivas, Donny Rubiano, Alex Sánchez, Simona Sánchez, Felipe Sepúlveda.
Portada Chuck Berry: Rey de Reyes Por: Omar Alarcón / MotDesign motdesign.carbonmade.com.
Dirección de arte, Diseño, Diagramación, Ilustración, Preprensa e Impresión Héctor García Pérez managercompany@gmail.com
Fotógrafo Enrique Galeano www.wix.com/engalgar/photos Adolfo Lemos
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Pdt. 1: Para solucionar el problema de la falta de baños públicos en Bogotá, deberían ubicar uno portátil dentro de cada iglesia, matarían dos pájaros de un tiro: Bogotá dejaría de oler a letrina y las iglesias tendrían –al menos– población flotante. Pdt. 2: Los obedientes apagaron las luces durante una hora el 26 de marzo -como se les indicó- y su conciencia ambiental se tranquilizó, el año pasado votaron por Mockus -como se les indicó- y su conciencia política se tranquilizó, el pasado 04 de abril remangaron la bota de su pantalón para protestar x las minas quiebrapatas -como se les indicó- y su conciencia social se tranquilizó; Felicitamos a todos los miembros activos de ese inmenso rebaño pasivo.
Colaboradores en ésta edición Santiago Arango, Gustavo Arenas -Dr. Rock-, Charles Cháchara.
Depto. Comercial comercial@musicmachine.com.co
Web Site Andrés Ballén www.mediafacto.com
Redes Sociales & Publicación de Eventos Paola Ruiz Ortiz info@musicmachine.com.co Las opiniones expresadas en esta revista no son compartidas necesariamente por el equipo de trabajo de Music Machine Magazine. La reproducción total o parcial de los artículos, imágenes y diseños publicados en esta o demás ediciones está expresamente prohibida a menos que se conceda previa autorización. Music Machine Magazine ®, Mayo de 2011.
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Mulataje 2010
n un viaje de acercamiento a las raíces de la cultural del litoral pacífico, la nueva producción discográfica de Bahía Trió es una travesía que evoca, con el golpe del cununo, el bombo y el guasá, los sonidos que resuenan entre la espesura de la selva.
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Bahía Trio + Voz
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Por: Luisa Piñeros lizjoin@yahoo.com
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Acordes que brotan fluidamente como los ríos de la región. A todo este exuberante decorado hay que sumarle un instrumento de raíz africana, que se asentó y se adaptó gracias a la cultura del pacífico. Hablamos del piano de la selva, o mejor, La Marimba de Chonta, instrumento declarado por la Unesco en 2010, como patrimonio inmaterial de la humanidad. “Mulataje” es el sexto disco en la trayectoria de Bahía (“Con el Corazón Cerca de las Raíces”, “Cantaré”, “Un Son Pa’ Cali”, “Pura Chonta”, “Pura Chonta Recargado”) y es también un interesante dialogo sonoro entre los cueros, la chonta y las voces, aproximándose desde una música tan tradicional, a ritmos como la salsa, el mambo o la samba.
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La voz negra y cadenciosa de William Angulo, el golpe acompasado del cununo en las manos de Oscar Fredy Colorado, la marcha y los revuelos percutivos, cobran vida con Jafet Andrade en el cuero del bombo, y el bálsamo de la melodía lo pone la inspiración del guapireño Hugo Candelario González y su sensible manera de acariciar con los tacos, las tablas de la marimba de chonta. El resultado, una alquimia de sonidos que tienen trascendencia en la actualidad musical de Colombia. El disco fue grabado en vivo a las afueras de Cali en la buitrera sur, asumiendo el reto técnico de registrar trece canciones a ritmo de currulao, tamborito, rumba, aguabajo, juga, fusión afro-latina, juga bambuqueada, bambazú, pasacalle, bunde, mambo y folclor tradicional.
Artefacto Engranaje 2010
CinemaCinco
República de la alegría 2010 www.myspace.com/cinemacinco
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rovenientes del Valle del Cauca, región fértil en chontaduro, borojó y camarón, Cinemacinco nos adentra en la intimidad de un pequeño universo musical creado por ellos mismos para expresar con cierto desparpajo, las historias de seres reales e imaginarios que inspiraron este primer disco. Ellos definen su sonido acertadamente como la gozadera popular rock, una exótica mezcla de groove, raspa y bolero; fraguada en noches de complicidad etílica e inspiración. Prenda la rockola y disfrute de estos diez cortometrajes hechos canción
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a música es un matrimonio entre técnica y emoción, o también la unión libre entre sensación y virtuosismo; sea cual sea el caso, lo que no puede faltar es el amarre para que la experiencia acontezca. Y esto, es lo que sucede con la segunda producción de la agrupación paisa. La propuesta es sólida y vigorosa en el sonido, la banda es potente en vivo y las canciones si que logran penetrar los oídos con la riqueza rockanrolera que tienen. En esta segunda entrega, la búsqueda fue más allá de los acordes y las letras; hay atmósferas, introducciones, momentos realmente explosivos y hasta una muy bien lograda versión de blanca mujer de Draco Rosa. Sin miedo a arriesgar, el artefacto ha encontrado la pieza para encajar.
Lilith
Por: Julián Gutiérrez julianfelipe@gmail.com
Requiem 2010 www.lilithcolombia.com
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a banda antioqueña, Lilith, presenta su trabajo en estudio, ‘Requiem’, en el que logran una fusión de lenguajes que en ningún momento suena forzada. Sara Delgado, Tatiana González, Marcela Carmona, Catalina Villegas y José Julián Mejía, logran en las 13 canciones que compone el disco, un sonido pesado, sin caer en los clichés del género, integrando colaboraciones como la de Mary Hellen, que dan como resultado un disco maduro y promisorio.
Vulgarxito
2010 Boleros del ayer
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ulgraxito vuelve a las andadas con su disco más reciente, “Boleros del Ayer”. Con un sonido que en ocasiones recuerda a bandas como Primus y letras crudas y con un sentido del humor ácido, Vulgarxito logra crear un disco ideal para cuando no se busca algo particularmente profundo.
Providencia Radio Candela 2010
www.providenciamusic.net
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adio Candela de Providencia cumple con lo que promete, siendo un disco que no se aleja mucho de los cánones del género, pero que tampoco es una copia al carbón de otras bandas. Recomendado para quienes quieren darle una primera probada al Reggae.
Frecuencia Serial
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Por: Manuel Estévez manuel_andres@yahoo.com
ace alrededor de un año, fui contactado por la página Escena Indie Colombia para que le ayudara a promocionar una banda argentina mediante una entrevista. Acepté sin problema y fue así como conocí a Leo Road, cantante de The Plásticos. Personaje que merece todo mi respeto y a quien junto con su banda, dedico este espacio en la revista.
Durante muchos años en nuestro país, nos hemos quejado por la falta de oportunidades para la música, dentro de ésta, particularmente para el rock, sentimos tener una industria a su alrededor, pero no es así. Estamos llenos de toda la burocracia y nos da miedo mostrar nuestro trabajo y arriesgarnos. Por esto, me parece importante el ejercicio de contar cómo fue el proceso de The Plásticos hasta realizar una corta gira en Bogotá. Manuel Estévez: ¿Cómo se autogestiona una banda para visitar otro país? Estos músicos, originarios de La Plata, llevaban mucho tiempo trabajando con The Plásticos: Confiando en tu producto y diferentes proyectos musicales sin lograr dedicándole tiempo y corazón al proyecel reconocimiento en un mercado muy dito. Ahora con el auge de las redes sociales fícil, como lo es el argentino. Leo empezó es más fácil y no hay que invertir dinero ni una campaña por Facebook, contactando pagar un manager. a personas en distintos lugares de Hispanoamérica y acercándose a cada persona M.E.: ¿Qué representa para una banda con la cual veía la oportunidad de comque no ha sido trascendente en su país, partir su arte y encontrar apoyo en su detener la oportunidad de tocar en otro? seo de tocar fuera de Argentina.
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Empezaron los contactos en Colombia y gracias al voz a voz, su música empezó a ser conocida iniciando una campaña conjunta con sus fans para que pudieran venir a algún festival en nuestro país, lo cual no se logró; entonces parecieron varias propuestas no muy serias, algunas dudosas, que supieron rechazar. No bajaron la guardia y el trabajo continuó sobre las bases de lo ya realizado, apoyado en medios independientes y radios virtuales. Luego, a fines del año pasado, se confirmó su participación en el Festival Centro 2011, la cual exigió otro reto, conseguir el dinero para los pasajes, no incluido en la paga del evento. Leo logró que un político de su ciudad lo apoyara, ya que finalmente eran representantes de La Plata, en otro país. La gira fue un éxito, tocaron 4 fechas y aquí una breve entrevista que muy amablemente me concedieron antes de empezar a tocar en el Festival Centro.
y visitar otros lugares. M.E.: ¿Cómo cambia este viaje la vida de los miembros de la banda? T.P.: Vamos a ser más felices y seguramente más reconocidos en nuestro país. Estamos cumpliendo un sueño con este viaje y se nos van a abrir muchas más puertas. M.E.: ¿Cómo fue la producción de disco?
T.P.: En Argentina hay mucho prejuicio y sin escucharte te catalogan, y es muy gratificante saber que tu producto gusta y es valorado en otro país.
T.P.: Teníamos editado un EP de cinco temas y al llegar nuevos quisimos editar un disco entero, todo a pulmón y sin el apoyo de nadie. Nuestro ingeniero masterizó todo el material.
M.E.: ¿Por qué Colombia?
M.E.: Un reflexión final, por favor.
T.P.: Tiene una buena escena, es uno de los 4 países de habla hispana importante junto a España, Argentina y México. Fue el lugar que mejor recibió nuestra propuesta desde el principio.
T.P.: Hay muchos discos muy buenos, bien grabados y producidos que la gente jamás conoce porque sencillamente no suenan en ninguna parte, hay que mostrar el material sin temor y creer ciegamente en el trabajo propio.
M.E.: Después del paso por Colombia, ¿Qué planean? T.P.: La idea es plastificar el mundo, teníamos muchas ganas de venir acá. Nadie compra un producto que no ve en una vitrina, así el producto sea muy bueno. Lo importante es mostrar la banda y ahora tras esta importante oportunidad, aprovechar el impacto en los medios argentinos
Bajo la consigna “no tenemos fans sino amigos”, esta banda logró visitar otro país en un año y empezar a obtener el reconocimiento que no había logrado en su país durante años de trabajo. Seguramente su música no va a cambiar al mundo, pero su modo de hacer las cosas, definitivamente demuestra que la música se puede hacer sin burocracia.
Por: Charles Cháchara bacatakarbala@yahoo.es
Varg Vikernes in prison (1995)
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n ateo verdadero no se ocupa de quemar iglesias, le interesa mucho más asaltar palacios, como en Rusia; la herejía es un verdadero acto de fe: el que prende fuego a un templo es un creyente indignado”.
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En los países nórdicos oscurece muy temprano, hace mucho frío, y los paisajes son desoladores y hermosos. Los jóvenes que no necesitan trabajar, reciben un subsidio por parte del estado, nadie muere de hambre, la exclusión social no existe, la vida es terriblemente aburrida y monótona. La religión cristiana ha ido penetrando la cultura de esta región durante los últimos ocho siglos cercenando mentes, subyugando los cuerpos sexuales y prohibiendo la masturbación. El recuerdo de las viejas religiones paganas aún se mantiene y los metaleros sueñan con los vikingos cuando se levantan en la mañana y van a las disquerías a comprar discos de Venom y también creen en el diablo, quieren transformarse en la pesadilla de esa vida color pastel…algo puede empezar. El 6 de junio de 1992 una iglesia, uno de los tesoros arquitectónicos de Noruega que fechaban desde el siglo XII, fue quemada. Antes de enero de 1993 los incendios habían ocurrido por lo menos en otras siete iglesias noruegas. Y empieza la faena: 22 iglesias, algunas que databan de épocas medievales, fueron destruidas durante cuatro años en la guerra desarrollada por el Inner Circle (Circulo Interno). El 6 de agosto de 1992, la iglesia de Fanttoft se quema por completo. Unas semanas más tarde también se incendia la de Hollmenkollen. Y en septiembre arde la Skojold Church. El personaje principal de la trama, el único miembro de Burzum, Varg Vikernes, que se hacía llamar Count Grishnack, admitió su participación en los incendios. Desde ese entonces el Black metal, género estandarte de estas manifestaciones, ha mantenido su influencia en adolescentes de todo el mundo, emponzoñándole una
ideología ambigua, u n pensamiento febril, pero nunca, de nuevo, como en este caso, la voluntad y la acción que tuvieron estos simpáticos chicos noruegos. (Yo, siempre dentro del metal me sentí tan lejos de todo esto, siempre me gustaron los mensajes de odio terrenal, de nihilismo real, cansado de mensajes ficticios, siempre busqué mensajes que tuvieran que ver con los problemas de personas como yo, de hijos de la clase obrera, castigados por el sistema, disciplinados por la escuela, anestesiados por la religión. El thrash es mi hábitat natural. Todo ese asunto del diablo siempre me pareció un chiste excelente, una buena broma de los grupos de metal. Por otra parte detesto el nacionalismo, fatuo, vano, estéril, impersonal... Lee el artículo completo en www.musicmachine.com.co
Sonidos COlombianos de Siempre
Álbum : Verdun 1916 / 1995. Agrupación : Neurosis Inc. Disquera : Talismán Music Grabación y Mezcla: Juan José Virviescas, Estudios Audiovision, Bogotá.
Por : Héctor Mora* hmcontact@yahoo.com
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a Historia cuenta que la Batalla de Verdun-sur-Meuse, al Noreste de Francia, se convirtió en el cementerio de más de 306,000 soldados entre Franceses y Alemanes, arrojó más de medio millón de heridos, y fue el amortiguador de más de 40 millones de ojivas de artillería. Son algunas cifras que describen los 10 meses que duró la batalla más sangrienta de la Primera Guerra Mundial y una de las más salvajes del mundo moderno. Este Holocausto demencial inspira la propuesta fonográfica en la que Jorge Mackenzie asume el liderazgo de la banda y deja de interpretar el Bajo para centrarse en la guitarra y la composición. El álbum “Verdun 1916” de la agrupación Bogotana, Neurosis (ahora Neurosis Inc.), es sin lugar a dudas uno de los mejores y más agresivos discos de Metal hechos en nuestro país durante la década de los 90. Adicionalmente está lleno de grandes logros sonoros y de proyección; “Verdun 1916”, pasaría a la historia nacional como el primer disco en formato cd para una banda de metal colombiana, y contaría con el primer videoclip promocional en presentarse a nivel Internacional por la cadena MTV y su legendario espacio, “Headbangers Ball” latino. El álbum marca una de las etapas más compactas, fuertes y recordadas en la discografía de Neurosis Inc. Jorge Mackenzie (Guitarra), Arley Cruz (Voces), Edgar Sarmiento (Batería) y Camilo Rodríguez (Bajo), desarrollaron un placa histórica de 45 minutos de duración, conformada por cinco temas en Inglés, seis en español y un instrumental; fue grabado en Septiembre de 1994 bajo la producción de Juan José Virviescas y Jorge Mackenzie. El sonido Death Metal del grupo queda claramente definido de principio a fin, a través de temas agresivos, como: “The Eyes of the Soul”, “Military Sacrifice”, “Marea Negra” y el emblemático instrumental “Deprived of Liberty”. La musicalidad evoluciona a nivel vocal y de composición en grandes temas, como: “Verdun 1916”, “El Paso del Tiempo No Cura” y “Convención Ancestral”. En todo ello, se destaca el trabajo vocal de Arley Cruz y la atmósfera general, que como grupo, les daría un contundente estatus de álbum “Clásico y Demoledor” en la historia del Metal de nuestro país.
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El disco sería re editado por el grupo en el año 2003 con un bonus Track del tema, “The White Man” al vivo, y posteriormente en el año 2007. *Productor Radio / TV. Actualmente vinculado a la frecuencia radial Radionica. www.radionica.gov.co
RELATOS SONOROS
Por: Simona Sánchez saimonmoon@hotmail.com
S
Esperanza Spalding
in buscar referencias, sin buscar imitaciones. Experimentación… libertad… improvisación… jazz… canción de cuna contemporánea. Escuchar a Esperanza Spalding es sumergirse en un universo de sabores y colores melódicos sencillamente deliciosos. En dónde nunca se nos anticipa y siempre sorprende.
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Hija de África, hija de Norteamérica, hija del blues, del jazz, hija de una madre soltera en Pórtland; esta mujer de 26 años, sencillamente hermosa y con una actitud dulcemente impactante, lleva más de 20 años en la música, aunque sólo hasta hace poco salió a relucir gracias al Grammy que le otorgó este año la academia como Artista Revelación y, el cual permitió que su nombre y su música fuera protagonista del espectro de la vanguardia musical mundial. Sus canciones están inundadas del placer musical, del don de la interpretación que se le otorgó; palpitar como el corazón, mantener el groove de una canción, interpretar el bajo con mucha delicadeza, y a eso, añadirle una melodía ensoñadora. Esperanza, como bajista, contrabajista, compositora y cantante, ha pasado por diversos géneros musicales lo cual le ha otorgado una gran versatilidad en cada uno de sus trabajos (funk, jazz, R&B, hip hop, música brasilera, etc), he aquí la ejemplificación de libertad sonora sin condiciones de la que hablé al inicio. Una libertad que no sólo se manifiesta a través del sonido, sino de su mismo carácter. Su formación fue en casa, no hizo parte de las instituciones educativas tradicionales, hasta que a los 15 años decidió ingresar, y fue allí dónde se enamoró por primera vez… conoció el bajo acústico. Un amor al que ha sido fiel hasta la fecha. Un amor que ha estudiado, conocido, reconocido, profundizado, re inventado y, al que le ha dado su toque mágico. Esto ha permitido que Esperanza haya logrado tocar con los grandes, sin embargo, es lo que es, gracias a ella misma. Tiene nueve discos en su historial, seis como integrante de diversas agrupaciones y solistas (Noise for Pretend, Stanley Clarke y Nando Michelin Trio, entre otros) y tres en solitario, lo cual nos permite ver que a su corta edad lleva un largo camino recorrido y, lo mejor es que le queda muchísimo más por transitar; un camino de juegos dulces sonoros y melodías consentidoras para el alma.
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RELATOS SONOROS
Por: Simona Sánchez saimonmoon@hotmail.com
A
l mejor estilo de los clásicos del Soul, el R&B y el Rock and Roll, Janelle Monáe es todo un personaje cinematográfico con una banda sonora impactante. Un personaje que causa controversia, una mujer auténtica que sin pensarlo está llenando una ausencia femenina en la música negra de los últimos años. Mezcla de hip hop y soul (aunque experimenta un sin fin de sonidos, ritmos y ambientes), Janelle queda anclada como una fotografía en blanco y negro en la mente de quienes la conocen a través de sus videos y su música. Ella hace parte de un fenómeno, que a mi parecer, está resurgiendo de las cenizas: el artista reconocido y reafirmado a través de su personaje. Porque el artista musical es un actor que interpreta diversos personajes o que crea un personaje único que pasa a la historia como icono o representante de un sector o género; un personaje repleto de caracterizaciones a través de cada una de sus narraciones melódicas, un personaje construido gracias a diversas herramientas artísticas, que no sólo incluyen lo musical. Y así es Janelle Monáe, increíblemente histriónica. Actriz y cantante de Kansas, apadrinada por Big Boi de Outkast, telonera de bandas como No Doubt y, quién presenta un personaje y un estilo que tiene un poco de todos, de los grandes que la anteceden y, con quienes tiene en común, las raíces, el groove, el baile, el talento, la historia y sobre todo, la autenticidad. Ella no pasará desapercibida, desde ya está escribiendo un capítulo en la historia del soul y el hip hop, un capítulo en blanco y negro, melódicamente cinematográfico, como su segundo disco: Archandroid. Un disco impactante, acompañado de una historia en videoclips que vale la pena ver y, sobre todo, contagiarse.
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s bueno ver que en este país se esté generando cada vez más apoyo por las múltiples propuestas musicales que se vienen desarrollando de una manera seria y constante a lo largo de los últimos años, muchos medios especializados apuntan a señalar que los artistas que están introduciendo elementos de música autóctona colombiana, son quienes han hecho crecer la industria. Yo prefiero ser menos optimista y más realista, buscando primero los factores que muestren por qué se está generando gran acogida en torno a esta situación y, por qué cada vez más artistas están dejando a un lado lo que verdaderamente les gusta hacer, dejándose seducir de este movimiento. No estoy de acuerdo con la tesis que enuncia que muchos músicos rockeros en nuestro país, están despertando una conciencia musical por la música propia, puesto que en Colombia muchos artistas que han realizado múltiples proyectos en torno al rock y afines, han dejado de tocar lo que verdaderamente les gusta, para subirse al bus de la cumbia fusión, creyendo que éste será el mesías salvador que justifica tantos años de esfuerzos y, reivindicando la sed de éxito y reconocimiento nacional e internacional, buscado durante años; de la mano de los que llamo ‘la generación Manu Chau’, la cual vive inmersa en un imaginario donde priman los contrastes, donde abundan los clichés machacados y reciclados que hacen referencia a problemáticas socioculturales, son, desde mi punto de vista, falsos sentimientos de pertenencia cultural y mucho amor por un país que desconocen en el fondo.
Y es la misma generación esnobista que hace un tiempo posteaba en redes sociales videos de Wendy Sulca para hacer mofa de la misma, con un mensaje adjunto al URL que decía: “marica se va a cagar de risa”, pero que ahora son los mismos que hicieron un Sold Out en Bogotá, coreando y cantando sus canciones y almacenando una que otra canción en el celular, todo porque la cumbia postmodernista de la selva de cemento está de moda, evidenciando la hipocresía auditiva en la cual estamos inmersos.
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Alimentando la frágil esperanza de muchos músicos y artistas frustrados que tiene como slogan optimista la frase: “con esto si vamos apegar en EEUU y Europa”, o la popularísima: “con esto si nos van parar bolas las grandes disqueras”. No digo nombres propios porque cada quien sabe que dice y por qué hace lo que cree que sabe hacer. Si artistas como Gogol Bordello, Asian Dub Foundation, Ojos De Brujo entre muchos, no son estrellas multiplatino en sus países de origen, entonces por qué los músicos que se están subiéndo al bus de la cumbia en Colombia viven con la preocupación de ser rockstars de mochila y alpargatas de
Por: Jorge Rivas pressrivas@gmail.com
gira por Europa, pretendiendo representar algo que a duras penas sienten como propio; a sabiendas que lo más cercano que han vivido estas músicas, es en una izada de bandera de quinto de primaria, bailando el Mapalé o Currulao con un traje que les hizo su mamá la noche anterior. Está bueno lo que hacen artistas como La Makina del Karibe, Hotel Mama, Bomba Estereo, Tumbacatre, entre otros, no obstante, lo que sí tienen que entrar a indagar todos los que disfrutan esto en la farra chapinerezca de racamandaca, es ver el origen de estas fusiones y porque no, ahorrar para pegarse el viaje a conocer lo que verdaderamente se vive y se goza como propio en lugares como Mompox o el Banco Magdalena, donde el pescado no sólo es para semana santa y donde la sabiduría no se encuentra en wikipedia. No tengo nada en contra de la fusión de música occidental con ritmos propios de nuestro país, es más, lo disfruto y lo apoyo, lo que no comparto, es que se están perfilando a artistas de Gibson, sintetizador y alegre, como los futuros máximos exponentes de la grandísima diversidad cultural y musical que existe en Colombia.
Por: Efraím Medina Reyes*
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eos y malditas" es una de las canciones que integra el álbum "La forma del vacío" de 7 Torpes Band. La escribí explorando dos aspectos de la visión estética que impone El Mecanismo. Uno de esos aspectos es ver la fealdad como un límite y, el otro difundir la idea de belleza como un fin. Para El Mecanismo ambos, belleza y fealdad, son estereotipos más o menos definidos. Es obvio que la mujer, o el cuerpo de la mujer si queremos ser más exactos, es el elemento básico del consumo. Todo lo que está en venta es relacionado con ese elemento. Un jabón, las ruedas de un automóvil, un cementerio... Siempre hay una mujer sonriente junto a cualquier producto. Ese cuerpo es el objeto del deseo que debe irradiar el producto. El hombre ha creado un mundo donde la mujer está "obligada" a ser bella, un mundo donde esa es la única posibilidad legítima de una mujer y todo el resto es auto conmiseración, esfuerzo y angustia. Ninguna chica, por bella que sea, está a salvo de ser fea en el esquema del Mecanismo. La función del estereotipo es que ninguna mujer se sienta en grado de alcanzarlo. Vender significa crear desasosiego, prometer un resultado que jamás se alcance. Millones de mujeres sueñan con eliminar la celulitis y dedican sus vidas a probar todas las curas posibles e imposibles. Entre más bella es una mujer más delicado será su equilibrio al confrontarse al estereotipo y más sufrirá al descubrir algo que considere un mínimo defecto en ella. Entre más fea es una mujer menos conflictos tendrá frente al estereotipo. Es fea, mala suerte y punto. Puede sólo matarse o hacerse a un estilo. En cambio la belleza corre todos los riesgos y no tiene coartada y son ellas, las bonitas, quienes se suicidan más a menudo. * Escritor colombiano nacido en Cartagena de Indias, radicado en Vicenza (Italia) autor de Seis informes: Erase una vez el amor pero tuve que matarlo, Sexualidad de la Pantera Rosa, Técnicas de masturbación entre Batman y Robin, la colección de poemas Pistoleros/Putas y Dementes (Greatest Hits) y el libro de relatos Cinema árbol.*
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Por: Dr. Rock gustavo.arenas@gmail.com
los 84 años de edad y en cumplimiento del deber, CHUCK BERRY colapsó el día de año nuevo en el Congress Theatre de Chicago. Tres semanas más tarde estaba dando su toque mensual en el tradicional restaurante Blueberry Hill, en San Luis. Aunque durante el último par de años se había vuelto reiterativo que Charles Edward Anderson Berry, olvidara las letras o los acordes de sus canciones, o que repitiera tres o cuatro veces el mismo tema sin darse cuenta, el llamado “Padre del Rock & Roll”, rehúsa a retirarse. Se ha debatido a lo largo de los años sobre quien fue el creador del R&R, si Elvis o Bill Haley o Chuck Berry, lo cierto es que todos tres llegaron a lo mismo por diferentes caminos, cada uno tuvo lo suyo y lo aportó, pero sólo a uno se le ha dado el título de Rey.
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Por el firmamento del Rock, Haley pasó tan rápido como el cometa, Presley y Berry han perdurado. Elvis, con su nombre omnipresente y ayudado por su atractiva figura, ejerció un dominio relevante en el arte más popular de la segunda mitad del siglo XX, pero ha sido Berry el autor de los reglamentos. Sus líricas de rebeldía adolescente, vida escolar, rumba, carros y pintas, adaptación al trabajo y una sociedad de consumo, se reflejan en sus composiciones; el solo de guitarra presente en toda buena canción de rock y, el acompañar su toque de guitarra con un característico baile, son elementos que siguen siendo el punto de partida para cualquier músico de rock 50 años después.
Chuck Berry, a pesar de haber crecido en un hogar clase media lejos de necesidades, ha conocido el lado duro de la vida y, se puede decir que es un canero viejo; a los 18 años, en 1944, fue condenado por robo a mano armada. En 1959 tuvo problemas por trasladar de un estado a otro a una menor de edad, lo que le llevó a prisión por año y medio. A finales de los 80 fue acusado de observar a la clientela femenina a través de cámaras colocadas en los baños de un restaurante de su propiedad y, en las requisas correspondientes a este caso, le encontraron cannabis, y por esto se declaró culpable recibiendo una condena suspendida. Berry siempre ha estado en la mira de las autoridades tributarias, siempre exige en sus contratos que se le debe cancelar en efectivo para dejar el menor rastro de sus ingresos. En 1973 fue encerrado durante 4 meses por evasión de impuestos. Pero su más reciente enredo con la ley fue en 2000, cuando tuvo que responder a las demandas de su ex pianista Johnnie Johnson, quien alegaba 50 años más tarde el haber sido co-compositor de algunas de sus canciones, esta vez la justicia estuvo de parte de nuestro Chuck. Johnny B Goode, Maybellene, Roll Over Beethoven, Oh Caroll, Sweet Little Sixteen, Rock and Roll Music, Little Queenie, para nombrar sólo un puñado de sus composiciones, son himnos del Rock and Roll que se han escuchado por décadas y se seguirán escuchando, en covers o en sus versiones originales.
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Chuck Berry en el imperio del rock, es un rey sin corona, pero es un monarca de estirpe mayor, siempre ejerciendo el dominio sobre sus huestes, imponiendo su autoridad y, dejando sus enseñanzas y su legado para la posteridad. Grandes como John Lennon y Keith Richards, nunca escondieron el respeto que les merecía el haberlos influido desde temprana edad. Robert Christgau, destacado crítico musical, lo llama “el más grande de los rocanroleros”. John Lennon dijo algún día: “si alguien trata de darle al Rock and Roll otro nombre, debería llamarlo Chuck Berry”. Y por su parte, Ted Nugent afirmó que “si usted no se sabe cada lick de Chuck Berry, usted no puede tocar guitarra de rock”. A Chuck Berry, le podemos atribuir los títulos de padre, creador, rey, monarca, cacique, patrón, jefe, raíz, cimiento, sembrador de la semilla, cultivador, autoridad, ejemplo, espejo y cien calificativos más en el inmenso mundo del Rock and Roll. Y sigue tocando…
Por: Santiago Arango Naranjo Director del Festival Altavoz - Medellín santiago@hagalau.net
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ecreen esta escena en su cabeza: “Un hombre de tez morena y cabello largo, al mejor estilo de las bandas de rock de los 70’s, camina por Villanueva, recién sale del trabajo y se dirige agotado y hambriento a su casa. Mientras camina, súbitamente un disparo zumba cerca de su cabeza, él corre y acto seguido frena a su lado, con torpeza, una camioneta con vidrios polarizados y hombres armados que lo obligan a subir al vehículo”. Lo que sucede después queda como un final abierto de la historia. Aunque en la canción “Visiones de la muerte” del grupo de hard core punk de Medellín, Fértil Miseria puede hallarse otra versión. Y así, es porque en ella se narra la historia de un joven que fue asaltado en su cotidianidad para subirlo a una camioneta con hombres armados, pasearlo durante horas, interrogarlo y finalmente amenazarlo, diciéndole que no lo querían ver de nuevo por el sector. Él, Juan Carlos Londoño, guitarrista de esta banda paisa, fue afortunado y aún pude interpretar su instrumento. Otros, quizá, aún no aparecen. Si se escucha desprevenidamente esa canción, que es uno de los himnos de la música independiente de la ciudad, puede sonar como una historia sin relevancia, pero cuando sabemos que esa pieza se desarrolló en 1997, en plena época del sicariato y la violencia urbana y rural del país, adquiere otro valor, pues ayuda a comprender la complejidad sociopolítica de ese momento histórico en Medellín.
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Agrupaciones como Parabellum son considerados en el mundo como los fundadores del ultrametal, o bandas como Frankie Ha Muerto son concebidas como las pioneras del gótico y postpunk en Colombia y, por su parte el grupo Neus, es llamado el padre del industrial nacional. ¡Y qué decir de Puerto Candelaria…! Renovadores del concepto del jazz colombiano. Estos grupos integran Las 100 canciones de la música local, una investigación realizada por el colectivo independiente HagalaU ¡No pase de largo! con el apoyo para de la Emisora Cultural Universidad de Antioquia Sistema de Radio Educativa.
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Medel La idea –que se convierte en una versión y no es ni pretende ser la última palabra–, nació en enero de 2010, cuando HagalaU pensaba en las actividades que realizarían para la celebración de sus 10 años. Una de ellas fue la creación del proyecto periodístico, Las 100 canciones de la música local, concebido como una necesidad para comprender la música local según los momentos históricos, los sonidos, el contexto social, qué dice, qué aportó esa canción y qué significó en el desarrollo de la música de la ciudad. Canciones de industrial, jazz & nueva música colombiana, punk, celta, hard core, gótico, postpunk, ska, hip hop, salsa, reggae, electrónica, pop, de autor, metal y artistas independientes de Medellín y Antioquia exclusivamente.
Durante 2010 se desarrolló la investigación; indagando a los asistentes del Festival Altavoz y en diferentes conciertos de la ciudad, encuestando a 70 músicos. Asimismo, se encuestaron periodistas, investigadores, operadores de sonido y críticos musicales, entre ellos: Juan Antonio Agudelo –promotor Cultural de Comfenalco–, Patricia Valencia –investigadora del libro Medellín en vivo: la historia del rock–, Luís Grisales de 95.9 Cámara FM, Santiago Rendón de Radioacktiva y Jorge Ceballos de Estudios El Pez. Finalmente, durante cinco meses se realizó una encuesta abierta a través del portal especializado en música de Medellín, www.hagalau.net, como ejercicio de construcción colectiva.
Las 100 canciones que surgieron de ese proceso impactan en el compendio por su aporte social, su incidencia mediática, su traducción de la ciudad, sus contribuciones a la música local, su representación de los diferentes parches o circuitos, el grado de recordación del público y finalmente por su pertinencia histórica. Para los que gustan pensando… ¿y cuál fue la número uno? No es un listado, es la construcción de nuestro legado sonoro. Sin melancolía, puede decirse que al leer cuáles son las canciones o mejor aún, al escucharlas, queda una sensación, un extraño entumecimiento en el cuerpo que nos dice: el sonido ya no es el mismo, nosotros ya no somos los mismos, hemos cambiado.
Mortaja de letras
19
Frankie Ha Muerto
Muere Libre
20
Kraken
888 Metal
21
Reencarnación
Solo
22
Ekhymosis
llin
Vestido de cristal
23
Kraken
Relajación
24
Mojiganga
A continuacion, Las 100 Canciones:........
La tierra
25 El Faltón
1
Carbure
El pobre
2
Bajotierra
Lo que ustedes se merecen
3
I.R.A
Todo hombre es una historia
Qué se yo!
10
26
Emilio dice
Stella Maris
Mojiganga
11
Nadie
aeiou
12
Juanitadientesverdes
Visiones de la Muerte
Tr3sdeCoraZón
27
Parlantes
Atentado Terrorista
28
I.R.A
Jonás
13
29
Sin reacción
Engendro 666
Otoños de alcohol
5
14
30
Quién crees que eres?
La jaula de oro
4
Kraken
Mutantex
El velo
Fértil Miseria
Parabellum
Los árboles
Tenebrarum
31
6
15
Brutales Masacres
Muévete
Escúchame
16
32
Vive tu vida
Dinero
Día Perfecto
8
17
Estados Alterados
7
Masacre
La pestilencia
Ojos enfermos musicmachine.com.co
A mis amigos
9
Bajotierra
Neus
Estados Alterados
Pestes
Llegaron los peluqueros
18
Los yetis
Laberinto E.L.C
DBAM
33
El pez
Jugar matar
34
Frankie Ha Muerto
Lee el artículo completo en www.musicmachine.com.co
Ekhymosis
CIne
Por: Felipe Sepulveda Martinez Artista Plástico Y Visual / Diseñador Grafico Contacto: Impulsedsxe@Gmail.Com
C
ada día que pasa en Colombia, es un día que a muchos les aflige al estar inmiscuidos dentro de un conflicto de intereses, el cual casi que de manera obligada, les ha tocado vivir. La esperanza de vivir es una oportunidad de existir de manera digna dentro de estas circunstancias ya que en ellas reposan los sueños y los deseos de seres humanos que al igual que muchos, luchan por sus seres queridos y por lo que a diario construyen. Estas historias nos enriquecen y nos hacen ver que este mundo es grande y que la vida se vive y se enriquece de nuestras experiencias, de la reflexión y del sentido crítico con que asumimos nuestras decisiones, que en la decisión de buscar un balón, se reflexione sobre una serie de circunstancias que a toda una comunidad afectan de manera positiva o negativamente y que por tal motivo el sentido de comunidad se construye desde la niñez. Tal vez por esa razón y para muchos ha sido un agrado ver la película de Carlos César Arbeláez y especialmente de este grupo de niños, que hacen de sus vivencias un referente de vida sin caer en el pauperismo de otras pelícu-
las colombianas. En ellos reposan las esperanzas sin amarillismo y sin temor a la realidad que los cobija, las toman de frente y encuentran en el proceso de vivirlas, un aprendizaje inmenso de sí mismos, de sus familias y de su comunidad. Los colores de la montaña ya ha roto records importantes en la historia del cine en nuestro país, y no me refiero a taquilla, si no a recepción del público general en todo el mundo, en las ganas de verla del público nacional y sobretodo de los buenos comentarios con sentido crítico que en la calle se escuchan sobre ella, ya que muy poco sirve que estos, salgan de grandes medios cinematográficos o medios de comunicación; es la gente quien da un buen sentido a la película, a pesar de su parecido temático a otras películas de países similares al nuestro con relación al conflicto armado interno, como Irán, especialmente la película “Las tortugas también vuelan” de Bahman Ghobadi. No obstante dentro de la historia del cine en Colombia “Los colores de la montaña”, es la respuesta a miles de gritos y añoranzas de un cine que no nos retrate como ciudadanos de un mundo amarillista, que solo tiene un gusto particular por el dinero, la droga y las putas, que a pesar de que Colombia como país, tenga unas dinámicas sociales y culturales muy bajas, sigan hundiéndonos en ellas gracias a la perspectiva tan poco creativa y critica de nuestra
sociedad gracias a películas de poca profundidad que se perduran en telenovelas de héroes de la droga y mujeres de éxito gracias a la venta de su sexualidad. Estos niños son el reflejo de un presente que se construye, sus historias de vida son una motivación para ampliar el panorama de los agentes constructores de sociedad y la película en sí, es un respiro ante tanta parafernalia cinematográfica de lo que significa ser de este país.
www.peliculaloscolores.com www.derechoshumanos.gov.co/Observatorio Palabras Clave: Historia del cine colombiano, minas antipersonales, futbol, comunidad
Publireportaje
E
l pasado 09 de abril OZZY BAR ROCK CAFE celebró por lo alto sus catorce años de existencia con Kraken y Akash en vivo; son catorce años de buena música, buena atención y buenos eventos. Su propietario Alex Gracia, ha logrado con mucho esfuerzo consagrar a OZZY BAR ROCK CAFE como uno de los lugares más importantes del género en la ciudad de Bogotá donde sus clientes haTn podido ver a artistas locales y bandas internacionales como Paul Dianno (Primer vocalista de Iron Maiden), Katatonia (Suecia), The 69 Eyes (Finlandia), Apoptygma Berzerk (Noruega), Obús y Lujuria (España), The Plásticos, Falsos Conejos y Mr. Mojo (Argentina), Sibelius (Venezuela), Polyphase (Panamá) y por Colombia a las 1280 Almas, De2, TBCB, Lilith, Tenebrarum, Kronos, Las Pirañas Amazónicas, Koyi K Utho, Potestad, Black Memory, Lapsus y Alfonso Espriella, entre muchas otras. El próximo sábado 04 de junio se estará presentando The Hall Effect cerrando su gira nacional e iniciando sus presentaciones en diferentes países del mundo. Todos los fines de semana se presentan bandas en vivo con unas condiciones técnicas y de sonido que muy pocos bares de rock en la ciudad pueden ofrecer; los jueves son de “Micrófono Abierto”, un espacio donde los invitados pueden compartir tarima con la banda de planta; el bar cuenta además con una recién inaugurada área de comidas tipo gourmet. OZZY BAR ROCK CAFE agradece a todos y cada uno de sus clientes que han estado presentes durante tanto tiempo y a todos aquellos que comparten cada fin de semana un momento de buen Rock N‘Roll en sus instalaciones.
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OZZY BAR ROCK CAFE extiende su agradecimiento a los medios de comunicación que han sido fundamentales en su consolidación como lugar de eventos: Canal Capital, RCN TV, Emi Music, Evenpro, Radiónica, Radioacktiva, Superestacion. fm, Rockombia & Music Machine Magazine.
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J
amás hemos vivido modas tan fugaces como las surgidas entre ludópatas, curiosos y usuarios de las redes sociales, pero las más llamativas para pocos, así sean educativas, no dejan de ser productivas cadenas que horas después de publicadas en cientos de miles de muros, a nadie le importan. Así pasó con la moda Mockus, las campañas antitaurinas, la perra torturada, el maltrato infantil y la prevención del cáncer, y ¿en qué cambió el asunto? en nada, porque desde la tecnocracia neoliberal mediática se fortalecen capitales privados, no reivindicaciones sociales, además, se convence a los crédulos usuarios que están cambiando el mundo sentados frente a su computador. Una de dichas cadenas decía algo como: “Muchos necesitan saber que: ‘hay’ es haber, ‘ahí’ es un lugar, ‘ay’ es una exclamación. ‘Haya’ es haber, ‘halla’ es encontrar, ‘allá’ es un lugar, ‘haiga’ no existe. ‘Botar’ es para la basura y ‘votar’ es su derecho de elegir. ‘Iba’ es de ir, ‘iva’ es un impuesto, e ‘hiba’ no existe. ‘Valla’ es un cartel grande, ‘vaya’ es ir y ‘baya’ es un fruto…” Sin embargo, más allá de la tácita maniobra a la que se somete a los cibernautas con estas cadenas que prometen dejar hasta 180 dólares mensuales, es evidente que el promedio general de las personas no sabe escribir correctamente, habiendo un grave desconocimiento de nuestro lenguaje, y por ende, de nuestra memoria colectiva. Y es que si la organización de ideas en nuestro cerebro, desde nuestra lógica es coherente, así mismo debería ser al escribirlas, porque el problema no solamente se basa en confundir significados y ortografía, sino, en la pérdida de la cultura lectora, dado que sin ese ejercicio mental, junto al desconocimiento de las reglas gramaticales, sintácticas y semánticas, las futuras generaciones carecerán de las herramientas para legar su versión de la historia.
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Por eso, nuestro más importante hábito de comportamiento es el lenguaje, porque fue la tecnolo-
naturales de lo que se quiere expresar y porque están complementando y creando la situación que involucra los gestos, los ademanes y los rostros de los interlocutores.” Afirma el profesor Luís Alfonso Ramírez Peña, en su libro, ‘Comunicación y Discurso.’–
gía que permitió a la humanidad comunicarse. Los sonidos, luego articulados con los significados resultados de la abstracción de la realidad, dieron paso a las palabras escritas, que aún hoy, cumplen una función simbólica en nuestros contextos, e indiscutiblemente, también representan el conocimiento y la intelectualidad. En un comienzo, casi todas las culturas fueron orales –después de ser visuales–, por ejemplo, hasta el siglo IV a.C., cuando los aedos y rapsodas griegos, por tradición y orden imperial, tenían la función de mantener y repetir las leyendas épicas de los héroes mitológicos para preservar un régimen social; tal es el caso de la Iliada y la Odisea, que a propósito, no fueron escritas por Homero, como lo describe la historia, sino por el contrario, fueron transcritas por un ‘escriba’ mientras él, siendo ciego y campesino, las recitaba luego de haberlas escuchado de sus padres, y éstos de los suyos, y así, generación tras generación, limitando su presente a un pasado prediseñado. –“La oralidad no tiene la capacidad de conservar la memoria de los pueblos, porque es utilizada para la interacción y el contacto en el aquí y el ahora… Es el medio más directo y auténtico porque las palabras tienden a ser indicios
Pero, esta situación no quedó ahí… más adelante, gracias a la necesidad de comunicación entre desconocidos interlocutores en el tiempo y el espacio, nace la escritura; en Alejandría, por ejemplo, la vida intelectual y dialéctica (las filosofías, ciencias y problemáticas propias de aquel periodo) giraban entorno a la biblioteca, que, aunque era de uso predominantemente de las élites, sirvió de base para que posteriormente la escritura alfabética se aceptara como herramienta indispensable en la vida cotidiana y en todos los niveles de la educación, por cuanto la construcción del sentido en un texto, requiere organizaciones y estructuras mentales diferentes que las utilizadas en una conversación. Si bien es cierto la pluma, la imprenta, la máquina de escribir y actualmente el computador, son tecnologías que han permitido a nuestra especie comunicarse e interactuar durante más de dos milenios en todo el mundo, esta última difiere de sus antecesoras por cuanto es un sistema de representación donde el medio para transmitir la información (cobre, fibra óptica y señales electromagnéticas) permite, además de letras, transferir imágenes, videos y sonidos, usando los mismos procesos simbólicos del lenguaje oral y escrito: por un lado, los códigos lingüísticos y, por el otro, los códigos multimedia, que son los equivalentes –diría yo– a la quinésica (movimientos y sonidos corporales) que usamos en los actos comunicativos presenciales. Aunque deshumanizados, estos procesos de comunicación modernos acercan en la distancia, pero con un alto costo; la manipulación. Así como los antiguos griegos eran obligados a escuchar diariamente las
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leyendas míticas de los dioses y sus herederos para ser controlados, la humanidad actual está expuesta 24 horas del día a mensajes e información diseñada y dirigida especialmente, no sólo al consumo de bienes y servicios, sino a cautivar su realidad, induciéndolo a ver, creer, sentir y pensar de un modo específico (por eso las cadenas), eliminando su capacidad de análisis y criterio, especialmente en los ámbitos políticos y sociales (resumiendo parte de lo que menciona el italiano Giovanni Sartori en su libro, ‘Homo Videns, La sociedad Teledirigida’). Es por ello que el papel que juega la escritura en nuestros días es valiosísimo, porque, por un lado, nos aleja de la tecnología que distrae nuestra atención de la realidad (aquella realidad que requiere de memoria colectiva para construir un futuro colectivo), y por el otro, porque nos permite construir un registro detallado del comportamiento, pensamiento y sentimientos de cada uno de nosotros, quienes percibimos el mundo de manera diferente, enriqueciendo así una sociedad intelectualmente pobre y conducida a través de una pantalla de computador… Igual, no importa si se usa laptop, desktop, la litografía del centro, una Adler-Royal de finales del siglo XIX, o un simple bolígrafo de 500 pesos, la idea es comunicarnos mejor y de manera reflexiva mediante el uso correcto de nuestro lenguaje.
Por: Miguel Corzo F. miguelcorzo@gmail.com
Podrán quemar nuestras bibliotecas, formatear nuestros discos duros, vaciar nuestros correos electrónicos, pero jamás, podrán quitarnos la posibilidad de diferenciarnos de los animales llevando nuestro intelecto al máximo. Escribir libera.
REVIEWS 2011
RADIOHEAD
THE STROKES
FOO FIGHTERS
www.radiohead.com
www.thestrokes .com
www.foofighters.com
The King of Limbs
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adiohead continúa con una postura independiente bastante radical, que revoluciona el mercado discográfico y prende las alarmas de la ya tan preocupante situación económica de la industria. Esta vez lo hace con una campaña novedosa realizada por medio de la distribución de un diario llamado ‘The Universal Sigh’ por 61 ciudades en el mundo, para la promoción de su octavo álbum en estudio, ‘The King of Limbs’, una de las mejores piezas sonoras del quinteto británico y quizá del año en curso, producida por Nigel Godrich (Considerado como el sexto integrante de la banda) y lanzada a nivel mundial de forma digital, en la que combina a la perfección una serie de sonidos meláncolicos, líricas subjetivas e indescifrables, dentro de estructuras y melodías disonantes, inquietantes y disímiles. El álbum de ocho canciones entre las que se destaca la desoladora “Codex”, la inquietante “Little By Little” y la enérgica “Feral”, viene acompañado del periódico en una edición de lujo, que estará disponible desde el mes de mayo e incluirá dos vinilos, un disco compacto, 625 pequeñas piezas de arte gráfico y un empaque especial diseñado por Stanley Donwood (quien ha venido trabajando con Radiohead en discos anteriores). El primer sencillo del disco es “Lotus Flower”, cuyo video causó rápidamente sensación en las redes sociales, por la inusual actuación de Thom Yorke.
Angles
P
asaron más de cinco años, hasta que la banda neoyorquina de rock, se reuniera y lanzara al mercado su más reciente producción titulada Angles, un disco con el que vuelve a apoderarse de la atención de la crítica especializada, reinventándose y poniéndose al día con la actual atmósfera musical, favorablemente invadida de sonidos modernos y vanguardistas. “Under The Cover of Darkness” es el primer sencillo del quinteto liderado por Julian Casablancas y Nick Valensi, con el que retoma su carrera que iniciara en 2001, en la que el grupo evoca el sonido de sus exitosos predecesores, pese a que en tracks como “Machu Picchu” o “Games” se aseguran de acercarse a nuevos públicos, con diferentes esquemas de composición y ritmos. ‘Angles’ se traduce en cinco formas de ver la música de sus integrantes, idea principal que le da vida al nombre del álbum, grabado y producido en casa de Albert Hammond Jr. en el que se usan técnicas diferentes de grabación al estilo de bandas como MGMT o Arctic Monkeys. Mientras los Strokes, se preparan a presentarse como actos principales de festivales como Reeding & Leeds Festival, Isle of Weight, Lollapalooza, Rockness, Austin City Limits o Coachella, ya están haciendo planes para el siguiente disco, que en gran parte proviene del trabajo de las sesiones de Angles, sin duda, uno de los más destacados y quizá más esperados de lo corrido del 2011.
Wasting Light
U
na de las bandas más sólidas de las últimas décadas sin duda ha sido la que creara el ex-Nirvana, Dave Grohl en 1994, y ha sido en estos años en los que ha demostrado ser un músico excepcional, integral y carismático, con un talento innato que ha sabido explotar a lo largo de su carrera en Foo Fighters. Es así que luego de haber prensado un muy bien recibido Grandes Éxitos de 2009, para este 2011, presenta su séptimo disco, titulado ‘Wasting Light’, en el que se oficializa el ingreso de Pat Smear (guitarrista de soporte de Nirvana) en las guitarras, después de una serie extensa de colaboraciones previas en la banda. Producido por el reconocido Butch Vig (Garbage), quien produjera el ‘Nevermind’ de Nirvana, el ‘Siamese Dream’ de los Smashing Pumpkins o ‘21st Century Breakdown de Green Day, ‘Wasting Light’ es un disco completamente rockero de principio a fin, lleno de excelentes canciones que inmediatamente se quedan en la memoria, como ‘Rope’, ‘Dear Rosemary’, “These Days”, “I Should Have Known’ al lado de Krist Novoselic, ‘White Limo’ en la que interviene la voz de Lemmy de Motorhead o la nostálgica “Walk” que cierra el disco. Foo Fighters sigue pisando fuerte, y mientras alista una extensa gira de promoción por Europa en los más grandes festivales como T in The Park, Isle of Weight o Pink Pop Festival, ya tiene listo ‘Medium Rare’, un disco de covers de las influencias directas de Grohl y compañía como Cream, Thin Lizzy, Pink Floyd o Ramones.
LOS TRES MEJORES DISCOS DEL 2010
The Suburbs ARCADE FIRE
www.arcadefire.com
Brothers THE BLACK KEYS www.theblackkeys.com
Sea of Cowards THE DEAD WEATHER www.thedeadweather.com
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Articulos Por: Donny Rubiano donnyrubiano@hotmail.com
Continuacion de la Pagina 23 epresentantes absolutos del fenómeno y del poderío independiente de los últimos años, estos canadienses han traspasado todas las expectativas y se han convertido en un ícono del rock actual en la escena mundial de la música. El pasado mes de febrero, sorprendieron positivamente a la crítica musical por su merecido reconocimiento con el premio a ‘The Suburbs’ como Mejor Álbum del Año, uno de los más importantes de los Premios Grammy, galardón que recibieron en los Brit Awards y los Juno Awards. Arcade Fire, es una banda joven que nace en Montreal en el 2001, compuesta por ocho integrantes multi-instrumentistas, que plantea una propuesta basada en el rock, con un formato folk e instrumentos inusuales como la mandolina, el xilófono, el acordeón, violines y violonchelos, ukulele, entre otros elementos no convencionales. En 2004, Arcade Fire, lanza su primera producción discográfica titulada ‘Funeral’, muy bien recibida por la crítica especializada, que le permite ser el grupo telonero de la gira de U2, en 2007, presenta ‘Neon Bible’, su segunda placa, que posiciona la banda a nivel mundial y es en 2010, con ‘The Suburbs’, un disco insuperable y elegantes y grandiosas melodías, grabado en su totalidad en casa del matrimonio fundador de la banda: Win Butler y Regine Chassagne, con el que obtiene el reconocimiento de la industria, de los músicos y del público, como una de las bandas más influyentes y creativas de la última década.
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T
he Black Keys es un dúo norteamericano de blues rock, conformado por Dan Auerback (Guitarra y Voz) y Patrick Carney (Batería), con una nutrida carrera discográfica iniciada en 2001 en Akron, Ohio. Su trayectoria había sido reconocida por un círculo muy cerrado de amantes de la cultura underground, característica de la escena independiente, mejor conocida como indie, gracias a la pureza en sus grabaciones y crudeza en vivo, que inició en 2002, cuando es lanzado su álbum debut ‘The Big Come Up’, seguido por ‘Attack and Release’ de 2008, el disco que le da mayor visibilidad, además de la colaboración en el proyecto ‘Blakroc’, producida por Damon Dash y grabado por el conocido Joel Hamilton. En 2010, el dúo lanza el disco más prolífico de su carrera, obteniendo el reconocimiento de la Academia, con tres galardones como Mejor Disco Alternativo, Mejor Empaque y Mejor Interpretación por Dúo o Grupo con Voces, además de magazines especializados como Rolling Stone, que lo destaca como uno de los mejores discos del 2010. Se trata de ‘Brothers’, un disco que alcanzó ventas por más de 500 mil copias en todo el mundo, grabado de forma análoga, proceso tradicional de los años 70 y 80, que hace preservar la esencia de la música, energía que se transmite de inmediato en cada una de sus canciones, como la conocida “Tighten Up”, que ocupó las primeras posiciones en varios listados especializados y que ha hecho parte de varias bandas sonoras, incluso la del videojuego de Fifa 2011.
ener en una misma agrupación a Jack White de The White Stripes y The Raconteurs, Alison Mosshart de The Kills, Dean Fertita de Queens of the Stone Age y Jack Lawrence de The Raconteurs y The Greenhornes, es una mezcla explosiva que puede dar un resultado creativo insuperable. Es así que este cuarteto se encuentra en giras y conciertos, y sin mayores intenciones que la de hacer música, decide reunirse en 2009 en Nashville, Tennessee para darle vida a un nuevo proyecto llamado The Dead Weather, una desenfadada puesta en escena llena de rock, psicodelia y visceralidad, que daría la vuelta al mundo entero, cuando ese mismo año lanzara al mercado su álbum debut ‘Horehound’, creando un estilo propio y subiendo rápidamente a las mejores posiciones de los listados de la Billboard. A mediados de 2010, la banda se reúne de nuevo, y saca a la luz ‘Sea of Cowards’, catalogado por la prensa especializada como uno de los discos más escuchados del año, una obra magnífica y una crítica directa a la influencia negativa de Internet a las nuevas generaciones. Aunque en estos momentos se desconoce el paradero de The Dead Weather, sus integrantes siguen trabajando activamente con sus proyectos respectivos, Alison con el nuevo disco de The Kills, Jack con el nuevo proyecto junto a Danger Mouse y Norah Jones llamado Rome, Dean con los Queens of the Stone Age y Jack con el nuevo disco de los Greenhornes.
T
Por: Alex Sánchez www.soundcloud.com/deadwalkman
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i bien Francia es conocida por sus esbeltas mujeres, su elegancia y glamour, también lo es por su música electrónica. Gaspard Augé y Xavier de Rosnay son las cabezas del ya legendario dúo JUSTICE. Este par de jóvenes con notorio talento arrancaron con un remix de SIMIAN MOBILE DISCO, “We are your friends”, durante un concurso en París. Sólo con el coro de la canción nos mostraron una versión impecable, con ella le dieron la vuelta al mundo y “Busy P” (Ed Banger rec) supo reconocer su talento y los fichó al instante. Luego empezaron a remezclar varios tracks de artistas como Soulwax, Daft Punk ¡y hasta Britney Spears! …y lo más curioso, remezclaron un track del grandioso Mr. Oizo, que sonó en las mejores discos del mundo; esa era la mejor señal de que todo iba por buen camino. Este dúo comienza a girar por el mundo con una cruz luminosa en la mitad del escenario, un muro repleto de cabezotes Marshall (como Metallica en los 80’s), un cuidadoso diseño de luces, sin CD players ni tornamesas, sin micrófonos y con una remezcla de Ministry.
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Así, varias preguntas salen a la luz en la primera etapa de grandes eventos... ¿Son gays? ¿Con qué tocan? ¿Es una pista? … pues en su video documental, “Across the Universe” se dan besos, pero salen tocando los instrumentos varias veces, entonces la teoría de que son una mentira no cuadra. Podríamos pensar muchas cosas; pero no, son muy talentosos y eso lo vemos tanto en el Documental como con el lanzamiento de CROSS. Estratégicamente compuesto para cada momento, desde STRESS, donde la orquesta y los violines son lo más importante, hasta DANCE, la que los puso en esa parte que a muchos no les gusta, en boca de todo el mundo. También publicaron un álbum en vivo junto con el DVD, y la verdad, es como escuchar en vivo a Pantera o a Daft Punk,
¡más duro y más rápido! Y lo que llama la atención de esta presentación, es que hacen un mashup de una canción propia en vivo, utilizan las vocales durante todo el concierto haciendo pausas después de mezclar cuatro canciones de ellos. Este un álbum pasará a la historia en la música electrónica. Si los padres de la electrónica, los alemanes Kraftwerk y Daft Punk ya lo hicieron, JUSTICE lo lleva a otro nivel, con un sonido más pesado y más rockero, en el que hasta se hace una mezcla de Master Of Puppets con las voces de Dance, además de un remix para U2 (con poca aceptación) y de Lenny Kravitz, Let Love Rules, bastante famoso. Del material nuevo está Planisphere, cuatro canciones hechas para Dior durante un desfile de modas increíble y que pasará a la historia, un excelente experimento musical y de tendencias mundiales.
Por: Dary Hormiga manager@signatio.com
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emaj7, es una propuesta artística rica en sonidos, letras y ritmos que utiliza un desconocido ambiente sonoro producido por artefactos fabricados con basura, para crear música en un autentico estilo. Sus composiciones denuncian y manifiestan la necesidad de un cambio frente al manejo de los desperdicios para crear conciencia ambiental con una propuesta de reciclaje, arte y educación.
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Tienen más de 50 instrumentos propios, como por ejemplo: la “Galletarra”, hecha de un tarro de galletas, el marco de una ventana y cuerdas recicladas. El “Litrófono” elaborado con botellas de gaseosa grandes. La “Marimbotella”, construida de madera y botellas de PET. Y el “Rebass” fabricado con un garrafón de agua, la varilla de una buseta, tubos de PVC, cuerdas de bajo recicladas y madera. Teniendo en cuenta la variedad de posibilidades armónicas y melódicas producidas por estos instrumentos, decidieron no enfocarse en un sólo género, sino explorar nuevos sonidos a partir del reggae, el punk, la cumbia, el trip-hop y el jazz nova, entre otros, que dan forma a esta propuesta o quizás nuevo género: “Trash-crossoverpost industrial-vegetariano.” Su nombre Remaj7, que originalmente es un acorde utilizado en el jazz y el bossanova, tiene un significado especial para la banda, en donde RE hace alusión a las palabras reciclar, reinventar y reutilizar, y MAJ 7, es un acorde de séptima mayor en la música que simboliza para ellos todo lo que se puede reciclar. La banda que nació
en 2009 y que se desarrolla actualmente desde un laboratorio sonoro, es una idea original de José Mauricio Díaz, artista santandereano, maquillador de efectos especiales para cine y luthier por hobbie, quien buscaba hacer una puesta musical con instrumentos micro afinados hechos de basura. Aunque en el mundo ya se han hecho montajes percutivos (Stomp, Recicleta, etc), dentro del movimiento mundial ambiental, no existía una banda de formato básico, es decir, batería, bajo, guitarra, vientos y marimbas, de éste tipo y calidad sonora, perfectamente afinados. Después, Andrea De Francisco, compositora, cantante y bajista, fue invitada a hacer la dirección musical, y así, se sumaron los demás integrantes con funciones acordes a su estilo y especialización de instrumento. “Al hacer nuestras letras tenemos claro que la música es un campo masivo para llevar un mensaje, por lo que las líricas tienen como objetivo generar de manera creativa, a partir de la crítica y la propuesta, una conciencia del entorno, el cuidado, el respeto por la naturaleza y el medio ambiente. Para conectar al público, utilizamos el lenguaje del chatarrero-callejero, cuyas estrofas consisten en experiencias graciosas y cotidianas.” Expresa Andrea De Francisco.
Lee el artículo completo en www.musicmachine.com.co
www.myspace.com/remaj7
Por: Andrés Durán
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CAVALERA CONSPIRACY BLUNT FORCE TRAUMA
MOTORHEAD THE WORLD IS YOURS
DEVIL DRIVER BEAST
AMON AMARTH SURTUR RISING
CROWBAR SEVER THE WICKED HAND
DEICIDE TO HELL WITH GOD
CHILDREN OF BODOM RELENTLESS RECKLESS FOREVER
VOLBEAT BEYOND HELL / ABOVE HEAVEN
LAMB OF GOD HIT THE WALL (SINGLE)
EMMURE SPEAKER OF THE DEAD
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