NUEBO #30 febrero 2025

WEEZER

SHEGO

CULTO

WEEZER

WEEZER

BON CALSO

WEEZER

WEEZER

LEON BRIDGES · THE BACKSEAT LOVERS · MOTHER MOTHER · THE WOMBATS

ROYEL OTIS · BRIGHT EYES · REFUSED · FIDLAR · BLONDSHELL · CIRCA WAVES

NSQK · ALESSI ROSE · GEORDIE GREEP · DEADLETTER · JERUB · KINGFISHR ARGY · MISS MONIQUE · MYD live! · HANNAH WANTS

FOSTER THE PEOPLE · JET · KAISER CHIEFS · ARTEMAS · FUTURE ISLANDS · MARK AMBOR

HERMANOS GUTIÉRREZ · NATALIA LACUNZA · DEAD POET SOCIETY · ALCALÁ NORTE

BAD NERVES · ALMOST MONDAY · LAST TRAIN · BATTLESNAKE · MYCHELLE THE BLESSED MADONNA · MATHAME · TSHA KRYSTAL KLEAR · POLE POSITION

ST. VINCENT · GLASS ANIMALS · GIRL IN RED · FINNEAS · BLOC PARTY

PVRIS · THE TESKEY BROTHERS · LUVCAT

TANNER ADELL · AKRIILA

SAMMY VIRJI SALUTE CHLOÉ CAILLET FAKEAR

VOL. 30

FEBRERO 2025

JOAQUINA

MÁQUINA DE ESCRIBIR

A COMPLETE UNKNOWN UN DYLAN DE DISEÑO 30 40 34

PIRATE YAKUZA

ESTÁN TO LOCOS

ALBA RECHE

TIRA CON BALA

44

EUREKA MARQUITOS REBRANDING

50 BON CALSO

VA EN SERIO ELA MINUS AMOR ANALÓGICO

EDITORIAL

La publicación del especial sobre el primer cuarto de siglo XXI el pasado mes de enero de alguna forma pone el contador a cero. Es cierto que NUEBO es una publicación muy joven -el próximo número cumplimos tres años de vida-, pero también que inevitablemente somos hijos de los diferentes vaivenes culturales de los últimos 25 años. Posiblemente, el más radical de todos ellos sea el proceso de digitalización, que ha hecho que los teléfonos móviles se hayan convertido en una extensión más del cuerpo humano.

Al hilo de la digitalización, en este arranque de 2025 nos han llamado la atención dos noticias publicadas casi al mismo tiempo. Por un lado, la elección por parte del Diccionario Oxford de “brain rot” (“cerebro podrido”) como palabra del 2024. La acepción hace referencia al “deterioro del estado mental o intelectual como resultado del sobreconsumo de material trivial y vacuo, sobre todo en línea”. Frente al uso u abuso del scroll compulsivo y sus consecuencias -una alarmante incapacidad

para prestar atención-, psicólogos y neurocirujanos proponen la vuelta a la lectura en papel.

En paralelo a esta noticia encontramos otra visión de este mismo conflicto entre lo digital y lo analógico: en su despedida, el ya ex Presidente de los EE UU, Joe Biden, advierte de los peligros de ponerse en manos de la oligarquía tecnológica, los Google, X, Meta, Tik Tok, Amazon y compañía, que en estos momentos acumulan tanto poder que, más allá de sus operaciones monopolísticas, son capaces de poner y derrocar gobiernos.

Aún hay una tercera noticia que nos ha llamado la atención estos días: el plan de ayudas del Gobierno a los medios de comunicación, dotado con 124,5 millones de euros, centrado en la digitalización y del que ya podemos avanzar que ni un solo euro va a llegar a medios independientes y culturales como el que tienes en tus manos.

No es una pataleta, sino la firme convicción de que se está librando una guerra en desiguales condiciones en la que todos nos jugamos mucho.

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FOTOGRAFÍA PORTADA

Adri Cuerdo (Shego),Kali Elías (Bon Calso), Gil Ghabri (Oklou), Myke Python (Marquitos), Zarate (Joaquina). www.nuebo.es / @somosnuebo

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MISTERIO, OSCURIDAD, AUTOCUIDADOS, EXORCISMOS ELECTRÓNICOS Y MANUALES PARA ENFRENTARSE A LOS PROBLEMAS DE LA POST POSMODERNIDAD ULTRACAPITALISTA Y LAS TECNOCRACIAS DE LA PRESENCIA ONLINE. LA SELECCIÓN CON LA QUE JÄGERMUSIC CONQUISTARÁ LAS SALAS Y FESTIVALES DE NUESTRO PAÍS EN 2025 ES TAN HIJA DE SU TIEMPO, TAN FOTO DEL HOY, COMO PROYECCIÓN HOLOGRÁFICA DE LO QUE NOS ESPERA EN AÑOS VENIDEROS.

El productor más misterioso de nuestro país se dio a conocer con el remix de Despechá que la propia Rosalía usó en la ronda festivalera de Motomami, catapultándole y descubriéndole a nuevas audiencias. Vinculado al colectivo Rusia IDK y, por extensión, a algunos de los artistas nacionales más inspirados en estos momentos.

AMOR LIQUIDO

El debut homónimo de Amor Líquido les ha convertido en el último gran hallazgo de La Castanya: actitud punk, nostalgia del pop-punk y del emo, sentido político y sensibilidad social y energía desbordante. Sus canciones son como pequeños himnos diseñados para capturar lo electrizante y catártico de sus directos.

Rubén Coronado, alias Juguete, es ya una de las grandes promesas de la escena club de nuestro país. Recurrente en Relativa Radio o en las cabinas de Antídoto o Nitsa, vinculado a colectivos como Chica o Mainline y con una carrera que empieza a despegar inter- nacionalmente, es también miembro fundador de la plataforma y fiesta Girltoy junto a Albal.

2025 DE

AIKO GRUPOEL

Cada vez más seguras de su sonido y más contun- dentes en su forma de enfrentar las canciones y reconvertidas definiti- vamente en trío, Aiko El Grupo marcarán el 2025 con el que hoy en día es uno de los directos de pop más potentes de España. Abrazos, guitarrazos y latigazos sintéticos para sacudirse las penas del mundo moderno.

XENIA

La autora de uno de los mejores discos del año pasado, Cuando las sombras se alargan, se redescubre desde un sueño electrónico y futurista que se despega del suelo y flota en un cautivador universo onírico. El directo de la artista valenciana es uno de los másacontecimientos esperados en este arranque de 2025.

MUNDO PRESTIGIO

La banda gallega, que además acompaña a Carlangas en directo como Los Cubatas, sigue desplegando su creatividad inagotable en brazos de una sampledelia soul con aires jazz, pero, al mismo tiempo, genuinamente urbana y deliciosamente pop. La gira de su debut, Eterna Constanza, se antoja como una fiesta colectiva abierta a colaboradores y amigos.

METRIKA

Madre fundadora, hasta ahora, resume el com- plejo imaginario de la artista valenciana, una de las más prolíficas de la escena urbana actual. Un recorrido diabólico por sonoridades extremas, del perreo negro al hardcore y del trap a otros canales electrónicos, que conduce a un akelarre y una hoguera en la que calcinar los traumas que afectan a nuestra estabilidad mental.

ZOE BONAFONTE

¡Tenemos actriz de las buenas! La barcelonesa, nacida en 2004, se mudó a Madrid a los 15 años, y entre las dos ciudades ha llevado a cabo la mayor parte de su etapa formativa junto a maestros como Juan Carlos Corazza o Juan Codina. Comenzó su carrera como actriz en el siempre complicado mundo de las series diarias de televisión con su participación en la telenovela de Antena 3, Amar es para siempre, y de ahí pasó a la producción de Mediaset, Escándalo. Relato de una obsesión. Pero Zoe Bonafonte nos ha conquistado a todos con el que ha sido su primer papel en la gran pantalla, en la película de Marcel Barrena

El 47, protagonizada por Eduard Fernández. Tanto, que es una de las grandes favoritas para alzarse con el Goya a Mejor Actriz

Revelación en la ceremonia que se celebrará este sábado 8 de febrero en el Palacio de Congresos y Exposiciones de Granada. Este mes, además, volveremos a verla en cines, formando un peculiar triángulo con Michelle Jenner y Mario Casas, en el drama de época

El secreto del orfebre, dirigido por Olga Osorio (¡Salta!).

RACHEL CHINOUIRIRI

Desde 2008, el premio a Mejor Artista Revelación en los BRIT Awards ha sido conquistado por una mujer en once ocasiones, frente a las seis en las que ganó un artista masculino. Elmiene, Good Neighbors y Myles Smith son los candidatos este 2025 y, a excepción de este último, echo en falta el nombre de una artista a la que han dedicado titulares y minutos de radio: Rachel Chinouriri.

Esta joven británica de ascendencia zimbabuense quiere derribar los estereotipos que suelen marcar las carreras de los artistas negros. Es muy común encontrarnos su música catalogada en el cajón del R&B, el soul o el jazz. Chinouriri, en cambio, está cansada de repetir que ella hace indie. “Ves mi color antes de escuchar mi música”, escribía en su Instagram. La mayor declaración de intenciones la marca con su álbum debut, What a Devastating Turn of Events (2024), un disco de puro sonido British alternativo, guitarras y una voz que se desmarca del casillero R&B en el que muchos quieren encajarla. Chinouriri está más cerca de Arctic Monkeys que de las Destiny’s Child, y basta escuchar sus temas para tenerlo claro. En numerosas ocasiones ha dicho que su banda favorita es Coldplay y que la inspiración para la estética de su disco la encontró en el britpop de los noventa, referencias que salen a la luz en temas como The Hills

En su disco también hay lugar para combatir la discriminación. La clave está en su portada, en la que Chinouriri aparece desdoblada recreando escenas costumbristas en una de esas típicas casas adosadas del sur de Londres. Con una peculiaridad: la vivienda está cubierta de banderines con la Cruz de San Jorge, la bandera que para muchos simboliza opresión y racismo. Chinouriri también aborda temas como el suicidio y la depresión en un disco que parece haber convencido a Adele, quien recomendó a Chinouriri durante uno de sus conciertos en su residencia en Los Ángeles. También la actriz Florence Pugh se encuentra en la órbita de la artista. Ha aparecido en el videoclip del tema Never Need Me y recientemente se deshizo en halagos hacia la cantante. “She’s my friend”, dijo Pugh, fan absoluta de Rachel.

Una artista en ascenso que merece tu atención. Te recomiendo empezar por All I Ever Asked

LA NUEBA DE CRIS

FOTO: LAUREN HARRIS

Caribou, Mogwai, Kiasmos, Mala Rodríguez, Judeline, Jimena Amarillo, Depresión Sonora, Biznaga, Carlos Ares, La Élite, Carlangas, Pablopablo... y más artistas por confirmar

JIMENA AMARILLO

La artista valenciana afincada en Madrid, cada vez más productora y cada vez más a su bola, seguirá desvelando las pistas de sus nuevos pasos musicales, pendientes para este 2025, en su actuación en Tomavistas. La interceptamos para que nos responda a un cuestionario en lo que esperamos a mayo.

¿Qué podemos esperar de tu actuación en Tomavistas? ¿Alguna sorpresita que te apetezca teasear?

Pues de hecho voy a estrenar mi nuevo show, con mi rebranding epic, así que no te lo puedes perder. Yo estoy muy emocionada a la vez que asustada porque claro, ¡se estrena un show!

¿Cual es la mayor locurilla que has hecho para ver a otro artista en un festival en el que tocabas?

Cuando toqué en el Brava, quité una canción de mi setlist y me fui corriendo viva para ver a Belén Aguilera porque me quería poner en primera fila. Dije por el micro: “¡Que nadie me siga que me voy a ver a Belén Aguilera!”. Y nadie me siguió. Y fui. ¡A primera fila!

¿Los headliners de tu festival soñado? Sería un conjunto de peña superextraña que no pega un cagao, tipo FKA twigs, Morad de repente, Oliver Tree, que me apetece a mí, Tash Sultana, Rita Payés, Sílvia Pérez Cruz...

¿Cuál ha sido la mejor actuación que has visto en un festival y por qué? ?

La de Tash Sultana en un Mad Cool, que tengo el setlist literalmente ahí colgado y enmarcado en la pared de mi habitación. Increíble, o sea, no hay una igual.

¿Y cuál es la mejor experiencia que has tenido tocando tú en un festival? ¿Y la peor?

Le mejor fue, que lo recordaré siempre, en el FIB. Coincidió que no había ningún concierto y

como había tanta peña todo el mundo se plantó enfrente de mi escenario, y yo me sentía, tía, la Beyoncé. En plan, no venían a verme ni sabían quién era, pero se sintió SuperBowl, la verdad. Y la peor seguramente en algún festival de estos muy indies, un poco así como de calvos, tipo tener a cincuenta personas mirándome sin ni una mueca en la cara, así, serios.

¿Jugamos a un juego? Las reglas son sencillas: ¿A qué artista del cartel te tirarías, con cuál te casarías y a quién te cargarías? Mira, me tiraría a Pablopablo, para experimentar de repente. Luego me haría amiga / me casaría con Judeline. Y no quiero matar a nadie, pero bueno, si hay que hacerlo pues a Mogwai, que como que no los conozco.

FOTO: BLANCA DE LA CIERVA

DOECHII

Técnicamente, Doechii no ha publicado aún su álbum debut, pero lo cierto es que la mixtape Alligator Bites Never Heal, lanzada en el verano de 2024, se siente como tal. 19 canciones que han terminado por confirmar a este torbellino rapero construido en torno a una dicción muy gráfica, flow conversacional y un acercamiento sólido a esa zona a veces tan indeterminada entre el trap, el hip hop alt y el R&B. La de Tampa, asentada en Los Angeles, se codea con SZA, Kendrick Lamar o Tyler, The Creator, ha conseguido colarse en los Grammy con nominaciones a Mejor Artista Revelación o a Mejor Álbum Rap y ya está acostumbrada a la viralidad en TikTok. Ahora, después de haber afilado todos los ángulos pop que admite su propuesta -solo los más loquis hallarán parecidos entre canciones como Nissan Altima y Charli XCX-, y tras su mediático paso por Tiny Desk, se encuentra en pleno proceso de construirse su propio culto y dejar de ser la rapera interesante que abría los conciertos de Doja Cat durante The Scarlet Tour, para convertirse en la gran voz femenina en el rap yanqui del futuro.

FOTO: JOHN JAY

DABELHA

La joven artista cántabra describe su música como “un solar emo para hadas”. Y si entendemos solar no como algo necesariamente lumínico, sino más bien ajeno e intergaláctico, el eje de un sistema planetario, la definición acierta con precisión. SOPHIA, su debut largo, lanzado el año pasado por Coequipier Records, construye no solo un alter ego feérico y casi inmaterial. El disco lo componen doce canciones con letras de honestidad brutal, vestidas por cuerdas lacrimosas, susurros glitcheados, efectos vocales y trinos de autotune. También logra enarbolar todo un universo habitado en solipsismo y gravedad cero, siniestro y liminal, en el que pianos desafinados, guitarras ahogadas y hasta salvas de ametralladora deambulan como entes fantasma, privados de toda existencia anímica. Como si Björk diseñara su propia telaraña pesadillesca y se instalara en esa tierra mágica que es Cantabria. En los próximos meses habrá nuevas canciones y una continuación en forma de EP, un DLC para seguir ampliando las posibilidades de este mundo de belleza -y sinceridad- en constante proceso de deconstrucción/reconstrucción.

LA EDAD DE MERECER

POR: ÁNGELO NÉSTORE

Recuerdo aquel verano trabajando en un hotel del sur de Italia, cuando mi vida giraba en torno a horarios marcianos y un jefe con más manos que empatía. Catorce horas al día, tres días libres al mes. Y ahí estaba yo, con veinte años y dos bebidas energéticas en vena, pensando que podía con todo, a las puertas de la edad de merecer. Aún me creía esa fábula de que si trabajas lo suficiente todo sale bien. Lo que nadie me dijo es que, mientras llenaba el calendario de turnos, mi vida se vaciaba de vida. Las amistades, esas que juraba que nunca perdería, empezaron a archivarse en un rincón del móvil. Un “nos vemos pronto” que, con suerte, ocurriría algún día entre reuniones y cansancios acumulados.

Porque las amistades no se pierden de golpe. Se deshacen despacio, como un jersey viejo que se empieza a llenar de pelotillas. Primero son los mensajes que tardas en responder; luego, las cenas que no encuentras dónde meter en la agenda. Y un día, sin darte cuenta, ya no sabes cómo se ríen tus amigos ni qué les preocupa. La vida adulta te obliga a priorizar y siempre parece que la amistad está fuera del top cinco. Te venden que estar sole es un signo de madurez y, cuando crees que ya has llegado a la cima, te descubres midiendo la vida en plazos, reuniones y alarmas en el móvil. La comunidad empieza a sonar como algo infantil. Ahora, todo tiene que ser productivo, útil, funcional. Pero ¿sabes qué? A veces me sorprendo mirando atrás, preguntándome cuándo perdí la ligereza de los veinte, las risas que se compartían sin un porqué. Quizá sea momento de dejar de agendar en Google Calendar y levantar el teléfono para quedar con ese amigue sobre la marcha, sin más. Porque, aunque creamos que ya no hay tiempo, siempre queda algo por salvar.

LA ECAM: DONDE GERMINA EL TALENTO

LA ECAM (ESCUELA DE CINEMATOGRAFÍA Y DEL AUDIOVISUAL DE LA COMUNIDAD DE MADRID) ES UNA FUNDACIÓN CULTURAL SIN ÁNIMO DE LUCRO CUYO OBJETIVO FUNDACIONAL ES FORMAR A LAS PRÓXIMAS GENERACIONES DEL SECTOR AUDIOVISUAL Y PROMOVER ACTIVIDADES CULTURALES ASOCIADAS A LA INDUSTRIA. LA ECAM ES UNA ESCUELA DE CINE Y AUDIOVISUAL CUYO MAYOR PATRIMONIO SON SUS ALUMNOS -ANTIGUOS Y ACTUALES-, SUS PROFESORES Y SU EQUIPO. CONOCE AQUÍ SUS EXPERIENCIAS.

Dirección

1. Poder estar en un sitio donde todo el mundo tiene las mismas inquietudes que tú está muy guay. En 1º hay un ejercicio en clase de documental que se trata de hacer un autorretrato de 1 minuto: es muy bonito para conocerse.

2. El primer año fuera de la ECAM me ayudó bastante a mantener el rumbo con las convocatorias que iban enviando o los festivales a los que he podido asistir con mi cortometraje final. He tenido suerte y profesores de la escuela me han llamado para trabajar en proyectos suyos o para ayudarme a sacar adelante los míos.

3. Un lugar de paso, en el que un padre y una hija se ven obligados a pasar más tiempo juntos de la cuenta cuando se les rompe el coche en mitad de la carretera.

4. Desde que salí de la escuela llevo trabajando en un proyecto en el que de nuevo hablo de una despedida.

5. Chema García Ibarra, Alice Rochwacher, Payal Kapadia, Saulė Bliuvaitė.

María Olmedilla

1. Mejores recuerdos ECAM

2. Impacto de las sinergias en ECAM

3. Proyecto final

4. Proyecto actual

5. Sigues la onda de...

Un lugar de paso

Mitología de barrio

Cine Documental

Espíritu Escalera

1. Lo que pasaba fuera de las clases, esos momentos en los que puedes conocerte y desarollarte en común.

2. La propia naturaleza del colectivo sirve de alguna manera para nombrar esa afinidad personal, estética, política que compartimos y los proyectos y obras que surgen a partir de ella desde lo colaborativo.

3. Al ser varios, hicimos y compartimos distintos proyectos, como por ejemplo la película Salir de aquí o el corto Carmen dormida, Carmen despierta

4. Estamos inmersos en la distribución y presentación en salas de nuestro primer largo, Mitología de barrio, y en el desarrollo de otros como Laguna El Ministro

5. Vamos en contra del cine de la anécdota personal y del costumbrismo mal entendido, y queremos explorar proyectos a base de reflexión y fantasía colectiva.

Una torre gris

1. Al terminar 2º nos llevaron a un grupo de alumnos al FIDMarsella. Después de todo el día, íbamos a la playa y nos quedábamos hasta el amanecer. Lo recuerdo con cariño.

2. Tener profesores que abordan el cine documental desde diferentes perspectivas resulta muy útil, ya que evita que te centres únicamente en un solo tipo de producción.

3. Participé en un proyecto grupal sobre la actual problemática de la vivienda.

4. Actualmente, estoy en proceso de financiación de mi nuevo guion sobre la luna llena, como The Craft, la peli del 96, pero en Batán.

5. Yurena, Eli Roth, Cassandra Peterson, Nobuhiko Obayashi, The Space Lady, Anna Biller, Pamela Anderson, Moina Mathers, Riz Ortolani, Azealia Banks…

Dirección de Arte

1. Las horas que pasábamos en el taller y construyendo en plató. Levantar nuestros primeros decorados de cero nos hizo muchísima ilusión. También las clases de dibujo técnico.

2. Mis primeros trabajos en proyectos profesionales fueron gracias a profesores de la ECAM de los que fui ayudante, y que me sirvieron para despegar. Y la vinculación con mis compañeros de promoción sigue siendo muy importante.

3. Los cortos Bruno y Take Away. ¡Con el último fuimos al encuentro de cine joven del festival de San Sebastián!

4. Estoy en la preproducción de una película dirigida por Victor García León, aún no anunciada.

5. Sobre todo me gusta trabajar desde el color y los textiles, más que usar referencias autorales.

Camila de Lucas

Carmen Albacete

Chinas

EL CINE QUE VIENE

UNA VEZ QUE HEMOS PASADO REVISTA (Y FINIQUITADO) LOS PRIMEROS 25 AÑOS DE SIGLO XXI EN EL ESPECIAL QUE PUBLICAMOS EL PASADO MES DE ENERO, TOCA VOLVER A LA NORMALIDAD Y MIRAR AL FUTURO. ESTAMOS SEGUROS QUE 2025 NOS TRAERÁ UN BUEN PUÑADO DE PELÍCULAS FANTÁSTICAS, Y ALGUNAS YA TIENEN HASTA FECHA TENTATIVA DE ESTRENO. ENTRE SUPERMANES, 4 FANTÁSTICOS, PARQUES JURÁSICOS Y DEMÁS BLOCKBUSTERS, ESTOS SON LOS TÍTULOS QUE POR EL MOMENTO ESPERAMOS CON MÁS GANAS DE LOS QUE ESTÁN POR VENIR.

‘ALPHA’

Dos de dos. Julia Ducournau nos sorprendió con Crudo y nos dejó con el culo torcido cuando Titane arrasó en Cannes. Su tercer largo ya tiene título, Alpha, y cotizan a la baja las apuestas que señalan al festival como escenario de su más que probable puesta de largo en mayo. Emma Mackey como prota y una historia situada en los ochenta sobre una adolescente que sufre rechazo cuando se difunde el rumor de que ha sido infectada por una nueva enfermedad.

‘MICKEY 17’

Un Robert Pattison que continúa su cruzada particular en pos de convertirse en actor de culto, se pone a las órdenes de Bong Joon-ho (Parásitos, Snowpiercer) en la que será la primera producción hollywoodiense del afamado cineasta coreano. Inteligencias artificiales, robots autoconscientes y colonos interplanetarios, todo muy de la agenda 2025. Estreno el 7 de marzo.

‘BUGONIA’

Yorgos Lanthimos no para, lo que es tanto como decir que Emma Stone tampoco. Para su cinta de 2025 se apoyan en Jesse Plemons -irreconocible de un tiempo a esta parte el marido de Kirsten Dunst tras haber perdido peso- en el remake del filme coreano Salvar el planeta Tierra (2003). Thriller con coartada ci-fi sobre un chalado obsesionado por salvar el planeta de una invasión alien.

LAMAR, PARKER & STONE

Acostumbrados a identificar a Kendrick Lamar con un rap politizado y social llama mucho la atención el anuncio de su colaboración con Trey Parker y Matt Stone, los creadores de South Park. El trío estrena este 2025 una comedia negrísima -nunca mejor dicho- sobre un afroamericano que descubre que los antepasados de su novia esclavizaron a su familia.

‘THE BRIDE’

Los monstruos de la Universal están de vuelta con una pátina arty muy de agradecer. Turno ahora para la novia de Frankenstein y este remake de la cinta clásica de James Whale, con Maggie Gyllenhaal a la dirección, Christian Bale en el papel de Frankie y secundario de lujo para Penélope Cruz.

‘THE MOMENT’

Charli XCX está dispuesta a que no termine su racha triunfal. 2024 fue su año, qué duda cabe, y ahora amenaza con ampliar su influencia en la cultura de nuestro tiempo, cada vez mayor, dando el salto a la gran pantalla. Ha cerrado un acuerdo con la productora más molona de la actualidad, A24 (Under the Skin, Aftersun, Midsommar...) para producir (¡y protagonizar) The Moment, una película que tendrá al director de videoclip Aidan Zamiri al frente, y que contará con A.G. Cook como compositor de la banda sonora.

Ubicuos, unas páginas más adelante encontrarás una entrevista con Delaporte. No podía ser de otra forma, porque Sandra y Sergio están de vuelta con un disco, Déjate caer, en el que exploran las posibilidades del techno hecho canción. Y para muestra, un botón: su versión en directo de su nuevo himno raver, Japi mil

UNA PRODUCCIÓN DE: NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS

DIRECCIÓN Y POSTPRODUCCIÓN: PABLO BERDÚN

JEFE DE PRODUCCIÓN: AXEL CASTILLO

GRABACIÓN, MEZCLA Y MASTER: PAPISOUND

FOTO FIJA: BELÉN FRANCO

DISEÑO GRÁFICO: LILLIE CARPIO

LOCALIZACIÓN:

THE SOCIAL HUB

Daniel Silva es D. Dramático. Quédate con el nombre. Este lisboeta de 27 años, que ha convertido Madrid en su centro de operaciones, acaba de publicar de la mano de Mushroom Pillow su primera referencia, el EP Duelo, exquisito ejercicio de nuevo pop con deudas a géneros como el flamenco o el urbano. Para NUEBO Talento interpreta McFlurry

Joaquina

POR: PAULA LÓPEZ ROS / FOTOS: ZARATE

CRECER ES UN ARTE QUE A MENUDO NOS EXIGE ROMPER LA BURBUJA EN LA QUE HABITAMOS DURANTE LA ADOLESCENCIA . ESTE PROCESO DE ABANDONAR LA PROTECCIÓN DE LO CONOCIDO PARA ENFRENTAR EL MUNDO REAL ES UNA TRANSFORMACIÓN COMPLEJA, LLENA DE DESCUBRIMIENTOS , MIEDOS Y CONTRADICCIONES. JOAQUINA DEJA PLASMADA ESTA TRAVESÍA EN SU ÁLBUM DEBUT, ‘AL ROMPER LA BURBUJA’, UN TRABAJO QUE CAPTURA EL TRÁNSITO DESDE LA INOCENCIA HACIA LA MADUREZ CON UNA SINCERIDAD QUE CALA.

Joaquina describe su adolescencia como una etapa de introspección. “Siempre he existido mucho dentro de mi mundo interior”, explica, recordando cómo las palabras se convirtieron en su refugio desde temprana edad. Leer poesía y escribir canciones fue su manera de explorar y comprenderse. Desde los ocho años, su fascinación por la literatura y la composición la llevó a construir ese espacio seguro en su mente, donde podía llenar cada rincón con las cosas que amaba y que la ayudaban a desconectar del ruido externo. Este disco, dice, “es la traducción de ese universo interno, una necesidad de capturar momentos y sentimientos a través de las letras”. Y su título tiene un doble significado. Por un lado, Al romper la burbuja representa ese mundo interno que cada persona puede construir como refugio. Un espacio lleno de cosas que nos recuerdan quiénes somos. Por otro, simboliza el momento de romper con ello para enfrentarnos a la adultez. Joaquina escribió estas canciones entre los 18 y los 20 años, una etapa crucial donde una se encuentra en esa línea difusa entre ser niña y convertirse en adulta: “Es un momento de desaprender y aprender, de descubrir muchas cosas sobre uno mismo y sobre el mundo”, reflexiona.

Durante dos años, Joaquina trabajó intensamente en el que es su debut largo. Como compositora y también coproductora junto a su colaborador habitual Julio Reyes Copello. Describe la experiencia como “parir un hijo”, un proceso que no solo consolidó su pasión por la composición. “Mi amor más grande ha sido y siempre será la escritura, por eso leo mucho. Y siento que mi obsesión por hacer canciones no viene tanto de la música, sino más bien de mi pasión por los libros”. Pero este proyecto también la llevó a descubrir un nuevo amante: la producción musical. “Descubrí partes en mí como productora, compositora y como músico que antes desconocía. Fue una especie de simbiosis, el disco me enseñó mucho y aprendí muchas cosas que terminé plasmando a su vez en él”. A través de la producción ha sido capaz de construir un universo entero, individual y único para cada canción.

Cada canción del álbum es así un fragmento de su mundo. “Mi proyecto es un retrato de todo lo que soy, de verdad, desde espacios que enseño a los demás hasta mis adentros”, explica Joaquina, subrayando cómo cada aspecto, desde la música hasta los colores y la estética visual, fue diseñado desde su mente. “Con cada canción fui confeccionando esa burbuja como imaginario del álbum, tomando decisiones en todo: look & feel del proyecto, estética, videoclips, portadas… Quería desde el minuto cero tener todo eso atado para poder ir segura con cada uno de los lanzamientos de los sencillos”. Y lo ha conseguido: si cualquiera de los lectores entra en su plataforma de streaming de confianza podrá adivinar fácilmente qué singles componen el disco. Sus videoclips son también claramente identificativos del proyecto por su uso de los colores. El rojo

y el azul dominan la narrativa visual del álbum, representando la intensidad y la melancolía que conviven en sus canciones. “No hay canciones etiquetadas como rojas o azules, sino que cada una mezcla ambas emociones”, aclara ella.

Esta dualidad entre fuerza y nostalgia es el hilo conductor de Al romper la burbuja, como lo es una búsqueda de aceptación personal que resuena con cualquier oyente que haya luchado con sus propias inseguridades. En canciones como Escapar de mí se siente esa lucha interna entre querer avanzar y enfrentarse a los fantasmas personales. Líneas como “Haga lo que haga no termino satisfecha”, “Quiero sentirme amable en el espejo, quiero sentirme yo de nuevo” o “Hace mucho tiempo en mi cabeza quiero mirarme desde fuera” son el resultado de un proceso intenso de introspección, y reflejan el diálogo interno que ha acompañado este proceso de crecimiento. “Fue la canción que en cierto modo guio el resto del disco. Me considero una persona muy sociable pero también soy muy introspectiva, y en algún momento sentía que estaba pasando demasiado tiempo dentro de mi cabeza, en un lugar en el que yo era mi propia enemiga y me autosaboteaba. Esa necesidad de verme a mí misma desde fuera fue el punto de partida de muchas otras canciones”

En Carta (a mí) , la venezolana de 20 años plantea un mensaje directo a su yo del pasado. “El mundo es más grande que tu cuarto y que los niños que te han hecho llorar”. Es un recordatorio de cómo, al madurar, aprendemos a balancear la ingenuidad y el realismo mientras caminamos esa línea incierta entre lo que fuimos y lo que aspiramos a ser. En una hipotética carta a su yo más joven, Joaquina le diría, “cambiar con el tiempo no ha estado mal”. Esta reflexión encapsula la esencia del álbum, un trabajo que explora la transformación personal con honestidad y sin miedo a mostrarse vulnerable. “Es bueno abrazar las contradicciones del crecimiento sin perder la conexión con tus raíces, con tu esencia. Poder ser ingenua y realista a la vez”. Su discurso es el de una persona en plena fase de madurez, obligada a echar para adelante, que en temas como Una foto de nosotros ya mira a los primeros amoríos con nostalgia. Desahogo y Capricho muestran su capacidad para explorar emociones complejas y universales, como la aceptación y el inconformismo, temas, en fin, pilares en el álbum. “La honestidad”, dice, “suele ir de la mano con la vulnerabilidad”.

Dual, pues, por naturaleza, el álbum también brilla en su capacidad para combinar géneros y estilos. Quise quererte se apoya en instrumentos orgánicos que beben del folk americano, mientras que Escapar de mí explora ritmos más electrónicos, mostrando una versatilidad que encuentra la fórmula del equilibrio en Todo y nada El alquimista, por su parte, adopta la forma de un joropo para que Joaquina pueda rendir homenaje a su herencia musical y sus raíces venezolanas. Y

“MI MAYOR AMOR HA SIDO LA ESCRITURA. LA OBSESIÓN POR HACER CANCIONES NO ME VIENE TANTO DE LA MÚSICA COMO DE MI PASIÓN POR LOS LIBROS” MAYOR POR HACER MÚSICA MI POR

Aeropuerto -que mezcla un tango y un vals- está pensada como “una forma de reflejar la influencia de mi familia uruguaya”. Son estas, quizá, las composiciones más diferenciales, islas dentro del disco que dialogan con el resto de las piezas para construir un relato coherente y diverso a la vez, y que demuestran además que Joaquina también puede aunar tradición y modernidad. Sus decisiones han sido, confiesa, todas intencionales, y reflejan un profundo interés por el world building musical. “Desde el día uno, con este disco quise mezclar el mundo más pop de instrumentos orgánicos tipo guitarras con un mundo más synth pop a lo británico. La mezcla de esos dos mundos es lo que para mí caracteriza el disco, igual que tratar de adaptar a mi terreno las tradiciones musicales de mi familia”.

El lanzamiento de Al romper la burbuja no solo marca un hito en la carrera de Joaquina, sino que también refleja su filosofía de vida. Su objetivo, dice, es crear música “que trascienda el tiempo”. “Quiero que este disco lo escuches y no importe en qué etapa estés, que se adapte a tu vida”, expresa. Esta capacidad de conectar con el oyente, de invitarlo a interpretar las canciones desde su propia perspectiva, es lo que hace que su música sea tan poderosa. “Es la primera vez que estoy cien por cien segura de lo que estoy publicando”, dice con orgullo. Para ella, este álbum es su carta de presentación, una obra que encapsula quién es y en quién está en proceso de convertirse. Es un testimonio del crecimiento y las transiciones que todos afrontamos y enfrentamos. A través de su música, Joaquina nos invita a abrazar nuestros miedos y esperanzas, recordándonos que crecer es un proceso continuo de descubrimiento y reinvención. Con su capacidad para traducir emociones universales en melodías, la artista venezolana nos deja con una obra que invita tanto a la introspección como a la celebración de la complejidad humana. Rompiendo la burbuja, Joaquina nos da no solo canciones, sino también una invitación a conectar con nuestras propias historias, con ese “yo” nuestro que siempre estuvo y estará. Y abrazar lo que tenga que venir más allá de nuestros propios mundos.

JOAQUINA, EN CONCIERTO

La artista venezolana presentará las canciones de su debut, disponible desde el 31 de enero, con banda completa y en dos fechas en nuestro país: el jueves 6 de febrero en la Sala BUT de Madrid y el sábado 8 de febrero en la Sala Paral·lel de Barcelona. “Estoy muy emocionada de poder compartir por fin este trabajo con el público”.

Animales guía

A lo largo de su corta y fulgurante trayectoria, Joaquina ha ido recorriendo el espectro entre el folk y un sutil pop electrónico con unos referentes claros, que comparten emotividad, agudeza escritora, perfección melódica y capacidad para fusionar.

JONI MITCHELL

“Una heroína para mí, una auténtica genia”. La canadiense emergió como una de las voces más personales, misteriosas y narrativas del circuito folk de los 60, pero con los años fue enriqueciendo su sonido con jazz, rock, experimentos electrónicos y secuenciadores, manteniéndose siempre despierta. Irreductible, también es activista.

GWEN STEFANI

La cofundadora, vocalista y compositora principal de No Doubt empezó a componer canciones desde muy joven, al igual que Joaquina. Entre sus grandes éxitos se encuentran Don’t Speak, Just a Girl o su versión del It’s My Life de Talk Talk. Aunque nuestra favorita es What You Waiting For?, primer single de una brillante carrera en solitario durante los 2000.

AL ROMPER LA BURBUJA (UNIVERSAL, 2024)

SIMÓN DÍAZ

“El rey folclórico venezolano, se lo recomiendo a todos mis amigos españoles que están leyendo esto ahora mismo”, avisa Joaquina. El Tío Simón no solo es mito gracias a su Caballo viejo -inspiración no acreditada para Bamboleo-, también es uno de los grandes divulgadores y preservadores de la tradición musical de Venezuela.

ALANIS MORISSETTE

Una de las principales voces del rock de los 90, vendió más de sesenta millones de discos en esa década. Hizo uno de los discos clave del pop grunge, Jagged Little Pill (1995), y de su pluma salieron grandes himnos como la incombustible Ironic, la preciosa Thank You, You Oughta Know o Hand in My Pocket. Hoy sigue siendo un icono de la cultura canadiense.

Carta (a mí) / Capricho / Quise quererte / Una foto de nosotros / Escapar de mí / Desahogo / El Alquimista / Todo y nada / Pasatiempo / No llames lo mío nuestro / Aeropuerto / Matices / Pesimista / Gracias x estar aquí CD / DIGITAL / LP

MANÁ

“Es una de mis bandas favoritas y me llevan acompañando toda la vida y subconscientemente”. Los mexicanos, epítome del rock latino de los 90 gracias a álbumes como Falta amor, ¿Dónde jugarán los niños? o Sueños líquidos, tienen a priori poco que ver con la música de Joaquina, pero sin embargo son una de sus grandes influencias.

TAYLOR SWIFT

La compositora que está marcando un hito en la música del siglo XXI, una de las artistas / empresarias con más influencia en todo el globo actualmente. Cuenta a las espaldas con el reconocimiento mundial y cifras que la avalan como la artista del momento, y su conversión del folk al synth pop es básica para entender las dualidades de Joaquina.

A COMPLETE UNKNOWN

POR: GALO ABRAIN

CON MOTIVO DEL RECIENTE ESTRENO DEL BIOPIC ‘A COMPLETE UNKNOWN’, EN EL QUE JAMES MANGOLD SE SUMA A LA LARGA LISTA DE CINEASTAS QUE HAN UTILIZADO EL MITO DE DYLAN COMO GASOLINA PARA UNA PELÍCULA, HACEMOS UN PEQUEÑO ANÁLISIS DE CÓMO HAN ENCARNADO TIMOTHÉE CHALAMET Y MÓNICA BARBARO A ESAS ESTRELLAS CASI INIGUALABLES DEL FOLK QUE SON BOB DYLAN Y JOAN BAEZ, MEDIA NARANJA DEL FILME, ASÍ COMO UN REPASO DE LAS VECES EN QUE EL CANTANTE DE ‘BLOOD ON THE TRACKS’ HA ESTADO DELANTE DE LAS CÁMARAS, CASI SIEMPRE DANDO RIENDA SUELTA A UN AMOR PROPIO DESBOCADO. UNA VIDA DE VANIDAD... Y DE LEYENDA.

Qué rabia cuando en las películas escogen a tipos guapos para encarnar a tíos de cara difícil. Es lo que parece haber sucedido con A Complete Unknown (2024), la última película de James Mangold sobre Robert Zimmerman. O, como lo conoce el mundo: Bob Dylan. Porque el tío Bob gasta una de esas prominentes narices de cormorán y un hocico de ganso, mientras que Timothée Chalamet, que es quien le pone jeta

RENALDO & CLARA

La relación entre Dylan y Baez es uno de los centros gravitatorios de la cinta de Mangold, porque une muchas cosas aptas para el dramatismo cinematográfico: pasión juvenil y rebelde, inspiración creativa, motivaciones personales y una tragedia madurada. En la cinta que el propio Dylan firmó sin apenas dirección

al genio, lo tunees como lo tunees, sigue siendo el niño bonito por el que babearían los tíos raros con gabardinas a las puertas de los colegios. Con Joan Baez, en cambio, me temo que el resultado es al revés. Aunque la actriz Monica Barbaro es un primor que sentencia poderío en cada pisada, Baez siempre lució más dulce y de mente sofisticada. Con esa mirada tierna, pero profunda, por la que se diría que discurría el mundo.

en 1978 relatando la gira Rolling

Thunder Revue de 1975, Clara no es Baez sino Sara, la esposa de Dylan, y en todo momento se explora la idea del triángulo de amor bizarro. Delante de ella y solo con su guitarra, Baez le canta a Dylan: “¿Cómo crees que hubiera sido si nos hubiéramos casado?”. Por momentos Mangold también parece hacerse la misma pregunta.

El tándem Baez-Dylan fue el entramado musical-amoroso que fetichizaron todos los amantes del folk. Se amaban sobre el escenario, entrelazando sus voces como eslabones de una cadena que se hace más fuerte, y fuera de él, empujándose en correspondida rebeldía hacía los misterios del éxito. Se apoyaron desde el principio y hasta la sacralización de ambos como profetas acústicos. Pero, como todo camino creativo rendido a la profundidad que impone eviscerarse bajo una melodía, la relación de ambos fue brillante y defectuosa, cínica y apasionada, más devota por la parte de Baez que por la de Dylan. Y ahí, en esa extrañeza donde los rifirrafes mutan en intercambios de saliva y sueños, es donde la película de Mangold acierta. Se hace fuerte en su capacidad para, más de medio siglo después, acompañar al espectador por una cotidianidad juvenil que paría himnos a dos voces. Si para Bob Dylan lo más sagra-

do era la fantasía de la falta de sentido, el guionista Jay Cock y el director han logrado santificar su película con esa belleza en la relación de Baez y Dylan.

El otro gran arbotante de la propuesta cinematográfica de Mangold, basada en el libro de Elijah Wald Dylan Goes Electric! (2015), es precisamente ese viaje hacia una revolución anunciada, la amplificación rock, y hacia un himno como Like a Rolling Stone, cuya letra inspira el título del filme. Y aunque A Complete Unknown se presente como el gran biopic del premio nobel de literatura, la relación de Bobby con el cine viene de largo. Sería difícil calcular la cantidad de veces que su gangosa voz nasal ha tornado genuina una escena de película, o guiños a su persona han salpicado la pantalla. Pero no son pocos quienes se han puesto en su piel.

Quizás el culmen de su leyenda encarnada por ajenos sería la película I’m Not There (2007), de Todd Haynes, donde Dylan -nunca llamado así- es interpretado por seis actores en total: Richard Gere, Marcus Carl Franklin, Heath Ledger, Ben Whisaw, Christian Bale y, oh sí, una deslumbrante Cate Blanchet que da el pego con solvencia de Oscar. También tenemos a Hayden Christensen en la película Factory Girl (2006), en un mordaz enfrentamiento con la figura de Andy Warhol. Y una ligera aparición que sin embargo lo sobrevuela todo en Inside Lewyn Davis (2013), donde un bastante desconocido Benjamin Pike lo encarna durante un suspiro, en un simbolismo de cómo el bueno de Bob, enchufando su guitarra y escribiendo canciones inolvidables, oscureció a toda una generación anclada al circuito folk de Greenwich Village . Pero saltemos al otro lado. No vale solo con que haya quien te interprete. Como dejó sacrosantamente escrito Tony Sánchez en la autobiografía Yo fui el camello de Keith Richards (2013), las estrellas musicales se agotan de tocar. Pudiera parecer irónico, pero rondar escenarios sin descanso en agotadoras giras repitiendo las mismas canciones puede convertirse en una lata de proporciones titánicas. Eso es lo que llevó a los Rolling, primero, a dejarse grabar por Jean-Luc Godard en 1968 -¿quién no se anima delante de una cámara?- y, segundo, a Mick Jagger a interpretar al famoso bandolero Ned Kelly en una película de 1970. ¿Acaso Bob Dylan no iba a sentir homologables deseos artísticos?

Dylan sirvió de protagonista para el documental Don’t Look Back (1967), en el que se registró una de sus giras por Inglaterra en 1965 de la mano de, claro, Joan Baez y un joven Donovan que pronto se destaparía como músico revelador. Pero a Bobby

MUCHO MÁS DYLAN EN EL CINE

Delante o detrás de las cámaras, o simplemente como objeto de estudio audiovisual, la carrera de Bob Dylan se puede rastrear perfectamente a través de la pequeña y gran pantalla.

Eat the Document

Bob Dylan (1972)

Especie de cara B surrealista de la fundamental Don’t Look Back de 1967, retratando el momento fundacional de The Band y mojándose en plena efervescencia del debate acústico vs enchufado en el folk.

Corazones de fuego Richard Marquand (1987)

Horrible cinta sobre una vieja estrella trasnochada (Dylan) que quiere convertir en hito a una chavala con potencial. Desastrosamente camp, en sintonía con la producción de Dylan en los ochenta.

Anónimos Larry Charles (2003)

Una especie de Mesías musical (Dylan) sale de la cárcel para dar un concierto salvador en una distopía orwelliana. Bizarrada desmedida con Penélope Cruz, Jeff Bridges o Jessica Lange y guion -¿?- del propio Bob.

Quizá el retrato más realista y ajustado a la historia del primer Dylan, el del Village y la revolución electrificada, siempre cogido de su mano y enriquecido con sus testimonios y actuaciones épicas.

hacer de sí mismo debió parecerle refrito. Así que, en 1973, se puso a las órdenes de Sam Peckinpah para interpretar a Alias en el western Pat Garrett y Billy El Niño. No tardando mucho, el tándem Baez-Dylan inundaría la pantalla en la película Renaldo y Clara (1978), dirigida por el propio Dylan, y grabada durante una gira con tono francamente surrealista. Ojo, que, aunque Bob sea Renaldo, a Clara la interpreta Sara Dylan, su mujer, mientras que Baez hace de un personaje llamado “La mujer de blanco”. En fin, bizarradas a tutiplén.

El caso es que Bob Dylan, pasados los ochenta, siguió apareciendo en películas, pero ya en una línea más onanista. Documentales y derivados con firmas varias de Martin Scorsese. Sea como fuere, el tío Bob ha vivido mucha historia con las cámaras. ¿Quién será el próximo Bob Dylan?

A COMPLETE UNKNOWN (14 junio)

Disney / EE UU / 2024

Dirección: James Mangold

Reparto: Timothée Chalamet, Monica Barbaro, Edward Norton, Elle Fanning

No Direction Home Martin Scorsese (2005)

POR: MANÉ LÓPEZ / FOTO: @ NEREIS.FR

ALBA RECHE DA EL PISTOLETAZO DE SALIDA A ESTE 2025 CON ‘NO SOY TU HOMBRE’. SU TERCER LARGO LLEGA TRES AÑOS DESPUÉS DE ‘HONESTAMENTE TRISTE’ Y UNA SERIE DE RECIENTES COLABORACIONES CON ARTISTAS COMO BAIUCA O GINEBRAS. CONCEPTOS COMO “CASA”, “ENEMIGO” O “MIEDO” DESTACAN EN ESTE TRABAJO DE CANCIONES ENSOÑADORAS EN EL QUE LA ARTISTA NOS MUESTRA SIN PUDOR SUS ENTRAÑAS Y NOS HACE PARTÍCIPES DE LA TERAPIA PARA VOLVER A ENCONTRARSE.

“Mejor sentirlo así todo tan fuerte”, canta Alba Reche en Todo lo que conozco , la canción encargada de cerrar No soy tu hombre, su tercer larga duración. Resulta irónico resaltar una frase así porque, como bien nos cuenta la autora, “la vulnerabilidad no debería ser extraordinaria, más bien es la mayor muestra de fuerza mental y la mejor herramienta de sentir y conocer todo lo que te rodea”. Así, sin miedos ni tapujos y abanderándose de ello, la artista ilicitana se embarca en un ejercicio de mirar a su alrededor y volver a conectar con su mundo. ¿El resultado? Un diario conformado por diez canciones que “es un viaje, un arcoíris con toda su paleta de colores”. Es fácil observar que toda la gama cromática se encuentra representada a lo largo de este disco gracias a la confluencia de una lírica confesional con líneas para enmarcar -“Para ser feliz tengo que tener menos miedo”, “Puedo empezar la última guerra solo con abrir la boca”, “Viene del amor todo lo que conozco”- y una producción a la vez etérea y terrenal cuya misión está clara: lo principal es el mensaje y transmitir este desahogo en un trayecto que parte de la confusión y culmina con la liberación; ir siempre al servicio de la canción. Nada estorba. Cada edit vocal, arreglo de guitarra acústica, piano o sintetizador aparecen en su medida justa para confeccionar un oasis de paz necesario en estos tiempos extraños. Alba Reche nos transporta a un espacio seguro, un refugio en el cual la luz atraviesa las motas de polvo y la madera del suelo cruje con suavidad mientras ella se sincera con nosotros desahogándose y desprendiéndose de todo lo que la ha hecho dudar de sí misma. Esta búsqueda de lo esencial comienza desde la grabación misma del trabajo. “Todos los instrumentos fueron interpretados en vivo y nos hemos esforzado en que se note”. Uno escucha la madera del piano en Mi casa, los golpes en el cuerpo de guitarra en Creí en ti, el humo y la tensión en Tal para cual... Y, sobrevolando cada compás, el puro sentimiento en la voz de Reche. Si bien uno podría pensar en el Bon Iver de For Emma, Forever Ago o en la Taylor Swift de la dupla Folklore / Evermore, las referencias de la ilicitana fluctuaban por otros lugares. Destaca una fundamental que da todo el sentido a su universo musical: “Los grupos de chicas y la forma en que llevaban sus producciones de estudio al directo”. Así, Alba lleva la energía del grupo a su producción y nos hace partícipes de esta aventura. Nos hace partícipes, con absoluta normalidad, de la intimidad vivida en el estudio. Todo resulta natural, uno se encuentra cómodo ahí. Eso también se debe a que, como

nos cuenta, “trabajando me junto con gente que es mi amiga, que hace que te sientas bien, con la que puedas penar y celebrar”. Lo deja claro hablando con tanto amor de los productores con los que ha compartido la labor de producción, su banda, su equipo de directo… Todo se traduce también al apartado visual con el vídeo de Todo lo que conozco, el último de esta trilogía dirigida por Marta Ochoa y conformado por Digna de ti y No soy tu hombre, que buscan representar lo esencial de este viaje sanador que firma Alba Reche con su tercer trabajo de estudio.

“Está todo grabado en un mismo espacio porque todo forma parte de la misma historia”, nos desvela Alba. “La discusión en el parking de No soy tu hombre, aparecer dentro del campo de juego cuando nadie sabe qué hago ahí en Digna de ti, o el final con todas mis chicas después de las duchas en el que ya se ha acabado todo, se ha ido quien se tenía que ir, hemos luchado con quien teníamos que pelearnos y estamos listas para volver a salir al mundo resguardadas por esa gente que sabemos que nos va a cuidar, que sería Todo lo que conozco”.

Ahora se ve todo perfectamente hilvanado, pero no ha sido fácil llegar hasta aquí. Había un primer disco en camino que acabó siendo desechado por una ruptura. “Todo lo compuesto desde Honestamente triste carecía de sentido”, nos cuenta. “Había otra historia que contar. Escribí Digna de ti y me di cuenta de que ahí empezaría el disco. Con esta canción empecé ese viaje de volver a conocerme a mí misma, de tener que enfrentarme a todo lo que estaba pasando. Vomité todo lo que sentía”.

Porque, ¿para qué haber mantenido todo ese material previo si, efectivamente, carecía de razón de ser y no lo sentía genuino? Es, de nuevo, una muestra de que Alba siempre se ha mantenido fiel a sí misma y a su instinto. Ya lo vimos tanto en sus anteriores trabajos -Quimera (2019, Universal), La pequeña semilla (2021, Universal), Honestamente triste (2022, Universal)- como en las colaboraciones recientes con Baiuca y Ginebras: todo tiene sentido porque siempre es ella la que prevalece en todo esto. Cambiarán las formas y los envoltorios, podrá venir en forma de producción intimista como Mi casa o con un ligero coqueteo trip-hop en Tal para cual, pero el núcleo permanece. “No hay máscaras. El público es inteligente”, comenta Alba cada vez más segura de sí misma. “Cuanto más intentes tú respetarte tus tiempos, tu trabajo, tus necesidades personales… mejor va a salir siempre todo. Quizá ese ha sido el mejor aprendizaje de estos últimos años”. NO SOY TU HOMBRE (UNIVERSAL, 2024)

Mi casa / Digna de ti / Creí en ti / La mitad / Enemigo / Tal para cual / Última guerra / Tan guapa / No soy tu hombre / Todo lo que conozco CD / DIGITAL / LP

“TODO LO COMPUESTO DESDE ‘HONESTAMENTE TRISTE’ CARECÍA DE SENTIDO. HABÍA

OTRA HISTORIA QUE CONTAR...”

NUEVO NOMBRE, NUEVO DISCO Y NUEVAS

ALTURAS. EL ARTISTA, MÚSICO Y PRODUCTOR

MADRILEÑO, CON RAÍCES ANDALUZAS, ANTERIORMENTE CONOCIDO COMO ODDLIQUOR, REGRESA

MÁS POTENTE QUE NUNCA CON SU NUEVO

DISCO, PERO ESTA VEZ NADA DE LIQUOR, SOLO MARQUITOS. CON INFLUENCIAS QUE VAN DESDE

EL METAL, EL ROCK, EL R&B O EL HIP HOP AL POP Y LA MÚSICA FOLCLÓRICA, EL DISCO DEBUT DE ESTA NUEVA VIDA COMO MARQUITOS ES UN PROYECTO PROMETEDOR Y UNA BOCANADA DE AIRE FRESCO

NO SOLO PARA EL PANORAMA URBANO NACIONAL, TAMBIÉN -Y SOBRE TODO- PARA ÉL MISMO. CON EL CAMBIO DE NOMBRE, MARQUITOS CIERRA UNA ETAPA

IGUAL DE ICÓNICA QUE DE IMPORTANTE PARA LA HISTORIA DE NUESTRA MÚSICA ENTERRADA, Y ACOMETE SU PROPIO RENACIMIENTO PERSONAL ESPERANDO QUE LO MEJOR TODAVÍA ESTÉ POR VENIR . UN REBRANDING PARA SEGUIR VIVO. Y UN RECUERDO DE LO BELLO DE LA SIMPLICIDAD .

¿Te suena? No nos sorprendería, porque como ODDLIQUOR, Marcos Terrones lleva más de seis años causando un revuelo en el panorama musical actual por sus capacidades como productor, vocalista y artista todoterreno. Sus mezclas características que beben del R&B, el trap, el soul y hasta locuras experimentales le han posicionado como uno de los nombres más solicitados y respetados del país, clave en la consolidación de un sonido nuevo. Colaborando y coincidiendo en el auge de la escena creativa musical con nombres de la talla de Nathy Peluso -en dos temas lanzadera para la argentina, Daga o Sandía, contenidas en su primer EP-, Natalia Lacunza -produjo su puesta de largo tras OT: Tarántula-, Ca7riel, Çantamarta, María José Llergo, Ill Pekeño y Ergo Pro, siempre ha sido de darle la mano a los nuevos y utilizar esa unión para hacer fuerza y sacar adelante proyectos estelares. Ahora, Marcos abraza su nombre personal como Marquitos y, en cierto sentido, todo vuelve al punto de partida. “El cambio de nombre va ligado a mi madurez personal. Digamos que con ODDLIQUOR siempre ha habido un personaje que sostenía la historia. En cambio, Marquitos es la historia. No hay maquillaje, no hay un querer molar impostado, y no hay ningún nombre que defender, porque es lo que es. Era algo que llevaba pensando años, pero mi alma me ha dicho que es ahora el momento de hacerlo”, cuenta. No lo siente, sin embargo, como una ruptura: “Yo diría que más bien es ‘desapego’. Absolutamente todo lo que he hecho en mi vida me ha traído hasta hoy, así que es imposible sentir arrepentimiento o rechazo hacia algo que me ha dado tantísimas cosas buenas. Pero ya no soy la persona que era con 18 años cuando me puse el nombre. He sanado mi relación conmigo mismo, mis círculos y mi vínculo familiar. Por lo tanto, mi manera de hacer y entender música ha cambiado también”.

Efectivamente, el cambio de nombre significa también una nueva etapa en cuanto a lo musical. Marquitos ahora solo quiere hacerle un regalo al universo, quiere estar cien por cien satisfecho, confiar en su criterio, hacer arte y soltarlo. Ha aprendido a escucharse, valorarse y antepone lo que él quiere comunicar a lo que el público desea escuchar, habitando en estos momentos un espacio personal que quizá ODDLIQUOR nunca se permitió. “Este nuevo proyecto estará muy centrado en la parte de cantautor, con letras más genuinas, melodías más poperas, elementos orgánicos y arreglos de producción muy minuciosos”. Su proceso de composición y grabación también se ha adaptado a este cambio: “Ahora busco más que haya una buena canción, componerla con pocos elementos, y una vez que me levanta del sitio y se

sostiene sola, es cuando empiezo a producirla”. Sigue escuchando a Tyler the Creator, Skepta, A$AP Rocky o Steve Lacy, pero ahora también a “Bon Iver, Mk.gee, Mustafa, Matt Champion, Mac Miller, Novo Amor, Natalia Lafourcade, Mac DeMarco, Lizzy McAlpine, Ray Heredia, The Police, Camarón…”. Y le ha dado la bienvenida a procesos, por encima de todo, mucho más orgánicos. Un refugio en un momento en el que todos los procesos están aparentemente más digitalizados: el paradigma está empezando a cambiar. “Creo que hay tanta saturación digital que el oído está necesitando aire. Cada día me gustan más genuinamente los instrumentos, pero también porque la música que más escucho ahora los tiene. Estoy aprendiendo a tocar la guitarra, ¡por fin! -risas-. Y a incluirla en mis producciones”. Eran unas inquietudes que ya podían rastrearse en sus últimos directos. “Sí, la gira del año pasado fue a trío con guitarrista, batería y secuencias. Batalleo”, recuerda. “Pero lo que quiero

Recorremos de la mano de Marquitos algunos espacios y momentos que han acompañado este cambio en el que el madrileño se deshace de las corazas de ODDLIQUOR y da la cara. Con todas las consecuencias.

“El home studio que me he montado en mi co cina, y que es donde he grabado prácticamente los esbozos de todas las canciones”

testeando las canciones, de noche...”. El coche siempre ha sido una de las mejores formas de relacionarse con nueva música.

“Jugar al Monopoly los domingos con la familia”. Re conciliarse con la trivialidad, abrazar la sencillez, volver a los orígenes y ser consciente de la importancia de todos esos a los que a veces obvia mos, son también claves para la transición de ODDLIQUOR a Marquitos.

“Aburrir a mi chica con frases de Rick Rubin”. El gurú-productor es, claro, toda una referencia para cualquier otro productor. Pobrecita...

“El gym de Juanillo”. Un hub en toda regla, combustible para muchas de las ideas del madrileño.

hacer con este nuevo proyecto aún lo estoy bajando a tierra... Lo único que puedo prometer es que será un show súper especial y único”. Con varias fechas ya confirmadas -en Barcelona, Bilbao, Valencia y Granada entre abril y mayo-, esta despedida que, como todas, significa también un nuevo comienzo, es el reflejo de su momento actual, pero también de sus renovadas ambiciones. Tiene la mentalidad de comerse el mundo siendo la persona que quiere ser, manteniéndose puro y con los pies en el suelo.

Comérselo a bocados pequeñitos, disfrutándolo y sin hacer daño. Entre sus planes se encuentra internacionalizarse y hacer colaboraciones gracias a las oportunidades que le ofrece su flamante fichaje por Interscope España, y asegura que ya cuenta con varios ases bajo la manga que, de momento, prefiere guardarse y no compartir. Y, por qué no soñar, aspirar a romper ese techo de cristal con el que se siguen topando a día de hoy muchos productores en una industria que sigue sin encontrar el equilibrio entre su figura y la del artista: “A estas alturas de la película, esto cambiará cuando yo sea presidente de la discográfica -risas-”. Humor, intención y ambición, ante todo. “Me he cambiado el nombre, tío. ¿Tú crees que tengo alguna limitación?”

Los fans, claro, entenderán este cambio que lleva realmente desvelándose desde Blindao (2023) o su EP de 2024 Self-War Veterans -donde ya podíamos ver a Marquitos en los créditos y entre la lista de colaboradores-, y asomándose en su Instagram. Algunos es probable que incluso se sientan aún más cerca y conectados, descubriendo que Marquitos puede abarcar nuevos públicos y mucho más. “Como quería que fuera un cambio natural y obvio, sobre todo para ellos, ha sido una manera de ir familiarizándolos poco a poco con el nuevo miembro de la familia. Algunos de los más avispaos ya se olían lo que iba a pasar”, reconoce entre risas. Es una relación que ha ido cultivando a lo largo de los años, y que ya se materializó por ejemplo precisamente en el diseño de la portada y contraportada de Blindao, que surgió de un concurso remunerado que organizó con su comunidad.

ODDLIQUOR, en fin, dice adiós, aunque su legado podrá rastrearse siempre en la música de Marquitos. Era, quizá, una de esas corazas que han protagonizado la guerra interior de sus últimos pasos, de sus últimos años, de sus últimos trabajos. El casco de Talanquera. Una chaqueta metálica. Pero ahora corazas, chaquetas, cascos, caretas fuera. Marcos Terrones, a pecho descubierto. Y aunque la forma cambie, el fondo permanece.

D.DRAMÁTICO DUELO

MP/774 [EP]

NUEVO EP YA DISPONIBLE

GHOULJABOY DANTE

MP/790 [SINGLE]

SINGLE YA DISPONIBLE / NUEVO ÁLBUM 23 MAYO

POR: RAMÓN BAYLOS

LA FRANQUICIA ‘YAKUZA’ ES EL RESULTADO DE UNA INTELIGENTE METAMORFOSIS. FUE CONCEBIDA EN LAS ENTRAÑAS DE SEGA EN 2005 COMO UN RETRATO DE LA MAFIA JAPONESA QUE CAMPABA POR LAS CALLES DE KABUKICHŌ. PERO SU EVOLUCIÓN HACIA ‘LIKE A DRAGON’ HA CONSOLIDADO UNA NUEVA ETAPA CARACTERIZADA POR LA EXTRAVAGANCIA Y POR UN PATRÓN DE DISEÑO MUCHO MÁS HISTRIÓNICO. SU ÚLTIMA ENTREGA, EL DELIRANTE SPIN-OFF ‘LIKE A DRAGON: PIRATE YAKUZA IN HAWAII’, ES EL MEJOR EJEMPLO PARA ACERCARSE A LA FILOSOFÍA DEMENTE DEL ESTUDIO NIPÓN.

SURREALISMO AL ABORDAJE

Siguiendo las fantasías animadas de One Piece, tan influyentes en esta nueva etapa, Like a Dragon: Pirate Yakuza in Hawaii apuesta desde el minuto uno por el delirio. Lo hace para desplegar las estrafalarias circunstancias en las que se ve envuelto su protagonista: Goro Majima ha perdido la memoria y naufragado en una misteriosa isla. Allí se esconde un tesoro oculto en mitad de una guerra de bandas piratas.

Pero no hay que dejarse llevar por la peculiar naturaleza de este punto de partida. Ryu Ga Gotoku Studio lo ha confirmado por activa y por pasiva: esta nueva entrega -aunque no se pueda considerar una secuela completa de Infinite Wealth- sí funciona como un spin-off con forma de precuela del mismo, y es canon dentro del complejo, cambiante, loquísimo y riquísimo universo de la saga.

PURO CARISMA

La evolución de la saga Like a Dragon desde su primera entrega hasta hoy ha estado ligada a cada uno de sus protagonistas que varían en función de cada capítulo. Esa variación es la que ha hecho que la ambientación, la trama e incluso la jugabilidad cambien en función de las diferentes personalidades de cada uno de ellos.

El objetivo de Goro Majima en este capítulo intermedio es, por tanto, el de ocupar el bypass abierto dentro de la trama de Ichiban, protagonizando una aventura que encaja a la perfección con su arrolladora personalidad. En este sentido, el estudio de Sega abraza el meme de la saga por completo, permitiendo que la esencia del personaje se materialice en una aventura completa pensada expresamente para él.

Monos bucaneros, cangrejos parlantes, batallas navales a todo trapo, kinkis de los bajos fondos disfrazados de pirata en un ejercicio grupal de cosplay sin precedentes… Like a Dragon: Pirate Yakuza in Hawaii podría formar parte del sueño febril de un loco, y demuestra una vez más que Ryu Ga Gotoku no le tiene miedo a nada. Ni siquiera a ahogarse en el mar infinito de su propia creatividad desbocada.

Ichiban podría considerarse el heredero espiritual de Kazuma Kiryu: aunque posee una personalidad que mira en una dirección radicalmente opuesta, más adaptada al siglo XXI y a un mundo globalizado, su sentido del honor se solapa a la perfección con el de su predecesor. Tal es su potencia narrativa que él es el responsable de que Yakuza pasase a llamarse Like a Dragon en el año 2020.

Goro Majima es el personaje de Like a Dragon más extravagante, impulsivo e histriónico de los tres, y su misión siempre ha sido la de ejercer como avatar puro de la transgresión en sí misma dentro de la saga. Apareció por primera vez como jefazo en el primer Yakuza y logró calar tan hondo entre el fandom de la franquicia que, desde entonces, se ha convertido en pieza indispensable. Pirate Yakuza in Hawaii es el primer juego en el que es protagonista.

Kazuma Kiryu, también conocido como ‘el Dragón de Dojima’, fue el personaje principal de la saga hasta su sexta entrega numerada y también el responsable de que hoy se considere obra de culto. Capaz de soportar sobre sus hombros todo el peso de la carga narrativa de los juegos que protagoniza, no hay personaje más intenso que él, y su seriedad definió la primera etapa de Yakuza y ayudó a su consolidación.

DE ‘YAKUZA’ A ‘LIKE A DRAGON’...

Aunque podría parecer lo contrario, el salto que Yakuza dio hacia Like a Dragon es profundo a la hora de modificar la forma en que la saga afrontaba ciertos temas culturales de Japón, ahora ya en conversación constante con los valores occidentales. Ryu Ga Gotoku Studio le daba así una vuelta al envoltorio, pero realmente no tanto al contenido. Los conceptos clave del universo Yakuza siguen intactos, pero ahora son contemplados desde una perspectiva diferente. Las terribles tramas criminales y los sobrios tejemanejes de la mafia se visitan a través de una suerte de reality repleto de giros de guion, chistes absurdos y caricaturas excéntricas. Todo ello para darle a la realidad un denso envoltorio de ficción. contando un cuento de surrealismo mágico desde el pleno corazón de Tokyo.

El gran cambio, signatura principal del salto entre ambas etapas históricas para la franquicia, comenzó, de hecho, un poco de broma. Ryu Ga Gotoku Studio lanzó un teaser del Yakuza: Like a Dragon de 2020 durante el April’s Fools, y muy pocos creyeron que el gameplay con combate por turnos que se mostraba fuera real. ¿Iban a atreverse a ir en contra de unos preceptos de acción en tiempo real y beat ’em up casi bruceleenianos para apostar por un enfoque mucho más pausado? El arriesgado resultado, casi un reboot de sus mecánicas, cautivó tanto a su fandom que el estudio tomó la decisión de llevar su locura un paso adelante y transformar así la saga para siempre. Aun conservando su esencia, nada sería igual para la saga a partir de ese momento, logrando abrirse a nuevos públicos sin traicionar a sus fans.

...ODA A LA CREATIVIDAD

Y es que el giro hacia el JRPG, de una personalidad arrolladora, no solo fue bien recibido en Japón: hoy Like a Dragon es un fenómeno de masas también en Occidente, y ambos mundos conversan de forma curiosa -entre la broma surrealista y la cruda realidad- en sus agudas y extensas líneas. La riqueza del mundo y los personajes que se mostraban en Yakuza estaban pidiendo a gritos transformarse en Like a Dragon, y es ahí donde reside uno de los grandes valores creativos de Ryu Ga Gotoku Studio: en su capacidad para adaptarse a lo que sea que la la saga necesite según el contexto en cada momento. Gracias a ello se han convertido en uno de los grandes estandartes, junto a Atlus, de la SEGA actual, y en su estela se han resucitado otras sagas tan sustanciales de la compañía como Virtua Fighter. Casi nada.

LIKE A DRAGON: PIRATE YAKUZA IN HAWAII

RYU GA GOTOKU STUDIO / SEGA

20 de febrero

PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series

POR: GABRIEL CAREY

EL AUTODESCUBRIMIENTO Y LA IDENTIDAD SON LOS TEMAS CLAVES DEL NUEVO DISCO DE BON CALSO, ‘NÚMERO 7’. AUTOPRODUCIDO Y MEZCLADO POR MANU OLIVA, EL QUINTO PROYECTO DEL ARTISTA MADRILEÑO MUESTRA SU FACETA MÁS VERSÁTIL VALIÉNDOSE DE DIFERENTES SONIDOS INFLUENCIADOS POR LA ESCENA URBANA ESTADOUNIDENSE. HABLAMOS CON EL DE ALCORCÓN SOBRE EL POR QUÉ DE HACER MÚSICA, SUS INICIOS, LA INDEPENDENCIA , EL ÉXITO Y SER FIEL A SÍ MISMO.

FOTOS: KALI ELÍAS / DIRECTORA CREATIVA

Y ESTILISTA: MANUELA JUAN

Bon Calso va con la grandeza por delante. “Si no tienes esa sensación, creo que es una putada. Yo siempre la he tenido”. Ambicioso de nacimiento, no tiene ninguna intención de quedarse a medias. Antes de eso, prefiere dejarlo. “Dejé de tatuar el mes pasado”, confiesa. “Ha sido una declaración de intenciones. También quería tener un proyecto potente en ese campo y, como no tengo tiempo para hacer las dos cosas a la vez, tenía que decidir”. El visionario artista ha emprendido un nuevo camino en la música y así lo refleja en Número 7, un disco que nace de la transformación personal y que puede redefinir su carrera hasta ahora. Calso, natural de Alcorcón, nunca se ha quedado en el mismo sonido. Rage, reguetón, trap, house o drill son solo algunos de los palos que ha tocado desde el nacimiento del proyecto, siempre sobrevolando el pop y siempre siguiendo una visión propia.

Pero a veces es fácil sucumbir a las dinámicas de la industria: “A la hora de tomar decisiones, sí que acabas dejándote llevar por lo que puede funcionar más”. Con su nuevo trabajo, esto cambia. “He aprendido a hacer música sin pensar en la reacción de la peña, sino por hacer lo más puro que podía”. El rollout del disco también se ha asegurado de ello. “Este año no he mostrado nada en redes. Con los singles, es una conversación de pregunta-respuesta con el público. Con un disco, es una conversación más personal”.

Esta planificación dista mucho de los inicios del artista, cuando “todo era simplemente hacer música para estar con los colegas”. Aunque el proyecto de Bon Calso empezase en 2018, Jorge González lleva haciendo música desde 2009, en un aula de instituto. “Estaba escribiendo cosas mías en clase y un colega me preguntó si cantaba. Con el tiempo, nos fuimos llevando más y nos pusimos a hacer cosas. Yo tendría 12 o 13 años”. Después de tanto tiempo, todavía se acuerda de quien encendió la chispa. “Adrián López se llama, que le va a hacer ilusión verlo. Entonces sonábamos de culo, pero era nuestra movida y siempre lo recordaré con mucho cariño”. De repente, llegó 2018 y la pregunta que le llevaría hasta el día de hoy: “¿Y si hacemos algo guay?”. Hoy, ya ha triunfado, según él lo entiende: “Puedo vivir de la música, y creo que ese es el verdadero triunfo”.

Más si todo lo has hecho siempre desde la independencia. “Hubo un punto en el que había mucha desinformación con los artistas y los sellos se podían llegar a aprovechar un poco de eso. Por suerte, la cosa ha cambiado. Ahora ya se están viendo muchos tipos de contratos distintos y muchas maneras de trabajar. En ese sentido, está avanzando bastante”. Y aun así, y aunque no siempre sea fácil, él se mantiene al margen. “Las inversiones que hagas, las haces tú. Las hostias que te pegas también te las pegas tú. Es una movida más”. Una de las razones por las que no ha optado por un sello es tener que tratar con el lado más empresarial de la industria. Algo que tampoco desaparece en la vida del artista independiente. De hecho, es el motivo por el que Bon Calso casi lo deja todo. “Me he planteado dejar de subir música más de seis veces en los últimos cinco años (...) Para

mí, la música es algo que hago porque realmente me nace, es personal. Nunca lo he mirado como un negocio, y la parte que te hace ver la música así es la que te hace cogerle asco”. Las fechas límite, las presiones de una industria que no para de cambiar… Es normal echar de menos una vida más tranquila. “Yo vivía de puta madre, hacía música cuando me apetecía… A veces es complicado lidiar con ello”. El hecho de ser un artista en España también influye. “Está muy marcado cuando eres un artista que está funcionando y cuando eres uno que no funciona. En otros países las marcas confían más; aquí estamos todavía dando el salto”. Aclara que no ha pensado en dejar de hacer música, que le parece “imposible”, sino en dejar de subirla. Todo esto ha llevado a que el último año fuese uno de “pura introspección”. La portada de Número 7, obra de Manuela Millares (@manuelajuaan), es una máscara de su cara por algo. “Tu cara, tu imagen, es lo que le estás ofreciendo al mundo. Lo único que marca el personaje que he montado es mi propia cara”. Dándola, Bon Calso ha sido capaz de reinventarse. “Ha sido la primera vez que he currado con sintetizadores analógicos y he tratado todas las partes del álbum con el máximo cariño”. Para ello, también ha colaborado con artistas a los que admira. “Si algo he aprendido con este disco es a confiar en la movida que tengo en la cabeza”. N¥, con mvrk, fue “uno de los primeros temas que se hicieron” y una de las claves del álbum. Además de un banger de manual, en ella se entremezclan algunos de los puntos que definen tanto el disco como la carrera de Calso. “Vivo donde ya nadie es auténtico, y yo solo trato de ser auténtico”, canta. “Creo que ha sido de las cosas que más he sentido en mi vida. ¿Por qué la gente no actúa de corazón? El ser humano ha creado el arte de la mentira. Las palabras no están creadas para comunicar, sino para mentir. Los animales se entienden sin palabras y nosotros, con tantas, no nos entendemos”. Calso y mvrk también presumen de mantenerse “siempre original”. ¿Falta originalidad en el panorama? “Creo que mentes pensantes sí que hay. Creo que más que eso, hace falta más peña que confíe en esa movida. Hay música más rara que el reguetón y el pop por ahí que está genial y que tiene mucho potencial”.

NÚMERO 7 (AUTOEDITADO, 2024)

Baccarat Rouge 540 / N¥ / DetoXXX / El Pr€cio / Calma / Panamá / Antes de q tú me quieras / DAWG! / Héroe / Seis nueve / Vía Maffia / West Side Story / I’ll Take Care / No va a ser lo mismo / Dormimos en la calle

DIGITAL

“HAY MÚSICA MÁS

RARA

QUE

EL REGUETÓN Y EL POP POR AHÍ QUE ESTÁ GENIAL Y

TIENE MUCHÍSIMO POTENCIAL”

MVRK

Gracias a sus referencias y rimas únicas, el joven artista madrileño se ha convertido en uno de los referentes del movimiento en muy poco tiempo. Bon Calso ya había colaborado con él en Cuerpos, resultando en un éxito total. Lo que nadie sabe es que N¥ se hizo antes que ese tema.

SELECCIÓN SUB 21

El Número 7 se coloca el brazalete de capitán y convoca a toda una selección de estrellas para dar paso a un verdadero relevo generacional en la escena urbana. Este es, a grandes rasgos, su futuro. Dream Team.

JUICY BAE

La Juicy es una de las artistas más interesantes y prolíficas de la escena catalana -ojo, siendo sevillana-. “Quedé con ella hace un tiempo y salió un tema muy guapo, pero nunca terminó saliendo. Me apetecía mucho juntarme con ella, porque es buenísima”. Bon Calso sabe de lo que habla. Los dos comparten con ANTES DE Q TU ME QUIERAS lo más parecido a una balada.

DIEGO900

La espalda del Sol fue uno de los proyectos más aclamados del underground en 2023. “Me parece un puto desfasado, que escribe de locos y que tiene genialidades”. Calso estuvo a punto de entrar en aquel disco, pero “no conseguí que me saliera nada a la altura de lo que me había mandado”. EL PR€CIO, por fin, sí lo está.

GUXO

Flamenco y electrónica son los pilares de la propuesta del murciano. En esta ocasión, Superreservao le dijo a Bon Calso que Guxo era “un puto genio”. “Quedé con él y, efectivamente, era un jodido genio”. I’LL TAKE CARE encuentra a ambos en “un registro en el que ninguno habíamos estado”.

SUPERRESERVAO

Criado entre Argentina y España, el artista de 22 años también había trabajado previamente con Calso, en el tema yyy3. “Me fijé en las movidas que hacía y me flipó”. Comparte con este su gusto por el hip hop americano, añadiendo en la mezcla unas valiosas raíces latinas, pero su colabración en via Maffia va aún más allá.

ENRY-K

Productor, compositor y cantante, Enry-K te lo puede hacer todo sin despeinarse. “Vimos que había un rollo de puta madre, le mandé la pista y a la semana ya me pasó su parte. Fue uno de los primeros temas que se hicieron”. DAWG! es la prueba de dos artistas operando al máximo nivel.

ALEESHA

La ibicenca está haciendo olas en el panorama del R&B de nuestro país, con un estilo muy marcado entre el pop y el hip hop. Tampoco le da miedo mezclar inglés y español. “Canta increíble y tiene una soltura en el estudio muy guapa”. West Side Story es la canción más veraniega del disco.

L’HAINE

El cantante madrileño y autor de DE LA FORMA EN QUE YO QUIERO es otro nombre que seguro que ya conoces, siendo uno de los artistas más queridos de la nueva escena urbana. “Nos juntamos hace unos años para probar y salieron cosas guapas, pero se quedó por ahí perdido”, cuenta Calso. Ahora retoman en Calma

POR: MIGUEL PARDO

EL 17 DE ESTE ENERO LLEGÓ EL SEGUNDO ÁLBUM DE LA PRODUCTORA COLOMBIANA ELA MINUS, ‘DÍA’. DE NUEVO EN EL SELLO BRITÁNICO DOMINO, ESTE TRABAJO SUPONE UNA EVIDENTE MADURACIÓN Y ACEPTACIÓN POR PARTE DE LA ARTISTA DE TODOS LOS PROCESOS MUDABLES -Y MUTABLES-, Y DEMUESTRA, ENTRE AUDACES SINTETIZADORES, SU VOLUNTAD DE ABRIR MONTE, COMO DICEN EN COLOMBIA, DE MIRAR MÁS ALLÁ DE LO ESTRECHO DEL CAMINO. DE ELLO Y DE OTRAS CUESTIONES HABLAMOS HACE UNAS SEMANAS EN MADRID. EL NOMADISMO PROFESIONAL, EL AMOR POR EL FORMATO FÍSICO Y LA NECESIDAD DE VOLVER A UNO MISMO CENTRALIZAN NUESTRA CONVERSACIÓN.

FOTOS: ÁLVARO ARISÓ

Suele ser un gusto cuando las entrevistas con un artista se producen en persona. Así lo resaltamos con Gabriela nada más empezar nuestra conversación, rememorando un incómodo cuestionario que le enviamos hace un lustro, en plena crisis del covid, con motivo del lanzamiento de su debut, Acts of Rebellion. Esta vez nos hemos encontrado en un hotel madrileño y Ela Minus, cercana y muy comunicativa, nos ayuda a aproximarnos a su nuevo trabajo, DÍA, y a las experiencias que le han llevado hasta él. Para entrar en materia, hablamos sobre cajas de ritmos y sintes -ella los diseña, incluso para Jack White-. “Me encanta escribir y leer manuales, aunque haciéndolos no aprendes sobre el proceso en sí”. También hablamos sobre el afecto y entrega que implican este tipo de obsequios: “Es lo que debería ser siempre... El amor es un impulso a crecer hacia ti”, dice mientras jugamos con un regalo reciente, un Korg Volca Drum. “Todos mis primeros EPs, si los escuchas, son con esta maquinita”. Sobre ese amor por las cajas y el formato analógico discurre el comienzo de nuestra conversación. “Me inspira más, me das una maquinita así y de una me entran ganas de empezar a tocar. Es súper intuitivo, en verdad”. Lo entiende como una reconciliación con el cuerpo. “Con lo táctil. No sé si es reconciliación porque mi experiencia de hacer música siempre ha sido muy física. Crecí tocando la batería... Si no lo puedo tocar no es un instrumento. Me parece muy importante sentir que existes, que tu cuerpo existe. Si manipulas el knob de un sinte, notas que hay algo que se transforma; existo”.

DÍA, como su propio nombre indica, recoge la noción del ciclo y parece reflexionar sobre la progresión y (sobre todo) el cambio. Ela Minus, como cualquier músico, es nómada contemporánea. Pero todo se ha intensificado haciendo este álbum y, especialmente, después de la pandemia. “Estos últimos años han implicado la aceptación de que esta es mi vida. Luché mucho con esa idea buscando la estabilidad desde que me fui de Nueva York con la pandemia. Cuando eres migrante es habitual vivir con la sensación de que no perteneces a ninguna parte”. Confiesa que buscó esa estabilidad habitacional posponiendo la idea de hacer un nuevo disco. “Mucho trabajo personal consistió en aceptar que no tengo noción de dónde quiero estar. Después pensé que por algo estoy viviendo esto, claramente no está fluyendo lo de quedarme quieta. Por eso tal vez lo que tenía que hacer era grabar un disco que reflejara este punto de incertidumbre”. Esos primeros esbozos de DÍA, que acontecieron mientras Gabriela Jimeno Caldas -nacida en Bogotá

“LA CANTIDAD DE ENERGÍA QUE UNO GASTA CADA DÍA EN PROTEGERSE DE LO QUE NOS HACE DAÑO ES INCREÍBLE”

en 1990- iba asumiendo dicha condición, son la huella de esa incertidumbre y la ausencia de un hogar. En la música de Minus también existe un equilibrio imposible entre la espontaneidad musical y la autoexigencia técnica. “Como vengo de estudiar música durante tantos años, aunque eso no tuviera nada que ver con lo que hago ahora, el proceso de aprender sola y luego llegar a una universidad con beca, pero sola, me hace sentir mucha confianza en mis capacidades musicales. Siento también que en esos años llegué a entender mucho, porque la escuela de música es horrible y te estás comparando todo el rato, a pesar de que la música es una disciplina totalmente subjetiva y no tiene sentido hacerlo. Pero yo pasé cuatro años en los que me encontraba además en contextos de solo hombres, bateristas. O sea, los más hombres”, cuenta entre risas. Como Whiplash , pero peor. “Total. Me di cuenta muy rápido de que nunca iba a ser como ellos. Ni quería. Y eso me hizo cuestionarme cuál era mi propósito en esto de hacer música. Qué tengo yo que no tienen ellos y viceversa. Todo ese cuestionamiento me ha llevado a pensar que la técnica ya la tengo y en lo que más me exijo es en encontrar mi propia voz. No de forma literal, sino quién eres y qué es lo que hace que valga la pena que exista eso que haces”. Esta reflexión nos remite de nuevo a un concepto esencial en su obra: la presencialidad. “Todo eso ha hecho que mi trabajo sea un proceso lo más intuitivo posible, porque se trata todo el tiempo de estar lo más presente que pueda y, por medio de esa presencia, hacer música. La autoexigencia llega cuando yo misma me doy cuenta de que estoy haciendo algo que es bullshit, de que estaba pensando en algo que antes de empezar a trabajar encontré en Instagram y me sorprendo enfrentándome a la inseguridad de compararme”. Este alegato sobre lo nocivo de las redes sociales desde el punto de vista de la creatividad concluye con una afirmación categórica: “Ser mejor es, simplemente, intentar ser más real, más honesto y que la música transmita más cosas”. Frente a esa exigencia de realidad y de comparecer con el cuerpo, se encuentra el academicismo técnico musical. “No me parece nada interesante afrontar producciones de la manera en que lo hace Skrillex,

por ejemplo, el clásico baterista hombre: ‘esto es lo más lejos que puedo llegar’. Técnicamente es impresionante, pero eso es todo lo que hay. Casi como de laboratorio.” Sobre esa experiencia de ponerse por delante a uno mismo también hablamos en relación a una estrofa de UPWARDS. “Al final del día uno es el único que es responsable de sí mismo”, nos cuenta Gabriela mientras rememora una dura experiencia en la que tuvo un blackout de varios días sin razón aparente. “Para mí fue muy fuerte darme cuenta de que, si yo no hubiera estado fuerte mental y emocionalmente para superar eso, no habría sobrevivido”. Perder el control, paradójicamente, la reconcilió con la idea de hacerse cargo de sí, una cuestión -la salvación desde uno mismo- que recorre gran parte del álbum. Lo mismo pasa cuando se trata de otros. “Por más que veas el potencial de una persona tú no puedes hacer que ella sea consciente de eso mismo. Tiene que darse cuenta y hacer lo que quiera. La única persona que puede realizarte eres tú mismo”. Otra de los sentimientos de los que la música nos salva y redime es del sufrimiento. “Para mí, hacer la música es duelo. Corporizar ese sufrimiento es sanador”. Noción indiscutible y compartida: la música en general, y la de baile en particular, como herramienta terapéutica o curativa. “Es exponencial: la vida cada vez más se ha convertido en duelo”, admite. En DÍA hay, pues, “mucho duelo de muchísimas cosas”. También mecanismos de defensa anímica que operan de forma necesaria ante la constante exposición. “La cantidad de energía que uno gasta cada día en protegerse de lo que nos hace daño es increíble. Sientes que están todo el rato agrediéndote”. Incluso la idea de ponerse ropa ancha le parece una forma de generar más capas entre uno mismo y el exterior. Ela Minus escucha mucho ambient en aeropuertos, realiza estrategias para no usar tanto el móvil o pensar habitualmente en el dinero. Reconciliarse con la soledad es el objetivo definitivo para saber quién es y no perder el centro. Generar esa identidad y reafirmarla desde sí misma es lo que ha permitido a esta artista cada vez más de ninguna parte publicar un segundo trabajo tan repleto de sufrimiento como de esperanza. Pura contradicción.

DÍA (DOMINO, 2024)

Abrir monte / Broken / Idols / IDK / QQQQ / I Want To Be Better / Onwards / And / Upwards / Combat

CD / DIGITAL / LP

POR: RICARDO RUIZ VARO FOTOS: MIMO

RENDIRSE SÍ ES UNA OPCIÓN. EN ‘DÉJATE CAER’, DELAPORTE DEJAN ATRÁS LA LUCHA CONSTANTE Y SE ENTREGAN DEFINITIVAMENTE AL PRESENTE, EXPLORANDO UN SONIDO MÁS LIBRE Y VISCERAL QUE EPILOGA LOS HALLAZGOS DE SU ANTERIOR TRABAJO, ‘AQUÍ Y AHORA’. SANDRA Y SERGIO NOS INVITAN A LIBERARNOS DE LAS EXPECTATIVAS Y RECONOCER LA VULNERABILIDAD COMO EL CAMINO HACIA LA AUTENTICIDAD EN UN DISCO QUE LLEVA A LA ACCIÓN -Y AL SUELO DE LOS CLUBESSU MANIFIESTO DE TECHNO MELÓDICO Y SANADOR. UN ÁLBUM QUE DESAFÍA CONVENCIONES, CELEBRA EL AMOR PROPIO EN CADA NOTA Y LOS AFIANZA COMO EL GRAN GRUPO TECNO (POP) DE NUESTRO PAÍS.

Hace menos de un año que Sandra y Sergio, Delaporte, decidieron tomar un rumbo nuevo. O quizá no. Quizá ese Aquí y ahora que gritaron en enero de 2024 fuera solo el resultado de una evolución. Un camino que los ha traído a una etapa en la que dicen sentirse a gusto y seguros: la de la autoaceptación, la de la libertad individual y la de dar la espalda a la tan manida cultura del esfuerzo para optar por dejarse caer. ¿Hacia dónde? “Hacia un lugar donde no hay tanta lucha, donde no hay tanta exigencia, donde se aceptan las cosas o se les da espacio para que sean lo que son”. Así define Sandra Delaporte el impopular mensaje que hay detrás del nuevo álbum del dúo que forma junto a su inseparable colega Sergio Salvi. Un disco con un nombre tentador, casi imperativo, que invita a una acción muy concreta y potente: Déjate caer. “Cualquier forma de sufrimiento surge siempre, siempre, siempre, de nuestra propia resistencia; resistirnos es lo que más nos hace sufrir”, asume la cantante y productora madrileña, quien comete la osadía de no estar de acuerdo con el típico “no te rindas nunca” que repiten como un mantra ciertos gurús: “A lo mejor, si te rindes, ves las cosas desde otro lugar, lo que puede darte fuerza para tomar el camino que es para ti”, sentencia muy segura.

Déjate caer llegó dos días antes de que Aquí y ahora, posiblemente el disco cumbre de Delaporte hasta la fecha, celebrara su primer cumpleaños. “Yo no estoy de acuerdo con nada que tenga que ser porque sí, y menos si estamos hablando de arte”, argumenta Sandra cuando es cuestionada sobre la decisión de sacar una nueva colección de canciones en un espacio tan corto de tiempo, algo fuera de lo común en una industria musical cada vez más proclive al single. Y se explica: “Al principio no íbamos a sacar un disco, sino que íbamos a publicar más temas que habíamos hecho en continuación a Aquí y ahora Pero… salió un disco”. Sin dejar de lado el característico aderezo pop del grupo italoespañol, con Déjate caer abrazan definitivamente el techno más puro y se quedan a vivir en él, en una especie de continuación o cara B del trabajo previo donde todo gira en torno a este género, muy relacionado precisamente con esa idea de dejarse llevar sin importar las consecuencias. “El techno siempre ha sido un lugar para expresarse. Al ser oscuro, siempre ha dado pie a poder sacar tus vergüenzas y poder dejarte ser, dejarte caer”, describe Sandra, volviendo al mantra que ha convertido en lema personal y que nació con Aquí y ahora: “Por eso siempre decimos que el techno cura”.

Ese pop electrónico de Como anoche o Las mon-

tañas, el que los llevó a recorrer España -ahora y antes- de festival indie en festival indie, ha mutado. “Ha sido un proceso natural. Cuando empezamos a hacer música aún no teníamos el directo en mente. Nuestra manera de componer cambió mucho porque empezamos a hacerlo para una experiencia concreta que yo quería vivir en otros directos y en los míos propios”. Ahora la propuesta es más arriesgada, más contundente, y explora nuevas facetas y aristas, con el pulso del techno siempre presente, pero sin miedo a cantar sobre un drum & bass en CAGARLA, adentrarse en el hyperpop en TECHNO RICO o meter un ritmo cumbiero en SOMOS DIABLOS, compositivamente la canción más difícil del disco, Sandra dixit. Lo hace sin renunciar del todo a elementos del pasado, buscando esa experiencia concreta. “Que la gente pueda desgañitarse y gritar lo da la parte más pop. Por otro lado, buscamos esa parte más meditativa, autoexpresiva, más de baile… y eso a mí siempre me lo ha dado el techno”.

“De todos los discos, para mí es el más genuino, porque ha surgido de liberarme creativamente y no pensar en el resultado, en si gustará o no. Y creo que eso es lo que lo hace más liberador, más expresivo y auténtico”, dice de un LP que habla precisamente de desquitarse de las ataduras y del qué dirán. Al principio es un disco más oscuro que Aquí y ahora, invita a cagarla sin pensar en el resultado, enaltece la libertad individual y habla de los demonios internos. Para acabar de una manera mucho más luminosa y esperanzadora, poniendo en el centro el amor como herramienta salvadora en temas como Rendición -más melódica y con una progresión exquisita- o La ternura es simple, que aporta una conclusión muy original e inspiradora a través de un audio de WhatsApp de su madre.

Con Déjate caer Delaporte terminan de redefinir su sonido desde una perspectiva más libre y visceral. Más que un álbum es una invitación a rendirse al flujo del presente, a abrazar la vulnerabilidad y a reconectar con la autenticidad. “Yo quiero transmitir todo lo que siento y, para mí, el techno es el recurso principal, porque es muy contundente. Prefiero un tema muy imperfecto y que transmita mucho a uno que esté ok pero que no diga nada”. Lejos de buscar complacer, Delaporte se centran en expresar, experimentar y encontrar un espacio donde lo oscuro y lo luminoso coexisten. Es, como dice Sandra, un recordatorio de que el mayor acto de amor comienza por uno mismo. “El objetivo de cualquier ser humano o ser viviente debería ser aprender a tratarse a sí mismo y a los demás con amor y con compasión”.

DÉJATE CAER (MAD MOON MUSIC, 2024)

CAGARLA / Japi Mil / TECHNO RICO / SOMOS

DIABLOS / Cielo ardiendo / Dopamina golondrina / Se abre el mundo (Sergionchinnn) / Rendición / La ternura es simple CD / DIGITAL

“EL TECHNO SIEMPRE HA SIDO UN LUGAR PARA EXPRESARSE. AL SER OSCURO, DA PIE A DEJARSE SER, DEJARSE CAER”

En la galaxia Delaporte

En resumen, Delaporte son más que la suma de sus partes. Aunque cada parte sea fundamental en el funcionamiento conjunto.

Además de su trabajo conjunto, tanto Sergio como Sandra han explorado proyectos en solitario que reflejan sus inquietudes y visiones individuales. En marzo del año pasado, inspirada por el mantra que ella misma inventó, “El techno cura”, Sandra creó ALEXXXANDRA, un alter ego para dar rienda suelta a su pasión por el sonido rave, más oscuro y violento. “Yo tuve una explosión creativa muy gorda a raíz de permitirme ser imaginativa y de dejar de centrarme en los resultados, dejar de compararme y honrar lo que me sale de dentro”, explica.

Salvi no se sentía tan atraído ni identificado por ese nuevo enfoque que Sandra quería explorar, así que animó a Sandra a desarrollar su pulsión por el techno en solitario y decidió mantenerse al margen. Ahora ha desarrollado también su propio proyecto, bruno, con un sonido muy cercano al ambient, y que aparece como featuring en una de las mejores canciones de Déjate caer: Rendición

Pero avisan: en ningún caso Delaporte está en peligro: “Simplemente hay inquietudes que tienen que ser satisfechas, curioseadas y experimentadas por separado”, asume Sandra. “Yo creo que crecer es honrar tu propio camino. Al hacerlo honras el del otro y creo que en ese sentido lo hemos hecho muy bien”.

Mientras Delaporte sigue siendo su eje creativo compartido, Sergio y Sandra han sabido caminar por senderos personales, enriqueciendo su propuesta musical con matices únicos que complementan su identidad como uno de los dúos de música electrónica más importantes de la escena española.

POR: ANNA PÉREZ / FOTOS: @ADRI.CUERDO

DOS AÑOS DESPUÉS DE SU DISCO DEBUT, LA BANDA DE MAITE, RAQUEL Y CHARLOTTE VUELVE CON MUCHA FUERZA Y DECISIÓN PARA ESTRENAR ‘NO LO VOLVERÉ A HACER’ (ERNIE RECORDS/ALTAFONTE, 2025). HABLAMOS CON ELLAS SOBRE LA CONSOLIDACIÓN DE UN PROYECTO REDONDO QUE EXPLORA DESDE UN PRISMA

ROCK, PERO CON MUCHOS ADEREZOS Y SALIDAS DE GUION, LA MULTITUD DE SENSACIONES Y CONTRADICCIONES QUE DESENCADENA QUE TE ROMPAN EL CORAZÓN … O ROMPÉRTELO TU MISMA.

No descubrimos nada al referirnos a Shego como una de las bandas que se han convertido en los últimos años en referentes del panorama musical alternativo de nuestro país. Tras estrenarse como grupo en 2020 con temas como Oh boi o Vicente Amor -en su primer EP tantos chicos malos y tan poco tiempo-, se vistieron de largo en 2023 con SUERTE, CHICA, con el que demostraban su saber hacer a la hora de agitar la coctelera del rock, pop, electrónica, punk, unos toques de chulería y lo que ellas quieran. Ese primer álbum que las puso a girar por festivales, también mostró sus ganas de romper con el concepto de del indie-rock como género monolítico. Dos años después de publicar ese primer trabajo - revalorizado por el premio MIN como Artista Revelación aquel año- y tras varios cambios de formación motivados por las salidas de Aroa Ay e Irenegarry en busca de una carrera en solitario, Maite Gallardo (guitarra, voz), Charlotte Augusteijn (bajo) y Raquel Cerro (guitarra) exploran las posibilidades del formato trío y estrenan No lo volveré a hacer, un trabajo sólido y cohesionado en el que demuestran su evolución artística y la determinación que las ha empujado en pos de un sonido más concreto.

“Ahora, en perspectiva, vemos cómo el proceso de composición respecto a hace cuatro o cinco años tiene una dirección más concreta y ordenada. Muchas de las canciones del álbum estaban dentro del hilo argumental de una ruptura. Al final todas hablan de diferentes estadios del desamor, pero también teníamos temas muy concretos de los que queríamos hablar. Pasamos por momentos vitales parecidos, al final de todo nos interesan las mismas cosas… Pero siempre es muy rico comentar de qué nos apetece hablar, así que nos fuimos unos días a componer las canciones y fue muy chulo poder compartirlo entre todas. Pasamos por muchos estados emocionales: había días de bajón, días más de mala hostia y otros de creatividad total y en los que a cada segundo salían cosas chulas e interesantes”, nos cuenta

Maite. Se muestran muy orgullosas de que este proyecto sea el primero en que las tres han estado involucradas en todos los procesos creativos de principio a fin. “Manejábamos unas referencias muy claras de cada canción y qué sonido que- ríamos que tuviese, los detalles de producción están cuidados al milímetro y cada tema tenía una maqueta anterior que nosotras habíamos grabado desde cero. Además, estábamos muy en contacto con los productores, y eso es algo que no había sucedido en proyectos anteriores. Cosas que luego quizá escuchábamos con el tiempo y decíamos: ‘Joder, pues hay movidas que igual no hubiéramos hecho o que en directo no suenan igual’. Lo que quisimos con este álbum fue acercarnos mucho más a la manera en que nosotras tocamos en directo las canciones. Y, sobre todo, que la creatividad de todo lo que significa Shego se viera reflejada en la producción del disco, y que este disco no se redujera a componer las canciones y mantenernos al margen. Hemos producido un disco, que es algo muy chulo de decir”, afirma Raquel.

Este cambio en los hábitos compositivos y la manera en que Shego han trabajado el que el directo vaya de la mano con la magia del estudio de grabación termina por reafirmar su apuesta por un género musical: en lo esencial, No lo vol- veré a hacer consigue decantar su balanza hacia el rock. “Había algo que teníamos detrás de la oreja tras girar mucho tiempo seguido y darnos cuenta de que, por mucho que luego nos pusié- ramos creativas y locas con ideas, hay canciones que no se pueden defender, o no las podíamos defender de la misma manera en directo si se alejaban mucho del rock. Con el rock nos lo pa- samos verdaderamente bien en el escenario, ahí encima conseguimos sacar una energía nuestra muy concreta. Y aunque podamos hacer cancio- nes tipo steak tartar y las disfrutemos, estábamos un poco incómodas a la hora de defenderlas sin saber cómo llevarlo a escena. Hemos sido inteli-

“NO NOS PONEMOS EL TRAJE DE MONJAS PARA PLANTEAR UNA REIVINDICACIÓN SINO

PARA REÍRNOS UN RATO”

gentes haciendo canciones que podemos tocar fácilmente en directo. Sí que es verdad que en algunos momentos lanzaremos secuencias para ayudar, porque de momento no vamos a ser muchas en el escenario, seguimos siendo cuatro. Pero nuestra apuesta ha sido la de acercarnos a la versión más original y cruda de lo que puede ser un directo de rock al uso. Por eso este disco es un poco menos pop, un poco menos fantasía que lo previo que habíamos publicado, es más fiel a un sonido duro, menos naif, con el que nos sentimos más representadas. Queríamos que no fuera como todo el rock que se hace en España, algo más fresco, y tomar referencias de fuera también”, cuenta Maite. Para ello, contaron con Asha Lorenz -del grupo londinense Sorry, en Domino Records, el sello de Arctic Monkeys o Wet Leg-, que durante el proceso de composición se encargó de cuidar arreglos, darle sentido completo a las canciones y afinar los detalles para conseguir un sonido más pulido. “Fueron cuatro días de locura. Asha se fijaba en detalles sobre cómo clavar el sonido perfecto de la batería o nos decía que tocáramos todas las canciones que teníamos y nos daba ideas nuevas de melodías que ya habíamos hecho… También se fijó en cosas prácticamente imperceptibles, fue una locura. Bebiendo vino y comiendo fuet todos los días, fue increíble” nos cuenta Raquel. En cuanto a las letras, la ruptura y el desapego de una relación anterior se convierten en tema central del disco desde matices y visiones que se complementan entre ellas, se enredan, se contradicen. Las canciones exploran la catarsis de sentimientos que devienen de un distanciamiento emocional con otra persona, pero, en paralelo, también con una misma. Y esa dualidad está presente a lo largo de todo el trabajo. “El disco habla de dos pilares, que son

las relaciones fatales o fallidas, pero también la relación de una con el mundo y consigo misma. Hilado también con el tema de las monjas que es la imagen central del disco. Detrás se explora la idea de no ser suficientemente buen@, de tomar una serie de decisiones que no conducen a un buen lugar. Y esas ideas se exploran desde diferentes perspectivas en canciones como La fiesta, que ofrece una visión mucho más optimista de ser un desastre y de estar disfrutando y luego también esa parte de ser un desastre o de pensar que lo eres y lidiar con ello... Rabia, rencor, sexo… Hay una fina línea entre el caos y la culpa. Y el álbum se llama No lo volveré a hacer justamente por eso: esas decisiones que piensas que podrías haber evitado, pero al final te llevan a ser lo que eres. Y lo más probable es que vuelvas a cometer esos errores”, dice Maite. Aunque el orden de los tracks se definió en base al sonido, y no tanto por el contenido de cada tema, ese caos involuntario refuerza la idea de un abanico de emociones confusas, como explica Charlotte. “Yo creo que la secuencia del disco demuestra mucho esas sensaciones por las que pasas cuando rompes con alguien y es todo un desastre, ¿no? Está todo bien y luego rompes, te vas de fiesta con tus amigas, luego el momento de depresión… Como que no pensamos en te- máticas al ordenarlas, pero cuando lo escuchas identificas todos esos sentimientos”.

Las 4 fases de una ruptura... según Shego

Las Shego nos instruyen en la superación de las rupturas a través de

a casa, te echo de menos, eres genial, no puedo vivir sin ti”, nos dice Maite. “Es perfecta, sobre todo porque parte de la premisa de que ‘Te echo tanto de menos que me quiero morir’”.

No quiero / Te mataré “Aunque Te mataré es perfecta por la rabia, porque además se la puedes dedicar a quien tu quieras y quedarte tan ancha”, nos dice Raquel, “la verdad que decirle a a alguien ‘Venga que te aguante tu puta madre’... te quedas a gusto”.

El humor es sin duda una de las maneras de confrontar todos esos malos tragos presentes a lo largo del disco, y se reproduce en frases como “Ya no hay nada más que aprender, que me deje un poco en paz Dios” -en Que muera el amor- o “Muy cobarde por tu parte, venga que te aguante tu puta madre” -en Te mataré-. La retranca sir- ve como catalizador de experiencias fuertes o traumáticas, pero se entiende con normalidad en el idioma de Shego. “Es curioso porque en realidad, cuando te están pasando estas cosas, no solo lo llevas a un lugar humorístico… Es algo de lo que te das cuenta cuando ya han pasado unos días, unas semanas o incluso unos meses,

Curso avanzado de perra / Manifesting / No quiero Hay múltiples elecciones por el tira y afloja que caracteriza al disco. “En Curso avanzado de perra no se habla del otro, sino que se está negociando con una misma… En No quiero también, valen ambas”, reflexionan las chicas.

Algunos lunes / Que muera el amor / Aunque duela “Algunos lunes es la depresión total al saber que esa unión ya no os une para luego resurgir con Que muera el amor -y nos deje un poco en paz Dios- y Aunque duela, porque, sea como sea, es mucho mejor así”.

que ya puedes mirar hacia atrás y piensas: ‘Joder, estaba yo con toda la angustia de esto que estaba ocurriendo y al final resulta que no era para tanto’ o ‘Iba a sobrevivir a ello, nada me va a matar realmente’. Pero sí que es verdad que esto de la ironía y el sarcasmo es habitual entre nosotras. Al final solemos ver las catástrofes un poco como amigas y en comunidad, de forma mucho más irónica y divertida de lo que son. Porque si no al final te acabas pegando un tiro, ¿no?”, bromea -o no- Maite. “Yo creo que el humor nos define bastante. El humor condiciona cómo nos enfrentamos al mundo, lo que no quita para que también haya un punto de intensidad y mucha seriedad detrás de nuestro arte. Pero el humor tiene un peso muy importante en cómo nos relacionamos entre nosotras y en cómo creamos. Por ejemplo, no nos ponemos un traje de monjas para plantear algún tipo de reivindicación, sino para reírnos un rato”, completa Raquel. Respecto a la portada y la iconografía del álbum, realizada por Adri Cuerdo -compañero de piso de Raquel-, nos explican que todo nació de una idea tonta. “Lo típico que dices de broma: ‘Buah, que divertido sería vestirse de monja, qué gracioso sería, cómo de fuerte sería’. Y terminó haciéndose realidad”. “Es una idea que se ha ido manteniendo en el tiempo, y que no lo habíamos podido cumplir todavía… Y aquí estamos: soñamos a lo grande con la portada y ha quedado brutal. Me dijo el fotógrafo: ‘Es muy fuerte, tía, el resto de fotos son muy chulas porque es verdad que la imagen de las monjas es muy potente,

pero no hay ninguna como la portada, salimos todas ahí en medio de un éxtasis locas, es genial”, explica Raquel.

En el disco también encontramos canciones que tratan a propósito de soñar en voz alta: temas como Mantra y Manifesting denotan esa intención.

Charlotte lo explica así: “Es muy importante ir con cautela con todo aquello que te dices a ti mismo mentalmente. Porque a menudo el cerebro acaba creyéndose aquello que le dices o piensas. Así que si tienes una actitud negativa y estás escuchándote constantemente pensando en un mantra negativo… mal. Hay que hablarse bien, con cariño, y pensar bien de una misma, claro. Y por otro lado, en cuanto a manifestar, es algo que intentamos hacer porque aporta un poco de esperanza hacia el futuro. Por ejemplo, este año no parábamos de repetirnos que íbamos a tocar en el WiZink -el icónico pabellón madrileño que acaba de ser rebautizado como Movistar Arena-. Y al final lo hemos conseguido … Creo que esa proyección es algo muy nuestro”. Maite añade:

“Sí, y sigue con esa dualidad del disco porque Manifesting tiene un vibe súper de ‘vamos con todo. Mi cerebro me está saboteando, pero me lo voy a cargar’. Y a continuación Mantra, que es la antítesis de todo eso: en plan, ‘tengo resaca, he vuelto a fumar después de prometerme por enésima vez que no lo haría, y sé que volveré a hacerlo en el futuro’. Entonces, una vez más, nos encontramos entre intentar hacer lo que es mejor para una misma y mantener un buen discurso interno y ese otro factor humano más relacionado con la culpa y con el trauma que te lleva hacia el lugar opuesto”.

Obviamente, no podíamos terminar la entrevista sin la pregunta estrella -y no, no tiene nada que ver ni con dinero ni con follar-: ¿Qué sería lo que no volverían a hacer las componentes de Shego? Raquel responde con rotundidad: “Estar con mi ex”. Para Charlotte: “Se está hablando de dejar de fumar este año, veremos”. Maite confirma ambos como “los grandes noes del disco”. Ella al menos ya ha conseguido no volver a ver a su ex. “Lo de dejar de fumar... lo vamos viendo”.

NO LO VOLVERÉ A HACER (ERNIE RECORDS / ALTAFONTE, 2025)

Un secreto / Aunque duela / arghHhh! / Mantra / Manifesting / No quiero / Algunos lunes / La fiesta / Backstage / Curso avanzado de perra / Te mataré / (Es posible) / Que muera el amor DIGITAL / LP

CREATIVE AND STYLIST:

CHAMO ARMADA

ASISTENTES DE ESTILISMO:

AINHOA AGUERA , MARIO

IBEAS Y PAULA VEGA MARTÍN

MAKE UP & HAIR: LAURA ROMOJARO

SET DESIGNER: IRENE LUNA

Abrigo de pelo: Stylist Own

Guantes: Stylist Own

Falda: Weekday

SILA LUA

POR: BELÉN GUILLAMÓN BROTONS

EDITORA / PRODUCCIÓN : ALBA Gª VALERO

FOTOS: GONZALO DE LEÓN

Tras dos años de proceso creativo ve la luz ‘Danzas de amor y veneno’ (Altafonte, 2025), segundo álbum de Sila Lua. La artista gallega regresa, con la inestimable colaboración de su productor Pau Aymí, para narrar una nueva historia, la suya propia, desde sus propios términos. De la oscuridad a la esperanza y con la sinceridad como hilo conductor, este disco presenta los últimos años de Sila y su proceso de reconstrucción, reconexión y sanación a ritmo de pop electrónico, reguetón, funk brasileño, dembow, salsa, bossa nova y bachata. La artista le da la bienvenida así a una nueva etapa de madurez en su aún relativamente corto pero intenso recorrido.

Adentrarse en la vida del artista no siempre es lo que uno espera, o al menos eso ha experimentado Sila Lua. Por eso para esta nueva etapa el foco está en lo vulnerable, mostrar que en los pensamientos oscuros o incorrectos también está lo honesto. “Curiosamente, creo que me ha quedado un disco un poquito más luminoso, no puedo evitar que haya cierta esperanza alrededor de cómo escribo”. Hacer teatro o no hacer nada, ese es el mantra del proyecto, una forma de abrazar el juego, de tomarse menos en serio y hacer de tu propia vida una performance. “Sí que es verdad que todo lo que hago intento que converse con lo que he hecho antes. Siempre estoy comparando lo nuevo con mi trabajo antiguo”. Y es que la evolución desde Rompe -su álbum debut- a Danzas de amor y veneno es palpable en todo. El nuevo proyecto perseguía dos objetivos: buscar melodías más complejas con la voz, conocer más su instrumento y buscar más registros, e introducir ritmos más intuitivos, “que subieran desde los pies hasta la cadera, desplegar toda esa parte más rítmica que parece que llega menos a la cabeza”.

La inspiración del álbum y lo variopinto de sus referencias también tiene que ver con los viajes de Sila, con una gira internacional que se funde con su propia tendencia a perderse en otras culturas. Ese recorrido sirve de testigo de una forma de crear basada en la pura intuición, algo muy propio de los artistas de su generación: crear con admiración, pero sin prejuicios. En su caso todo comienza cuando empieza a escuchar clásicos de la música latina: Willie Colón, Rubén Blades, Soledad Bravo… Luego llegan las guitarras de Europa y, más adelante, la cultura yoruba en Nigeria. “Y entonces, de golpe, me doy cuenta de que toda la música que a mí me gusta tiene base en el mismo sitio”. Su productor Pau Aymidurán, y Gabriel Doborel o Marcia Arantes -conocidos por su trabajo con Rosalía, Anitta o Bad Gyal-, la han ayudado a perseguir ese ritmo afrodiaspórico. “Te das cuenta de que, cuanto más profundizamos en nuestras raíces, más cerca estamos de hablar el mismo idioma”. Pese a que Sila renuncie a trabajar desde el folklore, sí que conecta su universo musical con guiños a su Galicia natal. Como en las vieiras que utilizó en los directos de Rompe , o en Yerbabuena , un tema en el que juega con las metáforas sobre la naturaleza de la música latina mientras barre para casa. “En las zonas más salvajes de Galicia hay muchísimas ortigas, y de cría lo habitual era rozarme con ellas cuando jugaba. Al lado de la ortiga siempre crece la hierbabuena, que es un poco el antídoto

de la ortiga. Y es curioso, porque las dos plantas se parecen entre sí. A veces una piensa que es hierbabuena y resulta que no, que eres ortiga. O viceversa. A veces hasta se confunden”. Hay un elemento de incertidumbre que empieza desde el momento en que aquello que consideramos equilibrio en realidad esconde una montaña rusa de experiencias y emociones, del grito al llanto, hasta terminar con un final abierto. “No buscaba una moraleja o conclusión, porque yo tampoco la tengo”, confiesa.

La música de Sila resulta difícil de encajar precisamente por su búsqueda autoconsciente de fusionar sonidos y conceptos. Aunque esa ha sido la intención desde el primer momento, cuando el proyecto llega a su fin no puede evitar cierta sensación de extrañeza. “A veces pienso que ojalá estar clasificada en una escena más concreta. Pero también me doy cuenta de que, si intentara encajar en algo, no me saldría bien porque no sería natural, y además después de dos álbumes también he visto qué es lo que se me da bien”. Ese mismo eclecticismo le brinda también inmensas alegrías: “Por ejemplo, hace un rato en la sala Sol, en el momento en que me marchaba, tres mujeres que tendrían la edad de mi madre -50 años o así-, se habían quedado las últimas para esperarme. Una de ellas, la que había sido artífice de todo, había convencido a sus amigas para quedarse a charlar un rato conmigo. Y me explicó que había descubierto mi música gracias a su hijo de siete años”.

Otro de los rasgos que caracteriza a Sila Lua como artista es el aspecto teatral de su trabajo, que ya deslumbraba en los directos de la gira de Rompe, acompañada por unas percusionistas que arreglaban las canciones para encajar en la tradición afrocaribeña. En esta ocasión la acompañará Greta, artista interdisciplinar que se encargará de toda la instrumentación, con una propuesta que tiene algo de viaje performático. “La manera en que lo he planteado es con un show que tiene cierto tono bipolar: momentos de mucha caña y, de repente, un momento más íntimo... para después volver a darle caña. Quiero plantear un show que puedas ver y disfrutar y entender incluso aunque no conozcas las canciones. Eso es lo que tiene un teatro, que lo importante es el mensaje incluso sin conocer nada sobre mí”. A un álbum que ha visto la luz a principios de año supongo que también se le pueden pedir propósitos. “Lo que más deseo es poder seguir visitando ciudades, vivir anécdotas y experiencias, y escuchar historias”. Eso. Y mucho arte, como el que tú tienes, para convertirlas en canciones.

DANZAS DE AMOR Y DE VENENO

(ALTAFONTE, 2024)

Equilibrio / Yerbabuena / Toy tranquila / Plan B / Solo amigos / Hacer teatro / Verte bailar / Ojos / Brasil / TBC

DIGITAL

“CUANTO MÁS INDAGAMOS EN NUESTRAS RAÍCES MÁS CERCA ESTAMOS DE HABLAR EL MISMO IDIOMA”

Sombrero: Biliana Borissova Vestido: Moschino

Joyas: Huguico Medias: Stylist Own Guantes: Cuarto Ropero

Gabardina: Nominal

Medias: Stylist Own

Zapatos: Gloria Ortiz

Camisa: Sezane Relojes: Stylist Own

Chaleco: Twinset Actitude

Zapatos: Vagabond

Guantes: Peter Sposito Studio

Pendientes: Suot Studio

Anillos: Stylist Own

Gargantilla: Suot Studio

Top: Santamarta

Botas: Vagabond

Joyas: Suot Studio Falda: Santamarta Top: Ernesto Naranjo

Sombrero: Biliana Borissova

LAURA

TØNDER

POR: ALBA Gª VALERO / FOTOS: ADRIAN JUL CRUZ

DESDE LOS SUEÑOS DE LA INFANCIA HASTA UNA FLORECIENTE EMPRESA DE MODA, LA PASIÓN DE LAURA TØNDER POR EL DISEÑO HA SIDO EL VIAJE DE TODA UNA VIDA. CREANDO BELLEZA A PARTIR DE LO VINTAGE, LA DISEÑADORA TRIUNFA CON SU ESTILO PERSONAL Y CON SU FIRMA DE MODA, KETTEL ATELIER, EN LA QUE AÚNA SUS TRES GRANDES PASIONES: EL DISEÑO, EL UNIVERSO VINTAGE Y LA SOSTENIBILIDAD.

El viaje de Tønder desde su país, Dinamarca, hasta Madrid marca un capítulo esencial en la evolución de Kettel Atelier. Graduada en la escuela de diseño de Copenhague, fue una oferta de trabajo en Galicia lo que en un principio la impulsó a embarcarse en una nueva aventura. Al mudarse a España en 2020, Tønder se sumergió en su trabajo durante tres años antes de que un persistente anhelo de autonomía creativa se volviera inaplazable. “La picazón”, como ella la llama cariñosamente, la impulsó a buscar realizarse más allá de los confines del diseño corporativo. Reconociendo la necesidad de perseguir su propia visión creativa, Tønder dio un salto de fe, renunciando a su puesto y mudándose a Madrid para explorar las posibilidades ilimitadas de la autoexpresión. Y de esta manera fue concebida la firma Kettel Atelier, un testimonio de su inquebrantable compromiso con la autenticidad y la libertad creativa.

Laura, a lo largo de estos años te has convertido en una fuente de inspiración dentro y fuera de España. ¿Siempre tuviste tan clara tu vocación? He tenido interés en la moda desde que era una niña. Mi madre me enseñó a coser, tejer y hacer ganchillo. Y siempre hacíamos juntas mis trajes de carnaval con ropa y telas vintage. Más tarde asistí a clases de costura y comencé a experimentar con el estilo. Siempre

me pareció muy divertido y emocionante vestirme, explorar, expresarme con la ropa y disfrutar trabajando con las manos, hasta el día de hoy que lo utilizo como meditación.

¿Qué es lo que te trajo a España?

Me contrataron para un puesto en España mientras trabajaba en Copenhague a los 26 años, y sentí que era el momento perfecto en mi vida para una aventura. Así que sin que fuera el plan a largo plazo, me mudé a Galicia y dio la casualidad de que me enamoré, del país, de la cultura y de un chico español, que me ayudó a aprender el idioma. Ahora siento que España es mi hogar tanto como Dinamarca.

¿Podrías contarnos cómo nació Kettel Atelier?

¿Cómo ha sido el viaje hasta llegar aquí?

Kettel comenzó cuando tuve esta sensación de “picazón” para cultivar algo creativo por mi cuenta. Extendí mis alas de una manera nueva, y para que esto fuera una opción necesitaba hacerlo completamente sola. Luego me enamoré de un montón de telas vintage en unos mercadillos de Copenhague a principios del verano de 2023 y decidí convertirlas en piezas femeninas sencillas. Los publiqué en redes sociales y me bombardearon con solicitudes de venta. Y así nació Kettel Atelier. Kettel es el apellido de mi padre, me pareció peculiar que él, siendo un modelo a seguir tan masculino, fuera el nombre de estos diseños femeni-

"NECESITO

IMAGINAR QUE MIS PIEZAS TIENEN UN SENTIDO Y SE USARÁN. NO QUIERO QUE SE VEAN COMO DISFRACES"

nos y sexys. Él aprueba mis colecciones, ya que es un verdadero amante de lo vintage, aunque su verdadera pasión son los automóviles y motocicletas. Una curiosa coincidencia.

Sabemos que el proceso creativo de un diseñador es algo que se cocina a fuego lento. ¿De dónde parte tu universo creativo?

Por dentro y por dentro, me siento más inspirada cuando dejo que mis pensamientos fluyan y que mis manos trabajen con las telas del maniquí. Como un escultor dando forma a una pieza en barro.

Kettel Atelier es sinónimo de moda sostenible. ¿Sabías desde el primer momento que la moda eco-consciente iba a ser una parte tan importante de tu ADN?

No, nunca fue un pensamiento o un mantra. Me pareció natural dejar que mi inspiración viniera de lo que me parecía interesante y hermoso. Y que, finalmente, resultaron ser tapetes vintage y encaje.

¿De dónde viene tu obsesión por lo vintage?

No tengo ni idea… ¿mis padres tal vez? Siento el vintage como si formase parte de mi ADN. Crecí en una casa llena de muebles heredados y mi padre conducía un coche de los años sesenta… Mi madre siempre me contaba cómo diseñaba y confeccionaba su propia ropa en los años ochenta, y cuando tuve la edad suficiente para ir de compras por mi cuenta, lo primero que se me ocurrió fue ir a comprar mi primer par de tacones vintage para aprender a desfilar.

¿Tienes alguna musa o fuente de inspiración que te guíe en el momento de diseñar?

Supongo que mis amigas y yo misma. Siempre trato de imaginar que esa prenda podría llevarla alguien de mis amigas cercanas. Necesito imaginar que las piezas que hago tienen un sentido y se usarán. No quiero que las piezas que hago se vean como disfraces.

¿Algún lugar soñado donde te gustaría presentar tus colecciones?

Mi sueño no es realmente presentar mis colecciones, si no que sueño más con que las mujeres lleven cada una de las piezas de Kettel Atelier. Estoy muy emocionada por todas las mujeres a las que puedo vestir para sus días especiales, pero también espero con ansias que algún día me encuentre con uno de mis propios diseños en la calle, al azar y sin esperarlo, usado por una chica que lo lleva a su manera.

La moda danesa está en auge y es admirada por las expertas en moda, ¿cuál es la clave del estilo danés?

Digamos que la comodidad es la clave del estilo danés. Lo que te pongas tiene que ser fácil de llevar. El estilo danés puede ser atrevido y es, quizás, la mezcla de muchos estilos, pero rara vez es incómodo. Lo que significa que puedes sentirte bien y, además, llevarlo con clase.

¿Encuentras muchas diferencias con la moda que se hace en España?

La moda española está llena de matices bohemios y eso me encanta. Es una moda que te acoge y las prendas que se llevan aquí en España tienden a ser de muy buena calidad. Me parece fascinante todas las emociones que se expresan a través de la moda española, es algo que me gustaría adoptar en mis diseños.

Tu tendencia favorita del momento es … Tendencia no sé… ¿tal vez medias de colores? Siento que es una tendencia, pero siempre me ha gustado mucho, ya que es fácil adaptarlo a tus propias vibraciones y a través de una media puedes expresar tu estado de ánimo. Pero lo que más me gusta es el momento de tener que encontrar un par de medias vintage.

Y por último… ¿qué proyectos importantes tienes a la vista?

Ahora mismo me encuentro descifrando cuál quiero que sea el siguiente paso… Tratando de hacer que Kettel Atelier sea aún más interesante para que las mujeres que se sienten identificadas con mi estilo lo compren y vistan mi marca.

BA ZAR ESTÉTIC A Y 2K

EL ESPÍRITU DESENFADADO, LIBRE Y DE MUCHA SENSUALIDAD DE LOS 2000 ESTÁ DE VUELTA. Y ES QUE EN 2025 RESUCITA LA ESTÉTICA Y2K A TRAVÉS DE LA GENZ, QUE CON GRAN NOSTALGIA VUELVE A REVIVIR ESE MOOD DOSMILERO, TRAYENDO CONSIGO LAS MARCAS QUE TRIUNFABAN AQUELLOS AÑOS: REFERENTES COMO ED HARDY, MISS SIXTY O JUICY COUTURE QUE HOY SE COTIZAN AL ALZA.

Una época que abrazaba la moda y la cultura pop y que se vuelve a revalorizar por una nueva generación que también persigue ser libre, que toma de referencia a iconos pop del pasado y vive inmersa en lo vintage.

1. Abrigo Penny Lane de Even&Odd - 89,99€ / 2. Party Top de MOSCHINO JEANS - 239,95€ / 3. Bolso de mano de Juicy Couture64,95€ / 4. Corpiño Indigo de Ed Hardy - 80€ / 5. Zapatos altos denim de DIESEL 549,95€ / 6. Vaquero campana de Jaded London

89,49€ / 7. Chaqueta punto de Miss Sixty- 85€ / 8. Gafas de sol Silver de Swarovski - 349,95€

1. T-shirt Podium de Scuffers - 59€ / 2. Gorra Denim de Nude Project - 45€ / 3. Gafas de sol de Balenciaga - 425€ / 4. Sudadera cremallera Polaris de Project x Paris - 69,99€ / 5. Zapatillas Adidas Superstar - 150€ / 6. Vaqueros anchos con múltiples bolsillos de Project x Paris - 89,99€

A. Bolso Crossbody Nylon de Eme Studios - 59€ / B. T-Shirt de TwoJeys - 45€ / C. Jeans Polaris de Project x Paris - 69,99€ / D. Gorro de Dickies - 20€ / E. Zapatillas Retro de Nike - 89,95€ / F. Cinturón Y2K de Diesel135€ / G. Utility Jacket de Karl Lagerfeld x ATELIER Reservé - 349€

1. Vestido de punto de Jaded London -99,99€ / 2. Denim Bustier de Karl Lagerfeld x ATELIER Reservé - 199€ / 3. Cinturón Y2K de Even&Odd - 22,99€ / 4. Top de Adidas - 27,95€ / 5. Botas Mosqueteras de Michael Kors - 549,95€ / 6. Pantalón deportivo de Juicy Couture - 74,95€ / 7. Sudadera con cremallera de Ed Hardy -100€ / 8. Bolso Y2K de Desigual x María Escoté - 129€ / 9. Denim Maxi Falda de Karl Lagerfeld x ATELIER Reservé - 199€

U N A B A L L E N A

POR: DANIELA URZOLA

ESTE MES LLEGA A LOS CINES LO NUEVO DE PABLO HERNANDO, DIRECTOR DE CULTO DENTRO DEL CINE MÁS INDEPENDIENTE EN ESPAÑA. PROTAGONIZADA POR UNA INGRID GARCÍA-JONSSON DE OTRO MUNDO Y ESTRENADA EN EL PASADO FESTIVAL DE SITGES, ‘UNA BALLENA’ EXPLORA UN UNIVERSO LYNCHIANO ENTRE LA FANTASÍA Y LA REALIDAD. Y, A TRAVÉS DE UNA MEZCLA DE GÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS QUE ABARCA EL SURREALISMO, EL NEO NOIR, LA CIENCIA FICCIÓN O EL HORROR CÓSMICO, PROPONE UNA REFLEXIÓN EN TORNO A LO POSHUMANO MIENTRAS DESENREDA UNA HISTORIA DE CONTRABANDISTAS QUE NUNCA ES LO QUE PARECE.

Pablo Hernando es un nombre imprescindible en el panorama nacional del cine indie ligado al género fantástico. Junto a otros autores como Ion de Sosa, Juan Cavestany o Julián Genisson -con los dos últimos firmó Esa sensación (2015)-, ha fomentado un tipo de cine cercano en espíritu al mumblecore. Sus películas, entre las que se encuentran Cabás (2012) y Berserker (2015), suelen ser producciones de bajo presupuesto con estética DIY e historias cargadas de un misterio casi lynchiano que con los años han generado culto entre el público más cinéfilo. Ahora estrena su tercer largometraje, Una ballena, tras presentarla en el pasado Festival de Sitges y en el FICX de Gijón.

El filme narra la historia de una asesina a sueldo con habilidades infalibles y un poder sobrenatural para desaparecer sin dejar rastro. Interpretada por una camaleónica Ingrid García-Jonsson, Ingrid -como también se llama el personaje- habita un umbral entre dos mundos, y el tránsito entre uno y otro la hace ir perdiendo, poco a poco, su lado más humano. No es la primera vez que Hernando trabaja con la actriz hispanosueca -una de las favoritas en el cine de género nacional con títulos como Veneciafrenia (Álex de la Iglesia, 2021) o Ana de día (Andrea Jaurrieta, 2018)-: ya habían establecido su relación profesional con Berserker y videoclips y cortos como El ruido solar (2020). En Una ballena, García-Jons-

son vuelve a demostrar su amplísimo rango de interpretación proponiendo una vuelta de tuerca al arquetipo de la femme fatale al dar vida a una criminal implacable que, no obstante, no es del todo humana. En su paso por el festival Cineuropa en Santiago de Compostela -donde recibió un premio a su trayectoria-, la actriz habló con El Correo Gallego sobre los retos de interpretar un personaje de este tipo: “Ingrid es un personaje que está huyendo de algo que no sabe muy bien qué es, pero es algo que ocurrió en su pasado. Tuve que hacer un trabajo un poco introspectivo, ver de qué huyo yo, para ponerlo sobre la mesa. Ingrid, cada vez que entra y sale de ese mundo fantástico, se va deshumanizando. Intentar juntar algo tan fantástico con algo más real y más mío es lo que he hecho en la peli. El personaje entra en otro mundo, yo tengo que entrar en lo traumático y atravesar eso para luego hacer lo que está escrito en el texto”.

Combinación entre el neo noir y la ciencia ficción -o, como la presentaron en Sitges, a medio camino de Fariña (Ramón Campos, 2018) y Under the Skin (Jonathan Glazer, 2013)-, Una ballena es una producción mucho más grande -coproducción España/Italia- que los trabajos anteriores de Hernando, sin por ello perder la visión weird que tanto le ha caracterizado desde sus inicios. En conversación con Kinótico, Hernando compartió:

“Todo lo que yo había escrito antes lo había hecho adaptando las ideas a los medios que tenía. Con Una ballena fue diferente, la escribí sin pensar en lo práctico. Para las cuestiones artísticas da igual tener presupuesto o no, pero evidentemente esta historia sin dinero no se puede hacer porque hay muchos efectos y demás. Normalmente cuando das el paso del cine independiente a hacer algo con dinero no pasas de cero a cien, pero para mí ha sido como hacer Star Wars”.

Y es que al ver el universo al que se da forma en el filme es posible constatar las afirmaciones de su director: un mundo de absoluta oscuridad, para el que Hernando se inspiró en referentes variados, desde lo real -los paisajes del Cabo de Gata en Almería- hasta la ficción. Es clara la huella de un clásico literario como Moby Dick , pero también se deja notar la influencia de otro Melville en el cine: el Jean-Pierre Melville que dirigía a Alain Delon como sicario imbatible en Le Samoürai (1967). Hernando bebe de esta corriente del polar francés, pero va más allá del thriller, metiéndose de lleno en la ciencia ficción más cercana a Lovecraft y su Cthulhu. Un terror de orden cósmico que se refleja en el desierto subacuático en el que Ingrid se encuentra, una y otra vez, con una criatura monstruosa. Así, bebiendo también del Death Stranding de Kojima, la cinta navega los océanos de lo poshumano, mientras la banda sonora de RRUCCULLA intensifica el aura de extrañeza.

En cuanto a la parte más puramente noir de la película, Ramón Barea interpreta -guiño incluidoa Melville, un contrabandista envuelto en una red criminal que ve amenazado su monopolio por alguien de la competencia, razón por la que contrata a Ingrid para hacer el trabajo sucio. A partir de estos elementos, Una ballena encierra también mensaje ecologista, con constantes metáforas aludiendo al mundo marino. “La poética de esta película es que ese contrabando con el que trabaja es uno no previsible, que no voy a desvelar. Con las referencias al mar, se ve envuelto en ese mundo marino, que a la vez le da el carácter fantástico a la historia”, afirma el actor en conversación con Tres En La Carretera. “No estamos engañando al espectador, hay una unidad de ballena”, añade Hernando en esa misma entrevista, haciendo alusión al críptico título del filme.

UNA BALLENA (21 febrero)

Elástica Films / España-Italia / 2024

Dirección: Pablo Hernando

Reparto: Ingrid García-Jonsson, Ramón Barea, Asier Tartás, Kepa Errasti

Mundos Lynchianos

UNDER THE SKIN

Jonathan Glazer / 2013

El mundo de oscuridad en Una ballena parece recordar a aquel lugar al que Scarlett Johansson lleva a sus víctimas en el mítico film de Glazer.

DÉJAME SALIR

Jordan Peele / 2017

La oscuridad inunda la pantalla cuando los personajes son atrapados en el sunken place, metáfora antirracista del silenciamiento de voces marginadas.

MEMORIA Apichatpong Weerasethakul / 2020

La selva amazónica adquiere tintes surrealistas en la historia de una botánica -Tilda Swintonconectada a otro mundo por un sonido que solo ella escucha.

Escuchar a la ballena

La baterista, compositora y productora bilbaína Izaskun González cuenta de primera mano su experiencia componiendo la que ha sido su primera incursión en el mundo de las bandas sonoras: “Creo que Pablo Hernando me contactó en el verano de 2020 proponiendo que hiciera la música de la película. Él había escuchado mi álbum de ambient Rincones seguros y creo que quería una música en esa línea. Fue un proceso que se extendió a lo largo de varios años. La mayor parte consistió en una búsqueda de sonido, melodías y texturas. Sobre todo, Pablo me pidió que compusiera una melodía que fuera memorable y tarareable. De todas las demos que le pasé, al final se ha quedado con la primera que hice. Al principio fui componiendo en base al guion, pero cuando vi las primeras imágenes creo que ya fue más sencillo capturar la esencia e ir diseñando poco a poco cada sonido y textura. Quizás el reto para mí fue componer una atmósfera casi minimalista que siguiera un poco el tono de la película. Dado que en RRUCCULLA tiendo a ser maximalista, el reto fue ir deshaciéndome de capas y capas de sonido y dejar lo esencial. No solo compuse lo musical, sino muchas atmósferas tonales y no tonales, como diseñar una sensación de viento y ruido que hay en el filme, que dan esa experiencia un poco más inmersiva en la historia. Es mi primera peli, un proceso que disfruté muchísimo, y he tenido suerte de colaborar con compañeros de lujo.”

I SAW THE TV GLOW

Jane Schoenbrun / 2024

Si algo nos enseñó Lynch es que lo raro habita en los lugares más ordinarios. “In the suburbs” tiene lugar este relato de dimensiones paralelas y realidades ocultas.

POR: MARTA ESPAÑA

BAILARINA PRINCIPAL, RAPERA Y, PARA EL GRAN PÚBLICO, CUARTA PARTE DE BLACKPINK, LISA EMERGE COMO SOLISTA CON SU PRIMER ÁLBUM TRAS AÑOS DE ENTRENAMIENTO EN EL SISTEMA SURCOREANO DE IDOLS. ‘ALTER EGO’ BEBE DEL FOLCLORE TAILANDÉS Y LAS TENDENCIAS DEL OCCIDENTAL, A LA VEZ QUE CUESTIONA LA MERCANTILIZACIÓN DE SU IDENTIDAD Y LOS ESTRICTOS ESTÁNDARES DE LA INDUSTRIA EN LA QUE SE HA EDUCADO. LA ARTISTA REDEFINE SU NARRATIVA COMO NUNCA ANTES SE LE HABÍA PERMITIDO, RODEADA DE TODO UN STAR SYSTEM DE PRODUCTORES Y COLABORADORES EN EL QUE DESTACAN CON LUZ PROPIA MAX MARTIN, RYAN TEDDER O ROSALÍA.

Lisa presenta su primer álbum en solitario y lo convierte en una estrella de cinco puntas. Cada una encarna un personaje que la tailandesa se ha inventado, con un mundo propio por habitar y diferentes estéticas. Cinco alter egos, cada uno, además, con su propia portada alternativa: puro NUEBO. Alter Ego es, precisamente, su carta de presentación tras alcanzar el estrellato mundial como el 25% de Blackpink: un título que hace referencia a un segundo yo, o a la proyección de unos rasgos de personalidad concretos que no representan la totalidad identitaria. Una máscara, por así decirlo. Y es que Lalisa Manobal (Buriram, 1997) ha ideado un trabajo en el que -de forma sutil y elegante, dado que se ha confirmado que el cuarteto regresará este año- desmonta todos los mitos de la industria del entretenimiento surcoreana. En resumen..., está harta.

No es el debut en solitario de Lisa. La artista ya publicó en septiembre de 2021 un single doble, compuesto por Lalisa -cuyo videoclip superó a la mismísima Taylor Swift en visualizaciones durante las primeras 24 horas- y Money. Fue la tercera de las Blackpink en publicar música en solitario -también era, por aquel entonces, la tercera en cuanto a fanbase-, e YG decidió enfocar el lanzamiento construyendo el personaje a través de sus orígenes. Lisa, que dentro de Blackpink siempre ha adoptado los roles de bailarina -con diferencia- y rapera junto a Jennie, aparecía en un videoclip tan procesado como hortera, muy en la onda del K-Pop -todo sea dicho-, como el ente al que se le reza culto en los wat budistas de Tailandia, característicos por su opulento uso del dorado. La jugada no salió del todo bien: las blinks más xenófobas han creado una comunidad aparte en la que sueñan con que Blackpink sean solo las tres integrantes de ascendencia surcoreana.

Ya sea por el acoso y derribo de sus propias seguidoras, por la mercantilización de su cultura, por permanecer en un internado de idols desde los catorce años -y ver cómo todas sus amigas se iban tarde o temprano- o por tener un contrato discográfico que incluye, entre otras cosas, el control de su tallaje, la tailandesa ha preparado un trabajo que desde los códigos del mainstream asiático expresa frustración y algo de rebelión. Y que marca además la ruptura con su anterior discográfica para adherirse a RCA/Sony con un contrato de licencia. El lanzamiento de sus tres adelantos, además, coincidía con el momento en el que NewJeans y HYBE saltaban a los titulares de la prensa coreana por la denuncia que el quinteto llevó a cabo de las malas praxis del sello.

¿Será 2025 el año en el que las idols se rebelen contra las exigencias de la industria K-Pop? El primer atisbo de ruptura con su trayectoria llegó de la mano de Rockstar, lanzada en junio del año pasado. Con ella, Manobal honra sus raíces tailandesas y, de algún modo, se reivindica frente a su antiguo sello mostrando claramente su tez morena en detrimento del arquetipo coreano de belleza femenina. En el videoclip, rodado en Bangkok, la cantante visibiliza a las mujeres tailandesas, enfatizando la diversidad cultural de Asia. Así, la frase “Lalalisa, can you teach me Japanese? I said hai, hai” encapsulaba una crítica irónica a la percepción occidental de Asia como un todo homogéneo: Japón no es China, igual que España no es México. La idol es consciente de que el nuevo mercado en el que está intentando entrar -Estados Unidos- no es experto en geografía anticentralista, y lo aprovecha para lanzar alguna barra mordaz. Musicalmente, Rockstar integra un sample de Same Old Mistakes de Tame Impala; Moonlit Floor (Kiss Me), último adelanto de Alter Ego, utiliza el estribillo de la famosa canción de la banda norteamericana Sixpence None The Richer, Kiss Me. New Woman es directamente un featuring con Rosalía, caballo de Troya en todas las industrias que pisa. En su videoclip, dirigido por Dave Meyers, Lisa explora un imaginario de liberación en el que retrata estructuras de poder que históricamente han controlado su carrera: la cantante se depila las piernas, pero en lugar de vello cae purpurina. También se fotocopia a sí misma o se muestra en una sala en la que manos anónimas maquillan su rostro sin tacto y sin consentimiento, todo en favor de mostrar la alienación de su identidad: el cuerpo y el rostro que han sido reproducidos una y otra vez ya no le pertenecen del todo, sino que son propiedad del sistema que los ha mercantilizado. Lisa quiere ser mariposa, y se transforma. Sabiendo el relato que se esconde tras la máscara, se deduce que esa estrella que Lisa dibuja en Alter Ego tiene cinco puntas muy afiladas, tanto o más que las uñas que luce en una de las portadas. Sin embargo, y sabiendo que desde los trece años la cantante ha sido educada con unos valores que priorizan el personaje público antes que la expresión de su verdadera personalidad, con las exigencias que esto requiere -poner siempre lo de fuera por encima de lo de dentro-, su debut largo se embarca en una búsqueda profunda de identidad que realmente ha sido la de su propia vida en los últimos tres años. Porque ¿cuál es el alter ego de una persona que desde niña ha vivido orientada a los focos?

“SOLÍA COSTARME SER HONESTA CON MIS SENTIMIENTOS. ME ASUSTABA QUE LO QUE DIJESE PUDIERA INCOMODAR. PERO HE APRENDIDO QUE COMUNICARSE CLARAMENTE TIENE MEJORES RESULTADOS” –LISA,

LAS CINCO LISAS

HA NACIDO UNA ESTRELLA

Antes de debutar en solitario, Lisa era conocida como la rapera y bailarina principal de Blackpink, grupo por el cual posee el reconocimiento del que goza hoy en día.

En 2006, con tan solo ocho años, Lisa -por entonces todavía Pranpriya Manobalse une a Wee Zaa Cool, grupo de baile tailandés en el que estuvo junto al idol BamBam.

En 2016, y tras seis años de entrenamiento -en los que ya realiza trabajos de modelaje y bailarina para productos cosméticos y otras formaciones de K-Pop-, Lisa debuta como una de las cuatro integrantes de Blackpink

En 2023, Blackpink actúan en Coachella como cabezas de cartel, y su performance se convierte en la más vista en directo de forma online de la historia del festival. Aquel día Lisa conoció a Rosalía.

En 2010, Lisa es la única tailandesa seleccionada en el casting que YG Entertainment convoca en todo el mundo para formar una nueva girlband.

En 2021, Lisa publica, por primera vez, dos canciones en solitario, ecanbezadas por Lalisa Es el comienzo de su carrera más allá del grupo que le daría fama mundial.

En 2024, el regreso de Blackpink pende de un hilo. Sus miembros anuncian sus respectivas carreras en solitario. Nace Lisa, la autora, para sepultar a la Lisa, la intérprete.

KIKI ROXI VIXI SPEEDI SUNNI

SANTIAGO TALAVERA

POR: JUAN ÁNGEL ASENSIO

PREOCUPADO POR LA HUELLA CASI ESPECTRAL QUE DEJA LA PRESENCIA Y LA ACTIVIDAD HUMANA EN LOS ESPACIOS QUE HABITAMOS, MÁS QUE POR LO MERAMENTE ESPACIAL Y ARQUITECTÓNICO O POR LO HUMANO EN SÍ MISMO, EL ARTISTA ALBACETEÑO SANTIAGO TALAVERA OFRECE EN ‘HAUNTOPOLIS. TEATRO DEL FIN DEL MUNDO’ UN MUESTRARIO DE SUS OBSESIONES: CÓMO RESUENA LA VIDA EN LOS ESPACIOS ABANDONADOS, CÓMO NOS REDUCE LO MONUMENTAL, CÓMO LAS EMOCIONES SE CONFIGURAN COMO ECOS ENTRE LOS MUROS DE ARQUITECTURAS OLVIDADAS.

Podríamos decir que, por encima de todo, Santiago Talavera es en su sentido más literal un constructor de mundos. Sus obras, con un imaginario personalísimo, nos invitan a contemplar los rastros que dejamos en el entorno y cómo estos configuran nuevos espacios de significado. A través del dibujo, la pintura, el collage y la instalación, Talavera crea escenarios donde la naturaleza, la memoria y la cultura dialogan en constante tensión. Asomarse a sus paisajes es, también, asomarse a una atalaya en la que el tiempo permanece suspendido y desde la que solo, con mirada atenta y pausada, podemos mirar a nuestro alrededor para contemplar los vestigios de unas huellas que alguna vez fueron nuestras. Hablamos con el artista, nacido en Albacete en 1979 y formado entre la Universidad complutense de Madrid y el Camberwell College of Arts de Londres, en un momento en el que la muerte de Lynch, tan influyente en la configuración de espacios y en la liminalidad de toda su obra, ya parece permear cada rincón de su imaginario, dejando esa presencia, esa huella hauntológica que el artista se esfuerza en perseguir, en encontrar. A finales de este año, precisamente, tiene previsto estrenar -consolidando una relación con el Instituto Francés de Marruecos que arrancó con una residencia en 2023- una nueva muestra en la que repasará esa arquitectura emocional viva que configura, en fin, uno de sus grandes motifs: “El paisaje como teatro”.

Lo primero que llama la atención cuando uno se asoma a tus obras es la ausencia total del hombre como figura pictórica. Por el contrario, nos encontramos con un paisaje protagonista que actúa como un espacio donde se entrelazan la cultura, la naturaleza y sus conflictos. ¿A qué se debe esta decisión?

En mis inicios entendí rápidamente que un paisaje es siempre una construcción cultural que cambia al mismo ritmo que nuestra relación con el mundo. Cada vez que comienzo una obra es como acceder a un gran retrato social en continua transformación. Pese a que ha aparecido en ocasiones muy anecdóticas, la ausencia de figura humana en mis obras se debe a que me interesa principalmente un enfoque hacia el fondo: las huellas de todo aquello que hacemos, y cómo ello genera nuevos paisajes, intervenidos, que nos afectan de vuelta. Esto me lleva siempre a centrarme en lo, digamos, “ambiental”, que conlleva además un hartazgo del espíritu humano, con nuestras violencias, sobreabundancia de objetos y ritmo frenético.

Mirando hacia atrás, ¿cómo crees que ha evolucionado tu percepción del paisaje desde tus primeras obras hasta las más recientes?

Es complicado separarte y ver la evolución desde fuera, pero siento que he ido añadiendo capas de significado, tanto en los planos más personales e íntimas, como en ‘El pasado habrá sido un planeta extraño’ (Gabinete de dibujos, Valencia, 2021) o, más recientemente, con ‘Hauntopolis. Teatro del fin del mundo’ (Nave Sotoliva,

Santander, 2024), donde propongo un imaginario espectral o hauntológico en nuestros espacios urbanos y naturales, que recoge nuestro clima social de malestar y nostalgia cultural. Una arquitectura en la que permea nuestro ánimo. Últimamente estoy retomando uno de mis motivos de siempre, el paisaje como teatro, que verá sus frutos a finales de año en Marruecos.

Al contemplar los mundos que creas en tus obras, uno podría preguntarse si son advertencias, espejos o visiones futuras. ¿Cuál de estas interpretaciones, si es que la hay, se acerca más a la verdad?

Intento comunicar algo, unas veces mejor que otras, que el arte permite por encima de la obviedad de cualquier discurso. Encuentro más sencillo visualizar mundos, a veces muy abigarrados, que contienen la misma complejidad que puede llegar a ser nuestra relación con lo que nos rodea. Me gusta pensar en una narración fragmentada y casi pulverizada en pequeñas piezas que, como diría Baudrillard, contienen dentro de sí una misma historia.

Trabajas con técnicas diversas como el dibujo, la pintura, el collage y la instalación. ¿Cómo decides cuál de estas herramientas es la más adecuada para expresar una idea o un concepto en particular?

Con el tiempo vas teniendo un abanico mayor de recursos y decides con cierta intuición. Suelo tomar ciertas limitaciones a mi favor y prefiero no tener demasiadas opciones, pero es importante tener a mano una base sólida de trabajo, en la que las herramientas de dibujo me vayan resultando cómodas y livianas. Intento jugar y no aburrirme, he dibujado sobre trozos de muro o libros antiguos para hablar de cosas que me han pasado, recopilé mobiliario para una instalación (‘Solo somos apocalípticos para poder estar equivocados’, 2020) motivado por vivencias como los confinamientos en 2020. Aunque en muchas ocasiones estos formatos más arriesgados tienen que ver con el contexto de un proyecto específico.

Tu obra invita abiertamente a una contemplación pausada. En un mundo saturado de imágenes y estímulos, ¿cómo crees que el arte puede ayudarnos a recuperar la capacidad de detenernos y hacernos reflexionar?

El arte tiene una enorme capacidad para demostrarnos que el tiempo puede moldearse. Puede ayudarnos a parar por un momento y adoptar otro ritmo en una exposición con formas de visualización y escucha más detenidas. Por ejemplo, una secuencia en cámara lenta o un dibujo minúsculo visto a través de una lupa crean una misma apertura a otra experiencia de tiempo y espacio. Conseguir esto como artista es muy difícil si no te has planteado esta cuestión en el proceso de trabajo dentro y fuera del estudio. Desde que empecé, he encontrado fundamental tanto dar tiempo a las obras para que estas nos permitan acceso a la reflexión y espacios más íntimos, como hacerlo desde una posición personal crítica, en claro rechazo a los ritmos impuestos por la vida social.

ALGUNOS DE LOS TRABAJOS MÁS

DESTACADOS DE SANTIAGO TALAVERA Llegar a ser océano (2006, exposición dedicada a obra propia) / Que el destino de las cosas se decida en lugares pequeños (2008, exposición pictórica de técnica mixta) / La isla de los voraces (2008) / En la vida anterior (2011, óleos y otras pinturas, instalaciones) / Conmigo llevo todas las cosas (2013, recopilación de collages y técnicas mixtas) / Geografía empática (2015) / Antropocosmos (2015) / Lady conservacionista (2015) / El pasado habrá sido un planeta extraño (2021) / Hauntopolis. Teatro del fin del mundo (2024). “EL ARTE PUEDE DEMOSTRARNOS

POR: TALI CARRETO LOS TIEMPOS ESTÁN CAMBIANDO, CANTABA EL BUENO DE DYLAN. EN MARVEL, ESA CASA DE LAS IDEAS, NO SOLO SABEN HILVANAR A LAS MIL MARAVILLAS HISTORIAS MÁS GRANDES QUE LA VIDA, CRUZAR EL ESPACIO EXTERIOR Y DIBUJAR TODO UN MULTIVERSO. TAMBIÉN SON UNOS EXPERTOS EN TOMARLE EL PULSO A LOS TIEMPOS Y DARSE CUENTA DE QUE, DEFINITIVAMENTE, HOY SOPLAN OTROS BASTANTE DISTINTOS. NADA EXTRAÑO QUE STEVE ROGERS HAYA HECHO LAS MALETAS, EL CAPI ACTUAL SEA AFROAMERICANO O NOS ENCONTREMOS AL MISMÍSIMO HARRISON FORD, UNA VEZ MÁS, COMO PRESIDENTE DE LOS ESTADOS UNIDOS. MAKE (CAPTAIN) AMERICA GREAT AGAIN.

El próximo 17 de febrero se celebrará en todo EE UU, un año más y como siempre aprovechando el tercer lunes de dicho mes, el Día de los Presidentes, una festividad que conmemora el nacimiento del primer presidente de la nación, el legendario George Washington. Y que sirve también para recordar a todos aquellos que han servido a los intereses del país desde la no menos mítica Casa Blanca. Una fiesta prácticamente imposible de celebrar en esta España mía, esta España nuestra. ¿Os imagináis a las escuelas de aquí organizando discursos y desfiles en honor a Mateo Sagasta, Pi y Margall, Cánovas del Castillo, Felipe González, Aznar, Rajoy o Zapatero? Pues eso. Claro que allí tienen, pensémoslo, hasta un Monumento Nacional como el Monte Rushmore, ese en el que Hitchcock puso a corretear a Cary Grant y Eva Marie Saint por las narices de Washington, Jefferson, Roosevelt y Lincoln. Más patriotas, imposible. Los últimos en sumarse este 2025 a los festejos del Día de los Presidentes han sido Marvel, que estrenarán unos días antes Captain America: Brave New World, la última entrega en la gran pantalla del personaje de cómic más patriótico jamás soñado, con permiso de nuestros Roberto Alcázar y Pedrín. Desde que apareciera en 1941 en aquella hoy cotizadísima portada propinándole un puñetazo al mismísimo Hitler, el Capitán América ha sido un fiel reflejo de la sociedad que le ha rodeado. Y también una metáfora política tan constante en el tiempo como mutante en sus múltiples encarnaciones: arma antinazi mucho antes de que las armas biológicas se pusieran de moda, calienta-comunistas consumado en plena Guerra Fría, propaganda macartista en horas bajas, inesperado aliado del flower power… ¡si hasta ha llegado a presentarse a presidente! Ahora que el mundo parece discurrir en sintonía con lo woke, a nadie le sorprende que Steve Rogers, tan caucásico él, haya dejado su escudo en manos de un chico de Harlem, Sam Wilson, antes conocido como Halcón. Nada nuevo bajo el sol: ya ocurrió en 2024 en las viñetas. Y basta recordar cómo el añorado Stan Lee presentaba en sociedad este relevo para comprobar las implicaciones sociales y políticas siempre presentes en el Capitán América. “Wilson no creció en la década de 1930, es un hombre de hoy en día en contacto con los problemas del siglo XXI. Durante la mayor parte de su vida profesional, ha trabajado como asistente social, por lo que ha visto lo peor de la sociedad urbana de cerca, y cómo el crimen, la pobreza o la falta de estructura social pueden afectar a una comunidad”, anunciaba el creador de otros personajes tan icónicos

como Spider-Man, Los 4 Fantásticos, Iron Man o los X-Men, que también han sabido bailar, cada uno a su manera, con el signo de los tiempos. También fiel a la actualidad, Captain America: Brave New World llega a su estreno sumida en rumores fomentados por las redes, titulares a la caza y captura del clickbait y fake news que buscan agitar los cimientos de la Casa de las Ideas. ¿Que si ha habido reshoots y nuevas tomas una vez acabado el rodaje? Pues claro: es lo habitual en este tipo de -nunca mejor dicho- súper producciones. Que se lo digan a Vengadores: Endgame, Doctor Strange 2 o esa serie por venir aún, Daredevil: Born Again, que llegó a desechar hasta la mitad de la temporada ya rodada y comenzar desde cero. Solo hay un rumor confirmado hasta el momento: Harrison Ford recoge el testigo de Sam Elliott y William Hurt como el general Thaddeus E. Ross, flemático y patriótico presidente de los EE UU que acaba convertido en una bestia tan colérica como Red Hulk. Cualquier parecido con Donald Trump es pura coincidencia.

CAPTAIN AMERICA: BRAVE NEW WORLD (14 febrero)

Disney / EE UU / 2025 /

Dirección: Julius Onah

Reparto:

Anthony Mackie, Harrison Ford, Liv Tyler, Giancarlo Esposito, Rosa Salazar.

SIGN O’ THE TIMES

Si antes parafraseábamos a Dylan, ahora a Prince. Y es que nadie como el Capi -camino ya, agárrate, de un siglo de existencia- para adaptarse y sobrevivir. Recordémoslo, claro: antes de superhéroe, fue un supersoldado.

1940’s

Con la II Guerra Mundial en marcha y para azuzar las conciencias yanquis en contra del no intervencionismo en Europa, Steve Rogers pasaba de ser un enclenque a todo un símbolo nacional. La fórmula era fácil: Capi vs. Nazis. Hasta se marcó el primer súper grupo Marvel, los All Winners. Mejor nombre, imposible.

2020-2025

En plena recuperación de aquel Make America Great Again que Reagan utilizara como eslogan en los 80 y que ahora Trump ha puesto tan de moda en gorras, no sorprende que el Capi comenzara esta década luchando contra una invasión en Imperio y haya terminado enfrentado a sus propios aliados en Imperio Secreto. Muy trumpista, sí.

1950’s

¿Quién dijo que los 50 fue una época fácil? La Guerra de Corea puso de moda los cómics bélicos y el bueno de Steve, que nació como militar, veía como el público daba la espalda a los superhéroes. Llegó la Guerra Fría y congelaron a nuestro Capi, ay.

1960’s JFK se convertía en el presidente más joven de los EE UU y en las viñetas, cómo no, reinaba Spidey, otro jovenzuelo. Hasta que una bala mágica hizo lo suyo en Dallas y hubo que descongelar al Capitán América. También nacía SHIELD, la superpoderosa agencia internacional, muy en la línea de una década de espías y tecnología. Y sí, entraba en acción Halcón, primer superhéroe negro... ¡y futuro Capi!

2010’s

La velocidad a la que vivimos los cambios en esta década provocó también más de un vaivén en la biografía de Steve Rogers: nombrado jefe de seguridad por el mismísimo Presidente, el Capitán América no solo se enfrentaría a sus compañeros mutantes, los X-Men, sino también a una crisis económica. Hasta 2014 también la sufrimos nosotros.

1970’s

La escalada espacial hizo que Marvel mirara a las estrellas y el Capi se embarcó junto al resto de Vengadores en la Guerra Kree-Skrull. Pero estalló el Watergate y nuestro héroe se acabó enfrentando a su propio doble y hasta cuestionándose su propia identidad. Basta echar un vistazo a aquella portada con la frase: “Capitán America… ¿Héroe o timo?”. La solución: convertirse en nómada y colgar el escudo.

2000’s 11 de septiembre de 2001. No se diga más. Los americanos -y el mundo- tienen grabada esa fecha a fuego en su memoria. Y si el trauma post 11S se sintió en toda la sociedad, en Marvel no iba a ser menos: ahí está el Capi versión John Ney Reiber y John Cassaday, o la línea Ultimates. Las barras y estrellas, más claroscuras que nunca.

1990’s La década se abría con el final de la URSS y la operación Tormenta del Desierto, pero si alguien acaparó titulares en los 90 fue Clinton, que sucedía a Bush prometiendo nuevos aires y sembrando tempestades. Mientras estallaba el escándalo Lewinsky, nuestro Capi se convertía ¡en padre de familia! Esos valores, siempre por delante.

1980’s Justo antes de que Reagan se convirtiera en el 40º presidente de los EE UU, ¿quién optó desde los cómics al puesto? Has acertado: nuestro Capi, portadón de John Byrne incluido, que se subía a la ola patriótica a lo Rambo, luchando contra organizaciones terroristas y asesinos a lo Mark David Chapman.

LA ARTISTA FRANCESA ENFRENTA -MIRANDO HACIA OTRO LADO- SU GRAN CONFIRMACIÓN POP CON ‘CHOKE ENOUGH’, UN DEBUT TRANSITORIO Y ONÍRICO QUE CRISTALIZA VARIOS AÑOS DE BÚSQUEDA ARTÍSTICA, VITAL Y PERSONAL. JUNTO A CASEY MQ, DANNY L. HARLE Y A.G. COOK, CON COLABORACIONES DE UNDERSCORES, CECILE BELIEVE O BLADEE, PARTIENDO SIEMPRE DE PEQUEÑOS LOOPS Y DESTELLOS DE IDEAS GENIALES Y PRESCINDIENDO CASI POR COMPLETO DE BATERÍAS Y DE CUALQUIER ELEMENTO QUE FIJE LOS PIES EN EL SUELO, OKLOU DEJA VOLAR SU IMAGINACIÓN PARA FIRMAR UN TRATADO DE FUTURISTA NOSTALGIA POP QUE ES TAN SUGERENTE, BELLO Y EVOCADOR COMO TREMENDAMENTE ESPECÍFICO EN SU ATENCIÓN DEDICADA AL DETALLE.

POR: DIEGO RUBIO

FOTOS: ©GIL GHABRI

“Me gusta hacer discos porque es una forma de cristalizar todas las espinas y marcar esos grandes capítulos de mi vida”, dice Oklou, nacida Marylou Mayniel en Poitiers, Francia, un 23 de abril de 1993. Y efectivamente: la distancia entre Galore, su mixtape debut, lanzada en 2020 en plena pandemia, y este nuevo Choke Enough que supone su verdadero debut discográfico se mide en mundos. “Toda la época de Galore marcó una fase de mi vida en la que no tenía prácticamente opción, tenía que estar extremadamente conectada con mis emociones”, recuerda. Su nuevo álbum es todo lo contrario, testigo de un proceso de desapego, de dudas y también de reafirmaciones. Y marca una etapa completamente nueva. “Eso no significa que no esté conectada conmigo misma; lo estoy. Pero ahora quizá deambulo más, todo es más caótico, y eso me gusta. Todo parte de un proceso de cuestionarme mucho a mí misma, mis decisiones artísticas y mi forma de relacionarme con el mundo. Cosas importantes como cambiar mi relación con el amor, por ejemplo, o con ciertos romanticismos que están bien, pero son bastante destructivos. No me ha ido bien en las relaciones y he pasado por episodios traumáticos en mi vida, así que tienes que tomar la decisión de estar segura de que eso no se vuelva a repetir. Al final yo creo que voy aprendiendo y mejorando por la propia fuerza de las cosas y porque quiero sentirme bien. No tiene tanto misterio”.

Del mismo modo, Choke Enough habla también de búsqueda. De una búsqueda constante, y no de huida, palabra que usa, pero con la que Oklou realmente no se identifica. “Galore lo hice en un tiempo cortísimo y era un trabajo muy concreto, con una idea muy clara detrás. Este han sido dos años y medio... y pasan muchas cosas en la cabeza de alguien en dos años y medio”. Al principio todo iba a ir un poco en la línea de Choke Enough, la canción, nostalgia pop con reminiscencias club, pero el tiempo fue multiplicando los temas y los enfoques, traduciéndose todo en una sensación de permanente movimiento. “El disco se mueve demasiado, de hecho”, reconoce ella. “Cada vez que lo escucho me da la sensación de que hay demasiada información y las canciones son muy cortas, como ideas brillantes que terminan casi tan pronto como empiezan. En el fondo es un buen reflejo de todo lo que se me ha ido pasando por la cabeza durante este tiempo: hay temas muy específicos, que hablan literalmente de algún miembro de mi familia, por ejemplo, pero también hay otros que no tienen nada que ver con mi vida real. En algún momento perdí un poco el rumbo de lo que quería decir, de los temas que quería tratar, y lo hablé mucho con Casey. Pasamos horas trabajando en el disco, obviamente, pero también hablando sobre las canciones, sobre sus significados. Hablábamos tanto que llegaba siempre un punto en que perdíamos la noción de en qué punto estábamos. Y al principio esa sensación me asustó, porque no era capaz de encontrarle sentido a nada de lo

These Girls Are on Fiyah

En 2015, recién mudada a París y con su primer EP como Oklou recién publicado, Marylou comenzó a desarrollar su Internet persona, y cofundó TGAF, un colectivo femenino de djs que revolucionó la escena parisina y que motivó la aparición de una nueva etiqueta: Internet Wave.

FLAVIEN BERGER

La puerta de entrada de Oklou al prestigioso sello francés Because -que también edita a Shygirl, entre otros muchísimos artistas- fue Toyota, colaboración con el músico parisino.

CASEY MQ

Amigo y escudero de Oklou desde 2017 -cuando lanzaron For the Beasts, su primera colaboración-, el músico canadiense es a día de hoy prácticamente la media naranja del proyecto, y es tan responsable de Galore como de este nuevo Choke Enough

MURA MASA

Mientras tanto, Oklou cerraba un acuerdo con True Panther Records para su distribución en Norteamérica, plasmado en su primera colaboración con el artista y productor británico, Entertnmnt

Choke Enough

El nuevo álbum de Oklou abre aún más su nómina de colaboradores... A.G. Cook vuelve y Casey nunca se fue. Ahora también encontramos a los productores Danny L. Harle y Nick León y artistas como Cecile Believe, Underscores o el rapero sueco Bladee.

DANNY L. HARLE CECILE BELIEVE NICK LEÓN

NUXXE

Bandera de una segunda oleada hyperpop tras los avances de Numbers y PC Music, NUXXE sirvió como un espacio de expresión, reunión y colaboración, funcionando como sello discográfico y colectivo. Lo fundaron en 2018 Sega Bodega, Shygirl y Coucou Chloe, incorporando rápidamente a Oklou.

SEGA BODEGA

El productor que descubrió a Shygirl también supo ver el talento de Oklou, y los dos colaboraron bidireccionalmente en trabajos tan importantes como Salvador o Galore

Because Music

‘Galore’ (2020)

A.G. COOK

El capo de PC Music, mano derecha de Charli XCX -entre otras- no solo está detrás de gran parte de Galore: también ha sido fundamental en Choke Enough

FINN KEANE

Anteriormente conocido como EASYFUN, el británico, también en PC Music, escudero de Charli XCX y mitad con A.G. Cook de Thy Slaughter, fue esencial en Galore

SHYGIRL

La más urbana y rapera de la escena turbopop está detrás de algunas letras de Oklou en la época de Galore. Sobre todo una: God’s Chariots

En 2020 llegaría la primera referencia larga de Oklou, en forma de mixtape: Galore. Un debut concreto y emocional en el que colaboraban Casey MQ, Sega Bodega y Shygirl, pero también otros artistas asociados a PC Music como A.G. Cook o Finn Keane (EASYFUN). Y que la convirtió, en plena pandemia, en un secreto de alcance internacional: poco después llegarían sus remixes para Caroline Polachek o Dua Lipa.

GRADES

El londinense, que ha colaborado con Tinashe, Khalid, NAO o Tinie Tempah, ha sido uno de los productores clave en llevar a Oklou a trends más masivos.

COUCOU CHLOE

También francesa, como Oklou, su presencia en NUXXE fue fundamental para tender puentes con la Europa continental. Todo empezó en el apartamento Y1640 de Londres que compartió con Sega y que dio nombre a su primer proyecto conjunto.

que estábamos haciendo. Pensaba que era algo malo. Pero de pronto llegué a un punto en el que, no sé muy bien por qué, decidí aceptar que quizá el disco va realmente sobre mí no siendo capaz de darle sentido a los temas que pongo encima de la mesa. Y eso está bien. Así es la realidad”. Compuesto y grabado principalmente en París -en un solipsismo que la francesa disfruta sinceramente-, pero también en Los Angeles con Casey MQ y a ratos en Londres con A.G. Cook y Danny L. Harle, escuderos de Charli XCX o Caroline Polachek, Choke Enough, en cualquier caso, sí tiene hilos conductores. En primer lugar, la génesis de todas sus canciones está en momentos, instantes musicales concretos que han obsesionado a Oklou hasta el punto de convertirlos en canción. “Toda la música de este disco ha partido siempre de loops que me han gustado, ya sean míos o de otro productor. He usado cosas que tenía pendientes de usar. Endless, por ejemplo, viene de un loop de Danny L. Harle que me encantó, y hay muchos de Casey, claro. Es algo que siempre me ha interesado muchísimo, y desarrollé esta obsesión gracias al Chuck Person’s Eccojams Vol. 1 que sacó Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) en 2010, y que planteaba esta idea de eco jams, fragmentos y loops de pop choppeados, una cosa como espectral. Fue la primera vez que encontré una comunidad con la que me sentía identificada en Internet -vinculada al vaporwave y a los plunderphonics-, y me hace muy feliz poder honrar a mi modo el impacto que todo aquello tuvo en mí en este disco”, reconoce Oklou con sincera devoción.

Por otro lado, una idea de conducción de la música que, pensándolo bien, sabe heredada de sus años de formación clásica y académica como cellista, pianista y cantante de coro. “Entender la música como algo que no está definido o determinado por un beat. La frase es algo que se repite en prácticamente todas las formas de arte. Cuando empiezas una frase todo el foco y el discurso es una proyección constante hacia delante, estás contando una historia, aportando toda esa carga emocional. Y en la música computacional estás mucho más limitado en este sentido porque siempre tiendes a estar encasillado en un tempo y una estructura diseñada por una máquina. Y no es tanto una oposición con la clásica, sino con toda la música acústica en general, tocada. Por eso en Choke Enough no quería perder nunca ese flujo de conciencia, esa sensación de cable extendido. Y por eso no he querido usar apenas percusiones, porque un kick aterriza y fija mucho

las cosas y yo quería mantener esa especie de ingravidez”.

Dice sentirse reclamada en cierto sentido por los fans y sabe que hay expectativas y mucha más presión que con Galore. Su concierto en el pasado Dekmantel se anunció como una presentación de su nuevo trabajo, y aunque presentó nuevas canciones y probó ideas que han terminado entrando en el disco, por entonces -principios de agosto- ni siquiera estaba terminado. Sacar Choke Enough -y presentarlo: lo hará en la Sala Apolo de Barcelona en marzo, o en el prestigioso Rewire de La Haya en abril-, por fin, le resulta “una gran liberación”. “Aunque tengo muchísima libertad a la hora de hacer música, también trabajo con personas con expectativas, y me parece importante mencionarlo porque es la realidad y no quiero actuar como si no tuviera un peso, aunque mínimo, en mi toma de decisiones. Casi todo lo que tiene que ver con la industria me parece horrible, siendo honesta. Pero tampoco soy hipócrita: es algo de lo que yo he decidido formar parte; he firmado cosas”, confiesa entre risas, con una mezcla de nerviosismo y seriedad. Ve este lanzamiento, además, como su “última oportunidad para ser menos sutil en cuanto a mi amor por la cultura superpopular”, y sus pulsiones actuales o futuras van por otros derroteros. “No me veo volviendo a hacer nada tan pop como esto”, reconoce. “No sé lo que haré en el futuro, pero en mis proyecciones me veo en un estudio en la naturaleza, no en la ciudad, y no sé si volviendo a escribir canciones. Casi toda la música que escucho a día de hoy es instrumental, y me veo más haciendo música para cine, por ejemplo. Pero tampoco lo sé. Lo paso muy mal en algunas de mis sesiones de grabación, pero he disfrutado mucho haciendo toplines o escribiendo en sesiones para otra gente”. Escribir canciones sigue siendo una de sus grandes fuentes de inseguridad. “Con la producción lo tengo clarísimo: siempre soy yo quien decide si un tema está terminado o no, y siempre hago yo los últimos edits y me aseguro de que todo quede totalmente cerrado, da igual los productores que haya. Pero escribir siempre es un ejercicio nuevo para mí porque usar las palabras como una forma de arte es algo que tengo que perfeccionar”, confiesa. “Por eso necesito trabajar con otra gente. Sé expresarme mejor en el lenguaje de la música que en el de las palabras”. Y aun así las de Oklou, mistéricas, ambiguas y extrañamente sugerentes, se te harán inolvidables en cualquier noche helada entre glitches y pantallas de carga de PlayStation 2. Sanan. “SI ALGO ME HA DADO LA CLÁSICA ES ENTENDER LA MÚSICA COMO ALGO QUE NO ESTÁ DEFINIDO O DETERMINADO POR UN BEAT”

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES , DANIELA

URZOLA Y JUAN ÁNGEL ASENSIO

EL MUNDO DE LA CULTURA PIERDE A UNO DE LOS ARTISTAS FUNDAMENTALES DE LA CONTEMPORANEIDAD CON EL FALLECIMIENTO DE DAVID LYNCH EL PASADO 16 DE ENERO. UN AUTOR DE INFLUENCIA Y LEGADO INABARCABLES CUYA OBRA VA MUCHO MÁS ALLÁ DE LO CINEMATOGRÁFICO, CONFUNDIENDO LO ONÍRICO Y LO SENSORIAL. INTENTAREMOS HONRARLA A PARTIR DE CINCUENTA DE SUS TRABAJOS MÁS DESTACABLES. UNA GUÍA, UN PUNTO DE PARTIDA PARA ADENTRARNOS EN UN MUNDO QUE, COMO DECÍA DONNA HAYWARD EN ‘TWIN PEAKS’, ES A LA VEZ EL SUEÑO MÁS IDÍLICO Y LA MÁS TERRORÍFICA DE LAS PESADILLAS.

¿Cómo resumir y definir una personalidad, una obra y una figura como la de David Lynch en una introducción? Porque aunque al genio estadounidense se le conozca sobre todo por su obra cinematográfica y su revolución de las reglas del serial televisivo con Twin Peaks, el universo David Lynch es mucho, muchísimo más amplio, trascendiendo a las artes plásticas, la pintura, la escritura, la fotografía, el cómic o la música, tan indisociable de su estilo.

Autor inclasificable, Lynch construyó con mimo un mundo personal e intransferible alrededor de tres ejes que definieron su mirada al mundo. En primer lugar la americana y el american way of life surgido de la Missoula (Montana) de los años cincuenta, donde el joven Lynch se crió tras nacer un 20 de enero de 1946. Un mundo que se vería confrontado con su experiencia en Philadelphia durante sus estudios de arte, abriéndole a ese reverso oscuro de la América idílica donde la suciedad, la mugre y lo industrial, desde ese momento ya inscritas en su ADN, su psique y su imaginario, conviven en perversa armonía. Y para terminar, la ciudad de Los Ángeles, casi una fusión entre el sueño de Missoula y la pesadilla de Philadelphia, donde el cineasta residiría y realizaría su obra más prolífica. Una que habla de hombres inseguros y acomplejados, tan temerosos como deseosos de arquetipos femeninos surgidos de la cultura popular -en especial de la cinematográfica-. De mujeres fuertes y misteriosas. De mundos donde lo bello y lo idílico comparten espacio con las pesadillas del subconsciente y el costumbrismo fordiano se da la mano con el surrealismo de vanguardia. – FRT

CARRETERA PERDIDA

1997

“Me gusta recordar las cosas a mi manera, no como realmente ocurrieron”. La frase enunciada por el protagonista de este neo noir con toques hardboiled y considerada por el propio Lynch como la primera película del siglo XXI, define no solo el concepto detrás del misterio inasible que es Carretera perdida, sino también toda la obra de David Lynch. Una cinta escindida en dos mitades, primera parte de la trilogía de Los Ángeles que se completaría con Mulholland Drive e Inland Empire y que devuelve al cineasta a los territorios más abstractos de su ópera prima, Cabeza borradora. Porque Lynch, cuatro años después de tocar fondo con el injusto recibimiento a Fuego camina conmigo, reinventaría su imaginario con esta mutación perversa y sexualizada de Perdición de Billy Wilder y Vértigo de Alfred Hitchcock con Trent Reznor poniendo la música. – FRT

MULHOLLAND DRIVE 2001

La mejor representación del horror de Hollywood es este bello y pesadillesco relato de sueños y amores frustrados de la mano de una gran Naomi Watts. – FRT

CABEZA BORRADORA 1977

TWIN PEAKS THE RETURN 2017

THE aparente

El misterio detrás de Twin Peaks: The Return es tan enigmático como el significado total de lo que comenzó como un aparentemente simple whodunit. Porque este regreso al noroeste estadounidense 25 años después de la serie original es un trampantojo donde los límites entre ficción televisiva y obra cinematográfica se difuminan. Un ejercicio contra la nostalgia mal entendida, en el que Lynch da forma a un serial que a su vez es varios a la vez, cada uno con un tono y un estilo antagónico, pero profundamente engarzado, convirtiéndolo a su vez en un greatest hits del conjunto de su obra. A partir de la abstracción experimental de Cabeza borradora, pasando por el humor absurdo de Monsieur Hulot ya intentado en On the Air, o por una evolución en alta definición de las texturas y la puesta en escena de Inland Empire, su experimento digital, esta es una obra total que se siente como resumen hipervitaminado del conjunto de su carrera. – FRT 2

TERCIOPELO AZUL 1986

Lo lynchiano se convirtió en adjetivo con este relato sobre aquello que se escondía tras la aparente y perversa inocencia de la América de los años 50. – FRT

TWIN PEAKS 1990

La televisión nunca volvería a ser igual gracias a un Lynch que en cada incursión en la dirección del serial redefiniría el mismo y las posibilidades del medio. – FRT

El concepto “película de culto” nació para obras como esta. Ópera prima realizada de manera artesanal y autofinanciada durante cinco años y cuyo germen -el nacimiento de su primera hija y el horror asociado a la paternidad- la convierte en la película más personal y pesadillesca de Lynch. Lo industrial y expresionista se dan la mano con la angustia existencial. – FRT 7 3 4 5 6

UNA HISTORIA VERDADERA 1999

Un anciano con enfisema cruza EE UU en una cortacésped para volver a ver a su hermano. Una rara avis, con uno de los finales más poéticos de Lynch. – DU

INLAND EMPIRE 2006

La cinta más áspera, incómoda e inaccesible del cineasta. Un ejercicio de estilo en digital de baja resolución, solo para incondicionales del autor. – FRT

THE ALPHABET

Cortometraje / 1970

incomunica

La pesadilla de la incomunicación y el lenguaje como trampa para la comprensión sería el germen de sus momentos posteriores más terroríficos. – FRT

THE GRANDMOTHER

Cortometraje / 1970

Un Lynch de 24 años indaga en las relaciones familiares desde una lente surrealista que atravesaría toda su obra en uno de sus primeros cortometrajes. – DU

HOMBRE ELEFANTE 1980

La historia real de Joseph Merrick es la inspiración para uno de los films más conmovedores de Lynch: una exploración profunda del maniqueísmo humano. – DU

SOUNDTRACK FROM TWIN PEAKS

Angelo Badalamenti / 1990

Tan revolucionaria e importante como la imaginería, la estética y la estructura narrativa y formal creada por Lynch, la banda sonora que compuso Angelo Badalamenti conformaría el imaginario sonoro de una ficción y una localidad que no sería lo mismo sin este soundtrack en el que conviven lo etéreo, lo onírico y lo siniestro. Un hito de la musica incidental televisiva que además se convertiría, como el serial, en un fenómeno de masas (en España se mantuvo durante meses en el top de ventas de música comercial), conformando una trinidad musical -Badalamenti, Lynch y Julee Cruise- tocada por las musas. – FRT

CORAZÓN SALVAJE 1990

Amantes en fuga, brujas del Mago de Oz, música de Elvis y unos inolvidables Nicolas Cage y Laura Dern dan forma a esta fábula mágica y bizarra. – DU

TWIN PEAKS: FUEGO CAMINA CONMIGO / 1992

Largometraje que funciona como cara b de la serie, un relato de terror sobre el via crucis de Laura Palmer gracias a un tour de force actoral de Sheryl Lee. – FRT

RABBITS Serie Web / 2002

Esta perturbadora “sitcom” en formato webserie ya avanzó algunas de las imágenes inolvidables que luego volveríamos a ver en Inland Empire. – DU

FLOATING INTO THE NIGHT / THE VOICE OF LOVE

Julee Cruise / 1989, 1993

primera Ange

Terciopelo azul supuso la primera colaboración entre Lynch, Angelo Badalamenti y una cantante, hasta entonces desconocida, que a partir de ese momento se convertiría en punto cardinal del dream pop. Temas como Mysteries of Love, Falling o Into the Night, con los que aún asociamos a Twin Peaks o Terciopelo Azul forman parte de estos dos discos en los que Lynch y Badalamenti firman la producción. – DU

TWIN PEAKS: THE MISSING PIECES 2014

Una recopilación de escenas eliminadas y versiones alternativas de Fuego camina conmigo que no hace sino ampliar, casi como una nueva obra, el universo Twin Peaks. – DU

ROOM TO DREAM

David Lynch & Kristine McKenna 2018

Ningún libro nos permite entrar en la mente de Lynch como su biografía oficial, que discurre entre el relato de otros y su propia voz. – DU

THE ANGRIEST DOG IN THE WORLD

1983-1992

Esta tira cómica fue publicada durante una década en el LA Reader . En ella un perro asiste a las delirantes contradicciones de una familia midclass. – DU

THE BIG DREAM 2013

Lynch también grababa y producía su propia música. Su tercer y último disco, firmado junto a Dean Hurley, da cuenta de sus obsesiones avant-rock. – DU

LOST HIGHWAY BSO VVAA / 2001

Punto de partida para el Trent Reznor autor de bandas sonoras, pero también inolvidable por el protagonismo de Bowie, Lou Reed, Badalamenti... – DU

THIS TRAIN

Chrystabell & David Lynch / 2011

Evocando paisajes y bandas sonoras marca de la casa, la primera colaboración de Lynch con la artista texana Chrystabell, su última gran musa musical. – DU

PREMONITIONS FOLLOWING AN EVIL DEED Cortometraje / 1995

Lu

Filminuto homenaje a los Lumière por el centenario del cine con un único plano secuencia. Extraño y gustoso por igual. – DU

THE AIR IS ON FIRE

LP y libro de arte asociado a su exposición en la Fundación Cartier / 2007

Del 3 de marzo al 27 de mayo de 2007, la Fondation Cartier Pour l’art Contemporain se convirtió en el hogar de una exposición dedicada a la faceta de artista de David Lynch. La muestra incluyó una enorme variedad de objetos del estudio del cineasta -pinturas, dibujos, cajas de archivo, entre muchos otros- y concluyó con la publicación de un libro y un disco de ambient, realizado junto a su colaborador habitual Dean Hurley, para acompañar. – DU

WE CARE ABOUT NEW YORK Spot / 1991

Sorprendió a los habitantes de Nueva York con un anuncio de publicidad sanitaria, tan visionario e inquietante como todo su cine. ¡Ratas! – DU

DAVID LYNCH: NUDES 2018

Libro que recopila más de cien fotografías de sugerentes desnudos femeninos, reflejo de su obsesión con las múltiples formas del cuerpo. – DU

INDUSTRIAL SYMPHONY Nº 1 : THE DREAM OF THE BROKENHEARTED 1990

Los sospechosos habituales de Lynch se reúnen en este concierto performativo y avant. – DU

BLUEBOB

David Lynch & John Neff / 2001

Ecos de Tom Waits en el debut musical de Lynch junto al ingeniero de sonido John Neff, híbrido experimental de blues y sonidos industriales. – DU

LYNCH ON LYNCH

Chris Rodley / 1997

Dividido en ocho capítulos, cada uno dedicado a una película, este libro recopila las entrevistas del cineasta con Rodley que tuvieron lugar de 1993 a 1996. – DU

DAVID LYNCH THE ART LIFE

Jon Nguyen, Rick Barnes, Olivia N.-Holm / 2016

Viaje íntimo a los años formativos de Lynch, visitando hitos y escuchándole contar historias mientras pinta sus cuadros. – DU

DAVID LYNCH PRESENTS INTERVIEW PROJECT Serie Documental / 2009

Lynch se acerca a la experiencia humana a través de entrevistas íntimas que capturan la vida de personas corrientes. – JAA

El debut musical de Lynch como inquie una creati Chris

NINE INCH NAILS: CAME BACK HAUNTED

Videoclip / 2013

En 2013, Lynch dirigió el videoclip de Came Back Haunted para Nine Inch Nails, después de que Trent Reznor colaborase con el director en la banda sonora de la emblemática Lost Highway. Como no podía ser de otra forma, una inmersión total en el imaginario de Lynch, donde lo onírico y lo abstracto se dan la mano a base de imágenes hipnóticas y efectos estroboscópicos. El resultado es una genial pesadilla de atmósfera industrial que sienta como un guante a la banda. Los mundos de ambos siguieron conectados después. – JAA

CRAZY CLOWN TIME LP / 2011

El debut musical de Lynch como solista es tan inquietante como representativo de sus inquietudes: blues, rock, electrónica, paisajes surrealistas. – JAA

ATRAPA EL PEZ DORADO 2006

En este libro ofrece una honda reflexión, trufada de anécdotas y consejos, sobre el proceso creativo, la realización de las ideas y la meditación trascendental. – JAA

HOTEL ROOM 1993

La misma habitación de hotel recibe tres historias distintas en tres momentos distintos en esta miniserie que es puro Lynch en todo. Un caramelo. – JAA

MOBY: SHOT IN THE BACK OF THE HEAD

2009

Pieza de animación alucinada y alucinante con aires de thriller neonoir bien lynchiana estrenada en Pitchfork. – JAA

LYNCH (ONE)

Jason S. / 2007

Acompaña al genio y acércate a su proceso creativo a través de este interesante documental que le sigue durante el rodaje de Inland Empire. – JAA

DIOR: LADY BLUE SHANGAI

2010

Oniria, misterio y surrealismo en una colaboración con Dior protagonizada por Marion Cotillard, que sentaría las bases de sus escarceos high-fashion. – JAA

DUMBLAND

2002

Un humor absurdo y corrosivo sustenta las andanzas de un grotesco personaje llamado Randy. Serie animada y uno de los proyectos RAROS de Lynch. – JAA

CELLOPHANES MEMOIRES

de su visión artística, este álbum Star, colagístico y evanescente, sim

Chrystabell & David Lynch / 2024 Último testamento de Lynch y de su visión artística, este álbum cercano a los hechizos de Mazzy Star, colagístico y evanescente, que rubrica su excelente simbiosis creativa con Chrystabell y con Dean Hurley -y que incluye créditos póstumos de Angelo Badalamenti- es quizá el trabajo que mejor encapsula las obsesiones musicales y audiovisuales del cineasta estadounidense. E igual que tiene una carga de sombría despedida, azuzada por los mismos fantasmas que siempre interesaron a Lynch, a los que buscó dar voz con una siniestra empatía, la tiene de esperanzada bienvenida, de confianza en el movimiento siempre hacia delante. La fractura nos explica. Eso creyó Lynch hasta el final. – JAA

WHAT DID JACK DO?

2016 (estreno en 2020)

Lynch interpreta a un detective que interroga a un mono acusado de asesinato. Bizarro, desconcertante y muy divertido, sus diálogos, llenos de insinuaciones y juegos de palabras, son, por momentos, brillantes. Noir, comedia turbadora, surrealismo. Lynch. – JAA

ON

THE AIR 1992

Olvidada en su momento, serie junto a Mark Frost que expone el caos de una exitosa cadena de TV y sus individuos excéntricos Hoy es de culto. – JAA

THE WEATHER REPORT 2020-2022

Brillantes, filosóficos e inspiradores, ver estos partes publicados en YouTube durante la pandemia arregla un día torcido. ¡It’s a-friday once again! – JAA

ERASERHEAD (SOUNDTRACK)

David Lynch & Alan R. Splet / 1977

Su primera película supuso también su primera inmersión en lo musical. Los Pixies fliparon y versionaban In Heaven en sus conciertos. – JAA

MICHAEL JACKSON: DANGEROUS 2001

La habitación roja de Twin Peaks acogía a MJ en la puesta de largo del que sería su álbum más glamuroso y esperpéntico. – JAA

THE AMPUTEE 1974

Dos versiones filmadas en simultáneo y dos emplazamientos de cámara contemplan a una mujer amputada (Catherine Coulson) mientras escribe una carta. – JAA

PLAYSTATION 2: WELCOME TO THE THIRD SPACE 2000

Uno de los anuncios más icónicos de la historia de la pequeña pantalla, encapsulando todo lo lynchiano en apenas 1 min. – JAA

BETWEEN TWO WORLDS

Charles de Lauzirika / 2014

El propio Lynch entrevista a la familia de Laura Palmer veinticinco años después del asesinato de su hija. Obligatorio para fans de Twin Peaks. – JAA

LYNCH / OZ

Alexandre O. Philippe / 2022

icóni im

La huella de El mago de Oz impregna toda la obra de Lynch, su surrealismo cotidiano. Él mismo se lo explica a Philippe en este precioso documental. – JAA

DUNE 1984

Maldita en su versión cinematográfica desde los intentos fallidos de Jodorowski y Ridley Scott en los setenta, Dune, basada en la archiconocida y mastodóntica novela de Frank Herbert, es la tercera película dirigida por Lynch y, muy posiblemente, la que más disgustos le valió. Dino de Laurentiis, el productor, le obligó a hacer cambios sustanciales en el metraje del filme, editó y cortó como quiso, y el resultado final quedó tan alejado de lo que el director había proyectado en su imaginación -y en su montaje inicial- que llegó a desvincularse del proyecto y a obligar a que sustituyeran su nombre por un seudónimo en posteriores engendros hechos para la televisión, con más infames relatos interminables a voz en off. A pesar de que hoy es una obra de culto, gloriosamente camp, su estreno fue un absoluto fracaso en taquilla y provocó que Lynch se prometiese a sí mismo que nunca volvería a trabajar con grandes productores. – JAA

MERINA GRIS

Zuloa

Sonido Muchacho

7 febrero

El trío donostiarra debuta en Sonido Muchacho con su segundo álbum largo, Zuloa -“El zulo”, “El agujero”-, en el que siguen apostando por un diseño sonoro combativo, violento y frontal con el que consolidan su propuesta. Pop alternativo de inspiración urbana, con pulsión electrónica heredada de la bass music, ahora también industrial y hasta un poquito shoegaze. Pero también preocupado por su identidad local -cantan en euskera y en castellano, y disparan referencias a la cultura vasca- y por la función social del arte, autoconsciente de la necesidad de acción directa en muchos de los problemas de nuestro presente. Hipocresía, ansiedad, depresión, gentrificación y turistificación, ultracapitalismo, redefinición de los vínculos afectivos, culpa y pena, no future, amores rotos que discurren entre distopías de hormigón son solo algunos de los temas que sobrevuelan un trabajo producido por los propios Merina Gris junto a Ed Is Dead. En el fondo, Zuloa ofrece fórmulas para salir del pozo. Que no se te olvide que incluso desde el agujero más profundo puede verse el cielo.

MERINA GRIS

AMARAL

Dolce Vita

Gatorama Music / Sony 7 febrero

Noveno álbum del dúo aragonés, siguiendo las sendas mistéricas del desierto y la carretera yanki.

HONESTY

U R Here

Partisan / [PIAS]

7 febrero

Espectacular debut de la bandaecosistema de Leeds, perturbando su idea de la electrónica UK.

INHALER

Open Wide

Universal 7 febrero

Euforia indie pop y guitarras afiladas en el trabajo más arriesgado de los irlandeses.

OLLY ALEXANDER

Polari

Universal 7 febrero

El líder de Years & Years se estrena con su propio nombre en su disco más íntimo y confesional.

SHARON VAN ETTEN & The Attachment Theory

Jagjaguwar / Popstock! 7 febrero

Van Etten se reinventa haciendo recaer parte del proceso creativo en una banda por primera vez.

SQUID Cowards

Warp / Music As Usual 7 febrero

Los británicos siguen evolucionando por la vía del extrañamiento en su disco más “pop”.

ZAHARA

Lento Ternura

G.O.Z.Z. / Sony 21 febrero

Es un poco engañoso decir que el sexto álbum de Zahara llega después de PUTA. Desde su lanzamiento en 2021, la de Ojeda se ha redescubierto a sí misma en brazos de la euforia electrónica como Alaska en su transición hacia Fangoria, y ha multiplicado el impacto de su escritura y de su POP. Lento ternura, además, es el primer disco que ella se autoproduce por completo: un nuevo comienzo, libre de toda duda.

JOHN GLACIER

Like a Ribbon / Young - Popstock! / 14 febrero Últimamente es normal que estés tentado de pensar que el rap británico sufre de parálisis permanente, con prácticamente nadie proponiendo nuevas ideas sobre la mesa. La londinense viene a quitarte la razón: su debut largo -producido con Kwes Darko, Flume y la mano derecha de Mk.gee, Andrew Aged- le pone lazo de vanguardia a una escalada underground épica.

TAÏN

Amor subterráneo, Vol. 2

Esmerarte 7 febrero

Segunda parte de estas canciones de amor que certifican la conversión pop-rock del artista coruñés.

BARTEES STRANGE

Horror 4AD / Popstock! 14 febrero

El mundo puede ser aterrador; Strange encuentra la belleza sublimando el indie-rock. So back!

HORSEGIRL Phonetics On and On Matador / Popstock! 14 febrero

Producido por Cate Le Bon, el mejor disco de los de Chicago, rico, limpio, cálido, acogedor.

LA PLATA Interzona Sonido Muchacho 14 febrero

Toman el título prestado de unos Joy Division que a su vez homenajeaban a Burroughs. Sintomático.

SHYGIRL Club Shy Room 2

Because Music 14 febrero

Nuevo EP con seis canciones nuevas para ampliar el universo del Club Shy. Que siga la fiesta.

BATHS Gut Basement’s Basement 21 febrero

Will Wiesenfeld retoma Baths tras 8 años para bailar con sentimiento y sin complejos.

NAO

Jupiter

Little Tokyo Rec. / Sony 21 febrero

Vuelta a los planetas, esta vez bajo la luz de un so(u)l psicodélico y con Prince y Robyn como osas.

TATE MCRAE

So Close to What / RCA - Sony / 21 febrero Compuesto en el fragor de una gira que no se detiene y no hace más que crecer, el tercer álbum de la artista canadiense asienta la fructífera dupla de McRae con el productor Ryan Tedder (One Republic). El disco se pone al nivel de unas expectativas cada vez más ambiciosas: el salto a la primera línea del pop global a base de ritmos bombásticos, trucos electrónicos y melodías pegajosas.

RODDY RICCH

The Navy Album Atlantic 21 febrero

El rapero más melódico de Compton se confirma en su tercer álbum como estrella del R&B.

SAYA GRAY

Saya

Dirty Hit / Music As Usual 21 febrero

Guitarra acústica y discos de los Beatles y Led Zep a la maleta y a cruzar Japón. El resultado es Saya

THE MURDER CAPITAL

Blindness

Human Seasons Records 21 febrero

Cada vez menos apegados a un core oscuro, a un monolito, John Congleton les ayuda a dispersar.

YOUTH LAGOON

Rarely Do I Dream

Fat Possum / [PIAS] 21 febrero

Yendo a la nostalgia adolescente, Trevor Powers hereda el testigo de Beck para el s. XXI. Enorme.

BANKS Off With Her Head

Her Name Is Banks

28 febrero

Directo al club, el disco más valiente de Banks desde Goddess (2014), hecho con el mismo team.

EVERYTHING IS RECORDED

Temporary XL / Popstock! 28 febrero

El tarot de tus sueños: Florence Welch, Sampha, Bill Callahan, Kamasi, Nourished By Time...

HOPE TALA

Hope Handwritten PMR Records 28 febrero

Tras un arranque irregular, la británica debuta por fin entre sedas y con vozarrón. Al final era real.

DARKSIDE Nothing

Matador / Popstock! 28 febrero

Nuevo giro en el proyecto de Nicolas Jaar con Dave Harrington, al que se suma ahora el percusionista Tlacael Esparza para tratar de aterrizar esta nave del misterio. Incorporando recursos de Against All Logic, urbanizando su groove implacable, acercándose al punk, dando rienda suelta a sus instintos más pop y jugando a la hauntología radiofónica soul y a la tropicalia, el chileno desdobla una vez más su talento inabarcable.

ICHIKO AOBA

Luminiscent Creatures

Hermine 28 febrero

Lo que queda de nosotros: pequeñas criaturas de luz. A ellas canta Ichiko en su nueva maravilla.

MARIE DAVIDSON

City of Clowns

DEEWEE / Because Music 28 febrero

Ante cualquier revival electroclash recuerden: la canadiense ya estaba ahí. Y ahora con Soulwax.

MDOU MOCTAR

Tears of Injustice

Matador / Popstock! 28 febrero

Reverso ritual y urgente de su último disco, tocado íntegramente con instrumentos tradicionales.

PANDA BEAR

Sinister Gift

Domino / Music As Usual 28 febrero

El Animal Collective se embarca vía ácida en su álbum más orgánico y acústico. Un tripi.

SERPENTWITHFEET

Grip Sequel

Secretly Canadian / Popstock! 28 febrero

El bass como telar para la liberación del deseo y un R&B neoclásico fundamentan esta secuela.

YO LA TENGO

Old Joy (Official Soundtrack) Mississippi Records 28 febrero

Se edita por primera vez esta deseada joya que acompañaba a la cinta de Kelly Reichardt (2006).

MARIA CALLAS

Dir. Pablo Larraín

Rep. Angelina Jolie, Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher

Italia / 2024 / Diamond Films 7 febrero

MARIA CALLAS

Después de Jackie (2016) y Spencer (2021), en las que retrababa con su particular modo las vidas de figuras políticas de relevante calado en el imaginario pop como Jackie Kennedy y Lady Di, el cineasta chileno Pablo Larraín se adentra de lleno en el biopic cultural a través de la vida de otro mito femenino de la cultura popular del siglo XX, la soprano griega Maria Callas. Utilizando como excusa sus últimos días en París, antes de fallecer en su casa trágicamente por un infarto que aún hoy genera dudas, Larraín despliega un retrato poliédrico de todas sus facetas al que da vida una monumental Angelina Jolie, en uno de los papeles más impactantes de su carrera. Jolie se enfrenta así al enorme calado de la prima donna helena, tanto entre la alta cultura y sociedad como en las capas más llanas, a su enorme impacto en la popularización de la ópera en la segunda mitad del s. XX y en un canon que perdura, a su divina excentricidad, los manierismos de otra época, y a la pasión con la que vivió esa gran tragedia griega que fue su amorío con el magnate Aristóteles Onassis -que, casualidad o no, dejó a la Callas precisamente por Jackie después del asesinato de JFK-. Con María, el chileno no solo se consagra como pintor de estrellas en la encrucijada. También como observador de un tiempo en el que la trascendencia aún mantenía un aura de clasicismo y solemnidad. LANDING /

BODEGÓN CON FANTASMAS

Dir. Enrique Buleo / Rep. Jordi Aguilar, Eduardo Antuña, Enric Benavent España / 2024 / Sideral / 7 febrero

Surgida de una incubadora de la ECAM, esta película con tintes de tragicomedia rural sobre cómo los habitantes de un pueblo manchego, envejecidos y enredados en el tedio, afrontan la muerte es también surrealista y lynchiana en su aproximación a los horrores cotidianos. Buleo sorprende con un terror que roza lo absurdo y que muestra orgulloso su inconfundible denominación de origen.

A MUERTE

Cr. Dani de la Orden

Rep. Verónica Echegui, Joan Amargós Serie / 5 febrero

Con la muerte llamando a la puerta, dos amigos de la infancia se reencuentran en un momento extraño y ponen a prueba sus convicciones sobre el amor y las relaciones.

BECOMING LED ZEPPELIN

Dir. Bernard MacMahon

Documental, Música

Largo / 7 febrero

Llega por primera vez a los cines de nuestro país el documental más acertado y canónico sobre la fundamental banda británica después de The Songs Remains The Same (1976).

LEVANTE (EL DESAFÍO DE SOFÍA)

Dir. Lillah Halla

Rep. Ayomi D. Dias, Grace Passô Largo / 7 febrero

La prohibición del aborto en Brasil es el detonante de esta historia con sensibilidad queer y pátina deportiva, que va frontalmente en contra del conservadurismo reinante.

LA TUTORÍA

Dir. Halfdan Ullmann Tøndel

Rep. Renata Reinsve, Ellen Dorrit Petersen

Noruega / 2024 / Avalon / 14 febrero

El cineasta noruego, nieto de Liv Ullmann e Ingmar Bergman, debuta en la dirección de largometraje con un thriller psicológico y ciertamente instrospectivo de marcado carácter nórdico y con ecos de La caza. En La tutoría asistimos a una reflexión sobre la educación y la defensa a ultranza de los padres con los hijos, incluso en las peores situaciones. Un chaval de 6 años es acusado de propasarse con un compañero de clase, y el conflicto genera estragos en la comunidad.

LA RED FANTASMA

Dir. Jonathan Millet

Rep. Adam Bessa, Tawfeek Barhom Largo / 7 febrero

Basándose en hechos reales y con la realidad de los expatriados sirios en Francia como telón de fondo, Millet compone un excelente thriller de espías con poso de venganza.

NO HAY AMOR PERDIDO

Dir. Erwan Le Duc

Rep. N. Pérez Biscayart, Maud Wyler Largo / 7 febrero

Una película sensible escrita y dirigida por uno de los nuevos cineastas franceses más tiernos en su mirada. Un padre y su hija se reencuentran con la esposa y madre que les dejó.

SALVAJES

Dir. Claude Barras

Animación 7 febrero

El excelente director suizo, referente de la animación contemporánea tras La vida de Calabacín (2016), regresa con una cinta hermosa y con profundo mensaje ecológico.

HARLEM ICE

Dir. Samantha M. Knowles Serie documental 12 febrero

Miniserie de cinco episodios que sigue a las chicas del equipo de patinaje artístico de Harlem en su ascenso global y su lucha contra los techos de cristal... o de hielo.

DANIELA FOREVER

Dir. Nacho Vigalondo

Rep. Henry Golding, Beatrice Grannò, Aura Garrido

España / 2024 / Filmax 21 febrero

El duelo por la pérdida de un ser querido desencadena este, por momentos, surrealista romance onírico de ciencia ficción con el que Vigalondo ofrece su particular versión de la mítica ¡Olvídate de mí! de Michel Gondry. Un hombre, interpretado con gracia por Henry Golding, entra en un experimento para reunirse en sueños con su novia fallecida.

ATTACK ON TITAN: THE LAST ATTACK

Dir. Yuichiro Hayashi Animación 13 febrero

El gran finale del anime imprescindible que es Attack on Titan recopilado y remasterizado a toda pantalla para disfrutar en el cine. Épica, emoción... y controversia.

BROKEN RAGE

Dir. Takeshi Kitano

Rep. Takeshi Kitano, Tadanobu Asano Largo / 13 febrero

Entre la comedia negra y el thriller mafioso, en la línea de Outrage (2010), nuevo delirio surgido de la mente del creador de Humor amarillo Dolls y Hana-Bi. Tremendo.

AÚN ESTOY AQUÍ

Dir. Walter Salles

LA MARSELLESA DE LOS BORRACHOS

Dir. Pablo Gil Rituerto Documental 14 febrero

El madrileño, relacionado con otros proyectos documentales, debuta en la dirección siguiendo a un grupo de italianos que en los 60 rebuscaron canciones populares de resistencia.

VERMIGLIO

Dir. Maura Delpero

Rep. Tommaso Ragno, Roberta Rovelli Largo / 14 febrero

La llegada de un desertor trastocará la normalidad de esta pequeña comunidad alpina aislada del tiempo y el espacio durante la II Guerra Mundial. Precioso cuento de época.

FÍSICA O QUÍMICA: LA NUEVA GENERACIÓN

Dir. Carlos García Miranda

Rep. María Bernardeu, Rocío Velayos Serie / 16 febrero

Las puertas del Zurbarán se abren de nuevo, casi quince años después, para acoger a una nueva generación de estudiantes y sus rollos amorosos, sus dramas y sus salseos.

Rep. Fernanda Torres, Selton Mello Largo / 21 febrero

Profundo biopic basado en las memorias de Marcelo Rubens Paiva, que vio a su madre abocada al activismo político tras la captura de su padre por la dictadura de Brasil.

MEMORIAS DE UN CUERPO QUE ARDE

Dir. Antonella Sudasassi Furniss

Documental 21 febrero

Tres mujeres, en la vejez, redescubren su cuerpo y su relación con la sexualidad tras años de silencio y deseos reprimidos. Exponente del neo cine documental de Costa Rica.

LIMÓNOV

Dir. Kirill Serebrennikov / Rep. Ben Whishaw, Sandrine Bonnaire

Italia / 2024 / Filmin / 21 febrero

El director ruso, de los más interesantes de su generación, ya definió su estilo con películas como La fiebre de Petrov o Leto, entre el retrato de las contradicciones de la sociedad rusa y el acercamiento al imaginario pop. Entre ambas se encuentra Limónov, en la que, partiendo de la biografía imprescindible de Emmanuel Carrère, repasa la vida del poeta disidente soviético, icono y antihéroe.

THE MONKEY

Dir. Osgood Perkins

Rep. Theo James, Elijah Wood

Largo / 21 febrero

James Wan produce esta adaptación de un relato de Stephen King en la que un mono de juguete se convierte en tu peor pesadilla. Nueva peli de Perkins tras Longlegs

TU COLOR

Dir. Naoko Yamada

Animación

21 febrero

Nunca una película sobre la sinestesia se permitió tanta belleza para componer una paleta cromática obsesionada con capturar las emociones de sus personajes. Maravilla.

SOVIET JEANS

Dir. Waldemar Kalinowski

Rep. Gundars Abolins, Varvara Chekhs

Serie / 25 febrero

Un rockero es ingresado en un psiquiátrico en Letonia por su alineación con los valores occidentales y en contra del régimen de la URSS. Allí produce vaqueros falsificados.

UNA MANO SOLA NO APLAUDE

Dir. Kavery Kaul

Documental 26 febrero

La fascinación por el influyente calypso, género con orígenes en Trinidad y Tobago pero de gran éxito en el Caribe antillano y EE UU, como nunca antes te la habían contado.

AITANA: METAMORFOSIS

Dir. Chloé Wallace

Serie documental 28 febrero

La directora certifica su alianza creativa con Aitana en esta serie documental que la sigue de cerca durante su conversión definitiva a gran estrella pop de nuestro país.

EL SECRETO DEL ORFEBRE

Dir. Olga Osorio

Rep. Mario Casas, Michelle Jenner

Largo / 28 febrero

Mario Casas y Michelle Jenner se reencuentran en la ficción con este drama de época sobre sueños de libertad y grandes oportunidades. Atención especial a Zoe Bonafonte.

MI ÚNICA FAMILIA

Dir. Mike Leigh

Rep. M. Jean-Baptiste, M. Austin

Largo / 28 febrero

Una preciosa historia de sororidad y de clase que nos devuelve al mejor Leigh, el de Grandes ambiciones, Secretos y mentiras, Dos chicas de hoy, Todo o nada o El secreto de Vera Drake

JOKER: FOLIE À DEUX

Dir. Todd Phillips / Rep. Joaquin Phoenix, Lady Gaga, B.Gleeson EE UU / 2024 / Warner / 29 enero

La expectación era grande por esta secuela con formas de musical en la que Lady Gaga se embarcaba para interpretar a Harley Quinn. El resultado de tanto experimento es tan irregular como indiscutible el que los aficionados al universo Batman tienen motivos para hacerse con la edición en UHD: boxset normal o en caja metálica y 70 minutos de adicionales, con making of de 44 minutos.

CALLADITA

Dir. Miguel Faus

Rep. Paula Grimaldo, Ariadna Gil España/ 2024 / Karma / 11 febrero

La burguesía catalana pija y rancia vista a través de los ojos de su empleada del hogar, una colombiana sin papeles. Gran edición con casi hora y media de adicionales.

DAAAAAALÍ!

Dir. Quentin Dupieux

Rep. A. Demoustier, G. Lellouche Francia / 2023 / A Contrac. / 11 febrero

No es tanto un biopic como una inmersión en el surrealismo a partir de la historia de un periodista que no consigue entrevistar al genio de Figueres. 20 minutos de extras.

EMMANUELLE

Dir. Audrey Diwan / Rep. Noémie Merlant, Naomi Watts, Will Sharpe / Francia / 2024 / Divisa / 12 febrero

Los tiempos han cambiado y Emmanuelle, aquel mito erótico de los años setenta, ya no responde a las pulsiones del género masculino. Que la directora, Audrey Diwan, venga de firmar una cinta autoral que reivindica el derecho a decidir sobre la interrupción del embarazo en las mujeres (El acontecimiento) da pistas a propósito de la Emmanuelle de nuestros días. Sin extras.

EL 47 Dir. Marcel Barrena

Rep. Eduard Fernández, Clara Segura España / 2024 / A Contrac. / 11 febrero

Otra cinta marcada por la conciencia de clase, que narra la lucha de un barrio obrero de Barcelona por conseguir una línea de transporte público. Con 35 minutos de extras.

FALLEN LEAVES

Dir. Aki Kaurismäki

Rep. Alma Pöysti, Jussi Vatanen Finlandia/ 2023 / Avalon / 11 febrero

El disco en Blu-ray contiene los mismos adicionales que la magnífica caja recopilatoria publicada el mes pasado por Avalon. Pero esta edición incluye además libro de 64 páginas.

LA MATANZA DE TEXAS

Dir. Tobe Hooper

Rep. Marilyn Burns, Paul A. Partain

EE UU / 1974 / A Contrac. / 11 febrero

Con tanto remake, a quién no le apetece volver al clásico que dio pistoletazo de salida al gore. Con dos audiocomentarios diferentes del propio Hooper y otro con los actores.

LA INFILTRADA

Dir. Arantxa Echevarria

Rep. ACarolina Yuste, Luis Tosar España / 2024 / Divisa / 12 febrero

Basada en la historia real de una agente de policía infiltrada en la cúpula de ETA, funciona al tiempo como thriller y denuncia de la mujer en un mundo de testosterona.

LA LEYENDA DEL RÍO ROJO

Dir. Yimou Zhang

Rep. Jackson Yee, Shen Teng China / 2023 / Divisa / 12 febrero

Desde la carátula se nos recuerda que detrás de este lujosa tragicomedia en la China de la dinastía Song se encuentra el director de Hero y La casa de las dagas voladoras. Se nota.

LAS VÍRGENES SUICIDAS

Dir. Sofia Coppola

Rep. Kirsten Dunst, James Woods EE UU / 1999 / Divisa / 12 febrero

Reedición del clásico de Coppola con restauración para 4K, el cortometraje Lick the Star, making of y entrevista con el autor de la novela original, Jeffrey Eugenides.

ROBOT SALVAJE

Dir. Chris Sanders

EE UU / 1990 Universal / 26 febrero

El director de Lilo & Stitch y Cómo entrenar a tu dragón vuelve a dar en el clavo con esta cinta de animación con el sello de Dreamworks y coartada ecologista.

MONSTER HUNTER WILDS

Capcom / : PC, PS5, Xbox Series X/S / 28 febrero

La mejor Capcom de la década vuelve a dar un paso al frente con lo que promete ser una secuela espiritual de Monster Hunter Worlds, aprovechando todo lo que la compañía aprendió con aquella entrega para mejorar la fórmula de la saga hasta cotas insospechadas y convertir Wilds en un posible candidato a GOTY 2025.

KINGDOM COME: DELIVERANCE II

Warhorse Studios

: PC, PS5, Xbox Series X/S 4 febrero

Acción y rol contado en primera persona, sin fantasía, ambientado en una cruda y violenta reconstrucción del siglo XV más cerca del realismo que de cualquier otra cosa.

RIFT OF THE NECRODANCER

Brace Yourself Games

: PC, Nintendo Switch 5 febrero

Esta secuela del aclamado Cript of the Necrodancer abandona el concepto de dungeon crowler para transformarse en un juego de ritmo puro con tintes de roguelite.

CIVILIZATION VII

Firaxis Games : PC 11 febrero

Civilization es la saga reina de juegos de estrategia 4X, y vuelve por todo lo alto con una séptima entrega numerada que promete ser más ambiciosa en todos los sentidos.

AVOWED

Obsidian Entertainment : PC, Xbox Series X/S 18 febrero

Nueva propuesta RPG de un estudio maestro dentro del género, que opta en esta ocasión por un acercamiento clásico a la fantasía desde una perspectiva en primera persona.

THE KING OF FIGHTERS XIII: GLOBAL MATCH

SAFARI GAMES : PC 20 febrero

La mítica saga de lucha en dos dimensiones de SNK en esta ocasión da el salto a ordenadores con una versión revisada de su decimotercera entrega numerada.

BLASPHEMOUS

The Game Kitchen : iOS 24 febrero

Blasphemous, la obra que hizo despegar a The Game Kitchen, desembarca ahora en los dispositivos de Apple con una versión idéntica a la original en todos sus apartados.

SWITCHED ON POP

Nate Sloan, Charlie Harding / Liburuak / 336 p. / Música

Gestado en el podcast donde la pareja de autores diserta sobre la creación y el significado de la música popular, cada capítulo aborda, en busca de la fórmula de su éxito, los secretos que esconden 16 hits del siglo XXI. ¿Será la melodía, el ritmo, la letra, la rima? Identifica a Drake, a Taylor Swift, MIA, Skrillex, Beyoncé… Didáctico, wikipédico... de fácil disfrute para la gente melómana.

ESTE GRUPO SE LLAMA R.E.M.

Peter Ames Carlen

Contra

512 p. / Música

Más que otro libro documental sobre la trayectoria de una banda indie del pasado siglo, tienes una perla narrativa que refleja cómo lo alternativo se fundió con lo mainstream.

NO SONAMOS MAL

D. Vega, E. Zamorano, V. Terrazas

Muzikalia

302 p. / Música

Ya circulando su segunda edición en tiempo récord. Historia oral de la nueva escena indie de guitarras, o radiografía de la España actual. ¿Sonamos mejor que ayer?

LUZ NEGRA

Pedro Berruezo

Minotauro

368 p. / Terror

Para fans del terror, el pulp, el body

horror. Un viaje oscuro por la metahistoria de nosferatus y dráculas deconstruidos por el ingenioso autor murciano. Prólogo de Vigalondo.

LOS ÚLTIMOS AMERICANOS

Brandon Taylor

Chai

304 p. / Novela

La novela GenZ que enloquecería a Henry James, un cruce de caminos en la vida de varios universitarios de Iowa City descubriendo y topándose con realidades inesperadas.

VALLESORDO

Jonathan Arribas

Libros del Asteroide

210 p. / Novela

Un guardián entre el centeno zamorano, un niño que nos invita a conocer cierta realidad, la suya, imantada de modo naif en el imaginario pop del siglo XXI. Debut brillante.

YO ERA UN CHICO

Fer Rivas

Sexto Piso

236 p. / Novela

Más vale tarde… Confesión al padre moribundo, que se apaga conociendo -sin conocer, en coma- la verdadera identidad, la vergüenza y el miedo que su hija sintió frente a él siempre.

EL INCIDENTE

Daniel Jiménez

Seix Barral

352 p. / Novela

Vuelve Jiménez (El plagio, Cocaína) a transitar por su no ficción novelada, aguijoneando la experiencia de quienes por dentro y por fuera sufren serios reveses de salud mental.

MEJOR QUE MUERTO

Fidel Moreno

Random House

344 p. / Novela

Se sale de lo establecido. Esta tragicomedia arropa con sexo, drogas y desencanto al hombre blandengue, al Lebowski castizo, a tu vecino, a muchos hombres de hoy.

TE ELIGE

Miranda July

Comisura

208 p. / No ficción

Nueva edición de este tratado ilustrado, un must sobre la condición humana: vidas, esperanzas, temores anónimos que la autora y actriz conoció gracias a un periódico de anuncios.

LAS MARIPOSAS DE SARAJEVO

Priscilla Morris

Duomo

256 p. / Novela

La historia ambientada en la ciudad bosnia durante la última guerra es una admirable defensa del arte y el humanismo. Tras las nubes -y las balas- sigue brillando el sol siempre.

MIENTRAS DORMÍAS, CANTABAS

N. Pino Luna

Caballo de Troya

214 p. / Novela

Desde Chile nos llega esta nueva voz abriéndose hueco entre nombres y obras que definen el país sudamericano. No volverás a vivir una noche de fin de año igual tras su lectura.

LA TIENDA DE LOS DESEOS

Hiyoko Kurisu

Neko Books

224 p. / Novela

Sí, existen lugares donde vivos y muertos conviven en armonía, sobre todo en un país como Japón. Los dulces mágicos de una confintería en la calle del Crepúsculo son el salvoconducto.

TODAVÍA UNA NOCHE

Aroa Moreno Durán

Tusquets

104 p. / Poesía

Como en la música, el silencio en un poema ha de hacerse notar. Aroa nos lo muestra como una prestidigitadora del ritmo y las figuras líricas. De la emoción chorrean versos.

DE LAS QUE DUELEN

Ada Limón

Valparaíso

208 p. / Poesía

Poesía para todo un año, estación por estación, premiada, amable, llena de esa magia que unifica lo humano y lo divino, la naturaleza terrenal y el espíritu elevado. Ada es TOP!

BLACK METAL

Magius / Autsaider Cómics / 220 p. / ByN / 25 €

Hoy todos conocemos al Magius del Premio Nacional de Cómic con esa delicia de la crítica política llamada Primavera para Madrid, pero en 2001 un jovencito Diego Corbalán publicaba en su Murcia natal un fanzine que recogía la historia y las mejores anécdotas del black metal nórdico. Desde quemas de iglesias a profanaciones de tumbas: el día a día del rockero medio. Lo recuperamos.

ATEO DE UNO MISMO

Adrián Bago

Autsaider Cómics

28 p. / ByN / 8 €

Bago se marca una autobiografía por capítulos y toca la peor etapa del ser humano: la pubertad. Humillaciones y pajas, muchas pajas, principalmente. Para ti, que todavía eres joven.

CAFÉ ROMÁNTICA

Simon Hanselmann

Fulgencio Pimentel

384 p. / Color / 36 €

El recopilatorio de historias sueltas de Megg, Mogg y Búho ya lo destacamos hace un año, pero hasta este febrero no se publica. Más divertido que la droga... y es más barato.

CARCOMA

Andrés Garrido

Nuevo Nueve

176 p. / Color / 30 €

Primera historia en solitario de Garrido para el mercado francobelga sobre unos piratas que juran no volver a poner un pie en tierra navegando hacia aguas desconocidas.

CHII

Shuzo Oshimi

Milky Way

224 p. / ByN / 9 €

Versión extendida por parte del autor de Rastros de sangre de la película Toxic Daughter de Eisuke Naitô. Si son jóvenes y se comportan de forma tóxica, Oshimi es tu mangaka de confianza.

LA CIUDAD BAJO LA CIUDAD

Dan Vaccarino Astronave

68 p. / Color / 18,95 €

Es un cómic infantil, pero si quieres recuperar todo el arte naif de ciencia-ficción de los años sesenta, Vaccarino nos propone un festival visual de altura. Para muy fans del pop-art.

CLÁSICOS MARVEL DE LA LITERATURA

VV AA

Panni Cómics

640 p. / Color / 63,95 €

Los mejores autores de la Casa de las Ideas de finales de los setenta adaptaron obras de Wells, Stevenson, Homero, Dafoe, Dumas u Homero. Un clásico de clásicos... de clásicos.

CONFORTLESS

Miguel Vila

La Cúpula

212 p. / Color / 24,90 €

Muchas ganas de ver cómo el italiano

Miguel Vila psicoanaliza las relaciones humanas más desastrosas en tiempos de pandemia global. Fino estilista moderno de las desgracias ajenas.

EL DÍA MÁS LARGO

Mario Barrachina Navarro

Planeta Cómic

152 p. / Color / 20 €

La pérdida de un abuelo como paso hacia la madurez en esta historia autobiográfica de Mario Barrachina. Cumplir 18 años en un tanatorio no es nada acogedor, y marca para siempre.

MONSTRUOS DE UNIVERSAL: FRANKENSTEIN

Michael Walsh, Toni-Marie Griffin Moztros

112 p. / Color / 18,90 €

Tras Drácula y el Monstruo de la Laguna Negra, le toca el turno a la película que inmortalizó el rostro de la desgraciada criatura creada por Víctor Frankenstein. Nuevo terror dibujado.

HARRY 20 EN HIGH ROCK

Gerry Finley-Day, Alan Davis

Dolmen Editorial

152 p. / Color / 24,90 €

Dolmen recupera otro clásico distópico de 2000 AD, una de las primeras obras del brillante Alan Davis. Drama carcelario en el espacio al más puro estilo Clint Eastwood.

PAUL EN CASA

Michel Rabagliati

Astiberri

208 p. / ByN / 23 €

Rabagliati continúa con su particular relato semiautobiográfico siguiendo la vida de Paul, ahora como cincuentón divorciado y con su madre convaleciente. About a Boy en novela gráfica.

TOWER DUNGEON

Tsutomo Nihei

Pika Ediciones

192 p. / Color / 12 €

Vuelve Nihei con sus gigantescos y oscuros edificios imposibles. Esta vez en una infinita mazmorra laberíntica de espada y brujería. A tope de barroco. Para amantes de la arquitectura.

TALIÓN

Y hablando de arquitectura, los más fans de su presentación más apocalíptica no pueden perderse este integral de los tres tomos de esta obra distópica en el fin de los tiempos de la raza humana. Uno de los mejores cómics sci-fi jamás dibujados.

MUSEO BANKSY

Paseo de la Esperanza 1 (MADRID)

Desde enero 2025

Nueva York, Praga, Cracovia, Lisboa, Bruselas, Barcelona…, y ahora también Madrid. El artista conocido como Banksy dispone de otra sucursal donde se puede disfrutar de algunas copias de sus emblemáticas obras que, bien por su condición efímera, bien porque figuran únicamente en catálogos o sites online, no se pueden admirar a tamaño natural. Visitar un museo de Banksy es como sumergirse en una bella contradicción, en un cóctel deluxe que mezcla arte callejero y mensaje social potente servido en un barrio gentrificado. Las paredes se llenan de reproducciones fidedignas con sus icónicas obras: grafitis, estampas y piezas que critican el sistema, el consumismo y la política. El espacio recién inaugurado en Madrid es moderno, amplio, y tiene un toque de industrialismo, con paredes de ladrillo a la vista y una atmósfera urbana. Las exposiciones están diseñadas para que interactúes con el arte, con una vibra dinámica que te hará reflexionar mientras te diviertes. ¡Es un plan ideal si quieres vivir el arte de Banksy en vivo! Con más de 170 piezas, incluidas reproducciones a tamaño real de sus murales más populares, este nuevo espacio alberga la mayor colección de obras de Banksy en Europa. Quizá en tu visita coincidas en la sala con el propio artista, allí presente, aunque nunca lo sabrás. Su anonimato sigue vigente.

SALA WURLITZER FEBRERO 2025

LUCY + RUINOSA Y LAS STRIPPERS DE RAHOLA Sábado 1

PMA CONTRA EL HAMBRE: DISTANTE+ FIRST LINE + BAJO CONTROL + POLILLA Domingo 2

SILVER LININGS + ARRRGGH Jueves 6

PLAYA ESPECTRAL + PANTANO + THE MIGUELEZ

Viernes 7

MALLAZO Sábado 8

GATUÑAZO

Domingo 9

LION’S LAW + MESS + CLAIMED CHOICE Lunes 10

SIDESTEP+TDZ+ M.I.L+ COLD NOIZE

Miércoles 12

CONCIERTOS

BAIUCA

Antioxidante. Bullas (Murcia). Sábado 1

La Riviera. Madrid. Jueves 27 y viernes 28

CAROLINA DURANTE

Pandora. Sevilla. Sábado 1 Pelícano. La Coruña. Viernes 7 Zentral Iruña. Pamplona. Jueves 20 Santana 27. Bilbao. Viernes 21 Movistar Arena. Madrid. Viernes 28

HOKE

Es Gremi. Mallorca. Sábado 1 Oasis. Zaragoza. Jueves 6 Razzmatazz. Barcelona. Sábado 8 Capitol. Santiago de Compostela. Viernes 14 Albéniz. Gijón. Viernes 21 y sábado 22 Pandora. Sevilla. Jueves 27 Paris 15. Málaga. Viernes 28

DELAPORTE

Pandora. Sevilla Viernes 7

La Riviera. Madrid Sábado 8 Aliatar. Granada Viernes 21 Berlín Social Club. Almería Sábado 22

GRACIE ABRAMS

Palacio Vistalegre. Madrid. Sábado 8 y domingo 9

POLO & PAN

La Riviera. Madrid. Martes 11 Razzmatazz. Barcelona. Miércoles 12

FRANZ FERDINAND

Pelícano. A Coruña. Sábado 15

La Riviera. Madrid. Lunes 17 Razzmatazz. Barcelona. Martes 18

LA CENDEJAS

La2. Sevilla. Sábado 15

KIKE BABAS & DEMETRIO + CHICO-TROPICO Jueves 13

MAZO MADRID PRESENTA : LAS ROBERTAS (FOTO)

Viernes 14

BARTOLINI FEST: CHINGO-182 + 7 YEARS

BAD LUCK + ZERO AZUCAR

Sábado 15

THE VOLCANICS + DIRTY RULES Miércoles 19

UNIVERSIFEST Jueves 20

Garufa. A Coruña. Viernes 12 Azkena. Bilbao. Sábado 22

QUEVEDO

Movistar Arena. Madrid. Lunes 17, martes 18 y miércoles 19

AMAIA

Sant Jordi Club. Barcelona. Viernes 21 y sábado 22 Movistar Arena. Madrid. Domingo 23

CHILL MAFIA + LA TXAMA

La Riviera. Madrid. Miércoles 26

EXPOSICIONES

TAREK ATOUI. AT-TĀRIQ

Museo Thyssen Bornemisza (MADRID) Del 18 de febrero al 18 de mayo

Nueva cita con el arte libre de categorías cartesianas en el Thyssen. Tarek Atoui (Beirut, 1980) es un artista y compositor que trabaja en el ámbito del performance y la composición sonora, y aquí nos sumerge en un viaje a las tradiciones musicales rurales del norte de África y del mundo árabe. Propone un espacio de hospitalidad poética, donde música y espacios habitables reciben a los viajeros (visitantes) y, como en el majlis árabe, sirven de refugio y convivencia. En At-Tāriq, Atoui ha iniciado una investigación sobre las formas musicales rurales del mundo árabe a lo largo de las rutas subsaharianas de peregrinaje y comercio. A través de sus texturas sonoras y materiales entrelazados, la exposición invita a sus visitantes a habitar los umbrales entre lo tradicional y lo contemporáneo, lo familiar y lo desconocido. https://tba21.org

MÁQUINAS DIGITALES

Laboral Centro de Arte (GIJÓN)

Del 31 de enero al 27 de septiembre

Desde el telar mecánico y la máquina de vapor,

VARONAS + QUICKLIME + GREASY & GRIZZLY Viernes 21

VICENTE CALDERON Sábado 22

STEREOPARTY #23

Miércoles 26

FIEBRE DE LAS MONTAÑAS ROCOSAS + DECLIVE Jueves 27

VIVA HONDURAS + CODO + OU! Viernes 28

THE CEMENTARY GIRLS + MALEFIXIO Sábado 1 marzo

pasando por el generador eléctrico y los microchips, hasta llegar a internet con sus centros de datos y sistemas de computación a escala planetaria: las máquinas, en su interacción con humanos y naturaleza, revolucionan sin descanso el mundo que conocemos. En esta muestra, 13 obras recientes de artistas asturianos e internacionales, que imaginan otras relaciones posibles entre tecnología, industria y sociedad, son las protagonistas de dicha interacción. Para un siglo 21 en el que democracia, industria y ámbito digital están cada vez más interconectados, las trece obras expuestas cuestionan la arquitectura actual de los procesos de innovación, defendiendo que el diseño de las máquinas digitales del futuro debe tener en cuenta las repercusiones ambientales y sociales a largo plazo y apostar por tecnologías justas, éticas y sostenibles. La exposición incluye la pieza ganadora del Premio de la Comisión Europea S+T+ARTS de innovación en ciencia y tecnología impulsada desde las artes. Lxs rtistas son Vladan Joler, Kate Crawford, Calin Segal, Martyna Marciniak, AKQA, Noemi Iglesias Barrios, Space Popular, Sonya Isupova, Gordan Savičić y Felix Stalder, Elisa Cuesta, Juan Cañada y Juan Gama, Katarzyna Szymielewicz https://laboralcentrodearte.org

CHINO MOYA. META-MYTHICAL OPTIMISATION

Seventeen Gallery (LONDRES)

Hasta el 1 de marzo

El artista en su prime. La producción de Chino Moya abarca una amplia gama de formatos, desde largometrajes hasta instalaciones de video, esculturas y fotografías en galerías. Meta-Mythical

Optimisation es una exposición compuesta por doce obras de video de reciente creación que representan figuras aisladas vestidas con telas utilitarias, que lentamente realizan movimientos sutiles y meditados. Cada figura está situada en un paisaje estático lleno de arquitectura geométrica, arcos, cúpulas, un clasicismo hambriento más asociado con regímenes totalitarios pasados o futuros utópicos. La estructura de las imágenes alude al lenguaje de la pintura renacentista, trasladado a un futuro

AURUNCA

Teatros del Canal / MADRID / 7, 8 y 9 de febrero

En Aurunca convergen danza contemporánea, danza urbana, teatro gestual y una fuerte inspiración en la naturaleza. Elías Aguirre dirige e interpreta en solitario este espectáculo de 50 minutos que tan buenas críticas ha conseguido. El coreógrafo y bailarín alicantino estrena en la Comunidad de Madrid un espectáculo inspirado en los denominados “no lugares” (aeropuertos, habitaciones de hotel, estaciones de metro…).

poslaboral, que representa una clase sacerdotal de tecnócratas: El madrileño, afincado en Londres, ha exhibido su trabajo por todo el mundo. En 2021, Moya lanzó su primer largometraje Undergods, financiado por el British Film Institute y Black Dog Films de Ridley Scott. Estrenado en cines en EE UU y el Reino Unido, fue seleccionado como Película de la Semana por The Guardian. www.seventeengallery.com

EVENTOS

JAPAN WEEKEND

IFEMA (MADRID)

15 y 16 de febrero

Japan Weekend regresa con lo mejor de la cultura pop japonesa y actual, enfocado en el anime, el manga, el cosplay, los videojuegos y la música nipona. Durante el fin de semana, se organizarán diversas actividades para todos los gustos: concursos de cosplay, concursos de k-pop, conciertos de artistas internacionales, conferencias, exhibiciones de artes marciales, exposiciones y muchas actividades más. Además, el recinto cuenta con una gran Zona de Artistas, donde se podrán adquirir productos artesanales relacionados con el manga y la cultura pop, así como una zona comercial donde podréis

conseguir mangas, figuras de anime, moda japonesa y merchandising. Japan Weekend Madrid se ha convertido en una de las convenciones de anime más grandes de España, fomentando el intercambio cultural y proporcionando un punto de encuentro para comunidades de fans y creadores. En esta edición se cuenta con la presencia de Hiroshi Kitadani, el legendario cantante del primer opening de One Piece, que tendrá un Q&A, dos conciertos, uno el sábado y otro el domingo y sesiones de firmas ambos días. https://www.japanweekend.com

VIII FORO DE LA CULTURA 2025

Varios espacios (VALLADOLID)

Del 20 al 23 de febrero

El recelo a lo desconocido, las vidas amenazadas, la propagación de los bulos, el rol de la censura en la esfera pública y el papel del temor en la filosofía y el arte centrarán algunas de las mesas de la octava edición del Foro de la Cultura, que este año arranca bajo el lema ¿Quién dijo miedo? La bióloga molecular y astronauta Sara García Alonso, el cineasta Alejandro Amenábar, la poeta y activista rusa Daria Serenko, el historiador británico Robert Peckham y los pensadores McKenzie Wark, Heinz Bude y David Le Breton forman parte de la nómina de participantes. El Foro volverá a contar con las aportaciones de Daniel Innerarity, filósofo, ensayista y director del Instituto de Gobernanza Democrática, Globernance;

Ana Carrasco Conde, a quien se ha calificado como “filósofa del mal” por sus estudios en torno a cuestiones como el terror o la crueldad; o el periodista y escritor Juan Soto Ivars. Otro autor convocado es el argentino afincado en España Martín Caparrós, de actualidad por su reciente obra autobiográfica Antes que nada, en la que ha desvelado que padece ELA. El cofundador del diario satírico El Mundo Today, Xavi Puig, y el humorista, actor y dibujante Joaquín Reyes, autor por segundo año consecutivo del cartel del encuentro, también estarán presentes en Valladolid. El programa desplegará una serie de actividades complementarias que darán comienzo antes de las jornadas centrales, entre ellas la proyección del documental ¿Quién teme al pueblo de Hitler?, del director Günter Schwaiger, quien participará en un coloquio con el público tras la sesión programada en los Cines Casablanca, el jueves 13 de febrero (19.15 horas), así como visitas guiadas al Museo Nacional de Escultura con especial atención a las obras de su colección permanente que de algún modo están relacionadas con la representación del miedo. Ya con el inicio del Foro, el mismo día 20 de febrero tendrá lugar el concierto de Depresión Sonora, que sonará en la sala Porta Caeli (21.30 horas). La música continuará los dos días siguientes con Las Noches Bribonas y sus sesiones de DJ en La Sastrería del Pasaje Gutiérrez. https://www.forodelacultura.es

MERCEDES BENZ FASHION WEEK

IFEMA (MADRID)

Del 19 al 23 de febrero La MBFW Madrid siempre está llena de sorpresas. ¿Quieres conocer antes que nadie las tendencias del próximo otoño invierno? Pasa por el Pabellón 14.1 de Ifema. El calendario de desfiles comenzará con María Lafuente y su enfoque sobre la moda sostenible y el compromiso con el medio ambiente. Le seguirá Rafael Urquízar, con una colección que destaca por combinar innovación, artesanía y un fuerte sentido estético. Tras ellos, será turno para Félix Ramiro, con su propuesta en sastrería que busca ofrecer diseños sofisticados y personalizados; a continuación, Pilar Dalbat presenta sus diseños con los que busca crear prendas que resistan al paso del tiempo. Y, por último, cerrarán la primera jornada los jóvenes diseñadores de UDIT, la Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología. La edición de este año tiene un enfoque importante en la sostenibilidad, con más diseñadores apostando por prácticas responsables. Entre las candidaturas al Premio Mercedes-Benz Fashion Talent figuran nombres como David Moss, en una lista en la que también aparecen otras firmas como Rtama, Studio Cumbre, Odis, Aleixandri

Studio, Pat Equilux, Alineo Studio, Bonet y Antonio del Canto. El premio se entregará el día 23. https://www.ifema.es/mbfw-madrid

AUDIOVISUAL

FOUCAULT VA AL CINE

Cineteca Matadero (MADRID)

Domingos de febrero

Tardes de domingo invernales, contemplativas y reflexivas, ideales para una sesión de cine. O cuatro sesiones. La Cineteca programa cuatro películas contemporáneas que dialogan con los conceptos del filósofo francés Michel Foucault. Su pensamiento se infiltra en la pantalla como una herramienta para desentrañar las complejas relaciones entre poder, cuerpo y subjetividad. El programa es el siguiente: Capítulo 1. Vigilancia y disciplina: Never Rarely Sometimes Always (Eliza Hittman, 2020). Capítulo 2. Sexualidad y normatividad: Titane (Julia Ducournau, 2021). Capítulo 3. Cuerpos y tecnologías: Possessor (Brandon Cronenberg, 2020). Capítulo 4. Locura, salud y exclusión: Saint Maud (Rose Glass, 2019) https://www.cinetecamadrid.com

LA INESPERADA

Varias sedes (BARCELONA)

Del 20 al 23 de febrero

Ya son cinco las cuñas marcadas en la pared, cinco marcas del festival consagrado al cine de no ficción en todas sus expresiones. La Inesperada celebrará la

edición de este año en la Filmoteca de Catalunya, el Cinema Zumzeig y el CCCB. En esta ocasión, propone siete sesiones con un total de 18 películas, 4 largometrajes y 14 cortometrajes, muchos de ellos inéditos en Cataluña. La programación incluye títulos destacados como A Fidai Film del cineasta palestino Kamal Aljafari, principal invitado de esta edición. También se podrán ver películas como Organizar la indisciplina de Pere Alberó y El espíritu de la araña de Antonia Rossi, así como una sesión de cine experimental en 3D programada y presentada por el cineasta estadounidense Blake Williams. El festival abrirá con el laboratorio Exit, el 20 de febrero en el CCCB, y este año se otorgará un premio de 2.000 euros al mejor proyecto en desarrollo. La Inesperada sigue apostando por el cine de no ficción como espacio para explorar nuevas formas narrativas y visuales. https://lainesperada.cat

BERLINALE 75

Varios espacios (BERLÍN)

Del 13 al 23 de febrero

El festival internacional más tempranero de Europa, la Berlinale, ya calienta motores para su edición 75. Richard Linklater con Blue Moon, o Hong Sang-soo con What Does That Nature Say to You?, entre otros, son algunos de los nombres más destacados que figuran en la sección a competición del certamen berlinés. El director noruego, Dag Johan Haugerud, con Dreams; o Rebecca Lenkiewicz, conocida por ser la guionista de la oscarizada Ida, quien da el salto a la dirección con Hot Milk, son cineastas muy esperados este año en la ciudad. En total, competirán 19 películas por los Osos de Oro y de Plata, entre ellas una ópera prima y un documental. Están representadas producciones de 26 países. Además, también destaca la presencia de James Mangold con su nuevo título, A Complete Unknown, el biopic sobre el músico Bob Dylan que es favorito en esta temporada de premios, así como de Bong Joon-Ho, director de Parásitos, que proyectará en el festival su nuevo proyecto de ciencia

SALA BERLANGA

Programación de febrero 2025

Madrid

Ciclo de cine: ‘Premios Goya 2025’ Hasta el 7 de marzo de 2025 Consultar horarios Entradas: 3,50 euros

Con las películas:

• Segundo premio / Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez / 2024 / 110’

• Domingo Domingo / Laura García Andreu / 2024 / 71’

• La infiltrada / Arantxa Echevarría / 2024 / 118’

• Buffalo Kids / Pedro Solís y Juan Jesús García Galo / 2024 / 81’

• La habitación de al lado / Pedro Almodóvar / 2024 / 106’

• La estrella azul / Javier Macipe / 2023 / 128’

• Guardiana de dragones / Li Jiangping y Salvador Simó / 2024 / 99’

• Volveréis / Jonás Trueba / 2024 / 113’

• Los pequeños amores / Celia Rico / 2024 / 95’

• Mi hermano Ali / Paula Palacios / 2023 / 85’

• Casa en llamas / Dani de la Orden / 2024 / 110’

• Polvo serán / Carlos Marqués-Marcet / 2024 / 106’

• Marisol, llámame Pepa / Blanca Torres / 2024 / 84’

ficción, Mickey 17. Ambas cintas estarán presentes en el certamen berlinés fuera de competición. https://www.berlinale.de

ARTES ESCÉNICAS

MICROOPERAS DE HOY

Varios espacios (BARCELONA) 8 y 9 de febrero

Microóperas de hoy es una propuesta escénica innovadora que une tres instituciones culturales clave de Barcelona: CCCB, MACBA y el Gran Teatre del Liceu. Este proyecto reúne a artistas de diferentes disciplinas para ofrecer una nueva visión de la ópera tradicional, repensándola desde una perspectiva contemporánea. A partir de la inquietud compartida sobre la crisis climática, las comunicaciones interespecies y la acústica de la naturaleza, se presenta un itinerario de reflexión artística vertebrado por los sonidos, la palabra y la imagen. Cada institución acogerá una ópera multidisciplinar de nueva creación, de entre 15 y 20 minutos de duración, para ofrecer un recorrido único que plantee nuevas visiones y cuestiones sobre aspectos que nos interpelan y nos afectan. Con un enfoque especialmente concebido para potenciar a jóvenes artistas de disciplinas visuales, escénicas y literarias, Microóperas de hoy reflexiona sobre el género lírico explorando la relación entre música, nuevas tecnologías y nuevas dramaturgias. https://www.cccb.org

KOSTYA (EL HOMBRE QUE QUISO)

Teatro del Barrio (MADRID)

Del 5 al 16 de febrero

Nos gusta Rubén Ochandiano, la elección de sus historias, sus papeles, su manera de ver y vivir la interpretación. En esta ocasión, escribe, dirige, produce e interpreta una obra universal, desde ese espacio en los márgenes que tan bien conoce. La historia es

ochandiana, y gustará a quienes disfruten del teatro: tras pegarse un tiro al final del célebre drama de Chejov, inexplicablemente, Kostya sobrevivió. Hoy, veinte años después, Konstantin Gavrilovich es un escritor de mediana edad que reflexiona acerca de su vocación, el arte y los fantasmas que habitan su existencia: su madre, Boris Trigorin y, por supuesto, Nina. El miércoles, 12 de febrero, quienes asistan a la función podrán disfrutar de un coloquio con la compañía. https://teatrodelbarrio.com

AUTÓCTONXS

Teatro SOHO (MÁLAGA)

Del 20 al 23 de febrero

Llega a Málaga la tercera edición de Autóctonxs, un festival dedicado a impulsar los lenguajes y disciplinas de las artes escénicas del territorio. Este año contará con un enfoque especial en Latinoamérica y los espectáculos del escenario principal partirán de la creación desde la imagen, el cuerpo, el folklore y el teatro documental, brindando una experiencia única al público asistente. Durante 4 días, la escena viva será protagonista en el Soho con propuestas vibrantes y formatos como Impro en el Hall, Happening poético, Ensayo acierto y Nuevas dramaturgias. El festival se inaugura con una pieza forastera, desde Navarra llegan Las Nenas Theatre con Torcidxs, acompañándola en la dirección y dramaturgia Alessandra García El viernes, 21 de febrero, la danza y el folklore se unen: Maja y Bastarda, de Laila Tafur, será estreno mundial. El sábado 22 se presenta el proceso creativo de Lula Amir con Maldito bolero. Y el 23 de febrero se clausura el festival con el estreno de Todas las santas, con Luz Arcas por primera vez en Málaga como directora de escena, en una historia verdadera sobre las mujeres soldados de El Salvador. https://teatrodelsoho.com

• ¿Es el enemigo? La película de Gila / Alexis Morante / 2024 / 100’

• Calladita / Miguel Faus / 2023 / 93’

• Mariposas negras / David Baute / 2024 / 83’

• Marco / Aitor Arregi y Jon Garaño / 2024 / 101’

• El llanto / Pedro Martín - Calero / 2024 / 106’

• Rock Bottom / María Trenor / 2024 / 87’

• Verano en diciembre / Carolina África / 2024 / 97’

• La casa / Álex Montoya / 2023 / 80’

• La guitarra flamenca de Yerai Cortés / Antón Álvarez / 2023 / 95’

• Por donde pasa el silencio / Sandra Romero / 2024 / 99’

• El 47 / Marcel Barrena / 2024 / 110’

• Rita / Paz Vega / 2024 / 94’

• Soy Nevenka / Icíar Bollaín / 2024 / 112’

• SuperKlaus / Steven Majaury y Andrea Sebastiá / 2024 / 92’

• Los destellos / Pilar Palomero / 2024 / 100’

• Salve María / Mar Coll / 2024 / 111’

GENERACIÓN 2025

La Casa Encendida (MADRID)

Hasta el 20 de abril

¡Cómo nos gusta mirar al futuro desde el presente, desde el talento, desde las propuestas de Generaciones! Esta nueva edición convocada por la Fundación Montemadrid continúa ahondando en las artes visuales y plásticas, y exhibe las ocho propuestas ganadoras de las 300 presentadas. Noela Covelo Velasco (Pontevedra, 1994); Isabel Merchante (Madrid, 1999); Tana Garrido Ruiz (Tarragona, 1989); Álvaro Chior (A Coruña, 1992); Mar Reykjavik (Valencia, 1995); Elián Stolarsky (Uruguay, 1990); Javier Velázquez Cabrero (Madrid, 1990) y Marina González Guerreiro (Pontevedra, 1992) representan el arte del presente.

FOTO: LA CASA ENCENDIDA, MARU SERRANO, 2025